CAMEO_53

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N. 53 · EDICIÓN DIGITAL

#MÁSCINEPORFAVOR

GIFF 29

HNMPL

HOY NO ME PUEDO LEVANTAR

UN REENCUENTRO PARA CELEBRAR LUIS GERARDO MÉNDEZ, FERNANDA CASTILLO

+ ENTREVISTAS

Y ALAN ESTRADA

SARAH HOCH

MARIMAR VEGA

FERNANDO EIMBCKE

ADRIANA BARRAZA

PREMIO ARIEL

CONTENIDO SARAH HOCH

6

MARIMAR VEGA

34

MAURICIO ABAD

56

NIA

70

MARÍA CIENTO38

82

MARINA DE TAVIRA

10

HOY NO ME PUEDO LEVANTAR

38

ADRIANA BARRAZA

58

MARIANA OCHOA Y ANDY ZUNO

74

ACAPONETA, NAYARIT

84

PABLO MARÍN

42

DANIELA AEDO

60

MADREPERLA

76

CÉSAR RODRÍGUEZ

88

CARRIE: EL MUSICAL

46

GABY PLATAS

62

UNREAD

78

WORLD PRESS PHOTO

89

EGOÍSTA

48

GABY PLATAS

62

ANTONIO FIERO

80

DALÍ, ESCENOGRAFÍA DE UN SUEÑO

AISLINN DERBEZ Y MAURICIO OCHMANN

12

FERNANDO EIMBCKE

14

MOSCAR

17

CINE TEPITO

18

MI PECHO ESTÁ LLENO DE CENTELLAS

20

BELINDA

23

90

NUESTRA ISLA

49

NO TENGO MIEDO

64 FRIDA KAHLO

AMIGOS INTOCABLES

50

LA CASA DEL DRAGÓN

66 LA GRAN FIESTA FRANCO MEXICANA

NO ES OTRA TELENOVELA MEXICANA

52

JAIME MAQUEO

92

68 TEPITO EN LA CANCHA

TOY STORY 5

20

JULIÁN HERNÁNDEZ

28

91

EL MÉTODO GRÖNHOLM

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NÚMERO 53

REVISTA CAMEO NOS GUSTA DIFUNDIR LOS PROYECTOS DE CINE, SERIES, TEATRO Y MÚSICA AGRADECEMOS EL MATERIAL FOTOGRÁFICO A LAS AGENCIAS DE RP Y A LAS DISTRIBUIDORAS.

15 DE JULIO-15 AGOSTO AÑO 6 REVISTA MENSUAL DIGITAL

CORREO: cameo.revista@gmail.com REVISTA CAMEO

EDITORES: CARLOS MORA CARLOS AGUILLÓN COLABORADORES: ALEJANDRA LOMELÍ FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO

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SARAH HOCH LLEGA GIFF 29: VOCES QUE CELEBRAN EL CINE

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SARAH HOCH Y EL PODER DE LAS MUJERES QUE TRANSFORMAN EL CINE La directora del Festival Internacional de Cine Guanajuato habla sobre la edición 29 del GIFF, la inteligencia artificial, el futuro del cine y la importancia de abrir espacios para nuevas voces femeninas dentro de la industria.

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casi tres décadas de consolidarse como uno de los encuentros cinematográficos más importantes de Latinoamérica, el Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF) se prepara para una nueva edición con una mirada puesta en el futuro. Para Sarah Hoch, directora del certamen, el cine vive un momento de transformación constante, donde las nuevas tecnologías conviven con la necesidad de impulsar historias más diversas e incluyentes.

En entrevista con la Revista Cameo, Hoch adelantó que la edición 29 del GIFF se celebrará del del 24 al 28 de julio en Guanajuato Capital y del 29 de julio al 2 de agosto en San Miguel de Allende.

Por Carlos Mora La programación reunirá 203 películas, incluyendo 36 premieres mundiales, en este artículo hemos curado una lista de 15 recomendaciones de películas que debes tener en tu radar durante el Festival Internacional de Cine de Guanajuato 2026.

Para la directora, llegar a la antesala del 30 aniversario representa una oportunidad para mirar el camino recorrido. Desde su creación, el GIFF se ha consolidado como una plataforma para descubrir nuevos talentos y abrir espacio a propuestas que, durante años, tuvieron poca visibilidad dentro de la industria cinematográfica. ¿Qué prepara el Festival Internacional de Cine Guanajuato para su edición 29?

Estamos muy contentos porque esta edición

se realizará en San Miguel de Allende y Guanajuato Capital. Tendremos una programación muy amplia con 203 películas, 155 de ellas en competencia, provenientes de 55 países, nueve estados de la República Mexicana y cinco municipios de Guanajuato. Habrá estrenos mundiales, latinoamericanos, norteamericanos y nacionales; películas que llegarán por primera vez al público a través del festival. ¿Qué significa llegar a esta edición 29 rumbo al aniversario número 30?

Es un momento muy especial. He visto muchos cambios en el cine desde que comenzó el festival.

El GIFF ha sido parte de un semillero de nuevos talentos, de nuevas carreras y de historias que antes no tenían tantos

espacios. Hemos visto crecer la diversidad de voces, las historias de mujeres, de comunidades indígenas y de distintas identidades. Hay mucho camino recorrido, pero también muchos retos por delante.

Una de las características del GIFF siempre ha sido descubrir nuevos talentos. ¿Cómo se mantiene esa identidad?

Esa es la esencia del festival: buscar nuevos talentos, lanzar nuevas carreras y apostar por el futuro del cine mundial.

Muchas veces presentamos primeras películas, óperas primas y creadores que están construyendo su camino. Este año tenemos una selección muy fuerte, con historias de diferentes regiones y distintas formas de expresión cinematográfica. |7

¿Qué representa la nueva sección Luminaria?

Luminaria nace como una nueva serie dentro del festival. Es una sección dedicada a grandes maestros del cine internacional, con películas contemporáneas y muy esperadas por el público y la crítica. Tenemos una selección de 13 películas de 18 países que buscan celebrar distintas miradas y generaciones de cineastas.

El GIFF también ha sido pionero en hablar

de nuevas tecnologías. ¿Cómo observa el festival el impacto de la inteligencia artificial en el cine?

Llevamos cinco años hablando de inteligencia artificial porque sabíamos que era un tema que iba a transformar muchas cosas. No solamente al cine, sino a toda la sociedad. Para mí era importante ponerlo sobre la mesa y hablar de cómo podemos utilizar estas herramientas sin perder nuestra esencia. ¿Cuál considera

que es el papel del ser humano frente a estas nuevas tecnologías?

La creación nace dentro de nosotros.

Nadie puede contar nuestras experiencias humanas como nosotros.

La inteligencia artificial puede seguir algoritmos, puede generar imágenes y procesos, pero hay algo que viene del alma, de nuestras vivencias y emociones. El reto es encontrar un equilibrio y recordar que lo más importante sigue siendo la historia y la persona que está detrás de ella.

¿Cómo conviven la innovación tecnológica y la tradición cinematográfica dentro del festival?

Tenemos que estar informados y aprender a utilizar estas herramientas. Por eso tenemos conferencias, talleres y espacios para hablar de inteligencia artificial, realidad virtual, nuevos procesos de producción y restauración. La tecnología avanza muy rápido y el cine tiene que entender esos cambios, pero siempre cuidando la parte humana.

TRIBUTO A LAS CREADORAS DE LA PANTALLA

¿Qué otras actividades destacan en esta edición?

Tenemos actividades relacionadas con música, diseño sonoro, moda, industria y encuentros entre cineastas. También talleres para jóvenes, funciones especiales y espacios donde el público puede acercarse al cine de diferentes maneras.

Queremos que el festival sea una experiencia completa.

¿Cuál es el principal reto para el cine mexicano actualmente?

Necesitamos seguir fortaleciendo los espacios donde se puede ver cine y donde los creadores pueden encontrar apoyo.

La producción mexicana está creciendo, hay mucho talento y muchas historias por contar. Los festivales son fundamentales porque permiten que esas películas lleguen al público.

Después de casi tres décadas, ¿cuál es el mayor aprendizaje?

Que el cine sigue siendo un espacio de encuentro. Somos un festival que trabaja todo el año, que forma, produce y muestra cine. Hemos construido una comunidad alrededor de las historias y eso es algo que queremos seguir fortaleciendo.

¿Qué espera para el futuro rumbo a sus 30 años?

Llegamos con mucha energía. El festival ha cambiado mucho, ha crecido y ha acompañado la evolución del cine mexicano. Queremos seguir con el mismo coraje y la misma intención: recordar que el cine es una experiencia humana.

LA EDICIÓN 29 del Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF) pondrá en el centro a las mujeres que han dejado una huella en la industria cinematográfica. El encuentro rendirá homenaje a actrices, productoras y creadoras cuyo trabajo ha contribuido al crecimiento del cine mexicano e internacional.

Uno de los reconocimientos más destacados será para Cecilia Suárez, quien recibirá la Cruz de Plata GIFF y la Medalla de la Filmoteca de la UNAM por su sobresaliente trayectoria artística. Como parte de las actividades del festival, la actriz también ofrecerá una conferencia magistral en la que compartirá su experiencia dentro de la industria audiovisual.

El festival también reconocerá, en colaboración con la Asociación Mujeres en el Cine y la Televisión, a Marina de Tavira e Inna Payán. Ambas serán distinguidas con La Musa y el reconocimiento Más Cine, galardones que celebran la excelencia y la

aportación de las mujeres al desarrollo del cine mexicano. Mientras De Tavira ha consolidado una carrera como una de las actrices más importantes de su generación, Payán se ha convertido en una figura clave de la producción cinematográfica contemporánea.

A estos reconocimientos se suma un homenaje póstumo a la actriz española Marisa Paredes, cuya trayectoria dejó una marca indeleble en el cine europeo e iberoamericano. El GIFF recordará su legado con un tributo especial que reafirma el vínculo del festival con las grandes figuras del séptimo arte.

Con estos homenajes, el festival reafirma su compromiso de reconocer a quienes han transformado la industria desde distintas trincheras.

Este año no solo celebrará carreras consolidadas, sino que también abrirá un espacio para reflexionar sobre el papel de las mujeres en el presente y el futuro del cine.

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MARINA DE TAVIRA CELEBRA LAS VOCES FEMENINAS DEL CINE EN EL GIFF La actriz recibió un homenaje en el Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF) y destacó la importancia de seguir impulsando historias creadas por mujeres dentro de la industria cinematográfica.

Foto y texto Carlos Mora

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a actriz Marina de Tavira fue reconocida durante el Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF), donde recibió un homenaje que calificó como “bello e inesperado”. En una ceremonia marcada por la emoción, la intérprete agradeció a la Asociación de Mujeres en el Cine y la Televisión y destacó el momento histórico que vive el cine realizado por mujeres.

“Creo que el cine hecho por mujeres no había tenido nunca tanta relevancia como la que está teniendo y va creciendo, y eso es gracias al trabajo de mujeres como ustedes y de las pioneras que fundaron esta asociación”, expresó.

De Tavira reconoció la importancia de abrir espacios para nuevas miradas y voces dentro de la industria

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cinematográfica, así como el papel de festivales como el GIFF para impulsar la creación y la formación de nuevas generaciones de cineastas.

Para la actriz, el festival tiene además un significado personal. Recordó que sus primeros acercamientos al GIFF ocurrieron cuando participaba en los rallys de cortometrajes durante su juventud, una experiencia que definió como “divertida y agotadora”, y posteriormente regresó como imagen del festival junto a José María de Tavira.

“Si se lo hubiera contado a la joven que estaba haciendo rallys que un día estaría aquí presentada, no me lo creía”, compartió emocionada.

Aunque gran parte de su trayectoria se ha desarrollado sobre los escenarios teatrales, Marina de Tavira

aseguró que el cine le ha entregado experiencias inesperadas y profundamente significativas. Durante el homenaje también celebró compartir este reconocimiento con creadoras como Ina Payán y Tatiana Medina Mora, a quienes reconoció por su aportación al cine mexicano.

La actriz presentó en el festival la película Latido, una cinta que forma parte de una trayectoria cinematográfica que le ha permitido explorar historias diversas y personajes complejos.

Sobre el GIFF, De Tavira destacó su evolución desde

sus inicios como un festival enfocado en cortometrajes y resaltó especialmente su vocación formativa.

“Rescataría muchísimo todas las oportunidades para nuevas generaciones de hacedores de cine, para visibilizar y acompañar a las juventudes. Creo que eso tiene que ver con la identidad del festival”, señaló.

Con este homenaje, Marina de Tavira celebró no sólo una carrera construida entre teatro y cine, sino también el crecimiento de un espacio donde las mujeres y las nuevas voces continúan transformando la cinematografía mexicana.

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EL SÉPTIMO ARTE REÚNE DE NUEVO A

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AISLINN DERBEZ Y MAURICIO OCHMANN Con "Hasta el fin del mundo", los actores regresan a la pantalla como protagonistas y productores, dejando atrás el pasado para celebrar una historia que habla de conexiones, crecimiento y segundas oportunidades.

Fotos y Texto Carlos Mora

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eis años después de su separación de pareja, Aislinn Derbez y Mauricio Ochmann volvieron a compartir un escenario para presentar Hasta el fin del mundo, la nueva película de Disney en la que no solo actúan, sino que también participan como productores. Durante un evento con la prensa, ambos hablaron del largo camino que recorrió el proyecto, de la evolución de su relación y de la ilusión que representa llevar finalmente esta historia a la pantalla grande.

Para Aislinn, el estreno significa la culminación de un proceso que comenzó hace varios años y que atravesó distintas etapas antes de concretarse.

"La verdad es que no puedo creer que este sueño por fin esté en la pantalla. Es un proyecto que 12 |

llevamos trabajando desde hace mucho tiempo, al que le hemos puesto muchísimo corazón y que hoy por fin podemos compartir con el público."

La actriz explicó que lo que más la atrajo de la película fue la profundidad de la historia y la complejidad emocional de sus personajes.

"Es una historia que me interesó desde el principio porque tiene muchísimas capas.

Habla de relaciones humanas, de cambios, de crecimiento, y creo que cualquiera puede sentirse identificado con lo que viven los personajes."

Consciente del momento que vive la industria cinematográfica, también hizo un llamado para que el público vuelva a las salas.

"Ojalá que la gente venga al cine este fin de semana. Para nosotros es muy importante que apo-

HASTA EL FIN DEL MUNDO

Distribución: Disney

yen este tipo de proyectos, porque hacer cine requiere muchísimo esfuerzo y queremos que esta historia llegue a la mayor cantidad de personas posible."

Mauricio Ochmann coincidió en que el paso del tiempo fue determinante para volver a trabajar con Aislinn desde una perspectiva completamente distinta.

"Las experiencias que hemos vivido durante todos estos años, tanto en lo personal como en lo profesional, nos han hecho crecer muchísimo. Creo que hoy estamos en un momento muy diferente y eso también se refleja en la forma en la que trabajamos juntos."

El actor aseguró que esa evolución permitió construir una dinámica basada en la confianza y el respeto.

"Esta película es una muestra de la conexión

que seguimos teniendo.

Hoy existe una relación muy bonita de trabajo, de familia y de amistad que hizo que todo el proceso fuera muy natural."

Además de protagonizar la cinta, ambos participaron activamente como productores, un reto que, según Aislinn, implicó involucrarse en todas las etapas del proyecto.

"Fueron muchos años de desarrollo, de buscar que la historia encontrara el tono correcto y de cuidar cada detalle. Verla terminada nos llena de orgullo porque sabemos todo lo que hubo detrás para hacerla realidad."

Sobre el desafío de combinar distintos géneros dentro de la película, la actriz reconoció que fue una de las tareas más complejas.

"Lo más complicado fue encontrar el equilibrio entre la comedia y la parte

Aislinn Derbez y Mauricio Ochmann durante la presentación de la película.

Emiliano Castro Vizcarra, director; Melina Figueroa, guionista; y los protagonistas Aislinn Derbez y Mauricio Ochmann.

emocional. Queríamos que la historia hiciera reír, pero también que conectara con el público desde un lugar muy humano."

Mauricio recordó que el proyecto despertó su interés desde que conoció la idea original y aseguró que nunca dejó de creer en ella.

"Desde que me platicaron este proyecto me gustó muchísimo.

Sabía que era una historia con mucho potencial y siempre tuve la ilusión de que algún día pudiéramos verla terminada y compartirla con el público."

Aunque el reencuentro de la expareja acaparó buena parte de la conversación, ambos insistieron en que el verdadero protagonista es la película. Más allá de su historia personal, coincidieron en que Hasta el fin del mundo representa una etapa de crecimiento compartido y la posibilidad de demostrar que los vínculos pueden transformarse sin perder el respeto, la admiración y el cariño que los une como familia. | 13

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MOSCAS

Distribución: Mubi

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FERNANDO EIMBCKE

VUELVE CON MOSCAS , UNA REFLEXIÓN SOBRE LA SOLEDAD El director presenta una película nacida de una idea que surgió hace más de dos décadas. En entrevista, habla sobre el largo camino que recorrió el filme, el aprendizaje que transformó su forma de hacer cine y el regreso a la Ciudad de México, escenario que continúa inspirando sus historias.

H

ay películas que parecen encontrar su momento muchos años después de haber sido imaginadas. Moscas, la nueva cinta de Fernando Eimbcke, es una de ellas.

Aunque hoy llega a los cines tras ser reconocida en el Festival de Berlín 2026, la historia nació hace más de dos décadas y permaneció guardada hasta que el director decidió volver a abrir aquel archivo que parecía olvidado. ¿Cuándo apareció por primera vez la idea de Moscas?

“Fue hace 22 años. Alejandro González Iñárritu me invitó a participar en una serie de televisión donde cada director haría un capítulo. Ese mismo día iba manejando por una avenida y vi un letrero que decía: ‘Se rentan habitaciones para familiares de pacientes’. En cuanto lo vi pensé: ‘Aquí hay una

Por Carlos Mora

historia’. Me fui a escribir durante dos días y se la mandé a Alejandro.” ¿Qué cambió entre aquella primera versión y la película que hoy llega a la pantalla?

“Ya existía toda la estructura dramática. Sabíamos cuál era el inicio, hacia dónde iba la historia, cuál era el clímax y el desenlace. Lo que hicimos junto con Manuela Irene Garnica fue profundizar en los personajes, entender mejor sus emociones y construirlos con mayor detalle.

Ahí fue donde realmente creció la película.”

Después de terminar Olmo, Eimbcke prácticamente se fue directo al rodaje de Moscas, algo poco común en una filmografía donde cada película suele tomar varios años.

Después de pasar diez años sin filmar un largometraje, ¿por qué decidiste hacer dos

películas casi seguidas?

“Porque tenía mucha hambre de filmar. Fueron diez años sin dirigir un largometraje y durante ese tiempo escribí muchísimo, estudié, vi muchísimas películas y aprendí muchas cosas. Cuando terminé Olmo ya no quería detenerme. Además tenía muchas ganas de regresar a filmar en la CDMX.” ¿Qué significó volver a rodar en la CDMX? “Lo necesitaba. Olmo la filmamos en Nuevo México y yo tenía muchas ganas de regresar a esta ciudad. Siempre me inspira muchísimo y creo que Moscas tiene una relación muy cercana con Temporada de patos. Yo digo que es su hermana mayor y mucho más madura.”

Uno de los elementos más poderosos de Moscas es la manera en que observa la soledad dentro de una ciudad habitada por millones de personas.

Tus películas suelen hablar de personajes solitarios. ¿Qué encuentras en esa soledad?

“Creo que cualquier persona que vive en una gran ciudad conoce esa sensación. Puedes ir rodeado de miles de personas y sentirte completamente solo. Vas en el Metro, en el coche o caminando y descubres muchísimas historias. A mí me gusta observar eso porque ahí aparecen los personajes.” ¿La Ciudad de México sigue siendo una fuente de inspiración para ti?

“Todo el tiempo. Me encanta recorrer el Metro, especialmente las líneas que van por fuera porque puedes ver la ciudad pasar mientras observas a la gente. Ahí encuentro personajes, objetos, situaciones. Es un lugar que constantemente me inspira para escribir.” | 15

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En la película también está muy presente la relación que hoy tenemos con los teléfonos. ¿Qué te interesaba explorar?

“Vivimos una contradicción muy curiosa.

Creemos que estamos acompañados porque estamos viendo el teléfono o hablando con alguien, pero muchas veces seguimos completamente solos. Además hemos construido un espacio muy personal alrededor del celular.

Cuando alguien invade ese espacio sentimos que está entrando en nuestra intimidad. Esa sensación me parecía muy interesante para la película.”

Gran parte de la fuerza emocional de Moscas descansa en la interpretación de Teresita 16 |

Sánchez, una actriz que Eimbcke admiraba desde hace tiempo. ¿Cómo llegaste a Teresita Sánchez?

“Yo ya la había visto desde las primeras películas de Nicolás Pereda, pero después la vi en La camarista y me impresionó muchísimo.

En cuanto retomé este proyecto pensé en ella.

Muy pronto le mandé el guion porque quería saber si le interesaba.” ¿Qué encontraste en ella como actriz?

“Es una actriz extraordinaria, pero además es una gran compañera.

Llegó completamente abierta a construir el personaje, como un lienzo en blanco. Siempre estaba dispuesta a probar cosas nuevas

y eso para un director vale muchísimo. Más que actores, uno busca cómplices.”

El regreso al cine también representó una transformación personal para Fernando Eimbcke, quien reconoce que los años lejos del set modificaron profundamente su manera de entender el oficio. ¿Qué aprendiste durante esos diez años sin filmar?

“Aprendí muchísimo sobre escritura de guion y sobre dirección. Vivir en Berlín me permitió ver muchísimas películas de todo el mundo y analizar otras formas de contar historias. Me volví mucho más consciente del oficio de dirigir y de las decisiones que implica cada plano.”

¿Cambió tu forma de filmar?

“Sí. Mis primeras películas tenían muchos planos secuencia. Ahora entendí mejor cuándo conviene fragmentar una escena y por qué colocar la cámara en determinado lugar. Me volví mucho más consciente del lenguaje cinematográfico.” ¿Con qué sensación regresaste a un set después de tanto tiempo?

“Con muchísimo agradecimiento. Después de diez años entiendes que hacer una película es un milagro. Ya no estás pensando en lo que te falta o en el equipo que no tienes. Lo único que quieres es hacer la mejor película posible con las herramientas que tienes enfrente.”

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Por Francisco Javier Quintanar Polanco

n 2004, Fernando Eimbcke lanzó su ópera prima Temporada de patos, un relato rodado en blanco y negro, con un cuarteto de actores y teniendo como escenario principal el interior de un departamento.

Provisto de cierta frescura y desenfado, con el tiempo se convertiría en un hito importante para el cine mexicano del recién iniciado milenio. Incluso cineastas jóvenes y/o actuales como Pierre Saint-Martin (director de la multinominada No nos moverán del 2024) reconocen tener una deuda importante con esa obra en particular. 22 años más tarde,

Eimbcke estrena Moscas, un nuevo trabajo en donde pareciera regresar no solo a ese universo, sino traer de vuelta esos elementos que hicieron de su largometraje debut todo un suceso.

Olga (Teresa Sánchez), es una mujer callada quien vive sola en una unidad habitacional ubicada frente al hospital 20 de noviembre, y pasa sus ratos de ocio jugando sudoku en una computadora de escritorio, o bien recostada en un sofá viendo cualquier cosa transmitida por televisión. Cuando por cuestiones de salud debe de hacer un elevado gasto que merma sus finanzas, decide poner en

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MOSCAS NOSTALGIA EN BLANCO Y NEGRO

renta un cuarto para aquellos mienza a gestarse un vínculo quienes necesitan alojamiento de amistad y tintes maternatemporal por tener internado les, y se brindan (al menos a algún familiar en la menciotemporalmente) mutuo alivio nada clínica. a las dolorosas ausencias que A su anuncio responde un aquejan a cada uno. hombre llamado Tulio (Hugo Además del hecho evidente Ramírez), cuya esposa está de estar filmada en blanco recluida en un pabellón y debe y negro, esta película tiene estar cerca de ella en todo analogías notorias en relación momento. Le acompaña su con Temporada de Patos, por hijo de nueve años Cristian los cuales se podría decir que (Bastian Escobar); quien es son filmes mellizos, o de mevivaz, inquisitivo, travieso, nos, juntas forman un díptico y está obsesionado con lo autoral: su escenario son conrelacionado a astronautas y juntos departamentales en el espacio, particularmente zonas populares; sus historias con un videojuego sobre transcurren principalmente en invasores intergalácticos. Está interiores, los niños presentes empecinado en ver a su mamá en ambos trabajos son acosainternada, pero no le permiten dos por la soledad y el tedio; el acceso por ser menor de su afición por los videojuegos edad, e intenta varias ve(rayando en lo obsesivo ces colarse allí pero no por momentos) no consigue su objetivo, solo obedece al MOSCAS aunque ello le hace esparcimiento, sino Distribución: relacionarse fugaztambién a evadirse Mubi mente con diversos de una realidad la personajes, incluido cual no les agrada; un afanador interprey de forma un tanto tado por Enrique Arreola, aleatoria terminan por haciendo un especial cameo. acercarse a una persona Temiendo no le renten la adulta ajena a su circulo con habitación por la presencia quien establecen (de forma del niño, el hombre lo manefímera) un lazo fuerte e tiene en secreto, e introduce íntimo. Temas a veces duros, al menor a la habitación a pero aligerados (o enriquecihurtadillas por las noches. dos según sea el caso) con un Pero gradualmente su casera humor desarmante y fresco, lo descubre, y les pide que se y la calidez emanada de sus vayan. Finalmente, es conven- protagonistas. cida de concederles un poco Por estas cuestiones, se de tiempo para conseguir otro podría pensar que con Moscas, lugar donde rentar. Tras ese Fernando Eimbcke buscó desencuentro, se suscitan evocar su cinta más popular, una serie de acontecimientos o un regreso a sus propias los cuales desembocan en raíces. Pero es algo más. Es el que Tulio deba ausentarse equivalente cinematográfico a por unos días, orillando a una retornar (física o mentalmenconvivencia inesperada y te) a esos lugares de la infancia forzosa entre Olga y Cristian. y juventud idealizados como Y es entonces cuando ambos sitios donde nacieron (y quizás comienzan a verse con más aún se escondan) los recuerdetenimiento, y se percatan dos más felices. Apelando así que tienen varias cosas en a la más dulce y melancólica común. Así, entre ambos conostalgia cinéfila.

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uando Pedro Joaquín habla de Cinema Tepito, no lo hace únicamente como actor o gestor cultural.

Habla como vecino de un barrio que durante décadas ha sido retratado por el cine desde afuera, casi siempre bajo los mismos estigmas.

Hace dos años decidió, junto con el cineasta Armando Salomón, darle la vuelta a esa narrativa.

“Estábamos cansados de que el barrio siempre fuera contado desde una visión externa, caricaturizada y estereotipada”, recuerda.

La idea tomó forma después de colaborar con el Festival de Cine de Barrio, una experiencia que les mostró que la exhibición cinematográfica también podía convertirse en una herramienta para fortalecer el tejido comunitario.

Cuando el festival concluyó su paso por Tepito, la inquietud permaneció. La respuesta fue crear Cinema Tepito.

Desde entonces, el proyecto ha recorrido distintos espacios del barrio con

Pedro Joaquín, actor y uno de los impulsores del movimiento Cinema Tepito.

C I N E M A

funciones gratuitas de cine mexicano, acompañadas por conversaciones entre el público y quienes hicieron las películas. Una dinámica poco habitual fuera de festivales y cinetecas, pero que en Tepito ha encontrado un público cada vez más participativo.

“Queríamos que esos encuentros también sucedieran aquí. Que la gente pudiera preguntarle directamente a un director o a un actor lo que piensa de su película, incluso hacer preguntas incómodas.”

Lejos de esperar que el público llegara por sí solo, el colectivo salió a buscarlo.

Repartieron volantes, colocaron carteles y recorrieron las calles invitando personalmente a los vecinos. La respuesta, dice, ha sido una de las mayores satisfacciones de estos dos años.

Al principio predominaba la curiosidad y cierta timidez. Hoy, las funciones terminan con debates donde los asistentes cuestionan, opinan y dialogan de tú a tú con los realizadores.

Uno de los temas que inevitablemente aparece

T E P I T O

ESPACIO DONDE NACEN NUEVAS MIRADAS

En entrevista con Revista Cameo, Pedro Joaquín, uno de los creadores de esta propuesta cultural, celebra el segundo aniversario de este lugar y comparte cómo se ha convertido en un punto de encuentro para el barrio y su comunidad.

Texto y fotos Carlos Mora 18 |

DOS AÑOS DE HISTORIA Y CELEBRACIÓN La celebración reunió a Pedro Joaquín junto a los directores Arturo Ripstein y Alejandro Zuno, además de las actrices Norma Pablo y Morganna Love, quienes acompañaron este encuentro especial.

en esas conversaciones es la piratería. En un barrio históricamente ligado a la distribución de películas, Cinema Tepito no evita el tema; al contrario, lo pone sobre la mesa.

“Muchos formamos nuestra cinefilia gracias a las películas piratas. Por eso nos interesa saber cuál es la postura de los directores sobre un fenómeno que también permitió que mucha gente conociera el cine mexicano.”

Para Pedro, la discusión también evidencia un problema que sigue pendiente: las dificultades que enfrenta el cine nacional para distribuirse y permanecer en cartelera, una realidad que ha impulsado el crecimiento de circuitos independientes de exhibición como Cinema Tepito.

En estos dos años también ha cambiado la relación entre la comunidad cinematográfica y el barrio.

Cada vez más directores buscan proyectar sus películas en Tepito, aunque el equipo del proyecto pro-

cura que la programación responda al diálogo con el territorio y no al interés por convertir al barrio en una experiencia exótica.

“Nos interesa que las películas conversen con la comunidad, no que Tepito sea un escenario de moda.”

El futuro de Cinema Tepito no se limita a exhibir películas. El colectivo ya desarrolla sus propias producciones. Con el apoyo del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), preparan su primer cortometraje de ficción, mientras varios de sus integrantes

trabajan en largometrajes, documentales y proyectos de animación.

El sueño más grande, sin embargo, permanece claro: abrir una sede permanente que devuelva al barrio una tradición que alguna vez formó parte de su identidad. Durante el siglo pasado, Tepito contó con salas emblemáticas como el Cine Florida, el Bahía o el Cine Tepito, espacios que desaparecieron con el paso de los años.

“Nos gustaría tener nuestra propia casa para el cine independiente, un lugar donde las historias hechas desde el barrio puedan encontrarse con su público.”

A dos años de su nacimiento, Cinema Tepito ha demostrado que proyectar una película también puede ser un acto de comunidad.

En un barrio acostumbrado a ser observado desde afuera, el proyecto apuesta por algo mucho más poderoso: que sus habitantes sean quienes cuenten, discutan y compartan sus propias historias.

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LA MEMORIA TAMBIÉN TRANSFORMA EL CUERPO Entre el duelo, la transición de género y la historia de su madre, el cineasta convierte "Mi pecho está lleno de centellas" en un ejercicio de memoria que dialoga con las nuevas narrativas trans.

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Por Alejandra Lomelí

ara Gal S. Castellanos, lo que inició como el registro de su cotidianidad lidiando con el duelo tras la muerte de su padre y la sorpresa de saber que su madre emprende un viaje a Turquía días después para encontrarse con un novio que conoció en Facebook, terminó por convertirse en un proceso de autodescubrimiento que lo llevó a entender su lugar dentro del mundo.

Mi pecho está lleno de centellas es el resultado de esa búsqueda personal que el director originario de Guadalajara plasmó en un documental que se une a las narrativas disidentes encaminadas a generar un archivo fílmico de la experiencia trans, partiendo del registro de su propia transición de género.

“Fue muy importante entender que había un ciclo de transmutación y de cambio que era muy importante gestionar para todo lo que estaba sucediendo con la peli”, mencionó Castellanos en entrevista para la Revista Cameo.

El documental relata la búsqueda de identidad que de forma paralela enfrentaron tanto el director transmasculino como su madre, 20 |

nutriendo una narrativa que se fue construyendo conforme avanzaba el rodaje, esbozando un retrato biográfico que permitió echar una mirada hacia el pasado familiar para observar los paradigmas de sus padres, poniendo especial atención en las luchas de su madre, así como en su propia disforia de género.

El largometraje se compone de una colección de material de archivo, fotografías, exploraciones audiovisuales y videocartas enviadas por su madre desde Turquía. Contar con estos registros, dijo Castellanos, fue fundamental para que la película generara no sólo su propia memoria familiar, sino también un archivo para la comunidad trans.

“Fue un ejercicio que hicimos de una manera bastante consciente, que la película o el universo de esos personajes pudiera generar su propio archivo para construir algo que, en el futuro, ese material pudiera enseñarnos quiénes fuimos en ese momento”.

Más allá de representar una experiencia personal, Gal apunta al carácter histórico implícito en el registro cinematográfico, así como en el ejercicio

MI PECHO ESTÁ LLENO DE CENTELLAS

Distribución: Mandarina Cine

de autoconocimiento a través del otrox con el que la audiencia podrá dialogar e incluso verse reflejada en un momento en el que es vital dar visibilidad a las narrativas queer.

“Creo que hay algo de los archivos trans que tiene un sentido de resistencia muy importante y que tiene que ver con esa pulsación de sentir que nuestras comunidades están siendo visibles no solo para su momento, sino para las generaciones posteriores. Esa sensación de sentir que hay algo que permanece vivo, que está siendo mirado, nos hace mucho bien a todas las comunidades disidentes y nos ayuda a reestructurar nuestros propios sentidos de resistencia”.

Castellanos, quien entiende el cine como un camino de procesos y acompañamiento, “que a

mí mismo me ha enseñado a entender quién soy”, afirma, encuentra en su propio registro el impulso para seguir cambiando la normatividad, destacando el poder transformador de la imagen fílmica para entendernos dentro del mundo, habitar nuestra cotidianidad e imaginar otras formas de relacionarnos.

“Para mí está siendo muy importante darme cuenta que es muy valioso ponerse enfrente [de la cámara] para hablar de cosas y tomarse un momento para decir lo que no está bien.

Hay una cosa muy bonita de defender quién eres y cómo vives, y qué ha pasado por ti para poder ser la persona que habla ahora. Verme también afianza cosas que a lo mejor no creía posibles en ese momento y que ahora, a la distancia, digo, ‘aquí estoy. Sigo resistiendo’”.

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MI PECHO ESTÁ LLENO DE CENTELLAS TRAVESÍAS Y CRUCE DE CAMINOS

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ste año, el cine documental mexicano con perspectiva trans que ha tenido presencia en festivales ha traído obras muy interesantes como Mickey (2026) de Dano García (incluido en las ediciones recientes del FICG y del Festival Mix México) o Nuestro cuerpo es una estrella que se expande (2025) de Semillites Hernández Velasco y Tania Hernandez Velasco (el cual podrá verse en la edición 2026 del GIFF).

Ahora, se estrenó Mi pecho está lleno de centellas (2024), debut en la dirección de Gal S. Castellanos, y cuya función inaugural tuvo lugar en la edición del GIFF de 2024.

En él, en primera persona y de forma autorreferencial, Gal narra un episodio de su vida el cual no solo sirve de apertura sino que, como se verá más

Por Francisco Javier Quintanar Polanco adelante, es clave importante Gal le propone a María mandel relato: tras la muerte de su tenerse en contacto por medio padre, su mamá decide irse a de videos que funcionen a Turquía en busca de un amanmodo de correspondencia. Y a te al cual conoció mediante través de esos materiales (acuFacebook. mulados por años y presenMaría (la madre de Castetados aquí a modo de crónica llanos) fue en su juventud una personal), estructura y emplea cantante con grandes la cámara como una suerte dotes. Pero todo eso de espejo el cual le lo dejó de lado al (y nos) devuelve la MI PECHO ESTÁ LLENO DE casarse, pasando mirada, al tiempo CENTELLAS en cambio a vivir que estructura una Distribución: en una especie particular bitácora Mandarina Cine de reclusión cuyo donde da cuenta de único escape era la otro viaje, más íntimo, maternidad, a la cual de autoconocimiento y se entregó con devoción. comprensión mutua y durante Pero ello le llevaría más tarde el cual el primero decide iniciar por los senderos de la insasu propia odisea identitaria al tisfacción, el ostracismo y la transicionar de género. melancolía. Así que cuando el Ganador del premio a mejor yugo matrimonial se extinguió, documental en el Festival decide emprender ese viaje Internacional de Cine de Montanto para recuperar su propia terrey de 2014, y acreedor de libertad, como para averiguar una Mención honorífica en el quién es ella ahora.

Festival de Cine de Málaga,

Mi pecho está lleno de estrellas se erige como un testimonio honesto, fuerte, abierto, sensible y provisto de cierta poesía y de una luz especial, en donde sus protagonistas emprenden sus respectivas travesías en pos del autodescubrimiento, de alcanzar su propia libertad, de enfrentar el miedo al cambio y de hallar su yo verdadero.

Travesías que transitan por los territorios del cuerpo, de las emociones, del pasado familiar, de los prejuicios sociales, de la soledad y de la incertidumbre.

Pero sus respectivas búsquedas individuales no están exentas de cruces de caminos, y ahí es donde reside buena parte de la fuerza de este trabajo. En la mirada que visibiliza, incluye, reconoce, crea empatía y acompaña en el camino, haciendo sus recorridos no más fáciles, pero sí más llevaderos. | 21

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LA INVITACIÓN CRISIS DE PAREJA A FUEGO LENTO

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ras forjarse una trayectoria en el cine y la televisión, la actriz irlandoestadounidense Olivia Wilde decidió iniciar otra carrera, ahora como cineasta; debutando en este rubro en 2019 con La noche de las nerds (Booksmart), a la cual le seguiría No te preocupes, cariño (Don't Worry Darling) de 2022. Ahora, después de cuatro años Wilde vuelve a la silla de directora con La invitación (The Invite), la cual fue lanzada en la edición 2026 del prestigioso Festival de Cine de Sundance.

El filme es una adaptación del largometraje español Sentimental (2020) de Cesc Gay, basada a su vez en una obra teatral de este último, titulada Los vecinos de arriba. En esta versión, con guion de Will McCormack y Rashida Jones, Joe (Seth Rogen) es un profesor de música un tanto agrio y cínico, cuyos sueños de triunfar en grande con su banda se vinieron abajo tiempo atrás. Está casado con Angela (la propia Olivia Wilde), viven en un lindo apartamento en compañía de su hija, y fuera del hecho de que tienden a discutir mucho entre sí, llevan una vida rutina22 |

Por Francisco Javier Quintanar Polanco ria y en apariencia apacible. confrontaciones, provocarán Una noche, cuando Joe que continuamente se formen regresa a casa del trabajo y desbaraten bandos, se revey aprovechando también larán algunos secretos íntimos una salida de su hija, Angela y como plato fuerte de esa le revela que ha invitado a cena, los invitados pondrán cenar a Pína (Penélope Cruz) sobre la mesa una inesperada y Hawk (Edward Norton), sus propuesta la cual terminará vecinos quienes viven en el por detonar de una vez por apartamento arriba del suyo. todas los conflictos latentes, Esa situación molesta a Joe, y llevará a los involucrados a porque en varias ocasiones esa enfrentar un par de realidades pareja ha perturbado su sueño que se negaban a ver. a causa de sus encuenRodada en interiores tros sexuales noctury prácticamente en nos particularmente una sola locación, LA INVITACIÓN Distribución: ruidosos.

La invitación es una Cinépolis Al llegar, los comedia de corte Distribución invitados se muesindependiente y tran como personas tono cáustico, en afables, de tendencias la cual a través de una progresistas y mente abierreunión planeada para que ta. Eso no hace sino irritar aún sus asistentes pasaran un más a Joe quien se la pasa harato agradable, funciona en ciendo comentarios mordaces cambio a modo de una gran durante la velada, los cuales sin olla donde al añadir ingredienembargo son recibidos por las tes como las frustraciones visitas con tranquilidad y hasta (de naturaleza profesional, con humor. No pasa lo mismo sexual, etcétera); los sueños con Angela quien, obsesionada rotos y la amargura derivada con tener una cena perfecta de ello; el tedio de una vida y agradable, está al borde de monótona e insatisfactoria; y un ataque de nervios por las la incapacidad de comunicar actitudes de su esposo. y manifestar sentimientos; se Conforme avanza la reunión, cocina a fuego lento un guiso se presentarán toda serie de si- cuyos comensales no podrán tuaciones las cuales desatarán digerir, y simultáneamente

acumulará presión entre ellos, para terminar con el estallido de algo evidenciado desde los primeros minutos de la cinta: una crisis de pareja consecuencia de una relación que se ha desgastado con los años, y ha llegado a su punto de cocción máxima después del cual, al igual que el soufflé cocinado por la anfitriona, corre el riesgo de quemarse y dejar solamente cenizas incomibles.

Dialogando con películas como Historia de un matrimonio (Marriage Story, Baumbach, 2019); ¿Sabes quién viene? (Carnage, Polanski, 2011); Perfectos desconocidos (Perfetti sconosciuti, Genovese, 2016) e incluso Secretos de un matrimonio (Scener ur ett äktenskap, Bergman, 1973), este filme de Wilde enfrenta a sus protagonistas tanto con la miseria en la cual sus vidas personales se han convertido, como con la innegable verdad de que han llegado a un límite en lo tocante a su relación, donde lo único frente a ellos es el abismo, y deberán cuestionarse si avanzar y precipitarse al vacío, o retroceder unos pasos para ver si pueden salvarse, y rescatar algo de lo perdido en el camino.

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Belinda

SE SUMA AL UNIVERSO DE TOY STORY 5

LA MAGIA de Toy Story volvió a reunirse en la alfombra roja de su quinta entrega, donde Belinda debutó como la voz de Lilypad, el nuevo personaje que llega para poner a prueba a Woody, Buzz y Jessie. A la presentación también asistieron Irán Castillo, quien regresa como Jessie después de más de 25 años, además del elenco de doblaje encabezado por Arturo Mercado Jr. (Woody) y José Luis Orozco (Buzz Lightyear).

Uno de los momentos más comentados fue la presentación de Belinda, quien aseguró que Lilypad no debe verse como una villana tradicional.

“Lilypad no es una villana, simplemente quiere formar parte de la vida de Bonnie.

Cree que la tecnología puede ayudarla a hacer amigos y sus

intenciones son buenas.”

La cantante también reveló que transformar su voz fue uno de los mayores retos del proyecto.

“Me encanta que fue alejarme de Belinda y tratar de hacer 100 por ciento Lilypad.

La gente me pregunta: ‘¿Sí eras tú?’ y eso me emociona mucho.”

Durante la presentación, Belinda recordó que grabar el doblaje implicó hacer una pausa en las filmaciones de otra producción que realizaba en España para viajar a México y cumplir uno de sus sueños.

Por su parte, Irán Castillo celebró el regreso de Jessie, personaje al que ha dado voz desde Toy Story 2, y adelantó que la vaquerita tendrá un papel mucho más importante en esta nueva aventura.

“Estoy súper contenta, súper feliz.”

La actriz destacó que la película aborda el choque entre los juguetes tradicionales y la tecnología sin demonizar ninguno de los dos mundos.

“Tiene este mensaje muy lindo de lo que puede hacer la tecnología si te vas al extremo y de lo importantes que son los juguetes. Al final hay una comunión muy bonita entre ambos.”

Con la incorporación de Belinda como Lilypad y el regreso de las voces que han acompañado a varias generaciones, Toy Story 5 apuesta por una historia que enfrenta la nostalgia con los nuevos hábitos tecnológicos, sin perder el corazón que convirtió a la saga de Pixar en un clásico del cine animado.

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Durante una conferencia de prensa, el equipo de la nueva entrega habló sobre el regreso de la franquicia con Jessie como protagonista y una aventura que enfrenta a los juguetes con la tecnología, reflexionando sobre la infancia en la era digital.

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Por Alejandra Lomelí

reinta años después del estreno de la película que revolucionó la animación por computadora, Toy Story regresa para llevarnos una vez más a la vida secreta de los juguetes cuando cobran vida con una quinta entrega en la que la tecnología irrumpe en la hora del juego.

Tras concluir las tramas de Woody y Buzz Lightyear, Toy Story 5 convierte a Jessie en el personaje central de una aventura que reflexiona sobre la infancia en la era de las pantallas, introduciendo a un antagonista tecnológico: la tableta Lilypad, un dispositivo que llega con sus propias ideas disruptivas sobre lo que es mejor para la pequeña Bonnie.

“Lilypad llega con la misma intención inicial 20 |

que todos los juguetes: ayudar y tener un propósito para su niña. Pero tiene una idea muy específica de cómo hacerlo y esa idea está equivocada”, mencionó la productora Lindsey Collins.

“Su forma de pensar se basa únicamente en datos y en números. Ese enfoque contrasta por completo con la manera de ser de Jessie. Es justamente ese choque el que empieza a generar el conflicto dramático y también mucha diversión en la película”, añadió.

El argumento del filme no surgió de forma fortuita, de hecho, la amenaza tecnológica ya estaba planteada desde la primera versión del guion escrito por Andrew Stanton, coescritor de las anteriores entregas, y que también toma el crédito de codirector esta vez.

TOY STORY

JUGUETES EN LA ERA DIGITAL

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TOY STORY 5

Distribución: Disney Pixar

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Andrew Stanton regresó a la historia con una visión clara para esta nueva aventura. “Quería que Jessie estuviera al mando de la habitación, ahora que había heredado la insignia de sheriff”, explicó Kenna Harris, quien señaló que desde el primer borrador también estaban presentes los dispositivos electrónicos como parte del conflicto y la idea de mostrar a cincuenta Buzz Lightyear fuera de control.

UNA FRANQUICIA QUE CRECE La interacción con la tecnología se convirtió en el siguiente paso lógico

para una franquicia que siempre ha reflejado cómo los cambios en la infancia redefinen el lugar de los juguetes en la vida de los niños.

Si las entregas anteriores abordaron el crecimiento, la pérdida y la transición hacia nuevas etapas de la vida, Toy Story 5 traslada la mirada a una generación cuya forma de relacionarse con el mundo está inevitablemente marcada por las pantallas.

“Esta película se adentra mucho más en la vida interior de un niño que las anteriores. Hay algo muy cierto en el hecho de que la infancia de Andy era,

en muchos sentidos, más sencilla que la de Bonnie”, explicó Harris.

Lejos de demonizar la tecnología de consumo, la película propone una exploración honesta sobre la compleja relación que establecemos con ella en nuestra vida cotidiana, así como la manera en la que ha impactado en nuestras relaciones personales y en nuestra capacidad de asombro.

“No solo existe el aspecto práctico de que Bonnie está creciendo con un poco menos de tiempo para jugar y menos espacio para la imaginación. También ocurre que muchos aspectos de

su vida social se ven complicados por la presencia de Lilypad. Y eso también nos pareció una evolución natural para Jessie”, subrayó la codirectora.

En este contexto, Jessie asume la misión de reconectar a Bonnie con la imaginación a través del juego y la convivencia, recuperando los temas que han dado identidad a la saga desde sus inicios: la amistad, la imaginación y el impacto que una persona, o un juguete, puede tener en la vida de otra.

“Para Jessie, esa siempre fue la gran búsqueda. Desde el principio sabíamos que esta sería su película, una historia centrada en ella. También sabíamos que eso significaba que, de alguna manera, al final tendríamos que ayudarla a sanar, o hacer que se sintiera completa de una forma en la que nunca antes se había sentido”, señaló Lindsey Collins.

La cinta es una celebración del poder de la imaginación y el deseo de mantener viva la emoción de jugar. Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Greta Lee y Conan O’Brien presentan su voz a los personajes principales en la versión en inglés; mientras que el doblaje en español cuenta con la participación de Arturo Mercado Jr., José Luis Orozco, Irán Castillo, Liliana Barba y Belinda, entre otros. | 21

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EL SONIDO AL CAER ESPACIOS Y TRAUMAS TRANSGENERACIONALES

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n El sonido al caer (Sound of Falling, 2025), la directora Mascha Schilinski plantea la naturaleza del trauma transgeneracional como si de una caja de resonancia se tratase, trazando un retrato de mujeres atravesadas por la onda expansiva de traumas, secretos y patrones heredados que se amplifican y reverberan a través del tiempo, determinando la manera en que aprenden a habitar un mundo regido por el orden patriarcal.

Schilinski desarrolla un relato hipnótico y sensorial sobre la experiencia femenina a partir del mundo interior de cuatro jóvenes mujeres que habitan un mismo espacio, pero en 26 |

Por Alejandra Lomelí épocas diferentes a lo largo de desde la subjetividad de la un siglo: una granja en el norte mirada femenina que explora, de Alemania. La película narra, a través de la contemplación a través de una estructura fragy la soledad de las protagomentada, los ecos del pasado nistas, esas perturbaciones que entrelazan la vida de sus invisibles que se transfieren de habitantes, especialmenuna generación a otra como te la de esas mujeres espectros que permaneque comparten una cen incrustados en las misma historia paredes y la memoria EL SONIDO AL CAER Distribución: de represión y de los cuerpos.

Cine Caníbal traumas silenciaHay un tufillo de dos, pero también horror gótico que de deseos y desafíos acompaña este ejercicio en los que se refleja la sobre los recuerdos y los repetición de eventos que trasmecanismos de la memoria que greden toda lógica temporal. le viene de maravilla a una hisLa película, de una sensibitoria que trata primordialmente lidad artística fascinante y una del miedo y el dolor femenino madurez sobrecogedora para manifestados como entes tratarse del segundo trabajo de atemporales, además del movila directora alemana, se explica miento de una cámara que tras-

pasa habitaciones y décadas de forma fantasmagórica. Por si fuera poco, hay una suerte de homenaje a la fotografía post mortem y a esa capacidad casi mágica de congelar el tiempo en una imagen.

Por su lirismo y ritmo contenido, El sonido al caer es una obra que no será del gusto de todos, pero quien se deje seducir por su encantamiento descubrirán uno de los experimentos visuales más estimulantes sobre los recovecos de la experiencia femenina, así como una reflexión de cómo los lugares forjan la memoria. Un viaje plagado de sensaciones y texturas, de travesías íntimas que no siempre rompen el círculo ancestral.

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Por Francisco Javier Quintanar Polanco

aga (Seidi Haarla) y Jon (Rupert Grint) son un matrimonio recién formado quienes deciden realizar un viaje y conocer el lugar donde ella pasó su infancia. Dicho lugar es una vieja casa ubicada en las entrañas de una zona boscosa en Finlandia. Aunque se halla abandonada, prácticamente en ruinas y está rodeada por parajes solitarios y algunos árboles de apariencia inquietante, la pareja decide convertir la casona en su hogar

permanente, y formar y criar allí a su propia familia.

Pero cuando el primer hijo llega, las cosas comienzan a tornarse lúgubres: tras un parto particularmente difícil y doloroso el cual la inhabilita físicamente por unos meses; da a luz a una criatura con abundante vellosidad; quien no para de llorar, rechaza la leche materna y la fórmula y su dieta se inclina por otros alimentos inusuales; y su piel parece sensible a ciertas cosas como la luz solar y el hierro.

Esos y otros detalles hacen

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ENGENDRO EL MIEDO A LA OTREDAD

germinar en la mujer la idea segundo largometraje de la de que su hijo no es un bebé cineasta finlandesa Hanna normal, y por tal inquietud coBergholm la cual, basándose mienza a rechazarlo. Sin emen los mitos y folklore nórdibargo, todos alrededor suyo cos, concibe una narración desestiman estas aprensiones, de suspenso y horror donde, atribuyéndolas a cuestiones al igual que en Cría Siniestra como el puerperio, una posible (Hatching / Pahanhautoja) su depresión postparto, o simple- filme debut del 2022; aborda mente que son producto de los a veces complicados lazos una imaginación desbordada. familiares y maternales. En Pero conforme pasan los este caso, el de una madre meses, es cada vez más paten- quien, en primera instancia, te que el menor es distinto a rechaza y ve con recelo y hasta los demás. Por si fuese poco, temor a su vástago, porque lo la vegetación en torno suyo percibe distinto a ella y a los también comienza a manifesque le rodean. tar anomalías, las cuales El miedo a la otredad parecen guardar un es el hilo conductor estrecho vínculo de la trama, donde la ENGENDRO con el primogénito madre atraviesa por Distribución: Zima de Saga y Jon. Y la diversos estadíos entertainment primera no tardará emocionales y en adivinar su verdamentales, pasando dera naturaleza. del miedo al rechazo Dentro del cine de horror y luego al repudio. Pero de y fantástico, existe una espeahí, poco a poco irá pasando a cie de subgénero en el cual el la comprensión y finalmente a embarazo y/o la maternidad la aceptación de la verdadera son abordados desde sus naturaleza de su bebé, incluso ángulos más inquietantes. replanteando su forma de Algunos ejemplos son ya verrelacionarse con él. daderos clásicos como El bebé Dichos estadíos son atravede Rosemary (Polanski, 1968); sados transversalmente por ¡Está vivo! (Cohen, 1974); La otras temáticas las cuales se profecía (Donner, 1976, Moovan entrelazando al corpus re, 2006); Instinto Siniestro del relato central: el miedo (Maury y Bustillo, 2007, Vivas, a la maternidad, la natura2016); La maldición del diablo leza percibida como fuente (Christensen, 2017); y ya en primaria del mal, la ilusión de esta década hemos tenido la familia ideal, las enrareciCordero (Jóhannsson, 2021); das relaciones familiares, la Huesera (Garza Cervera, maternidad tóxica, la crisis de 2022); No descansarás (Evans pareja, etcétera. Y utiliza al géTaylor, 2022); Apartment 7A nero para esgrimir un peculiar (Erika James, 2024) e Inmacu- discurso a favor de la toleranlada (Mohan, 2024). cia, la empatía e incluspor la A esta larga lista se suma apertura hacia aquello que Engendro (Nightborn / Yön escapa a los parámetros de lo lapsi, Finlandia - Lituania socialmente entendido como Francia - Reino Unido, 2026), “normalidad”.

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espués de un largo recorrido por festivales, Los demonios del amanecer finalmente llega al público mexicano.

Para Julián Hernández, este estreno representa el cierre de un camino que comenzó desde la escritura del proyecto y que, como ocurre con muchas películas, estuvo marcado por la espera.

“Es muy emocionante porque a veces pasa tanto tiempo desde que terminas una película hasta que se estrena, que de pronto te toma por sorpresa.

No es que la olvides, pero uno ya está trabajando en otra cosa”, comparte en entrevista con la Revista Cameo.

La película nació hace más de una década, en un momento en que otro proyecto de Hernández se detuvo por problemas de producción. Lo que parecía una historia sencilla terminó convirtiéndose en una obra compleja que mantiene una de las constantes de su filmo-

grafía: explorar las relaciones humanas desde la intimidad.

“Quería escribir una historia muy sencilla, con pocos personajes, algo más fácil de realizar, pero terminó siendo una película bastante complicada”, recuerda.

A diferencia de otras de sus obras, Los demonios del amanecer se acerca al romance desde un lugar más luminoso.

La película observa el primer amor, sus descubrimientos y sus contradicciones, sin abandonar la mirada del director sobre los vínculos, el deseo y la identidad.

Uno de los elementos más reconocibles del cine de Julián Hernández es la presencia de la Ciudad de México. En esta película, la noche y sus espacios funcionan como una extensión emocional de los personajes.

“A mí no me gusta filmar en sets construidos. Me interesa mucho el desafío de las locaciones, salir a la calle y que la

ciudad sea parte de la historia”, explica.

Para el cineasta, la capital mexicana no es únicamente un escenario, sino un personaje que guarda memoria. Desde sus primeras películas hasta sus trabajos más recientes, sus imágenes han construido un retrato de distintas épocas y transformaciones urbanas.

“Cuando escribo, quiero que estén los lugares que he recorrido, donde he vivido situaciones o donde he visto que ocurren historias. La Ciudad de México es un elemento dramático de mis películas”, señala.

Esa mirada ha convertido parte de su filmografía en un registro involuntario de la ciudad y de sus cambios.

Películas como El cielo dividido y Rabioso sol, rabioso cielo se han convertido también en testimonios de una época para nuevas generaciones.

Al hablar sobre ser considerado un director de culto

JULIÁN HERNÁNDEZ

EL AMOR, LA CIUDAD Y LAS HUELLAS DEL TIEMPO En entrevista con la Revista Cameo, el director habla sobre el estreno de "Los demonios del amanecer", una historia de amor entre dos jóvenes que recupera la intimidad, la noche capitalina y la Ciudad de México como un personaje más dentro de su cine.

Por Carlos Mora

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LOS DEMONIOS DEL AMANECER

Distribución: Mandarina Cine

dentro del cine LGBTQ+ mexicano, Hernández reconoce que nunca buscó ocupar ese lugar, aunque valora el impacto que sus películas han tenido en otros creadores.

“Me conmueve cuando alguien se acerca y me dice que alguna de mis películas le dio confianza para hacer las suyas. Eso es algo muy bonito”, afirma.

El director también reflexiona sobre el crecimiento de las historias LGBTQ+ en México, un panorama que ha cambiado considerablemente desde sus primeros trabajos, cuando encontrar una película con estas temáticas era mucho más complicado.

“Me da gusto que existan muchas más películas, pero creo que es algo que todavía tenemos que seguir empujando. No es algo que nos hayan regalado, son proyectos que los realizadores han peleado durante años”, comenta.

Sin embargo, Hernández considera que aún existen retos relacionados con la apertura de espacios y la forma en que algunas instituciones y plataformas observan ciertos contenidos.

“Creo que todavía hay una idea de que el público mexicano no está preparado para ciertas historias, y eso es algo que tenemos que cambiar”, explica.

Después de más de tres décadas de trayectoria, el director mantiene intacta la pasión por el proceso creativo. Para él, el verdadero lugar donde encuentra felicidad sigue siendo el set.

“Yo podría estar filmando 365 días al año. Lo que más disfruto es estar ahí, trabajando con la gente, construyendo la película. La parte de promocionarla me gusta, pero hacerlas es lo que más disfruto”, concluye.

Con Los demonios del amanecer, Julián Hernández vuelve a mirar el amor y la ciudad desde un cine íntimo, donde las calles, los cuerpos y los recuerdos se convierten en una misma historia.

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PREMIO ARIEL

RUMBO A UNA NUEVA ETAPA DEL CINE Daniel Hidalgo, presidente de la AMACC, reflexiona sobre las nominaciones al Premio Ariel, los cambios en el proceso de selección y el valor de reconocer al talento nacional.

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a Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas celebra ocho décadas de historia en un momento de transformación para la industria. Para Daniel Hidalgo, presidente de la AMACC, este aniversario no sólo representa una fecha conmemorativa, sino una oportunidad para reflexionar sobre el papel que el cine mexicano ha desempeñado como memoria, identidad y expresión cultural del país.

“Queremos que estos 80 años sirvan para abrir puertas, acercar a nuevos públicos y fortalecer a la comunidad cinematográfica. El cine mexicano importa culturalmente, socialmente, económicamente y, sobre todo, humanamente”, afirma.

En el marco del anuncio de las nominaciones al Premio Ariel, Hidalgo destacó que formar parte de la lista de finalistas ya representa un reconocimiento de enorme relevancia.

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Fotos y Texto CarlosMora “Una nominación al Ariel ya es un premio. Significa que el trabajo de una persona, de un equipo y de una película forma parte de lo más destacado del cine mexicano y de la conversación esencial de nuestra cinematografía”, explica.

Uno de los cambios más importantes de esta edición fue la implementación de un nuevo sistema de evaluación apoyado en un algoritmo que permitió distribuir las películas entre los jurados de manera más equitativa.

“El universo de películas ha crecido muchísimo y eso es una gran noticia, pero también representaba un reto para quienes debían ver cerca de 150 producciones. Desarrollamos un algoritmo que repartió las obras para que cada jurado evaluara aproximadamente una cuarta parte del total y todas las películas tuvieran las mismas oportunidades de ser vistas”, señala.

El presidente explica que el objetivo principal fue garantizar un proceso más

justo y responsable.

“No solamente queremos premiar, queremos mirar. Mirar con atención y con justicia. Ninguna película debía quedarse sin ser vista.”

Hidalgo también destacó el programa Rumbo al Ariel, iniciativa que este año ofrecerá alrededor de 500 funciones gratuitas en distintas sedes del país para acercar las películas nominadas a nuevos espectadores.

“El Ariel no puede quedarse encerrado en una ceremonia. Tiene que salir, circular y encontrarse con la gente. El acceso al cine también es un derecho cultural.”

Compositor de profesión y el primer músico en presidir una academia cinematográfica iberoamericana, Hidalgo reconoce que su formación le ha permitido mirar la institución desde otra perspectiva.

“Vengo también del ámbito académico y educativo. Ha sido un proceso de aprendizaje, pero también de entender que la

Daniel Hidalgo durante su discurso.

Baltimore Beltrán y Luisa Huertas durante el anuncio de nominados.

Academia debe dialogar con los retos actuales del cine.”

Entre esos desafíos menciona la disminución de jóvenes en las salas de exhibición, la competencia de las plataformas digitales y el impacto de la inteligencia artificial en los procesos creativos.

Sobre este último tema, revela que la AMACC creó hace un año una comisión especializada para analizar sus implicaciones en cada área de la producción cinematográfica.

“La inteligencia artificial afecta de manera distinta a cada especialidad. Hemos escuchado a directores, fotógrafos, guionistas, abogados y especialistas para construir una postura informada. Por ahora, lo único que pedimos a quienes inscriben una película es que declaren si utilizaron inteligencia artificial. No hay sanciones; queremos entender qué está ocurriendo en el cine mexicano antes de tomar decisiones.”

Con la próxima entrega del Ariel y la celebración de sus 80 años, Daniel Hidalgo asegura que la misión de la Academia sigue siendo la misma con la que nació en 1946: preservar, impulsar y proyectar el cine mexicano hacia el futuro.

“Queremos que la comunidad vea en la Academia un espacio desde el cual pueda fortalecer al cine mexicano, impulsar políticas públicas y hacer que nuestras películas lleguen cada vez a más personas.

Ese sigue siendo nuestro compromiso.” | 31

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LA AMACC CELEBRA 80 AÑOS DE MEMORIA Y MIRA AL FUTURO DEL CINE MEXICANO

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La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas arrancó sus celebraciones con un boleto conmemorativo de la Lotería Nacional y un llamado a preservar el cine nacional.

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Fotos y texto Carlos Mora

a Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) celebró su 80 aniversario con un llamado a defender el cine nacional como un espacio de memoria, diversidad y resistencia cultural. Durante la ceremonia, la presidenta de la Academia, Dolores Heredia, el actor Juan Manuel Bernal y el presidente de la institución, Daniel Hidalgo, reflexionaron sobre el legado de la organización y los retos que enfrenta la industria en una nueva era marcada por el streaming y la inteligencia artificial.

Heredia abrió la celebración recordando que la AMACC nació en 1946 como un hogar para el talento cinematográfico mexicano. “El cine mexicano es, en el fondo, el archivo histórico vivo de la sociedad mexicana”, expresó, al destacar que las películas han documentado la transformación del país y su identidad a lo largo de ocho décadas.

“Somos el resultado vivo de estos 80 años de historia. Cada corte de edición y cada línea de diálogo escrita en el presente carga con el eco de quienes caminaron antes”, afirmó.

Por su parte, Juan Manuel Bernal destacó la capacidad de la Academia para mantenerse vigente pese a las crisis económicas, los cambios tecnológicos y la falta de recursos.

“Ha sido una verdadera hazaña de supervivencia”, señaló. También celebró que el cine mexicano 32 |

atraviese un momento de mayor diversidad, con más historias dirigidas por mujeres, cineastas de los estados y realizadores de pueblos originarios que filman en sus propias lenguas.

“Hoy nuestra realidad ya no se cuenta desde un solo ángulo.

Hemos aprendido que entre más diversidad cabe en nuestras pantallas, más grandes somos”, dijo.

Al hablar del futuro, Daniel Hidalgo reconoció que el cine enfrenta una transformación profunda por el crecimiento de las plataformas digitales, la inteligencia artificial y los nuevos lenguajes audiovisuales. Sin embargo, aseguró que la misión de la AMACC seguirá siendo defender el cine como un derecho cultural.

“Sentarse en la oscuridad de una sala, apagar el teléfono y entregarse durante dos horas a una historia compartida es un acto político, pero también profundamente humano”, expresó.

El presidente de la Academia también hizo un llamado a apoyar a las nuevas generaciones de cineastas, convencido de que el futuro del cine mexicano ya se está construyendo en todo el país.

“En esas primeras imágenes, a veces imperfectas y siempre necesarias, habita el futuro de nuestro cine”, concluyó.

La celebración conmemoró ocho décadas de la institución responsable del Premio Ariel y reafirmó el compromiso de la AMACC de preservar, reconocer e impulsar el cine mexicano hacia los próximos años.

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MARIMAR VEGA

RÉQUIEM, REFLEXIÓN SOBRE LA JUSTICIA Y LA CONDICIÓN HUMANA FOTO CHINO LEMUS

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En entrevista exclusiva con Revista Cameo, la actriz comparte los retos de Réquiem, una puesta en escena que, junto a Bruno Bichir, confronta al público con la justicia, la pena de muerte y los dilemas de la condición humana.

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Por Carlos Aguillón

n el teatro, algunas historias terminan cuando cae el telón; otras continúan en la mente del espectador.

Réquiem pertenece a esas obras que abren un debate profundo al explorar la justicia, la culpa y las decisiones que definen al ser humano.

Bajo la dirección de Enrique Singer y con las actuaciones de Marimar Vega y Bruno Bichir, el texto del dramaturgo Reynolds Robledo regresa a los escenarios con una nueva lectura que apuesta menos por ofrecer respuestas y más por provocar conversaciones.

En entrevista con la Revista Cameo, la actriz reconoce que hubo algo inmediato entre ella y el libreto. Desde la primera lectura supo que estaba frente a un proyecto distinto.

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“Cuando leí el texto me emocioné muchísimo.

Dije: ‘Por supuesto que quiero hacer esta obra’.

Como actriz representa un reto enorme, pero además me enamoró porque habla de temas que siguen siendo profundamente actuales. Creo que la gente va a salir del teatro discutiendo, preguntándose de qué lado está, y eso para mí es una de las cosas más hermosas que puede provocar una función”.

La historia se desarrolla en una sociedad distópica, horas antes de que un niño de once años sea ejecutado tras recibir una condena a muerte. Emma Solís, la fiscal responsable del caso, recibe la visita de un sacerdote decidido a impedir la sentencia. A partir de ese encuentro comienza un combate verbal que pone en tensión conceptos como la justicia, el castigo, el perdón y la responsabilidad colectiva.

FOTO S CHINO LEMUS

MARI MAR VEGA

EXPLORA LOS LÍMITES

DE LA JUSTICIA | 35

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Creo que la gente va a salir del teatro discutiendo, preguntándose de qué lado está, y eso para mí es una de las cosas más hermosas que puede provocar una función Marimar Vega

Aunque el tema es impactante, Marimar insiste en que el verdadero protagonista de Réquiem es el debate que se genera entre los personajes… y después entre el público.

“No se trata solamente de hablar sobre la pena de muerte. Se trata de cuestionarnos qué entendemos por justicia. La obra no intenta decirle al espectador qué pensar; lo invita a construir su propia postura. Eso me parece fascinante”.

La actriz también reconoce que el montaje exige una enorme concentración. Durante poco más de una hora, ella y Bruno Bichir permanecen prácticamente todo el tiempo sobre el escenario sosteniendo la intensidad dramática.

“Es una obra de actores. Ya que empieza no hay descanso. Es un texto muy complejo y cualquier error puede modificar completamente el desarrollo de la historia. Tenemos que estar presentes todo el tiempo, escuchándonos, reaccionando y construyendo juntos. Eso también hace que cada función sea distinta”.

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RÉQUIEM DÓNDE: Foro Principal, Foro Shakespeare, Del 17 de julio al 30 de agosto.

A unos días del estreno, los nervios forman parte del proceso.

“Claro que estoy nerviosa. Ya empiezan esos días en los que piensas en el estreno y sabes que viene una responsabilidad enorme. Pero creo que esos nervios también hablan del respeto que uno le tiene al teatro”.

Uno de los aspectos que más entusiasma a la actriz es la posibilidad de generar incomodidad en la audiencia.

“Estoy convencida de que a muchas personas las va a mover. Incluso creo que muchas mamás van a salir muy incómodas con el tema. Pero a mí me gusta cuando el teatro incomoda, porque significa que logró tocar algo importante”.

Para Enrique Singer, quien vuelve a dirigir esta obra después de dos exitosos montajes anteriores, el principal atractivo sigue siendo la calidad de la escritura.

“El teatro comienza con un gran texto y Reynolds Robledo escribió uno extraordinario. Tiene profundidad, inteligencia y una estructura dramática muy sólida. Lo que nosotros hacemos es ponerlo en movimiento para que dialogue con el público”.

El director explica que, más allá de la historia, Réquiem funciona como un espejo de las discusiones que hoy atraviesan a la sociedad. “¿La justicia sirve para castigar, para vengarse o para rehabilitar? Esa es la gran pregunta que

plantea la obra. También nos obliga a pensar cuál es el papel del Estado frente a la violencia y qué responsabilidad tenemos como ciudadanos. Son temas que no pertenecen solamente a la ficción”.

Singer también celebra haber encontrado en Marimar y Bruno a los intérpretes ideales para esta nueva temporada.

“No habíamos trabajado juntos, pero cuando me dijeron que Marimar podía hacer el personaje sentí que era la actriz indicada. Tiene una comprensión muy profunda del teatro y una enorme capacidad para comunicarse con su compañero. Eso se vuelve fundamental en un montaje donde prácticamente todo ocurre a través de la palabra”.

Más allá del discurso, ambos coinciden en que el teatro sigue ocupando un lugar insustituible en una industria marcada por las plataformas digitales y la IA. “Creo que justamente ahora el teatro cobra todavía más valor”, reflexiona Marimar. “Nada puede reemplazar la experiencia de compartir un mismo espacio con los actores. Cada función es irrepetible y eso lo vuelve un acto profundamente humano”.

Singer comparte esa visión. “El teatro ocurre únicamente en ese instante. Esa función nunca volverá a repetirse igual.

Nosotros no seremos los mismos y el público tampoco. Esa es la magia de esta profesión.”

La actriz asegura que, después de más de dos décadas de carrera, hoy elige sus proyectos desde un lugar distinto.

“Antes muchas veces aceptabas trabajos por diferentes razones. Hoy tengo la fortuna de elegir historias con las que realmente conecto. Cuando alguna vez hice teatro por motivos equivocados, siempre terminó mal.

Ahora busco textos que me hagan sentir orgullosa de invitar a la gente”.

Mientras prepara el estreno de la tercera temporada de Doctora Lucía y continúa desarro-

llando nuevos episodios de su podcast El rincón de los errores, Marimar Vega encuentra en Réquiem uno de los proyectos más desafiantes de su trayectoria reciente.

Porque, al final, la obra no pretende convencer a nadie. Su verdadera apuesta es mucho más ambiciosa: lograr que el público abandone la sala con más preguntas que respuestas.

Y quizá, en tiempos donde las opiniones suelen ser inmediatas, ese sea el mayor triunfo que todavía puede ofrecer el teatro. | 37

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HOY NO ME PUEDO LEVANTAR

DOS DÉCADAS DESPUÉS, LA HISTORIA SE VUELVE A CANTAR En entrevista exclusiva con Revista Cameo, Alan Estrada y Fernanda Castillo reviven la historia detrás de un musical que vuelve a iluminar el escenario, reuniendo recuerdos, voces y emociones de una generación.

H

ubo una época en la que conseguir un boleto para Hoy no me puedo levantar era prácticamente una misión imposible. Las filas rodeaban el teatro, las funciones colgaban el letrero de “agotado” y una generación entera encontró en las canciones de Mecano una historia con la que se enamoró, lloró, cantó y creció.

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Por Carlos Aguillón A veinte años de aquel éxito del teatro musical en México, el elenco original volverá a compartir escenario, pero no para repetir el pasado, sino para celebrarlo. El espectáculo regresa y reunirá nuevamente a Alan Estrada, Fernanda Castillo, Luis Gerardo Méndez, Gerardo González, Valeria Vera, José Daniel Figueroa, Rogelio Suárez, Erika Tahis y Janet Chao en un homenaje que promete convertirse en uno de los eventos teatrales más importantes del año.

Alan Estrada y Fernanda Castillo coinciden en una idea: el público no verá una reposición del musical, sino un reencuentro emocional entre quienes hicieron historia sobre ese escenario y las miles de personas que los acompañaron hace dos décadas.

“Más que un regreso, yo creo que es un reencuentro”, dice Alan. “La obra como tal no va a regresar.

No vamos a hacer Hoy no me puedo levantar. Esto es un espectáculo especial que nunca había sucedido

antes. Es reencontrar al elenco original a través de las canciones y de una especie de memorabilia de todo lo que vivimos hace dos décadas. Tiene todo el corazón de la obra”.

Para Fernanda Castillo la emoción es difícil de describir. Basta con volver a caminar por los pasillos del teatro para que aparezcan los recuerdos de una etapa que cambió su vida.

“Es un concierto, es un homenaje, es un agradecimiento; ese reencuentro con quienes somos hoy

y con quienes éramos hace veinte años”, cuenta emocionada. “También es reencontrarnos con el público que estuvo ahí desde el principio o con quienes descubrieron aquella versión con el elenco original.

Hemos vivido momentos de mucha nostalgia, de llorar simplemente por volver a pisar estos lugares, por cantar estas canciones otra vez y por estar juntos nuevamente”.

La semilla del proyecto nació gracias a Alan Estrada. Hace poco más de un año, cuando se acercaba el vigésimo aniversario del estreno, decidió intentar algo que durante años parecía imposible: volver a reunir al elenco completo.

“Siempre intentaron juntarnos y nunca se había logrado. Entonces dije: ‘Voy a ver si yo lo logro’. Mi idea original era reunirnos para hacer un concierto.

Busqué a Alejandro Gou y cuando me dijo que estaban disponibles las fechas del mismo teatro donde estrenamos, sentí que todo estaba acomodándose para que sucediera”.

Ese escenario tiene un significado especial para todos. “Muchos de nosotros no habíamos vuelto a pisarlo en veinte años. Había muchas cosas, incluso energéticamente, CALENDARIO Corta temporada en el CCT 1 •Julio: Sábado 25 (dos funciones).

•Agosto: Sábado 1 (dos funciones), Domingo 2 (una función), Sábado 8 (dos funciones), Sábado 29 (dos funciones) y Domingo 30 (una función).

•Septiembre: Sábado 5 (dos funciones), Domingo 6 (una función) y Lunes 7 (última función).

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Es un concierto, es un homenaje, es un agradecimiento; ese reencuentro con quienes somos hoy y con quienes éramos hace veinte años Fernanda Castillo

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que me decían que éste era el lugar donde tenía que ocurrir el reencuentro”, recuerda Alan.

Fernanda confirma que todo comenzó casi como una conversación entre amigos. Desde hace veinte años, el elenco mantiene un grupo donde cada 7 de septiembre recuerdan el estreno del musical. En una de esas reuniones, Alan lanzó la idea que terminaría haciéndose realidad.

“Le tengo que dar todo el crédito a Alan”, afirma.

“Nos reunimos a comer después de muchísimo tiempo sin vernos todos juntos y él dijo: ‘El próximo año se cumplen veinte años, estaría increíble reunirnos’. Empezó a mover todo y cuando llegó la invitación fue muy hermoso ver que, literalmente, la fuerza del destino hizo lo suyo y que todo se acomodó para que todos pudiéramos volver al escenario”.

El entusiasmo del público superó cualquier expectativa. La demanda fue tan alta que prácticamente todas las funciones comenzaron a agotarse antes del estreno.

“Estamos bien felices porque ya casi no hay boletos”, reconoce Alan. “Ya analizamos si agregamos más fechas porque la gente nos lo está pidiendo, pero honestamente lo veo muy complicado. Las agendas de todos son muy difíciles y además no podremos hacer gira. Quien quiera 40 |

vernos tendrá que venir a esta residencia porque ha sido un éxito increíble”.

Sin embargo, Alan insiste en que la intención jamás fue repetir el montaje original. “No queremos hacer la obra. No lo creemos digno.

Hay cosas que pertenecen a un momento específico de la vida y nosotros ya vivimos esa etapa hace veinte años. Lo que queremos ahora es recordarla de una forma espectacular y profundamente emotiva”.

Por ello, el espectáculo mezclará música en vivo, visuales inéditos, recuerdos del montaje original, material especialmente producido para esta celebración y varias sorpresas que cambiarán en cada presentación.“La gente tendrá lo que espera… y mucho más. Cada noche será distinta; ninguna función será igual a la otra”, adelanta el actor sin querer revelar mayores detalles.

Para lograrlo reunieron a un equipo creativo encabezado por el diseñador argentino Maxi Vecco, el coreógrafo español Carmelo Segura y un grupo de creativos que desarrolló los contenidos audiovisuales especialmente para este montaje.

Mientras tanto, Fernanda Castillo reconoce que regresar a interpretar aquellas canciones ha significado reencontrarse también consigo misma.

“Hoy disfruto mucho más cantar que hace veinte

La gente tendrá lo que espera… y mucho más. Cada noche será distinta; queremos que sea una experiencia llena de emoción, recuerdos y momentos que no se vuelvan a repetir Alan Estrada años”, confiesa. “Yo no me considero cantante; soy una actriz que puede cantar y le tengo muchísimo respeto a quienes se dedican profesionalmente a eso. Pero ahora me siento mucho más libre.

Me subo al escenario desde otro lugar, con más experiencia, con más tranquilidad y con muchas ganas de compartir ese recuerdo con la gente”.

La actriz también admite que jamás imaginaron la dimensión que alcanzaría la respuesta del público.

“Sabíamos que habría personas felices por volvernos a ver, pero nunca imaginamos esta reacción”, dice. “Lo que descubrimos es que este musical ya no sólo cuenta nuestra historia; cuenta la historia de muchísimas personas. Hay quienes fueron con sus papás, que hoy ya no están; otros fueron con quien después se convirtió en su esposo o su esposa; algunos llevaron a sus hijos, que hoy son adultos. Sus vidas quedaron entretejidas con estas canciones y con nosotros”.

Esa conexión emocional explica, para ambos actores, por qué Hoy no me puedo levantar sigue ocupando un lugar tan especial dentro del teatro mexicano. Estrenado en 2006 bajo la producción de Alejandro Gou, el musical rompió récords de asistencia, permaneció durante años en cartelera y se convirtió en una plataforma que impulsó las carreras de gran parte de su elenco, entre ellos Alan Estrada, Fernanda

Castillo y Luis Gerardo Méndez, quienes posteriormente consolidaron trayectorias en teatro, cine, televisión y plataformas de streaming.

Lejos de intentar vivir de aquella gloria, el elenco quiere agradecer al público que los acompañó desde entonces.

“Diseñamos este espectáculo para quienes estuvieron ahí hace veinte años”, explica Alan. “Queremos que cuando se sienten en esa butaca tengan un flashazo de todo lo que vivieron con nosotros. Es un homenaje hecho por nosotros y para ellos”.

Fernanda comparte esa misma emoción. “Tenemos veinte años más, carreras distintas y muchas experiencias acumuladas, pero el compromiso sigue siendo el mismo. La gente merece el mejor espectáculo posible.

Volvemos con muchísimo respeto por ese escenario y por el cariño que el público nos ha dado durante todo este tiempo”.

Veinte años después, Hoy no me puedo levantar vuelve a escucharse. No para repetir una historia que ya hizo historia, sino para demostrar que existen canciones, personajes y recuerdos capaces de sobrevivir al paso del tiempo. Porque algunas funciones terminan cuando baja el telón; otras permanecen para siempre en la memoria de quienes estuvieron ahí. Y éste, coinciden Alan Estrada y Fernanda Castillo, es el momento perfecto para volver a cantarlas juntos. | 41

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“NO PODEMOS OLVIDAR EL LEGADO QUE NOS TRAJO

HASTA AQUÍ” En entrevista con la Revista Cameo, el actor habla de la importancia de seguir llevando a escena, "Ángeles en América", una obra que mantiene viva la memoria de la crisis del VIH y reafirma al teatro como un espacio de reflexión.

Texto y fotos Carlos Mora

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lgunas historias permanecen porque siguen encontrando nuevas formas de conectar con el público. Relatos que, pese al paso del tiempo, conservan su fuerza y regresan al escenario para revelar nuevas emociones, miradas y significados.

Para Pablo Marín, esa es la fuerza de Ángeles en América, la obra de Tony Kushner que cada que se puede vuelve a México para mantener viva la memoria y recordar que el teatro sigue siendo un espacio para hablar de aquello que no debe olvidarse.

En entrevista con la Revista Cameo, el actor, gestor e impulsor de esta puesta en escena comparte que el origen del proyecto nació precisamente de una necesidad: la necesidad de contar una historia que considera fundamental

para entender el presente.

“Todos los proyectos artísticos deben surgir de un deseo, de un sueño, aunque parezcan imposibles”, afirma Marín al recordar la conversación que tuvo con el director Cristian Magaloni, quien le confesó que Ángeles en América era la obra que más quería montar en su vida. A partir de ese momento decidieron convertir esa idea en una realidad y llevar al escenario las dos partes que conforman la obra: El milenio se aproxima y Perestroika.

Para Marín, hacer únicamente una parte de la historia no era una opción.

La obra debía presentarse completa porque su fuerza está en el viaje que propone: una exploración sobre la identidad, el amor, la política, la enfermedad, la fe y la supervivencia.

“Queríamos hacer las dos partes porque real-

mente es una sola obra dividida en dos. Cuando terminas de verla completa entiendes por qué existe de esa manera”, explica.

El proyecto también representó uno de los mayores desafíos de su carrera como actor. Marín interpreta a Prior Walter, uno de los personajes más complejos del teatro contemporáneo: un hombre que enfrenta una enfermedad, el abandono y una profunda transformación espiritual, pero que nunca pierde su sentido del humor ni su capacidad de resistir.

“Me daba mucho miedo hacer a Prior porque es un personaje con muchísimas capas. Tiene la parte de estar enfermo, de ser una especie de profeta, de ser abandonado, pero también es una persona con muchísimo humor. No podía convertirse en una víctima.”

Después de acercarse nuevamente al texto, el actor descubrió que ese personaje era justamente el reto que quería asumir.

“Soy un intenso y me aventé hasta la cocina. Me entregué completamente al personaje porque hay personajes que te exigen ir a lugares donde normalmente no llegas.”

Pero más allá del desafío actoral, la obra representa para Marín una oportunidad para recuperar una parte de la historia que todavía necesita ser nombrada. La obra retrata los años más duros de la crisis del VIH, una época marcada por el miedo, la desinformación, la discriminación y la pérdida de miles de vidas.

Para el actor, regresar a ese momento histórico no significa quedarse en el pasado, sino comprender el camino que permitió construir muchas de las libertades actuales. | 43

] O R A T E T [ “Hay gente que intenta borrar esos momentos de la historia, pero es importante hablar de ellos.

Tenemos que recordar a quienes estuvieron antes, porque muchas de las cosas que hoy tenemos fueron construidas gracias a esas generaciones.”

Marín considera que quienes vivieron la crisis del VIH en los años ochenta fueron protagonistas de una transformación social que abrió caminos para las nuevas generaciones.

“Son personas que construyeron derechos humanos, derechos para la comunidad. Tenemos que honrarlos y entender que somos lo que somos gracias a lo que ellos y ellas fueron.”

La vigencia de la obra también está relacionada con su capacidad de dialogar con los problemas ac44 |

tuales. Aunque hoy existen más historias de diversidad en el cine, la televisión y el teatro, el actor señala que la representación no significa que las luchas hayan terminado.

“Es maravilloso que existan estos referentes, que haya generaciones creciendo viendo otras realidades, pero no podemos cegarnos. Que algo aparezca en una ficción no quiere decir que la discriminación, la homofobia o la transfobia hayan desaparecido.”

Para el actor, el arte tiene una responsabilidad: seguir contando historias que incomoden, que cuestionen y que permitan mirar aquello que muchas veces se intenta ocultar.

“La lucha continúa.

Hay batallas que hemos ganado, pero todavía hay muchas que no.”

Esa mirada también está

presente en la adaptación mexicana. Aunque la esencia del texto de Kushner permanece intacta, el montaje busca establecer un diálogo con el público actual. El actor explica que el teatro tiene una característica que lo diferencia de otros formatos: siempre sucede en el presente.

“El teatro no puede ser una pieza de museo. Aunque una obra hable de otra época, tiene que encontrarse con las personas que están sentadas hoy frente al escenario.”

Por eso, la puesta en escena incorpora referencias contemporáneas y adapta ciertos elementos para que la historia siga resonando, sin borrar el contexto original.

“Hay cosas que tenemos que decir porque ocurrieron. No podemos fingir que no existieron. La memoria también forma parte de nuestra responsabilidad.”

Marín destaca además la importancia del elenco que acompaña esta producción, una compañía formada por actores comprometidos con el escenario y con la esencia del teatro.

“Lo que más me gusta es que es una compañía de gente de teatro. Personas apasionadas por estar ahí, por construir juntos. Creo que eso se nota.”

Al final, contar historias también es una forma de resistir. Es una manera de mirar hacia atrás para comprender el presente y de imaginar un futuro distinto.

FOTOS CARLOS MORA

ÁNGELES EN AMÉRICA UNA MEMORIA QUE PERMANECE EN MEDIO de una época marcada por grandes cambios sociales, algunas historias encuentran nuevas formas de hablarle al presente. Ángeles en América, del dramaturgo estadounidense Tony Kushner, es una de esas obras que trascienden el tiempo al abordar las heridas personales y colectivas de una sociedad que busca respuestas frente al miedo, la incertidumbre y la transformación. Dividida en dos partes, El milenio se aproxima y Perestroika, la obra construye un retrato profundo sobre una generación marcada por la crisis y la esperanza de un nuevo comienzo.

Ambientada en los años ochenta, durante la crisis del VIH/SIDA, la historia entrelaza las vidas de personajes que enfrentan pérdidas, secretos, conflictos internos y la necesidad de reconstruirse. A través de sus encuentros, la obra reflexiona sobre la identidad, la discriminación, la fe, el poder y la búsqueda de libertad.

Bajo la dirección de Cristian Magaloni, la puesta en escena construye un universo donde la realidad y la fantasía conviven para revelar las emociones más profundas de sus protagonistas. El montaje cuenta con las actuaciones de Enrique Arreola, Carolina Politi, Vicky Araico, Pablo Marín, Assira Abatte, Aldo Guerra, Jesús Delgado y Lucio Giménez Cacho, quienes dan vida a personajes complejos que transitan entre la fragilidad, la resistencia y la esperanza.

Uno de los grandes aciertos de Ángeles en América es su capacidad para transformar una historia situada en el pasado en una reflexión completamente vigente. Sus personajes representan distintas formas de enfrentar la pérdida, el rechazo y el deseo de encontrar un lugar en el mundo.

Con una propuesta escénica intensa y profundamente emotiva, la obra reafirma el poder del teatro como un espacio para conservar la memoria.

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Edith Gallegos habla con la Revista Cameo sobre el reto de dar vida a un personaje icónico en una adaptación que, más allá del terror, reflexiona sobre el bullying, la salud mental y las consecuencias de la intolerancia.

Por Carlos Aguillón

M CARRIE: EL MUSICAL DÓNDE: Foro Principal, Foro Shakespeare, Hasta el 29 de agosto.

ás de cinco décadas después de su publicación, Carrie, la primera novela de Stephen King, sigue encontrando nuevas formas de conectar con el público. Ahora, su historia llega al Foro Shakespeare con Carrie: El Musical, una puesta en escena que explora el miedo, la exclusión y el poder de ser diferente.

Lejos de enfocarse únicamente en el terror que hizo famosa a la historia, esta producción pone el acento en las heridas que deja el rechazo, la violencia emocional y la necesidad de pertenecer.

Todo ello acompañado por 24 números musicales interpretados completamente en vivo y un elenco integrado por jóvenes actores que buscan acercar esta historia a una nueva generación.

CARRIE: EL MUSICAL 46 |

Al frente del montaje se encuentra Edith Gallegos, quien da vida a Carrie White en el que representa el primer protagónico de su carrera. En entrevista con la Revista Cameo, la actriz confesó que interpretar a este personaje significa cumplir uno de sus mayores sueños.

“Es mi primer protagónico y soy fan de la historia de Carrie. Cuando me enteré de que existía el musical me puse a escuchar toda la música y terminé enamorándome de la obra. Me siento muy afortunada y muy honrada de poder interpretar a un personaje tan complejo”, compartió.

La actriz explica que el proceso de preparación ha sido tan intenso como la propia historia. Desde enero, el elenco se ha entregado a un trabajo constante para construir una puesta en escena donde la actuación, el canto y la emoción conviven de manera orgánica.

“Llevamos desde enero preparándonos y prácticamente ensayábamos todos los días. Ha sido un proceso muy exigente, pero también muy enriquecedor para todos los que formamos parte del proyecto”, señaló.

Uno de los aspectos

que distingue esta versión es que la historia de adolescentes es interpretada por actores que pertenecen a esa misma generación, lo que aporta una autenticidad especial a cada escena.

“Algo que hace única nuestra producción es que es contada por nuevos actores para nuevas generaciones. Eso hace que muchas emociones y situaciones se sientan muy cercanas y muy reales para el público”.

El montaje también representa una nueva etapa para la compañía, acostumbrada durante años a producir espectáculos familiares.

“La compañía pasó de hacer obras para niños a contar otro tipo de historias. Ahora buscamos que el público salga del teatro reflexionando, que después de la función siga hablando de los temas que vio en escena porque siguen siendo necesarios y completamente actuales”, comentó.

Aunque muchos espectadores llegan pensando en la famosa película de terror, Edith asegura que el musical ofrece una experiencia muy distinta.

“La película es conocida por el terror, pero la obra va mucho más allá. Es un

drama psicológico que habla de la relación entre madres e hijas, de nuestras creencias y de cómo esas ideas pueden afectar profundamente la vida de quienes nos rodean”.

Precisamente esa lectura contemporánea convierte a Carrie en un espectáculo vigente, donde el bullying, el abuso emocional, la salud mental y el fanatismo religioso aparecen como los verdaderos detonantes de la tragedia.

“No es una obra súper colorida. Habla de temas fuertes como el bullying y el fanatismo religioso, pero al ser un musical también encuentra momentos que permiten respirar emocionalmente.

Aun así, definitivamente no es una obra para niños”, explicó.

Otro de los elementos fundamentales de la propuesta es el espacio donde se presenta. Para la actriz, el teatro permite que el espectador viva la historia desde una cercanía poco común.

“Elegimos ese foro porque es envolvente.

El público prácticamente se convierte en testigo de todo lo que ocurre y, como la historia es tan íntima, terminas sintiéndote parte de ella”, finalizó.

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FOTOS CARLOS MORA

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EGOÍSTA: RELATO DE AMOR, SECRETOS Y CONSECUENCIAS EGOÍSTA es una comedia sobre los límites del amor, las decisiones que tomamos y las consecuencias de poner siempre los deseos propios por encima de los demás.

La obra sigue a Matías (Oscar Valenzuela), un fotógrafo de treinta años que mantiene una relación estable con Lucas (León Karam) mientras sostiene un vínculo marcado por la intensidad y la manipulación con Susana, una

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psicóloga que irrumpe en su vida para desafiar el equilibrio que aparenta tener.

Convencido de que puede controlar cada aspecto de su mundo, Matías organiza una cena en su departamento junto a Lucas y Diego, un actor exitoso y amigo cercano de ambos. Sin embargo, la llegada inesperada de Susana y Azul, la mejor amiga de Lucas, convierte la velada en un enfrentamiento donde salen

a la luz secretos, emociones contenidas y las verdaderas intenciones de cada personaje.

Bajo la dramaturgia y dirección de León Karam, Egoísta explora con humor y tensión las contradicciones de las relaciones humanas, invitando al público a preguntarse cuánto conocemos realmente a quienes amamos y qué ocurre cuando el egoísmo termina por romper los vínculos que intentamos conservar.

EGOÍSTA DÓNDE: El Círculo Teatral, Miércoles 20:30 horas.

Hasta el 29 de julio.

] NUESTRA ISLA DÓNDE: A partir del 20 de julio, Lunes a las 20:00 horas en Foro Milán, hasta el 30 de noviembre.

omper con la idea del musical como un espectáculo necesariamente monumental es una de las apuestas de Nuestra isla, montaje que llega a México bajo la producción de Iván Pasillas, quien encontró en esta historia una nueva forma de acercarse al género: más cercana, personal y humana.

“Tenemos esta idea de que un musical siempre tiene que ser algo grandote, con grandes escenografías y grandes formatos, pero creo que también hay que abrir espacio para los musicales íntimos, los que pueden hacerse con las actrices, con la voz y con los elementos esenciales de la historia”, explica Pasillas.

Basada en el musical escocés Island, la obra presenta la historia de una isla ficticia llamada Canna, donde sus habitantes enfrentan una crisis debido al desplazamiento, la falta de servicios y la transformación de su comunidad por el turismo. En medio de este escenario aparece I, una niña que encuentra una ballena varada en la playa y descubre que puede comunicarse con ella a través del canto.

A partir de ese encuentro conoce a Arran, una criatura inspirada en la mitología escocesa de los selkies, seres descritos entre sirenas y hechiceros. La historia cuestiona los mitos que construimos sobre los otros y la manera en que las diferencias pueden convertirse en puntos de encuentro.

“Creo que la obra llega en un momento muy importante porque habla de esas historias

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que repetimos una y otra vez sobre otras personas o culturas sin realmente conocerlas. Al final, dos adolescentes descubren que son diferentes, pero también que tienen mucho en común”, comenta Pasillas.

Uno de los elementos más particulares del montaje es que las propias actrices son la orquesta. Ellas crean en vivo las voces, melodías, armonías y efectos sonoros que acompañan la historia, convirtiendo el escenario en un espacio donde actuación y música conviven.

“El reto ha sido aprender la música como si fuera un instrumento nuevo. No solamente es cantar, sino tener precisión, dominar los ritmos y crear una atmósfera completa desde la escena”, señala el productor.

La traducción y adaptación estuvo a cargo de Ana Graham, quien junto con el equipo creativo decidió conservar la esencia escocesa de la historia.

“No quisimos tropicalizarla, porque parte de la magia está en ese universo extranjero, en sus palabras y en su cultura”, explica Pasillas.

El montaje cuenta con un elenco conformado por cuatro actrices que alternan funciones, acompañadas por un equipo creativo que trabaja para construir un mundo donde la imaginación, la memoria y los relatos tradicionales se encuentran.

Con una propuesta que apuesta por la sencillez y la emoción, el musical busca demostrar que una gran historia no siempre necesita grandes dimensiones: a veces basta una voz, una isla y la posibilidad de escucharnos.

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Texto y fotos Carlos Mora

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UN VIAJE POR LA BELLEZA DE LO COTIDIANO

"Nuestra isla" llega a México de la mano del productor Iván Pasillas, con una historia sobre identidad, pertenencia y comunidad.

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AMIGOS INTOCABLES: EL VALOR DE LA EMPATÍA SOBRE EL ESCENARIO DESPUÉS de su éxito internacional y de conquistar los escenarios de distintos países, Amigos intocables se estrenó en México bajo la producción de Mejor Teatro y la dirección de Angélica Rogel, con una adaptación que conserva la esencia de una historia que ha emocionado a millones de personas en el mundo.

Inspirada en el fenómeno cinematográfico francés Intouchables, la obra narra el encuentro entre un hombre con una discapacidad motriz y el joven que llega para convertirse en su cuidador.

Lo que comienza como una

relación marcada por las diferencias sociales, económicas y culturales se transforma poco a poco en una amistad profunda que desafía prejuicios, rompe estereotipos y demuestra que los vínculos más significativos suelen surgir de los lugares más inesperados.

Con un equilibrio entre el humor y la emoción, la puesta en escena reflexiona sobre la empatía, la dignidad, la inclusión y la importancia de mirar más allá de las apariencias.

Lejos de centrarse únicamente en la discapacidad, Amigos intocables pone el foco en la capacidad de las personas

para transformar la vida de quienes las rodean a través de la confianza, el afecto y el respeto mutuo.

El elenco está integrado por Tony Dalton, Manuel Cruz Vivas y Sebastián Dante, quienes alternan el papel principal, además de Daniela Luján, Mónica Dionne y Daniel Bretón. Bajo la dirección de Angélica Rogel, la producción apuesta por una puesta en escena cercana e íntima que privilegia el trabajo actoral y el poder de una historia que continúa conmoviendo al público por su vigencia y humanidad.

FOTOS CARLOS MORA

AMIGOS INTOCABLES DÓNDE: Teatro Centenario Coyoacán

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Jueves: 20:00 horas, viernes 19:00 y 21:00 horas, sábados 18:00 y 20:00 horas y domingos 16:30 y 18:30 horas

NO ES OTRA TELENOVELA MEXICANA

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NO ES OTRA TELENOVELA MEXICANA DÓNDE: Teatro Sogem Wilberto Cantón

EL LADO MÁS DIVERTIDO DEL MELODRAMA

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as telenovelas mexicanas forman parte de una memoria colectiva hecha de grandes amores, secretos familiares y personajes inolvidables.

Ese universo que durante décadas conquistó a millones de espectadores llega ahora al escenario con No es otra telenovela mexicana, una comedia que juega con los códigos del género para provocar risas y, al mismo tiempo, abrir una mirada crítica sobre sus historias.

En entrevista con la Revista Cameo, el dramaturgo, actor y director Quecho Muñoz explicó que el montaje nació de un deseo muy claro: crear una comedia profundamente mexicana.

“Quería hacer una comedia. Es una obra con la que el público se ha identificado muchísimo.

Quería hacer algo con cosas muy nuestras, darme un clavado en lo contemporáneo y en aquello que nos ha forjado. Es muy divertida, muy absurda, pero también tiene una crítica sobre lo que nos dejaron esos personajes”, compartió.

El proceso creativo fue largo. Lejos de improvisar una sucesión de

referencias televisivas, Muñoz dedicó varios años a investigar qué historias permanecían en la memoria colectiva y por qué siguen despertando emociones.

“Fueron siete años de trabajo desde la pandemia. Hubo muchísimos tratamientos del texto, mucha investigación y revisar cuáles eran las historias que el público recuerda más. Todo terminó convirtiéndose en un juego que poco a poco va revelando secretos”.

Uno de los mayores atractivos de la producción es el impresionante trabajo del elenco. Lorena D’La Garza, María Ayuso, David Anguiano, Leslie Martínez y el propio Quecho Muñoz cambian de personaje a una velocidad vertiginosa para dar vida a más de 50 figuras inspiradas en algunos de los rostros más emblemáticos de las telenovelas mexicanas.

El resultado es un recorrido lleno de humor, nostalgia y guiños que el público reconoce desde el primer momento.

“Sólo somos cinco actores haciendo más de cincuenta personajes.

Todos emprenden un viaje para entender su pasado y descubrir de

dónde vienen”, comentó el creador.

La química del reparto también fue determinante para el éxito de la obra.

“La gente fue llegando solita. Es un grupo muy talentoso que entiende perfectamente el sentido del humor y la comedia.

Ensayamos durante dos meses y medio y en las últimas semanas fui sumando elementos hasta encontrar la versión que quería compartir con el público”, recordó.

Las funciones demostraron que la propuesta conectó con espectadores de distintas generaciones, por lo que ahora la producción abre una nueva etapa los viernes con la intención de permanecer por mucho tiempo en cartelera.

“Nos fue increíble. Son una hora con cuarenta minutos de carcajadas.

La obra se vuelve tan absurda que la gente se engancha. Si eres fan de las telenovelas reconocerás muchísimas referencias, pero incluso quien no lo sea se divierte muchísimo. Me encanta ver cómo conectan con el texto y sigo revisándolo con lupa para hacerlo cada vez mejor. Lo ideal es que sea una temporada muy larga”, afirmó.

Quecho Muñoz reúne más de 50 personajes interpretados por cinco actores en una comedia que celebra y se burla de los clásicos de la televisión mexicana.

Por Carlos Aguillón

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FOTOS CARLOS MORA

EL MÉTODO GRÖNHOLM DÓNDE: Teatro Xola Julio Prieto, Hasta el 30 de agosto.

EL MÉTODO GRÖNHOLM: EL PODER DETRÁS DE UNA ENTREVISTA LABORAL UNA DE LAS OBRAS más exitosas del teatro contemporáneo vuelve a los escenarios mexicanos.

Método Grönholm, del reconocido dramaturgo español Jordi Galceran, reúne a un elenco conformado por Ana Serradilla, Erick Elías, Álex de la Madrid, Diego Klein, Daniel Haddad y Tato Alexander, quienes dan vida a una historia donde la comedia, el suspenso y la tensión psicológica se combinan para retratar las contradicciones del mundo laboral contemporáneo.

La trama sigue a un grupo de candidatos que llegan a la última etapa de un proceso de selección

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para ocupar un importante puesto ejecutivo en una empresa multinacional. Lo que parece una entrevista convencional pronto se transforma en una serie de pruebas inesperadas donde cada participante deberá demostrar hasta dónde está dispuesto a llegar para conseguir el empleo.

Conforme avanzan los desafíos, las reglas cambian, las alianzas se rompen y la competencia saca a la luz las verdaderas motivaciones de cada uno.

Con un ritmo ágil, diálogos afilados y giros constantes, Método Grönholm se ha consolidado como una de las comedias más represen-

tadas a nivel internacional.

Su éxito radica en la manera en que utiliza el humor para cuestionar temas como la ambición, la manipulación, la ética profesional y las dinámicas de poder que dominan el entorno corporativo.

A pesar de haber sido escrita hace más de dos décadas, la obra mantiene una sorprendente vigencia. En un contexto donde la competitividad, la presión por el rendimiento y los procesos de contratación se han vuelto cada vez más exigentes, el texto de Galceran continúa ofreciendo una reflexión sobre los límites que las personas están dispuestas a cruzar para alcanzar el éxito.

TV Y STREAMING

MAURICIO ABAD

CRUZA NUEVAS FRONTERAS CON ENCRUCIJADA

Mauricio Abad ] I

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A LA CONQUISTA DE NUEVOS ESCENARIOS

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El actor celebra el estreno de "Encrucijada" en ViX, un proyecto que abre una nueva etapa en su carrera. En entrevista con la Revista Cameo, recuerda el camino que lo llevó a España.

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ntes de que llegaran los proyectos internacionales, Mauricio Abad tomó una decisión que transformó su carrera: escribir a decenas de agencias de representación alrededor del mundo. Sin garantías de obtener una respuesta, apostó por buscar las oportunidades en lugar de esperarlas.

El resultado de esa apuesta es Encrucijada, la nueva serie española de ViX que consolida la proyección internacional del actor peruano que llegó a México hace una década para formarse y hoy encabeza una producción grabada entre Madrid y las Islas Canarias.

En entrevista con Revista Cameo, Abad recuerda que el camino hacia este proyecto comenzó en uno de los momentos más inciertos de su carrera.

“Me había quedado sin agencia en México y decidí buscar oportunidades tanto a nivel nacional como internacional. Ahí entendí que en esta industria no todo depende de los managers; tam-

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Por Carlos Aguillón bién depende de uno mismo, de las ganas, la iniciativa y la actitud para seguir adelante.”

Lejos de esperar a que apareciera una oportunidad, decidió construirla.

“Empecé a investigar agencias, directores de casting y productores.

Mandaba entre 20 y 30 correos diarios. Envié más de 200 y me respondieron alrededor de 30. Al final solamente una agencia terminó concretando conmigo”.

Aquella respuesta parecía, en un inicio, un rechazo educado.

Sin embargo, apenas unas semanas después, recibió una llamada que cambiaría el rumbo de su carrera.

“Me dijeron que estaban buscando a un actor latino que viviera en Madrid y que tuviera sus papeles en regla.

Yo cumplía con todo… menos con vivir en Madrid, dice entre risas.

Cuando hice el casting dije que vivía allá. Pensé: si me quedo, ya veré cómo le hago”.

LA APUESTA SALIÓ BIEN Mauricio obtuvo el personaje y, prácticamente de inmediato, hizo las maletas.

“Me avisaron que había quedado, dejé mi departamento en México, lo renté y me fui corriendo a Madrid.

Estuve alrededor de un año grabando entre Madrid y Tenerife”.

En Encrucijada, adaptación del exitoso drama turco Sühan: Venganza y amor, Mauricio interpreta a Kevin, un joven inmigrante latino que llega a España buscando una oportunidad de vida.

Su personaje acepta cualquier trabajo para sobrevivir hasta verse envuelto en una compleja historia de corrupción, poder y secretos familiares junto a César, interpretado por Rodrigo Guirao.

Curiosamente, el actor encontró en Kevin muchas similitudes con su propia historia.

“Yo también soy inmigrante. Llegué a México hace diez años para perseguir mi sueño como actor y entendía muchas de las emociones que vivía el personaje”.

Uno de los mayores aciertos de la serie es abordar una realidad pocas veces retratada desde la ficción.

“Siempre hablamos de la migración hacia

Estados Unidos, pero en España también existe un fenómeno migratorio muy fuerte.

Después del estreno mucha gente me escribió diciendo que se sentía identificada porque también había tenido que trabajar de todo para salir adelante. Eso fue muy especial para mí”.

Además del reto interpretativo, el proyecto le permitió descubrir otra forma de hacer televisión.

“Nunca había trabajado en Europa y me sorprendió muchísimo la manera en la que organizan las producciones. Todo está planeado con mucho tiempo de anticipación y respetan muchísimo a cada persona del equipo, no solamente a los actores”.

El contraste con las largas jornadas a las que estaba acostumbrado en México fue inevitable.

“Yo venía de grabar hasta 25 escenas al día en Televisa. Cuando me dijeron que aquí haríamos seis escenas diarias pensé que estaban trabajando en un lujo. Allá respetan los horarios, respetan a quien está detrás

ENCRUCIJADA

Dónde ver: ViX

de cámara, a iluminación, vestuario, maquillaje… todos tienen voz y eso hace que el ambiente sea completamente diferente”.

Ese aprendizaje, asegura, no solo enriqueció su trabajo como actor, sino también su manera de entender la industria.

“Creo que todos terminamos siendo iguales dentro de un set y me gustó mucho ver cómo valoran el trabajo de cada persona. Fue una experiencia que me hizo crecer muchísimo”.

Originario de Lima, Perú, el actor llegó a México en 2016 decidido a formarse profesionalmente. Estudió actuación en el CEA de Televisa, además de prepararse en Casa Azul y Nueva York, antes de comenzar una carrera que rápidamente llamó la atención con Like, la leyenda. Más tarde consolidó su presencia en la televisión con proyectos como ¿Qué le pasa a mi familia?, La Herencia, El amor no tiene receta y la tercera temporada de Luis Miguel, la serie, donde interpretó a Sergio Basteri.

Hoy, aquella promesa juvenil se encuentra en una etapa distinta: la de abrirse camino en producciones internacionales sin perder de vista el esfuerzo que lo llevó hasta ahí.

“La actuación es una carrera muy difícil. Hay años donde trabajas muchísimo y otros donde no salen castings o simplemente no quedas. También existen etapas donde toca trabajar en uno mismo y no frustrarse. Es una profesión complicada, pero muy bonita”.

El presente tampoco le concede pausas. En los próximos días viajará a Perú para integrarse a la serie Valentina Valiente, donde interpretará a un antagonista. | 57

MATRIARCA ENTRE EL PODER Y LOS SECRETOS

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ADRIANABARRA La primera actriz encontró en "Una familia complicada" uno de sus personajes más complejos. En entrevista con la Revista Cameo, junto a Mayra Batalla y Marcus Ornellas, habla sobre la fuerza de las historias auténticas.

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as familias suelen guardar secretos, pero cuando el poder y las apariencias pesan más que los afectos, cualquier conflicto puede convertirse en una batalla. En Una familia complicada, la nueva serie de ViX, Adriana Barraza da vida a Doña Telma, la matriarca de un clan dispuesto a hacer lo necesario para proteger su legado, aun cuando todo a su alrededor amenaza con derrumbarse.

En entrevista con la Revista Cameo, la actriz explica que no fue el tamaño del personaje ni el prestigio de la producción lo que 58 |

Por Carlos Aguillón terminó de convencerla, sino la honestidad con la que estaba escrita.

“Le agradezco muchísimo a Carmen Armendáriz y a Carlos Pascual porque me mandaron unos guiones que era imposible que yo dijera que no. Encontré una historia muy verdadera, con personajes que parecen personas que conocemos o incluso nosotros mismos”.

Esa autenticidad fue el punto de partida para construir a una mujer acostumbrada a sostener el control absoluto de su familia, incluso cuando su propia memoria comienza a jugarle en contra.

“Hay momentos en los

que podemos reírnos y otros en los que verdaderamente reflexionamos. De pronto dices: ‘Híjole, creo que conozco a alguien así… o yo me he visto ahí’. Eso es lo que más me atrapó”.

Para Barraza, no todos los proyectos ofrecen personajes con tantas capas emocionales.

“No siempre se tienen personajes tan ricos como éste. Como actriz son oportunidades que disfrutas profundamente porque te permiten explorar muchas emociones y muchas contradicciones”.

Mayra Batalla recuerda que su entusiasmo por el proyecto comenzó incluso

Como actriz son oportunidades que disfrutas profundamente porque te permiten explorar muchas emociones y muchas contradicciones” Adriana Barraza

antes de leer los guiones.

La posibilidad de interpretar a la hija de Adriana Barraza fue suficiente para despertar su interés.

“El primer mensaje que recibí fue que me estaban buscando para hacer una serie donde sería hija de Adriana Barraza. Obviamente dije que sí”, recuerda entre risas.

Cuando finalmente recibió los libretos, la decisión quedó tomada.

“Adriana es un pilar importantísimo para mí como actriz. Siempre deseaba poder trabajar a su lado.

Después llegaron los guiones y dije: sí… y más sí”.

Batalla también destaca que una de las mayores virtudes de la serie fue reunir actores provenientes de distintas disciplinas.

“Hay gente de cine, gente de teatro y de televisión.

Esa mezcla la vuelve muy rica y hace muy único el trabajo”, dijo.

Por su parte, Marcus Ornellas coincide en que esa diversidad terminó enriqueciendo la producción.

“Desde la primera lectura hubo algo muy especial.

Se sentía una energía increíble y un enorme respeto entre todos. Eso hoy no siempre sucede y cuando ocurre termina reflejándose en la pantalla”.

RAZA

UNA FAMILIA COMPLICADA

Dónde ver: ViX

El actor recuerda que aceptó el proyecto incluso antes de conocer al reparto.

“Primero me hablaron del personaje y me encantó. Después me dijeron que Adriana Barraza estaría en el elenco y pensé: ‘más razones para decir que sí’.

Conforme fueron llegando los demás nombres entendí que se estaba formando un grupo extraordinario”.

Para Ornellas, uno de los grandes aciertos de la serie es la profundidad de sus personajes.

“Cada uno tiene su propia historia. Literalmente podrías hacer una serie de

cualquiera de ellos porque todos tienen conflictos, heridas y muchísimas capas”.

Más allá de la ficción, la conversación derivó hacia el momento que vive la industria audiovisual mexicana, impulsada por las plataformas y la demanda de nuevas historias.

Barraza observa un panorama optimista, aunque con desafíos importantes.

“La industria está muy activa. Se producen muchísimas películas y series. Tal vez el reto sigue siendo dónde exhibir todo ese trabajo, pero vivimos un momento muy interesante”.

Batalla considera que existe un esfuerzo por elevar la calidad de las producciones nacionales.

“Hay un enorme grupo de personas tratando de mantener un estándar alto y hacerlo cada vez mejor. A veces se logra y a veces no, pero el impulso está ahí”.

Ornellas celebra que hoy las fronteras entre cine, teatro y televisión hayan desaparecido.

“Antes existían muchas etiquetas. Si hacías teatro no hacías cine; si hacías cine no hacías televisión.

Hoy podemos movernos entre todos esos espacios

y eso nos nutre muchísimo como actores”.

Con 20 episodios, Una familia complicada apuesta por una mezcla de drama, humor y suspenso para demostrar que detrás de cualquier familia aparentemente perfecta siempre existe una verdad mucho más incómoda.

“Creo que la gente se va a divertir mucho”, concluye Barraza. “Pero, sobre todo, encontrará personajes que le resultarán cercanos.

Cuando una historia logra que alguien se vea reflejado en ella, entonces sabes que valió la pena contarla”. | 59

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TRAYECTORIA EN CONSTANTE EVOLUCIÓN

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DANIELA AEDO

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Con la serie "Una familia complicada" como uno de sus proyectos más recientes, la actriz combina su pasión por la actuación, el doblaje y la música en una de las etapas más sólidas de su trayectoria.

E

n un momento en el que su carrera parece alinearse en todos los frentes, Daniela Aedo disfruta los frutos de años de preparación. La también cantante y actriz de doblaje, es parte de Una familia complicada, la serie protagonizada por Adriana Barraza que se ha colocado entre los contenidos más vistos de ViX. En entrevista con la Revista Cameo, la intérprete habló de cómo un encuentro fortuito cambió su destino, de lo que significó compartir escena con una actriz nominada al Oscar y del presente profesional que hoy define como una auténtica “época de cosecha”.

Su llegada a la pro-

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Por Carlos Aguillón

ducción de Carmen Armendáriz ocurrió de la manera menos esperada.

Mientras caminaba por los pasillos de Televisa rumbo a otro compromiso, alguien de la producción la detuvo para pedirle que hiciera una prueba de último momento.

“Literalmente corrió tras de mí y me dijo: ‘Nos falta un personaje, ya hicimos muchos castings y no encontramos a la persona correcta. Te vi y siento que tú deberías hacerlo’”, recordó.

Al día siguiente realizó una audición basada completamente en la improvisación. Aedo reconoce que ese momento llegó cuando realmente estaba preparada.

“Si ese casting hubiera sido un año antes, defi-

nitivamente no habría tenido las herramientas.

Venía de salir del conservatorio de actuación y pude enfrentar ese reto”, explicó.

En la serie interpreta a Claudia Navarro, la nieta mayor del personaje de Adriana Barraza, una mujer inteligente, reservada y analítica, muy distinta a los papeles ligeros y cómicos que suele interpretar.

“Fue un personaje muy satisfactorio porque todo lo que le sucede ocurre por dentro. Está pensando todo el tiempo y eso fue completamente diferente para mí”, contó.

La actriz también destacó el ambiente que se vivió durante la filmación, donde el elenco convivió durante semanas como una verdadera familia.

UNA FAMILIA COMPLICADA

Dónde ver: ViX

“Se hizo un grupo muy unido. Las primeras semanas estuvimos todos juntos en Morelos, desayunábamos, comíamos y cenábamos juntos. Eso terminó reflejándose en pantalla”, aseguró.

Uno de los mayores regalos del proyecto fue compartir escenas con Adriana Barraza.

“Aprendí de su humanidad, de su humildad y de su enorme calma. Hay cosas que uno absorbe simplemente por actuar junto a alguien como ella.

Verla improvisar, jugar con el texto y hacerlo sin miedo fue una gran lección”, afirmó.

También reconoció el trabajo de la directora Mafer Suárez, de quien destacó su cercanía con el elenco.

“Fue una producción hecha desde el amor.

Mafer dirigía desde el cariño, convivía con nosotros todo el tiempo y eso hizo que todos trabajáramos con mucha confianza”, comentó.

Pero mientras la serie conquista al público, Daniela también atraviesa un gran momento musical.

Acaba de lanzar Buenas vibras, un tema que escribió como parte de un proceso personal.

“Es una canción sobre la reconciliación y el perdón.

Me sirvió para sanar y dejar ir muchas cosas. Fue un proceso muy bonito conmigo misma”, explicó.

El sencillo fue lanzado simultáneamente en español y portugués tras una gira por Brasil, donde presentó su música con gran respuesta del público.

“Los músicos me dijeron que preferían tocar mis canciones antes que los covers. Para mí fue uno de los cumplidos más bonitos que he recibido”, confesó.

Paralelamente continúa desarrollando una carrera constante en el doblaje, disciplina en la que trabaja desde 2015 y que considera una de sus grandes pasiones.

“Siempre estoy haciendo doblaje. Es un trabajo del que se aprende muchísimo y he tenido la fortuna de colaborar con grandes maestros como Gaby Cárdenas y Ricardo Tejedo”, señaló.

Entre sus trabajos más conocidos se encuentran Hocus Pocus 2, La Sirenita, Star Wars Visions y recientemente participó en la nueva película de Minions, donde realizó voces adicionales.

Después de años de construir su camino paso a paso, Daniela Aedo tiene clara la filosofía que hoy guía su carrera.

“Hay tiempos de sembrar y tiempos de cosechar. Ahorita me siento muy afortunada porque estoy viviendo una etapa en la que todo ese esfuerzo finalmente está dando frutos”, concluyó.

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REIVINDICA EL PODER DE LAS TELENOVELAS

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GABY PLATAS La actriz asegura que su participación en "Guardián de mi vida", producción de Juan Osorio, la enriqueció tanto en lo profesional como en lo personal. Además, reflexiona sobre la evolución de los personajes femeninos dentro del melodrama.

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Por Carlos Aguillón

aby Platas vive un momento especial con su regreso a las telenovelas de la mano del productor Juan Osorio, una experiencia que, asegura, no solo representó un nuevo reto actoral, sino también un aprendizaje personal. La actriz destacó que formar parte de esta historia le permitió reencontrarse con un género que considera vigente y en constante transformación.

La invitación llegó de manera directa por parte del productor. “Me habló Juan Osorio y me dijo que tenía una novela, ‘¿quieres estar?’, y le dije que sí”, recordó con entusiasmo la actriz, quien confesó a Cameo que aceptó el proyecto sin dudarlo.

Platas aseguró que las grabaciones superaron sus expectativas gracias al ambiente de trabajo y al proceso creativo que vivió durante la producción. “Fue una experiencia padrísima como actriz, porque me dejó muchas cosas como ser humano; 62 |

también enriquece en lo personal”, expresó. Asimismo, destacó el trabajo del director Erick Morales, de quien reconoció la sensibilidad con la que condujo a los actores durante las escenas.

Sobre su personaje, explicó que la historia aborda emociones complejas que invitan a la reflexión. “El tronco de la historia es Catalina, un personaje con mucho rencor y que busca justicia a cualquier precio. A mí, como ser humano, me hace reflexionar en esas cuestiones”, comentó, al señalar que interpretar personajes con conflictos profundos también representa una oportunidad para cuestionarse sobre las decisiones que se toman en la vida.

La actriz también defendió la vigencia de las telenovelas en una época marcada por las plataformas digitales y los cambios tecnológicos. Para ella, el melodrama ha sabido evolucionar sin perder su esencia.

“La telenovela es un género que ha cambiado, pero siempre va a estar vigente.

GUARDIÁN DE MI VIDA

Dónde ver: Las Estrellas

Aunque cambie el uso de las cámaras y la tecnología, seguirá encontrando a su público”, afirmó.

Uno de los aspectos que más celebra de esa evolución es la manera en que se han transformado los personajes femeninos.

Gaby considera que las historias actuales reflejan los cambios que ha experimentado la sociedad y el papel de la mujer.

“Antes el personaje femenino no se veía en un entorno laboral y, conforme las mujeres hemos evolucionado, los personajes también. Ahora las vemos en posiciones de poder; antes solo eran sumisas”, señaló, convencida de que las telenovelas también han acompañado los cambios culturales de las últimas décadas.Más allá del género, la actriz aseguró que disfruta cada oportunidad que llega a su carrera. “Disfruto mucho los personajes que me llegan”, dijo, al destacar que cada papel representa un nuevo desafío interpretativo.

Aunque actualmente participa en un melodrama, Platas no ocultó el cariño especial que siente por otro género. “La comedia me hace feliz”, confesó, al tiempo que expresó la emoción que le provoca formar parte de nuevos proyectos que le permitan seguir explorando distintas facetas como actriz.

Con esta nueva participación, Gaby Platas reafirma su vínculo con las telenovelas, un formato que considera vigente por su capacidad de reinventarse y conectar con nuevas generaciones sin perder la fuerza de las grandes historias y los personajes que siguen emocionando al público. | 63

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n una industria donde con frecuencia se habla de competir con las grandes producciones internacionales, No tengo miedo propone una conversación distinta: ¿qué pasaría si el verdadero éxito consistiera en dejar de parecerse a los demás y comenzar a abrazar aquello que hace únicas a las historias mexicanas?

Esa reflexión atraviesa la nueva adaptación de la célebre novela del escritor italiano Niccolò Ammaniti, una producción que traslada la historia al Veracruz de 1986, em pleno Mundial de futbol, para construir un thriller emocional en el que el miedo no sólo nace del suspenso, sino también de las decisiones que toman los adultos cuando la desesperación los rebasa.

Para Fátima Molina, quien interpreta a Teresa, la esencia de la serie radica precisamente en esa honestidad.

“Esta historia me atrapó desde el primer momento, por los temas y esa esencia de México.Me gustaría que en nuestro país perdiéramos el miedo a mostrar lo que somos, apostar por contenido que muestre realmente a los mexicanos.

Hay que perderle el miedo a nuestra esencia porque respetarla también es muy valioso”, comparte. Más que hablar de una competencia entre industrias, la actriz considera que el audiovisual mexicano atraviesa un momento en el que debe confiar mucho más en sí mismo.

“No digo que no podamos explorar otras formas, 64 |

NO TENGO MIEDO

Dónde ver: Netflix

NO TENGO MIEDO

LAS RAÍCES MEXICANAS COMO INSPIRACIÓN La nueva serie adapta una novela italiana a un contexto profundamente mexicano.

En entrevista con la Revista Cameo, Fátima Molina y Alejandro Zuno hablan sobre la autenticidad, los desafíos de la producción y el valor de contar historias con identidad propia.

Por Carlos Aguillón pero muchas veces intentamos copiar algo de otros países, y que ni siquiera está en nuestro propio lenguaje. Entonces termina sintiéndose antinatural. Lo que me gusta de No tengo miedo es que tiene una esencia completamente mexicana, desde las actuaciones hasta el entorno donde ocurre la historia”.

Ese mismo espíritu fue el que conquistó a Molina desde el proceso de selección. La actriz recuerda que llegó al proyecto mediante un casting y varios callbacks, hasta recibir la noticia de que interpretaría a Teresa.

“Fue un día muy hermoso. No me la podía creer porque sabía que iba a trabajar con Ernesto Contreras, Alba Gil y Alejandro Zuno. Era un sueño”.

Su personaje es una mujer trabajadora que vive de la cosecha de café junto con su familia. Sin embargo, una crisis económica derivada de la llegada de la

roya transforma su vida y la obliga a enfrentar decisiones moralmente complejas.

“Teresa ama profundamente a sus hijos y a su esposo. Es una madre que, por las circunstancias, empieza a tomar decisiones que no son las mejores. Lo interesante es entender cómo personas buenas pueden llegar a equivocarse cuando sienten que ya no tienen otra salida”.

“Es un proyecto que pone muchos temas sobre la mesa y eso siempre me interesa como actriz. La realidad es que todos hicimos un trabajo maravilloso. Yo terminé embobada con mis compañeros y, sobre todo, con los niños y su entrega”.

Por su parte, el director Alejandro Zuno explica cómo esa idea se convirtió en el eje creativo de toda la adaptación.

“El proyecto nace por iniciativa de Netflix, que buscaba adaptar la novela.

Ernesto Contreras tuvo la gran idea de trasladarla a

Veracruz y, desde el proceso de escritura, trabajamos para construir una historia profundamente mexicana sin perder la esencia emocional del material original”.

El director destaca que una de las mayores diferencias respecto a la novela y a la película de 2003 fue ampliar el universo de los personajes adultos.

“El gran acierto de las guionistas fue explorar la perspectiva de los adultos.

Eso nos permitió entender cómo la desesperación puede llevar a personas comunes a tomar decisiones erráticas y construir personajes mucho más complejos”.

Pero también implicó una enorme responsabilidad narrativa.

“Teníamos muy claro que no queríamos hacer una apología del secuestro ni del crimen. Había muchas dudas durante el proceso y yo siempre las entendí como algo positivo, porque significaban preguntarnos

constantemente si estábamos contando la historia por el mejor camino”.A nivel técnico, No tengo miedo representa el mayor reto en la carrera de Zuno.

“Fue uno de los rodajes más demandantes que he hecho. Había efectos especiales, helicópteros, drones, peleas y escenas corales con muchos actores y niños. Nunca había dirigido tantos niños al mismo tiempo y eso implicó encontrar una forma muy cuidadosa de abordar temas complejos respetando siempre su integridad”.

No tengo miedo nace así como algo más que una adaptación literaria.

Es una producción que convierte el suspenso en una reflexión sobre la familia, la culpa, la infancia y la identidad; una serie que demuestra que las historias más universales no son las que imitan a otros, sino aquellas que encuentran el valor para hablar con una voz propia. | 65

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n muchos sentidos, la tercera temporada de La dasa del dragón es el punto sin retorno que marcará el destino de la Casa Targaryen en la historia de Poniente. Tras dos temporadas construyendo las tensiones políticas, familiares y militares que dieron origen a la Danza de los Dragones, los nuevos episodios estallarán la gran guerra civil, encaminando a la serie hacia su etapa más oscura y sentando las consecuencias que definirán la cuarta y última entrega.

“Diría que la palabra que define esta temporada es inexorabilidad”, dijo el showrunner y cocreador de la serie Ryan Condal.

“Creo que el ambiente de la serie cambia un poco en la tercera temporada, porque las cosas se vuelven más oscuras y más desoladoras.

Los límites morales empiezan a expandirse y las cosas se vuelven cada vez más difusas. Seguirán viendo desarrollarse esa atmósfera no solo durante esta temporada, sino también de cara a la temporada final”.

Con los personajes en su momento más determinante, Condal adelantó que la nueva temporada responderá algunas de las interrogantes que han acompañado a la serie desde el inicio.

“Creo que este año se responderán muchas preguntas importantes.

También pienso que varios misterios existentes sobre las lealtades de los personajes y otras cuestiones similares finalmente obtendrán respuestas. Al mismo tiempo, tienes que plantear nuevas preguntas que 66 |

EL REINO L A CASA DEL DRAGÓN

EL REINO ENTRA EN SU HORA MÁS OSCURA En entrevista, Ryan Condal y el elenco adelantan que la tercera temporada de "La casa del dragón" llevará la guerra Targaryen a un punto sin retorno y revelará las verdaderas lealtades de sus protagonistas.

Por Alejandra Lomelí impulsen la historia hacia su desenlace. Creo que el mundo de la serie se vuelve mucho más definido”.

MÁS ALLÁ DEL PAPEL Uno de los ejes de la tercera temporada será revelar quiénes son realmente los personajes.

“Aprendes muchísimo sobre una persona cuando la ves bajo presión”, afirmó

Ryan Condal, al explicar que las situaciones extremas sacarán a la luz sus verdaderas lealtades, intereses y la forma en que las circunstancias transforman su moral, siguiendo una construcción similar a la de Juego de Tronos.

Ewan Mitchell, quien interpreta a Aemond, adelantó que esta temporada “los personajes van a

mostrar realmente quiénes son”, poniendo a prueba la percepción del público.

En el caso de Rhaenyra, Emma D'Arcy explicó que la Reina Negra dejará atrás las dudas para actuar con mayor seguridad: “Por fin se encuentra en una posición de confianza y poder”.

UNA BATALLA NAVAL HISTÓRICA A diferencia de las anteriores, esta temporada desplegará desde sus primeros episodios el evento que marcará el pulso dramático: la Batalla del Gaznate.

“Creo que esto cambia claramente el ritmo narrativo de La casa del dragón, incluso más que lo que se ve en pantalla. Cambia la sensación general de la historia porque realmente estamos jugando a todo o nada. Y creo que, de aquí en adelante, nadie ni nada está a salvo”, dijo Condal.

La Batalla del Gaznate, uno de los enfrentamientos más sangrientos de la Danza de los Dragones, por fin llegará a la pantalla. El choque entre la Triarquía y la Casa Velaryon representó uno de los mayores retos de producción por la escala con la que Ryan Condal buscó adaptar el universo de Fuego y Sangre.

“No diría que la reservamos deliberadamente para esta temporada. Creo

que simplemente hubo desafíos y complicaciones logísticas: los recursos necesarios, cómo íbamos a hacerlo, cómo íbamos a llevarlo a cabo y, sobre todo cómo íbamos a hacer justicia al reto de representar la mayor batalla naval jamás librada en la historia de Poniente”.

Según Condal, esta batalla siempre fue concebida como el punto medio narrativo de la serie independientemente de cuándo y dónde iba a aparecer dentro de la producción.

Que llegue como la apuesta central de la nueva entrega supone un cambio en la construcción narrativa de las adaptaciones del universo de Canción de Hielo y Fuego.

“Creo que eso va a sorprender a mucha gente de una forma positiva, porque llega con una intensidad enorme y de manera inesperada. Pero también establece el tono de hacia dónde se dirige la temporada”, apuntó.

LA CASA DEL DRAGÓN

Dónde ver: HBO MAX

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ada personaje llega con un reto distinto.

Para Jaime Maqueo, ese desafío tiene nombre: Diego, el adolescente que protagoniza la telenovela Tan cerca de ti nace el amor y cuya historia lo llevó a explorar el duelo, la vulnerabilidad y el crecimiento.

En entrevista con la Revista Cameo, Jaime habla sobre la construcción de un personaje lleno de contradicciones, una figura que no puede definirse simplemente como bueno o malo, sino como alguien que intenta encontrar su camino después de atravesar momentos difíciles.

“Estoy muy feliz y agradecido. Fue una gran novela, la pasé muy bien, hice nuevas amistades, aprendí mucho y agradezco mucho la oportunidad”, comparte sobre su participación en este proyecto.

Para él, una de las claves para entender a Diego fue mirar más allá de sus acciones y descubrir las emociones que existen detrás de ellas. El personaje ha generado distintas opiniones entre el público, pero para el actor su historia está relacionada con el dolor y la manera en que cada persona enfrenta las pérdidas.

“Diego es un adolescente incomprendido. Yo no quiero que sea visto como una persona mala, simplemente vivió algo muy duro. Lo que le pasó es algo que te marca para siempre”, explica.

Una de las características que Jaime destaca en la telenovela es la manera en que presenta personajes más humanos, alejados de las etiquetas tradicionales del melodrama.

“Ya no es el villano ni el bueno. Me gusta porque 68 |

JAIME MAQUEO, TALENTO EN ASCENSO DENTRO DEL MELODRAMA El actor comparte con la Revista Cameo los retos de interpretar a un adolescente marcado por la pérdida, su experiencia en el melodrama y los aprendizajes que ha sumado en su camino entre el cine y la televisión.

Por Carlos Mora es como el yin y el yang: dentro de lo bueno siempre hay algo malo y dentro de lo malo siempre hay algo bueno. Nadie es cien por ciento una cosa”, comenta.

Esta visión también le permitió acercarse a Diego desde un lugar más empático, entendiendo sus errores, sus impulsos y sus emociones.

Después de varios proyectos en cine y televisión, Jaime reconoce que las telenovelas representan una gran escuela para cualquier actor. El ritmo de trabajo, la cantidad de escenas y la conexión constante con el público son algunos de los elementos que enriquecen su formación.

“Una telenovela la grabas seis, siete u ocho meses todos los días. Es diferente al cine y a las series, pero es muy divertido porque aprendes mucho”, señala.

Para él, uno de los grandes aprendizajes está en encontrar la manera de transmitir emociones de forma clara para que la audiencia se identifique con la historia.

“En una telenovela tienes que hacer que el especta-

dor quiera seguir viendo la pantalla, que se enoje contigo, que le caigas bien o que se identifique. Esa presencia y esa proyección se van construyendo con el tiempo”, explica.

Aunque actualmente está concentrado en los proyectos que vienen, Jaime mantiene abierta la posibilidad de seguir explorando distintos formatos.

Con Tan cerca de ti nace el amor, el joven actor continúa construyendo una carrera donde cada personaje representa un nuevo reto y una oportunidad para seguir creciendo como intérprete.

“Si pudiera grabar cuatro series y tres películas al mismo tiempo, lo haría. Me encanta trabajar y seguir aprendiendo”, concluye.

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NIA

ABRAZA SU HERENCIA CON ROMERÍA NEGRA

FOTOCARLOSMORA

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Nia Y SU PASIÓN POR LOS RITMOS LATINOS

Con "Romería Negra", la cantante canaria deja atrás las fórmulas convencionales para abrazar el género que marcó su infancia. La artista comparte con la Revista Cameo cómo vivió su triunfo en televisión, su experiencia como actriz y la emoción de descubrir que México ya canta sus canciones.

H Locación: HOTEL MARBELLA MÉXICO

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ay artistas que encuentran su sonido siguiendo las tendencias y otros que simplemente regresan al lugar donde siempre pertenecieron. Ese parece ser el caso de Nia, quien después de convertirse en una de las voces más reconocidas de España tras ganar Operación Triunfo, decidió apostar por el género que la ha acompañado desde niña: la salsa.

Con Romería Negra, su más reciente producción

Fotos y texto Carlos Mora discográfica, la cantante canaria no solo reafirma su identidad musical, sino que también inicia una nueva etapa internacional que la trajo por primera vez a México, donde descubrió que sus canciones ya tenían un lugar en el corazón del público.

En entrevista con la Revista Cameo, la intérprete habló sobre el origen de su carrera, su paso por la televisión, la actuación, el musical El Rey León y el momento profesional que vive gracias a un disco que

nació desde la honestidad y el deseo de hacer la música que realmente la representa.

Para Nia, la música nunca fue una decisión, sino una parte natural de su vida. Desde muy pequeña encontró en el canto un espacio donde podía expresarse y desarrollarse.

“Desde que tengo uso de razón estoy ligada a la música. Mi abuela me apuntó a clases de canto, de solfeo y de música cuando era muy pequeña, pero realmente no recuerdo un momento

en el que no cantara. Siempre ha estado conmigo.”

Ese vínculo terminó llevándola años después a uno de los programas musicales más importantes de España. Sin embargo, reconoce que su llegada a Operación Triunfo estuvo a punto de no ocurrir.

“Ese día estaba trabajando en Ibiza y me levanté muy temprano para ir al casting. Incluso pensé en no ir porque estaba cansada, pero ya tenía los boletos comprados y dije: ‘Bueno, voy a aprovechar’.

Nunca imaginé todo lo que iba a pasar después.”

A diferencia de muchos participantes que llegan muy jóvenes a este tipo de formatos, Nia ya contaba con experiencia sobre los escenarios, algo que considera fundamental para enfrentar la presión que implica un reality de esa magnitud.

“Entré con 25 años y ya llevaba varios años trabajando en la música. Yo veía el programa como una oportunidad para enseñar todo lo que sabía hacer.

No intenté ser alguien diferente, simplemente hice lo que llevaba haciendo desde hacía años.”

Aunque reconoce que ganar un concurso tan mediático cambia por completo la vida de cualquier artista, procura mantener los pies en la tierra. Solo cuando se detiene a mirar hacia atrás es consciente del camino recorrido.

“Cuando hago entrevistas o me paro a pensar en todo lo que he vivido sí digo: ‘Madre mía’. Me considero una persona muy

afortunada porque han pasado muchas cosas bonitas en muy poco tiempo.”

Pero si hay algo que define esta nueva etapa es la decisión de dedicar un álbum completo a la salsa, un género poco habitual entre los artistas españoles contemporáneos.

“La salsa es lo que más me gusta del mundo. Cuando me siento a escribir canciones o cuando me subo a un escenario, es el género que más me hace sentir.

Ningún otro consigue despertarme las emociones

que me provoca la salsa.”

Para Nia, no se trata de una estrategia comercial, sino de una necesidad artística. “Al final uno tiene que hacer las cosas que lo hacen feliz. Yo sería muy infeliz haciendo otra cosa solamente porque pudiera funcionar mejor. La salsa me hace sentir plena y por eso decidí apostar por ella.”

Su historia explica perfectamente esa conexión.

Originaria de las Islas Canarias, creció rodeada de la influencia musical latinoamericana. | 71

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“En Canarias tenemos muchísima influencia latina. Desde pequeños escuchamos salsa, boleros, rancheras y música tropical. Es parte de nuestra cultura. Incluso hablamos diferente al resto de España. Somos muy latinos en muchas cosas.”

Por eso considera natural que su sonido tenga una identidad distinta a la de otros artistas españoles.

“Un madrileño haciendo salsa y yo no tenemos prácticamente nada que ver.

Nuestra manera de vivir la música es diferente.”

La respuesta que ha recibido de grandes figuras del género también le ha dado confianza para seguir construyendo este camino.

“Lo más bonito es que la gente que lleva muchos años haciendo salsa escucha mi música y me anima a seguir. Eso significa mucho porque demuestra que estoy tratando al género con respeto y con cariño.”

Cuando habla de sus referentes, la emoción es evidente. Para ella existe un nombre que está por encima de todos.

“Celia Cruz es mi referente número uno por todo lo que representa y por el legado que dejó. Después están Gilberto Santa Rosa, Grupo Niche… son artistas enormes. Ojalá algún día pueda construir una carrera que se acerque un poco a la de ellos.”

Antes de convertirse en una figura del pop español, Nia pasó cuatro años en el elenco del musical El Rey León, una experiencia que considera decisiva para entender la profesión.

“Fue mi primer trabajo 72 |

profesional. Entré con 19 años y estuve cuatro años en el musical. Aquello era una academia de alto rendimiento. Aprendes disciplina, constancia, a cuidar tu voz, a trabajar en equipo y a dominar el escenario.

No creo que exista otro musical igual.”

Ahora esa preparación le permite disfrutar plenamente de los conciertos, aunque admite que los nervios nunca desaparecen.

“Antes de salir siempre siento muchísima ansiedad.

Incluso pienso: ‘¿Por qué me dedico a esto si siempre lo paso tan mal antes de salir?’. Pero en cuanto pongo un pie en el escenario todo desaparece. Ahí solamente existe la felicidad.”

Precisamente esa felicidad fue la que experimentó durante su primera visita a México. La cantante llegó para presentar Romería Negra sin saber exactamente qué respuesta encontraría y terminó llevándose una de las mayores sorpresas de su carrera.

“Me quedé impresionada porque la gente se sabía todas las canciones. Las cantaban de principio a fin y las vivían conmigo. Estar tan lejos de casa y encontrar ese cariño es algo que no voy a olvidar nunca.”w Además del concierto, la artista aprovechó su estancia para realizar promoción, reunirse con compositores mexicanos y comenzar a crear nuevas canciones.

“Quiero aprovechar para escribir con artistas de aquí porque México tiene muchísimo talento y me hace mucha ilusión compartir música con ellos.”

La conexión fue tan fuerte que incluso ya piensa en regresar. “Ya estamos hablando con el equipo para volver el próximo año.

Me gustaría venir durante más tiempo, hacer otro concierto, seguir componiendo y conocer mucho más del país. México me ha enamorado.”

Durante su visita también aprovechó para descubrir la gastronomía mexicana y hacer una lista de lugares que espera recorrer antes de regresar a España.

“Me encanta comer y ya tengo muchos sitios apuntados. También quiero conocer Teotihuacán, las trajineras y seguir descubriendo la ciudad porque me parece increíble.”

Con Romería Negra, Nia

demuestra que el éxito no siempre consiste en seguir el camino más fácil, sino en encontrar el sonido que realmente representa a un artista. En una industria donde las tendencias cambian constantemente, la cantante canaria eligió mirar hacia sus raíces, abrazar la salsa con autenticidad y demostrar que el género sigue teniendo espacio para conquistar nuevas generaciones.

Si algo quedó claro tras su primer encuentro con el público mexicano es que esa apuesta apenas comienza y que, lejos de quedarse en una visita promocional, Nia ya encontró un nuevo hogar para su música al otro lado del Atlántico.

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Por Carlos Aguillón

ay colaboraciones que nacen en un estudio de grabación y otras que parecen estar escritas por el destino. La de Mariana Ochoa y Andy Zuno pertenece a la segunda categoría.

Una conversación casual bastó para dar vida a Déjame el Tequila, la canción que hoy une a ambos artistas.

En entrevista, Zuno recuerda que la idea surgió sin planearse, pero con la convicción de que algún día trabajarían juntos.

“Coincidimos el año pasado. Yo fui a su programa de radio y, hablando de duetos y colaboraciones, dijimos: ‘Oye, pues ahora tenemos que hacer tú y yo algo’.

Terminando la entrevista le dije que hablaba completamente en serio. Me fui a buscar qué canción podía ser y, cuando apareció Déjame el Tequila, supe inmediatamente que era para Mariana”.

El cantante asegura que nunca dudó de la elección.

“Yo decía: esta canción está completamente alineada con lo que Mariana está haciendo musicalmente.

Le mandé la propuesta y afortunadamente no me equivoqué”.

RESPUESTA INMEDIATA “Cumplió su palabra”, cuenta entre risas Mariana Ochoa. “Ese mismo día ya me estaba escribiendo. Escuché la canción e hice clic inmediatamente. Me gustó 74 |

muchísimo porque tiene actitud, es divertida y habla del despecho, pero de ese despecho que también te pone a bailar. Además, el tequila es algo tan representativo de México que hace más especial la historia”.

El sencillo también refleja el momento creativo que viven ambos artistas. Mientras Andy continúa consolidando su faceta como compositor y productor, Mariana disfruta la libertad que le ha dado construir su camino como solista.

“Estoy empezando a cosechar cositas que sembré el año pasado, aunque en realidad llevo muchos años sembrando. Toda mi vida he estado dedicada a la música y ahora estoy preparando un nuevo álbum, nuevas colaboraciones y un concierto muy especial en La Maraka.

Es una etapa muy bonita".

Para Andy, esta colaboración representa mucho más que un sencillo.

“Estoy en un momento de expansión, de exploración y de colaboración. La música independiente te da una libertad increíble para ir a tu ritmo, hacer lo que realmente quieres y aprender sobre la marcha. Voy haciendo camino al andar”.

Esa filosofía también quedó plasmada en el nombre de su próximo álbum: Esto no ha terminado.

“Muchas veces sentí que llegaba a un callejón sin salida y pensaba: ‘¿Qué sigue ahora?’. Pero la vida siempre termina sorprendiéndote. Yo creía que el

MARIANA OCHOA Y ANDY ZUNO

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Dos carreras unieron fuerzas para crear una fusión de pop y regional mexicano; en entrevista con la Revista Cameo, hablan de la música independiente y la IA en la composición.

EL ENCUENTRO QUE DIO VIDA A

DÉJAME EL TEQUILA disco ya estaba terminado y llegó Mariana para decirme, simbólicamente, que todavía faltaba una pieza. De eso habla el álbum: siempre hay algo más por descubrir”.

Más allá del lanzamiento, ambos artistas reflexionan sobre uno de los temas que hoy divide opiniones dentro de la industria musical: la Inteligencia Artificial.

Ochoa reconoce que ha comenzado a utilizarla, pero únicamente como una herramienta de trabajo.

“Estoy muy de acuerdo en usar la Inteligencia Artificial como apoyo. Te permite escuchar cómo sonaría una canción en distintos géneros sin tener que grabar una maqueta completa. Antes eso implicaba contratar músicos, rentar un estudio y gastar mucho tiempo y dinero. Hoy puedes experimentar mucho más rápido”.

Sin embargo, establece un límite muy claro.

“Lo que no comparto es que una canción nazca completamente desde la IA. Las experiencias que vivimos jamás las va a igualar una máquina. Espero que nunca sustituya el arte que nosotros, como seres humanos, podemos aportar”.

Andy coincide con esa visión y lleva la reflexión un paso más allá.

“La Inteligencia Artificial tiene inteligencia, pero no tiene alma. Nosotros escribimos desde lo que hemos vivido, desde lo que soñamos o incluso desde lo que nos rompió el corazón.

Ahí está el verdadero valor del arte”.

El cantante considera que los grandes compositores siempre dejan una huella imposible de replicar.

“Todos los autores desarrollan un sello. Hay ciertas palabras, ciertas melodías o ciertas maneras de contar las historias que terminan convirtiéndose en su identidad. Eso nace de las entrañas, no de una computadora”.

Mientras Mariana prepara el lanzamiento de un nuevo álbum y su esperado concierto en La Maraka, Andy combina la música con el cine, pues en septiembre también estrenará la película Amarte. Ninguno siente prisa. Ambos prefieren construir una carrera paso a paso, convencidos de que las canciones permanecen cuando nacen desde la honestidad. | 75

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urante años compartieron escenarios, festivales y colaboraciones desde distintos frentes. Cada uno dejó una huella en el rock mexicano con proyectos como Caifanes, Jaguares, La Barranca y Arpía. Sin embargo, nunca habían coincidido en una banda con identidad propia.

Esa historia cambia con Madreperla, el proyecto que reúne a Cecilia Toussaint, José Manuel Aguilera, Alfonso André y Federico Fong para mirar hacia adelante y crear música sin nostalgias ni fórmulas.

En entrevista con la Revista Cameo, Alfonso André explica que Madreperla nunca fue concebido como un “supergrupo” armado por estrategia, sino como una consecuencia natural de una amistad construida durante décadas.

“Es un nuevo grupo de viejos conocidos que nos admiramos y hemos trabajado en distintas oportunidades a lo largo de muchos años de carrera. Nos juntamos porque teníamos ganas de hacer algo diferente, de ver qué podíamos hacer hoy por hoy”.

Más que repetir fórmulas, el objetivo era descubrir qué podía surgir cuando cuatro músicos con personalidades tan definidas decidían encontrarse.

“Cada uno tiene una personalidad musical muy definida. Lo interesante era buscar algo nuevo dentro de todas esas cosas que tenemos en común. Nos gusta mucho trabajar juntos, admiramos el trabajo de cada integrante y, aunque eso hace fácil colaborar, también representa el reto de encontrar una nueva manera de hacer música”.

76 |

MADREPERLA: CUANDO EL ROCK CUESTIONA LA INDUSTRIA Lejos de las tendencias pasajeras, cuatro referentes del rock mexicano se reúnen para crear música con libertad. Cecilia Toussaint, Alfonso André y Federico Fong reflexionan sobre la industria, la tecnología y el valor del proceso creativo.

Por Carlos Aguillón Esa búsqueda terminó convirtiéndose en el corazón de Si pudieras oír, el primer álbum de Madreperla, con nuevas lecturas de canciones que ahora adquieren otro significado bajo esta alineación.

Para Cecilia Toussaint, el proceso creativo se dio con absoluta libertad, sin prisas y sin imposiciones.

“Cada quien propuso algunas cosas viejas, otras se hicieron para este proyecto y otras eran canciones que en algún momento habían quedado fuera de otros discos. Probamos mucho material en los ensayos; algunas cosas nos convencieron y otras no”.

La cantante asegura que esa espontaneidad define la esencia de Madreperla.

“Procuramos que no haya nada forzado. Queremos que las cosas caminen, que sea un gusto trabajar juntos y compartir entre nosotros lo que más nos gusta hacer. Así fue la selección del material”.

El concierto del Metropólitan será, además, la primera oportunidad para adquirir el álbum en formato vinil, una decisión

que parece ir a contracorriente en una época donde la música se consume a la velocidad de un deslizamiento sobre la pantalla.

Lejos de verlo como un gesto nostálgico, Toussaint considera que el formato representa una postura frente a la manera en que hoy se escucha música.

“Hacer un vinil es una invitación a darte el tiempo de sentarte, abrir el corazón y los oídos, escuchar una obra completa y no solamente tres segundos de una canción para pasar a la siguiente con el dedo”.

La conversación inevitablemente derivó hacia el estado actual de la industria musical, un tema sobre el que Alfonso André no ocultó su preocupación.

“Musicalmente, para mi gusto, la industria está bastante pobre. Las disqueras están haciendo cosas muy extrañas, firmando personas que ni siquiera están interesadas en hacer música. Todo se basa en cuántos seguidores tienen”.

Aunque reconoce que siguen apareciendo artistas valiosos, considera que el verdadero problema está en

la forma en que hoy funciona el negocio.

“Hay gente haciendo cosas interesantes. Lo que está en crisis es la industria de la música. Las plataformas de streaming también le han restado muchísimo valor a nuestro trabajo”.

Sin embargo, Toussaint ofrece una mirada distinta.

Para ella, las dificultades para abrirse paso no son exclusivas de esta generación.

“Siempre ha habido gente haciendo buena música que no encuentra espacios.

Nosotros también vivimos eso cuando empezábamos.

Quizá las razones eran otras, pero la situación ha sido muy parecida”.

Donde sí reconoce un cambio profundo es en el tamaño del escenario al que hoy se enfrentan los nuevos músicos.

“Ahora competimos con el planeta entero. Antes no era así. Pero también creo que quien no se rinde y sigue trabajando termina encontrando su espacio, como nos pasó a nosotros”.

Federico Fong, recordó que Madreperla llevaba años esperando el momento adecuado para existir.

“Era un proyecto que llevaba mucho tiempo guardado en el cajón. Cecilia decidió concretarlo y aquí estamos, felices de que sucediera”.

Incluso reveló un detalle curioso sobre su origen.

“Antes se llamaba Concha Nácar. Después apareció Madreperla y sentimos que era un nombre mucho más bonito y contundente para este proyecto”.

Sobre el show del Metropólitan adelantó que el público escuchará las composiciones inéditas como nuevas versiones de canciones que marcaron la trayectoria de sus integrantes.

“Vamos a tocar el material de Madreperla y también algunas canciones anteriores, pero reinterpretadas desde esta nueva formación.

Escuchar a Cecilia cantando temas de La Barranca es da otra dimensión”.

Aunque ninguno sabe con certeza cuándo volverán a coincidir sobre un escenario, todos coinciden en que este concierto representa un momento irrepetible. Las agendas hacen difícil pensar en una gira constante, por lo que el encuentro adquiere un valor especial. | 77

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o todos los sueños empiezan con un plan. El de Unread nació entre discos de música electrónica que llegaron por casualidad a sus manos. Años después, esa curiosidad adolescente se ha transformado en un debut en Tomorrowland, el festival que cualquier DJ aspira a conquistar.

El mexicano hará historia al convertirse en el primer DJ originario de Veracruz en presentarse en el encuentro que reúne a los mejores exponentes de la música electrónica en Bélgica. Un logro que, todavía le parece difícil de creer.

“Representar a Veracruz en un escenario como Tomorrowland es el sueño de cualquier artista, pero sobre todo es el resultado de años de disciplina y de creer en un sonido propio. Estoy listo para llevar el corazón de México a Bélgica”, comparte con la Revista Cameo.

El camino, sin embargo, estuvo lejos de ser sencillo. Durante una década aprendió prácticamente solo a producir música, apoyándose en tutoriales de internet cuando la información todavía era limitada.

“Me tomó más de diez años aprender a hacer música. Cuando empecé sólo encontraba tutoriales en inglés y yo tenía 12 o 13 años.

Dependía de mí cuánto quería aprender y cuánto quería crecer”.

Antes de imaginarse frente a miles de personas en el festival, Unread pasó por bares y clubes donde debía adaptarse.

“Tocaba música comercial y reguetón, pero los pocos minutos que tenía para poner mis canciones eran los momentos que más disfrutaba. Ahí entendí que eso era lo que quería hacer toda mi vida”, dice.

Su perseverancia terminó encontrando recompensa gracias a las redes sociales. Una colaboración con el cantante alemán Thandi se volvió viral en TikTok y llamó la atención de productores internacionales, entre ellos Moguai, uno de los nombres más respetados de la escena electrónica.

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UNREAD

EL DJ DE VERACRUZ QUE LLEGA A TOMORROWLAND

El productor debutará en el festival de música electrónica más importante del mundo; en entrevista con la Revista Cameo, comparte el camino de diez años que lo llevó hasta ese escenario.

Por Carlos Aguillón

“De repente empezaron a preguntarse quién era ese mexicano.

Esa canción nos abrió muchísimas puertas y me permitió conectar con gente de Alemania y de otros países”, explica.

Para el artista, las plataformas digitales han cambiado la manera de construir una carrera internacional.

“Hoy puedes compartir tu música y la gente adecuada termina encontrándote. Eso era impensable hace algunos años”, afirma.

Más allá del logro personal, el productor quiere que su presentación en Tomorrowland sirva para abrir nuevas oportunidades a otros talentos nacionales. Por ello, su set incluirá música propia, remixes y producciones de colegas mexicanos.

“Quiero tocar música mía, pero también de amigos y productores mexicanos. Quiero que este momento sea un antes y un después para quienes están trabajando por el mismo sueño. Si yo puedo abrir una puerta, quiero hacerlo”, asegura.

La emoción también se vive en casa. “Mi mamá no entendía muy bien qué era el festival musical hasta que le enseñé videos. Cuando los vio quedó impresionada. Ahora toda mi familia está emocionada por lo que viene”, cuenta entre risas.

Después de Bélgica, el siguiente objetivo será regresar a México para compartir con su público la experiencia que vivirá en el festival.

“Quiero traer ese mismo set a mi páis. Mucha gente nunca podrá ir porque los boletos se agotan muy rápido, así que me gustaría que aquí también vivieran un poco de esa experiencia”, adelanta.

Aunque reconoce que países de Europa tienen una cultura electrónica mucho más consolidada, está convencido de nuesto país atraviesa uno de sus mejores momentos.

“Cada vez hay más gente que se atreve a mostrar su música. Antes todo dependía de los contactos; hoy plataformas como TikTok o Instagram permiten que cualquiera pueda llegar muy lejos si tiene talento”, concluye.

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ientras buena parte del pop actual apuesta por canciones inmediatas y relaciones fugaces, el cantante originario de Tepatitlán, Jalisco, decidió construir su primer EP alrededor de las heridas, las dudas, el enamoramiento y la posibilidad de volver a empezar.

“Iglú”, su nuevo sencillo, es quizá la pieza que mejor resume esa intención. No nació para hablar de una ruptura en particular, sino de una sensación que, asegura, cada vez es más común: la de encontrarse con personas incapaces de comprometerse.

“La música siempre significó un refugio. Desde muy pequeño encontré ahí un consuelo. Por eso conecté tanto con Iglú. Habla de ese frío emocional que vivimos cuando alguien va y viene, cuando te da las cosas a medias y terminas lleno de dudas”, cuenta Fiero en entrevista con la Revista Cameo.

Para él, las redes sociales también han cambiado la manera en que las personas se relacionan.

“Siento que hoy todo es muy rápido. Siempre pensamos que hay otra opción y eso hace que la gente ya no quiera entregarse por completo. Yo sigo creyendo que amar es bajar la guardia”.

Ese discurso atraviesa Veneno Vainilla, el EP de seis canciones que estará presentando a lo largo del año. Más que un álbum conceptual planeado desde el principio, terminó convirtiéndose en una especie de diario personal.

“Yo solo escribía lo que sentía y, cuando vi todas las canciones juntas, descubrí que contaban una historia. Es una montaña rusa de emociones, porque así fue esa etapa de mi vida”.

El proyecto fue producido por Dann Fibo, quien ha trabajado con Danna, dónde reúne sonidos que van de la balada al pop con matices urbanos. Sin embargo, para Fiero el verdadero hilo conductor no está en el estilo musical, sino en la honestidad con la que decidió escribir.

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ANTONIO FIERO

CANCIONES PARA SANAR EL ALMA

"Iglú", tercer sencillo de "Veneno Vainilla", refleja las vivencias del cantante jalisciense. En entrevista, habla del amor, la música y sus sueños.

Por Carlos Aguillón

“Hay canciones muy fuertes y muy personales. Una habla sobre abuso sexual, otra sobre volver a enamorarme. Todo el EP fue un proceso de sanación”.

Aunque la música ocupa hoy el centro de su carrera, recuerda que su relación con ella comenzó desde la infancia, cuando su madre llenaba la casa de canciones.

“Mis tardes con ella eran poner música, bailar y cantar. Ahí nació todo. Después, en la escuela, siempre me metía a cualquier actividad artística porque era la única manera que encontraba para expresar lo que sentía”.

Crecer en una comunidad conservadora marcó esa necesidad de encontrar una voz propia.

“Vengo de un lugar donde a los hombres muchas veces nos enseñan que no debemos llorar o expresar emociones. Para mí la música fue el espacio donde sí podía hacerlo”.

El siguiente capítulo de esa historia llegará con Rizos, una canción inspirada en una historia de amor que vivió en Nueva York y que representa el momento en el que decidió volver a confiar.

“Después de Iglú viene esa parte donde dices: ‘voy a intentarlo otra vez’. Habla del amor sin pena, sin miedo a decir ‘me gustas’ o ‘te quiero’. Creo que hace falta recuperar esa sinceridad”.

Paralelamente, Antonio también ha desarrollado una carrera como modelo y actor desde que dejó Jalisco para instalarse en la Ciudad de México hace cinco años.

Ha participado en campañas para diversas marcas, comerciales y proyectos teatrales, además de preparar nueva música y escribir el tema principal de un próximo reality show.

Pese a que las oportunidades han llegando, mantiene claro qué espera provocar con sus canciones.

“Más que buscar fama, quiero conectar con la gente. Si alguien escucha una canción y siente que encontró un abrazo o que no está solo, entonces todo esto ya tiene sentido”.

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ANTONIETTA DI PASQUALE EL LEGADO DE UNA NONNA QUE CONQUISTÓ MÉXICO

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Por Carlos Aguillón Fotos Carlos Mora

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Las recetas que la nonna Antonietta Di Pasquale aprendió en Sicilia hace más de siete décadas siguen vivas en este rincón de Italia, donde cada platillo celebra la tradición, la familia y el auténtico sabor italiano.

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ay lugares donde el tiempo parece detenerse. Donde el aroma del pan recién horneado, la pasta hecha a mano y la salsa que hierve a fuego lento despiertan recuerdos que incluso quienes nunca han pisado Italia sienten como propios. En el corazón de Santa María la Ribera, este restaurante resguarda el legado de una familia que ha convertido cada receta en un acto de amor, manteniendo viva, generación tras generación, el alma de la cocina italiana.

Todo comienza con Antonietta Di Pasquale, la nonna, guardiana de una tradición que ha sobrevivido al tiempo y a la distancia.

Nació en Palermo, Sicilia, y hace 46 años cruzó el océano junto a su esposo, quien llegó a México por un proyecto de construcción. Lo que parecía un viaje pasajero terminó convirtiéndose en un nuevo hogar. Sin embargo, hubo algo que nunca dejó atrás: los sabores de su infancia, las recetas aprendidas entre ollas humeantes y el amor con el que siempre ha cocinado.

Años después, cuando su hija, Cristina María Chalona, decidió abrir un restaurante para compartir ese legado familiar, Antonietta sólo 82 |

M A R Í A

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ITALIA HOMENAJE A LA COCINA DE

puso una condición: que la cocina conservara la misma esencia con la que había alimentado a su familia durante toda la vida.

"Yo le dije a mi hija: 'Vas a poner un restaurante y yo cocino así. Si no lo puedo hacer como siempre lo he hecho, mejor no lo hago'", recuerda con una sonrisa. Porque para la nonna cocinar nunca ha sido un negocio; ha sido la forma más profunda de mantener viva la memoria de Sicilia y de reunir a las personas alrededor de una mesa.

Ese amor por las recetas heredadas es el corazón de este restaurante familiar.

Aquí el tiempo se respeta y la tradición marca el ritmo.

No existen atajos ni sabores improvisados: cada salsa nace desde el primer jitomate, cada pasta se prepara con paciencia y cada platillo conserva la esencia de la cocina donde Antonietta aprendió a cocinar siendo apenas una niña.

"Para hacer una lasaña me tardo seis horas. Todo es fresco. El jitomate se limpia, se pica y se cocina desde el principio. Ya casi nadie quiere hacerlo así, pero así debe hacerse", comparte la nonna, convencida de que el ingrediente más importante es el tiempo.

Su lasaña de carne es mucho más que el platillo insignia de la casa: es una receta que ha viajado de generación en generación

hasta encontrar un nuevo hogar en México. A su lado aparecen el pesto de pistache, orgullo de Sicilia; el pez espada preparado como dicta la tradición mediterránea, y los cannolicci elaborados de forma artesanal.

Cada bocado es un regreso al origen, un puente entre dos países y una historia familiar que sigue escribiéndose alrededor de la mesa.

Para Cristina María Chalona, directora de Grupo María la Italiana e hija de Antonietta, el mayor desafío no ha sido abrir restaurantes, sino resguardar un legado que comenzó mucho antes de que existiera María Ciento38. Un legado tejido entre recetas familiares, sobremesas interminables y el aroma de una cocina donde cada platillo cuenta la historia de quienes lo prepararon antes.

"No hay congelados, no hay enlatados y todo se hace fresco. Eso implica mucho trabajo porque atendemos a cientos de personas todos los días, pero si no lo hacemos así, perdemos la esencia de mi mamá y de nuestra cocina", comparte en entrevista.

Hace casi una década nació este pedazo de Italia, un espacio que con el tiempo se convirtió en el corazón de Grupo María la Italiana, al que también pertenecen Ninna Pastificio y Cosimo Pizzería. Sin embargo, este restaurante sigue siendo el

MARÍA CIENTO38 Dónde: Santa María la Ribera 138, Col. Centro, Ciudad de México, 06400 CDMX. www.mariaciento38.com

lugar donde todo comenzó: el refugio de una tradición que se ha negado a ceder ante la prisa y las modas.

"María es cien por ciento tradicional, cien por ciento siciliano. Son recetas de familia que nunca hemos cambiado", afirma Cristina. Más que servir comida italiana, su propósito es conservar intacta la memoria de Sicilia y compartirla con cada persona que se sienta a la mesa, porque hay historias que sólo pueden contarse a través de un buen plato.

Este rincón gastronómico fue reconocido en Italia dentro de un reality que distingue a los restaurantes que mejor preservan la auténtica cocina italiana fuera de su país. Más que evaluar los platillos, el reconocimiento celebró algo imposible de replicar: el alma del lugar. "¿Qué puede ser más italiano que una nonna cocinando y una familia recibiéndote en su mesa?", dice Cristina con una sonrisa que parece contener la respuesta.

A sus 77 años, Antonietta sigue encontrando entre ollas y sartenes el lugar donde habita su felicidad.

"Yo me pongo a cocinar y se me olvida todo. Es algo natural para mí. Así ha sido toda mi vida", confiesa con la serenidad de quien ha hecho del amor su mejor receta.

Tal vez ahí resida el verdadero secreto de este rincón gastronómico. No está sólo en una lasaña que requiere seis horas de preparación, ni en una salsa que comienza con el primer jitomate fresco. Está en las manos que se niegan a olvidar, en una familia que decidió convertir la memoria en alimento y en el deseo de compartir con México un pedazo de Sicilia.

En una ciudad donde las tendencias cambian con rapidez, este rincón de Sicilia permanece fiel a lo esencial. Porque hay lugares donde se sirve buena comida y otros donde se sirven historias.

Aquí, cada pasta, cada salsa y cada lasaña llevan consigo el sabor de una herencia que sigue viva alrededor de la mesa. Y quien se sienta a compartirla no sólo descubre la cocina italiana: encuentra un hogar al que siempre dan ganas de regresar. | 83

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Cuna del poeta Alí Chumacero y hogar de una rica tradición artística; este rincón de Nayarit conquista con su gastronomía, arquitectura colonial y paisajes naturales.

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Por Carlos Aguillón

ntre las playas que han dado fama internacional a Nayarit también existen destinos que cautivan por su historia, su identidad cultural y el legado de quienes han marcado la vida artística de México.

Uno de ellos es Acaponeta, una ciudad que presume con orgullo el sobrenombre de “La Atenas Nayarita”, gracias a su intensa actividad cultural, y también el de “La Ciudad de las Gardenias”, por la abundancia de esta emblemática flor que da color a sus calles.

Lejos del turismo de sol y playa, este municipio ofrece una experiencia distinta, donde la literatura, la gastronomía y la naturaleza se combinan para sorprender al visitante.

Acaponeta es reconocido por ser la tierra natal del poeta y crítico literario Alí Chumacero, una de las voces más importantes de la literatura mexicana del siglo XX. Su legado permanece vivo en el museo que lleva su nombre, ubicado en el corazón de la ciudad, donde además de conocer su obra, los visitantes pueden recorrer salas con pinturas, esculturas y piezas arqueológicas que narran la historia prehispánica de la región.

El recinto también funciona como un espacio cultural dinámico, con talleres de danza, pintura, música, dibujo, canto e idiomas, además de una biblioteca especializada que resguarda parte de la memoria intelectual del estado.

La vocación artística de Acaponeta también se refleja en la obra del reconocido pintor y escultor Vladimir Cora, cuya casa se ha convertido en otro de los sitios de interés para quienes desean acercarse al talento que ha surgido de esta región nayarita.

El recorrido continúa por el centro histórico, donde destaca el Templo de Nuestra Señora de la Asunción, una construcción de origen colonial levantada durante el siglo XVII que domina la plaza principal y se mantiene como uno de los símbolos arquitectónicos más representativos del municipio.

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ACAPONETA

EL LADO CULTURAL QUE ENAMORA DE NAYARIT

Muy cerca se encuentra la Casa de la Cultura y el Malecón del Río Acaponeta, un espacio ideal para caminar mientras cae la tarde.

El río, además de ser uno de los principales atractivos naturales de la región, desemboca en el estero de Teacapán, formando un importante sistema de manglares que enriquece la biodiversidad del norte de Nayarit.

La cocina local es otro de los grandes motivos para visitar este destino. Gracias a su cercanía con la costa, los mariscos ocupan un lugar privilegiado en las mesas, con especialidades como el pescado zarandeado y los camarones preparados en distintas recetas tradicionales.

Sin embargo, la identidad culinaria también se expresa en platillos como los tacos de puerco echado, preparados con carne o cuero dorado y acompañados por la característica salsa escuinapa, elaborada con mostaza. El menú se complementa con pozole, tamales barbones, enchiladas rojas y frutas tropicales como mango y piña.

Para refrescarse, nada mejor que un tradicional tejuino, un agua de cebada o un atole de piña, además de bebidas elaboradas con nanche y tamarindo, sabores que forman parte del patrimonio gastronómico de la región.

Quienes decidan prolongar su estancia encontrarán una variada oferta de hospedaje, desde hoteles familiares hasta propuestas boutique que permiten descubrir con calma cada uno de los atractivos de este destino.

Ubicada aproximadamente a hora y media de Tepic por la autopista 15D, y a unas dos horas de Mazatlán, Acaponeta representa una excelente alternativa para quienes desean conocer un rostro distinto de Nayarit.

Más que un sitio de paso, este rincón del estado invita a descubrir una historia escrita entre flores, versos, tradiciones y sabores que mantienen viva la esencia cultural de una de las ciudades con mayor identidad del occidente mexicano. | 85

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ISOPURE Y THE COFFEE REINVENTAN EL CAFÉ CON PROTEÍNA FUNCIONAL

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La nueva colaboración entre Isopure y The Coffee presenta Isopure Protein Cold Foam, una propuesta que incorpora 30 gramos de proteína a bebidas como latte, chai y matcha, apostando por una experiencia que combina nutrición, sabor y estilo de vida.

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on el objetivo de transformar uno de los rituales más cotidianos, Isopure y The Coffee unieron fuerzas para lanzar Isopure Protein Cold Foam, una innovadora propuesta que integra 30 gramos de proteína en bebidas como latte, chai y matcha. Disponible en más de 60 sucursales en México, esta colaboración busca responder a una nueva generación de consumidores que prioriza tanto el bienestar como el sabor.

La fórmula destaca por ofrecer proteína de alta calidad sin azúcar añadida, cero carbohidratos y una textura cremosa que sustituye a la tradicional crema batida.

El resultado es una bebida que convierte el café en una alternativa funcional para quienes desean complementar su alimentación sin renunciar al placer de disfrutar una taza preparada con café de especialidad.

El lanzamiento tuvo lugar en México con la presencia de directivos internacionales y regionales de Glanbia, empresa propietaria de

Isopure, así como representantes de The Coffee.

Durante el encuentro, ambas compañías destacaron que el mercado mexicano se ha convertido en un escenario estratégico para impulsar nuevas tendencias gracias a una creciente cultura del café y al interés de los consumidores por opciones más saludables.

Para acompañar la llegada del producto, las marcas desarrollaron una activación especial en sus tiendas con instalaciones de gran formato que buscan convertir cada visita en una experiencia

compartible. La campaña también refuerza la identidad visual de la bebida, cuya característica capa de cold foam se convierte en el sello distintivo de la colaboración.

Con esta alianza, Isopure y The Coffee apuestan por una categoría que une nutrición funcional, conveniencia y experiencia premium. La propuesta responde al auge de las bebidas funcionales en México y a una tendencia de consumo en la que el café deja de ser solo una bebida para convertirse en parte de un estilo de vida enfocado en el bienestar.

MÉXICO se consolida ISOPURE PROTEIN como un laboratorio donde suceden fórmulas COLD FOAM OFRECE ganadoras. Su combina• 30 g de proteína por ción de cultura cafetera, porción sofisticación del consumi• Cero carbohidratos dor y apertura a nuevas posiciona •propuestas Sin azúcar lo añadida ni como el entorno ideal para crema batida crear y escalar innovacio• Sabor y textura sin nes relevantes. compromisos 86 |

ISOPURE PROTEIN COLD FOAM OFRECE • 30 g de proteína por porción • Cero carbohidratos • Sin azúcar añadida ni crema batida • Sabor y textura sin compromisos

PENSADO PARA EL CONSUMIDOR MODERNO

Isopure Protein Cold Foam habla a una audiencia amplia pero unificada: personas que se rehúsan a elegir entre disfrutar y cuidarse: • Amantes del café que buscan elevar su consumo diario • Consumidores ocupados que valoran la conveniencia sin sacrificar nutrición • Personas enfocadas en el bienestar • Consumidores que priorizan el sabor • Personas que valoran rituales, estética y momentos compartibles

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l fotógrafo mexicano César Rodríguez fue reconocido en el World Press Photo por una serie documental de largo periodo que explora los efectos del cambio climático en México. A través de imágenes captadas durante cinco años en distintos estados del país, Rodríguez construye un retrato de sequías, inundaciones, erosión costera y las consecuencias sociales de una crisis ambiental que avanza con mayor rapidez de lo esperado.

En entrevista con la Revista Cameo, el ganador de la categoría Norteamérica en Fotografía de Largo Periodo habla sobre el origen de este proyecto, la importancia del fotoperiodismo documental y el valor de la fotografía como una herramienta para generar memoria y reflexión. ¿Cómo nació esta serie que te llevó a ganar el World Press Photo?

Este proyecto comenzó como un encargo. Inicialmente trabajé alrededor de 10 días con el tema, pero después me interesé mucho más y decidí continuar investigando. El primer acercamiento fue en Tabasco, donde documenté la erosión costera y sus efectos en distintas comunidades.

A partir de ahí empecé a investigar sobre el cambio climático en México y descubrí que era un tema enorme, con diferentes problemáticas como la sequía, las inundaciones, el calor extremo y la pérdida de territorio por el aumento del nivel del mar.

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Es una serie que llevo trabajando durante cinco años y que me ha llevado a lugares como Nayarit, Veracruz, Tabasco, Chihuahua y Monterrey. Es un proyecto vivo porque el problema sigue cambiando y acelerándose.

CÉSAR RODRÍGUEZ

RETRATA LA CRISIS CLIMÁTICA En entrevista con la Revista Cameo, el ganador del World Press Photo habla sobre el proyecto que documenta los efectos del cambio climático en México y el poder de la fotografía para generar reflexión.

Texto y fotos Carlos Mora

¿Qué encontraste al recorrer estos territorios?

Me di cuenta de que el cambio climático no solamente es un fenómeno ambiental, sino también social y político.

Por ejemplo, en Monterrey documenté la crisis del agua y conocí historias muy complejas.

Entrevisté a conductores de pipas que me contaban que en algunas ocasiones habían sido retenidos por grupos armados para llevar agua a determinadas colonias.

También acompañé a inspectores que revisaban tomas ilegales de agua y encontraron casos donde algunos terrenos privados tenían acceso al recurso, pero era utilizado para fines comerciales.

Son situaciones que muchas veces se conocen, pero que no siempre salen a la luz porque existen riesgos para quienes las investigan y documentan.

Tu trabajo apuesta por procesos largos de investigación. ¿Qué valor tiene hoy la fotografía documental en una época dominada por imágenes inmediatas?

Creo que la fotografía se ha democratizado. Hoy todos podemos tomar una imagen en cualquier momento y el medio no importa tanto; una buena fotografía es la que logra

documentar algo que está ocurriendo.

Pero justamente por la enorme cantidad de imágenes que existen, la labor del fotógrafo profesional se vuelve todavía más importante. No se trata solamente de llegar y tomar una foto, sino de investigar, entender el contexto y saber qué hay detrás de esa imagen.

La fotografía documental requiere compromiso, conocimiento y una mirada profunda sobre lo que estamos contando.

También trabajas con fotografía análoga. ¿Por qué mantener esa relación con lo físico?

La fotografía digital es información, son datos que pueden perderse con el tiempo. Un archivo puede desaparecer si cambia un sistema operativo, si se daña un disco duro o si dejamos de tener acceso a ciertas tecnologías.

Por eso me interesa la fotografía análoga: tener los rollos, conservar un objeto físico y generar una memoria que pueda sobrevivir más allá de las pantallas. ¿Cómo ha cambiado la manera en que el público mira y valora la fotografía?

Creo que ahora existe una fotografía más abierta y diversa. En concursos como World Press Photo encontramos imágenes muy directas y fuertes, pero también fotografías que invitan a reflexionar y a preguntarnos por qué ocurrió algo.

Una fotografía importante no solamente debe mostrar un hecho, también debe provocar una emoción, cuestionarnos y generar algún movimiento. Puede ser una imagen que nos haga cambiar la forma en que vemos una realidad. ¿Qué significa este reconocimiento para tu trabajo?

Es una motivación para seguir contando estas historias. El cambio climático es un tema que seguirá presente y que necesita ser documentado desde diferentes perspectivas.

La fotografía tiene esa capacidad de conservar memoria y de mostrar aquello que muchas veces no queremos ver.

César Rodríguez es ganador de la categoría Norteamérica en Fotografía de Largo Periodo del World Press Photo.

WORLD PRESS PHOTO 2026: EL MUNDO EN IMÁGENES Texto y fotos Carlos Mora LA EXPOSICIÓN World Press Photo 2026 se presenta en el Museo Franz Mayer de la Ciudad de México con una selección de las imágenes y proyectos documentales más relevantes del fotoperiodismo internacional.

Como cada año, la muestra reúne el trabajo de fotógrafos que, desde distintos países, registran algunos de los acontecimientos más importantes y complejos de la actualidad, convirtiendo la fotografía en un puente entre la información, la memoria y la reflexión.

A través de reportajes individuales y proyectos de largo aliento, la exposición aborda temas como el cambio climático, los conflictos armados, las migraciones, las crisis humanitarias, la identidad, la justicia social y la conservación del medio ambiente. Más allá de su fuerza estética, cada imagen ofrece contexto y profundidad sobre las personas y comunidades que viven estas realidades, recordando el papel esencial del fotoperiodismo para documentar el mundo.

La edición 2026 incluye trabajos premiados de distintas regiones del planeta, entre ellos el del fotógrafo mexicano César Rodríguez, reconocido en la categoría de Fotografía de Largo Periodo por una investigación visual de cinco años sobre los efectos del cambio climático en México.

Con más de seis décadas de historia, World Press Photo se ha consolidado como una de las plataformas más importantes para el fotoperiodismo y la fotografía documental, promoviendo imágenes que informan, cuestionan e invitan al diálogo. La exposición permanecerá abierta al público en el Museo Franz Mayer hasta el 4 de octubre de 2026.

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] O L I S T E Y POR PRIMERA vez en Latinoamérica, una colección privada de Salvador Dalí llega a México con la exposición Dalí: Escenografía de un sueño, instalada en el Palacio de la Autonomía de la UNAM. La muestra, que previamente recorrió Estados Unidos, Inglaterra, Italia, Alemania, China y Singapur, reúne pinturas, esculturas, obra gráfica e instalaciones que permiten adentrarse en el universo creativo del artista español.

Entre las piezas más destacadas se encuentra la obra que Dalí realizó para la película Spellbound (1945), dirigida por Alfred Hitchcock e inspirada en el psi-

DALÍ: ESCENOGRAFÍA DE UN SUEÑO DÓNDE: Palacio de la Autonomía de la UNAM.

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coanálisis y el mundo de los sueños. También sobresale la serie escultórica Danza del tiempo, integrada por ocho esculturas monumentales que resguardan en su interior una obra original del pintor, convirtiéndose en uno de los principales atractivos del recorrido.

La exposición combina las obras originales con recursos sonoros, multimedia y una experiencia de realidad virtual que complementan el recorrido sin desplazar el protagonismo de las piezas. "Es un recorrido único, porque por primera vez estamos presentando estas obras originales acompañadas

de una experiencia que permite acercarse al universo de Dalí desde otra perspectiva", afirmó Filippo Pandolfini, director general de Sensea Immersive.

El proyecto fue desarrollado con la participación de especialistas internacionales en curaduría, restauración e historia del arte, además de expertos mexicanos, quienes trabajaron durante meses en la conservación y montaje de la colección. "Queremos que el público pueda vivir a Dalí, conocer sus preguntas, sus sueños y esa capacidad que tuvo para romper moldes y crear su propio camino", añadió Pandolfini.

FOTOS CARLOS MORA

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LOS SUEÑOS DE DALÍ COBRAN VIDA EN MÉXICO

La Tate Modern de Londres presenta "Frida: The Making of an Icon", una exposición que explora cómo la artista mexicana trascendió su obra para convertirse en uno de los símbolos culturales más influyentes del mundo.

Fotos y texto Carlos Mora

política y creadora independiente.

“Ella era muy consciente del poder de su propia imagen. Construyó esa identidad y también la utilizó para vivir de su arte”, explicó.

La muestra también profundiza en su relación con el surrealismo, el dolor físico que marcó su vida, la maternidad, el cuerpo femenino y la identidad mexicana, temas que siguen encontrando eco entre artistas contemporáneos.

FRIDA: THE MAKING OF AN ICON Informes: www.tate. org.uk

Uno de los apartados más destacados está dedicado a la apropiación de Frida por parte de los movimientos chicanos en Estados Unidos durante las décadas de los setenta y ochenta. Según Ostrander, fueron esos artistas quienes comenzaron a proyectar internacionalmente la imagen de Kahlo como un símbolo de orgullo mexicano, resistencia política y lucha por los derechos civiles.

“Para los artistas chica-

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EL ÍCONO QUE NUNCA DEJA DE TRANSFORMARSE

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Frida Kahlo

nos, Frida representaba la identidad mexicana, pero también una figura comprometida con las luchas sociales.”

A partir de ese momento, explicó el curador, la figura de Kahlo comenzó a expandirse hacia otros movimientos feministas, queer y de diversidad sexual, convirtiéndose en una referencia para artistas de distintas generaciones y países.

La exposición también analiza la llamada “Fridamanía”, fenómeno que explora la presencia de la artista en la moda, la publicidad, los productos comerciales, las muñecas, los souvenirs y la cultura popular.

Lejos de descalificar ese proceso, Ostrander considera que forma parte de la historia de Frida.

“En lugar de pensar la comercialización de Frida como algo menor, la exposición intenta comprender cómo esa circulación popular de su imagen también forma parte de su legado.”

El recorrido concluye con una reflexión sobre el enorme interés que sigue despertando la pintora mexicana en todo el mundo. Antes incluso de su inauguración, la exposición había vendido más de 60 mil boletos, una muestra de la vigencia de una artista cuya historia continúa cautivando al público internacional.

Más que una retrospectiva, “Frida: The Making of an Icon” propone entender por qué, más de siete décadas después de su muerte, Frida Kahlo sigue inspirando conversaciones sobre arte, identidad, género, política y cultura popular. Una exposición que demuestra que su legado permanece vivo y continúa transformándose junto con el mundo que la observa.

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rida Kahlo es una de las artistas más reconocidas del planeta, pero su impacto va mucho más allá de sus pinturas. Su rostro, su forma de vestir, sus autorretratos y hasta sus flores se han convertido en parte del imaginario colectivo. Esa transformación es precisamente el eje de “Frida: The Making of an Icon”, la nueva exposición de la Tate Modern de Londres, cuyo curador principal, Tobias Ostrander, propone una mirada crítica e histórica sobre el fenómeno que convirtió a la pintora mexicana en un ícono global.

Durante la presentación de la muestra, Ostrander explicó que el objetivo no es cuestionar la enorme presencia comercial de Frida Kahlo, sino entender cómo se construyó ese fenómeno a lo largo de varias décadas.

“Hoy la gente no solo quiere estar con Frida o con su obra; quiere ser Frida”, afirmó.

Para el curador, esa fascinación habla de una figura cuya identidad continúa resignificándose con cada generación. La exposición reúne pinturas, fotografías, documentos, carteles y obras de artistas contemporáneos para demostrar que la historia de Frida no terminó con su muerte, sino que continúa escribiéndose a través de quienes siguen reinterpretando su legado.

Uno de los primeros núcleos de la exposición analiza la manera en que la propia Frida construyó cuidadosamente su imagen pública. Ostrander recordó que la artista utilizó el autorretrato para presentarse de distintas formas: como intelectual, esposa, artista, mujer indígena, figura

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a historia entre México y Francia se ha escrito a través de encuentros que han trascendido generaciones. Dos culturas con profundas raíces, distintas formas de mirar el mundo y una misma pasión por la creación han encontrado en el arte un lenguaje común. A 200 años del inicio de sus relaciones diplomáticas, ambas naciones celebran este legado con La Gran Fiesta FrancoMexicana, un encuentro que reúne talento, tradición e innovación para recordar que la cultura es uno de los puentes más sólidos entre los pueblos.

Más que una conmemoración diplomática, este encuentro propone una mirada hacia los lazos creativos que han unido a ambos países a lo largo del tiempo.

Del 1 de septiembre al 30 de noviembre de 2026, diferentes espacios culturales de México recibirán una programación que reunirá a artistas, creadores, instituciones y públicos alrededor de una experiencia donde convergen distintas disciplinas y formas de expresión.

Durante tres meses, 21 ciudades mexicanas serán escenario de actividades que incluyen exposiciones, conciertos, funciones de cine, presentaciones escénicas, encuentros literarios, conferencias, experiencias gastronómicas y proyectos de colaboración artística.

Una agenda pensada para mostrar la riqueza cultural de Francia y México, pero también para celebrar las coincidencias que existen entre dos naciones con una profunda tradición creativa.

La Gran Fiesta FrancoMexicana surge en el marco del bicentenario de las relaciones diplomáticas 92 |

MÉXICO Y FRANCIA CELEBRAN LEGADO DE ARTE Y TRADICIÓN "La Gran Fiesta Franco-Mexicana" transforma la cultura en un puente de diálogo entre dos países con una historia compartida, a través de una programación que reunirá a creadores y públicos de distintas generaciones.

Por Carlos Mora

entre México y Francia, una historia que ha atravesado diferentes épocas y que ha encontrado en la cultura uno de sus principales puntos de encuentro. Desde la arquitectura y las artes visuales hasta la literatura, el cine y la gastronomía, la influencia mutua ha generado nuevas formas de entender y compartir el mundo.

Uno de los objetivos principales de esta celebración es acercar la cultura a públicos diversos y llevar la programación más allá

LA GRAN FIESTA FRANCOMEXICANA Informes: www.ifal.mx

de los grandes centros urbanos. La presencia en distintas regiones del país permitirá que más comunidades formen parte de este diálogo internacional, fortaleciendo el intercambio entre creadores y espectadores.

El programa estará dividido en ocho grandes áreas: artes escénicas, exposiciones, cine, literatura y edición, lengua francesa, debates e ideas, gastronomía y encuentros profesionales. Cada eje representa una oportuni-

dad para descubrir nuevas propuestas y reconocer cómo la creatividad puede convertirse en un espacio de conexión entre diferentes generaciones y culturas.

El cine será uno de los territorios donde México y Francia volverán a encontrarse, dos industrias con una larga historia de colaboración y talento reconocido internacionalmente. La literatura abrirá conversaciones entre autores, editores y lectores, mientras que la música y las artes escénicas mostrarán la diversidad de voces que actualmente forman parte del panorama cultural de ambos países.

La gastronomía tendrá también un lugar especial dentro de esta fiesta. La cocina mexicana y la francesa, reconocidas por su valor cultural y su capacidad para contar historias, serán protagonistas de experiencias que celebran los sabores, técnicas y tradiciones que han trascendido fronteras.

A través de esta iniciativa, México y Francia refrendan que la cultura continúa siendo una herramienta para construir puentes, generar conversaciones y crear nuevas oportunidades de colaboración. La Gran Fiesta Franco-Mexicana no solo celebra lo que ambas naciones han compartido durante dos siglos, sino que abre una nueva etapa para seguir imaginando juntos el futuro.

Con una programación diversa y la participación de artistas de distintas disciplinas, este encuentro promete ser una celebración donde la historia, la creatividad y la identidad se encuentran para recordar que, en el arte, las fronteras desaparecen y las historias encuentran nuevos escenarios para continuar.

TEPITO EN LA CANCHA Dónde: Galería José María Velasco, hasta el 20 de septiembre, entrada libre

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la comunidad LGBT+ que se ha convertido en un referente dentro de los torneos locales, demostrando que el fútbol también es un espacio de inclusión, resistencia y encuentro comunitario.

La muestra celebra las historias que nacen alrededor del balón y la manera en que este deporte ha acompañado la vida cotidiana de generaciones enteras en el corazón del barrio.

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MÁS ALLÁ DE LA CANCHA, el fútbol forma parte de la identidad y la memoria de un barrio. Esta exposición busca reconocer la relación entre Tepito y este deporte a través de objetos, imágenes, historias y testimonios de quienes han construido este vínculo a lo largo de los años.

Uno de los espacios más destacados está dedicado a “Las Gardenias”, un equipo integrado por miembros de

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EL FUTBOL QUE LATE EN TEPITO