CAMEO_52

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CINE · TV Y STREAMING · TEATRO · MÚSICA N. 52 · EDICIÓN DIGITAL

DAVID PABLOS

+ ENTREVISTAS LUCÍA MÉNDEZ

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EL FIN DE LAS PRIMERAS VECES

FOTO CARLOS MORA

EXPLORA LA IDENTIDAD Y EL DESEO EN SU NUEVO FILME EN EL CAMINO

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CONTENIDO RAFAEL ESPEJO

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AXEL SANTOS

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ALDO GUERRA

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SAMANTHA ACUÑA

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LUCÍA MÉNDEZ

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EL FIN DE LAS PRIMERAS VECES

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F**KING MEN

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MIX

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EL PRECIO DE LA FAMA

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JULIETA VENEGAS

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DAVID PABLOS

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ALBERTO GARMASSI

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MICKEY GUNDAPÍ

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SPIDER-NOIR

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MEXODUS

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VÍCTOR PRIETO

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EGOÍSTA

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CRISTIAN MARIANI

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MARCO CORDERO

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ALICIA VILLARREAL

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EN EL CAMINO

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MANELIYK

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OUSTIN LEÓN

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MARIBEL VERDÚ

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GRISEL MARGARITA

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TOP TEN OBRAS LGBTQ+

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MIGUEL BERNARDEAU

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UN TRANVÍA LLAMADO DESEO

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SAMUEL ZARAZÚA

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ÁNGELA MOLINA

22

CECILIA SUÁREZ

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GRINDER, EL MUSICAL

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AMARGA NAVIDAD

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TOP TEN SERIES LGBTQ+

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ALPHA

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PUERTO VALLARTA PRIDE 2026

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LETRAS PROHIBIDAS

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MEN IN TUTUS

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NÚMERO 52

REVISTA CAMEO NOS GUSTA DIFUNDIR LOS PROYECTOS DE CINE, SERIES, TEATRO Y MÚSICA AGRADECEMOS EL MATERIAL FOTOGRÁFICO A LAS AGENCIAS DE RP Y A LAS DISTRIBUIDORAS.

15 DE JUNIO-15 JULIO AÑO 6 REVISTA MENSUAL DIGITAL

CORREO: cameo.revista@gmail.com REVISTA CAMEO

EDITORES: CARLOS MORA CARLOS AGUILLÓN COLABORADORES: ALEJANDRA LOMELÍ FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO

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RAFAEL RUIZ ESPEJO

LAS HUELLAS DEL PRIMER AMOR EN EL FIN DE LAS PRIMERAS VECES FOTO CARLOS MORA

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RAFAEL RUIZ ESPEJO

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AMOR, DESEO Y DESPEDIDA En una conversación con la Revista Cameo, el director habló de "El fin de las primeras veces", su debut en el largometraje, una película que explora la libertad, las primeras experiencias amorosas y la búsqueda de identidad durante el paso a la adultez.

Fotos y texto Carlos Mora

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ay películas que hablan de la juventud y otras que parecen estar hechas desde sus cicatrices. El fin de las primeras veces, ópera prima de Rafael Ruiz Espejo, pertenece a la segunda categoría.

La cinta sigue a Eduardo, un joven de 18 años que deja atrás un pequeño pueblo de Jalisco para llegar a Guadalajara, donde por primera vez experimenta el anonimato, el amor, el deseo y la posibilidad de reinventarse lejos de la mirada de su familia.

Más que una historia de iniciación, la película es una carta de amor a todas esas experiencias que marcan la entrada a la vida adulta. A esos momentos que duelen, pero que también terminan definiendo quiénes somos.

“Es una película sobre las primeras experiencias, sobre cuando te arrojas al mundo con ganas de comértelo todo”, comparte Ruiz Espejo en conversación con la Revista Cameo.

“Vienen acompañadas de tropiezos y golpes, pero también de muchísimas alegrías, historias y risas”.

Para el director, la juventud no puede entenderse sin sus contradicciones. Los

corazones rotos, la soledad y las incertidumbres forman parte del mismo paquete que las noches inolvidables, los amores inesperados y la sensación de que todo es posible.

“Si alguien me dijera que puede borrar de mi vida todas las veces que me rompieron el corazón o que me sentí solo, también tendría que borrar esos momentos en los que estaba bailando con desconocidos sintiéndome el centro del mundo o cuando miré a alguien y creí estar enamorado. No aceptaría. Las experiencias amargas son parte de las experiencias hermosas que vivimos cuando crecemos”.

Llevar esa historia a la pantalla no fue sencillo.

Como ocurre con muchas producciones independientes, el principal desafío fue conseguir las condiciones necesarias para concretar una visión cinematográfica en un panorama cada vez más competitivo.

“El mayor reto de hacer cualquier película es el financiamiento. Hoy existen más herramientas que nunca para filmar, pero también hay muchísima gente talentosa intentando levantar sus proyectos.

Cada vez hay más películas buscando hacerse y más películas buscando espacios donde verse”.

EL FIN DE LAS PRIMERAS VECES

Distribución: Piano

Saco: ENRIQUE GONZÁLEZ Locación: OFICINAS PIANO

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El cineasta reconoce que el proceso está lleno de negativas y obstáculos, pero también de una resistencia constante que forma parte del oficio.

“El reto es enfrentarte a todo el rechazo que implica cumplir un deseo tan profundo. Cada rechazo se siente como un golpe, pero hay que seguir resistiendo. Por fortuna encontramos aliados que hicieron un esfuerzo enorme para sostener la película y permitir que llegara hasta el público”.

Y es precisamente el encuentro con los espectadores lo que ha dado sentido a los años de trabajo detrás del proyecto. Tras recorrer festivales y presentar la película dentro y fuera de México, Ruiz Espejo descubrió que aquella historia que creía profundamente personal también pertenecía a muchas otras personas.

“Es una película que nace de heridas muy reales. Fue un ejercicio muy franco de desnudar muchas cosas de mí. Lo hermoso ha sido encontrar gente que me dice: ‘Yo viví exactamente eso. Yo también dejé mi ciudad.

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Yo también me alejé de mi familia para encontrar mi libertad o para dar mi primer beso’”.

La respuesta del público le confirmó algo que no esperaba: que una experiencia aparentemente íntima podía convertirse en un reflejo colectivo.

“Yo pensaba que era una historia singular y muy mía, pero descubrí que es una historia singular de muchísimas personas.

Compartimos los mismos viajes, los mismos dolores y también las mismas alegrías profundas”.

Uno de los aspectos más relevantes de El fin de las primeras veces es su mirada a las juventudes LGBTQ+, un tema que Ruiz Espejo aborda desde la experiencia y la honestidad. El director celebra que las nuevas generaciones tengan hoy referentes que antes eran difíciles de encontrar.

“Mi infancia y mi adolescencia fueron bastante solitarias porque sentía que era el único que tenía ciertos deseos e impulsos.

Cuando no te ves representado es muy difícil nombrarte y entenderte.

Por eso es tan importan-

te que las juventudes actuales tengan acceso a representaciones mucho más visibles”.

Sin embargo, considera que el siguiente paso no es únicamente aumentar la representación, sino apostar por relatos que mantengan su autenticidad incluso cuando resulten incómodos.

“Ahora toca hacer películas que no tengan miedo de incomodar. Muchas veces las historias que llegan al público masivo responden a lógicas comerciales y en ese proceso se pierde autenticidad. Yo prefiero abrazar a quienes se reconocen en estas imágenes”.

Para Ruiz Espejo, incluso aquellos espectadores que

puedan sentirse incómodos ante la historia tienen algo que ganar.

“Tal vez esa incomodidad los haga pensar, acercarse de otra manera a una persona queer y entender que detrás de todo hay simplemente un ser humano imperfecto, con deseos, que quiere vivir libremente y ser feliz”.

Con El fin de las primeras veces, Rafael Ruiz Espejo firma una ópera prima sensible y luminosa que encuentra belleza en los errores, los descubrimientos y las heridas inevitables de crecer. Una película que recuerda que las primeras veces nunca vuelven, pero permanecen para siempre en quienes las vivieron.

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Por Francisco Javier Quintanar Polanco Pero ninguno de los dos se espontánea y dulcemente imagina que esa decisión a su efímera pareja, que en marcará el inicio de una jornada un inesperado ménage à de encuentros, desencuentros, trois, o en un bastante crudo altibajos, pero sobre todo de y potencialmente peligroso pasiones al máximo. Y para encuentro con un individuo en Eduardo en particular será un un antro que termina abrupta viaje iniciático en el cual desy violentamente. cubre, experimenta y aprende En ese tenor, las escenas de mucho del amor, de su sexualilos encuentros sexuales entre dad y de sí mismo. los protagonistas se alejan de Estrenado mundialmente en cualquier pudor y artificio, y el Festival Internacional de buscan ser transgresoras, Cine de San Francisco pero (en concordancia y galardonado en con el argumento EL FIN DE LAS la Gran Fiesta de central del filme) PRIMERAS VECES Cine Mexicano, El hallando un balance Distribución: fin de las primeras entre lo sensual, lo Piano veces (2025) es el realista, lo íntimo y lo primer largometraje conmovedor. Logrando del cortometrajista Rafael representar al amor y el Ruiz Espejo, un coming of age sexo en su forma más corpórea. de temática LGBTQ+, donde Acorde al tono del relato, un joven quien llega a una gran se privilegian los primeros urbe tiene la oportunidad de planos y tomas cerradas sobre vivir, sin restricción alguna y en sus actores, para registrar con una sola noche, experiencias minuciosidad sus gestos, miraque en otras circunstancias, das y otros detalles los cuales quizás le hubiese tomado más denotan las emociones en tiempo para tener la oportunicada situación y cada escena. dad de acceder a ellas.

Incertidumbre, frustración, exAsí, Eduardo vive brevepectativa, enojo, deseo… todo mente pero a plenitud el amor ello es captado por la cámara y la pasión, pero también la creando una sensación invasidecepción y el desencanto, y va, pero también de cercanía e lo mismo disfruta entregándo- intimidad. Del mismo modo, la

historia se construye en base a silencios, expresiones, ademanes sutiles y otros elementos que le inyectan naturalidad.

Mención aparte merece su desenlace, construido con los elementos antes mencionados, y en el cual, más que el término de la noche (marcando con ello el fin de la aventura del estelar), se siente como si esa despedida fuese más bien un injusto exilio del que se ha vuelto su paraíso personal.

El fin de las primeras veces es un afortunado debut, sobre la búsqueda de la identidad, las posibilidades reveladas gracias a la experimentación abierta y sin prejuicios, y reivindica la importancia decisiva que ciertos momentos pueden tener en la construcción y el rumbo de nuestras existencias.

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duardo (Alejandro Quintana) viaja desde su comunidad en algún punto de la provincia mexicana hacia Guadalajara, para llevar a cabo allí un examen con el fin de ser admitido en una universidad de esa ciudad. Durante su travesía en autobús, escucha música con sus audífonos, chatea constantemente con otra u otras personas, e incluso se toma unas fotos eróticas en el baño de dicho vehículo.

Al llegar a su destino y presentarse en la sede donde se realizará la evaluación, tiene algunas dificultades para ingresar al aula ya que le impiden entrar con su mochila, y de forma apresurada la deja botada al azar y entra a toda prisa al salón.

Cuando sale, no encuentra sus pertenencias, pero poco después las descubre en manos de Mario (Carlos López Cervantes) y sus amigos, quienes se las devuelven y le comparten lo que están bebiendo. Entre Eduardo y Mario es palpable una fuerte atracción, e inician un cortejo el cual comienza a subir de intensidad, culminando con la invitación de este último de irse juntos a su casa.

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EL FIN DE LAS PRIMERAS VECES MADURACIÓN EN UNA JORNADA

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EL FIN DE LAS PRIMERAS VECES

EL CRECIMIENTO DETRÁS DE LA LIBERTAD El elenco de la ópera prima de Rafael Ruiz Espejo reflexiona sobre identidad, libertad y las experiencias que nos transforman en una de las propuestas más honestas surgidas del cine tapatío reciente.

Fotos y texto Carlos Mora

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n un momento en que el cine mexicano busca expandir sus fronteras más allá de la Ciudad de México, El fin de las primeras veces aparece como una de esas películas que demuestran que las historias más íntimas también pueden surgir desde otras geografías.

La ópera prima de

Rafael Ruiz Espejo, filmada en Guadalajara y protagonizada por jóvenes talentos, retrata el despertar emocional de un adolescente que, lejos de casa por primera vez, encuentra la posibilidad de conocerse a sí mismo.

La historia sigue a Eduardo (Alejandro Quintana), un joven de 18 años originario de un pequeño

pueblo de Jalisco que viaja a Guadalajara. En el anonimato de una ciudad inmensa y lejos de la mirada de sus padres, experimenta por primera vez el amor, el deseo y la libertad.

Durante una conversación con la Revista Cameo, el elenco (Alejandro Quintana, Carlos López, Pabel Castañeda y Mariana Rivas) compartieron la emoción

de formar parte de esta producción y el significado que tiene que este tipo de proyectos logren llegar a las salas de cine.

Para Alejandro Quintana, quien debuta en el largometraje, la película representa también un triunfo para las historias hechas fuera de los centros tradicionales de producción.

EL FIN DE LAS PRIMERAS VECES

Distribución: Piano

CARLOS CERVANTES Outfit: MOSMA MODA Locación: OFICINAS PIANO

“Hay algo muy valioso en contar historias desde los lugares donde crecimos. Hablar de lo que significa formarse en esos espacios. Que una película hecha en Guadalajara llegue a exhibición nacional es un triunfo enorme”, comentó.

La reflexión fue compartida por Mariana Rivas, quien da vida a Gina y que además ha colaborado con Rafael Ruiz Espejo en distintos proyectos.

La actriz considera que el crecimiento de la industria cinematográfica tapatía todavía enfrenta importantes desafíos.

“En Guadalajara hay gente haciendo películas todos los años, pero muchas veces no llegan a exhibirse. Nadie puede

vivir de hacer cine. Todos tenemos otros trabajos.

Por eso que una película como esta llegue al público es una pequeña muestra de lo que debería suceder más seguido”, señaló.

La actriz también destacó la importancia de descentralizar no solo la producción, sino también la distribución y exhibición cinematográfica para que historias provenientes de estados como Jalisco, Michoacán o Baja California tengan mayores oportunidades de ser vistas.

Por su parte, Pabel Castañeda, quien interpreta a Nico, habló sobre la emoción de reconocer la ciudad en la pantalla.

“Es muy mágico ver lugares que conoces en una película. Poder decir ‘aquí

estamos, existimos’. Guadalajara tiene espacios muy bellos y muchísimo talento.

Ver eso reflejado en el cine siempre es emocionante”.

Más allá de la ciudad que sirve como escenario, El fin de las primeras veces aborda temas relacionados con la diversidad sexual y el proceso de construcción de identidad desde una mirada profundamente humana.

Para Castañeda, la importancia de este tipo de relatos no radica únicamente en la representación, sino en recordar que detrás de cada historia hay personas reales.

“Es importante seguir existiendo y seguir contando estas historias. Las personas LGBT+ tenemos experiencias tan particulares como cualquier otra persona. Lo importante es recordar que somos humanos, que cometemos errores, que aprendemos y que seguimos creciendo”.

Esa idea atraviesa también el recorrido de Eduardo, un personaje que enfrenta la incertidumbre de sus primeras decisiones lejos del entorno que siempre había conocido.

Alejandro Quintana espera que quienes vean la película encuentren en ella una especie de acompañamiento emocional.

“Me gustaría que quienes han atravesado sus propias primeras veces, con miedo o sintiéndose solos, encuentren una especie de palmadita en la espalda.

Que la película les diga que está bien equivocarse y que está bien crecer”.

La producción también marcó experiencias

personales importantes para varios integrantes del elenco. Carlos Cervantes, quien interpreta a Mario, recuerda el proyecto como una oportunidad inesperada que llegó a transformar su camino.

“Sentí mucha fortuna.

Era algo que veía muy lejano y de pronto sucedió.

Me gustó muchísimo todo el proceso y encontré una conexión muy especial con el director”.

Sobre las escenas de intimidad presentes en la película, el actor explicó que el trabajo se construyó desde la confianza y la concentración en los personajes.

“Cuando estaba en escena me enfocaba completamente en lo que estaba viviendo el personaje. No pensaba en nada más. Eso me permitió trabajar con tranquilidad y honestidad”.

A pesar de tratarse de una historia profundamente personal para su director, el elenco coincide en que la película conecta con experiencias universales.

Todos hemos atravesado momentos de incertidumbre, primeras decisiones y errores que terminan moldeando quiénes somos.

Con sensibilidad, honestidad y una mirada fresca sobre el descubrimiento personal, El fin de las primeras veces confirma la llegada de una nueva generación de cineastas y actores dispuestos a contar historias desde otros territorios. Historias que hablan de amor, deseo, identidad y libertad, pero que, sobre todo, recuerdan que crecer siempre implica aventurarse hacia lo desconocido.

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El cineasta conversa con la Revista Cameo sobre "En el camino", una película nacida de inquietudes personales y de un largo proceso creativo que marcó profundamente su trayectoria.

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Locación: IP9 STUDIOS

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espués de más de una década acompañándolo en silencio, En el camino finalmente encontró su destino. La nueva película de David Pablos nació de una intuición, de una fotografía, de una carretera y de un universo profundamente masculino que pocas veces ha sido retratado desde la intimidad.

El resultado fue una historia de amor entre dos hombres que transitan las carreteras de México y que terminó conquistando al público internacional durante su estreno mundial en el

Fotos y texto Carlos Mora Festival Internacional de Cine de Venecia, donde obtuvo el Premio Orizzonti y el Queer Lion.

Sin embargo, detrás de los reconocimientos existe una película que el cineasta define como una de las experiencias más personales y vulnerables de su carrera.

Aunque insiste en que los personajes no tienen una relación directa con su vida, reconoce que hay emociones, heridas e inquietudes que lo atraviesan profundamente.

“Hace catorce años grabé una serie de documentales para Canal 22 y conocí a un fotógrafo oaxaqueño llamado Luis García”, recuerda. “Él estaba fotografiando traileros y exploran-

do mucho el cuerpo masculino, el erotismo masculino. Cuando entré por primera vez a ese mundo, inmediatamente apareció la posibilidad de contar una historia de amor entre dos hombres en ese contexto”.

Aquella idea recibió incluso apoyo para desarrollarse, pero terminó guardada en un cajón durante años.

“Necesitaba distancia, necesitaba aprender más sobre cine. En 2023 decidí rescatar el proyecto y, una vez que lo hice, todo comenzó a fluir”.

La investigación lo llevó a convivir con traileros, visitar cachimbas y escuchar historias que poco a poco fueron transformando el guion.

“Cuando logras entrar a ese mundo, son increíblemente generosos.

Compartían sus experiencias, sus vivencias en la carretera. Yo ya tenía clara la esencia de la historia, pero todas esas voces fueron permeando la película.

Muchos personajes y situaciones nacieron de lo que fui escuchando durante ese proceso”.

LA APUESTA DE FILMAR Más allá de los retos emocionales, el rodaje también representó desafíos físicos importantes. Gran parte de la filmación ocurrió en deshuesaderos de Ciudad Juárez bajo temperaturas extremas.

DAVID PABLOS

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FILME MÁS ÍNTIMO

] E N I C [ “Los metales se convierten en calentadores. Entre el mediodía y las cuatro de la tarde era prácticamente insoportable. Además, son espacios vivos, lugares que no puedes controlar. Llegábamos con un plan visual muy claro y descubríamos que habían movido toda la chatarra o cambiado completamente el lugar. Había que reinventar las escenas constantemente”.

Uno de los aspectos más comentados de En el camino es la manera en que aborda el deseo y la sexualidad masculina.

Lejos de la provocación gratuita, Pablos construye escenas íntimas que forman parte fundamental del desarrollo emocional de sus personajes.

“El sexo también cuenta la historia. No está ahí únicamente por erotismo.

Habla de quiénes son los personajes y de cómo se relacionan. Además, la película reflexiona sobre la masculinidad, la cuestiona 14 |

y hasta se burla de ella en ciertos momentos. Mostrar esa sexualidad era parte esencial del discurso”.

MÁS ALLÁ DE LAS BARRERAS SOCIALES El director considera que todavía existen prejuicios sobre espacios tradicionalmente asociados a una masculinidad rígida, como el universo de los traileros.

“Existe la idea de que la homosexualidad no tiene cabida en estos lugares, cuando la realidad es exactamente la contraria. Está presente en todos lados.

Lo que sucede es que muchas veces permanece oculta o se vive desde la clandestinidad”.

Aunque ha explorado personajes LGBTQ+ en varias de sus obras recientes, Pablos rechaza las etiquetas simplistas y apuesta por mostrar la diversidad que existe dentro de la propia diversidad.

“Me interesa entender las distintas formas de

pertenecer al colectivo.

Muchas veces se tiene una idea muy específica de cómo debe ser un hombre gay, y la realidad es mucho más compleja. Hay muchísimas maneras de vivir la sexualidad y eso me parece fascinante”.

Quizá por eso En el camino terminó convirtiéndose en una experiencia particularmente intensa para su creador.

“Fue aterrador. Había mucho vértigo. Nunca me había puesto tan nervioso al presentar una película.

Me sentía muy proyectado, muy expuesto. Es curioso porque la historia no tiene que ver directamente con mi vida, pero sí hay emociones, temas e imágenes que me atraviesan profundamente”.

Ese vértigo alcanzó su punto máximo durante el estreno mundial en Venecia. Frente a una sala llena con más de mil espectadores, el cineasta experimentó una mezcla de ansiedad,

emoción y descubrimiento.

“Los primeros veinte minutos estaba cuestionándolo todo. Cada decisión, cada escena. Pero después me dejé llevar y empecé a ver la película a través de los ojos del público.

Fue una experiencia muy poderosa”.

La respuesta del público mexicano, sin embargo, ha sido distinta.

“Creo que en México la película toca una fibra muy específica. Hay cosas que se entienden desde las entrañas: el lenguaje, los modismos, el contexto social. La conexión ha sido muy fuerte y eso me emociona muchísimo”.

Parte fundamental de esa emoción también tiene nombre propio: Víctor Prieto, protagonista de la película y ganador del Ojito a Mejor Actor en Morelia (FICM).

“A mí me fascina el mundo interno que tiene Víctor.

Es un alma vieja. Tiene una profundidad, una capaci-

EN EL CAMINO

Distribución: Cinépolis Distribución

dad de observación y una sensibilidad extraordinarias. Lo más importante durante el proceso fue que entendiera que el set era un lugar seguro”.

Pablos asegura que una de las mayores satisfacciones de trabajar con actores naturales es observar cómo la experiencia transforma sus vidas.

“Cuando empiezan son una persona y cuando terminan son otra. Descubren cosas de sí mismos que no sabían que estaban ahí.

Más allá de si continúan actuando o no, la experiencia les deja herramientas para la vida”.

A lo largo de la conversación, el director vuelve una y otra vez a la misma idea: la curiosidad por las personas.

“Me gusta escuchar. Me interesa entender quién es la persona que tengo enfrente. La gente suele abrirse conmigo y contarme sus historias. Creo que gran parte de mi trabajo nace justamente de ahí, de observar y escuchar”.

Quizá por eso En el camino se siente tan auténtica. Porque detrás de las carreteras, los deshuesaderos, el deseo y las heridas familiares, existe una película construida desde la escucha y la empatía.

Una obra que le permitió a David Pablos mirar hacia lugares desconocidos y, al mismo tiempo, encontrarse a sí mismo. | 15

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El protagonista de "En el camino" pasó de trabajar como ingeniero en Ciudad Juárez a conquistar festivales internacionales con su primer papel en cine.

En esta conversación con la Revista Cameo habla sobre el amor, la aceptación y el inesperado camino que lo llevó hasta la película de David Pablos.

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VÍCTOR PRIETO

UNA HISTORIA DE LIBERTAD Y ACEPTACIÓN I S

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Foto y texto Carlos Mora

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asta hace poco, Víctor Prieto llevaba una vida alejada de los reflectores.

Originario de Ciudad Juárez y dedicado a la ingeniería electromecánica, jamás imaginó que terminaría protagonizando En el camino, la nueva película de David Pablos que tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Venecia, donde obtuvo el Premio Orizzonti y el Queer Lion.

Su interpretación de Veneno, un joven que busca amor, libertad y aceptación mientras recorre las peligrosas carreteras del país, también le valió el reconocimiento como Mejor Actor en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).

Pero detrás de este inesperado debut cinematográfico hay una historia personal igual de poderosa. Prieto salió del clóset apenas hace tres años y encontró en su personaje

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Veneno un reflejo de muchas de sus propias vivencias: el deseo de ser aceptado, las heridas familiares y la necesidad de vivir sin esconder quién es.

En esta conversación, el actor habla sobre el azar que lo llevó al cine, el papel fundamental de su pareja en este proceso y cómo una película terminó transformando su manera de entenderse a sí mismo.

Víctor, cuando uno escucha tu historia parece casi una película dentro de otra película. ¿Todavía te parece real?

Todavía me cuesta creerlo. Yo estaba completamente dedicado a mi trabajo como ingeniero.

Nunca imaginé que iba a actuar. De hecho, yo ni siquiera iba al casting para mí. Acompañé a mi pareja, porque a él le gusta mucho este medio. Si él no me hubiera insistido, probablemente seguiría trabajando sin imaginar que esta oportunidad existía.

¿Qué sentiste cuando David Pablos te llamó para decirte que el personaje deVeneno era tuyo?

Fue una mezcla de felicidad, miedo y confusión.

Me emocioné muchísimo, pero también pensé: “¿Y ahora qué hago?”. No sabía en qué me había metido. Nunca había estado frente a una cámara.

De repente me estaban diciendo que iba a protagonizar una película.

Veneno conectó contigo personalmente. ¿Qué tan difícil fue abrir esa herida?

Fue difícil, pero también sanador. Yo tengo una historia que comparte algunas cosas con la de él.

No es exactamente igual, pero entendía ese dolor.

Entonces, para interpretar al personaje tuve que mirar emociones que quizá había guardado durante mucho tiempo.

Cuando recibiste el guion, ¿qué fue lo que más te impactó?

La historia de Veneno me golpeó muy fuerte. No solamente por las escenas complejas o por la intensidad de la película. Me conmovió porque encontré cosas de mí en él. Es un personaje que quiere ser libre, que quiere ser aceptado por quien es y que carga heridas relacionadas con la figura paterna.

Hay otro elemento importante: la identidad sexual. Tú has dicho que saliste del clóset hace pocos años. ¿Cómo fue ese proceso?

Fue un proceso largo.

Durante mucho tiempo fui una persona muy reservada. Incluso podría decir que la gente en Ciudad Juárez me veía como alguien completamente distinto a quien realmente era. Salir del clóset fue enfrentar muchos miedos: el qué dirán, la familia, la sociedad.

Has contado que la historia de abandono de

antes me costaba muchísimo mostrar. Era una persona muy cohibida y este proceso me permitió descubrir cosas de mí que no conocía.

La película muestra un amor entre dos hombres en un entorno particularmente machista: las carreteras, los traileros, el norte del país. ¿Por qué era importante contar esa historia?

Porque existe. Muchas veces pensamos que ciertas personas o ciertos ambientes no tienen espacio para la vulnerabilidad, para el amor o para la diversidad. Y no es verdad.

Hay muchísimas personas viviendo historias así, sólo que permanecen ocultas por miedo.

¿Qué sentiste cuando la película llegó al Festival de Venecia y empezó a recibir premios?

Orgullo, agradecimiento y mucha sorpresa. Yo venía de una realidad completamente distinta. De repente estaba viendo una película en la que participé siendo reconocida internacionalmente. Fue algo que nunca imaginé.

¿Reconoces algo de esa realidad en Ciudad Juárez?

Sí. Hay mucha gente que vive una doble vida o que simplemente renuncia a vivir lo que realmente quiere para no decepcionar a su familia o para evitar ser juzgada. Es algo que veo constantemente.

Por eso sentí que esta película tenía algo importante que decir.

¿Te sientes un referente para jóvenes LGBTQ+?

Es una responsabilidad grande, pero si mi historia puede ayudar a alguien, me hace feliz. Me gustaría que los jóvenes entendieran que no están solos y que tienen derecho a vivir auténticamente. ¿Qué te gustaría que las personas se llevaran después de ver el filme?

Que amar no tiene nada de extraño. Amar es algo que todos hacemos. La única diferencia es a quién amas. Ojalá la película ayude a que la gente vea a las personas LGBTQ+ con más empatía y comprensión.

¿Crees que seguimos teniendo problemas para ver esa fragilidad masculina?

Totalmente. Nos enseñan que los hombres no lloran, que tienen que ser fuertes todo el tiempo.

Pero los hombres también sufren, también tienen miedo, también necesitan afecto. Lo que me gusta de la película es que muestra justamente eso. ¿La actuación terminó siendo una forma de terapia para ti?

Sí. Sin duda. Me ayudó a conocerme mejor. Aprendí a expresar emociones que

EN EL CAMINO Distribución: Cinépolis Distribución

Después de todo lo que ha pasado, ¿qué le dirías al Víctor que estaba saliendo de trabajar en Ciudad Juárez para acompañar a su pareja a aquel primer casting?

Le diría que confíe más en sí mismo. Que no tenga miedo. Porque la vida le tiene preparada una historia mucho más grande de lo que imagina. | 17

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EN EL CAMINO

EN EL CAMINO DEL AMOR EN ENTORNOS AGRESTES Por Francisco Javier Quintanar Polanco

n la cultura popular mexicana, la figura del trailero ocupa un lugar muy particular, y en ella convergen diversos estereotipos del imaginario colectivo: desde una romantización de su profesión como símbolo de libertad e independencia, pasando por verlos al estilo de una versión contemporánea de los caballeros andantes que hacen el bien por donde anden, o bien como cowboys modernos quienes han convertido las carreteras en escenario de sus aventuras.

Sobre ellos se han hecho películas, telenovelas e incluso fueron los estelares de una historieta la cual marcó toda una época: Sensacional de traileros.

Pero en donde casi todos estos acercamientos convergen es en retratar a los camioneros como símbolos de la virilidad, rudeza y autosuficiencia masculina, que parecieran requisitos necesarios para poder ejercer dicha profesión. Y precisamente desde este ángulo parte el más reciente trabajo de David Pablos (Las elegidas, 2015; El baile de los 41, 2020) intitulado En el camino, el cual tuvo su lanzamiento mundial en 2025, dentro de la sección Orizzonti en la edición 82 del Festival Internacional de 18 |

Cine de Venecia de 2025, alzándose con el premio de dicha sección y obteniendo también el León Queer.

La trama tiene lugar en algún punto de Ciudad Juárez, y gira en torno a un personaje quien se hace llamar Veneno (interpretado por el debutante Víctor Prieto), el cual deambula por esos lares vendiendo droga y teniendo relaciones sexuales con algunos choferes que llegan por ahí a hacer una pausa en su trayecto. De manera fortuita, el joven se topa con un chofer al cual apodan Muñeco (Osvaldo Sánchez), y lo convence de permitirle acompañarlo en su viaje, a cambio de un poco de la mercancía con la que trafica.

El conductor acepta y comienzan un viaje donde, poco a poco, uno al otro se irán revelando sus secretos y (derivado de sus historias personales y necesidades afectivas particulares) entre ellos se irá cimentando una relación la cual pasa de lo amistoso a lo afectivo e íntimo, pero que se verá amenazada por la presencia de un torvo y peligroso líder criminal del quien Veneno está tratando de escapar.

Con este filme, Pablos por un lado desbarata los estereotipos arriba mencionados, con el

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personaje del Muñeco que si bien condensa en sí algunos de ellos, en realidad es un ser solitario, cuya profesión le está pasando una cara factura con su esposa e hijos, quien consume altas dosis de cafeína, azúcar y estimulantes para poder cumplir con sus fechas de entrega, y cuyos días y noches interminables por las autopistas sólo acrecientan su soledad y necesidad de cariño y de cualquier tipo de conexión con alguien más.

Pero al moverse en un microcosmos de machismo rampante y violencia latente, debe ocultar sus sentimientos del mundo exterior detrás de una máscara taciturna y hosca.

La aparición de Veneno (quien no solo intenta huir de sus perseguidores, sino también de un pasado espeluznante), viene a ser un elemento disruptor, el cual rompe un tanto con sus inercias. En él encuentra el acompañamiento y el contacto afectivo deseado, así como una manera de externar algunos de sus sentimientos y carencias.

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Distribución: Cinépolis Distribución

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Por ello, se interesa en el muchacho a tal grado de empezar a protegerlo y gradualmente, se involucra en su situación con terribles consecuencias.

Por otro lado, el cineasta tijuanense desarrolla una historia de amor homosexual en un entorno que de entrada pareciera adverso para ello, lleno de machismo, agresividad, misoginia y (desde luego) homofobia. Pero por medio de su relato y personajes, explora ese territorio y de cierto modo lo deconstruye, mostrando en oposición a tal universo heteronormado y un tanto tóxico, una vulnerabilidad y emotividad singulares.

En el camino es una cinta que se mueve entre el drama intimista, el suspenso y el road movie para narrar un romance intenso y profundo surgido entre dos seres, teniendo lugar en terrenos agrestes y hostiles, y logra contra todo pronóstico prevalecer, cual si fuese una bella y colorida flor brotando de entre el más duro y áspero asfalto.

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EL LAZO DEL CINE ESPAÑOL CON MÉXICO 20 |

MARIBEL VERDÚ

“EN MÉXICO TENGO MI SEGUNDA CASA” Maribel Verdú, Ángela Molina y Miguel Bernardeau visitaron la Ciudad de México como embajadores de la Muestra de Cine Español, en un encuentro que refuerza los lazos culturales entre ambos países y el diálogo sobre el cine contemporáneo.

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i alguien encarna el puente histórico entre el cine español y el mexicano es Maribel Verdú.

Con una carrera que ha transitado naturalmente entre ambos países, la actriz aprovechó su participación en la Muestra de Cine Español para reflexionar sobre una relación artística que considera cada vez más cercana y necesaria.

La actriz dejó claro el cariño que siente por México.

“Me encanta volver a estar aquí. Para mí es mi segunda casa”, expresó, recordando una relación profesional y afectiva que se ha fortalecido durante más de dos décadas.

Celebró la existencia de espacios como la Muestra de Cine Español, ya que permiten que películas que difícilmente llegarían a los circuitos comerciales encuentren espectadores al otro lado del Atlántico.

Verdú recordó que uno de los momentos decisivos de su carrera ocurrió cuando fue convocada por Alfonso Cuarón para trabajar en Y tu mamá también. Aquella experiencia,

Fotos y texto Carlos Mora aseguró, no solo marcó un punto de inflexión profesional, sino que abrió una relación permanente con la industria mexicana.

“Tuve la suerte de que me llamara Alfonso Cuarón y desde entonces no ha sido un parar”, comentó.

A partir de aquel proyecto (Y tu mamá también), la actriz comenzó a colaborar de forma constante con directores, actores y equipos de producción latinoamericanos, construyendo una trayectoria que la ha convertido en una figura querida y reconocida en ambos lados del océano.

Verdú señaló que durante muchos años las producciones se preocupaban por justificar el origen de los personajes o de los intérpretes cuando provenían de distintos países. Hoy, considera, esa necesidad ha desaparecido.

“Antes siempre había que explicar por qué un mexicano estaba en España o por qué un argentino trabajaba en una producción española. Ahora ya no hace falta. Vivimos todos en todas partes”, afirmó.

Para la actriz, esta realidad ha enriqueci-

do profundamente las historias audiovisuales.

Escuchar distintos acentos, observar diferentes formas de entender el mundo y mezclar sensibilidades culturales hace que las películas reflejen de manera más auténtica la sociedad contemporánea.

“La multiculturalidad enriquece muchísimo el cine.

Escuchar a alguien hablar con un acento distinto o ver personajes que vienen de lugares diferentes hace que las historias crezcan. Es una realidad que vivimos todos los días”, explicó.

Se mostró especialmente orgullosa de haber desarrollado una carrera que le ha permitido formar parte tanto del cine español como del latinoamericano.

Aunque ha trabajado en distintos países de la región, reconoció que México ocupa un lugar particularmente especial dentro de su historia profesional.

“Estoy súper orgullosa de pertenecer al cine español, pero también al cine latinoamericano. He trabajado en Argentina, en Chile, pero sobre todo en México. Es un orgullo y un placer enorme”, señaló.

Más allá del entretenimiento, Verdú defendió la importancia de las historias que dejan una huella en el espectador. Explicó que siempre busca obras que le permitan salir transformada de la experiencia, ya sea mediante una emoción, una reflexión o una nueva forma de mirar el mundo.

“A mí me gusta que el arte me aporte algo. Necesito salir de una película o de un libro sintiendo que he aprendido, que he reflexionado o que he crecido como persona”, afirmó.

En ese sentido, considera que el cine sigue siendo una herramienta poderosa para generar empatía, tender puentes y construir una conversación común entre países que comparten una historia, un idioma y una sensibilidad cultural cada vez más conectada.

“México y España van de la mano desde hace muchísimo tiempo. Somos primos hermanos. Ojalá sigamos haciendo películas juntos y ojalá sigan creciendo las coproducciones, porque cuando trabajamos juntos las historias se vuelven más grandes y más ricas”, concluyó.

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MIGUEL BERNARDEAU Y UNA GENERACIÓN QUE MIRA AL MUNDO

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iguel Bernardeau representa una nueva generación de intérpretes españoles que han crecido en una industria cada vez más global. El actor llegó a México después de vivir uno de los momentos más importantes de su carrera gracias al reconocimiento internacional obtenido recientemente por sus proyectos.

Durante la presentación, habló con orgullo del momento que atraviesa el cine español y de la presencia constante de producciones ibéricas en los principales festivales del mundo.

“Lo vivo con muchísimo orgullo. Hay muchísimo talento en España, no sólo en cine, también en televisión, arte y cultura”, afirmó.

Bernardeau aseguró que el reconocimiento internacional no es casualidad, sino el 22 |

resultado de años de trabajo de una industria que ha apostado por historias cada vez más sólidas y universales.

El actor también compartió su entusiasmo por participar en proyectos que recuperan figuras fundamentales de la cultura española, destacando la importancia de acercar a nuevas generaciones a creadores como Federico García Lorca.

“Vale la pena revisitar a estos autores y entenderlos desde el presente. Sus historias siguen teniendo mucho que decirnos.”

La Muestra de Cine Español se convirtió así en algo más que una exhibición cinematográfica. Fue un espacio para celebrar la colaboración entre dos cinematografías, reflexionar sobre el futuro de la industria y recordar que las historias siguen encontrando su fuerza en la experiencia humana compartida.

ÁNGELA MOLINA: “EL CINE ES LA SANGRE HUMANA”

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a legendaria actriz Ángela Molina acudió a la muestra para presentar Polvo serán, una película que describió como una experiencia profundamente especial. Sin revelar detalles de la trama, adelantó que se trata de una historia familiar atravesada por las complejidades del amor y las fracturas emocionales.

“Es una película que invita a reflexionar juntos y a sentirnos juntos. Esa también es una labor del cine y del humanismo”, comentó.

Cuando se le preguntó sobre el estado actual del cine iberoamericano, Molina amplió la conversación hacia una visión universal del arte cinematográfico.

“Para mí el cine iberoamericano, el mexicano, el coreano o el indio forman parte de la misma cultura del mundo”, dijo. “La grandeza está en que cada país aporta

su singularidad cultural y nos permite conocernos mejor.”

La actriz defendió la capacidad del cine para conectar a las personas más allá de las fronteras y aseguró que las historias continúan siendo una de las herramientas más poderosas para comprender la condición humana.

“El cine es la sangre humana. Todos la llevamos de la misma manera y en el mismo lugar: el corazón.”

Sobre la inteligencia artificial, Molina reconoció que puede ser una herramienta útil, pero insistió en la necesidad de establecer marcos legales que protejan a los creadores.

“La inteligencia artificial no tiene sentimientos. Es una herramienta científica y hay que ponerla en buenas manos. Los actores debemos tener siempre la capacidad de decidir cómo se utiliza nuestra imagen.”

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plantea también un juego ligeramente metaficticio, cuando su personaje “real” se inspira en su creación imaginaria, y lleva a cabo la misma acción ruin moralmente hablando, pero de ella obtiene no solo una forma de “destrabar” y darle más sustancia a su manuscrito, sino incluso hallar la trama (y protagonista) que verdaderamente le interesan. Un descubrimiento el cual, sumado a varios comentarios dispersos a lo largo de la película, parece sugerir también una sutil pero corrosiva crítica al esquema industrial imperante en el cine actual y en las plataformas digitales.

Con referencias a sí mismo, a su cinematografía, e incluso con instantes de autoparodia, Amarga Navidad sin duda es un trabajo interesante, el cual consigue ser vehículo y mensaje a la vez. Tal vez para algunos no es una de sus cintas más memorables, y por ello quizás termine por pasar lo mencionado en una de sus escenas, acerca de que incluso los filmes menos logrados de Bergman o Fellini con el tiempo, adquieren valor por tratarse de obras de esos autores. Ya se verá con el pasar de los años.

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director de cine Raúl (Leonardo que se espera encontrar en un Sbaraglia), quien está tratando filme del cineasta manchego (o de regresar al ruedo con un casi todo) está aquí. nuevo trabajo, pero sufre de un La premisa podría evocar bloqueo creativo, orillándolo a otro largometraje previo de a ficcionalizar su propia vida este autor donde la escritura y la de las personas alrededor era el detonante del drama: La suyo. Sin embargo, no está muy flor de mi secreto (1995). Sin satisfecho con el resultado por embargo, vista más de cerca lo que, imitando la conducta de parece tener más en común su alter ego literario femenino, con Dolor y gloria (2019). Y es introduce en su narración que, empleando la técnica una situación dolonarrativa de la caja rosa e íntima de su china, Pedro usa al AMARGA agente y consejera personaje de Raúl NAVIDAD Distribución: de muchos años, como su propio alter Warner Bros Mónica (Aitana ego, quien a su vez Sánchez-Gijón). hace lo mismo con Si bien la película Elsa. Y a través de ellos pudo decantarse por una externa sus sentires, sus reflexión acerca de los límites dolores personales y sus crisis éticos del cine y el arte en gene- personales y creativas. ral, Amarga Navidad, el nuevo Así, Elsa/Raúl son aquejados opus de Pedro Almodóvar; por la pérdida de su madre (y decide irse por otros derroteros un duelo que aún les lacera), más afines a las obsesiones y sufren una crisis de creatividad constantes autorales de su realo cual aumenta su temor a lizador. Desde su estética visual repetirse, son acosados por que tiene su máxima expresión el fantasma del fracaso, y en la forma como emplea los constantemente están bajo colores, pasando por las apapresión por las altas expectatiriciones de sus actrices fetiche vas puestas sobre sus espaldas, (es decir, las chicas Almodóvar), entorpeciendo su proceso de hasta su devoción cuasi obsesiescritura. va por Chavela Vargas, todo lo Pero además, Almodóvar

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Por Francisco Javier Quintanar Polanco

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a historia arranca en 2004. Elsa (Bárbara Lennie) una cineasta venida a menos y ahora trabajando en el ramo de la publicidad, sufre una crisis nocturna y termina siendo llevada a urgencias por su pareja Bonifacio (Patrick Criado). Poco después averigua que tiene ataques de pánico. Al mismo tiempo, su mejor amiga Patricia (Vicky Luengo) queda devastada tras el hallazgo de la infidelidad de su marido.

Así, ambas mujeres deciden irse juntas -y sin sus maridosa pasar unos días a la isla de Lanzarote, una para descansar e (inesperadamente) reencontrar la inspiración para un nuevo proyecto cinematográfico, y la otra para alejarse de su cónyuge infiel y lamer sus heridas. Pero el equilibrio alcanzado por el par de mujeres sostiene se viene abajo, cuando Elsa le confiesa a Patricia que está utilizando su difícil trance como material para su nuevo guión.

Pero tras unos minutos, se revela que estos protagonistas y sus problemáticas son en realidad producto de un argumento elaborado por el escritor y

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AMARGA NAVIDAD AUTOBIOGRÁFICA, AUTORREFERENCIAL, AUTOPARÓDICA

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ALPHA ETS, ADICCIONES, PANDEMIAS Y APOCALÍPSIS

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n un futuro cercano, surge una rara enfermedad la cual afecta a millones, cuya peculiar característica es que los cuerpos de quienes la padecen, gradualmente se convierten, interna y externamente, en mármol.

Al no haber una cura y no conocer a cabalidad cómo se transmite dicho mal (aunque se sospecha del intercambio de fluidos corporales como vehículo de contagio), los hospitales se desbordan y se desata la paranoia y el terror en la población global.

En esa realidad vive Alpha (Mélissa Boros) a quién una noche, en una fiesta le hacen un tatuaje con una aguja y en condiciones no muy óptimas, y termina por infectarse en los días siguientes. Su madre (Golshifteh Farahani), una doctora la cual atiende a pacientes con la enfermedad arriba mencionada, teme que su hija haya contraído el mal por su irresponsable acción. Y 24 |

Por Francisco Javier Quintanar Polanco las sospechas aumentan cuanCon este coctel de temátido la menor comienza a tener cas, la cineasta desarrolla un fiebre y ser presa de extrañas drama tremendista con tintes alucinaciones y pesadillas. de body horror, en donde por Al mismo tiempo, reaparece un lado vemos la gradual e inen su vida su tío Amin (Tahar evitable decadencia de Amin, y Rahim) un junkie empedernido por el otro el miedo e incerticuya adicción lo ha enfermado dumbre del personaje quien grave e irremediablemenda nombre al filme la cual, te.Su miedo a morir, madura a los golpes y provocan que entre de forma vertiginosa ambos surja un vín-e incluso experiALPHA Distribución: culo muy estrecho menta el sexo-, en MUBI más allá del mero un mundo que de la parentesco. noche a la mañana El tercer largomecambió, y nada parece traje de Julia Ducournau ya tener sentido, hun(Voraz, 2016; Titane, 2021) diéndose en una especie de nuevamente posa su mirada en debacle individual, en paralelo seres rotos y núcleos familiares al apocalipsis mundial el cual asfixiantes. Aquí exacerbados parece cernirse sobre ellos por un argumento donde el para acabar con todo. trasfondo es una pandemia Del trío de películas filmamundial cuyo retrato nos das por Ducournau hasta el recuerda a lo vivido mundialmomento, está sin duda la mente a partir del 2020, y en que más reacciones negatiel cual también metaforiza la vas ha generado, las cuales fobia a las enfermedades de señalan desde una duración transmisión sexual (ETS), parti- excesivamente larga y una cularmente el VIH, así como las trama redundante, pasando adicciones agudas a las drogas. por la intención de la directora

de incorporar diversos temas en ella, pero que no todos funcionan o encajan con el corpus general de la historia, hasta el hecho de enfocarse excesivamente (rayando en el regodeo) en la espiral de desesperación y degradación en la cual caen sus personajes principales. Y no les falta razón: sí bien la realizadora desarrolla una imaginería visual atractiva e impactante, en algún momento esta pasa a ser mera escenografía para las tragedias y sufrimiento de sus estelares, narrado de forma un tanto confusa y con saltos de tiempo que no ayudan a la fluidez y consistencia de un relato el cual, además, se siente incompleto y falto de contundencia.

Quizás con un poco más de contención y enfoque, Alpha pudo ser distinta a lo que resultó ser: un mero drama estridente y desbordado, cuyo contexto fantástico no sólo es insólitamente desperdiciado sino incluso (y extrañamente), pareciera salir sobrando.

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LETRAS ROBADAS UNA BALADA DE AUTENTICIDAD ARTÍSTICA

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l director John Carney ha construido una carrera donde ha dejado claro su pasión por la música. En sus historias, sus personajes encuentran en las canciones, las melodías y en la composición la mejor manera de expresarse y conectar con otras personas, demostrando que la música da identidad y sentido a la vida en dramedies reconfortantes, pero sostenidos sobre afiladas reflexiones en torno al talento, el éxito, la industria y el verdadero valor de una canción. Su nueva película, Letras robadas (Power Ballad), retoma esos aspectos, pero con un matiz diferente para trazar una comedia sobre la autenticidad en una industria más interesada por conceptos prefabricados que por talentos natos.

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Por Alejandra Lomelí Protagonizada por Paul Lo que comienza como una Rudd y Nick Jonas, Letras improvisación entre músicos robadas explora los límites termina convirtiéndose en un entre la inspiración y el plagio a fenómeno mundial cuando través del proceso creativo de Danny convierte una de las una canción, colocando temas canciones de Rick en un éxito como la autoría, la ambición, sin reconocer su autoría. los intereses comerciales y Con un tono ligero, pero con el arte que nace de una los puntos justos de tennecesidad genuina sión, Carney desarrolla de transmitir una una lectura agridulce LETRAS ROBADAS verdad. sobre la legitimidad Distribución: Rick (Rudd) artística contrapoCinépolis Distribución es un cantante niendo dos visiones estadounidense de generacionales una banda de bodas que encuentran en la que alguna vez soñó música una extensión de con triunfar con sus propias su propia identidad, pero con canciones en la industria concepciones muy diferentes musical y que ahora lleva una del éxito. A través de este vida tranquila junto a su familia conflicto, la película expone en Irlanda. Su rutina cambia la fricción constante entre la cuando conoce a Danny creatividad artística como un (Jonas), una antigua estrella acto de expresión personal y de pop que busca desesperauna industria que transforma damente relanzar su carrera. las canciones en mercancía,

ignorando con frecuencia el valor de la autoría.

Uno de los aciertos de Letras robadas es la actuación de Paul Rudd, quien entrega una interpretación sensible y llena de matices, transmitiendo con honestidad la frustración del artista que no obtiene el reconocimiento que merece.

También, Carney vuelve a mostrar su habilidad para integrar canciones a un relato que, lejos de ser meros interludios, hablan del estado emocional de los personajes.

Letras robadas es una feelgood-movie que ofrece una mirada divertida, pero aguda al proceso creativo planteando preguntas necesarias como la autenticidad y el precio de éxito, recordando que detrás de una gran canción hay una experiencia personal imposible de replicar.

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AXEL SANTOS CELEBRA EL AMOR SIN ETIQUETAS EN F**KING MEN

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En entrevista con la Revista Cameo, el actor habla sobre las obras en las que participa actualmente, proyectos que apuestan por historias que conmueven, cuestionan y muestran la diversidad desde una mirada honesta y contemporánea.

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F**CKING MEN Dónde ver: Foro Lucerna Viernes 20:30 hrs. sábado 19:00 hrs.

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Fotos y texto Carlos Mora

l teatro se ha convertido en un espacio de encuentro, reflexión y representación para Axel Santos.

En un momento especialmente activo de su carrera, el actor celebra la exitosa temporada de El esposo de Daniel y se prepara para asumir un nuevo reto sobre el escenario con F**king Men, adaptación contemporánea de la obra La Ronde, de Arthur Schnitzler, reimaginada por el dramaturgo Joe DiPietro para explorar las relaciones, los deseos y las conexiones emocionales entre hombres en el mundo actual.

“Ha sido una experiencia súper grata”, comparte Axel sobre El esposo de Daniel, montaje que logró conectar profundamente con el público y extender su temporada gracias a la alta demanda. “Desde la primera función hubo personas que se acercaron a compartir sus historias. Eso es lo más bonito de hacer teatro: cuando una obra refleja la vida de alguien y genera conversación”.

Para el actor, el montaje no solo aborda una historia de amor, sino que también habla de los avances y los desafíos que aún enfrenta la comunidad LGBTQ+. “Es importante reafirmarnos como comunidad. Hemos avanzado mucho, pero todavía hay cosas por las que luchar. La obra habla muy

bien de eso y lo hace desde la emoción”.

Ahora, Santos se suma a F**king Men, una producción que explora distintas formas de relacionarse entre hombres a través de diez encuentros conectados entre sí. Aunque llegó al proyecto en un tiempo récord, asegura sentirse respaldado por el equipo creativo y sus compañeros de escena.

“Entrar a una obra en dos semanas siempre implica nervios, pero también es un reto que disfruto mucho.

Lo más complejo ha sido construir tres personajes completamente distintos.

Como actor, es una oportunidad muy enriquecedora”.

MÁS ALLÁ DEL CUERPO La puesta en escena también exige una gran honestidad emocional. Sobre el tema de la exposición física en el escenario, Axel señala que para él siempre ha sido más importante la historia que se cuenta que cualquier elemento visual.

“El público termina conectando con el texto y con las emociones de los personajes. Lo demás pasa a segundo plano.

Cuando una historia está bien escrita, bien dirigida y bien actuada, eso es lo que permanece”.

A lo largo de los últimos años, tanto El esposo de Daniel como F**king Men se han sumado a una nueva generación de obras que

buscan representar la diversidad desde perspectivas complejas, humanas y alejadas de los estereotipos. Axel reconoce el trabajo de productores y creadores que han apostado por este tipo de historias durante todo el año y no únicamente durante el Mes del Orgullo.

“Todavía existen personas que no quieren ver historias LGBTQ+ en el escenario o en la pantalla.

Por eso es tan importante que sigan existiendo productores y directores que apuesten por estas narrativas. Son necesarias”.

LA NATURALIDAD DEL AMOR En el ámbito personal, Santos también ha encontrado una forma natural de compartir su vida junto al productor y actor Pablo Perroni, una relación que ambos han decidido

vivir con autenticidad y sin convertirla en una bandera obligatoria.

“Nosotros no estamos aquí para representar a nadie. Simplemente vivimos nuestra vida. Pero si nuestra experiencia puede ayudar a que alguien se sienta acompañado o vea que es posible vivir su historia con libertad, entonces qué maravilloso”.

Con dos producciones que celebran la diversidad desde perspectivas completamente distintas, Axel Santos reafirma su compromiso con un teatro que emociona, cuestiona y acompaña.

“Somos quienes somos, nos amamos y estamos felices. Creo que somos afortunados de vivir en un tiempo donde el amor puede mostrarse con libertad. Al final, eso es lo que importa: que el amor siempre sea libre” | 29

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ORGULLO, LIBERTAD E INTIMIDAD PARA AMAR Fotos y texto Carlos Mora

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PARA EL PRODUCTOR y protagonista de la puesta en escena, uno de los mayores atractivos del texto es que aborda la intimidad desde una perspectiva profundamente humana. El actor ha señalado que la obra no se centra únicamente en el sexo, sino en la manera en que las personas utilizan las relaciones como una forma de vincularse, buscar afecto y encontrar reconocimiento.

La segunda temporada también conserva uno de los elementos que más ha distinguido al proyecto: su carácter inmersivo. El Foro Lucerna se transforma en un espacio que invita al público a convivir y formar parte de la experiencia antes y después de la función. Perroni ha explicado que buscaba crear un ambiente relajado donde los asistentes pudieran socializar y sentirse parte del universo de la obra.

Lejos de buscar la provocación gratuita, la puesta en escena encuentra su fuerza en la honestidad con la que retrata las distintas formas de amar, desear y relacionarse.

En tiempos donde las conversaciones sobre identidad, afecto e intimidad cobran cada vez más relevancia, F**king Men confirma en su segunda temporada que las historias más poderosas son aquellas que se atreven a mostrar la complejidad de lo humano.

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La Revista Cameo estuvo presente en el regreso de esta puesta en escena, que celebra su segunda temporada explorando el deseo, la intimidad y las distintas formas de relacionarnos.

En este recuento, repasamos las voces y experiencias de Pablo Perroni, Mariano Aguirre, Axel Santos, Facundo Castro y Diego de Tovar, quienes dan vida a un montaje que combina humor, sensibilidad y reflexión sobre el amor, la identidad y la búsqueda de conexiones auténticas.

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F**CKING MEN Dónde ver: Foro Lucerna Viernes 20:30 hrs. sábado 19:00 hrs.

FAC U N D O C A ST R O

EL ACTOR regresa a una puesta en escena que invita a reflexionar sobre el amor, el deseo y las complejidades de los vínculos humanos. A través de historias que retratan distintas formas de relacionarse, el actor se enfrenta al reto de construir personajes profundamente humanos, marcados por sus contradicciones, anhelos y necesidades afectivas.

Para Aguirre, la obra representa una oportunidad de conectar con temas universales desde la honestidad emocional. En cada función, el actor transita por momentos de intimidad, humor y vulnerabilidad que permiten al público reconocerse en las experiencias que se presentan sobre el escenario.

La nueva temporada de F**king Men profundiza en conversaciones sobre identidad, libertad y afectos, manteniendo el tono cercano y reflexivo que ha convertido a la obra en un referente dentro del teatro contemporáneo.

En este contexto, Mariano Aguirre aporta una interpretación sensible que contribuye a la fuerza colectiva de un montaje que apuesta por mostrar la diversidad de las relaciones humanas sin prejuicios ni etiquetas.

LA SEGUNDA temporada de F**king Men marca el regreso de una obra que pone sobre la mesa temas como el deseo, la soledad, el amor y la necesidad de conectar con los demás. Dentro de este universo de historias cruzadas, Facundo Castro forma parte de un elenco que apuesta por la honestidad y la cercanía para retratar las distintas experiencias afectivas de sus personajes.

El actor se suma a una propuesta que desafía las ideas tradicionales sobre las relaciones, abriendo espacio para hablar de emociones, encuentros y desencuentros desde una perspectiva contemporánea. Cada escena construye un mosaico de experiencias donde la intimidad se convierte en el punto de partida para reflexionar sobre quiénes somos y cómo nos vinculamos con los demás.

Con una combinación de momentos emotivos, situaciones inesperadas y un humor que surge de la propia condición humana, F**king Men continúa consolidándose como una obra que conecta con públicos diversos. En esta nueva temporada, Castro aporta su talento a una puesta en escena que invita a mirar las relaciones sin filtros y con una profunda sensibilidad.

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El actor protagoniza el intenso monólogo que explora la precariedad, la masculinidad y las decisiones que se toman cuando la ciudad deja de ser promesa para convertirse en supervivencia.

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ay personajes que llegan para desafiar al actor.

Otros, para transformarlo. Y luego están aquellos que obligan a mirar de frente zonas incómodas de uno mismo. Para Alberto Garmassi, Cloro pertenece a esta última categoría.

La obra, sigue la historia de Sebastián, un joven que llega de provincia a la Ciudad de México persiguiendo sueños de éxito y estabilidad. Dos años después, continúa limpiando mesas en un restaurante mientras la ciudad parece negarle las oportunidades que imaginó. Cuando encuentra en el trabajo sexual una salida económica, comienza también un viaje de cuestionamientos sobre identidad, deseo, masculinidad y supervivencia.

“Es un monólogo crudo, íntimo y profundamente humano”, explica Garmassi en conversación con la Revista Cameo. “Vemos cómo el deseo, la soledad y la necesidad de sobrevivir en una ciudad como la Ciudad de México mantienen al personaje en constante conflicto, pero sin victimizarse. Él asume las consecuencias de las decisiones que toma”.

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SE SUMERGE EN LAS AGUAS MÁS PROFUNDAS DE CLORO

Lejos de plantear respuestas fáciles, Cloro pone sobre la mesa preguntas incómodas: ¿quién determina qué está bien y qué está mal? ¿Hasta dónde puede llegar una persona para sobrevivir? ¿Qué ocurre cuando las posibilidades de elección están condicionadas por la precariedad?

“Sebastián encuentra una estabilidad económica que jamás había tenido, pero mientras más obtiene, más comienza a cuestionarse quién es realmente.

Ahí empieza a desmenuzarse el personaje y también la obra”, señala.

UN BAÑO CONVERTIDO EN UNIVERSO Parte de la fuerza de Cloro radica en su cercanía con el público.

Toda la historia sucede desde el baño de Sebastián. Desde ahí, el personaje reconstruye recuerdos, relaciones, encuentros y heridas. Ese punto de partida llevó al equipo creativo a buscar deliberadamente un espacio pequeño para la temporada.

“Desde el inicio pensamos que esta obra tenía que ocurrir en un lugar íntimo. Yo estoy dialogando directamente con el público durante toda la función. No existe una cuarta pared”.

La intención es que los espectadores no sean simples observadores, sino cómplices de la historia.

“Queremos que el público se sienta empapado por este cloro. Que sienta que está dentro y no viéndola desde lejos”.

EL TEATRO COMO REFUGIO “Las tablas son una escuela constante. Desde los

ensayos hasta la creación del personaje. Siempre regreso al teatro para desempolvarme de cualquier vicio que pueda adquirir con el tiempo”.

Pero también existe una razón más personal.

“En el teatro encuentro discursos que quiero contar en este momento de mi vida. Es una relación mucho más íntima con el espectador”.

LA IMPORTANCIA DE VERSE REFLEJADO Uno de los temas que atraviesan la conversación con Garmassi es la representación LGBTQ+ en los medios.

El actor celebra que hoy existan más historias diversas en cine, teatro y televisión, aunque considera fundamental que estas narrativas nazcan desde la autenticidad.

“Son historias que siempre han existido.

Lo que pasaba es que estaban reprimidas”, reflexiona.

Recuerda que durante su infancia y adolescencia apenas encontraba referentes con los cuales identificarse.

“Cuando no te ves reflejado en ningún lado, sientes que estás fuera de lugar. Por eso me parece maravilloso que las nuevas generaciones tengan referentes en el cine, en las series y en el teatro”.

Sin embargo, también advierte sobre el riesgo de construir personajes desde estereotipos o visiones superficiales.

“Cuando las historias se cuentan desde fuera de la comunidad muchas veces caen en clichés. En cambio, cuando nacen desde experiencias reales,

se sienten verdaderas”.

Para él, Cloro pertenece precisamente a esa segunda categoría.

“La mayoría del equipo forma parte de la comunidad. Por eso la historia se cuenta desde un lugar honesto, desde una verdad compartida”.

CLORO Dónde ver: Foro A Poco No Del 6 al 21 de junio de 2026

CONVERTIRSE EN REFERENTE Con los años, Garmassi ha descubierto que su trabajo tiene un impacto que va más allá de los escenarios.

Mensajes de jóvenes que se sienten identificados con sus personajes o que encuentran inspiración en su trayectoria le han hecho entender el alcance de la representación.

“Es algo que nunca

esperas cuando empiezas una carrera. Pero cuando te das cuenta de que alguien se ve reflejado en ti, entiendes la responsabilidad que eso implica”.

Hace poco fue invitado a inaugurar un festival de cine inclusivo como padrino del evento. El motivo de la invitación lo conmovió profundamente.

“Me dijeron que era un referente para la comunidad. Leer eso fue muy bonito. Todavía siento que me falta mucho por hacer, pero saber que puedes acompañar a alguien desde tu trabajo es muy especial”.

Por ahora, el actor concentra su energía en Cloro, una obra que promete remover emociones y generar conversaciones necesarias. | 33

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Fotos y texto Carlos Mora

ntre relaciones complicadas, secretos que amenazan con salir a la luz y personajes incapaces de enfrentar sus propias heridas, Egoísta llega a los escenarios con una propuesta tan divertida como incómodamente cercana.

La nueva obra escrita, dirigida y producida por León Karam, y protagonizada por Óscar Valenzuela, explora los claroscuros de las relaciones humanas a través de una comedia ácida que invita a la reflexión.

La historia sigue a Matías, un fotógrafo en sus treinta interpretado por Óscar Valenzuela, quien vive dividido entre Lucas, su pareja estable, y Susana, una psicóloga seductora y posesiva. Acostumbrado a priorizar sus propios deseos, Matías ha convertido el egoísmo en una forma de vida. Sin embargo, una cena organizada para mantener las apariencias se convierte en un auténtico caos cuando invitados inesperados llegan para poner en evidencia mentiras, tensiones y secretos.

“Habla mucho sobre los arquetipos de la personalidad: el egoísmo, el narcisismo y el control”, explica León Karam. “Todos los personajes están buscando amor, pero la pregunta es qué están dispuestos a sacrificar o a quién están dispuestos a lastimar para conseguirlo o para no sentirse solos”.

Para Valenzuela, la obra es una especie de “sopa de personajes” que arrastran heridas sin resolver. “Cada uno tiene un vicio de carácter muy marcado y, 34 |

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AMOR, SECRETOS Y CAOS EN LA MESA

En entrevista con la Revista Cameo, León Karam y Óscar Valenzuela comparten los detalles de su nueva obra, una comedia que aborda las relaciones, la diversidad y los claroscuros del amor a través del teatro independiente.

TEATRO ÍNTIMO Y CERCANO

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UN PERSONAJE INCÓMODO Matías es el eje de la historia y también el reflejo de muchas contradicciones humanas. “Es el egoísta de la historia”, reconoce Valenzuela. “Está enamorado de una persona mientras juega con otra, y todo lo que sucede durante la cena termina complicando sus objetivos”.

Karam señala que el origen de la obra surge de experiencias personales y de la observación de las relaciones humanas. “Siempre parto del amor como base.

Me interesa entender cómo nos relacionamos y qué ponemos en juego cuando buscamos afecto. Hay mucho de experiencias propias y de historias con las que me he identificado”.

La puesta en escena se presentará en un formato poco convencional que busca involucrar al espectador de manera directa. Parte del E S P E C I A L público estará sentado sobre el escenario, generando una experiencia más cercana y V envolvente.

L E I S “Eso vuelve la función mucho más íntima”, afirma EGOÍSTA Valenzuela. “No es el teatro Dónde ver: tradicional donde existe El Círculo Teatral una distancia clara entre actores y espectadores.

Aquí todos forman parte de la experiencia”.

Para Karam, además, el recinto tiene un valor especial. “El teatro independiente es un acto de amor. León Karam, Ponemos todo de nosotros dramaturgo mismos para sacar adelante y actor. cada proyecto. Llevar estas historias al público es una oportunidad maravillosa sencia de historias LGBT+ de conectar a través de la en el cine, la televisión y el sensibilidad”. teatro mexicano.

“Cuando empecé a LA IMPORTANCIA DE escribir teatro quería que HISTORIAS LGBT+ la gente entendiera que Durante la conversación, nuestras vidas también ambos artistas reflexionason normales”, comparte ron sobre la creciente preKaram. “Nos enamoramos, sufrimos, nos equivocamos y vivimos situaciones complejas igual que cualquier otra persona. Que existan estos espacios para contar nuestras historias es algo maravilloso”.

Valenzuela coincide en que la representación es fundamental para las nuevas generaciones.

“Crecimos sin vernos reflejados en las historias.

Hoy los jóvenes tienen más referentes y más posibilidades de entender quiénes son. Cuando te ves representado en una historia, también encuentras herramientas para comprender tu propia vida”.

Ambos destacan que la El actor evolución de estas narraÓscar tivas ha permitido alejarse Valenzuela. de los relatos exclusivaO

conforme avanza la historia, las relaciones se van complicando hasta llegar a momentos muy intensos y divertidos”, comenta.

mente trágicos que durante décadas dominaron la representación de la diversidad.

“Se ha ido humanizando”, señala Karam. “Ahora podemos hablar desde el amor, desde la comedia, desde los conflictos cotidianos. Eso también es parte de nuestra realidad”.

EL RETO DEL TEATRO INDEPENDIENTE Aunque reconocen que el panorama teatral ha crecido, ambos coinciden en que el teatro independiente sigue enfrentando importantes desafíos.

“Ser independiente implica que todos terminan involucrados en todo”, comenta Valenzuela. “No solo actuamos; también participamos en producción, difusión y muchas otras áreas. Pero cuando existe amor por el proyecto, eso se nota en el resultado”.

Para el director, el teatro sigue siendo una de las herramientas más poderosas para generar empatía. | 35

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MANELYK ROMPE ETIQUETAS Y DEBUTA EN EL TEATRO La estrella de realities debuta sobre las tablas con "El que se enamora pierde", una apuesta que amplía su carrera artística.

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onsolidada como una de las figuras más populares de los realities en Latinoamérica, Manelyk vive una nueva etapa profesional con su debut teatral en El que se enamora pierde, una experiencia que describe como tan desafiante como gratificante.

“Estoy feliz y agradecida por la oportunidad, pero también conmigo misma por no dejar que las críticas me frenaran”, comparte con la Revista Cameo. “Estoy muy satisfecha con el resultado y con la respuesta del público”.

Su llegada a la obra surgió tras haber trabajado con el productor y actor Samuel Zarazúa en la preparación de un proyecto anterior.

Al leer una escena del montaje, sintió una conexión inmediata con la historia y decidió audicio-

Texto Carlos Aguillón Fotos Carlos Mora nar para el personaje de Gabriela.

Aunque recibir el papel la emocionó, también despertó sus inseguridades.

“Me dio miedo. Pensaba: ‘¿En qué te estás metiendo?’ Una cosa es la televisión y otra el teatro.

Sentía una gran responsabilidad”, reconoce.

Sin embargo, decidió enfrentar el reto con preparación y disciplina. “Soy muy dedicada.

Sabía que podía estudiar y hacerlo bien”, afirma.

Los nervios la acompañaron durante los ensayos e incluso antes del estreno, pero todo cambió al pisar el escenario.

“Se abre el telón y es magia.

Todo desaparece. Lo tengo tan ensayado que ya nada más me falta hacerlo en arameo”, bromea.

Para la actriz, esos nervios son parte esencial del proceso.

“Es respeto por la gente, por el escenario y por el trabajo”.

Su incursión en el teatro se suma a una carrera que hoy combina actuación, conducción y colaboraciones internacionales.

“Me siento realizada. Me costó mucho llegar hasta aquí.

Estoy haciendo conducción, teatro, televisión y vienen nuevos proyectos”, señala.

Entre ellos se encuentra una serie para la que ya fue seleccionada, además de una propuesta para regresar a los realities, un formato que sigue disfrutando.

“A mí me encantan los realities. Si llega uno que me guste y me convenga, claro que lo haría”, concluye.

GRISEL MARGARITA,

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MIL VIDAS EN ESCENA

ay actores que esperan años para encontrar un personaje desafiante.

Grisel Margarita encontró ocho.

La actriz forma parte de El que se enamora pierde, la comedia que marca el debut teatral de Manelyk González y reúne también a Moisés Peñaloza y Samuel Zarazúa. Para ella, el proyecto representa el regreso a una historia que marcó una etapa importante de su carrera y a la que siempre quiso volver.

“Conocí esta obra hace diez años. Samuel me recomendó con Daniel Salinas para integrarme al elenco y la presentamos durante varios años. Siempre le tuve muchísimo cariño”, comparte a la Revista Cameo.

Cuando Zarazúa decidió remontarla, la invitó a interpretar personajes que anteriormente no había

En "El que se enamora pierde", la actriz da vida a ocho personajes mientras combina actuación, producción y nuevos proyectos teatrales.

Texto Carlos Aguillón Fotos Carlos Mora podido hacer. El resultado fue uno de los retos más ambiciosos de su trayectoria: dar vida a ocho personajes distintos dentro de una misma función.

“Cada personaje tiene una energía diferente. La obra pasa de la comedia al drama y me permite explorar muchos registros como actriz”, explica.

Además del desafío escénico, la producción significó un reencuentro con parte del equipo original. La presencia de Daniel Salinas durante el estreno hizo aún más especial esta nueva etapa.

“Fue muy emocionante volver a coincidir y recordar todo lo que vivimos con esta obra”.

Grisel también destaca el ambiente que se vive dentro del elenco y reconoce el trabajo de Manelyk González en su debut teatral.

“Llegó muy preparada, estudió muchísimo y se comprometió por completo con el proyecto”.

Con 25 años de trayectoria teatral, la actriz ha ampliado su carrera hacia la producción y la dirección.

Actualmente desarrolla proyectos como Leyendas mexicanas de terror y #Viral,

EL QUE SE ENAMORA PIERDE Dónde ver: Nuevo Teatro Versalles Miércoles, 20:30 hrs.

participa en el musical Cómo te va mi amor y forma parte de 2000’s X Siempre, espectáculo que prepara nuevas fechas y sorpresas internacionales.

Aunque combina varios proyectos al mismo tiempo, asegura que atraviesa una de las etapas más satisfactorias de su carrera.

“Estoy muy feliz. Son muchos retos, pero también muchas oportunidades para seguir haciendo lo que amo”.

Convencida de que las experiencias en vivo seguirán siendo indispensables, ve un futuro prometedor para los escenarios.

“El teatro tiene algo irrepetible. Por más que avance la tecnología, la gente siempre buscará historias que pueda vivir y sentir de cerca”, finalizó. | 37

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DIE GO DE L RÍO Y M A RIN A DE TAV IR A

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UN TRANVÍA LLAMADO DESEO: EL REGRESO DE BLANCHE Y EL DESEO La obra vuelve a los escenarios con una nueva temporada y un montaje vivo que se transforma en cada función.

Fotos y texto Carlos Mora

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ay obras que no regresan: insisten. Un tranvía llamado deseo, de Tennessee Williams, vuelve a los escenarios en México en su cuarta temporada como si cada función fuera una relectura emocional del propio material. No se trata únicamente de un reestreno, sino de una obra que se rehace en el cuerpo de sus actores, en la arquitectura del espacio y en la relación cambiante con el público.

En entrevista con la Revista Cameo, el director Diego del Río y la actriz Marina de Tavira hablaron del proceso creativo, del desgaste natural del tiempo y, sobre todo, de la forma en que este montaje ha logrado permanecer vivo a lo largo de los años.

Desde el inicio, Del Río marcó el tono de lo que significa volver a este universo: un trabajo que 38 |

no se estabiliza, que no se “cierra”, que se sigue descubriendo. “A veces el teatro tiene esta condición de lo efímero que hace que las temporadas se queden en experiencias únicas”, dijo. “Pero esta obra ha tenido algo distinto. Esta es nuestra cuarta temporada, y eso ya habla de un esfuerzo colectivo muy profundo por sostenerla, por volver a ella, por no soltarla”.

El director insistió en que el montaje no ha sido una repetición, sino un proceso de transformación constante. Cada regreso ha implicado reconfigurar el ritmo, la energía y la escucha del elenco. “No es una obra que se repita igual”, explicó. “Cada temporada nos obliga a volver a preguntarnos qué estamos haciendo aquí, qué nos sigue diciendo Tennessee Williams hoy, en este momento de nuestras vidas”.

Uno de los elementos fundamentales del montaje

es su carácter coral, donde el ensamble funciona como una sola respiración escénica. Del Río lo describió como un organismo en tensión permanente. “Es una obra profundamente colectiva. Nadie entra o sale del escenario de manera aislada en términos emocionales. Todo está conectado. Todo está vibrando al mismo tiempo”.

La llegada a esta cuarta temporada también se vive con una conciencia de posible cierre. Sin confirmarlo de manera definitiva, el equipo reconoce que podría ser la última vez que este montaje se presente en esta forma.

“Siempre pensamos en la posibilidad de que el teatro es esto: algo que sucede una sola vez”, dijo Del Río. “Aunque repitamos el título, aunque repitamos el texto, cada función es irrepetible. Eso es lo que hace que esta obra sea tan especial para nosotros”.

HABITAR DE NUEVO A BLANCHE DUBOIS Por su parte, Marina de Tavira habló desde una construcción más íntima del personaje de Blanche DuBois, una de las figuras más complejas del teatro moderno. La actriz subrayó que su aproximación ha sido siempre desde la resistencia a las etiquetas.

“Intento no entrar al personaje desde ideas preconcebidas”, explicó. “Con Blanche, eso era todavía más importante. Es un personaje que ha sido interpretado tantas veces, de tantas maneras, que lo primero que tuve que hacer fue olvidarme de esas versiones para poder encontrar la mía”.

De Tavira insistió en que el proceso de construcción no fue individual, sino colectivo, alimentado por los ensayos, los vínculos con el elenco y las decisiones que surgieron en el trabajo diario.

“Fue un proceso de descubrimiento constante”, dijo.

“No llegas con el personaje armado. Lo vas encontrando en relación con los otros.

Blanche no existe sola, existe en relación con todos los que la rodean”.

En ese sentido, la actriz destacó que el corazón de la obra no está en una psicología cerrada, sino en las tensiones entre los personajes.

“Somos relaciones más que definiciones”, afirmó. “Y Blanche, como todos los personajes, está intentando sostener algo muy básico: su dignidad”.

Esa idea atraviesa toda la lectura que el equipo hace del texto de Tennessee Williams. Más allá de los conflictos narrativos, el montaje pone el acento en la fragilidad humana y en la lucha por permanecer en un mundo que constantemente expulsa o incomprende al otro.

UN TRANVÍA LLAMADO DESEO Dónde ver: Teatro Xola Julio Prieto Del 12 de junio al 10 de julio de 2026.

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D Cecilia Suárez VUELVE A MÉXICO CON UNA HISTORIA NECESARIA La actriz protagoniza la obra basada en "El invencible verano de Liliana", de Cristina Rivera Garza, con un homenaje a su hermana Liliana y una denuncia contra la violencia hacia las mujeres.

Fotos y texto Carlos Mora

espués de conmover al público en distintos escenarios internacionales, la adaptación teatral de El invencible verano de Liliana llegó finalmente a México. Para Cecilia Suárez, quien protagoniza la puesta en escena basada en el libro de la escritora Cristina Rivera Garza, el regreso de esta historia a su lugar de origen tiene un significado profundamente emocional y político.

La obra recupera la vida de Liliana Rivera Garza, joven universitaria asesinada en 1990, cuyo caso quedó atrapado durante décadas en la impunidad.

A través de cartas, diarios y recuerdos conservados por su familia, Cristina reconstruyó la historia de su hermana en un libro que se convirtió en un referente de la literatura contemporánea sobre la violencia contra las mujeres.

Durante la presentación de la temporada mexicana, Cecilia Suárez confesó que el deseo de traer la obra al país existía desde que comenzaron a montarla.

“Desde que la empezamos a montar el sueño era venir a México. Traer la obra aquí. Aquí es donde más se necesita contar la historia.

Es de aquí”, expresó.

La intérprete recordó que el proyecto llegó a sus manos gracias a la insistencia de quienes le recomendaron leer el libro.

Lo que encontró en sus páginas fue una experiencia transformadora.

“La lectura del libro fue una conmoción absoluta.

Cristina logra poner en palabras cosas que muchas de nosotras hemos sentido en algún momento de nuestra vida”, señaló.

Más que una representa-

ción escénica, Suárez considera que la obra funciona como un espacio de memoria colectiva. En ella no sólo está presente Liliana, sino también la vida que le fue arrebatada, sus sueños, sus afectos y las múltiples violencias que atraviesan la experiencia de muchas mujeres mexicanas.

“Uno conecta con ella, con Cristina, con su madre, con su padre, con sus amigos, con sus sueños y deseos. Con la vida que estaba latente y quedó truncada”, reflexionó.

La actriz también hizo un llamado especial a los hombres para acercarse a la puesta en escena. A su juicio, la conversación sobre la violencia de género sigue siendo vista por muchos como un asunto exclusivo de las mujeres, cuando en realidad es una problemática que involucra a toda la sociedad.

“Necesitamos hablar de esto, necesitamos escucharlo y necesitamos encarecidamente que muchos hombres vengan a verla”, afirmó.

Para la actriz, interpretar este montaje ha sido una de las experiencias más intensas y significativas de su trayectoria.

“Ha sido una de las experiencias actorales más impresionantes que he tenido la oportunidad de vivir. Igual que el libro, ha sido una conmoción”.

Con esta temporada en México, la obra cumple el viaje que imaginó desde sus inicios: regresar a casa para dialogar con una sociedad que sigue enfrentando las consecuencias de la violencia feminicida. Un regreso que, en palabras de Cecilia Suárez, parecía inevitable. “Creo que Liliana nos hizo venir aquí”.

ESPECIAL LOVE IS LOVE E S P E C I AL

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MÁS ALLÁ DE LA REPRESENTACIÓN: TALENTO, MEMORIA Y ESCENARIO FOTO CARLOS MORA

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“EL TEATRO ME HACE SENTIR VIVO” PECIAL

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El escenariose ha convertido en un territorio de crecimiento, transformación y reinvención.

En conversación con la Revista Cameo, el actor reflexiona sobre la obra "Ángeles en América", la diversidad y el poder de las historias que merecen ser contadas.

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Fotos y texto Carlos Mora

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l histrión vive uno de los momentos más intensos de su carrera. Entre funciones, ensayos y nuevos desafíos actorales, el intérprete ha convertido el teatro en su hogar creativo.

Este año ha transitado por montajes tan diversos como Siete veces adiós, Él y Él, Eurídice (según Eurídice) y Asesinato para dos, mientras se prepara para uno de los proyectos más ambiciosos de su trayectoria: Ángeles en América.

En conversación con la Revista Cameo, el actor

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habla sobre la representación LGBTQ+, la importancia de la memoria histórica y cómo ha aprendido a construir su propio camino.

Vienes de un año muy intenso en teatro. ¿Cómo estás viviendo esta etapa?

Muy feliz. Ha sido un año maravilloso. El teatro es algo que me da muchísima vida, me hace sentir que me expando como actor. Creo que es la disciplina que más te obliga a estar presente.

Empezamos el año ensayando sin parar y tuve la oportunidad de participar en proyectos muy distin-

tos entre sí, todos muy enriquecedores.

Siete veces adiós, Él y Él fue una experiencia muy especial. Formar parte de una producción tan querida y ver la respuesta del público fue algo muy emocionante.

Además, era muy bonito conectar directamente con la comunidad LGBTQ+, ver el teatro lleno y observar cómo la gente se conmovía al ver sus propias historias representadas sobre el escenario. ¿Qué significó para ti formar parte de una historia con esa representación?

Fue muy poderoso.

Durante mucho tiempo las personas gay crecimos buscando paralelos en historias heterosexuales porque no encontrábamos nuestras propias experiencias representadas. Hay dinámicas que son completamente distintas y verlas reflejadas, celebradas y contadas con dignidad tiene un impacto enorme.

Después de cada función veía a personas llorar, emocionarse, agradecer.

Había gente que viajaba desde otros estados solamente para ver la obra.

Eso te hace entender lo importante que es contar todo tipo de historias.

ÁNGELES EN AMÉRICA PARTE I, EL MILENIO SE APROXIMA Dónde ver: Teatro del Centro Cultural Helénico Del 19 de junio al 12 de julio de 2026

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El actor se presentó en la obra "Siete veces adiós, él y él", junto a Jerry Velázquez.

También participaste en "Eurídice (según Eurídice)", una propuesta muy distinta.

Sí, fue un proyecto precioso. Retoma el mito de Orfeo y Eurídice, pero desde la perspectiva de ella. Le da voz a un personaje que históricamente había sido contado a través de alguien más. Además, fue un reto enorme porque tuve que aprender a tocar guitarra para la obra.

Me encanta cuando los proyectos me obligan a crecer. Siento que este año todo me ha llevado a expandir mis herramientas como actor.

Y al mismo tiempo sigues con "Asesinato para dos".

Sí, ya llevamos cerca de dos años con la obra.

Ha sido un proyecto muy importante para mí. Creo que ha sido el escaparate teatral más significativo que he tenido y me permitió mostrar distintas facetas de mi trabajo.

Es una producción que cambió muchas cosas en mi carrera.

Ahora llega "Ángeles

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en América", considerada una de las obras más importantes del teatro contemporáneo. ¿Qué representa para ti?

Es un privilegio enorme. Es un texto fundamental para la comunidad queer y para la historia del teatro. Habla de la epidemia del VIH/ SIDA en los años ochenta, pero también de política, poder, discriminación y memoria.

Aunque hoy vivimos un contexto muy diferente gracias a muchos avances médicos y sociales, es importante no olvidar lo que ocurrió. No podemos olvidar las voces que se perdieron ni las vidas que fueron arrebatadas. Además, la obra sigue siendo profundamente relevante porque muchas de las tensiones políticas que retrata parecen repetirse en la actualidad.

Trabajar bajo la dirección de Chris Magaloni y junto a este elenco es algo que me emociona muchísimo.

Da la impresión de que el teatro no te quiere soltar.

(Ríe) La verdad es

que no. El año pasado hice más televisión, pero siempre necesito regresar al escenario. Hay algo en el rigor del teatro que me resulta indispensable como actor. Pararme frente al público y vivir la historia en tiempo real es una de las emociones más fuertes que conozco. Me siento muy vivo cuando estoy sobre las tablas.

Para las nuevas generaciones, "Ángeles en América" también funciona como una lección de memoria.

Completamente. Hoy existen libertades que antes eran impensables, pero esas libertades no están garantizadas para siempre. Los jóvenes de la comunidad LGBTQ+ viven una realidad muy distinta a la de quienes crecimos en décadas anteriores.

Hubo una época marcada por el secretismo, la vergüenza y la falta absoluta de representación.

Creo que es importante que las nuevas generaciones conozcan esa historia y entiendan todo lo que costó llegar hasta aquí.

¿Qué lugar ocupa para ti la representación LGBTQ+ dentro de tu trabajo?

Es algo muy importante. Cuando era más joven pensaba que ser homosexual podía convertirse en un problema para mi vida y para mi carrera.

Crecí viendo que era algo considerado raro o inaceptable.

Por eso me parece un privilegio vivir en una época en la que puedo interpretar personajes homosexuales sin miedo.

Antes se pensaba que este tipo de personajes podían cerrar puertas.

Hoy, afortunadamente, la conversación es distinta.

También siento una responsabilidad. Quiero ser parte de esa representación que yo no tuve cuando era adolescente. ¿Crees que estamos viviendo un momento de mayor visibilidad para las historias gay?

Definitivamente sí.

Cada vez hay más contenidos y además ya no son exclusivamente de nicho.

Eso es muy importante porque las historias LGBTQ+ no deberían ser

vistas solamente por personas de la comunidad.

Las historias generan empatía. Cuando conoces una realidad, dejas de temerle. Muchas veces la homofobia nace precisamente del desconocimiento.

Yo recuerdo que fui el primer amigo homosexual de muchas personas cercanas. Para varios de ellos eso cambió completamente la percepción que tenían sobre la comunidad. Descubrieron que detrás de todos los prejuicios simplemente había una persona igual que ellos.

También has hablado de la necesidad de ampliar la conversación

hacia otras identidades dentro de la diversidad.

Sí. Hemos avanzado muchísimo en algunos aspectos, pero todavía falta visibilizar más experiencias, especialmente las de las personas trans.

La diversidad es enorme y todas las personas merecen ser vistas y escuchadas. Al final se trata de entender algo muy sencillo: existen diferentes formas de vivir, de amar y de habitar el mundo. Esa diversidad no debería ser una amenaza para nadie.

Tu apellido Guerra inevitablemente remite a tu padre (Rogelio Guerra). ¿Cómo ha sido construir tu propio camino?

Al principio sentía presión. Pensaba que tenía una vara muy alta que alcanzar. Pero con el tiempo entendí que mi carrera no tiene que parecerse a la de mi padre.

Lo que hago sobre un escenario depende de mí, de mis decisiones y de mis herramientas.

Cuando logré quitarme esa comparación constante fue cuando realmente empecé a crecer.

Hoy veo el apellido como una bendición. Me permitió heredar el cariño de mucha gente que admiraba profundamente a mi padre. Pero también siento que poco a poco la gente ya no me identifica solamente como “el hijo de”. Cada vez me recono-

cen más por quien soy yo: Aldo Guerra.

Después de tantos proyectos, ¿qué sigue?

Por ahora, Ángeles en América. Y después necesito una pausa. Llevo prácticamente dos años sin detenerme.

He estado trabajando de lunes a domingo durante meses entre ensayos y funciones.

Claro que me entusiasma regresar eventualmente a la televisión o hacer alguna serie, y ya existen algunas posibilidades, pero todavía no hay nada concreto.

Quiero disfrutar este estreno y permitirme respirar un poco antes de la siguiente aventura. | 45

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reinta años después de su nacimiento, el Festival MIX México: Cine, Diversidad Sexual y de Género sigue demostrando que el cine puede ser un espacio de encuentro, memoria y transformación. Del 17 de junio al 1 de julio de 2026, la Ciudad de México recibirá una nueva edición del encuentro cinematográfico más importante dedicado a las diversidades sexuales y de género en Latinoamérica.

Con sedes como la Cineteca Nacional Xoco, Cineteca Nacional Chapultepec, Cinépolis Diana, Cine Tonalá y Eucalipto 20, la celebración reunirá más de un centenar de títulos provenientes de distintas partes del mundo, consolidando al festival como un referente cultural indispensable.

Al frente de esta edición se encuentra Alfonso Escandón, director del festival, quien aprovechó la presentación de la programación para lanzar una invitación abierta a toda la comunidad.

“El MIX es tuyo. El MIX somos todos. Bienvenidos a MIX”, expresó, recordando que el festival atraviesa una etapa marcada por la ausencia física de su fundador, Arturo Castelán, pero también por la responsabilidad colectiva de mantener vivo su legado.

“Después de 29 años, Arturo no únicamente le dedicó su vida al festival, le dio su vida al festival.

Nos dejó una herencia y un legado muy importante.

Entre todos lo mantenemos”, afirmó.

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ALFONSO ESCANDÓN:

“MIENTRAS YO RESPIRE, EL FESTIVAL MIX VA A CONTINUAR” En entrevista con la Revista Cameo, Alfonso Escandón habla sobre la histórica 30ª edición del Festival MIX, un encuentro que celebra tres décadas de cine, diversidad y memoria.

Fotos y texto Carlos Mora

UN PROGRAMA HISTÓRICO La edición número 30 contará con 101 títulos, integrados por 32 largometrajes y 69 cortometrajes provenientes de 26 países, además de 45 producciones mexicanas, una cifra que Escandón destacó con especial orgullo.

“Nos da mucho gusto que haya tanto material mexicano este año”, señaló.

La inauguración estará a cargo de Mickey (2026), documental dirigido por Dano García que retrata una década en la vida de Mickey Cundapí, conocida como Mis$ Mickey, artista trans originaria de Mazatlán. La película, que tuvo su estreno mundial en SXSW 2026, explora los procesos de identidad, transición y resistencia en un contexto conservador.

Para Escandón, la emoción de la directora por formar parte del festival se convirtió también en un impulso personal durante la organización del evento.

“Son momentos difíciles, de no dormir, de armar el festival. Ver a Dano tan emocionada por estar aquí me llenó de energía para decir: aquí seguimos y seguiremos”.

CINE MEXICANO, COMPETENCIA Y NUEVAS MIRADAS La programación se divide en tres grandes apartados: Rosa Mexicano, dedicada al cine nacional; Panorama, enfocada en producciones internacionales; y la sección de Competencia, considerada el eje central del encuentro.

El jurado estará presidido

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por el cineasta Ulises Pérez Mancilla y contará con la participación de la actriz Regina Pavón y el actor Cristian Mariani.

Además de las categorías tradicionales, el festival continúa ampliando sus espacios para distintas formas de creación audiovisual. Este año incluye programas dedicados al cine experimental, al cine de terror queer y a propuestas vinculadas al posporno, reflejando la diversidad de discursos y estéticas que forman parte de la experiencia LGBTQ+ contemporánea.

UN FESTIVAL QUE TAMBIÉN DIALOGA CON LA REALIDAD Más allá de las proyecciones, MIX mantiene una vocación social que se ha fortalecido en los últimos años. En alianza con

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organizaciones de salud, el festival volverá a realizar una jornada dedicada al VIH, que incluirá películas, conversatorios y pruebas rápidas gratuitas.

Escandón reconoció que inicialmente dudó sobre la respuesta del público ante esta iniciativa, pero la experiencia del año pasado confirmó su relevancia.

“La idea es quitar la percepción de que hacerse una prueba es algo complicado o extraordinario. Que sea tan cotidiano como venir al cine”.

LA MEMORIA DE ARTURO CASTELÁN Uno de los momentos más emotivos fue cuando Alfonso Escandón habló sobre Arturo Castelán, fundador del festival y figura fundamental para la historia del cine LGBTQ+ en México.

Con la voz entrecortada, recordó una reciente conversación con la hermana de Castelán y la presencia constante de su memoria durante la organización del festival.

“Pienso siempre en él.

Todos los días. Mucha gente lo hace. El Festival MIX es un reflejo de eso”.

Entre los homenajes de esta edición destaca una retrospectiva dedicada a Julián Hernández, así como la conmemoración de los 25 años de la histórica presentación de Trembling Before G-d (Temblando ante Dios), que contará con la presencia de su director, Sandi DuBowski.

TREINTA AÑOS MIRANDO HACIA ADELANTE A tres décadas de distancia, el Festival MIX no sólo celebra su permanencia.

También reivindica la necesidad de seguir construyendo espacios para las historias que muchas veces quedan fuera de los circuitos dominantes.

En un contexto internacional donde los discursos de exclusión vuelven a ganar terreno, el festival apuesta por la visibilidad, la memoria y el encuentro colectivo.

Y si algo quedó claro durante la presentación de esta edición, es que el compromiso de quienes hoy sostienen el proyecto sigue siendo tan firme como el que le dio origen.

“Mientras yo respire, el festival va a continuar”, concluyó Escandón.

Una promesa que resume el espíritu de un encuentro que, treinta años después, sigue siendo un acto de resistencia cultural. | 47

MICKEY CUNDAPÍ

“LAS VIVENCIAS TRANS MERECEN SER RECONOCIDAS” En entrevista con la Revista Cameo, la creadora digital sinaloense habla sobre el documental "Mickey" y reflexiona sobre el derecho de existir, crear y contar su propia historia.

Foto y texto Carlos Mora

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ay películas que nacen de una idea y otras que se construyen a lo largo de una vida. Mickey, el nuevo documental dirigido por Dano García, pertenece a la segunda categoría. Durante más de diez años, la cámara acompañó a Mickey Cundapí, celebridad digital y videobloguera originaria de Sinaloa, mientras transitaba un complejo camino de autodescubrimiento en un entorno marcado por la desinformación y la homofobia.

El resultado es una de las propuestas documentales mexicanas más íntimas del año: una obra sobre identidad, libertad y memoria que encuentra en la experiencia personal una reflexión universal sobre el derecho a existir.

Su estreno en el Festival MIX México tiene para Mickey un significado especial. La emoción no proviene únicamente de presentar la película ante el público capitalino, sino de cerrar un círculo que comenzó más de una década atrás.

“Recuerdo haber venido al festival hace muchos años y ver que aparecía en pantalla. Fue un sueño.

Pensé: algún día quiero estar aquí con algo mío. Que ahora suceda en la misma Cineteca y en un festival tan importante para mí se siente mágico”, comparte.

La presentación también representa un encuentro con las personas que la han acompañado durante años en redes sociales y en su proceso personal. “Lo van a ver mis amistades, mis seguidores y mucha gente que apoyó este proyecto. Por eso este estreno es tan importante”.

La edición número 30 del Festival MIX destaca este año por la presencia de varias producciones centradas en experiencias trans.

Para la actriz, este panorama es una señal esperanzadora en un contexto internacional donde los discursos de exclusión continúan creciendo.

“Es curioso que todavía haya personas que estén en contra de nuestra existencia. Pero el arte siempre ha sido un refugio para

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quienes necesitamos contar nuestras historias. Ver cine trans, dirigido por personas trans o protagonizado por personas trans, me da muchísima esperanza”.

Durante su recorrido por festivales, ha encontrado otras historias que dialogan con la suya: directoras trans, actrices trans y proyectos que amplían las posibilidades de representación dentro del cine contemporáneo.

“Lo más bonito es que otras personas puedan ver estas películas y entender que también pueden estar aquí, que también pueden hacer cine y que sus historias son valiosas”.

Después de más de una década de grabaciones, revisiones y múltiples versiones del documental, la experiencia de ver la película terminada estuvo marcada por una sensación inesperada: la paz.

“Lloré mucho viendo distintos cortes. Fueron más de diez años de trabajo. Pero cuando vi la versión final sentí tranquilidad. Ya terminó.

Ya la gente la va a ver. Saber que algo tan íntimo finalmente encuentra a su público me da mucha felicidad”.

En la película aparece una versión más joven de sí misma, una adolescente que crecía rodeada de prejuicios y falta de información sobre las identidades trans.

“Cuando yo era niña, en el lugar donde crecí, relacionaban mi identidad con cosas como el satanismo.

Había muchísima desinformación.

Veo a esa Mickey confundida y siento mucho cariño por ella”.

Por eso, al pensar en las nuevas generaciones de personas trans, su mensaje es claro y directo.

“Merecemos existir. Merecemos crear. Merecemos todo lo que soñamos. Va a haber muchas personas que te digan que no se puede, pero sí se puede. Sé tú.

Eventualmente vas a encontrar más personas como tú”.

Con Mickey, esa búsqueda individual se transforma en un acto colectivo. Un documental que no sólo registra una transición, sino que celebra la posibilidad de vivir con autenticidad y de ocupar un lugar en el mundo sin pedir permiso.

CRISTIAN MARIANI

“LAS HISTORIAS LGBTQ+ SIGUEN SIENDO NECESARIAS”

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la circulación de historias que muchas veces encuentran pocas ventanas de exhibición.

“Es un festival emblemático. Formar parte de algo así me hace sentir muy feliz y muy agradecido”, señala.

Su vínculo con el festival también está ligado a 300 Cartas, la película dirigida por Lucas Santa Ana que le otorgó el primer protagónico cinematográfico de su carrera.

En la cinta interpreta a Jero, un hombre que regresa a casa dispuesto a celebrar un aniversario y descubre que su pareja ya no está. Lo único que encuentra es una caja con cartas numeradas que lo obligan a reconstruir los recuerdos de la relación y enfrentarse a verdades que había preferido ignorar.

El proyecto representó un desafío importante para Mariani. La responsabilidad de cargar con el peso emocional de la historia lo llevó a enfrentar inseguridades y exigencias propias de un primer papel protagónico en cine.

“Fue un antes y un después para mí. Al principio estaba muy pendiente de hacerlo bien y eso me generaba nervios. Después entendí que había que confiar más en las emociones y en el trabajo que habíamos construido”, recuerda.

La película ha recorrido distintos festivales internacionales y se ha convertido en una de las experiencias más significativas de su carrera.

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ara Cristian Mariani, las historias LGBTQ+ siguen siendo una herramienta poderosa para generar empatía, visibilidad y diálogo. El actor argentino considera que, pese a los discursos conservadores que han ganado terreno en distintas partes del mundo, el crecimiento constante de las producciones con temáticas de diversidad demuestra que existe una audiencia interesada en verse reflejada en la pantalla.

“Que cada vez haya más películas y festivales más grandes habla de que estas historias siguen siendo necesarias. Hay personas que quieren escucharlas y encontrar espacios donde sentirse representadas”, reflexiona.

Este año, esa conexión con las historias de diversidad lo llevará a vivir una nueva experiencia dentro del Festival MIX México, donde participará como jurado en la celebración de su 30 aniversario.

Acostumbrado a asistir a festivales como actor, reconoce que observar el proceso desde otra perspectiva representa un reto emocionante. “Nunca me había tocado estar del otro lado. Tengo muchas ganas de ver las películas y vivir la experiencia como jurado”, comenta.

Para el actor, el MIX es mucho más que una muestra cinematográfica.

Lo considera un referente para América Latina y un espacio fundamental para

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El actor argentino comparte su visión sobre las historias de diversidad y la emoción de integrarse al jurado del Festival MIX México.

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Fuera de la pantalla, Mariani atraviesa también una etapa de transformación personal. Nacido en Argentina, y después de haber vivido en diversos países, encontró en México un lugar donde establecerse.

“He vivido en muchos lugares del mundo y nunca me sentí tan bienvenido como aquí. Al poco tiempo ya sentía que formaba parte de esta ciudad”, cuenta.

Mientras prepara una nueva película en su país natal Argentina, el actor continúa construyendo una vida entre ambos países.

Mariani vive uno de los momentos más importantes de su trayectoria, convencido de que la representación y la empatía siguen siendo fundamentales dentro y fuera de la pantalla.

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ara Oustin León, la transición no sólo significó transformar su vida, sino también encontrar una voz para hablar de aquello que durante mucho tiempo permaneció invisible. Activista y ahora actor, Oustin se ha convertido en uno de los rostros importantes de una conversación que apenas comienza a abrirse paso en el cine mexicano: la representación de las masculinidades trans.

En entrevista con la Revista Cameo, León reflexiona sobre su propio proceso de transición y la importancia de contar historias que permitan a la sociedad mirar más allá de los prejuicios.

Hace cinco años inició su transición hormonal.

Aunque reconoce que no todo ha sido sencillo.

“Mi familia no lo comprendió todo de inmediato, pero ha estado ahí apoyándome. Hoy me siento ligero, tranquilo, como si hubiera empezado a vivir de verdad después de mi transición”.

León considera que todavía existe un largo camino por recorrer para que las historias de hombres trans.

Sin embargo, cree que el arte puede convertirse en una poderosa herramienta para generar empatía.

“Las personas trans vivimos muchas veces con miedo. Pero aquí estamos.

No nos vamos a ir. Merecemos ocupar espacios y contar nuestras historias”.

Otro de los temas que es visibilizar las paternidades trans, una realidad que pocas veces aparece en la conversación pública.

“No todos los hombres trans quieren gestar, pero

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LAS HISTORIAS TRANS QUE ENRIQUECEN NUESTRA MIRADA DEL MUNDO En entrevista con la Revista Cameo, el actor habla sobre "Soy Mario", una historia que abre nuevas conversaciones sobre identidad, paternidad y representación.

Texto y fotos Carlos Mora algunos sí. Existimos de esa manera también y es importante que la sociedad lo entienda”.

Esa convicción fue precisamente la que lo llevó a aceptar el proyecto que cambiaría su vida.

EL ENCUENTRO CON SOY MARIO El actor llegó a Soy Mario casi por casualidad. A través de una organización conoció una convocatoria para gente que no tuviera experiencia actoral.

Al principio sabía muy poco sobre la historia. Todo cambió cuando conoció a la directora, Sharon Kleimer.

“Cuando me explicó que la película hablaba sobre un hombre trans embarazado, inmediatamente dije que sí. Sentí que era una historia necesaria y una oportunidad para dar visibilidad a una experien-

cia que casi nunca vemos representada”.

La cinta sigue a Mario, un taxista de la Ciudad de México que enfrenta un embarazo inesperado. El acontecimiento lo obliga a replantear su relación con la masculinidad, con su cuerpo y con una sociedad que constantemente cuestiona su identidad.

Más que una película sobre la comunidad trans, Oustin considera que se trata de una historia profundamente humana.

“La película no está hecha únicamente para personas trans. Habla de la familia, de las amistades, de los prejuicios y del amor.

Presenta distintos puntos de vista y eso la vuelve muy enriquecedora”.

Sin experiencia frente a las cámaras, el actor pasó por meses de preparación y acompañamiento.

“Sharon me preguntó desde el principio si estaba dispuesto a abrir heridas.

Le dije que sí. Muchas escenas conectaban con cosas que yo había vivido y quería que eso se sintiera en pantalla”.

La experiencia de verse por primera vez en el cine fue tan intensa como transformadora. Por decisión de la directora, Oustin no vio material alguno durante el rodaje. Descubrió el resultado final hasta la premiere.

“Cuando me vi en pantalla lloré. Fue algo muy extraño y muy emocionante. Le puse todo el corazón a esta película y verla terminada fue un regalo enorme”.

El proyecto también representó un desafío por compartir escena con intérpretes de amplia trayectoria como Mayra Batalla, Fernando Rivera Calderón y Héctor Kotsifakis.

“Yo llegué sintiendo que tenía que estar a la altura de un elenco increíble.

Todos me apoyaron muchísimo. Me impulsaron a dar lo mejor de mí y eso se nota en la película”.

UN PASO ADELANTE Presentada en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, donde obtuvo el Premio Maguey del Jurado y el Premio Mezcal a la Mejor Interpretación, Soy Mario se ha convertido en una de las películas mexicanas más comentadas del año.

“Yo ya gané con que esta película exista. Todo lo demás son regalos”.

Mientras Soy Mario continúa su recorrido, León celebra que cada vez más historias trans encuentren un espacio en la pantalla.

Un avance que, aunque lento, considera indispensable para construir una sociedad más empática. | 53

2. EL ESPOSO DE DANIEL Daniel y Michel parecen tener la vida perfecta: una relación estable, amigos cercanos y un futuro prometedor. Sin embargo, mientras Daniel cree en el matrimonio, Michel cuestiona la necesidad de formalizar su amor. Un acontecimiento inesperado cambiará el rumbo de sus vidas y los obligará a enfrentar conversaciones incómodas sobre el compromiso, los derechos de las parejas del mismo sexo y la fragilidad de los planes que damos por seguros.

Dónde: Foro Lucerna

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4. EGOÍSTA Matías, un fotógrafo de treinta años, vive dividido entre Lucas, su pareja estable, y Susana, una psicóloga tan atractiva como posesiva. Lo que parece estar bajo control se desmorona durante una cena donde mentiras, deseos ocultos y secretos salen a la luz. Con humor ácido y momentos de gran tensión emocional, Egoísta explora las contradicciones del amor, el miedo a la soledad y las consecuencias de poner las propias necesidades por encima de las de los demás.

Dónde: El Círculo Teatral

QUE CELEBRAN LA DIVERSIDAD

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3. CLORO Adaptación de la aclamada obra británica Bleach, Cloro es un monólogo íntimo que sigue a un joven en su intento por liberarse de una vida marcada por el deseo, la precariedad y la necesidad de sobrevivir. Ambientada en la Ciudad de México, la puesta en escena explora temas como la masculinidad, la vulnerabilidad y la resiliencia, construyendo un relato profundamente humano sobre la búsqueda de identidad y la posibilidad de encontrar esperanza en medio de la adversidad.

Dónde: Foro A Poco No

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1. ÁNGELES EN AMÉRICA Considerada una de las obras fundamentales del teatro contemporáneo, Ángeles en América retrata el Nueva York de los años ochenta durante la crisis del VIH/SIDA. La historia sigue a Prior Walter, quien enfrenta un diagnóstico que transformará su vida, mientras a su alrededor otros personajes lidian con conflictos relacionados con el amor, la identidad, la religión y el poder.

Combinando realismo, humor y elementos fantásticos, la obra de Tony Kushner ofrece una profunda reflexión sobre la pérdida, la discriminación, la resiliencia y la búsqueda de esperanza en uno de los momentos más complejos para la comunidad LGBTQ+.

Dónde: Centro Cultural Helénico

LA CARTELERA TEATRAL de la Ciudad de México vive uno de sus momentos más diversos, con propuestas que abordan temas como la identidad, el amor, el deseo, la familia y la libertad. Entre dramas, comedias y musicales, estas diez obras LGBTQ+ destacan por ofrecer historias que conectan con distintas generaciones y realidades.

Más allá de la representación, cada una de estas producciones explora experiencias profundamente humanas, demostrando cómo el teatro puede convertirse en un espacio de reflexión, empatía y celebración de la diversidad. Desde montajes íntimos hasta grandes éxitos de taquilla, todas enriquecen una escena teatral cada vez más plural y abierta a las múltiples formas de vivir y amar.

5. F**KING MEN Basada en La Ronde, el clásico texto que inspiró múltiples adaptaciones alrededor del mundo, F**king Men traslada la historia al universo gay contemporáneo a través de diez encuentros entre distintos hombres, cuyas vidas se conectan de maneras inesperadas.

Entre el humor, la sensualidad y la emoción, la obra explora temas como el deseo, la intimidad, la soledad, el amor y la necesidad de conexión humana. Con una estructura ágil y personajes diversos, esta exitosa puesta en escena se ha consolidado como uno de los referentes del teatro LGBTQ+ por su mirada honesta sobre las relaciones afectivas y la búsqueda de plenitud emocional.

Dónde: Foro Lucerna

7. GRINDER, EL MUSICAL En una ciudad donde todo puede comenzar con un swipe, Grinder, el musical sigue a un grupo de personajes que intentan encontrar amor, compañía o deseo a través de las aplicaciones de citas. Entre conversaciones incómodas, matches prometedores y encuentros que rara vez salen como se planean, la obra retrata con humor las complejidades de las relaciones en la era digital. Con números musicales irreverentes, personajes entrañables y una mirada divertida sobre la cultura del ligue contemporáneo, esta puesta en escena explora las expectativas, frustraciones y emociones que surgen al buscar conexión en un mundo cada vez más mediado por las pantallas.

Dónde: Foro Shakespeare

9. UNA DISCULPA A LADY GAGA Toño y Mateo finalmente logran convertirse en pareja, pero una madrugada todo cambia cuando Mateo desaparece sin dar explicaciones. A través de un recorrido entre pasado, presente y futuro, la obra explora el amor, la salud mental, la homofobia interiorizada y la influencia de la cultura pop en la construcción de la identidad, combinando humor, emoción y referencias a los grandes himnos de la comunidad LGBTQ+.

Dónde: Foro Shakespeare

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6. EL GOL DE ALEX Mario, un periodista deportivo que atraviesa una ruptura sentimental, conoce a Alex, una estrella del futbol que acaba de anotar el gol más importante de su carrera.

Lo que inicia como un encuentro casual se transforma en una historia que cuestiona los prejuicios, el machismo y la homofobia presentes dentro del deporte. Con humor, romance y momentos de gran sensibilidad, la obra propone una mirada distinta sobre la masculinidad.

Dónde: La Teatrería

8. NUNCA HE ESTADO EN DUBLÍN Esta comedia ácida explora las complejidades de las relaciones familiares, la aceptación y las realidades que cada persona construye para sobrevivir. Durante una cena de Navidad, la familia Amesti se reúne para recibir a Elena, quien regresa acompañada de su novia irlandesa, Cindy. El problema es que Cindy solo existe en su imaginación. A partir de este inesperado encuentro, la obra confronta las ilusiones, prejuicios y heridas de una familia que intenta encontrar sentido en medio de sus propias contradicciones.

Dónde: Foro Shakespeare

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10. AFTERGLOW El exitoso fenómeno teatral que conquistó Off-Broadway llega a México con una historia provocadora, emotiva y profundamente actual. Afterglow sigue a una pareja que ha construido una relación abierta aparentemente estable, pero cuya dinámica cambia con la llegada de una tercera persona. Entre deseos, celos, inseguridades y acuerdos que comienzan a tambalearse, la obra explora las distintas formas de entender el amor, la fidelidad y la intimidad. Con momentos de humor y gran carga emocional, esta puesta en escena invita a reflexionar sobre los límites de las relaciones modernas y la complejidad de los vínculos afectivos.

Dónde: Teatro Milán

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APUESTA POR CONTAR LAS HISTORIAS QUE SUEÑA Entre la producción de "El que se enamora pierde" y el escenario de "Grinder, El Musical", el actor fortalece una trayectoria marcada por la constancia y la pasión por el teatro.

Texto Carlos Aguillón Fotos Carlos Mora

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n el teatro hay quienes esperan la oportunidad perfecta y quienes deciden construirla. Samuel Zarazúa pertenece al segundo grupo.

Después de más de una década de trayectoria, el actor atraviesa uno de los momentos más significativos de su carrera. No sólo porque continúa demostrando su versatilidad sobre el escenario, sino porque ha comenzado a consolidar una faceta que durante años trabajó silenciosamente: la de productor.

Actualmente divide sus días entre dos obras de teatro, El que se enamora pierde, montaje en el que además participa como productor asociado, y por el otro Grinder, El Musical.

Cuando Samuel habla de El que se enamora pierde, lo hace desde un lugar profundamente emocional.

La obra escrita por Daniel Salinas no sólo representa una nueva apuesta teatral; representa también un reencuentro con una historia

que marcó su vida profesional hace una década.

“Es una obra que amo.

Me declaro cien por ciento fan de la manera de escribir de Salinas. Fue la primera

coach actoral de la influencer Manelyk González para una serie, utilizó una escena de la obra como ejercicio de interpretación y se enamoró de ella.

El que se enamora pierde. obra que hice con él hace diez años y me marcó muchísimo”, comparte a la Revista Cameo.

Tras experiencias previas en diversas temporadas de teatro breve, comprendió que había llegado el momento de apostar nuevamente por un texto que conocía a la perfección.

Mientras trabajaba como

Grinder, el musical.

EL QUE SE ENAMORA PIERDE Dónde ver: Nuevo Teatro Versalles Miércoles, 20:30 hrs.

GRINDER, EL MUSICAL Dónde ver: Foro Shakespeare Sábados, 17:30 hrs.

Después, Bernardo Cárdenas aceptó dirigirla y actores como Moisés Peñaloza y Grisel Margarita se unieron a la obra.

“Son esos proyectos que tienen ángel. Todo era un sí.

Nadie ponía obstáculos”.

El resultado es una producción que, además de actualizar una historia querida por sus creadores,

busca acercarse a nuevas generaciones mediante recursos visuales contemporáneos y una propuesta escénica más ambiciosa.

Para Zarazúa, producir teatro en México sigue siendo un acto de fe. “Es un riesgo. Nunca sabes qué va a pasar”, sin embargo, está convencido de que la única manera de fortalecer la industria es apostando por montajes de calidad que reconcilien al público con la experiencia teatral.

“Tenemos una responsabilidad muy grande. Hay personas que quizá sólo van una vez al teatro y debemos lograr que salgan queriendo regresar”.

En Grinder, El Musical demuestra su talento para la comedia con un personaje que roba carcajadas función tras función. En El que se enamora pierde coordina esfuerzos detrás del escenario y al mismo tiempo interpreta varios personajes dentro de la historia.

A la par, continúa sumando proyectos en televisión y colaboraciones que hace para el programa Hoy. | 57

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GRINDER, EL MUSICAL

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A N E C S E N E S E H TC A M Y S A IS R , R O AM

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La exitosa comedia inspirada en las aplicaciones de ligue regresa con nuevos integrantes, referencias a la cultura pop y una fórmula que se mantiene vigente gracias a su constante renovación.

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P GRINDER, EL MUSICAL Dónde ver: Foro Shakespeare Sábados, 17:30 hrs.

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or más de una década las aplicaciones de citas han transformado la manera de relacionarse, enamorarse y hasta decepcionarse. De esa realidad nació Grinder, el musical, una comedia que encontró en el humor, la música y la sátira social la fórmula perfecta para conectar con el público mexicano, que este año podrá disfrutar nuevamente de la puesta en escena.

La producción, basada en la exitosa obra española y adaptada para México por Salvador Núñez, celebra su octava temporada demostrando que aún tiene

Texto Carlos Aguillón Fotos Carlos Mora mucho que decir sobre las relaciones modernas, la diversidad y el universo digital que hoy forma parte de la vida cotidiana.

“Esta obra viene de Madrid y se tropicalizó para México. Salvador Núñez adaptó ese texto muy español a la ideología mexicana y cada año lo renueva. Siempre hay chistes nuevos, siempre ocurre algo distinto y eso hace que el público vea un espectáculo diferente cada vez”, comentó el productor Andrés Naime.

Esa capacidad de mantenerse vigente se ha convertido en una de las principales fortalezas del montaje. Aunque la historia

conserva su esencia, cada temporada incorpora referencias actuales, situaciones de la cultura pop y guiños a los temas que dominan la conversación en redes sociales.

“Cada vez que volvemos le ponemos chistes nuevos.

El show es el mismo, pero va cambiando. Los actores generan otra dinámica y la energía siempre es diferente”, explicó Naime.

Además de la actualización constante del libreto, la producción también ha evolucionado en aspectos técnicos. A lo largo de los años la obra ha cambiado de sede en diversas ocasiones, obligando al equipo creativo a replantear

escenografía, iluminación y diseño visual.

“Adaptar la misma obra a cada foro es un reto. Hay nueva iluminación, nueva escenografía, nuevos vestuarios; todo se renueva cada año”, señaló.

Para esta nueva etapa, Grinder, el musical reúne a un elenco encabezado por Tanya Valenzuela y Gloria Toba, quienes alternan funciones, acompañadas por Samuel Zarazúa, Kike Cessa, Quique Galdeano, Yair Fong, Axel Alcántara, Ale Metín y Emiliano, además de la participación especial de Allen King, quien da vida al personaje de Superstar y recibe al público desde antes de iniciar la función.

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Uno de los personajes favoritos del público es “El Influencer”, interpretado por Axel Alcántara, quien regresa al montaje para dar vida a un joven obsesionado con proyectar una realidad ficticia a través de las redes sociales.

“Es un chico que vende una vida que no es. A través del Photoshop, los filtros y la edición presume viajes y experiencias inventadas para hacer creer a los demás que es alguien distinto”, explicó el actor.

Para Alcántara, la vigencia del espectáculo radica en que la obra evoluciona al mismo ritmo que la so-

ciedad y las plataformas.

“Hay chistes que se van actualizando conforme salen noticias, memes y nuevas expresiones de la comunidad LGBT+. Eso le da mucha frescura a la comedia y permite que el público siempre encuentre algo nuevo”, afirmó.

El actor considera que uno de los mayores logros de la puesta en escena es que logra conectar con espectadores de cualquier perfil, más allá de etiquetas o preferencias.

“Es una sátira sobre cómo reaccionamos dentro de estas aplicaciones. Seas o no parte de la

comunidad LGBT+, todos terminamos identificándonos con algo de lo que sucede en escena”, agregó.

Con ocho años de trayectoria, una comunidad de seguidores fieles y la capacidad de reinventarse constantemente, Grinder, el musical confirma que sigue siendo una de las propuestas más exitosas del teatro alternativo en México.

Entre carcajadas, canciones y situaciones que reflejan las contradicciones de la vida moderna, la producción vuelve a demostrar que aún tiene muchos matches por conquistar. | 59

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2. FELLOW TRAVELERS Un drama sobre el amor clandestino en la era de la persecución política en Estados Unidos. La serie retrata cómo el deseo entre hombres fue marcado por el miedo, la represión institucional y la imposibilidad de vivir libremente. Su tono es adulto, político y profundamente melancólico.

3. SEX EDUCATION Una de las series más influyentes en la normalización de la diversidad sexual en la ficción juvenil. Su valor está en la naturalidad con la que aborda identidades LGBTQ+, relaciones no normativas y procesos de descubrimiento sin moralizar ni dramatizar en exceso.

LA NUEVA ERA QUEER EN PANTALLA:

10 SERIES LGBTQ+ PECIAL

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1. HEARTSTOPPER Sigue siendo el gran referente del romance queer adolescente contemporáneo. Su importancia está en la forma en que convierte el descubrimiento de la identidad en algo cotidiano, tierno y emocionalmente seguro. Nick y Charlie representan una generación que ya no vive la diversidad desde el conflicto absoluto, sino desde la exploración afectiva y el acompañamiento.

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IMPRESCINDIBLES

EN LOS ÚLTIMOS AÑOS, la televisión ha ampliado de forma decisiva sus formas de representar lo LGBTQ+. Ya no se trata únicamente de historias centradas en el “salir 10. HALF MAN Una serie construida desde la ambigüedad emocional masculina. Explora vínculos entre hombres atravesados por deseo, dependencia y tensión psicológica, sin necesidad de definiciones claras. Su potencia está en lo no dicho y en la incomodidad emocional que genera.

del clóset” o el conflicto identitario, sino de relatos más complejos donde el deseo, la amistad, la violencia emocional, la memoria y la vida cotidiana conviven sin necesidad de explicación constante. Desde el romance adolescente hasta el drama histórico, pasando por la exploración de la masculinidad y las nuevas formas de familia, estas series reflejan un panorama diverso, en transformación constante. Este Top 10 reúne algunas de las producciones más relevantes del momento, tanto por su impacto cultural como por la manera en que están redefiniendo lo queer en la pantalla.

4. YOUNG ROYALS El romance entre Wilhelm y Simon funciona como eje emocional de una historia atravesada por clase, poder y exposición pública. La serie muestra cómo el amor se tensiona cuando choca con estructuras rígidas como la monarquía y la expectativa social.

9. MÁS QUE RIVALES Basada en la exitosa novela de Rachel Reid, Más que rivales sigue la intensa relación entre dos estrellas del hockey profesional que deben ocultar su romance mientras compiten en la élite del deporte. La serie combina tensión romántica, deseo, rivalidad y presión mediática, explorando las dificultades de vivir una relación en un entorno donde la masculinidad tradicional sigue teniendo un peso determinante.

5. POSE Una obra clave en la representación trans y afro-latina. Su retrato de la cultura ballroom en Nueva York no solo es estético, sino histórico y político. Es una serie sobre familia elegida, resistencia y memoria comunitaria frente a la exclusión y la crisis del VIH.

8. NADIE NOS VA A EXTRAÑAR Una de las series mexicanas recientes más comentadas por su retrato de la adolescencia en los años 90. En medio de una historia sobre amistad, rebeldía escolar y dinámicas de supervivencia juvenil, la serie introduce lecturas queer desde la identidad, el deseo y la construcción de vínculos afectivos fuera de la norma. Su fuerza está en cómo captura una juventud imperfecta y emocionalmente compleja, donde la identidad sexual aparece de forma orgánica dentro del caos adolescente, sin convertirse en discurso explicativo.

6. ENTREVISTA CON EL VAMPIRO Una de las reinterpretaciones queer más intensas de los últimos años. La relación entre Louis y Lestat se construye desde la pasión, la violencia emocional y la dependencia. El amor aquí es inmortal, pero también destructivo y contradictorio.

7. BOOTS Una historia situada en un entorno militar donde la masculinidad rígida y la disciplina chocan con la identidad queer del protagonista. La serie explora el deseo, el silencio y la supervivencia emocional dentro de un sistema que históricamente ha reprimido la diversidad.

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DONDE EL ORGULLO ENCONTRÓ SU PARAÍSO La ciudad jalisciense reafirmó su compromiso con la comunidad LGBTQ+ con una semana de actividades, cultura y celebración que atrajo visitantes de todo el mundo.

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PUERTO VALLARTA PRIDE 2026

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Fotos y texto Carlos Aguillón

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layas de ensueño, deliciosa gastronomía, activismo, cultura y una celebración que reunió a miles de visitantes de más de diez países. En su décimo tercera edición, Vallarta Pride confirmó que el puerto no sólo es uno de los destinos turísticos más importantes de México, sino también uno de los grandes epicentros de la diversidad LGBTQ+ en América Latina.

Hay ciudades que reciben al turismo. Y hay ciudades que lo abrazan.

Puerto Vallarta pertenece a la segunda categoría.

Durante una semana, el puerto jalisciense volvió a transformarse en un escenario donde la diversidad, la libertad y la celebración caminaron de la mano. El Vallarta Pride 2026 llegó a su décima tercera edición bajo el lema “La Nueva Era: Un Pride Muy Mexicano”, una declaración de

identidad que buscó unir las raíces culturales del país con una de las expresiones de inclusión más importantes de Latinoamérica.

Desde el amanecer, las calles de la Zona Romántica respiraban una energía distinta. Banderas arcoíris ondeaban en balcones, hoteles, restaurantes, galerías y negocios. Turistas de distintas nacionalidades compartían espacios con habitantes locales en una convivencia que se ha convertido en una de las características más valiosas del destino.

Miles de personas abarrotaron banquetas, terrazas y restaurantes para presenciar el recorrido. La atmósfera era la de un carnaval moderno donde convivían todas las expresiones de identidad posibles: familias, parejas, jóvenes, adultos mayores, turistas y activistas unidos por una misma consigna de respeto y visibilidad.

LA MÚSICA JUEGA UN PAPEL PROTAGÓNICO La invitada de honor fue Fey, una artista cuya historia ha estado estrechamente ligada a la comunidad LGBTQ+ desde los inicios de su carrera. Su aparición provocó una de las mayores ovaciones de la semana.

Conmovida por el recibimiento, Fey dedicó palabras que rápidamente se convirtieron en uno de los momentos más compartidos del evento.

“Gracias por ser parte de este mundo y de esta vida.

Todo lo que buscamos es amor, paz y mucha felicidad”, expresó ante una multitud que respondió con aplausos y banderas ondeando en el aire.

Más adelante agregó: “Ustedes son mi familia desde hace 30 años.

Gracias por cobijarme con tanto amor. Que viva la diversidad y que viva el amor”.

Junto a ella participaron figuras como la drag queen Turbulence y diversos artistas locales que aportaron el talento característico de una ciudad que durante años ha construido una sólida escena artística independiente.

Sin embargo, el Pride vallartense también estuvo marcado por conversaciones importantes.

La Red Diversidad Vallarta, integrada por organizaciones como Colectivo Vallarta LGBT, Diverso Vallarta, MOVii, Seremos Padres, Transdisidente PV, Vallarta Gay Plus, Orgullo Sincrodestino PV, CODISE, Mujeres Diversas PV y Vallarta Pride, emitió un posicionamiento público

que recordó la importancia de preservar el carácter colectivo del movimiento.

Las organizaciones expresaron inquietudes relacionadas con la participación comunitaria, la apropiación de los espacios públicos y la necesidad de garantizar que las decisiones sobre el futuro del movimiento continúen construyéndose de manera colectiva.

Durante décadas, la ciudad ha construido una reputación internacional como uno de los destinos más amigables para la comunidad LGBTQ+.

Diversos medios internacionales la han descrito incluso como la capital LGBT de México, gracias a

la concentración de hoteles, restaurantes, centros de entretenimiento y espacios culturales que han encontrado en la diversidad una parte esencial de su identidad.

La famosa Zona Romántica es quizá el mejor ejemplo de ello. Ahí conviven hoteles boutique, galerías de arte, bares, cafés, restaurantes de autor y algunos de los espacios más emblemáticos para la comunidad diversa en Latinoamérica. Este distrito se ha convertido en una referencia internacional para viajeros que buscan destinos seguros, abiertos e incluyentes.

Y es precisamente esa mezcla de inclusión, hospi-

talidad y atractivo turístico lo que hace único al Pride vallartense.

Mientras algunos visitantes pasan el día navegando por la Bahía de Banderas o recorriendo playas como Los Muertos, Conchas Chinas o Mismaloya, otros descubren una oferta gastronómica que hoy figura entre las más interesantes del país. Cocina tradicional mexicana, propuestas internacionales, mariscos frescos y restaurantes de autor conviven en una ciudad donde el turismo ha aprendido a dialogar con la autenticidad local.

Por eso el Pride de Puerto Vallarta resulta tan especial.

LA MAGIA DE HOMBRES EN PUNTAS Entre tutús, puntas y humor, El Clásico llega a México. En entrevista con la Revista Cameo, Iván Félix habla de un espectáculo que rompe estereotipos a través del ballet.

Por Carlos Aguillón MEN IN TUTUS Dónde ver: Teatro de la danza Guillermina Bravo 25 y 26 de junio de 2026

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rines son varones bailando en zapatillas de punta. Los hombres hacemos los roles femeninos, incorporando tutús, zapatillas de punta y todo el dominio técnico que hacen las chicas, aunque también hay quienes realizan los roles masculinos”, comenta.

A ello se suma la reinterpretación humorística de obras emblemáticas como Giselle, La muerte del cisne, El cisne negro y El Corsario, entre otras.

“Agarramos los ballets clásicos y les damos un giro cómico. Esa es una de las grandes particularidades del espectáculo”, señala.

Sin embargo, lograr una compañía de estas características no ha sido sencillo. Félix reconoce que encontrar bailarines capaces de dominar la técnica en puntas fue uno de los mayores retos.

“No existen muchos hombres que bailen en puntas hoy en día. Lo que el público ve en el escenario es un talento extraordinario”, afirma.

La búsqueda de esos artistas comenzó hace varios años. Desde que regresó a México durante la pandemia, el productor inició una labor constante para visibilizar esta especialidad dentro de la danza.

“Desde 2020 me he dedicado a encontrar estos talentos en México. Empecé a dar clases para hombres en puntas y descubrí que había un nicho que no se había

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ay quienes asocian el ballet con una disciplina rígida, ceremoniosa y reservada para públicos especializados. Sin embargo, El Clásico Men in Tutus llega para cuestionar esa percepción desde el humor, la técnica y una propuesta escénica tan arriesgada como divertida.

El espectáculo, creado por el maestro Víctor Treviño y presentado en México bajo la producción de Iván Félix, toma algunos de los títulos más emblemáticos del repertorio clásico para darles un giro inesperado.

En escena, los espectadores encontrarán tutús, zapatillas de punta, personajes femeninos interpretados por hombres y una buena dosis de comedia física que transforma la experiencia tradicional del ballet en algo completamente distinto.

“Es un espectáculo más que probado en diferentes países y escenarios desde hace 20 años, y así es como llega a México bajo su dirección artística y bajo mi producción”, explica Félix.

Pero detrás de las carcajadas hay un enorme trabajo técnico. La principal característica de Men in Tutus es que todos los intérpretes son hombres, muchos de ellos ejecutando los mismos movimientos y exigencias físicas que tradicionalmente realizan las bailarinas.

“La característica principal es que todos los baila-

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explorado y que existía muchísimo talento. Ha sido un proceso de depuración año con año”, recuerda.

El resultado es una compañía internacional integrada por bailarines mexicanos, estadounidenses, colombianos y argentinos, muchos de ellos vinculados también a la compañía Ballet Grandiva, fundada por Víctor Treviño en Nueva York.

“Cada vez está más profesionalizado el trabajo de los hombres en puntas aquí en México. Tenemos bailarines de otros países que vienen de apoyo para que el show sea un hit”.

La producción reúne a 15 bailarines en escena y requirió un mes de montaje para la nuevas coreografías y adaptar piezas clásicas al tono humorístico que caracteriza la propuesta.

TV Y STREAMING

SAMANTHA ACUÑA

ROSARIO TIJERAS: UN LEGADO QUE EVOLUCIONA

La heredera de Rosario Tijeras

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En entrevista con la Revista Cameo, Samantha Acuña habla sobre la evolución de Rubí en la quinta temporada de la serie, una joven que encuentra su propia voz mientras la actriz atraviesa un momento clave en su carrera.

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uando Samantha Acuña apareció por primera vez como Rubí en el universo de Rosario Tijeras, su personaje era apenas una adolescente tratando de encontrar su lugar en medio del caos que rodeaba a su madre. Hoy, la historia es distinta.

La quinta temporada de la exitosa serie no sólo marca el regreso de personajes clave y el reencuentro con la esencia que convirtió a la producción en un fenómeno, sino que también coloca a Rubí frente a una transformación que podría cambiar para siempre el rumbo de la saga.

“Está llena de sorpresas que creo que los fans van a agradecer mucho”, adelanta a la Revista Cameo.

“Ya se sabe que regresa Ángel, que es un personaje muy esperado. También, por el tráiler, ya se puede ver un poquito hacia dónde 66 |

Por Carlos Aguillón va Rubí, y eso de repente causa conflicto. Pero me emociona mucho porque creo que entre todos hicimos un gran trabajo para llevar a este fandom al origen de Rosario Tijeras, a esta locura que se vive”.

La actriz reconoce que el cambio más importante de esta temporada ocurre precisamente en su personaje. Ella ha dejado atrás la adolescencia y comienza a enfrentarse a decisiones que la obligan a definir quién quiere ser.

“Definitivamente cambia”, explica. “Ya no es la niña preadolescente que apenas está descubriendo qué le gusta o qué quiere.

Ahora viene un personaje más adulto, tomando decisiones, desarrollando una personalidad propia y enfrentándose a situaciones mucho más complejas”.

Ese crecimiento, sin embargo, ocurre dentro de un entorno marcado por la violencia y los conflictos

que han definido la serie desde sus inicios.

“Ya no se ve a esta Rubí niña ni berrinchuda. Ahora se enfrenta a la vida adulta, pero en un ambiente que no es normal, que es violento, que te obliga a crecer de golpe. Ir creando a este nuevo personaje y entenderla fue todo un reto”.

Muchos ya imaginan a ella siguiendo los pasos de Rosario e incluso heredando el protagonismo de la historia. Samantha sonríe cuando escucha la teoría.

“Ahí se va, ahí se va”, responde entre risas. “Creo que ella se convierte en un personaje importante porque la gente espera que sean una familia feliz, pero la vida no siempre es así. Empieza a tomar su propio camino y a veces eso significa no estar en el mismo camino que su mamá. Ahí está lo rico de la historia: el enfrentamiento que puede darse entre la misma sangre”.

UNA TEMPORADA HECHA EN MÉXICO La producción de esta quinta temporada se realizó completamente en México durante poco más de tres meses, incluyendo el proceso de preparación.

“Todo fue aquí. Algunas locaciones estuvieron fuera de la ciudad, pero muy pocas. Grabamos nuevamente en Las Estacas, en Morelos, porque ahí terminó la temporada anterior y teníamos que retomar desde ese punto”.

Para la actriz, uno de los aspectos más enriquecedores de participar en una serie de estas dimensiones es descubrir lugares que incluso los propios habitantes desconocen.

“A veces uno vive en una ciudad y ni siquiera sabe que existen ciertos espacios. Este tipo de proyectos también te permite conocer tu propio país”.

La preparación física volvió a ser fundamental.

Aunque aclara que no se sometió a un entrenamiento extremo, sí tuvo que reforzar habilidades específicas para las numerosas secuencias de acción.

“Rosario Tijeras exige mucho físicamente. Hay que correr, disparar, reaccionar rápido, hacer escenas complejas. Creo que el reto más grande para mí fue aprender a manejar diferentes tipos de armas y familiarizarme con toda esa dinámica”.

ROSARIO TIJERAS

Dónde ver: Azteca y Netflix

LA FUERZA DE ROSARIO TIJERAS Una parte fundamental de la experiencia ha sido compartir escena con Bárbara de Regil, quien desde hace años se ha convertido en el rostro inseparable de la franquicia.

“Es una maravilla trabajar con gente tan apasionada. Bárbara transmite un amor enorme por Rosario Tijeras y eso contagia a todos. Ella lidera el barco y nos transmite esa locura necesaria para entrar en este universo”.

Asegura que el ambiente de trabajo ha sido clave para construir una temporada más sólida.

“Es cansado porque siempre estamos trabajando con emociones muy intensas, pero también estás rodeada de personas que son tus amigos. Sentirte contenida por tus compañeros y por Bárbara hace que todo valga la pena.

Estoy segura de que eso se va a notar en pantalla”.

Más allá del éxito comercial de la serie, Samantha reconoce que la serie ha significado un punto de inflexión en su desarrollo profesional que avanza con paso firme dentro de la industria audiovisual.

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EL PRECIO DE LA FAMA

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CUANDO EL ÉXITO TE PUDRE POR DENTRO En entrevista con la Revista Cameo, Eréndira Ibarra y Andrés Palacios reflexionan sobre la obsesión por el reconocimiento, las rivalidades silenciosas que sobreviven detrás de cámaras y una industria en constante transformación.

Por Carlos Aguillón

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a fama suele presentarse como una meta.

Un lugar al que todos quieren llegar. Una recompensa construida a partir del reconocimiento, los aplausos y la validación pública. Sin embargo, pocas veces se habla de lo que ocurre cuando esa búsqueda se convierte en una obsesión.

El precio de la fama, la nueva producción de ViX protagonizada por Eréndira Ibarra y Andrés Palacios. La serie mezcla thriller, melodrama y drama psicológico para adentrarse en un universo donde los reflectores iluminan mucho más que el éxito: también exhiben inseguridades, ambiciones, traiciones y heridas que rara vez se muestran al público.

Para Eréndira Ibarra, justamente ahí radica el atractivo de la historia. Durante su conversación con la Revista Cameo, la actriz explicó que desde la primera lectura del proyecto entendió que no se trataba solamente de una trama sobre el mundo del entretenimiento, sino de una exploración mucho más profunda sobre las contradicciones humanas.

“A mí me encantan las historias que hacen que tengamos conversaciones incómodas y que nos entretienen, pero que

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nos dejan con esa espinita de Una actriz acostumbrada al ‘¿por qué son las cosas así?. Y éxito que, de pronto, enfrensiento que El precio de la fama ta la posibilidad de volverse es exactamente eso”, afirma. irrelevante. Lejos de buscar “Cuando Michelle Renaud y simpatía inmediata, Eréndira Natasha Ybarra-Klor desarroabrazó todas las contradicciollaron la idea, lo más importan- nes de una mujer que toma te era hablar de cómo la fama decisiones cuestionables puede convertirse realmente mientras intenta conservar su en una enfermedad. Se lugar dentro del sistema. puede pudrir dentro de ti esta “Me emocionó muchísibúsqueda por el poder y por mo hacer una protagonista la fama, pero al mismo tiempo bastante infame, bastante puede ser un arma muy incómoda y hasta cierto valiosa para crecer y punto desagradable, para sacar adelanpero que no puedes EL PRECIO te proyectos”. dejar de amar”, DE LA FAMA La reflexión explica. “Eso es lo Dónde ver: resulta especialinteresante de los ViX mente poderosa personajes cuando porque la serie evita tienen matices. Nadie caer en juicios fáciles. es completamente bueno En lugar de señalar culpables ni completamente malo”. o construir héroes y villanos Para Andrés Palacios, la absolutos, propone observar serie también representa una cómo funciona una industria oportunidad poco común donde la necesidad de recono- de hablar sobre temas que cimiento puede convertirse en normalmente permanecen un motor tan poderoso como ocultos incluso dentro del destructivo. propio medio artístico. El actor “Lo que hicieron fue crear reconoce que mientras leía los una historia que nos da todas guiones hubo momentos en esas aristas. Nos entretiene, los que se sorprendió por la nos incomoda y nos ayuda a honestidad con la que se aborentender esta industria sin daban ciertas dinámicas. pedestales”, señala Ibarra.

“Yo decía: ‘¿Vamos a decir Esa complejidad también esto?’. Y cuando vi la serie se refleja en Mía Moreno, el terminada entendí que justapersonaje que interpreta. mente ahí estaba una de sus

mayores fortalezas”, comenta.

“Muchas de las situaciones que aparecen ahí son conversaciones que sí existen entre actores. No sé si entre todos, pero sí entre quienes hemos construido relaciones de amistad y de confianza”.

Palacios asegura que detrás del glamour existe una red de experiencias compartidas que rara vez llegan al público. Conversaciones sobre audiciones, oportunidades perdidas, frustraciones, abusos o momentos difíciles que suelen circular únicamente entre colegas.

“De pronto pides referencias, consejos o simplemente terapia. Hablas con alguien y le dices: ‘Oye, me pasó esto’, o ‘ten cuidado con esto otro’.

También existe la necesidad de prevenir a compañeros y compañeras sobre situaciones que pueden suceder. Son cosas que sí pasan y que pocas veces se cuentan”.

Uno de los aspectos que más llama la atención en la serie, es precisamente la forma en que retrata la competencia dentro del espectáculo. Un terreno donde la línea entre la admiración y la rivalidad puede ser delgada.

“Muchas veces se habla de competencia como si fuera algo sano y positivo”, reflexio-

na Palacios. “Pero a veces deja de ser una competencia y se convierte en una rivalidad. Ya no es una cuestión de quién está mejor preparado o quién hizo mejor trabajo.

Se vuelve otra cosa. Una dinámica más compleja”.

El histrión reconoce que volver a trabajar con Eréndira significó reencontrarse con alguien cuya ética profesional conoce perfectamente.

“Para mí siempre es un gusto saber que puedo trabajar no solamente con colegas talentosas y preparadas, sino con personas que conozco desde hace muchos años.

Saber que voy a compartir escena con una actriz profesional, eficiente y que domina el entorno resulta muy relajante. Es una tranquilidad enorme”.

Al cuestionarles, ¿cómo ven la industria audiovisual? ambos coinciden en que el panorama actual es rmuy distinto al que

conocieron al inicio de sus carreras. Las fronteras entre televisión, streaming, series y melodramas son cada vez más difusas.

“Estamos viviendo una constante metamorfosis”, explica Ibarra. “Durante un tiempo parecía que las plataformas iban a cambiarlo todo. Luego llegó una especie de telenovelización de las series.

Y ahora estamos en un momento híbrido donde empiezas viendo un thriller y terminas viendo un melodrama o viceversa”.

Lejos de verlo como una limitación, ambos consideran que esta libertad narrativa es una de las grandes fortalezas de la televisión.

“Antes parecía que había que elegir un solo camino”, dice Palacios.

“Hoy sabemos que podemos experimentar, mezclar formatos, jugar con distintos tonos y contar historias de maneras más interesantes”, concluye.

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DOS EXPERIENCIAS VISUALES DENTRO DE UN MISMO UNIVERSO El creador, escritor y showrunner Oren Uziel reinventa al héroe arácnido en "Spider-Noir", la nueva serie protagonizada por Nicolas Cage.

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SPIDER-NOIR

Por Alejandra Lomelí

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na inesperada combinación de géneros ha dada como resultado una de las apuestas más arriesgadas de Marvel en la pantalla chica: Spider-Noir.

La serie fusiona el universo de los cómics con la tradición del cine negro clásico para entregar una de las reinterpretaciones del héroe arácnido más refrescantes del multiverso.

En el que es su primer protagónico televisivo, Nicolas Cage regresa a interpretar la versión noir del personaje tras darle voz en la película de animación Spider-Man: un nuevo universo, pero en esta ocasión le pone rostro y cuerpo en una serie liveaction que construye su propia historia de origen.

“No se trata exactamente del mismo personaje. Diría que está 70 |

inspirado de manera bastante libre en esa versión, porque creo que en esa película apenas tiene unos cinco o seis minutos de tiempo real en pantalla. Y esto es una serie de ocho episodios”, explicó el creador, escritor y showrunner Oren Uziel.

Con Spider-Noir, Uziel quería explorar una versión del superhéroe que no se había visto hasta ahora, para ello presenta a Ben Reilly (Cage), un detective privado en mala racha en la Nueva York de los años 30.

“Una de las primeras cosas que hice cuando me incorporé al proyecto fue preguntar si podíamos hacer al personaje un poco mayor. Ya hemos visto varias veces la historia de origen de Peter Parker así que me resultaba más fácil identificarme con una versión más adulta. Y la idea de envejecer un poco

al personaje les entusiasmó”, dijo.

Presentarlo de esa manera les permitió explorar a un personaje marcado por la tragedia y los estragos del tiempo, cuyo conflicto interno lo lleva a rechazar su identidad heroica como “La Araña” e intentar huir de la responsabilidad que conlleva su poder.

“La idea central de Spider-Man siempre ha sido: ‘Un gran poder conlleva una gran responsabilidad’.

Pero Spider-Noir plantea algo distinto: ‘Sin poder, no hay responsabilidad’.

Este personaje hace todo lo posible por escapar de quien es. Intenta negar su propia naturaleza y rechazar su identidad. Puedes protestar, pero eso no cambia quién eres. No importa quién seas como ser humano, siempre existe una responsabilidad hacia los demás”, indicó.

CAPTURANDO LA ENERGÍA NOIR Más que basarse en algunos de los arcos de los volúmenes que componen la serie de cómics, Uziel tomó la estética y las convenciones del cine negro adaptándolos a la narrativa moderna del género de superhéroes, partiendo de la pregunta: ¿qué pasaría si Humphrey Bogart, interpretando alguno de sus personajes noir míticos como Rick, Sam Spade o Philip Marlowe, resultara ser Spider-Man. “Lo que todos descubrimos es que ambos géneros tienen mucho más en común de lo que imaginábamos. En los dos casos tienes a un personaje enfrentándose a fuerzas que son más poderosas que él y que, en cierto modo, están más allá de su comprensión”, señaló. “La mayoría de esas historias

SPIDER-NOIR

Dónde ver: Prime Video

UN HÉROE PULP EN LA MEJOR TRADICIÓN DEL CINE NEGRO Por Alejandra Lomelí

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noir son bastante breves, compuestas por pequeñas piezas y fragmentos. Los cómics también suelen tener narrativas rápidas”.

La serie es un homenaje a los clásicos del film noir, con referencias a Casablanca, La dama de Shanghái , entre otros.

“Nuestro objetivo nunca fue copiar esas películas de manera literal, sino capturar su energía y su ritmo para una audiencia actual”.

UN UNIVERSO, DOS EXPERIENCIAS Fue la propia evolución del género hacia el glorioso tecnicolor hasta los modernos neo-noir lo que terminó impulsando la decisión

de filmar simultáneamente la serie en blanco y negro y su versión a color.

“La razón es que estamos tomando dos géneros con estéticas muy diferentes y fusionándolos. Los cómics de Spider-Noir son, en su mayoría, en blanco y negro, y obviamente gran parte del cine negro clásico también lo es. Aunque, cuando avanzas hacia películas como Chinatown, L.A. Confidential o Miller's Crossing, encuentras muchos noir modernos rodados en color”, expresó.

“Al combinar estos dos géneros, sentimos que podíamos rendir homenaje a ambos creando dos versiones diferentes”, finalizó

na de las encarnaciones del héroe arácnido que más nos emocionó ver en Spider-Man: un nuevo universo (Spider-Man: Into the Spider-Verse) fue su versión noir a la que puso voz el inigualable Nicolas Cage.

Ocho años después, Sony y Marvel traen de regreso al personaje para protagonizar Spider-Noir, la serie liveaction de ocho episodios escrita por Oren Uziel.

Nicolas Cage también vuelve para meterse en la piel del personaje, la razón de su elección se debe a que Spider-Noir explora una versión más madura del héroe en un universo fatalista de crimen y ambigüedad moral, evocando los personajes envejecidos, solitarios y pesimistas interpretados por Humphrey Bogart en los clásicos noir americanos.

La serie sigue a Ben Reilly (Cage), un experimentado detective privado en horas bajas en la Nueva York de los años 30, que se ve obligado a enfrentar su pasado cuando investiga un caso que involucra al Alcalde y al poderoso gángster Silvermane (Brendan Gleeson). Mientras el crimen toma la ciudad, Reilly tendrá que reconciliarse con “La Araña”, su identidad heroica que rechazó tras vivir una tragedia personal.

Lo que resulta fascinante es que Uziel no traslada el género de superhéroes al noir, sino que toma los aspectos heroicos y los añade a un drama detectivesco enmarcado

en la mejor tradición del cine negro, combinándolo con un lenguaje cinematográfico abundante en planos holandeses característicos de las historietas vintage.

La ambición de SpiderNoir no reside tanto en su relato, que, aunque adictivo, se desarrolla casi sin ninguna sorpresa; lo que sobresale es la propuesta visual que permitió filmarla tanto en blanco y negro como a color.

Lanzar la serie en ambos formatos fue una decisión acertada, porque cada uno le otorga un carácter evocador particular: por un lado, el blanco y negro le añade una dimensión expresionista que favorece la construcción de atmósferas; por otro, la versión a color, con sus tonos brillantes y muy saturados que remiten al tecnicolor, le otorgan una textura y una estética pulp.

Si la serie destaca por su impecable factura y artesanía, también lo hace por la magnética actuación de Nicolas Cage. El actor ofrece una interpretación intensa y llena de carácter que se cuenta ya entre los trabajos más destacados de su carrera.

Con su mezcla de géneros, Spider-Noir es una de las mejores iteraciones del personaje dentro del SpiderVerso, un experimento que se siente original e innovador para el género y una experiencia capaz de deleitar a los amantes del cine negro y fascinar por igual a los fanáticos de los superhéroes. | 71

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l costarricense de raíces mexicanas atraviesa una etapa decisiva en su carrera con el antagónico de la telenovela Corazón de Oro. Tras años de preparación, disciplina y una trayectoria construida desde distintos escenarios, hoy encuentra en la TV una plataforma para demostrar la versatilidad y profundidad que ha cultivado desde sus inicios.

Hay carreras que avanzan a partir de grandes golpes de suerte y otras que se construyen desde la constancia. La de Marco Cordero pertenece a la segunda categoría.

A sus 24 años, el actor nacido en Costa Rica y de madre mexicana comienza a consolidar un camino profesional que ha estado marcado por la preparación, la paciencia y la convicción de que cada oportunidad, por pequeña que parezca, puede convertirse en un paso decisivo.

Actualmente forma parte de Corazón de Oro, producción en la que comparte créditos con Gala Montes y que representa uno de los retos más importantes de su trayectoria. El proyecto que llegó en un momento clave, viene después de picar piedra con otros proyectos, dónde curiosamente se hicieron fuera de las rutas habituales que suelen conducir a los actores hacia un nuevo papel.

“Ha sido una experiencia muy bonita. Es bastante curioso cómo llegué a mis primeros trabajos, porque se dio fuera de Televisa”, dijo a la Revista Cameo.

“La invitación para Tomy Zombie surgió mientras participaba en la obra Infieles, una experiencia extraña porque era un monstruo y no se me veía la cara, pero esto terminó acercándome a las personas que posteriormente lo convocarían para realizar el casting de la telenovela”.

En la historia interpreta a Omar, un personaje que se aleja de los villanos tradicionales para explorar conductas mucho más complejas.

Desde el inicio, Marco tuvo claro que quería construir un perfil que permitiera al público 72 |

MARCO CORDERO

EL ACTOR QUE APRENDIÓ A ESPERAR SU MOMENTO El histrión costarricense de raíces mexicanas encuentra en "Corazón de Oro" la oportunidad de mostrar una nueva faceta de su talento.

Por Carlos Aguillón

identificar comportamientos presentes en la vida cotidiana.

“Queríamos mostrar los patrones de un narcisista y cómo muchas veces no te das cuenta realmente de quién tienes enfrente”, comenta. “La preparación fue extensa.

Hubo sesiones de lectura con los directores, análisis de referencias cinematográficas y un trabajo de observación que me permitió entender mejor las contradicciones de alguien capaz de mostrar una personalidad frente al mundo y otra completamente distinta en la intimidad”, explica.

La actuación, sin embargo, no fue su primera pasión. Su historia artística comenzó cuando tenía apenas 14 años y descubrió el baile. Aquella experiencia cambió por completo su perspectiva.“Me enamoré del escenario. Empecé a competir y a buscar oportunidades”, recuerda.

Ese entusiasmo llamó la atención de un cazatalentos que lo acercó al modelaje y le permitió conocer una industria que hasta entonces le era desconocida. Lo que vino después fue una etapa de aprendizaje constante, marcada por la disposición de trabajar y abrirse camino desde distintos frentes.

“Fui chambelán, botarga, participé en activaciones de marcas, campañas de moda y después llegó Como dice el dicho con un personaje que prácticamente inventé e improvisé”, cuenta.

Cada experiencia sumó herramientas. Con el tiempo llegaron participaciones en programas y series como La Rosa de Guadalupe, Como dice el dicho, Vecinos, Renta Congelada y Esta historia me suena, además de telenovelas como Eternamente Amándonos y El Ángel de Aurora. Paralelamente completó su formación en el Centro de Educación Artística de Televisa, donde terminó de definir el rumbo que quería seguir.

“En un mundo que era completamente desconocido para mí, la constancia y la disciplina son las habilidades que me han traído hasta aquí”, concluye.

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LUCÍA MÉNDEZ

GRANDIOSAS: UNA CELEBRACIÓN AL AMOR Y A LA MÚSICA

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Grandiosas

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LAS DIVAS QUE MANTIENEN VIVO EL ROMANCE Lucía Méndez y Filippa Giordano hablan sobre su encuentro artístico, la música que las une y la conexión especial que han construido con el público.

“ GRANDIOSAS INVICTO Dónde ver: 27 de junio Arena CDMX

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Por Carlos Aguillón

Es una música que no muere, que permanece en el tiempo y siempre se pasa de generación en generación”.

La frase de Lucía Méndez resume perfectamente el espíritu de Grandiosas Invicto, el espectáculo que reunirá a algunas de las voces femeninas más importantes de la música en español.

Más que un concierto, se trata de una celebración de canciones que han acompañado historias de amor, desamor y esperanza durante décadas y que, lejos de quedarse en el pasado, continúan encontrando eco entre nuevas generaciones.

En una época dominada por las tendencias fugaces y los éxitos virales, Lucía Méndez está convencida de que el público sigue necesitando canciones que hablen al corazón.

“La gente joven no está peleada con esta música.

He visto gente muy joven oyendo a José José, a Juan Gabriel, a Manzanero.

Quieren romanticismo, les hacen falta esas letras que

antes existían”, comentó la cantante en entrevista con Revista Cameo.

Esa convicción es justamente la que impulsa una nueva etapa de Grandiosas, proyecto creado por Hugo Mejuto y que en esta ocasión reunirá a Lucía Méndez, Alicia Villarreal, Filippa Giordano, Laura León, Ángela Carrasco y Ana Cirré en un mismo escenario. El concepto ha evolucionado con los años, pero conserva intacta su esencia: reunir voces con historia para crear momentos irrepetibles frente al público.

Para Lucía, uno de los grandes atractivos de esta edición será precisamente la diversidad artística de sus integrantes.

“Está México, está España, República Dominicana, Italia. De alguna forma mezclar toda esta mezcolanza internacional con canciones populares que vamos a cantar cada una con nuestros éxitos, creo que a la gente le va a gustar enormemente”, explicó.

La intérprete de Corazón de piedra adelantó que el espectáculo no estará construido únicamente

alrededor de los éxitos individuales de cada artista. Habrá duetos, números grupales y nuevas versiones de canciones que forman parte de la memoria colectiva de varias generaciones.

“Estamos armando todo el repertorio siguiendo los grandes clásicos, seleccionando entre las canciones más impactantes, éxitos de nosotras, duetos y momentos grupales. Son canciones que toda la gente conoce y que puede cantar”, señaló.

Precisamente una de las sorpresas más esperadas de la noche será escuchar a Lucía Méndez y Filippa Giordano compartir escenario para interpretar una nueva versión de Corazón de piedra, uno de los temas más emblemáticos de la carrera de la mexicana. La idea surgió de manera natural durante la construcción del espectáculo y representa el espíritu de colaboración que distingue a esta edición.

Filippa Giordano reconoce que formar parte de Grandiosas representa una oportunidad única para conectar culturas, estilos y generaciones.

“Es un espectáculo que realmente tiene un mensaje muy fuerte”, aseguró la cantante italiana. “Somos mujeres que saben amar, que han sufrido, que han vivido historias distintas. Compartimos nuestras experiencias y eso conecta profundamente con el público”.

La intérprete también destacó que la convivencia artística entre todas las participantes ha generado una química especial que terminará reflejándose en el escenario. “Nos inspira reunirnos, compartir nuestras trayectorias, nuestras historias y experiencias.

Hay una energía muy bonita entre todas”, comentó.

La dinámica del show permitirá que las artistas alternen momentos individuales con duetos y números colectivos. De acuerdo con las propias intérpretes, el público verá una producción distinta a cualquier edición anterior, con arreglos renovados, cambios de género musical y una puesta en escena visualmente impactante.

“Hay mucho rock y otros géneros, momentos completamente distintos a lo que normalmente hacemos. Es un reto para todas porque salimos de nuestra zona de confort, pero sin perder nuestra esencia”, explicó Lucía.

Además de la colaboración con Filippa Giordano, otro de los momentos más esperados será la interpretación de Culpable o inocente, el dueto que Lucía Méndez grabó recientemente con Alicia Villarreal y que fue presentado como el primer sencillo del nuevo material discográfico en vivo de Grandiosas.

La canción fusiona la esencia de la balada romántica con tintes regionales y ha despertado gran expectativa entre los seguidores de ambas artistas, quienes esperan escucharla en directo durante la presentación CDMX. “Fue padrísimo grabar con Alicia. Es una mujer muy linda. Hubo una conexión inmediata, como si nos hubiéramos conocido de toda la vida”, contó.

Más allá de reunir figuras consagradas, el espectáculo busca demostrar que la música romántica sigue encontrando formas de emocionar.

Porque mientras las modas cambian y las tendencias pasan, las canciones que hablan de amor permanecen. | 75

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La cantautora celebra sus raíces fronterizas en "Norteña", un disco inspirado en recuerdos familiares y acompañado por un libro de memorias.

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Foto y texto Carlos Mora

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espués de varios años viviendo en Argentina, Julieta Venegas vuelve a mirar hacia el norte de México para reencontrarse con sus orígenes.

El resultado es Norteña, un álbum profundamente personal que conecta la memoria, la literatura y la música de la frontera en una obra que la artista llevaba décadas imaginando.

“Creo que algunos 30 años sin hacerlo”, confesóal recordar el proceso que desembocó en este nuevo proyecto. La idea de explorar la música que escuchaba en su infancia fue tomando forma poco a poco, alimentada por lecturas sobre Baja California, la historia de Tijuana y autores que han narrado la complejidad de la frontera.

Más que un ejercicio de nostalgia, Norteña es una reinterpretación personal de los sonidos que marcaron su crecimiento. “Me di cuenta de que no quería hacer un disco de música tradicional, sino mi propia interpretación de la música norteña”, explicó.

El álbum nació de manera paralela a otro proyecto igualmente íntimo: un libro de memorias que aborda episodios de su infancia y adolescencia. Aunque ambos trabajos dialogan entre sí, Venegas aclara que no se trata de un libro sobre el disco, sino de una exploración más amplia de su historia personal.

La artista reconoció que escribir fue un desafío 76 |

distinto al de componer.

Mientras que la música le permite refugiarse en metáforas y melodías, la escritura exige una exposición más directa. “Ponerte ahí es otra cosa”, afirmó.

Sin embargo, el proceso le permitió reconciliarse con decisiones de vida que en algún momento sintió alejadas de las expectativas que se tenían sobre ella.

La memoria también la llevó a redescubrir el origen de su vocación artística.

Durante años pensó que todo había comenzado con el piano clásico, pero al escribir sus recuerdos entendió que la música estaba presente mucho antes, en las reuniones familiares, los viajes por carretera y las canciones compartidas en casa.

“Mi relación con la música tiene que ver con la alegría”, confesó. “Con la felicidad que nos daba juntarnos a escucharla”.

Ese regreso a los paisajes emocionales de su infancia reforzó también su vínculo con Tijuana. Aunque ha vivido en distintas ciudades y países, asegura que la identidad fronteriza sigue siendo una parte fundamental de quien es.

“Me doy cuenta de que siempre he tenido esa raíz en Tijuana. Me construyó la manera en que pienso, la manera en que hago música y la manera en que veo el mundo”, comentó. “Soy mexicana, pero muy orgullosamente tijuanense”.

El disco también refleja su curiosidad constante

Julieta Venegas LE ESCRIBE UNA CARTA DE AMOR A TIJUANA CON NORTEÑA

JULIETA VENEGAS Dónde ver: Norteña Auditorio Nacional 17 de junio

por las nuevas generaciones musicales. Entre las colaboraciones destaca la participación de los integrantes de Jesse & Joy y otros artistas contemporáneos a quienes considera renovadores de la música popular mexicana.

Para Venegas, el diálogo entre distintas generaciones es una forma natural de mantener viva la tradición sin convertirla en una pieza de museo.

Con Norteña, Julieta regresa a la tierra que la formó, reivindicando una identidad fronteriza que atraviesa su música, sus recuerdos y su manera de entender el mundo.

El álbum se convierte en una carta de amor a Baja California, a la memoria familiar y a la artista que fue antes de convertirse en una de las voces más importantes de la música en español.

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El actor, compositor y dramaturgo revela cómo transformó una historia migrante en una poderosa experiencia musical que hoy trasciende escenarios y encuentra una nueva audiencia en formato sonoro.

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Por Carlos Mora

as mejores historias suelen aparecer donde nadie las espera. Para Brian Quijada, el punto de partida de Mexodus fue un artículo encontrado por casualidad en internet. Años después, aquella lectura terminaría convirtiéndose en uno de los musicales más celebrados de la escena estadounidense reciente y, ahora, en una experiencia sonora disponible para todo el mundo a través de Audible Original.

Creada junto a Nygel D. Robinson, Mexodus es una obra que combina hip-hop, ritmos latinos, teatro musical y narrativa contemporánea para abordar temas como la migración, la identidad y la búsqueda de pertenencia. Sin embargo, detrás de su éxito hay también una historia profundamente personal.

“Mis papás son inmigrantes de El Salvador. Cruzaron la frontera para llegar a Estados Unidos y construir una vida aquí”, cuenta Quijada durante una charla con Revista Cameo. “Por eso me llamó tanto la atención encontrar una historia donde el viaje era al revés. Era un estadounidense que buscaba una vida mejor en México”.

La idea apareció en 2017, pero durante mucho tiempo permaneció guardada.

“No sabía exactamente cómo contarla.

Sentía que necesitaba investigar mucho más y entender realmente de qué estaba hablando”, recuerda.

La pieza faltante llegó años después cuando conoció a Nygel D. Robinson durante una conferencia para artistas.

“Lo vi tocar muchísimos instrumentos y me impresionó. Nunca había escrito teatro musical, pero sentí que era la persona correcta para emprender esta aventura”.

Lo que siguió fue un proceso creativo marcado por el aislamiento de la pandemia.

“Durante un año escribimos una canción cada mes. Así comenzó todo. Primero fue música y después apareció la historia”.

Esa génesis musical sigue siendo fundamental para entender Mexodus. Aunque la obra se ha convertido en un fenómeno teatral, Quijada insiste en que la música siempre fue el corazón del proyecto.

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MEXODUS Dónde escuchar: Plataforma Audible

BRIAN QUIJADA UN VIAJE LLAMADO MEXODUS

“Todo nació desde las canciones. Antes de imaginar un escenario o una puesta en escena, existía la música”.

Quizá por eso la llegada de Mexodus a Audible se siente, para él, como un regreso a casa.

“Es hermoso porque volvemos al lugar donde empezó todo. Nosotros comenzamos creando música y ahora la gente puede vivir esta historia únicamente a través del sonido”.

La adaptación sonora también responde a una inquietud que acompañó a los creadores desde el inicio: ampliar el alcance de la obra.

“No todos pueden viajar a Nueva York.

No todos pueden comprar un boleto para ver un musical. Pero ahora cualquier persona puede ponerse unos audífonos y escuchar esta historia desde donde esté”.

Esa accesibilidad resulta especialmente importante para una obra que busca dialogar con comunidades que pocas veces encuentran sus experiencias reflejadas en el teatro musical tradicional.

Para el creador, esa capacidad de generar empatía es uno de los mayores logros de Mexodus.

“Al final hablamos de personas que están buscando un lugar al cual pertenecer.

Y creo que todos, de una manera u otra, entendemos esa sensación”.

El camino de la obra también ha estado acompañado por el reconocimiento de la crítica y la industria. Los recientes premios y nominaciones han colocado a Mexodus en el centro de la conversación teatral estadounidense.

Sin embargo, Quijada admite que los momentos más significativos suelen ser otros. “Cuando le cuento a mis papás sobre los premios, a veces no entienden exactamente lo que representan”, dice entre risas. “Pero cuando les digo quién estuvo en el público, cuando les cuento que cier-

tas personas importantes fueron a verla, entonces lo entienden de inmediato”.

Más allá de los reconocimientos, lo que verdaderamente le importa es la posibilidad de seguir contando historias que dialoguen con el presente.

“Vivimos tiempos muy difíciles. Todos los días vemos noticias sobre migración, discriminación y división. Es imposible ignorarlo”. Lejos de buscar escapar de esa realidad, Mexodus intenta enfrentarla.

“Nosotros llegamos al escenario con todo eso en la cabeza. Sabemos lo que está ocurriendo afuera y sabemos que el arte también puede ser una herramienta para abrir conversaciones”.

En buena medida, esa intención está presente en cada una de las canciones que conforman la obra. Una mezcla de géneros que refleja la propia identidad de sus creadores.

“Crecimos escuchando la música de nuestros padres, los boleros, las canciones románticas, toda esa tradición latina. Pero también crecimos con hip-hop, con rap y con la música que sonaba en nuestras calles”. La combinación surgió de manera natural. “No fue una decisión calculada.

Simplemente es quienes somos”.

El resultado es una propuesta que rompe etiquetas y que encuentra nuevas formas de narrar experiencias migrantes desde una perspectiva contemporánea.

Para Quijada Mexodus nunca ha sido únicamente una obra de teatro. Es también una carta de amor a las historias de quienes cruzaron fronteras antes que él, una celebración de las comunidades que construyen identidad a partir de múltiples raíces y una invitación a mirar la migración desde la humanidad de quienes la viven.

Ahora, en formato Audible Original, ese viaje continúa. Ya no hace falta sentarse en una butaca para recorrerlo. Basta con escuchar. | 79

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a cantante regresó al Auditorio Nacional para confirmar algo que su público sabe desde hace décadas: su historia en la música sigue escribiéndose con la misma fuerza, pasión y autenticidad que la han convertido en una de las figuras más representativas de la música mexicana.

Con su espectáculo Bendita Locura, la intérprete regiomontana ofreció una noche cargada de nostalgia, energía y celebración.

Desde los primeros acordes, el recinto se transformó en una auténtica fiesta mexicana donde miles de asistentes cantaron cada canción como si formara parte de la banda sonora de sus propias vidas.

Vestida con la elegancia y el carácter que la distinguen, Alicia recorrió las distintas etapas de su trayectoria artística. El concierto fue un viaje por los temas que marcaron generaciones y que siguen ocupando un lugar especial en el corazón de sus seguidores. Cada interpretación estuvo acompañada por una producción que resaltó la esencia de la música re80 |

gional mexicana sin perder la cercanía que siempre ha caracterizado a la cantante.

La conexión con el público fue uno de los elementos más poderosos de la velada. Entre canción y canción, Villarreal agradeció el cariño que ha recibido a lo largo de los años y celebró la posibilidad de seguir encontrándose con una audiencia que ha crecido junto a ella.

El Auditorio respondió con ovaciones constantes, coros multitudinarios y una energía que convirtió cada momento en una experiencia colectiva.

Durante la noche no faltaron los éxitos que han definido su carrera, esos temas que han acompañado historias de amor, desamor, fortaleza y esperanza. La artista logró equilibrar la emoción de los recuerdos con la vitalidad de una intérprete que continúa evolucionando y encontrando nuevas formas de conectar con el público.

Más allá de un simple concierto, Bendita Locura fue una declaración de permanencia. Alicia Villarreal no sólo repasó su legado musical; también

ALICIA VILLARREAL CELEBRA SU HISTORIA A LO GRANDE La cantante presentó "Bendita Locura" ante miles de seguidores y recorrió los grandes éxitos de su carrera en una noche marcada por la emoción, la nostalgia y el orgullo de la música mexicana.

Fotos y texto Carlos Mora mostró por qué continúa siendo una artista relevante dentro de la industria.

Su voz, su presencia escénica y la honestidad con la que interpreta cada canción siguen siendo sus mayores fortalezas.

Al final de la noche, el Auditorio Nacional se rindió ante una artista que

ha sabido mantenerse fiel a sí misma y a sus raíces.

Con una celebración llena de identidad mexicana, emociones compartidas y música que atraviesa generaciones, Alicia Villarreal reafirmó que su historia está lejos de terminar y que su lugar en el corazón del público permanece intacto.

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ENCANTO FUEGO & MAR EL SABOR DEL MUNDIAL SE VIVE EN 360 GRADOS

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Por Carlos Aguillón

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ntre pantallas inmersivas, alta gastronomía y una atmósfera que promete hacer vibrar a los aficionados, el restaurante de Polanco se prepara para convertirse en uno de los puntos de encuentro más atractivos rumbo a la Copa Mundial de Futbol 2026.

La justa deportiva ya comenzó y, con ella, la emoción de millones de aficionados que esperan el evento más importante del planeta. México, que vuelve a ser protagonista como una de las sedes mundialistas, se prepara para recibir a visitantes de todas partes del mundo, quienes además de disfrutar del futbol buscarán descubrir la riqueza cultural, histórica y gastronómica del país.

En ese escenario, la experiencia mundialista no solo se vivirá en los estadios. También llegará a espacios que han decidido convertir cada partido en una auténtica celebración. Uno de ellos es Encanto Fuego & Mar, restaurante ubicado en el corazón de Polanco, que afina todos los detalles para ofrecer una propuesta donde el deporte y la gastronomía se fusionan en una experiencia multisensorial.

La apuesta del lugar va más allá de colocar pantallas para seguir los encuentros. El concepto busca transportar a los comensales a una experiencia inmersiva que permita sentir la pasión del futbol. Gracias a un sistema de proyección en 360 grados y doce pantallas de alta definición, cada encuentro promete convertirse

en un espectáculo visual.

Mientras la emoción se vive en cada jugada, la cocina se convierte en otro de los grandes protagonistas. La carta ofrece opciones para todos los gustos, desde entradas frías y calientes hasta ensaladas, sopas, pastas, tacos, pescados, mariscos y cortes de carne de primer nivel.

Entre sus especialidades destaca el exclusivo Wagyu Cross Mexicano, una propuesta que combina la genética del Wagyu Japanese Black con Black Angus para lograr un producto con altos niveles de marmoleo y una calidad excepcional. El resultado es una experiencia gastronómica que busca conquistar incluso a los paladares más exigentes.

Para quienes prefieren los sabores del mar, la oferta también resulta amplia y atractiva. Platillos como el Carpaccio de Camarón, los Bocados de Pulpo, los Tacos de Pescado o Camarón, las Almejas, los Ostiones y el Salmón Patagónico forman parte de una selección diseñada para resaltar la frescura y riqueza de los ingredientes.

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Encanto Fuego & Mar también prepara menús temáticos, bebidas inspiradas en distintas naciones participantes y diversas actividades que buscarán acercar a los aficionados a la esencia multicultural del torneo.

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ay lugares que se conocen con la vista y otros que se descubren con todos los sentidos. Jalisco pertenece a esta última categoría. Basta recorrer sus calles, probar sus sabores o escuchar las historias que guardan sus haciendas para comprender por qué este estado se ha convertido en uno de los destinos más cautivadores.

La experiencia comienza en TLAQUEPAQUE, donde el tiempo parece avanzar a un ritmo distinto. Entre fachadas coloniales, patios llenos de flores y corredores empedrados, este Pueblo Mágico mantiene viva una tradición artesanal que lo ha convertido en uno de los principales referentes culturales de México. Aquí el arte no sólo se exhibe: forma parte de la vida cotidiana.

En sus galerías y casonas conviven piezas creadas por artesanos quienes encuentran en estos espacios una plataforma para mostrar su trabajo, impartir talleres y acercar al público a los procesos que dan vida a cada creación.

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JALISCO: SABOR, De los talleres artesanales de Tlaquepaque a los campos de agave de Tequila, esta región del país ofrece un recorrido donde tradición, sabor y cultura se entrelazan en cada parada.

Por Carlos Aguillón Fotos Luis Sanz La herencia artística de Tlaquepaque también puede rastrearse en nombres fundamentales como Sergio Bustamante, cuya visión transformó la artesanía tradicional en un lenguaje contemporáneo reconocido internacionalmente.

Las aves fantásticas, figuras surrealistas y esculturas monumentales que hoy forman parte del paisaje local son un recordatorio de la creatividad que distingue a este rincón jalisciense.

La historia del pueblo también se cuenta a través del barro. Durante generaciones, los artesanos desarrollaron técnicas que permitían retratar personajes, escenas cotidianas, charreadas y episodios históricos.

Tras sumergirse en la riqueza cultural de Tlaquepaque, el viaje conduce hacia una faceta distinta de Jalisco: la de las grandes haciendas rodeadas de naturaleza.

Entre jardines perfectamente cuidados y construcciones que evocan otra época, Hacienda del Carmen ofrece una experiencia donde el lujo se expresa a través de la calma. El sonido de los pájaros sustituye al ruido urbano y los paisajes verdes se convierten en el escenario perfecto para desconectarse del ritmo acelerado de la vida cotidiana.

La propiedad invita a descubrir el origen de muchos de los ingredientes

ARTE Y TRADICIÓN que llegan a la mesa. Los recorridos por invernaderos y áreas de cultivo permiten observar cómo la sustentabilidad y la producción local forman parte esencial de la experiencia. La recolección de vegetales, la convivencia con los animales de granja y las caminatas por sus extensos terrenos acercan al visitante a una versión más auténtica del campo.

Para quienes buscan complementar la experiencia con actividades recreativas, los espacios deportivos y el campo de golf ofrecen momentos de relajación en medio de un entorno privilegiado.

Pero ningún recorrido por Jalisco estaría completo

sin visitar TEQUILA, el destino que ha llevado el nombre del estado a todos los rincones del planeta.

Kilómetros de agaves azules cubren el paisaje creando una imagen que parece infinita. Declarados Patrimonio Mundial por la UNESCO, estos campos representan siglos de tradición agrícola y cultural.

En medio de este escenario se encuentra Casa Salles, un hotel boutique que ha logrado fusionar la sofisticación contemporánea con la esencia tequilera de la región. Hospedarse aquí significa vivir de cerca la historia de una bebida que forma parte de la identidad nacional.

La experiencia va mucho más allá de una simple visita a una destilería.

Los recorridos permiten conocer desde la jima del agave hasta los complejos procesos de fermentación, destilación y añejamiento.

Cada etapa revela la precisión y el conocimiento que intervienen en la elaboración del tequila.

Durante las catas especializadas, los visitantes descubren que detrás de cada copa existe un universo aromático sorprendente. Notas herbales, cítricas, especiadas y minerales emergen conforme los expertos comparten técnicas para apreciar plenamente el destilado.

“Existen cientos de aromas distintos que cada persona puede identificar dependiendo de su memoria olfativa”, explican durante la experiencia, donde cada sorbo se convierte en una oportunidad para descubrir nuevos matices.

La visita también permite conocer el legado de figuras fundamentales para la industria, como Francisco Javier Sauza, impulsor de la denominación de origen que protege al tequila y garantiza su autenticidad en el mundo.

Cuando cae la tarde sobre Tequila, el paisaje adquiere una atmósfera casi cinematográfica. Los tonos dorados del sol iluminan los campos de agave mientras el pueblo invita a recorrer sus calles, descubrir tiendas artesanales y disfrutar de la gastronomía local.

Más que un recorrido turístico, esta ruta por Jalisco es una inmersión en algunas de las expresiones más representativas de la cultura mexicana. Es el encuentro entre el arte y la tradición, entre la historia y la innovación, entre el descanso y la aventura.

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Tras seis años de cierre, el emblemático recinto de Xochimilco reabre sus puertas con espacios renovados y una propuesta inmersiva que revitaliza el legado de Frida Kahlo, Diego Rivera y una de las colecciones de arte más importantes del país.

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EL REGRESO DE UN ÍCONO: EL MUSEO DOLORES OLMEDO VUELVE A ABRIR SUS PUERTAS

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Fotos y Texto Carlos Mora

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ras seis años de espera, uno de los espacios culturales más emblemáticos de la Ciudad de México inicia una nueva etapa con salas renovadas, experiencias inmersivas y el legado de Frida Kahlo, Diego Rivera y Dolores Olmedo más vivo que nunca.

Hay lugares que resguardan obras de arte y otros que conservan la memoria de un país. El Museo Dolores Olmedo pertenece a esta segunda categoría. Después de seis años de permanecer cerrado, el recinto ubicado en Xochimilco reabre sus puertas para recibir nuevamente al público y recuperar su lugar como uno de los grandes referentes culturales de México.

La reapertura representa mucho más que el regreso de un museo. Es el reencuentro con la visión de Dolores Olmedo, empresaria, coleccionista y promotora cultural que dedicó gran parte de su vida a preservar el legado artístico de figuras fundamentales como Frida Kahlo y Diego Rivera.

Los visitantes podrán recorrer espacios renovados que dialogan entre la tradición y la modernidad.

La nueva propuesta museográfica

busca acercar las colecciones a públicos contemporáneos sin perder la esencia que convirtió al museo en un destino obligado para amantes del arte, turistas y familias.

Entre sus mayores tesoros destacan las obras de Rivera y Kahlo, acompañadas por piezas de arte popular mexicano y una importante colección prehispánica. Sin embargo, la nueva etapa también pone el foco en la propia Dolores Olmedo, una mujer cuya pasión por el arte ayudó a construir uno de los acervos más importantes del país.

La reapertura llega además como una celebración para la comunidad cultural que durante años siguió de cerca el futuro del recinto. Hoy, el museo vuelve a abrir sus jardines, pasillos y salas con la promesa de seguir siendo un puente entre el pasado y el presente.

En una ciudad donde la oferta cultural se transforma constantemente, el regreso del Museo Dolores Olmedo recuerda que algunos espacios trascienden el tiempo.

No sólo por las obras que albergan, sino por las historias que continúan inspirando a quienes cruzan sus puertas.

MUSEO DOLORES OLMEDO DÓNDE: Av. México 5843, Colonia La Noria, Alcaldía Xochimilco

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ANNIE LEIBOVITZ Y LA PASIÓN DEL MUNDIAL Fotos y Texto Carlos Mora LA MIRADA que transformó la fotografía contemporánea vuelve a encontrarse con el futbol. A casi cuatro décadas de haber documentado la Copa Mundial de México 1986, la reconocida fotógrafa Annie Leibovitz presenta Futbol 2026 Annie Leibovitz, una exposición en el Museo Nacional de Antropología.

La exposición establece un diálogo entre dos momentos históricos separados por cuatro décadas.

Por un lado, recupera las imágenes que capturaron el espíritu de México 86; por otro, presenta una nueva mirada sobre el futbol contemporáneo y su capacidad

FUTBOL 2026 ANNIE LEIBOVITZ DÓNDE: Museo Nacional de Antropología.

Hasta el 30 de agosto.

para unir culturas, generaciones y territorios.

"Siempre he pensado que una fotografía debe contar una historia", ha señalado. Esa filosofía guía un recorrido en el que el futbol aparece no sólo como competencia deportiva, sino como un fenómeno cultural capaz de despertar emociones compartidas alrededor del mundo.

Las imágenes reunidas en la muestra revelan cómo el futbol trasciende las canchas para convertirse en una expresión de identidad y memoria colectiva.

"Lo que me interesa es la persona, no la celebridad", ha dicho la artista. Esa mira-

da humanista se refleja en retratos que buscan descubrir al individuo detrás del ídolo deportivo y mostrar las emociones que conectan con los aficionados.

"Una fotografía no trata sólo de cómo luce una persona, sino de lo que transmite", afirma Leibovitz. En ese sentido, Futbol 2026 Annie Leibovitz convierte cada imagen en una ventana hacia las historias humanas que existen detrás del espectáculo deportivo.

El resultado es un encuentro entre arte, memoria y deporte que confirma el lugar del futbol como parte fundamental de la cultura contemporánea.