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AÑO VII. nº83

la revista mensual del siglo XXI THE 21st CENTURY MONTHLY MAGAZINE

ESPAÑA..............€3.00 U.E....................€4.00

EE.UU.............$6.00 ASIA...............$6.00

AMÉRICA...........$6.00 ÁFRICA..............$6.00

cultura contemporánea • contemporary culture • www.revistamu.com 1MU


CVA. AU, 1984. Exposición El tiempo que venga. Colección IX

Desde el 24 de octubre de 2009 El tiempo que venga. La Colección IX Una reflexión sobre el tiempo, el que ha de venir y pasar y el que ha de venir y vengar.

Yo y el otro. Retratos en la fotografía india contemporánea El complejo tejido social de la India a través de la mirada de sus artistas más representativos.

Gure Artea. Asier Mendizabal, Xabier Salaberria, Iratxe Jaio/Klaas van Gorkum El arte vasco más actual con los ganadores de la última edición de la bienal Gure Artea.


| sumario |

año VII. nº83 « Todo lo que se hace por amor, se hace más allá del bien y del mal.» -Friedrich Wilhelm Nietzsche-

LITERATURA

CINE

4 | Alanagua

PINTURA

10 | Martín Rosete

La búsqueda del yo en el universo de los cuentos

16 | Miguel Condé

Un director de cine español de camino a las estrellas

PAPIROSAICOS

FOTOGRAFÍA

26 | Keka Raffo

28 | Erwin Olaf

Pintando con papel

Personajes perturbadores

PINTURA

38 | Pierre Riollet

El ojo crítico y lúdico

Ciudad a contraluz

Jessie Evans, p. 18

página

4

10

16

26

28

18 38

42

46

50

52

58

ENGLISH VERSION PORTADA

18 | Jessie Evans Is it fire?

INNOVACIÓN

ARTE

42 | Alejandra Alarcón

Fagia: devorar para descubrir MCA2

46 | Mater in

50 | Eno y Byrne /

Construyendo la ciudad del futuro

Colaboraciones

progress

Eno y Hassell

MÚSICA

52 | Gabriel Szternsztejn

Keka Raffo, p. 26

Canciones sin letras Erwin Olaf, p. 28 Includes English Version / Edita: Islamorada ediciones • Presidente y editor: José Ignacio Santos y Gugel (arte@revistamu.com) • Directora: Laila Escartín Hamarinen (redacción@revistamu.com) • Maquetación: Mondo Gráfico (mda@mondografico.es) • Product Manager: Luís Moral • Distribución: Coedis • Secciones: Literatura / Pensamiento: Inés Ruiz / Manuel Ruiz Zamora • mca2 / PISTAS: Jesús Gonzalo • La Columna: Maximina Bescós • Cine: Santiago & Andrés Rubín de Celis • Portada: Jessie Evans, foto de Billy & Hells (www.billyundhells.de) • Colaboradores: Maria Lluïsa Borràs, Julio Castedo, Luisa Fernández, Débora Izaguirre, Pablo Marín Mazcaray, Javier Martín, Lucas Olvido, Lucía Pérez, Lenny Waker • Portal MU: Mondo Gráfico (www.mondografico.es) • Publicidad: 607 738 033 • Redacción: 667 667 816 • Impresión y Fotomecánica: Rotabook• Depósito Legal: SE-951-2002 • ISSN: 1699-1176 • MU no se hace responsable de las opiniones de nuestros colaboradores. MU es una marca registrada. Todos los derechos de las obras reproducidas son de sus creadores. MU es miembro de la Asociación Española de Editoriales de Publicaciones Periódicas AEEPP, perteneciente a la Confederación Española de Organizaciones Empresariales CEOE, a la Federación Internacional de Prensa Periódica FIPP y la Federación Europea de Editores de Publicaciones Periódicas FAEP. El principio fundacional de la revista mu es proporcionar soporte mediático a las nuevos creadores y buscar el acercamiento de la cultura, el arte y la creación contemporánea a los ciudadanos. Esta revista ha reci-

Mejor Publicación 2009 Best Publication 2009

bido una subvención de la Dirección General del Libro, Archivos y Bibliotecas para su difusión en bibliotecas, centros culturales y universidades de España, para la totalidad de los números editados en el año.

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Viajando hacia dentro

LITERATURA

Alanagua ‘Había una vez una niña que tenía pasión por el agua. Antes de nacer, parecía un delfín dentro del vientre de su madre. La llamaremos Alanagua –decidieron sus padres, justo cuando su mamá inundó el hospital como si se hubiese roto una fuente –’ por LAILA ESCARTÍN HAMARINEN

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sí comienza el precioso y profundo cuento ‘Alanagua’ escrito por la venezolana Mariella Briceño Machado y recién editado por Camelia Ediciones. ‘Alanagua’ cuenta la historia de una niña que ama el agua, pero que se deja presionar por el entorno que no entiende muy bien su amor por el agua, y se esfuerza por ser normal y adaptarse a unos comportamientos que prevalecen. A raíz de ello, Alanagua comienza a secarse, a marchitarse, y se vuelve irritable y profundamente triste. Entonces Alanagua viaja, y el mundo le lanza

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mensajes que termina por captar, y que la hacen volver a encontrarse. Mariella Briceño relata la historia con un lenguaje sencillo y limpio. Con pocas palabras, acompañadas de las hermosas y delicadas ilustraciones de Cristina Sitja Rubio, consigue evocar un ambiente mágico y tierno que nos conmueve y que despierta zonas dormidas de nuestra alma. ‘Alanagua’ es un cuento inspirador y consolador, como deben ser los cuentos de hadas, un respiro en la fealdad y el caos del mundo moderno que nos rodea.

‘Al amanecer se montó en un coche dirigiéndose hacia la costa. Nadó por tres meses seguidos. Volvió roja y arrugada de tanto sol y tanta agua, pero se sentía muy contenta.’ Nuestro lugar en el mundo, nuestra vocación y nuestro amor, bien merecen salir arrugados y rojos del esfuerzo por conseguirlos . El mensaje que esconde ‘Alanagua’ es esperanzador y fortalecedor. Un libro pre cioso tanto para niños como adultos. Un canto a la verdad única que se esconde en el interior de cada uno de nosotros.


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¡ Viva el genio !

CINE

Antichrist Hace tiempo que no tiene el espectador el exquisito y embriagador placer de ver en la gran pantalla una obra maestra recién creada. Anticristo nos trae la buena nueva por Laila escartín hamarinen

C

uando vi Bailando en la oscuridad y Rompiendo las olas quería encontrarme con Lars (von) Trier para romperle las rodillas. Me parecieron horribles (las películas no las rodillas). Me recordaron a las pelis de Walt Disney, manipulaban los sentimientos de los espectadores con la misma deshonestidad e invasividad: Trier me violaba igual que lo hacía Disney con cada una de esas películas asquerosamente cursis. Trier no era cursi pero su sentimentalismo melodramático y exagerado era primo hermano de Disney. Luego vino Dogville y me arrastré muy a contrapelo a verla; esta vez ya no me sentí violada: Trier había renunciado a su manipulación emocional, en esta película hubo hasta un momento en el que me aburrí, pero el balance final quedaba en interesante y excitante. Europa me gustó, me pareció innovadora, inquisitiva, curiosa, aunque ésta la vi recientemente, y en retrospectiva adivino en ella la venida de la gran obra

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maestra que ha sacudido al mundo. Pasaron varios años y varias películas de Trier que decidí activamente no ver, sospechaba del hombre: me irritaban los aires superiores que se daba y su hambre de polémica, no me parecía un artista honesto. Y luego, un día, llegó Anticristo, y con ella la polémica –una vez más –. Pero esta vez me complacía el título de la película, y las reacciones fortísimas (decían que Trier estaba más loco que genial, para no ir más lejos en nuestras páginas, y que Anticristo era prueba de ello) terminaron por convencerme de que debía ver esta película. Y aún así, he de confesar que entré en el cine segura de que iba a estar una vez más furiosa e indignada. Pero empezó ‘Anticristo’ y quedé muda

de la admiración, extática ante la grandeza, la honestidad y la libertad con las que me encontré. Y pensé: ‘Trier ha dejado atrás sus manierismos, sus tics, y su pretenciosa falsedad’; mi espíritu se llenaba de agradecimiento ante la enorme obra maestra que el antes odiado cineasta había puesto ante nuestros ojos. Tenía la completa certitud de estar presenciando una de las más elevadas obras artísticas creadas por un ser humano desde el principio de los tiempos; y la sigo teniendo. El sol salía por fin desde detrás de las espesas nubes de mediocridad y tedio que nos asolan en los tiempos que corren. Me encontraba ante un brillante engendro artístico-humano que me llenaba de inspiración y de fe en la grandeza de la miserable humanidad. Anticristo no es sólo una película, es


Willem Dafoe. en Anticristo de Lars Von Trier

el Mesías que nos trae la vida a este yermo desierto de lenta extinción. Lamarck El pobre Lamarck planteó una idea de evolución muy chistosa si la observamos desde el punto de vista biológico, pero desde el aspecto cultural Lamarck tenía razón: todo lo que los humanos que nos precedieron han hecho culturalmente (arte, ciencia, entretenimiento, técnica) es interiorizado por nosotros (los descendientes) y aprendido automáticamente sin mayor esfuerzo; ergo, siempre llegaremos más alto en nuestras hazañas, porque construimos sobre la base que nuestros antecesores crearon. Por ello, me atrevo a decir que Lars Trier ha llegado más lejos que Carl Theodor Dreyer, Ingmar Bergman o Andrej Tarkovsky (y esto lo digo con gran humildad pues venero a los directores mencionados). Pero únicamente por razones de tiempo y generación. Trier ha cogido el relevo de estos tres gigantes del cine, y ha llegado a específicos terrenos cinematográficos nunca antes visitados. Trier flexiona el lenguaje cinematográfico de una forma nueva, fresca, inteligente, excitante, valiente y genial. Trier no se limita a hacer excelentemente lo que ya han hecho muchos antes de él, sin embargo hace algo que nunca nadie hizo antes: crea un paisaje inespera-

do y delicioso –escandaloso casi en su atrevimiento –; una nueva canción para deleitar, estimular, sacudir y despertar nuestras almas. Misoginia Y sí, sí, sí, Anticristo es durísima. Dicen unos que es misógina; pues no podría estar más en desacuerdo. La película relata la historia de una mujer con una psique patológica: un individuo enfermo, una mujer, realiza su tesis doctoral sobre el maltrato sistematizado de la mujer a lo largo de la historia, en el proceso –debido a su mente ya enferma y frágil – se identifica tanto con esas mujeres perseguidas, torturadas y asesinadas (las brujas en la Edad Media sobre todo) que termina provocando su destrucción a imagen y semejanza de los objetos de su doctorado. Me parece absurdo interpretar esta historia como un odio personal del director. A muchos artistas les interesa mucho más el lado oscuro del ser humano que el lado luminoso, no es nada inaudito. Y de todos modos, es de una necedad notable considerar Anticristo como especialmente misógina, cuando vivimos en una sociedad y una cultura absolutamente misóginas desde tiempos inmemoriales: todas las revistas de moda son misóginas; las películas de Hollywood y la televisión son misóginas; la publicidad, la educación y la

religión son misóginas, el Dios judeocristiano y musulmán es misógino (si es que existe); los antiguos griegos –nuestros padres culturales – eran misóginos (excepto los espartanos), ¡por favor, cómo si fuera algo nuevo! Violencia La violencia es excesiva y demasiado explícita, dicen otros. A mí no me gusta ver violencia, y admito que en dos escenas cerré los ojos porque no aguanté mirar. Pero aún así opino que las escenas de violencia tienen sentido, no sobran en la vida de la película, son consecuencia lógica de todos los minutos que las han precedido, y además, Trier no romantiza la violencia como hacen todas las superproducciones y la mayor parte de las películas y series de televisión. Trier al menos es honesto. La violencia duele verla, en la realidad y en la gran pantalla. Simbología La simbología que utiliza el cineasta tiene sentido para él. Algunos críticos se han quejado de que no funciona para expresar lo que quiere expresar, ésta no deja de ser una opinión subjetiva, como todas las de los críticos que no son más que seres humanos dándonos su opinión. El artista tiene derecho y plena libertar a utilizar la simbología 7MU


¡ Viva el genio !

Charlotte Gainsbourg. en Anticristo de Lars Von Trier

que más le plazca, si un espectador no la capta, no podemos saber si el problema está en el cineasta o en la mente del espectador. A mí nunca me pareció que Trier errara en su simbología. Para contar la historia de una mente que se está desintegrando y está siendo succionada por los pegajosos tentáculos de la violencia, la analogía de las torturas medievales a mujeres consideradas brujas es perfecta, y no sólo es una analogía de la desintegración de la mente de la mujer protagonista, sino es una metáfora fantástica para describir lo que sigue ocurriendo hoy, en el siglo XXI, entre el sistema patriarcal y la mujer que sigue siendo un ser de segunda categoría, nos guste o no. Las cosas son como son. La casa suele ser símbolo de la mente; el sótano símbolo del subconsciente –el marido encuentra la llave inglesa perdida (su liberación de la piedra que le impide huir) debajo del suelo, en el “sótano”, cuando rompe las maderas del suelo –; las garrapatas que le chupan la sangre en la mano son símbolo del horror que está a punto de ocurrir. Etc. MU8

Efectos especiales Trier utiliza los efectos especiales de una manera poética y sublime. La narración adquiere una fuerza magnífica, y hay momentos en los que me sentía euforizada por su potencia. Por ejemplo, la sesión de hipnosis que hace el marido a la mujer es maravillosa, ¡tan bella y expresiva! Y el comienzo… creo que nunca he visto algo tan hermoso, tan poderoso ni tan dramático en el cine. La música angelical (la conmovedora ‘Lascia ch’io pianga’ de la ópera Rinaldo de Händel); el blanco y negro; lo aterrador de los sucesos que contrastan con la belleza armoniosa y divina de la música y la imagen , ¿se ha visto alguna vez algo tan celestial y hermoso en el cine? ¡Bravo por Trier! Antichrist La película arranca con tan dulce y angelical belleza, y un terror y una maldad tan sutiles y elegantes, para luego ir en un crescendo estable hacia algo que muchos consideran un desmadre de violencia y locura. Yo creo que Trier nunca ha estado tan lúcido como en

Anticristo. Nos encontramos ante una tragedia de magnitud olímpica, digna de codearse con las mejores obras de la antigüedad griega o de Shakespeare. Trier planea lleno de fuerza y verdad por encima de sus contemporáneos, tan alto, tan lejos, en esos aires fríos y duros de los que escribía Nietzsche –“Aquél que sabe cómo respirar el aire de mis escritos, sabe que es un aire de las alturas, un aire robusto. Uno ha de estar preparado para ello, si no corre un gran peligro de coger frío. El hielo está cerca, la soledad es terrible – ¡pero cuán pacíficas yacen todas las cosas en su luz! ¡Cuán libremente respira uno! ¡Cuán por debajo de sí mismo se siente uno!” * –. Muy pocos se atreven a elevarse a aquellas alturas, o a respirar ese aire, por ello es de esperar que muchos no comprendan Anticristo y se escandalicen con ella. Anticristo es una hoja de laurel en la corona de gloria de la creación artística de la humanidad. No estamos del todo perdidos. * fragmento de ‘Ecce Homo’ de Friedrich Nietzsche, del prefacio, capítulo 3. (Traducción L.E.H.)


Haapaniemi seinatarr

9MU


Martín Rosete

CINE

El nombre por encima del título

Hace un par de años, Martín Rosete (Madrid, 1980) ya era un buen cortometrajista y se estaba consolidando como realizador publicitario. Todo parecía marchar bien, pero aunque él no lo supiera, le esperaba la gran oportunidad de su vida, esa oportunidad que J.C.chos realizadores jóvenes aguardan y que no siempre llega: es admitido en un máster de dos años en la New York Film Academy, becado por La Caixa por JULIO CASTEDO

M

artín Rosete eligió el riesgo de la aventura americana frente a la seguridad de los contratos publicitarios, el artista pudo con el empresario, hizo las maletas y cruzó el océano dispuesto a empezar de nuevo. Gracias al actor Juan del Santo, con el que él ha trabajado, tuve la ocasión de ver sus cortos: Revolución (2002), A falta de pan (2005), El hombre orquesta (2008), Paper or plastic (2008) y la excelente Basket Bronx (2008). Entre esos cinco cortos, acumulan casi noventa premios en festivales internacionales. No tardé en comprender por qué el productor navarro Mikel Urmeneta, residente en Nueva York, creador de la firma “Kukuxusu”, quedó atrapado por su talento y le propuso rodar un largometraje. Martín Rosete es un narrador puro. Nada le es ajeno en el lenguaje cinematográfico, disfruta explorando el potencial visual de las historias. Su

Wiherheimo Oopperan MU10

proyecto, con un seductor título provisional que no nos deja desvelar, es un thriller sobrenatural que explora el viaje hacia la enajenación de un médico europeo en Nueva York.

ción Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid, y luego cursos en la ECAM, Escuela de cine de Cuba y un MFA de dos años en la New York Film Academy en EE.UU.

Me encuentro con Martín Rosete en la cafetería del Círculo de Bellas Artes, un buen lugar para un escritor y un director de cine:

J.C. -¿Cuál es la última película que has visto en el cine? MR - UP, que me pareció absolutamente maravillosa. Si hubiera habido sesión continua me habría quedado a verla otra vez.

Julio Castedo - ¿Cuándo y por qué nace en ti una vocación cinematográfica? Martín Rosete- Realmente nadie de mi familia ni de mi entorno tiene relación con el mundo del cine, y mi idea siempre había sido estudiar periodismo, pero justo dos años antes de ir a la universidad tuve la suerte de ver la película Tesis de Alejandro Amenábar y de alguna forma mi cabeza hizo “click” y tuve claro que eso era lo que quería hacer. Así estudie Comunica-

J.C. -¿Reconoces influencias de otros directores? ¿De quiénes? ¿A quién admiras? MR -Muchos, muchísimos; españoles, admiro a Amenábar, al que considero un revulsivo del cine en nuestro país, pero también admiro a Berlanga, Buñuel, Camus... En cuanto a directores extranjeros, reconozco que bebo mucho del cine de Hollywood, me apasionan Spielberg, Night Shyamalan, el maestro Hitchcock, y el mimo casi demencial que Kubrick


ponía en sus obras. J.C. -Cita tres películas que te gustaría haber realizado a ti. MR -Senderos de Gloria, La vida es bella, Tiburón. J.C. - André Bazin dedicó todo un libro a responder a la pregunta ¿Qué es el cine? Dinos qué es para ti el cine en cuatro líneas. MR -El cine es pasión y sueño. Es la necesidad de contar historias. Los cineastas somos los juglares de los siglos XX y XXI. Somos esas personas que se encargan de poner imágenes y sonidos a las historias para transmitirlas de la forma más bella a grandes audiencias. J.C. -Has hecho cortos de distintos géneros ¿en cuál te encuentras más cómodo? MR -Eso es algo que siempre me preguntan en USA. De hecho allí si ruedas un thriller que funciona bien te van a estar llamando el resto de tu vida para rodar thrillers, y nunca te considerarán para otros géneros. Yo creo que hay que ir más allá. Soy un enamorado de las historias, y cuando me preguntan qué tipo de historias me gustan, siempre tengo la misma respuesta: las buenas. J.C. – Háblanos de tu proyecto de largometraje en EE.UU. MR - Sobre la película no puedo decir demasiado, porque hemos decidido mantener todo bastante en secreto. El proyecto nació hace más de un año, cuando conocí a Mikel Urmeneta. Al instante conectamos muy bien, y un segundo después ya estábamos decididos a trabajar juntos. Basket Bronx fue nuestro pistoletazo de salida, un cortometraje en 35 mm que rodamos en Nueva York y que está teniendo éxito en festivales de todo el mundo. Cuando Mikel vio el resultado, me propuso dar el salto al largo. Me contó una historia que tenía en mente desde hace más de 10 años y me fascinó. Se trata de un thriller que toca lo sobrenatural y que rodaremos también en Nueva

York en 2010. Poco más podemos decir. Ni siquiera el título, porque no sabemos si será el definitivo. Bueno, quizás decir que el guión cuenta ya con el apoyo de la Comunidad de Madrid, que nos ha concedido la subvención a desarrollo. En breve empezaremos a mandarlo a televisiones, y estamos convencidos de que la aceptación será igual de positiva. J.C. – El cine americano nos gana de calle en la taquilla ¿A qué atribuyes la escasa asistencia de público al cine español? MR -Estoy convencido de que son muchos los factores. Puede ser que la promoción de las películas americanas sea mucho mayor que la que hacemos aquí, que los presupuestos que manejamos en España sean muy pequeños en comparación con las producciones que nos llegan del otro lado del Atlántico, y eso por supuesto influye en el acabado. También muchas veces se busca más coger la subvención del ministerio y minimizar riesgos haciendo una distribución pequeña. Y por supuesto, puede ser que la mayoría de las obras simplemente no conecten con el público. Eso es algo que gente como Amenábar ha conseguido superar, y nos enseña cuál puede ser el camino. J.C. -¿Debe el cine del siglo XXI transmitir algún mensaje, o posicionarse políticamente, tal como sucedió en los 70? MR -Estoy convencido de que por muy neutro que trates de ser, siempre que haces una película o escribes una novela, estás tomando cierto partido. ¿Por qué? Kubrick decía que cuando le contrataban para dirigir una película estaban alquilando sus ojos, y es justamente eso, si alquilas mis ojos, alquilas con ellos una forma de mirar y de entender el mundo que tiene que ver con mi background, con todo lo que he vivido, y eso de forma implícita o explícita siempre conlleva un posicionamiento. J.C. -¿Bajarse una película de la red

para verla en casa es robar? MR -Hasta que no viví en EE. UU. no tenía esa perspectiva, porque aquí todo el mundo lo hace con total impunidad, pero está claro que estás cogiendo algo que no te pertenece de forma gratuita desde tu casa y sin que nadie te diga nada. Llegará el momento en el que pase como en EE. UU. donde si te descargas una película, la distribuidora llama a tu casa, te cortan Internet y te avisan que a la próxima te denunciarán. Un aviso y luego una demanda ejemplar. Por otro lado, allí nadie se descarga películas, porque hay sistemas de pago como Netflix, en los que por aproximadamente 20 céntimos de euro al día, puedes ver todas las películas que quieras, en streaming o con un DVD que te envían a casa. Con soluciones de este tipo, nadie se arriesga a una demanda, y a la vez es una ventaja para los productores de cine, porque sus obras tienen una gran audiencia potencial en cada momento. Me parece una solución redonda y espero que pronto llegue a España y a toda Europa, porque así ganaremos todos. J.C. -¿En qué está tu cabeza cuando no piensas en cine? MR -La verdad es que pienso en cine prácticamente todo el tiempo, porque disfruto muchísimo del proceso de preparar una película, pero por supuesto que en mi mente siempre tengo hueco para pensar en los que más quiero: mis padres, mi hermano, mi chica, mis amigos... Hay tiempo para todo, lo que es cierto es que yo tengo la misma sensación que describía Kubrick: “Pedirme que me tome unas vacaciones de hacer cine es como pedirle a un niño que se tome unas vacaciones de jugar con sus muñecos”. Y al terminar esta conversación, que fue relajada y cordial, como entre dos buenos amigos que hablan un rato del cine y de la vida, me marcho con la agradable sensación de que tal como se dijo hace tiempo de Frank Capra, este director verá un día su nombre por encima del título de sus película 11MU


Literatura y Cine

CINE

Imágenes de Edgar Allan Poe “Muy pocos escritores ―como afirma Drake Douglas ― han sido tan incomprendidos y escasamente apreciados como Edgar Allan Poe. De él, poseemos dos imágenes distintas, y es difícil ser capaz de elegir cual de las dos es la verdadera. ¿Fue el alcohólico grosero y obsceno, ególatra y arrogante que nos han retratado muchos de sus contemporáneos, o el caballero generoso, gentil, afectuoso y devoto que describieron sus admiradoras?” por Santiago & Andrés Rubín de Celis

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in duda, lo más sabio sería admitir que la verdad se halla en algún punto intermedio entre estos dos extremos de tan distinto colorido. No dejándonos arrastrar por aspectos psicológicos ni biográficos, lo verdaderamente indudable a estas alturas es el alcance de su talento: fundador de la novela deductiva, uno de los primeros maestros norteamericanos del relato breve, poeta solemne y metaf ísico, crítico despiadado -sus famosos encontronazos y polémicas con otro de los grandes talentos de su época, Longfellow, fueron muy sonados-, uno de los pioneros del periodismo en su país, colaborador de numerosas revistas literarias e, incluso, director de varias de ellas (Southern Literary Messenger, Broadway Journal, Graham’s Magazine). Charles Baudelaire, miembro de su estirpe y uno de sus primeros traductores, le denominó “mago de las letras”. Sin embargo, como afirma el crítico literario Edmund Wilson en su ensayo «Poe en su país y en el extranjero», no

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ha sido sino hasta hace relativamente poco que su figura ha comenzado a ser apreciada en su justa medida, es decir, atendiendo a “las causas por las que aún nos interesa su lectura”. Y en verdad aún nos sigue interesando. Hoy, en el doscientos aniversario de su nacimiento, la rendición es incondicional: las ediciones (ilustradas, especiales, obras completas, traducciones prestigiosas, etc.) se amontonan en los escaparates de las librerías. También el cine, a lo largo de su historia, le ha rendido un buen tributo con numerosas adaptaciones, más o menos libérrimas, de sus obras. ¿Por qué no atreverse a un breve repaso de su trayectoria por la gran pantalla? Probablemente, el indicador más simple de la riqueza de una obra como la de Poe radica en el hecho de que ésta haya podido ser fuente de

inspiración común para cineastas de orígenes e intereses tan diversos. Cada uno ha sabido ver en él algo distinto, un punto de partida nuevo. De poemas cinematográficos de vanguardia como La Chute de la Maison Usher (1928) de Epstein, a experimentos formales cercanos al underground “The Fall of the House of Usher” (Curtis Harrington) , y producciones B de estética kitsch (y, dado la época en que fueron rodadas, toques lisérgicos) como la serie realizada a partir de 1960 por un Roger Corman bastante más esmerado que de costumbre. Ésta, de gran culto popular, bastante desigual, va de lo mejor, las reflexiones


sobre la decadencia y la corrupción que representan La caída de la casa Usher (The Fall of the House of Usher, 1960), Premature Burial (1962), La máscara de la muerte roja (The Mask of the Red Death, 1964) y Ligea (The Tomb of Ligea, 1964), al pastiche y la parodia de El pozo y el péndulo (The Pit and the Pendulum, 1961) e Historias de Terror ( Tales of Terror, 1962). Ap oyado decisivamente en escritores y guionistas del prestigio de Richard Matheson o Charles Beaumont, en el fotógrafo Floyd Crosby y, sobre todo, en el talento interpretativo (a veces un tanto paroxístico, eso sí) de Vincent Price, Peter Lorre o Basil Rathbone, Corman pudo revindicarse como un metteur-en- scène alejado de sus habituales chapuzas.

de Somerset Maugham. Entre las aproximaciones más personales (y sin lugar a dudas más heterodoxas) a la obra del escritor de Boston podemos destacar la intensidad dramática de Joseph Schildkraut

En la década de los años treinta, la era dorada del cine de terror de la Universal, dicho estudio utilizó la fama de Poe, a menudo ilegítimamente, en un par de mediocres vehículos de lucimiento de Bela Lugosi: Los críme- Edgard Alan Poe, 1904. Fotografía C.T. Telman nes de la calle Morgue (The Murders of the Rue Morgue, en The Tell-Tale Heart (1940, Jules 1932) y El cuervo (The Raven, 1935), Dassin), de marcada estética expredado que Satanás (The Black Cat, sionista; Le puits et le pendule (1964), 1934), temprana muestra del talento otro brillante ejemplo de camérade Edgar G. Ulmer y la primera colastylo impartido por Alexandre Astruc; boración del tándem Lugosi-Karloff, el onirismo postmoderno del Toby realmente no tenía nada que ver con el Damit felliniano -en el film de episorelato del escritor al que hacía referendios Historias extraordinarias (Histocia el título original, sino más bien, de ries Extraordinaires, 1968), que incluía forma solapada, con esa roman à clef también trabajos desiguales de Roger sobre Aleister Crowley que es El mago Vadim (Metzengerstein) y Louis Malle

(William Wilson)-; y la imaginería macabra y barroca de Jan Svankmajer en una de sus obras maestras: The Pendulum, the Pit and Hope (1983). También, a través de uno de sus géneros más conflictivos, el biopic, el cine ha tenido tiemp o de sacar partido dramático a la infortunada biograf ía del autor norteamericano gracias a películas como Edgar Allan Poe (1909), del pionero D.W. Griffith, y The Loves of Edgar Allan Poe (1942), dirigida por el antiguo pintor y escenógrafo Harry Lachman (alguna de sus obras puede verse en el Prado), dos películas fascinantes, por motivos bien distintos, pero que, de hecho, dan una visión de la vida del escritor bastante alejada de la realidad. Y lo que no veremos quizás nunca: Le systéme du docteur Goudron et du professeur Plume (1913), de Maurice Tourneur -su destacadísimo hijo nos dejó, en cambio, la mediocre La ciudad sumergida (The City Under the Sea/War-Gods of the Deep, 1965)-; una segunda versión de The Pit and the Pendulum (1913) de Alice Guy; Die Pest in Florenz (1919), con dirección de Otto Rippert y guión de Fritz Lang; el episodio basado en “El gato negro” de Umheimliche Geschichten (1919), compendio de terror expresionista dirigido por Richard Oswald; etc. Aunque eso es ya otra historia... 13MU


Hollywood antiecológica

CINE

El cine, la ecología y sus mensajes En breve llegará a nuestras pantallas `2012´ la nueva película de catástrofes de Roland Emmerich, el director de Independence Day o Godzilla entre otras. Este director inició una tendencia con su penúltima película que no ha cesado desde entonces dentro de las superproducciones hollywoodienses por Pablo Marín de Mazcaray

MU14


El día de mañana´ fue la primera gran producción que avisaba explícitamente de los peligros del cambio climático sobre la tierra, y lo hacía al estilo Hollywood de las últimas décadas. Lo que diferencia a esta película del resto de producciones de catástrofes es lo directo del mensaje, estamos destruyendo el planeta, y la situación se volverá contra nosotros si no actuamos pronto. Este mensaje, que cada vez irrumpe con más fuerza en la sociedad, lo está haciendo también en los blockbusters estadounidenses. Hollywood se vanagloria de su conciencia cívica y del cambio de giro que han tomado sus superproducciones, donde se empieza a mirar el bien del conjunto de la sociedad. En parte tienen razón, hace unos años hubiera sido impensable una revisión del clásico de ciencia ficción Ultimátum a la Tierra de manera ecologista, más aún teniendo en cuenta la crítica feroz que se hace a la clase política con respecto a este tema. Hemos visto cómo Pixar nos ofrecía la maravillosa Wall-E, donde el mensaje traspasaba las fronteras de la ecología para meterse en la crítica encubierta a todo un sistema y a la sociedad que lo forma. Lo realmente curioso es que estas dos películas fueron financiadas por los estudios Fox y Disney, los más conservadores y retrógrados de los estudios estadounidenses. Pero Hollywood no es una ONG, y a pesar de sus cambios de tendencia y de mandar mensajes de conciencia social y preocupación por el medio ambiente, la pregunta que debemos hacernos es porqué ahora y no antes. Es cierto que la situación medioambiental es muy grave y que es algo que nos concierne a todos, ¿pero hasta que punto se han aprovechado de ello para sacar una mayor rentabilidad a sus producciones? Hoy la ecología vende y por tanto

un mensaje a favor del medio ambiente tiene una respuesta favorable entre el público, que además de salir pensativo de la sala, se queda sorprendido y agradecido de que una industria como Hollywood se preocupe también de los problemas de la sociedad. Podríamos decir que realmente se han

Estados Unidos reflejaba un dato chocante, Hollywood es la segunda industria más contaminante del país. Sólo por detrás de la del petróleo. Los grandes adalides ecologistas, esos gurús de la transmisión de mensajes a las masas son los primeros que incumplen lo que dicen en sus mensajes. Hollywood no es ecologista, Hollywood es una industria y si el ecologismo deja de vender, los grandes estudios dejarán de invertir en este tipo de mensajes. Pues si realmente se quiere hacer ecología se debe empezar por casa, por lo que no se ve. Y si realmente se quiere difundir ese mensaje, que los estudios financien y publiciten con mayor cantidad de dinero los proyectos explícitamente ecologistas como han podido ser Una verdad incómoda, Zeitgeist Addendum o la más reciente y apabullante Home, de Yann Arthus Bertrand, difundida y distribuida gratis a nivel mundial el pasado 5 de junio, día internacional de la ecología.

dado cuenta del problema y han reaccionado a tiempo, que es un ejemplo para las otras industrias, que son unos grandes seres humanos por preocuparse por el planeta. Pero cambiando el lado del prisma se puede pensar que sólo son unos industriales preocupados por hacer dinero y como el ecologismo vende se debe cambiar el sentido de las películas para poder hacer más dinero, el mensaje es lo que menos importa con tal de que sea rentable. Y ahora demos otra vuelta al prisma. Un estudio realizado en 2008 sobre las industrias más contaminantes de los

Mientras tanto conformémonos con que al menos el mensaje tiene más difusión, que se empiezan a tomar medidas (la Warner emplea energía solar en su fábrica de escenograf ías, Fox utiliza biodiesel en los generadores de la serie 24) y tomemos como mal menor la hipocresía de los estudios al financiar proyectos medioambientales a través de la compra de los conocidos como créditos del carbón para paliar la contaminación que producen. A este ritmo si realmente se empiezan a suceder grandes catástrofes planetarias será curioso ver a qué película se parecen. Quién sabe, quizá hasta consigan que nos suicidemos en masa, como proponía Shyamalan. 15MU


Dualidad

PINTURA

Miguel Condé: Obra sobre papel por Maria Lluïsa Borràs

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intor, dibujante y grabador figurativo mexicano (Pittsburgh, EE.UU., 1939), vive en España desde 1969, en Sitges y Madrid. Autodidacta a excepción de estudio s de anatomía con Stephen Rogers Peck en Nueva York y técnicas de grabado en el Atelier 17 de Stanley William Hayter en París. Becario de la Fundación Guggenheim para América Latina y del Gobierno Francés, Condé ha recibido varios premios internacionales y es miembro titular de la Societé des PeintresGraveurs Français. Su obra fue dada a

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conocer en España por Juana Mordó, en cuya legendaria galería expuso varias veces desde los años setenta. Su obra está representada en numerosos

básico de la pintura de Miguel Condé: sobre un fondo de color sordo. Frecuentemente fragmentado, sobresalen, como si fuera un collage, esos personajes perturbadores que se mueven en dos mundos contrapuestos: el mundo de lo racional aprendido en América y una mitología fabulosa de su herencia mexicana. Quizá en ello radica esa emoción extraña, indefinible pero profunda, que produce, en los seres dotados de sensibilidad, su auténtica, su simbólica, su ambivalente pintura.

museos y colecciones en Estados Unidos y Europa. La dualidad parece ser un aspecto

(Extracto de “El fabuloso mundo de Miguel Condé” un texto aún en elaboración de Maria Lluïsa Borràs)


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Jessie Evans

PORTADA

Is it fire?

What is so remarkable in Jessie Evans’ show, is the joy and the fierce life that pulsates in it. She is so alive, so vibrant, so GRAUUUEEE, like the ecstatic and empowering roar of a tiger. Her music, her show and she are like a kick in the belly, a Good Healthy Dense kick in the belly. It’s real!! And so FREE!!! por LAILA ESCARTíN HAMARINEN

A

lso another thing that I love about it, is how Jessie takes space when she dances and sings. She is not this cute boring meek mousy mouse that swings herself a little, discreetly, in this tiny space almost whispering ‘I am sorry’; no, she DAAAANCES and SIIINGS! And then, she is not imitating anyone. Jessie Evans is Jessie Evans. Yet, it’s nice to see, somehow hovering in the background, those who inspire her; you can see the transparent soul of Josephine Baker somewhere there winking behind Jessie as she does her thing, and also the Berlin pre-war cabaret scenario, and actually there is something grotesque –the beauty of the grotesque – in Jessie’s show which made me think of Georg Grosz’s paintings and drawings. Most exciting and inciting! L.E.H. -How and what was the path that lead you to the stage in Moby Dick, Madrid, and in general to doing what you do nowadays?

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J.E. -I’ve been playing in bands for the past 10 years, setting up my own concerts, making records, traveling the world. I started out playing saxophone in an all girl punk band called Subtonix, then formed The Vanishing, then did an electronic duo with Bettina Koster from Malaria! amongst other things. For the past 4 years I’ve been living in Berlin, where I met Toby Dammit, and have been working on getting my new music off the ground. I just finished my first solo record “Is it fire?“ which was recorded between Berlin and Mexico. For this we worked with Pepe Mogt from Nortec Collective, and Budgie from Siouxsie and the Creatures, Martin Wenk from Calexico, Namosh, etc. For this release I decided to start my own label, called Fantomette Records, and in the moment the record is available through mail order and at shows. L.E.H. - What is your background: musical education; theatre; dance; something else?

J.E. -I took music lessons beginning at age 4 with violin, then piano, drums, flute, played in the school marching band, and eventually picked up the Sax when I was about 16, but I wasn’t sure yet what my direction was going to be professionally. My teacher was telling me: “in 5 years you will be a great jazz player” and this didn’t really interest me because, as much as I loved jazz, I would rather make something new because I just saw it as a dead form. Why would you want to repeat something that was courageous and inventive at the beginning but has now become so complacent? Standards? What is that??? Like classical, and all great forms of music now seem so conservative because people have the tendency to just follow the forms without having a desire to break out of it. When I was younger I was into acting too and was in plays in school, but at a certain moment I decided I hated acting, that I wasn’t into imitating other people, it just didn’t feel good to


Jessie Evans by Billy und Hells

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Jessie Evans

me. At 15 I dropped out of high school and enrolled for a year at community college studying Jazz Improvisation and recording, and for awhile I thought I wanted to be a sound engineer, but it wasn’t until I was about 18, after traveling through Europe alone, squatting, and hitch hiking through Spain playing saxophone on the streets, that I finally realized I simply wanted to start a band and be a rock n’ roller. In all the years of “learning” music I felt that the one thing it didn’t teach me whatsoever was how to relate to people, how to build something musically together, how to communicate. So when I began playing with people I made a conscious decision that I didn’t care about being trained and that it was of no use to me anymore. L.E.H. –Childhood fascinates me, I think it’s the main responsible for the adults we are today (or we are supposed to be). Where did you grow up? How was your childhood? J.E. -I grew up in a very small town in Northern California, by the sea. My parents were hippies. I’m the oldest of six children, and from a young age we moved around a lot. We lived in treehouses, schoolbusses, ashrams, a schooner in the Atlantic Ocean and the back of a pickup truck made out of wood and stained glass where we traveled from coast to coast. My childhood was a bit like growing up in the wild. My favorite thing to do was to walk into the forest for hours until I was hopelessly lost, then try to make my way back the same day. Sometimes I would camp out with friends overnight in the swamp, we would eat raw noodles and drink CocaCola and ditch school. L.E.H. –I have a very strong interest in education. You tell us to you would ditch school… I find schools so lethal to creativity and intelligence, so boring, uninteresting and flattening… and television, main stream movies and computer culture are so vulgar too, just as schools, it seems kids’ brains are being flattened and sucked out by school, TV, movies, and computers, and ridiculous magazines (especially fashion mags). You said your parents were hippies, how was it to grow up in an atmospheMU20

re so unconventional and sort of free? J.E. -I feel really grateful for the way my parents raised me. My mother was pretty much the best I could ever ask for. She was really caring and listened to me like I was a human being. It wasn’t like she left me alone cos she wasn’t paying attention or doing her job. I was just really independent from a young age, I was an explorer and I wasn’t afraid to be alone. I remember when I got the chicken pox when I was about 7 years old. I wasn’t allowed to go to school for 2 weeks and was sort of quarenteened away from everybody else. I was so happy! I was drawing pictures in my room and really creative the whole time. I really didn’t like school. I don’t really remember learning that much! In 5th grade my teacher was really into music and we would sing all day long and that was neat, but in general, I found it really depressing being around the other kids in school. I just didn’t fit in with them, they seemed stupid and vulgar (like you say!!) and they made ME feel like a freak. Of course I had friends there, but I just don’t think it was a very nurturing environment at all. In retrospective, the only things I think I really retained (that I still use) from my entire experience in elementary, Jr. and high school was: learning to type on a computer keyboard! As far as the rest, I think it gave me a pretty ugly outlook on humanity. As far as “socializing “ me for “the world”, to be honest “the world” outside of my hometown turned out to be filled with much more interesting things than what I was exposed to there. I suppose that’s why I was so eager to drop out of school and get on with my life. It was in the 6th grade that I started to get really fed up with the experience. I felt pretty tortured in Jr. High School. I just didn’t fit in and I had people vandalizing my locker, because I was kind of punk or goth, I was just different. At a certain moment, I just realized I didn’t have to be there, that the rules were meant to be broken if you didn’t get along with them. So I would go to school in the morning, then around noon, just walk out after the first break. I would walk down into town and go

to the beach. Sometimes the principal would follow me around in his fancy car, yelling out the window that he was gonna call my parents. Well, I don’t think he did, and then on the weekends I would see him really high on coke at some party, so that never amounted to anything! But it was the freedom in doing this that made me realize I could live my own life and didn’t have to fit in with this imposed structure of school. I think school teaches kids how to be part of a group, how to be a sheep in a way. It doesn’t encourage artistic minds, or individuality. It is just socializing people to live inside the lines and to follow the rules. So why would you want to fit in with that??? This kind of behavior I’ve noticed my whole life. People repeat it once they get in the work force. They form communities based on whoever happens to be around, and they do things together. Whether it be homework or going to bars, it’s the same. It’s not based on mutual interest or pushing any kind of boundaries, it’s just this weird group mentality of sticking in a herd. It really bothers me. In retrospect, I think my parents helped me a lot by just accepting who I was and letting me be myself. They never told me what I should think; they nurtured what was there. So I never questioned the essence of what was in my heart, I just knew it was all right. L.E.H. –I wish more people thought like you do, we’d have a more exciting world. Would you like to have a kid? J.E. -Yes! I really think I would. Not right now though, but maybe in 5 + years. I don’t want to change what I do and start some different kind of life, so I think if I have a child, they will find me because they want to be part of my lifestyle, they want to be on the road. I’ve actually already had conversations with my future kid, who was knocking on the door a while back, trying to crash on in! I told him (or her??) to bug off, that I wasn’t ready!! But I think they really want to be part of my scene, so we’ll see! L.E.H. –That’s so funny! It’s a nice


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thought, though, that our kids want were girls who almost died of anorexia! to come to us, and they come knocIt’s from the media that they get these king at our door… sometimes it’s good ideas that they want to change their if they’re too early… you never know. bodies! It’s a strange time. I do think we I just think your background is very are living in one of these sci-fi visions interesting and anyways, you clearly of the future. We are already living in are a person with well functioning brains instead of a computer ha haa! like so many of our contemporaries, so I find your opinions very interesting. Actually, I am horrified by the new generations, kids my daughter’s age... the y do have computers for brains, it is so scary!!! This 13 year-old girl told me she ne ver reads because she doesn´t understand what she reads, and she gets bored. She is only interested in make-up, clothes, models, and chatting in the Internet. She is like most of the kids in her class and in other schools, and in my opinion she is brain dead, poor kid, completely ignorant, and uninterested in most things; no enthusiasm for almost anything. Maybe all these Jessie Evans by Billy und Hells new people will vegetate in their technical computerithat time. zed lives... Brrr, gives me the chills! All the brainwash is so heavy that even J.E. -Kids are growing up in such a when you look out of it, and see other different way now. There is a lot of prespeople wrapped up in it, you just sort sure from the media to fit in. I know a of accept it as fact, without questioning few very young women who have boob it, without wondering if we are really jobs already!! And in my school there going down the tubes as a humanity.

But in a way, I believe that ‘big brother” and all the possible horrors of the system against man are also an invention of the mind. We don’t have to buy into that kind of belief. It can exist, and does exist on certain planes, but it’s not necessarily something I want to put my energy into. There is too much beauty and wonder out there and the possibility for making the world a better place. I would rather focus on that. That’s why I’m not really into politics or reading the news. I know it’s very American to say that, as Americans are so often completely apathetic and uneducated about what’s going on in the world, but I do feel like the news is always focusing on the grossest, most inhumane aspects of life. You have two sections in the news, you have politics/ war, (rich white men, who control things through money and power and weapons) and you have entertainment (dumb actresses with their plastic surger y and drug addictions, who they’re going out with). It’s really become so gross. L.E.H. –To get back to education and social pressure… I am reading this book called: ‘Reviving Ophelia. Saving the selves of adolescent girls’, written by Mary Pipher PhD in psychology (everybody should read this book). It’s 21MU


Jessie Evans

pretty horrid what she writes about... fascinating and terrifying... becoming a woman in this patriarchal misogynist society is not easy... brrr, poor girls, they are an endangered species really, and nobody seems to care, or realize it! Diderot wrote to some female friend ‘You all die at 15’, and that was 200 years ago! J.E. -Adolescence was the worst time of my life. Age 10-14 I felt like I was in hell. There are not rites of passage in our modern societies. There is no way to know how to cope with this transition, or even know what is going on. Women are the creators; they nurture all life. Essentially, adolescence is that transition, literally, into becoming a creator. Although it’s a physical thing, it’s psychological too and I wish we could return to some ways to acknowledge and celebrate this. L.E.H. -Can you remember the first moment when you felt love and passion towards music and/or the performing arts? J.E. -I think it was just always around and just immensely emotional and important to me. I remember clearly the first time I realized that a person could sing a song which they did not write, I think I was about 4 and it just devastated me, the idea that somebody was singing words and telling a story which was not their own, like it didn’t matter or wasn’t real. I didn’t understand it and I ran into the woods and cried for hours and hours! I grew up listening to reggae, jazz, 70’s rock n roll. My mom was a drummer and loves bands like Cream. My dad was more into classical and blues. So I sort of just listened to what was around. When I was about 8 years old I discovered Cindy Lauper’s “She’s so unusual” which was the first album I bought for myself. I was simply smitten with her, dressing up like her with short mini skirts and lots of purple eye shadow, and I remember the principal of the school taking me into his office and asking me why I was wearing so much makeup. I also remember around this time seeing Joan Jett on MTV singing “I love rock n roll” and thinking how tough she was. There was a booth at the flea market MU22

where I used to get bootleg tapes, I was really into all the trash pop music of the early 90’s Paula Abdul, Milli Vanilli, Prince’s “Purple Rain”. When I was about 12 my cousin was living with us, and she was older and turned me onto Tom Waits, Leonard Cohen, Siouxsie and The Banshees. So I started getting into 80s music. Blondie, The Selector, and The Specials were some of my first loves, and The Selector was one of the first concerts I really dug. I saw them a few times when I was 14. Later I got heavily into Be Bop Jazz, and discovered the punk rock scene, reading every book I could on it, and listening to lots of bands from the late 70’s: X ray Spex, The Slits, Roxy Music, etc. but the punk scene in America had already turned into this crusty hardcore thing, and it seemed all about how gross you were and how huge your record collection was, so I never really fit into that. It wasn’t till I moved to San Francisco when I was 18 and started playing in bands that I felt like I was finally part of a community and creating something on my own terms. L.E.H. -Can you see substantial differences between Europe and the USA artwise? J.E. -I moved to Europe after my first tour here, because I saw that I could get by as a musician playing shows in the underground and make a living. I had been hustling my whole life working in restaurants and bars, junkyards, and so many ridiculous jobs, because I hadn’t broke through into any kind of mainstream audience and it was impossible in America to make a living as a musician. Europeans still respect music and art as a valuable part of society. Berlin welcomed me with open arms when I arrived. L.E.H. -What are your inspirations? What musicians? Dancers? Actors? Painters? Flowers? Rocks? ...? J.E. -Lately I’ve been reading about Toulouse-Lautrec. I love how he shows the juxtaposition between glamour and repulsion, the dark side of the performer, without the makeup, the overbearing, overindulgent side and the lust for this. I wrote a song that I want to dedicate to La Goulue, the girl

who invented the Can Can, because she was the toast of Paris, but died on the streets, an alcoholic, and alone. What a sad story but many dancers have unfortunately had a similar fate. I think the celebrity has become like a modern manifestation of the human desire to sacrifice, to put someone on a pedestal then tear them down –like Michael Jackson! I’ve been studying Mayan culture and it was really much simpler then –(also in Roman society) – you rip somebody’s heart out, in cold blood, as a sacrifice to the sun and to ensure that life continues! Or you put two people together in a ring and let them fight till the death. The most brutal wins. Now its much more psychological, but I’m not sure what is better. When I first got into photography I was inspired by Cyndi Sherman, how she uses herself as a canvas, especially in the series, “Untitled Film Stills”, how she shoots herself playing different roles. The message is so simple “I can be any of these women –the bitch, the whore, the secretary, the mother.” I also was inspired by Nan Golden, the idea that the snapshot is art and that any persons life is worth being shown. Anaïs Nin, with her compassion and insight into human relationships, and knowledge of love and how she bared all. Jack Keroac, Fritz Lang’s “Metropolis”, Maya Deren’s “Divine Horseman”, Ginger Baker’s mecca to Africa to play with Fela and Tony Allen, and the dancing of The Sweet Things. Rita Hayworth, Astaire and Rogers, Mae West, Esther Williams and the divine cinematography of “Bathing Beauty”, the sensuality of Guy Bourdin, Tijuana’s Sound Machine, Warrior Queen, Yma Sumac, Sun Ra and his Arkestra, Man Ray, German Expressionists, The Brucke and their beautiful images of Germans bathing in the sun and lakes! Alton Ellis, Astrid Hadad, Kenneth Anger, Nona Hendryx, Lydia Lunch, James White, Grace Jones, The Extra Action Marching Band!! As for rocks, I love them all, especially green ones or ones like a globe with lines like Saturn spinning around their center like a belt. If I go to the beach I will take home as many as I can carry.


Jessie & Toby Dammit by Billy und Hells

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Jessie Evans

L.E.H. –Yeah, stones and rocks are tric, put in a box. Now it seems like art wonderful. Could you say you have a and music have become so marginalimaster/mistress from whom you’ve zed. The concept of entertainment has learned a lot? really devolved. Not only has the quaJ.E. -Josephine Baker has been a big lity gone down, but people are content inspiration. She was incredibly free to be spectators, looking in on things and had something nobody has posfrom the outside, without having a role sessed since, really one of the most in the process. I never understood club underrated dancers. She had such a great sense of humor and literally danced her way out of poverty, from growing up as a poor black girl St. Louis, America, in a very segregated time, to becoming one of the most celebrated stars in Paris. It’s amazing to see the pure power and determination of one soul. It was a also great pleasure to visit Dali’s house last year also, and a similar feeling, to see the power of a human being in one life, to transcend the every day horror that life can be, to create and surround oneself with beauty, and to live like a god. L.E.H. -What do you feel is the Zeitgeist (l’air du temps)? Could you describe it? J.E. -I’ve been thinking about this a lot lately after visiting some of the ancient capitals of Mesoamerica last month. We went to Palenque, Monte Albon & Teotihuacan. The thing that struck me the most when visiting these sites was how Jessie Evans by Jeanne St. Julien the people were living amidst the gods. God was not an idea culture, though it seems that the preconfined to a far off point of past or mise is connecting with each other, future tense, but entities or even people people are content to get fucked up that walked amongst them in every on drugs and be in their own world. day life. You can see that every part of 50 + years ago performers were skilled their architecture was art; that art was in every medium –singing, dancing, something deeply intertwined with life, acting – now it seems like so much of and not something separate from it, as what is out there belongs in a Pepsi it feels often today, something eccenadd. I don’t get it. But maybe people MU24

have become retarded from so much Internet. Computers have already started replacing their brains. It seems like everybody is spending all this energy cultivating these artificial communities online, everything has become public, and everyone is grasping at the chance to be seen, but not for doing anything imp or t ant . Mo der n technology has given every person the opportunity to be a creator, but not everybody has the guts to create something visionary, so there is just way too much out there right now. There is also too much information available and too many people talking about things instead of doing things, too much importance placed on the critic …all these BLOGS, I think it’s really boring. Where is the passion? Where is the mischief? What happened to dancing in the streets??! I’m reading a book right now on the history of Collective Joy by Barbara Ehrenreich and it mentions the possibility that dance was initiated by tribes moving together as a defense against danger. When the y moved together they formed a bigger mass, which appeared stronger than one person. I think people in Western Civilization have really lost that connection to each other and its something I feel deeply indebted to search for and recover when I perform. The stage is basically just a platform to call out to everybody and see if they’re awake, maybe we can make something happen. Think about the power the armies of the world have to demolish and destroy life, what would happen if we could form communities like that that were based on celebration and


reinventing our rites? On the other hand, I have a positive example of technology: my youngest brother is really smart, and he is an example of somebody who I think is really benefiting from technology. He’s 14 and has been playing drums since he was 4, he makes all his own music, with keyboards, singing, guitar, machines, drumming. He has like 4 myspace pages with his songs up there, and even one which is a recording studio called “upstairs room” His dad is a filmmaker so he’s also gotten really into making movies and photography. He has like 50 short films he’s made posted on youtube! I think the Internet has been really amazing for him, because he’s able to discover so much and really explore and educate himself about the art and music he’s interested in. This was never an option when I was a kid. It was so hard to find out about anything growing up in a small town! He’s also growing up in a small town but he has the world at his fingertips! I think for an open mind, it can really be an amazing tool! You have the library of the world right there. You also have all the junk, but if you’re not interested in junk, you can swim through it to find cool stuff. L.E.H. -What do you see when you look into the future? J.E. -Ultimately I want to travel the world performing until I die. Aside from that I want to live next to the ocean, move to a Spanish speaking country, either Mexico or Spain or South America, get a brass/ horn section and more rhythm into my live show, collaborate with all my heroes who are still living, see everything I can! ! L.E.H. -Do you like the past? J.E. -Yea. I can be very nostalgic and have collected and saved an immense amount of recordings, photographs, and writing throughout my life. I know that history is just made up of what we decide is important enough to preserve and I have always really enjoyed reading the diaries and biographies of people, regardless of what type of life they led. L.E.H. -Tell us something about Toby, and your work process together. J.E. -I write and arrange the songs at home with drum machines, synths, and saxophones. Then Toby adds live drums and percussion, sometimes replacing the machines, or other times playing against them to create multiple rhythms. I think what’s unique about what we do is the combination of electronics with organic sounds, and how the stuff is very improvisational. He helped me a great deal with the album by recording all my vocals, which we did in hotel rooms around Mexico and in laundry rooms, and on rooftops, and also arranged a vocal choir and some trumpet and sax for a couple of the songs. He is an incredible drummer, and we get along very good and enjoy the same things so it’s great working together. L.E.H. -If there is anything else you would like to mention that I have not asked about, please feel free to say it. J.E. -I really love playing in Spain and I hope to be there a lot more often from now on!!

HyperSounds/ Sonidos contemporáneos

13 y 14/Noviembre/2009 www.hypersounds.es

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Edificio Nouvel. Plaza del Emperador Carlos V, s/n. Madrid. De 20 a 1h. www.museoreinasofia.es

Lives/ Umfeld Speedy J + Scott Pagano/ Shit & Shine/ Various Production/ Tender Forever/ Dj’s/ Rustie/ Mary Anne Hobbs/ HD Substance/ Rec Overflow/ Svreca/ Annie Hall/

Instalaciones/ Edwin Van der Heide presenta: Laser Sound Performance/ Spatial Sounds/ Documental/ Amplified Gesture/ producido por David Sylvian

Ponencias/ Medialab Prado/ Reactable/

Entrada gratuita hasta completar aforo. Reserva de plazas para los conciertos del Auditorio (Umfeld, Shit & Shine, Various Production y Tender Forever) a través de la web: www.museoreinasofia.es

Patrocinador

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Keka Raffo

ARTE

Pintando sin pinceles ni pintura La artista chilena Keka Raffo ha desarrollado una técnica pictórica sorprendente en la que el papel sustituye el uso de la pintura y el pincel y el resultado visual sigue siendo muy similar al de la pintura, y que la artista denomina papirosaicos por Lucía Pérez

[

…] Keka Raffo asombra por su sentido del color, por la perspectiva, con un técnica de puzzle que, como tal, es, sin asomo de exageración, simplemente sublime: por su grandeza y sencillez admirables. Altera el papel como materia, lo desmenuza, lo acopla, lo armoniza (para concurrir a un mismo fin) y consigue la alborada de un arte. Y es un arte a un abismo de lo urgente; trabajosamente hecho. Enamoradamente trabajado. Enamoradamente arte.’ Joaquín Bardavio, escritor. ‘Aparcada la Técnica de los acrílicos, esta chilena de alma italiana y sentir MU26

andaluz, probó con sumo acierto una nueva forma de hacer arte. Sus papirosaicos van camino de configurar un nuevo estilo pictórico del cual aflorarán, muy probablemente, si no discípulo, al menos imitadores.’ J. Sesmero Chamorro, crítico de arte. ‘[…] confieso que algo tan estudiado como el collage o una técnica de puzzle me dejan asombrado, más aún, cuando se va mirando y admirando las maneras de esta pintora de la pura imaginación, del más puro estilo y sensibilidad para entonar sus composiciones y llegar al logro definitivo de los distintos matices de la luz, del color, de las sombras,

y todo ello... ¡sin colores, sin pinceles, sin ninguna de las materias conocidas! Hay que tener mucho arte en la sangre y por las venas para plantearse ¡pintar! con una serie de papeles y conseguir efectos tan sorprendentes, tan perfectos, porque todavía el sistema se presta a mayor o menor habilidad, pero en este caso Keka Raffo la perfección, la belleza, el arte y el logro son definitivos. Deben contemplarse sus obras muy reposadamente.’ Juan Lara Izquierdo, pintor Podremos ver creaciones de la artista en Madrid prontamente en la Galería Éboli.


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Do単a Tere, 115 x 92 cm.

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Un ojo crítico

FOTOGRAF’IA

“Darts of Pleasure, 1984 - 2009”

La primera exposición retrospectiva en España del prestigioso artista holandés Erwin Olaf (1959 Hilversum, Holanda) por Lucas Olvido

C

lásico, contemporáneo, fantástico, barroco, ácido, irónico, tansgresor… muchos adjetivos se podrían conceder a este genial artista aunque lo más importante es que las imágenes creadas por Erwin Olaf no dejan indiferente a nadie. Sus impactantes fotograf ías funcionan como dispositivos de reflexión en torno a la identidad, la moda, el consumismo, o las utopías pero al mismo tiempo han renovado de un modo efectivo la iconograf ía publicitaria. MU28

En 1999 sus fotograf ías para la campaña mundial de vaqueros Diesel, ganó el codiciado León de Plata en el reconocido Festival de Publicidad de Cannes. Dos años después fue galardonado con el mismo premio gracias a una imágenes producidas para Heineken. Entre muchos otros, en 2006 le fue concedido el Premio de Fotógrafo del Año en The International Color Awards, y en 2007 la revista Kunstbeeld le declaró mejor artista Holandés. Recientemente recibió también el Premio “Lucie” por

la totalidad de su carrera. Sus principios fueron en blanco y negro introduciéndose posteriormente de forma gradual en el color y a continuación en la manipulación digital de la que se ha convertido en uno de sus más consumados maestros. Su alumbramiento al panorama internacional de la fotograf ía ocurrió en 1988 a raíz de su serie “Chessmen” por la que fue galardonado con el Primer premio en la “Young European Photographer Competition”.


Fall portrait: Felix

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Un ojo crĂ­tico

The Icecream Parlor

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Sissi

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Un ojo crítico

Hope

La exposición, que ocupará la totalidad de la planta baja del DA2 de Salamanca (1800 m2) reúne cerca de doscientas obras correspondientes a las diferentes series fotográficas, videoinstalaciones, películas y trabajos de publicidad realizados por este gran creador entre 1984 y 2009

Entre sus series hay un gran contraste, en “Mature” de 1999, retrata a señoras de edad avanzada en poses de supermodelos; en “Fashion Victims” de 2000 hace una crítica sobre el consumismo y las grandes firmas de moda; en “Royal Blood” de 2000 muestra unos retratos minimalistas con miembros de la realeza que han sufrido muertes desagradables, en actitud vengativa; en “Paraiso” de 2001 hace una representación de un mundo oscuro y barroco de payasos lunáticos; y en “Separación” de 2003 retrata familias introvertidas en salones gélidos y estériles que nos hablan del fracaso del sueño americano. En sus últimas cuatro series, “Lluvia”, “Esperanza”, El Duelo” y “El Otoño”, Erwin Olaf vuelve a sus orígenes clásicos con una mínima intervención de retoque fotográfico. El vídeo y el cine le ofrecen nuevas posibilidades artísticas para explorar, y su primera película “Tadzio” de 1991, co-dirigida con el pintor F.Franciscus fue pronto continuada por películas MU32

de comics para niños en televisión, cortometrajes, videoclips y encargos para el Dutch National Ballet. Recientemente Olaf ha creado un trabajo autónomo de video bajo el título “Separación, lluvia y duelo” con los modelos que también utiliza para sus series fotográficas. En las películas desempeña un carácter diferente, como si sus imágenes en movimiento fueran historias paralelas a sus series fotográficas. Estos cortometrajes han sido seleccionados para festivales por todo el mundo. Ha realizado campañas publicitarias inolvidables para marcas como Microsoft, Nokia, Heineken, BMW, Virgin, Diesel, Levi’s, Audi, Nintendo o Lavazza, así como numerosos trabajos para el mundo de la moda y el año pasado fue el responsable de la imagen oficial de los jugadores de la selección holandesa a los que retrato en poses épicas parecidas a las de los héroes de la película 300 causando una gran polémica.


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Más allá

PINTURA

Holy Destruction Un manifiesto y una declaración de guerra y amor Por Javier Martín

Dawn Mellor (Inglaterra)

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oly Destruction representa un tour mundial de una creación y proyectos pictóricos en la escena parisina de arte, de una generación nueva de artistas, la mayoría de ellos nacidos en los 70 y mujeres. El conjunto impone el reconocimiento a la MU34

naturaleza radical de su expresión, a través de la inusual intensidad tonal y a su brío barroco. Las obras presentadas hablan el mismo idioma, expresan la misma energía, reafirman el mismo deseo de atacar la materia pictórica sin a priori ni prejuicios.

El título Holy Destruction afirma fuerte y claro sus intenciones. Completamente libre de los a priori, estos jóvenes artistas se comparan con los grandes maestros. Se enfrentarán a Picasso, especialmente en sus últimos años, llenos de inventiva y capacidad


Fred Kleimberg (Francia)

English English version version P66 P63

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Más allá

de digerir toda la nueva investigación de un Pollock o un Rauschenberg. Admiran y reclaman la paternidad de un Soutine, afirman que la pintura es “cosa mentale”, la reunión –por fin – del cuerpo y la mente. Se mofan de las posiciones que enfrentan a los artistas conceptuales y a los otros, y con ironía cáustica, se deshacen de todos los acaCristina Lama (España)

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demicismos. Los artistas participantes son: André Butzer (Alemania), Kim Dorland (Canadá), Armen Eloyan (Armenia), Stefanie Gutheil (Alemania), Nicolaï Huch,( Alemania), Marcel Huppauff, (Alemania), Fred Kleinberg (Francia), Cristina Lama (España), Bjarne Melgaard (Australia), Dawn

Mellor (Inglaterra), Jonathan Meese (Alemania), Orlando Mostyn-Owen (Inglaterra), Humberto Poblete Bustamante (Chile), Eva Rader, (Alemania), Emmanuelle Renard (Francia), Raphaëlle Ricol (Francia), Jo Robertson, (Inglaterra), Allison Schulnik (EE.UU.), Lucy Stein (Inglaterra), Wu Xiaohai (China)


Smash

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Pierre Riollet

PINTURA

Ciudad a Contraluz Pierre Riollet (Paris 1963) diplomado en 1983 por la Escuela de Arte Auguste Renoir de Paris. En 2003, después de 20 años como director artístico en las más grandes agencias de publicidad, decide dedicarse en exclusiva a la pintura Por JOSÉ BUENO

L

a obra del ilustrador Norman Rockwell le conduce a interesarse por el realismo americano en especial por los trabajos de Hopper y de Cuttingham que le han marcado muy particularmente.

tema. Ciudad a contraluz se consagra a los túneles, a su luz, a los claro-oscuros y los contrastes, hilo conductor de su inspiración.

Después de una larga estancia en Estados Unidos, en 1987 comienza su trabajo sobre las fachadas americanas más particularmente sobre las sombras proyectadas. En 1989, realiza su primera exposición sobre este

En su trabajo emplea lienzos de grandes dimensiones para captar instantes de la vida, de una rutina diaria y que proyectan la duda sobre el espectador, No puede evitar preguntarse qué esta sucediendo en cada

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una de las piezas del artista. Más allá de la simbología del túnel, son sus grafismos y su efecto estético lo que le interesan en profundidad sobre este tema. Se cual sea el tema, el encuadre magnifica la luz, su límite está a su servicio. Le fascina esta provocación impuesta por un encuadre sombrío que dirige la mirada hacia una apertura deslumbradora y abstracta, dejando al imaginario completamente libre de dirigirse a la apertura y de adentrarse en ella.


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Plage Ă“leo sobre lienzo 140 X 140 cm.

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Pierre Riollet

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Virage de l’espoir Óleo sobre lienzo 162 X 97 cm. 41MU


Alejandra Alarcón

ARTE

Fagia La Galeria Sicart expone por primera vez en España la obra de Alejandra Alarcón, (Cochabamba, Bolivia, 1976). Bajo el título de “Fagia”, se mostraran imágenes de la serie “Caperucita la más Roja”, “El Olor del Clan” y “Cindirella Ending”. Aunque trabaja en varios medios (vídeo, objeto intervenido, dibujo, fotografía e instalación), en esta exposición se podrán ver acuarelas y vídeos Por Lucía Pérez

E

l tema de la identidad femenina/masculina, ha sido un tema recurrente en toda mi producción. No solamente me interesan las relaciones que se dan entre ambos sexos, sino también la identidad femenina en lo corporal, el género, la relación con lo materno, la pareja, la sexualidad, la familia, el estigma de pertenencia, lo animal, lo humano, lo femenino ctónico (1), lo dionisiaco, lo apolíneo, el clan. El trabajo que realicé los dos últimos años toca estos temas desde una iconograf ía precisa, la de los cuentos infantiles, como Caperucita Roja, Barba Azul, Cenicienta, La princesa y el sapo, Blanca Nieves y Rapunzel. ”. MU42

En esta propuesta plástica Alejandra Alarcón, recicla los roles asignados de los cuentos infantiles, relativizando los roles de victima y victimario. Reinterpreta y pone en duda, desvela y desenmascara, los valores morales que estas historias tratan de impugnar como verdades universales. Las diferentes series exploran en variadas direcciones la posibilidad de encontrarnos con los deseos reprimidos de las niñas/mujeres, con el poder que soterradamente se va mostrando al invertir, distorsionar, mezclar, yuxtaponer y recomponer la imagen femenina que es planteada en los cuentos y emulada en lo cotidiano inadvertidamente.

Esta serie de trabajos nos pone frente a la reelaboración no sólo del cuento, y del mito subyacente en el cuento, sino que nos cuenta su propia versión del imaginario perverso y prohibido, que ya contiene en germen esta narración, que deja de ser infantil e ingenua, para convertirse en algo ambiguo, perverso, seductor, jocoso, y no por eso menos inquietante. Fagia: devorar para adquirir el poder del devorado, relación de amor-destrucción en la que el deseo de unirse se convierte en la destrucción de una de las partes. Fagia, como acto creador de devorar para sacar el ser del otro de otra manera.


Acuarela sobre papel, 2009. 35,50 x 51cm

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Alejandra Alarc贸n

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Acuarela sobre papel, 2009. 28 x 37cm

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Nuevas tecnologías

innovación

Mater in progress ‘Mater in progress’ trae a Madrid los últimos avances fruto de la innovación y las nuevas tecnologías que está desarrollando empresas españolas por Lenny Waker

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l Ministerio de Vivienda y el FAD organizan una exposición con 100 proyectos y productos desarrollados en España a partir de materiales innovadores. Se pueden ver y tocar materiales que nos hacen invisibles, viviendas prefabricadas sostenibles, un ordenador portátil biodegradable o tejidos de fibra de papel que protegen de las radiaciones nocivas Existe una cerámica para fachadas que absorbe los óxidos de nitrógeno que MU46

produce la ciudad y que en una especie de fotosíntesis transforma en nitrógeno inocuo para el medio ambiente. Existe un ordenador portátil con placas fotovoltaicas para cargarse mientras se utiliza y con carcasa biodegradable hecha de patata para ser absorbida por la tierra. Existe un hormigón elaborado a partir de los residuos contaminantes como lodos, cenizas o polvo de acería que generan ciertas industrias. Existe un chubasquero hecho de patata que al tirarse a la tierra no sólo se destru-

ye por ser biodegradable, sino que hará nacer con el tiempo una encina porque lleva una semilla incorporada. Todos estos productos y proyectos, existen, se fabrican, se comercializan o lo harán en breve. Y todos ellos, hasta sumar 100, pueden verse e incluso tocarse desde mañana y hasta el 15 de noviembre en la sala Arquería de Nuevos Ministerios en la exposición Mater in progress. Nuevos materiales, nueva industria, que nos acerca a los últimos


avances que empresas españolas están desarrollando a partir de materiales novedosos en sectores como la construcción y la vivienda, la energía, la alimentación y los transportes. La exposición, que se inaugura hoy, está organizada por el Ministerio de Vivienda y el Centro de Materiales del FAD (Fomento de las Artes y del Diseño); y cuenta con la colaboración de los ministerios de Industria, Comercio y Turismo y de Ciencia e Innovación. Los productos y proyectos que se pueden ver en Madrid van desde viviendas

prefabricadas sostenibles, una viga tan ligera que puede ser levantada por un niño o un tejido hecho con fibras de papel que tiene las misma capacidad que la lana del yak para proteger contra las radiaciones nocivas, hasta un quitamiedos flexible que reduce la siniestralidad en los accidentes de moto y unas boyas marinas que aprovechan la energía de las olas y son capaces de generar electricidad para abastecer a 2.500 hogares. El conjunto se agrupa por sectores económicos: construcción, transporte, biotecnología, energía, sector textil,

farmacéutico y agroalimentario. Los materiales sirven así para acercarse a algunos de los sectores con mayor peso en la economía española y a la labor de innovación y aplicación de nuevas tecnologías que éstos están llevando a cabo. La sala Arquería (Paseo de la Castellana, 67) permanece abierta de martes a sábado (de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00 horas) y los domingos y festivos (de 10.00 a 14.00 horas). La entrada es gratuita.

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Nuevas tecnologĂ­as

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Creador interdisciplinar y vehículo de unión entre la experimentación y el pop, Brian Eno representa una creación abierta y personal. Entre el estudio de grabación planteado como instrumento o la producción de Oráculo de la Medina global

BRIAN ENO-DAVID BYRNE My life in the bush of ghost

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l carácter visionario de esta obra, cuyo título se extrae del libro homónimo de Amos Tutuola, reside en su capacidad aglutinadora. Grabación posterior al Low de David Bowie, fruto de una dilatada labor de producción en estudios de San Francisco y Nueva York, entre 1979 y 1980, y publicada finalmente en 1981, My Life in the bush of Ghost debe entenderse como la culminación de un largo proceso de creación en el que la experimentación se vinculó de otra manera al rock (David Byrne, Talking Heads o Tom Tom Club ya se hacían con la escena neoyorquina; participan aquí Bill Laswell en el bajo y Robert Fripp en los arreglos), cuestión que venía gestándose a lo largo de toda la década de los 70 y que se implantaría en los 80 en tratamientos de electrónica analógica. Gracias a grabaciones de campo y radiofónicas, en este disco, además, se introduce el elemento técnico de la cinta o tapes que Eno ya había ido aplicando en sus trabajos con Roxy Music o en propios como Another green world (75) y Discret music (75). Esas grabaciones de voces (perfectamente detalladas en su autoría en el libreto) sirven de mensaje principal (repetido, entrecortado, secuenciado) al discurso que se sostiene en un grupo instrumental polivalente, cuya funcionalidad (en estudio, jamás llevada al directo) y a la postre el sonido que produce en conjunto, hace olvidar a todas las formaciones de su época. Entre bajos, guitarras y sintetizadores (la base usada por el tándem Eno/Byrne) figura una nutrida sección de percusiones (muchas marroquíes) que no sirve al exotismo sino de la que también emana, al igual que de teclados y bajos que se retuercen en rasgos ará-

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bigos, ondulantes y misteriosos, el concepto de fusión viajera vehiculado por la tecnología occidental. Ese mensaje a la vez ancestral e iluminado contrapone, con la justa intención de representar el peligro de los fanatismos religiosos, cánticos religiosos y sermones del Sur de los Estados Unidos (el predicador evangelista en Come with us; el reverendo Paul Morton en Help me somebody) como de imanes o cantantes musulmanes del Líbano (Dunya Yusin, acaso la voz que más vivamente se ha instalado en la memoria de este disco en Regiment), Argelia (el colectivo religioso en Qu`ran) y Egipto (la cantante popular Samira Tewfik en A secret life). Ya casi hacia el final, en Mountain of leedles, el vigor instrumental, a veces crispado por la voces que anuncian la Salvación y la acumulación de fuentes, se relaja, se hace más espaciado y reflexivo, acercándose a los planteamientos que Brian Eno ya barajaba en sus piezas ambientales (las Ambient Series, entre 1978 y 1982, entre Music for Airports y On land). Colaboraron como productor y líder en Talking Heads y luego sus carreras se separaron. En 2008 Eno y Byrne, en conmemoración del 30 aniversario de este trabajo al que las presiones integristas acabaron sesgando uno de sus cortes en su reedición dos años antes, se volvieron a encontrar en Everything that happens will happen today, disco –enfocado hacia la canción folk espacial – que carece de la fuerza expresiva y del valor de avance de esta obra maestra cuya escucha sigue sorprendiendo por su frescura y vigencia.

Brian Eno

Brian Eno / Jon Hassle

Brian Eno / David Byrne

Brian Eno / Jon Hassell

Jon Hassell


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estrellas del rock, el arte visual y la filosofía, están sus numerosos duetos. Ofrecemos estos dos junto a David Byrne y Jon Hassell por Jesús Gonzalo Hassell y Eno

JON HASSELL-BRIAN ENO Fourth World I, Possible Musics - Power Spot

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esde sus inicios, la carrera de este influyente compositor y trompetista norteamericano, coetánea de la de Brian Eno, ha ido dejando un rasgo de modernidad inquebrantable. Ligado ya en los 60 a las vanguardias en electrónica europeas (fue alumno de Stockhausen) y americanas de Terry Riley (estudioso, como él, de la música de la India junto a Pandit Pran Nath) y de Robert Ashley (debutó a mediados de los 70 en el sello de éste, Lovely Records, con Vernal Equinox), conducido por un instrumento de larga tradición en el jazz (Miles Davis como arquetipo de un sonido penetrante y envolvente inducido por la electrónica, legado más evidente en Fascinoma), atraído por los ritmos étnicos (con el grupo guineano Farafina grabó el fundamental Flash of the spirit y junto a Naná Vasconcelos Earthquake Island) e inmerso en la creación del ambient seminal de Brian Eno (su amistad continua hasta hoy, es padrino de una de sus hijas), Hassell elaboró con este último un estilo que unía tiempo y melodías orientales, improvisación y tecnología y que dio en llamar Fourth World. Su primera obra maestra junto a Eno fue Posible Musics, también recogida como el volumen primero de la serie Fourth World y seguida de Dream Theory in Malaya, ambos trabajos sucesores de la ambient serie de Eno y antecedentes de las bellas y frondosas piezas atmosféricas incluidas en The surgeon of the nightsky restores dead things by the power of sound. Dos décadas más tarde, Hassell reuniría en Maarifa Street una formula claramente revisionista de los principios fun-

dacionales de Fourth World en la que nos ofrecía su música (compleja en la creación de ambientes más conseguidos en un espacio cerrado como el estudio de grabación) en pleno directo (conciertos en París, Milán y Los Ángeles). El resultado materializado en Maarifa Street Magic Realism2 (2005) es impecable, habida cuenta de la complejidad de matices que implica un sonido que se expande abarcando todos los recovecos del espacio y que une a la voz en árabe (recuerda la llamada a la oración que protagonizaba My life in the bush of ghosts) de instrumentos electrónicos y acústicos sin que se note la diferencia entre unos y otros. Extendiendo esta experiencia con reminiscencias del Miles eléctrico de principios de los 70 (más cercanas a una relectura de Bill Laswell expansiva y brumosa) se construye Last night the moon came dropping its clothes in the street (2009), donde de nuevo el planteamiento reúne grabaciones de estudio y directos a modo de suite sobre una extensa plantilla –partida – en la que destaca el violín de M´Kachiche sustituyendo al oud de Dhafer Youssef. Power Spot (grabado en octubre de 1983 y diciembre de 1984 en Ontario, en los estudios de Daniel Lanois, producido por éste y Eno y publicado en ECM en 1986) fue la primera gran publicación electrónica de un sello como el alemán poco dado a estos sonidos (mucho tiempo después continuada por las de Nils Peter Molvaer), discográfica en el que hace unos meses se publicó Last night the moon came dropping its clothes in the street. En perspectiva, y a diferencia de la obra más diversificada de Eno, para

Hassell este trabajo sirve de eje creativo (de lo anterior y posterior) en la década más fértil y definitoria de su carrera, la de los 80. La nomina de 8 músicos aquí reunida incluye a nombres como Michael Brook o Richard Horowitz (productor de Nonesuch), decisivos en las 3 últimas décadas para el desarrollo de este género híbrido de electrónica y músicas del mundo. El timbre espectral de Hassell surge con una fuerza expansiva que se torna en una profundidad serpenteante desde el comienzo del tema que da título al disco. Juegos en segundos y primeros planos de una trompeta oclusiva, rodeada de texturas que son nubes esparciéndose en el espacio sobre poderosos ritmos industriales y líneas de bajo (Eno) oscilantes como una respiración de fondo. Los destellos fugaces de luz de su sinuosa trompeta (dotada de esa indefinición orientalista) recorren este mapa de relieves ignotos hecho con instrumentos electrónicos analógicos (bases pregrabadas, efectos de delay, sintetizadores y percusión) y también de flautas, cuerdas y percusión acústicas, abducidas en este escenario sugestivo y bizarro que describen piezas como Wing Melodies o Air. El torrente de ideas en combinaciones cromáticas, de planos en movimiento y ritmos industriales y telúricos de Power Spot deviene en Last night the moon came… en velos suspendidos y en dinámicas lentas (prácticamente se trata de una obra encuadrada en la ambient music), que se cruzan con indolencia marcados por líneas de bajo dub-funk y rítmica gaseosa. Un eco sofisticado de un ayer que tuvo en Power Spot su legado más candente 51MU


Guitarra

MÚSICA

Gabriel Szternsztejn

El argentino Gabriel Szternsztejn compone para la guitarra una música ‘mezcla de muchas cosas, hay influencias del jazz, ciertas cosas de folclore o tango, alguna sonoridad contemporánea. Hay un tono argentino por llamarlo de alguna manera’ por Inés Ruiz

G

abriel Szternsztejn (Buenos Aires, 1968) vive y trabaja en Madrid desde 2001, donde compagina la composición de su música con clases de guitarra en la Escuela de Música Creativa, y viajes por España dando bolos, y de hecho actualmente está empezando a preparar una serie de bolos de presentación de su nuevo disco “Cosas sin decir”(el segundo), que sacó en julio de este año. En él, Gabriel toca con su cuarteto, a diferencia del primero que era con distintos músicos invitados. Es una producción independiente, que se puede comprar a través de mis dos sitios web: www. szternsztejn.com y www.myspace. com/szternsztejn MU - ¿Qué es el arte para ti? MU52

Gabriel Szternsztejn -El arte para mí es contenido y forma, algo que decir y una manera para hacerlo. De todos modos es algo que siempre está ahí a la espera de ser descubierto y que con suerte puedes rozar mientras haces lo que haces, tocar o componer en mi caso. Para mí es dif ícil lograr producir arte siempre, intento ser capaz de alcanzar momentos artísticos dentro de todo el tiempo que hago música, en cualquier caso luego es muy subjetiva la valoración de un evento como artístico o no, pero yo tengo una vivencia propia de cuando “pasa algo más”, eso es así cuando veo o recibo algo tanto como cuando lo hago yo mismo. Así que según el caso la mayoría del tiempo soy músico y con mucha suerte a veces

artista. MU - ¿Con qué edad empezaste a estudiar música? G.S. -De muy pequeño, con 7 u 8 años en un lugar muy interesante de Buenos Aires, el “Collegium Musicum” que tenía a la vez una formación clásica y bastante moderna en cuanto a la pedagogía y la gente que había ahí, luego me empecé a dedicar más intensamente a los 16, momento en que entré al Conservatorio. Ya más adelante he seguido por mi cuenta y con distintos maestros que me interesaron. MU - ¿Aprecias alguna tendencia actual que afecte a todas las artes y a los creadores de estas artes? O sea, ¿percibes algún ‘zeitgeist’ (=el espíritu del tiempo) o ‘l’air du temps’, como dicen los franceses?


Gabriel Szjternsztejn

G.S. -Yo no lo percibo tanto ahora mismo aunque no quiere decir que no esté ocurriendo. La verdad es que soy un poco negativo en cuanto a lo que está pasando en nuestro planeta en general y el arte no puede escapar a esa sensación. Supongo que el signo de los tiempos es la increíble facilidad de comunicación y la posibilidad de producir arte y mostrarlo con medios mínimos, cosa que era imposible hace no mucho tiempo, pero eso me parece más una cuestión de forma, me cuesta percibir algo global en cuanto a lo que se dice o la estética del momento en general, si es que tuviera que haber alguna. La cuestión para mí es que hay mucha saturación de información en general y en particular en la música los circuitos para mostrarse y la industria tradicional no dan abasto o son poco abarcadores en cuanto a la diversidad que hay, con lo

cual siento que ese problema devora mucho de lo que pasa: tenemos mucho para elegir en teoría, pero pocos espacios reales para conocer o mostrar lo que nos interesa más a fondo. Antes conseguir un disco era todo un proceso de búsqueda, degustación, enamoramiento, lo asociabas con un montón de cosas, ahora ni siquiera sé cuantos discos o mp3 tengo, y hay muchísimos que ni siquiera llego a escuchar. MU - ¿Cómo describirías tu música? G.S. -En realidad es una mezcla de muchas cosas, hay influencias del jazz, ciertas cosas de folclore o tango, alguna sonoridad contemporánea. Hay un tono argentino por llamarlo de alguna manera, un montón de cosas que tuve oportunidad de conocer y que me influenciaron mucho. Más que de estilos te puedo hablar de música muy diversa que siempre estuvo presente como

Para mí es difícil lograr producir arte siempre, intento ser capaz de alcanzar momentos artísticos dentro de todo el tiempo que hago música

Astor Piazzolla, Egberto Gismonti, The Beatles, Bach, Miles Davis o grupos de rock de los 70´s entre muchas otras cosas. Si tuviera que describirte mi música te diría que la veo como canciones instrumentales, melodías con las que te puedes quedar pero que no echan en falta una letra. 53MU


Nostalgias

RELATO

Edipo Revisitado por Julio Castedo

A

unque sé que la jactancia es una noción despreciable, he de reconocer que puedo hablar todas las lenguas; suelo expresarme en castellano, que es el idioma en el que me hablan los muertos, pero soy capaz de conversar en quechua, como los indios del Perú, y he escrito poemas épicos en sardo, el dialecto de la isla de Cerdeña. Puedo hablar incluso lenguas de pueblos que no conozco, pues me dota de talento la sola voluntad de hacerlo. Todo lo dif ícil es fácil, todo lo blanco es negro y todo lo grande cabe en lo pequeño, por eso intenté regresar al vientre de mi madre, pero eso es algo todavía improcedente. Dicen quienes me conocen (un puñado de ignorantes) que las palabras me traicionarán y que acabaré muerto entre cubos de basura, yo los escucho con respeto, pero MU54

sé que están equivocados; mi destino está más allá de lo humano (tengo la desgracia de ser inmortal) y no puedo dejarme influir ni siquiera por aquéllos que me demuestran afecto. El afecto es siempre una proyección del cinismo y aunque lo malo es bueno y lo trascendente es frívolo, conviene ser cauto en las relaciones humanas. Sólo el sentimiento entre la madre y el hijo está limpio de culpa, yo abrí el vientre de mi madre con un cuchillo de hoja virtual, y lo hice por amor, ésa es la gran prueba. Ninguna mujer me ha dado tanto como mi madre, y ninguna mujer (hablo también de aquéllas con las que he copulado) me ha hecho sentir placer, quizá la inmortalidad me ha desprovisto del impulso de la reproducción, o quizá he volcado ya todo mi amor y vivo ahora sustentado por el egoísmo. Nada me

sorprende, nada me afecta, soy capaz de estar inmóvil durante todo un día, o durante toda una semana, adopto una postura, ya sea cómoda, ya incómoda, y me mantengo impasible, ocupado en recitar un viejo discurso de dimisión en todos los idiomas que conozco. No se trata de un abandono de la voluntad, sino de un voluntario abandono de toda energía. El movimiento es quietud, y la muerte, vida; así lo comprendió mi madre cuando la hoja virtual (y por lo tanto indolora) del cuchillo abría su piel, es un concepto sublime, sólo al alcance de unos pocos. Cuando su sangre fluía por los márgenes de la herida, mientras yo introducía mis manos en el calor de sus entrañas (¡cuánto anhelo hasta llegar a ese retorno!) mi madre sonreía con una paz de la que sólo ella estaba dotada. Lo brutal es manso, y


lo turbulento, nítido. A veces soy un príncipe y reparto prebendas, a veces soy un villano y me como los dedos de los muertos. Cuando se come los dedos de los muertos se adquiere el conocimiento de todos los objetos que esos dedos tocaron; hay muertos que saben a taller de orfebrería, y los hay con gusto a esencia de rosas. No sé donde nací, ni sé la edad que tengo, sólo sé que soy inmortal y políglota, y que abrí el vientre de mi madre para recuperar el abrigo de sus entrañas. Los hombres sobreviven entre sus miserias y yo disfruto del espectáculo de mi existencia. Nada es la totalidad, y en el bosque de Santa Cecilia brotan rostros humanos de la corteza de los árboles, yo me acerco allí para verlos la última semana de septiembre, suelen ser rostros curtidos por el sufrimiento, rostros que acusan el

esfuerzo de surgir de la madera (igual que su expresión era la del infinito número de hombres liberados por mí). Creo que soy joven todavía, aunque ignoro cuánto dura la juventud de la inmortalidad; no tengo noticia de dioses ni de ángeles, y eso me hace concluir que no existen; no soy prudente, pues no quiero anquilosarme, y no me siento incomprendido, porque el masoquismo de la incomprensión es el alimento de los falsos genios, todo lo concreto es abstracto, y en las vísceras de mi madre había un calor húmedo que me hizo conocer el verdadero amor. Creo que soy joven todavía, necesito masturbarme para dormir y necesito repartir el semen por la cabecera de la cama para soñar, todo hombre paga algún tributo, y éste es el mío... ¿he dicho ya que a veces soy un príncipe?

Tras un estruendo, el funcionario rompió el cerrojo de la puerta y cruzó torpemente la habitación; había dedos mutilados en el suelo, en una esquina una mujer con el abdomen rasgado se descomponía, y sentado en el centro, un hombre con los ojos en blanco babeaba sin cesar. El funcionario retrocedió dos pasos y vomitó.

Julio Castedo (Madrid, 1964) es médico y escritor. Ha publicado las novelas “Apología de Venus” y “El jugador de ajedrez” y el ensayo “Las cien mejores películas del siglo XX”. www.juliocastedo.com 55MU


Elegía

POESÍA

Michael Jackson por Débora Izaguirre

M

ichael, dulce Michael... ser frágil, a la vez que fuerte y poderoso...

Con cinco años trabajabas más duramente que muchos adultos; con nueve años cantabas de madrugada en un local de streap-tease; con diez eras número uno en ventas con “I want you back”; con diecinueve mantenías a toda tu familia, decidiste tomar las riendas de tu carrera y te enfrentaste al Gran Jefe de Motown; con veintitrés cumplías tu “sueño infantil” y tu álbum Thriller se convirtió en el disco más vendido de todos los tiempos. Con veintinueve decías que te sentías ya como un viejo de ochenta años. Fuiste un bellísimo dios de ébano, de rostro angelical y cuerpo esbelto. Tan grácil, con tus manos finas, fuertes, perfectas y tu sonrisa irresistible... Pero la extrema exigencia de tu padre convertida ya en una voz interior te hizo creer que eras feo, que nunca eras lo suficientemente bueno y así, buscando esa perfección imposible, intangible, te fuiste transformando. Eras negro y quisiste ser blanco, tu pelo era rizado y lo querías liso, porque no podías ver que ya habías MU56

nacido con esa belleza que tanto anhelabas. En el escenario eras pura dinamita, energía, luz y verdad... I wanna rock with you Michael... una parte de mi niña interior se ha marchado contigo volando al País de Nunca Jamás, pero te doy la gracias. Gracias por llenar de alegría mi infancia idílica con Blame it on the Boogie; por hacerme soñar con Baby be mine en mis días de púber melancólica y por hacer algo menos dif ícil mi adolescencia atormentada con Thriller, Billie Jean, The girl is mine, PYT, Bad, Smooth Criminal... Creo que al final no te supimos comprender, porque a veces no nos podemos creer que exista la pureza en el alma humana y creo que tú eras puro y estabas lleno de amor. Tal vez tu gran error, como el de la mayoría de los seres humanos, fue alejarte de lo humano y, para huir del dolor, convertirte en un personaje irreal de cualquiera de tus cuentos preferidos o en una estatua más de tu rancho Neverland. ¡Cómo pedías socorro desde los personajes que interpretabas! Tu zombi se descomponía en

Thriller porque una parte de tu alma se caía a trozos; en Smooth Criminal te terminabas transformando en un robot gigante que a su vez se transformaba en nave espacial que terminaba desapareciendo en el cielo, y en otro video te convertías primero en esqueleto y luego te desintegrabas en una nube de polvo... porque te estabas desintegrando por dentro y querías desaparecer... volverte invisible... porque nunca pudiste ser real. Al final lo lograste... desapareciste, te desintegraste y ahora, por fin, eres real, porque ahora te vemos humano. Ahora aparecen fotos tuyas con las manos hinchadas por la artitris, celebrando el cumpleaños de tus hijos con un gorrito de papel. Hemos descubierto que estabas calvo y que llevabas una prótesis en la nariz y eso te hace real, porque te hace humano. Si hubieras sido capaz de mostrar eso, tal vez ahora estarías vivo. En fin, Michael, gracias por repartir tanta felicidad y tanta magia con tu música y tu arte, pero no era necesario que te sacrificaras... ¿O sí?


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translation Jessie Evans / Is it Fire? Lo que es tan notable en el espectáculo de Jessie Evans, es la alegría y la fiera vida que palpitan en él. Ella está tan viva, es tan vibrante – ¡GRAUU! –, como el rugido extático y poderoso de un tigre. Su música, su show y ella son una patada en la barriga –una Buena Sana Densa patada en la barriga –. ¡Es real! ¡Y tan libre! Una cosa más que me encantó fue como Jessie ocupa todo el espacio en el escenario cuando baila , canta y toca. No es un ratoncito mono, aburrido y humilde contoneándose un poquito con discreción en un espacio mínimo susurrando ‘Perdón’; no, ¡ella B AIL A A A y CANTAA! Y no copia a nadie. Jessie Evans es Jessie Evans. Sin embargo, es agradable percibir flotando en el fondo del escenario a aquellos que la inspiran. Puedes ver el alma transparente de Josephine Baker en algún lugar guiñándonos el ojo detrás de Jessie mientras hace su show; y también la escena del cabaret de la preguerra berlinesa; de hecho, hay algo grotesco –la belleza de lo grotesco – en el espectáculo de Jessie que me MU58

hizo pensar en las pinturas y los dibujos de Georg Grosz. ¡Muy excitante e incitante! Y además de ser una gran personalidad sobre el escenario, descubrí en nuestras conversaciones que Jessie Evans es una mujer de una inteligencia despierta, crítica, inspiradora y aguda. Fue todo un placer. L.E.H. -¿Cómo fue el camino que te trajo al escenario del Moby Dick, Madrid, y en general a lo que haces? J.E. –Llevo tocando en bandas los últimos 10 años de mi vida, montando mis propios conciertos, grabando discos, viajando por el mundo. Empecé tocando el saxofón en una banda punk de chicas llamada Subtonix, luego monté The Vanishing, luego hice un dúo electrónico con Bettina Koster de Malaria! Entre otras cosas . Los últimos cuatro años he vivido en Berlín, donde conocí a Toby Dammit, y he trabajado por sacar adelante mi nueva música. Acabo de terminar mi primer disco en solitario ‘Is it fire?’, grabado entre Berlín y México. Trabajaron conmigo en el disco Pepe Mogt de Nortec Collective, y Budgie de Siouxsie and the Creatures, con Martin

Wenk de Calexico, Namosh etc. Para este disco decidí empezar mi propio sello, llamado Fantomette Records, y por el momento el disco se puede comprar por correo y en los conciertos. L .E .H. -¿Cuál es tu background, formación musical, teatral, danza… otra cosa? J.E. –Recibí clases de música desde los 4 años, empecé con el violín, luego el piano, la batería, la flauta. Toqué en la banda de marchas de la escuela, y luego cogí el saxo con 16, pero no sabía aún cuál sería mi dirección profesional. Mi profesor me decía: “en cinco años serás una gran músico de jazz”, pero no me interesaba realmente, porque por mucho que amara el jazz, prefería hacer algo nuevo, porque el jazz me parecía una forma muerta. ¿Por qué querrías repetir algo que fue valiente e innovador al principio pero que se había vuelto complaciente? ¿Standards? ¿Qué narices es eso? La música clásica y todas las grandes formas de música parecen ahora muy conservadoras porque la gente tiene la tendencia de seguir las formas sin ningún deseo de romper y salir de

ellas. Cuando era más joven también actuaba y participaba en las obras de la escuela, pero en cierto momento decidí que odiaba actuar, me harté de imitar a otros, no me sentía bien. Con 15 años dejé el instituto y me matriculé para un año en un Community Collage para estudiar improvisación de Jazz y grabación, por un tiempo pensé que me haría ingeniero de sonido, pero no fue hasta los 18, después de viajar sola por Europa durmiendo donde podía y tocando el saxo en las calles, que comprendí que sencillamente quería formar una banda y ser rockera. En todos los años de “aprender” música sentí que lo que no me enseñaron en absoluto era cómo relacionarme con la gente, cómo construir juntos algo musicalmente, cómo comunicar. Así que cuando empecé a tocar con gente, tomé la decisión consciente de que ya no me interesaba ser entrenada, porque ya no me servía para nada. L.E.H. –La infancia me fascina, pienso que es el máximo responsable de cómo somos de adultos (o pseudoadultos). ¿Dónde creciste? ¿Cómo fue tu


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fue lo mejor que nunca hubiese podido desear. Yo le importaba realmente y ella me escuchaba como a un ser humano. No me dejaba sola porque no me hiciera caso o estuviera todo el día trabajando. Yo fui muy independiente desde muy temprana edad, era una exploradora y no tenía miedo de estar sola. Recuerdo que enfermé de varicela con siete años. No me dejaron ir al cole por dos semanas, me tuvieron en cuarentena. ¡Y me sentí tan feliz! Me pasé el tiempo en mi cuarto dibujando y haciendo cosas creativas. No me gustaba nada el colegio. No recuerdo haber aprendido casi nada. En 5º, a mi profesor le gustaba mucho la música y cantábamos todo el día y eso me gustaba, pero en general me deprimía un montón estar con los otros chicos en el colegio. No pegaba con ellos, me parecían estúpidos y vulgares (¡cómo dices tú!) y me hacían sentir como una friki. Por supuesto que tenía amigos, pero pienso que no era un entorno enriquecedor para nada. En retrospectiva, lo único que aprendí y aún uso de mi experiencia en la educación básica y el instituto fue: ¡aprender a escribir a máquina, o sea en el teclado del ordenador! Por lo demás, me dio una perspectiva bastante horrible de la humanidad. En cuanto a “la socialización para el mundo” para serte honesta “el mundo” fuera de mi pueblo resultó estar lleno de cosas mucho más interesantes que las que aprendí y viví en el pueblo. Supongo que por eso estaba tan impaciente por dejar el colegio y empezar mi vida. Estaba en 6º cuando empecé

a hartarme en serio de la experiencia escolar. Me sentía bastante torturada en Junior High School. No me adaptaba, y algunos escolares hacían actos de vandalismo con mi armario, sólo porque era diferente, era punk o gótica. En cierto momento, comprendí que no tenía porqué estar ahí, que las normas estaban hechas para ser rotas si no te llevabas bien con ellas. Así que iba al colegio en la mañana, y a eso del mediodía, me largaba después del recreo. Paseaba por la ciudad, hasta la playa. A veces, el director del instituto me seguía en su cochazo y me gritaba por la ventana que iba a llamar a mis padres. Pero no creo que lo hiciera nunca. Luego, el fin de semana lo veía colocadísimo de coca

en alguna fiesta, ¡así que la sangre nunca llegó al río! Pero fue la libertad de hacer lo que hacía que me hizo comprender que podía vivir mi vida y no tenía porqué adaptarme a la estructura impuesta del colegio. Creo que el colegio enseña a los niños a ser parte del grupo, siendo ovejas de alguna forma. No anima ni apoya las mentes artísticas, ni la individualidad. Únicamente socializa a la gente para vivir dentro de unos límites y seguir las reglas. Así que ¿para qué quieres adaptarte a eso? He percibido este tipo de comportamiento toda mi vida. La gente lo repite hasta la saciedad una vez que entran en las fuerzas laborales. Forman comunidades alrededor de cualquiera que esté ahí, y

Jessie Evans by Billy und Hells (www.billyundhells.de)

infancia? J.E. –Crecí en un pueblito en el norte de California, junto al mar. Mis padres eran hippies. Soy la mayor de seis hermanos, y desde que era muy pequeña nos mudábamos mucho. Vivimos en casas en árboles, en autobuses escolares, en ashrams, en una goleta en el Océano Atlántico y en la parte trasera de una pickup hecha de madera y vidrieras de colores con la que viajábamos de costa a costa. Mi infancia fue un poco crecer silvestremente. Lo que más me gustaba hacer era adentrarme en el bosque durante horas hasta que estuviera irremediablemente perdida, y luego intentaba encontrar el camino de vuelta el mismo día. A veces, me iba de acampada al bosque con mis amigos, a las marismas, comíamos tallarines crudos y bebíamos coca-cola y no íbamos a clase. L.E.H. –Tengo gran interés en la educación. Nos cuentas que hacías pellas, me parece de lo más sensato… en mi opinión el colegio es letal para la creatividad y la inteligencia, es tan aburrido, po co interesante y te aplatana… y la televisión, las pelis normales y la cultura de ordenador son vulgares, igual que el colegio; me da la impresión de que el cerebro de los niños está siendo aplastado y succionado por el colegio, la tele, las películas, los ordenadores y las revistas ridículas (sobre todo las de moda). Dijiste que tus padre eran hippies, ¿cómo fue crecer en un ambiente tan poco convencional y libre? J .E . –Me siento muy agradecida de la forma en que mis padres me educaron y me criaron. Mi madre

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hacen cosas juntos; ya sean las tareas del cole o ir a bares, es lo mismo. No se basa en un interés común o en empujar y ampliar los límites, es sólo una extraña mentalidad de grupo de mantenerse en la manada. Me molesta. En retrospectiva, pienso que mis padres me ayudaron mucho al simplemente aceptarme tal y como era y dejándome ser yo misma. Nunca me dijeron lo que tenía que pensar; alimentaron lo que estaba ahí dentro de mí. Así que nunca dudé de la esencia de lo que había en mi corazón, sabía que estaba bien. L.E.H. –Ojalá que más gente pensara como tú, tendríamos un mundo más excitante. ¿Te gustaría tener un hijo? J.E. -¡Sí! Creo que me gustaría. Aunque ahora mismo no, pero quizás en cinco años. No quiero cambiar lo que hago y empezar una vida distinta, así que si tuviera un hijo, me encontrará porque quiere formar parte de mi estilo de vida, quiere estar ‘on the road’. De hecho he tenido una conversación con mi futuro hijo, que estaba llamando a la puerta hace un tiempo, ¡intentando entrar por la fuerza! Y le dije que se largara, ¡que no estaba preparada! Pero creo que quiere ser parte de mi escena, así que ya veremos. L.E.H. -¡Qué gracia! Es un pensamiento bonito, que nuestros hijos quieran venir a nosotros, que vienen llamando a la puerta… a veces es bueno que vengan cuando no estamos preparadas… nunca se sabe. Tu background me parece muy interesante, y claramente eres una persona con un cerebro que funciona de miedo, en vez de un ordenador, ¡ja ja! Como le sucede a muchos de nuestros MU60

contemporáneos, así que encuentro tus pensamientos de lo más interesantes. De hecho, estoy horrorizada con las nuevas generaciones, los niños de la edad de mi hija… la mayoría tiene un ordenador por cerebro, ¡da miedo! Conozco a una niña de 13 años que me dice que no lee porque no entiende lo que lee, y se aburre. Sólo le interesa el maquillaje, la ropa, las modelos y chatear en Internet. Es como la mayoría de sus compañeros de cole, y a mi me parece que esta niña tiene el cerebro muerto, pobre, es completamente ignorante y no le interesa nada, nada le entusiasma. Quizás toda esta nueva gente vegetará en sus vidas tecnológicas y computarizadas… ¡brr, me da escalofríos! J.E. –Los niños crecen de una manera muy distinta hoy día. Hay mucha presión por parte de los medios para ser todos iguales. Conozco a mujeres muy jóvenes que ya se han puesto los pechos de silicona. Y en mi antiguo colegio hay niñas que casi murieron de anorexia. Son los medios de comunicación los que les meten estas ideas en la cabeza de cambiar sus cuerpos. Son unos tiempos extraños. Creo que estamos viviendo una de esas visiones de ciencia ficción del futuro. Lo estamos viviendo ahora mismo. El lavado de cerebro es tan duro y fuerte que aunque seas capaz de mirar fuera y ver a la gente en las garras del lavado de cerebro, lo aceptas como un hecho, sin cuestionarlo, sin preguntarte si no nos estamos yendo al garete como humanidad. Pero de alguna forma pienso que ‘el gran hermano’ y todos los posibles horrores del

sistema contra el hombre son parte de la invención de la mente. No tenemos que creernos esas cosas. Puede existir, y existe en algunos niveles y planos de la realidad, pero no es algo en lo que quiera gastar mis energías. Hay demasiado belleza y maravilla en el mundo, y la posibilidad de hacer que el mundo sea un sitio mejor. Prefiero enfocarme en esto. Por eso me interesa bien poco la política o leer las noticias. Sé que es muy americano decir esto, los americanos tan a menudo s omo s completamente apáticos e ignorantes respecto a lo que pasa en el mundo, pero siento que las noticias siempre se enfocan en lo más asqueroso e inhumano de la vida. En las noticias hay dos secciones: tienes la política / guerra (o sea, hombres blancos ricos intentando controlarlo todo a través del dinero y el poder y las armas); y luego el entretenimiento (o sea, estúpidas actrices con su cirugía plástica y sus adicciones de drogas y con quién salen). Se ha vuelto tan asqueroso. L.E.H. –Volvamos a la educación y a la presión so cial… estoy le yendo un libro de Mary Pipher, Doctora en Psicología , llamado ‘Re viviendo a Ofelia. Salvando los Yos de las niñas adolescentes’, (todo el mundo debería leer este libro). Es bastante horrible lo que escribe… fascinante y aterrador… hacerse mujer en esta sociedad patriarcal y misógina es bien dif ícil… pobres niñas, son realmente una especie en peligro de extinción, y a nadie parece importarle, ¡no se dan cuenta! Diderot le escribió a una amiga en una carta lo

siguiente: ‘Todas vosotras morís a los quince años’. ¡Y esto lo dijo hace 200 años! J.E. –La adolescencia fue la peor época de mi vida. Desde los 10 a los 14 sentía que estaba en el infierno. No hay ritos de pasaje en nuestras sociedades modernas. No hay forma de saber cómo actuar en esta transición, o saber siquiera qué está pasando. Las mujeres son creadoras; alimentan la vida. La adolescencia es la transición literal a ser creadoras. Además de ser una cosa f ísica, también lo es psicológica, y desearía que pudiéramos volver a admitir esto y a celebrarlo. L.E.H. -¿Puedes recordar el primer momento en que sentiste pasión y amor por la música y las artes escénicas? J.E. –Creo que siempre estuvo ahí, y siempre fue muy emocional e importante para mí. Recuerdo claramente la primera vez que comprendí que una persona podía cantar una canción que no había escrito, tenía unos 4 años y me quedé devastada por la idea de que alguien podía cantar letras y contar una historia que no era propia, como si no fuera importante o real. No lo entendía, y ¡corrí al bosque y me tiré horas llorando! Crecí escuchando reggae, jazz, rock de los 70. Mi madre era batería y le encanta bandas como Cream. A mi padre le iba más la música clásica y el blues. Yo escuchaba todo lo que había a mi alrededor. Cuando tenía 8 año s descubrí a Cindy Lauper, el primer disco que me compré fue ‘She’s so unusual’. Estaba pasmada con ella, me vestía como ella con minifaldas y con mucha sombra violeta en los párpados; recuerdo


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que el director del colegio de una comunidad y por fin me llevó a su oficina y me estaba creando algo con mis preguntó porqué llevaba propias condiciones. tanto maquillaje. También L.E.H. -¿Ves diferencias recuerdo que en esta época importantes entre Europa y vi a Joan Jett cantando en EE.UU. en cuanto al arte y la MTV ‘I love rock’n roll’, y creación? pensé que dura era la tía. En J.E. –Me mudé a Europa el mercadillo había un puesto después de mi primera gira donde comprab a cintas; me encantaba el pop basura de principios de los 90: Paula Abdul, Milli Va n i l l i , P r i n ce ’s “Purple R a i n ”. Cuando tenía unos 12 años, mi prima vivía con nosotros y me enganchó con Tom Waits, Leonard Cohen, Siouxsie y The Banshees. Así empecé a conocer la música de los 80: Blondie, The Selector, y The Specials fueron algunos de mis primeros amores, y The Selector fue una de las primeras bandas que vi en co n c i e r t o y m e encantó. Los vi unas cuantas veces cuando tenía 14 años. Más tarde me enganché con el Be Bop Jazz, y descubrí la escena de punk rock. Leí todo lo que pillé sobre el tema, y escuché a muchas bandas de finales de los 70: X yar Spex, The Slits, Roxy Music, etc. Jessie Evans by Billy und Hells (www.billyundhells.de) Pero la escena punk en EE.UU. se había vuelto aquí, porque vi que podía hardcore, y todo era sobre ganarme la vida tocando cuán asqueroso eras y cuán en los garitos alternativos. grande era tu colección de Toda mi vida había estado discos, así que no me gustó. trabajando de esto y lo otro No fue hasta que me mudé en bares, restaurantes, y a San Francisco con 18 años en todo tipo de trabajos y empecé a tocar en bandas ridículos, porque en América que me sentí por fin parte si no entras en los circuitos

convencionales no consigues ganarte la vida tocando. Los europeos aún respetan la música y el arte como parte valiosa de la sociedad. Berlín me acogió con los brazos abiertos. L.E.H. -¿Qué te inspira? ¿Músicos, bailarines, actores,

pintores, flores, piedras…? J.E. –Últimamente he leído sobre Toulouse-Lautrec. Me encanta cómo muestra la yuxtaposición del glamour y la repulsión, el lado oscuro del actor que hace espectáculos, sin maquillaje, el lado autoritario, súper

indulgente, y el apetito por ello. Escribí una canción que quiero dedicar a La Goule, la chica que inventó el Can Can, porque ella era la reina de París, pero murió en las calles alcohólica y sola. Qué historia tan triste, pero muchas bailarinas desgraciadamente han tenido un destino similar. Creo que la celebridad se ha vuelto la manifestación moderna del deseo humano del sacrificio: poner a alguien en el pedestal para luego despeñarlo – ¡como Michael Jackson! – He estado estudiando la cultura Maya y era realmente mucho más simple entonces (también en la sociedad romana), le arrancas a uno el corazón, a sangre fría, y como un sacrificio al sol y para asegurar la continuidad de la vida. O pones a dos p er s ona s junt a s en una arena y los dejas luchar hasta la muerte: el más brutal gana. Ahora e s mu c h o m á s psicológico, pero no estoy segura de que sea mejor. Cuando me metí por primera vez en la fotograf ía, me inspiraba Cindy Sherman, como se usaba a sí misma como un lienzo, sobre todo en la serie ‘Untitled Film Stills’, como se fotograf ía en roles distintos. El mensaje es tan simple: ‘puedo ser cualquiera de estas mujeres: la zorra, la 61MU


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puta, la secretaria, la madre.’ También me inspiraba Nan

Hadad, Kenneth Anger, Nona Hendryx, Lydia Lunch,

muy pobre en tiempos de segregación racial, y terminó

James Chance, Grace Jones, The Extra Action Marching Band!! En cuanto a las piedras, me encantan todas, especialmente las verdes o las que son como un globo con líneas como Saturno girando alrededor del centro como un cinturón. Si voy a la playa siempre me llevo a casa todas las piedras con las que puedo cargar. L.E.H. –Sí, las piedras son maravillosas, te mantienen anclada a la superficie de la tierra… ¿tienes algún maestro o maestra que te haya enseñado? J.E. –Josephine Baker ha sido una gran inspiración. Era increíblemente libre y tenía algo que nadie ha vuelto a tener desde entonces, es una bailarina muy subestimada. Tenía un gran sentido del humor, y literalmente escapó de su pobreza bailando, creció en St. Louis, una niña negra

siendo una de las estrellas más celebradas en París. Es maravilloso ver el poder puro y la determinación de un alma. También fue un gran placer visitar la casa de Dalí el año pasado, sentí algo similar, vi el poder del ser humano en una vida, el transcender el horror del día a día que puede ser la vida, y crear y rodearse de belleza y vivir como un dios. L.E.H. -¿Cuál crees que es el Zeitgeist, el espíritu del tiempo? J.E. –He pensado mucho en esto últimamente tras visitar algunas de las antiguas capitales de Centroamérica. Fuimos a Palenque, Monte Albon y Teotihuacan. Lo que me sorprendió más al visitar estos lugares fue como la gente vivía entre los dioses. Dios no era una idea confinada a un punto lejano del pasado o el futuro, pero

Jessie Evans

Goldin, la idea de que la instantánea sea arte y de que a vida de cualquier persona merece la pena ser mostrada. Anaïs Nin con su compasión y su visión aguda de las relaciones humanas, y su conocimiento del amor y como soportaba todo. Jack Kerouac, ‘Metrópolis’ de Fritz Lang, ‘Divine Horseman’ de Maya Deren, la peregrinación a África para actuar con Fela y Tony Allen, y el baile en ‘The Sweet Things’, Rita Hayworth, Astaire y Rogers, Mae West, Esther Williams y la divina cinematograf ía de ‘Bathing Beuaty ’, la sensualidad de Guy Bourdin, Tijuana’s Sound Machina, Warrior Queen, Yma Sumac, Sun Ra and his Arkestra, Man Ray, los expresionistas alemanes, Brucke y sus hermosas imágenes de los alemanes tomando el sol y en los lagos, Alton Ellis, Astrid MU62

era una entidad o hasta gente que caminaba entre ellos todos los días. Puedes ver que cada parte de su arquitectura es arte; el arte estaba profundamente entrelazado con la vida, y no estaba separado de ella como se siente tan a menudo hoy día, como si fuera algo excéntrico, guardado en una caja. Ahora parece que el arte y la música son marginales. El concepto del entretenimiento ha evolucionado. No sólo ha bajado la cualidad del mismo, sino la gente se contentan con ser espectadores, con mirar las cosas desde fuera, sin desempeñar un papel en el proceso. Nunca entendí la cultura de los clubes, a pesar de que en teoría la premisa es que la gente se comunique y esté en contacto, la gente se contenta con estar colocadísima de drogas y estar en su propio mundo. Hace unos 50 años la gente del mundo del espectáculo eran buenos en todo: bailaban, cantaban, actuaban, ahora parece que lo que hay ahí fuera pertenece a un anuncio de Pepsi. No lo entiendo. Pero quizás la gente se haya vuelto retrasada mental con tanto Internet. Los ordenadores han empezado a reemplazar sus cerebros. Parece que todo el mundo gasta sus energías en cultivar estas comunidades artificiales en la red, todo se ha vuelto público, y todo el mundo se aferra a la posibilidad de mostrarse pero no por haber hecho algo importante. La tecnología moderna ha dado a toda


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persona la oportunidad de ser un creador, pero no todo el mundo tiene los cojones de crear algo visionario, así que hay demasiada cosa ahí fuera. También hay demasiada información a mano de todos y demasiada gente hablando sobre cosas en vez de hacerlas, se da demasiada importancia a la crítica… todos esos Blogs, pienso que es aburridísimo. ¿Dónde está la pasión? ¿Dónde la travesura? ¿Qué pasó con bailar en las calles?? Estoy leyendo un libro sobre la historia de la alegría colectiva, de Barbara Ehrenreich, y menciona la posibilidad de que el baile fuera iniciado por tribus moviéndose juntos como una defensa contra el peligro: cuando se movían juntos formaban una masa mayor, y parecían más fuertes que una sola persona. Creo que las personas en el mundo civilizado occidental han perdido definitivamente la conexión los unos con los otros y es algo con lo cual me siento profundamente endeudada y que procuro recuperar cuando actúo. El escenario es básicamente una plataforma desde donde llamar a todos para ver si están despiertos, quizás podamos provocar la acción. Piensa en el poder que tienen los ejércitos del mundo para destruir la vida, ¿qué pasaría si pudiéramos formar comunidades como esas pero basadas en la celebración y la reinvención de nuestros ritos? Por otra parte, tengo un ejemplo positivo de la tecnología: mi hermano menor es muy inteligente, y es un ejemplo de alguien que se está beneficiando de la tecnología. Tiene 14

años y ha tocado la batería y escritos a lo largo de mi desde los cuatro; hace su vida. Sé que la historia se propia música, con teclados, hace de lo que decidimos es guitarra, máquinas y batería suficientemente importante y canta. Tiene como cuatro para preservar y siempre he myspace páginas con sus disfrutado leyendo diarios canciones, y hasta una que y biograf ías de la gente, es un estudio de grabación independientemente de qué llamado “upstairs room”. tipo de vida llevaron. Su padre es cineasta, así L.E.H. –Cuéntanos algo que también le va hacer sobre Toby Dammit y vuestro pelis y fotograf ía. Tiene 50 proceso de trabajo juntos. cortos que están en youtube. J.E. –Yo escribo y arreglo Creo que Internet ha sido las canciones en casa alucinante para él, porque con máquinas de batería, puede descubrir tanto y sintetizadores y saxofones. explorar y educarse en el arte Luego Toby mete la batería y y la música que le interesan. la percusión en vivo, a veces Yo nunca tuve esta opción reemplazando las máquinas, de niña. Era dif ícil enterarse y otras tocando contra ellas de nada mientras crecía en el y creando múltiples ritmos. pueblo. Mi hermano también Creo que lo que es único se cría en un pueblo pero en lo que hacemos es la tiene el mundo a su alcance. combinación de sonidos Tienes la biblioteca del electrónicos con sonidos mundo ahí mismo. También orgánicos, y como todo es tienes la basura, pero si no te interesa la basura, la esquivas para encontrar lo que te gusta. L.E.H. -¿Qué ves al mirar el futuro? J.E . –Últimamente quiero viajar por el mundo actuando hasta que me muera. A parte de eso, quiero vivir junto al océano, mudarme a un país hispanoparlante, México, España o Sudamérica, y meter en mi espectáculo una sección de instrumentos de metal y más ritmo, colaborar con aquéllos de mis héroes que aún viven, ¡ver todo lo que pueda! Cristina Lama. L.E.H. -¿Te gusta el pasado? muy improvisado. Él me J.E. –Sí. Puedo ser muy ayudó mucho con el álbum nostálgica y he coleccionado grabando todas mis voces, y guardado una cantidad y lo hicimos en hoteles por inmensa e grabaciones, fotos todo México y en lavanderías,

y en tejados, y también me arregló un coro y unas trompetas y un saxo para algunas de las canciones. Es un percusionista increíble, y nos llevamos muy bien y disfrutamos de las mismas cosas por lo cual es genial trabajar juntos. L.E.H. –Si hay algo más que quieras mencionar y que no te he preguntado, adelante. J.E. –Me encanta tocar en España y ¡espero venir más a menudo!

HOLY DESTRUCTION Dominique Polad-Hardouin is proud to turn over the picture rails of her gallery to an exhibit-manifesto, a veritable declaration

of war and of love: Holy Destruction. «Holy Destruction», represents a veritable world tour of a particular pictorial 63MU


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creation and projects onto the Parisian art scene a new generation of artists, most of them born in the early seventies, a majority of them women. The ensemble compels recognition for the radical nature of its expression, through an unusual tonal intensity and a baroque élan. The works presented speak the same language, express the same energy, assert the same will to attack pictorial matter without à priori or prejudices. The title «Holy Destruction» loudly and clearly affirms their intentions. Entirely free of à priori, these young artists compare themselves

or a Rauschenberg. They admire and cl aim the paternity of a Soutine, affirming that painting is «co sa mentale”, the reunion—finally—of the body and the mind. They scoff at positions opposing conceptual artists and the others and, with caustic irony, have done with all academicisms. This exhibition reflects the p erce ption of the gallery owner, as well as that of a certain state of contemporary art. Participating artists: André Butzer (Germany), Kim Dorland (Canada), Armen Eloyan (Arménia), Stefanie Gutheil (Germany),

Pierre Riollet. Letter Boxes 140 x 140 cm.

(England), Jonathan Meese (Germany), Orlando Mostyn-Owen (England), Humberto Poblete Bustamante (Chile), Ev a R ader, (G ermany), Emmanuelle Renard (France), Raphaëlle Ricol (France), Jo Robertson, (England), Allison Schulnik (United States), Lucy Stein (England), Wu Xiaohai (China) Adrian Dannatt (The Art Ne wspap er, Ne w York , Philippe Dagen (Le Monde) and Christian.

BACKLIGHT CITY Pierre Riollet September 10thOctober 18th 2009 Pierre Riollet (Paris 1963) graduated BB AA in Fine Arts from École des Arts Auguste Renoir in 1983 in Par i s . In 2003, alter more than 20 years working as Art Director in the most prestigious Communication Agencies in Paris he decided to devote his life to painting, his great passion and obsession.

to the greatest masters. They will confront Picasso, especially in his last years, full of inventiveness and the capacity to digest all the new research of a Pollock MU64

Nicolaï Huch,(Germany), Marcel Huppauff, (Germany), Fred Kleinberg (France), Cristina Lama (Spain), Bjarne Melgaard (Australia), Dawn Mellor

The work of Norman Rockwell will lead to an interest in American realism in particular by the work of Hopper and Cuttingham which have been a deep inspiration

for the artist. After a long stay in United States, in 1987 he began its work on the American façades , his main goal was the shadows reflected in this building area. In 1989, he had his first solo exhibition on this subject. Beyond the symbolism of the tunnel, it is the graphic and the aesthetic effect, which intere st him in this theme. Whatever the subject is, the framework magnifies the light and ser ves it. He likes this provocation imposed by the dark frame which steers the eye towards a brilliant a n d ab s t r a c t o p e n i n g , letting the free imagination go towards, open in, rushes in. It is also the idea of the passage and transition, which are expressed here.

KEKA RAFFO Chilean artist Keka Raffo has developed a surprising pictorial technique in which paper substitutes the use of paint and brush, whilst the visual result is very similar to that of paint. The artist calls these “paintings” papirosaics. They are to be seen in the month of November in Madrid, at the Eboli Gallery. ‘[…] Keka Raffo surprises us with her sense of colour, with her perspective, with a puzzle technique that is simply sublime for its grandeur and admira-


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Ellas, Keka Raffo. 110 x 89 cm.

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ble simplicity. Keka alters paper as matter, she breaks it into tiny pieces, she puts it together, she makes it all harmonious and achieves the dawn of an art, in the abyss of the urgent; and it is all done with lots of work filled with love.’ Joaquín Bardavio, (writer). ‘This Chilean artist, with Italian soul and an Andalousian way of feeling , gave up acrylics and tried with success a new way of making art. Her papirosaics are on their way to shape a new pictorial style from which will flourish if not disciples at least imitators.’ J. Sesmero Chamorro, (art critique) ‘[…] I confess that something as studied as collage or a puzzle technique can really surprise me; the more I look at the ways in which this painter of pure imagination, of the purest style and sensibility, creates her compositions and achieves the definite success of different hues of light, colour and shades without any paints, brushes or any other known material, the more amazed I am! One must have tons of art flowing in ones veins to decide to paint with paper, and to manage to create such surprising and perfect effects. This technique can be used with more or less ability, but Keka Raffo uses

it with perfection, beauty and art, and her success is absolute. Her works must be looked at with time and calmness.’ Juan Lara Izquierdo, (painter)

THINGS UNSAID Gabriel Szternsztejn (Buenos Aires, 1968) lives and works in Madrid since 2001. He composes, plays in concerts and teaches music at the well-known School of Creative Music. His newest record ‘Things unsaid’ (his second) was released in July this year. Gabriel Szternsztejn plays with his quartet in it. As so often happens nowadays, when commercial interests are vulgarizing all the art fields , Szternsztejn has decided to stay free and has produced independently his record, and sells it in his websites: www.szternsztejn. com y www.myspace.com/ szternsztejn MU –What is art to you? Gabriel Szternsztejn –Art is content s and for m, something to say and a way to say it. It is always there to be discovered; something that with luck you can touch slightly when you do your thing, in my case play and compose. For me it is hard to produce always art, I try to achieve artistic moments whilst making music; anyhow, the

valuing of an event as art is a subjective thing, I feel it when I reach something higher or when I see or receive it from somebody else’s work. So, most of the time I am a musician and some special times I am an artist. MU –How old were you when you started studying music? G .S . –I wa s young , 7 or 8, and I studied in a very interesting place in Buenos Aires, in Collegium Musicum, in which they taught simultaneously in a classical way and a modern way, especially what comes to pedagogy and the teachers. Later, when I was 16 I started studying harder at the Conservatory. Later on, I kept studying with masters that interested me. MU –Do you feel there is a zeitgeist? G.S. –I do not feel any specific zeitgeist, which do e sn´t me an it ’s not there. The truth is I am quite negative what comes to our planet in general and art cannot escape that negativity. I guess a sign of our times is the incredible facility of communication and the p o ssibility to produce art and show it w ith minimum me ans , something that not long ago was totally impossible; but that is more a formal matter, it’s hard for me to perceive something global what comes to what is said or the aesthetics of the moment.

I think there is a general saturation of information and especially of music, the traditional industry and the regular circuits to expose musical work cannot handle all that is being produced, so I feel this is a problem: we have a lot to choose from in theory, but very few real spaces where we can find out and show what we are deeply interested in. Before, to get a record you had to go through this process of search, trial, falling in love… you associated it to so many things; nowadays I don´t even know how many records I have in my mp3, and so many of them I will never listen to. MU –Ho w would you describe your music? G.S. –It is a mixture of many thing s : jaz z ha s influenced it, folk music, tango, some contemporary sounds. There is something very Argentinian, to call it somehow, lots of musics I got the chance to know and that influenced me a lot. More than of styles I could talk about musicians, like Astor Piazzolla, Egberto Gismonti, The B eatles , Bach, Miles Davis, or rock bands of the 70s, amongst others. If I had to describe my music, I’d say I see them a s instrumental songs , melodies you can keep but that do not miss lyrics. Gabriel’s music is gentle, smooth, quiet as a charming spring afternoon in a birch forest.

Alejandra Alarcón: Galería Sicart, Villafranca del Penedés. Mater in Progress: Ministerio de la Vivienda, Madrid. Erwin Olaf: DA2, Salamanca. Miguel Condé: Galería BAT, Madrid. Pierre Riollet: Galería Proyecto Arte, Madrid. Holy Destruction: Galerie Polad.Hardouin, París. Keka Raffo: Galería Éboli, Madrid.

Para cartas al director y colaboraciones escribir a: arte@revistamu.com poner en asunto “Cartas al director”.

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