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MĂ S DE DIEZ 2005 | 2017


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MĂ S DE DIEZ 2005 | 2017


CRÉDITOS CREDITS PROYECTO EDITORIAL EDITORIAL PROJECT

Alicia Candiani

COORDINACIÓN EDITORIAL EDITORIAL COORDINATION

Daniela Ruiz Moreno Cecilia Candiani

DISEÑO DESIGN

Fabiana Vierheller/ Alvaro Montañés Alicia Candiani

TRADUCCIÓN TRANSLATION

Daniela Ruiz Moreno Amanda Coimbra Alicia Candiani

FOTOGRAFÍA DE OBRA PHOTOGRAPHY OF WORKS

Gustavo Lowry Adriana Moracci Cecilia Candiani y los fotógrafos indicados en cada página

FOTOGRAFÍA DE REGISTRO REGISTER PHOTOGRAPHY

Equipo de ACE Artistas en REsidencia Adolfo De Salvo Buenos Aires, Argentina, 2017


Esta publicación registra los primeros 12 años de Proyecto´ace, un espacio independiente de pensamiento y producción de arte contemporáneo localizado en la ciudad de Buenos Aires, Argentina. En este período, los programas de residencias, proyectos internacionales, exposiciones, clínicas de obra y talleres han creado puentes que relacionaron a los artistas extranjeros con los artistas argentinos y a todos ellos con el entorno urbano y social de la ciudad de Buenos Aires, uno de los polos culturales de América Latina. This publication register the first 12 years of Proyecto’ace, an independent space of Contemporary Art thought and production, located in the city of Buenos Aires, Argentina. In this period, the artist in residence program, international projects, exhibitions, portfolios reviews and workshops, have created bridges that linked foreign artists with Argentine ones and all of them with the urban and social environment of the City of Buenos Aires, one of the cultural poles of America Latina.


Mia Pearlman | EEUU USA “Voluta�(detalle detail) Artista en residencia 2009 Artist in residence


NTRO DUCCIÓ

introduction


“THROUGH THE LOOKING-GLASS,AND WHAT ALICE FOUND THERE” At the beginning of Lewis Carroll’s novel, Alice ponders what the world is like on the other side of a mirror’s reflection, when she is surprised to see that she is able to step through it to an amazing universe. As Alicia’s story, Proyecto’ace’s idea was born from the intention of crossing the mirror and put myself on the other side, giving to others what I had been given in residencies in which I had worked around the world. The initial idea blossomed in the walk. What started as a project individual Project/madness, quickly became a collective work supported by many, that along the road, complemented me. My education at the National University of Córdoba (which privileged collaborative work and critical discussion), the legacy of the “ateliers collectifs” of Quebec, on the east coast of Canada and the “collaborative workshops” of the United States together with the advice of Malcolm Christian -founder of the Caversham Center for Artists and Writers in South Africa- were merged into a unique “genius loci” that was built up with ideas, criticism and learning from day to day. In Proyecto’ace, we work in collaboration, horizontal structures are privileged over vertical ones and processes are deepened. Here neither the images, nor the concepts, nor the techniques are pre-established, but they are in permanent transit. By encouraging new forms of commitment to the public through art, this organization is the connector of creators with national and international spaces for artistic production, fostering the birth of ideas, freedom of expression, innovative artistic practices and collaboration, as well as the international cultural exchange. ALICIA CANDIANI


“A TRAVÉS DEL ESPEJO Y LO QUE ALICIA ENCONTRÓ ALLÍ” En el comienzo de la novela de Lewis Carrol, el personaje de Alicia está meditando sobre cómo debe de ser el mundo al otro lado del espejo, cuando se sorprende al comprobar que puede pasar a través de él y descubrir un universo increíble. Como la Alicia del cuento, la idea generadora de Proyecto´ace nació de la intención de atravesar el espejo y colocarme en la otra parte, dando a otros lo que me había sido dado en las residencias artísticas en las que había trabajado alrededor del mundo. La idea inicial floreció en la marcha y lo que empezó como un proyecto individual se convirtió rápidamente en un trabajo colectivo sostenido por muchos, que en el camino, me acompañaron.

Mi formación en la Universidad Nacional de Córdoba (que privilegiaba el trabajo colectivo y la discusión crítica), el legado de los “ateliers collectifs” de Quebec, en la costa este de Canadá y de los “collaborative workshops” de Estados Unidos sumados a los consejos de Malcolm Christian -fundador del Caversham Centre para Artistas y Escritores de Sudáfrica- se fundieron en un “genius loci” único que se construyó sustentado por las ideas, las críticas y el aprendizaje del día a día. En Proyecto ´ace se trabaja en colaboración, se privilegian las estructuras horizontales por sobre las verticales y se profundizan los procesos. Aquí ni las imágenes, ni las conceptos, ni las técnicas son fijas sino que están en permanente tránsito. Al alentar nuevas formas de compromiso con el público a través del arte, esta organización es el conector de creadores con espacios nacionales e internacionales para la producción artística, fomentando el nacimiento de ideas, la libertad de expresión, las prácticas artísticas innovadoras y de colaboración, así como el intercambio cultural internacional. ALICIA CANDIANI


MISIÓN | VISIÓN

MISSION | VISION

´ace es un espacio de convergencia que tiene como MISION promover las prácticas artísticas contemporáneas que cuestionen el objeto de arte singular y experimenten con la capacidad de producción en múltiple de las técnicas gráficas, la fotografía, los nuevos medios digitales y/o el diseño, a través de proyectos que vinculen estas prácticas entre sí y/o con el tejido urbano y el entorno social de la ciudad de Buenos Aires. Nuestra VISION es ser un lugar inspirador para crear, único en su tipo en Sudamérica, que aspira a unir a los artistas de diferentes culturas y a reducir las distancias entre las antiguas y nuevas tecnologías y los diferentes géneros artísticos, promoviendo la excelencia artística y el intercambio como una plataforma generadora de nuevas ideas.

´ace is a convergence space which MISSION is to promote contemporary artistic practices that challenge the singularity of the art object by exploring the reproducible capacity of printmaking, photography, new media and/or design, through projects that link these practices with each other and/or with the urban and social environment of the city of Buenos Aires. Our VISION is to be an inspiring place to create, unique in its kind in South America, which aims to bring together artists from diverse cultures and bridge the gap between old and new technologies and the different artistic genres, promoting artistic excellence and exchange as a plataform to generate new ideas.


OUR HOME

NUESTRA CASA

´ace está alojado en una casona que data de 1914, localizada en el barrio de Colegiales de la ciudad de Buenos Aires. La misma fue restaurada y remodelada para dar cabida a los espacios de exposiciones, talleres, biblioteca y oficinas necesarios para desarrollar nuestras actividades. Su establecimiento en el área contribuyó al proceso de recuperación del barrio que comenzó en los años ‘90 con la instalación de estudios y productoras independientes de televisión, talleres de artistas y espacios de diseño a los que se sumaron la restauración de lugares históricos- el Teatro Regio, el Centro Cultural Carlos Gardel - por parte de la municipalidad. ´ace is housed in a building dating from 1914, located in Colegiales neighborhood in the City of Buenos Aires. It was restored and remodeled to accommodate the exhibition spaces, workshops, library and offices necessary to carry out our activities. Its establishment in the area contributed to the neighborhood recovery process that began in the ‘90s with the installation of independent TV studios, artists’ ateliers and design spaces joined by the restoration of historical sites -the Regio Theatre, Carlos Gardel Cultural Center- by the City Hall.


Proyecto ‘ace ha nacido con la voluntad de ser un lugar de encuentro. Así lo percibimos nosotros. (…) Me consta que allí convergen la idea de unos y las manos de otros, de varios otros. Proyecto’ace es una afortunada coincidencia de manos e ideas, de técnicos expertos y artistas ávidos de sorpresas.(…) Desde la Calcografía Nacional de Madrid nos sentimos testigos afortunados de su nacimiento”. “Proyecto ‘ace was born with the will to be a meeting place. This is how we perceive it. (...) I know that in there converge the idea of one and the hands of others, of several others. Proyecto’ace is a fortunate coincidence of hands and ideas, of expert technicians and artists eager for surprises. (...) From the National Calcography of Madrid we feel fortunate witnesses of its birth”.

JAVIER BLAS, Director Calcografía Nacional de Madrid - Real Academia de Artes de San Fernando Madrid, España. Noviembre 2005 | Madrid, Spain. November 2005


Malcom Christian (Sudรกfrica | South Africa) 2008 Trazando la inspiraciรณn | Mapping Inspiration


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RTISTAS EN RESIDENCIA

artists-in-residence


Piotr Skowron y | and Idzik Idzikowski Polonia | Poland artistas en residencia | artist-in-residence 2017 Foto | Photo Cecilia Candiani


CCUPY BUENOS AIRE

relocation | drift | mapping


CUPAR BUENOS AIRE

relocaciรณn | deriva | mapeo


2009 TRANSLOCALES

alexandra janik janik alexandra 1971 | Katowice, Polonia Vive en Wroclaw, Polonia Katowice, Poland Lives in Wroclaw, Poland

1997 Beca DAAD para Braunschweig University of Art en Alemania. 1996 Maestría en Bellas Artes con especialización en grabado en la Academia de Bellas Artes en Wroclaw, Polonia 1997 DAAD grant for the Braunschweig University of Art in Germany. 1996 MFA in Printmaking from the Academy of Fine Arts in Wroclaw, Poland

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UNIVERSITAS OPOLIENSIS OPOLE, POLONIA | POLAND

TRANSLOCALS

El proyecto Translocals fue un comentario artístico a preguntas sobre cómo las reubicaciones geográficas influencian a los artistas. La residencia y el tiempo en Buenos Aires, ambos ajenos a Janik, aparecieron como oportunidades perfectas para explorar si la reubicación ayuda a los artistas a ir más allá de las categorías fijas de su propia identidad (física, psicológica, social o cultural) o de sus limitaciones que son definidas a través de sus relaciones con todo lo externo. Siguiendo sus intereses y su búsqueda académica en la idea de “transgresión” entre la fotografía y la gráfica, Janik presentó un trabajo híbrido que incluyó grabados, fotografías e instalaciones a través de los cuales la artista presentó sus búsquedas de la verdad sobre el lugar, la gente, ella misma y sus intentos de llegar a la realidad en su forma auténtica, no mediada. The project Translocals was an artistic commentary to questions of how geographic relocations influence artists. The residency at ‘ace and the time at Buenos Aires, both alien to Janik, appeared as perfect opportunities to explore whether relocation helps artists to go beyond the fixed categories of their own identity (physical, psychological, social or cultural) or their limitations which are defined through their relations with everything outside. Following her interests and amademic reasearch in the idea of “transgression” among photography and printmaking, Janik presented an hybrid work consisting of prints, photographs and installations through which she presented her searches for the truth about the place, people and herself and her attempts to reach reality in its unmediated authentic form.


2014 CARTOGRAFÍAS INVISIBLES INVISIBLE CARTOGRAPHIES

Patricia francisco 1974| Porto Alegre, Brasil Vive en São Paulo, Brasil Porto Alegre, Brazil Lives in São Paulo, Brazil

Maestría en Artes en la Escuela de Comunicación y Artes de la Universidad de São Paulo (ECA-¬USP) Artes Visuales en el Instituto de Arte de la Universidad de São Paulo (UFRGS-IA) MA in Arts, Escuela de Comunicación y Artes in the Universidad de São Paulo (ECA-USP) Visual Arts in the Art Institut from the Universidad de São Paulo (UFRGS-IA)

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SECRETARIA DE FOMENTO E INVENTIVO À CULTURA, MINISTERIO DE CULTURA, GOVERNO FEDERAL DE BRASIL

El proyecto Cartografías Invisibles implicó la realización de un mapeo, registro fotográfico y video-documental, de edificios de finales del siglo XIX y principios del siglo XX de la ciudad de Buenos Aires. El video-documental “Dale” se realizó durante las trayectorias por la ciudad de Francisco, en las cuales, la artista y cineasta, habló con residentes de la ciudad, preguntando acerca de sus recuerdos de Buenos Aires. Entre un viaje en tren, la música y la arquitectura, vamos conociendo varios personajes y construyendo una visión de la ciudad. The project Cartografías Invisibles [Invisible Cartographies] involved the mapping, photographic and video-documentary register of late nineteenth and early twentieth-century buildings in the city of Buenos Aires. The video documentary “Dale” was made during the trajectories of Francisco through the city, where she spoke with its citizens, asking about their memories of Buenos Aires. Between a trip by train, music and architecture, the spectator gets to know several characters and can build a particular vision of the city.


2010 TO THE MILONGA

Tango es uno de los sinónimos internacionales de Buenos Aires, lejos del cliché que el discurso turístico siempre promueve, la artista Lesley Mitchell ha desarrollado el proyecto “A la milonga” que combina las artes visuales con un punto de vista antropológico sobre el tango y las milongas (eventos que tienen lugar casi todos los días de la semana en Buenos Aires). La danza es temporal, existente sólo en el momento que sucede y las artes visuales producen un objeto físico para la contemplación a largo plazo. Durante el tiempo en Buenos Aires, Mitchell investigó el Tango como un fenómeno multimedia que contiene música, danza, canto y poesía. A continuación utilizó dos medios diferentes: una serie de monotipos en los que abordó la comunicación sin palabras que tiene lugar entre bailarines de tango; un libro de artista hecho con fotolitografías en el que transmite la atmósfera de los eventos de Tango, donde las líneas entre los artistas y los espectadores son borrosas, donde el drama es constante y visible.

A LA MILONGA

Tango is one of Buenos Aires international synonyms, far from the cliché approach which touristic discourse always promotes, the artist Lesley Mitchell has developed the project “A la milonga” which combines visual arts with an anthropological point of view towards Tango dance and milongas (Tango events that take place almost every day of the week in Buenos Aires.) A recurring theme in Mithcell’s artwork is dance, which reflects the way she lives her life, divided and united by visual art and the art of dance. Dance is temporal, existing only in the moment of doing and visual art produces a physical object for long-term contemplation. During the time at ‘ace, Mitchell researched Tango as a multimedia phenomenon containing music, dance, song and poetry. Following she used two different mediums: a series of monotypes in which she approached the wordless communication that takes place between Tango dancers; an artist book made with photolithographs in which she transmits the atmosphere of Tango events, where lines are blurred between performers and audience, where the drama is constant and visible.

LESLEY MITCHELL Estados Unidos Vive en Filadelfia, EEUU Born in the USA Lives in Philadelphia, USA

Douglass College, Trenton State College, PA Academy of the Fine Arts


2008 EXPANSIÓN EXPANSION

JOHN HITCHCOCK alexandra janik 1967 | Oklahoma, EE.UU. Vive en Wisconsin, EE.UU. Oklahoma, USA Lives in Wisconsin, USA

Master en Artes. Grabado y Fotografía. Texas Tech University. Texas, EE.UU. Licenciatura en Artes. Cameron University, Oklahoma, EE.UU. Actualmente es Profesor y Decano Asociado del Departamento de Artes. University of Wisconsin-Madison, EE.UU. MFA. Printmaking and Photography. Texas Tech University, Texas, USA BFA. Cameron University. Oklahoma, USA Currently, he is a Professor and Associate Dean of the Arts at the University of Wisconsin-Madison, USA

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THE BERKSHIRE TACONIC

Expansión, la instalación que hizo el artista John Hitchock en la Galería Poliglota, incluye imagines de criaturas mitológicas híbridas (búfalos, lobos, jabalíes, ciervos, alces) y armamento militar (tanques y helicópteros) basadas en los recuerdos de su infancia transcurrida en las Montañas de Wichita en Oklahoma, al lado del de la base militar de artillería de Ft Sill. A través de ellas, Hitchcock explora nociones del bien, el mal, la muerte y los ciclos de la vida. Sus representaciones de bestias, animales y máquinas actúan como metáforas del comportamiento humano y de los ciclos de violencia. Su obra es una respuesta al comportamiento intrusivo de los seres humanos hacia la naturaleza y otros seres humanos. En un nivel, la repetición de las X hace un comentario sobre las políticas regionales, nacionales e internacionales del gobierno de los Estados Unidos quien fuerza a las personas a la reubicación y traslado forzoso de un lugar a otro. En otro nivel, Expansión es un manifiesto sobre eventos actuales como la invasión estadounidense de Irak y Afganistán, así como también el conflicto entre palestinos e israelíes. Expansion, the installation that artist John Hitchock made at the Poliglota Gallery, includes images of mythological hybrid creatures (buffalo, wolf, boar, deer, moose) and military weaponry (tanks and helicopters) based on his childhood memories of growing up in the Wichita Mountains of Oklahoma, next to Ft Sill field artillery military base. Through them, Hitchcock explores notions of good, evil, death, and life cycles. His depictions of beasts, animals, and machines act as a metaphors for human behavior and cycles of violence. His artwork is a response to intrusive behavior by humans towards nature and other humans. On one level, the repetitive x marks comments on the US government’s regional, national and international policies on human beings to the forcible relocation and removal of people from one location to another. On another level, Expansion is a statement about current events such as the US invasion of Iraq and Afghanistan as well as the major conflict between the Palestinians and Israelis.

Artistas argentinos trabajando en colaboración Argentine artists working collaboratively Federico Signorelli Ivan Vianello Valeria Zamparolo


2015 SÓLIDO >< VACÍO | SOLID >< VOID

ANNE SOLITANDER BOHLBRO alexandra janik 1988 | Copenhague, Dinamarca Copenhagen, Denmark

2015 Arquitecta MAA, Academia Real de Bellas Artes de Dinamarca, Escuela de Arquitectura. Dinamarca Architect MAA, The Royal Danish Academy of Fine Arts, School of Architecture. Denmark

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KADK DET KONGELIGE DANSKE KUNSTAKADEMIS SKOLER FOR ARKITEKTUR, DESIGN OG KONSERVERING

Sólido >< Vacío explora la arquitectura Brutalista de Buenos Aires. Notoria por su falta de preocupación por los contextos específicos, la arquitectura Brutalista es más que una expresión de las relaciones entre el sólido y el vacío, la claridad de la forma y la articulación del material. Una cierta intemporalidad e inespecificidad impregna los edificios y disuelve las localizaciones específicas que hacen a la arquitectura hablar de temas más grandes, más allá de su mera función y de aquello qué está en su vecindad cercana. Realizar este proyecto en fotolitografía aportó un gran contraste con lo que está representando - la arquitectura Brutalista. Mientras que las imágenes arquitectónicas son duras, sólidas y permanentes, las impresiones de fotograbado son más efímeras, tangibles y diferentes cada vez que se imprimen.

Solid >< Void explores Brutalist architecture in Buenos Aires. Notorious for its lack of concern for the specific contexts, Brutalist architecture is more of an expression of the relations between solid and void, the clarity of form and an articulation of material. A certain timelessness and placeless pervades the buildings and dissolves the specific locations making the architecture speak of bigger themes than its mere function and what is in its close neighborhood. To make this project in photolithography prints serve, moreover, as a great contrast to what they are depicting - the Brutalist architecture; whereas the architecture is hard, solid and permanent the photogravure prints are more ephemeral, tangible and different every time they are printed.


2013 THE JOY OF REBELLION

FElipe leslie garcía mitchell A través de The Joy of Rebellion, Felipe García exploró las contradicciones socio-culturales de diferentes ciudades que recorrió, desde Nueva York, Bogotá y Buenos Aires. En nuestra ciudad, García tomó fotografías de áreas que presentan grandes contrastes como Retiro. El recorrido del tren desde Retiro hacia la zona de Colegiales (donde se encuentra el estudio de ‘ace) nos muestra, de un lado el área financiera de la ciudad y del otro la Villa 31, uno de los asentamientos más emblemáticos de la ciudad justamente por su particular ubicación. Estas fotos fueron deconstruídas por García hasta llevarlas a estructuras casi bélicas que nos llevan a pensar en tanques o armas apuntando. El tratamiento del color fue de manera que simulan las estructuras de “paint by numbers” (esquemas con números que indican qué color incluir en cada sector) y el artista las realizó tanto en pintura, grabado y hasta en un mural en la terraza de ‘ace Through The Joy of Rebellion, Felipe García explored the socio-cultural contradictions of different cities he toured, New York, Bogota and Buenos. In our city, Garcia took photographs of areas that show great contrasts like Retiro. The train route from Retiro to Colegiales (the neighbourhood where the ‘ace studio is located) shows us, on one side the financial area of the city and on the other, the Villa 31, one of the most emblematic settlements of the city due to its particular location. These photos were deconstructed by Garcia to take them to warlike structures that lead us to think of threatening pointing tanks or weapons. The treatment of color was so that they simulate the structures of “paint by numbers” (schemes with numbers that indicate which color to include in each sector). The artist made them both in painting, prints and even in a mural on the terrace of ‘ Ace.

1986 | Bogotá, Colombia Vive en Buenos Aires, Argentina Bogotá, Colombia Lives in Buenos Aires, Argentina

2009 Licenciatura en Bellas Artes, New York City, EE.UU. 2007 Certificado en Bellas Artes, Nassau Community College, Garden City, EE.UU. 2009 BFA, School of Visual Arts, New York City, USA 2007,AAS, Nassau Community College, Garden City, USA


2012 ORTE.LIEUX.LUGARES ORTE.LIEUX.PLACES

ulrich ludat 1959 | Württemberg, Alemania Vive en Saarbrücken, Alemania Württemberg, Germany Lives in Saarbrücken, Germany

1990 Licenciatura en Educación Musical, Musikhochschule des Saarlandes, Saarbrücken, Alemania 1986 Profesorado de Francés y Musica, Universität des Saarlandes, Saarbrücken, Alemania 1990 State Diploma in (instrumental) Music Education, Musikhochschule des Saarlandes, Saarbrücken 1986 First State Exam (“1. Staatsexamen”). Universität des Saarlandes, Saarbrücken

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MONIKA A. HABERER BRIGITTE LUDAT VALÉRIE QUILEZ SAARLAND-SPORTTOTO GMBH

Ulrich Ludat es un compositor / artista que se define a sí mismo como una persona auditiva y cuyo dominio es, ante todo, el mundo acústico. Durante la “As Exploration Residency” y siguiendo un espíritu Fluxus hacia la vida y el arte, Ludat salió al espacio urbano de Buenos Aires, para él el área más interesante donde se produce el arte, incluso sin ser pensado como tal. Ingresando en barrios muy disímiles, grabó sonido y tomó fotografías de tres niveles diferentes: el subterráneo, el nivel del suelo y en las alturas de los puentes, con los que compuso su obra final. Ulrich Ludat is a composer/artist who defines himself as an auditive person and who’s domain is first of all the acoustic world. During the ‘ace Exploration Residency and following his fluxus approach towards life and art, Ludat went out into the Buenos Aires urban space, for him, the most interesting area where art occurs, even not being intended as such. Getting into very different neighbourhoods, he recorded sound and took photographies from three different levels, the underground, ground level and in the hights of the bridges, which he composed his final piece.


2010 LA CARA TERRESTRE: ARGENTINA

christopher newman 1970 | Port Macquarie, Nueva Gales del Sur, Australia Vive en Sídney, Australia Port Macquarie, New South Wales, Australia Lives in Sydney, Australia

2002 Maestría en Artes Creativas, Diseño Gráfico y Nuevos Medios, University of Wollongong, Australia 1993 Licenciatura en Diseño, Comunicación Visual, University of Technology, Sydney, Australia 1989 Licenciatura en Artes con foco en grabado, Sydney College of the Arts, University of Sydney, Australia 2002 Master of Creative Art, Graphic Design and New Media, University of Wollongong, Australia 1993 Bachelor of Design, Visual Communication, University of Technology, Sydney, Australia 1989, Bachelor of Arts, Printmaking, Sydney College of the Arts, University of Sydney, Australia

“Una obra urbana, un reflejo de Buenos Aires urbano. Representa mi rostro (el rostro en la selva urbana) y también dos sombras humanas yuxtapuestas con senderos urbanos, incluyendo los adoquines y los desagües. En muchas de mis obras, tengo mi cara o las caras o sombras de otros en la tierra o en la selva urbana. Presento a veces mi propio rostro transitorio en la escena ... (u) otras caras en la selva urbana ... alienada de la naturaleza. El rostro ‘extranjero’ también puede ser el extranjero, un viajero, un hombre gay o un inmigrante en otra tierra o lugar ‘foráneo’”. An urban work, a reflection of urban Buenos Aires. It depicts my face (the face in the urban jungle) and also two human shadows juxtaposed with urban footpaths, including the cobblestones and drains. In many of my works, I have either my face or the faces or shadows of others in the land or in the urban jungle. I depict sometimes my own transient face into the scene ... (or) other faces in the urban jungle ... alienated from nature. The ‘alien’ face can also be the foreigner, a traveller, a gay man or an immigrant in another land or ‘alien’ place.


2015

UNTITLED

SIN TÍTULO

Vivimos en algún lugar: en un país, en un pueblo de ese condado, en un barrio, en un edificio en esa calle, en un apartamento en ese edificio. Georges Perec Según Perec, vivimos en un lugar donde ponemos nuestras raíces, a donde queremos pertenecer. Mi trabajo está relacionado con cómo percibimos y nos movemos en el espacio. Debido a mi vida nómada, he llegado a muchas ciudades donde tengo que tallar el lugar para encajar. En el barrio “Colegiales”, donde se encuentra ACE, me sentí como en casa, de alguna manera estaba relacionado con mi Barrio de la infancia en España. El proyecto se compone por la superposición de los dos mapas de vecindad que alcanza una simbiosis entre ellos y así, crea un nuevo espacio, un nuevo hogar. We live somewhere: in a country, in a town in that county, in a neighbourhood, in a building in that street, in an apartment in that building. Georges Perec According to Perec, we live in a place where we put our roots where we want to belong to. My work is related to how we perceive and we move on the space. Due to my nomad life, I have come across to many cities where I have to carve out the place in order to fit in. At “Colegiales” neighbourhood, where ACE is located, I felt like at home, somehow it was related to my childhood neighbourhood in Spain. The project is composed of overlapping the two neighbourhood maps, with a symbiosis between them; I’m creating a new space, a new home.

Patricia TERESA PUIGfrancisco 1971 | Terrassa, España Vive en Stavanger, Noruega Terrassa, Spain Lives in Stavanger, Norway

2013 Posgrado en Arte Digital y Cultura, UOC_LABoral, (Universitat Oberta de Catalunya and Centro de Arte y Creación Industrial), España 2006 Maestría en Bellas Artes, UWIC, University of Wales Institute Cardiff, Reino Unido 2004 Licenciatura en Artes Visuales, University of Gloucestershire, Reino Unido 2013 Postgraduate in Digital Art and Culture, UOC_LABoral, (Universitat Oberta de Catalunya and Centro de Arte y Creación Industrial), Spain 2006 MA Fine Art, UWIC, University of Wales Institute Cardiff, UK 2004 BA Visual Arts (First Class Hons), University of Gloucestershire, UK


2008 CONSTRUYENDO ARGENTINA CONSTRUCTING ARGENTINA

suzan shutan 1953 | New Haven, Connecticut, EE.UU. Vive en New Haven, Connecticut, EE.UU. y Porto, Portugal New Haven Connecticut, USA Lives in New Haven, Connecticut USA & Porto, Portugal

1988, Maestría en Bellas Artes, Rutgers University, Mason Gross School of the Arts, New Brunswick, New Jersey, USA 1977, Licenciatura en Bellas Arties, California Institute of the Arts, Valencia, California, EE.UU. 1988 MFA Rutgers University, Mason Gross School of the Arts, New Brunswick, New Jersey USA 1977 BFA California Institute of the Arts, Valencia, California USA

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THE BERKSHIRE TACONIC COMMUNITY FOUNDATION GREAT BARRINGTON MA- ARTISTS RESOURCE TRUSTARTIST FELLOWSHIP GRANT

Suzan Shutan realizó una instalación site-specific en la que las paredes, piso y techo de la Sala Políglota de ‘ace sirvieron como mapas gigantes de la Argentina. Para esto se preguntó ¿es posible definir un país por más que su historia y ficciones siempre cambiantes?. La exposición creó trayectorias visuales y diálogos inesperados de un lugar al que la artista todavía no fue pero que ya exploró e interpretó. La instalación incluyó material en video, sonido, grabado, dibujos y esculturas de papel que formaban una psico-geografía de varias regiones del país y caminos deseados de movimientos migratorios. Se construyó una experiencia sensorial que articuló nociones contemporáneas acerca de lo que significa habitar.

Suzan Shutan asked herself the question “Can a country ever be defined by something other than its changing history and the fictions of others?” in order to create a site-specific installation in which the walls, floor and ceiling served as a giant map of Argentina. The exhibit created visual trajectories and unexpected dialogues of a place not yet traveled to but explored and interpreted. Work created for the exhibition consisted of video, sound, print, drawing and paper sculptures as a psycho-geography of the country’s various regions and desired paths of migratory travel. What was revealed was a sensory experience that constructed contemporary notions of habitation.


2014 VISIBLE PARA MÍ, VISIBLE PARA TI… VISIBLE FOR ME, VISIBLE FOR YOU

nurbanu asena alexandra janik 1988 | Turquía Vive entre Londres, Reino Unido y Estambul, Turquía Turkey Lives between London, UK and Istanbul, Turkey

2009 Licenciatura en Bellas Artes, Diseño y Tecnología, Parsons School of Design, Nueva York 2009 Bachelor of Fine Arts, Design and Technology, Parsons School of Design, New York

Asena afirma que, al igual que todos tenemos diferentes estados anímicos y mentales, nuestra forma de “mirar” y “ver” cosas, lugares y personas es distinta. Basada en su proyecto “Sketchbook Diaries”, la artista decidió buscar inspiración en diferentes ciudades-culturas de todo el mundo creando ilustraciones sobre las locaciones en las que se encontraba, las que luego fueron superpuestas -expuestas con fotos tomadas en esos mismos lugares. Así, creó una serie de ilustraciones, que sirvieron como “diarios” o “colección de memorias”. Las mismas contienen la sinceridad de un diario a la vez que muestran escenas ilustradas a través de su mente y sus ojos. Asena states that as we all have different moods and states of mind, our way of “looking” and “seeing” things, place and people are dissimilar. Based in her “Sketchbook Diaries” project,  the artist decided to look for inspiration visiting different countries-cultures around the world and creating location based illustrations. Those were later superposedexhibited  with photos taken at those same locations.    In this way, she created a series of illustrations,  that served as “diaries” or “collection of memoirs” which carried the sincerity of a diary while they show scenes illustrated through her mind and eyes.


CRACKS CITYSCAPES

2013 GRIETAS2011

PAISAJES URBANOS

El trabajo de Hoyle se ocupa del medio ambiente urbano, físico y social; desde las reacciones fenomenológicas individuales, al paisaje urbano, hasta las cuestiones sociopolíticas más amplias del entorno construido. “Cityscapes” utiliza impresos, collage e instalaciones basadas en su fotografía del entorno construido. Una serie de fotografías fueron tomadas mientras se exploraban las áreas urbanas de Buenos Aires, como una forma de documentar y archivar sus experiencias. Éstas fueron entonces fragmentadas y abstraídas, cortadas y reajustadas para formar collages de estructuras arquitectónicas. Los collages se incorporaron a una instalación de sitio específico en el Espacio Transversal de la Fundación ‘ace para reflejar las experiencias de la vida urbana contemporánea que a menudo están fragmentadas, distorsionadas y distanciadas. Hoyle mantiene un enfoque experimental de los medios de comunicación, ‘expandiendo’ los medios bidimensionales de serigrafía y collage en instalaciones tridimensionales. Hoyle’s work is concerned with the urban environment, physical and social; from individual phenomenological reactions to the urban landscape, to wider socio-political issues of the built environment. “Cityscapes” uses print, collage and site-specific installations based on her photography of the built environment. Series of photographs were taken whilst exploring urban areas of Buenos Aires, as a form of documenting and archiving her experiences. These were then fragmented and abstracted, cut up and rearranged to form collages of architectural structures. The collages were incorporated into a site-specific installation in the Transverse Space of Fundación ‘ace, made to reflect experiences of contemporary city living, which are often fragmented, distorted and estranged. Hoyle maintains an experimental approach to media, ‘expanding’ the twodimensional screen-print and collage media

sophie Hoyle leslie mitchell 1986 | Londres, Reino Unido Vive en Londres, Reino Unido London, United Kingdom Lives in London, United Kingdom

2015 Maestría en Bellas Artes, Goldsmiths 2010 Diplomatura en Bellas Artes, Byam Shaw, Central Saint Martins 2009 Licenciatura en Geográfia Humana, UCL 2015 MFA Fine Art, Goldsmiths (Distinction, Postgraduate Scholarship) 2010 PgDip Fine Art, Byam Shaw, Central Saint Martins 2009 BA Human Geography, UCL

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THE BERKSHIRE TACONIC


2016 LUCIÉRNAGAS FIREFLIES

cristiano sant´Anna 1973 | Porto Alegre, Brasil Vive en Porto Alegre, Brasil Porto Alegre, Brazil Lives in Porto Alegre, Brazil

2004 Licenciatura en Comunicación Social, Pontifícia Univerdade Católica do Rio Grande do Sul (PUC-RS), Brasil 2004 BA in Social Communication, Pontifícia Univerdade Católica do Rio Grande do Sul (PUC-RS)

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EMBAJADA DE BRASIL EN BUENOS AIRES FUNDACIÓN CPI

Luciérnagas son aquellos insectos que solo pueden ser vistos en el campo, por las noches y que producen una luz y movimientos únicos, como una danza colectiva. La luz del día, uniforme y fuerte, apaga la luz de las luciérnagas. El cineasta italiano, Pier Paolo Pasolini, relata una experiencia personal con luciérnagas: una noche durante la década de los 30, él y un amigo subieron a lo alto de una colina para mirar el paisaje. En la cima oscura, vieron la danza de las luciérnagas y se preguntaron: ¿hacia dónde van estos insectos durante el día? Será que están ahí pero no pueden ser vistos?, serán tapados por la fuerte luz del día, agresiva frente a su sutileza?. Con esa idea es que realizamos el proyecto Luciérnagas: compartir visiones distintas, buscando a su vez, los puntos en común entre ellas. Me interesan los grupos no vistos de las ciudades, aquellos cuyas voces están silenciadas por el stablishment y que pueden sumar nuevas formas de percibir el fenómenos urbano a través de una deriva poética por la ciudad: mendigos, inmigrantes, personas que padecen de algún sufrimiento psíquico. Por otro lado, y sumando a esa perspectiva, me interesa subvertir la tríada artista/obra/público. Producir reflexiones sobre las posibles interacciones y fusiones entre los roles. Durante la residencia ‘acePIRAR, Sant’Anna realizó este proyecto de intervención conjuntamente con Fundación CPI (Centro de Psicoterapias Integradas) localizada en el barrio de Colegiales, CABA. Sant’Anna trabajó en colaboración con los concurrentes (personas con discapacidades psico-sociales) de la Fundación CPI durante una semana, impartiendo un taller de fotografía estenopeica con un enfoque en la construcción de un discurso colectivo. Mediante la práctica, invitó a los residentes a fotografiar su entorno, la vida cotidiana y el medio ambiente, para “mirar”, con las cámaras (construidas por cada uno de ellos con cajas de fósforo), al uno y al otro. A través de la percepción estética de la fotografía, se discutieron temas de pertenencia y ciudadanía. Las fotografías que resultaron de las derivas por el barrio Colegiales fueron expuestas en Septiembre del 2016 en el Espacio Cultural de la Embajada de Brasil en Buenos Aires.

Fireflies are those insects that can only be seen in the field, at night and produce light and unique movements, such as a collective dance. Daylight, even and strong, turns off the light of the fireflies. Italian filmmaker Pier Paolo Pasolini relates a personal experience with fireflies: one night during the 1930s, he and a friend climbed the top of a hill to look at the landscape. In the dark top, they saw the dance of the fireflies and they asked: where do these insects go during the day? Are they there but can not be seen?, are they covered by the strong light of day, aggressive in front of its subtlety?. With that idea is that the Project Luciérnagas was developed: sharing different visions, looking for the points in common between them. I am interested in social groups that are not seen in cities, those whose voices are silenced by the establishment and can add new ways of perceiving urban phenomena through a poetic drift through the city: beggars, immigrants, people suffering from some psychic suffering. On the other hand, and adding to that perspective, I am interested in subverting the triad artist / work / public. Produce reflections on possible interactions and mergers between roles. During the ‘acePIRAR’ residence, Sant’Anna carried out this intervention project jointly with the CPI Foundation (Center for Integrated Psychotherapies) located in the neighborhood of Colegiales, CABA. Sant’Anna worked in collaboration with the participants (people with psychosocial disabilities) of the CPI Foundation for a week, imparting a pinhole photography workshop with a focus on building a collective discourse. Through the practice, he invited residents to photograph their environment, everyday life and the environment, to “look” with the cameras (each of them built with boxes of phosphorus), to each other. Through the aesthetic perception of photography, issues of belonging and citizenship were discussed. The photographs that resulted from the drifts in the Colegiales neighborhood were exhibited in September of 2016 in the Cultural Space of the Brazilian Embassy in Buenos Aires.


Asociados/ Partners Fundaciรณn CPI Beira SoyVecino LOWRY Fine Arts


2005 VOLVER RETURN

ulla schirmbeck 1975 | Erding, Alemania Vive en Rijswijk, Países Bajos Erding, Alemania Lives in Rijswijk, Países Bajos

Comunicación Visual, Royal Academy of Fine Arts, La Haya, Países Bajos Visual Communication, Royal Academy of Fine Arts, The Hague, Netherlands

Mi modo de expresión se relaciona con el sujeto y su entorno. Considero mi arte como instantáneas de mis observaciones de la vida en otras ciudades y culturas. Debido a que hay múltiples modalidades en las que estas observaciones pueden ser presentadas, trabajo en varias disciplinas, incluyendo dibujo, pintura, grabado y cerámica. Descubrir, ver, entender y luego producir se funden en un proceso natural para mí. My mode of expression depends on the subject and its environment. I consider my art a documented snapshot of my observations of life in other cities and cultures. Because there are multiple modalities in which these observations can be presented, I work in various disciplines including drawing, painting, printmaking, and ceramics. Discovering, seeing, understanding, and then producing meld into one natural process for me.


2013 DE-CONSTRUCTION

El proyecto De-Construcción parte de un proceso de investigación y desarrollo visual fotográfico. Se ha realizado en Lima, Perú, Medellín, Colombia y Buenos Aires, Argentina. Parte de la realidad contemporánea latinoamericana es la afirmación y negación del medio ambiente en el que uno se desarrolla. Esto se ve reflejado en el crecimiento vertical y horizontal de las ciudades mientras el ciudadano legitima, niega, retoma y abandona diversos espacios que fueron absorbidos por el paso del tiempo y la cultura emergente. Como consecuencia: “una mirada ajena a la repetición de su contemplación de diversas construcciones desoladas, manifestando, mediante el lente fotográfico la trasgresión de la intimidad del espacio en sí mismo”.

DE-CONSTRUCCIÓN

The De-Construction project starts from a process of research and photographic visual development. It has been carried out in Lima, Peru, Medellín, Colombia and Buenos Aires, Argentina. Part of the contemporary Latin American reality is the affirmation and denial of the environment in which one develops. This is reflected in the vertical and horizontal growth of cities, while citizens affirm, reject, retake and leave various spaces that were absorbed by the passage of time and emerging cultures. As a consequence: “a look that is detached from the repetition of its contemplation of various desolate constructions and that manifests through the photographic lens, the transgression of the intimacy of space itself.”

NAtalia Pilo-Pais figallo 1984 | Lima, Perú Vive en Lima, Perú Lima, Peru Lives in Lima, Peru

2016 Maestría en Filosofía con Mención en Antropología Filosófica. Universidad de Piura. Perú (en curso) 2012 Titulación en Artes Visuales, Corriente Alterna, Lima Perú 2009 Bachiller Complementario en Artes Universidad Mayor de San Marcos. Lima, Perú 2007 Escuela de Artes Corriente Alterna. Carrera De Artes Visuales. Lima, Perú 2016 Masters In Philosophy with major in Anthropologic Philosophy. Universidad de Piura. Piura and Lima, Peru 2012 Visual Arts, Corriente Alterna, School of Art. Lima, Peru 2009 Bachelor In Arts, Universidad Mayor de San Marcos, Lima, Peru 2007 School of Arts, Corriente Alterna School of Art. Lima, Peru


2012 ENSAMBLE PORTABLE PORTABLE ENSEMBLE

ALISDAIR MAC RAE 1974 | Dawson Creek, Canadá Vive en Ottawa, Canada Dawson Creek, Canada Lives in Ottawa, Canada

2016 hasta el presente, Maestría en Diseño, Carleton University 2010-2012 Maestría en Administración Pública, Seton Hall University 2003-2007 Maestría en Bellas Artes, Artes Visuales, Bard College 1992-1996 Licenciatura en Artes Visuales, con honores, University of Victoria 2016-present, Candidate, Master of Design, Carleton University 2010-2012 Master of Arts, Art History, Carleton University 2003-2007 Master of Public Administration, Seton Hall University 2000-2003 Master of Fine Arts, Visual Arts, Bard College 1992-1996 Bachelor of Fine Arts, Visual Arts, Honours, University of Victoria

La práctica artística de Alisdair MacRae está dirigida a la participación pública y a la dignificación de comunidades, manteniéndose apartado de su papel como autor. En su lugar, los espectadores participan activamente de la obra la cual no existe sin su aporte. A través de la residencia de Intervención Urbana en‘ace, MacRae hizo que el público se relacionara con un conjunto de sillas portátiles de madera fuera de los espacios de exposición convencionales, el artista construyó la sillas a partir de la reutilización y transformación de cajones de verdulería y las instaló en diferentes partes de la ciudad (Parques de Palermo, Rosedal) usando una bicicleta y un vagón, que también construyó él mismo. Las sillas permiten a las personas vincularse a través de la conversación, el debate, o simplemente descansar. El artista sostiene que construyó las sillas en búsqueda de transparencia. Alisdair MacRae’s artistic practice is directed at public participation, and dignifying communities while he removes himself from the role of author. Instead, viewers actively make the work; it does not exist without their input. Through the Urban Intervention residency at ‘ace, MacRae engaged the public outside the gallery settings with a set of portable, wooden chairs that he made with reused fruit boxes. The artist installed the chairs in different locations of the city of Buenos Aires (Palermo Parks, Rosegarden) using a bicycle and a wagon, which he also constructed. The chairs allowed people to engage one another in conversation, debate, or simply rest. The artist states that he built the chairs for transparency’s sake.


2013 AUSENCIA ABSENTIA

laura barron 1966 | Ciudad de México, México Vive en Toronto, Canadá Mexico City, Mexico Lives in Toronto, Canada

2007 Maestría en Artes Visuales, York University, Toronto, Canada 1991 Licenciatura en Artes Visuales, ENAP-UNAM 2007 MA in Visual Arts, York University, Toronto, Canada 1991 BA in Visual Arts, ENAP-UNAM

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ONTARIO ARTS COUNCIL

Absentia consistió primeramente en la elaboración de un archivo fotográfico de espacios urbanos vacíos, abandonados o en estado de transición de la ciudad de Buenos Aires. Luego del registro, la artista construyó libros-esculturas que fueron instalados en el Espacio Transversal de la Fundación ‘ace. Interesada en encontrar en el paisaje urbano elementos que funcionan como huellas, como evidencia de lo que hubo, la artista se planteó cuestionar y reconsiderar la perspectiva del paisaje a través de la fotografía, herramienta que sugiere, cuestiona, evoca, estimula, construye, inventa y modifica.

Absentia consisted, first of all, in the elaboration of a photographic archive of vacant, abandoned or transitional urban spaces of the city of Buenos Aires. After the registration, the artist built books-sculptures that were installed in the Transversal Space of the Fundación ‘ace. Interested in finding in the urban landscape elements that work as footprints, as evidence of what was, the artist questioned and reconsidered the perspective of the landscape through photography, a tool that suggests, questions, evokes, stimulates, builds, invents and modifies.


2011 PERFECT SCULPTURES

ESCULTURAS PERFECTAS

AMANDA SCHROER 1973 | Louisville, Kentucky Vive en Portland, Oregon, EE.UU. Louisville, Kentucky Lives in Portland, Oregon, USA 2007 Maestría en Prácticas Artísticas Contemporáneas, Portland State University, EE.UU. 2000 Licenciatura en Artes con énfasis en Dibujo y Pintura, University of New Mexico, Albuquerque, NM, EE.UU.

Encuentro inspiración en lo espontáneo, en lo no intencional y en lo inconsciente de lo cotidiano. Los pequeños paisajes urbanos que residen en los balcones de casas y edificios, las cajas vacías de verduras apiladas en lo alto de las aceras o los kioskos de las esquinas de las avenidas de Buenos Aires, son involuntarios, pero al mismo tiempo perfectos y difíciles de ignorar. Veo estas “esculturas perfectas”, a través de la lente de mi cámara, como turista y como artista. Me siento más cómoda mezclando los medios. Me gusta tomar los trozos flotantes de ideas y materiales y jugar a hacer parejas entre ellos, a veces con una intención armoniosa y otras con una simple curiosidad sádica. El proyecto desarrollado en ‘Ace comenzó con fotografías y fotolitografía, luego se combinó con técnicas y medios de gráfica múltiple y grabado no tóxico. Siguiendo con la idea de lo espontáneo, lo involuntario y lo inconsciente, el trabajo adicional de los medios mixtos debe complementar y ponerse en conflicto con la las esculturas espontáneas y perfectas de la ciudad.

I find inspiration in the spontaneous, the unintentional, and the unconsciousness of the everyday. The small urban landscapes that reside on the balconies of homes and buildings, the empty vegetable crates piled high on the sidewalks, or the densely arranged kiosks on the corners of the Buenos Aires Avenues are involuntary, yet so perfect, and hard for me to ignore. I see these “perfect sculptures”, through the lens of my camera, as a tourist and as an artist. I feel most comfortable mixing mediums. I enjoy taking the floating scraps of ideas and materials and playing matchmaker with them, sometimes with harmonious intent and others with plain sadistic curiosity. The project developed at ‘Ace beggined with photographs and the photo-litho process, that were then combined with multiprintmaking and non-printmaking techniques and mediums. Keeping with the idea of the spontaneous, the unintentional, and the unconscious, the additional mixed media work should compliment yet conflict with the unpretentious nature of the of the city’s perfect sculptures.

2007 MFA in Contemporary Art Practices, Portland State University, USA 2000 BFA in Studio Art with an emphasis in Drawing & Painting, University of New Mexico, Albuquerque, NM, USA

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PORTLAND STATE UNIVERSITY, CLACKAMAS COMMUNITY COLLEGE


2011 SABOR-SABER-SĀVӘR

cristina molina 1985 | Florida, EE.UU. Vive en Florida, EE.UU. Florida, USA Lives in Florida, USA

2009 Licenciatura en Artes, International University of Florida 2008 Licenciatura en Psicología, International University of Florida 2009 BA in Arts, International University of Florida 2008 BA in Psicology, International University of Florida

Sabor-Saber-Sāvәr, el proyecto que la artista Cristina Molina desarrolló durante su residencia dentro del programa SUB30, exploró una relación íntima de la artista con la ciudad de Buenos Aires. Continuando con su interés en el tema del cuerpo y su función como mediador entre lo externo y lo interno, esta serie de obras investiga la posibilidad de conocer un lugar a través de sus sabores. El nombre de la instalación, es un juego de palabras castellano-inglés en el que se incluye la fonética inglesa para pronunciar la palabra en español, así como la palabra “saber” en alusión a una forma de conocimiento primitiva, directa e intensa que se da a través de colocarse las cosas en la boca y “saborearlas”, como realizan los niños. Durante su estadía en Buenos Aires, la artista deambuló como un voyeur visitando veintiséis lugares emblemáticos de la ciudad, armando una escenografía con una mesa y una comida especial para cada uno de ellos, simulando el acto amoroso de conquistar a través de una comida. El proceso fue registrado remedando la técnica de la fotografía estereoscópica, con imágenes dobles ligeramente desplazadas para crear una visión tridimensional. Las fotografías fueron impresas en una tarjeta, estando el reverso de la misma ocupado por un poema romántico -escrito para el lugar y la ocasión- en un lado en castellano y en el otro en inglés, por lo cual las palabras en los dos idiomas se entremezclaban en el cerebro así como también en la imagen. Finalmente, todas las tarjetas tomaron la forma de una instalación en el Espacio Diálogo de ´ace y podían ser miradas mediante un antiguo visor estereoscópico que la artista había encontrado en un mercado de pulgas antes de su viaje. A medida que los visitantes se involucraban con la obra, los textos y las imágenes duplicadas se fundían en una, haciendo surgir así una nueva forma de lenguaje tanto visual como idiomático.

Sabor-Saber-Sāvәr, the project that the artist Cristina Molina developed during her residence in the SUB30 program, explored an intimate relationship between the artist and the city of Buenos Aires. Continuing her interest in the subject of the body and its role as mediator between the external and the internal, this series of works investigates the possibility of knowing a place through its flavors. The name of the installation is a set of Spanish-English words that includes English phonetics to pronounce the word in Spanish, as well as the word “saber” in reference to a form of primitive, direct and intense knowledge, that is achieved by putting things in the mouth and “savor” them, as children do. During her stay in Buenos Aires, the artist wandered like a voyeur visiting twenty-six emblematic places of the city, setting up a stage with a table and a special meal for each of them, simulating the love act of conquering through a meal. The process was recorded by mimicking the technique of stereoscopic photography, with double images slightly offset to create a three-dimensional view. The photographs were printed on a card, with a romantic poem in the backwritten for the place and occasion - on one side in Castilian and the other, in English, so that the words in both languages intermingle in the brain as well as in the image. Finally, all the cards took the form of an installation in the Dialogue Space of ‘ace and could be looked at by an old stereoscopic visor that the artist had found in a flea market before her trip. As visitors became involved with the work, duplicate texts and images merged into one, thus giving rise to a new form of language both visual and idiomatic.


2007 EN CONCRETO ON CONCRET

rafael trelles 1957 | San Juan, Puerto Rico Vive en San Juan, Puerto Rico Lives in San Juan, Puerto Rico

1984 Estudios de post-grado, Universidad Autónoma de México 1980, Bachiller en Artes Plásticas, Universidad de Puerto Rico 1984 Post-graduated studies, Universidad Autónoma de México 1980 Bachellor in Fine Arts, Universidad de Puerto Rico

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INSTITUTO DE CULTURA PUERTORRIQUEÑA COOPERATIVA DE SEGUROS MÚLTIPLES DE PUERTO RICO GALERÍA SIN TÍTULO DE PUERTO RICO MINISTERIO DE CULTURA DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES

“En Concreto: gráfica urbana” es un proyecto artístico de intervenciones urbanas en el que Rafael Trelles ha estado trabajando desde el verano del año 2004 sobre muros, aceras y postes de diferentes ciudades y de la isla Vieques en Puerto Rico. Se trata de una obra gráfica de carácter experimental originalmente diseñada para integrarse a los sectores pobres y abandonados de las ciudades puertorriqueñas. La técnica es una suerte de gráfica invertida donde el artista se vale de la sustracción del verdín de los muros urbanos para realizar las imágenes. Inspirado en la obra de Julio Cortázar, quizás el más grande flâneur de Buenos Aires, Trelles realizó una serie de intervenciones sobre los muros y aceras de los barrios de Colegiales, San Telmo y Caballito en la ciudad de Buenos Aires que, dado su carácter efímero, fueron registrados en una película documental y en la edición de 30 portfolios con 5 intaglios que registraron las principales imágenes del proyecto, los que fueron impresos en los talleres de ´ace en Buenos Aires. “On Concrete: urban graphics” is an artistic project of urban interventions in which Rafael Trelles has been working since the summer of 2004 on walls, sidewalks and poles of different cities and the island of Vieques in Puerto Rico. It is an experimental graphic work originally designed to integrate the poor and abandoned sectors of Puerto Rican cities. The technique is a sort of inverted print where the artist uses the mold subtraction from the urban walls to make the images. Inspired by the work of Julio Cortázar, perhaps the Buenos Aires greatest flâneur, Trelles made a series of interventions on the walls and sidewalks of the neighborhoods of Colegiales, San Telmo and Caballito in the city of Buenos Aires. Given its ephemeral nature ,the pieces were recorded in a documentary film and in the edition of 30 portfolios with 5 intaglios each, that register the main images of the project, which were printed in ´ace workshops in Buenos Aires.


… (en este trabajo) Rafael supo mirar la realidad paralela y descifrar la abrumadora soledad en el embotellamiento de la “Autopista del Sur” entrelazándola con el cotidiano vaivén de la ciudad y los trenes en la Estación de Colegiales; imaginó la fantasía de los “Sueños de Lucas” sobre los muros tristes de la calle Moldes; nos habló de la utopía colocando a “La Hidra” al lado del refugio de los cartoneros, forjó la “Rayuela” en la vereda en que juegan los alumnos de la Escuela Presidente Uriburu y nos regaló el taconeo susurrante de “La Maga”, siempre apareciendo y desapareciendo por la ciudad.” Alicia Candiani “... (in this work) Rafael knew how to look at the parallel reality, deciphering the overwhelming loneliness in the “The southern Highway” traffic jam, intertwining it with the daily rocking of the city and the trains in the Colegiales Station; imagining the fantasy of the “Dreams of Lucas” on the sad walls of the street Moldes; he told us about the utopia by placing “The Hydra” next to the board colectors’ shelter, printing the “Hopscotch” in the path where the students of the Presidente Uriburu School play and gave us “The Magician” whispering tapping , always appearing and disappearing in the city.” Alicia Candiani


Video Documental Documental Video Roberto (Tito) Otero


2010-11 SENTIR CON LOS OJOS TO FEEL WITH THE EYES

andrew donohoe 1964 | Tasmania Vive en Tasmania, Australia Lives in Tasmania, Australia

Autodidacta

Self-taught

“El proceso de desarrollo de esta obra fue una aventura creativa de puro placer. Todas las imágenes fueron recogidas en lugares que me interesaron y despertaron cierto misterio durante una visita a Buenos Aires el año anterior. La ciudad es, para mí, como una jungla exótica llena de plantas e insectos, tanto extraña como hermosa, que cada vez que visito ofrece algo más por descubrir. Las imágenes obtenidas pertenecen a diferentes elementos del entorno que encontré en uno de mis lugares favoritos que visitaba a menudo y fueron recogidas casi como un niño puede coleccionar mariposas o insectos de un colorido inusual. Estas imágenes incluyen las texturas de las superficies por debajo de mis pies, pavimento, piedras y otros objetos diversos que registran las marcas de tiempo, la oxidación, una pátina que evoluciona con el paso del tiempo”. “The process involved in developing this body of work was a new creative adventure of pure pleasure. All the images were collected in places that interested me and awoke a certain mystery during a visit to Buenos Aires the previous year. The city is, for me, like an exotic jungle full of plants and insects, both strange and beautiful that every time I visit offers something more to discover. The images obtained belong to different elements of the environment that I found in one of my favorite places that I visited often. They were collected almost as a child can collect butterflies or insects of an unusual color. These images include the textures of the surfaces beneath my feet, pavement, stones and other diverse objects that register the time marks, the oxidation, and a patina that evolves with the passage of time”.


2016 SIN TÍTULO (20 VIAJES EN TREN) UNTITLE (20 TRAIN RIDES)

elisa berger melo 1989 | Caracas, Venezuela Vive en Santo Domingo, República Dominicana Caracas, Venezuela Lives in Santo Domingo, República Dominicana

England School of Photography, EE.UU. 2015 Licenciatura en Fotografía, Universidad Veritas, San José, Costa Rica England School of Photography, USA 2015 Bachelor in Photography, Universidad Veritas, San José, Costa Rica

La aproximación desde un espacio desconocido, desde la construcción de la cotidianidad, es una acción que interesa a la artista Elisa Bergel Melo a partir de su propia experiencia como emigrante en varios países por muchos años. Desde esa premisa, durante su estadía en Buenos Aires utilizó como medio 20 viajes en tren para reflexionar sobre la conducta humana. De la experiencia del movimiento y los patrones de comportamiento que se desprenden de la convivencia circunstancial del espacio público, surgen conceptos opuestos como el orden y el caos, interior y exterior, tensiones, desde donde surgen los elementos que componen la construcción de la ciudad como lugar de encuentro entre diversas experiencias. Usando distintos sujetos y técnicas fotográficas, la artista hace un recorrido de adentro hacia fuera y posibles observaciones para abarcar formatos tradicionales como el retrato y el paisaje al servicio de encuentros fortuitos con lo inexplorado.

Elisa Bergel Melo, an artist who has migrated through several countries for many years, is interested in the construction of daily life through the approach of unknown spaces. From that starting point, during her stay in Buenos Aires inside the framework of the Exploration Residency of Proyecto ‘ace, she used as a medium 20 train journeys to reflect on human behavior. The curcumstantial coexistence in the public space provides experiences of movements and patterns of behavior which arise opposite concepts such as order and chaos, interior and exterior, tensions. At the same time, from those concepts is that we can point the elements that make up the construction of the city as place of encounter between diverse experiences. Using different subjects and photographic techniques, the artist makes a journey from the inside out and suggests possible observations whithin traditional formats such as portrait and landscape at the service of chance encounters with the unexplored.


2017 STEPS IN LINE

PASOS EN LÍNEA

Michael Claire es un artista visual, periodista y chef que ha vivido en Corea del Sur, India e Inglaterra, lugares de los que no solo tomó inspiración para la cocina sino también para lo visual. Durante su mes en Buenos Aires realizó todos los recorridos a pie y solo tomó el transporte público una vez, dato muy relevante teniendo en cuenta el tamaño de esta ciudad. Registró su tránsito en mapas y lo uso como base formal para sus dibujos y pinturas abstractas a gran escala. Michael Claire is a visual artist, journalist and chef who has lived in South Korea, India and England, places from which he not only took inspiration for the kitchen but also for his visual work. During his month in Buenos Aires he made all the tours on foot and only took public transport once, a very relevant fact considering the size of this city. He recorded his transit on maps and used it as a formal basis for his drawings and abstract paintings on a large scale.

MICHAEL CLAIRE 1983 | Fort Riley, Kansas, EE.UU. Vive en Chicago, EE.UU. Fort Riley, Kansas, USA Lives in Chicago, USA 2007 Licenciatura en Periodismo, Columbia College, Chicago, EE.UU. 2007 BA in Journalism Columbia College, Chicago, USA.


CCIDENT VS STRUCTUR

controlled | unpredictable | entropic


CCIDENTE VS ESTRUCTUR

controlado | imprevisible | entrรณpico


2014 FALHA

Waléria américo 1979 | Fortaleza, Ceará, Brasil Vive en Fortaleza, Brasil y Lisboa, Portugal Fortaleza Ceará, Brazil Lives in Fortaleza, Brazil y Lisboa, Portugal

Maestría en Arte MultimediaPerformance & Instalación de la Universidade de Lisboa Licenciatura en Artes Visuales de la Faculdade de Grande Fortaleza y una especialización en Audiovisula y Medios Electrónicos de la Universidade Federal do Ceará. MA in Multimedia Arts-Performance & Installation from Universidade de Lisboa BA in Visual Arts from Faculdade da Grande Fortaleza, with focus in Audiovisual and Electronic Media from the Universidade Federal do Ceará.

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EMBAJADA DE BRASIL EN BUENOS AIRES

La artista Waléria Américo se sirve de gestos y procesos de escucha del otro para abrir grietas y espacios de negociación, en los que la imagen pasa a ser un acto, una reverberación. Se observa que en FALHA [falla] hay una descontextualización y desfuncionalización de los objetos, que provoca un constante desplazamiento de la materia y, como consecuencia, genera diversas composiciones en partituras. El trabajo de Américo, por ser concebido como un gesto dilatado, no posee lugares fijos de entrada ni salida, comienzo ni fin. El acto, el momento en que la investigación y todo el proceso son presentados al público con el título de FALHA, no anula ni se opone a los procesos que aún están en reverberación. En este espacio de negociación entre la artista y la síntesis, en la elaboración de la imagen, entre la partitura y los músicos, la interpretación y el público, no sólo hay fallas, sino también reinvenciones. Cuando el platillo de batería se perfora con un arma de fuego calibre 38, genera un ruido, pero también un vacío que posteriormente se graba en el pentagrama musical a través de los orificios del platillo, resultando en una partitura. Las notas ejecutadas en instrumentos de viento se mantienen hasta el límite del agotamiento del aire, hecho que hace a esta obra desobediente. La pieza permite ser tocada en el tiempo en que fue concebida. El soplo es, por lo tanto, en la obra de Waléria Américo, la reinvención del ruido, el desplazamiento del tiro en nota.

The artist Waléria Américo uses gestures and listening processes of the other to open cracks and spaces of negotiation, in which the image happens to be an act, a reverberation. In FALHA [fail] there is a decontextualization and defunctionalization of objects, which causes a constant displacement of matter and, as a consequence, generates several compositions in scores. The work of Américo, conceived as a dilated gesture, has no fixed places of entry or exit, beginning or end. The act, the moment, the research and the whole process is presented to the public with the title FALHA as it does not nullify or oppose to the processes that are still in reverberation. In this space of negotiation between the artist and the synthesis in the elaboration of the image, between the score and the musicians, the interpretation and the public, there are not only failures, but also reinventions. When the drum plate is drilled with a 38 caliber firearm, it generates a noise but also a void which is subsequently printed on the musical staff through the holes in the plate, resulting in a score. The notes executed through wind instruments are sustained to the limit of the exhaustion of the air, which makes this work disobedient. It does not allow being played in the tempo it was conceived. The blow is, therefore, in the work of Waléria Américo, the reinvention of the noise, the displacement of the shot in note. Text by Kamilla Nunez.


Collaboration with composer Hernรกn Zaparart Musicians: Ramiro Fernรกndez Pereyra (guitarr and vocals) Hernรกn Sรกnchez (trumpet) Lila Feinsilber (trombone) Leandro Kohan (trombone)


2016 CARTAS LETTERS

Roberto Celis 1985 | Texas, EE.UU. Vive en San Antonio, Texas, EE.UU. Texas. USA Lives in San Antonio, Texas, USA

2015 Maestría en Artes Visuales, University of Texas at San Antonio, San Antonio, TX 2010, Licenciatura en Bellas Artes con foco en materiales, Virginia Commonwealth University, Richmond, Virginia 2010 Licenciatura en Ciencia y Psicología, Virginia Commonwealth University, Richmond, Virginia 2015 MFA in Studio Art, University of Texas at San Antonio, San Antonio, TX 2010 BFA in Craft/Material Studies, Virginia Commonwealth University, Richmond, Virginia 2010 BA in Science and Psichology, Virginia Commonwealth University, Richmond, Virginia

Roberto Celis utiliza su pasión por el diseño y la construcción de objetos para crear nuevas formas de provocación que lo llevan a incursionar en la performance y el arte conceptual. Así, su obra se coloca en el “entre” de las disciplinas, creando tanto objetos imposibles, en los que la acción del espectador es esencial, como transformando su propio cuerpo en objeto para ser activado. De estas exploraciones surge una ambigüedad que lleva a cuestionar las relaciones sociales como los deseos de las personas para su individuación social. Para el proyecto Cartas, Celis incursionó en la experimentación sonora. En un primer momento, recorrió mercados de pulga de Uruguay y Buenos Aires en busca de vinilos antiguos con música popular del Río de la Plata, sea tango, folklore, etc. Luego intervino, de-construyó los vinilos creando nuevas piezas que fueron utilizadas como soporte para la escritura de una carta con una púa. Así, el acto de escritura, comunicación, tomó además forma sonora y quedó registrado en un papel sobre el cual Celis, luego de escribir la carta, imprime sus palabras. En este transitar por diferentes materias, estados, Celis alude así a la diferencia entre escuchar y oír, a los vínculos, ausencias y presencias a través de un acto “controlado” como es la escritura pero emitiendo al mismo tiempo una secuencia ruidista. Una acción casi de catarsis, de llamado y encuentro.

Roberto Celis uses his passion for design and the construction of objects to create new forms of provocation that lead him into performance and conceptual art. Thus, his work is placed in the “in-between” of disciplines, creating both impossible objects, in which the action of the spectator is essential, as well as transforming his own body into an object to be activated. From these explorations arises an ambiguity that leads to question social relations and the desire for social individuation. For the Letters project, Celis entered into sound experimentation. At first, he toured Uruguayan and Buenos Aires flea markets in search of old vinyls with popular music from the Río de la Plata, be it tango, folklore, etc. Then he intervened, de-constructed the vinyls creating new pieces that were used as a support for the writing of a letter with a plectrum. In this way, the act of writing, of communication, also took a sound form and was recorded in a paper on which Celis, after writing the letter, printed his words. In this transit through different subjects, states, Celis alludes to the difference between listening and hearing, to relations, absences and presences through a “controlled” act such as writing but emitting, at the same time, a noise sequence. An action almost of catharsis, of call and encounter.


2013 123|234|345|456…

eirini boutasi 1974 | Grecia Vive en albuquerque, Nuevo Mexico, EE.UU. Greece Lives in Albuquerque, New Mexico, USA

Escuela de Arquitectura y Planeamiento. University of New Mexico. Albuquerque, EE.UU. Tamarind Institute. Nuevo Mexico, EE.UU. 2011 Maestría. especialización en grabado y litografía.Escuela de Artes. Aberystwyth, Gales, Gran Bretaña 2009 Licenciatura en Artes, especialización en dibujo y grabado. Escuela de Artes. Aberystwyth, Gales,Gran Bretaña School of Architecture and Planning, University of New Mexico,Albuquerque, EE.UU. Tamarind Institute 2011 MA, Printmaking- Lithography, School of Art, Aberystwyth, Wales,UK 2009 BA Drawing and Printmaking, School of Art, Aberystwyth, Wales,UK

Este proyecto explora el potencial para la variación y repetición que tienen los medios gráficos. Los dibujos en la matriz de aluminio fueron impresos en una secuencia que sigue un sistema aritmético de combinaciones previamente establecidas. El dibujo en sí mismo es rápido, orgánico y personal en comparación con el sistema y proceso implicado en la impresión. Simplemente jugando con los números, Boutasi ha entrelazado formas, dejando que la sorprendan. Para esta serie, eligió el formato cuadrado, una figura autónoma que se presenta como un desafío frente a su intención de lograr un dibujo indeterminado. La forma fija y neutra del cuadrado hace avanzar la composición y realza su indeterminación. This project explores the potential for variation and repetition offered by printmaking. The drawings in the aluminum matrix were printed in a sequence following an arithmetic system of previously established combinations. The drawing itself is fast, organic and personal compared to the system and process involved in printmaking. By simply playing with numbers, Boutasi has intertwined forms, letting them surprise her. For this series, she chose the square format, a selfcontained figure that presents itself as a challenge against her intention to achieve an indeterminate drawing. The fixed and neutral form of the square highlights the composition and enhances its indeterminacy.


7 matrices - 36 impresiones / variaciones (3 capas sobre cada una). La pieza final mide 3 m2. Video en la pared opuesta proyectado en negativo realizado por Javier Bilatz. Composición musical: La mariposa nace dos veces de Oscar Edelstein (Argentina) Voz: Deborah Claire Procter (Cardiff, Gales) 7 matrixes – 36 prints/variations (3 layers on each one) – final piece measures 3 m2. Video by Javier Bilatz projected on the opposite wall. Sound piece: La Mariposa nace dos veces by Oscar Edelstein. Voice: Deborah Claire Procter (Cardiff, Wales)


2015 REDESCUBRIENDO REDISCOVERING

KENNETH BATISTA 1952 | Pittsburgh, EE.UU. Vive en Pittsburgh, EE.UU. Pittsburgh, USA Lives in Pittsburgh, USA

1977 Maestría en Artes Visuales con foco en grabado, Tyler School of Art, Temple University, Philadelphia, Pennsylvania 1975 Licenciatura en Artes Visuales, Columbus College of Art & Design, Columbus, Ohio 1977 M.F.A., Printmaking, Tyler School of Art, Temple University, Philadelphia, Pennsylvania 1975 B.F.A., Columbus College of Art & Design, Columbus, Ohio

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UNIVERSITY OF PITTSBURGH, PENNSYLVANIA, USA

La pintura de Kenneth Batista estudia la paisajes iconográficos, desde el Parque Frick de Pittsburgh, el Masai Mara en Kenia hasta la Isla de Komodo en el Océano Índico. Batista utiliza la tecnología digital para analizar el color, el movimiento y elaborar una composición pixelada y luego pinta la información generada de forma artesanal. En particular, durante la residencia en ‘ace, el artista modificó su proceso utilizando la fotolitografía en lugar de la pintura y generando una obra de una gama colorista más variada. Kenneth Batista artwork in painting studies the iconographic image of landscapes, ranging from Pittsburgh’s Frick Park, the Masai Mara in Kenya to Komodo Island in the Indian Ocean. Using digital technology to analyze color and movement and to draft a pixilated composition, Batista then paints the generated information with high attention to traditional craftsmanship. During the ´ace residency, the artist adapted his paintings through the rediscovery of printmaking and an exploration of digital photography.


2015 ACROMATIC MATERIALIZATION

MATERIALIZACIÓN ACROMÁTICA

enrique leal 1957 | Ciudadano español nacido en Recife, Brasil Vive en Santa Cruz, California. EE.UU. Spanish citizen born in Racife, Brazil Lives in Santa Cruz, California, USA

2003 Doctorado Proceso y réplica en Jasper Johns, Departamento de Arte, Universidad de Castilla La Mancha, España 1999 Maestría en Bellas Artes, Escuela de Bellas Artes, Universidad de Castilla La Mancha, España 1997 Licenciatura en Artes Visuales, Escuela de Bellas Artes de San Carlos, Universidad Politécnica de Valencia, España

Enrique Leal desarrolló una serie de obras mediante planchas de termo-litografía sin agua que investigan la cualidad inmaterial de los objetos blancos y fenómenos lumínicos. En este caso, la imagen impresa invita a invertir los valores tonales de la figura convencional (tinta negra sobre superficie blanca) imprimiendo imágenes luminosas en fotografía en negativo que mejora la formación material de las imágenes que emergen como encarnaciones entintadas del sombrío espacio abisal. La pureza de la profunda oscuridad total, aquella que anula cualquier sensación de primer plano ó fondo, provee un espacio ilusorio sin dimensiones para que la luz brillante se manifieste.

Enrique Leal developed a series of prints with waterless thermal litho plates that investigate the immaterial quality of white objects and lucent phenomena. In this case, the printed image call for inverting conventional figure ground tonal values (dark ink on white surface) by printing negative photographic luminescent images that enhance the material formation of the images that emerge as inked embodiments from an abyssal somber space. The pure depth of total darkness, one that cancels out any sense of foreground or background, provides the dimensionless space of illusion for beamed light to manifest.

2003 PHD, Process and Replica in Jasper Johns, Art Department, Universidad de Castilla La Mancha, Spain 1999 MFA, Art Department, College of Fine Arts in Cuenca, Universidad de Castilla La Mancha, Spain 1997 BFA, College of Fine Arts San Carlos, Universidad Politécnica de Valencia, Spain

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UNIVERSITY OF SANTA CRUZ, CALIFORNIA


2016 SOMA-SÉMA

flora hubot 1987 | Bélgica Vive en Bruselas, Bélgica Belgium Lives in Brussels, Belgium

2013 Maestria de pintura, ERG (Ecole de recherche graphique) Bruselas 2013 MA in painting, Ecole de recherche graphique, Brussels.

“Soma-Séma” fue un proyecto en el que Hubot reflexionó sobre la desaparición de un cuerpo a través de la producción de monotipos. La materialización en el papel, la figuración de un cuerpo sobre el papel, primero arrugado y luego prensado deja un rasgo, una marca: el fantasma de su presencia. La repetición de este proceso produjo diferentes intensidades en la presencia, haciendo presente el paso del tiempo. Hubot utilizó papeles de gran tamaño que implicaban una manipulación muy cuidadosa, convirtiéndose su producción en una performance continua, casi en un ritual místico. “Soma-Séma” was a project in which Hubot reflected on the disappearance of bodies through the production of monotypes. The materialization on paper, the figuration of a body on paper, first wrinkled and then pressed, leaves a trace, a mark: the ghost of a presence. The repetition of this process produced different intensities in the presence, making present the passage of time. Hubot used large papers that implied very careful manipulation, turning her production process into a continuous performance, almost in a mystical ritual.


2016 DENTRO Y FUERA DEL LIENZO WITHIN AND BEYOND THE CANVAS

gabriela benitez 1960 | Buenos Aires, Argentina Vive en Ontario, Canadá Buenos Aires, Argentina Lives in Ontario, Canada

Maestría en Humanidades, Laurentian University, Sudbury, Ontario, Canadá Licenciatura en Artes Visuales, CONSUDEC, Buenos Aires, Argentina MA Humanities, Laurentian University, Sudbury, Ontario, Canada BA, Visual Arts, CONSUDEC, Buenos Aires, Argentina

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Universitas Opoliensis

En gran parte de su obra, Gabriela Benítez juega con la combinación de la acción directa y lo espontáneo a través de la pintura y la gráfica. Al hacerlo, busca explorar diversos medios, casi como si fueran extensiones de su cuerpo. Guiada por sus acciones, más que por sus pensamientos, el proceso le permite mediar entre su mundo interior y exterior. Benítez complementa su obra pictórica con fotografías, placas impresas y collages, que en conjunto reflejan esa “otredad” que habita en sus imágenes. Los diferentes elementos fluyen hacia, y fuera de, entre sí, como restos de un diálogo entre el cuerpo, la mente, y el lienzo. La idea del “entre y más allá” se refiere a trabajar en diferentes entornos físicos y geográficos, en los que tiene la sensación de ser conocedora y extraña al mismo tiempo. Sentimientos que afectan nuestras psico-geografías, deconstruyendo y reconstruyendo nuestros patrones de comportamiento y comunicación de diversas maneras. In much of her work, Gabriela Benítez plays with the combination of direct action and spontaneity, through painting and printmaking. By doing so, she seeks to explore various media, almost as if they were extensions of her body. Guided by her actions, rather than by her thoughts, the process allows her to mediate between her inner and outer world. Benítez complements her pictorial work with photographs, printed plates and collages, which together reflect that “otherness” that inhabits her images. The different elements flow into and out of each other as remnants of a dialogue between her body, mind, and the canvas. The idea of “within and beyond” refers to working in different physical and geographical environments, where she has the feeling of being both an insider and outsider. She believes that those are feelings that affect our psycho-geographies, deconstructing and reconstructing our patterns of behavior and communication in various ways.


2013 TIME AND MOVEMENT

Para el proyecto “Tiempo y movimiento”, Moore continuó su reflexión sobre las formas en que el tiempo, la duración y la memoria son concebidos y presentados en el arte. El artista trazó movimientos en 2D a través del dibujo, fotolitografía y fotografía, explorando tanto a través de medios impresos como digitales. Al repetir y sobreimprimir en fotolitografía un mismo dibujado realizado a mano, el artista podría explorar temas de presencia/ausencia; espacio/profundidad; lo singular y lo múltiple.

TIEMPO Y MOVIMIENTO

For the project “Time and movement”, Moore continued his interrogation about the ways in which time, duration and memory are conceived and presented in art. The artist traced movement in 2D through drawing, photolithography and photography, reflecting both upon print and digital media. By repeating and overprinting in photolithography one same hand-drawn mark, the artist could explore themes of presence/absence; space/depth; the singular and the multiple.

simon moore 1975 | Melbourne, Australia Vive en Melbourne, Australia Melbourne, Australia Lives in Melbourne, Australia

2010 Maestría en Artes Visuales con especificación en grabado, RMIT, Melbourne, Australia 2002 Licencuatura en Artes, Graduate Diploma Education 2010 Master of Fine Arts (Printmaking), RMIT, Melbourne, Australia 2002 Bachelor of Arts, Graduate Diploma Education

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2017 ESPACIOS PROVISORIOS PROVISIONAL SPACES

helena kanaan 1961 | Bagé, Rio Grande do Sul, Brasil Vive en Porto Alegre, Brasil Bagé, Rio Grande do Sul, Brazil Lives in Porto Alegre, Brazil

Licenciada en Grabado, Universidade Federal de Pelotas,Brasil Especialización en la Scuola Internazionale d’Arte Grafica Il Bisonte Florencia,Italia 1998 Maestría Universidade Federal do Rio Grande do Sul, Brasil 2011 Doctorado en Universidad Politécnica de Valencia, España BA, printmaking, Universidade Federal de Pelotas,Brazil Studies at the Scuola Internazionale d’Arte Grafica Il Bisonte Florence,Italy 1998 MFA, Universidade Federal do Rio Grande do Sul, Brazil 2011 PhD, Universidad Politécnica de Valencia,Spain

Acumulación, encubrimiento, descubrimiento. Las cosas que no tienen forma fija. El pliegue, el cuerpo vacío, la fugacidad, los desviamientos de la técnica… la obra de Kanaan bebe tanto en Deleuze como en Bataille, mirando a Kiki Smith y Rivane Neuenschwander simultáneamente. Durante su residencia en ‘ace la artista deambuló en una búsqueda creativa con muchas entradas y desiguales salidas. Al final, y paradójicamente, el círculo -que sin principio ni fin representa el universo, la eternidad, el todo, la encarnación de unicidad- sirvió como leitmotiv para discurrir sobre lo que no está determinado ni terminado y se configura durante el transcurrir. Si bien no es el tema de la instalación “, cuando la recorremos no se puede dejar de pensar en la cultura del Islam, la arquitectura Mudéjar, las tiendas del desierto y los velos que cubren cabezas y caras de mujeres musulmanas. De herencia siria, la artista utiliza la repetición de elementos simples entrelazados o superpuestos para sus composiciones. A veces están impresos, a veces sólo insinuados en el recuerdo de la forma que hizo presión sobre el papel, otras se escapan del plano y toman vida física. El detalle organiza pero no prevalece en el conjunto. La reiteración de los círculos que les dieron origen a estas obras actúa como metáfora de la eternidad y a la vez como una forma de contradecirla y plantear su mutabilidad constante. En la serie de frotagges, que insinúan formas orgánicas (aunque no provienen de ellas), no se imita a la naturaleza, lo que seria un acto de impiedad de parte de la artista. Por el contrario se la sugiere, se la recuerda, se la descubre …y no se siente temor de que este hecho pueda derivar en otra cosa no-representacional que por momentos se vuelva puro espacio. Es que es en estos “desviamientos de la técnica” en donde Kanaan desplaza los límites de la gráfica, le quita su especificidad y la expande, descubre nuevos desvíos y con ellos construye una obra -inclasificable entre la gráfica, el arte textil, el dibujo y la instalación- en la cual los medios para construirla no responden a sus propias leyes sino a la filosofía que la genera. Alicia Candiani

Accumulation, covering, discovery. Things that have no fixed form. The fold, the empty body, the fugacity, the deviations of the technique ... Kanaan’s work takes both from Deleuze and Bataille, and looks at Kiki Smith and Rivane Neuenschwander simultaneously. During her residency in ‘ace, the artist wandered in a creative search with many entries and unequal outcomes. In the end, and paradoxically, the circle - shape that without beginning or end represents the universe, eternity, the whole, the incarnation of oneness - served as leitmotiv to discourse on what is not determined nor finished and on what is configured during the passage. Although it was not the main theme of the installation, when we wandered around it, we could not stop thinking in islamic culture, the Mudéjar architecture, desert tents and veils that cover heads and faces of Muslim women. Of Syrian heritage, the artist uses the repetition of simple elements, interlaced or superimposed, for her compositions. Sometimes the elements are printed, sometimes only insinuated in the memory of the form that pressed the paper, others escape the plane and take physical life. The detail organizes but does not prevail in the set. The reiteration of the circles that gave rise to these works, acts as a metaphor for eternity and at the same time as a way to contradict it and raise its constant mutability. The series of frotagges, which insinuate organic forms (although they do not come from them), do not imitate nature, which would be an act of impiety on behalf of the artist. On the contrary, nature is suggested, remembered, discovered ... and there is no fear that this fact can lead to some other non-representational element that at times becomes pure space. It is in these “deviations of technique” that Kanaan shifts the limits of print media, removes its specificity and expands it, discovers new deviations and with them builds a work - unclassifiable between the print media, the textile art, drawing and installation - in which the means to construct it do not respond to its own laws but to the philosophy that generates it. Alicia Candiani


2012 PUBLIC OF ONE

sara-aimee verity 1981 | Sudáfrica Vive en Ciudad del Cabo, Sudáfrica South Africa Lives in Cape Town, South Africa

2006 Posgrado en Artes con foco en Gráfica, University of Cape Town, Sudáfrica 2003 Licenciatura en Bellas Artes, University of Pretoria, Sudáfrica 2006 Postgraduate Diploma in Art, with focus in Printmedia, University of Cape Town, South Africa 2003 BA in Fine Arts, University of Pretoria, South Africa

En este proyecto, Sara Aimee-Verity se propuso crear un espacio liminal, lo que conlleva, de alguna manera, una cuota de ficción y otra de realidad. Verity entiende y siente lo que es efímero - deseo, nostalgia, memoria, fracaso y / o pérdida como un espacio en el que es capaz de moverse físicamente. Ese espacio es que buscó crear visualmente para este proyecto. Básicamente, se interesa por la creación de espacios que parecerían ser un error o tener alguna falla a los ojos occidentales. Hace esto a través del juego de escalas y la mnemotecnia (fotografías/documentos). La artista crea espacios imposibles, espacios que no pueden ser concebidos, de la misma forma que lo liminal no puede ser visto, un espacio que es más grande de lo que uno puede comprender. Verity utilizó la escalera como símbolo del ‘espíritu de la escalera’ - que refiere al hecho de que muchas veces uno es incapaz de expresar las palabras correctas cuando está en un escenario, pero cuando lo abandona (llega a la parte inferior de la escalera) se tiene un momento de claridad y se encuentran las palabras ideales.

The creation of liminal space; inherent to this is both fiction and reality. I understand and experience what is ephemeral desire, longing, memory and failure and/or loss - as a space I am physically able to move around in. I want to make this space visual. Essentially I want to create spaces (that are an error to the way Western eyes interpret what they see) by playing with scale and mnemonics (photographs/documentation), that cannot in reality be possible, they cannot be realized such as what is liminal cannot be seen, a place that is larger than what I can comprehend. I have used the ladder as a symbol of the ‘wit of the staircase’ - that one often is incapable of expressing the right words when in a scenario but when one leaves the scenario (gets to the bottom of the staircase) one has a moment of clarity and has the ideal words.


2014 STEPS, ROADS AND STONES

PASOS, CAMINOS Y PIEDRAS

cristina solia 1947 | Argentina Vive en Morón, Provincia de Buenos Aires, Argentina Lives in Moron, Buenos Aires Province, Argentina Formación en grabado, litografía, dibujo y pintura en talleres de reconocidos maestros y críticos argentinos tales como Aníbal Carreño, Juan Carlos Benítez, Ernesto Pesce, Natalia Giachetta y Rosa Faccaro Cursos de Diseño Gráfico en la Universidad Tecnológica Nacional, Buenos Aires, Argentina

El punto de partida de la obra de Cristina Solía es la esencia de la naturaleza vegetal (paisajes) y mineral (fragmentos de paisajes, piedras). El hallazgo de las piedras pirita, selenita y otras de distintos patrimonios de la humanidad ha sido un importante motor de experimentación para la artista. En su obra gráfica trabaja con tramas orgánicas y geométricas, funcionando las últimas como contenedores. Solía recorta imágenes para componer nuevos procesos de su obra, explorar nuevas imágenes y técnicas.

The starting point of Cristina Solia’s artwork is the essence of the vegetal nature (landscapes) and mineral (fragments of landscapes, stones). The discovery of different types of stones such as pyrite, selenite and others of varied heritages of humanity has been an important engine of experimentation for the artist. In her graphic work she uses organic and geometric plots, the latter functioning as containers. Solía cuts images to compose new processes, to explore new images and techniques.

Education in printmaking, lithography, drawing and painting within well known Argentine artists and art writers such as Aníbal Carreño, Juan Carlos Benítez,Ernesto Pesce, Natalia Giachetta and Rosa Faccaro Courses of Graphic Design in Universidad Tecnológica Nacional, Buenos Aires, Argentina


2014 VESTIGIOS VESTIGES

jessica Simmons 1985 | Providence, Rhode Island, EE.UU. Vive en Los Angeles EE.UU. Providence, Rhode Island, USA Lives in Los Angeles, USA

2015 Maestría en Artes Visuales, The School of the Art Institute of Chicago, Chicago, IL, EE.UU. 2007 Licenciatura en Artes, Brown University, Providence, RI, EE.UU. 2015 MFA, The School of the Art Institute of Chicago, Chicago, IL, USA 2007 BA, Brown University, Providence, RI, USA

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SCHOOL OF THE ART INSTITUTE OF CHICAGO

El cuerpo de trabajo producido en ‘ace por Jessica Simmons deriva de su interés por las cualidades formales e indiciales de una marca “encontrada” - desde los arañazos indiscriminados y las cicatrices encontradas en las paredes exteriores, hasta las manchas al azar y los rasguños que marcan los pisos. Simmons está interesada en cómo la acumulación de esas marcas puede funcionar como índices forenses para la historia física de su propia creación. Combinando métodos de dibujo, fotografía y grabado, utilizó las marcas acumuladas, fragmentos, huellas, líneas y cicatrices urbanas de su contexto físico-la ciudad de Buenos Aires- como material para sus propias investigaciones sobre la elaboración de marcas. Esta serie, titulada Vestigios, lleva a cabo un proceso transitivo con la propia historia material y fenomenológica de la ciudad. La palabra vestigio guarda una relación directa con la espina dorsal material de las obras. Definido como un rastro casi ausente y un apéndice corporal sin función, un vestigio está dualmente conectado y desincorporado de su contexto original. Los grabados y dibujos que originan huellas son vestigiales, tanto dislocados como desmembrados, presentes y ausentes. Sólo quedan vestigios.

The body of work produced at ‘ace stems from the artists interest in both the formal and indexical qualities of a “found” mark – from the indiscriminate scratches and scars found on exterior walls to the haphazard stains and scuffs marring a floor. Simmons is interested in how the accumulation of those marks can function as forensic indices to the physical history of their own making. Combining methods of drawing, photography, and printmaking, she used the accumulated marks, fragments, traces, lines and urban scars from her surrounding physical environment – the city of Buenos Aires – as material for her own investigations into mark-making. This series, entitled Vestiges, engages in a translative process with the city’s own material and phenomenological history. The word vestige bears a direct relation to the works’ material backbones. Defined as both a nearly-absent trace and a functionless bodily appendage, a vestige is dually connected with and disembodied from its original context. The prints’ and drawings’ originating marks are vestigial – both dislocated and dismembered, present and absent. Only vestiges remain.


2017 YOU ARE BARBIE, WE ARE BARBIE, EVERYBODY IS BARBIE

dries ketels 1992| Gante, Bélgica Vive en Gante, Bélgica Gante, Bélgica Lives in Gante, Bélgica

2015 Licenciatura en Artes, con foco en teatro y ciencias, University of Ghent y Free University of Berlin 2015 Science of art major in Theatre studies and minor in science, University of Ghent and Free University of Berlin

Con un abordaje materialista, Dries Ketels desarrolló una investigación que consistió de la deconstrucción de conceptos prestablecidos sobre los derechos de la mujer. Buscó comprender las dificultades y problemas concernientes, identificar algunos patrones subyacentes de la memoria colectiva en relación a ese tema en una danza semántica para poder dar lugar a un foro donde el cambio se pueda manifestar. Siguiendo la línea de su obra, Ketels no manipula, ni fuerza un cambio, sino que deja que los cambios se manipulen a sí mismos. Es una tendencia de “dejar ser, que sea lo que puede ser”. Éste es no solo el método de su activism, donde el activismo tiene que crearse a sí mismo sin la interferencia de obras, sino que también es el método de su proceso de pintura en donde le da a la pintura la posibilidad de crearse a sí misma más que intentar manipularla para que resulte en algo determinado. Desde este abordaje, investiga gradualmente cada aspecto de la materia que utiliza, desde el color hasta lo químicos y el papel. Así la simbolización, conceptualización y el filosofar se da más en la parte material de la pintura y da libertad a su resultado visual.

“I am Barbie, you are Barbie, we are Barbie” was a research process that consisted of deconstructing concepts around women rights in an almost materialistic approach. A semantic dance where he tried to understand the difficulties and problems concerning women rights. Ketels dived into our collective semantic memory in order to reveal some underlying patterns, misconceptions or problems in order to provide a forum where change can manifest itself. Not trying to manipulate or push towards change but rather letting change manipulate itself. A tendency to “let it be, become what it can become” which is not only the method of his activism, where the activism has to create and obtain itself without the interference of the artworks, but it’s also the method of his painting process where he gives the painting the possibility to create itself rather than trying to manipulate in order to look like something, or in a specific way. In this approach, he gradually investigates every aspect of the matter that he is using, from the colours to the chemicals, to the paper. Putting the symbolisation, the conceptualisation and the philosophical in the materialistic part of the painting and thereby maintaining complete freedom in the visual aspect of the painting.


2011 METAMORPHOSIS

METAMORFOSIS

nicole o´Loughlin 1978 | Warragul, Australia Vive en Tasmania, Australia Warragul, Australia Lives in Tasmania, Australia

2015 Maestría en Artes Visuales con foco en Grabado, Tasmanian College of the Arts, Tasmania, Australia 2009, Licenciatura en Bellas Artes, Hobart School of Art, Tasmania, Australia 2015 First Class Honours of Fine Arts majoring in Printmaking, Tasmanian College of the Arts, Tasmania 2009, Bachelor of Fine Arts, Hobart School of Art, Tasmania, Australia

La influencia del lugar en que nos encontramos sobre nuestra identidad, proceso de inmersión cultural. Una exploración sobre el vivir en el extranjero que O’Loughlin comenzó en España. “A medida que me sumergía más en la cultura y el idioma español, fui más consciente de los pequeños detalles por los que había pasado anteriormente. Estos objetos ‘mundanos’ fueron vistos bajo una luz diferente y apreciados por su belleza natural con colores y patrones intensos.” En Buenos Aires desarrolló e imprimió más capas sobre las impresiones existentes. A través de la acumulación fue generando instalaciones y continuó con su investigación sobre la descomposición y el crecimiento.

The influence of the place where we are on our identity; a project that reflects upon processes of cultural immersion. An exploration of living abroad that O’Loughlin began in Spain. “As I immersed myself more in Spanish culture and language, I became more aware of the small details I had previously experienced. These ‘mundane’ objects were viewed in a different light and appreciated for their natural beauty of intense colours and patterns.” In Buenos Aires she developed and printed more layers over existing prints. The works accumulated into large installation works through which she continued her investigation into decay and growth.


2014 SITE RESPONSIVE: DRAWING IN El proyecto de Jennifer Miller incluyó diferentes tipos de información visual tratada a manera de capas. Como en muchos de sus proyectos, Miller comienza con un frottage de una superficie específica de los lugares en los que produce, ya sea dentro del taller de trabajo o en el espacio público de la ciudad en la que se encuentre. En algunos casos, los dibujos están completos después de esa primera capa, y en otros, agrega más información, como fotografías u otros tipos de dibujos. La artista toma esas decisiones formales según qué tanto le sirvan para reflexionar sobre las relaciones humanas en vínculo con el mundo natural. “Site Responsive: drawing in” involved layering various modalities of visual information. As many of Jennifer Miller’s work it usually starts out as a frottage generated from a specific surface found in situ. Sometimes the drawings are complete after this first layer, and other times she adds more infomation often collected through photography and other types of drawing. Ultimately, these formal decisions are determined by Miller following how well they shed a new light on human relationships with the natural world.

Jennifer Miller 1973 | Manitoba, Canadá Vive en Colorado, EE.UU. Manitoba, Canada Lives in Colorado, USA

2009 Maestría en Artes, Maryland Institute College of Art, EE.UU. 1996 Licenciatura en Artes, Art Bethel, Kansas, EE.UU. 2009 MFA Studio Art, Maryland Institute College of Art, USA 1996, BFA, Art Bethel College, Kansas, USA


2015 JUEGO DE FUERZAS GAME OF FORCES

MAíRA DIETRICH 1988 | Florianopolis, Brasil Vive en Ghent, Bélgica Florianopolis, Brazil Lives in Ghent, Belgium

Maestría en Artes Visuales, Royal Academy of Fine Arts, KASK, Ghent, Bélgica Licenciatura en Bellas Artes, Universidade do Estado de Santa Catarina. MA Royal Academy of Fine Arts, KASK, Ghent, Belgium BFA, the Universidade do Estado de Santa Catarina.

En ‘Juego de Fuerzas’ Maíra Dietrich construyó una serie de piezas gráficas dando continuidad a su investigación sobre la naturaleza del lenguaje gráfico contemporáneo y su forma de existencia en capas. Basado en la comprensión de que todo grabado actúa sobre el soporte en forma de capa, de materia, este proyecto abordó los procesos gráficos entendiéndolos en tanto capas de significación. Dietrich realizó obras con diversas técnicas, pensando el enfrentamiento de esas capas por medio de su suma o sustracción. El enfrentamiento físico y conceptual es creado a partir del uso sobrepuesto y ocasionalmente disonante de técnicas y tratamientos, generando vectores de embate que vibran dentro de la imagen, en un gesto gráfico de suma y aniquilación. La combinación de técnicas del grabado varía en cada pieza, ya que es esencial que las capas se construyan no solamente como capa física sobre el papel si no como capa de significación, en diálogo.

In ‘Game of Forces’ Maíra Dietrich constructed a series of prints giving continuity to her research on the nature of the contemporary printmaking language and its form of existence in layers. Based on the understanding that every printmaking acts on the material in the form of a layer, of matter, this project approached the graphic processes understanding them as layers of meaning. Dietrich developed pieces with diverse techniques, thinking in the confrontation of those layers by means of its addition or subtraction. The physical and conceptual confrontation is created from the overlapping and occasionally dissonant use of techniques and treatments, generating clash vectors that vibrate within the image, in a graphic gesture of addition and annihilation. The combination of printmaking techniques varies in each piece, since it is essential that the layers are built not only as physical layers on paper but as layers of meaning, in dialogue.


2008 ELEMENTARY SAMPLES OF DAILY SYMMETRY

MUESTRAS ELEMENTALES DE SIMETRÍA DIARIA

romina biglieri 1979 | Buenos Aires, Argentina. Vive en Mallorca, España Buenos Aires, Argentina. Lives in Mallorca, Spain

M.E.S.D es un registro de las líneas de energía, recorridos que virtualmente representan el movimiento de cada individuo en un espacio determinado. Registro que articula un diseño detallado de los caminos diarios de las personas por medio de líneas coloreadas en forma de red, madejas entrelazadas sobre un plano arquitectónico que transmutan en confusión, velocidad, repetición. Cada esquema refleja la actividad del día en un lugar determinado, cada persona es un color diferente que se repite como un sello, multiplicando la simetría a medida que pasan los días. M.E.S.D is a record of the energy lines, routes, that virtually represent the movement of each individual in a given space. Record that articulates a detailed design of the daily paths of people through colored lines in the form of a network, skeins intertwined on an architectural plane that transmute into confusion, speed, repetition. Each scheme reflects the activity of the day in a certain place, each person is a different color that repeats itself as a seal, multiplying the symmetry as the days pass.

2009 Maestría de Obra Gráfica, Fundación CIEC, Betanzos, A Coruña, España 2001 Profesorado de Pintura, Instituto Universitario Nacional del Arte, Buenos Aires, Argentina 1998 Magisterio de Dibujo, Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano, Buenos Aires, Argentina 2009 Masters in Graphics, Fundación CIEC, Betanzos, A Coruña, Spain 2001 Proffesor in Painting, Instituto Universitario Nacional del Arte, Buenos Aires, Argentina 1998 Maguster in Drawing, Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano, Buenos Aires, Argentina


2012 1-1=1

majo sánchez chiappe 1981 | Buenos Aires, Argentina

2009 Licenciatura en Diseño Gráfico, Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo, Universidad de Buenos Aires, Argentina 2009 Bachelor in Graphic Design, Faculty of Architecture, Design and Urbanism, Universidad de Buenos Aires, Argentina

“Generalmente mi proceso creativo se activa a fuerza de dudas y curiosidades. Me planteo hipótesis que luego debo verificar. A través de un proceso de investigación teórico y práctico, elaboro un sistema de leyes que es la columna vertebral del proyecto. Durante el proceso de creación, siempre me voy a relacionar con este sistema, ya sea por respeto o por transgresión. Una vez que el cuerpo de ideas es sólido, decido las cuestiones que tienen que ver con el soporte, los materiales y lenguaje. El soporte se debe adaptar a la idea y no al revés. Cada elemento tiene una función determinada.”

“In general my creative process is activated by doubts and curiosities. I pose hypotheses that I then have to verify. Through a process of theoretical and practical research, I elaborate a system of laws that is the backbone of the project. During the creation process, I will always relate to this system, either out of respect or transgression. Once the body of ideas is solid, I decide the issues that have to do with the support, materials and language. The support must be adapted to the idea and not the other way around. Each element has a certain function.“


ECONSTRUCTION OF THE PAST

memory | uproot | belonging


ECONSTRUCCIÃ&#x201C;N DEL PASADO

memoria | desarraigo | pertenencia


2014 HAIRSTORY - HERSTORY

ANNiemargaret jill 1965 | Pensilvania, EE.UU. Vive en Boise, EE.UU. Pennsylvania, USA Lives in Boise, USA

2005 Maestría en grabado, California State University Long Beach, Long Beach, California, EE.UU. 2001 Licenciatura en artes plásticas (con honores) grabado, Sonoma State University, Rohnert Park, California, EE.UU. 2001 Academia di Belle Arti, Florencia, Italia. 1990 Bachiller en Comunicación, Clarion University, Clarion, Pennsylvania, EE.UU. 2005 M.F.A. Printmaking, California State University Long Beach, Long Beach, California 2001 B.F.A. (with distinction) Printmaking, Sonoma State University, Rohnert Park, California 2001 Academia di Belle Arti, Florence, Italy 1990 B.S. Communication, Clarion University, Clarion, Pennsylvania Patrocinador | Sponsor

BUENOS AIRES CIUDAD BOISE STATE UNIVERSITY, WOMEN´S AND CHILDREN´S ALLIANCE BUENOS AIRES MUJER

HAIRSTORY – HERSTORY es un proyecto de intervención social internacional que alcanzó a mujeres que han sido víctimas de violencia doméstica o abuso sexual, mujeres asociadas al Women’s and Children’s Alliance de Boise, Idaho y del Centro Integral de la Mujer Arminda Aberastury. La poesía fue el punto de partida de los talleres para crear textos “crudos y poderosos”. Se juntaron cabellos e historias, y las piezas fueron creadas conectando las participantes con sus comunidades e internacionalmente. Este proyecto buscó empoderar y facilitar la sanación. La manifestación visual del mismo fue una exposición de libros de artista bilingüe e impresos. HAIRSTORY - HERSTORY was an international social intervention project that worked with women affiliated with the Women’s and Children’s Alliance in Boise, Idaho and with women at the Centro Integral de la Mujer Arminda Aberastury in Buenos Aires. The project reached out to women affected by sexual and domestic abuse. Poetry served as the catalyst for the workshops that created “raw and powerful” texts. Furthermore, the works were created through the collection of hair and stories, connecting the participants to their communities, and across international boundaries. This project sought to empower and facilitate healing, and the visual manifestation of this process was an exhibition of bilingual artist books and prints.


2012 DESDE UN RINCÓN DE MI MEMORIA

FROM A CORNER FROM MY MEMORY

beth fein 1952 | Nueva York, EE.UU. New York, USA

Licenciatura en Bellas Artes, California College of the Arts, EE.UU. BFA, California College of the Arts, USA

Una exploración sobre los recuerdos con los que Fein ha convivido sobre las muchas veces que visitó Argentina desde su primer viaje en 1973. La artista se sumergió dentro de la cultura actual y buscó despertar una nueva visión de la Argentina actual. En el proceso investigó la dilución de las fronteras entre el arte y la experiencia cotidiana. Objetos, sueños, experiencias personales y lugares están entretejidos en la urdimbre de su obra, expresando la idea de que el arte puede ocurrir en cualquier momento sin necesidad de declaración o delineación previa. Así, la base de su trabajo fue la percepción de lo común.

An exploration through the memories the artist has carried with her since the first time she visited Argentina in 1973. She submerged herself into the current local culture and sought to awaken a new vision of the contemporary Argentina. Her process investigated how to blur the lines between art and everyday experience. Objects, dreams, personal experiences, and places are interwoven into the fabric of her practice, therefore expressing the idea that art can occur in any moment without the need for a declaration or delineation. Therefore, the perceptual reexamination of the ordinary was at the core of her work.


CRACKS

2013 GRIETAS

leslie mitchell

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THE BERKSHIRE TACONIC


2011 PAISAJES LANDSCAPES

francesca dubrock 1985 | Anchorage, EE.UU. Vive en San Francisco, EE.UU. Anchorage, USA Lives in San Francisco, USA

2007 Licenciatura en Historia del Arte, cum laude, Bowdoin College en Brunswick, Maine, EE.UU. 2011 Certificado Post Bachillerato en Pintura, San Francisco Art Institute, EE.UU. 2013 Maestría en Pintura, San Francisco Art Institute, EE.UU. 2007 B.A. Art History, cum laude, Bowdoin College in Brunswick, Maine, USA 2011 Post Baccalaureate Certificate in Painting, San Francisco Art Institute, USA 2013 MFA in Painting, San Francisco Art Institute, USA

El proyecto PAISAJES se basó en los recuerdos de la artista y relatos literarios, fotografías de exploradores, colonizadores y exiliados, para examinar la idea de estar perdido o fuera de lugar, en busca de algo que ha quedado atrás o fuera de su alcance. La artista desarrolló una serie de pinturas que exploraron estos temas en el contexto del tiempo que pasó en la ciudad de Buenos Aires. Su investigación se centró principalmente en el papel de la memoria cultural para enfrentar los traumas nacionales, tales como la conquista, la violencia política, el exilio y el cambio de las identidades sociales. The project LANDSCAPES drew on the artist‘s memories, literary accounts, photographs of explorers, colonizers, and exiles in order to examine the idea of being lost or out of place, searching for something left behind or out of reach. The artist developed a series of paintings exploring these themes in the context of her time spent in the city of Buenos Aires. Her investigation focused on the role of cultural memory in confronting national traumas such as conquest, political violence, exile, and changing social identities.


2014-16 RUTAS EXPLORATIONS EXPLORACIONES ROUTES

Camila Farina desarrolló dos proyectos en ´ace, RUTAS en 2014 y EXPLORACIONES en 2016. Nació en Francia de padre argentino y madre chilena, tiene nacionalidad italiana y está casada con un peruano. En RUTAS la artista investigó su situación de tránsito entre varias culturas y geografías que unen indefectiblemente Sudamérica con la Europa latina. La situación del cruce de la Cordillera de los Andes aúna para esta artista imágenes visuales, sensaciones psicológicas y físicas, la unión y separación de territorios, culturas y su propia vida familiar, enriquecidas por el archivo de video propio y de aquellos filmados por su padre. Todos estos cruces, realizados en diversos viajes a través de los años, conformaron la base para el desarrollo del proyecto.

Artist Camila Farina developed two projects at ´ace, ROUTES in 2014 and EXPLORATIONS in 2016. Born in France to an Argentine father and a Chilean mother, she is also an Italian citizen, and married to a Peruvian. In ROUTES the artist investigated her situation of constant transit between various cultures and geographies that inevitably unite South America and Latin Europe. Crossing the Andes Mountain Range provides the artist with visual images, psychological and physical sensations, the union and separation of territories, cultures, and her own family life. This is enriched with her own video archive and footage shot by her father. All these elements, gathered during various trips along the years, made up the base for this project’s development.

camila farina 1984 | París, Francia Vive en Buenos Aires, Argentina y París, Francia | Paris, France Lives in Buenos Aires, Argentina and Paris, France

2010 Maestría en Bellas Artes, Ecole Internacional Pilote de la Villa Arson, Niza, Francia 2010 MFA Ecole Internacional Pilote de la Villa Arson, Niza, France


2015 PERSIGUIENDO LA MEMORIA CHASING MEMORY

peter lIashkov 1939 | Rouen, Francia Vive en Los Angeles, EE.UU. Rouen, France Lives in Los Angeles, USA

1961 Licenciado en Idiomas Eslavos, University of California, Los Angeles, EE.UU. 1967 Maestría en Artes, Otis College of Art and Design, Los Angeles, EE.UU.

El artista Peter Liashkov volvió a la Argentina luego de 60 años para desarrollar el proyecto “Persiguiendo la memoria”. Liashkov exploró sus recuerdos de la adolescencia, nostalgia y migración. El artista dejó la Provincia de Santa Fe cuando tenía 15 años, durante el gobierno de Perón a mediados de 1950. Su tiempo en Argentina y su posterior desarraigo fue el tema de su trabajo visual. Liashkov creó una instalación de técnica mixta, hecha con dibujos, papeles de inmigración, tarjetas de identificación, fotografías, cartas, y memorabilia. El proceso de realización de su trabajo fue grabado por una cámara de seguridad y la performance fue vista en vivo. The artist Peter Liashkov returned to Argentina after 60 years in order to develop the project “Chasing Memory.” Liashkov explored his teenage memories, nostalgia, and immigration. The artist left the state of Santa Fe when he was 15 years old, during Perón’s government in the mid 1950s. The time he spent in Argentina and his subsequent uprooting was the theme of his artwork. Liashkov created a mixed media installation from drawings, immigration papers, ID cards, photographs, letters, and memorabilia. A surveillance camera recorded the process of assembling this work, and the performance was viewed live.

1961 Bachelor’s degree in Slavic Languages from the University of California, Los Angeles, USA 1967 MFA Otis College of Art and Design, Los Angeles

FOTOS | PHOTOS Gustavo Quinteiro


2017 VALS WALTZ

Bárbara alperowicz 1979 | Buenos Aires, Argentina

2004 Técnica en Bellas Artes, Nueva Escuela de Diseño y Comunicación, Buenos Aires, Argentina 2004 Technical in Fine Arts, Nueva Escuela de Diseño y Comunicación, Buenos Aires, Argentina

La muerte del aura que plantea Benjamin como pérdida del contexto fijo y constante de una obra de arte. La diferencia entre el original y la copia. “Vals” propone reflexionar acerca de la desaparición de todo aquello que alguna vez fue rotundo e inalcanzable. Las multitudes que se diluyen, aquello que se separa y pierde fuerza y que alguna vez pareció indestructible. Todo aquello que se desdibuja con el tiempo está graficado con el agua que corre en el dibujo. El mismo agua que hace bailar a la tinta sobre el papel. Los espacios físicos quedan disponibles para que otros los ocupen. Todo se apaga, se enmudece, se borra. Me impresionan las cosas que ya no existen , los grandes edificios, los pueblos, las culturas, las costumbres todo aquellos que parecía irreversible. Como si el mundo se encargase de reciclarse a si mismo todo el tiempo. Como si solo pudiese verse la huella de algo que fue.

The death of the aura that Benjamin poses as a loss of the fixed, constant and reconfirmable context of a work of art. The difference between the original and the copy. “Waltz” proposes to reflect on the disappearance of everything that once was rotund and unattainable. The multitudes that are diluted, that which separates and loses strength and that once seemed indestructible. Everything that fades with time is graphed with the water that runs in the drawing. The same water that makes ink dance on paper. Physical spaces are available for others to occupy. Everything is turned off, muted, erased. I am impressed by the things that no longer exist, great buildings, towns, cultures, customs, all those that seemed irreversible. As if the world was responsible for recycling itself all the time. As if only the trace of something that was could be seen.


2015 BLESSING

BENDICIÓN

“Bendición” se basó en las experiencias personales de la artista (una infancia transcurrida en hospitales debido a la enfermedad de su madre y la reciente pérdida de su padre) y se realizó con dibujos a gran escala sobre papel traslúcido (Mylar). Las figuras humanas en introspección y actitudes reflexivas, instaladas a diferentes alturas, pretendieron crear una atmósfera solemne relacionada con situaciones de enfermedades o pérdidas familiares. “Blessing” was based on the artist’s personal experiences (a childhood spent in hospitals due to her mother’s illness, and the recent loss of her father) and was executed through large-scale drawings on translucent paper (Mylar). The human figures, in introspective and reflexive attitudes, were installed at different heights, and intended to create a solemn atmosphere related to the situations of loss and illness that were experienced by the artist herself.

HyeYoung Shin 1973 | Corea del Sur Vive en EE.UU. South Korea Lives in the USA

Licenciada en Bellas Artes con especialidad en Grabado y Pintura en Hong-Ik University y Kyoung-Sung University, Corea del Sur Maestría en Bellas Artes en la University of Buffalo, EE.UU. BFAs in Printmaking and Painting from Hong-Ik University and Kyoung-Sung University in South Korea Master of Fine Art, University at Buffalo

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UMKC UNIVERSITY OF MISSOURIKANSAS CITY ART AND ART HISTORY DEPARTMENT


2013 GRIETAS CRACKS

Susana gassmann 1949 | Argentina Vive en Córdoba. Argentina Argentina Lives in Córdoba. Argentina

Egresada de la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Rosario, Argentina Doctorado en Artes de la Universidad de Córdoba, Argentina

BFA from the Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Rosario, Argentina PhD in Art from the Universidad de Córdoba, Argentina

El proyecto GRIETAS partió de la experiencia de Gassmann como artista plástica y sus exploraciones con lo fotográfico, revisitando su espacio geográfico desde el presente. La artista analizó la interacción del entorno territorial con el espacio doméstico, cómo dialogan, pero también como confrontan, como metáfora de transformación, ruptura de conceptos y de prácticas. Así empezó con grietas geológicas, movida por una problemática muy seria de los suelos locales, de grietas tangibles, las de la tierra, las de la naturaleza. La obra también se transmutó hacia grietas intangibles, humanas, y colectivas. The project CRACKS emerged from Gassmann’s experience as a visual artist and her explorations with photography, revisiting her geographic space from the present. The artist analyzed the interaction between domestic and territorial surroundings, how they dialogue, but also how they confront each other, using them as a metaphor for transformation, the rupture of concepts and practices. She began with geological cracks, moved by the serious concerns over local soils, tangible cracks in the earth and in nature. The work also transmuted towards intangible, human, and collective cracks.


2014 INTERIOR ARCHIVE

ARCHIVO INTERIOR

ESTEFANÍA ARAUJO 1985 | Buenos Aires, Argentina Vive en Londres, Reino Unido Buenos Aires, Argentina Lives in London, United Kingdom

2014 Master en Grabado, Camberwell College of Arts, UAL, Londres, Reino Unido 2011 Postgrado en Fotografía, Central Saint Martins University, UAL, Londres, Reino Unido 2014 MA with Distinction. Printmaking, Camberwell College of Arts, UAL, London, UK 2011 PgCert with Merit. Photography, Central Saint Martins University, UAL, London, UK

“El proceso creativo va desde un viaje al pasado, hasta un análisis de nuestras raíces, de las historias que nos contaron de chicos y formaron nuestra imaginario y lo que somos hoy en día. Siendo la fotografía el medio con el que más estoy familiarizada y el que durante años estudié, es el concepto de la imagen fotográfica y el uso de archivos fotográficos en las artes plásticas, así como también el uso de la imagen privada llevada a un contexto público, algo que me interesa y una parte teórica muy importante detrás de mis proyectos.”

“The creative process can be from a trip to the past, to an analysis of our roots, of the stories that they told us about children and formed our imagination and what we are today. As photography is the medium with which I am most familiar and which for years I studied, is the concept of the photographic image and the use of photographic archives in the visual arts, as well as the use of the private image brought to a public context, aspects that interest me and a very important theoretical part behind my projects. “


2015 EL REZO PERPETUALLY SETTLING DUST

Mónica camin 1949 | Buenos Aires, Argentina Vive en Houston y Fair Haven, EE.UU. Buenos Aires, Argentina Lives in Houston and Fair Haven, USA

1987 The New School, Chaim Gross Sculpture, Nueva York, EE.UU. 1987 Art Student’s League, Nueva York, EE.UU. 1971 Universidad de Arte Manuel Belgrano, Buenos Aires, Argentina 1967 Academia de Arte Paula A. Sarmiento, Olivos, Argentina 1987 The New School, Chaim Gross Sculpture, New York, EEUU 1983-87 Art Student’s League, New York, EEUU 1968-71 Manuel Belgrano Art University, Bs. As., Argentina 1963-67 Paula A. Sarmiento Art Academy, Olivos, Argentina

El REZO (su nombre en inglés “Perpetual Settling Dust” significa algo así como la acumulación de acciones de generaciones a generaciones) fue un proyecto en que la pintora/escultora Monica S. Camin exploró sus raíces, su propia existencia y los efectos de una vida vivida. Hija de padres judío-alemanes que encontraron refugio en la Argentina, la artista usó su trabajo para realizar preguntas y buscar respuestas por medio de sus creaciones narrativas. A través de una instalación, Camin desarrolló una investigación sobre los efectos residuales de un trauma cultural. Contó con la participación de personas relacionadas a los desaparecidos de la dictadura cívico militar de la Argentina quienes bordaron los nombres de las víctimas y también trabajo en colaboración con fotorreportero cubano Kaloian Santos Cabrera quien realizó un video de la investigación y los encuentros de bordado.

Perpetually Settling Dust (EL REZO) was a project in which the painter/sculptor Monica S. Camin explored her roots, her own individual existence, and the effects of a life lived. The daughter of Jewish German parents who found refuge in Argentina, the artist used her work to ask questions and find answers through her narrative creations. Camin created an installation through which she developed an investigation about the residual effects of cultural trauma. People related in varied ways to the persons disappeared in the military and civic dictatorship from Argentina collaborated in this project by embroidering names of the victims and Camin also worked in collaboration with the Cuban photojournalist Kaloian Santos Cabrera who did a video about the research and embroidery meetings.


Participantes de encuentros de bordado Embroidery meeting participants: Sandra Astuena Niza Ballestero Miriam Bergonzi MarĂ­a Noel Caridad Susana Camin Alicia Candiani Alba Castillo Paola Cohen Javier Cuberos Cristina Duro Elena Gil Silvia GuigĂłn Deborah Kaufman Melody Lachica Guini Celina Levy Denise Margueles Adriana Moracci Elinor Peiretti Laurel Ponturo Veronica Souto Clara Stivel Diana Susevich Beatriz Vaitkeviciuds Barita Vincenti VIDEO Kaloian Santos Cabrera


2016 ANHELO LONGING Colaboración: Voz: Pilar Mato Magrini (1990 Uruguay) Guitarra: Nicolás Ordiales (1985 Argentina) Collaboration Voice: Pilar Mato Magrini (1990 Uruguay) Guitar: Nicolás Ordialez (1985 Argentina)

tehniyet masood 1979 | Karachi, Pakistán Vive en New York, EE.UU. Karachi, Pakistan Lives in New York, USA

Licenciatura en artes, Bennington College, Vermont, EE.UU. 2006 Posgrado en pintura, School of the Art Institute of Chicago, EE.UU. BA in Painting and Sculpture from Bennington College Vermont, USA 2006 Post Baccalaureate in Painting at The School of The Art Institute of Chicago, USA

ANHELO fue un proyecto inspirado por los nudos en nuestro pecho y en la aceptación de la necesidad de aquello que no tenemos. Se nutrió de los sentimientos universales de pertenencia y separación. Tehniyet Masood empezó a soñar en Karachi y a partir de ahí la narrativa de su trabajo tomó como inspiración el pasado. Un lugar se vuelve tradición e influencia su trabajo, de la misma forma que lo hace el cotidiano. La artista explora estas ideas a través de instalaciones site-specific, con una obra que no es ni impecable ni totalmente resuelta, pero que implica el deseo de que la adversidad no comprometa las aspiraciones. LONGING was a project inspired by the knots in our chests, and the acceptance of our need for what we do not have. It drew on the universal feelings of belonging and separation. Tehniyet Masood started daydreaming about Karachi, and this led the narrative of her work to draw from the past. A place becomes a tradition and influences her work just like her everyday. The artist explores these ideas through sitespecific installations, the works are neither seamless nor resolved, but are made wishing that adversity does not compromise aspirations.


2013 ENUNCIAR Y DESARROLLAR ENUNCIATE AND DEVELOP

” beatriz guzman catena 1972 | Bahía Blanca, Argentina Vive en París, Francia Bahía Blanca, Argentina Lives in Paris, France

2001 Licenciada en Arquitectura, Universidad de Buenos Aires, Argentina 2001 Bachelor in Architecture, Universidad de Buenos Aires, Argentina

Me asombra la materia pictórica y la manera en que ella puede transformar lo visible. Es para aventurarme mas allá de la figuración, que me sirvo de los ojos ajenos. Utilizo lo visible para ir hacia aquello que no puede verse aún. Mis personajes y los sitios que los hospedan se reconcilian, se velan, develan…Las apariciones suceden a las ausencias, como del sueño a la vigilia, y se desvanecen. Estos nuevos vínculos, tejidos desde un recuerdo familiar, cambian de registro gracias al medio de los estratos pictóricos, que comparo a los estratos de la memoria, más o menos nítidos o confusos.”

“I am amazed by the pictorial material and the way in which it can transform the visible. It is to venture beyond the figuration, that I use the eyes of others. I use the visible to go towards what cannot be seen yet. My characters and the places that host them are reconciled, veiled, unveiled ... The apparitions happen to the absences, as of the sleep to the vigil, and they vanish. These new links, woven from a familiar memory, change register thanks to the medium of the pictorial strata, which I compare to the strata of memory, more or less clear or confused.”


2008 DESTINATIONS

DESTINOS

michelle murillo Oakland, EE.UU. Oakland, USA

Licenciatura en Artes Visuales, Boston University, EE.UU. Maestría en Artes Visuales, University of Alberta, Canadá BFA, Boston University, USA MFA, University of Alberta, Canada

De padre colombiano y madre norteamericana, Michelle Murillo indaga la identidad (propia y ajena) en relación a la memoria y las experiencias del lugar. “Mi trabajo es un intento de crear un lenguaje visual que exprese las complejidades de la memoria. Para mí, los recuerdos más persistentes son los episodios relacionados con el lugar y los entornos que habito. La memoria conecta nuestro pasado y presente, por lo tanto define quienes somos. Mi hipótesis es que la memoria es un relato del pasado que también puede funcionar como una brújula en el presente. Mis antecedentes culturales y mis viajes y experiencias en el extranjero han aumentado mi conciencia de la importancia del lugar. Al igual que las asociaciones icónicas reconocidas en el paisaje, puedo ver el lugar como un símbolo de mi historia personal y de mi identidad. Así, las narrativas de la memoria en el espacio pictórico se convierten en escenarios de una identidad que debe ser revelada y entendida en un contexto más amplio asociado a experiencias pasadas y presentes.”

With Colombian father and American mother, Michelle Murillo explores identity (her own and others) in relation to memory and the sense of the place. “My work is an attempt to create a visual language that expresses the intricacies of memory. For me, the most persistent memories are episodes connected to place and environments we inhabit. Memory connects our past and present, thus defining who we are. It is my hypothesis that memory is a narrative of the past that can also function as a compass in the present. My diverse cultural background, travel and experiences living abroad have heightened my awareness of the significance of place. Much like the iconic associations recognized in landscape, I view place as a symbol of my personal history and identity. Therefore, narratives of memory in pictorial space become arenas for identity to be revealed and understood in the broader context of past and present experiences.”

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THE UNIVERSITY OF TEXAS, ARLINGTON


2008 ARQUITECTURA DEL ALMA ARCHITECTURE OF THE SOUL

patyn bruno 1981 | Ostende, Bélgica Vive en Bruselas, Bélgica Ostend, Belgium Lives in Brussels, Belgium

2005 Maestría en Artes Visuales, LUCA School of Arts, Bruselas, Belgica 2005 MFA LUCA School of Arts, Brussels, Belgium

El proyecto “Arquitectura del alma” exploró el espacio al que la gente llama “hogar” y sus formas variantes. Incluso dos personas que viven bajo el mismo techo podrían utilizar distintos elementos de su entorno para argumentar por qué su casa también es su hogar y por qué se sienten cómodos o incómodos en ella. A pesar de que esto se relaciona con el espacio, las formas y los elementos materiales, está claro que se trata mayormente de un fenómeno psicológico profundo y subjetivo. Patyn desarrolló una investigación visual que buscó de plasmar las significaciones del espacio en el que vivimos física y mentalmente.

The project “Architecture of the Soul” explored the space people call their “home” and the diversity of its forms. Even two people living under the same roof could point out different elements of their surroundings in order to convey why their house is also a home, or why they feel comfortable or uncomfortable in it. Even though this idea is linked to location and material, it is also a clear psychological phenomenon that is very personal and subjective. Patyn developed a visual investigation that attempted to capture the different meanings of the space that we live in, physically and mentally.


2015 INVISIBLES INVISIBLES

CHRISTIANE PESCHEK 1988 | Salzburgo, Austria Vive en Viena, Austria Salzburg, Austria Lives in Vienna, Austria

2010 University of Applied Arts, Viena, Austria 2014 Academy of Fine Arts, Viena, Austria

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KULTUR STADT SALZBURG

Christiane Peschek trabajó en “Invisibles”, un proyecto de libro de artista. Su búsqueda se relacionó con la ausencia y la imaginación. En su libro combinó imágenes que lidian con la ausencia, ya sea física, narrativa o humana. La principal motivación de este trabajo fueron aquellos momentos que la fotografía no puede captar. Buscó reconstruir momentos de su propia vida, y para esto experimentó diferentes formas de tomar fotografías, como si fuera un sistema de conmemoración. Agregó formas abstractas a habitaciones desordenadas y paisajes, en un intento de recrear historias. Christiane Peschek worked on an artist book project entitled “Invisibles”. Her exploration related absence with imagination and combined images that deal with physical, narrative, or human absence. The main motivation of this work was the moments that photography fails to capture. The artist attempted to reconstruct moments of her own life by experimenting with different ways of using photography as a commemoration system. Peschek added abstract forms to messy rooms and landscapes in an attempt to recreate stories.


2011 MANIFESTATIONS

MANIFESTACIONES

OSVALDO RAMÍREZ 1978 | El Salvador Vive entre Canadá y El Salvador El Salvador Lives between Canada and El Salvador

2007 Maestría en Artes Concordia University, Montreal, Canadá 2001, Licenciatura en Artes, Ontario College of Art and Design, Toronto, Canadá 2007 MFA, Concordia University, Montreal, Canada 2001, BFA, Ontario College of Art and Design, Toronto, Canada

Utilizando al dibujo como un acto personal de revisión, la obra de Osvaldo Ramírez representa una narración alegórica de vivencias propias, históricas y culturales. En “Manifestaciones” trabajó con el cuerpo como símbolo y sitio donde anida el trauma colectivo y personal originado en el recuerdo de las experiencias de pérdida y violencia que marcaron a El Salvador durante la guerra civil en la década de los ‘80, momento en que el artista, junto a su familia, emigró a Canadá. El artista trabajó sobre las posibilidades de la narrativa, encontrando en el mito y la memoria instrumentos importantes para la exploración de la mitología y del folclore latinoamericanos.

Using drawing as a personal act of revision, the work of Osvaldo Ramírez represents an allegorical narration of historical, cultural, and personal experiences. In “Manifestations”, the artist worked with the body as a symbol and place where collective and personal trauma nests, this being originated by the memories of loss and violence that marked El Salvador during the civil war in the 1980s, which is when Ramírez and his family immigrated to Canada. The artist worked with different narrative possibilities, finding in myth and memory important instruments for the exploration of mythology and Latin American folklore.

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CONSEIL DES ARTES ET DES LETTRES, QUÉBEC CANADA COUNCIL FOR THE ARTS


2015 LA ORGANIZACIÓN THE ORGANIZATION

elianna renner 1977 | Suiza Vive en Bremen, Alemania Switzerland Lives in Bremen, Germany

2005 Graduada Summa Cum Laude en Bellas Artes, University of Arts, Bremen, Alemania 2005 Graduated Summa Cum Laude in Fine Arts, University of Arts, Bremen, Germany

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STIFTUNG ZURUECKGEBEN, BERLIN, ALEMANIA

Una artista que trabaja desde el constante cuestionamiento sobre la narrativa histórica y sus áreas inherentes de omisión - siempre en lucha - para descubrir las estructuras de poder detrás de estas historias “no dichas” o “no comunicadas”. Tomando una postura subjetiva de la historia, ella reinventó momentos que parecían haber sido tomados de la realidad -sólo para llevarlos ligeramente hacia la ficciónaproximándose a esta idea central a través de instalaciones multimedia dónde la fotografía, la performance, el video y los audios se entrelazan. En Buenos Aires, Renner se enfocó en la historia de Raquel Liberman (Berdychiv, 1900 – Buenos Aires, 1935), “una mujer del este de Europa prostituida durante años en Buenos Aires por la organización Zwi Migdal, y cuyo coraje civil condujo al desmantelamiento de la poderosa organización proxeneta” como explica Alejandro Perdomo Daniels en un artículo para la revista Artishock. Renner realizó una profunda investigación y performance que implicó limpiar el cementerio de Avellaneda en búsqueda de la lápida de Libermann ya que la artista encontró registros de que “La Polaca” (como la llama Mirtha Shalom en el libro así titulado), fue enterrada allí. Jayson McNamara narró la performance en The Argentine Independent: Al sur de la capital, en Avellaneda, la artista de 38 años Elianna Renner se encuentra dentro de una jungla. Cactus de dos metros de alto se golpean el uno al otro con sus espinas, cuerpos de carne enmarañados para formar los perímetros de un ecosistema impenetrable nacido hace casi un siglo. La basura del barrio arrojada sobre la alta y oscura pared de ladrillos, y algunas lápidas sepulcrales espantosamente decrépitas, que llevan poco más que una Estrella de David, luchan por llamar la atención.”

An artist that works questioning historical narratives and their inherent areas of omission – always striving to uncover the power structures behind these “untold” or “incommunicable” stories. Taking a subjective stance on history, she reinvented moments that seemed to be taken out of reality, slightly bending them into fiction. Renner approaches this central

idea through multimedia installations where photography, performance, video, and audio-tracks intertwine. In Buenos Aires, Renner focused on the story of Raquel Liberman (Berdychiv, 1900 - Buenos Aires, 1935), “a woman from Eastern Europe prostituted for years in Buenos Aires by the organization Zwi Migdal, whose civil courage led to the dismantling of the powerful pimp organization” as Alejandro Perdomo Daniels explains in an article for the magazine Artishock. Renner conducted a thorough investigation and performance that involved cleaning Avellaneda’s cemetery in search of Libermann’s gravestone as the artist found records that “La Polaca” (as Mirtha Shalom calls it in the book titled in the same way) was buried there. Jayson McNamara narrated the performance in an article for the The Argentine Independent: “South of the capital, in Avellaneda, 38-year-old artist Elianna Renner stands inside a jungle. Two-metre-high cacti poke at one another with their thorns, bodies of flesh entangled to form the perimeters of an impenetrable ecosystem born nearly a century ago. Neighbourhood rubbish thrown over the high dark brick wall, and some frightfully decrepit tombstones, which bear little more than a Star of David, fight for attention.”


2015 CAYENDO HACIA EL FUTURO FALLING INTO THE FUTURE

cara jaye 1965 | Solana Beach, EE.UU. Vive en Bellingham, EE.UU. Solana Beach, USA, Lives in Bellingham, USA

Licenciada en Bellas Artes, Parsons School of Design, Nueva York, EEUU Maestría en Artes, University of Colorado en Boulder, EEUU BFA from the Parsons School of Design, New York City,USA MFA University of Colorado in Boulder, USA

El proyecto FALLING INTO THE FUTURE exploró el enfoque que realizan los niños al construir una imagen, junto con el intento de dominar o controlar algo, ya sea una habilidad o una situación. El ser madre le ha abierto a Jaye todo un mundo nuevo de visualidad - desde los juguetes que elige y ofrece a su hija, a los tipos de imágenes que le atraen y selecciona por sí misma. El trabajo también alude a sus propios sentimientos de rebasamiento, a la sensación general de estar abrumada, y al tramposo juego de poder entre padres e hijos. Las imágenes resultantes se apoyan tanto en la idea de la dulce e inocente infancia, como también reconocen que al mismo tiempo esta es desordenada, nerviosa y, a veces, aterradora.

The project FALLING INTO THE FUTURE explored children’s approach to constructing an image, along with the attempt to master or control something, be it a skill or a situation. Being a parent has opened Jaye up to an entire new world of visuals – from the toys we choose and offer to our children, to the kinds of images they draw and select for themselves. The work also alludes to her own feelings of inundation, a general sense of being overwhelmed, and the tricky power play between parent and child. The resultant images both subscribe to the idea of childhood as sweet and innocent, but also acknowledge that it is messy, overwrought, and sometimes scary.


2010 STUPRATTOR Magdalena Suranyi es una artista interdisciplinaria que utiliza diferentes medios: pintura, serigrafía, performance e instalaciones. El exceso es un elemento fundamental en su obra, que se ve tanto en sus composiciones como en el uso de una iconografía que hace referencia al abuso y a la muerte. Los derechos humanos, la búsqueda y la retórica de la identidad y el uso de simbolismos arquetípicos, se hacen presentes una y otra vez en sus obras. A través de su trabajo denuncia traumas sociales y tabúes culturales, a la vez que trabaja en base a patrones de abuso y violencia. El resultado es una imagen que confronta al espectador, con referencias globales que aluden a una tipología universal. Para el proyecto “Stuprattor” se concentró principalmente en dibujos de escenas de abuso infantil, durante ese año, la artista realizó 200 dibujos de ese estilo que fueron luego expuestos sobre una cama infantil sobre la cual colgaba una cruz católica que fue bendecida por el Papa Benedicto XVI. Esta obra fue realizada en respuesta a la negación sistemática por parte de la Iglesia Católica en relación a los abusos infantiles por parte de miembros de la Iglesia.

Magdalena Suranyi (b.1985, Argentina) is a painter, performer, print-maker and installation artist. Through compositions, she encourages a deliberate “excess,” the uncomfortable use and abuse of socially charged death-imagery. Her concern with human rights, the rhetoric of identity and archetypical symbolism is consistently re-manifesting itself. The main function of her images is to highlight inherent, traumatic social insecurities and create awareness of corporeal taboos across cultures, exposing global patterns of violence by proxy. These confrontational visuals work on a number of levels as she hopes to strike a balance between specific historical references and a kind of inconclusive universality. For the project “Stuprattor” she focused in drawings showing different forms of child abuse, in that same year, she did 200 of those drawings that were later displayed on a toddler’s bed with a standard catholic cross looming above it, this particular cross was blessed by Pope Benedict XVI. The piece was a direct response to the way the Catholic Church buried decades of systematic, often institutionalized cases of child abuse around the world.

magdalena Suranyi 1985 | Argentina Vive en Inglaterra Argentina Lives in England

2007 Licenciatura en Bellas Artes, Chelsea College of Art and Design, Londres, Inglaterra 2007 BA (Hons) degree in Fine Arts, Chelsea College of Art and Design, London, England


2015 IMÁGENES RESIDUALES AFTERIMAGES

” julia sharpe 1990 | Virginia, EE.UU. Virginia, USA

2012 Licenciatura en Artes. University of Virginia, EE.UU. 2012 Bachelor of Arts. University of Virginia, USA

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THE BERKSHIRE TACONIC

Las obras de arte se salen del mundo empírico” Theodor W. Adorno

“Artworks are afterimages of empirical life” Theodor W. Adorno

Tomando la anterior cita de forma literal, Sharpe creó un cuerpo de impresiones que son imágenes posteriores de la realidad. Ella se pregunta: ¿qué permite que algo sea visible?, ¿Cómo llegamos a ver algo?, ¿Qué queda de una cosa una vez que ya no está presente?, ¿Cómo se desvanecen o se vuelven permanentes las historias en la psique personal y cultural? Un proyecto que se refirió tanto a las cuestiones estéticas como a las implicaciones políticas.

Taking that statement literally, Sharpe created a body of prints that are afterimages of reality. She asks, what allows something to be seen? How do we come to see a thing? What remains of a thing once it is no longer present? How do histories fade or become permanent in both the personal and cultural pysche? A project concerned both with the aesthetic questions and political implications.


2015 BOOK LAYOUT AND DESIGN

DISEÑO DE LIBRO

Steve Mayse 1946 | Missouri, EE.UU. Vive en Kansas City, EE.UU. Missouri, USA Lives in Kansas City, USA

Steve Mayse es un artista visual, diseñador y profesor con más de treinta años de trayectoria. Mayse trabaja con collage, objetos y hasta luces eléctricas, también ha diseñado muchas portadas de revistas y afiches. En ‘ace se concentró en la estructuración y diseño de un libro de artista que comprende la fusión de fotografías, historias escritas y relatos orales que su madre le contó a lo largo de su vida. Steve Mayse is a visual artist, designer and teacher with more than thirty years of experience. Mayse works with collage, objects and even includes electric lights to produce certain expression in his work. He has also designed many magazine covers and posters. In ‘ace he concentrated on structuring and designing an artist’s book that includes the fusion of photographs, written and oral stories that his mother told him throughout his life.

1969 Licenciatura en Ciencias, Educación artística, Central Missouri State University 1979 Maestría en Bellas Artes (con honores), Diseño/Ilustración, Kansas City Art Institute 1969 Bachelor of Science, Art Education/ functional with Commercial Art, Central Missouri State University 1979 Master of Fine Arts (with honors), Design/Illustration, Kansas City Art Institute


2014 5 DÍAS 5 DAYS

PAULINA TERCERO 1959 | México Vive en Suiza Mexico Lives in Switzerland

Comunicación, Universidad Anáhuac, México Grabado, Academia de San Carlos, Ciudad de México, México Communication, Universidad Anáhuac, Mexico Printmaking, Academia de San Carlos, Ciudad de Mexico, Mexico

El proyecto “5 días” implicó la filmación de un video documental que es la crónica de un exilio con un comienzo y un fin muy específicos: el exilio argentino se inicia meses antes del golpe de estado de marzo de 1976 y termina con las elecciones que gana Raúl Alfonsín en 1983, hecho que marca el regreso a la democracia en Argentina. Siguiendo esto, Tercero entrevistó a escritores, teóricos, periodistas, músicos y demás personas argentinas que pasaron por tal proceso, vivieron en México y volvieron más tarde a Argentina. Con la perspectiva que dan treinta años de distancia, Tercero conversó sobre la experiencia del exilio, sobre su país, que conoce bien y donde vivía cuando muchos de ellos fueron llegando para quedarse, sin saber por cuanto tiempo.

The project “5 days” involved the filming of a videodocumentary that chronicles an exile with a very specific beginning and end: the Argentine exile began months before the March 1976 military dictatorship and ends with the elections won by Raul Alfonsín in 1983, a fact that marks the return to democracy in Argentina. Following this, Tercero interviewed writers, theoreticians, journalists, musicians and other Argentines who went through such a process, lived in Mexico and later returned to Argentina. With the perspective given by thirty years distance, Tercero talked about the experience of exile, about her country, which she knows very well and where she was living when many Argentines were arriving to stay, without knowing for how long.


2012 UNA NOCHE MUY LARGA

María velasco España Vive en Lawrence, Kansas, EE.UU. Spain Lives in Lawrence, Kansas, USA

1993 Maestría en Bellas Artes, University of California, Santa Barbara, EE.UU. 1989 Licenciatura en Pintura, Universidad Complutense de Madrid, España 1993 Master of Fine Arts in New Genre, University of California, Santa Barbara, USA 1989 Bachelor’s Degree in Painting, Universidad Complutense de Madrid, Spain Patrocinador | Sponsor

KS
SHIMOMURA FUND, VISUAL ART DEPARTMENT KS
SCHOOL OF THE ARTS, COLLEGE OF LIBERAL ARTS AND SCIENCES KS
GENERAL RESEARCH FUND, COLLEGE OF LIBERAL ARTS AND SCIENCES KS
OFFICE OF INTERNATIONAL PROGRAMS, UNIVERSITY OF KANSAS, LAWRENCE, KANSAS, EE.UU.

En el proyecto “Una noche muy larga” María Velasco, desde la perspectiva del arte contemporánea, hizo uso de ese imaginario colectivo acerca de la región en la que ha vivido 20 años, el corazón del Mid-West de Estados Unidos. Debajo de la aparente inocencia de las imágenes que utilizó -a manera de oxímoron- nos trajo un tema candente en los medios de información argentinos y del mundo: el abuso sexual a menores. La artista creó una instalación en gran escala que combinó impresiones digitales y animación. Las impresiones digitales fueron inspiradas en un libro de poemas escrito por un miembro cercano de la familia, sobre su experiencia de haber sido víctima de abuso sexual durante su infancia.

A VERY LONG NIGHT

In the project “A Very Long Night” Maria Velasco approaches, from the perspective of a contemporary artist, the collective consciousness concerning the region in which she has lived for twenty years, the heart of the American Mid-West. Under the apparent innocence of the images utilized -a kind of oxymoron- she brings to the surface a blistering subject that is present in the global media: the sexual abuse of children. The artist created an installation combining large-scale digital prints and animation. The digital prints were inspired by a book of poems written by a close family member about his experience of childhood sexual abuse.


2013 ANAMNESIS

ESTHER MENDOZA 1982 | Asunción, Paraguay Asuncion Paraguay

Licenciatura en Artes Visuales, Universidad Nacional de Asunción, Facultad de Arquitectura, Diseño y Arte, Paraguay Bachelor in Visual Arts, Universidad Nacional de Asunción, Facultad de Arquitectura, Diseño y Arte, Paraguay

ANAMNESIS, significa ‘recolección’, ‘reminiscencia’, ‘rememoración’. En este proyecto la artista se propuso fusionar una serie de obras que realizó anteriormente en otros formatos, como video, instalación y transfer, con la finalidad de resignificar lo cotidiano y lo inconsciente. Empezó trabajando con álbumes de fotografías familiares de los que habían caído algunas fotos, pero que dejaron su marca. A través de distintas técnicas del grabado buscó representar aquellos objetos efímeros, aparentemente insignificantes, casi desapercibidos, que, sin embargo, dejan la secreta convicción de volver a pasar por nuestro corazón de tanto en tanto.

In Spanish ANAMNESIS means “recollection,” “reminiscence,” “remembrance.” In this project, the artist intended to fuse a series of previous works that were produced in a variety of formats such as video, installation, and transfers, in order to resignify the everyday and the unconscious. She started working with family albums from which some pictures had fallen, but that left traces behind. Mendoza explored a variety of printmaking techniques in order to represent the ephemeral objects that appear to have no significance, that are almost unnoticed, but that nonetheless poses a secret conviction of coming back into our hearts from time to time.


2017

IDENTITY

Damian Idzikowski profundiza en las relaciones humanas y también se refiere al pasado de la invasión nazi de la ciudad de Łódź, especialmente el ghetto de Łódź, que fue el segundo más grande después de Varsovia. Combina grabado tradicional y experimental creando objetos visuales de múltiples capas.

IDENTIDAD

Damian Idzikowski’s work delves deep into human relationships and also refers to the sad past of the Nazi invasion of the city of Łódź, especially the ghetto of Łódź, which was the second largest after Warsaw. He combines traditional and experimental printmaking creating multilayered visual objects.

Idzik Idzikowski 1991 | Lodz, Polonia Lodz, Poland

Licenciatura en Artes Gráficas, Academia de Bellas Artes de Lodz, Polonia Bachelor in Graphic Art, Academy of Fine Arts in Lodz, Poland

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AKADEMIA SZTUK PIEKNYCH IM. WŁADYSŁAWA STRZEMINSKIEGO W ŁODZI


2016 dis-PLACED DIS-PLACED

TRACY TEMPLETON 1972 | Canadá Vive en EE.UU. Canada Lives in the USA

1997 Maestría en Artes Visuales, University of Alberta, Canadá 1995, Licenciatura en Bellas Artes, University of Regina, Canadá 1997 MFA, University of Alberta, Canada 1995 BFA, University of Regina, Canada

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CAHI INSTITUTE INDIANA UNIVERSITY COLLEGE OF ARTS & HUMANITIES INSTITUTE

dis-PLACED aborda temas de dislocación. Templeton desarolló una serie influenciada por los acontecimientos actuales de crisis de refugiados, viajes, migración y momentos temporales, y añade elementos de la naturaleza para crear un mundo oscuro de belleza, así como una inquietud suave. Las sábanas arrugadas en la nieve y las hojas dispersas en ambientes anónimos apuntan al desplazamiento. Las filosofías que rodeaban a Kintsugi, la carpintería de oro japonesa, surgieron durante conversaciones tempranas que Templeton tuvo durante la residencia. La hoja de oro en los grabados hace referencia a la renovación arquitectónica que la artista vio en Argentina. La acentuación trata el daño -o, en este caso, una imagen cortada y separada que captura un momento dislocado en el tiempo- como historia honrada más que como algo a camuflar.

dis-PLACED addresses themes of dislocation. Influenced by current events of refugee crisis, travel, migration, and temporal moments, the series adds elements of nature to create an obscure world of beauty as well as a gentle disquiet. Sheets crumpled in snow and scattered leaves in anonymous environments point to displacement. The philosophies surrounding Kintsugi, Japanese golden joinery, emerged during early conversations that Templeton had during the residency. Gold leaf in the prints referenced the architectural renewal she saw in Argentina. Accentuation treats damage—or, in this case, a cut and separated image capturing a dislocated moment in time—as honored history rather than something to camouflage.


E - TRACE IDENTITY

intimate | gender | collective


Ă­ntimo | gĂŠnero | colectivo


2011 ESQUEMAS SCHEMATICS

MARITZA DAVILA Santurce, Puerto Rico Vive en Memphis, EE.UU. Santurce, Puerto Rico. Lives in Memphis, USA

1974 Licenciatura en Artes con honores de la Universidad de Puerto Rico 1977 Maestría en Bellas Artes, Pratt Institute de Nueva York, EE.UU. 1974 BA from the University of Puerto Rico 1977 MFA from the Pratt Graphics Center and Pratt Institute, New York

La ascendencia, el linaje es el hilo que atraviesa la obra de arte de Dávila, aquella colección de cualidades inseparables que, a través de la sangre y la cultura y más allá de su capacidad de control, la hacen ser quien es. En esta búsqueda conceptual, aborda varias áreas: ¿cómo afecta la cultura, el lenguaje verbal y el lenguaje visual al proceso de pensamiento de las experiencias bilingües?, ¿cómo pueden los esquemas visuales transmitir más de una posibilidad o ser utilizados como una metáfora para transmitir más de una idea? Dávila refleja estas preguntas y experiencias enmarcadas dentro de marcos. Lo exterior en interior se mezcla y las formas geométricas contrastan con lo orgánico para revelar sombras de la feminidad, las relaciones del hogar, el medio ambiente y las raíces. El color y la textura crean una atmósfera de evolución emocional y espiritual. Ancestry is the thread that runs through Dávila’s art workthe collection of inseparable qualities that, through blood and culture and beyond her ability to control, made her who she is. In this conceptual pursuit, she addresses several areas. How do culture, verbal language and visual language affect the thinking process of bilingual experiences? And how can visual schematics convey more than one possibility or be used as a metaphor to convey more than one idea? Dávila reflects these questions and experiences framed within frames. Exteriors blend with interiors and geometric shapes contrast with the organic to reveal shadings of womanhood, home relationships, environment and roots. Color and texture create an atmosphere of emotional and spiritual evolution


2013 GOING THROUGH GONDWANA

ATRAVESANDO GONDWANA

Gondwana fue el nombre de un bloque continental que se fracturó en el Período Cretásico. De su ruptura surgieron África, Sudamérica, Oceanía, Madagascar y la Antártida. Entonces, como sus formas lo indican claramente, Sudamérica y África estuvieron hace millones de años unidas encajando la curva de Brasil perfectamente con la inmensa bahía de África. Fred Clarke indagó sobre ese momento en que ambos continentes estaban unidos y esbozó preguntas acerca de similitudes, diferencias, inter-relaciones y sobre todo, su propia sensación al conocer y trasladarse hacia la otra parte que una vez fue parte de su propia tierra.

Gondwana is the name given to the more southerly of two super-continents, which separated in the mid-Mesozoica era. Gondawa included most of the landmasses in today´s Southern Hemisphere including Antarctica, South America, Africa, Madagascar, and the Australian continent. As is clearly shown by the shapes of South America and Africa, they were connected millions of years ago . Fred Clarke explored that moment when both landmasses were united, posing interesting questions about similarities, differences, inter-relationships, and especially his own experiences of moving to the other part of what once was united.

FREDERICK CLARKE 1986 Johannesburgo, Sudáfrica Johannesburg, South Africa

Licenciatura en Bellas Artes University of Witwatersrand, Johannesburgo, Sudáfrica Maestría en Literatura Inglesa en la University of Witwatersrand, Johannesburgo, Sudáfrica BA Fine Arts, University of Witwatersrand, Johannesburg, South Africa Major in English Literature at the University of Witwatersrand, Johannesburg, South Africa


2011 DESVISTIÉNDOME ANTES DEL EXILIO

UNDRESSING BEFORE THE EXILE

effýmia 1988 - 2013 | Israel Vivió en Buenos Aires, Argentina Israel Lived in Buenos Aires, Argentina

Licenciatura en Artes Visuales, Instituto Universitario Nacional de Artes (IUNA), Buenos Aires, Argentina Bachelor of Fine Arts, Instituto Universitario Nacional de Artes (IUNA), Buenos Aires, Argentina

La artista transexual effýmia desarrolló el proyecto “Desvistiéndome antes del exilio”, que buscó reconstruir y construir su identidad por medio de performances y manifestaciones visuales conceptuales y efímeras. En ‘ace expuso más de 50 prendas que luego colocaría en distintos puntos e la vía pública, donde la artista se despoja de esas prendas, cada una ligada a una anécdota ligada a su estadía en Argentina. La artista se presentó a sí misma colocándose en categorías diametralmente opuestas pero que, sin embargo, la definían plenamente: “Transexual, bisexual, casta, judía, atea, extranjera, porteña, artista, mujer… potencial amenaza a tus prejuicios”, una extranjera que sin embargo vive en su patria, atea y judía al mismo tiempo. Tres años después de su residencia en ‘ace, effýmia cometió suicidio con apenas 25 años. The transsexual artist effýmia developed her project “Undressing myself before the exile,” which sought to reconstruct and construct her identity through performances and conceptual and ephemeral visual manifestations. At ‘ace she exhibited more than 50 clothes that she would later install in the public space, each of the clothing was linked to a personal story of her stay in Argentina. The artist presented and placed herself in categories that are diametrically opposite to each other, but that at the same time defined her completely: “Transsexual, bisexual, caste, Jewish, atheist, foreign, porteña, artist, woman... potential threat to your prejudices”, a foreigner who nevertheless lives in her homeland, atheist and Jewish at the same time. Three years after her residency at ‘ace, effýmia committed suicide at the age of 25.


2012 TRANSPARENCY STORIES

RELATOS EN TRANSPARENCIA

Nöel loeschbor 1977 | Córdoba, Argentina

1999, Profesorado Superior de Educación en Artes Plásticas, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina 2001, Licenciatura en Grabado, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina 1999, Profesor of Fine Arts, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina 2001, Bachelor in Printmaking, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina

Superposición de distintos soportes textiles que resaltan y tapan transparencias, colores; obra maleable que se deja torsionar, deformar, rasgar y coser. Loeschbor utiliza materiales no convencionales y crea relatos que tienen que ver con el mundo femenino, íntimo en un juego creativo donde el espectador es invitado a perderse y explorar a través de sus múltiples capas. Luego de la micro-residencia en ‘ace, Loeschbor realizó una exposición en la galería MODOS en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Superposition of different textile supports that highlight and cover transparencies, colors; malleable work that is left to twist, deform, tear and sew. Loeschbor uses unconventional materials and creates stories that have to do with the feminine world, intimate in a creative game where the viewer is invited to get lost and explore through its multiple layers. After the micro-residence in ‘ace, Loeschbor made an exhibition in the MODOS gallery in the Autonomous City of Buenos Aires.


2014 CABINET

HERA CHAN 1993 | Montreal, Canadá Vive en Hong Kong Montreal, Canada Lives in Hong Kong

Licenciatura en Artes, Historia del Arte y Estudios del Este asiático en McGill University en Montreal, Canadá Bachelor of Arts in Art History and East Asian Studies in McGill University, Montreal, Canada

La identidad del cuerpo chino, en constante cambio y mutación- lo que puede ser visto en la artista en sí misma (dado su origen chino) y también la misma idea sobre “lo chino” que poseen los individuos- en relación con el creciente mercado de arte chino. El crecimiento del arte chino en el Mercado remite a la manera en que generaciones previas ubicaron sus preciados juegos de té y vajillas en gabinetes, eliminando el contacto real con lo chino y en cambio interactuando puramente con el mercado financiero-la compra y venta de objetos. Cabinet realiza preguntas en torno a cómo valoramos el arte en la sociedad contemporánea y cómo el valor financiero del arte influye en nuestras percepciones de lo que puede ser identificado como el cuerpo chino. Chan utilizó la voz de Google Translate para articular citas tomadas de personas a partir de entrevistas acerca de su interacción diaria con lo que ellos perciben como chino. De esa manera recreó en un video stop-motion una conversación que solo tiene como respuesta el sonido de un bandoneón. La historia sigue un día en la vida de quién sea que el espectador crea que llena los zapatos de cerámica vacíos que se mueven a lo largo de la pantalla (o podríamos decir China?). Todos los objetos que aparecen en el video fueron encontrados en Buenos Aires y fueron elegidos basándose en la potencial relación con “lo chino” que Chan percibió en ellos.

The identity of the forever changing Chinese body - that can be seen in Chan herself (due to her Chinese background) and also the very idea of Chineseness that individuals possess- in relationship to the exponentially rising Chinese art market. The elevation of Chinese art in the market now is reminiscent of how previous generations placed their prized China tea sets and plates in cabinets, creating an erasure of direct contact with that which was Chinese and instead interacting purely with the financial market – the buying and selling of objects. Cabinet raises questions about how we value art in contemporary society and how the financial value of art influences our perceptions of what can be identified as the Chinese body. Using the voice of Google Translate to articulate quotations taken from various people whom the artist interviewed about their everyday interaction with what they perceive to be Chinese, Chan recreated a one-sided conversation in a stop motion video that only hears the answer of the sounds of an accordion. The storyline follows a day in the life of whomever the viewer deems fit to fill the empty ceramic (or shall we call it China?) shoes moving across the screen. All the objects featured in the video work were found in Buenos Aires. Chan chose the objects based on the potential of their connection to the Chineseness she perceived.


2015 ELLA PRESENTE SHE PRESENT

Carolina azálgara 1981 | Lima, Perú

Especialidad de Pintura y Grabado, Facultad de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica del Perú Artes Visuales Ecole Supérieure de Beaux Arts du Mans Perth International College of English, Western Australia Bachelor in Fine Arts with focus in painting and printmaking in Facultad de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica del Perú Visual Arts, Ecole Supérieure de Beaux Arts du Mans Perth International College of English, Western Australia

La familia como institución social, el individuo como resultado final del núcleo familiar, pero como individuo también por afuera de la familia, sujeto autosuficiente, independiente y autónomo. A través del autorretrato, el bordado y técnicas de grabado tradicional Azálgara logró reflexionar acerca de heridas, suturas y cicatrices emocionales, originadas a partir de ciertos acontecimientos del pasado dentro del núcleo familiar. Family as a social institution, the individual as a final result of the family nucleus but also as a self-sufficient, independent, and autonomous being. By using sewing, embroidery, and some traditional printmaking techniques, Azálgara reflected upon wounds, stitches, sutures and emotional scars, originated as a result of certain events that happened in the past within the family nucleus.


2012 HOW I REMEMBER IT

COMO LO RECUERDO

BREANNE RUPP 1986 | Ciudad de Panamá, Panamá. Vive en San Francisco, EE.UU. City of Panama, Panama. Lives in San Francisco, USA

2008 Magna Cum Laude, Licenciatura de Bellas Artes, especialización en Diseño Gráfico, Flagler College en St. Augustine, Florida, EE.UU. 2008 Magna Cum Laude BFA, Graphic Design minor, Flagler College in St. Augustine, Florida, USA

Una interpretación visual de cómo nuestros recuerdos existen con diferentes patrones y capas de nostalgia. Rupp uso tapetitos y manteles no solamente por sus formas, sino también por su nostalgia inherente y para rendir homenaje a sus antepasadas mujeres que cumplieron (entre otros) los papeles de reparadoras, amas de casa, artesanas y guardianes de la memoria. Capas e imperfecciones hacen referencia al tiempo.

A visual interpretation of how our memories actually exist in patterns and layers of nostalgia. Rupp used doilies and lace for their forms, inherent nostalgia, and to pay homage to her women ancestors who fulfilled (among others) the roles of crafters, menders, homema kers, and memory keepers. The use of layers and allowing for imperfections referenced time, mimicking its wear on objects and images.

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KICKSTARTER


2016 VIVIR ENTRE LENGUAS TO LIVE BETWEEN LANGUAGES

beth grabowski 1956 | Washington D.C. Vive en Chapell Hill, Carolina del Norte, EE.UU. Washington D.C. Lives in Chapell Hill, North Carolina, USA

1978 Licenciatura en Artes, University of Virginia, Charlottesville, VA, EE.UU. 1985 Maestría en Artes, University of Wisconsin-Madison, EE.UU. 1978 BA, University of Virginia, Charlottesville, VA, USA 1985 MFA, University of WisconsinMadison, USA

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UNIVERSITY OF NORTH CAROLINA OF CHAPELL HILL

El título de este cuerpo de trabajo, Vivir entre lenguas, está tomado de un libro con el mismo título de la autora Sylvia Molloy. Compré este libro durante mi primer fin de semana en Buenos Aires en la 42ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires. Mientras paseaba por la feria del libro, seguí chocando contra las limitaciones de mi español rudimentario. El libro de Molloy fue un hallazgo fortuito, ya que cuestiona la construcción de la identidad, que está determinada en el lenguaje. Mientras que Molloy trata el concepto desde la posición de ser multilingüe, la pregunta resultó muy relevante para mí proviniendo de una cultura esencialmente monolingüe. Intenté por primera vez leer el libro en español, luego probar mi comprensión traduciendo partes del libro con Google Translate. Las partes del libro de Molloy escritas en inglés eran un respiro del trabajo de negociación de la comprensión básica. Al pasar tiempo con este texto, comencé a explorar no solo la diferencia entre el español y el inglés, sino también el aspecto de la memoria requerida para leer y el colapso del tiempo, el sonido y la imagen en una sola superficie. Fotografié páginas retroiluminadas, creando una cacofonía de caracteres tipográficos, surgiendo solo palabras o frases ocasionales cuando las pausas de espacios en blanco interrumpían la página del reverso. Impresiones y fragmentos fueron los únicos restos tangibles.

The title for this body of work— Vivir entre lenguas— is borrowed from a book with the same title by Sylvia Molloy. I bought this book during my first weekend in Buenos Aires at the 42ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires. As I was wandering around the book fair, I kept bumping up against the limitations of my rudimentary Spanish. The Molloy book was a serendipitous find, as it questioned the formation of identity, as it is determined within language. While Molloy deals with the concept from the position of being multilingual, the question was relevant to me as someone coming from an essentially monolingual culture. I first attempted to read the book in Spanish, then to test my understanding by translating portions of the book with Google Translate. The portions of Molloy’s book written in English were a respite from the work of negotiating basic understanding. As I spent time with this text, I began to explore not only the difference between Spanish and English, but also the aspect of memory required for reading and the collapse of time, sound, image into a single surface. I photographed backlit pages, creating a cacophony of typographic characters, with only occasional words or phrases emerging when pauses of white space interrupted the verso page. Impressions and fragments were the only tangible remains.


2013 PELTFOG

TAMARA ELKINS 1987 | Wollongong, Australia

Licenciatura en Bellas Artes, West Wollongong TAFE College of Fine Arts, Greater Wollongong, New South Wales, Australia. BFA, the College of Fine Arts, West Wollongong TAFE College of Fine Arts, Greater Wollongong, New South Wales, Australia.

Identidad de género, la ambigüedad de nuestra sexualidad, el entrelazamiento de lo masculino y femenino, y cómo se manifiesta esto en un género determinado. La coreógrafa Pina Bausch es una influencia esencial en la búsqueda de Elkins quien desarrolla su obra a través de la pregunta ¿qué anhelamos todos?, realizada por Bausch y registrada en el documental “Pina” de Wim Wenders. Gender identity, the ambiguity of our sexuality, the intertwining of the masculine and feminine, and how this manifests itself in a particular genre. Choreographer Pina Bausch’s question “what do we yearn for?” (which appears in Wim Wender’s documentary Pina) is an essential influence on Elkin’s search and production.


2011 DRIF

A LA DERIVA

alexandra carter 1985 | Boston, EE.UU. Vive en Los Ángeles, EE.UU. Boston, USA Lives in Los Ángeles, USA

2009 Licenciatura en Artes en el Rhodes College en Memphis, Estados Unidos. 2011 Maestría en el Maryland Institute College of Art en Baltimore, EE.UU. 2009 BFA Rhodes College in Memphis 2011 Post-Baccalaureate Certificate Program at the Maryland Institute College of Art, Baltimore, USA

Habiendo crecido en un entorno de granja, máquinas y campos de arándanos, en su obra, Carter investiga su propia crianza evocando temas de género, cuento de hadas, crecimiento a nivel familiar e individual. Retrata la figura humana en una dinámica de encuentro de emociones, identidades y relaciones psicosociales. Las composiciones revelan a los personajes involucrados en una narrativa ambigua, cada figura es representada con rasgos detallistas, ya sea en su expresión facial, lenguaje corporal o vestimenta pero a su vez están rodeadas por atmósferas vacías. Se presentan en un vacío o espacio en blanco mental, generando escenas oníricas y surrealistas.

With a background of farming, machines and red berries fields, in her artwork Carter investigates her own upbringing while evoking themes of gender, fairy tale, family and personal growth. She portraits the human figure within a dynamic of concurring emotions, identities, and psychosocial relationships. Compositions reveal characters engaged in an ambiguous narrative, each figure made specific in details such as facial expression, body language, and dress but in empty atmospheres. The figures are presented as if they exist in a void or blank space in the mind, making them all the more dream-like and surreal scenes.


2011 EL DESEMPATE THE JUMP-OFF Ewing esbozó preguntas sobre el estatus de la mujer dentro de la industria musical y cultura del hip-hop. Atravesó varias hipótesis, desde aquella que supone que la mujer recibe un lugar central, superior y de poder hasta la actitud misógina, de desprecio y cosificación con la que se las refiere. *La expresión Jump-off se define como “pareja sexual casual”

wanda ewing 1987- 2013 | Omaha, Nebraska, EE.UU. Omaha, Nebraska, USA

Licenciatura en Bellas Artes con concentración en grabado, San Francisco Art Institute,EE.UU. Maestría en Artes, especialización en grabado, University of Iowa, EE.UU. BFA, Printmaking, San Francisco Art Institute, USA MFA, Printmaking, University of Iowa, USA

Ewing outlined questions about the status of women within the hip-hop music industry and culture in general. She went through several hypotheses, from the one that assumes that women receive a central, superior and powerful place to the misogynistic attitude of contempt and reification with which they are referred. *Jump-off is an expression for “casual sexual partner”


CRACKS

2013 GRIETAS

leslie mitchell

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THE BERKSHIRE TACONIC


2015 EN LA PIEL DE ÍCARO IN ICARO’S SKIN

anna nicholson 1984 | Albonito, Puerto Rico Vive en San Juan, Puerto Rico Albonito, Puerto Rico Lives in San Juan, Puerto Rico

Maestría en Diseño Gráfico Digital en Atlantic College University y Atlantic College University Guaynabo, Puerto Rico 1998 Posgrado en Grabado y Pintura, Escuela Nacional Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova, Buenos Aires, Argentina. 1994 Estudios Superiores en Técnicas Alternativas de Grabado, UNAM San Carlos, México DF. 1988 Licenciatura en Bellas Artes, Universidad de Puerto Rico Master in Digital Graphic Design at Atlantic College University, Guaynabo, Puerto Rico 1998 Postgraduate Studies in Printmaking and Painting, National School of Fine Arts Ernesto de la Cárcova, Buenos Aires, Argentina 1994 Postgraduate Studies in Printmaking Techniques, UNAM San Carlos, Mexico City 1988 Bachelor of Fine Arts, University of Puerto Rico

Cambios en su entorno lejano y cercano, Nicholson habla sobre el estado de crisis de la isla donde nació y vive, Puerto Rico y los cambios en su estructura familiar. A lo largo de la historia del arte, los artistas han usado referentes mitológicos para la construcción de su imaginario. El mito de Ícaro es particularmente simbólico en las circunstancias de Nicholson, Puerto Rico, se aproxima al caos sumida en una crisis económica que puede ser comparada con la que sufría el pueblo griego en ese mismo año. Tanto Ícaro como Puerto Rico son frágiles ante los sistemas que manejan las economías globales.  Changes in her distant and close surroundings, Nicholson talks about the state of crisis of the island where she was born and lives, Puerto Rico, and changes in her family structure. Throughout the history of art, artists have used mythological references for the construction of their imaginary. The myth of Icarus is particularly symbolic in the circumstances of Nicholson, Puerto Rico, is approaching the chaos plunged in an economic crisis that can be compared with the one that suffered the Greek people in that same year. Both Icarus and Puerto Rico are fragile towards the systems that handle the global economies.


2014 SIN UNA CANCIÓN

WITHOUT A SONG

laura sofía pérez San Juan, Puerto Rico Vive en Nueva York, EE.UU. San Juan, Puerto Rico Lives in New York City, USA

Licenciatura en Bellas Artes, Parsons: The New School for Design, Nueva York, Estados Unidos BFA in Fine Arts, Parsons: The New School for Design in New York City, USA

Los aspectos comunitarios, inclusivos, y participativos dentro de la tradición africana de la música, el baile y los rituales. Una investigación sobre la diáspora africana en el Río de la Plata. El plátano utilizado en la performance, una vez ofrenda de una planta seductora, se desplazó a Buenos Aires y se separa del racimo. Imagen recurrente en la historia de la pintura puertorriqueña y símbolo típico de la cultura Afro-Caribeña. El proceso propuso formas de decodificar, reformar y definir una identidad extraviada. Al igual, invitó a los participantes a recolectar un fruto no cosechado en esta ciudad. The project Without a Song emphasizes the African tradition of music, dance and rituals, which is characterized as being community-based, inclusive, and participatory. It also included an investigation about the African diaspora in the Río de la Plata. The banana used in the performance, once an offering from a seductive plant, is displaced to Buenos Aires and separated from its bunch or racimo, a recurring image in Puerto Rican painting history and a symbol of the Afro-Caribbean culture. This ritual proposed ways of decoding, reforming, and defining a lost identity. It also invited participants to gather a fruit not commonly harvested in this city.


2010 ILLUSTRATED HISTORY

HISTORIA ILUSTRADA

El desnudo femenino, sus implicaciones políticas y las cuestiones de género han interesado a Soberman durante muchos años. En Historia Ilustrada la artista se apropió de esas imágenes, y las utilizó mezclando períodos de tiempo, agregando siempre curiosidad y humor en la plétora de la desnudez contemporánea. The female nude, its political implications and ideas about gender-specific gazes have interested Soberman for many years. In Illustrated History, she appropriates images and uses them repeatedly, mixing up time periods, and injecting curiosity and humor into the plethora of contemporary nakedness.

linda soberman Vive entre Bloomfield Hills, EE.UU. y San Miguel de Allende, México Lives among Bloomfield Hills, USA and San Miguel de Allende, Mexico

2009 Licenciatura en Artes en el Rhodes College en Memphis, Estados Unidos. 2011 Maestría en el Maryland Institute College of Art en Baltimore, Estados Unidos 2009 BFA Rhodes College in Memphis 2011 Post-Baccalaureate Certificate Program at the Maryland Institute College of Art, Baltimore, USA


2012-16 LAZOS TIES

joseph kaplan 1966 | Nueva Jersey, EE.UU. Vive en Bogotá, Colombia New Jersey, USA Lives in Bogota, Colombia

1987 Bellas Artes, Universidad de Miami, Miami, EE.UU. 1988, Studio Art Center International, Florencia, Italia. Seminario de Arte Moderno, Oxford Polytechnic, Holanda y Alemania 1990 Licenciado en Pintura, Maryland Institute College of Art, Baltimore, EE.UU. 1996 Maestría en Artes, Hunter College, Nueva York, EE.UU. 1987 Fine Arts, Miami University, Miami, USA 1988 Studio Art Center International, Florence, Italy. Seminary of Modern Art, Oxford Polytechnic, Holland and Germany. 1990 Painting Major, Maryland Institute College of Art, Baltimore, USA. 1996 Master of Arts, Hunter College, New York, USA

“Lazos” es una serie de monotipos sobre papel creada a partir de la utilización de corbatas como matrices. Durante muchos años el artista trabajó con objetos relacionados al mundo de la lavandería ya que es parte de su entorno diario y un punto de inspiración. A partir de un objeto familiar y sencillo, su intención es generar imágenes complejas a través del grabado, el monotipo, creando una tensión visual y espontánea. “Ties” is a series of monotypes created by using ties as counterfoils. For many years the artist has worked with objects related to the laundry world, since this is a part of his daily environment and a point of inspiration. Starting from a familiar and simple object, his intention is to generate complex images in construction through printing technology, the monotype, therefore creating a visual and spontaneous tension.


2016 NEVER AGAIN

NUNCA MÁS

lavinia fagiuoli 1984 | Verona Vive en Milán, Italia Verona Lives in Milan, Italy

Derecho Internacional, Universidad de Milán, Italia International Law, University of Milan, Italy

El título “Nunca Mas” está inspirado en el Informe homónimo de la CONADEP de Argentina (redactado por la Comisión Nacional sobre la Desaparición de Personas en 1984) y se centra en la dignidad y la creatividad femenina como fuentes de lucha contra la violencia y el abuso contra la mujer. Fagiuoli realizó grabados en punta seca con retratos femeninos y representaciones de diferentes partes del cuerpo que pueden funcionar individualmente o como una instalación de gran formato.

“Nunca Más” (‘Never Again’) is inspired by the homonymous Argentinian CONADEP Report (drafted by the National Commission on the Disappearance of People in 1984) and is centered on female dignity and creativity as sources to battle violence and abuse against women. Fagiuoli developed a series of dry point prints with female portraits and representations of different body parts that can stand individually or as a large installation.


2010 ME VI EN LA CALLE

alexander squier Houston, EE.UU. Houston, USA

2010 Licenciatura en Bellas Artes, University of Rochester, Rochester, Nueva York, EE.UU. 2013 Maestría en Artes, Tufts University/School of the Museum of Fine Arts, Boston, EE.UU. 2010 BFA, University of Rochester, Rochester, New York, USA 2013 MFA, Tufts University/School of the Museum of Fine Arts, Boston, USA

I SAW MYSELF IN THE STREET

Todos tenemos un impulso inherente para juzgar, describir, personificar e identificar todas y cada una de las cosas a nuestro alrededor. La gente desarrolla, conserva y colecciona “tipos”, así como significados físicos y auditivos para usarlos como referencia. Si todo el mundo tiene una percepción distinta (en su propia realidad) de todos los demás, ¿significa esto que también hay innumerables percepciones de cada uno?, ¿Qué pasa con las diversas y constantemente cambiantes percepciones de uno mismo? We all have an inherent urge to judge, describe, personify and identify each and every one of the things around us. People develop, conserve, and collect “types,” as well as physical meanings and audio to use as references. If everyone has a different perception (in their own reality) of everyone else, does this mean that there are many perceptions of each of us? What about the various and constantly changing perceptions of ourselves?


2016 GOOD

BIEN

CYNTHIA MÜNSTER 1983 | Buenos Aires, Argentina Vive en Ottawa, Canadá Buenos Aires, Argentina Lives in Ottawa, Canada

2006 Licenciatura en Bellas Artes, Universidad de York, Toronto. 2007 Diploma en fotoperiodismo de Loyalist College

Falta de permanencia, ausencia, inestabilidad, son todos estados por los que deriva y a los que lleva la demencia senil. A partir de una cercanía de su entorno familiar con esos estados, Münster explora las modificaciones en la memoria a través de la superposición de dos imágenes y la decoloración. Lack of permanence, absence, instability, are all states brought senile dementia. Because of an experience of her relatives with those states, Münster explores the modifications in memory through the overlapping of two images and discoloration.

2006 Bachelor in Fine Arts, York University 2007 Degree in photojournalism, Loyalist College


2016 ESPEJISMOS

MIRAGES

Imágenes que hacen referencia a lo femenino, oscuridad y sufrimiento de ciertas situaciones por las que pasa el género, la ilusión construida del espacio íntimo como también el deseo proyectado hacia lo femenino, casi como si fueran espejismos.

rachel tanugi ribas 1988 | Río de Janeiro, Brasil

2012 Licenciatura en Bellas Artes en Fotografía, Parsons The New School for Design, Nueva York, EE.UU. 2012 BFA in Photography, Parsons The New School for Design, New York, USA

Images that make reference to the feminine, the darkness and suffering of certain situations which the gender goes through, the illusion built towards the intimate femenine space and also the desire projected into the feminine almost like if it were a mirage.


2012 BED OF ROSES

“Lecho de rosas” [El gemelo fantasma] fue el resultado de investigaciones sobre la historia argentina reciente, el fileteado porteño y los modismos de las diferentes tribus urbanas. Todas estas fuentes se reflejan conceptual y visualmente en la extensa serie de múltiples intervenidos. El fileteado fue utilizado como en la tradición local -con ornamentos coloreados y simetrías completadas con frases- con la diferencia que su uso relativo y su contexto atrae a la vez que perturba al espectador con sus significados.

LECHO DE ROSAS

“Bed of roses” [Twin Ghost] is a result of researches about the recent Argentinean history, the artistic drawing “Fileteado”(1) and slang used by the different urban tribes from the city of Buenos Aires. The source material is reflected conceptually and visually in this extensive series of intervened multiple prints, where the Filetes (the lines and typography in the fileteado style) are used as in the local tradition- full of colored ornaments and symmetries completed with poetic phrases- but their context attracts and at the same time disturbs the public with its meanings.

(1) Fileteado is a type of artistic drawing, with stylized lines and flowers, typically used to adorn all kinds of beloved objects: signs, taxis, trucks and even the old colectivos, Buenos Aires’s buses. It has been part of the local culture since the beginning of the 20th century.

peregrine honig 1976 | San Francisco Vive en Kansas City, EE.UU. San Francisco Lives in Kansas City, USA Licenciatura en Bellas Artes, Kansas City Art Institute BFA, Kansas City Art Institute

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KANSAS CITY ARTIST COALLITION UTRECHT


2011 AQUÍ Y ALLÁ: CLOSING THE GAP

groana melendez 1984 | Nueva York, EE.UU. New York City, USA

2006 Licenciatura en Artes Visuales en Fotografía Artística, Syracuse University, Nueva York, EE.UU. 2006 Bachelor in Fine Arts in Art Photography, Syracuse University, NY, USA

Reflexión sobre la identidad por medio de retratos, haciendo foco en su propia experiencia de identidad dominicana y estadounidense. Cuando tenia diez años, Melendez empezó a “coleccionar” imágenes y documentos de su familia por nostalgia y también por la necesidad de reconstruir su propia historia. No se sabe mucho sobre la historia de su familia, por lo tanto, estos objetos -con sus descripciones físicas y signos de envejecimiento y fragilidad- se convirtieron en su manera de aprender más acerca de sus raíces, dándole señales sobre el pasado, y a la vez, enseñándole sobre su propia identidad. A reflection about identity through portraits focusing on her own experience of being Dominican and American. At the age of 10, Melendez nostalgically began the process of “collecting” her family’s images and documents as a need to piece together her story. Not much is known about her family’s history, therefore these objects, with their detailed physical descriptions and signs of aging and fragility, became Melendez’s way of learning more about her roots. It gave her insight into their past, and in turn, an insight into her own personal identity.


2011 HOLLY LOVE

El espíritu del amor en su actualidad, considerada como un período de transición, una época en que las leyes sobre los matrimonios entre personas del mismo sexo están cambiando actitudes, existiendo la condena total hasta la legislación y aceptación de la misma. Falkeborn investigó y capturó este movimiento en Buenos Aires, percibió similitudes, diferencias políticas y religiosas para finalmente visualizar al matrimonio como un acto del espíritu, de afecto, y de pertenencia. El proyecto fue un puente entre Buenos Aires y Suecia, entre los amantes de todo el mundo, entre los oprimidos y los liberados; y entre los artistas internacionales.

AMOR SAGRADO

The spirit of love nowadays, considered as a period of transition, a time when laws on same-sex marriages are changing attitudes, existing the total condemnation at the same time that it is legislated and accepted. Falkeborn investigated and captured this movement in Buenos Aires, perceived similarities, political and religious differences to finally visualize marriage as an act of spirit, affection, and belonging. The project was a bridge between Buenos Aires and Sweden, among lovers all over the world, between the oppressed and the liberated; and among international artists.

lotta falkeborn 1981 | Orsa, Suecia Sweden

Licenciatura en Artes, Intaglio, Ground School of Art, Kulturpedagogiska Institutet Licenciatura en Recreación y Educación, University of Education Stockholm Estudios en la Universidad de Örebro, en asociación con Universidades de Canterbury, Inglaterra y Utrecht, Países Bajos, y cursos en la Universidad de Karlstad, Alemania BFA, Intaglio, Ground School of Art, Kulturpedagogiska Institutet. Recreation and Lesiure Education, University of Education Stockholm. Studies in University of Örebro, in association with Universities in Canterbury, England, and Utrecht, The Netherlands, as well as in the University of Karlstad


2015 EL GUIÓN THE STORY LINE

jenie gao 1988 | Madison, EE.UU. Madison, USA

2010 Licenciada en Bellas Artes con especialización en Grabado y Dibujo, Washington University en St. Louis, Sam Fox School of Design & Visual Arts BFA in Printmaking/Drawing, Washington University in St. Louis, Sam Fox School of Design & Visual Arts

Historias de objetos y símbolos a los que les asignamos significados, como puntos de anclaje de nuestras identidades a medida que cambiamos y crecemos. Gao desarrolló una serie de grabados y libros de artista que cuentan historias sobre personas que se atreven a crear cosas, por ejemplo, una paloma que se atreve a dejar su entorno conocido para ser mensajera y colaborar en la unificación de cuerpos y cabezas que habían sido separados.

Stories of objects and symbols to which we assign meanings, that act as anchoring points of our identities as we change and grow. Gao developed a series of engravings and artist’s books that tell stories about people who dare to create things, for example, a pigeon who dares to leave its environment to be a messenger and collaborate in the unification of bodies and heads that had been separated.s.


2017 SOMETHINGS WON’T CHANGE

ALGUNAS COSAS NO VAN A CAMBIAR “Al crear, normalmente pienso en la interacción o el aislamiento humano. La inspiración para mi trabajo proviene de la observación de personas, escuchas e introspección. El proceso de recordar situaciones pasadas es el fundamento de mis narrativas. Mis intenciones son crear obras ambivalentes e hipotéticas, y otras veces enfáticas y alimentadas por el recuerdo. La combinación de imágenes representativas y alteradas es importante al momento de combinar los aspectos de mi trabajo que se inspiran en fuentes externas, con mi respuesta emocional a la situación descrita. El uso de varios medios me permite crear una representación en profundidad de mí mismo y simbolizar las múltiples perspectivas dentro de cada situación. Mi trabajo incorpora figuras, espacios, objetos y marcas expresivas con la intención de generar más preguntas que respuestas, para evocar al espectador a reflexionar sobre sí mismo y su relación con los demás.” “When creating I am typically thinking about human interaction or isolation. The inspiration for my work comes from people watching, eavesdropping, and introspection. The process of remembering past situations is the foundation of my narratives. My intentions are to create works that are ambivalent and hypothetical, and at other times emphatic and fuelled by recollection. The combination of representational and altered imagery is important in combining the aspects of my work that are inspired by external sources, with my emotional response to the depicted situation. The use of various media allows me to create an in-depth representation of myself and symbolize the multiple perspectives within every situation. My work incorporates figures, spaces, objects, and expressive mark making with the intent of creating more questions than answers, in order to evoke the viewer to reflect on themselves and their relationships with others.”

CALEB JAMEL BROWN 1993 | Georgia, EE.UU. Georgia, USA

2016 Licenciatura en Artes, Valdosta State University, Valdosta, Georgia, EE.UU. 2016 B.F.A in Art, Valdosta State University, Valdosta, Georgia, USA


2017 OBJETOS PROPIOS SELF OBJECTS

SERENE DAKAK 1991 | Haifa, Israel

Licenciatura en Arte Terapia, Haifa University, Israel Licenciatura en Bellas Artes, Haifa University, Israel BA in Art Therapy, Haifa university BA in Fine Arts and special education, Haifa University.

Un papel tiene la capacidad de reflejar las experiencias internas que se generan al reunir diferentes self-objects [objetos propios], esta reflexión es un acto de sostén, de detención del tiempo, y nos brinda una oportunidad para observar lo que internalizamos, extrañamos y reprimimos. De esta manera, la observación sobre el proceso artístico y obra final nos ayuda a formar un yo más integrado. Este proyecto desempeña ambos papeles: por un lado el papel del transformador, el Medio que permite introducir pensamientos abstractos, emociones y preguntas relacionadas con la autoestima, la imagen propia y el hacer frente al rápido mundo contemporáneo en la pintura. Por otro lado, es un selfobject [objeto propio], un producto, que crea una nueva experiencia.

A paper has the ability to reflect inner experiences that are created within meeting different selfobjects, this reflection is an act of holding, time stopping, giving us an opportunity to observe what we internalize, miss and repress. Thus the observation at the artistic process and the final product helps us shape a more cohesive and an integrative self. This project plays both roles the converter, the Medium, of abstract thoughts, emotions and questions regarding self worth, self image and the general coping with our fast paced world into painting, but also a selfobject, the product, that creates a new experience.


2013 CAN YOU HEAR ME?: BUENOS AIRES

ME PUEDES ESCUCHAR?: BUENOS AIRES Yo creo que la vida misma puede ser arte. La vida y el ambiente son fuentes importantes para mi práctica artística. Mi principio estético no se trata de producir objetos. A veces siento que los artistas están a punto de arruinar este planeta debido a nuestra compulsión por hacer: se da demasiado valor a los artefactos. A nivel humano, creo que tengo la obligación ética de evitar contaminar nuestro mundo. A lo largo de mis proyectos recientes produje la menor cantidad posible de objetos nuevos. Ahora estoy más interesada en el maravilloso espíritu humano colectivo y central y en la idiosincrasia de la humanidad. Esta preocupación me mantiene comprometida y amplía los límites de este aspecto de mi trabajo. El proceso de exploración de la creatividad basado en un ethos sustentable y “no productivo” es liberador e interesante.   Trabajo en sonido, entrevistas, performance y escritura, realizados como instalaciones, como una manera de maximizar la conversación y minimizar las producciones de los resultados obtenidos. En Buenos Aires realizó entrevistas a cinco mujeres realizando la pregunta “¿Cómo te definirías como mujer?” y luego produjo una pieza de video.

I believe life itself can be art. What life and environment affect me are important sources of artistic practice. My aesthetic principle is less about producing objects for my creative practice. Sometimes I feel that artists are about to ruin this planet due to our compulsion to make excessively: too much value is placed on artifacts as outcomes. On a human level, I believe I have an ethical obligation to avoid polluting our world.  Now I’m more interested in the wonderful collective, core human spirit and idiosyncrasies of humankind. This concern keeps me engaged, and expands the boundaries of this aspect of my work. The process of exploring creativity grounded in a sustainable, ‘non-making’ ethos is liberating, and engaging. I am focused on sound, interviews, performance and writing realized as installations as a way of maximizing conversation and minimizing the productions of made outcomes. In Buenos Aires she interviewed five women asking them to answer “How do define yourself as a woman?” and then produced a video artwork.

youngjoo yoo 1970 | Seúl, Corea del Sur Seoul, South Korea

2010 Maestría en Diseño de Indumentaria y Textil, Glasgow School of Art, Glasgow, Escocia 2010 Master in Fashion and Textiles, Glasgow School of Art, Glasgow, Scotland

Mujeres entrevistadas | Interviewed women: Sandra Astuena, María Cristina Cánaves, Lidia Kipildor, Sushmita Mandal, Ana Mattioli, Luciana Morelli. Patrocinador | Sponsor

ARKO, ARTS COUNCIL KOREA.


XPERIMENT THE MEDIA

poetic | ludic | formal


XPERIMENTAR LA MATERIA

poético | lúdico | formal


2012 DE ADENTRO HACIA AFUERA

tania abrile 1977-2016 | Córdoba, Argentina

2008 Postgrado en Ilustración para publicaciones infantiles y juveniles, Universidad Autónoma de Barcelona, España. 2006 Maestría en Diseño Gráfico y Comunicación Digital, Cice, Madrid, España 2004 Magisterio en Teoría y Práctica de las Artes Plásticas Contemporáneas. Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, España. 2003 Licenciada en Pintura. Universidad Nacional de Córdoba, Argentina 2003 Profesorado Superior en Artes Plásticas con Orientación en Pintura. Universidad Nacional de Córdoba, Argentina. 2008 Postgraduate in Illustration for children an youth publications, Universidad Autónoma de Barcelona, Spain. 2006 Master in Graphic Design and Digital Communication, Cice, Madrid, Spain 2004 Magister in Theory and Practice in Contemporary Visual Arts, Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, España. 2003 Bachelor in Painting, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina 2003 Faculty in Visual Arts with focus in Painting, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina Patrocinador | Sponsor

ARTÍSTICA RUBENS FUNDACIÓN ‘ACE PARA EL ARTE CONTEMPORÁNEO

Captar los modos en que experimentamos el espacio circundante/vital y el espacio privado del hogar/refugio, buscar percepciones que se trasforman en una acumulación de experiencias estéticas, fueron todos caminos recorridos por Abrile. Lo íntimo, lo privado, lo anónimo, lo pasional, lo afectivo, lo desconcertante y lo único, adquirieron nuevos significados dónde lo mágico se mezcla con lo cotidiano. En el proceso, Abrile construyó micro-arquitecturas, instalaciones de pequeña escala, haciendo alusión al espacio real, dónde el juego de luz y sombra completó el carácter íntimo de la experiencia estética. También utilizó imágenes de Internet, con material e información procedentes de distintas fuentes y con estilos y objetivos comunicacionales diferentes, todo ello potenciando una percepción alienada y claustrofóbica de los contenidos descontextualizados. To capture the ways in which we experience the surrounding/ vital space and the private space of the home/refuge, to seek perceptions that are transformed into an accumulation of aesthetic experiences, were all paths that Abrile took. The intimate, the private, the anonymous, the passionate, the affective, the disconcerting and the unique, acquired new meanings, magic mixes with the everyday. In the process, Abrile built micro-architectures, small-scale installations, alluding to real space, where the play of light and shadow completed the intimate character of the aesthetic experience. She also used images from the Internet, together with material and information from different sources and with different communication styles and objectives, all of which enhanced an alienated and claustrophobic perception of decontextualized content.

FROM INSIDE TO OUTSIDE


2009 ODISEA ODYSSEY

marijke de vries 1954 | Alkmaar, Países Bajos Vive en Amsterdam, Paises Bajos Alkmaar, The Netherlands Lives in Amsterdam, The Netherlands

Pintura y Artes Monumentales en Rijksakademie, Amsterdam, Países Bajos Painting and Monumental Arts in Rijksakademie, Amsterdam, the Neatherlands

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ZANDUNGA - TANGOPRODUCTIONS ACTO

Como le sucedió a Ulises, luego de 16 viajes a Buenos Aires, sentí las transformaciones que traen estar lejos del hogar. A través de mi trabajo como bailarina/coreógrafa, descubrí diferentes niveles de realidad de la Ciudad de Buenos Aires y su cultura, sus mundos internos. La manera en que las “capas” de la realidad externa se reflejan en el espíritu y crea tensiones conduciendo a historias que se traducen en poesía visual. A transformation, like Odysseus’, often happens when one finds oneself far from home, like I did in my own Odyssey of going 16 times to Buenos Aires. Working mostly with dance/ choreography, I discovered different layers of reality in the city, mirroring worlds inside. My adventures and experiences led me to reflection. The way that “layers” of the outside reality reflects upon the soul creates tension, leading to stories that ask for translation into visual poetry.


2014 INTRUSION

INTRUSIÓN

juan coronel 1990 | Córdoba, Argentina

Licenciatura en Grabado, Facultad de Artes, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina Bachelor in Printmaking, Faculty of Arts, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina

Coronel se dedicó a investigar y experimentar con diversas técnicas gráficas como la fotolitografía sin agua y el fotopolímero. La experiencia de ser artista en residencia y trabajar en un ambiente profesional enriqueció la formación de este artista que se vislumbra como un investigador dedicado, curioso de las posibilidades expresivas que este medio le puede dar a sus futuras creaciones. Coronel focused on doing research and experimentation with various graphic techniques such as waterless photolithography and photopolymer. The experience of being an artist in residence and working in a professional environment will enriched the formation of this artist who is seen as a dedicated researcher, curious about the expressive possibilities that this medium can give to his future creations.


2014 INTRUSIÓN INTRUSION

marcela casals 1954 | Argentina. Vive en Brooklyn, EE.UU. Argentina. Lives in Brooklyn, USA

2017 Maestría en Artes Visuales, Manhattan, EE.UU. Licenciatura en Artes con foco en Escultura y Cerámica, Fayetteville State University, EE.UU. 2017 MFA School of Visual Arts, Manhattan, USA BFA, Minor in Sculpture and Ceramics, Fayetteville State University,USA

Intrusión fue la pieza escultórica realizada con papel misionero de embalar, construida por Casals como si estuviera componiendo una fuga en música. Empieza con una “frase” que se va desarrollando a lo largo del espacio, en el cual utiliza una polifonía vertebrada por contrapuntos. La obra, como su título, se entromete en el espacio, dialoga con él a la vez que lo invade con un lenguaje neo-barroco de curvas, diagonales y pliegues que se exaltan con luces y sombras. El material barato, sencillo, descartable se convierte en sus manos en arcilla que por momentos es percibida suavemente como una seda y en el próximo tramo se transforma en una serpiente constrictora que se enrosca en las vigas para finalmente reptar por el piso, convertirse en tronco o volar por el cielorraso como una nube. Alicia Candiani

“Intrusion”, a magnificent piece of sculpture made with brown packing paper manufactured in the Argentine province of Misiones, papel misionero. The artist constructs the piece as if composing a musical fugue. Starting with a “phrase” that unfolds over space, and using a polyphony structured by counterpoints. The work, as its title suggests, intrudes into the space and while is establishes a dialogue with the space, it invades it with a neo-baroque language of curves, diagonals and folds that are emphasized by highlights and shadows. The inexpensive, simple, disposable material becomes clay in her hands, perceived one moment as soft silk and in the next transforms into a serpent winding into the joists to finally crawl across the floor, become trunk or fly across the ceiling like a cloud. Alicia Candiani


2007 TÉCNICAS GRÁFICAS CONTEMPORÁNEAS

CONTEMPORARY PRINTMAKING TECHNIQUES

lindsay bourget Nueva York, EE.UU. New York City, USA

The Art Institute of Colorado, Colorado, EE.UU. School of Visual Arts, Nueva York, EE.UU. Arts Students League de Nueva york, EE.UU. The Art Institute of Colorado, Colorado, USA School of Visual Arts, New York, USA Arts Students League of New York, USA

“Decir que ‘ace excedió mis expectativas sería decir poco. Es muy raro encontrar un estudio tan excepcional, con una sólida organización y una estructura con buen ambiente y buenas personas bajo el mismo techo. Me siento muy afortunada de haberlo encontrado, especialmente en Buenos Aires, lo que añadió otra capa de educación y riqueza a esta experiencia. En cuanto a lo que se refiere al medio, fue una forma muy interesante de combinar viejas y nuevas técnicas, pasando diseños digitales en papel, usando foto polímero, agua tinta y chine colle, lo que le brindó una nueva sensación y textura a mi trabajo”

“To say that Proyecto’ace exceeded my expectations would be an understatement. It’s rare to find such an exceptional studio with a solid and organized structure with good ambiance and good people all under one roof. I feel very fortunate to have found it, especially since it is in Buenos Aires, which added another layer of education and richness to the experience. As far as the medium goes, it was a nice way for me to combine old and new techniques - taking computer graphics to paper - using photo polymer, aquatint & chine colle techniques to bring a new feeling and texture to the work”


2010 ICE SERIES

SERIE DE HIELO

Imágenes basadas en el hielo, Tabbert se ha interesado en el cambio repentino entre líquidos y sólidos y la forma de representar ese momento cuando una sustancia fluida se convierte en otra cosa. La forma en que realiza sus grabados se relacionan completamente con eso ya que los realiza capa por capa formando nuevas estructuras al igual que el agua. Images based on ice, Tabbert has been interested in the sudden change between liquids and solids and how to represent that moment when a fluid substance becomes something else. The way she develops her engravings are completely related to that since she builds them layer by layer forming new structures just like wáter does.

sara tabbert 1970 | Fairbanks, Alaska

1997 Maestría en Artes Visuales con especialidad en grabado, University of Nebraska, Lincoln, Nebraska, EE.UU. 1992 Licenciatura en Artes, , Grinnell College, Grinnell, Iowa, EE.UU. 1997 Master of Fine Arts in Printmaking, University of Nebraska, Lincoln, Nebraska 1992 Bachelor of Arts in Studio Art, Grinnell College, Grinnell, Iowa

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CONSEJO DE LAS ARTES DEL ESTADO DE ALASKA (EE.UU.) ALASKA STATE COUNCIL ON THE ARTS. (USA)


2012 CALDO BREEDING GROUND

alejandro scasso 1964 | Buenos Aires, Argentina Vive y trabaja entre Buenos Aires, Argentina y Colonia, Alemania Lives and works between Buenos Aires, Argentina y Colonia, Germany

Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, Argentina Escuela Superior de Bellas Artes y a los talleres de Roberto Páez y Ernesto Pesce. School of Fine Arts, Manuel Belgrano, Argentina. School of Fine Arts and workshops with Roberto Páez and Ernesto Pesce.

Alejandro Scasso manifiesta que, como pintor, eligió la abstracción porque no deseaba construir narraciones. El no acuerda con la famosa frase de Mark Ernst “El collage es el encuentro de dos realidades distintas en un plano ajeno a ambas”. Y esta es quizás la razón por la cual el collage de Alejandro es “endogámico”. Como la realezaque arregla matrimonios entre miembros de su claselas obras de Alejandro utilizan su propia esencia para retroalimentarse. Y en su permanente cuestionamiento de la ortodoxia de la pintura busca siempre una nueva definición en la que intervienen técnicas diversas en contextos antagónicos (y al final esto lo acerca a Ernst de cualquier manera!). Alicia Candiani. Alejandro Scasso says that, as a painter, he chooses abstraction because he does not want to build narratives. He does not agree with the famous Max Ernst’s phrase “Collage is the noble conquest of the irrational, the coupling of two realities, irreconcilable in appearance, upon a plane which apparently does not suit them”. Maybe that is because Alejandro’s collage is a kind of “endogamy”. As royalty fix marriages between members of their own class, Alejandro´s work uses their own essence to feedback itself and his constant questioning about the orthodoxy of painting. In this way, he always seeks a new definition in which merge different technologies in antagonistic contexts (and at the end this keeps him close to Ernst anyway!). Alicia Candiani.


2010 LENGUAJES LANGUAGES La naturaleza, como los artistas, tiene un número infinito de formas de expresarse. Fernández Pol utiliza el exceso y opulencia para crear mundos de escala micro y macroscópica, con paisajes abstractos, que se desarrollan orgánicamente basados en las ideas de la circularidad, la regeneración, la acumulación, y la decadencia.

julia fernández pol 1984 | St. Louis, Misuri, EE.UU. Vive en Los Ángeles, EE.UU. St. Louis, Missouri, USA Lives in Los Angeles, USA

Maestría en Artes Visuales, Boston University, Boston, EE.UU. Licenciatura en Bellas Artes con especialización en Historia del Arte. Washington University en St. Louis, Misuri, EE.UU. MFA Boston University, Boston, USA BFA, Minor: Art History, Washington University in St. Louis, Missouri, USA

Nature, like artists, has an infinite number of ways of expressing itself. Fernández Pol uses the excess and opulence to create worlds of micro and macroscopic scale, with abstract landscapes, that develop organically based on the ideas of circularity, regeneration, accumulation, and decay.


2015 AUTORIA AUTORSHIP

deidree weinberg 1962 | Nueva York, EE.UU. Vive en San Francisco, EE.UU. New York, USA Lives in San Francisco, USA

Licenciatura en Arte, San Francisco City College Licenciada en arquitectura paisajística, San Francisco City College BFA, San Francisco City College Bachelor in Landscape Architecture

La artista busca ahondar en el significado de vivir en un mundo donde las nociones de lo privado/ público se cuestionan y se reforman constantemente. ¿Qué significa la propiedad? ¿Qué significa colaborar o compartir ideas a través de redes sociales teniendo en cuenta la vigilancia digital? Cruzando lo digital y lo analógico tanto en la reflexión teórica como en la práctica, Weinberg tomó fotografías de la ciudad de Buenos Aires para desarrollar perforaciones de arte fotolitográfico.

The artist intends to delve into the meaning of living in a world where the notions of private/public are put into question and constantly re-shaped. What does ownership mean? What does it mean to collaborate or share ideas via social taking into account the digital sampling and surveillance? Crossing the digital and the analogic both in theoretical reflection and practice, Weinberg took pictures of the city of Buenos Aires to develop photolithography art pierces.


2012 COMMUNICATIONS

COMUNICACIONES

RAJKUMAR SHINGE 1956 | Bombay, India Mumbai, India

1983 Diploma en Metales y Esmaltados, Universidad de Bombay 1980 Diseño y Comunicación Sir J.J. School of Applied Arts 1983 Diploma in Metal and Enameling, University of Mumbai. 1980 Design and Communication from the Sir J.J. School of Applied Arts

“Como artista siempre viajo con sueños ... pero como ser humano trabajo en arte. Hago dibujo y pintura mientras exploro los alrededores y me gusta trabajar en diferentes medios como terracota o cerámica. Me encanta trabajar de una manera sentimental...mi trabajo refleja la verdad de la vida...mis instalaciones hablan sobre la vida ...viajo mucho...y mis viajes me enseñan la vida del Arte.”

“As an artist I always travel with dreams…but as human being I work in art. I make drawing and painting while explore the surroundings and like to work in different mediums as terracotta or ceramics. I love to work in a sentimental way…my work reflect truth of life... my installations say about life...I travel a lot…and my traveling teach me life of Art.”


2013 LA MEMORIA INDEPENDIENTE THE INDEPENDENT MEMORY Objetos cotidianos que se han perdido en la memoria. A lo largo de los años, son recuperados y es posible construir imágenes inéditas de esos objetos, influenciadas por vivencias posteriores.

alejandro rainieri 1960 | Buenos Aires, Argentina

Ingeniero Civil. Artista autodidacta. Cursó estudios de dibujo en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes. Civil Engineer. Self-taught artist. He studied drawing at Sociedad Estímulo de Bellas Artes in Buenos Aires.

Daily objects that have been lost in memory. Over the years, they are recovered and it is possible to construct new images of these objects, influenced by later experiences.


2012 ADAN AND EVE

ADÁN Y EVA

carla perri 1961 | La Plata, Buenos Aires, Argentina

Un libro objeto basado en el texto de Mark Twain “Los diarios de Adán y Eva”, que comprende los relatos de los diarios de ambos personajes bíblicos y hace referencia con cierta ironía y humor a las diferentes miradas sobre la vida, las relaciones, los objetos y actitudes frente a situaciones que cada uno tiene. Perri rompió con la linealidad, estableció dualidad de lecturas y paralelismos entre ambos diarios, An object book based on Mark Twain’s text “The diaries of Adam and Eve”, which comprises the the diaries of both biblical characters and refers with some irony and humor to the different looks towards life, relationships, objects and attitudes to situations that each one has. Perri broke with linearity, established dual readings and parallels between the two diaries.

1987 Diseñadora en Comunicación Visual, Facultad de Bellas Artes de la UNLP 1987 Designer in Visual Communications, Facultad de Bellas Artes of the Universidad Nacional de La Plata


2013 ENTRE ESPACIOS BETWEEN SPACES

maren preston 1990 | Santa Cruz, California, EE.UU. Santa Cruz, California, USA

2012 Licenciatura en Bellas Artes, Universidad de California en Santa Cruz. EE.UU. 2012 Bachelors degree in Fine Arts, University of California Santa Cruz, USA

Inspirada en una experiencia cercana a la muerte que había sufrido recientemente, en el momento de la residencian Maren Preston, estaba procesando la pérdida de su antiguo yo físico y en el acto de reconstruir una nueva identidad física y psicológica en relación con el mundo externo. Es a partir de estos momentos transitorios entre distintas categorías de “antes” y “después” de su accidente lo que la inspiró a ahondar en los reinos transitorios que existen a nuestro alrededor. La artista recorrió las calles de Buenos Aires en busca de objetos abandonados relacionados a un momento, persona o lugar específico, ya sea papel pintado, pinturas o piezas de metal desechadas, madera, carteles, telas de segunda mano arrojadas a la basura. Pintó, cosió, quemó y escribió sobre cada pieza como una especie de grabación para su proceso de transformación interior y su experiencia explorando la ciudad. A su vez, el lenguaje se convirtió en un factor importante ya que, a través del proceso de aprendizaje del español, llegó a ver las formas en que las palabras forman y filtran nuestra percepción de la realidad. A través de la asignación de categorías como “basura” y “arte” a los objetos, se crea un sistema definido, pero al ocultar estas líneas y cruzar estos límites, Preston fue capaz de facilitar los actos de transformación tanto en sí misma como en la obra producida.

Inspired by a near death experience I had recently undergone, at the time of the residency, Maren was processing the loss of her former physical self and in the act of reconstructing a new physical and psychological identity in relation to the external world. It is from these transitory moments in between distinct categories of “before” and “after” her accident that inspired her to delve into the transitory realms which exist all around us. The artist roamed the streets of Buenos Aires in search of abandoned objects tied to a specific moment, person or place—old wallpaper, paintings found in a dumpster, discarded pieces of metal, wood, posters, secondhand fabrics that were thrown out in the trash. She painted on, sewed, burnt and wrote upon each piece as a sort of recording for her inner transformation process and her experience exploring the city. Language became an important factor as well as, through the process of learning Spanish, she came to see the ways in which words shaped and filtered the lens of her perception of reality. Through assigning categories such as “trash” and “art” to objects, a defined system is created, but by blurring these lines and crossing these boundaries, she was able to facilitate acts of transformation both in herself and the body of work she produced


2015 AMPHIBIAN RHIZOME

RIZOMA ANFIBIO

cristina duro 1957 | Buenos Aires, Argentina

2003 Licenciada en Artes Visuales con orientación en Grabado y Arte Impreso, Universidad Nacional de Artes (UNA) Buenos Aires, Argentina. Profesorado de Grabado en Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón.

Sé que estoy en el lugar correcto cuando estoy en mi taller”

Ésta es la afirmación de una artista que trabaja en un ida y vuelta constante entre la bi y la trdimensionalidad cuestionándose sobre la doble noción de múltiple y original de las obras de arte a través de la fotografía, la estampa, el molde y el objeto. “I know I’m in the right place when I’m in my studio.” This is an affirmation of an artist that works in a constant movement within the two and thre-dimensional making questions about the multiple and original nature of a work of art through the use of photography, printmaking, molds and objects.

2003 Bachelor in Visual Arts with minor in engraving and printed art in Universdidad Nacional de Artes, (UNA) Buenos Aires, Argentina. Professor in Printmaking in School of Fine Arts Prilidiano Pueyrredón.


2013 EL EXTRANO THE FOREIGN

” marcia de moraes 1981 | Brasil Vive en San Pablo, Brasil Brazil Lives in São Paulo, Brazil

2006 Maestría en Artes, UNICAMP, Campinas,Brasil 2003 Licenciatura en Artes, UNICAMP, Campinas, Brasil 2006 MFA. UNICAMP, Campinas, Brazil 2003 BA. UNICAMP, Campinas, Brazil

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MINISTERIO DA CULTURA GOVERNO FEDERAL BRASIL EMBAJADA DE BRASIL EN BUENOS AIRES

Marcia llama la atención por basar su obra en el dibujo, una disciplina no siempre recurrente en el arte contemporáneo. En dípticos y polípticos de gran tamaño, crea formas abstractasy a primera vista extrañas- exigiendo al espectador un cierto tiempo para mirar desde diferentes distancias y así captar los detalles. El resultado justifica la paciencia. Es difícil no estar intrigado por el equilibrio entre la fuerza y los gestos de delicadeza. Mediante el establecimiento de una especie de paisaje del alma del artista, las capas de colores dan una impresión de casi figuración”. Jonas Lopes “Marcia is notable for basing her work on drawing, a discipline not always recurrent in contemporary art. By the mean of large diptychs and polyptychs she creates abstract shapes -and at first sight strange- demanding the viewer some time to look from different distances and thus capture the details. The result justifies be patience.It is hard not to be intrigued by the balance between strength and delicacy gestures. Through the establishment of a kind of artist´s soul landscape the layers of colors give a feeling almost of figuration”. Jonas Lopes


2017 EXPLORACIÓN DE LÍNEA Y COLOR COLOR AND LINE EXPLORATION

gina kukulski 1993 | Michigan, EE.UU. USA

2015 Licenciatura en Bellas Artes con especialización en fotografía en Aquinas College, EE.UU. Historia del Arte y Dibujo en Paris, Francia 2015 Bachelor in Fine Art Photography at Aquinas College, Grand Rapids, Michigan Art History and Drawing in Paris, France

Kukulski combina su conocimiento en teórico práctico sobre pintura y fotografía en sus fotografías digitales de naturalezas muertas. Cada pieza retrata objetos encontrados en sus viajes, incluyendo la vegetación de cada lugar y elementos que contienen una densidad histórica o son importantes en su memoria personal. Como ella lo expresa “Cada foto tiene un viaje individual”.

Kukulski combines her knowledge in practical theory on painting and photography in her digital still life photographs. Each piece portrays found objects, including the vegetation of each place she visits and elements that contain a historical density or are important in her personal memory. As she expresses it “Each photo has a trip of its own”.


2011 NADA MUERE NOTHING DIES

jackie mac rae 1988 | Inglaterra Vive en Essex, Inglaterra England Lives in Essex, England

2013 Maestría en Arte y Diseño, Loughborough University, Reino Unido 2010 Licenciatura en Arte Textil Multi Media, Loughborough University, Reino Unido 2013 MA Art and Design Studio Practise, Loughborough University, UK 2010 BA Multimedia Textiles, Loughborough University, UK

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LOUGHBOROUGH UNIVERSITY, UK

La obra de MacRae se concentra en la creación de un sentido de lugar, explorando los ámbitos del dibujo que corren paralelos a una colaboración entre fotografía estenopeica y fotografía sin cámara. A través de la yuxtaposición de este lenguaje visual y elementos de atracción natural, la artista crea un microcosmos: diminutos portales que nos llevan a otro mundo nostálgico. Estos portales estimulan el reflejo de un lugar que reconocemos, evocando una sensación de metamorfosis, fragilidad y refugio. Esta transformación permite una reconciliación de varios aspectos contradictorios de la existencia, tales como: el exterior con el interior, la noche y el día, la magia y la realidad, el blanco y el negro, e incluso la vida y la muerte. MacRae´s work concentrates on creating a sense of place and exploring the realms of drawing that run parallel with a collaboration of pinhole and camera-less photography. Through the juxtaposition of this visual language and elements of natural enchantment, the artist creates a microcosms; pinhole portals into a nostalgic otherworld. These portals stimulate a reflection of a place we recognize, evoking a sense of metamorphosis, fragility and refuge. This transformation allows for a reconciliation of various contradictory aspects of existence such as: the outdoor with the indoor, night and day, magic and reality, black and white, and even life and death.


2014 SOMBRAS HABITABLES HABITABLE SHADOWS

melanie mahler 1975 | Argentina

2013 Maestría en Estética y Teoría de las Artes en la Universidad Nacional de la Plata. 2001 Licenciada en Artes Visuales, Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA) 1999 Profesora Nacional de Grabado y Pintura, Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón 2013 Master in Aesthetics and Art Theory, National University of La Plata. 2001 BA graduate of the National Institute of Arts (IUNA) 1999 National Professor of Printmaking and Painting, National School of Fine Arts Prilidiano Pueyrredón

Un pueblo campesino aparentemente feliz con personajes que parecen ser inocentes, en 10 escenas pasa por una transformación, cambios de hábitos, situaciones misteriosas y de violencia hasta terminar completamente en llamas. Un libro de artista que narra esta historia a través de calados e imágenes simples que parecen estar en constante movimiento. A peasant town seemingly happy with apparently innocent characters, in 10 scenes goes through a transformation, changes of habits, mysterious situations and violence to end completely in flames. An artist’s book that tells this story through simple shapes and images that seem to be in constant motion.


2010 THE SALMON

EL SALMÃ&#x201C;N

hans wendel EE.UU USA

2009 Bellas Artes, Colorado College en Colorado Springs, EEUU. 2009 Bachelor of Arts in Art Studio, Colorado College, Colorado Springs, USA


2016 L’ULTIMA VOLTA...ANCORA

andrea saltini 1974 | Italia Italy

Maestría en Bellas Artes 1998 Master en Comunicación UDP Degree of Master of Arts 1998 Master UDP in Communication

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EMMEGI

Andrea Saltini es un artista que se define como poeta más que como pintor. Cuando comienza a trabajar, dice que piensa en un color y que a continuación muchas palabras surgen sobre el papel, éstas se multiplican y hasta se estructuran en prosa. Luego de conocer la obra de Andrea (que es en el medio de pintura sobre papel, con pocos toques de color, siendo el negro y blanco los protagonistas) y su proceso creativo, uno puede comprender porqué dice ser poeta. Andrea toma imágenes de su contexto, de internet, música y cualquier fuente que lo inspire. Transforma y combina las imágenes produciendo constelaciones poéticas. Cuenta historias con atmósferas melancólicas, haciendo relaciones incongruentes que resultan en tonos oscuros, fantásticos y hasta surrealistas. Para “L’ultima volta...ancora”, Andrea ha analizado las conexiones intencionales y a veces forzadas que se dan en la danza, la idea de cómo una persona puede absorber, borrar a la otra o cómo los dos pueden convertirse en una unidad tercera. “A veces no tengo tiempo para darme cuenta, las cosas suceden en pocos segundos. Todo cambia. Estoy vivo. Estoy muerto. Y el mundo sigue su curso. A veces mi corazón es tan delgado como una hoja de papel.”

Andrea Saltini is an artist who defines himself as a poet rather than a painter, when he starts to work, he thinks of a color but many words arouse in the paper, the words multiply and appear even structured in prose he says. After knowing his artwork (which is in the medium of painting on paper, with few colour touches, being black and white the main characters) and his working process, one can understand why he states the previous. Andrea takes images from his context, the internet, music and whatever inspires him, transforms and combines them producing poetic constellations. He tells stories with melancholic atmospheres, making incongruent connections which result in dark, fantastic and even surreal tones. For “L’ultima volta...ancora”, Andrea has analyzed the intentional or sometimes forced connections between dancers, the idea of how one person is absorbed by the other, and how the two may become a third different unity or how one erases the other. “Sometimes I do not have time to notice, things happen in a few seconds . Everything changes. I’m alive. I am dead. And the world goes on. Sometimes my heart is as thin as a sheet of paper.”


2013 FALSA PIEL FALSE SKIN Un cuerpo femenino desnudo busca conectarse por medio de signos, símbolos o grafismos y nutrirse de ellos como si fueran la materia que necesitan para liberarse o purificarse. Kaufman explora esta búsqueda a través de calados, cortes, pliegues y dibujos que se repiten hasta formar tramas o se diluyen.

debora kaufman 1963 | Argentina

Formación interdiscilinaria en arte, planificación y diseño 1987 Arquitecta, Universidad de Buenos Aires, Argentina Interdisciplinary studies in art, planning and design 1987 Architect, Universidad de Buenos Aires, Argentina

A naked female body seeks to connect through signs, symbols or graphics and nourish itself with that as if they are the matter they need to be free or purified. Kaufman explores these through drafts, cuts, creases and repeated drawings that create textures or dilute.


2013 CREACIÓN DE PERSONAJES CHARACTER DEVELOPMENT Pinturas, con collage y grabado, continuando el desarrollo de un lenguaje de líneas, colores y formas que bailaron juguetonas alrededor de ideas de caos vs. equilibrio, relaciones y transformaciones. Este proyecto reunió elementos contrastantes en un todo cohesivo, creando una narración abstracta donde el cambio era constante. El proyecto “Creación de personajes” tuvo como objetivo atraer la influencia de la colorida cultura, arquitectura y paisaje de Buenos Aires, explorando la relación entrada/salida, y el proceso de filtrado de uno a otro.

Paintings, involving collage and printmaking, continuing the development of a language of lines, color, and shapes that playfully danced around ideas of chaos vs. balance, relationships, and transformation. This project brought together contrasting elements into a cohesive whole, creating an abstract narrative where change was constant. The project “Character Development” aimed to draw influence from the colorful culture, architecture, and landscape of Buenos Aires, while exploring the relationship of input vs. output, and the process of filtering one into the next.

NICOLE MULLER 1989 | EE.UU. Vive en San Francisco, EE.UU. USA Lives in San Francisco, USA

2011 Licenciatura en Pintura e Ilustración, Maryland College of Art 2011 BFA, Maryland Institute College of Art, where she studied painting & illustration


2009 VOLUTA

mia pearlman 1974 | Vive en Brooklyn, Nueva York, EE.UU. Lives in Brooklyn, New York, USA

1996 Licenciatura en Artes, Universidad de Cornell, EE.UU. 1996 BFA, Cornell University, USA

Mia Pearlman realiza impresionantes instalaciones de sitio específico utilizando como único material papel cortado. Su residencia en ‘ace fue especial ya que desarrolló por primera vez (con la ayuda de diseñadores industriales argentinos y del equipo ´ace) un prototipo digital para corte láser con el que realizó, posteriormente, una edición de esculturas de tamaño mediano. Luego de su residencia, el prototipo fue llevado a Estados Unidos, realizando una edición del múltiple de 200 ejemplares los que fueron vendidos en el Museum of Art & Design de Nueva York conjuntamente con la exposición “Slash: Paper under the Knife” , en la que Mia era una de las artistas invitadas . La exposición fue curada por David Revere McFadden.

Mia Pearlman makes impressive site-specific installations using only paper cuts. During her residence at ‘ace Pearlman developed for the first time (with the assistance of Argentine industrial designers and the team of ‘ace) a prototype for an edition of laser-cut paper sculptures. After her residency, the prototype was taken to USA, making an edition of 200 that were sold at the Museum of Arts and Design in New York, in conjunction with the exhibition SLASH: PAPER UNDER THE KNIFE, curated by David McFadden. 


2013 RECORDANDO… REMEMBERING...

amanda millet-sorsa 1987 | EE.UU. Vive en Brooklyn, New York. EE.UU. USA Lives in Brooklyn, New York, USA

2012 Maestría en Bellas Artes, New York Studio School, EE.UU. 2012 Master in Fine Arts, New York Studio School, USA

“¿Cuánto tiene primero que ser descubierto y luego suprimido, antes que podamos llegar a la carne desnuda de la emoción?” -Claude Debussy a Robert Godet el 18 de diciembre 1911 ¿Qué es esencial que tenga presencia en una obra de arte? es una de las preguntas que Millet-Sorsa se hace. Una artista que se siente atraída por la alquimia de trabajar con diferentes materiales y superficies. Busca entender el potencial de los materiales a través de la intuición y el tacto. “How much has first to be discovered, then suppressed, before one can reach the naked flesh of emotion” Claude Debussy to Robert Godet on December 18, 1911 What is essential in an artwork to have presence? That is one of the questions that Millet-Sorsa asks herself. An artist who is drawn to the alchemy of working with different materials and surfaces. She searches to understand the potential of the materials through intuition and touch.


2017 PERSPECTIVE

PERSPECTIVA

sam malpass 1990 | EE.UU. Vive en Rye Beach, New Hampshire, EE.UU. USA Lives in Rye Beach, New Hampshire, USA

Con un estilo impresionista abstracto Malpass creo una serie de pinturas que se centraron en el estilo de vida y la cultura de Buenos Aires, encarnando la arquitectura, la gente y la energía de la ciudad.

With an abstract impressionist style, Sam Malpass created a series of paintings that focused on the lifestyle and culture of Buenos Aires, embodying the architecture, people and energy of the city.

2012-2013 Pratt Institute, Associates Degree in Fine Arts. Brooklyn, NY 2011 National Art School of Australia. Sydney, Australia 2010 Metáfora Taller internacional de artistas. Barcelona 2009 Universidad de Salamanca, Cursos Internacionales & Art History. Salamanca, España 2009-2010 Universidad de Barcelona, Estudios Hispánicos & Art History. Barcelona 2012-2013 Pratt Institute, Associates Degree in Fine Arts. Brooklyn, NY 2011 National Art School of Australia. Sydney, Australia 2010 Metafora International Artists Workshop. Barcelona, Spain 2009 University of Salamanca, Cursos Internacionales & Art History. Salamanca, Spain 2009-2010 Universtiy of Barcelona, Estudios Hispanicos & Art History. Barcelona, Spain


2016 MONSTR´ART

marta simeón 1982 | España Spain

2005 Licenciatura en Bellas Artes, Universidad Politécnica de Valencia, España. Artes Gráficas en Fundación Internacional de Grabado CIEC, España, en Hogeschool Gent, Bélgica y en el Centro Internacional Kaus Urbino, Italia. 2005 Degree in Fine Arts from the Universidad Politécnica de Valencia She specialized in Graphic Arts and studied various courses in Contemporary Engraving techniques at the Fundación Internacional de Grabado CIEC (Spain), Hogeschool Gent (Belgium) and at the International Center Kaus Urbino (Italy).

La idea del “monstruo” o lo “monstruoso”, en las artes visuales y literarias de Argentina fueron una gran inspiración para Simeón, quien se interesa por la figuración que se presenta directa y oculta, rebasada por la división y articulación de espacios pictóricos, como la secuencia de un sueño. Las imágenes aparecen como inventarios de una idea de naturaleza y de la propia naturaleza de la mente, en tanto que ésta guarda imágenes, las recrea y las transforma. Los choques entre la autonomía de la pintura/dibujo y su propia experiencia, entre las imágenes en las que se identifica, las imágenes del inconsciente y las imágenes nuevas para su cerebro. Simeon se recrea sucesivamente en los mismos temas de manera simbólica, ya que los temas cambian en tanto su memoria suma imágenes y le sirven de testimonio de éste proceso.

The idea of the “monster” or “monstrous” in the visual and literary arts of Argentina was a great inspiration for Simeon, who is interested in explicit as well as implicit figuration, surpassed by the division and articulation of pictorial spaces, like the sequence of a dream. The images appear as inventories of an idea of nature and the very nature of the mind, while it stores images, recreates them and transforms them. The clashes between the autonomy of painting / drawing and her own experience, between the images in which she is identified, the images of the unconscious and the new images for her brain. Simeon recreates successively in the same subjects in a symbolic way, since the subjects change in as much her memory adds images and they serve her of testimony of this process.


2013

2015 Producciรณn | Production


2014 UNO ENTRE MUCHOS

ONE AMONGST MANY

Un artista que toma inspiración de los distintos entornos que recorre para sus obras de arte. Las texturas, los colores y los patrones de las telas del mundo de la moda nutren los retratos que Lozano produce y en los que busca capturar emociones y movimientos de la vida.

cristina lozano 1991 | EE.UU. Vive en West Newton, Massachusetts, EE.UU. USA Vive en West Newton, Massachusetts, USA

2014 Master en Ciencias de la Computación e Ingeniería Eléctrica del Institute of Technology (MIT) de Massachusetts 2013 Licenciatura en Ciencias de la Computación e Ingeniería Eléctrica del Institute of Technology (MIT) de Massachusetts, EE.UU. 2010 Pintura y dibujo en el Museum of Fine Arts, Boston, EE.UU. 2014 Master of Engineering in Computer Science and Electrical Engineering Massachusetts Institute of Technology (MIT), Cambridge, MA 2013 Bachelor of Science in Computer Science and Electrical Engineering 2010 Painting and drawing at the Museum of Fine Arts, Boston

An artist that draws inspiration from different environments and form the fashion world. Textures, colors and patterns in fabrics nourish the portraits that Lozano creates and in which she tries to capture emotions, movements from the everyday life.


2017 A PURSE FULL OF BUTTER

UN BOLSO LLENO DE MANTECA La apropiación, descontextualización y subversión de objetos y realidades preexistentes son los principales gestos de O’Brien. Esculturas y collages inventados, que ofrecen una idea de su obsesión por la recopilación y la compilación, se cruzan en la materialización de los conceptos y sobreviven como una serie de objetos inquietantes pero atrevidos. Nacida de las operaciones de desplazamiento, la artista nos ofrece una visión disruptiva de la sociedad contemporánea y las enunciaciones de la identidad colectiva, especialmente aquellas que se refieren al género y la sexualidad. Appropriation, decontextualization, and subversion of preexisting objects and realities are the main gestures of O’Brien. Concocted sculptures and collages, which offer insight into her obsession with collecting and compiling, intersect at the materialization of concepts and survive as a series of unsettling yet cheeky objects. Birthed from operations of displacement, the artist offers us a vision disruptive of contemporary society and the enunciations of collective identity, especially those that concern gender and sexuality.

danielle o´brien 1992 | Falls Church, Virginia, EE.UU. Vive en Washington D.C., EE.UU. Falls Church, Virginia, USA Lives in Washington D.C., USA

2015 Licenciatura en Bellas Artes con especialidad en Escultura, James Madison University, EE.UU. 2015 BFA with minor in Sculpture, James Madison University, USA


2017 SIN TITULO UNTITLED

rachel sommer 1994 | Gainesville, Florida, EE.UU. Gainesville, Florida, USA

Artista autodidacta, estudió fotografía en el Santa Fe College y completó un taller de cine en el Art Institute de Tampa, EE.UU. Self-taught artist, studied photography at Santa Fe College and completed a film workshop at the Art Institute of Tampa

Sommer busca aquello que se destaca para perforar las sombras que envuelven a cada sujeto, se centra en encontrar el equilibrio entre la oscuridad y la luz. Utiliza la tristeza, el rechazo, la manipulación y el desamor como piedra angular de cada obra, pero también para mostrar la luz que se rompe y para dar una sensación de recuperación de fuerza. Experimentando con diferentes medios, crea una historia y un mundo entero alrededor de sus sujetos. Rachel trabaja para proporcionar luz, una nueva visión sobre aquellos lugares oscuros que todo humano tiene o por los que todos pasamos y proporciona un rayo de esperanza y una sensación de recuperación de la fuerza.

Casting highlights on each body of work to pierce the shadows that shrouds each of her subjects, Rachel focuses on finding balance of darkness and light. She uses sadness, rejection, manipulation, and heartbreak as a cornerstone to each artwork but to also show light breaking through and to give a sense of regaining strength. Experimenting with different mediums, she creates a story and an entire world around her subject. Rachel works to provide an insight into those dark places that every human has or goes through and provides a glimmer of hope and a sense of regaining strength.


2016 INVISIBLE DIALOGUES

DIÁLOGOS INVISIBLES

Ilustración y caricaturas que dialogan entre sí y con los espectadores acerca de sus debilidades, miedos y sentimientos. Pastorini logra, desde una estética pop y un lenguaje gráfico lúdico escenas de soledad, amor y diferentes estados, haciéndonos sentir, quizás, acompañados. Illustration and cartoons that dialogue with each other and with the spectators about their weaknesses, fears and feelings. Pastorini achieves, from a pop aesthetic and a ludic graphic language scenes of solitude, love and different states, making us feel, perhaps, accompanied.

bruna pastorini 1988 | Río de Janeiro, Brasil Rio de Janeiro, Brazil

Escola Superior de Propaganda e Marketing (ESPM ), Río de Janeiro Escola Superior de Propaganda e Marketing (ESPM), Rio de Janeiro


2017 GRAPHIC OBJECTS

OBJETOS GRÁFICOS

Skowron es un artista con una educación muy fuerte en grabado. Interesado en no limitarse a las formas tradicionales, a menudo explora técnicas gráficas no convencionales, experimenta con la colografía y superpone las artes gráficas con su formación previa en ingeniería. Objetos Gráficos que crean espacios se basa en una serie de trabajos gráficos abstractos hechos de matrices y gráficos impresos en serigrafía e intaglio. Explora la relación con el entorno, creando objetos espaciales gráficos y cuestionando las posibilidades de la descripción abstracta de la realidad inherente en un lenguaje gráfico ampliamente entendido. Skowron is an artist with a very strong education in printmaking. Interested in not confining to traditional forms he often exploits unconventional graphic techniques, experimenting with collography and overlapping graphic art with his earlier education in engineering. Graphic Objects Creating Space is based on a series of abstract graphic works made from matrixes and graphics printed in silk screen and intaglio. He explores the relation with the environment - creating graphic spatial objects. Questioning the possibilities of abstract description of reality inherent in a widely understood graphical language.

piotr skowron 1984 | Lodz, Polonia Lodz, Poland

Profesor asistente, Academy of Fine Arts, Lodz, Polonia Licenciatura en Artes Gráficas, Academy of Fine Arts, Lodz, Polonia Teacher assistant, Academy of Fine Arts, Lodz, Poland Bachelor in Graphic Art, Academy of Fine Arts, Lodz, Poland

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AKADEMIA SZTUK PIEKNYCH IM. WŁADYSŁAWA STRZEMINSKIEGO W ŁODZI


2013 PARQUE GRÁFICO-ENTRETENIMIENTO TOTAL GRAPHIC PARK-TOTAL ENTERTAINMENT

eduardo eloy 1955 | Vive en Fortaleza, Ceará, Brasil Lives in Fortaleza, Ceara, Brazil

1981 Escuela de Artes Visuales de Parque Lage, Museu de Arte Moderna (MAM) y Fundação Calouste Gulbenkian, en Río de Janeiro 1981 School of Visual Arts of Parque Lage, Museu de Arte Moderna (MAM) and Fundação Calouste Gulbenkian, in Río de Janeiro

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MINISTERIO DA CULTURA GOVERNO FEDERAL BRASIL EMBAJADA DE BRASIL EN BUENOS AIRES

“La elección del nombre de este cuerpo de obra no es causa sino reflejo de sus significados. La diversión es el lema de orden de un parque gráfico que no está en el taller sino en el mundo. El signo gráfico es la marca personal del artista, que se diluye y entrelaza con otros signos encontrados en los restos de materiales desechados en las calles, en los archivos de imágenes del propio artista y otras personas, que entran en la escena creativa como partícipes de este juego de colaboración engendrado por Eduardo Eloy. (...)En Parque Gráfico- Diversión Total, no se busca el final del proceso de la creación, sino la creación de esta construcción relacional, cuyo resultado establece una reunión en el campo visual. Aquí es donde Eloy plasma las formas entre los campos flotantes de color, las texturas, los símbolos y la materia. Un espacio físico, hijo del espacio relacional, el resultado de la creación de un lugar dentro y fuera de la persona, un espacio generado y el generador de la vida, la diversión y significados.” Luciana Eloy

“The choice of the title for this body of work is not a cause but a reflection of its meanings. Having fun is the motto of the order of a printmaking park that happens not in the workshop but in the world. The graphic sign is the artist’s personal gesture, which is diluted and intertwined with other signs found in the remains of discarded materials in the streets, in the archives of images of the artist and of others, entering the creative scene as participants in this collaborative game engendered by Eduardo Eloy. (...) In Graphic Park-Total Entertainment, he is not looking for the end of the process of creation, but the creation of this relational construction, provides a meeting resulting in the visual field. This is where Eloy plasma forms between floating fields of color, textures, symbols and matter. A physical space, son of the relational space, the result of creating a place inside and outside of the person, a space generated and generator of life, fun and meanings”. Luciana Eloy


UMAN | SITUATION

nature | body | technology


naturaleza | cuerpo | tecnologĂ­a


2010 DNA, DNS

TATJANA BERGELT 1966 | Berlín, Alemania Vive en Helsinki, Finlandia Berlin, Germany Lives in Helsinki, Filand

1996 Maestria en Bellas Artes, Ecole Nationale Superiéurè des Beaux-Arts à Paris, France 1990 Licenciatura en Bellas Artes, Hochschule für Kunst und Design Burg Giebichenstein Halle, Germany 1996 Master of Fine Arts, Ecole Nationale Superiéurè des Beaux-Arts à Paris, France 1990 Bachellor of Fine Arts, Hochschule für Kunst und Design Burg Giebichenstein Halle, Germany Foto | Photo Jussi Tiainen

Un libro de artista en el que “retratos y pronombres personales en cinco idiomas diferentes (finlandés, ruso, alemán, inglés y español) resplandeciendo a través de nuestro patrón de ADN, el que se representó como en un método electroforético de 1995. Una película original de ese tiempo se agrega a cada edición del libro de artista. A pesar de diferentes apariencias, antecedentes culturales y métodos de comunicación, somos genéticamente más similares que diferentes”.

An artist book in which “portraits and personal pronomina from five different languages (Finnish, Russian, German, English and Spanish) are shining through our DNA pattern, which was pictured like that in an electrophoresical method in 1995. An original film of that time is added to each edition of the artist book. Despite different appearances, cultural background and communication methods we are genetically more similar than different”.


2014 CÁMARA PARA DORMIR SLEEPING CHAMBER

aneikit bonnel 1972 | EE.UU. Vive en Broolyn, Nueva York, EE.UU. USA Lives in Brooklyn, New York, USA

2003, Escuela de Artes Visuales, Nueva York, EE.UU. 2001, Maestría en Artes y Estudios de Cine, University of Kansas, EE.UU. 1990, Licenciatura en Artes, Sociología y Teatro, Washburn University, EE.UU. 2003, School of Visual Arts, NYC, USA. 2001, Master of Arts, Film Studies, University of Kansas, USA 1990, Bachelor of Arts, Sociology and Theatre, Washburn University, USA

“Cámara para dormir” crea los paisajes sonoros y capas de la palabra hablada del “Bardo Thodol”, un antiguo texto funerario, para lograr una experiencia virtual después de la muerte. Propone una interpretación de la progresión a través del estado post mortem intermedio, y al igual que la Máquina de Sueños de Gysin, invoca un ambiente íntimo e hipnótico, mediante el cual el subconsciente es aprovechado y se inician las visiones. Compuesto por grabaciones, instrumentación y voces, este trabajo esencialmente auditivo completa la atmósfera de una estructura arquitectónica hecha de hielo y proyectada con luz coloreada. Dentro de este enclave abovedado descansa una serie de losas cubiertas con pieles sobre las cuales el espectador / oyente reside durante la duración de la pieza.

“Sleeping Chamber” creates the soundscapes and layers the spoken word of the “Bardo Thodol”, an ancient funerary text, to achieve a virtual after-death experience. It proposes an interpretation of the progression through the intermediate postmortem state, and much like Gysin’s Dream Machine, invokes an intimate and hypnogogic environment whereby the subconscious is tapped and visions are initiated. Comprised of field recordings, instrumentation, and vocals, this essentially aural work completes the atmosphere of an architectural structure made of ice and projected with colored light. Within this domed enclave rests a series of slabs covered with fur upon which the viewer/listener resides for the duration of the piece.


2016 APOTHEOSIS

A través de la superposición de la ciencia y el arte, Fragola emplea los elementos del azar, el clima y la alquimia para crear obras orgánicas en diversos medios; incluyendo pigmentos (naturales y sintéticos), textiles, acuarela, crin y huesos. Busca conectar con la gente a través del color, el patrón y la naturaleza; utilizando formas complementarias y texturas contradictorias para estimular el cerebro de formas abstractas. Fragola experimenta con pigmentos naturales y productos químicos auxiliares crudos, ya que está interesada en su cambio con el tiempo como reflejo de la naturaleza misma, además de ser técnicas más sostenibles y menos tóxicas. Destaca el atractivo natural de estos colores como una forma de explorar nuestra relación colectiva con la naturaleza. Through the overlapping of science and art, Fragola employs the elements of chance, climate, and alchemy to create organic time-based works in various mediums; including dyes (natural & synthetic), textiles, watercolor, horsehair, and bones. She searches to connect with people through color, pattern, and nature; using complimentary shapes and contradictory textures to stimulate the brain in abstract ways. Fragola experiments with naturally occurring pigments and raw auxiliary chemicals as she is interested in their change and shift over time in reflection of nature itself, in addition to being more sustainable and less toxic. She highlights the natural attraction of these colors to the viewer as a way of exploring our collective relationship with nature.

APOTEOSIS

natalie fragola 1984 | EE.UU. Vive en Nueva York, EE.UU. y viaja frecuentemente a Argentina USA Lives in New York, USA traveling frequently to Argentina

2007 Licenciatura en Diseño de Indumentaria, Licenciatura en Fibras, Savannah College of Art and Design, Savannah, Georgía, EE.UU. 2004 Arte y Biología, Old Dominion University, Virginia, EE.UU.


2008 ANILLO DE FUEGO RING OF FIRE Kaulitz explora la naturaleza enigmática, visual y autobiográfica de la existencia mediante la utilización de la yuxtaposición de elementos de paisajes y objetos figurativos y con las ficciones y fricciones de la mente.

GARRY KAWLITZ

Kaulitz deals with the enigmatic, visual and autobiographical nature of existence utilizing the juxtaposition of figurative, landscape and object elements with mind fictions and frictions.

1942 | EE.UU. USA

Se retiró como Profesor Titular y Jefe del Departamento de Grabado en la Universidad de Alaska en Anchorage, EE.UU. 1965 Maestría en Bellas Artes, Instituto de Tecnología de Rochester, Nueva York, EE.UU. Licenciatura en Bellas Artes, Instituto de Tecnología de Rochester, Nueva York, EE.UU. Retired as full-time professor and head of the Printmaking Department at the University of Alaska in Anchorage, USA 1965, MFA, Rochester Institute of Technology, NY, USA. BFA, Rochester Institute of Technology, NY, USA Patrocinador | Sponsor

ALASKA STATE COUNCIL OF THE ARTS INTERNATIONAL GALLERY OF CONTEMPORARY ART UNIVERSITY OF ALASKA ANCHORAGE

Me sumergí en una cueva de conejo hecha de caucho, bellezas maquinadas, cuero topless y cerveza derramada sólo para girar alrededor y salir en un desierto de alter egos montando criaturas fantásticas en desfiles de tetas, respirando el polvo y escupiendo fuego. Las contradicciones de la carne y la máquina, la rapidez y la indiferencia permanecen, filtradas en tradiciones de fuego, polvo y alcohol. Jugando el ying y el yang de la auto-indulgencia.” “I went down a rabbit hole of burned rubber, machined beauties, topless leather and spilled beer only to be spun around and exit in a desert of alter egos riding fantasy creatures in titty parades, breathing dust and spitting fire. Contradictions of flesh and mechanics, speed and nonchalance abide, seeped in traditions of fire, dust and alcohol. Playing the ying and yang of self- indulgence.”


2011 RECONSTRUCCIÓN.DECONSTRUCCIÓN.REPETIR

RECONSTRUCTION.DECONSTRUCTION.REPETITION

enzina marrari 1980 | EE.UU. Vive en Anchorage, Alaska USA Lives in Anchorage, Alaska

Maestría en Artes Combinadas, New York University, EE.UU. Licenciatura en Escultura, Universidad de Alaska Anchorage. EE.UU. Masters in Combined Arts, New York University, USA Bachelor in Sculpture, University of Alaska, Anchorage, USA

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MTS GALLERY EN ANCHORAGE, ALASKA RADICAL ARTS FOR WOMEN FOUNDATION

Transita libremente los márgenes de distintas prácticas artísticas, deconstruyendo los supuestos límites que dividen estas disciplinas mientras reflexiona sobre los hechos cotidianos, sociales y políticos que definen a nuestra cultura así como sus hábitos y costumbres. Marrari incluye elementos personales, sociales y políticos de nuestra experiencia humana y construye piezas de arte que puedan usarse como vestimenta. Combina pintura, dibujo, costura, artesanía y escultura tanto en lo bi como en lo tridimensional, consiguiendo un camino diferente para investigar las combinaciones entre proceso y resultado, persona y objeto. An artist that crosses freely the margins of different artistic practices, deconstructing the supposed limits that divide these disciplines while reflecting on the daily, social and political events that define our culture as well as its habits and customs. Marrari includes personal, social and political elements of our human experience and constructs pieces of art that can be used as clothing. She combines painting, drawing, sewing, crafts and sculpture both bi and threedimensional, getting a different way to investigate the combinations between process and result, person and object.


2016 THE REASON

Una exploración sobre la relación entre movimiento, memoria, cuerpo y espacio. Hong hizo un corto que combinó material de su investigación sobre los vínculos entre el caballo y el hombre en Buenos Aires. Se centró en la historia de Jorge Cánaves (1922- 2004), un jinete que participó en los Juegos Olímpicos de Tokio en 1964 representando a la Argentina en la disciplina de Adiestramiento y en su fábrica de monturas en Buenos Aires. También, en Jenny Mc Culloch, una mujer herrera en el Club Alemán de Equitación y la pista de carreras de caballos en el hipódromo de Palermo. El interés de Hong se ha visto influido por la memoria de sufrir una parálisis de la mitad inferior del cuerpo causada por una caída de un caballo y el proceso de recuperación. Este proyecto, que combina la pieza de video, así como esculturas realizadas con equipamiento ecuestre reflexiona sobre lo mecánico y lo físico, lo estático y lo dinámico, lo funcional y lo no funcional, lo regular y lo irregular.

LA RAZÓN

An exploration of the relationship between movement, memory, body, and space. Hong made a short video combining material from his research about the links between horse and man in Buenos Aires. He focused in Jorge Cánaves (1922~2004) story, a horse rider who participated in the Tokyo Olympic games in 1964 representing Argentina in the Dressage discipline and in his saddle factory in Buenos Aires. Also, in Jenny Mc Culloch, a female Blacksmith at the Horse Riding German Club and the horse racing track at the Palermo Hippodrome. Hong’s interest has been influenced by the memory of suffering the paralysis of the lower half of body caused by a fall from a horse and the process of recovery. This project, that combines the video piece as well as sculptures made with equestrian equipment reflects upon the mechanical and physical, the static and dynamic, the functional and nonfunctional, and the regular and irregular.

kiwon hong 1978 | Seúl, Corea del Sur Seoul, South Korea

2009 Licenciatura en Bellas Artes, University of The Arts London, Chelsea College of Art & Design, Reino Unido. 2006, Diplomatura en Arte y Diseño, The Arts University College at Bournemouth, Reino Unido 2009 BA (Hons) Fine Art, University of The Arts London, Chelsea College of Art & Design, UK
 2006 Foundation Diploma in Art & Design, The Arts University College at Bournemouth, UK

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ARTS COUNCIL KOREA


2011 LA VIDA COTIDIANA EVERYDAY LIFE

brian sago 1984 | EE.UU. Vive en Minneapolis, Minnesota. EEUU USA Lives in Minneapolis, Minnesota. USA

2010 Maestría en Artes Visuales con mención en Fotografía, Video y Nuevos Medios, School of Visual Arts, Nueva York, EE.UU. 2007 Licenciatura en Artes Visuales, Universidad UNIACC, Chile 2010 MFA in Photography, Video and New Media, School of Visual Arts, New York, USA. 2007 BFA, Universidad UNIACC, Chile.

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FUND FOR TEACHERS

Un artista que ha tenido desde siempre interés tanto por la ciencia como por el arte, comenzó su educación con un enfoque en la biología, especialmente en la genética y eso siempre ha guiado su producción artística. Sago combina técnicas de grabado tradicional y modernas, toma influencia de la arquitectura musulmana y las divisiones matemáticas para los patrones de los azulejos, y cómo las tradiciones culturales cambian cuando culturas dispares se encuentran. Las matemáticas, la ciencia y la historia se tejen en la mayor parte de su trabajo.

An artist that has had a lifelong interest in both science and art, he started his education with a biology focus, particularly on genetics, that has always guided his artwork. Sago blends both traditional and modern printmaking techniques and takes influence from Muslim architecture and mathematical divisions for tile patterns, biology, biomimetic, and how cultural traditions change when disparate cultures meet. Math, science and history are woven into most of his work.


2015 SEÑALES CRUZADAS MIXED SIGNALS Tomando como punto de partida el hecho de que las palabras existen como imágenes por derecho propio, Kingdon se interesa en cómo las palabras se expresan (o no se expresan) cuando se divorcian de su creador. Ella juega con el texto, tanto en el formato de video como en forma impresa, a través de una serie ficticia de conversaciones digitales. Estos bosquejos van desde un amante frustrado hablando a sí mismo, a un representante de un live-chat tratando de demostrar su humanidad. ¿Cómo se transmiten las emociones a través de palabras más allá su significado intencional? ¿Cómo podemos estar seguros de que estamos hablando con un ser humano - y por qué eso importa?. La artista se pregunta cómo hacemos sentido a través de símbolos y lenguaje. Confiamos en las palabras - creemos que significan lo que se supone que significan. Kingdon desafía esto. Taking as a starting point the fact that words exist as images in their own right, Kingdon is interested in how words express (or don’t express) themselves when divorced from their creatorShe plays with text, both time-based and in printed form, through a fictional series of digital conversations. These sketches range from a frustrated lover talking to him/ herself, to a live chat representative attempting to prove his/ her humanity. How might emotions be conveyed through words other than their intended meaning? How can we be sure we’re speaking with an actual human being - and why does that even matter? The artist asks how we make meaning through symbols and language. We trust words we believe that they mean what they’re supposed to. Kingdon challenges this.

jessica kingdom 1986 | EEUU USA

2014 Maestría en Comunicación, The New School, Nueva York, EE.UU. 2009, Licenciatura en Cine, Columbia University, EE.UU. 2014 Master in Media Studies, The New School, NYC USA. 2009, Bachelor in Film Studies, Columbia University, USA

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2012 MIL OCHO SETENTA Y CINCO ONE THOUSAND-EIGH-SEVENTY FIVE

wayne diem kleppe 1986 | EE.UU. USA

2010 Licenciatura en Bellas Artes, Tufts University, EE.UU. 2010 Diplomado, Escuela del Museo de Bellas Artes, Boston, EE.UU. 2010,BFA, Tufts University, USA. 2010 Diploma, School of the Museum of Fine Arts, Boston, USA.

1875 se refiere al año en el que Argentina envió el primer cargamento de grano intacto para el Reino Unido, lo que desató una ola de inversión local y extranjera. La figura femenina, sosteniendo el haz del heno, es la figura materna y femenina mítica - encarnación de la crianza y la naturaleza. Las palomas como animales de la ciudad, que se alimentan de la vida de las zonas urbanas. 1875 refers to the year in which Argentina sent the first shipment of intact grain to the United Kingdom, sparking a wave of domestic and foreign investment. The female figure, holding the hay bundle, is the mythical female and female figure - incarnation of the breeding and nature. Pigeons as urban animals, which feed on the life of urban areas.


2013 POESÍA INTERRUMPIDA INTERRUPTED POETRY

isabel rosenblatt bono 1984 | Chile

2010 Maestría en Artes Visuales con mención en Fotografía, Video y Nuevos Medios, School of Visual Arts, Nueva York, EE.UU. 2007 Licenciatura en Artes Visuales, Universidad UNIACC, Chile 2010 MFA in Photography, Video and New Media, School of Visual Arts, New York, USA. 2007 BFA, Universidad UNIACC, Chile.

Inyectar poesía y un ritmo-otro en el flujo de las redes sociales, ubicar obras de arte en espacios virtuales accesibles a todos los usuarios de Internet, establecer un dialogo, una conexión inter-personal con búsquedas y sensibilidades estéticas. Todo eso es lo que exploró Rosemblatt Bono a través del, aparentemente simple, gesto de derivar por la ciudad de Buenos Aires desde el rol de flâneur y con una reflexión filosófica que registró en tweets a través de su celular. Una misión de recuperación de la contemplación y lectura, interpretación de sus recorridos por el espacio urbano a través de un dispositivo que permite inmediatez y una virtual co-presencia de artista/usuario y espectador/usuario. Inject poetry and another rhythm in the flow of social networks, locate works of art in virtual spaces accessible to all Internet users, establish a dialogue, an inter-personal connection with aesthetic intentions and sensibilities. All this is what Rosemblatt Bono explored through the apparently simple gesture of drifting through the city of Buenos Aires from the point of view of a flâneur and with a philosophical reflection that was recorded in tweets through her cell phone. A mission of recovery of contemplation and reading, interpretation of its routes through the urban space through a device that allows immediate and virtual co-presence of artist/user and viewer/user.


2012 SI-ALA-VIE

La apreciación de la naturaleza a partir de diversos elementos flotantes, errantes, inestables, emblemas de un mundo inconstante, efímero. Un libro de artista que funciona como un todo, en cualquier sentido que se lo lea u observe (horizontal o vertical, como libro o como obra flotante y/o mural portátil), una especie de matriz ambulante y permanente de esa naturaleza rica y móvil. En el fluir de cada elemento, de cada gesto, de cada expresión o huella dejada en el espacio-tiempo, y la forma que ellos se imprimen en nuestra memoria y en nuestro sentir, va implícito un cuestionamiento por y para las futuras generaciones... nacimiento, transformación, muerte, continuidad o extinción, movimiento interminable o no?... hacia dónde avanzamos?... avanzamos conscientemente o en la inconsciencia del cotidiano?... pueden, emociones como el maravillarse y la melancolía hacernos salir del sonambulismo e ir hacia la búsqueda de una nueva armonía de existencia en común?

SÍ A LA VIDA

The appreciation of nature from various floating, wandering, unstable, emblems of an inconstant, ephemeral world. An artist’s book that works as a whole, in any direction that is read or observed (horizontal or vertical, as a book or as a floating work and / or portable mural), a kind of itinerant and permanent matrix of this rich and unpredictable nature. In the flow of every element, every gesture, every expression or trace left in space-time, and the way they are imprinted in our memory and in our feelings, implies a questioning for and for future generations... birth, transformation, death, continuity or extinction, endless movement or no? ... Where are we moving forward to? ... We advance consciously or in the unconsciousness of daily life ... can emotions like wonder and melancholy take us out of sleepwalking and go towards the search for a new harmony of existence in common?

miroslava ledo 1964 | Venezuela. Vive en París, Francia Venezuela. Lives in Paris, France

Diseño Gráfico, Universidad José María Vargas, Caracas, Venezuela Medicina y Antropología, Universidad Central de Venezuela Graphic Design, Universidad José María Vargas, Caracas, Venezuela Medicine and Anthropology, Universidad Central de Venezuela


2012 GENTE SALVAJE

danielle peters 1985 | EE.UU. USA

2012 Maestría en Artes Visuales, The University of Georgia, Athens, EE.UU. 2009 Licenciatura en Artes, The University of Kansas, Lawrence, EE.UU. 2009 Experiencia de Intercambio en grabado, Hongik University, Seúl, Corea del Sur 2012 MFA, The University of Georgia, Athens, USA 2009 BFA, The University of Kansas, Lawrence, USA 2009 Printmaking Exchange Program Experience, Hongik University, Seoul, South Korea

THE WILD PEOPLE

Inspirada en la forma en que las personas míticas eran ilustradas en las pinturas y grabados europeos medievales, con cuerpos cubiertos de pieles coloridas como símbolo de su “otredad”, es uso del papel que lleva adelante Peters, ha sido a menudo un símbolo similar de esta “locura” o experiencia visceral cruda. Las pieles, flagelos y los modelos a escala que utiliza para crear las composiciones de dibujos y esculturas de papel representan sensaciones físicas y mentales humanas que son muchas veces ignoradas o reprimidas debido a la presión social. También explora esta estética y tema a través de performances en las que utiliza estas vestimentas que se pueden asociar con ciertas subculturas contemporáneas. A través de su obra de arte, Peters explora su curiosidad sobre métodos alternativos en los que las personas se encaminan hacia un auto-descubrimiento y cómo se organizan para rechazar la moral de su cultura, creando su propio código ético, que mejor sirve a sus intereses. Peters is inspired by the way in which mythical people were illustrated in medieval European paintings and prints, with full bodies of colorful fur, a symbol of their “otherness”. Her use of paper has often stood as a similar symbol of this “wildness” or raw visceral experience. The fur, flagella, and scale-like modules she uses to create the compositions of both drawings and paper sculptures stand for the physical and mental sensations humans experience but may choose to ignore or hide due to social pressure. She explores this aesthetic and theme also through performance where she uses this costumes that resemble the apparel associated with certain modern day subcultures. Through her artwork, Peters explores her curiosity about other methods in which people go about their self-discovery and how they organize together to reject their culture’s morals and create their own ethical code, one that better serves their interests.


2015 CUERPO Y VIDEO BODY AND VIDEO

julie rasmussen 1989 | Noruega Vive en Dinamarca Norway. Lives in Denmark

Danza contemporánea, Danish National School of Performance Art, Dinamarca Intercambio en danza contemporánea, Amsterdam School of Art, Países Bajos Contemporary dance, Danish National School of Performance Art, Denmark. Exchange on contemporary dance, Amsterdam School of The Art, The Neatherlands

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DANSK SKUESPILLERFORBUND (DANISH ACTORS ASSOCIATION)

¿Cómo me presento en este momento? Esta es una pregunta que la artista se hace a menudo. Estar en el tiempo presente, y obtener inspiración de él tanto como del pasado y el futuro. Rasmussen utiliza partituras y la improvisación como herramientas para crear. Amplía y reduce, recrea, juega, reconstruye momentos, encontrando el significado en el devenir de la acción. A través de su danza y producción, está constantemente buscando lugares donde pueda sorprenderse y enfrentarse a sí misma, correr riesgos. Su proyecto fue una exploración de los diversos diálogos entre su cuerpo físico y su imagen proyectada. Rasmussen creó una presentación de la discusión con su entorno, su condición en un nuevo contexto y los desafíos de comunicación que encontró.

How do I attend to this moment? This is a question the artist often asks herself. Being in the present time, and getting inspiration of it as much as the past and the future. Rasmussen uses scores and improvisation as tools to create, she zooms in and out, recreates, plays, reconstructing moments, adding, repeating, deleting and finding meaning in the course of action. Through her dance and production she is constantly searching for places where she can surprise and confront herself, take risks. Her project was an exploration of the diverse dialogues between her physical body and her projected image. Rasmussen created a performance of discussion with her surrounding, her condition in a new context and the communication challenges that she encountered.


2014 THE CONQUEST OF SPACE

LA CONQUISTA DEL ESPACIO

Una impronta gráfica que gira en torno a la ciencia ficción y a los medios audiovisuales de este género (cine y televisión) para crear imágenes híbridas basadas en máquinas, artefactos y cuerpos celestes. Catalán Molina crea obras que transitan entre un film de fantasía futurista y una enciclopedia científica, tomando y transformando las informaciones que lo seducen de ellas, los viajes espaciales y la vida extraterrestre, la exacerbación de artefactos tecnológicos, el desarrollo de aparatos o vehículos modulares y transformables, el aspecto pulcro y geométrico de las construcciones. Desarmar, reubicar, ensamblar, editar, son todas operaciones que le permiten manipular la información, alterando su forma y contenido, pero manteniendo latente el reconocimiento de su procedencia. A graphic imprint that revolves around science fiction and the audiovisual media of this genre (film and television) in order to create hybrid images based on machines, artifacts and celestial bodies. Catalán Molina creates works that transpose between a futuristic fantasy film and a scientific encyclopedia, taking and transforming the information that seduces him like space travel and extraterrestrial life, exacerbation of technological artifacts, the development of modular apparatus or vehicles and transformable, the neat and geometric aspect of the constructions. Disarming, relocating, assembling, editing, are all operations that allow him to manipulate information, altering its form and content, but keeping latent recognition of its origin.

simón catalán 1988 | Chile Vive en Santiago, Chile Lives in Santiago, Chile

2009 Licenciatura en Arte, Pontificia Universidad Católica, Chile Magister en Arte Mención Artes Visuales de la Universidad de Chile 2009 BFA, Pontificia Universidad Católica, Chile MFA, Universidad de Chile, Chile

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FONDOS DE CULTURA CONSEJO NACIONAL DE LA CULTURA Y LAS ARTES GOBIERNO DE CHILE


2014-15 MAPA PARA LOS OJOS MAP FOR THE EYES

alexandra sherman 1976 | EE.UU. Vive en Washington DC, EEUU USA Lives in Washington DC, USA

2004 Maestría en Artes Visuales con foco en Dibujo y Pintura, University of Wisconsin, Madison, EE.UU. 1998, Licenciatura en Religión y Arte, Elon University, EE.UU. 2004 MFA in Drawing and Painting at University of Wisconsin, Madison, USA 1998 BA in Religion and Art, Elon University, USA

En invierno las ramas desnudas se convierten en un mapa para que el ojo siga a través del vacío del cielo. En los árboles, Sherman encuentra figuras humanas llenas de emoción, retorcidas y tiradas en direcciones aparentemente imposibles. Los troncos actúan como columnas vertebrales. Las ramas se extienden en todas direcciones como brazos. Una protuberancia se convierte en el empuje de una cadera. Las cualidades antropomórficas de los árboles son especialmente evidentes en invierno, cuando revelan sus verdaderas formas subyacentes, sus esqueletos. La paleta refleja los colores de Buenos Aires como ella lo ve. In winter the naked branches become a map for the eye to follow through the emptiness of the sky. In trees, Sherman finds human figures filled with emotion, twisted and pulled in seemingly impossible directions. Trunks act as spines. Branches extend out in all directions like arms. A protuberance becomes the thrust of a hip. The anthropomorphic qualities of trees are especially apparent in winter, when they reveal their true underlying forms, their skeletons. The palette reflects the colors of Buenos Aires as she see it.


2013 RÉQUIEM REQUIEM

SONIA SáNCHEZ AVELAR 1977 | México Vive en México DF, México Lives in Mexico DF, Mexico

Maestría en Artes Visuales con Mención Honorífica, Academia de San Carlos, Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) Licenciatura en Artes Visuales, Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) MFA with honorific mention, Academia de San Carlos, Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) BFA, Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM)

Desde la noción del virus Sánchez Avelar hace una doble lectura sobre la rata respecto al género humano, siendo transmisor de virus y a su vez sujeto para su estudio, peligro potencial y víctima. Siguiendo la tradición de los altares del Día de los Muerto, la artista suplanta las calaveras humanas por cráneos de estos roedores, animales marginales de la vida urbana y analiza nuestro vínculo de desprecio a la vez que de necesidad con estos.

From the notion of the virus Sánchez Avelar makes a double reading on the rat and its relation with humans, being transmitter of virus and in turn subject for its study, potential danger and victim. Following the tradition of the Altar of the Day of the Dead, the artist supplants human skulls by the skulls of these rodents, marginal animals of urban life and analyzes our bond of contempt as well as necessity with them.


2015 REBORN

RENACER

Artista y asistente social que analiza desde ambas disciplinas los ciclos de decadencia (pérdida) y el renacimiento (cicatrización) con una particular observación sobre el entorno natural. Reutiliza objetos encontrados, incluyendo materiales orgánicos, remitiendo al carácter repetitivo del ciclo de vida. Se apropia de imágenes de insectos, de sus exoesqueletos como una metáfora de la capacidad de recuperación que necesitamos al interactuar con nuestro entorno natural y social. Son obras que ofrecen un espectro amplio, desde revelaciones brillantes a oscuridades introspectivas. Artist and social worker who analyzes from both disciplines the cycles of decay (loss) and rebirth (cicatrization) with a particular observation over the natural environment. Sittner reuses found objects, including organic materials, referring to the repetitive character of the life cycle. She appropriates images of insects and their exoskeletons as a metaphor for the resilience we need when interacting with our natural and social environment. Artworks that offer a wide spectrum, from brilliant revelations to introspective obscurity.

wendy sittner 1977 | EE.UU. Vive en Virgina, EE.UU. USA Lives in Virginia, USA

2004 Maestría en Trabajo Social, Virginia Commonwealth University, EE.UU. 1999 Licenciatura en Artes, University of Virginia, EE.UU. 2004 Master in Social Work, Virginia Commonwealth University, USA 1999 BFA, University of Virginia, USA


2006 ALAMAR

patricia villalobos echeverria 1976 | EE.UU. Vive en Kalamazoo, Michigan EE.UU. USA Lives in Kalamazoo, Michican, USA

2004 Maestría en Artes Visuales con foco en Dibujo y Pintura, University of Wisconsin, Madison, EE.UU. 1998 Licenciatura en Religión y Arte, Elon University, EE.UU. 2004 MFA in Drawing and Painting at University of Wisconsin, Madison, USA. 1998 , BA in Religion and Art, Elon University, USA

“Nacida en los Estados Unidos de padres salvadoreños, criada en Nicaragua para luego ser trasplantada nuevamente a Estados Unidos, en su condición de latina y bisexual, Patricia Villalobos Echeverría nos narra experiencias contemporáneas desde una vocación autobiográfica y auto-referencial. Siendo ella misma el sujeto y el objeto de su obra, la representación de su propio cuerpo desnudo le permite dejar constancia de su manera de ver el mundo y de percibirse como mujer dentro de este. Mediante distintas aproximaciones y muy sutilmente, su obra nos demuestra cómo el cuerpo femenino nunca está desnudo, aunque esté sin ropas. Patricia lo va vistiendo con un “manto simbólico” que se opone a las significaciones que provienen del deseo de la mirada masculina y de las valorizaciones de la cultura contemporánea. Y así, este “manto” que lo cubre invisiblemente, a su vez lo descubre, ya que la cobertura simbólica no es la elaborada por los otros sino la expresada por la artista mujer, dándonos una nueva visión situada entre el cuerpo en sí mismo y la mirada de los otros. Sus obras se mueven cómodamente en un amplio arco iris de prácticas artísticas que abarcan desde el grabado tradicional hasta la fotografía y el vídeo que dan forma a sus instalaciones, introduciéndonos en los diferentes matices que subyacen frente a la multiplicidad, haciendo de la obra múltiple una experiencia original. Es que, viniendo del campo del grabado, la artista se sitúa en un contexto contemporáneo en el que asume la crisis de la mirada, la alteración de los métodos “representacionales” y la transformación de las estructuras visuales. Los nuevos medios, que despojaron a la imagen de su dependencia con el proceso y simplificaron al máximo los estadios de creación y manipulación, ayudan a la artista a develar las distintas inscripciones y significados colocados sobre el cuerpo, a producir nuevas normas para quien los mira, a colocarse en un lugar privilegiado y representarse, ahora desde sí misma.” Alicia Candiani

“Born in the United States of Salvadoran parents, raised in Nicaragua and then transplanted back to the United States, in her condition of being Latina and bisexual, Patricia Villalobos Echeverria narrates contemporary experiences from a autobiographical and self-referential point of view. Being herself the subject and the object of her work, the representation of her own naked body allows for the recording of her way of seeing the world and her place as a woman within it. Using different approaches and subtlety, Patricia´s work shows how the female body is never naked, even when it is without clothes. She wears a “symbolic mantle” which is opposed to the meanings that come from the desire of the male gaze and the values of contemporary culture. And so this “blanket” that covers it invisibly, also discovers the body, because the symbolic coverage is not made by others but is expressed by the female artist. Giving us a new vision situated between the body itself and the gaze of others. Technically speaking, her work moves comfortably in a wide range of artistic practices. From traditional printmaking to photography and video that give shape to her installations, going into the nuances behind the face of multiplicity, making the multiple an original work. Coming from the field of printmaking, the artist is in a contemporary context in which the crisis of the gaze takes place, the alteration of “representational” methods and the transformation of visual structures. New media, which stripped the image of its dependence to the process and simplified to the stages of creation and manipulation, helps the artist to unveil the various inscriptions and meanings placed on the body. As a result she produces new rules for the viewer, and puts herself in a privileged place and re-represents, now from herself.” Alicia Candiani


2017 PINTAR POR NÚMEROS PAINT BY NUMBERS

zachary stensen 1983 | Eau Claire, Wisconsin, EE.UU. Vive en Doha, Qatar Eau Claire, Wisconsin, USA Lives in Doha, Qatar

Profesor del Departamento de Grabado, Virginia Commonwealth University, Qatar. 2011 Maestría en Bellas Artes y Certificado de Artes del Libro, University of Iowa, EE.UU. 2009 Maestría en Artes, University of Iowa, EE.UU. 2007 Licenciatura en Bellas Artes, University of Wisconsin-Eau Claire, EE.UU. Assistant Professor in the Printmaking Department in the Virginia Commonwealth University, Qatar. 2011 Master of Fine Arts with Honours, University of Iowa, Iowa City, USA 2011 Graduate Certificate in Book Studies, University of Iowa Center for the Book, Iowa City, USA 2009, Master of Arts, University of Iowa, Iowa City, USA 2007 Bachelor of Fine Arts, University of Wisconsin-Eau Claure, USA

La práctica artística de Zach abarca el grabado, dibujo y libro de artista, a través de los que hace exploraciones autorreferenciales. Mientras que la memoria sirve como telón de fondo común, su trabajo retoma específicamente objetos, lugares, historias de familia, y actividades asociadas a su infancia rural. Utiliza un lenguaje destilado y silencioso para el dibujo mediante el cual crea iconos vinculados a sus objetos, cuentos y recuerdos. De naturaleza poética, con sutiles indicios de humor y ambigüedad, su obra busca explorar el área gris que existe entre la historia personal y la mitología individual. Zach’s artistic practice encompasses printmaking, drawing, and artist books, as a means of self-referential exploration. While memory serves as the common backdrop, his work specifically recollects objects, places, family stories, and coming of age activities associated with his rural subculture boyhood. Using a distilled and quiet drawing language, he creates iconic stand-ins for these objects, tales, and events, rather than accurate depictions. Poetic in nature, with subtle hints of humor and ambiguity, his work seeks to explore the grey area that exists between personal history and self-mythology.


2013 HOSPITAL DE CLÍNICAS “DR. PEDRO ARA” La muerte como recordatorio, el tiempo como agente solvente de la vida, y la conservación de los cuerpos como un estado durmiente y onírico, eterno y forzado. Las personas mantenidas en las vitrinas del Museo de Anatomía del Hospital de Clínicas “Sr. Pedro Ara”, donde Goulu pasa muchas horas de su trabajo, no se diferencian, según él, del espectador más que por una cuestión de tiempo transcurrido. La expresión apacible de sus cabezas cercenadas o sus miembros estáticos pero naturalmente laxos, suspendidos en formol, sugieren casi un estado de sueño. Un estado de vida y actividad latente que se ha degradado muy poco en tantos años de cautiverio. Goulu representa lo que él interpreta que sucede dentro de esos frascos, los sentimientos y pensamientos que tuvieron o tienen esos cuerpos. Death as a reminder, time as the solvent agent of life, and the preservation of bodies as a sleeping and dreamlike state, eternal and forced. The people kept in the cabinets of the Museum of Anatomy Hospital of Clinics “Mr. Pedro Ara “, where Goulu spends many hours working, do not differ, according to him, from the viewer more than for a matter of time elapsed. The gentle expression of their severed heads or their static but naturally lax members, suspended in formol, suggests almost a state of sleep. A state of life and latent activity that has degraded little in those years of captivity. Goulu represents what he interprets that happens inside those jars, the feelings and thoughts that those bodies had or still have.

gastón goulu 1987 | Córdoba, Argentina

Diplomatura superior en Dibujo y Escultura, Escuela Superior de Bellas Artes “Dr. José Figueroa Alcorta”, Córdoba. 2012 Tecnicatura Superior en Artes Plásticas. Escuela Superior de Bellas Artes “Dr. José Figueroa Alcorta”, Córdoba. Diploma in Drawing and Sculpture, Escuela Superior de Bellas Artes “Dr. José Figueroa Alcorta”, Córdoba, Argentina. 2012 Technicature in Visual Arts. Escuela Superior de Bellas Artes “Dr. José Figueroa Alcorta”, Córdoba, Argentina


2012 2da TIERRA 2 EARTH DANZAS SAGRADAS SACRED DANCES nd

emmanuel santos 1957 | Filipinas Vive en Melbourne, Australia Phillipines. Lives in Melbourne, Australia

Fotográfo artístico y documental 1979, Licenciatura de Ciencias en Ingeniería Industrial, Saint Louis University, Baguio, Filipinas Art and Documentary photographer 1979, Bachelor of Science in Industrial Engineering, Saint Louis University, Baguio City, Philippines 

Durante su estadía en ´ace, el fotógrafo Emmanuel Santos expuso la serie “Danzas sagradas” en la Sala Políglota en relación a los XVII Encuentros Abiertos/ Festival de la Luz 2012. La exposición se realizó simultáneamente a su residencia en el programa, en la cual trabajó en una nueva serie de fotografías para su proyecto “2da Tierra”. 2ª Tierra ( que también se podría traducir como “Tierra de segunda”, es una exploración fotográfica que retrata el mundo cambiante que nos rodea. Es un homenaje a la belleza, la mística y la evolución fisiológica de nuestro planeta Tierra. Es espejo visual que refleja las cicatrices sociales y ambientales producidas por el hombre en su búsqueda interminable de una civilización avanzada. El proyecto también destaca la alienación cultural de la humanidad, el impacto del progreso en nuestro medio ambiente y el legado del colonialismo en nuestra sociedad. Buenos Aires fue uno de los modelos que Santos seleccionó entre otros debido a su historia de colonización, migración y rápida industrialización. During his stay in ‘ace, the photographer Emmanuel Santos exhibited the series “Sacred Dances” in the Políglota Hall in relation to the XVII Open Encounters / Festival of Light 2012. The exhibition was made simultaneously to his residency in the program, in which he worked on a new series of photographs for his project “2nd Earth”. 2nd Earth is a photographic exploration that portrays the changing world around us. It is homage to the beauty, the mystic and the physiological evolution of our planet Earth. It is visual mirror that reflects the social and environmental scarring of our planet delivered by man in his unending quest for an advanced civilization. The work also highlights humanity’s cultural alienation from within, the impact of progress on our environment and the legacy of colonialism in our society. Buenos Aires was on of the models that Santos selected amongst the other location around the world, due to its history of colonization, migration, and rapid industrialization.


En “Danzas Sagradas” se manifiesta claramente la actitud humanitaria y universal con la que el fotógrafo Emmanuel Santos ha presenciado y capturado (y le ha sido permitido hacerlo) una ceremonia sagrada de la comunidad Aurukun de Cape York, Queensland en Australia. “Sin sueños de esperanza, dignidad y orgullo, la Humanidad se desvanece” dice uno de los cantos de esta ceremonia que expresa la riqueza profunda y diversa de una cultura que floreció por más de 50.000 años. Los Aukurum sufrieron una profanación continua a través de descuido y falta de sensibilidad del mundo actual. Sin embargo, a su manera, sobrevivieron, y sus danzas sagradas expresan su antigua sabiduría y su pasión por protegerla y conservarla” “ Sacred Dances” manifests clearly a universal humanitarian attitude with which the photographer Emmanuel Santos has witnessed and captured (and has been allowed to) a sacred ceremony of the Aurukun community at Cape York, Queensland in Australia. “Without dreams of hope, dignity and pride, humanity vanishes”; says one of the songs of this ceremony expressing the deep richness and diversity of this culture that flourished for more than 50,000 years. Aukurum has suffered a continue desecration through neglect and lack of feeling in the today world. However, in its way, survived, and their sacred dances express tribe’s ancient wisdom and its passion for protecting and preserving it”. Alicia Candiani


ESNATURALIZE THE POWE

designations | interventions | alterations


seĂąalamientos | intervenciones | alteraciones


2013 LOS COLGADOS THE HANGED

CARLA BERETTA 1965 | Rosario, Argentina

2003, Licenciatura en Artes Visuales, Universidad del Litoral de Santa Fé, Argentina. 1989, Profesora en artes visuales, Esc. Pcial. de Artes Visuales J. Manuel Belgrano, Rosario, Argentina. 2003, BFA, Universidad del Litoral, Santa Fé, Argentina. 1989, Proffesorship in Visual Arts, Provincial School of Visual Art J.Manuel Belgrano, Rosario, Argentina.

La visión diaria de un poste lleno de cables sueltos, frágiles, peligrosos, atrajo mi mirada. Gente que se cuelga de los mismos para poder acceder a la luz: “los colgados”, padres de los niños que llamamos “carenciados”, sin sostén ni contención. “Los colgados”, comenzó con un relevamiento fotográfico de un asentamiento ubicado en la ciudad de Rosario. Éste fue acompañado por una tarea de investigación socio-política cultural. La marca negra de esos cables representan el limite entre lo que debe ser y no es. Las imágenes fotográficas, gráficas e instalaciones, conforman un espacio en el cual, el espectador puede ser partícipe de una situación que se torna invisible en la cotidianeidad.

The daily vision of a lamppost full of loose, fragile, dangerous wires caught my eye. People who hang on to them to gain access to the light: “los colgados”, parents of the children we call “in need”, without support or restraint. “Los colgados”, began with a photographic survey of a settlement located in the city of Rosario, Argentina. This was accompanied by a cultural socio-political research task. The black mark of these cables represent the limit between what should be and is not. The photographic images, graphics and installations, make up a space in which the viewer can be part of a situation that becomes invisible in everyday life.


2006 ACQUA ALTA

DEBORAH CORNELL 1947 | EE.UU. Vive en Boston, Massachussets, EE.UU. USA Lives in Boston, USA

1996 Maestría en Artes Visuales, Vermont College, EE.UU. 1969, Licenciatura en Artes Visuales, Rhode Island School of Design, EE.UU. 1996 MFA Vermont College, USA 1969 BFA Rhode Island School of Design, USA.

“Acqua Alta” es una instalación gráfica con sonido. El título alude a la inundación que se produce en Venecia cuando las tormentas y mareas del Adriático se encadenan con los cambios ambientales producto de la acción humana sobre el territorio. Sin embargo, su significado es más amplio, ya que los científicos predicen efectos globales similares producto del calentamiento global, con consecuencias desconocidas. Estamos demasiado familiarizados con las amenazas a la vida humana: la represión política y los conflictos, las disputas culturales, la libre experimentación genética. Pero la degradación del medio ambiente y el calentamiento global puede causar pronto una devastación enorme y la pérdida de nuestras historias culturales tal como las entendemos ahora. Las imágenes del agua fueron tomadas en algunos de los viajes de la artista por la India, el Atlántico Norte y el Océano Pacifico. Las imágenes y los textos le atribuyen un marco histórico de las diferentes culturas humanas: una leyenda aborigen, un detalle de un cuadro de Bellini, una ciudad de Arizona afectada por una tormenta de polvo, poesía de Borges, las mascaras de Venecia, La Tempestad de Shakespeare y textos contemporáneos de científicos y artistas.

“Aqua Alta” is a print media installation with sound. The tille describes the flooding of Venice, when Adriatic storms and tides link with environmental changes from human intervention in the land. However, its meaning is wider since scientists predict similar effects worldwide from global warming, with unknown consequences. We are too familiar with threats to human life such as political repression and unrest, intellectual conflicts, cultural difference, and unregulated genetic experimentation. But the degradation of the environment and global warming may soon cause vast devastation and the loss of the world as we now understand it. The images of water were gathered from the artist’s travels world-wide, from the Indian, North Atlantic, and Pacific Oceans. The underlying images and texts encompass a broad history of human cultures – an Aboriginal legend, a detail of a Bellini painting, a city of Arizona engulfed by a huge dust storm, poetry of Borges, the masks of Venice, The Tempest of Shakespeare, and contemporary texts from scientists and artists.


Composiciรณn del sonido Sound composition Richard Cornell


2012 SIN FECHA DE CADUCIDAD NO EXPIRATION DATE

CÉSAR DAMIÁN 1970 | Ciudad de México, México Vive en Pachuca de Soto, Hidalgo, México Mexico City, Mexico Lives in Pachuca de Soto, Hidalgo, Mexico

Fotografía, Scottsdale Community College en Arizona, EE.UU. Fotografía, Centro de la Imagen, Ciudad de México Photography, Scottsdale Community College, Arizona, USA. Photography, Centro de la Imagen in Mexico City

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BECA CONJUNTA CO-JOINED FELLOWSHIP SECRETARIA DE CULTURAPRESIDENCIA DE LA NACION (ARGENTINA) FONCA CONACULTA (MÉXICO)

El eje rector de la obra de Damián ha sido la migración, vehículo de sus proyectos creativos e impulsor de sus propias transformaciones personales, desde la cual investiga temas que simbolizan sus ramificaciones: geografía, distancia, movilidad, ruptura; frontera, identidad, evocación, angustia, miedo, vida y muerte. Su experiencia creadora nace en la fotografía convencional pero se ha ido corriendo hacia procesos interdisciplinarios desde donde se ve expuesto además a la colaboración con artistas de diversas áreas (poesía, espaciales, textiles, sonoros) concibiendo el arte como un sistema de manifestación multidisciplinaria, transversal, experimental y colaborativa. Este artista busca entrar en un mapa, aparecer en otro, interceptar realidad y memoria, perseguir y configurar realidades paralelas.

The driving force behind Damián’s work has been migration, the vehicle for his creative projects and his personal transformations, from which he investigates themes that symbolize his ramifications: geography, distance, mobility, rupture; border, identity, evocation, anguish, fear, life and death. His creative experience was born in the conventional photography but has been running towards interdisciplinary processes from where he is also exposed to collaboration with artists from different areas (poetry, space, textile, sound) conceiving art as a system of multidisciplinary, transverse manifestation, experimental and collaborative. This artist seeks to enter into a map and appear in another, intercept reality and memory, pursue and configure parallel realities.


2012 EL LIBRO DE BUSTROPHEDON THE BUSTROPHEDON BOOK

CESAR FORERO 1966 | Colombia Vive en Ontario, Canadá Colombia Lives in Ontario, Canada

2006 Maestría en Artes Visuales, University of Waterloo, Ontario, Canadá 2002 Maestría en Artes, Minnesota State University, EE.UU. 1990 Licenciatura en Arquitectura, Universidad Piloto, Colombia 2006 Master of Fine Arts, University of Waterloo, Ontario, Canada 2002 Master of Art, Minnesota State University, USA 1990 Bachelor in Architecture, Universidad Piloto, Colombia

Este libro de artista monumental es una alegoría contra el asesinato de animales, ya sea con fines comerciales o de entretenimiento tan comunes aún en Latinoamérica. Boustrophedon (griego: βουστροφηδόν) es un antiguo estilo de escritura popularmente conocido como escritura de serpientes. Forero llama la atención sobre la similitud visual que tiene esta escritura con el antiguo juego hindú MokshaPatamu, lanzado en Occidente como el juego de serpientes y escaleras. La versión original de este juego plantea valores éticos, ya que simboliza el camino moral hacia el cielo. Las escaleras representan actos virtuosos que acortan el viaje del alma a un estado de máxima perfección; las serpientes son, por el contrario, la representación del mal, y nos condenan a las reencarnaciones en formas inferiores, representadas por siluetas de diferentes animales. El trabajo de Forero está imbuido de ambos, la idea de que las telas se pueden leer como “boustrophedon” (haciendo hincapié en el efecto de la transparencia entre los dibujos) y también en la lucha entre las fuerzas del bien y el mal en su composiciones a veces como espirales explosivas a lo largo de estas telas/senderos/serpientes -como un oxímoron que muestra- la belleza, revelando la crudeza en el fondo y finalmente haciendo una reflexión sobre la actitud de la humanidad en relación con la naturaleza. This monumental artist’s book that is an allegory against the killing of animals for either trade or as entertainment, yet so common in Latin America. Boustrophedon (Greek: βουστροφηδόν) describes an ancient style of writing popularly known as snake writing. Forero draws attention to the visual similarity it has with the ancient Hindu Moksha-Patamu game, released in the West as the game of Snakes and Ladders. The original version of this game raises ethical values, as it symbolizes the moral path over a lifetime to reach the sky. The ladders represent virtuous acts that shorten the journey of the soul to a state of ultimate perfection; snakes are, by contrast, the representation of human evil, and condemn us to reincarnations in lower forms, represented by silhouettes of different animals. Forero’s work is infused with both, the idea that the fabrics

can be read as “boustrophedon” (emphasizing the effect by the transparency among each other of the drawings on the sheer) and also by the struggle between the forces of good and evil in his compositions sometimes as exploding spirals along these fabrics / trails / snake-like an oxymoron showing-the beauty, revealing the rawness in the background and finally making a reflection on the attitude of humanity in relation to nature.


2006 SERIE DE LOS POLÍTICOS SERIES OF THE POLITICIANS

SEBASTIÁN GARCÍA HUIDOBRO 1981 | Santiago de Chile, Chile Vive en New York, EE.UU. Lives in New York, USA

Licenciatura Artes Visuales y Fotografía, UNIACC Universidad de las Artes, Ciencias y Comunicación, Santiago de Chile, Chile Degree in Visual Arts and Photography, UNIACC, Art, Science and Comunication University, Santiago de Chile, Chile

Apropiación y desvío son dos gestos que realiza Huidobro sobre las imágenes de la Campaña Electoral del 2005 de Santiago de Chile. En una primera instancia se adueña del particular diseño, encuadre, métodos, direcciones y pensamientos que tienen las mismas, luego las violenta con una formula a base de diluyentes que les extrae la tinta inkject, eliminan así su serialización y destruye el pixel constituyendo a cada una en piezas únicas. Appropriation and drift are two gestures that Huidobro makes on the images of the 2005 Election Campaign in Santiago de Chile. In the first instance, he takes over the particular design, framing, methods, directions and thoughts that the images have, then he manipulates them with a formula based on diluents that extracts the inkject, thus eliminating their serialization and destroying the pixel constituting each one in unique pieces.


2013 SE NECESITA DINERO PARA HACER DINERO

MAURICIO HERRERO 1981 | San José, Costa Rica San José, Costa Rica

2017 Maestría en Artes Visuales y Educación, Universidad de Barcelona, España 2011 Maestría en Artes Visuales, The New School for Design, Nueva York, EE.UU. 2009 Licenciatura en Artes con énfasis en grabado, Universidad de Costa Rica 2017 Master in Visual Arts and Education, University of Barcelona, Spain 2011 MFA, Parsons The New School for Design, NY, USA 2009 BFA with emphasis in Printmaking, University of Costa Rica

Un artista que explora los lugares de fronteras borrosas, las representaciones simbólicas que se transfieren de un espacio a otro, que genera nuevas asociaciones de elementos desplazados y analiza las relaciones que trascienden su contexto inicial y pasan a formar parte de sistemas más grandes. Dentro de esa metodología y abordaje hacia el mundo de representaciones que lo rodea, Herrero creó su propia moneda impresa sobre papel con la intención de investigar el valor estético del dinero, sus propiedades, como un sistema de intercambio dentro de un concepto artístico. An artist that explores blurred boundaries, symbolic representations that transfer from one space to another, generates new associations of displaced elements, and analyzes relationships that transcend their initial context and become part of larger systems. Within this methodology and approach to the world of representations that surrounds him, Herrero created his own printed bill on paper with the intention of investigating the aesthetic value of money, its properties, as a system of exchange within an artistic concept.

IT TAKES MONEY TO MA


AKE MANEY


2005 FAIRY TALES

CUENTOS DE HADAS

ANITA JUNG 1960 | Chicago, EE.UU. Vive en Iowa City, Iowa, EE.UU. Chicago, USA Lives in Iowa City, USA

Profesora en Iowa State University, EE.UU. 1990 Maestría en Artes con especialización en gráfica, Universidad de Wisconsin-Madison, EE.UU. 1985 Licenciatura en Bellas Artes, Arizona State University, EE.UU.

La identidad es un asunto complejo que implica una plétora de elementos facetados, algunos de los cuales construyen nuestro sentido de nacionalidad. El lunes 29 de agosto de 2005, un huracán de categoría 4 golpeó la costa del Golfo de los Estados Unidos. El daño causado no tuvo precedentes en la historia del siglo XX en EE.UU. El presidente Bush y su administración designada no respondieron adecuadamente frente a los hechos. “Fairy Tale” se trata de despertar y descubrir que ese sueño de construcción de una identidad era solo un cuento de hadas. Jung presenta imágenes del cuento infantil “Hansel y Gretel”, que echan sombra sobre descripciones de casas típicas de los Estados Unidos y se combina con un texto sobre la respuesta gubernamental que rodea al huracán. Un proyecto que no trato solo de los estragos de Katrina, sino de la pérdida del “Sueño Americano”, un sueño que nunca fue posible.

Identity is a complex issue involving a plethora of faceted elements some of which build our sense of nationality. On Monday, August 29th, 2005 a category 4 hurricane struck the Gulf Coast of the United States. The damage caused by this natural disaster was unprecedented throughout the 20th century history of the United States. President Bush and his appointed administration failed to respond. “Fairy Tales” is about waking up and discovering that the dream constructing identity was just a fairy tale. She presents imagery from the children’s story of “Hansel and Gretel” overshadowing descriptions of typical homes from the United States with text describing the governmental response surrounding the hurricane. A project that is not only about the ravages of Katrina, it is about the loss of the “American Dream,” a dream that was never possible.

Professor at Iowa State University, USA. 1990 MFA with focus in Printmaking, University of Wisconsin-Madison. USA. 1985 BFA, Arizona State University, USA


2011 EN[CAJA] JUST A SHADE OFF

LAURA PAWSON Brooklyn, Nueva York, EE.UU. New York, USA

2017 Maestría en Educación en las Ciencias, College of Saint Rose, Albany, Nueva York, EE.UU. 2013 Maestría en Ciencias, Long Island University, School of Education, Nueva York, EE.UU. 2008 Licenciatura en Artes con foco en Educación Artística, Fotografía, Fibras y Estudios Materialistas, The School of the Art Institute of Chicago, EE.UU. 2007 Programa de Intercambio, Universidad Complutense, Madrid, España 2017 Master of Science in Education, College of Saint Rose, Albany, NY 2013 Master of Science, Long Island University, School of Education, NY, USA. 2008 Bachelor of Fine Arts, emphasis in Art Education, Photography and Fibers and Material Studies, The School of the Art Institute of Chicago, USA. 2007 Exchange Program, Universidad Complutense, Madrid, Spain

La cultura puede definirse por los comportamientos y las creencias características de un grupo social, étnico o de edad particular. La sociedad contemporánea tiende a confundir las cuestiones referidas a raza y cultura. Las ilustraciones de Pawson intentan explorar estos territorios al examinar dónde se superponen estos conceptos y cómo se forman los prejuicios. Los collages sobre tela y la fotografía son utilizados para integrar materia y concepto. El texto que elige lo obtiene de conversaciones que ha tenido o historias que le han contado y tiene la intención de provocar una reflexión más allá de lo que es generado por los medios de comunicación, la cultura popular, la geografía y el medio ambiente. Pawson también trabaja para identificar y explorar el concepto y la importancia de “blancura”. Se interesa en las personas que se perciben como y se identifican con una cultura que no se reclama como propia. Culture can be defined by the behaviors and beliefs characteristic of a particular social, ethnic, or age group. Contemporary society tends to confuse the lines that separate race and culture. Pawson’s artwork attempts to explore these territories by examining where these concepts overlap and prejudices are formed. Fabric-based collages and elements of photography are used to convey these ideas, integrating material and concept. The text she chooses is sampled, often from conversations she has had or stories she’s been told and intends to provoke thought beyond what is generated through media, popular culture, geography, and the environment. Pawson also works to further identify and explore the concept and significance of whiteness. She is interested in individuals who are perceived as and identify with a culture that is not claimed as their own.


2014 MTR

JAVIER BARRERA 1969 | Chicago, EE.UU. Vive en Nueva York, EEUU USA Lives in New York, USA

La extracción de la montaña MTR es una forma relativamente nueva de la minería del carbón que toma la montaña del carbón. MTR requiere que las montañas sean despejadas y luego explotadas por el uso intensivo de explosivos para llegar a las finas capas de carbón debajo. Lo que queda es una zona desolada, aplanada llena de rocas, hierba y arbustos. Los grabados desarrollados en ‘ace destacan las etapas de estas montañas que desaparecen y demarcan las manchas artificiales provocadas desde la perspectiva de un satélite. Barrera tomó las imágenes de Google Earth de las montañas en Virginia Occidental, EE.UU. Mountaintop removal mining (MTR) is a relatively new form of coal mining which takes the mountain off the coal. MTR requires that the mountains be clear-cut and then blasted by heavy use of explosives to get to the thin layers of coal beneath. What’s left behind is a desolate, flattened area filled with rocks, grass and shrubs. The prints developed at ‘ACE highlight the stages of these disappearing mountains and also demarcate the unearthly blemishes left behind from a satellite’s perspective. Visual elements for this project are based on Google Earth images of the mountains in West Virginia.

Maestría en Cine y Video, Hunter College, CUNY, Nueva York, EE.UU. Licenciatura en Filosofía, Boston University, EE.UU. MFA Film and Video, Hunter College, CUNY, New York, USA BA Philosophy, Boston University, USA


2016 TABLEAU VIVANT

JAE MIN KIM 1979 | Seúl, Corea del Sur Seoul, South Korea

2011,Maestría en Artes Mediales, Universidad Yonsei, Seúl, Corea del Sur 2004, Licenciatura en Artes con enfoque en Teatro y Cine, Universidad Dankook, Gyeonggi-do, Corea del Sur 2011 MFA Media Arts, Yonsei University, Seoul, South Korea. 2004 BA Drama and Film, Dankook University, Seoul, South Korea.

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WOORAN FOUNDATION

Tableau Vivant significa “pintura viviente”, es un proyecto de media art que combinó fotografía, teatro y video. Kim realizó una profunda investigación sobre la dictadura militar de Argentina y las abuelas de Plaza de Mayo antes de llegar a Buenos Aires, registro material en video para el mapping con actuaciones y performances de una compañía teatral de Corea del Sur. Una vez en nuestra ciudad, tomó fotos de la Plaza de Mayo sobre las que hizo la proyección en mapping. Es importante tener en cuenta el proceso ya que el artista explora en esta serie de trabajos, cuestiones de espacios y memoria, en contraposición a Seúl que es una ciudad construida a nuevo, donde los rastros de la memoria parecen haber sido borrados, la Plaza de Mayo de Buenos Aires es un espacio con una densidad histórica visible y que aún en el presente sigue siendo un punto de expresión popular y reclamo.

Tableau Vivant means “living image”, is a medium art project that combined photography, theater and video. Kim undertook a thorough investigation of the military dictatorship of Argentina and the grandmothers of Plaza de Mayo before arriving to Buenos Aires, recording material in video for the mapping with performances and performances of a theatrical company of South Korea. Once in our city, he took photos of the Plaza de Mayo on which he made the projection in mapping. The artist explores in this series of works, issues of space and memory, as opposed to Seoul which is a city built to new, where traces of memory seem to have been erased, Plaza de Mayo in Buenos Aires is a space with a visible historical density and that still in the present continues being a point of popular expression and demostration.


2011 GEOMETRÍA DEL TRABAJO GEOMETRY OF LABOR

1971 | 1971 | EE.UU. Vive en Austin, Texas, EE.UU. USA Lives in Austin, Texas, USA

Mutchler se interesa en nociones de riqueza/materialismo, abundancia/desperdicio en clara oposición a la pobreza y la necesidad de recolectar las sobras de los primeros, buscando allí los materiales susceptibles de ser reciclados. Ella construye estructuras, paisajes y objetos que intentan ser perfectas, usando el modelo, ya que es el mejor vehículo del pensamiento idealista. En Buenos Aires se interesó por los cartoneros y en su trabajo de recolección y reciclaje de papeles y cartón. Mutchler se ocupa de que los materiales que utiliza de instalación a instalación se reciclen, por lo que reforzó el concepto al entregar el material a los cartoneros para que lo reciclaran una vez que el período de exposición terminó.

Decana y Directora del AAH Core Program del Departamento de Arte e Historia del Arte, University of Texas, Austin, EE.UU. Maestría en Artes Visuales con foco en Artes Gráficas, Tyler School of Art, Filadelfia, EE.UU. Licenciatura en Artes, con foco en Artes Gráficas e Historia del Arte, Kent State University, Ohio, EE.UU.

Mutchler is interested in working with notions of wealth/ materialism- abundance/waste in clear opposition to poverty and the need to collect the leftovers from the first, looking in there those materials liable to be recycled. She builds structures, landscapes and objects of attempted perfection, using the model, as it is a perfect vehicle for idealist thinking. In Buenos Aires she got interested in the cartoneros (unemployed people who collect board –in Spanish “cartón”- and other recyclable materials to resell in order to achieve a very modest income). Mutchler is concerned with the materials being recycled or reused from installation to installation, so she reinforced the concept by giving the material to cartoneros for them to recycle it once the exhibition period was over.

LESLIE MUTCHLER

Associate Chair and Director of the AAH Core Program for the Department of Art and Art History at the University of Texas, Austin, USA MFA, Printmaking, Tyler School of Art, Philadelphia, USA BFA, Printmaking with a minor in Art History, Kent State University, Ohio, USA


2016 EL OJO DEL HALCÓN

MIN-HYUNG KANG 1983 | Seúl, Corea del Sur. Vive entre Seúl y Gwangju, Corea del Sur. Seoul, South Korea. Lives between Seoul and Gwangju, South Korea

2007 Licenciatura en Artes, con doble licenciatura en Pscicología y Japonés, University of Wisconsin-Madison Madison, Wisconsin, EE.UU. 2010 Maestría en Artes, Department of New Media, Graduate School of Film and New Media, Tokyo University of the Arts, Tokyo, Japón 2007 Bachelor of Art, Double Majored in Psychology and Japanese, University of Wisconsin-Madison Madison, Wisconsin, USA 2010,Master of Art degree, Department of New Media, Graduate School of Film and New Media, Tokyo University of the Arts, Tokyo, Japan Patrocinador | Sponsor

BARIM ARKO (ARTS COUNCIL SOUTH KOREA)

Como respuesta o un nuevo esbozo de la pregunta sobre qué es lo que sacrificamos cuando nos mudamos a las grandes ciudades, de Corea del Sur y Argentina específicamente, Min-Hyung Kang realizó la instalación y performance “Ojo de halcón”. Al mudarse a las metrópolis coreanas, las personas abandonan lo confortable del hogar y reducen el espacio de vivienda; por las ciudades argentinas, las personas dicen sacrificar calidad de vida y seguridad. Kang combinó estas dos “pérdidas” de forma casi satírica y absurda: una reconstrucción de una habitación de los Goshiwon (residencias urbanas de Corea del Sur) con sus característicos wallpapers vulgares y objetos baratos que simulan ser naturales con un vigilante performer que recorría el espacio como un verdadero “ojo de halcón”, bregando por la seguridad de quienes transitaban.

As a response or a new outline of the question about what we sacrifice when we move to the big cities from South Korea and Argentina specifically, Min-Hyung Kang developed the installation and performance “Eye of the Hawk”. By moving to the Korean metropolis, people leave the comfortable home and reduce the living space; for the Argentine cities, people say they sacrifice quality of life and security. Kang combined these two “losses” in an almost satirical and absurd way: a reconstruction of a Goshiwon room (South Korean urban dwellings) with its characteristic vulgar wallpapers and cheap objects that pretend to be natural with a performer security guard who walked through the space like a true “eye of hawk”, fighting for the safety of spectators.


2017 RESISTANCE STORIES

HISTORIAS DE RESISTENCIA “Creo que el grabado, de muchas maneras, busca continuar la tradición tanto del arte como del idealismo, en el sentido de que hace las obras reproducibles para el artista, así como el arte y el mensaje de fácil acceso para el gente. Disfruto usar el grabado como mi medio preferido, específicamente porque puedo producir obras sobre temas sociales, políticos y ecológicos que están fácilmente disponibles para la mayoría de las personas que las pueden querer o beneficiarse de ellos. También he comenzado a crear y vender impresiones con la intención de que una parte de las ganancias vaya directamente a organizaciones activistas específicas. Este ha sido un ideal y práctica de larga data en la historia del grabado que yo busco continuar”. “I believe that printmaking, in many ways, seeks to carry on the tradition of both art and idealism, in that it makes the works reproducible for the artist as well as the art and the message easily accessible to the people. I enjoy using printmaking as my favored medium specifically because I am able to produce Works about social, political, and ecological issues that are easily available to most peoples who may desire, or benefit from them. I have also begun to create and sell prints with the intent being that a portion of the proceeds go directly to specific activist organizations. This has been a long-standing ideal and practice in the history of printmaking that I seek to carry on.”

alexandra leeds 1988 | Napa, California EE.UU Vive en Portland, EE.UU. Napa, California, USA Lives in Portland, USA

2011 Licenciatura en Artes con especialización en grabado, Northwest College of Art, Portland, EE.UU. 2008 Universidad Estatal de Sonoma, Rohnert Park, California, EE.UU. 2004 Escuela de Artes Oxbow, Napa, California, EE.UU. 2011 BFA with an emphasis in printmaking, Pacific Northwest College of Art, Portland, Oregon, USA 2008 Sonoma State University, Rohnert Park, California, USA 2004 Oxbow School of Arts, Napa, California, USA


2011 CAMBIO SHIFT

AYANAH MOORE 1973 | Virginia, EE.UU. Vive en Chicago, Illinois, EE.UU. Virginia, USA Lives in Chicago, Illinois. USA

Actualmente es profesora de artes gráficas en School of the Art Institute Chicago, Chicago, EE.UU. 1998 Maestría en Artes Visuales con foco en artes gráficas, Tyler School of Art, filadelfia, EE.UU. 1995 Licenciatura en Artes con foco en pintura y artes gráficas, Virginia Commonwealth University, Richmond, EE.UU. Currently Associate Professor in Printmedia at School of the Art Institute Chicago, Chicago, USA 1998 MFA in Printmaking, Tyler School of Art, Philadelphia, USA 1995 BFA in Painting & Printmaking, Virginia Commonwealth University, Richmond, USA Patrocinador | Sponsor

ADVANCING BLACK ARTS INITIATIVE OF THE PITTSBURGH FOUNDATION

Artista conceptual cuyo trabajo se centra en los problemas de género, raza e identidad sexual los que analiza a través del lente de la cultura popular. Desde el Hip Hop y la política, hasta el “black talk” y el fútbol femenino, Moor se apropia de los temas populares y los revisa para generar un diálogo que invita a pensar nuevos significados. En este contexto la artista utiliza como herramientas creativas la performance, la gráfica, el dibujo y el video. Dentro de “Cambios” exploró las nociones de la negritud en Argentina, sus distintas lecturas históricas y las decisiones políticas que llevaron a los cambios de identidad racial. El trabajo del Moor ha sido publicado en ¿Qué es el Arte Contemporáneo? de Terry Smith (University of Chicago Press) y en “Meridianos: Feminismo, Raza, Transnacionalismo” de Janel Hobson y Dianne Bartow (Indiana University Press).

Conceptual artist whose work addresses gender, racial and sexual identity through the lens of popular culture. From hip hop and politics, to black talk and women’s football, Moor draws from and revises popular themes to generate dialogue and invite new meanings. Her creative tools include print media, performance, drawing and video. For “Changes” she explored notions of blackness in Argentina, its different historical readings and the political decisions that prodiced the shifting visibility of racial identity. Moor’s work has been addressed in publications including: What is Contemporary Art? by Terry Smith (University of Chicago Press) and Meridians: Feminism, Race, Transnationalism by Janel Hobson and Dianne Bartow (Indiana University Press).


2011 DIÁLOGOS DE CIUDADES CITIES DIALOGUES

MIGUEL RIVERA 1967 | Guanajuato, México. Vive en Kansas City, EE.UU. Guanajuato, Mexico. Lives in Kansas City, USA

Profesor y Decano del Departamento de Grabado, Kansas City Art Institute, Kansas, EE.UU. Consejero del Kansas City Arts Coalition. Maestría en Grabado y Procesos Alternativos, University of West Virginia, Morgantown West, Virginia, EE.UU. 1995 Licenciatura en Artes Visuales, Southern Oregon University, EE.UU. 1992 Diploma en Artes, Universidad de Guanajuato, México Associate Professor and Chair from the Printmaking Department, Kansas City Art Institute, Kansas, USA Steering committee member at KC Artist Inc. and a Board member at the Kansas City Artists Coalition MFA in Printmaking and Alternative Processes, University of West Virginia, Morgantown West, Virginia, USA. 1995 BFA, Southern Oregon University, USA 1992 Arts diploma, Universidad de Guanajuato, Mexico Patrocinador | Sponsor

LIAEP (LIGHTON INTERNATIONAL ARTISTS EXCHANGE PROGRAM) KANSAS CITY ART INSTITUTE

Rivera utiliza materiales como metáfora del paso del tiempo, la memoria y la condición humana. Mediante la adición de imágenes en capas, su manipulación y desplazamiento ilustra una suerte de espacios sacros, el caos contemporáneo y al mismo tiempo lo utiliza para reconstruir, re-examinar y re-inventar memorias de su infancia. El artista se apropia de iconos y señala sus tensiones y contrastes inherentes. Las imágenes de Diálogos de ciudades son una serie de abstracciones derivadas de las experiencias atestiguando el sufrimiento prevalente en la cultura Mexicana, son imágenes iconográficas de virus letales. El peligro de virus como la gripe aviaria, el H1N1, plaga bubónica y la malaria se contrasta con la belleza estética y atractiva de la forma microscópica.

Rivera uses materials as a metaphor for the passage of time, memory and the human condition. By adding layered images, manipulating and displacing them from their original context he illustrates sort of sacred spaces, contemporary chaos and at the same time he uses it to reconstruct, re-examine and re-invent memories of his childhood. The artist appropriates icons and points out their inherent tensions and contrasts. The images of Cities dialogues are a series of abstractions derived from experiences witnessing the suffering prevalent in the Mexican culture- The iconographic images of lethal viruses as bird flu, H1N1, bubonic plague and malaria are processed in a way that referes at the same time to the danger of viruses in contrast with the aesthetic and attractive beauty of the microscopic form.


2017 THE FORECAST

EL PRONÓSTICO

El arte que involucra reflexiones sobre el medio ambiente es cada vez más relevante dado el reciente cambio de liderazgo en los Estados Unidos. Las nociones de creencia, negación, aceptación, esperanza y miedo se han convertido en parte del discurso actual; son complejidades emocionales que a veces parecen estar en desacuerdo con la verdad científica. Como una forma de documentar y procesar la confusión que la artista siente que está atravesando Estados Unidos, Miller está usando periódicos argentinos y estadounidenses para generar un léxico de texto e imágenes que puede funcionar tanto como impresiones individuales existentes en el contexto tradicional, y como un grupo de grabados: una instalación que se experimenta como un ambiente inmersivo y que refiere cuestiones de poder, comunicación, censura y manipulación de la información. Art that engages aspects of the environment is increasingly relevant given the recent change of leadership in the United States. Notions of belief, denial, acceptance, hope, and fear have become a part of the current discourse; they are emotional complexities that at times seem at odds with scientific truth. As a way to document and process the confusion that she feels the USA is going through, Miller is using Argentine and American newspapers to generate a lexicon of text and imagery that can function both as individual prints existing in traditional context, and as a group of prints— an installation that is experienced as a felt, immersive space that addresses issues of power, communication, censorship and information management.

kelsey miller 1985 | Antigua y Barbuda. Vive en Portsmouth, Rhode Island, EE.UU. Antigua, West Indies. Lives in Portsmouth, Rhode Island, USA

Maestría en Artes Visuales, University of Connecticut, EE.UU. Licenciatura en Artes, Wellesley College, EE.UU. MFA University of Connecticut, USA BA Studio Art, Wellesley College, USA

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UCOON, UNIVERSITY OF CONNECTICUT, STORRS, CT.


2011 LA MIRADA DE LA MENTE THE MIND´S EYE

MONIKA NGUYEN 1983 | Baden, Austria Vive en Viena, Austria Baden, Austria Lives in Vienna, Austria

Estudios de doctorado en la Universidad de Artes, Tokyo, Japón y recibió su doctorado en Teoría del Arte y Estudios Culturales en la Academia de Bellas Artes, Viena, Austria Licenciatura en diseño de montaje y cine, Universidad de Artes Aplicadas, Viena, Austria y en Parsons School of Design, Nueva York, EE.UU. Doctoral studies, Tokyo University of the Arts and received her doctoral degree in Art Theory and Cultural Studies at the Academy of Fine Arts Vienna Set Design for Stage and Film, University of Applied Arts Vienna and at Parsons School of Design, New York City, USA

Las obras de Monika Nguyen enfatizan las preocupaciones socioculturales, enfocándose en situaciones sociales extremas y excepcionales, ubicando su trabajo en entornos arquitectónicos, que actúan como escenarios para sus narrativas. En La mirada de la mente se centró en el fenómeno de la “inseguridad” de Buenos Aires, el poder sugestivo de las noticias, los medios y la psicosis colectiva a través de dos series de fotografías. En una, un par de muñecas son las supuestas víctimas; en la segunda, una persona oculta, trata de permanecer invisible del dueño de la casa. El protagonista está amenazado y acosado en un paisaje arquitectónico frío y teatral. A través de la ansiedad de la intrusión de una persona desconocida en un espacio individual, la artista también sugiere que podría ser simplemente una ilusión en el “la mirada de la mente”. Alicia Candiani Monika Nguyen’s works emphasize socio-cultural concerns, focusing on extreme and exceptional social situations, setting her work in architectural environments, which act as stages for her narratives. In The mind’s eye she focused in the “insecurity” pheonmena of Buenos Aires, the suggestive power of news, media and and collective psychosis through two series of photography. In one, a couple of dolls are the supposed victims of their own space. The hidden person, in the second series, is trying to remain unseen from the house owner. The protagonist is threatened and stalked in a cold and theatrical architectural scenery. Through the anxiety of the intrusion of an unknown person into an individual space the artist also suggests that it might also be just an illusion in “the mind’s eye”. Alicia Candiani


2017 EL JABALÍ CORRE DENTRO DE UN CENTRO COMERCIAL

WILD BOAR RUNS INTO A SHOPPING MALL

WAH YAN AU 1984 | Hong Kong

2008 Maestría en Cultura Visual, Chinese University of Hong Kong 2007 Licenciatura en Artes, Chinese University of Hong Kong 2006 Intercambio en Carnegie Mellon University, Pittsburgh, EE.UU. 2008 MA in Visual Culture, Chinese University of Hong Kong 2007 Bachelor of Arts in Fine Arts Chinese University of Hong Kong 2006,Exchange to Carnegie Mellon University (College of Fine Arts), Pittsburgh, USA

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ART AND CULTURE OUTREACH, HONG KONG

Wah Yan Au es una artista que tiene un gran interés en la narración visual dentro de la cual explora la ambigüedad de lo ficticio y real a través del dibujo, grabado e ilustración cómica. Su trabajo artístico tiene un lado muy fuerte de consciencia social ya que investiga sobre la psique humana y los miedos internos en las luchas personales contra los entornos sociales altamente supresivos, intentando comprender cómo las personas reaccionan, se resisten y reconstruyen sus propias historias. También es fan del dibujante argentino Quino ya que fue a través de Mafalda que conoció conceptos que marcarían su ideología y conciencia social desde una edad muy temprana.

Wah Yan Au is interested in visual story telling, working in the area of drawing, printmaking and comic illustration, while exploring the ambiguity of the fictional and the real in narrative approach. She is interested in the inner fear and human psyche of personal struggle against the highly-suppressive social environment, how people react, resist and reconstruct their own stories. She is also a fan of Argentine cartoonist Quino. It was through Mafalda that she came up with concepts that would mark her ideology and social consciousness in her early ages.


2012 PERQUISITION ARGENTUM

MEREDITH SESTER 1974 | Indianápolis, EE.UU. Vive en Chicago, Illinois, EE.UU. Indianapolis, USA Lives in Chicago, Illinois, USA

Profesora de Artes Gráficas, Herron School of Art and Design, Indianápolis, EE.UU. 2004 Maestría en Artes Visuales, University of Wisconsin-Madison, EE.UU. 1997 Licenciatura en Artes, Indiana University, Herron School of Art, EE.UU. Assistant profesor of Printmaking, Herron School of Art and Design, Indianapolis, USA 2004 MFA, University of WisconsinMadison, USA 1997 BFA, Indiana University, Herron School of Art, USA

Inspirada por la etimología de la palabra Argentina, que deriva del latín argentum (plata), Setser creó una instalación que exploró la búsqueda y extracción de metales preciosos a lo largo de la historia, y el impacto que ha tenido sobre el medio ambiente y las culturas indígenas. La artista declara que en su país recibe constantemente un bombardeo publicitario de venta de metales, especialmente oro y plata. Siguiendo eso, para su instalación la artista utilizo papel que trabajó de manera tal hasta transformarlo en una sustancia otra a través del agregado, costura de imágenes impresas extraídas de libros de historia de la ciudad de Buenos Aires. Setser creó también una suerte de red, tela de araña de silicona con los nombres de personas que perdieron su vida en el trabajo minero. Perquisition Argentum fue un tributo y un señalamiento sobre las tensiones, contradicciones implicadas en la utilización de los recursos naturales. Inspired by the etymology of the word Argentina, which derives from the Latin argentum (silver), Setser created an installation that explored the search and extraction of precious metals throughout history, and the impact it has had on the environment and indigenous cultures. The artist states that in her country she is constantly bombarded by advertisements of metals, especially gold and silver. Following that, for her installation she used paper that she transformed into another substance through the addition and sewing of printed images extracted from history books of the city of Buenos Aires. Setser also created a net, a silicon spider net with the names of people who lost their lives in mining work. Perquisition Argentum was a tribute and a remark of the tensions, contradictions involved in the use of natural resources.


ONTEMPORARY RITUALS

rites | symbols | popular culture


ITUALES CONTEMPORÁNEO

ritos | símbolos | cultura popular


2014 MÍMESIS-MÍMICA MEMESIS-MIMICRY

JULIE KRONE 1961 | Dunedin, Nueva Zelanda Vive en Nueva Gales del Sur, Australia Dunedin, New Zealand Lives in New South Wales, Australia

2005 Maestría en Artes Visuales, Sydney College of the Arts, University of Sydney, Australia 2003 Licenciatura en Artes Visuales, Sydney College of the Arts, University of Sydney, Australia 1991 Diplomado en Comunicación Visual Christchurch Polytechnic, Nueva Zelanda 2005 Master of Visual Arts, Sydney College of the Arts, University of Sydney, Australia 2003 Bachelor of Visual Arts (Hon) Sydney College of the Arts, University of Sydney, Australia 1991 Diploma of Visual Communication, Christchurch Polytechnic, New Zealand

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VEOLIA MULWAREE TRSUT

La mímica, a menudo configurada como el opuesto de “originalidad” o “unicidad”, se designa como una posición inferior, y sin embargo es el vehículo a través del cual tienen lugar la comunicación compartida y la interacción significativa. Al explorar la imitación, Krone jugó con manipulaciones y seducciones inherentes a la palabra escrita y las expandió en patrones visuales. Superpuso elementos de diferentes culturas y sus idiomas, incluyendo desde caracteres escritos, figuras geométricas hasta piezas totémicas, y creó pasajes dinámicos, donde la propiedad es debatida y tiene lugar el intercambio.

Mimicry, often set up as the opposite of ‘originality’ or ‘uniqueness’, is designated an inferior position, and yet it is the vehicle through which shared communication and meaningful interaction take place. Exploring mimicking, Krone played with manipulations and seductions inherent in the written word and expanded them into visual patterns. She overlapped elements from different cultures and their languages, including written characters, geometrical shapes and totemic shapes, and created dynamic passages, where ownership is debated and exchange takes place.


2009 SANTOS DEL GHETTO

GHETTO SAINTS

Íconos religiosos de la cultura católica en relación con las zonas urbanas carenciadas. Bromwich trabaja comúnmente con el gesto de apropiación de imágenes y su presentación en entornos, escenas inesperadas con la intención de agregar capas de sentido en su interpretación y nuevos vínculos con esas representaciones.

LAURA BROMWICH 1988 | Ontario, Canadá

2011 Licenciatura en Artes, McMaster University, Ontario, Canadá 2011 Bachelor of Arts degree, McMaster University, Ontario, Canada

Catholic culture icons in relation to underprivileged urban areas. Bromwich commonly works with the gesture of appropriation of images and their presentation in unexpected environments, scenes with the intention of adding layers of meaning in their interpretation and new links with these representations.


2012 RITUALS

RITUALES

Libro de artista que se inspira en la lectura de las manchas de café (“cafeomancia”) como intento de adivinar el futuro o leer el pasado de una persona. Según Aida “este ritual, ejerce en mí una atracción especial, por las formas y texturas que se pueden observar en tazas y platos, y es en este punto que lo relaciono con lo que pienso de una obra de arte: todo lo que nos muestra, y a su vez nos oculta y que tanto nos llaman o invitan a ser leídas e interpretadas”. Artist’s book inspired by the reading of coffee stains (“caffeomancy”) as an attempt to guess the future or read the past of a person. According to Aida, “this ritual exerts a special attraction on me, for the shapes and textures that can be observed in cups and plates, and it is at this point that I relate it to what I think of a work of art: everything that shows us , and in turn hide us and that both call us or invite to be read and interpreted.

AIDA CHERTKOFF 1946 | Concordia, Entre Ríos, Argentina Vive en Buenos Aires, Argentina Lives in Buenos Aires, Argentina

Especialización en Grabado en Buenos Aires, concurre habitualmente a seminarios de actualización de técnicas gráficas y otros lenguajes contemporáneos Specialization in Printmaking in Buenos Aires, she regularly attends graphic media seminars


2013 SUS SÍMBOLOS HER SYMBOLS

TENDAI GUMBO

1971 | Zimbabwe Vive en Uruguay Zimbabwe Lives in Uruguay

2009 Licenciatura en Inglés, Bellas Artes y Estudios Religiosos, University of Southern Africa, Sudáfrica 2009 Bachelor in English, Fine Arts and Religious Studies, University of Southern Africa, South Africa

Gumbo es una artista que está constantemente mudándose y toma para su obra de arte lo que está disponible en cada medio, sea tela, arcilla, objetos naturales o manufacturados, dice que cada obra es como una página de su diario íntimo. Produce a través de una relación simbiótica con la naturaleza y su propio cuerpo, realizando obra gráfica y performance en la que compendia las distintas influencias y estímulos que ha recibido y continúa recibiendo en cada una de sus experiencias, generando sus propios símbolos.

Gumbo is an artist who is constantly moving and takes what is available in every medium, whether it is clothe, clay, natural objects or manufactured into her work of art. She says that each work is like a page of her private diary. An artist that produces through a symbiotic relationship with nature and her own body, doing graphic work and performance in which she compiles the different influences and stimuli that has and continues to receive in each of her life experiences, generating her own symbols.


2015 LAST IMPORTED

Los medios principales de Vasic son el dibujo y la escritura, donde los dibujos son una reminiscencia de las viñetas de comics y por lo general se dirigen a alguien en su diario visual. Ella explora temas mundanos y de la cultura popular como el correo electrónico no deseado, la astrología de Internet, el romance web y el análisis de los sueños. Última importación es un proyecto estructurado en torno a la idea de un diario de viaje de un viaje a Argentina, entre el estilo habitual de dibujo y texto de Vasic, que incorporó la investigación sobre la famosa tradición del cómic argentino de los años 80 y 90 en adelante. Una acumulación de dibujos en un rollo de papel de caligrafía chino semitransparente, pulido con capas de látex de caucho líquido, un medio innovador que desarrolló Vasic, que expande el volumen y el cuerpo del papel, transformando su plano bidimensional en un objeto tridimensional.

ÚLTIMA IMPORTACIÓN

Vasic’s primary mediums are drawing and writing, where drawings are reminiscent of comic frames and usually addressed to someone within its visual diary. She explores mundane and popular culture themes like spam e-mail, Internet astrology, web romance and dream analysis. Last Imported is a project structured around the idea of a travelogue of a trip to Argentina, among Vasic’ usual style of drawing and text, that incorporated the research on the famed Argentinian comic tradition from the 80’s and 90’s onwards. An accumulation of drawings in a semi-transparent Chinese calligraphy paper roll, polished with layers of liquid rubber latex, an innovative medium that Vasic developed, that expands volume and body of paper, transforming its two-dimensional plane into a 3-dimensional object.

zorica vasic 1966 | Belgrado, Serbia Vive en Toronto, Canadá Belgrade, Serbia Lives in Toronto, Canada

1996 Maestría en Artes Visuales, Jan van Eyck Academy in Maastricht, Países Bajos 1992 Licenciatura en Artes, Academia de Bellas Artes, Arnhem, Países Bajos 1996 MFA, Jan van Eyck Academy in Maastricht, The Netherlands 1992 BFA, Academy of Fine Arts, Arnhem, The Netherlands


2015 ESPÍRITU DEL HOMBRE SPIRIT OF MAN

ALEX HUNINGHAKE 1991 | Louisville, Kentucky, EE.UU Louisville, Kentucky, USA

2015 Licenciatura en Bellas Artes con foco en grabado y dibujo, University of Louisville, EE.UU. 2015 Bachelor of Fine Arts, Drawing & Printmaking, University of Louisville, USA

Una exploración sobre el papel de los ideales religiosos y espirituales en nuestro mundo contemporáneo cada vez más globalizado. Una combinación de las imágenes de los omnipresentes santuarios que se encuentran en las rutas latinoamericanas con la escultura europea para reflexionar sobre la encrucijada cultural única que es Buenos Aires. An exploration on the role of religious and spiritual ideals in our increasingly globalized modern world. A combination of the imagery of the ubiquitous South American roadside shrine with European sculpture to reflect on the unique cultural crossroads that is Buenos Aires.


2016 SEDIMENTS

SEDIMENTOS

ADRIANA SPOSITO 1976 | Laboulaye, Córdoba, Argentina

A través del pequeño formato y la superposición de imágenes, símbolos y colores, Sposito se planteó investigar la naturaleza triple del universo, la interacción dinámica entre sus tres vertientes: lo manifiesto, lo oculto y el individuo que se mueve entre ambos. El desarrollo del ser en relación y tensión con lo físico, lo que sigue el ritmo orgánico de los impulsos vitales por un lado y con lo intangible, lo cósmico, espiritual, por el otro. Esta relación triádica instaura el principio de terceridad, como sistema impar, abierto y giratorio que funciona en el interior de la mente; un principio que implica nacimiento, muerte y renovación constante. La intención es superar dualidades, romper con la dialéctica binaria occidental y preconizar el discernimiento estableciendo un principio de incertidumbre propicio para la toma de decisiones. Sposito concretiza esas ideas a través de la integración de planos e imágenes de diversa naturaleza en soportes de formatos complejos que inviten a un recorrido en expansión. La figura humana así como cualquier otro elemento natural expresa el aspecto orgánico, caótico, vivo. El arqueómetro expresa la periodicidad astronómica ajena a toda pulsación viviente. Los símbolos son intentos por unir opuestos dentro de la psique.

Through the small format and overlapping of images, symbols and colors, Sposito set out to investigate the triple nature of the universe, the dynamic interaction between its three aspects: the manifest, the hidden, and the individual, moving between them. The development of the being in relation and tension with the physical, which follows the organic rhythm of the vital impulses on the one hand and the intangible, the cosmic, spiritual, on the other. This triadic relationship establishes the principle of thirdness, as an odd, open, rotating system that works within the mind; a principle that implies birth, death and constant renewal. The intention is to overcome dualities, to break with the Western binary dialectic and to advocate discernment by establishing a principle of uncertainty conducive to decision-making. Sposito concretizes these ideas through the integration of plans and images of diverse nature into supports of complex formats that invite an expanding journey. The human figure as well as any other natural element expresses the organic, chaotic, living aspect. The archeometer expresses the astronomical periodicity unrelated to any living pulsation. Symbols are attempts to unite opposites within the psyche.

Profesora Superior de Educación en Artes Plásticas. Universidad Nacional de Córdoba Licenciatura en Grabado, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina Professor in Visual Arts, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina Bachelor in Printmaking, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina


2014 A NUESTROS PIES AT OUR FEET

NICO MAZZA 1989 | Florida, EE.UU. Vive en Buenos Aires, Argentina Florida, USA Lives in Buenos Aires, Argentina

2011 Licenciatura en Artes Visuales con foco en pintura y fibras, The School of the Art Institute of Chicago, Chicago, EE.UU. 2011 BFA in Painting and Fibers, The School of the Art Institute of Chicago, Chicago, USA

Brotamos del suelo y caminamos sobre esta superficie como si la tierra fuera plana. Hay direcciones infinitas. Compartimos nuestro peso con el mundo, pidiéndole que nos sostenga mientras lo usamos para elevarnos. Siempre hay algo a nuestros pies, y a nuestros pies estamos cada uno en la cima de nuestro mundo. Como individuos, somos fundados e independientemente responsables de nuestro peso y la ubicación de nuestros cuerpos. Pero qué sucede cuando colisionamos con otra cosa, y este punto de sostén cambia para reconocer otra energía, cuando nos enfrentamos con nuestro peso. No existe un puente entre nosotros, pero somos conscientes del espacio que tomamos y de lo que damos. A nuestros pies incorporó movimiento, pintura y escultura para crear una instalación a gran escala que ritualiza esta idea y lleva a los espectadores a un espacio sagrado. We sprout up from the ground, and walk this surface as if the earth was flat. There is infinite direction. We share our weight with the world, asking it to support us while we use it to hoist ourselves up. There is always something at our feet- and at our feet we are each at the top of our world. As individuals we are grounded, and independently responsible for our weight, and the placement of our bodies. But what happens when we collide with something else, and this point of groundedness shifts to acknowledge another energywhen we confront each other with our weight. There is no bridge between us but we are aware of the space we take and that which we give. At our feet incorporated movement, painting and sculpture to create large-scale installations that ritualize this idea and bring viewers into a sacred space.


2016 ESSENTIAL TRACE

Lo primordial tiene su origen en lo geométrico y los detalles nos describen la característica única del origen en todas las cosas. El trasfondo orgánico y geométrico de este proyecto resalta lo esencial en la materia. Cada detalle en la composición, emerge del signo y sus texturas presentes en contraposición. En cada xilografía se puede observar cómo la armonía se autodefine única, porque cada contraposición nos dota de una emotividad auténtica.

TRAZO ESENCIAL

The primordial has its origin in the geometric and the details describe to us the unique characteristic of the origin in all the things. The organic and geometric background of this project highlights the essential in the matter. Every detail in the composition emerges from the sign and its textures present in opposition. In each woodcut one can see how the harmony is selfdefined as unique, because each opposition gives us an authentic emotion.

MANUEL JAÉN 1962 | Ciudad de Panamá, Panamá Panama City, Panama

1998 Licenciatura en Pintura, Accademia di Belle Arti di Brera, Milán, Italia. 1996 Diplomado Técnico en Grafica Publicitaria, Ateneo Artístico 3ª, Milán, Italia. 1998 Bachelor in Painting, Accademia di Belle Arti di Brera, Milan, Italy 1996,Technical Diploma in Publicity, Ateneo Artístico 3ª, Milan, Italy.


2016 MENTE, CUERPO Y ESPÍRITU MIND, BODY AND SOUL

JOSÉ SACCONE 1980 | Buenos Aires, Argentina

Licenciatura en Diseño Gráfico, Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo, Universidad de Buenos Aires, Argentina Bachelor in Graphic Design, Faculty of Architecture, Design and Urbanism, Universidad de Buenos Aires, Argentina

Cada persona y ser vivo puede ser representado por un símbolo y esto es lo que se planteó construir el artista a través de un azar controlado, un gesto más ligado a las matemáticas que a la elección personal. Para desarrollarlo, Saccone partió del siguiente silogismo: 1.El ser humano está configurado por Mente, Cuerpo y Espíritu. 2.La palabra está representada por Mancha, Significado e Interpretación. 3.El hombre fue creado a imagen y semejanza de Dios. 4.La palabra fue creada por el hombre, a su imagen y semejanza. 5.El hombre inventa la palabra para entender a su creador. La profundidad que la obra pretende, reside más en el azar que en la provocación o en el accionar de un mecanismo místico-matemático como el del I Ching. Un proyecto que establece reglas del juego, no las interpreta.

Each person and living being can be represented by a symbol and this is what was proposed to build the artist through a random chance, a gesture more linked to mathematics than to personal choice. To develop it, Saccone started from the following syllogism: 1. Human being is shaped by Mind, Body and Spirit. 2. Words are represented by Mark, Meaning and Interpretation. 3. Man was created in the image and likeness of God. 4. The word was created by man, in his image and likeness. 5. Man invents the word to understand its creator. The depth sought by the work lies more in chance than in the provocation or in the action of a mysticalmathematical mechanism like the I Ching. A project that establishes rules of the game and does not interpret them.


2017 SHARED SYMBOLS

Parker se interesó en Argentina y Uruguay a partir del Constructivismo y la Escuela del Sur de Joaquín Torres García en cuya simbología encuentra inspiración. En palabras de ella: “Como pintora abstracta, me muevo rápida y directamente, “escuchando” el ritmo de la imagen. Para mí, se trata de escuchar el inconsciente espiritual cuando estoy creando. Ahí es donde siento la verdadera creatividad. El resultado final de la pieza sigue siendo secundario al viaje del proceso creativo. Es en el proceso que me encuentro a mi misma y a su vez, encuentro la pieza.”

SÍMBOLOS COMPARTIDOS

Parker became interested in Argentina and Uruguay because of Constructivism and the School of the South of Joaquín Torres García in whose symbolism she finds inspiration. In her own words: “As an abstract painter, I move quickly and directly, ‘listening’ to the rhythm of the image. For me, it is about listening to the spiritual unconscious from deep within, when I am creating. That is where I feel the true creativity. The final outcome of the piece remains secondary to the journey of the creative process. It is in the process that I find myself and in turn, find the piece.”

laURA PARKER 1957 | Atlanta, EE.UU Atlanta, United States

Licenciatura en Artes, Comunicaciones Multi-Media, Mercer University Atlanta, Atlanta Maestría en Artes, Psicología/ Consejería, Georgia School of Professional Psychology, Atlanta. Bachelor of Arts, Multi-Media Communications, Mercer University Atlanta, Atlanta. Masters of Arts, Psychology/Counseling, Georgia School of Professional Psychology, Atlanta.


2012 COMO MECA AS MECCA

CECILIA STELINI 1951 | São Paulo, Brasil

2008 Especialización en Artes Visuales, Universidad Estatal de Campinas, Brasil. 1973, Artes Plásticas Universidade Fundação Armando Alvares Penteado, Brasil 2008 Specialization in Visual Arts, Universidad Estatal de Campinas, Brazil. 1973, Fine Arts, Universidade Fundação Armando Alvares Penteado, Brazil

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AT |AL|609 LUGAR DE INVESTIGAÇÕES ARTÍSTICAS CEMENTERIO ALEMÁN JARDIN BOTANICO EMBAJADA DE BRASIL EN BUENOS AIRES

Stelini es una artista performática que realiza obras en zonas geográficas muy variadas y genera obras que son casi una reinstauración de tiempos rituales y míticos en la contemporaneidad. Como Meca fue una acción artística colectiva que se dio en la Plaza San Miguel de Garicoitis del Barrio Colegiales en Buenos Aires. Haciendo referencia tanto a las alfombras de procesión cristianas como a las alfombras musulmanes individuales para las oraciones diarias, se invitó a las personas que estaban en la plaza a construir pequeñas alfombras con flores y hojas del lugar y a relacionarse con las mismas de la forma que cada uno/a quisiera. Un proyecto que buscó compartir, invitar a los participantes a reconsiderar la visión de su medio ambiente, instaurar nociones de cuidado, protección y nuevas visiones de los espacios públicos y de la ciudad. Stelini is a performing artist who works in a wide range of geographical areas and generates constellations that configure ritual and mythical times in our contemporary world. As Mecca was a collective artistic action that took place in the Square San Miguel de Garicoitis of the Colegiales neighbourhood in Buenos Aires. Referring to both Christian procession carpets and individual Muslim carpet for daily prayers, people in the square were invited to build small carpets with flowers and leaves of the place and relate to them in the way each one desired. A project that sought to share, invite participants to reconsider the vision of their environment, instituting notions of care, protection and new visions of public spaces and the city.


2012-16 LA PASIÓN SEGÚN JIMÉNEZ JIMÉNEZ´S PASSION

MICAELA TROCELLO 1978 | Córdoba, Argentina

Adscripta en la Cátedra de Grabado III Facultad de Artes, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina Diplomatura en Investigación y Conservación de Fotografía Documental. Facultad de Filosofía y Letras, Universidad Nacional de Buenos Aires, Argentina 2009 Licenciada en Grabado, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina Adjunct Professor in the Printmaking Departement, Faculty of the Arts, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina Diploma in Documentary Photographic Research and Conservation. Faculty of Philosophy and Literature, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina 2008 Bachelor in Printamking, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina Patrocinador | Sponsor

FUNDACIÓN ‘ACE PARA EL ARTE CONTEMPORÁNEO

Este es un trabajo al que podría denominarse como “artístico - antropológico” el cual aborda el universo poético que envuelve a Carlos “La Mona” Jiménez; ícono popular cordobés y referente del cuarteto argentino. Como en muchos de sus trabajos, Micaela se sumerge en situaciones domésticas cotidianas y también en situaciones “extraordinarias” como el Baile de la Mona, indagando un tramado conceptual que encuentra una íntima relación entre las letras de las canciones del cuarteto y la temática recurrente de la artista: La Mujer, vinculada al amor, la pasión , la idolatría, pero también al odio y al pecado.

An “artistic-anthropological” project which addresses the poetic universe that surrounds Carlos “La Mona” Jimenez, a popular icon and referent of the Cuarteto music from Cordoba, Argentina. As in many of her works, Micaela is immersed in everyday domestic and also “extraordinary” situations as the Dance of La Mona, investigating a conceptual truss that finds an intimate relationship between the lyrics of the cuarteto and a recurrent theme in the artist’s research: Women, love, passion, idolatry, but also hatred and sin.


2017 INTERPERSONAL INTERPERSONA

GARY SILIPA 1982 | Auckland, Nueva Zelanda Auckland, New Zealand

2005 Licenciatura en Sistemas Informáticos y Computación, University of Auckland, Nueva Zelanda 2005 Double Major Information Systems and Computer Science, University of Auckland, New Zealand

Silipa investiga sobre la comunicación interpersonal, implícita en las conversaciones entre diferentes idiomas, donde la falta de interpretación puede crear una barrera para la comprensión. La importancia del qué se reemplaza, de forma ficticia, por el cómo de lo dicho, y el espectador es invitado a imaginar (y resolver?) estas interacciones por sí mismos. Gary utiliza un algoritmo de computadora para deconstruir y rearmar aleatoriamente las letras en frases comunes de los diferentes idiomas involucrados en estas conversaciones (inglés, castellano, maorí). La desestructuración y lo aleatorio disocian el resultado manipulado de cualquier definición del termino “lenguaje”, así la barrera teórica del lenguaje es eliminada y se da lugar a concentrarse en otros modos de comunicación no-verbal. A medida que la gente continúa viajando y emigrando por el mundo, se cruzan diferentes lenguas y culturas. La comunicación interpersonal va más allá de la comunicación verbal y, a pesar de las barreras causadas por las diferencias lingüísticas, todavía es vital buscar comunicarse efectivamente y entenderse mutuamente.

Silipa investigates interpersonal communication, implied through conversation between different languages, where the lack of interpretation can create a barrier to understanding. Priority to what is being said is replaced fictitiously with how it is being said, and the viewer is invited to imagine these interactions for themselves. Gary uses a computer algorithm to deconstruct and randomly reassemble the letters in common phrases from the different languages involved in these conversations. The loss of structure and randomness disassociates the manipulated output with any explanation the term ‘language’ is defined by, therefore removing the theoretical language barrier and opening the door to focus on other methods of non-verbal communication. As people continue to travel and migrate across the globe, different languages and cultures intersect. Interpersonal communication goes beyond verbal communication alone, and despite any barriers caused by language differences, it is still vital to seek to effectively communicate and positively understand each other.


2017 PORTALS

PORTALES

El 30 de julio recibí una carta, una carta escrita por mi que volvía a mi el mismo día 17 años después. Era una carta con una sugerencia: un viaje en octubre. Y de pronto en mi vida surge la posibilidad de esa opción y yo acepto la propuesta, la magia y el juego. Y parto a buscar imágenes. Internamente este proyecto es el tránsito a una nueva etapa, habla de cambios, de posibilidades, de recorrido, de otra forma de ver y vivir la vida. Atravesar las fronteras geográficas y también las propias, el pasar de un lugar a otro de uno mismo. Una instalación de imágenes impresas en hojas de libros donde también estaban presentes las cartas proyectando sus palabras en un juego de luces y sombras. On July 30th I received a letter, a letter written by me that returned to me the same day 17 years later. It was a letter with a suggestion: a trip in October. And suddenly in my life the possibility of doing that trip arises and I accept the proposal, the magic and the game. And I start looking for images. Internally, this project is the transition to a new stage, it speaks of changes, of possibilities, of journey, of another way of seeing and living life. Crossing the geographical borders and also my own, moving from one place to another of oneself. An installation of images printed on sheets of books where the letters were also present projecting their words in a game of light and shadow.

ELINOR PEIRETTI 1974 | Córdoba, Argentina

2004 Licenciatura en Artes, Universidad de Palermo, Buenos Aires, Argentina 2000 Técnica Universitaria en Comunicación Social, Universidad Blas Pascal, Córdoba, Argentina

2004 Bachelor in Arts, Universidad de Palermo, Buenos Aires, Argentina 2000 Technical in Social Communication, Universidad Blas Pascal, Córdoba, Argentina


2014 LUZ DEL SOL; LUZ DE LUNA SUNLIGHT; MOONLIGHT

ALICIA KELLY 1986 | Sapulpa, Oklahoma, EE.UU. Vive en Lawrence, Kansas, EE.UU. Sapulpa, Oklahoma, USA Lives in Lawrence, Kansas, USA

2010 Licenciatura en Bellas Artes, con especialización en grabado, University of Kansas, EE.UU. 2010 Bachelor of Fine Arts, Printmaking, University of Kansas, USA

Evolución. Proceso. Meditación. Creadora de patrones- meditadora- una mano que responde a la luz. Patrones juguetones entrelazados con colores delicados. Luz de sol;Luz de luna alude a nuestros rituales diarios y lo rápido que pueden evolucionar con el cambio de nuestro entorno y con cada decisión que tomamos. Respiramos, absorbemos, dejamos ir e irradiamos vida. Al llegar a Buenos Aires, Kelly se interesó en las calles de adoquines y la arquitectura desgastada, pero más que nada, en lo que vive y respira entre los edificios- la flora de la ciudad. Se enfocó en los elementos de luz y sombra, incorporó patrones de la naturaleza y debatió sobre lo que el ojo percibe como natural o plástico. La artista se dedicó a aprender el lenguaje del patrón/ organismo. Con cada marca, corte y segmento reconoce que el papel también respira- se tuerce, cae y se agrupa como le es natural. Evolution. Process. Meditation. Creator of patterns - meditator - a hand that responds to light. Playful patterns intertwined with delicate colors. Sunlight;Moonlight refers to our daily rituals and how fast they can evolve with the change of our environment and with every decision we make. We breathe, absorb, let go and radiate life. Upon arriving in Buenos Aires, Kelly became interested in its cobblestone streets and worn architecture, but more than anything, in what lives and breathes among the buildings the flora of the city. She focused on the elements of light and shadow, incorporated patterns of nature and debated what the eye perceives as natural or plastic. The artist devoted herself to learning the language of the pattern / organism. With each mark, cut and segment she recognizes that the paper also breathes, twists, falls and clumps as it is natural.


N-BETWEENERS


ENTREMEDI


2015 EL MUSEO DE LA NADA MUSEUM OF NOTHING

ANDREA AVENDAÑO 1975 | Valparaíso, Chile

2001 School of Visual Arts (SVA), de Nueva York, EEUU Maestría en Historia del Arte en el IDAES, UNSAM Buenos Aires, Argentina 2001 School of Visual Arts (SVA), New York, USA Master in Art History, IDAES, Buenos Aires, Argentina

Una artista que trabaja en el área educacional con población de riesgo social. Encargada de crear planes de estudios donde el arte se ve como una herramienta de inserción social. El Museo de la Nada se ha basado en otras formas de ver y hacer. Toma algunas herramientas desde culturas ágrafas, donde las ideas no se escriben, por lo que las imágenes estructuran el proyecto. La palabra como una extensión de la línea que genera imágenes, y al dibujo como líneas que generan palabra y poesía. Se basa en el dibujo como experiencia y tiene un cómplice que esta vivo todo el tiempo: el silencio. “La necesidad de aprender el mundo a través de las palabras nos vuelve neuróticos, de la misma manera que al chamán y al poeta. Somos los hijos de nosotros mismos, y nuestros hijos de una interminable cadena de aprendices que nunca sabrán realmente lo que es el mundo porque solo pueden nombrarlo”. José Eduardo Eielson

An artist who works in educational areas with populations in risk. She is in charge of creating curricula where art is seen as a social insertion tool. The Museum of Nothing has been based on other ways of seeing and doing. It takes some tools from nonliterate cultures, where ideas are not written, so the images structure the project. The word as an extension of the line that generates images, and drawing as lines that generate word and poetry. It is based on drawing as experience and has an accomplice that is alive all the time: silence.


2014 GEOMETRY OF THE WEST

GEOMETRÍA DEL OESTE

Artista y performer, Ginebra Foster-Gluck, creció en Arizona con padres hippies- político-activistas que le eligieron el nombre en honor a la Conferencia de Paz de Ginebra en 1973. Luego de su entrenamiento como gimnasta y bailarina, y trabajando en el movimiento de circo ‘underground’ de Estados Unidos, se trasladó a Londres en 2003 y comenzó su propia compañía de circo, Sugar Bestia Circus. Geometría del Oeste tuvo un guión colectivo que se diseñó durante un año y utilizó un dispositivo de viaje, de recorrido de diferentes lugares para recopilar historias y predicciones del “futuro oeste” por las personas que viven allí. Examinando la historia del oeste a través de la escenografía y el teatro de circo de danza, la obra es un archivo de audio y performance sobre historia, paisaje y matemáticas. Artist and performer, Geneva Foster-Gluck, grew up in Arizona with hippie-political-activist parents who named her in honor of the Geneva Peace Conference in 1973. After her training as a gymnast and dancer and working in the underground circus movement of the United States, she moved to London in 2003 and began its own Circus Company, Sugar Bestia Circus. Geometry of the West had a collective script that was designed for a year and used a travel device, to travel from different places to collect stories and predictions of the “future west” by the people living there. Examining the history of the West through stage set and circus dance theater, the play is an audio and performance file on history, landscape and mathematics.

GENEVA FOSTER GLUCK 1977 | Tucson, Arizona, EE.UU. Tucson, Arizona, USA

2015 PhD en Teatro y Performance de las Américas, Arizona State University, EE.UU. 2003 Mastría en Artes con orientación en Escenografía, Central Saint Martins College of Art and Design, Londres, Reino Unido 2000 Licenciatura en Bellas Artes con especialización en escultura y performance, University of Arizona, EE.UU. 2015 PhD student in Theatre and Performance of the Americas, Arizona State University, USA 2003 MA Scenography, Central Saint Martins College of Art and Design London, UK 2000 BFA studio art, performance and sculpture, University of Arizona, USA


2015

JULIÁN MATTA 1985 | Resistencia, Chaco, Argentina

Dirección de Cinematografía, Universidad del Cine, Buenos Aires, Argentina Filmmaking Degree, Universidad del Cine, Buenos Aires, Argentina

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ARTE VITTAL -PREMIO ADQUISICIÓN PARA ARTISTAS EMERGENTES ESPACIO MODOS

Artista multidisciplinario, proveniente del campo audiovisual, trabaja con dibujo, pintura, videoclips, video-arte, cine e instalaciones site-specific. Motivado por una estética de lo abyecto, lo decadente y lo siniestro del contexto urbano, Julián aborda su producción desde la saturación de símbolos, superponiendo capas de información, manipulando objetos encontrados y desechos, manchando, distorsionando, exagerando y empastando sus composiciones. Se evidencian muchas veces en sus trabajos las derivaciones en el proceso de producción, delatando el artificio -descomponiéndolocomo una obra en construcción permanente.

Multidisciplinary artist, from the audiovisual field, works with drawing, painting, video clips, video-art, cinema and site-specific installations. Motivated by an aesthetic of the abject, decadent and sinister urban context, Julián approaches his production from the saturation of symbols, overlapping layers of information, manipulating found objects and debris, smearing, distorting, exaggerating and filling his compositions. The derivations in the production process are evidenced many times in his works, revealing the artifice - decomposing it - like a work in permanent construction.


2014 PROJECT ART 21

Catherine Eyde produce junto a su hija Aria explorando el proceso artístico de co-creación al realizar dibujos y pinturas. Project 21-Buenos Aires implicó la creación de imágenes con el aporte de esa chispa de libertad sin límites que la artista encuentra en la colaboración con Aria. “Todos los niños nacen artistas. El problema es cómo seguir siendo artista al crecer” dijo Picasso y eso es lo que ella busca. Catherine, una artista y madre que encuentra inspiración en el impulso a la experimentación constante que tiene Aria, en su relajación y goce por el proceso, el movimiento y cambio. Catherine Eyde produces along with her daughter Aria exploring the artistic process of co-creation when making drawings and paintings. Project 21-Buenos Aires involved the creation of images with the contribution of that spark of freedom without limits that the artist finds when collaborating with Aria. “All children are born artists, the problem is how to remain an artist when you grow up,” said Picasso and that’s what Catherine is looking for. Catherine, an artist and mom who finds inspiration in the impulse to the constant experimentation that has Aria, in her relaxation and enjoyment of the process, the movement and change.

PROYECTO 21

CATHERINE EYDE + ARIA EYDE 1967 | EE.UU. 2006 | EE.UU. Viven en Tucson, Arizona, EEUU USA Live in Tucson, Arizona, USA

Estudios de Postgrado, Facultad de Arte de Lacoste, Francia Licenciatura en Bellas Artes, Western Michigan University, EE.UU. Post Graduate Studies, Lacoste School of Art, France Bachelor of Fine Art, Western Michigan University, USA


2012 RESIDENCIAS_EN_RED

KADIJA DE PAULA 1980 | Brasil

Durante una residencia más breve, de dos semanas, Kadija de Paula, residente de gestión y mediación de residencias_ en_red [Iberoamérica] tuvo la oportunidad de encontrarse con representantes de ‘ace, Centro Rural de arte, Kiosko y Oficina #1, cuatro espacios miembros de la red, además de reunirse con otras instituciones y colectivos artísticos en Buenos Aires y La Plata, incluyendo: Ala Plástica, Residencias URRA, Fundación León Ferrari, Galería y Residencia AC Meridión, CCEBA, Basurama, CHELA, Fundación PROA, La Fabriquera, La Grieta, Residencia Corazón y A77. El 20 de mayo, 2012 en el marco del arteBA, Kadija habló de su experiencia en la residencia de gestión y mediación de residencias_en_red [Iberoamérica] y del modelo de gestión experimental planteado por la red en una charla acerca del las residencias artísticas en el contexto del arte contemporáneo Latinoamericano. During her mini-residence of two weeks in Buenos Aires,

MBA (Master of Business Administration) en Gestion Cultural, Schulich School of Business en la Universidad de York, Toronto, Canadá. Licenciada en Artes Plásticas, Ontario College of Arts and Design, Toronto, Canadá. MBA (Master of Business Administration) in Cultural Management, Schulich School of Business, York University, Toronto, Canada Bachelor of Fine Arts, Ontario College of Art and Design, Toronto, Canada

Kadija de Paula, manager in residency of residencias_ en_red [iberoamerica] had the opportunity to meet with representatives of ‘ace, Centro Rural de Arte, Kiosko and Office # 1, four member spaces of residencias_en_red, in addition to meeting with other institutions and arts collectives in Buenos Aires and La Plata, including: Ala Plastica, Residencias URRA, Fundación León Ferrari, Meridión AC Galeía y Residencia, CCEBA, Basurama, CHELA, Fundación Proa , La Fabriquera, La Grieta, Residencia Corazón and A77. On May 20 at arteBA, Kadija spoke of her experience as manager in residency of residencias_en_red [Latin America] and the experimental management model proposed by the network in a talk about the artist residency in the context of contemporary Latin American art.


2017 THE GROUND BENEATH ME

Mi trabajo explora la relación entre el texto y la imagen y el simbolismo de los objetos. En Buenos Aires, me sentí abrumada por los sistemas, las costumbres y la historia de una ciudad que era totalmente nueva para mí. Constantemente decía cosas diferentes a lo que pretendía mientras luchaba por hablar español y generalmente me encontraba perdida mientras caminaba por las calles que cruzaban y cruzaban mi apartamento. Mientras luchaba por moverme y comunicarme, comencé a fotografiar objetos que me resultaban familiares y no requerían explicación verbal. Utilicé estas imágenes recopiladas para crear una serie de impresiones que exploran la comunicación a través de los límites y la comodidad en un paisaje desconocido.

EL SUELO DEBAJO DE MI

My work explores the relationship between text and image and the symbolism of objects. In Buenos Aires I was both excited and overwhelmed by the systems, customs and history of a city that was totally new to me. I constantly said things differently than I intended as I struggled to speak Spanish and usually found myself lost as I walked along the crisscrossing and converging streets around my apartment. As I struggled to get around and communicate, I began photographing objects that felt familiar and required no verbal explanation. I used these collected images to create a series of prints that explore communication across boundaries and comfort in an unfamiliar landscape.

TRACEY BULLINGTON 1976 | Nueva Orleans, EE.UU. New Orleans, USA

2014 Maestría en Enseñanza artística, Tufts University & The School of the Museum of Fine Arts, Boston, EE.UU. 2013 Licenciatura en Bellas Artes, Tufts University & The School of the Museum of Fine Arts, Boston, EE.UU. 2014 Master of Arts in Teaching, Tufts University & The School of the Museum of Fine Arts, Boston, USA 2013, BFA, Tufts University & The School of the Museum of Fine Arts, Boston, USA


2010 AUTOR-RETRATO CIRCENSE CIRCUS AUTHOR-PORTRAIT

GARVIN SIERRA 1977 | Ponce, Puerto Rico

2000, Licenciatura en Escultura y Gráfica, Universidad de Puerto Rico, Puerto Rico 2000, BA in Sculpture and Graphics, University of Puerto Rico, Puerto Rico

“Autor-retrato Circense” explora la vida tras bastidores de los integrantes del circo. La experiencia del circo, regularmente asociada a lo lúdico, adquiere un nuevo significado cuando penetramos la primera impresión que tenemos de estos personajes y atisbamos la realidad detrás de sus actos, disfraces, máscaras... Descubrimos cuán efímera puede ser la felicidad y el sentido permanente de la muerte a través de las prácticas riesgosas en las que se envuelven estos personajes. El contenido autobiográfico del proyecto se desplegó a través de imágenes de acróbatas, contorsionistas, escapistas, funambulistas, hombre balas, magos, malabaristas, mentalistas, titiriteros, tragafuegos y trapecistas, entre otros personajes. Un proyecto que retrata la doble identidad de los integrantes del circo, en su rol de personajes y fuera del mismo. “Circus Author-portrait” explores life behind the scenes of the members of the circus. The experience of the circus, regularly associated with the ludic, takes on a new meaning when we penetrate the first impression we have of these characters and we see the reality behind their acts, costumes, masks ... We discover the ephemeral feeeling of happiness and the permanent presence of death through the risky practices in which these characters are involved. The autobiographical content of the project was deployed through images of acrobats, contortionists, escapists, bullet man, magicians, jugglers, mentalists, puppeteers, firefighters and trapeze artists, among other characters. A project that portrays the double identity of the members of the circus, in their role of characters and outside the circus.


ALIMPSEST

mural painting residences


PALIMPSEST residencias de pintura mural


Palimpsesto (Del lat. palimpsestus, y este del gr. antiguo παλίμψηστος que significa ‘grabado nuevamente’ ).1. m. Manuscrito antiguo que conserva huellas de una escritura anterior borrada artificialmente. 2. m. Tablilla antigua en que se podía borrar lo escrito para volver a escribir. Palimpsest (from the Lat palimpsestus, and this from the ancient gr. παλίμψηστος which means “again scraped”.1. m. Old manuscript that preserves traces of a previous writing artificially erased. 2. m. Old tablet in which you could erase the writing to rewrite.

El Proyecto Palimpsesto es una residencia de pintura mural que comenzamos en el 2014, en la que los artistas invitados intervienen la terraza de ‘ ace y realizan su obra en diálogo con los anteriores. Este es un proyecto en desarrollo y en constante mutación, donde está permitido fusionar, tapar, borrar o hacer emerger lo que ya estaba en la pared de forma distinta. Estas acciones son consideradas como un abrazo y al mismo tiempo como una desmitificación de la obra del otro. La residencia también brinda la posibilidad de realizar colaboraciones con otros artistas residentes o locales, y muchas veces la misma se extiende con la intervención en otros proyectos mayores en los muros de la ciudad.

The Palimpsest Project is a residence of mural painting, started in 2014, in which the invited artists make interventions in ace´s terrace while carry out their work in dialogue with the previous ones. This is an ongoing project in constant mutation in which artists are encouraged to overlap, erase, cover, achieving a new rise of what was already in the wall. These actions are considered both a way to embrace and demystify the work of the other. The residence also offers the possibility of collaborating with other residents or local artists, and often it extends with the intervention in other major projects in the city walls.


2014 PALIMPSESTO 1 PALIMPSEST 1

KiiK CREATE GRAY EDGERTON 1984 | Rutherfordton, Carolina del Norte, EE.UU. Vive entre San Juan, Puerto Rico y Brooklyn, Nueva York, EE.UU. Rutherfordton, North Carolina, USA. Lives between San Juan, Puerto Rico and Brooklyn, New York, USA

MANOELA MADERA 1984 | San Juan, Puerto Rico. Vive entre San Juan, Puerto Rico y Brooklyn, Nueva York, EE.UU. San Juan, Puerto Rico. Lives between San Juan, Puerto Rico and Brooklyn, New York, USA. 2007 | Pratt Institute, Ciudad de Nueva York, EE.UU. 2007, Pratt Institute, New York City, USA.


2015 PALIMPSESTO 2 PALIMPSEST 2

Buck Teeth Girls Club MELISSA LUK 1990 | Ontario, Canadรก 2012 Ontario College of Art and Design University, Canada

ANDREA MANICA 1990 | Ontario, Canadรก 2012 Licenciatura en Ilustraciรณn, Ontario College of Art and Design University, Canadรก. 2012 Bachelor in Illustration, Ontario College of Art and Design University, Canada


2015 PALIMPSESTO 3 PALIMPSEST 3

alma Wesler Fagner Machado

1985 | Limeira, San Pablo, Brasil EE.UU. Artes Visuales, Faculdade de Administração e Artes de Limeira, San Pablo, Brasil Estudios con | Study with Cláudio Cretti, Guto Lacaz, Edith Derdik, Rubens Espírito Santo y | and Cecília Stelini Visual Arts, Faculty of Administration and Arts from Limeira, São Paulo, Brazil

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AT|AL|609 – LUGAR DE INVESTIGAÇÕES ARTÍSTICAS


2016 PALIMPSESTO 4 PALIMPSEST 4

artistas COSBY HAYES 1991 | Tallahassee, Florida, EE.UU. 2014 Licenciatura en Bellas Artes, , Florida State University, Tallahassee, Florida, EE.UU. 2014 Bachelor of Fine Art in Studio Art, Florida State University, Tallahassee, Florida, USA.

TOIA GREHAN 1987 | San Antonio de Areco, Buenos Aires, Argentina. Vive en Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina San Antonio de Areco, Buenos Aires, Argentina. Lives in Autonomous City of Buenos Aires, Argentina 2017 Posgrado de Especialización en Medios y Tecnologías para la Producción Pictórica, UNA Visuales, Buenos Aires, Argentina. 2010 Profesorado de Pintura, Instituto Superior Santa Ana, Buenos Aires, Argentina. Artista becada a partir de una convocatoria abierta para trabajar en colaboración con Hayes. Fellowship artist through an open call to work in collaboration with Hayes.


2017 PALIMPSESTO 5 PALIMPSEST 5

JENNY USTICK 1977 | Cincinnati, EE.UU. Cincinnati, USA Profesora de Prácticas y Coordinadora en la Escuela de Artes, Facultad de Diseño, Arquitectura, Arte y Urbanismo de la University of Cincinnati, EE.UU. 2005 Maestría en Pintura, University of Cincinnati, EE.UU. 2000 Licenciatura en Pintura, Art Academy of Cincinnati, EE.UU. Assistant Professor of Practice and Foundations Coordinator in the School of Art, College of Design, Architecture, Art, and Planning at the University of Cincinnati, USA. 2005 MFA in Painting, University of Cincinnati, USA 2000 BFA in Painting, Art Academy of Cincinnati, USA


2017

PALIMPSESTO EN EL ESPACIO PÚBLICO PALIMPSEST IN THE PUBLIC SP

artistas KiiK Create

Puerto Rico - EE.UU. |USA

Toia Grehan Buenos Aires, Argentina

Jenny Ustick Cincinnati, EE.UU. |USA Gracias especiales a Special thanks to Camila Rodríguez Cecilia Quiles

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CORREDOR COMUNA 15 FUNDACIÓN‘ACE PARA EL ARTE CONTEMPORÁNEO GRAFFITIMUNDO SINTEPLAST

En el marco del Programa Internacional de Residencias Artísticas de ´ace, el colectivo Kiik Create (Puerto Rico) y Toia Grehan (Argentina) -artistas que habían estado en residencia en años anteriores- junto con Jenny Roesel Usticky (EEUU) –artista en residencia en ese momento- realizaron un mural en colaboración de 45 metros lineales en la Plaza Gurruchaga del Barrio Villa Crespo en Buenos Aires. Este fue un proyecto en que la coincidencia de voluntades, ganas de trabajar por la comunidad y el talento de los artistas redundó en la creación de una obra en el espacio público de la ciudad, que funcionó como extensión de las conexiones que producen las residencias entre los artistas y estos con la comunidad de la Ciudad de Buenos Aires. Within the framework of the ´ace Artist-in-Residence International Program, Kiik Create (Puerto Rico) and Toia Grehan (Argentina) -artists who had been in residence in previous years- together with the current artista-inresidence Jenny Roesel Usticky (USA) made in collaboration a 45 meters mural in the Plaza Gurruchaga of the Villa Crespo neighborhood in Buenos Aires. This was a project in which the coincidence of wills, desire to work for the community and the talent of the artists resulted in the creation of a work in the public space of the city, which functioned as an extension of the networking produced by residences between the artists and all of them with the community of the City of Buenos Aires.


PACE


DEJAR UN LUGAR TO LEAVE A PLACE


Comienza con un zumbido en tus pies tan suave, que al comienzo apenas puedes escuchar su sonido pero lo sientes Un cosquilleo en el lado suave de tus pies-la parte inferior, el punto delicado y sensible que se desliza sobre el suelo al pisar Es tu parte flotante El zumbido comienza allí vibrando en el espacio entre la suavidad y el suelo duro Si solo se pudiera quedar allí pero tus pies son muy delicados, frágiles, muy suaves Y así te mueves y el zumbido crece Siguiendo las venas a través de tus piernas se hace más fuerte pasando las pantorrillas, sobre las rodillas, en puntitas de pie por los muslos descansa por un momento Haciendo eco de tus cavidades vacías Completándote con calidez y canciones y luego Y luego Las entrañas. Las entrañas. El zumbido feroz y veloz que llena cada grieta, cada colina, cada esquina, cada curva, atravesándote como un

Fuego salvaje Cantando la respiración de tus pulmones ensordecedor, sofocante-se escurre, caliente, por tu cuerpo Arriba Arriba Arriba Hasta que te sumerges, con la cara roja en la bruma Es todo lo que puedes escuchar El zumbido Aprietas fuerte tus puños Enraízas tus pies Cierras tus ojos y Exhalas Exhalas Exhalas Respiras en el zumbido Respiras en el zumbido Y se agita a través de las ramificaciones de tus pulmones-seguro entre el tórax, cerca del corazón, entrelazado a ti, contigo, tranquilo. Y ahora, cuando respires Tu pecho empujará en un baile con un zumbido balanceado Esto es lo que es partir comienza con un zumbido.


It starts with a hum at your feet so soft, at first you can barely make out a sound but you feel it A tickle on the soft side of your foot- the underbelly, the delicate, the sensitive spot that skims over the ground as you step It’s your floating part The hum starts there vibrating in the space between the softness and the hard ground If only it could stay in that place but your feet are too delicate fragile too soft And so you move and the hum grows Tracing the veins up your legs it’s louder past calves over knee caps tip-toeing by thighs resting for a moment Echoing off the chambers of a vacant cavity Filling you with warmth and song and then And then The gut. The gut. The hum fierce and rapid fills every crevice, swell, hill, curve, corner every turn rushing through you like Wildfire

Singing the breathe from your lungs deafening, suffocating - it flushes through, hot through your body Up Up Up Until you engulf, red faced flushed in the hum haze It’s all you can hear The hum You clench your fists tight Root your feet hard Shut your eyes and Breathe out Breathe out Breathe out Breathe in the hum Breathe in the hum And weave it through the branches in your lungs secure behind the ribcage - safe near the heart entwined in you - with you quiet. And now, when you breathe Your chest heaves with the dance of a hum swaying This is what it is to leave It starts with a hum


POEMA | POEM ENZINA MARRARI, 2017 Artista en residencia | Artist in residence 2011 IMรGENES | IMAGES Re-construcciรณn del olvido | Re-Construction of Oblivion Instalaciรณn | Installation Semillero 2016 MALDITAS CULEBRAS Luciana Alamos Romina Chaile Marcela Cรกnepa Gabriela Demichelis


3


NVITADOS

guests


2005 CUPÍ Y AVES DE PETRÓLEO, ARCILLA Y CENIZA

CUPÍ AND BIRDS FROM OIL, CLAY AND ASHES

rimer cardillo 1950 | Montevideo, Uruguay. Vive entre Nueva York y New Platz, EE.UU. Montevideo, Uruguay. Lives between New York and New Platz, USA

Profesor en Departamento de Bellas Artes, State University of New York, New Platz, EE.UU. 1971, Estudios de postgrado en Artes, Hochschule für Grafik und Buchkunst, Leipzig, Alemania 1970, Estudios de postgrado en Artes, Weißensee Kunsthochschule, Berlín, Alemania 1968, Maestría en Bellas Artes, Escuela Nacional de Bellas Artes, Montevideo, Uruguay Professor in Fine Arts Departmen, State University of New York, New Platz, USA 1971, Postgraduate studies in Arts, Hochschule für Grafik und Buchkunst, Leipzig, Germany 1970, Postgraduate studies in Arts, Weißensee Kunsthochschule, Berlin, Germany 1968, MFA, Escuela Nacional de Bellas Artes, Montevideo, Uruguay

La Bienal de Artes Gráficas de Liubliana, fundada en 1955, el mismo año que Documenta en Kassel, goza de una larga e ininterrumpida tradición. En un contexto internacional se estableció como un evento que, en las décadas de posguerra, ha logrado presentar el arte en términos “globales”, recibiendo regularmente artistas de ambos lados de la Cortina de Hierro , trascendiendo muy tempranamente la visión eurocéntrica mostrando obras de arte de los países no alineados. Al mismo tiempo, la Bienal ha reconocido e incluido nuevas tendencias de arte y cambios de estilo. SUNEK (Impulsar), la 26ª Bienal de Artes Gráficas de 2005, habló sobre el poder de la Bienal, que durante cincuenta años había sido uno de los motores de la cultura eslovena y de las artes gráficas internacionales. El concepto de la exposición subraya el 50 aniversario de la Bienal, la amplia diversidad de puntos de vista sobre las artes gráficas contemporáneas y el proceso como un enfoque organizativo para plantear una exposición. Jure Mikuž, el director artístico, invitó a dieciocho prestigiosas instituciones de todo el mundo a presentar una exposición que intentaba responder a la pregunta: ¿qué son las artes gráficas en la actualidad? Sus respuestas dan forma a los criterios artísticos de los entornos culturales y geográficos en los que operan estas instituciones y, por lo tanto, ayudan a constituir una perspectiva poscolonial sobre el arte. La 26ª Bienal de Artes Gráficas comenzó con un simposio en diciembre de 2004 en el Centro Internacional de Artes Gráficas-MGLC y finalizó con la exposición en junio de 2005 en Tobačna Ljubljana, una antigua fábrica de tabaco que proveyó amplios espacios para que cada uno de los invitados desarrollara sus propuestas. Junto con la Tate Gallery de Londres, el Brooklyn Museum de Nueva York y la Calcografia Nacional de Madrid, entre otras, ‘ace fue una de las instituciones invitadas a responder la pregunta de Jure Mikuž. Después de asistir al simposio con los otros curadores, Alicia Candiani invito al artista Rimer Cardillo para desarrollar el proyecto que presentaría nuestro espacio, por considerar que sus búsquedas multidisciplinarias (conjuntamente con su solida formación en grafica y su planteo conceptual), expresarían claramente nuestras ideas acerca de la grafica contemporánea como un campo expandido.

SUNEK | THRUST | IMPULSAR 26 Ljubljana Biennial Eslovenia | Slovenia Curadora | Curator Alicia Candiani


2006 LIQUIDS AND SIGNS

Considerado uno de los artistas más importantes de Puerto Rico, Víctor Vázquez estudió en Nueva York y surgió en la escena artística de Puerto Rico durante la década de los 90, desarrollando la poética de su obra en el contexto caribeño. La frase “primero soy artista, luego fotógrafo” de Andrés Serrano podría también aplicarse a Vázquez, quién comparte con el primero la calidad de individuo que vive montado entre varias culturas y que utiliza la fotografía como estrategia para hablar del universo desde su individualidad. Para Vázquez, además, la fotografía es un recurso barajado dentro de un amplio espectro de prácticas artísticas que incluyen la construcción de objetos, la intervención pictórica sobre fotografías de grandes dimensiones, las instalaciones y últimamente el video. “Líquidos y Huellas”, la exposición individual que realizo en la sala Políglota de ´ace, consistió en una serie de fotografías que hablan sobre los fluidos corporales (semen, heces, sangre, leche), los receptáculos que los recogen y las velas que dan luz a estos fluidos. Desde una profunda visión poética Víctor Vázquez considera al cuerpo como un lugar destinado a fluir dejando huellas, síntomas, escenas deshilvanadas como en un sueño, que nos trasladan, que nos transportan, a otro lugar. La exposición fue parte de las muestras oficiales de los XIV Encuentros de Fotografía/ Festival de la Luz 2006 bajo el tema “Realidad (i)realidad”. Las actividades programadas por ace durante su visita también incluyeron su participación en la exposición principal del festival en el Centro Cultural Recoleta y en las gigantografías del Palace de Glace, dictado de conferencias y clínicas de obra.

LÍQUIDOS Y HUELLAS

Considered one of the most important artists in Puerto Rico, Víctor Vázquez studied in New York and emerged into Puerto Rico’s artistic scene during the 90s, developping the poetics of his work within the Caribbean context. The phrase “first I am an artist, then a photographer” by Andrés Serrano could also be applied to Vázquez, who shares with the former the quality of an individual who lives between different cultures and who uses photography as a strategy to talk about the universe from his individuality. For Vázquez, in addition, photography is one resource within a wide spectrum of artistic practices that include the construction of objects, pictorial intervention on largescale photographs, installations and, lately, video. “Liquids and Signs”, a solo exhibition that he made in the Políglota Hall at ‘ace, consisted of a series of photographs that talk about body fluids (semen, feces, blood, milk), the receptacles that collect them and the candles that they give light to these fluids. From a deep poetic vision Víctor Vázquez considers the body as a place destined to flow, leaving traces, symptoms, scenes unraveled as in a dream, that move us, that transport us, to another place. The exhibition was part of the official exhibitions of the XIV Encuentros de Fotografía / Festival de la Luz 2006 under the theme “Reality (i) reality”. The activities programmed by ace during his visit also included his participation in the main exhibition of the festival at the Recoleta Cultural Center, the Palace de Glace´s large scale digitally printed photography, lectures and portfolios reviews.

victor vazquez 1950 | San Juan, Puerto Rico. Vive entre San Juan, Puerto Rico y París, Francia.

Escuela de Artes Visuales, Maine Photographic Workshop, Maine, EE.UU. Doctorado en Educación y Religión Comparada, New York University, EE.UU. Licenciatura en Psicología y Sociología, University of Puerto Rico, Puerto Rico School of Visual Art, Maine Photographic Workshop, Maine, USA Doctorate in Education and Comparative Religion, New York University, USA Bachelor in Psychology and Sociology, University of Puerto Rico, Puerto Rico

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SICARDI GALLERY


2016

SHAURYA KUMAR 1979 | Nueva Delhi, India. Vive en Chicago, EE.UU. New Delhi, India. Lives in Chicago, USA

Profesor del Departamento de Gráfica, School of the Art Institute of Chicago, EE.UU. 2007, Maestría en Artes, University of Tennessee, Knoxville, EE.UU. Grabado y pintura, College of Art, Delhi, India Professor at the Department of Printmedia, School of the Art Institute of Chicago, USA 2007, MFA, University of Tennessee, Knoxville, USA Printmaking and Painting, College of Art, Delhi, India

En mis proyectos recientes, gran parte de mi trabajo, pensamiento e investigación ha sido una respuesta al estado actual de asuntos relacionados a la ruina. Reflexionando sobre la pérdida, la destrucción, la iconoclasia y la marginación, mi trabajo aborda cómo nuestra comprensión de la historia, la cultura y la religión es reinterpretada y distorsionada constantemente. Indicando nociones de presencia y ausencia, estas obras juegan con ruinas arquitectónicas, lo efímero, transitorio y los desplazamientos contextuales. En sincronía con las vicisitudes del tiempo y el crecimiento orgánico, tomando como fuente de inspiración desde los textos clásicos, la poesía hasta los nuevos medios y los estudios etnográficos, mi trabajo aborda la pérdida del “aura” cuando el “original” se transforma en su significado y narrativa debido a la transposición, marginación y destrucción. Se dirige al nuevo mundo no-objetual y cuestiona el papel de los individuos e instituciones que les asignan su nuevo significado” Shaurya Kumar viajo a Buenos Aires invitado a presentar su serie “En ruinas” en el formato de una exposición en la Sala Políglota de nuestra casa. Nos interesó brindar a la comunidad su enfoque único – en este caso materializado en una técnica exquisita (el esgrafiado sobre lámina de oro)- que investiga el arte y la tecnología, y la grieta que se encuentra entre ellos. En última instancia, su trabajo es un diálogo sobre el lugar y cómo sus efectos afectan a los datos y, por tanto, a una sociedad, una cultura, un pueblo y, finalmente, a los individuos.

“Much of my work, thought and research in recent projects has been a response to the contemporary state of ruinous affairs. Reflecting on loss, destruction, iconoclasm and marginalization my work addresses how our understanding of history, culture and religion is constantly reinterpreted and distorted. Indicating notions of presence and absence, these works play with architectural ruins, transient ephemera, and contextual displacements. Synced to the vicissitudes of time and organic growth, drawing inspiration from classical texts and poetry to new media and ethnographic studies, my work addresses the loss of ‘aura’ when the ‘original’ is transformed in its meaning and narrative due to transposition, marginalization and destruction. It addresses the new world of non-objects and questions the role of individuals and institutions that assign them their new meanings.” Shaurya Kumar traveled to Buenos Aires invited to show his series “Cast in Ruins” at the Sala Poliglota in our house. We were interested in bringing to the community its unique approach - in this case materialized in an exquisite technique (engraving on gold foil) - that investigates art and technology, and the crack that lies between them. Ultimately, their work is a dialogue about the place and how its effects affect the data and, therefore, a society, a culture, a people and, finally, individuals.


2008 EAT-ART Verdaderamente interdisciplinario e internacional, el trabajo de Ute Ritschel combina arte, performance, estudios ambientales y antropología cultural. Desde 1995 es curadora de la exposición bianual “Vogelfrei - Arte en jardines privados” en Darmstadt, Alemania, y desde 1998 trabaja en proyectos EAT-ART. También ha comisariado y organizado los simposios “Forest Art Path” desde 2002, junto con actividades como conferencista en varias universidades en Alemania y en el extranjero en las disciplinas de Teatro, Estudios Performáticos y gestión Cultural. Además de sus actividades curatoriales, es activa en el campo de los Estudios Performáticos, ha organizado conferencias y ha fundado el Centro de Estudios de Performance en Alemania. Ritschel llama a su trabajo “performance teórica”, entendido esto como la presentación de la investigación académica y el trabajo de campo a través de una performance artística. En 1998, Ritschel inició “ARTtafel”, que en 2006 se convirtió en “K.U.N.S.T. Essen Eins “, en la que colabora con un chef para crear performances que involucran comida. Ritschel realiza ciclicamente proyectos de “Eat-Art” en torno a su trabajo curatorial, posicionándose en el centro del escenario para explorar temas tan obvios y extraños como “Collagen auf Toast” (‘Collages en una tostada”, la performance que recreó en’ace), “Das Zimtatom” (“El átomo de canela”) y “Wissenschaft, Kunst, Pudding”( “Ciencia, Arte, Budín”).

Truly interdisciplinary and international, Ute Ritschel’s work combines art, performance art, environmental studies, and cultural anthropology. Since 1995 she has been the curator of the biannual exhibition “Vogelfrei - Art in Private Gardens“ in Darmstadt, Germany and since 1998 she has been working on EAT-ART-projects. She also has curated and organized the “Forest Art Path” symposiums since 2002, together with activities as a lecturer and presenter at several Universities in Germany and abroad in Theatre, Performance Studies and Arts Administration. In addition to her curatorial activities, she is active in the field of Performance Studies, and has organized conferences and founded a Center for Performance Studies in Germany. Ritschel calls her work “theory performance,” which is the presentation of academic research and fieldwork in an artistic performance. In 1998, Ritschel initiated “ARTtafel,” which in 2006 became “K.U.N.S.T. Essen Eins,” in which she collaborates with a chef to create performances involving food. Ritschel fits episodic “Eat-Art” projects in around her curatorial work, positioning herself at center stage to explore such simultaneously obvious and odd themes as “Collagen auf Toast” (collages on toast, the performance that she recreated in ´ace), “Das Zimtatom” (the cinnamon atom), and “Wissenschaft, Kunst, Pudding” (science, art, pudding).

ute ritschel 1956 | Erlensee, Alemania Vive en Darmstadt, Alemania Erlensee, Germany Lives in Darmstadt, Germany

Magister en Artes, Curadora Estudió Historia del Arte, Teatro y Antropología Cultural en Universität Erlangen, Alemania; University of Kansas, EE.UU. y Universität Frankfurt/ Main, Alemania Estudios de Artes Performáticas y Gestión Cultural en la New York University, EE.UU. M.A., Curator Studied Art History, Theatre, Cultural Anthropology at the Universität Erlangen,Germany; University of Kansas, USA and Universität Frankfurt/Main, Alemania Performing Arts Administration and Performance Studies at New York University, USA


2013

Richard Noyce Chichester, Reino Unido. Vive en Shrewsbury, Reino Unido Chichester, United Kingdom. Lives in Shrewsbury, United Kingdom

Estudios en Portsmouth School of Architecture, Gran Bretaña 1968 Graduado con honores del Leeds College of Arts, Leeds, West Yorkshire, Gran Bretaña Studies at Portsmouth School of Architecture, UK 1968 Graduated with honors from Leeds College of Arts, Leeds, West Yorkshire, United Kingdom

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BRITISH COUNCIL ARGENTINA BRITISH ARTS CENTER ASOCIACIÓN ARGENTINA DE CULTURA INGLESA

Richard Noyce es muy conocido en el mundo del arte contemporáneo como curador y jurado especializado en medios impresos. Escribe y dicta conferencias regularmente sobre artes visuales. Además de sus muchos artículos publicados en revistas británicas y europeas, ha escrito libros sobre pintura contemporánea, artes gráficas y grabado. Entre ellos, escribió tres libros trascendentales para el grabado contemporáneo y las expansiones del arte impreso: “Printmaking Off the Beaten Track”, un estudio de grabado y arte impreso en países menos conocidos, incluidos los que han estado, o están todavía, sujetos al conflicto; ‘Critical Mass - Printmaking Beyond the Edge’ y ‘Printmaking at the Edge’ han sido reimpresos por segunda vez debido a su éxito. Fue galardonado con el Premio del Libro Polaco AAASS / Orbis 1996. Noyce viajó por primera vez a Buenos Aires invitado por ´ace en ocasión de la exhibición en nuestra casa de “Further” y “Critical Mass”, dos proyectos internacionales que aunaban 85 artistas incluidos en sus dos primeros libros, reflexionando visualmente sobre los enfoques, estrategias y materiales que se utilizan en y con las formas de impresión contemporáneas. Durante su visita realizó además un programa intenso que incluyó la conferencia “Rastros y Huellas” - dentro de un panel en el que también participaron las artistas argentinas Mirta Kupferminc y Alicia Candiani- impartir una clase magistral acerca de “Artistas escribiendo sobre arte” (en inglés), realizar visitas a talleres y revisión de portfolios a artistas argentinos.

Richard Noyce is well known in the contemporary art world as a curator, juror and writer specialized in print media. He writes and lectures regularly on the visual arts and, in addition to many reviews and articles published in British and European magazines, he has written books on contemporary painting, graphic arts, and printmaking. Among them, he wrote three seminal books for contemporary printmaking and expanded works in print media: ‘Printmaking Off the Beaten Track’- a study of printmaking and print art in lesserknown countries, including those that have been, or still are, subject to conflict; ‘Critical Mass - Printmaking Beyond the Edge’, and ‘Printmaking at the Edge’ that has been reprinted for the second time due its success. He was awarded the 1996 AAASS/Orbis Polish Book Prize. Invited by ‘ace, Noyce traveled for the first time to Buenos Aires for the exhibition in our house of “Further” and “Critical Mass”, two international projects that brought together 85 artists included in his first two books, reflecting visually on the approaches, strategies and materials that are used in and with contemporary print media. During his visit, he also carried out an intense program that included the lecture “Rastros y Huellas” - within a panel together with the Argentine artists Mirta Kupferminc and Alicia Candiani- delivering a master class about “Artists writing about art” (in English), doing studio visits and portfolio reviews to Argentine artists.


2013 UN DÍA CON LILIANA PORTER A DAY WITH LILIANA PORTER

liliana porter 1941 | Buenos Aires, Argentina. Vive en Nueva York, EE.UU. desde 1964. Viaja frecuentemente a Argentina Buenos Aires, Argentina. Lives in new York, USA since 1964. Travels often to Argentina

1971-2007 Profesora en Arte. City University of New York (CUNY) en Queens College, Nueva York, EE.UU. 1980- Ganadora de la Beca Guggenheim Escuela Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina Universidad Iberoamericana, Mexico DF, México 1971-2007 Art Professor. City University of New York (CUNY) at Queens College, New York, USA 1980- Guggenheim Fellowship recipient, Escuela Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina Universidad Iberoamericana, Mexico DF, Mexico

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ESPACIO PEISA ARTEONLINE

Liliana Porter trabaja entre varias disciplinas como el grabado, la pintura, el dibujo, la fotografía, el video, la instalación, el teatro y el arte público. Influenciados por la gran efervescencia experimental, filosófica y artística que transitaba la ciudad de Nueva York hacia fines de los ´60 y a lo largo de los ‘70s , Porter, el uruguayo Luis Camnitzer y el venezolano José Guillermo Castillo fundaron el New York Graphic Workshop (NYGW) . En medio del conceptualismo y los debates acerca de la representación, la pregunta fundamental del grupo se centraba en la situación del grabado en relación con las demás disciplinas. La concentración en las técnicas y su preciosidad parecía eclipsar los discursos, de manera tal que para el grupo se hacia necesario repensar y cuestionar la obra en términos conceptuales. Desde ese momento el NYGW hace historia y la artista se convierte en pionera de un enfoque conceptual bastante radical dentro del campo de las artes graficas, utilizando los medios impresos como cuestionamiento de nuestro “modo de ver”, de las convenciones de la representación y como estas determinan la manera de interactuar con el mundo material que nos rodea. Dentro de este marco de referencia, Liliana Porter fue invitada a realizar una jornada de actividades con artistas argentinos en ´ace. El evento incluyo un conversatorio, revisión de portfolios/clínica de obra además de un desayuno y almuerzo para favorecer la interrelación informal y la interacción entre los participantes. Para esto se hace una convocatoria abierta y se seleccionan 10 artistas argentinos a los cuales se invita a presentar y discutir sus obras con Porter y a 40 personas que se inscriben para presenciar el encuentro.

Liliana Porter works among several disciplines such as printmaking, painting, drawing, photography, video, installation, theater and public art. Influenced by the great experimental, philosophical and artistic effervescence that transited the city of New York towards the end of the ‘60s and throughout the’ 70s, Porter, the Uruguayan Luis Camnitzer and the Venezuelan José Guillermo Castillo founded the New York Graphic Workshop (NYGW). In the midst of conceptualism and debates about representation, the fundamental question of the group focused on the situation of printmaking in relation to other disciplines. The concentration in the techniques and their preciousness seemed to eclipse the discourses, in such a way that for the group it was necessary to rethink and question the work in conceptual terms. From that moment the NYGW makes history and the artist becomes a pioneer of a quite radical conceptual approach within the field of printmaking, using the printed media as a questioning of our “way of seeing”, of the conventions of representation and how these determine the way to interact with the material world that surrounds us. Within this frame of reference, Liliana Porter was invited to make a day of activities with emerging Argentine artists in ‘ace. The event included a lecture-talk, artists’ portfolios review in addition to a breakfast and lunch to promote informal interaction and networking between participants. For this activity, ‘ ace made an open call is selecting 10 emerging Argentine who were invited to present and discuss their works with Porter and a public of 40 who signed up to attend the encounter.


BECAS | FELLOWSHIPS PEISA Lucas Di Pascuale (Córdoba) Martín Guerrero (Buenos Aires) Alejandro Gómez Tolosa (Tucumán) Sol Massera (La Plata) Julia Masvernat (Buenos Aires) Ezequiel Montero Swinnen (Buenos Aires) Andrea Elena Polito (Neuquén) Santiago Poggio (La Plata) Cristian Segura (Tandil) Alejandro Thornton (Buenos Aires) ARTE ON LINE Lorena Díaz (Córdoba)


4


NTERNA CIONALE

PROYECTO international projects


2016-17 EL PLIEGO THE FOLD

ALICIA CANDIANI ADRIANA MORACCI Directoras | Directors Sesión AR1 en Buenos Aires AR1 Session in Buenos Aires

ARTISTAS | ARTISTS: Roma Blanco Cecilia Candiani Telma Castro Mariela Constant Lorena Diaz Cristina Duro Germán Gaspari Beatriz Gratta Flora Hubot Adriana Moracci Elinor Peiretti Laurel Ponturo Robin Romansky Laura Savio Cristina Solía Micaela Troccello Loruhama Valdez Norma Villareal Gabriela Zelentcher

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GRUPODX5- UNIVERSIDAD DE VIGO EN PONTEVEDRA, ESPAÑA

En el año 2016 ´ace fue uno de los centros invitados a participar de “EL PLIEGO / doble desdoblado”, un proyecto Internacional de intercambio, interacción gráfica y edición coordinado por las artistas y profesoras Ana Soler y Anne Heyvaert del grupodx5, Universidad de Vigo en Pontevedra, España. Artistas, profesores y estudiantes de arte de todo el mundo participaron del proyecto que incluyó 224 pliegos, provenientes de 17 centros formativos, de creación e investigación, de 11 países diferentes de Europa, América y Asia. Cada centro envió el conjunto de los pliegos seleccionados y editados al centro organizador (grupo dx5, Facultad de Bellas Artes, Pontevedra, España). Con las obras recibidas (un pliego de cada participante) se compusieron tantos libros como centros participantes en el proyecto. Cada libro está formado por distintos cuadernillos sin coser que son compilados gracias a una portada-contenedor común, diseñada por el centro organizador. Este formato flexible posibilita diferentes combinaciones, a la manera de un cadáver exquisito, y facilita la futura exposición de los pliegos independientes en cada centro. Este proyecto tuvo como objetivo seguir promoviendo la circulación cultural a través de las fronteras que permite la edición gráfica (multiplicación, versatilidad y transportabilidad), revalorizando el formato del libro a partir de su módulo base: el pliego. El espacio del pliego supone un todo fraccionado en cuatro espacios distintos y solidarios, en el que se establecen relaciones de oposición, reflexividad, contigüidad, secuenciación.


2014 [CICLOS]

ALICIA CANDIANI Directora / Director

ARTISTAS | ARTISTS: Carla Beretta Silvana Blasbalg Alicia Candiani Marcela Casals Hera Chan Paola Cohen Cristina Duro María Guerreiro Anne Heyvaert John Hitchock Julie Krone Alexandra Leeds Nöel Loeschbor Nico Mazza Adriana Moracci Toni Mosley Santiago Ocampo Jennifer Pickering Barbara Putnam Carlos Scannapieco Viviana Sierra Federico Signorelli Cristina Solía Laura Tecce Norma Villarreal

[CYCLES]

Mediante la ley de la repetición periódica, cada cosa que ha sucedido una vez sucede otra, y otra y otra vez –y no de forma caprichosa, sino en períodos regulares, y cada cosa en su propio período y no en el de otra, y cada una obedeciendo su propia ley… La naturaleza que nos deleita con su periódica repetición en el cielo es la misma que ordena los acontecimientos en la tierra. No nos permitamos subestimar el valor de esta clave”. Mark Twain “By law of periodical repetition, everything which has happened once must happen again and again - and not capriciously, but at regular periods, and each thing in its own period, not another’s and each obeying its own law. The Nature, which delights in periodic repetition in the heavens, is the same nature which rules the affairs here on Earth. Let us not forget that lesson.” Mark Twain

Con la participación de artistas de Argentina, Canadá, España, Estados Unidos y Nueva Zelanda, [CICLOS] fue una iniciativa para generar espacios para la creación de obra gráfica, la interacción de artistas de todas las nacionalidades, la exhibición y difusión mediante la realización de un portafoliocaja gráfica sobre el tema. En este proyecto nos inspiramos en los [ciclos] desde múltiples perspectivas aludiendo a la idea de movimiento, de giro, de principio y de final, de retorno mítico, de lo que se fue y acabó, de lo que se abre y florece o de lo que se repite indefinidamente dando lugar a múltiples interpretaciones visuales.

With the participation of artists from Argentina, Canada, Spain, the United States and New Zealand, [CICLOS] was an initiative to open spaces for the creation of graphic work, the interaction of artists of all nationalities, the exhibition and diffusion through the realization of a portfolio-graphic box on the subject. In this project we were inspired by the [cycles] concept from multiple perspectives. The idea of movement, turn, beginning and end, mythical return, of what is gone and ended, what opens and flourishes or what is repeated indefinitely gave rise to multiple visual interpretations.


El proyecto se exhibió en | The project was exhibited in 20.05.15 – 22.07.15: Fundación ‘ace para el Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina 16.05.16 – 12.08.16: Weber Fine Arts Building, University of Nebraska, Omaha, EE.UU.


2008 GRÁFICA PICTÓRICA PAINTERLY GRAPHICS

JULIO VALDEZ 1969 | Santo Domingo, República Dominicana. Vive en Nueva York desde 1993, EE.UU. Santo Domingo, Dominican Republic. Lives in New York, USA since 1993

1988 Licenciatura en Bellas Artes, Escuela de Diseño Altos de Chavón, República Dominicana 1986, Licenciatura en Dibujo, Escuela Nacional de Dibujo, Santo Domingo, República Dominicana 1988 Fine Arts, The Altos de Chavon School of Design, Dominican Republic 1986, Bachelor in Drawing, National School of Fine Arts, Santo Domingo, Dominican Republic

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CCEBA, CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA EN BUENOS AIRES EMBAJADA DE ESPAÑA EN ARGENTINA AKUA INKS

Gráfica Pictórica fue un proyecto internacional liderado por Julio Valdéz . El artista dominicano viajó a Buenos Aires para impartir un taller sobre Seda-aguatinta, una técnica no ácida y no tóxica que ha sido descripta como un híbrido entre la pintura y el grabado, ya que incorpora características de ambas disciplinas. Un grupo de artistas internacionales provenientes de Argentina, Estados Unidos, Bélgica y Suecia trabajaron en colaboración durante dos semanas. Además se invitó a interactuar con los participantes del taller a dos renombrados artistas argentino: Mabel Rubli y José Marchi. Painterly Graphic was an international project led by Julio Valdéz. The Dominican artist traveled to Buenos Aires to teach a workshop on Silk-aquatint, a non-acid and non-toxic technique that has been described as a hybrid between painting and painting, since it incorporates characteristics of both disciplines. A group of international artists from Argentina, the United States, Belgium and Sweden worked collaboratively along two weeks. In addition, two renowned Argentine artists, Mabel Rubli and José Marchi, were invited to interact with the workshop participants.

ARTISTAS INVITADOS | GUEST ARTISTS José Marchi (Argentina) Mabel Rubli (Argentina) ARTISTAS | ARTISTS: Sergio Blatto Silvia Brewda Alejandra Escribano Alicia Galindo Åsa Kvissberg Fia Kvissberg Wendy Lewis Alex Lumsden Elsa Nievas Bruno Patyn Liana Strasberg José Utrera


2007 LA COLMENA BEEHIVE

ANAMARÍA McCARTHY 1967 | Lawton, Oklahoma, EEUU Vive en Madison, Wisconsin, EE.UU. Lawton, Oklahoma, USA Lives in Madison, Wisconsin, USA

1955 | Nace en Glen Cove, Nueva York. Desde 1973 vive en Lima, Perú Born in Glen Cove, New York. Since 1973 lives in Lima, Peru

ARTISTAS | ARTISTS: Adriana Acosta Romina Biglieri Alicia Candiani Mariela Constant Shaila Patricia de la Fuente Adriana Moracci Laura Romero Valeria Zamparolo Cleo Wilkinson y | and Mercedes Maciel Viva

“La colmena” es un proyecto que Anamaría McCarthy realizó en ‘ ace con artistas mujeres de Argentina, México, España y Australia. El proyecto consistía en que cada una de las artistas realizaran una obra autorreferencial en un soporte totalmente nuevo: la piel de la fotógrafa, mientras que ella- a su vez- fotografiaba los cuerpos de las artistas. Este proyecto de creación en colaboración reúne así parejas de retratos en los que el cuerpo de Anamaría se relaciona de alguna manera al cuerpo de la artista que intervino su piel. Este doble juego semántico derivó en una obra polifónica que expresa las voces y los cuerpos de las artistas que participaron en esta obra. El proyecto formó parte de las exposiciones oficiales de “Nosotros, ustedes, ellos”, Festival de la Luz / XV Encuentros Abiertos 2008 en Buenos Aires. “Beehive” is a project that Anamaría McCarthy made in ‘ace with female artists from Argentina, Mexico, Spain and Australia. In this project the artists made a self-referential piece on a completely new canvas: the photographer’s skin, while she-in turn-photographed the bodies of the artists. This collaborative creation project brings together pairs of portraits in which the body of Anamaría is related in some way to the body of the artist who intervened in her skin. This double semantic game derived in a polyphonic piece that expresses the voices and bodies of the artists who participated in this work. The project was part of the official exhibitions of “We, You, Them”, Light Festival / XV Encuentros Abiertos 2008 in Buenos Aires.

“La comunidad de las abejas - la organización de sus colmenas – es un clásico referente de los teóricos políticos para describir modelos de organización de la sociedad humana. En particular siempre me impresionó el comportamiento de las abejas expresado en ese particular lenguaje del baile que consiste en una coreografía personal de la abeja madre mientras busca su ubicación dentro de la colmena.” “ The community of bees - the organization of their beehives is a classic reference of political theorists to describe human society models of organization. In particular I was always impressed by the behavior of the bees expressed in that particular dance language: the personal choreography of the mother bee while searching for its location inside the hive. “ Anamaria McCarthy


2008 TRAZANDO LA INSPIRACIÓN MAPPING INSPIRATION

MALCOLM CHRISTIAN 1950 | Durban, Sudáfrica Durban, South Africa

Fundador y Director Ejecutivo del Centro Caversham, KwaZulu Natal, Sudáfrica Profesor del Departamento de Grabado, Universidad de Natal, Pietermaritzburg, Sudáfrica Profesor, Universidad de Witwatersrand, Johannesburgo, Sudáfrica Natal Technical College, Durban, Sudáfrica Croydon College of Design, Londres, Reino Unido Founder and Executive Director of The Caversham Press, KwaZulu Natal, South Africa Professor from Printmaking Department, UN Pietermaritzburg, South Africa Professor, Wits University, Johannesburg, South Africa Natal Technical College, Durban, South Africa Croydon College of Design, London, UK

“Trazando la inspiración” fue un proyecto internacional de trabajo en colaboración que utilizó el libro de artista como vehículo para explorar el concepto de inspiración y su uso, profundizando en el sentido de la vida. Estuvo dirigido por el artista sudafricano Malcolm Christian, quien fue invitado a viajar a Buenos Aires para realizarlo. Al finalizar el mismo Malcolm Christian permaneció en Buenos Aires y junto con Alicia Candiani produjeron “Padre”, un libro de artista en colaboración. El proyecto adoptó el códice* como metáfora de un viaje de exploración que, a través de la noción de inspiración, busca como resultado una comprensión más profunda de cómo construimos el significado de nuestras vidas y cómo lo compartimos con los demás. Este taller en colaboración no fue simplemente un taller técnico, donde los procedimientos son lo primordial, sino que buscó combinar la exploración del contenido como un trampolín para generar estructuras simples de libros plegables y cosidos. “Mapping Inspiration” was an international collaborative project that used the artist book as a vehicle to explore the concept of inspiration and its use, deepening the meaning of life. The South African artist Malcolm Christian, who was invited to travel to Buenos Aires to do it, directed it. At the end of the encounter Malcolm Christian stayed in Buenos Aires and together with Alicia Candiani produced “Father”, an artist’s book in collaboration. The project adopted the codex * as a metaphor for a journey of exploration that, through the notion of inspiration, seeks as a result a deeper understanding of how we construct the meaning of our lives and how we share it with others. This collaborative workshop was not just a technical workshop, where procedures are paramount, but it sought to combine the exploration of content as a springboard to generate simple structures of folded and sewn books. *La forma temprana de un libro, en el que las páginas manuscritas se unen mediante costura. * The earliest form of book, a quire of manuscript pages held together by stitching


ARTISTAS | ARTISTS: Cecilia Afonso Estéves Gustavo Cabrera Marina Aizen Nöel Loeschbor Bruno Patyn Liliana Sánchez


2013 CROSSOVER [KC-BS.AS.]

” MIGUEL RIVERA

Trabajar en colaboración significa fusionar, contrastar imaginarios, conceptos, en otras palabras modos de ver y pensar diversos. Implica estar abierto a recibir el lenguaje expresivo del otro dejando que éste penetre y ponga a prueba el propio.” “To work in collaboration means to unite, merge, and contrast diverse ways of seeing and thinking. It implies openness to receive others expressive languages, allowing it to penetrate and challenge our own language.”

Proyecto original y consultoría Original project and advisor

ALICIA CANDIANI

Directora proyecto en Buenos Aires Director of the project in Buenos Aires

ADRIANA MORACCI

Concepto del proyecto en Buenos Aires y co-directora Project’s concept in Buenos Aires and co-director

ARTISTAS | ARTISTS: Gabriela Alcoba Natalio Altube Carla Beretta Felipe García Simon Hall Paz Jovtis Yoon Kim Sol Massera Magui Moavro Paula Nahmod Carla Perri Jennifer Pickering Carolina Rogé Sonia Sánchez Avelar María José Sánchez Chiappe Alejandro Scasso Viviana Sierra Cristina Solía Alejandro Thornton Sara-Aimee Verity Gabriela Zelentcher

CROSSOVER (“Cruce de caminos”) es un proyecto de colaboración entre artistas de diferentes partes del mundo que cuestiona los cánones establecidos sobre la producción original y la autoría de la obra artística. Se inició como un experimento sobre las posibilidades de trabajo en colaboración entre los artistas Cara Jaye (EEUU) y Miguel Rivera (México) y continuó como un proyecto que se realizó en diversos lugares y con distintos grupos de artistas. En Buenos Aires, CROSSOVER partió de la re-semantización técnica y visual de 15 planchas de xilografía realizadas con medios digitales por el artista Miguel Rivera en los talleres del Kansas City Art Institute en Estados Unidos y que fueron llevadas a Proyecto´ace para tal fin. En esta edición participaron artistas de Argentina, Canadá, Colombia, Inglaterra, México, Estados Unidos y Sudáfrica. Los participantes utilizaron las matrices para crear nuevas obras a través de la impresión múltiple, el dibujo, pintura, collage ,etc. Las obras resultantes fueron expuestas en Proyecto´ace y viajaron a distintos lugares. En la Western Gallery de la Western Washington University en Estados Unidos se encontraron con las obras producidas en las otras sesiones, integrando una gran exposición de este proyecto en Marzo de 2015

CROSSOVER (“Crossroads”) is a collaborative project between artists from different parts of the world that questions the established canons on the original production and the authorship of the artistic work. It began as an experiment on the possibilities of collaboratively work between the artists Cara Jaye (USA) and Miguel Rivera (Mexico) and continued as a project that was carried out in different places and with different groups of artists. In Buenos Aires, CROSSOVER started from the technical and visual re-semantization of 15 woodcut plates made with digital media by the artist Miguel Rivera in the workshops of the Kansas City Art Institute in the United States, that were taken to Proyecto’ace for that purpose. Artists from Argentina, Canadá, Colombia, Inglaterra, México, Estados Unidos y Sudáfrica contributed to this edition. The participants used the matrices to create new works through multiple printing, drawing, painting, collage, etc. techniques. The resulting works were exhibited in Proyecto’ace and traveled to different places. In the Western Gallery of the Western Washington University, in the United States, they joined the works produced in the other sessions, integrating a large exhibition of this project in March 2015.


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KANSAS CITY ART INSTIUTE, EEUU | USA WESTERN WASHINGTON UNIVERSITY | USA


El proyecto se exhibió en | The project was exhibited in 16.05.13 – 11.08.13: Fundación ‘ace para el Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina 17.10.14 - 14.11.14: Mailin Gallery, de Kansas City Artists Coalition, Kansas, EE.UU. 06.04.15 - 16.05.15: Western Gallery, Western Washington State University, Washington, EE.UU.


2009 LITHOBAIRES’09

JEFFREY SIPPEL Estados Unidos United States

Maestría en Artes, Arizona State University, EE.UU. Licenciatura en Bellas Artes, Universidad de Wisconsin-Eau Claire, EE.UU. 1988-98, Director Educativo, Tamarind Institute, Nuevo México, EE.UU. M.F.A., Arizona State University, USA B.F.A., University of Wisconsin-Eau Claire, USA 1988-98, Education Director, Tamarind Institute, New Mexico, USA

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UNIVERSITY OF WISCONSIN– MADISON DV-ARTS DV-SEÑALÉTICA METROVÍAS S.A. RADIO ROCK&POP 95.9

LITHOBAIRES’09 fue un proyecto internacional en el que participaron artistas y profesores de Argentina, Bélgica, Colombia, Estados Unidos, Malasia y México. El mismo fue dirigido por Jeff Sippel, un destacado maestro impresor cuya experiencia en litografía tradicional y experimental le ha llevado a dar conferencias y dirigir talleres en instituciones de arte de todo el mundo. El proyecto incluyó el taller de litografía sin agua liderado por Sippel, revisiones y trabajo en colaboración con artistas visitantes internacionales, complementándose con un recorrido cultural a través del área urbana y rural de Buenos Aires para realizar bocetos que luego fueron impresos en esta técnica. Paralelamente a este evento se inauguró, en las salas de ´ace, la exposición “Nuevos Aires”. Con curaduría de Alicia Candiani, quien también aportó obras de su colección, la muestra incluyó litografías de Ernesto Pesce, Beauvois Lyon, Robin Kaneshiro, Silvia Brewda, Rahman Mohamed, Alejandro Rosales Lugo, Stephen Dalay, Jorge Eliecer Rodríguez y los mismos Sippel y Candiani. LITHOBAIRES’09 was an international project including artists and professors from Argentina, Belgium, Colombia, the United States, Malaysia and Mexico. Jeff Sippel, a leading masterprinter whose experience in traditional and experimental lithography has led him to give lectures and direct workshops in art institutions around the world, directed it. The project included the waterless lithography workshop led by Sippel, portfolio reviews and work in collaboration with international visiting artists. It was completed by a cultural tour through the urban and rural area of B​​ uenos Aires to make sketches that were later printed in this technique. The international exhibition “New Winds” was inaugurated in the halls of ‘ace as a parallel event. With the curatorship of Alicia Candiani, who also contributed works from her collection, the exhibition included lithographs by Ernesto Pesce, Beauvois Lyon, Robin Kaneshiro, Silvia Brewda, Rahman Mohamed, Alejandro Rosales Lugo, Stephen Dalay, Jorge Eliecer Rodriguez and the same Sippel and Candiani.

ARTISTAS | ARTISTS: Silvia Brewda Telma Castro Mariela Constant Stephen Dalay Jorge Eliecer Rodríguez Alejandra Escribano Charito Estrada Alicia Galindo Anna Giuffrida Leonor Goldenberg Rahman Mohamed Bruno Patyn Maria Angelica Quilodran Mariu Rayo Alejandro Rosales Lugo Lucía Torres


EXPOSICIÓN “NUEVOS AIRES” “NEW WINDS” EXHIBITION


2006 PANDORA

RIMER CARDILLO ALICIA CANDIANI Directores / Directors

ARTISTAS | ARTISTS: Amy Appel Silvana Blasbalg Silvia Brewda Juan Canavesi Bob Cappozzi Alexandra Davis Sebastián García Huidobro Luca Giovanopoulos Siri Hanja Dylan T. Mcmanus Patricia Miani Carly Still

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STATE UNIVERSITY OF NEW YORK AT NEW PLATZ, UNIACC, UNIVERSIDAD DE ARTES Y COMUNICACIÓN, CHILE

En la mitología griega, le fue dada a Pandora, la primera mujer sobre la tierra, una caja que no debía abrir bajo ninguna circunstancia. Impulsada por su curiosidad, Pandora abrió la caja y todos los males que contenía se escaparon y esparcieron sobre la tierra. Pandora se apresuró a cerrarla, todo su contenido había escapado pero una sola cosa quedaba en el fondo, la Esperanza, la cual permanece hasta nuestros días como lo único que reconforta a la humanidad en el infortunio. Como en el mito de Pandora, la esperanza aparece como símbolo detrás de esta colección de trabajos.” In Greek mythology, Pandora, the first woman on earth, was presented a box in which she was not to open under any circumstance. Impelled by her curiosity, Pandora opened the box, and all evil contained escaped and spread over the earth. She hastened to close the lid, but the whole contents of the jar had escaped, except for one thing that lay at the bottom: Hope – which remains to this day mankind’s sole comfort in misfortune. As in the Pandora myth, a symbol of hope lies beneath this collection of works.

Con la participación de artistas y estudiantes de Argentina, Chile y Estados Unidos, Pandora fue el primer proyecto internacional de ´ace. Después de tres meses de trabajar separadamente (un grupo en Norteamérica y el otro en Sudamérica) los participantes de Pandora se reunieron en Proyecto´ace, Buenos Aires. Mediante la utilización de distintas técnicas gráficas, digitales, fotográficas, de construcción en papel, collage y costura, los participantes documentaron temas globales como el medio ambiente o problemas antropológicos y sociales de nuestro tiempo. Los objetos de papel fueron recolectados y alojados en un portafolio concebido como una Caja de Pandora contemporánea, el contenedor se convirtió en un símbolo de la colaboración e intercambio entre los artistas.

With the participation of artists and students from Argentina, Chile and the United States, Pandora was the first ´ace´s international project. After three months working separately (one group in North America and the other in South America) the Pandora’s participants gathered in Proyecto´ace in Buenos Aires. Through various innovative print media and photographic techniques, pop ups in paper, collage and sewing, the participants documented global subjects such as environmental, anthropological and social issues of our time. The printed objects were collected and housed in a portfolio conceived as a contemporary Pandora’s box, the container became a symbol of the collaboration among the artists.


El proyecto se exhibió en | The project was exhibited in Proyecto ‘ace, Buenos Aires, Argentina Antonia Galería, Córdoba, Argentina Museo Superior de Bellas Artes, Palacio Ferreira, Córdoba, Argentina UNIACC, Universidad de Artes y Comunicación, Chile


2008 OBJETIVOS MOVILES MOVING TARGETS

JOHN HITCHCOCK 1967 | Lawton, Oklahoma, EEUU Vive en Madison, Wisconsin, EE.UU. Lawton, Oklahoma, USA Lives in Madison, Wisconsin, USA

Profesor y Decano en la University of Wisconsin-Madison, EE.UU. 1997, Maestría en grabado y fotografía, Universidad de Texas Tech, Lubbock, Texas Licenciatura en Artes, Universidad de Cameron, Lawton, Oklahoma. Professor and Associate Dean at the University of Wisconsin-Madison, USA 1997, MFA in Printmaking and photography, Texas Tech University BFA, Cameron University Lawton OK

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UNIVERSITY OF WISCONSIN– MADISON DV-ARTS DV-SEÑALÉTICA METROVÍAS S.A. RADIO ROCK&POP 95.9

Este proyecto tuvo como objetivo reflexionar acerca de cómo el transporte público puede convertirse en un medio de difusión cultural a la vez que hizo hincapié en la tradición histórica que tiene la gráfica como un vehículo democrático para la comunicación de ideas. El título Objetivos (Blancos) Móviles, fue tomado de la jerga militar (moving targets en inglés) y expresa la dificultad que existe al intentar frenar algo o destruirlo cuando se encuentra en movimiento. Al usar los trenes, medios de transporte público, para difundir acciones culturales nos encontramos con que literalmente el vehículo es el medio de expresión. Bajo la metáfora de que lo que está en movimiento no puede ser derribado pensaron acciones realizadas en los trenes con obras impresas aludiendo también a la capacidad que tiene la gráfica como agente que promueve la reflexión y el cambio.” “This project aimed to reflect on how public transportation can become a means of cultural dissemination while emphasizing the historical tradition that printmaking has as a democratic vehicle for the communication of ideas. The title Moving Targets, was taken from the military jargon and expresses the difficulty that exists when trying to stop something or destroy it when it is in motion. By using trains, means of public transport, to disseminate cultural actions we find that literally the vehicle is the means of expression. Under the metaphor that what is in motion can not be knocked down, they thought of actions carried out on trains with printed works, alluding to the ability of graphics as an agent that promotes reflection and change. “ ALICIA CANDIANI


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DENTRO AFUERA

inside outside


URTRISH THE SPIRIT

encounters | flavors | mixtures


NUTRIR EL ESPĂ?RIT encuentros | sabores | mixturas


Arenques de Noruega, tacos mexicanos, paella española, arepas venezolanas o colombianas, Japche coreano, Chana Masala de la India, Cheese Macaroni de Estados Unidos, Bohios de Israel, Goulash con Spaetzle austríacos…unir, dar forma, masticar, saborear, disfrutar, sentir. No importa qué tan concentrados estemos en nuestro trabajo, en nuestro proyecto, cuánto quede por hacer, en ‘ace siempre se hace una pausa para entrar en ese estado diferente, en esa dimensión otra que nos posibilita la cocina, ese estado de relajación, cooperación, reciprocidad y aprendizaje. La relevancia de lo efímero, el preparar por horas algo que acabaremos rápidamente pero cuyo recuerdo permanecerá por mucho tiempo. El prestar servicio al otro, volver a activar la tradición de cada uno, dar memoria y respeto a lo que nos enseñaron al crecer, reconstruir esos sabores para poder contarle un poco más al otro sobre uno mismo. La preparación, el gusto, la textura de una comida nos dicen mucho más de alguien que lo que nos enuncia, es una forma de conocimiento, es lenguaje, actúa como mecanismo identitario y establece sentimientos de pertenencia culturales, étnicos, espirituales y sociales. Cocinar, siempre pero quizás más aún en la contemporaneidad acelerada, es un acto de generosidad hacia el otro y hacia uno mismo. Cocinar y comer, es relacionarse sin mediaciones, son actos que exigen presencia, fisicalidad y apertura perceptiva.” “Norwegian herring, Mexican tacos, Spanish paella, Venezuelan or Colombian arepas, Korean Japche, Chana Masala from India, Cheese Macaroni from the United States, Bohios from Israel, Austrian Goulash with Spaetzle ... unite, shape, chew, savor, enjoy, feel. No matter how focused we are in our work, in our project, how much remains to be done, in ‘ace there is always a pause to enter into that different state, into that otherdimension which the kitchen allows us: a state of relaxation, cooperation, reciprocity and learning. The relevance of the ephemeral, preparing something for hours that will quickly be finished but which remembrance will remain for a long time. To provide service to the other, to reactivate the tradition of each one, to give memory and respect to what we were taught as we grew up, to reconstruct those flavors so we can tell the other more about ourselves. The preparation, the taste, the texture of a meal tell us much more about someone than what he or she enunciates, it is a form of knowledge, it is language, it acts as an identity mechanism and establishes cultural, ethnic, spiritual and social feelings of belonging. Cooking, always but perhaps even more in the accelerated contemporaneity, is an act of generosity towards the other and toward oneself. To cook and to eat, is to relate without mediations, are acts that demand presence, physicality and perceptive openness.” Daniela Ruiz Moreno


Micaela Trucco | Argentina Semillero 2017 â&#x20AC;&#x153;A-dorar, A-tesorarâ&#x20AC;?


Receta | Recipe Zorica Vasic | Serbia Artista en residencia | Artist in residence 2015


Gary Silipa (Nueva Zelanda, artista en residencia 2017) representa un almuerzo en ‘ace como parte de su proyecto que investiga la comunicación interpersonal implícita en las conversaciones entre personas que hablan diferentes idiomas. El mantel negro de nuestra mesa subraya las conversaciones en español, que él no entiende, a la vez que una canción en inglés (el idioma nativo del artista) se escucha en el fondo. Gary Silipa (New Zealand, artist-in-residence 2017) represents a luncheon in ‘ace as part of his project that investigates the interpersonal communication implicit in conversations between people who speak different languages. The black tablecloth on our table emphasizes conversations in Spanish, which he does not understand, while a song in English (the artist’s native language) is heard in the background.


El mate es una infusión típica común a varios países de Sudamérica, especialmente Argentina, Paraguay, Uruguay y Brasil. La ceremonia de compartir el mate con otros es uno de los símbolos sudamericanos de bienvenida, confianza, amistad y comunicación entre las personas. Mate is a typical infusion common to several South American countries, especially Argentina, Paraguay, Uruguay and Brazil. The ceremony of sharing mate with others is one of the South American symbols of welcome, trust, friendship and communication between people.


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UIÃ&#x2030;NES SOMO

who we are


FUNDADORA Y ACTUAL DIRECTORA FOUNDER AND CURRENT DIRECTOR

alicia candiani 1953 | Buenos Aires Argentina Vive en Buenos Aires, viaja frecuentemente como parte de su trabajo. Lives en Buenos Aires, travels frequently as part of her work.

1976 Licenciada en Artes Visuales. Universidad Nacional de Córdoba, Argentina 1978 Arquitecta. Universidad Nacional de Córdoba, Argentina 1990 Estudios de Postgrado en Arte Latinoamericano y Crítica de Arte. Universidad de Buenos Aires, Argentina 1991 Especialización en Imágenes Digitales. Iowa State University, EEUU 1976 MFA. Universidad Nacional de Córdoba, Argentina 1978 Architecture Degree. Universidad Nacional de Córdoba, Argentina 1990 Post-graduated Studies in Latin American Art and Art Criticism. Universidad de Buenos Aires, Argentina 1991 Specialization in Digital Imaging. Iowa State University, USA

Materializar un sueño que se construyó poco a poco. Revisar lo realizado. Recopilarlo en este libro. Descubrir que mas allá del trabajo profesional hemos construido una comunidad. ´ace es hoy una gran familia, integrada por todos los que participaron de este proyecto pero muy especialmente los que trabajaron desde adentro, los que compartieron conmigo el fuego de hacer esto como lo hacemos, los que presentamos a continuación…” “Materialize a dream, that was built step by step. Review what has been done. Gather it in this book. Discover that beyond professional work we have built a community. ‘ace is today a large family, made up of all those who participated in this project but especially those who worked from within, those who shared with me the fire of doing this as we do, those who we intorduce below ... “


Artista visual, arquitecta y curadora independiente, en su práctica profesional Candiani se basa en tres estrategias que desarrolla conjuntamente: su trabajo artístico, la generación y dirección de proyectos artísticos en colaboración con comunidades de todo el mundo y las prácticas curatoriales. En este contexto, imparte conferencias y seminarios, publica sus escritos, realiza mentorías y asesoramiento en los campos del arte impreso, la fotografía, el diseño y los medios digitales en el arte contemporáneo, con especial foco en América Latina. Sus ensayos y artículos han sido publicados nacional e internacionalmente. Fue profesora titular de la Universidad Nacional de Córdoba en las especialidades de Grabado e Historia del Arte y artista/académica invitada en numerosas universidades e instituciones artísticas alrededor del mundo, incluyendo la UNESCO, Instituto de Arte y Diseño de Shanghai, China, Academia de Arte y Diseño Sztuk Pięknych en Lodz, Polonia y la Biblioteca del Congreso de la Nación en Washington DC, EE.UU. Ha sido invitada a formar parte de los jurados de premiación y selección de las principales bienales de gráfica del mundo, entre ellas la Bienal Internacional de Grabado ROC2016 en Taiwán (2016) y la Trienal de Gráfica de Cracovia en Polonia (2015), en dónde se desempeño también como presidente del jurado internacional. Recientemente ha sido elegida por sus pares como miembro del Consejo Asesor Internacional de la IAPA (International Academic Print Alliance) con sede en la Academia Central de Artes de China en Beijing y designada Directora Internacional del Departamento de Nuevos Medios Expandidos en la NYSCC en Alfred University, New York, EE.UU. Su obra se ha expuesto nacional e internacionalmente desde 1977, participando como artista invitada en muchas de las principales bienales y exposiciones internacionales de arte contemporáneo, obteniendo numerosos premios y reconocimientos en Argentina, Croacia, España, Puerto Rico, Estados Unidos, Rusia, Bosnia & Herzegovina, Bulgaria, Alemania, Japón, Macedonia, República Checa e India. Ha realizado residencias artísticas en China, EEUU, Bélgica y Canadá. En el año 2009 recibió el Premio Turner a la Excelencia en las Artes Visuales en Estados Unidos y en 2016 el Premio “Miembro Honorario del Consejo” otorgado por el Southern Graphic Council International en reconocimiento al impacto que su liderazgo “ha tenido en nuestra comunidad y su habilidad para inspirar a otros a continuar su carrera en la gráfica”. Candiani es la fundadora y actual directora del Proyecto´ace/Programa Internacional de Residencias Artísticas y es la Presidente de la Fundación’ace para el Arte Contemporáneo, organización sin fines de lucro que alberga el proyecto. En su doble rol usa muchos sombreros, representando a ´ace internacionalmente, gestionando acuerdos y subsidios para la continuidad del programa, seleccionando los residentes, administrando y dirigiendo el equipo, realizando critica de obra y asesoramiento técnico, entre otros. No importa en que lugar del mundo se encuentre, Alicia es capaz de atender todas las necesidades de ‘ace, tanto las artísticas y logísticas como las afectivas. Es una constante impulsora de nuevos proyectos compartiendo y contagiando su amor a la gráfica y al arte. Su inagotable energía y entusiasmo la convierten en una generadora de sueños que se tornan realidad. Le gusta nadar y navegar. El agua, que está muy presente en su obra, es un lugar en donde puede detener el tiempo y relajarse. También es buena cocinera y le apasiona aprender a cocinar los platos de las distintas culturas que visita.

A visual artist, architect and independent curator, Candiani roots her professional practice on three strategies, which she develops together: her artistic work, curatorial practices and the generation-direction of artistic projects in collaboration with communities around the world. In this context, she delivers lectures and seminars, publishes her writings, and provides advice and mentorship in the fields of printed and digital media, photography and design in Contemporary Art, with special focus on Latin America. Her essays and articles have been published nationally and internationally. She was a tenured professor at the National University of Córdoba in the Departments of Printmaking and Art History and has been guest artist/scholar at numerous universities and artistic institutions around the world, including UNESCO, Art and Design Institute of Shanghai, China, Sztuk Pięknych Academy of Art & Design in Lodz, Poland and the Library of Congress of the Nation in Washington DC, USA. She has been invited to be part of the awards and selection juries of the main print biennials of the world, being International Print Biennial ROC2016 in Taiwan (2016) and the Krakow Graphic Triennial in Poland (2015), where she also served as president of the international jury, among them. Recently, she has been chosen by her peers as a member of the IAPA International Advisory Council (International Academic Print Alliance) based at the Central China Academy of Arts in Beijing and appointed Theodore Randall International Expanded Media Director in NYSCC at Alfred University, New York, USA Candiani´s work has been exhibited nationally and internationally since 1977, participating in many of the main biennials and exhibitions of contemporary art, obtaining numerous awards and recognitions in Argentina, Croatia, Spain, Puerto Rico, United States, Russia, Bosnia & Herzegovina, Bulgaria, Germany, Japan, Macedonia, Czech Republic and India. She has been artist-in-residence in China, the US, Belgium and Canada. In 2009 she received the Turner Award for Excellence in Visual Arts in the United States and in 2016 the “Honorary Member of the Council” Award given by the SGC International in recognition of the impact that her leadership “has have on our community together with her ability to inspire others to continue his career in printmaking “ Candiani is the founder and current director of Proyecto’ace / International Artistin-Residence Program and is the President of the Fundación’ace para el Arte Contemporáneo, a non-profit organization that houses the project. In his double role, she wears many hats, representing ‘ace internationally, running agreements and subsidies for the continuity of the program, selecting the residents, managing and directing the team, carrying out work criticism and technical advice, among others. No matter where in the world she is, Alicia is able to meet all the needs of ‘ace, both artistic and logistical as well as affective. She is a constant promoter of new projects sharing and spreading her love of printmaking and art. Her inexhaustible energy and enthusiasm make her a generator of dreams that come true. She likes to swim and navigate. Water, which is very present in her pieces, is a place where she can stop time and relax. She is also a good chef as well as is passionate about learning to cook the dishes of the different cultures she visits.


Lo recuerdo como si fuera ayer, el momento en que una pregunta me abrió la puerta del mundo de las residencias artísticas. Era diciembre de 2004 y estaba compartiendo un café con Alicia Candiani. En ese encuentro, me hizo una pregunta que cambiaría mi vida para siempre. “¿Me ayudarías a comenzar una residencia artística en Buenos Aires? Necesito un coordinador administrativo”, me dijo. Buscando obtener más experiencia laboral en mi campo de estudios, acepté. “Está bien, pero solo trabajaré durante un año, luego seguiré mi camino.” Respondí. Poco sabía entonces del gran impacto que esa decisión tendría más adelante en mi vida. Fueron ocho años increíbles en los que, finalmente, me convertí en co-fundador del proyecto. Esa práctica me expuso a innumerables experiencias enriquecedoras y a gente increíble, quienes marcaron indeleblemente mi camino personal y profesional.” I remember it as if it were yesterday, the moment when a question opened to me the door to the world of artistic residencies. It was December 2004 and I was sharing a coffee with Alicia Candiani. In that meeting, she asked me the question that would change my life forever. “Would you help me start an artistic residency in Buenos Aires? I need an administrative coordinator,” she told me. Looking for more work experience in my field of studies, I accepted. “It’s fine, but I’ll only work for a year, then I’ll go on my way.” I replied. Little did I know then of the great impact that decision would have later in my life. They were eight incredible years in which, finally, I became co-founder of the project. This practice exposed me to countless enriching experiences and incredible people, who indelibly marked my personal and professional path.”


CO-FOUNDER

CO_FUNDADOR

Alvaro de Salvo trabaja actualmente en la Fundación Akvo, una organización sin fines de lucro que crea software y sensores de código abierto, aplicaciones de internet y teléfonos móvil para organizaciones que mejoran la infraestructura y los servicios de poblaciones desfavorecidas. Su trabajo, ayuda a equipos de personas a mejorar la forma en que describen, alcanzan e

ALVARO DE SALVO

interactúan a/con audiencias clave. Anteriormente fue Gerente de Comunicaciones de ‘Res Artis’, la red de residencias artísticas más grande del mundo, con sede en Ámsterdam. También colaboró con la red de movilidad

1982 | Córdoba, Argentina Vive en Amsterdam, Países Bajos Lives in Amsterdam, The Netherlands

cultural de artistas ‘On the Move’, con sede en Bruselas. De 2005 a 2012 se desempañó como Coordinador Administrativo y Gerente de Mercadeo y Comunicaciones de ´ace. Alvaro de Salvo is currently working at the Akvo Foundation, a not-for-profit foundation that creates open source, Internet and mobile software and sensors, where they work with people improving infrastructure and services, for disadvantaged populations. His work, helps teams of people

2007 Licenciado en Administración de Empresas Universidad de Buenos Aires, Argentina Especialista en Mercadeo, Comunicaciones y Marcas 2007 BBA Business Administration Universidad de Buenos Aires, Argentina Specialized in Marketing, Communications, and Branding

improve the way they describe, reach and interact with key audiences. Previously, he was Communications Manager of ‘Res Artis’, the world’s largest network of artistic residences, based in Amsterdam. He also collaborated with the cultural mobility network of artists ‘On the Move’, based in Brussels. From 2005 to 2012 his roles at ´ace involved being its Administrative Coordinator and Marketing and Communications Executive.

Foto | Photo

PAUL BURT


JEFA DE TALLER WORKSHOP MANAGER - MASTERPRINTER

ADRIANA MORACCI

1967 | Buenos Aires, Argentina

2017 Licenciada en Artes Visuales Pintura Universidad Nacional de Artes (UNA), Buenos Aires, Argentina 1999 Profesora Superior de Pintura Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova, Buenos Aires, Argentina 1994 Profesora Nacional de Pintura Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, Buenos Aires, Argentina 1990 Profesora Nacional de Escultura Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Buenos Aires, Argentina 2017 Bachelor in Visual Arts with focus in Painting, Universidad Nacional de Artes (UNA), Buenos Aires, Argentina 1999, Superior Paiting Professor Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova, Buenos Aires, Argentina 1994, Painting National Professor Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, Buenos Aires, Argentina 1990, Sculpture National Professor Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Buenos Aires, Argentina

Artista visual y conocedora de técnicas gráficas, pictóricas y fotografía, Adriana Moracci ha trabajo desde 1987 junto a importantes artistas argentinos como Cristina Santander, Mabel Rubli, Matilde Marín y Mirta Kupferminc. Recibió la Beca Eckell-Marino Santa María y participó en Proyecto CreAr´2004 “Memoria e identidad” en la Universidad del Litoral, Santa Fe, Argentina. Ilustró “Proverbios y Salmos”, edición de bibliofilia para Ediciones Dos Amigos, Buenos Aires. Publicó el libro de fotografías “Veredas de Buenos Aires, memoria e identidad” con fotografías de su autoría, mediante el apoyo de Mecenazgo Cultural del Gobierno de Buenos Aires. En su rol de artista ha participado en exposiciones nacionales e internacionales, entre ellas la Bienal de Guanlan en China y el Festival de la Luz en Argentina. Desde el año 2008 mantiene su estudio personal en el que realiza actividad docente. Adriana nos acompaña en ´ace casi desde el comienzo. Es la persona que está en el taller resolviendo técnicamente las propuestas de los artistas. Como es importante estar de ambos lados, a través de los acuerdos de intercambio de ´ace, Moracci fue seleccionada para realizar residencias artísticas en “Guanlan Original Printmaking Base:, Shenzhen, China y en “Akademia Centar Za Grafiku Flu” Centro de Residencias Gráficas y Artes Visuales de Belgrado, Serbia. También fue invitada a participar como artista de nuestros proyectos internacionales Crossover, El Pliego, Ciclos, Autorretratos y Objetivos Móviles. En su carrera ha obtenido numerosos títulos. Sin embargo, el más preciado de ellos es el de “mammaprinter”, otorgado por una artista en residencia proveniente de Zimbabue. Nos gusta ese término, tiene algo de tribal y de chamánico. Porque en el taller se produce el hechizo y ella es la que posibilita la invocación. Adriana dice que cada día el desafío también está en continuar portando ese título.

Adriana Moracci is a visual artist with knowledge in printmaking, painting and photography. She has worked since 1987 with important Argentine artists, such as Cristina Santander, Mabel Rubli, Matilde Marín and Mirta Kupferminc. She received the Eckell-Marino Santa María Scholarship and participated in the CreAr’2004 Project “Memory and Identity” at the Universidad del Litoral, Santa Fe, Argentina. She illustrated “Proverbs and Psalms”, bibliophile edition for Ediciones Dos Amigos, Buenos Aires. She published the book of photographs “Veredas de Buenos Aires, memory and identity” [Buenos Aires Sidewalks, memory and identity”] with photographs of her authorship, through the support of Cultural Patronage of the Government of Buenos Aires. In her role as an artist she has participated in national and international exhibitions, including the Guanlan Biennial in China and the Festival de la Luz in Argentina. Since 2008 she maintains her personal studio where she teaches art. Adriana has been with us in’ace almost from the beginning. She is the person who technically solves the proposals of the artists in the workshop. As it is important to be on both sides, through the exchange agreements of ‘ace, Moracci was selected to make artistic residencies in the Guanlan Original Printmaking Base, Shenzhen, China and in “Akademia Centar Za Grafiku Flu”, Graphic and Visual Arts Residences Center of Belgrade, Serbia. She was also invited to participate as an artist in our international projects Crossover, Pliego, Ciclos, Autorretratos and Objetivo Móviles. Throughout her career she has obtained numerous degrees but the most precious of them is “mammaprinter”, given by an artist in residence from Zimbabwe. We like that term as it has something tribal and shamanic. Because is in the workshop where the spell happens and Adriana is the one that makes the invocation possible. Adriana says that her daily challenge is deserving to carrying that title.


El taller como lugar de trabajo es embrional, es refugio, es constitutivo de obra, es motor, es acción, es un lugar vivo. Cada día se nos presenta un nuevo desafío por afrontar. Allí reside la magia y la certeza de saber que a través del trabajo y del oficio todo proyecto es posible. Brindar, al mismo tiempo que recibir, de todos y cada uno de los artistas la diversidad de pensamientos, el saber y la experiencia es uno de los valores que más atesoramos. Acompañar profesionalmente a cada residente en el proceso creador me ha enriquecido como artista y maestra de taller. Así, ´ace representa un tiempo y un espacio donde los proyectos se materializan a través del arte. Un espacio de residencia, que es mucho más que un lugar físico que nos alberga, es sin duda un territorio que nos permite una conexión profunda e íntima con nosotros mismos y, también, un paréntesis para el goce de la creación, para el encuentro, el diálogo y la reflexión sobre la obra de todos los artistas con los que hemos trabajado en el transcurso de estos años y con los que están por arribar.” “The workshop as a workplace is embryonic, is shelter, constitutive of artwork, engine, action, and a living place. Every day we are presented with a new challenge to face. There lies the magic and the certainty of knowing that through work and craft every project is possible. To offer, at the same time as receiving, from each and every one of the artists, the diversity of thoughts, knowledge and experience is one of the values that we treasure the most. Professionally accompanying each resident in the creative process has enriched me as an artist and workshop manager. Thus, ‘ace represents a time and a space where projects materialize through art. A space of residence, which is much more than a physical place that houses us, is undoubtedly a territory that allows us a deep and intimate connection with ourselves and, also, a parenthesis for the enjoyment of creation, for the encounter, for the dialogue and the reflection on the work of all the artists with whom we have worked in the course of these years and with those who are about to arrive.”


Un espacio único de crecimiento desde lo humano y lo profesional. Con la excelencia como faro, el trabajo experimental constante y la colaboración con artistas de tan diversas culturas, ‘ace significó un aprendizaje desafiante y maravilloso. Sin duda es una experiencia que me acompaña día a día como parte fundacional de los valores necesarios para recorrer el camino del Arte y la Cultura, que no conoce de fronteras y que reclama coraje!¨

valeria zamparolo

1979 | Buenos Aires, Argentina

2003 Profesorado de Bellas Artes Santa Ana. Buenos Aires. Argentina. Estudios de especialización en: Museo del Louvre y Université ParisSorbonne, Paris, Francia. Academia Superior Ernesto de la Carcova. Buenos Aires, Argentina Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos Aires, Argentina. 2003 Bachelor in Fine Arts Art Education. Bellas Artes Santa Ana. Buenos Aires. Argentina. Studies od specialization at: Louvre Museum and Université ParisSorbonne, Paris, Francia. Academia Superior Ernesto de la Carcova. Buenos Aires, Argentina Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos Aires, Argentina

“A unique space of personal and professional development. With excellence as a beacon, constant experimental work and collaboration with artists from such diverse cultures, ‘ace meant a challenging and wonderful learning. Without a doubt, it is an experience that accompanies me day by day as a foundational part of the values necessary to transit the path of Art and Culture, which knows no borders and which demands courage! ¨

Valeria Zamparolo es actualmente la Gerente Artística del British Council Argentina, estando a cargo de realizar y administrar proyectos de cine, industrias creativas, diseño, artes visuales, música, teatro y literatura. Trabaja con una amplia gama de socios en el sector público y privado de Argentina y el Reino Unido, implementando estrategias artísticas con foco en el arte como vidriera y vehículo para las políticas públicas y el cambio social. Previamente trabajó como Curadora Asociada en la Galería de Arte Niko Gulland y coordinó la colección de arte del artista argentino Martin Blaszko, co-fundador del movimiento MADI. Hasta el año 2013 Valeria fue parte del equipo de ´ace, planeando y administrando residencias y exposiciones artísticas nacionales e internacionales, así como también publicaciones, proyectos y talleres internacionales. Además, en el año 2011 fue seleccionada entre el grupo de artistas que representaron a ‘ace en Akademija en Belgrado produciendo -durante su residencia- obras en colaboración con artistas serbios. Hace 11 años que practica Kung Fu, en donde ha alcanzado la categoría “Mishu”. Valeria es liviana como una pluma, pero tiene la fortaleza del guerrero. Aunque ya no la vemos diariamente sigue estando cerca nuestro!

Valeria Zamparolo is currently the Art Manager of the British Council Argentina, being in charge of delivering and managing projects in Film, Creative Industries, Design, Visual Arts, Music, Theatre, and Literature. Working with a wide range of partners in the public and private sector from Argentina and UK, He works with a wide range of partners in the public and private sectors of Argentina and the United Kingdom, she has been implementing Arts Strategy with a focus on Capacity buildings, Art as a vehicle for social change, public policies and showcase. She previously worked as an Associate Curator at the Niko Gulland Art Gallery and coordinated the art collection of Argentine artist Martin Blaszko, co-founder of the MADI movement. Until 2013 Valeria was part of the ‘ace team, planning and managing national and international residences and artistic exhibitions, as well as international publications, projects and workshops. In addition, in 2011 she was selected among the group of artists who represented ‘ace in Akademija in Belgrade producing during her residence works in collaboration with Serbian artists. Valeria has been practicing Kung Fu for 11 years, where she has reached the category “Mishu”. Valeria is as light as a feather, but she has the strength of a warrior. Although we no longer see her daily, she is still near us!


EXECUTIVE COORDINATOR

COORDINADORA EJECUTIVA

Daniela Ruiz Moreno ha trabajado desde el año 2009 en galerías de arte de Uruguay y Buenos Aires. En el año 2014 participo como ponente en el Congreso de Investigación del Centro Argentino de Investigadores de Arte (CAIA) y fue invitada como investigadora en residencia a la Guanlan Original Printmaking Base, en Shenzhen, China. Durante el 2016 realizo la curadoria y produccion de “Larga Vida a la Nueva Carne”, un proyecto de video-arte en el espacio público. Recientemente ha llevado adelante un taller de videoderivas en Tecnópolis (espacio Taller Humano de la Fundación Augusto y León Ferrari), participo de “Digital Materialism” en la Universitët der Kunst, Berlin, Alemania y recibio la Beca de Formacion del Fondo Nacional de las Artes, Argentina para una residencia de investigación en Demolición/Construcción, Córdoba, Argentina. Actualmente ha enfocado su investigación en prácticas artísticas que utilicen material tecnológico. Parte importante de su formación e investigación son también los constantes viajes que realiza a eventos de arte contemporáneo como Documenta y la Bienal de Venecia. Como parte del equipo estable de ‘ace desde 2013, coordina los programas de residencia, produce proyectos y se encarga de la comunicación y difusion por las redes sociales. Represento a ‘ ace en el Edinburgh Art Festival en 2015 y en Espacio Habitado, Encuentro Federal de Residencias Artisticas en Cordoba Argentina. Daniela cursó la escuela primaria y secundaria en Colonia, Uruguay. Tiene herencia austríaca por parte de madre. En ella se mezclan de una manera deliciosa la tranquilidad charrúa con la presición sajona. Le gusta viajar, la música experimental y el cine. Sus ojos, enmarcados por cejas “fridakalhianas”, se abren muy grandes cuando se asombra.

Since 2009 she has been working in art galleries in Uruguay and Buenos Aires. She has participated in research congresses such as the Argentine Center for Art Researchers (CAIA) in 2014. She was invited as a resident researcher at the Guanlan Original Printmaking Base, in Shenzhen, China. During 2016 she developed the video-art project in the public space titles Long Live the New Meat, which was held in artistic spaces of Buenos Aires. Ruiz Moreno has conducted a video-drift workshop at Tecnópolis within the Human Workshop space of the Augusto and León Ferrari Foundation. An important part of her education and research are also the constant trips to contemporary art events such as Documenta13, 55 Venice Biennale, Edinburgh Arts Festival (guest) and Documenta 14. Since 2012 and up to the present, she has been part of the stable team of the ‘Ace Foundation for Contemporary Art where she works as Coordinator of the programs and especially of the Artists-inResidence International Program. Daniela has currently focused her research on artistic practices that use technological material, in 2017 she assisted the seminar “Digital Materialism” at the Universitët der Kunst, Berlin, Germany. She has received a grant from the National Edowment for the Arts, Argentina to develop a research residence in Demolition/ Construction, Córdoba, Argentina

’ace ha sido el cosmos donde comprendí por primera vez los valores y ética del trabajo en colaboración, intercambio y profesionalismo. Es el espacio ideal donde he podido brindar mi conocimiento histórico/teórico, darle vida, modificarlo y expandirlo; donde me han dado la posibilidad y confianza de crecer y experimentar. ‘ace tiene esa cualidad de convertirse en un espacio de pertenencia, en familia para quien tiene la fortuna de conocerle.” “For me ‘ace has been the cosmos where I understood for the first time the values and ethics of work in collaboration, exchange and professionalism. It is the ideal space where I have been able to provide my historical / theoretical knowledge, give it life, modify and expand it; where they have given me the possibility and confidence to grow and experiment. Living and thinking together with artists of different ages, nationalities and contexts has been a constant learning at an artistic and human level. ‘Ace has that quality of becoming a place of belonging, as a family for those who have the fortune of experiencing it.”

daniela ruiz moreno 1991 | Buenos Aires, Argentina

2017 Licenciatura en Artes, Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos Aires, Argentina. 2013 Beca Erasmus Mundus, Rijksuniversiteit Groningen (RUG), Groninga, Países Bajos 2017 Bachelor in Arts, Faculty of Philosophy and Literature, Universidad de Buenos Aires, Argentina. 2013 Erasmus Mundus Fellowship, Rijksuniversiteit Groningen (RUG), Groningen, The Neatherlands


ASISTENTE EJECUTIVA

cecilia candiani

1984 | Córdoba, Argentina Vive en Buenos Aires, Argentina Córdoba, Argentina Lives in Buenos Aires, Argentina

2011 Tecnicatura en Fotografía, Universidad Provincial de Córdoba, Córdoba, Argentina 2005, Profesorado de Matemática, Facultad de Matemática, Astronomía y Física, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina 2011 Photography, Escuela Superior de Artes Lino Enea Spilimbergo, Córdoba, Argentina 2005, Professorship in Math, Faculty of Mathematics, Astronomy and Physics, Universidad Nacional de Córdoba, Argentina

EXECUTIVE ASSISTANT

Subiendo una escalera de mármol, apenas se llega a los últimos escalones ya se vislumbra un oasis dentro de la ciudad. Una casa con más de cien años nos recibe cada mañana con toda la luz del sol que entra de lleno al taller por sus luceras en el techo. Llegan los artistas, con su arte, con su cultura, con sus historias. Es estar rodeada de gente con esa energía especial que la motiva a hacer sus obras, que eligen estar ahí. No es sólo crear arte, es crear nuevas relaciones, intercambios de realidades y formas de ver el mundo, es crear amistades. Al final del día, cuando bajo esas escaleras, me subo a mi bici y vuelvo a casa sonriendo.” “Going up a marble staircase, when you barely reach the last steps, you can already see an oasis within the city. A house, with more than one hundred years, receives us every morning with all the sunlight that enters the workshop through its ceiling lights. The artists arrive, with their art, their culture, their stories. It’s being surrounded by people with that special energy that motivates them to do their works, that choose to be there. It’s not just creating art, it’s create new relationships, exchanges of realities and ways of seeing the world, is to create friendships. At the end of the day, as long as I go down those stairs I get on my bike and come back home smiling. “

Fotógrafa independiente desde 2010, durante 2011-12 integra el “Colectivo Refractario” en Córdoba y por 3 años realiza trabajos en colaboración con la artista Romina Brunello con quien presentan la obra “Calle Céfiro 808”. Se desempeña como asistente de producción de artistas y proyectos artísticos entre los que se destaca el Programa Fontcuberta en Córdoba. Realizó el laboratorio de Experimentación Creativa “Hemisferio Mágico”, a cargo de Ezequiel Montero Swinnem y se desempeñó también como asistente de la artista Roma Blanco en Buenos Aires. En ‘ace, como parte del equipo estable, Cecilia realiza una amplia gama de actividades que van desde la asistencia de taller a los artistas en residencia, registro fotográfico, diseño de material de comunicación y montaje de exhibiciones. Estuvo a cargo del espacio institucional de ‘ace en la Feria de Arte de Aguascalientes en México, colaborando además en las demostraciones técnicas en los Talleres Nacionales de Gráfica, MECA (Mega Espacio para las Artes y la Cultura) del Instituto Cultural en el Estado de Aguascalientes, México. Le gusta el aire libre, viajar, andar en bicicleta y las montañas. Su sonrisa tiene una dimensión casi es meridional: amplia, transparente, sincera. Como el sol que siempre busca, la energía vital y luminosa de Cecilia es fundamental en el trabajo diario del equipo.

A free lance photographer since 2010, during 2011-12 she joined “Colectivo Refractario” in Córdoba, working during 3 years in collaboration with the artist Romina Brunello, with whom she presents the work “Calle Céfiro 808”. She has worked as an assistant for the production of artists and artistic projects, among which the Fontcuberta Program in Córdoba. She made the laboratory of Experimenta Creativa “Hemisferio Mágico”, by Ezequiel Montero Swinnem and also worked as an assistant to the artist Roma Blanco in Buenos Aires. In ‘ace, as part of the permanent team, Cecilia performs a wide range of activities ranging from workshop assistance to artists in residence, photo registration, design of communication material and setting of exhibitions. She was in charge of the institutional space of ‘ace at the Art Fair of Aguascalientes in Mexico, also collaborating in the technical demonstrations at the National Graphic Workshops, MECA (Mega Space for Arts and Culture) of the Cultural Institute in the State of Aguascalientes, Mexico. She likes the outdoors, traveling, riding a bicycle and mountains. Her smile has a plentiful dimension: broad, transparent, and sincere. Like the sun she always seeks, the vital and luminous energy of Cecilia is fundamental in the daily work of the team.


germán sandoval

Sandoval es un artista con formación en las artes gráficas y arte conceptual. Ha participado de diversas exposiciones individuales y colectivas, nacional e internacionalmente como Alto Contraste en el Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez en Caracas y La XIV Bienal de Miniaturas Gráficas Luisa Palacios ambas en Caracas, Venezuela; Plataforma en La Ira de Dios, Cruces y Desvíos en la Galería Arte x Arte, premio Fundación Williams Argentina de Arte Joven en la especialidad de escultura en Argentina, entre otras. Obtuvo Mención Honorifica en el 1º Premio Quimera de Arte y Reflexión Política en 2015. En 2014 y 2015 ha realizado trabajos de asistencia de producción e impresión en la realización de murales cerámicos para Subterráneos de Buenos Aires. Actualmente es profesor de Museología en la Universidad de Palermo, ha continuado realizando trabajos de montaje en diferentes espacios y galerías de Buenos Aires y desarrollando su obra en las residencias artísticas La ira de Dios y URRA. Durante su tiempo en ‘ace aportó su experiencia y conocimiento en artes gráficas, instalaciones y montaje de exhibiciones, trabajando con artistas de diferentes partes del mundo. Además, valoramos particularmente su contribución en las instancias de discusión teórica y conceptual en el desarrollo de cada proyecto. Germán es capaz de imprimir mil veces hasta que el resultado sea perfecto y de bailar Salsa sin moverse de una baldosa.

Sandoval is an artist with a strong background in graphic arts and conceptual art. He has participated in various solo and group exhibitions, nationally and internationally as Alto Contraste in the Museum of the Print and Design Carlos Cruz-Diez and The XIV Biennial of Graphic Miniatures Luisa Palacios both in Caracas, Venezuela; Plataforma in La ira de Dios, Cruces y Desvíos in the Arte x Arte Gallery, the Fundación Williams Argentina Award for Young Art in the specialty of sculpture in Argentina, among others. He obtained Honorable Mention in the 1st Quimera Prize for Art and Political Reflection in 2015. He has also done production and printing assistance in the realization of ceramic murals for the subway lines of Buenos Aires. He is currently Professor of Museology at the Universidad de Palermo and has continued to do mounting work in different spaces and galleries of Buenos Aires as well as developing his own artwork through artistic residencies in La ira de Dios and URRA. During his time in ‘ace German has contributed with his vast experience and knowledge in graphic arts, installations and exhibitions mounting. We particularly have valued his contribution in the theoretical and conceptual discussions in the development of each project. Germán is able to print a thousand times until the result is perfect and to dance Salsa without moving from a tile.

1984 | Caracas, Venezuela. Vive en Buenos Aires, Argentina Caracas, Venezuela. Lives in Buenos Aires, Argentina 2011 Licenciatura en Arte Plásticas, Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón, Caracas, Venezuela


FELIPE GARCía

1986 | Bogotá, Colombia. Vive en Buenos Aires, Argentina Bogotá, Colombia. Lives in Buenos Aires, Argentina

2009 Licenciatura en Bellas Artes, School of Visual Arts. Nueva York, EE.UU. 2007 Certificado en Bellas Artes, Nassau Community College, Garden, EE.UU. 2009 BFA, School of Visual Arts, New York City, USA 2007 AAS, Nassau Community College, Garden City, USA.

Recién llegado a Argentina, Felipe fue artista en residencia de ‘ ace durante el primer semestre de 2013. Su proyecto de pintura mural en nuestra terraza inspiró luego la realización del Proyecto Palimpsesto. Terminada su residencia fue invitado a reemplazar a Daniela Ruiz Moreno quien por 6 meses estaría ausente con una beca en los Países Bajos. Durante ese tiempo Felipe cubrió actividades de comunicación y coordinación de los artistas en residencia. Como parte de los acuerdos internacionales de intercambio de ´ace, viajó como artista en residencia a la Guanlan Original Printmaking Base en China en 2014. En el año que estuvo en ´ace, García conoció a los voluntarios en residencia Almudena Blanco, Lina Ángel y Santiago Ocampo quienes conformaron la primera agrupación del colectivo R.A.R.O. que organiza residencias artísticas itinerantes. Actualmente Felipe continúa con su proyecto de residencias y desarrolla su obra en el espacio de arte Zafarrancho en Buenos Aires. Bautizado como “papa-party” organizó algunas de nuestras fiestas memorables. Just arrived in Argentina, Felipe was ´ace´s artist in residence during the first semester of 2013. His project of mural painting in our terrace inspired the realization of the Palimpsest Project. After his residency, he was invited to replace Daniela Ruiz Moreno who for 6 months would be absent with a scholarship in the Netherlands. During that time, Felipe covered residencies communication and coordination activities. As part of ‘ace’s international exchange agreements, he traveled as an artist-in-residence to the Guanlan Original Printmaking Base in China in 2014. In his year at ‘ace, García met the volunteers in residence Almudena Blanco, Lina Ángel and Santiago Ocampo who formed the first group of R.A.R.O., association that organizes itinerant artistic residences. Currently Felipe continues with his project of residences and develops his work in the Zafarrancho art space in Buenos Aires. Baptized as “papaparty”, he organized some of our memorable parties.


COOKING AND MAINTENANCE

COCINA Y MANTENIMIENTO

Me gusta lo variado, conocer diferentes cosas, cada artista tiene algo mágico. Me emociona mucho ver lo que crean. No todos son iguales, algunos son muy cálidos, otros más misteriosos. Si todos fueran iguales no tendría motivación. ‘ace me encanta! Me encanta lo que me da, el conocer muchas cosas sin viajar, las costumbres, comidas. ‘ace y los artistas son para mi como un mapa. También es como una familia, cuando alguno de nosotros se va, se le extraña, cada uno deja su esencia. Con respecto a la cocina, siento que no es mi fuerte pero, como una vez me dijo un artista, mis manos dicen otra cosa. Me gusta aprender.” “I like the varied, getting to know different things, each artist has something magical. I’m very excited to see what they create. Not all people are equal, some are very warm, others more mysterious. If all were equal I wouldn’t feel motivated. I love ‘ace! I love what I achieve there, knowing many things without traveling, I know different traditions, meals. ‘ace and the artists are for me a map. It is also like a family, when one of us leaves, you miss her, and each leaves an essence. With regard to the cooking, I feel that it is not my strength but, as an artist once told me, my hands say something else. I like learning.”

Lidia se crió en un pueblo muy pequeño al norte de Argentina, en una zona de plantaciones de alfalfa, su primer vínculo con la cocina fue, como para muchos, a través de su madre, a quien le gustaba mucho cocinar e incluso vendía empanadas para ocasiones especiales en Cachi. A los 13 años, se mudó a Salta capital, comenzando su movimiento hacia ciudades más grandes, allí realizó el secundario y trabajó cuidando a un niño con capacidades diferentes. En el año 1993 se mudó a Buenos Aires donde continuó trabajando como niñera. Lidia expresa haber tenido un particular interés por el idioma inglés y por la lectura desde una edad muy temprana, la actividad que más disfruta es hacer manualidades, asiste a un taller hace cuatro años, “el lugar donde más me gusta estar”. En ‘ace, realiza el mantenimiento de la casa y cocina todos los días una comida que no pasa desapercibida y a la que muchos artistas dicen extrañar al partir. Su repulgue de las empanadas es impecable y su arroz impagable!

Lidia was raised in a very small town in the north of Argentina, in an area of alfalfa plantations, her first link with the kitchen was, as for many, through her mother, who liked cooking a lot and even sold empanadas for special occasions in Cachi. At age 13, she moved to Salta capital, beginning her movement towards larger cities, where she studied High school and worked taking care for a child with different abilities. In 1993 she moved to Buenos Aires where she continued working as a nanny. Lidia expresses having a particular interest in the English language and reading from a very early age. The activity that she enjoys the most is doing crafts. She has been attending a workshop for four years, “the place where I like to be the most”. In ‘ace, she carries out the maintenance of the house and cooks a meal every day that does not go unnoticed as many artists express to miss it when leaving. Her folding of empanadas dough is impeccable and her rice priceless!

LIDIA QUIPILDOR 1974 | Cachi, Salta, Argentina. Vive en Buenos Aires, Argentina Cachi, Salta, Argentina. Lives in Buenos Aires, Argentina

Concurre al Taller de Artesanías (desde 2013) y al Curso de Inglés (2017) de la Escuela San Andrés, Buenos Aires, Argentina Attends the Crafts Workshop (since 2013) and the English Course (2017) of the San Andrés School, Buenos Aires, Argentina


VOLUNTARIOS EN RESIDENCIA VOLUNTEERS IN RESIDENCE

Amanda Coimbra Daniela Ruiz Moreno Julián Pesce Sara-Aimee Verity Noelia Andía Nicolás Molano Valeria Samañego Bárbara Vincenti Cindy Yuncoza Santiago Ocampo German Sandoval Lina Ángel Almudena Blanco Noelia Novosel Federico Signorelli Marisa Conde Laurel Ponturo Gabriela Cuesta Cecilia Candiani Nieves Varela German Gáspari Romina Biglieri Carlos García Silvana Cerrato Yumi Tamanaha Alexis Sureda

Inscripto en: CENOC (Centro Nacional de Organizaciones de la Comunidad)

Desde el año 2012, el Programa de Voluntariado acoge a estudiantes y profesionales emergentes en las disciplinas de Arte, Diseño, Comunicaciones y Gestión Cultural, argentinos o extranjeros, que quieran sumarse a nuestro equipo de trabajo. Los voluntarios en residencia son un importante recurso para nuestra organización. En contrapartida a su ayuda, buscamos realizar un intercambio brindándoles la posibilidad de trabajar junto artistas, curadores, gestores y profesionales del arte nacional e internacional, adquiriendo experiencia en las artes y la gestión cultural.

Since 2012, the Volunteering Program welcomes students and emerging professionals in the disciplines of Art, Design, Communications and Cultural Management, being them Argentine or foreign, who want to join our team. Volunteers in residence are an important resource for our organization. In return for their help, we seek to make an exchange by giving them the opportunity to work together artists, curators, managers and professionals of national and international art, acquiring experience in the arts and cultural management.


EQUIPO 2017 Directora | Director ALICIA CANDIANI ADRIANA MORACCI Jefa de Taller | Workshop Manager DANIELA RUIZ MORENO Coordinadora Ejecutiva | Executive Coordinator CECILIA CANDIANI Asistente ejecutiva | Executive Assistant CARLOS GARCIA ALEXIS SUREDA Voluntarios en residencia |Volunteers-in-residence


Caricatura | Comic Wah Yan Au (Hong Kong) Artista en residencia 2017


AGRADECIMIENTOS | ACKNOWLEDGMENTS Hebe y Adolfo de Salvo Adolfo de Salvo (h) Malcolm Christian Carmen Ravadé de Kenig Virgina Fernández Gavilán Isabel Fritz Fabiana Vierheler Gustavo Pavesi Dario Marcón Marcela Costa Peuser Agustín Montes de Oca Eduardo Fernández Benigno Cáceres y | and a los artistas y todas las personas e instituciones que durante estos años han estado apoyando, de una u otra manera, la concreción de este proyecto. to the artists and all those persons and institutions that during these years have been supporting, in one way or another, the realization of this project.

Este proyecto cuenta con el apoyo del FONDO ARGENTINO DE DESARROLLO CULTURAL Y CREATIVO - MINISTERIO DE CULTURA DE LA NACIÓN


WW.PROYECTOACE.OR


Conesa 667 C1426AQM Buenos Aires RepĂşblica Argentina +54 (11) 4551-3218 info@proyectoace.org www.proyectoace.org


Profile for PROYECTO ACE

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