Poly 219 - Avril 2019

N°219 Avril april 2019

poly.fr

Magazine magazin

BRÈVES | in kürze

FLOWER POWER One of the open green courts of the Indian Institute of Management Hostel Block, Bangalore, 1977-92 © Iwan Baan 2018

WE PEOPLE À Weil am Rhein, le Vitra Design Museum célèbre Balkrishna Doshi (jusqu’au 08/09) avec Architecture for the People, premier Indien lauréat du prix Pritzker, en 2018. Pionnier dans sa discipline, l’architecte aujourd’hui âgé de 91 ans a concilié les principes du modernisme avec les traditions locales, les réalités culturelles et matérielles comme les contraintes naturelles de son pays.

Bis zum 9. September feiert das Vitra Design Museum den ersten indischen Pritzker-Preisträger 2018 Balkrishna Doshi mit Architecture for the People. Als Pionier in seiner Disziplin hat der heute 91jährige Architekt die Prinzipien des Modernismus mit den lokalen Traditionen, den kulturellen und materiellen Realitäten, sowie den natürlichen Einschränkungen seines Landes vereinbart. design-museum.de

© Martin Kaufhold

Anna Zemánková, Sans titre Ohne Titel, vers um 1960 - 1965 Family of Anna Zemánková / AZ estate Photo: Ondřej Polák

WELCOME IN VIENNA Signée Jakob Peters-Messer, la mise en scène du Chevalier à la Rose du Saarländisches Staatstheater de Sarrebruck (jusqu’au 20/06) est fort attirante. L’occasion de (re)découvrir, dans un casting de choix, l’opéra de Richard Strauss.

Der Rosenkavalier von Jakob Peters-Messer, der im Saarländischen Staatstheater in Saarbrücken (bis zum 20.06.) aufgeführt wird, ist ein Ereignis. Die Gelegenheit, mit einer auserlesenen Besetzung die Oper von Richard Strauss (wieder) zu entdecken.

La nouvelle exposition du WilhelmHack-Museum de Ludwigshafen a la main verte : Plantes de l’âme (31/0304/08) présente des fantaisies végétales et autres bouquets de fleurs de l’Outsider Art notamment issus de la célèbre Collection Prinzhorn de Heidelberg qui renferme des pièces réalisées par des aliénés.

Die neue Ausstellung des WilhelmHack-Museums in Ludwigshafen hat einen grünen Daumen: Gewächse der Seele (31.03.-04.08.) präsentiert pflanzliche Phantasien und andere Blumensträuße der Outsider Art, unter anderem aus der berühmten Sammlung Prinzhorn aus Heidelberg, die Werke von Geisteskranken vereint. wilhelmhack.museum

staatstheater.saarland Poly 219

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Thomas Dutronc © Yann Orhan

BRÈVES | in kürze

Wilhelm Schnarrenberger, Boulevard du Montparnasse, 1931, Nachlass Schnarrenberger © VG Bildkunst, Bonn 2018

AU PAYS DU JAZZ IM JAZZLAND Il se déroule dans quelques mois, mais la billetterie du Colmar Jazz Festival (01-23/09) est déjà ouverte pour certains concerts. Pour sa 24e édition, l’événement a mis les petits plats dans les grands avec la venue de Thomas Dutronc ou de WeARE4.

Es findet erst in einigen Monaten statt, aber der Ticketverkauf des Colmar Jazz Festivals (01.-23.09.) ist bereits für einige Konzerte geöffnet. Für seine 24. Auflage hat das Ereignis sich mächtig ins Zeug gelegt mit Gästen wie Thomas Dutronc oder WeARE4. festival-jazz.colmar.fr

LE PARI DE PARIS AB NACH PARIS Irrésistiblement attirés par la Seine, de nombreux artistes allemands se rendent dans la capitale de 1830 à 1930 : tel est l’objet de Paris, Paris ! exposition de la Städtische Galerie Karlsruhe (jusqu’au 02/06) qui décrit la trajectoire de ces enfants du Bade-Wurtemberg comme Hermann Both, Carlos Grethe, Wilhelm Schnarrenberger…

Zwischen 1830 und 1930 werden zahlreiche deutsche Künstler auf unwiderstehliche Weise von der Seine angezogen und reisen in die französische Hauptstadt: Das ist das Thema von Paris, Paris !, einer Ausstellung in der Städtischen Galerie Karlsruhe (bis zum 02.06.), die die Laufbahnen dieser Söhne Baden-Württembergs wie Hermann Both, Carlos Grethe oder Wilhelm Schnarrenberger beschreibt... karlsruhe.de

Festen de Cyril Teste © Simon Gosselin

nouvelle vague NEUE WELLE

Le 42 e festival franco-allemand des arts de la scène Perspectives (06-15/06) se dévoile. Parmi 50 rendezvous, un focus sur le nouveau cirque durant le week-end de Pentecôte (08-10/06) et en tête d’affiche le metteur en scène Cyril Teste. Son adaptation de Festen de Thomas Vinterberg (14 & 15/06, E-Werk, Sarrebruck, Première allemande), mélange plan séquence tourné en steadicam et théâtre.

Das 42. deutsch-französische Festival für Bühnenkünste Perspectives (06.-15.06.) kündigt sich an. Unter den 50 Terminen ist ein Fokus auf den Neuen Zirkus am Pfingstwochenende hervorzuheben (08.-10.06.) sowie der Regisseur Cyril Teste. Seine Interpretation von Festen von Thomas Vinterberg (14. & 15.06., EWerk, Saarbrücken, Deutschlandpremiere), mischt Sequenzaufnahmen mit der Steadicam und Theater. festival-perspectives.de Poly 219

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BRÈVES | in kürze

SOUNDS

Depuis dix ans, Rosemary Standley, chanteuse de Moriarty, et la rockeuse Marjolaine Karlin explorent l’œuvre du poète réunionnais Alain Péters avec le Wati Watia Zorey Band. Un voyage dans une langue aussi dense et fleurie qu’une forêt tropicale à voir au PréO d’Oberhausbergen (03/05).

Seit zehn Jahren erkunden Rosemary Standley, die Sängerin von Moriarty und die Rockerin Marjolaine Karlin das Werk des Poeten Alain Péters aus La Réunion mit der Wati Watia Zorey Band. Eine Reise in einer dichten und blumigen Sprache, wie der tropische Regenwald, im PréO in Oberhausbergen (03.05.). le-preo.fr Henri Laurens, Femme au miroir Frau mit Spiegel, ca. 1929 Galerie Michael Haas Zürich Foto: © Sotheby’s 2016 © VG Bild-Kunst, Bonn 2018

WOMEN © N'Krumah Lawson Daku 2018

Les Filles des Vagues est un titre qui va comme un gant à cette exposition dédiée au sculpteur Henri Laurens présentée à la Kunsthalle Mannheim (jusqu’au 16/06) avec ses femmes dont les lignes ondoyantes évoquent bien souvent l’opulence d’une déesse mère nourricière.

TREES

Wellentöchter ist ein Titel, der wie die Faust aufs Auge zu dieser Ausstellung passt, die die Kunsthalle Mannheim dem Bildhauer Henri Laurens (bis zum 16.06.) widmet, mit seinen Frauen, deren wogende Linien oft an die Opulenz einer Mutter und Meeresgöttin erinnern. kuma.art

Stiftung Saarländischer Kulturbesitz © Gundelwein

Nominée au prestigieux Deutschen Landschaftsarchitektur-Preis (décerné le 12/04 à Berlin), la Moderne Galerie de Sarrebruck récemment agrandie, grâce à la collaboration entre l’architecte Kuehn Malvezzi et le plasticien Michael Riedel, accueille une exposition, de l’artiste italien Giuseppe Penone (à partir du 13/04). On admirera ce pape de l’Arte povera qui utilise et questionne la nature dans des installations souvent pharaoniques.

Die für den prestigeträchtigen Deutschen Landschaftsarchitektur-Preis (der am 12.04. in Berlin verliehen wird) nominierte Moderne Galerie in Saarbrücken, die vor Kurzem dank einer Zusammenarbeit zwischen dem Architekten Kuehn Malvezzi und dem Bildhauer Michael Riedel erweitert wurde, empfängt eine Ausstellung des italienischen Künstlers Giuseppe Penone (ab dem 13.04.). Man wird den Papst der Arte Povera bewundern, der die Natur in seinen riesigen Installationen benutzt und hinterfragt. kulturbesitz.de Poly 219

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BRÈVES | in kürze

Basquiat © Jef Aérosol

Restauration du tableau de Pierre-Paul Prud’hon © MBA Dijon/F. Jay

STREET ART

MUSEUM Attention événement ! Après de longs travaux, dont la première phase débuta en 2008, et un chantier pharaonique, le Musée des BeauxArts de Dijon, une des institutions les plus anciennes et les plus riches de France, rouvre ses portes au public, vendredi 17 mai.

Achtung Ereignis! Nach langer Renovierung, deren erste Phase 2008 begann und einer riesigen Baustelle, werden die Musée des Beaux-Arts de Dijon, eine der ältesten und reichsten Institutionen Frankreichs am Freitag den 17. Mai wieder ihre Türen für das Publikum öffnen.

La monumentale et centenaire usine sidérurgique sarroise Völklinger Hütte accueille une nouvelle édition de son UrbanArt Biennale (14/04-03/11). 40 000 m2 de béton brut et d’acier, inscrits sur la liste du Patrimoine culturel mondial de l’Unesco, comme terrain de jeu pour des artistes à la renommés aussi grande que Shepard Fairey alias Obey The Giant, Jef Aérosol, Banksy, Blek le Rat, Cope2, Os Gêmeos, Swoon ou Vhils.

Die monumentale und ehrwürdige Eisen-und Stahlhütte Völklinger Hütte im Saarland, empfängt eine neue Auflage ihrer UrbanArt Biennale (14.04.-03.11.). 40 000 m2 roher Beton und Stahl, die zum Weltkulturerbe der Unesco gehören, werden zum Spielfeld für bekannte Künstler wie Shepard Fairey alias Obey The Giant, Jef Aérosol, Banksy, Blek le Rat, Cope2, Os Gêmeos, Swoon oder Vhils. voelklinger-huette.org

beaux-arts.dijon.fr

FOREST

© Selket Chlupka

Projet d’échange artistique entre Strasbourg et Stuttgart, l’exposition Der Wald / La Forêt est exposé dans cinq différents lieux de la capitale alsacienne (Galerie Decorde, AEDAEN Gallery, Lieu d’Europe et Librairie Kléber, 15/0405/05). Avec des œuvres d’Alain Eschenlauer, Fabienne Delude, Stephan Potengowski, Christian Voltz, etc.

Die Ausstellung Der Wald / La Forêt ist eine Ausstellung an verschiedenen Orten der elsässischen Hauptstadt, die aus einem Künstleraustausch zwischen Straßburg und Stuttgart resultiert (Galerie Decorde, AEDAEN Gallery, Lieu d’Europe und Librairie Kléber, 15.04.-05.05.). Mit Werken von Alain Eschenlauer, Fabienne Delude, Stephan Potengowski, Christian Voltz, etc. kunstbezirk-stuttgart.de Poly 219

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sommaire INHALTSVERZEICHNIS

19 Le cirque contemporain au festival Pisteurs d’étoiles

Zeitgenössischer Zirkus beim Festival Pisteurs d’étoiles

26 Femmes de feu, temps fort avec la crème du spectacle vivant

Femmes de feu, Höhepunkt mit dem Besten der Bühnenkunst

36 Star du festival Pelpass, Baloji compose une musique sans

frontières Baloji, der Star des Festivals Pelpass komponiert Musik ohne Grenzen

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38 Thylacine, petit prince de l’electro-world, à Nancy

Thylacine, kleiner Prinz der Elektromusik in Nancy

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DOSSIER BADEN-BADEN

68 John Nelson s’attaque à La Damnation de Faust de Berlioz

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John Nelson präsentiert La Damnation de Faust von Berlioz

72 La Lumière et la toile décrypte les liens entre peinture et

photographie Licht und Leinwand entschlüsselt die Beziehung zwischen Malerei und Photographie

82 La Fondation Beyeler met en lumière les périodes bleue et rose de Picasso !

Die Fondation Beyeler setzt die blaue und rosa Periode von Picasso in Szene!

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88 La photographe tarkovskienne Anne Immelé à la Fondation Fernet-Branca Die Photographin Anne Immelé in der Fondation FernetBranca

90 Blutch envahit sa ville natale aux Rencontres de l’illustration de Strasbourg Blutch erobert seine Geburtsstadt bei den Rencontres de l’illustration de Strasbourg

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94 La nouvelle saison des Staatliche Schlösser und Gärten Baden-Württemberg s’intéresse à la relation franco-allemande !

Die neue Saison der Staatlichen Schlösser und Gärten Baden-Württemberg interessiert sich für die deutschfranzösischen Beziehungen!

COUVERTURE Titelbild Dans une lumière ouatée, les deux danseuses de Cristiana Morganti – mythique interprète de l’immense Pina Bausch – se griment furtivement avec des masques dans A Fury Tale (voir page 26). La photographe de Wuppertal Claudia Kempf signe une image ultra esthétisante, douce comme le calme avant la tempête.

In einem gedämpften Licht verkleiden sich die Tänzerinnen von Cristiana Morganti – der legendären Interpretin der großen Pina Bausch – mit Masken in A Fury Tale (siehe Seite 26). Die Photographin Claudia Kempf aus Wuppertal liefert ein sehr ästhetisches, zartes Bild, das der Ruhe vor dem Sturm gleicht. claudiakempf.com

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OURS · ILS FONT POLY | IMPRESSUM · SIE MACHEN POLY

Ours

Liste des collaborateurs d’un journal, d’une revue (Petit Robert)

Emmanuel Dosda

Il forge les mots, mixe les notes. Chic et choc, jamais toc.

Son domaine de prédilection est au croisement du krautrock et de Buren.

Er schmiedet Worte, mixt Noten mit Chic und Schock, vorzugsweise an der Kreuzung von Krautrock und Burens Streifen. emmanuel.dosda@poly.fr

Impressum Liste aller Mitarbeiter einer Zeitschrift (Duden)

Thomas Flagel

Théâtre des Balkans, danse expérimentale, graffeurs sauvages… Sa curiosité ne connaît pas de limites. Il nous fait partager ses découvertes.

Balkantheater, experimenteller Tanz, afrikanische Autoren... seine Neugierde ist grenzenlos ! thomas.flagel@poly.fr

Sarah Krein

Cette française de cœur qui vient d’outre-Rhin a plus d’un tour dans son sac : traduction, rédaction, corrections… Ajoutons “coaching des troupes en cas de coup de mou”.

Diese Französin im Herzen ist mit allen Wassern gewaschen: Übersetzung, Redaktion, Korrektion... Fügen wir „Truppenmotivation im Falle von Durchhängern“ hinzu.

Anaïs Guillon

Entre clics frénétiques et plaisanteries de baraque à frites, elle illumine le studio graphique de son rire atomique.

Zwischen frenetischen Klicks und Wurstbuden-Humor erhellt sie das Graphik-Studio mit ihrem atomaren Lachen.

Julien Schick

Il papote archi avec son copain Rudy, cherche des morilles dans les forêts alsaciennes… Mais comment fait-il pour, en plus, diriger la publication de Poly ?

Er plaudert mit seinem Freund Rudy über Architektur, sucht Morcheln in den elsässischen Wäldern. Aber wie schafft er es nebenbei Herausgeber von Poly zu sein?

Éric Meyer

Ronchon et bon vivant. À son univers poétique d’objets en tôle amoureusement façonnés s’ajoute un autre, description acerbe et enlevée de notre monde contemporain.

Miesepeter und Lebenskünstler. Zu seinem poetischen Universum von Objekten aus Blech kommt ein weiteres hinzu, die bissige und virtuose Beschreibung unserer zeitgenössischen Welt, die er graviert.

Relax Bear © Hervé Lévy poly.fr RÉDACTION / GRAPHISME Redaktion/ Graphische Gestaltung redaction@poly.fr / +33 (0)3 90 22 93 49 Responsable de la rédaction Chefredakteur Hervé Lévy / herve.levy@poly.fr Rédacteurs Redakteure Emmanuel Dosda / emmanuel.dosda@poly.fr Thomas Flagel / thomas.flagel@poly.fr Traductrice (allemand) Übersetzerin (deutsch) Sarah Maria Krein / sarah.krein@bkn.fr Ont participé à ce numéro Haben an dieser Ausgabe teilgenommen Claire Lorentz-Augier, Stéphane Louis, Pierre Reichert, Irina Schrag, Laura Sifi, Daniel Vogel & Raphaël Zimmermann Graphistes Graphiker Anaïs Guillon / anais.guillon@bkn.fr Alicia Roussel / alicia.roussel@bkn.fr Anaïs Holtzer, stagiaire du studio graphique Développement web Webentwicklung Cécile Bourret / webmaster@bkn.fr Maquette Layout Blãs Alonso-Garcia en partenariat avec l’équipe de Poly © Poly 2019. Les manuscrits et documents publiés ne sont pas renvoyés. Tous droits de reproduction réservés.

Le contenu des articles n’engage que leurs auteurs.

ADMINISTRATION / publicité Anzeigenschaltung Directeur de la publication Herausgeber Julien Schick / julien.schick@bkn.fr Administration, gestion Geschäftsführung, abonnements +33 (0)3 90 22 93 30 Mélissa Hufschmitt / melissa.hufschmitt@bkn.fr Diffusion Vertrieb +33 (0)3 90 22 93 32 Vincent Bourgin / vincent.bourgin@bkn.fr Publicité Anzeigenschaltung : +33 (0)3 90 22 93 36 Julien Schick / julien.schick@bkn.fr Sarah Krein / sarah.krein@bkn.fr Linda Marchal-Zelfani / linda.m@bkn.fr

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Magazine mensuel édité par BKN Monatliches Magazin, herausgegeben von BKN +33 (0)3 90 22 93 30 S.à.R.L. au capital de 100 000 e 16 rue Édouard Teutsch – 67000 STRASBOURG Dépôt légal : mars 2019 SIRET : 402 074 678 000 44 – ISSN 1956-9130 Impression Druck : CE COMMUNICATION Kommunikation BKN Éditeur / BKN Studio – bkn.fr

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edito

tirs à l’akk-47 schüsse mit der akk-47 personne… Reste que la féconde relation entre les deux pays se vide insidieusement mais irrésistiblement de sa substance. Et de telles affirmations y contribuent. Pour éviter cela, un volontarisme débouchant sur des réalisations concrètes est nécessaire. AKK, qu’est ton amour pour l’Hexagone devenu, toi qui lançais la Stratégie France prévoyant que la Sarre – que tu dirigeais alors – serait le premier Land 100% bilingue du pays en 2043 ? Nous persistons à penser que le suc de la relation est composé d’actions individuelles (comme ce numéro de Poly) et d’une ambition politique. Les premières existent mais, sans les secondes, se résument à pisser dans un violon. On se réveille ?

G

G Par Von Hervé Lévy Illustration de von Éric Meyer pour für Poly

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eorg Blume vient de publier L’Ami indésirable (éditions Saint-Simon), essai questionnant la relation francoallemande, où le correspondant de Die Zeit à Paris se demande si la fin de la love story n’est pas proche. Pendant que les Champs brûlent, les symptômes de la détérioration s’accumulent, malgré les beaux discours d’apparence. Les affirmations à la hache d’Annegret Kramp-Karrenbauer, héritière annoncée d’Angela Merkel, souhaitant en finir avec le Parlement européen à Strasbourg, ne sont que la partie émergée de l’iceberg. Il est vrai que la task force en carton qui fait du lobbying pour la capitale alsacienne n’effraie

eorg Blume hat gerade L’Ami indésirable (Éditions Saint-Simon) herausgegeben, einen Essai der die deutschfranzösischen Beziehungen analysiert und in welchem der Korrespondent der Zeit in Paris sich fragt, ob das Ende der Love Story bevorsteht. Während die Champs-Élysées brennen, häufen sich die Symptome der Verschlechterung an, trotz aller schönen Diskurse. Die groben Behauptungen von Annegret KrampKarrenbauer, der angekündigten Erbin von Angela Merkel, die mit dem Europäischen Parlament in Straßburg Schluss machen will, sind nur die Spitze des Eisberges. In der Tat beeindruckt die fiktive Taskforce, die Lobbying für die elsässische Hauptstadt macht, keinen mehr... Die fruchtbare Beziehung zwischen den beiden Ländern verliert schleichend aber unaufhaltsam ihre Substanz. Und solche Aussagen tragen dazu bei. Um dies zu verhindern ist ein Durchsetzungsvermögen nötig, dass in konkreten Umsetzungen mündet. AKK, was ist aus deiner Liebe zum Hexagon geworden, Du, die die Frankreichstrategie ins Leben rief, die vorsah, dass das Saarland – an deren Spitze du damals standest – bis 2043 das erste 100% zweisprachige Bundesland sein sollte? Wir denken weiterhin, das der Saft der Beziehung aus individuellen Aktionen besteht (wie diese Ausgabe von Poly) sowie einer politischen Ambition. Erste existieren bereits, aber ohne den zweiten Schritt führen Sie ins Leere. Wachen wir auf?

chroniques

Miroir, 2015, Salar de Uyunil Bolivie, couverture de la publication Elina © François Klein

MISSION IMPOSSIBLE

ALMA ET CÆTERA

FORBIDDEN PLANET

Dans le bilingue Récital de Verdun avec un prélude de Philippe Claudel, traduit par Irène Kuhn, Gilles Marie raconte l’impossible : un soldat qui rêve d’un concert pendant les combats de la Première Guerre mondiale et cette petite maison qu’il aperçoit entre les deux lignes de front. Elle devient l’objet de ses rêves les plus fous, espace de paix fantasmée au milieu des trous d’obus… (S.M.K.)

Ombres sonores cuivrées et rêves liquides dans une jungle de notes bleues.

Rythmes cubains et jazz désaxé. Les Chapeaux Noirs, quatuor strasbourgeois, vient d’accoucher d’Alma, album hommage à la nouvelle génération à laquelle on lègue un monde plein de Déséquilibres, mais aussi d’immortelles beautés et un héritage musical d’une infinie richesse. (E.D.)

Elina est une sculpture fugitive : créée en briques de sel dans un désert immaculé par le plasticien strasbourgeois Guillaume Barth, elle prend la forme d’un dôme, et, grâce à l’effet miroir de l’eau sur le sol, devient sphérique. Il a fallu attendre la pluie pour qu’apparaisse cette planète éphémère, née… et détruite par l’eau. Cette étoile fondante revit grâce à une édition franco-allemande qui retrace une aventure artistique, mystique et astronomique. (E.D.)

Mit dem zweisprachigen Solist in Verdun mit einem Vorspiel von Philippe Claudel, übersetzt von Irène Kuhn, erzählt Gilles Marie das Unmögliche: Ein Soldat, der während der Kämpfe des Ersten Weltkrieges von einem Konzert träumt und dieses kleine Haus, das er zwischen den Fronten betrachtet. Es wird zum Objekt seiner verrücktesten Träume, ein Ort des erträumten Friedens inmitten der Explosionskrater...

Paru chez Erschienen bei Lindemanns Bibliothek (9,95€) infoverlag.de

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Kupferne Klangschatten und flüssige Träume in einem blauen Notendschungel. Kubanische Rhythmen und unsteter Jazz. Les Chapeaux Noirs, ein Quartett aus Straßburg, haben gerade Alma geboren, ein Hommage an eine neue Generation, der wir eine Welt voller Ungleichgewicht, aber auch von unsterblicher Schönheit und ein musikalisches Erbe von unendlichem Reichtum hinterlassen. Édité par Erschienen bei Jazzin’ Translation et und La Coda (15 €) leschapeauxnoirs-jazz.com

Elina ist eine flüchtende Skulptur: Aus Salz-Backsteinen in einer makellosen Wüste vom Straßburger Bildhauer Guillaume Barth geschaffen, nimmt sie die Form eines Kuppel an, die dank des Spiegeleffekts des Bodens zur Kugel wird... bevor das Wasser sie zerstört.

Dieser schmelzende Stern wird dank einer deutsch-französischen Ausgabe wieder auferstehen, die ein künstlerisches, mystisches und astronomisches Abenteuer nacherzählt. Édité par Erschienen bei le CEAAC (20 €) ceaac.org

chroniken

LE GRAND TOUT

Le monde selon Falk

POETIC LANDSCAPES

Les éditions strasbourgeoises La dernière goutte publient un second roman de Kareen De Martin Pinter. Après Le Cœur léger (2015), elle nous entraîne dans la beauté des profondeurs happant les apnéistes en quête de record. Avec ces airs de Grand Bleu, nous suivons la quête de Giuliano, sa préparation et sa fascination pour la mer, le contrôle de son corps soumis à rude épreuve.

Cette fausse piste laisse rapidement place à une introspection hallucinée aux ressorts mystérieux dans la mémoire du plongeur. Suivant les mots de son mentor Maurizio – « Oublie que tu respires » – il se perd en lui-même, mélangeant époques, réalité et souvenirs, comme des voiles successifs balayés par la houle. Dans ce qui ne dure peut-être que le temps d’une apnée, se mêlent culpabilité et deuil impossible, fascination pour les Amas japonaises, douleurs physiques et plénitude silencieuse et contemplative. (T.F.)

Le 5e numéro de Parages, revue du Théâtre national de Strasbourg, est dédié à Falk Richter. 184 pages contenant deux textes inédits – dont La Nuée / Paradise Lost qui clôturait sa dernière mise en scène, I am Europe – et un extrait de son journal intime. Stanislas Nordey revient sur les raisons l’unissant à son Ami allemand, « chroniqueur de l’actualité » à la « conscience inquiète et agitée ». Travaillant le « plateau de l’intranquilité », il se fait « auteur d’acteurs » et « écrit comme un porte-voix ». Frédéric Vossier, directeur éditorial, évoque un homme du système, en colère, construisant un théâtre du discours dont la peur serait le centre. Il voit son œuvre comme « le miroir cynique et mélancolique d’un monde à l’agonie… » Parmi les contributions, Sonia Chiambretto entremêle son écriture à Je suis Fassbinder dont Bérénice Hamidi-Kim dissèque les sentiments du populisme. (T.F.)

Synthèse de 20 ans de travail de l’Observatoire photographique du Parc naturel régional des Vosges du Nord, Paysage Temps regroupe des clichés de Thierry Girard. Au fil des pages, la poésie grande des images saisit le lecteur. Plongée dans une périphérie séduisante, cet ouvrage houellebecquien aligne RN jouxtée de bâtiments neufs, nobles usines du XIXe perdues dans la contemporanéité ou zone commerciale mélancolique. (H.L.)

Paru à La dernière goutte (15 €) ladernieregoutte.fr

Édité par le TNS (15 €) tns.fr

Paru aux Erschienen bei éditions Loco (32 €) editionsloco.com – parc-vosges-nord.fr

Als Synthese von 20 Jahren Arbeit des Photographischen Observatoriums des Regionalen Naturparks der Nordvogesen vereint Paysage Temps Bilder von Thierry Girard. Im Laufe der Seiten ergreift die Poesie der Bilder den Leser. Dieses Werk à la Houellebecq reiht Nationalstraßen, die von Neubauten gesäumt werden, edle Fabriken aus dem 19. Jahrhundert die im Heute verloren sind und melancholische Supermarktkomplexe aneinander.

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festival

lunéville de rêve Les créations transdisciplinaires de la 8e édition de FACTO questionnent la ville avec une poésie singulière.

lunéville im traum Die fächerübergreifenden Kreationen der 8. Auflage von FACTO behandeln die Stadt mit einer besonderen Poesie.

Par Von Claire Lorentz-Augier Photo de von Nicolas Lelièvre

Au Théâtre et dans d’autres lieux (Lunéville), du 23 avril au 4 mai Im Theater und an anderen Orten (Lunéville), vom 23. April bis 4. Mai lameridienne-luneville.fr

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Voir Poly n°207 ou sur poly.fr

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ACTO, pour Festival pour des Arts Croisés et un Théâtre Original. Depuis 2012, cet événement hybride porté par La Méridienne invite les spectateurs à jeter un regard décalé sur la création contemporaine.

Son édition 2019 fait la part belle à l’architecture et aux mutations urbaines. « Dans quelles villes voulons-nous vivre ? » : Telle est la question qui sous-tend la programmation.

La carte postale sonore de la Cie Ouië/Dire, l’improvisation collective Camping interdit et le spectacle de papier augmenté Villes de papier de La bande passante y répondent partiellement, tout en rendant hommage à l’architecture utopique. Les formes participatives également : théâtre musical d’ombres et d’objets (Les Somnambules), installation Une Cabane en ville signée Ramona Poenaru et Gaël Chaillat, performances lumineuses sur les sols et la façade du théâtre… Elles sont,

pour la plupart, accessibles à tous les publics – pas besoin d’être francophone –, FACTO se voulant un lieu de débat ouvert. Le spectacle de clôture est à l’image de ce rendezvous surprenant. À mi-chemin entre land art et performance, l’œuvre acrobatique Floe de l’Association W* (en photo) se fondra dans le paysage somptueux du parc du château afin d’en prolonger l’horizon.

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ACTO, das Festival für Künste und Originelles Theater, das seit 2012 von La Méridienne organisiert wird, lädt die Zuschauer dazu ein, einen neuen Blick auf die zeitgenössische Kreation zu werfen. Seine Auflage 2019 befasst sich mit Architektur und urbanen Veränderungen. „In welchen Städten wollen wir wohnen?“: Das ist die Frage, die dem Programm zugrunde liegt. Die musikalische Postkarte der Compagnie Ouië/ Dire, die kollektive Improvisation Camping interdit und die Papier-Vorführung Villes de papier von La bande passante antworten zum Teil darauf und würdigen gleichzeitig die utopische Architektur. Die partizipativen Formen ebenfalls: Musikalisches Schattenund Objekttheater (Les Somnambules), die Installation Une Cabane en ville von Ramona Poenaru und Gaël Chaillat, Lichtperformances auf dem Boden und der Fassade des Theaters… Sie sind zum Großteil für jedes Publikum – man muss kein Französisch verstehen –, denn FACTO versteht sich als Ort der offenen Diskussion. Die abschließende Aufführung entspricht voll und ganz dem Bild dieser überraschenden Veranstaltung. Auf halbem Weg zwischen Land Art und Performance, verschmilzt das akrobatische Werk Flo von Association W* (siehe Photo) mit der prächtigen Landschaft des Schlossparks.

circus maximus Pour sa 24e édition, le festival Pisteurs d’étoiles explore les arcanes de la création circassienne contemporaine.

Für seine 24. Ausgabe erkundet das Festival Pisteurs d’étoiles die zeitgenössische Zirkuskreation.

Par Von Claire Lorentz-Augier Photo de von Miguel Bartolome

Sous chapiteau (Obernai), du 26 avril au 4 mai Im Zirkuszelt (Obernai), vom 26. April bis 4. Mai pisteursdetoiles.com

* Également devant l’Église SainteJeanne-d'Arc et place d'Austerlitz (Strasbourg) du 27 au 30 mai Ebenfalls vor der Église SainteJeanne-d'Arc und auf der Place d'Austerlitz (Straßburg) vom 27. bis 30. Mai – maillon.eu

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euf jours, vingt-sept représentations, quarante-cinq artistes : Pisteurs d’étoiles s’impose comme un rendezvous incontournable des arts du cirque. Sur un ton de joyeuse impertinence, l’édition 2019 convie des compagnies venues de l’Europe entière, dévoilant le travail de créateurs émergents comme La Chose, exploration improbable de notre rapport à la chevelure par la Compagnie Le Jardin des Délices ou Monstro (en photo), du Collectif Sous le Manteau. Rassemblant sept circassiens et un musicien, ce spectacle renversant repousse les limites du mât chinois. Se dévoilent aussi la Compagnie Rasposo qui propose un travail autour de la femme de cirque (La DévORée) et le spectacle PAKMAN *, dans lequel Stijn Grupping et Frederik Meulyzer invitent le public à partager un dialogue frénétique entre balles bondissantes et percussions autour d’un homme traversant dont la mission est de distribuer des colis à l’heure. Sa vie est réglée comme du papier à musique jusqu’à ce que tout s’emballe ! Enfin, cette programmation exigeante et hardie sera prolongée, pendant toute la durée de l’événement, par des moments conviviaux : ateliers, balades contées, pique-nique “enjonglé”, soirées DJ, etc.

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Tage, 27 Aufführungen, 45 Künstler: Pisteurs d’étoiles ist das unumgängliche Ereignis der Zirkuskünste. Die diesjährige Ausgabe lädt Zirkustruppen aus ganz Europa ein, präsentiert die Arbeiten von aufstrebenden Kreativen wie La Chose, eine unwahrscheinliche Erkundung unserer Beziehung zu Haaren von der Compagnie Le Jardin des Délices oder Monstro (siehe Photo), vom Collectif Sous le Manteau. Diese Vorstellung, die sieben Zirkuskünstler und einen Musiker vereint, geht über die Grenzen des Chinesischen Mastes hinaus. Zu entdecken ist auch die Compagnie Rasposo, die eine Arbeit rund um die Zirkusfrau präsentiert (La DévORée) sowie die Nummer PAKMAN *, in der Stijn Grupping und Frederik Meulyzer das Publikum dazu einladen einen frenetischen Dialog zwischen umherspringenden Bällen und Schlagzeugen zu hören, in deren Mitte sich ein Mann befindet, dessen Mission darin besteht Pakete pünktlich zu liefern. Sein Leben ist geregelt wie Notenpapier, bis alles verrückt spielt! Das vielfältige Programm wird während des gesamten Festivals von geselligen Momenten begleitet: Ateliers, Erzähl-Ausflüge, Picknick für Jongleure, DJ-Abende, etc.

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envers et avec tous Festival dédié aux ados, la Semaine Extra du Nord Est Théâtre propose huit pièces pour sa cinquième édition à Thionville.

Par Thomas Flagel Photo de Pronom par Caroline Ablain Au Théâtre en Bois, au cinéma Scala, aux cités scolaires Charlemagne et Hélène Boucher et au Théâtre de Thionville, du 30 mars au 3 avril nest-theatre.fr

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n connaissait l’amour de David Lescot pour la musique, mais pas celui pour l’histoire du hip-hop. Dans Master, l’auteur invente un cours entièrement dédié à ce courant musical. Dans un lycée, un prof donne la leçon à un élève, entre origines du mouvement – de Rapper’s Delight aux États-Unis à Chagrin d’amour, premier rap français –, interrogation orale sur les cinq composantes du genre et regard lucide. « Le rap est né et mort dans les médias avant de renaître dans les cités. Une histoire qui commence mal, même Annie Cordy a mis un morceau qui s’appelait Et Je smurfe en face B de son 45 tours Choubidou. » Érudite et drôle, cette pièce montée par Jean-Pierre Baro, finit en clash entre « keuf du rap » et jeune freestyler en devenir. D’histoire il est aussi question dans Blanche Neige ou la chute du mur de Berlin. La compagnie La Cordonnerie propulse le conte à la fin de la Guerre froide : Blanche, jeune fille révoltée enfermée dans la plus haute tour d’une cité HLM, renouera-t-elle avec sa sévère belle-mère ?

Une interrogation sur les conséquences des bouleversements du monde dans nos vies. Le genre, l’identité sexuelle et le regard sociétal sur la différence sont au cœur de Pronom

et Change Me. Créée pour le festival, la première, mise en scène par Guillaume Doucet, évoque l’amour de deux lycéens. L’un d’eux, Isabella, a décidé d’assumer son sentiment masculin et de débuter son changement de genre. À grand renfort de vannes sans fard sur un rythme enlevé, on suit habilement son parcours chaotique du lycée à sa famille, mais aussi celui de Josh, son petit ami confronté à sa décision de devenir Dean. S’il l’aime sincèrement, il n’est pas gay pour autant… Dans Change Me de la compagnie Mauvais Sang, un jeune transgenre qui faisait croire à tous qu’il était un homme voit son identité révélée lors d’une soirée d’anniversaire trop arrosée.

Il se retrouve confronté à la violence physique des garçons qui l’entourent. Invitation au voyage, Vénézuela, tiré d’un texte de Guy Helminger, nous emmène auprès d’ados jouant les héros la nuit venue, “surfant” sur des trains en marche. L’un d’eux n’en réchappe pas et la bande décide de cacher ce drame au plus fragile du groupe, racontant qu’il est parti… au Vénézuela. Entre danse et vidéo se dessine de puissants sentiments et envies de vivre redonnant aux plus mal lotis une réelle grandeur d’âme.

rice cooker story Pour la biennale suisse It’s The Real Thing – Basel Dokumentartage 19, le sud-coréen Jaha Koo revisite la crise de son pays dans Cuckoo.

Für die Schweizer Biennale It’s The Real Thing – Basel Dokumentartage 19, interpretiert der Südkoreaner Jaha Koo die Krise seines Landes in Cuckoo neu.

Par Von Irina Schrag Photo de von Radovan Dranga

À la Reithalle Wenkenhof (Bâle), mercredi 10 avril (en coréen surtitré anglais et en allemand) dans le cadre d’It’s The Real Thing (10-15/04) In der Reithalle Wenkenhof (Basel), am Mittwoch den 10.

April (in koreanisch mit englischen und deutschen Übertiteln) im Rahmen von It’s The Real Thing (10.-15.04.) kaserne-basel.ch itstherealthing.ch

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édiée à la performance comme aux arts documentaires et de propagande, It’s The Real Thing invite cette année Jaha Koo à Bâle. Un artiste sud-coréen, performer et compositeur (sous le pseudo GuJAHA), qui a fait du multimédia son terrain de jeu pour parler de choses intimes toujours liées au politique. Ainsi en va-t-il de Cuckoo, spectacle tournant autour de trois modèles de cuiseur à riz, indispensable ustensile de toute cuisine de son pays. Hackés par ses soins, ils déroulent des textes de leur voix robotique, clignotent et s’invectivent à distance, revenant – comme s’ils étaient ses seuls amis – sur la crise qui ravagea la Corée du Sud dans les années 1990, comparable à celle de la Grèce avec intervention du FMI et impérialisme américain à peine voilé entraînant faillites en masse, chômage endémique et augmentation en flèche du taux de suicide. À grand renfort d’images de manifestations virant à l’émeute entre citoyens déterminés à hurler leur colère et forces de l’ordre ne rechignant pas à étouffer les débordements, se construit une réflexion sur le mal-être de la génération ayant grandi avec ce traumatisme dont l’isolement individuel, la fixation sur l’apparence et l’inadaptation sociale ne sont que quelquesuns des symptômes.

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t’s The Real Thing, das der Performance aber auch der Dokumentar-und Propagandakunst gewidmet ist, lädt in diesem Jahr Jaha Koo nach Basel. Ein südkoreanischer Künstler, Performer und Komponist (mit dem Pseudonym GuJAHA), der aus Multimedia sein Spielfeld gemacht hat, um über intime Dinge zu sprechen, die immer mit Politik in Verbindung stehen. So ist es mit Cuckoo, einer Aufführung, die sich um drei Modelle von Reiskochern dreht, einem unabkömmlichen Gerät jeder Küche seines Landes.

Von ihm gehackt spucken sie mit Roboterstimme Texte aus, blinken und beleidigen sich gegenseitig aus der Entfernung, und kommen auf die Krise zurück, die Südkorea in den 1990er Jahren vernichtete, die mit jener in Griechenland zu vergleichen ist, mit dem Eingreifen des IWFs und dem kaum verhüllten amerikanischen Imperialismus, die massenhafte Bankrotte, eine ständige Arbeitslosigkeit und eine blitzartig ansteigenden Selbstmordrate hervorriefen. Mithilfe von Bildern von Demonstrationen, die zu Unruhen zwischen Bürgern und Ordnungskräften wurden, baut sich eine Überlegung zum Unbehagen einer Generation auf, die mit diesem Trauma aufgewachsen ist und deren Isolation, Fixierung auf Äußerlichkeiten und soziale Unangepasstheit nur einige Symptome darstellen.

children of the night En création mondiale au Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg pour Kind, la compagnie Peeping Tom clôt sa trilogie autour de la famille.

Mit der Uraufführung von Kind beendet die Tanzkompagnie Peeping Tom im Grand Théâtre der Stadt Luxemburg ihre Trilogie zur Familie.

Par Von Thomas Flagel Photo de von Diane Fourdrignier

Au Grand Théâtre (Luxembourg), mardi 23 et mercredi 24 avril Im Grand Théâtre (Luxemburg), am Dienstag den 23. und Mittwoch den 24. April theatres.lu

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vec ses incroyables danseurs ralentissant le temps, se contorsionnant en des postures défiant la gravité et la biomécanique, la troupe menée depuis plusieurs décennies par le duo Gabriela Carrizo / Franck Chartier fascine les amateurs de danse-théâtre. Ce dernier signait Vader (Père) en 2014, plongée dépoussiérante en plein hospice alors que sa comparse dirigeait Moeder (Mère) en 2016, musée familial aussi vivant que flippant où les tableaux prenaient vie et dont les visiteurs se voyaient pris en otage. Ils dirigent ensemble la chorégraphie de Kind (Enfant), dernier volet autour des émotions se cachant dans les constellations filiales. Si les plus jeunes ont toujours eu une place dans leur travail, ils n’en ont jamais constitué le centre. Nous retrouverons les peurs, les désirs et les frustrations agitant le monde tel qu’ils le perçoivent. Affect, imaginaire débordant et expressivité débridée nourrissent les mouvements d’interprètes fidèles, toujours en recherche de gestes à même de composer un langage corporel renouvelé.

Comme toujours se mêlent des générations différentes, des professionnels aguerris et des amateurs dessinant une condition humaine prête à basculer dans les affres qui la tourmentent, du cauchemar éveillé aux visions hilarantes.

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it seinen unglaublichen Tänzern, die die Zeit anhalten, mit ihren Stellungen, die Schwerkraft und Biomechanik herausfordern, fasziniert die Gruppe, die seit mehreren Jahrzehnten von Gabriela Carrizo und Franck Chartier geleitet wird, die Liebhaber des Tanz-Theaters.

Letzterer präsentierte 2014 Vader (Vater), einen Einblick in ein Altenheim, während seine Komparsin 2016 Moeder (Mutter) leitete, ein ebenso erschreckendes wie lebendiges Familienmuseum, in dem die Gemälde zum Leben erweckt werden und den Besucher in Geiselhaft nehmen. Gemeinsam choreographieren sie Kind, den letzten Teil rund um die Gefühle, die in Eltern-Kind-Beziehungen versteckt sind. Auch wenn die Jüngsten immer Teil ihrer Arbeit waren, standen sie noch nie im Zentrum. Wir sehen ihre Ängste, ihre Wünsche und Frustrationen, die die Welt bewegen, die sie wahrnehmen. Affekt, überbordende Phantasie und Ausdruckskraft nähren die Bewegungen der treuen Interpreten, die immer auf der Suche nach neuen Gesten sind.

Wie immer mischen sich verschiedene Generationen, Profis und Amateure bilden eine Natur des Menschen ab, die bereit ist sich in die Qualen zu stürzen, die sie plagen, vom wachen Albtraum zu urkomischen Visionen.

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raconteur d’histoires Faustin Linyekula partage le récit oublié des combattants congolais durant les deux Guerres mondiales. Statue of Loss, retisse des liens africano-européens.

geschichtenerzähler Faustin Linyekula teilt die vergessene Geschichte der kongolesischen Kämpfer im Zweiten Weltkrieg. Statue of Loss, verknüpft die afrikanisch-europäischen Verbindungen neu. fondateur de l’Union congolaise et grand artisan du panafricanisme – réclamait l’érection d’un Monument aux combattants à l’embouchure du fleuve Congo. Le projet ne vit jamais le jour mais cette histoire traverse le corps de Faustin Linyekula, révèle et partage les destins personnels, les ruines de rêves déchus.

S Par Von Thomas Flagel Photo de von Andreas Etter

À la Forge Gendarme (Vrigneaux-bois), mardi 23 avril puis à l’Espace Jean Vilar (Revin), vendredi 26 avril et au Musée Guerre et Paix en Ardennes (Novion-Porcien), dimanche 28 avril In der Forge Gendarme (Vrigne-aux-bois), am Dienstag den 23. April, dann im Espace Jean Vilar (Revin), am Freitag den 26. April und im Musée Guerre et Paix en Ardennes (Novion-Porcien), am Sonntag den 28. April manege-reims.eu

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epuis son retour dans le Zaïre de son enfance devenu République démocratique du Congo, Faustin Linyekula s’est installé à Kisangani. L’homme de théâtre, performeur et chorégraphe se disant « simple raconteur d’histoires », y a créé les Studios Kabako : lieu de vie, de création et de production pour les jeunes artistes du continent. Dans Statue of Loss, il retrouve son complice et guitariste Zing Kapaya pour un travail autour de l’histoire commune de l’Afrique et de l’Europe. Le visage et le corps enduits de peinture, sa performance dansée et chantée s’appuie sur l’énumération des noms des soldats congolais morts au front avec l’armée belge, nation qui les avait asservis à des milliers de kilomètres de leur pays.

L’artiste reprend un projet avorté : en 1923, Paul Panda Farnana – ancien combattant, diplômé d’université à Paris et en Belgique,

eit seiner Rückkehr in das Zaire seiner Kindheit, das zur Demokratischen Republik Kongo geworden ist, hat sich Faustin Linyekula in Kisangani installiert. Der Theatermann, Performer und Choreograph, der sich als „einfachen Geschichtenerzähler“ beschreibt, hat dort die Kabako-Studios gegründet: Einen Ort des Lebens, der Kreation und der Produktion für junge Künstler des Kontinents. In Statue of Loss trifft er wieder auf seinen Komplizen Zing Kapaya, für eine Arbeit rund um die gemeinsame Geschichte Afrikas und Europas. Gesicht und Körper mit Farbe eingerieben, stützt sich seine getanzte und gesungene Performance auf die Aufzählung der Namen der kongolesischen Soldaten, die an der Front mit der belgischen Armee – tausende Kilometer von ihrer Heimat entfernt – gefallen sind, einer Nation, die sie unterworfen hatte.

Der Künstler nimmt ein nie umgesetztes Projekt wieder auf: Im Jahr 1923, forderte Paul Panda Farnana – ein ehemaliger Kämpfer, Absolvent französischer und belgischer Universitäten, Gründer der Kongolesischen Union und großer Akteur des Panafrikanismus – ein Monument zu Ehren der Soldaten an der Mündung des Flusses Kongo. Das Projekt wurde nie umgesetzt, aber diese Geschichte durchdringt den Körper von Faustin Linyekula, enthüllt und teilt die persönlichen Schicksale, die Ruinen der gefallenen Träume.

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free party Dans Crowd, Gisèle Vienne ralentit le tempo des gestes d’une foule de jeunes lors d’une fête techno underground.

In Crowd, verlangsamt Gisèle Vienne das Tempo der Gesten einer Masse von jungen Menschen bei einer Underground-Techno-Party.

Par Von Thomas Flagel Photo de von Estelle Hanania

Au Carreau (Forbach), jeudi 4 avril Im Carreau (Forbach), am Donnerstag den 4. April carreau-forbach.com Au Künstlerhaus Mousonturm (Francfort-sur-le-Main), jeudi 2 et vendredi 3 mai Im Künstlerhaus Mousonturm (Frankfurt am Main), am Donnerstag den 2. und Freitag den 3. Mai mousonturm.de g-v.fr

L’

atmosphère de beats electro minimalistes, choisis par KTL pour bande son puissante en BPM, traverse les hits made in Detroit et Berlin. Au sol, de la terre jonchée de détritus en plastique d’une soirée où l’alcool coule à flots. Une quinzaine de danseurs pénètre sur le plateau, au ralenti, un à un. Crowd explore les pulsions intimes, l’érotisme lascivement charnel et cette zone indécise où le réel se tord sous les puissants assauts du désir. L’artiste franco-autrichienne distord le temps, brouille les repères en manipulant toute une palette d’effets cinématographiques pour orienter nos regards. Les jeunes fêtards se statufient, multipliant des mouvements cadencés comme dans un rembobinage sans fin des mêmes séquences. Les gestes saccadés et les ruptures de rythme reproduisant l’effet d’un stroboscope renforcent l’impression d’un spectacle sous opiacés, en slow-motion. La pièce peine pourtant à nous emporter : tout, dans ce jeu de la tentation nocturne, est trop bien rangé. La violence qui point s’éteint dans l’œuf et le rituel collectif, aussi clean que propret, manque de folie, de sueur et de larmes.

D

ie Atmosphäre der minimalistischen Elektro-Beats, die von KTL als starker Soundtrack in BPM ausgewählt wurde, durchzieht die Hits made in Detroit und Berlin. Auf dem Boden Erde, die mit Plastikmüll eines Abends bedeckt ist, bei dem der Alkohol in Strömen fließt. Crowd erkundet die intimen Triebe, die lasziv fleischliche Erotik und diese unscharfe Zone, in der sich die Realität unter dem gewaltigen Ansturm des Verlangens verformt. Die französischösterreichische Künstlerin verzerrt die Zeit, indem sie eine ganze Palette von Filmeffekten benutzt. Die jungen Nachtschwärmer werden zu Statuen, machen zahlreiche rhythmische Bewegungen, wie in einem unendlichen Zurückspulen der selben Videosequenz. Die abgehackten Gesten und Rhythmus-Brüche, die den Eindruck eines Stroboskops erzeugen, verstärken den Eindruck einer Aufführung unter Opium, in Slow-Motion. Das Stück tut sich trotzdem schwer damit, uns mitzureißen: In diesem Spiel der nächtlichen Versuchung ist alles zu aufgeräumt. Die aufkommende Gewalt, erlischt sofort und dem kollektiven Ritus, der so sauber wie adrett ist, fehlt es an Verrücktheit, Schweiß und Tränen.

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riot grrrl À cheval sur Montbéliard et Belfort, le festival Femmes de feu convie la crème de la crème du spectacle vivant. Âmes sensibles, passez votre chemin.

Genau zwischen Montbéliard und Belfort lädt das Festival Femmes de feu die Crème de la Crème der Bühnenkunst ein. Nichts für Sensible!

Par Von Thomas Flagel Photo de von Dju-Dju par von Alejandro Espadero

Freak Cabaret, Dakh Daughters, au Théâtre Le Granit (Belfort), mardi 2 avril A Fury Tale, Cristiana Morganti, au Théâtre de Montbéliard, jeudi 4 avril Dju-Dju, Israel Galván, au Théâtre Le Granit (Belfort), vendredi 5 avril Les Secrets d’un gainage efficace des Filles de Simone, au Théâtre de Montbéliard, samedi 6 avril Freak Cabaret, Dakh Daughters, im Théâtre Le Granit (Belfort), am Dienstag den 2. April A Fury Tale, Cristiana Morganti, im Théâtre de Montbéliard, am Donnerstag den 4. April Dju-Dju, Israel Galván, im Théâtre Le Granit (Belfort), am Freitag den 5. April Les Secrets d’un gainage efficace des Filles de Simone, im Théâtre de Montbéliard, am Samstag den 6. April magranit.org

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e rapprochement amorcé entre MA scène nationale et Le Granit a fait long feu, les élus des deux villes et de l’aire urbaine n’arrivant pas à s’accorder sur une gouvernance et un financement commun pour donner corps à l’une des scènes nationales phares du territoire. Le temps fort imaginé par Yannick Marzin rayonnera tout de même de sa fougue dans les deux équipements.

Programme alléchant s’il en est, Femmes de feu débute avec le show des Dakh Daughters, sorte de Pussy Riot ukrainiennes à qui l’ont doit notamment l’hymne de la révolution Euromaïdan de 2013, le bien nommé Donbass.

Les sept furies à l’esprit punk reprennent aussi bien des sonnets shakespeariens que les vers de Mykhal Semenko (fondateur du futurisme ukrainien), Heiner Müller ou Charles Bukowski (Freedom). Leur cabaret performatif, expérimental et ultra revendicatif touche l’âme et broie les dogmes comme les esprits étriqués. Il reflète le désir de liberté d’une jeunesse éreintée sous l’influence russe et sa domination militaire.

Quelque chose de Pina Danseuse mythique de Pina Bausch, Cristiana Morganti signe sa troisième pièce. A Fury Tale n’a rien d’un conte de fées : Anna et Breanna, deux danseuses incroyablement douées se toisent et se défient dans un grand huit émotionnel sans répit. De Bach aux frappadingues sud-africains de Die Antwoord, elles se jouent des rythmes et des changements de lumière, du mobilier comme de la fumée envahissant le plateau. Avec une liberté rare, le duo, déconcertant de facilité, enchaîne sautillements sur une sonate, mouvements

décalés et désaxés nous entraînant loin de toute raideur et tenue classique pour filer vers une traversée hantée de chants mystiques devant des branchages nocturnes. Les monstres naissant sous leurs traits disparaissent dans l’incarnation débridée d’interprètes qui jouent de leur corps comme d’une patte à modeler infinie. De la douceur à l’hystérie pure, leurs accès de rage se font aussi vifs que fugaces, exploration sans limite d’une théâtralité se moquant de leurs propres rêves de carrière et de vie bien rangée (avec chiens et enfants, maison de vacance en Hollande et feu de cheminée…). Tout est prétexte aux sentiments s’échappant tel un parfum de tous leurs pores jusque dans une incroyable marche à 90 degrés, pieds contre pieds. Autre casseur de dogmes et réinventeur de traditions, Israel Galván plonge dans les superstitions my(s)thiques du flamenco avec Isabel Bayón. Dans la première française de Dju-Dju, il convoque les forces occultes des esprits, restes d’envoutements et de pratiques gitanes contenus dans les rituels de cette danse… magique.

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ie Annäherung zwischen MA scène nationale und Le Granit ist gescheitert, da die Politiker der beiden Städte und der Metropolregion sich nicht auf eine gemeinsame Verwaltung und Finanzierung einigen konnten, um einer der größten Bühnen des Landes Leben einzuhauchen. Der von Yannick Marzin erdachte Höhepunkt wird trotzdem die beiden Einrichtungen bespielen.

Das Programm von Femmes de feu beginnt mit der Show von Dakh Daughters, einer Art Pussy Riot aus der Ukraine, denen man unter anderem die Hymne der Euromaidan-

Revolution von 2013, den Donbass verdankt. Die sieben Furien mit Punk-Geist interpretieren ebenso Sonette von Shakespeare wie Verse von Mychajlo Semenko (Begründer des ukrainischen Futurismus), Heiner Müller oder Charles Bukowski (Freedom) neu. Ihr Performance-Kabarett, das ebenso experimentell wie fordernd ist, berührt die Seele und zerhackt die dogmatischen und kleinkarierten Geister.

Es spiegelt den Wunsch einer von den russischen Einflüssen und der Militärherrschaft völlig erschöpften Jugend nach Freiheit wider.

Etwas von Pina Die legendäre Tänzerin von Pina Bausch, Cristiana Morganti präsentiert ihr drittes Stück. A Fury Tale hat nichts Märchenhaftes: Anna und Breanna, zwei unglaublich talentierte Tänzerinnen, mustern sich gegenseitig und fordern sich in einer emotionalen Achterbahnfahrt heraus. Von Bach zu den bekloppten Südafrikanern von Die Antwoord spielen sie mit Rhythmen und Licht, Möbeln oder auch Rauch, der auf die Bühne strömt. Mit einer seltenen Freiheit reiht das Duo mit erstaunlicher Einfachheit Hüpfbewegungen zu einer Sonate

und verzerrte Bewegungen aneinander, weit ab von jeglicher Klassik, bis zu einer Überfahrt zu mystischen Gesängen vor nächtlichem Geäst. Die Monster, die aus ihren Zügen entstehen, verschwinden in der ungezügelten Inkarnation von Interpreten, die mit ihrem Körper wie mit einer unendlichen Knetmasse spielen. Von Sanftmut zu reiner Hysterie, werden ihre Wutanfälle ebenso lebendig wie flüchtig, eine grenzenlose Erkundung einer Bühnenwirkung, die sich über ihre eigenen Träume von einer Karriere und einem geordneten Leben lustig macht (mit Hunden und Kindern, Ferienhaus in Holland und Kaminfeuer...). Alles ist ein Vorwand für Gefühle, die wie ein Parfüm aus allen ihren Poren aufsteigen, bis hin zu einem unglaublichen Gang im rechten Winkel, Fuß an Fuß. Ein anderer Zerstörer von Dogmen und Neuerfinder von Traditionen ist Israel Galván, der mit Isabel Bayón in den mystischen Aberglauben des Flamencos abtaucht. In der Frankreichpremiere von Dju-Dju ruft er die okkulten Mächte der Geister an, die Reste von Zauber und Zigeunerpraktiken, die in den Ritualen dieses magischen Tanzes inbegriffen sind.

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balance ton corps Pièce créée l’été dernier au Festival d’Avignon par Phia Ménard, Saison sèche est une invitation crue à renverser le pouvoir patriarcal.

körperwelten Par Von Claire Lorentz-Augier Photos de von Jean-Luc Beaujault

À La Filature (Mulhouse), samedi 4 mai In La Filature (Mulhouse), am Samstag den 4. Mai lafilature.org cienonnova.com

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«I

Das Stück Saison sèche, das im vergangenen Sommer von Phia Ménard beim Festival d’Avignon kreiert wurde, ist eine rohe Einladung zum Umsturz der patriarchalischen Macht.

l me faut vous parler de cette plaie que l’affaire Weinstein, l’apparition de #Metoo, ont réveillée : le patriarcat et l’impact de ce pouvoir oppressif sur les femmes », explique Phia Ménard, de la compagnie Non Nova. Cette plasticienne, jongleuse et performeuse, née dans le corps d’un homme, a une conscience aiguë de la violence de la domination masculine. « Avant, dans le corps mâle, j’étais un prédateur inconscient de son pouvoir. À présent je suis un corps scruté, quasi tout de suite sexualisé.

Je suis devenue une proie. » Sur scène, une boîte blanche, à la fois zone d’enfermement et cellule de résistance. Dans cet espace confiné, sept femmes se débattent et un rituel se met en place. Des rappels à l’ordre semblent répondre à chaque geste déplacé. Frissons, convulsions, chutes, interrogent l’identité, la liberté des êtres et contraignent finalement l’architecture patriarcale à s’ouvrir. L’explosion du cadre coercitif laisse place au chaos, même si les femmes se réapproprient leur corps. Dans Saison sèche, Phia Ménard fait appel à nos émotions et à notre conscience plus qu’à notre intellect. Sa pièce émancipatrice est organique, métaphorique, mais aussi politique.

„I

ch muss von dieser Wunde sprechen, die die Weinstein-Affäre und #Metoo aufgerissen haben: Das Patriarchat und der Einfluss dieser unterdrückenden Macht auf die Frauen“, erklärt Phia Ménard von der Kompagnie Non Nova. Diese Bildhauerin, Jongleuse und Performancekünstlerin, die im Körper eines Mannes geboren wurde, hat ein besonderes Bewusstsein für die Gewalt der Männerherrschaft. „Vorher, im männlichen Körper, war ich ein Raubtier.

Nun bin ich ein mit dem Blick durchdrungener Körper, der quasi sofort sexualisiert wird.

Ich bin zur Beute geworden.“ Auf der Bühne eine weiße Kiste, die gleichzeitig ein Käfig und ein Bereich des Widerstandes ist. In diesem engen Raum kämpfen sieben Frauen und ein Ritual entsteht. Jeder unangemessenen Geste folgt eine Mahnung zur Ordnung. Zittern, Schüttelkrämpfe, Stürze stellen die Identität in Frage, die Freiheit der Menschen und zwingen schlussendlich die patriarchalische Architektur dazu, sich zu öffnen. Die Explosion des aufgezwungenen Rahmens führt zum Chaos, auch wenn sich die Frauen wieder ihren Körper aneignen. In Saison sèche appelliert Phia Ménard an unsere Emotionen und unser Gewissen eher als an unser Intellekt.

ivres de liberté La nouvelle pièce d’Alice Laloy fait du plateau une folie dada, rien que dada, 100% dada. Un spectacle renouant avec les sources de la création artistique.

Par Thomas Flagel Photo d’Elisabeth Carecchio

Au Théâtre de Hautepierre (Strasbourg), du 25 au 30 avril (coréalisation TJP & Le Maillon) tjp-strasbourg.com maillon.eu sappellereviens.com

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our que vous aimiez quelque chose, il faut que vous l’ayez vu et entendu depuis longtemps tas d’idiots. » Le slogan, signé Francis Picabia, reproduit sur des affiches, est collé sur tout un mur par une comédienne. Le ton est donné.

Là où dada passe, la bienséance trépasse. La metteuse en scène Alice Laloy applique à la lettre les principe de Tristan Tzara, un des fondateurs du mouvement, théorisant qu’il incombait de tout détruire et faire tomber l’ordre établi pour inventer de nouvelles voies.

Dans le chaos qu’était la Première Guerre mondiale, il fallait rompre avec l’absurdité de ce qui y avait conduit. Mordre l’état du monde, transgresser les codes de l’art et susciter l’étonnement permanent. Prêt à tout, un trio d’acteurs entreprend un saccage en règle du plateau de théâtre. Armés de bombes de peinture, de marteaux, de mannequins et d’une soufflerie, ils mettent tout à terre. Ici on catapulte des bombes de peinture avec une machinerie picabiesque, là on tague un vrai-faux accrochage de musée quand on ne détruit pas systématiquement ce qui peut

l’être (cloisons, lumières, mobilier). Tout est permis tant il est interdit d’être sage. Tels des fous, on s’affranchit d’un rien et l’on détourne les conventions et les règles de représentation… Les slogans se balancent au mégaphone car « dada est notre intensité » et les poèmes phonétiques d’Hugo Ball deviennent un haka pour guerriers de l’art en quête de chaos et de retour aux sources de l’acte créatif. À mesure qu’avancent leurs péripéties, les murs tombent et découvrent d’autres espaces, les uns derrière les autres, comme autant de couches de réel. Jouissive est l’insolence pure de Ça dada, créée sur un terrain de jeu kaléidoscopique en forme de fête joyeuse et vivifiante. Entre folies poétiques et scandales orchestrés avec un plaisir non feint, le monde s’écroule, se défigure et se reconfigure dans un étonnement permanent. Mais ne vous inquiétez pas : « Vous aussi, bel homme jolie femme, vous êtes dada seulement vous ne le savez pas ! Demain dada aura un visage différent d’aujourd’hui et pour cette raison sera dada.

Dada c’est la vie. »

impossible amour Rencontre avec Arthur Nauzyciel autour d’une Dame aux camélias contant l’impossible idylle d’Alexandre Dumas fils avec une courtisane.

Les germes d’un monde façonné par et pour les hommes.

Par Thomas Flagel Photos de Philippe Chancel

Au Théâtre national de Strasbourg, du 28 mars au 4 avril tns.fr Rencontre avec Arthur Nauzyciel au Centre Emmanuel Mounier (Strasbourg), vendredi 29 mars (20h30)

Alexandre Dumas fils donnait voix à une marginale, une prostituée, ce qui était assez nouveau en 1848…

Tout à fait, même au théâtre à l’époque cela n’existe guère. Il a lancé le tournant naturaliste qui a fait que nous sommes descendu de l’Olympe, des princes et princesses pour nous intéresser à des gens du peuple. Dumas crée le scandale, même s’il fait entendre une parole de courtisane, prostituée d’un certain rang social.

Paris était encore un bordel à ciel ouvert. Vous racontez comment la bourgeoisie a fabriqué la prostitution pour son propre usage…

On comprend le contexte par le destin de cette femme ayant une conscience aiguë de sa situation. Elle sait qu’elle ne pourra s’en sortir dans son siècle. Elle n’a pas d’autre choix que de se prostituer ou se marier. Tous les corps de l’état organisent ce contrôle de la marchandisation du corps féminin : les hôpitaux, la police et les ministères fichent ce milieu pour percevoir l’impôt et contrôler la propagation de la syphilis.

Les femmes sont vues comme un simple moyen d’assouvir un désir mais aussi d’affirmer et d’afficher sa masculinité ?

Toute l’identité masculine se construit autour.

Les inégalités actuelles naissent là : l’oppression, la possession et la mise à disposition des femmes. Bien sûr, nous saute au yeux la situation présente. Mais mon spectacle était pensé avant l’éclosion de l’affaire Weinstein.

La Dame aux camélias ne parle que d’argent, d’assignation sociale et de dette. Les gens qui la reçoivent en miroir du mouvement MeToo l’auraient vue autrement il y a trois ans. Je ne dénonce ni n’actualise rien, je montre simplement comment le XIXe siècle était porteur de graines d’idées éclairant notre époque.

Même si toutes les relations y sont régies par l’argent, c’est aussi une pièce sur l’amour…

Mais il est vérolé dès le départ ! N’attendez pas une grande histoire d’amour car elle raconte comment les sentiments ne peuvent survivre au réel et aux cadres sociaux : Marguerite Gautier meurt jeune, après avoir tenté de croire en l’amour face à un homme qui ne veut que la posséder. Ils se trompent l’un et l’autre de par leurs origines sociales et les images qu’ils projettent. Elle le voit plus idéal, courageux et libre qu’il n’est. Lui veut en faire autre chose qu’une courtisane.

Comment votre mise en scène croise-telle cinéma et théâtre, orchestrant un dialogue continu entre les deux ? Étrangement, le cinéma donne plus le sentiment du réel alors qu’il est totalement artificiel.

On oscille entre réalité et illusion, veille et sommeil et le cinéma nous fait douter du plateau.

Sont-ils les mêmes acteurs et personnages ?

Le temps est-il identique ? L’image filmée crée un trouble plus grand qui élargit la scène en jouant avec l’espace et la temporalité.

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festival

l’exil et le royaume Premier volet d’un rendez-vous pensé comme un espace permettant de traverser une thématique par le sensible et l’échange, Ce qui nous agite s’arrête sur l’exil et l’accueil.

Par Thomas Flagel Photo de Jeremy Meysen

Au Centre culturel André Malraux (Vandœuvre‑lès‑Nancy), vendredi 26 et samedi 27 avril centremalraux.com

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C’

est l’une des nouveautés de la saison, initiée par Olivier Perry, directeur du CCAM de Vandœuvre-lès-Nancy.

Un temps fort dédié à une thématique – la migration –, questionnant « en quoi l’arrivée de ceux qui ont dû quitter leur pays interroge profondément ce que nous sommes ou ce que nous croyons être ? » Après une conférence de Peter Dörrenbächer, professeur de géographie culturelle à l’Université de la Sarre, consacrée à la démographie et aux frontières (26/04, 18h30) se jouera Il pourra toujours dire que c’est pour l’amour du prophète.

Pour cette pièce créée l’an passé à Avignon, Gurshad Shaheman a voyagé d’Athènes à Beyrouth pour recueillir les témoignages de personnes contraintes de fuir leur pays.

Un exil nécessaire pour vivre ouvertement leurs identités sexuelles. Au plateau, quatorze élèves de l’École régionale d’acteurs de Cannes apparaissent comme échoués loin de tout, en eux-mêmes. Ces solitudes s’éclairant chacune grâce à une petite lampe prennent tour à tour la parole. Les bribes d’histoires

recomposées par l’auteur et metteur en scène en forme d’oratorio se chevauchent, se tuilent, s’agrègent et se succèdent dans un dédale de destins sombres. La guerre, les amours interdites, les revendications empêchées, l’incompréhension des proches, la peur des autorités et de sa violence. L’espoir de jours meilleurs.

L’exil pour trouver son royaume. Comme les personnages de Camus, devant choisir entre êtres solitaires ou solidaires, nous voilà face à notre rapport à l’étranger. Notre difficulté à imaginer, penser – avant de panser – et comprendre leurs trajectoires, leurs motivations.

Pour éclairer ce cheminement, le philosophe Guillaume Le Blanc se penchera sur l’évolution de la culture de l’hospitalité dans les sociétés occidentales (27/04, 16h30) après l’exemple inspirant de Cédric Herrou raconté dans le documentaire consacré par Michel Toesca (Libre, 27/04, 14h30) à cet agriculteur de la Roya, vallée frontalière de l’Italie, ayant décidé de venir en aide aux réfugiés en bravant l’iniquité des lois.

THÉÂTRE

de la parole des femmes incarné par MeToo saute aux yeux, preuve s’il en fallait que le combat contre les inégalités touchant les femmes n’a malheureusement rien de nouveau.

Long is the road… (I.S.) Au Théâtre Ledoux (Besançon), jeudi 28 et vendredi 29 mars cdn-besancon.fr Au Théâtre Dijon Bourgogne, du 23 au 26 mai dans le cadre du festival Théâtre en Mai (23/05-02/06) tdb-cdn.com

© Maarten Vanden Abeele

Retour en fanfare de Stéphane Braunschweig avec sa troisième incursion chez Molière. Sous sa patte, L’École des femmes devient un brûlot pourfendant l’insupportable domination masculine incarnée par Arnolphe. Un quarantenaire bourgeois qui a “recueilli” une petite fille à quatre ans pour la placer au couvent, à l’écart du monde afin d’en faire une femme parfaite : sotte et ingénue, totalement soumise à son emprise. Ce fantasme de pureté et cette phobie de la tromperie se jouent dans un décor de salle de fitness avec miroirs et vélos, serviettes blanches et ambiance de mâles propice aux confidences viriles. Mais la jeune Agnès a grandi bien différemment des souhaits de son futur époux.

Sa folie de contrôle jusqu’auboutiste est un échec cuisant, la belle roucoulant déjà avec un jeune homme. Dans un comique teinté d’effroi, Claude Duparfait assiste impuissant à l’émancipation de Suzanne Aubert, objet de désir se rebellant contre l’ordre établi et le destin dessiné pour elle, par un puissant. Les résonnances avec le mouvement de libération

© Elisabeth Carecchio

#molière #metoo

for ever viviane Star absolue du théâtre flamand, Jan Lauwers présente sa dernière création à Dijon, Guerre et Térébenthine. Cette adaptation de l’épopée familiale de Stefan Hertmans, écrite d’après plus de six cents pages de carnets laissés par son grand-père Urbain Martien, revient sur les grandes heures du XXe siècle. Une vie de métallo enrayée par la Guerre 1418. Là ne sera pas le grand drame de la vie de celui qui devint peintre copiste : lorsque son amante Maria Emelia disparaît, il s’unit par devoir avec sa sœur, Gabrielle. Le metteur en scène chamboule la perspective du roman initial en plaçant en son centre l’une des légendes de l’art dramatique belge, Viviane de Muynck, narratrice-épouse qui conte l’enfance

sans le sou à Gand et les horreurs de la guerre tandis que derrière elle s’affrontent les corps des autres membres de la Needcompany. À ses côtés, Benoît Gob qui signe toutes les peintures entrevues sur scène, dessine au fusain, campant un mutique et imperturbable Urbain Martien. Quant à Grace Ellen Barkey, elle irradie de son étrange présence, infirmière claudiquant et subissant la violence collatérale des conflits, pansant les plaies comme les âmes avec compassion. (I.S.) Au Grand Théâtre (Dijon), jeudi 4 et vendredi 5 avril tdb-cdn.com opera-dijon.fr

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THÉÂTRE

Sur la route de Poucet revisite le conte mêlé à un roman noir dans un road trip fantastique et poétique au pays de l’Oncle Sam. Que serait le héros de Perrault aujourd’hui ? Un déraciné ? Un vagabond ? Un hobo traînant sur la route, croisant par hasard une autre paumée comme Peau d’âne à la recherche d’un paradis perdu, fuyant des monstres imaginaires si ce ne sont de vrais méchants loups qui les mangent ! L’Ogre de cette pièce aux accents de thriller est celui de L.A., businessman aussi taré que le monde qui l’entoure, coupable d’avoir égorgé ses sept filles. Dans un enchâssement des plus cruels, Mathieu Létuvé nous immerge dans la tête de l’assassin, revisitant son passé tout en semant des cailloux blancs pour retrouver le chemin de ses souvenirs. Le labyrinthe de son déni est un no man’s land peuplé de personnages et de situations loufoques, clinquantes comme le Pinocchio de Joël Pommerat. Entre un dinner et un motel, notre Poucet conduit à travers les marais après avoir pris des champignons hallucinogènes, poursuivi par un démon et hanté par la recherche de ses frères. Au bout de cette histoire chorale, l’Ogre et l’enfant se toiseront jusqu’à la moelle, bien décidés à démêler le faux du vrai, au milieu de nuées de rock planant ambiançant une scénographie psychédélique. (D.V.) Au Taps Scala (Strasbourg), du 25 au 27 avril (dès 10 ans) taps.strasbourg.eu

© Arnaud Bertereau / Agence Mona

ado sans toi ni loi

serial killer Après La Nuit juste avant les forêts (2016), Paul-Émile Fourny monte une autre œuvre emblématique de Bernard-Marie Koltès, Roberto Zucco, retrouvant le génial comédien Hugo Becker (en photo). Le directeur de l’Opéra-Théâtre de Metz Métropole s’empare d’une pièce inspirée d’un fait divers retraçant l’errance métaphysique d’un tueur en série italien dans les années 1980 : « C’est un thriller. Le rythme du texte épouse celui de la cavale d’un personnage atteint d’une schizophrénie paranoïaque particulière aigüe. » Il a par ailleurs souhaité renforcer le parallèle entre la fiction et la réalité : « Le “vrai” Roberto Succo – Koltès n’a changé que l’initiale de son nom – est présent à travers la lecture d’extraits du rapport des experts psychiatriques », explique-t-il. Afin d’épouser le rythme frénétique du parcours d’un meurtrier en mouvement permanent, il prend le parti d’un plateau tournant où les scènes s’enchaînent sans répit, dans une « errance en forme de fuite dans la folie ». (H.L.) À l’Opéra-Théâtre de Metz Métropole, du 3 au 6 avril opera.metzmetropole.fr

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traffic Belge d’origine congolaise, Baloji puise dans l’héritage africain pour composer une musique sans frontières, entre afro-beat, rumba congolaise et hip-hop marabouté.

Baloji, ein Belgier mit kongolesischen Wurzeln schöpft aus dem afrikanischen Erbe um eine grenzenlose Musik zu komponieren, zwischen Afrobeat, kongolesischer Rumba und Hip-Hop. 36

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MUSIQUE musik

Par Von Emmanuel Dosda Photo de von Kristin Lee Moolman

Au Jardin des deux Rives (Strasbourg), jeudi 16 mai, dans le cadre du festival Pelpass (16-18 mai, avec Rubin Steiner, Cadillac, Drame…)

Im Jardin des deux Rives (Straßburg), am Donnerstag den 16. Mai, im Rahmen des Festivals Pelpass (16.-18. Mai, mit Rubin Steiner, Cadillac, Drame… ) pelpass.net

137 Avenue Kaniama édité par Bella Union bellaunion.com­– baloji.com

«C’

est pas un coup de foudre, c’est une déflagration » chante Baloji sur L’Art de la fugue. C’est exactement l’impression que nous fait 137 Avenue Kaniama, dernier album d’un sorcier du son Bipolaire conciliant NTM et RDC. Kongaulois mêlant rythmes de la brousse, nightclubing de Kinshasa et rap francophone dans des titres enjoués aux textes ciselés, il cite Danny Lafferière (Comment faire l’amour à un nègre sans se fatiguer ?) ou Eternal Sunshine of the Spotless Mind de Gondry.

Autofiction, poésie du quotidien et chronique sociale acerbe, le rappeur décrit des « gilets jaunes fluorescents » sur un morceau (Hiver indien) datant de l’an passé. Une intuition ? « Mon texte se réfère aux “porteurs”, personnes qui remplacent les ascenseurs dans les tours et revêtent une tenue voyante, reconnaissable de tous. » Si l’ambiance est chaloupée, le propos est cru et le constat grave. Baloji évoque l’exil, la technologie mobile rendant accroc, les familles éclatées, les cultures qui se heurtent et les illusions perdues. « Je partage beaucoup de moi-même », confie un artiste qui joue avec les temporalités, les formes et l’espace, avec la liberté de ceux qui peuvent s’affranchir des règles… car éloignés des radars. « Ma musique, hors format, ne répond à aucune attente : je n’ai pas de caisse de résonnance, pas de fanbase et aucun soutien chez les influenceurs ou dans l’industrie musicale. Game over ! » lâchet-il, désabusé. La plupart de ses morceaux sont pourtant des tubes en puissance, servis par de beaux clips qu’il a lui-même réalisés. « Comme Gainsbourg reprenant une sonate de Beethoven ou Gonzales se réappropriant Satie », Baloji pioche (en citant ses sources) dans le patrimoine musical africain pour Soleil de Volt (reprise de Dooyo de Dur-Dur Band) ou Le Jour d’Après (Indépendance Cha-Cha de Grand Kallé). « Je viens du hiphop, culture du sample et de la relecture », affirme un esthète perfectionniste parvenant à joindre « le futile à l’agréable. C’est l’histoire de ma vie ! » Pour sa vidéo de Zombies, il a fait construire un ananas géant, resté coincé à l’aéroport en Éthiopie (les douaniers pensaient qu’il y avait planqué de la drogue) et lui a valu bien des complications… « pour de simples plans de quelques secondes ! »

„E

s ist keine Liebe auf den ersten Blick, es ist eine Verpuffung“ singt Baloji auf L’Art de la fugue. Das ist genau der Eindruck, den uns 137 Avenue Kaniama hinterlässt, das aktuelle Album eines Ton-Zauberers der NTM und RDC miteinander versöhnt. Kongaulois mischt Rhythmen aus dem Busch, Nightclubing aus Kinshasa und französischen Rap in fröhlichen Titeln mit ausgefeilten Texten, er zitiert Danny Lafferière oder Eternal Sunshine of the Spotless Mind von Gondry. Autofiktion, Poesie des Alltags und soziale Chronik, der Rapper beschreibt „leuchtende Gelbwesten“ auf einem Stück (Hiver indien) aus dem vergangenen Jahr. Eine Intuition? „Mein Text bezieht sich auf die Träger, Personen die in den Türmen die Aufzüge ersetzen und eine gut sichtbare Kleidung tragen, die jeder erkennt.“ Die Stimmung ist wiegend, der Text roh, der Inhalt ernst. Baloji singt über das Exil, die mobilen Technologien, die abhängig machen, zerstörte Familien, den Schock der Kulturen und verlorene Illusionen. „Ich teile vieles von mir selbst“, vertraut uns der Künstler an, der mit Zeit, Form und Raum spielt, mit der Freiheit von jenen, die die Regeln brechen können, da sie außer Sichtweite sind. „Meine Musik entspricht keinerlei Erwartung: Ich habe keinen Resonanzkörper, keine Fanbase und keinerlei Unterstützung von Influencern oder der Musikindustrie. Game over!“, sagt er enttäuscht.

Die meisten seiner Stücke sind dennoch Hits, die von schönen Videoclips präsentiert werden, die er selbst realisiert. „Wie Gainsbourg, der eine Sonate von Beethoven aufnimmt oder Gonzales, der sich Satie aneignet“, Baloji bedient sich (und nennt seine Quellen) im musikalischen Kulturerbe Afrikas für Soleil de Volt (Neuinterpretation von Dooyo von der Dur-Dur Band) oder Le Jour d’Après (Indépendance Cha-Cha von Grand Kallé). „Ich komme aus dem Hip-Hop, der Kultur des Samplers und der Neuinterpretation“, unterstreicht ein perfektionistischer Ästhet, dem es gelingt das „Überflüssige mit dem Angenehmen zu verbinden. Die Geschichte meines Lebens!“ Für sein Video Zombies lässt er eine Riesen-Ananas bauen, die am Flughafen von Äthiopien stecken bleibt (die Zöllner denken er verstecke Drogen darin) und ihm viele Komplimente einbringt... „für einfache Aufnahmen von einigen Sekunden!“ Poly 219

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MUSIQUE

des routes À bord de son véhicule transformé en studio ambulant, Thylacine a enregistré un album electro-world qu’il présente live à Nancy. En voiture pour la Cordillère des Andes !

Par Emmanuel Dosda Photos de Fabien Tijou

À L’Autre Canal (Nancy), vendredi 26 avril lautrecanalnancy.fr

Roads vol.1, édité par Intuitive Records – ­ intuitive-records.com

Vous avez traversé la Russie à bord du Transsiberian (2015), revenant avec un album inspiré par votre voyage.

Pour Roads, vous avez métamorphosé une caravane métallisée old school en studio avant de parcourir l’Argentine.

Quelle est votre méthode ?

Je circule avec plein de micros et capte les paroles de gens que je rencontre, des ambiances sonores ou des petits bruits qui m’interpellent et peuvent servir de point de départ à mes morceaux. Dans les villages argentins, j’ai collecté des instruments, notamment de petites percussions que j’ai utilisées, tout comme des extraits de morceaux qu’écoutaient et qui faisaient vibrer les personnes que je croisais.

Mes titres partent souvent d’un sample ou d’un son. J’ajoute alors d’autres éléments, comme mon saxophone : il m’est arrivé de me positionner au beau milieu d’un canyon

afin de profiter de la réverb’ naturelle. Le saxo sur Sal Y Tierra a été enregistré sur un lac de sel en altitude. Je manquais d’oxygène et ça s’entend un peu. Les parties vocales ont également, pour la plupart des titres, été prises sur place.

Pourquoi ce besoin d’aventure ? Votre monde intérieur ne suffit pas ?

J’ai besoin d’être dans le mouvement, dans un environnement nouveau, d’avoir des choses à raconter, de transmettre des émotions que je ne ressens qu’à l’étranger. Le voyage me permet de lâcher prise, de quitter le quotidien, d’avoir une liberté de temps totale et me perdre dans la création, hors de ma réalité dans des pays très vastes comme la Russie. Je n’avais jamais mis les pieds en Amérique du Sud, j’étais “vierge” et j’ai simplement profité de l’opportunité de pouvoir utiliser un cargo pour embarquer ma caravane jusqu’à Buenos Aires ! Au cours du circuit, des images ont été tournées par un ami réalisateur, des cadreurs argentins ou moi. Durant ces trois mois, ma Airstream a été comme un laboratoire musical et cinématographique, car je me sers des films pour mon live.

Que retenez-vous de ce trip ? Être seul à plus de 4 000 mètres d’altitude sur d’immenses étendues à perte de vue et pouvoir faire de la musique en totale autonomie car le toit de mon véhicule est couvert de panneaux solaires : il y a un rapport aux éléments très fort. Le paysage est resté imprégné dans ma rétine.

Quelle sera votre prochaine destination ?

J’ai envie d’explorer les possibles de ma caravane, capsule créative permettant de composer à l’autre bout du monde. J’ai beaucoup d’idées, mais je les garde pour moi ! Je ne suis pas à l’abri de problèmes techniques m’empêchant de partir ou d’un changement d’avis de dernière minute…

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MUSIk

von den strassen An Bord seines mobilen Studios hat Thylacine ein Elektro-World-Album aufgenommen, das er live in Nancy präsentiert. phon: Es kam vor, dass ich mich Mitten in eine Schlucht stellte, um vom Widerhall der Natur zu profitieren. Das Saxophon bei Sal Y Tierra wurde auf einem Salzsee in großer Höhe aufgenommen. Ich hatte Sauerstoffmangel und das hört man ein bisschen. Die Stimmpartien wurden zum Großteil auch vor Ort aufgenommen.

Warum dieses Bedürfnis nach Abenteuer? Reicht ihre Innenwelt nicht aus?

Ich muss in der Bewegung sein, in einer neuen Umgebung, um Dinge erzählen zu können, Emotionen weiterzugeben, die ich nur im Ausland erlebe. Die Reise erlaubt es mir loszulassen, den Alltag zu verlassen, eine totale Freiheit zu spüren und mich in der Kreation zu verlieren, außerhalb meiner Realität, in sehr großen Ländern wie Russland. Ich hatte nie einen Fuß nach Südamerika gesetzt und ich habe die Möglichkeit genutzt ein Frachtschiff zu nehmen um meinen Wohnwagen nach Buenos Aires zu bringen! Im Laufe der Reise wurden von einem befreundeten Regisseur, argentinischen Kameramännern oder mir Bilder gemacht. Während dieser drei Monate war meine Airstream wie ein Musik-und Kinolabor.

Von Emmanuel Dosda Photos von Fabien Tijou

In L’Autre Canal (Nancy), am Freitag den 26. April lautrecanalnancy.fr

Sie haben Russland mit dem Transsiberian (2015) durchfahren und sind mit einem Album zurückgekehrt. Für Roads haben Sie einen alten Wohnwagen in ein Studio verwandelt und damit Argentinien erkundet. Was ist ihre Methode?

Ich habe immer Mikrophone dabei und nehmen die Worte der Menschen auf, die mir begegnen sowie Geräusche, die als Ausgangspunkt für meine Stücke dienen können. In den argentinischen Dörfern habe ich Instrumente gesammelt, insbesondere kleine Schlaginstrumente sowie Stücke, die die Menschen hörten. Ich habe Elemente hinzugefügt, wie mein Saxo-

Was behalten Sie von diesem Trip in Erinnerung?

In mehr als 4000 Metern Höhe alleine zu sein, in unendlichen Ebenen und in totaler Autonomie Musik zu machen, da das Dach meines Fahrzeuges mit einer Solaranlage ausgestattet ist: Es gibt eine enge Beziehung zu den Elemente. Die Landschaft hat sich auf meine Netzhaut gebrannt.

Was ist ihr nächstes Ziel?

Ich habe Lust die Möglichkeiten meines Wohnwagens auszuprobieren, einer kreativen Kapsel, die es erlaubt am anderen Ende der Welt zu komponieren. Ich habe viele Ideen, aber die behalte ich für mich! Ich bin nicht sicher vor technischen Problemen, die mich an der Abreise hindern oder einer Meinungsänderung in letzter Minute…

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mesdames rrrêvent Le centre culturel opderschmelz de Dudelange aime les filles et le hurle haut et fort avec son festival We Love Girrrls!

frauenträume Das centre culturel obderschmelz in Dudelange liebt Mädchen und macht das mit seinem Festival We Love Girrrls! deutlich.

Par Von Emmanuel Dosda Photo de von Boshua

Au Centre Culturel opderschmelz (Dudelange), du 1er au 29 avril Im Centre Culturel opderschmelz (Dudelange), vom 1. bis 29. April opderschmelz.lu

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ne manifestation 100% féminine, un “ cycle multidisciplinaire ” mêlant performances théâtrales et notes musicales, un événement poético-ludique (avec des séances pour les plus jeunes). Catherine Elsen sonne le gong du début des festivités avec Love, Death and Polar Bears, nom un rien absurde pour le one-woman show de Catherine Elsen (en anglais) traitant avec humour et en musique de l’amour que l’on porte… à soi-même ! Sitta, chanteuse et compositrice luxembourgeoise d’origine persane, tisse des liens entre Orient et Occident avec des folks songs groovement voyageuses. Son concert sera l’occasion d’une release party où elle se livrera sur fond de r’n’b et dévoilera les titres de son format court, Part of me. Outre la pièce de théâtre contant les aventures de Malaika sur des rythmes africains, citons aussi la double affiche réunissant Kleinkram, projet de la tromboniste Alisa Klein, et le concert de R*time, band de la tromboniste israélienne Reut Regev qui fera funker le jazz.

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ine 100% weibliche Veranstaltung, ein „multidisziplinärer“ Zyklus, der Theater und Musiknoten vermischt, ein poetisch-verspieltes Ereignis (mit Vorstellungen für die Kleinsten). Catherine Elsen läutet das Festival ein mit Love, Death and Polar Bears, einem absurden Namen für die One-woman-show von Catherine Elsen (in Englisch), die mit Humor und Musik von der Liebe... zu sich selbst, erzählt! Sitta, eine luxemburgische Sängerin und Komponistin mit persischen Wurzeln knüpft Beziehungen zwischen Orient und Okzident mit ReiseFolk-Songs voller Groove. Ihr Konzert ist eine Release-Party, bei dem sie sich zu R&B-Klängen liefert und die Titel ihres Werkes Part of me enthüllt. Neben einem Theaterstück, das die Abenteuer von Malaika zu afrikanischen Rhythmen erzählt, ist auch das Projekt Kleinkram der Posaunistin Alisa Klein zu nennen, und das Konzert von R*time, der Band der israelischen Posaunistin Reut Regev, die Jazz und Funk vereint.

© Baden-Baden Kur & Tourismus GmbH

DOSSIER

BADEN-BADEN

good good trip in baden-baden Entre raffinement d’un XIXe siècle dont subsistent d’élégantes effluves et contemporanéité revendiquée, Baden-Baden a su trouver un équilibre qui fait tout son charme. Visite.

Zwischen der Raffinesse des 19. Jahrhunderts, deren elegante Düfte noch in der Luft hängen und einer betonten Zeitgenössigkeit, hat Baden-Baden ein Gleichgewicht gefunden, das seinen Charme ausmacht. Besichtigung.

Par Von Hervé Lévy Photos de von Baden-Baden Kur & Tourismus GmbH

Onze villes d’eaux européennes se sont réunies pour cette candidature dont Vichy, Bath, Spa ou Mariánske Lázne – whc.unesco.org 2 Voir Poly n°217 ou sur poly.fr rizzi-baden-baden.de 1

Elf europäische Badekurorte haben sich für die Kandidatur zusammengetan, darunter Vichy, Bath, Spa oder Mariánske Lázne – whc.unesco.org 2 Siehe Poly Nr. 217 oder auf poly.fr rizzi-baden-baden.de 1

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epuis des siècles, Baden-Baden est une ville thermale en vogue : les puissants s’y pressent, venus de l’Europe entière pour prendre les eaux et jouer au casino, les artistes se bousculent pour profiter de ses atours… et d’une vie mondaine trépidante.

De Dostoïevski (qui y écrivit Le Joueur dont l’action se déroule dans l’imaginaire Roulettenbourg où certains reconnaissent Baden-Baden) à Tourgueniev, de nombreux Russes font le voyage. C’est encore le cas aujourd’hui et le Musée Fabergé rendant hommage aux créations du joailler des tsars ne désemplit pas…

Pauline Viardot, Johannes Brahms ou Clara Schumann : on ne compte plus les musiciens qui y résidèrent. « Les brises embaumées de Bade, ses bois, ses montagnes, ses ruisseaux, son soleil m’ont fait un bien infini » écrivait ainsi Berlioz à sa sœur Adèle en septembre 1853. La tradition s’est perpétuée, puisque Pierre Boulez y trouva un refuge bienveillant dans les années 1960, alors qu’en France certains fustigeaient sa radicalité. Baden-Baden, 54 000 habitants, fut une “ville monde” et le demeure.

Aujourd’hui candidate à l’inscription au Patrimoine mondial de l’Humanité de l’Unesco1, la cité a su préserver son élégance un brin surannée, mais so charming, avec un parc s’allongeant avec langueur au fil de la Lichtentaler Allee, des villas aux sortilèges délicats et une sérénité qui s’affiche le long des allées d’une des plus belles roseraies d’Allemagne, sans oublier des thermes rappelant le passé

romain, au Friedrichsbad avec ses merveilleuses faïences. Épicentre culturel avec notamment une “allée des musées” rassemblant LA8, Staatliche Kunsthalle, Museum Frieder Burda et Stadtmuseum, Baden-Baden a mis le pied dans le XXIe siècle grâce des expositions qui essaiment bien souvent hors les murs : on a notamment pu voir les images monumentales en noir et blanc de JR, des pièces de Buren ou des installations audacieuses dans les rues.

Toute la ville est entrée dans ce tourbillon. En janvier 2018, la vénérable Frankfurter Allgemeine Zeitung titrait ainsi : Pourquoi les hipsters vont-ils à Baden-Baden ? En témoignent des clubs branchés (comme le Bernstein), des hôtels tel l’ultra design Roomers (ouvert en 2016) avec sa piscine en rooftop ou encore des restaurants lounge au nombre desquels figurent le Negrum (avec une salle où le noir entre en résonance avec des couleurs flashy) ou le Rizzi2. Cette dernière adresse peut faire figure de symbole de Baden-Bden: aujourd’hui, une douce electro a remplacé la musique classique dans le très chic Palais Gagarin où une Princesse russe fort glam menait grand train dans les années 1860, mais l’atmosphère raffinée est toujours présente.

S

eit Jahrhunderten ist Baden-Baden eine Kurstadt, die en vogue ist: Die Mächtigen aus ganz Europa stehen hier Schlange um ein Bad zu nehmen oder im Casino zu Spielen, die Künstler drängen hierher um von ihren Vorzügen zu profitieren... und einem pulsierenden mondänen Leben. Von Dostojewski

(der hier Der Spieler schrieb, dessen Handlung im imaginären Roulettenburg stattfindet, in dem einige Baden-Baden erkennen) bis Turgenew, machten sich viele Russen auf die Reise. Das ist heute immer noch der Fall und das Fabergé-Museum, das die Kreationen des Goldschmiedes der Zaren ausstellt ist immer noch gut besucht... Pauline Viardot, Johannes Brahms oder Clara Schumann: Unzählige Musiker haben hier gewohnt. „Die duftenden Brisen von Baden, seine Wälder, seine Berge, seine Bäche, seine Sonne, haben mir unendlich gut getan“, schrieb Berlioz an seine Schwester Adèle im September 1853. Die Tradition hat sich fortgesetzt, da Pierre Boulez dort in den 1960er Jahren Zuflucht fand, während in Frankreich seine Radikalität kritisiert wurde.

Baden-Baden, 54 000 Einwohner, war und ist eine Weltstadt.

Die Stadt, die heute für den Status als Weltkulturerbe der Unesco kandidiert1, konnte ihre ein wenig veraltete Eleganz bewahren, die so viel Charme hat, mit einem Park, der sich wehmütig entlang der Lichtentaler Allee erstreckt, Villen mit zartem Zauber und einer Gelassenheit, die sich in den Alleen des Rosengartens widerspiegelt, der zu den Schönsten Deutschlands gehört und natürlich den Thermen, die an die römische Vergangenheit erinnern, mit dem Friedrichsbad und seinen wunderbaren Fayencen. Als kulturelles Epizentrum, besonders mit der „Museumsallee“, die das LA8, die Staatliche Kunsthalle, das Museum Frieder Burda und das Stadtmuseum umfasst, hat Baden-Baden die Bühne des 21. Jahrhunderts betreten, dank Ausstellungen, die sich oft auf den Stadtraum erstrecken: Man konnte die monumentalen schwarz-weißen Bilder von JR, Werke von Buren oder kühne Installationen in den Straßen bewundern. Die ganze Stadt wird von diesem Strudel mitgezogen. Im Januar 2018 titelte die Frankfurter Allgemeine Zeitung: Warum reisen Hipster plötzlich ins alte Baden-Baden? Davon zeugen die angesagten Clubs (wie das Bernstein), Hotels wie das Roomers (2016 eröffnet) mit seinem Rooftop Pool oder auch Lounge-Restaurants, zu denen das Negrum gehört (mit einem Saal in dem Schwarz auf Neonfarben trifft) oder dem Rizzi2. Diese letzte Adresse kann als Symbol für Baden-Baden dienen: Heute hat eine zarte Elektromusik die Klassik im sehr schicken Palais Gagarin ersetzt, in dem eine glamouröse russische Prinzessin in den 1860er Jahren königlich lebte, aber die raffinierte Atmosphäre ist immer noch präsent.

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couple franco-allemand Le Museum Frieder Burda célèbre son 15e anniversaire avec l’exposition Ensemble manifestant ses liens étroits avec le Centre Pompidou.

deutsch-französisches paar Das Museum Frieder Burda feiert sein 15 jähriges Jubiläum mit der Ausstellung Ensemble, die seine enge Verbindung zum Centre Pompidou zum Ausdruck bringt.

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Par Von Hervé Lévy

Au Museum Frieder Burda (Baden-Baden), du 6 avril au 29 septembre Im Museum Frieder Burda (Baden-Baden), vom 6. April bis 29. September museum-frieder-burda.de Lire notre article en juillet Den Artikel finden Sie im Juli

Légendes Bildunterschriften 1. Georg Baselitz, Die Mädchen von Olmo II, 1981 Collection Centre Pompidou, Paris Musée national d’art moderne - Centre de création industrielle, Ankauf 1982 © Georg Baselitz; Foto: Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist.

RMN-GP 2. Museum Frieder Burda © Nikolay Kasakov Exposition du 12 octobre au 8 mars 2020 Ausstellung vom 12. Oktober bis zum 8. März 2020 – kneffel.de 2 Voir Poly n°215 ou sur poly.fr Siehe Poly Nr. 215 oder auf poly.fr 1

E

n quelques années, le bâtiment lumineux et fluide signé Richard Meier alangui sur la Lichtentaler Allee est devenu un spot incontournable de l’art moderne et contemporain en Europe. Écrin pour les œuvres de l’imposante collection réunie par Frieder Burda – qui compte plus de mille pièces et à laquelle une salle est dédiée en permanence –, il abrite des expositions de référence, qu’elles soient monographiques (James Turrell, Anselm Kiefer, Gerhard Richter ou, bientôt, Karin Kneffel1) ou collectives comme la récente rétrospective consacrée au groupe Die Brücke2. C’est à cette catégorie qu’appartient la bien nommée Ensemble qui illustre les relations privilégiées entretenues par le collectionneur et le Centre Pompidou : il fut en effet le premier et unique Allemand à appartenir à la commission d’acquisition de l’institution française ! Elle questionne la relation entre les deux pays au XXe siècle à travers une mise en perspective des fonds des deux établissements avec des toiles de Picasso, Chagall, Baselitz ou encore Polke, mais aussi des photographies de Germaine Krull, Marianne Breslauer ou Erwin Blumenfeld.

I

n wenigen Jahren ist das lichtgeflutete und fließende Gebäude von Richard Meier an der Lichtentaler Alle zu einem unumgänglichen Spot der modernen und zeitgenössischen Kunst in Europa geworden.

Ein Schmuckkästchen für die Werke der beeindruckenden Sammlung von Frieder Burda – die mehr als tausend Stücke zählt und der ein permanenter Saal gewidmet ist –, das wegweisende Ausstellungen zeigt, ob monographisch (James Turrell, Anselm Kiefer, Gerhard Richter und bald Karin Kneffel1) oder kollektiv wie bei der kürzlich der Brücke gewidmeten Retrospektive2. Zu dieser Kategorie gehört die gut betitelte Ensemble, die die privilegierte Beziehung zwischen dem Sammler und dem Centre Pompidou illustriert: Er war in der Tat der erste und einzige Deutsche, der zur Ankaufskommission der französischen Institution gehörte! Sie hinterfragt die Beziehung zwischen den beiden Ländern im 20.

Jahrhundert anhand von Perspektiven aus den Sammlungen der beiden Einrichtungen mit Gemälden von Picasso, Chagall, Baselitz oder auch Polke, aber auch Photographien von Germaine Krull, Marianne Breslauer oder Erwin Blumenfeld.

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voyage dans le temps Institution originale, le Museum LA8 célèbre son dixième anniversaire avec une exposition centrée sur le théâtre, Être ou paraître.

zeitreise Das Museum LA8 ist eine originelle Institution, die ihr zehnjähriges Jubiläum mit einer Ausstellung rund um das Theater feiert: Schein oder Sein.

Par Von Pierre Reichert

Au Museum LA8 (BadenBaden), du 30 mars au 8 septembre Im Museum LA8 (BadenBaden), vom 30. März bis 8.

September museum.la8.de theater.baden-baden.de Lire un article complet sur l’exposition dans notre numéro de juillet-août Den kompletten Artikel zur Ausstellung finden Sie in unser Juli-Augustausgabe

Légende Bildunterschrift Adelina Patti, Juliette dans in Roméo et Juliette, 1849, photographe inconnu Unbekannter Fotograf, Universitätsbibliothek Johann, Christian Senckenberg, Frankfurt a. M.

grenkestiftung.de Voir Poly n°215 ou sur poly.fr Siehe Poly Nr. 215 oder auf poly.fr 1

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itué au numéro 8 de la Lichtentaler Allee, épicentre muséal de Baden-Baden, le Kulturhaus LA8 est un centre culturel initié par la Fondation Grenke1. Il regroupe salles de conférence, restaurants, espace dédié aux échecs, mais également (et surtout) un original musée ouvert en 2009. Consacré aux arts et aux techniques (ainsi qu’à leurs interactions) du XIXe siècle, il plonge au cœur d’une période faste pour la cité allemande.

Sont ainsi organisées de multiples expositions marquantes, comme la récente Images et Histoires2, rétrospective dédiée à Wilhelm Busch (1832-1908), dessinateur majeur de l’aire germanique qui créa Max et Moritz.

Lui succèdera Être ou paraître réalisée en coopération avec le Théâtre de la Ville et jolie manière de fêter les dix ans d’un établissement qui a su s’imposer dans le paysage rhénan. Le visiteur y découvre la porosité entre la sphère privée de la bourgeoisie et l’univers des théâtres au XIXe siècle, certains se faisant photographier dans des poses, des décors et des costumes évoquant tel acteur ou telle cantatrice ou transformant leur salle à manger en véritable décor d’opéra !

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as Kulturhaus LA8, die Hausnummer 8 an der Lichtentaler Allee, dem musealen Epizentrum von Baden-Baden, wurde von der Grenkestiftung ins Leben gerufen1. Es vereint Konferenzsäle, Restaurants, Räume zum Schachspielen, aber ebenfalls (und vorallem) ein originelles Museum, das 2009 eröffnet wurde. Es ist der Kunst und der Technik (sowie ihren Interaktionen) im 19. Jahrhundert gewidmet und entführt den Besucher in eine Epoche, die die Blütezeit der Stadt war. So werden bedeutsame Ausstellungen organisiert, wie die kürzliche Retrospektive Bilder und Geschichten2 zu Wilhelm Busch (1832-1908), einem der größten Zeichner des deutschsprachigen Raums, dem Vater von Max und Moritz. Es folgt nun Schein oder Sein, in Zusammenarbeit mit dem Theater Baden-Baden, eine schöne Art und Weise das zehnjährige Bestehen einer Institution zu feiern, die sich in der Rheinebene einen Namen gemacht hat. Der Besucher entdeckt dort die Durchlässigkeit zwischen der privaten Sphäre des Bürgertums und dem Universum des Theaters im 19. Jahrhundert, in dem sich Einzelne in Posen, Dekors oder Kostümen photographieren ließen, die an jenen Schauspieler oder jene Sängerin erinnerte, bis hin zu Esszimmern mit Operndekor!

psyché délices Exposition collective, La Psyché comme théâtre du politique rassemble des pièces de dix artistes contemporains illustrant les complexes relations entre rationnel et irrationnel.

seelen leben Die Kollektivausstellung, Psyche als Schauplatz des Politischen vereint Werke von zehn zeitgenössischen Künstlern, die die komplexe Beziehung zwischen Rationalität und Irrationalität illustrieren. tographie au réveil ce qui peuple ses nuits. Une paire de couilles pendouille langoureusement au plafond comme des trompes d’éléphant ou des jambes dont le bout du pied semble avoir été croqué par une mâchoire gigantesque…

Dans ce melting-pot cauchemardesque, ce ne sont pas les continents cachés de l’esprit humain qui affleurent avec une poétique exaltation, comme chez les surréalistes, mais plutôt leur avatar contemporain : des rogatons formant la face sombre du rêve américain, fantasmes nocturnes d’un esprit gangréné par le consumérisme.

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Par Von Hervé Lévy

À la Staatliche Kunsthalle (Baden-Baden), jusqu’au 16 juin In der Staatlichen Kunsthalle (Baden-Baden), bis zum 16. Juni kunsthalle-baden-baden.de

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ommissaire de l’exposition, le directeur de la Staatliche Kunsthalle Johan Holten prévient d’emblée : « À une époque où les nouveaux médias et la communication globalisée permettent une pénétration des processus sociétaux et politiques au plus profond de la sphère intime des êtres, naissent des conflits d’une nouvelle nature. » Cette irruption sans précédent du politique dans la psyché forme le substrat d’une exposition qui pose des questions, sans apporter de réponse toute faite, demandant au visiteur de s’immerger dans différentes strates de pensée. C’est de cela dont il s’agit avec une sélection de sculptures choisi parmi les Dream objects signés Jim Shaw, fragments d’un corpus né des rêves de l’artiste qui dessine, modèle, peint ou pho-

Dans les 16 immenses travaux de Jorinde Voigt (issus des séries Inherited Desire et Synchronicity), des masses organiques noires composées de plumes ou d’encre rendent incompréhensibles les données techniques dont l’artiste parsème le papier (vitesse de rotation, alignement avec le centre de la terre, etc.), comme si l’irrationnel engloutissait irrémédiablement le rationnel. De folie, il est aussi question dans l’iconique Fliegender Hautraum de Heidi Bucher qui utilisait du latex pour prendre l’empreinte de salles entières, interrogeant l’architecture et la mémoire : espace dans l’espace, cette peau angoissante où sont perceptibles les traces de radiateurs, portes et fenêtres et où se lisent les plaies des murs est celle du Sanatorium Bellevue de Kreuzlingen, clinique helvète pionnière de la psychiatrie au XIXe siècle. Elle entre en résonance avec des pièces de la Collection Prinzhorn (regroupant des compositions réalisées par des aliénés au début du XXe siècle) rythmant une exposition tonique qui n’est pas uniquement centrée sur

l’Occident. À côté des séries de Chen Zhe (illustrant les différences culturelles de perception vis-à-vis de l’automutilation) se découvre une installation labyrinthique de 18 vidéos de Kader Attia. Dans Les Oxymores de la Raison regroupant des entretiens avec thérapeutes, prêtres, imams, guérisseurs ou encore ethnologues, l’artiste illustre que le traitement de la psyché est marqué par de profondes fractures entre les cultures, questionnant avec brio le propos de cette exposition.

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er Ausstellungskurator und Direktor Johan Holten sagt vorab: „In einer Epoche, in der die neuen Medien und die globalisierte Kommunikation die gesellschaftlichen und politischen Prozesse bis in die intimsten Sphären der Menschen vordringen lassen, entstehen neue Arten von Konflikten.“ Dieses beispiellose Eindringen des Politischen in die Psyche bildet das Substrat einer Ausstellung, die Fragen stellt ohne vorgefertigte Antworten zu liefern, indem sie den Besucher dazu veranlasst in verschiedene Gedankenschichten einzutauchen. Darum geht es in einer Auswahl von Skulpturen aus den Dream objects von Jim Shaw, Fragmente eines Korpus, der aus den Träumen des Künstlers geboren wurde, der beim Aufwachen das zeichnet, modelliert, malt oder photographiert, was seine Nächte bevölkert.

Ein Paar Hoden hängt verliebt an der Decke, neben Elephantenrüsseln und Beinen, deren Fußspitzen von einem riesigen Kiefer abgebissen wurden... In diesem alptraumhaften Schmelztiegel sind es nicht die versteckten Kontinente des menschlichen Geistes, die mit einer poetischen Exaltation zum Vorschein kommen – wie bei den Surrealisten – sondern eher ihr zeitgenössischer Avatar: Reste, die die dunkle Seite des amerikanischen Traums bilden, nächtliche Phantasien eines Geistes der vom Konsumerismus vergiftet ist.

In 16 riesigen Arbeiten von Jorinde Voigt (aus der Serie Inherited Desire und Synchronicity) machen enorme schwarze organische Massen, die aus Federn oder Tinte bestehen, die technischen Zeichnungen der Künstlerin auf dem Papier (Rotationsgeschwindigkeiten, Planetenkonstellationen, etc.) unverständlich, so als ob das Irrationelle unaufhaltsam das Rationelle Denken verschlänge. Um Wahnsinn geht es auch im ikonischen Fliegender Hautraum von Heidi Bucher, die Latex benutzte um Abdrücke von ganzen Sälen zu machen, die Architektur und Erinnerung befragen: Die beängstigende

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Haut – wie ein Raum im Raum – zeigt Spuren von Heizungen, Türen, Fenstern sowie die Wunden der Wände des Sanatoriums Bellevue in Kreuzlingen, der Schweizer Pionier-Klinik der Psychiatrie im 19. Jahrhundert. Sie geht einen Dialog mit Stücken aus der Sammlung Prinzhorn ein (die Werke von Geisteskranken vom Anfang des 20. Jahrhunderts vereint).

Die anregende Ausstellung konzentriert sich nicht nur auf den Westen. Neben Serien von Chen Zhe (die die kulturellen Unterschiede der Wahrnehmung von Selbstverstümmelung illustrieren) entdeckt man eine labyrinthartige Installation mit 18 Videos von Kader Attia.

In Reason’s Oxymorons, die Gespräche mit Therapeuten, Priestern, Imamen, Heilern und Ethnologen vereinen, illustriert der Künstler, dass die Behandlung der Psyche von tiefen Kluften zwischen den Kulturen geprägt ist, was auf brillante Weise zur Ausgangsfrage der Ausstellung zurückführt.

Légende Bildunterschrift 1. Jorinde Voigt, Synchronicity III, 2015, Courtesy die Künstlerin und KÖNIG GALERIE, Berlin/London, © VG Bild-Kunst, Bonn 2019.

Photo : Roman März 2.Vue d’exposition Ausstellungsansicht © Stephan Baumann

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best of berlin Pour la septième fois, l’Orchestre philharmonique de Berlin investit Baden-Baden pour un Festival de Pâques en forme de feu d’artifice sonore regroupant une vingtaine de rendez-vous.

Zum siebten Mal kommen die Berliner Philharmoniker für die Osterfestspiele nach Baden-Baden: Ein KlangFeuerwerk mit mehr als zwanzig Konzerten.

Par Von Hervé Lévy Photos de von Marco Brescia / La Scala (Zubin Mehta) et de und von Marco Borggreve (Patricia Kopatchinskaja)

Au Festspielhaus, mais également au Museum Frieder Burda, au Théâtre, au Casino, etc. (Baden-Baden), du 13 au 22 avril Im Festspielhaus, aber auch im Museum Frieder Burda, im Theater, im Casino, etc. (BadenBaden), vom 13. bis 22. April festspielhaus.de

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a saison 2018 / 2019 peut être considérée comme interstitielle pour les Berliner Philharmoniker, toujours bien présents à Baden-Baden au printemps : Sir Simon Rattle a quitté la direction musicale de la phalange en juin dernier et son successeur n’en prendra les rênes qu’à l’automne.

L’ombre de Kirill Petrenko, sans doute le chef possédant la vision musicale la plus excitante depuis Carlos Kleiber, plane déjà sur la formation allemande. On pourra découvrir un échantillon de son talent avec deux concerts où il sera accompagné de solistes épous-

touflants : avec Patricia Kopatchinskaja, ils interpréteront le Concerto pour violon de Schoenberg (15/04, Festspielhaus) tandis que la méga-star du piano Lang Lang, dont on connaît l’art très personnel où fantaisie et rigueur se croisent, s’attaquera au sobre deuxième concerto de Beethoven (21/04, Festspielhaus) pour une confrontation qui fera des étincelles !

Le moment le plus attendu du festival demeure une nouvelle production d’Otello de Verdi (13-22/04, Festspielhaus) dirigée par Zubin Mehta et mise en scène par Robert Wilson – dont l’esthétique sobre et élégante se reconnaît au premier regard – qui a demandé au duo Victor&Rolf de créer les costumes : « C’est avant tout l’histoire d’un conflit intérieur, d’un manque de confiance.

Avec un personnage extrêmement fort et en même temps très faible. Une situation traditionnelle, tragique, compliquée, avec un étranger », résume-t-il. Une version destinée au jeune public (dès 6 ans) sera créée (1822/04, Théâtre). Au niveau des premières, mentionnons aussi Clara, nouvel opéra de Victoria Bond (14-21/04, Théâtre) rendant hommage à la femme de Robert Schumann, compositrice géniale mais trop mal connue dont est célébré le 200e anniversaire en 2019. À côté de cela, quinze concerts de musique de chambre permettront de montrer que les membres des Berliner Philharmoniker sont d’incroyables virtuoses. Nos deux coups de cœur ? Tout d’abord, le Quatuor Philharmonia (22/04, LA8) composé des violonistes Daniel Stabrawa et Christian Stadelmann, de l’altiste Neithard Resa et du violoncelliste Dietmar Schwalke. Cette formation de très haut niveau explorera les musiques de Verdi

et celles de son époque. Autre moment fort, L’Histoire du Soldat de Stravinsky (20/04, Bürgerhaus neuer Markt, Bühl) par quelques “Berlinois” dont l’alsacien Guillaume Jehl, première trompette de la phalange qui en résume ainsi l’esprit : « Chaque musicien exprime son individualité mais, en même temps, sait sacrifier son ego en se mettant en permanence au service de l’ensemble, ce qui génère une profonde harmonie. Un tel mélange entre investissement, liberté et contrôle est absolument hallucinant. »

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ie Saison 2018 / 2019 kann als ein Zwischenspiel für die Berliner Philharmoniker betrachtet werden, die im Frühjahr immer in Baden-Baden präsent sind: Sir Simon Rattle hat im vergangenen Juni die musikalische Leitung abgegeben und sein Nachfolger wird seine Stelle erst im Herbst antreten. Der Geist von Kirill Petrenko, sicher der Dirigent mit der aufregendsten Vision seit Carlos Kleiber, schwebt schon über dem deutschen Orchester. Man wird schon eine Kostprobe seines Talents bei zwei Konzerten bekommen, bei welchen er von atemberaubenden Solisten begleitet wird: Mit Patricia Kopatchinskaja werden sie das Violinkonzert op. 36 von Schönberg (15.04., Festspielhaus) interpretieren, während der Klavier-Megastar Lang Lang, der für seine sehr persönliche Kunst bekannt ist, die Phantasie und Disziplin kombiniert, das Klavierkonzert Nr. 2 B-Dur op. 19 von Beethoven (21.04., Festspielhaus) spielen wird!

Der lang ersehnte Moment des Festivals bleibt eine neue Produktion des Otellos von Verdi (13.-22.04., Festspielhaus)

unter der Leitung von Zubin Mehta, in einer Inszenierung von Robert Wilson – dessen nüchterne und elegante Ästhetik man auf den ersten Blick erkennt – der das Duo Victor & Rolf mit der Kreation der Kostüme beauftragt hat: „Es ist vor allem die Geschichte eines inneren Konflikts, eines fehlenden Selbstvertrauens. Mit einer Hauptfigur, die gleichzeitig extrem stark und schwach ist. Eine traditionelle, tragische, komplizierte Situation mit einem Fremden“, fasst er zusammen. Eine Version für junges Publikum (ab 6 Jahren) wird (18.-22.04., Theater) uraufgeführt werden. Unter den Uraufführungen ist auch Clara zu nennen, die neue Oper von Victoria Bond (14.-21.04., Theater), eine Hommage an Robert Schuberts Ehefrau, eine geniale aber verkannte Komponistin, deren 200. Geburtstag 2019 gefeiert wird. Daneben demonstrieren fünfzehn Kammerkonzerte, dass die Berliner Philharmoniker unglaubliche Virtuosen sind. Unsere beiden Favoriten? Zunächst das Quatuor Philharmonia (22.04., LA8), das aus den Geigern Daniel Stabrawa und Christian Stadelmann, dem Bratschisten Neithard Resa und dem Cellisten Dietmar Schwalke besteht. Diese hochkarätige Formation wird die Musik von Verdi und seinen Zeitgenossen erkunden. Ein weiterer Höhepunkt ist Die Geschichte vom Soldaten (20.04., Bürgerhaus neuer Markt, Bühl) von einigen „Berlinern“, darunter der Elsässer Guillaume Jehl, erste Trompete: „Jeder Musiker drückt seine Individualität aus, aber gleichzeitig versteht er es im Dienste des Ensembles sein Ego zurückzuschrauben, was eine völlige Harmonie erzeugt. Eine solche Mischung aus Investition, Freiheit und Kontrolle ist absolut atemberaubend.“ Poly 219

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un jardin au printemps En 2019, le Jardin de France fête le vingtième anniversaire de son Étoile au Guide Michelin. Cela valait bien une visite chez Sophie et Stéphan Bernhard.

ein garten im frühling Im Jahr 2019 feiert der Jardin de France das 20-jährige Jubiläum seines Sterns im Guide Michelin. Das ist einen Besuch bei Sophie und Stéphan Bernhard wert. symphonie de goûts et de texture. Au sortir de l’hiver, alors que s’élaborent les contours d’une nouvelle carte, Stéphan s’avoue « impatient de cuisiner des produits de printemps, l’asperge au premier chef ». On se souvient alors d’un délice dégusté il y a quelques années où une fricassée d’asperge et de morilles accompagnait à merveille un bar à la cuisson parfaite…

E Par Von Hervé Lévy Photo de von Samten Norbù

Fermé dimanche et lundi Sonntags und montags geschlossen lejardindefrance.de Le 10 avril, Stéphan et Sophie Bernhard ouvrent de nouvelles chambres d’hôtes à côté du Boutique Hôtel Société Am 10. April eröffnen Stéphan und Sophie Bernhard neue Gästezimmer neben der Boutique Hôtel Société hotel-societe-baden-baden.de

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ne verrière aussi imposante qu’élégante dans la cour intérieure d’un immeuble du XIX e siècle abrite le décor épuré du Jardin de France, théâtre charmant où évoluent Sophie, parfaite et souriante hôtesse, et Stéphan Bernhard, chef alsacien affirmant avoir « envie de servir ce [qu’il] a envie de manger ». Et le résultat, avouons-le est bluffant de générosité, de précision et d’équilibre. Son credo ? Une gastronomie d’inspiration française avec quelques références germaniques en guise de clin d’œil. Se découvrent des “ plats signature ” qui ont fait la renommée de l’établissement comme le Chef’s Liebling (préféré du chef) : un tartare de filet de bœuf, foie gras, œuf de caille, parmesan et pesto aux truffes, parfaite

in ebenso beeindruckendes wie elegantes Glasdach im Innenhof eines Gebäudes aus dem 19. Jahrhundert beherbergt dem schlichten Dekor des Jardin de France, eines charmanten Theaters in dem Sophie, die perfekte und lächelnde Gastgeberin, und Bernhard, der elsässische Küchenchef wirken, der sagt, dass er „Lust hat, das zu servieren, was er essen möchte“.

Und das Resultat ist, das muss man sagen, umwerfend, voller Großzügigkeit, Präzision und Ausgeglichenheit. Sein Kredo? Eine Gastronomie mit französischer Inspiration und einigen deutschen Einflüssen. Man entdeckt Gerichte, die den Ruf des Restaurants begründet haben wie Chef’s Liebling: Rinderfilettartar, Foie Gras, Wachtelei, Parmesan und Trüffelpesto, eine perfekte Symphonie von Geschmack und Textur. Zum Ende des Winters, gesteht Stéphan, während er an den Konturen der neuen Karte arbeitet „ungeduldig zu sein Frühlingsprodukte zu kochen, allen voran den Spargel“. Man erinnert sich an einen Genuss, den man vor einigen Jahren erleben durfte, mit einem Frikassee von Spargel und Morcheln in Begleitung eines perfekt gegarten Wolfsbarsches…

royal königlich Des serveuses aux petits soins, une atmosphère chaleureuse et des pâtisseries et autres confiseries qui affolent les papilles (mention spéciale à la Forêt noire et au Baumkuchen) : le Café König est un incontournable de la cité thermale. Idéal pour un afternoon tea qu’on peut agrémenter d’une torche aux marrons ou d’une Sachertorte qui n’a rien à envier avec celle vendue dans le célèbre hôtel de Vienne, il est aussi recommandé pour une pause déjeuner. Des petits plats de saison – on y a testé des ravioles aux chanterelles tip top – y voisinent avec de fraîches salades. Quand le temps le permet, une charmante terrasse ouvre en outre largement ses bras aux gourmands. (H.L.) Bedienungen, die Ihnen jeden Wunsch von den Augen ablesen, eine herzliche Atmosphäre, Patisserie und Süßigkeiten, die den Gaumen verrückt machen (spezielle Erwähnung der Schwarzwälder Kirschtorte und des Baumkuchens): Das Café König ist ein Muss in der Badestadt. Ideal für den Nachmittags-Tee, den man mit einem Mont Blanc oder einer Sachertorte begleiten kann, die jener aus Wien in nichts

nachsteht, ist es auch der ideale Ort für ein Mittagessen.

Kleine Gerichte je nach Saison – wir haben ausgezeichnete Ravioli mit Pfifferlingen getestet – und frische Salate werden angeboten. Wenn das Wetter es erlaubt, können Feinschmecker ihre Köstlichkeiten auch unter freiem Himmel genießen.

Ouvert tous les jours Täglich geöffnet chocolatier.de

fine dining Dans une salle imaginée par le célèbre architecte d’intérieur Jacques Garcia – notamment décorateur de l’Hôtel Costes – se déploie une cuisine signée Farid Fazel. En se rendant au Medici, on découvre des plats contemporains et joueurs élaborés à partir de produits locaux, réinterpré-

tations twistées de grands classiques (parfois germaniques) mis à la sauce internationale ! On a ainsi testé une soupe de rutabagas et queue de bœuf accompagnée de jambon de la Forêt noire et d’un doigt de raifort. Une tuerie… Et quand on arrive sur des plats plus complexes, la magie est encore de la partie comme dans une alliance de truffes et de coquilles Saint-Jacques. (R.Z.) In einem Saal, der vom berühmten Innenarchitekten Jacques Garcia entworfen wurde – der unter anderem das Hôtel Costes dekorierte – entfaltet sich die Küche von Farid Fazel. Wenn man ins Medici geht, entdeckt man die zeitgenössischen und verspielten Gerichte, die aus lokalen Produkten hergestellt werden. Neuinterpretationen von großen Klassikern (manchmal deutschen), die international angehaucht sind! So haben wir eine Steckrübensuppe mit Ochsenschwanzpraliné, Schwarzwälder Schinken und Meerrettich getestet. Ein Gedicht… Und bei komplexeren Gerichten ist ebenfalls Magie im Spiel, wie bei einer Verbindung von Trüffeln und Jakobsmuscheln.

Ouvert du mardi au samedi (le soir uniquement) Geöffnet dienstags bis samstags (nur abends) medici.de

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let’s dance Qui remportera le Colibri d’Or récompensant un show d’exception ?

Réponse au cours de la finale de l’European Dance Award.

Wer gewinnt den Goldenen Colibri, der eine außergewöhnliche Tanzleistung belohnt? Antwort beim Finale des European Dance Awards.

Par Von Raphaël Zimmermann Photos de von Valentin Behringer

Au Kurhaus (Baden-Baden), samedi 11 mai Im Kurhaus (Baden-Baden), am Samstag den 11. Mai badenbadenevents.de. european-dance-award.com

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anifestation prestigieuse née en 2013 qui a su rapidement conquérir son public, l’European Dance Award rassemble la crème des danseurs (en solo, couple ou crew), tous styles confondus, dans une des plus belles salles d’Allemagne : un jury départagera les finalistes… étant bien entendu que le vote du public comptera aussi dans cette course au Colibri d’Or ! Au menu, un mix particulièrement séduisant d’univers chorégraphiques dans lequel de langoureuses milongas entrent en collision avec la violence urbaine du hip-hop et les figures acrobatiques résonnent avec les sonorités latino.

On découvrira des couples comme Andrea & Silvia (champions du monde 2012 de bachata, une danse de République dominicaine où fusionnent boléro, merengue ou encore cha-cha-cha) ou Kirill & Anna, mégastars du tango sur la planète entière. À côté de PatroX – qui a écumé les émissions de télé avec ses figures éminemment spectaculaires – se produiront The Last Action Heroes, des maîtres du breakdance qui n’ont pas choisi le titre du film de John McTiernan (avec Arnold Schwarzenegger) comme nom pour rien ! Et après le show, tout le monde est convié à une grande soirée… dansant !

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ie prestigeträchtige Veranstaltung, die erstmals 2013 stattfand, hat schnell ihr Publikum erobert: Der European Dance Award vereint die besten Tänzer (Solo, als Paar oder in der Gruppe), aus allen Stilrichtungen in einem der schönsten Säle Deutschlands. Eine Jury kürt die Finalisten... und natürlich zählt auch die Stimme des Publikums, in diesem Wettbewerb um den Goldenen Colibri! Auf dem Menü steht ein besonders verführerischer Mix von choreographischen Universen, in denen schmachtende Milonga auf die urbane Gewalt des Hip-Hops trifft und akrobatische Figuren auf lateinamerikanische Klänge antworten. Man wird Paare wie Andrea & Silvia entdecken (Weltmeister in Bachata 2012, einem Tanz aus der Dominikanischen Republik, in dem Bolero, Merengue und Cha-Cha-Cha fusionieren) oder Kirill & Anna, die weltweit bekannten Stars des Tangos. Neben PatroX – der die Fernsehsendungen mit seinen spektakulären Figuren aufgemischt hat – treten The Last Action Heroes auf, Meister des Breakdance, die nicht ohne Grund den Titel des Films von John McTiernan (mit Arnold Schwarzenegger) als Namen gewählt haben! Und nach der Show ist das Publikum zu einem großen Tanzabend eingeladen!

3 questions à 3 fragen an

nora waggershauser Responsable du Baden-Baden Kur & Tourismus Geschäftsführerin der Baden-Baden Kur & Tourismus GmbH Par Von Raphaël Zimmerman Photo de von Baden-Baden Kur & Tourismus GmbH

baden-baden.com

Quel est l’esprit de Baden-Baden ?

Un grand passé y rencontre un art de vivre contemporain. Au cours des siècles un lieu magique est né, proposant détente et distraction. Baden-Baden est the place to be pour ses hôtes quelque soit leur style de vie.

Comment la ville concilie-t-elle un héritage historique et une image moderne ?

Baden-Baden est une cité historique fondée pour faire du bien à l’âme et à l’esprit. Les sources thermales jaillissantes et l’image unique de la ville avec son casino mondialement connu et son offre culturelle variée de très haut niveau sont ses atouts. Existe également, une offre gastronomique – notamment au sein du Casino – pour un public jeune et branché tandis qu’au Bernstein Club se produisent des DJs venus du monde entier.

Quels sont vos lieux préférés à BadenBaden?

J’en ai tellement ! Ils varient en fonction de l’occasion et de l’ambiance. En été sur le Hausberg Merkur, observer les parapentistes est aussi reposant que de boire un bon verre de vin devant le Kurhaus. J’apprécie également l’offre culturelle de la ville et le fait qu’on peut tout atteindre à pied.

Was ist der Geist von Baden-Baden?

Eine große Vergangenheit trifft auf eine neue Lebenskultur. Im Laufe der Jahrhunderte ist ein magischer Ort entstanden, der Entspannung und Anregung zugleich bietet. BadenBaden ist Kulisse oder Bühne für seine Gäste – je nach Lebensstil.

Wie vereinbart die Stadt historisches Erbe modernere Image?

Baden -Baden ist ein historischer Ort der gegründet wurde um der Seele und dem Geist gut zu tun. Die sprudelnden Thermalquellen und auch die einzigartige Stadtkulisse mit dem weltberühmten Casino und dem so vielfältigen und hochkarätigem Kulturangebot sind Trümpfe der Stadt. Dennoch gibt es auch z.B. im Casino ein gastronomisches Angebot für eine junge, designaffine Zielgruppe und auch im Club Bernstein legen DJs aus der ganzen Welt ihre Musik auf.

Was sind ihre drei Lieblingsorte?

Lieblingsorte habe ich so viele, je nach Anlass und Stimmung. Im Sommer auf dem Hausberg Merkur den Paraglidern zuzuschauen ist genauso erholsam wie auf einer der schönen Open Air Veranstaltungen vor der Kurhauskulisse ein gutes Glas Wein zu trinken. Ebenso schätze ich das kulturelle Angebot der Stadt – und vor allem, dass alles fußläufig erreichbar ist.

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À NE PAS MANQUER ! NICHT VERPASSEN!

Inauguration Einweihung

© CARASANA Bäderbetrieb GmbH

Un week-end festif pour fêter la rénovation de la Leopoldsplatz avec bénédiction du lieu et concerts. Les magasins seront ouverts le dimanche.

Ein festliches Wochenende zur Feier der Renovierung des Leopoldsplatzes mit Segnung und Konzerten. Verkaufsoffener Sonntag.

13 & 14.04., Leopoldsplatz

Journées du théâtre Baden-Württembergische Theatertage

24.05. -02.06., Theater Baden-Baden

Course hippique internationale «Meeting du printemps » Internationale Galopprennen „Frühjahrsmeeting“ Une ambiance pétillante et des frissons passionnants.

Prickelnde Atmosphäre und aufregender Nervenkitzel.

30.05.-02.06., Galopprennbahn Baden-Baden/Iffezheim

Concerts philharmoniques au Château Philharmonische Schlosskonzerte La Philharmonie de Baden-Baden joue des œuvres choisies dans la cour illuminée du Château Neuweier.

Die Baden-Badener Philharmonie spielt ausgewählte Werke im illuminierten Innenhof des Schlosses Neuweier.

28. & 29.06., Schloss Neuweier

Meeting international de voitures anciennes Internationales Oldtimer-Meeting 350 classiques transforment le Kurgarten en un musée en plein air de l’histoire automobile.

350 Fahrzeugklassiker verwandeln den Kurgarten in ein Freilichtmuseum der Automobilgeschichte.

12.-14.07., Kurgarten

Nuit philharmonique à la Gönneranlage Philharmonische Nacht in der Gönneranlage Concert Open-Air estival de la Philharmonie.

Sommerliches Open-Air Konzert der Philharmonie.

26.07., Gönneranlage

Longue Nuit des Musées Lange Nacht der Museen Tout le long de “l’allée des arts” : Museum LA8, Staatliche Kunsthalle, Museum Frieder Burda, Stadtmuseum.

Entlang der Kunst- und Kulturmeile: Museum LA8, Staatliche Kunsthalle, Museum Frieder Burda, Stadtmuseum 27.07., Lichtentaler Allee

Plus d’informations sur baden-baden.com Weitere Informationen unter baden-baden.com

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thermal Réputée pour ses eaux, la cité abrite les Thermes Caracalla, espace ludique et contemporain et le Friedrichsbad au décor féérique avec ses 17 stations où alternent airs chaud et froid, chaleur des bains de vapeur et bassins thermaux dont les eaux riches en minéraux jaillissent des 12 sources du Florentinerberg.

Die für ihr Thermalwasser bekannte Stadt beherbergt die Caracalla Therme, ein zeitgenössisches Thermalbad und das Friedrichsbad mit einem märchenhaften Dekor und 17 Stationen, bei welchen sich Heiß-und Kaltbecken, Dampfund Thermalbäder abwechseln, deren sehr mineralienhaltige Wasser aus den 12 Quellen des Florentinerberges stammen. carasana.de

arty Jusqu’au 30 juin, la maison Vickermann & Stoya, célèbre dans l’Europe entière pour ses souliers sur-mesure, fête le 25e anniversaire de la Galerie Hammelehle und Ahrens avec une exposition (visitable sur rendez-vous). #haah25 restitue l’âme de cette institution allemande qui expose notamment Thomas Arnolds, Lutz Driessen ou Anja Schwörer.

Bis zum 30. Juni feiert das Haus Vickermann & Stoya, dass in ganz Europa für seine Maßschuhe bekannt ist, das 25jährige Jubiläum der Galerie Hammelehle und Ahrens mit einer Ausstellung (Besichtigung auf Anmeldung). #haah25 bildet die Seele dieser deutschen Institutiona ab, die unter anderem Thomas Arnolds, Lutz Driessen oder Anja Schwörer ausstellt. vickermannundstoya.de haah.de

Matthias Schaufler, 2x Ohne Titel, 2005

30 représentations de haut niveau vous attendent !

Insgesamt 30 hochkarätige Vorstellungen erwarten Sie!

CLOTHES Temple de la mode, la boutique Tandem Transit propose des vêtements de la célèbre marque italienne. Tandem ce n’est pas toujours le même thème, mais des évolutions dans un univers d’une élégance atemporelle, où hommes et femmes trouvent des habits chics.

Die Boutique Tandem Transit ist ein Modetempel, der die Kleidungsstücke der berühmten italienischen Marke anbietet. Tandem bietet nicht immer die gleichen Themen an, sondern Evolutionen in einem Universum von zeitloser Eleganz, in dem Herren und Damen schicke Outfits finden.

GLASSES Des nouveautés – comme les Wood Fellas célébrant le bois – et des classiques intemporels de Chanel ou Gucci : Schrodin Optik, où vous êtes conseillés par des pros, est le royaume de la lunette. S’y trouvent aussi bien les solaires stylées de Ray-Ban que des montures couture signées YSL. Neuheiten – wie die Wood Fellas, die Holz zur Geltung bringen – zeitlose Klassiker von Chanel oder Gucci: Schrodin Optik, wo Sie von Profis beraten werden, ist das Königreich der Brille. Man findet hier ebenso stylische Ray-Ban wie modische Gestelle von YSL. schrodin.de

transit.it

Être bien dans ses pompes, voilà ce que promet l’enseigne Bär. Maison allemande de référence qui a une antenne à Baden-Baden, elle produit des chaussures ultra-confortables donnant le sentiment de marcher pieds nus grâce à un procédé exclusif. Les essayer, c’est les adopter… et prendre le risque de ne plus pouvoir s’en passer !

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Avril April 19

FROM BLACK FOREST WITH LOVE Ouverte par deux amies, Anja et Barbara, la boutique Schwarzwaldmädels propose des produits de la Forêt noire (mais pas que) donnant un coup de jeune à la tradition : coucous arty, textiles tradi, schnaps et une multitude d’idées cadeaux originales attendent les curieux.

Die Boutique Schwarzwaldmädels, die von den beiden Freundinnen Anja und Barbara eröffnet wurde, bietet Produkte aus dem Schwarzwald (aber nicht nur) an, die der Tradition eine zweite Jugend verleihen: Kunstvolle Kuckucksuhren, traditionelle Textilien, Schnaps und zahlreiche Geschenkideen erwarten neugierige Kunden. schwarzwaldmaedels.com

© MeinKinderlachen.com

SHOES

MUSIQUE MUSIK

dur comme ferré 25 ans après sa disparition, Léo Ferré renait grâce à la nouvelle garde underground qui distribue des beignes musicales et jette des pavés dans la mare en livrant des relectures à découvrir sur scène. C’est Extra !

hart wie ferré 25 nach seinem Verschwinden wird Léo Ferré wiedergeboren, dank einer neuen Underground-Szene, die musikalische Leckereien produziert, indem sie auf der Bühne Neuinterpretationen liefert. C’est Extra !

Par Von Emmanuel Dosda Photo de von Thomas Bertini

Aux Trinitaires (Metz), jeudi 25 avril In Les Trinitaires (Metz), am Donnerstag den 25. April citemusicale-metz.fr Au Théâtre des Feuillants (Dijon), vendredi 3 mai Im Théâtre des Feuillants (Dijon), am Freitag den 3. Mai abcdijon.org lavapeur.com

En live, le line up de l’Extragroupe comprend Alexis Fugain, Alexis Croisé et Carol Teillard du groupe Biche, Marietta, P.r2b, Eddy Crampes et Sarah Maison Die Live-Zusammensetzung der Extragroupe umfasst Alexis Fugain, Alexis Croisé und Carol Teillard von der Gruppe Biche, Marietta, P.r2b, Eddy Crampes und Sarah Maison

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2029, troisième album (concept) de Gontard, sort le 26/04 chez Ici d’ailleurs : une chronique sociale et musicale faisant « chanter la France » d’en bas 2029, drittes Album (Konzept) von Gontard erscheint am 26.04. bei Ici d’ailleurs: Eine soziale und musikalische Chronik, die das „Frankreich von unten singen lässt“ icidailleurs.com 2

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«P

our me fermer la gueule, il faut se lever de bonne heure ou que je sois mort », disait Léo, arrogant. Fou d’Aragon, toujours à deux doigts de sortir de ses gonds, poète anar broyant du noir, il avait la « mélancolie pour traîner dans la vie » et écrire des chansons jugées poussiéreuses, usées, par la plupart de nos contemporains.

Trop de lamento… Afin de redonner du lustre au patrimoine paternel, Mathieu Ferré et l’éditeur historique de Léo (Peermusic) ont contacté la clique de La Souterraine, label découvreur / défenseur de talents hexagonaux – Chaton, Halo Maud, Barbagallo, Laure Briard ou Ricky Hollywood, compagnon de route de Juliette Armanet – et initiateur d’hommages discographiques à Dominique A et Mathieu Boogaerts. Benjamin Caschera, co-fondateur de la structure indépendante, flatté et séduit par la proposition de la progéniture de cet illustre « contestataire libertaire », s’emballe : C’est Extra. Tel est le titre d’un Tribute to Ferré, compilation qui n’en est pas tout à fait une. Les treize titres ont un même « grain live » car composés pour moitié par un trio de choc : Émile Sornin de Forever Pavot, Julien Gasc et Benjamin Glibert d’Aquaserge1. Les autres musiciens et interprètes font partie de la petite famille souterraine. Parmi cette mauvaise graine, le messin Marietta qui

reprend Thank you Satan, s’avoue sensible à « l’exigence poétique des textes de Ferré, son utilisation d’images folles et un peu tordues », nous confie-t-il. Gontard2, qui se paye L’Opéra du pauvre, apprécie avant tout « l’emphase et l’uppercut ! Ferré, ça implique de se mouiller un peu, alors que l’époque est aux cuisses fraîches », glisse l’auteur de La Main tiède de la violence. Julien Gasc s’est quant à lui toujours senti comme « suivi par Ferré que [s]on père écoutait beaucoup ».

Il s’est replongé dans La Solitude il y a une dizaine d’années et s’est longtemps accaparé Les Pop avant de l’enregistrer enfin pour C’est Extra. Pas d’Avec le temps, ni de Jolie môme, mais des relectures de morceaux méconnus et des textes « surprenants », selon Benjamin, citant Tu ne dis jamais rien, « chanson à caractère sociologique où l’on parle d’amour et d’ouvriers de chez Renault ».

„U

m mir das Maul zu schließen muss man früh aufstehen oder ich muss tot sein“, sagte Léo arrogant. Verrückt nach Aragon, immer kurz davor aus der Haut zu fahren, anarchischer Poet, der Trübsal blies, er hatte die „Melancholie um durch das Leben zu streifen“ und Lieder zu schreiben, die von den meisten unserer Zeitgenossen als verstaubt und abge-

nutzt verurteilt wurden. Zu viel lamento...

Um dem väterlichen Erbe wieder Glanz zu verleihen hat Mathieu Ferré mit dem historischen Verleger von Léo (Peermusic) die Clique von La Souterraine kontaktiert, ein Label, das französische Talente entdeckt und verteidigt – Chaton, Halo Maud, Barbagallo, Laure Briard oder Ricky Hollywood, den Weggefährten von Juliette Armanet – und Initiator von Hommages-Alben an Dominique A und Mathieu Boogaerts ist. Benjamin Caschera, Mitbegründer der unabhängigen Struktur, freut sich, geschmeichelt und verführt von der Idee des Sprösslings dieses berühmten „systemkritischen Anarchisten“: C’est Extra.

Das ist der Titel eines Tribute to Ferré, eines Samplers, der nicht wirklich einer ist. Die dreizehn Titel haben eine „Live-Klang“, da sie zur Hälfte von einem Super-Trio komponiert wurden: Émile Sornin von Forever Pavot, Julien Gasc und Benjamin Glibert von Aquaserge1. Die anderen Musiker und Interpreten gehörten zur kleinen Underground-Familie. Zu diesen sauberen Früchtchen gehört

Marietta aus Metz, der Thank you Satan wieder aufnimmt und gesteht sensibel für „den poetischen Anspruch der Texte von Ferré zu sein, seine Verwendung von verrückten und ein wenig verschrobenen Bildern“, vertraut er uns an. Gontard2, der L’Opéra du pauvre spielt, schätzt vor allem „die Emphase und den Aufwärtshaken! Ferré, das heißt, dass man Farbe bekennt, während die Epoche weiße Westen bevorzugt“, sagt der Autor von La Main tiède de la violence. Julien Gasc seinerseits hat sich immer „von Ferré begleitet gefühlt, den sein Vater viel hörte“. Er ist vor zehn Jahren wieder in La Solitude eingetaucht und hat Les Pop in Beschlag genommen, bevor er es endlich für C’est Extra aufnahm.

Kein Avec le temps oder Jolie môme, sondern eine erneute Lektüre von wenig bekannten Stücken und laut Benjamin „überraschenden“ Texten. Er zitiert Tu ne dis jamais rien (Du sagst nie etwas), „ein Chanson mit soziologischem Charakter, das von Liebe und den Arbeitern bei Renault spricht.“

Édité par Erschienen bei Les Editions Méridian (Peermusic), La Mémoire et la Mer (Distribution Universal) et und La Souterraine souterraine.biz

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musique musik

forever young Pour accompagner la sortie de leur nouvel opus Data Mirage Tangram, les inclassables Young Gods sont en tournée.

Die schwer einzuordnenden Young Gods feiern das Erscheinen ihres neuen Werkes Data Mirage Tangram mit einer Tournee.

Par Von Hervé Lévy Photo de von Mehdi Benkler

Au Salzhaus (Winterthur), vendredi 19 avril Im Salzhaus (Winterthur), am Freitag den 19. April salzhaus.ch À la Kaserne (Bâle), samedi 20 avril In der Kaserne (Basel), am Samstag den 20. April kaserne-basel.ch Au Dachstock (Berne), vendredi 26 avril Im Dachstock (Bern), am Freitag den 26. April dachstock.ch À La Laiterie (Strasbourg), mercredi 20 novembre In La Laiterie (Straßburg), am Mittwoch den 20. November artefact.org younggods.com

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V

ieux, les Young Gods ? Sans doute, puisque le groupe helvète fut fondé en 1985. Reste qu’il est toujours là.

Et bien là avec un douzième album montrant l’importance d’une formation pionnière qui influença David Bowie ou U2. Après la surprenante incursion acoustique de Knock on Wood (2008) et l’ambivalent Everybody Knows (2010) qui renouait en douceur avec l’electronic body music et la violence des eighties, les immortels auteurs de L’Amourir ont mis huit ans pour concocter Data Mirage Tangram (sorti en février). Ses sept titres hors norme – le plus court fait six minutes – marquent un come-back à la puissance tellurique des débuts avec le retour aux affaires et aux samplers d’un membre originel du groupe, Cesare Pizzi, aux côtés de l’inoxydable Franz Treichler. Les Gods balancent un puzzle sonore oscillant entre indus expérimentale, post-rock inspiré et ambient hypnotique piqueté de quelques touches psyché. Éperdument libres, ils poursuivent leurs bidouillages où les machines rencontrent les guitares, semblant se réinventer en permanence, puisant leur énergie expérimentatrice dans la lave en fusion d’une carrière de plus de trente ans.

A

lt, die Young Gods? Sicherlich, denn die helvetische Gruppe wurde 1985 gegründet. Aber sie sind immer noch voll da, mit einem zwölften Album, das den Stellenwert einer Pionier-Formation zeigt, die David Bowie und U2 beeinflusste. Nach dem akustischen Ausflug von Knock on Wood (2008) und dem ambivalenten Everybody Knows (2010), haben die unsterblichen Autoren von L’Amourir acht Jahre lang Data Mirage Tangram (erschienen im Februar) ausgeheckt. Seine sieben außergewöhnlichen Titel – der Kürzeste ist sechs Minuten lang – markieren ein Comeback mit der tellurischen Kraft der Anfänge, mit der Rückkehr eines Originalmitglieds der Gruppe an die Samplers, Cesare Pizzi, an der Seite des nicht rostenden Franz Treichler. Die Gods schleudern ein Klangpuzzle heraus, das zwischen experimentellem Industrial, inspiriertem Post-Rock und hypnotisierendem Ambient schwankt, gespickt mit einigen Tupfern Psychedelischer Musik. Völlig frei setzen sie ihre Basteleien fort, in denen die Maschinen auf die Gitarren treffen, sie scheinen sich permanent neu zu erfinden, während sie ihren Experimentiergeist aus der fusionierenden Lava einer mehr als dreißigjährigen Karriere schöpfen.

conte de printemps Le festival Musique & Culture de Colmar mixe les styles, faisant se croiser classique, jazz, gospel ou pop.

frühlingserwachen Das Festival Musique & Culture in Colmar mischt Klassik, Jazz, Gospel und Pop. Par Von Pierre Reichert Photos de von l’Orchestre royal de chambre de Wallonie © Rino Noviello et de von Morgane Ji

En l’Église Saint-Matthieu et à la Salle des Catherinette (Colmar), du 4 au 21 avril In der Église Saint-Matthieu und in der Salle des Catherinette (Colmar), vom 4. bis 21. April printemps-colmar.com

* Spectacle également donné vendredi 5 et samedi 6 avril à l’Ed&n (Sausheim) Die Aufführung wird ebenfalls am Freitag den 5. und Samstag den 6.

April im Ed&n (Sausheim) gezeigt labopera-alsace.com

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ne quinzaine de rendez-vous sont programmés cette année avec, en guise de prélude, une Flûte enchantée montée par le Labopéra d’Alsace (29-31/03, Parc Expo) *. Ensuite, débute un excitant melting-pot, où se découvre l’Orchestre royal de chambre de Wallonie, phalange dirigée par Frank Braley (chef d’orchestre et pianiste de haut vol), pour une série de trois soirées : une promenade au Siècle des Lumières (avec le rare Concerto pour alto de Telemann par Gérard Caussé, 09/04), une escapade d’un romantisme échevelé (grâce notamment à deux pièces de Liszt, 10/04) et un multicolore feu d’artifice sonore du trompettiste star Romain Leuleu (11/04). À côté de cela, c’est à l’exploration d’un joli kaléidoscope sonore à laquelle le public est convié avec la pop eighties mâtinée d’influences new wave de La Féline (18/04), le gospel de Reverend John Wilkins (06/04), le jazz aux influences azéries d’Etibar Asadli (08/04) ou encore l’univers hybride oscillant entre ethno-rock et world electro de la chanteuse Morgane Ji, accompagnée de l’Orchestre National Jazz Luxembourg (14/04).

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ehr als fünfzehn Termine stehen in diesem Jahr auf dem Programm mit einer Zauberflöte von Labopéra d’Alsace (29.-31.03., Parc Expo) * als Vorspiel.

Anschließend beginnt ein exzellenter MeltingPot, in dem man das Königlich-Wallonische Kammerorchester entdeckt, dirigiert vom renommierten Frank Braley (einem hochkarätigen Dirigenten und Pianisten) für eine Reihe über drei Abende: Ein Spaziergang durch das Jahrhundert der Aufklärung (mit einem seltenen Konzert für Bratsche und Orchester von Telemann mit Gérard Caussé, 09.04.), ein Ausflug von großer Romantik (unter anderem mit zwei Stücken von Liszt, 10.04.) und ein vielfarbiges Feuerwerk mit dem Star-Trompeter Romain Leuleu (11.04.). Daneben wird das Publikum zur Erkundung eines schönen Klang-Kaleidoskops eingeladen, mit Pop aus den Achtzigern, den La Féline mit New Wave verbindet (18.04.), Gospel von Reverend John Wilkins (06.04.), Jazz mit azerbaidschanischen Einflüssen von Etibar Asadli (08.04.) oder auch dem hybriden Universum der Sängerin Morgane Ji zwischen Ethno-Rock und Elektromusik, in Begleitung des Nationalen Jazzorchesters Luxemburg (14.04.).

darklands D’un sombre romantisme aux accents fantastiques, Der Freischütz de Weber est monté par un duo culte à l’Opéra national du Rhin.

Der Freischütz von Weber, voller düsterer Romantik und phantastischer Akzente, wird von einem Kultduo in der Opéra national du Rhin aufgeführt.

Par Von Hervé Lévy Photo de von Martin Sigmund

À l’Opéra (Strasbourg), du 17 au 29 avril À La Filature (Mulhouse), vendredi 17 et dimanche 19 mai In der Oper (Straßburg), vom 17. bis 29. April In La Filature (Mulhouse), am Freitag den 17. und Sonntag den 19. Mai operanationaldurhin.eu

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epuis le milieu des années 1990, le duo de metteurs en scène (qui fait ici ses débuts en France) formé par Jossi Wieler et Sergio Morabito accumule les succès comme Ariadne auf Naxos aux Salzburger Festspiele (2001) et de multiples productions à l’Opéra de Stuttgart, dont le premier était intendant de 2011 à 2018. Pour lui, Der Freischütz est une œuvre très actuelle et les phénomènes surnaturels qui y sont présents peuvent être assimilés « à l’action des réseaux informatiques dont nous sommes entourés dans notre monde digitalisé. » Et son complice de renchérir : « Weber a conquis des univers sonores qui expriment les préoccupations les plus profondes de son époque.

Son opéra touchait à un tabou en dévoilant les côtés obscurs d’une société. » Irriguée par l’esthétique du peintre Alekos Hofstetter – fasciné par l’architecture brutaliste – cette production donne les couleurs d’aujourd’hui à une page créée en 1821 marquant la naissance de l’opéra romantique allemand qui impressionna profondément Beethoven ou Wagner.

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eit Mitte der 1990er Jahre reiht das Regisseurduo Jossi Wieler und Sergio Morabito einen Erfolg an den anderen wie Ariadne auf Naxos bei den Salzburger Festspielen (2001) oder zahlreiche Produktionen für die Oper Stuttgart, deren Intendant Ersterer zwischen 2011 und 2018 war. Für ihn ist Der Freischütz ein sehr aktuelles Werk und die übernatürlichen Phänomene, die darin präsent sind, können „mit der Aktion der Computernetzwerke verglichen werden, von denen wir in unserer digitalen Welt umgeben sind.“ Und sein Komplize fügt hinzu: „Weber hat Klanguniversen erobert, die die tiefgründigen Sorgen seiner Zeit ausdrücken.

Seine Oper berührte ein Tabu, indem sie die dunkle Seite einer Gesellschaft zeigte.“ Von der Ästhetik des Malers Alekos Hofstetter durchzogen – der vom Brutalismus fasziniert war – verleiht diese Produktion einer Komposition von 1821 neuen Glanz, die die Geburt der romantischen deutschen Oper darstellte und Beethoven oder Wagner beeinflusste.

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MUSIQUE MUSIK

le vrai et le faust Après le succès des Troyens1, John Nelson retrouve l’Orchestre philharmonique de Strasbourg pour une nouvelle page de Berlioz, La Damnation de Faust. Le chef américain parle du compositeur français.

der wahre faust Nach dem Erfolg der Troyaner1 trifft John Nelson wieder auf das Orchestre philharmonique de Strasbourg, für ein schönes Stück von Berlioz, La Damnation de Faust. Der amerikanische Dirigent spricht über den französischen Komponisten.

Par Von Hervé Lévy Photo de von Grégory Massat

Au Palais de la Musique et des Congrès (Strasbourg), jeudi 25 et vendredi 26 avril Im Palais de la Musique et des Congrès (Straßburg), am Donnerstag den 25. und Freitag den 26. April philharmonique.strasbourg.eu Retrouvez l’intégralité de l’entretien avec John Nelson sur poly.fr

Voir Poly n°197 ou sur poly.fr ; le CD de cette production a été récompensé par la Victoire de la musique classique du meilleur enregistrement en 2019 2 Il a régulièrement dirigé avec Le Messie de Haendel (décembre 2009), des programmes Elgar / Walton (mai 2012) et Schnittke / Haydn / Pärt / Mozart (mars 2013) ou encore le War Requiem de Britten (novembre 2013) 1

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Comment décrire votre relation avec l’OPS qui se déploie désormais depuis de longues années 2 ?

Lorsque j’ai dirigé l’Orchestre philharmonique de Strasbourg pour la première fois, je suis tombé amoureux des musiciens. Ils ont à la fois une fougue française et une discipline allemande ainsi qu’une attitude très positive.

C’est une joie absolue de travailler avec eux.

Avec Les Troyens (2017), vous avez initié un “cycle Berlioz” : qu’est-ce qui vous attire dans la musique d’un compositeur dont vous êtes un spécialiste renommé ? Étrangement, j’ai commencé mon cursus de direction d’orchestre à la Juilliard School de New York avec un professeur français, Jean Morel mais pas une fois nous n’avons étudié Berlioz ! Je l’ai découvert sur la suggestion de Matthew Epstein qui m’a pressé d’écouter un enregistrement des Troyens de Colin Davis.

Cela m’a époustouflé ! J’aime tout dans sa musique : son originalité, sa véracité, le drame et l’orchestration à couper le souffle. Il sonne toujours très moderne, même aujourd’hui.

Cette proximité avec le compositeur ne risque-t-elle pas d’engendrer une routine ?

Certainement pas ! J’ai dirigé huit productions des Troyens, cinq de son Requiem et

ses autres œuvres à de nombreuses reprises : à chaque fois j’ai l’impression de le faire pour la première fois. Sa musique est tellement fraîche et originale !

Vous adorez diriger d’immenses fresques chorales : qu’est-ce qui vous attire dans ce répertoire ?

Comme je suis né dans une famille religieuse, les œuvres de ce type comme les passions de Bach, les oratorios de Haendel et Haydn et les messes de Beethoven et Bruckner ont toujours exercé une puissante attraction sur moi. Je réétudie actuellement le Requiem de Berlioz et ce qui m’impressionne est une combinaison d’une brillante architecture globale et de minuscules détails dans l’articulation.

Aucun compositeur avant lui n’était arrivé à cela.

Cette année, vous dirigez La Damnation de Faust à Strasbourg, où vous retrouvez Joyce DiDonato et Michael Spyres, deux des plus grands chanteurs de la planète : comment résumer cette œuvre en quelques mots ?

C’est la pièce la plus dramatique de Berlioz, parce qu’elle traite du paradis et de l’enfer, de l’innocence et de la dépravation totale. La musique qui en résulte est sans doute la plus difficile à diriger parmi toutes celles que le compositeur écrivit.

Wie würden Sie ihre langjährige Beziehung zum OPS beschreiben 2?

Als ich das Orchestre philharmonique de Strasbourg zum ersten Mal dirigierte, habe ich mich in die Musiker verliebt. Sie haben gleichzeitig einen französischen Elan und eine deutsche Disziplin, sowie eine positive Einstellung. Es ist eine absolute Freude mit ihnen zu arbeiten.

Mit Les Troyens (2017) haben Sie den Berlioz-Zyklus begonnen: Was zieht Sie an der Musik eines Komponisten an, zu dessen Spezialisten sie mittlerweile geworden sind?

Komischerweise habe ich meinen Dirigentenstudium an der Juilliard School in New York mit einem französischen Professor begonnnen, Jean Morel, aber nicht ein Mal haben wir Berlioz studiert! Ich habe ihn auf einen Rat von Matthew Epstein hin entdeckt, der mich drängte die Aufnahme der Troyens von Colin Davis zu hören. Atemberaubend!

Ich mag alles an seiner Musik: Seine Originalität, seine Wahrhaftigkeit, das Drama und die Orchestrierung. Er klingt immer noch sehr modern.

Diese Nähe zum Komponisten birgt nicht die Gefahr einer Routine?

Sicher nicht! Ich haben acht Produktionen der Troyens dirigiert, fünf von seinem Requiem

und seine anderen Werke viele Male: Jedes Mal habe ich das Gefühl es zum ersten Mal zu tun. Seine Musik ist so frisch und originell!

Sie lieben es, eine riesige Chorpartition zu dirigieren: Was zieht Sie daran an?

Da ich in einer religiösen Familie aufgewachsen bin, haben Werke diesen Typs wie die Passion von Bach, die Oratorien von Händel oder Haydn und die Messen von Beethoven und Bruckner, immer eine große Anziehungskraft auf mich ausgeübt. Ich studiere momentan wieder das Requiem von Berlioz und das was mich beeindruckt, ist eine Kombination aus einer brillanten globalen Architektur und winzigen Details im Zusammenspiel. Kein Komponist vor ihm hat das erreicht.

In diesem Jahr dirigieren Sie La Damnation de Faust in Straßburg, wo Sie wieder auf Joyce DiDonato und Michael Spyres treffen, zwei der größten Sänger der Welt: Wie würden Sie das Werk in wenigen Worten zusammenfassen?

Es ist das dramatischste Stück von Berlioz, weil es von Paradies und Hölle handelt, von Unschuld und totalem Sittenverfall. Die Musik, die daraus resultiert ist zweifelsohne diejenige des Komponisten, die am schwierigsten zu dirigieren ist.

Siehe Poly Nr. 197 oder auf poly. fr; die CD dieser Produktion wurde mit dem französischen Victoire de la musique classique ausgezeichnet 2 Er hat regelmäßig mit Der Messias von Händel (Dezember 2009) Programme von Elgar / Walton (Mai 2012) und Schnittke / Haydn / Pärt / Mozart (März 2013) dirigiert, oder auch das War Requiem von Britten (November 2013) 1

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exposition ausstellung

3 x 3 Pour le centenaire du Bauhaus, la kunsthalle messmer convie une famille haute en couleurs, les trois Bill : Max, Jakob et David.

Zum hundertjährigen BauhausJubiläum lädt die kunsthalle messmer eine originelle Familie ein, die drei Bill: Max, Jakob und David.

Par Von Emmanuel Dosda

À la kunsthalle messmer (Riegel am Kaiserstuhl), jusqu’au 16 juin In der kunsthalle messmer (Riegel am Kaiserstuhl), bis zum 16. Juni kunsthallemessmer.de

Légende Bildunterschrift Jakob Bill, No 35, 2007 © 2019 Bonn, VG Bild-Kunst, max, binia + jakob bill stiftung

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rois générations de Bill et autant de façons d’envisager l’art constructif, né en 1919 à Weimar, sur les cendres d’un monde à réinventer et ré-enchanter : près d’une centaine de pièces retrace une épopée familiale, décrivant l’histoire d’une dynastie voyant la vie d’une manière géométrique, dans le respect des enseignements de Walter Gropius et d’un mouvement qui concernait tous les arts, du théâtre expérimentalo-fantasque à l’architecture hyper rigoureuse et le design ultra fonctionnaliste. Ce sont peintures et sculptures que met en avant la kunsthalle messmer, domaine dans lequel se distinguèrent les Bill avec des travaux basés, selon les préceptes du Bauhaus, sur les trois couleurs primaires, les trois dimensions ainsi que sur le trio de formes fondamentales (sphère, cube, pyramide). Max Bill (1908-1994), professeur et théoricien, fondateur (et architecte) de l’école de design HfG Ulm, puise dans son encyclopédique savoir-faire pour des créations conjuguant arts plastiques et mathématiques. Son fils, Jakob Bill (né en 1942), a suivi la voie tracée, resserrant le propos sur les arts graphiques en créant sérigraphies ou fresques murales rigoureuses et colorées. À travers ses sculptures d’acier en noir et blanc, David (1976-2018), forgeron de formation, rend hommage à son grand-père tout en s’inspirant de Malevitch et en questionnant l’espace qu’il dynamise comme le dévoile cette expo intergénérationnelle.

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rei Generationen Bill und ebenso viele Arten die Konstruktive Kunst zu betrachten, die 1919 in Weimar entstanden war, aus der Asche einer Welt, die es neu zu erfinden und zu verzaubern galt: Mehr als hundert Werke erzählen einen Familienepos, beschreiben die Geschichte einer Dynastie, die die Welt auf geometrische Weise sah, ganz im Sinne der Lehre von Walter Gropius und der Bewegung, die alle Künste betraf, vom experimental-phantastischen Theater bis zur sehr strengen Architektur und ultra-funktionellem Design. Die kunsthalle messmer stellt Malerei und Skulpturen in den Vordergrund, eine Domäne in der die Bills herausstechen, mit Arbeiten, die sich gemäß der Grundsätze des Bauhauses auf drei Primärfarben, drei Dimensionen sowie drei grundlegende Formen (Kugel, Würfel, Pyramide) stützen. Max Bill (1908-1994), Professor und Theoretiker, Begründer (und Architekt) der Hochschule für Gestaltung Ulm schöpft aus seinem enzyklopädischen Wissen um Kreationen zu gestalten, die Plastische Kunst und Mathematik vereinen. Sein Sohn Jakob Bill (geboren 1942) ist dem vorgegebenen Weg gefolgt, beschränkt sich aber auf die graphischen Künste, indem er Serigraphien oder Wandmalereien kreiert, die streng und bunt sind.

Anhand seiner schwarz-weißen Stahlskulpturen huldigt David (1976-2018), ein gelernter Schmied, seinem Großvater, lässt sich gleichzeitig von Malewitsch inspirieren und stellt den Raum, den er dynamisiert, in Frage.

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light revolution Avec La Lumière et la toile, la Staatliche Kunsthalle Karlsruhe revient sur les rapports clairs-obscurs entre peinture et photographie, nés avec l’invention de cette dernière au XIXe siècle.

Mit Licht und Leinwand, kommt die Staatliche Kunsthalle Karlsruhe auf die hell-dunkle Beziehung zwischen Malerei und Photographie zurück, die mit der Erfindung von Letzterer im 19. Jahrhundert begann.

Par Von Daniel Vogel

À la Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, jusqu’au 2 juin In der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe, bis zum 2. Juni kunsthalle-karlsruhe.de Visites guidées en français, les samedis 6 avril et 18 mai à 14h30 Führungen an allen Sonn-und Feiertage um 15 Uhr

Légendes Bildunterschriften 1. Anselm Feuerbach, Ruhende Nymphe, 1870 © Germanisches Nationalmuseum, Nürnberg 2. Takashi Arai, Arata Kikumoto, 2016-2018 © Takashi Arai, Tokyo

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a naissance de la photographie à la fin des années 1830 est de ces bouleversements qui firent vaciller le monde, à l’instar du cinéma ou du digital. Ce nouveau médium, saisissant le réel et figeant le mouvement comme jamais auparavant, sonne comme un coup de semonce dans le monde des arts. Les images produites sont regardées dans un mélange de fascination pour la rapidité de leur production, mais aussi avec défiance par les peintres dont le savoir-faire patiemment peaufiné jusqu’ici se voyait dépassé par la modernité. Le daguerréotype couchait la réalité sur une plaque d’argent, au point que certains journaux questionnent alors le devenir de la peinture. L’interprétation des artistes laissait place à une technicité révélant détails et décors dans l’instant, ne trichant

pas. Les rapports houleux des débuts laissent place ensuite à un intérêt grandissant, notamment pour les apports nouveaux permis par la photo dans l’étude des mouvements – Eadweard Muybridge immortalisant le galop d’un cheval décomposé image par image (1881) – ou des gros plans sur des végétaux, révélant un monde inconnu. Les expérimentations des photographes, jouant des distorsions des focales, de la lumière et des temps d’exposition pour superposer, tels des fantômes, divers personnages finit d’éteindre l’opposition entre ces deux arts. En exposant toiles et clichés côte à côte – comme une photo et deux tableaux du même Joueur d’orgue de barbarie signés Charles Nègre – se dévoilent d’indubitables influences dans les poses et portraits (ceux d’Arthur Schopenhauer mi-

exposition ausstellung

XIXe exposant les atouts de chaque support), jusque dans le fantasme d’un orientalisme sensuel. La belle Ruhende Nymphe de la toile d’Anselm Feuerbach (1870) et sa pose lascive à moitié endormie n’a rien de pornographique. Loin, très loin des clichés du même genre se multipliant à l’époque.

Dans les tentatives de saisir le mouvement de vagues déchainées sur le rivage ou les falaises, la peinture défend encore une fois fièrement ses chances et l’on comprend que l’arrivée de concurrents autour du réalisme constitua une opportunité sans pareille pour les peintres, poussés à expérimenter un autre rapport au monde, à être inventifs en diversifiant leurs sujets et leur palette. La Staatliche Kunsthalle Karlsruhe consacre d’ailleurs une salle entière à Tomorrow’s History, série de Takashi Arai. Le Japonais cherche à travers une installation sonore doublée d’une trentaine de portraits au daguerréotype, réalisés en 2016, à exprimer une vision de l’avenir en immortalisant ses jeunes compatriotes sur les lieux de catastrophes (Hiroshima, Fukushima…) tout en les questionnant sur leurs aspirations futures. La vulnérabilité du support correspond à la fragilité des destins actuels dans un jeu de miroir où notre propre reflet se mêle à l’image produite sur plaque réfléchissante.

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ie Geburt der Photographie Ende der 1830er Jahre gehört zu jenen Umstürzen, die die Welt veränderten, wie das Kino oder das Digitale. Dieses neue Medium, das die Realität und die Bewegung einfängt, wie niemals zuvor, schlägt wie ein Warnschuss in der Kunstwelt ein. Die produzierten Bilder werden mit einer Mischung aus Faszination für die Schnelligkeit ihre Produktion aber auch Misstrauen von Seiten der Künstler betrachtet, deren bis dahin geduldig ausgefeiltes Handwerk nun von der Moderne überholt wird. Die Kamera für Daguerreotypien bildete die Realität auf einer Silberplatte ab, so dass sich einige Zeitungen Fragen zur Zukunft der Malerei stellten.

Die Interpretation der Künstler musste einer Technik Platz machen, die Momentaufnahmen von Details und Dekors lieferte ohne zu schummeln. Die unruhigen Beziehungen der Anfänge machten schließlich einem steigenden Interesse Platz, insbesondere für die Beiträge, die die Photographie zur Studie der Bewegung leistete – Eadweard Mybridge hielt den Galopp eines Pferdes Bild für Bild fest (1881) – oder für Großaufnahmen von Pflanzen, die eine unbekannte Welt enthüllten. Die Experimente der Photographen, die mit der Verzerrung der Linse, dem Licht und der Belichtungsdauer spielten, um wie Gespenster, verschiedene Figuren übereinanderzulegen, führten schlussendlich zum Ende der Opposition zwischen den beiden Künsten. Indem Gemälde und Photographien nebeneinander ausgestellt werden – wie eine Photo und zwei Gemälde des selben Drehorgelspielers mit zwei lauschenden Kindern von Charles Nègre – werden Einflüsse in den Posen und Portraits enthüllt, die außer Zweifel stehen (jene von Arthur Schopenhauer aus der Mitte des 19.

Jahrhunderts zeigen die Vorteile jedes Bildträgers), bis hin zur Phantasie eines sinnlichen Orientalismus. Die schöne

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Ruhende Nymphe aus dem Gemälde von Anselm Feuerbach (1870) und ihre laszive, halb schlafende Pose hat nichts pornographisches. Sehr weit weg von den Abzügen, die sich in dieser Zeit vervielfältigen. Im Versuch die Bewegung der Wellen an einem Ufer oder einer Steilküste einzufangen, verteidigt die Malerei noch einmal stolz ihre Chancen und man versteht, dass die Ankunft der Konkurrenten um den Realismus eine nie dagewesene Gelegenheit für die Maler darstellte, die dazu angetrieben wurden, eine andere Beziehung zur Welt auszuprobieren, Einfallsreichtum zu beweisen und neue Themen und Farbpaletten zu finden. Die Staatliche Kunsthalle Karlsruhe widmet übrigens einen ganzen Saal der Tomorrow’s History, einer Serie von Takashi Arai. Der Japaner versucht anhand einer Klanginstallation, die von fast dreißig Portraits mit der Kamera für Daguerreotypien aus dem Jahr 2016 begleitet werden, eine Zukunftsversion zu entwerfen, indem er seine jungen Mitbürger an Orten von Katastrophen (Hiroshima, Fukushima...) verewigt, während er ihnen Fragen zu ihren Plänen stellt. Die Verletzlichkeit des Bildträgers entspricht jener der aktuellen Schicksale in einem Spiegel-Spiel, bei dem unser eigenes Spiegelbild sich mit dem Bild auf der reflektierenden Platte vermischt.

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color master Le peintre Ralph Fleck fait l’objet d’une passionnante rétrospective mêlant paysages, portraits et natures mortes.

Dem Maler Ralph Fleck, wird eine begeisternde Retrospektive gewidmet, die Landschaften, Portraits und Still-Leben vermischt.

Par Von Hervé Lévy

À la Städtische Galerie Offenburg et à la Kunstverein Offenburg Mittelbaden (Offenbourg), jusqu’au 9 juin In der Städtischen Galerie Offenburg und im Kunstverein Offenburg Mittelbaden (Offenburg), bis zum 9. Juni galerie-offenburg.de kunstverein-offenburg.de ralphfleck.de

Légendes Bildunterschriften 1. Stadtbild 19/II Paris, 2018 2. Montparnasse 4/VI, 2003

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ans ses compositions aux épaisses couches de pigments, Ralph Fleck (né à Fribourg-en-Brisgau en 1951) joue sans cesse sur les rapports colorés entre abstraction et figuration, explorant avec maestria leurs possibles interactions. Ses vues frontales d’immeubles de Montparnasse rappellent ainsi l’implacable et aléatoire géométrie de Mondrian dans son ultime composition, Broadway Boogie-Woogie, tandis que des représentations aériennes de différentes villes (Athènes, Gênes, Venise, etc.) pourraient être rapprochées des toiles d’un Gerhard Richter.

C’est à un étonnant voyage d’Almería à Giverny et de Berlin à Lanzarote que nous sommes conviés. Œuvres vibrantes, les tableaux de l’artiste confrontent l’écume bouillonnante de la mer – rendue en différentes strates chromatiques ocres, blanches et bleues – aux pics enneigés des Alpes sortant d’une épaisse couche de nuages. À côté de ces paysages sont aussi présentés natures mortes, animaux ou personnages, figures expressives délicatement peintes à la hache – comme Balkenhol sculpte – où il saisit l’essence de son modèle : à chaque fois Ralph Fleck se montre un incroyable maitre des formes et des couleurs.

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n seinen Kompositionen mit dicken Pigmentschichten spielt Ralph Fleck (geboren 1951 in Freiburg im Breisgau) mit den farbigen Beziehungen zwischen Abstraktion und bildlicher Darstellung, indem er auf meisterhafte Weise ihre Interaktionen erkundet. Seine Frontalansichten von Gebäuden im Viertel Montparnasse erinnern an die unerbitterliche und zufällige Geometrie von Mondrian in seiner letzten Komposition Broadway Boogie-Woogie, während Darstellungen verschiedener Städte (Athen, Genua, etc.) aus der Vogelperspektive sich den Gemälden von Gerhard Richter annähern. Als vibrierende Werke, konfrontieren die Gemälde des Künstlers die überschäumende Gischt des Meeres – die in verschiedenen chromatischen Schichten aus Ocker, Weiß und Blau dargestellt wird – mit den verschneiten Gipfeln der Alpen, die eine dichte Wolkendecke durchstoßen. Neben diesen Landschaften werden auch Still-Leben, Tiere oder Personen gezeigt, expressive Figuren, die zart mit der Axt gemalt zu sein scheinen – so wie Balkenhol Skulpturen schafft – in welchen er die Essenz seines Modells einfängt: Jedes Mal zeigt sich Ralph Fleck als unglaublicher Meister der Formen und Farben.

art fair La 24e édition de la Karlsruher Künstlermesse propose un état des lieux de la création des deux côtés du Rhin.

Die 24. Auflage der Karlsruher Künstlermesse präsentiert die zeitgenössische Kreation beiderseits des Rheins.

Par Von Raphaël Zimmermann

Au Regierungspräsidium (Karlsruhe), du 11 au 14 avril Im Regierungspräsidium (Karlsruhe), vom 11. bis 14. April karlsruhe.de/kuenstlermesse

Légende Bildunterschrift Markus Walenzyk, Der Affichist (extrait de la vidéo Videoausschnitt), 2018

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enus du Bade-Wurtemberg, de Rhénanie-Palatinat et d’Alsace, 33 artistes – sélectionnés parmi plus de cent candidatures – présentent leurs œuvres, arpentant un territoire stylistique varié et des techniques multiples. Devenue une institution, la Karlsruher Künstlermesse (dont l’entrée est gratuite) se différencie des foires traditionnelles – regroupant des galeries – par le contact direct entre le public et les plasticiens, tous présents. Parmi une multitude de propositions, mentionnons les vidéos de Markus Walenzyk, comme Der Affichist, réflexion sur l’identité, où il colle sur son visage une succession d’autoportraits illustrant des états émotionnels différents avant d’arracher cette stratification de masques dans un processus de déconstruction fascinant. Citons également les jeux abstraits entre les formes et les couleurs de Silvia Braun, les installations participatives de Naehoon Huh – avec Durchsehen qui invite à jeter un œil dans un télescope pour un surprenant résultat – ou encore les totems colorés d’Éric Junod dont les créations de bois résultent d’une rencontre entre la matière et les sentiments.

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Künstler aus Baden-Württemberg, Rheinland-Pfalz und dem Elsass – die aus mehr als hundert Kandidaturen ausgewählt wurden – präsentieren ihre Werke, die ein stilistisch und technisch variiertes und vielfältiges Terrain abdecken.

Die Karlsruher Künstlermesse (deren Eintritt kostenlos ist), ist zu einer Institution geworden, die sich von den klassischen Messen – welche Galerien versammeln – durch den direkten Kontakt zwischen allen anwesenden Künstlern und dem Publikum unterscheidet. Unter den zahlreichen Präsentationen ist jene der Videos von Markus Walenzyk mit Der Affichist zu erwähnen, eine Überlegung zur Identität, in der er auf sein Gesicht eine Reihe von Selbstportraits klebt, die verschiedene emotionale Zustände ausdrücken, bevor er diese MaskenSchichten in einem faszinierenden Dekonstruktions-Prozess wieder abreißt. Zu nennen sind ebenfalls die abstrakten Spiele von Formen und Farben von Silvia Braun, die Installationen zum Mitmachen von Naehoon Huh – mit Durchsehen, das dazu einlädt in ein Teleskop mit überraschendem Ausblick zu schauen– oder auch die bunten Totems von Éric Junod, dessen Holzkreationen aus einer Begegnung von Materie und Gefühl resultieren.

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exposition ausstellung

art with a view Sous-titrée Futaies, alpages et rivages, l’exposition du Musée des Beaux-Arts de Mulhouse est une charmante promenade dans Les Paysages (1830-1940).

Mit dem Untertitel Hochwälder, Almen und Ufer ist die Ausstellung des Museums für bildende Künste in Mulhouse ein charmanter Spaziergang durch Die Landschaften (1830-1940). de l’océan – avec une délicieuse Marine de Boudin au fantastique ciel piqué de nuages blancs et sa langoureuse vue de la Plage de Deauville. Enfin, est réuni un bel ensemble de pièces signées Henri Zuber (1844-1909) : on (re)découvre ses lumières méditerranéennes, ses paisibles pâturages du Jura alsacien ou encore ses promenades bretonnes à marée basse.

M Par Von Hervé Lévy

Au Musée des Beaux-Arts (Mulhouse), jusqu’au 9 juin Im Musée des Beaux-Arts (Mulhouse), bis zum 9. Juni musees-mulhouse.fr Ciné club avec la projection d’Un Dimanche à la campagne de Bertrand Tavernier (28/04, 16h), visite et lecture avec Frédéric Henriet (26/05, 16h)

Légende Bildunterschrift Eugène Boudin, Marine, 1894 © Giannelli

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assemblant des toiles de la collection récemment restaurées qui n’avaient pas été montrées, pour la plupart, depuis près d’un siècle, cette exposition reflète plusieurs facettes d’un genre : la peinture de paysage. Dans une première section intitulée Monts et merveilles, la commissaire de l’exposition Isabelle Dubois-Brinkmann explique que certains lieux, comme les Alpes suisses, « possèdent une typicité qui dépasse leurs propriétés physiques », devenant « des éléments constitutifs de l’identité d’un peuple ».

Illustration avec une vue idyllique sur le Wetterhorn de Friedrich Zimmermann ou les lacs oniriques d’André Engel. Est ensuite proposé un Voyage de Haarlem à Barbizon avec notamment Réserve de chevreuils de Courbet, où les ombres et les lumières forment un féérique ballet. Deux sections sont aussi dédiées aux eaux – dormantes des étangs ou agitées

it Gemälden aus der Sammlung, die vor Kurzem restauriert wurden und zum Großteil seit fast einem Jahrhundert nicht ausgestellt wurden, spiegelt diese Ausstellung mehrere Facetten eines Genres wieder: Landschaftsmalerei. In einem ersten Teil mit dem Titel „Berge und Meisterwerke“ zeigt die Kuratorin Isabelle DuboisBrinkmann, das einige Orte wie die Schweizer Alpen „etwas Typisches besitzen, das ihre physischen Eigenschaften übersteigt“, so dass sie „zu den Merkmalen der Identität eines Volkes werden“. Dies wird mit einem idyllischen Blick auf das Wetterhorn von Friedrich Zimmermann deutlich, oder auch den traumhaften Seen von André Engel. Anschließend wird eine Reise von Haarlem nach Barbizon angeboten, unter anderem mit Réserve de chevreuils von Courbet, in dem die Schatten und Lichter ein märchenhaftes Ballett formen. Zwei Bereiche werden auch dem Wasser gewidmet – dem stillen der Teiche und dem aufgewühlten der Ozeane – mit einer reizenden Marine von Boudin mit einem phantastischen Himmel, der mit weißen Wolken gespickt ist und seinem verführerischen Ausblick auf den Strand von Deauville. Und schließlich wird ein schönes Ensemble von Henri Zubers (1844-1909) Werken gezeigt: Man entdeckt sein mediterranes Licht (neu), seine friedlichen Weiden im elsässischen Jura oder auch seine bretonischen Spaziergänge bei Ebbe.

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exposition ausstellung

universel Partons à la découverte d’Alexander von Humboldt et de ses trésors de voyage avec l’exposition Nouvelles perspectives du Schmuckmuseum.

universell Auf den Spuren von Alexander von Humboldt und seinen Reiseschätzen mit der Ausstellung Offene Horizonte im Schmuckmuseum.

Par Von Pierre Reichert

Au Schmuckmuseum (Pforzheim), du 13 avril au 8 septembre Im Schmuckmuseum (Pforzheim), vom 13. April bis 8. September schmuckmuseum.de En dialogue cette exposition, est montrée Expédition au Berufskolleg für Design, Schmuck und Gerät de Pforzheim (13/04-23/06) Im Dialog mit dieser Ausstellung wird Expedition im Berufskolleg für Design, Schmuck und Gerät in Pforzheim gezeigt (13.04.-23.06.)

Légende Bildunterschrift Bracelet, Armschmuck, Amérique du Sud, Südamerika

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xplorateur, il mena des expéditions en Amérique du Sud et en Russie, jusqu’à la frontière chinoise. Savant à la connaissance encyclopédique, il contribua au développement de la géologie, de la minéralogie, de la climatologie ou encore de la volcanologie, imaginant les fondements d’une nouvelle approche de la science qui influença les siècles suivants. Alexander von Humboldt (1769-1859) est une figure mythique de l’histoire allemande, un homme des Lumières dont cette exposition dresse le portrait. Tableaux (par exemple une huile de Friedrich Georg Weitsch le montrant avec le botaniste Aimé Bonpland, devant le volcan Chimborazo), instruments de mesure comme un théodolite dont se servent les géomètres, cartes géographiques réalisées par ses soins, spécimens de pierres qu’il rapporta de ses voyages… sont un moyen de mieux connaître l’œuvre du scientifique. Sont également montrés des bijoux ethnographiques – comme un élégant bracelet de bras sud-américain, éclatant de plumes rouges – ou des pièces précieuses possédées par la bourgeoisie du XIXe siècle, permettant de mieux connaître le contexte dans lequel il évolua.

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er Forscher begab sich auf Expeditionen nach Südamerika und Russland, bis zur chinesischen Grenze. Der Gelehrte mit universellem Wissen trug zur Entwicklung der Geologie, der Mineralogie, der Meteorologie und Vulkanologie bei, wobei er die Grundlage einer neuen wissenschaftlichen Herangehensweise legte, die die kommenden Jahrhunderte prägen sollte. Alexander von Humboldt (1769-1859) ist eine legendäre Figur der deutschen Geschichte, ein Mann der Aufklärung, dessen Portrait die Ausstellung zeichnet. Gemälde (wie jenes von Friedrich Georg Weitsch, das ihn mit dem Botaniker Aimé Bonpland vor dem Vulkan Chimborazo zeigt), Messinstrumente wie ein Theodolit, den die Vermessungsingenieure verwenden, von ihm realisierte geographische Karten sowie Mineralien, die er von seinen Reisen mitbrachte... erlauben es, das Werk des Wissenschaftlers besser zu verstehen. Außerdem wird ethnographischer Schmuck gezeigt – wie ein eleganter südamerikanischer Armreif mit feuerroten Federn – oder wertvolle Stücke, die dem Bürgertum des 19. Jahrhunderts gehörten, was es erlaubt, den Kontext, in welchem er lebte, besser zu erfassen.

exposition ausstellung

voyage corset De 1775 à aujourd’hui, une exposition bâloise nous entraîne dans l’univers élégant et sensuel des Corsets qui magnifient le corps des femmes.

kokette korsette Von 1775 bis heute nimmt uns eine Ausstellung in Basel mit in das elegante und sinnliche Universum der Korsetts, die den Körper der Frauen verherrlichen.

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Par Von Pierre Reichert

Au Jouet Mondes Musée Bâle, du 19 avril au 6 octobre Im Spielzeug Welten Museum Basel, vom 19. April bis 6. Oktober swmb.museum

Légendes Bildunterschriften 1. Corset Korsett, France 1902, photo & prêt Leihgeber : Nuits de Satin, France 2. Lace Cutout Hip, Corset en cuir Korsett aus Leder, collection Everything and Nothing, England, 2013, Prêt Leihgeber : Úna Burke Leather, England © Glint

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onfectionnés avec des matières nobles – satin, soie, etc. – les 60 corsets issus de la collection Nuits de Satin* présentés forment une histoire d’un sous-vêtement particulièrement en vogue au XIXe siècle, qui affola les sens, donnant une taille de guêpe aux femmes… parfois jusqu’à l’excès ! Autour de 1865, la mode – dangereuse – est en effet d’obtenir une taille comprise entre 43 et 53 centimètres. Broderies délicates, dentelles précieuses, ornements d’une baroque efflorescence ou d’une austère noblesse : les pièces exposées permettent de découvrir la diversité des corsets. Cette promenade historique est complétée par des modèles contemporains, notamment imaginés par Beata Sievi (corsetière helvète, reine du sur-mesure) ou des designeuses comme Úna Burke (qui gaine de cuir des stars comme Rihanna, Heidi Klum ou Madonna) et Patricia Krummacher dont les créations éphémères, extravagantes et poétiques sont réalisées avec des matériaux bruts comme l’osier, le lichen ou les fleurs…

D * Elle compte quelque 5 000 pièces et a été réunie par les collectionneurs Ghislaine Rayer et Patrice Gaulupeau Sie zählt fast 5000 Stücke und wurde von den Sammlern Ghislaine Rayer und Patrice Gaulupeau zusammengetragen nuitsdesatin.com

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ie 60 Korsetts aus der Sammlung Nuit de Satin*, die aus edlen Materialien wie Satin und Seide gefertigt wurden, erzählen die Geschichte einer Unterwäsche, die im 19. Jahrhundert besonders in Mode war, die Sinne betörte und den Frauen eine Wespentaille verlieh… manchmal bis zum Exzess! Um 1865 besteht die – gefährliche – Mode in der Tat darin, einen Taillenumfang von 43 bis 53 Zentimetern zu erzielen. Zarte Stickereien, kostbare Spitze, Verzierungen von

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barocker Blüte oder nobler Strenge: Die ausgestellten Stücke erlauben es, die Vielfalt des Korsetts zu entdecken. Dieser historische Spaziergang wird von zeitgenössischen Modellen vervollständigt, insbesondere jenen von Beata Sievi (Schweizer Korsettmacherin und Königin der Maßarbeit) oder von Designerinnen wie Úna Burke (die Stars wie Rihanna, Heidi Klum oder Madonna mit Leder umhüllt) sowie Patricia Krummacher, deren vergängliche, extravaganten und poetischen Kreationen aus groben Materialien wie Weide, Flechten oder Blumen realisiert werden...

exposition ausstellung

becoming picasso En 75 tableaux et sculptures, la Fondation Beyeler jette un éclairage sur les périodes bleue et rose dans une exceptionnelle exposition intitulée Le Jeune Picasso.

Mit 75 Gemälden und Skulpturen beleuchtet die Fondation Beyeler die blaue und rosa Periode mit der außergewöhnlichen Ausstellung Der junge Picasso.

Par Hervé Lévy

À la Fondation Beyeler (Riehen / Bâle), jusqu’au 26 mai In der Fondation Beyeler (Riehen / Basel), bis zum 26. Mai fondationbeyeler.ch Dans les autres salles de la Fondation sont montrées 40 œuvres illustrant la trajectoire de l’artiste de 1907 à 1972, un gigantesque Picasso Panorama (jusqu’au 05/05) In den anderen Sälen der Fondation werden 40 Werke gezeigt, die die Laufbahn des Künstlers von 1907 bis 1972 illustrieren, ein riesiges Picasso Panorama (bis zum 05.05.)

Légendes Bildunterschriften 1. Le Repas de L’aveugle, 1903, New York, The Metropolitan Museum of Art, Acquis M. et Mme Ira Haupt, Donation 1950 © Succession Picasso / 2018, ProLitteris, Zurich. Photo : © 2017, The Metropolitan Museum of Art / Art Resource / Scala, Florence 2. Arlequin assis sur fond rouge, 1905, Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie, Museum Berggruen © Succession Picasso / 2018 ProLitteris, Zurich 2018. Photo : bpk / Nationalgalerie, SMB, Museum Berggruen / Jens Ziehe

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près avoir créé l’événement au Musée d’Orsay dans une présentation qui s’est achevée début janvier – 670 000 visiteurs, un record – l’exposition dédiée aux périodes bleue et rose de Picasso s’installe à la Fondation Beyeler. C’est celle de tous les superlatifs : elle représente « plus de quatre milliards de francs suisses de valeur d’assurance », annonce Sam Keller, le directeur de l’institution. Si le corpus d’œuvres est plus réduit qu’à Paris (amputé des dessins et autres documents), il permet en revanche une confrontation d’une force incroyable avec les pièces présentées. Grâce à un éclairage zénithal parfait, elles irradient sur les murs d’un blanc éclatant du bâtiment helvète dans un parcours chronologique allant de 1901 à 1907 et s’achevant par une étude de tête de femme où le cubisme des Demoiselles d’Avignon naît littéralement dans la toile.

La visite débute avec des tableaux encore gorgés d’impressionnisme où se déploie une palette chromatique qui pourrait être celle d’un Vincent Van Gogh comme le saisissant autoportrait Yo Picasso (1901) ou La Buveuse d’Absinthe (1901) sur laquelle semble s’être posée la patte de Toulouse-Lautrec. Après le suicide de son ami Carlos Casagemas, Picasso, inconsolable, va représenter un monde qui a perdu ses couleurs, mis à part un anxiogène bleu sourd et sombre. Il se concentre sur des êtres solitaires, en marge de la société : La Miséreuse accroupie (1902), La Buveuse as-

soupie (1902) ou Le Repas de l’aveugle (1903) sont autant de sujets emplis d’une intense mélancolie, parfois d’un désespoir évoquant Goya. Il culmine dans l’icône qu’est La Vie (1903) montrant les trois âges de l’existence et les trois types d’amour (maternel, conjugal et sexuel) ou dans une gouache peu connue, Les Deux amies (1904), couple émacié d’une douleur nimbée d’une sensualité que n’égale que l’affliction. Les sculptures qu’il exécute à cette époque – comme le terrifiant Masque d’un chanteur aveugle (1903) – annoncent la déformation et la déconstruction des corps qui interviendra quelques années plus tard.

En 1905, Picasso passe au rose, un rose tout sauf brillant et heureux. Dans des compositions mates et tristes, il saisit jongleurs ou acrobates dans leur quotidien, hors de la scène où ils étaient généralement rendus, comme le très pensif Arlequin assis au fond rouge (1905) et l’inquiétant couple Bouffon et jeune acrobate (1905), magistrale composition sur papier. Au fil des salles, il est possible de mieux comprendre la jeunesse d’un homme et la génèse d’un créateur qui écrivit : « J’ai voulu être peintre et je suis devenu Picasso. »

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achdem sie im Musée d’Orsay einen Besucherrekord von 670 000 erzielte, hat sich die Ausstellung, die der blauen und rosa Periode von Picasso gewidmet ist, in der Fondation Beyeler installiert. Es ist jene aller Superlative: Sie repräsentiert „eine Ver-

sicherungssumme von mehr als vier Milliarden Schweizer Franken“, erklärt ihr Direktor Sam Keller. Auch wenn der Werkkorpus im Vergleich zu Paris reduziert ist (ohne Zeichnungen und andere Dokumente), erlaubt er eine unglaublich starke Konfrontation mit den präsenten Stücken. Dank einer perfekten Deckenbeleuchtung erstrahlen sie auf den blütenweißen Wänden des schweizerischen Gebäudes in einem chronologischen Parcours, der von 1901 bis 1907 geht und mit der Studie eines Frauenkopfes endet, in der der Kubismus der Demoiselles d’Avignon buchstäblich geboren wird.

Die Besichtigung beginnt mit Gemälden voller Impressionismus, in denen sich Farbpaletten entfalten, die von Vincent Van Gogh sein könnten, wie im ergreifenden Selbstportrait Yo Picasso (1901) oder La Buveuse d’Absinthe (1901), bei dem Toulouse-Lautrec die Hand im Spiel zu haben scheint. Nach dem Selbstmord seines Freundes Carlos Casagemas wird der untröstliche Picasso eine Welt abbilden, die ihre Farben verloren hat, abgesehen von einem beängstigendem, dunklen Blau. Er konzentriert sich auf einsame Wesen, am Rande der Gesellschaft: La Miséreuse accroupie (1902), La Buveuse assoupie (1902) oder Le Repas de l’aveugle (1903) sind Themen, die von einer intensiven Melancholie erfüllt sind, manche sogar von einer Hoffnungslosigkeit, die an Goya erinnert. Sie gipfelt in der Ikone La Vie (1903), die die drei Altersstufen der Existenz und die drei Arten von Liebe zeigt (mütterlich, ehelich und sexuell) oder in einer wenig bekannten Gouachearbeit Les Deux amies (1904), ein ausgemergeltes Paar, dessen Schmerz von Sinnlichkeit umhüllt ist.

Die Skulpturen, die er zu dieser Zeit realisierte – wie die erschreckende Masque d’un chanteur aveugle (1903) – kündigen die Deformierung und Dekonstruktion der Körper an, die einige Jahre später folgen werden. Im Jahr 1905 geht Picasso zum Rosa über, einem Rosa, das alles andere als brillant und fröhlich ist. In matten und traurigen Kompositionen fängt er Jongleure und Akrobaten in ihrem Alltag ein, außerhalb der Bühne, wo sie normalerweise abgebildet werden, wie den sehr nachdenklichen Arlequin assis au fond rouge (1905) und das beunruhigende Paar Bouffon et jeune acrobate (1905), eine meisterhafte Komposition auf Papier. Im Laufe der Säle versteht man besser die Jugend eines Mannes, der schrieb: „Ich wollte Maler werden, ich bin Picasso geworden.“

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monde de brut Avec l’expo La Folie du jour, le Musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon confronte le travail dingo d’un maître du XVIIe siècle, Georges Focus, et des œuvres brutes.

rohe welt Mit La Folie du jour, konfrontiert das Musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon die verrückte Arbeit eines Meisters des 17. Jahrhunderts, Georges Focus mit Art Brut-Werken.

Par Von Emmanuel Dosda

Au Musée des Beaux-Arts et d’Archéologie (Besançon), jusqu’au 9 juin Im Musée des Beaux-Arts et d’Archéologie (Besançon), bis zum 9. Juni mbaa.besancon.fr

Légende Bildunterschrift Ted Gordon, Sans Titre , 1995, collection Françoise et Jean Greset

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e l’Art où se manifeste la seule fonction de l’invention, et non celles, constantes dans l’Art culturel, du caméléon et du singe. » Telle est la définition de l’Art brut selon Jean Dubuffet au milieu des année 1940, créateur d’un terme décrivant le travail de marginaux et autres « personnes indemnes de culture artistiques ». Georges Focus n’a absolument pas un regard “vierge“, en tant qu’ancien membre de l’Académie royale de Peinture et Sculpture, ayant une connaissance affûtée des techniques apprises notamment dans l’atelier de Charles Le Brun, et riche d’un voyage à Rome où il a sans aucun doute découvert les maîtres des siècles passés. Si le travail de Focus côtoie aujourd’hui des pièces d’Art brut issues de la collection de Françoise et Jean Greset (Alice Wong, Paul Duhem ou Ted Gordon), c’est qu’il a passé la fin de sa vie interné aux Petites Maisons… où il a réalisé de délirants dessins à la pierre noire ou à l’encre brune. Ses images aux saynètes crues, comme un monstrueux accouchement, sont hantées par un étrange bestiaire et décrivent de très intrigants événements où les éléments se déchainent. Fou, non ?

„K

unst in der sich die einzige Funktion des Einfallsreichtums zeigt, und nicht jene Konstanten in der kulturellen Kunst, des Chamäleons und des Affen.“ Das ist die Definition der Art Brut nach Jean Dubuffet Mitte der 1940er Jahre, die zu einem Begriff führt, der die Arbeit von Außenseitern und anderen „von künstlerischer Kultur unversehrten Personen“ beschreibt. Georges Focus hat absolut keinen „jungfräulichen“ Blick als ehemaliges Mitglied der Académie royale de Peinture et Sculpture, mit einer tiefen Kenntnis der Techniken, die er unter anderem im Atelier von Charles le Brun gelernt hat, sowie auf einer Reise nach Rom, bei der er zweifelsohne die Meister vergangener Jahrhunderte entdeckte. Dass die Arbeit von Focus heute neben Werken der Art Brut aus der Sammlung von Françoise und Jean Greset (Alice Wong, Paul Duhem oder Ted Gordon) steht, liegt daran, dass er sein Lebensende als Insasse der Anstalt Petites Maison verbrachte... wo er wahnsinnige Zeichnungen mit schwarzem Stein und brauner Tinte produzierte. Seine Bilder mit rohen Szenen, wie eine monströse Geburt, werden von einem komischen Bestiarium heimgesucht und beschreiben sehr stutzig machende Ereignisse, bei denen die Elemente sich entladen.

exposition ausstellung

du spirituel Avec l’exposition Abstraction des émotions, le Musée du Château des ducs de Wurtemberg convie à Risquer l’invisible.

spiritualität Mit der Ausstellung Abstraction des émotions lädt uns das Musée du Château des ducs de Wurtemberg dazu ein, das Unsichtbare zu riskieren.

Par Von Emmanuel Dosda

Au Musée du Château des ducs de Wurtemberg (Montbéliard), jusqu’au 22 septembre Im Musée du Château des ducs de Wurtemberg (Montbéliard), bis zum 22. September montbeliard.f

Légende Bildunterschrift Jean Gorin, Construction plan, 1972, Collection musées de Montbéliard © Pierre Guenat

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orsque l’homme n’a plus de repères, il détourne les yeux « des contingences externes et les ramène sur lui-même ; la fonction de la peinture devient alors d’exprimer le monde intérieur de l’individu, autrement dit son monde spirituel. » En 1911, Vassily Kandinsky théorise l’abstraction avec son essai Du Spirituel dans l’Art et dans la Peinture en particulier. Pureté des formes, force des couleurs, structuration des compositions, jeu du trait… Kasimir Malevitch ou Piet Mondrian se détournent du figuratif et guident dans leurs sillons des plasticiens dont les œuvres, issues des collections des Musées, sont exposées, offrant une riche flânerie parmi les travaux lyriques du montbéliardais Jean Messagier et bien d’autres disciples d’un Art prenant ses distances avec le réel et empruntant des chemins divers, de la seconde moitié du XXe siècle à aujourd’hui.

L’accrochage mène de peintures à sculptures, d’Induction chromatique à double fréquence C1 à C8 de Carlos Cruz Diez à Carré d’angle d’orange II d’Aurélie Nemours.

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enn der Mensch den Halt verliert, wendet er die Augen „von den externen Belanglosigkeiten ab und richtet sie auf sich selbst ; die Malerei bekommt also die Funktion die Innenwelt des Individuums auszudrücken, anders gesagt, seine spirituelle Welt.“ Im Jahr 1911 formuliert Wassily Kandinsky seine Theorie der Abstraktion in seinem Essai Über das Geistige in der Kunst. Reinheit der Formen, Stärke der Farben, Strukturierung der Komposition, Linienspiel... Kasimir Malewitsch oder Piet Mondrian wenden sich vom Figurativen ab und beeinflussen Bildhauer, deren Werke, aus der Sammlung der Museen, ausgestellt werden. Ein reicher Spaziergang durch die poetische Arbeit von Jean Messagier aus Montbéliard und viele weitere Schüler einer Kunst, die sich von der Realität distanziert und diverse Wege einschlägt, von der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bis heute. Die Hängung führt von Gemälden zu Skulpturen, von Induction chromatique à double fréquence C1 à C8 von Carlos Cruz Diez zu Carré d’angle d’orange II von Aurélie Nemours.

arrêt sur images Stop. Arrêtons le flux continu, à la manière de la photographe Anne Immelé qui a commissionné l’exposition Comme un souvenir… à la Fondation Fernet-Branca, référence à Tarkovski.

Par Emmanuel Dosda Photos d’Anne Immelé

À la Fondation Fernet-Branca (Saint-Louis) jusqu’au 5 mai fondationfernet-branca.org Exposition Zone, au Cri des Lumières (Lunéville), jusqu’au 14 avril (commissionnée par Anne Immelé, elle rassemble Ester Vonplon et Kazuma Obara autour de Stalker de Tarkovski) crideslumieres.org

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aint-Louis, un matin de pluie et de brouillard. Une météo propice à l’immersion dans les nuées laiteuses de l’espace d’Art contemporain haut-rhinois dirigé par Pierre-Jean Sugier qui avait depuis quelque temps à l’esprit l’envie de saluer « un personnage à part dans l’histoire du cinéma, auteur influent de dessins, peintures ou Polaroïds. J’ai croisé par hasard Anne Immelé – qui a beaucoup interrogé le travail d’Andreï Tarkovski – dans une librairie et nous avons convenu d’un hommage » en trois séquences donnés par un trio de films (Solaris, Le Miroir et Stalker) du maître de la mémoire et de la lenteur, sacralisant l’errance et la contemplation, nécessaires aventures introspectives. La photographe mulhousienne s’est plongée dans ses archives et a exhumé des négatifs avant de s’enfermer dans sa chambre noire pour tirer des images brumeuses faisant écho au cinéaste russe.

La centaine de clichés (dont de récentes, sur les réminiscences « inquiétantes » de l’enfance) dialoguent avec des sculptures de Pierre-Yves Freund marquées par l’usure ou la rouille et une série emblématique de Dove Allouche. Celui-ci s’est rendu à Tallinn (Estonie), sur les lieux du tournage de Stalker (1979) pour, selon l’artiste, « accomplir une reconnaissance topographique et retrouver

avec exactitude les paysages de La Zone », espace mystérieux, objet de convoitise des protagonistes du long-métrage. Ses photos le surprennent lui-même : 30 ans plus tard, « rien n’avait bougé, seule la hauteur des arbres indiquait le passage des années. » Anne Immelé, durant sa carrière, a appuyé simultanément sur le déclencheur de son appareil et la touche “arrêt sur image” de nos cerveaux. Elle a capté « l’énergie créative intense » de Tarkovski afin de questionner la place de l’homme dans un monde en perpétuel mouvement comme l’eau d’un torrent. La photographe préfère la mélancolie des lacs, « le temps retenu dans la matière liquide ». Nous sommes happés par ses forêts enrobées par une épaisse brume et saisis par ses portraits frontaux, notamment celui d’une jeune rouquine nous fixant : une madone faisant écho au mysticisme innervant l’œuvre cinématographique de l’exilé d’URSS, une bienveillante gardienne d’un parcours où l’on chemine avec vigilance comme on explore l’énigmatique planète / océan Solaris.

standbilder Stop. Halten wir die kontinuierliche Bilderflut an, wie die Photographin Anne Immelé, die die Ausstellung Comme un souvenir... in der Fondation Fernet-Branca kuratiert hat. Ein Anklang an Tarkowski.

Von Emmanuel Dosda Photos von Anne Immelé

In der Fondation Fernet-Branca (Saint-Louis), bis zum 5. Mai fondationfernet-branca.org Ausstellung Zone, im Cri des Lumières (Lunéville), bis zum 14. April (kuratiert von Anne Immelé, sie vereint Ester Vonplon und Kazuma Obara rund um Stalker von Tarkovski) crideslumieres.org

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aint-Louis an einem regnerischen und nebligen Morgen. Eine günstige Wetterlage um in die milchigen Wolken des Raums für zeitgenössische Kunst im Departement Haut-Rhin einzutauchen, der von Pierre-Jean Sugier geleitet wird, welcher seit einiger Zeit im Sinn hatte „eine Person zu ehren, die in der Geschichte des Kinos einzigartig ist, ein einflussreicher Autor von Zeichnungen, Gemälden und Polaroidaufnahmen. Ich habe zufällig in einer Buchhandlung Anne Immelé getroffen – die sich sehr mit der Arbeit von Andrei Arsenjewitsch Tarkowski befasst hat – und wir haben uns auf eine Hommage geeinigt“: In drei Teilen anhand eines Filmtrios (Solaris, Le Miroir und Stalker) des Meisters der Erinnerung und der Langsamkeit, der das Herumirren und die Betrachtung sakralisierte, die für introspektive Abenteuer nötig sind. Die Photographin aus Mulhouse ist in ihre Archive eingetaucht und hat Negative ausgegraben, bevor sie sich in ihrer Dunkelkammer einschloss um neblige Abzüge zu machen, die an den russischen Filmemacher erinnern. Fast hundert Bilder (darunter neuere zu den „beunruhigenden“ Kindheitserinnerungen) stehen in einem Dialog mit den Skulpturen von Pierre-Yves Freund, die von Abnutzung und Rost gezeichnet sind, sowie einer emblematischen Serie von Dove

Allouche. Dieser ist nach Tallinn (Estland) an die Drehorte von Stalker (1979) gefahren um, laut dem Künstler „eine topographische Erkennung zu vollenden und exakt die Landschaften aus La Zone wiederzufinden“, einem mysteriösen Ort, dem Objekt der Begierde der Protagonisten des Films. Seine Photographien überraschen ihn selbst: 30 Jahre später „hat sich nichts verändert, nur die Höhe der Bäume gab einen Hinweis auf die vergangenen Jahre“. Anne Immelé hat im Laufe ihrer Karriere gleichzeitig auf den Auslöser ihres Apparats und die Standbildtaste in unseren Köpfen gedrückt. Sie hat die „intensive kreative Energie“ von Tarkowski eingefangen um den Platz des Menschen in einer Welt zu hinterfragen, die in ständiger Bewegung ist, wie das Wasser eines Gebirgsbachs. Die Photographin zieht die Melancholie der Seen vor, „die in der flüssigen Materie angehaltene Zeit“.

Wir sind wie gefangen von ihren in dicken Nebel gehüllten Wäldern und berührt von ihren frontalen Portraitaufnahmen, insbesondere jenem einer jungen Rothaarigen, die uns fixiert: Eine Madonna, die ein Echo zum Mystizismus darstellt, der das filmische Werk des Exilanten aus der UdSSR durchzieht, die wohlwollende Hüterin eines Parcours, den man achtsam begeht, wie man den geheimnisvollen Planeten / Ozean Solaris erkundet.

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pour en finir avec blutch Christian Hincker, alias Blutch, enfant du pays devenu “ lièvre ” (“ Français de l’intérieur ”), est de retour dans sa ville grâce aux Rencontres de l’illustration de Strasbourg* qui lui réservent une expo XXL partout dans la cité et notamment en ses musées.

total blutch Christian Hincker, alias Blutch, ist zurück in seiner Stadt, dank der Rencontres de l’illustration de Strasbourg, die ihm eine XXL-Ausstellung an zahlreichen Orten und in den Museen widmen.

Par Von Emmanuel Dosda avec mit Hervé Lévy Portrait de von Laura Sifi pour für Poly

Expositions dédiées à Blutch à la Médiathèque André Malraux (Hors-la-loi), jusqu’au 20 avril, au Musée Historique (À la poursuite du machin magique !), jusqu’au 23 juin, au MAMCS (Art mineur de fonds), au Musée Tomi Ungerer (Un autre paysage. Dessins 1994-2018) et à l’Aubette 1928 (Pour en finir avec le cinéma), jusqu’au 30 juin Ausstellungen zu Ehren von Blutch in der Médiathèque André Malraux (Hors-la-loi), bis zum 20. April, im Musée Historique (À la poursuite du machin magique !), bis zum 23.

Juni, im MAMCS (Art mineur de fonds), au Musée Tomi Ungerer (Un autre paysage.

Dessins 1994-2018) und in der Aubette 1928 (Pour en finir avec le cinéma), bis zum 30.

Juni Exposition d’originaux à la Librairie Le Tigre (Strasbourg) jusqu’au 31/03 librairie-letigre.fr

* Lire l’article sur le Dialogue de dessins entre Anne-Margot Ramstein & Blutch au Shadok (dans le cadre de Central Vapeur) dans Poly n°218 ou sur poly.fr)

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n tombe des “ nus ” ! Coquine rouquine lascive en petite culotte au lavis d’encre, fessiers généreux aux crayons colorés, relecture de L’Olympia de Manet au stylo… Le travail de Blutch est habité par une perturbante volupté, parfois torride lorsque des sexes pastels, féminins ou masculins, s’offrent frontalement au regard du spectateur / voyeur. Rencontré durant le montage de son exposition au Musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg où il rassemble des œuvres issues des collections muséales de la Ville pour les faire converser avec son travail, l’illustrateur formé aux Arts déco insiste, sévère : « Je ne me reconnais absolument pas dans les termes érotisme et pornographie : il s’agit de genres codés, délimités, marchands !

Ils réduisent mon champ d’activité. Discuter, là, avec vous, participe à la réduction de mon travail ! De manière un peu illusoire, voire prétentieuse, je tends à vivre en dehors de la société. Je parlerais plutôt de recherche de trouble, ou d’intimité, que d’érotisme. » La nudité, « motif difficile et exigeant techniquement », lui permet un retour à l’enfance, « la pureté et l’aventure. J’ai besoin de me débarrasser du “ reste ”, du bruit du monde, de ce que les gens disent. » Le Grand Prix d’Angoulême 2009 représente des corps déshabillés pour éviter « l’anecdote propre à la bande dessinée, afin d’être moins littéraire, le plus plastique possible, sans filtres ! Mes nus

gris présentés ici, par exemple, ne racontent rien d’autre que ce qu’ils montrent, alors que la BD demande un échafaudage narratif, avec une grammaire très contraignante que tu es obligé de suivre depuis des générations.

C’est une pratique du dessin malsaine, sclérosée, où des tocs se perpétuent. » Free jazz Son travail a quelque chose à voir avec une forme de retrait. Petit, lors de son enfance alsacienne racontée dans Le Petit Christian, il se coupait du monde en s’entourant de feuilles et de crayons. « J’essaye depuis toujours de m’évader, de m’échapper de moimême. J’aimerais pouvoir débuter, ne pas me connaître, avoir à nouveau 20 ans et me lancer, avec pour modèles non pas Franquin ou Jean Giraud, mais John Coltrane ou Miles Davis, des mecs en constante révolution, ne passant pas leur vie à rejouer leurs vieux succès. Jamais je n’aurais pu dessiner Lucky Luke durant toute ma carrière. » Un pied dedans, un pied dehors, il prétend échapper « aux chapelles, écoles, groupes constitués et autres hordes », même si on lui rappelle son passage chez Fluide Glacial ou à la revue Lapin (L’Association). « Je fuis les idées arrêtées. Mon travail s’accomplit dans le doute permanent. Non pas dans la souffrance, mais je ne suis sûr de rien. C’est pour ça que je change sans cesse de style, de

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Les Rencontres de l’illustration de Strasbourg ont lieu dans divers lieux strasbourgeois (Musées, CEAAC, Aeden, librairie Quai des Brumes, Shadok, Hear, Médiathèques…), jusqu’au 31 mars Die Rencontres de l’illustration de Strasbourg finden an verschiedenen Orten statt (Musées, CEAAC, Aeden, librairie Quai des Brumes, Shadok, Hear, Médiathèques…), bis zum 31. März strasbourgillustration.eu Catalogue Un autre Paysage édité par Dargaud à l’occasion des Rencontres de l’illustration de Strasbourg (39 €)

technique, de support. Je ne construis pas une œuvre, je pars dans tous les sens. » Ses ouvrages sont cependant parsemés d’indices, de figures récurrentes comme Tintin traversant des livres débordant de citations et clins d’œil. Nous croisons le héros à la houppette ou ses partenaires dans Sunnymoon, Total Jazz, Le Petit Christian ou Variations. Pour Blutch, « Hergé est l’enfance à portée de main, elle est là, tu peux la toucher, la sentir et l’interroger. » L’auteur de La Beauté se dit « charmé » par « l’Art poétique et ambigu » du père de la ligne claire qui l’a toujours accompagné et qu’il convoque régulièrement pour le « guider ». Les classiques le « recentrent » et Hergé est son dieu : « Jamais je ne parviendrai à cette plénitude. Tout est synthétisé

chez lui, inventeur de la BD dans les années 1930, alors que les Américains de la même époque faisaient des feuilletons. » Le créateur de Pour en finir avec le cinéma cherchant depuis quelque temps à en finir avec la BD, en proposant des albums d’illustrations, des Variations – relectures personnelles de pages de Morris, Pétillon ou Manara – ou autres projets à tendance conceptuelle, n’abandonne pas la bande dessinée pour autant. Il prépare un remake de Tif et Tondu (avec son frère Robber) ou un nouveau volume de Blotch qui va renaître de ses cendres. Paradoxal ? « Je suis capable d’affirmer quelque chose et de dire le contraire dix minutes plus tard.

J’assume le fait d’être perpétuellement dans l’incertitude », vue comme un moteur.

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Dessin pour la couverture de La Beauté (Futuropolis), 2008

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plitterfasernackt ! Die Tintenlavur einer frivolen Rothaarigen in Unterhose, mit breitem Hintern in Buntstift, eine Neuinterpretation der Olympia von Manet mit dem Stift... Der Arbeit von Blutch wohnt eine verstörende Wollust inne, manchmal heiß, wenn die weiblichen oder männlichen Geschlechtsteile in Pastellfarben sich frontal dem Blick des Betrachters / Voyeurs darbieten. Während der Installation seiner Ausstellung im Musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg, wo er Werke aus den Museumssammlungen der Stadt vereint, um sie mit seiner Arbeit in einen Dialog zu stellen, sagt der an der Art déco ausgebildete Zeichner streng: „Ich erkenne mich absolut nicht in den Begriffen Erotik und Pornographie wieder: Es handelt sich um kodierte, begrenzte, verkaufsbezogene Genres! Sie reduzieren das Feld meiner Aktivitäten. Mit Ihnen zu diskutieren trägt zur Reduktion meiner Arbeit bei! Auf ein wenig illusorische, sogar überhebliche Weise, versuche ich außerhalb der Gesellschaft zu leben. Ich würde eher von Suche nach Aufregung oder Intimität als Erotik sprechen.“ Die Nacktheit, „ein schwieriges und technisch anspruchsvolles Motiv“, erlaubt ihm eine Rückkehr in die Kindheit, „die Reinheit und das Abenteuer. Ich muss mich vom Rest befreien, dem Krach der Welt, dem was die Leute sagen.“ Der Grand Prix d’Angoulême 2009 stellt entkleidete Körper dar, um „die typische Anekdote des Comics zu vermeiden, um weniger literarisch zu sein, so plastisch wie möglich, ohne Filter! Meine hier präsentierten grauen Aktzeichnungen zum Beispiel, erzählen nichts anderes, als das was sie zeigen, wobei der Comic ein narratives Gerüst benötigt, mit einer sehr be-

Le Débarquement à Lausanne, dessin pour le journal Le Temps, 2015

schränkenden Grammatik, der du seit Generationen folgen musst. Es ist eine ungesunde Zeichenpraktik, in der sich Ticks fortsetzen.“ Free jazz Seine Arbeit hat etwas mit einer Art Rückzug zu tun. Als er klein war, während seiner elsässischen Kindheit, die in Le Petit Christian erzählt wird, schnitt er sich inmitten seiner Blätter und Buntstifte von der Welt ab. „Ich versuche schon immer zu Fliehen, aus mir selbst zu Fliehen. Ich würde gerne wieder anfangen können, mich nicht kennen, wieder 20 sein und loslegen, mit Modellen die nicht Franquin oder Jean Giraud sind, sondern John Coltrane oder Miles Davis, Typen der konstanten Revolution, die nicht ihr Leben mit ihrem ehemaligen Erfolg verbringen. In meiner ganzen Karriere hätte ich nie Lucky Luke zeichnen können.“ Mit einem Fuß drinnen und einem draußen, gibt er vor den „Kapellen, Schulen und Gruppen“ zu entweichen, auch wenn man ihn daran erinnert, dass er bei Fluide Glacial oder der Revue Lapin (L’Association) dabei war. „Ich flüchte vor fixen Ideen. Meine Arbeit ist permanenter Zweifel. Deswegen ändere ich andauernd Stil, Technik, Untergrund. Ich baue

kein Werk, ich gehe in alle Richtungen.“ Seine Werke sind voller Indizien, voller regelmäßiger Figuren wie Tintin, die Bücher voller Zitate und Augenzwinkern durchziehen. Wir treffen auf den Helden mit der Tolle oder seine Partner in Sunnymoon, Total Jazz, Le Petit Christian oder Variations.

Für Blutch ist „Hergé Kindheit zum Anfassen und Fühlen“.

Der Autor von La Beauté ist von der „poetischen und zweideutigen Kunst“ des Vaters der klaren Linie „erfreut“, der ihn immer begleitet hat. Die Klassiker „richten ihn neu aus“ und Hergé ist sein Gott: „Nie werde ich diese Fülle erreichen.

Alles ist bei ihm zusammengefasst, Erfinder des Comics in den 1930er Jahren, während die Amerikaner der gleichen Epoche Feuilletons machen.“ Der Schöpfer von Pour en finir avec le cinéma versucht seit Langem mit dem Comic zu brechen, indem er Illustrationsalben anbietet, Varations oder andere Projekte mit konzeptueller Tendenz, wobei er den Comic nicht aufgibt. Er bereitet ein Remake von Tif et Tondu (mit seinem Bruder Robber) vor oder ein neues Album von Blotch. Paradox? „Ich kann etwas behaupten und zehn Minuten später etwas anderes sagen. Ich stehe dazu, in permanenter Unsicherheit zu sein.“

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éloge du voisin L’année 2019 est placée sous le signe des relations franco-allemandes dans le Bade-Wurtemberg, où la nouvelle saison des Staatliche Schlösser und Gärten prend pour mot d’ordre : D’assez bon amis.

Par Raphaël Zimmermann

Dans différents lieux du BadeWurtemberg, jusqu’au 31 décembre schloesser-und-gaerten.de assez-bons-amis.fr Exposition Candide explorant les illustration de l’œuvre de Voltaire au Schloss Schwetzingen jusqu’au 22 avril schloss-schwetzingen.de

Légendes Bildunterschriften 1. Cloître Kloster Maulbronn © Staatliche Schlösser und Gärten Baden-Württemberg, Günther Bayerl 2. Château de Residenzschloss Rastatt © Staatliche Schlösser und Gärten Baden-Württemberg, Julia Haseloff 3. Château Schloss Schwetzingen © Achim Mende

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hâteaux classiques ou baroques, jardins, monastères et forteresses médiévales : le Bade-Wurtemberg abrite de nombreuses merveilles patrimoniales regroupées dans le réseau des Staatliche Schlösser und Gärten chargé d’administrer 59 sites d’exception. Zoomant cette année sur 14 monuments, un éclairage particulier est mis sur la relation complexe qu’entretiennent, depuis des siècles, ces “assez bons amis” que sont France et Allemagne. Sous-titrée “Passes d’armes, charme et art de vivre”, cette année thématique promet une promenade ludique haute en couleurs à travers des lieux comme le Residenzschloss Ludwigsburg dans lequel Charles de Gaulle tint un discours remarqué (en allemand) à la jeunesse le 9 septembre 1962, jalon essentiel dans la réconciliation.

Le Général s’écriait : « L’avenir de nos deux pays, la base sur laquelle peut et doit se construire l’union de l’Europe, le plus solide atout de la liberté du monde, c’est l’estime, la confiance, l’amitié mutuelles du peuple français et du peuple allemand. » La promenade nous entraîne au Residenzschloss Rastatt (théâtre du coup d’envoi officiel d’une dense programmation le 7 avril) qui fut construit sur le modèle de Versailles à une époque où le français était la langue des

élites et où l’architecture palatiale, érigée en modèle, était copiée dans toute l’Europe (tout comme l’art de vivre et la gastronomie).

Autre étape marquante, le Kloster Maulbronn, fondé par des moines cisterciens, est sans conteste l’ensemble monastique médiéval le plus complet et le mieux préservé au nord des Alpes, l’endroit sur lequel souffle encore, intact, l’esprit de Cîteaux. Mais les liens entre les deux pays ne sont pas uniquement faits de culture partagée, mais aussi combats dévastateurs : ainsi le Château de Heidelberg fut-il détruit par les troupes françaises du général Ezéchiel de Mélac au cours de la guerre de la Ligue d’Augsbourg (en 1689 et 1693)… et jamais reconstruit intégralement, faisant figure d’archétype de la ruine romantique, même si c’est un autre Français, Charles de Graimberg, qui en releva une partie des murs au XIXe siècle pour lui donner son si séduisant aspect actuel. Ce sont de passionnantes histoires que narrent des édifices comme le Schloss Schwetzingen – avec son somptueux parc, œuvre de Nicolas de Pigage – qui abrite un théâtre rococo “à la française”, le premier du continent.

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lob des nachbarn Das Jahr 2019 steht in Baden-Württemberg im Zeichen der deutschfranzösischen Beziehungen, mit der neuen Saison der Staatlichen Schlösser und Gärten unter dem Motto: Ziemlich gute Freunde.

Von Raphaël Zimmermann

An verschiedenen Orten in Baden-Württemberg, bis zum 31. Dezember schloesser-und-gaerten.de ziemlich-gute-freunde.de Die Ausstellung Candide erkundet bis zum 22. April das Werk von Voltaire im Schloss Schwetzingen schloss-schwetzingen.de

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lassische oder barocke Schlösser, Gärten, Klöster und Burgen: BadenWürttemberg beherbergt zahlreiche Meisterwerke, die im Netzwerk der Staatlichen Schlösser und Gärten zusammengefasst werden, das die 59 außergewöhnlichen Standorte verwaltet. In diesem Jahr wird mit einem Fokus auf 14 Monumenten ein besonderer Schwerpunkt auf die komplexen Beziehungen gelegt, die die „ziemlich guten Freunde“ Frankreich und Deutschland seit Jahrhunderten pflegen. Mit dem Untertitel „Mit Schwert, Charme und Esprit“ erlaubt dieses Themenjahr einen bunten und verspielten Spaziergang durch Orte wie das Residenzschloss Ludwigsburg, in welchem Charles de Gaulle (auf Deutsch) seine berühmte Rede an die Jugend vom 9. September 1962 hielt, ein wichtiger Meilenstein der Versöhnung. Der General schrie: „Die Zukunft unserer beiden Länder, der Grundstein auf dem die Einheit Europas gebaut werden kann und muss, und der höchste Trumpf für die Freiheit der Welt bleiben die gegenseitige Achtung, das Vertrauen und die Freundschaft zwischen dem französischen und dem deutschen Volk“. Der Spaziergang führt uns ins Residenzschloss Rastatt (Ort des Startschusses eines dichten Programms am 7. April) das nach dem Modell

von Versailles zu einer Zeit errichtet wurde, zu der Französisch die Sprache der Eliten war und die Palastarchitektur in ganz Europa kopiert wurde (ebenso wie die Lebensart und die Gastronomie). Eine andere markante Etappe ist das Kloster Maulbronn, das von Zisterzienser-Mönchen gegründet wurde und zweifelsohne das kompletteste und besterhaltene mittelalterliche Klosterensemble nördlich der Alpen darstellt, ein Ort an dem noch der Geist von Cîteaux weht. Aber die Verbindungen der beiden Länder bestehen nicht nur aus gemeinsamer Kultur, sondern auch aus verheerenden Kämpfen: So wurde das Schloss Heidelberg von den französischen Truppen des Generals Ezéchiel de Mélac im Zuge des Pfälzischen Erbfolgekrieges (1689 und 1693) zerstört... und nie wieder vollständig aufgebaut, was es zum Archetyp der romantischen Ruine machte, selbst wenn es ein anderer Franzose, Charles de Graimberg, war, der einen Teil der Mauern im 19. Jahrhundert wieder errichtete, um ihm seinen heutigen verführerischen Aspekt zu verleihen. Es sind spannende Geschichten, die Gebäude wie das Schloss Schwetzingen erzählen – mit seinem prächtigen Park, dem Werk von Nicolas de Pigage – den eine Rokoko-Theater à la française, das erste des Kontinents, schmückt.

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gastronomie

the right balance Habité par un duo inspiré, le restaurant Les Funambules vient de décrocher une Étoile au Guide Michelin. Visite dans une jeune maison strasbourgeoise.

Von einem inspirierten Duo geleitet haben Les Funambules gerade einen Stern im Guide Michelin erkocht. Besuch in einem jungen Straßburger Haus.

Par Von Hervé Lévy Photo de von Stéphane Louis pour für Poly

Les Funambules, 17 rue Geiler (Strasbourg) Menus de 22 € à 40 € au déjeuner et menu unique le soir en quatre ou six étapes (48 € & 58 €). Ouvert du mardi au samedi (fermé mercredi soir).

Menus von 22€ bis 40€ mittags und Einheitsmenu am Abend mit vier oder sechs Gängen (48€ & 58€). Geöffnet dienstags bis samstags (mittwochs abends geschlossen). restaurantlesfunambules.com

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ls se sont rencontrés au lycée hôtelier Alexandre Dumas, ont pas mal bourlingué dans des adresses souvent étoilées, avant de revenir à Strasbourg ouvrir un restaurant. Une « idée qui nous habitait depuis nos études », résume le sommelier Jean-Baptiste Becker, hôte parfait. Au piano, son pote Guillaume Besson fait des merveilles. Précis dans ses compositions comme dans ses cuissons, le chef trentenaire revendique une « part instinctive dans [s]on travail », mais « trouve présomptueux de parler de “[s]on style”. » Reste que ses réalisations – avec un menu unique qui permet une créativité sans cesse renouvelée et une absence totale de gaspillage – sont enthousiasmantes. Dans une cuisine au cordeau se découvre, par exemple, une barbue juste saisie accompagnée d’une déclinaison de poireaux – où le légume est notamment délicieusement grillé – et d’un beurre blanc à l’ail des ours, jouant une partition tout en équilibres. Un mot qui va comme un gant à une cuisine évoluant quotidiennement en fonction des envies et des trouvailles du chef.

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ie haben sich im Hotel-Gymnasium Alexandre Dumas kennengelernt, sind von einer Sterneadresse zur nächsten gereist, bevor sie in Straßburg ihr Restaurant eröffneten. Eine „Idee, die uns seit dem Studium verfolgte“, fasst der Sommelier JeanBaptiste Becker zusammen. Am Herd vollbringt sein Freund Guillaume Besson Wunder. Präzise in seinen Kompositionen und beim Garen, bekennt sich der dreißigjährige Chef zu einem „instinktiven Anteil in seiner Arbeit“, aber er „findet es überheblich von seinem Stil zu sprechen“. Dabei sind seine Umsetzungen – mit einem einheitlichen Menu, das eine stetig erneuerbare Kreativität und eine totale Vermeidung von Verschwendung ermöglicht – begeisternd. In einer schnurgeraden Küche entdeckt man zum Beispiel einen nur leicht angebratenen Glattbutt, in Begleitung einer Abstufung von Lauch – in der das Gemüse unter anderem wunderbar gegrillt wird – und einer weißen Butter mit Bärlauch, die eine ausgeglichene Partition spielen. Ein Wort, das perfekt eine Küche zusammenfasst, die sich jeden Tag nach den Einfällen und Entdeckungen des Küchenchefs verändert.

UN DERNIER POUR LA ROUTE AUF EIN LETZTES GLAS

un vignoble romain Visite au domaine Van Volxem, un des phares viticoles de la Sarre dont les origines remontent à l’époque romaine.

römischer weinberg Besichtigung des Weinguts Van Volxem, eines Leitsterns im Saarland, dessen Ursprünge bis in die römische Zeit zurückgehen. avec une bouche toute en tension longiligne, finement iodée, tandis que le Goldberg grand cru associe des arômes de poivre blanc et de minéralité fine à ceux de fruits bien mûrs, pêches et abricot. Le corps est sublime, sensuel et soyeux, d’une longueur étonnante et d’une distinction racée.

Par Von Christian Pion

Bourguignon, héritier spirituel d’une famille qui consacre sa vie au vin depuis trois générations, il partage avec nous ses découvertes, son enthousiasme et ses coups de gueule.

Der Burgunder und spirituelle Erbe einer Familie, die ihr Leben seit drei Generationen dem Wein widmet wird mit uns seine Entdeckungen, seinen Enthusiasmus und seine Protestschreie teilen.

Zum Schlossberg 347 (Wiltingen) vanvolxem.com

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itué à Wiltingen, ce vignoble aux pentes vertigineuses installé sur un sol de schiste est l’un des plus anciens d’Allemagne puisqu’il a été fondé au IIIe siècle.

Y sont produits des flacons prodigieux de pureté et de longévité : à travers une sélection de terroirs et de clos bien délimités, le riesling exprime ainsi une texture sublime et envoutante. L’élaboration est naturelle, sans intrants, la viticulture bio et manuelle.

La fraîcheur du climat permet un murissement lent et assez tardif de petites baies issues de ceps souvent franc de pieds. L’alcool ne dépasse jamais 12,5° ! Issue de jeunes vignes, la cuvée Schiefer exhale des parfums de fruits jaunes et d’agrumes avec une bouche précise, ciselée par une acidité mûre et persistante, guillerette et salivante. La cuvée Wiltinger exprime la minéralité fumée et complexe du schiste accompagné de fruits bleus sauvages

L'abus d'alcool est dangereux pour la santé, consommez avec modération

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er in Wiltingen gelegene Weinberg mit den schwindelerregenden Abhängen, dessen Boden aus Schiefer besteht, ist einer der ältesten Deutschlands, denn er wurde im 3. Jahrhundert gegründet.

Hier werden wertvolle Flaschen voller Reinheit und Langlebigkeit produziert: Anhand einer sehr strengen Auswahl von Herkunftsgebiet und Rebparzelle, drückt der Riesling so eine erhabene und bezaubernde Textur aus.

Die Herstellung ist natürlich, ohne Zugaben, der Weinbau biologisch und von Hand. Die Frische des Klimas erlaubt ein langsames und eher spätes Reifen der kleinen Trauben, die von meist wurzelechten Rebstöcken stammen. Der Alkoholgehalt übersteigt nie 12,5°!

Der Schiefer-Riesling aus jungen Rebstöcken verströmt Aromen von gelben Früchten und Zitrusfrüchten mit großer Präzision, die von einer reifen Säure durchzogen wird, welche anhaltend, fröhlich und lecker ist. Der Wiltinger-Riesling drückt die rauchige und komplexe Mineralität des Schiefers aus, in Begleitung von wilden Beeren, fordernd und intensiv mit einer gewissen Jod-Note, während der Goldberg-Riesling Aromen von weißem Pfeffer und feiner Mineralität mit jenen von reifen Pfirsichen und Aprikosen vereint. Die Textur ist geschmeidig, sinnlich und wundervoll, mit langem Nachhall und großer Klasse.