Poly 175 - Mars 2015

N ° 1 7 5 M A R S 2 0 1 5 w w w. p o l y. f r

Magazine Événement à Beyeler

Paul Gauguin

Les Femmes s´en mêlent

Le rock au féminin Emma Dante & Castellucci

L’ Italie en force

BRÈVES

TRAGÉDIE CLOWNESQUE Arletti n’a qu’une chose en tête : jouer Le Roi Lear dans la grotte de son ami Boudu chez qui elle s’est rendue avec Zig. Trois clowns suffisent pour une dizaine de personnages parce qu’il « y a un roi et ses deux filles, et tout le reste on l’enlève ». Les Clowns (au Granit de Belfort, mardi 10 et mercredi 11 mars) est un spectacle de François Cervantes fragile et drôle, comme ces figures du cirque plus proches du poète que de l’acteur. © Christophe Raynaud de Lage

www.legranit.org

EFFROI

MOV

DE LÀ !

La HEAR organise .MOV, festival vidéo regroupant l’ensemble des écoles d’Art du Grand Est (mais aussi la Hochschule für Gestaltung und Kunst de Bâle et la Kunstschule d’Offenburg), vendredi 20 et samedi 21 mars à La Filature de Mulhouse.

Au programme, des films en compétition, mais aussi des rencontres avec artistes et réalisateurs : Romeo Castelluci (voir p. 40), Clément Cogitore…

Sans titre, 1988, Museum Frieder Burda, Baden-Baden

Artiste autrichien majeur, Arnulf Rainer (né en 1929) explose sur les cimaises du Musée Frieder Burda de Baden-Baden du 28 février au 3 mai. Cette rétrospective nous entraîne des “surpeintures” aux Face Farces et Body Poses, en passant par les inquiétantes crucifixions et de fascinants masques mortuaires. L’exposition s’articule autour de groupes d’œuvres, souvent anxiogènes, auxquels l’artiste a travaillé obsessionnellement. www.museum-frieder-burda.de

www.hear.fr – www.festival-mov.fr

BAROQUISSIME Un dialogue insolite entre Bach et Vivaldi : voilà ce que propose l’ensemble (à géométrie variable) Le Masque spécialisé dans le répertoire des XVIIe et XVIIIe siècles. Marc Hervieux (flûtes à bec) et Bogdan Nesterenko (accordéon de concert) sont réunis dans une © Jacques-Giraud.fr formation inédite pour une promenade inspirée chez les géants de l’Histoire de la musique.

Rendez-vous dimanche 15 mars à 17h en l’Église protestante SaintPierre-le-Vieux de Strasbourg. www.le-masque.com Poly 175 Mars 15

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BRÈVES

L’ÂGE DE

CRISTAL

Vous rêvez d’entrer dans les coulisses de la fabrication du cristal ? C’est désormais possible au Musée Lalique de Wingen-sur-Moder avec une exposition proposant un zoom sur les métiers de la manufacture (21-29 mars) grâce au travail du photographe Roland Letscher. Pour compléter ce féérique voyage, il sera possible d’assister à des démonstrations de sculpture sur cristal, de gravure sur métal ou de bitumage. © Roland Letscher

www.musee-lalique.com

TEMPS MORT En partenariat avec Le 19, la licence professionnelle METI invite à découvrir dans l’espace culturel Le Gymnase de l’Université de Franche-Comté (à Montbéliard, jusqu’au 15 mars) l’exposition Mutation-Mise en forme. Réunissant un dessin mural de l’artiste argentin Pablo Siquier ainsi que deux œuvres de Marie Voignier et Vassilis Salpistis, l’événement explore l’incidence du temps sur les formes. www.le19crac.com

CINOZMA Nous replongeant dans l’ambiance d’une salle de cinéma des twenties, le groupe Ozma interprète à sa façon la musique du film de Buster Keaton Les Trois âges à La Salle du Cercle de Bischheim (vendredi 13 mars). Le groupe réinvente l’expérience du ciné-concert avec une musique, aux influences rock et jazz, qui redonne vie à l’un des films cultes de l’âge d’or du genre. www.salleducercle.ville-bischheim.fr

LES YEUX ONT DES OREILLES La Méridienne de Lunéville présente la quatrième édition de FACTO, Festival pour des Arts Croisés et un Théâtre Original, du 1er au 11 avril. L’accent est mis sur l’interaction images / sons dans des pièces comme celle, protéiforme, du collectif Kinorev (Naguère les étoiles), le vidéo-concert du collectif L’Arfi autour de Georges Méliès (en photo) ou encore le Voyage au centre de l’oreille orchestré par la compagnie Inouïe.

Monsieur Méliès et Géo Smile © Yves Nivot Poly 175 Mars 15

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BRÈVES

LA

DANSE DE NELSON

MoMA, New York, 2010 © Anne Terada, Courtesy Yoko Ono

ALL WE NEED IS LOVE

© Germain Schmitt

Un arbre étrange a poussé au Centre Pompidou-Metz, planté par Yoko Ono. Issu d’une série d’œuvres participatives que la plasticienne développe depuis les années 1990, Wish Tree invite les badauds à inscrire leurs messages (de paix…) sur des papiers qui vont recouvrir ses branches. Les mots des visiteurs sont ensuite collectés puis placés sur le site de l’Imagine Peace Tower, installation lumineuse située en Islande.

Mis en scène par Jean-François Duroure et interprété par Diwélé Lubi, Dikakanyo - Conversation with myself se danse à La maison des Arts de Lingolsheim (le 20/03). Seul sur scène, un corps métissé puise l'énergie de ses ancêtres qui ont dû se battre pour rester debout. Hommage à Nelson Mandela, le danseur d'origine africaine lutte pour retrouver ses origines, lui le fils exilé qui a vu Madiba mourir, et remonte le temps pour se souvenir et transmettre. www.lingolsheim.fr

www.centrepompidou-metz.fr

UN AUTRE MONDE Jusqu’au 21 mars, l’école d’art Gérard Jacot (Belfort) accueille une exposition du 19 hors les murs réunissant le photographe Driss Aroussi et le peintre Karl Möllers. Le premier capture des paysages urbains marqués par le travail révélant les traces d’un monde en transformation, tandis que le second utilise la peinture pour transformer et créer un univers qui déjoue les formes et les images, une manière de se détacher des angoisses qui nous entourent. www.le19crac.com www.ecole-art-belfort.fr

© Klaus Stroeber

LA PROPHÉTIE C’est un des come-back les plus attendus à la Kaserne de Bâle : Miet Warlop, artiste belge à l’humour déjanté, construisant des folies burlesques et poétiques faites de bric et de broc. Du 26 au 28 mars, elle est seule en scène dans Dragging the Bone, exploration du rôle des prophéties au cours des siècles à partir de la statue-oracle Il Legato di Piacenza. Séances de rattrapage au TJP (Strasbourg), les 16 et 17 avril. © Reinout Hiel

www.kaserne-basel.ch www.tjp-strasbourg.com

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BRÈVES

HAPPY DAYS

Grosses rouflaquettes et bretelles pour lui, coupe de cheveux 1950’s et robe satinée à froufrous pour elle. Comme les White Stripes et les Kills, Catfish est un duo masculin / féminin qui ne cesse de se référer aux origines du rock. Le vrai goût de l’Amérique, dont on se délectera live au Moloco (Audincourt, vendredi 6 mars), au Gueulard+ (Nivlange, vendredi 13 mars) et au PréO (Oberhausbergen, jeudi 2 avril). www.lemoloco.com www.legueulardplus.fr www.le-preo.fr © Rouge Poisson

ART BRUT(E) L’iconoclaste Pierre Meunier rend hommage à la matière brute dans Molin-Molette (jeudi 12 et vendredi 13 mars, au Théâtre Gérard Philipe de Frouard). Cette pièce en forme de conte philosophique pour enfants (et plus grands) explore l’origine des objets à travers l’histoire d’un couple de scientifiques élevant et fabriquant des ressorts ! Mais la langue va résister et tout démultiplier… www.tgpfrouard.fr © Monika Jeziorowka

COLORS

Des paysages étranges où la réalité semble se dissoudre dans des plages chromatiques flamboyantes pour renaître transfigurée : le travail récent – version “période fauve” – du peintre Christophe Wehrung fascine.

Pénétrez son univers poétique à la galerie Point Art de l’Écam à Schiltigheim, du 9 mars au 10 avril. www.ecam-strasbourg.eu www.christophewehrung.com

ENGLISHMAN IN

PARIS

On pourrait ne retenir que le “ conte de fées ” vécu par Benjamin Clementine, jeune pianiste anglais fauché repéré dans le métro parisien et mis sous les feux de la rampe depuis quelques mois.

Son premier album, l’habité At Least for Now, éclipse la story et recentre le propos sur un artiste soul magnétique, à découvrir en live mardi 24 mars à La Laiterie (Strasbourg) et le lendemain à L’Autre Canal (Nancy). © Akatre

www.artefact.org www.lautrecanalnancy.fr Poly 175 Mars 15

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BRÈVES

© Pascal Bastien

LE PIANISTE

Artiste en résidence à l’Orchestre philharmonique de Strasbourg, le pianiste Cédric Tiberghien propose un excitant récital (samedi 14 mars à la Cité de la musique et de la danse).

Il est construit sur le principe des affinités électives autour de la Sonate de Berg, avec des pages de Mozart, Schubert et Beethoven dont on entendra la merveilleuse la Sonate “Waldstein”.

ON THE ROAD

www.philharmonique.strasbourg.eu

Pour son 80e anniversaire, Louis Kolmer nous invite à découvrir son Itinéraire pictural (1955-2015) au Musée des Beaux-Arts de Mulhouse jusqu’au 22 mars (entrée libre). Du figuratif à l’abstraction, le style violent de l’artiste s’attaque aussi bien aux portraits qu’aux scènes de guerre montrant le caractère expressif de la peinture qui fait jaillir les émotions.

EN VOITURE !

www.musees-mulhouse.fr

© The Glint

VOIX ÉTOUFFÉES

L’Orchestre Victor Hugo Franche-Comté a imaginé un programme consacré à la musique jugée “dégénérée” par les nazis (vendredi 20 mars au Théâtre de Montbéliard et le lendemain à celui de Besançon). Au menu, des pages de Viktor Ullmann et Kurt Weill et surtout Brundibár un opéra pour enfants de Hans Krása créé à Theresienstadt, “camp modèle” du IIIe Reich, construit pour berner la communauté internationale. www.ovhfc.com

Marckolswing fête le jazz classique (« ou presque ») du 19 au 21 mars. Le festival international donne rendezvous à Marckolsheim pour jazzer en compagnie d’Attila Korg & his Gang ou du duo de “friends” Jean-Loup Longnon / Louis Mazetier. Comme fil rouge, un Bus du Swing conduit par les Blue Heaven Stompers (en ouverture de la manifestation), sillonnera les alentours, faisant des escales dans des écoles pour sensibiliser les plus jeunes. www.marckolswing.fr

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la lutte continue ÉDITO

Par Hervé Lévy

Illustration signée Éric Meyer pour Poly

G

risaille. L’Est de la France est sous une chape de plomb météorologique et politique. La débilité de quelques “ jeunes ” – dénomination générique appartenant à une novlangue d’essence totalitaire – qui ont profané un cimetière juif à Sarre-Union fait froid dans le dos. Dans leurs premières déclarations, ils avaient affirmé avoir imaginé que l’endroit était « abandonné ». Ils prétendaient aussi n’avoir « pas agi par antisémitisme ». On avait du mal à le croire : très rapidement, une version différente était établie, pleine de Heil Hitler ou de Sieg Heil. Le cimetière aurait pu être chrétien ou musulman, la connerie aurait été d’une eau tout aussi pure et la haine tout aussi violente.

L’esprit du 11 janvier s’évanouit lentement, reléguant l’espérance aux oubliettes. Avec la France, l’Europe semble suivre la destinée de Jean Gabin dans Un Singe en hiver, film qui s’achève par ces mots : « Et le vieil homme entra dans un long hiver ».

Est-ce possible de sortir de là ? De dépasser la tristesse d’un présent décérébré où « le maître craint ses disciples et les flatte », où « les disciples font peu de cas des maîtres et des pédagogues » (Platon, La République, Livre VIII) ?

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La culture, oui cette bonne vieille culture que nous défendons, est là pour ça. On le répète inlassablement, page après page. Alors qu’on lui coupe les ailes de tous côtés, elle tente, vaillante, de résister, de dénoncer tous les obscurantismes. Tandis que les budgets sont en chute libre sans que cela n’émeuve les foules, il faut citer une phrase de Churchill : en pleine guerre, apprenant que les crédits de la culture sont sabrés au profit de l’armée, il aurait déclaré « Then what are we fighting for ? » On sait aujourd’hui qu’il s’agit visiblement d’un vulgaire hoax propagé via les réseaux sociaux… mais on aurait tellement aimé que l’histoire soit vraie, tant elle est belle et de nature à inciter les politiques de tous bords à prendre leurs responsabilités. Pour notre part, nous reste à lutter, à tenter de comprendre et d’analyser, à ne pas vendre à Coca-Cola (ou à d’autres) du “ temps de cerveau disponible ”, à ne pas nous laisser berner par les sirènes des marchands en tous genres qui voudraient faire croire que, sans maîtriser quelques concepts élémentaires, il est possible d’attraper le monde. Il faut combattre pour se raccrocher à un espoir, un putain d’espoir. Courage, il paraît que c’est bientôt le printemps.

OURS / ILS FONT POLY

Ours Emmanuel Dosda Il forge les mots, mixe les notes. Chic et choc, jamais toc. À Poly depuis une dizaine d’années, son domaine de prédilection est au croisement du krautrock et des rayures de Buren. emmanuel.dosda@poly.fr

Liste des collaborateurs d’un journal, d’une revue (Petit Robert)

Thomas Flagel Théâtre des balkans, danse expérimentale, graffeurs sauvages, auteurs africains… Sa curiosité ne connaît pas de limites. Il nous fait partager ses découvertes depuis cinq ans dans Poly. thomas.flagel@poly.fr

Dorothée Lachmann Née dans le Val de Villé cher à Roger Siffer, mulhousienne d’adoption, elle écrit pour le plaisir des traits d’union et des points de suspension. Et puis aussi pour le frisson du rideau qui se lève, ensuite, quand s’éteint la lumière. dorothee.lachmann@poly.fr

Benoît Linder Cet habitué des scènes de théâtre et des plateaux de cinéma poursuit un travail d’auteur qui oscille entre temps suspendus et grands nulles parts modernes. www.benoit-linder-photographe.com

Stéphane Louis Son regard sur les choses est un de celui qui nous touche le plus et les images de celui qui s’est déjà vu consacrer un livre monographique (chez Arthénon) nous entraînent dans un étrange ailleurs. www.stephanelouis.com

Ours porte-bonheur, Sanktuarium Matki Bożej Łaskawej, Warszawa, 2014 © Geoffroy Krempp

www.poly.fr RÉDACTION / GRAPHISME redaction@poly.fr – 03 90 22 93 49 Responsable de la rédaction : Hervé Lévy / herve.levy@poly.fr Rédacteurs Emmanuel Dosda / emmanuel.dosda@poly.fr Thomas Flagel / thomas.flagel@poly.fr Dorothée Lachmann / dorothee.lachmann@poly.fr Florent Lachèvre, stagiaire de la rédaction Ont participé à ce numéro Abdel Boumaza, Marina Nikolić, Pierre Reichert, Irina Schrag, Daniel Vogel et Raphaël Zimmermann Graphistes Benjamin Blaess / benjamin.blaess@bkn.fr Jérémi Picard / jeremi.picard@bkn.fr Maxence Strasser, stagiaire du studio graphique Maquette Blãs Alonso-Garcia en partenariat avec l'équipe de Poly © Poly 2015. Les manuscrits et documents publiés ne sont pas renvoyés. Tous droits de reproduction réservés.

Le contenu des articles n’engage que leurs auteurs.

ADMINISTRATION / publicité Directeur de la publication : Julien Schick / julien.schick@bkn.fr Administration, gestion, abonnements : 03 90 22 93 38 Gwenaëlle Lecointe / gwenaelle.lecointe@bkn.fr Diffusion : 03 90 22 93 32 Vincent Bourgin / vincent.bourgin@bkn.fr

Éric Meyer Ronchon et bon vivant. À son univers poétique d’objets en tôle amoureusement façonnés (chaussures, avions…) s’ajoute un autre, description acerbe et enlevée de notre monde contemporain, mis en lumière par la gravure. http://ericaerodyne.blogspot.com

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sommaire

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eportage aux Sheds de Kingersheim, lieu dédié à R “l’agri’culture”

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Qui sont les héritiers de Germain Muller ?

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es Trois sœurs, huis clos de Tchekhov vu par JeanL Yves Ruf, au Maillon

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peretta burlesca d’Emma Dante, ode à la liberté O sexuelle

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éambulation dans un univers riche de symboles avec D Sous ma peau / Sfu.ma.to d’Alice Laloy

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cènes de la vie d’acteur, aventure humaine et théâS trale à la Comédie de l’Est

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Romeo Castellucci sur les traces de Moïse

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La voix sensuelle de Luz Casal

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44 Le Printemps des Bretelles : styles musicaux et rythmes du monde entier

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Le festival Les Femmes s’en mêlent le clame : le rock ne se conjugue pas qu’au masculin

50

ortrait du baryton Ludovic Tézier de passage au P Festspielhaus de Baden-Baden

52

estination Almaty pour une plongée dans l’Art D contemporain du Kazakhstan

54

Gauguin à la fondation Beyeler : spiritualité et vahinés

60

Balade noyée dans les flocons autour de Saverne

65

Entretien avec Xavier Koenig, benjamin de Top Chef

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COUVERTURE En quête d’absolu à Tahiti, Paul Gauguin peint en 1892 ces deux jeunes femmes dénudées, toutes en rondeurs, se prélassant au soleil. Le titre du tableau, Aha oe feii ? (Eh quoi ! Tu es jalouse ?) s’adresse peut-être à son auteur, les deux vahinés jouant de leurs charmes pour aguicher dans un jeu frivole ce peintre blanc venu du continent qui les dévore des yeux.

Tout ne semble être que calme et volupté dans cette partie du monde reculée.

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© Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou

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LIVRES – BD – CD – DVD

TESTAMENTS « Tes joues sont jolies entre les colliers et ton cou entre les perles. » Rodolphe Burger pose ses mots, doux comme du miel, enivrants comme du vin ou de l’encens, sur des cliquetis répétitifs, arpèges guitaristiques et autres motifs orientaux joués au oud. Ça n’est pas la première fois que l’exleader de Kat Onoma s’empare du Cantique des Cantiques qu’il mit en musique pour Alain Bashung à l’occasion de son mariage avec Chloé Mons (qui donna lieu à un album). Le Cantique de Burger est suivi de S’envolent les colombes, autour d’un texte du poète palestinien Mahmoud Darwich. De beaux chants d’amour, un disque hommage aux disparus sous forme de pèlerinage en Terre sainte. (E.D.)

EVE-R LÈVE-TOI « Depuis que tu n’es plus là je m’interroge » chante Céline Clerget-Klinghammer dans la chanson Rien du nouvel album Regarde bien du groupe Eve-r.

L’univers du trio strasbourgeois se retrouve dans ce second opus composé de dix titres qui mélange une musique indé pop envoûtante dans la veine de Metronomy et des textes en français touchant des thématiques de la vie courante. Du regard que l’on porte sur les images manipulées de la publicité (Pas parfaits) au bonheur que l’on ne doit pas laisser filer (Ma chance). (F.L.) Regarde bien, Chorus production (12 €) www.evercontact.wix.com En concert (première partie du groupe Ange), à La Laiterie, samedi 28 février www.artefact.org

Le Cantique des Cantiques & Hommage à Mahmoud Darwich, édité par Dernière Bande (15 €) www.dernierebandemusic.com

LA VIE DEVANT SOI Anne-Caroline Pandolfo (ex-Arts déco, ici auteure) et Terkel Risbjerg (dessinateur strasbourgeois), après s’être emparés de la vie d’Albertine Sarrazin (lire Poly n°163), se sont librement inspirés du roman danois Niels Lyhne pour compter l’histoire du Roi des scarabées se passant « il y a bien longtemps » au Danemark. Aksel fait une promesse à sa mère qui, les pieds dans la boue campagnarde, rêve de nuages roses : il deviendra poète, prendra son envol, loin du terre-à-terre agricole. Quelques années plus tard, il s’installe à Copenhague et découvre que « la vie n’était pas un livre, et qu’on pouvait la vivre en vrai ». Encore faut-il rester humble, comme le scarabée... et se méfier de la folie qui guette. Nous sommes séduits par de belles scènes cinématographiques (le clin d’œil à La Nuit du chasseur), le noir & blanc tranché et la fluidité narrative, faisant passer de la réalité la plus prosaïque à des univers oniriques. (E.D.) Le Roi des scarabées, édité par Sarbacane (24 €) www.editions-sarbacane.com

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LIVRES – BD – CD – DVD

HOLMES IS BACK Bruxelles, 1891. Sherlock Holmes a tous les criminels d’Europe à ses trousses. Le Professeur Moriarty veut sa peau. Le plus célèbre détective de la planète saute dans le premier train en partance, direction Strasbourg où il passe une journée… C’est dans cet espace-temps, juste avant sa “mort” aux chutes du Reichenbach que se glissent Roger Seiter, vieux routier de la BD (scénario) et Giuseppe Manunta (dessins), plus connu pour ses albums coquins. Le lecteur croisera Léo Schnug encore enfant, la sensuelle Irène Adler et tout un tas de malfaisants. Du Château de Pourtalès (lieu de détention d’un Watson qui fait tapisserie dans cette aventure) à la Cathédrale, on demeure captivés par ce polar haletant. (H.L.) Retrouvailles à Strasbourg, édité par Le Verger (14,90 €) www.verger-editeur.fr

LES

MURS MURMURENT

Le premier avec ses mots, le second avec ses images, Louis Schalck et JeanLouis Hess (membre fondateur du collectif Chambre à part) proposent des « gravats poétiques et photographiques ». Une belle définition de Murs sauvages, ouvrage où de courts textes entrent en résonance avec des photographies sur le thème des murs : de glace, de vent, de Berlin, blanc, païen…

Une centaine de pages an total tour à tour inspirées, naïves, énervantes, élégantes. (H.L.) Murs sauvages, autoédité (12 €) Exposition Schiltigheim en couleurs de Jean-Louis Hess, jusqu’au 18 mai au Cheval Blanc www.ville-schiltigheim.fr

PENSÉES Le TJP de Strasbourg frappe fort en sortant le premier opus de CorpsObjet-Image dédié à « L’infra : l’en-deçà du visible ». Une revue annuelle de 164 pages contenant un dialogue épistolaire d’artistes (Renaud Herbin et Pierre Meunier), une arte blanche (l’incroyable Tim Spooner), une réflexion philosophique salvatrice de Daniel Payot (exadjoint à la culture de Strasbourg) sur la notion de valeur et de richesse dans notre société du spectacle… Mention spéciale à Matthias Youchenko qui revisite l’essentiel Spectateur émancipé de Jacques Rancière en posant la relation Art et / ou Politique comme la « remise en cause d’un certain partage du sensible » pour que les évidences changent et que de nouveaux regards s’avancent. (T.F.) Corps-Objet-Image n°1, TJP Éditions (22 €) www.tjp-strasbourg.com www.corps-objet-image.com

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court circuit Kingersheim vient d’inaugurer un nouveau lieu dédié à “l’agri’culture” situé dans une ancienne usine textile. Reportage au café-théâtre-restaurant-épicerie Les Sheds et dégustation de produits labélisés bio et issus de circuits courts.

Par Emmanuel Dosda Photos de Benoît Linder pour Poly

Les Sheds, 2a rue d’Illzach à Kingersheim 03 89 51 15 03 www.les-sheds.com Restaurant / café ouvert le midi du mardi au samedi & les vendredis et samedis soirs. Prix du menu (entrée ou dessert + plat) : 12,50 € (15,50 entrée + plat + dessert) Épicerie ouverte du mardi au vendredi de 10h à 14h30 et de 17h à 20h ; samedi de 10h à 20h Marché paysan (vente directe et par abonnement) tous les mercredis de 17h à 19h

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D

ifficile de trouver une table à l’heure du déjeuner. En plein festival jeune public Momix, le restau est pris d’assaut par une horde bigarrée : artistes et directeurs de théâtre, membres d’associations, familles ou voisins, soit un public allant de 7 mois, bien calé dans les sièges bébé, à 77 ans, bien calé en agroagriculture ou simple gourmet. Nous finissons nos assiettes végétariennes (que les carnivores se rassurent, il y a également de la viande à l’ardoise) et autres “suggestions de saison” lorsque Dominique Collin, responsable (bénévole) du projet « écologique et citoyen », nous rejoint, d’anciennes photos noir et blanc du lieu plein son ordi portable et des idées neuves plein la tête. Il évoque Les Sheds – dont le nom vient de la forme de la toiture en dents de scie du bâtiment dans lequel il s’est installé – et une époque (faste) que les moins

de 60 ans ne peuvent pas connaître, celle de l’après-guerre : une cité de 5 000 âmes, une entreprise de tissage employant au moins 500 salariés et… 18 bistrots. Dominique souhaiterait que Les Sheds remplissent cette fonction sociale qu’avaient les gargotes d’antan : lieu de rencontre, de partage autour de valeurs communes, d’une bonne bière sans OGM et de « plats sains », glisse Stéphane qui supervise la partie restaurant.

Modèle écologique & économique

En 2007, Dominique, Stéphane et Marc fondent l’association éponyme en vue de créer un espace de vie, à l’origine dans le bâtiment similaire, juste en face, qui sert aujourd’hui de lieu de stockage et d’atelier de menuiserie où a été manufacturée une grande partie du

culture & agriculture

mobilier. En 2008, l’asso lance la première édition du festival éco-citoyen 6 Pieds sur terre pour préfigurer le projet, avec la venue de Pierre Rabhi, humaniste défenseur de l’agroécologie, chantre du retour à la terre et instigateur du Mouvement Colibris tenant son nom d’une légende amérindienne, celle d’un petit oiseau jetant modestement quelques goutes d’eau sur un monumental incendie de forêt. « C’est important de faire sa part » explique Dominique, utopiste et éco-activiste, ni catastrophiste, ni « extrémiste ». Il parle d’économie sociale et solidaire, d’« argent réinjecté » et d’emplois ainsi créés ou encore d’environnement dont il faut prendre soin.

Et de préciser : « L’enjeu n’est pas de sauver la planète, mais l’humanité ! Comme le dit le biologiste Jean-Marie Pelt, que nous avons invité en 2009 pour une conférence, l’homme est une petite maladie de peau pour la terre.

C’est lui qui se met en péril. » Dominique ne se prétend pas économiste, encore moins philosophe, mais il déplore que « l’homme ne régule plus rien : ni le marché, ni l’écologie.

Nous n’avons pas la prétention de donner des leçons, mais essayons d’agir en mettant toute notre énergie, notre temps et notre cœur dans ce projet, même si c’est microscopique. »

Culture des villes & des champs

En 2010, la Ville acquiert pour 500 000 € le bâtiment actuel, « en meilleur état que la bâtisse initialement convoitée », où l’asso développe notamment un marché paysan hebdomadaire, jusqu’au début des travaux de réhabilitation, fin 2012 : 670 000 € financés majoritairement par la Ville. En octobre 2014, l’espace (560 m2 en tout) refait à neuf est enfin inauguré : un lieu chaleureux et boisé, dont le look fait écho à son passé industriel, se composant essentiellement d’un vaste restau-bar équipé d’une scène pouvant accueillir des groupes de musique (comme Feu ! Chatterton, dans le cadre du festival GéNéRiQ) ou compagnies de théâtre (notamment des spectacles de Momix). Dominique, par ailleurs directeur du service culturel et, accessoirement, ancien rockeur et membre fondateur du Noumatrouff mulhousien, tient à construire une programmation et proposer des rendez-vous réguliers. Pourquoi choisir entre culture et agriculture lorsqu’on peut couper la pomme (bio) en deux et mêler arts vivants et productions locales ? Adjacente à la salle, une épicerie – fournie par une cinquantaine de producteurs – vend fruits et

Pourquoi choisir entre culture et agriculture lorsqu’on peut couper la pomme (bio) en deux ?

Les épiciers Angélique et Antoine, parmi les produits bio

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Dominique, Stéphane et Marc, les trois membres fondateurs des Sheds

légumes, pains et produits laitiers, viande, soupes, vins, œufs, thon « pêché à la canne » et riz en vrac, jus de pommes de Bergheim, confiture de myrtille de Niederbruck ou miel de… Kingersheim. Une fois par semaine, on pousse les tables du restaurant pour recevoir une quinzaine de producteurs du coin le temps d’un marché paysan. L’idée n’est pas de court-circuiter les grandes surfaces, mais de proposer un lieu « à échelle humaine » et « viable économiquement ». Un modèle à suivre. Un cercle vertueux. Le restaurant s’approvisionne directement chez les producteurs locaux et dans l’épicerie des Sheds : les produits approchant doucement de la date de péremption sont “recyclés” en cuisine où Raphaël, le chef (« intérimaire »), doit faire preuve de créativité. « Il faut être inventif et savoir jongler quotidiennement », dit-il en réfléchissant devant un frigo plein de mascarpone et de poulet. Les déchets ? Ils vont au compost du potager pédagogique (ouvert à tous) situé à proximité.

Volonté politique & citoyenne

Les Sheds comptent aujourd’hui quatorze salariés (épaulés par plus d’une cinquantaine de bénévoles) dont une dizaine de contrats aidés : commis de cuisine, épiciers, serveurs, administratifs… Dominique le clame volontiers : « Nous ne sommes pas une entreprise d’insertion, mais insistons sur notre rôle d’accompagnement social. » Jo Spiegel, qui prend ce genre d’« implication citoyenne très au sérieux », vante un « projet d’économie sociale et solidaire, une alternative au marché financier. » Le maire PS de Kingersheim, ville « fraternelle et durable » de 13 000 habitants, espère « changer fondamentalement la société » en utilisant des initiatives de ce type comme levier, dans une « démarche responsabilisante ». Pour lui, « le politique doit soutenir ces projets, mais il doit aussi savoir s’effacer pour faire émerger le pouvoir d’agir des citoyens. » La double casquette de Dominique Collin, à la fois dans la municipalité et l’asso, n’est-elle pas ambiguë ? « Il ne doit pas y avoir de confusion des genres », concède Jo Spiegel. « Ceci dit, c’est une chance d’avoir des collaborateurs qui s’investissent de la sorte, bénévolement de surcroit !

Lorsqu’on a des projets ambitieux d’un côté et un budget modeste de l’autre, ça frotte à un moment donné. Il a fallu trouver des compromis. Maintenant, c’est à l’association de porter Les Sheds. » Dominique sait pertinemment qu’il s’agit « d’un pari difficile », avec des « impératifs économiques », mais il relève ses manches et le défi, confiant. Un jus pomme / coing et ça repart.

Raphaël, le chef, en cuisine

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gauthier fourcade Le secret du temps plié

ven. 20.03 -> 20:30 03 89 70 03 13 lacoupole.fr

N° de licence entrepreneur du spectacle : 1050935 - 936 - 937 ~ Photo : © Roland Boyer ~ Conception : starHlight

humour

CABARET

germain et nous Plus de vingt ans après la disparition de Germain Muller, hommage lui est rendu. Alors que les Musées de Strasbourg consacrent trois expositions à l’homme de théâtre, sa force comique est-elle encore d’actualité ? Qui sont ses héritiers ?

Roger Siffer ou Les Scouts ? Éléments de réflexion.

Par Hervé Lévy

À Strasbourg, au Musée alsacien et au Musée historique, jusqu’au 1er juin ainsi qu’au Musée Tomi Ungerer – Centre international de l’illustration, du 6 mars au 5 juillet www.musees.strasbourg.eu La revue de la Choucrouterie Plus Dur sera le Chut / Stille Macht, à Strasbourg, au Théâtre de la Choucrouterie, jusqu’au 9 avril, 03 88 36 07 28 www.theatredelachouc.com La revue scoute Pourquoi tant de laine ? à Schiltigheim, à la Salle des Fêtes, jusqu’au 9 avril 03 88 83 84 85 www.ville-schiltigheim.fr En tournée : Bischwiller (MAC Robert Lieb, du 16 au 18 avril), Saverne (Espace Rohan, du 24 au 26 avril), Mutzig (Dôme, du 29 avril au 3 mai), Muntzenheim (Espace Ried Brun, du 15 au 17 mai) et Village-Neuf (RiveRhin, samedi 23 mai) www.larevuescoute.fr

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ersonnalité protéiforme, Germain Muller (1923-1994) eut mille et une vies : homme de théâtre, acteur, cabarettiste de génie, inoxydable adjoint à la culture (entre 1959 et 1989), auteur qui donna ses lettres de noblesse au dialecte… En 1946, il crée le Barabli avec Raymond Vogel, pierre angulaire de l’identité alsacienne contribuant, à chaque nouvelle revue, à une psychanalyse joyeuse de la région. Son nom est déjà tout un programme, puisqu’il fait référence au test mis en place par l’Abbé Wetterlé en 1918 pour confondre les prisonniers de l’armée du Kaiser qui prétendaient être alsaciens afin d’obtenir un meilleur traitement. Il leur montrait un parapluie : les Allemands désignaient l’objet comme un Schirm, tandis que les Alsaciens parlaient de Barabli.

Germain, hier

Comment rendre hommage à Germain Muller ? Le défi était de taille pour les Musées de Strasbourg. Les écueils, nombreux. Le premier était de momifier celui qui fut bien plus vivant que bien des vivants et de le transformer en Statue du Commandeur. Alors qu’il est, selon l’heureuse définition d’Alphonse Irjud, ancien rédacteur en chef du Nouvel alsacien, « un paratonnerre : en nous faisant rire de nos soucis, de nos malheurs, sourire de notre inconfortable situation culturelle et géographique, tout en incitant à la réflexion,

il a, en quelque sorte, une mission de salubrité publique, d’hygiène morale et mentale ».

Au Musée alsacien, se déploie L’Alsace de Germain, parcours dans lequel les collections entrent en résonance avec certains objets émouvants (mobilier de l’appartement de la rue Ehrmann, tickets d’entrée, costumes…) et de nombreuses stations multimédia où le public peu visionner les sketches emblématiques du Barabli. Le parcours se poursuit dans la même veine au Musée historique, puis au Musée Tomi Ungerer où sont exposés affiches et programmes de la revue satirique qui permettent la découverte du trait habile d’André Wenger. Le résultat ? Un portrait éclaté de Germain Muller qui évite la fossilisation (avec un karaoké costumé où chacun peut rejouer certains sketches historiques) et permet de constater que son propos demeure actuel – qu’il porte sur les vins ou la langue – et qu’il continue à nous questionner. Enfin… redde m’r nimm devun (Enfin… n’en parlons plus, 1949), par exemple, est-elle bien la pièce qui a réconcilié les Alsaciens avec eux-mêmes après 1945 ? Fondateur de La Choucrouterie, Roger Siffer en doute : « J’ai l’impression que cette pièce – avec ce « n’en parlons plus » – a empêché une catharsis qui a eu lieu en Allemagne. La merde nazie n’a pas assez été remuée chez nous ; on ne s’est pas posé assez de questions. On s’est borné à dire qu’on était des Malgré nous et c’était terminé. »

CABARET

Dinah Faust et Germain Muller © Christophe Meyer

Germain, aujourd’hui Si l’âme de Germain Muller flotte, ectoplasme rigolard, dans les salles des Musées et les souvenirs des spectateurs du Barabli qui s’est arrêté en… 1992, est-elle encore présente ailleurs, vivante ? Généralement on considère Roger Siffer (et la revue satirique de la Choucrouterie) comme son héritier. L’homme qui a participé à deux éditions du Barabli s’en tire par une pirouette : « Germain Muller est mon père spirituel, mais je ne sais pas s’il me reconnaîtrait comme son fils spirituel. » Faut-il alors se tourner vers Les Scouts ? Un de leurs cerveaux, Daniel Chambet-Ithier s’avoue « dubitatif et amusé », se décrivant plutôt comme l’enfant « du café-théâtre parisien. Nos références sont à chercher du côté du Café de la Gare ou du Splendid », explique-t-il. Un avis que ne partage Christian Hahn, auteur, metteur en scène et homme de télé, qui avait « monté un spectacle avec des sketches du Barabli à quinze ans et demi avec des potes » (puis joué dans la mythique version télé de Enfin… redde m’r nimm devun tout juste republiée en DVD et participé à plusieurs revues) : « Pour moi, Les Scouts d’aujourd’hui sont l’esprit du Barabli, moins le coté dialectal. C’est une manière de faire rire et de pousser à la réflexion. » On ne peut que souscrire à cette analyse.

Et de rajouter : « Chez Germain se trouvait également une mélancolie typiquement alsa-

cienne, très éloignée des habituelles pleurnicheries – le syndrome “Malgré nous” – qui renvoie à la question fondamentale de l’identité alsacienne. » Vaste et épineuse problématique à la veille de la mise en place d’une grande région avec la Lorraine et Champagne-Ardenne. Un fragment de la réponse se trouve sans doute chez Germain Muller et tous ses descendants légitimes ou non, la Chouc’, les Scouts et la douzaine de cabarets, du S’Brannkessele du Val de Villé au Herre-n-Owe mulhousien.

Le DVD de Enfin… redde m’r nimm devun ! agrémenté d’un documentaire sur le Barabli (24,90 €) est publié par l’INA www.institut-nationalaudiovisuel.fr

André Wenger, Programme de la reprise de la pièce Enfin… redde m’r nimm devun, 1980 © Archives Germain Muller / Mario Hirlé © Famille Wenger

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l’invention de la solitude Dans une datcha perdue au fin fond d’une province russe, Les Trois sœurs regardent leur cocon d’aristocrates s’étioler. Jean-Yves Ruf crée au Maillon ce huis clos fiévreux de Tchekhov où la dureté du monde précipite les destins.

Par Thomas Flagel Photo de Benjamin Chelly

À Strasbourg, au MaillonWacken, du 10 au 12 mars 03 88 27 61 81 www.maillon.eu

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C’est la première fois que vous montez Tchekhov. Pourquoi vient-il maintenant ?

J’ai souvent travaillé avec André Markowicz qui a traduit toute ses pièces avec Françoise Morvan. J’ai tourné autour, peut-être avec une trop grande pudeur devant les nombreuses mises en scènes existantes. À un

moment je me suis dit qu’il fallait y aller, d’autant que les grands auteurs t’apprennent toujours quelque chose quand tu les prends en face, droit dans les yeux. Eugene O’Neill, le Tchekhov américain, m’a procuré beaucoup de plaisir l’an passé avec des thèmes proches : le temps qui passe, une écriture sans grand lyrisme et la nécessité de trouver le nerf de

théâtre

chaque scène, ce qu’il y a de sous-jacent. Mon travail avec Krystian Lupa sur sa notion de paysage intérieur a cristallisé quelque chose en moi, sur l’imaginaire de l’acteur alors que je n’avais pas d’intuition forte, ni d’image personnelle des Trois sœurs. Le déclic est venu d’un film, Trois sœurs (Abrir puertas y ventanas), réalisé par la jeune argentine Milagros Mumenthaler, qui reprend la structure de la pièce, transposée à Buenos Aires.

Elles sont jeunes, viennent de perdre leur mère et interrogent avec virulence l’héritage de la vie, ce moment charnière entre le cocon de l’enfance et le monde ouvert et dangereux des adultes. Ces filles ont reçu une éducation forte de leur père, dans une certaine idée de leur fonction sociale. Sa mort les laisse dans un endroit interlope. Le travail qui les guette ouvre un destin dont le champ des possibles est plus restreint que ce qu’elles imaginaient.

Mais malgré tout, Tchekhov nous encourage à tenir debout.

sonnage derrière les masques du bavardage, rêvant la scène entre ce qu’il est et aimerait être, alors tout se révèle. Chez Shakespeare, il est difficile de ne pas se laisser engluer par le flot des mots. Tchekhov les retient, il faut lui faire confiance et enquêter sur les paroles pour saisir la force de leur sens.

La pièce se termine de manière assez triste : Irina s’apprêtait à accepter une union avec un baron qu’elle éconduit depuis cinq ans, ses autres sœurs foncent vers un destin morose en renonçant à leurs rêves…

Elle dépeint la perte d’un monde, la découverte de la solitude et le départ vers le désert que sont nos vies à tous. Le destin de ces trois sœurs n’est pas un drame immense.

Elles rêvent peut-être encore un peu trop.

En tant que médecin, Tchekhov dissèque des moments profondément humains. Durs ou exaltés mais justes. Combien d’entre nous ont la chance de vivre leur rêve de gamin ?

On s’invente autrement car il faut bien vivre.

Tchekhov regarde les humains avec une profonde tendresse, faisant preuve d’une grande d’acuité, même pour les plus infimes personnages avec lesquels il nous offre de rêver loin.

Natalia est souvent dépeinte comme un personnage terrible…

Je me défie d’en faire un archétype de l’hystérique. C’est un personnage plus complexe que cela, confié à Sarah Pasquier, ancienne élève du TNS. Si elle est insupportable, ce n’est pas son but premier. Je crois qu’elle rêve de rentrer dans ce monde d’aristocrates, d’être aimée et acceptée par cette famille que tout le village révère. Mais son envie de les sauver est telle qu’elle en devient ingérable.

Ses angoisses la dépassent et nous travaillons sur le processus la menant à cet endroit, sur les raisons de son rejet par les trois sœurs qui en tirent un portrait au vitriol dès le début.

Comment approchez-vous la part intime de ce drame avec vos comédiens ?

Lupa dit d’un comédien qu’il est « quelqu’un poursuivant la pensée d’un auteur ». Je trouve cela très juste, c’est pourquoi nous avons improvisé autour des nœuds du texte, sans le connaître par cœur. Tchekhov n’offre pas de mécanique, il oblige à chercher ce qui nous fera avancer, au risque, sinon, de tomber dans un salon mondain un peu trop bavard.

Mais lorsqu’un comédien précise ce qui se joue d’existentiel et d’essentiel pour son per-

Plutôt que de représenter fidèlement les espaces, vous avez choisi un “canapé-nid” et une “chambre-refuge”…

J’ai su très vite ce que je voulais. Pas de scénographie lourde mais quelque chose proche de l’installation : un espace à deux étages pour un canapé tenant quasiment le rôle d’un comédien dans chaque acte. La chambre des deux sœurs est dans le même espace que le reste de la pièce. On y entasse deux lits, des cartons et des vêtements débordant, partout.

C’est un îlot dans la nuit, un refuge face à la prise de pouvoir de Natalia Ivanovna, femme d’Andreï, le frère des trois sœurs.

Vous vous méfiez du piège tendu par Tchekhov de ne faire de cette fratrie que des personnages fragiles et mélancoliques ?

C’est en effet toujours l’image que j’ai retenue des mises en scène qu’il m’a été donné de voir.

Si l’on regarde bien les didascalies, les filles sont toujours « sanglotantes », « au bord des larmes »… Cela véhicule un certain ennui russe, une mélancolie entre rire et larmes. Le film argentin dont je parlais précédemment m’a beaucoup influencé : les sœurs y sont très proches, extrêmement soudées et dures, ce qui est très contemporain et loin d’une vision de filles fanées. Elles ont envie de vivre, de défendre leur bout de territoire. Elles sont en lutte, sans être ni nihilistes ni désespérées.

Ces trois sœurs interrogent avec virulence l’héritage de la vie, ce moment charnière entre le cocon de l’enfance et le monde ouvert et dangereux des adultes

Rencontre avec Jean-Yves Ruf, Françoise Morvan et André Markowicz, samedi 14 mars, à 11h, à la Librairie Kléber www.librairie-kleber.com

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24h de la vie des hommes En mettant en scène La Grâce du canadien McLennan, Jean-Marc Eder creuse une réflexion sur la possibilité du salut dans une société sans dieu.

Six personnages croisent leurs destinées le temps d’une journée.

Par Dorothée Lachmann Photos d'Alex Grisward

À Strasbourg, au TAPS Scala, du 17 au 22 mars www.taps.strasbourg.eu À Munster, à l’Espace SaintGrégoire, mardi 31 mars www.cc-vallee-munster.fr À Saint-Louis, à La Coupole, jeudi 2 avril www.lacoupole.fr À Haguenau, au Théâtre, mardi 14 avril www.relais-culturelhaguenau.com À Colmar, à la Salle Europe, jeudi 23 avril www.colmar.fr www.lemythedelataverne.fr

I

l y a Hugues, Jared et Thomas. Lonnie, Edith et Paula. Trois hommes et trois femmes errant dans la grande ville, égarés à côté d’une vie qui n’a jamais été vraiment la leur. Ces six parcours vont se percuter. On croise la mort, le vide affectif et, partout, la violence, brutale ou sournoise. Pourtant, chacune de ces rencontres va porter en elle une chance de survie pour les uns et les autres, ici et maintenant. Écrite en 1996, la pièce de McLennan interroge ce qui sauve dans un monde où le divin est mis de côté. À quelle bouée s’accrocher lorsqu’on ne compte plus sur la grâce divine ? « Ce que raconte l’auteur, c’est qu’il se produit à chaque instant dans le monde des milliards de petites actions, de micro-événements qui montrent que les gens veillent les uns sur les autres, que la société a une capacité à se protéger elle-même. Ces six personnages ne sont pas des héros, mais des individus comme vous et moi, qui traversent une crise personnelle et ont dérapé.

Ils se trouvent à un moment de bifurcation », explique Jean-Marc Eder.

Et lorsqu’ils se demandent qui va les sauver, c’est autrui qui surgit. Au milieu de l’individualisme de la mégalopole, la bienveillance et

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l’humanité subsistent. Sans prières ni apparitions, le miracle se produit. Hugues est prêt à se jeter à l’eau ; la présence d’une inconnue, Paula, le ramène au monde. Du moins, pour le moment. Car cette grâce est temporaire.

Nul ne sait ce qu’il adviendra du lendemain.

Mais pour l’heure, les destins rebondissent, insufflant le courage, l’affection, la vie, où le désespoir menaçait. Si McLennan ne livre pas de prêt à penser, mais lance des pistes comme autant de sens possibles à ces rencontres, la clef de son histoire réside bien dans l’ouverture aux autres. Là est le salut. Esthétiquement, La Grâce selon Jean-Marc Eder passe par la danse. Accompagné par la chorégraphe Michèle Rust, le metteur en scène alsacien a imaginé des instants dansés, entre les scènes, quelques minutes « d’un autre art pour exprimer plus fortement certaines choses, mais de façon abstraite, sans illustrer le propos ».

De l’aube à l’aube, six êtres vont passer du jour à la nuit, du blanc au noir, de la rectitude à l’errance. Ils vont se perdre pour mieux s’apprendre et trouver leur propre voie pour accéder à la grâce : celle qui passe par l’élévation de l’âme, celle qui invite à trouver le salut en soi-même ou encore celle du rire et de la mise à distance.

le bout du tunnel Explorateur de l’imaginaire, Pierre Meunier questionne, dans des spectacles protéiformes, la norme, la limite et la pesanteur. De sa rencontre avec Babouillec, jeune femme autiste à l’écriture foudroyante, est née une aventure humaine et poétique intitulée Forbidden di Sporgersi.

Par Dorothée Lachmann Photo de Marguerite Bordat

À Nancy, au Théâtre de la Manufacture, du 24 au 26 mars 03 83 37 42 42 www.theatre-manufacture.fr À Besançon, à L’Espace, mardi 31 mars et mercredi 1er avril 03 81 87 85 85 www.les2scenes.fr À Mulhouse, à La Filature, jeudi 9 et vendredi 10 avril 03 89 36 28 28 www.lafilature.org www.labellemeuniere.fr

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«P

e nser dans le silence, est-ce un acte raisonnable ? J’ai traversé de longues années coupée du monde du dire. Impossible pour moi d’entrer en relation avec les codes établis. Un mutisme s’est emparé de mon corps, mon intelligence mentale est enfermée dans ce corps du silence. J’adore les mots, la possible extension de la pensée sans limites.

Alors j’ai écrit l’acte d’y croire. Donner à vos raisons un sens à mon silence. Chacune de mes images mentales m’invite à visiter l’ordre des pensées matérialisant notre monde du savoir établi. Quelle aventure titubante, exaltante, déroutante. » Ces mots, une jeune femme les a écrits avec de petites lettres plastifiées, posées une à une sur un carton blanc. Elle s’appelle Hélène Nicolas, mais signe Babouillec. Sa plume saisit les fulgurances de sa pensée au vol. Babouillec est autiste. C’est alors qu’il travaillait sur la question du langage que Pierre Meunier l’a rencontrée. « Je pensais mériter le nom d’éveillé quand cette lecture me fit réaliser la profondeur de mon sommeil. Comme si ses mots, doués du rare pouvoir d’alarmer, venaient secouer l’inertie de nos lobes sédimentés, où hibernent les questions essen-

tielles que nous avons renoncé à affronter », écrit-il en préface d’Algorithme Éponyme.

En quête perpétuelle d’espaces hors limites, il a réuni deux comédiens, une danseuse acrobate et un guitariste électrique. « Il ne s’agit pas de la mise en scène d’un texte, mais plutôt de rendre compte théâtralement de l’importance que nous lui accordons.

C’est-à-dire se laisser contaminer, influencer, déstabiliser, par cette matière brûlante et trouver peu à peu la liberté d’élaborer dans l’espace et dans le temps un parcours issu de cette rencontre », explique-t-il. Le spectacle s’est construit au fil d’improvisations, souvent en présence de Babouillec.

Un travail sur « son dedans à elle, vaste comme un ciel étoilé » et « notre dehors, fait de cases, de pressions réductrices, où notre soif vitale de déploiement exige un combat physique, politique et moral sans répit ».

L’invention de paysages sonores et de chorégraphies entre terre et ciel accompagne cette « langue lance-flammes, dégelant tout sur son passage, jusqu’à notre paresseuse perception du monde. Comme l’affirmation cinglante de la force de la pensée face aux puissances d’étouffement et de contention. »

DANSE

polymorphe

Le CCN – Ballet de Lorraine poursuit son association avec l’Orchestre symphonique et lyrique de Nancy pour LIVEXTASE, second programme de sa saison constitué de créations d’Itamar Serussi et Alban Richard.

Par Irina Schrag

À Nancy, à l’Opéra national de Lorraine, du 5 au 8 mars 03 83 85 69 08 www.ballet-de-lorraine.eu

«D

eux créations, deux chorégraphes, deux compositeurs, un orchestre, un nouveau rendezvous au sommet ! » La punchline n’est pour une fois pas usurpée. L’israélien Itamar Serussi ouvre le bal sur fond de Symphonie fantastique. Cet amateur d’humour et d’improvisation s’empare du chef-d’œuvre de Berlioz pour reconnecter le public d’aujourd’hui au romantisme dévoyé et souvent considéré comme un brin désuet. Cover est une expérience collective, opposant de nombreux danseurs à de petits groupes ou des solitaires intempestifs en quête d’éclat.

D’une grande exigence, le chorégraphe pousse chaque interprète à se lancer dans le défi personnel de plonger dans l’atmosphère dramatique et romantique du début du XIXe siècle. Une danse de tension et de rapports de force en présence collant à merveille à l’élégance démoniaque et aux ténèbres de la musique de Berlioz irradiant la scène grâce à

l’interprétation en direct de la partition par les musiciens de l’Orchestre symphonique et lyrique de Nancy. Cette expérience rare se poursuit avec le « solo pour ensemble » Hok d’Alban Richard, chantre d’une recherche chorégraphique alliant danse, musique et lumière. Il s’appuie ici sur l’énergie brute et hypnotique du Hoketus de Louis Andriessen datant de la fin des années 1970. Un artiste si radical que ses compositions dissonantes sont souvent comparées à un mélange de Stravinsky et de hard rock. Les danseurs du Ballet de Lorraine sont unis pour constituer un corps hybride et polymorphe, tressautant sous les à-coups fulgurant d’énergie. Fidèle aux préceptes du compositeur, l’Orchestre réduit à sa part minimale est réparti de part et d’autre de la scène en deux ensembles identiques. Ils “hoquetteront” en rythme pour donner vie et âme à cette musique minimaliste et répétitive à la force hypnotique fascinante.

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sauter dans les flaques En ouvrant les portes des écritures contemporaines à la jeunesse, La Mousson d’hiver aide à décrypter le monde par l’émotion et la poésie.

Auteurs, metteurs en scène, acteurs, lycéens et étudiants croisent leurs regards et échangent leurs rôles.

Par Dorothée Lachmann Photo de Martin Argyroglo

À Nancy, au Théâtre de la Manufacture et à l’Opéra ainsi qu'à Pont-à-Mousson, à l’Abbaye des Prémontrés, du 23 au 27 mars www.theatre-manufacture.fr www.meec.org

M

archant dans les pas de sa grande sœur La Mousson d’été, sa version hivernale s’adresse en priorité aux jeunes et à ceux qui ont envie de le rester.

Mais l’ambition demeure : donner des clefs pour suivre les auteurs contemporains dans leur monde, le nôtre, provoquer des chocs esthétiques et des émotions salutaires. Autant d’étincelles pour élargir l’horizon et faire tomber les voiles opaques des préjugés. Près de six mille jeunes sur le territoire du Grand Nancy, entre dix-sept et vingt-cinq ans, participent à cette expérimentation intime des mots et des idées, en étant tour à tour acteurs et spectateurs, sur le plateau et dans la salle.

Encadrés par des comédiens professionnels, lycéens et étudiants proposent tout au long du festival des lectures mises en espace. L’occasion de s’approprier la langue d’auteurs européens et américains dont certains ont écrit des textes spécialement pour l’événement créant une véritable “ bibliothèque vivante ”.

Les textes sont choisis par un comité de lecture : « On ne s’interdit aucun thème mais il faut qu’il y ait une langue, une authenticité dans la parole, qu’on soit complètement dans

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l’humain et pas du tout dans les choses. On veille aussi à ce qu’une parole critique et ironique puisse être entendue », précise Michel Didym, directeur du Théâtre de la Manufacture et porteur des deux festivals en partenariat avec la Maison européenne des Écritures contemporaines. Mais de quoi parlent les auteurs qui s’adressent aux jeunes ? De la difficulté de devenir adulte, forcément, de la découverte de la sexualité, de la vie en société, de la solitude. Dans La Journée de la jupe, pièce de Nurkan Erpulat et Jens Hillje (présentée en allemand surtitré), c’est l’intégration et le choc des cultures qui sont abordés, avec une prof qui pète les plombs et prend ses élèves en otages. Et puis il y a ce curieux objet théâtral intitulé Next day (en photo) proposé par le metteur en scène Philippe Quesne, habitué à transformer le plateau en laboratoire expérimental. Treize acteurs de sept à onze ans évoluent dans un monde sans adultes et étudient dans une école de super héros où l’on apprend à sauver la planète. Sous le microscope de Quesne, on observe cet âge des métamorphoses, quand l’insouciance de l’enfance cohabite avec les questionnements de l’adolescence.

strip-tease de l’âme Dans Operetta burlesca, l’enfant terrible du théâtre contemporain italien, Emma Dante, livre un « spectacle de variétés » pourfendant les carcans sociaux dans une ode à la liberté sexuelle et à l’amour homosexuel.

Par Thomas Flagel Photos d’Alessandra Simeoni

À Forbach, au Carreau (en italien surtitré en français et en allemand), mardi 10 mars 03 87 84 64 34 www.carreau-forbach.com À Saint-Dié-des-Vosges, à La Nef (en italien surtitré en français), vendredi 13 mars (réservé à un public adulte) 03 29 52 66 45 www.saint-die.eu www.emmadante.com

D

e sa Sicile natale, Emma Dante regarde l’Italie droit dans les yeux, cherchant dans ses pupilles ses faces les plus sombres. Ne reculant devant aucun des tabous actuels : les mystères des relations entre fratries, nos relations à la mort, les troubles existentiels, l’inceste, la violence, l’Église, la mafia… Volontairement irrévérencieuse, régulièrement crue et provocatrice, la metteuse en scène s’était déjà intéressée de près au monde des travestis dans l’opérette amorale Le Pulle*. Un travail fantasque qui montrait la violence de la rue, de la prostitution, la crise entre identité publique et privée dans un hymne à la vie forcément extrême.

La Solitudine

Changement de braquet avec son Operetta burlesca recentrée sur la sphère intime.

Pietro est né au pied du Vésuve, de parents siciliens installés dans un bourg perdu à proximité de Naples. Corps musculeux et 34

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voix de fausset, rien ne colle. Il est né garçon mais voudrait devenir femme, loin, très loin de la crasse et de l’ennui de la station-service paternelle où il est forcé de travailler.

Sa mère a bien essayé de le faire embaucher chez Pina, l’esthéticienne du quartier où d’ailleurs il faisait merveille, mais le qu’endira-t-on en eu raison. On ne joue pas avec l’honneur, ni avec la bienséance rétro des insulaires du Sud. Pas question pour son père – incarné par le même comédien que la mère, un homme déchirant sa chemise pour révéler la virilité de son torse gras et poilu lorsqu’il est le chef de famille – de devenir la risée du village.

Sur un plateau frontal, trônent des poupées gonflables suspendues en fond de scène, portant boas et froufrous devant un alignement de talons hauts et de bottes pailletées et brillantes à faire pâlir Anna Wintour.

Sur le flonflon d’Il Terzo fuochista, Emma Dante déploie un ballet fantasque de danses

THÉÂTRE

aguicheuses et de mouvements de pantomime autour de Pietro, rêvant à la liberté qui le fuit, isolé dans la chambre où il s’enferme pour revêtir les robes et bijoux de sa mamma. Le jeune homme traverse l’adolescence en dansant seul, n’aimant ni fumer, ni le foot, ni les jeux vidéo qui passionnent ceux de son âge. Pas de place pour la différence ici. Alors quand c’en est trop, il prend un bus et un train direction Naples.

La grande ville de tous les possibles, l’anonymat en tête et le travestissement à portée de lèche-vitrine.

Désenchanté(e)

Sautant dans le temps, le jeune homme a bientôt 40 ans mais toujours la même incapacité à trouver sa place. Résonne la sentence du père, brisure définitive : « Tu es une farce vivante ! » L’écart devient abyssal entre les complexes torturés du comédien portant les mots de Pietro et la grâce suave de la comédienne interprétant ses gestes.

Nous avons connu Emma Dante plus audacieuse, virevoltante et excentrique. Moins narrative et plus anticonformiste aussi.

Mais comme souvent, ses personnages

sont pris dans une quête – désarmante – d’amour et de bienveillance dans le regard de ceux qui les entourent.

Le grand amour, seul capable de sortir Pietro de sa gangue aura les traits de Ciro, bel étalon tenant un magasin de chaussures pour dames. Une bouffée d’oxygène le ramenant à la vie qui ne durera guère face à l’incompréhension et au rejet de sa mère mais aussi à la double vie de son amant. « J’ai écrit cette histoire parce que j’espère que l’Italie pourra rattraper son retard sur l’Europe en matière d’union homosexuelle », assène la metteuse en scène. « Parce que je déteste la répression du vrai désir et du talent. Et je ne voudrais pas de tout ce désenchantement. Pietro n’essaie même pas de s’enfuir, du reste à quarante ans c’est difficile, son passé devient flou, son futur se raccourcit. » Quarante ans.

Une demi-vie pour assumer un sentiment profond de féminité et ne plus ployer sous la culpabilité. Une demi-vie pour trouver le courage d’être et de tenir tête, livrée le temps d’un tango aussi fiévreux que dévorantes sont les passions…

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Voir Poly n°126 ou sur www.poly.fr

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Théâtre et marionnettes

mind map Avec Sous ma peau / Sfu.ma.to, Alice Laloy invite les spectateurs du TJP à déambuler dans un univers riche de symboles. Armée d’objets, elle matérialise le Sfumato, technique picturale attribuée à Léonard de Vinci.

Par Florent Lachèvre Photo de la cie S’appelle-reviens

À Strasbourg, au TJP petite scène, du 11 au 15 mars 03 88 35 70 10 www.tjp-strasbourg.com www.sappellereviens.com

C

ouche après couche, épidermiques ou plastiques, matérielles ou gazeuses, Alice Laloy expérimente le Sfumato pour lui donner corps. Consistant à superposer des strates de peinture pour créer une sensation de brouillard, de contours imprécis, on peut le remarquer à l’arrière-plan de La Joconde. La metteuse en scène est intéressée par la question du « rapport à la distance » que le Sfumato nécessite pour voir net. Sous ma peau joue avant tout avec le regard du spectateur constamment obligé de « réajuster sa focale » pour « y voir clair ».

La pièce ne propose pas de narration, mais une expérience sensible. La technique picturale est un prétexte pour réunir les matières qui la traduisent physiquement sur scène. À la fois visible et vivant, le Sfumato se retrouve ainsi dans la fumée produite par une cocotte minute ou un flash déclenché par un appareil photographique. Alice Laloy expérimente avec le regard du spectateur invité à démêler une « toile d’araignée plastique et sensible » pour créer sa propre histoire.

Dans son dispositif, la pièce est proche du rébus et fonctionne selon un principe de

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« langage flouté ». En utilisant des figures qui se renouvellent sans cesse, Alice Laloy « balise » son spectacle et invite le spectateur dans son cabinet de curiosités. Sorte de « fabrique de liens logiques », Sous ma peau propose des formes qui sont passeurs d’images comme la feuille de papier, le dispositif de projection, le miroir… À l’instar de la musique d’Éric Recordier qui interprète au piano sa composition sur scène – renvoyant le public dans une salle de cinéma des années 1920 – le processus de création devient visible dans ces images qui produisent des images. Le théâtre d’Alice Laloy est un théâtre d’objets et de machines où l’acteur n’a pas la place centrale. Proche de la marionnette (qu’elle a découvert lors de son passage à l’école du TNS), l’être humain est décomposé par la metteuse en scène qui place d’un côté son corps et de l’autre sa voix. Il « n’est qu’une matière comme une autre » qui est en lien avec le Sfumato puisqu’il est composé de couches : peau, chair, os… Sous ma peau propose un univers symbolique, entre textes et images, dans lesquelles le spectateur est libre de se frayer un chemin.

THÉâTRE

comme des frères Adapté du livre de Denis Podalydès Scènes de la vie d’acteur, la création de Scali Delpeyrat est une aventure humaine et théâtrale. Un spectacle généreux et poétique à découvrir à la Comédie de l’Est.

Par Florent Lachèvre Photo de Jean Louis Fernandez

À Colmar, à la Comédie de l’Est, du 24 au 27 mars 03 89 24 31 78 www.comedie-est.com

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archant dans les pas de son ancien frère d’armes du Conservatoire de Paris – où ils se rencontrent en 1987 – Scali Delpeyrat interprète le texte de Denis Podalydès avec son corps, ses tripes et l’amour qu’il porte au théâtre et joue (à jouer), non pas un acteur en particulier, mais tous. Seul sur scène, il livre les états d’âme du comédien, montrant l’angoisse qui le submerge dans sa loge avant une représentation. La pièce met le théâtre en abyme. Celui qu’on ne voit pas, qui demeure en coulisses. Un théâtre de l’ombre.

Que l’on ne peut entendre quand le comédien se lance dans un monologue après un trou de mémoire de quelques secondes qu’il croit éternel. Lorsque Denis Podalydès décrit l’expérience dans son livre, celle-ci devient poétique : « Je ne comprends plus rien. Ce n’est pas une panique à ce moment qui l’emporte, mais une lourde moiteur qui, de bas en haut, s’extirpe, piquante d’abord, et puis qui dégorge, des tempes, du front, et jaillit presque du col […]

Cela se déroule dans la même seconde ». Interprétée sur scène par son camarade, l’expérience devient un aveu de faiblesse qui désacralise le comédien, homme de chair et de sang.

Scali Delpeyrat découvre les Scènes… en tombant sur le carnet de son ami lors d’une des répétitions du spectacle Tout mon possible d’Emmanuel Bourdieu, que Denis Podalydès met en scène en 2000. Il est alors sensible au texte avec lequel il se sent déjà « intime » et décide de le lire pour la première fois devant un public à l’occasion d’une carte blanche à Aubervilliers, la même année. En choisissant d’incarner cinq passages parmi les plus personnels du livre, puisque d’après lui « l’être humain n’est jamais aussi beau que lorsqu’il est à nu », Scali Delpeyrat se raccroche à des thématiques universelles et réduit la frontière qui le sépare de son ami.

Plus intimes, ils évoquent aussi bien la vie privée du comédien – son rapport fantasmatique à son frère décédé – que son expérience du théâtre. La scénographe et costumière Gwendoline Bouget propose un travail épuré qui laisse place au jeu et au texte. Quelques déguisements et accessoires, un pan de mur et une table : le tour est joué. Preuve que le théâtre n’a pas toujours besoin de se travestir pour plaire.

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THÉÂTRE

philosopher tue Des Simpson aux jeux vidéo, le roman de Daniel Keyes Des Fleurs pour Algernon influence la culture populaire. Anne Kessler a porté le texte à la scène : au TNS, sa mise en scène intime permet de redécouvrir le personnage de Charlie Gordon, interprété par Grégory Gadebois.

Par Florent Lachèvre Photo de Pascal Ito

À Strasbourg, au Théâtre National de Strasbourg, du 10 au 21 mars 03 88 24 88 00 www.tns.fr

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n mettant en scène Des Fleurs pour Algernon, Anne Kessler se heurte à un problème de taille : la représentation physique de la folie. Si le livre de Daniel Keyes la traduit grâce au style qui évolue dans le journal intime de Charlie, la pièce la représente en chair et en sang avec Grégory Gadebois. Seul sur scène, il incarne tous les états psychologiques du personnage. Du simple d’esprit, qui accepte de devenir le testeur humain de l’expérience du docteur Strauss et du professeur Nemur, à celui doté d’une super-intelligence après sa réussite. Un jour, la souris dénommée Algernon, premier cobaye de l’expérience, montre des signes de dégénérescence, liant le destin de Charlie lié à celui du rongeur… qui va décéder. Un troisième personnage naît de cette descente aux enfers : le Charlie damné, qui erre dans les couloirs de l’asile Warren après avoir perdu toutes ses facultés. À la fois sensible, drôle et bouleversant, il analyse sa vie et donne son point de vue sur le monde, lui qui n’avait jamais philosophé auparavant : « Quand j’étais arriéré, j’avais des tas d’amis. Maintenant, je n’en ai pas un », écrit-il pour relater son évolution.

Le spectacle dresse le portrait d’un homme au bord du gouffre questionnant notre rapport à l’intelligence. D’abord à la conquête du monde, il se retrouve dans l’obligation de s’isoler pour trouver la faille dans l’expérience des scientifiques à l’origine du développement de ses capacités pour ne pas finir comme Algernon. En costume, le comédien devient conteur et porte la pièce à travers un monologue frôlant la schizophrénie. Gérald Sibleyras, à l’origine de l’adaptation, propose une atmosphère textuelle étouffante que l’on retrouve dans la scénographie avec un espace confiné à l’aspect métallique rappelant celui des chambres capitonnées des hôpitaux psychiatriques. L’acteur passe la quasi-totalité du spectacle sur une chaise située au centre de la scène proposant une performance orale et corporelle, un face-à-face fragile qui donne l’impression au public d’être le dernier témoin des mots de Charlie Gordon. Grégory Gadebois signe un jeu qui traverse toutes les émotions et prouve qu’il mérite le prix du meilleur comédien du Palmarès du théâtre 2013, obtenu pour ce rôle.

ici et là BiT évoque un rythme, une pulsation. Pôle Sud, en collaboration avec Le Maillon, accueille la dernière création de la chorégraphe Maguy Marin qui joue sur l’homophonie pour déchaîner musique (beat) et pulsions (le sexe masculin) dansées.

Par Florent Lachèvre Photo de Didier Grappe

À Strasbourg, à Pôle Sud, du 18 au 20 mars 03 88 39 23 40 www.pole-sud.fr 03 88 27 61 81 www.maillon.eu

Dans Problèmes de linguistique générale (Gallimard, 1966) www.gallimard.fr

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2 Emprunt à l’alternative logique de l’élément binaire (bit)

À

l’origine du spectacle se trouve cette phrase du linguiste français Émile Benveniste que Maguy Marin s’approprie : « Le rythme c’est la forme dans l’instant qu’elle est assumée par ce qui est mouvant, mobile, fluide, c’est la forme improvisée, momentanée, modifiable » 1.

Dans BiT, la musique, le décor et la danse deviennent autant d’accessoires : ils représentent aussi bien le rythme du spectacle que celui de la vie de ses interprètes. Sur scène, la chorégraphie oscille entre ludique et morbide, danses populaires et macabres.

Le jeu et la violence s’installent et se livrent un duel qui conduira à la mort des danseurs.

Main dans la main, l’atmosphère conviviale du début tourne rapidement à la confrontation physique. Jusqu’au viol. La danse n’est plus simplement le moyen d’articuler le rythme de chacun avec celui des autres, mais devient un piège qui révèle les pulsions repoussant l’individu dans ses retranchements les plus sombres.

La musique électronique de Chantal Aubry incarne aussi bien les battements du cœur que les coups qui pleuvent sur les corps. La B.O. modifie son beat pour tromper la réceptibilité et les pulsations cardiaques du public. Dans un décor minimaliste, six planches pentues donnent sur le vide et rappellent cette confrontation à l’œuvre dans la musique et la danse. Elles sont à la fois propices aux jeux (glissades et orgies) et aux dangers (chutes mortelles), deviennent des cachettes pour les danseurs découpant illusoirement le rythme compact du spectacle que seules la scénographie et la chorégraphie viennent sculpter. La danse, le public et la musique co-existent, formes de l’instant dans ce rythme-spectacle. Tout se mêle. La danse parle d’elle-même et le public, comme le souffle de la vie ou de la chorégraphie, n’existe que parce qu’il n’est pas seul. BiT “ici et là”2, est la représentation d’un corps “ici”. Un corps dans l’espace qui appartient au public ou aux danseurs. Mais aussi un corps “là”, en dehors de l’espace. Un corps universel plongé dans la même temporalité.

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THéâtre

héros & thanatos

Quand Romeo Castellucci se lance sur les traces de Moïse, c’est l’histoire de l’homme dans l’ombre du prophète qui le meut. Go Down, Moses, un portrait primitif et symbolique.

Par Irina Schrag Photos de SRS et Guido Mencari

À Mulhouse, à La Filature, samedi 21 et dimanche 22 mars (en italien surtitré en français) 03 89 36 28 28 www.lafilature.org À Strasbourg, au MaillonWacken, du 26 au 28 mars (en italien surtitré en français) 03 88 27 61 81 www.maillon.eu www.raffaellosanzio.org

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D’après le roman de Níkos Kazantzákis (1959)

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corcese avait osé décrire La Dernière tentation du Christ *, une vie banale faite d’amour, de désir, de peines et de tromperies. Un rêve éveillé cloué sur la croix, tiraillé entre Dieu et Satan, juste avant de succomber, qui avait déclenché la colère des catholiques traditionnalistes n’hésitant pas à mettre le feu à certains cinémas français ! Une fois n’est pas coutume, Romeo Castellucci se fait moins provocateur que son aîné. Pas étonnant que Moïse – cet homme qui aurait vécu au XIIIe siècle avant J.-C., regardant Dieu droit dans les yeux lorsqu’il lui apparaît – soit devenu un objet de projection pour l’artiste et plasticien italien. L’élu choisi pour livrer les Dix commandements et pour guider son peuple vers la terre promise dont il ne foulera pourtant jamais le sol. Un chef militaire, instigateur d’une révolte politique et religieuse, tenant tête à Pharaon (à moins qu’il n’ait été poussé par Akhenaton lui-même pour réformer en profondeur le monothéisme comme le soutiennent certains historiens).

Dans un collage d’images nichées derrière un voile de tulle leur conférant un aspect spectral, entre beauté pure et fureur archaïque, Castellucci conte à sa manière le destin de Moïse, bébé abandonné dans une poubelle

publique, hurlant au milieu des détritus après que sa mère, enfermée dans des toilettes cradingues, ait perdu quantité de sang en hurlant sa douleur dans un réalisme à la limite du soutenable. Interrogée sur son geste par la police, elle confesse son geste entre complainte et délires salvateurs (l’abandon du coufin sur le Nil). L’incompréhension des autorités la conduira à subir un scanner dont elle ne sortira pas. Sautant le temps et multipliant les métaphores plus ou moins énigmatiques (la caricature d’une visite guidée d’expo d’Art contemporain où les individus remplacent les œuvres absentes, l’errance, perdu dans le désert de la vie comme dans l’exode), nous voilà retournés aux temps des premiers hommes, réfugiés dans les cavernes. Amours charnelles, communion collective et premier ode à la vie avec l’enterrement d’un nouveau né, célébration portée aux nues sur un air de negro spiritual après lequel la femme découvrira dans un hasard merveilleux la possibilité de laisser trace sur le mur. Témoins hagards de cette première peinture rupestre née de la perte originelle et de sa douleur, le metteur en scène nous lie à des émotions et une conscience primitive, mère de toutes les énergies et tréfonds de l’âme humaine. Tout le reste n’est qu’Ancien testament…

transmission L’Espace culturel de Vendenheim organise la troisième édition des Éphémères, festival proposant une programmation artistique locale. Zoom sur Elles, création de la compagnie Estro.

Par Florent Lachèvre Photo de la compagnie Estro

À Vendenheim, à l’Espace culturel, mardi 10 et jeudi 12 mars dans le cadre du festival Les Éphémères (du 10 mars au 12 avril) 03 88 59 45 50 www.vendenheim.fr www.estro.fr

Lauréate du prix Goncourt 2014. La démarche du spectacle s’inspire de 7 femmes (Perrin, 2013) www.editions-perrin.fr

1

2 Hétaïre grecque, Phryné est dénudée par son avocat lors d’un procès tournant à son désavantage pour changer l’opinion des jurés, alors charmés par ses formes.

Femme riche et puissante, elle a de nombreux amants, dont des artistes, qui la représentent sous les traits d’Aphrodite.

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lles n’a pas la prétention de proposer une solution à la question de l’inégalité des sexes mais rend visible son héritage sur des corps féminins, de générations et d’éducations différentes. La metteuse en scène Josiane Ferry-Demas s’est donnée une mission : montrer avec des mots, gestes et corps, le paradoxe de la place de la femme dans notre société. À l’origine du projet artistique, elle s’interroge sur ces corps-témoins qui portent et transmettent « souvent inconsciemment une image imposée par les conventions, les traditions ou les stéréotypes ». Réunissant sept femmes artistes – clin d’œil au roman 7 femmes de Lydie Salvayre1 – le spectacle mélange les disciplines et les trajectoires personnelles questionnant la transmission de l’image charnelle, qui entretient un fantasme de phallocratie enfoui chez l’animal-homme. L’art devient un moyen pour la femme de « trouver et d’assumer sa place ».

Colombine Hauss-Steck, performeuse et chanteuse, définit Elles comme un « espace de flashs ». Non linéaire, le spectacle propose en effet des fragments de sentiments et de sensibilités de femmes artistes dans lesquels le public

construit son histoire. Respectivement comédienne, chanteuse, circassienne, danseuse, vidéaste et chorégraphe, elles forment avec leurs textes, performances, images et voix un « kaléidoscope d’images diffractées, symbole des morcellements qui composent l’identité féminine ». Le corps témoigne d’une histoire singulière que la mise en scène cherche à extraire par les mots et les gestes pour dégager et rendre sensible un monde intérieur. Mis bout à bout, ces derniers constituent un « voyage collectif » qui transporte le spectateur. Sous la forme d’un détournement poétique d’anecdotes personnelles, Elles construit des passerelles entre les corps féminins et l’Histoire.

Les performances naviguent entre références et expériences de chacune dont les souvenirs et les rencontres se transforment en matières chantées, dansées et filmées. Sorte de bagages symboliques qu’ils leurs arrivent d’abandonner ou d’oublier. Déterrés et échangés le temps des représentations, ils deviennent des boîtes de Pandore renfermant l’héritage de la condition féminine depuis Phryné2 et la libère sur scène.

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MUSIQUE

état d’âme Luz Casal est de retour avec Alma, album amoureux qui réinvente quelques grands classiques de la chanson latine et dévoile des morceaux personnels, fragments d’âme portés par une voix somptueuse et sensuelle. l’artiste galicienne s’empare toute entière de plusieurs éclats d’amour passion : « Lorsque vous travaillez ainsi sur des répertoires déjà existants, vous vous exposez à la comparaison. Cela vous oblige ! Il faut mettre une part de soi, que le public comprenne ce que vous faites passer, qu’il l’écoute comme une nouvelle chanson. Sinon la reprise n’a pas de sens », assure-t-elle.

Par Dorothée Lachmann Photo de Miguel Reveriego

À Haguenau, au Théâtre, mardi 10 mars 03 88 73 30 54 www.relais-culturelhaguenau.com À Mulhouse, à La Filature, mardi 17 mars 03 89 36 28 28 www.lafilature.org www.luzcasal.fr

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ur le portrait qui illustre l’album, on hésite entre Barbara et Maria Callas.

Les yeux de biche et la suprême élégance. La ressemblance est troublante. Et quand la voix surgit, cette même sensibilité déchirante. La longue dame brune espagnole broie le cœur du public français depuis l’inoubliable Piensa en mi, qui a laissé son empreinte sur le film Talons aiguilles de Pedro Almodovar en 1991. Après La Pasion (2009), où elle reprenait des boléros sudaméricains – comme le poignant Historia de un amor –, le nouvel opus de Luz Casal s’intitule Alma (L’Âme). Un titre évident, tant

Luz Casal chante en quatre langues latines : espagnol, portugais, italien et français. Elle reprend notamment deux morceaux de Luigi Tenco, star transalpine des années 1960 au destin tragique, dont Mi sono innamorata di te. En portugais, elle se frotte à Tom Jobim avec O Amor em Paz – devenue Once I loved dans la version de Franck Sinatra –, un air de bossa qui donne sa couleur musicale à tout l’album. « Il y a une simplicité extraordinaire dans ce rythme et ces mélodies, une impression de naturel. Pourtant, en écoutant Tom Jobim la première fois, je sentais qu’il y mettait toute son âme. Pour moi, derrière son apparente facilité, la bossa est une musique soul. L’interpréter comme tel est un défi », confie Luz Casal. On retrouve l’ambiance bossa latine dans le langoureux Jardin d’hiver, cadeau de Keren Ann et Benjamin Biolay à Henri Salvador. « J’aime cette chanson, sa simplicité, son côté impressionniste, sa façon de poser un paysage, de générer des images. Cela m’a beaucoup aidée à la faire mienne. » Dans le répertoire français, l’artiste espagnole a choisi un deuxième titre, plus confidentiel et magnifique : Amazone à la vie de Julien Clerc. Et puis il y a les créations originales dont elle signe les textes, Si pudiera, Vuelvo a mi lugar ou Paisajes, sur une musique de Vangelis. Le dernier titre de l’album, Almas gemelas, est le plus personnel : « La chanson ne parle pas véritablement d’amour, plutôt de fraternité, d’âme sœur, et de cette fierté qu’il y a à se sentir du même monde, à se comprendre, même sans se ressembler. »

Tipica Roulotte Tango DR

carnet de bal Parce qu’il n’y a rien qui donne plus envie de danser qu’un petit air d’accordéon, le Printemps des Bretelles ouvre sa première guinguette.

Styles musicaux multiformes et rythmes du monde entier s’y succèdent pour enthousiasmer les oreilles… et les pieds.

Par Dorothée Lachmann

À Illkirch-Graffenstaden, à L’Illiade et partout dans la ville, du 20 au 29 mars 03 88 65 31 06 www.printempsdesbretelles.fr

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vec cette nouvelle édition de son festival dédié aux accordéons du monde le Printemps des bretelles, IllkirchGraffenstaden fait un saut dans “le bon vieux temps”, celui des guinguettes, de la fête et de l’insouciance. Sous le Magic Mirrors, chaleureux chapiteau de bois habillé de tentures en velours et de miroirs, huit soirées dansantes sont à l’affiche, aussi diverses que le sont les inspirations de l’accordéon. Dans un joyeux condensé, le Bal des Martine ouvre les festivités (vendredi 20 mars), entre valse, danse cubaine et musique yiddish, avec des reprises incontournables comme La Foule, Bella Ciao ou Le P’tit bal du samedi soir.

Puis on pousse les meubles pour agrandir le dancefloor, en faisant place à DJ Click

aux platines d’une soirée electro-digital-folk (samedi 21). Véritable explorateur musical, ce musicien tout terrain invente un genre inédit en mixant les contraires, insufflant du vivant dans la mécanique électronique. Des confins du Rajasthan jusqu’au soleil sévillan, il nous entraîne dans un périple electro-gypsy. Retour à la guinche vintage en compagnie du Bal’O Phonic Orchestra (dimanche 22) qui remet au goût du jour le traditionnel bal musette. Souplesse exigée, puisque les quatre musiciens se lancent dans un grand écart entre les chansons légères des années 1930 et celles d’aujourd’hui. Le charleston devient electro, tandis que le tango prend des accents dub. Gare à ne pas s’emmêler les pieds !

FESTIVAL

Le temps de reprendre son souffle et on repart pour une soirée entre voisins, avec un cocktail mi-lorrain mi-alsacien, relevé d’une touche normande pour l’exotisme.

Les Jumelles à Dédé, Ton-Ton-Demi-Ton et Sylvain Piron (mardi 24) apportent à la musique folk leur humour et leur énergie débridée, puissance trois. Le festival part ensuite vers d’autres rivages, avec une soirée country animée par les Green Moutain Country Folk Ramblers (mercredi 25), qui explorent les musiques américaines et revisitent Johnny Cash ou Hank Williams.

On reste en Amérique, mais du côté du Brésil, pour danser sur les rythmes traditionnels du xote et du baião avec l’Orchestra Sanfonica Balaio Nordeste (jeudi 26). En poursuivant vers le Sud, nous voilà en Argentine, le temps d’une soirée tango enflammée par la Tipica Roulotte Tango (vendredi 27), qui fait revivre les plus grands compositeurs du genre. Pour une dernière danse, direction les Antilles, à la découverte du quadrille créole et de ses rythmes intenses portés par l’accordéoniste Casimir Reynoir, alias Négoce (samedi 28).

Green Moutain Country Folk Ramblers DR

DJ Click DR

l’accordéon sur tous les tons Pendant dix jours, le Printemps des Bretelles révèle les multiples facettes de l’accordéon. Parmi le foisonnant programme du festival, on notera la rencontre de l’accordéoniste Marcel Loeffler et de la chanteuse Lisa Doby (en photo), pour un concert sous le signe de la soul, où planent les ombres de Ray Charles, Aretha Franklin et James Brown (jeudi 26 mars). Autre délicieuse soirée en perspective, l’hommage de Florence Absolu à Édith Piaf (mercredi 25).

La chanteuse, accompagnée de cinq musiciens et deux danseurs, met en scène le destin amoureux de la Môme. Les amateurs de jazz ne manqueront pas le rendez-vous avec Daniel Mille (samedi 21), qui plonge dans l’œuvre du bandonéoniste argentin Astor Piazzolla, entouré d’un quatuor de violoncelles. À noter encore, la pièce de la compagnie Mémoires vives, intitulée Opération Salam Shalom Elsass (mardi 24). Un concert théâtral qui raconte, en français, en alsacien, en turc, en yiddish, en manouche, en berbère, en arabe, en hébreu, en anglais et en verlan, la richesse de la diversité culturelle… alsacienne.

DR Poly 175 Mars 15

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C.A.R. ©Michael Kelly

who run the world ? girls !

Le festival Les Femmes s’en mêlent le clame depuis 18 ans, sur fond de riffs ou de beats : le rock ne se conjugue pas qu’au masculin. LFSM met les points sur les i tandis qu’un livre de Steven Jezo-Vannier aide à replacer les filles sur l’échiquier pop.

Par Emmanuel Dosda

À Metz, aux Trinitaires, vendredi 27 mars (Mansfield.

TYA) et samedi 28 mars (C.A.R. + Cosmetics) www.trinitaires-bam.fr À Strasbourg, à La Laiterie, mercredi 1er avril (C.A.R. + Cosmetics) www.laiterie.artefact.org www.lfsm.net

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e rock ? Une affaire de virilité, de testostérone et de biscottos. Un truc de gars qui en ont dans la housse de guitare. Un domaine réservé aux mâles sachant davantage rouler des mécaniques que manier le micro. Le récent bouquin de Steven Jezo-Vannier, Respect, Le rock au féminin1, tombe à pic pour remettre les pendules à l’heure. Il rappelle qu’en cent ans de musique populaire, les filles ont « quitté les marges artistiques […] pour prendre place sur scène ». Dès le début des années 1920, elles ont su « jouer de leur corps et de leur voix pour imposer leur talent », bataillant

contre la misogynie ambiante. L’auteur déplore une vision partielle de « l’histoire et la légende du rock » qui « oublient un peu vite que les femmes ont toujours été présentes, parfois même à l’origine des révolutions musicales ». Il dénonce une « vaste mise en scène » imposant « une répartition des rôles où l’homme serait actif et la femme passive », une conception qui pose « une frontière artistique entre la lumière des projeteurs, où brille le chanteur, et la périphérie où s’agitent ses admiratrices ». La lecture de ce livre nous apprendra notamment que « contrairement à ce que laisse supposer la

FESTIVAL

construction légendaire du blues, autour de figures tutélaires comme Robert Johnson et Son House, ou plus tard Muddy Waters, John Lee Hooker et Howlin’ Wolf, la commercialisation du blues est à l’origine une affaire de femmes. » Et de citer les enregistrements, dans les twenties, de pionnières telles que Mamie Smith, génitrice de protest songs féministes, ou Ma Rainey qui chante sans complexes son penchant pour l’alcool et le sexe, ne dissimulant pas sa bisexualité. Et de passer en revue toutes ces fortes personnalités, tous genres confondus, ayant écrit les pages rock au féminin, rock tout court : Aretha Franklin qui a, via ses chansons, rejeté « le modèle de la femme au foyer » et refusé « la dépendance matérielle et financière à l’égard de l’homme », ou Gloria Gaynor et son I Will survive mettant en scène « l’émancipation d’une femme vivant la rupture amoureuse comme une libération ». Citons encore Patti Smith, « mère du punk » qui ouvra la voie aux Slits, aux Raincoats ou au mouvement Riot grrrl qui, dans les nineties, mena un « combat contre la domination masculine et ses excès ».

domly), projet solo de Chloé Raunet, jolie garçonne proche de Gesaffelstein2 qui officia au sein de Battant. Sous le pseudo C.A.R. (proposons Compos Archi Rigoureuses ou Carrément Anti Rébarbatif), elle se met à nu sur My Friend, album érotico-electro-punk, sec et minimaliste, sorti sur le label Kill the DJ, à classer quelque part entre Visage, New Order, Laurie Anderson, Le Tigre et Christophe dont elle reprend La Petite fille du 3 e.

Il est également question de new-wave avec Cosmetics, duo canadien signé sur l’excellent label Captured Tracks, qui souffle le chaud et le froid sur des titres synthétiques d’apparence sucrés (Black Candy, Honey Honey) mais s’avérant dark et âcres. Des morceaux sensuels, à écouter bien frappés, sous les stroboscopes d’un club sombre de Vancouver.

Édité par Le Mot et le reste www.lemotetlereste.com À écouter : la playlist du livre sur Spotify (245 titres, plus de 13 heures de musique !)

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Voir Poly n°164 ou sur www.poly.fr

Who’s that girl ?

Les descendantes d’Aretha Franklin et de Janis Joplin, de PJ Harvey, Beyoncé, Billie Holiday ou même Britney ? De Madonna, Salt’n Pepa ou Queen Latifah ? Elles partagent l’affiche des Femmes s’en mêlent qui « célèbre la scène féminine indépendante » depuis 18 ans. Cette année, le festival majeur, irrigant tout l’Hexagone, rassemble Andrea Balency et son electro-soul sexy, Gazellle Twin qui embarque l’auditeur dans un univers technoïde anxiogène, Little Simz, son incroyable flow et ses casquettes portées à l’envers, ou la frêle Jessica Pratt et son folk ancestral et dépouillé.

LFSM envoie trois formations dans l’Est, des (spice) girls s’exprimant avec un vocabulaire différent les unes des autres. Auteur d’une surprenante reprise piano / voix des Rebelles de Bérurier noir (« Nous vivons comme en Afrique, au rythme de nos musiques… »), Mansfield. TYA fête les dix ans de June à l’occasion du festival. Le duo jouera les titres de son premier album, des morceaux, interprétés dans la langue de Piaf ou de PJ, où Julia et Carla noient leur colère dans des chansons tendues pleines de rancœur, de tourments, de folie. Des violons longs, des notes pianotées, un chant désabusé. Changement de décor avec C.A.R. (comme Choosing Acronyms Ran-

Cosmetics ©DR

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MUSIQUE CLASSIQUE

la voix du violoncelle Un Double Concerto de Brahms à la Philharmonie de Luxembourg, puis une page de Chostakovitch à Metz avec l’Orchestre national de Lorraine : voilà deux belles occasions de découvrir le violoncelle virtuose de Gautier Capuçon.

Par Hervé Lévy Photo de Grégory Batardon

À Luxembourg, à La Philharmonie, lundi 2 mars +352 (0)26 32 26 32 www.philharmonie.lu À Metz, à L’Arsenal, vendredi 20 mars 03 87 74 16 16 www.orchestrenational-lorraine.fr www.gautiercapucon.com

Orchestre composé de musiciens des meilleurs phalanges du continent qui se réunissent régulièrement à Luxembourg www.sel.lu

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2 Les deux frères en ont livré une très belle version discographique en 2007 www.emivirginclassics.fr

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ans la famille Capuçon, je demande le petit frère Gautier. Moins célèbre que le violoniste Renaud, devenu une star des magazines people depuis son mariage avec Laurence Ferrari, le violoncelliste n’en est pas moins un des archets les plus excitants de la planète. Les deux virtuoses se produisent régulièrement ensemble, développant une étonnante complicité. Pour Gautier, « il n’est pas évident d’expliquer ce qui relève des “liens du sang” ! Ce qui est formidable, lorsqu’on joue avec son frère, c’est qu’on en vient à penser la même chose au même moment et que l’on a une confiance absolue l’un envers l’autre, une confiance qui permet d’aller très loin, d’essayer de nouvelles choses et de prendre des risques. » Démonstration à venir à la Philharmonie de Luxembourg, avec les Solistes européens1, dans le Double Concerto de Brahms2, sommet du répertoire romantique accompagné du rarissime Praeludium d’Armas Järnefelt, compositeur

bien oublié, et d’un programme surprise. Autre lieu, autre atmosphère : à Metz, l’instrumentiste se produira avec l’Orchestre national de Lorraine et son directeur musical Jacques Mercier dans une soirée 100% russe. Au menu passions fatales avec les suites d’orchestre de Roméo et Juliette de Prokofiev et pyrotechnie sonore dans le Feu d’artifice de Stravinski. Entre ces deux monuments, Gautier Capuçon nous aura plongé dans le Concerto pour violoncelle et orchestre n°2 de Chostakovitch, dernière pièce concertante de son auteur. Introspective et méditative, presque austère parfois, cette œuvre emplie d’une puissante tension intérieure est baignée d’un climat flottant. Parfois, la musique se fait tempétueuse, emportée par une cascade de pizzicatos. Ailleurs elle plonge dans le folklore joyeux de la péninsule de Crimée, mais tout se résout dans le recueillement tendu du début.

la force d’un destin D’une enfance marseillaise aux plus grandes scènes lyriques de la planète, portrait, à l’occasion de son passage au Festspielhaus de Baden-Baden, du baryton Ludovic Tézier qui « considère le chant comme un artisanat ».

Par Hervé Lévy Photo de Benoît Linder pour Poly

La Damnation de Faust (dimanches 29 mars et 5 avril) et La Traviata (les 22, 25 et 29 mai), à Baden-Baden, au Festspielhaus +49 (0)7221 3013 101 www.festspielhaus.de

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eux souvenirs d’enfance comme des marqueurs indélébiles. Tout d’abord, la « voix de Boris Christoff incarnant Méphistophélès dans le Faust de Gounod qui passait en boucle à la maison.

Je devais avoir trois ou quatre ans et étais convaincu qu’il était le diable et que le diable venait de l’Est », balance Ludovic Tézier dans un éclat de rire. Ensuite, à treize ans, il reçut en cadeau un billet pour Parsifal, son premier opéra : « Hypnotisé, me voilà emporté dans le flot tumultueux et magné-

tique de la musique de Wagner. Après plus de cinq heures, je ne pouvais pas croire que c’était déjà terminé. » Il est toujours fou du maître de Bayreuth, même s’il n’a pour l’instant chanté que Wolfram von Eschenbach dans Tannhäuser. Des « couleurs plus automnales sont apparues dans ma voix » explique-t-il, ce qui laisse augurer un beau Wotan. Plus tard. « Avant ce sera Amfortas dans Parsifal, un passage obligé parce qu’il ne faut rien brusquer en matière de répertoire. »

opéra

Avant d’être reconnu comme une des plus grandes voix de la planète, Ludovic Tézier, désormais installé en Alsace, qui « a commencé à ouvrir le bec sérieusement à 19 ans » a travaillé avec Claudine Duprat : « J’ai débarqué avec un air de ténor. À l’époque, ma voix montait facilement. Elle m’a coupé de suite, disant que je ferais peut-être un bon baryton. J’étais tellement déçu que j’ai failli me remettre au vélo que je pratiquais alors à bon niveau », raconte le ténor d’un jour. « Elle m’a fait écouter Michel Dens1. Je suis tombé amoureux de cette voix. Qu’il chante Les Roses de Picardie ou le Grand prêtre dans Samson et Dalila, il avait une classe folle. » Ensuite, il s’est formé à la dure école de la troupe pendant deux ans, à Lucerne, « avec environ 80 représentations la première année, parfois quatre opéras différents par semaine. La voix fait le yo-yo, mais à 22 ans tout semble facile. C’était la caserne, mais une caserne joyeuse qui permet de se faire un répertoire incroyable. » Passé ensuite par la troupe de Lyon à l’époque (dorée) Jean-Pierre Brossmann, il se lance, après trois ans « en free », s’affirmant rapidement et renvoyant les esprits chagrins à leurs chère études, eux qui prétendaient, jusque récemment, qu’il chantait divinement mais jouait “à l’ancienne”. Un piètre acteur, pour résumer… Lorsqu’on lui dit cela, il en rigole : « Le plus important c’est la voix, non ? Blague a part, j’ai travaillé la question avec des metteurs en scène comme Jean-Pierre Vincent et pense avoir progressé. » Preuve administrée avec éclat la saison passée dans une géniale Force du destin à Munich2. Et de conclure : « J’attends la suite, lorsqu’on me trouvera formidable acteur et moins en voix », sourit-il.

La tête et les tripes

Pour Ludovic Tézier, « une fois qu’on a travaillé un rôle, qu’on s’est documenté, qu’on a intériorisé la mise en scène, il n’est plus nécessaire d’intellectualiser. Dans un spectacle, il y a quelques rendez-vous avec son cerveau : il faut en effet parfois se reconnecter, lorsque la partition est “sur le fil du rasoir” techniquement, mais le reste du temps, la soirée doit être gérée dans un relatif pilotage automatique pour qu’on soit “traversé” par l’œuvre. Je n’ai pas la prétention de réussir ça – et surement pas

à chaque représentation –, mais c’est un idéal… » Voilà des années qu’il poursuit cette quête du naturel, chantant avec son âme et ses tripes, puisqu’il est bien connu que, « premièrement : un cerveau ça ne chante pas. Deuxièmement : pour produire un son il faut mettre en branle une machine, une soufflerie, dans une véritable danse du ventre ». Catalogué “interprète verdien”, qualifié de “baryton national”, Ludovic Tézier se joue des étiquettes et prouve à chaque prestation qu’il est avant tout un artiste hors normes. On le découvrira à Baden-Baden avec le Philharmonique de Berlin et Sir Simon Rattle, dans le rôle de Méphisto dans La Damnation de Faust de Berlioz (en version de concert), un compositeur qui réalise « le mélange étonnant et détonnant entre puissance intellectuelle et absolue sensualité ». Quelques semaines plus tard, il sera Giorgio Germont dans La Traviata de Verdi. Un méchant ? « J’ai toujours tendance à défendre les rôles que j’incarne, donc on croit souvent que je défends les ordures. Germont est dans sa fonction de père, c’est un mec normal qui fait ce qu’il a à faire. » Une définition qui va comme un gant au plus grand baryton français.

Baryton français mythique (1911-2000)

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2 Dans la mise en scène de Martin Kušej. À revoir au Bayerische Staatsoper de Munich, les 4, 7 et 10 mai www.staatsoper.de

be berlin !

Pour la troisième année, le Philharmonique de Berlin de Sir Simon Rattle, souvent considéré comme le meilleur orchestre de la planète, investit Baden-Baden à l’occasion du Festival de Pâques. Un événement de classe mondiale proposant un programme dense et scintillant fait d’une trentaine de rendez-vous. Le must ? Un Chevalier à la rose d’anthologie (27 et 30 mars, 2 et 6 avril). La pépite ? Martha Argerich dans Schumann sous la baguette de Riccardo Chailly (4 avril). Un instant chambriste ? Un sextuor à cordes (6 avril) dans un programme Brahms / Korngold. L’originalité ? Un Chevalier à la rose adapté au jeune public (2 et 6 avril).

© Peter Adamik/EMI classics

Enfant de troupe

À Baden-Baden, au Festspielhaus (et dans toute la ville), du 27 mars au 6 avril +49 (0)7221 3013 101 www.festspielhaus.de

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art contemporain

avec le kazakhs temps Strasbourg, projet e.cité épisode 6. Destination Almaty pour une plongée dans l’Art contemporain du Kazakhstan en forme de réflexion sur le temps qui passe : des traditions séculaires à la société de consommation, en passant par l’URSS. Par Hervé Lévy

La Vie est une légende, à Strasbourg, au MAMCS, jusqu’au 8 mars 03 88 23 31 31 www.musees.strasbourg Des Années de silence, à Strasbourg, à Stimultania, jusqu’au 29 mars 03 88 23 63 11 www.stimultania.org Travaux d’Alexander Ugay réalisés lors de sa résidence, à Strasbourg, à l’Espace Apollonia, du 15 mars au 15 avril 09 53 40 37 34 apollonia-art-exchanges.com

I

stanbul, Bucarest, Budapest, Gdansk, Réthymnon… Depuis 2008, Apollonia invite à la découverte de continents artistiques qui sont autant de terrae incognitae. Cette année, direction Almaty, Kazakhstan, un « centre énigmatique qui fait rêver, un autre univers » pour Dimitri Konstantinidis, directeur de l’association qui invite à parcourir ce pays grand comme cinq fois la France (mais trois fois moins peuplé), le plus souvent réduit à ses fondamentaux : le cosmodrome de Baïkonour, les échos des steppes de l’Asie centrale version Borodine, le pouvoir sans partage de Noursoultan Nazarbayev, une équipe participant au Tour de France portant le nom de la capitale, Astana… Exit les clichés. Se découvre « une scène artistique bouillonnante, se déployant en dehors des écoles d’Art et des institutions officielles où l’académisme domine encore ».

Héritage soviétique

Estelle Pietrzyk (directrice du MAMCS), Daria Evdokimova (chargée de projets artistiques à Apollonia) et Dimitri Konstantinidis (directeur de l’association)

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Elle a notamment présenté On the Road à la Biennale de Venise au Pavillon de l’Asie centrale, en 2005 www.almagulmenlibayeva.com 2

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Première étape de cette déambulation : le MAMCS avec La Vie est une légende, exposition au commissariat tricéphale1 montrant les créations de dix-sept artistes contemporains avec, comme double fil directeur, l’histoire mouvementée du pays et ses traditions ancestrales qui se rencontrent parfois comme dans les œuvres de Yerbossyn Meldibekov. Il détourne les canons des Arts décoratifs folkloriques, imaginant d’étranges assiettes, entre faïence traditionnelle et motifs foutraques rappelant l’absurde de Plonk & Replonk : chameaux portant une rampe de missiles sol-air,

yacks devenus orgues de Staline… On peut dresser un parallèle avec les tapis afghans aux motifs de Kalachnikov. Dans une autre série, il déforme des bustes de Lénine produits en masse qui subissent d’étranges mutations, se métamorphosant en Gengis Kahn et Patrice Lumumba ou devenant de véritables freaks. On ne se débarrasse pas si facilement de l’URSS… même si elle semble disparaître dans ses Albums de famille où deux photos se font face. À gauche, un noir et blanc seventies bien léché présente deux femmes vêtues de noir posant aux pieds d’une statue de Lénine – encore – située devant un palais néoclassique blanc. À droite, les deux mêmes, aujourd’hui : la photo est en couleur, elles ont vieilli, ont un look chamarré tendance kitsch, comme la façade du palais devenue rose, bleue, verte et rouge. Vladimir Ilitch a été remplacé par un personnage à cheval…

Une réflexion sur le temps et le progrès (tout relatif) que n’aurait pas reniée Sophie Calle.

Plus connue, Almagul Menlibayeva2 réalise des images, photos ou vidéos ultra esthétiques : dans une ambiance évoquant une Route de la Soie idéalisée évoluent des créatures très couture… Sous le glamour se cache néanmoins une réflexion d’essence politique sur la place de la femme ou l’écologie.

Hier, aujourd’hui, demain

Pour leur part, le couple formé par Viktor et Elena Vorobyev a travaillé sur le thème du Bazar. Un projet ethnographico-politique qui prend la forme d’une imposante

art contemporain

installation au contenu évolutif. Le visiteur marche au cœur d’un gigantesque vide grenier de misère : au moment du passage de l’économie socialiste planifiée à un certain consumérisme, beaucoup vendaient leurs maigres biens sur les trottoirs pour survivre. Toujours le même triptyque : la photo du stand, un objet acheté par les artistes et quelques phrases saisies au vol lors de la transaction. S’ébauchent alors les contours d’une identité en devenir se manifestant dans les œuvres multiformes (installation, vidéo, photographie) de Syrlybek Bekbotayev présentées à Stimultania

sous l’intitulé Des Années de silence : des images dézinguées – comme des fichiers informatiques corrompus – de certains membres de l’intelligentsia kazakh du début du XXe siècle, passés à la moulinette uniformisatrice et destructrice de la Révolution de 1917 côtoient les photographies de La Musique de la steppe évoquant le temps figé et serein des traditions millénaires. Une autre série, Big information, reprend le logo de la BBC avec un C inversé devenu croissant : une critique de la chape de plomb qui pèse sur une Asie centrale où tout reste à inventer.

Une scène artistique bouillonnante, se déployant en dehors des écoles d’Art et des institutions officielles Dimitri Konstantinidis

Légendes à gauche : Yerbossyn Meldibekov (en collaboration avec Nurbossyn Oris), Pastan 2, 2003-2014, collection de l’artiste à droite : Syrlybek Bekbotayev, Red Filter

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paradis désenchanté Après Basquiat, Brancusi, Koons, ou encore Odilon Redon, la Fondation Beyeler crée à nouveau l’événement en réunissant une cinquantaine de toiles et de sculptures de Paul Gauguin. Un voyage dans sa quête de l’Eden primitif, entre tableaux spirituels et vahinés dénudées des îles des mers du Sud. Par Thomas Flagel

À Riehen (à côté de Bâle), à la Fondation Beyeler, jusqu’au 28 juin +41 61 645 97 00 www.fondationbeyeler.ch

Légendes à gauche : D’où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ?, 1897/98 © 2015 Museum of Fine Arts, Boston à droite : Parau api (Quelles nouvelles ?), 1892 © Jürgen Karpinski

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ix années de négociations, tractations et d’échanges, voilà le temps – et l’obstination – dont ont dû faire preuve les équipes de la Fondation Beyeler pour mettre sur pied cette exposition regroupant les plus grands chefs-d’œuvre de Paul Gauguin. Une occasion unique de revenir sur l’itinéraire singulier d’un peintre qui aura cheminé avec les Impressionnistes, tout appris de Pissarro, Degas, Manet et Renoir avant de flirter sur le fil du rasoir avec le bouillonnant van Gogh, de couper les ponts avec le réalisme, d’initier le Synthétisme et d’inspirer les Nabis et le Fauvisme.

Nombreuses vies

Né à Paris en 1948, le petit Paul passe ses plus jeunes années au Pérou avant de rentrer en France. À 17 ans, il choisit la marine marchande et s’embarque, comme Manet avant lui, vers Rio de Janeiro. Suivront Panama, la Polynésie et les Indes. Rapidement orphelin, un ami de la famille le place chez un agent de change parisien qui lui offre une vie confortable. Gauguin se marie, fait cinq enfants et 54

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peint le dimanche. Pissarro le prend sous son aile, l’Impressionnisme le poussant à développer un sens aigu de la lumière en plein air et à s’affranchir des codes et conventions.

Entre 1879 et 1886 il participe même aux cinq dernières expositions du groupe tout en collectionnant des toiles de Manet, Monet, Sisley, Degas ou encore Cézanne. Il tourne le dos à cette vie bien rangée en quittant son emploi en 1882 pour se consacrer entièrement à son art, peignant tous les jours. Ses revenus s’étiolent si rapidement qu’il trouve refuge dans la demeure danoise de la famille de sa femme. La rupture est latente. Commence alors une vie de misère à Paris. De 1886 à 1891, il séjourne plusieurs fois en Bretagne, à Pont-Aven. Le Symbolisme a supplanté l’Impressionnisme dans une recherche du caractère propre des sujets représentés à travers leurs traits essentiels. Dans des couleurs vives, il crée des toiles empreintes de mysticisme et d’iconographie chrétienne qu’il revisite avec une audace toute particulière. Deux tableaux éclatants, La Vision du sermon et Le Christ jaune, mettent ainsi en

scène des femmes en habits traditionnels, priant tête basse.

Gauguin représente dans le coin supérieur droit sur une surface rouge vif tout en aplats fonctionnant comme une bulle de BD la lutte imaginée par les dévotes entre Jacob et l’ange qui, ajoutée à l’absence de modelé, atténue toute recherche habituelle de perspective. Les couleurs sont vives, juxtaposées sans mélange, conférant leur force aux formes, appelant – déjà ! – les futurs papiers découpés de Matisse.

Voilà les femmes assises dans un champ féérique aux arbres rougeoyants dans la seconde toile qui lui servira de modèle pour réaliser devant un miroir l’Autoportrait au Christ jaune dans lequel nous découvrons ses traits aquilins. Un visage anguleux ressemblant à s’y méprendre à celui de son Christ au jardin des oliviers, audace suprême pour l’époque ! Aux teintes criardes de l’automne du Christ jaune succèdent celles, olivâtres du Christ vert avec sa pietà en granit recouverte de lichen, sa paysanne au visage tirant sur le jaune et ses falaises rosées bordant l’océan. Un paysage de pluie dans le jour mourant à l’effet fantastique.

La catastrophe et l’ailleurs

En 1888, il part pour Arles, retrouver van Gogh dont il partage, outre une addiction certaine à l’absinthe, l’attrait de la couleur et d’une peinture en dehors de toute chapelle. Leur relation larvée aboutit à « la catastrophe » : van Gogh menaçant Gauguin avec son rasoir avant de s’entailler une oreille qu’il offrira à une fille de joie. Rupture totale.

Gauguin, sans succès réel tente de fuir Paris et son milieu artistique sclérosant. La Bretagne, malgré d’autres séjours ne suffit plus. Il se décide en 1891 pour Tahiti, l’île de l’Eden primitif dépeinte par Loti. Son désir le plus profond est de (re)trouver la puissance suggestive et intériorisée des arts primitifs. L’appel du “sauvage” se révèle une quête au goût d’inachevé même si les scènes de la vie pastorale

et ancestrale l’inspirent un long moment et qu’il y réalise sûrement ses plus belles œuvres. Les vahinés dénudées aux yeux de velours, regard en coin énigmatique (Nafea faaipoipo – Quand te maries-tu ? et Aha oe feii ? – Eh quoi !

Tu es jalouse ? en 1892) peuplent ses toiles d’un charme indolent. « Le mot dans le regard / Le cœur est voyageur / L’avenir est au hasard » chantait Brel en hommage au peintre. Sa fascination pour la culture primitive maori et ses tiki rayonne dans une nature luxuriante que l’on découvre – étrangement – loin de l’image d’Épinal accolée à Gauguin : celle d’un paradis idyllique gorgé de couleur. Le voile de nostalgie est tombé, telle une ombre de réalisme devant l’évolution des Tahitiens qui lui restent étrangers, reflétant son échec à trouver trace d’une culture ancestrale (dont il recherche inlassablement l’essence dans des sculptures en bois envoutantes) dépouillées de l’influence du modernisme colonisateur de l’Hexagone. Son chef-d’œuvre D’où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ?, qu’il pense alors être sa dernière toile puisqu’il cherchera à mettre fin à ses jours peu après, contient la quintessence de son art. Ôde mystique à la vie des hommes de leur naissance à leur mort, ce long panoramique de près de quatre mètres est gorgé de symboles mêlés de croyances païennes (fruit divin cueilli par l’homme au centre, jardin d’Eden sombre pris dans une lumière bleutée dont jaillissent des corps couleur de miel, idole monumentale). L’enfant est assoupi à côté de femmes au regard oisif tandis qu’à l’autre extrémité, l’ancienne porte les mains dans ses cheveux gris, nous considérant sombrement. Gauguin survit finalement et s’enfuit un peu plus en lui-même en refusant de renoncer malgré la maladie et les démêlés avec les autorités lorsqu’il prend fait et cause pour les autochtones. Il poursuivra l’expérience insulaire jusqu’aux Marquises, dernier de ses paradis désenchantés nourrissant l’imaginaire sauvage de ses toiles.

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rendez-vous en terre connue

© Guillaume Martial (série Parade)

Le projet photographique France(s), territoire liquide a pour objectif de dessiner le(s) visage(s) d’un pays fuyant, fluide. À découvrir en plusieurs expositions, à Metz et Vandœuvre-lès-Nancy.

Par Emmanuel Dosda

À Metz, à L’Arsenal, jusqu’au 19 avril et à La Conserverie, jusqu’au 28 février www.arsenal-metz.fr www.cetaitoucetaitquand.fr À Vandœuvre-lès-Nancy, au Centre culturel André Malraux (à la galerie Robert Doisneau), du 24 mars au 30 avril www.centremalraux.com www.francesterritoireliquide.fr

1 Délégation interministérielle à l’aménagement du territoire et à l’attractivité régionale – www.datar.gouv.fr

2 France(s), territoire liquide, édité au Seuil − www.seuil.com

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Q

u’est-ce que la France ? Comment esquisser les contours d’un paysage sans cesse bouleversé par l’urbanisme ? Comment dresser le portrait d’un pays à l’époque de la mondialisation et d’Internet, où les frontières « sont définies par les ondes électromagnétiques plutôt que par les murs » ? Ainsi se questionne Paul Wombell, directeur artistique de l’exposition du collectif We Are French (WAF), 43 photographes réunis fin 2010. Ils ont parcouru la France pour une « mission photographique », gardant à l’esprit la commande de la Datar1 des années 1980 : réunissant 29 jeunes photographes, elle consistait à livrer une image dépoussiérée de la France d’alors.

Trente ans plus tard, WAF donne une vision contemporaine – fragmentée – du pays grâce à un travail de terrain ayant donné lieu à une vaste exposition, au Tripostal de Lille (été 2014) ainsi qu’un bel ouvrage2 de plus de 400 pages. Pour Aline Aumont du Centre culturel André Malraux, à l’origine des trois expositions dans l’Est (rassemblant une quinzaine de photographes en tout), ce projet permet de saisir « comment l’écriture photogra-

phique a évolué ». La secrétaire générale du CCAM insiste sur la pluralité de langages dans les réponses apportées par les artistes.

Parmi des œuvres « aux antipodes les unes des autres », on fait le grand écart entre les travaux de Thibault Brunet qui, pour questionner le rapport entre réalité et virtualité, a voyagé… via Google Earth, ou ceux, nettement plus burlesques, de Guillaume Martial, Prix HSBC 2015 pour la Photographie. Cet ancien patineur artistique base sa démarche sur l’expression corporelle dans l’espace. « Comment on habite un lieu, se l’approprie, s’y adapte ? », se demande ce Tati de la photo qui interroge la modernité en se mettant luimême en scène dans du mobilier urbain jugé absurde ou des constructions architecturalement surprenantes. À L’Arsenal, la pluralité de propos est également de mise avec Marion Gambin qui a sillonné les autoroutes françaises, fascinée par leur « douce étrangeté » ou Frédéric Delangle représentant la capitale française dans un contexte mondialisé : il a envoyé ses clichés de la ville en Inde où des artistes ont peint des enseignes publicitaires clinquantes en langue hindi, créant un intrigant Paris-Dehli.

EXPOSITION

caravane dans les tranchées Le Musée du Temps célèbre le centenaire du début de la Grande Guerre avec Impressions du front, double exposition de journaux de tranchées et d’œuvres graphiques d’Otto Dix et de George Grosz.

Le tout, scénographié par l’Atelier Caravane de Strasbourg.

Par Thomas Flagel

À Besançon, au Musée du Temps jusqu’au 15 mars 03 81 87 81 50 www.mdt.besancon.fr www.ateliercaravane.com

Légendes à gauche : George Grosz, Les Trois soldats, 1932 © The Estate of George Grosz, Princeton, N.J. / ADAGP, Paris 2014 / Coll. Ronny et Jessy Van de Velde, Anvers à droite : Vue de l’exposition © Nicolas Waltefaugle

Ancien directeur du MAMCS, voir Poly n°166 ou sur www.poly.fr

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2 Du nom du bateau-atelier Karabha dessiné par Alexandre Fruh et amarré sur l’Ill à Strasbourg

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édigés par les poilus pour les poilus de leur unité, les journaux souvent satiriques et grinçants du front de la Première Guerre mondiale – que nous permet de découvrir le Musée du Temps grâce à un legs de Charles Clerc – sont les supports privilégiés de l’honneur national mais surtout un fantastique témoignage d’époque. Leurs noms à eux seuls en portent l’énergie (Le Canard Boyau, Le Cafard enchaîné, L’Écho corico ou encore Le Sourire de l’escouade). S’y retrouvent consignées avec malice, humour potache et naïveté bravache les préoccupations de ceux qui croupissent dans les tranchées, tentant d’échapper à la grande boucherie : poux, vermine, boue, bourrage de crâne, solitude, gaz, pluie et froid… Lorsqu’Emmanuel Guigon1, directeur des Musées de Besançon et conservateur en chef du patrimoine, imagine de les réunir avec les eaux-fortes d’Otto Dix (Der Krieg) et les puissantes œuvres expressionnistes de George Grosz, il pense tout de suite à confier la muséographie de l’exposition à l’Atelier Caravane2 dirigé par Alexandre Fruh depuis Strasbourg.

Une nécessité pour construire une narration intellectuelle entre ces deux immenses artistes ayant participé au conflit. « Nous sommes partis d’un travail sur la mécanique entre la dureté du dessin de Dix et la critique de la société de Grosz », explique le scénographe, diplômé de l’École Boulle et des Arts décoratifs de Strasbourg où il enseigne par ailleurs. « Il nous était impossible de poser des cimaises sur des murs plats. La circulation devait être hachée, faites d’ouvertures où le regard se porte vers le lointain dans un aller-retour permanent avec son propre corps, faisant du visiteur un acteur de l’histoire qu’il découvre. L’espace devait permettre de ressentir des choses, sans aucun confort possible mais sans danger réel. » Ainsi une croix découpée dans l’une des plaques de médium structurant la salle du Grand-Comble du Musée permet de jeter un œil à la concentration de gravures situées à l’autre bout. Corps et visions heurtés, à la guerre comme au Musée, loin de la tendance à l’épure du cube blanc déployant son extrême minimalisme.

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ART CONTEMPORAIN

kar(t)lsruhe Plus de 50 000 visiteurs sont attendus pour la 12e édition d’art Karlsruhe : promenade dans les allées d’une manifestation devenue incontournable pour la période moderne et contemporaine.

Par Raphaël Zimmermann

À Karlsruhe, au Parc des expositions, du 5 au 8 mars +49 (0)721 3720 5000 www.art-karlsruhe.de

Légendes À gauche : Lyonel Feininger, White Wind, 1953 (présenté par Thole Rotermund Kunsthandel, Hambourg) À droite : Norman Dilworth, 16 Cubes #2, 2012 (présenté par la Galerie ONIRIS – Florent Paumelle, Rennes)

À

l’entrée d’art Karlsruhe, le visiteur est accueilli par Split, immense installation de Gary Webb faite de centaines de miroirs. Elle fait partie de de Some like it cool, vaste exposition présentant des pièces emblématiques de la collection Schaufler centrée sur l’Art conceptuel et le Minimalisme (montrée dans un musée de Sindelfingen, à deux pas de Stuttgart) dont une merveille signée Subodh Gupta et des créations du Groupe Zéro (1957-1967).

Ses membres, Heinz Mack, Otto Piene et Gunther Uecker en tête, connaissent aujourd’hui un beau revival et l’on retrouve, dans plusieurs galeries, leurs sphères d’aluminium, des peintures à la fumée et de nombreuses œuvres fondées sur la pénétration de la lumière… Autres événements importants, les – désormais traditionnelles – Places des sculptures et des focus sur Robert Capa et la photographie contemporaine hongroise.

Aujourd’hui « une des trois plus importantes foires dédiées à l’art dans l’aire germanophone avec Bâle et Cologne » selon les

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mots de son fondateur (et président de la commission artistique) Ewald Karl Schrade, art Karlsruhe rassemble 210 galeries (venues de 11 pays présentant près de 2 000 artistes) où se côtoient, dans un savant équilibre, classiques de la modernité et avant-gardes expérimentales : « Il est important que les époques dialoguent ensemble, que les œuvres entrent en résonance les unes avec les autres », explique-t-il. Illustration à venir dans une belle sélection incluant quelques institutions strasbourgeoises (la dynamique Pascale Froessel, le spécialiste de l’Art brut Jean-Pierre Ritsch Fisch et L’Estampe qui présente Elvira Bach, figure marquante des Junge Wilde) et la galerie bisontine Jean Greset qui nous avait séduits avec sa variation contemporaine autour de L’Origine du Monde, l’été dernier. Nos coups de cœur ?

L’expressionnisme d’Ernst Ludwig Kirchner chez les Helvètes de Henze & Ketterer, l’icône du Bauhaus Lyonel Feininger présenté par l’institution de Lübeck qu’est KochWestenhoff ou par Thole Rotermund (Hambourg) et plusieurs plasticiens de la défunte RDA sélectionnés par la Galerie Schwind.

PROMENADE

tombe la neige Noyée dans les flocons, cette promenade débute sous un soleil trompeur pour s’achever dans une bourrasque blanche : autour de Saverne, elle conduit de nobles ruines en grottes aux vertus thaumaturges.

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Par Hervé Lévy Photos de Stéphane Louis pour Poly

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e visiteur ne s’arrête pas (assez) souvent à Saverne et c’est fort dommage puisque la cité de la fameuse “ affaire ” de 19131 – qui faillit mettre le feu aux poudres entre France et Allemagne – mérite le détour avec son château des Rohan. C’est du reste devant sa somptueuse et interminable façade néo-classique que commence la promenade : drôle d’édifice en somme dont l’intérieur ne fut jamais terminé. Il est vrai que les travaux débutés en 1779 sous les ordres de NicolasAlexandre Salins de Montfort ont été perturbés par la Révolution. Va comprendre, Charles… Les premiers hectomètres se font sur le goudron, le long du Canal de la Marne au Rhin avec, à notre droite, la D132 où pétarade une incongrue R8 Gordini d’un bleu étincelant et une voie ferrée où se succèdent TGV, TER évoquant un élégant suppositoire et convoi de marchandises antédiluvien. La montée débute dans la forêt revêtue d’un poudroiement blanc sous un Soleil d’hiver blafard. Et les paroles de Niagara s’emparent du marcheur : « Elle voulait toucher le soleil / Rien ne sera pareil. »

Danse !

Un jeune officier prussien avait tenu des propos humiliants à l’égard des recrues alsaciennes ce qui créa de vives tensions qui remontèrent jusqu’au plus au niveau de l’Empire.

Pour plus de détails lire L’Affaire de Saverne, 1913 de Pierre Vonau

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2 Parfois également orthographié Saint-Vite

La montée est paisible. Bonhomme presque.

Rythmée par des bourrasques de vent, la marche demeure agréable et les échappées visuelles offrent une stratification allant du vert sombre au blanc éclatant. Au fil des pas, la neige est en effet de plus en plus épaisse.

Le brouillard nous engloutit progressivement.

Exit les bienfaits de l’ami Hélios. L’arrivée au Greifenstein (pierre du griffon) est spectrale : les ruines du château – de deux châteaux en réalité – impressionnent avec un imposant donjon roman de treize mètres de côté, le plus grand d’Alsace dans sa catégorie

et un escalier qui serpente avec une élégance rarement égalée. Montée dans la tour : froid, glace et brume. La vue promise sur Saverne est… inexistante. Repartons d’un pied un peu engourdi vers la Grotte Saint-Vit entourée d’un jardin alpestre figé : une austère chapelle minérale (où l’on célèbre encore parfois la messe) évoque curieusement les premiers Chrétiens. On y apprend la destinée du Saint plus connu sur le nom de Guy2 qui fut martyrisé au début du IVe siècle à Rome, sous le règne de Dioclétien. Une histoire curieuse lui est associée : au Moyen-Âge, le “ mal de Saint-Vit ” était observé en Alsace et en Allemagne. Ceux qui en étaient frappés souffraient d’angoisses morbides et de convulsions de manière cyclique, chaque année, à l’approche de la fête dédiée au Saint. Pour s’en libérer, il fallait se rendre, ce jour-là, dans un lieu de culte qui lui était dédié, et y danser frénétiquement ! D’où l’expression “ danse de Saint-Guy ”. Parlant de la chapelle qui nous occupe, l’historien Philippe-André Grandidier (1752-1787) écrivit : « Ils dansaient sans cesse, prétendant éprouver des secousses dans les bras et dans les jambes, ce qui les faisait gesticuler involontairement. »

Communique !

La descente vers le hameau de Stambach est rude. Une fois arrivés, nous jouons successivement à saute-canal, saute-Zorn, saute-route puis saute-rails (ouf !), puis remontons dans une forêt mignonette comme tout vers le Petit Krappenfels, noble roche où un pique-nique frugal attend le randonneur : œufs obligeant à ôter nos épais gants pour les écaler, soupe de potiron et fromage arrosés de généreuses et intenses lampées de Canard-Duchêne cuvée Charles VII (blanc de noirs, pour être précis).

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PROMENADE

Un passage par la Hexentisch (table des sorcières) et son drôle de sabbat de bois – de multiples bestioles sculptées ont en outre été installées un peu partout – et voilà déjà le col des Geroldseck séparant deux châteaux ainsi nommés. Le Petit-Geroldseck, tout d’abord, aux ruines minimalistes rendues encore moins lisibles par la neige qui tombe à gros flocons désormais. Un tour par l’imposant Grand-Geroldseck s’impose : nous y baguenaudons, joyeux, dans la poudreuse. Le retour vers Saverne – et son historique magasin de jouets Wery – se fait en passant par le château du Haut-Barr élégamment posé sur une barre de grès avec sa merveilleuse chapelle, sa porte Renaissance et ses déambulations, de rocher en rocher, rendues possibles grâce à d’immenses échelles de métal et des passerelles aux noms aussi avenants que “ Pont du diable ”. À quelques mètres se trouve une station du Télégraphe de Chappe, un moyen original inventé à la fin du XVIIIe siècle pour transmettre des messages sur de longues distances : un sémaphore fait d’un bras de 4,65 mètres (avec quatre positions possibles) qui en porte deux autres d’un peu moins de deux mètres. L’ensemble permet de coder 98 signaux différents grâce à une mécanique complexe. « Quelle drôle de vie que celle de l’homme qui reste là dans cette petite cabane à faire mouvoir ces deux perches et à tirer sur ces ficelles, rouage inintelligent d’une machine muette pour lui » écrivit Gustave Flaubert. Le premier poste émet un message, codant le texte. Les signaux optiques sont vus depuis le deuxième, distant d’une dizaine de kilomètres par un opérateur muni d’une lunette, puis retransmis au troisième, et ainsi de suite. De tour en tour, il fallait ainsi moins de sept minutes pour qu’un message simple soit envoyé de Paris à Strasbourg en 1830.

Une communication moderne pour l’époque… qui génère, dans la descente en pente douce, de multiples discussions et débats sur le rôle d’Internet.

L’entrée dans Saverne est rude : un lotissement composite nous accueille dans sa laideur contemporaine et sa dangereuse banalité. De quoi rendre fou. C’est peut-être pour cela que nous marchons dans les rues en chantant à tue-tête une vieille chanson des Bérus : « Une banlieue maudite / En zone interdite / Une armée de flics / Marqués par la haine / Les jeunes se déchaînent… » Les petits agités frappés du mal de Saint-Vit devront retourner en pèlerinage à la grotte, le 12 juin.

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échappée gourmande Dans le château du Haut-Barr se trouve un charmant restaurant tenu de main de maître de toute éternité par Bernard Baudendistel. Une demeure alsacienne 1900 dans le style néo-gothique qu’on affectionnait sous Guillaume II avec ses fresques médiévalisantes – qui rappellent celles de Leo Schnug – où de gentes damoiselles contemplent les convives dans de charmants entrelacs végétaux. Le repas ? Simple, efficace et gouteux… Une néo-auberge en quelque sorte avec quelques échappées vers l’exceptionnel. Pensons à ce Foie gras d’oie fait maison, mais aussi à des spécialités alsaciennes éternelles et maîtrisées. Tout cela est exquis et servi dans un décor un brin suranné. L’endroit idéal en somme pour un long repas de famille du dimanche midi qui tirera jusqu’à 17h. Surtout ne changez rien !

03 88 91 17 61

autour de saverne

mamamouchi power

NORD

Départ Saverne, Château des Rohan Distance 12 km Temps estimé 4h15 Dénivelé 650m

Sarreguemines 65 km

DEPART

Greifenstein

SAVERNE

Grotte Saint-Vit Haut-Barr Télégraphe de Chappe Grand Geroldseck Petit Geroldseck Petit Krappenfels

Strasbourg 57 km

Fidèle de l’Espace Rohan, le Théâtre de la Licorne – dont on avait apprécié Par-dessus bord de Michel Vinaver, en 2012 – est de retour. En résidence de création depuis le 22 février, il proposera un spectacle intitulé Passion Molière (du 6 au 13 mars). C’est l’histoire d’une troupe. Celle de la Licorne ?

Celle de Jean-Baptiste Poquelin ? Ou alors s’agit-il des Savernois en train de jouer les membres de la troupe de Molière en train de jouer ses pièces ?

Mise en abyme prenant pour pivot Le Bourgeois gentilhomme – agrémenté de quelques saynètes issues d’autres textes – il s’agit d’un bel hommage à la verve et au pouvoir subversif de l’auteur des Précieuses ridicules. Le texte irradie de bonheur et de subtilité, caracole, mutin, disséquant les âmes, jouant avec les amours, enchaînant les quiproquos et faisant voler toutes les vanités et les tartufferies en éclats… de rire. www.espace-rohan.org

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GASTRONOMIE

alsacelorraine Dans son restaurant Le Strasbourg (une Étoile au Guide Michelin) situé à Bitche, Lutz Janisch explore avec élégance et maîtrise le terroir du Grand Est depuis 1997. Visite.

Par Hervé Lévy Photo de Benoît Linder pour Poly

Le Strasbourg est situé 24 rue Teyssier à Bitche. Fermé dimanche soir, lundi toute la journée et mardi midi. Menus de 28 € à 75 € 03 87 96 00 44 www.le-strasbourg.fr

A

vant la chute du Mur, Lutz Janisch était mécanicien spécialisé dans les machines agricoles et exerçait ses talents dans une Landwirtschaftliche Produktionsgenossenschaft, équivalent du Kolkhoze dans la défunte RDA. Suite à la déréliction générale du système socialiste, il quitte son Spreewald natal et débarque dans l’Hexagone en 1991, au Cefppa d’IllkirchGraffenstaden, « sans parler un mot de français », participant à un programme initié à la faveur du jumelage entre Strasbourg et Dresde : « J’avais 21 et la possibilité de commencer une nouvelle vie. Tout a vraiment débuté au Vieux Couvent, à Rhinau, où j’ai découvert ma vocation pour la cuisine grâce à la famille Albrecht », explique-t-il. La quête gastronomique se poursuit dans les deux plus belles adresses d’Alsace-Lorraine de l’époque, L’Auberge de l’Ill et L’Arnsbourg, avant qu’il ne reprenne Le Strasbourg avec son épouse.

Lui qui a « grandi à la ferme » imagine une cuisine faite « d’amour pour le terroir » (récompensée par une Étoile au Guide Michelin

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depuis 2009) utilisant les produits estampillés “ SaarLorLux ”, sans négliger de belles incursions alsaciennes (et quelques clins d’œil épisodiques au Sud). Magicien des équilibres, Lutz Janisch, Ossie qui maîtrise désormais à la perfection les codes de la gastronomie française, exploite les ressources parfois méconnues de cette “ zone frontière ”. Il a ainsi réalisé un exaltant Foie de canard poêlé, miroir de betterave rouge, raifort frais et risotto de topinambours, véritable “ plat signature ” de l’hiver. Les antagonismes de texture marqués – croquant / moelleux – et les oppositions visuelles savamment construites et aisément lisibles – lisse / rugueux – donnent une envie irrépressible de déguster le plat…

Impression de perfection confirmée en bouche avec des alliances gustatives d’une intense finesse. Le reste de la carte corrobore ce sentiment initial avec, par exemple, un enthousiasmant Rognon et ris de veau cuit au foin de serpolet, aligot à la Tomme du Bitcherland, oignons frits, vinaigrette à la truffe noire qui permet de mettre en valeur une noble pépite fromagère lorraine.

tip top À 19 ans, Xavier Koenig, actuellement commis à l’Auberge SaintLaurent de Sierentz1 dans le Haut-Rhin, est le benjamin de Top Chef.

Sortira-t-il vainqueur de l’émission de M6 ? Entretien.

Par Emmanuel Dosda Photo de Pierre Olivier / M6

Top Chef, le lundi soir à 20h50 sur M6 www.m6.fr Auberge Saint-Laurent, 1 rue de la Fontaine à Sierentz 03 89 81 52 81 www.auberge-saintlaurent.fr

Que pensez-vous du chef Philippe Etchebest : il fait peur, en vrai ?

C’est quelqu’un d’imposant, qui fait un peu peur au début. Il faut apprendre à le connaître : on se rend compte que c’est une personne entière, toujours présente pour vous soutenir. Grâce à Objectif Top Chef 2 que j’ai remporté, je me sens particulièrement proche de lui.

D’où vous vient cette passion précoce pour la cuisine ? Vous êtes tombé dans les gamelles de votre maman étant petit ?

Depuis l’âge de trois ans, je traîne en cuisine avec ma mère. Assis sur une chaise, je l’observais et l’aidais à éplucher les légumes. J’ai très tôt su que je voulais en faire mon métier.

Quel est le plat “ madeleine ”, celui qui vous fait directement retomber en enfance ?

Un plat régional traditionnel du dimanche, comme le baeckeoffe ou la choucroute que ma grand-mère préparait sur un poêle à bois.

1

Voir Poly n°149 ou sur www.poly.fr

Durant cette émission, Philippe Etchebest a sillonné les routes pour rechercher l’apprenti cuisinier invité à participer à Top Chef 2

Pour Top Chef vous avez notamment concocté une salade de pommes de terre alsacienne…

Je suis très attaché à mon terroir. C’est important car les traditions s’oublient avec le temps. La nouvelle génération n’a pas forcément le réflexe de préparer une choucroute, un plat que l’on peut aisément réinventer, en modifiant les textures des saucisses ou en le servant avec du chou cru en salade.

Les jurés de l’émission vous ont reproché de vouloir trop en faire… Êtes-vous d’accord avec Michel Sarran lorsqu’il affirme que « la grande cuisine est souvent simple » ?

Je suis entièrement d’accord : j’ai tendance à en mettre trop dans l’assiette. J’essaye de faire moins et mieux, de simplifier mes plats.

J’imagine que vous rêvez d’ouvrir votre propre restaurant…

Pas avant sept ou huit ans, car j’ai encore ma formation à parfaire. Je me laisse le temps d’apprendre, même si j’y réfléchis déjà.

Quelle carte proposerez-vous ?

Une cuisine du terroir, mais élégante et fine, avec de bons assaisonnements et parfois quelques saveurs exotiques. J’aimerais un établissement avec un grand jardin pour y cultiver mes légumes.

Si je m’invitais à manger chez vous, quel plat me prépareriez-vous ?

Du gibier… Un petit chevreuil avec des betteraves.

Le tournage de la saison 6 de Top Chef est terminé : qui va gagner ?

Je peux vous parler de la dernière émission diffusée. Pour le reste, c’est tabou !

Vous êtes un grand consommateur de télévision ?

Pas vraiment, je préfère préparer des petits plats que d’être posé devant la télé.

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last but not least

alexis gruss, directeur de cirque et maître écuyer Par Emmanuel Dosda Photo de Karim El Dib

Pégase & Icare, à Strasbourg, au Zénith Europe, samedi 4 avril 03 88 10 50 50 www.zenith-strasbourg.fr www.alexis-gruss.com

* Spectacle présenté avec la compagnie d’acrobates Les Farfadais www.farfadais.com

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Dernière fois où vous avez mis le pied à l’étrier ? À l’instant. Je suis descendu du cheval pour vous répondre au téléphone. J’ai encore mes gants et l’odeur sur moi.

André-Charles Gruss, votre arrièregrand-père, vient de Sainte-Marie-auxMines. Quel est votre dernier contact avec l’Alsace ?

Un viticulteur – qui s’appelle Joseph Gruss ! – d’Éguisheim, petit village près de Colmar, m’a envoyé quatre cartons de vin.

J’en ai gouté une bouteille hier soir.

Gruss, c’est une affaire de famille, depuis plusieurs générations. Quel est le petit dernier embarqué dans l’aventure ?

Je n’aime pas le mot “affaire”, qui fait d’avantage songer aux Al Capone qu’aux Gruss… mais il s’agit de Gloria, trois ans. Elle m’appelle Papy junior, comme tous mes petitsenfants. C’est plutôt naturel d’avoir peur des animaux, mais on lui a pris la main pour la passer sous l’encolure d’un cheval et ça lui a donné envie de recommencer.

Pourquoi avoir choisi d’évoquer la mythologie grecque dans votre dernier spectacle, Pégase & Icare* ?

Chacun rêve de défier l’apesanteur, comme Icare. Même les chevaux aimeraient décoller de la planète, tel Pégase, animal jugé indomptable. La terre est un lieu de défi, de force d’inertie : c’est ce qui fait qu’elle tourne.

Pourquoi le dernier tableau de votre show “équestre et aérien” consiste-t-il en une danse… aquatique ? Ça fait partie des éléments fondamentaux de nos vies, avec le feu qui est également présent grâce à mon petit-fils, Alexandre. Il saute sur un magnifique demi-sang hollandais au triple galop, puis jongle avec des torches gigantesques. Trente secondes qui représentent des années de travail !

Dernière fois où vous avez craint vous brûler les ailes, comme Icare ?

Le danger fait partie de notre métier, nous y sommes confrontés quotidiennement. L’autre risque est financier Gruss, c’est une entreprise de 80 personnes avec 60 chevaux, 29 semiremorques…