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A DAT O Architecture + Painting

19 TALK Robert Gabris Esther Stocker ESSAYS - The parametric design genealogy of Zaha Hadid - Mitten drin und außen vor - Über die Symbiose zwischen Architektur und Malerei

POINT NEMO PUBLISHING •

ISSN 2658-9974 •

INTERVIEW Die Leinwand als Bühne - Titus Schade

Pieter Bruegel's oil painting "The Great Tower of Babel" (1563) is pro-

Au to re n

Das digitale Modell der Replika Caverne du Pont d'Arc © Campenon Bernard Régions – Edytem – Pérazio

Die Höhle wurde samt Inhalt gescannt, aus der generierten Point Cloud

Das Projekt der Caverne du Pont d'Arc vermag es die Brücke über die Themen zu schlagen an denen sich ADATO in diesem Heft versucht: Mit dem Bau der Höhle wurde im Oktober 2012 begonnen. Innerhalb von drei Jahren entstand nach den Plänen des Architekturbüros Xavier Fabre Architekten auf einer Grundfläche von 3500 m² und im Rahmen eines Budgets von rund 55 Mio. Euro eine Replik der Grotte Chauvet - Pont d’Arc. Das Original, vor Millionen Jahren als unterirdische Abkürzung vom nördlichen Paleoflusslauf der Ardèche durch den Karst, zum Cirque d'Estre entstanden, war 1994 entdeckt und umgehend für Besucher geschlossen worden. Der Regisseur Werner Herzog durfte für seinen Dokumentarfilm Cave of Forgotten Dreams (2010) noch einige Blicke in die Räume werfen, bevor Archäologen, Forscher und Wissenschaftler übernahmen und das Kartografieren begann.

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SEE A LECTURE ON THE PROJECT

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PA I N T I N G

com/watch?v=Gyxmar-

EDITORIAL

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https://www.youtube.

Pieter Bruegels Ölgemälde Der Große Turm zu Babel (1563) ist wohl die berühmteste Darstellung der Mythologie um die Ursünde des Architekten: Im 16. Jahrhundert gab der Holländer der menschlichen Anmaßung Gott Gleiches tun und einen Turm bauen zu wollen, der die Wolken berührt, sein Gesicht. Dem Betrachter im Kunsthistorischen Museum in Wien heute, wird das Zürnen des Überschöpfers erspart. Ihm bietet sich als Folge der abstrafenden Sprachverwirrung die ewige Ruine der unabgeschlossenen Baustelle und verlorene Menschen wohin das Auge blickt. Das Verhältnis zwischen Architektur und Malerei ist eine wechselseitige, wobei sich die Machtverhältnisse und die Wesenszuschreibungen von Träger oder Rahmen, Konstruktion oder Ornament immer wieder verschränken oder ablösen. Die Beziehung von Architektur und Malerei beginnt jedoch lange vor den großen Büchern, Architekten und Künstlern:

ADATO

4 ADATO

Anna Valentiny

ADATO wünscht Ihnen neue Ausblicke und eine gute Lektüre am Mittelmeer oder im Büro.

In ADATO + Malerei erwarten sie malende Architekten, Bauende, die sich in der Tradition der bildenden Kunst verstehen, neben Fachwerkhäuser und Plattenbauten malenden Künstlern, die die Frage nach Architektur nicht stellen. Wir haben einige wunderbare Leute getroffen, die ihre Welten an dieser Stelle mit Ihnen teilen. Und um den Kreis zu schließen, tauchen Sie mit ADATO ganz am Ende in die kurze Geschichte des bemalten Raums, von Meistern der Illusion, die die Grenzen der Fläche in die dritte Dimension verschieben.

Diese kleine Ausführung kann umgedreht werden. Und das macht das Skurrile unschlagbar authentisch und aktuell, wenn es die entscheidenden Fragen nach Original, Autor, Trägermaterial, Werk und Generation von Form aufwirft, die sich die Kunst Disziplinen übergreifend teilen.

wurde die Original Struktur digital rekonstruiert. Auf Basis dieses Modells konnte die "Replik" als, mit Kunstharz beschichtetes, Stahlskelett eine zweite Gestalt annehmen. Das Harz wurde fein verspachtelt oder verschlämmt, bemalt, bis der nackte Fels der Chauvet-Höhle als Kulisse inszeniert unter dem warmen Licht der Ausstellungsscheinwerfern neu erstrahlte. An dieser Stelle war der Ingenieurskunst schon einige Szenografie beigemengt worden. Auch ist die eigentliche Bezeichnung der Replik falsch, denn bei der Caverne du Pont d'Arc handelt es sich nicht um eine Rekonstruktion der Höhle: Vielmehr wurden Höhepunkte entlang eines Erlebnispfades collagiert und als in sich geschlossenes System präsentiert. Die Highlights dieses, von Architekten, Ingenieuren und Arbeitern umgesetzten Parks, gestalten schließlich die Künstler, wie der Maler Gilles Tosello, der in seiner Werkstatt in Toulouse zwei Höhlenausschnitte mit Malereien versah. Vorbild waren die Aufnahmen aus der Grotte: Pferde, Löwen, Hirsche, Nashörner, die von frühen Menschen während ihrer kurzen Ausflüge ins Innere der Erde und im Rahmen von Kulthandlungen gemalt wurden, die der Spezialist für Parietalkunst mit Holzkohle aus verbrannter Waldkiefer an die Fragmente projiziert und kopiert.

This story,as an introduction to Architecture+Painting, is raising

Anna Valentiny

at the Mediterranean or in the office.

ADATO wishes you new perspectives and a good read

boundaries of the surface into the third dimension.

the history of painted space, showing masters of illusion who shifted the

buildings as built life philosophies. To close the circle, ADATO will dive into

creative worlds. There will be paintings created in space and drawn on

great people who'll offer you insight into their working environments and

understand their work in the tradition of the fine arts. We have met some

On the following pages you will encounter painting architects, builders who

ring the human being, of original and copy and by these means authorship.

the questions of the relationship between the fine arts and the art of shelte-

his workshop in Toulouse.

artists, such as the painter Gilles Tosello, who painted two cave sections in

park, realized by architects, engineers and workers, are finally created by

presented as a self-contained circuit. The highlights of this entertainment

cave: rather a series of highlights collaged along a path of experience and

"replica" is wrong, as the Caverne du Pont d'Arc is not a reconstruction of the

already been added to the art of engineering. Also, the actual description of

warm lights of exhibition spotlights. At this point, some scenography had

resin. The final skin was painted in naked rock optic and staged under the

this model, the replica was created as a steel skeleton coated with a synthetic

ture was digitally reconstructed from the generated point cloud. Based on

The cave was scanned together with its contents and the original struc-

and began the mapping process.

allowed to capture a few gazes before archaeologists and scientists took over

"The Cave of Forgotten Dreams" (2010), the director Werner Herzog was

discovered in 1994 and immediately closed to visitors. For his documentary

of the Ardèche River through the Karst and towards the Cirque d'Estre, was

euros. The original, created millions of years ago by the underground course

tects on a surface area of 3500 m² and with a budget of around 55 million

Pont d'Arc cave was created according to the plans of Xavier Fabre archi-

the cave began in October 2012. Within three years, a replica of the Chauvet

diversity of themes that ADATO addresses in this issue: The construction of

The project of the "Caverne du Pont d'Arc" is able to bring together the

and it begins long before the great books, architects and artists:

The relationship between architecture and painting is a reciprocal one

tower’s eternal ruin.

the consequence of the confusion of tongues that manifests itself as the

creation. The observer in the Museum of Fine Arts in Vienna, today, witnesses

to build a tower that touches the clouds competing in this way with God’s

bably the most famous illustration of the architect's original sin: the intention

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Gilles Tosello erweckt in seiner Werkstatt in Toulouse die Höhlenmalereien zu neuem Leben. Er malt, wie die frühen Menschen, mit Holzkohle aus verbrannter Waldkiefer. © Carole Fritz

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WILHELM

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HOLZBAUER

Figure 1_ Wilhelm Holzbauer auf dem Schiff, USA-Reisefoto © AZW

Figure 2_ Wilhelm Holzbauer, Johannes Spalt und Friedrich Kurrent mit dem Modell der „Wohnraumschule II“ in ihrem Atelier, 1954 – © Franz Hubmann Figure 3_ Roland Rainer Wilhelm Holzbauer und Gustav Peichl auf dem Cover von Drei Wiener Architekten (Katalog zur Ausstellung),1984, August Sarnitz (Herausgeber)

Figure 4_ Wilhelm Holzbauer und François Valentiny

Figure 7_ Haus für Mozart, Salzburg, 2006

Figure 5_ Rathaus und Oper Amsterdam, 1979-1988 © Holzbauer & Partner

Figure 8_Andromeda Tower, Wien, 1993-1998 Holzbauer & Partner

Figure 6_ Naturwissenschaftliche Fakultät, Universität Salzburg, 1982-1986 Holzbauer & Partner

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ADATO

The Parametric Design Genealogy of Zaha Hadid Youngjin Lee

The Parametric Design Genealogy of Zaha Hadid reinterprets the paintings of Malevich, an originator of Suprematism whom Hadid on many occasion described as major inspiration and who influenced her early work from the perspective of Gestalt psychology. By investigating the influence of the the painter on the architects's early work to her more recent parametric design approach, Hadidâ€™s consistent design methodology is depicted.

The following paper is printed here in ADATO in its original version from 2015, therebye not taking into consideration later published works, interviews and statements by Zaha Hadid who left us, way too early, in 2016. (Editors Note)

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ZAHA HADID

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ZAHA HADID

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Parametric Genealogy

We examined how Hadid’s inspirations from Malevich, focusing on varying perception and creation of figure-ground, are reflected in her early work through her unique conceptual representations. Selected works showing this influence in her recent design paradigm follow. The Signature Towers project (Dubai, 2006- ) consists of three towers that are intertwined and rotate to maximize views from the site towards the waterfront and neighboring developments and to create a dynamic skyline. The sequence of views, in black and white, from different locations of the observer expects the observer to perceive these three intertwined objects. The perception varies: one irregular structure, three branches with trapezoidal openings at the bottom and top, and a slingshot with different length arms (Fig. 23). Choreographed movement combines the three towers in one overall gesture and weaves with a series of public spaces through the podium, bridges and landscape beyond, represented by rotating wireframe perspectives (Fig. 24). In spite of the size of the project site, the effect of figure-ground is limited but Hadid attempted to integrate outdoor spaces with the buildings. Szervita Square Tower (Budapest, 2006- ) began with the inspiration of light and a combination of the landscape, creating an organic-shaped landmark. The dynamic perceptions of this organic shape with the background of Baroque solidity explain the progressive irregularities at various angles (Fig. 25). Though

this project does not show a figure-ground effect within the site context, Hadid seeks seamless transition from landscape to building and realized a figure-ground effect by relating facade and landscape patterns (Fig. 26). The Kartal Pendik Masterplan (Istanbul, 2006- ) shows the parametric relationship between urban fabric and buildings better than the previous two projects. Placed at the confluence of several important infrastructure links, the integration of these lateral links with a central longitudinal axis creates a soft grid that generates different building typologies and open conditions forming a porous, interconnected network of open space. Their complex configurations in which multiple readings are latent trigger the Gestalt effect by unraveling iconic buildings as figures which participate in the creation of a unified urban fabric (Fig. 27 & 28). We can still observe the design methodology of Hadid’s early work mentioned above in her recent work though the character of geometry she uses changed dramatically from linear to curvilinear, and the extent of projects expanded to the urban and landscape scale.

Parametricism vs. Parametric design Parametric design is a process based on algorithmic thinking that enables the expression of parameters and rules that, together, define, encode and clarify the relationship between design intent and design response (Woodbury, 2010). Generally, in parametric design form is shaped by values of parameters and equations that are used to describe the relationships between the forms. Hence, interdependencies between forms can be established and their behavior under transformation can be defined mathematically and geometrically (Starvric & Marina, 2011). Among the programs used in the field of architecture, Generative Component (for Bentley Architecture) and Grasshopper (for McNeel Rhino 3D) are graph-based in their application of parametric technology, whereas Autodesk 3D MAX Design is stack-based; Gehry Technologies’ Digital Project and Autodesk MAYA, on the other hand, can be classified as an application using the Associative History ParameThe Russian Revolutionary: Zaha Hadid on Kazimir Malevich

https://www.youtube. com/watch?v=yye33DucQvw

WATCH THE BBC DOCUMENTARY

create an integrated flow that follows a dynamic vanishing point (Fig. 20). The Hoenheim-Nord Terminus and Car Park (1998-2001) utilizes overlapping fields that fuse together to form a constantly shifting but clearly delineated whole. The shape and color of the building rises out of the slightly curving parking lots with light posts devised to read as floor marks (Fig. 21 & 22). It is shown that Hadid utilized the relationship between the context’s fabric and buildings through an organic combination of them. She attempted to set up a figure-ground condition with the buildings-context.

World-renowned architect Zaha Hadid, best known for her futuristic architecture projects, explains how her work rooted in an art movement that is 100 years old. She has long cited the Russian abstract artist Kazimir Malevich as one of her greatest inspirations . Together with curators of Malevich's exhibition and critics, Hadid considers the influence of Malevich's avant-garde art on her avant-garde architecture. Source: BBC

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Greyscapes ... are born out of a Malevichâ€™s dream. - A Manifesto

WAI Architecture Think Tank

WAI Architecture Think Tank is an international studio practicing architecture, urbanism and architectural research. It was founded in Brussels in 2008 by Puerto Rican architect, artist, author and theorist Cruz Garcia and French architect, artist, author and poet, Nathalie Frankowski. WAI and its parallel artist practice Garcia Frankowski oscillate between Roanne, Beijing, San Juan and several American cities. Cruz Garcia and Nathalie Frankowski are former Visiting Teaching Fellows at the School of Architecture at Taliesin, Hyde Chairs of Excellence at the College of Architecture at the University of Nebraska-Lincoln and the current Ann Kalla Visiting Professors at Carnegie Mellon University. They are also founding curators of Intelligentsia Gallery, an alternative art space in Beijing.

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Greyscapes Â© WAI Architecture Think Tank

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MALEREI

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GRID GROWTH Von Chaos und Ordnung, Realität und Fiktion.

ADATO im Interview mit Esther Stocker

In Konstrukten aus schwarzen und weißen Linien, Gittern und Netzen erforscht die Künstlerin Esther Stocker formale Grenzen und räumliche Strukturen. Durch die Wiederholung von geometrischen Elementen, die Verschiebung des Horizonts und das Spiel mit der Perspektive entwickeln die Räume, die Esthers Arbeiten bespielen, einen eigenen Rhythmus, der wiederum ihre Werke kommentiert und unterstreicht. Eleni Palles traf sich mit Esther Stocker in ihrem Atelier in Wien auf ein Gespräch über ihre Arbeit, ihre Methoden, ihre Inspirationen und Faszinationen.

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ESTHER STOCKER

Ohne Titel, 2009 South London Gallery, London Ausstellungsansicht "Beyond these Walls" Karton auf Wand und Boden

MALEREI

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Esther Stocker (*1974, Silandro, Italien) studierte Malerei an der Akademie der Bildenden Künste in Wien, der Accademia di Belle Arti di Brera in Mailand und am Art Center College of Design in Pasadena Kalifornien. Sie ist Trägerin zahlreicher Auszeichnungen, wie des Preises der Stadt Wien (2009), dem Südtiroler Preis für Kunst am Bau (2007), oder dem Otto-Mauer-Preis (2004), um nur einige zu nennen. Ihre Arbeiten sind in vielen bedeutenden öffentlichen Sammlungen vertreten. Neben zahlreichen Einzelausstellungen in London, Paris, Rom, oder Shanghai, kann man ihre Werke auf Gebäuden von Wien bis Japan sehen. › www.estherstocker.net Geometrisch Betrachtet, 2008 Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien Holz, Dispersion 4,5x9,4x34,1 m

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ESTHER STOCKER

Esthers Installationen sind als direkte Fortsetzung ihrer abstrakten Malerei zu lesen, die sie in der dritten Dimension entwickelt und zerlegt. In den Fällen, wo ihre Arbeiten mit der gebauten Umwelt des öffentlichen Raums, der Architektur oder auch der Galerie verschmelzen, ist es der Passant, oder der Besucher, der die Tiefe der Installation durch seine Präsenz und Bewegung bestimmt. Der Mensch bleibt nicht außen vor, sondern wird Teil des dynamischen Raums.

Ohne Titel, 2005 Ausstellungsansicht "farb.räume" Holzkonstruktion 3,5x6,7x11 m

Einerseits erinnert die starre Organisation der Fragmente an bestimmte, mathematische Schemata, andererseits veranlasst sie, als optische Täuschung, den Betrachter seine Wahrnehmung zu hinterfragen. Als abstrakte visuelle Systeme fordern Esthers Arbeiten die Zusammenhänge von aktivem Sehen und Denken heraus und stellen immer wieder die Frage nach dem Verhältnis von Chaos und Ordnung, Realität und Fiktion.

ADATO

MALEREI

ESTHER STOCKER: Ja das kann ich mir sehr gut vorstellen. Meine Installationen dienen ja sehr oft als Hintergründe für Menschen und ihre Leben. ADATO: Viele deiner Projekte setzen sich mit der Konstruktion oder auch der Fragmentierung von Raum auseinander, dessen Wesen sie gleichsam hinterfragen. Dieses Thema erfährt eine Abwandlung, wenn Architekturen zur Leinwand werden. Was passiert im Sprung vom Papier zum Gebäude als Träger deiner Arbeiten?

> >

ESTHER STOCKER: Mich interessiert die Transformation und wie einfache Zeichen Konfusion erzeugen. Mich faszinieren die Grenzen unseres Denkens und unserer Wahrnehmung. Ich möchte wissen, ab wann Identität durch Zeichen entsteht. Ab wann überhaupt etwas entsteht. Vereinfacht könnte ich sagen: Ich wechsle einfach ab und zu den Untergrund für meine Bilder. Konkret finde ich es spannend was diese Formideen aus der abstrakten Malerei eigentlich an Umgebung, an "Wahrheit der Straße" aushalten können.

Ich sehe mich selbst immer als Malerin. Es kann sogar sein, dass mich niemand anderer mehr so sieht, aber das ist irgendwie auch egal. Der Raum, der mich interessiert ist vor allem der Raum der Vorstellung, der Imagination, der Fiktion. Esther Stocker

Wandarbeit Nr. 10, 2006 TONSPURPASSAGE _ passage / quartier 21 Museumsquartier, Wien Mineralfarbe auf Wand 4,5x20 m

> > Wandarbeit Nr. 26, 2009

ADATO: Sind deine malerischen Interventionen (Wall Works) eine Camouflage oder eine Erweiterung der Architektur? ESTHER STOCKER: Das würde ich auch gerne wissen. Ich hatte früher dieses Lieblingszitat von Béla Julesz – er ist auch eine große Inspiration für mich: “Die Tarnung von Tieren beruht auf der Wahrnehmungsbeschränkung ihrer Räuber”. Wir wissen selbst nicht immer ob wir der Gejagte oder der Räuber sind. ADATO: Woran arbeitest du gerade? Möchtest du ein bisschen was von deinen neusten Arbeiten oder Experimenten erzählen? ESTHER STOCKER : Als roter Faden durch meine Arbeit ziehen sich sicher die Fragen, ob Gefühle einen Raum besitzen und ob es Gefühle ohne Raum gibt. Darüber hinaus beschäftige ich mich zurzeit konkret mit extremen Strukturen. Darunter sind auch solche, die etwas unangenehm sind und auf den Sehnerv drücken. Ein Freund nennt diese Bilder inzwischen "Migränebilder". Daran möchte ich unbedingt weiterarbeiten. •

Wohnhausanlafe ehemalige Bräuerei Liesing, Wien Mineralfarbe auf Wand 17x158,4 m

<< Silo Barth, 2006 Brixen / Bressanone Nitrolack auf Eisen 21,5x15,7 m

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ESTHER STOCKER

MALEREI

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STONED Geschäumtes Erdöl in drei Momenten

Anna Valentiny

Anna Valentiny (*1991) received a Masters degree in Architecture from the Academy of Fine Arts Vienna in 2018. Her thesis project Hortus Alienum – Scenographies of Nobody's Voyage can be read as the culmination of her interests comprising the arts of writing, design and curation of thoughts disciplines, Anna studied scenography under Prof. Anna Viebrock in Vienna (2013) and participated in Prof. Peter Niedertscheider's sculpture class in the Kieffer quarry, Fürstenbrunn, Salzburg (2014). Before taking over the editorial board of ADATO in 2017, she worked for the Zürich based architecture magazine archithese. Anna is passionate about Sci-Fi, movies and dinosaurs. She lives and works in Luxembourg, Brussels and Vienna. › www.annavalentiny.com

Anna Valentiny

and narrations. Always understanding the practice of building in the context of its neighboring

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STONED

Sassi by Piero Gilardi for GUFRAM, 1968

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Poltrona by Alessandro Mendini for GUFRAM

In einer lauen Sommernacht, fünf Minuten vor Sonntag, hockt eine gekrümmte Gestalt über einem Laptop mit angeschlossenem Standbildschirm. Dieser war Monate zuvor zu Weihnachten gewünscht und geschenkt worden. Wie die Gaming Maus, eine gute Entscheidung - angenehm für die Augen, schließlich ginge die Gesundheit vor. Die letzten Strichstärken würden geprüft und als zu massiv befunden, es würde gedruckt, Rihanna gehört, gehängt und beim Chinesen bestellt. Jeder im Studio spülte das Ende Wort um Wort mit Gösser herunter – es waren euphorische Stunden, in denen alles möglich war – ein identitätsstiftendes Ritual, der Abend vor den Finals. Jemand bittet darum das Fenster zu öffnen und eine Brise Freiheit hineinzulassen – aber nach dem Umzug des Schillerplatzes auf den Campus der Alten WU waren die Fenster vollmanuell verschlossen und was drin war, blieb drin. So auch die feinen Dämpfe, die vom Nachbartisch über die Kanten des Standbildschirms hinweg geradewegs in die Augen des Zeichnenden waberten. Ein Pedal wurde zu Boden gedrückt, der Kreislauf geschlossen und der Draht glitt durch den rosafarbenen Block – Mickey hat noch kein Modell.

Capitello by Studio 65 for GUFRAM

• In verschiedenen Herstellverfahren entstehen zwei unterschiedliche Polystyrol-Hartschaumstoffe: Extrudierter Polystyrol-Hartschaumstoff (XPS) und expandierter Polystyrol- Hartschaumstoff (EPS). Styropor ® und Styrodur ® unterscheiden sich in Optik, Dichte und Festigkeit und werden als Blöcke oder Platten zur Wärmeoder Trittschalldämmung in der Bauindustrie eingesetzt. Zugute kommen dem Erdölprodukt dabei vor allem der Preisvergleich mit Alternativen. Der Schaum ist billig, leicht, wasserabweisend, dehnbar, schwer zu recyceln, von Natur aus nicht UV beständig oder biologisch abbaubar und leicht entflammbar. Polystyrol wird der Brandschutzklasse B3 zugeordnet. Daneben stehen vergleichsweise nicht brennbare Baustoffe der Klasse A wie Ziegel oder Glas. Um der gesundheitsgefährdenden Rauchentwicklung im Brandfall vorzubeugen, wurden die Dämmplatten bis 2015 mit einem «Flammhemmer», der toxischen Substanz Hexabromcyclododecan (kurz HBCD) bearbeitet.

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Den Kunststoff Polystyrol finden wir in vielen Bereichen des täglichen Lebens wieder: Ob als Teller beim Imbiss um die Ecke, als Schutzverpackung um die, von Amazon gelieferten, Lieblingssneakers, als Auftriebsmittel bei der Hebung von Schiffswracks oder Verdichtung bei Fusionsbomben. Haupteinsatzgebiet von Polystyrol aber bleibt die Kreation der dritten Haut des Menschen und so fielen 2012 mehr als 60 Prozent seines weltweiten Umsatzes auf den Bausektor. Vergleichsweise wurden in der Schweiz im Jahre 2014 eine halbe Million Tonnen EPS und 200 000 Tonnen XPS als Dämmstoff verbaut. Die jährliche Produktion von Polystyrol erreicht allein in den USA um die drei Millionen Tonnen. Eng mit Polystyrol verwandt ist Polyurethan, das ebenso breite Verwendungsmöglichkeiten bietet. •

Vor zwei Jahren feierte die Mailänder Galerie Carla Sozzani in der Ausstellung Gufram on the Rocks den fünfzigsten Geburtstag des gleichnamigen italienischen Sitzmöbelherstellers. In einem Meer aus hellblauem Hartschaum (XPS) schwammen Polyurethan-Skulpturen, die zu Ikonen des Design against the tide wurden.

1966 in Turin geboren, zeigt Gufram was entsteht, wenn handwerkliches Wissen auf konzeptuelles Können trifft: Radical Design. Auf Möbelpolsterung spezialisierte Handwerker wagten das Experiment die Stabilität und die Formbarkeit des Hartschaums auf die Spitze zu treiben und gesamte Stühle, Chaises Longues und Couches aus dem ursprünglich zur Polsterung vorgesehenen Polyurethan zu modellieren. Die Jahre des Miracolo economico italiano, des Wirtschaftsbooms der Nachkriegsjahre, haben farbige, üppige, industriell gefertigte Gegenstände hervorgebracht. Doch die Ikonen Guframs, versuchen gar nicht erst den Hartschaum zu camouflieren - ganz im Gegenteil: Ob in Stahloptik mit orangen Rostschlieren überzogen, in der grauen Maserung des Carrara Marmors oder in allen beliebigen Farben des Regenbogens, erinnern sie immer an Kulissenmalerei oder die Materialimitationen des Neoklassizismus und offenbaren, dass sie bemalte Häute sind. Guframs Produkte waren in den 60ern POP und sind heute POMO. Sie sind Design und Anti-Design zugleich, subversiv und verspielt, in der Herstellung vergleichsweise kostengünstig, werden von Vitra. vertrieben und stehen in den größten Häusern der Welt.

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Die Leinwand als Bühne Anna Valentiny im Gespräch mit Titus Schade.

Titus Schades Bilder sprechen von menschenleeren Kulissenlandschaften. Es sind tief romantische Tableaus, die eine parallele Realität rahmen, in der die Platte dem Fachwerk das Archetyphafte unterm harten Schlagschatten des Neonlichts abluchst. Es war gemalter deutscher Metal, klar und erstaunlich sanft, der den Meisterschüler Neo Rauchs in die Feuilletons brachte. Es waren Miniaturtypologien im musealen Setzkasten, die ADATO bewog Titus in seinem Atelier in der Alten Spinnerei zu besuchen. Leipzig haben wir nicht gesehen, dafür aber weiße Wände und leere Regale auf beiden Seiten des Videoanrufs.

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T I TAULT S SSTA C HDATD E

Titus Schade in seinem Atelier in der Spinnerei in Leipzig, Foto: Enrico Meyer

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RECHTS: Titus Schade, Das Regal, 2011, Ã–l auf Leinwand, 150x200 cm

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A LT S TA D T

MALEREI

Anna: Letzten Sommer gab es eine Kritik über deine Leipzig Ausstellung in der ZEIT. So habe ich irgendwo am Mittelmeer zum ersten Mal von deiner Arbeit erfahren. Ich weiß nicht ob du die gelesen hast? Wenn man in der ZEIT ist, sollte man es gelesen haben. (lacht) Auf jeden Fall wird beschrieben: „Begibt man sich in die Kulissen und weiß, dass Schades imaginäre Stücke und Filme nicht im netten Vorabendprogramm laufen, sondern spät in der Nacht, dort wo man sich gruselt", - so hat auch die Überschrift geheißen - und weiter: "man verlässt die Ausstellung mit dem Gefühl des Unbehagens, … vielleicht brennen hier auf den Straßen bald wirklich die Scheiterhaufen…“ Ist Malerei allgemein politisch oder ist deine Malerei politisch? Titus: Malerei kann natürlich politisch sein und bestimmte Bilder, die ohne politische Absicht entstanden sind, können trotzdem auch in eine politische Richtung gelesen werden. Ich sehe meine Bildwelt jedoch als etwas Losgelöstes von unserer Welt und verfolge mit meiner Malerei auch keine politischen Ziele. Kunst sollte meines Erachtens nicht mit der Tagespolitik wetteifern. Ein gutes Kunstwerk ist autark und funktioniert weit über die Zeit hinaus in der es entstanden ist. Bei meiner Arbeit handelt es sich auch nicht um Vorabendunterhaltung – sodass es sicher den ein oder anderen geben wird, der Abbilder politischer Situationen in meinen Bildern sieht. Dagegen kann man sich nicht wehren, wenn man einen Teil der Deutungshoheit auch dem Betrachter überlässt. Wenn ich Filmemacher wäre, würde ich es vorziehen, eher dunkle Stoffe zu behandeln, als mich mit Klamauk zu befassen. Wie ich es beobachtet habe, können meine Malereien beim Betrachter bestimmte Grundstimmungen beeinflussen – so war es ja auch im Fall des ZEIT Journalisten Tobias Timm, der die Ausstellung mit Unbehagen verließ. Es sind ja zum Teil auch schwermütige oder düster romantisch anmutende Szenerien

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und Atmosphären. Ich fühle mich eher zu diesen (Licht-)Stimmungen hingezogen. Anna: Die Relation zwischen Konzept und Ausführung? Titus: Das kannst du einen Konzeptkünstler fragen! (lacht) Anna: Ok, dann die Relation zwischen Handwerk und Malerei? (lacht) Titus: Ich betreibe gegenständliche Malerei, da liegt es auf der Hand, dass es viel um handwerkliche Angelegenheiten geht. Ich möchte auf der Leinwand Dinge entstehen lassen, die es vorher nicht gab. Farbe wird in Form umgewandelt und suggeriert, im besten Fall, dem Betrachter der zweidimensionalen Fläche Tiefe und Greifbarkeit. Das ist auch der Grund dafür, warum die Kontraste in meinen Bildern relativ hoch sind, dadurch werden die Bildgegenstände noch plastischer. Manchmal liefert eine Skizze das erste Grundgerüst, ansonsten entsteht alles direkt und ohne Vorplanungen auf der Leinwand. Ein gutes Bild geht natürlich über die handwerklichen Gesichtspunkte hinaus, die Malerei verselbstständigt sich dann. Anna: In einigen Bildern suggerierst du die Petersburger Hängung. In welcher Relation stehen deine Bilder zueinander? Titus: Bei diesen Petersburger Hängungen treffen auf einer Leinwand mehrere gemalte Einzelbilder aufeinander. Diese Bilder können dabei völlig unterschiedlich gemalt sein und treten dann auf dem gemeinsamen Bildträger im Dialog zueinander. Ein abstraktes Bild trifft auf eine Landschaft, oder ein Porträt auf eine geometrische Konstruktion. Diese Darstellungen erlauben mir malerische Freiheiten, die ich

Titus Schade, Der Kiosk, 2012, Öl und Acryl auf Leinweind, 100x170 cm

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Wolken.Heim von Elfriede Jelinek (Regie: Enrico Lübbe) im Bühnenbild von Titus Schade und Marialena Lapata am Schauspiel Leipzig, 2017, Fotos: Rolf Arnold

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Aber nach wie vor finde ich dieses Bühnenbild, wie auch meine Bilder an sich losgelöst und für sich stehend – frei auch von jeder politischen Konnotation. Dies hat sich im letzten Jahr dann auch bestätigt, als das Bühnenbild als Teil einer Ausstellung in einer Rauminstallation im Museum der bildenden Künste in Leipzig für sich und unbespielt gezeigt wurde. Präsentiert wurden neben der Theaterkulisse, das Gemälde „Der Kiosk“, der die ursprüngliche Vorlage bot, und andere Leinwände auf denen Szenerien mit ähnlichem bühnenhaften Charakter zu sehen sind. Die Wände im Museumsraum wurden über ihre komplette Raumhöhe mit einem Theatervorhang umsäumt und das Bühnenbild war von außen und innen zugänglich. Die dämmrige düstere Lichtregie im Ausstellungsraum tat dann den Rest. So wurde meine in sich geschlossene Welt für den Ausstellungsbesucher betretbar. Titus Schade SEHEN SIE DEN TRAILER ZU Wolken.Heim (2017)

https://vimeo.

Titus in seiner Ausstellung im Museum der Bildenden Künste in Leipzig, Foto: Enrico Meyer

com/247070883

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Mittendrin und außen vor 06

Die Kunst sollte den Raum unserer Realität umhüllen – das Haus der beste Freund des Menschen und der Natur werden.

Lillian Gössel

H U N D E RT WA S S E R

Sie bietet eine detaillierte Übersicht über den

Eine Modellansicht auf die Grüne Zitadelle von Magdeburg.

Man fühlt sich beschützt in diesen Traumhöhlen, die mit ihren Fenstern hinaus in die Welt schauen. Eine extrovertierte Welt mit „Fensterrecht“, bei dem die Bewohner die Möglichkeit haben, die Fassade um ihr Fenster herum selbst zu gestalten, soweit ihr Arm reicht. Hundertwasser will zeigen: „Dort wohnt ein Mensch“, ein Individuum.

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Ich zeichne. – I DRAW.

ADATO im Gespräch mit Robert Gabris – ADATO meets Robert Gabris in Vienna

Robert Garbis' Arbeiten sind Kommentare zu Fragen der Wahrnehmung, Erkenntnis und Erinnerung, zu persönlichen und nationalen Erzählungen. In seinem künstlerischen Ausdruck kombiniert er häufig Zeichnungen mit Text, gefundenen Objekten und seinem eigenen Körper. Dabei sind die menschliche Natur, die Unterdrückung der Ästhetisierung und in seinen neuesten Werken auch immer wieder Liebe und Partnerschaft essenzielle Themen seines Schaffens. Roberts Zeichnungen sind realistisch und sehr detailliert. Seine Kompositionen entfalten für den Betrachter einen fragilen und poetischen Kosmos, in dem natürliche und künstliche Elemente ein Gleichgewicht herstellen.

Robert kam vom inszenierten Raum zur Zeichnung und nannte in den letzten Jahren den Kupferstich immer wieder die Kunstart seines Herzens. Diese Technik und das Experimentieren mit verschiedenen Materialitäten geben ihm die Möglichkeit des dreidimensionalen Ausdrucks. Dabei sind Roberts, in Feinstarbeit ausgeführte, Anatomiestudien von Menschen und Tieren immer in ihrem soziokulturellen Kontext zu betrachten. Diese Kontexte sind auf Orte angewiesen: Atmosphären, Gerüche, Geräusche und Farben komponieren die Räume zu denen Roberts Arbeit ihre Betrachter, Zuschauer und für diese Ausgabe auch die Leser der ADATO führt.

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Eleni Palles und Robert Gabris

ROBERT GABRIS

ADATO

Robert Gabris

PA I N T I N G

Robert Garbis wurde 1986 in der Slowakei in einer Roma Familie geboren. Er lebt und arbeitet seit 2005 in Wien. Nach der Schule besuchte Gabris die Hochschule für darstellende Künste in Bratislava bei Prof. Hana Ciganova. Nach seinem Bachelor Abschluss studierte er Szenografie an der Akademie der bildenden Künste Wien bei Prof. Erich Wonder und Anna Viebrock. Seine Kunst ist von New York bis Shanghai gereist und steht für Inklusion und gegen Stereotypen. Seine sozialpolitischen Botschaften beziehen sich auf die Roma Thematik und richten ihr sensibles Augenmerk auf den gesellschaftlichen Umgang mit Vorurteilen. • I was born in Hnusta Likier, Slovakia (1986*). I live in Vienna. I love Lukas. I draw. In my artistic work I mainly deal with the medium of drawing and experimental forms of printmaking, especially sketching and engraving. My works are mostly autobiographical, as a constant search for the exact proportion and symmetry. Metaphorically, my works are quotes of my existence, an autopsy of various identities, and a study of my affiliation. I describe the content of my work as a social - critical, political and activist confrontation with identity issues and new perspectives of different minorities in a European context. Starting point of my work are new experimental forms of drawing as a resistance to exclusion and racism. RG › http://www.robertgabris.com

ROBERT GABRIS

ADATO: Robert Du bist in Hnusta in der Slowakei geboren, hast in Bratislava und später in Wien Szenografie studiert und arbeitest heute als freiberuflicher Zeichner eben dort. Wie bist du vom Theater, vom inszinierten Raum, von einer Illustrationsarchitektur zur Malerei gekommen? ROBERT GABRIS: Ich habe schon immer gezeichnet. Die Zeichnung war ein wichtiges Fundament in meiner Kindheit. So wie ich sprechen gelernt „I“ ist sowohl Subjekt, Objekt als auch Bewusstsein des Künstlers. „I“ kann aber auch als Initial für Identität und Frage nach Zugehörigkeit gelesen werden. Ich bearbeite mein Leben und meine Herkunft, die Widersprüche meines Lebens.

habe, habe ich auch gelernt, mich durch die Zeichnung auszudrücken, das

niemandem untergeordnet sein. Institutionelle Hierarchien sind nicht meine

passierte parallel nebeneinander. Später, als ich Bühnenbild und Kostüm an der Universität für darstellende Künste Bratislava und später an der Akademie der bildenden Künste in Wien studierte, habe ich die Semesterarbeiten mehr gezeichnet, als geplant und gebaut. Ich kann nicht bauen, messen, kleben und vor allem nicht im Team arbeiten. Ich bin ein Einzelgänger und ich will Welt. Da ich in einem Kinderheim mit bis zu sechzig Kindern zusammen aufgewachsen bin, habe ich für mein restliches Leben genug davon. ADATO: Gibt es Orte, die dir wichtig sind und die du gerne zu diesem Lebensweg hinzufügen wolltest? Was bedeuten diese Orte für Dich? ROBERT GABRIS: Es gibt physische Orte, die ich in meinem Leben betreten habe und somit wurden sie für mich wichtig, weil Vergangenheit eine sehr große Rolle in meinem Leben spielt. Ich seziere sie in meiner Kunst, ich hinterfrage sie gern und nehme sie überall mit. Sie begleiten mich in die Zukunft, damit ich aus vielen Erinnerungen schöpfen kann, wenn ich einmal alt und einsam werde. Ich betrete aber auch andere Orte, ich nenne sie die mentalen Orte. Das sind Beziehungen zu Menschen, die zu meiner Familie geworden sind. Es gibt nicht viele davon, aber die, die es gibt, schätze ich sehr. Ich pflege sie und ich bewahre sie in einem besonderen Raum in meinem Herzen auf.

Im Schlaf, 60x40 cm, fineliner 0,25 mm auf Papier, Wien 2014

PA M AI N LE TR I NEG I

ADATO

Eine kurze Geschichte über die Symbiose zwischen Architektur und Malerei.

Anna-Maria Tupy

Die Entwicklung der Steinbauten und ihre Ausschmückung mit kostbaren Gesteinsarten besitzen keinen festlegbaren Zeitpunkt. Wohl kann man den Ursprung möglicherweise in die Steinzeit verzeichnen. Denn bereits um 8500 v. Chr. wurde in Anatolien auf dem nahe der syrischen Grenze gelegenen Hügel Göbekli Tepe eine Tempelanlage bestehend aus sieben Meter hohen Stelen aus Kalkstein aufgestellt, in die Künstler Tierfiguren graviert haben. Auch später im alten Ägypten waren die Pyramiden als religiöse Grabstätte der Pharaonen die ersten Steinbauten, während die meisten Menschen noch in Lehmhäusern wohnten. Am Ende des 3. Jahrtausends v. Chr. werden große Palastanlagen errichtet, wie zum Beispiel der Palast von Knossos auf der Insel Kreta. Von da an verlaufen die Entwicklung und der Ausbau von öffentlichen Gebäuden und Plätzen sowie privaten Wohnhäusern in Stein parallel in den unterschiedlichen Kulturen ab. Besonders schöne Beispiele findet man im antiken Griechenland. Vorzugsweise wurde weißer und bunter Marmor für die Verkleidung von Wänden, Fußböden, Decken, Säulen und Interieur verwendet. Oftmals gestalteten sich jedoch die Beschaffung und der Transport von echtem Marmor von den lokalen oder ausländischen Steinbrüchen zum Bauwerk entweder schwierig oder sie war mit immensen Kosten verbunden, die sich nur sehr wohlhabende Leute leisten konnten. Zudem war man mit der Auswahl an heimischen Marmor auf eine gewisse Farbauswahl und Musterung beschränkt, sodass andersartiger Marmor in der Phantasie sozusagen kreiert wurde. Bei der Ausgestaltung von Innenräumen wurden gerne solche Phan-

tasie-Marmore gezeigt, indem sie in den frischen Putz (ital. „al fresko“) gemalt wurden. Viele Bürger besaßen in ihren Häusern keine Wandverkleidung in Marmor, weshalb die Wandmalerei und die Imitation von Marmor eine wichtige Rolle spielte. Meist fehlte auch das Geld beim Wiederaufbau nach einem Erdbeben oder einer kriegerischen Auseinandersetzung, weshalb fehlende Bereiche mit Mörtel neu verputzt und künstlich marmoriert wurden. Im Folgenden wird näher auf die künstliche Marmorierung in der bildenden Kunst von der Antike bis in die heutige Zeit eingegangen, wobei der Fokus auf die Maltechnik und deren Wirkung gelegt ist. Ausgehend von den Wandputztechniken im alten Ägypten, die die Grundlage der römischen Wandmalerei bilden, wird über die freskale Scheinarchitektur der Renaissance erzählt. Die Hochblüte der Illusion wurde im Barock durch die Gestaltung mit Stuckmarmor, einer Imitationstechnik von Marmor mit eingefärbten Leim-Gips-Massen, erzielt. Aufgrund seiner häufigen Verwechslung mit echtem Marmor wurde er auch gerne zur Ausgestaltung der Ringstraßenbauten in Wien verwendet, worauf am Ende dieses Textes eingegangen wird. Dabei kann die große Anzahl an verschiedenen Kunsttechniken dazu verleiten, den Überblick zu verlieren. Da all die hier besprochenen Imitationstechniken den Baustoff Gips und/oder Kalk gemein haben, verschmelzen die Gattungsgrenzen ineinander. Aus diesem Zusammenhang beeinflussen und bedingen sich die einzelnen Kunstformen einander.

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WA N D M A L E R E I

Eugene Violet-le-Duc: Konstruktives Schema der Caracalla-Thermen in Rom (Anfang 3. Jahrhundert n. Chr.),1867 Lithographie farbig auf Karton 96,3x73,2 cm

ADATO #1_2019 Architecture and Painting