Issuu

Benvidos á Welcome to the

edición edition

6 Manfred Kirchheimer 16 Bette Gordon 22 SEPA: Nuestro Señor de los Milagros. Walter Saxer 24 Amerasia. Wolf-Eckart Bühler 26 Competición longametraxes / Feature-length Films Competition

29 Competición curtametraxes / Short Films Competition 33 Competición Galicia / Galician Competition 39 Xurados / Jurys 42 Cinema percorridos II: Visións nocturnas / Cinema Tours II: Night Visions

45 Encontros / Round Tables 47 Daniel Domínguez. Río de sombras 48 Play-Doc en Filmin 49 Play-Doc Live! 52 Equipo / Team 53 Sponsors 54 TUI 55 Horario / Schedule 3

envidos a Play-Doc!

Bruce Weber

Un saúdo aos nosos moitos amigos de Tui! Van un agradecemento e un forte abrazo para Ángel Sánchez e Sara García Villanueva, codirectores de Play-Doc, e para ese equipo estelar co que contan, unha das razóns máis poderosas de que o cinema siga gozando de boa saúde. Aquí presentei as miñas películas Broken Noses e Let’s Get Lost e tivo lugar a estrea en España de Nice Girls Don’t Stay for Breakfast, o meu último traballo, centrado en Robert Mitchum. O equipo de Play-Doc axudoume moitísimo coa quenda de preguntas, sobre todo porque son moi tímido e ás veces me custa falar en público do bo dunha película propia e do que saíu ao revés. Un filme no que investiches anos de traballo nace, dalgunha maneira, nun festival de cinema, e vai gañando seguridade en si mesmo igual que un rapaz ou unha rapaza que xogan ao baloncesto tentando que os seus pais estean orgullosos deles. Para min foi unha honra que me convidasen a Tui e, por unha vez, todo aquilo que un espera fíxose realidade. A xente faiche preguntas intelixentes e en ocasións alguén acaba namorado como un ollomol dalgunha das descoñecidas estrelas da película. Ao tempo que se exhibía Let’s Get Lost en Play-Doc, vin o magnífico documental de WolfEckart Bühler titulado Leuchtturm des Chaos, que trata dun dos meus actores favoritos, Sterling Hayden. Nela, Hayden é un personaxe, un personaxe de verdade, igual que Robert Mitchum o é na miña película, só que un fala demasiado e o outro apenas nada… Wolf e eu felicitámonos mutuamente por seguirmos tendo «os pés na terra» e estarmos aquí para contalo. Só nun festival como este ten un a posibilidade de ver un filme que estivo a piques de facer (sobre Sterling), se non fose porque Robert Mitchum me dixo que si e resulta que lle apetecía andar por alí e cantar algo e falar de mulleres. Así que o mellor consello que lle podo dar a quen vaia a este festival é o seguinte: tenta coñecer a Anxo, a Sara e o seu equipo, porque son os mellores gardacostas e protectores do mundo do cinema que vin en moito tempo. Cando a miña produtora, Eva Lindemann, nos contou á miña muller, Nan, e a min que esta parte de España é famosa polo seu excelente marisco, pensei: «Oh, non, pero se eu non como peixe!», e pasei uns días a base de ensaladas, galletas salgadas e patacas fritas, que foi unha boa maneira de adelgazar un pouco e ver unhas películas estupendas nuns lugares encantadores. Moitas grazas por esta marabillosa aventura. Podedes volver convidarme outra vez? Prometo levar os meus seis cans. Ben, sexa como sexa, mándovos un saúdo con moitísimo agarimo. A gozar da experiencia! 4

elcome to Play-Doc!

Foto_ Tamara de la Fuente

Hi to our many friends in Tui. A thank you and a big hug goes out to Angel Sanchez and Sara Garcia Villanueva, co-directors of Play-Doc, and their stellar team, one of the best reasons why cinema today is alive and well. I presented my films Broken Noses and Let’s Get Lost and the first theatrical presentation in Spain of Nice Girls Don’t Stay for Breakfast, my newest film, about Robert Mitchum. The Play-Doc team was so helpful with Q and A’s, especially because I am very shy and sometimes it’s hard to talk in front of an audience about the good and upside-down things in one’s film. A film that you spend years working on somehow gets born at a film festival. It starts getting its own confidence like a guy or girl playing basketball trying to make their parents proud. I was honored to be invited to Tui and for once all the things you hope for came true. People ask you intelligent questions and sometimes a man or woman ends up having a big crush on one of the unknown stars of your film. At the same time that Let’s Get Lost was playing at Play-Doc I saw the wonderful documentary by Wolf-Eckart Buhler called The Lighthouse of Chaos. It’s about one of my favorite actors, Sterling Hayden. He’s a real character, just like Robert Mitchum is in my film. Only – one talks too much and the other one hardly says anything! Wolf and I congratulated each other for still having our “feet on the ground” and being here to tell the story. Only at a film festival like this would you see a film you almost made (about Sterling), except that Robert Mitchum said “yes” to me and wanted to hang out and sing some songs and talk about women. So, the best advice I can give anyone that goes to this festival is this: try to meet Angel, Sara and their team. They are the best bodyguards and protectors of the film world I’ve seen in a long time. When my producer Eva Lindemann told my wife Nan and I that this part of Spain is known for it’s great seafood, I thought, “Oh, no, I don’t eat fish.” So, I lived for a few days on salads, pretzels and potato chips. It was a good way for me to lose some weight and see amazing cinema in enchanting surroundings. Thank you for the marvelous adventure. Can I ever be invited back again? I promise to bring along my six dogs. Well, anyway, I send you all lots of love. Enjoy the experience!

Bruce Weber & Nan Bush 5

MANFRED KIRCHHEIMER Ser un Mensch / Being a Mensch

a desde o principio, Manfred Kirchheimer foi recoñecido como destacado cineasta. E, no entanto, ao longo dunha carreira profesional que agora facilmente abrangue seis décadas, nunca tivo valedor, nin se cultivou o estudo da súa obra, nin o seu nome acadou altos cumios, nin foi un autor cuxo último traballo se esperase sempre con ansia. Os motivos son varios e teñen que ver coa escasa frecuencia da súa produción, así como coa duración dalgunhas das súas obras, que dificultou a súa distribución ou programación dentro das estruturas convencionais. Con todo, a razón máis importante probablemente radique en que o cinema de Kirchheimer nunca estivo de moda no tocante ao estilo. Cando en 1963 fixo o seu debut con Colossus on the River, causaba furor o cinema directo; unha estética e unha política de imaxes e sons que a el non lle daban esperanza ningunha. Para expresalo con termos lixeiramente polémicos: o cinema directo trata

por / by Olaf Möller

ight from the start, Manfred Kirchheimer was recognized as a major filmmaker – and yet, over the course of a career now easily six decades long, he got never championed, cultivated, turned into a name, an auteur whose latest work was always eagerly awaited. The reasons for this are several and have to do with the infrequency of his output as well as some works’ length, which made them difficult to distribute or program inside conventional structures. Yet the probably most important one is that Kirchheimer’s cinema was never fashionable in terms of style. When he debuted with Colossus on the River in 1963, direct cinema was all the rage – an aesthetic as well as politic of images and sounds that never held any promise for him. If one wants to put it in slightly polemical terms: direct cinema is all about society as spectacle, a liberal-minded play whose outcome might change from time to time but not the rules – while for Kirchheimer, human endeavour, mankind itself

por enteiro da sociedade como espectáculo, un xogo de mentalidade liberal cuxo resultado pode variar de cando en vez, pero non as regras, mentres que para Kirchheimer os afáns humanos, a humanidade en si mesma, non son senón pasaxeiros, como pode verse, por certo, en Claw. A Fable (1968) ou Up the Lazy River (2020), por exemplo. Nova York móstrase case nun proceso de crecemento que transforma os bosques primixenios nunha «cidade situada na cima dun monte», cuxo futuro como ruína invadida polas herbas, os fentos e as árbores xa resulta visible para o ollo dun observador curioso. A referencia bíblica é acaída, pois a Kirchheimer encántalle amosar a arquitectura máis antiga de Nova York dunha forma que subliñe as súas semellanzas con esas catedrais góticas habitadas por infinidade de gárgolas, recordatorios todas elas da invariable natureza da gloria e a miseria humanas para aqueles que lle presten atención ao seu pétreo silencio omnisciente. A Kirchheimer encántalle a grandiosidade, talvez porque a crean eses diminutos seres chamados humanos. Colossus on the River constitúe case un ensaio sobre esa particular relación: o SS United States —o meirande transatlántico construído nos EUA, así como o buque máis rápido do mundo entre os da súa clase— entra no porto de Nova York guiado polas manobras dun piloto que está ao mando dunha presa de remolcadores. O contraste resulta asombroso: un home capaz de ler a linguaxe das nubes e as ondas dirixe un feixe de pequenas embarcacións para elas efectuaren movementos minúsculos, con precaución pero tamén con decisión, que van salvagardar a seguridade e a integridade dun Behemot de aceiro e dos miles de persoas que fixeron del o seu fogar temporal, e todo isto baixo a mirada vixiante do seu pai intelectual, o arquitecto naval William Francis Gibb, quen, segundo afirman as crónicas, sempre está aí cando o barco chega á casa. A arribada dun buque de pasaxeiros despois dunha travesía atlántica aínda constituía unha vista que aos neoiorquinos daquela altura lles parecía bastante normal; e, porén, xa as vían vir: tal modo de viaxar non vai ser propio deste mundo durante moito máis tempo. Seis anos despois de se facer a película, o SS United States foi retirado do servizo tras a súa cuadrinxentésima travesía. Para entón, os viaxes por aire tomaran a remuda. É difícil non ler significados máis profundos en todo isto, como pode

is but fleeting, as can be witnessed, by the way, in e.g. Claw. A Fable (1968) or Up the Lazy River (2020). New York is shown as almost growing from primeval forests to a City on a Hill whose future as a ruin overgrown with grasses, ferns and trees is already visible to the curious eye. The biblical reference is apt as Kirchheimer loves to show the older architecture of New York in a way that stresses its similarities with Gothic cathedrals inhabited by gargoyles galore – reminders of the unchanging nature of human glory and misery to those who pay attention to their all-knowing stony silence. Kirchheimer loves grandeur, maybe because it’s created by those tiny beings called humans. Colossus on the River is almost an essay on that particular relationship: the SS United States – the biggest ocean liner built in the USA as well as the fastest ship in the world of its kind – is manoeuvred into New York Harbour by a pilot commanding a handful of tugboats. The contrast is staggering: one man able to read the language of clouds and waves directs a bunch of small vessels to do cautious yet decisive minuscule movements that will protect the safety and integrity of a steel behemoth and the thousands that made it their temporary home – all under the watchful eyes of its intellectual father, naval architect William Francis Gibbs, who, the commentary claims, is always there when the ship arrives home. An ocean liner coming in from an Atlantic crossing was still a rather ordinary sight to New Yorkers of the time – and yet, the writing was on the wall: this mode of travelling won’t be too long any more for this world. Six years after the film was made, the SS United States got withdrawn from service after its 400th journey – air travel had taken over by then. It’s difficult to not read any deeper meanings into all this, including the demise of American power and influence in the world – towards the end of ‘63, President Kennedy will be assassinated, while the war in Vietnam escalates and escalates. The film’s maybe most overwhelming shot shows a Black sailor against the gigantic Stars and Stripes floating in the wind – a last salute to an empire collapsing. Did Kirchheimer arrive in the United States on a ship like the SS United States? After his birth in Saarbrücken in 1931, his family left the German Reich in 1936, when it became only too clear how serious the ruling Nazi party was about its 7

ser o colapso do poder e a influencia dos EUA no mundo: cara a finais de 1963, o presidente Kennedy será obxecto dun magnicidio, en tanto que a guerra de Vietnam se recrúa sen cesar. A que talvez constitúa a toma máis impoñente da película mostra un mariñeiro negro recortándose contra unha xigantesca bandeira de barras e estrelas que ondea ao vento: un último saúdo a un imperio que se derruba. Chegou Kirchheimer aos Estados Unidos a bordo dun buque como o SS United States? Tras o seu nacemento en Saarbrücken en 1931, a súa familia abandonou o Reich alemán en 1936, cando ficou patente, e como, o moi en serio que tomaba o partido dirixente, o nazi, a súa política de sometemento dos cidadáns xudeus da nación, a saber: os pavillóns de exterminio. Tamén as vían vir? Así foi como os Kirchheimer fixeron de Nova York o seu fogar. Canto de Saarbrücken seguiu vivo en Manfred Kirchheimer? Canto lembra el dos seus primeiros anos nese outro país? En Nova York Kirchheimer asistiu á escola e despois tamén á universidade, onde o seu mentor foi outro refuxiado alemán: o pioneiro do dadaísmo e axioma da animación abstracta Hans Richter, quen fundou o Institute of Film Techniques (Instituto de Técnicas Cinematográficas) do City College. Se ben Richter constituíu, sen dúbida, unha figura de relevancia para Kirchheimer, porque foi el quen o encamiñou, a experiencia práctica que adquiriu traballando con Leo Hurwitz na década de 1960 probablemente resultase máis importante para o seu exercer cinematográfico. De certo, o Essay on Death: A Memorial to John F. Kennedy (1964) de Hurwitz reflicte unha fonda afinidade entre ambos na maneira en que se amosa e se dramatiza a natureza, e en como se subliña a evanescencia da vida mediante a presenza de formas gargolescas e obras de arte como a escultura de 1953 Variacións nunha esfera, núm. 10: o sol, de Richard Lippold, aos que lles dedicarían un filme propio dous anos despois. Eles, como corresponsables, figuran entre ducias de persoas máis, na súa maioría destacadas figuras da vangarda, na longa nómina de contribuíntes ao monumento de propaganda política For Life, Against the War, de 1967. Ao ano seguinte tería lugar a estrea de Claw. A Fable (codirector: Walter Hess), a cinta que consolidaría o modo de expresión máis celebrado de Kirchheimer: a coreografía sinfónica de imaxes e sons, que tamén caracteriza Bridge High (1975; 8

policies subjugating the nation’s Jewish citizenry – extermination wards. Was that writing also on the wall? Thus, the Kirchheimers made New York their new home. How much of Saarbrücken did stay with Manfred Kirchheimer, how much does he remember of his first years in that other country? Kirchheimer went to school in New York, and then to university there as well, where his mentor was another German émigré: Dada pioneer and abstract animation axiom Hans Richter, who founded the City College’s Institute of Film Techniques. While Richter was certainly of significance for Kirchheimer as he put him on his tracks, the practical experience he gained from working with Leo Hurwitz in the 60s was probably more important for his filmmaking practice. Hurwitz’ Essay on Death: A Memorial to John F. Kennedy (1964) certainly shows a deep kinship between the two in the way nature is shown and dramatized, and how the evanescence of life gets stressed by the presence of gargoylesque shapes as well as artworks like Richard Lippold’s 1953 sculpture Variations within a Sphere, #10: The Sun, to whom and which they’d dedicate a film of its own two years on. Playing a co-responsible role, they appear among dozens of others, avantgarde luminaries mostly, on the long contributors' roll call for the 1967 agitprop monument For Life, Against the War. The following year would see to the release of Claw. A Fable (co-director: Walter Hess), the film to establish the Kirchheimer mode of expression most widely celebrated: the symphonic choreography of images and sounds, which also characterizes Bridge High (1975; co-director: Walter Hess), Stations of the Elevated (1980), in some chapters Tall: The American Skyscraper and Louis Sullivan (2004) and Art Is… The Permanent Revolution (2012), and then again the whole and all of Dreams of a City (2018), Free Time (2019), Up the Lazy River and One More Time (2021), the latter four made in good parts using material from his earlier films and shoots. Kirchheimer establishes himself here as a heir to the likes of Walter Ruttmann, Albrecht Viktor Blum or the Kaufman family in its aesthetic diversity – while going one or two steps further than all of them by making time, considered at an epic scale, the subject of his montages, which sometimes takes the shape of the above-described movement from the antediluvian to the high modern, then

codirector: Walter Hess), Stations of the Elevated (1980), algúns capítulos de Tall: The American Skyscraper and Louis Sullivan (2004) e Art Is… The Permanent Revolution (2012), e máis adiante, outra vez, a totalidade de Dreams of a City (2018), Free Time (2019), Up the Lazy River e One More Time (2021), das cales as catro últimas se realizaron, en boa medida, con material procedente dos seus primeiros traballos e tomas. Aquí Kirchheimer establécese como herdeiro de nomes como Walter Ruttmann, Albrecht Viktor Blum ou a familia Kaufman na súa diversidade estética, e simultaneamente vai un ou dous pasos por diante de todos eles ao converter o tempo, considerado a escala épica, no obxecto das súas montaxes, que por veces adopta a forma do movemento, antes descrito, que decorre do antediluviano á alta modernidade e que outras veces cristaliza en algo tan básico pero fundamental como os trens cubertos de pintadas que avanzan pola vasteza urbana como signos dos tempos que están por chegar. Neste punto, literalmente, un veas vir. Nas súas obras máis recentes, o tempo como obxecto está arraigado na textura das propias imaxes, igual que nas modas das épocas ou nos edificios que agora un sabe que xa son cousa do pasado. Esta modalidade, cunhas paisaxes sonoras coidadosamente elaboradas e unha imaxinería espectacular que mostra con orgullo a fascinación de Kirchheimer pola gloria gráfica da arte impresa, é o que máis se achega ao que se denomina cinema puro. Dito isto, podería afirmarse que as obras máis ricas de Kirchheimer son as de maior complexidade formal, o cal sempre significa que, nalgunha medida, efectivamente empregan a linguaxe de maneira fértil e evocadora, empezando por Colossus on the River, seguindo co seu magnum opus We Were So Beloved (1986) e chegando por fin a Tall: The American Skyscraper and Louis Sullivan e Art Is… The Permanent Revolution. Pero atención: estas non son as únicas cintas do autor nas que se traballa coas palabras. Así, Daughters (2020), por exemplo, non está constituída por case máis nada que palabras, mentres que a súa solitaria incursión na ficción, Short Circuit (1973), posúe moito diálogo, aínda que vaia encamiñado cara a unha longa secuencia de montaxe que ten lugar na mente do protagonista e na que se recorre case exclusivamente a sons e imaxes para insinuar unhas preocupacións e unha paranoia que van en aumento: o seu racismo burgués.

othertimes crystallizes into something so basic yet fundamental as the sprayed trains moving through the urban vastness as signs of the times to come – the writing is here quite literally on the walls; in his most recent works, time as a subject is ingrained in the textures of the images themselves, just as it is in the fashions of the days or the buildings one now knows to be gone. This mode, with its carefully created soundscapes and dramatic imagery that proudly shows Kirchheimer’s fascination with the graphic glory of printing art, is closest to what one calls pure cinema. That said: Kirchheimer’s arguably richest works are the formally more complex ones, which always means that to some degree they do use language in a rich and evocative way, starting with Colossus on the River, then his magnum opus We Were So Beloved (1986) to finally Tall: The American Skyscraper and Louis Sullivan and Art Is… The Permanent Revolution. Mind that these aren’t his only films to work with words – Daughters (2020), e.g., is almost only words, while his lone foray into fiction, Short Circuit (1973), has a lot of dialogue even if it’s headed towards a long montage sequence in the protagonist’s head that uses almost exclusively sounds and images to suggest his growing anxieties and paranoia – his bourgeois racism. Which connects it uneasily yet intimately with We Were So Beloved, a portrayal of the Jewish émigré community in Washington Heights at the far end of Manhattan – the world of Kirchheimer’s family, whose memories and opinions form the film’s core. Almost everybody here has lost next of kin to the Nazi death machine; some even survived being deported into an extermination camp. But as Kirchheimer has to find out: having escaped one of the 20th century’s worst atrocities didn’t humble everybody into a better human being – prejudices, e.g., are still there, with the Blacks of neighbouring Harlem getting sometimes perceived in ways not too dissimilar from that of the Polish and Russian (later Soviet) Jews back in Germany during the 10s, 20s, 30s: backwards and/or poor, in that a threat to their own position in society, the way they (still) feel perceived by the goyim majority. In many ways they remained who they always were – history barely touched them. And as Short Circuit, which can be read as a tacit portray in grey and black of Kirchheimer himself, brutally suggests: even trying to bridge 9

O cal a conecta, de forma precaria pero íntima, con We Were So Beloved, retrato da comunidade de refuxiados xudeus de Washington Heights, no extremo de Manhattan; o mundo da familia de Kirchheimer, cuxas lembranzas e pareceres constitúen o núcleo da cinta. Aquí case todos perderon algún parente a mans da máquina nazi da morte; algúns mesmo sobreviviron á deportación a un campo de exterminio. Pero, como Kirchheimer ten que descubrir, escapar a unha das maiores atrocidades do século XX non lle deu a todo o mundo unha lección de humildade que o fixese mellor ser humano: os prexuízos, por exemplo, seguen aí, e os negros do veciño Harlem por veces son percibidos dun xeito non moi distinto de como se vía en Alemaña aos xudeus polacos e rusos (despois soviéticos) durante as décadas de 1910, 1920 e 1930: atrasados, pobres ou ambas as cousas, e por iso mesmo unha ameaza á súa propia posición na sociedade, é como senten (aínda) que os percibe a maioría dos goyim. En moitos sentidos, seguen a ser os que sempre foron; a historia apenas os tocou. E, como apunta con brutalidade Short Circuit, que pode interpretarse como un retrato tácito, en gris e negro, do propio Kirchheimer: mesmo o intento de salvar a fenda, o intento de superar as divisións de clase e raza, pode ser percibido como algo condescendente por aqueles que tal intentan. O único que lle queda a un por facer é apuntarse aos actos de solidariedade e apoio e engulir a escuridade que leva dentro, íntegra e completamente, xa que, ao cabo, esta non é máis que outra forma de autoodio e autocompaixón, e tamén de orgullo, emocións que nunca axudaron a ninguén. Encaixa, pois, que Kirchheimer non descubrise ata acabar We Were So Beloved que algunhas cousas eran máis complicadas do que contaban os seus entrevistados. Nunha escena que se ten citado con moita frecuencia, o seu pai di que probablemente non lle salvaría a vida a ninguén, porque se tiña por covarde; non foi ata máis adiante cando Kirchheimer chegou a saber que o seu proxenitor si lle dera refuxio para pasar a noite a outro xudeu escapado, e obviamente coidaba que aquilo non fora nada, o que dá unha idea do que significaba o valor para este home en concreto: moito. Advírtase que Kirchheimer nunca fai un Lanzmann ou un Ophüls á hora de presentar a súa familia en particular e a comunidade de Washington Heights en xeral: poida que lles dea voz ás súas propias opinións e pensamentos, e cara ao final da cinta, en 10

the gap, trying to overcome divides of class and race, can be perceived as condescending by those who try. The only thing that remains to do is to go with the acts of solidarity and support, and to swallow the darkness inside wholly and totally, for in the end, this is also only another form of selfloathing and -pity, and also pride – emotions that never helped anybody. It thus fits that Kirchheimer found out only after finishing We Were So Beloved that some things were more complicated than his interviewees let on. In a very often quoted scene, his father says that he’d probably not have saved anybody, for he thought of himself as a coward; only later did Kirchheimer learn that his father did shelter a fellow Jew on the run for a night; obviously he thought this was nothing – which gives an idea of what courage meant to this one man: a lot. Mind that Kirchheimer never goes Lanzmann or Ophüls in the way he presents his family in particular and the Washington Heights community in general: he might voice his opinions and thoughts, and towards the end of the film certainly summarizes his insights, but he’s never overtly judgemental – while he might sense some capital-t truths he’s too humble and generous, too much a Mensch to condemn others. And while he voices his disdain for all the Germans who collaborated with the Nazis if only through their passivity, he lets several US Americans his own age talk about this country’s history of persecutions, and how its citizens too often failed under far less terrorizing circumstances. Humans are mainly weak – and yet, as a collective they can very well defy their insignificance to create culture and progress, grow together beyond the boundaries of one, claim dominion over realms of the spirit and the soul their forefathers often would not have been able to conceive. On a formal level Tall: The American Skyscraper and Louis Sullivan and Art Is… The Permanent Revolution might be the more refined, multi-layered and ever-surprising achievements of Manfred Kirchheimer – but when it comes to the human spirit, few ever saw more greatness in it than he did in We Were So Beloved.

efecto, resume as súas apreciacións, pero nunca adopta unha actitude abertamente sentenciosa. Aínda que poida detectar algunhas verdades con maiúscula, é demasiado humilde e xeneroso, demasiado Mensch, para condenar os demais. E, ao tempo que expresa o seu desdén por todos os alemáns que colaboraron cos nazis, aínda que fose só coa súa pasividade, deixa falar varios estadounidenses da súa mesma idade verbo da historia de persecucións que ten este país, e de como os seus cidadáns, demasiado a miúdo, non estiveron á altura en circunstancias moito menos terroríficas. Os humanos son maiormente débiles; e, con todo, en canto colectivo moi ben poden desafiar a súa insignificancia para crearen cultura e progreso, para creceren alén das fronteiras do un, para afirmaren un dominio sobre os territorios do espírito e da alma que os seus entregos a miúdo serían incapaces de concibir. Na escala formal, Tall: The American Skyscraper and Louis Sullivan e Art Is… The Permanent Revolution poderían constituír uns logros máis refinados, dotados de múltiples camadas e sempre sorprendentes, pero, cando se trata do espírito humano, poucos viron nunca nel máis grandeza que este autor en We Were So Beloved.

COLOSSUS ON THE RIVER

As mareas, os cambios de vento e as contracorrentes converten o amarre dun xigantesco transatlántico nunha serie de complicadas manobras. Esta película, dotada dun entusiasmo desbordante, mostra a destreza e a delicadeza necesarias para atracar o lendario buque mercante SS United States no porto da cidade de Nova York.

The tides, shifting winds, and cross-currents in New York harbor, make the docking of a huge ocean-going liner a series of tricky maneuvers. This exuberant film shows the skill and delicacy required in berthing the legendary ocean liner SS United States.

15′ / 1965 / EUA

Sala 1 mércores Wednesday ás 20:30 h Sala 1 sábado Saturday ás 16:30 h

CLAW

30′ / 1968 / EUA

Sala 1 sábado Saturday ás 16:30 h

SHORT CIRCUIT 45′ / 1973 / EUA

Sala 2 xoves Thursday ás 17:30 h

BRIDGE HIGH 10′ / 1975 / EUA

Sala 1 sábado Saturday ás 16:30 h

Mentres unha máquina terrorífica derruba edificios ata reducilos a entullos, este documental poético examina os efectos negativos da renovación e a demolición urbanas. Nas construcións antigas, os relevos de pedra de aparencia humana observan como a cidade é alterada por estas grandes máquinas, que acabarán por destruílos tamén a eles.

As a terrifying machine demolishes buildings to rubble, Claw, bores into the ill effects of urban renewal and destruction. In this lyrical documentary, the human-like stone reliefs on older buildings watch the city being altered by the great machines which will finally destroy them, too.

No seu apartamento, na esquina da rúa 101 e Broadway, un cineasta comeza a cuestionarse as interaccións entre a familia branca e os empregados negros cos que se relaciona día a día. Esta inclasificable obra mestra, a única película seminarrativa de Kirchheimer, debería estar considerada como un filme de referencia por dereito propio, se non fose porque desde que se realizou foi practicamente imposible vela.

Kirchheimer’s only seminarrative film. In his apartment on the corner of 101st Street and Broadway, a documentary filmmaker begins to question his interactions to the white family and black workers he shares his daily existence with. Constructed reality and documentary fiction, an unclassifiable masterpiece of ideas and technique that by all rights should be considered a landmark, had it not been virtually impossible to see.

Bridge High é unha pasaxe evocadora a través dunha ponte colgante. Indo desde o campo cara á cidade, esta película expande o minuto e medio que se tarda en atravesar a ponte en coche, converténdoo nunha viaxe de nove minutos e medio; unha danza eufórica, unha coreografía de vigas, cables e arcos.

Bridge High is an evocative passage across a suspension bridge. Moving from the country to the city, the film expands the half minute it takes a car to cross, into a nine-and-a-half minute trip, choreographing cables, girders and arches into an exuberant dance.

STATIONS OF THE ELEVATED 45′ / 1981 / EUA

Sala 1 sábado Saturday ás 22:30 h

WE WERE SO BELOVED 145′ / 1986 / EUA

Sala 1 venres Tuesday ás 16:00 h

Stations of the Elevated é unha sinfonía urbana de 45 minutos, dirixida, producida e editada por Manfred Kirchheimer. Filmado en suntuosa película de 16 mm reversible, este filme mestura vívidas imaxes de trens cubertos de graffiti atravesando a áspera paisaxe da Nova York dos setenta cunha banda sonora que combina os ruídos da cidade co jazz e o gospel de Charles Mingus e Aretha Franklin. Deslizándose entre o South Bronx, Brooklyn, Queens e Manhattan —facendo un desvío polo penal do norte do estado—, Stations of the Elevated é un retrato impresionista dunha Nova York desaparecida hai xa moito tempo á que se lle rende homenaxe.

Stations of the Elevated is a 45-minute city symphony directed, produced and edited by Manfred Kirchheimer. Shot on lush 16mm color reversal stock, the film weaves together vivid images of graffiticovered elevated subway trains crisscrossing the gritty urban landscape of 1970s New York, to a commentary-free soundtrack that combines ambient city noise with jazz and gospel by Charles Mingus and Aretha Franklin. Gliding through the South Bronx, Brooklyn, Queens and Manhattan – making a rural detour past a correctional facility upstate – Stations of the Elevated is an impressionistic portrait of and tribute to a New York that has long since disappeared.

Entre 1933 e 1941 miles de xudeus procedentes de Alemaña e Austria fuxiron do nazismo e instaláronse nos Estados Unidos. Máis de 20.000 deles reuníronse no barrio de Washington Heights da cidade de Nova York, deixando atrás irmáns, irmás, pais e nais. Washington Heights converteuse así nunha comunidade de xudeus alemáns que os seus habitantes alcumaron o Cuarto Reich ou o Frankfurt do Hudson. We Were So Beloved indaga nas consecuencias emocionais e filosóficas desta comunidade, resultado da súa condición de sobreviventes.

Between 1933 and 1941 thousands of Jews from Germany and Austria fled to America. Leaving behind brothers, sisters and parents, more than 20,000 of them came together in Washington Heights in New York City. It became a German Jewish enclave dubbed by the Americans who lived there, “The Fourth Reich” or “Frankfurt-on-the-Hudson." The film probes the emotional and philosophical outcome of their survival.

TALL: THE AMERICAN SKYSCRAPER AND LOUIS SULLIVAN 80′ / 2006 / EUA

Sala 1 xoves Thursday ás 22:30 h

DREAM OF A CITY 38′ / 2018 / EUA

Tall é a historia do ascenso imparable dos rañaceos que comeza en 1869, nas cidades de Nova York e Chicago. Ascensores, aceiro e electricidade combínanse para crear un frenesí de edificios cada vez máis altos. Rivais irreconciliables compiten por favores, diñeiro e poder. O enfrontamento definitivo entre os arquitectos Louis Sullivan e Daniel Burnham —entre a integridade e a vivenda— cambiará o futuro para sempre, moldeando o horizonte das cidades modernas do mundo.

Ta l l i s t h e s t o r y o f t h e unstoppable rise of the skyscraper. Starting in 1869, i n N e w Yo r k a n d C h i c a g o , elevators, steel, and electricity combined to create a frenzy of tall and taller buildings. Fierce r i va l s c o m p e t e d f o r f avo r, money and power. The ultimate showdown between the Chicago architects Louis Sullivan and Daniel Burnham – between integrity and accomodation – changed the future, shaping the modern skyline throughout the world

Esta sorprendente película está composta por fascinantes imaxes en branco e negro de lugares de obras, da vida na cidade e do tráfico portuario. Filmada por Kirchheimer e o seu vello amigo Walter Hess entre 1958 e 1960 e con música de Shostakovich e Debussy, Dream of a City é como un sinal precioso e caprichoso recibido sesenta anos despois da súa transmisión.

This astonishing new film, comprised of stunning black and white 16mm images of construction sites and street life and harbor traffic shot by Kirchheimer and his old friend Walter Hess from 1958 to 1960, and set to Shostakovich and Debussy, is like a precious, wayward signal received 60 years after transmission.

Free Time é un canto a aqueles tempos pasados máis sinxelos, aos fermosos barrios de outrora da cidade de Nova York e á forma en que as persoas adoitaban pasar o seu tempo libre.

An hour-long paean to simpler days, to the beautiful neighborhoods of the New York City of yesteryear, and to the way we used to spend our time.

Sala 2 xoves Thursday ás 17:30 h

FREE TIME

60′ / 2019 / EUA Sala 2 domingo Sunday ás 19:30 h

ONE MORE TIME 16′ /2021 / EUA

Sala 1 mércores Wednesday ás 22:30 h

UP THE LAZY RIVER 31′ / 2021 / EUA

Sala 1 mércores Wednesday ás 22:30 h

Coda ao tríptico que ofrece unha gloriosa mirada final ao singular arquivo de secuencias rodadas ao longo de décadas na cidade de Nova York e os seus arredores. Unha combinación de imaxes en branco e negro e en cor, ningunha delas vista ata agora, que datan da época das primeiras tomas do autor e chegan ata Stations of the Elevated. A intercalación dos materiais, separados entre si por varios anos, non só serve de comparación entre a Nova York de antes e a de agora, senón que tamén constitúe un recordo asociativo libre que é típico de calquera que pasase a vida andando polas mesmas rúas, vendo cambiar o mundo ao seu ao redor e atopándose con que cada esquina e cada edificio tráenlle á memoria algo que tiña medio esquecido.

A coda to the triptych, providing a final, glorious look at the singular archive of footage shot over decades in and around New York City. A combination of black and white and color footage, all never before seen, dating from the earliest shoots through Stations of the Elevated. The intercutting of material, separated by years, provide not only a comparison between New York then and now, but a free associative recollection of anyone who has spent their life walking down the same streets, seeing the world change around you, every corner and building reminding you of a halfforgotten memory.

Elaborada a partir da interminable serie de imaxes que Kirchheimer e Walter Hess filmaron nunha Bolex en 16 mm, Up the Lazy River é a conclusión do tríptico iniciado con Dream of a City e Free Time. A cinta está chea de motivos que Kirchheimer fixo seus: a cámara que se despraza maxestosa entre os edificios, apuntando ao ceo, coa luz a reflectirse nos vidros, filmando a fronte dos establecementos comerciais e a vida diaria segundo percorre as rúas, sempre cunha abraiante capacidade que lle permite captar pequenos momentos entre veciños e as faces dunha metrópole, para chegar á súa culminación co extático son de Louis Prima e os tranquilos sons do río. Miren con atención: alcanzarán mesmo a ver fugazmente o propio Manny.

Crafted from the endless wealth of images filmed in 16mm on a Bolex by Kirchheimer and Walter Hess, Up the Lazy River is the conclusion of the triptych begun with Dream of a City and Free Time. The film is filled with motifs that Kirchheimer has made his own: the camera traveling majestically through building, pointing skyward, light reflecting off glass, sweeping through the streets filming storefronts and daily life, always with an uncanny ability to capture small moments between neighbors, and the faces of a metropolis, culminating to the ecstatic sound of Louis Prima and the peaceful sounds of the river. Look close: you will even catch a glimpse of Manny himself.

Bette Gordon & Jean-Luc Godard

BETTE GORDON De fóra cara a dentro / Outside in

odos os filmes son documentais da súa propia creación, pero a serie de cintas que realizou Bette Gordon de 1974 a 1983 documentan a aparición dunha nova era na cinematografía radical. En 1974, Gordon aínda estaba a estudar cando empezou a colaborar con James Benning en Madison (Wisconsin) e os seus primeiros traballos conxuntos, Michigan Avenue (1974) e I-94 (1974), recorren a un enfoque estruturalista do retrato. En Michigan Avenue alónganse tres tomas curtas mediante un proceso de impresión óptica que comportou volver sacar sesenta veces cada fotograma, que a continuación se disolvía no seguinte. A medida que as escenas gañan en intimidade, a banda sonora vólvese máis abstracta e os suxeitos, menos escrutables, ata culminaren nunha muller que sae da cama virando lentamente sobre si mesma mentres o seu amante a observa indiferente. En I-94 explórase unha temática similar e un terreo técnico semellante, empregando a impresión óptica para alternar imaxes dun home e unha muller de forma que dea a impresión de que van camiñando o un cara ao outro. A superposición das súas intervencións no diálogo aumenta a sensación de alienación: dúas persoas que falan sen escoitárense, no mesmo lugar pero nunca no mesmo fotograma.

por / by Nellie Killian

ll films are documentaries of their own making, but Bette Gordon’s run of films from 1974 to 1983 document the emergence of a new era in radical filmmaking. Gordon was still a student in 1974 when she began collaborating with James Benning in Madison, WI. Their first collaborations, Michigan Avenue (1974) and I-94 (1974), use a structuralist approach to portraiture. In Michigan Avenue three short shots are drawn out through an optical printing process where each still frame was rephotographed 60 times and then dissolved into the next. As the scenes become progressively more intimate, the sound track becomes more abstract and the subjects less scructable, culminating in a woman slowly rolling off the bed while her lover watches unmoved. I-94 explores similar thematic and technical terrain, using optical printing to alternate images of a man and woman so that they appear to be walking toward each other. Their overlapping dialog increases the sense of alienation: two people talking past each other, in the same place but never in the same frame. In "Bette Gordon: I Like To Watch", an interview for the Criterion Channel, Gordon discusses the influence of Michael Snow on this early work:

En «Bette Gordon: I Like To Watch», entrevista realizada para The Criterion Channel, Gordon comenta a influencia que exerceu Michael Snow nestas primeiras obras: «Pero que é unha historia? Ten que pasar ante a lente? Podería atoparse ao redor dela e xunto a ela?». Deste xeito, no traballo de Gordon e Benning fusiónase o carácter lúdico e preciso das estratexias estruturalistas co máis directamente político. En I-94, o home e a muller falan das experiencias que tiveron no profesional e no vital desde a perspectiva do seu sexo; en The United States of America (1975), terceira e última colaboración entre os artistas, unha cámara fixa montada no asento traseiro dun coche rexistra a paisaxe estadounidense á vez que en fragmentos radiofónicos se lle toma o pulso ao país desde Nova York ata Os Ánxeles. Cunha rodaxe que tivo lugar en 1976, a radio capta unha transmisión continua da serie musical «AM Gold», salpicada de partes informativos sobre o final da intervención estadounidense en Vietnam, o secuestro de Patty Hearst e a celebración do bicentenario do país. Gordon e Benning instalaron unha Bolex no asento traseiro de tal modo que, esencialmente, o coche enteiro se converteu en cámara, e viaxaron polo país facendo manobras co parabrisas para encadraren o que quixesen que vise a cámara. Agora, case cincuenta anos despois, a paisaxe sonora é a estrela do programa, pero as siluetas de Gordon e Benning recórtanse, en primeiro plano, en todas as tomas: cambiando de posición no asento, comunicándose mediante unha indicación ou un asentimento coa cabeza mentres manexan o coche-cámara e mirando longamente pola xanela. É unha cinta que mostra en primeiro termo o seu proceso de creación, pero o papel activo que desempeñan Benning e Gordon como realizadores vai asociado ao seu papel de pasaxeiros, de avatares dos espectadores, á vez que os envolven as imaxes e sons de 1976. The United States of America é o non plus ultra de filme estadounidense de estrada, con excelentes cancións e paisaxes desertas cargadas de desolación incluídas. A descomposición dun xénero nos seus compoñentes fundamentais devolve ecos dos parámetros estruturais que lles conferiron Gordon e Benning ás súas primeiras obras. No traballo en solitario de Gordon afianzouse este interese polos motivos de xénero e por unhas estruturas narrativas máis tradicionais.

“What is a story even? Does a story have to be in front of the lens? Could it be around it and beside it?” Gordon and Benning’s work fuses the playfulness and precision of structuralist strategies with the more straightforwardly political. In I-94, the man and woman talk about their gendered experiences in work and life; in The United States of America (1975), the third and final collaboration between the artists, a fixed camera mounted in the backseat of a car captures the American landscape as snippets of radio take the temperature of the country from New York City to Los Angeles. Shot in 1976, the radio captures a steady stream of AM Gold, punctuated by news reports on the end of America’s involvement in Vietnam, the kidnapping of Patty Hearst, and the celebration of the country’s bicentennial. Gordon and Benning rigged a Bolex to the back seat in such a way that the entire car essentially became a camera. They drove across the country maneuvering the windshield to frame whatever they wanted the camera to see. Now, nearly 50 years later, the soundscape is the star of the show, but Gordon and Benning are silhouetted in the foreground of every shot: shifting in their seats, communicating with a point or a nod as they operate their car-camera, and gazing out the window. It’s a film that foregrounds its making, but Benning and Gordon’s active roles as filmmakers are coupled with their roles as passengers: avatars for the audience as the sights and sounds of 1976 wash over them. The United States of America is the ne plus ultra of the American road movie, complete with great tunes and desolate desert landscapes. Breaking a genre down to its essential components echoes the structural parameters Gordon and Benning imposed on their earlier work. In Gordon’s solo work, this interest in genre motifs and more traditional narrative structures took hold. You can see Gordon developing her new vernacular in 1980’s Empty Suitcases. As in the earlier work, there is a focus on people in their environments, but Gordon pays special attention to the way women create their spaces and their selves: the music they play, the outfits they try on, the way they move in their homes. Several women perform as a single fractured protagonist, trying to get a hold of the ever shifting circumstances of their lives: relationships slowly ending, political solidarity and upheaval, and creative uncertainty. Their attempts to unify and make sense of a life 17

Vémola elaborar unha linguaxe propia en Empty Suitcases, de 1980; nela, como nas súas primeiras obras, as persoas, situadas na súa contorna, constitúen un centro de atención, pero Gordon fíxase especialmente en como as mulleres crean o seu espazo e o seu eu: a música que poñen, os modelos que proban, a maneira en que se moven na casa. Varias mulleres actúan como un único protagonista fracturado, tratando de aferrarse ás circunstancias, en permanente mudanza, da súa vida: relacións que van chegando ao seu termo, solidariedade e axitación políticas e incerteza creativa. Os seus intentos por dar unidade e sentido a unha vida proxéctanse nunha sorte de película de espías na que se insinúa desde o principio unha acción cataclísmica e definitiva. As figuras desta cinta posúen unha dimensión interior que difire do visto nas colaboracións con Benning. Gordon xoga coa tensión que xorde entre a narración das mulleres e a súa presenza física, para ao cabo permitirlles que encarnen o seu mundo interior. Como di nunha filmina, «Volveu sobrevir esa sensación tan coñecida. A dislocación entre a percepción do eu interior e o comportamento exterior. Clara e innegable. Síntome coma se nunca fose ser capaz de xuntalos». Mentres que en Empty Suitcases e no resto das súas obras anteriores se adoptaba un enfoque experimental á hora de representar as mulleres na pantalla, en 1980 Gordon fixo a que ata a data é a súa cinta máis convencional desde o punto de vista narrativo, Variety. Un ano antes de que realizase o seu primeiro filme, publicouse Visual Pleasure and Narrative Cinema [«Pracer visual e cinema narrativo»], de Laura Mulvey, e parece imposible non falar da relación que garda o traballo de Gordon co discurso público de masas que se desenvolveu a continuación, ao longo da década seguinte, ao redor da representación da muller. En Variety (1984) recórrese a unha trama hitchcockiana na que unha moza acepta un emprego no despacho de billetes dun cinema porno e empeza a seguir, dunha forma cada vez máis obsesiva, un dos espectadores. En Empty Suitcases e Anybody’s Woman (1981), complemento de Variety, Gordon plasma a bohemia dun centro urbano poboado por mulleres fascinantes — cada cinta é un verdadeiro quen é quen de artistas contemporáneas—, pero Variety mostra como ese oquiño seu queda envolvido por un mundo de homes en gran medida alleo a todo impulso utópico que xurda no centro de Nova York. Nunha 18

are cast as a sort of spy thriller, with cataclysmic and definitive action hinted at from the start. There is an interiority to the figures in this film that is unlike the Benning collaborations. Gordon plays with the tension between the women’s narration and their physical presence, eventually allowing them to embody their inner world. As one slide says, “That old feeling erupted again. The dislocation between her sense of self inside and her behavior outside. Clear and undeniable. I felt as though I could never bring them together.” While Empty Suitcases and her other previous work took an experimental approach to representing women on screen, in 1980, Gordon made Variety, her most narratively conventional film to date. Laura Mulvey’s Visual Pleasure and Narrative Cinema was published a year before Gordon made her first film, and it seems impossible not to talk about how her work relates to the massive public discourse around the representation of women that ensued over the following decade. Variety (1984) employs a Hitchcockian plot that involves a young woman taking a job in the box office of a porn theater and becoming increasingly obsessed with following one of the theater’s patrons. In Empty Suitcases and Anybody’s Woman (1981), a companion piece to Variety, Gordon captures a downtown bohemia populated by fascinating women (each film is a veritable who’s-who of contemporary artists), but Variety shows the way that this niche is enveloped by a world of men that is largely unaware of any utopian impulses in downtown New York. In one scene Gordon alternates shots of the man Christine has been following as he meets with business associates all over town, sealing their relationship with a handshake each time, with a static shot of Christine on a massage table as she engages in a meditation that puts her in closer contact with her own body. This scene is a turning point in the film, and Christine emerges from that session with the wherewithal for confrontation; however, the film ends on an inconclusive note. Gordon has flipped nearly a hundred years of film grammar to create a female character on screen who isn’t just watched, but one who likes to watch, a real voyeuse. Once a woman has gained the power to become the beholder instead of the beheld, the next question is obvious: what do you want to do with it? As Christine says in the final moments of Variety, “I don’t exactly know that right now, but I’ll know when I see you.”

escena dada, Gordon alterna tomas do home que Christine está a seguir mentres el se reúne cos seus socios empresariais por toda a cidade, para selar de cada vez a relación cunha aperta de mans, cunha toma estática de Christine nunha mesa de masaxe durante un proceso de meditación que a pon en estreito contacto co seu propio corpo. A escena constitúe un punto de inflexión na película e Christine sae desa sesión cos medios necesarios para a confrontación; con todo, o filme acaba cunha nota non concluínte. Desta maneira, Gordon dálles a volta a case cen anos de gramática cinematográfica para crear en pantalla unha personaxe feminina que non é simplemente mirada, senón á que lle gusta mirar; unha auténtica voyeuse. Unha vez que unha muller adquiriu o poder de converterse na que contempla, en lugar da que é contemplada, a pregunta seguinte resulta obvia: que queremos facer con iso? Como di Christine nos momentos finais de Variety, «Agora mesmo non o sei, pero sabereino cando te vexa».

Dirixido por Bette Gordon & James Benning

Esta película investiga a dúas mulleres no tempo e no espazo. Nela a investigación convértese na narrativa. Unha análise dos fenómenos da percepción do movemento.

MICHIGAN AVENUE

A narrative film concerning an investigation of two women in time and space, to the point where the investigation becomes the narrative. An analysis of phenomena of perception of movement

7′ / 1973 / EUA

Sala 2 sábado Saturday ás 17:30 h

Dirixido por Bette Gordon & James Benning

Relación entre dúas persoas que nunca aparecen na pantalla ao mesmo tempo. Unha exploración sobre o sexo e as identidades masculina e feminina.

Intercourse between two people who never appear on the screen at the same time. An exploration of sex and male/ female identities.

I-94

3′ / 1974 / EUA Sala 2 sábado Saturday ás 17:30 h

Dirixido por Bette Gordon & James Benning Conservado co apoio de The National Film Preservation Foundation. Preserved with support from The National Film Preservation Foundation.

THE UNITED STATES OF AMERICA 27′ / 1975 / EUA

Sala 2 sábado Saturday ás 17:30 h

Verdadeira obra mestra do cinema dos anos setenta, hoxe en día máis notable que nunca. Podería considerarse como unha película bicentenaria que aborda as relacións espazotemporais de dous viaxeiros, o seu coche e os cambios xeográficos, políticos e sociais desde Nova York ata Os Ánxeles. O espazo entre fotograma e fotograma é ao mesmo tempo elíptico e continuo.

A true masterpiece of 70s cinema, more remarkable today then ever before. A conceptual bicentennial film dealing with spatial and temporal relationships between two travelers, their car, and the geographic, political, and social changes from New York to Los Angeles. The space within each frame is at the same time continuous and elliptical.

Dirixido por Bette Gordon Con: Nan Goldin, Vivienne Dick, Rosemary Hochschild, Ron Vawter, Bette Gordon

EMPTY SUITCASES 55′ / 1981 / EUA

Sala 2 venres Friday ás 17:30 h

Empty Suitcases presenta momentos da vida dunha muller, o seu traballo (como fotógrafa) e as súas amizades e relacións. En resumo, as súas loitas económicas, sexuais e artísticas. Deconstruíndo fragmentos do texto, dos diálogos, da música e da imaxe, esta película cuestiona a forma en que a linguaxe cinematográfica estrutura o punto de vista.

A narrative derived from film’s own material and an exploration of issues relating to representation and identification in cinema. The film presents fragments of a woman’s life - her work (as a photographer), her friendships and relationships in short, her economic, sexual, and artistic struggles. By deconstructing the fragments of text, speech, music, and picture, the film problematizes the way in which cinematic language structures point of view.

Dirixido por Bette Gordon Con: Nancy Reilly, Spalding Gray, Mark Boone Jr

ANYBODY’S WOMAN 25′ / 1981 / EUA

Sala 2 sábado Saturday ás 17:30 h

«Pedinlle á miña amiga Nancy Reilly que me falase das súas fantasías porno en fronte do cinema Variety. E pedinlle á miña outra amiga Spalding Gray que fixese o mesmo… Quería escoitar mulleres dicindo obscenidades e ver que tipo de poder iso podía causar. Quería mulleres que devolvesen a mirada en lugar de mulleres que fosen miradas. Convertín esta película en Super 8 no tratamento do meu filme Variety.» Bette Gordon

“I asked my friend Nancy Reilly to talk about her porn fantasies in front of the Variety Theater. And I asked my friend Spalding Gray to do the same. … I wanted to hear women talk dirty and to see what kind of power that might yield. I wanted women to look back instead ofbeing looked at. I turned this Super8 film into the treatment for my film Variety.” Bette Gordon

Dirixido por Bette Gordon Con: Sandy McLeod, Will Patton, Luís Guzman, Nan Goldin Fotografía: Tom DiCillo Guión: Kathy Acker, Bette Gordon Música: John Lurie

VARIETY

100′ / 1984 / EUA Sala 1 sábado Saturday ás 20:30 h

Christine, unha muller intelixente e modesta, acepta un traballo de vendedora de billetes nun cinema porno preto de Times Square. En lugar de apartarse da natureza escura e erótica dese ambiente, en Christine nace rapidamente unha obsesión que comeza a consumir a súa vida. Desta maneira Gordon dálles a volta aos roles de xénero e retorce a ideoloxía feminista de xeito provocador, amosándonos unha muller que se atopa a si mesma a través do seu interese na pornografía. Xurdida da escena underground neoiorquina que produciu o auxe do cinema norteamericano independente dos anos oitenta, Variety conta cunha impresionante contribución de talentos que abranguen o actor Luis Guzmán, o cineasta e director de fotografía Tom DiCillo, a escritora de culto Kathy Acker e o músico e actor John Lurie.

Christine, a bright and unassuming young woman, takes a job selling tickets at a porno movie theater near Times Square. Instead of distancing herself from the dark and erotic nature of this milieu, Christine soon develops an obsession that begins to consume her life. The character’s reaction unexpectedly flips normal gender roles; director Gordon daringly twists feminist ideology by showing a woman who finds self-expression through an interest in pornography. Emerging out of the underground NYC arts scene that produced the late ‘80’s boom in American independent cinema, Variety contains the contributions of an impressive array of talent, including cinematographer Tom DiCillo, actor Luís Guzman, a script by the late cult novelist Kathy Acker, and a score by actor and musician John Lurie.

SEPA: Nuestro Señor de los Milagros. Walter Saxer

asa o tempo mentres flúe o río polas húmidas terras do bosque tropical das zonas centrais do Perú. Nas beiras do Sepa atópase un conxunto de casas, cabanas dispersas, unha aldea «de ribeira» normal nesta parte do mundo, pero nesta historia o que se ve non é o que parece. Tal comunidade ribeirega é un cárcere. Sepa, Nuestro Señor de los Milagros, foi unha colonia penal ao aire libre establecida en plena selva e coñecida como o Inferno Verde, onde o Goberno peruano enviaba os delincuentes máis perigosos como forma suprema de castigo. Sepa, Nuestro Señor de los Milagros, é o nome dunha colonia penal ao aire libre creada polo Goberno peruano en 1951, no cadro dos labores nacionais de colonización dos territorios amazónicos mediante o fomento das prácticas agrícolas entre os presos, nun terreo de 37.000 hectáreas situado nas selvas das áreas centrais do Perú. O documental de 1987 dirixido por Walter Saxer é a única fiestra aberta a esta colonia penal experimental peruana, onde non entrou nunca unha cámara e sobre a que pouco se escribiu. Foi clausurada en 1993, aínda que nela ficou un único preso ata acabar de cumprir condena no ano 2003. Na actualidade estes terreos aprovéitaos o Instituto Nacional Penitenciario do Perú (INPE) para a cría de gando. A película comeza coa violenta retransmisión en directo dun dramático motín que ten lugar nun cárcere de Lima, El Sexto, onde os presos que protagonizaron o levantamento toman e matan reféns, clamando as súas esixencias de seren recoñecidos como seres humanos no medio das aterradoras condicións que se crean nas prisións estatais. As secas terras que rodean Lima logo quedan atrás e entramos, cruzando ríos e bosques, nas exuberantes paisaxes que conducen ao Sepa. Aquí os presos teñen liberdade para pasear, liberdade para traer á familia, liberdade

ime passes as the river flows through the humid lands of Central Peru’s rainforest. On the river banks of the Sepa River is a group of houses, sparse huts, a normal “rivera” village in this part of the world, but what you see is not what it seems in this story. This river bank community is a prison. Sepa, Nuestro Señor de los Milagros was an open air penal colony in the middle of the jungle, known as the Green Hell, where the Peruvian Government sent its most dangerous criminals as the ultimate form of punishment. Sepa, Nuestro Señor de los Milagros is the name of an open-air penal colony created in 1951 by the Peruvian Government within the national effort to colonize the Amazon territories by promoting agricultural practices amongst inmates in a 37,000-hectare piece of land in the jungles of Central Peru. The 1987 documentary directed by Walter Saxer is the only window into this experimental penal colony in Peru, which no camera has ever entered and little has been written about. The penal colony was closed in 1993 even though one single inmate remained to finish his sentence there until 2003. Today this land is used to raise cattle by the Peruvian National Penitentiary Institute (INPE). The film begins with the violent live broadcast of a dramatic mutiny of a prison in Lima, El Sexto, where uprising inmates take and kill hostages, outcrying their demands to be recognized as humans in the terrifying conditions that state prisons create. The dry lands surrounding Lima are quickly left to enter the lush landscapes through rivers and forests that lead to Sepa. Here inmates are free to walk, free to bring their families, free to dance and cook together. Some, damaged by drugs and the abuse received in other prisons are able to regain their humanity. An American inmate claims Sepa is an example

para bailar e cociñar xuntos. Algúns, coa deterioración causada polas drogas e os malos tratos recibidos noutros cárceres, poden recobrar a humanidade. Un preso estadounidense afirma que Sepa constitúe para o mundo enteiro un exemplo de como deberían organizarse as prisións. Porén, Sepa e os que viven alí están esquecidos do resto do país e a corrupción sistémica das institucións xera unha calada sensación de desesperación que se ve intensificada pola dificultade do terreo selvático. A cinta, o realizador Walter Saxer e o home que pon as palabras que narran esta historia, o premio Nobel peruano Mario Vargas Llosa, reflicten sobre a condición do preso, a institución dos cárceres no seo da sociedade e a discrepancia que existe entre a idea orixinal que subxacía a esta colonia penal ao aire libre e a súa realidade tal como era. Pero o filme non achega solucións; en todo caso, formula preguntas e deixa que a vida deste estraño lugar esquecido do mundo fale por si mesma.

for the entire world on how prisons should be organized. But Sepa and the people who live in it are forgotten by the rest of the country and the systemic corruption of the institutions creates a quiet sense of despair heightened by the difficulty of the jungle terrain. The film, the filmmaker Walter Saxer and the man behind the words that narrate this story, the Peruvian Nobel laureate Mario Vargas Llosa, reflect on the condition of the inmate, the institution of prisons within society and the discrepancy there is between the idea that originally was behind this open-air penal colony and its actual reality. But the film doesn’t provide solutions; if anything, the film poses questions and lets the life in this strange place forgotten by the world speak for itself.

Clase maxistral con Walter Saxer Sala de prensa sábado Saturday ás 18:30 h Entradas en play-doc.com e enterticket Aforo reducido

SEPA: NUESTRO SEÑOR DE LOS MILAGROS

68′ / 1987 / ALEMAÑA OCCIDENTAL-SUÍZA-PERÚ Sala 1 venres Friday ás 22:30 h

Dirixido por Walter Saxer Guión: Walter Saxer, Mario Vargas Llosa Fotografía: Rainer Klausmann Montaxe: Micki Joanni Produción: Alive Film & Vídeo Productions, Balance Film GmbH, Wildlife Films Restaurado pola Cinemathèque suisse e Cineteca di Bologna

Amerasia.

Wolf-Eckart Bühler, sobre o seu filme / Wolf-Eckart Bühler on his film

annah Arendt escribiu no seu día que o xuízo de Eichmann lle ensinou ao mundo a banalidade do mal. No que toca aos responsables da guerra de Vietnam, este termo podería inverterse: eles ensináronnos o mal da banalidade. A guerra terminou, pero nalgunhas persoas as lembranzas seguen a arder sen chama. Nadal de 1984, Bangkok (Tailandia). John Scott, veterano afroamericano da contenda, vai á procura de si mesmo e regresa ao lugar do acto. Como un delincuente, como un amante… Agardando polo seu visado para Vietnam, atópase cunha escura festa de Nadal que ten lugar nun pequeno bar situado en pleno distrito do entretemento de Bangkok. Os invitados son compatriotas: mercenarios, axentes da CIA, antigos membros das forzas armadas. Así, John Scott chega a saber da existencia de varios miles de veteranos da guerra de Vietnam que non retornaron aos EUA e agora viven en Tailandia. Quen son estes homes? Por que quedaron? Que fan nun país que debe de lembrarlles a aquel onde mataron e onde eles mesmos case resultaron mortos? Que significa para eles esta guerra, tantos anos despois? Cheo de confusión e curiosidade, John Scott búscaos. Atópaos por todas as partes: en bares e bordeis, en praias e barriadas, en arrozais e non moi lonxe de antigas bases aéreas. Máis dunha ducia de anos levan os estadounidenses a usar Tailandia non só como «centro de recreo» das súas forzas armadas destinadas en Vietnam, senón tamén como «portaavións» para bombardearen Laos, Camboxa e o país vietnamita. E el non sabía nada?

annah Arendt once wrote that the Eichmann trial taught the world the banality of evil. For the people responsible for the war in Vietnam this term could be inverted: they have taught us the evil of banality. The war is over, but in some the memories continue to smolder. Christmas 1984, Bangkok, Thailand. John Scott, an African American Vietnam war vet, is searching for himself and returns to the scene of the act. Like a criminal, like a lover… Waiting for his visa for Vietnam, he encounters an obscure Christmas party in a small bar in the middle of Bangkok’s entertainment district. The guests are compatriots: mercenaries, CIA agents, former GIs. John Scott learns of the existence of several thousand Vietnam War vets who never returned to the US and are now living in Thailand. Who are these men? Why have they remained? What are they doing in a country that must remind them of the one where they had killed and almost were killed themselves? What does this war mean to them, so many years later? Confused and curious, John Scott searches for them. He finds them everywhere: in bars and brothels, at beaches and in slums, on the paddy fields and not far from former air bases. For over a dozen years, the Americans have not only used Thailand as a “recreation center” for their GIs in Vietnam, but also as an “aircraft carrier” for the bombarding of Laos, Cambodia and Vietnam. And he didn‘t know anything about that? Samai, whom he had thought was Thai, is the daughter of an American soldier she has never met. Thousands of so-called “Amerasians” exist

Samai, que John coidaba que era tailandesa, é filla dun soldado estadounidense que ela non chegou a coñecer. En Tailandia existen miles dos chamados «amerasiáticos», cóntalle a moza en ton acusador. Cada vez máis amargada e introvertida, guíao por un mundo que sen dúbida non coñecería sen ela. Canto máis vai aprendendo sobre si mesma, máis vai comprendendo el tamén. Entón John Scott decide dar volta; tentará atoparse a si mesmo no seu país. Os protagonistas do filme, o actor estadounidense John Anderson (figura principal de Ashes and Embers de Haile Gerima) e a tailandesa Gillian Tuyudee, interprétanse a si mesmos: John Anderson serviu dous anos como soldado en Vietnam, en 1969 e 1970, e Gillian T. Hornett é filla dun membro das forzas armadas estadounidenses. Todas as demais persoas que aparecen no filme son o que son de verdade: propietarios de bares e xornalistas, agricultores e badanas, bailarinas e traballadoras do sexo, boxeadores tailandeses e mercenarios… Cada un deles, e cada un ao seu xeito, vítima dunha guerra á que deben a súa existencia; enigmáticas testemuñas clandestinas dun pasado que se encontra aquí e alí, indesexado e reprimido; estranxeiros e carentes de fogar nun país que poida que lles dese abeiro ou un lugar onde vivir, pero nunca un fogar de verdade. A guerra de Vietnam deixou moitas vítimas e algunhas teñen que seguir vivindo co que experimentaron… O solitario deambular de John Scott por Bangkok e Tailandia, os seus encontros e debates constitúen un excurso sobre a culpa, a impotencia e a represión. E talvez sobre a esperanza.

in Thailand, she tells him accusingly. Increasingly more bitter and introverted, Samai guides him through a world he surely wouldn’t have known without her. The more she starts to learn about herself, the more he begins to understand as well. John Scott decides to turn back. He will try finding himself at home. The film’s protagonists, American actor John Anderson (main actor in Haile Gerima’s Ashes and Embers) and Thai Gillian Tuyudee Hornett, play themselves: John Anderson served as a soldier in Vietnam for two years, in 1969 and 1970, and Gillian T. Hornett is the child of a GI. All the other people in the film are what they really are: bar owners and journalists, farmers and slackers, dancers and sex workers, Thai boxers and mercenaries… Every one of them and each in their own way a victim of the war they owe their existence to; clandestine uncanny witnesses of a past that is here and there unwanted and suppressed; foreign and homeless in a country that may have given them shelter or a place to live, but never a real home. The Vietnam War has left many victims behind and some of these have to continue living with what they experienced… John Scott’s lonely wanderings through Bangkok and Thailand, his encounters and discussions are an excursus on guilt, powerlessness and suppression. And maybe on hope.

AMERASIA

97′ / 1985 / ALEMAÑA OCCIDENTAL Sala 1 venres Thursday ás 20:30 h

Dirixido, escrito e producido por Wolf Eckart Bühler Fotografía: Bernd Fiedler Montaxe: Thomas Balkenhol Música: Terry Allen Con: John Anderson, Gillian Tuyudee Hornett, Terry Allen, Surachai Chantimatorn, Alan Dawson, Paijong Laisakul

COMPETICIÓN LONGAMETRAXES / Feature-length Films Competition DAL PIANETA DEGLI UMANI

Giovanni Cioni / 82' / 2021 / Italia-Bélxica-Francia Sala 1 xoves Thursday ás 18:30 h

Dirixido por Giovanni Cioni Montaxe: Philippe Boucq Fotografía: Giovanni Cioni Produción: Enrica Capra, Isabelle Truc, GraffitiDoc Son: Fabio Zenoardo, Emmanuel de Boissieu, Saverio Damiani

Unha inspección na fronteira de Ventimiglia, entre Italia e Francia, convértese nun fantástico conto de fadas narrado por un coro de ras, no que un científico experimenta con técnicas de rexuvenecemento utilizando testículos de mono. O Doutor Voronoff existiu e foi unha persoa real, que nos tolos anos vinte gozaba de fama mundial. Dedicábanlle cancións que se cantaban no Folies Bergères de Paris, e sambas nos entroidos de Rio de Janeiro. Mikhail Bulgakov inspirouse nel para escribir Corazón de can. E Mussolini declarou que quería «Voronoffizar» toda Italia… A súa vila atópase aínda na fronteira onde miles de inmigrantes foron detidos.. A border inspection at Ventimiglia, between Italy and France, turns into a fantastical fairy tale narrated by a chorus of frogs. In this tale, a scientist experiments a human rejuvenation cure using monkey testicles. Doctor Voronoff actually and factually DID exist. Back in the “roaring twenties” his fame had been planetary. Songs were composed about him, and sung at the Folies Bergères of Paris and the Sambas of Rio de Janeiro's Carnival. Mikhail Bulgakov wrote "Heart of a Dog" inspired by him. And Mussolini declared that he wanted to "Voronoff" all of Italy… His villa stands on the border where thousands of migrants had been blocked.. 26

BIG IN CHINA. GEORGES AND THE VISION MACHINES Dominic Gagnon / 74′ / 2020 / Canadá Sala 1 venres Friday ás 18:30 h

Unha película de Dominic Gagnon

Durante máis de 10 anos, Georges, un home branco francés, produciu preto de 2.000 vídeos en Changsha, en China continental. Ao comezo os seus vídeos eran do tipo bromas pesadas pero cos anos o seu estilo e a súa maneira de producir volveuse máis enérxica e directa. Etiquetas: computadores, robots, redes sociais, vixilancia, liberdade de expresión, xustiza social, medio ambiente, cultura, arquitectura, economía, nacionalismo, racismo. Un día Georges métese en problemas coas autoridades e é expulsado do país. For more than ten years, Georges, a French white male, has produced over 2000 videos in Changsha, mainland China. Starting with prank videos his style developed over the years in a more energetic, and straight to the point approach to video production. Tags: computers, robots, social medias, surveillance, freedom of speech, social justice, environment, culture, architecture, economy, nationalism, racism. He eventually gets in trouble with the authorities and gets kicked out of China.

DISTURBED EARTH

Kumjana Novakova, Guillermo Carreras Candi / 72′ / 2021 / Bosnia Herzegovina-España-Macedonia Sala 1 xoves Thursday ás 16:30 h

Dirixido, escrito e producido por Kumjana Novakova e Guillermo Carreras Candi Montaxe: Jelena Maksimovic Produtora: Atzucac Films, Pravo Ljudski, TV3 Fotografía: Kumjana Novakova, Guillermo Carreras Candi Son: Oriol Gallart

Un espazo en silencio, onde o pasado capturou o presente. Tomando o control, capa por capa, a dor colectiva entra na paisaxe, no espazo, na cidade. Finalmente entra en nós. Srebrenica convértese nunha realidade de hoxe en día, e nosa propia realidade. A space in silence, where past has captured present. Taking over, layer by layer, the collective pain enters the landscape, the space, the city. Eventually, it enters us. Srebrenica becomes a reality of today, and our own reality. 27

ESQUIRLAS

Natalia Garayalde / 69′ / 2020 / Arxentina

Sala 2 venres Friday ás 21:30 h

Escrito e dirixido por Natalia Garayalde Montaxe: Julieta Seco, Martín Sappia Produción: Eva Cáceres

O 3 de novembro de 1995 estalou a industria emblema da miña cidade, a Fábrica Militar de Río Tercero, Córdoba. Miles de proxectís disparáronse contra o pobo que os producía. Con 12 anos, mentres tentaba escapar das explosións, rexistrei a destrución da miña cidade cunha cámara de vídeo. Vinte anos despois atópome con eses arquivos. A ameaza do polo industrial e militar aínda persiste no presente. On November 3, 1995, the emblematic industry of my city, the Río Tercero Military Factory, Córdoba, exploded. Thousands of projectiles were fired at the town that produced them. At the age of 12, while trying to escape the explosions, I recorded the destruction of my city with a video camera. Twenty years later I find those files. The threat of the industrial and military pole still persists in the present.

NO TÁXI DO JACK

Susana Nobre / 70′ / 2021 / Portugal

Sala 1 xoves Thursday ás 20:30 h

Dirixido por Susana Nobre Montaxe: João Rosas, Susana Nobre Producido por João Matos, Terratreme Fotografía: Paulo Menezes aip Son: João Gazua

Aos seus 63 anos e case xubilado, Joaquim vese obrigado a cumprir as regras da oficina de emprego para poder cobrar o paro. A pesar de saber que nunca máis vai volver a traballar, ten que ir de empresa en empresa pedindo selos que atestigüen que pasou por aí buscando traballo. Nestes traxectos rememora a súa vida como inmigrante nos Estados Unidos, onde traballou como taxista na cidade de Nova York e onde presenciou numerosas caídas da bolsa de Wall Street. At 63 years old and almost retired, Joaquim is forced to follow job centre rules so he can collect unemployment beneﬁts. Despite knowing that he will never return to active life, he must go from company to company asking for stamps to attest that he is looking for work. In these trips he reminisces about his life as an immigrant to the U.S., where he worked as a cab driver in New York and witnessed numerous Wall Street crashes. 28

COMPETICIÓN CURTAMETRAXES / Short Films Competition REVELACIONES

Juan Soto Taborda / 29′ / 2020 / Colombia-España Sala 2 sábado Saturday ás 19:30 h

Dirixido por Juan Soto Taborda Edición: Juan Soto Taborda, Lara García Reyne Son: Isabel Torres

Chamei á miña nai para facerlle unha pregunta e a conversación resultou ter a estrutura dunha posible película. Ao xuntar as súas palabras cuns materiais en 16 mm e uns carretes de fotos vellos que un amigo cubano pedírame revelar, as imaxes empezaron a arder e a súa ignición propiciou preguntas sobre que son os recordos, como se arquivan e se preservan, e cales se esfuman sen deixar pegada. Segundo Didi Huberman, mirar unha imaxe require poder discernir o lugar onde arde. I called my mother with a very specific question, and the conversation ended up having the structure of a potencial film. When blending her words with some old 16mm footage and some photography rolls a cuban friend had asked me to develop, the images started to burn, and their ignition posed questions about the nature of memories, how do we archive and preserve them, and which ones vanish without leaving a trace. According to Didi Huberman, to look at an image requires being able to discern the place where it burns. 29

PARAÍSO

Marina Lameiro, Maddi Barber / 22′ / 2021 / España

Sala 2 sábado Saturday ás 19:30 h

Unha película de Marina Lameiro, Maddi Barber Guión, son e edición de fotografías: Marina Lameiro, Maddi Barber Produción: Mirari Echávarri, Pedro Marqués Deseño sonoro: Oriol Campi Gráficos: Fran Fraca Con: Amets Gardeazabal, Javier Díez, Roberto Jaukikoa, Adur Gardeazabal, Ateri Gardeazabal, Maia Diaz Ameave, Inaitz Cerro, Dembha Murcia, Ara Cerro, Haizea Tabar, Izar Murcia, Aize Lasa, Nira Murcia, Aiora Tabar, Nahia Uxua, Ian Tabar Dous homes miden a altura dos piñeiros. Unha muller escoita o que as árbores din. Os nenos e nenas do pobo montan tendas de campaña. Unha nube de puntos dixital revela o bosque. Os piñeiros dixeron que podemos preguntar. Sempre chamaron a ese lugar «o Paraíso». Pronto virán as máquinas. Two men measure the heights of pine trees. A woman listens to what the trees are saying. The children of the village set up the camp. A cloud of digital dots reveals the forest. The pines have said that we can ask. They always called this place “Paraíso”. Machines will come soon.

ZU DRITT

Agnese Làposi, Benjamin Bucher / 23′ / 2020 / Suíza-Francia

Sala 2 venres Friday ás 19:30 h

Dirixido e escrito por Agnese Làposi e Benjamin Bucher Montaxe: Annette Brutsch, Benjamin Bucher Producido por Alexis Boulanger, Ethan Selcer (Quartett Production), Jann Kessler (Artist Collective Revolta – Switzerland) Fotografía: Benjamin Bucher Son: Agnese Làposi. Adrien Kessler Corrección de cor: Carlos Tapia Gonzalez Banda sonora orixinal: Tape Machine Music ‘lofi ambient demo01’ Fóra das actividades programadas nunha viaxe escolar tres adolescentes atopan maneiras de pasar o tempo. Entre a tenrura, o aburrimento e o rexeitamento, cada un atopa á súa maneira o seu lugar dentro do grupo. Beyond the scheduled program of a school trip, three teenagers find ways to pass the time. Between tenderness, boredom and rejection they all try to find their own place in the group.

VAGALUMES

Léo Bittencourt / 19′ / 2021 / Brasil Sala 2 venres Friday ás 19:30 h

Dirixido por Léo Bittencourt Guión: Léo Bittencourt, Ricardo Pretti Montaxe: Ricardo Pretti, Waldir Xavier Producido por Fauna Filmes, Esquina Filmes Produción: Léo Bittencourt, Julia Murat, Sabrina Bitencourt Fotografía: Léo Bittencourt, Juliano Gomes Son: Felippe Schultz Mussel Con: Daniel dos Santos de Andrade, Elisa Lucinda, Gabriel Fernando de Castro, Gleiton Matheus Bonfante, Lino Besser, Lourival Júnior, Niana Machad, Nico Arawá, Paulo Guidelly, Rafael Medina, Wallace Lino O lado nocturno dunha icona modernista. A fauna e flora dos xardíns de Roberto Burle Marx, habitados polos visitantes frecuentes do Parque do Flamengo mentres a cidade de Rio de Janeiro queda durmida. Vagalumes é unha etnografía fabulada da noite do Aterro do Flamengo. The night side of a modernist icon. The fauna and flora of Roberto Burle Marx’s gardens inhabited by visitors to Flamengo’s Park while the city of Rio de Janeiro falls asleep. “Fireflies” is a fabulated ethnography of the night at Flamengo’s Park.

FRUTO DO VOSSO VENTRE Fábio Silva / 20′ / 2021 / Portugal Sala 2 venres Friday ás 19:30 h

Unha película de Fábio Silva Fotografía e montaxe: Fábio Silva Asistente de dirección: João Pedro Soares Son e mestura: André de Almeida Póster: José Leal Con: Cesaltina Tavares Silva, Fábio Silva

Un fillo descobre as antigas cintas de 8 mm do seu pai e ve por primeira vez imaxes anteriores ao seu nacemento, da súa infancia e da súa adolescencia. Tras velas volve á casa onde creceu e comeza a investigar sobre os seus pais, para tentar comprender o trauma que viviu durante toda a súa vida. A son discovers his father’s old 8mm tapes and sees images for the first time from before his birth, from his childhood and his adolescence. After seeing them he returns to the house where he grew up and begins to investigate his parents, trying to understand the trauma he has experienced throughout life 31

BAKI TADU É

Kate Saragaço-Gomes, Calum MacBeath Morgan / 13′ / 2021 / India-Dinamarca-Portugal Sala 2 sábado Saturday ás 19:30 h

Unha película de Kate Saragaço-Gomes, Calum MacBeath Morgan Produción, dirección, fotografía, montaxe e deseño sonoro: Kate Saragaço-Gomes Produción e montaxe: Calum MacBeath Morgan Deseño sonoro: Marcelo Tavares Corrección de cor: Afonso Gaudêncio, Thibault Solinhac

Tadu Baki penetra na selva. Atópase a si mesmo nun vaso de auga. Tadu Baki follows himself through the jungle. He ﬁnds himself in a glass of water.

COMPETICIÓN GALICIA / Galician Competition OS CORPOS

Eloy Domínguez Serén / 11′ / 2020 / España Sala 1 domingo Sunday ás 16:30 h

Dirección: Eloy Domínguez Serén Produción: Beli Martínez, Eloy Domínguez Serén Guión: Eloy Domínguez Serén Fotografía: Eloy Domínguez Serén Montaxe: Eloy Domínguez Serén Son: Juan Carlos Blancas

Na provincia de Ourense festéxase cada ano unha das formas máis antigas de Entroido. Ao longo de varios días celébranse folións, corredoiros e baixadas con felos, cigarróns, pantallas e peliqueiros, figuras que visten espectaculares traxes, que inclúen grotescas máscaras e cintos dos que colgan grandes e sonoras chocas, e que corren polas aldeas batendo nos visitantes coa súas fustas. Outra tradición é a farrapada, unha batalla na que os participantes se lanzan os uns aos outros bandallos enchoupados en lama. Tamén se combate unha guerra anárquica na que se arroxa fariña, formigas, cinsas e toxos sobre os participantes, mentres un enorme himenóptero se eleva desafiante sobre a multitude. Os singulares festexos, alumados con fachos e acompañados do estrondo de tambores, fílmanse de modo envolvente neste documental: é coma se o propio espectador estivese cercado polos esmorguistas, inmerso nun antigo ritual pagán. As multitudinarias escenas nocturnas, con aglomeracións de xente a miúdo apiñadas, adquiren un significado adicional ao saber que esta celebración tivo lugar a finais de febreiro, só dez días antes do primeiro caso confirmado de Covid-19 en Galicia. In Galicia, Spain’s most northwestern region, one of the oldest forms of Carnival takes place every year. Spread over several days are parades with felos and peliqueiros, characters who wear spectacular outfits, including a striking mask and a belt strung with large cowbells. Another tradition is the farrapada, in which participants pelt each other with rags covered in mud. There is also a fight in which flour and ants are thrown on the participants, and a huge model ant towers above the crowd. The peculiar celebrations, lit by torches and accompanied by drums, are compellingly filmed in this short documentary — it is as if you were standing among the revelers yourself, immersed in an ageold pagan ritual. The nighttime scenes of a partying crowd, often packed tightly together, gain extra significance in the knowledge that this celebration took place in late February, just ten days before the first confirmed case of Covid-19 in the region.

NEGRO PÚRPURA

Sabela Iglesias, Adriana P. Villanueva / 90′ / 2021 / España

Sala 2 xoves Thursday ás 19:30 h

Dirección: Sabela Iglesias, Adriana P. Villanueva Produción: Illa Bufarda Guión: Sabela Iglesias, Adriana P. Villanueva Fotografía: Pilar Abades, Sabela Iglesias Montaxe: Sabela Iglesias Son: Marco Maril

Negro púrpura retrata a Galiza do s. XX a través do cláviceps purpúrea, un fungo alucinóxeno que agroma nos cereais e que abre as portas a unha historia tan curiosa, sorprendente e descoñecida como importante no devir da nosa cultura e da economía dunha época. Caruncho, cornecelo, dentón, cornello, grao de corvo… este fungo de mil nomes conéctanos co resto do mundo e alimenta os relatos dende a porta da veciña ata as multinacionais farmacéuticas e a CIA; dende as pragas medievais, pasando pola medicina popular, ata o LSD. Historias esparexidas que deixan un gusto amargo ao pan de centeo e que repercuten traspasados os océanos. Unha codia que garda un miolo delirante. Negro púrpura portrays 20th century Galicia through the cláviceps purpúrea, a hallucinogenic fungus that grows on cereals, which opens the door to a story as curious, surprising and unknown as it is important to the evolution of our culture, and the economy of an era. Ergot, smut… this fungus with a thousand names connects us with the rest of the world and feeds stories from the next-door neighbour, to pharmaceutical multinationals and the CIA; from medieval plagues, through popular medicine, to LSD. Scattered tales that leave a bitter taste of rye and reverberate across oceans. A crust that holds a delirious crumb.

A COMUÑÓN DA MIÑA PRIMA ANDREA

Brandán Cerviño / 12′ / 2021 / España Sala 1 domingo Sunday ás 16:30 h

Dirección: Brandán Cerviño Produción: Sabrina Zimmermann, Brandán Cerviño Guión: Brandán Cerviño Fotografía: Brandán Cerviño Montaxe: Brandán Cerviño Son: Daniela Fung Macchi FX: Pablo Lamosa

Andrea fixo a súa primeira comuñón. Mais á ceremonia fáltalle glamour. Para Andrea as cousas sen brilli-brilli non son cousas. O único problema é: Será que o Deus este existe? Andrea had her First Communion. But the ceremony lacked glamour. For Andrea, things without glitter don’t count. The only problem is: does God exist? 34

AUGAS ABISAIS

Xacio Baño / 24′ / 2020 / España Sala 1 domingo Sunday ás 16:30 h

Dirección: Xacio Baño Produción: Xacio Baño, Tamara Canosa Guión: Xacio Baño Fotografía: Lucía C. Pan Montaxe: Xacio Baño Son: David Machado

Unha luz acéndese. Son escorregadizos e difíciles de ver. Habitan onde nada é. Alá. No fondo. A light turns on. They are elusive and hard to see. They inhabit where nothing exists. There. In the deep.

MARGARITA LEDO. PAROLAR CUN EU Xisela Franco / 20′ / 2021 / España Sala 1 sábado Saturday ás 18:30 h

Dirección: Xisela Franco Produción: Xisela Franco Fotografía: Diego Romero Montaxe: Xisela Franco Son: Marco Maril

Unha muller desprázase por unha cidade, Vigo. Cineasta, escritora, camiñante entre ruínas. Margarita Ledo. Busca un sinal que a leva á fábrica de cerámica Álvarez. Pasos perdidos sobre cascallos e, á súa vez, unha experiencia plagada de interrogantes, do paso do tempo, dos distintos estados da desaparición que levan á morte pero que, paradoxicamente, aparecen como memoria viva dunha ruptura traumática. O cartel como acto de invocación dunha cidade fabril que liscou, patrimonio industrial ensombrecido pola crise e a especulación. E o corpo en movemento e a solidaridade, como actos de esperanza. Ou o cine, resina e ouro que reconstrúe sobre as fracturas do pasado. A woman moves through a city, Vigo. A filmmaker, a writer, a walker among ruins. Margarita Ledo. She searches for a sign, one that leads her to the Álvarez ceramics factory. Steps lost to the rubble yet, at the same time, an experience full of questions, of the passage of time, of the different states of disappearance that lead to death but which, paradoxically, appear as living memory of a traumatic rupture. A poster as an act of invocation for a departed factory town, an industrial heritage overshadowed by crisis and speculation. The body in movement, and in solidarity, as acts of hope. And film, resin and gold, that rebuilds the fractures of the past. 35

EL VIAJE, 1988

Claudia Pineda / 5′ / 2021 / España

Sala 2 xoves Thursday ás 21:30 h

Dirección: Claudia Pineda Produción: Claudia Pineda Montaxe: Claudia Pineda Son: Claudia Pineda

Reflexión sobre o sentido da viaxe a través de imaxes atopadas pola autora nun vello baúl, gravadas pola súa avoa en China un ano antes do masacre na Praza de Tiananmen. Un diálogo interxeracional que reconstrúe e reinterpreta esas imaxes de metraxe atopada a través da mirada dunha nova cineasta. A reflection on the meaning of travel through images found by the filmmaker in an old chest, recorded by her grandmother in China one year before the massacre in Tiananmen Square. An intergenerational dialogue that reconstructs and reinterprets these found footage images through the eyes of a young filmmaker.

CAMILLE & ULYSSE

Diana Toucedo / 46′ / 2021 / España

Sala 1 sábado Saturday ás 18:30 h

Dirección: Diana Toucedo Produción: Jean-Max Colard, Nicolas Gendrault, Joséphine Huppert, Angela Martínez, Neus Moyano Textos e lecturas: Donna J. Haraway, Vinciane Despret Fotografía: Nico Pereda, Claudio Napoli Montaxe: Diana Toucedo Son: Andrea Bussmann, Leo Dolgan

As filósofas Vinciane Despret e Donna Haraway unen as súas voces nesta peza audiovisual da cineasta Diana Toucedo, baseada en dúas das súas fábulas, As historias de Camille, de Haraway e Autobiographie d’un poulpe, de Despret. Filmada como un conto oral e unha correspondencia entre as dúas narradoras e as súas fábulas, a película segue as formas de vivir e de morrer das comunidades nun planeta malogrado, así como o dominio cada vez maior destas comunidades nun novo campo científico, a «terolingüística», ou o estudo das linguaxes animais. In Camille & Ulysse, the philosophers Vinciane Despret and Donna Haraway join their voices in this audiovisual piece based on two of their fables, The Camille Stories (published in Haraway’s Staying with the Trouble: Making Kin in the Chthulucene, 2016) and Despret’s Autobiographie d’un poulpe (Actes Sud, 2021). 36

MEMORIAS DE ULTRAMAR

Alberto Berzosa, Carmen Bellas / 49′ / 2021 / España Sala 2 xoves Thursday ás 21:30 h

Dirección: Alberto Berzosa, Carmen Bellas Produción: Filmoteca Española Montaxe: Carmen Bellas, Eduardo Palenque Son: Juan Carlos Blancas

Memorias de ultramar é un documental realizado con imaxes rodadas por familias que viviron nas colonias, provincias e territorios baixo dominio español entre 1940 e 1975. Unha sucesión de instantáneas propias de quen se traslada a outro país e configura o seu novo fogar. O álbum pasa as súas páxinas e en determinados momentos a proxección detense, o editor rebobina, amplía, analiza e busca ecos dentro do material familiar. Que temas se repiten? Como se filma a natureza, o traballo, a muller, as materias primas? Cal é a posición do outro no encadre? Existe algunha pegada do colonial nas imaxes domésticas? Overseas is a documentary made with images shot by families who lived in the colonies, provinces and territories under Spanish rule between 1940 and 1975. It is basically a succession of snapshots of the kind taken by people who move to another country and set up home there. The album flicks through the pages, and at times the screening stops and the editor rewinds, enlarges, analyses and looks for recurrent themes in the family material. What themes are repeated? How are Nature, work, women, or raw materials portrayed? What is the subject’s position in the frame? Is there some trace of the colonial element in the domestic images?

TENGAN CUIDADO AHÍ FUERA Alberto Gracia / 23′ / 2021 / España Sala 1 domingo Sunday ás 16:30 h

Dirección: Alberto Gracia Produción: Alberto Gracia, Teresa Morales, Tasio, Leire Apellániz, Ion de Sosa, Ione Ituarte, Carmen Hernando Guión: Alberto Gracia Fotografía: Ion de Sosa Montaxe: Velasco Broca Son: Tasio

Un coche de gran cilindrada adéntrase por unha autoestrada e un búnker négase a desaparecer no olvido. Os ecos do pasado chegan dende o futuro ao mundo residual de Cosme. A bunker refuses to disappear into oblivion. Its echoes reach Pamplona, the residual, predictable and automated world of Cosme, where one of his employees panics and flees, burning his wheels, as if pursued by a beast. 37

PERSOA, POBO, PAISAXE

Daniel Pérez Silva / 20′ / 2021 / España Sala 2 xoves Thursday ás 21:30 h

Dirección: Daniel Pérez Silva Produción: Daniel Pérez Silva, Pedro Galbán Guión: Daniel Pérez Silva Fotografía: Daniel Pérez Silva, Pedro Galbán Montaxe: Daniel Pérez Silva Son: Pedro Iglesias

Un pobo do rural galego. Algunhas das persoas que quedan nel. A incesante busca da beleza no cotián, onde nunca ocorre nada. Ou si? A village in rural Galicia. Some of the people still living there. The incessant search for beauty in everyday life, where nothing ever happens. Or does it?

TIERRA DE LECHE Y MIEL

Héctor Domínguez-Viguera, Carlos Mora Fuentes, Gonzalo Recio / 88′ / 2021 / España Sala 2 sábado Saturday ás 21:30 h

Dirección: Héctor Domínguez-Viguera, Carlos Mora Fuentes, Gonzalo Recio Produción: Andrés Díaz Guión: Héctor Domínguez-Viguera, Carlos Mora Fuentes, Gonzalo Recio Fotografía: Gonzalo Recio Montaxe: Gonzalo Recio Son: Sergio López-Eraña

En Saraxevo, Mirsada e a súa filla Vanesa sobreviven, despois de 25 anos, no centro colectivo de Hrasnica, agardando unha solución habitacional definitiva que non chega nunca. En Georgia, Bela, aos seus 78 anos, loita cada día por recuperar os corpos dos desaparecidos nas guerras de Abkhazia. Ao mesmo tempo, centos de desprazados provocados polo conflito comezan a adquirir en Tblisi as prometidas vivendas gubernamentais. Non obstante, a Dani, Gio e Vika, de 11 anos, cústalles asumir que terán que separarse e abandoar o barrio no que medraron. E, en Grecia, Alia e Hussein, que fuxiron da guerra en Siria, agardan con arela a reunificación familiar e o reencontro coa súa filla Zozan desde Polykastro, un limbo do que non é sinxelo saír. In Sarajevo, Mirsada and her daughter have survived for twenty-five years in a collective centre, awaiting a definitive accommodation solution that never arrives. In Georgia, hundreds of people displaced by the Abkhazia war are starting to receive the promised government housing in Tbilisi. However, it is hard for Dani, Gio and Vika, aged eleven, to accept they’ll have to separate and leave their neighbourhood where they grew up. And in Greece, Alia and Hussein – who fled the war in Syria – anxiously wait to be reunited with their daughter Zozan from Polykastro, a limbo that is not easy to escape. 38

XURADO

LONGAMETRAXES / Feature-lenght Films Jury ARIEL SCHWEITZER Historiador de cinema, crítico e profesor (París VIII, Universidade de

Tel-Aviv), Ariel Schweitzer é autor de Le Cinéma israélien de la modernité (Paris, 1997 / Tel-Aviv, 2003) e coordinador de Il cinema israeliano contemporaneo (Venecia, Marsilio Editori, 2009). Crítico en Cahiers du Cinéma, traduciu ao hebreo Notes sur le cinématographe, de Robert Bresson, e comisariou un gran número de programacións en diferentes eventos de todo o mundo, así como retrospectivas consagradas, entre outros, a Bresson, Jean-Luc Godard, Amos Gitaï, David Perlov, Uri Zohar e a nouvelle vague israelí (a nouvelle sensibilité).

Cinema historian,

film critic in the French magazine Les Cahiers du cinema and professor (Paris VIII / Tel-Aviv University), Ariel Schweitzer is the author of Le nouveau cinema israélien (Paris, 2013, Tel-Aviv, 2017), Le cinéma israélien de la modernité (Paris 1997 / Tel-Aviv, 2003) and the editor of Il cinema israeliano contemporaneo (Venezia, 2009). He is also the translator to Hebrew of Notes sur le cinématographe by the French director Robert Bresson and the curator of many film’s rétrospectives, both in Israel, Europe and South America, dedicated to Robert Bresson, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Vittorio De Sica, David Perlov, Amos Gitai and Uri Zohar.

FELIPE LAGE CORO Felipe

Lage Coro dirixe Zeitun Films desde 2009, participando na produción de Todos vós sodes capitáns (Oliver Laxe, 2010), Arraianos (Eloy Enciso, 2012), O quinto evanxeo de Gaspar Hauser (Alberto Gracia, 2013), Costa da Morte (Lois Patiño, 2013), Pozoamargo (Enrique Rivero, 2015), Mimosas (Oliver Laxe, 2016), a curtametraxe Tshweesh (Feyrouz Serhal, 2017), A estrela errante (Alberto Gracia, 2018), Lúa vermella (Lois Patiño, 2020) e Miguel’s War( Eliane Raheb, 2021), todas elas recoñecidas nalgúns dos festivais de cinema máis importantes do mundo como Cannes, Berlín, Locarno, Toronto, Róterdan, Sevilla ou Busan. Os seus proxectos actuais son as curtametraxes Rompente de Eloy Domínguez Serén e Sen Ti de Feyrouz Serhal e as longametraxes I Am Here But You Can’ t See Me de Feyrouz Serhal, Montaña ou morte de Pela del Álamo e Tralovento de Eloy Domínguez Serén.

Felipe Lage Coro founded Zeitun Films together with Oliver Laxe in 2009. Todos vós sodes capitáns (You

Are All Captains - Oliver Laxe, 2010) was his first production. He then produced or coproduced the feature films Arraianos (Eloy Enciso, 2012), The Fifth Gospel of Kaspar Hauser (Alberto Gracia, 2013), Costa da Morte (Lois Patiño, 2013), Pozoamargo (Enrique Rivero, 2015), Mimosas (Oliver Laxe, 2016), the short film Tshweesh (Feyrouz Serhal, 2017), The Wandering Star (Alberto Gracia, 2018), Red Moon Tide (Lois Patiño, 2020) and Miguel’s War (Eliane Raheb, 2021). His films have been screened and awarded in some of the most important film festivals: Cannes, Berlin, Locarno, Toronto, Rotterdam, BAFICI, Sevilla or Busan among others. The short films Rompente (Eloy Domínguez Serén) and Sen Ti (Feyrouz Serhal), and the feature films I Am Here But You Can’t See Me (Feyrouz Serhal), Montaña ou morte (Pela del Álamo) are his next projects, and Tralovento by Eloy Domínguez Serén.

NELLIE KILLIAN Programadora de cinema independente. En datas recentes programou

ciclos para The Criterion Channel, o BFI (British Film Institute, ou Instituto de Cinema Británico), Light Industry, a sala Metrograph, o Quad Cinema e o Museum of the Moving Image (Museo da Imaxe en Movemento). Actualmente traballa para Screen Slate e é colaboradora habitual na revista de cinema Film Comment Magazine. Desde 2011 ata 2017, foi xefa de programación para a BAM (Brooklyn Academy of Music, ou Academia de Música de Brooklyn), onde organizou amplas retrospectivas dedicadas a cineastas como Chantal Akerman, Luis Buñuel, John Cassavetes, King Hu, Joe Dante, Leslie Thornton e Chris Marker; realizou estudos sobre o cinema do movemento polos dereitos civís, sobre as mulleres e a vinganza no cinema co programa Vengeance is Hers, sobre o cinema independente estadounidense dos anos oitenta, o novo movemento de cinema queer e o cinema-diario. Tamén dirixiu e programou para os festivais Migrating Forms e BAMcinemaFest.

Independent film programmer. She has recently programmed series for Criterion Channel, The BFI,

Light Industry, Metrograph, The Quad Cinema, and Museum of the Moving Image. She is currently the programmer for Screen Slate and a contributing editor at Film Comment Magazine. From 2011 until 2017, she was the senior programmer at BAM where she organized comprehensive retrospectives of Chantal Akerman, Luis Buñuel, John Cassavetes, King Hu, Joe Dante, Leslie Thornton and Chris Marker; historical surveys on Cinema of the Civil Rights Movement, Women’s Revenge on Film, American Independent Cinema in the 1980s, Black Women’s Cinema Before 1990, Los Angeles Noir, the New Queer Cinema Movement, and the Diary Film; as well as Migrating Forms and the annual BAMcinemaFest.

XURADO

CURTAMETRAXES & GALICIA / Short Films & Galician Jury MIGUEL CLARA VASCONCELOS Director de cinema, escritor e profesor na Universidade Nova de Lisboa.

Estudou na Escola Internacional de Cinema e Televisión de Cuba e no Instituto do Cinema de Madrid. Cursou estudos de posgrao na Escola Superior de Arquitectura e Belas Artes, na Universidade Europea de Madrid e ten un Máster en Estudos Cinematográficos pola Universidade Sorbona Nova de París. Ademais estudou Performance, Escenografía e Instalación, Filoloxía Clásica e Ciencias Económicas nas universidades de Valencia, Coímbra e Lisboa. As súas películas foron mostradas e recibiron premios en festivais internacionais como Torino FF, IndieLisboa, Doclisboa, o festival Curtas Vila do Conde e o Festival Internacional de Curtametraxes de Capalbio. Escribiu tamén guións, obras de teatro, ensaio e poesía, polos que recibiu recoñecementos como o Premio Beaumarchais-SACD.

Filmmaker and a writer. He also teaches screenwriting at the Universidade Nova de Lisboa. He studied at the Escuela Internacional de Cine y TV in Cuba and at the Instituto del Cine de Madrid. He postgraduated at the Escuela Superior de Arquitectura y Bellas Artes at the European University in Madrid and has a master degree in Cinematographic Studies at the Université Sorbonne Nouvelle de Paris. He also studied Performance, Scenography and Installation, Classic and Portuguese Languages and Literature and Economics at the universities of Valencia, Coimbra and Lisbon. His films have been shown and have been awarded at international film festivals such as Torino FF, IndieLisboa, DocLisboa, Festival Curtas de Vila do Conde or Capalbio International Short Film Festival. He also writes cinema scripts, theater plays, essays and poetry. His works have received recognitions like the Beaumarchais-SACD award.

HELVÉCIO MARINS JR. C ineasta e guionista. As súas películas recibiron máis de sesen-

ta premios e foron presentadas en festivais internacionais e museos de todo o mundo, como o Festival de Cinema de Venecia, a Berlinale, Locarno, Toronto, o IFFR, San Sebastián, o Sundance, o Centro Georges Pompidou e o MoMA, entre outros. Tamén traballou como delegado para Latinoamérica no Festival de Cinema de Locarno. A súa primeira longametraxe, Girimunho (2011), tivo a súa estrea mundial no 68º Festival de Cinema de Venecia, onde obtivo o Premio Interfilm. En 2012 o festival de curtametraxes de Vila do Conde dedicoulle unha retrospectiva, como fixo tamén a filmoteca alemá Arsenal en 2014. A súa segunda longametraxe, Querência (2019), producida por Walter Salles, estreouse mundialmente na Berlinale e gañou o Premio á Mellor Película na 20ª edición do Festival de Cinema de Jeonju, en Corea do Sur. Actualmente traballa na súa nova película Se vens por bem podes entrar, se vens por mal põe-cha cavar, producida por Luís Urbano.

Filmmaker and scriptwriter. His films have received more than 60 prizes and have been premiered at

international film festivals and museums such as Venice Film Festival, Berlinale, Locarno, Toronto, IFFR, San Sebastian, Sundance, Centre Georges Pompidou and MoMA, among others. He has also worked as Latin American Correspondent for the Locarno IFF. Girimunho (2011) his first feature made its world premiere at the 68th Venice Film Festival where it was honored with the Interfilm award. In 2012 Vila do Conde ISFF presented a retrospective of his work, as well as the German Cinemateque Arsenal in 2014. His second feature film Querência (2019), produced by Walter Salles, made its world premiere at Berlinale and won the Best Picture Prize at the 20th Jeonju IFF in South Korea. He is currently working on his new film Se vens por bem podes entrar, se vens por mal põe-te a cavar, produced by Luís Urbano.

ELISA PEREIRA VARELA Cursou estudos de Realización Audiovisual na Escola de Imaxe e Son de Bemposta, en Ourense, e de Fotografía Artística na tamén ourensá Escola de Arte e Superior de Deseño Antonio Faílde. Desde que ﬁnalizou os estudos, xeralmente os seus traballos estiveron relacionados co sector audiovisual e desde 2014 dirixe o proxecto La Plantación. Encuentros y Conocimiento, unha iniciativa privada sen vinculacións nin ataduras de ningún tipo (https://laplantacion.info) onde se ofrece formación en liña e especialmente presencial, a través de talleres e titorías personalizadas, convidando autores de referencia, sobre todo en cinema e fotografía, como Pedro Costa, Antoine D’Agata, Víctor Erice, Txema Salvans, Mercedes Álvarez, José Luis Guerín ou Joan Fontcuberta, entre outros, e onde se relacionan proxectos coa cultura audiovisual e a creatividade máis aló do sistema tradicional de ensino.

Took studies in Audiovisual Creation at the School of Image and Sound of Bemposta in Ourense, and

in Artistic Photography at the Antonio Faílde School of Art and Higher School of Design, Ourense. Ever since finishing her degrees, her work has generally been linked to the audiovisual industry, and since 2014 she has directed the project La Plantación. Encuentros y Conocimiento, a private initiative without any links or ties whatsoever (https://laplantacion.info) that provides online and especially in-person training through workshops and personalised tutorials, inviting leading authors, particularly in the fields of cinema and photography, such as Pedro Costa, Antoine D’Agata, Víctor Erice, Txema Salvans, Mercedes Álvarez, José Luis Guerín or Joan Fontcuberta, among others, and relating projects to audiovisual culture and creativity beyond the traditional education system.

CINEMA PERCORRIDOS II: Visións nocturnas

/ Cinema Tours II: Night Visions por / by Xisela Franco

cinema hoxe está máis vivo que nunca. A revolución dixital supuxo unha verdadeira explosión de posibilidades. Os actuais softwares de edición en tempo real permiten modelar a imaxe en directo, tratala, multiplicala e envorcala sobre calquera superficie, plana ou con volume. O computador e o proxector son unha extensión do artista que pode facer un cinema máis performativo e integrarse na obra á vez que integra ao espectador. En realidade isto non é novo, a performance en directo e o desbordamento da pantalla xa ocorrían desde as súas orixes, coas vangardas ou nos anos 70 baixo a denominación de «cinema expandido». Queremos poñer o foco nun grupo de creadores e creadoras de recoñecido talento cuxo discurso discorre por estes límites da pantalla libre. As súas obras producen hibridacións fílmicas e videográficas onde cobra protagonismo a proxección, a performance ou a instalación. As súas propostas exploran novas formas e narrativas, permiten a improvisación, a multipantalla e converten ao artista en performer, montador, cineasta que presenta a súa película experimental en vivo. Nesta edición titulada Cinema percorridos II: Visións nocturnas, Play-Doc convida novamente a cinco artistas a que escollan un lugar de Tui para crear instalacións site-specific. Cada participante traballa complementando o seu propio material con arquivo que lle proporciona o festival en Super 8 de cinema doméstico dos anos

oday cinema is more alive than ever. The digital revolution has brought with it a veritable explosion of possibilities. Today’s realtime editing softwares allow the image to take shape live, processed, multiplied and projected onto any surface, flat or dimensional. The computer and the projector become an extension of the artist who can create a more performative cinema, and integrate herself into the work, whilst integrating the spectator. In reality this is not so new, live performance and an overflowing screen have been happening in cinema since its origins, with the avant-garde and in the 1970s under the name “expanded cinema.” We want to focus on a group of creators, of recognised talent, whose discourses run along the limits of the liberated screen. Their works produce filmic and videographic hybrids in which projection, performance and installation take centre stage. Their proposals explore new forms and narratives, allow for improvisation, are multi-screen and turn the artists into performers, editors, filmmakers who present their films as living. In this edition entitled Cinema percorridos II: Visións nocturnas, Play-Doc once again invites five artists to choose a location in Tui in which to create site-specific installations. Each participant works by complementing their own material with archival material provided by the festival, of Super8 home-videos from the 60s, 70s and 80s, filmed by Tui locals. The idea is to appropriate

60, 70 e 80 filmado por veciños de Tui. Trátase de apropiarse desas imaxes documentais e darlle unha nova lectura. Juanjo Fernández Rivero, máis coñecido como Gnomalab, é un dos creadores españois de visuais e videomapping máis recoñecidos do panorama mundial. Nacido na escena underground barcelonesa, leva un cuarto de século explorando ao vivo o cinema e reclamando a lexitimidade artística do medio. Artista multidisciplinar, é tamén músico membro do aclamado grupo The Suicide of Western Culture. Realizará unha obra de live cinema coa colaboración sonora do etnomusicólogo Carlos Suárez. Iria del Bosque e Borja Bernárdez codirixen o seu estudo creativo MIL 111 e volven desde Madrid á súa terra natal para compartir a investigación do seu laboratorio artístico/experimental MIL111. lab. Xuntos propoñen universos alternativos e inmersivos nados de fisuras na realidade provocadas pola luz, o espazo, a imaxe e o son. Funden teoría da arte, psicoloxía, socioloxía, con medios dixitais, audiovisual e programación para reflexionar de forma interdisciplinar sobre o ser humano e a súa existencia como individuo e colectividade. Neste caso o diseño sonoro da súa obra correrá a cargo de Carlos Besada aka Verbose. Montse Pinheiro, creadora galega que traballa de modo tenaz como escenógrafa e iluminadora teatral e musical. Experimenta co debuxo, a ilustración e a escultura. Na súa peculiar investigación traballa a cerámica, a animación estroboscópica e o stop-motion, técnicas que fundiu nunha serie de animacións experimentais musicalizadas que foron proxectadas en festivais internacionais de cinema e animación. Juanma LoDo compaxina a súa actividade como músico experimental con outros campos como a fotografía, o deseño industrial, gráfico e web, o documental ou a arte multimedia. Artista multidisciplinar hiperactivo e colaborador incansable doutros artistas, creou pezas de arte audiovisual para teatro, salas de festa, festivais (Vjing, Mapping) ou realizado instalacións multimedia para museos e eventos artísticos. Presentamos a un grupo de artistas que gardan certa tradición similar e recoñécense e atópanse dentro da escena dos hoxe chamados «visualistas». Aínda que as súas creacións na práctica teñen moito que ver co cinema experimental e

these documentary images and give them a new understanding. Juanjo Fernández Rivero, better known as Gnomalab, is one of the most renowned Spanish creators of visuals and ‘videomapping’ on the global scene. Born in the Barcelona underground scene, he has spent a quarter of a century exploring live cinema and reclaiming the artistic legitimacy of the medium. A multidisciplinary artist, he is also a musician and member of the acclaimed band The Suicide of Western Culture. He will make a live cinema work in collaboration with the ethnomusicologist Carlos Suárez. Iria del Bosque and Borja Bernárdez co-direct their creative studio MIL 111, and will return from Madrid to their homeland to share the research of their artistic/experimental laboratory MIL111.lab. Together they propose alternative and immersive universes born from fissures in reality provoked by light, space, image and sound. They combine art theory, psychology, sociology, digital media, audiovisuals and programming to reflect in an interdisciplinary way on humans and their individual and collective existences. In this event the sound design will be made by Carlos Besada aka Verbose. Montse Pinheiro is a Galician artist who works tenaciously as a set designer and theatrical and musical lighting designer. She experiments with drawing, illustration and sculpture. In her peculiar research she works with ceramics, stroboscopic animation and stop-motion, techniques that she has fused into a series of experimental animations set to music that have been screened at international film and animation festivals. Juanma LoDo combines his activity as an experimental musician with other fields such as photography, graphic industrial and web design, documentary and multimedia art. A multidisciplinary hyperactive artist and tireless collaborator with other artists, he has created audiovisual art pieces for the theatre, nightclubs, festivals (Vjing, Mapping) and created multimedia installations for museums and arts events. We have presented a group of artists who have a similar tradition and are recognised within the scene of today’s so-called “visualistas.” Although their creations, in practice, have a lot to do with experimental and avant-garde cinema, paradoxically they are often not associated with it. 43

de vangarda, paradoxalmente a miúdo atópanse disociados desa outra escena. É nese sentido que nos pareceu esencial completar esta invitación cun colectivo pioneiro do cinema expandido en España: AA++ é un laboratorio de creación formado por Ana Domínguez e Ángel Rueda, dous artistas cineastas que desenvolven a súa obra a través da representación en vivo das tecnoloxías óptico mecánicas do cinema (peformances con celuloide en Super 8 e 16 mm). Desde hai 12 anos ambos dirixen o (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico da Coruña, festival de referencia internacional que promove a supervivencia do soporte fílmico.

Cine percorridos II: Visións nocturnas invites us on a nocturnal tour of Tui that will be an immersive, multi-sensorial and multi-screen cinematographic experience, with a diversity of exhibition contexts, in urban and natural spaces. It is a unique and original event produced exclusively by Play-Doc that proposes new pathways for contemporary audiovisual creation.

lón

Cinema percorridos II: Visións nocturnas convídanos a un percorrido nocturno por Tui que será unha experiencia cinematográfica envolvente, multisensorial, multipantalla, que propón unha diversidade de espazos expositivos, urbanos e naturais. Trátase dun evento único e orixinal producido en exclusiva por Play-Doc que expón novos camiños polos que discorre a creación audiovisual contemporánea.

It is in this sense that it seemed essential, to us, to complete this list with a pioneering collective of expanded cinema in Spain: AA++ is a creative laboratory formed by Ana Domínguez and Ángel Rueda, two film artists who develop their work through the live presentation of the optical-mechanical technologies of cinema (performances with celluloid in Super8 and 16mm). For the last 12 years, they have directed the (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico da Coruña, a festival of international renown that promotes the survival of film as a medium.

anz

orr

San Telmo

A Teatro Municipal

PLAY-DOC Sala 1

Ca Pas lvo eo So telo

era

Bispo La

Bisp Castañoón

flu

ter

via

ín

B Seminario Menor PLAY-DOC Sala 2 6

C Catedral

PUNTO DE ENCONTRO / MEETING POINT Pórtico da Catedral de Tui LUX TRANSITIO Juanma Lodo Rúas da zona monumental

FENDA Montse Pinheiro Cárcere Vello VALVERDEÑU. NUNCA SOUBEN MÁIS QUE AGORA E AGORA CASE NON SEI NADA Juanjo Fernández Rivero Praza da Estrela

Pórtico da Catedral de Tui venres Friday 24 Saídas ás 20:30 h 21:00 h 21:30 h 22:00 h 22:30 h Entradas / Tickets 8 € Entradas en play-doc. com e enterticket Encontro: Cinema-arte interseccións. Sala de prensa sábado Saturday ás 17:00 h Retirar entrada de balde 3

SELBST Iria del Bosque e Borja Bernárdez Cárcere Vello HAI COUSAS DAS QUE NON SE PODE FALAR PERO EXISTEN E SÓ PÓDENSE MOSTRAR Colectivo AA++ Igrexa de San Domingos

CLASE MAXISTRAL / Masterclass

Foto_ Alexander Haessner

WALTER SAXER Sala de prensa sábado Saturday ás 18:30 h Entradas en play-doc.com e enterticket Aforo reducido

alter Saxer é un produtor de cinema de nacionalidade suíza que comezou a súa carreira a finais dos anos 60 cando en Lanzarote, coñeceu ao cineasta alemán Werner Herzog quen elixira a illa española para filmar a súa segunda longametraxe Tamén os ananos empezaron pequenos. Walter, que naquela época tiña 20 anos, axudou na produción sen ter nunca antes traballado nunha película e quedou obsesionado coa idea de facer posible o imposible. Walter foi vivir a Alemaña onde rapidamente coñeceu a escritores, poetas, e cineastas que formaban parte da nova onda de cinema alemán como Herbert Achternbusch, Fassbinder e por suposto Werner Herzog, con quen colaborou ao longo de case toda a súa carreira. Walter Saxer, foi quen fixo posible algunhas das producións máis difíciles da historia do cinema como sen dúbida foi Fitzcarraldo e tamén Aguirre, a cólera de Deus. Nesta exclusiva clase maxistral explicará como estas películas foron feitas nas condicións máis arduas, cun equipo extremadamente pequeno en Aguirre e subindo un barco de vapor por unha montaña en Fitzcarraldo. Saxer estará acompañado polo crítico de cinema, produtor, divulgador científico e astrónomo coruñés, Martin Pawley.

alter Saxer is a Swiss Film Producer who began his film career in the late 60’s when, in Lanzarote, he met the young German director Werner Herzog who had chosen the spanish island to shoot his second feature Even Dwarfs Started Small. Walter, 20 at the time, helped the production without having ever worked in a film before and became captured by the challenge of making the “impossible” happen. Walter then moved to Germany where he quickly became acquainted with writers, poets, filmmakers who were part of the German New Cinema wave like Herbert Achternbusch, Fassbinder and of course Werner Herzog, with whom he collaborated for most of his career. Walter Saxer, has been the mind and hand behind most difficult film productions in history like Fitzcarraldo for sure and even Aguirre, the Wrath of God. In this exclusive masterclass he will explain how those films were made in such difficult circumstances as an extremely small crew in Aguirre and moving a steam boat over a mountain for Fitzcarraldo. Saxer will be accompanied by the Galician film critic, producer and astronomer, Martin Pawley.

COMING SOON

Sala de prensa domingo Sunday ás 18:30 h Retirar entrada de balde En play-doc.com e enterticket Cineastas presentan en directo ao público un breve adianto dalgúns dos filmes que poderemos ver durante o próximo ano 2022.

Filmmakers present, live to the public, a short preview of some of the films that we will be able to see in the coming year 2022.

Na derradeira xornada do festival queremos achegarnos aos proxectos que están por vir; aqueles que amosarán proximamente o camiño renovador que está a tomar o cinema documental galego. Traballos en pleno proceso de xestación dos que, da man dos seus autores, veremos as primeiras imaxes e nos contarán o estado do proxecto.

On the final day of the festival we want to move closer to projects that are yet to come; those that will soon show the innovative path Galician documentary cinema is taking. We will see the first images from these works in progress, direct from the hands of their authors, who will also tell us about the state of the project.

Participarán neste encontro os seguintes proxectos e realizadores:

The following projects and filmmakers will take part in the meeting:

2 vellas, 7 gatos e 3 máquinas de coser de / by Marta Pérez Pereiro Patarinos de / by Zeltia Outeiriño Aurora de / by Area Erina Á procura da estrela de / by Carlos M Peñalver

MESAS EN LIÑA / Online Roundtables Nesta edición Play-Doc presenta tres interesantes mesas online que reúnen a importantes profesionais da industria, a curadoría, a crítica e a formación cinematográficas.

In this edition Play-Doc presents three interesting online roundtables that bring together important professionals from across the film industry, from curation, criticism and film education.

As mesas, moderadas por Roger Koza, estarán dispoñibles na nosa canle de YouTube e na nosa web play-doc.com a partir do día 22 de setembro.

The tables, moderated by Roger Koza, will be available on our YouTube channel and our website play-doc.com from September 22nd.

Film Curatorship in the Streaming Era (Online / In English) Speakers: David Schwartz (Netflix), Jaume Ripoll (Filmin), Émilie Cauquy (Henri), Nellie Killian (Metrograph) Make Yourself Comfortable: Film Criticism From Home (Online / In English) Speakers: Michelle Carey (Senses of Cinema), Ariel Schweitzer (Cahiers du Cinéma), Diego Lerer (Micropsia), Jordan Cronk (Film Comment) Espacios de creación cinematográfica (En liña / en español) Participantes: Eva Vila (Universidad Pompeu Fabra), Luis Ferrón (ECAM), Pablo Useros (Master LAV), Clara Sánchez-Dehesa (Zine Eskola) 46

DANIEL DOMÍNGUEZ. Río de sombras

aniel Domínguez Pérez (Tui, 1955 Corrubedo, 2020) foi un mestre xeneroso, un guionista brillante e un cineasta apaixonado. Foi un dos autores de series de televisión e películas como Mareas Vivas, As leis de Celavella, Padre Casares, Miña sogra máis eu, A vida por diante e Branca Madison, entre outras. No ano 2002 recibiu o premio Mestre Mateo ao mellor guión por Terra de Miranda. Foi un dos fundadores da Escola de Imaxe e Son de A Coruña e a súa erudición cinéfila quedou patente nas súas numerosas colaboracións como crítico de cine, pero sobre todo no seu excelente blogue La escuela de los domingos. Pioneiro e figura clave do cinema e do audiovisual galego, Daniel Domínguez será sempre unha importante referencia e unha inspiración para todos nós. Nesta edición queremos lembrarlle con agarimo coa proxección da súa película Río de sombras, rodada en Tui en 1986, e farémolo acompañados da súa familia, amigos e compañeiros.

aniel Domínguez Pérez (Tui, 1955 Corrubedo, 2020) was a generous teacher, a brilliant scriptwriter and a passionate filmmaker. He was one of the creators of films and TV series such as Mareas Vivas, As leis de Celavella, Padre Casares, Miña sogra máis eu, A vida por diante and Blanca Madison, among others. In 2002, he received the Mestre Mateo award for Best Screenplay for Terra de Miranda. He was one of the founders of the Escola de Imaxe e Son de A Coruña and his erudition as a cinephile was evident in his numerous collaborations as a film critic, above all in his excellent blog 'La escuela de los domingos.' A pioneer and key figure in Galician cinema and audiovisual, Daniel Domínguez will always be an important reference and inspiration for all of us. In this edition we want to remember him with affection, with the screening of his film Río de sombras, shot in Tui in 1986, and we will do it accompanied by his family, friends and colleagues.

Director: Daniel Domínguez Baseado nun conto de Xosé Luís Méndez Ferrín Guión: Daniel Domínguez, Raúl Francés Director de fotografía: Javier Serrano Produción: Ángeles García Son: Cruz Risco Produtora: A Serpe do Caravel P.C. Intérpretes: Julio Rodríguez, Roberto Fernández, José Luis González, Teté Delgado, Pepe de Mosende, Uxía Senlle, Tutucho, Raúl Francés, Alberto Comesaña, Ramón Domínguez

RÍO DE SOMBRAS

DANIEL DOMÍNGUEZ / 21' / 1986 / ESPAÑA Sala 1 domingo Sunday ás 18:30 h

Estrea: Centro Cultural Caixa Vigo, 13 de novembro de 1986 Venue: Caixa Vigo Cultural Centre, 13th November 1986 Mención Especial no Festival de Alcalá de Henares Special Mention at the Alcalá de Henares Festival

Un xornalista e un fotógrafo cobren a información dun crime na fronteira. Ningún dato que engadir ás fotos. O xornalista tenta artellar a reportaxe. Suso, un mecánico, procura a complicidade do seu axudante, Lolo, para cobrar unha factura pendente a Arístides —o contrabandista— que mantén baixo o seu poder a Celia, a costureira, a cambio de facer a vista gorda a súa familia na represión —nos tempos das cunetas—. Celia dispón os fíos da arañeira. Cando chega a noite, as sombras enredan os fíos dos que pendura o crime da fronteira.

A journalist and a photographer are covering a crime at the border. There is nothing to add to the photos. The journalist tries to articulate the story. Suso, a mechanic, seeks to collude with his assistant Lolo, in order to collect an outstanding bill from Arístides, a smuggler, who keeps the seamstress Celia under his power in exchange for turning a blind eye to her family during the years of the Repression, in "los tiempos de las cunetas". Celia prepares the spider's web. When night falls, shadows entangle the threads from which this crime of the border hang.

Play-Doc tamén se poderá desfrutar en liña, en FILMIN, unha das plataformas máis importantes de cine baixo demanda, accesible para todo o territorio español. É unha marabillosa oportunidade para poder gozar de Play-Doc desde a distancia. A nosa selección inclúe as retrospectivas de Manfred Kirchheimer, Bette Gordon e Kidlat Tahimik, que estarán dispoñibles do 22 de setembro ao 3 de outubro.

SÁBADO 25 DE SETEMBRO 00:00 h SATURDAY SEPTEMBER 25th 00:00 h TEATRO MUNICIPAL Entradas / Tickets 15 €

Entradas en play-doc.com e enterticket Tickets on play-doc.com and enterticket Entrada de balde con pase especial supporter / Free entry for special supporter ticketholders

DOMENICO

LANCELLOTTI Rio de Janeiro

Multinstrumentista, cantante, compositor, produtor e artista visual, Domenico Lancellotti é un dos grandes nomes da música popular brasileira contemporánea. Nacido en Rio de Janeiro, de ascendencia italiana, na década dos 90 formou a banda de rock experimental Mulheres Que Dizem á vez que comezou a traballar con Moreno Veloso e Alexandre Kassin no proxecto + 2.

Multi-instrumentalist, singer, composer, producer and visual artist, Domenico Lancellotti is one of the great names in contemporary Brazilian popular music. Born in Rio de Janeiro, of Italian descent, he formed the experimental rock band Mulheres Que Dizem in the 1990s and began working with Moreno Veloso and Alexandre Kassin in the project + 2.

Foi un dos fundadores de Orquestra Imperial e colaborou cos proxectos Os Ritmistas, Vamos Estar Fazendo e Meia Banda. Como músico, compositor e produtor, traballou con Adriana Calcanhotto, Caetano Veloso, Arto Lindsay, Gilberto Gil, Moreno Veloso, Gal Costa e Chrissie Hynde.

He was one of the founders of Orquestra Imperial and collaborated with the projects Os Ritmistas, Vamos Estar Fazendo and Meia Banda. As a musician, composer and producer, he worked with Adriana Calcanhotto, Caetano Veloso, Arto Lindsay, Gilberto Gil, Moreno Veloso, Gal Costa and Chrissie Hynde.

Tamén compuxo bandas sonoras para teatro, danza e instalacións artísticas. Despois de Cinema Privê (2011) e Serra dos Órgãos (2017), lanzou recentemente Raio, un álbum gravado en Rio de Janeiro e Lisboa, que explora as raíces da música popular brasileira e o ritmo da electrónica, cun «sentimento de reconstrución e renacemento».

He has also composed soundtracks for theatre, dance and art installations. Following on from Cine Privê (2011) and Serra dos Órgãos (2017), he recently released Raio, an album recorded between Rio de Janeiro and Lisbon, which explores the roots of Brazilian popular music and the rhythms of electronica, with a "feeling of reconstruction, and rebirth."

BLURRY THE EXPLORER New York Pura experimentación e poesía sonora no novo proxecto musical do baterista Jeremy Gustin (Albert Hammond Jr) xurdido do encontro co baixista e compositor Ricardo Dias Gomes (Caetano Veloso), o guitarrista Ryan Dugre (Rubblebucket, Joan As Police Woman), e o guitarrista e produtor Leo Abrahams (Brian Eno, Paul Simon).

Pure experimentation and sonic poetry from the new musical project of drummer Jeremy Gustin (Albert Hammond Jr), born from the meeting with bassist and composer Ricardo Dias Gomes (Caetano Veloso), guitarist Ryan Dugre (Rubblebucket, Joan As Police Woman), and guitarist and producer Leo Abrahams (Brian Eno, Paul Simon).

Visuais SR. PAUSE (cinescapismo) Ambos concertos estarán acompañados polas creacións visuais en directo de Sr. Pause, alter ego do artista galego Roi Fernández.

Ademais dos concertos presentamos este documental para o deleite de todos os fans de La Polla Records. Dirixido por Javier Corcuera Guión: Javier Corcuera, Manuel Viqueira Montaxe: Martín Eller Fotografía: Mariano Agudo Son: Daniel de Zayas, Ángel Katarin, Carli Pérez, José Tomé, David Machado Música: La Polla Records

NO SOMOS NADA

JAVIER CORCUERA / 100′ / 2021 / ESPAÑA-PERÚ Sala 1 domingo Sunday ás 20:30 h

La Polla Records, unha das bandas máis lendarias do punk, regresa para dicir adeus. Con motivo da xira definitiva do grupo, o seu vocalista, Evaristo Páramos, revive 40 anos de historia desde o seu pobo en Euskadi. Esta é a rocambolesca historia duns aldeáns que revolucionaron a música enrabietada cunhas cancións convertidas en himnos polos seus miles de seguidores.

La Polla Records, one of the most legendary punk bands, returns to bid its farewell. To celebrate the group's last tour, its singer, Evaristo Páramos, revives 40 years of history from his town in the Basque Country. This is the extraordinary tale of villagers who revolutionised incensed music with songs turned into hymns by their thousands of followers. 51

ugal

1. Tapería Alboio 2. Arte Pizza 3. Casa Pote 4. Restaurante Enxebre do Parador de Tui 5. Jamonería Jaqueyvi 6. La de Manu 7. Le Crêpe da Pía

ONDE COMER

e Port

Avda. d

13. Cafetería Amazonas 14. Central

CERVEXERÍAS, CAFETERÍAS, BARES

8. Tapería O Albergue 9. O Novo Cabalo Furado 10 & 11. Santiamén 12. Tapas e Viños

race

Do P

San Telmo

Praza da Estrela

En tre fo rn

n Sa

15. El Pilar Café Bar 16. Ideas Peregrinas 17. Pony Express 18 & 19. Taller de dulces Óscar Romero 20. The White Clover

Praza de Frómista

Río Miño

M po

Bis

eira eir Piñ

2 7

ñez

5 16

Ordó

ñón Casta

Pº

Praza da Armada

Praza do Pracer

Bispo

ín

lón

Convento de S. Domingos Igrexa de S. Bartolomeu Praia da Marina

6 7

Paseo fluvial

Camiño de Santiago

Zona monumental

Actual

Muralla s.XII-XVI

liño

o Va

Guillarei – Vigo

Catedral

ónig

Concordi a

Can

Avda. da

Ab oy

Seminario Menor PLAY-DOC Sala 2

Avda .

ald

Teatro Munipal PLAY-DOC Sala 1

Alc

Mo n ñe

ren

Carretera Baiona – Vigo Monte Aloia

zo s

Be t

Zona Moderna s. XV-XVI

Co Lu

Zona Medieval s. XI-XIV

era

ter

AC orr

o«

tel

ñe

dó

lvo

Foxo

z rtíne

ín Pad

tel os mp Co

Irm

Tide

Ba osa

A Guarda – Portugal

Bispo La go

de on ham

g Au

esa z. B

Gle

ust o

sta ari M án s

ACTO DE INAUGURACIÓN

47’ · p. 15

One More Time Up the Lazy River

15’ · p. 11

Concerto Colossus on the River 70’ · p. 28

90’ · p. 34

Domingo Sunday 26 ás 18:30 h. Sala de prensa. Coming Soon - O cinema que vén. p. 46

Domingo Sunday 26 ás 17:00 h. Sala de prensa. Presentación de proxectos: Ollar, escolma da fotografía galega contemporánea + Memoria viva.

Sábado Saturday 25 ás 18:30 h. Sala de prensa. Clase maxistral con Walter Saxer. p. 45

VENRES 24

55’ · p. 20

69’ · p. 28

97’ · p. 25

68’ · p. 23

SEPA: Nuestro Señor de los Milagros

Esquirlas

Amerasia

74’ · p. 27

62’ · p. 30-31

Zu Dritt Fruto do Vosso Ventre Vagalumes

Big in China. Georges and the Vision Machines

Empty Suitcases

145’ · p. 13

We Were So Beloved

16:00 h

ENTRADAS 4 € por sesión

SALA 2: Seminario Menor

SALA 1: Teatro Municipal

A partir do 22 de setembro. Online en play-doc.com e na nosa canle de YouTube. Mesas online. p. 46

80’ · p. 14

Tall: The American Skycraper and Louis Sullivan

74’ · p. 36-38-37

El viaje, 1988 Persoa, pobo, paisaxe Memorias de ultramar

No Táxi do Jack

Negro púrpura

Sábado Saturday 25 ás 17:00 h. Sala de prensa. Encontro: Cinema-arte interseccións. p. 42

ENCONTROS / Round Tables

22:30

21:30

20:30

19:30

82’ · p. 26

Dal pianeta degli umani

83’ · p. 14-12

72′ · p. 27

18:30

Disturbed Earth

Dream of a City Short Circuit

HORARIO SCHEDULE

XOVES 23

17:30

16:30

MÉRCORES 22

55’ · p. 11-12

15 €

THE EXPLORER

& BLURRY

LANCELLOTTI

DOMENICO

00:00

45’ · p. 13

Stations of the Elevated

88’ · p. 38

100’ · p. 21

64’ · p. 29-32-30

66’ · p. 35-36

Tierra de leche y miel

Variety

Revelaciones Baki Tadu É Paraíso

Margarita Ledo. Parolar cun eu Camille & Ulysse

62’ · p. 19-20-21

Michigan Avenue / I-94 The United States of America Anybody's Woman

Colossus on the River Claw Bridge High

SÁBADO 25

21’ · p. 48 60’ · p. 14

100’ · p. 51

ENTRADAS

Non esperes ao último día, compra as túas entradas en www.play-doc.com

Vencedor Longametraxes

Vencedor Galicia & Curtas

No somos nada

ENTREGA DE PREMIOS 20:30

Free Time

Daniel Domínguez. Río de sombras

Obradoiro: Filmar o propio

70’ · p. 35-33-37-34

Augas abisais / Os corpos Tengan cuidado ahí fuera A comuñón da miña prima Andrea

DOMINGO 26