PLATFORM #34 2022

Pensare Oltre

Linear® + collection Battente Swing

Linear® + collection Filosoffitto

Bigfoot® + collection

Modulo Milano – Modulo Chanel

www.protek-controtelai.com / www.protek-design.it

Ph. ©Gökhan Pola

E D I T O R I A L

LUCA MOLINARI

smell Without realising it, we smell the places we encounter and much of this information soaks into our memory like a textile with a precious scent.

As You Read, Listen to the Platform#34's playlist on Spotity.

The baby cries loudly, it seems inconsolable, the high-pitched screams shatter places and ears, then a parent arrives, picks it up and takes it to him, the puppy resists, then smells the body of the person who has just welcomed it and suddenly there is absolute silence. Peace.

The familiar smell has brought him home, to a safe place where pain and fears are momentarily resolved. I don't know how many of you have had a similar experience, but personally I will never forget this feeling and the awareness of how smells and the feeling of domesticity are inexorably linked.

In this issue of we have chosen 'smell' as the sense to which we should appeal and live with greater attention. The moods of places are part of the chemistry of our memory: incense for sacred places, a kitchen in action, the fragrance of wood, the taste of wax and soap, the earth of a freshly rained field, the skin of so many different people in an assembled underground. Without realising it, we smell the places we encounter and much of this information soaks into our memory like a textile with a precious scent.

Benedetta Tagliabue, our cover story, tells us this with intensity in her memory of the house she built with her partner Enric Miralles, as if each object were part of an infinite, happy workshop. But we could imagine the harsh smell of cement in the works of Grafton architects or BE.ST., the fragrance of freshly heated coffee in the civic tower by NL architects, the lively flavour of bamboo in the Tropics or the humours of a Pythagorean stable in the Mexican countryside, the freshly cut grass near the Serpentine pavilion in London or the scents of the elegant flats designed by Iosa Ghini and Alvisi Kirimoto. The only work that carries an acrid taste is the failed monument to Bernard Khoury, which was supposed to be built in Kiev, then stopped by this hateful war. Life presents all ranges of flavours that must be tried and understood in order to be able to produce useful visions for the future.

Il bebè piange a dirotto, sembra inconsolabile, le urla acute frantumano luoghi ed orecchie, poi arriva un genitore, lo prende in braccio e lo porta a sé, il cucciolo resiste, poi annusa il corpo di chi l’ha appena accolto e di colpo cala un silenzio assoluto. Pace.

L’odore familiare l’ha riportato a casa, in un luogo sicuro dove il dolore e le paure sono momentaneamente risolte. Non so quanti di voi abbiano vissuto un’esperienza simile, ma personalmente non potrò mai dimenticare questa sensazione e la consapevolezza di come gli odori e la sensazione di domesticità siano inesorabilmente accomunati.

In questo numero di abbiamo eletto “smell” come il senso a cui appellarsi e vivere con maggiore attenzione.

Gli umori dei luoghi fanno parte della chimica della nostra memoria: incensi per i luoghi sacri, una cucina in azione, la fragranza del legno, il sapore della cera e del sapone, la terra di un campo appena piovuto, la pelle di persone così diverse in una metropolitana assembrata.

Senza accorgercene annusiamo i luoghi che incontriamo e molte di queste informazioni s’impregnano nella nostra memoria come un tessuto con un profumo prezioso.

Ce lo racconta con intensità Benedetta Tagliabue, nostra storia-copertina, nella sua memoria della casa costruita con il suo partner Enric Miralles come se ogni oggetto fosse parte di un laboratorio infinito e felice. Ma potremmo immaginare l’odore duro dei cementi nei lavori delle Grafton architects o di BE.ST., la fragranza del caffè appena scaldato nella torre civica di NL architects, il sapore vivo del bambù nei Tropici o gli umori di una stalla pitagorica nella campagna messicana, l’erba appena tagliata vicino al padiglione della Serpentine a Londra o i profumi degli eleganti appartamenti disegnati da Iosa Ghini e da Alvisi Kirimoto. Unica opera che porta con sé un sapore acre è il mancato monumento di Bernard Khoury, che avrebbe dovuto costruire a Kiev, poi fermato da questa odiosa guerra. La vita presenta tutte le gamme di sapori che vanno provati e compresi per essere poi capaci di produrre visioni utili per il futuro.

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EDITORIAL

SMELL Luca Molinari

PROJECT

A THOUSAND WINDOWS ON THE WORLD

BE.ST

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10 PROJECT

PROJECT AS THE FUTURE OF EDUCATION Grafton Architects

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BAMBOO GYM IN BALI Ibuku

PROJECT

A NEW HEART FOR GRONINGEN NL Architects

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EUCLIDEAN TECTONICS 1540 Arquitectura

PROJECT

SERPENTINE PAVILION 2021 Counterspace

PROJECT

BABYN YAR MEMORIAL

Bernard Khoury | DW5

COVERSTORY

BENEDETTA

TAGLIABUE Luca Molinari

INTERIOR

SPACE AS A THIRD EDUCATOR

Aut Aut Architettura

66 72 78 82 84 INTERIOR

ATELIER HOUSE AT THE COLISEUM Alvisi Kirimoto

INTERIOR

VILLA IN FORTE DEI MARMI Iosa Ghini

INTERIOR

THE OASIS RESOURCE CENTRE

WAO Architecture

STORIES

THE FAB CITY MOVEMENT IN ARCHITECTURE

KEYWORD

ODORE

Marco Filoni

Minh Man NGUYEN

86 90 96 102 108 TIMELESS

RICARDO BOFILL

Alessandro Benetti

EXHIBITION

MUSEUM IS A NEW EMPIRICAL EXPERIENCE

EXHIBITION

SAUL STEINBERG AT THE MILAN TRIENNALE

Manthey Kula

Migliore+Servetto Architects

PLATFORM HORIZONS

OUTDOOR DMC Architetti Workshop, Diseño y Construcción Beppe Riboli Studio Ceccaroli Architettura Young Projects Interiors by Steven-G

EXHIBITION

PRINTED

EMBT

Luca Garofalo

TRAME DELLA MEMORIA

BOOK REVIEW

112 116 121 144 148

PLATFORM HORIZONS

METAVERSE, A NEW WORLD FOR ARCHITECTURE?

METAVERSAL SHIFT IN ARCHITECTURE Alper Derinboğaz

ART EXHIBITION

PLATFORM INTERNATIONAL REVIEW

ARTEFACT

SMELL LIKE TEEN SPIRIT Cristina Bigliatti

152 160 HIGHLIGHTS

SPONSORS’ PRODUCT INFORMATION

COLOPHON

THE COPYRIGHT PAGE

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PROJECT

BE.ST Belingardi Stefano Architect

A THOUSAND WINDOWS ON THE WORLD Text by Maria GELVI

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Colors, geometries and applied materials give the building a strong character

PROJECT

The rhythm of the windows gives order to the facade, making the space permeable from the outside

In Lorenteggio, just outside Milan's Spanish walls, stands the Frame project. A choral work, the result of the syncretic participation of a number of professionals, interpreting the needs of the community with the aim of enhancing the quality of the town and the site. The new building revitalises an energyconsuming building from the early 2000s, breaking down the shape of the compact monolith in a virtuous formal register in which the window becomes an element that organises the façade.

The openings arranged 360° on the surrounding landscape lighten the envelope and frame the landscape, creating a fitting rhythm of symmetrical protrusions, a vibrant matrix of shadows and light.

Recognisable by its evanescent mass and ability to renew itself, changing face with the passing of the hours, the project achieves Leed Gold certification with a classic, rigorous layout, detaching itself from the fashions of the moment to offer added value to the existing building and projecting itself well beyond the uncertainty of the present. Designed to satisfy mixed uses and functions, the interior spaces are arranged for maximum flexibility thanks to a dynamic layout that reinforces the link between inside and outside.

The design of greenery is also interpreted as an autonomous material, essential for improving performance, not only in terms of energy. Terraces, open-air areas and the roof garden create a unique system in which to live a new experience of the working environment, unhinging every canonical distribution and confirming the need to rethink the places we live in from a completely different perspective.

A Lorenteggio, appena fuori le mura spagnole di Milano, si erge il progetto Frame. Un lavoro corale, frutto della partecipazione sincretica di più figure professionali che interpreta le esigenze della collettività con l’obiettivo di potenziare la qualità dell’abitato e del sito di intervento. Il nuovo edificio rivitalizza un fabbricato energivoro dei primi anni 2000 scardinando la forma del monolite compatto in un virtuoso registro formale dove la finestra diventa elemento ordinatore di facciata. Le aperture disposte a 360° sul paesaggio circostante alleggeriscono l’involucro e incorniciano il paesaggio creando un ritmo calzante di protrusioni simmetriche, matrice vibrante tra ombre e luci.

Riconoscibile per la sua massa evanescente e la capacità di rinnovarsi cambiando volto con il passare delle ore, l’intervento consegue la certificazione Leed Gold con un impianto classico e rigoroso, distaccandosi dalle mode del momento per offrire un valore aggiunto alla preesistenza e proiettarsi ben oltre l’incertezza del presente. Pensati per soddisfare usi e funzioni miste, gli spazi interni vengono disposti secondo la massima flessibilità grazie a un layout dinamico che rafforza il legame tra dentro e fuori. Il progetto del verde, inoltre, viene interpretato come materia autonoma, essenziale al miglioramento delle prestazioni non solo energetiche. Terrazze, aree all’aperto e il tetto giardino creano un sistema unico in cui poter vivere una nuova esperienza dell’ambiente lavoro, scardinando ogni distribuzione canonica e confermando la necessità di ripensare ai luoghi che abitiamo in un’ottica del tutto diversa.

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BE.ST Belingardi Stefano Architect STEFANO BELINGARDI CLUSONI WAS BORN IN MILAN IN 1987.

HE GRADUATED CUM LAUDE FROM THE MARIO BOTTA’S ACADEMY OF ARCHITECTURE IN MENDRISIO, SWITZERLAND, WINNING THE AWARD WITH THE BEST MASTER PROJECT ACCORDING TO THE SIA ARCHITECTURE & CULTURE JURY. BE.ST BELINGARDI STEFANO ARCHITECT WAS FOUNDED IN 2016, WITH THE IDEA OF EXPLORING ARCHITECTURE AS AN AREA OF ACTIVITY AT THE INTERSECTION OF SEVERAL DISCIPLINES. BASED IN MILAN, BE.ST IS OPERATING IN A GLOBAL CONTEXT WHICH MERGES PRACTICAL AND ACADEMIC EXPERTISE WITHIN THE FIELDS OF ARCHITECTURE, URBANISM, RESEARCH AND STRATEGY. STEFANO BELINGARDI CLUSONI È NATO A MILANO NEL 1987.

SI È LAUREATO CON LODE ALL'ACCADEMIA DI ARCHITETTURA DI MARIO BOTTA A MENDRISIO, IN SVIZZERA, VINCENDO IL PREMIO CON IL MIGLIOR PROGETTO MASTER SECONDO LA GIURIA SIA ARCHITECTURE & CULTURE. BE.ST BELINGARDI STEFANO ARCHITECT È STATO FONDATO NEL 2016, CON L'IDEA DI ESPLORARE L'ARCHITETTURA COME AREA DI ATTIVITÀ ALL'INTERSEZIONE DI DIVERSE DISCIPLINE. CON SEDE A MILANO, BE.ST OPERA IN UN CONTESTO GLOBALE CHE FONDE COMPETENZE PRATICHE E ACCADEMICHE NEL CAMPO DELL'ARCHITETTURA, DELL'URBANISTICA, DELLA RICERCA E DELLA STRATEGIA.

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PROJECT CREDITS

Name: FRAME BUILDING Location: MILAN, ITALY Year: 2021 General contractor: CONTEC SPA/BOUYGUES Property: SIC REAL ESTATE DEVELOPMENT CORIO Architect: STEFANO BELINGARDI CLUSONI Executive Architect: L22 LEED consultancy in the project phase: LOMBARDINI 22 LEED consultancy during the construction phase: RISE SRL

PROJECT

PLAN

ELEVATION

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PROJECT

Grafton Architects

PROJECT AS THE FUTURE OF EDUCATION Text by Luisa PARISI

Reading, dance, performance, lectures, exhibitions, research and learning happily coexist under one roof, and the door is open to all. This is the new Town House in Kingston, a project by Grafton Architects which won the RIBA Stirling Prize 2021.

The coexistence of contemplative and active performance activities offers a progressive approach to education as a process of engagement and discovery. There are no barriers, Kingston Town House is an open architecture that offers generosity and flexibility in allowing the culture of this building to grow and change. It represents the generosity of spirit and sense of humanity that architecture places at the heart of its agenda, focusing on the quality of space itself. The aspiration is the free space on which Grafton Architects pinned its curatorship of the Venice Biennale in 2018.

The building is a democratic open infrastructure, a labyrinth of interwoven volumes that maintains the feeling of being in a unified environment where a library, event space, dance studios and music rooms can happily coexist. The concrete overhead keeps the first experience at bay, but a few steps inside and the building opens its arms wide, reaching upwards and outwards, where the public forum flows into an amphitheatre. From the ground floor, eyes are drawn across voids and stairs to complete the social and study spaces. Colonnades form welcoming meeting spaces at the edges while interlocking volumes move vertically connecting the building from the ground up. The building is a new model for the design of buildings for education; education that must be the future and this must be the future of education.

Lettura, danza, performance, conferenze, mostre, ricerca ed apprendimento coesistono felicemente sotto lo stesso tetto, e la porta è aperta a tutti. Questa è la nuova Town House a Kingston, progetto di Grafton Architects che ha vinto il RIBA Stirling Prize 2021. La convivenza di attività contemplative e performative attive offre un approccio progressista all’educazione come processo di coinvolgimento e scoperta.

Non ci sono barriere, Kingston Town House è un’architettura aperta che offre generosità e flessibilità nel consentire alla cultura di questo edificio di crescere e cambiare. Rappresenta la generosità di spirito e il senso di umanità che l’architettura colloca al centro della propria agenda, concentrando l’attenzione sulla qualità stessa dello spazio. L’aspirazione è lo spazio libero su cui Grafton Architects ha appuntato la sua curatela della Biennale di Venezia nel 2018.

L'edificio è un'infrastruttura aperta democratica, un labirinto di volumi intrecciati, che mantiene la sensazione di trovarsi in un ambiente unificato in cui una biblioteca, uno spazio per eventi, studi di danza e sale di musica possono felicemente coesistere. Il cemento sopra la testa tiene a freno la prima esperienza, ma pochi passi dentro e l’edificio spalanca le braccia protendendosi verso l’alto e verso l’esterno, dove il foro pubblico si immette in un anfiteatro. Dal piano terra, gli occhi sono disegnati attraverso i vuoti e le scale per completare gli spazi sociali e di studio. I colonnati formano accoglienti spazi di incontro ai bordi mentre volumi a incastro si muovono verticalmente collegando l’edificio da terra verso l’alto. L’edificio è un nuovo modello per la progettazione di edifici per l’istruzione; l’istruzione che deve essere il futuro e questo deve essere il futuro dell’istruzione.

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The building is a democratic open infrastructure, a labyrinth of interwoven volumes that maintains the feeling of being in a unified environment.

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PROJECT

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SECTION THROUGH THE FRONT ELEVATION

Grafton Architects SHELLEY MCNAMARA AND YVONNE FARRELL CO-FOUNDED GRAFTON ARCHITECTS IN 1978 HAVING GRADUATED FROM UNIVERSITY COLLEGE DUBLIN IN 1974. THEY ARE FELLOWS OF THE RIAI, INTERNATIONAL HONORARY FELLOWS OF THE RIBA AND ELECTED MEMBERS OF AOSDÁNA, THE EMINENT IRISH ART ORGANISATION. TEACHING AT THE SCHOOL OF ARCHITECTURE AT UNIVERSITY COLLEGE DUBLIN FROM 1976 TO 2002, THEY WERE APPOINTED ADJUNCT PROFESSORS AT UCD IN 2015. THEY HAVE BEEN VISITING PROFESSORS AT EPFL, LAUSANNE FROM 2010 – 2011. THEY HELD THE KENZO TANGE CHAIR AT GSD HARVARD IN 2010 AND THE LOUIS KAHN CHAIR AT YALE IN THE AUTUMN OF 2011.

CURRENTLY, THEY ARE PROFESSORS AT THE ACCADEMIA DI ARCHITTETTURA, MENDRISIO, SWITZERLAND. SHELLEY MCNAMARA E YVONNE FARRELL SONO STATE CO-FONDATRICI DI GRAFTON ARCHITECTS NEL 1978, DOPO ESSERSI LAUREATE ALL'UNIVERSITY COLLEGE DI DUBLINO NEL 1974. SONO FELLOWS DEL RIAI, INTERNATIONAL HONORARY FELLOWS DEL RIBA E MEMBRI ELETTI DELL'AOSDÁNA, L'EMINENTE ORGANIZZAZIONE ARTISTICA IRLANDESE. INSEGNANDO ALLA SCUOLA DI ARCHITETTURA DELL'UNIVERSITY COLLEGE DUBLIN DAL 1976 AL 2002, SONO STATE NOMINATE PROFESSORESSE AGGIUNTE ALL'UCD NEL 2015. SONO STATE VISITING PROFESSOR ALL'EPFL DI LOSANNA DAL 2010 AL 2011. HANNO TENUTO LA CATTEDRA DI KENZO TANGE AL GSD HARVARD NEL 2010 E LA CATTEDRA DI LOUIS KAHN A YALE NELL'AUTUNNO DEL 2011.

ATTUALMENTE SONO PROFESSORESSE ALL'ACCADEMIA DI ARCHITETTURA DI MENDRISIO, SVIZZERA. DETAIL SECTION ELEVATION PROJECT CREDITS

Name: KINGSTON UNIVERSITY LONDON Location: KINGSTON-UPON-THAMES, LONDON, UK Year: 2021 Client: KINGSTON UNIVERSITY ESTATES Main Contractor: WILLMOTT DIXON Photography: ALICE CLANCY

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Library Space

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External terrace 3 Group rooms

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External terrace

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+3 Third Floor

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PLAN

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SECTION

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Ibuku

BAMBOO GYM IN BALI Text by Angela Palumbo

The Arc at Green School is Ibuku studio's reinterpretation, in a modern key, of the "γυμάσιον", a place for exercising the body and mind in ancient Greece, which becomes a space for community wellness and a gym added to the Green School complex in Bali, Indonesia.

The sandy plaza is replaced by a multi-purpose resin court and technical rooms distributed over a space of about 760 square metres characterised by a semi-open condition typical of the other bamboo structures in the school complex. The quadrangular peristyle that surrounded the sandy forecourt is instead transformed into a series of quadrangular bamboo arches 14 metres high and 19 metres long, interconnected by grid-like shells that draw their strength from curving in two directions. The great engineering effort involved in the construction of the bamboo arch, which serves as a roof, recalls the vision of floating sails, and thanks to the combination of balance, organicity and slenderness, the building fits in as a part of the unspoilt natural surroundings, free of artificiality.

The use of local personnel and ancestral craft techniques together with organic design and avant-garde engineering make The Arc at Green School a manifesto of ecological design and an expression of the power of the beauty of nature and geometry. The construction scheme chosen, made from three different types of bamboo, determined a state of equilibrium that resulted in a drastic reduction in the material used and the definition of an unprecedented interior volume, thanks to an incredibly thin structure with no columns, which would have taken away space from activities and broken the link between this space and the classic classroom space.

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The Arc at Green School è la reinterpretazione dello studio Ibuku, in chiave moderna, del “γυμάσιον”, luogo di allenamento per il corpo e la mente nell’antica Grecia, che diventa uno spazio del benessere comunitario e una palestra che si aggiunge al complesso della Green School a Bali in Indonesia.

Il piazzale sabbioso è sostituito da un campo polivalente in resina e da locali tecnici distribuiti su uno spazio di circa 760 mq caratterizzato da una condizione semi aperta tipica delle altre strutture in bambù del complesso scolastico. Il peristilio quadrangolare che circondava il piazzale sabbioso invece si trasforma in una serie di archi quadrangolari di bambù alti 14 metri che si estendono per 19 metri, interconnessi da gusci a griglia che traggono la loro forza dalla curvatura in due direzioni. Il grande sforzo di ricerca ingegneristica per la costruzione dell’arco di bambù, che funge da tetto, richiama la visione di vele fluttuanti e grazie alla combinazione tra equilibrio, organicità e snellezza, l’edificio si innesta come un elemento parte dell’incontaminata natura circostante e privo di artificialità.

L’utilizzo di personale locale e ancestrali tecniche artigianali insieme al design organico e all’ingegneria dell’avanguardia fanno sì che The Arc at Green School diventi un manifesto del design ecologico e dell’espressione del potere della bellezza della natura e della geometria. Lo schema costruttivo scelto, realizzato con tre diversi tipi di bambù, ha determinato uno stato di equilibrio che si è tradotto in una drastica riduzione del materiale impiegato e nella definizione di un volume interno senza precedenti, grazie a una struttura incredibilmente sottile e priva di colonne, che avrebbero sottratto spazio alle attività e avrebbero rotto il legame con questo spazio e lo spazio classico dell’aula.

PROJECT

The play of structure entirely in bamboo

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PROJECT

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PROJECT

Top view of the whole complex

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PROJECT

PLAN

Ibuku ELORA HARDY IS THE FOUNDER AND CREATIVE DIRECTOR OF IBUKU, WHERE DESIGN BEGINS WITH THE PRINCIPLES OF NATURE, EMPLOYING THE NATURAL TENDENCIES OF BAMBOO, STONE, WATER AND TOPOGRAPHY TO BUILD OVER TWO HUNDRED HOMES, HOTELS, SCHOOLS, AND WORK SPACES. FOR OVER TWELVE YEARS, ELORA LEADS THE INTERNATIONAL TEAM IN CREATING HOSPITALITY PROJECTS, SCHOOL CAMPUSES, PRIVATE HOMES, AND BESPOKE FURNITURE COLLECTIONS MADE OF NATURAL MATERIALS AND BUILT IN WAYS THAT RECONNECT US WITH NATURE.

The Arc at Green School a manifesto of ecological design and an expression of the power of the beauty of nature and geometry.

ELORA HARDY È LA FONDATRICE E DIRETTORE CREATIVO DI IBUKU, DOVE IL DESIGN INIZIA CON I PRINCIPI DELLA NATURA, IMPIEGANDO LE TENDENZE NATURALI DI BAMBÙ, PIETRA, ACQUA E TOPOGRAFIA PER COSTRUIRE OLTRE DUECENTO CASE, HOTEL, SCUOLE E SPAZI DI LAVORO. PER OLTRE DODICI ANNI, ELORA GUIDA IL TEAM INTERNAZIONALE NELLA CREAZIONE DI PROGETTI DI OSPITALITÀ, CAMPUS SCOLASTICI CAMPUS SCOLASTICI, CASE PRIVATE E COLLEZIONI DI MOBILI SU MISURA REALIZZATE CON MATERIALI NATURALI E COSTRUITE IN MODI CHE CI RICONNETTONO CON LA NATURA.

SECTION

PROJECT CREDITS

Name: THE ARC AT GREEN SCHOOL BALI Location: BALI, INDONESIA Year: 2021 Client: GREEN SCHOOL BALI Concept: JÖRG STAMM Engineering: ATELIER ONE Construction: BAMBOO PURE Photography: TOMMASO RIVA

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A NEW HEART FOR GRONINGEN NL Architects

Text by Concetta TAVOLETTA

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PROJECT

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The design of the Forum by NL Architect fits into the context with a profoundly contemporary language, proposing a new beating heart for the city.

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The Groningen Forum fits into the precious and historicized context of the city like a changing and iridescent stone thanks to the glass system inserted as a pause in the solidity of the volume

PROJECT

Groningen is one of the most important cities in the Netherlands, rich in history and monuments, and with the Forum Groningen Multifunctional Building it demonstrates that it is not afraid to measure itself against the present. The design of the Forum by NL Architect fits into the context with a profoundly contemporary language, proposing a new beating heart for the city. In planimetric terms, the work is confronted with a system of very dense curtains and, thanks to the choice of dividing up the elevations, what might have appeared to be a problem to be solved - distance from the existing building - is transformed into an essential condition of the architectural language chosen for the project. The colour scheme is clearly related to the site, but does not tend towards mimesis, thanks to the changing

volumes and glass inserts that perceptually empty the object. All the compositional choices are based on the vision that collective architecture should no longer respond to a single function but should be a dynamic device containing different stimuli for the community. The design schemes summarise the programme's many souls and emphasise the strength of the "horizontal tentacles" connecting the parts and declining the building's multiple uses. The interiors are presented in total white, conveying the expectation that the place will be manipulated by the life that will flow through it over time. With this architecture, NL Architects give the city a versatile device which is not afraid to confront the traditional idea of monumentality, but proposes an extremely modern, multifunctional vision.

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The interiors are imagined as places to be prepared for multiple uses so as to represent the new idea of ​​horizontal public space plastically

Groningen è una delle città più importanti dei Paesi Bassi, ricca di storia e di monumenti e che con il Forum Groningen Multifunctional Building dimostra di non aver timore di misurarsi con il presente. Il progetto del Forum a firma dello studio NL Architects si inserisce nel contesto con un linguaggio profondamente contemporaneo proponendo un nuovo cuore pulsante della città. Planimetricamente l’opera si confronta con un sistema di cortine molto dense e, grazie alla scelta di sfettare i prospetti, quello che poteva apparire un problema da risolvere - la distanza dalla preesistenza – si tramuta in condizione essenziale del linguaggio architettonico scelto per l’intervento. La cromia è chiaramente in relazione con il sito ma non tende alla mimesi proprio grazie alla volumetria mutevole e agli inserti in vetro che svuotano percettivamente l’oggetto.

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Tutte le scelte compositive si basano sulla visione per cui l’architettura collettiva non debba rispondere più a una sola funzione ma debba porsi come un dispositivo dinamico che contiene al proprio interno differenti stimoli per la comunità. Gli schemi progettuali sintetizzano le numerose anime del programma ed evidenziano la forza dei “tentacoli orizzontali” che collegano le parti e declinano gli usi molteplici dell’edificio. Gli interni si presentano in un total white che comunica l’attesa del luogo di essere manipolato attraverso la vita che nel tempo l’attraverserà.

NL Architects con questa architettura consegna alla città un dispositivo versatile senza paura del confronto con l’idea tradizionale di monumentalità ma proponendo una visione estremamente attuale e multifunzionale.

PROJECT

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PUBLIC SPACE - SEQUENCE OF SQUARES

URBAN SECTION

URBAN SECTION

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6th level

Ground floor PLAN

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SHOP

SHOP CAFE / RESTAURANTCAFE / RESTAURANTPUBLIC

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LOGISTICS LOGISTICS

STORE STORE

WC

WC

STAIRCASE

STAIRCASE

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6th level

Ground floor

CINEMA HALLS

CINEMA HALLS STUDY

STUDY

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PUBLIC

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STAIRCASE STAIRCASE

NL Architects NL ARCHITECTS WAS FOUNDED IN 1997 BY PARTNERS PIETER BANNENBERG, WALTER VAN DIJK AND KAMIEL KLAASSE. THE OFFICE HAS ABOUT 20 EMPLOYEES. NL ARCHITECTS WORKS ON URBAN DESIGN ASSIGNMENTS, ARCHITECTURE AND ITS SURROUNDINGS, INTERIOR AND PRODUCT DESIGN. THE EMPHASIS IN THE WORK IS ON A CLEAR AND CONCEPTUAL DESIGN WITH A CAREFUL AND SUSTAINABLE ELABORATION. THE RENOVATION OF KLEIBURG- DE FLAT IN THE BIJLMERMEER IN AMSTERDAM RECEIVED THE PRESTIGIOUS MIES VAN DER ROHE AWARD FROM THE EUROPEAN UNION IN 2017. THE FORUM GRONINGEN HAS WON MANY AWARDS AND WAS CHOSEN AS BNA BEST BUILDING OF THE YEAR 2020.

NL ARCHITECTS È STATO FONDATO NEL 1997 DAI PARTNER PIETER BANNENBERG, WALTER VAN DIJK E KAMIEL KLAASSE. LO STUDIO HA CIRCA 20 DIPENDENTI E ARCHITECTS LAVORA SU PROGETTI DI DESIGN URBANO, ARCHITETTURA E DINTORNI, INTERIOR E PRODUCT DESIGN. L'ENFASI È INDIRIZZATA A UN DESIGN CHIARO E CONCETTUALE CON UN'ELABORAZIONE ATTENTA E SOSTENIBILE. LA RISTRUTTURAZIONE DI KLEIBURG- DE FLAT NEL BIJLMERMEER AD AMSTERDAM HA RICEVUTO IL PRESTIGIOSO PREMIO MIES VAN DER ROHE DALL'UNIONE EUROPEA NEL 2017. IL FORUM GRONINGEN HA VINTO MOLTI PREMI ED È STATO SCELTO COME BNA BEST BUILDING OF THE YEAR 2020.

PROJECT CREDITS

Name: FORUM GRONINGEN Location: GRONINGEN, THE NETHERLANDS Year: 2019 Client: MUNICIPALITY OF GRONINGEN Contractor: BAM Suppliers: &PRAST&HOOFT, ABT, DEMUNNIKDEJONGSTEINHASUER, DGMR, HUISMAN EN VAN MUIJEN HVM, NORTHERN LIGHT, PEUTZ, TANK Photography: DEON PRINS, MARCEL VAN DER BURG

SECTION 10m

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Section EE 10m

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PROJECT

1540 Arquitectura

EUCLIDEAN

TECTONICS Text by Luigi ARCOPINTO

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PROJECT

Three equilateral triangles tightened in a plastic-planimetric tension that converges to form a unitary front on one side and a sharp one on the other. The colonnaded portico adjacent to the road, with a polygonal shape congruent with it, creates a covered corridor connecting the three volumes of the stable, the caretaker’s house and the warehouse. The interstices between these constructed prisms, due to the retreat of the closed volume to leave space for the loggia, evoke the memory of Rossellini’s views of Pienza. The service structure of the Agavero Ranch in Tequila finds in its Euclidean matrix an unlikely ally for morphological and distributive flexibility and adaptability, without fear of future additions and reworking to meet production needs.

The geometric origin chosen by 1540 Arquitectura for this complex of buildings is well suited to the irregularity of the local terrain. Standing out against pigmented concrete bases, the light brick volumes covered by the brick vaulted ceiling are the mark of a synthetic compositional act which makes tectonic honesty the ethics of a Euclidean compositional approach, to build quality spaces with a few gestures and elements.

Tre triangoli equilateri stretti in una tensione plastico-planimetrica che converge a formare un fronte unitario da una parte e uno acuminato dall’altra. Il portico colonnato adiacente alla strada, con un andamento poligonale ad essa congruente, crea un corridoio coperto che collega i tre volumi della stalla, della casa del custode e del magazzino.

Gli interstizi tra questi prismi costruiti, dovuti all’arretramento del volume chiuso per lasciare spazio al loggiato, evocano alla memoria - propiziamente - gli scorci rosselliniani di Pienza. La struttura per servizi del Ranch Agavero a Tequila trova nella sua matrice euclidea l’improbabile alleata per una flessibilità e adattabilità morfologica e distributiva, senza temere future addizioni e rimaneggiamenti legati alle necessità produttive. L’origine geometrica scelta dallo studio 1540 Arquitectura per questo complesso di edifici, infatti, ben si adatta anche all’irregolarità dell’orografia locale. Stagliati su delle basi in calcestruzzo pigmentato, i volumi di mattone chiaro coperti dal solaio in voltine di laterizio sono la cifra di un atto compositivo sintetico che fa dell’onestà tettonica l’etica di un approccio compositivo euclideo, per costruire spazi di qualità con pochi gesti ed elementi.

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PROJECT CREDITS

Name: SERVICES AGAVERO RANCH Location: JALISCO, MEXICO Year: 2021 Photography: CÉSAR BÉJAR

1540 Arquitectura 1540 ARQUITECTURA IS A DESIGN OFFICE FOUNDED

BY JAIME CASTILLO AND ROMÁN HIDALGO IN 2015. ARCHITECTS WHO GRADUATED FROM THE UNIVERSITY OF GUADALAJARA (CUAAD) IN 2008, THEY HAVE DEVELOPED THEIR WORK IN THE WESTERN PART OF MEXICO DESIGNING MULTIPLE BUILDINGS OF VERY DIVERSE SPECIALTIES RANGING FROM PRIVATE HOUSES AND TERRACES TO OFFICE BUILDINGS, COUNTRY RANCHES AND TEQUILA FACTORIES. 1540 ARQUITECTURA È UNO STUDIO DI PROGETTAZIONE FONDATO DA JAIME CASTILLO E ROMÁN HIDALGO NEL 2015. ARCHITETTI LAUREATI ALL'UNIVERSITÀ DI GUADALAJARA (CUAAD) NEL 2008, HANNO SVILUPPATO IL LORO LAVORO NELLA PARTE OCCIDENTALE DEL MESSICO PROGETTANDO MOLTEPLICI EDIFICI DI SPECIALITÀ MOLTO DIVERSE CHE VANNO DA CASE PRIVATE E TERRAZZE A EDIFICI PER UFFICI, RANCH DI CAMPAGNA E FABBRICHE DI TEQUILA.

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auralis.lighting

PROJECT

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Serpentine Pavilion 2021 designed by Sumayya Vally, Counterspace, Interior View ©Counterspace - Ph. Iwan Baan

PROJECT

Counterspace

SERPENTINE P A V I L I O N

2 0 2 1 Text by Luca MOLINARI

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Serpentine Pavilion 2021 designed by Sumayya Vally, Counterspace, Interior View ©Counterspace - Ph. Iwan Baan

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PROJECT

Serpentine Pavilion 2021 designed by Sumayya Vally, Counterspace, Exterior View ©Counterspace - Ph. Iwan Baan

The project for the Serpentine Gallery's 2021 pavilion, designed by Sumayya Vally, founder of the South African studio Counterspace, is an intriguing conceptual provocation regarding the relationship we can build between theoretical content, words, profound meaning and the material, form and geometry that give architecture its final form. Since 2000, the Serpentine Gallery has had the strength and authority to choose artists capable of ambitiously interpreting our time and to look at the design of a temporary pavilion of just over 300 square metres as an extraordinary opportunity for experimentation and research. In this case, Counterspace's work takes up a necessary reflection that is also the result of the profound visual, social and cultural syncretism that characterises both Johannesburg, their city of origin, and London, the place where the pavilion comes alive every summer with events and meetings: how can we give form to the complex universe of communities, languages and economic contradictions that characterise our metropolises?

How can we give voice to the places that mark the identity of the communities that inhabit our cities and give them a profound soul?

How can architecture once again become a civil and welcoming art?

Sumayya Vally has carried out an obsessive form of listening to and sampling dozens of symbolic places in the political and community life of London, condensing them into a sum of fragments that have recomposed an anomalous pavilion, formally expressive and played on an obsessive two-tone pattern that has generated an original and disorienting identity to be confronted with. It is an obsessive game between unity and fragment that has exploded into four other mini-installations in as many London community venues, developing a strategy that is unique in the history of the Serpentine but necessary to expand the dialogue with the outside world that the London gallery has courageously taken on.

Il progetto per il padiglione della Serpentine Gallery del 2021, disegnato da Sumayya Vally, fondatrice dello studio sudafricano Counterspace, è una intrigante provocazione concettuale riguardo alla relazione che possiamo costruire tra i contenuti teorici, le parole, il senso profondo e la materia, la forma e le geometrie che danno corpo finale all’architettura. A partire dal 2000 la Serpentine Gallery ha avuto la forza e l’autorevolezza di scegliere autori capaci d’interpretare ambiziosamente il nostro tempo e di guardare al progetto di un padiglione temporaneo di poco più di 300 metri quadri come a una straordinaria occasione di sperimentazione e ricerca. In questo caso il lavoro di Counterspace raccoglie una riflessione necessaria che è anche figlia del profondo sincretismo visivo, sociale e culturale che caratterizza sia Johannesburg, la loro città di provenienza, che Londra, il luogo in cui ogni estate il padiglione si anima di eventi ed incontri: come dare forma al complesso universo di comunità, lingue e contraddizioni economiche che caratterizzano le nostre metropoli? Come dare voce ai luoghi che segnano l’identità delle comunità che abitano le città e gli danno un’anima profonda? Come fare in modo che l’architettura torni ad essere un’arte civile e accogliente? Sumayya Vally ha portato avanti una ossessiva forma di ascolto e campionatura di decine di luoghi simbolici della vita politica e comunitaria di Londra, condensandoli in una somma di frammenti che hanno ricomposto un padiglione anomalo, formalmente espressivo e giocato su di un’ossessiva bicromia che ha generato un’identità originale e spiazzante con cui confrontarsi. Si tratta di un gioco ossessivo tra unità e frammento che ha esploso altre quattro mini installazioni in altrettanti luoghi di comunità londinesi, sviluppando una strategia unica nella storia della Serpentine ma necessaria per ampliare il dialogo con il mondo esterno di cui la galleria londinese coraggiosamente si è fatta carico.

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Fragment of Serpentine Pavilion 2021 designed by Sumayya Vally, Counterspace for Valence Library ©Counterspace - Ph. George Darrell

PROJECT CREDITS

Name: SERPENTINE PAVILLION 2021 Location: LONDON, UK Year: 2021 Supported by: GOLDMAN SACHS Supporting partner: THERME GROUP Technical Consultant: DAVID GLOVER Technical Advisor: AECOM Gold Sponsor: WEIL Photography: IWAN BAAN, GEORGE DARRELL

Counterspace Fragment of Serpentine Pavilion 2021 designed by Sumayya Vally, Counterspace for The Albany ©Counterspace - Ph. George Darrell

Fragment of Serpentine Pavilion 2021 designed by Sumayya Vally, Counterspace for The Tabernacle ©Counterspace - Ph. George Darrell

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COUNTERSPACE IS A JOHANNESBURG-BASED COLLABORATIVE ARCHITECTURAL STUDIO LED

BY ITS FOUNDER AND PRINCIPAL, SUMAYYA VALLY. COUNTERSPACE IS INSPIRED BY ITS LOCATION, JOHANNESBURG AND IS COMMITTED TO DEVELOPING DESIGN EXPRESSION PARTICULARLY FOR THE CONTINENT – THROUGH DESIGN RESEARCH, PUBLISHING, PEDAGOGY, BUILT THINGS, BUILDINGS AND OTHER FORMS OF ARCHITECTURE. THE STUDIO OCCUPIES A SPACE BETWEEN THE FUNCTIONAL AND THE SPECULATIVE; PEDAGOGY AND PRAXIS; SIMULTANEOUSLY DESCRIBING CITIES AND THEIR HISTORIES AND FUTURES, AND IMAGINING THEM. COUNTERSPACE È UNO STUDIO DI ARCHITETTURA COLLABORATIVO CON SEDE A JOHANNESBURG GUIDATO DAL SUO FONDATORE E DIRETTORE, SUMAYYA VALLY. COUNTERSPACE È ISPIRATO DALLA SUA POSIZIONE, JOHANNESBURG E SI IMPEGNA A SVILUPPARE L'ESPRESSIONE DEL DESIGN IN PARTICOLARE PER IL CONTINENTE ATTRAVERSO LA RICERCA DI DESIGN, L'EDITORIA, LA PEDAGOGIA, LE COSTRUZIONI, GLI EDIFICI E ALTRE FORME DI ARCHITETTURA. LO STUDIO OCCUPA UNO SPAZIO TRA IL FUNZIONALE E LO SPECULATIVO; LA PEDAGOGIA E LA PRASSI; CONTEMPORANEAMENTE DESCRIVE LE CITTÀ, LA LORO STORIA E IL LORO FUTURO, E LI IMMAGINA.

PROJECT

STØNE La pompa di calore che non devi più nascondere 15 Kw

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www.innovaenergie.com 43

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PROJECT

BABYN YAR Bernard Khoury | DW5

MEMORIAL Text by Damiano DI MELE

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A true transfiguration of the ancient morphology, it becomes to all intents and purposes an "inhabited sculpture". A triple ascending sensorial path unfolds inside the work.

The fragile, elegant, skeletal structural frame is pierced and inhabited by a shapeless, suspended volume. The latter almost seems to defy gravity. It is an architecture that reduces its cladding to a minimum until its limbs are visible. This is what the Babyn Yar Memorial looks like, in memory of the massacres that took place near the city of Kiev, in the Ukraine, during the Second World War. The Lebanese studio Bernard Khoury | DW5, in 2021, finally proposed a reconstruction of the site's memory following numerous attempts to conceal it. The site, which originally had abysmal chasms, now shows a total erasure of the authentic topography. In opposition to this absence, Khoury designs a 25-metre cubic structure. It holds in suspension the "extracted" replica of the original terrain lying beneath the flat park. A true transfiguration of the ancient morphology, it becomes to all intents and purposes an "inhabited sculpture". A triple ascending sensorial path unfolds inside the work. Starting from the dense forest of pillars connected to the surrounding greenery, where the envelope only hides the vertical staircase open to the sky. The latter marks the passage from the city to the great hall of meditation and remembrance - suspended from the ground and protected by an enclosure - which leaves the visitor immersed in a profound silence. A place to take refuge, where the perception of empty space changes according to the natural light that penetrates it. A zenithal light capable of measuring and designing space. To crown the work, a pathway encircles the perimeter, overlooking the city on one side and the "archaeological excavation" on the other. The proposal never materialised. The city itself, once the scene of exterminations, continues to be the victim of attacks today. Thus further tragic stories are being deposited on the Memorial project, which will perhaps one day become the image of a new rebirth.

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Il fragile ed elegante telaio strutturale, scheletrico, viene trafitto e abitato da un volume informe, sospeso.

Quest’ultimo sembra quasi sfidare la forza di gravità. È un’architettura che riduce al minimo il rivestimento fino a lasciare intravedere le proprie membra. Si presenta così il Babyn Yar Memorial, in ricordo dei massacri compiuti nei pressi della città di Kiev, in Ucraina, durante la Seconda guerra mondiale. Lo studio libanese Bernard Khoury | DW5, nel 2021, finalmente propone una ricostruzione della memoria del luogo in seguito ai numerosi tentativi di occultarne il ricordo. Il luogo, che in origine presentava abissali voragini, oggi mostra una totale cancellazione della topografia autentica. In opposizione a quest’assenza, Khoury progetta una struttura cubica di 25 metri. Essa tiene in sospensione la replica “estratta” del terreno originario che giace sotto il parco pianeggiante. Una vera e propria trasfigurazione dell’antica morfologia che diventa a tutti gli effetti “scultura abitata”. All’interno dell’opera si dipana un triplice percorso sensoriale ascensionale. A partire dalla fitta foresta di pilastri collegati al verde circostante, dove l’involucro nasconde solo la scala verticale aperta verso il cielo. Quest’ultima, segna il passaggio dalla città alla grande sala della meditazione e del ricordo – sospesa da terra e protetta da un recinto – che lascia il visitatore immerso in un profondo silenzio. Un luogo in cui rifugiarsi, dove la percezione dello spazio vuoto cambia a seconda della luce naturale che penetra al suo interno. Una luce zenitale in grado di misurare e disegnare lo spazio. A coronare l’opera, un percorso cinge il perimetro ed affaccia da un lato sulla città e dall’altro sullo “scavo archeologico”.

La proposta non si è mai concretizzata. La stessa città, un tempo teatro di stermini, continua oggi ad essere vittima di attacchi. Così sul progetto del Memorial si depositano ulteriori tragiche storie, che diverranno forse un giorno immagine di una nuova rinascita.

PROJECT

THE BABYN YAR COMPLEX WAS STRUCK BY A RUSSIAN MISSILE ON MARCH 1 2022, DURING RUSSIA'S INVASION OF UKRAINE AS RUSSIAN FORCES WERE TRYING TO DESTROY THE NEARBY KYIV TV TOWER. THE ATTACK KILLED AT LEAST FIVE PEOPLE.

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PROJECT

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This dialogue takes place with Benedetta Tagliabue, founding partner, together with her husband Enric Miralles, of the Barcelona-based EMBT studio and one of the most interesting and vital realities of the Spanish and international contemporary scene.

The occasion is the major exhibition just opened in Rome and dedicated to the public works of the studio as well as to the role of Miralles, who died prematurely in 2000.

Questo dialogo avviene con Benedetta Tagliabue, socia fondatrice, insieme al marito Enric Miralles, dello studio EMBT con base a Barcellona e una delle realtà più interessanti e vitali della scena contemporanea spagnola e internazionale. L’occasione è la grande mostra appena aperta a Roma e dedicata ai lavori pubblici dello studio oltre che al ruolo di Miralles, prematuramente scomparso nel 2000.

Miralles Tagliabue EMBT Barcelona Spain

Benedetta

TAGLIABUE

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Luca Molinari | This is a dialogue between me, you and also with our beloved Enric (always, BT comments). It gives me pleasure to hold this dialogue just a few days before the opening of the exhibition Trame della memoria. Architectural interventions on the heritage of Enric Miralles and Benedetta Tagliabue, 1992-2022.

Would you tell us a little about this exhibition, its soul, what it is about, what it is made up of?

Luca Molinari | Questo è un dialogo tra me, te e anche con il nostro amato Enric (sempre, commenta BT). Mi fa piacere fare questo dialogo a pochi giorni dall’inaugurazione della mostra Trame della memoria. Interventi architettonici sul patrimonio di Enric Miralles e Benedetta Tagliabue, 1992-2022. Ci vuoi raccontare un po’ di questa mostra, della sua anima, di cosa racconta, di cosa è composta?

Benedetta Tagliabue | It is an exhibition on the theme of "continuity". It's at the Spanish Academy in Rome, on the Janiculum Hill, where there is the Bramante temple, which is a fantastic, fabulous place, and it's a place where, among other things, we have already exhibited with Enric in 1995 and then exhibited again in 2011, so it's a place I love so much, and remembering our whole trajectory, from when we started with Enric to now, was a bit of a nice exercise to do at the Spanish Academy, where we did these works together many years ago.

By the way, our daughter Caterina, who was in my belly in 1995, is the curator of this exhibition, she did all the preparation, so it is a living continuity, absolutely true. But the continuity is not only in our studio, in the fact that we started with Enric, who left us in 2000, and we continue to work as if he were always with us. It is also a continuity in history: the Academy of Spain in Rome is trying to renew itself, to expand its facilities, and doing this in Rome or in Italy is extremely difficult, because the theme of heritage is a wonderful theme, but sometimes it gets in the way of architecture, so the request from the Academy of Spain's clients was "tell us about your attitude as architects when you deal with heritage", and so there are all projects that deal with heritage in different ways.

Benedetta Tagliabue | È una mostra sul tema della “continuità”. È all’Accademia di Spagna di Roma, al Gianicolo, dove c’è il tempietto di Bramante che è un luogo fantastico, favoloso ed è un luogo dove fra l’altro abbiamo già esposto con Enric nel 1995 e poi abbiamo esposto un’altra volta nel 2011, quindi è un luogo che amo tanto e ricordare tutta la nostra traiettoria, quando abbiamo iniziato con Enric fino ad oggi, era un po’ un esercizio molto carino da fare nell’Accademia di Spagna, dove abbiamo fatto questi lavori insieme tanti anni fa. Tra l’altro, nostra figlia Caterina, che era nella mia pancia nel 1995, è la curator di questa esposizione, ha fatto tutto l’allestimento, quindi è una continuità viva, assolutamente vera. Però la continuità non è solo del nostro studio, del fatto che iniziamo con Enric che ci lascia nel 2000 e continuiamo a lavorare come se lui fosse sempre accanto a noi. È anche una continuità nella storia: l’Accademia di Spagna a Roma sta cercando di rinnovarsi, di fare chissà un ampliamento delle proprie strutture e fare questo a Roma o in Italia è di una grandissima difficoltà perché il tema del patrimonio è un tema meraviglioso però a volte blocca nell’architettura, quindi su richiesta dei committenti dell’Accademia di Spagna era “raccontate della vostra attitudine come architetti quando avete a che fare con il patrimonio” e quindi ci sono tutti progetti che hanno a che fare con il patrimonio in diverse maniere.

L.M. | As an Italian who trained between Venice and Milan, for you the word "continuity" is also a word full of meaning. If you think of Ernesto Nathan Rogers with his Casabella-Continuity experience, "continuity" is a word that for us Italians, Europeans, Mediterraneans has a very deep, dense meaning; it is not just a generational or linguistic continuity, but a way of belonging to places.

L.M. | Da italiana che si è formata tra Venezia e Milano, per te la parola “continuità” è anche una parola carica di senso. Se pensi a Ernesto Nathan Rogers con l’esperienza Casabella-Continuità, “continuità” è una parola che per noi italiani, europei, mediterranei ha un senso molto profondo, denso, non è unicamente una continuità generazionale o linguistica ma è proprio un modo di appartenere ai luoghi.

B E N E D E T TA TAG L IAB U E

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SMELL

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OAJREI C T LU CA M OP LRI N

Photo © Ferran Nadeu

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Scottish Parliament in Edinburgh - Ph. courtesy of EMBT

B.T. | It's true, it's a necessity. It's a word that I also learned with our architectural tradition with Ernesto Rogers. And it is a word that I have had to experience first-hand, so I believe in it very much because it has really been the strategy that I have used over the years, always.

Trying to put things together, trying to have continuity with the place, with the past, with the moments. For me it is a very keyword.

L.M. | It's true that you have a series of projects that have a history with places, so in my mind there are a lot of them, but which are the projects that somehow define the traces in this exhibition, the headlines?

B.T. | With Caterina we made a consideration, which is that every time I talk about projects that have to do with history, such as St Catherine's, the Parliament of Scotland, Utrecht, which is in the historic centre of the city, for me the place of the experiment, where all this was tried out, is our house, so our house, in the historic centre of Barcelona, which we had promised not to publish because we had made it just for us, has instead become the seed, the generative part of a series of public projects. With our daughter Caterina we managed to imagine an exhibition where the house is on all the walls of the halls of the Spanish Academy, it was put up by people who usually put posters in the street (they were very nice). And all these posters with images of the house are broken, as happens in the street, but when you break the poster you find another image of the house and another one. This reminds you very much of what happens in the street, this palimpsest of historical layers that we have found and lived with. This becomes the backdrop for all the other projects, and against this backdrop of the house, which is like our continuity, our reference, we present the St Catherine's project, Utrecht, the Parliament of Scotland, all with original drawings, many of which have never been seen or even published, and then we follow up with projects done without Enric, such as the port of Hamburg, which has another kind of historical reference but is just as important, or the new church in Ferrara, which also has the presence of the Italian city. Then, outside in the courtyard there are fragments of the Rimini seafront, the building we did in the modernist hospital of Sant Pau in Barcelona, the Shanghai Pavilion in China, something we did in Paris and many small things in Rome.

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B.T. | È vero, è una necessità. È una parola che ho imparato anche con la nostra tradizione architettonica con Ernesto Rogers. E poi è una parola che ho dovuto sperimentare sulla mia pelle e quindi ci credo moltissimo perché veramente è stata la strategia che ho utilizzato durante questi anni, sempre. Questo cercare di mettere insieme le cose, di avere una continuità con il luogo, con il passato, con i momenti. Per me è una parola molto chiave.

L.M. | È vero che avete una serie di progetti che hanno storie con i luoghi quindi nella mia mente ce ne sono tanti, ma quali sono i progetti che in qualche modo definiscono le tracce in questa mostra, le headlines?

B.T. | Con Caterina abbiamo fatto una considerazione, ovvero che ogni volta che parlo di progetti che hanno a che vedere con la storia come Santa Caterina, il Parlamento di Scozia, Utrecht che è nel centro storico della città, per me il luogo dell’esperimento, dove tutto questo si è provato, è casa nostra, quindi casa nostra, nel centro storico di Barcellona, che avevamo promesso di non pubblicare perché l’abbiamo fatta solo per noi, è diventata invece la semente, la parte generativa di una serie di progetti pubblici. Con nostra figlia Caterina siamo riusciti a immaginare un’esposizione dove la casa è su tutte le pareti delle sale dell’Accademia di Spagna, è stata messa da gente che mette di solito i cartelloni in strada (sono stati molto carini). E tutti questi cartelloni delle immagini della casa sono rotti, come quando succede per strada, però quando rompi il cartellone trovi un’altra immagine della casa e un’altra ancora. Questo ti ricorda molto quello che succede per strada, questo palinsesto di strati storici che abbiamo trovato e con cui abbiamo convissuto. Questo diventa lo sfondo di tutti gli altri progetti e con questo sfondo della casa, che è come la nostra continuità, la nostra referenza, si presentano il progetto di Santa Caterina, di Utrecht, del Parlamento di Scozia, tutti con disegni anche originali, molti mai visti e mai neanche pubblicati, e poi seguiamo con i progetti fatti senza Enric come il porto di Amburgo, che ha un altro tipo di referenza storica ma altrettanto importante, oppure la nuova chiesa di Ferrara che ha anche la presenza della città italiana. Poi, fuori nel cortile sono presenti come frammenti il lungomare di Rimini, l’edificio che abbiamo fatto nell’ospedale modernista di Sant Pau a Barcellona, il Padiglione di Shanghai in Cina, qualcosa che abbiamo fatto a Parigi e tante piccole cose a Roma.

B E N E D E T TA TAG L IAB U E

L.M. | By the way, your house, I know, as for many architects and for you even more special, has been a place of continuous experimentation. Your house is in the Gothic quarter, in a part of the city that has been colonised over the centuries, so I imagine that working on the walls means finding traces. Can you tell us, since we will then see the images torn on the walls, what constituted the project of the house where you are now?

B.T. | B.T. Yes, I'm here with one part painted, another left as it was with the old paintings. For us, the house was a bit of a discovery of the old part. I had come to live in Barcelona because I had fallen in love with Enric and I had lived in Venice and New York. Enric and I had met in New York in these wonderful lofts, which were the new way of living at the time, and here, in Barcelona, Enric offered me to live in places that were used more, like the Eixample, those places that were very organised, but I didn't feel comfortable there, I needed a bit of history, something more to discover, and together we discovered these abandoned buildings in the old part of the city, that's how it was in the nineties. We found a house that they told us was ready to be pulled down and instead of pulling it down we discovered it and it was a really wonderful job for the two of us because together we made this discovery of what this house meant, what was underneath the destroyed walls, removing all the elements of the warehouse because they had turned it into a warehouse. To think that if it had been an old house we could have used it as a loft because the walls were no longer there, how to put furniture, how to make these strips of paint and not paint on the wall so that there was both the contemporary and the historic, and here we found many things that we thought were not important but were actually very important.

L.M. | Would it be fair to say that your house was one of your first design workshops?

B.T. | I think so, and before that I would say the workshop, which gives us the chance to work on many different projects, bigger, more important, more public, but where there is this strength of the house, of what we discovered in the house below.

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SMELL

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LU CA M O L I N A R I

L.M. | Tra l’atro la vostra casa, lo so, come per moltissimi architetti e per voi ancora più speciale, è stato un luogo di sperimentazione continua. La vostra casa è nel barrio gotico, in una parte della città colonizzata lungo i secoli e quindi immagino che lavorare sulle pareti significa ritrovare tracce. Ci vuoi dire, visto che poi vedremo le immagini strappate sulle pareti, che cosa ha costituito il progetto della casa dove tra l’altro ora sei?

B.T. | Sì io sono qui con una parte dipinta, un’altra lasciata così com’era con le pitture antiche. La casa per noi è stata un po’ una scoperta della parte antica. Io ero venuta a vivere a Barcellona perché mi ero innamorata di Enric e avevo vissuto a Venezia e a New York. Io ed Enric c’eravamo conosciuti a New York in questi meravigliosi loft che nell’epoca erano la nuova maniera di vivere e qui, a Barcellona, Enric mi proponeva di vivere in luoghi si usavano di più come l’Eixample, quei luoghi molti organizzati ma io non mi trovavo bene, avevo bisogno di un po’ di storia, di qualcosa più da scoprire e insieme abbiamo scoperto questi edifici abbandonati nella parte antica della città, negli anni Novanta era così. Abbiamo trovato una casa che ci dicevano essere pronta per essere tirata a terra e invece di buttarla a terra l’abbiamo scoperta ed è stato un lavoro davvero meraviglioso che per noi due è stato bellissimo perché insieme abbiamo fatto questa scoperta di cosa significava questa casa, cosa c’era sotto ai muri distrutti, togliere tutti gli elementi del magazzino perché l’avevano trasformata in un magazzino.

Pensare che se fosse stato una casa antica avremmo potuto usarla in un loft perché ormai non c’erano più i muri, come mettere i mobili, come fare queste striscie di pittura e non pittura sul muro in maniera che c’era sia il contemporaneo che lo storico e qui abbiamo trovato tante cose che pensavamo non fossero importanti e invece erano molto importanti.

L.M. | Sarebbe giusto dire che la vostra casa è stato uno dei vostri primi laboratori di progettazione?

B.T. | Io credo di sì e prima ancora direi il laboratorio che ci dà la possibilità di agire in tanti progetti diversi, più grandi, più importanti, più pubblici, e dove però c’è questa forza della casa, di quello che abbiamo scoperto nella casa sotto.

Centre Kalida St. Pau - Ph. Luc Miralles

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Interior of the Miralles House - Ph. Wianelle Briers

L.M. | What was it like working with Enric? I knew him, I saw him working in the studio, teaching at the university, I had fragments of his incredible ability to work with others and to use his genius to relaunch each time, but on a day-to-day basis, at the work table, what was it like working with him? On projects that were real challenges?

B.T. | That's fantastic, yes, and we all look for that. We are looking for a type of architecture that is always there, and that would be wonderful.

Working side by side with Enric was something very special because he conveyed this special ability, this special attention. He really enjoyed making architecture, but he had a wonderful thing about it. He was very individual, very special, but he always needed someone by his side with whom he could share all the time, and it was important to have this point of sharing. His hand was so unique and artistic that I never wanted to put another line on Enric's lines, but you could offer alternatives, comment, he had an incredible sensitivity. Sometimes, even with just a glance, he could change his mind because in that glance he had seen no enthusiasm. With Enric it was really a very subtle dialogue.

L.M. | That interests me a lot. One of the things that can't be said about your architecture is that it lacks personality.

B.T. | That's true. I'm a big believer in the personality of things. I believe that things have an individuality and they have to reveal it, to tell it in order to become universal. I think that's the way it is, so we try to make our architecture based on this concept without being afraid that it will have too much personality. In fact it is a personality that tries to admit the voices of others, to understand, even made collectively with intelligence and choice, it is not that you admit everything, so I really believe in the importance of having your own personality, just to be part of society. Otherwise you are not.

L.M. | Architecture can have a strong personality and be very welcoming at the same time. It is not true that responsibility is rejecting, there is this thing that is the disease of the twentieth century, that architects' architecture is always a little narcissistic, keeping people away, and yet if architecture has the capacity to be welcoming, it is warm, unique and domestic, and becomes a place of wonder, a place where you feel welcomed and embraced.

B.T. | Actually the voices of others, of other architects, of the influences we have had, are present everywhere. They are made architectures, that is, the image was always this. When Enric was drawing, he always had 1 or 2 or 3 books open in front of him, so it means they are always made in the company of many voices, and you can see that, and sometimes I still discover it. When you do something very personal you are actually also very much in communication with many other voices.

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L.M. | Come era lavorare con Enric? Io l’ho conosciuto, l’ho visto lavorare in studio, insegnare in università, ho avuto dei frammenti della sua capacità incredibile di lavorare insieme agli altri e di usare la sua genialità per rilanciare ogni volta, però nel quotidiano, nel tavolo di lavoro, come era lavorare insieme a lui? Su progetti che poi erano delle vere e proprie sfide?

B.T. | Quello è fantastico, sì e tutti lo cerchiamo. Cerchiamo un tipo di architettura che rimane sempre presente e questo sarebbe meraviglioso.

Lavorare di fianco a Enric era qualcosa di molto speciale perché trasmetteva questa sua speciale capacità, speciale attenzione. Lui si divertiva veramente a fare architettura però aveva una cosa meravigliosa.

Era molto individuale, speciale, ma aveva sempre bisogno di qualcuno di fianco con cui condividere tutto il tempo ed era importante questo punto della condivisione. La sua mano era talmente unica e artistica che io non avevo mai voglia di mettere un’altra linea sulle linee di Enric però si poteva molto offrire alternative, commentare, era di una sensibilità incredibile.

A volte anche solo con un'occhiata, poteva cambiare idea perché in quell'occhiata non aveva visto entusiasmo. Con Enric era veramente un dialogo molto sottile.

L.M. | Questo mi interessa molto. Una delle cose che non si può dire della vostra architettura è che non manchi di personalità.

B.T. | È vero. Io credo molto nella personalità delle cose. Credo che le cose abbiano un’individualità e la debbano rivelare, raccontare per poter diventare universale. Secondo me è così e quindi su questo concetto cerchiamo di fare la nostra architettura senza aver paura che abbia una personalità troppo marcata. In effetti è una personalità che cerca di ammettere le voci degli altri, di capire, fatta anche collettivamente con intelligenza e scelta, non è che ammetti tutto, quindi credo molto nell’importanza di avere una personalità propria, proprio per essere parte della società. Se no non lo si è.

L.M. | Un’architettura può avere una forte personalità ed essere contemporaneamente molto accogliente. Non è vero che la responsabilità è respingente, c’è questa cosa che è poi la malattia del Novecento, che l’architettura degli architetti è sempre un po’ narcisista, tieni le persone lontane eppure se l’architettura ha una capacità di essere accogliente, è calda, unica e domestica e diventa un luogo di meraviglia, un luogo dove ti senti accolto e abbracciato.

B.T. | In realtà le voci degli altri, degli altri architetti, delle influenze che abbiamo avuto, sono presenti dappertutto. Sono architetture fatte, cioè l’immagine era sempre questa. Enric quando disegnava aveva sempre 1 o 2 o 3 libri aperti davanti; quindi, vuol dire che sono fatte sempre in compagnia di molte voci e questo si nota e a volte lo scopro ancora.

Quando fai qualcosa di molto personale in realtà sei anche molto in comunicazione con tante altre voci.

B E N E D E T TA TAG L IAB U E

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SMELL

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LU CA M O L I N A R I

Metro Station Napoli - Ph. P. Fassoli

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Public spaces in Hamburg - Ph. Thomas Hampel

L.M. | I'd like to go back to Italy for a moment. In addition to your relationship, you and Enric have had a very strong dialogue with Italy, and this continues today, for example I was thinking of the San Giacomo church project in Ferrara, the project you are finishing at the Centro Direzionale in Naples, and the unfortunate competition you won for the IUAV extension at the end of the 1990s, and many other things you have done. What was the relationship between Enric and Italy?

B.T. | Enric's relationship with Italy started when he started doing architecture. During the years when he was studying, which were the 1970s, there was a migration towards Italy as a place to buy books, to get in touch with new trends because here it was still a Francoist world or one that was slowly coming out of Francoism, so there was a very big limitation of knowledge. For Enric, really finding out more about the world of architecture was through Italy because he came to the Andrea Palladio course, for him the CISA course was a wonderful teaching experience, or even the ILAUDs in Urbino, Siena. Then he read a lot and some colleagues told me about these trips they made by car just to go to the Cluva bookshop in Venice, and they came back with the car full of books, a different world where you could see that Italy was an important world. Then he found me and I was Italian, so we started to speak Italian, he experimented with this language that he had learnt from the books he had bought and we started to get these references from the world that was more mine, more Italian. We did the competition in Venice really as an opportunity to return to the place where I studied, it was very nice and then the importance of having Italy as a place I know continues for me. Now, for example, the church in Ferrara, you don't know how

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L.M. | Vorrei tornare un attimo all’Italia. Oltre alla vostra relazione, tu ed Enric avete avuto un dialogo molto forte con l’Italia e questa cosa continua anche oggi, per esempio pensavo al progetto della chiesa di San Giacomo a Ferrara, il progetto che state finendo al centro direzionale di Napoli, oltre allo sfortunato concorso vinto per l’ampliamento dello IUAV alla fine degli anni Novanta e tante altre cose fatte. Che relazione c’è stata tra Enric e l’Italia?

B.T. | La relazione di Enric con l’italia è nata quando ha iniziato a fare architettura. Durante gli anni in cui studiava, che erano gli anni Settanta, c’era una migrazione verso l’italia come il luogo in cui comprare libri, entrare in contatto con le nuove tendenze perché qui era ancora un mondo franchista o che stava uscendo piano piano dal franchismo, quindi una limitazione molto grande del conoscimento. Per Enric veramente scoprire di più sul mondo dell’architettura è stato attraverso l’Italia perché è venuto al corso Andrea Palladio, per lui il corso CISA è stata una meravigliosa esperienza di insegnamento, oppure anche agli ILAUD di Urbino, Siena. Poi, aveva letto tanto e alcuni colleghi mi raccontavano di questi viaggi che facevano in macchina solo per andare alla libreria Cluva a Venezia, e tornavano con la macchina piena di libri, un mondo diverso dove si capisce che l’Italia era un mondo importante. Poi trova me e io sono italiana, quindi cominciamo a parlare in italiano, fa l’esperimento di questo linguaggio che aveva imparato sui libri comprati e cominciamo ad avere anche queste referenze del mondo più mio, più italiano. Abbiamo fatto il concorso di Venezia veramente come l’occasione per ritornare nel luogo dove io ho studiato, è stato molto bello e poi continua per me l’importanza di avere l’Italia come luogo che conosco.

B E N E D E T TA TAG L IAB U E

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SMELL

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LU CA M O L I N A R I

Church San Giacomo Ferrara - Ph. Marcela Grassi

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Mercado de Santa Caterina - Ph. Roland Halbe

Mercado de Santa Caterina - Ph. Alex Gaultier

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B E N E D E T TA TAG L IAB U E

happy it made me. The Church of Ferrara is beautiful, I like it a lot (I'm very curious about it, comments LM) and Ferrara is also where I went on my honeymoon with Enric, because Ferrara is a magical, beautiful city, it's neither Venice nor Bologna, it's in the middle, it has its own personality, it has fantastic artists. Even, for example, walking along the Rimini seafront seems like a wonderful opportunity to get to know more about the city, to see Roman Rimini, Leon Battista Alberti, even going to see Fellini, watching his films, it's wonderful.

And now in Milan we are doing two projects, one for the Salone.

We are bringing these pieces of furniture that you mentioned and that we designed for the house. They are pieces of furniture that move, that come from this world of the home that we wanted to occupy, but with respect; therefore, what better than something that can move so as not to invade too much, that is, if you don't like it put it here, if you don't like it put it there, and this is a nice thing that we had never considered, we have never shown them, we have never presented them in their detail. But now at Interni we are going to present these pieces of furniture, the ones for the house, the ones we made for other occasions, such as for an Alvar Aalto congress, there is a wonderful piece of furniture. And then there is a very special piece of furniture, a table that Enric had designed and left in his notebook and had never told me about. I found it by chance, thinking that it was one of the pieces of furniture we had at home, and then I looked at it more carefully and realised that it was a piece of furniture that might have been ready to make a present to me twenty years later, all measured up, and it is a fantastic table, so on 6 June, when the Salone opens, there will be a big presentation of this dancing furniture.

L.M. | The issue you will be on the cover of is linked to one of the senses, because this year we are dedicating ourselves to the senses, and your issue is linked to the sense of smell, of odours, of the smell of places, because every city, every place has its own smell. In your work, you give enormous importance to the use of materials, shapes, decorations and the sensory dimension that takes shape. What does it mean for you to work with all the senses in your projects? What does it mean for you to apply this in a circular design, as you often do?

B.T. | It is very important. Actually, when we said that collaborating with Eric wasn't really about drawing on it, it was more about experience together, communicating on many levels, because ultimately because in the end what a drawing is for is to get an element that an element that has to serve all the senses, all those those that we are able to understand. I really like the fact that you have given us smell as one of the senses and one of the senses is also being well and this is one of the senses that we are looking after most at the moment. the most at the moment. It's a sense of comfort, of feeling accompanied, that belongs to things and places, and to designs, and this is a job that obviously work that obviously needs to be done very carefully, very humbly, because it is not at all easy to transform what is a concept concept indicated by the lines of a drawing into something that can then that can then give you all these sensations. For example, one For example, one of the sensations I tell so much about in the church in Ferrara is a feeling that the liturgist used to tell us, this fantastic character character who has to lead the architect or the artist towards the interpretation of the ritual. He says that it is one of the fundamental things to achieve this sense of the "sacred". Smell is something volatile, but the sense of the sacred is even more so, and so and so he said it's very simple: for example, if a child with a ball loses the ball in church and runs to get it back, when he crosses the threshold he stops, because the space has given him a feeling that he can no longer play. space has given him a feeling that he can no longer play ball. This is the This is the proof of whether space functions as sacred or not, but you understand that you build it and until the end you say "I hope it works".

L.M. | And does it work? Don't the children come into the church to play ball?

B.T. | I think it works. Now we have to really prove it by giving the ball to a child.

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SMELL

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LU CA M O L I N A R I

Adesso, per esempio, la chiesa di Ferrara non sai come mi ha fatto felice. La Chiesa di Ferrara è bella, mi piace molto (mi incuriosisce molto, commenta LM) e Ferrara è tra l’altro il luogo dove sono andata in viaggio di nozze con Enric perché Ferrara è una città magica, bellissima, non è né Venezia, né Bologna, è nel mezzo, ha una personalità sua, ha degli artisti fantastici. Anche per esempio fare il lungomare di Rimini sembra un’occasione stupenda per conoscere di più della città , per vedere la Rimini romana, Leon Battista Alberti, anche andare a vedere Fellini, riguardarsi i film, è meraviglioso. E ora a Milano stiamo facendo due progetti, uno per il Salone. Portiamo questi mobili che tu hai citato e che abbiamo disegnato per la casa. Sono mobili che si muovono, che vengono da questo mondo della casa che volevamo occupare però con rispetto; quindi, cosa di meglio di qualche cosa che si possa muovere per non invadere troppo, cioè se non ti piace lo metti qua, se non ti piace lo metti là, e questa è una cosa carina che non avevamo mai considerato, non li abbiamo mai fatti vedere, non li abbiamo mai presentati nel loro dettaglio. Invece adesso a Interni presenteremo questi mobili, ci sono quelli della casa, quelli che abbiamo fatto per altre occasioni, come per un congresso Alvar Aalto c’è un mobile stupendo. E poi c’è un mobile specialissimo, un tavolo che Enric aveva disegnato e lasciato nel suo quaderno e non me l’aveva mai comunicato. Io l’ho trovato per caso pensando che fosse un previo dei mobili che avevamo a casa e poi guardando con più attenzione mi sono resa conto che era un mobile forse pronto per fare un regalo a me vent’anni dopo, tutto misurato ed è una tavola fantastica, quindi il 6 giugno, quando apre il Salone, ci sarà una grande presentazione di questi mobili ballerini.

L.M. | Il numero di cui sarai in copertina è legato a uno dei sensi perché quest’anno ci dedichiamo ai sensi e al tuo numero è legato il senso dello smell, degli odori, dell’odore dei luoghi perché ogni città, ogni luogo ha un suo odore. Tu nel tuo lavoro dai un’enorme importanza all’uso dei materiali, della forma, delle decorazioni, della dimensione sensoriale che si fa forma. Cosa vuol dire per te lavorare con tutti i sensi nei progetti? Cosa vuol dire per te applicare questa cosa in una progettazione che sia circolare, come tu fai spesso?

B.T. | È molto importante. In realtà quando dicevamo che collaborare con Enric non era proprio disegnare sopra, era più che altro avere esperienza insieme, comunicare a molti livelli perché alla fine quello a cui serve un disegno è far arrivare poi un elemento che deve servire per tutti i sensi, tutti quanti, tutti quelli che noi siamo capaci di capire. Mi piace molto che ci hai dato l’odore come uno dei sensi e uno dei sensi è anche lo stare bene e questo è uno dei sensi che in questo momento stiamo curando di più. È un senso di comfort, di sentirsi accompagnati, che appartiene alle cose e ai luoghi, e ai disegni e questo è un lavoro che evidentemente bisogna fare con molta attenzione, molta umiltà, perché non è affatto facile trasformare quello che è un concetto indicato dalle linee di un disegno in qualche cosa che poi ti possa dare tutte queste sensazioni. Per esempio, una delle sensazioni che racconto tanto nella chiesa di Ferrara è una sensazione che ci raccontava il liturgista, questo fantastico personaggio che deve condurre l’architetto o l’artista verso l’interpretazione del rituale. Dice che è una delle cose fondamentali a raggiungere questo senso del “sacro”. L’odore è qualche cosa di molto volatile però il senso del sacro lo è ancora di più e allora lui diceva che è molto semplice: per esempio se un bambino con una palla, la perde in chiesa e corre per riprenderla, quando passa la soglia si ferma, perché lo spazio gli ha dato una sensazione per la quale non può più giocare a palla. Questa è la prova se lo spazio funziona come sacro o no, però capisci che tu lo costruisci e fino alla fine dici “spero che funzioni”.

L.M. | E funziona? I bambini non entrano a giocare a palla in chiesa?

B.T. | Secondo me funziona. Adesso dobbiamo provarlo veramente dando la palla a un bambino.

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Aut Aut Architettura

SPACE AS A THIRD EDUCATOR Text by Luisa PARISI

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INTERIOR

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The environment is not a container that welcomes without interference, but a mediator so that object/ subject are strongly intertwined in the relational weave that characterises places. Here, the environment interacts, changes and takes shape in relation to learning experiences, in a constant dialogue between architecture and pedagogy.

The quality of spaces goes hand in hand with the quality of learning, in the perspective through which pedagogue Loris Malaguzzi defined space as the "third educator", together with educators and parents. The Esperimetro project, designed by Aut Aut Architettura for the Garzoni School in Udine, is a non-neutral scenario: a stimulating, experiential, dynamic and appropriated space where a wooden device arranged around the perimeter acts as a seat, chest, display case, bookcase and container. Its articulation suggests activities such as reading, theatre, music, botany and creative workshops, without clearly defining them, in order to support without interruption the variation of the different multiple configurations and to allow the contamination of knowledge. Integration, complementarity, interoperability, flexibility and adaptability are the terms for the architectural project as an educational act, a premise and condition for the space as a third educator.

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L’ambiente non è un contenitore che accoglie senza interferenze, bensì un mediatore affinché oggetto/ soggetto s’intreccino fortemente nella trama relazionale che caratterizza i luoghi. Qui l’ambiente interagisce, si modifica e prende forma in relazione alle esperienze di apprendimento, in un dialogo costante tra architettura e pedagogia. La qualità degli spazi va di pari passo con la qualità degli apprendimenti, nella prospettiva attraverso la quale il pedagogista Loris Malaguzzi ha definito lo spazio come “terzo insegnante”, insieme a educatrici e genitori.

Il progetto Esperimetro, realizzato da Aut Aut Architettura per la Scuola Garzoni di Udine, è uno scenario non neutrale: uno spazio stimolante, esperibile, dinamico e appropriabile dove un dispositivo in legno disposto perimetralmente funge da seduta, cassapanca, vetrina, libreria, contenitore. La sua articolazione suggerisce attività di lettura, teatro, musica, botanica, laboratori creativi, senza definirli chiaramente per assecondare senza interruzioni il variare delle differenti molteplici configurazioni e permettere la contaminazione dei saperi. Integrazione, complementarietà, interoperabilità, flessibilità, adattabilità sono i termini per il progetto di architettura come atto educativo, premessa e condizione per lo spazio come terzo insegnante.

INTERIOR

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Aut Aut Architettura AUT AUT ARCHITETTURA IS AN ARCHITECTURAL PRACTICE FOUNDED IN 2016 BY FOUR YOUNG PROFESSIONALS AIMING TO ESTABLISH A PLATFORM OPEN TO MULTIPLE COLLABORATIONS AND CONTAMINATIONS INSIDE AND OUTSIDE THE DISCIPLINE. CONTEXT UNDERSTANDING IS THE FUNDAMENTAL PRECONDITION IN ITS APPROACH, DEFINABLE AS STRATEGIC AND DEVOTED TO A CULTURAL PRODUCTION WHICH AIMS TO PROPEL SOCIAL ENHANCEMENT. AUT AUT ARCHITETTURA BELIEVE THAT THE ARCHITECTURAL PROJECT, BESIDES BEING AN INVESTIGATIVE AND CRITICAL DEVICE ABLE TO CONDENSE AND METABOLISE CULTURAL CONTRADICTIONS, IS A TOOL CAPABLE OF CATALYSING AND PROPELLING A CERTAIN DISCOURSE THROUGH THE ENVISIONING OF NEW AND EVEN PROVOCATIVE SPACES. AUT AUT ARCHITETTURA NASCE NEL 2016 DALLA VOLONTÀ DI QUATTRO ARCHITETTI UNDER 35 DI COSTITUIRE UNA PIATTAFORMA APERTA A MOLTEPLICI COLLABORAZIONI E CONTAMINAZIONI, SIA INTERNE CHE ESTERNE ALLA DISCIPLINA, IN CUI LA CURIOSITÀ DI COMPRENDERE IL CONTESTO E DI RISPONDERE AI SUOI STIMOLI ASSUME UN RUOLO STRATEGICO. IL PROGETTO, INFATTI, È INTESO COME STRUMENTO DI ESPLORAZIONE E RISPOSTA CRITICA, CAPACE DI CONDENSARE E METABOLIZZARE LE CONTRADDIZIONI DEL CONTESTO FISICO E IMMATERIALE, AVANZANDO UN DETERMINATO DISCORSO ATTRAVERSO LA PREFIGURAZIONE DI SPAZI NUOVI E PROVOCATORI.

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PROJECT CREDITS

Name: ESPERIMETRO Client: FONDAZIONE REGGIO CHILDREN – ENEL CUORE ONLUS Location: UDINE, ITALY Year: 2021 Suppliers: GERFLOR, OLEARI Photography: ISMAELE MICHELOTTI

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Forniture résult of the fusion between the architect’s and artist’s idea

INTERIOR

With the "Casa B+B" project, the Alvisi Kirimoto studio creates and redesigns a 333 m2 loft by using fluid spaces aimed at an architecture that combines the domestic sphere and the history of the capital.

A semi-transparent entrance door, with a layer of linen between the panes of glass and a wengé wood profile like the button-shaped handles, gives access to the entrance, a large plaster atrium. On the same floor is the artist's studio, a veritable refuge of art and culture, whose retro soul overlooks a balcony full of flower boxes that recall the floral patterns of the wallpaper. The same pattern is also present in the bedroom, but with different motifs, underlining the fact that each room is treated as a microcosm with its own story to tell and a new perspective to convey. The furnishings are also the result of "a game of ping pong between myself and the artist who owns the house", says Junko Kirimoto, who wants to emphasise her idea of a project that opposes the idea of standardisation but aims to go beyond the surface, straight to the soul of things.

The upper floor is reached by means of a naval-inspired staircase in wengé wood, leading to the heart of the home, the large open-space living room with ribbon windows overlooking the Coliseum. This space, which underwent major structural work to free it from pillars, is placed on a raised wooden podium which has the merit and task of projecting the gaze outwards. This view is captured by the amphitheatre and the other monuments around it thanks to the delicate architectural choices made to balance the colours of the furnishings, starting with the new wooden trusses painted white.

Lo studio Alvisi Kirimoto con il progetto “Casa B+B” crea e ridisegna un loft, di 333 m2, attraverso l’utilizzo di spazi fluidi volti verso un’architettura che coniuga la sfera domestica e la storia della capitale.

Una porta d’ingresso semitrasparente, con uno strato di lino posto tra i vetri e dal profilo in legno wengè come le maniglie dalla forma a bottone, consente l’accesso all’ingresso costituito da un ampio atrio in gesso. Sullo stesso piano vi è l’atelier dell’artista, un vero e proprio rifugio d’arte e cultura, che con la sua anima retrò si affaccia su un balcone ricco di fioriere che richiamano i disegni floreali del parato. Lo stesso pattern è presente anche nella camera da letto, ma con dei motivi differenti, così da sottolineare che ogni stanza è trattata come un microcosmo con una propria storia da raccontare e una prospettiva inedita da trasmettere.

Anche gli arredi sono il risultato “di un gioco di ping pong tra me e l’artista proprietaria della casa” afferma Junko Kirimoto, che con questo vuole mettere in luce la sua idea di progetto che si oppone all’idea di standardizzazione ma che punta ad andare oltre la superficie, dritta all’anima delle cose.

Il piano superiore si raggiunge attraverso una scala, d’ispirazione navale in legno wengè, che conduce al cuore della casa, il grande soggiorno open-space dalle vetrate a nastro sul Colosseo. Questo spazio, protagonista di un importante intervento strutturale per essere liberato dai pilastri, è posto su un podio rialzato in legno che ha il pregio e il compito di proiettare lo sguardo verso l’esterno. Sguardo che viene rapito dall’anfiteatro e dagli altri monumenti circostanti grazie alle scelte architettoniche delicate a bilanciare i colori degli arredi, partendo dalle nuove capriate lignee verniciate di colore bianco.

Alvisi Kirimoto

ATELIER HOUSE AT THE

COLISEUM Text by Angela PALUMBO

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Wood detail applicant in the project

Alvisi Kirimoto ALVISI KIRIMOTO IS AN INTERNATIONAL PRACTICE THAT WORKS IN THE FIELD OF ARCHITECTURE, URBAN PLANNING AND DESIGN. FOUNDED

BY MASSIMO ALVISI AND JUNKO KIRIMOTO IN 2002, THE FIRM STANDS OUT FOR ITS SARTORIAL APPROACH TO DESIGN, “SENSITIVE” USE OF TECHNOLOGY AND CONTROL OF SPACE, STARTING FROM THE HANDS WORK – THE MANIPULATION OF "SHEETS OF PAPER". DIALOGUE WITH NATURE, URBAN REGENERATION AND ATTENTION TO SOCIAL ISSUES MAKE ITS PROJECTS UNIQUE IN THE INTERNATIONAL ARCHITECTURAL SCENE. BY MERGING ITALIAN AND JAPANESE SENSIBILITIES, THE OFFICE HAS CARRIED OUT NUMEROUS PROJECTS IN AND BEYOND ITALY. ALVISI KIRIMOTO È UNO STUDIO INTERNAZIONALE CHE SI OCCUPA DI ARCHITETTURA, URBANISTICA E DESIGN. FONDATO DA MASSIMO ALVISI E JUNKO KIRIMOTO NEL 2002, SI DISTINGUE PER L’APPROCCIO SARTORIALE ALLA PROGETTAZIONE, L’USO “SENSIBILE” DELLA TECNOLOGIA E IL CONTROLLO DELLO SPAZIO A PARTIRE DALLA MANIPOLAZIONE DI “FOGLI DI CARTA” – THE HANDS WORK. IL DIALOGO CON LA NATURA, LA RIGENERAZIONE URBANA E L’ATTENZIONE AI TEMI SOCIALI RENDONO I LORO PROGETTI UNICI NEL PANORAMA DELL’ARCHITETTURA INTERNAZIONALE. FONDENDO LA SENSIBILITÀ ITALIANA A QUELLA GIAPPONESE, LO STUDIO HA REALIZZATO NUMEROSI PROGETTI IN ITALIA E ALL’ESTERO.

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PROJECT CREDITS

Name: HOUSE B+B Location: ROME, ITALY Year: 2021 Contractor: TALPOS RISTRUTTURAZIONI EDILI Structure: SYLOS LABINI Installations: ENGINEER MARIO SEMPRONI Custom furniture: ALVISI KIRIMOTO Furniture and complements: GALLERIA MIA Floor: MAFI Marbles: OMNIA ITALY Carpentry, Kitchen, Glass, Fixtures, Doors, Bookcase: DEVOTO Outdoor floors and vases: MAESTRI DEL COTTO Wallpapers and curtains: METAMORPHOSI Lighting: TELMOTOR Bathroom fixture: ANTONIO LUPI Taps and fittings: FANTINI Photography: ©SERENA ELLER VAINICHER

Photo Andrea Ferrari | Styling Studiopepe | Ad García Cumini

INTERIOR

Portraits of me.

Kitchen: Intarsio Design: García Cumini

Milano • New York • Paris

cesar.it

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The fulcrum of the living and dining area is the large passing fireplace - a quotation from Adalberto Libera - allowing the visual relationship between the spaces of the ground floor

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Iosa Ghini

VILLA IN

FORTE DEI MARMI Text by Sara FERRARA

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Slow rhythms, beaches embraced by the mountains, residences surrounded by greenery and trendy nightclubs: the Versilia of the 1960s is the backdrop to the tourism dreams of the economic miracle, giving visitors the feeling of living a carefree, timeless youth.

Even for a typical icon of this scenario, redesigned by architect Massimo Iosa Ghini, it seems that time has not passed: a singlefamily villa, surrounded by maritime pines, whose "cleaning" work mainly involved the reorganisation of the ground floor, to make the rooms more liveable and establish a new dialogue between inside and outside. The enlarged kitchen communicates with the living area by means of a glazed wall cut-out, in line with the expedient of a passing fireplace; the visual connection continues - with large

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windows - towards the entrance and the swimming pool, reinforced by the material continuity of the flooring. The three rooms of the guest wing are rationally distributed on the same floor, while passion meets functionality in the basement cellar, desired by the owners. The surrounding garden, dotted with furnishings and design pieces, integrates the domestic sphere and recalls the Italian tradition of the mannerist garden: beyond the swimming pool, in fact, it is a livable microcosm with a vegetable garden, kitchen and porticoed areas. Looking to the lesson of masters such as Adalberto Libera and blurring the boundaries between inside and outside, Iosa Ghini proposes an effective version of a perpetual story: Mediterranean living.

INTERIOR

A staircase with a crystal balustrade leads to the second floor: the most private part of the domestic sphere, dedicated to the owners' bedrooms

Ritmi lenti, spiagge abbracciate dalle montagne, residenze immerse nel verde e locali notturni all’ultimo grido: la Versilia anni ’60 fa da sfondo al turismo sognato del miracolo economico, regalando ai frequentatori la sensazione di vivere una giovinezza spensierata, senza tempo. Anche per un’icona tipica di questo scenario, ripensata dall’architetto Massimo Iosa Ghini, sembra che il tempo non sia passato: una villa monofamiliare, circondata da pini marittimi, il cui lavoro “di pulizia” ha riguardato soprattutto la riorganizzazione del piano terra, al fine di rendere gli ambienti più vivibili e stabilire un nuovo dialogo tra interno ed esterno.

La cucina ampliata comunica con l’area living mediante un taglio vetrato a parete, in asse rispetto all’espediente di un camino

passante; il collegamento visivo prosegue – con grandi finestre – verso l’ingresso e la piscina, rafforzato dalla continuità materica della pavimentazione. Le tre camere dell’ala ospiti sono distribuite razionalmente sullo stesso piano, mentre la passione incontra la funzionalità nella cantina del seminterrato, voluta dai proprietari.

Il giardino tutt’intorno, costellato di elementi d’arredo e pezzi di design, integra la sfera domestica e richiama la tradizione italiana del giardino manierista: al di là della piscina, infatti, è un microcosmo abitabile dotato di orto, cucina e aree porticate.

Guardando alla lezione di maestri come Adalberto Libera e stemperando i limiti tra dentro e fuori, Iosa Ghini propone la versione efficace di un racconto perpetuo: l’abitare mediterraneo.

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An outdoor swimming pool completes the project; among the design pieces furnishing the garden: the Corallo armchair

by Fernando and Humberto Campana - and the Cicladi coffee table - by Jacopo Foggini - both produced by Edra

Iosa Ghini CONSIDERED ONE OF THE MOST PROMINENT ITALIAN ARCHITECTS AND DESIGNERS ON THE INTERNATIONAL DESIGN SCENE, MASSIMO IOSA GHINI (BOLOGNA, 1959) PARTICIPATED IN THE EIGHTIES IN THE INNOVATIVE ACTIVITIES OF THE DESIGN AVANTGARDE,FOUNDING THE CULTURAL MOVEMENT OF BOLIDISMO AND PARTICIPATING IN THE MEMPHIS GROUP OF ETTORE SOTTSASS. IN 1990 HE OPENED THE STUDIO IOSA GHINI ASSOCIATES, WHICH NOW OPERATES INMILAN, BOLOGNA, AND MIAMI, DEVELOPING PROJECTS FOR LARGE GROUPS AND INTERNATIONAL DEVELOPERS AND DESIGNING RESIDENTIAL, COMMERCIAL AND MUSEUM ARCHITECTURAL SPACES, CULTURAL INSTALLATIONS, AREAS AND FACILITIES DEDICATED TO PUBLIC TRANSPORT, AND RETAIL PROJECTS FOR INTERNATIONAL GROUPS. CONSIDERATO UNO DEGLI ARCHITETTI E DESIGNER ITALIANI DI MAGGIOR SPICCO NEL PANORAMA INTERNAZIONALE DEL PROGETTO, MASSIMO IOSA GHINI (BOLOGNA, 1959) HA PARTECIPATO NEGLI ANNI OTTANTA ALL’AZIONE INNOVATIVA SVOLTA DALLE AVANGUARDIE PROGETTUALI FONDANDO IL MOVIMENTO CULTURALE BOLIDISMO EFACENDO PARTE DEL GRUPPO MEMPHIS DI ETTORE SOTTSASS. NEL 1990 APRE LO STUDIO IOSA GHINI ASSOCIATI, CHE OGGI OPERA A MILANO, BOLOGNA E MIAMI, SVILUPPANDO PROGETTI PER GRANDI GRUPPI E DEVELOPERINTERNAZIONALI E OCCUPANDOSI DI PROGETTAZIONE DI SPAZI ARCHITETTONICI RESIDENZIALI, COMMERCIALI E MUSEALI, INSTALLAZIONI CULTURALI, AREE E STRUTTURE DEDICATE AL TRASPORTO PUBBLICO, NONCHÉ DI PROGETTI RETAIL PER GRUPPI INTERNAZIONALI.

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PROJECT CREDITS

Name: VILLA IN FORTE DEI MARMI Location: FORTE DEI MARMI (LU), ITALY Team: MASSIMO IOSA GHINI, GIULIO GOBBI Year: 2021 Suppliers: DE MAJO ILLUMINAZIONE, DORELAN, EDRA, FLOORGRES, FLORIM, FLOS, GIOVANNI MANFREDINI, GRILLI CAMINETTI STANDARD, HENGE, INKIOSTRO BIANCO, LEUCOS, POLIFORM, RIMADESIO, VEROLINO CONTEMPORARY, VITRA Photography: PIETRO SAVORELLI

ELIO COLLECTION design Archea Associati.

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WEAREIB.IT

IB MILANO Via Solferino, 24

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THE OASIS

WAO Architecture

RESOURCE CENTRE 78

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As part of the Oasis project championed by REI Habitat and la SemPariSeine, winners of the second “Réinventer Paris” competition, the old Musée de la Libération is soon to be the site of a variety of new uses. In keeping with the natural process of transient urbanism that shapes our cities more and more, the Armée du Salut is to occupy the ground floor of the west aisle of the museum to open a temporary recovery centre.

The multidisciplinary architecture agency WAO is proud to have designed this pragmatic and circular project of interior refurbishment. Reuse and reversibility were at the very heart of the project. The first intention was to reuse the existing materials as much as possible, making the most of the museographical installations, and reducing unnecessary operations. The goal was to adapt the refurbishment by considering its context as would be done for a topographical or urban site, but on a scenographical scale. Very little was demolished and the elements that had to be removed were reused on site.

Reuse and reversibility were at the very heart of the project.

Nell'ambito del progetto Oasis promosso da REI Habitat e la SemPariSeine, vincitori del secondo concorso "Réinventer Paris", il vecchio Musée de la Libération sarà presto sede di una serie di nuovi utilizzi. In linea con il naturale processo di urbanistica transitoria che plasma sempre di più le nostre città, l'Armée du Salut occuperà il piano terra della navata ovest del museo per aprire un centro di recupero temporaneo.

L'agenzia di architettura multidisciplinare WAO è orgogliosa di aver disegnato questo progetto pragmatico e circolare di ristrutturazione degli interni.

Il riutilizzo e la reversibilità erano al centro del progetto. La prima intenzione era quella di riutilizzare il più possibile i materiali esistenti, sfruttando al massimo le installazioni museografiche e riducendo le operazioni non necessarie. L'obiettivo era quello di adattare la ristrutturazione considerando il suo contesto come si farebbe per un sito topografico o urbano, ma su scala scenografica. Molto poco è stato demolito e gli elementi che dovevano essere rimossi sono stati riutilizzati in loco.

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WAO Architecture WAO ARCHITECTURE DEVELOPS TWO ACTIVITIES CONCOMITANTLY: ARCHITECTURAL PRODUCTION ON THE ONE HAND, AND RESEARCH ON CIRCULAR ECONOMY ON THE OTHER. BOTH ACTIVITIES FEED ONE ANOTHER IN A VIRTUOUS CIRCLE THAT FAVOURS A TYPE OF INNOVATION DIRECTLY APPLIED TO A MODE OF CONSTRUCTION IN WHICH MATERIALS ARE GIVEN A SECOND LIFE RATHER THAN BEING DISCARDED AND REPLACED

BY NEW ONES. OUR TWOFOLD FOCUS INFORMS EVERY STAGE OF THE CONCEPTION AND CONSTRUCTION OF OUR PROJECTS. WAO ARCHITECTURE SVILUPPA CONTEMPORANEAMENTE DUE ATTIVITÀ: LA PRODUZIONE ARCHITETTONICA DA UN LATO E LA RICERCA SULL'ECONOMIA CIRCOLARE DALL'ALTRO. ENTRAMBE LE ATTIVITÀ SI ALIMENTANO A VICENDA IN UN CIRCOLO VIRTUOSO, CHE FAVORISCE UN TIPO DI INNOVAZIONE APPLICATA DIRETTAMENTE A UN MODO DI COSTRUIRE IN CUI I MATERIALI RICEVONO UNA SECONDA VITA, PIUTTOSTO CHE ESSERE SCARTATI E SOSTITUITI DA NUOVI. LA NOSTRA DUPLICE ATTENZIONE INFLUENZA OGNI FASE DELLA CONCEZIONE E DELLA REALIZZAZIONE DEI NOSTRI PROGETTI. PROJECT CREDITS

Name: THE OASIS RESOURCE CENTRE Location: PARIS, FRANCE Year: 2021 Control office: RISK CONTROL Project manager: PARISEINE / REI HABITAT GEOTECH Study office: GEO SIGMA Construction company: BRB Carpentry: EXTRAMUROS & REMAKE Photo: AURÉLIEN CHEN

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THE FAB CITY MOVEMENT IN ARCHITECTURE Text by Minh Man NGUYEN

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rban production, rural planning and building methods all struggle in the fight against global carbon emissions.

From extraction through to transformation and final usage, materials travel long distances. They are seldom recycled, biosourced or originating from circular economy sources.

However, the scale of cities is favourable to shifting these patterns. With its bottom-up vision, the Fab City movement promotes new production solutions that are no longer linear, but circular. It is high time we integrate them into the way we design and make buildings.

La produzione urbana, la pianificazione rurale e i metodi di costruzione sono tutti coinvolti nella lotta contro le emissioni globali di carbonio. Dall'estrazione alla trasformazione e all'uso finale, i materiali percorrono lunghe distanze. Raramente sono riciclati, provenienti da fonti biologiche o dall'economia circolare. Tuttavia, la scala delle città è favorevole al cambiamento di questi modelli. Con la sua visione dal basso verso l'alto, il movimento Fab City promuove nuove soluzioni di produzione che non sono più lineari, ma circolari. È giunto il momento di integrarle nel modo in cui progettiamo e realizziamo gli edifici.

The Fab City movement Initiated in 2011, the Fab City initiative brings together a network of international cities that have committed to becoming 70 % self-sufficient by 2050 for goods, crops and energy production, an ambitious goal (Paris is only 8,7 % self-sufficient). Cities used to be productive, and reliant on farming lands that were close-by; production was then relocated further away from city centres, thus creating a dependency model based on growing exchanges with territories further and further apart. The Fab City strategy aims to invert this trend by establishing a more virtuous operating process: data should travel, not products, with production being relocated in the heart of cities. This demands that we value reused, recycled or locally-sourced materials. It also implies we develop short production chains and share good practices. France ranks second in the world in fab lab numbers, and first in the number of Fab Cities. The various methods used by each city enrich them all, as their projects can serve as a reference for others.

Il movimento Fab City Iniziata nel 2011, l'iniziativa Fab City riunisce una rete di città internazionali che si sono impegnate a diventare autosufficienti al 70 % entro il 2050 per la produzione di beni, colture ed energia, un obiettivo ambizioso (Parigi è autosufficiente solo all'8,7 %). Un tempo le città erano produttive e dipendevano dai terreni agricoli vicini; la produzione è stata poi trasferita più lontano dai centri urbani, creando così un modello di dipendenza basato su scambi crescenti con territori sempre più lontani. La strategia Fab City mira a invertire questa tendenza stabilendo un processo operativo più virtuoso: dovrebbero viaggiare i dati, non i prodotti, e la produzione dovrebbe essere delocalizzata nel cuore delle città. Questo richiede di valorizzare i materiali riutilizzati, riciclati o di provenienza locale. Implica anche lo sviluppo di catene di produzione corte e la condivisione di buone pratiche. La Francia è al secondo posto nel mondo per numero di fab lab e al primo per numero di Fab Cities. I vari metodi utilizzati da ogni città arricchiscono tutti, poiché i loro progetti possono servire da riferimento per gli altri.

The REFLOW project The REFLOW project gathers 29 partners spread across nine countries and six pilot cities: Amsterdam, Paris, Berlin, Milan, Vejle and Cluj-Napoca. Its objective is to create a real-time resource managing system to orchestrate the flow of dynamic materials (plastic, textiles, agrifood products, wood, energy…).

Il progetto Reflow Il progetto Reflow riunisce 29 partner distribuiti in nove paesi e sei città pilota: Amsterdam, Parigi, Berlino, Milano, Vejle e Cluj-Napoca.

Il suo obiettivo è quello di creare un sistema di gestione delle risorse in tempo reale per orchestrare il flusso di materiali dinamici (plastica, tessuti, prodotti agroalimentari, legno, energia...).

STORIES

The scale of the Grand Paris region: Re-Store The Parisian consortium that participates in REFLOW focuses on wood deposits to solve a major issue in circular economy: how can we create a smart storing system that would nurture circular economy architecture projects? Nowadays, the stumbling blocks are the management of stocks and deposits over time and the diversity of recovered materials, as well as their shape, localisation, quantity and characterisation. Together with multiples partners (architects, designers, engineers, craftspeople, carpenters, promoters), Re-Store is designing a smart storing system linked to a semi-automated measuring tool to help optimise the use of building materials. The point is to develop tools, data and processes under a Creative Commons Licence to make them shareable and replicable. ReStore's storing system is managed in real time. Items coming in are labelled with a QR code, named and listed on a database that is open to anyone. The item is then taken out of stock when in use. These solutions that enable architects to develop circular economy building projects are then shared at a European level.

La scala della regione di Grand Paris: Re-Store Il consorzio parigino che partecipa a Reflow si concentra sui depositi di legno per risolvere una questione importante nell'economia circolare: come possiamo creare un sistema di stoccaggio intelligente che alimenterebbe i progetti di architettura dell'economia circolare? Oggi, gli ostacoli sono la gestione delle scorte e dei depositi nel tempo e la diversità dei materiali recuperati, così come la loro forma, localizzazione, quantità e caratterizzazione. Insieme a molteplici partner (architetti, designer, ingegneri, artigiani, falegnami, promotori), Re-Store sta progettando un sistema di stoccaggio intelligente collegato a uno strumento di misurazione semi-automatico per aiutare a ottimizzare l'uso dei materiali da costruzione. Il punto è sviluppare strumenti, dati e processi sotto una licenza Creative Commons per renderli condivisibili e replicabili. Il sistema di stoccaggio di Re-Store è gestito in tempo reale. Gli articoli che arrivano sono etichettati con un codice QR, nominati ed elencati in un database che è aperto a chiunque. L'articolo viene poi tolto dal magazzino quando è in uso. Queste soluzioni che permettono agli architetti di sviluppare progetti edilizi di economia circolare sono poi condivise a livello europeo.

The Canaux shadehouse A triumph in terms of reuse, with about 8.4 tons of reused wood (90 % of the wood that makes up its structure), the shadehouse project conducted by WAO for Les Canaux was designed to showcase materials sourced in various deposits, as well as the ReStore stock, in the spirit of “stock architecture”. Dynamic and flexible, the design was made backwards, meaning that it was dependent upon stock. All fittings were also reversible so that the materials could be reused or the shadehouse rebuilt elsewhere once taken down.

La casa d'ombra di Canaux Trionfo in termini di riuso, con circa 8,4 tonnellate di legno riutilizzato (il 90% del legno che compone la sua struttura), il progetto della casa d'ombra condotto da WAO per Les Canaux è stato concepito per mettere in mostra materiali provenienti da diversi depositi, nonché lo stock Re-Store, nello spirito della "stock architecture". Dinamico e flessibile, il progetto è stato realizzato a ritroso, cioè in funzione dello stock. Tutti gli allestimenti erano anche reversibili, in modo che i materiali potessero essere riutilizzati o che la tenda potesse essere ricostruita altrove una volta smontata.

The architect, an essential cog in the Fab City movement The Fab City depends upon a network of players that share their tools and experiences to develop the solutions that will make circular economy flourish. Architects can be the links between small scale and large-scale production. They are also at the heart of the dialogue between different voices in the building world. Because they create cohesion, they can enact the vision of the Fab City. How can we make players with differing interests truly collaborate? How can we increase the flow of data to create new methods of production, and how to regulate this flow of information? How can we spark the interest of a lay public? Architects have a role to play in answering all those questions by applying the ideas and solutions of the Fab City movement to their projects.

L'architetto, un ingranaggio essenziale del movimento Fab City La Fab City dipende da una rete di attori che condividono i loro strumenti ed esperienze per sviluppare le soluzioni che faranno fiorire l'economia circolare. Gli architetti possono essere i collegamenti tra la produzione su piccola scala e quella su larga scala. Sono anche al centro del dialogo tra le diverse voci del mondo delle costruzioni. Poiché creano coesione, possono mettere in atto la visione della Fab City. Come possiamo far collaborare veramente attori con interessi diversi? Come possiamo aumentare il flusso di dati per creare nuovi metodi di produzione, e come regolare questo flusso di informazioni? Come possiamo accendere l'interesse di un pubblico laico? Gli architetti hanno un ruolo da svolgere nel rispondere a tutte queste domande applicando le idee e le soluzioni del movimento Fab City ai loro progett

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KEYWORD

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Ma rco F I LO N I

A reversal of the hierarchy of the senses. This is what questioning our olfactory experiences entails. The 'fifth sense' is the most neglected, wrongly considered the least noble. And yet, to reconsider it, all it takes is just one time to stumble upon that epiphany that no one has been able to describe as well as Proust in his Recherche: that sensation of rediscovering an ancient past that no longer exists that is to say, after beings have died and things have been destroyed, something remains, and that something is an odour, a "soul" ready to resurrect, to spark memory, something imperceptible that nevertheless manages to build in us "the immense edifice of memory". Proust's famous madeleines, or what Walter Benjamin called the 'scent of memories'. In fact, everything has a smell. History, epochs; above all places, buildings, architecture: the collective human framework that surrounds our lives has its own scents, miasmas, smells. Hence the complex, as yet unexplored universe linked to odours and fragrances, to their intense pleasures instantaneous and fleeting - or to the repulsion arising from their stench, poisonous and violent. Every space is a smell, and every smell has its own spatiality, even if invisible. It is not just a literary device: it has its own tragic, 20th-century political history, made up of the smell of death - from the fumes of Auschwitz to the smell of napalm in Vietnam, even the tragedies of history have their own "essence".

Today, thanks to science, we know a little more about this 'perfect sense', which is capable of giving life to a sort of olfactory brain, as neuroscientists call it - there are over ten thousand odours (to the point that in recent years olfactory marketing has developed) and we humans also partly possess the capacity, rooted in many animals, to orient ourselves in space and reconstruct a route thanks to olfactory memory: certain areas of the brain are in fact capable of interpreting and decoding odours, and are the same as those involved in the mechanisms of memory of space.

In short, even smells have a spatial dimension and, beyond the regenerative effect of ancient memories, they also have a cognitive function that should not be overlooked.

Elias Canetti already "sniffed" it in Mass and Power when, dealing with the animal attitude of the continuous search for food, he wrote: "The animal, constantly in search of food, touches and sniffs everything it finds, sticks its nose everywhere: can you be eaten? How do you taste? The answer is a smell, a pressure in the opposite direction, a lifeless stiffness. The unknown body is in this case its own seat: through smell and touch one becomes familiar with it or, in human terms, gives it a name'.

Un ribaltamento della gerarchia dei sensi. Ecco cosa implica interrogarsi sulle nostre esperienze olfattive. Il “quinto senso” è il più negletto, considerato a torto il meno nobile. Eppure per riconsiderarlo basterà una sola volta incappare in quell’epifania che nessuno come Proust ha saputo descrivere così bene come nella sua Recherche: quella sensazione di riscoperta di un passato antico che non esiste più – dopo cioè che sono morti gli esseri e distrutte le cose, ecco, rimane pur qualcosa, e quel qualcosa è un odore, un’«anima» pronta a risuscitare, a far accendere la memoria, un qualcosa di impercettibile che però riesce a costruire in noi «l’edificio immenso del ricordo». Le famose madeleines proustiane, o anche quel che Walter Benjamin chiamava il “profumo dei ricordi”.

Difatti tutto ha un odore. La storia, le epoche; soprattutto i luoghi, gli edifici, le architetture: la cornice umana collettiva che attornia le nostre vite ha i suoi profumi, miasmi, sentori. Da qui quel complesso universo ancora non del tutto esplorato legato agli odori e ai profumi, ai loro piaceri intensi – istantanei e fugaci – o alla repulsione che scaturisce dal fetore, velenoso e violento.

Ogni spazio è un odore, e ogni odore ha una sua spazialità seppur invisibile.

Non è soltanto un espediente letterario: ha una sua tragica storia politica, novecentesca, fatta dell’odore della morte – dai fumi di Auschwitz all’odore nel napalm in Vietnam, anche le tragedie della storia hanno una loro “essenza”.

Oggi grazie alla scienza sappiamo qualcosa di più su questo “senso perfetto” capace di dar vita a una sorta di cervello olfattivo, come lo chiamano i neuroscienziati – esistono oltre diecimila odori (al punto che negli ultimi anni si è sviluppato un marketing olfattivo) e anche noi esseri umani possediamo in parte quella capacità radicata in molti animali di orientarci nello spazio e ricostruire un percorso grazie alla memoria olfattiva: alcune aree del cervello infatti sono in grado di interpretare e decodificare odori, e sono le stesse coinvolte nei meccanismi di memoria dello spazio.

Insomma, anche gli odori hanno una loro dimensione spaziale e, al di là dell’effetto rigenerativo di antiche memorie, hanno pure una loro funzione conoscitiva da non trascurare. Lo “annusava” già Elias Canetti in Massa e potere quando, trattando dell’attitudine animalesca della continua ricerca di cibo, scrive: «L’animale, costantemente alla ricerca di cibo, tocca e annusa tutto ciò che trova, infila il naso dappertutto: ti si può mangiare? Che gusto hai? La risposta è un odore, una pressione in senso opposto, una rigidezza priva di vita.

Il corpo sconosciuto è in questo caso la propria stessa sede: mediante l’odorato e il tatto ci si familiarizza con esso o, in termini umani, gli si dà nome».

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Odore /o·dó·re/

sostantivo maschile 1. L a sensazione corrispondente alla funzione dell'organo dell'olfatto: sentire o., gli o.; diversa a seconda delle sostanze da cui è provocata, si determina o indicando la qualità della sensazione stessa (buono, cattivo o.; o. gradevole, sgradevole) o specificando l'oggetto, la materia, l'ambiente cui è dovuta e in cui si verifica (l'o. dei fiori, dei garofani; o. d'incenso, di violetta; o. di muffa, di chiuso; o. d'ospedale, di latrina).

• concr.

Sostanza odorosa, liquido profumato: una boccetta di o.; al pl., le erbe aromatiche usate per dar sapore ai cibi.

Traduce l’inglese: noun 1. smell 2. odor

PROJECT

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Text by Alessandro BENETTI

Ricardo Bofill

RESIDENTIAL BUILDINGS WALDEN 7 SANT JUST DESVERN, BARCELLONA , 1975

86

Ricardo Bofill, one of the key figures in the

individual units. "El Castell" in Sant Pere

They are caverns of almost tectonic

process of internationalisation of Spanish

de Ribes (1966-1968), "La Muralla Roja"

consistency, illuminated by zenithal light

architecture in the years following the

(1966-1968) and "Xanadú" (1968-1971),

and enlivened by the projections and

dissolution of the Franco regime, is

both in Calpe, testify to Bofill's ability to

recesses of their vertical walls. They are

remembered today all over the world

synthesise this incremental process into

also places of exaltation and staging of

above all for his French projects in the

an accomplished architectural form, at

collective life, which looks out from the

1970s and 1980s. The large logements

once unitary and multiple, compact and

balconies, gathers in the courtyards and

sociaux complexes of Saint-Quentin-en-

porous. Downstream of this genealogy,

flows along the balconies and overhead

Yvelines, Marne-la-Vallée and Cergy-

which also includes the ambitious project

walkways, in a dimension suspended

Pontoise have been elevated to icons and

for the "Ciudad en el espacio" in Madrid

between the re-proposition of the

pilgrimage destinations by contemporary

(1972-1974), a proposal never realised

community ties of the pre-industrial

devotees of historicist postmodernism.

for a group of houses to be self-built in

village and the aestheticisation of

A typical product of the zeitgeist of an

cooperation, is the case of Walden 7 in

metropolitan anonymity.

era that casually drew on catalogues of

Sant Just Desvern, completed in 1975,

Despite the reduced budget, Bofill allows

the signs of the past, their hypertrophic

exceptional for its scale and visual impact.

himself to achieve leaps of quality and

classicism is not a poetic licence for

In the suburbs of his city, Barcelona, on

poetry, such as the swimming pools on

its own sake but the expression of a

the site of an abandoned cement factory

the roof and the many ceramic coverings

generous, democratic reflection on the

where he also set up the headquarters

- clay-coloured for the external façades,

relationship between home and city

of his Taller de Arquitectura, Bofill built

blue, yellow and purple for the interior

and on the possible monumentality of

the most spectacular and figurative of

ones. It is precisely the selection of

collective housing. These are themes

his inhabited beehives. 446 flats on 14

materials and colours, together with its

that Bofill had already addressed in the

floors above ground are distributed in 18

size and geometric obsession with the

earlier and almost exclusively Spanish

towers, which move upwards, receding

cylinder and its derivatives, that give

phase of his career, albeit from different

and rejoining at various points. Inside the

Walden 7 a truly monumental urban

theoretical assumptions. Between the

volumes, 30 square metre modules, heirs

presence. Located on the edge of

Sixties and Seventies, while the design

to both the modernist existenzminimum

the city, in a neighbourhood that was

culture of the northern hemisphere

and the metabolist capsule, combine

ready to expand but was still largely

became fascinated by a metabolist and

to form one- to four-room apartments

undeveloped at the time, the Walden 7

megastructural approach, Bofill designed

on one or two levels. Outside, in the

is a residential building that refuses to be

medium and large scale residential

voids between the architectural masses,

part of the ordinary fabric and instead

buildings conceived not as volumes cut

seven colossal communal atriums

claims a role as a milestone and an

out of different housing units, but as a

mediate the relationship between the

ordering element of its context, available

juxtaposition and superimposition of

public street and the private home.

to guide its future growth.

TIMELESS

Ph. Lluis Carbonell - Courtesy of Ricardo Bofill Taller de Arquitectura

87

Ph. Gregori Cive - Courtesy of Ricardo Bofill Taller de Arquitectura

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Ph. Gregori Cive - Courtesy of Ricardo Bofill Taller de Arquitectura

Ricardo Bofill, una delle figure-chiave

“El Castell” a Sant Pere de Ribes (1966-

sette colossali atrii comuni mediano la

del processo d’internazionalizzazione

1968), “La Muralla Roja” (1966-1968) e

relazione tra la strada pubblica e il privato

dell’architettura spagnola negli anni

“Xanadú” (1968-1971), entrambi a Calpe,

domestico. Sono caverne di consistenza

della dissoluzione del regime franchista,

testimoniano la capacità di Bofill di

quasi tettonica, illuminate di luce zenitale

è ricordato oggi in tutto il mondo

sintetizzare questo processo incrementale

e movimentate dagli aggetti e dalle

soprattutto per i suoi progetti francesi

in una forma architettonica compiuta,

rientranze delle loro pareti verticali. Sono,

degli anni Settanta e Ottanta. I grandi

al tempo stesso unitaria e molteplice,

inoltre, i luoghi dell’esaltazione e della

complessi di logements sociaux di Saint-

compatta e porosa. A valle di questa

messinscena della vita collettiva, che vi si

Quentin-en-Yvelines, Marne-la-Vallée

genealogia, che comprende anche il

affaccia dai balconi, si riunisce nelle corti

e Cergy-Pontoise sono stati elevati a

progetto ambizioso per la “Ciudad en el

e scorre lungo i ballatoi e le passerelle

icone e mete di pellegrinaggio dai cultori

espacio” di Madrid (1972-1974), proposta

aeree, in una dimensione sospesa tra

contemporanei del postmodernismo

mai realizzata per un insieme di abitazioni

riproposizione dei legami comunitari del

storicista. Prodotto tipico dello zeitgeist

da auto-costruire in cooperativa, si colloca

villaggio pre-industriale ed estetizzazione

di un’epoca che attingeva con disinvoltura

il caso del Walden 7 di Sant Just Desvern,

dell’anonimato metropolitano.

dai cataloghi dei segni del passato, il

completato nel 1975, eccezionale per

Malgrado il budget ridotto, Bofill si

loro classicismo ipertrofico non è una

scala e per impatto visivo. Nei sobborghi

permette slanci di qualità e di poesia,

licenza poetica fine a sé stessa ma

della sua città, Barcellona, nell’area di

come le piscine sul tetto e i molti

l’espressione di una riflessione generosa

un cementificio in abbandono dove

rivestimenti in ceramica – color argilla

e democratica sul rapporto tra casa e

realizza contemporaneamente anche

per le facciate esterne, blu, gialli e viola

città e sulla monumentalità possibile

la sede del suo Taller de Arquitectura,

per quelle interne. Proprio la selezione dei

dell’alloggio collettivo. Sono temi che

Bofill costruisce il più spettacolare e il

materiali e dei colori, unitamente alle sue

Bofill affronta già nella fase precedente e

più figurativo dei suoi alveari abitati. 446

dimensioni e all’ossessione geometrica per

quasi esclusivamente spagnola della sua

appartamenti organizzati su 14 piani

il cilindro e i suoi derivati, conferiscono una

carriera, seppur a partire da presupposti

fuori terra si distribuiscono in 18 torri,

presenza urbana realmente monumentale

teorici diversi. Tra gli anni Sessanta e

che traslano nel loro movimento verso

al Walden 7. Posto ai confini della città,

Settanta, mentre la cultura progettuale

l’alto, allontanandosi e ricongiungendosi

in un quartiere pronto ad espandersi

del nord del mondo si appassiona a un

in più punti. All’interno dei volumi

ma all’epoca ancora in gran parte non

approccio metabolista e megastrutturale,

moduli di 30 mq, eredi al tempo stesso

urbanizzato, quest’ultimo è un edificio

Bofill progetta edifici residenziali di

dell’existenzminimum modernista e della

residenziale che rifiuta di essere parte

media e grande scala concepiti non

capsula metabolista, si combinano per

del tessuto ordinario e che, al contrario,

come volumi ritagliati al loro interno nei

formare alloggi da uno a quattro locali, su

rivendica un ruolo di pietra miliare e di

diversi alloggi, ma come accostamento e

uno o due livelli. All’esterno, nei vuoti che

elemento ordinatore del suo contesto,

sovrapposizione di singole unità abitative.

si aprono tra le masse architettoniche,

disponibile a orientarne la crescita futura.

TIMELESS

Ph. Márton Mogyorósy - Courtesy of Ricardo Bofill Taller de Arquitectura

Ph. Gregori Cive - Courtesy of Ricardo Bofill Taller de Arquitectura

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EXHIBITION

Manthey Kula

MUSEUM is a new

EMPIRICAL EXPERIENCE Text by Concetta TAVOLETTA

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Norway, the country of origin of the artist Edvard Munch, has dedicated an entire museum to most important norvegian artist who still influences the art world today. Particularly interesting is the narrative chosen by Manthey Kula studio to set up the permanent exhibitions. The exhibition space has been imagined according to four sections: Edvard Munch: Endless, Edvard Munch: Monumental, Up Close and Edvard Munch: Stenersen. The Endless space extends over two areas that are connected by a corridor and contain 'geometric islands'. Access to the exhibition areas is gained by subtracting the corner part of the pure volumes to emphasise the idea of penetration into a new, authentic perceptive condition. The colours of the panelling also continue on the floor with the aim of emphasising the spatial presence of the geometric block and enveloping the surface but above all to keep a safe distance from the works.

Monumental is the area most dedicated to interactive knowledge, aiming to involve children who, through tactile relations with the objects/exhibits designed by the Norwegian studio, learn to savour art and experience it in connection with their own senses.

The space dedicated to Rolf Stenersen's collection of Munch's works and contemporary artists' works is characterised by the use of the walls as a backdrop for the display cases designed by the Manthey Kula studio which, using colours from the Norwegian artist's palette, frame the works. Up Close, on the other hand, is dedicated to Edvard Munch's most intimare artistic side and containes prints and printing blocks used by the artist and is developed both on the walls and on tables/showcases designed by the Norwegian studio. In this section the lighting is softer and accompanies the visitor in a private vision of discovery.

The architects' choice to work with elementary forms, even out of scale and "made to measure" for the visitor, provides a new way of using and discovering the exhibition space, which is not only a place for observation but also for personal and experiential interpretation of art.

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La Norvegia, paese di origine dell’artista Edvard Munch, ha dedicato un intero museo al suo artista bandiera che, ancora oggi, influenza il mondo dell’arte. Particolarmente interessante è la narrazione scelta dallo studio Manthey Kula per l’allestimento della mostra permanente.

Lo spazio espositivo è stato immaginato secondo quattro sezioni: Edvard Munch: Endless, Edvard Munch: Monumental, Up Close e Edvard Munch: Stenersen. Lo spazio Endless si estende su due aree che, collegate attraverso un corridoio, contengono al proprio interno delle “isole geometriche”. L’accesso alle aree espositive avviene tramite una sottrazione della parte ad angolo dei volumi puri così da sottolineare l’idea di penetrazione in una condizione percettiva nuova e autentica. Le tinte delle pannellature proseguono anche sul pavimento con l’obiettivo di evidenziare la presenza spaziale del blocco geometrico e di avvolgere la superficie ma soprattutto di mantenere una distanza di sicurezza con le opere. Monumental è la zona in maggior misura dedicata alla conoscenza interattiva che punta al coinvolgimento dei bambini i quali, tramite la relazione tattile con gli oggetti/espositori progettati dallo studio norvegese, imparano ad assaporare l’arte e la vivono in connessione con i propri sensi. Lo spazio dedicato alla collezione delle opere di Munch di Rolf Stenersen e ai lavori di artisti contemporanei si contraddistingue per l’utilizzo delle pareti come sfondo delle teche disegnate dallo studio Manthey Kula che, attraverso l’utilizzo di colori nella palette dell’artista norvegese, incorniciano le opere. Up Close è, invece, dedicata alla parte artistica più intima di Edvard Munch e racchiude tutte le stampe e i printing blocks utilizzati dall’artista e si sviluppa sia sulle pareti che su tavoli/teche a firma dello studio norvegese. In questa sezione l’illuminazione è più morbida e accompagna il visitatore in una visione privata e di scoperta.

La scelta degli architetti di lavorare attraverso forme elementari anche fuori scala e a “misura” del visitatore consegna una nuova modalità di utilizzo e scoperta dello spazio di allestimento che non è solo un luogo di osservazione ma anche di interpretazione personale ed esperienziale dell’arte.

EXHIBITION

Direct experience with art allows even the youngest visitors to get to know the artist and his poetics through the senses

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The color that surrounds the display panels also extends to the flooring so as to make the chromatic aspect even more enveloping for the viewer but above all to keep a safe distance from the works

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H UP CLOSE

EXHIBITION EDVARD MUNCH UP CLOSE

UP CLOSE

Manthey Kula MANTHEY KULA IS AN AWARDED ARCHITECTURAL PRACTICE FOUNDED IN OSLO IN 2004 BY BEATE HØLMEBAKK AND PER TAMSEN. THE OFFICE WORKS AT THE INTERSECTION OF ARCHITECTURE, LANDSCAPE ARCHITECTURE AND ART, PAYING SPECIAL ATTENTION TO SITE, FORM, AND NARRATIVE. WORKS BY MANTHEY KULA HAVE BEEN NOMINATED FOR THE MIES VAN DER ROHE AWARD IN 2009, 2011, 2019 AND 2022.

0

5m

EDVARD MUNCH UP CLOSE

EDVARD D VAR D MUNCH M O N U M EN TAL 0

MUNCH MONUMENTAL 5m

MANTHEY KULA È UN PREMIATO STUDIO DI ARCHITETTURA FONDATO A OSLO NEL 2004 DA BEATE HØLMEBAKK E PER TAMSEN. LO STUDIO LAVORA ALL'INTERSEZIONE TRA ARCHITETTURA, ARCHITETTURA DEL PAESAGGIO E ARTE, PRESTANDO PARTICOLARE ATTENZIONE AL SITO, ALLA FORMA E ALLA NARRAZIONE. LE OPERE DI MANTHEY KULA SONO STATE NOMINATE PER IL MIES VAN DER ROHE AWARD NEL 2009, 2011, 2019 E 2022.

PROJECT CREDITS

Name: THE PERMANENT EXHIBITIONS AT THE MUNCH MUSEUM Location: OSLO, NORWAY Year: 2021 Client: OSLO MUNICIPALITY/THE MUNCH MUSEUM Construction: IVO BARTH GMBH / S.R.L. & CO Display cases: FLOREA D.SIGN GMBH, ESKIL TIN AS Light: ZENISK AS, CONCEPT DESIGN AS V. OLA SKYTTERN 0

5m

0

5m

Photography: MUNCHMUSEET/EINAR ASLAKSEN, MANTHEY KULA AS

EDVARD MUNCH UP CLOSE 0

5m

ED VAR D MUNCH STENERSEN

EDVARD MUNCH STENERSEN

ED VAR D MU NCH ENDLESS

ED VAR D MUNCH ENDLESS 0

5m

EDVARD MUNCH ENDLESS

0

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AXONOMETRY INTERACTIVE TABLE 0

10m

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Migliore+Servetto Architects

SAUL STEINBERG

AT THE MILAN TRIENNALE Text by Ilia CELIENTO

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EXHIBITION

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From October 2021 to 1 May 2022, the first floor of the Triennale di Milano will host an exhibition on the life and works of Saul Steinberg, a Romanian designer and illustrator. The choice of location is no coincidence. The artist has dedicated many of his works to the city of Milan, where he spent eight years of his training. The architects, Italo Lupi, Ico Migliore and Mara Servetto, have made the architectural space a sensitive area for art.

The exhibition begins with a large-scale presentation of the artist, 16 metres in length with five double-sided display cases housing selection of works. The first part of the exhibition ends with a têteà-tête with Steinberg, the subject of photographs mounted on a large rear projection. The curved walls of the Children's Labyrinth - designed by BBPR for the 10th Milan Triennale in 1954 - are enriched by four leporellos, drawings on accordion-folded paper, produced to question themes such as the labyrinth or the line.

Here, the encounter with Alexander Calder's work Mobile recalls the friendship and collaboration between the two artists.

On the opposite side, the curve of the gallery features a white metal tube displaying the graphic narrative of other works, interrupted by seven tall vertical yellow wings. In the middle, tables and display cases delight the visitor.

Drawings conceived using a variety of techniques - pencil, pen, pastel, stamps, watercolour - and objects accompanied by collage and fabrics, are the protagonists of a geometrically perspective, profound and rhythmic narrative.

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Da ottobre 2021 al primo maggio 2022, il primo piano della Triennale di Milano ospita un allestimento sulla vita e le opere di Saul Steinberg, disegnatore e illustratore rumeno. La scelta del luogo non è certo casuale. L’artista ha dedicato molte sue opere alla città di Milano, dove ha vissuto otto anni di formazione. Gli architetti, Italo Lupi, Ico Migliore, Mara Servetto, hanno reso lo spazio architettonico un’area sensibile all’arte. Il percorso espositivo comincia con una presentazione dell’artista a larga scala, in 16 metri di lunghezza con cinque teche bifacciali che accolgono una selezione di opere. La prima parte dell’allestimento si conclude con un tête-à-tête con Steinberg, oggetto di fotografie montate su un’ampia retroproiezione. I muri curvi del Labirinto dei ragazzi - progettato da BBPR per la X Triennale di Milano del 1954 – sono arricchiti da quattro leporelli, disegni su carta piegata a fisarmonica, prodotti per interrogarsi su temi come il labirinto o la linea. Qui, l’incontro con l’opera Mobile di Alexander Calder ricorda l’amicizia e la collaborazione tra i due artisti.

Sul lato opposto, la curva della galleria presenta un tubolare metallico di colore bianco che espone il racconto grafico di altre opere, interrotte da sette alte quinte verticali di colore giallo.

Nel mezzo, tavoli e teche allietano la sosta del visitatore. Disegni concepiti con una varietà di tecniche – a matita, a penna, a pastello, con timbri, ad acquarello – e oggetti accompagnati da collage e stoffe, sono protagonisti di una narrazione geometricamente prospettica, profonda e ritmica.

EXHIBITION

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EXHIBITION

PROJECT CREDITS

Name: SAUL STEINBERG MILANO NEW YORK Location: TRIENNALE MILANO, ITALY Year: 15 OCTOBER 2021 – 1 May 2022 Curated by: ITALO LUPI, MARCO BELPOLITI WITH FRANCESCA PELLICCIARI Constructor: KREA ALLESTIMENTO Organised by: TRIENNALE MILANO, ELECTA Catalogue: ELECTA Photography: LEO TORRI

Migliore+Servetto Architects MIGLIORE+SERVETTO ARCHITECTS IS A MILAN-BASED ARCHITECTURAL PRACTICE THAT HAS DEVELOPED OVER 500 PROJECTS IN 18 DIFFERENT COUNTRIES SINCE 1997, WINNING PRESTIGIOUS INTERNATIONAL AWARDS, INCLUDING THREE COMPASSO D'ORO AWARDS. FOUNDED BY ICO MIGLIORE AND MARA SERVETTO, IT BOASTS UNDISPUTED EXPERTISE IN THE DESIGN OF BRANDING PROJECTS AND NARRATIVE SPACES, FROM THE PHYSICAL TO THE DIGITAL, BE THEY URBAN AREAS, RETAIL, MUSEUMS, EXHIBITIONS OR INSTALLATIONS. ICO MIGLIORE IS PROFESSOR AT POLITECNICO DI MILANO AND CHAIR PROFESSOR AT DONGSEO UNIVERSITY IN BUSAN (SOUTH KOREA), WHILE MARA SERVETTO IS VISITING PROFESSOR AT JOSHIBI UNIVERSITY IN TOKYO. MIGLIORE+SERVETTO ARCHITECTS È UNO STUDIO DI ARCHITETTURA CON SEDE A MILANO CHE DAL 1997 HA SVILUPPATO OLTRE 500 PROGETTI IN 18 DIFFERENTI NAZIONI, OTTENENDO PRESTIGIOSI RICONOSCIMENTI INTERNAZIONALI, TRA CUI TRE COMPASSO D’ORO. FONDATO DA ICO MIGLIORE E MARA SERVETTO, VANTA UN'INDISCUSSA COMPETENZA NELL'IDEAZIONE DI PROGETTI DI BRANDING E SPAZI NARRATIVI, DAL FISICO AL DIGITALE, SIANO ESSI AREE URBANE, RETAIL, MUSEI, MOSTRE, INSTALLAZIONI. ICO MIGLIORE È PROFESSORE AL POLITECNICO DI MILANO E CHAIR PROFESSOR ALLA DONGSEO UNIVERSITY DI BUSAN (COREA DEL SUD), MENTRE MARA SERVETTO È VISITING PROFESSOR ALLA JOSHIBI UNIVERSITY DI TOKYO.

Sketch by Ico Migliore

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EMBT

Trame della memoria

INSTALLATION ACADEMY OF SPAIN, ROME

Text by Ilia CELIENTO

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EXHIBITION

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EXHIBITION

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A group of projects by Enric Miralles and Benedetta Tagliabue are on display in the Tempietto di Bramante house on the Janiculum Hill in Rome. Barcelona, Utrecht, Edinburgh, Hamburg and Ferrara are the cities where the link between pre-existing buildings and new constructions finds space in functional interventions, evoking plots of memory. A memory of places, times and continuity.

A continuity between history and reality, past and present, staged in an installation designed by his daughter Caterina, and organised and managed by the Fundació Enric Miralles. Sketches, drawings, photographs, collages and models are placed on known displays in an old drawing from 1996, proposed by Enric Miralles for the Arco Fair in Madrid. Objects sketched but never built and now

reproduced in full scale, light but enriched with stories. Their arrangement follows the flow of a narrative that begins with St Catherine's market, follows with Utrecht City Hall, enters Edinburgh's Parliament, continues in Hamburg's port and ends in the sacredness and materiality of the church of St James the Apostle in Ferrara. The memory of the times is protected by the walls of the rooms. Here a decollage of the family home forms the backdrop for the projects, just as for years the home itself has been a terrain for creative experimentation, a place of memory of life lived. In the cloister, some of EMBT's works, signed in the last ten years, show even more Benedetta Tagliabue's active and solitary ability to remember, design and build.

A Roma, nella casa del Tempietto di Bramante, sul colle del Gianicolo, è esposto un gruppo di progetti di Enric Miralles e Benedetta Tagliabue. Barcellona, Utrecht, Edimburgo, Amburgo e Ferrara sono le città dove il legame tra preesistenze e nuove costruzioni trova spazio in interventi funzionali, evocando trame della memoria. Una memoria di luoghi, tempi e continuità. Una continuità tra storia e realtà, passato e presente, inscenata in un allestimento disegnato dalla figlia Caterina, e organizzato e gestito dalla Fundació Enric Miralles. Schizzi, disegni, fotografie, collage e modelli sono appoggiati su espositori noti in un vecchio disegno del 1996, proposto da Enric Miralles per la Fiera Arco di Madrid.

Oggetti schizzati ma mai costruiti e oggi riprodotti in scala reale,

leggeri ma arricchiti di racconti. La loro disposizione segue il flusso di una narrazione che inizia col mercato di Santa Caterina, segue con il municipio di Utrecht, si addentra nel Parlamento di Edimburgo, continua nel porto di Amburgo e termina nella sacralità e materialità della chiesa di San Giacomo Apostolo a Ferrara. Il ricordo dei tempi è protetto dalle pareti delle sale. Qui un decollage della casa di famiglia fa da sfondo ai progetti, così come per anni la stessa dimora è stata terreno di sperimentazione creativa, luogo di memoria di vita vissuta. Nel chiostro, alcuni lavori di EMBT, firmati negli ultimi dieci anni, mostrano ancor più l’attiva e solitaria capacità di Benedetta Tagliabue di ricordare, progettare e costruire.

EXHIBITION

EMBT BENEDETTA TAGLIABUE – EMBT IS AN INTERNATIONAL ACKNOWLEDGED ARCHITECTURE STUDIO FOUNDED IN 1994 BY THE ASSOCIATION OF ENRIC MIRALLES (1955-2000) AND BENEDETTA TAGLIABUE IN BARCELONA. DURING THEIR COOPERATION, ENRIC AND BENEDETTA STARTED PROJECTS LIKE THE NEW SCOTTISH PARLIAMENT BUILDING IN EDINBURGH, THE UTRECHT CITY HALL IN THE NETHERLANDS, THE HEADQUARTERS OF GAS NATURAL FENOSA, THE RENOVATION OF THE MARKET AND NEIGHBOURHOOD OF SANTA CATERINA, THEIR OWN HOUSE IN THE OLD CITY IN BARCELONA AND SO ON. AFTER THE PREMATURE DEATH OF ENRIC MIRALLES IN 2000, HUSBAND AND PARTNER OF BENEDETTA, SHE CONTINUED LEADING THEIR OFFICE AS A SOLE PARTNER, FINISHING OVER TEN UNCOMPLETED WORKS OF ENRIC AND STARTING MANY NEW ONES. PROJECT CREDITS

Name: TRAME DELLA MEMORIA. INTERVENTI ARCHITETTONICI SUL PATRIMONIO DI ENRIC MIRALLES E BENEDETTA TAGLIABUE 1992-2022 Location: ACADEMY OF SPAIN, ROME, ITALY Year: 03 MARCH 2022 - 15 MAY 2022 Curated by: BENEDETTA TAGLIABUE Constructor: TAGI 2000 Photography: PAOLO FASSOLI

BENEDETTA TAGLIABUE - EMBT È UNO STUDIO DI ARCHITETTURA RICONOSCIUTO A LIVELLO INTERNAZIONALE, FONDATO NEL 1994 DALL'ASSOCIAZIONE DI ENRIC MIRALLES (1955-2000) E BENEDETTA TAGLIABUE A BARCELLONA. DURANTE LA LORO COLLABORAZIONE, ENRIC E BENEDETTA HANNO INIZIATO PROGETTI COME IL NUOVO PALAZZO DEL PARLAMENTO SCOZZESE A EDIMBURGO, IL MUNICIPIO DI UTRECHT NEI PAESI BASSI, LA SEDE CENTRALE DI GAS NATURAL FENOSA, LA RISTRUTTURAZIONE DEL MERCATO E DEL QUARTIERE DI SANTA CATERINA, LA LORO CASA NELLA CITTÀ VECCHIA DI BARCELLONA E COSÌ VIA. DOPO LA MORTE PREMATURA DEL MARITO E SOCIO ENRIC MIRALLES NEL 2000, BENEDETTA, HA CONTINUATO A DIRIGERE IL LORO STUDIO COME SOCIO UNICO, FINENDO PIÙ DI DIECI OPERE INCOMPIUTE DI ENRIC E INIZIANDONE MOLTE NUOVE.

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PRINTED

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Luca Ga lofa ro

Franco Purini

DISCORSO SULL’ARCHITETTURA. CINQUE ITINERARI NELL’ARTE DEL COSTRUIRE.

Marsilio 2022

In this Discourse on Architecture, Franco Purini sets aside the dense writing he has accustomed us to up to now, and through a long narrative tries to systemise all the fundamental thoughts around which he has worked incessantly over the last fifty years to define his poetics. The result is a dry, essential book that all architecture students should read as soon as they enter school.

Five itineraries investigating the origin of ideas in fragments: from the image that forms in the architect's head before the project, an image that lives a secret life in its author's mind and then lives a public one when it becomes something real, to living as a system in continuous evolution, from architecture seen as the intersection of interior and exterior spaces to the definition of the city as a complex spatial organism. A city that does not have to be smart at all costs, the only deceptive field in which the city seems to express itself best.

On every page Purini warns us of the dangers of the intoxication of fashions that risk dissolving the intrinsic value of the discipline by dematerialising the qualities of real space and thus supporting the disappearance of the community in the evolution of society and living.

In the first few pages there is a beautiful metaphor taken from a text by Marguerite Yourcenar: architecture is like a novel which for the writer is never finished, only abandoned. There will always be something or someone capable of transforming it, changing it and interpreting it. This love affair between a man and architecture becomes, in the hands of the reader, a useful tool for overcoming this season of great instability by breaking out of the logics that weaken its meanings.

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In questo discorso sull’Architettura, Franco Purini mette da parte la sua scrittura densa a cui ci aveva abituato fino ad oggi, e prova attraverso un lungo racconto a mettere a sistema tutti i pensieri fondamentali attorno ai quali ha lavorato incessantemente negli ultimi cinquant’anni per definire la propria poetica. Ne esce fuori un libro asciutto ed essenziale, che tutti gli studenti di architettura dovrebbero leggere appena entrati nelle scuole.

Cinque itinerari che indagano per frammenti l’origine delle idee: dall’immagine che si forma nella testa dell’architetto prima del progetto, l’immagine che nella mente del suo autore vive una vita segreta, ne vive invece una publica quando diventa qualcosa di reale, all’abitare come sistema in continua evoluzione, dall’architettura intesa come intersezione di spazi interni ed esterni, fino alla definizione di città come organismo spaziale complesso. Una città che non deve essere smart a tutti costi, l’unico ingannevole campo nel quale la città sembra esprimersi al meglio.

In ogni pagina Purini ci mette in guardia di fronte ai pericoli dell’ubriacatura delle mode che rischiano di dissolvere il valore intrinseco della disciplina smaterializzando le qualità dello spazio reale e quindi assecondando la scomparsa della comunità nell’evoluzione della società e dell’abitare.

Nelle prime pagine c’è una bella metafora che estrae da un testo di Marguerite Yourcenar l’architettura è come un romanzo che per la scrittrice non è mai finito, è solo abbandonato. Ci sarà sempre qualcosa o qualcuno capace di trasformarla cambiarla e interpretarla. Questo discorso amoroso tra un uomo e l’architettura diventa nelle mani di chi legge uno strumento utile per superare questa stagione di grande instabilità uscendo dalle logiche che ne indeboliscono i

EASE/22 ceramic tile collection

From matter to product for living.

#LivingMoments w w w. ric che t ti. it

CERN I E R E P I VOT I N V I S I B I L I L’unicità delle cerniere pivot invisibili FritsJurgens, inserite a scomparsa all’interno dell’anta, si esprime nella totale assenza di elementi strutturali: le sole componenti esterne sono una piccola piastrina a pavimento ed una a soffitto.

Garantendo una portata fino a 500 kg le cerniere sono adatte a porte, pareti divisorie, librerie, boiseries e veri e propri muri rotanti. Una soluzione al servizio della flessibilità progettuale.

I NV IS I B L E P I VOT H I N G E S The uniqueness of the FritsJurgens invisible pivot hinges, inserted retractably inside the door, is expressed in the total absence of structural elements: the only external components are a small floor plate and a ceiling plate.

Guaranteeing a bearing capacity of up to 500 kg, the hinges are suitable for doors, partitions, bookcases, boiseries and real rotating walls. A solution at the service of design flexibility.

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F R I T S J U R G E N S I TA L I A

- + 3 9 0 5 5 0 6 4 0 2 9 0 - I N F O @ F R I T S J U R G E N S . C O M - W W W. F R I T S J U R G E N S . C O M

Luca Ga lo fa ro

| PP RR OI NJ TE CE DT

Peter Zumthor

DEAR TO ME. PETER ZUMTHOR IN CONVERSATION.

Park Books 2021

Twenty years after its opening, the Kunsthaus Bregenz devotes an exhibition to the architect who built it. Peter Zumthor curates the exhibition himself, with the emblematic title Dear to Me. For the entire period of the exhibition, the museum becomes a place of dialogue between artists very close to the Swiss architect. The works of the invited artists are housed in the museum and form part of the large exhibition. The exhibition is accompanied by a very special book, a black box with eighteen files inside. A mosaic of heterogeneous dialogues that focuses on artistic practice as a tool for research and construction of the world.

Through dialogue, the Swiss architect explores the preferences and artistic practices of his guests.

It is a way of describing himself through what is familiar, often the result of collaborations such as that with the photographer Hélène Binet, whom Zumthor met through the photographs he took of the magnificent paving stones made in the Acropolis of Athens by Dimitris Pikionis. Walter Lietha, on the other hand, is a book collector who is moving into the museum for the period of the exhibition: the book as an essential element of culture. With director Wim Wenders, he discusses the power of images and imagination.

La Kunsthaus di Bregenz a vent’anni dalla sua apertura dedica una mostra all’architetto che l’ha realizzata. Peter Zumthor cura la mostra personalmente, il titolo è emblematico Dear to Me. Il museo diventa per tutto il periodo della mostra un luogo di dialogo tra artisti molto vicini all’architetto svizzero. I lavori degli artisti invitati sono ospitati all’interno del museo e fanno parte della grande esposizione. Accompagna la mostra un libro molto particolare, una scatola nera con all’interno diciotto fascicoli. Un mosaico di dialoghi eterogenei che mette al centro del discorso la pratica artistica come strumento di ricerca e costruzione del mondo.

L’architetto svizzero attraverso il dialogo esplora le preferenze e le pratiche artistiche dei suoi ospiti.

Un modo per raccontarsi attraverso ciò che è familiare, frutto spesso di collaborazioni come quella con la fotografa Hélène Binet, conosciuta da Zumthor attraverso le fotografie fatte alle magnifiche pavimentazioni realizzate all’acropoli di Atene da Dimitris Pikionis. Walter Lietha invece è un collezionista di libri che trasferisce per il periodo della mostra all’interno del museo, il libro dunque come elemento essenziale della cultura. Con il regista Wim Wenders discute del potere delle immagini e dell’immaginazione.

Annalisa Metta

IL PAESAGGIO È UN MOSTRO. CITTÀ SELVATICHE E NATURE IBRIDE.

DERIVEAPPRODI, 2022

This book is an accumulation of stories, projects and landscapes. The idea of the wild holds all these apparently different worlds together. Order and disorder, project and natural accumulation are palimpsests through which to decode an idea of nature, with which man has always had to deal. A stimulating book full of sudden changes of direction but also of different looks at the project. The role of the long quotations that introduce each chapter is fundamental and builds a parallel text, an anthology of definitions that are undoubtedly the result of continuous transcriptions during a long period of research. "Nature, from my point of view, is horrible, cynical, bad, deadly, unexpected, unpredictable, uncontrollable... I hate Nature": This is what Sottsass says as he introduces one of the chapters dedicated to the relationship between the city and nature. The author starts each chapter with quotations and, as if in an imaginary dialogue, tries to articulate a response to these statements, and from her arguments we understand how the discourse on nature goes beyond the dogmas of the religions of ecology, of green at all costs, and seeks another way for the project of a 'Wild City' that can and must coexist with the urban. Rome, the city where the author lives and works, has always suggested this to us.

Questo libro è un accumulazione di storie, progetti e paesaggi, l’idea di selvatico tiene insieme tutti questi mondi apparentemente diversi. Ordine e disordine, progetto e accumulazione naturale sono palinsesti attraverso i quali decodificare un’idea di natura, con cui da sempre l’uomo deve confrontarsi.

Un libro stimolante pieno di cambi di direzione improvvisi ma anche di sguardi diversi sul progetto, il ruolo delle lunghe citazioni che introducono ogni capitolo è fondamentale e costruisce un testo parallelo, un’antologia di definizioni frutto senza dubio di trascrizioni continue durante un lungo periodo di ricerca. “La Natura, dal mio punto di vista, è orribile, cinica, cattiva, micidiale, inaspettata, imprevedibile, incontrollabile… io la Natura la odio”: così sostiene Sottsass che introduce uno dei capitoli dedicato al rapporto città natura, dalle citazioni l’autrice dà il via ad ogni capitolo e come in dialogo immaginario cerca di articolare una risposta a queste dichiarazioni, e dalle sue argomentazioni capiamo come il discorso sulla natura supera i dogmi delle religioni dell’ecologia, del verde a tutti i costi e cerca un’altra via per il progetto di una ‘Città Selvatica’ che può e deve coesistere con l’urbano.

Roma d’altronde, la città dove l’autrice vive e lavora, ce lo suggerisce da sempre.

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Metaverse, a New

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ALFUSO+BATTAGLIN+CATTOI+COMINOTTO+TUMMINELLO

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PLATFORM HORIZONS

World for Architecture?

T

The last few years have been marked by the changes and the birth of new Trends, so much so that today we hear people talking about NFT, blockchain and metaverse.

But what is it all about? Are we once again facing a deep change capable of modifying society? Analysing the history of the Internet, from the start of Web1 to the present of Web2 up to the immediate future of Web3, it is clear to everyone that the progress is unstoppable. In fact, according to Charles Darwin "It is not the strongest species that survive, nor the most intelligent, but the ones most responsive to change.". Therefore, it is better to be ready and try to seize all the opportunities it can offer, but first, let's try to understand more.

The Web1, widespread since the nineties, was mainly composed by the websites of universities, libraries and companies, with static content similar to pages of a book. It has made it possible to virtualize space with a screen and save time, making management processes increasingly efficient. At this stage, users had little opportunity to interact with each other and it was Web2 that filled this gap with the birth of new platforms such as Wikipedia, personal blogs and social networks later. It became easier to communicate, to have an active part in the Net and to create contents.

A revolution that has given voice to users on the web, making it participatory, but that has also highlighted some negative aspects.

The contents, for example, are exploited by the algorithms of the BigTech companies to profile users, and the huge diffusion of these platforms has consequently delivered much of the information in the hands of a few giants, centralizing a network that in previous realities was much more distributed. In this perspective, the original goal of Web3 is to decentralize the network once again and create a digital economy based instead on participation, in which the presence of intermediaries is no longer necessary. To this end, the blockchain seems to offer the perfect solution as it is distributed, immutable and hardly falsifiable. The third incarnation of the Web will therefore be characterized by the exchange of cryptocurrencies and, according to its supporters, will return control of data to users. What about the metaverse? The metaverse is the result of the integration between the blockchain and a set of technologies, allowing the creation of a persistent digital world (that still exists while we are disconnected), within which we interact through Avatars.

Today, the metaverse is mainly accessed through "traditional" interfaces such as a web page or a video game. In this new digital reality, we can perform actions, play games, socialize and, for the first time, own goods. Thanks to blockchain technology, in fact, in the metaverse the ownership and uniqueness of objects can be attested

through NFTs. The core components of this new form of interaction are still being defined and new business opportunities are emerging for many professionals.

In this regard the architect will be a key figure. Architectural firms already have the basic technical skills that can be spent in these realities: animation, illustration, 3D modelling, programming basics, knowledge of Unity 3D, Maya and Unreal Engine software. They are therefore able to concretely develop the infrastructure at the base of the digital space and, even more important, they can give life to environments and create experiences in a place. Even in the metaverse an area or a building must have a Design concept.

Design has always had a significant value in the digital universe and in the metaverse, where the experience wants to be even more immersive, it becomes an unavoidable factor. For this reason, the current focus is not really on how the metaverse fits into architecture, but rather on how architecture can fit into it. Of course, there are technological limitations that do not already allow a faithful reproduction of reality and a deep level of immersiveness, although investments are continuously growing to make it possible.

We are on the edge of a new world, in fact, up to ten years ago asking someone for their address meant getting their home address, today its email, tomorrow its crypto Wallet.

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Metaverso, un Nuovo Mondo per l’Architettura?

Gli ultimi anni sono stati segnati dal cambiamento e dalla nascita di nuovi Trend, tanto che oggi si sente sempre più spesso parlare di NFT, blockchain e metaverso. Ma di cosa si tratta veramente?

Ci troviamo ancora una volta davanti a un salto di paradigma capace di modificare la società? Analizzando la storia di internet, dagli albori del Web1 al presente del Web2 fino all’immediato futuro del Web3, risulta chiaro che il progresso è inarrestabile e infatti secondo Charles Darwin "Non è la specie più forte o la più intelligente a sopravvivere, ma quella che si adatta meglio al cambiamento". Pertanto, conviene esser pronti e cercare di cogliere tutte le opportunità che può offrire, ma proviamo intanto a capirne di più.

Il Web1, diffuso a partire dagli anni ’90, era composto principalmente dai siti web di università, biblioteche e aziende, con contenuti statici simili a pagine di un libro.

Ha permesso di virtualizzare lo spazio con uno schermo e risparmiare tempo, rendendo sempre più efficienti i processi gestionali. In questa fase, gli utenti avevano scarse possibilità di interagire tra loro ed è stato il Web2 a colmare questa lacuna con il debutto di piattaforme come Wikipedia, i blog personali e successivamente i social Network. È diventato più facile comunicare, avere una parte attiva nella Rete e creare contenuti. Una rivoluzione che ha dato voce agli utenti sul web, rendendolo partecipativo, ma che ha anche evidenziato degli aspetti negativi.

Ne è un esempio il fatto che i contenuti vengono comunemente sfruttati dagli algoritmi delle grandi aziende del BigTech per profilare gli utenti; di conseguenza l’enorme diffusione di queste piattaforme ha consegnato gran parte dell’informazione nelle mani di pochi colossi, centralizzando una rete che nelle incarnazioni precedenti era molto più distribuita. L’obiettivo originario del Web3 è proprio quello di decentralizzare nuovamente la rete e creare un’economia digitale in cui non sia più necessaria la presenza di intermediari, basata bensì sulla partecipazione. A questo scopo, la blockchain sembra offrire una soluzione essendo distribuita, immutabile e difficilmente falsificabile.

La terza incarnazione del Web sarà dunque

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caratterizzata dallo scambio di cryptovalute e, secondo i suoi sostenitori, restituirà il controllo dei dati agli utenti.

E invece il metaverso? Il metaverso è il risultato dell’integrazione tra la blockchain e un insieme di tecnologie che permettono la creazione di un mondo digitale persistente (che esiste quindi anche quando siamo disconnessi), all’interno del quale interagiamo attraverso degli Avatar.

Al metaverso oggi si accede soprattutto con interfacce “tradizionali” come una pagina web o un videogioco; si possono compiere azioni, giocare, socializzare e, per la prima volta, possedere dei beni.

Grazie alla tecnologia della blockchain, infatti, nel metaverso la proprietà e l’unicità degli oggetti può essere attestata attraverso gli NFT. Gli elementi costitutivi di questa nuova forma di interazione sono in fase di costruzione e si stanno creando opportunità di business per molte figure professionali. L’architetto sarà, a tal proposito, una figura fondamentale.

Gli studi di architettura possiedono già le competenze tecniche di base spendibili in queste realtà: animazione, illustrazione, modellazione 3D, basi di programmazione, conoscenza dei software Unity 3D, Maya e Unreal Engine. Sono quindi in grado di sviluppare concretamente l’infrastruttura alla base dello spazio digitale e, ancor più importante, hanno la capacità di dare vita agli ambienti e creare esperienze in un luogo. Anche nel metaverso un’area o un edificio devono avere il Design come obbiettivo. Del resto, il design ha sempre avuto una valenza significativa nell’universo digitale e in un metaverso, dove l’esperienza vuole essere ancora più immersiva, diventa un fattore imprescindibile. Per questo motivo, attualmente il focus non è tanto su come il metaverso si adatta all’architettura, ma piuttosto su come l’architettura può adattarsi ad esso. Naturalmente vi sono dei limiti tecnologici che non permettono ancora una riproduzione fedele della realtà e un profondo livello di immersività, ma si continua ad investire per renderlo possibile.

Siamo alle soglie di un nuovo mondo, basti pensare che fino a dieci anni fa chiedere a qualcuno il proprio indirizzo significava ricevere la via di casa, oggi la mail, domani il suo crypto Wallet.

ALFUSO+BATTAGLIN+CATTOI+COMINOTTO+TUMMINELLO

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PLATFORM HORIZONS

Crypto Glossary Blockchain

THE BLOCKCHAIN IS A SHARED LEDGER THAT FACILITATES THE TRACKING OF TRANSACTIONS ACROSS A NETWORK. TRANSACTIONS ARE RECORDED IN "BLOCKS" OF DATA AND ENROLLED IN AN IRREVERSIBLE CHAIN: A BLOCKCHAIN. ONCE NOTED IN THE SHARED LEDGER, NO ONE CAN TAMPER WITH THE TRANSACTION. LA BLOCKCHAIN È UN REGISTRO CONTABILE CONDIVISO, CHE FACILITA LA TRACCIABILITÀ DELLE TRANSAZIONI IN UNA RETE. LE TRANSAZIONI VENGONO REGISTRATE IN "BLOCCHI" DI DATI E ISCRITTE IN UNA CATENA IRREVERSIBILE: UNA BLOCKCHAIN. UNA VOLTA ANNOTATA NEL REGISTRO CONDIVISO, NESSUNO PUÒ MANOMETTERE LA TRANSAZIONE.

Cryptocurrency

A CRYPTOCURRENCY IS A DIGITAL CURRENCY THAT USES CRYPTOGRAPHY TO PROTECT TRANSACTIONS. IT CAN BE USED AS A MEDIUM OF EXCHANGE OR HELD FOR INVESTMENT PURPOSES. CRYPTOCURRENCIES CAN BE TRANSFERRED, STORED OR TRADED ELECTRONICALLY. UNA CRYPTOVALUTA È UNA VALUTA DIGITALE CHE USA LA CRITTOGRAFIA PER PROTEGGERE LE TRANSAZIONI. PUÒ ESSERE UTILIZZATA COME MEZZO DI SCAMBIO O DETENUTA A SCOPO DI INVESTIMENTO. LE CRYPTOVALUTE POSSONO ESSERE TRASFERITE, CONSERVATE O NEGOZIATE ELETTRONICAMENTE.

Crypto Wallet

IT IS A DIGITAL WALLET THAT ALLOWS YOU TO HOLD AND TRADE CRYPTOCURRENCIES. EACH WALLET IS ENCRYPTED AND HAS ITS OWN ADDRESS (LIKE AN IBAN). È UN PORTAFOGLIO DIGITALE CHE PERMETTE DI DETENERE E SCAMBIARE LE CRYPTOVALUTE. OGNI WALLET È CRITTOGRAFATO ED HA UN PROPRIO INDIRIZZO (COME UN IBAN).

Decentralization

IT IS THE PROCESS OF TRANSFERRING POWER FROM A CENTRAL AUTHORITY TO A DISTRIBUTED NETWORK. IN TODAY'S WEB, INFORMATION IS CONTAINED IN HUGE SERVERS, OFTEN OWNED BY LARGE BIGTECH COMPANIES; IN A DECENTRALIZED SYSTEM INSTEAD, INFORMATION ESCAPES THE CONTROL OF A CENTRAL AUTHORITY AND IS DISTRIBUTED AMONG THE VARIOUS NODES OF THE NETWORK. È IL PROCESSO DI TRASFERIMENTO DEL POTERE DA UN’AUTORITÀ CENTRALE A UNA RETE DISTRIBUITA. NEL WEB ATTUALE LE INFORMAZIONI SONO CONTENUTE IN ENORMI SERVER, SPESSO DI PROPRIETÀ DI GRANDI AZIENDE DEL BIGTECH; IN UN SISTEMA DECENTRALIZZATO INVECE, LE INFORMAZIONI SFUGGONO AL CONTROLLO DI UN ENTE CENTRALE E SONO DISTRIBUITE TRA I VARI NODI DELLA RETE.

Nft

NON-FUNGIBLE-TOKEN, IS A TOKEN INSCRIBED IN A BLOCKCHAIN, REPRESENTING AN OBJECT AND ATTESTING TO ITS OWNERSHIP AND UNIQUENESS. UNLIKE A FUNGIBLE ASSET SUCH AS A BANKNOTE, WHICH CAN BE EXCHANGED FOR ANOTHER OF EQUAL VALUE, NFTS REPRESENT A UNIQUE AND DISTINCT ASSET. NON-FUNGIBLE-TOKEN, È UN TOKEN ISCRITTO IN UNA BLOCKCHAIN, CHE RAPPRESENTA UN’OGGETTO E NE ATTESTA LA PROPRIETÀ E L’UNICITÀ. A DIFFERENZA DI UN BENE FUNGIBILE COME UNA BANCONOTA, CHE PUÒ ESSERE SCAMBIATA PER UN’ALTRA DI UGUALE VALORE, GLI NFT RAPPRESENTANO UN BENE UNICO E DISTINTO.

Platform Horizons This collective, by brainchild of Angelo Dadda, is composed of: LUCREZIA ALFUSO

LEONARDO BATTAGLIN

LUCA CATTOI

ANDREA COMINOTTO

LORENZO TUMMINELLO

She faces the study of the metaverse to discover all its creative potentials.

She graduated in Communication in Florence and obtained a master's degree in Design Marketing and Communication at Iulm in Milan. She currently works in the editorial staff of Platform Network and deals with digital communication, writing and storytelling.

Since 2018 he has been constantly looking for new investment opportunities in disruptive technology.

He became interested in Cryptocurrencies fascinated by the potential of blockchain technology and currently manages crypto portfolios on different platforms. He is from Venice, he studies Economics in Pisa and plans to continue his studies in the field of Blockchain.

He is the CEO of Graffiti.it, a technological innovation lab where since 2015 Blockchain is also studied and where today Web3 and NFT solutions are proposed. He has recently published the book "Click Economy". He lives in Riva del Garda, where he is about to launch an NFT project to finance Green projects and startups: www. comBEANation.io

Graduated in Marketing and Market Research at the University of Pisa, after a Master in Big Data & Social Mining he becomes a programmer, a role he holds at TechEdge SPA. In 2020 he starts to study Blockchain for technological interest and to invest in CryptoCurrencies and NFT. Proud owner of Land in various metaverse.

Cryptoinvestor since 2019, he approaches the world of NFTs as an art form and collecting. He is a psychologist and works as a researcher at the Department of Translational Research and New Medical and Surgical Technologies at the University of Pisa.

He is about to launch an NFT project in favor of environmental sustainability: www.cleanerseanft.com.

Si affaccia allo studio del metaverso per scoprirne tutte le potenzialità creative. Si è laureata in Comunicazione a Firenze e ha conseguito un master in Design Marketing e Comunicazione alla Iulm di Milano. Attualmente lavora presso la redazione di Platform Network e si occupa di comunicazione digitale, scrittura e storytelling.

Dal 2018 è alla costante ricerca di nuove opportunità di investimento in ambito disruptive technology. Si è interessato alle Cryptovalute affascinato dal potenziale della tecnologia blockchain e attualmente gestisce portafogli crypto su diverse piattaforme. È di Venezia, studia Economia a Pisa ed ha in progetto di proseguire gli studi in ambito di Blockchain.

È il Ceo di Graffiti.it, un laboratorio d’innovazione tecnologica dove dal 2015 si studia anche la Blockchain e dove oggi si propongono soluzioni Web3 ed NFT. Ha recentemente pubblicato il libro “Click Economy”. Abita a Riva del Garda, dove sta per lanciare un progetto NFT per finanziare progetti e startup Green: www. comBEANation.io

Laureato in Marketing e ricerche di Mercato Presso l’Università di Pisa, dopo un Master in Big Data & Social Mining diventa programmatore, ruolo che ricopre presso TechEdge SPA. Nel 2020 comincia a studiare la Blockchain per interesse tecnologico e a investire in CryptoValute e NFT. Fiero proprietario di Land in svariati metaversi.

Cryptoinvestitore dal 2019, si avvicina al mondo degli NFT come forma d'arte e di collezionismo. È uno psicologo e lavora come ricercatore presso il Dipartimento di Ricerca Traslazionale e di Nuove Tecnologie Mediche e Chirurgiche dell'Università di Pisa. Sta per lanciare un progetto NFT a favore della sostenibilità ambientale: www.cleanerseanft.com.

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Metaversal

shift in architecture Space Graph

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ALPER DERINBOĞAZ - SALON

Under the influence of the global pandemic, the digitalisation of real economies has been accelerated in the last two years. During this time, we witnessed decentralised data processing models enable open networks and interoperable ecosystems. On a slower temporal scale, the transformation of architecture and how we perform architecture is also striking. As the legacy of the modern era, the phases of architectural production have been over-classified and reduced to isolated and separate knowledge areas. All this reduction has ultimately transformed architects into actors whose role is only to manage the phases of making buildings, mediating between engineers, contractors, government officials and the law. Considering the challenging conditions of construction, such as high costs and unpredictable processes, much of architectural production has remained on paper. In the end, it seems that architecture has lost its role as the master builder of our modern cities in this recent period. In this impasse that architecture has perhaps reached, it seems to be on the lookout for alternative modes of production and environments where architecture can regain its autonomy.

In this sense, meta cities and meta universes seem to architecture as an ideal alternative space where it can reinvent itself. However, the act of architecture goes back to the appearance of the first human beings on earth. And it will be a gradual process by which architecture departs from the physical crust of the planet and lands in a digital world.

At this point, architects can be brave in using the most innovative tools and modes of production in order to define a transition between physical and digital spaces. It seems that it will be vital for the architectural discipline to speculate on the future of cities, ecology, space, art, culture, and communities. In parallel with this vision, one of our goals in Salon has been to produce ideas on how we will position our architectural practice within the flow brought by this metaversal shift. We had the opportunity to think and produce on this digital-physical transition within a series of projects during our practise since 2011. In the project Space Graph, we experienced a wide range of technological tools in our production phases, from VR installation to generative design and robotic performance. We had the chance

to evaluate the relationship between time and space that is frequently addressed by the current approaches of modern physics.

This evaluation resulted in an exhibition consisting of a series of algorithmic space generations and installations that can be experienced virtually. Space Graph was one of the first virtual space experiments of Salon. On the transition between digital and physical, we created a more comprehensive experiment with Refik Anadol in 2011. The Augmented Structures project took place in Istiklal Street in Istanbul as a public performance.

Sound recordings taken from the street at certain physical intervals turned into mathematics, and this mathematical data turned into an animated structural installation on the facade of the YKY building. In this way, the façade as an architectural element transformed into a living topographic surface involved in the public space as an active object. Digital tools and environments enabled the structure, which is confined to its physical limits in a way, to expand its architectural situation in an unexpected manner.

All these digital expansions can solidify our predictions about how the architectural discipline, that has been building the physical world for 12 000 years, since the earliest communal structures, will exist in a virtual universe. The discipline of architecture can become the main actor that builds virtual networks and cities in the post-21st century. The capabilities brought by digital tools can lead architecture and space to reach an advanced state, free from all its physical constraints. For architectural practice which usually results in a single final form in physical space, there is now a chance to evolve into generative descriptions in virtual cities where users can intervene in parameters and where the space generates itself in real time. And perhaps more important than all these, architecture can embrace democratic forms of making in virtual cities interoperated by diverse communities. By bringing together nonlocation specific communities enabled by distributed networks, architecture can lead to a collective creation of digital manifestations and utopias.

Considering our passionate interest in urban and architectural utopias, we may begin to look for antecedents of these ideas. In his Situationist utopia New Babylon, Constant Nieuwenhuys had

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PLATFORM HORIZONS

dreamed and produced a comprehensive study of a new urban space from the 1950s to the 1970s. He had portrayed the inhabitants of New Babylon as fully aware of their power over their surroundings and their ability to transform and recreate their urban environment. Constant dreamed of an uninterrupted process of creation and re-creation where entire urban space is surrendered to the most unexpected influences. Diving into New Babylon, we witness an organisation of a collective mode of making where communities generate and recreate their spaces in various forms as an act of self-expression.

The shift we are now experiencing towards virtual universes appears to bring us closer to this utopian ideal.

The architectural experiments of Salon in the virtual environment seek to widen its scope based on this conceptual background. To this end, we experiment participatory strategies to create a metacity project that we called SalonCity. This project aims to create a community that will follow the development of architecture in this virtual city. By developing various infrastructures and international collaborations, SalonCity aims to create resources and educational funds on virtual urbanisation and virtual architecture.

SalonCity is an algorithmic landscape that grows via generative urbanism and is built by its own community. Focusing on space, technology and ecology, this spatial experiment is a virtual architectural utopia. Here the topography exists as an interoperable collective digital cloud. It expresses the image of an interoperable urban labyrinth, where architecture is directly constructed and experienced and where diverse non-location specific communities are learning by making and learning from each other.

In a universe where the boundary of architecture is not restricted by engineering and physics, the most important criteria of architectural conditions would be creativity.

SalonCity aims to investigate the limits of architectural creativity in a universe where these boundaries do not exist.

In this context, it aims to reveal a language of space guided by architecture, technology, and experimentation. As we are getting ready to launch this communal experimentation and share it with the public, we invite communities to contribute to this collective creation.

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Sotto l'influenza della pandemia globale, la digitalizzazione delle economie reali è stata accelerata negli ultimi due anni. Durante questo periodo, abbiamo assistito a modelli di elaborazione dei dati decentralizzati che permettono reti aperte ed ecosistemi interoperabili. Su una scala temporale più lenta, colpisce anche la trasformazione dell'architettura e del modo in cui la eseguiamo. Come eredità dell'era moderna, le fasi della produzione architettonica sono state iperclassificate e ridotte ad aree di conoscenza isolate e separate. Tutta questa riduzione ha infine trasformato gli architetti in attori il cui ruolo è solo quello di gestire le fasi di realizzazione degli edifici, mediando tra ingegneri, appaltatori, funzionari governativi e legge. Considerando le difficili condizioni della costruzione, come gli alti costi e i processi imprevedibili, gran parte della produzione architettonica è rimasta sulla carta. Alla fine, sembra che l'architettura abbia perso il suo ruolo di costruttore principale delle nostre città moderne in questo recente periodo. In questa impasse che ha forse raggiunto, l'architettura sembra essere alla ricerca di modi alternativi di produzione e di ambienti in cui possa riconquistare la sua autonomia.

In questo senso, le meta città e i meta universi sembrano uno spazio alternativo ideale dove reinventarsi. Tuttavia, l'atto dell'architettura risale alla comparsa dei primi esseri umani sulla terra. E il processo attraverso il quale l'architettura si allontana dalla crosta fisica del pianeta e atterra in un mondo digitale sarà graduale.

A questo punto, gli architetti possono essere coraggiosi nell'utilizzare gli strumenti e i modi di produzione più innovativi per definire una transizione tra spazi fisici e digitali. Sembra che sarà vitale, per la disciplina architettonica, speculare sul futuro di città, ecologia, spazio, arte, cultura e comunità. Parallelamente a questa visione, uno dei nostri obiettivi a Salon è stato quello di produrre idee su come posizionare la nostra pratica architettonica all'interno del flusso portato da questo spostamento metaversale. Abbiamo avuto l'opportunità di pensare e produrre su questa transizione digitale-fisica in una serie di progetti sin dal 2011. Nel progetto Space Graph, abbiamo sperimentato una vasta gamma di strumenti tecnologici nelle nostre fasi di produzione, dall'installazione VR al design generativo e alla performance robotica. Abbiamo avuto la possibilità di valutare la relazione tra tempo e spazio che

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è spesso affrontata dagli attuali approcci della fisica moderna. Questa valutazione è sfociata in una mostra che consiste in una serie di generazioni spaziali algoritmiche e installazioni che possono essere vissute virtualmente. Space Graph è stato uno dei primi esperimenti di spazio virtuale di Salon. Sulla transizione tra digitale e fisico, abbiamo creato un esperimento più completo con Refik Anadol nel 2011.

Il progetto Augmented Structures si è svolto in Istiklal Street, a Istanbul, come performance pubblica. Le registrazioni sonore prese dalla strada a certi intervalli fisici si sono trasformate in matematica, e questi dati matematici si sono trasformati in un'installazione strutturale animata sulla facciata dell'edificio YKY. In questo modo, la facciata come elemento architettonico si è trasformata in una superficie topografica vivente coinvolta nello spazio pubblico come oggetto attivo. Gli strumenti e gli ambienti digitali hanno permesso alla struttura, che in un certo senso è confinata nei suoi limiti fisici, di espandere la sua situazione architettonica in modo inaspettato. Tutte queste espansioni digitali possono solidificare le nostre previsioni su come la disciplina architettonica, che ha costruito il mondo fisico per 12.000 anni, fin dalle prime strutture comunitarie, esisterà in un universo virtuale. La disciplina dell'architettura può diventare l'attore principale che costruisce reti e città virtuali nel post 21° secolo.

Le capacità portate dagli strumenti digitali possono portare l'architettura e lo spazio a raggiungere uno stato avanzato, libero da tutti i suoi vincoli fisici. Per la pratica architettonica, che di solito risulta in una singola forma finale nello spazio fisico, c'è ora la possibilità di evolvere in descrizioni generative in città virtuali dove gli utenti possono intervenire nei parametri e dove lo spazio si genera da solo in tempo reale.

E forse, più importante di tutto questo, l'architettura può abbracciare forme democratiche di fabbricazione in città virtuali interoperate da diverse comunità.

Mettendo insieme comunità che non sono specifiche di un luogo, abilitate da reti distribuite, l'architettura può portare a una creazione collettiva di manifestazioni e utopie digitali. Considerando il nostro appassionato interesse per le utopie urbane e architettoniche, possiamo cominciare a cercare gli antecedenti di queste idee. Nella sua utopia situazionista New Babylon, Constant Nieuwenhuys aveva sognato e

prodotto uno studio completo di un nuovo spazio urbano dagli anni '50 agli anni '70. Aveva ritratto gli abitanti di Nuova Babilonia come pienamente consapevoli del loro potere su ciò che li circonda e della loro capacità di trasformare e ricreare il loro ambiente urbano. Constant sognava un processo ininterrotto di creazione e ricreazione in cui l'intero spazio urbano si abbandona alle influenze più inaspettate.

Immergendoci nella Nuova Babilonia, assistiamo all'organizzazione di un modo collettivo di fare dove le comunità generano e ricreano i loro spazi in varie forme come atto di auto-espressione. Lo spostamento che stiamo vivendo ora verso gli universi virtuali sembra avvicinarci a questo ideale utopico. Gli esperimenti architettonici di Salon nell'ambiente virtuale cercano di ampliare la sua portata sulla base di questo background concettuale. A questo scopo, sperimentiamo strategie partecipative per creare un progetto di meta-città che abbiamo chiamato SalonCity. Questo progetto mira a creare una comunità che seguirà lo sviluppo dell'architettura in questa città virtuale. Sviluppando varie infrastrutture e collaborazioni internazionali, SalonCity mira a creare risorse e fondi educativi sull'urbanizzazione virtuale e l'architettura virtuale. SalonCity è un paesaggio algoritmico che cresce attraverso l'urbanistica generativa ed è costruito dalla sua stessa comunità. Concentrandosi su spazio, tecnologia ed ecologia, questo esperimento spaziale è un'utopia architettonica virtuale. Qui la topografia esiste come una nuvola digitale collettiva interoperabile. Esprime l'immagine di un labirinto urbano interoperabile, dove l'architettura è direttamente costruita e sperimentata e dove diverse comunità non specifiche del luogo stanno imparando facendo e imparando le une dalle altre.

In un universo in cui il confine dell'architettura non è limitato dall'ingegneria e dalla fisica, il criterio più importante delle condizioni architettoniche sarebbe la creatività. SalonCity mira a indagare i limiti della creatività architettonica in un universo dove questi confini non esistono. In questo contesto, mira a rivelare un linguaggio dello spazio guidato dall'architettura, dalla tecnologia e dalla sperimentazione. Mentre ci prepariamo a lanciare questa sperimentazione comunitaria e a condividerla con il pubblico, invitiamo le comunità a contribuire a questa creazione collettiva.

ALPER DERINBOĞAZ - SALON

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PLATFORM HORIZONS

SalonCity, Topography as a Shared Cloud

Quantum Foam

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I sanitari, i lavabi e le vasche della collezione Revolution sono realizzati in Solid Surface

Le rivoluzioni segnano un nuovo punto di partenza

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www.sdrceramiche.it - info@sdrceramiche.it

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_Pinewood Garden

_Huolpoch House

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DMC ARCHITETTI

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WORKSHOP, DISEÑO Y CONSTRUCCIÓN

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_Ognissanti

_Parco della Laguna

BEPPE RIBOLI STUDIO

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CECCAROLI ARCHITETTURA

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_The retreat House

_Las Olas Beach Club

YOUNG PROJECTS

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INTERIORS BY STEVEN-G

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DMC ARCHITETTI

Pinewood GARDEN Name: I PROFUMI DELLA PINETA Location: SANTA MARGHERITA DI PULA (CA), ITALY Collaborators: STEFANO PIREDDA Contractor green works: CENTRO VERDE GREEN Suppliers: DECÒ, FOSCARINI, GUZZINI, VAL-TILE, UNOPIÙ Photography: FRANCESCA DELLA VALENTINA

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OUTDOOR

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OUTDOOR The best service that a landscape studio can give to sites of high environmental value is to renounce visibility in order to listen to the suggestions of the place. The compositional choices therefore attempt to define a "camouflage green architecture" aimed at limiting the impact through the study of colors and materials recovered from the surrounding scenario. The stone used in the walls, in the paving and in the coverings of the technical areas mixes with the bark of the trees and plays with the contrast of squared shapes. The garden is developed in the perimeter area of the house with a grassy carpet of macro-therms, while the surrounding space is kept as natural as possible with the use of Mediterranean shrubs that screen the lot from neighboring properties. In the shaded areas the combination of stones and ferns gives the context a rustic tone typical of the undergrowth in the nearby nature reserve of DCK. The scent of plants and blooms participates in the creation of the desired atmosphere reminiscent of D'Annunzio's Pioggia nel pineto. The lighting uses recessed LED spotlights to mark the access paths and small spots to highlight in a punctiform way only some suggestive backdrops, a diffused light obtained through the reflection of soft écru canvas illuminates the outdoor conversation area.

Il miglior servizio che uno studio di paesaggiste può dare ai siti ad elevato pregio ambientale è quello di rinunciare alla visibilità per ascoltare i suggerimenti del luogo. Le scelte compositive tentano quindi di definire una “architettura verde mimetica” rivolta a limitare l’impatto attraverso lo studio di colori e materiali recuperati dallo scenario circostante. La pietra usata nei muretti, nelle pavimentazioni e nei rivestimenti delle zone tecniche si mescola con la corteccia degli alberi e gioca in contrasto con le forme squadrate. Il giardino si sviluppa nell’area perimetrale alla casa con un tappeto erboso di macroterme, mentre lo spazio circostante viene mantenuto quanto più naturale possibile con l’impiego di arbusti della macchia mediterranea che schermano il lotto dalle proprietà confinanti. Nelle zone più ombreggiate la combinazione di pietre e felci conferisce al contesto un tono agreste tipico del sottobosco presente nella vicina riserva naturale della DCK. Il profumo delle piante e delle fioriture partecipa alla creazione dell’atmosfera desiderata che ricorda la Pioggia nel pineto dannunziana. L’illuminazione impiega faretti a led incassati per segnare i percorsi d’accesso e piccoli spot per evidenziare in modo puntiforme solo alcuni fondali suggestivi, una luce diffusa ottenuta attraverso il riflesso di morbide tele écru illumina la zona conversazione all’aperto.

Dmc Architetti TERESA DE MONTIS FOUNDER OF THE FEMALE ATELIER THAT GATHERS PAOLA RIVIEZZO, ELENA PERRA, LAURA OGGIANO, CINZIA OGGIANU, PAOLA CANNAS, SOPHIE DEPLANO AND SILVIA ATZENI. THE ATELIER DEALS WITH PUBLIC AND PRIVATE GREEN SPACES, RESTORATION, DESIGN AND GRAPHICS. RECENTLY IT INAUGURATED THE URBAN FORESTATION PROJECT IN THE TOWN OF PULA (CA) "A FOREST IN THE CITY" WITH A STRONG LANDSCAPE VALUE. TERESA DE MONTIS IS CURRENTLY PRESIDENT OF THE SARDINIAN FEDERATION OF ARCHITECTS. TERESA DE MONTIS FONDATRICE DELL’ATELIER AL FEMMINILE CHE RACCOGLIE PAOLA RIVIEZZO, ELENA PERRA, LAURA OGGIANO, CINZIA OGGIANU, PAOLA CANNAS, SOPHIE DEPLANO E SILVIA ATZENI. L’ATELIER SI OCCUPA DI SPAZI VERDI PUBBLICI E PRIVATI, RESTAURO, DESIGN E GRAFICA. RECENTISSIMA L’INAUGURAZIONE DEL PROGETTO DI FORESTAZIONE URBANA NEL COMUNE DI PULA (CA) “UN BOSCO IN CITTÀ” CON FORTE VALENZA PAESAGGISTICA. TERESA DE MONTIS È ATTUALMENTE PRESIDENTE DELLA FEDERAZIONE SARDA DEGLI ARCHITETTI.

pine forest mediterranean shrubs

grassy carpet of macro-therms

officinal plants

shaded areas with ferns

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WORKSHOP, DISEÑO Y CONSTRUCCIÓN

Huolpoch HOUSE Name: CASA HUOLPOCH Location: MÉRIDA, YUCATÁN, MEXICO Year: 2021 Team: FRANCISCO BERNÉS ARANDA, FABIÁN GUTIÉRREZ CETINA, ISABEL BARGAS CICERO, ALEJANDRO BARGAS CICERO Furniture: ARTESANO MX Art: GALERÍA URBANA BLANQUIS Photography: TAMARA URIBE

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OUTDOOR

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Workshop, Diseño y Construcción WORKSHOP: DESIGN + CONSTRUCTION IS A YOUNG COMPANY CREATED BY ARCHITECTS FRANCISCO BERNÉS AND FABIÁN GUTIÉRREZ, GRADUATES OF THE FACULTY OF ARCHITECTURE OF THE UNIVERSITY OF YUCATAN (FAUADY) AND STUDENTS OF GRAZ UNIVERSITY OF TECHNOLOGY (TECHNISCHE UNIVERSITÄT GRAZ), AUSTRIA. AS PART OF THE TEAM IS ALSO THE ENGINEER ALEJANDRO BARGAS (UADY) AND ARCHITECT ISABEL BARGAS (MARISTA). THE MISSION OF THIS COMPANY IS TO OFFER GREAT DEDICATION TO PROJECTS, ALWAYS COMMITTING AND PRESENTING HIGH STANDARDS OF BEAUTY ,COMFORT AND QUALITY.

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WORKSHOP: DESIGN + CONSTRUCTION È UNA GIOVANE SOCIETÀ CREATA DAGLI ARCHITETTI FRANCISCO BERNÉS E FABIÁN GUTIÉRREZ, LAUREATI ALLA FACOLTÀ DI ARCHITETTURA DELL'UNIVERSITÀ DELLO YUCATAN (FAUADY) E STUDENTI DELLA GRAZ UNIVERSITY OF TECHNOLOGY (TECHNISCHE UNIVERSITÄT GRAZ), AUSTRIA. COME PARTE DEL TEAM SONO ANCHE L'INGEGNERE ALEJANDRO BARGAS (UADY) E L'ARCHITETTO ISABEL BARGAS (MARISTA). LA MISSIONE DI QUESTO STUDIO È QUELLA DI OFFRIRE GRANDE DEDIZIONE AI PROGETTI, SEMPRE IMPEGNANDOSI E PRESENTANDO ALTI STANDARD DI BELLEZZA, COMFORT E QUALITÀ.

OUTDOOR

Casa Houlpoch is an old Yucatecan house from the end of the last century that gets its name from a snake from the region that regularly “visited” the property's ruins. Behind its colonial facade, this house accommodates four bedrooms and a studio apartment, with a total of 315 square meters of construction. The public and private parts of the house are symbolically connected by the perimeter fence that plays with two different textures, on one hand, we have the original stone brickwork in the lower part, and in the upper part a new wall finished with chukum, linking the past with the present. The volumetry of the back of the property reads as a totally disruptive design from the historical part of the residence where the steps to the second level (where two rooms and a terrace are located) serve as a visual axis and as a sculptural element, becoming the hallmark of its architecture for its dynamism. The “meandering” with which the Casa Houlpoch stairs begin takes as inspiration the millenary staircase of the ancient temple of Kukulkán (Feathered Serpent and god in Mayan mythology) in Chichén Itzá, where at each equinox it can be observed as the deity (formed due to the effects of the light and the shadow that is generated), descends from the upper part of the temple.

At Casa Houlpoch the historical values ​​of Yucatecan colonial architecture were respected and rescued, combining them with contemporary details and volumes.

Casa Houlpoch è un'antica casa yucateca della fine del secolo scorso che prende il nome da un serpente della regione che "visitava" regolarmente le rovine della proprietà. Dietro la sua facciata coloniale, questa casa ospita quattro camere da letto e un monolocale, con un totale di 315 metri quadrati di costruzione. Le parti pubbliche e private della casa sono simbolicamente collegate dalla recinzione perimetrale che gioca con due diverse texture, da un lato, abbiamo la muratura originale in pietra nella parte inferiore, e nella parte superiore un nuovo muro rifinito con chukum, collegando il passato con il presente. La volumetria della parte posteriore della proprietà si legge come un disegno totalmente dirompente rispetto alla parte storica della residenza dove i gradini che portano al secondo livello (dove si trovano due stanze e una terrazza) servono come asse visivo e come elemento scultoreo, diventando il segno distintivo della sua architettura per il suo dinamismo. Il "meandro" con cui iniziano le scale di Casa Houlpoch prende come ispirazione la scala millenaria dell'antico tempio di Kukulkán (Serpente Piumato e dio nella mitologia maya) a Chichén Itzá, dove ad ogni equinozio si può osservare come la divinità (formata per gli effetti della luce e dell'ombra che si genera), scende dalla parte superiore del tempio. A Casa Houlpoch sono stati rispettati e salvati i valori storici dell'architettura coloniale yucateca, combinandoli con dettagli e volumi contemporanei.

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BEPPE RIBOLI STUDIO

Ognissanti RESTAURANT, BAR, LOBBY AND SPA

Location: TRANI, ITALY Year: 2021 Project Manager: E. CRACA, M. COVIELLO Suppliers: BAXTER, CORRADI, DAVIDE GROPPI, FLOS, GANDIABLASCO, GERVASONI, INNERMOST, LUCEPLAN, MARTINELLI LUCE, PEDRALI, RIDI, TALENTI, UMBROSA Photography: LEONAS GARBACIAUKAS

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OUTDOOR

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Beppe Riboli Studio BEPPE RIBOLI STUDIO IS A HOUSE WITH DOORS ALWAYS OPEN. HERE FRIENDS, ARTISTS, ARCHITECTS, ENGINEERS WORK AND COME, TO DEVELOP IDEAS TO APPLY ART TO ARCHITCTURE, TO DEVELOP CONCEPT AND DESIGN OF PLACES, ALWAYS FOLLOWING THE LOGIC OF BEAUTY AND TOUCHING.

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BEPPE RIBOLI STUDIO È UNA CASA CON LE PORTE SEMPRE APERTE. QUI LAVORANO E PASSANO AMICI, ARTISTI, ARCHITETTI, INGEGNERI, PER SVILUPPARE IDEE, APPLICARE L'ARTE ALL'ARCHITETTURA, PER CONCETTI E DESIGN DEI LUOGHI, NELLA LOGICA DEL BELLO ED EMOZIONANTE.

The gound floor with restaurant, bar, external plateatic, lobby of the Spa. Courtyard is covered with glass and aluminum roof, pierced by a sea pine 30 mt high. Courtyard is the restaurant room, furnishings: Pedrali's chairs and stools, customized wood and marble tables, furnitures and bookcases designed by the Studio. External area is delimited by aluminum and crystal planters barriers. Furnishings: umbrellas by Talenti, tables and chairs

by Gandiablasco. Spa Is located on the first floor, goes around the courtyard, has an indoor swimming pool, 4 rooms for massages, sauna and turkish bath, relaxation room, salt room, water and steam bath, beauty room. On second floor 7 suites. Cementine on the floor, glass diaphrams, oak boiserie, textured decoration on the wall. Luxury furnishing: Baxter beds, sofas, couch and desks, Pedrali chairs, Gervasoni and Talenti's living on the terrace .

The 230 mq Roof top is the party area and lounge bar. Barcounter on the centre, Corradi outdoor covers, Umbrosa umbrellas, Talenti and gandiablasco seats, overlooking the port of Trani. The lights: Ridi for facades illumination, design lights for indoor spaces: Davide Groppi, Luceplan, Flos, Innermost, Martinelli Luce.

Al Piano Terra è ristorante, bar, plateatico esterno e la hall della Spa. La corte è coperta da una struttura in alluminio e vetro e trapassata da un pino marino alto 30 metri.

La Corte è la sala ristorante, con sedie e sgabelli Pedrali, tavoli custom in legno e marmo, mobili e librerie disegnate dallo Studio. Lo spazio esterno del Plateatico è delimitato da barriere - foriere in alluminio e cristallo. Arredi: ombrelloni di Talenti, tavoli e sedie Gandiablasco. La Spa è al Piano 1°, gira intorno alla corte, ha la piscina interna, 4 sale massaggi, sauna e bagno turco, sala relax, stanza del sale, sala acqua e vapore, sala estetica. Al secondo piano si trovano le 7 suites. Cementine a terra, diaframmi in cristallo, boiserie rovere, decori materici su pareti. Arredi luxury: letti, divani, poltroncine, scrivanie Baxter, sedie Pedrali , sulle terrazze i salotti Talenti e Gervasoni. Il Roof top di 230 mq rappresenta lo spazio eventi e lounge bar. Un banco centrale, le coperture outdoor Corradi, gli ombrelloni Umbrosa, le sedute Talenti e Gandiablasco, in affaccio sul porto di Trani. La luce: Ridi per l'illuminazione delle facciate, per gli interni luci di design: Davide Groppi, Luceplan, Flos, Innermost, Martinelli Luce.

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CECCAROLI ARCHITETTURA

parco della laguna

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Ceccaroli Architettura CECCAROLI ARCHITETTURA WAS FOUNDED IN ROME IN 1999 AND STEMS FROM MARCELLO CECCAROLI’S PASSION FOR ARCHITECTURE AND THE BELIEF THAT IT SHOULD BE MINDFUL OF PEOPLE AND TAKE THEM INTO ACCOUNT. A TALENT FOR FREE HAND DRAWING WAS THE STARTING POINT FOR A PERSONAL AND THEN A PROFESSIONAL JOURNEY THAT LED THE ARCHITECT TO EXPLORE CONTEXTS IN WHICH THE DESIGN PROJECT TAKES SHAPE AROUND WHAT PEOPLE NEED. CECCAROLI ARCHITETTURA NASCE A ROMA NEL 1999 E NASCE DALLA PASSIONE DI MARCELLO CECCAROLI PER L'ARCHITETTURA E DALLA CONVINZIONE CHE QUESTA DEBBA ESSERE ATTENTA ALLE PERSONE E TENERNE CONTO. IL TALENTO PER IL DISEGNO A MANO LIBERA È STATO IL PUNTO DI PARTENZA DI UN PERCORSO PERSONALE E POI PROFESSIONALE CHE HA PORTATO L'ARCHITETTO AD ESPLORARE CONTESTI IN CUI IL PROGETTO DI DESIGN PRENDE FORMA INTORNO ALLE ESIGENZE DELLE PERSONE.

Name: PARCO DELLA LAGUNA Location: LESINA (FG), ITALY Year: 2019 Photography: COURTESY OF CECCAROLI ARCHITETTURA

Parco della Laguna nasce come sala ricevimenti sul Lago di Lesina, nel Parco nazionale del Gargano, su un’area di circa 30.000 mq. L’impostazione planimetrica nasce dall’idea di realizzare un percorso scenografico, caratterizzato dal susseguirsi di elementi attrattivi capaci di regalare all’ospite la possibilità di vivere molteplici “scenari”, caratterizzando il luogo e l’ambiente circostante. Con quest’ottica sono stati ideati la piscina ornamentale adiacente al fabbricato, in connessione con il nuovo palco inserito sul fondo al quale si arriva tramite un percorso, enfatizzato da giochi prospettici e di visuali studiati nel dettaglio, con acqua e gazebi su entrambi i lati. Il palco rappresenta una quinta scenografica che si fonde con l’ambiente diventandone parte. Altro elemento di forte impatto di visivo, frontale rispetto il fabbricato, è la grande fontana centrale, caratterizzata da giochi di acqua e luce, inserita all’interno di una costruzione scenografica che mette insieme più elementi e forme; la fontana è interrotta verticalmente da una parete, simile ad un acquedotto romano, che inquadra lo spazio retrostante destinato ad area buffet e relax per gli ospiti, articolata seguendo l’andamento semicircolare della fontana. L’impianto dunque si sviluppa secondo tre direttrici principali, ciascuna delle quali scandisce un determinato ambiente con uno specifico uso.

Parco della Laguna is designed as a reception room on Lake Lesina, part of the Gargano National Park, in a 30,000 square meter area. The planimetric setting came from the idea of creating a scenic route, characterized by a sequence of elements to give the guest a multi-scenario experience based on the surrounding environment. Along with this idea, the ornamental swimming pool adjacent to the building is designed in connection with the new stage that can be reached by a path.

It is emphasized by perspective and visual effect with water and gazebos on both sides. The stage shows a scenographic backdrop that merges with the environment. Another element with a strong visual impact is the large central fountain, facing the building, characterized by a place of water and light, inserted within a scenographic construction that brings together several elements and shapes. The fountain is vertically interrupted by a wall, similar to a Roman aqueduct, which frames the space behind it. It serves as a buffet and relaxation area for guests, and also articulated following the semicircular shape of the fountain. The vegetation is located along three main lines, each which indicates a specific environment with its specific use.

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YOUNG PROJECTS

The Retreat h o u s e Location: PLAYA GRANDE, DOMINICAN REPUBLIC Year: 2021 Interior Design: YOUNG PROJECTS WITH SUKEY NOVOGRATZ Construction: GENTRY CONSTRUCTION AND VANDERHORST Styling and Floral Arrangements: CASA ALFARERA (YSABELA MOLINI) AND BOSQUE URBANOS (NATALIA FRANCH) AND MARINA VIDAL-YOUNG Photography: KARLA READ

Located on a lush, previously undeveloped site in Playa Grande in the Dominican Republic, The Retreat House sits at the cusp of a dense jungle on one side, and a pristine beach on the other.

Known as “Casa Las Olas,” the 20,000-square-foot vacation home is designed to take advantage of both faces of the property, drawing inspiration from the rich natural landscape and the owners’ interest in hosting large groups of family and friends for retreats focused on wellness and creative exchange. The Retreat House is the hub of a deep, ocean-facing 4.5 acre compound, which also features two guest homes, a yoga pavilion, and a structure for relaxation adjacent to the beach. Visitors arrive at Retreat House from a narrow road that meanders through tropical gardens, and approach the building on a travertine and gravel footpath.

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The open-air entrance, lined in weathered ipe, leads under the home and up travertine steps into a breezy central courtyard. In essence, the Retreat House is a courtyard parti, where indoor rooms form a ring encircling the central courtyard, which spills dramatically onto the beach at the property’s front. The ring shifts and molds around the site’s most spectacular natural elements, including an age-old tree covered with vines, bromeliads, and other symbiotic species situated at the courtyard’s center. A sunken seating area at the base of this tree offers space for intimate gatherings or breakfast in the dappled morning light. The outside face of the courtyard is white concrete poured into a formwork of palm stems gathered from the site. The scalloped surface plays with light and shade.

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Young Projects YOUNG PROJECTS IS AN ARCHITECTURE AND DESIGN FIRM BASED IN NEW YORK CITY. THE SCALE OF THEIR WORK STRETCHES TO INCLUDE BUILDINGS, INTERIORS, FURNITURE, MATERIAL PROTOTYPES AND OBJECTS OF CURIOSITY. IN MOST OF THE WORK THERE IS AN EMPHASIS ON MAKING, MATERIAL SENSATION, FIGURATION AND SPATIAL COMPLEXITY. BUILDING TYPOLOGY IS OFTEN A FOCUS OF INQUIRY. HYBRIDS AND AMBIGUITY EXIST IN FAVOR OF SINGULARITY. YOUNG PROJECTS’ WORK HAS BEEN WIDELY PUBLISHED AND HAS RECEIVED NUMEROUS AWARDS. YOUNG PROJECTS È UNO STUDIO DI ARCHITETTURA E DESIGN CON SEDE A NEW YORK CITY. LA SCALA DEL LORO LAVORO SI ESTENDE FINO A COMPRENDERE EDIFICI, INTERNI, MOBILI, PROTOTIPI DI MATERIALI E OGGETTI DI CURIOSITÀ. NELLA MAGGIOR PARTE DEL LAVORO C'È UN'ENFASI SUL FARE, SULLA SENSAZIONE MATERIALE, SULLA FIGURAZIONE E SULLA COMPLESSITÀ SPAZIALE. LA TIPOLOGIA DEGLI EDIFICI È SPESSO AL CENTRO DELL'INDAGINE. IBRIDI E AMBIGUITÀ ESISTONO A FAVORE DELLA SINGOLARITÀ. IL LAVORO DI YOUNG PROJECTS È STATO AMPIAMENTE PUBBLICATO E HA RICEVUTO NUMEROSI PREMI.

Situato su un sito lussureggiante, precedentemente non sviluppato, in Playa Grande nella Repubblica Dominicana, The Retreat House si trova al cuspide di una fitta giungla su un lato, e una spiaggia incontaminata dall'altro. Conosciuta come "Casa Las Olas", la casa vacanze di oltre 6.000 metri quadrati è stata progettata per sfruttare entrambe le facce della proprietà, traendo ispirazione dal ricco paesaggio naturale e dall'interesse dei proprietari di ospitare grandi gruppi di persone per ritiri incentrati sul benessere e lo scambio creativo. La Retreat House è il centro di un profondo complesso di 4,5 acri rivolto verso l'oceano, che comprende anche due case per gli ospiti, un padiglione per lo yoga e una struttura per il relax adiacente alla spiaggia. I visitatori arrivano alla Retreat House da una strada stretta che serpeggia tra i giardini tropicali, e si avvicinano

all'edificio su un sentiero di travertino e ghiaia. L'ingresso all'aperto, rivestito di ipe invecchiato, conduce sotto la casa e su gradini di travertino in un cortile centrale ventilato. In sostanza, la Retreat House è un cortile a parti, dove le stanze interne formano un anello che circonda il cortile centrale, che si riversa drammaticamente sulla spiaggia di fronte alla proprietà. L'anello si sposta e si modella intorno agli elementi naturali più spettacolari del sito, tra cui un albero secolare coperto di viti, bromelie e altre specie simbiotiche situato al centro del cortile. Un'area di seduta incassata alla base di questo albero offre spazio per riunioni intime o per la colazione nella luce del mattino. La facciata esterna del cortile è in calcestruzzo bianco versato in una cassaforma di steli di palma raccolti nel sito.

La superficie smerlata gioca con la luce e l'ombra.

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INTERIORS BY STEVEN G.

Las Olas BEACH CLUB The project, located at the Las Olas Beach Club in Ft. Lauderdale, Florida., features an incredible penthouse roof deck on the 30th floor. The roof deck is a 2,300 square foot multilevel with a pool, an outdoor shower, a bar, a furnished outdoor living room, and a beachside observation deck.

To the east is an excellent view of Ft. Lauderdale beach during the daylight hours. However, once the sun sets, the west side of the penthouse showcases incredible nighttime views of Downtown Ft. Lauderdale. The client wanted the rooftop to be a destination entertainment area that could be enjoyed by family and friends all year-round while also a place to relax, unwind, and take in the panoramic views from the north, east, and west.

The penthouse, located on the 29th floor, spans 3,900 square feet of contemporary-designed retreat. The luxurious residence features four bedrooms, a family room, a large living room with an 8’-0” long vapor RGB fireplace, cove lighted ceiling details, and contemporary minimalist Italian furnishings.

It also features a large deck with an outdoor kitchen and a private elevator to the rooftop.

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Il progetto, che si trova al Las Olas Beach Club a Ft. Lauderdale, Florida, presenta un incredibile attico sul tetto al 30° piano.

La terrazza sul tetto è un multilivello di oltre 700 metri quadrati con una piscina, una doccia esterna, un bar, un salotto esterno arredato e un ponte di osservazione sulla spiaggia. A est c'è una vista eccellente della spiaggia di Ft. Lauderdale durante le ore di luce. Tuttavia, una volta che il sole tramonta, il lato ovest dell'attico mostra un'incredibile vista notturna del centro di Ft. Lauderdale. Il cliente voleva che il tetto fosse un'area di intrattenimento che potesse essere goduta dalla famiglia e dagli amici tutto l'anno, e contemporaneamente anche un posto per rilassarsi, distendersi e godersi le viste panoramiche da nord, est e ovest. L'attico, situato al 29° piano, si estende su 1.188 metri quadrati di rifugio dal design contemporaneo. La lussuosa residenza dispone di quattro camere da letto, una sala familiare, un ampio soggiorno con un camino RGB a vapore lungo 8'0", dettagli del soffitto illuminati e un arredamento italiano contemporaneo e minimalista. Dispone anche di un grande ponte con una cucina all'aperto e un ascensore privato per il tetto.

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Interiors by Steven G. INTERIORS BY STEVEN G., IS OF THE MOST SUCCESSFUL AND VERSATILE FULL-SERVICE INTERIOR DESIGN FIRMS OF THE SOUTH FLORIDA. FOR OVER 40 YEARS, INTERIORS BY STEVEN G. HAS BEEN DESIGNING FOR MANY FORTUNE 500 COMPANIES, PROMINENT REAL ESTATE FIRMS, RENOWNED DEVELOPERS, PROFESSIONAL ATHLETES, AND RESIDENTIAL HOMEOWNERS THROUGHOUT THE COUNTRY. STEVEN G. LEADS A TEAM OF OVER 85 PROFESSIONALS. INTERIORS BY STEVEN G. È UNO TRA GLI STUDI DI INTERIOR DESIGN PIÙ VERSATILI E DI SUCCESSO DELLA FLORIDA DEL SUD. DA OLTRE 40 ANNI, INTERIORS BY STEVEN G. PROGETTA PER MOLTE AZIENDE FORTUNE 500, IMPORTANTI SOCIETÀ IMMOBILIARI, RINOMATI SVILUPPATORI, ATLETI PROFESSIONISTI E PROPRIETARI DI CASE RESIDENZIALI IN TUTTO IL PAESE. STEVEN G. GUIDA UN TEAM DI OLTRE 85 PROFESSIONISTI.

Location: FT. LAUDERDALE, FLORIDA, USA Year: 2022 Designer: IBIS HERNANDEZ Co-Designer: JAMES RISINGER Design Assistant: CAROLINA SIGLER Construction: NEWMAN CONSTRUCTION Artificial Turf: ROOFINGREEN Photography: ARMANDO SARIOL, TOP GREEN LLC

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LADY GALALA

PANAREA

MARTINELLI LUCE

PEDRALI

Design Peluffo&Partners

Designed by CMP Design

MARTINELLILUCE.IT

WWW.PEDRALI.COM

Lady Galala is a suspension lamp composed of an internal body that combines three different conicalshaped diffusers of different diameters and colour shades, reminiscent of the sun and the sea. Yellow and orange, like the light at sunset that is reflected in a thousand shades on the sand; blue and white, like the foam of the sea created by the waves. This light can therefore take on many different configurations of colour and shape, easily changing its appearance like a children's game. Body for outdoor in anthracite painted resin, designed for the assembly of the various diffusers in bi-satin methacrylate available in 3 sizes and 4 colours. IP54 protection rating.

Lady Galala è una sospensione composta da un corpo interno che unisce tre diversi diffusori di forma conica di diversi diametri e tonalità di colori, che ricordano il sole e il mare. Il giallo e arancio, come la luce al tramonto che si riflette in mille sfumature sulla sabbia; il blu e il bianco, come la spuma del mare creata dalle onde. Questa lampada può assumere quindi molte configurazioni, coloreforma, cambiando con semplicità il suo aspetto, come un gioco per bambini.

Il corpo per outdoor è in resina verniciato nel colore antracite, predisposto per assemblare 3 diffusori in metacrilato bi-satinato disponibili in 3 dimensioni e 4 colori. Grado di protezione IP54.

Designed by CMP Design, Panarea is an outdoor seating collection featuring a traditional element hand-woven in Italy as a sign of respect for and dedication to Italian craftsmanship. The wide and curved backrest woven in polypropylene cord creates an original geometrical pattern and wraps around the tubular steel frame powder coated for outdoor use. This use of cord emphasises Panarea’s elegant appearance and optimises the weave, resulting in a double curvature that gives the seating threedimensionality and graphic rigour, as well as making it transparent and suitable for outdoor use.

Panarea è una collezione di sedute outdoor disegnata da CMP Design e caratterizzata da un intreccio artigianale 100% Made in Italy che diventa simbolo di rispetto e dedizione al lavoro, oltre che di una tradizione consolidata.

Lo schienale è intrecciato in corda di polipropilene che, nella sua originale geometria, crea una raffinata greca e avvolge il tubo del telaio in acciaio. L’incordatura rende Panarea solare ed elegante e le dona un rigore grafico e un aspetto tridimensionale, oltre che renderla leggera e adatta all’uso outdoor.

TAIZU VICTORIA+ALBERT

HOUSE OF ROHL

Design: Steve Leung WWW.VANDABATHS.COM

Taizu is a striking round bathtub designed by Steve Leung, a renowned Korean architect and designer who draws inspiration from Asian culture and arts.

The design of the bath is inspired by Song ceramics, appreciated for their sophisticated and elegant shapes.

The bathtub has slightly sloping sides, a bevelled edge and delicate external details.

It can be placed indoors or to personalise outdoor spaces.

This is because it is made of QUARRYCAST™, a natural volcanic stone that offers unparalleled strength, durability and beauty.

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Taizu è una suggestiva vasca rotonda disegnata da Steve Leung, rinomato architetto e designer coreano che trae ispirazione dalla cultura e dalle arti asiatiche. Il design del bagno è ispirato, infatti, alle ceramiche Song, apprezzate per le forme sofisticate ed eleganti. La vasca presenta lati leggermente inclinati, un bordo smussato e delicati dettagli esterni.

Può essere posizionata in ambienti chiusi o per personalizzare spazi outdoor. Questo perché e realizzata in QUARRYCAST™, una pietra vulcanica naturale che offre robustezza, durata e bellezza ineguagliabili.

PRODUCTS

IMAGO CORRADI WWW.CORRADI.EU

Bioclimatic Imago® is a structure with adjustable blades, and its main configuration is self-supporting but can be wall-mounted. Pillars and beams are designed to accommodate screen runners, electrical and USB sockets, and the possibility of shifting one or two pillars guarantees greater flexibility during the design step. Imago unique structure allows the exterior to be a completely different colour from the interior, for an original and welcoming bicolor effect.

Imago® won the Red Dot Award Product Design 2020 and the R+T Innovation Award 2021.

La pergola bioclimatica Imago® è una struttura a lamelle orientabili, può essere autoportante o addossato e travi e pilastri sono concepiti per integrare le chiusure Corradi, prese elettriche e usb, e può avere uno o due pilastri traslati, per una maggiore flessibilità in fase progettuale.

La sua struttura unica fa sì che l’esterno possa essere di un colore completamente diverso dall’interno, per un effetto bicolor originale e accogliente.

Imago® ha vinto il Red Dot Award Product Design 2020 e dell’R+T Innovation Award 2021.

ROOFINGREEN LEAF ROOFINGREEN ROOFINGREEN.IT

Roofingreen is a modular flooring system with a high-quality synthetic grass finish Made in Italy. Modular, dry layable and perfectly draining, it is ideal for providing elegance and comfort to outdoor spaces.

The Roofingreen Leaf module is lightweight, easy to handle and install, and maintenance-free. It also easily supports loads such as pots, planters and outdoor furniture.

The layers are composed of technologically advanced materials: the grass pile is soft, resilient and durable. The result is a surface offering an unprecedented aesthetic and tactile experience.

Roofingreen è un sistema di pavimentazione modulare con finitura in erba sintetica di alta qualità Made in Italy. Modulare, posabile a secco e perfettamente drenante è ideale per garantire eleganza e comfort agli spazi outdoor. Il modulo Roofingreen Leaf è leggero e maneggevole, facile da posare e non richiede manutenzione. Inoltre regge agevolmente carichi come vasi, fioriere ed arredi outdoor. Gli strati che lo compongono sono tecnologicamente all’avanguardia: il filato è soffice e mantiene a lungo le sue caratteristiche.

Il calpestio è confortevole offrendo un’esperienza estetica e tattile senza precedenti.

ARCHIUTOPIA

ELITIS

ELITIS.FR

Design Studiopepe The creations of the Archiutopia outdoor collection are inspired by radical architecture, conceived as a means to change the world, to be the spokespersons of a utopian vision. To create the Archiutopia collection, the Studiopepe design agency crossed its conceptual approach with the know-how of the Élitis publishing house. Together, they opened up a field where the creations explore the languages of a visionary architecture and are above all tactile. The names of the designs are each linked to one of Italo Calvino’s “Invisible Cities”. In the spirit of these imaginary cities, they offer a meditation on the nature of human experience.

Le creazioni della collezione outdoor Archiutopia si ispirano all’architettura radicale, progettata come un mezzo per cambiare il mondo e diventare portavoce di una visione utopica. Per la sua realizzazione, lo studio di design Studiopepe ha incrociato il proprio approccio concettuale al savoir-faire del produttore Élitis. Insieme hanno potuto spaziare in un campo in cui le creazioni esplorano i linguaggi tattili di un’architettura visionaria. I nomi dei pattern si ispirano alle “Città invisibili” di Italo Calvino. Sulla scia di queste città utopiche, offrono uno spunto per una meditazione sulla natura dell’esperienza umana.

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PEDESTAL

LISTOTECH

ETERNO IVICA

DECKING QUARTZ

WWW.ETERNOIVICA.COM

WWW.LISTOTECHDECKINGQUARTZ.IT

The Pedestal line offers a range of fixed and adjustable supports to ensure versatile and easy-to-install outdoor raised floors. In particular, the new Pedestal PRIME® support reinvents the outdoor raised floor system: with just three products, heights from 30 mm to 420 mm can be achieved. In addition, to facilitate and speed up the laying phase, the supports have a special patented shaped base for attaching the clips. Pedestal Prime is a masterpiece of engineering, unique and complex but at the same time simple, in which several elements integrate with each other in a single perfect whole: the extension is already integrated.

La linea Pedestal offre una gamma di supporti fissi e regolabili per garantire pavimentazioni sopraelevate da esterno versatili e di facile installazione.

In particolare il nuovo supporto Pedestal PRIME® , reinventa il sistema di pavimentazione sopraelevata da esterno: con soli tre prodotti è possibile raggiungere altezze da 30 mm a 420 mm. Inoltre, per facilitare e velocizzare la fase di posa i supporti presentano una speciale base sagomata e brevettata, per l'aggancio delle clip.

Pedestal Prime è un capolavoro di ingegneria, unico e complesso ma allo stesso tempo semplice, nel quale più elementi si integrano tra loro in un unico assieme perfetto: la prolunga infatti è già integrata.

Listotech Decking Quartz is an outdoor quartz and marble floor covering ideal for garden areas, terraces, poolside cladding, and also for vertical wall coverings.

The fine selection of mineral oxides, used in full body to pigment LISTOTECH, offers a natural effect that provides an extremely dynamic visual accent. Thanks to a polymerisation process, it is waterproof and has a non-slip technical finish. On both walls and floors, functionality and aesthetics combine perfectly to create highly decorative material effects to personalise outdoor spaces without affecting their natural harmony.

JAVA SCHÖNHUBERFRANCHI Design: Lorenzo Bellini WWW.SCHOENHUBERFRANCHI.IT

The Java Collection is the outdoor collection designed by Arch. Lorenzo Bellini for SchönhuberFranchi.

A collection extremely luxurious in the elements which are born from the desire to bring to the outdoors, the traditional standard of beauty of indoor collections. The strong effect of the fabric component is the characterising element: generous cushions, mattresses of large dimensions for the sun beds and new fabrics (amongst which is elegant velvet for outdoors): comfort and elegance render the collection suitable for any kind of surroundings.

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Java è la collezione per esterni disegnata dall'Arch. Lorenzo Bellini per SchönhuberFranchi.

Una collezione estremamente lussuosa negli elementi che nascono dal desiderio di portare all'esterno il tradizionale standard di bellezza delle collezioni indoor. Il forte effetto della componente tessile è l'elemento caratterizzante: cuscini generosi, materassi di grandi dimensioni per i lettini e nuovi tessuti (tra cui un elegante velluto per esterni): comfort ed eleganza rendono la collezione adatta a qualsiasi tipo di ambiente.

Listotech Decking Quartz è un pavimento per esterni in quarzo e marmo ideale per arredare aree giardino, terrazze, rivestimenti bordo piscina ed anche rivestimenti verticali a parete.

La pregiata selezione di ossidi minerali, utilizzata a tutta massa per pigmentare LISTOTECH, offre un naturale effetto capace di regalare un accento visivo estremamente dinamico. Grazie ad un trattamento di polimerizzazione risulta impermeabile ed è dotato di una finitura tecnica antiscivolo. A parete così come a pavimento, funzionalità ed estetica si sposano perfettamente per ricreare effetti materici altamente decorativi per personalizzare gli spazi outdoor senza intaccarne la naturale armonia.

PRODUCTS

SKILL GRES MODULNOVA Designer: Carlo Presotto and Andrea Bassanello WWW.MODULNOVA.IT The Skill Gres collection declines the Modulnova design system in specific proposals for outdoor use.

The technical equipment is interchangeable and removable: the electric and freestanding hobs in steel are resistant to salt and atmospheric agents and can be positioned with the utmost freedom in order to reconcile culinary aspirations and cooking techniques. What makes the collection unique is the possibility of customising the project with a wide choice of materials and finishes (marble, stone, stoneware, steel, metal) to create a made-to-measure project.

La collezione Skill Gres declina in proposte specifiche per l’outdoor il sistema progettuale di Modulnova.

La dotazione tecnica è intercambiabile e amovibile: i piani cottura, elettrici e freestanding, in acciaio, sono resistenti alla salsedine e agli agenti atmosferici e possono essere posizionati con la massima libertà così da conciliare aspirazioni culinarie e tecniche di cottura. A rendere unica la collezione è la possibilità di personalizzare il progetto con un’ampia scelta di materiali e finiture (marmo, pietra, gres, acciaio, metallo) per realizzare un progetto studiato su misura.

OUT SYSTEM WALL&DECÒ WWW.WALLANDDECO.COM

OUT SYSTEM is a custom-made wallpaper system for external walls and facades with a strong visual impact developed by Wall&decò as a valid alternative to traditional materials.

OUT SYSTEM is a single system consisting of 4 elements: the primer, the specific adhesive, the technical fabric with graphic prints and the protective finish, specific for outdoor use with rain and UV resistance and anti-smog properties. The decorative function of OUT SYSTEM is combined with important structural features thanks to which it consolidates the wall substrate on which it is applied and resists shocks, tears and abrasions.

OUT SYSTEM è un sistema di carta da parati su misura per muri e facciate esterne dal forte impatto visivo sviluppato da Wall&decò come valida alternativa ai materiali tradizionali.

OUT SYSTEM è un unico sistema costituito da 4 elementi: il primer, l’adesivo specifico, il tessuto tecnico con stampe grafiche e la finitura protettiva, specifica per usi in esterno con caratteristiche di resistenza alla pioggia e ai raggi UV e con proprietà antismog. Alla funzione decorativa di OUT SYSTEM sono abbinate importanti caratteristiche strutturali grazie alle quali consolida il supporto murario su cui viene applicato e resiste a urti, strappi o abrasioni.

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ART EXHIBITION REVIEW PLATFORM INTERNATIONAL EXHIBITIONS REVIEW ARTE&DESIGN PLATFORM INTERNATIONAL

ANICKA YI METASPORE PIRELLI HANGAR BICOCCA, MILAN

DAVID LACHAPELLE

I BELIEVE IN MIRACLES M U D E C,

M I L A N

BILL VIOLA ICONS OF LIGHT

PALAZZO BONAPARTE, ROME

KAPOOR GUSTO!

GALLERIA DELL’ACCADEMIA, VENICE

Anselm Kiefer portrait. Photo credit Georges Poncet

ANSELM KIEFER .

QUESTI SCRITTI, QUANDO VERRANNO BRUCIATI,

DARANNO FINALMENTE UN PO’ DI LUCE (ANDREA EMO) TH TH 26 MARCH – 29 OCTOBER 2022 PALAZZO DUCALE, VENICE 144

GLI ITALIANI A TAVOLA. 1970-2020 M9 – MUSEO DEL ‘900, MESTRE

CHARLES RAY

FIGURE GROUND THE MET MUSEUM, NEW YORK

ART EXHIBITION REVIEW PLATFORM INTERNATIONAL

PLATFORM INTERNATIONAL EXHIBITIONS REVIEW ARTE&DESIGN

Anselm Kiefer has been invited by the Fondazione Musei Civici di Venezia (MUVE) to present an installation of site-specific paintings that dialogue with the most important spaces of the Doge's Palace and with the history of Venice: the Sala dello Scrutinio and the Sala della Quarantia Civil Nova. The exhibition opened on 26 March 2022 and will be open until 29 October 2022.

Combining art and literature, painting and sculpture, Kiefer engages the complex events of history and the ancestral epics of life, death and the cosmos.

Kiefer's oeuvre includes paintings, vitrines, installations, artist's books and a range of works on paper such as drawings, watercolours, collages and altered photographs.

The physical elements of his practice - from lead to concrete, glass to textiles, tree roots to burnt books - are as symbolically resonant as they are vast. Kiefer brings to light the importance of the sacred and the spiritual, of myth and memory.

The exhibition takes its title Anselm Kiefer "These writings, when they are burned, will finally give some light" (Andrea Emo) from the words of the Venetian philosopher Andrea Emo (19011983), whose writings Kiefer first encountered six years ago.

Indeed, Kiefer's artistic method has profound parallels with Andrea Emo's philosophical thinking. In the installation at the Doge's Palace, Anselm Kiefer also reflects on Venice's unique position between North and South and its interaction between East and West, finding equally significant connections between these different cultures, the city's history and the text of Goethe's tragic opera Faust: Part Two (1832).

Installation View. © Anselm Kiefer, Ph. Andrea Avezzù, Courtesy Gagosian and Fondazione MUVE

Anselm Kiefer è stato invitato dalla Fondazione Musei Civici di Venezia (MUVE) a presentare un'installazione di dipinti sitespecific che dialogano con gli spazi più importanti di Palazzo Ducale e con la storia di Venezia: la Sala dello Scrutinio e la Sala della Quarantia Civil Nova. La mostra, inaugurata il 26 marzo 2022, sarà visitabile fino al 29 ottobre 2022.

Fondendo arte e letteratura, pittura e scultura, Kiefer coinvolge i complessi eventi della storia e le epopee ancestrali della vita, della morte e del cosmo. L’opera di Kiefer comprende dipinti, vetrine, installazioni, libri d'artista e una serie di lavori su carta come disegni, acquerelli, collage e fotografie alterate. Gli elementi fisici della sua pratica - dal piombo, al cemento, dal vetro ai tessuti, alle radici d'albero ai libri bruciati sono tanto simbolicamente risonanti quanto vasti. Kiefer porta alla luce l'importanza del sacro e dello spirituale, del mito e della memoria. La mostra prende il titolo Anselm Kiefer “Questi scritti, quando verranno bruciati, daranno finalmente un po’ di luce” (Andrea Emo) dalle parole del filosofo veneto Andrea Emo (1901-1983), i cui scritti Kiefer ha incontrato per la prima volta sei anni fa. Il metodo artistico di Kiefer ha infatti profonde consonanze con il pensiero filosofico di Andrea Emo. Nell’installazione a Palazzo Ducale Anselm Kiefer riflette inoltre sulla posizione unica di Venezia posta tra il Nord e il Sud e sulla sua interazione tra Oriente ed Occidente, trovando connessioni altrettanto significative tra queste differenti culture, la storia della città e il testo dell'opera tragica di Goethe, Faust: Seconda parte (1832).

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ART EXHIBITION REVIEW PLATFORM INTERNATIONAL EXHIBITIONS REVIEW ARTE&DESIGN PLATFORM INTERNATIONAL

La mostra si pone come un viaggio lungo ottant’anni nella gastronomia italiana, attraverso oggetti, immagini e attività esperienziali, che ha come obiettivo la narrazione della simbiotica relazione tra gli italiani e il cibo. Una connessione radicalmente trasformatasi negli ultimi decenni che disegna una traiettoria per indagare passato e presente e immaginare cosa può riservare il futuro.

ANICKA YI: METASPORE 24TH FEBRUARY – 24TH JULY 2022 PIRELLI HANGAR BICOCCA, MILAN

“Metaspore” è la prima mostra in un’istituzione italiana di Anicka Yi, una delle figure più innovative e interessanti nel panorama contemporaneo. Il percorso espositivo, sinestetico e immersivo, stimola l’esperienza sensoriale e percettiva dei visitatori, presentando sia opere

Credits: Anish Kapoor, Symphony for a Beloved Sun, 2013. Photograph: Dave Morgan ©Anish Kapoor. All rights reserved SIAE, 2021

I Believe in Miracles

Credits: Bill Viola - Martyrs series - Water Martyr, 2014.

Executive producer: Kira Perov. Performer: John Hay. Photo by Kira Perov © Bill Viola Studio

BILL VIOLA. ICONS OF LIGHT SINCE 5TH MARCH 2022 PALAZZO BONAPARTE, ROME The artist who has united the spiritual dimension of the East with that of the West, the history of art with video experimentation, reflection on Christianity with Zen, confronts the city of Rome in an unconventional place for the world of contemporary art.

L’artista che ha unito la dimensione spirituale orientale con quella occidentale, la storia dell’arte con la sperimentazione video, la riflessione sulla cristianità con lo zen, si confronta con la città di Roma in un luogo non convenzionale per il mondo dell’arte contemporanea.

ANISH KAPOOR 20TH APRIL – 9TH OCTOBER 2022 GALLERIA DELL’ACCADEMIA, VENICE The exhibition will be retrospective in nature, presenting key moments in the artist's career alongside a new body of recent and previously unseen work. Highly innovative new works created using carbon nanotechnology will be exhibited for the first time, as well as paintings and sculptures that demonstrate the vitality and visionary drive of Kapoor's current artistic output.

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Credit: Manifesto STAR © Fototeca Storica Nazionale Ando Gilardi

GUSTO! GLI ITALIANI A TAVOLA. 1970-2020 25TH MARCH – 25TH SEPTEMBER 2022 M9 – MUSEO DEL ‘900, MESTRE

22 04 2022 11 09 2022 GRAPHIC DESIGN AND ART DIRECTION: STUDIO FM MILANO

“Metaspore” is the first exhibition in an Italian institution by Anicka Yi (Seoul, 1971; lives and works in New York), one of the most innovative and engaging figures on the contemporary art scene. The show is focused on the research into tactile and olfactory materials and works characterized by the use of perishable and industrial materials in assemblages that defy the immutable nature of sculpture and installation.

The exhibition takes the form of an eighty-year journey through Italian gastronomy, through objects, images and experiential activities, with the aim of narrating the symbiotic relationship between Italians and food. A connection that has been radically transformed in recent decades, drawing a trajectory to investigate past and present and imagine what the future may hold.

DAVID LACHAPELLE - THE HOLY FAMILY WITH S. FRANCIS 2019 HAWAII ©DAVID LACHAPELLE

Credit: AnickaYi Shameplex, 2015 (detail). The Museum of Modern Art, NewYork, Fund for the Twenty-First Century, 2017. Courtesy the artist and Pirelli Hangar Bicocca, Milan. Photo Agostino Osio

La mostra avrà un carattere retrospettivo, presentando i momenti chiave della carriera dell'artista accanto ad un nuovo corpo di lavori recenti ed inediti. Per la prima volta verranno esposte le nuove opere fortemente innovative, create utilizzando la nanotecnologia del carbonio, così come i dipinti e le sculture che testimoniano la vitalità e la spinta visionaria dell’attuale produzione artistica di Kapoor.

sponsor museo

Credit: Mime (detail), 2014. Aluminum. Kunstmuseum Basel. © Charles Ray, Courtesy Matthew Marks Gallery; photograph by Josh White

CHARLES RAY: FIGURE GROUND 31ST JANUARY – 5TH JUNE 2022 THE MET MUSEUM, NEW YORK This exhibition unites sculptures from every period of Ray’s career with key photographs from the 1970s and 1980s, exploring central aspects of his challenging and sometimes provocative oeuvre. It also brings together for the first time all the works that Ray loosely patterned on Mark Twain’s 1885 novel Adventures of Huckleberry Finn.

Questa mostra unisce sculture di ogni periodo della carriera di Ray con fotografie fondamentali degli anni Settanta e Ottanta, esplorando aspetti centrali della sua stimolante e talvolta provocatoria opera.

Riunisce anche per la prima volta tutte le opere che Ray ha liberamente modellato sul romanzo di Mark Twain del 1885 Le avventure di Huckleberry Finn.

hospitality partner

mudec.it

Credits: Anish Kapoor, Symphony for a Beloved Sun, 2013. Photograph: Dave Morgan ©Anish Kapoor. All rights reserved SIAE, 2021

DAVID LACHAPELLE. I BELIEVE IN MIRACLES 22ND APRIL – 11TH SEPTEMBER 2022 MUDEC, MILAN On show are more than 90 works including large formats, site-specific shots, new productions and a video installation - that unfold in a fluid narrative, rich in suggestions, through the artist's highly personal vision of a 'gestural' photography, which is a tear on the present and an 'alert' for the future to come.

In mostra oltre 90 opere – tra grandi formati, scatti site-specific, nuove produzioni e una video installazione – che si dipanano in un racconto fluido e ricchissimo di suggestioni, attraverso la personalissima visione dell’artista di una fotografia “gestuale”, che è strappo sul presente e “alert” per il futuro a venire.

MARCO ZANUSO E ALESSANDRO MENDINI. DESIGN E ARCHITETTURA 8TH MARCH – 12TH JUNE 2022 ADI DESIGN MUSEUM, MILAN

BY DESIGN: STORIES AND IDEAS BEHIND OBJECTS NOW ON VIEW DENVER ART MUSEUM, DENVER SPOT ON: WOMEN DESIGNERS IN THE COLLECTION 19TH JUNE 2021 – 8TH MAY 2022 VITRA SHAUDEPOT, WEIL AM RHEIN ETTORE SOTTSASS. FOTO DAL FINESTRINO UNTIL 22ND MAY 2022 LA TRIENNALE DI MILANO, MILAN DONATELLO. IL RINASCIMENTO 19TH MARCH – 31ST JULY 2022 PALAZZO STROZZI AND MUSEI DEL BARGELLO, FLORENCE MISHA KAHN: UNDER THE WOBBLE MOON. OBJECTS FROM THE CAPRICIOUS AGE 7TH APRIL – 10TH JULY 2022 FRIEDMAN BENDA GALLERY, NEW YORK

Da trent’anni trasformiamo il metallo per realizzare prodotti che coniugano, al meglio, design ad elevate prestazioni, nel pieno rispetto dell’ambiente.

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Siamo così affascinati anche dagli scarti da trovarci sempre qualcosa di prezioso.

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Immigrant Caucus 2017 - Installation view, Pirelli HangarBicocca, Milan, 2022 Courtesy the artist, 47 Canal, New York, Gladstone Gallery, and Pirelli HangarBicocca, Milan

ARTEFACT

ANICKA YI

SMELL LIKE TEEN SPIRIT

Text by Cristina BIGLIATTI Photos by Agostino OSIO

Smell is one of the first senses, along with taste, to develop in a person. Even before birth. It is through smell that a baby recognises its mother and, as soon as he is born, it is this sense that guides him towards her breast, and not sight, which is not yet fully developed. This is one of the reasons why the sense of smell is associated with emotional memory: an odour, perceived in a new context, can make us relive very strong sensations, experienced even years before. It is a very fascinating sense, which science continues to study and of which perhaps we will never stop discovering new aspects.

L’olfatto è uno dei primi sensi, assieme al gusto, a svilupparsi in una persona. Ancora prima della sua nascita. È attraverso l’odorato che il bambino riconosce la sua mamma e, appena nato, è proprio questo senso a guidarlo verso il suo seno, e non la vista, che non è ancora del tutto sviluppata.Questo è uno dei motivi per cui l’olfatto viene associato alla memoria emozionale: un odore, avvertito in un contesto nuovo, ci può far rivivere delle sensazioni anche molto forti, vissute addirittura anni prima. È un senso molto affascinante, che la scienza continua a studiare e del quale forse non smetteremo mai di scoprire nuovi aspetti.

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Biologizing the Machine (spillover zoonotica) 2022 - Installation view, Pirelli HangarBicocca, Milan, 2022 Commissioned and produced by Pirelli HangarBicocca, Milan - Courtesy the artist and Pirelli HangarBicocca, Milan

Immigrant Caucus 2017 Installation view, Pirelli HangarBicocca, Milan, 2022 Courtesy the artist, 47 Canal, New York, Gladstone Gallery, and Pirelli HangarBicocca, Milan

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Anicka Yi Shameplex 2015 (detail) Installation view, Pirelli HangarBicocca, Milan, 2022 The Museum of Modern Art, New York Fund for the Twenty First Century, 2017 Courtesy the artist and Pirelli HangarBicocca, Milan

ARTEFACT

The art world is also interested in the sense of smell, its potential and its mysteries, even if at the moment not many artists are dedicated to this sense, which is so difficult to interpret creatively. Among them, however, the figure of Anicka Yi stands out: born in South Korea and raised in the United States, the artist has for some years now been attracting international attention for her work involving the senses, especially the sense of smell.

In her research, Anicka Yi investigates intangible elements such as smells, air, spores and micro-organisms, to reflect on the way in which certain aspects of everyday life can have repercussions on the social and political spheres. One of the main themes of her work is the investigation of identity. Anicka Yi explains how for most Korean-Americans, like herself, the sense of smell is often associated with negative feelings, such as shame and rejection.

This is because Korean cuisine often has a pungent smell, which is not always appreciated abroad. The artist remembers that when her mother cooked, the American children in the neighbourhood would label their home as smelly.

In the famous work "Immigrant Caucus", Anicka Yi, together with perfumer Barnabé Fillion, synthesises the chemical components of Asian-American women's sweat, together with the emissions of carpenter ants. This hybrid fragrance is silently sprayed by three insecticide atomisers. This work shows how the artist wants to bring to the attention of visitors the stereotype that Asian immigrants are people without identity and extremely dedicated to work. Another aspect that is investigated in this

Anche il mondo dell’arte è interessato all’olfatto, al suo potenziale e ai suoi misteri, anche se al momento non si registra un numero elevato di artisti che si dedicano a questo senso, così difficile da interpretare in modo creativo. Tra tutti però spicca la figura di Anicka Yi: nata in Sud Corea e cresciuta negli Stati Uniti, l’artista da diversi anni si è fatta notare a livello internazionale per i suoi lavori che coinvolgono i sensi, soprattutto – appunto – l’olfatto.

Nella sua ricerca Anicka Yi indaga elementi intangibili come gli odori, l’aria, le spore e i microrganismi, per riflettere sul modo in cui alcuni aspetti della vita quotidiana siano in grado di produrre delle ripercussioni sulla sfera sociale e politica. Uno dei temi principali del suo lavoro è l’indagine sull’identità. Anicka Yi spiega come per buona parte delle persone coreano-americane, come lei, l’olfatto venga spesso associato a sentimenti negativi, quali la vergogna e il rifiuto. Questo perché la cucina coreana ha spesso un odore pungente, che non sempre viene apprezzato all’estero. L’artista ricorda infatti che, quando la madre cucinava, i bambini americani del quartiere etichettavano la loro casa come maleodorante. Nella celebre opera “Immigrant Caucus”, Anicka Yi sintetizza, assieme al profumiere Barnabé Fillion, le componenti chimiche del sudore delle donne asiatico-americane, assieme alle emissioni delle formiche carpentiere. Questa profumazione ibrida viene spruzzata silenziosamente da tre nebulizzatori per insetticida. Da questo lavoro si evince come l’artista voglia portare all’attenzione dei visitatori lo stereotipo secondo il quale gli immigrati asiatici siano persone prive di identità ed estremamente dedite al lavoro. Un altro aspetto che

New York’s A Bitch, But God Forbid The Bitch Divorce You 2014 - Installation view, Pirelli HangarBicocca, Milan, 2022 Courtesy the artist, 47 Can al, New York, Gladstone - Gallery and Pirelli HangarBicocca, Milan

work is the fear of the other, of immigrants, which is represented by dangerous objects such as pest control canisters. The smell emitted is not agreeable but not unpleasant, and it does not make us understand whether we are attracted or disgusted by it, but it conveys the feeling of something dangerous, from which we must flee. It therefore makes us feel a sense of doubt, unease and fear, the same emotions that can unfortunately be triggered in the presence of someone 'different'. The sense of smell is Anicka Yi's favourite way of reflecting on questions of identity.

Another key theme of her production is contemporary fear linked to issues such as personal hygiene and contamination. Aspects that the Ebola epidemic crisis, which broke out in West Africa in 2015, already brought to light, and which then exploded to a much wider level with the pandemic due to Covid-19. In a series of works exhibited at the Pirelli Hangar Bicocca in Milan, the artist has created "quarantine pavilions": structures covered with PVC sheets, on whose surfaces are reproduced graphics referring to biohazard signs. Unusual objects are displayed inside, including rotating motorbike helmets. A strong voyeuristic attraction urges visitors to approach the pavilions to look inside, but both the structure, which subconsciously refers to a dangerous situation, and the peculiar smell emanating from the helmets - a perfume specially developed by the artist - trigger contradictory feelings.

As Yi herself has stated, with these works she wanted to reflect on the social and psychological violence caused by similar structures during the 2015 epidemic crisis, which restricted the exchange of air and the freedom of the people inside them.

Through her sense of smell, Anicka Yi not only manages to take us back in time and space, making us relive emotions that only certain smells can awaken, but also has the ability to make us reflect on current issues with such intensity that no other sense would have the power to do.

viene indagato in quest’opera è la paura dell’altro, degli immigrati, che viene rappresentata da oggetti pericolosi come le bombolette disinfestanti. L’odore emesso non è piacevole ma nemmeno sgradevole e non ci fa capire se ne siamo attratti o disgustati, ma ci trasmette la sensazione di qualcosa di pericoloso, dal quale fuggire.

Ci fa quindi provare una sensazione di dubbio, di disagio e di paura, le stesse emozioni che purtroppo possono scatenarsi in presenza del “diverso”. L’olfatto rappresenta il senso prediletto da Anicka Yi per riflettere sulle questioni identitarie. Un altro tema chiave della sua produzione è la paura contemporanea legata a temi come l’igiene personale e la contaminazione. Aspetti che già la crisi epidemica di Ebola, scoppiata in Africa occidentale nel 2015, ha portato alla luce, e che sono poi esplosi ad un livello molto più vasto con la pandemia dovuta al Covid-19. In una serie di opere esposte presso il Pirelli Hangar Bicocca di Milano, l’artista ha creato dei “padiglioni da quarantena”: strutture ricoperte di teli in pvc, sulle cui superfici sono riprodotte delle grafiche che rimandano a segnali di pericolo biologico. Al loro interno sono esposti alcuni oggetti insoliti, tra cui dei caschi da moto girevoli. Una forte attrazione voyeuristica spinge il visitatore ad avvicinarsi ai padiglioni per curiosare al suo interno, ma sia la struttura che rimanda subconsciamente ad una situazione di pericolo, sia l’odore peculiare che viene emanato dai caschi – una profumazione sviluppata appositamente dall’artista - scatenano sensazioni contraddittorie. Come la stessa Yi ha dichiarato, con queste opere ha voluto riflettere sulla violenza sociale e psicologica provocata da strutture simili durante la crisi epidemica del 2015, che limitano lo scambio d’aria e la libertà delle persone che si trovavano al loro interno. Attraverso l’olfatto Anicka Yi non solo riesce a portarci indietro nel tempo e nello spazio, facendoci rivivere delle emozioni che solo certi odori possono ridestare, ma ha anche la capacità di farci riflettere su temi attuali con una tale intensità, che nessun altro senso avrebbe il potere di fare.

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D U R A V I T | duravit.it

ZENCHA BY SEBASTIAN HERKNER

Basins Anthracite Matt/ carcass Graphite Super Matt, front Glass Black Line Structure

The outstanding design of the Zencha bathroom collection by Sebastian Herkner was inspired by traditional Japanese rituals and craftsmanship and combines unusual above-counter basins with minimalistic furniture. This new Duravit collection is inspired by the traditional handmade ceramic teacups of Japan. Their soft, organic shapes are abstractly recognisable in the basins, which are designed as rounded rectangles that widen at the bottom and taper at the top in a subtle curve. The materials used are just as tactile: the abovecounter basins are made of DuraCeram®, which makes it possible to create countertop bowls with an extremely thin rim. The bathtubs, on the other hand, are made from a single piece of DuraSolid® and are characterised by their pleasantly warm feel and elegant matt aesthetic.

Both products are a perfect match for the modular, geometric furniture, whose straight lines create an exciting contrast to the organically

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shaped ceramics and complement the collection's subtle concept of material and colour. The elegant frame just six millimeters thick forms a shadow gap that lends the furniture a graceful and effortless feel.

The Zencha collection combines delicate shapes with high-quality, sustainable materials such as PEFC-certified woods. It comes in a wide range of variants and its shapes, colors, materials, measurements, and equipment options can be individually configured for various interior design settings. Both the sanitary objects and the furniture are manufactured at Duravit’s production facilities in Hornberg and Schenkenzell in the Black Forest and are finished by hand. “You can only manufacture technically sophisticated solutions like this in a consistent quality if, like Duravit, you have your own manufacturing facilities with the corresponding expertise and high levels of craftsmanship,” said the designer Sebastian Herkner.

HIGHLIGHTS

Carcass Taupe Super Matt/ front Glass White

Ispirandosi ai rituali e all’artigianato tradizionali giapponesi, Sebastian Herkner ha disegnato Zencha, una sofisticata collezione per il bagno che combina particolari lavabi da appoggio con mobili dal design minimalista. Questa nuova linea firmata Duravit trae ispirazione dalle tradizionali tazze da tè giapponesi in ceramica fatte a mano. Le loro forme morbide e organiche sono riconoscibili in modo astratto nei lavabi, pensati come rettangoli bombati, che si allargano nella parte inferiore e si assottigliano nella parte superiore con una curva sottile. Altrettanto ricchi dal punto di vista tattile sono i materiali utilizzati: i lavabi sono prodotti in DuraCeram®, che permette di realizzare bacinelle da appoggio soprapiano con bordo estremamente sottile. Le vasche, invece, sono realizzate in un unico pezzo in DuraSolid® e si caratterizzano per la loro piacevole sensazione calda al tatto e per l’elegante aspetto opaco.

Entrambi i prodotti si abbinano perfettamente ai mobili modulari e geometrici che con le loro linee rette, creano un emozionante contrasto con le ceramiche dalle forme organiche e completano il sottile concetto

Zencha bathtub

di materia e colore della collezione. La sottile cornice di soli sei millimetri di spessore forma una fuga uniforme e rende i mobili eleganti e leggeri.

La collezione Zencha combina un design curato con materiali sostenibili di alta qualità come il legno certificato PEFC. Presentando, inoltre, molte varianti, può essere configurata individualmente secondo diversi stili di interior design, in termini di forme, colori, materiali, dimensioni e dotazioni optional. Sia le componenti ceramiche sia i mobili sono prodotti negli stabilimenti Duravit di Hornberg e Schenkenzell, in Foresta Nera, e sono rifiniti a mano. “Produrre soluzioni che siano allo stesso tempo così complesse dal punto di vista tecnico e con una qualità costante è possibile solo se, come è per Duravit, si dispone di impianti di produzione propri caratterizzati da un know-how elevato e da grande artigianalità”, afferma il designer Sebastian Herkner.

DURAVIT ITALIA | Ravenna | Italy | +39 0544 509711 www.duravit.it | info@it.duravit.com | f lPYT

Zencha bathtub

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É L I T I S | elitis.fr

ÉLITIS FREES FABRICS FROM THEIR TRADITIONAL MONOCHROMY Milano collection

On the occasion of Paris Deco Off 2022, Élitis, the French company specialising in wallpaper, wall coverings, fabrics and home accessories, presented the new 2022 textile collection in its beautiful Paris showroom, the heart of the French Maison's great creative wealth. Freeing textiles from their traditional monochromes to become artistic expressions. This is the spirit that animates the new Élitis fabrics, eight collec-tions that draw inspiration and suggestions from the world of architecture, interpreting it in different ways. The Milano collection is inspired by the style of the Memphis Group and its founder Ettore Sottsass, while Craft Chic is rooted in the architecture of historic Italian buildings, brought to meet a new contemporary style. Patina is a refined jute printed with abstract geometric motifs that make a raw material elegant. Moda is a satin jacquard with a background motif inspired by ikat, a process for

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dyeing yarns, common among the Malaysian and Indonesian peoples.

Alchemy is characterised by an interweaving of graphic and structured patterns, again evoking the Memphis movement in this freedom to combine different coloured geomorphic shapes. Monte Rosa has abstract lines reminiscent of nature. Ambienti shows a refined and tactile language, playing with depth and dimension and combining a range of materials such as wool and silk. Finally, Bellezza is a thin chenille fabric in sophisticated tones, in harmony with the charm of Venetian palaces.

Once again this year, the artistic direction of the French Maison is entrusted to Ariane Dalle, known in France as the "queen of fabrics". It is after a life entirely dedicated to textiles that Ariane, in February 2020, met Patrice Marraud des Grottes, whom she describes as "the audacious founder and great traveller of Élitis", who proposed that she take over the textile division.

HIGHLIGHTS

Moda collection

Patina collection

Monte Rosa collection

Craft chic collection

Ambienti collection

In occasione di Paris Deco Off 2022, Élitis, azienda francese specializzata in carta da parati, rivestimenti murali, tessuti e accessori per la casa, ha presentato la nuova collezione tessile 2022 nel suo bellissimo showroom parigino, cuore della grande ricchezza creativa della Maison Francese.

Liberare il tessuto dalla sua tradizionale monocromia, per renderlo espressione artistica. Questo è lo spirito che anima i nuovi tessuti Élitis, otto collezioni che traggono ispirazioni e suggestioni dal mondo dell’architettura, declinandolo secondo differenti percorsi. La collezione Milano è ispirata allo stile del Gruppo Memphis e del suo fondatore Ettore Sottsass, mentre Craft Chic, affonda le radici nell’architettura dei palazzi storici italiani, portati a incontrare una nuova contemporaneità. Patina è una raffinata juta stampata con motivi geometrici astratti che rendono elegante un materiale grezzo. Moda è un jacquard satinato con un motivo di fondo ispirato all’ikat, un procedimento per la tintura dei filati, diffuso fra i popoli malesi ed indonesiani. Alchimia è caratterizzata da un intreccio di disegni grafici e strutturati, evoca nuovamente il movimento Memphis in questa libertà di unire diverse forme geometriche colorate. Monte Rosa ha linee astratte che rimandano alla natura. Ambienti mostra un linguaggio raffinato e tattile, gioca con la profondità e la dimensione e accosta una serie di materiali come la lana alla seta. Infine, Bellezza, è un sottile tessuto di ciniglia dai toni sofisticati, in armonia con il fascino dei palazzi veneziani. Anche quest’anno, la direzione artistica della Maison Francese è affidata ad Ariane Dalle, nota in Francia come la “regina delle stoffe”. È dopo una vita interamente dedicata ai tessuti che Ariane, nel febbraio 2020, ha incontrato Patrice Marraud des Grottes, da lei descritto come “l’audace fondatore e gran viaggiatore di Élitis”, che le ha proposto di prendere il comando della divisione tessile.

ELITIS | Milan | ITALY | +39 0242296677 www.elitis.fr/it | info@elitis.it| f lPY

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P E N TA | p e n t a l i g h t . c o m

HANG OUT BY PENTA

Hang Out suspension lighting system

"Walking through Venice and seeing a cable stretched between one house and another with washed clothes hanging, we came up with the idea of designing a light", say Alberto Brogliato and Federico Traverso. This is how the Brogliato/Traverso studio designed the Hang Out suspension for Penta, the brand of design lamps which with Castaldi and Arredoluce is part of the Auralis group, led by Andrea Citterio. A horizontal bar, suspended with very thin cables seemingly disappearing into space, releases a diffused light; one or more circular elements, depending on the project, propagate from the lighting body with their geometric purity. Made of natural wood, lacquered in a wide variety of colors or upholstered in sound-absorbing fabric, the

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panels are architectural details suggesting the aesthetics of the Bauhaus.

Hang Out is also available in the wall lamp variant to meet different project demands. The transversality and maximum customization of this object allow an extraordinary compositional freedom and the possibility of inserting the lamp in spaces with different uses, whether they are residential, office and contract environments. "Light is something you can't touch, but it's able to transform any kind of environment. We are interested in finding new ways of interpreting light: a real challenge that we have translated into a scenographic object also thanks to Penta's know-how", add Brogliato/Traverso.

HIGHLIGHTS

“Passeggiando per Venezia e vedendo un cavo teso tra un’abitazione e l’altra con appesi dei panni lavati, ci è venuta l’idea di progettare una luce”, raccontano Alberto Brogliato e Federico Traverso.

Così lo studio Brogliato/Traverso ha disegnato la sospensione Hang Out per Penta, il brand di lampade di design che con Castaldi e Arredoluce fa parte del gruppo Auralis, guidato da Andrea Citterio. Una barra orizzontale, sospesa con sottilissimi cavi che sembrano scomparire nello spazio, sprigiona una luce diffusa; uno o più elementi circolari, a seconda del progetto, si propagano dal corpo illuminante nella loro purezza geometrica. Realizzati in legno naturale, laccati in un’ampia varietà di colori o rivestiti in tessuto fonoassorbente, i pannelli sono dettagli architettonici che citano l’estetica del Bauhaus.

Hang Out è proposta anche nella variante applique per rispondere alle diverse esigenze di progetto.

La trasversalità e la massima personalizzazione di questo oggetto consentono una straordinaria libertà compositiva e la possibilità di inserire la lampada in spazi con destinazioni d’uso differenti tra loro, che siano ambienti residenziali, uffici e contract. “La luce è qualcosa che non si può toccare, ma è in grado di trasformare qualsiasi tipo di ambiente. Noi siamo interessati a trovare modi inediti di interpretare la luce: una vera e propria sfida che abbiamo tradotto in un oggetto scenografico anche grazie alle competenze di Penta”, aggiungono Brogliato/Traverso.

PENTA part of AURALIS | Meda | Italy | +39 03621869300 pentalight.com | info@pentalight.it| f lPv

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R O O F I N G R E E N | roofingreen.it

INNOVATIVE SOLUTIONS INSPIRED BY NATURE FOR A BETTER WORLD

Roofingreen is a unique modular system designed to bring elegance and comfort to outdoor spaces. It is a dry flooring system that can be used to cover any type of flat or vertical surface. It is light, comfortable and combines the refined Made in Italy design with the ability to requalify any architectural context thanks to a synthetic grass covering with a natural look, joined to a soft foam support for treading.

Roofingreen stems from the need, more current than ever in contemporary architecture, to enhance urban buildings through roof gardens and the use of greenery. The use of traditional greenery, however, is not always the best strategy for guaranteeing quality of life and, above all, environmental sustainability in urban areas. In fact, a series of unavoidable complications arise in connection with the choice of natural green roofs: maintaining a green roof in the city requires constant upkeep, water resources and implies a significant structural weight. The Roofingreen modular system is based on the

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integration of four essential values: practicality, comfort, aesthetics and sustainability. The polymeric yarn with 100 % recycled support base Roofingreen provides significant benefits in terms of cost savings and sustainability, while winking at practicality and aesthetics.

The entire product range lends itself to custom design inserts to serve the designer's creativity. One of the best known products is Roofingreen Leaf, the light and handy green module. A dry system which, in just 2.5 cm thickness and 7 kg per square metre of weight, upgrades terraces and flat roofs. The Nature line, on the other hand, is characterised by the possibility of using height-adjustable supports that allow easy levelling of sloping surfaces or surfaces of different heights. For artificial green walls Roofingreen proposes Vistafolia®, a compound of artificial foliage stabilised against UV rays and fire fixed on a metal grid. It allows easy and light installations without any maintenance and consumption of water and energy.

HIGHLIGHTS

Roofingreen è un sistema modulare unico al mondo, studiato per garantire eleganza e comfort agli spazi outdoor. Si tratta di un sistema di pavimentazione a secco che consente di rivestire qualsiasi tipo di superficie piana o verticale. È leggero, confortevole e unisce il raffinato design Made in Italy alla capacità di riqualificare ogni contesto architettonico grazie ad un manto di erba sintetica dal look naturale, solidarizzato ad un supporto espanso morbido al calpestio.

Roofingreen nasce dall’esigenza, quanto mai attuale dell’architettura contemporanea, di valorizzare gli edifici urbani attraverso giardini pensili e l’impiego del verde. L’utilizzo del verde tradizionale, però, non costituisce sempre la strategia migliore per garantire qualità e soprattutto sostenibilità ambientale in ambito urbano. Emergono, infatti, una serie di inevitabili complicazioni connesse alla scelta del verde pensile naturale: il mantenimento di un manto erboso in città comporta un dispendio costante di manutenzione, risorse idriche e implica un peso strutturale significativo. Proprio da questa riflessione è nato il sistema modulare di Roofingreen che si fonda sull’integrazione di quattro valori essenziali: praticità, comfort, estetica e sostenibilità. Il filato polimerico con base di sostegno 100 % riciclata Roofingreen garantisce benefici significativi in termini di risparmio economico e sostenibilità, strizzando l’occhio alla praticità e alla resa estetica. L’intera gamma di prodotti si presta ad inserti custom design a servizio della creatività del progettista. Uno dei prodotti più noti è Roofingreen Leaf, il modulo green, leggero e maneggevole. Un sistema a secco che in soli 2.5 cm di spessore e 7 kg per metro quadrato di peso, riqualifica terrazzi e tetti piani. La linea Nature si caratterizza per la possibilità di utilizzare supporti regolabili in altezza che consentono un agevole livellamento di superfici inclinate o di differente altezza. Per le pareti di verde artificiale Roofingreen propone Vistafolia®, un composto da fogliame artificiale stabilizzato ai raggi UV e al fuoco fissato su una griglia metallica. Consente di realizzare installazioni facili e leggere senza alcuna manutenzione e consumo d’acqua ed energia.

ROOFINGREEN | Torino | Italy | +39 011 071 4037 www.roofingreen.it | info@roofingreen.it | f l

PYT

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EDITOR IN CHIEF Angelo Dadda EDITORIAL DIRECTOR Luca Molinari ACTING DIRECTOR Simona Finessi EXECUTIVE EDITOR Daniela Garbillo

CONTRIBUTORS Lucrezia Alfuso Luigi Arcopinto Leonardo Battaglin Alessandro Benetti Luca Cattoi Ilia Celiento Andrea Cominotto Alper Derinboğaz Damiano Di Mele Sara Ferrara Marco Filoni Luca Galofaro Maria Gelvi Minh Man Nguyen Angela Palumbo Luisa Parisi Concetta Tavoletta Lorenzo Tumminello SCIENTIFIC COMMITTEE Anna Barbara Marco Filoni Luciano Galimberti Cherubino Gambardella Brian Li Zhang Lesley Lokko Giancarlo Mazzanti Rozana Montiel Benedetta Tagliabue Francesca Torzo

La rivista PLATFORM ARCHITECTURE AND DESIGN è stata riconosciuta dall’Agenzia Nazionale di Valutazione Universitaria (ANVUR) come rivista scientifica per le discipline della Progettazione architettonica e urbana (SSD ICAR/14-15-16).

In virtù dell'analisi del triennio 2016-2018 la classificazione si applica retroattivamente a partire dal primo numero del 2016.

La rivista applica la peer review con il sistema del doppio cieco sottoponendo al processo tutti gli articoli inviati in redazione.

PLATFORM è stampato su carta usomano SELENA di pura cellulosa ECF,

by Burgo SpA, certificata FSC®, completamente biodegradabile e riciclabile.

The magazine PLATFORM ARCHITECTURE AND DESIGN has been recognized by the Italian Agency for University Evaluation (ANVUR) as a scientific journal for the disciplines of architectural and urban design (SSD ICAR/14-15-16).

By virtue of the analysis of the three-year period 2016-2018 the classification applies retroactively from the first issue of 2016.

The magazine applies peer review with the double blind system for all articles submitted to the editorial staff.

PLATFORM is printed on uncoated SELENA paper of pure ECF cellulose,

by Burgo SpA, FSC® certified, completely biodegradable and recyclable.

Autorizzazione Tribunale di Milano n. 304 del 18/09/2014 Iscrizione al R.O.C. n. 36727

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