PROMINA

A N I M AC I Ó N

A N I M AC I Ó N A N I M AC I Ó N

PRO MINA EDICIÓN 2022

CREDITOS Revista Juvenil de la Facultad de Diseño, Comunicación y Bellas Artes Esta revista no puede reproducirse total o parcialmente por ningún medio gráfico, electrónico o mecánico,incluidos los sistemas de fotocopias, registros magnetofónicos o de alimentación sin autorización escrita del autor.

Edición 1 Valledupar, Cesar

Créditos Arauna Pinto Álvarez Irene del Rosario Meléndez Tinoco

Supervisora Diseñadora Editorial Diseño y Diagramación Arauna Pinto Álvarez

Diseño de Portada Arauna Pinto Álvarez

Contacto

Pintoarauna@gmail.com Tel: 3008298331

SUMARIO

Indudablemente el mundo de la animación es un tema que conlleva a la creación y al desarrollo de una industria que día a día crece aceleradamente y, más aún, en este tiempo de nuevas tecnologías.

Decidimos entonces hacer un breve análisis sobre la situación que está viviendo la industria colombiana en este aspecto. La animación en nuestro país podría dar la impresión que ha labrado un tímido camino pero no es tan así. Han sido muchos los que le han metido el hombro al tema con la realización de cortos, largometrajes y producciones para televisión, entre otros tantos productos, personajes que han llevado la batuta y que la han pasado a través del tiempo generando lo que hoy en día es esta construcción colectiva de la cual podemos comenzar a sacar pecho.

Comenzando con los primeros pinos en la cinematografía colombiana podríamos

hablar de la cinta ‘Garras de oro’ (1926) con rayado de película siendo la primera en tener técnicas de stop motion donde aparece un plano de la bandera colombiana coloreada a mano, cuadro a cuadro.

Posteriormente, podemos destacar la creación de Roberto Rossé, primer personaje en montar un stand de animación en el país en 1960, del que nacería después Cinesistema dedicado a realizar cortometrajes y comerciales publicitarios, pasando por Fernando Laverde quien realizó el primer largometraje animado colombiano llamado ‘La pobre viejecita’ en 1972 que, además, fue Premio Colcultura al

Mejor largometraje nacional, para llegar a los años 90, época en la que se comienza a marcar una fuerte transformación de la animación por la creación del 2D y 3D. En la historia de la animación colombiana no podemos pasar por alto ‘El siguiente programa’ (1996), producción que marcó un hito en la creación animada para adultos y de paso en la televisión. Ésta fue la primera serie animada de Latinoamérica, producción que, por cierto, obtuvo una alta acogida entre el público.

Pocos años después, en el año 2003, la cinta ‘Bolívar, el héroe’ del director Diego Zajec, es recordada como el primer largometraje animado en 2D enfocándose en lo educativo ilustrado al estilo manga y a manera de libro-texto aunque no tuvo la recepción esperada entre el público, sí marcó el inicio de toda una historia que comenzaba a asomar la cabeza.

En el año 2005 se gestó el Festival Loop, pionero en dedicarse al mundo de la animación y los videojuegos en Colombia, evento que nos ayudó a vislumbrar todo el músculo que había detrás, el interés y la gente que estaba trabajando. Si bien, el último festival se realizó en el 2014 con el Centro Ático de la Universidad Javeriana, ‘Loop’ continuó con su historia y ahora es una escuela de animación y videojuegos que prepara personas para crecer dicha industria.

Ya para el 2011 llega ‘Pequeñas voces’ a nuestras salas de cine, cinta dirigida por Jairo Eduardo Carrillo y Óscar Andrade y destacada por ser la primera película animada colombiana en 3D. Además de ser narrada y dibujada por niños, quienes

nos contaron su visión frente al conflicto colombiano, participó en decenas de importantes festivales, ganando diversos premios y reconocimientos alrededor del mundo.

A propósito de ‘Pequeñas voces’ y de Loop hablamos con Oscar Andrade, uno de los directores de ‘Pequeñas voces’ junto a Jairo Carrillo y actualmente subgerente de Loop además de ser el fundador de Jaguar Taller Digital, compañía que produce contenidos para animación y videojuegos, él nos contó su visión frente al futuro en la animación en Colombia:

“La animación se usa en todo, en educación, en entrenamiento, en motion graphics, en e-learning, publicidad...

Se sigue produciendo y se siguen desarrollando cosas, además hay una cantidad de estudiantes de carreras, especializaciones y cursos que lograrán crecer la industria. Buena parte del futuro de la animación en Colombia va a

depender de las convocatorias del Estado porque los privados invierten muy poco.

Digamos que ya se han hecho cosas con el Fondo de Desarrollo Cinematográfico (FDC) o Señal Colombia y la semilla está sembrada, depende de que mas empresarios y creadores independientes estén interesados en producir ese tipo de televisión o cine de animación”.

“Señal Colombia ha mostrado un interés y una producción constante y todos estamos esperanzados en que las convocatorias aumenten y que el Mercado de Coproducción continúe, porque la animación tiene cantidad de salidas, las puertas estan abiertas.

La historia se siente y dice que las cosas van a mejorar en cuanto a cantidad y sobre todo en calidad, lo que hay que lograr es visibilidad en los canales internacionales y en plataformas como Netflix o RTVC Play”, agrega Andrade.

“Ahora bien ‘Virus tropical’ - película dirigida por Santiago Caicedo y premiada por Señal Colombia en la la 8va versión del Bogotá Audiovisual Market 2017 (Imagen abajo)- o ‘El libro de Lila’ son señales hacia dónde va a tomar el cine de animación, Lila es un paso adelante y tener el público infantil y familiar es uno de

los compromisos que deberíamos tener, es donde nos hace falta avanzar, en definitiva allá vamos y hay mucho espacio para hacerlo”, concluye.

“Es un momento perfecto para que fluya la animación en Colombia” Ulises de Jesús Ramos, director animación de ‘El libro de Lila’

de

El director de composición digital del filme nos asegura que la “película fue todo un laboratorio desde el principio, una cinta profunda que trata de aportarle a la infancia. Cogimos una linterna, nos adentramos y de ahí pa’ adelante.

No hay nada mejor que meterse a una expedición con las personas correctas, una bella experiencia en la mucha gente tiene el ímpetu de hacer que esto sea una industria regular y regulada para el futuro.

Parece ser muy prometedor y cada vez está mejor”.

Por su parte, Tatiana Espitia López, directora de arte del filme, opina que en “Colombia se debería hacer mucha más producción animada, sin embargo, siento que la animación se muestra esperanzadora, desde el grupo que quedó de la película en Cali y desde otras películas o proyectos que se están alimentando y capacitando. Definitivamente Colombia puede llegar a ser un país que tenga una animación propia que la distinga del resto del mundo”.

Siguiendo por la misma línea del futuro de la animación en nuestro país y pensando en la más reciente cinta en salas de cine ‘El libro de Lila’, hablamos con algunas de las personas que fueron parte del proyecto y que lograron hacer realidad un sueño que se estaba gestando desde hace años.

“Nos metimos en camisa de once varas porque no se había hecho una película así” Manuel Victoria, director de composición digital ‘El libro de Lila’

Ahora bien, Marcela Rincón, directora y guionista de la cinta, asegura que el futuro de la animación y su estructura actual puede ser dividida en tres grandes vertientes: “1. Retos: no hay escuelas que estén especializadas en tema de animación, hay mucho talento pero cada uno indaga de manera autodidacta, y si bien encontramos un equipo con el que pudimos trabajar muy bien, tuvimos casi otro proyecto en paralelo para nivelar el conocimiento y los aprendizajes de cada uno”.

“2. Recursos: hacemos las películas de tercos, porque si bien hay grandes recursos, también hay mucha competencia. Aunque podemos sentirnos afortunados porque Lila ganó 7 estímulos nacionales, es muy

difícil sacar un proyecto adelante. El cine de animación tiene unos costos muy elevados y nosotros indagamos a la gente de las empresas privadas y nadie nos creyó, ¿en Cali, una película animada?, decían. La fe fue poca y no conseguimos nada de apoyo en la empresa privada, hay falta de sensiblidad”.

“3. Exhibición: cuando la película llega a salas es el momento donde el cine nacional se ve afectado y golpeado. Aquí no existe ninguna política que realmente nos apoye en ese momento tan importante que es la exhibición porque no hay una cuota de pantalla. Es muy decepcionante que después de 8 años de trabajo, la película

esté solo una o dos semanas con horarios reducidos en salas. Uno siente como que lo están maltratando porque se hace una película para que la gente la vea”.

Como bien se ha expresado a lo largo del artículo la animación tiene muchas salidas en el mercado. Después de pensar en producciones de televisión y cine, principalmente, también quisimos explorar las realizaciones que son netamente digitales. Este es el caso de ‘Vida pública show - Trineo TV’, una exitosa serie web que cuenta con un formato ágil, actual y bastante divertido.

José, Simón y Kata son los personajes principales de la historia, pero en la vida real hay decenas de manos y voces detrás del éxito de Trineo que actualmente cuenta con miles de fans y decenas de premios reconociendo la labor realizada.

Sin embargo, dichos logros no fueron gratuitos, han pasado años de trabajo y de esfuerzo para lograr sacar a flote la

empresa que ahora cuenta con un equipo bastante compacto. Al frente de este proyecto se encuentra su creador Carlos Montoya quien nos contó qué piensa del futuro de la animación en Colombia: “hay mucho talento y deseo de hacer animación, buena animación, creo que lo que tenemos son retos y oportunidades, el principal de ellos es encontrar nuevos modelos de financiación diferentes a los que entrega el Estado, que, a pesar de haber permitido que se haga producción, son limitados en recursos, temáticas y cobertura”.

“En segundo lugar hay que diversificar la distribución, los espacios y las posibilidades en la pantalla para la animación colombiana que son realmente mínimos. Hay grandes producciones, series, películas que se han quedado archivadas y que muy pocas personas han podido ver, definitivamente hay que renovar los canales de distribución de estos contenidos”, concluye Montoya.

Casi como un título de épica galáctica, o como un chiste polvoriento de Martes y Trece, emergió esta idea de hacer del retorno del dosdé el tema, más o menos monográfico. La ironía es que, a pesar de que hace 22 años del estreno del primer largometraje enteramente realizado en 3D por ordenador, y del predominio de esta técnica en los que a cartelera de animación se refiere, la animación dibujada no solo no ha desaparecido sino que ha reaparecido fortalecida, por un lado, en el ámbito comercial, transformada en animación de signos; y en otros entornos, se multiplica en diversas estéticas y procedimientos que llegan a rozar el masoquismo—prueba de ello es la hiperbólica producción de Loving Vincent (Dorota Kubiela, Hugh, Welchman, 2017), el primer largometraje realizado enteramente con pintura al óleo, como bien se encarga de recordarnos su aparato publicitario.

Animación tradicional, animación dibujada, animación Flash, animación vectorial, animación bajo cámara, pintura animada… El 2D es una cómoda categoría

que nos permite hablar de todas estas variantes, independientemente de su origen, digital o manual, porque en plena época del apagón analógico, la animación tradicional ha

encontrado su acomodo en la práctica tableta gráfica; y la animación a mano ya no se entiende sin un ordenador que permita llevar la integridad del gesto directamente a la pantalla. Con esta visión hemos dedicado la presente revista a celebrar la animación 2D en sus diferentes formatos y manifestaciones, destacando la actualidad del momento El creativo prometió además aprovechar la técnica para propuestas innovadores.

“Algo que nos emociona a todas las personas que dibujamos a mano es que no todo tiene que ser tradicionalista, sino que podemos hacer cosas que son estilísticamente diferentes. Cuanto más podamos usar las técnicas y los principios para darles a las personas algo que nunca antes habían visto, de eso se trata realmente”.

El diseño de animaciones digitales ha experimentado grandes avances durante los últimos años, ya que, gracias a la tecnología, nada resulta imposible para la animación digital. Esto ha permitido a la animación digital explorar diversos campos relacionados al área de las comunicaciones, moda, ingeniería, arte, videojuegos, aplicaciones móviles y hasta medicina. Sin embargo, en el área en la que presenta mayor importancia, es la comunicación audiovisual, ya sea por el acompañamiento gráfico de entrevistas, animaciones para clips, comerciales, etc, la animación digital representa un papel muy importante en una época en la que el espectador resulta muy difícil de complacer visualmente. ¿Quieres saber más al respecto? En este artículo te contaremos todo lo que debes saber sobre la animación digital y su importancia en la comunicación audiovisual.

Actualmente, la animación digital es capaz de generar todo tipo de contenido de realidad virtual, lo cual brinda a los comunicadores y realizadores audiovisuales una infinidad de recursos

para crear contenido de manera creativa. Por esta razón, resulta muy común encontrar piezas de contenido digital en canales tradicionales que utilicen recursos de animación digital, lo cual ha generado un gran crecimiento del sector durante los últimos años.

Debido al crecimiento vertiginoso de la animación digital, ésta empezó a formar parte de muchos proyectos de comunicación audiovisual, ya sea en el cine, en la publicidad, contenido televisivo, educativo, etc. Por ejemplo, en el campo de la televisión, podemos identificar la producción de “intros” de programas de tv, separadores en noticieros o magazines, animaciones interactivas en vivo y múltiples animaciones digitales en la tanda de comerciales televisivos.

SU IMPORTANCIA EN LA COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL

La comunicación audiovisual se enfoca en la producción de contenidos para diversos medios de comunicación, consta de un proceso de producción, en el cual, se debe definir de qué manera se van a comunicar los mensajes, cuáles son los medios a utilizar, etc.

Los diseñadores gráficos forman parte de este proceso ya que desarrollan conceptos visuales utilizando herramientas digitales para comunicar ideas y mensajes que logran cautivar a la audiencia de manera

creativa. El rol de la animación digital es sumamente importante en esta área, ya que permite a los productores y creativos explotar herramientas y crear conceptos e ideas sin límites. ¿Te imaginas los comerciales de televisión sin la animación audiovisual? Resultaría sumamente difícil llamar la atención de los espectadores con clips que no cuenten con el logo en movimiento, personajes en 3d o productos animados.

Lo mismo sucede con los programas de televisión, si estos no contaran con las coloridas y dinámicas introducciones o los separadores que nos recuerdan el tipo de contenido que estamos viendo,

se perdería la emoción y el contenido interactivo que nos llama la atención. Pues, las animaciones digitales tienen el poder de convertir cualquier tipo de contenido, por más sencillo que sea, en una producción dinámica, creativa e interactiva.

Como puedes ver, la animación digital resulta de gran importancia para la comunicación audiovisual, razón por la cual, se está convirtiendo en una de las carreras más solicitadas, pues estamos llegando a un punto en el que todo tipo de contenido requiere un poco de la magia de un diseñador o animador digital.

•COMPRESIÓN Y EXTENSIÓN

•PUESTA EN ESCENA

Es la técnica que da la sensación de flexibilidad al objeto, desde una pelota que bota, hasta el estiramiento de una figura o personaje para producir un efecto

Se basa en la presentación de cualquier idea de una forma clara, con el objetivo de que el espectador no se distraiga y se centre en lo verdaderamente importante de la escena. El uso de las luces y sombras, las expresiones y posición de los personajes que intervienen, etc. son algunas de las técnicas empleadas.

cómico.

•ANTICIPACIÓN Con esta técnica el animador pretende anticipar una acción que va a ocurrir. Por ejemplo una mirada de un personaje fuera de la escena, o un salto anticipándolo doblando las rodillas. A través de esta técnica se pretende mantener expectante a la audiencia ante un nuevo suceso.

•ANIMACIÓN DIRECTA Y POSE A POSE La animación directa se basa en dibujar directamente una escena cuadro por cuadro de principio a fin, creando una escena más fluida y realista. Por su parte la técnica pose a pose se basa en dibujar las poses clave de los personajes y luego completarlas con las poses secundarias.

Se ahorra trabajo, pero hace más difícil la creación de poses convincentes.

•ACCIÓN COMPLEMENTARIA ACCIÓN SUPERPUESTA

Y

•ARCOS Esta

técnica

se

basa

en

que

los

Ambas técnicas hacen que el movimiento

movimientos

sea más realista.

trayectoria circular. Por lo que cualquier

La acción complementaria se basa en

movimiento tendrá que tener cierta

que elementos ajenos al cuerpo del

curvatura para dar la sensación de

personaje deben seguir en movimiento

realismo.

independiente

principio están los movimientos fuertes,

aunque

el

personaje

naturales

Como

siguen

excepción

de

una

este

deje de moverse.

ya que normalmente estos suceden en

Por su parte la acción superpuesta hace

líneas rectas.

referencia a los diferentes elementos del cuerpo del personaje que se deben mover de diferente manera, no es lo mismo el movimiento de un brazo que el del pelo o de la ropa.

•ACCIÓN SECUNDARIA •ACELERAR Y DESACELERAR

Son imprescindibles para triunfar con nuestra animación. Como su propio

Se aplica tanto a personajes como a objetos para crear naturalidad. Se lleva a cabo creando más movimiento al principio de la acción y al final. De este modo se da

nombre indica son las acciones que

protagonismo a la pose clave.

que le dan mayor importancia.

ayudan a la principal a destacar y a que se centre la atención en ella. No le quitan protagonismo a la acción principal, sino

para aumentar el atractivo emocional de la animación y mejorar su narrativa.

•TIMING La sincronización en animación se refiere a los momentos (o tiempos) en que ocurre algo en ella. El éxito de una animación depende de cómo se represente el paso del tiempo, ya que una buena sincronización le agrega ritmo y emoción.

En ocasiones es bueno agregar un sonido incidental temprano, ya que el oído está más en sintonía con las sutilezas de la sincronización que el ojo.

•DIBUJO SÓLIDO El principio de dibujo sólido significa representar formas de manera tridimensional dando la ilusión de volumen y peso en una pantalla plana.

Para lograrlo es necesario comprender y aplicar correctamente conceptos básicos de perspectiva, volumen, peso, equilibrio, iluminación, etc. en referencia de la experiencia del observador en el mundo real.

•EXAGERACIÓN En animación, a veces más es mejor. La exageración presenta las características y acciones de un objeto de una manera extrema

para

obtener

un

efecto

cómico o dramático. Esto puede incluir distorsiones en la forma del objeto o en su movimiento.

La exageración es una excelente recurso

•ATRACTIVO Las personas recuerdan a los personajes que

sienten

reales,

interesantes

y

atractivos. Los objetos y personajes animados deben ser agradables a la

vista y tener un aspecto placentero. El atractivo en un objeto animado es lo que en los actores humanos se llama carisma.

El atractivo en la animación puede ser difícil de cuantificar porque cada persona tiene una idea y expectativas diferentes sobre lo que consideran atractivo, y esta percepción también cambia entre culturas y con el paso del tiempo.

El ser humano siempre ha tratado de captar el movimiento en su arte. Algunos expertos en animación afirman que el antecedente de la tira cómica puede encontrarse en decoraciones murales en Egipto, aproximadamente en el año 2000 a.c. en paneles sucesivos que ilustran dos luchadores en varias posiciones. Leonardo

entendiera el principio fundamental del ojo humano: la persistencia de la visión.

Da Vinci, ilustrando proporciones de la figura humana, mostraba cómo las extremidades aparecerían en diversas posiciones. Los japoneses utilizaban rollos de papel para contar una historia de forma continua. La verdadera animación no podía lograrse hasta que la gente

ambiente y movimiento, para mostrar cómo las cosas se ven emocionalmente en la mente del que percibe a diferencia de la manera en que el ojo fsico las percibe al contrario de cómo se ven las cosas con el ojo físico. Artísticamente hablando las caricaturas pueden y deberían ser diferentes de las cintas “ reales “, como las pinturas lo son de las fotografías.

La animación no es solamente una serie de dibujos graciosos continuos en movimiento. En su forma mas creativa es realmente una expresión artística de belleza única. Sin embargo, la tradición de dibujar en animación es relativamente pequeña comparada con otras artes visuales. Hace apenas un poco más de 100 años que existe la tecnología para producir una película, dejando a un lado el film de animación.

Los artistas de animación contemporáneos en búsqueda de ideas e inspiración tienen en que apoyarse pues esto viene desde los orígenes del cine mismo. La historia de

Las caricaturas y los dibujos animdos tienen un cierto estilo humorístico, aunque con frecuencia son representaciones dramáticas; muchas veces caricaturizando o distorsionando los personajes, su

la animación ha ido tomando forma por la tecnología, las demandas de la industria de entretenimiento y sobre todo por la habilidad e imaginación de los artistas individuales.

La animación es tan familiar y forma parte de nuestra vida cotidiana que no hacemos practicamente ninguna reflexión en cuanto a su historia, técnica y todo lo que hay detrás de ella. Se ha vuelto parte del lenguaje visual de los medios. En video, anuncios, comerciales, caricaturas para niños y sofisticadas películas para adultos, la animación llena las pantallas de cine

y televisión. Las imágenes de animación están por todos lados a nuestro alrededor.

La realización de cine de animación, en su expresión más amplia no es tradicionalmente una forma de arte de genialidad individual. Un gran equipo de talentosos y dedicados artistas es requerido para completar una película de animación de alta calidad. En su mejor faceta es un fascinante y diverso medio que potencialmente no tiene limitaciones en cuanto a la imaginación y la técnica.

Los artistas de animación son también artesanos y como en todo oficio, hace

realizar un film de animación implica construirlo cuadro por cuadro. Al ser proyectado, los fotogramas crean una ilusión de movimiento. Esta simple peculiaridad de la percepción humana causa de que veamos una continuidad donde no existe, ha hecho posible la forma de arte, la industria y el oficio de animación. Las historias estan construidas con tal autenticidad que son percibidas como reales, a pesar de que sabemos que son solo caricaturas o dibujos animados.

El dibujo sigue siendo la aptitud principal y como tal tiene gran importancia en la producción de animación. Esencia de una técnica de un buen estudio clásico o casa de animación. La cualidad más importante

falta tiempo para que los aprendices lleguen a dominarlo.

La animación es un proceso costoso en cuanto a tiempo y dinero. ¡Si el público general solo supiera todo lo que implica una producción de animación, su respeto por lo que muchos consideran como una de las más creativas obras de arte, aumentaría!

Ya sea que se trate de producir una cinta de 30 segundos para un comercial de televisión o de un largometraje, el proceso de animación deberá seguir ciertos pasos de una estructura muy específica.

Cualquiera que sea la técnica utilizada,

de un artista de animación tradicional es la habilidad para dibujar.

Los personajes pueden parecer simples pero detrás de cada uno de ellos o de una caricatura hay un vasto conocimiento de la anatomía humana y animal. Estos personajes son abstracciones de los objetos reales. El arte de la caricatura está basado en un diseño abstracto y en una elegante y sutil combinación de formas geométricas. La animación se construye pieza por pieza, muchas veces a lo largo de un extenso periodo de tiempo. En cada etapa nuevos elementos son introducidos, algunos directamente relacionados con la animación; otros pertenecientes a la producción de cine y video en general.

Todo empieza con la planeación de una película, armar el guión y desarrollar el storyboard para después expresar a través del movimiento todo ésto y sincronizar el sonido y la imagen dandole forma y ritmo a las secuencias. Cada persona que interviene en una cinta de animación desde los directores y productores, los estilistas, los animadores, intercaladores, los layoutmen encargados de las escenografías y de la cinematografía hasta los fondistas, juega un papel importante en esta tarea de equipo.

El trabajo innovador de animadores independientes aún tiene dificultad para encontrar lugar en cualquier pantalla, aparte de la de festivales sin embargo, al ver anuncios publicitarios y videos musicales, el público general está aceptando imágenes que son tan complicadas como cualquier animación experimental. ¡Imágenes que absorbemos

sin pensar!

La integración y manipulación de varias formas de imagen lleva a la animación de regreso a esos primeros días de invención e ilusión, de regreso al filo de la imaginación y lo inmaterial. La animación por computadora en 3D está ganando terreno importante en la industria cinematográfica a nivel mundial. Los largometrajes con CGI - imágenes generadas con computadoraestán rompiendo records en taquilla. El campo del video de animación 3D, los juegos interactivos y de computadora han crecido muchísimo desde su creación reciente y continua expandiéndose cada día.

Aunque no se conoce aún la fecha exacta del nacimiento de la animación, hay que reconocer que al pasar los años, este sub género del cine ha abarcado en todo sentido una parte en nuestras memorias a largo plazo, anidando entre sus brazos intangibles senderos

completos de historias dignas de recordar, que algunas con más de 100 años de ser estrenadas, aún ocupan puestos importantes en el mundo del cine, y de la vida cotidiana para algunos.

Aquí es donde la fotografía, los sueños

y las ideas se funden en un solo camino, con el pasar del tiempo, la industria cinematográfica fue tornándose más fuerte gracias a la apertura de este sub género, dado que las habilidades y talentos de los diseñadores, artistas, y guionistas resaltaban de manera alucinante hacia los espectadores dejando en sus mentes una huella imborrable de la mano de personajes icónicos de grandes superproducciones.

Este artículo de revisión sólo busca exaltar una pequeña parte de tan extensa historia fantástica, tomando en cuentas

las diferentes técnicas utilizadas durante este periodo de tiempo y resaltando distintos fotogramas empleados en este arte que ahora es parte importante de nuestro entretenimiento y que en algunos casos ha tocado temas tan frágiles que nos han hecho ver las cosas de manera distinta.

La animación ofrece maneras visualmente diferentes de representar la memoria a las demás artes audiovisuales. Con sus propias normas de movimiento, múltiples posibilidades visuales y recursos, es una técnica capaz de crear memoria de la nada, de recogerla o demostrar datos que no fueron recabados de

otra manera y que solo se encuentran en la mente de quien Son diversas las maneras en las que el paso de una vida y su memoria pueden estar representadas en animación. La forma en la que la animación utiliza la memoria del tiempo es compleja, debido a que no se acota a la grabación de un hecho real, esta técnica siempre aporta un paso más allá hacia las artes plásticas, al poseer sus propias normas y ser un lenguaje plástico único. La memoria y el paso de la vida a través de los supuestos recuerdos de los personajes pueden propiciarse con recursos narrativos como el flashback (recurso de la

memoria por excelencia), pueden ser experiencias aisladas o ser el hilo conductor de la obra, pueden diferenciarse a través de variados estilos visuales, entre otros. es los recuerdan.

El primer modo en el que veremos la memoria en animación es desde la inexistencia real de los personajes, que habrán sido inventados para dar sentido a una historia y cuyos recuerdos y procesos mentales se verán supeditados a la narración. De otro modo, si los personaje fuesen reales, estaríamos ante una obra documental, semidocumental o basada en hechos reales. En el momento en que creamos una historia donde el hilo conductor es el paso de la vida de los personajes estamos haciendo referencia a la memoria, sea real o inventada, pues supondríamos que esta está narrada desde el exterior de la animación, desde la mente de una persona real que reproduce la historia.

Este paso de la vida y la memoria de personajes inventados es el más utilizado en las narraciones de animación, pues generalmente las historias que se cuentan no tienen una base bibliográfica real.

ANIMACION 2D

ANIMACIÓN 3D

En la animación 2D, los animadores usan

La animación 3D se utiliza para generar

personajes, efectos visuales y fondos

objetos

para crear una ilusión de movimiento

medios. Pixar, por ejemplo, es conocida

en un espacio bidimensional. Para ello,

por crear largometrajes y cortometrajes

secuencian dibujos individuales juntos,

increíbles

durante un período de tiempo definido.

La animación 2D se refiere a la animación de estilo de dibujos animados en la que los personajes aparecen en un plano sin volumen. Como la animación tradicional dibujada a mano, o las animaciones vectoriales realizadas por computadora que adoptan técnicas de animación tradicionales.

estas

utilizando

para

varios

exclusivamente

animación 3D. Con ella crea personajes, entornos,

vehículos,

monstruos

y

cualquier cosa imaginable.

La animación 3D se realiza mediante un software informático de mediación. Y se encarga de la creación de modelos 3D y su movimiento en un entorno digital. La animación 3D es mucho más natural que la animación 2D, e incluye modelado,

últimas,

la

proceso

de

Los artistas «construyen» modelos en

trabajo al crear los fotogramas entre los

el espacio 3D. Continuamente, estos

fotogramas principales (clave) creados

modelos

por el animador.

iluminación y las sombras que vemos

tecnología

En

tridimensionales

acelera

el

animación y renderizado.

«renderizan»

bajo

luz.

La

en las imágenes finales está creada El estilo de animación 2D se utiliza en

mediante el proceso de lighting 3D. Al

diversos

igual que la animación 2D computarizada,

campos.

Dibujos

animados,

anuncios, demostraciones de productos y videos de marca. Y también en videos educativos o videos de información y entretenimiento.

los animadores 3D crean «poses clave» donde

sea

necesario,

normalmente

cada

pocos

fotogramas.

Luego,

el

software crea automáticamente todos los fotogramas entre las poses clave.

DIFERENCIAS En términos de experiencia visual, la animación 2D es comparativamente poco realista. Además, se procesa en un espacio bidimensional, tratando solo con la longitud y el ancho. En 3D, las imágenes creadas se definen en 3 dimensiones: largo, ancho y alto. Este hecho les otorga una sensación realista y ayuda a crear una percepción de profundidad.

En la animación tradicional, la animación 2D se considera más complicada que la animación 3D porque presenta dos requisitos indispensables para los animadores. Que, por un lado, dibujen 24

la mayoría de las marcas y un poco más complejo que la animación 3D. La animación 2D es generalmente más barata que la animación 3D, aunque puede diferir de un proyecto a otro. Por lo general, el coste de un video animado 2D tradicional de 60 segundos está entre 800 y 4.000 €, mientras que el coste de un video 3D de 60 segundos es de aproximadamente 6.000 a 8.000 €. Esto se debe al hecho que la animación 3D requiere el uso de software y plataformas complejos, mientras que la animación 2D se realiza principalmente de forma manual y se puede compilar utilizando un software de animación 2D gratuito.

cuadros por segundo. Y que, por otro lado, tengan un conocimiento profundo de los principios de la animación. Es decir, la anatomía, los movimientos y la física detrás de esos movimientos. Los animadores deben manipular cada fotograma en una animación 2D, lo que lo hace más largo en

La mayor diferencia entre la animación 2D y 3D es su proceso de animación de video. Si dividimos el proceso en 3 etapas: preproducción, producción y posproducción, se puede ver cuánto más compleja y lenta es la animación 3D respecto a la 2D. DIFERENCIAS En términos de experiencia visual, la animación 2D es comparativamente poco realista. Además, se procesa en un espacio bidimensional, tratando solo con la longitud y el ancho. En 3D, las imágenes creadas se definen en 3 dimensiones: largo, ancho y alto. Este hecho les otorga una sensación realista y ayuda a crear una percepción de profundidad.

En la animación tradicional, la animación 2D se considera más complicada que la animación 3D

La palabra animación viene del latín anima que quiere decir alma o espíritu; mientras que el verbo animar significa dar vida, por lo que es un arte en movimiento, y es un arte poderoso para la comunicación, pues trasciende barreras de lenguaje y culturales siendo su misión comunicar, armonizar, entretener, educar e informar.

que transmite un mensaje de gran alcance, ya sean dibujos, modelos, maquetas y efectos manuales computarizados en la cámara.

La persona que logra la animación es narrador de historias y un mago que transporta al público a otro mundo; debe ser un actor para poder dar la

Es un arte creativo y mágico que enlaza en movimiento una serie de dibujos como si cobraran vida. La ilusión de movimiento depende de la velocidad a la cual se proyectan las imágenes, siendo la mejor 24 cuadros por segundo. La sucesión de dos imágenes proyectadas dan como resultado la mezcla óptica de estas apareciendo una tercera.

Se requiere de habilidad, creatividad y maestría. Refleja la unión del diseño de un simple fotograma o dibujo y el movimiento que es ya la relación entre éstos.

No tiene límite en imaginación ni técnicas por lo que se puede lograr en el cine, video, la computadora, etc. y así provocar conductas, según la audacia de sus creadores.

Es una especialidad del arte cinematográfico basada en la toma de vistas fijas imagen por imagen, recreando el movimiento. Es un proceso a través de imágenes y no de palabras. Es un medio audiovisual

caracterización y llegar al propósito deseado, necesitando de talento para poder comunicar el movimiento a través de unas líneas, pues el dibujo es de suma importancia, mientras que la técnica puede resultar secundaria.

El stop motion es una técnica de animación y vídeo que se caracteriza por la grabación en vídeo de imágenes, que son fijas, que grabadas unas tras otras van dando la sensación de que en realidad se está grabando una sola imagen que se está moviendo.

Básicamente, esta manera de animar utiliza fotos fijas de objetos o de modelos sin animación, y se colocan juntas de forma que al reproducirlas todas a gran velocidad, proporcione una gran sensación de movimiento.

Si tomamos los ejemplos citados anteriormente, las escenas en la que los personajes participan se crean frame a frame, y los diseñadores mueven cada modelo centímetro a centímetro de forma que pueden simular movimiento, líneas de diálogo y expresiones faciales.

A pesar de que el trabajo de hacer películas con la técnica stop motion puede resultar tedioso y caro, las piezas resultantes son fáciles de crear y ejecutar como parte de una estrategia de vídeo

En realidad, el stop motion no es una técnica de vídeo buscada. Nació, por así decirlo, por casualidad y por accidente.

En 1896, durante un rodaje con una cámara del movimiento de carruajes y personas en París, concretamente en la Plaza de la Ópera. Durante la grabación, el obturador se paró y en vez de grabar con normalidad, lo que la cámara registró fue escenas en las que las imágenes que aparecerían en ellas cambiaban unas por otras. El resultado daba la impresión de que las personas y los carruajes del vídeo cambiaban unos por otros como por arte de magia. La grabación la realizó George Mèliés, que al verla también le puso el nombre que tiene la técnica en nuestros días. Aunque entonces también se la conocía como stop action.

Pasados unos días, Mèliés intentó realizar ya otras grabaciones de stop motion, esta vez a propósito. Consiguió así convertir mágicamente en imágenes a un hombre en una mujer, y hacer que objetos desapareciesen de repente en pantalla como por arte de magia. Con ello obtuvo un éxito bastante notable.

El stop motion no tardó mucho en pasar a la gran pantalla. Las primeras veces que se utilizó fue de la mano de los directores

Stuart Blackton y Albert Smith. Ya en 1897 lo utilizaron para animar los juguetes y otros elementos de la película Humpty Dumpy Circus.

A partir de entonces, el stop motion empezó a evolucionar, hasta que este tipo de animación tridimensional tomó dos caminos. Por un lado, está su rama europea, que derivó en el rodaje de películas para el público infantil y otras de artistas independientes. Por otro, la tradición hollywoodiense del stop motion, que en muchas ocasiones prácticamente no se aprecia. A pesar de ello, se utiliza en numerosas ocasiones en películas largas, lo que se conoce como largometrajes, en los efectos especiales.

Este tipo de animación engloba dos tipos de técnica: la que se realiza con marionetas y muñecos, y la que utiliza objetos y artefactos. La primera usa muñecos articulados, o escenas en las que se cambian unos muñecos por otros.

Están fabricados con distintos materiales sólidos que se van animando en muchos casos mediante una estructura creada a base de metal para moverlo y, si es necesario, también para sostenerlo.

Durante varias décadas del siglo pasado, la animación con marionetas ha estado relacionada con varios países de la zona de Europa del Este. No obstante, fue el propio George Méliès quien ya a principios del siglo XX la empleaba en sus películas.

También la usaba un español, Chomón y Ruiz, uno de los pioneros del cine de principios del siglo pasado.

En cuanto a la animación en Hollywood, hacia mitad del siglo XX su máximo exponente fue George Pal. Se le atribuye

la creación y mejora de la técnica de sustitución. La ideó cuando se encargó del diseño y uso de varios centenares de piezas solo para la expresión y movimientos de los personajes de varias películas de Paramount.

Pal fue después productor de películas de ciencia ficción en Hollywood, y llegó a trabajar con animaciones de este tipo en la famosa La Guerra de los Mundos, de 1953. Desde entonces hasta ahora, la animación con marionetas ha ganado mucha popularidad también en Estados Unidos, gracias a animadores como Henry Selick. Así, han aparecido en títulos como James y el melocotón gigante (1996) y, más recientemente, en El cadáver de la novia (2005) de Tim Burton. .