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PEDRO El arteBARCELÓ de estar entre los mejores entrevista Inma Srrano Germán López Pájaro Juárez Eva Benito Sin Na Ni Na

EDI CLAVO Cultura del rock

talleres Guitarra Blues en sexta Batería Folclore argentino Técnicas Breaks musicales

a prueba Martin Guitars Mesa Boogie Transatlantic TA30

Foto Portada: NOAH SHAYE

Nº03 MAY 2011


editorial

TOCAR O NO TOCAR

Efectivamente, esa es la cuestión, tocar o no tocar a un precio indecente en la mayoría de los casos e incluso pagar por tocar, algo del todo impensable y demencial en cualquier actividad profesional. Me explico: la situación actual del gremio esta en crisis, es decir, no hay grandes giras, no hay trabajo en grandes superficies, me refiero a grandes conciertos y los que hay son sólo para aquellos grandes artistas o grupos de éxito, por lo que nos quedan las pequeñas salas con música en vivo. Estas últimas, cada vez más, se están acogiendo a formulas de retribución económica caóticas para el trabajador de la música, pagando porcentajes por entrada o copa consumida. Esto, a priori, parece una buena idea, pero en la práctica suele tener malos resultados, ya que estamos hablando del veinte por ciento de lo recaudado desde una hora antes de la actuación hasta una hora después, por lo que, si no hay un gran aforo, puedes cobrar muy poco. Ese muy poco puede ser entorno a los diez euros por músico he incluso menos. Por lo general las salas y bares te dicen que tienes que llevar público, pero esto en realidad no es una labor del artista o la banda. Nosotros, los del escenario, nos limitamos a cumplir nuestro trabajo, que es tocar de manera impecable, hacer nuestro show o repertorio con la mayor profesionalidad. Es la sala quien tiene que hacer promoción del evento, quien tiene que esforzarse por atraer al público o clientela, aduciendo que la programación de ese día es espectacular y que merece la pena ir a verla, que sus precios son inmejorables y que el cliente va a disfrutar con el ambiente y el show. Para ello, tienen que buscar los canales adecuados de promoción y difusión de su producto o negocio, algo en lo que muy pocos trabajan, siendo este momento uno en que la comunicación es más fácil que nunca, dado que las tecnologías (redes sociales en Internet) lo ponen a huevo, con perdón de la expresión. Otra de las opciones económicas que se están implantando, la más demencial, por no decir otra cosa, es aquella en la que el artista o grupo, alquila la sala por unas horas y propone una entrada. Eso si, primero hay que adelantar el dinero del alquiler antes de tocar, con lo que la sala se asegura ya su mínimo, luego, si cubres con la entrada este montante, ya te puedes dar con un canto en los dientes. Pero ¿dónde se remunera el trabajo realizado en el escenario?, ¿Somos promotores o músicos?, ¿Qué clase de trabajadores estamos siendo?. Hay que buscar una solución, hay que reivindicar una remuneración decente. No acuso de ninguna manera a las salas o bares, ya que ellos también se exponen al abrir un negocio a diario. También pido para ellos exenciones de impuestos y apoyos para fomentar y promocionar la música que, a fin de cuentas, es cultura. Por otro lado, por muchas ganas de tocar que se tengan, sobre todo aquellos que empiezan, deben de defender su trabajo, deben de saber que pertenecen a un gremio que quiere vivir y vive de esto. Tenedlo en cuenta. Saludos cordiales. Javier Horche

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6 novedades + noticias - Novedad DW serie Performers - Caja Yamaha Signature Pedro Barceló 14 entrevista - Edi Clavo. Cultura del rock 22 a prueba - Mesa Boogie Transatlantic TA-30

N º03MAY2011

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Pedro Barceló

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24 entrevista - Eva Benito. Rompiendo esquemas 34 a prueba - Martin Guitars 36 en portada - Pedro Barceló. El arte de estar entre los mejores 46 taller de batería - Folclore argentino 48 entrevista - Inma Serrano. Sentimiento musical 52 entrevista - Pájaro Juárez. La magia de acompañar bien 60 entrevista - Germán López. Clamores y Galileo Galilei

14 Edi Clavo 48 Inma Serrano

68 taller de guitarra - Acompañamiento de un Blues mayor en sexta 70 entrevista - Sin Na Ni Na. Flamenco urbano en Barna 74 técnicas - Breaks musicales 78 escaparate - Maná, Rosario, The Cars...

EDITA DMM Publicaciones DIRECTOR Javier Horche DIRECCIÓN DE ARTE Pedro González-Elipe DISEÑO Y MAQUETACIÓN off project FOTOGRAFÍA Noah Shaye PUBLICIDAD Javier Horche - 637 076 666 javihorche@gmail.com - javihorche@demusicamagazine.com COLABORADORES Juan Carlos Roth, Pipo López, Mon Berrocal, Nacho Flores SUSCRIPCIONES lectores@demusicamagazine.com www.demusicamagazine.com MAYO 2011 ©DMMagazine

Eva Benito

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staff

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Transatlantic TA30


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novedades

noticias

NOVEDAD DW SERIE PERFORMERS

Nunca Drum Workshop lo había puesto tan fácil

igual que las Custom Shop, con las mismas técnicas y métodos de construcción de DW, con todo su gran sonido; caracterizándolas, sólo como elemento distintivo, con bellotas un poco más pequeñas y cascos con tecnología HVX de serie. Con esta nueva serie, DW logra acercarse a los sueños de todos aquellos que siempre vieron en la marca, un inequívoco sello de calidad y gran sonido, pero no podían acercarse por economía, ahora ese momento ha llegado. Tener una DW ya no es cuestión de dinero, tan sólo es cuestión de creatividad y ganas de sonar muy bien. Para más información: http://www.musicdistribucion.com

Una de las mejores noticias que nos trae el NAMM 2011 es el lanzamiento de la nueva serie DW PERFOMANCE. Sin duda y durante muchos años, para muchos baterías parecía un sueño imposible la posibilidad de tener al servicio de sus baquetas una auténtica DW. Hoy este sueño puede hacerse realidad para aquellos que, quizás erróneamente, renunciaron a él, ya que la DW Performance es una DW en toda regla, a menor precio y en la que no se han escatimado ni la calidad ni las prestaciones originales por lo que la pregunta más acertada, en lugar de buscar otras explicaciones más rebuscadas como ¿es un modelo inferior con la marca DW?, sería preguntarse ¿cómo lo han conseguido hacer?, DWPerformance series te ofrece, sin lugar a dudas, en estudio de grabación, todo lo que esperas de una DW; todo lo que ellos esperan de una batería construida con cascos de North American Hard Rock 100% al


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novedades

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YAMAHA: NUEVA CAJA SIGNATURE PEDRO BARCELO LIMITED EDITION

Yamaha Drums Ibérica se complace en anunciar el lanzamiento, en una edición limitadísima, de la caja signature de Pedro Barceló. La nueva Yamaha VSD1460PB está fabricada en Madera de arce de 14"X6" con cuatro láminas de arce y refuerzo de seis. Tiene dos apagadores internos y tres salidas de aire. La cama de la bordonera es un poco más profunda (2,7mm) para evitar las vibraciones. Esta excepcional edición consta únicamente de 40 unidades hechas en Japón, con la firma de Pedro en la placa y una funda acolchada de diseño exclusivo. En palabras de Pedro Barceló: “Soy un enamorado del sonido "Vintage", y esta caja reúne las características de las cajas que se construían en los 70's. Con sus dos apagadores puedo conseguir afinaciones "extre-

mas" sin problemas de armónicos no deseados. El sonido de ayer con el brillo de hoy.” Más información en: http://es.yamaha.com/es/products/musicali nstruments/drums/snaredrums/snaredrumsignature/vsd1460pb/ http://www.facebook.com/ yamahadrumsiberica


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JASON BITTNER NUEVO ENDORSER DE ZILDJIAN

La Compañía Avedis Zildjian anuncia que el batería de rock, Jason Bittner del grupo Shadows Fall, se ha unido a su familia de artistas. Considerado como uno de los mejores baterías de metal de su generación, Bittner es ampliamente reconocido por sus habilidades con el pedal de doble bombo, especialidad de la que posee una asombrosa capacidad de reproducir patrones complejos a gran velocidad. Asimismo el artista acredita un amplio conocimiento del jazz y de los ritmos de percusión Latina, es mundialmente clasificado como todo un revolucionario del estilo Metal. Consumado maestro y autor, Bittner encabezará la gira de Clinics Zildjian en los EE.UU, durante el mes de mayo de 2011. “Me he sentido atraído por los sonidos de platos Zildjian durante años", comenta Bittner. "Compré mi primer 18" Zildjian Crash Ride cuando tenía sólo once años de edad. Siento que vuelvo a casa con mi nueva relación con Zildjian y espero compartir la próxima década y más allá con ellos. " Comentando sobre la próxima gira de clinics, Bittner asegura que: "La gira contará con sets de Play Along, técnica de forma libre, conte-

nido educativo y divertido. Espero contar con algunas pistas de Shadows Fall de mi nuevo disco para compartir con los fans en la gira. Los platos Zildjian se presentan en estas nuevas grabaciones. Ya se han convertido en una parte de mi sonido. Ha sido realmente una transición sin problemas para mí. “ "Estamos absolutamente encantados de dar la bienvenida a Jason a la familia Zildjian. Él es el paquete completo: un interprete fenomenal y estudioso del instrumento, un gran educador y modelo a seguir para los músicos más jóvenes, y un artista muy respetado entre sus colegas y la comunidad de percusión en general. Estamos muy emocionados acerca de su futuro con Zildjian y estamos deseando salir a la carretera en mayo por primera gira de Clinics de Jason en los EE.UU. como artista Zildjian," dijo John DeChristopher, vicepresidente de Relaciones Artísticas y eventos de marketing en todo el mundo. Nacido en Albany, Nueva York, Bittner asistió a Berklee College of Music y tocó con el grupo Stigmata, una de las bandas más grandes en la escena hardcore de Nueva York, durante siete años. En el otoño de 2001, se unió Bittner Shadows Fall. Durante los últimos diez años, ha realizado giras con la banda y lanzaron "The Art of Balance", "The War Within" (debutó como numero 38 en las listas Billboard y recibiendo en su momento una nominación al Grammy por “Mejor Interpretación de Metal”), "Fallout From the War”; " Threads of Life " (nominación al Grammy por Mejor Interpretación de Metal), y "Retribución", uno de los álbumes más potente de la banda hasta la fecha que debutó en el Billboard Top 40. Bittner ha sido nominado para varios premios, incluyendo una encuesta a los lectores de la revista Modern Drummer en 2004, como “Mejor batería debutante”; en 2005 como “Mejor actuación grabada” para el álbum de Shadows Fall "The War Within" y “Mejor batería de metal; y por segundo año consecutivo, en 2006, por la misma publicación como “Mejor batería de metal”.


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El libro Bittner, Drumming Out of The Shadows, que fue co-escrito por Joe Bergamini, recibió el 2º premio de los lectores en la revista DRUM! al Mejor Libro Educativo. El Set de platos Zildjian de Jason Bittner incluye: 20” K Heavy Ride, 14” K Mastersound HiHats, 16” Oriental China Trash, 18” K Dark Crash Medium Thin, 8” K Splash, 17” A Custom Medium Crash, 10” K Splash, 18” A Custom Medium Crash, 21” Z3 Mega Bell Ride, 18” Oriental China Trash, 13” A Custom Mastersound HiHats (auxiliar), and 10” ZHT Mini Hats (auxiliar). Para obtener más información sobre los próximos conciertos y clinics de Jason Bittner en EE.UU., visite: http://bit.ly/Zildjian-Bittner

EL CONCURSO YAMAHA GUITAR HERO & BASS IV YA TIENE GANADORES

Los ganadores fueron… Oriol Padrós (guitarrista de Sabadell, Barcelona).

Empezó a tocar la guitarra a la edad de trece años y desde entonces ha estudiado en varias escuelas de música moderna. Recientemente ha comenzado los estudios de grado superior en la ESMUC (Escuela Superior de Música de Barcelona). Actualmente tiene cuatro bandas con las que toca en directo, pero individualmente ha realizado trabajos de grabación para los estudios Ten Productions con los que graba principalmente para la televisión. Sus principales influencias son: Greg Howe, Steve Vai, Scott Henderson, Pat Metheny, John Scofield, Victor Wooten y Guthrie Govan entre otros. http://www.myspace.com/oriolpadros Agustín Lozano (Bajista, contrabajista y cantante de Albacete).

El pasado sábado 12 de marzo tuvo lugar en los Estudios Rock & Pop de Madrid la final de la cuarta edición del concurso Yamaha Guitar Hero. Los finalistas de esta edición fueron: Adrián Carrasco (Málaga), Oriol Padrós (Barcelona) y João Luzio (Chaves - Portugal). Por primera vez tuvimos también bajistas en la final: Agustín Lozano (Albacete), Pablo Tron (Madrid) y Miguel Galindo (Albacete). Guitarristas y bajistas rindieron al máximo con sus guitarras y bajos Yamaha para poder llevarse el gran premio final.

Con una carrera de veinte años como bajista profesional, ha tocado/grabado con Mike Stern, Ximo Tébar, Ángel Crespo, Tito Duarte, Lewis Porter, o con los grupos ConFussion, Funkenstein, Hermano Lobo, Vic-


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tor Perona Jazz Project y Red Hot Chili Fakers. Actualmente compagina los conciertos de las bandas Into Jazz y Víctor Perona Jazz Project con su proyecto en solitario Chill Bass. Lozano es además compositor de música para obras de teatro. En sus más de 20 discos grabados destacan sus CD´s con la banda Hermano Lobo. Es profesor de bajo eléctrico en la Escuela de Música Moderna de Albacete y ha escrito tres métodos para dicho instrumento. http://www.myspace.com/agustinlozano Más información en: www.yamahaguitarhero.com www.yamaha.es www.facebook.com/yamahaguitarsiberica

JENNIFER LÓPEZ ARRASA CON “ON THE FLOOR”

Además de RedOne y Stargate, otros productores que participan en el disco incluyen a Tricky Stewart, The-Dream, Danja, D-Mile y Radio. Lady Gaga también participa en dos canciones “Hypnotico” y “Invading My Mind.” Y los productores ejecutivos de LOVE? son JLO, RedOne y Antonio “L.A.” Reid. El nuevo single de JLO, “I'm Into You” estará disponible en exclusive en iTunes, el martes 5 de Abril, y a partir de YA, está en marcha una campaña sin precedentes en Facebook, “Like for LOVE?” con una cuenta atrás donde Jennifer dará el poder a sus fans de reservar y comprar el single en con antelación en iTunes. Comenzando ya mismo, Jennifer publicará un fragmento de “I'm Into You” en su página de Facebook (www.facebook.com/jenniferlopez), otorgando a sus fans la posibilidad de desbloquear la canción en iTunes antes de su edición oficial a primeros de este mes de Abril.

INAUGURACION DEL ROLAND PLANET MADRID

Mientras “On the Floor” sigue fuerte, Jennifer Lopez no da tregua y presenta su nuevo single “I'm Into You” en una campaña en Facebook sin precedentes. El primer single “On the Floor” y este segundo, “I'm Into You” (compuesto por Taio Cruz y producido por Stargate) sientan las bases de “Love?” el séptimo álbum de estudio de la superestrella internacional que se edita el próximo mes de mayo.

El pasado jueves 24 de marzo se celebró la inauguración del nuevo Roland Planet en Madrid con la presencia de Alex Hutchings, demostrador internacional de los productos Roland/Boss dirigidos a guitarristas. El Roland Planet de Madrid, situado en la calle Pradillo se ha mudado a una nueva ubicación en la calle Leganitos 12, muy cerca de la Gran Vía. Esta nueva tienda especializada en productos Roland se ha convertido en un nuevo espacio Roland Foresta, donde podrás encontrar toda


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la gama de pianos de la marca, desde los modelos F-110 hasta el lujoso Roland LX10F. Para celebrar esta nueva reapertura, se contó con la presencia de Alex Huthings, quien presentó la pedalera ME-25 de Boss, demostrándonos que su económico precio no va a la par con su gran potencia sonora. Después pudimos comprobar los nuevos sonidos que nos ofrecen los pedales ST-2 (superstack), que nos ofrece tres tipos de distorsión en un solo pedal, y el PS-6 de Boss, un pedal armonizador que nos permite añadir voces armonizadas al sonido de nuestra guitarra. Por último, Alex presentó la gran novedad de este año, la pedalera GR-55, un producto que une en un solo dispositivo un sintetizador de guitarra, efectos y emulación de amplificadores. Alex demostró que su funcionamiento no es nada complicado, y que sus capacidades sonoras son casi infinitas. Posteriormente se celebró el sorteo de dos pedales BOSS entre los asistentes que habían confirmado su asistencia mediante la página web de Roland. Desde DeMúsicaMagazine queremos dar la bienvenida a esta nueva ubicación deseando que tengáis mucho éxito en esta andadura. Sin duda es un magnifico entorno para mostrar vuestros productos, allí estaremos para contárselo a nuestros lectores.

SONY EXPANDE SU GAMA DE AURICULARES CON DOS NUEVOS MODELOS

Sony presenta dos nuevos modelos de auriculares con los que poder disfrutar de tu música preferida donde quieras y cuando quieras. Auriculares inalámbricos MDR-RF865RK. Con un alcance de hasta 100 metros, permiten moverse cómodamente por cualquier rincón del hogar y disfrutar a la vez de un sonido rico e inmersivo. Son ligeros y cómodos, perfectos paratu equipo de audio, escuchar la radio o televisión, jugar a videojuegos sin molestar a nadie, y sin líos de cables. Los diafragmas de 40 mm ofrecen un sonido rico y agradable con unos graves profundos, y evitan las interferencias que pueden sufrir los sistemas inalámbricos. El nivel del sonido se ajusta de una manera muy sencilla, gracias al control de volumen incorporado en los auriculares. Y cuando no se usen, se los puede colocar sobre su elegante base de carga. Se cargan completamente en sólo 3,5 horas. Con la batería llena, disfrutarás de unas generosas 25 horas de escucha sin interrupciones. Además, al colocarlos en la base se apagan automáticamente, para ahorrar energía. Auriculares intraurales con cancelación de ruido MDR-NC13. Son ideales para viajeros que adoren la música. Su diseño con cancelación de ruido reduce el sonido ambiente en aproximadamente un 87'4%, eliminando las distracciones de fondo de medios de transporte como autobuses y aviones. Tienen un diseño intraural vertical cerrado que consigue tanto una calidad de sonido soberbia como una gran comodidad. Utilícelos tanto durante sus traslados diarios como durante largos viajes. Vienen suministrados con una pila de magnesio y si le añade una pila alcalina AAA (no incluida) aumentan su autonomía hasta 100 horas ininterrumpidas. Los dos nuevos modelos estarán disponibles a partir de este mismo abril de 2011.


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EDICultura CLAVO del Rock Por Pedro González-Elipe. Fotos: DMM

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rotagonista en primera línea de la “movida”, con más de tres décadas de trayectoria musical, Edi Clavo personifica a la perfección la figura del rockero incombustible.

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scéptico ante la perspectiva actual y defensor de la pureza del rock como vehículo de expresión generacional, sus palabras nos aportan la visión de alguien que ha escalado desde las tinieblas del “underground” hasta la cresta del éxito masivo para luego lanzarse en un vuelo personal, libre ya de ataduras, por las académicas alturas de una “cultura del rock” aún algo difusa y necesitada de atención.

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estigo de lo bueno y de lo malo de este mundo fascinante y complicado que es la música, nos habla de su valiosa experiencia, de sus recuerdos y de sus proyectos actuales con ese brillo en la mirada de quienes todavía no han terminado la partida.


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entrevista ¿Desde siempre te llamó la música? La verdad es que fui muy precoz, porque en ya casa desde muy pequeño había singles de The Who, The Kings, Beatles, Rolling Stones, entonces el rock era lo que escuchaba y lo que más me gustaba en ese momento. Aprendí a tocar con esos discos que tenían mis primos que eran algo mayores que yo. ¿Y porqué la batería? Yo empecé tocando la guitarra española, pero como el mástil es muy ancho y yo tengo las manos muy pequeñas, no podía poner bien los acordes, la cejilla, etc. y entonces ¿qué otro instrumento podía tocar?, pues la batería, ya que no hacía falta nada mas que tener una batería y dos palos. Así empecé a practicar, tocando encima de esos discos que te decía, aprendí a tocar haciendo los ritmos básicos de aquellos grupos. ¿Cómo llega esa primera batería? Me la trajeron de Londres, concretamente un amigo argentino llamado Fabián de Olivé que era el batería de “Los Pistones”, era una Premier del año 65, un modelo básico de bombo de 22”, timbal de 13” y timbal base de 16”. Estaba nueva, la encontró en una tienda de Londres, me costó sesenta mil pesetas de entonces, porque en la tienda la tenían como de segunda mano, no le daban salida y Fabián era muy amigo del de la tienda Foote´s, muy famosa en el Soho (eran los distribuidores de Premier) y me la consiguió. También en el escaparate tenían la batería de Keith Moon, la Premier de "Spirit of Lily". ¿Empiezas entonces tu andadura musical con esta batería? Bueno, esa batería la compré en el año ochenta y dos más o menos, pero yo ya venía tocando desde finales de los setenta. Íbamos a unos locales que había en la zona de Lavapiés que se llamaban “Mario Gómez” donde había un sótano en el que te alquilaban, además del local, todos los instrumentos, batería, guitarras, etc. Allí tocábamos con otros grupos del colegio y hacíamos versiones.

Eran unos locales donde todo daba calambre por la humedad ¿no? (risas) Efectivamente, todo daba calambre, hasta la batería. Empezamos ahí como un hobby extraño porque en esa época (años setenta), no había las posibilidades de locales e instrumentos que hay hoy en día, entonces estábamos en una tesitura de muy aficionados, pero de ahí a los ochenta pasaron muchas cosas. ¿Qué cosas? Pues que a parte de los grupos del colegio, después en la universidad conocí a Jaime Urrutia, a Fernando Presas y a Eugenio Haro y montamos un grupo que se llamaba Rigor Mortis, fue mi primer grupo de Rock, con canciones propias. Éramos amigos del grupo Burning y tocamos un par de veces de teloneros suyos. Era una época anterior a la llamada “Movida Madrileña”, donde el rock era poco menos que una actividad clandestina. Si, porque hay que decir que en ese momento el rock, era muy “underground” y minoritario… ¿verdad? Si, era un tiempo en el que era muy difícil sacar adelante un grupo de rock, había bandas en Cataluña, en Andalucía, el rock andaluz, empezaban a salir pero el público era muy especializado y poco masivo. Y en ese tiempo ¿qué música escuchabas?, ¿qué te gustaba?. Me gustaban (y me siguen gustando) los clásicos de los sesenta como te decía antes, Rolling Stones, Beatles, The Who, The Kinks, ese tipo de grupos, después en los años setenta ya empezaron a gustarme bastante artistas y grupos como, Lou Reed, David Bowie, el periodo más rockero de Bowie, y también me gustaba mucho King Crimson. Pero mis posibilidades técnicas estaban más cerca de los grupos de beat ingleses, que de King Crimson o del rock sinfónico, donde se necesitaban unas actitudes técnicas que yo no tenía, además era más divertido tocar rock o rock & roll que aquellos devaneos extraños del rock sinfónico.


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entrevista

...”una época anterior a la llamada “Movida Madrileña”, donde el rock era poco menos que una actividad clandestina”... Tus maestros de la batería en aquella época ¿cuáles eran? Hombre, la trilogía clásica de baterías para mi son, Charlie Watts, Ringo Star y keith Moon. En los setenta me gustaba Jhon Bonham “Bonzo” y alguno más como Lenny White, que tocaba funky. Y de grupos españoles, ¿qué te gustaba? Pues por ejemplo el grupo Veneno, donde estaba el propio Kiko Veneno con Raimundo Amador, también el primer single de Ramoncín que era muy fresco, muy rompedor, Salvador, su primer disco, Tequila… Tequila, fue un poco revolución ¿no? Si, Tequila fue una revolución. Pero les pilló un poco antes de tiempo. Recuerdo también a Moris que, como era un tiempo muy loco, tocaba él solo con su guitarra Gibson y un ampli y parecía que tocaba un grupo entero. Era una época extraña todavía la segunda mitad de los setenta. Había también locales

de ensayos muy sórdidos, Papi, La Isla de Gabi, Faico, los locales del Legionario, en la zona de Ascao, estuvimos en algunos y luego los locales de Tablada, que los acababan de abrir y donde seguimos. ¿Y cuando empieza a moverse “Rigor Mortis”? La verdad es que con Rigor Mortis, sólo tocamos cuatro o cinco veces en Madrid, era un tiempo difícil y no pasó nada, no había ninguna posibilidad de que eso progresara, fue en el setenta y siete, setenta y ocho, luego en el ochenta, toda esa nueva generación musical empezó a sonar y a progresar alentados por las compañías discográficas multinacionales, Hispavox, Poligram, CBS. Ficharon a muchos grupos nuevos, para un público nuevo, como Radio Futura, Alaska y Los Pegamoides, Nacha Pop. Nosotros fuimos un poco detrás de esa primera hornada, no es que fuésemos detrás, sino que nosotros hicimos un disco autogestionado, un EP compartido con otro grupo “Parásilis Perma-


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nente” dos canciones cada uno, hicimos mil discos. Con ese disco fuimos a las emisoras de radio y empezamos a autopromocionarnos, tocamos en sitios como Rockola, ect. De esta manera poco a poco empezamos a tener más público, las canciones conectaban y llegamos a tener más éxito, hasta que fichamos con la compañía Dro, que en ese momento era una compañía independiente y grabamos con esa compañía nuestro primer LP, con Servando Carvallar. ¿Qué pasa cuando empiezas a sonar con Gabinete Caligari, sigues tocando con la misma batería? Bueno, la antigua Premier del sesenta y cinco se quedó muy baqueteada en un par de temporadas con Gabinete, entonces me compré en Londres una Sonor de los setenta que estaba muy bien, con esa estuve un par de temporadas también, era una batería dura. Más tarde, en Londres, en una grabación monté la mía y no me gustaba como sonaba. Allí había arrinconada una Gretsch vieja, como del año sesenta y nueve, setenta, la monté y enseguida que sonorizamos me dí cuenta de que tenía un sonido espectacular, desde entonces soy fiel a la marca y tengo un par de Gretsch en casa. ¿Cómo es el cambio a esa categoría de banda de éxito?, ¿Qué notas? Bueno pues notas que tus propuestas musicales tienen eco y en vez de tocar en una sala como Rockola para quinientas personas y reventarlo, tocas en una plaza de toros para cinco mil y la semana siguiente en un campo de futbol y metes otros diez mil. No se nota nada en especial, solo que el asunto funciona, es una progresión en positivo. Lluego después lo notas en negativo: de los diez mil poco a poco pasas a meter cinco mil y terminas de nuevo en quinientos y luego te retiras, (risas). Es decir, que el éxito es efímero. Desgraciadamente en la música pop es efímero, normalmente no te permite envejecer con ella, hay excepciones, pero normalmente no.

Pero cuando estás en esa cresta de éxito ¿te das cuenta de lo que estás viviendo o es un momento reflexivo que llega más tarde? No te das cuenta, en ese momento estás más centrado en hacer las canciones, en grabarlas, en promocionarlas, en tocarlas, creo que es una reflexión posterior lo de analizar qué pasó, qué no pasó, como fue el éxito, etc. ¿Y de alguna manera, ese éxito también influye negativamente en la cohesión del propio grupo, verdad? Si, un grupo de rock normalmente es una bomba de relojería preparado para estallar en un momento dado, ya que siempre hay intereses encontrados, por lo que es todo muy efímero. No hay solidez, no es lo mismo que un solista u otro tipo de artistas que no dependen de una serie de decisiones. Cuando hay varios decidiendo cosas, eso es mal negocio. A partir de que la banda se termina, ¿el músico sale tocado? No es mi caso, yo en la última etapa de Gabinete estaba cansado de la rutina, de ver que tus propuestas ya no tenían el eco que tenían antes. También tenía otras inquietudes y las canalicé, me metí en la universidad y estuve estudiando una carrera y me siento satisfecho de esa decisión, no quería o no me apetecía en ese momento meterme a ser un músico de estudio, o en otra banda que no fuese la mía, entonces me dediqué a otra cosa, pero relacionada con la música también. ¿Es por aquél entonces cuando comienzas a tocar con “Malevaje”? No, eso fue más bien al principio de Gabinete. Conocí a Antonio Bartrina en una época en la que cantaba tangos por pequeños bares de Madrid acompañado por Oswaldo Larrea, que era el bandoneonista, y yo me incorporé tocando acompañamientos con tan sólo una caja y un chaston, para darle un ligero toque de ritmo. Actualmente Antonio sigue funcio-


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entrevista nando como cantante de tangos y actuando de vez en cuando. Para mi fue solo una etapa, aunque duró muchos años.

“circuito”, pero ofreciendo desde tu actividad académica una perspectiva de una parte de la historia musical reciente que todavía está poco contemplada dentro de Una etapa, por cierto, en la que el público ese mundo académico. estaba muy abierto a recibir experiencias Bueno, pues yo hice Historia del Arte, luego nuevas, tales como aquella música de tan- continué con los cursos de Doctorado y acgos de “Malevaje”, ¿no? tualmente estoy desarrollando una tesis que Si, era una época en la que la gente estaba versa sobre la iconografía del mundo del abierta a todo tipo de propuestas. Igual que rock, es decir, los posters, las portadas de en su momento aceptaron la nueva ola y se los discos, los videoclips, etc. Y luego, aparolvidaron del rock sinfónico y del rock urbano, te de mi trabajo personal de investigación, pues con Malevaje tuvimos suerte y recibimos colaboro dando una parte del temario de bastante aceptación. El tango era un género una asignatura que se llama “Historia de la bastante ajeno para el círculo del público roc- Música Popular”, dentro de la cual me ocukero, pero a pesar de ello se producía una po en particular de la historia del Rock, descierta conexión, quizá por la estética barrioba- de sus inicios con Elvis Presley, los Beatles, jera que tiene. los Rolling Stones, a el Rock Sinfónico, la Psicodelia, el Punk, la Nueva Ola, etc. Se Llega entonces un momento en el que te vas trata de una asignatura optativa y, aunque alejando del escenario y del ajetreo de la la gente que se apunta lo valora mucho, te fama y te introduces en el mundo de la cul- encuentras con la sorpresa de que una gran tura, a través de la universidad. ¿Cómo es parte de los alumnos están muy perdidos. este momento para ti, musicalmente ha- Por ejemplo, cuando les hablas de Janis blando?, sigues tocando, ¿no? Joplin hay quien te pregunta que si va a Si, independientemente de que yo haya en- actuar próximamente y cosas así… Pero ves trado en la universidad y hecho una carrera, que hay gente que pone mucho interés y te desde que se terminó Gabinete no he dejado das cuenta de lo interesante que es el hecho de tocar nunca y he seguido en activo. Tenía de que, poco a poco, se le vaya dando imla intención de montar un grupo que se lla- portancia académica al estudio de la Histomaba Parafernalia, en igualdad de condicio- ria del Rock, la misma que pueda tener el nes a cualquier grupo nuevo que quiere empe- estudio del Impresionismo, el Renacimiento zar con su maqueta, ir a las radios, etc. Y me o cualquier otra corriente artística de reledi cuenta de que era prácticamente imposi- vancia. Es algo positivo, sin duda. ble. Daba igual que yo fuera Edi Clavo o quien fuese, era lo mismo, estaba todo muy Antes decías que eres autodidacta, ¿qué cerrado. Llegó un momento en me di cuenta baterías españoles te han influido? de que ese proyecto no iba a ninguna parte, El que más, Pepe Sánchez, todo un clásico. pero yo quería seguir tocando la batería y Estuve una época dando clases con él en su monté un grupo de versiones con Ferni Pre- escuela de la calle Valverde. Un batería sas, mi bajista desde hace 30 años (risas), ortodoxo, pero muy potente, sin aspavienademás de un guitarra y un cantante- tos, me gustaba mucho. También recuerdo guitarra. Nos dedicamos a hacer versiones de a Félix Arribas, quien fue el batería de Los clásicos del rock y así puedo seguir disfrutan- Pekenikes. Era más sinfónico, pero tenía un do de la música, pero ya sin la presión del estilo que me gustaba mucho también. éxito, sólo por placer personal. ¿Cómo ves el actual panorama musical en Háblanos un poco de este momento actual nuestro país? ¿Ves algo innovador o que te tuyo, como alguien que está ya fuera del parezca interesante?


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...”creo que falta un poco de emoción, sobre todo dentro del Rock, echo de menos un poco de “mala leche”, de provocación.”...

Ahora estamos en la vorágine de la revolución tecnológica, algo que no se sabe muy bien hacia dónde va. Cambia la forma de presentar a los grupos, la difusión, los nuevos medios, los nuevos formatos… todo es un marasmo. Hay muchos más grupos y que cuentan con mejores medios e instrumentos, el público se ha diversificado y existen muchos más sitios donde actuar, hay mucha más información y todo está interconectado. Pero creo que falta un poco de emoción, sobre todo dentro del Rock, echo de menos un poco de “mala leche”, de provocación. Aunque suene un poco reaccionario, pienso que el Rock está muerto desde hace ya muchos años, es decir, quizás sea un género agotado en el que, de alguna forma, ya está todo inventado. He visto salir grupos en estos últimos años como los Strokes, con buenas influencias, mucho apoyo, un buen primer disco, etc., pero luego me han defraudado en el directo,

no me convencen. Ese es el rock que a mi me gustaría que funcionara, pero creo que a estas alturas es difícil hacer algo realmente nuevo y potente. El Hip Hop me llama más la atención como música moderna en la que se mezclan bases pregrabadas con sonidos “lisérgicos”, bajos funk y letras percusivas. Es algo que está muy vivo y conectado a su público, y lleva ya así unos cuantos años. Una recomendación para los que empiezan con sus ilusiones intactas, desde tu larga perspectiva como músico y como persona. Pues yo les diría que hay que intentarlo con fuerza una primera y una segunda vez… y que, si a la tercera no sale, que se busquen otra cosa (risas). Porque está realmente difícil… Edi, muchas gracias por dedicarnos tu tiempo. A vosotros, os deseo suerte en vuestra aventura.


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MESA BOOGIE TRANSATLANTIC TA-30 Uno de los grandes

Un año después del lanzamiento del TA-15, Mesa Boogie nos presenta a su hermano mayor, el TA-30, en formato cabezal y combo. El nuevo TA-30 comparte todo el Tono, calidad de construcción, diseño y portabilidad del TA-15; características que lo han elevado a lo más alto en el mundo de la amplificación. No importa lo que toques ni dónde lo toques... desde el estudio, casa, pequeños clubs o grandes escenarios, el TA-30 responderá igual de bien, sin comprometer el sonido en ningún momento. Diseñado y fabricado en Petaluma (California). A continuación destacamos sus características más importantes.


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Amplificación y previo de válvulas: 4 x EL84 de potencia + 6 x 12AX7 de Previo. Potencia asignable por canal proporcionando tres potencias y dos opciones de clase distintas: 15 W: 2 válvulas de potencia operando en Clase A Push Pull. 30 W: 4 válvulas de potencia operando en Clase A Push Pull. 40 W: 4 válvulas de potencia operando en Clase A/B. Dos canales totalmente independientes con 5 modos: Canal 1: Modos Normal (Brit Clean) y Top Boost (Brit Overdrive) , interruptor MultiWatt (15/30/40W), interruptor de activación de Loop/Reverb, controles de Ganancia con Pull Boost, Agudos, Graves, Reverb y Cut con Pull Master. Canal 2: Modos Tweed (American Clean), Hi1 (Brit Gain) y H2 (Boogie Gain) , interruptor MultiWatt (15/30/40W), interruptor de activación de Loop/Reverb, controles de Ganancia con Pull Boost, Agudos, Graves, Reverb y Cut con Pull Master. Bias fijo para un funcionamiento más consistente. Reverb de muelles independiente por canal con controles individuales por canal. Lazo

de efectos asignable por canal. Interruptores True Bypass por canal para la desactivación del Lazo de efectos y de la Reverb de la ruta de la señal. Ventilador. Chasis de aluminio. Pedal Footswitch de 2 pulsadores (Canal 1/2, Loop FX). Formatos: Cabezal, Combo 1 x 12, Combo 2 x 12. Sin duda estamos ante uno de los grandes competidores en amplificación. Mas información: www.qualities.es www.sadepra.com


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EVARompiendo BENITO esquemas Por Javier Horche. Fotos: DMM


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organa se llama su proyecto y, junto a su compañera Raquel García-Talavera, representan una apuesta decidida por las posibilidades de la autoproducción y un directo espectacular como armas de guerra para abrirse camino a través del complicado panorama musical actual.

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onsumada instrumentista y luchadora incansable, desde finales de los 90 viene desarrollando una intensa actividad dentro del circuito rockero nacional.

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na trayectoria personal que le ha llevado a evolucionar y ensanchar fronteras buscado un sonido propio y personal, sin renunciar a la contundencia que siempre ha caracterizado su trabajo.


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entrevista Estamos con Eva, ¿Eva Benito es como te gusta que te llamen? Si, bueno, es el nombre “de guerra” pero en realidad somos Eva y Raquel. El nombre del grupo es Morgana. Vale, ¿Quién es Eva Benito? Una de las compositoras y música integrante de Morgana. ¿Y cómo te da por la batería? Yo estudié música ya desde pequeña, y he estudiado piano, solfeo, percusión etc. No iba obligada por mis padres, realmente desde siempre me ha gustado la música y el lenguaje musical pero luego, cuando fui creciendo y comencé a moverme un poco más, iba a los conciertos y me fijaba en todo y fue así como tuve claro que lo que realmente me gustaba era tocar la batería. Fue más o menos por los años 90, entonces empecé a dejar de lado la percusión y otros instrumentos y a centrarme e investigar más a fondo en la batería. Además, me interesaba por la música con “contundencia”, digamos rockera, en la cual la batería tiene su protagonismo. Incluso me atrae también por la estética que tiene la batería, el tener que emplear todo el cuerpo para tocar, me gusta su lenguaje y expresión musical. A partir de ese momento, ¿cómo evolucionas como batería, entras en un grupo, das clases, qué es lo que haces? Lo primero fue empezar a dar clases de batería, si, con Luís García y con Joaquín Arellano, practicando desde las bases de los ritmos sencillos y evolucionando poco a poco hasta que tuve cierto nivel instrumental y empecé a tocar con mis primeros grupos. ¿Cuál es el primer grupo que recuerdas como primer proyecto más en serio, más formal? Tal vez un grupo que se llamaba Viejo Duende, fue el primer grupo en el que empecé a tocar en serio. Había en él muy buenos instrumentistas y aprendí mucho en aquella etapa. Luego continué en Tatuaje, un grupo ya sólo de chicas con el que grabamos nuestras pri-

meras maquetas y, desde la base de ese grupo, surgió lo que más adelante sería Morgana. ¿Y siempre moviéndote dentro del rock como estilo musical? Morgana empezó como un grupo de rock, pero su estilo iba cambiando dependiendo de los integrantes que participaban en cada momento, los cuales influían mucho a la hora de encontrar el sonido que buscábamos. En nuestra trayectoria hemos tocado con casi todos los grupos de rock de este país, hemos hecho muchos conciertos y nos hemos centrado más en el directo que en las grabaciones. Por tanto, a lo largo de esa etapa inicial han pasado por la formación muchos músicos, tanto chicos como chicas, pero no hemos encontrado una forma de compactar el sonido de Morgana que nos convenciera. De hecho, hemos seguido trabajando y buscando nuestro sonido y, al final, nos decidimos a continuar solas Raquel y yo, siendo quienes grabásemos, quienes tocásemos y, a partir de ahí, nos hemos montado nuestro propio estudio de grabación y todo está hecho por nosotras, incluyendo las guitarras, bajos, teclados, etc. Háblanos un poco de tus influencias musicales, la música que te ha gustado escuchar. Yo tengo una base bastante rockera y me gusta el rock nacional, pero también me gusta indagar un poco en sonidos nuevos y encontrar inspiración para ser más creativa en mis composiciones. De hecho, si te fijas en el sonido actual de Morgana, es algo que no tiene nada que ver con lo que se está haciendo en este momento en nuestro país, es algo más propio, con una serie de sonidos y elementos que no tienen nada en común con la música que yo escucho. ¿Qué tipo de baterías te han influido en tu trayectoria como instrumentista? Pues, por ejemplo, a mi me gusta Mikkey Dee (Motorhead), que es un batería muy contundente y, a la vez, con técnica. Entiendo la música como espectáculo, por eso me gusta que los baterías y los músicos en gene-


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...�hemos seguido trabajando y buscando nuestro sonido y, al final, nos decidimos a continuar solas Raquel y yo�...


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...”si una entrada a un directo cuesta 20 euros, estás pagando 10 por la música y 10 por el espectáculo que sean capaces de ofrecerte”...


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ral sean espectaculares además de buenos instrumentistas. Que tengan pegada en directo, con un sonido potente y que, estéticamente, formen parte del conjunto y del espectáculo. Considero que, si una entrada a un directo cuesta 20 euros, estás pagando 10 por la música y 10 por el espectáculo que sean capaces de ofrecerte. Para mi música y espectáculo son cosas que tienen importancia a partes iguales y que un artista debe reflejar por igual. ¿Y algún español…? Me gustan realmente aquellos baterías con los que he aprendido algo, como te decía, he aprendido mucho de gente como Luís García, Joaquín Arellano y me gusta mucho también Fernando Sánchez. ¿Cómo fue tu primera batería? Curiosamente fue de color rosa (risas), una configuración muy básica y muy baratita que me ofrecieron y así empecé. Luego, realmente, sonaba tan bien que la mantuve y formó parte de mi siguiente batería, ya de doble bombo y más completa. ¿Y la configuración que sueles llevar ahora? Firmé un acuerdo con Mapex y con Meinl, para promocionar sus productos, y esas son las marcas que estoy utilizando actualmente. Yo, para el directo, uso una o dos baterías acústicas (una de 20” y otra algo mayor, de 22”) y una electrónica, ya que últimamente incluimos también este sonido en nuestros directos. ¿Es complicado combinar en el directo la electrónica con la acústica? Como te comentaba, actualmente la música electrónica forma parte del sonido de Morgana y por lo tanto es necesario contar con un buen técnico de directo para poder compaginar los dos tipos de sonoridad, de forma que estén debidamente equilibrados ya que, durante las actuaciones, yo toco indistintamente tanto las baterías acústicas como la electrónica según en qué momentos y eso requiere mucho cuidado y preparación en la parte

técnica, pues son sistemas de sonorización que no tienen nada que ver uno con otro. Quizá, para entender mejor esto que comentas, deberías hablarnos un poco de qué tipo de música está haciendo Morgana en este momento, cuál es su sonido actual. Todas las novedades las vamos actualizando en nuestra nueva web: www.morganamusic.com, donde se puede ver detalles de la nueva gira que estamos preparando o los últimos temas que acabamos de grabar y que formarán parte de nuestro nuevo repertorio. Hasta el momento sólo tenemos editado un Cd-single con tres canciones, que también se pueden escuchar a través de nuestra web. Ahora estamos preparando todos los conciertos, trabajando con los sonidos que queremos llevar en el directo, y ensayando con un grupo de bailarines que intervienen también en el espectáculo. Bien, eso en cuanto a espectáculo, pero musicalmente ¿cómo es Morgana? En directo para la parte musical estamos las dos, Raquel, que se encarga de la voz y de algunas guitarras y yo que llevo las baterías y los sintetizadores, secuenciadores y demás elementos que conforman nuestro sonido. Y también, como te decía, llevamos un técnico de sonido. Con esta sencilla combinación llevamos al directo toda la música que estamos haciendo ahora. Una combinación que se podría definir como pop electrónico, o ¿cómo lo denominarías? Si, quizá como pop-rock electrónico, aunque llevamos algunos temas un poco más disco, con una base más discotequera… la verdad es que es un tipo de sonido que cambia bastante de unos temas a otros, algo bastante variado en su conjunto. ¿Y cómo reacciona la gente ante ese tipo de esquema tan particular? ¿Esperan encontrarse al clásico grupo de toda la vida, notáis quizá algún tipo de rechazo por ello o conseguís conectar bien con vuestros seguidores? No, yo creo que lo encajan muy bien, la


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entrevista gente de hoy en día está abierta a otros esquemas y lo que busca es pasarlo bien con un buen espectáculo que les divierta y les motive. Y la verdad es que nuestro público reacciona muy bien. En etapas anteriores hemos hecho directos como un grupo tradicional de músicos tocando, y ahora, con la nueva configuración que llevamos, vemos que les sigue gustando nuestra música. Quizá tengamos más prejuicios sobre esto los propios músicos que el público que va a vernos. Y nosotras estamos encantadas, pues de esta forma podemos controlar con toda exactitud el sonido que queremos, ya que antes dependíamos del estilo y la personalidad de los músicos que nos acompañaban y ahora no tenemos ese problema. Este sistema que llevamos ahora requiere más trabajo previo, pero luego tiene muchas ventajas, por ejemplo, te funciona lo mismo para una sala pequeña o para un sitio más grande y… no tienes que aguantar músicos (risas). Lo importante es lograr la conexión con el público, y los seguidores de Morgana han aceptado nuestra evolución y les sigue gustando la música que hacemos actualmente, eso no ha cambiado. ¿Te has sentido limitada de alguna forma por ser mujer en un ambiente, quizá por desgracia, tan “de hombres” como es el mundo de la batería? Siempre me he movido en el mundo de la música y, no nos engañemos, es un mundo de hombres: los músicos, los directores de las revistas, los dueños de las salas…, todos son hombres. Y sin embargo nunca he tenido problemas por ser mujer, siempre he conectado bien y me han tratado muy bien, tanto en el plano profesional como en el artístico, de cara a nuestro público, he tenido siempre muy buen rollo con todo el mundo. Tal vez en ocasiones, por ejemplo cuando hemos teloneado a algún grupo importante, la gente al principio no te hace mucho caso y, cuando ve que hay dos chicas en el escenario, de repente se sorprende y te miran con curiosidad, pero es algo más bien anecdótico. En general, no puedo decir que

haya tenido ninguna marginación por el hecho de ser mujer. ¿Cómo ves el panorama actual, profesionalmente hablando, en nuestro país? Lo que está pasando en la economía afecta también al mundo musical. Es más difícil mantenerse a partir de la música. Ahora las compañías discográficas y el entorno musical en general no funcionan y, si te quieres mantener, tiene que ser tocando en directo. Y, como el panorama económico es el que hay, pues eso afecta negativamente a todo el mundo del espectáculo, a los ayuntamientos que cuentan con menos recursos a la hora de contratar, a los dueños de las salas que tienen que sacar adelante sus negocios… pero ese es el entrono que hay. De todas formas, a nosotras no nos está yendo tan mal, hemos podido seguir funcionando y preparando giras para tocar en bastantes sitios y nos ha visto mucha gente. Por una parte creo que esta situación nos beneficia en el sentido de que los ayuntamientos ahora se ven obligados a contratar a artistas con cachés más bajos y eso nos facilita un poco las cosas a formaciones como la nuestra, que tenemos un reconocimiento más “underground”, menos masivo y que, por tanto, funcionamos con presupuestos más asequibles. ¿Y qué destacarías dentro de lo que se está haciendo ahora musicalmente? Si te soy sincera, en estos dos últimos años hemos estado centradas preparando los nuevos temas de Morgana, las giras y demás, de manera que, aunque yo siempre he sido muy dada a salir frecuentemente, moverme e ir a ver conciertos, etc., la verdad es que últimamente estoy bastante desconectada, pues, como te digo, estamos muy concentradas en nuestro propio trabajo. Pero yo siempre he preferido escuchar la maqueta de un grupo que sale nuevo a el último disco de alguien importante, porque me parecía que eso era más la realidad de lo que estaba pasando en la calle. Por cierto, ¿cómo os repartís el trabajo


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dentro de Morgana entre Raquel y tú? Raquel controla y prepara las grabaciones, elige la instrumentación y además se ocupa de las voces, aunque también graba las guitarras y teclados, estos últimos en función de lo que vayamos a necesitar más a delante en el directo. Luego, en cuanto a la composición, está más repartido. Hay temas de ella, y temas míos… actualmente

quizá al estar centrada en el control de las grabaciones haya más composiciones musicales suyas ya que su papel le acerca más a ello, pero en cuanto a las letras, me gusta mucho escribir y ahí participo mucho más yo. Intentamos repartirnos el trabajo y compaginarnos lo mejor que podemos. Lo necesitamos, porque somos sólo dos personas para hacer frente a muchas cosas, desde la


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entrevista composición y la grabación, a la edición, y luego la preparación de las giras con la instrumentación que te comentaba de dos baterías acústicas y una electrónica, más los elementos que controla Raquel tales como sus guitarras y algunos efectos de sonido puntuales, y también efectos de video que incorporamos como fondo, además de los bailarines que aparecen en determinadas partes… en fin, controlar y realizar todo eso es realmente mucho trabajo. No es como montar una banda de rock convencional con tus instrumentos y tus amplificadores y ya está. También es básica la colaboración de nuestro técnico de directo particular, Nacho García, de quien depende en gran medida la coordinación y el funcionamiento de todo el espectáculo. Y la finalidad de todo esto imagino que sería culminar con la edición de un disco, ¿no es así? No, porque consideramos que la edición de canciones ahora mismo no pasa obligatoriamente por el formato del disco. Yo personalmente soy una gran aficionada y consumidora de discos y grabaciones originales. Me encanta abrir un libreto de un disco de algún artista y ver los detalles (año de grabación, estudio, equipo, músicos que intervienen, etc.), yo disfruto con ello y soy muy coleccionista de vinilos y cd´s. Pero entiendo que hoy en día la música se mueve a través de otros canales, a través de Internet, y te puedes hacer muy conocida con una sola canción sin necesidad de editarla, aunque a todos nos guste ver nuestros temas editados. Pero ya no es algo tan necesario, no es básico para nosotras. Es decir, ¿apostáis más por recuperar la música en directo ante el declive de un mundo hasta ahora dominado unas discográficas cuyos esquemas se han quedado obsoletos? Efectivamente, no nos engañemos, las compañías discográficas han vivido hasta ahora de los royalties de sus artistas. Pero, ¿qué sucede ahora mismo? pues que el formato cd ya es algo obsoleto, consumido por un públi-

o pasar


...”hoy en día está abierta a otros esquemas y lo que busca es rlo bien con un buen espectáculo que les divierta y les motive”...

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co de coleccionistas que va en disminución y, por tanto, ha dejado de ser rentable. Las compañías saben eso y ahora se dan cuenta de que tienen que vivir de otras cosas. De hecho, estamos comprobando que actualmente los contratos con los artistas ya no están orientados a la grabación de discos, sino que ahora están orientados a los conciertos en directo, cosa que no sucedía antes. Ya, pero antes no existía Internet. Claro, ahora los artistas y grupos valoran más y son más conscientes de la capacidad propia que pueden tener por si mismos, sin necesidad de tener detrás una compañía que apueste por ellos. Gracias al alcance global e instantáneo que permite Internet tú puedes, sabiendo un poco cómo moverte en los canales adecuados, coger una sola canción y hacer que le llegue a muchísima gente, que te conozcan en cualquier sitio y usar eso como base para montar y promocionar tu gira. Creo que es cuestión de saber valorar la música en directo, pero el problema en nuestro país es que la cultura musical que tiene la gente es cero y esto hace que ver a un artista en directo todavía esté infravalorado, es decir no se valora el trabajo previo que hay detrás de un directo, lo que cuesta llegar a eso y lo que cuesta sacarlo adelante. Por eso veo tan importante, como comentaba antes, la parte de espectáculo que debe tener la música en directo, que ayude a conectar con un público que, de otra manera, no se plantea ir a un concierto de un artista que no le ofrezca esa parte de espectáculo que le divierta y le haga disfrutar. Por último, una recomendación para todas aquellas mujeres que quieran meterse en esto de la música. Pues que luchen, si verdaderamente les gusta la música, y que no se echen atrás, porque a nosotras… no hay quien nos pare (risas). Muchas gracias por estar aquí, Eva, y larga vida a Morgana. Muchas gracias a vosotros.


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MARTIN GUITARS Las innovaciones de Martin

Según C.F. Martin III, el mástil de 14 trastes fue desarrollado a finales de 1929. Con anterioridad a este periodo, las guitarras estaban por lo general equipadas con mástiles de 12 trastes. Según cuenta la historia, un renombrado interprete de banjo de la época, Perry Bechtel, sugirió a Frank Henry Martin la construcción de una guitarra con mástil de 14 trastes. Bechtel razonó que la mayor longitud del mástil aumentaba el registro de la guitarra convirtiéndola en un instrumento más versátil. Siguiendo el consejo de Bechtel, Martin introdujo una guitarra con el mástil extendido a la que dio el nombre de “modelo Orchestra.” El mástil de 14 trastes fue tan bien recibido que Martin extendió eventualmente esta característica a la totalidad de modelos en su línea. En pocas palabras, se convirtió en el diseño standard de la industria de guitarras en América.


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La guitarra Dreadnought, que toma su nombre de los grandes buques de combate británicos en la I guerra Mundial, se ha convertido en una especie de “marca de la casa” de la compañía Martin. Los modelos Martin Dreadnought originales fueron diseñados por Frank Martin y Harry Hunt, director de Chas. H. Ditson Co., un importante minorista con tiendas en Nueva York, Boston y Filadelfia. Profundo conocedor el mercado, Hunt razonó que la guitarra Dreadnought, con su gran cuerpo y sus graves poderosos, sería ideal para acompañar la voz. Las primeras Dreadnought presentada en 1916, fueron vendidas bajo el nombre de “Oliver Ditson & Co., Boston, New York.”

Al principio estos instrumentos no fueron muy bien recibidos por la sencilla razón de que no existían muchos cantantes que usaran la guitarra, y los solistas pensaban que los graves de la Dreadnought eran insoportables. Sin embargo, a medida que los cantantes folk se hicieron más y más populares, las ventas de la Dreadnought se dispararon. La Ditson Co. salió del negocio a finales de los años 20, y en 1930 Martin incorporó la Dreadnought a su línea de guitarras. En la actualidad, este modelo es un factor dominante en la línea Martin, y virtualmente todos los fabricantes de guitarras acústicas, tanto nacionales como extranjeros, ha presentado una versión de este diseño original Martin.


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PEDRO BARCELĂ“ El arte de estar entre los mejores Por Javier Horche. Fotos: Noah Shaye


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in duda alguna, Pedro Barceló es uno de los grandes baterías de este país, no es algo que diga aquí y ahora porque sí, por capricho, por amistad y cariño, sino que es “vox populi” en la profesión desde hace años.

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u forma de tocar, a priori fácil, lo distingue de inmediato, porque ese “fácil”, cuando mantienes la retina en lo que está haciendo, se convierte en un endiablado complejo que sólo los grandes suelen transformar, “sutilezas baqueteras” diría yo, Pedro es uno de esos músicos con imán ya que te atrapa desde el primer momento en que sientes su música percusíva.

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ero como no todo es técnica, Barceló tiene ese más allá que rozan los grandes, humildad, intuición e inteligencia a la hora de afrontar cualquier estilo musical.

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i a todo esto le añadimos un comportamiento exquisito como profesional y un tremendo groove como batería, ¿que obtenemos?, pues a uno de los grandes, uno de los que dominan el arte de estar entre los mejores. Con ustedes Pedro Barceló.


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entrevista ¿Tocar la batería era lo que querías? No recuerdo cuándo apareció ese deseo en mi vida. Sé que de niño andaba tocando ritmo por todos lados. Me gustaba el ritmo y me atraía, me fijaba cuando salía algo de música en la televisión, grupos, actuaciones en directo, cualquier cosa, siempre prestaba atención a la batería. Pero un día, en las fiestas de mi calle, en mi pueblo, vi una batería en directo, quedé fascinado y se produjo una especie de flechazo. Me obsesioné con la idea de tocar ese instrumento. No sé que edad tendría, quizás 8 años. Me fabriqué una con cajas de sombreros y un sillón de skay. Todos los días tocaba mi "batería" e imaginaba que era real y ademas sonaba grave, como en los discos. Así pasé un par de años, soñando con ser baterista… y hasta ahora. ¿Cómo empiezas en esto de la música? Por casualidad, como todo lo que empieza bien. Mi padre se hizo amigo del chapista que, curiosamente, era el baterista de aquel grupo que vi en la calle. Le habló de mí y me invitó para que fuera un día con él al local de ensayo para tocar su "Honsuy". Les hice gracia y me llevaron de "mascota" con ellos durante un año. Solo tocaba una lenta o dos y el chapista aprovechaba para "ligar" con alguna chica del baile. ¿Cuál fue esa primera batería? Como te digo, esa primera batería que toqué era una Honsuy, marca valenciana, con aire de los 70. No en vano corría el año 71, y era el look que se llevaba, todo muy " Beatle". ¿Tus primeras bandas...? Esa fue mi primera banda. Cuando el chapista se fue a la mili me quedé yo de titular. Tenía 12 años y la banda se llamaba "Ford Kafres". Luego cambiamos de formación y también de nombre: "Cobra". Eramos un grupo que hacíamos baile pero en nuestro repertorio también aparecían versiones de algún grupo de rock y por supuesto de los Beatles. Empecé a oír a Led Zeppelin, Deep Purple, Mahavishnu, Billy Cobham, Status

Quo, Rory Gallagher, Jimi Hendrix, Emerson Lake &Palmer, etc. Teníamos un contacto en Francia que nos traía cosas que no podíamos conseguir en España y menos en un pueblo de Alicante. ¿La mejor escuela que tuviste? No sé si fue la mejor, pero fue la única que me sirvió: tocar. Es cierto que estudié en el conservatorio, pero donde realmente aprendí fue tocando en directo. Hice muchos años de orquesta y no tuve más remedio que tocar de todo y no hacerle ascos a ningún estilo. Cuando tenía 17 años formamos un grupo muy en la onda Jazz Rock del momento. Fueron dos o tres años de carrera y luego nos separamos. Era un grupo en donde pude desarrollar conceptos e ideas que en las orquestas no se podían realizar. Improvisación, solos, groove, musicalidad, creatividad. Eso ocurrió entre el 76 y 79. Esa época fue la más importante para entender qué era ser músico y creer en la idea de dedicarme a ello en cuerpo y alma. Hasta entonces solamente era un hobby que me gustaba mucho, pero yo mismo lo vi siempre como un complemento a un trabajo serio. Mucha gente pensaba, entonces y ahora, que ser músico no era una verdadera profesión y por esa razón a la pregunta: “¿A qué te dedicas?” y a la respuesta: "músico", volvían a insistir: "no, quiero decir, ¿en qué trabajas?…" Creo que, por desgracia, no ha cambiado mucho esa idea sobre lo que es trabajar de músico. ¿Cómo saltas al mundo profesional? Si profesional se entiende como alguien que recibe un dinero por realizar una actividad, fui profesional desde el principio. Pero me imagino que te refieres a cuándo empecé a trabajar como músico de sesión. Yo llegué a Madrid en el 87 y empecé a introducirme en el ambiente de las giras en el 91. Al principio haciendo sustituciones y después trabajando con algunos artistas como baterista oficial. Nunca fui consciente de dónde estaba ni a dónde me llevaba el destino. Simple-


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...”Soy omnívoro, musicalmente hablando. Comparto la opinión de que no hay estilo malo sino músicos que no saben expresar cuando lo tocan”...


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entrevista mente me dejé llevar, teniendo mis sueños y mis metas, pero sin obsesionarme demasiado por llegar a ningún sitio. Eso me salvó de frustrarme antes de hora y abandonar. ¿Cómo era tu visión de ese mundo, tenías conciencia de lo que pasaba a tu alrededor? No tenía ninguna visión de dónde estaba ni de lo que podía conseguir. Quería tocar e introducirme en el ambiente de músicos en Madrid y simplemente seguía la "bola" y hacía los trabajos que me ofrecían. Recuerdo que un día me llamó mi amigo J. Mª Cortina y me avisó de que Ketama iba a grabar un disco en directo y buscaban batería. Me llamó Josemi Carmona y me ofreció el trabajo. La onda que se respiraba antes de grabar el que luego fue el disco "De Akí a Ketama", era que los Carmona querían realizar un recopilatorio con sus grandes éxitos. Ellos mismos no estaban seguros de que su carrera pudiera continuar, y la compañía optó por hacer este trabajo en directo como una manera de quemar un último cartucho. Lo que ocurrió después fue una sorpresa, para nosotros y para ellos. Su carrera se revitalizó por unos cuantos años más y se convirtieron en un grupo de moda y que sirvió de ejemplo musicalmente para muchos artistas del Nuevo Flamenco. Casi nunca las consecuencias se planean, simplemente hicimos algo que nos gustaba hacer, con la gente adecuada y en el momento adecuado. ¿Con qué música o disciplina musical te sentías más a gusto? Soy omnívoro, musicalmente hablando. Comparto la opinión de que no hay estilo malo sino músicos que no saben expresar cuando lo tocan. Aún así mis estilos favoritos siempre tienen groove, como mínimo. Es lo que siempre le pedí a la música: melodía y groove. ¿ Y ahora? Ahora necesito que lo que interprete tenga melodía, groove, arreglos y dinámica. El estilo me importa menos…

¿Tus maestros, los que te influyeron, los que admiras, los que te gustan? En cada época me he visto influenciado por un estilo de música y, evidentemente, por los baterías que lo tocaban. Por esa razón he tenido referencias del rock, del blues, del Jazz, del pop, del funky, de la salsa, de la música brasileña, etc, etc. Nombres, entre otros, como: Buddy Rich, Elvin Jones, John Bonham, Ian Paice, Ringo, Alex Acuña, Billy Cobham, Peter Erskine, Steve Gadd, Toni Williams, Jeff Hamilton, Steve Jordan, etc, etc, Borja Barrueta, Coki Jimenez, Jose Mena, Carlos Gamón, Javi Martin, ja, ja. Es que también me gusta gente de aquí, no solo de fuera… ¿Has trabajado con muchos artistas, dime algunos de los que te dejaron huella, antes y ahora? Por mi aprendizaje soy capaz de adaptarme casi a cualquier situación, pero pienso que estoy más capacitado para tocar en sitios donde se me exige groove, creatividad, sonido y dinámicas, y todo en un ambiente de


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total libertad. En ese sentido los sitios donde más se me han valorado estas cualidades ha sido con Ketama y con Jorge Drexler. Formas parte de la banda de Joaquín Sabina desde hace ya algunos años, ¿qué sensaciones produce el repertorio, los escenarios, el propio Joaquín, Pancho Varona, Antonio García de Diego, etc..? Yo entré a formar parte de la banda de Sabina a finales del 99, después de una larga etapa de trabajar con los Nuevos Flamencos (Ketama, La Barbería, La Niña Pastori…). Los Flamencos son improvisadores natos, tienen el famoso "arte", que no es más que tirar pa´lante sin tanto ensayo, dejando un hueco grande a la espontaneidad. Cuando entré con Joaquín no sabía demasiado de su música ni de sus músicos, exceptuando a García de Diego, que es un músico al que siempre admiré y admiro y al que había seguido desde sus grandes giras con Miguel Ríos. Pero la verdad es que me encontré con un ambiente totalmente distinto. Existía y existe una especie de jerarquía de "mando" por parte de Pancho y Antonio, y siempre entendí que había que obedecerles. Joaquín es una persona que nunca pone problemas, todo le parece bien, pide cosas pero a la hora de la verdad delega práctica-

mente todo a sus hombres de confianza y productores. Lo cual es otra manera de trabajar, bien distinta de la manera que yo venía haciendo. Hemos girado mucho tiempo juntos y sentimos afectos como si perteneciéramos a una gran familia. Eso no quita para que pueda contar desde el plano musical las dificultades que encontré a la hora de trabajarme el repertorio. Mi trabajo como batería, aparentemente sencillo, se complicó desde el principio ya que Pancho, guitarrista hasta entonces, decidió tocar el bajo. Así que nunca tuve la posibilidad de tocar la música de Sabina con un bajista de verdad, exceptuando en las grabaciones que siempre llamaban a Paco Bastante (fantástico bajista, por cierto). Pensé que iba a ser algo pasajero, pero este bajista extraordinario continuó y continúa en su puesto inamovible. Todos sabemos que el bajo es el instrumento más difícil y delicado de tocar. Se necesita un control extremo del ritmo, del groove y del silencio. Un pequeño desajuste rítmico, de pulsación, hace que no empaste con la batería y con la mezcla final de toda la banda. ¿Cómo se puede tocar una batería con un bajista que


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entrevista no lo es? Sinceramente, sufriendo en silencio, y más si el bajista es el director musical, ja, ja. A veces me inventaba lineas de bajo imaginarias y me las cantaba, de esa manera me parecía que todo caminaba mejor . Siempre con la sana intención de que el groove estuviera presente en la música y, al menos, que desde mi batería fluyera hacía el resto de la banda. He tenido que concentrar y simplificar los ritmos al máximo obedeciendo a lo que se me pedía, prácticamente, cada día. Esa fue mi función, y lo sigue siéndo. Como músico ha sido una etapa fabulosa, he podido acompañar a un artista muy especial, a un poeta-cantante con muchísimo carisma, con un poder de comunicación extraordinario y con una generosidad enorme. He tocado para miles de personas, en España y en casi toda latinoamérica. He sentido lo que es estar en una gira grande, tocando en grandes recintos, con un público entregado mucho antes de que saliéramos al escenario. He escuchado el grito de una multitud al unísono y he aprendido a aceptar lo bueno y lo malo de ser un profesional al

servicio de unas ideas distintas a las mías. En realidad, esa es la esencia de ser un profesional: trabajar para las ideas de otros. ¿Has creado producciones propias, cuéntanos cómo es la discografía de Pedro Barceló, tus últimos trabajos, el presente...? Yo siempre tuve un segundo instrumento que amo que es la guitarra. Con la guitarra podía componer melodías y siempre lo hice. Mi carrera como batería profesional no dejaba hueco para sacar todas esas canciones fuera, a la luz de un público. Hace tres años descubrí que Laura, mi compañera, cantaba como los ángeles, por casualidad (bendita casualidad). Me animé y empezamos juntos a componer, yo la música y ella las letras. Así nació el proyecto que me tiene ilusionado: Sweet Wasabi. Grabamos en el 2009 y lo editamos de una manera totalmente independiente. He trabajado para otros durante dos décadas y había olvidado la sensación de tocar tu música con los músicos que deseas. Reconozco que no hay nada más gratificante y más satisfactorio. Sweet Wasabi necesita de mucha entrega para sacarlo adelante y por ello en este año voy a dedicarle tiempo. He estado el último año prácticamente viajando con Sabina, en España y Latinoamérica, con lo cuál no he podido tocar con mi grupo apenas 8 o 9 conciertos. Ahora toca empujar lo que hemos empezado y encontrar un hueco dentro del panorama de grupos independientes. Otro aspecto de tu vida musical son los clinics o master class, ¿cómo son estos eventos que vienes realizando desde hace tiempo? Empecé a dar clinics desde la época que trabajaba con Mapex. Me sentía terriblemente cortado, cohibido al ponerme delante de un público para hablar y contar mi experiencia con el instrumento. Lo pasaba tan mal los primeros minutos que casi no podía articular palabra. Más tarde, cuando empecé con Yamaha, continué haciéndolos y aprendí a relajarme y a disfrutarlos. Este año, con el lanzamiento de mi caja signature hemos querido programar una gira de clinics que empezaremos el día 7 de Mayo


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...”Soy un músico que siempre pensó que la música era el mejor camino que podía elegir para ser uno mismo y sentirse feliz”...

en el Circulo Creativo de la localidad de Yuncos (Toledo). La gira se llamará "IT´S ONLY MUSIC BUT I LIKE IT. Batería para músicos". He intentado resumir mi filosofía del instrumento y he querido mostrar la batería como algo dentro de la música, no como una maquinaria técnica que despliega su poder, el poder del virtuosismo. Me he esforzado en poner ejemplos prácticos y musicales ayudándome con una guitarra, un looper y mi voz. Espero poder desarrollar todo eso y que la gente reciba el mensaje de que un instrumento no es más que un medio, no el fin y que, para utilizarlo de una manera musical, debemos pensar en el todo, en el arreglo, no en lo que tocamos individualmente. Eres endorser de la compañía Yamaha, ¿cómo es el set que llevas actualmente? En esta gira con J. Sabina estoy utilizando el último modelo de Yamaha de la serie " Club Custom", serie apoyada y presentada

por mi admirado Steve Jordan. Es una batería construida como se hacían las primeras baterías Yamaha. La madera es kapur y tiene una proyección en medios y agudos que la hace sonar muy retro. Estoy muy contento con ella, no solo yo, también los técnicos. Además es más bonita en vivo, ya que tiene un acabado pintado en relieve. Supongo que el desastre ocurrido en Japón retrasará la producción. Yo, por suerte, tuve la oportunidad de tocar el único modelo que Yamaha ofreció a cada endorser de cada país. Me siento afortunado... Recientemente ha salido al mercado una caja signature con tu nombre, ¿Cuéntame cómo es esta caja y en qué has intervenido a la hora de diseñarla? Esta es otra razón más para sentirme doblemente afortunado. Javier Ochoa me llamó y me dijo que querían hacer una caja signatura con mi nombre. ¡¡Uf!!, me sentía tan orgulloso de ello que casi no me lo creía. Por


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entrevista supuesto dije que sí y nos pusimos en marcha. Japón nos daba a elegir maderas, cascos y otras características que se usan en toda las gamas de cajas que ellos fabrican. Estuve mucho tiempo visitando webs de fabricantes y luthiers para saber qué cosas influían en el sonido y qué características debería elegir para conseguir una caja de estilo vintage renovada. Primero elegí el color y para ello lo saqué de los catálogos de baterías antiguas de los años 20 y 30. Javier empezó a mandar mails a los japoneses y a "negociar" ese color ya que no lo tenían en ninguna caja. Por lo tanto la primera victoria fue conseguir un color nuevo. Una vez conseguido el color reuní todas las características que me interesaban (con alguna consulta telefónica a Joe Bass, para orientarme) y lo mandamos todo para que nos hicieran el primer prototipo. Lo probé y desobedeciendo algún consejo cambié alguna especificación más. Al final quedó una caja en arce de 14x6", de cuatro capas con refuerzo de seis, con tres salidas de aire y, lo más importante para mí, con dos apagadores internos para conseguir afinaciones graves apagadas sin necesidad de poner nada encima del parche. Hemos intentado ofrecer al público una caja con una estética pretendidamente retro y que busca un sonido vintage, con brillo y tono actual. Ojalá que la acogida sea buena por parte de los bateristas. Aprovecho para dar las gracias a mi amigo José Mena porque sé que fue el responsable de encender la mecha de este proyecto… ¿Por qué esta marca y no otra? Porque fabrican baterías de calidad, porque es la marca con la que trabajo y porque Javier Ochoa (jefe del departamento de batería en Yamaha España) y yo, somos dos personas que compartimos algo muy importante cada vez que nos proponemos hacer algo: ilusión. Más allá de la marca, está la gente que trabaja para ella. Es importante que sea competente, pero muchísimo más que ame su trabajo. Mientras sea así yo estaré con

Yamaha. Por supuesto, estoy feliz con el sonido que consigo con estas baterías, si no sería imposible creer en lo que hacemos. ¿Planes de futuro? Mis planes siempre son a un mes vista, así es mi profesión. Llegaré a Madrid a mediados de Abril y tocaré con Sweet Wasabi en una sala cerca de Gran Via (miniTeatro por Dinero), el día 28. Luego haré unas presentaciones del nuevo trabajo de Josemi Carmona (ex-Ketama), y a finales de Mayo volveré con Joaquín por 20 días y recorreremos EEUU, México, Puerto Rico y Costa Rica. ¿Luego?… ¡¡No lo sé!! Después de tantos años tocando y grabando, ¿Quién es Pedro Barceló, visto por Pedro Barceló? Soy un músico que siempre pensó que la música era el mejor camino que podía elegir para ser uno mismo y sentirse feliz. Lo he conseguido muchas veces y otras no, pero sigo teniendo el mismo sueño que cuando empecé. Ahora, en mi madurez, he encontrado una salida para seguir creando y participando en proyectos que me motivan y me mantienen vivo. No creo en la crisis de la música, no puedo creer porque me siento más activado y con más ganas de hacer cosas que nunca. La industria se muere, los grandes productos se van cayendo, pero los músicos podemos seguir expresando como siempre. La gente necesita de esa fertilidad musical, de volver a la música en directo para ver pequeños conciertos en donde se reconozca lo que es verdad y lo que no. Es el momento de regresar al principio, a lo sencillo, a lo que es eterno. Leí una frase de un experto en economía que decía y resumía muy bien el mercado de la música que viene: "Hasta ahora había miles de personas con millones de dólares. En un tiempo habrán millones de personas con miles de dólares". ¡ Que así sea! ¿Qué significado tiene para ti la música, qué te aporta la música a estas alturas? La música es el medio que me permite ex-


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presar lo que siento, es la libertad más grande que conozco junto con el amor que comparto con mis seres queridos. No hay secretos, podemos elegir el camino que queramos: ser grandes estrellas o no; ganar dinero o no; tocar tu propia música o no; ser un virtuoso o no; gustar a mucha gente o no; ser endorser de Yamaha o no; tener tu propia caja signature o no; ligar con las chicas después del concierto o no; ponerte hasta el culo de cubatas o no; ser admirador de Belén Esteban o no; ¿qué sé yo? Lo cierto es que, si cuando estás delante del instrumento no eres capaz de expresar nada, nunca serás feliz siendo músico. Una recomendación para todos aquellos que empiezan... No tener prisa por llegar a ningún sitio. Forjarse un sueño. Soñar os dará la confianza en vosotros mismos y la fuerza para seguir.

La prisa por llegar más o menos lejos no ayuda a realizar vuestro sueño, siempre traerá decepciones. Disfrutar cada vez que toquéis como si fuera la última vez de vuestra vida, y siempre ser amigos de los que comparten con vosotros el escenario, porque ellos son los que os enseñaran cómo se debe tocar. Así que: "Soñad, soñad, benditos…" y escuchar todo tipo de música. Gracias por dedicarnos un poquito de tu tiempo en medio de esta gran gira americana, Pedro. Saludos cordiales. Direcciones de interés: www.pedrobarcelo.com/www.sweetwasabi.es


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taller de batería

FOLCLORE ARGENTINO: HUYANO Huayno (Región noroeste) Fragmento extraído de mi libro “Corazón de Legüero”

Por Juan Carlos Roth negro_roth@hotmail.com

Hola amigos de DMM ¡acá arrancamos este 2011 a full! Les presento un ritmo muy alegre de la Republica Argentina y espero que les guste. Es una danza y música originaria de Bolivia, Perú y Ecuador, donde recibe el nombre de sanjuanito y entra a la argentina por Jujui. También se conoce como huaino, huaiño, wuyñu, wayño o guaiño. Es un ritmo muy popular y movido escrito en escala pentatónica y compás binario. Las canciones, muy populares, están formadas por frases que constituyen una estructura simple y corta que se repite una y otra vez. Se puede bailar en pareja o también se baila formando un círculo compuesto por varias personas que realizan un zapateado en conjunto. En cada provincia varían los pasos, el ritmo y el atuendo. El huayno no falta en los bailes populares y de carnaval, pero también es posible ver su ejecución como parte de los atractivos folclóricos que se muestran a los turistas en los teatros y salas de fiestas. Por lo general, se toca con guitarras, tambor, un tipo de maracas y arpa. Ya sabemos el origen, entonces pasaremos a la aplicación en batería del ritmo. El siguiente ejemplo es el ritmo básico orquestado partiendo del patrón rítmico. Tocaremos bombo junto con hi-hat (con mano derecha) juntos y luego los dos redoblantes en semi-corcheas solamente un golpe con cada mano (D-I)

Variación característica del huayno:

Algunos huaynos populares para tocar son: ojos de cielo, canción y huayno, huay ay ay etc. Escríbanme a negro_roth@hotmail.com, cualquier consulta u opinión será bienvenida. ¡¡Un abrazo grande amigos cibernautas!!


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entrevista

INMASentimiento SERRANO musical Por Javier Horche.


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ablar de Inma Serrano, es hablar de vitalidad y sentimiento ante la música.

s una de nuestras cantautoras más queridas, alguien que se ha hecho un hueco en el panorama musical a fuerza de mucho trabajo, tesón y sincera creatividad.

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n esta ocasión, con motivo del lanzamiento de su último disco, "Voy a ser sincera", nos acercamos un poco más a su sentir y recuerdos.


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entrevista ¿Quién es Inma Serrano, vista por ella misma? Soy una cantautora que cree en la música como vehículo para mostrar las cosas que nos ocurren cotidianamente; procuro ser un espejo donde los demás puedan reconocerse. Por suerte lo que hago, lo hago completamente consciente y feliz. Utilizando el título de una de mis canciones, diré que “Soy quien quiero ser”. ¿Cómo te dio por esto de la música? Desde pequeña supe que me quería dedicar a esto. Mi hermana estudiaba en Granada y cuándo regresaba con su guitarra. Todo el mundo decía “que viene Ana… y viene con la guitarra…”. Era una explosión de alegría. Incluso a los más pequeños nos dejaban acostarnos tarde. Entonces yo decía que de mayor me quería dedicar a esto. Llegar, sacar la guitarra y dejar que surja la magia… Y aquí estoy. Cuéntanos algo sobre tu forma de componer. Depende de cada canción, de si tengo a mano la guitarra. Las circunstancias, las sensaciones y el momento son los que mandan.

vida”, cantado por el gran Caco Senante, quien la hace muy profunda y preciosa. Ahora seamos sinceros (risas), ¿Qué es "Voy a ser sincera", tu nuevo álbum? Es el fruto de muchas idas y venidas entre México y España. Es el resultado de tres años de intensos viajes y una apuesta a mi consolidación y crecimiento en México. ¿Cómo ha sido la producción, qué músicos han intervenido, productor, etc.? Realmente en este disco he cambiado de equipo al completo y lo que me ha empujado a eso ha sido trabajar entre México y España. En el sonido se nota la mano de los diferentes productores, tanto Aureo Baqueiro como Pedro Andrea. Ha sido un lujazo trabajar con ellos y es maravilloso ver cómo hay una continuidad en todas las canciones.

Ahora que ya llevas dentro cierto tiempo, ¿qué sensaciones te da este mundillo? Es muy bonito, hay que estar muy atenta y entregarte, pero realmente merece la pena…

Hay guiños al blues y al reagge, ¿te apetecían especialmente estos dos estilos musicales? Confieso que soy un poco gamberra y me gusta probar… Como artista y cantautora no quiero que me encasillen en un estilo determinado. Me apetecía algo fresco, divertido y dinámico. Ese es el caso de “Arena y Sal” que rompe mi estilo y de la cual hago dos versiones.

¿Qué es el escenario para ti? Sin duda es la prueba de fuego… es la razón de ser de mi trabajo, es el momento mágico en el que presento al público mi música. Siento mucho respeto y responsabilidad, pues es crucial.

¿Como ves el actual panorama de la música, en general y en España más concretamente? El mundo de la música es un reflejo de la sociedad. Estamos en un momento en el que todo es cuestionado y puesto patas a arriba.

¿Cómo te encuentras más a gusto, componiendo, ensayando o durante las galas? Todas las etapas son igual de importantes, hay que cuidar todos los pasos y cada uno de ellos tiene su encanto. Son imprescindibles para llegar a la meta; en el caso de la composición, es una labor más solitaria y luego llega el momento en que tienes que compartir lo escrito y dejarte llevar por el trabajo de los demás.

Un consejito para quienes empiezan en esto de cantar... Mucho trabajo, paciencia, formación y preparación. Nunca se puede dejar de asumir riesgos, pues eso es vivir.

De toda tu discografía, ¿cuál es esa canción a la que sigues queriendo después de tantos años? Quizá la niña de mis ojos es “Te esperaré una

Mas información: http://www.inmaserrano.com


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Gira de Inma Serrano 30 de Abril de 2011 Segovia Venta de Entradas: Pendiente

1 de Mayo de 2011 20:30h テ」ila Venta de Entradas: Pendiente

10 de Mayo de 2011 Teatro Parallel, Barcelona Venta de Entradas: Fnac , Carrefour, Halcテウn Viajes , TicketMaster

16 de Mayo de 2011 20:30h Teatro Alameda, Mテ。laga Venta de entradas: Taquilla, Entradas.com


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entrevista

PÁJARO JUÁREZ La magia de acompañar... bien Por Javier Horche. Fotos: DMM

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ario José Juárez Imán es su nombre, aunque todos le llamamos Pájaro, Pájaro Juárez. Un argentino espigado e inquieto que lleva más de veinte años acompañando un buen puñado de artistas con su guitarra.

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n trotamundos generoso y simpático que no sólo te envuelve con su guitarra, sino que te contagia una maravillosa vitalidad y buen rollo en cuanto te paras un rato a charlar con él.


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ájaro se ha topado con un montón de artistas desde sus jóvenes inicios en la música, con un montón de estilos musicales, que abarcan desde el folklore de su país (Argentina), hasta el más puro jazz.

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espués de viajar por distintos países a uno y a otro lado del Atlántico, lleva afincado en nuestro país desde hace más de veinte años y es uno de los más prestigiosos guitarristas de aquí y no sólo como virtuoso de la guitarra, sino también como arreglista y director musical de distintos eventos teatrales y discográficos.

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n esta entrevista, descubrimos, que acompañar es un arte, un arte que Pájaro Juárez hace de forma admirable, pero sobre todo descubrimos a una gran persona, con un gran corazón musical y personal.


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entrevista ¿Porqué eso de Pájaro, de dónde viene?(risas) Bueno, mi nombre real es Mario José Juárez Imán, mi abuela quería que me pusiesen José María pero al final se quedó en Mario José, hubo una lucha ahí con el dichoso nombre, pero al final triunfó el Mario José, después lo de “Pájaro”, es un apodo bastante común en mi tierra, particularmente en la zona de la sierra de Córdoba (Argentina), me lo puso una maestra de quinto grado, porque decía que yo siempre estaba volando, una profesora guapísima por cierto… Después un compañero de clase siguió con el apodo y ahí quedó, pero no deja de ser un apodo común en la zona, yo recuerdo conocer a cuatro o cinco “Pájaros” (risas)… en los pueblos de la zona de “Punilla”, que es un departamento de Córdoba, ya sabes que allí se dividen en departamentos, lo que aquí se denominan municipios o concejos, etc. Similar al entorno de Segovia aquí en España, una zona serrana con mucho pino, zona turística… Y allí en Punilla nace Mario José, ¿Cómo te da por esto de la música, en ese recóndito lugar? Mi madre enfermó cuando yo nací y me tuvieron que criar unas tías abuelas, me llevaron a una zona del sur de la provincia de Córdoba, donde está la gran Pampa argentina un lugar precioso llamado “Bell Ville”, allí me dejaron con mis tías abuelas y una de ellas estaba muy metida en política, se dedicaba a organizar los eventos electorales, festivales etc. A través de ella, en su casa paraban los grandes artistas del país, con cinco años conocí a grandes estrellas como Jorge Cafrune, Horacio Guaraní, folcloristas que fueron los pioneros de muchos músicos después, ellos fueron los que me enseñaron los primeros acordes, tomaban la casa de mi tía como para y fonda, mi país es muy grande, había desde Buenos Aires unos cuatrocientos kilómetros de distancia y en aquella época eso era mucho, por eso siempre paraban allí, en agradecimiento, ellos tocaban y compraban comida a cualquier hora. En ese ambiente crecí, es decir, la profesión vino a mi, yo recuerdo que ya con

cuatro, cinco años me sabía las canciones, me conmovía todo ese ambiente, sabía que yo quería ser eso, formar parte de “eso” que escuchaba. Tiempo después, cuando mi madre salió de su enfermedad seguíamos yendo en vacaciones y seguía viendo a todos aquellos artistas; y ya a los ocho o nueve años, como yo estaba ya tocando desde los cinco, alguno de esos artistas, querían que me fuese con ellos de gira, mi padre se oponía lógicamente, ya que solo tenía ocho o nueve años… Teníamos grandes peleas, porque yo quería irme a tocar. Entonces con nueve años ¿ya tocabas la guitarra? Si, si. Con esa edad ya tocaba, hay que decir que en mi país, el folklore era muy respetado y teníamos muchos festivales infantiles, en un cuarto en el desván, mi padre tenía guardado todos los trofeos conseguidos, aún a pesar de las peleas que teníamos por la música. A mi me gustaba mucho acompañar, he sido siempre el guitarrista que acompaña a un cantor, así ha sido siempre mi vida, acompañar tangos o folklore. ¿Cómo llega a ti tu primer instrumento, tu primera guitarra? Mi primer instrumento, no fue una guitarra, fue un bombo “legüero”, se dice así, porque se oye a una legüa (risas), me lo regaló un pariente lejano, porque una vez en su casa había tocado en el y como me sabía todos los ritmos, me lo regaló y fue el que convenció a mi padre para que me comprase una guitarra. Siempre estaba merodeando por cualquier sitio que tuviese música, con unos y con otros tocando, entonces cuando mi padre me regaló la guitarra, yo ya sabía tocar, ya que siempre había una guitarra en casa de mi tía, unos y otros me enseñaban acordes etc. A partir de ahí con once años yo ya tuve conciencia de que quería tocar, incluso me acuerdo del día en que con once años, me pagaron por tocar, me pareció alucinante, me habían pagado por tocar. La verdad es que no había muchos sitios donde tocar,


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entrevista

pero en el verano, en la zona de Punilla, por ser muy turística, había más de cuarenta hoteles en un radio de sesenta kilómetros y empecé a trabajar en ellos, jamás pensé salir de allí de ese círculo, ya que con doce años, yo ganaba más que mi padre y mi madre juntos… Pero claro, eso eran solo tres meses, entonces ¿donde iba a tocar?, en el “Puticlub” de la zona, (risas), “El Emir”, solo había uno por allí, donde iban todos los amigos de mi “viejo” (risas), pero jamás le iban a decir a mi padre que yo andaba por allí , que me habían visto, por aquello de que yo no dijese nada de ellos, entonces había una relación de complicidad curiosa, yo podía sacar de ellos lo que quisiese y abusaba de ellos con copas. Entonces me fui a vivir al hotel que había detrás del “Puticlub”, cuya sala de recepción inmensa era propiamente el salón de “Puticlub” y allí vivía yo que era un niño, con veintitrés putas (risas), que eran como mis madres, yo era el niño mimando, todo el día tocando y rayando discos, como digo yo.

Había un montón de discos, yo tenía las llaves, vivía allí, este sitio me abrió a todo un mundo musical alucinante. Y ¿Cómo es cuando empiezas ya con tu primera banda? En este sitio que te digo (Puticlub), tocábamos de trío, éramos batería, bajo, y guitarra y acompañábamos los “streptease” de las chicas y a los artistas que venían de fuera los fines de semana, que era como el show, artistas de tango, de jazz, de folclor, era como una especie de cursillo de diferentes estilos y no nos sabíamos los temas, teníamos mas de doscientos discos y con eso nos apañábamos, a nueve kilómetros de allí teníamos otro pueblo más grande donde encargaba los discos, lo tenías que pagar por adelantado y el disco llegaba varios meses después. Yo ya con esa edad podía vivir de la música, era autónomo y allí mismo cree mi primera banda, con un pianista, un bajista, un batería y yo creamos allí mismo se llamaba


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“Triangulo”, con todos ellos he mantenido el contacto. Después el dueño del “Puticlub”, puso otro local cerca de Santa Fe y allí ya conocí a un guitarrista que necesitaba un bajista, me fui con el y ya empecé a hacer giras por Argentina, de pronto llegamos a Buenos Aires, me gustó mucho la ciudad y me instale allí gracias a otro pariente que me ayudo muchísimo, esto fue en el año 78 coincidiendo con el mundial de futbol. Hubo muchos problemas sociales y políticos, pero la guitarra siempre fue como mi documento de identidad, nunca tenía problemas precisamente porque me veían como un músico y no les parecía sospechoso. Allí empecé a estudiar y a conocer gente. Ya en los ochenta, recalé en La Plata, una ciudad cerca de Buenos Aires, allí ingresé en un grupo con el que tocábamos en los hoteles y conseguimos un contrato en una de las televisiones más importantes de Argentina la ATC, parecido a La 1 en España y allí tocábamos en un programa llamado “Omnibus”, un Magazine que duraba varias horas, con la banda en directo. Cuando ya estaba instalado y en el mejor momento de mi vida, se hundió todo por la guerra de las Malvinas, me quedé sin nada, se restringieron los contratos y me quedé sin trabajo de la noche a la mañana, me enfadé con el país, no podía ser. Malvendí todo lo que tenía, me quedé solo con una guitarra, un bajo y una bolsa con ropa, como tenía unos amigos en Munich, me fui para allá, haciendo escala en Barcelona, porque la inflación se comió parte del pasaje y desde allí tomé un autobús a Munich, mas de 21 horas de autobús. Y te instalas en Munich. Si, con ayuda de mi amigo Luis del primer grupo Triangulo, allí ya empiezo a tocar por toda Alemanía, tocando tangos con unos, bosa nova, etc. Con grupos de gente alemana, acompañando cantantes. Hasta que por medio de unos amigos españoles y una cantante Argentina que vivía en Madrid, me

traslado a España, donde me quedé, aquí tocando en Oba Oba en una jam, me salieron varios trabajos, por lo que volví a Alemania a recoger mis cosas, a los veinte meses de estar trabajando por aquí me estaba casando con la madre de mi hija (risas). Un mes después de casarme, me llamó un amigo y me dijo que estaban buscando un guitarrista y me salio un trabajo con un gran artista, me refiero a Carlos Cano, estamos hablando del año 86 y ese verano hice con él mi primera gira, la primera actuación fue en Sevilla, estuve ocho años con él y siempre me trató muy bien, con mucho respeto. Como no tocaba mucho la guitarra, me llamaba para grabar las primeras maquetas de las canciones que iba componiendo. Era sobre todo un gran letrista y giramos ya digo unos ocho años, después hubo un par de accidentes en carretera, uno particularmente grave y ahí me cambió el chip, me dije que ya era hora de tocar lo que me gustaba, ahí volví al mundo de jazz, etc. Hay que tener en cuenta que eran otros tiempos, en aquellos años noventa había casi quinientos sitios donde tocar en directo en Madrid y me dedique a tocar jazz y a estudiar. Antes había regresado a Argentina por un periodo de dos años a cuidar a una de aquellas tías abuelas que estaba enferma, fue un periodo de estudio, de reencontrarme a mi mismo musicalmente, sin agobios, la cual hecho de menos muchas veces. Cuando regresé en el año noventa y tres,


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entrevista monté una banda de soul “Soul Brothers”, tuve algunos problemas médicos, me separé, conocí a mi nueva pareja (Paz Guillen), magnifica percusionista y vocalista y me fui a vivir a un pueblecito de Segovia, cerca de la naturaleza. Ya entonces se notaba que el ambiente musical iba a menos y volví a mis inicios de acompañar a artistas. En la actualidad tengo un plantel de más o menos veinte artistas, con los que giro, donde esta también mi pareja Paz Guillen que tiene un extenso curriculum musical, con artistas como el Dúo Dinámico, Rosana, etc. Es decir, siempre acompañando. ¿Con qué equipos e instrumentos te has movido? Pues con Carlos Cano por ejemplo llevaba, guitarra eléctrica, española y en algunos temas, bandurria, que mal aprendí, lo que se denominaba pulso y púa. Amplificadores me acuerdo que tenía Fender, Mesa Boogie, un par de Gallien-Krueger y en cuanto a modelos de guitarras, Fender Stratocaster, bajo Fender también, después compre en un bajo Yamaha, una guitarra Hagstrom muy bonita tipo Les Paul sueca, una 155 de Gibson, una Ovation Collector que tenía dos octavas y afinaba muy bien. Me la robaron. Teníamos un trío con Rubem Dantas que funcionaba muy bien… Nos llamábamos “Los Mercenarios”, tocábamos en cualquier parte, se trabajaba mucho. Tuve un año que tocaba con Carlos Cano, Pimpinella y Luís Aguilé (risas), me volvía loco, pero eran muy buenas épocas. ¿Cuál de esas guitarras era tu favorita? Una de mis favoritas era esa que me robaron la Ovation Collector del año ochenta y nueve, después tuve una Fender Set Neck que la vendí para comprarme una Parker, también la Gibson 155 me gustaba mucho, la había traído de Alemania y estaba encantado con ella. La verdad es que no me decanto por una sola.

Tus maestros, ¿quiénes te han gustado más, los que más te han influido? En global tengo cuatro o cinco, pero los que más me han influido son John Mclaughlin, Pat Metheny y Mike Stern, aunque hay uno por encima de todos que es, Jaco Pastorius, nunca nadie me conmovió tanto como Pastorius, él cambió el rumbo del instrumento, hubo un antes y un después. Cambió la función de acompañamiento del bajo para convertirlo en líder, no creo que en mi generación haya habido alguien que me haya conmovido tanto. ¿Y en la actualidad, que te gusta? Pues podría hablarte de Madrid por ejemplo, Israel Sandoval siempre es un placer tocar con él y además también es de Córdoba, de Priego de Córdoba, pero de la española (risas). A veces tocamos en trío en alguna fiesta, cuando él llegó a Madrid a mi me dio mucha vidilla. La verdad es que con la cantidad de información que hay hoy en día a golpe de un clic de ratón, eso produce un montón de grandes músicos con mucha técnica, a diferencia de aquellos años en los que tenía que esperar varios meses un disco, hoy en día es la hostia. Pero en la música por otra parte no todo es técnica, hay que tener groove, tener peso, hay que tener alma. En realidad yo soy un poquito antiguo a la hora de escuchar, Antonio Serrano (armonica) y Paco de Lucía, son dos personas que me han conmovido, pero por ejemplo también podría mencionar a otros desconocidos, yo nunca escuche a un guitarrista tan similar a Joe Pass en el jazz como a Costa Lucas, un húngaro que vivía en Munich, lo que pasa es que traficaba con cuadros robados, ese era su oficio (risas), lo acompañaba tocando bossa nova y cuando hacáa los solos, era una pasada, alucinaba, me perdía viéndole. En la música hay un montón de tipos como Costa. Hemos hablado de sentimientos en la música, ¿qué es para ti el groove?. Caminar por la vida intentando dar y recibir todo lo que puedas, es decir ser una emiso-


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ra para dar y un radar para captar, todo el puto rato (risas), este oficio tiene eso, somos afortunados, no tenemos que ir a un museo para ver un cuadro, podemos estar en un servicio meando y cantando una canción y al tío de al lado puede estar gustándole, eso es el privilegio que tiene este oficio, aparte de los amigos que puedes lograr, el groove también está en todo eso. ¿Cuál es tu realidad musical actualmente? Actualmente estoy de asesorando musicalmente al grupo de teatro “Yllana”, que está montando una obra muy bonita que se llama “Sensormen”, que estará en Los teatros del Canal, vengo ahora de un ensayo con el grupo Samanbaia, brasileño, donde tocamos a varios autores brasileños y con mi mujer Paz Guillén, estamos grabando distintas producciones en nuestro estudio de grabación, además de nuestras giras, también con Paloma Berganza, con la que estamos haciendo un dúo y una veintena de cantantes, Fernanda Cabral, con la que he grabado unos bajos y guitarras de su disco y es posible que tenga-

mos una gira por Brasil a la que me incorporaré en septiembre, en fin, no paro… Con los hermanos Baselga en sus estudios Infinity, dos personas admirables que siempre están innovando, con mi pagina web, es decir, ¡nunca he trabajado tanto! (risas). Siempre pido consejos a músicos como tú para aquellos que empiezan… una recomendación, lo que quieras para todos aquellos que empiezan y tienen inquietudes. Que copien para aprender, pero que sientan al tocar para divertirse, creo que eso es fundamental, es algo que yo he hecho. Muchas gracias por tu tiempo Mario, ha sido un placer esta entrevista contigo. Gracias a vosotros, me lo he pasado muy bien recordando y hablando de algo tan maravilloso como es la música. Mas información: http://www.pajarojuarez.com http://www.myspace.com/pajarojuarez


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entrevista

GERMÁN LÓPEZ Clamores y Galileo Galilei Por Javier Horche. Fotos: DMM


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ermán López , es el artífice de dos de las salas de directo más importantes de España y más concretamente de la noche madrileña, Clamores y Galileo Galilei.

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or sus escenarios han pasado todo tipo de artistas y grupos, cantautores, jazzistas, poperos, rockers, flamencos, humoristas, es decir, todo un elenco de nombres cotizados y artistas que empiezan.

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ara todos ellos hay una figura especial a la que acudir para subirse a las tablas, Germán López.

n este reportaje descubrimos a una persona que se la juega cada noche de estreno, dando alas a la creatividad de los artistas y grupos que contrata.

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sta es una parte de la historia de cómo se llega a ser legendario tras el escenario, en las bambalinas, luchando a diario por conseguir que el escenario siga abierto, que la cultura musical tenga su directo, que el show no se pare.

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n sueño hecho realidad que ya dura más de 25 años.


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entrevista ¿Cómo surge tu llegada a este mundillo del directo, cómo surgió todo esto de Clamores y Galileo? Pues podría decir sin pecar de falsa modestia, que después de una prolífica carrera hostelera, después de haber estudiado en la escuela de hostelería de Santiago de Compostela, en la superior de Madrid, he viajado trabajando como camarero en Inglaterra, Francia, Estados Unidos, Italia y recalé aquí en Madrid, concretamente en el hotel Palace, desde donde salté posteriormente al Hotel Ritz, desde allí pase a restaurantes como Jockey o Las Lanzas, entre otros, para más tarde, un poco cansado de la hostelería clásica y sus formalismos, arribé hacia el barrio de Argüelles, donde se movía la bohemia estudiantil de aquellos años 70 y donde los locales se caracterizaban por aquellas tertulias que eran el caldo de cultivo para la lucha antifranquista. Allí, en un local que se llamaba “El Narizotas” comencé mi andadura por la zona de Argüelles-Moncloa, en locales como La Emeroteca, Novechento, hasta llegar a abrir Bogar, donde ya era socio. Allí estuvimos dos o tres años hasta que lo vendimos y abrimos Clamores. A mi me gustaba el jazz, me gustaba el ambiente que rodeaba al jazz, su bohemia… Me había aficionado realmente en New York ya que trabajaba en la calle 13 a doscientos metros del Village Vanguard y trescientos del Blue Note, con lo cual una noche en el Village Vanguard y otra en el Blue Note (risas)… entre los camareros nos conocíamos, ya que ellos también venían a comer al restaurante donde trabajaba y allí surgió la idea, ya que en Madrid solo existía como garito de jazz, como local, como club de jazz, el viejo Whisky Jazz de Diego de León, que no el de Marques de Villamagna, y luego al año siguiente fue cuando abrió el Café Central. En ese momento pensamos que la oferta jazzística era ínfima y lógicamente acertamos puesto que tuvimos durante diez o doce años llenos casi a diario, eran tiempos en los

que el público salía a tomar copas todos los días, a ver cultura, a escuchar música, ahora los jóvenes salen hasta las seis de la mañana a emborracharse, antes era otra cosa, se salía para ver cultura, para escuchar música, para ligar incluso, ahora es como digo salen viernes o sábado y funden el presupuesto, el suyo y el de sus padres, hasta las seis de la mañana, cuando antes a las tres todo el mundo se iba a casa… (risas). ¿En aquellos años una vez abierto Clamores, empezaron a llegar los artistas o tuvisteis que ir a buscarlos? Llegaron inmediatamente, a los 15 días ya teníamos lista de espera, afortunadamente para nosotros y desgraciadamente para los músicos. Había poca oferta de locales para tocar en vivo y menos de jazz, solamente uno. ¿Había ya muchos artistas de jazz en Madrid? Por supuesto que había y ahora también, en España hay un elenco de músicos de jazz estupendo, pero eso si, del jazz yo creo que solamente viven veinte o veinticinco como mucho, el resto compagina con otras músicas, o comparten escenario con otros artistas como Sabina, Serrat, Alejandro Sanz, etc. ¿En que año se funda Clamores? En mil novecientos ochenta y uno. ¿En aquel entonces, fue difícil estar a bien con la municipalidad, es decir, tener los beneplácitos de la administración para ofrecer música en vivo, o teníais ya problemas? Siempre hay problemas, en un local de hostelería, siempre hay problemas. Aunque tengas todos los permisos, que por cierto, después de veintisiete años, tenemos todo el beneplácito de la administración municipal ya tenemos la licencia definitiva, desde hace dos años. Al principio estaba como un local de actividades lúdicas del Centro Segoviano de Madrid, en plan familiar, pero no era para actividades de música en directo, con unas reformas y unos papeles que no definían


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entrevista

...“hay que trabajar mucho y resignarse a ganar poco, porque la cultura nunca fue rentable”...

mucho, así fuimos nadando en entre dos aguas hasta hace dos años que conseguimos la licencia definitiva. ¿Y más tarde se abre Galileo? A los cinco años, aunque antes abrimos “La Tarara”, pero lo traspasamos. Galileo era un sitio más grande, con más caché, era otro espacio muy distinto ¿no? ¿Cómo surgió? Veíamos que esto funcionaba, que íbamos bien y nos planteamos ampliar horizontes, fue cuando abrimos La Tarara y también una discoteca en Segovia, que posteriormente también se traspasó y a los cinco años como dije antes abrimos Galileo Galilei, nos ofertaron ese local que era un antiguo cine, estaba en venta y nos gustó. ¿Cuál es el secreto, para que después de tanto tiempo, tantos años, sean dos sitios míticos y de prestigio? Trabajar mucho en favor de lo que te gusta, ya que porque te guste, no deja de ser trabajo. Hasta que se abre la puerta para que entre el público hay que hacer muchas cosas en el local. Por lo tanto hay que trabajar mucho y resignarse a ganar poco, porque la cultura nunca fue rentable. Hubo un tiempo en el que compaginaba bien, música y negocio, pero en estos tiempos el negocio es

menos, pero en fin, que se le va a hacer, ya a estas alturas no se hacer otra cosa, (risas). ¿Pero no lo has hecho muy mal, porque preguntando a viejos y nuevos músicos, todos hablan bien de ti, ¿te has preocupado de que el músico se sintiese respetado como tal y remunerado? Creo que en general si, me he preocupado de que estuviese bien tratado y de pagar lo mejor que hemos podido, que no es mucho sinceramente, esa es la verdad y creo que tengo más amigos que enemigos, aunque hay que desconfiar de todo aquel que no tenga enemigos. Por tus locales han pasado muchos artistas, mójate un poco y dinos ¿cuáles te han impresionado o te han gustado especialmente? Es que son tantos, la verdad es que es difícil, casi todos los que han pasado por aquí… Podría destacar muchos. Por ejemplo Joe Henderson, nos dio un concierto fabuloso, me gustó mucho Paul Motian , incluso los que están aquí esta noche, Perico Sambeat, Marc Miralta y Javier Colina, o la vieja guardia, grandes artistas como Pedro Iturralde, Vlady Bas, Pepe Ebano, Joe Regoli, Pepe Nieto… Y más actuales, Jorge Pardo, Carles Benavent, Tino de Giraldo, Bob Sands, Chano Dominguez… Podría estar diciéndote un montón de artistas, aparte de otros muchos


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grandes que son desconocidos a los que se conocen en círculos reducidos pero no por eso son menos grandes. La verdad es que tenemos un elenco de artistas maravillosos que este país no se lo merece. ¿Galileo se abrió también a otro tipo de músicas, no? Si y aquí en Clamores actualmente también, estuvimos veinte años solamente ofreciendo jazz, pero vinieron malos tiempos y decidimos abrir el abanico musical, aunque hay meses como este, en el que el noventa y cinco por ciento es programación de jazz.

de… ¿Cómo es que este grupo toca aquí …siendo tan malos, etc.? y les digo ¿y porqué no?, todos tienen derecho. Y después de tantos años Germán ¿Te sigue gustando esto? Si, la verdad es que sí, pero no me importaría que en vez de trabajar seis días a la semana, trabajar tres o cuatro, ya tengo sesenta años y llevo trabajando desde los trece y estoy algo cansado, pero los autónomos no podemos jubilarnos. Apetece ser un poco más público que gerente. Si, por supuesto y cuando quiero estar tran-

¿En Galileo, no solo ofrecéis música sino que también hay humor, como por ejemplo el duo “Faemino y Cansado”, no? Ellos son el buque insignia de la casa, porque llevan veintidós años consecutivos actuando un miércoles y jueves o martes y miércoles al mes, siempre contra el futbol y llenando siempre, son incombustibles o Juan Tamarit, el mago de los magos. Es decir, se podría decir que has visto lo mejor de lo mejor de los últimos 25 años Si y lo peor también (risas), hay de todo en la viña del señor… La verdad es que hay muy buenos artistas que llevan muchos años, pero también considero que se debe de dar paso a la juventud, a los nuevos valores. Muchas veces piensas, este espectáculo no tiene ni pies ni cabeza, pero mejor tenerlos aquí, que no que estén en la calle desmotivados. ¿Un poco ONG? (risas). No, lo digo porque de vez en cuando te comentan músicos que se creen que se las saben todas, eso

...”A mi me gustaba el jazz, me gustaba el ambiente que rodeaba al jazz, su bohemia”…

...”tenemos un elenco de artistas maravillosos que este país no se lo merece”... quilo y relajado tomándome una copa sin problemas, me voy a oír música al Café Central o me voy a ver a mi amigo Arturo al Popular. ¿Notas al público de ahora diferente, o el público es el público siempre? Yo creo que han variado los hábitos sociales, volviendo a lo que comentábamos ante


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entrevista riormente, en los setenta se salía a tomar copas todos los días, todos los bares de cañas estaban abiertos hasta la una como poco, la gastronomía era secundaria, la gente se tomaba un bocadillo de calamares y tiraba. Ahora se piensa en la cena en el restaurante tal o cual y después en una copa y a casa. Lógicamente, la oferta lúdica ha variado, antes estaba limitada, futbol, toros y teatro, pero ahora tenemos, montones de canales de televisión, Internet, viajes, antes todo esto te lo gastabas en copas. Ahora el abanico de ocio es infinitamente más amplio, por lo que, lógicamente el, presupuesto esta más limitado. Una de las quejas de los músicos en la actualidad es que antes se pagaba un caché fijo y ahora, de alguna manera, se negocia con el artista unos porcentajes para pagarle su show. Si, efectivamente eso es algo que viene de América, en cualquier sala de New York por ejemplo se negocia el cincuenta por ciento de la taquilla, el cincuenta para el artista o grupo y el resto para la sala, donde el veinte o veinticinco por ciento es para pagar autores y otros impuestos y gastos, y el resto es el beneficio que le queda a la sala. En España todo esto es absolutamente impensable. Nosotros estamos en un setenta treinta o un setenta y cinco veinticinco de lo que se recauda en la sala. Hay artistas que han llegado a llevarse cuatro mil euros en un día, eso si, han metido doscientas personas o doscientas y pico, a veintidós euros, pero hay otros, que te dicen que “es que no hay marketing, etc… es que a ti no te cuesta abrir”, etc. A mi, abrir la puerta, me cuesta setecientos euros, si ese día hay un grupo que solo arrastra a veinte personas, a mi me ha tocado perder quinientos euros, ellos han ganado muy poco, pero yo he perdido quinientos euros.

Antes has hablado de pagar a la S.G.A.E. (Sociedad General de Autores y Editores) ¿No crees que esta institución, o por ejemplo el Ministerio de Cultura, A.I.E (Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes de España), deberían de ayudar de alguna manera a los escenarios que tradicionalmente ofrecéis música en directo con alguna subvención o menos impuestos, etc.?, ¿Nunca habéis recibido ninguna ayuda? Por parte de la S.G.A.E. ninguna, solo hemos recibido durante dos años, una aportación de nueve mil euros a la asociación de locales de música en vivo, “La Noche en Vivo” una asociación integrada por cincuenta y siete salas, entonces dices: si esto se reparte en cincuenta y siete salas, tocamos a cien euros cada uno, es algo casi simbólico. En contraprestación por que les recogiésemos las hojas de autores y se las entregásemos. Por parte del Ministerio de Cultura nada y por A.I.E. tampoco hemos recibido ninguna ayuda. ¿Crees que sería importante para fomentar la música en directo y más en estos tiempos de crisis, donde todos los sectores están sufriendo y sobre todo los músicos, que son ese hermano más que pobre? Hombre claro que sería importante y lo hemos pedido. Estoy seguro de que algo conseguiremos. Muchas gracias Germán, enciclopedia de la música en vivo de nuestro país, por ofrecer cada noche trabajo a los músicos y tratarnos con la dignidad y respeto que necesita este sector. Gracias a vosotros y de enciclopedia, nada, un vendedor de “cocacolas” al que le gusta la música.


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taller de guitarra

Por Pipo López www.myspace.com/pipostein

ACOMPAÑAMIENTO DE UN BLUES MAYOR CON VOCES DE SEXTA

Hola Amigos de DMM. Hoy quiero proponeros cómo podemos acompañar un blues Mayor. Estos movimientos son voces de sextas. Para empezar os diré cómo tenéis que ver estos cuadrantes. Cuando pongo dentro de un círculo la letra (R) esto significa que es la raíz o tónica del acorde de dominante para el que hice estas voces en sextas y los puntos que están dentro de un círculo, también son raíz o tónica del acorde, esto os ayudara para localizar todas las posiciones. Este ejemplo lo puse para el acorde de G7, así que todas las raíces y puntos con círculo son la nota de G. He puesto tres tipos de combinaciones: - El ejemplo 1º está en todo el mástil de la guitarra. - El ejemplo 2º es una secuencia de 4 movimientos tal y como aparece en la secuencia numérica, os encantará. - El ejemplo 3º también tal y como está en la secuencia numérica, por ese mismo orden. Probar jugando con las voces y ver distintas combinaciones así como os apetezca, tengo que deciros que la final es vuestro oído el que decidirá las combinaciones que mas os guste y para eso tenéis que jugar con ellas. Lo interesante de estos movimientos de sextas es que los podemos utilizar para todos los acordes de Dominante que aparecen en un Blues Mayor (G7 ; C7 y D7) en este caso un Blues Mayor en G. Tan sólo tenemos que cambiar las Raíces y las tónicas para C7 y D7, así que nos podemos montar un acompañamiento francamente bonito. Espero que os guste Bueno amigos de DMM, una vez más os doy las gracias y como siempre, deseo que este artículo os pueda ser útil.


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entrevista

SIN NAFlamenco NI NAUrbano En Barna

Por: Mon Berrocal


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sta banda Barcelonesa, catalogados por ellos mismos como grupo de fusión “Flamenco Urbano”, nos presenta su nuevo trabajo que saldrá a la venta en los primeros meses del 2011.

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ondando las calles” da titulo a un disco repleto de sorpresas, buenas canciones en estado puro, y un directo mas que calido con una energía y buena música.

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uvimos la suerte de poder entrevistarles y esto es lo que nos contaron.


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entrevista ¿Cómo nace Sin Na Ni Na? Empezamos con las letras de Chuso y Abel. Íbamos a un parque donde nos reuníamos con más amigos, entre ellos Dany y David, ambos cajoneros y con quienes se formó el primer conjunto. Morralla nos prestó un equipo para grabar una maqueta pero nos faltaban elementos para poder ejecutar la grabación y Dany acudió a Marcos (guitarrista) que tiene un estudio de grabación. Marcos se une también al grupo y en el primer concierto Silvia sube al escenario, de imprevisto como corista, y a partir de entonces se forma Sin Na Ni Na. Con el transcurso de los meses David decide abandonar el grupo y Dany prefiere mantenerse al margen. Actualmente el grupo lo componen Chuso, Marcos, Silvia y Abel. ¿De ahí el título del disco? El disco se llama “Rondando las calles” porque siempre hemos tocado en la calle. Las letras son el reflejo de nuestras vivencias y por eso decidimos ponerle ese título a nuestro primer disco. ¿Quién produce y da forma a las canciones del disco? Las personas encargadas de la producción de este disco son nuestro productor y gran

amigo Lucas Jiménez apoyado por José Escudero (arreglista) y José Vargas (ingeniero de sonido). ¿Para cuándo la salida del mismo? Nuestro propósito es que salga ahora, a principios del 2011. ¿El directo es el reflejo del disco?, ¿cómo se plantea y quién dirige musicalmente toda esta puesta en escena? Producción músicos etc.… Por supuesto. En cada concierto intentamos que todo suene como debe de sonar. No nos gusta mostrar una música distinta a la que hemos acostumbrado a nuestro público, aunque debemos de reconocer que en ocasiones nos gusta sorprenderlos con matices distintos de guitarra o percusiones. Cualquier cambio siempre está pensado para mejorar la actuación y darle un toque diferente. Nuestro director musical, Lucas Jiménez, es quien se encarga de organizar a la banda. ¿Estáis de acuerdo en que una fórmula es un equipo y que sin equipo no hay fórmula? Indiscutiblemente. La experiencia como grupo nos dice que el trabajo en equipo y la comunicación son fundamentales.


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...”Las letras son el reflejo de nuestras vivencias y por eso decidimos ponerle ese título a nuestro primer disco”...

El efecto del público en las canciones. ¿Qué importancia tiene para vosotros? Tenemos que reconocer que el hecho de que el público responda tan bien en nuestras actuaciones es lo único que nos anima a seguir luchando. La recompensa de nuestro de esfuerzo es disfrutar de la reacción de la gente al oír nuestra música, cuando bailan, cuando cantan o simplemente cuando tararean las canciones. Proyectos de futuro o de inmediato. Solo hay uno, sacar el disco a la venta lo antes posible.

Un consejo para la gente que se inicia en esta andadura. No hay que dejar de luchar nunca por lo que deseas. ¿Un sueño? Seguir haciendo lo que nos gusta, que es música. Saludos. Saludos a nuestros familiares, amigos y a toda a esa gente que nos apoya.


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técnicas

BREAKS MUSICALES

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ualquier profesor o persona que se dedique a la enseñanza se habrá visto en más de una ocasión en la comprometida Por Nacho Flores situación de escuchar la misma nachodrums2@hotmail.com pregunta varias veces por diferentes alumnos. En el caso de la batería ocurre a menudo cuando el alumno se esta iniciando o lleva relativamente poco tiempo con el instrumento, se encuentra en la situación de que a penas tiene los suficientes recursos técnicos o creativos como para improvisar breaks o fills sin que estén escritos y pueda leerlos. Es aquí cuando aparecen las dudas o preguntas como pueden ser: “Siempre me sale el mismo break, no se me ocurre nada, ¿qué hago aquí?, qué mal me suena, me suenan todos breaks igual”, etc. Como recurso, el que buenamente puede utiliza casi siempre del típico grupo de cuatro semicorcheas en cada tiempo o algo similar. Ver ejemplo: “Break común”:

Pasado este proceso, y cuando ya lo aborrecen, es cuando empiezan a plantearse esas dudas. Desde mi humilde labor en la enseñanza he ido desarrollando mi propia forma de solucionar esto a un plazo más corto que el de tener que esperar a que el alumno haya desarrollado un gran lenguaje en cuanto a recursos técnicos y tenga la suficiente capacidad creativa como para aplicarlos sin tener que leerlos. Lo que personalmente he experimentado con esta forma de trabajar es que los breaks que se crean tienen un porqué, un motivo rítmico que no sale de la nada y, sobre todo, tienen un sentido musical. Con ello se desarrolla el lenguaje rítmico, el fraseo, la improvisación, la creatividad, la musicalidad y que lo que estamos creando tenga sentido con lo que estamos tocando. No tocar un break por tocar, sin más, o porque lo hayamos visto en tal método, o se lo hemos visto hacer al batería de moda.


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La forma de desarrollar esto es la siguiente. Lo primero de todo es utilizar cualquier patrón rítmico, os escribo aquí algunos ejemplos pero, como digo, sirve cualquier ritmo que tengáis a mano. Aconsejo empezar con cosas sencillas para que la creatividad vaya saliendo de forma natural y no forzada, según el nivel de cada uno. Al principio de cada ejercicio también es muy importante trabajarlos sin correr, bien a velocidades lentas o medias. Ya correremos, no hay prisa. (En la música también existen las baladas). Primer ejemplo: N° 1. Pasos a seguir: 1-A) Cantar cada patrón hasta interiorizarlo y sentirlo dentro, cada uno a su forma como mejor sepa. Mi forma para cantar estos ejercicios es, simplemente, tratar de imitar los sonidos lo mas parecido posible a como suena cada elemento de la batería. Ejemplo: Caja: (ca o pa), Bombo: (cum o pum). Se podría cantar también el Hi-Hat (chi), pero va a ser mas lioso. Es mejor, para trabajar esto, que cantemos simplemente la línea de bombo y caja que va a ser nuestra frase rítmica principal, ya que, en el caso de los siguientes ejemplos, el Hi-Hat va a ser siempre la misma línea rítmica que se repite (ésta la sentimos interiormente tal y como va a corcheas). En caso de que el Hi-Hat no siempre fuese la misma línea rítmica también sería conveniente cantarlo aunque, como digo, no con la misma importancia que el bombo y caja. En ese caso, lo que hago es darle más importancia al bombo y a la caja cuando coinciden con notas de Hi-Hat, ya que no podemos cantar dos silabas a la vez. Es decir, si coincide una Caja y un Hi-Hat, cantamos la caja y haremos lo mismo si coincidiera con el bombo. En el caso del ejemplo N° 1 seria: Cum/Pa/CumCum/Pa/. 1-B) Tocar el ritmo en la batería sin dejar de cantar (interiormente o en voz alta, como queramos) pero siempre sintiendo dentro lo que cantamos. Podemos hacer ciclos de 4 u 8 compases, o los que cada uno quiera. Siempre el ultimo compás será para el break: 3+1, o 7+1. 1-C) Sacar la frase rítmica que hay entre bombo y caja (Ver ejemplo, 1-c). 1-D) Hacer ostinatos tocando el ritmo 3o 7 veces y a la cuarta o octava tocamos la frase rítmica en la caja. ¡Recordad, siempre cantando! 1-E) Igual que el anterior pero ahora aplicamos la frase rítmica por toda la batería. Tocamos la frase rítmica donde queramos por los elementos de la batería (no hay reglas, vale todo, probar y probar...), cada vez que hagamos el break golpear en diferentes sitios para ir viendo qué es lo que mejor os puede funcionar en cada ritmo. ¡No dejéis de cantar, al menos interiormente! 1-F) Tocamos lo mismo que antes pero variando la frase rítmica por toda batería. Es decir, respetamos la frase que tenemos, que es: cum/PaCumCum/Pa/ y a esto le añadimos rellenos a gusto de cada uno... (Sobre todo donde más hueco veamos, no conviene meter muchas más notas donde ya existen, ya que no se trata de cargar demasiado los breaks si no de hacerlos lo más musicales posibles. Esta fase es la mas “complicada” de todas y es aquí donde comienza vuestro juego de la creatividad y la improvisación. Importante: mientras estáis tocando el ritmo tratar de no pensar qué vais a hacer en el break siguiente, esto os va a obligar a hacer algo predeterminado y no os deja desarrollar vuestra vena creativa por si sola... al principio cuesta pero vale la pena. No le tengáis “miedo” a esta parte, ya que, si habéis seguido los anteriores pasos correctamente, cantando, interiorizando el ritmo, etc., poco a poco irán apareciendo ideas en vuestro fraseo que antes no os salían.


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técnicas Al principio es posible que salgan breaks que no os gusten demasiado pero eso os ayudará a construir otros mejores, para así poder ampliar vuestro lenguaje poco apoco. Se trata de hacerlo sin desesperarse al principio y, sobre todo, disfrutar dejando salir el ritmo que todos tenéis dentro. Disculpar por la insistencia en lo de cantar o sentir el ritmo interiormente. Sé que al principio no es fácil, pero empezar con cosas sencillas y practicar esto es fundamental para que, a quien no esté habituado a cantar y tocar a la vez, le vaya resultando más familiar y sencillo. ¿Por que insisto tanto en ello?, por que va a ser la única forma de entrar en una continua conexión de groove con vosotros mismos y lo que estáis tocando.


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Mucha suerte en la práctica y ojalá que a alguien le pueda servir lo que para mi y mis alumnos ha sido de gran ayuda. ¡Un saludo a tod@s! Para cualquier Consulta, duda o lo que necesitéis estaré encantado de intentar ayudaros. Nacho Flores.


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escaparate REVOLVER Álbum: ARGÁN

batería con el del mandolute, una guitarra argelina de cuatro cuerdas dobles. Estudió y aprendió a tocar el mandolute, a sacarle las escalas, la armonía y los colores autóctonos, hasta que descubrió que "hay dos notas en la escala pentatónica de blues que veo que los árabes también la usan". Ahí estaba la clave, la puerta que conectaba dos mundos tan aparentemente antagónicos. La grabación se terminó en Valencia, con guitarras, mandolute (instrumento típico de Marruecos, formado por cuatro cuerdas dobles y tocado por el propio Goñi) y las voces. Mezclas entre Valencia y Los Ángeles.

Argán es el noveno álbum de Revólver, el grupo de Carlos Goñi. La primera mitad se graba en Marrakech (Marruecos). Carlos Goñi contó con la colaboración de sus músicos habituales, y otros locales como Jalal El Alloouli (violín), Amine Hagdag (vocalista), Noureddine Ennajraoui (percusión), Ait Hmitti Tariq (Karakebs) y Bouzzig Hamid (Gimbri), con los que Carlos quedó encantado: "unos músicos descomunales, me he encontrado a unos tíos con un talento brutal, con una técnica fortísima. Y lo que más les preocupa es el corazón. El suyo fue un trabajo muy brillante". Además, Redouane Hamani, road manager en las giras de Carlos, originario de Argelia, se encargó no solo de traducir y adaptar las partes cantadas en árabe, sino de introducir su voz en un tema ("Lo que me hace feliz"). Seducido desde hace casi un lustro con la música norteafricana, Carlos comenzó a investigar, a viajar frecuentemente a Marrakech, ciudad que le fascina. Descubrió lecturas, canciones, discos, hasta que, completamente impregnado por una cultura tan ajena a la del rock, a la suya, se planteó el reto de fusionar un sonido puramente rockero el clásico de guitarra eléctrica, bajo y

Como primer single Quiero aire, donde el country se da la mano con los sonidos callejeros de Argelia. Con un videoclip grabado en Marrakech en enero de 2011 en la plaza Le-Fna y por las calles de la ciudad; con la dirección de Iván Garriga. En un tema como Manos arriba puede encontrarse cierta impronta mexicana en convivencia con instrumentos árabes. Las guitarras cargadas de psicodelia se pueden entremezclar con arabescos, en Reconozco la frontera. También hay espacio para las baladas incandescentes: Ya no hay dos para cenar... "El rock se encuentra con la música norteafricana en una fusión sorprendente y arrebatadora. Es Revólver, pero es un Revólver como nunca has escuchado". Se publica en varios formatos especiales además del estándar. Disco-libro (con un dvd conteniendo un documental dirigido por Iván Garriga sobre el proceso de grabación del disco); en digital incluyendo versiones acústicas. Argán es el nombre de un árbol que sólo crece en determinadas zonas de Marruecos y del que se extrae un aceite único. Los bosques de Argán están considerados Patrimonio de la Humanidad.


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VOLADOR Álbum: EL LARGO VIAJE

Es un grupo de pop-rock onírico que comienza su viaje en 2003 contando con Laurent Castagnet (Miguel Ríos, Manolo Tena, Rosario, etc.) como productor para su primera maqueta. Con ella consiguen el Premio al Grupo Aragonés con Mayor Proyección. Logran un contrato editorial con Warner, con quien la banda sigue vinculada en la actualidad. Después ganan dos nuevos concursos: el de Mejor Grupo de Pop-Rock de Aragón Televisión y otro de ámbito nacional: el COMAC, organizado por 40 Principales de Castellón. Este último supone la aparición del primer disco de la banda Trozos de amor y otras Miserias. Posteriormente comienzan a trabajar con Quique Gallego, descubridor de Héroes del Silencio, Amaral, Jarabe de Palo, entre otros). En 2006 ve la luz su segundo disco, El fantástico mundo en su interior, y tras él una intensa actividad de directo que les llevará a compartir escenario con bandas como Travis, Aterciopelados, Pereza y Fangoria, y a colaborar con artistas como Shuarma , Guille Martín o Carlos Ann, entre otros. Actuando en lugares que van desde la sala 93 Feet East en el Brick Lane londinense a la mítica sala Sol Madrileña. Toda esta actividad se ve recompensada con el premio al Mejor Directo de los Premios de la Música Aragonesa de 2007. Participan en la película documenta de Jorge Nebra, Hijos del Cierer zo, (2009) y ganan el 1 premio en el certamen Equiart en la modalidad de música. Tras ello editan su último disco ''El Largo Viaje'' (2010) con la discográfica Zaragoza-

na King of Patio, que han presentado con una gira en más de 30 ciudades españolas. Ya en 2011 Volador es reconocido con el galardón de “Mejor grupo” en los “Premios de la música aragonesa”.. Actualmente Warner Music Spain su nueva discográfica relanza “El Largo Viaje” con una edición CD + DVD en la que aparecen las colaboraciones de Shuarma (Elefantes) y Clara Tellez (Los Peces), el concierto que dieron recientemente en el prestigioso festival Luna Lunera, un documental de la banda, el video clip de la canción “Lejos de la tristeza” y un making off. Estará a la venta el 5 de abril. Ahora mismo el grupo se encuentra preparando una gira por toda la geografía española, México y algunas ciudades europeas.

MANÁ Álbum: DRAMA Y LUZ Drama y luz es el nuevo álbum de Maná, desde la publicación en 2006 de Amar es combatir. "Esto de hacer un nuevo disco es divertido y apasionante, se trata de soltar las penas, las alegrías, los sentimientos… en fin. Expresar la vida, lo que sienten ustedes, lo que sentimos nosotros, lo que sentimos juntos a través de la música, y esto nos hace sentir vivos" - Fher.


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escaparate Este nuevo trabajo esta producido por Fher, Alex y Sergio y se empezó a grabar en mayo de 2010 entre Puerto Vallarta y Los Ángeles. Terminado en los estudios Henson Recording de la ciudad de Los Ángeles (California, Estados Unidos). También pasaron por Brasil y Puerto Vallarta, México. En la producción, han contado con la participación de la Orquesta Filarmónica de Suzie Katayama, que ha trabajado con artistas de la talla de Madonna, Prince, Nirvana, Aerosmith. Lluvia al corazón es el primer single. Se lanzará con un video rodado en Los Ángeles (California, Estados Unidos). Sin duda 'Drama y luz' continuará con la cosecha de éxitos, premios y logros que a lo largo de su carrera Maná ha obtenido. Para que sus seguidores vayan conociendo el trabajo previo al lanzamiento del disco, Maná ha subido en sus redes sociales y página oficial (www.mana.com.mx) información, fotografías y datos de la grabación.

ROSARIO Álbum: RASKATRISKI El nombre del disco hace referencia a un recuerdo de la infancia de Rosario al ritmo familiar proveniente de una rumba catalana que se bailaba en su casa.

Después de sus dos últimos discos, “Parte de mí” (2008) y “Cuéntame” (2009), la artista ha decidido retomar la composición. De hecho, Rosario es la autora de la letra y la música de las once canciones que componen el álbum. Además, como punto de inflexión en su carrera, la cantante recupera su estilo de rumba catalana que tan famosa la ha hecho. El disco fue grabado entre septiembre y noviembre de 2010, en los estudios After Hours de Los Ángeles y Sonoland de Madrid, con la producción de Fernando Illán y mezclas de Rafa Sardina y Miguel Ángel de la Vega. ¿Y qué podemos encontrar en este nuevo álbum? Según palabras de la cantante, “Raskatriski” permite descubrir a una Rosario que, tras muchos años de carrera, se atreve con todo. Muchos estilos se dan cita en este proyecto discográfico, encontrando temas de pop, soul, rumba, gypsy funky, bossanova y balada, con el que Rosario regresa a su sonido más auténtico con esencia latina y aflamencada. En “Raskatriski”, Rosario ha contado con la participación de músicos de la talla Simon Phillips (batería de Toto) y el percusionista Luis Conte. Y fruto de un trabajo bien hecho y elaborado con cariño, salen canciones como “Estoy Cambiando”.

THE CARS Álbum: MOVE LIKE THIS Ya está aquí lo nuevo de The Cars! Concord/Hear Music tiene el honor de anunciar lo nuevo de The Cars “Move Like This”. El álbum verá la luz el próximo 10 de mayo y será el primero de la banda publicado en 24 años. Vuelve The Cars, la banda estadounidense de New Wave liderada por Ric Ocasek y conformada por Greg Hawkes, Elliot Easton y David Robinson (con el recuerdo del ya fallecido, Benjamin Orr). Se formaron a mediados de los años 1970 en pleno despegue punk. Door to Door fue su sexto y último álbum de estudio (editado en 1987).


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mil bonaerenses ya pudieron disfrutar en vivo: un total 24 canciones y más de dos horas y media de magnífica intensidad musical. Esta gira, tan sólo en México se presentó con 18 fechas completamente vendidas, entre ellas cinco Auditorios Nacionales. Producido por el propio Bunbury y grabado por Alberto Tellechea y Javier 'Chinas' Estrada en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires durante los días 3, 4 y 5 de noviembre pasado, este nuevo proyecto viene a cerrar con broche de oro todo un año de esfuerzo y trabajo encima del escenario.

A primeros de abril podremos disfrutar de su nuevo y esperado single, Sad Song! Y para ir abriendo boca, un adelanto del nuevo sonido de la banda con Blue Tip, otro de los tracks incluidos en “Move Like This” ya disponible en las redes de videos. Move Like This nos llega además con una sorprendente portada, la cual ha estado a cargo de David Robinson, batería de la banda, quien ha diseñado todas las portadas de los albumes previos de Cars.

ENRIQUE BUNBURY Álbum: GRAN REX Enrique Bunbury anunció la publicación de su nuevo disco en directo “Gran Rex” con 24 canciones grabadas durante sus conciertos en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires. El material ya esta disponible en CD doble y álbum digital desde el 29 de marzo. Sin embargo, en abril se importará la edición especial que contiene 3 vinilos, 2 CD, un DVD (en formato NTSC), un pase de backstage oficial de la gira y fotos. Desde que en febrero de 2010 Enrique publicara “Las Consecuencias”, aplausos y buenas críticas no han hecho sino subrayar el bagaje artístico de un músico que se renueva en cada asalto. Bajo el título de “Gran Rex”, el nuevo álbum recoge en doble CD lo que más de 9

Este concierto contiene grandes dosis de novedad y acertadas versiones de clásicos como "Sólo si me perdonas", por mencionar uno de los temas que más se disfrutan en el álbum, entre muchos otros temas nuevos. Canciones que han dado la vuelta al mundo y se presentan ahora en formato directo alimentando las credenciales de un hombre que, fiel a su estilo honesto de hacer las cosas, sigue jugándose el todo por el todo. “Gran Rex” llega al mercado un año después del lanzamiento del sexto álbum de estudio de Enrique Bunbury cerrando así un ciclo vital y musical que no ha cosechado sino exactamente lo merecido. Las lógicas consecuencias de su propio trabajo: respeto y reconocimiento, una vez más.


Alvaro García Macías de Madrid, ha sido el afortunado ganador de la maravillosa guitarra acústica Yamaha F310 que sorteamos entre nuestros lectores. La entrega fue efecuada por nuestro director Javier Horche. Agradecemos la generosidad de la compañía Yamaha por la dotación del premio para este sorteo, así mismo queremos agradecer a todos nuestros lectores su alta participación y la gran acogída que han propiciado a esta convocatoria. Gracias a todos.

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DeMusicaMagazine nº3 MAY 2011  

Tercera entrega de DeMusicaMagazine, tu revista sobre música, músicos y sonido profesional genuinamente digital.