Performance 196

NÚMERO

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MEMORIA EL LENGUAJE DE NADIE JUAN VICENTE MELO

PERfORMANCE

I S S N 2 0 0 7-2 4 6 5

I

NUEVA ÉPOCA AÑO X ABRIL DE 2014

INTERPRETACIONES SOBRE INTERPRETACIONES

ESPECIAL

IX ANIVERSARIO

ENSAYO VISIONES DE OCTAVIO PAZ EN XALAPA JOSÉ HOMERO

ENSAYO ROSTROS DE JUAN VICENTE MELO JUAN JAVIER MORA-RIVERA

CREACIÓN ARMANDO GONZÁLEZ TORRES Y LUIS BUGARINI

OCTAVIO PAZ JOSÉ REVUELTAS CENTENARIOS PARA RECORDAR

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XALAPA COATEPEC VERACRUZ EJEMPLAR GRATUITO

NÚMERO

196

MEMORIA EL LENGUAJE DE NADIE JUAN VICENTE MELO

PERfORMANCE

I S S N 2 0 0 7-2 4 6 5

NUEVA ÉPOCA I AÑO X ABRIL DE 2014

INTERPRETACIONES SOBRE INTERPRETACIONES

EDITORIAL

ESPECIAL

IX ANIVERSARIO

ENSAYO VISIONES DE OCTAVIO PAZ EN XALAPA JOSÉ HOMERO

ENSAYO ROSTROS DE JUAN VICENTE MELO JUAN JAVIER MORA-RIVERA

CREACIÓN ARMANDO GONZÁLEZ TORRES Y LUIS BUGARINI

OCTAVIO PAZ JOSÉ REVUELTAS CENTENARIOS PARA RECORDAR

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índice 3 7 4 9

EL ROSTRO SIEMPRE DISTINTO DE JUAN VICENTE MELO

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XALAPA COATEPEC VERACRUZ EJEMPLAR GRATUITO

La poesía y el pensamiento son un sistema de vasos comunicantes.

PERFORMANCE: PRUEBA DEL NUEVE

JUAN JAVIER MORA-RIVERA

INFANCIA

ARMANDO GONZÁLEZ TORRES

DORMIR EN TIERRA O EL LENGUAJE DE NADIE

FORMAS DE LA NOVEDAD

JUAN VICENTE MELO

LUIS BUGARINI

TAN ATENIENSE COMO SIEMPRE

ARTURO MENDOZA MOCIÑO

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EL TEATRO: ESPACIO DE ENCUENTROS, DESENCUENTROS Y GUERRA

sobre lo que he

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RAFAEL TORIZ

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es mi vida: escribo

JOSÉ HOMERO

LA RUMBA ALUCINADA

JOSUÉ CASTILLO

La fuente de ambos

OCTAVIO PAZ EN LA CALZADA DE LOS POETAS

LA ESENCIA DE UN LEGADO RAÚL CRIOLLO

UN GATO TETO VÍCTOR BENÍTEZ

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CARTELERA

vivido y vivo. Vivir es también pensar y, a veces, atravesar esa frontera en la que sentir y pensar se funden: la poesía.

Octavio Paz

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NO. 196 SEGUNDA ÉPOCA AÑO X ABRIL DE 2014

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Director General José Homero Consejo de Edición Rafael Antúnez Nina Crangle Juan Carlos García Raciel D. Martínez José Luis Martínez Suárez Juan Javier Mora-Rivera Diseño Pablo Moya Foto de portada Otto L. Bettmann Formación Jobanni Díaz Arenas Jefa de Redacción Nina Crangle Secretario de Redacción Carlos Romero Asistente de Redacción Jonathan Flores Lira

Cartelera Ezra Crangle carteleraperformance@gmail.com Fotografías Jorge Castillo AVC Noticias Gina Collins Jorge Rufinelli Marcelo Uribe Administración Susan y Asociados Redes sociales Ezra Crangle Distribución César Vázquez

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Correspondencia Av. Murillo Vidal 506, tercer piso Fraccionamiento Ensueño 91060 Xalapa, Veracruz Teléfono (228) 8 178 535 editorialgraffiti@gmail.com periodicoperformance@gmail.com periodicoperformance.blogspot.

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PERFORMANCE Interpretaciones sobre interpretaciones es una publicación quincenal editada por José Homero Hernández Alvarado, con domicilio en Murillo Vidal 506, tercer piso, C.P. 91060, fracc. Ensueño, Xalapa, Ver. Tel.: (228) 8 178 535.

Editor Responsable: José Homero Hernández Alvarado.

Reservas de Derechos al Uso Exclusivo No. 042013-022511482500-101, ISSN 2007-2465; ambos otorgados por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Reserva de derechos sobre licitud y contenido en trámite.

Impreso por talleres de Diario AZ, 20 de Noviembre 621, col. Badillo, C. P. 91190, Xalapa, Veracruz. Tél.: (228) 8 121 363.

Este número se terminó de imprimir el 25 de abril de 2014 con un tiraje de 5 000 ejemplares.

Las opiniones expresadas por los autores no reflejan la postura del editor de la publicación.

Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización de José Homero Hernández Alvarado.

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EDITORIAL IX ANIVERSARIO

PERFORMANCE: PRUEBA DEL NUEVE

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erformance nace con un objetivo nítido: ser el periódico de Xalapa en temas de cultura. Una paradoja distingue a esta ciudad, célebre por su oferta cultural: todos los periódicos, diarios o semanarios, ofrecen información cultural, ninguno crítica cultural. Cuando Performance emergió no existía periódico ni publicación alguna dedicada a la crítica de la cultura.

Tampoco hoy. Interpretaciones sobre interpretaciones, la asunción de una postura con respecto a lo que es esencialmente una interpretación, un acto de creación efímera, que es una de las acepciones de la palabra anglosajona performance.

Nuestra publicación registra la variopinta actividad cultural de Xalapa, no con un listado de actividades sino mediante el análisis. Aunque nuestra cartelera es la más completa de Xalapa somos eminentemente un medio de reflexión, creación. Es decir: de encuentro. Hay en Performance una idea viva de la cultura y la convicción de que sólo a través de la crítica y el análisis podemos transformar la vida. En una época en que la pasión crítica se observa con recelo y la sospecha y la superficialidad relevan argumentos y posturas estéticas, Performance se afianza y se erige como un bastión de un concepto de cultura, aquella que exige transformar la vida.

Performance es tenaz, emprendedor, lúcido y desafiante. Quiere ser juvenil y a la vez sabio y reflexivo. Confía en la inteligencia y como tal la crítica y la ironía lo distinguen.

Nuestros orígenes se remontan al suplemento cultural Graffiti, edición dominical del diario El Sol Veracruzano en el periodo 1985-1987. De manera independiente, la publicación continúa, pero ya como revista –de circulación nacional– en un periodo que va de 1989 al año 2000. Como tal, mereció en dos ocasiones de la beca del Programa Cultural Tierra Adentro Edmundo Valadés de Apoyo a la Edición de Revistas Independientes del Conaculta en los pe-

riodos 1990-1991 y 1991-1992; además de una beca del Fonca dentro del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales en el área de Literatura en el periodo 1994-1995.

Performance surgió en 1998, en su primera época, siendo manifestación de una generación entonces joven. Casi todos los

colaboradores en principio formamos parte de una generación nacida en los sesenta, que podríamos decir acusa la huella de la posmodernidad, su impacto. Graffiti, junto con La Pus Moderna, fueron las primeras revistas en registros variopintos; se reseñaba e incluían críticas y reflexiones lo mismo sobre Octavio Paz o Carlos Monsiváis que

Nueve años de Performance: Retablo de portadas

sobre el entonces emergente en medios rock mexicano, las conmemoraciones del punk o la dimensión filosófica del tatuaje.

Posteriormente, se han incorporado hermanos menores, diríamos, nativos de los setenta y los ochenta quienes continúan ejerciendo la crítica, el reportaje. Somos una revista abierta e incluyente con las nuevas generaciones.

En abril de 2005 apareció el primer número de la segunda época de Performance.

Cumplimos con la edición que tienes en tus manos nueve años y continuamos creciendo. Para celebrarlos hemos cambiado el diseño, transformando nuestra imagen para adecuarla al minimalismo contemporáneo.

Estamos conscientes de que sólo mediante el cambio la vida continúa. Nueve años parecen pocos y sin embargo para una publicación cultural es toda una vida. En este viaje nos hemos enfrentado a diversa problemática pero podemos decir con satisfacción que nuestro proyecto de cultura ha durado más y sin duda funcionado mejor que los programas y proyectos de las instituciones de cultura de Veracruz.

Más allá de nuestra fe y confianza en el camino de la cultura como pivote de la transformación de la sociedad, confesamos que entre las satisfacciones que no se comparan listamos ver a alguien leyendo nuestro quincenario en las bancas, la sala de espera de los autobuses, una mesa de restorán. Nuestro público es amplio, cabal y crítico. Buscamos y damos voz a los creadores, a aquellas personas sensibles que persiguen como nosotros esa mejor sociedad a través de la cultura, que parafraseando al querido Ezra, es aquello bueno que conservamos.

Por los hombres que buscan la libertad a través de la creación, por los ciudadanos que buscan transformar la sociedad, existimos.

Gracias por estos años. Gracias por compartir los sueños.

José Homero

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Foto: Jorge Rufinelli

CENTENARIO JOSÉ REVUELTAS

DORMIR EN TIERRA O EL LENGUAJE DE NADIE JUAN VICENTE MELO

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Publicado en Revista Mexicana de Literatura en 1960 (núms. 12-15), en este ensayo Juan Vicente Melo saluda de manera entusiasta la aparición de Dormir en tierra, integrado por ocho espléndidos cuentos, título imprescindible en la bibliografía del inolvidable José Revueltas (1914-1976). de nadie”, las palabras mueren al vivir, son la muerte misma, la invencible frontera que separa a los hombres. Amputadas, las criaturas de Revueltas arrastran el minuto voraz, el fuego impotente de su soledad que contamina todo lo que toca. No el anhelo de la muerte sino el silencioso incendio preside sus nombres y figuras; no la resignación sino el derrumbe, lento y total, de toda es-

dos) aprendieron a reverenciar como letra muerta al ejemplar autor de El luto humano, Los días terrenales y Dios en la tierra, distraído, pervertido o esterilizado por las películas pomposas de Roberto Gavaldón. Con envidiable lucidez y con una calidad crítica poco común en nuestro medio, José de la Colina ha puesto en claro, otorgándoles su justo valor, las virtudes literarias, el fondo,

Foto: Jorge Rufinelli

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rimero es una especie de caos: el asunto esencial de la historia y aquellos otros motivos y consecuencias –ramas paralelas y hermanas– que con él se gestan, el ritmo (ese ritmo que tiene la prosa de José Revueltas, progresivamente sostenido, a veces incisivo y cortante, interrumpido siempre por un momento imprevisto, un ritmo no del todo ajeno a aquellos “pujantes, dinámicos, táctiles, visuales” de su hermano Silvestre, el músico admirable; ritmo, en suma, eminentemente musical), los colores, y la palabra –la palabra enlutada, aterradora en su ácida verdad, en su grandeza miserable, en esa muerte que lleva encima como signo único de vida– danzan y combaten por hacerse ver y oír –por nacer– en un universo de tinieblas, en un mundo que se va formando y afinando, múltiple y diverso y disonante, mundo de muerte y desastre en el que todo, sin embargo, apenas comienza.

Colores y personajes, asuntos y ritmos, y las palabras –vivientes mientras no son dichas– son como piedras calcinantes e hirientes que ordenan y organizan el terrenal edificio que Dios ha construido fuera de las posibilidades del hombre, la inhumana habitación en que todo intento de comunicación –es decir de vida– resulta inútil, imposible. De pronto la luz se hace (una luz mortecina y lúgubre) y aquel caos inicial se disuelve –hacia delante, hacia atrás– y las criaturas arrancadas del momento límite en que José Revueltas las sorprende, se ponen a vivir frenéticamente, trastornándose en la situación vital que supone su existencia en la particular historia que nos es contada, destruyéndose antes de cumplir su más inmediata y elemental función, su objetivo primero y último, su definitiva razón de ser: el milagro –poder y gloria– de la comunicación. Cada uno de los ocho cuentos de José Revueltas, incluidos en Dormir en tierra (decimosexto volumen de Ficción, colección de la Universidad Veracruzana al cuidado de Sergio Galindo) nos revela que la condición esencial del ser humano reside en la soledad, en la absoluta, profunda, total imposibilidad de comunicación. “Lenguaje

Arriba: José Revueltas y Jorge Lobillo, bar El Barón Rojo, hotel María Victoria, Xalapa, 1975.

Sobre estas líneas: Publio Romero, Ema Barrón, José Revueltas, Jorge Lobillo, Luis Arturo Ramos y Antonio Pino. [Agradecemos a Jorge Lobillo su generosa colaboración con estas fotos].

peranza de vida verdadera. La rebelión es inútil porque la mudez ha aniquilado la tierra consistente de su razón. En ese mundo en que la magia es inadmisible, se mueven suspendidas en un tiempo sin sueño que corre en el vacío; dominadas, manejadas por el sexo, por un insaciable apetito carnal, regresan al caos primero, intentando la última y fatal comunicación que sólo se cumple en el completo abandono de toda palabra: en la muerte.

(Los escritores de la más reciente generación veían a José Revueltas como un escritor “que fue”. La indiferencia y el silencio acompañaban a los jóvenes lectores respecto de su figura, y los críticos (en considerable desventaja con respecto al talento de los primeros y a la asiduidad de los segun-

PERFORMANCEINTERPRETACIONESSOBREINTERPRETACIONES

la forma y el trasfondo de los cuentos de José Revueltas en quien ve, luminosamente, el camino que deben seguir los jóvenes escritores mexicanos. Dueño, paradójicamente, de un lenguaje propio y profundamente comunicativo, Revueltas ha logrado, con Dormir en tierra, el mejor libro de cuentos escrito en México en los últimos años).

Este volumen presta espléndido material para estudiar ese mundo tajado que separa a los hombres, cuarto cerrado en el que el moribundo traspasa, como “planeta de fuego, dios furioso sin límites”, el círculo lloroso de “ese mar de los cuatro seres de su carne y de su sangre que lo rodeaban como una túnica, mortaja humana incomprensible”, esperando su palabra, la impronunciable, “el último signo de vida” que, reconfortante

y luminoso a la vez, dé testimonio de esa envoltura terrenal. Y si en ese cuento –“La frontera increíble”– únicamente el moribundo comprende que la patria, el territorio, la habitación de los todavía vivientes está limitada por la palabra, en “La palabra sagrada”, el admirable relato que inicia el libro, se logra esa comunicación mediante la única que es justa, la que marca, indeleble, a toda mujer. Más también esos dos cuentos nos advierten de la absurda y grotesca escena en que transcurren sus torpes relaciones: el cuarto cerrado del moribundo que es una prolongación de la infantil habitación en la que Alicia toma conciencia de su ser.

Y en ambos vemos también cómo sus acciones y palabras son consecuencia de sucedidos anteriores que se hermanan con los propios, que los esclarecen y justifican. (Recuérdense los accesos histéricos de Alicia y los gemidos de la tía Enedina; las últimas palabras de Cristo en la cruz y el tránsito del moribundo anónimo en la oral circuncisión de vinagre). El silencio tenso, poblado de ruidos casi fantasmagóricos, que inunda por los cuatro costados a los personajes de “Los hombres en el pantano”, se vuelve, en “Lo que solo uno escucha”, melodías que no serán escritas, inútil trascendencia de un violinista agonizante. Y esa guerra inhumana, a veces salvada por telegráficos signos de comprensión, terminará en la muerte ridícula (“El lenguaje de nadie”), en la anónima consumación del amor (“Noche de Epifanía”), en la oreja arrancada por la boca furiosa del niño que no distingue dónde está la muerte y la vida, desesperada mordida que intuye la impotencia auditiva (“Dormir en tierra”). La muerte total de “La frontera increíble” es idéntica a aquella, transitoria, que experimenta el contramaestre al dormir, por única vez, en tierra con la mujer acuática y a aquella otra, no menos transitoria, del mismo contramaestre en el mar despoblado de signos humanos.

Escrito con pasión, Dormir en tierra devuelve a la literatura mexicana a José Revueltas. Y lo devuelve con vigor, íntegramente. De él se puede decir, con auténtica justicia, que es un escritor viviente. [1960]

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LITERATURA LA VIDA VERDADERA

EL ROSTRO SIEMPRE DISTINTO DE JUAN VICENTE MELO JUAN JAVIER MORA-RIVERA

Ciertamente era extraño sobre toda extrañeza, y no ocuparé espacio intentando explicarlo: mientras que en todas las demás líneas de investigación teníamos que habérnoslas con fantasmas y polvo, meros ecos de ecos, nunca hubiéramos prestado atención a la única fuente viva de información que se había demorado hasta nuestro tiempo.

Los papeles de Aspern Henry James

Uno

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as postrimerías de la vida literaria de Juan Vicente Melo Ripoll (Veracruz, 1932-1996) parecían una versión de Los papeles de Aspern: la mítica leyenda de un autor cuyos últimos escritos terminaron perdidos y extraviados, a pesar de ser referidos con fechas, años y casas editoriales precisas. Las tramas de esas páginas habían sido ya imaginadas, trazadas y concluidas por otros, e incluso existían comentarios de críticos que sostenían haberlas leído en exclusiva, poniendo como constancia de sus afirmaciones su prestigio personal. Melo, aún en vida, había pasado de ser el gran autor de la Generación del Medio Siglo o de La Casa del Lago a una leyenda literaria, sumamente identificado pero pocas veces leído.

Prueba de ello la otorga Guillermo Villar cuando, en el prólogo a La rueca de Onfalia, rememora la noche en que un supuesto periodista alababa exageradamente a Melo.

Villar, molesto por la ignorancia del advenedizo –esas alabanzas exageradas parecían falsas, sonaban huecas–, le sugiere: “si vamos a hablar de literatura, por qué no hablamos también de otros libros y otros escritores; de Los muros enemigos o La obediencia nocturna, por ejemplo. El tipo, mirándome furioso, me contestó: ‘Usted no es otra cosa que un majadero, y no vamos a hablar de esos libros porque son insoportables, traté de leerlos y terminé tirándolos a la basura’ ”.

A diferencia de la novela de Henry James, Juan Vicente pudo presenciar y sufrir todo lo que sus “atentos lectores” inventaban y el valor que tenía su literatura para sus “cono-

Inéditos como conjunto, los ensayos de Juan Vicente Melo que integran La vida verdadera, publicado recientemente por el Instituto Literario de Veracruz, revelan las simpatías y complicidades del escritor veracruzano, “un clásico secreto de nuestra literatura”. Presentamos un fragmento del prólogo que antecede a esta ejemplar antología. cedores y críticos”; y en lugar de combatir tal cantidad de equívocos y malentendidos, decidió cultivarlos, pues veía en ellos un juego que le divertía, tal vez porque sólo él conocía la verdad de cada hecho y de cada dicho; tal vez porque esa serie de mentiras e inventos, construidos y alimentados por él mismo (siempre invento cosas: de mí, de lo que sucedió respecto a mí, de lo que pasó en una fiesta, de mi personal comportamiento), le permitían sobrellevar esa reali-

dad que él definía como insoportable, de la cual descansó sólo hasta su muerte.

Tal como sucede con Jeffrey Aspern, la posible existencia de un puñado de escritos mantiene entre algunos el interés por la obra de Melo. A diferencia de la novela de James, esos escritos míticos mantendrán con vida a Melo hasta el último suspiro. “Uno creería que usted espera encontrar en ellos la respuesta al enigma del universo”, afirma la Señora Prest al narrador en la novela de James.

Antes y después: dos versiones de Juan Vicente Melo. [Crédito: Héctor Darío Vicario]

Tal vez esa misma razón podría ser la que llevaba a Melo a construir verdades alternas: como una estrategia para encontrarle sentido a su atormentada existencia, donde imaginar, inventar y escribir le ayudaban a superar el agobio del mundo cotidiano.

Dos Reviso varios de los libros de Juan Vicente Melo hasta ahora editados y advierto ciertos rasgos en común: sólo se consigna su obra como cuentista, crítico musical y novelista; se refiere su formación profesional como médico, con especialidad en Dermatología, a partir de sus estudios realizados en París.

Se agrega que luego de renunciar a ejercer su profesión –en una familia entregada y obsesionada a la medicina–, fungió como responsable de un efímero suplemento cultural de El Dictamen, director de la Casa del Lago de la UNAM, del Museo de la Ciudad de Veracruz, del Departamento Editorial de la uv y de su revista insignia, La Palabra y el Hombre, además de que recibió varios homenajes en vida por su labor literaria.

Se citan La noche alucinada (1956), Los muros enemigos (1962), Fin de Semana (1964), Juan Vicente Melo [Autobiografía] (1966), La obediencia nocturna (1969), El agua cae en otra fuente (1985), Notas sin música (1990), La rueca de Onfalia (1996) y Cuentos completos (1997) –que incluye “Al aire libre”–, todas con sus respectivas reimpresiones y rediciones; alguno consigna la traducción al francés de La obediencia… (La différence, 1992, versión de Viçent Gimeno).

Casi ninguno repara en su interés por el ensayo literario o su labor como traductor, plasmada en Revista Mexicana de Literatura o S.Nob. No se menciona que fungió como coordinador de mesas redondas y conferencias en el Instituto Francés de América Latina (IFAL) o la UV; que trabajó en el Comité Organizador de los xix Juegos Olímpicos en México, dentro de la Olimpiada Cultural.

Sólo la Historia de la literatura mexicana: desde los orígenes hasta nuestros días de

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Carlos González Peña consigna que había publicado De música y músicos (Imprenta Madero, 1967). O bien, que Notas sin música tenía como inspiración La música de nuestro tiempo de Antoine Goléa, el libro que Melo tradujo para Ediciones Era en 1967, dos años antes de la publicación de La obediencia nocturna.

En cambio se habla de El festín de la araña, el “relato largo” que nunca fue editado, a pesar de que algún diccionario de escritores mexicanos lo consigna como publicado.

Algún estudioso de la obra de Melo explica que se trata de un “libro perdido, alguna vez publicado dentro de la colección Alacena de Era”. Desde 1967 al menos, el título se refiere en varias de las contraportadas de sus libros y es multicitado por varios investigadores, coincidiendo todos en su supuesta trama, sin que nadie hasta ahora confirme su hallazgo. Tratando de explicar el origen del tal confusión, Luis Arturo Ramos aduce que ese nombre fue posiblemente uno de los que Juan Vicente manejó para la póstuma La rueca de Onfalia, pues esa es la idea presente en el texto: un relato que se teje y desteje para volver a replantearse conforme se avanza en la lectura, o bien el delirio de una mujer que, en pleno trance de melancolía, obsesivamente repasa su historia de desamor juvenil. Otra versión apunta a que Melo tradujo el libreto de un ballet de Albert Roussel, intitulado justamente Le festin de l’araignée; y la desidia y falta de rigor crítico permitió que la atribución se continuara hacia alguna narración de Melo: de ello han dado cuenta, desde la literatura y la música, José Homero y Luis Ignacio Helguera, quienes denunciaron varias veces la persistencia de ese error.

José de la Colina sostiene que Juan Vicente Melo es, ante todo, un clásico secreto

Los niños Melo en las fiestas decembrinas: Beatriz, Guillermo, María Elena y Juan Vicente Melo Ripoll. Foto cedida por Guillermo Melo; archivo personal.

de nuestra literatura. El autor de Ven, caballo gris tal vez se refiera no al tipo de escritura de Melo o a la manera en que aún circula entre las nuevas generaciones, sino a la indiferencia que la academia ha tenido para con su obra; al desinterés de los responsables de las instituciones culturales (¡un titular de alto nivel de la cultura de Veracruz afirmaba en público, durante la presentación de una reciente antología de cuentos de Juan Vicente Melo, con profunda seguridad, haber leído con vehemencia e interés La desobediencia nocturna!); a la leyenda negra que pesa sobre la vida de Melo después de 1969, construida a partir del burdo acoso y la sucia persecución orquestadas por Gastón García Cantú que fijó en Juan Vicente a su chivo expiatorio, cuando su propósito fundamental era librarse no sólo del poeta Jaime García Terrés –responsable de Difu-

Melo con el chelista Pablo Casals en la casa paterna de los Melo en Veracruz.

Foto cedida por Guillermo Melo; archivo personal.

sión Cultural de la unam–, sino también de los integrantes de la Generación del Medio Siglo que laboraban en varias dependencias de universidad, cuando conformaban la tan envidiada maffia literaria, según lo explican por separado Huberto Batis y Eugenia Revueltas.

Concluyo por ahora que no hay razón para que parte de la información omitida por otros y referida líneas arriba sea de obligada cita en cualquier otra edición de Melo.

Sin embargo creo que a Colina le asiste toda la razón. Melo es ese clásico secreto, inédito aún, que se encuentra a la espera de nuevos lectores; y a pesar de dicha condición, los ecos de su escritura, manifiesta hoy en esta breve reunión de sus ensayos, bajo el título de La vida verdadera –publicados a iniciativa y generosidad no sólo del Instituto Literario de Veracruz, Rafael Antúnez, Rebeca Piña, sino también de los herederos literarios de Juan Vicente Melo–, adquieren sentido a partir de lo declarado por Melo a Huberto Batis en una entrevista de 1964, publicada en Cuadernos del Viento: “Mi vida verdadera serán los libros que algún día escribiré”. Esta breve selección de ensayos, dispersos hasta ahora, escritos desde ayer, nos permiten ver el rostro siempre nuevo de Juan Vicente Melo.

Tres ¿Persiste en los ensayos literarios de Juan Vicente Melo la “prosa musical” propia de su narrativa, de acuerdo con la crítica especializada? No es una pregunta sencilla de responder, considerando que se habla de dos expresiones literarias distintas, de intenciones diferentes. Más aún, la “prosa musical” señalada por la crítica, advertida por Melo mismo (se ha convertido ya en un lugar común que me fastidia), podría sólo apreciarse en la obra narrativa.

PERFORMANCEINTERPRETACIONESSOBREINTERPRETACIONES

En el ensayo Melo tiene otra serie de intenciones y lo organiza de forma distinta.

Para Juan Vicente, faro y guía en este género fueron Tomás Segovia y Octavio Paz, no sólo como inspiración literaria sino como un ejemplo de lo que implicaba ejercer la crítica: “en un mundo regido por cadáveres, tanto Octavio Paz como Tomás Segovia nos obligan a sentir confianza en nosotros mismos, confianza en el arte […] En la poesía, en el ensayo, en su investigación creadora, han señalado nuevos caminos, han puesto en vigencia mitos enterrados, han hecho brillar soles extinguidos, han examinado al hombre y su lenguaje como objetos mágicos y como estructuras”, escribe nuestro autor. De Segovia adquiere la disciplina, el acercarse a temas filosóficos y del arte; de Paz, las ideas e interpretaciones acerca del significado de la escritura y la búsqueda que se persigue en la literatura, detallados en El arco y la lira, lo que resulta evidente en toda su generación –desde Arredondo hasta Colina, pasando por García Ponce, Elizondo, Valdés, Pacheco o Becerra– y en sus obras, se trate de poesía, cuento, novela o ensayo.

Melo, es cierto, es identificado como el creador de la crítica musical en México, pero también fue un intenso difusor de las letras francesas en nuestra lengua –como también lo era Tomás Segovia, o Juan García Ponce, Carlos Valdés y Salvador Elizondo de los autores germanos o Isabel Fraire de los norteamericanos del siglo xix y xx–.

Melo, para decirlo más claro y sin menosprecio de sus contemporáneos fue quien tenía más por perder al decidir ser escritor.

A diferencia de todos, Melo había estudiado una carrera profesional, y era uno de los especialistas más brillantes en Dermatología a principios de los años sesenta, pero como casi todos sus amigos era originario de la provincia, espacio que volvieron ficción y poesía una y otra vez a partir de temas universales. Como en parte hicieron García Ponce y Arredondo, renunció a una herencia familiar por alcanzar su afán de escribir libros tan excepcionales como La obediencia nocturna o Fin de semana. Junto con Pacheco y Pitol posee una obra narrativa y ensayística brillante e impecable. Al igual que en el caso de Colina, Valdés, Ibargüengoitia o Arredondo, ahora su obra no se lee y se estudia poco.

En este género, en la breve selección incluida en La vida verdadera, Melo aspira con rigor, orden, disciplina y análisis críticos a desentrañar la búsqueda y transformación del otro, el encuentro con Dios, la soledad como forma de subsistencia y de defensa ante el dolor ocasionado por el amor, la imaginación y el deseo como opciones para vencer a la muerte, el descubrimiento de la noche (nuestra parte nocturna diría Paz) como elemento esencial e inherente del hombre, los vínculos entre el amor pro-

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AFORISMOS

Un niño también puede confundir a las mujeres con rocas que susurran y sollozan.

INFANCIA ARMANDO GONZÁLEZ TORRES

Para el niño, al igual que para los animales, el hombre es una especie solemne y amenazante.

En la niñez, los adultos son seres torvos y difusos, sólo los animales y los fantasmas son nítidos y verdaderos.

III De niño, uno entabla una fuerte relación tanto con las privaciones y aflicciones más concretas como con los hechos sobrenaturales.

Cuando éramos niños una palabra poderosa sembraba primero el asombro, y luego hacía estallar, redoblada, la algarabía.

Tras una palabra que le place, que le suena bien, el niño siente una explosión de burbujas en la cabeza.

Toda palabra se eleva como en un juego de vértigo infantil, y cae mareada, mirando al porvenir.

Identificarás a quien escribe porque es alguien que nunca ha dejado atrás el juego infantil del remolino.

Girar, girar sin descanso, como un niño, hasta provocar un vómito de miedo o de alegría.

IV Para un niño es fácil confundir a los hombres con árboles que vociferan.

V De niños sabíamos que un profesor malvado sólo se impone a quienes tienen palabras débiles y no saben contraatacar con mímica y risotadas.

Cuando era niño envidiaba el ladrido y la cola de los perros, y lo sigo haciendo.

Hemos olvidado esa máxima infantil que sólo conservan algunos grandes artistas: correr desbocadamente y sin miedo, antes de saber caminar.

Uno deja de ser ese algo inconfundible y esencial que es el niño, cuando aspira a ser alguien.

Un gran artista mira a sus contemporáneos como niños que fueron derrotados.

Una buena página entonces es una página desbordada de bullas, alborozos y travesuras.

Aforismos del libro en preparación con dicho título.

fano y el amor divino, sus hallazgos de nuevos autores…. Podemos reconocer en sus palabras un espejo en el cual se proyecta la obra de los autores que admira y le obsesionan respondiendo preguntas que tal vez de tan obvias parecieran no requerir más explicaciones. Ejemplo de lo anterior sería la nota de Juan Vicente para atender la edición de Dormir en tierra de José Revueltas, publicada originalmente en Revista Mexicana de Literatura, aunque lo antes afirmado sirve también para referir sus ensayos sobre George Bernanos, Julien Green, Max Aub, Tomás Segovia, José Emilio Pacheco o sus

comentarios a la obra de los poetas que le deslumbran: Paz, Pellicer, Becerra, Hernández…

El horizonte de producción de los ensayos de Melo, en su mayoría, corresponde al periodo que va de 1959 a 1988, años en los que “vivió en una suerte de vértigo los que fueron, seguramente, los años más importantes de su vida”, como afirma Guillermo Villar. Luego de esos años Melo no dejó de escribir y es posible ubicar notas y comentarios dispersos hasta el mismo año de su muerte, aunque su prosa manifestaba menor contundencia.

Definitivamente no encontraremos en el ensayo literario de Juan Vicente Melo esa prosa musical que hipnotiza a los lectores de sus novelas y cuentos. Melo supo ver en el ensayo el campo fértil para la construcción de una poética personal, útil también para explicar su universo literario, convirtiendo sus palabras en logro estético que fuera más allá de lo periodístico al aspirar, como recomendaba Paz, a la voluntad por el conocimiento y el saber, exento siempre de pretensiones personales. Melo nos guía en el descubrimiento de los modos de pensar y de sentir de sus autores, deslindando razón,

moral o buenas costumbres en cada obra literaria analizada y advirtiendo la búsqueda que cada autor o personaje realiza de la parte nocturna de su ser. Sueño e imaginación continúan presentes en estos párrafos, enfrentado a Melo la disyuntiva: entre dos posibles explicaciones de un fenómeno o un hecho, pudiendo optar entre el argumento racional y el maravilloso, Juan Vicente elige aquel que da paso a la fantasía, a lo extraordinario, no sólo porque le parece el más convincente, sino porque le permite explicar y enfrentar la intolerable realidad.

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CREACIÓN CUENTO

FORMAS DE LA NOVEDAD LUIS BUGARINI

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oberto logró publicar, después de grandes esfuerzos, tres libros en una editorial de respetabilidad notoria.

La crítica, en sus vaivenes insondables, calificó su obra como prometedora y nada más.

Se sintió satisfecho por este dictamen, pues no era para menos. A continuación, imaginó que para perpetuar la permanencia de su obra, escribiría otro libro cuyo manuscrito se disputarían las universidades en subastas de pujas increíbles.

Imaginó la obra: el original debía ser escrito a mano y estar anegado de emborronamientos, tachaduras, correcciones, adiciones y suturas; finales varios –al menos seis–; un léxico distante del que utilizaría en el resto de su labor, lo que concluiría en una tentativa vanguardista que trascendería tiempo y espacio. Esta decisión, pensó, tendría a los estudiosos del mundo peleando por identificar el sentido que dejé para los textos.

Así, los debates durarían tantísimos años y a golpe de repeticiones su nombre jamás sería olvidado. Vislumbró que esas polémicas, iniciadas en revistas especializadas, saltarían a las páginas de cultura de los diarios, y de ahí, a los programas culturales del gobierno en turno. Solventar los problemas suscitados por ese original se volvería un asunto de política pública. Plan perfecto y sin fallas, se dijo, en tanto se congratulaba por su capacidad intuitiva respecto a las formas del destino humano.

Todo estaba dispuesto y sólo faltaba la redacción de la obra. Entonces se dio a la tarea. Cada noche, después de una jornada laboral dedicada al desarrollo y perfeccionamiento del aparato cultural, dedicaba horas a la elaboración de su texto. El agotamiento físico se superaba con dosis de creatividad.

Se sentía feliz y más satisfecho que nunca.

Conforme avanzaba el trabajo, concibió la posibilidad de incluir un apéndice –o nota introductoria, aún no lo decidía– en donde se explicara –de manera falsa– el sentido último del texto. Ampliar sin medida la ambigüedad de la obra, pensó, enriquecerá el carácter interpretativo de las palabras. No cesaba de celebrarse a sí mismo y a las dos horas iniciales que comenzó dedicando a la redacción de su escrito, adicionó cuatro más. Las ojeras y perder tres kilos de peso en menos de dos meses, le confirmaron su calidad de artífice de una nueva estética.

Cuando se aburría de la composición, saltaba sin aviso a la escritura del apéndice, que al final se confundían sin que él lo percibiera. La vida de un escritor, a pesar de haber concebido una obra maestra, no es sencilla. Él vivía de colaborar en diarios y revistas. Al mes debía entregar, al menos, cinco colaboraciones. Los temas eran variados y podía escogerlos de manera libre. Sus intereses, múltiples y caprichosos, eran variados e iban desde una nueva interpretación del mito de Teseo a la cantidad de levadura que utiliza el panadero del vecindario. Roberto tenía un lugar en el mundo de las letras y, según se jactaba, lo había ganado a sangre y fuego. La redacción de su obra y la organización del apéndice le hicieron olvidar la escritura de dos novelas que ya tenía iniciadas, la reunión de sus ensayos dispersos y la elaboración de una antología de poesía patriótica iraní –previa a la revolución del ayatolá Jomeini–. Tal era el tamaño de su pasión.

A la tarea de urdir el original, se unió la de imaginar cuál sería el medio adecuado para dar a conocerla sin publicarla. Sintió temor ante la posibilidad de verse plagiado. ¿Dar algún avance a un diario de circulación nacional? Imposible. Hasta donde sus conocimientos literarios daban, nadie en la historia de las letras había emprendido una tarea similar. Difícil hacerla pública sin repercusiones entre los colegas. Desechó la opción por su alto riesgo. Lo mejor es acelerar su terminación y darla a conocer justo antes de morir, se dijo. Sólo así podría coronarse como forjador de una resurrección artística y quizá podría visitar la academia sueca con los gastos pagados. ¡Naderías!, se reprochó, lo que importa es trabajar. La obra le tomaba más tiempo del que había dispuesto para su conclusión. El alba lo sorprendía en el escritorio y su dedicación laboral quedó eclipsada. Ya no sólo eran sus proyectos iniciados los que sufrieron este deterioro, sino el volumen de sus colaboraciones periódicas. De cinco bajó a cuatro y, cuando podía hacerlo, rechazaba nuevos ofrecimientos.

Pero los editores acudían a él, a la manera de un comodín. No sabía de todos los temas y autores, pero tenía capacidad para informarse en poco tiempo y escribir con humor sobre cualquier tema y esto vende.

Así que de cuatro bajaron a tres, ya no por decisión propia, sino por decisión de los

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editores. Entregaba sus textos con demoras, erratas y a juicio del menos instruido, con manufactura que refleja prisa y hasta desdén por el oficio. Comenzaba su declive, aunque lo ignoraba. Sin embargo, lejos de preocuparle esa indiferencia por parte del mundo cultural, utilizó el tiempo que dedicaba a esas notas, a la redacción de la obra que lo haría un escritor indispensable. A fin de cuentas, las grandes obras de literatura –como él lo había estudiado en la escuela– se habían realizado en condiciones de sacrificio y continencia. Así lo confirmaban las vidas de Dante, Cervantes y Flaubert. Las páginas de la obra se multiplicaban a una velocidad perturbadora. Su escritorio, que alguna vez presumió de conservar con pulcritud, se escondía debajo de pilastras de hojas garrapateadas. Las notas, ideas y valoraciones, llenaban la estancia. Comenzó a pegar papeles en los muros para recordar fragmentos a la hora de escribir. Dudaba llegar a su objetivo, pero se consolaba pensando que si no alcanzaba el nivel de ilegibilidad requerido para sus estándares, al menos la longitud del mamotreto desconsolaría al más paciente. Y jamás perdió la fe.

Lector de la mística española, estaba convencido de que los hombres, sin la gracia de Dios, era poco lo que podían lograr. Confiaba en la misión redentora de su labor. Además de abandonar sus colaboraciones periódicas casi por completo, se alejó del mundo literario. Salía apenas, se dejó la barba y cambiaba su ropa sólo cuando tomaba un baño –muy esporádico, por otra parte–. De ese alejamiento sólo conservó la cercanía de un amigo de su generación. Un escritor que lo estimaba y creía en él. En una de sus charlas telefónicas, y ya un poco angustiado de que su nombre se esfumaba del mundo de las letras, le deslizó un comentario a Manuel sobre esa obra que auguraba un viraje en el panorama estético del país. Éste, fingiendo templanza aunque ardiendo por dentro, diseminó la noticia y como una llama su nombre volvió a encender al interior de la vida intelectual. Todos esperaban noticias del libro. Fragmentos, adelantos, comentarios, críticas, lo que fuera.

Roberto supo que Manuel no podría contenerse, y lo utilizó como un agente involuntario de prensa. Al desdén por sus trabajos iniciados y sus participaciones periódicas, abandonó por completo las novelas que prometió para la concesión de una beca. Esto no sólo le valió la condena de los escritores y becarios, sino también –y quizá más doloroso– perder la posibilidad de obtener otra más en el futuro. Un escritor que no cumple con su plan de trabajo es como un perro que no cuida la casa. Pero él se consoló pensando que la calidad de la obra que fabulaba valía cualquier sacrificio y que, una vez que obtuviera el reconocimiento, las becas, premios y doctorados honoris causa, saltarían debajo de las piedras.

El tiempo era un aliado y no lo dejaría solo.

Se concentró en su creación. Los papeles se multiplicaban y las hojas se reproducían.

No sólo llenaron el escritorio. Ahora estaba en el suelo, la alcoba y las repisas vacías.

El manuscrito había expropiado su vida.

Siguió trabajando impávido, pues nada lo alejaría de su labor. La comunidad literaria sugería el fin de su carrera literaria. La obra, que tanto prometió a su amigo y cuya existencia jamás quiso confirmar, no aparecía por ninguna parte. De tal suerte que evitaron invitarlo a presentaciones, conferencias, mesas redondas y reuniones informales.

Asimismo, su obra fue ignorada por cuantas antologías aparecían con sus compañeros de generación. Un crítico aventuró que, dada la precocidad de su labor, su talento acaso habría llegado a su fin; otro refirió que ninguna antorcha dura lo que debiera. Pero Roberto resistía estoico y el hecho de no leer críticas, ni periódicos, ni revistas, le dio energía para concluir su trabajo. Las palabras eran su sustento y fortaleza. Sólo por su amigo se enteró de la indiferencia de sus conocidos, que atribuyó a la envidia del mundo literario. Él seguiría escribiendo con tesón y paciencia.

Incapaz de poner orden o delimitar el original, se concretó a seguir elaborándola sin descanso. Según él, ese “caos era parte integral del objetivo”, pues “si el sentido de confusión y ambigüedad resultaba auténtico, debía por principio, embrollarlo a él mismo”. Escribía sin detenerse y, según creía, una voz le dictaba las palabras. Su mano se movía como un compás rítmico, y él se limitaba a dejarse llevar. Se lo atribuía a las musas y se sintió un agraciado. Un creador destinado a recibir el consejo de la pasión creadora, infinita y generosa. Pero de escritor notable pasó a ser un loco, poseído por llenar hojas y hojas de palabras sin sentido, se decía.

Luego de diez años de trabajo, la dio por concluida y quiso publicarla para exorcizarse. Estaba cercano el tiempo del reconocimiento. Los últimos arreglos le tomaron seis años. Y así, después de más de quince años de sacrificio y de casi perder la vista revisando originales, buscó a quien había sido su editor en tiempos más felices. Le contó su historia mientras éste lo miraba perplejo. No le interesaba si llevaba bajo el brazo una obra maestra, pero sentía respeto por sus años de labor. Todos, al final, estaban al tanto de su pérdida del camino. El editor le recibió el manuscrito y le prometió una respuesta en dos meses. La espera se prolongó un año. Una tarde en que regresaba de su empleo como redactor en el sindicato de electricistas, encontró en el buzón una carta con la respuesta. Ésta se limitaba a agradecerle la confianza de enviarle su trabajo, pero que dados los tiempos la búsqueda de la novedad había dejado de ser lo último.

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Foto: Marcelo Uribe

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ENTREVISTA EDUARDO ANTONIO PARRA

TAN ATENIENSE COMO SIEMPRE ARTURO MENDOZA MOCIÑO

En la capital veracruzana viven 666 mil 535 personas de las cuales 237 mil 455 son estudiantes.

A juicio del narrador regiomontano Eduardo Antonio Parra esta ciudad mexicana es el paraíso en tierra para cualquier escritor porque tiene lectores avezados y el mejor apego a las actividades culturales.

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a voz de Eduardo Antonio Parra es la del añejo fumador y es también la del viajero que ha visto y vivido de masiado como para dejarse engañar con los espejismos y las confusiones que luego provocan los grandes eventos culturales.

Con esa sonrisa y bonhomía que lo distinguen se encuentra afuera del Palacio de Bellas Artes en el corazón de la c iudad de México tras la entrega de la Medalla Bellas Artes a La Poni, Elenita, es decir Elena Poniatowska, quien dentro de unas semanas partirá hacia España para recibir el Premio Cervantes el equivalente al Premio Nobel de Literatura en lengua hispana y que, con

anterioridad, recibieron Octavio Paz (1981), Carlos Fuentes (1987), Sergio Pitol (2005) y José Emilio Pacheco (2009).

Nacido en Guanajuato en 1965, pero curtido en diferentes ciudades fronterizas, Parra emula a su mentor, el ya fallecido novelista Daniel Sada, e imparte talleres literarios en distintos rincones del país. Por eso no duda en afirmar que si un escritor desea encontrar la felicidad en tierra debe ir a esa ciudad veracruzana: —Si como escritor vas a Xalapa te encontrarás con un chorro de lectores, los cuales se te acercan y te comentan los libros. Por supuesto que hay una universidad y una facultad de letras que los está poniendo al día de lo que ocurre en la escena literaria. Y eso es lo que más me llama la atención porque no nada más ven a los autores ya consagrados sino que están sobre la marcha y saben muy bien lo que está sucediendo.

Las ondulantes calles, en ocasiones neblinosas y fantasmales, estimulan a Parra, acostumbrado a espacios abiertos y áridos, golpeados siempre con la furia del sol y el calor áspero. Por eso, para el autor de los libros de relatos Los límites de la noche y Tierra de nadie y las novelas Nostalgia de la sombra y

Juárez, el rostro de piedra, nada como caminar por Xalapa y corroborar una y otra vez que es una ciudad que se presta mucho para la cultura.

—Ahora voy a la feria universitaria y siempre que voy me da mucho gusto. Me han invitado a dar varios cursos sobre la cultura norteña para entender mejor lo que se está escribiendo en el norte. Y en cada curso confirmo que Xalapa, por la calidad de sus lectores, después de ciudad de México, es la segunda ciudad per capita con más lectores, por encima de Guadalajara y Monterrey. Y eso lo digo porque también estoy yendo muy seguido a Guadalajara y no encuentro allá esa efervescencia cultural que veo en Xalapa. Lo que sí es cierto es que ahora Guadalajara está bien frente a Monterrey, que estaba genial en los años noventa, pero poco a poco Guadalajara ha ido subiendo, pero nada de lo que hace se compara en nada con Xalapa. ¿A qué se deberán esas diferencias?

Mucho tiene que ver con el apoyo gubernamental y quién está en los puestos culturales. Por ejemplo en la época dorada de Monterrey estaba Alejandra Rangel en Conarte y Janet Clariond y Nina Zambrano en la iniciativa privada cercana a la cultura, gente muy comprometida con la literatura y con la cultura en general. Cuando llegó a la gubernatura José Natividad González Parás, puso esos elementos políticos que siempre echan a perder el trabajo cultural porque toman su puesto como un hueso.

Aunque con González Parás se hizo el Fórum de las Culturas.

El fórum sólo sirvió para gastar miles de millones de pesos y no creo haya dejado mucho a Monterrey. Luego veías a los que encabezaban la cultura y todos eran huesos políticos. Ahorita digamos que la cultura regiomontana está a medios chiles: no es gente con mucha trayectoria cultural, aunque sí la tiene, pero también ha pasado que muchos de los escritores se fueron, algunos nos fuimos antes, otros se fueron por la violencia y otros persiguiendo alguna vieja polaca como David Toscana (risas). Es entonces que te preguntas quién va a hacer escuela si hay tantos regiomontanos fuera. Así se pierden ciertas referencias.

En cambio, Guadalajara está bullendo.

En Guadalajara encuentras lectores como los encontrabas en Monterrey en los años noventa y como los encuentras aquí en ciudad de México o en Xalapa; se trata, sobre todo, de lectores más jóvenes.

Guadalajara es interesante porque sus lectores tienen en autores como Antonio Ortuño, Juan Pablo Villalobos, Bernardo Esquinca, sus primeros referentes.

Hay muchos más escritores en Guadalajara. Lo que pasa es que es una ciudad muy grande y como que se atomiza todo el rollo mientras que en ciudades más pequeñas

como Xalapa la convivencia de la comunidad literaria y los lectores es más cercana y fraterna. Lo que sí es común en ciudad de México, Monterrey, Guadalajara y Xalapa, en fin, en todo el país, es que la grilla cultural está durísima y eso reteniendo y obstaculizando el desarrollo cultural del país.

Por eso surgen los héroes culturales, a la manera de Arnaldo Orfila, Joaquín Diez-Canedo, José Vasconcelos, ante la incapacidad gubernamental de brindar cultura como factor de desarrollo social. Y son ellos son los que crean más comunidad cultural cuando abren sus cafés, sus revistas o sus galerías.

Son personas admirables que un día, hartos de los burócratas, dicen: “Voy a hacer un centro cultural y poner un cafecito, voy a fundar una editorial”. Y todo eso es bastante heroico. Por ejemplo, acabamos de estar mi editor, Marcelo Uribe, y yo en Mérida en la Casa Elena Poniatowska que ha puesto su hija Ana Paula. Y ese espacio tiene un cineclub y talleres y un montón de cosas.

Está, obviamente, en la calle 68 y está padrí-

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Arriba, Eduardo Antonio Parra: echando una miradita. Sobre estas líneas: Elenita enmedallada.

sima. Lo de los emprendedores culturales sí que son heroísmos porque todo aquel que ponga un centro cultural ayuda a todos los creadores artísticos porque siempre estamos navegando en el desierto y, aunque haya, no hay todo lo que se requiere, poner una casa de la cultura siempre significa un gran esfuerzo y creo que es lo más necesita este país.

Las palabras de Parra son idénticas a las que dijeron en el siglo XIX varios viajeros extranjeros que pasaron por Xalapa y que, gratamente sorprendidos por las veladas musicales y literarias con las que fueron agasajados, consideraron a Xalapa “la Atenas veracruzana”, donde los escritores encuentran los lectores que desean, entre nieblas, cafecines y espejos de tinta.

DÍA MUNDIAL DEL TEATRO

EL TEATRO: ESPACIO DE ENCUENTROS, DESENCUENTROS Y GUERRA JOSUÉ CASTILLO

10 A partir de 1961, cada 27 de marzo se conmemora en el ámbito internacional el Día Mundial del Teatro. Un arte que se niega a morir, el teatro y sus artistas han sido aplaudidos por el pueblo y perseguidos por el poder. Josué Castillo se remonta al Teatro Ulises, el primer gran experimento del teatro mexicano que tuvo lugar en las postrimerías de la década de 1920, bajo el patrocinio de María Antonieta Rivas Mercado.

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esde 1961 se celebra, gracias al esfuerzo del Instituto Internacional del Teatro (IIT), el Día Mundial del Teatro. Como parte de los festejos se celebran varios eventos nacionales e internacionales a lo largo del mundo por los centros IIT y la comunidad teatral. Uno de los actos más importantes es la difusión de un mensaje signado por alguna personalidad mundial relacionada con el teatro. El primero fue escrito en 1962 por el dramaturgo y poeta francés Jean Cocteau. Hay que destacar que el tema de este mensaje, por lo general, versa sobre la relación del arte dramático con la paz o su participación en la sociedad, sin embargo revisar el archivo de dichos mensajes nos muestra la polifonía de voces que conforman quienes realizan arte teatral: mientras que Cocteau convoca a una comunión de los pueblos a través del encuentro antagónico, pues en el intercambio de ideas donde nos encontramos con el otro, Darío Fo, emisor del mensaje del 2013, nos recuerda que aquellos que han asumi-

do el poder político en distintas naciones han declarado la guerra a los comediantes: rastrea la crisis actual del teatro (la falta de espacios, de financiamiento, de público) hasta la contrareforma, cuando el papa Inocencio XII decretó el desmantelamiento de todos los espacios teatrales, especialmente en Roma, debido a que la Iglesia, según el cardenal Carlos Borromeo, está comprometida a “erradicar las malas hierbas”, por lo que hicieron “lo posible por quemar textos que contienen discursos infames, para extirparlos de la memoria de los hombres, y al mismo tiempo perseguir a todos aquellos que divulgan esos textos impresos”, por lo tanto “es urgente sacar a las gentes de teatro de nuestras ciudades, como lo hacemos con las almas indeseables”.

Máquina de guerra Darío Fo, creyente y apóstol del teatro comprometido, propone rescatar las potencias políticas del teatro: para Fo éste es a la vez

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un frente de batalla y una máquina de guerra. Para combatir recurre a una estrategia distinta de las que, en otros tiempos, han echado mano dramaturgos comprometidos con alguna causa política: aquí no se trata de conmover al público hasta las lágrimas ni llenar de miedo el corazón del espectador; los medios de Fo son más sutiles, más agudos, en resumen más revolucionarios: la sátira y el humor, porque “la sátira es el arma más eficaz contra el poder: el poder no soporta el humor, ni siquiera los gobernantes que se llaman democráticos, porque la risa libera al hombre de sus miedos”.

Esta convergencia entre la risa y el combate puede encontrarse también en el del teatro de títeres, arte que quizá debido a los avances en el arte teatral y la dictadura del gusto de los críticos ha sido, cada vez más, confinado a la esquina de eso que llaman los “géneros menores”, aquellos destinados a niños, a los adolescentes, a todos aquellos que estén por debajo de la soberbia y patanería de esos hombres con gafas y títulos que se creen capaces de decidir qué pasará o no a la posteridad.

Durante una entrevista realizada el año pasado Pavel Ortega, novelista gráfico y actor que, gracias al programa Rutas Escénicas, recién regresaba a Xalapa después de recorrer parte de Europa presentando su versión con títeres de Donde está marcada la X del dramaturgo norteamericano Eugene O’Neill, habló un poco sobre el tema. Rescatamos un fragmento de aquel encuentro.

Josué Castillo: Pavel, cuéntanos sobre las posibilidades del teatro de títeres como herramienta para la lucha política.

Pavel Ortega: “El origen del títere es bastante contestario. Si tú ves, por ejemplo, Mr. Punch o Monsieur Guignol, notas que es una alegoría de la lucha contra el poder. No sé a quién se le ocurrió que eso era teatro para niños y ahora ya carga con ese estigma, incluso en Francia: allí actué en varios foros y la gente no está acostumbrada a ver títeres. En donde vi más respeto por el trabajo de los titiriteros fue en República Checa y los países que formaron parte del bloque del este, en donde tienen una gran tradición en el teatro de marionetas. Además el teatro de títeres está muy dirigido al pue-

blo: en Europa la entrada al teatro costaba, como en el teatro isabelino, cierta cantidad pero el titiritero actuaba en la calle y ganaba lo que era la voluntad del público. Eso lo acercaba más a la gente. Hay un caso muy conocido: hubo un titiritero que se metió con un rey y lo sometieron a un juicio porque no te podías meter con él. Entonces en el juicio el titiritero dijo que no había sido él quien había dicho tal cosa contra el rey sino que había sido el títere; no sé cómo estuvo el caso, la cuestión es que ganó el titiritero: este arte te da ese poder de separarte, de no ser tú, de darle vida a un objeto inerte, lo que te permite poder decir ciertas cosas desde allí, lo que hace que la gente las acepte mejor: puedes decir cosas muy tristes en el teatro tradicional y serían necesariamente muy dramáticas, pero en el rollo del teatro de títeres puedes decir las cosas sin decirlas, porque el títere está dentro del reino de la metáfora y en la metáfora puedes meter lo que quieras.”

Esta tendencia contestataria, burlona y, en muchas ocasiones, violenta puede encontrarse en muchos montajes actuales, incluso podríamos considerarla la bandera de la dramaturgia actual, sin embargo para que esta crítica fuera posible fue necesario, al menos en el terreno nacional, batirse en algunas batallas que a más de uno costaron su nombre y reputación.

Frente de combate El mundo de las artes está muy lejos de ser una reunión de té. Por el contrario, con una mirada sincera y algo maliciosa, es decir, poniendo un poco de atención, podremos ver a grupúsculos, individuos e instituciones enfrascadas en luchas que, muchas veces, parecen sinsentidos. Podríamos pensar que estos encuentros y desencuentros, estos dramas de sobremesa no interesan más que a los ociosos cronistas de nuestra vida cultural, cuyo arte podría reducirse al conocimiento profundo de a quién emborrachar y en dónde, pero en estas tensiones se llega a definir, muchas veces, el futuro de las disciplinas del espíritu. Por ello, vale la pena recordar la sangre derramada, y afortunadamente decimos esto de forma metafórica, para que nuestro teatro se haya construido el rostro que tiene ahora.

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Situémonos en el México de posguerra: un país devastado por enfrentamientos fratricidas y las traiciones a granel que esto implica. Tras la matanza una pregunta se extiende por todos lados como fantasma: ¿quiénes somos como nación, como sociedad, como individuos? “Somos mexicanos”, fue la respuesta inmediata que cayó como un rayo desde las cumbres del poder, pero pronto notaron que hacer de esta una idea de circulación común no iba a ser fácil: sería necesario que todos los estratos de la sociedad se unieran en una sola tarea, quizá, según los revolucionarios, la más digna a la que puede un hombre aspirar: formar un nacionalismo que nos dé algo de certidumbre ontológica. Para ello iba a ser necesario un esfuerzo no sólo real, es decir político y económico, sino también simbólico, es decir: cultural.

Uno no se acerca volando al sol sin padecer las consecuencias, y pronto esa ingenuidad que caracteriza a los artistas jóvenes se convirtió, gracias a la malicia de los súper machos (los supervivientes a la Revolución que ahora llevaban las riendas del país), en soberbia y dictadura. Pronto, todo arte que no estuviera al servicio de la nación tendría que ser desterrado del país, no sin antes ser tildado de amanerado, homosexual, burgués y reaccionario.

Contra el corsete nacionalista no tardaron en aparecer voces disidentes y entre ellas hay que destacar a aquellos que iniciaron el proceso para el nacimiento de nuestro teatro contemporáneo: el Teatro Ulises, patrocinado por María Antonieta Rivas Mercado (quizá la mecenas más grande que ha tenido México) y María Luisa Block, que contó con la participación de algunos jóvenes escritores que, tiempo después, serían conocidos como los Contemporáneos: Salvador Novo, Xavier Villaurrutia, Celestino Gorostiza y Gilberto Owen. También participaron Julio Jiménez Rueda, Roberto Montenegro, Manuel Rodríguez Lozano, Bernardo Ortiz de Montellano, Isabela Corona y Clementina Otero.

11 Fotogtafías: A la izquierda, María Antonieta Rivas Mercado mira a Darío Fo [en esta página] tocando la guitarra de aire.

Este viaje, nunca mejor dicho, tuvo como intención arrebatarle a la ideología nacionalista, de personajes planos y hartos lugares comunes, el dominio sobre el re-naciente mundo del teatro. Ulises, ese proyecto que coqueteaba con las vanguardias europeas y la labor de picapedrero que hacían muchos del otro lado del río Bravo, tenía la intención de hacer entrar a México en el panorama mundial: sacar a las artes de esa visión estrecha y limitada, digámoslo: provinciana, que no le permitía a los creadores, y a la población general, ver más allá de su ombligo. Para ello,

Novo tradujo a O’Neill y a Synge; también se representaron obras de Jean Cocteau, Lord Dunsany, Claude Roger-Marx, Luigi Pirandello, Jean Giraudoux, Henrik Ibsen, August Strindberg, Charles Vildrac, Henri-René Lenormand y varios otros. Esto, desde luego, causó un escándalo entre la comunidad artística que bienvivía del cobijo del Estado que desde entonces ya sabía cómo mimar a los intelectuales que se baten a duelo por su causa.

Ulises, el primer teatro experimental en México, a pesar de su corta existencia fue la semilla para lo que posteriormente

sería La Capilla, teatro liderado por Salvador Novo; los Escolares del Teatro de Julio Bracho; el PROA de José de Jesús Aceves y el Teatro de las Artes de Seki Sano, el introductor de Stanislavsky en México, y gracias, en gran medida, a quien existe el teatro xalapeño como lo conocemos.

Sin embargo, considero, debemos pensar que el fruto mayor de Ulises y los Contemporáneos fue la fundación del Teatro de Orientación, faro de luz que significó el triunfo del pensamiento moderno y le ganó al teatro mexicano el derecho de ser contemporáneo del mundo.

A partir de una fotografía de Lola Álvarez Bravo de principios de los cuarenta, José Homero recrea la visita a Xalapa de Xavier Villaurrutia y Octavio Paz, acompañados de Jorge González Durán, para una lectura organizada por el antecedente del inba.

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principios de los años cuarenta Octavio Paz visitó Xalapa. Fue una mañana fría. El viento agitaba las hojas y las nubes rumiaban lluvia mientras la humedad maceraba a los poetas que rindieron tributo a Salvador Díaz Mirón visitando su célebre casa de Xalapa, aunque

CENTENARIO

OCTAVIO PAZ EN LA CALZADA DE LOS POETAS JOSÉ HOMERO

compañeros no. Mucha chulería para ser tan joven, ¿es porque ha comenzado ya su carrera burocrática?

Octavio Paz, a la izquierda de Villaurrutia, luce dubitativo, expectante. Contrario a Jorge, se mantiene apartado de Xavier, aun cuando sus pies casi se tocan. Es indicativo

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Parque Miguel Hidalgo, Los Berros, donde estaban los bustos de poetas veracruzanos. Crédito: Jorge Castillo

ninguno lo admirara especialmente. Jorge Cuesta, quien mejor comprendió la tentativa satánica de los versos del veracruzano, había ya muerto. No quedan datos ni registro de dónde se efectuó la lectura. Apenas un testimonio: la fotografía de Lola Álvarez Bravo con Xavier Villaurrutia como eje semántico y simbólico de la composición.

Villaurrutia, ya un poeta consagrado, viste un traje de raya diplomática con un protector chaleco, perfecto el nudo americano de la corbata, ensaya sonriente una pose, los brazos cruzados, la sonrisa levemente irónica mirando a la cámara. Lo flanquean dos jóvenes. Jorge González Durán, poeta de la promoción de Tierra Nueva, posa su mano izquierda sobre el hombro de Villaurrutia mientras guasón reclina el rostro . Siendo el más joven de los tres, viste informal y se comporta campechano, confianzudo.

Mano en los bolsillos, suéter con cierre. Un detalle: sus zapatos relumbran, los de sus

que Villaurrutia adelante su pie izquierdo en dirección a Paz, delatando coqueto su preferencia. Pese al rostro sonriente, seguramente a causa de un comentario en chanza de González Durán, Octavio asume una actitud distante. Contrito el puño, torso erguido, latente la tensión en su hombro. Sus zapatos estilo Boston están gastados, innobles, aunque las líneas de su saco de casimir no desmerecen ante el corte de Xavier. De no ser por las mangas…

Por la vegetación –helechos, se han detenido cerca de la otrora Calzada de los Poetas, donde bustos de Salvador Díaz Mirón, Rafael Delgado, Josefa Murillo, realizados por el escultor Carlos Bracho, circundaban los muros de una antigua casona.

Hoy nada queda: la rapiña y el descuido de las autoridades municipales terminó con esos bustos que honraban la tradición literaria de Xalapa gracias al mecenazgo de Adalberto Tejeda. El más hermoso parque

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de Xalapa, donde bajo los altos eucaliptos y las roñosas araucarias se respiran aires de otros tiempos, con ramalazos de ese abandono pútrido que envenenó la imaginación decadentista, ha quedado trunco sin que a nadie le importe. Huera memoria de una ciudad que se ufana de culta.

Benito Coquet (1912-1993), a la sazón un célebre hombre de cultura y hoy en el completo olvido –lo cual es una injusticia, acaudillaba a comienzos de la década de los cuarenta (1941-43) la Dirección General de Educación Extraescolar y Estética, antecedente directo del Instituto Nacional de Bellas Artes. Como parte de su labor titánica –anteriormente había sido delegado de la joven Universidad Veracruzana, secretario de la Confederación Nacional de Estudiantes y posteriormente crearía el Instituto Mexicano del Seguro Social además de ejercer como secretario del presidente Adolfo Ruiz Cortinez–, Coquet promovió el arte en sus facetales expresiones a lo largo del país.

Presumiblemente los poetas de estas distintas edades y promociones estuvieron presentes esa mañana para una lectura –Rafael Vargas dixit–. Coquet, joven ya integrado a los colaboradores de Manuel Ávila Camacho, había convocado a los miembros de Contemporáneos y a escritores como Mauricio Magdaleno para sus giras culturales.

El año del encuentro permanece dudoso; debió ser sin embargo 1942 o 1943, ya que González Durán se incorporó a las misiones culturales en los estados en 1942 y la dirección devino INBA en 1944.

Incluida por vez primera en el volumen Xavier Villaurrutia en persona y en obra de Octavio Paz (FCE, 1978), cortada y con información errónea –se lee Parque Díaz Mirón, siendo el nombre correcto parque Miguel Hidalgo, mejor conocido como Los Berros, y recuperada en el libro Octavio Paz, entre la imagen y el hombre (Conaculta, 2010), iconografía en blanco y negro firmada por Rafael Vargas, esta imagen atestigua el encuentro de tres poetas.

Pocos saben que uno de los mecenas de Lola Álvarez Bravo y responsable del reconocimiento de su obra fue Benito Coquet, como expone Olivier Debroise en su libro sobre la fotógrafa: Lola Alvarez Bravo. In her own light (Universidad de Arizona, 1994).

González Durán a su vez prologó una exposición de Álvarez Bravo en el Palacio de Bellas Artes.

Oriundo de Xalapa, francés de ascendencia, Coquet se había formado en las escuelas superiores de la ciudad y posteriormente cursó estudios en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. En 1947 recibió su título de abogado por la Universidad Veracru-

Pedestal del busto robado de Salvador Díaz Mirón, Los Berros. Crédito: Jorge Castillo

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Foto: Lola Álvarez Bravo

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zana. Desde trincheras distintas, Coquet y Octavio Paz coincidieron en varios momentos. Cuando en 1934 Lázaro Cárdenas intentó uniformar la educación en México con un cariz marxista, Coquet emergió como el gran líder estudiantil –procedente de la Veracruzana– y acaudilló la protesta desde la Confederación Nacional de Estudiantes, junto a Bernardo Ponce. Hubo manifestaciones, debates, cartas públicas y un enconado encuentro en San Luis Potosí. Uno de los estudiantes que firmó esa carta de protesta, una entre 500 firmas, fue la de Octavio Paz. Otro de los opositores a la subordinación de la universidad al Estado fue Jorge Cuesta. En otra ocasión al rendir homenaje al poeta recientemente fallecido Miguel Hernández, Coquet invitó al joven Paz y a otros poetas del exilio español en México.

Más tarde, ya director del IMSS y mecenas del teatro público, Coquet sumó a su equipo a Andrés Henestrosa, Octavio Paz y Jorge González Durán. Otro de sus legados: la creación del Premio Nacional de Ciencias y Artes, surgido el 11 de septiembre de 1944 por una disposición de una ley del Congreso de la Unión, a iniciativa de cuatro diputados, entre los que destacan Coquet y Manuel Moreno Sánchez. Moreno Sánchez (1908-1993) había sido otro de los compañeros de Paz en San Ildefonso y colaborador de Barandal. Finalmente en ocasión de los 75 años del poeta, Coquet publicó una bella carta a su amigo de juventud y colaborador antiguo.

Francisco Hernández en Imán para fantasmas ha escrito un poema en prosa – pero no está en prosa, sobre esta foto: La carrera sin sed de los helechos – murmura Villaurrutia mientras posa, es lo que puede acelerarse ahora.

Lo rodea el brazo de González Durán y piensa Octavio Paz, joven, sonriente: “Estamos en un parque de Xalapa. La humedad es nostalgia de la vida, Díaz Mirón es disparo en la memoria y Xavier es palabra de poesía. Imposible determinar la hora, mas estaba nublado de seguro.

Se adivinan los truenos en lo alto. El aguacero afila sus espuelas para poder correr tras las estatuas.

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MÚSICA NICOLAS JAAR

RUMBA ALUCINADA 14 RAFAEL TORIZ

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odo sucedió de manera subrepticia, en un susurro, como una flama. De golpe y porrazo –y más bien por los efectivos poderes seductores de radio Bemba– fui notificado de que Nicolas Jaar –master of puppets he’s pulling your strings!– tocaría una sola noche en Buenos Aires, ciudad que si de algo sabe, para gozo de los locales y envidia de la escena trendy latinoamericana, es de la hipsterización efectiva de la rumba alucinada.

Habiendo arrancado la noche en un célebre puterío conocido como Pampita, sugerido por un camarada a quien llamaremos Larry, pude observar un vestigio de lo que fue el auge menemista, ubicado en una zona que le daba, al grupo de estadistas argentinos de los dorados años noventa, acceso directo al club de golf, una discreta zona de moteles y todo tipo de apetitosas prostitutas.

Acidulada la voz con ron venezolano y un par de joints de manufactura casera –en Buenos Aires se cultiva el sano hábito de la plantación personal– partimos rumbo a Crobar, ubicado en los Bosques de Palermo que –sin ser el Roy– es mucho más que complaciente (la ventaja de vivir en un país menos clasista es que las cosas están más cerca de las manos, como la belleza por ejemplo).

Llegamos temprano –ya he dicho antes que en la Argentina la fiesta empieza tarde– debido a mi temperamento de grupi

desquiciada y porque no quería perderme un momento de la magia del niño genio.

Desde hace varios años, en la Guardería Riveroll S.A. de C.V. sede Escandón, se ha instituido la tradición de escucharlo al amparo del canto de las aves y las copas, por lo que la ocasión de presenciar un milagro predispuso todo mi cuerpo.

Poco a poco la explanada del bar –que es grande– se fue llenando con todo tipo de elementos, algunos jóvenes y una buena medianía de gente pasada de treinta hasta algunos cuarentones que, en atención al ojo atento, darían una exótica lección de moda en alguna mezquina pasarela.

Un dj de medio pelo arrancó el triplete así que Larry sugirió, luego de que llegaran un par de chicas cuasi amables, que se acompañaran los tragos con un par de tachas.

El lugar ya estaba hasta la madre cuando apareció el jovenzuelo que ha puesto al mundo entero a bailar a su ritmo. Fresco como un jazmín, dio una cátedra de estilo y sobre todo de elegancia que Larry, su piruja y yo pudimos dimensionar en su justa medida gracias a generosas dosis de MDMA recién desembarcado de Europa.

Jaar llevó a la audiencia –predecible por naturaleza– a donde quiso. Fue anticlimático pero seductivo; su presencia física es muy discreta, pero a los pocos minutos uno siente todo el poder de su talento atravesando el cuerpo. Jaar es el Bach del momento.

PERFORMANCEINTERPRETACIONESSOBREINTERPRETACIONES

Con prontitud el caos se volvió una orgía demencial, la gente se brindó a la noche y el profeta compartió su evangelio. El concierto corrió ligero, con la espesura de los sueños vívidos así que decidí pisar a fondo y colocarme el antifaz lisérgico, tecnología alemana que me tuvo despierto 36 horas de un rush pavoroso e intenso (vi el corazón de la locura y supe que tiene forma de poema. Todo lo vivo tiene sentido y el mundo es cruel y terrible, como un orgasmo del tiempo).

Se vino el día sin que me diera cuenta. Al final sólo quedaba un dj desconocido, algunos vampiros y las vestidas, puros cascajos del viento.

Caminé, con la pinta de un errante decadente, por los bosques insurrectos. Pude ver la luz con que despierta Buenos Aires y lloré, lloré por la vida y la belleza y la soledad y el sentimiento.

Me sobrepuse a mí mismo y ahora soy un hombre nuevo.

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ABRILDE2014 NÚMERO196

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LIBROS SARA GARCÍA

LA ESENCIA DE UN LEGADO RAÚL CRIOLLO

Las películas de Sara García de Emilio García Riera y Eduardo de la Vega Alfaro, publicado recientemente por el Patronato del Festival Internacional de Cine de Guadalajara y la Universidad de Guadalajara, ofrece el registro fílmico de uno de los íconos de la llamada edad de oro del cine mexicano. Raúl Criollo conversó con Eduardo de la Vega Alfaro en torno a la gran actriz veracruzana Sara García, “una mujer con una disciplina rigurosísima, espartana”.

L

a investigación fílmica en México no se hace por sistema, ni es parte de un conjunto de valores académicos como continuación de un proceso. Es apenas impulsada por algunas instituciones como parte de la catalogación de sus acervos o producto de iniciativas personales. La crítica cinematográfica también ha legado su gran divulgación, registro y compilación.

Los críticos del cine mexicano han pasado a ser sus historiadores, gracias al esfuerzo, necedad y dedicación de un puñado de personas como Aurelio de los Reyes, Jorge Ayala Blanco, Emilio García Riera o Eduardo de la Vega Alfaro, entre algunos más.

El trabajo esmerado del maestro Eduardo de la Vega Alfaro (profesor, investigador y doctor en Historia) ha permitido a los cinéfilos entender, desde la agudeza de la lectura fílmica (sentido del lenguaje, peso histórico, trascendencia de los realizadores y sus apuestas narrativas), al conjunto de la

obra estética que permanece, como en su libro Del muro a la pantalla. S. M.Eisenstein y el arte pictórico mexicano (Universidad de Guadalajara, Instituto Mexiquense de Cultura e Imcine, 1995) y el escenario personal de las figuras esenciales de nuestro cine (Arcady Boytler, Fernando Méndez, Roberto Gavaldón, Jorge Fons, Gabriel Retes…).

Parte de la agenda más importante del Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2014 (FICG 29) fue reconocer a dos figuras emblemáticas del cine nacional: Sara García y María Victoria. Con presencia de doña María, el festival cumplió con una de sus facetas recurrentes y celebradas de reconocer en vida a las estrellas que han cruzado nuestra pantalla. Por su parte, Eduardo de la Vega Alfaro presentó el libro Las películas de Sara García. Un recorrido “no biográfico, sino filmográfico”, por las 154 películas de la actriz, veracruzana de nacimiento (Orizaba, 1895), y mucho más que sólo –si bien es

parte de la esencia de su legado en el cine– “la abuelita del cine mexicano”.

Concluyendo una ruta de investigación que inició Emilio García Riera, De la Vega Alfaro –su amigo y discípulo– concluyó a iniciativa de Iván Trujillo, director del festival tapatío, esta aproximación a la actriz, con una revisión rigurosa por cada una de sus cintas, permitiendo comprender el conjunto de una obra monumental de disciplina histriónica en todos los géneros.

“Este libro” –precisa el autor– “es la suma filmográfica en primera instancia de Sara García, que también es un homenaje al trabajo de Emilio García Riera. Al trabajo que

hizo como filmólogo, filmógrafo y filmófago del cine mexicano […] Emilio lo dejó muy avanzado en la cuestión filmográfica, pero hacía falta una nota biográfica, una introducción. Y también hice una revisión de una buena parte de la filmografía para completar datos, y agregarle mi punto de vista a algunas películas que me parecen importantes y que a Emilio no le parecían tanto.”

El estreno de la película hispano-italiana Los dinamiteros (Juan García Atienza, 1962), nunca exhibida previamente en México, acompañó la presentación del libro firmado por De la Vega Alfaro y Emilio García Riera, con un diseño de buen gusto en estricto blanco y negro, como una permanencia de la memoria con que el cinéfilo nacional recuerda a la actriz. El libro fue diseñado por Amanda García, la hija de García Riera, y corregido por Cristina Martín Sarrat, la viuda del propio Emilio.

Aclara Eduardo de la Vega Alfaro: “En los casos de Caridad de Jorge Fons; Porque nací mujer de Rogelio A. González; o en Los dinamiteros de Juan García Atienza, yo tengo la impresión de que Sara era muy consciente de que su figura, de que su icono, de que su estereotipo, de que su arquetipo incluso, era utilizado con un sentido muy diferente al de la estructura industrial. Y le daba gusto eso, le satisfacía porque ese tipo de películas eran propicias para demostrar que era una gran actriz. Mujer con una disciplina rigurosísima, espartana, estaba en el set a la hora que le decían, vestida, maquillada … era la que daba el ejemplo, de rigor y de pasión y de amor por su trabajo. En esa medida ella era muy consciente de que sus posibilidades no fueron explotadas lo suficiente.”

Con una muy buena selección iconográfica, surgida de una gran búsqueda en los archivos de Filmoteca de la UNAM, la colección personal del cineasta Roberto Fiesco (dueño de más de 6 mil fotografías del cine mexicano), los cuadernos de la Cineteca Nacional y otros más, el libro conforma un documento atesorable de una de sus principales figuras del cine mexicano.

Eduardo de la Vega Alfaro sí tiene abuela. [Crédito: Raúl Criollo]

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Foto: Luis Marín

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TEATRO LECHE DE GATO

UN GATO TETO VÍCTOR BENÍTEZ

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sta vez llegué más temprano de lo que acostumbro llegar al teatro. Las últimas veces me quedé afuera por no encontrar boletos o porque la compañía que se presenta es perfectamente puntual.

Pero esta vez no fue así. Para Leche de gato de Lucila Castillo había boletos de sobra, tanto que esperaron casi una hora después de la programada para comenzar.

Son las 20:20, el Ágora de la Ciudad parece lleno desde afuera. La gente entra y sale con celulares en mano. Muchos de los presentes se conocen entre sí, se saludan. En el lobby, se forma una especie de fila que va culebreándose hasta llenar el lugar. Se encierra el calor. La función empezaba a las 19:30 horas y aún no entramos ni a la sala. Hay gente que desesperada por el tiempo, sube al parque a comprar una papitas y un refresco, otros salen a fumar. Por fin, se abren las puertas y podemos pasar.

Busco el mejor lugar, me gusta sentarme no muy cerca para ver todo, alguien se me acerca y me pide que me mueva, que llene primero los lugares del frente. Ya no dije nada y me moví, de cualquier manera la sala no se llenó.

En menos de dos minutos de entrar a la sala, aún cuando la gente no estaba bien

sentada o quizá no todos habían llegado a sus lugares, se dejaron caer las “tres llamadas” de un jalón. Así, sin recomendaciones ni sugerencias. Supusieron un público muy educado y comenzaron.

Comienza con un audio muy quedito, no se entiende. La imagen que proyecta un cañón sobre la pantalla en el escenario no coincide con la narración. Un intento más con el audio y por fin encaja. El audio es muy malo. Termina el video y no saben cómo apagarlo, o quitarlo, o lo que sea que quisieran hacer lo estaban intentando por primera vez en ese momento. Sólo se oía el murmullo de una discusión entre las personas que operaban el video y que, por desgracia, tenía frente a mí.

Va de lleno la obra, pero la voz de los actores no es suficiente. No se escucha con tanta fuerza como para opacar el crujir de las papas que se estaba comiendo un fulanito detrás de mí. De igual manera intento captar la idea de la obra y sigo con la historia.

Trato de poner más atención para oír pero las voces de los actores siguen siendo insuficientes, hasta que por fin se consigue el silencio del público. Entonces irrumpe una nueva voz. Quien quiera que sea que cuidaba la puerta no tenía el más mínimo

PERFORMANCEINTERPRETACIONESSOBREINTERPRETACIONES

respeto por la gente que estaba adentro. Yo no sé de qué estaba platicando pero por un momento el público estaba mirándola más que a los propios actores, fue de lo más incómodo, pero eso no fue lo peor.

Ya dije que fue en el Ágora, y como algunos saben, el auditorio del Ágora tiene dos puertas laterales en medio de la sala, puertas que no dejaron de abrirse y cerrarse en el transcurso de la obra. Gente que se ponía hablar afuera de la sala sin cerrar la puerta. ¿Pues qué no han hecho funciones antes? Mejor la hubieran hecho en el foro abierto que se ubica al frente. Estaríamos preparados para la incomodidad del ruido y la distracción, pero en fin.

Nuevamente mi atención estaba al frente, en el escenario. Entonces se escucha en las butacas de atrás: ¿Verdad que está bien aburrida? ¡Ni tú te estás riendo! De mal gusto.

Definitivamente más de una vez pensé en que lo mejor era salirme, aunque la verdad eso me hubiera convertido en una distracción más y de alguna manera hay que ser congruentes. Decidí ser paciente y poner atención a la obra.

La gente ya estaba aburrida o tenían otras cosas que atender. Luces alrededor de la sala, todos con la cara al teléfono celular.

Lo más impactante fue definitivamente el final, y es que verdaderamente fue inesperado. Es más, ni siquiera permitió que llegara la trama. Una historia medio teta que de pronto quiere ser profunda y otro tanto medio cómica, aunque más cómica que profunda, por supuesto.

Y es que si a esto le sumamos que entre cambios de escena no entraban a tiempo las luces, pues quien las dirigía parecía que lo estaba haciendo por primera vez. No me imagino cómo habría estado el ensayo general.

Una historia que se cuenta en dos partes, una en diapositivas y otra con actores, una historia que para mí no tiene ni final.

Una propuesta que no dudo que podría mejorarse, un guión que aún carece de posibles huecos que encerrarían una historia

más formal, una obra que no dé gracia por las repetidas mentadas de madre a gritos sino porque el chiste es bueno, un proyecto enriquecido por el posible talento que seguramente tienen lo que llevaron a cabo la producción y que, sin embargo, viven de sus laureles pues hay que resaltar que la obra ganó Mejor montaje dirigido por estudiantes en la XXI edición del Festival Nacional e Internacional de Teatro Universitario de la UNAM. ¿Entonces qué está pasando? ¿Este es el teatro que se está formando en las universidades? ¿Este es el teatro que en general se está haciendo por parte de los jóvenes en los ámbitos nacional e internacional? ¿Este es el teatro que queremos? ¿Se debe premiar por los errores y justificarlos por su inexperiencia?

No se trata de ser Paco Beverido, Abraham Oceransky o Jorge Castillo para hablar de un buen teatro, pienso que se trata de hacer un teatro con seriedad y respeto. No creo que se trate de abrir funciones para que tus cuates vean con qué obra ganaste un premio. Yo creo que se trata de hacer teatro en serio.

Leche de gato de Lucila Castillo. Con el colectivo Nosotros, Ustedes y Ellos: Lucila Castillo, Estefanía Ahumada, José Goró, Gina Cima, Jorge Tejeda, Sandy Deseano y Niza Rendón.

Café TeaTro

Tierra Luna el son del corazón

Cartelera abril-mayo

Miércoles 23 Hombre, animal o monstruo 21:00 h.Coop. $80.00 Jueves 24 Standoperos 21:00 h.Coop. $70.00 Viernes 25 Western Lullaby La Catrina y el Chamuco 21:00 h. Coop. $80.00 Sábado 26 Iraida Noriega y la Groovy Band 21:00 h.Coop. $150.00 Jueves 15 y 22 mayo Standoperos 21:00 h. Coop. $70.00

RESERVACIONES: 812-13-01 Rayón 18 Centro, por los Berros cafetierraluna@gmail.com

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ABRILDE2014 NÚMERO196

cartelera FESTIVALES ADULTÍTERES 2014 DEL 21 AL 26 DE ABRIL LUNES 21

THE FALLING LOVE

EDWIN SALAS PERFORMANCE STUDIO ₍D.F.₎ 20:30 HORAS I CASA DEL LAGO DE LA UV MARTES 22

MANIPULACIONES

CARLOS CONVERSO 20:00 HORAS I ÁREA 51

THE FALLING LOVE

EDWIN SALAS PERFORMANCE STUDIO ₍D.F.₎ 20:30 HORAS I CASA DEL LAGO DE LA UV

DÍA INTERNACIONAL DE LA DANZA

TERRITORIO COMPARTIDO

EXPOSICÓN MULTIMEDIA DE LASO HASTA ABRIL ÁGORA DE LA CIUDAD

MARTES 29 DE ABRIL 10:00 HORAS I FACULTAD DE DANZA UV

CAMINO DE MUNDOS

PINTURA DE PAULINA VILLASEÑOR PELAEZ HASTA ABRIL CENTRO RECREATIVO XALAPEÑO

EXPOSICIONES TOTEMISMOS

PINTURA DE ARTURO TEMPA, JESÚS OSUNA, BRISEIDA CAMACHO, ROBIE ESPINOZA Y ARTURO GUERRERO HASTA ABRIL GALERÍA UNIVERSITARIA RAMÓN ALVA DE LA CANAL

PAISAJES NATURALES, FRAGMENTOS URBANOS LINEAS

MIMETIZARTE

PINTURA DE SÓCRATES BLANCO HASTA MAYO CENTRO RECREATIVO XALAPEÑO

ENCRUCIJADAS

EXPOSICIÓN DE BYRON BRAUCHLI HASTA JULIO PINACOTECA DIEGO RIVERA

TAMBIÉN EL OTRO ES MELODÍA

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA DE JAZZ UV HASTA MAYO CENTRO DE ESTUDIOS JAZZ UV

TERRITORIOS DEL NOPAL

PLÁSTICA DE IRMA VILLALOBOS HASTA ABRIL SALA DE EXPOSICIONES TEMPORALES DEL MAX

GOLEM

GRÁFICA DE SEBASTIÁN FUND HASTA ABRIL RECINTO SEDE DEL IVEC CANAL Y ZARAGOZA I VERACRUZ

COLORES DE MUJER

COLECTIVA DE PINTURA DE ANA MORENO, BLANCA VARGAS, CELIA CASTELÁN, IRAN SOTO, MARÍA INÉS ALDAO, PAULINA VILLASEÑOR Y SUSANA BARRAGÁN HASTA ABRIL CONGRESO DEL ESTADO DE VERACRUZ

MIÉRCOLES 23

TRICICLO DE METAL 21:00 HORAS I CAFÉ TEATRO TIERRA LUNA JUEVES 24

COLECTIVA DE ARTE DE PER ANDERSON, ISRAEL BARRON, DANIEL BERMAN, BYRON BRAUCHLI, ET AL. CURADURÍA DE JERÓNIMO ROSALES HASTA ABRIL MEZZANINE DEL MAX

EL SEÑOR DE LAS MOSCAS

METATE

WESTERN LULLABY

PRÓFUGOS DEL METATE

HISTORIAS DE LA CATRINA Y EL CHAMUCO

PASADO Y PRESENTE

PAVEL ORTEGA 21:00 HORAS I CAFÉ TEATRO TIERRA LUNA SÁBADO 26

¿CÓMO CUIDAR MI CUERPO Y MI ENTORNO?

PRELUDIOS Y PREÁMBULOS

PAVEL ORTEGA 17:00 HORAS I AUDITORIO DEL ÁGORA DE LA CIUDAD

CARACOLA PRODUCCIONES ₍D.F.₎ 21:00 HORAS I CAFÉ TEATRO TIERRA LUNA

NARRATIVAS

MURAL HASTA MAYO CENTRO DE ESTUDIOS JAZZ UV

LAS AVENTURAS DE KAT LEONARD

CARACOLA PRODUCCIONES 17:00 HORAS I EL RINCÓN DE LOS TÍTERES VIERNES 25

CINE CLUB

ANIMÍSTICA

HOMBRE, ANIMAL O MONSTRUO

GRÁFICA UNIVERSITARIA

ESCULTURA DE GLORIA CARRASCO HASTA MAYO JARDÍN DE LAS ESCULTURAS DE XALAPA ESCULTURA DE JEANNE WATERS HASTA MAYO MEZZANINE DEL MAX

RENOIR ₍RENOIR₎ DIR. GILLES BOURDOS CON MICHÈLE GLEIZER, CHRISTA THERET Y MICHEL BOUQUET DURACIÓN 112 MINUTOS CLASIFICACIÓN B CINÉPOLIS PLAZA AMERICAS NOÉ ₍NOAH₎ DIR. DARREN ARONOFSKY CON RAY WINSTONE, ANTHONY HOPKINS, EMMA WATSON, RUSSEL CROWE DURACIÓN 138 MINUTOS CLASIFICACIÓN B CINÉPOLIS PLAZA AMÉRICAS Y CINÉPOLIS PLAZA MUSEO ₍12 YEARS A SLAVE₎ DIR. STEVE MCQUEEN CON CHIWETEL EJIOFOR, VRAD PITT, LUPITA NYONG,O DURACIÓN 122 MINUTOS CLASIFICACIÓN B15 CINÉPOLIS PLAZA AMÉRICAS

BÁRBARA CHILOIRO Y PANCRAZIO DE PEDOVA HASTA MAYO GACX

PINTURA DE VICTOR GUHO SALDAÑA HASTA ABRIL CONGRESO DEL ESTADO DE VERACRUZ

CINE

12 AÑOS DE ESCLAVITUD

ERGONOMÍA COGNITIVA

HOMBRE ANIMAL O MONSTRUO

COLECTIVA DE LA FACULTAD DE ARTES PLÁSTICAS Y DEL INSTITUTO DE ARTES PLÁSTICAS CASA DEL LAGO DE LA UV

COLECTIVA DE GRÁFICA ESTUDIANTES Y MAESTROS DE LA INSTITUTE OF ART AND DESIGN, UNIVERSITY OF WEST BOHEMIA, PIZEN, REPÚBLICA CHECA Y LA ACADEMY OF FINE ARTS AND DESIGN, BRATISLAVA, ESLOVAQUIA HASTA ABRIL GALERÍA DE ARTES PLÁSTICAS DE LA UV

ARRULLO PARA DETENER UN CARRUSEL

CICLO: EL NUEVO CINE ESPAÑOL LOS VIERNES DE ABRIL I 18:00 HORAS AUDITORIO DE LA GALERÍA DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE XALAPA VIERNES 4

TODAS LAS CANCIONES HABLAN DE MÍ DIR. JONÁS TRUEBA DURACIÓN 107 MINUTOS VIERNES 11

LA SOLEDAD

DIR. JAIME ROSALES DURACIÓN 133 MINUTOS VIERNES 18

LOS PASOS DOBLES

DIR. ISAKI LACUESTA DURACIÓN 86 MINUTOS VIERNES 25

EL MUERTO Y SER FELIZ DIR. JAVIER REBOLLEDO DURACIÓN 133 MINUTOS

CICLO: LA FOTO FIJA Y EN MOVIMIENTO

LUNES Y MIÉRCOLES DE ABRIL 18:00 HORAS AULA CLAVIJERO LUNES 7

MEREQUETENGUE Y BAÚL TEATRO ₍MONTERREY₎ 18:00 HORAS I EL RINCÓN DE LOS TÍTERES

THE CAMERAMAN

OTRA GUERRA DE LOS PASTELES

DIR. EDWARD SEDGWICK Y BUSTER KEATON DURACIÓN 69 MINUTOS MIÉRCOLES 9

ACERCARTE ₍PUEBLA₎ 20:00 HORAS I ÁREA 51

XIX FESTIVAL AFROCARIBEÑO

EL FOTÓGRAFO DEL PÁNICO

DEL 23 AL 27 DE ABRIL VERACRUZ, VER. INFORMACIÓN EN WWW.IVEC.GOB.MX

DIR. MICHAEL POWELL DURACIÓN 101 MINUTOS TERRITORIOS DEL NOPAL

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LUNES 21

DESEO DE UNA MAÑANA DE VERANO

DIR. MICHELANGELO ANTONIONI DURACIÓN 108 MINUTOS MIÉRCOLES 23

EL AFICIONADO

DIR. KRZYSZTOF KIESLOWSKI DURACIÓN 117 MINUTOS LUNES 28

BAJO FUEGO

DIR. ROGER SPOTTISWOODE DURACIÓN 128 MINUTOS MIÉRCOLES 30

ESTÉN ENTRE NOSOTROS

DIR. BANJONG PISANTHANAKUN DURACIÓN 97 MINUTOS CINE CLUB INFANTIL

CICLO: SÁBADOS DE MATINÉ INFANTIL

SÁBADOS DE ABRIL 12:00 HORAS AUDITORIO DE LA GALERÍA DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE XALAPA

DOMINGO 6

ZAMBEZIA

EL MALENTENDIDO

DIR. JIM HENSON DOMINGO 20

PRODUCCIONES CAÑANDONGA DE ALBERT CAMUS DIR. ENRIQUE CANCIO VIERNES 4 DE ABRIL, 20:00 HORAS DOMINGO 6 DE ABRIL, 19:00 HORAS COOPERACIÓN $80.00 FORO RUECA DE GANDHI

DIR. SPIKE JONZE DOMINGO 27

LA BRUJA QUE SE COMIÓ A FRANZ KAFKA

DIR. WAYNE THORNLEY DOMINGO 13

LABERINTO

DONDE VIVEN LOS MONSTRUOS HORMIGAS

DIR. ERIC DARNELL

DOMINGO CINE DE TARDE DE 18:00 A 20:00 HORAS AUDITORIO DEL JARDÍN DE LAS ESCULTURAS DE XALAPA DOMINGO 6

RAN RATAPLAN TEATRO DE ANGEL HERNÁNDEZ DEL 4 AL 27 DE ABRIL VIERNES, 20:30 HORAS SÁBADOS Y DOMINGOS, 19:30 HORAS COOPERACIÓN $80.00 TEATRO LA CAJA

EL ORIGEN DE LA ESPECIES

EL COLOR DE LA VOZ

VERANO DE GOLIAT

TÍTERES

SÁBADO 12 DE ABRIL, 18:00 HORAS AUDITORIO DE LA GALERÍA DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE XALAPA

JUNTOS

PERIPLO A LA MONTAÑA

ACADEMIA BARROCA DE LA OSX: STURM UND DRANG

DIR. NICOLÁS PEREDA DOMINGO 13 DIR. NICOLÁS PEREDA DOMINGO 20

SÁBADO 19 DE ABRIL, 17:00 HORAS DOMINGO 20 DE ABRIL, 13:00 Y 17:00 HORAS TEATRO EL RINCÓN DE LOS TÍTERES

DIR. NICOLÁS PEREDA DOMINGO 27

ARRULLO PARA DETENER UN CARRUSEL

¿DÓNDE ESTÁN SUS HISTORIAS? PERPETUUM MOBILE DIR. NICOLÁS PEREDA

VIERNES 18 Y 25 DE ABRIL, 20:00 HORAS SÁBADO 26 DE ABRIL, 18:00 HORAS TEATRO EL RINCÓN DE LOS TÍTERES

VIERNES 25 DE ABRIL ⁄ 20:30 HORAS DOMINGO 27 DE ABRIL ⁄ 12:00 HORAS TLAQNÁ, SALA DE CONCIERTOS

CANCIONES DE CINE

SÁBADO 26 DE ABRIL, 18:00 HORAS AUDITORIO DE LA GALERÍA DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE XALAPA

TEATRO EL ORIGEN DE LAS ESPECIES

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SÁBADO 5

EL REINO SECRETO

DIR. CHRIS WEDGE DURACIÓN 102 MINUTOS SÁBADO 12

TADEO

DIR. ENRIQUE GATO SÁBADO 19

HOTEL TRANSYLVANIA

DIR. GENNDY TARTAKOVSKY DURACIÓN 92 MINUTOS SÁBADO 26

DE ANA LUCÍA RAMÍREZ Y LUIS ENRIQUE GUTIÉRREZ ORTIZ MONASTERIO COMPAÑÍA TITULAR DE TEATRO UV DIR. ALBERTO LOMNITZ DEL 21 DE MARZO AL 13 DE ABRIL VIERNES 20:30 HORAS, SÁBADOS Y DOMINGOS 19:30 HORAS COOPERACIÓN $60.00 FORO MIGUEL HERRERA OLIVO DE LA CASA DEL LAGO UV

CON Z DE ZOMBIE

COLECTIVO SINETIKETA MIÉRCOLES 2 Y 9 DE ABRIL, 20:30 HORAS JUEVES 3 Y 10 DE ABRIL, 20:30 HORAS COOPERACIÓN $80.00 FORO MIGUEL HERRERA OLIVO DE LA CASA DEL LAGO UV PIE DE FOTO

UN MONSTRUO EN PARÍS DIR. BIBO BERGERON DURACIÓN 90 MINUTOS

CICLO: LOS AMIGOS DEL CINE SÁBADOS DE ABRIL DE 18:00 A 20:00 HORAS AUDITORIO DEL JARDÍN DE LAS ESCULTURAS DE XALAPA SÁBADO 5

VERANO DE GOLIAT DIR. NICOLÁS PEREDA SÁBADO 12

JUNTOS

DIR. NICOLÁS PEREDA SÁBADO 19

¿DÓNDE ESTÁN SUS HISTORIAS? DIR. NICOLÁS PEREDA SÁBADO 26

ORQUESTA SINFONICA DE XALAPA

MÚSICA MUSICA CLÁSICA AMOR Y ODIO: SHAKESPEARE SINFÓNICO

OSX VIERNES 4 DE ABRIL 10:00 HORAS Y 20:30 HORAS TLAQNÁ, SALA DE CONCIERTOS

TITÁN: SINFONÍA NO. 1 MAHLER

ORQUESTA FILARMÓNICA DE XALAPA DIR. EDUARDO CARLOS JUÁREZ LÓPEZ SÁBADO 5 DE ABRIL, 16:00 HORAS EXPLANADA DEL ÁREA DE ARTES UV DOMINGO 6 DE ABRIL ⁄ 12:00 HORAS PLAZA ARTESANAL MANOS VERACRUZANAS

PASIÓN POR LA ÓPERA

PERPETUUM MOBILE DIR. NICOLÁS PEREDA

SÁBADO 5 DE ABRIL ⁄ 18:00 HORAS AUDITORIO DE LA GALERÍA DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE XALAPA

DOMINGOS DE MATINÉ

GUSTAV MAHLER SINFONÍA NO. 2 RESURRECCIÓN

DE 11:00 A 13:00 HORAS AUDITORIO DEL JARDÍN DE LAS ESCULTURAS DE XALAPA PERFORMANCEINTERPRETACIONESSOBREINTERPRETACIONES

OSX VIERNES 11 DE ABRIL ⁄ 20:30 HORAS SALA DE CONCERTOS TLAQNÁ

JAZZ TIM MAYER

JUEVES 10 DE ABRIL ⁄ 20:00 HORAS CENTRO DE ESTUDIOS DE JAZZ ₍JAZZUV₎

BLU SENDO TIRADO PROJECT VIERNES 25 DE ABRIL ⁄ 21:00 HORAS COOPERACIÓN $50.00 VÍA LÚDICA

POPULAR SPRING CUMBIA VS PRIMAVERA HOUSE SABADO 26 DE ABRIL, 22:00 H. COOP. $25.00 ALKIMIA

TALLERES MOKU HANGA

GRABADO EN MADERA JAPONÉS DEL 21 AL 29 DE ABRIL LA CEIBA GRÁFICA INFORMES: DIFUSIONCEIBAGRAFICA@GMAIL.COM

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ABRILDE2014 NÚMERO196 Foto: Rafael Doniz

DECLARATORIA 2014 AÑO OCTAVIO PAZ

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l Partido Nueva Alianza, cuya diputada Sonia Rincón Chanona preside la comisión especial de la Cámara de Diputados para celebrar los 100 años de Octavio Paz. El laberinto de la soledad termina con una declaración tan radiante como feliz: “Somos, por primera vez en nuestra historia, contemporáneos de todos los hombres”. La conclusión resumía la tesis que sustenta el ensayo de sicología de las masas de Octavio Paz: el mexicano vive de máscaras y sólo a través del desamparo y la soledad puede incorporarse al diálogo occidental.

Hoy podríamos decir que si ha habido un mexicano que sea contemporáneo de todos los hombres, un mexicano universal, éste ha sido Octavio Paz. Nacido el 31 de marzo de 1914 en el entonces pueblo de Mixcoac en este año celebramos el centenario de su natalicio. La efeméride ha propiciado una conmemoración extraordinaria, como corresponde honrar al premio Nobel de Literatura y el poeta más grande de México, a la cual se han sumado no sólo la Presidencia de México y los organismos propicios para la cultura, como el Conaculta, el INBA, el Colegio Nacional, sino igualmente otras instituciones. Singularmente el Partido Nueva Alianza, cuya diputada Sonia Rincón Chanona preside la comisión especial de la Cámara de Diputados para celebrar los 100 años de Octavio Paz. El 20 de marzo el presidente de Nueva Alianza en Veracruz, Eduardo Carreón Muñoz, difundió que su partido decretó el 2014 como Año de Octavio Paz. El partido

además propuso instaurar el nombre del poeta con letras de oro en el muro de honor del Salón de Sesiones de la Cámara de Diputados y editar una selección de la obra del autor, en conjunción con otras instancias.

La comisión especial ha invitado a los congresos locales a sumarse a esta celebración, por ello en Veracruz la bancada aliancista ha propuesto como punto de acuerdo que se decrete igualmente en Veracruz el 2014 como Año de Octavio Paz. Con ello sería el estado de la República número 17 en sumarse a tan especial fiesta.

La diputada Jaqueline García es quien propondrá al Congreso del Estado de Veracruz un Punto de Acuerdo para dicha declaratoria. Carreón Muñoz, acompañado de Jaqueline García, divulgaron los concursos de declamación para estudiantes de pre-escolar y primaria, los certámenes de oratoria para estudiantes de secundaria y preparatoria y el concurso de cartel, el cual ya se había celebrado anteriormente. Todos concursos que serán reconocidos por la comisión especial del Honorable Congreso de la Unión.

Conversación con Jaqueline García En conversación sostenida en las oficinas en el Congreso de Veracruz de la diputada Jaqueline García, Jaky, declaró encontrarse coordinando las actividades y que propondría al Gobernador Constitucional del Estado de Veracruz, doctor Javier Duarte de Ochoa que Veracruz se sume a esta celebración. Asimismo otorgarían al gobernador una de las medallas conmemorativas que la comisión especial acuñó para este festejo.

La diputada García expresó que otros de los actos enunciados incluyen la reedición de El laberinto de la soledad y la petición de que en los libros de texto gratuitos se in-

cluya la biografía del poeta y poemas suyos para que las nuevas generaciones lo conozcan y evalúen la dimensión de su obra. Precisó además que en los concursos dirigidos a los estudiantes, además del premio para el ganador, su escuela recibirá equipos de cómputo. Con ello además de propiciar la creatividad se otorga un beneficio social a la educación en Veracruz.

Se trata de una celebración especial para la cual la federación aportó 7 millones de pesos, precisó.

fueron legisladores, a lo largo de la historia del congreso; el homenaje en mayo a Octavio Paz en la plaza Gómez Farías frente a su casa familiar; en julio el escritor oriun-

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Comienzan los festejos El jueves 20 de marzo la Cámara de Diputados del Congreso de la Unión efectuó una sesión solemne para conmemorar el centenario del natalicio de Octavio Paz con presencia de su viuda, Marie José Tramini. A nombre del premio Nobel Marie José agradeció el reconocimiento. Su mensaje leído por el presidente del Conaculta, Rafael Tovar y de Teresa, invitó a los legisladores “a seguir su ejemplo de respeto y amor por las ideas y los ideales, de concebir la crítica como una forma de honestidad, de no uniformarse, de reconocer el debate libre en los momentos mayores de la democracia.” La primera intervención correspondió a la diputada Sonia Rincón Chanona, quien subrayó que el homenaje es también una reivindicación del pensador que ejerció la crítica sin concesiones.

El punto central fue la entrega a la viuda de un reconocimiento y una medalla en conmemoración de los 100 años del natalicio. La diputada por Chiapas, Rincón Chanona señaló que en el pensamiento de Paz: “la justicia social es un imperativo categórico sin el cual las libertades no están completas y la democracia no echa raíces.”

En esa misma sesión se canceló el timbre postal y se presentó el billete de Lotería Nacional conmemorativo.

Los festejos continuarán durante todo el año. En los meses por venir sobresalen, entre muchos otros actos, una exposición en la Cámara de Diputados sobre poetas que

Jacqueline García, diputada de Nueva Alianza

do de Tuxpan Braulio Peralta presentará la reedición de su libro El poeta en su tierra y en septiembre se celebrará una segunda jornada pública de lectura con la obra del escritor con la Participación de invitados especiales y Legisladores de esta LXII Legislatura de la H. Cámara de Diputados.

Bases Quien esté interesado en participar en los concursos que la comisión especial ha instaurado para celebrar a Octavio Paz puede consultar el sitio web www.nuevaalianza-veracruz.mx y destacó que será el día 10 de abril que el Presidente Nacional de Nueva alianza, maestro Luis Castro Obregón, acompañado de Diputados Federales y Locales que premien a los ganadores de todas las disciplinas.

ENCRUCIJADAS: SEGUNDA MIRADA RETROSPECTIVA DE BYRON BRAUCHLI SUSANA CASTILLO

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trapó sus primeras imágenes con una cámara de plástico. Tenía 12 años y pocos dólares para comprar un rollo. Superado el primer inconveniente y una vez agotadas las tomas, Byron Brauchli descubrió que revelar e imprimir también era costoso. Así se interesó en aprender cómo hacerlo.

El académico e investigador de la Universidad Veracruzana, especialista en procesos históricos de producción e impresión de imágenes, muestra parte del trabajo que ha realizado en Encrucijadas. Segunda mirada, exposición retrospectiva en la Pinacoteca “Diego Rivera” de Xalapa.

Se trata de 100 imágenes tomadas con cámaras de distintos formatos e impresas con procesos antiguos como el heliograbado (1800), paladio platino (1830), cianiotipia (1842), fotograbado (1830) y Van Dyke (1844), así como con técnicas mixtas.

Registradas a partir de 1981 y hasta los

últimos meses, las piezas que conforman Encrucijadas son un recuento de la mirada de Brauchli, así como de la devastación que han sufrido algunas regiones de Veracruz y Puebla, y sus secuelas.

Respecto de porqué esta muestra es una segunda mirada, comentó: “En 1996, en colaboración con la Galería Sin Fronteras (Austin, Texas), publiqué un portafolio de paisajes, Encrucijadas, con el tema de la devastación del medio ambiente; representó los cambios ecológicos que había visto desde mi primer contacto con la entidad, en 1981, hasta la fecha de publicación”.

Para documentar las imágenes, revisitó algunos de esos lugares. Al respecto, la investigadora Leticia Mora Perdomo apuntó: “Pudo constatar que los bosques se han talado para construir casas; los ríos anidan en basura; hay menos niebla, y los pueblos-ciudades tienen tantos problemas urbanos como las grandes metrópolis. Las bucólicas imágenes de borregos o vacas pastando son escasas, pues el campo ha sido abandonado. Ante estos hechos se preguntó: ¿cómo hablar de este ecocidio?”.

La respuesta está en las piezas que por su contenido no están inanimadas. Para el fotógrafo, “las técnicas en las cuales están impresas presentan a la vez una disyunción entre forma de presentación y el contenido de las imágenes, pues plantea el contraste entre la nostalgia que el formato de presentación conlleva y los resultados de una expansión industrial y consumista”.

La reflexión estará a cargo de quienes se sumen a estas Encrucijadas que dan pie a percibir, explicar y representar el paisaje de otra forma.

En la actualidad, Byron Brauchli es académico e investigador de la Facultad y del Instituto de Artes Plásticas, respectivamente. Nació en Boulder, Colorado, y fue en la preparatoria que tomó sus primeras lecciones formales de fotografía.

Después hizo lo propio en la Universidad de Texas, en Austin, y en la de Nuevo México. Ahí, como alumno del historiador de arte y fotógrafo Beaumont Newhall, los

PERFORMANCEINTERPRETACIONESSOBREINTERPRETACIONES

heliograbados de Alfred Stieglitz fueron revelados ante sus ojos. Supo que esta técnica antigua y delicada es una veta para obtener imágenes que permanecen durante muchos años, con rasgos tonales y relieves que las hacen únicas. El gusto por los procesos históricos se fijó para siempre.

Dejó Estados Unidos para retratar Latinoamérica. Llegó a Xalapa en 1981 y permaneció en México hasta 1985. Las idas y vueltas entre este país y el suyo continuaron hasta 2001, año en el que regresó a la capital veracruzana para quedarse a vivir.

Aquí fundó Ediciones Izote, taller de gráfica y grabado en el que participan Leticia Mora, integrante del Instituto de Investigaciones Lingüístico Literarias, y el impresor Guillermo Espinosa (egresado de esta casa de estudios).

Desde este espacio, uno de los tres en su tipo que existen en México y en el que han impreso creadores como Francisco Mata, Pedro Meyer, Antonio Turok, Cristina Kahlo, Arturo Fuentes y Saraí Ojeda, entre otros, promueve el rescate, producción y difusión de técnicas históricas cuya calidad de impresión difícilmente puede igualarse.

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PASADO Y PRESENTE EN EL MAX MUESTRA DE JEANNE WATERS

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a galería del mezzanine del Museo de Antropología de Xalapa (MAX) exhibe la obra Pasado y presente, cerámica y pintura de Jeanne Waters. Nativa de San José, California, Estados Unidos, Waters estudió en la Inmaculate Heart College de Los Ángeles, California; el Instituto Nacional de Bellas Artes y el Instituto de Diseño y Artes Visuales, en México, D.F.; y en la Shoreline Community College, AAS, E. E. U. U. Desde 1973 ha realizado más de 15 exposiciones individuales entre las que destacan: galería Sloane Racota y museo Carrillo

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a exposición colectiva Humano, compuesta por 24 obras que incluyen fotografía, pintura, cerámica y grabado, fue inaugurada el 4 de abril en el vestíbulo de la Unidad de Servicios Bibliotecarios y de Información (USBI) de la Universidad Veracruzana.

Las piezas pertenecen al acervo de la Dirección General de Difusión Cultural (DGDC) y del Instituto de Artes Plásticas (IAP) e incluyen cinco obras del fotógrafo mexicano Pedro Meyer, considerado el pionero de la fotografía digital en México; así como trabajos de Byron Brauchli y de Héctor Darío Vicario.

La participación del IAP consiste en 14 piezas, también seleccionadas del acervo del instituto. En esta ocasión se muestran la cerámica de Rabí Montoya; obras pictóricas de Beatriz Sánchez Zurita, Robin Matus, Maite González Linaje y Miguel Ángel Acosta; grabados de Pepe Maya y obra fotográfica de Javier Pucheta y Manuel González de la Parra.

En opinión de Ana María Salazar, directora de la USBI Xalapa, las exhibiciones que se realizan en ese espacio ejemplifican la sinergia desarrollada entre las diversas entidades universitarias para beneficio de la sociedad.

“Hace poco se inauguró Ciclos, pinturas de María Inés Aldao en el área de videoconferencias y ahora, gracias a la coordinación que realiza la DGDC con el IAP se presenta Humano, que integra el trabajo de importantes artistas”, dijo. ¡Los historiables, siguen haciendo historia!

Gil, INBA en México; y en las ciudades de Kirkland, Seattle y Auburn, E. E. U. U. Ha participado en más de 20 exhibiciones colectivas, entre ellas Bienal de textil, Bienal de tapices, Salón anual de pintura, Trienal escultura y Bienal de cerámica, realizadas en la galería del Auditorio Nacional de México.

Así como la Exposición internacional de cerámica, en La Habana, Cuba; Festival de Mujeres en las Artes, Universidad de Washington, EU; I Bienal Mundial de Cerámica Corea 2001, Ichon, Corea del Sur, de la cual recibió mención Honorífica; y Bemis Fall

HUMANO

Cerámica de Jeanne Waters

2013 Artist Open House, Bemis Arts, Seattle, 2013, entre otras.

Para Elsa Naveda: “Los colores, las texturas y la inspiración de lo que la rodea hacen aparecer dunas, olas, fósiles, bosques, paisajes lluviosos, dobleces y sombras. Todo flotando en la quietud. Es como si rascando descubriera lo que busca o hacia dónde quiere dirigirse. Al utilizar engobes para es-

grafiar y hacer incisiones en la superficie del cuerpo de sus esculturas revela sus secretos íntimos y hace aparecer lo invisible; una capa interna queda al descubierto desde las dos capas de tierra de diferente color”.

Pasado y presente permanecerá hasta el 4 de mayo en la galería del mezzanine del MAXde 9:00 a las 16:45 horas, de martes a domingo.

COLECTIVA EN LA USBI DE 24 OBRAS MARCELO SÁNCHEZ CRUZ

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SEGUNDO COLOQUIO SOBRE TÍTERES Y ARTES ESCÉNICAS DEL 27 AL 30 DE ABRIL ADRIANA VIVANCO

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l II coloquio “El Títere y las Artes Escénicas” se llevará a cabo del 27 al 30 de abril en las instalaciones del Centro de Estudios de la Cultura y la Comunicación (CECC).

El evento es organizado por la Universidad Veracruzana, a través de la Facultad de Teatro, la Maestría en Artes Escénicas, el Centro de Estudios de Creación y Documentación de las Artes (CECDA), los cuerpos académicos (CA) Teatro y el de Estudios de la Cultura y la Comunicación en América Latina y el CECC; en conjunto con Merequetengue Artes Vivas, A.C.; la Universidad Iberoamericana (departamentos de Comunicación y de Letras), y el Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Teatral “Rodolfo Usigli”.

Octavio Rivera Krakowska, coordinador de la Maestría en Artes Escénicas y del coloquio, explicó que es una experiencia enriquecedora para la investigación y el trabajo académico de las artes escénicas porque

ha sido poco explorado, probablemente porque se le liga al teatro infantil, que en sí mismo recibe poca atención.

“Dentro de las líneas de investigación de la maestría hay una que se llama ‘Artes escénicas en México’, donde hemos tenido la suerte de que estudiantes de las dos generaciones han llegado con la intención de hacer estudios sobre títeres, a partir de esto los alumnos decidieron realizar un coloquio sobre títeres, tomando en cuenta que su estudio en México no es muy vasto y es bastante restringido”, señaló Rivera Krakowska.

Aunque considera que el CECC no es el primer espacio que realiza un evento de esta naturaleza, añadió que sí es la primera instancia universitaria que le está dando a los títeres un lugar y una profundidad dentro de los estudios académicos.

“El problema al que se han enfrentado los títeres es que han sido considerados en nuestro país como un género menor que no necesita estudio y por ello es que hay

poco material de consulta. Bajo este esquema es que el coloquio aparece como una iniciativa que abre las puertas a todos los interesados en dialogar acerca del tema desde una perspectiva académica”, agregó.

En la primera emisión del coloquio hubo 26 ponencias y en esta ocasión participarán 35 ponentes, prueba fehaciente del éxito de la primera edición y del interés que existe en esta área de las artes escénicas.

Esta vez se abordarán diferentes líneas temáticas entre las que destacan: La creación escénica y los títeres; Dramaturgia para títeres; Historia de los títeres en México; Técnicas de animación de títeres; Formación profesional en el arte de los títeres, entre otras.

Participarán estudiantes y académicos, así como de las universidades Iberoamericana, Autónoma del Estado de México, Autónoma Metropolitana, Nacional de Colombia y el Sarah Laurence College.

El evento inaugural será a las 11:30 ho-

Octavio Rivera Krakowska

ras del 27 de abril, seguido de la exposición gráfica Ejercicios creativos de Aram Huerta, y una función de teatro dirigida por David Aarón Estrada en el teatro El Rincón de los Títeres de Merequetengue.

El lunes 28 de abril, a las 10:00 horas en el CECC se llevará a cabo la conferencia “Apuntes sobre la dramaturgia para títeres” por Carlos Converso, con esto iniciarán los trabajos de las mesas que concluirán el 30 de abril con la puesta en escena Este chivo es puro cuento.

V COLOQUIO INTERNACIONAL SOBRE ARTES ESCÉNICAS ADRIANA VIVANCO

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Antonio Prieto, organizador del coloquio

l Centro de Estudios, Creación y Documentación de las Artes (CECDA), en conjunto con la Facultad de Teatro de la Universidad Veracruzana (UV), invita al V Coloquio Internacional sobre Artes Escénicas “En torno a la comunidad”, a celebrarse del 18 al 20 de septiembre en la Unidad de Artes de la UV. El Instituto Hemisférico de Performance y Política, la Asociación Internacional de Teatro Español y Novohispano de los Siglos de Oro, y la Asociación Mexicana de Investigación Teatral, son algunas de las instancias partícipes en el coloquio.

PERFORMANCEINTERPRETACIONESSOBREINTERPRETACIONES

La convocatoria está dirigida a especialistas en teatro, danza y disciplinas que estudien a las artes escénicas en el contexto de las comunidades. Se recibirán ponencias encaminadas a cuestionar cómo se imaginan, construyen y deconstruyen escénicamente las comunidades; la situación del teatro comunitario y del teatro regional en México y en el mundo, la transformación de la escenificación del imaginario nacionalista, la utilización del teatro en las luchas sociales, el papel del público en la escena actual, la relación entre el teatro y la danza con la comunidad a través de la historia, comunidad

y artes escénicas en el estado de Veracruz, la contribución de las artes escénicas en la construcción del tejido social y las nuevas teorías para analizar estos fenómenos.

Se recibirán propuestas de publicaciones, intervenciones o demostraciones escénicas. Para mayores informes escribir a los organizadores del coloquio por correo electrónico. Los coordinadores del CECDA son Antonio Prieto (actoefimero@gmail.com) y Octavio Rivera (oriverak@gmail.com).

Las inscripciones cierran el 23 de mayo.