Miradas Paralelas / PCG

“El resultado más importante del empeño fotográfico es darnos la impresión de que podemos contener el mundo entero en la cabeza, como una antología de imágenes.”

-Susan Sontag

Miradas paralelas

Con el espíritu de incluir un formato más joven, experimental y de formatos alternativos, Patricia Conde Galería crea la plataforma Proyectos juancano68, que comprende nuevos proyectos que incorporan distintos lenguajes dentro de la imagen fotográfica, lenguajes que ya juegan con el concpeto clásico de fotografía transformándola incluso en objeto, ya la reinterpretan en imágenes que denotan infinita belleza y lograda madurez.

Presentamos una muestra colectiva de nuestros artistas más jóvenes y sus distintas propuesta visuales que van desde el clásico blanco y negro hasta el arte objeto, que a pesar de ser proyectos que muestran la mirada particular de cada uno de los artistas, coinciden en la búsqueda constante de una imagen, en la creación de un momento que transmita una idea, un sentimiento.

Así, a través de los muros y distintos espacios de la galería se develan de múltiples maneras, formas de (re)presentar.

En la serie Tránsito Humberto Ríos Rodríguez (México D.F., 1983) captura en sus imágenes el paso del tiempo, las huellas y vestigios de lo que fue, en relación a la condición humana.

Paola Dávila (Oaxaca, 1980) se convierte en una coleccionista de memorias con La Torre de los Tesoros confrontando el recuerdo con el tiempo, inmaterializándolo en preseas que atesorar.

Más que fotógrafa, Alexandra Germán (México/Inglaterra, 1986), se considera una observadora de la luz, el paisaje, los distintos fenómenos meteorológicos; con Variantes, busca que confluyan diversas disciplinas en una lectura que aluda al cielo en su representación poética.

Every night temo ser la dinner (1º premio en la XVII bienal de fotografía del Centro de la Imagen) es el proyecto con el que Sofía Ayarzagoitia (Monterrey, 1987) realiza una narrativa visual a partir de imágenes que rayan en la foto documental que le permiten explorar las fronteras del cuerpo y el lugar que éste ocupa.

Para Olin Heitmann (Suiza, 1995) el mundo es más bello en blanco y negro.

Siempre atento a lo diferente, en sus fotografías retrata la belleza que le representa el mundo, paisajes sutiles que seducen al espectador dejando entrever el valor estético de la imagen formal.

Con esta exposición, Patricia Conde Galería reafirma su posición como EL espacio para la fotografía, apoyando y presentando distintas propuestas de talentos emergentes que se consolidan en propuestas sólidas, de exquisita belleza e impecable calidad.

Humberto Ríos Tránsito o nuestra fugacidad De pronto, la soledad. Han pasado ya por esos espacios personas, lágrimas, dolor y memoria. De abandonos mutuos, forzados, irremediables. Y por ahí quedarán los vestigios de los objetos, no tanto inanimados –aunque siempre en su quietud- porque han sido habitados/usados por una intensidad de emociones. Son los resquicios y vestigios de las funerarias en este país.

Humberto Ríos ha hecho un metódico registro de ese ritual de paso que se da en estos sitios de encuentros fugaces.

De transitoriedad, sí, porque nadie ha permanecido en esos ámbitos salvo por un breve lapso. Espacios en donde sólo han permanecido las huellas. Residuos de un acto ceremonial multiforme y multiespiritual. Pero a diferencia de otros autores contemporáneos en donde lo explícito se deja asomar o bien no queda duda del entorno social que hoy, en este inicio de siglo, se vive en México, nuestro artista ha acudido mejor a lo sutil y lo sugerente. Muy cerca de lo intangible, en la apariencia y en la presencia, sus imágenes se vuelven así una construcción de sensaciones. Una búsqueda de las huellas de quiénes fuimos, rincones en donde se medita la vida y la muerte. He ahí, entonces, lo frágil y lo etéreo.

Tránsito es así una obra en donde una luminosidad lo permea todo, una luz que se filtra bañando lo objetos. Luces que cruzan la imagen, que conforman, de pronto, un estallido en un cuadrángulo iluminado, un segmento geométrico (de intensidad blanquecina que se dirige hacia la esperanza), que, paradójicamente lucha contra la penumbra, pero he ahí que con ello se conforma una cálida paleta de colores. Una tersura lumínica, cuidadosamente equilibrada, que suele determinar a la imagen y que no es más que la presencia de lo apacible. Eso también lo da la elegancia de líneas. Y las lámparas intimistas, de apenas unos cuantos trazos de luz. En esos espacios que ya guardan toda una historia por más pasajero que el momento haya sido. Testimonios de tiempos y de los rituales que han coincidido por ahí, en esos rincones. Nunca ocasionalmente sino de manera precisa. En una cita inevitable en lo que todo coincide: lo interno de nosotros y nuestras exterioridades dispuestas para el ritual.

Y lo sabe Humberto Ríos: “Si tuviera que describir mi fotografía –escribe sobre su propia obra-, diría que parte del silencio y de lo inmaterial como ritual para explorar la condición humana y su fugacidad”. Él, ahora, en su obra, ha convocado todos los rastros de nuestras angustias.

José Antonio Rodríguez

Humberto Ríos “Nuevo León, México” De la serie “Tránsito” 2011-2013 Impresión digital 60 x 80 cm Ed. 1/5

Humberto Ríos “Querétaro, México” De la serie “Tránsito” 2011-2013 Impresión digital 60 x 80 cm Ed. 1/5

Humberto Ríos “San Rafael, Ciudad de México” De la serie “Tránsito” 2011-2013 Impresión digital 60 x 80 cm Ed. 1/5

Humberto Ríos “Dolores Hidalgo, México” De la serie “Tránsito” 2011-2013 Impresión digital 60 x 80 cm Ed. 1/5

Humberto Ríos “Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México” De la serie “Tránsito” 2011-2013 Impresión digital 60 x 80 cm Ed. 1/5

Humberto Ríos “Perisur, Ciudad de México” De la serie “Tránsito” 2011-2013 Impresión digital 60 x 80 cm Ed. 1/5

Humberto Ríos “Querétaro, México” De la serie “Tránsito” 2011-2013 Impresión digital 60 x 80 cm Ed. 1/5

Humberto Ríos “San Ángel, Ciudad de México” De la serie “Tránsito” 2011-2013 Impresión digital 60 x 80 cm Ed. 1/5

Humberto Ríos “Zona Rosa, Ciudad de México” De la serie “Tránsito” 2011-2013 Impresión digital 60 x 80 cm Ed. 1/5

Humberto Ríos “San Pedro Cholula, Puebla, México” De la serie “Tránsito” 2011-2013 Impresión digital 60 x 80 cm Ed. 1/5

Humberto Ríos “Zacatecas, México” De la serie “Tránsito” 2011-2013 Impresión digital 60 x 80 cm Ed. 1/5

Olin Heitmann Entre grises nos encontramos Hay ojos nuevos que pareciera que han visto mucho, como si hubieran ya conocido todo los mundos y todas las vidas. Ojos viejos en cuerpo joven quizás. Olín Heitmann no puede negar esto. Sus imágenes se muestran cercanas, conocidas, como un recuerdo pero que a la vez estamos apenas por recorrer.

La presencia de una tensión de lo nuevo en lo viejo - o viceversa - nos hace detenernos en el tiempo. El artista juega con esta paradoja a su favor, usando sus imágenes como medio para preguntar por nuestra memoria. ¿Qué tanto recordamos del pasado y qué tanto, aunque nuevo, inmediatamente lo atesoramos como recuerdo? Como sea, al final ninguna de sus imágenes descuida la belleza, la cual no se agota ni envejece.

Con esto en mente, el artista sitúa el acento en la forma, en el placer estético sobre la ambigua y a veces gastada idea del concepto detrás de la imagen. Sus fotografías se nos muestran como un oasis hedonista que nos satisface cuando frente a una imagen se nos invita a ver y recordar.

Para Olín Heitmann, el mundo es más bello en blanco y negro. Le gusta poner atención en lo que se le presenta diferente, siempre la dicotomía y la confrontación sutil. Esa dualidad lo acompaña a lo largo de sus fotografías. Imágenes díscolas que en sus formas contendidas y cuidadas dejan entrever una libertad latente característica de su corta edad.

A su vez, la simpleza de su premisa estética contrasta con la complejidad de sus composiciones; el blanco en el negro, el hombre en la naturaleza, el silencio en el ruido, el presente en el recuerdo.

Con estos choques visuales, Heitmann deja al descubierto su mirada educada, pulcra y contemplativa que rige su trabajo. Sabe buscar un contraste lleno de tensión en lo fotografiado para ahí detenerse dejándonos una sensualidad muy particular que sostiene a la imagen de principio a fin.

Sin pretensión, sus fotografías nos regresan a la relevancia de lo tangible; la prevalencia de la superficie, de aquello que frente a nuestros ojos va a desdoblarse de múltiples e incalculables formas.

Andrea de Caso R.B.

Olin Heitmann “Vanves” 2017 Impresión digital sobre papel de algodón 28 x 35 cm Ed. 1/30

Olin Heitmann “Fuchspass” 2016 Impresión digital sobre papel de algodón 28 x 35 cm Ed. 1/30

Olin Heitmann “El Mayor” 2016 Impresión digital sobre papel de algodón 28 x 35 cm Ed. 4/30

Olin Heitmann “Walchbilerberg” 2016 Impresión digital sobre papel de algodón 28 x 35 cm Ed. 1/30

Olin Heitmann “El Ahorcado” 2016 Impresión digital sobre papel de algodón 28 x 35 cm Ed. 1/30

Olin Heitmann “Sacro Imperio” 2016 Impresión digital sobre papel de algodón 28 x 35 cm Ed. 1/30

Olin Heitmann “Niebla en sol” 2016 Impresión digital sobre papel de algodón 28 x 35 cm Ed. 1/30

Olin Heitmann “The Wall” 2016 Impresión digital sobre papel de algodón 28 x 35 cm Ed. 1/30

Olin Heitmann “Cielo sobre Szentendre” 2016 Impresión digital sobre papel de algodón 28 x 35 cm Ed. 1/30

Paola Dávila La torre de los tesoros Como una coleccionista de lo exquisito, Paola Dávila confronta la memoria y sus asombrosos significados. Con la unión de una caja y una fotografía instantánea produjo una serie de hallazgos que se mueven entre el recuerdo y el olvido, entre el coleccionismo privado y la exhibición, entre las historias inéditas y las historias ajenas que brindan la posibilidad de confundirse con las nuestras.

Las piezas presentes no corresponden a una serie –ni fotográfica, ni de objetos- que las vuelva idénticas, sino a un juego de combinación realizado por la artista para crear un tesoro único en cada pieza, hablándonos así del tiempo en relación a los espacios fotografiados y de su cambio al colocarlos dentro de una caja. Esta combinación de objetos provoca en el espectador el deseo por atesorar estas cajas, por abrirlas para conocer sus tesoros o, incluso, mantenerlas cerradas.

Estas fotografías instantáneas (que debido a su naturaleza se desvanecerán) ocupan huecos (donde antes hubo algo al interior) de cajas misteriosas (aunque algunas indiquen su origen). Estas múltiples capas simbólicas nos permiten ver cómo justo la imagen se estructura sobre una ausencia y sobre una huella. Cada caja contiene múltiples historias que se entrecruzan en una lectura inédita en la mirada de cada espectador.

Así como las piezas guardan un registro fotográfico del recuerdo, también son contenedoras del detalle omitido. Este conjunto las vuelve irreconocibles para quien sospeche conocer su origen. El olvido habita constante en los lugares, los paisajes, la sensación climática o la aparición de personas sin rostro tanto en las fotografías como en las cajas. Sin embargo, aquí el olvido no funciona como un borrador, sino como una fuente que brinda más posibilidades de conexión simbólica al espectador.

Sin duda, Paola Dávila ha creado tesoros -objetos y recuerdos sensibles, combinándolos- en un tratado sobre la belleza del derecho propio al coleccionismo. Óscar David López

Paola Dávila “La torre de los tesoros” 2015 Instalación Cajas de época con fotografías polaroid Pieza única

Alexandra Germán Variantes Hace algunos años, empecé de manera inconsciente a recopilar información sobre cómo se representaba la meteorología en diversas disciplinas. Este interés poco a poco se fue convirtiendo en una colección de fragmentos pictóricos y literarios. Realicé una serie de registros fotográficos de pinturas, fragmentando la imagen hasta mimetizar las unas con las otras en una serie de trazos, colores y formas, que en distintos grados comenzaron a desprenderse de su particularidad, ya no importaba el autor ni la época, únicamente importaba la representación del cielo.

Mi búsqueda se extendió a los libros en los que de igual modo comencé a extraer fragmentos que hacían alusión a las nubes o a cualquier manifestación sobre el clima, y a partir de esos fragmentos construir una pieza independiente a la historia original para volver a vincularlos con cierta coherencia, convirtiéndola en una historia en la que únicamente importan las cuestiones atmosféricas y su efecto emotivo sobre los personajes.

Por otro lado, en los fragmentos de pinturas, la narrativa de alguna manera quedó exenta, funcionando más como una especie de colección que simula el registro diario del cielo desde una ventana. Así surge “Variantes”, una serie de piezas que se articulan a partir de distintas lecturas que aluden a un mismo tema: el cielo. En donde convergen tanto la pintura como la literatura.

Alexandra Germán Variante no. 1 (El Cielo) De la serie “Variantes“ 2017 Impresión digital 66 x 83 cm Ed. 5 + 1PA

Alexandra Germán Variante no. 2 De la serie “Variantes“ 2017 Impresión digital 66 x 29 cm Ed. 5 + 1PA

Alexandra Germán Variante no. 5 (Atardecer) De la serie “Variantes“ 2017 Impresión digital 66 x 65 cm Ed. 5 + 1PA

Alexandra Germán Variante no. 6 De la serie “Variantes“ 2017 Impresión digital 66 x 29 cm Ed. 5 + 1PA

Alexandra Germán Variante no. 6 (Isabella) De la serie “Variantes“ 2017 Impresión digital 66 x 65 cm Ed. 5 + 1PA

Alexandra Germán Variante no. 8 De la serie “Variantes“ 2017 Impresión digital 66 x 47 cm Ed. 5 + 1PA

Alexandra Germán Variante no. 9 De la serie “Variantes“ 2017 Impresión digital 66 x 47 cm Ed. 5 + 1PA

Sofia Ayarzagoitia Every night temo ser la dinner Este proyecto enfatiza la necesidad de generar continuamente una narrativa visual compuesta de imágenes íntimas, cotidianas y, al mismo tiempo, performativas que nos permitan sobrevivir y no sucumbir ante el torrente de imágenes de carácter social que se van produciendo día a día hasta hacernos, incluso, perder el sentido.

Every night temo ser la dinner se centra en una practica artística que se deriva de la fotografía documental y se configura a partir de la relación orgánica entre los sujetos retratados y yo. Ésta se muestra ya sea a través de una serie de textos o bien, por medio de la correspondencia entre las imágenes y el cúmulo de sensaciones que a diario me rescatan del sinsentido. En este universo íntimo, el proyecto explora las fronteras de la memoria, la ficción, el tiempo, el espacio y la expansión del cuerpo.

Sofia Ayarzagoitia De la serie “Every night temo ser la dinner“ Inyeccion de tintas pigmentadas 2015-2016 80 x 55 cm

Sofia Ayarzagoitia De la serie “Every night temo ser la dinner“ Inyeccion de tintas pigmentadas 2015-2016 50 x 30 cm

Sofia Ayarzagoitia De la serie “Every night temo ser la dinner“ Inyeccion de tintas pigmentadas 2015-2016 50 x 30 cm

Sofia Ayarzagoitia De la serie “Every night temo ser la dinner“ Inyeccion de tintas pigmentadas 2015-2016 50 x 30 cm

Sofia Ayarzagoitia De la serie “Every night temo ser la dinner“ Inyeccion de tintas pigmentadas 2015-2016 50 x 30 cm

Sofia Ayarzagoitia De la serie “Every night temo ser la dinner“ Inyeccion de tintas pigmentadas 2015-2016 50 x 30 cm

Sofia Ayarzagoitia De la serie “Every night temo ser la dinner“ Inyeccion de tintas pigmentadas 2015-2016 50 x 30 cm

Sofia Ayarzagoitia De la serie “Every night temo ser la dinner“ Inyeccion de tintas pigmentadas 2015-2016 80 x 55 cm

Sofia Ayarzagoitia De la serie “Every night temo ser la dinner“ Inyeccion de tintas pigmentadas 2015-2016 50 x 30 cm

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