CIUDAD ABIERTA

Revista trimestral, año 1, No.1, 2017

NAN CUZ - MADONA EN ROJO (1,962)

CONTENIDO

Página 6

Qué hacer…

Página 9

El reino de Nan Cuz

Página 13 Maestro de maestros Página 15 Benvenuto y la decolonización artística Página 17 Al rescate de la música ancestral Q´anjob´al Página 20 Qué leer…

Página 21 Qué oír…

Página 22 Qué ver…

Edición/ Claudia Navas Dangel Redacción/ Lourdes Álvarez y Carla Natareno Fotografía/ Selvin García y Bernardo Euler Diseño/ Uriel Ruano y Karen Bethancourt

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CIUDAD ABIERTA

editorial

Ciudad Abierta es un nuevo espacio editorial que Fundación Paiz para la Educación y la Cultura presenta para hablar de lo que sucede en el mundo cultural guatemalteco. A través de estas páginas, damos una mirada a lo que sucede en Guatemala y otras latitudes, presentamos el trabajo de artistas, la opinión de quienes día a día trabajan en este complejo mundo del arte y abrimos el espacio a quienes quieran recorrer esta comunidad digital que busca en un futuro ser un referente de información de la movida cultural guatemalteca.

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A G E 1. OBRA DE TEATRO EL SEÑOR PRESIDENTE

2. CONVERSATORIO EL OLVIDO QUE SEREMOS

Jueves 30 de marzo 19:00 horas Teatro de Cámara Hugo Carrillo, Teatro Nacional, centro Civico zona 1 Entradas en taquilla Q60.00

Jueves 30 de marzo 19:30 horas Auditorium Universidad Rafael Landivar, zona 16 Entrada libre

5. ZONA HIP HOP ANTIGUA GUATEMALA.

6. PRESENTACIÓN LA NIÑA QUE MIRABA LOS TRENES PARTIR

7. LECTURA PÚBLICA Y PRESENTACIÓN DEL PREMIO SOPHOS LIBRO DEL AÑO

Lunes 3 de abril 18:00 horas Museo del Holocausto, 6ª. Av. 1-88, zona 1 Entrada libre

Martes 4 de abril 18:00 horas Centro Cultural de España, 11 calle y 6ª. Ave. Zona 1 Entrada libre

Freestyle- Micro abiertobeatBox- Djing.

Domingo 2 de abril 14:00 horas Restaurante Los Encuentros, Primera Av. Sur #4, Antigua Guatemala Entrada Q25.00

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3. TALLER EXPLORACIÓN ARQUETIPOS MASCULINIDAD CONSCIENTE Sábado 1 de abril 13:30 horas La Casa de Cervantes, 5ª. Calle 5-18, zona 1 Diversos precios

4. REUNIÓN INTRODUCTORIA - CLUB DE LECTURA: EL OCTAVO ARTE Domingo 2 de abril 16:30 horas SOPHOS, Plaza Fontabella zona 10, Segundo nivel Entrada libre

8. DIPLOMADO DE GRAFOLOGÍA 1 Miércoles 5 de abril 17:30 horas De Museo, 5ª. Calle Poniente #11, Antigua Guatemala Inscripción Q. 100.00 Cada sesión Q.150.00

N D A 9. TALLER DE ENCUADERNACIÓN BRADEL

10. OBRA A LAS SEIS EN LA ESQUINA DEL BOULEVARD

11. 5º FESTIVAL DELLA CANZONE ITALIANA

Sábado 8 de abril 9:00 horas Casa Cervantes, 5ª. Calle 5-18, zona 1 Costo: Q250

Sábado 8 de abril 20:00 horas Café del Arte, 10 av. 0-28, zona 2 Ingreso por consumo

Sábado 22 de abril 16:00 horas Paseo Cayalá, zona 16 Entrada libre

12. EUGENE ONEGIN - MET OPERA LIVE HD

13. LIBERACIÓN DE LIBROS CON MYNOR ARÉVALO

14. CUENTACUENTOS: MARIANO Y EL MONSTRUO

Sábado 22 de abril 11:00 horas IGA, Ruta 1, 4-05 zona 4 Entrada: Q150, adulto mayor y estudiantes Q125

Sábado 22 de abril 18:00 horas FCE Guatemala, 6ta avenida 8-65 zona 9.

Entrada por consumo

Sábado 22 de abril 11:00 horas FCE Guatemala, 6ta avenida 8-65 zona 9.

Entrada libre

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MAGZ

EL REINO DE NAN CUZ Por Claudia Navas Dangel

En Panajachel hay una galería de arte muy llamativa. En ella se exhibe el trabajo, resultante de una vida de gran trayectoria plástica, la de Nan Cuz; artista q’eqchi’alemana, cuyo nombre de pila es Imgard Carmen Heinemann Cuz. Nacida en 1927, sus primeros años sucedieron en un rancho en Senahú. A los siete años de edad, su padre –quien entonces vivía en Alemania-, decidió enviar por ella y la llevó a Europa, allí se inició en el arte y estudió fotografía y pintura. Con el tiempo, cuentan sus biógrafos, sintió nostalgia por sus primeras memorias y decidió volver al país. La verdad es que sumado a ese recuerdo permanente de su tierra natal, una invitación de la entonces primera dama de Guatemala, ayudó a la artista a tomar la decisión de viajar al país y de ahí el regreso permanente sucedió.

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EL REINO DE NAN CUZ Al establecerse acá siguió con la línea que había iniciado en Europa y que la llevó a plasmar sus figuraciones, bellas e intensas, de la vida y la mitología mayas, ejecutadas con exquisita factura, de trazos claros y delicados. Junto con quien fuera su primer esposo, el alemán Georg Schäfer, creó una obra preciosa: Im Reiches der Mescal, descrita como un cuento de hadas para adultos ilustrado por ella y que no debería faltar en la estantería de todo admirador del arte. La versión en español, cuenta además, con un prólogo de Miguel Ángel Asturias.

Su producción plástica se ha dado de manera inmanente: sus obras salen desde lo hondo de su doble cosmovisión cultural, cual dos caudalosos ríos de significados que desembocan en una rica vertiente ampliamente apreciada y admirada en todo el mundo. Se podría decir que con su obra ha explorado esos dos mundos de manera sistemática, plasmándolos cómo ella los ve.

Al respecto, el galerista Guillermo Monsanto expresa: “Nan Cuz es un personaje interesante en la pintura local, porque, primero, podemos asumirla como a una naïf verdadera, a pesar de tener instrucción y conocimiento para hacer otro tipo de arte. Pero además, porque con la serigrafía manual, o sea artesanal, consiguió crear mucha obra que se mencionó a partir de su galería en Panajachel, en Juannio, en los

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Rotarios, y pasó a formar parte de la Galería DS (fundada por Daniel Schafer y Luis Díaz en 1964), aunque no haya sido asidua de la misma”.

Thomas Schäfer, su hijo y dueño de la galería, cuenta la fascinante historia de esta mujer y artista: “Nan Cuz es una mujer multifacética, hay muchos diferentes aspectos de ella, es un caso muy único, vivió en Alemania en tiempo de los nazis, estuvo en Berlín, la ciudad más afectada por los bombardeos durante la II Guerra mundial, fue voluntaria para sacar a los refugiados cuando la toma soviética”.

“Cuando le tocaba a ella dejar Alemania, llamó a su abuelo quien le aconsejó que no viajara en el barco MV Wilhelm Gustloff, sino por tren. De no seguir el consejo hubiese muerto, porque habría abordado un barco que fue torpedeado con todos sus tripulantes: más de 8,000 en total, el ataque naval que más muertos ha dejado”. Historias como esta vivió Nan en Alemania, pero también momentos maravillosos rodeada de artistas, filósofos y místicos, personas que de una forma u otra fueron transformando su mundo y abonando en su ser artístico que de las imágenes capturadas por un lente fueron migrando a los colores que la acuarela y el pincel trazaban.

Y es que graduada como fotógrafa profesional, luego de haber incursionado en este campo de la mano de su padre, Nan Cuz

se decantó también por la pintura. Al principio pintó cuadros bucólicos sobra las culturas originarias de Estados Unidos y Canadá, porque así se lo pedían sus connacionales alemanes de la posguerra. Pero su corazón estaba en sus raíces guatemaltecas y esa sería la cantera de donde saldría su obra más auténtica y valiosa.

Gracias a la impresión de una primera postal con su trabajo, emitida por Unicef, en tiraje de 50 mil ejemplares, su obra dio la vuelta al mundo. Su hijo estima que más de cien mil personas la conocieron por ese medio. Óleos, pasteles, grabados y otras técnicas no le son extrañas a sus manos, muestra de su maestría como artista.

La obra de Nan Cuz no es tan conocida hoy como lo fue en décadas pasada en Guatemala.

Pero en el extranjero sigue tan presente como en aquella época. Así lo atestiguan búsquedas virtuales, reaparece en galerías, en colecciones, en “posts” de Pinterest, siempre causando asombro y encantando a los verdaderos amantes del arte.

Nan Cuz está viva, en su reino, que es su galería de Panajachel, con el lago como telón de fondo y Guatemala le debe más que un homenaje. Por eso, la Fundación Paiz, en la exposición Magia y Emociones, no solo le rinde ese homenaje, sino le permite al gran público acercarse a ella.

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NUESTRA PINACOTECA MAESTRO DE MAESTROS Efraín Recinos participó en la primera Bienal de Arte Paiz en 1978, con la pieza “La guatemalita”, donde obtuvo el 2º premio en la categoría “Artistas invitados. Glifo de plata”.

Esta pieza muestra una mujer con el cuerpo en forma del mapa de Guatemala, donde pareciera que juega el papel de una heroína que sobrevive a la anarquía de un país violento, que también puede ser noble. Este personaje llegó a convertirse en una de los símbolos artísticos de Efraín Recinos, por la atinada realidad que muestra del país.

En una entrevista que Ana María Rodas le realizó a Efraín Recinos en 1991, (En el catálogo editado por la Fundación Paiz, titulado “Efraín Recinos”), ella le pregunta por el enamoramiento que él siente por la pintura, a lo que él respondió: “¿No es eso algo que nos pasa a todos los aprendices de artista? Tal vez enfermizamente, si se quiere. Pero el enamoramiento que siento tiene características eróticas que me subyugan. Es algo parecido al fenómeno amoroso de la pareja, sólo que yo creo que es más hermoso, porque el amor hacia una mujer no es eterno”.

También se ha dicho que la obra de Recinos es un ejemplo del realismo mágico que existe en la plástica.

En la misma entrevista, sobre este tema él respondió: “Los elementos pictóricos nos son literarios, no son caracteres inteligibles fácilmente. Y aquí entra también mi deseo de unir coincidencias que no pasan en la

realidad…Coincidencias extrañas que difícilmente se dan en la realidad física pero que hay que concentrar en un cuadro. Por lo tanto, hay que ser figurativo.

No retratista, no fotógrafo. Neofigurativo, para estar de acuerdo con los términos académicos. Otra figuración. Y al mismo tiempo, hay que hacerlo, en términos pictóricos contemporáneos. Las líneas, el color, la textura, el ritmo y demás elementos. Para mí, la pintura tiene que decir algo que se entienda y que tenga que ver la realidad histórica de un país”.

Recinos, supo crear su propio estilo a través del ejercicio autodidacta y de las diversas lecturas que realizó en su vida. Se convirtió en un experto en la integración de conceptos y elementos, aspecto que contribuyó a que desarrollara un estilo propio y particular.

Retrato en falso, Efraín Recinos, I Bienal de Arte Paiz (1,978)

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PALABRAS

DANZA/VIDA Por Tonibelle Che La danza podría ser considerada como un privilegio que solamente algunos llegan a degustar, y de hecho lo es. Sin embargo, bailar, moverse, descubrir el propio cuerpo y el espacio es algo que todas las personas deberían de experimentar. Mis primeros pasos en la danza me brindaron la posibilidad de vivir la estructura y el orden en medio de mi caótica adolescencia.

Más tarde recuerdo haber descubierto las sensaciones de mis manos moviéndose en el espacio, tallando el espacio, dándole forma al aire, creando figuras o líneas imaginarias que me sumergían en un estado introspectivo, ensimismado y maravilloso.

Unos años después he tenido vivencias escénicas igual de maravillosas, relacionadas con el descubrimiento de mí-misma. Facetas que no sabía existían, personalidades divertidas, dramáticas, histéricas, centradas… cada una de esas puestas escénicas, de danza, teatro, clown, circo y sus híbridos derivados, me han permitido explorar mi ser y me han ayudado a definir mi predilección en cuanto a estilos y formas escénicas.

Hoy por hoy, luego de un buen montón de años vividos intensamente, hijas, parejas, amores, tristezas, despedidas, encuentros y desencuentros, he ido descubriendo y construyendo mi posicionamiento en relación al arte.

Me convenzo cada vez más, que el arte es LA herramienta para cambiar el mundo. Para mí la danza hizo eso. Me cambió, o tal vez me permitió cambiar, me ha recibido una y otra vez con mis nuevas consciencias y mis nuevos aprendizajes, y cada vez que regreso a ella, me descubro más y crezco, me afianzo, me descubro y descubro a los otros. Aprendo de mí, aprendo de los otros.

El territorio de la danza, que es el cuerpo y el espacio, es el lugar en donde uno puede llegar a ser pleno, plena. No es una garantía, tan sólo es una posibilidad.

“La danza podría ser considerada como un privilegio que solamente algunos llegan a degustar” Ayer, justamente una amiga, “La Colocha” me decía que ella ha estado haciendo el ejercicio de cerrar los ojos e imaginarse a una Guatemala sin bailarines, sin danza contemporánea. Se daba cuenta, que no habría diferencia. Triste verdad, y es que la danza ha estado tan desarticulada y ensimismada, como lo ha estado nuestro cuerpo en medio de este campo de batalla que llamamos Guatemala. Desde tiempos inmemorables. Nuestros territorios, nuestro cuerpo y nuestro espacio han sido colonizados, arrasados, violentados, domesticados, quemados. ¿Cómo puede surgir la danza en un contexto así de violento? ¿Cómo puede articularse la danza a la realidad, si ésta se presenta tan cercenadora, tan hostil? ¿Cómo cabe nuestro cuerpo y su expresión en movimiento en un lugar como Guatemala?

Creo que todo arte puede ser una herramienta para cambiar al mundo, pero este tipo de arte está libre de pretensiones. Este arte no quiere cambiar al mundo porque sí, lo desea cambiar, porque reconoce que el mundo se deshumaniza, se violenta. El arte puede cambiar al mundo, porque tiene la posibilidad de ser un agente sanador, restaurador.

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Ese es el tipo de danza o de propuesta escénica por la que me inclino ahora. Un arte escénico incluyente (danza, teatro, música, payaso) honesto, verdadero, real. Al menos es ahí a donde quiero ir. Es lo que más valoro de un artista, su capacidad de conmover y restaurar emocionalmente y su honestidad, de hecho, no puede haber una sin la otra. Se conmueve, se restaura, porque hay honestidad.

Para mí la danza ha de recuperar la voz, la palabra y la risa, deberá ser incluyente y habrá de convertirse en una forma de restaurar y de traer entendimiento en medio de tanta oscuridad si desea posicionarse como un medio artístico expresivo necesario y pertinente. Hará falta cambiar de paradigma y pasar de pensar en la danza como una expresión elitista que sólo algunos magros y flexibles seres pueden ejecutar, a una visión más amplia, más orgánica y más real. Que la enseñanza de la danza sea una forma amorosa de ayudar a que cada quien se encuentre a sí mismo, y que, en este proceso de autoconocimiento, el otro esté también presente para que desarrollemos competencias como la empatía, la solidaridad y el esfuerzo por el bien común.

BENVENUTO Y LA DESCOLONIZACIÓN ARTÍSTICA Por Lourdes Álvarez

Benvenuto Chavajay es originario de San Pedro la Laguna, Sololá, y es un reconocido artista a nivel nacional e internacional. Chavajay estudió en la Escuela de Artes Plásticas de Guatemala; Universidad Nacional de Costa Rica; ESPIRA / ESPORA de la Escuela Superior de Arte en Managua, Nicaragua y fue becado por el Bureau of Educational and Cultural Affairs del Department of State de Estados Unidos.

Sobre sus obras Chavajay plantea que gran parte de ellas abordan la identidad a través de un proceso de descolonización, que buscan alejarse de los planteamientos estructurales occidentales para construir nuevos modelos de pensamiento y creación. Sus proyectos incluyen la intervención de objetos, instalación, performance, escultura y pintura.

Según publicaciones de la Bienal Centroamericana, una plataforma cultural promovida por un grupo de profesionales y empresarios de la región, sobre el trabajo del artista guatemalteco “A través de técnicas como la apropiación y la recontextualización, Chavajay trabaja aspectos identitarios, cuestionando su relación con el mundo y los tipos de vínculos

que se establecen entre el centro y la periferia, sea ésta geográfica o simbólica”.

Dentro de las últimas exposiciones individuales de Chavajay cabe destacar “Diamante Típico”, en la galería Pilar, en Sao Paulo, en el 2015; “Muxu’x”, en Ciudad de la Imaginación, en Quetzaltenango, en el 2015; y “Chunches” en el Museo de Arte de Diseño Contemporáneo, en San José, en el 2014. Su obra forma parte de colecciones tales como El Museo del Barrio, en Nueva York; MOLAA, en Los Ángeles; Colección Cifo, en Miami; Kadist Art Foundation, en San Francisco; y la Hugo Quinto y Juan Pablo Lojo, en Guatemala.

En Guatemala, también es reconocido porque el 9 de agosto de 2016 se quitó la camisa frente a Mario Taracena, entonces Presidente del Congreso de la República de Guatemala, mostrando un tatuaje con la cédula de vecindad del atleta guatemalteco Doroteo Guamuch Flores.

“Mateo Flores no existe, quien existe es Doroteo Guamuch… no es la admiración, sino que es la sangre”, comentó en ese momento el artista, en referencia a sus trabajos que abordan la imposición colonial en Guatemala.

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AL RESCATE DE LA MÚSICA ANCESTRAL Q´ANJOB´AL Por Lourdes Álvarez

GABRIEL DOMINGO MIGUEL NICOLÁS, ES ORIGINARIO DE SANTA EULALIA HUEHUETENANGO, TIENE 26 AÑOS Y ES AUTOR DEL LIBRO “B´ILK´ULAL HEB´ CHAM MAMIN” O “EL LATIR INTENSO DE CORAZONES ANCIANOS”, QUE CONSTITUYE UN ESFUERZO Y APORTE SIGNIFICATIVO PARA EL RESCATE DE LA MÚSICA ANCESTRAL Q´ANJOB´AL.

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AL RESCATE DE LA MÚSICA ANCESTRAL Q´ANJOB´AL

El libro se presentó el 18 de febrero en ArteCentro, con un concierto en marimba a que fueron invitados marimbistas ancestrales. ¿Cómo fue tu primer acercamiento a la música ancestral?

Desde que tengo memoria, cuando había algún tipo de actividad o celebración en la comunidad era común que se amenizara con música en marimba. Lamentablemente, con el tiempo, era común escuchar el pesar de los ancianos, porque en el mundo moderno, esas prácticas se iban perdiendo o remplazando. ¿Qué te motivó a investigar y documentar la música ancestral?

En el mundo Q´anjob´al es sumamente importante escuchar a los ancianos. Yo tomé en cuenta su pesar y preocupación por la pérdida sistemática de nuestra identidad musical y decidí involucrarme en el aprendizaje y conocimiento de las partituras, que en un momento nos enseñaban a los maestros europeos, pero por mi cuenta empecé la búsqueda de los sones originales. ¿Cuál es el objetivo primordial de tu trabajo documental?

La difusión y conservación de los sones ancestrales de Santa Eulalia, Huehuetenango, algunos con más de doscientos años

“DESDE QUE TENGO MEMORIA, CUANDO HABÍA ALGÚN TIPO DE ACTIVIDAD O CELEBRACIÓN EN LA COMUNIDAD ERA COMÚN QUE SE AMENIZARA CON MÚSICA EN MARIMBA”

de existencia y que pertenecen a un grupo de 30 sones que aún se preservan en esa región del país y que es fundamental no perder. ¿En esa búsqueda recibiste el apoyo de la comunidad?

Sí, de manera principal recibí apoyo del Doctor Pascual Juan Hernández y de su hermano, el fabricador de marimbas Pascual Mateo Hernández, quienes junto a su familia también me compartieron su lucha por preservar nuestro legado cultural y musical. ¿Consideras que tu investigación también es un homenaje?

Claro, es un homenaje a esa lucha permanente de conservación que han mantenido diversos líderes marimbistas, que en su mayoría pertenecen a una misma familia, como los hermanos Hernández. Es satisfactorio, escuchar a los ancianos decir que con esos sones su alma fluye con felicidad a través de sones auténticos. ¿Cuál debería ser el papel de las instituciones que fomentan la cultura para sumarse a la conservación?

Asignar recursos y también interés por apoyar este tipo de proyectos. Existe una cultura de indiferencia que perjudica no solo a la música, también a otras expresiones artísticas en nuestro país.

FICHA DEL AUTOR Gabriel Domingo Miguel Nicolás es Graduado por la Universidad del Valle de Guatemala, como Profesor de Enseñanza Media Especializado en Música, con mención Magna Cum Laude.

Actualmente estudia la Licenciatura en Música en la Universidad del Valle de Guatemala, becado por Fundación Paiz, Secretaria de Planificación Estratégica (SEGEPLAN) y la Universidad del Valle de Guatemala. También es estudiante del Conservatorio Nacional de Música.

Gabriel Domingo Miguel sentó un precedente en la conversación de sones ancestrales de Huehuetenango, con más de 200 años de antigüedad.

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En el 2016 representó a Guatemala, en el Festival Ethno Suecia, en donde fue invitado a tocar marimba, junto a músicos de otros países del mundo.

CULTURA EN EL MUNDO

UN TOQUE DE JAZZ Mientras tanto en Colorado, Estados Unidos, en la temporada de verano (junio-agosto) se realizará el Vail Jazz Festival, que reúne a los mejores exponentes del jazz, que en su totalidad presentarán 60 actuaciones con interpretaciones de 200 artistas. Los escenarios son variados, para disfrutar de la música en teatros al aire libre y en teatros tradicionales que albergarán a famosos exponentes de todo el mundo.

El mundo es un escenario enorme donde habitan artistas de todas las disciplinas y géneros, el público demanda actividades para dejar a un lado la rutina.

Es por eso que los festivales de arte en el mundo son variados y se producen en gran cantidad. La agenda cultural es enorme, hay eventos que guardan el formato clásico de sus inicios y también hay los que desean innovar en su estructura para llamar la atención de un público de todas las edades.

Acá reseñamos dos importantes eventos culturales que próximamente se realizarán en México y en Estados Unidos:

Y para darle un toque especial a este festival de jazz, se habilita The market, una tradición que no solo ofrece conciertos al aire libre, sino que también ofrece productos musicales como postres, jugos e incluso tratamientos de belleza. En este espacio existe toda una gama de opciones para disfrutar de la música en compañía de familiares y amigos

ARTE Y POLÍTICA En el mes de abril en Zacatecas, México se realizará el Festival Cultural Zacatecas 2017 que en esta edición que es la número 31, tiene por primera vez un eje temático que marcará el rumbo de sus actividades, bajo el título “Migración sin fronteras, la experiencia artística desde la multiculturalidad”, donde se presentarán obras de teatro con los montajes Un Picasso con la participación del legendario actor Ignacio López Tarso; Mamá por siempre con Ofelia Medina y Almacenados con Héctor Bonilla.

El programa musical presentará un diversidad de géneros que van desde la ópera hasta el rock.

Además se realizarán foros académicos para reflexionar sobre los temas de la migración que es un tema latente en México, debido a las nuevas políticas de Estados Unidos.

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PARA LEER

MÚSICA PARA LEER. SIETE NOTAS PARA AMAR LA MÚSICA (IÑIGO PIRFANO) El acceso al mensaje poderoso y transformador de la música exige una cierta pedagogía, que no siempre se ha sabido cultivar de la manera adecuada. Desgraciadamente, sucede muy a menudo que el enfoque de la enseñanza musical en las escuelas –e incluso en los conservatorios– no es el correcto. Como consecuencia de esto, una gran parte de la población más joven –y no tan joven– no siente ninguna afinidad hacia la gran música; la consideran una realidad lejana, incomprensible, propia de gente aburrida o extraña. Otros quizás albergan la sospecha de que se trata de un mundo fascinante y enriquecedor, pero les parece que no disponen de las claves para acceder a él; no saben cómo se han de acercar a las grandes creaciones musicales, y pronto se rinden con la amarga sensación de que han perdido ese tren. Escrito en un registro cercano y amable (tan lejos de la erudición como de la divulgación insustancial), Música para leer es una guía para iniciarse, profundizar y llegar a amar (hasta la completa adicción) el mundo de la gran música.

EL MUNDO, UN ESCENARIO. SHAKESPEARE: EL GUIONISTA INVISIBLE (JORDI BALLÓ & XAVIER PÉREZ) ¿De dónde surge la idea tantas veces repetida de que Shakespeare, hoy en día, escribiría para el cine o la televisión? Tal vez de la intuición colectiva, que este libro constata, de que en buena parte de la ficción audiovisual contemporánea persiste la impronta de un coautor no acreditado, invisible, la influencia del cual serpentea entre muchos procedimientos dramáticos que siguen siendo irrenunciables. Los inicios in medias res, la coralidad de personajes y situaciones, la síntesis de tragedia y comedia, la dramatización de la naturaleza, los diálogos adversativos o el paroxismo de la violencia son recursos que el teatro de Shakespeare llevó a un grado exquisito de maleabilidad. La ficción contemporánea los sigue adoptando y remodelando de una manera particularmente insistente, tal vez porque en estos momentos se ha hecho más visible que nunca una profética intuición del autor de Como gustéis: que el mundo camina hacia su constante autorrepresentación.

Los autores construyen un fluido relato de las relaciones del corpus shakespeariano con los universos narrativos de la contemporaneidad. De Juego de tronos a El caballo de Turín, de Funny Games a Breaking Bad, de El amigo de mi amiga a The Big Bang Theory, entre otros muchos ejemplos.

EL CLUB DE LA PELEA 2 (CHUCK PALAHNIUK & CAMERON STEWART)

Cortesía: Sophos

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Veinte años después de la primera publicación de El club de la pelea, llega su esperada secuela... directamente como novela gráfica.

Chuck Palahniuk ha elaborado un guion a la altura de sus mejores trabajos y Cameron Stewart lo ilustra con un espectacular desempeño.

Diez años después del nacimiento del proyecto Estragos, Sebastián (así se llama el narrador de la historia) lleva una vida mundana. Tiene un trabajo insignificante en una empresa contratista militar llamada Levantarse o morir, se ha casado con Marla y tienen un hijo. Gracias a la medicación se ha mantenido a raya durante todo este tiempo, pero no por mucho más. Tyler Durden va a regresar más rebelde y anárquico que nunca.

PARA ESCUCHAR

RELAYER DEL GRUPO DE ROCK PROGRESIVO YES. LANZADO 28 DE NOVIEMBRE DE 1974): Por: Ranferí Aguilar ranferi@mac.com Yes empezó a finales de los 60´s como un grupo de rock de virtuosos con alma trovadoresca gracias a la influencia del cantante y letrista Jon Anderson. Poco a poco se fue volviendo más experimental y más atrevidos en sus propuestas.

“Relayer” para mí es la cúspide de ese proceso. Las melodías se entrecruzan, polirrítmos, gran variedad de temas y de creatividad impresionante. Va de lo clásico contemporáneo, acústico, prog rockero hasta lo jazz-rock. A Steve Howe parece que le hubieran abierto la puerta y salió como una tormenta con escalas, arpegios, armonías chocantes, slides celestiales, etc. Creatividad muy variada e ideas contrastantes que se entrelazan de una manera genial.

Con excepción de algunas intersecciones que pudieran conectarse mejor entre sí, no tan abruptamente y algunos rellenos demasiado largos es un álbum para darse gusto. El virtuosismo y originalidad en guitarras es sorprendente, quizá faltaron diferentes sonidos de acuerdo al carácter de la música, es decir, cambia la música, pero no cambia la guitarra.

Allan White muy bien, una de sus mejores interpretaciones, sobre todo en “Sound Chaser”. Y Patrick Moraz excelente, aunque no brille tanto como Wakeman, le da estructura y “viste” muy bien las ideas de los demás y de vez en cuando salta al protagonismo y lo hace con mucha propiedad.

Squire siempre es Squire, impresionante su sonido, su interpretación y le termina de dar esa personalidad única a Yes. El contraste en The Gates of Delirum del derroche de figuras a lo sublime de “Soon” creo que es de lo mejor logrado del disco. Los solos de guitarra en esta sección con “slide”, delay y pedal de volumen combinados ¡son de lo mejor!

Muy recomendado para los que gustan del buen rock progresivo.

EXTRAÑANDO A JULIETA VENEGAS El público conoció a Julieta Venegas en 1997, con su albúm debut llamado Aquí, del cual solo tuvo dos sencillos: De mis pasos y Como sé. Aunque en un principio el disco no fue bien recibido, la crítica musical mexicana lo alabó y fue así como Julieta se posicionó como parte del rock mexicano.

En este disco la mayoría de canciones son autoría de Julieta Venegas, excepto dos, cuyas letras son de los músicos Jesús González y Gustavo Herrera.

De este disco sobre salen canciones como Quitar a otras, Recuerdo perdido, Oportunidad, donde la base del acordeón y del piano, le dieron a Julieta un sonido muy particular Tres años después, Julieta Venegas lanzó su segundo disco llamado Buen invento, donde el acordeón ya no sonaba tanto para darle cabida a ritmos como el rock, música alternativa y el trip hop.

De este disco los sencillo Sería feliz y Hoy no quiero fueron aceptados entre el público y el disco fue dominado a los Premio Grammy Latinos como “Mejor albúm rock vocal”. La página web, Club Fonoframa, lo nombró el cuarto mejor albúm de la década del 2000 y en la Revista Rolling Stone el disco quedó en la lista de los 10 álbumes de rock latino más importantes de todos los tiempos” De este disco co-producido por Emmanuel del Real y Quique Rangel (integrantes de Café Tacvba), se destacan los temas Buen invento, Sueño de sombras y Fe, donde los ritmos son variados y se acompañaron por la potente voz de Julieta que hace énfasis en su postura como mujer ante el amor, la vida y la misma música. Las letras con una fuerte carga existencial y emocional convirtieron a Julieta en una heroína del rock mexicano pero en el 2003 Julieta lanzó el disco Sí donde dejó a un lado el deseo de la experimentación y lo alternativo y se inclinó por el pop.

Con este disco y con los que le siguieron (Limón y sal, Realmente lo mejor, Nuevo y raro, Otra cosa) Julieta dejó atrás su aporte al rock mexicano y se convirtió en una famosa cantante pop con letras banales y bailables. En lo personal, extraño a la Julieta que hacía canciones para pensar y conocer ritmos melancólicos.

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BIGGER, LONGER AND INCUT: SOUTH PARK THE MOVIE

CASI FAMOSOS

Por Stanley Herrarte Es el año 2035. Décadas después de que el Ejército de los Doce

stanleyherrartepix@gmail.com

Monos liberó un virus que aniquiló a cinco mil millones de personas, lo poco que queda de la humanidad sobrevive bajo las

La crítica social nunca fue tan divertida.

calles de la ciudad de Philadelphia. Los líderes resuelven enviar

Mi primera impresión con South Park fue terrible. La animación

al convicto James Cole (Bruce Willis) al pasado para obtener

es mala y las voces peor aún. Pero tengo que admitir que el

una muestra viable del virus y poder así desarrollar una cura.

lenguaje soez me enganchó.

Pero viajar en el tiempo es un proceso sumamente impreciso y

Después de unos quince minutos ya le había encontrado la

traumático, así que James arriba seis años antes de lo previsto,

genialidad a esta serie animada creada por Trey Parker y Matt

sangrante y balbuceando incoherencias. Al verlo en ese estado,

Stone.

comprensiblemente la policía decide meterlo a la cárcel y le

Pero tengo que aclarar que no fue solamente el lenguaje soez…

asignan a una psiquiatra (Madeline Stowe) que empieza a

no señor, South Park es una crítica social que muestra con humor

cuestionar su insual historia. ¿Es Cole un viajero del futuro que

sucio, los problemas de intolerancia, vicios y abusos de los

salvará a la humanidad, o es un simplemente esquizofrénico con

estadounidenses.

una fértil imaginación? ¿Cuál es la verdad? ¿Podrán descubrirlo a tiempo?

Así llega la película Bigger, longer and Incut la cual muestra, en casi dos horas, la reacción de la sociedad gringa tras la muerte de un niño, culpando y haciendo la guerra a otro país, mientras su

En manos del sagaz director Terry Gilliam, esta película es

ejército hace gala de racismo e ignorancia.

cualquier cosa, menos una cinta de acción tradicional. Es

Toda esta historia es acompañada de muchas canciones (como

una celebración de la locura y de la perdición, donde todo

una burla a Disney) llenas de groserías y humor negro. A pesar

componente de cada escena, desde el decorado estrafalario

de lo inusual de estas líricas, la música de esta película recibió un

hasta el ángulo inusual de las tomas, contribuye a presentarnos

premio MTV Movie Award así como una nominación al Oscar.

un complicado mundo de extremos donde nada es lo que parece.

Destacan especialmente los personajes secundarios, que con sus

Al final de esta cinta, y a manera de reflexión, la genialidad radica

actuaciones exageradas acrecientan la extravagante irrealidad

en el mensaje contundente que los creadores transmiten a su

del mundo del protagonista. Pero el núcleo del filme proviene del

público. Sin sofisticados métodos de animación, sin voces de

conflicto del personaje de Cole: un hombre sencillo que trata de

actores o actrices famosas y sin seguir los patrones políticamente

prevalecer contra el caos en el que está sumergido, a pesar de

correctos, Bigger, longer and incut es una divertida invitación a

estar perpetuamente mal informado, confundido, malherido y

la reflexión y al autoanálisis… Al cuestionamiento sobre nuestro

exhausto. Como público, es fácil identificarnos con James, pues al

actos como persona y como sociedad.

igual que él, somos lanzados violentamente hacia adelante y atrás en el tiempo, antes de ser arrojados sin miramientos sobre el piso de concreto de la realidad.

12 Monkeys (1996) Protagonizada por Bruce Willis, Madeline Stowe, Brad Pitt y Christopher Plummer Dirigida por Terry Gilliam 129 minutos Clasificación: Para mayores de 15 años.

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Esta película escrita y dirigida por Cameron Crowe, relata parte de su vida como reportero de rock adolescente en los años 70. El persona principal, William (Patrick Fugit), decide convertirse en un periodista para la revista Rolling Stone y para ello, en su primera asignación debe acompañar a la banda Stillwater en una gira por Estados Unidos.

En el recorrido, William conoce el otro lado de la música donde los ideales que él creyó se desvanecen a medida que el viaje transcurre y se vuelve testigo de las rivalidades entre los músicos, el exceso de drogas, alcohol y las frivolidades del medio.

PARA VER

En este viaje William se enamora de la groupie de la banda, llamada Penny Lane (Kate Hudson), ambos personajes entablan interesantes diálogos sobre la música, los ideales de la época y sobre el amor.

Pero quien tiene los mejores argumentos es el personaje del legendario crítico musical Lester Bangs, (interpretado por el siempre genial Philip Seymour Hoffman), quien con ácida sabiduría aconseja al inexperto Willian y desea hacerlo ver que el rock murió desde hace tiempo puesto que las grandes industrias se han dedicado a comercial con él.

Como esta película está basada en las memorias del director, hay muchas referencias a Led Zepplin, ( Crowe viajó con ellos en diferentes giras) y una de las referencias más famosas es cuando el protagonista se tira del techo de la casa a la piscina que se le atribuye a Robert Plant.

Un dato curioso de esta película es un pequeño papel del comediante Jimmy Fallon en una caracterización casi imposible de reconocer, como un ambicioso promotor musical.

Esta película es un viaje maravilloso de buena música, egos, ironías de la vida y sobre todo, es un recorrido a una época casi idílica para todos los que disfrutan de la buena música de los años setenta donde reinaban en la radio David Bowie, Led Zeppelin y Black Sabbath.

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