ANTONIO ASÍS
Antonio Asís (1932 – 2019) fue una figura clave del arte óptico y cinético internacional. Nació en Buenos Aires y se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón entre 1946 y 1950, donde desarrolló una sólida base en abstracción geométrica y en teorías de la percepción visual.
En 1956 se trasladó a París, ciudad en la que residió y trabajó durante el resto de su vida. Allí se integró al círculo de la Galerie Denise René y estableció vínculos con artistas fundamentales del arte cinético y óptico como Jesús Rafael Soto, Victor Vasarely, Pol Bury, Jean Tinguely y Yaacov Agam.
Su obra se caracteriza por una investigación sistemática de la luz, el color y el movimiento perceptivo. A través de pinturas, relieves y esculturas, desarrolló series de interferencias visuales en las que combina estructuras geométricas con elementos tridimensionales, generando efectos vibratorios que activan la percepción del espectador y lo convierten en parte de la experiencia visual.
En 1971 fue cofundador del grupo Position, integrado por artistas argentinos radicados en París y orientado a la investigación del arte cinético. A lo largo de su carrera participó en numerosas exposiciones internacionales y bienales en Europa y América. Su obra ocupa un lugar central dentro de las exploraciones perceptivas del arte geométrico de la segunda mitad del siglo XX.
Antonio Asis
Touches Colorées, 1965
Acrílico sobre cartón
27 x 53 cm
PABLO ATCHUGARRY
Pablo Atchugarry (1954 - ), nacido en Montevideo, Uruguay, en 1954, creció en un entorno estrechamente vinculado al arte gracias a sus padres, María Cristina Bonomi y Pedro Atchugarry, quienes estimularon desde temprano su interés por el dibujo y la pintura. A los once años participó en su primera exposición colectiva en Montevideo.
Durante su formación exploró distintos materiales como arcilla, cemento, hierro y madera. En 1971 realizó su primera escultura en hormigón, Caballo. Posteriormente profundizó en las posibilidades expresivas de la arena y el cemento, incorporando hierro y plomo. En 1974 produjo obras como Escritura Simbólica, Estructura Cósmica, Metamorfosis Prehistórica, Maternidad y Metamorfosis Femenina, en las que ya se definía un lenguaje personal.
En 1972 presentó su primera muestra individual en el Centro de Exposiciones SUBTE de Montevideo. Entre 1974 y 1976 expuso en Buenos Aires, París, Porto Alegre, São Paulo, Brasilia y Río de Janeiro, donde conoció al artista Iberê Camargo. Desde 1977 recorrió Europa, visitando Bélgica, Dinamarca, Francia, Alemania, los Países Bajos, España, Suiza e Italia. En París realizó el dibujo preparatorio de La Lumière, su primera escultura en mármol, experiencia que lo condujo a Carrara y marcó de manera decisiva su trayectoria.
La verticalidad de sus esculturas establece un vínculo entre tierra y cielo. En su mayoría sin título, proponen una lectura abierta y se inscriben en una tradición que dialoga con el helenismo, Miguel Ángel, Giacometti y Brancusi.
Pablo Atchugarry
Sin título, 2025
Escultura en mármol de Carrara
87 5 x 31 x 23 cm
Detalle.
CARMELO ARDEN QUIN
Carmelo Arden Quin (1913 – 2010) fue un destacado artista plástico uruguayo y figura clave en el arte constructivo. En 1935, asistió a una conferencia de Joaquín Torres García en Montevideo, lo que influyó decisivamente en su inclinación hacia la abstracción geométrica.
En 1938, se trasladó a Buenos Aires, donde estudió Filosofía y Letras y se integró en círculos de vanguardia. En 1944, cofundó la revista "Arturo", una publicación pionera en arte abstracto en América Latina, junto a artistas como Gyula Kosice y Rhod Rothfuss. Esta iniciativa sentó las bases para la creación, en 1946, del Grupo Madí, movimiento que promovía la innovación en formas y materiales, desafiando las convenciones artísticas tradicionales.
En 1948, Arden Quin se estableció en París, donde continuó su labor artística y participó en el "Salon des Réalités Nouvelles". Durante las décadas siguientes, exploró técnicas diversas, enriqueciendo su lenguaje visual. Su obra se caracteriza por la creación de formas no ortogonales y marcos irregulares, buscando siempre una interacción dinámica con el espectador. Participó en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Europa y América Latina. En 2022, el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires le dedicó la exposición "Carmelo Arden Quin, en la trama del arte constructivo", que reunió más de 160 obras, destacando su legado en el arte constructivo y su influencia en generaciones posteriores de artistas.
Arden Quin
Diagonales, 1945
Óleo sobre cartón
29 7 x 26 cm
Carmelo
Forme Galbée, 1971 Técnica mixta sobre cartón
61 x 48 5 cm
Detalle.
Carmelo Arden Quin
Carmelo Arden Quin
Creanon III, Série Hal, 1972
Óleo sobre tela
73 x 60 cm
RAFAEL BARRADAS
Rafael Barradas (1890 – 1929) fue una figura fundamental de la modernidad artística rioplatense y uno de los introductores de las vanguardias europeas en América Latina. Se formó de manera autodidacta y comenzó su actividad artística en Montevideo, donde tempranamente mostró interés por la experimentación formal.
En 1913 se trasladó a Europa y se estableció principalmente en Barcelona y Madrid. Allí entró en contacto con los movimientos de vanguardia y desarrolló el vibracionismo, una propuesta estética propia que combinaba elementos del futurismo y el cubismo con una atención particular al ritmo, el movimiento y la vida urbana. Su obra de este período se caracteriza por escenas de teatro, circo, cafés y personajes populares, tratadas con líneas dinámicas y coloraciones intensas.
Durante su estancia en España se vinculó con escritores y artistas como Federico García Lorca, Ramón Gómez de la Serna y Salvador Dalí, integrándose activamente en los círculos culturales de la época. Además de su producción pictórica, realizó ilustraciones, escenografías y diseños gráficos.
En 1928 regresó a Montevideo por motivos de salud. Falleció al año siguiente, a los 39 años. A pesar de su corta vida, su obra tuvo una influencia decisiva en el desarrollo del arte moderno en el Río de la Plata. Hoy es reconocido como un precursor clave de las vanguardias latinoamericanas del siglo XX.
Rafael Barradas
Composición Vibracionista, s/f
Lápiz graso y tinta sobre papel
30 x 23 cm
Rafael Barradas
Campesino, s/f
Lápiz graso a color sobre papel
21 x 14 cm
Rafael Barradas
Catalina Bárcena entrando a escena, s/f
Acuarela y lápiz sobre papel
26 x 18 cm
Rafael Barradas
Escena de teatro, s/f
Lápiz graso sobre papel
21 x 25 cm
30 x 23 cm
Rafael Barradas
Pilar, s/f
Tinta sobre papel
Rafael
Barradas
Teatro, s/f
Lápiz graso sobre papel
22 x 27 cm
ALBERTO BIASI
Alberto Biasi (1937 - ) nació en Padua, Italia, el 2 de junio de 1937. Durante su infancia, vivió brevemente en Carrara San Giorgio debido a la Segunda Guerra Mundial y, tras la muerte de su madre, regresó a Padua. Estudió arte y diseño industrial en Venecia. En la década de 1950, Biasi se dedicó a la enseñanza de dibujo e historia del arte, y más tarde fue profesor de gráficos publicitarios en Padua.
Su carrera artística despegó con la formación del Gruppo N, un colectivo de estudiantes de arquitectura que promovía el arte cinético. El grupo ganó notoriedad internacional, participando en exposiciones clave como “Arte Programmata” en 1962, la XXXII Bienal de Venecia en 1964 y la exposición "The Responsive Eye" en el MoMA de Nueva York en 1965. A pesar de la disolución del Gruppo N en 1964, Biasi continuó su carrera en solitario, avanzando en la exploración de la percepción visual. Entre sus obras destacadas se encuentran las "Trame", formadas por capas de materiales como papeles perforados y mallas metálicas que crean efectos óptico-cinéticos. También desarrolló los "Rilievi", estructuras dinámicas que interactúan con la luz y el espectador, y las "Torsioni", que juegan con el punto de vista del espectador para generar un dinamismo visual. A principios de la década de 1960, Biasi introdujo los "Ambienti", obras que invitan a una experiencia activa e inmersiva del espectador.
Alberto Biasi
Come palliole farfalle, 1986
Relieve de PVC sobre tabla, en marco de artista
102.5 x 102 cm.
Alberto Biasi
Come palliole farfalle, 1986
Relieve de PVC sobre tabla, en marco de artista
102.5 x 102 cm.
Detalle.
JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO
José Pedro Costigliolo (1902 – 1985) fue un artista uruguayo y una figura clave en el desarrollo del arte abstracto en América Latina. Nacido en Montevideo, comenzó su formación en la Escuela Nacional de Bellas Artes, complementándola más adelante con estudios en Italia y Francia, donde entró en contacto con las vanguardias europeas que influirían profundamente en su lenguaje plástico.
Durante las décadas de 1930 y 1940, exploró un camino entre el postimpresionismo y el cubismo, hasta volcarse decididamente hacia la abstracción geométrica. Junto a su compañera, la artista María Freire, fue uno de los impulsores del arte no figurativo en el Río de la Plata. En 1952 cofundó el Grupo de Arte No Figurativo en Montevideo, un hito fundamental para la consolidación de la abstracción en Uruguay.
Su obra se caracteriza por el uso de formas geométricas puras, líneas precisas y una paleta cromática sobria pero rigurosamente estructurada. Costigliolo concebía la pintura como un sistema autónomo de relaciones visuales, donde predominaban el equilibrio, la proporción y la claridad formal.
Participó en bienales internacionales como la de São Paulo y Venecia, y su obra fue exhibida en importantes museos de América y Europa. Además de su labor artística, tuvo una fuerte vocación pedagógica, enseñando y difundiendo los principios del arte moderno. Su legado permanece como una referencia ineludible en la historia del arte abstracto latinoamericano.
José Pedro Costigliolo
Línea roja, c 1955
Témpera sobre cartulina
17 cm
MARÍA FREIRE
María Freire (1917 – 2015) fue una de las artistas más productivas y comprometidas del Cono Sur dentro de la tradición constructivista, aunque durante gran parte de su vida permaneció poco reconocida a nivel internacional. Se formó entre 1938 y 1943 en el Círculo de Bellas Artes de Montevideo, con José Cuneo y Severino Pose, y en la Universidad del Trabajo bajo la guía de Antonio Pose. Sus primeras esculturas muestran una influencia notable del arte africano, algo inusual para una artista sudamericana de la época.
A comienzos de los años 50, tras conocer al artista José Pedro Costigliolo —con quien más tarde se casaría—, su obra comenzó a inclinarse hacia el arte no figurativo europeo, influenciada por el Grupo Arte Concreto, Georges Vantongerloo y Max Bill. En 1952 cofundó junto a Costigliolo el Grupo de Arte No Figurativo en Montevideo, con el que expuso en 1952 y 1953.
Participó regularmente en los Salones Nacionales entre 1953 y 1972 y fue invitada a la II Bienal de São Paulo en 1953, repitiendo en 1957, y a la Bienal de Venecia en 1966. Entre 1957 y 1960 residió en París y Ámsterdam gracias a una beca, y viajó por Europa donde conoció a figuras clave del arte abstracto.
A lo largo de su carrera desarrolló series como Sudamérica, Capricornio, Córdoba, Variantes y Vibrantes, que reflejan una búsqueda constante entre la abstracción geométrica y el lirismo cromático. Desde el año 2000, también creó esculturas públicas a gran escala en Uruguay.
María Freire
Formas, 1956
24 x 17 cm
Técnica mixta sobre cartulina
IGNACIO ITURRIA
Ignacio Iturria (Montevideo, 14 de abril de 1949) es uno de los pintores uruguayos contemporáneos de mayor proyección internacional. Vinculado a la pintura desde la infancia, en 1977 se instala en Cadaqués, España, donde trabaja junto al maestro catalán Ramón Aguilar Moré. Alterna desde entonces períodos entre Europa y Uruguay, estableciendo vínculos con artistas como Tharrats, Cuixart y Pitxot, y consolidando un lenguaje pictórico propio.
Su obra, atravesada por el juego, la memoria y la teatralidad, construye escenas donde objetos, juguetes y figuras humanas se articulan en espacios ambiguos, suspendidos entre lo onírico y lo cotidiano. A través de una pintura de fuerte impronta narrativa y poética, Iturria explora la fragilidad, el humor y la condición humana.
En 1994 obtiene el Gran Premio de la Bienal de Cuenca y en 1995 representa a Uruguay en la 46ª Bienal de Venecia, donde recibe el Premio Casa di Risparmio. Ha realizado exposiciones individuales en instituciones como el Museo Rufino Tamayo (México), el Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), The Power Plant (Toronto) y el MNAV (Montevideo).
Fundador de la Escuela de Arte Casablanca y de la Fundación Iturria, ha desarrollado además una intensa labor pedagógica. Sus obras integran importantes colecciones públicas y privadas en América, Europa y Asia.
Ignacio Iturria
Sin título, 2020 Óleo y técnica mixta sobre tela 120 x 160 cm
Ignacio Iturria
Sin título, 2021
Acrílico sobre tela
80 x 100 cm
JULIO LE PARC
Julio Le Parc (1928 - ) es un artista argentino reconocido por su contribución al arte geométrico, óptico y cinético. A los trece años, se trasladó con su familia a Buenos Aires, donde ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en 1943. Aunque inicialmente abandonó sus estudios, los retomó en 1955, participando activamente en movimientos estudiantiles y graduándose junto a artistas como Luis Wells y Rogelio Polesello.
En 1958, gracias a una beca del Servicio Cultural Francés, se estableció en París, donde cofundó en 1960 el Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV), un colectivo dedicado a explorar nuevas formas de arte visual.
Su obra se caracteriza por el uso de iluminaciones artificiales, efectos especulares, reflejos y movimientos mecánicos ocultos, buscando siempre involucrar activamente al espectador y transformar su percepción del espacio. En 1966, su trayectoria fue reconocida internacionalmente al obtener el Gran Premio Internacional de Pintura en la 33ª Bienal de Venecia.
A lo largo de su carrera, Le Parc ha mantenido un compromiso social y políticos. En 1972, se negó a celebrar una exposición retrospectiva en el Musée d'Art Moderne de la Ville de París, después de lanzar una moneda para tomar la decisión.
Actualmente, continúa residiendo y trabajando en, Francia, siendo considerado una figura clave en la historia del arte contemporáneo.
Julio Le Parc
Continuel lumière mobile, 1968
Hilos de nailon, aluminio, madera y metal pintados, bombillas
125.5 x 141 x 21.5 cm.
Detalle.
Julio Le Parc
Continuel lumière mobile, 1968 Hilos de nailon, aluminio, madera y metal pintados, bombillas
125.5 x 141 x 21.5 cm. Detalle.
TOMÁS MALDONADO
Tomás Maldonado (1922 - 2018) nació en Buenos Aires y estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Entre 1943 y 1954 fue una figura central del movimiento de Arte Concreto en Argentina, y su obra se expuso en ciudades como Buenos Aires, Ámsterdam, Nueva York y Milán, integrando importantes colecciones públicas y privadas.
En 1954 se trasladó a Alemania, donde fue profesor y rector (1964-1966) de la Hochschule für Gestaltung de Ulm. Durante este periodo, desarrolló una intensa labor teórica y pedagógica en diseño industrial, comunicación, semiótica y filosofía de la técnica.
Entre 1966 y 1970 fue profesor invitado en la Universidad de Princeton (EE.UU.) y en 1989 dictó clases en Columbia University, la Universidad de Buffalo y la Universidad de Cincinnati. En 1967 se instaló en Italia, donde fue catedrático de planificación ambiental en la Universidad de Bolonia (19761984) y luego profesor en el Politécnico de Milán hasta 1997. Desde 1998 fue profesor emérito.
Fue reconocido con numerosos premios, entre ellos: la Medalla del Diseño del SIAD en Londres (1968), el Compasso d’Oro a la trayectoria en Italia (1998) y la más alta distinción de la República Italiana (2012). Entre sus obras destacan La speranza progettuale (1970), Reale e virtuale (1992 y 2007), Critica della ragione informatica (1997) y Memoria e conoscenza (2005). Maldonado fue una figura clave en la teoría del diseño moderno y en el diálogo entre arte, tecnología y cultura.
Scorrimenti e Capovolgimenti, 2009
Acrílico sobre tela
80 x 80 cm
Tomás Maldonado
Asse Reale, 2008
Acrílico sobre tela
80 x 80 cm
Tomás Maldonado
Inoznam 14, 2014
Acrílico sobre tela
80 x 80 cm
Tomás Maldonado
More on Geometrical Objects, 2001 Acrílico sobre tela
80 x 80 cm
Tomás Maldonado
RAFAEL MARTÍNEZ
Rafael Martínez (1940 – 2021) fue un pintor y escultor venezolano, reconocido por su aporte al arte geométrico, cinético y constructivo. Desde muy joven manifestó interés por el dibujo y, tras abandonar la carrera militar, inició su formación artística en 1958 en la Escuela de Artes Plásticas Rafael Monasterios de Maracay. Posteriormente continuó sus estudios en la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena de Valencia, donde se graduó en 1963.
En 1965 obtuvo una beca para estudiar en Europa y se estableció en París hasta 1972. Durante este período definió su vocación por el cinetismo y el constructivismo, explorando el uso de acrílico, madera, varillas de acero, aluminio y plexiglás. Estudió en la Universidad Experimental de Vincennes con Frank Popper y en la Escuela Práctica de Altos Estudios de París. En esos años entró en contacto con figuras centrales del arte cinético como Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez y Julio Le Parc. Su obra se caracteriza por el desarrollo de relieves cinéticos, volúmenes virtuales y esculturas que investigan la relación entre forma, espacio, ritmo y equilibrio. A lo largo de su trayectoria realizó numerosas exposiciones individuales y colectivas en Europa y América, y ejecutó más de cuarenta obras emplazadas en espacios públicos. En 1971 recibió el Premio Arturo Michelena. Su producción ocupa un lugar destacado dentro de la historia del arte cinético venezolano.
Rafael Martínez
Volumes dans l'espace, 1968
Acrílico y resortes sobre madera
50 x 50 cm
Detalle.
CÉSAR PATERNOSTO
César Paternosto (1931 - ) es un destacado artista plástico, teórico y escritor argentino, reconocido por su contribución a la abstracción geométrica. Su obra se caracteriza por la exploración del espacio pictórico y la relación entre superficie, estructura y color. A partir de la década de 1960, Paternosto desarrolló un enfoque innovador al descentrar la pintura: comenzó a intervenir los bordes de los lienzos, desplazando el foco visual hacia los laterales, lo que cuestionaba la frontalidad tradicional de la pintura y ampliaba la noción del objeto pictórico.
Su interés por las culturas precolombinas influyó significativamente en su producción teórica y estética, explorando las conexiones entre la abstracción moderna y los patrones geométricos ancestrales. Además de su práctica artística, Paternosto ha sido un importante teórico del arte, con publicaciones que reflexionan sobre el legado de las culturas originarias en el arte contemporáneo latinoamericano.
Ha vivido y trabajado en Nueva York y España, consolidando una carrera internacional con exposiciones en museos y galerías de renombre. Su obra ha sido fundamental para repensar las relaciones entre arte moderno, tradición indígena y abstracción, convirtiéndose en una figura central en el debate sobre la identidad cultural en el arte latinoamericano.
César Paternosto
Composición, 2006
Técnica mixta sobre cartulina
24 x 24 x 1 cm
ANTONIO SEGUÍ
Antonio Seguí (1934 – 2022) fue un pintor, escultor, grabador e ilustrador argentino de amplia proyección internacional. Nació en Córdoba y desde joven se interesó por el arte, realizando viajes de formación por Europa y América Latina. Estudió pintura y grabado en distintos contextos académicos y talleres, experiencia que marcó tempranamente su lenguaje visual.
En 1963 se instaló definitivamente en París, ciudad en la que desarrolló gran parte de su carrera artística sin perder el vínculo con Argentina. Desde allí consolidó una obra reconocible por su fuerte impronta figurativa, caracterizada por escenas urbanas pobladas de personajes anónimos, generalmente hombres con sombrero, que se desplazan por espacios saturados y laberínticos.
Su trabajo combina humor, ironía y crítica social, abordando temas como la alienación, el poder, la rutina y la vida contemporánea. A través de una paleta vibrante y una composición dinámica, Seguí construyó un universo visual propio en el que la repetición y el movimiento refuerzan la sensación de caos urbano.
A lo largo de su trayectoria realizó exposiciones individuales y colectivas en museos y galerías de Europa, América y Asia. También desarrolló obra escultórica y gráfica, incluyendo intervenciones en el espacio público. Su producción ocupa un lugar central dentro del arte argentino, destacándose por su capacidad para conjugar figuración, narrativa y reflexión crítica desde una mirada singular y persistente.
Antonio Seguí
Mascotas de mal carácter, 2021
Acrílico sobre tela
120 x 120 cm
TURI SIMETI
Turi Simeti (1929–2021) fue un artista italiano asociado a la renovación de la pintura monocroma en la posguerra. Nació en Alcamo, Sicilia, y a comienzos de los años sesenta se trasladó a Milán, donde entró en contacto con el ambiente experimental vinculado a las investigaciones espaciales y analíticas que transformaban el arte europeo. En ese contexto desarrolló el lenguaje que lo haría reconocible: superficies monocromas tensadas sobre estructuras ovales en relieve que emergen desde el reverso del lienzo.
A partir de 1961 comenzó a producir sus célebres “ovales”, formas repetidas que alteran sutilmente la superficie pictórica y generan variaciones de luz y sombra. Más que añadir volumen, Simeti buscaba activar el espacio real de la obra, haciendo que el color —frecuentemente blanco, aunque también rojo, azul o negro— dialogara con la arquitectura y la percepción del espectador.
Su trabajo se vinculó con artistas cercanos a las investigaciones de Lucio Fontana y al entorno del grupo Azimut/h, aunque mantuvo siempre una búsqueda rigurosamente personal. Expuso en importantes instituciones y galerías internacionales y participó en varias ediciones de la Venice Biennale.
A lo largo de más de cinco décadas, Simeti profundizó una práctica coherente y radical, donde repetición, ritmo y monocromía se convirtieron en herramientas para explorar la percepción, el silencio y la dimensión física de la pintura.
Un Ovale Bianco, 1983 Acrílico sobre tela
69 x 99 5 cm
Detalle.
Turi Simeti
FRANCISCO SOBRINO
Francisco Sobrino (1932 – 2014) fue un escultor y artista cinético español asociado a las investigaciones ópticas y geométricas desarrolladas en Europa durante la segunda mitad del siglo XX. Nació en España y se trasladó a Argentina en su juventud, donde inició su formación artística. A comienzos de la década de 1950 se instaló en París, ciudad en la que desarrolló la mayor parte de su carrera.
En el contexto parisino se vinculó con los principales representantes del arte óptico y cinético y fue miembro fundador del Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV) en 1960, colectivo clave en la redefinición de la relación entre obra, espacio y espectador. Desde esta plataforma impulsó una práctica artística basada en la participación activa del público y en la desmaterialización de la obra como objeto estático.
Su producción se caracteriza por el uso de formas geométricas rigurosas y materiales industriales como plexiglás, acero inoxidable y superficies reflectantes. A través de estructuras modulares, transparencias y juegos de luz, Sobrino investigó fenómenos de percepción, inestabilidad visual y movimiento real y virtual.
A lo largo de su trayectoria expuso en importantes instituciones y participó en exposiciones colectivas dedicadas al arte cinético y óptico en Europa y América. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas internacionales y ocupa un lugar central dentro de la historia del arte cinético, destacándose por su precisión formal y su compromiso con una concepción experimental y colectiva del arte.
Francisco Sobrino
Transformation instable A Z 3, 1964-71
Plexiglás tintado
140 x 120 x 52 cm
Edición 9/9.
Detalle.
Francisco Sobrino
Transformation instable A Z 3, 1964-71
Plexiglás tintado
140 x 120 x 52 cm
Edición 9/9.
Detalle.
JESÚS RAFAEL SOTO
Jesús Rafael Soto (1923 - 2005) fue un destacado artista venezolano, reconocido como uno de los máximos exponentes del arte cinético. En 1942, obtuvo una beca para estudiar en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas, donde profundizó en técnicas de pintura y escultura. En 1950, se trasladó a París, donde se unió al movimiento de arte cinético, influenciado por artistas como Alexander Calder, Marcel Duchamp y Victor Vasarely. Junto a estos artistas, presentó en 1955 la exhibición "Le Mouvement" en la galería Denise René, marcando un hito en la historia del arte cinético.
A lo largo de su carrera, Soto desarrolló obras que desafiaban la percepción estática del arte, creando experiencias interactivas para el espectador. Sus "Penetrables" son instalaciones que invitan al público a ingresar y explorar, fusionando el arte con el espacio físico.
Su obra ha sido exhibida en prestigiosas instituciones como el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) y el Museo de Arte Moderno de París. Además, en 1973, junto al arquitecto Carlos Raúl Villanueva, fundó el Museo de Arte Moderno Jesús Soto en su ciudad natal, al que donó 700 de sus obras y las de 130 artistas internacionales.
A lo largo de su carrera, Soto recibió numerosos premios y distinciones, consolidándose como una figura clave en el arte contemporáneo. Falleció en París en 2005, dejando un legado perdurable en el mundo del arte.
Jesús Rafael Soto
Tes - todo negro, 1976
Acrílico sobre panel y varillas metálicas lacadas
60 x 60 x 12 cm.
Jesús Rafael Soto
Tes - todo negro, 1976
Acrílico sobre panel y varillas metálicas lacadas
60 x 60 x 12 cm.
Detalle.
AUGUSTO TORRES
Augusto Torres (1913 – 1992) fue un pintor, escultor y diseñador uruguayo, figura central del constructivismo en América Latina. Hijo de Joaquín Torres García, se formó desde temprana edad en el entorno del Taller Torres García, participando activamente en la difusión del Universalismo Constructivo.
Colaboró estrechamente con su padre en proyectos artísticos, editoriales y pedagógicos, y fue uno de los principales continuadores de sus principios estéticos. Su obra se caracteriza por el uso de estructuras geométricas rigurosas, signos simbólicos y una organización racional del espacio, donde conviven referencias arcaicas, arquitectónicas y modernas.
Además de su producción pictórica y escultórica, desempeñó un rol fundamental como docente y difusor del pensamiento constructivo. Fue miembro fundador del Taller Torres García en Montevideo y participó en exposiciones colectivas e individuales en Uruguay, Argentina, Europa y Estados Unidos, desarrollando una trayectoria propia dentro del movimiento. En la década de 1970 se estableció en Barcelona, donde continuó su labor artística y teórica. Su trabajo mantiene un equilibrio entre rigor formal y carga simbólica, explorando la relación entre orden, medida y espiritualidad. La obra de Augusto Torres ocupa un lugar destacado dentro del arte moderno latinoamericano, tanto por su valor artístico como por su dimensión pedagógica y conceptual.
Augusto Torres
Bodegón constructivo, 1965
Óleo sobre cartón
52 5 x 61 cm
JOAQUÍN TORRES GARCÍA
Joaquín Torres García (1874 – 1949) fue uno de los artistas e intelectuales más influyentes de América Latina en el siglo XX. Pintor, teórico y pedagogo, su obra y pensamiento dejaron una huella indeleble en el desarrollo del arte moderno, tanto en Europa como en América del Sur.
A temprana edad se trasladó con su familia a Barcelona, donde desarrolló parte de su formación artística. Participó activamente en los círculos modernistas catalanes y colaboró con Antoni Gaudí. A lo largo de su vida residió en ciudades como Nueva York, París y Madrid, entrando en contacto con las principales corrientes de vanguardia, como el cubismo y el neoplasticismo. Fue cercano a artistas como Piet Mondrian y Theo van Doesburg. En 1934 regresó a Montevideo y fundó la Escuela del Sur, desde donde impulsó un arte con identidad latinoamericana, integrando la abstracción geométrica con símbolos precolombinos y universales. Su propuesta estética y filosófica, conocida como Universalismo Constructivo, promovía la unidad entre arte y vida, y buscaba una síntesis entre lo local y lo universal.
Torres García fue también un prolífico escritor y teórico. Publicó textos fundamentales, como La ciudad sin nombre y Universalismo constructivo, donde expone sus ideas sobre la educación artística y la función cultural del arte. Su legado continúa vigente a través de la Fundación Torres García y su influencia se extiende sobre generaciones de artistas latinoamericanos que encontraron en su pensamiento una vía original de modernidad y autonomía estética.
Joaquín Torres García
Camión, c 1917
Madera
7 5 x 16 x 6 5 cm
CONSTRUCTIF / STRUCTURE, 1927
Tinta y grafito sobre papel
8 3 x 10 5 cm
Detalle.
Joaquín Torres García
Torres García
Constructivo, c 1935
Tinta, gouache y lápiz sobre papel sobre tela 16 3 x 12 7 cm
Joaquín
Dama del 1900, 1900 Óleo sobre tela
35 5 x 27 cm
Joaquín Torres García
Formas, 1928
Óleo sobre cartón
50 x 37 cm
Joaquín Torres García
Tinta sobre papel
28 x 20 cm
Joaquín Torres García
Viñetas de Nueva York, c 1921
BRUNO WIDMANN
Bruno Widmann (1930 – 2017) fue un artista uruguayo cuya obra ocupa un lugar relevante dentro del panorama del arte contemporáneo nacional y latinoamericano. Inició su actividad artística a comienzos de la década de 1960, desarrollando una producción marcada por la abstracción, la fuerza del color y la experimentación constante con los lenguajes pictóricos.
En 1973 fue invitado por el Gobierno de Francia, experiencia que le permitió vincularse con el medio artístico parisino y ampliar el alcance de su investigación visual. Su pintura, de carácter atemporal, se concibe como un arte del espacio, resultado de una búsqueda sostenida y exploratoria. Widmann se distinguió por una técnica precisa puesta al servicio de un humor sutil y una actitud lúdica, construyendo composiciones donde la ambientación y la organización del plano adquieren un rol central en la experiencia visual.
Considerado uno de los maestros de la pintura contemporánea de América Latina, su obra alcanzó proyección internacional hace más de tres décadas, cuando una de sus piezas fue subastada en Christie’s. A lo largo de su trayectoria realizó exposiciones individuales y colectivas en Uruguay y en el exterior, recibiendo el reconocimiento de la crítica especializada. Su obra integra importantes colecciones públicas y privadas, entre ellas el MOLAA de Long Beach, el Museo Reina Sofía de Madrid, el Centro Pompidou de París, el Museo de Arte Moderno de Haifa y el Museo de Artes Visuales de Montevideo. Su legado continúa inspirando a nuevas generaciones de artistas.
Bruno Widmann
Variaciones, s/f
Acrílico y collage sobre tela
100 x 200 cm
YVARAL
Yvaral (1934 – 2002), seudónimo de Jean-Pierre Vasarely, fue un artista plástico francés vinculado al arte óptico, cinético y a las investigaciones visuales basadas en la geometría y la percepción. Hijo de Victor Vasarely, desarrolló una trayectoria propia marcada por el cruce entre arte, ciencia y tecnología.
Desde comienzos de la década de 1960 orientó su trabajo hacia la abstracción geométrica y los efectos ópticos, explorando la repetición modular, la serialidad y las transformaciones visuales. En 1965 fue uno de los fundadores del Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV), colectivo que promovió una relación activa entre obra y espectador, cuestionando la noción tradicional de arte como objeto estático.
A partir de los años setenta incorporó herramientas informáticas a su práctica artística, convirtiéndose en uno de los pioneros del arte generado por computadora. Utilizó algoritmos y programas matemáticos para crear composiciones basadas en variaciones sistemáticas de formas, colores y estructuras, trasladando luego esos diseños al soporte pictórico.
A lo largo de su carrera expuso en importantes museos y centros de arte de Europa y América, y participó en exposiciones dedicadas al arte óptico y cinético.
La producción de Yvaral ocupa un lugar central dentro de la historia del arte contemporáneo, destacándose por su aporte a la integración entre procesos tecnológicos y lenguajes visuales, y por su influencia en el desarrollo del arte digital y generativo.
Variation sur le carré, 1960 - 1969 Óleo sobre tela
160 x 160 cm
Yvaral
MONTEVIDEO GALLERY
25 de Mayo 464
Montevideo C.P. 11.000
Uruguay
Tel. +598 29161603 info@galeriamisiones.com
JOSÉ IGNACIO GALLERY
Calle Las Garzas entre Los Tordos y Las golondrinas
José Ignacio, Maldonado C.P. 20.400 Uruguay
Opens from December 15 until March 30
From April 1 until December 14 open on weekends
Tel +598 4486 2645 info@galeriamisiones.com
MIAMI GALLERY
1626 nw 36th St.
Miami FL 33142 USA
Tel. +1 305 343 9390 info@galeriamisiones.com
MENORCA GALLERY
Carrer Bon Aire, 31
Mahón 07701 - Menorca
Islas Balerares
Tel +34 692.496.798 info@galeriamisiones.com
