Catálogo Oswaldo Vigas Constructivista

constructivista ParĂ­s 1953 -1957

VIGAS

constructivista BÉLGICA RODRÍGUEZ

Since he started out as an artist, Oswaldo Vigas has thought about abstractions, rather than images as such. These abstractions do not seek aesthetic justifications beyond themselves. Rather, they are self-contained artistic expressions that dialogue with artistic and historical concepts in tune with explicitly aesthetic concerns which —when considered from the formalist critical approach that is so condemned today— situate his work as a unique expressive, representative and organic form of visual writing. In this sense, Vigas’ work cannot be reduced to a simple schema of abstraction. It is much more complex than that, since it has developed in line with multiple factors: instinctive perception, knowledge of the rules of painting, and in response to the context the artist’s practice exists within.

The decade of the fifties signaled a change in the life and work of this prolific Venezuelan artist. In 1952 he travelled to Paris, excited by the three prizes he had been awarded in the Salón Oficial Anual de Arte and by the success of his first retrospective show at the Museo de Bellas Artes de Caracas, the most important in Venezuela, which covered ten years of what would become a successful career as an artist. In Paris, a mecca for international artists at the start of the twentieth century, Vigas encountered a dynamic, active and cosmopolitan scene bubbling over with experimentation and the quest to develop new approaches to art. There, Vigas discovered Picasso, his Cubism and many other trends, and created a new framework for his work by adapting abstract and Constructivist trends that he would channel into figurative and abstract works for which his signature style still provided an identifiable substratum. In his series Objetos negros (Black Objects), Formas tensionales (Tense Forms) and Proyectos para murales (Projects for Murals) his abstract and geometric style took on a more radical form; however, it was not rigid but instead was infused with highly charged emotions. In 1953, Vigas enrolled at Marcel Jaudon’s engraving and lithography workshop at the École de Beaux Arts in the French capital, which influenced the importance he gave to paper in much of his painting. He also took courses in Art History at La Sorbonne University and these tools enable him to deploy new approaches to his practice that generated several groups of works encompassing his exploration of new concepts, different to the ones he had worked on previously and that characterized his 1952 retrospective.

This change in theme and concept also stimulated an inquiry into space in painting and other formats, which can been seen in the geometric series Proyectos para murales, which he made for the Ciudad Universitaria de Caracas

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Fig. 1

YARE, 1952

Fig. 2

L A RED, 1952

(Caracas University City). This project clearly affected the new route the artist took and led him to abandon his figurative style. It should be added that that Vigas’ interest in geometry had emerged at the start of the fifties when he was still in Venezuela, as can be seen in paintings such as Yare (fig. 1), La red (The Grid, 1952) (fig. 2) and Figura (Figure, 1953) (fig. 3), and even in works he made when still a student. In the midst of the creative explosions that shifted his work toward a geometric style, Vigas also worked on semi-figurative or semi-abstract paintings like Muchacha del abanico (Girl with Fan, 1950), up until Gran Bruja (Big Witch, 1951) (fig. 4).

Once he reached Paris, and without wasting any time, Vigas became acquainted with artists who had their own styles of abstract geometric art, including Jean Dewasne, Victor Vasarely, August Herbin and Fernand Léger; the Latin American artists Wifredo Lam and Roberto Matta; and the sculptors Antoine Pevsner, Baltazar Lobo, Jean Arp, Robert Jacobsen and Henry Laurens, who were all prominent figures in the city’s cultural scene at that time. This period spans three intense years (1953-56 approximately). It is important to recall the peak of interest in geometric abstract art in Venezuela during the fifties, when many artists sought out conceptual and universal themes as the only way to free the nation’s painting from the hegemony of landscape painting by working with ideas that could only be expressed through geometric abstract art. This was the time of the Taller Libre de Arte in Caracas (Free Art Workshop), which questioned Venezuelan art and promoted a more universal approach. In 1957 Vigas returned to Venezuela during the zenith of abstract art, but he did not submit to local trends and continued to follow his own path.

Fig. 3

FIGURA, 1953

Fig. 4

GRAN BRUJA, 1951 4 | VIGAS

Every rupture brings the resurrection of “something” unique with it, but this “something” is necessarily related to previous production and bears the traces of the foundations that help generate new visual and conceptual platforms, on both a plastic and aesthetic level. Vigas researches, enquires, rummages, and studies here and there, and, as Carlos Silva would say, he is both author and subject; in my opinion, Vigas has created a theme where he endeavors to reinsert certain values into art by tracing the mysteries of ancient and modern man’s spirits, which constantly appear in his work. During the first half of the fifties, Vigas made abstract cryptograph-like images produced by combining a Modernist attitude to art that came from the international art context, with a profound and planetary spirituality linked to mysticism and religion, which can be seen in

works such as Personaje naciente I (Character Being Born I) (fig. 5), Composición (Composition) (fig. 6) and Selva y espíritu (Jungle and Spirit) (1953) (fig. 7). This does not mean that he was channeling the mysteries of the Venezuelan and Latin American pre-Hispanic creative spirit, but rather that he delved into and reached the unfathomable archetypes of mythology to discover phenomena that normal people do not necessarily see in order to create solid, infinite forms in time and space: forms that are, in other words, eternal. Each work from the three series in this period (that are included in this exhibition) is based on a network of thick or fine lines: lines that contain color and conceal invisible, systematic drawings of secret figures —a subtle inheritance of Piet Mondrian’s metaphysical transcendentalism that endured in new generations of abstract, geometric or organic artists. Resonating with the Cubist echoes of Pablo Picasso and Georges Braque, the Constructivism of the Russian dissidents, Kasimir Malevich’s Suprematism, Piet Mondrian’s Neo-Plasticism and the magical collages of Jean Arp, these artists worked to create unique plastic architectures based on geometric abstract art. The work Oswaldo Vigas made between 1953 and 1956 is located in this setting, where for three years he painted the series Proyectos para murales, Objetos and Formas tensionales.

In his abstract geometric series, Vigas reduces figurative forms to formality and symbols without making them seem mechanical. On the contrary, he fills them with intimate emotion and tension through dense brushstrokes and color, or lack of it, and does not reveal exactly what natural or human object is being presented. One might consider the titles selected and the works they prefigure are metaphorical, symbolic or even ironic, for irony is a constant element of Vigas’ strong character both as man and artist. In analyzing Vigas’ work —and in the way the series in this exhibition are ordered— it is important to highlight the organic associations that seem to communicate emotions inspired “by the soul”.

The communication between these series and the spectator generates a sensorial experience based on the works relation to the physical world and the cosmos, especially in the case of the Objetos, which emphasize a metaphysical belief in non-representational painting, both in the artist’s own, emblematic imaginary and in the world around him. Vigas makes a radical arrival at a new formal structure by fracturing the image and continually transforming the concepts at work in his practice. Abstract geometric painting is not a hiatus in Oswaldo Vigas’ life as an artist, but rather is the result of ten years of thinking about art.

Fig. 5

PERSONAJE NACIENTE I, 1953

Fig. 6

COMPOSICIÓN, 1953

Fig. 7

SELVA Y ESPÍRITU, 1953

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Fig. 8

PROYECTO PARA MURAL EN VERDE, 1953

Fig. 9

PROYECTO PARA MURALEN NARANJA, 1953

The invitation he received from architect Carlos Raúl Villanueva to take part in the Integration of the Arts project at the Ciudad Universitaria de Caracas (now a UNESCO World Heritage Site) was the catalyst that led Vigas to geometry.

He made many sketches for the project that now form the series Proyectos para murales, several of which were integrated into the facades of some important buildings on the campus, such as the Plaza del Rectorado. Two mural sized works were made in Venetian mosaic and their highly structured compositions accentuate the geometric relationships between lines and horizontal and vertical planes. Other illustrative works are Proyecto para mural en verde (Project for Green Mural) (fig. 8) and Proyecto para mural naranja (Project for Orange Mural) (fig. 9), which, despite the fact they were never built, nevertheless stand alone as art works because they reveal the maximum simplicity of form in the figures the artist was working on during the same decade. For instance, if one inverts the murals to make them vertical instead of horizontal, they clearly resemble a stylized form of figuration and one can even identify figurative references in the geometric forms.

In Proyectos para murales, Vigas explores the visual grammar of the rhythmical contrasts created by the interplay of horizontal and vertical lines. The contrast of horizontal lines and forms, which are sometimes intersected to make the surface of the painting more dynamic, produces the work’s overall unity through planes of specific colors confined to geometric compartments that are almost always set off by a white background. This geometric structure means the work moves away from thematic specificity to approach systematic and minimalist work that demonstrates a profound intellectual sensibility. The artist appropriates elements from Cubism and Constructivism to structure his mural proposals and thus emphasizes triangular planes, underlined brushstrokes that symbolically evokes a strange nature, both human and natural. The monumental scale of these projects is obvious even in the format of projects and can be appreciated clearly once they have been installed on the surface of the large wall.

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In his Proyectos para murales Vigas frees color from being representational and he approaches it as a sort of planimetric painting that leads to a suggested image of reality. His architectural patterns mix painting with a stridently linear architecture, whose colors are always controlled by the web of lines, brushstrokes and geometric figures. The series Formas tensionales (Tension Forms), carried out in 1955 and 1956, has compositions that are structured

from intercepting different sized, organic round and oval geometric forms that combine with straight angled lines. In Formas tensionales I (fig. 10) and Formas tensionales II (1955) (fig. 11), an element resembling a face appears in the foreground of the Cubist-style composition. In this series, Oswaldo Vigas establishes a somewhat sui generis category of abstraction because while he no longer represents objects, they still reside deep within the structure. By consequence, the works stop being a manifestation of the figurative and instead are manifestations of the abstract, in a dialectics of plastic and thematic elements.

Vigas’ iconograpy has given way to the absent image that is centered within the interplay of lines, where the content tends more toward Platonism, into which Vigas’ complex universe is most forcefully decanted. This work emerges from dualisms that are organized into symmetries and asymmetries, in straight and oblique lines. This series differs from the Objetos negros because it contains reconstructions of symmetry when form breaks into a kaleidoscopic prism whose colors vary according to their rotation on the pictorial plane.

In 1954 Vigas began the series entitled Objetos that continued until 1956 and spanned almost the entire length of his abstract-geometric period. Towards the end of 1956, he made a painting that although abstract in nature, continues to retain the organic structure in its forms while exploiting the visual and plastic force of his black lines to the maximum. The paintings from this period stand out by virtue of their outstanding pictorial quality: “deformed” figures in splintered black, counter-positions in negative and positive space, form and background, and a meaning that, in not representing visible reality, resemble similar to the spirituality of Piet Mondrian’s Neo-Plasticist painting. In the Objetos negros Oswaldo Vigas uses free, almost expressionist, lines that make form, and thus theme, disintegrate; this could be explained in theosophical terms in that he attempts to ward off reality and situate it behind the image the viewer is confronted with. This can be seen in Objeto vegetal americano (American Vegetable Object) (fig. 12) and in Objeto paisaje ciudad (City Landscape Object, both from 1954) (fig. 13), along with Objeto paisaje (color) (Landscape Object color) (fig. 14) and Objeto pastel II (Pastel Object II, both from 1955), before reaching Objeto negro (Black Object) (fig. 15), Objeto negro americano en tres bloques (American Black Object in three blocks) (fig. 16) and Objeto americano abierto (Open American Object, all from 1956) (fig. 17). To borrow Mondrian’s axiom, according to which “(…) clarity of thought must be accompanied by clarity of technique”, in some cases non-colors, the black and white

Fig. 10

FORMAS TENSIONALES I, 1955

Fig. 11

FORMAS TENSIONALES II, 1955

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of the surface, and in other cases color, create a pure structure designed for aesthetic contemplation, which forms the characteristic bi-chromatic style of the Objetos negros series, of which Objeto negro (1956) could serve as an example.

Fig. 12

OBJETO VEGETAL AMERICANO, 1954

Fig. 13

OBJETO PAISAJE CIUDAD, 1954

Fig. 14

OBJETO PAISAJE (COLOR), 1955

Fig. 15

OBJETO NEGRO, 1956

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The analysis of this period of Oswaldo Vigas’ work leads to the conclusion that, just like the European geometric artists from the 1930s, in the fifties our artist explored abstraction by creating schematic figurative forms, by studying and analyzing different circular, oval, square, rectangular forms, bars, lines and flat and sometimes texturized color, which had already appeared in his formative years. One constant feature of his work has been his use of titles that suggest figurative art. Even when he names a mainly black and white, but sometimes broadside and low temperature colored geometric, series “object”, this name implies a reference to the real world. This also occurs in his Formas tensionales, which contain figurative elements that are concealed by deconstructing form. These series by Vigas mark a rupture from what was already considered a conventional and traditional form of abstract art. For instance, he does not separate himself from nature, but instead studies and analyzes its organic properties to translate them into a magnetic field of bold black brushstrokes that have Expressionist features and renounce all perspective. Nonrepresentational form resides in the brushstrokes, the color, black and others, that sublimely produce minimalist works. Their basic syntax is based on the dynamic interplay between colors —even when it is only with black— that emphasizes the universal beauty of abstract forms.

In any case, none of the Vigas’ series is disconnected from the real world where his soul dwelled. A world transformed into line, color and space that resulted in boldly expressive images created by brushstrokes that created abstract forms whose meaning can only be gauged by sensitivity, and which is based on basic, universal values and sensorial experiences that are the product of intense intellectual processes. Vigas’ work is host to an extraordinary synthesis of influences and appropriations because the artist does not make infinite variations on a single theme; on the contrary, he proposes limitless formal solutions. This could be considered as the defining feature of his unique iconography: an iconography made up of visual testimonies of the intimate and personal ideas of an artist in a permanent state of creative effervescence.

Fig. 16

OBJETO NEGRO AMERICANO EN TRES BLOQUES, 1956

Caracas, September 2012

Fig. 17

OBJETO AMERICANO ABIERTO, 1956

From 1956 onwards, one figure appears in the works Personaje vegetal (Vegetable Person, 1957) due to the fact that the artist has not totally abandoned his attraction to the human body. This painting combines abstract and figurative elements, working with sensual round forms and bright colors. Vigas moved at great speed through different stages of his work. At the start of the sixties he took an interest in Informalist art and shortly afterwards he produced a series of Informalist works. This trend exploded onto Venezuela’s art scene and was adopted enthusiastically by a significant group of artists due to its iconoclastic and irreverent attitude, but mainly because it was staunchly opposed to figurative art and, in particular, to abstract geometric art. constructivista | 9

VIGAS

constructivista BÉLGICA RODRÍGUEZ

Desde que se inició en el arte, Oswaldo Vigas piensa en abstracciones, no en imágenes propiamente conocidas. Abstracciones que no buscan justificación estética externa a sí mismo, porque simplemente están contenidas en su ser artístico y expresadas en entes visuales que atañen a conceptos plásticos e históricos propios de la suma de problemas explícitos que, razonados a la luz de la crítica formalista tan vapuleada en estos tiempos, concluyen en acercar su trabajo a inéditos planteamientos expresivos y representativos de una escritura visual orgánica. De allí que esta obra no sea reductible a un esquema abstracto simple. Es mucho más compleja desde que ha seguido el proceso lógico de la percepción instintiva junto al conocimiento de las reglas de la pintura y el contexto en el que el artista la desarrolla.

La década de los años cincuenta marcó un cambio en la vida y obra de este prolífico creador venezolano. En 1952 viaja a París, entusiasmado por los tres premios que se le otorgan en el Salón Oficial Anual de Arte y por el éxito de su primera retrospectiva en el Museo de Bellas Artes de Caracas, el más importante del país, la cual abarcó diez años de producción de lo que será una exitosa carrera plástica. En París, meca para muchos artistas del mundo desde principios del siglo XX, se encuentra ante una escena dinámica, activa y cosmopolita caracterizada por efervescencias en la experimentación y la búsqueda de nuevos lenguajes. Descubre a Picasso, su cubismo y muchas tendencias más, y construye un segundo andamiaje sustentado por la adaptación de corrientes abstractas y constructivas que plasma en piezas donde subyace el sustrato del estilo que lo identificará tanto en su producción figurativa como abstracta. En sus series Objetos negros, Formas tensionales y Proyectos para murales radicaliza la abstracción y su geometría, pero no en su vertiente rígida sino aquella de fuerte carga emocional. En 1953 ingresa a los talleres de grabado y litografía de Marcel Jaudon en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa, hecho que influye en la importancia que le otorga al papel en buena parte de su pintura, y sigue cursos de Historia del arte en la Universidad La Sorbona. Con estas herramientas despliega nuevos planteamientos plásticos que serán resueltos en varios grupos de obras que abarcarán la exploración de conceptos diferentes a los que hasta ese momento trajinaba y que estaban ya muy claros en su retrospectiva de 1952.

El cambio suscitado en tema y concepto también concita una indagación espacial en lo pictórico y en otros soportes, interés patentizado por ejemplo en la serie Proyectos para murales de carácter geométrico, que lleva a cabo

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Fig. 1

YARE, 1952

Fig. 2

L A RED, 1952

Fig. 3

FIGURA, 1953

Fig. 4

GRAN BRUJA, 1951

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para la Ciudad Universitaria de Caracas. Es evidente que esta circunstancia incidirá en el nuevo rumbo que el artista llega a tomar y que está definido por la decisión de abandonar por completo la figuración. Es necesario acotar aquí que esa curiosidad por la geometría se había manifestado a principios de los años cincuenta, estando todavía en Venezuela, como muy bien lo ejemplifican telas como Yare (fig. 1), La red (1952) (fig. 2) y Figura (1953) (fig. 3), e incluso piezas de su primera etapa formativa. En medio de los estallidos creativos dirigidos hacia la geometría, Vigas trabaja en pinturas semi-figurativas —o semi-abstractas— como Muchacha del abanico (1950), hasta arribar a la Gran Bruja (1951) (fig. 4).

Una vez en París y sin pérdida de tiempo, entabla relaciones con creadores que practicaban variantes personales de la abstracción geométrica, entre ellos Jean Dewasne, Victor Vasarely, August Herbin y Fernand Léger; los latinoamericanos Wifredo Lam y Roberto Matta; y los escultores Antoine Pevsner, Baltazar Lobo, Jean Arp, Robert Jacobsen y Henry Laurens, muy conocidos para el momento en la escena cultural de la ciudad. Este período abarca un tramo de tres intensos años (1953 a 1956 aproximadamente). Es importante recordar el auge que durante esta década del cincuenta estaba teniendo la abstracción geométrica en el medio de la plástica venezolana, cuando muchos artistas buscan propuestas conceptuales y temáticas universalistas como único camino capaz de liberar la pintura nacional de la hegemonía paisajística y plantean conceptos e ideas que sólo podían ser expresados a través de la abstracción geométrica. Es el tiempo del Taller Libre de Arte de Caracas con sus posturas seriamente cuestionadoras, que dan impulso a la necesidad de mirar hacia la universalidad del arte. En 1957 Vigas regresa a Venezuela, en pleno apogeo de la tendencia abstracta, pero no se pliega ante la moda local y sigue su propio camino.

Cada ruptura trae consigo la resurrección de «algo» que se considera inédito, pero que por necesidad está emparentado con lo que ya se ha producido con anterioridad y comporta vestigios de aquello que ha contribuido a construir nuevas plataformas visuales y conceptuales, tanto a nivel plástico como estético. Vigas investiga, indaga, hurga, estudia aquí y allá, como diría Carlos Silva, es autor y sujeto, a mi juicio creador de un tema que revela el enorme propósito de rescatar valores plásticos al rastrear los misterios del espíritu del hombre ancestral y moderno, signo constante en su obra. En esta primera mitad de la década del cincuenta genera imágenes abstractas concebidas y

planteadas al igual que criptografías resultantes de la combinación de una actitud artística modernista propia del contexto internacional del arte, con una profunda espiritualidad planetaria ligada a lo místico y religioso, ejemplo de lo cual puede advertirse en las piezas Personaje naciente I (fig. 5), Composición (fig. 6) y Selva y espíritu (1953) (fig. 7). No es que aprehende los misterios del espíritu creativo prehispánico venezolano y latinoamericano sino que ahonda hasta llegar a los insondables arquetipos representativos del mito, incluso en su trabajo abstracto, y descubre aquello no revelado al hombre circunstancial a fin de crear una forma imperturbable e infinita en tiempo y espacio, es decir eterna. Cada obra de las tres series que componen este período —y que se exponen en esta muestra— se sustenta sobre una red de trazos, gruesos o finos, de líneas que contienen el color y esconden un dibujo invisible y sistemático de figuras secretas, herencia sutil del trascendentalismo metafísico de un Piet Mondrian, todavía presente en las nuevas generaciones de abstractos, geométricos u orgánicos, quienes resonando a través de los ecos cubistas de Pablo Picasso y Georges Braque, el constructivismo de los rusos disidentes, el suprematismo de Kasimir Malevich, el neoplasticismo de Piet Mondrian y los collages mágicos de Jean Arp, se empeñan en construir una arquitectura plástica inédita amparada por la geometría abstracta. En este escenario se inscribe el trabajo pictórico de Oswaldo Vigas entre 1953 y 1956, quien en tres años pinta las series Proyectos para murales, Objetos y Formas tensionales.

En sus series abstracto-geométricas, Vigas reduce la forma figurativa a una formalidad visual simbólica sin llevarla al estadio de mecanomorfia. Todo lo contrario, la carga de emoción y tensión íntima gracias a la densidad del trazo y del color, o el no color, y deja en ella una imprecisión en cuanto a la representación de un objeto particular del universo natural o humano. Podría creerse, mejor, que en los títulos seleccionados y las obras que los prefiguran, se manifiesta una alusión metafórica, simbólica e incluso irónica, esto último siempre presente en su fuerte carácter como ser humano y como artista.

En el análisis sobre la obra de Vigas, y por lógica también en las series que integran esta exposición, es preciso destacar las asociaciones orgánicas que por insinuaciones de su significado tratan de comunicar emociones inspiradas «por el alma». En su dinámica comunicativa con el espectador, estas series generan una experiencia sensorial por sus relaciones con lo físico y el cosmos, en especial la serie de los Objetos, en la que subyace una convicción meta-

Fig. 5

PERSONAJE NACIENTE I, 1953

Fig. 6

COMPOSICIÓN, 1953

Fig. 7

SELVA Y ESPÍRITU, 1953

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física de creer en la pintura no representacional, tanto en el interior del imaginario personal y emblemático del artista como en su entorno colectivo. De manera radical, Vigas llega a una nueva estructura formal a través de un proceso de fractura de la imagen y continua transformación de los conceptos.

La pintura abstracto-geométrica no representa un hiato en la vida artística de Oswaldo Vigas sino que corresponde al resultado de una carga acumulada a lo largo de diez años de reflexión.

Fig. 8

PROYECTO PARA MURAL EN VERDE, 1953

Fig. 9

PROYECTO PARA MURAL EN NARANJA, 1953

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La invitación que recibe del arquitecto Carlos Raúl Villanueva para participar en el Proyecto de Integración de las Artes en la Ciudad Universitaria de Caracas, obra declarada por la UNESCO como Patrimonio Cultural Moderno de la Humanidad, fue un estímulo más que condujo a Vigas hacia la geometría. Para este proyecto elabora muchos bocetos de los que resulta la serie Proyectos para murales, varios de los cuales se integran en las fachadas de algunas edificaciones relevantes del recinto universitario es el caso de la plaza del rectorado, realizados a escala mural en mosaico veneciano, como composiciones altamente estructuradas que acentúan las relaciones geométricas de líneas y planos horizontales y verticales. Son muestras ilustrativas el Proyecto para mural en verde (fig. 8) y el Proyecto para mural naranja (fig. 9), que a pesar de no haber sido materializados pueden considerarse obras autosuficientes desde el punto de vista plástico, pues son evidencia del trabajo de simplificación formal máxima que procede de las figuras manejadas por el artista en esta misma década. Por ejemplo, si invirtiéramos la posición de estos murales, y en vez de horizontales fuesen verticales, se apreciaría su cercanía a una figuración estilizada y hasta llegarían a percibirse con mayor claridad las referencias figurativas en las formas geométricas.

En Proyectos para murales, a Vigas le importa la gramática visual de las líneas múltiples opuestas rítmicamente en el juego de horizontales y verticales. El contrapunto de líneas y formas en posición horizontal y en algunos segmentos cruzadas como activadores dinámicos de la superficie pictórica, origina la unidad total de la pintura sobre la base de planos determinados por un color encerrado en compartimentos geométricos, en general realzados por un fondo casi siempre blanco. A partir de esta estructura geométrica la obra pierde especificidad temática para acercarse a un arte sistémico y minimalista de profunda sensibilidad intelectual. El artista se apropia del cubismo y del constructivismo para estructurar sus propuestas murales y en este sentido enfatiza el plano triangular, el trazo subrayado, simbólicamente evocador de una extraña

naturaleza, tanto humana como natural. Es patente el carácter monumental de estos proyectos a pesar de su escala, si bien esto se aprecia con claridad una vez que han sido realizados sobre la superficie del gran muro.

En sus Proyectos para murales Vigas libera el color de su función representativa y lo considera más bien una suerte de pintura planimétrica que conlleva una imagen sugerida de la realidad. Son patrones arquitectónicos mecanomorfos, una síntesis de pintura y arquitectura profundamente lineal y cromática siempre controlada por el entramado de líneas, trazos y figuras geométricas.

La serie Formas tensionales marca los años 1955 y 1956. Desde el punto de vista estructural se basa en la intercepción de variadas formas geométricas redondas, ovoides —siempre orgánicas— y de diferentes dimensiones, que en conjunción con líneas en ángulo recto constituyen el principio básico de la composición. En Formas tensionales I (fig. 10) y Formas tensionales II (1955) (fig. 11) aparece en un primer plano una especie de rostro cuya estructura compositiva se asienta en la formulación cubista. Con esta serie, Oswaldo Vigas instala una categoría semántica abstracta bastante sui generis, pues si bien abandona la representación visible del objeto, éste subyace en lo profundo de la estructura, de manera que deja de ser manifestación de lo figurativo para autoproponerse como manifestación de lo abstracto, en una dialéctica de valores plásticos y temáticos. Lo iconográfico ha desaparecido para centrar la imagen ausente en el juego de líneas y en un contenido que tiende más bien a planteamientos cercanos al platonismo, donde se vierte con rigor el complejo universo de Vigas, propuesta surgida a partir de dualismos muy organizados en simetrías y asimetrías, en líneas rectas y oblicuas. Esta serie se diferencia de los Objetos negros por ser reconstrucciones de lo simétrico cuando la forma se descompone como prisma caleidoscópico cuyos colores varían según la rotación del plano pictórico.

En 1954 inicia la serie Objetos, que llega hasta 1956 y comprende casi todo el período abstracto-geométrico. Hacia este último año realiza una pintura que si bien es de corte abstracto, mantiene el orden estructural orgánico de las formas a la vez que explota al máximo la fuerza visual y plástica del grueso trazo negro. Un asunto particular concierne a la extraordinaria calidad pictórica de las obras de este tiempo: figuras «deformes» en negro astillado, contraposiciones de espacio negativo y positivo, forma y fondo, y de un significado no representacional de la realidad visible, casi cercana a la espiri-

Fig. 10

FORMAS TENSIONALES I, 1955

Fig. 11

FORMAS TENSIONALES II, 1955

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Fig. 12

OBJETO VEGETAL AMERICANO, 1954

Fig. 13

OBJETO PAISAJE CIUDAD, 1954

Fig. 14

OBJETO PAISAJE (COLOR), 1955

Fig. 15

OBJETO NEGRO, 1956

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tualidad de la pintura neoplasticista de Piet Mondrian. En los Objetos negros Oswaldo Vigas utiliza el método libre del trazo casi expresionista que implica la desmaterialización de la forma y en consecuencia del tema, situación que podría conducir a una explicación teosófica que trata de ocultar la conciencia de alejar la realidad detrás del aspecto que llega al espectador. Esto se aprecia desde el Objeto vegetal americano (fig. 12) y el Objeto paisaje ciudad (ambas de 1954) (fig. 13), pasando por Objeto paisaje (color) (fig. 14) y Objeto pastel II (ambas de 1955), hasta llegar al Objeto negro (fig. 15), Objeto negro americano en tres bloques (fig. 16) y Objeto americano abierto (todas de 1956) (fig. 17). Tomando prestado el axioma de Mondrian según el cual «(…) la claridad de pensamiento debe estar acompañada por la claridad de la técnica», en algunos casos el no color, el negro y el blanco del soporte, en otros la presencia de rasgos cromáticos, conforman una estructura pura dirigida a la contemplación estética, es el bicromatismo característico de la serie Objetos negros, ejemplo lo cual pudiera ser Objeto negro (1956).

El análisis de este período del trabajo plástico de Oswaldo Vigas lleva a concluir que al igual que los geométricos europeos de la década del treinta del pasado siglo, en los años cincuenta nuestro artista explora la abstracción a partir de la esquematización de la forma figurativa, estudiando y analizando diversas geometrías —círculos, ovoides, cuadrados, rectángulos, barras, líneas— y el color plano, a veces bastante texturado, ya evidentes en su etapa formativa. Una constante ha sido mantener títulos connotativos a la figuración, incluso cuando llama «objeto» a la serie geométrica en su mayoría bicromática —negro y blanco—, a veces con un cromatismo apaisado y de temperaturas visuales bajas, lo cual implica una referencia a la representación del mundo real; también en las Formas tensionales, que alojan una figuración disimulada a partir de la deconstrucción de la forma. Con estas series, Vigas marca una ruptura con el esquema tradicional de una abstracción ya considerada académica. Por ejemplo, no se desliga de la naturaleza sino que la estudia y analiza sus propiedades orgánicas para traducirlas en un campo magnético de fuertes trazos negros con rasgos expresionistas y desecho de la perspectiva. La forma no representativa está en los trazos y el color, negro u otros, creando una manera sublime de expresión minimalista. Su sintaxis básica se centra en el juego de cromatismo dinámico, aun sólo con el negro, que enfatiza la belleza universal de la forma abstracta.

A partir de 1956, un personaje se entromete en las obras —Personaje vegetal (1957)— y es porque el artista no ha abandonado por completo su atracción por la figura humana. En esta pintura se conjuga lo abstracto con lo figurativo, trabajado a partir de redondeces sensuales y colores muy activos sobre el plano. Vigas va quemando etapas con gran rapidez. A principios de los años sesenta se interesa por el informalismo y poco después produce su serie informalista. Esta tendencia que irrumpe en el país es celebrada por un buen grupo de artistas por su carácter iconoclasta e irreverente, pero principalmente porque se opone de manera rotunda a la figuración y en particular a la abstracción geométrica.

En cualquier caso, ninguna de la series Vigas está desconectada del universo real donde habita su alma. Un universo transformado en línea, color y espacio que resulta en fuertes imágenes expresivas creadas a partir del trazo generador de abstracciones, cuyo significado sólo se percibe mediante la sensibilidad, y que está basado en lo fundamental, en los valores universales y en experiencias sensoriales relacionadas con asociaciones proporcionadas por intensos mecanismos intelectuales. En Vigas se gesta una extraordinaria síntesis de influencias y apropiaciones, ya que el maestro no se ajusta a infinitas variaciones de un mismo tema, todo lo contrario, él propone ilimitadas soluciones formales. Esta circunstancia en ocasiones podría definirse como ideografía de carácter inédito en su connotación iconográfica, con testimonios visuales de las concepciones íntimas personales de un artista en permanente estado de efervescencia creativa.

Fig. 16

OBJETO NEGRO AMERICANO EN TRES BLOQUES, 1956

Fig. 17

OBJETO AMERICANO ABIERTO, 1956

Caracas, septiembre 2012

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F ORMS | O BJECTS | F IGURES F ORMAS | O BJETOS | F IGURAS

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FORMAS TENSIONALES II, 1955 Gouache and oil on card glued on wood Gouache y 贸leo sobre cartulina pegada sobre madera 30 x 22 in. | 76 x 56 cm

FIGURA III, 1956 Gouache on paper mounted on cardboard glued on canvas Gouache sobre papel pegado sobre cart贸n fijado en tela 17.8 x 14.5 in. | 45,5 x 37 cm 2

FORMAS TENSIONALES I, 1955 Gouache, oil and ink on card glued on plywood Gouache, 贸leo y tinta sobre cartulina pegada sobre contrachapado 30 x 22 in. | 76 x 56 cm

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FORMAS TENSIÓNALES VII, 1955 Gouache and ink on card glued on plywood Gouache y tinta sobre cartulina pegado sobre contrachapado 30 x 22 in. | 76 x 56 cm

“(...) I have never been rigourously abstract or figurative. I’ve always tried to be rigurously Oswaldo Vigas (...) ” Oswaldo Vigas: dos técnicas, una personalidad Interview with Carlos Díaz Sosa El Nacional. Caracas, 29 September 1958

«(...) No he sido nunca rigurosamente abstracto ni rigurosamente figurativo. Lo que he tratado de ser siempre es rigurosamente Oswaldo Vigas (...)»

Oswaldo Vigas: dos técnicas, una personalidad Entrevista con Carlos Díaz Sosa El Nacional. Caracas, 29 de septiembre 1958

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COMPOSICIÓN OBJETO II, 1955 Gouache on paper mounted on cardboard glued on canvas Gouache sobre papel pegado sobre cartón fijado en tela 18 x 14.5 in. | 46 x 37 cm

COMPOSICIÓN EN DIAGONAL II, 1955 Gouache on paper mounted on cardboard glued on canvas Gouache sobre papel pegado sobre cartón fijado en tela 17.8 x 14.5 in. | 45,5 x 37 cm

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FORMAS TENSIONALES VIII, 1956 Gouache on paper mounted on cardboard glued on canvas Gouache sobre papel pegado sobre cartón fijado en tela 9.6 x 11.6 in. | 24,5 x 29,7 cm

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COMPOSICIÓN EN DIAGONAL, 1956 Gouache and ink on card mounted on cardboard glued on canvas Gouache y tinta sobre cartulina pegada sobre cartón fijado en tela 22 x 30 in. | 56 x 76 cm

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COMPOSICIÓN EN DIAGONAL III, 1956 Gouache and ink on card mounted on cardboard glued on canvas Gouache y tinta sobre cartulina pegada sobre cartón fijado en tela 30 x 22 in. | 76 x 56 cm 10

OBJETO LUMINOSO, 1956 Varnished gouache on card mounted on cardboard glued on canvas Gouache barnizado sobre cartulina pegada sobre cartón fijado en tela 9.8 x 8 in. | 25 x 20,5 cm 11

CONTRAFORMAS II, 1956 Gouache on paper mounted on cardboard glued on canvas Gouache sobre papel pegado sobre cartón fijado en tela 17.8 x 14.5 in. | 45,5 x 37 cm

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FORMAS II, 1956 Oil and gouache on masonite Óleo y gouache sobre masonite 31.4 x 20.8 in. | 80 x 53 cm

POLICROMÍA CONSTRUCTIVISTA, 1956 Oil on masonite Óleo sobre masonite 31.4 x 20.8 in. | 80 x 53 cm

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FORMAS IV, 1955 Oil and gouache on card mounted on wood Ă“leo y gouache sobre cartulina pegada sobre madera 41.6 x 31.4 in. | 106 x 80 cm 15

CONTRAFORMAS, 1956 Gouache on paper Gouache sobre papel 17.8 x 14.5 in. | 45,5 x 37 cm

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FORMAS I, 1956 Oil and gouache on masonite Óleo y gouache sobre masonite 31.4 x 20.8 in. | 80 x 53 cm

“(...) I don’t look for a way of doing things but a style. My style. A system of signs and symbols, a personal way of conceiving objects, figures, planes of color, lines, spaces. In short, I pursue my own universe where there is room for characters, animals, plants and also for pure forms.

A language that is not stereotyped, but instead is a synthesis of all things (...)”

Oswaldo Vigas. Interview with Amy Courvoisier Elite magazine, 2 November 1957

«(...) No busco una manera sino un estilo. El mío.

Un sistema de signos y símbolos, una forma personal de concebir los objetos, las figuras, los planos de color, las líneas, los espacios. En una palabra, persigo mi propio universo en el que hay cabida para los personajes, los animales, las plantas, y también para las formas puras.

Un lenguaje que no sea estereotipado sino síntesis del todo (...)»

Oswaldo Vigas. Entrevistado por Amy Courvoisier Revista Elite, 2 de noviembre de 1957

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OBJETO PASTEL III, 1953 Pastel on card glued on cardboard Pastel sobre cartulina pegada sobre cart贸n 19.6 x 25.5 in. | 50 x 65 cm

OBJETO PASTEL VI, 1953 Pastel on chamois card Pastel sobre cartulina gamuza 9.83 x 12.7 in. | 25 x 32,5 cm 19

OBJETO PASTEL IV, 1954 Pastel on chamois card glued on cardboard Pastel sobre cartulina gamuza pegada sobre cart贸n 12.7 x 9.6 in. | 32,5 x 24,5 cm

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INICIACIÓN, 1954 Oil on canvas Óleo sobre tela 25 x 19.5 in. | 64 x 50 cm

SELVA Y ESPÍRITU, 1953 Oil on canvas Óleo sobre tela 36 x 23.5 in. | 91,5 x 60 cm

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DE LA SERIE «OBJETO NEGRO I», 1954 Ink on paper mounted on cardboard glued on canvas Tinta china sobre papel pegado sobre cartón fijado en tela 22 x 30 in. | 56 x 76 cm

OBJETO GRIS, 1954 Oil on canvas Óleo sobre tela 29.4 x 36 in. | 75 x 92 cm

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OBJETO PAISAJE (COLOR), 1955 Gouache on card mounted on cardboard glued on canvas Gouache sobre cartulina pegada sobre cart贸n fijado en tela 22 x 30 in. | 56 x 76 cm

OBJETO PASTEL II, 1955 Ink and pastel on paper Tinta china y pastel sobre papel 13 x 19.6 in. | 33 x 50 cm

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CONSTRUCCIÓN EN AMARILLO, 1955 Oil on masonite Óleo sobre masonite 29.4 x 41.4 in. | 75 x 105,5 cm

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KIKUYO, 1957 Oil on plywood Óleo sobre contrachapado 41.4 x 31.4 in. | 105,5 x 80 cm 28

OBJETO NEGRO, 1956 Ink on card mounted on cardboard Tinta china sobre cartulina pegada sobre cartón 25 x 31 in. | 64 x 79 cm 29

OBJETO AMERICANO EN TRES BLOQUES, 1956 Ink on card mounted on cardboard Tinta china sobre cartulina pegada sobre cartón 25 x 38.7 in. | 64 x 98,5 cm

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OBJETO BLANCO, 1955 Oil on card mounted on masonite Óleo sobre cartulina pegada sobre masonite 25 x 19.2 in. | 64 x 49 cm

OBJETO VERTICAL, 1954 Oil on canvas Óleo sobre tela 31.8 x 21 in. | 81 x 54 cm 32

COMPOSICIÓN OBJETO, 1955 Oil on plywood Óleo sobre contrachapado 9.7 x 18.4 in. | 24,8 x 47 cm

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OBJETO VEGETAL AMERICANO, 1954 Oil on canvas Ă“leo sobre tela 45 x 57.3 in. | 115 x 146 cm

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OBJETO PAISAJE IV, 1955 Ink on paper mounted on cardboard glued on canvas Tinta china sobre papel pegado sobre cartón fijado en tela 26.7 x 32.2 in. | 68 x 82 cm

OBJETO PAISAJE CIUDAD, 1955 Oil and gouache on card mounted on masonite Óleo y gouache sobre cartulina pegada sobre masonite 31 x 41.8 in. | 79,5 x 106,5 cm

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OBJETO PAISAJE III, 1954 Ink on paper mounted on cardboard glued on canvas Tinta china sobre papel pegado sobre cartón fijado en tela 22 x 29.8 in. | 56 x 76 cm

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OBJETO AMERICANO ABIERTO, 1956 Ink on card mounted on masonite Tinta china sobre cartulina pegada sobre masonite 57 x 44.4 in. | 145,5 x 113 cm 38

TABERNﾃ，ULO, 1954 Ink and pastel on newspaper glued on cardboard Tinta y pastel sobre papel periﾃｳdico pegado sobre cartﾃｳn 18.2 x 11.7 in. | 46,5 x 30 cm

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FIGURA DE TACARIGUA, 1956 Oil and gouache on masonite Óleo y gouache sobre masonite 31.2 x 20.6 in. | 79,5 x 52,5 cm

“Our continent is full of dark omens and warnings.

Earthly signs, magic or exorcisms are the deep components of our cultural condition. While they reveal what we are like, these symbols place us and involve us in a world of dynamic concerns. (…)

The aim of my painting is to reach that world, interpret it and translate it into new warnings.”

Oswaldo Vigas, Merida, Venezuela, 26 April 1967

«Nuestro continente está poblado de señales y advertencias oscuras. Signos telúricos, magias o exorcismos son componentes hondos de nuestra condición. Al mismo tiempo que nos revelan, estos símbolos nos sitúan y comprometen dentro de un mundo de efervescencias inquietantes. (…)

La intención de mi pintura es llegar hasta él, interpretarlo y traducirlo en nuevas advertencias».

Oswaldo Vigas Mérida, Venezuela, 26 de abril de 1967

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DOS FIGURAS II, 1953 Gouache on paper mounted on cardboard glued on canvas Gouache sobre papel pegado sobre cartón fijado en tela 19.4 x 25.3 in. | 49,5 x 64,5 cm

FIGURA, 1953 Oil and gouache on card glued on plywood Óleo y gouache sobre cartulina pegada sobre contrachapado 30 x 22.2 in. | 76 x 56,5 cm

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FIGURA DESCOMPUESTA II, 1954 Oil on wood Óleo sobre madera 15.7 x 21.4 in. | 40 x 54,5 cm

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M URAL

PROJECTS

P ROYECTOS

MURALES

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COMPOSICIÓN, 1953 Oil on canvas Óleo sobre tela 19.2 x 21 in. | 49 x 54 cm

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PROYECTO PARA MURAL VI, 1953 Oil on card glued on masonite Ă“leo sobre cartulina pegada sobre masonite 23.5 x 42.8 in. | 60 x 109 cm

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PROYECTO PARA MURAL EN NARANJA II, 1954 Mixed media on card mounted on cardboard glued on canvas Mixta sobre cartulina pegada sobre cart贸n fijado en tela 11.5 x 24.5 in. | 29,4 x 62,4 cm

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PROYECTO PARA MURAL III, 1953 Oil on card glued on masonite Óleo sobre cartulina pegada sobre masonite 29.4 x 42.4 in. | 75 x 108 cm

PROYECTO PARA MURAL ROJO, 1953 Oil on card glued on plywood Óleo sobre cartulina pegada sobre contrachapado 29.4 x 42 in. | 75 x 107 cm

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PERSONAJES II, 1953 Oil on canvas Ă“leo sobre tela 34.9 x 45.5 in. | 89 x 116 cm

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ESTUDIO PARA MURAL II, 1953 Gouache on paper Gouache sobre papel 9.5 x 12.5 in. | 24 x 32 cm

PROYECTO PARA MURAL VII, 1953 Oil on cardboard glued on canvas Óleo sobre cartón fijado en tela 5.5 x 24,7 in. | 14,1 x 63 cm

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PERSONAJE NACIENTE I, 1953 Oil on canvas Óleo sobre tela 79.3 x 32.6 in. | 202 x 83 cm

ESTUDIO PARA MURAL I, 1953 Gouache and ink on newspaper Gouache y tinta china sobre papel periódico 10.6 x 7.3 in. | 27 x 18,8 cm

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EL ENCUENTRO, 1954 Oil on canvas Ă“leo sobre tela 76.6 x 51 in. | 195 x 130 cm

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PRIMEROS PERSONAJES, 1954 Oil on canvas Óleo sobre tela 51 x 37.9 in. | 130 x 96,5 cm

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M ONUMENTAL O BRAS

WORKS

EN ESPACIOS PÚBLICOS

These three murals by Oswaldo Vigas represent an important moment in international art. Situated in the plaza del rectorado in the Universidad Central de Venezuela, they were part of the Integration of the Arts Project by architect Carlos Raúl Villanueva, in which a number of Venezuelan and international artists participated, such as Fernand Léger, Victor Vasarely, Jean Arp, Antoine Pevsner, Baltazar Lobo and Alexander Calder, among others. Made in Venetian mosaic, the murals were made in Paris in the Gaudin Brothers studios. The Universidad Central de Venezuela was declared a World Heritage Site on November 30 2000.

COMPOSICIÓN ESTÁTICA -COMPOSICIÓN DINÁMICA, 1953

UN ELEMENTO ESTATICO EN CINCO POSICIONES, 1953

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Estas tres obras murales de Oswaldo Vigas representan un momento importante del arte internacional. Ubicados en la plaza del rectorado de la Universidad Central de Venezuela, formaron parte del Proyecto de Integración de las Artes del arquitecto Carlos Raúl Villanueva, en el cual participaron varios artistas venezolanos e internacionales tales como Fernand Léger, Victor Vasarely, Jean Arp, Antoine Pevsner, Baltazar Lobo y Alexander Calder, entre otros. Ejecutados en mosaico veneciano, fueron realizados en París en los talleres de los Hermanos Gaudin. La Universidad Central de Venezuela fue declarada Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO el 30 de noviembre de 2000.

UN ELEMENTO-PERSONAJE TRIPLE, 1953

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The Trilogía para Banesco mural emerged after the revival of some early pieces made by Vigas in the 50s when he was living in Paris and that were part of the group of works he designed for the Ciudad Universitaria de Caracas.

Given its position and large size, the mural is visible from different points in the city and has thus become a new reference in Caracas’ cityscape.

Reviviendo antiguas piezas realizadas por Vigas en los años cincuenta durante su estadía en Francia y que formaron parte de sus obras diseñadas para la Ciudad Universitaria de Caracas, nace el mural Trilogía para Banesco, el cual, por su ubicación y sus grandes dimensiones, puede ser visto desde diferentes puntos de la ciudad y se ha convertido en una nueva referencia urbana en Caracas.

TRILOGIA PARA BANESCO, Mural, 2004-2005

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Summarizing Oswaldo Vigas’ eighty five year-long life and his seventy years of artistic production is a hard task. He possesses a unique talent for art, works tirelessly, has an endless sense of curiosity and he is always ready to delve into the adventures and mysteries of art. In 1942 Vigas began this ongoing journey with a string of solo exhibitions that continue today, as well as taking part in countless group shows. The sense of satisfaction at receiving so many prizes for his work must truly be an impulse for him to continue creating. Although he is self-taught, Vigas’ innate talent has enabled him to develop as an artist. He was born in Valencia, Carabobo State, on August 4th 1925 to José de Jesús Vigas, a doctor, and Nieves Linares. He got used to moving around from an early age, spending his early childhood in his home town before living in Puerto Cabello, Tinaquillo and Guacara from 1934 until 1946. He spent much of his time in Valencia, an important cultural center in Venezuela, where he associated with young poets and did his first paintings, as well as fantastical drawings and illustrations for poetry. In 1942, he entered these illustrations in the First Illustrated Poetry Contest, which was organized by the Valencia Atheneum, and won first prize. That same year Vigas had his first solo exhibition at the Valencia Atheneum. In 1943 he entered his painting Hojas rojas in the First Arturo Michelena Painting Contest, Valencia Atheneum, where he was not only accepted but was also awarded the Gold Medal. From that point on and for a number of years he took part in the Arturo Michelena Art Contest, which had become the thermometer for the Venezuelan art scene. He had a solo show of Cubist-influenced goaches and watercolors in the Valencia Atheneum as well as exhibiting thirteen oil paintings and ten watercolors there in what was his second solo show. That year Vigas travelled to Merida to begin a degree in medicine at the Los Andes University. Remaining active as a painter all the while, he later graduated in medicine from the Central University of Venezuela in Caracas, although he never practiced as a doctor because he realized that it was highly incompatible with his artistic vocation.

The second half of the forties was a period of intense activity. In 1947 Vigas took part in the Merida Atheneum as a founding member and travelled frequently to Caracas and Valencia, working, exhibiting and selling his works in those two cities. His work included oil paintings, drawings, watercolors and goaches of different landscapes and female figures that hinted toward his well-known subject: the witch, an icon in Vigas’ painting. In 1949 he won first prize in the First Painting Contest of the Merida Atheneum. That same year he moved to Caracas to continue studying medicine. He became a member of

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Free Art Workshop, which was created in 1948 with support from the Culture Department at the Ministry of Education, with the aim of researching new forms of expression that differed greatly from the academic training artists received at the Cristóbal Rojas Art School in Caracas. The human figure continued to predominate in his work, but his style became more aggressive and free in its gestures, by contrast to the artistic conventions of the time. He discovered pottery and pre-Colombian sculpture. His interest in pre-Hispanic cultures led him ever close to the topic of the witch.

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A new decade began: the fifties were without at a doubt the time when Vigas consolidated his signature style, which he did so precisely and solidly, becoming one of the most important painters in Venezuela. In 1951 he exhibited new works at the VIII Arturo Michelena Art Contest at the Valencia Atheneum in the III A. Planchart Annual Painting Contest and in various group shows organized by the Free Art Workshop. He was awarded the Lastenia Tello de Michelena Prize. He founded the magazine Taller alongside Alirio Oramas.

1952 was a particularly active year, as Vigas exhibited works at the XII Official Venezuelan Art Contest XII at the Museum of Fine Arts, in which he entered three big paintings; he was awarded the National Fine Arts Prize for La gran bruja and the John Boulton Prize for Mujer. The most outsanding event of the year was the Retrospective Exhibition, 1946-1952, 50 Works, held at the Valencia Atheneum. At the end of the year he travelled to Paris with the Airplane Ticket Prize that came with the National Prize and spent twelve years living in the French capital. In 1953 he enrolled at the École des Beaux-Arts, studied open art courses at the Sorbonne and came into contact with the art world, as well as with painters and sculptors from different countries. He took part in several group shows: Valencia Atheneum; II São Paulo Art Biennale, Brazil; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, France, and in the IX Salón de Mai —which he took part on several occasions— with the painting América la madre. He travelled to Spain and became a faithful visitor of the Museo del Prado where he could nourish his interest in Goya and El Greco. The architect Carlos Raúl Villanueva made Vigas an important offer, inviting him to take part in his project Integration of the Arts, which he was proposing for Caracas’ University City. Vigas accepted the invitation and made four murals in Venetian mosaic and another in Roman mosaic, all created in Paris. At the start of 1954 Vigas took part in the exhibition Oeuvres pour la Cité Universitaire de Caracas Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, where fragments of his works were shown alongside works by other artists invited to take part, such as Fernand

Léger, Jean Arp, Victor Vasarely, Alexander Calder and the Venezuelan artists Mateo Manaure, Pascual Navarro, Armando Barrios and Alirio Oramas, among others. Eighteen painters and one sculpture inaugurated the Venezuelan Pavilion at the XXVII Venice Biennale; Vigas exhibited three paintings in the pavilion. He was invited to take part in a group show organized by the Pan-American Union (today known as the OAS) in Washington, DC, and to have a solo exhibition at Cuatro Vientos Gallery in Caracas. The fifties are years full of group exhibitions: Museum of Fine Arts, Caracas; Galerie de Beaune, Paris; Salon de Mai, Paris; XIII Arturo Michelena Art Contest, Valencia Atheneum; Valencia International Exhibition to celebrate the city’s four hundredth anniversary, where Vigas was awarded the Shell Prize; III HispanoAmerican Biennale, Barcelona, Spain; III São Paulo Biennale, and the The 1955 Pittsburgh International Exhibition of Contemporary Painting, Carniege Institute, Pennsylvania, USA. The Valencia Atheneum commissioned him to organize Venezuelan artists’participation in Paris and the foreign delegation of the International Painting Exhibition. In 1957 he returned to Venezuela and exhibited works at a series of geometric-gestural paintings entitled Objects at the Sala Mendoza. From 1958-1964 he was appointed Cultural Attaché of the Venezuelan Embassy in Paris. In 1962 he was appointed Commissioner for Venezuela’s participation in the XXXI Venice Biennale. He began to work within the Informalist style and created many paintings in this style, one of which earned him the Arturo Michelena Prize at the homonymous art contest. According to analyses of his work, his Informalist experience gave new force to his figurative work and led him to return to witches as his subject. When he was named Head of Culture at the Andes University in Merida in 1965 he worked on creating the city’s art museum the Merida Museum of Art. After his time in the capital of the Andean region, Vigas moved to Caracas at the start of the seventies. In 1971 he was appointed Director of the Art Division at the National Culture Institute, INCIBA. In 1972 he resigned but maintained his ties with the art and cultural sector. Over the next few years he joined the Preparatory and Organizational Committee at the National Culture Council, which replaced the INCIBA, and the National Art Gallery. In 1976 he was appointed Member of the Board of Directors at the Museum of Fine Arts and the National Art Gallery in Caracas. In 1979 the latter museum presented a large-scale retrospective show of Vigas’ works from 1943-1977. The eighties began with the exhibition Proposal 20. It was a very productive decade for Vigas, during which he made several series of tapestries and ceramic works,

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including three-dimensional works using refractories and earthenware, plates, bowls and other non-utilitarian pieces that depicted the fantastical beings that are frequently found in his work. He showed, at that time, real interest in sculpture and made his first bronze-cast works, which he exhibited in 1985.

1990 began with a retrospective exhibition of more than two thousands works, including paintings, sculpture, tapestry, ceramic works, jewelry and craft, which was organized by the Sofía Imber Contemporary Art Museum of Caracas.

The oil company Lagoven made a short film about his life and work and a substantial monograph written by the French critic Gaston Diehl was published.

Vigas exhibited at the XXVI International Contemporary Art Prize in Monaco and won the Gran Prix SAS Le Prince Reyner III for his work Crucifixión VII. He continued with his feverish work and had a succession of different exhibitions, including, in 1993, the show Vigas from 1952 to 1993, which featured one hundred and thirty seven works that covered the walls of the Monnaie de Paris. In 1996 he had the exhibition Oswaldo Vigas: an American Man in the Casa de Las Américas in La Habana, Cuba. The decade ended with Vigas as the artist of honor at the Caracas Ibero-American Art Fair (FIA), which was in its seventh year (1999).

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The twenty-first century made a big impact on the life and work of Oswaldo Vigas and has featured many solo exhibitions: Institute National des Sciences Apliqués, Lyon, France; Paris Ideographies, 1952-1957, Sofía Imber Museum of Contemporary Art of Caracas and Zulia Contemporary Art Museum, Maracaibo, Zulia State, Venezuela; Coro Art Museum, Coro, Falcón state, Venezuela; Travel Memories and Entities, Dimaca Gallery, Caracas; Midday Fiction: Memories of the Present; Oswaldo Vigas in Paris: Works from the Seventies, Ascaso Gallery, Caracas; Oswaldo Vigas at Intervalores, Caracas; Creatures of Wonder, Medicci Gallery, Caracas; Notes, Sketches and Drawings, Caracas Atheneum Gallery; Sortileges des Tropiques, Musée Jean Lurcat and Tapisserie Contemporaine, Angers, France. In Ciudad Banesco, the headquarters of the homonymous bank, Vigas exhibited his mural Trilogy for Banesco, which measured five meters by forty long. He also took part in several group shows: Master Works by Master Artists, Dimaca Gallery, Caracas; Sofía Imber Museum of Contemporary Art of Caracas; Maison de la Culture du Japon, Paris; Latin America and the Caribbean: Contemporary Art from Today; Reaction and Debates in Venezuelan Art, National Art Gallery, Caracas. He has taken part in the Ibero-American Art Fair, represented by Aldo

Castillo Gallery on several occasions. He has taken part in Latin American & Caribbean Art Today, Miura Museum of Art, Miura, Japan; I Exxon Mobil Art Contest, Venezuela, Caracas Holy Museum; The Twentieth Century on Paper.

The Figure, Arturo Michelena Museum, Caracas; Geometric Abstraction in Venezuela, Simón Bolívar University, Caracas; Geometry as Avant-garde, Mercantil Collection; Alejandro Otero Museum, Caracas; Documentary Exhibition: 30 Years of Venezuelan Art, National Art Gallery, Caracas. A new book about the artist written by art historian and theorist Carlos Silva, entitled Oswaldo Vigas: A Legend of Tomorrow, has been published.

In 2012 he represented Venezuela at the important Ibero-American exhibition organized by the Tribunal Supremo de España to celebrate the 200 years anniversary of its constitution.

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DISTINCTIONS

R EPRESENTED

1974 Orden Andrés Bello, Primera Clase, Venezuela 1990 Orden Francisco de Miranda, Primera Clase, Venezuela 1992 Orden Sol de Carabobo, Gran Oficial, Valencia, Venezuela 1993 Chevalier de L’Ordre des Arts et des Lettres de France, Ministerio de la Cultura y de la Francofonía de Francia 1994 Ordre du Mérite et Dévouement Français, Francia 1996 Orden Alejo Zuloaga, Universidad de Carabobo, Valencia, estado Carabobo, Venezuela; Orden Samán de Aragua, Maracay, estado Aragua, Venezuela 1997 Orden Ciudad de Valencia, Primera Clase, Valencia, estado Carabobo, Venezuela; Orden Ciudad de Tinaquillo, Primera Clase, Tinaquillo, estado Cojedes, Venezuela; Medalla de las Bellas Artes Pedro Ángel González, Caracas 1998 Orden Universidad Central de Venezuela, Caracas 1999 Doctorado Honoris Causa, Universidad de Los Andes, Mérida, estado Mérida, Venezuela 2003 Invitado Oficial del 56º Festival Internacional de Cine de Cannes, Francia 2008 Orden de Comendador de las Artes y las Letras, Ministerio de Cultura de la República Francesa 2012 Doctorado Honoris Causa de la Universidad Nororiental Privada Gran Mariscal de Ayacucho, Barcelona, estado Anzoátegui, Venezuela; and he is designated a Member of the Fundación Carlos III de España.

Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Venezuela Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela Ciudad Universitaria de Caracas, Venezuela Museo de Barcelona, estado Anzoátegui, Venezuela Ateneo de Valencia, estado Carabobo, Venezuela Colección Petróleos de Venezuela, PDVSA, Caracas, Venezuela Museum of Fine Arts, Houston, Texas, USA San Francisco Museum of Modern Art, California, USA Michigan State University Art Museum, Michigan, USA Národní Galerie v Praze, Prague, Czech Republic Museo de Arte de Las Américas, OEA, Washington, USA The Norton Gallery of Art, West Palm Beach, Florida, USA Archer M. Huntington Gallery, University of Texas, Austin, USA Jane Vorhees Zimmerli Art Museum, Rutgers University, New Brunswick, New Jersey, USA Bibliothèque Nationale de France, Cabinet des Estampes, Paris, France Musée Jean Lurçat et de la Tapisserie Contemporaine, Angers, France Musée du Val-de-Marne, FNAC, France Muzeum Narodowe we Wroclawiu, Poland Musée d’Algeri, Algeria Gallery of Non-Allied Countries, Belgrade, Yugoslavia Casa de Las Américas, Havana, Cuba Museo de Bellas Artes, Ciudad de Panamá, Panamá Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia Museo de Arte Contemporáneo El Minuto de Dios, Bogotá, Colombia Museo de Arte Moderno, Cartagena de Indias, Colombia Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo, Santa Marta, Colombia Museo de Arte de la Universidad Nacional Abierta de Colombia, Bogotá, Colombia Museo Ralli, Punta del Este, Uruguay Avon Collection, New York, USA Colección Empresas Polar, Caracas, Venezuela Colección Banco Central de Venezuela, Caracas, Venezuela Colección Mercantil, Caracas, Venezuela Colección Banesco, Caracas, Venezuela Colección Banco Provincial, Caracas, Venezuela Private collections throughout the world.

BY

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OSWALDO VIGAS

Difícil es resumir los ochenta y cinco años de vida y setenta de producción plástica de Oswaldo Vigas. Dueño de un talento único para la disciplina artística, el trabajo sin tregua y una inquietud inquebrantable, siempre dispuesto a correr la aventura del arte y sus misterios, en 1942 emprende un viaje sin retorno con sus exposiciones individuales, una detrás de otra, realizadas de manera ininterrumpida hasta hoy día, a la par de su participación en innumerables muestras colectivas. La felicidad de recibir muchos reconocimientos por su trabajo también será extraordinario aliciente para seguir adelante. Aun sin haber tenido una educación académica formal, el talento innato con el cual llega al mundo le permite desarrollarse como artista. Nace en Valencia, estado Carabobo, el 4 de agosto de 1926, en un hogar consolidado por la pareja que formaban sus padres, el médico José de Jesús Vigas y Nieves Linares. Desde muy niño conoce la trashumancia. Su primera infancia transcurre en su ciudad natal; entre 1934 y 1946 vive entre Puerto Cabello, Tinaquillo y Guacara. Buena parte del tiempo lo pasa en Valencia, importante región cultural del país, donde se relaciona con jóvenes poetas y realiza sus primeras pinturas, así como dibujos e ilustraciones para poesía, de tendencia fantástica.

Con una de estas ilustraciones participa en 1942 en el Primer Salón de Poemas Ilustrados que organiza el Ateneo de Valencia, donde recibe el Primer Premio por la Mejor Ilustración. Durante este año presenta su primera exposición individual en el Ateneo de Valencia. En 1943 envía la pintura Hojas rojas al Primer Salón de Pintura Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, en el que no sólo es aceptado sino que también recibe el Premio Medalla de Honor. A partir de esta fecha y por varios años concurrirá a este certamen, que se había convertido en el termómetro de la actividad plástica del país.

Expone individualmente en esa institución ateneísta gouaches y acuarelas de influencia cubista y en 1946 presenta trece óleos y diez acuarelas en su segunda individual. Este año viaja a Mérida para iniciar estudios de medicina en la Universidad de Los Andes. Sin abandonar la pintura, se gradúa de médico en la Universidad Central de Venezuela, Caracas, 1951, pero nunca ejercerá la profesión al comprender la profunda incompatibilidad con su vocación artística.

La segunda mitad de la década del cuarenta es de intensa actividad. En 1947 participa como miembro fundador del Ateneo de Mérida y viaja con frecuencia a Caracas y a Valencia. Trabaja, expone y vende su obra en esas dos ciudades: óleos, dibujos, acuarelas y gouaches con temas de paisajes y figuras femeninas que ya presagian su conocido personaje: la bruja, icono

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de la pintura de Vigas. En 1949 gana el Primer Premio en el Primer Salón de Pintura del Ateneo de Mérida. Este mismo año se traslada a Caracas para continuar sus estudios de medicina. Entra al Taller Libre de Arte, creado en 1948 bajo el patrocinio de la Dirección de Cultura del Ministerio de Educación, con la premisa de investigar sobre nuevos lenguajes expresivos, lejos de la enseñanza académica de la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas de Caracas. La figura humana continúa liderando su trabajo; ahora el trazo se hace más agresivo y libremente gestual, muy alejado de las convenciones plásticas de la época. Descubre la cerámica y la escultura precolombinas. A través de su interés por las culturas prehispánicas se acerca cada vez más a la temática de la bruja.

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Una nueva década comienza. Los años cincuenta serán definitivos en la consolidación de una iconografía que lo consolida con precisión y contundencia como uno de los pintores más importantes de Venezuela. En 1951 muestra obras nuevas en el VIII Salón Arturo Michelena del Ateneo de Valencia, en el III Salón Anual de Pintura A. Planchart y en varias colectivas organizadas por el Taller Libre de Arte. Le otorgan el Premio Lastenia Tello de Michelena.

Junto a Alirio Oramas funda la revista Taller. 1952 es un año particularmente activo, pues expone en el XII Salón Oficial de Arte Venezolano celebrado en el Museo de Bellas Artes, al cual envía tres grandes pinturas; con La gran bruja le conceden el Premio Nacional de Artes Plásticas y con Mujer, el Premio John Boulton. El evento más extraordinario fue la Exposición retrospectiva, 1946-1952, 50 obras, presentada en el Ateneo de Valencia. A finales de año viaja a París con el Premio Boleto de Avión del Premio Nacional y allí reside durante doce años. En 1953 ingresa a la École des Beaux-Arts, sigue cursos libres de arte en La Sorbona y entra en contacto con el medio plástico, así como con pintores y escultores de diferentes países. Expone en varias colectivas: Ateneo de Valencia; II Bienal de Arte de São Paulo, Brasil; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Francia, y en el IX Salón de Mai —al que acude en varias ediciones— con la pintura América la madre. Viaja a España, donde movido por su interés por la obra de Goya y El Greco visita asiduamente el Museo del Prado. Importante acontecimiento fue la invitación que le hiciera el arquitecto Carlos Raúl Villanueva para participar en el Proyecto de Integración de las Artes que proponía para el diseño de la Ciudad Universitaria de Caracas. Acepta la invitación y realiza cuatro murales en mosaico veneciano y uno en mosaico romano, todos fabricados en París. Al inicio de 1954, en la exposición Oeuvres pour la Cité Universitaire de Cara-

cas, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, se exponen fragmentos de las obras de Vigas y de otros invitados como Fernand Léger, Jean Arp, Victor Vasarely, Alexander Calder y los venezolanos Mateo Manaure, Pascual Navarro, Armando Barrios y Alirio Oramas, entre otros. Dieciocho pintores y un escultor inauguran el Pabellón de Venezuela en la XXVII Bienal de Venecia; Vigas interviene con tres pinturas. Es invitado a tomar parte en una colectiva organizada por la Unión Panamericana —hoy OEA—, Washington, DC, y a presentar una individual en la Galería Cuatro Vientos, Caracas. Los años cincuenta son de muchas exposiciones colectivas: Museo de Bellas Artes de Caracas; Galerie de Beaune, París; Salon de Mai, París; XIII Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia; Exposición Internacional de Valencia con motivo de cuatricentenario de la ciudad, donde obtiene el Premio Shell; III Bienal Hispanoamericana, Barcelona, España; III Bienal de São Paulo; The 1955 Pittsburgh International Exhibition of Contemporary Painting, Carniege Institute, Pennsylvania, USA. Es Comisionado por el Ateneo de Valencia para organizar la participación de artistas venezolanos residentes en París y de la delegación extranjera en la Exposición Internacional de Pintura, logrando la intervención de Pablo Picasso, Fernand Léger, Max Ernst y René Magritte, entre otros. En 1956 obtiene uno de los Premios de Adquisición en el Gulf Caribbean Art Exhibition, Museum of Fine Arts, Houston. En 1957 regresa a Venezuela y expone en la Sala Mendoza la serie Objetos, pinturas de corte geométrico-gestual. Entre 1958-1964 lo designan Agregado Cultural de la Embajada de Venezuela en París. En 1962 es nombrado Comisario por Venezuela en la XXXI Bienal de Venecia. Incursiona en el informalismo y realiza una buena cantidad de pinturas dentro de esta corriente; con una pintura de este tipo obtiene el Premio Arturo Michelena en el Salón del mismo nombre.

De acuerdo con analistas de su trabajo, su experiencia informalista repotencia la iconografía figurativa para retomar el tema de las brujas. Al ser designado Director de Cultura de la Universidad de Los Andes, Mérida, en 1965, trabaja en la creación del Museo de Arte de Mérida, el Festival de Música y el Festival de Cine Latinoamericano.

Luego de su estadía en la capital andina, se traslada a vivir a Caracas. Está iniciándose la década de los setenta. En 1971 lo eligen Director de la División de Arte del Instituto Nacional de Cultura, INCIBA. En 1972 renuncia a esta posición sin desligarse del medio del arte y la cultura. Durante los años siguientes forma parte de la Comisión Preparatoria y Organizadora del Consejo Nacional de la Cultura, organismo que suplantaría al INCIBA, y de la

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Galería de Arte Nacional. En 1976 es nombrado Miembro de la Junta Asesora del Museo de Bellas Artes y de la Galería de Arte Nacional, ambos en Caracas. En 1979 se presenta en esta última institución una gran muestra retrospectiva con obras fechadas entre 1943 y 1977. La década de los ochenta comienza con la propuesta expositiva Proposición 20. Esta periodo será muy productiva, por cuanto realiza varias series de tapices y numerosas piezas en cerámica: relieves en placas de refractario y gres, platos, vasijas y otras no utilitarias en las que ejercita su conocida iconografía de seres fantásticos.

Muestra serio interés por la escultura y lleva a cabo sus primeros bronces, que expone en 1985.

1990 comienza con la retrospectiva de más de doscientas obras entre pintura, escultura, tapices, cerámica, joyas y artesanía, organizada por el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber. La empresa petrolera Lagoven realiza un cortometraje sobre la vida y obra del artista; aparece una extensa monografía escrita por el crítico francés Gaston Diehl. Expone en el XXVI Premio Internacional de Arte Contemporáneo de Monte Carlo, Mónaco, y recibe el Grand Prix S.A.S. Prince Reyner III por su obra Crucifixión VII. Continúa el trabajo febril y las exposiciones se suceden sin interrupción. En 1993 organizan Vigas desde 1952 a 1993, muestra de ciento treinta y siete piezas que cubre los muros del Palacio de la Moneda de París. En 1995 se producen dos exhibiciones personales en galerías francesas: Corinne Timsit International, París, y La Tour des Cardinaux, I’lle sur la Sorgue. En 1996 expone Oswaldo Vigas: un hombre americano en la Casa de Las Américas, La Habana, Cuba. Finaliza la década con el gran homenaje que le rinde la Feria Iberoamericana de Arte de Caracas (FIA) en su séptima edición (1999).

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El siglo XXI entra de lleno en la vida y obra de Oswaldo Vigas. Muchas exposiciones individuales: Entes, colonieras y recuerdos de viaje, Galería Dimaca, Caracas; Ficción de mediodía, Galería de Arte Ascaso, Caracas; Ideografías de París, 1952-1957, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber y Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, Maracaibo, estado Zulia, Venezuela; Oswaldo Vigas, Sérigraphies, Instituto Nacional de Ciencias Aplicadas, Lyon, Francia; Recuerdos del presente y Oswaldo Vigas en París. Obra de los años sesenta, Galería de Arte Ascaso, Caracas. En Ciudad Banesco, sede del banco del mismo nombre, presenta su obra mural en mosaico veneciano Trilogía para Banesco de cinco metros de ancho por cuarenta de largo. Sortilèges des Tropiques, Musée Jean Lurçat et de la Tapisserie

Contemporaine, Angers, Francia; Criaturas del asombro, Galería Medicci, Caracas; Oswaldo Vigas en Intervalores, Caracas; Oswaldo Vigas, Galería CAF, Caracas; Tierra y fuego, Galería BBVA Banco Provincial, Caracas. Oswaldo Vigas in Art Nocturne Knokke, Mary Ann Manning Gallery, Bélgica; De brujas a curanderas, Museo a cielo abierto, parque Fernando Peñalver, Valencia, Venezuela; Vigas a cielo abierto, Museo Vial de la Alcaldía de Baruta, Caracas; Vigas sobre papel, Galería 700 Arte, Maracaibo; Oswaldo Vigas, Mérida, París, Caracas, Villa Tamaris Centre d’Art, La Seynesur-mer, Francia. Apuntes, bocetos y dibujos, Galería del Ateneo de Caracas. Participa en las colectivas: Obras maestras de los grandes maestros, Galería Dimaca, Caracas; Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber; Maison de la Culture du Japon, París; Latinoamérica y el Caribe: arte contemporáneo de hoy; Reacción y polémicas en el arte venezolano, Galería de Arte Nacional, Caracas. Toma parte en varias ediciones de la Feria Iberoamericana de Arte con la Galería Aldo Castillo. Interviene en The Latinamerican&Caribbean Art Today, Miura Museum of Art, Miura, Japón; I Salón de Arte Exxon Mobil de Venezuela, Museo Sacro de Caracas; El siglo XX sobre papel. La figura, Museo Arturo Michelena, Caracas; Abstracción geométrica en Venezuela, Universidad Simón Bolívar, Caracas; Geometría como vanguardia, Colección Mercantil, Museo Alejandro Otero, Caracas; Documentaria, 30 años en el arte venezolano, Galería de Arte Nacional, Caracas. Con texto del historiador y teórico del arte Carlos Silva, se publica el libro Oswaldo Vigas. Leyenda de mañana.

En 2012 representa a Venezuela en la importante exposición Iberoamericana organizada por el Tribunal Supremo de España con motivo de la celebración de los 200 años de su constitución.

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DISTINCIONES

R EPRESENTADO

1974 Orden Andrés Bello, Primera Clase, Venezuela 1990 Orden Francisco de Miranda, Primera Clase, Venezuela 1992 Orden Sol de Carabobo, Gran Oficial, Valencia, Venezuela 1993 Chevalier de L’Ordre des Arts et des Lettres de France, Ministerio de la Cultura y de la Francofonía de Francia 1994 Ordre du Mérite et Dévouement Français, Francia 1996 Orden Alejo Zuloaga, Universidad de Carabobo, Valencia, estado Carabobo, Venezuela; Orden Samán de Aragua, Maracay, estado Aragua, Venezuela 1997 Orden Ciudad de Valencia, Primera Clase, Valencia, estado Carabobo, Venezuela; Orden Ciudad de Tinaquillo, Primera Clase, Tinaquillo, estado Cojedes, Venezuela; Medalla de las Bellas Artes Pedro Ángel González, Caracas 1998 Orden Universidad Central de Venezuela, Caracas 1999 Doctorado Honoris Causa, Universidad de Los Andes, Mérida, estado Mérida, Venezuela 2003 Invitado Oficial del 56º Festival Internacional de Cine de Cannes, Francia 2008 Orden de Comendador de las Artes y las Letras, Ministerio de Cultura de la República Francesa 2012 Doctorado Honoris Causa de la Universidad Nororiental Privada Gran Mariscal de Ayacucho, Barcelona, estado Anzoátegui, Venezuela; y es designado Miembro de Mérito de la Fundación Carlos III de España.

Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Venezuela Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela Ciudad Universitaria de Caracas, Venezuela Museo de Barcelona, estado Anzoátegui, Venezuela Ateneo de Valencia, estado Carabobo, Venezuela Colección Petróleos de Venezuela, PDVSA, Caracas, Venezuela Museum of Fine Arts, Houston, Texas, USA San Francisco Museum of Modern Art, California, USA Michigan State University Art Museum, Michigan, USA Národní Galerie v Praze, Praga, República Checa Museo de Arte de Las Américas, OEA, Washington, USA The Norton Gallery of Art, West Palm Beach, Florida, USA Archer M. Huntington Gallery, University of Texas, Austin, USA Jane Vorhees Zimmerli Art Museum, Rutgers University, New Brunswick, New Jersey, USA Bibliothèque Nationale de France, Cabinet des Estampes, Paris, France Musée Jean Lurçat et de la Tapisserie Contemporaine, Angers, Francia Musée du Val-de-Marne, FNAC, Francia Muzeum Narodowe we Wroclawiu, Polska Musée d’Algeri, Alger Galería de Arte de los Países No Alineados, Belgrado, Yugoslavia Casa de Las Américas, La Habana, Cuba Museo de Bellas Artes, Ciudad de Panamá, Panamá Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia Museo de Arte Contemporáneo El Minuto de Dios, Bogotá, Colombia Museo de Arte Moderno, Cartagena de Indias, Colombia Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo, Santa Marta, Colombia Museo de Arte de la Universidad Nacional Abierta de Colombia, Bogotá, Colombia Museo Ralli, Punta del Este, Uruguay Avon Collection, New York, USA Colección Empresas Polar, Caracas, Venezuela Colección Banco Central de Venezuela, Caracas, Venezuela Colección Mercantil, Caracas, Venezuela Colección Banesco, Caracas, Venezuela Colección Banco Provincial, Caracas, Venezuela Colecciones particulares en diferentes países del mundo.

EN

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VIGAS constructivista París 1953-1957 MIAMI, USA

Antonio J. Ascaso R.

November 2012 - February 2013

DIRECTOR

CARACAS, VENEZUELA

Elías Sultán

2013

OPERATIONS MANAGER GERENTE DE OPERACIONES

Belarmina de la Torre CURATED AND TEXTS CURADURÍA Y TEXTOS

Bélgica Rodríguez EXHIBITION COORDINATORS COORDINADORES DE LA EXPOSICIÓN

Lorenzo Vigas, Caracas, Fundación Oswaldo Vigas Elías Sultán, Miami ENGLISH TRANSLATION BY TRADUCCIÓN AL INGLÉS POR

Lisa Blackmore EDITION OF TEXTS EDICIÓN DE TEXTOS

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Renato Donzelli Eduardo Chacón, pp. 19, 28, 29 inferior, 35, 38, 40, 52, 62, 68, 70

Orlando D‘Elia pp. 82, 83 Archivo Oswaldo Vigas pp. 84, 92 GRAPHIC DESIGN DISEÑO GRÁFICO

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