ORIGAMA® Abril / Mayo 2014

ABRIL / MAYO 2014

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1. Aída Barrera Diseño y producción de contenido Consciente del impacto de las acciones de participación colectiva, promueve el desarrollo de redes de cooperación para fomentar el diálogo e intercambio cultural. Es diseñadora gráfica, con experiencia profesional en dirección de arte, museografía y realización audiovisual.

5. Daniela Trujillo Sección Nuevos Medios Apasionada de la música, el mar y los animales, le encanta viajar dentro y fuera del país; su pasatiempo favorito es conocer lugares nuevos y originales. Es diseñadora gráfica con Master en Escaparatismo y Visual Merchandising.

2. Paola Jose Sección Arquitectura Viajar es el aire que Paola respira, necesita descubrir, experimentar y manifestar lo diferente, lo alterno, lo extraño.

Es a través de la música, la literatura, el arte o la ingeniería, que busca generar un impacto positivo en su vida y la de los demás. Egresada de la Licenciatura en Ingeniería Mecatrónica con Master en Diseño de Iluminación Arquitectónica.

6. Salvador Compañ Sección MustHave Formado en la escuela de negocios, apuesta por hacer carrera en Humanidades. Actualmente vive en la Ciudad de México y trabaja de tiempo completo en sus dos proyectos personales: Lørdag & Søndag y Galería Pangea.

3. Adela Vázquez Veiga Sección Letras De la Historia del Arte a la Conservación-Restauración de Bienes Culturales. Activada en la puesta en marcha de nuevas dinámicas de comunicación y aprendizaje sobre cultura digital+analógica y nuevas/necesarias formas de entender el mundo, nuestro entorno y la importancia del trabajo colaborativo como nexo entre pasado, presente y futuro.

4. Christian Núñez Secciones Cine, Portafolio y *puntoTXT Escritor, artista visual, periodista cultural y publicista. Autor de los libros Aviones y bocetos (2002), Shhh (2008) y La burbuja azul (2009). Actualmente edita el blog de artes y diseño: conejobelga.blogspot.com

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7. Carolina Camacho Sección Música “No hay memoria sin música, no hay recuerdo sin una banda sonora”. Carolina vive en la Ciudad de México y trabaja como desarrolladora de negocios para una firma de arquitectura canadiense. Le apasiona la música, el cine, la fotografía y el diseño.

Disfruta apoyar proyectos independientes y propuestas de diseño mexicano.

Agradecemos a: Arturo Molina, Rafael Góngora, Carlos Polanco, Carlos Martínez, Ariadna Medina, Hernán Medina, Raúl Ramos, Andrea Herrera, Samuel Barrera, Aldo Islas, Roger Omar, Mik Baro, Roberto Ramos, Lupita Ornelas, Karín Mijangos y Nadia Pérez.

Foto: Salvador Compañ

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Contenido: 04 Arquitectura / 11 Diseño / 20 Nuevos Medios / 21 Cine / 22 Portafolio / 41 Letras / 53 Arte Escénico / 57 Must Have / 60 Música / 63 *puntoTXT Portada: Fotografía: Salvador Compañ [salvadorcompan.tumblr.com] Body Paint: Aldo Islas [aldoislas.com]

Año 3 / ORIGAMA® Número Treinta y tres / Abril - Mayo 2014 / Revista editada en Mérida, Yucatán, México por Grupo Editorial Multimedios S.A. de C.V. con el apoyo del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y la Secretaría de la Cultura y las Artes (SEDECULTA) del Gobierno del Estado de Yucatán.

ORIGAMA® es una marca registrada. Socios propietarios: Rafael Góngora Bobadilla y Aída Barrera Pino.

Los textos y fotografías contenidos en esta publicación son propiedad y responsabilidad de sus autores.

Visita revistaorigama.com.mx / Email: info@revistaorigama.com.mx / Facebook: ORIGAMA / Twitter: @revistaORIGAMA

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Imágenes: Centro Histórico de Palizada, Pueblo Mágico.

Río Viejo antes del proyecto de intervención.

Studio 360

Arquitectos: Karla Arroyo Chavarria, Manuel Cambranis Vaught y Carlos Polanco Chuc.

Al sur del estado de Campeche se encuentra Palizada, denominada Pueblo Mágico de México debido a sus características naturales y arquitectónicas. Tierra de ríos, esteros y lagunas, de calles angostas bordeadas por sus tradicionales casas con techumbres de teja francesa, pueblo apacible y de ambiente pacífico que conforma su mágica esencia.

Paseo Río Viejo En el lado este del poblado se desarrolló un corredor urbano que aprovecha y respeta las condiciones del sitio, enmarca la imagen tradicional de Palizada y duplica el espacio público recreativo, generando nuevos espacios para el encuentro y disfrute de la población.

Un recorrido integrado con áreas verdes y los frentes de calle a lo largo del borde del arroyo, enmarcan las vistas hacia las construcciones tradicionales de Palizada, reforzando su imagen urbana. El proyecto se convierte también en un filtro que evita la contaminación directa; al cuidar la calidad del agua, se rescata el ecosistema existente y las especies animales y vegetales que en él habitan.

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Proyecto: Paseo Río Viejo Año: 2011 Ubicación: Palizada, Campeche.

Proyecto Arquitectónico: Studio 360.

Arquitectos: Manuel Cambranis Vaught, Karla Arroyo Chavarria y Carlos Polanco Chuc.

Construcción: Bilder Constructora Enrique Razo Santiago.

Superficie construida: 3,200 m2 (700 ml).

Fotografía: Studio 360.

Premios: Mención Honorífica en la X Bienal de Arquitectura Yucateca.

Medalla de Plata en la I Bienal de Arquitectura Regional.

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Laboratorios de Ingenieria, Arquitectura y Diseño Universidad Anáhuac Mayab.

Laboratorios de Ingenieria, Arquitectura y Diseño Este proyecto surge de la necesidad de contar con espacios adecuados para las prácticas relacionadas con las carreras de Ingeniería Civil, Mecatronica, Diseño, Arquitectura y Diseño Industrial, con la premisa de lograr un edificio moderno y eficiente que refleje el espíritu innovador de la Universidad Anáhuac Mayab.

El edificio se concibe a partir de una estructura modular que permite su rápida construcción y fácil crecimiento mientras que el programa se organiza en espacios cerrados para salones/laboratorios y espacios abiertos para talleres prácticos. Los salones se agrupan en dos plantas, en la fachada norte creando un mezzanine hacia los espacios abiertos cuya cubierta se inclina para capturar energía solar a través de paneles fotovoltaicos e iluminación natural con un sistema de solatubes. El edificio se secciona en dos bloques para marcar el acceso que conecta con el resto del campus y en el que se crea un espacio con losas a diferentes alturas, escalinatas y un puente que interconecta ambos bloques. El sistema constructivo emplea estructuras y paneles metálicos combinado con muros recubiertos de chukum.

Textos e imágenes cortesía Studio 360 Arquitectos SCP Visita facebook.com/Studio360arquitectura

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Proyecto: Laboratorios de Ingeniería, Arquitectura y Diseño.

Ubicación: Universidad Anáhuac Mayab, Mérida, Yucatán.

Proyecto Arquitectónico: Studio 360.

Arquitectos: Carlos Polanco Chuc, Karla Arroyo Chavarria y Manuel Cambranis Vaught.

Construcción: Básico Constructora - Ing. Juan Trinidad Aguilar Flores.

Proyecto Estructural: RPG Diseño Estructural - Ing. René Manuel Castillo Salazar.

Año: 2012 - 2013.

Superficie construida: 1,630 m2 Fotografía: Studio 360.

Premios: Medalla de Plata en la X Bienal de Arquitectura Yucateca.

Medalla de Plata en la I Bienal de Arquitectura Regional.

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New Museum of Contemporary Art [235 Bowery New York, NY] Foto: Dean Kaufman, cortes铆a New Museum, New York.

Por Paola Jose

Pareciera como si unos gigantes estuvieran jugando su propia versi贸n de Jenga con bloques inmensos de hormig贸n y acero, un bloque encima de otro. El objetivo, mantener la estructura en balance y evitar que se caiga.

El jenga metropolitano se eleva 53 metros sobre el nivel de la calle y es la nueva casa del New Museum de Nueva York, el primer museo de la ciudad dedicado al arte contempor谩neo, obra de los arquitectos japoneses Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa.

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Este espacio superpuesto se localiza en uno de los boroughs más antiguos de Nueva York: Manhattan. El eclecticismo del área, mezclado con el propósito principal de la construcción, produce una especie de movimiento visual que surge del subsuelo. Su fachada está recubierta por paneles de aluminio similares al nido de abeja, diseñados especialmente para permitir el paso de la luz y la acentuación de los volúmenes. Detrás de este patrón se encuentran las ventanas, reforzando el dinamismo del edificio, cuya apariencia cambia según la luz que recibe, ofreciendo desde su interior, momentos de la vida neoyorkina al visitante.

En el New Museum el entorno mismo propone arte contemporáneo. Recorrer cada una de sus salas promete al espectador instantes sucesivos desbordados de cultura.

Todas las imágenes cortesía New Museum, New York Visita newmuseum.org

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BIENAL C O M U N I C A C I Ó N, U N C O L E C T I VO D E D I S E Ñ O. Su filosofía Working Rocking está basada en el principio de “ trabajar en algo que amas y vivirlo las 24 horas del día” .

Fundada en el año 2006, en Mérida Yucatán, Bienal Comunicación se destaca como un colectivo unificador de creatividad y buenas ideas. Al talento de su equipo de trabajo se suma el de colaboradores externos de gran experiencia y trayectoria en arte, curaduria, diseño, estilismo, arquitectura, interiorismo, entre otras disciplinas.

Bienal desarrolla conceptos visuales globales que incluyen el nombre comercial de la marca, la identidad, la campaña publicitaria y el plan de medios; participando con acciones y estrategias, en la construcción de la experiencia de marca.

*Textos e imágenes cortesía Bienal Comunicación.

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Fotografía: Arq. David Cervera Cortesía Bienal Comunicación

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Con trabajo auténtico y honesto, Bienal Comunicación ha logrado que sus clientes confíen en el poder del diseño para conseguir éxitos creativos y comerciales.

Rice Now - Sushi Delivery.

Naming y diseño realizado por Bienal Comunicación.

Mención honorífica, Premio Quórum 2013.

Lavalle + Peniche Despacho mexicano de arquitectura y diseño.

Identidad corporativa realizada por Bienal Comunicación.

Proyecto finalista de los premios Brand Impact de la revista Computer Arts. Próximamente este proyecto será publicado en Inglaterra, en el libro Brand Impact Book, editado por la misma revista.

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Sarur Arquitectura Firma de arquitectura y dise帽o de interiores.

Identidad corporativa realizada por Bienal Comunicaci贸n.

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Identidad gráfica para: JCZoreda Arquitecturartesanal, MUARO / Museo del Árbol Rotario y Gran Museo del Mundo Maya.

Producción fotográfica de moda para la marca Ábito inspirada en On The Road de Jack Kerouac.

Bienal Comunicación · bienal.mx · facebook.com/BienalComunicacion · twitter.com/BIENALmx

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36days es un proyecto abierto a la participación global.

Ya seas diseñador, fotógrafo, ilustrador o simplemente un curioso apasionado de la tipografía, este reto es para ti.

La idea inicial de Rafa Goicoechea era crear diferentes series de alfabetos completos, desarrollando una letra o número por día durante 36 días consecutivos; el reto personal adquirió otra dimensión cuando su colega Víctor Bregante, le propuso lanzar una convocatoria abierta a todo aquel interesado en hacer suyo el reto de 36 días, compartiendo a través de Instagram sus creaciones tipográficas.

Siguiendo el calendario propuesto por Rafa Goicoechea y con los hashtags #36daysoftype para inscribirse y #36days_letra/numero para identificar la letra y día al que corresponde, el proyecto es una realidad con la participación de personas de todo el mundo.

Rafa Goicoechea es un diseñador, radicado en Barcelona, especializado en identidad visual, tipografía, dirección de arte y diseño editorial.

Con información e imágenes de 36daysoftype.com

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La impresión 3D cobra cada vez más fuerza. No salimos del asombro, desde objetos de uso cotidiano hasta prótesis o implantes, incluso la construcción completa de casas habitación; cada noticia activa la imaginación y las posibilidades se vuelven infinitas.

En el mundo del diseño, sus aplicaciones, usos y móviles, son múltiples. En cuestión de tipografía, se desarrollan proyectos de gran complejidad y estética, algo que Ben Johnston y Mark Simmons experimentaron recientemente al unir su talento, habilidades y conocimientos en diseño gráfico y diseño de productos, para construir esculturas tipográficas en 3D. El primer reto fue realizar el diseño tipográfico,

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tarea que estuvo a cargo del experto en el área, Ben Johnston. Los siguientes pasos, ejecutados por Mark Simmons, fueron perfeccionar los diseños en formato vectorial para crear los modelos en 3D y hacer los renders en Autocad para posteriormente llevarlos al plano físico con la ayuda de una MakerBot Replicator 2, una impresora 3D que trabaja con PLA, un termoplástico biodegradable, ligero y fácil de utilizar para impresión 3D.

Debido a las dimensiones de la impresora, decidieron que cada escultura estaría compuesta por tres piezas. Para su impresión, emplearon cincuenta horas por escultura.

Las imágenes son de Ben Johnston y Mark Simmons.

Para más información visita: behance.net/benjohnston y behance.net/marksimmons

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Estudio mexicano dedicado al desarrollo de software, videojuegos, aplicaciones móviles y desarrollo web, presenta Take your Time.

Por Daniela Trujillo

Meses atrás, platicando con uno de los chicos de Bromio, me contaba sobre sus planes para desarrollar un juego, metas que parecían lejanas, sobre todo pensando en el tiempo que algunos estudios se toman para consolidar proyectos. Pero cuál fue mi sorpresa, antes de lo esperado el juego estaba listo para darse a conocer.

Take your Time salió a la venta el 26 de febrero del 2014, inspirado por la frase del escritor William S. Burroughs: "Every gunfighter has his time", y en homenaje a El Topo y La Montaña Sagrada de Alejandro Jodorwsky. El juego está disponible en Google Play para cualquier dispositivo con Android y en el App Store para iPhone y iPad. Su estética visual es una mezcla de artes textiles de los pueblos indígenas de las Américas y gráficos de 8 bits, todo esto envuelto en una banda sonora al más puro estilo de los clásicos del spaghetti western.

En Bromio, trabaja un grupo de jóvenes mexicanos, que desde la hermosa ciudad de Puebla, se están comprometiendo a generar productos de alto contenido estético, promoviendo la colaboración entre desarrolladores de diversos perfiles y buscando experiencias lúdicas y académicas para el usuario.

Take your Time promete retar tu mente y reflejos, es el primer juego desarrollado por Bromio, así que no les perdamos la pista, seguramente pronto tendremos novedades.

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La Expo Movie Posters llegó a su tercera edición, una vez más WeEatDesign y Cairo Cinema Café invitaron a diseñadores residentes de la ciudad de Mérida, México, a realizar su propia versión de un poster promocional o alusivo a su película favorita.

Como cada año la respuesta a la convocatoria fue muy buena y las propuestas muy originales.

Si aún no te enteras de qué va esta expo, te invitamos a visitar sus redes sociales y conocer los posters y diseñadores participantes. expomovieposters.com instagram.com/expomovieposters twitter.com/expomovieposter

El Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror Mórbido Mérida, anunció las fechas para celebrar su quinta edición. Como cada año, se preparan estrenos estatales y nacionales de cintas mexicanas y de todo el mundo, además de concursos, talleres, conferencias, entre otras actividades que formaran parte de la cartelera del festival del 10 al 14 de diciembre de 2014.

Las convocatorias para los concursos de cortometraje y cuento universitario ya están publicadas, para conocer los detalles visita los siguientes enlaces: zombiewalkmerida.com facebook.com/morbido.merida twitter.com/morbido_merida

Si estás buscando dónde ver buen cine, Murmurante Teatro te espera con una muy buena opción: el Cine Club de la México, un nuevo proyecto de la agrupación dirigida por Juan de Dios Rath y Ariadna Medina, apoyado por Conaculta y Sedeculta. El Cine Club de la México proyecta películas de diversos géneros todos los jueves, integrando a su programa una vez al mes, los jueves universitarios, para proyectar y apoyar producciones locales realizadas por estudiantes. El cine club se encuentra ubicado en calle 9 número 71 entre 20 y 18 de la colonia México Norte, su coordinador es Mario Galván. Para más información visita: facebook.com/MurmuranteTeatroAC twitter.com/MurmuranteT

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INTERSTICIOS - Instalación Selección de la VI Bienal Nacional de Artes Visuales Yucatán 2013 “Nosotros (la indivisa divinidad que opera en nosotros) hemos soñado el mundo. Lo hemos soñado resistente, misterioso, visible, ubicuo en el espacio y firme en el tiempo; pero hemos consentido en su arquitectura tenues y eternos intersticios de sinrazón para saber que es falso.”

Jorge Luis Borges, Avatares de la tortuga, Obras completas.

Intersticios de Hernán Medina Ceceña, es una metáfora del mundo. Lo estable es inestable. La pieza es un cubo flotante y abierto definido por elementos mínimos, lleno de espacio, de vacío; como amplificar la estructura de una roca para ver lo llena que está de intersticios. La instalación enfatiza el carácter constructivo –fabricado– del mundo, o de lo que creemos que es el mundo y su carácter cambiante. El cubo se conforma a partir de planos homogéneos de puntos suspendidos. Los planos, flotando uno sobre otro, como niveles de un edificio, definen su volumen. Los intersticios se intensifican por medio de luz, ésta arroja una imagen transformada de la pieza sobre el piso: la huella de su vacío y sus elementos. La perspectiva, la posición del ojo del espectador, modifica la pieza mezclando los puntos de cada plano de infinitas maneras, transformando así una estructura que aunque siempre es la misma para nuestros sentidos, nunca es igual.

La pieza consta de cinco planos horizontales de 2.60 x 2.60 metros, cada uno conformado por un patrón homogéneo de discos negros separados 0.20 metros uno del otro. Cada plano se encuentra suspendido sobre el otro a una distancia de 0.65 metros, así se define un volumen de 2.60 x 2.60 x 2.40 metros suspendido a 0.60 metros del piso.

Materiales: Discos de trovicel negro, hilo negro, plomadas, reflector led.

Hernán Medina Ceceña (Mérida, Yucatán, 1970). Arquitecto por la Universidad Autónoma de Guadalajara, con cursos de pintura, creatividad, y artes visuales. Ha prticipado en múltiples proyectos arquitectónicos, como laboratorios, complejos deportivos, oficinas y casas habitación; y ha sido docente en las escuelas de arquitectura de la Universidad Autónoma de Yucatán y la Universidad Modelo.

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Información e imágenes cortesía Hernán Medina Ceceña.

La instalación Intersticios se encuentra en exposición en el Centro de Artes Visuales (CAV) Calle 60 #411 por 45 y 47 Centro, Mérida, Yucatán.

Abierto de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas

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Habanero, acrílico sobre tela.

60 x 100 cms. Samuel Barrera, 2008.

Samuel Barrera

Artista visual especializado en pintura.

(Mérida, Yucatán, 1967) Licenciado en Derecho, con una carrera de más de quince años en Artes Visuales. Fue miembro durante cinco años de la galería Blue Spiral 1 en Asheville, Carolina del Norte y del Jardín del Arte A.C. en la Ciudad de México por tres años.

Es fundador y miembro honorario del Corredor Internacional del Arte, Paseo de Montejo en Mérida, Yucatán. Cuenta con cinco exposiciones indiviuales y más de veinte colectivas.

Visita samuelbarrera.com

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Haner贸ptero, acr铆lico sobre tela. 100 x 51 cms. Samuel Barrera, 2013.

Xcatick, acrílico sobre tela. 60 x 100 cms. Samuel Barrera, 2008.

Al Chile! Acrílico sobre tela, 50 x 100 cms. Samuel Barrera, 2009.

Primer lugar del concurso de pintura de la Convención Mundial del Chile.

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Menjurje Informático, acrílico sobre madera antigua reciclada con marco de hierro, 61 cms. de diámetro. Samuel Barrera, 2013.

Políglota (Perro ladrando en varios idiomas) Acrílico sobre madera antigua reciclada con marco de hierro, 61 cms. de diámetro.

Samuel Barrera, 2013.

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Lenguaje florido, acrílico sobre madera antigua reciclada con marco de hierro, 61 cms. de diámetro. Samuel Barrera, 2013.

El secreto, acrílico sobre madera antigua reciclada con marco de hierro, 61 cms. de diámetro. Samuel Barrera, 2013.

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Fotografía - Salvador Compañ Body Paint - Aldo Islas El estilo de Aldo es una oda a la contradicción del discurso e imagen, obscuro e irreverente a ideas crudas pero a su vez un festejo a través de los colores y luces que aplica en sus respectivas obras. Un trabajo visual donde mayormente logra conjugar la cultura del siglo XXI, lo masivo y lo techno del hombre y la naturaleza.- Manu Vázquez Salvador Compañ usa la fotografía como herramienta de la memoria; gusta del fuerte contraste de colores, el erotismo y la belleza particular de cada persona a quien retrata. [salvadorcompan.tumblr.com]

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YUCA - TECH: Energía hecha a mano, es un proyecto de Amor Muñoz (México, D.F., 1979) que busca aprovechar la energía solar en beneficio de la comunidad de Aké, municipio de Tixkokob, Yucatán.

Se trata de un laboratorio de tecnología comunitaria, donde el henequén y la participación colectiva, serán piezas indispensables para desarrollar tecnología artesanal con identidad.

“Es importante que las piezas realizadas trabajen con el sol y representen una mejora en la vida de la comunidad, deben tener un largo alcance, es decir, un beneficio comunitario: energía gratuita, acceso a crear tecnología propia, DIY, etc.”

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Amor Muñoz está buscando financiar este proyecto a través de una plataforma crowdfunding, si deseas apoyar visita fondeadora.mx/projects/yucatan-tech y yuca-tech.tumblr.com para más información.

Sobre Amor Muñoz: Estudié en la Facultad de Derecho de la UNAM y en la New Orleans Academy of Fine Arts. Actualmente mi obra explora la relación textil-tecnología, mostrando un especial interés en la interacción entre las formas materiales y el discurso social. Mi trabajo combina el performance y la electrónica experimental con medios más tradicionales como el dibujo y el trabajo textil. El resultado son obras que se insertan en el ámbito social y que generan experiencias colectivas que utilizan el arte como una plataforma reflexiva.

Todas las imágenes son del proyecto YUCA - TECH de Amor Muñoz amormunoz.net

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La Escuela Superior de Artes de Yucatán ESAY, cumple diez años de formar profesionistas, creadores, ejecutantes, críticos, investigadores, docentes especializados, promotores y administradores culturales, a través de las Licenciaturas en Docencia de la Danza Clásica, Licenciatura en Teatro, Licenciatura en Artes Musicales y Licenciatura en Artes Visuales. En el 2014 sumando a su oferta educativa, la Maestría en Producción y Enseñanza de Artes Visuales, la Maestría en Dirección de Escena y la Especialidad en Teatro de Títeres.

Desde su apertura en 2004 han egresado 220 estudiantes, 5 generaciones de las Licenciaturas de Música y Artes Visuales, 6 generaciones de Licenciados en Teatro y 3 de Licenciados en Educación Artística. Hasta el momento 107 han concluido con su proceso de titulación, 82 cuentan con cédulas profesionales y 25 se encuentran en trámite.

Además de cumplir con objetivos y proyectos académicos; premios, distinciones y actividades de extensión, complementan la formación de la comunidad ESAY: Artes Musicales -Cursos magistrales y Diplomados, impartidos por músicos y profesores de prestigio nacional e internacional.

-Proyectos artísticos en colaboración con diversas instituciones como Carnegie Hall, ProHispen, SEDECULTA y la Orquesta Sinfónica de Yucatán.

-Creación de Cuartetos de cuerdas y alientos; Quinteto de metales de la ESAY; Ensambles de jazz, Agrupaciones de música de cámara y la Orquesta Sinfónica “Gustavo Río Escalante”.

Centro Regional De Investigación, Documentación Y Difusión Musciales “Gerónimo Baqueiro Fóster” CRIDMM -Rescate de la obra de destacados compositores A lo largo de estos diez años, la ESAY se ha yucatecos como Gustavo Río Escalante y Efraín convertido en una formadora de artistas, Pérez Cámara. grupos e ideas que impactan en toda la actividad -Restauración de importantes documentos cultural del Estado de Yucatán, trabajando para la historia de la música de la región. también en el diseño y ejecución de programas -Publicación del Diccionario de la Canción de extensión cultural, orientados a la comunidad Yucateca. artística y a la formación de públicos.

-Creación de la Fonoteca “Ada Navarrete”.

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Artes Visuales -Diseño e implementación del Diplomado de Inmersión en las Artes (DIA).

-Participación en la Feria Internacional de la Lectura de Yucatán con la coordinación del Concurso “Cuéntanos la FILEY en imágenes” y mesas panel.

-Participación en la Feria Internacional de la Cultura Maya FICMAYA con la coordinación del Concurso de Arte Público “El Paisaje”.

-Creación del proyecto COCOM en colaboración con la galería FrontGround.

-Proyectos y exposiciones en colaboración con el Museo Fernando García Ponce-MACAY. -Premios, distinciones y apoyos económicos para miembros de la planta docente y alumnos seleccionados por su trayectoria y trabajo, a través de convocatorias y concursos locales y nacionales.

Centro de Investigación en Artes Visuales CINAV -Publicación de tres números de la Revista AV Investigación (Arte y Educación, Actualidades y Signos).

Artes Escénicas -Desarrollo del programa “Más arte, menos violencia” en colaboración con diferentes instituciones como el IMJUVE, la SEDECULTA, la SEGEY y el CEPREDEY. -Participación en la Feria Internacional de la Lectura de Yucatán con talleres, puestas en escena y mesas panel.

-Producción de obras de teatro en colaboración con la SEDECULTA y con la participación de estudiantes y egresados de la ESAY. -Celebración del Día Mundial del Teatro creando vínculos con otras instituciones dedicadas a la formación teatral.

-Edición del libro “Tres obras de teatro para la ESAY”, de José Ramón Enríquez, con trabajos que el maestro hizo especialmente para los estudiantes de la Licenciatura en Teatro.

Centro de Investicaciones Escénicas de Yucatán CINEY -Archivo público de acceso a diferentes evidencias de la actividad artística en el estado, que definen nuestra memoria colectiva en las artes.

-Acervos entre los que destacan: Teatro de títeres, videográfico, gráfico, bibliográfico, folletería y teatro comunitario.

-Fondos reservados: Ménalio Garrido, Ofelia Zapata “Petrona”, Héctor Herrera “Cholo”, Chato Duarte y Leopoldo Peniche Vallado.

-Edición del libro “Ofelia Zapata, ‘Petrona’, una vida dedicada al teatro regional”.

-Edición de 15 Gacetas Culturales.

-Edición de la revista de artes escénicas de la ESAY, “Proscenio”.

-Realización del encuentro “Miradas al Teatro Popular” en coordinación con la SEDECULTA, la SEGEY, la UADY y el CITRU. -Participación en la coordinación de coloquios organizados por la Licenciatura en Teatro de la ESAY. Educación Artística -Han egresado tres generaciones de licenciados en Educación Artística. La primera con sede en Mérida, Yucatán (18 egresados ), la segunda en San Luis Potosí (18 egresados) y la tercera en México DF en el CENART (20 egresados).

-Actualmente se imparte el Diplomado de Arte Terapia “Palabras en Movimiento” a cargo de los maestros Pina Jahrouss y Bernard Fontbute.

Programa “Arte y Contexto Andarte” -Presentación de espectáculos multidisciplinarios, creados de acuerdo a las etapas de desarrollo de los niños y jóvenes de educación básica y personas con discapacidad, en los que participan estudiantes y egresados de las licenciaturas de la ESAY, como parte de su experiencia formativa.

-Creación de vínculos y alianzas con las diferentes comunidades educativas, apoyando la formación de públicos y los derechos culturales.

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© Fotografía Andrés Iván Castillo Mengual.

“Concebimos Artes Visuales como una comunidad, nos une el propósito de aprender y enseñar arte.

Propositivamente pensamos que la diferencia entre maestros y estudiantes simplemente consiste en años de experiencia, equiparamos la actividad de enseñar con la de aprender. Desde el inicio la ESAY ha sido un proyecto de artistas y permanece como tal, a pesar de la consolidación institucional este aspecto se ha revalorado dentro de la misma estructura, son los artistas los que realmente generan la escuela.”

Saúl Villa Walls, director de la Licenciatura en Artes Visuales de la ESAY “No solo es seguir el plan de estudios, la actualización docente es para mi muy importante, las alianzas con otras instituciones, las exposiciones de los alumnos, las publicaciones, los artistas invitados, los talleres… todas estas rutas enriquecen mucho. Los artistas que estamos trabajando en la ESAY estamos al día de las nuevas teorías, tendencias, y diferentes formas de hacer arte, para poder estar todos en un mismo canal, pero claro, cada uno con sus ideas y propuestas, todos juntos vamos creciendo como cuerpo docente y eso tiene un resultado muy beneficioso para los alumnos.”

Vanessa Rivero Molina, profesora de la Licenciatura en Artes Visuales de la ESAY. “Antes en las exposiciones de artes visuales en Yucatán ibas y conocías a todos y algo que ha sido creo gracias a la Esay, es que ahora vas y no conoces a nadie y eso es buenísimo porque se ha creado una comunidad que está creciendo, ya no somos solo nosotros, ni los viejos artistas, si no que hay nuevos creadores, jóvenes desarrollando nuevas propuestas.”

José Fernández Levy, estudiante de la Licenciatura en Artes Visuales de la ESAY. “Con la apertura de esta institución hace una década, se cumplió el anhelo de la sociedad yucateca de tener una escuela de educación artística a nivel superior. El plan de estudios de la Licenciatura en Música ha sido muy bien recibido por la comunidad. Alumnos y ex alumnos, se han integrado de manera profesional a la Orquesta Sinfónica de Yucatán; tenemos egresados en otras ciudades, no solo haciendo estudios de posgrado si no también tocando con diversas orquestas; como creadores y compositores participan en todos los festivales importantes del país recibiendo comisiones, becas, intercambios...” Álvaro Vega Díaz, director de la Licenciatura en Artes Musicales de la ESAY. “La ESAY nos dio la oportunidad a un grupo de artistas de diferentes disciplinas de proyectarnos en cada una de nuestras áreas, pero también nos dio la posibilidad de aprender cada día en el salón de clases y la responsabilidad de formar. Pienso que estamos marcando pautas y estamos creciendo, nos estamos convirtiendo en una escuela madura con proyectos bien definidos.”

Dulce María Rodríguez, profesora de la Licenciatura en Música de la ESAY. “Tengo seis años estudiando en la ESAY, por decisión propia estudié hasta el cuarto semestre con el primer plan de estudios y retomé desde el inicio a partir de la creación del nuevo plan. Creamos la orquesta, como un compromiso ante el crecimiento cultural de nuestro estado. Estoy muy contento y agradecido de formar parte de esta comunidad, aquí nos enseñan y preparan para que actuemos como profesionales, no solo para ser un buen músico, si no también para ser un ejemplo para la sociedad.

Cuidando todos los detalles y perfeccionando nuestro trabajo, se que en poco tiempo vamos a dar competencia a nivel nacional.

Mahonri H. Abán Cabrera, director de la Orquesta Sinfónica “Gustavo Río Escalante” de la ESAY y estudiante de la Licenciatura en Música.

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“Nuestros egresados y estudiantes se han integrado al campo laboral muy rápidamente, son parte importante de los grupos artísticos más representativos del estado, incluso ellos mismos han formado sus propios grupos. Nuestro plan de estudios les ha permitido que se integren no solo como actores, si no como maestros y gestores de sus propios proyectos. En nuestra planta docente contamos con maestros de primer nivel que están aportando al desarrollo teatral y cultural del estado.” Xhail Espadas Ancona, directora de la Licenciatura en Teatro de la ESAY. “Empece a formarme en teatro, cuando todavía no había este tipo de opciones y oportunidades en Yucatán, yo me fui a estudiar a la Ciudad de México, en esa época solo había como opción salir del estado para poder formarse en esta área. Después de estudiar, trabajé en algunos proyectos y las noticias que me llegaban sobre Mérida eran de un gran crecimiento y desarrollo en las artes, de impulsos y necesidades de los creadores, que llevaron a la fundación de esta escuela. Fue sumamente atractivo regresar al estado para mi desarrollo profesional; la escuela ha venido a cubrir una gran necesidad de gente que quiere estudiar y quiere profesionalizarse y está propiciando un movimiento bastante interesante a nivel cultural y artístico en el que se involucran no solo los estudiantes y egresados, si no también gente de gran trayectoria que ha estado picando piedra desde la práctica. Hay mucho por construir, pero hay grandes bases y logros, efervescencia, diálogos, generación de niveles más altos de calidad. Miguel Ángel Canto, profesor de la Licenciatura en Teatro de la ESAY. “Yo vengo de Tijuana, desde que llegué y hasta ahora, siento que han habido muchos cambios, cuando me asomo a los resultados de las becas y convocatorias, me doy cuenta de que Yucatán tiene una presencia muy importante; los maestros también han madurado, hay bases más solidas y cuentan con más herramientas y experiencia para transmitir a los estudiantes.”

Erick Silva Jiménez, estudiante de la Licenciatura en Teatro de la ESAY.

“Mis sentimientos son compartidos por toda la comunidad de Danza, satisfacción, orgullo, logro. La escuela de danza inició con un diplomado, después de unos años era primordial para nosotros más que preparar ejecutantes preparar docentes. Somos de las pocas escuelas a nivel nacional con este programa.”

Nancy Lujano, profesora de la Licenciatura en Docencia de la Danza Clásica.

“Aunque en Yucatán existen muchas academias de danza, nosotros queremos formarnos como docentes, profesionalizar la danza para consolidar bailarines con proyección nacional e internacional.”

Lizzie Arias, estudiante de la Licenciatura en Docencia de la Danza Clásica.

“Puedo decir orgullosamente, que estuve sentada hace doce años en la mesa donde se habló por primera vez de la Escuela Superior de Artes de Yucatán, por lo que para mi, es un honor y un privilegio ser parte de esta escuela, de su crecimiento y de su desarrollo.

La Licenciatura en Educación Artística vino a cubrir la necesidad de artistas con muchos años de trayectoria que no contaban con una licenciatura, hasta ahora han egresado tres generaciones, una en Yucatán, otra en San Luis Potosí y la tercera en México DF. Me emociona el poder ser parte de esta experiencia, ver a la ESAY cumplir diez años es una satisfacción, mi agradecimiento a todos los que han hecho que este proyecto camine. Ligia Barahona Castro, actriz, coordinadora de la Licenciatura en Educación Artística y profesora de voz de la Licenciatura en Teatro de la ESAY.

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“No soy artista pero respeto y admiro a los artistas, para mi ha sido muy interesante acompañarlos durante estos últimos seis años trabajando para lograr transparencia administrativa, apoyando a los estudiantes en todo su proceso académico, proporcionando toda la información que necesitan para obtener becas, constancias y todo lo necesario para que cuando egresen puedan completar su proceso de titulación y la expedición de su cédula profesional.” Glenna Kantún Martínez, Servicios Escolares de la ESAY. “Para mi lo que ha fortalecido y ha hecho crecer a la ESAY son las alianzas con las distintas instancias, una de las fundamentales es con la Secretaría de Educación, una alianza de cómplices, desde donde se han generado muchos de los proyectos de extensión que cada licenciatura tiene, uno de los más importantes para mi es el programa Andarte que forma parte del banco de programas del gobierno de estado y que nos permite participar a nivel gobierno, acercar a los niños al arte y la formación de públicos desde temprana edad.”

Eva Velázquez, coordinadora Proyectos de Extensión de la ESAY. “Las mayores fortalezas de la ESAY son la conciencia de ser una comunidad; los maestros que trabajan aquí son artistas, productores artísticos, creadores, ejecutantes, que además han asumido esta parte del trabajo académico y la enseñanza de las artes; la comunidad de estudiantes que tiene su discurso personal, sus búsquedas y que aceptan este diálogo con la experiencia y trayectoria de sus maestros; la parte académica, el orden y la transparencia administrativa en la que creemos y hemos trabajado y la fuerte vinculación con otras instituciones como la Secretaría de Cultura, la Secretaría de Educación, el Ayuntamiento, con quienes desarrollamos actividades conjuntas con la intención de tener una intervención social que genere públicos, que haga percibir a las comunidades de las colonias y otros municipios esta posibilidad del arte.

Finalmente reconocer que a donde nos lleve el tiempo, es una visión compartida de una comunidad pero también de un gobierno y que a diez años, creemos todos, que ha valido la pena, ‘y falta lo más hermoso todavía’, como escribiera en Orinoco, Emilio Carballido.”

Beatriz Rodríguez Guillermo, Directora General de la ESAY.

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Escuela Superior de Artes de Yucatán Calle 55 núm. 435 entre 48 y 46 Centro, Mérida, Yucatán.

Tel. 9301490 www.esay.edu.mx Convocatorias abiertas: -Maestría en Producción y Enseñanza de Artes Visuales.

-Maestría en Dirección de Escena.

-Especialidad en Teatro de Títeres.

Garrapatas

Internet es para nosotros, una poderosa herramienta que nos permite establecer redes de colaboración, intercambio de conocimiento y generar contenidos editoriales con los que buscamos dar mayor impulso y difusión al arte y la cultura.

Hace exactamente un año, comenzamos a intercambiar uno que otro correo electrónico con Roger Omar, curador y editor mexicano, que desde España nos escribía para contarnos de la presentación de Garrapatas, la edición número 18 de una serie de desplegables que reúnen sueños ilustrados. Publicados con el sello de 6dreams, estos acordeones de papel se originan siempre como un juego: un viaje a cualquier ciudad, la participación de niños locales (los soñadores) y la interpretación libre que de sus sueños hace un dibujante invitado. Cada título de la serie está dedicado a la ciudad donde los sueños fueron escritos, de modo que se trata de sueños con denominación de origen.

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No fue casualidad ese primer correo de Roger Omar, Garrapatas recoge los sueños de seis niños yucatecos ilustrados por Mik Baro, cuyo trabajo ha formado parte de los contenidos de ORIGAMA® en ediciones anteriores.

Tras una calurosa cosecha de sueños realizada en Mérida, Yucatán, en mayo 2007, Mik recibió el reto de ilustrar seis, creando un personaje como hilo conductor para unir los diferentes sueños en una secuencia. Además de las ilustraciones, debía encargarse de la maquetación y la preparación de los archivos para impresión.

Garrapatas presenta los sueños en 3 idiomas: español, inglés y maya. La medida del acordeón extendido es de 10 centímetros de alto x 50 centímetros de ancho. En una de sus caras aparecen cinco sueños ilustrados, y en la otra cara los textos en castellano y sus versiones en maya e inglés, los créditos, la portada, y el sexto sueño.

El infierno, la naturaleza, la propiedad y el abandono… son algunos de los temas que inquietan a los niños yucatecos mientras sueñan.

Los sueños ilustrados forman parte de la colección "elmonstruodecoloresnotieneboca", iniciada por Roger Omar en el 2002. Hasta la fecha han participado cerca de 260 dibujantes ilustrando los sueños de niños y niñas de ciudades de Brasil, Cuba, México, Alemania, España, Israel y Francia.

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GARRAPATAS 6 Sueños de niñas y niños de Mérida, Yucatán.

Soñé que iba en una bicicleta y de repente vi a un perro sucio que tenía garrapatas, y aparte no tenía dueños. (Paola) Soñé que tenía un perro y jugaba con él, y vino mi papá y me lo quitó para venderlo. (Mauricio) Mi sueño trató de esqueletos que mataron a humanos, pero una luz salió y con fuego acabó con lo oscuro y el mal. (Daniel) Soñé que estaba en el infierno y que el diablo tenía a mi mamá y a mis hermanos, que los quería matar, y a mí igual. (Anónimo) Soñé que estaba en una isla de monstruos y después se me apareció un monstruo y corrí rápido y me subí a un árbol y se fue el monstruo y me bajé del árbol. (Fernando) Soñé con un paisaje como éste. (Viridiana)

#18 GARRAPATAS Seis sueños escritos por niñas y niños en Mérida (Yucatán, México) / Mayo 2007. Recogidos por Roger Omar © Dibujados por Mik Baro.

Agradecimientos a Hernán Berny, Sasil Sánchez Chan, Fidencio Briceño, Álvaro Domínguez, Fátima Tec, Juan Ramón Chan, Teresita Cano, Beatriz Rubio, y a las escuelas Manuel Sarrado y Josefa Ortiz de Domínguez.

Traducción de los sueños al Inglés por Jénnifer Ádcock y al Maya por Flor Canche.

6dreams.tumblr.com www.elmonstruodecoloresnotieneboca.com mikbaroblog.blogspot.com elmonstruodecolores@gmail.com

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TICKS 6 Dreams written by children in Mérida, Yucatán.

I dreamed that I was riding a bicycle and suddenly I saw a dirty dog that had ticks, and apart from this it didn’t have any owners. (Paola) I dreamed that I had a dog and played with it, and my dad came and took it away from me to sell it. (Mauricio) My dream was about skeletons that killed humans, but a light appeared and with fire it defeated darkness and evil. (Daniel) I dreamed that I was in hell and the devil had my mum and my brothers and sisters, he wanted to kill them, and kill me too. (Anonymous) I dreamed that I was on an island of monsters and afterwards a monster appeared and I ran quickly and I climbed a tree and the monster left and I climbed down the tree. (Fernando) I dreamed about a landscape like this. (Viridiana)

PEECHO’OB 6 U náayo'ob mejen paalal tho'ilo'ob, tu lu'umil Yucatán.

Tin náaytaj tin bin ti’ in bicicleta ka tin wilaj jun túul nixi’ peek’, táaj éek’, chuup yéetel peech, xíimxíimbal peek’. (Paola) Tin náaytaj yaan in walak’ peek’, tin báaxal bin yéetele’ ka taal in yuum ka tu báaj tokajtene’, ka tu konaj. (Mauricio) Tin náaytaj tin wilaj k’ak’albaakelo’ob tu kíinsiko’ob máak, ba’ale’, jáan jóop jun p’éel k’áak’, ka tu xu’ulsaj le éek’joch’e’enilo’, ka xu’ul xan le k’aaso’. (Daniel) Tin náayaj mitnal yanen, tin wilaj jeest’k’ata’an in na’ tumen le kisino’, u ch’uyk’axmaj xan in wíits’ino’ob, taak u kíisiko’ob, taak xan u kíinsiken. (Ma’ k’aaba’il) Tin náaytaj ti’ yanen ti’ jun p’éel kúuchil tu’ux yaan k’ak’aswáayo’ob, ts’o’okole’ ka jáan tíip’ teen jun túule’, ka ts’it in wáalkab, ka jáan na’aken k’abche’.

Bin le xlaa’ ba’alo’, ka éemen. (Fernando) Tin náaytaj jun p’éel tu’ux bey jats’ila’. (Viridiana) *U máansat’aanil, Flor Canche.

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Póster promocional realizado por Mik Baro, a partir del sueño de Adrià (S´Aranjassa, Mallorca. España).

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#BIComun Tixcacalcupul (09) Cambio de latitud, experiencias compartidas Por Adela Vázquez Veiga Vivir durante casi dos meses en un lindo pueblito de nombre Tixcacalcupul, situado a 20 minutos al sur de Valladolid en la carretera que camina hacia Carrillo Puerto, fue una de las experiencias más bonitas de nuestras vidas. Hablo por dos, porque así lo compartimos Llorenç y ésta que escribe.

De manera natural y con muchísimas ganas de convivir, aprender, relacionarnos y hacer amig@s, las transmisiones de conocimiento entorno a la cultura del pueblo y del territorio, se sucedían día a día.

Historias, cuentos, leyendas, patrimonio inmaterial, pasado, presente, futuro… cariño, mucho cariño.

El proyecto BIComún surge hace un año en Galicia a partir de necesidades múltiples entorno al patrimonio, pero sobre todo entorno a varias preguntas: ¿a quién pertenece la toma de decisiones sobre el mismo?, ¿cuáles han sido las acciones de la administración en el pasado, desde el presente y con vías a futuro?, ¿en qué grado participa la comunidad?, ¿cómo conservarlo?, ¿cómo valorarlo?, ¿cómo reutilizarlo?. Un patrimonio que supuestamente “es de tod@s” y, retomando la cita de Antonio Lafuente, “a la vez no es de nadie”.

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BIComún es una categoría mancomunada de protección patrimonial liberada en la red por Niquelarte (Asociación Cultural y ONGD que nace en Galicia en el año 2010). Tiene una finalidad expansiva, libre y simbólica: lo que denominamos como “permacultura patrimonial”, un semillero para plantar en pueblos, aldeas, ciudades, periferias del que, de manera colectiva, la comunidad se empodere para su gestión, pero también para establecer procesos reales y acciones entorno a cómo hacer viable esta categoría que se encuentra en una “zona temporalmente autónoma”. Más allá de ese patrimonio gestionado por las administraciones públicas, el estado y valorar cómo generar esos cambios, esa colaboración y, sobre todo, la participación ciudadana en voz, voto y toma de decisiones. Necesario valorar y escuchar cuáles son los criterios, los cuales no marca la administración, ni tampoco el estado, ni los conservadores o gestores, sino la ciudadanía que vive y se preocupa por aquello que está ahí, en su territorio.

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El noveno bicomún tuvo lugar en México el 2 de marzo de 2014. Un cambio de latitud considerable que venía con muchas ganas, aquellas que ya desde Galicia se pensaban, se sentían. Y además fue simultáneo con otro bicomún que venía de la mano de nuestros amig@s y compañer@s de proyectos, Underground Arqueología, en Malpartida de Cáceres (España).

De esta vuelta, las actividades vinieron acompañadas de dos días previos de salidas con los alumn@s de preparatoria de la COBAY, que guiaron el Reconocimiento Patrimonial con aprendizajes, conversaciones, preguntas compartidas y mucho conocimiento, juegos, risas. Y entre tanto cartografiaban los lugares y llenaban las fichas en relación a la tipología (arqueológica, natural, antropológica), sobre un mapa analógico en el que la silueta de Tixcacalcupul, se delineaba en negro bajo tags en lengua maya.

El domingo, día de reunión de la comunidad religiosa, la galería patrimonial llenaba las paredes de la iglesia con imágenes recogidas en el pueblo y, otras, cedidas por Joselino Mis Puc. El cenote, la milpa, el urdido, los bordados, la lengua, la cocina de leña, la casa maya, la casa colonial, Juan Cupul, el Cristo San Román, Santiago Apóstol, el pozo de agua, el altar de tres cruces, fueron algunos de los bienes comunes escogidos para el diagnóstico junto a Doña Pilar, su hermana María, la familia Mis Puc o la familia López Kan. Las preguntas variaban con respecto a otras experiencias, traducidas al maya para que todos pudiesen participar libremente. Y unas pegatinas de colores colgadas en el hilo que sostenía los carteles, para que los niñ@s tuviesen libertad de interactuar. Y así fue, y la cartulina en blanco que pedía a gritos otros bienes no contemplados en la galería, se llenó sin dejar espacio en blanco; y las pegatinas llenaron los carteles, perdiendo por momentos el sentido metodológico y recordándonos la importancia del juego. Mientras, una señora besaba la foto del altar de tres cruces; Jenny abrazaba mi pierna e Ingrid se acercaba a pedir más fanzines de Maymula…

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Vídeo de Gabriel Domeq en vimeo.com/88168695 Fotografías de Beatriz Calero para #bicomun.

Las imágenes de Beatriz Calero se mueven en un teatro mágico, vivo, perceptible, sensorial, imaginario. Ha retratado a BIComún como nadie lo había hecho. Ha captado #esencias, #paisajes, #convivencias, #sonrisas, #amistades, #honestidad, #cariño, #conocimiento, #patrimonio, #participación, #aprendizaje, #comunidad beatrizcalero.blogspot.com Gracias al INAH Yucatán y restauradoras Claudia Ocampo, Natalia Hernández Tangarife y Mafer Escalante por permitirnos colaborar con #bicomun en el proyecto, y por el apoyo. En especial a Beatriz Calero y Gabriel Domecq por acompañarnos durante los tres días de actividades, por la amistad y el maravilloso material audiovisual. A Joselino, amig@s, jóvenes de la prepa, niñ@s de Tixcacal, Doña Pilar, Doña María, Severiana, un sinfín de personitas que cuidan y mantienen vivos esos bienes comunes y que han participado con alegría, entusiasmo y mucha sabiduría. bicomun.niquelarte.org

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GESTIÓN Y MARKETING CULTURAL ¿POR QUÉ ES IMPORTANTE EL MARKETING PARA LAS ARTES? Entrevista con Raúl Ramos Monzón Invertir en la formación es de las iniciativas que más nos entusiasman y cuando se suman diferentes instancias a la causa, suceden grandes cosas. El año inició ofreciendo muy buenas alternativas de profesionalización en el campo de la industria cultural. Con el apoyo de CONACULTA, el Ayuntamiento de Mérida, la Universidad Modelo y la agencia de vinculación artística y cultural, AFORO, presentaron el primer Diplomado en Gestión y Marketing Cultural a impartirse en nuestra ciudad.

Como primer acercamiento se realizó el “Seminario sobre Gestión Cultural en las Ciudades Contemporáneas”, que incluyó conferencias y talleres en el marco del Mérida Fest. Uno de los conferencistas, que posteriormente abriría el primer módulo del diplomado, fue Raúl Ramos Monzón, socio director de Asimétrica, con quien platicamos sobre su experiencia.

ORIGAMA: Para familiarizarnos con Asimétrica y específicamente con tu trabajo, cuéntanos brevemente sobre este proyecto.

Raúl Ramos Monzón: Somos una consultoría que nace en 2010 en Madrid, apasionada por comprender al público de las artes y la cultura.

Nos interesa conocer sus motivaciones, sus comportamientos, sus actitudes frente a las artes.

Dónde encuentran el valor de la experiencia y dónde ese valor se escapa. Pensamos que la cultura es algo que enriquece enormemente la vida de las personas. Nos gusta ayudar a aquellos proyectos, espacios e iniciativas que busquen ofrecer propuestas artísticas llenas de significado para el público, relevantes en sus vidas. También aquellas que persigan conocer el impacto de lo que hacen para mejorar con el tiempo. Creemos que acceder o participar en las artes es algo fantástico para desarrollar nuestra 50

capacidad crítica y sensibilidad, condiciones esenciales para la formación y el crecimiento como personas y como comunidad.

O: ¿Cómo llegas a Mérida?

RRM: Llego a Mérida precedido de un viaje al Festival Cervantino de 2013, donde fui invitado por el FONCA para hablar sobre la importancia del desarrollo de audiencias y la búsqueda de modelos de gestión y relación con el público más estrechos y duraderos. Ahí, coincidí con Ana Ceballos de Aforo Gestión Cultural, quien me ofreció la posibilidad de venir a Mérida para contribuir con una ponencia en el Merida Fest a explicar el por qué es importante el marketing para las artes. Ojalá encontremos nuevas oportunidades para regresar con otros ponentes a abordar este tema tan complejo y apasionante al mismo tiempo.

O: También estás en la plantilla docente del primer Diplomado en Gestión y Marketing Cultural que se imparte en la Universidad Modelo. ¿Cómo te preparaste para ello? ¿Qué tan diferente es el panorama cultural y las dinámicas de trabajo de Mérida en relación con las de tu ciudad de origen?

RRM: Siempre preparo mis sesiones a conciencia.

Desde el Diplomado me facilitaron con antelación el listado de asistentes al curso. Me encontré con artistas, emprendedores, espacios estables de teatro y danza, compañías independientes. Fue fantástico. Desde galerías de arte a Festivales de Cine de Terror. Un reto que no podía rechazar.

En cuanto a las dinámicas de trabajo, estas no difieren tanto de las que nos encontramos en España, si bien es cierto que el modelo de financiación de los proyectos en México, es bien distinta, mucho más centrada en la transparencia y la igualdad de acceso a las ayudas públicas, que en la calidad artística de las propuestas o el impacto de estas en el entorno. Esto me ha hecho pensar mucho sobre el propio sistema de ayudas español, donde existen figuras interesantísimas para México como los créditos blandos, las ayudas reintegrables a partir de un retorno determinado, o la condición de tener que ponerse de acuerdo entre varias regiones para acceder a proyectos de cooperación y distribución de espectáculos. Todas ellas importantes para la salud del sistema.

O: Estuviste en contacto con gran parte de los creativos y mentes detrás de la oferta cultura de la ciudad, ¿cómo sientes su nivel de profesionalización y cuáles son las principales “carencias” en las que se debe trabajar?

RRM: Desde mi punto de vista, en el poco tiempo que estuve en contacto con los artistas, políticos y financiadores de la cultura en Mérida, la mayor de las carencias es la falta de conocimiento sobre el impacto de la acción cultural. Más allá de unas estimaciones sobre el público que asiste a estos eventos, poco se sabe del público. Existe gran sensibilidad desde el Ayuntamiento en favorecer

la diversidad de la oferta con calidad artística, promover el acceso, no sólo de Mérida, sino de las comunidades del entorno, buscar buenas prácticas que profundicen en el desarrollo cultural de las regiones rurales, explorar vías para la experimentación entre distintas disciplinas artísticas, hacer un uso del espacio público sostenible y aprovechado por la propia comunidad para hacer arte. Todo ello, a mi juicio, en valde, si cada año deben “comenzar de cero”. Hace falta medir lo que se hace para establecer objetivos razonables y alcanzables. ¿Si no sabes donde estás, cómo vas a establecer objetivos razonables?

O: Mérida está viviendo un cambio importante en la forma en la que se viene produciendo, difundiendo y gestionando el arte y la cultura. ¿Cómo te sientes de ser parte de este cambio?

RRM: Desde todos los niveles de la gestión cultural, el cambio se está produciendo progresivamente. Mérida es una ciudad vibrante, llena de creatividad, color, sonido, aromas.

Pensamiento, dolor, esperanza, imaginación. La revolución es imparable. No creo que haya iniciado ninguna chispa. Ya estaba aquí cuando llegué. La cuestión es saber qué rumbo tomará y a qué velocidad.

O: ¿De qué manera ha cambiado esta experiencia tu proceso de trabajo? ¿Te llevas algo del grupo con el que te ha tocado trabajar?

RRM: Me llevo mucho. Viajar siempre me hace reflexionar sobre el propio modo de gestionar las cosas que tenemos en España. En ocasiones me refuerza en los pilares establecidos en las políticas culturales españolas y en ocasionas lo hace tambalear. El grupo de alumnos del diplomado ha sido espectacular. Profesionales hambrientos de conocimiento y sobre todo de “sentido práctico” de la gestión para dar pasos adelante en el conocimiento y la puesta en práctica de técnicas y estrategias de relación con el público más avanzadas y que dejen “inteligencia” en las organizaciones año tras año.

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O: A nivel mundial ¿cuáles son las tendencias actuales? ¿Hacia donde van los modelos de gestión cultural?

RRM: En Europa, que es el contexto que conocemos mejor, hay una tendencia generalizada a disponer de menos medios y financiación pública para la cultura. Y esto es algo que tarde o temprano llegará a México.

Vemos organizaciones que se preparan mejor para ser más “resistentes” a los cambios en los hábitos de consumo de cultura. Ser más sostenibles y más autosuficientes. Y han descubierto, que el patrocinio privado no es su solución. La clave está en el público. Sin público no habrá patrocinadores, no habrá agentes clave, ni fondos para innovar en la manera de presentar el arte en la comunidad. Hay de todo, según el contexto de cada territorio, pero vemos algunos aspectos coincidentes:

O: ¿En qué otros proyectos te encuentras participando actualmente y a través de qué ligas se puede conocer más sobre tu trabajo?

RRM: En la actualidad, estamos colaborando

recortando costes, sino añadiendo valor a la experiencia cultural a fin de obtener nuevas formas de ingreso.

desarrollo de un modelo de gestión basado en los datos del público. Un modelo que les permita hacer mejor política cultural, reconocer donde están las oportunidades y las debilidades del sistema. Una maravilla de proyecto que liderará el cambio en la relación entre cultura y público para muchos otros que miran con esperanza los pasos del Ministerio para dar ellos mismos el cambio que llevan esperando tanto tiempo.

Les invito a que se lean nuestros post y nuestra revista digital sobre desarrollo y fidelización de público en asimétrica.org

sectores para alcanzar objetivos más amplios.

de Marketing de las Artes que hacemos todos los años en Madrid y que el año pasado logramos

gestores al frente de los proyectos en todos los campos del marketing y desarrollo de audiencias. que vuelva. Hoy la mayoría de esfuerzos iban y del inicio del

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encaminados a “desarrollar nuevo público” y muy poco a “fidelizar” al público que ya acude a los eventos culturales. Hoy “fidelizar” al público ha pasado a ser estratégico en las organizaciones.

llevaremos probablemente a Bogotá y buscamos poder traerla a México en 2015. A Mérida, ¿Por qué no?

ANDREA HERRERA ORIGAMA®: Andrea, cuéntanos sobre tu maravilloso oficio de Titiritera, ¿cómo inicia esta aventura?

Andrea Herrera: Mi trabajo en los títeres inicia exactamente en 1976, en ese tiempo mi papá y mi mamá fundaron la primera sala de fiestas infantiles en Yucatán y la única con teatro de títeres en todo México; era un negocio familiar y a cada uno de los hijos nos correspondía una tarea y además participar en el show de títeres, manipulándolos y dándoles vida; ese fue el inicio, desde ahí hasta la fecha no he dejado de hacerlo.

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O: Sabemos que también eres actriz, cantante… ¿por qué elegiste dedicar tu trabajo a los niños?

AH: Desde chica tenía muy claro que quería ser educadora y trabajar con niños chiquitos, mi mamá fue maestra de primaria, pero yo no quería ser maestra de niños grandes, enfoqué la mirada en trabajar para y con niños pequeños, fue algo decidido desde siempre.

O: Existe mucha gente, que entre sus recuerdos atesora vivencias en el Teatro Pedrito, las tuyas deben ser algo muy especial, cuéntanos un poco sobre ellas.

AH: La vida en el Teatro Pedrito ha tenido momentos de todo tipo, alegres, sentimentales, triunfos, fracasos, críticas...

El haber convivido y trabajado con una persona como mi papá ha sido de lo más chévere que me ha ocurrido en la vida, Titeradas siempre ha sido un lugar de diversión y de disciplina, ahí aprendí el valor del trabajo y la tenacidad, el ponerle todo el amor a lo que te gusta para que salga perfectamente bien hecho. La época en que estuvimos en la televisión en los ochentas y noventas, fue genial, de tremendo éxito.

Cuando nos entrevistaban en las radiodifusoras, la gente iba a pararse afuera esperando ver que salieran personajes como Lela, Chereque, Idiotina, Mireya, y en lugar de eso salíamos nosotros; la gente no sabía que nosotros hacíamos las voces de los personajes, pasábamos desapercibidos, era muy cómico.

Fue un bonito tiempo y ahí nos enseño mi papá el valor de la humildad pues hubo un momento en que se nos “subieron los humos” y él nos ubicó evitando que perdiéramos el piso, era un hombre muy sabio.

O: Hablando de Titeradas, es un nombre que a muchos nos roba una sonrisa, que contagia hasta a los que no tuvieron

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oportunidad de conocer a todos esos personajes en su primera etapa. ¿Qué significa para ti todo ese cariño hacia su trabajo y el legado de tu padre?

AH: En este momento siento gratitud plena, cuando él acababa de fallecer me sentí abrumada ante las preguntas frecuentes e insistentes de la gente: ¿Qué vas a hacer? ¿Vas continuar? ¿Cómo lo vas a hacer? ¿Quién va a escribir ahora? Y miles de preguntas más... Tuve que hacer un alto y pensar que ante todo tengo la responsabilidad social de seguir compartiendo todo el trabajo y el legado que nos heredó a mi y a mis hermanos, me siento muy orgullosa de ser su hija y me siento muy afortunada de tener en mis manos tantas cosas para compartir con la gente, con su público. Cuando el ex presidente Felipe Calderón le entregó, de manera póstuma, el Premio Nacional de Ciencias y Artes, que es el máximo galardón que se le puede dar a un artista en México, pude dimensionar la encomienda que tengo en mis manos.

O: Háblanos del regreso de Titeradas a la televisión. ¿Cuáles son las novedades?

AH: Titeradas está de regreso en el Canal 13 todos los sábados a las ocho de la noche, estamos retransmitiendo los capítulos que hicimos de los ochentas en adelante. Ha sido sumamente satisfactoria la respuesta del público y esto fue a invitación del director del Canal 13, Luis Vela Sosa.

La novedad es que estamos terminando de arreglar el Teatro Pedrito, para reabrir sus puertas este año; vamos a reponer uno de los éxitos de Titeradas y vamos a tener funciones como siempre, los domingos en dos horarios, para toda la familia; también queremos estrenar este año la pagina web de Titeradas ¡para modernizarnos!

“Cuando tenía como seis años, un día le pregunté: Papá ¿y qué comen los títeres? A lo que él me respondió : Aplausos hija.

Ese día en la noche, cuando todos dormían, bajé la escalera de casa y fui a aplaudirle a cada uno de los títeres para que no se quedaran sin cenar. Mi papá que escuchó ruidos, bajó y al mírame se dio cuenta de que todo lo que estaba haciendo valía la pena.” Andrea Herrera

O: ¿Qué tan complicado es formar una nueva generación de público infantil para obras de títeres, en una actualidad plagada de interactividad y sobrecarga sensorial? ¿Cómo mantener y cautivar la atención de un niño actualmente?

AH: Paralelamente a Titeradas, he hecho una carrera como cantante infantil, la fórmula que yo he utilizado es muy simple, a los niños hay que hablarles como seres inteligentes que son, no como bobos, nunca decirles: a ver mis amorcitos, como están mis florecitas, que dicen mis nenecitos, ¡no! nada de eso. Mis espectáculos son sumamente visuales, trato de trabajar (cuando el presupuesto lo permite) con músicos en vivo ya que al hacerlo las sensaciones son diferentes para los niños, ver a los músicos tocar, despierta su curiosidad y por qué no, su interés en tocar algún instrumento. Las canciones que les canto las elijo con cuidado, tratando de seleccionar temas importantes y no canciones banales o carentes de mensaje; lo mismo para los diálogos entre los títeres y yo, diálogos que planeo junto a mi amigo y compañero de trabajo Ángel Aguilar.

O: ¿Con cuántos personajes y obras estás trabajando actualmente?

AH: Ahora mismo estoy trabajando con Conchi León en varios proyectos como Piedra de Lluvia y Mestiza Power; con los títeres acabamos de presentar en el Mérida Fest El taller de Títeres de Ángel y Andrea; estamos reescribiendo la obra Somos así, de Wilberth Herrera, para proponerla en la Primavera Cultural y haciendo la producción de La Lela de las Galaxias.

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“Mi equipo de trabajo lo conforman: Ángel Aguilar que construye y manipula los títeres; Cristina Cardeña, Ilsee Morfin, Anaii Cisneros y Fátima Cabrera, todas ellas en actuación y manipulación de títeres; Carolina Canul en iluminación, Pedro Carlos Herrera en los arreglos y dirección musical, Yaremi Miranda y Juan José Chacón en las coreografías y Mercy Molina, asistente.”

O: ¿Cuáles son los retos actuales de tu profesión y qué distingue tu trabajo de otros similares?

AH: Mi reto principal siempre va ser innovar, el tratar de hacer siempre algo novedoso, ir un paso adelante. Creo que lo que distingue mi trabajo de otros similares, es el ser hija de Wilberth Herrera que me inculcó desde muy chica el amor y el respeto por los títeres, y los años de experiencia que me ayudan a identificar lo que los niños y adultos esperan de un show de títeres.

O: ¿Cuáles son tus metas en el medio y cómo trabajas para alcanzarlas?

AH: Seguir buscando los espacios para mostrar mi trabajo proponiendo nuevos espectáculos, elaborando proyectos, respondiendo a las convocatorias de los diferentes festivales, a pesar de que ya me han hecho algunos desaires, no voy a parar y si voy a insistir; terminar el Teatro Pedrito para llegar a nuevas generaciones de niños y adultos, y continuar con mi carrera de artista.

O: ¿Qué necesitas para que más gente se acerque a conocer su trabajo?

AH: Difusión para nuestros espectáculos, estar en las redes sociales en Internet y que la gente que en este momento está encargada de la cultura, valore el trabajo que hemos hecho durante años y nos de los espacios y facilidades para continuar mostrando nuestros espectáculos, que no se nos pongan barreras y trabas, sobre todo si nos respaldan más de treinta años de trabajo; pero lo que más necesito es seguir trabajando tal como Wilberth me enseñó: Todo lo que se hace con amor, sale perfectamente bien hecho.

Todas las imágenes cortesía de Andrea Herrera.

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In Uttero joyería, nace en 2012 y aunque se encuentra en pleno crecimiento, ya muestra una sustancia considerable en términos de propuesta. Lupita Ornelas, su creadora, la define como una marca joven pero con claras ideas estéticas y de calidad. Piensa que la joyería no debe casarse con un estilo y que su función involucra proveernos cierta ilusión de sentirnos una persona distinta cada vez.

Roberto Ramos Molina: ¿Qué te llevó al interés por la joyería?

Lupita Ornelas: Todo comenzó espontáneamente. Aunque siempre estuve interesada en el arte y el diseño, nunca tuve contacto con la joyería hasta que conocí a mi ex pareja. Su madre, Teresa Camino, fue una gran joyera. Cuando formamos una familia y nos fuimos a vivir juntos a Tepoztlán, me tocó abrir que se pueda imaginar, piedras y más piedras y obviamente joyería. Me parecía un desperdicio terrible por parte de él, que tuviera esta herencia extraordinaria guardada, un bagaje de creatividad y tradición platera. Así que durante tres años le insistí que retomara el oficio, que hiciera joyería, prácticamente le rogaba, le chantajeaba; ingenuamente lo inscribía a clases de joyería.

Un día me quejaba de esto con una amiga de la familia, doña Erlinda Rangel, quien sabiamente me dijo: “Lupita si tanto te gusta la joyería hazlo tú. Nunca esperes a que un hombre haga las cosas por ti.” ¡Y aquí estoy, abriéndome paso en este mundo!

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Fotografía de Lupita Ornelas por Adrian Alamo.

RRM: ¿De qué manera adquiriste las habilidades técnicas para elaborar joyería?

LO: Tuve la suerte de conocer en las montañas de Tepoztlán a mi maestro y amigo Yves Bernard. Él es la persona más obsesiva que conozco, en cuanto a técnica, y eso me ha enseñado. No ha sido fácil. La joyería nunca fue un hobby para mí, al contrario, es lo que más ha retado mis capacidades.

Mi naturaleza siempre ha sido creativa y caótica, y de repente me encuentro con que se trata de fórmulas, química, matemáticas, temperaturas y sobre todo, mucha precisión. Siempre me digo que es un oficio Zen, tienes que ponerle tiempo y paciencia, de lo contrario no salen las cosas bien.

RRM: ¿Qué técnicas utilizas, cuál es tu favorita y por qué?

LO: Trabajo directamente en metal y también la cera perdida. Me gustan mucho las texturas como el reticulado y he estado aprendiendo Mokume, que es una técnica japonesa antigua. Encuentro algo fascinante en las técnicas japonesas, utilizan infinidad de distintas patinas que es algo que me atrae mucho para jugar. En cuanto a técnicas creo que nunca se termina de aprender.

RRM: ¿Qué materiales utilizas en tus piezas y qué características en ellos llaman tu atención?

LO: piezas fueron únicas. Utilizaba piedras recicladas del taller de Eduardo Olbés, escultor, abuelo de mi hijo, y mi familia en Tepoz. Ahí encontraba un jade que me gustaba, lo cortaba, tallaba y trataba de pulir yo misma. O marfil antiguo encontrado en aquellas maletas de Teresa. ¡En realidad utilicé lo que encontré! Eso le dio mucha fuerza y alma a esas piezas. Ahora estoy tratando de diseñar alrededor de materiales menos aleatorios para poder hacer líneas, sin dejar por supuesto de hacer piezas únicas.

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Fotografías y Mood Board por Salvador Compañ.

RRM: ¿Dónde has encontrado inspiración para diseñar?

LO: Me gusta la moda, no voy a negar que estoy al tanto de las tendencias. Aun así estoy en contra de la copia vil a los joyeros extranjeros o nacionales. No me gusta venderme como diseñadora y engañar a la gente. La copia en México ha deteriorado bastante nuestra imagen como artistas y artesanos en este rubro, así que intento mezclar mis conocimientos para no caer en lo barato. Observar la naturaleza, los colores, la música, definitivamente me inspira y sobre todo trato de imprimir mi personalidad en mis cute, no me gusta la joyería cute. Corazones, flechitas, símbolos del infinito, etcétera, todo eso está descartado. Si no me gusta el resultado no importa, al menos me queda la satisfacción de que salió de mí.

RRM: ¿Cómo influye Tepoztlán en el proceso detrás de In Uttero?

LO: La vida me puso aquí y me presentó a personas que de alguna manera influyeron en mi destino, me siguen alentando y guiando. Casi todos mis amigos aquí, están involucrados en algo creativo. Me encantan esas pláticas apasionantes sobre piedras, sobre arte y sobre procesos creativos que se pueden dar casualmente aquí por cualquier sitio. Es interesante estar en un lugar donde la mayoría de las personas hacen lo que les apasiona. El director de cine, la señora que borda delicadamente, el panadero, la pintora. No creo que en ningún otro lugar se hubiera propiciado el nacimiento de In Uttero. Tal vez si nunca hubiera llegado a Tepoztlán seria una persona normal con frustraciones artísticas. Aquí es donde me di la libertad de crear.

Todas las imágenes cortesía Lupita Ornelas y Salvador Compañ. facebook.com/pages/In-uttero/414877708609198 instagram.com/inuttero Roberto Ramos Molina @ramosmolina

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Fotografía de Karín Mijangos por José Luis Fajardo.

ESCUCHAR EL PAISAJE ENTREVISTA CON KARÍN MIJANGOS Por Christian Núñez Esta conversación me recordó un poema de Gonzalo Rojas titulado Al silencio. Porque silencio, sonido y paisaje sonoro están inseparablemente unidos. Pausas, ruidos y ambientes cotidianos pagan su cuota al mutismo, base sin la cual no habría nacido el proyecto de Karín Mijangos (México, DF, 1976) Paisajes sonoros en ecosistemas locales: Texturas y escenarios acústicos a través de la experimentación poética. “¿Cuáles son las texturas sonoras que percibimos actualmente e identificamos con determinados ecosistemas? Qué respondería usted a la pregunta: ¿A qué suena un humedal? ¿Qué sonidos se mezclan en una tarde de lluvia en el manglar? ¿A qué suena el silencio de la playa? ¿Cómo se traduce en la creación literaria los paisajes sonoros que percibimos?”, pregunta Karín.

A continuación, un par de (imposibles) respuestas: soundcloud.com/paisaje-sonoro/tracks?page=1 60

Christian Núñez: ¿Cómo descubriste el paisaje sonoro?

Karín Mijangos: Mira, estaba en una visita de campo, en Chemax, salimos a una zona en la selva que está cerca de Cobá, caminamos unos 6 km dentro y acampamos. Mis compañeros siguieron unos 5 km más para llevar a una persona que deseaba ver unas ruinas mayas. Yo elegí quedarme junto a un pozo. Quería solo quedarme sentado, viendo y oyendo, quieto.

Había una cubeta con agua a unos metros de mí, comenzaron a acercarse muchas aves a beber; luego llegaron insectos, mariposas, más aves, en fin. Como Blancanieves. De pronto estaba rodeado de mucha fauna pequeña y con sonidos que no había percibido tan de cerca. El viento, en fin, total inspiración. Cuando de pronto sonó un cencerro de una vaca, ese ruido rompió la burbuja en que estaba, me volvió al piso, ese sonido no existía antes de la conquista. Me clavé en que esa campana, el sonido era nuevo relativamente hablando en términos ecosistémicos.

Me clavé demasiado en leer sobre contaminación acústica y sus efectos, cómo afectan a la fauna, esas ondas.

Un día llegó a mis manos el libro que te pasé, Los 100 ejercicios de Murray Schafer. Comencé a aplicar el ejercicio 1 en mi casa, y con ese pasé casi un mes, oyendo todo de nuevo, redescubriendo mi entorno solamente con el sonido. Ya no pude dejar de pensar en eso, en la contaminación auditiva, en las diferencias entre sonido, ruido y silencio, las combinaciones, me atasqué, literalmente. Así lo descubrí. Comencé a leer mucho sobre sus aplicaciones en la música, en la investigación, en proyectos sonoros. Y sigo leyendo, soy un neófito muy ansioso.

CN: ¿Qué fragmentos consideras representativos del texto de Schafer, que hayan servido como catalizadores o puntos de arranque para tus exploraciones sonoras?

KM: El ejercicio 1 es básico, es una invitación solamente a oír y registrar lo escuchado. Te puedes pasar una vida solamente escuchando y registrando y darte cuenta que no se repetirá nunca la misma combinación. Eso es lo emocionante del paisaje sonoro, su imposible repetición de manera natural. Es una invitación a descubrir la

maravilla del oído y de lo acostumbrados que estamos a ignorar el entorno. Te lo transcribo: Hacia una audición sonora.

100 ejercicios de audición y producción sonora R. Murray Schafer Ejercicio I. Comenzamos con un ejercicio muy simple. ANOTE TODOS LOS SONIDOS QUE ESCUCHA. Tome algunos minutos para realizar esta tarea; luego, si se trabaja en un grupo, léanse todas las listas en voz alta, prestando atención a las diferencias.

Cada persona tendrá una lista diferente, ya que la escucha es algo muy personal; y a pesar de que algunas listas sean más largas que otras todas las respuestas serán correctas.

Este simple ejercicio puede ser ejecutado en cualquier lugar por cualquier persona. Sería interesante probarlo en momentos diferentes, en entornos contrastantes como para desarrollar el hábito de la escucha.

CN: ¿Editaste posteriormente los paisajes?

KM: Los editó Ricardo Katsuya, él participó en el proyecto con la asesoría y con la edición de 5 mezclas de los 5 paisajes registrados. En total son un poco más de 25 minutos de edición, 5 minutos en promedio por cada ecosistema.

CN: ¿Y cómo presentaste el proyecto posteriormente al público?

KM: En junio de 2013 con el apoyo del Fondo Municipal para las Artes Visuales del Ayuntamiento de Mérida se presentó en el Museo de la Ciudad, la exposición “La Costa Yucateca: imágenes y sonidos para volar,” en la cual se transportó el ecosistema a las salas del recinto.

La exposición busca el diálogo sobre estas percepciones entre las personas carentes de vista y los videntes. Es decir, un ciego no logra entender el color verde (por ejemplo) o el color de un ave, pero escucha el viento, las hojas, los cantos, los vuelos. Un vidente percibe todo, pero no siempre lo aprecia; poniendo los poemas en braille busco que el vidente tenga la necesidad (casi obligación) de pedirle a un ciego (que sepa leer braille) que le lea el poema a cambio de que el vidente le describa la fotografía. Es un pretexto para iniciar un diálogo sobre algo que me interesa, los ecosistemas, su fragilidad y belleza.

En torno a esta idea se combinaron las tomas aéreas del fotógrafo José Luis Fajardo Escoffié, con mis registros sonoros mezclados por Ricardo Katsuya y una instalación en la cual Alejandro Iris y Dalia Castellanos tradujeron al sistema de escritura braille los textos poéticos que forman parte del proyecto, lo anterior, en conjunto con un video realizado por el artista visual Omar Said. En lo que va del 2014 la exposición se ha presentado en sedes alternas del estado de Yucatán.

Más sobre la entrevista a Karín Mijangos en: www.revistaorigama.com.mx

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Recomendaciones por Caro Camacho

¿Imaginas compartir con tu pareja toda una eternidad?. Jim Jarmusch es un director de cine de culto e independiente. Se hizo famoso después del cortometraje Coffee and Cigarrettes en 1993. También es poeta, escritor y músico. Only lovers left alive, es su última cinta, la cual dirige y compone la música. Se trata de una excéntrica historia de amor de vampiros, protagonizada por la enigmática Tilda Swinton, Tom Hiddleston y Mia Wasikowska. Se estrena en Estados Unidos próximamente. Mientras tanto el soundtrack fue editado el pasado mes de febrero, a cargo de la banda Sqürl, lidereada por el mismo Jim Jarmusch. El audio es una pieza épica en colaboración con el compositor holandés Jozef van Wissem de Riffs Stoner, con artistas invitados como Zola Jesus y Madeline Follin de Cults. Es un canto fúnebre y melódico, que se adapta textualmente a la obscura cinta de amantes sangrientos. youtu.be/brZXFN7jXto (trailer)

Son Lux es el proyecto de Ryan Lott, artista de formación clásica y responsable de varios proyectos, incluídas bandas sonoras de cine, música para comerciales y colaboraciones para proyectos de música electrónica.

Alternate Worlds, es su tercer trabajo bajo el nombre de Son Lux. El primer sencillo es una colaboración con Lorde y lleva por nombre Easy. El álbum será lanzado el próximo mes de mayo y estará compuesto únicamente de cuatro temas, los cuales ya habían sido incluidos originalmente en su material lanzado en 2013, Lanterns. Será la reedición de un trabajo ya hecho y que vale la pena destacar. La colaboración con Lorde es el highlight del disco. music.sonluxmusic.com

Pues Nueva Zelanda no es sólo la tierra de Lorde. Desde aquel país insular de Oceanía nace Yumi Zouma. Una nueva banda de dream pop, que ahora divide su tiempo entre Nueva York, París y su natal Christchurch, y esta influencia se ve reflejada en el disco. La portada del EP nos revela la esencia de la banda: una fotografía de una chica con presencia ochentera, que se muestra sin maquillaje y sin estereotipos. La música de este trío es radiantemente fresca y sin mucho esfuerzo, con la presencia de elementos que van de lo electrónico a lo funk, un poco de lo ochentero y el dream pop. Yumi Zouma es una de las sorpresas del 2014, han llamado la atención de Wild Nothing, que no tardo en hacer remix, A Long Walk Home For Parted Lover. El disco fue lanzado en febrero por Cascine Records, un sello de pop alternativo con sede en NY y Londres, cuyos artistas siempre mantienen la línea independiente y esencia alternativa. soundcloud.com/YumiZouma

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*puntoTXT CONSTELACIONES INSANAS Por Christian Núñez

El 5 de marzo de 2014 fue un día oscuro. El poeta español Leopoldo María Panero falleció en el hospital psiquiátrico Rey Juan Carlos I de las Palmas de Gran Canaria. La noticia fue confirmada por su editorial, Huerga y Fierro. Un poeta transgresor, por decir lo menos. Morton Schatzman plantea en El asesinato del alma, ensayo centrado en la figura de Daniel Paul Schreber y su padre, que antes de su estudio los investigadores solían tratar a los esquizofrénicos omitiendo el contexto social. «Sin embargo, si conocieran en profundidad a las personas que componen las familias de dicha gente, podrían encontrarlas no menos desconcertantes que la llamada criatura psicótica.»

El médico norteamericano explica que concurren modelos de sucesos que se repiten reiteradamente durante la enfermedad; en el caso de Schreber, vinculados a su infancia y a los métodos pedagógicos brutales a los que era sometido junto con su hermano, Daniel Gustav, quien terminó suicidándose. Las memorias de un enfermo de nervios no sólo son un testimonio de su padecimiento, sino una representación simbólica para exorcizar la demencia de su entorno. Locura suministrada en gran parte por su padre, el respetable Dr. Daniel Gottlieb Moritz Schreber. Y lo mismo podemos decir de Leopoldo María Panero, su entorno familiar, su locura y su obra poética. Se trata de constelaciones insanas.

El retrato completo de la familia Panero, de padre poeta vinculado al franquismo y madre escritora bajo su sombra, queda cristalizado amargamente en un par de documentales: El desencanto (1976), de Jaime Chavarri, y Después de tantos años (1994), de Ricardo Franco. Y, claro está, en la vasta obra del escritor madrileño, que no escatima en imágenes obscenas. La poesía de Panero es un hoyo por donde caen el hombre, el mundo y la literatura. Alrededor miran desconcertados los huérfanos, las princesas y los dementes, los niños que abandonan el hogar en triciclos, los intelectuales que se alimentan de palabras podridas. El peor universo posible merece una sintaxis fragmentada, un ojo en forma de huevo, un cuchillo.

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Panero sigue las reglas de Lautréamont cuando afirmaba: «Mi poesía consistirá, sólo, en atacar por todos los medios al hombre, esa bestia salvaje, y al Creador, que no hubiera debido engendrar semejante basura.» La escatología, el delirio y la degeneración sexual articulan secuencias de un poderoso magnetismo, cercanas a las de Bataille y Artaud, y con un humor descarnado que podría emparentarse al de Álex de la Iglesia. La vertiente patológica del surrealismo —si existiera algo así— se define contraponiéndose al estado totalitario, la figura del Padre, la represión sexual y a cualquier sistema que atente contra el individuo. El artista moderno ejemplar es un traficante de locura: Susan Sontag.

No obstante, sigue siendo habitual que aún hoy se practique una apología de la escritura con guantes, de ritmo refinado y metáforas imbéciles. Academicista, en el mejor de los casos. Basta con dirigir la mirada hacia los colectivos de escritores, luchando por becas y premios que muchas veces no aportan ningún producto intelectual admirable, para sentir vértigo. Aquí tenemos otro tipo de constelaciones insanas, afincadas en el poder como un tumor. Esto no representaría una molestia si los autores se limitaran a romper sus escritos. Pero no lo hacen, y nos mantenemos en lucha perpetua por vigilar el fuego de los dioses —ya casi invisible; una flamita azul, por cierto. Hoy, sin embargo, a falta de insultos, bostezaré.

EL CIRCO Leopoldo María Panero Dos atletas saltan de un lado a otro de mi alma lanzando gritos y bromeando acerca de la vida: y no sé sus nombres. Y en mi alma vacía escucho siempre cómo se balancean los trapecios. Dos atletas saltan de un lado a otro de mi alma contentos de que esté tan vacía.

Y oigo oigo en el espacio sonidos una y otra vez el chirriar de los trapecios una y otra vez.

Una mujer sin rostro canta de pie sobre mi alma, una mujer sin rostro sobre mi alma en el suelo, mi alma, mi alma: y repito esa palabra no sé si como un niño llamando a su madre a la luz, en confusos sonidos y con llantos, o bien simplemente para hacer ver que no tiene sentido.

Mi alma. Mi alma es como tierra dura que pisotean sin verla caballos y carrozas y pies, y seres que no existen y de cuyos ojos mana mi sangre hoy, ayer, mañana. Seres sin cabeza cantarán sobre mi tumba una canción incomprensible.

Y se repartirán los huesos de mi alma.

Mi alma. Mi hermano muerto fuma un cigarrillo junto a mí.

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Alianza Francesa de Mérida C. 23 #117 con 24 Col. México. alianzafrancesa.org.mx/Merida Cactus Laboratorio Creativo Facebook: Cactus.Lab.Creativo

f2 Estación Visual C. 57 #588D por 76 y 78 Santiago. f2estacionvisual.com

FrontGround / Galería Manolo Rivero C. 51 x 60 #456 Centro. frontground.net

La 68 / Casa de Cultura C. 68 #470A por 55 Centro. la68.com

Cairo Cinema Café C. 20 #98A por 15 y 17 Col. Itzimná. cairocinemacafe.com

Fuera de Centro C. 21 #93B por 14 y 18 Col. Itzimná. fueradecentro.com

Habla / Centro de lengua y cultura C. 26 #99B por 19 y 21 Col. México. habla.org La Rendija / Laboratorio Escénico C. 50 #466 esquina con 51 Centro. rendija.net

Tapanco Centro Cultural C. 47 por 68 Centro. tapancoteatro.com

Tumàka't / Danza Contemporánea C. 51 #475A por 54 y 52 Centro. tumakat.com

Murmurante Teatro C. 9 entre 20 y 18 México Norte. murmurante.org

Arte de Florencia by Danielle Galería Boutique Av. Campestre esquina con 21 artedeflorencia.com

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