ORIGAMA® Abril / Mayo 2013

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04 Arquitectura / 07 Diseño / 12 Nuevos Medios / 13 Cine / 17 Música / 21 Portafolio / 40 Arte Escénico / 46 *puntoTXT SECCIONES PRINCIPALES:

Portada: Carlos Semerena a.k.a. Totoi [behance.net/totoi] Taller en Vida, 2013 (Ilustración digital + Serigrafía)

Año 2 / ORIGAMA® Número Veintisiete / Edición Abril - Mayo 2013 / Especial: Técnicas tradicionales y materiales alternativos.

Revista editada en Mérida Yucatán, México por Grupo Editorial Multimedios S.A. de C.V. ORIGAMA® es una marca registrada. Los textos y fotografías son propiedad y responsabilidad de sus autores.

Por respeto a los colaboradores, creativos y artistas, queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido por cualquier sistema o método sin previa autorización del editor.

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“Eco-ladrillos" para construir escuelas. Foto tomada en Guatemala por hugitforward.org

reinvenciones Por: Paola José Nos encontramos en la era del consumo exagerado, de la deforestación, de la sobreproducción, de la extinción de especies, de los cambios climáticos drásticos. Tiempos en los que la comida que llega hasta tu plato proviene de ocho nacionalidades diferentes, que el tener una cheesburger grasosa en tus manos equivale 4.35 kg de dióxido de carbono emitidos en la atmosfera; donde practicamente todo lo que nos rodea es MADE IN CHINA, incluso tu maravilloso elemento de desconexión social o sea el iphone/ipad y sus i-derivados. Tiempos en los que la conciencia ecológica y social de cada individuo son valores éticos básicos para la convivencia y por ende para la supervivencia de nuestra especie y que lamentablemente una gran parte de la población sigue viviendo en negación e ignorancia a lo que sucede en nuestra tierra.

Entretanto nosotros, con nuestras mentes libres vemos el mundo como un ente de posibilidades infinitas de creación y regeneración.

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Esta situación actual e irreversible se debe utilizar de forma inteligente, reutilizar la materia, que el objeto utilizado tenga otro propósito y no el del deshecho, que el elemento después de cumplir su función principal sea utilizado para crear formas alternativas del ser y del estar. Todo lo que existe en esta tierra esta echo de los mismos elementos que nos constituyen pero modificados y rediseñados. Un circuito eléctrico tiene elementos que contiene una nube, una ventana tiene elementos que contiene la arena de mar, una bolsa de plástico contiene elementos del ojo humano. Es elemental volver a este ciclo básico de existencia y reutilizar los objetos con propósitos vitales.

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Ahora las botellas de plástico PET ya no solo son contenedores de líquidos también son estructuras para construir escuelas en Guatemala, las tuberías de concreto son cuartos de hotel en Tepoztlán y en Viena y en Nueva York uno que otro pent-house está hecho a base de contenedores de carga. Los palets de madera también son elementos de construcción, son sillas, mesas, estanterías; curioso que estos módulos utilizados para transportar cargas dentro de fabricas ahora son caminos hacia el mar...

“La arquitectura moderna no significa el uso de nuevos materiales, sino utilizar los materiales existentes en una forma más humana.”

Alvar Aalto.

En las imágenes: Escuelas en Guatemala construidas con "eco-ladrillos", botellas de plástico rellenas de basura inorgánica. Una iniciativa de Hug It Forward, organización sin fines de lucro que trabaja para fomentar la educación y sensibilizar a las comunidades de América Latina para construir sus propias escuelas. Su objetivo es lograr compartir esta tecnología con todo el mundo. Para conocer más sobre ellos y realizar donaciones visita hugitforward.org

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ROGER OMAR Y MIK BARO De sueños y redes de colaboración entre México y España

Roger Omar es un periodista y fotógrafo mexicano afincado en Valencia, España. Nos contactó vía correo electrónico para contarnos sobre 6dreams y la próxima presentación de Garrapatas, seis sueños de niños de Mérida, Yucatán, ilustrados por el español Mik Baro (ORIGAMA® Septiembre / Octubre 2011).

Resulta ser, que Roger es una especie de recolector de sueños y lo ha hecho desde el 2002. En su andar por el mundo ha recolectado los sueños de niños y niñas de diferentes nacionalidades y culturas. Trabajando muy cerca de ellos, involucra a profesores, traductores e ilustradores; todo para repartir estos sueños al mundo entero a través de exquisitas publicaciones en diferentes formatos. Sobre 6dreams y Garrapatas nos comenta: "6dreams es una serie de acordeones dedicada a los sueños, donde intervienen grupos de niños (que los escriben) e ilustradores. Cada título está dedicado a la ciudad donde los sueños fueron recogidos, así que estamos hablando de sueños con denominación de origen. La variedad de ciudades supone una variedad de modos de expresarse, pero no necesariamente diferencias en la temática de los sueños ni en la manera de entenderlos. Se trata de un juego que inicia siempre con un viaje a cualquier ciudad y prosigue con la participación de niños locales (los soñadores) y la interpretación libre, que de sus sueños hace el dibujante invitado".

1. 6dreams. Garrapatas Ilustración por Mik Baro.

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2. 6dreams. Garrapatas, sueños de niños de Mérida, Yucatán.

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"Garrapatas tiene su origen en la calurosa cosecha realizada en mayo del 2007 en Mérida Yucatán (México). Una selección de seis sueños breves de niños yucatecos fue la materia prima que Mik Baro amasó para dibujar una pequeña tira narrativa que habla del infierno, la naturaleza, la propiedad, el abandono. En la presentación no sólo tendremos el gusto de escuchar a Mik hablar sobre este proyecto.

Aprovecharemos su presencia para despejar dudas y curiosidades sobre los procesos de trabajo de uno de los más eficaces diseñadores-ilustradores actuales. Y quien no se lo crea, que eche una miradita a su blog: mikbaroblog.blogspot.com"

No es la primera vez Mik Baro colabora con Roger Omar, anteriormente había participado como ilustrador en el proyecto Monstruodecoloresnotieneboca.

"Para Garrapatas, Roger me lanzó el reto de en vez de cómo se venía haciendo, distribuir los sueños individualmente por página, crear una secuencia entre las distintas acciones (sueños) con un personaje común" comenta Mik.

3. Invitación presentación Garrapatas.

4. Sueños Ilustrados, Monstruodecoloresnotieneboca.

“Dentadura” Poster promocional, ilustración por Mik Baro.

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Estampación a cargo de Hola Por Qué

Curioseando un poco más entre los proyectos en los que Roger Omar y Mik Baro han trabajado juntos, nos encontramos con la ilustración que Mik realizó para la exposición Criaturas de la Mitología Maya (colección de ilustraciones inspiradas en los relatos del escritor yucateco Roldán Peniche Barrera), realizada en la sala TAI BOX de Madrid y curada por Roger Omar.

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Ciertamente hay "mucha tela de dónde cortar" con esta mancuerna y con el trabajo que de manera individual realizan, así que seguramente en futuras ediciones estaremos compartiendo más sobre este par de talentos. Entre tanto, les dejamos el enlace a la página web del proyecto 6dreams: 6dreams.tumblr.com Fuentes documentales para las imágenes: mikbaroblog.blogspot.com elmonstruodecoloresnotieneboca.wordpress.com

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VIAJE MÍSTICO MINIMALISTA Por Christian Núñez

Me enviaron por mensajería un Super Nintendo con diez videojuegos, los tres primeros cartuchos de Mega Man X, el Super Castlevania IV + el Dracula X, Demon’s Crest, Donkey Kong Country, Gradius III y Axelay entre otros, así como una almohada roja, una novela de John Kennedy Toole: La conjura de los necios y tres bolsas de charritos, una botana de harina hecha en Yucatán que se adereza de preferencia con chiles jalapeños, desgraciadamente el Super Nintendo, tras varias pruebas para hacerlo funcionar, resultó una máquina sentimental obsoleta, y llegué a la conclusión de que debía madurar, de modo que lo vendí para comprarme un PlayStation 3, aunque yo más bien creciera con los juegos de 8 y 16-bit, entré en contacto rápidamente con un dealer vía internet que me vendió Journey, un título desarrollado por Thatgamecompany, cuyo personaje, sin una sola instrucción, viaja por el desierto con la única consigna de llegar a lo alto de una montaña, mientras aprende a través de diferentes secuencias herméticas cuál es el significado de su viaje, de la fuerza luminosa que lo guía y de los misteriosos personajes que lo instruyen en su recorrido, la banda sonora, a cargo de Austin Wintory, recibió varios premios, y la canción final —I Was Born For This, a cargo de Lisbeth Scott— se compone de frases tomadas de obras clásicas, desde La Eneida de Virgilio hasta los haikús de Bashō y alguna línea suelta de Juana de Arco, me la pasé jugándolo cada noche al regresar del trabajo, me aislé cada noche al regresar del trabajo, hasta la madrugada, con el volumen de la televisión apenas audible, lo terminé en un par de horas, diciéndome que Journey debería durar más, en realidad el viaje se reduce a unas cuantas escenas de inspiración arquitectónica minimalista, con arenas de tono rosáceo, crepúsculos en ciudades arcaicas, tormentas de nieve, cielos temblorosos, puentes enormes, alfombras de hilo dorado y púrpura, dragones amenazadores, cascadas etéreas y lo que suele llamarse inmersión emocional, un mood especialmente artístico, además que la dinámica es 100% intuitiva, con la opción de jugar en línea y conocer a otro personaje como tú en su propia búsqueda, con quien no hay manera de comunicarse más que a través de suaves tintineos, un poco para no sentirnos a la deriva y alcanzar a cuatro manos la paz interior.

Journey Collector’s Edition Thatgamecompany 2012

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Francisco Cruz, “Entre la noche y el día” Fuente: facebook.com/entrelanocheyeldiapelicula

ENTRE LA NOCHE Y EL DÍA Presentación de Bernardo Arellano y El Cine Club en La Rendija Por Aída Barrera Desde hace varios meses, la cartelera de la Sede 50/51 de La Rendija, ha abierto un espacio para presentar el trabajo de creativos provenientes de diferentes disciplinas, que de alguna forma comparten la visión de este grupo de teatro, respecto al arte y la cultura.

Uno de los objetivos principales, es construir redes e intercambios que permitan que los proyectos que se presentan en este espacio, lleguen a más personas. La tarea no ha sido fácil, generar una estrategia y un plan de gestión y desarrollo de públicos es algo mucho más complejo de lo que a simple vista parece, y en definitiva, los resultados son mayores cuando se establecen alianzas culturales y el trabajo de un grupo no se limita a ejecutar acciones aisladas.

Por supuesto que coordinar agendas y coincidir es bastante complicado, pero cuando se logra, la satisfacción es grande. Grisel Alcantara y Victor Morillas, tienen un proyecto súper padre del que ya en otras ocasiones nos han platicado en ORIGAMA®. Ellos llevan cine a comunidades donde no siempre se tiene acceso a esta expresión artística, y todos los viernes, en el Parque La Ceiba de Playa del Carmen, proyectan una película al aire libre.

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Rodaje “Entre la noche y el día” Fuente: facebook.com/entrelanocheyeldiapelicula

Como todo proyecto que busca crecer, este año iniciaron la gira El Cine Club Itinerante, que incluye presentaciones en diferentes espacios de Quintana Roo y Yucatán, con propuestas cinematográficas de la nueva corriente del cine mexicano y con la posibilidad también de conocer a los creadores y preguntar directamente sobre su proceso para construir una historia y llevarla al cine.

Con el apoyo de La Rendija y con grata respuesta por parte del público asistente, El Cine Club Itinerante presentó en Mérida la película "Entre la noche y el día", ópera prima del director mexicano Bernardo Arellano, quien estuvo presente durante la proyección y quien compartió con los asistentes anécdotas y experiencias respecto a esta producción.

"Entre la noche y el día" ha sido acreedora de diferentes premios: Mejor Guión del Festival Palmarés XVIII de la Mostra de Cine Latinoamericano de Catalunya; Premio SIGNIS del Festival Internacional de Cine de Amiens, Francia; Mejor largometraje mexicano ópera prima del Festival Internacional de Cine de Guanajuato 2011 y el Premio Cine en Construcción de la industria del LVIII Festival de San Sebastián.

Este 2013 el protagonista de la película, Francisco Cruz, fue nominado al premio Ariel como Mejor Actor.

Arellano comentó al finalizar la proyección de la película, que cuando escribió el guión, a su personaje principal lo imaginaba en silla de ruedas y que poco a poco fue evolucionando hasta lo que vimos en pantalla. Nos contó que desde la primera vez que vio a Francisco llamó su atención, que Francisco soñaba con hacer una película, pero sin ser actor, seguramente sus posibilidades eran pocas. Tiempo después de su primer encuentro y platica casual, Bernardo lo buscó para este personaje. Lo curioso fue que Francisco ni le creía ni tampoco se acordaba de él...

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Modesto Velázquez en el Rodaje de “Entre la noche y el día” Fuente: facebook.com/entrelanocheyeldiapelicula

Además del protagonista, hubo otro personaje que llamó la atención del público y ese fue Modesto Velázquez, un ermitaño que se interpreta a sí mismo y que en la película enseña a Francisco a sobrevivir en el bosque.

Tampoco se trataba de un actor profesional, de hecho Modesto aseguró a Bernardo, que nunca en su vida había ido al cine o visto una película y lamentablemente tampoco pudo ver ésta, pues al parecer falleció antes de su estreno.

En la película también participan los actores Gabino Rodríguez, Carmen Beato, Arcelia Ramírez, Joaquín Cosío, Irineo Álvarez y Daniel Soraya Barraza, actores con los que ya estamos familiarizados y de los que conocemos su trayectoria. Bernardo compartió estar profundamente agradecido por su participación y trabajo, pero sobre todo por el gran apoyo y cobijo que dieron a Francisco Cruz.

"Entre la noche y el día" es una historia que nos pone en contacto con la fragilidad humana, los prejuicios y la discriminación. El miedo a los que consideramos diferentes a nosotros, traducido en malos tratos e indiferencia.

Es una historia con pocos diálogos, pero llena de simbolismos y mensajes "octultos", que sin duda notamos. La fotografía, la música y los paisajes sonoros son de gran belleza y emotividad. Es una película, que a juicio de los espectadores presentes, por momentos te hace sentir triste, pero al final te deja un buen sabor de boca y por supuesto, también te roba una que otra sonrisa.

La Rendija agradece a México en Escena - FONCA, IBERESCENA y la Dirección de Cultura del Ayuntamiento de Mérida, por el apoyo invaluable en varios de los proyectos que realiza.

Para conocer más sobre La Rendija y sus futuras actividades en la SEDE 50/51 visita rendija.net o síguelos en facebook.com/LaRendijaAC y en twitter.com/Sede50_51

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TREME Ese barrio de Nueva Orleans Por Adela Vázquez Veiga Hace unos años llegó a mis ojos y oídos un capítulo de la primera temporada de una serie que, un muy querido amigo me mostró con ilusión. Recuerdo que, aunque no seguía el hilo de la historia, me fascinó. Lo enhebré y cosí en mis pupilas la primera temporada.

Luego, por motivos que no logro recordar, hubo una pausa que tiempo después se activó de nuevo… segunda, tercera y, esperando una próxima con ansias. De pensarlo me inquieto, y tengo ganas de bailar.

Puedo imaginar lo bonita que debe ser para los amantes del jazz. Para una humilde observadora y escuchadora que adora el jazz pero lo desconoce, resulta a la vez brillante y didáctica. Si a ello le sumamos un ilustre guión y unos bravos personajes interpretados sutilmente, entonces creo que podemos acordar que es una de esas series maestras que dejan huella.

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En un contexto marcado por el reciente paso de un huracán que lo arrasa todo, deja pérdidas y heridas de una guerra natural que sólo se cura con esa cultura viva, tradiciones, presente y futuro son la clave para sobrellevar los desastres. Simon y Overmyer, los ya creadores de la afamada The Wire, acotaron la historia a uno de los barrios más especiales de EU, en el que la música, la corrupción política, el mal funcionamiento del sistema judicial o la realidad de las cofradías de Mardi Gras se muestran congeniados con sabia precisión.

No sería mucho decir que todos y cada uno de los protagonistas corales de Treme son agradables; de esos de los que te encariñas. Y de repente quisieras ejecutar un instrumento, componer una canción o viajar a Nueva Orleans para soñar despierto.

Tu-way-pa-ka-way!

Modesto Velázquez en el Rodaje de “Entre la noche y el día” Fuente: facebook.com/entrelanocheyeldiapelicula

A nuestra dirección llega lo nuevo de Letters From Readers vía el sello independiente At At Records. Se trata del segundo disco de este proyecto liderado por el músico originario de Mexicali, Gerardo Montoya, quien una vez más, se hace acompañar de Rubén Tamayo (Fax), Rodo Ibarra (Maniqui Lazer) y Valentin Torres (Vampire Slayer).

En palabras de la disquera, "Dot Dash", el nuevo material de Letters From Readers, es un inquieto zigzag sonoro, un disco instrumental en el qué convergen la improvisación y el pulso digital. producto de la instrumentación impecable de cuatro músicos Gera (Drums, Tapes, Composición), Rubén (Guitarras), Rodo (Bajo) y Valentín (Synth & Software). Un match de downtempo y vértigo ritmico, cambiante como ráfagas de viento en una tormenta de arena.

Sin más, dale play y ¡a disfrutar! soundcloud.com/lettersfromreaders Para más información o comprar el disco de Letters From Readers, visita atat-records.com y lettersfromreaders.com

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Foto: Dan Martensen

UN MOSQUITO Por Christian Núñez De camino a la oficina te conectas los audífonos, a dos cuadras del metro Juanacatlán le compras a una mujer de treinta años una torta de pollo, el pastor alemán del ciego mueve la cola y un cartel enorme de una chica semidesnuda en el quiosco de revistas te guiña un ojo, reproduces la primera canción de la mañana, Sacrilege, con esos coritos gospel de iglesia protestante, recuerdas la presentación en vivo de los Yeah Yeah Yeahs en el show de David Letterman, con la directora sacudiéndose orgásmicamente frente al grupo de coristas, el traje amarillo de Karen ‘O y el entusiasmo de un Letterman eufórico diciendo: Wonderful!, subes al vagón antes que la vendedora de bolígrafos chinos, tres por cinco pesos, esperas que otros pasajeros le compren un kit, pules tus monedas, te llevas el segundo, ella sale del vagón contigo, suben las escaleras eléctricas, transbordan a la línea naranja, y cada quien concluye su travesía, en la oficina, en aquel piso trece desde el cual se ven los rascacielos estilo Contra III The Alien Wars, enciendes la computadora y reproduces Sacrilege, hoy sólo vas a oír esa canción, durante la mañana y la tarde y parte de la noche, obsesivamente, la vas a memorizar, por el puro placer de hacerlo, y vas a chatear con una amiga que conociste en la iglesia a la cual asistías hace diez años, cuando soñabas con hablar lenguas árabes enfrente del predicador, quien años atrás había sido boxeador y tenía un diente de plata, y platicarás con la psicóloga enamorada de un paciente suyo que aún se pone playeras de Caifanes, y con el dealer de videojuegos que te ha conseguido el Castlevania Lords of Shadow para PS3, y recuerdas que hace unas semanas en el Vive Latino se presentaron los Yeah Yeah Yeahs, y al no comprar tu boleto no hubo nada que hacer, más que ir al Oxxo por cervezas, y aunque Mosquito (2013) tiene una energía bizarra, incluye temas tentadores como Subway, Under The Earth, Dispair y Wedding Song, un poco de griterío en la rola homónima, experimentación de nuevos horizontes como en Slave, These Paths y Buried Alive, con la colaboración de Dr. Octagon, la energía del disco es un cosquilleo de la locura de antes, los fulgores tienen un valor accesorio y Satanás te invita a un cigarro, pero le dices que no.

Mosquito Yeah Yeah Yeahs Interscope Records, 2013 18

Recomendaciones por Caro Camacho

Con la producción de Biggi Veira (Gus Gus), John Grant adopta nuevas texturas electrónicas para Pale Green Ghosts, su segundo trabajo editado bajo el sello Bella Union.

Cargado de ritmos sincopados y sintetizadores, el líder de los extintos The Czars, nos deja asomarnos a su universo personal, a ratos obscuro y autodestructivo, y a ratos con ese brillo extraño y divertido que nos arranca una sonrisa.

El desintoxicado John se transladó a la fría Islandia para grabar este material que cuenta entre sus créditos con la colaboración de Sinéad O'Connor en tres de sus temas, haciendo backing vocals. Un trabajo de producción muy detallado desde el intro del álbum, con tintes clásicos, electrónicos, cuerdas y pianos para el cierre. Un disco redondo que cumple tremendamente. Grant se sale siempre con la suya.

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Con un increíble trabajo de fotografía en su nuevo single Overgrown, regresa James Blake. El sombrío video fue dirigido por Nabil Eldekin, famoso por trabajar con Foals, Bon Iver, Antony & The Johnsons y Frank Ocean. Overgrown, parece ser un punto clave en la evolución del Blake que conocíamos, ya no se esconde y se muestra como un artista que va construyéndose a sí mismo. Melancolía, dubstep, piano, electrónica y una voz transformada en elemento musical, han hecho que tenga excelentes críticas y lo conviertan en un trabajo inmensamente rico. Si bien con su debut se presentó como uno de los artistas más interesantes de lo que va de esta década, este nuevo álbum no hace más que consolidarlo.

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TOTOI Carlos Semerena, originario de Mérida, Yucatán, diseñador gráfico e ilustrador de profesión.

ORIGAMA: Carlos, cuéntanos acerca de tus influencias y el estilo de ilustración que actualmente desarrollas.

Carlos Semerena "Totoi": Actualmente busco un trabajo más sensible, personal y con fuerza en el mensaje. Un mejor trazo y color, estoy tratando de comunicar que hay muchas cosas que me alimentan. Viviendo ahora en la Ciudad de México es increíble como el día a día te nutre de cosas diferentes y quiero transmitir todo eso en mis nuevos trabajos.

ORIGAMA: ¿Cuál es tu técnica de ilustración favorita?

CS: Estoy retomando el trazo tradicional, lo disfruto mucho en este momento. Tanto generar proyectos digitales hace que te claves con esos procesos, pero en los ratos libres suelto la "compu", saco la libreta de sketches y me dejo llevar por el papel y el estilografo, es algo así como una terapia.

ORIGAMA: En ilustración editorial ¿cuál es tu proceso y en qué proyectos has participado?

CS: Siempre cambia, depende mucho del tipo de publicación. Por ejemplo, participe en el primer libro ilustrado de la revista Marvin la cual tenía como temática a Morrisey, en lo personal solo conocía dos rolas de él por lo que fue mucho buscar de sus canciones en youtube, ver el tipo de videos que hacía, el tipo de letras de sus rolas, sus portadas de discos y su biografía para poder tener un back solido con el cual trabajar una buena idea, de ahí lo siguiente fue bocetar y ese caso tome la tradición inglesa de tomar el té, ya que se presta para buenos momentos y relatar una historia con la cual describir al personaje a través de las formas en el humo del té, ademas siempre encuentras detalles chidos, como que era gran fan del escritor y poeta Oscar Wilde, por eso recurirí a la frase "Born to be Wilde" haciendo referencia también a la frase "born to be Wilde", ese detalle me encanto para jugar con tipografía y bueno, lo demás solo fueron ratos de darle al Photoshop.

Para FUSION Magazine, necesitaban ilustraciones para interiores y portada sobre Deadmau5 en la cual daban libertad creativa. Empecé directamente con los bocetos ya que tenía rato que escuchaba al Dj canadiense, terminando los bocetos los enviaba al editor para decidir cuales se quedaban. Para empezar a digitalizar, el editor me platicó sobre los problemas que había tenido anteriormente en impresión, con ciertos efectos o colores que no funcionan para la revista, para prevenir y agilizar tiempos de entrega. Fue algo rápido, algo así como semana y media desde la primer llamada hasta la entrega de archivos. En el caso de Origama, tengo que mencionar y agradecer por darme la oportunidad de publicar mi trabajo en una revista que se edita en Mérida, la ciudad donde estudie y crecí, es un sentimiento increíble.

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ORIGAMA: Hablando de la revista, cuéntanos sobre la selección de trabajos que presentas en esta edición.

CS: "Peach Kicks", el de la chica con los tenis, tiene mucho de mis nuevas influencias y es de los primeros trabajos que genere llegando a la Ciudad de México. Jugué con las texturas desde los tenis hasta el patrón de la sabana, ademas de generar por separado el gráfico de la playera. Este fue un trabajo libre pero por el cual me han publicado, lo utilizan mucho como referencia para hacer ese tipo de ilustración.

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Otro trabajo que incluyo es "Blue beach", un retrato de mi chica y mĂ­o en la playa. Siempre estos trabajos son buenos como detalle y como no tienen un fin comercial, sirven como prĂĄctica para probar colores o dibujar personajes en posiciones o perspectivas que no haz usado.

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Una de la cosas que no debemos dejar de hacer es participar en concursos o convocatorias, eso te da mucha práctica en cuanto a trabajar con un deadline y foguearse con otros ilustradores. No se puede participar en todas las convocatorias, pero la cosa es no parar y si pierdes alguna, también puede ser un buen trabajo de portafolio. El trabajo del que hablo es "El principito".

"Modelos japos contra fishes" surgió a partir de una publicación de infografías y medios de transporte en la ciudad de México, tenía una nota donde aparecían unos tipos bastante serios, agarre mi libreta y pluma y empece con los trazos metiendo algo de humor. Se dio bastante natural y fue algo aparte del trabajo.

Siempre hay tiempo para generar una idea, cualquier rato muerto es pretexto para sacar algo que tienes girando en tu mente.

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"Alicia, fantasies you hide" fue poner a prueba la paciencia. El trabajar en un agencia de mercadotecnia fue conocer procesos nuevos de creación y desarrollo de ideas de manera visual, es un ritmo rápido para crear campañas, todo este aprendizaje lo empece a aplicar a los dibujos o bocetos y no puedo negarlo, soy la persona más dispersa de este mundo por lo que me es difícil concretar una sola idea, pero con esta práctica del trabajo de agencia me ayudo a progresar en ese sentido. En cuanto a Alicia, use el back de los sentimientos que Lewis Caroll tenía hacia Alexandra Kitchin y por lo cual se cree tenía tendencias pedofilas dada la edad de la niña. Con ese dato y referencias de Alexandra y los personajes del mismo libro me alimenté para la obra, fue bastante relajado darle los detalles a esta obra.

"Morrisey" como les comenté, fue una participación editorial que me permitió conocer más del cantante inglés.

"La estatua para tenis Pony", lo primero que hice fue ponerme en contacto a través de sus redes sociales solicitando generar contenido para sus redes y dando seguimiento fue que me encargaron este diseño en particular. Me invitaron a visitar las oficinas por lo que me emocione tanto, ¡Amo los tenis! y el tener este acercamiento fue especial para mi, me dieron un libro sobre la historia de la marca y ahí leí sobre el insight y mítica que manejaban y bueno, sin querer esto llego a las oficinas en NY, con buenas observaciones. Fue uno de esos trabajos que te dejan buen sentimiento.

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ORIGAMA: ¿Los autorretratos en tu trabajo son intencionales?

CS: Es algo inconsciente muchas veces. Cada artista tiende a dar un poco de si mismo en su trabajo, es clásico que al conocer al dibujante o al ilustrador encuentres similitudes con su persona.

ORIGAMA: ¿Acerca de tu trabajo en gran formato y murales ¿qué puedes contarnos?

CS: Mi parte favorita es ver la expresión de la gente mientras se elabora. Todos tienden a observar diferentes partes del trabajo por lo que escuchar su feedback es divertido. Hay que aprender a soltarse, las dimensiones hacen que cuides más los detalles de proporción y calidad de línea.

ORIGAMA: Nos contaste que el proyecto que presentamos en la portada fue realizado en el Taller en Vida. ¿Qué es y en qué consistió tu participación en ese proyecto?

CS: Es un espacio que da 75º Grados Color (el taller del Maestro Arturo Negrete, uno de los impresores en serigrafía con más años de experiencia en nuestro país), para diseñadores o artistas visuales que quieren producir una obra en serigrafía, donde la gente que asiste puede ver y participar en el proceso de producción. Cada artista puede ir y solicitar una fecha para participar en el taller, es cuestión de preparar debidamente tu archivo y esperar, puesto que hay mucha gente que quiere imprimir su gráfica con el Maestro Arturo Negrete. Para mi fue una sorpresa saber que ningún yucateco había hecho Taller en Vida, por lo que mi entusiasmo era mayor. El maestro Negrete me menciono que para tener fecha necesitaba armar dupla con una mujer, ya que este año está interesado en impulsar la gráfica mexicana femenina, así que me puse en contacto con una amiga de Guadalajara, Fátima Martínez (Fatymuk) y otro cuate, Gustavo Bosque (Bosquestudio) se apuntó, así que ya con el equipo armado, no hubo problema para tener fecha, solo debíamos coincidir con la visita de Fátima al DF. Todos tuvimos que generar los gráficos para el día marcado, fue muy chido poder tener el contacto con la gente y recibir sus percepciones y sentimientos acerca de la obra.

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ORIGAMA: Hemos visto que también participas en foros y pláticas para estudiantes. ¿Cuál es tu experiencia con ellos?

CS: Siempre tienen curiosidad por saber cómo crear una obra, conocer tu experiencia y cómo resolviste o llegaste a contactar a un cliente. Una duda muy particular fue de una estudiante que pintaba pero le daba pena mostrar su trabajo y decía "¿Qué puedo hacer?.

Creo que los estudiantes quieren saber cómo dar ese paso, es muy bueno poder compartir mi experiencia para que no cometan los mismos errores o para demostrarles que si se puede.

ORIGAMA: Playeras, carteles, ¿qué otro tipo de soporte usas para dar a conocer y comercializar tu trabajo?

CS: Los medios digitales, la facilidad con la que tu trabajo puede ser visto en otra parte del mundo es enorme, las redes sociales son una gran ayuda y muchos de mis trabajos los he conseguido por estos medios.

ORIGAMA: Para finalizar, compártenos los enlaces web para conocer más sobre tu trabajo.

CS: Mis link son: facebook.com/totoiaquiestoy behance.net/totoi y twitter.com/totoisemerena Muchas gracias de nuevo por la entrevista y la oportunidad de mostrar mi trabajo.

Ilustraciones e imágenes cortesía Carlos Alberto Semerena Nuñez.

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Virgilio Espadas Xooc en su espacio de trabajo en Uayma.

Foto: María Masaguer maria-aak.blogspot.com.es

VIRGILIO ESPADAS XOOC

Cerámica tradicional maya actual Por María Masaguer Otero

Apoyo en edición de texto: Adela Vázquez Veiga

Conocí a Virgilio en una presentación que hizo de su trabajo en el Museo de San Roque, en Valladolid, aunque ya había oído hablar de él por los pasillos de la Universidad de Oriente. Mis referencias eran que había un chico joven de Uayma trabajando como ceramista, con una doble intención, rescatar el oficio tradicional y explorar las formas, texturas y usos del barro. A las 8:00 p.m. Virgilio comenzó a hablar sobre su material y el proyecto que en ese momento llevaba a cabo: el diseño, recuperación y elaboración de instrumentos musicales prehispánicos.

“A través de los rasgos de las piezas antiguas podemos identificar los sonidos utilizados en ese tiempo, la intención es poder recrear la música de esta tierra y recordar con respeto nuestras raíces”.

Me quedé impresionada con la variedad de sonidos de los silbatos de percusión y fascinada con el funcionamiento de los de agua. Lo que estaba viendo era un claro diálogo de formas/usos ancestrales y soluciones e ideas recién re-encontradas. Una perfecta combinación de conexiones neuronales artístico-prácticas y habilidades manuales innato-adquiridas. Al acabar su presentación recorrí las seis vitrinas del Museo que contenían piezas salidas del taller de aquel joven, ví la materia prima de su trabajo, sus herramientas, imaginé en mi cabeza el proceso de manufactura y me dirigía a hablar con él cargada de preguntas. A los tres días estaba camino a Uayma para conocer su espacio de trabajo.

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Cerámica tradicional maya actual de Virgilio Espadas Xooc Foto: María Masaguer maria-aak.blogspot.com.es

Cómo es el taller y el trabajo de un ceramista tradicional maya actual? Una casa, una familia vinculada a un oficio durante generaciones y un taller que todo lo inunda. Ollas, platos, vasijas, artículos para cocina, recuperaciones de instrumentos musicales prehispánicos, muñecas articuladas, sahumadores, esculturas, adornos. Pero ¿de dónde vienen?, ¿cómo se hacen?.

El barro que compone las piezas de este taller sale del suelo de Uyama, es la tierra y su heterogeneidad la que se explora, con la que se experimenta. Un ejercicio de alquimia que se compone de tiempo, paciencia y valentía. Un ejercicio de ensayo-error de generaciones para encontrar la fórmula adecuada jugando con materiales, cantidades, procedimientos, tiempos. Combinaciones infinitas que al final van dando lugar a fórmulas específicas. Fórmulas exactas evidentes para los maestros y complejas de perfeccionar por los aprendices. Secretos de artesanos mayas.

Ese día hicimos un ejercicio de descomposición de sus piezas, hasta la materia en bruto. Esta es la composición del K´at (barro): “Tierra (lu´um): parte de la mezcla para hacer barro, su consistencia permite tornear de manera adecuada. Tierra blanca (zac lu´um): permite accionar como elemento integrador de cada uno de los materiales.

Tierra roja (chak lu´um): polvo que se utiliza como colorante, su funcionalidad en la mezcla es la filtración de agua. Piedra brillosa (ne´em uz): se utiliza para un mejor cocimiento y porosidad, es muy útil para un recipiente para cocer alimentos (kum), pues soportan más de 1,000 grados Celsius en el horneado. Piedra naranja (pi´kich): se añade como capa aislante de gérmenes. Estos elementos se pueden conseguir en lugares específicos como cenotes y otros lugares, las piedras se consiguen en el monte y se rompen, se cuelan, hasta dejarlo polvo para la mezcla”.

Hablamos también de cómo manejar esa mezcla, cómo dar forma al material. Me fui dando cuenta cómo la mano del artesano se va adaptando al barro, utilizando las formas de los dedos para construir volúmenes. “La mano ha de jugar con la pieza”. El contacto con la humedad del barro va convirtiendo esa percepción sensible en concentración y orden.

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Virgilio Espadas Xooc en su espacio de trabajo en Uayma.

Foto: MarĂ­a Masaguer maria-aak.blogspot.com.es

Hornos mayas en Uayma, Yucatán.

Foto: María Masaguer maria-aak.blogspot.com.es

Un desfile de herramientas se fueron sucediendo: el torno actual que gira manualmente, piedras para bruñir, útiles de madera para detalles, jícaras cortadas con formas redondeadas, trozos de cuero. Sin embargo hay una herramienta que es el tesoro del taller, un tronco que parece una banqueta, que usaban en generaciones anteriores para moldear con los pies. “No podemos contar los años de esta técnica, su nombre es K´abal, quizás por la referencia a la madera ligera de esa mata con la que ha de fabricarse”. Explican que usarla requiere gran coordinación de pies y manos y que un artesano experto se reconocería por la forma que adquiere el pie después de horas de trabajo. Al final de esta explicación pasamos al patio en donde, imponentes, nos esperaban los dos hornos. Es la parte más delicada del proceso, algunas piezas se pierden.

El fuego hace su trabajo, durante dos días se han de alimentar las bocas de estas estructuras cónicas de piedra y tierra. Después, poco a poco, hay que ir acompañándolo en el apagado.

Virgilio describe su trabajo como “una forma de expresar o plasmar las ideas de la mente para la vida, más que un trabajo para mí es una forma de pensar y actuar diferente, es el regalo más preciado que tengo”.

También tiene muy claro que para ser artesano hay que “ser capaz de crear un conocimiento sin basarse de otro y poder quitar el miedo de la mente aunque sea sólo por unos segundos, tener valor y hacer algo nuevo”.

Puntualiza también la relación y equilibrio que el artesano ha de tener con la naturaleza y la cultura. Esta actitud es la que lo ha llevado a devorar diccionarios mayas coloniales y artículos sobre vasijas prehispánicas, a estar investigando y experimentando la textura-escritura de los glifos antiguos sobre el barro o a estar rescatando formas de sahumadores e incensarios que sólo ha visto a través de fotografías y escuchado de ellos a través de las historias que su tía Juanita relataba.

Virgilio es un diseñador-perseguidor de sueños. Uno de los que más anhela es crear una banda de música que armonice el sonido de los instrumentos que hablan con textura de tierra. Una tierra que vive y trabaja pero que lo conecta con otras latitudes. Ayer conversábamos a través de internet sobre qué es lo siguiente que le gustaría hacer. De repente se me escaparon unos links de páginas de alfarería tradicional gallega, le presenté a nuestro oleiros. Rápidamente me dijo que estaría encantado de conocerlos. Una artesanía pegada a la tierra que se expande.

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BORDADOS MAYAS Por: María Masaguer Otero y Adela Vázquez Veiga

Si vives en Yucatán, has vivido temporalmente o has conocido la región y sus maravillas; entonces sabes qué son. Y puede que tú bordes, o tu madre, tu abuela o alguien cercano a tí. Y quizás los usas y transmites su belleza, se refleja en la tuya y los mantienes vivos. ¿Cómo explicar el mundo de los bordados yucatecos? Hilos, colores, bordar, aguja, estambre, originalidad, embutido, diseño, adorno, tiempo, crear, tradición, formas, rejilla, cultura, identidad, tela, organza, hilo contado, tiempo, contorno, costos, gusto, pasatiempo, economía, dedicación, dibujo, algodón, hogar, trabajo, casa, pensamientos, historia, creencias, magia, cosmovisión, mujer, paciencia, entrega, habilidad...palabras que llegan desde Chichimila a través de Jacinta e Inés.

Enhebrando la aguja, ¿cómo y dónde se hacen los bordados? Nacen de las máquinas guiadas por las manos, nacen de las manos guiadas por la habilidad. Diseñan motivos que atrapan en los hilos a flores y animales del lugar. Dibujan ideas antiguas en formas geométricas que acompañan a tipologías técnicas. Creatividad que llena las casas sencillas, que viste de colores a las mujeres y que llena las pupilas de una nueva generación que quiere seguir bordando para que la tradición no muera.

Hilando pasado, presente y futuro…

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La belleza de Jacinta se refleja en sus bordados. Jacinta los conserva con anhelo.

InĂŠs borda un logo. La tipologĂ­a muestra la variedad y las posibilidades. Los colores se fusionan, entremezclan y conviven en armonĂ­a. Emerge Bordados Mayas.

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Las máquinas que bordan y apoyan a las manos.

La acción y el ornamento.

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Imágenes cortesía del proyecto Bordados Mayas (en construcción) en colaboración con Niquelarte.

Los espacios de creación, perseverancia e ilusión. La casa de mujeres.

Luis Alonso Anaya, es un fotógrafo mexicano originario del Distrito Federal, al que hace un par de semenas tuvimos oportunidad de conocer.

Nos contó que estudió Administración, pero que definitivamente no era algo que le llenara, así que decidió estudiar Fotografía.

Con más de trece años de experiencia profesional como fotógrafo, ha logrado especializarse en retrato y fotografía documental. Ha sido editor de fotografía de revistas como Chilango y Cambio y ha participado en exposiciones individuales y colectivas.

Atraído por el mar, Anaya llega a la ciudad de Mérida donde decide establecerse y ¿por qué no? iniciar un nuevo proyecto: F Dos Estación Visual.

Se trata de un espacio que comienza a funcionar como escuela de fotografía, galería y taller. Sus instalaciones se encuentran en el Barrio de Santiago y para su exposición inaugural, la invitada especial fue la fotógrafa Yolanda Andrade.

Luis nos cuenta que lleva mucho tiempo preparando el espacio para ofrecer condiciones óptimas y funcionales áreas de trabajo, estudio y exhibición a los futuros estudiantes, profesores y visitantes. Tanto él como su equipo, transmiten esa emoción que solo los proyectos que realmente nos apasionan logran despertar en nosotros.

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Conocimos las instalaciones y no cabe duda de que será una excelente opción para todos aquellos interesados en la fotografía y que buscan especializarse, ampliar sus conocimientos, conocer el trabajo de fotógrafos de gran trayectoria y por supuesto, hacerse de muy buenas relaciones profesionales que les permitan dar proyección a su trabajo.

Si quieres conocer más acerca de F Dos Estación Visual, te invitamos a seguirlos en: facebook como f2estacionvisual.estacionvisual y en twitter como @f2estvisual También puedes visitarlos en la calle 57 # 588 D x 76 y 78 del Barrio de Santiago en Mérida, Yucatán.

Fotografías cortesía F Dos Estación Visual.

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CATÁLOGO DE ARTE CONTEMPORÁNEO EMERGENTE

artesmerida @artesmerida

PRIMERA EDICIÓN / CONVOCATORIA 2013 artesmerida.com y la revista ORIGAMA® Arte y Cultura Contemporánea, convocan a la integración de la primera edición del Catálogo de Arte Contemporáneo Emergente S.A. de C.V. *Proyecto apoyado por el Fondo Municipal para las Artes Visuales 2013 del Ayuntamiento de Mérida.

BASES 1. residentes de la ciudad de Mérida, Yucatán, de forma individual 2. Cada postulante deberá crear una carpeta digital en dropbox.com o en el servicio de alojamiento de su elección, incluyendo la siguiente información: a. nombre completo. b. Nacionalidad y comprobante domiciliario. c. Datos de contacto (teléfono, correo electrónico, página web). d. Años de trayectoria, incluyendo un breve currículum de 300 caracteres máximo. e. Una selección de tres proyectos u obras de referencia a su trabajo, que deberá incluir de forma individual: Título, breve descripción del proyecto u obra, año de producción y imágenes, se deberá incluir enlaces a la página web donde se encuentren alojados.

3. El enlace de acceso a la carpeta digital deberá ser enviado al correo electrónico: info@artesmerida.com 4. Se recibirán los enlaces a las carpetas digitales de cada convocatoria cerrando la misma el día viernes 31 de mayo de 2013.

CRITERIOS DE SELECCIÓN publicación anual para la conservación, difusión y promoción Mérida, Yucatán.

supervisada por un grupo transdisciplinario.

exclusivamente para la incorporación, reproducción, publicación y distribución de su obra dentro del Catálogo de Arte Contemporáneo Emergente

material que registre.

GENERALES 1. El Catálogo de Arte Contemporáneo Emergente se publicará artesmerida.com 2.

Catálogo de Arte Contemporáneo Emergente, en sus versiones impresa y electrónica, será gratuita.

3.

4.

5. durante el mes de junio de 2013 artesmerida.com 6. vía correo electrónico.

7. Para dudas referentes a esta convocatoria se podrá escribir a info@artesmerida.com

David Zambrano en tumàka´t.

Foto: Steff Rivadeneyra

ZAMBRANO EN TUMÀKA´T ¿Qué tan difícil es olvidarse del protagonismo y los vicios aprendidos? ¿Qué tan complicado puede ser el guiar o el dejarse guiar? ¿Qué tan dispuesto estás a ser uno con el todo, a recuperar tu centro?

Recibimos una invitación para asistir a la demostración del taller que desde hacía casi dos semanas (del 4 al 15 de marzo) impartía David Zambrano en tumàka´t. Sin ser expertos en la materia, pero con muchas ganas de conocer sobre las famosas técnicas Flying Low y Passing Through de las que es creador Zambrano, asistimos al estudio y residencia que dirige Vania Durán.

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David Zambrano en tumàka´t.

Foto: Steff Rivadeneyra

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Taller de David Zambrano en tumàka´t.

Foto: Steff Rivadeneyra

Taller de David Zambrano en tumàka´t.

Foto: Steff Rivadeneyra

Taller de David Zambrano en tumàka´t.

Foto: Steff Rivadeneyra

Definido por muchos de los ahí presentes como un ser totalmente espiritual, David Zambrano había intentado a través de sus técnicas y un fuerte entrenamiento, conectar a los bailarines con el aquí y el ahora, con su cuerpo, con los otros y con el espacio, a pensar y expresarse a través de su cuerpo.

Zambrano invitó a los bailarines a despojarse de la rigidez aprendida, a ser espontáneos, a recuperar la naturalidad en sus movimientos, a improvisar.

Esa mañana fuimos testigos, de la camaradería que se había iniciado entre ese grupo de bailarines provenientes de diferentes partes de la República Mexicana y también de otros países, todos seleccionados a través de convocatoria emitida por tumàka´t. Durante una hora los vimos correr de un lado a otro, fluir y responder a la música que el maestro había seleccionado. El agotamiento era evidente, pero lo que más llamaba la atención, era ver como se construían y deconstruían movimientos entre unos y otros bailarines, como a veces uno era guía y al segundo siguiente se convertía en guiado. Entre los bailarines habían varios con mucha más experiencia y a diferencia de otras ocasiones, esta vez no luchaban por sobresalir o destacar, estaban más atentos a las indicaciones y a los movimientos de sus compañeros, en algunos se notaba que no era un objetivo fácil de cumplir.

David Zambrano lleva cerca de veinte años desarrollando estás técnicas, curiosamente fue a partir de una lesión que le impedía permanecer de pie. El Flying Low "Consiste en un trabajo eficiente de suelo que nos permite llevar el cuerpo a un estado de alerta y rapidez física mientras mantenemos un estado interior de calma". Por su parte el Passing Through, "es una técnica de improvisación conectada estrechamente con el Flying Low, donde el bailarín trabaja su interconexión con la sala y con las personas que lo rodean, su musicalidad interna y la posibilidad de tomar decisiones en un constante aquí y ahora".

La visita de Zambrano a la ciudad, es parte de los talleres que tumàka´t ha programado gracias al apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes a través del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales. Para conocer el calendario de talleres y participar en las convocatorias, puedes visitar tumakat.com y tumakat.blogspot.mx

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46 El pato y la muerte, Wolf Erlbruch Barbara Fiore Editora

*puntoTXT SOBRE LA MUERTE DE LOS PATOS Por Christian Núñez

A veces, los fines de semana, sin planes por delante, te dirigías directamente a Bellas Artes y cruzabas a la Gandhi, preguntabas por dos o tres libros transcurrida una hora, cuando ya habías revisado varias secciones, podía ser una biografía de Alexander McQueen o el Dalai Lama, o cualquier otro título excéntrico y poco leído, que acaso jamás llegó a distribuirse en México, y en el fondo, según tú, de eso se trataba, de buscar lo imposible, de cada vez ir más en busca de lo imposible y acercarse a lo imposible al final de la escalera, y esa tarde recorrías la sección de películas al final de la escalera, localizaste dos o tres que ya habías visto anteriormente bajo situaciones emocionales complicadas, y se te ocurrió preguntar por un libro, El pato y la muerte, de Wolf Erlbruch, un ilustrador/escritor alemán de rostro angustiado cuya historia gira en torno a la relación de un pato joven y una muerte vieja, sus diálogos tiernos y malignamente inocentes entre gráficos austeros, le explicabas a la encargada de sección, quien preguntó si era para ti o para alguien más, viéndote de arriba abajo por tratarse de una obra infantil, claro que es para mí, le dijiste sonriendo, démelo ya, y no lo abriste sino varios días después, con tal de concentrar el deseo de hojearlo, la extraña relación entre el papel y los dedos podría ser tema de largas disertaciones, pensabas, básicamente no querías abrirlo y, simultáneamente, deseabas abrirlo y detener el tiempo, romper el empaque de plástico, darle vueltas al tiempo y evitar su colapso, es el tema de siempre, la muerte, los relojes, la efímera belleza de las cosas materiales, algo de eso ya se desarrolla en El principito de Antoine de Saint-Exupéry, está presente en La historia del señor Sommer de Patrick Süskind y en las historietas de Liniers, sentirse frágil es una cosa y ahogarse otra, razonabas, platicar con la muerte es distinto a dejarse matar por ella, o ignorar que ha venido por uno, y es triste hacerle plática porque estamos solos, en un estanque, cuando la muerte es incluso una solitaria de tiempo completo, sin estanque, le decías a la encargada de sección, y en un momento de calma aparente pudiste haberle preguntado si tenía hijos, si había hablado con ellos sobre la muerte y los patos, o acerca de los grandes misterios, una conversación seria, casi un monólogo, a punto de ir a la caja y pagar.

El pato y la muerte Wolf Erlbruch Barbara Fiore Editora / Colofón, 2012

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