Los cuadros de este artista están llenos de energía, de alegría, de ganas de pintar y de vivir. Pintar era lo que más le gustaba hacer y daba lo mejor de sí mismo.
A mediados del s. XX los artistas se interesaron profundamente por las posibilidades del color. Ya no se preocupaban tanto por la forma o el contenido de sus obras, sino que investigaron con el color, la luz, el tamaño de los cuadros... Muchos alcanzaron resultados realmente sorprendentes e innovadores. Esteban Vicente es un pintor español que vivió gran parte de su vida en el exilio, en EE.UU., muy interesado por la relación del color con la luz.
Dvinsk, Rusia, 1903 – Nueva York, 1970
Granada, 1914 – Barcelona, 1991
Turégano, Segovia, 1903 – Nueva York, 2001
Mark Rothko
José Guerrero
Esteban Vicente
Después de la Guerra Civil (1936-1939), se fue a vivir a EE.UU. Allí conoce a los grandes artistas del momento, entablando especial amistad con Rothko. En su obra explora el color y sus tensiones, investigando la relación de éste con la mirada.
Sus primeras obras son de carácter surrealista, repletas de símbolos y referencias al antiguo teatro griego. Progresivamente difumina las figuras con el fondo, donde ya encontramos la disposición en bandas de color. A lo largo de veinte años investigará intensamente con los colores y los rectángulos.
Luis Feito Madrid, 1929
Para este artista es muy importante el gesto que hace al pintar un cuadro, el primer trazo. Cree, al igual que otros artistas que trabajaron en los años sesenta y setenta, que este gesto debe salir desde dentro sin pensar, para que la mano se mueva libremente por el lienzo. Le gusta poner el cuadro en el suelo y tumbarse sobre él; se mete dentro de su pintura para pintar con espontaneidad.
Alfredo Alcaín Madrid, 1936
Este artista está muy interesado en la representación de la naturaleza. Muchos artistas a lo largo de la historia han sentido lo mismo y han representado bodegones como éste. ¿Habías visto alguna vez un bodegón? Su obra se desarrolla dentro de un lenguaje muy próximo al Pop Art. Durante toda su trayectoria utiliza materiales y procedimientos para pintar muy diferentes. A veces se acerca a la realidad más dura y critica en sus obras las injusticias que lo rodean. Otras veces juega con los volúmenes y los incorpora como si quisieran salir del cuadro.
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Alex Katz Nueva York, 1927
Alex Katz se decide por representar la figura humana en una época en la que los artistas estaban más preocupados investigando las posibilidades de la pintura abstracta. Pensaba, al igual que Mark Rothko, que cuanta más superficie de color se pintara, más intenso sería ese color. En sus obras quiere recuperar la idea tradicional del retrato y unirla con las nuevas ideas de la abstracción y el color. Busca una representación natural, le interesa captar el momento, la luz. Prefiere los colores planos, en lugar del contraste entre luces y sombras, busca lo sencillo, la cantidad suficiente de detalles para lograr transmitir una ilusión convincente.
ISBN: 84-8026-306-7 D. Legal: NIPO: 553-06-029-0
Y si quieres comentarnos cómo ha sido tu experiencia con el color puedes ponerte en contacto con nosotros en: educacion.mncars@mcu.es
DEPARTAMENTO DE EDUCACIÓN
Si quieres más información sobre los artistas puedes consultar sus biografías en la página web de nuestro museo: www.museoreinasofia.es
Y ADEMÁS... en una nueva aventura del color realizando las actividades que te proponemos.
EL CUADERNO: Y en casa, adéntrate
verde es l rojo es r rosa es c azul es e amarillo es o
por la mañana, en el teatro participa de otra experiencia con el color y disfruta de una nueva interpretación de las obras.
EL TEATRO: Si haces la visita un domingo
El Color
Respondiendo a las actividades propuestas en la línea azul celeste crearás tu propio recorrido de visita al museo. Comenta con tus acompanantes tus descubrimientos. Intenta un nuevo recorrido cada vez que visites el museo. Busca. Sigue las indicaciones del mapa que te llevarán a cada una de las obras. Observa. Date unos minutos para contemplar la obra. Ayúdate de “las palabras del artista” y de las preguntas que te formulamos para fijarte en los distintos detalles de la obra. Comenta. Habla con tus acompañantes sobre lo que ves y lo que lees. En el mapa encontrarás dos caminos a seguir.
EL MAPA:
Programa para familias
Sin titulo nº8 (1998) Observa esta pintura con tranquilidad durante unos momentos. El verde se extiende por el lienzo; si te fijas tiene matices e intensidades muy diferentes. Este verde se transforma a medida que se aproxima a las manchas amarillas, también en la parte superior al contacto con el color blanco.
Sur (1980) José Guerrero viajó mucho durante toda su vida y siempre llevó consigo las imágenes de su infancia. Para él, las imágenes de la memoria, a veces, son colores.
Aquí las manchas de color construyen los objetos, casi no necesitan de la línea para hacer el contorno. Los colores que ha empleado son planos y además no se mezclan entre ellos.
En esta obra Feito sólo ha utilizado dos colores: el blanco y el negro. Le interesan mucho porque son opuestos, quiere investigar lo que sucede al juntarlos sobre un lienzo. El blanco nos deslumbra con su luz y el negro extiende su oscuridad por el cuadro. Su investigación espontánea de los colores puede sugerirnos algo diferente a cada uno.
En este cuadro y en su título hay tres colores. En el centro la línea rojiza parece dividir dos grandes espacios anaranjados. Tus ojos se pueden mover arriba de la línea roja o por debajo de la frontera de color. Si te fijas verás que las fronteras entre colores son difusas, los límites de estos cuadrados y rectángulos se desvanecen al mezclarse con el fondo. ¿Y si mueves la línea? Este cuadro sería muy diferente. Los espacios pintados parecen explanadas de color, espacios para pensar e inventar.
Cézanne Petit-point II (1981)
Nº179 (1960)
Untittled (Orange, plum, yellow) (1950)
CY CMY
Nuestra mirada se desliza por el cuadro como cuando vemos un paisaje. A este artista le gusta crear obras que evocan la naturaleza, pero sin llegar a representarla tal y como la vemos.
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Instrucciones de Uso
Fíjate en esta enorme extensión de azul. Los otros colores, el rojo de la derecha y los negros de la parte superior, parece que tratan de limitar el territorio del azul. Entre el rojo y el azul hay una delgada frontera blanca; a Guerrero le interesan mucho los lugares donde los colores casi se tocan, donde mantienen la tensión y a veces llegan a mezclarse. Los colores pueden cambiar mucho según el compañero que tengan al lado ¿qué crees que pasaría si pudiéramos cambiar los colores de esta obra? ¿y si los colores fueran los mismos pero los pudiéramos cambiar de sitio?
El artista que ha pintado esta obra estaba convencido de que los cuadros no debían representar el mundo que vemos con nuestros ojos, sino que debían tener su propia realidad. Suele pintar cuadros mucho más grandes que éste que tienes delante. Lo hace así porque quiere captar toda la atención del espectador y conseguir que se empape del color, como si tú ahora mirando esta obra pudieras sumergirte en un mar naranja.
¿Te has fijado de qué está hecho? El material que sobresale es arena, está mezclada con óleo. Luis Feito y otros artistas de su época empezaron a incluir materiales diferentes en sus obras porque querían hacer algo nuevo, querían dejar de pintar siempre con las mismas herramientas. Si te fijas el color es diferente cuando tiene volumen y textura.
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En sus cuadros no pretende contarnos una historia, sino que nos invita a que dejemos libre nuestra mirada por los colores de la superficie. Quiere que el espectador disfrute contemplando los matices, los colores y las relaciones entre los tonos que emplea.
Patrocina: FUNDACIÓN SANTANDER CENTRAL HISPANO Impresión: Grafoffset Impresores
CAMINO 2. Piérdete:
© de esta edición, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2006. © de los textos, sus autores © de las ilustraciones, El Último Grito © de las reproducciones autorizadas. VEGAP. Madrid, 2006. © 1998 Kate Rothko Prizel and Christopher Rothko/VEGAP, Madrid, 2006. © Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, Segovia.
CAMINO 1. Busca, observa y comenta:
Concepto general de la publicación: El Último Grito Diseño gráfico e ilustraciones: El Último Grito y Óptima Comunicación Visual Textos: Laura Domingo Vera Fotografía de la portada: Enrique Corrales Crespo Coordinación: Pablo Martínez
Alfredo Alcaín ha tomado prestada esta obra de otro artista llamado Cézanne. Cuenta Alcaín que una vez vio la obra de Cézanne reproducida en un cañamazo de petit-point (de ahí el título) y decidió trabajar con esa idea. Así se puso a pintar una nueva versión del cuadro de Cézanne, una versión donde la pincelada original es sustituida por la mancha de color. Te proponemos que intentes mirar el cuadro por pedazos. Prueba a usar tus manos como una herramienta que te ayude a mirar sólo un elemento del cuadro. Lo que ves ¿podría ser una nueva obra? Podemos descubrir muchos cuadros dentro del cuadro.
Gran Sonrisa Roja (1993) La mujer que aparece en este cuadro con una sonrisa tan amplia es Ada, la esposa del artista. Ella es una de sus modelos preferidas, la ha representado en cientos de obras. Si alguna vez has intentado retratar a un ser querido, sabrás que el parecido no es perfecto, pero seguro que has logrado transmitir lo que tú sientes al dibujar a esas personas que conoces bien. Entonces puedes comprender por qué Katz ha pintado a Ada así, concentrándose en su gran sonrisa. Katz quiere capturar en sus cuadros un instante determinado, un segundo de gesto y de luz, como cuando hacemos una fotografía. Sin embargo cree que las fotografías no logran captar adecuadamente el color del momento. Cuando Ada sonríe con sus labios pintados de rojo, para Katz, durante un instante, todo se ilumina de rojo; eso es lo que ha querido mostrarnos en esta obra.
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