Christina Sandsengen - SHADES & CONTRASTS

Christina Sandsengen classical guitar

SHADES & CONTRASTS Domeniconi Albéniz Tárrega Lundestad Aguado Barrios Gismonti

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Shades & Contrasts

Christina Sandsengen

Carlo Domeniconi: Koyunbaba (Suite Op. 19)

09 Sven Lundestad: Late At Night 1’22

01 I Moderato

3’51

02 II Mosso

1’44

10 Dionisio Aguado: Andante & Rondo

03 III Cantabile

4’21

04 IV Presto

4’07

05 Isaac Albéniz: Mallorca Op. 22

7’37

06 Isaac Albéniz: Asturias

(from Suite Española, Op. 47)

7’23

(Op. 2, No. 3)

10’13

Agustín Barrios Mangoré: La Catedral 11 I

Preludio Saudade

3’09

12 II Andante Religioso

2’04

13 III Allegro Solemne

3’28

14 Egberto Gismonti: Água e Vinho

3’53

07 Francisco Tárrega: Lágrima 2’25 08 Anonymous: Spanish Romance 3’05

TT 58’53

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ENG

The classical guitar is the key to my unconscious world of emotions, where I explore the contrasts and shades of life. If a piece moves and captures me while hearing it, I feel compelled to play it, as if I had some special bond to it even before seeing the score.

All of the works on this CD have given me this feeling. All of them, even the ones which are not from the Romantic period, are romantic pieces, with dreamy and mystical atmospheres, typically colorful soundscapes and expressive of a wide range of sentiments, together forming something akin to my personal, emotional journal.

“Koyunbaba” captivates me with its wide spectrum of feelings and Turkish folk spirit, “Asturias” with the tension caused by the expressive buildup contained in its tight rhythms and “Mallorca” for its sad melody tinged, nevetheless, with a hint of hope. In “Lágrima” and “La Catedral” I dwell in sorrow. Meanwhile “Late At Night”, by my compatriot Norwegian guitar professor Sven Lundestad, dedicated to his friend and colleague at the Norwegian Academy of Music, Geir Otto Nilsson, is so calm and relaxing that it seems to evoke a soft breeze late at night.

“Spanish Romance”, a charming, tender piece, is followed by the equally endearing “Introduction and Rondo”, characterized by a light theme and contrasting dramatic chords, intense sostenuti and glissandi. In “Água e Vinho”, meanwhile, the melodic voice flows like crystalline water, the accompaniment a ruddy wine, together forming a perfect pairing.

The combination of these pieces, with their wide contrasts in sentiment, creates a balance through which their individual shades become united in a larger canvass revealing my inner life. It is often a yearning, melancholic image, though always with a seed of light and a sense of beautiful serenity. This voice is for me the natural voice of the guitar, to which I was unstoppably drawn eleven years ago as a reflection of my own voice, and which, between my fingers and its frets, continues to resonate with my innermost feelings throughout all the vicissitudes and joys of my experience. This album is my sincere statement; in hearing it, you know me.

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The classical guitar holds a unique position in music, spanning styles and cultures with an ease that few instruments can boast. Classical and folk styles, music from East and West, are effortlessly fused in works for the guitar, resulting in a repertoire as rich as it is appealing. This is, of course, a double-edged sword; the incorporation of folk music into a classical context can lead to a certain suspicion of the classical guitar amongst some aficionados, who may question the depth of music which “crossed over” the bridge between genres long before the term “crossover music” was coined.

Yet this would be to do a disservice to the guitar’s real raison d’être and prevailing characteristic: the giving of musical pleasure. If some aficionados retreat in the face of its varied heritage, perhaps this simply frees guitar music from the fetters of an over-analytical approach to music which can, if too dry, risk stifling the listening experience. The guitar is, then, an instrument which continues to bring sincere joy to the listener, with its capacity for great textural variety, intricate, nuanced colours and the unfolding of different lines of music simultaneously. This collection gathers together some exceptional works for the instrument, as well as some rarities.

Italian composer and guitarist Carlo Domeniconi (b.1947) has become a champion of Turkish music, after trips to the country left him fascinated by its culture and musical traditions. Inspired in part by the examples of artists such as Ravi Shankar and Yehudi

Menuhin, both of whom sought to reconcile the musical styles of different cultures, Domeniconi has blended the European classical tradition with Turkish folk idioms.

Composed in 1985, the Koyunbaba suite is a fine example of this marriage of styles. Koyunbaba means “sheep father” or “shepherd”, often a revered figure in Turkish culture. Furthermore, just as Shepherd is a surname, so is Koyunbaba; the family resides in an arid region of Southwest Turkey that is apparently cursed: those who attempt to buy or rent the land from the family fall ill or die. Domeniconi was intrigued by this facet of the Koyunbaba name, and the suite’s often haunting atmosphere may reflect the darker implications of the work’s title. This haunting quality pervades the opening movement, which is followed by an agitated second. The third, marked Cantabile, is not as lyrical as one might expect from the title; rather, the work’s nervous forward momentum is maintained.

The final movement features a virtuosic flurry of notes underpinned by a repeated pedal point, ending with a slower section characterised by exotic modal inflections and a serene atmosphere.

From Turkey to Mallorca, and a piece by Spanish composer and pianist Isaac Albéniz. The piece was originally written for piano in a style reminiscent of Chopin, who had visited Mallorca in an attempt to revive his ailing health; it may have been this story that inspired Albéniz to imbue the piece with its melancholy air. Mallorca is a barcarolle, from the Italian 4

‘barca’ meaning boat, a genre which originated from the songs sung by Venetian gondoliers. Barcarolles frequently feature gently rocking rhythms intended to evoke waves rocking a vessel, and in Mallorca, Albéniz combines this with Spanish dance rhythms. There is a sunnier central section, before the sombre mood of the opening returns.

style. Tárrega is one of many composers to whom the anonymous Spanish Romance has been attributed, but its authorship, tantalisingly, remains uncertain.

Possibly dating from the 19 th century, the Romance has become a staple of the guitar repertoire and exhibits characteristic traits of both Spanish and South American music.

Asturias (Leyenda) is another piece originally written for piano by Albéniz, although it is almost certainly more famous in its versions for guitar. The work is the first of a set of three pieces entitled Chants d’Espagne, first published in Barcelona in 1892. It was not until 1911, two years after the composer’s death, that the German publisher Hofmeister added the subtitle Asturias (a region in northern Spain), followed by Leyenda, meaning ‘legend’. However, Hofmeister may have been rather inaccurate in his labelling; the music is not especially evocative of the folk music of the Asturias region, although, with its compellingly insistent rhythms, it is a thrilling example of the Andalusian flamenco style.

Norwegian guitarist Sven Lundestad (b.1950) was appointed the first Professor of Guitar at the country’s Academy, where he taught until quite recently. His friend and colleague at the Academy is fellow-guitarist Geir-Otto Nilsson, who taught Christina Sandsengen, and to whom Late At Night is dedicated. In contrast with the Spanish heat of so much guitar music, Late At Night exudes a refreshing Nordic coolness, with harmonics and jazz inflections used to create an irresistibly relaxed, nocturnal quality.

One of several musicians who arranged Asturias for guitar was fellow Spanish composer Francisco Tárrega, who was friends with Albéniz. Tárrega was a great guitarist who composed and transcribed a large number of works for the instrument, his performances and compositions proving pivotal in rejuvenating the reputation of the guitar internationally. Lágrima (‘Tear’) is a concise piece with a brooding central section, framed by music in a tender, gently wistful

Dionisio Aguado (full name, Dionisio Aguado y García, 1784-1849) was a Spanish guitarist and composer. A contemporary and friend of Fernando Sor, another important guitarist-composer, Aguado wrote numerous influential studies for the instrument, as well as charming pieces such as this meditative Andante and elegant Rondo.

Paraguayan composer Agustín Pio Mangoré, also known as Agustín Pio Barrios (his real name), was the first guitarist from South America to become internationally celebrated. Self-taught as a composer, Mangoré’s professional name is a mixture of his real 5

name and a stage name, the latter adopted in the 1930s, “Nitsuga Mangoré”. Nitsuga is Agustín spelled backwards, whilst Mangoré was the name of the chief of the Guaraní tribe. Apparently, Mangoré would appear on stage sporting a Guaraní headdress and declaring himself to be “Chief Nitsuga Mangoré, the Paganini of the guitar from the jungles of Paraguay”. He is also sometimes known as “the Chopin of the guitar”, both epithets suggestive of a remarkable degree of both virtuosity and sensitivity. Mangoré developed the tremolo technique to an astonishing level of intricacy and specialised in programmatic or evocative works such as La Catedral.

The work was inspired by a trip to Uruguay, where Mangoré visited the Cathedral of San José, and was stylistically influenced by the music of J.S. Bach, whose works Mangoré loved to perform. Originally the piece comprised two movements, the meditative Andante religioso, and an Allegro solemne which seems to evoke a stately procession. The great guitarist Andrés Segovia said of Mangoré’s work:

sure enough the movement acts as a ‘recollection’ (or, given its appearance first in the suite, a pre-echo) of the other movements.

Prolific Brazilian composer, guitarist and pianist Egberto Gismonti (b.1947) has brought Brazilian styles into the classical tradition with remarkable subtlety. His piece Água e Vinho (‘Water and Wine’) comes from the 1972 album of the same name, and has been performed in various guises. The music unfolds in a spirit of exquisite, hypnotic melancholy but, at the work’s conclusion the clouds seem to clear, allowing through of a ray of musical sunshine.

Joanna Wyld

“… the one that really impressed me was a magnificent concert piece The Cathedral whose first movement is an andante, like an introduction and prelude, and a second very virtuosic piece which is ideal for the repertory of any concert guitarist.”

The composer later added another movement, to be played first, Preludio (Saudade). ‘Saudade’ is a Portuguese word implying a nostalgic memory and,

Text by Joanna Wyld/Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.

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Christina Sandsengen was born in a small town in the middle of Norway in 1987. She started to play the piano at the age of seven and gave her first public performance the following year. When she was fifteen she started playing the guitar and fell in love with it, devoting herself solely to the instrument from then on. At college she studied classical guitar with Martin Haug and at sixteen also had lessons with Geir Otto Nilsson in a talent program for young musicians at the Norwegian Academy of Music.

After college, she began her studies in performance at the Norwegian Academy of Music with Erik Stenstadvold. During her bachelor’s degree she studied abroad for a period at the Conservatorio Superior de Música ‘Manuell Castillo’ in Sevilla, Spain.

Upon finishing her studies in Norway, she travelled to France to take further lessons with Gérard Abiton. Christina has also participated in masterclasses with many internationally acclaimed guitarists such as Eliot Fisk, Fabio Zanon and Aniello Desiderio.

Since then she has performed in leading festivals and venues in England, Turkey, Sweden, Bolivia, Peru, Spain, Malaysia, Singapore and Thailand, receiving critical acclaim for her many solo concerts. In Turkey, she was invited to perform Carlo Domeniconi’s “Koyunbaba” on CNN Türk. She has also performed as a soloist in concert with the Oslo Gitarensemble, and has been featured on the Venezuelan radio program “Guitarras del Mundo”.

Christina plays a wide range of repertoire though she is particularly dedicated to romantic music. Her love and passion for the classical guitar drove her to establish the Oslo Gitarskole, Norway’s leading school for classical guitar, where she has hosted masterclasses by leading international players such as Xuefei Yang, Carlo Domeniconi and Anders Clemens Øien. Recently elected to the board of the Classical Guitar Association of Norway, Christina Sandsengen regularly gives masterclasses across the globe alongside other top artists from the international guitar scene.

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ESP

La guitarra clásica es la llave a mi mundo inconsciente de emociones, donde exploro los contrastes y matices de la vida. Si una pieza me emociona y me atrapa mientras la escucho, me siento obligada a tocarla, como si tuviera un vínculo especial con ella, incluso antes de ver la partitura.

La totalidad de las obras contenidas en este CD me han proporcionado esa sensación. Todas ellas, incluso las no pertenecientes al Romanticismo, son piezas románticas con atmósferas oníricas y místicas, paisajes sonoros típicamente coloridos, que expresan un registro de sentimientos tan amplio que todas juntas forman, lo que podríamos llamar, mi diario personal de emociones.

Koyunbaba me cautiva con su gran variedad de sentimientos y su espíritu popular turco, Asturias con la tensión causada por la acumulación expresiva contenida en sus ajustados ritmos y Mallorca por su triste melodía con ese ligero toque de esperanza en ella. En Lágrima y La catedral me adentro en la melancolía. Mientras tanto Late at Night, compuesta por mi compatriota el profesor de guitarra Sven Lundestad, dedicada a su amigo y colega de la Norwegian Academy of Music, Geir-Otto Nilsson, es tan apacible y relajante como una suave brisa de madrugada.

A Spanish Romance, una pieza fascinante y delicada, le sigue una igualmente adorable Introduction and Rondo, caracterizada por una melodía ligera y el contraste de dramáticos acordes, intensos sostenidos y glissandi. Mientras tanto, en Água e vinho la melodía me recuerda al agua cristalina y el acompañamiento al vino tinto, formando un maridaje perfecto.

La combinación de estas obras, con sus grandes contrastes de sentimientos, crea un equilibrio a través del cual sus matices individuales se unen en un lienzo mayor que revela mi vida interior. Suele ser un anhelo, una imagen melancólica, pero que contiene siempre una un germen de luz y una hermosa sensación de serenidad. Esta voz, es para mí la voz natural de la guitarra, por la cual sentí una atracción irrefrenable hace once años, como un reflejo de mí misma y por la que siguen resonando, entre mis dedos y sus trastes, mis sentimientos más íntimos a través de todas las vicisitudes y alegrías de mi experiencia. Este álbum es mi sincera declaración, escuchándolo me conocerás.

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La guitarra clásica ocupa una posición única en la música, abarcando estilos y culturas con una facilidad de la que pocos instrumentos pueden presumir. Estilos clásicos y populares, música del este y oeste, son fusionados sin esfuerzo en las obras para guitarra, que dan como resultado un repertorio tan rico como atractivo. Esto es, por supuesto, un arma de doble filo: la incorporación de la música popular a un contexto clásico puede llevar a algunos aficionados a desconfiar de la guitarra clásica, quienes pueden cuestionar la profundidad de la música, que cruzó el puente entre géneros mucho antes de que el término crossover music (música fusión) fuera acuñado. Además, esto sería hacer un flaco favor a la verdadera raison d’etrê de la guitarra y que la caracteriza: proporcionar placer musical. Si algunos aficionados se rindiesen ante su variada herencia, quizás esto simplemente liberaría la música de guitarra de las cadenas de un enfoque demasiado analítico que puede, si es demasiado seco, reprimir la experiencia de la escucha en cualquier caso. La guitarra es entonces un instrumento que sigue deleitando con sinceridad al oyente, con su capacidad para una gran variedad textural, intrincada, sus colores matizados y el despliegue de diferentes líneas melódicas simultáneamente. Esta colección reúne algunas obras excepcionales para este instrumento, así como algunas rarezas por descubrir.

El compositor y guitarrista italiano Carlo Domeniconi (nacido en 1947) se convirtió en impulsor de la música turca, después de varios viajes al país que lo dejaron

fascinado por la cultura y sus tradiciones musicales.

Inspirado en parte por artistas como Ravi Shankar y Yehudi Menuhin, quienes trataron de conciliar estilos musicales de diferentes culturas, Domeniconi combinó la tradición clásica europea con expresiones populares turcas. Compuesta en 1985, la suite Koyunbaba es un buen ejemplo de esta fusión de estilos. Koyunbaba significa “pastor”, figura venerada a menudo en la cultura turca. Es más, de la misma manera que Shepherd es un apellido, también lo es Koyunbaba. La familia reside en una árida región del suroeste de Turquía que está aparentemente maldita, lo que significa que aquellos que intentan comprar o alquilar la tierra de la familia enferman o mueren. A Domeniconi le intrigó esta faceta del nombre Koyunbaba y la atmósfera, a menudo inquietante de la suite, puede reflejar las connotaciones más oscuras del título de la obra. Esta calidad turbadora impregna el primer movimiento, seguido por un agitado segundo movimiento. El tercero, llamado Cantabile, no es tan lírico como cabría esperar del título, más bien, mantiene el arranque nervioso de la obra. El movimiento final presenta un virtuoso frenesí de notas apoyadas por una repetida nota pedal, que termina con una sección más lenta caracterizada por inflexiones modales exóticas y una atmósfera serena.

Desde Turquía a Mallorca, en una pieza del compositor y pianista español Isaac Albéniz. La pieza fue escrita originalmente para piano en un estilo que recuerda a Chopin, quien visitó Mallorca en un tentativo de mejorar su frágil salud. Pudo haber sido esta historia lo que 10

inspiró a Albéniz a infundir a la pieza su aire melancólico. Mallorca es una barcarola, del italiano “barca”, un género cuyo origen se encuentra en las canciones cantadas por los gondoleros venecianos. Las barcarolas se caracterizan por ritmos ligeramente oscilantes, con la intención de evocar las olas balanceando una barca y en Mallorca, Albéniz lo combina con ritmos de danza española. Hay una sección central más alegre, antes de que el ambiente sombrío de la apertura regrese.

Asturias (Leyenda) es otra obra escrita originalmente para piano por Albéniz, aunque en realidad es casi más conocida en sus versiones para guitarra. Esta obra es la primera de una serie de tres movimientos titulada Chants d’Espagne, publicada por primera vez en Barcelona en 1892. No fue hasta 1911, dos años después de la muerte del compositor, cuando la editora alemana Hofmeister agregó a esta pieza el subtítulo Asturias, seguido por Leyenda. Sin embargo, Hofmeister pudo haberse equivocado etiquetándola, ya que la melodía no evoca especialmente la música popular asturiana, pero, con sus ritmos irresistiblemente insistentes, es un ejemplo del apasionante estilo flamenco andaluz.

Uno de los muchos músicos que adaptó Asturias para guitarra fue el compositor español Francisco Tárrega, amigo de Albéniz. Tárrega fue un excelente guitarrista que compuso y transcribió un gran número de obras para este instrumento, siendo sus interpretaciones y composiciones la prueba crucial del rejuvenecimiento de la reputación de la guitarra a nivel internacional.

Lágrima es una pieza concisa con una taciturna sec-

ción central, enmarcada por una melodía de estilo delicado y ligeramente melancólico.

Tárrega es uno de los muchos compositores a quienes se le ha atribuido Spanish Romance, pero su tentadora autoría sigue siendo incierta. Datada posiblemente en el siglo XIX, el Romance es fundamental en el repertorio para guitarra y muestra rasgos característicos de la música española y sudamericana.

El guitarrista noruego Sven Lundestad (nacido en 1950) fue nombrado como el primer profesor de guitarra de la Academia del país, donde impartió clases hasta hace poco. Su amigo y colega de la Academia es el guitarrista Geir-Otto Nilsson, profesor de Christina Sandsengen y a quien dedicó Late At Night. Contrastando con el calor de mucha música de guitarra, Late At Night rebosa frescura nórdica, con armónicas inflexiones jazz, usadas para crear una calidad irresistiblemente relajada y nocturna.

Dionisio Aguado (nombre completo Dionisio Aguado y García, 1784-1849) fue un guitarrista y compositor español. Contemporáneo y amigo de Fernando Sor, otro importante guitarrista y compositor, Aguado escribió numerosos e influyentes estudios para este instrumento, además de fascinantes piezas como la meditativa Andante y la elegante Rondó.

El compositor paraguayo Agustín Pio Mangoré, también conocido como Agustín Pio Barrios (su nombre real), fue el primer guitarrista de Sudamérica en alcanzar la fama internacional. Compositor autodidacta, su 11

nombre artístico es una mezcla de su verdadero nombre y un nombre artístico, adoptado en los años 30, Nitsuga Mangoré. Nitsuga es Agustín escrito al revés y Mangoré era el nombre del jefe de la tribu Guaraní. Parece ser que el guitarrista se presentaba sobre el escenario luciendo un tocado guaraní y declarando ser el “Jefe Nitsuga Mangoré, el Paganini de la guitarra de las selvas del Paraguay”. A veces también es denominado como “el Chopin de la guitarra”, sugiriendo ambos títulos un extraordinario grado de virtuosismo y sensibilidad. Mangoré desarrolló la técnica del trémolo hasta un nivel de complejidad increíble y se especializó en programáticas o evocadoras obras como La Catedral.

Se inspiró para componerla en un viaje a Uruguay, donde Mangoré visitó la Catedral de San José, que estilísticamente fue influida por J.S. Bach, cuyos trabajos Mangoré adoraba interpretar. Originalmente la pieza comprendía dos movimientos, el contemplativo Andante religioso y un Allegro solemne el cual parece evocar una majestuosa procesión. El gran guitarrista Andrés Segovia dijo de la obra de Mangoré:

do ciertamente el movimiento como un “recuerdo” (o dada su aparición al principio de la suite, un pre-eco) de los otros movimientos.

El prolífico compositor brasileño, guitarrista y pianista Egberto Gismonti (nacido en 1947) ha unido los estilos brasileños con la tradición clásica con una sutileza excepcional. Su obra Água e Vinho, del álbum homónimo de 1972, ha sido interpretada de varias formas. La melodía despliega un espíritu de melancolía exquisito e hipnótico, pero al final de la obra las nubes parecen disiparse, permitiendo el paso de un rayo de sol musical.

Joanna Wyld Traducción: Leticia Imbernón Hidalgo

“… la que me impresionó realmente fue una magnífica obra de concierto, La Catedral, cuyo primer tiempo es un andante, como una introducción y preludio y una segunda pieza de gran virtuosismo, la cual es ideal para el repertorio de cualquier concertista de guitarra”.

El compositor más tarde añadió otro movimiento, para ser tocado primero, Preludio (Saudade). Saudade es un término portugués que quiere decir nostalgia, actuan-

Texto escrito por Joanna Wyld (traducido por Leticia Imbernón Hidalgo)/ Odradek Records, LLC está autorizada por la licencia internacional Creative Commons Reconocimiento-NoComercial-SinObraDerivada 4.0. Los permisos más allá del alcance de esta licencia se encuentran disponibles en www.odradek-records.com

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Christina Sandsengen nació en una pequeña localidad situada en el centro de Noruega en 1987. Comenzó a tocar el piano a los siete años de edad y ofreció su primera actuación en público al año siguiente. Cuando tenía quince años empezó a tocar la guitarra y fue entonces cuando se enamoró de este instrumento.

Desde ese momento decidió dedicarse a él exclusivamente.

En el colegio estudió guitarra clásica con Martin Haug y a los dieciséis dio clases con Geir-Otto Nilsson dentro del programa de talentos para jóvenes músicos de la Norwegian Academy of Music.

Después del colegio, inició sus estudios de interpretación en la Norwegian Academy of Music con Erik Stenstadvold.

Mientras cursaba su licenciatura, estudió en el extranjero durante una temporada en el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo” de Sevilla. Tras finalizar sus estudios en Noruega, viajó a Francia para recibir clases de Gérard Abiton. Además, ha participado en clases magistrales con numerosos guitarristas de reconocido prestigio internacional, como Eliot Fisk, Fabio Zanon y Aniello Desiderio.

Desde entonces ha actuado en destacados festivales y salas en Reino Unido, Turquía, Suecia, Bolivia, Perú, España, Malasia, Singapur y Tailandia.

Ha recibido extraordinarias críticas por sus numerosos conciertos como solista.

En Turquía fue invitada a interpretar Koyunbaba de Carlo Domeniconi en la CNN Türk. Actuó como solista en un concierto con el Oslo Gitarensemble y ha aparecido en el programa de radio venezolano Guitarras del mundo.

Christina interpreta un variado repertorio, a pesar de dedicarse principalmente a la música romántica.

Su amor y pasión por la guitarra clásica le condujo a fundar la Oslo Gitarskole, la destacada escuela noruega de guitarra clásica, donde ha acogido clases magistrales de guitarristas internacionales como Xuefei Yang, Carlo Domeniconi y Anders Clemens Øien.

Recientemente fue elegida como miembro de la junta directiva de la Classical Guitar Association de Noruega. Regularmente imparte clases magistrales alrededor del mundo junto a guitarristas de primera fila del panorama internacional.

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DE

Die klassische Gitarre ist der Schlüssel zur Welt meiner unbewussten Emotionen, in der ich die Kontraste und Schattierungen des Lebens erforsche. Wenn ein Stück mich beim erstmaligen Hören schon bewegt und ergreift, dann fühle ich mich gezwungen es zu spielen, ganz als ob ich - noch bevor ich die Noten sehe - eine besondere Verbindung zu diesem Stück habe.

Alle Kompositionen auf dieser CD haben mir dieses Gefühl vermittelt. Alle, selbst diejenigen die nicht aus der Romantik stammen, sind romantische Stücke mit verträumten, mystischen Stimmungen, farbigen Klanglandschaften und einer Bandbreite an Gefühlen, dass diese Kompositionen meine eigene emotionale Reise bilden. „Koyunbaba“ ergreift mich mit seiner enormen Bandbreite an Gefühlen und dem Geist türkischer Folklore, „Asturias“ mit der Spannung, die aus dem ausdrucksstarken Aufbau in strengen Rhythmen resultiert, und „Mallorca“ mit seiner traurigen Melodie, der ein kleiner Funken Hoffnung innewohnt. In „Lágrima“ und „La Catedral“ schwelge ich in Trauer. Währenddessen ist „Late At Night“, von meinem norwegischen Landsmann Gitarrenprofessor Sven Lundestad seinem Freund und Kollegen an der Norwegischen Musikakademie, Geir Otto Nilsson, gewidmet, so ruhig und entspannend, dass es tatsächlich wie eine leichte Brise in später Nacht klingt. „Spanish Romance“ ist ein charmantes, zartes Stück und wird gefolgt vom ebenso liebenswerten „Introduction & Rondo“, das sich durch ein leichtes Thema, kontrastierende dramatische Akkorde, intensive Sostenuti und Glissandi, auszeichnet. In „Água e Vinho“ stelle ich mir die Melodiestimme als kristallklares Wasser, und die darunter liegende Begleitung als rötlichen Wein, vor, die zusammen ein perfektes Paar bilden.

Die Kombination all dieser Stücke, mit ihrer Bandbreite an Gefühlen, erzeugt ein Gleichgewicht in dem ihre individuellen Schattierungen auf einer größeren Leinwand, die mein inneres Leben verkörpert, vereint werden. Oftmals ist es ein melancholisches Bild voll Verlangen, doch immer beinhaltet es einen Schimmer von Licht und ein Gefühl wunderschöner Gelassenheit. Dieser Klang ist für mich der natürliche Klang der Gitarre, zu der ich vor elf Jahren als Reflexion meiner selbst unaufhaltsam angezogen wurde, und in deren Resonanz, zwischen meinen Fingern und ihren Bünden, weiter meine innersten Gefühle durch alle Lebenslagen von Trauer und Freude erklingen. Dieses Album ist meine aufrichtige Stellungnahme - wer es hört, kennt mich.

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Die klassische Gitarre nimmt eine einzigartige Stellung in der Musik ein, denn sie umfasst Stile und Kulturen wie kaum ein anderes Instrument. Ob im klassischen oder folkloristischen Stil, ob Musik aus Ost oder West, all diese Elemente vereinen sich scheinbar mühelos in der Gitarre, sodass ein Repertoire entsteht, das ebenso reich wie attraktiv ist. Dies ist jedoch ein zweischneidiges Schwert: denn durch die Verarbeitung folkloristischer Elemente in einem klassischen Kontext entsteht unter einigen Liebhabern ein gewisser Verdacht gegenüber der klassischen Gitarre, die den Tiefgang von Musik, die den Graben zwischen Genres schon lange bevor der Begriff „Crossover“ erfunden war überschritten hatte, in Zweifel ziehen.

Doch das würde bedeuten der Gitarre, ihrer wahren raison d’être und ihrer hervorstechendsten Charakteristik - dem Verleihen musikalischen Genusses - einen Bärendienst zu erweisen. Wenn manche Liebhaber angesichts des gemischten Erbes der Gitarre fliehen, so befreit es vielleicht die Gitarrenmusik von den Fesseln einer übermäßig analytischen Herangehensweise, die, wenn zu trocken ausgeführt, das Risiko in sich birgt das Hörerlebnis zu ersticken. Somit ist die Gitarre ein Instrument, das dem Zuhörer mit ihrer Fähigkeit strukturelle Vielfalt, komplizierte, nuancierte Farben und die gleichzeitige Entfaltung verschiedener Linien in der Musik darzustellen, ehrliche Freude vermittelt. Die Sammlung vereint einige der herausragenden Kompositionen für dieses Instrument und verbindet sie mit unbekannten Schätzen des Repertoires.

Der italienische Komponist und Gitarrist Carlo Domeniconi (geb. 1947) wurde in Folge seiner Reisen in

die Türkei, bei denen er von der Kultur und ihren musikalischen Traditionen ergriffen wurde, zu einem Vorkämpfer dieser Kultur. Domeniconi wurde inspiriert von Künstlern wie Ravi Shankar und Yehudi Menuhin, die beide danach strebten die musikalischen Stile verschiedener Kulturen zu vereinen, und verband die klassische europäische Tradition mit den Idiomen der türkischen Volksmusik. Die Koyunbaba Suite, 1985 geschrieben, ist ein besonderes Beispiel dieser stilistischen Verbindung.

Koyunbaba bedeutet „Vater der Schafe“ oder „Schäfer“ und ist eine verehrte Figur in der türkischen Kultur.

Weiters ist Koyunbaba, wie auch das Wort Schäfer, ein Nachname; die Familie lebt in einer trockenen Region im Südwesten der Türkei die scheinbar verwunschen ist, denn diejenigen, die das Land von der Familie kaufen oder pachten möchten, werden krank oder sterben.

Domeniconi war fasziniert von dieser Facette des Namens Koyunbaba, und die oftmals gespenstische Atmosphäre der Suite könnte wohl die dunkleren Seiten des Titels der Komposition ausdrücken. Diese eindringliche Qualität durchzieht den gesamten ersten Satz, dem ein erregter zweiter Satz folgt. Der dritte Satz, obwohl Cantabile überschrieben, ist nicht so lyrisch wie der Titel vermuten lässt; stattdessen bleibt die nervöse Vorwärtsbewegung des Werks erhalten. Der Schlusssatz wird von einer virtuosen Flut von Noten, unterlegt von einem sich wiederholenden Orgelpunkt, dominiert und endet mit einem langsameren Abschnitt, der von exotischen, modalen Einschlägen und einer ruhigen Atmosphäre geprägt ist.

Von der Türkei geht es nach Mallorca, mit einem Stück des spanischen Komponisten und Pianisten Isaac Albé15

niz. Ursprünglich wurde das Stück für Klavier geschrieben und nahm dabei stilistische Anleihen bei Chopin, der Mallorca in einem Versuch seine Kränklichkeit zu überwinden besucht hatte. Womöglich war es dieser Hintergrund, der Albéniz dazu inspirierte dem Werk einen melancholischen Hauch zu verleihen. Mallorca ist eine Barcarolle, abgeleitet vom italienischen Wort für Boot „barca“, eine Werkgattung die aus Liedern venezianischer Gondolieres entstand. Barcarolles benutzen häufig wiegende Rhythmen die an den Wellengang erinnern, und in Mallorca kombiniert Albéniz dies mit Rhythmen spanischer Tänze. Der Mittelteil versprüht eine sonnigere Stimmung bevor die düstere Atmosphäre des Anfangs zurückkehrt.

Asturias (Leyenda) ist ein weiteres Stück von Albéniz das ursprünglich für Klavier geschrieben wurde, deren Gitarrenfassung aber mit ziemlicher Sicherheit weitaus bekannter ist. Das Werk ist das erste in einer Sammlung von drei Stücken mit dem Titel Chants d’Espagne, die erstmals 1892 in Barcelona erschienen. Erst 1911, zwei Jahre nach dem Tod des Komponisten, fügte der deutsche Herausgeber Hofmeister dem Stück den Untertitel Asturias (nach der Region in Nordspanien) und die Umschreibung Leyenda (Legende) hinzu. Es scheint jedoch, dass Hofmeister in seiner Namensgebung ungenau war, denn die Musik erinnert nicht sonderlich an die Volksmusik der Region Asturias, sondern ist mit ihren zwingenden und beharrlichen Rhythmen ein aufregendes Beispiel für den Flamenco-Stil Andalusiens.

Einer der vielen Musiker, die Asturias für die Gitarre bearbeitet haben, war ein Freund und Landsmann von Albéniz, der Komponist Francisco Tárrega. Tárrega war

ein herausragender Gitarrist der viele Werke für die Gitarre schrieb und transkribierte, und dessen Ausführungen und Kompositionen maßgeblichen Anteil hatten an der Wiederherstellung des internationalen Ansehens der Gitarre. Lágrima („Träne“) ist ein bündiges Stück mit einem grüblerischen Mittelteil, der eingerahmt ist von zarten, leicht wehmütigen Klängen. Tárrega ist einer der vielen Komponisten dem die anonyme spanische Romance zugeschrieben wurde, doch die Autorschaft bleibt im Dunkeln. Die Romance stammt wahrscheinlich aus dem 19. Jahrhundert und wurde in kürzester Zeit zu einem Eckpfeiler des Gitarrenrepertoires, der Charakteristika spanischer und südamerikanischer Musik vereint.

Der norwegische Gitarrist Sven Lundestad (geb. 1950) wurde als erster Gitarrenprofessor an die Musikakademie seiner Heimat berufen und unterrichte dort bis vor Kurzem. Sein Freund und Kollege an der Akademie ist der Gitarrist Geir-Otto Nilsson, der Christina Sandsengen unterrichtete, und dem Late At Night gewidmet ist.

Im Gegensatz zur spanischen Hitze vieler Gitarrenmusik versprüht Late At Night eine erfrischende nordische Kühle, die mit Obertönen und Einschlägen von Jazz eine unwiderstehlich entspannte, nächtliche Stimmung erzeugt.

Dionisio Aguado (voller Name, Dionisio Aguado y García, 1784-1849) war ein spanischer Gitarrist und Komponist. Er war ein Zeitgenosse und Freund von Fernando Sor, einem weiteren wichtigen Gitarristen und Komponisten, und schrieb eine große Menge einflussreicher Studien für das Instrument, als auch einige charmante Stücke wie das nachdenkliche Andante und das elegan16

te Rondo.

Der paraguayische Komponist Agustín Pio Mangoré, auch bekannt als Agustín Pio Barrios (sein echter Name), war der erste Gitarrist Südamerikas der international gefeiert wurde. Als Komponist war er ein Autodidakt und Mangorés professioneller Name ist eine Mischung aus seinem echten Namen und seinem Bühnennamen, den er in den 1930er Jahren annahm, „Nitsuga Mangoré“.

Nitsuga ist Agustín rückwärts geschrieben, und Mangoré war der Name des Häuptlings des Guaraní Stammes. Man sagt, dass der Gitarrist auf der Bühne mit dem Kopfschmuck der Guaraní erschien und sich selbst als „Häuptling Nitsuga Mangoré, den Paganini der Gitarre aus dem Dschungel Paraguays“ vorstellte. Er wird auch manchmal „der Chopin der Gitarre“ genannt, beides Titel die eine besondere Virtuosität und Einfühlsamkeit suggerieren. Mangoré entwickelte die Tremolo-Technik zu einem beeindruckenden Niveau der Verfeinerung und spezialisierte sich auf programmatische oder stimmungsvolle Werke wie La Catedral.

Diese Komposition wurde inspiriert von einer Reise nach Uruguay, bei der Mangoré die Kathedrale von San José besuchte, und ist stilistisch geprägt von der Musik J.S. Bachs, dessen Werke Mangoré besonders gerne aufführte. Ursprünglich bestand das Werk aus zwei Sätzen, dem meditativen Andante religioso und einem Allegro solemne, das an eine würdevolle Prozession erinnert.

Der große Gitarrist Andrés Segovia sagte einmal über Mangorés Werk: „…das Stück, das mich wirklich beeindruckte, war das großartige Konzertstück Die Kathedrale, dessen erster Satz ein Andante ist, wie eine Einführung und

ein Präludium, und der zweite Satz ein sehr virtuoses Stück ist, das ideal ist für das Repertoire eines jeden Konzertgitarristen.“ Der Komponist fügte später einen weiteren Satz hinzu und stellte ihn dem Werk voran: Preludio (Saudade). „Saudade“ ist ein portugiesisches Wort, das eine nostalgische Erinnerung impliziert, und wahrlich fungiert dieser Satz als eine Reminiszenz (oder, durch die Positionierung am Anfang der Suite, als „Vor-Echo“) der anderen Sätze.

Der angesehene brasilianische Komponist, Gitarrist und Pianist Egberto Gismonti (geb. 1947) führte mit bemerkenswerte Subtilität brasilianische Stilelemente in die klassische Tradition ein. Sein Stück Água e Vinho („Wasser und Wein“) stammt aus dem gleichnamigen Album von 1972 und wurde in verschiedenen Gestaltungen ausgeführt. Die Musik entfaltet sich in einem Geist delikater, hypnotischer Melancholie, doch am Ende des Werkes scheinen sich die Wolken zu klären und gestatten somit einem Strahl musikalischen Sonnenscheins durchzudringen.

Joanna Wyld Übersetzung: David Boos

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Christina Sandsengen wurde 1987 in einer Kleinstadt in der Mitte von Norwegen geboren. Im Alter von 7 Jahren begann sie Klavier zu spielen und trat ein Jahr später erstmals öffentlich auf. Als sie 15 war begann sie Gitarre zu spielen und verliebte sich in das Instrument. Ab diesem Zeitpunkt entschloss sie sich nur noch der Gitarre zu widmen. Nachdem sie klassische Gitarre bei Martin Haug studierte wurde sie mit 16 in das Programm für junge Talente der Norwegischen Musikakademie aufgenommen, wo sie bei Geir Otto Nilsson Unterricht hatte.

Nach Ende ihrer Schulzeit begann sie ihr Studium an der Norwegischen Musikakademie bei Erik Stenstadvold.

Während ihres Bachelorstudiums verbrachte sie einen Teil ihrer Studienzeit am Conservatorio Superior de Música ‘Manuell Castillo’ in Sevilla, Spanien. Nach Beendigung ihres Studiums in Norwegen reiste sich nach Frankreich um weiteren Unterricht bei Gérard Abiton zu nehmen.

Sie nahm auch an Meisterkursen mit vielen international anerkannten Gitarristen, wie Eliot Fisk, Fabio Zanon und Aniello Desiderio, teil.

Seitdem war sie bei tonangebenden Festivals und in Konzertsälen in England, der Türkei, Schweden, Bolivien, Peru, Spanien, Malaysia, Singapur und Thailand, zu hören.

Kritiker sind voll des Lobes über ihre Solokonzerte. In der Türkei wurde sie eingeladen um Koyunbaba von Carlo Domeniconi bei CNN Türk auszuführen. Weiters war sie als Solistin mit dem Oslo Gitarensemble, sowie im Venezuelanischen Radioprogramm „Guitarras del Mundo“, zu hören.

Christina verfügt über ein breites Repertoire, widmet sich aber im Besonderen der romantischen Musik. Ihre Leidenschaft für die klassische Gitarre trieb sie dazu „Oslo Gitarskole“, Norwegens führende Schule für klassische Gitarre, zu gründen. An diesem Institut veranstaltete sie unter anderem Meisterkurse mit international anerkannten Gitarristen wie Xuefei Yang, Carlo Domeniconi und Anders Clemens Øien.

Unlängst wurde sie in den Vorstand der Norwegischen Vereinigung für klassische Gitarre berufen. Sie gibt regelmäßig Meisterkurse auf der ganzen Welt zusammen mit anderen führenden Künstlern der internationalen Gitarrenszene.

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Artist photos: Seye Isikalu, www. seyeisikalu.com Hair: BYMOMO, www.by-momo.com Makeup: Ayaka Sonoda, www.ayaka-sonoda.com Graphic Design: www.studioalice.it Guitar: Milan Sabljic Recorded at Ida Record Studio, 12-25 August 2013, 20-26 May 2014 www.idarecord.com Sound Engineer: Bßlent Genç Mastering and Mixing Engineer: Thomas Vingtrinier, Sequenza Studio, Paris.

d ODRCD326

www.odradek-records.com www.christinasandsengen.com

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