Yukiko Kojima - AKIRA MIYOSHI: Piano Works

Yukiko Kojima

AKIRA MIYOSHI Piano Works

Sonate pour Piano Chaînes: Préludes pour Piano En vers Pour le piano: Mouvement Circulaire et Croisé

Yukiko Kojima

​Sonate pour Piano (1958)

ピアノ・ソナタ

1. I. Allegro

2. II. Andante

3. III. Presto

9’30 4’51 7’16

Chaînes - Préludes pour Piano (1973)

Akira Miyoshi

小島由記子 三善 晃

ピアノのためのプレリュード シェーヌ

4. Ière Partie:〈A〉 〈B〉 〈C〉 〈B’〉 〈C’〉 〈B”〉 〈C”〉 〈Retour à A〉Chaînettes〈I〉 〈Ⅱ〉

5. IIème Partie:〈A〉 〈B〉 〈C〉 〈D〉

〈Synthèse brève〉Chaînettes〈Ⅲ〉(ABCB’D) 6. IIIème Partie: Chaînettes〈Ⅳ (CHA in Es)〉 〈A〉 〈B〉 〈C〉 〈D〉Retours et Reflexions 〈A〉 〈B〉 〈C〉

9’41 6’19 11’13

7. En Vers (1980)

アン・ヴェール

7’57

Pour le piano – Mouvement Circulaire et Croisé (1995/1998) ピアノのために ― 円環と交差―

8. [ I ] 9. [ II ]

5’37 5’41

TT 68’09

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When I returned to Japan after spending several years studying in Montreal, Canada, Akira Miyoshi’s piano compositions drew my attention, for many different reasons, but especially for their mixture of Eastern and Western traits, which seemed to me to mirror my twofold education.

In Miyoshi’s piano works one can certainly feel the influence of French composers, such as Messiaen and Dutilleux, but at the same time there is something to them that goes far beyond the capacity of Western traditional metric structure.

Akira Miyoshi is a prolific and successful composer especially in choral music, and I’m always greatly impressed by the strong ties of his words and music.

Miyoshi has a very sophisticated sense of human utterance, and although in the piano works there may be no lyrics, nonetheless human breathing seems to always dictate the rhythm of his gestures and phrases, and the emotions expressed vary continuously, as if the piano itself had its own language and told a story.

Especially in “Chaînes Prelude for piano,” the music is set in such a way that it almost comes together by itself by following your natural breathing. In fact, there are many places where the tempo and time signature are left undetermined. Even in places where they are clearly specified I find that the easiest way to successfully realize them is to feel the rhythm that comes from elastic movements of the body, something that draws on Eastern traditions.

Beyond his unique treatment of time, what makes Miyoshi’s piano music special to me is the colors of sound that fleetingly vary. One hears a fragile beauty arising from delicate changes in timbre.

-- Yukiko Kojima

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ENG While the names of many Japanese instrumentalists and conductors are well known in the west and that of an instrument manufacturer virtually ubiquitous, those of Japanese composers are much less familiar. There is however a vibrant tradition, which has both absorbed the major compositional developments of the western classical style and evolved particular Japanese sensibilities in response to it. This can be seen particularly in a generation of composers born in the 1930s, among them Toru Takemitsu (1930-96), Toshi Ichiyanagi (b.1933) and Akira Miyoshi (b.1933).

Miyoshi was born in Tokyo, studied French literature at Tokyo University, and spent a highly formative period in the 1950s studying composition in Paris. His connection with French music and literature is apparent in both his musical language and the titles of his works, and he has been particularly influenced by the music of Henri Dutilleux. His succession of award winning works covers all the main genres of vocal and instrumental music, and if piano music is a relatively modest part of this wide ranging output, the instrument has nevertheless been an important part of his creative life.

In addition to these solo piano works he has written a piano concerto and a piano method, composed pedagogical works and founded a piano competition.

The earliest work on this recording, the Piano Sonata, was begun while Miyoshi was studying in Paris and completed on his return to Japan in 1958. It is perhaps not surprising that it is this work which most clearly shows its kinship with the traditions of the west: the forms of its three movements and the development of a predominantly motivic material relate the work closely to the long heritage of the western sonata.

The first movement begins with a charming two part melodic statement, in clearly defined four bar phrases and embeds the basic motivic material of the whole work. Formally the movement combines the broad outlines of a sonata form with a dynamic arch whose central development section unleashes more dramatic textures, while still using the established motifs. The later stages of the movement work the music back to a state close to that in which it began, though it never completely regains the simplicity of the opening.

The second movement presents an even clearer arch-like structure.

Its

opening material is a simple, almost becalmed, recasting of the main motif of the first movement. While the movement begins and ends with this sense of calm, the central section is a brief but restless Presto.

The final movement with its pounding rhythms develops the more energised musical style which is hinted at in the earlier movements. It is formally more complex, having elements of sonata and rondo forms, but is above all characterised by the rapid flow of developing motivic material, often using the same motifs as the earlier movements. A substantial passage of recapitulation precedes a climactic chorale-like presentation of the opening theme of the movement in octaves, which is followed by a forceful closing coda.

With its motivically linked movements, the Sonata seems to follow the grand tradition of the nineteenth century piano sonata, but also has something of the cooler temperament of twentieth century neo-classicism, particularly in its first two movements. Miyoshi combines these facets with a number of more personal stylistic traits which can also be seen in the later piano works.

The most striking of these is the delicate balancing of musical passages which approach a meditative calm, placed in formal contexts which contain loud, forceful gestures and a tendency towards a much more aggressive musical character, albeit usually contained within the surrounding calm.

If the Piano Sonata has a clear relationship with the past, ChaĂŽnes - PrĂŠludes pour Piano (1973) has at first sight much less to do with the established genres of the piano repertory. Miyoshi describes the work as 24 preludes, but there appears to be little or no connection with those of Bach, Chopin or even Debussy. What emerges instead is a form of connected fragments, where quite often the individual parts mirror the whole. The fragments are linked in a linear manner, but the circular image of a chain is also invoked, with the material constantly appearing to turn back upon itself.

The form of the work is certainly freer than that of the Sonata and there is a similar freedom in the appearance of the score, where much of it is notated without metre. In consequence the music is often shaped by individual gestures and the performance indications frequently relate these directly to the quality of breathing. For example - respiration longue, respiration pressĂŠe, respiration 4

contemplativement lente etc. In this way the musical material seems directly connected with the physical action of the performer and breath becomes a more important determinant of the music than the bar line. It is possible to look back to the earlier Piano Sonata and understand its opening phrases relating to the naturalness of breath, but the concept is taken much further in ChaĂŽnes.

again characterised by short phrases separated by pauses, the fundamental rhythm of breathing. In the second movement the calm becomes more hypnotic with a repeating falling third pattern acting clearly as a restraining circular motion and, even as this music becomes more agitated towards its climax, it retains the sense of being constrained by this short, simple idea.

The successive links in these chains provide a huge range of contrasting material, often juxtaposing extremes of dynamics and register. Much of the music has great calmness, with implications of soft bell tones and even echoes of chant, but there are also passages of loud chords and rapid flurries of notes. It is a similar range of material to that of the Sonata and also in three parts or movements, but free from the generic and formal constraints of the earlier work. As the different musical materials accumulate through the chain structure they create a powerful impact, in what is a substantial work.

Despite covering a period of forty years, all the works here can, to a degree, be understood as made of crossing lines and constraining circles. Much of the music has a calmness and great sense of formality, exemplified by the relation of the musical material with the pattern of breathing. However, none of these pieces is allowed to remain in the state of ordered calmness, but is challenged by writing which is loud, fast and sometimes quite brutal. Ultimately this more aggressive style is seen in the context of the calm formality which often begins and ends works. Crossing lines are contained within a circle, the links of a chain turn back on themselves, exertion is controlled by the calm regularity of breathing.

En Vers (1980) was commissioned by the Committee of the First International Music Competition of Japan. It is a single movement, once again with quite a pronounced dynamic arch. It begins in a meditative way, building up first a dense chord of 10 different pitches and then more melodically oriented phrases, each one punctuated by a softly chimed and widely spaced octave. Once again the basic gestures of the music seem to have a motion akin to breathing. The punctuating octaves soon become part of the melodic writing and enable the music to open out and grow in richness, while developing the main motivic material.

A sustained climax reaches a dynamic peak of ffff before the music subsides and concludes with music similar to the opening and to quieter dynamic levels.

Hugh Collins Rice

Text by Hugh Collins Rice/Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NonCommercial-NoDerivs 3.0 Unported License.

Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com

Pour le piano: Movement Circulaire et CroisÊ is in two parts; the first was written and performed in 1995 and the second in 1998. Miyoshi’s note in the score describes the work as related to memories of his experiences with the piano going back to childhood and the title suggests a sort of compendium of such memories and experiences. The subtitle refers to crossing lines inside a circle, and reflects the way Miyoshi views the interaction of different types of musical material in both movements. Each of the movements of Pour le piano has a similar overall shape to that of En Vers, beginning with a calm and meditative opening and working towards a climax before returning to the opening mood and material. In the first movement the opening is 5

Yukiko Kojima is a native of Nagano, Japan. She received her Bachelor of Music in solo performance from McGill University where she was a student of Prof. Kyoko Hashimoto. She was awarded the Vladimir Elgart Award, the Bruneau Prize, and Outstanding Achievement in Piano from McGill University. She studied in her youth with Kyoko Azegami and Emi Han, and has taken masterclasses with Robert A. Silverman, Sara Davis Buechner, and Sara Laimon. In 2007, she won 2 nd prize (no 1 st prize assigned) in the second Masters Piano Competition in Tokyo, resulting in membership in the All Nippon Players’ Association and a prize winner concert at Sumida Triphony Hall. She performed Rachmaninoff’s 3 rd piano concerto and “Rhapsody on a theme of Paganini” with Iida Symphony Orchestra in 2009, and George Gershwin’s “Rhapsody in Blue” with Ensemble FANFARE in 2010.

Yukiko performs extensively in Japan, with special dedication to the works of 20 th and 21 st century composers, always to the acclaim of press and public alike. Her major repertoire includes John Cage, Pierre Boulez, Nikolai Kapustin, Toru Takemitsu, Iannis Xenakis, György Ligeti, Karlheinz Stockhausen, Samuel Barber, Henri Dutilleux, and Akira Miyoshi. She has participated in many courses and masterclasses dedicated to contemporary music theory and performance (2008 and 2010 5 th and 7 th International Music Workshops and Festivals (IMWF) in Germany, 2010 Accademia Musicale Pescarese, in Italy with Hugh Collins Rice of Oxford Univeristy, 2010 Ticino Musica with Mari Asakawa, 2012 Lydian Chromatic Concept with Akihito Fuse).

Akira Miyoshi

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日本語

カナダのモントリオールで5年間の研鑽を積んだ後日本に帰国する と、 日本人のピアノ作品に興味が湧いた。中でも特に三善晃の作品 に惹き付けられた。 さまざまな理由はあるが、特に作品の中での東 洋と西洋の特性の混在が一つの大きな理由だろう。 それは私自身 の国内外の二重の教育に相通ずるものがあるかのように思えた。 三善晃のピアノ作品では、明らかにメシアンやデュティユーなどの フランスの作曲家の影響を感じることができる。 しかし同時に西洋 の伝統的な拍子システムを飛び越えた何かがそこにはある。三善 晃は、特に合唱音楽を数多く作曲し、かつ成功した作曲家であるの だが、私は常に彼のことばと音楽の強い結びつきがもたらす衝撃 に圧倒され続けてきた。 三善晃は人間の発話というものに対して非常に洗練された感覚を 持っている。 またピアノ作品にはことばはないのだが、人間が発す ることばの感覚に優れている彼の作品では、常に人の呼吸が音楽 の時間軸を支配している。感情によって絶えず変化する生命の活動 が感じられ、 それはまるでピアノ自身がことばを持って迫ってくるか のようだ。 特に『シェーヌ』には、素直に自分の呼吸に従うことで音楽が自然と 湧き出てくる仕掛けがたくさんある。実際、 テンポや時間が決めら れていないところが数多く存在し、 またその反対に詳細に記されて いるところもある。 しかしいずれもやはり人間が持つしなやかな動 きから生まれるリズム、何とも東洋的なリズムを感じることができ るだろう。 それこそが従来の拍子システムに収まらない三善晃とい う一人の人間のことばなのだ、 と同じ日本人として素直に納得でき る。 時間の自由自在な操作感覚に加えて、三善晃のピアノ音楽の特徴 は何と言っても儚く移ろいゆく音の色にある。繊細な色の変化から 生じる美しさを目の当たりにするだろう。 小島由記子

多くの日本人演奏家や指揮者の名前はヨーロッパでよく知られ、 ま た日本の楽器メーカーの名は実にあらゆるところに偏在している 一方で、 日本人作曲家の名はそれほど耳にしない。 しかしそこには 素晴らしく輝かしい流れがある。それは西洋クラシック音楽の主要 な作曲技法を踏襲し、更に日本人独特の感性をも進化させている ということだ。 こういった流れは特に武満徹(1930～1996)、一柳彗 (1933～)、三善晃(1933～)などの1930年代生まれの作曲家に多く 見受けられる。 三善晃氏は東京に生まれ、東大でフランス文学を学んだ後、作曲 において著しい発達を遂げた時期を1950年代にパリで過ごした。 彼の作品においてフランス音楽とフランス文学の結びつきは音楽 のレトリックや作品のタイトルからしても明白であるし、 とりわけア ンリ・デュティユーの影響を強く受けているということからも言える だろう。声楽、合唱、器楽曲全ての主要な部門で数々の受賞作品を 生み出し、ピアノ作品も彼自身の広範囲なアウトプットからすれば 多少控え目ではあるものの創作活動の主要な部分を占めている。 このディスクの収録曲である4つのピアノ作品に加え、ピアノ協奏 曲やピアノ・メソード、子どものためのピアノ作品集を書いている。 また三善晃ピアノコンクールを創設するなど、教育にも熱心だ。 今回収録されている作品の中で最初に書かれたピアノ・ソナタはパ リ滞在中に手掛けられ、日本に帰国した1958年に完成された。西 洋音楽との親類関係を最も鮮明に提示しているのがこの作品だと 言ってもいいかもしれない。3楽章構成とモチーフ素材の作品全体 にわたる展開は、西洋音楽史で発展してきたソナタの偉大な伝統 と緊密に関係がある。 第1楽章は愛嬌のある2つの旋律的主題で始まる。4小節で１つの フレーズになっていることがはっきり聞き取れ、作品全体のベース になるモチーフ素材が刻み込まれている。形式的にはこの楽章は ソナタ形式の一般的な輪郭にダイナミックアーチが結合されてお り、アーチの中心になる展開部ではすでに確立したモチーフを使 いながらもより一層劇的な表情を解き放っている。楽章の後半で は、冒頭部分の簡潔さを完全に取り戻すことはないものの、初めに 提示されたものに近い形の主題に戻っていく。 7

第2楽章では更にくっきりとしたアーチ型の構造を見せている。冒 頭の素材はシンプルでほぼ凪模様、第1楽章の第1主題モチーフを 投影している。 この平静をもって楽章が始まり終わるのに対して、中 心部は束の間のプレストが吹き荒れる。 最終楽章の強靭なリズムは、第1・２楽章でそれとなく暗示されて きたエネルギーをより力強く展開していく。形式的にはソナタとロ ンド形式の両要素を持っているために複雑にはなっているが、先 の楽章と同じモチーフ素材が電光石火のごとく展開される様は何 よりもこの楽章を特徴づけている。がっしりと十分に再現部を主張 した後に、冒頭の主題がオクターブで絶叫し始めると続けて圧巻の コーダが作品の最後を強力に締めくくる。

れていないほとんどの場面では楽譜の見た目のごとく、作品の 自由度が高いと言える。そのため、この音楽ではそれぞれジェス チャーによって形作られ、演奏上の指示ではこれらのジェスチャ ーを人間の呼吸の仕方と直接結び付けていることが多い。例え ば、respiration longue(長い呼吸) 、respiration pressée(押し出す呼 吸)、respiration contemplativement lente (瞑想的な遅い呼吸)な どの具体的な呼吸の指示がある。 このようにして音楽の素材が演 奏者の実際の呼吸と直接つながっており、小節線よりも呼吸そのも のの方がいかなる音楽表現にするのかを決定付ける主要な要素と なると思われる。 これは先のピアノソナタを振り返って、決して大げ さでない無理のない呼吸で演奏できる冒頭フレーズを思うとシェ ーヌではこの呼吸のコンセプトがずっと深められ進化している。

楽章同士にモチーフの繋がりがあることから、 このソナタは19世紀 ピアノソナタの偉大な伝統に従っていると言えるだろう。それでい て第1・２楽章では20世紀の新古典主義のどことなく冷静な気質も 見せているようだ。作曲家はこれらの側面を後のピアノ作品にも現 れてくる数々の個性的な語法と化合させている。その中で最も目を 見張るのは、たいていは周囲の平穏の中に内在しているにもかか わらず、力強く重量感のある動きと熱く攻め込む姿勢を持つ作品で は、そこにある瞑想的平穏に近づく瞬間は繊細なバランス感覚に 富んでいるという点だ。

これらの鎖の連続の中で、対照的な素材が両極端に展開し、 しばし ば極限のダイナミクスと極限の音域で畳み掛ける場面が現れる。多 くの場面では柔らかい鐘の音や聖歌のエコーを思わせるような静 けさを湛えているが、巨大な和音の塊や疾風にひらひら舞い上が るパッセージもまたよく現れる。 ソナタと比較してもシェーヌは素材 の展開の仕方に同じくらいの幅を持つのだが、 ソナタに比べると一 般的かつ形式的な制約からずっと解放されている。様々な音楽の 素材がチェーン構造を介して積み重なり、 このような分厚い作品の 中で強大な衝撃をもたらす効果を発揮している。

このピアノソナタが従来の音楽と関連があるとすれば、ピアノのた めのプレリュード シェーヌ(1973年)は、一見それまでにすでに存 在するピアノ作品の様式とはあまりつながりが見あたらない。作曲 家はこの作品を24個のプレリュードで構成しているのだが、バッハ やショパン、 ドビュッシーなどのプレリュードとはほとんどもしくは 全く似つかない印象を与える。その代わりに現れるのは、 フラグメ ント(断片)をつなぎ合わせるといった形式だ。そのフラグメントで は往々にして個々のパーツが作品全体を映し出している。 フラグメ ントは、直線的につなげられているのだが、常に繰り返し同じ素材 に戻ってくるのが聞こえるようになっているので、チェーンの円形イ メージも浮かんでくる。

アン・ヴェール（1980年）は第一回日本国際音楽コンクールの課題 曲として同コンクール委員会から委嘱された。やはりかなり力強い ダイナミックアーチを構造に持つ単一楽章形式である。冒頭は瞑想 の中から始まる。まず10個の異なるピッチの密集和音が弾かれる と、次にメロディックなフレーズが現れ、はるか彼方の空間から聞 こえてくるかすかなオクターブのチャイムがフレーズの終わりを告 げる。 ここで感じるのは、音楽の基本的な表現ジェスチャーは、やは り呼吸に似た動きを持っているということだ。 フレーズの終わりを 告げていたオクターブは間もなく旋律の一部に変化していき、モチ ーフを展開しながら色彩を広げ発展していく。持続的なクライマッ クスはピークのffffに達すると、冒頭に近いダイナミックレベルから それ以下へとあっという間に音楽が静まり返ってゆき、終わりを迎 える。

作品の形式ははるかにソナタよりも自由であり、拍子記号が記さ

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ピアノのために―円環と交差―は2つの作品から構成され、Iは1995 年、IIは1998年にそれぞれ作曲され初演も行われた。 スコアの初め にあるまえがきで作曲家は、幼児からのピアノ体験の記憶がなぞ る音像を、一つずつ楽曲のかたちにまとめ、 「ピアノのために」 とい うタイトルはそのような思い出や経験の集約のようなものとして位 置付けているとの説明を付けている。サブタイトルは円の内部を交 差する線を指し、IとIIではその交差の仕方や円環の結び方が異なっ て映し出されている。―円環と交差―の両曲とも全体的にアン・ヴ ェールと同様の構造を持っている。冒頭は平穏瞑想的に始まり、 ク ライマックスに向かって展開を遂げるとまた冒頭の静けさを取り戻 し元のモチーフ素材に返ってゆく。Iの冒頭はここでも再び、休止で 区切った短いフレーズ、すなわち呼吸の基本的なリズムによって特 徴付けられる。IIでは静かに繰り返される3度の下降運動が沈然と した円運動を描写し、穏やかさが一層催眠的になっている。 クライ マックスに向かって音楽が扇動されると、再び短くシンプルなこの 円運動に吸い寄せられていく。 40年の時を経ているにもかかわらず、 この全ての作品がどことな く、交差する線や拘束性を持った円の上に成り立っていると考える ことができる。 これらのほとんどの作品が、平穏さと優れた構成の センスを併せ持っているのだが、音楽素材を呼吸の仕方と結びつ ける方法はその一例であると言えよう。 しかしこれらの作品はどれ も平和な静けさのままでいることは決してない。強靭で速く、時に は非常に残忍な語法で立ち向かう。究極的には、 この攻撃的なスタ イルは、多くの場合、平穏に始まりまた平穏に終わるといった構造 を持つ作品の中に現れるということだ。交差線が円の中に含まれ ており、チェーンのリンクがそれ自身で元に戻るように、激しい運動 は穏やかな規則的呼吸によって鎮静される。

長野県出身。2007年カナダ、マギル大学音楽学部ピアノ科卒業。ピ アノ本科教授、橋本京子氏に師事。在学中ウラディミール・エルガー ト・アワード、ブルノー・プライズ受賞。卒業時にはピアノにおいて 最も優れた学生に与えられるOutstanding Achievement in Piano 受賞。その他に畔上恭子、范絵美の各氏に師事、マスタークラスに おいてはロバート・シルバーマン、サラ・デイヴィス・ビュクナー、サ ラ・ライモンの各氏に師事。帰国後、第2回マスターズ・ピアノコンク ールにて優秀賞受賞(最優秀賞なし)、すみだトリフォニーホールに て入賞者コンサート出演。飯田交響楽団とのラフマニノフ『パガニ ーニの主題による狂詩曲』、 アンサンブル・ファンファールとのガー シュウィン『ラプソディー・イン・ブルー』等、地元の音楽団体との共 演も積極的に行う。2009年にはラフマニノフピアノ協奏曲第3番を 披露。 主に20、21世紀の音楽とその理論の研究に献身し、演奏会は常に メディア、聴衆より賞賛を得る。 これまでに地元飯田市にて現代音 楽を中心とするソロリサイタルを頻繁に開催する。主なレパート リーにケージ、ブーレーズ、カプースチン、武満徹、 クセナキス、 リ ゲティ、シュトックハウゼン、バーバー、デュティユー、三善晃などが ある。また数多くの現代音楽理論や演奏マスタークラスを修了す る。2008年2010年ドイツ、キルヒベルクにて第5回、第7回国際室 内楽ワークショップ(IMWF)、2010年にはイタリア、ペスカーラ音楽 院にて開催された、オックスフォード大学教授・作曲家コリンズ・ ライス氏による現代音楽理論のマスタークラスを修了。またスイ スで開催されたティチーノ・ムジカ音楽祭では朝川万里氏に師事 し、2012年には布施明仁氏によるリディアン・クロマティック・コン セプトのコースを修了。

Hugh Collins Rice ヒュー・コリンズ・ライス

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FR Quand je suis rentrée au Japon après avoir passé plusieurs années à étudier à Toronto, au Canada, les compositions pour piano de Akira Miyoshi ont attiré mon attention, pour différentes raisons, mais surtout pour ce mélange des traits orientaux et occidentaux qui me semblait être le miroir de ma double éducation.

On peut certainement sentir dans les œuvres pour piano de Miyoshi l’influence de compositeurs français tels que Messiaen et Dutilleux, mais en même temps il y a quelque chose qui va bien au-delà de la structure métrique occidentale traditionnelle. Akira Miyoshi est un compositeur prolifique et reconnu en particulier pour sa musique chorale ; et je suis toujours très impressionnée par les liens très étroits entre les mots et sa musique.

Miyoshi a un sens très raffiné de la parole humaine, et bien que dans les œuvres pour piano il n’y a pas de paroles, néanmoins la respiration humaine semble toujours dicter le rythme des gestes et des expressions, et les émotions exprimées varient de façon continue, comme si le piano lui-même avait son propre langage et racontait une histoire.

En particulier dans Chaînes : Préludes pour Piano, la musique est réglée de telle sorte qu’elle naît de la respiration. En fait, à beaucoup d’endroits, les tempos ne sont pas clairement indiqués. Même aux endroits où ils sont clairement spécifiés, je trouve que la meilleure façon de les exécuter est de sentir le rythme qui vient du mouvement élastique du corps, une gestuelle qui fait partie des traditions orientales.

Au-delà du traitement unique du tempo, ce qui caractérise pour moi la musique pour piano de Miyoshi ce sont les couleurs des sons qui varient de façon éphémère ; une beauté fragile s’élève de ces délicats changements de timbre.

Yukiko Kojima

Nous connaissons beaucoup moins les compositeurs japonais, alors que les noms de nombreux instrumentistes et chefs d’orchestre sont bien connus en occident, ainsi que l’omniprésence de la gamme d’instruments de musique d’un fabricant nippon. Cependant, une tradition bien vivante a su intégrer l’importante évolution de la composition de la musique classique occidentale à la spécificité de la sensibilité japonaise, comme en témoigne une génération de compositeurs nés dans les années 1930, tels Toru Takemitsu (1930-1996), et Toshi Ichiyanagi et Akira Miyoshi, nés en 1933.

Né à Tokyo, Miyoshi étudie la littérature française à l’Université de Tokyo et ses études en composition à Paris, dans les années 1950, marqueront un moment important dans son apprentissage. Son lien avec la musique et la littérature françaises est manifeste à la fois dans son langage musical et dans les titres de ses œuvres. Il sera particulièrement influencé par Henri Dutilleux. De nombreux prix récompensent toutes ses œuvres vocales et instrumentales majeures, et bien que sa musique pour piano soit relativement plus modeste dans l’ensemble de sa création, elle y occupe néanmoins une place importante. En plus de ses pièces pour piano seul, il a écrit un concerto pour piano, une méthode pour l’étude du piano, des ouvrages pédagogiques et il a fondé un concours de piano.

La première œuvre sur cet enregistrement, Sonate pour piano, fut amorcée alors que Miyoshi étudiait à Paris et terminée à son retour au Japon en 1958.

Il n’est donc pas surprenant d’y retrouver une affinité évidente avec les traditions occidentales : la forme en trois mouvements et le développement dominant de motifs relient étroitement cette sonate à ces traditions.

Le premier mouvement commence par un séduisant thème mélodique en deux parties, clairement définies par des phrases de quatre mesures qui incorporent la base motivique de toute l’œuvre. Le mouvement combine les grandes lignes de la sonate avec une partie en arche dynamique dont le développement central libère des textures plus dramatiques, tout en respectant les motifs établis. A la fin, le mouvement se rapproche de l’atmosphère`du début, sans toutefois retrouver complètement la simplicité de l’ouverture.

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Le second mouvement présente une structure en arche encore plus évidente. Alors que le mouvement s’ouvre sur une simple refonte presque impassible du motif principal du premier mouvement et se termine dans ce sentiment de calme, la section centrale est un presto à la fois bref et agité.

Le mouvement final, avec ses rythmes martelés, développe un style plus énergique que celui qu’on retrouve dans les mouvements précédents. Il est formellement plus complexe, avec des éléments à la fois de la sonate et du rondo ; mais il est surtout caractérisé par un flot rapide de différents motifs souvent empruntés aux mouvements précédents. Un passage récapitulatif important précède une sorte d’apogée, de style choral, reprenant le thème d’ouverture du mouvement en octaves, et se termine par une puissante coda.

Avec ses mouvements liés à des motifs, cette Sonate semble suivre la grande tradition du dix-neuvième siècle de la sonate pour piano, mais possède également quelque chose du tempérament plus placide du néo-classicisme du XXe siècle, en particulier dans ses deux premiers mouvements. Miyoshi combine ces facettes avec un certain nombre de traits stylistiques plus personnels qu’on retrouve également, par la suite, dans d’autres de ses œuvres pour piano. Le plus frappant de ces traits est l’équilibre délicat entre les passages musicaux qui se rapprochent d’un calme méditatif, placés dans des contextes formels qui contiennent de forts gestes énergiques et tendent vers un caractère musical beaucoup plus agressif, quoique le plus souvent retenu dans le calme ambiant.

Si la Sonate pour piano est en relation évidente avec le passé, Chaînes I : Préludes pour piano (1973) a beaucoup moins à voir, à première vue, avec le répertoire conventionnel pour piano. Miyoshi décrit l’œuvre comme formée de 24 préludes, mais elle semble avoir peu ou pas de lien avec ceux de Bach, Chopin ou encore Debussy. Il en ressort plutôt un ensemble de fragments liés entre eux, où assez souvent chacun reflète l’ensemble. Les fragments sont liés d’une façon linéaire, mais évoquent également l’image circulaire d’une chaîne, en donnant constamment l’impression que le matériel sonore retourne sur lui-même.

La forme de l’œuvre est certainement plus libre que celle de la Sonate pour piano. Cette liberté se retrouve même dans l’écriture de la partition où on retrouve peu d’indications métriques. En conséquence, la musique prend

la forme des gestes individuels et les indications d’exécution les relient fréquemment et directement à la qualité de la respiration. Par exemple respiration longue, respiration pressée, respiration contemplativement lente, etc. Ainsi l’exécution de la musique semble directement liée à l’action physique de l’interprète et le souffle a une importance plus déterminante que les barres de mesure. Il est possible de revoir la Sonate pour piano, pièce plus ancienne, et comprendre les premières phrases relatives au souffle naturel. Cependant, dans Chaînes, ce concept sera poussé beaucoup plus loin.

Les maillons successifs de ces chaînes offrent une vaste gamme de contrastes, juxtaposant souvent les extrêmes de la dynamique et du registre. Une grande partie de la musique est d’une grande tranquillité, avec de douces sonorités de cloches et même des échos de chant, mais elle contient également des passages d’accords forts et de rapides avalanches de notes. Comme pour la Sonate pour piano, l’œuvre est structurée en trois parties ou mouvements, mais sans les contraintes formelles de cette œuvre qui lui est antérieure. La structure de chaîne de cette musique crée un puissant effet et en fait une œuvre majeure.

En Vers (1980) : commande du Comité du Premier Concours International de Musique du Japon. C’est une pièce en un seul mouvement avec à nouveau une arche dynamique assez marquée. L’œuvre débute de façon méditative, élaborant d’abord un accord dense de dix tons différents, suivi de phrases plus mélodiques, chacune ponctuée d’une octave qu’on fait tinter doucement.

Encore une fois, la gestuelle de base de la musique semble correspondre à celle de la respiration. Les octaves s’intègrent rapidement à l’écriture mélodique, lui permettant de s’épanouir et de grandir avec richesse, tout en développant le principal matériel motivique. Un point culminant est atteint lors d’un sommet dynamique, fortissimo ffff, avant que la musique ne s’estompe et ne rejoigne, à un degré plus serein, celle de l’ouverture.

Pour le piano : Mouvement Circulaire et Croisé se divise en deux parties ; la première a été écrite et jouée en 1995 et la seconde en 1998. Miyoshi décrit cette œuvre, tant sur la partition et par son titre évocateur, comme des souvenirs de piano qui remontent aux expériences de son enfance. Le sous-titre se réfère à des lignes qui se croisent à l’intérieur d’un cercle, et reflète la façon dont Miyoshi considère l’interaction de différents types de matériel musical dans 11

les deux mouvements. Chacun des mouvements de Pour le piano a une forme globalement similaire à celle de En Vers, soit une ouverture calme et méditative autour de laquelle s’élabore un point culminant pour retourner au matériel sonore et à l’état d’esprit de l’ouverture. L’ouverture du premier mouvement se caractérise à nouveau par de courtes phrases séparées par des pauses, soit le rythme fondamental de la respiration. Dans le deuxième mouvement, le calme devient plus hypnotisant avec un motif répétitif d’une tierce descendante produisant un mouvement circulaire, et bien que cette musique devienne plus agitée à son apogée, elle demeure retenue, contrainte par ce bref moment.

Bien qu’elle couvre une période de quarante ans, toute l’œuvre, dans une certaine mesure, peut être perçue comme des lignes qui se croisent et des cercles contraignants. L’ensemble de cette musique a un sens immense de la forme et de la sérénité, comme en témoigne le rapport entre le matériel musical et la respiration.

Cependant, aucune de ces pièces ne peut rester dans cette sérénité imposée ; chacune est mise au défi par une écriture musicale forte, rapide et parfois assez brutale. En fin de compte, ce style plus agressif est perçu dans le contexte de la forme calme qui commence et termine souvent les pièces. Les lignes croisées sont contenues dans un cercle, les maillons d’une chaîne se retournent sur euxmêmes et l’effort est commandé par la régularité tranquille de la respiration.

Hugh Collins Rice (Traduction : Gilles-Claude Thériault/Rino Morin Rossignol)

Yukiko Kojima est originaire de Nagano, au Japon. Elle a obtenu son baccalauréat en interprétation solo du piano de l’Université McGill, au Canada, où elle fut l’élève du professeur Kyoko Hashimoto. Elle a reçu, de cette université, la récompense Vladimir J. Elgart, le prix Bruneau et le prix Outstanding Achievement in Piano. Dans sa jeunesse, elle étudie avec Kyoko Azegami et Emi Han, et elle suivra des masterclasses avec Robert A. Silverman, Sara Davis Buechner, et Sara Laimon. En 2007, elle remporte le 2ème prix lors du second Concours Piano Masters, à Tokyo (le 1er prix ne sera pas attribué), devenant ainsi membre de l’Association All Nippon Players, lui ouvrant ainsi les portes du Sumida Triphony Hall. En 2009, elle jouera le 3ème concerto pour piano et Rhapsodie sur un thème de Paganini de Rachmaninov avec le Iida Symphony Orchestra, et en 2010, Rhapsody in Blue de George Gershwin avec l’ensemble FANFARE. Yukiko Kojima donne de nombreux concerts au Japon ; son répertoire de prédilection se compose d’oeuvres de compositeurs du XXe et du XXIe siècles, tels John Cage, Pierre Boulez, Nikolai Kapustin, Toru Takemitsu, Iannis Xenakis, György Ligeti, Karlheinz Stockhausen, Samuel Barber, Henri Dutilleux, et Akira Miyoshi. Elle a suivi plusieurs cours et des masterclasses consacrés à la théorie de la musique contemporaine et à son exécution. Ainsi, elle participa en 2008 et en 2010, en Allemagne, aux 5e et 7e Ateliers Internationaux de Musique et Festivals (FIFM); en 2010, en Italie, à l’Accademia Musicale Pescarese avec Hugh Collins Rice de l’université d’Oxford et, en Suisse, au Ticino Musica avec Mari Asakawa ; et en 2012, au Lydian Chromatic Concept avec Akihito Fuse.

(Traduction : Gilles-Claude Thériault/Rino Morin Rossignol)

Texte de Hugh Collins Rice/Odradek Records, LLC est mis à disposition selon les termes de la Licence Creative Commons Attribution - Pas d’Utilisation Commerciale - Pas de Modification 3.0 France.

d www.odradek-records.com www.yukikokojima.com ODRCD306

Artist photos: Tommaso Tusj, Hoshi Studio Graphic Design: Studio Alice

Recorded at Studio Odradek, (18-21 Feb. 2013) Producer & Editing: John Clement Anderson Piano: Steinway Model B Piano Technician: Luigi Fusco Sound Engineer: Thomas A. Liebermann Mastering and Mixing Engineer: Thomas Vingtrinier, Sequenza Studio, Paris.

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