PORTAFOLIO HISTORIA DEL INTERIORISMO PARTE 5

EXPRESIONISMO

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Representantes del expresionismo Un breve listado de los principales autores y artistas del expresionismo incluye a: • Pintura. Otto Mueller, Georges Rouault, Paul Klee, Vasili Kandinski, Amedeo Modigliani, Marc Chagall, José Clemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Piet Mondrian, Hans Arp, Max Ernst, Karl Hofer, Franz Marc, Egon Schiele, Oswaldo Guayasamín, entre muchos otros.

• Arquitectura. Bruno Taut, Walter Gropius, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hermann Finsterlin, Fritz Höger, Hans Scharoun y Rudolf Steiner.

• Escultura. Ernst Barlach, Wilhelm Lehmbruck, Käthe Kollwitz, Bernhard Hoetger, Renée Sintenis, Jacob Epstein y Antoine Bourdelle.

• Literatura. Franz Kafka, Thomas Mann, Alfred Döblin, Gottfried Benn, Ramón María del Valle-Inclán, Camilo José Cela, Georg Trakl, August Stramm, Bertolt Brecht, Max Reinhardt, entre otros.

• Música. Arnold Schönberg, Alban Berg, Anton von Webern, Kurt Weill.

• Cine. Robert Wiene, Paul Wagener, Fritz Lang, Ewald André Dupont, Robert Siodmak, entre otros.

TEMPORALIDAD 1910/1945

El Expresionismo es una corriente artística de vanguardia que surge en Alemania a principios del siglo XX, en donde más que la representación de la realidad objetiva buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor.

Características del expresionismo: • El expresionismo es una deformación de la realidad expresándola de forma más subjetiva • Los expresionistas creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano • La angustia existencial es el principal motor de su estética • Pretender potenciar las emociones del espectador distorsionando deliberadamente y exagerando los temas • Se basa en la intuición, depura, intensifica e interpreta la realidad, pero nunca se aparta totalmente de ella • Los expresionistas manifiestan sus emociones sin preocuparse de la realidad • Utilizan colores fuertes y puros, formas retorcidas y una composición agresiva • No importa ni la luz ni la perspectiva, alterada de manera intencional • El arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior

• Podemos encontrar diversas tendencias impresionistas, desde lo exagerado colorido hasta las abstractas • Se desarrolla en todas las artes como la poesía, teatro, música, artes gráficas • Los impresionistas pretendían realzar la libertad individual, el irracionalismo y el pesimismo, con una temática de lo morboso, lo prohibido y lo fantástico • La opinión del artista es más importante que la concordancia y la armonía del trabajo realizado • Los exponentes expresionistas fueron vistos como iconoclastas • La literatura expresionista se valió del uso de un lenguaje desgarrado, la presencia constante de la muerte, la violencia y la crueldad, busca que el lector entre en la historia y sienta como si la hubiera vivido • Algunos exponentes de la pintura son Der Blaue Reiter, Arnold Böcklin, Vincent Van Gogh, Pablo Picasso, Fernando Botero, Diego Rivera, Frida Kahlo, etc.

• Abarca temas sociales, culturales, ecológicos, habla del poder, el mundo real, la maldad y la guerra.

• Tiene una visión enfocada hacia lo universal

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CUBISMO Se conoce con el nombre de cubismo a un movimiento artístico del siglo XX que irrumpió en la escena artística europea en 1907, marcando un fuerte distanciamiento respecto a la pintura tradicional y sentando un precedente vital para el surgimiento de las vanguardias artísticas.

Su estilo característico explora una nueva perspectiva geométrica de la realidad, mirando los objetos desde todos los puntos de vista posibles, lo cual fue una ruptura con modelos pictóricos vigentes desde el Renacimiento.

Principales características del cubismo: • El cubismo representa a la realidad por medio de figuras geométricas produciendo un efecto visual disruptivo y fragmentado.

• Hace uso de colores grises, verdes y marrones haciendo a un lado los colores típicos del impresionismo, en los primeros años de esta tendencia, la paleta monocromática era la única herramienta válida para el pintor.

• El cubismo sitúa los objetos en un mismo plano, rechazando la apariencia real de las cosas y su profundidad.

• En algunas ocasiones el cubismo tenía que emplear un breve discurso lingüístico, que le permitiera explicar la propuesta del autor, debido a la dificultad de interpretación por parte del espectador.

• El cubismo es movimiento artístico de los más importantes de todos los tiempos. Su estética es inigualable además de que supuso una ruptura conceptual sin igual.

• Las figuras se compartimentan en cubos y prismas persiguiendo que las composiciones puedan verse desde todos los puntos de vista simultáneamente.

• Los cubistas siguieron buscando la inspiración en los referentes del pasado: paisajes, retratos, bodegones.

TEMPORALIDAD 1907/1914

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FUTURISMO

El Futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el academicismo.

Caracteristicas: – Exaltación de la originalidad.

– Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.

– Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.

– Utilización de formas y colores para generar ritmos.

– Colores resplandecientes – Transparencias – Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo).

Los artistas plásticos pintarán la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc. Por ejemplo las obras de Gino Severino: el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912) y el Tren suburbano (1915). En literatura, el Futurismo, no respetará reglas y buscará denotar energía y libertad. También su contenido apuntará al valor, la audacia y la revolución.

El llamado teatro será llamado sintético y consistirá en obras cortas de no más de diez minutos donde las acciones ocurren a una velocidad vertiginosa y donde no hay presencias humanas completas sino partes del cuerpo (por ejemplo sólo los pies de los actores, cuyas figuras se adivinan por metonimia). En la fotografía el movimiento se captará con la permanencia del diafragma abierto generando imágenes movidas como las de los hermanos Bragagli Temporalidad 1909-1930

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DADAISMO

Dadaísmo fue una tendencia artística que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916. Esta vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos. Estaba en contra del arte, los códigos y valores de su época, la Primera Guerra Mundial y los sistemas establecidos. Influyó en el arte gráfico, en la música, en la poesía. Se presentó como una ideología o una forma de vivir. Su fundador fue Tristan Tzara. Una de las teorías del nombre Dadá, es que significa balbuceo o primer sonido que dice un niño, y surgió cuando buscaban en un diccionario un nombre artístico a una de las cantantes. Inmediatamente identificaron este nombre con el nuevo estilo que buscaba empezar desde cero, rompiendo todos los esquemas seguidos con anterioridad.

El movimiento Dadá, en su contenido o temática, se caracterizó por: – Protesta continua contra las convenciones de su época.

– Actitud de burla total y humor. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor.

– Medios de expresión irónico-satíricos, a través del gesto, el escándalo, la provocación.

– Poesías ilógicas o de difícil comprensión (El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos).

– Inclinación hacia lo dudoso, rebeldía, destrucción, terrorismo,

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muerte y nihilismo, lo fantasioso, etc.

– Promoción por el cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, el caos, lo imperfecto, la intuición.

– Manifestaciones contra la belleza, la eternidad, las leyes, la inmovilidad del pensamiento, la pureza de los conceptos abstractos, lo universal, la razón, el sentido, la construcción del consciente.

– Negativo y en contra el modernismo, el expresionismo, cubismo, futurismo y abstraccionismo.

– Quieren volver a la infancia.

– Consideran más importante al acto creador que al producto creado.

Hugo Ball (1886-1927) Tristan Tzara (1896-1963) François Picabia (1879-1953) Marcel Duchamp (1887-1968 Man Ray (1890-1976) Jean Arp (1887-1966) Hans Richter (1888-1976)

Temporalidad 1916/1924

SURREALISMO Características del arte surrealista • El surrealismo se caracteriza por hacer representaciones del inconsciente, de fantasías y de sueños, así como de la irracionalidad • Este movimiento adentrarse en más profundos del pensamiento • Se apoya de una serie de técnicas que buscaban la libertad de creación y olvidando la razón.

• Se crean imágenes erróneas de forma que una cosa u objeto puede interpretarse de diversas maneras dejado al espectador un tanto desorientado • La imaginación se utiliza como lógica.

• Dentro del surrealismo podemos se da la fabricación de objetos, el ensamble de objetos y los collages.

• El Forttage, que son dibujos creados con el roce de superficies rocosas • Utilizaban la técnica de “Cadáver Exquisito”, en donde varios artistas dibujaban diversas partes de un texto o una figura.

• La inspiración se basaba en los pensamientos prohibidos y ocultos • Los artistas inventan universos figurativos propios.

• El surrealismo abstracto enfatiza aspectos cromáticos, formales, estructurales de una obra, sin imitar modelos o formas naturales.

• Se divide en surrealismo figurativo y abstracto.

Salvador Dalí Max Ernst Joan Miró René Magritte

Temporalidad 1924/1966

El arte surrealista es una corriente artística que tiene su base en Francia en la década de 1920; este modelo de arte busca inspirar olvidando la realidad, de tal forma que el artista encuentre una forma de encerrarse en sí mismo, en un impulso imaginario e irracional.

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ABSTRACTO • Una gran consciencia de las formas y los colores, utilizados a voluntad para escapar de la realidad concreta.

• Las esculturas abstractas se apoyan en el principio de la tridimensionalidad y en la geometría, a veces dándole protagonismo al color.

• Las pinturas abstractas proponen un lenguaje propio de forma, color y línea cuyas reglas pertenecen al artista.

• Las obras abstractas exigen del espectador que se aproxime a ellas de modo intuitivo, menos tradicional.

• El arte abstracto rompió con la necesidad de representar objetos concretos, dando cabida a los pensamientos y las nociones mentales más difusas.

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Este estilo surgió a inicios del siglo XX y perdura hasta nuestros días, teniendo grandes expositores como los pintores Vasili Kandinski, Robert Deaunay, Kazmir Málevich, Piet Mondrian, Mark Rothko, Jackson Pollock, Jesús Soto, Carlos Cruz-Diez, Gerhard Richter o Joan Miró. Además, los escultores Marcel Duchamp, Aexander Calder y Jean Arp

El arte abstracto puede clasificarse según las tendencias que marquen su estilo, en: • Curvilíneo. Caracterizado por las líneas curvas, que se entrelazan, trazan espirales u otras formas semicirculares, como los nudos o el triskele o triskelion.

• Cromático-visual. Obras en las que predomina el impacto visual a partir del color, de manera más o menos caótica u ordenada (secuencial, por ejemplo).

• Geométrico. Derivada del cubismo inaugurado por Picasso, aspira a las formas geométricas como un lenguaje propio de la obra, y por eso prefiere las formas matemáticas.

• Intuicional. Una tendencia sin patrones visibles o reconocibles, que interpela al espectador y le exige que se aproxime a la obra desde la intuición y lo sensible, no de la lógica.

• Gestual. Suerte de híbrido entre el abstraccionismo y el expresionismo, hace hincapié en el trazo y la pincelada, es decir, en el modo mismo en que la obra se compuso, para alcanzar la abstracción deseada.

• Minimalista. Un retorno a lo simple, a lo poco, a la ausencia en el cuadro. Puede darse con uno o dos colores, una forma simple o diversos planteamientos que son justamente mínimos, nunca recargados ni barrocos

CONSTRUCTIVISMO

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El constructivismo fue una corriente artística y arquitectónica que tuvo lugar luego de la Revolución de Octubre en el territorio de Rusia. El arte constructivista se basa especialmente en la corriente que proponía el movimiento del cubismo, de manera que el constructivismo empieza a tomar para las piezas artísticas los campos del tiempo y espacio con la finalidad de crear figuras dinámicas.

Se ha denominado constructivismo también al movimiento que estuvo en servicio de la revolución debido a un carácter utilitario donde los artistas empiezan a buscar mecanismos que les permitan crear piezas de utilidad en zonas como el diseño industrial, servicio a la sociedad comunista y la comunicación de tipo visual.

Esta vanguardia se destacó por: – Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso para elaborar el producto son de gran importancia.

– Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño industrial.

– Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas matemáticamente.

– Se dedicaron a l diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones, etc.

– La obra se comunica con el espacio que la rodea o penetra. Se valora la simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz.

– La misma consta de elementos (frecuentemente transparentes) de formas geométricas, lineales y planas.

– Hace hincapié en lo abstracto, pero relacionado con la industria y la técnica.

– Estilo basado en líneas puras y formas geométricas y pesadas.

– Los objetos son geométricos y funcionales.

– Rechaza al arte burgués. Se evitó el ornamento.

– Materiales simples: madera, metal, yeso, alambre, plástico, cartón, vidrio y elementos modernos que simbolizan el progreso.

– Uso de los colores naranjo, rojo, azul, amarillo, negro y blanco (tanto en afiches como en objetos).

– Para la decoración se emplean motivos suprematistas, o sea formas geométricas sobre un fondo blanco y plano (como en el caso de la cerámica).

Vladimir Tatlin (del año 1885 a 1953) Aleksandr Rodchenko (del año 1891 a 1956) Naum Gabo (del año 1890 a 1977) Temporalidad 1914/1930

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ART NOUVEAU/MODERNISMO El modernismo es una corriente de renovación artística que tuvo lugar desde finales de siglo XIX hasta mediados del siglo XX. Se destacó por su interés en romper con los estilos tradicionales, por la búsqueda de nuevas formas de expresión y de estética, inspiradas en la naturaleza y contrarias a los elementos de la Revolución Industrial.

La corriente modernista recibió varios nombres también aceptados, como: Art nouveau, Jugendstil, Modern Style y Liberty. La diversidad para su denominación delata el carácter de libertad y de romper con las estructuras, que caracterizó al movimiento.

Características del modernismo El modernismo se caracterizó por: • La ruptura con las reglas y lo considerado tradicional, tanto en cuestiones religiosas y políticas como también sociales.

• La nueva ideología y el estilo, que rompieron con el realismo.

• La creencia de que la verdad es relativa y no existe una verdad absoluta.

• La exacerbación del individuo y su fuerza interior que influenció al movimiento subjetivista, impresionista, expresionista y surrealista.

El modernismo buscaba romper con el orden establecido y las reglas de la burguesía, e intentaba crear un arte que fuera accesible para todas las clases sociales (sin perseguir las técnicas de producción masiva de la sociedad industrializada).

El modernismo se destacó en las artes visuales con representantes como el francés Édouard Manet. Este artista logró romper con las nociones tradicionales del uso de la perspectiva y el modelado. A través del uso particular de la línea, la forma y el color, logro una representación de la subjetividad para reflejar la realidad.

En la arquitectura, el máximo representante modernista fue el catalán Antoni Gaudí, considerado como uno de los expertos más prodigiosos en su disciplina. Gaudí logró emplear un lenguaje arquitectónico único, personal e incomparable; demostrando una especial habilidad para aprovechar el espacio y el volumen, junto a una transformación original de los materiales decorativos.

TEMPORALIDAD FINALES XIX PRINCIPIOS XX

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ANTONIO GAUDI Nació en Reus (Tarragona), en 1852. Se formó como arquitecto en la Escuela Provincial de Barcelona. Trabajó con Josep Fontseré en la construcción de la iglesia de Montserrat y de la Cascada del Parque de la Ciudadela de Barcelona.

La Casa Vicens fue su primera construcción importante, de clara inspiración islámica. La influencia de la arquitectura musulmana también se hizo notar en "El capricho" (1883), una villa sita en Comillas (Santander). Su relación con Joan Martorell le permitió encargarse de la dirección de la que sería su obra monumental, la Sagrada Familia desde 1883. A ella le dedicó 43 años de su vida. Proyectó paralelamente el Parque Güell, la Casa Batlló y “La Pedrera", claros exponentes de su arte. Falleció el 10 de junio de 1926 en Barcelona.

Casa Batlló (1904-1906) Parque Güell (1900-1914) Palau Güell (1886-1890) Finca Güell (1883-1887) Casa Vicens (1883-1888)

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- RACIONALISMO ARQUITECTÓNICO -

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Racionalismo arquitectónico. Corriente arquitectónica nacida en Europa a raíz de las desbastadoras consecuencias de la Primera Guerra Mundial. El racionalismo centra su interés en una nueva estética que basa su fundamento en el uso de determinados materiales de construcción, como vía para ponderar arquitectónicamente una visualidad técnica y estandarizadora, la que a su vez se convierte en rechazo a toda ornamentación vacía y gratuita. De manera general las obras de arquitectura racionalistas se caracterizan por el predominio de los conceptos de estructura y función; por el uso de las formas geométricas simples con criterios ortogonales y por la concepción dinámica del espacio arquitectónico.

Caracteristicas Los arquitectos racionalistas en su afán de concebir obras en la que la estética industrial se hiciese sentir, resumían en sus construcciones los siguientes aspectos: • Bloques arquitectónicos elevados sobre pilotis (pilares) • Planta baja libre.

• Fachada libre, independiente de la estructura.

Ventanas longitudinales (fenêtre en longueur).

• Cubiertas planas y con la presencia de jardines.

Predominio de los colores rojo, azul, amarillo; más los acromáticos negro, gris y blanco. Las características de las construcciones racionalistas • Preponderancia de los conceptos de estructura y función.

• Inclinación y gusto por el uso de las formas geométricas simples y con criterios ortogonales • Empleo del color y del detalle constructivo en lugar de la decoración sobrepuesta y gratuita • Concepción dinámica del espacio arquitectónico • El uso de materiales de nuevo tipo como el acero, el hormigón y el vidrio.

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Temporalidad 1925/1940

B A U H A U S

• Walter Gropius (1883-1969) • Hannes Meyer (1889-1954) • Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) Este contenido de La Escuela Bauhaus fue creado para usted • Wassily Kandinsky (1866-1944) con la finalidad de apoyarle en su formación académica y en el • Paul Klee (1879-1940) logro de sus objetivos escolares. El mismo fue realizado • Herbert Bayer (1900-1985) atendiendo a la precisión en la presentación de la información con • Johannes Itten (1888-1967) respuestas que le facilitan la búsqueda y sistematización de la • Láslo Moholy-Nagy (1895-1946) misma. La Bauhaus fue fundada por Walter Gropius en Weimar.

Lilly Reich (1885-1947) Por lo que, el término alemán Bauhaus significa literalmente “casa Gunta Stölzl (1897-1983)

de construcción”. Esta escuela era entendida en el sentido de ser una “Escuela de la construcción”, sin embargo, a pesar de su nombre y el hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura durante sus primeros años de existencia

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Temporalidad 1919/1933

Caracteristicas Los materiales que se usan en el estilo Bauhaus son el vidrio, el metal, tubos de distintos metales, la madera doblada, el acero, el cuero y el plástico. Todos materiales que hoy nos parecen de lo más convencionales para muebles y decoración.

Los colores más usuales en este estilo son el negro, el blanco, el gris, el marrón, el color cromo.

Curioso colores que son claves en la tendencia moderna y minimalista.

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WALTER GROPIUS

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Walter Gropius nació en Berlín, hijo y nieto de arquitectos. Estudió arquitectura en Múnich y en Berlín. En 1907, una vez finalizada la carrera de arquitectura, comenzó a trabajar en Berlín, en el estudio de Peter Behrens, uno de los primeros miembros de la escuela utilitaria. Sus compañeros de trabajo en este momento fueron, entre otros, Ludwig Mies van der Rohe, Le Corbusier, y Marcks Dietrich..

Tres años más tarde comenzó a desarrollar su actividad como arquitecto por su cuenta y como diseñador industrial para la Deutsche Werkbund. Su primera obra importante fue la reforma y ampliación de la fábrica Fagus en Alfeld, que proyectó junto a Adolph Meyer. Esta obra, con sus estructuras metálicas finas, sus grandes superficies acristaladas, sus cubiertas planas y sus formas ortogonales, se convirtió en pionera de la arquitectura moderna

La etapa americana de Gropius es semejante a la de otros pioneros del Movimiento Moderno que realizaron el mismo viaje, significando el paso del vanguardismo heroico y juvenil del periodo de entreguerras al paulatino, pero inexorable proceso de integración en el «establishment» académico.

La obra de Gropius de esta época es fiel exponente de este proceso, cada vez más preocupado en la eficacia y operatividad y más alejado de aquella ideal síntesis de las artes «bajo las alas de una gran arquitectura» que Gropius, en los lejanos años de la Bauhaus, soñaba. En 1946 creó un grupo llamado Architects’ Collaborative que se hizo cargo de muchos proyectos de gran envergadura, como el Harvard Graduate Center (1949), la embajada de Estados Unidos en Atenas (1960) o la Universidad de Bagdad (1961), el edificio de la Panam (1963) en Nueva York, en colaboración con Pietro Beluschi.

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Gropius fallece en Boston el 5 de julio de 1969.

LE CORBUSIER Las bases de Le Corbusier para el interiorismo

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Como pintor, escultor y urbanista entre otras ocupaciones, Le Corbusier entendió la confluencia entre la arquitectura y el diseño de interiores, pues la primera determina el diseño estructural de forma que la misma disposición de paredes y ventanas crean un lienzo luminoso y espacial donde la decoración fluye con todo lo anterior.

Luz y espacio en el diseño de interiores El arquitecto estableció unas bases atemporales sobre las que todavía en el siglo XXI asentamos el diseño de interiores. Aquí el color juega un papel clave para la percepción de espacios, algo tan simple como los claros y oscuros para unir, ampliar o cerrar espacios. Las combinaciones armónicas y geométricas llevarían al arquitecto a sentar las bases de la nueva arquitectura internacional. Y, es que, para Le Corbusier, la vivienda debía entenderse desde el arte y la belleza que perciben los individuos.

Unité d'habitation - Marsella, Francia.

Museo Nacional de Arte Occidental - Tokio, Japón.

Ville Savoye - París, Francia Villa Le Lac - Corseaux, Suiza.

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LUDWIG MIES VAN DE ROHE Ludwig Mies van der Rohe (Prusia, 1886-Estados Unidos, 1969) le dio forma al siglo XX en muchos sentidos: como arquitecto se le atribuyen una gran cantidad de innovaciones en cuanto diseño y filosofía de trabajo: la optimización de los espacios para la creciente urbanización de la vida diaria con una estética sencilla fue su principal distintivo, algo que sintetizó en su conocida frase «menos es más»; como docente, al frente de la Bauhaus y posteriormente como director del colegio de arquitectura del Instituto Tecnológico de Illinois de Chicago, se interesó en brindar las herramientas necesarias para las siguientes generaciones de arquitectos que solo la experiencia le dio.

—Casa Farnsworth (1946-1951) —Casa Riehl (1907)

—Pabellón alemán para la Exposición Internacional de Barcelona (1929) —Nueva Galería Nacional de Berlín (1968)

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—Casa Tugendhat (1929-1930) —IBM Plaza (1973) —Edificio Seagram (1958) —Crown Hall del Instituto de Tecnología de Illinois(1956)

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ORGANICISTA Este término comenzó a usarse en el siglo XX y se usó para describir a la corriente arquitectónica que promovía la armonía entre las edificaciones y el entorno natural. El organicismo como también fue llamado, buscaba integrar las construcciones al contexto natural.

Organicismo El organicismo va más allá de los principios arquitectónicos. Su filosofía es la de atender más la vida del hombre y sus necesidades psicológicas.

Se busca que el hombre entre en armonía y contacto directo con el entorno natural. Por lo tanto también se busca que las construcciones no desafíen a la naturaleza, sino que sean proyecciones de ésta

Características de la Arquitectura Orgánica Este estilo se derivó del llamado funcionalismo. A partir de la década de 1930 comenzó a desarrollarse, el Arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright abanderó este estilo. La arquitectura orgánica desarrolla algunos conceptos tales como: • Planta libre.

• Lo funcional antes que lo ornamental.

• Uso de los avances industriales para el sector de la construcción.

• Uso de nuevos materiales.

• Adaptación del hábitat del hombre al entorno natural.

• Concebir el entorno y la edificación como un todo.

Temporalidad 1930/1940

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BRUTALISMO El Brutalismo es un estilo arquitectónico derivado del Movimiento Moderno que buscaba alejarse de las líneas pulcras y formas monótonas de dicha corriente. Se considera como su creador al arquitecto suizo Le Corbusier y máximo expositor. El término está acuñado por las palabras en Francés béton brut u ‘hormigón crudo’, el cual es su material más representativo.

Después fue renombrado por el crítico de arquitectura británico Reyner Banham con la expresión de “Brutalism”.

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1. Caracteristicas El uso de hormigón crudo como material esencial (aunque se pueden similares que produzcan el mismo efecto).

2. Formas sencillas con la clara exhibición de la estructura.

3. La repetición gráfica así como sus cualidades audaces y geométricas (estructuras legibles).

4. Funcionalidad – Racionalismo (Se tenía la intención de que fueran construcciones utópicas para mejorar las condiciones sociales).

• Le Corbusier.

• Eero Saarinen.

• Peter Smithson.

• Alison Smithson.

• Clorindo Testa.

• Lina Bo Bardi.

• Loui I. Kahn.

Temporalidad 1950/1970

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Autores Principales Jean-François Lyotard Jean Baudrillard Michel Foucault

POSTMODENISMO Expresa la crisis del pensamiento metafísico moderno; Deslegitima los metarrelatos modernos; Reconoce que existen diferentes modos de saber; Rechaza la linealidad histórica y relativiza el progreso; Reflexiona sobre su contexto y visibiliza responsabilidades; Promueve la diferenciación subjetiva y la diversidad.

MUSEO GUGGENHEIM BILBAO, ESPA

DOLPHIN AND SWAN HOTELS EN WALT DISNEY RESORT, FLORIDA, EE. UU.

PIAZZA D'ITALIA, NUEVA ORLEANS, EE. UU. CENTRO JAMES R. THOMPSON, CHICAGO, EE. UU. LA NEUE STAATSGALERIE STUTTGART, ALEMANIA THE PORTLAND BUILDING, PORTLAND, ESTADOS UNIDOS

EDIFICIO M2, TOKIO, JAPÓN. La filosofía occidental creó dualismos. En cambio, el posmodernismo mantuvo una postura híbrida o pluralista.

La verdad es una cuestión de perspectiva o de contexto, antes que algo universal o absoluto.

El lenguaje moldea el modo de pensar y no puede existir pensamiento sin lenguaje.

El lenguaje es capaz de crear, de manera literal, la realidad.

VANNA VENTURI HOUSE, FILADELFIA, EE. UU.

UNA CASA PARA ESSEX, WRABNESS, REINO UNIDO

EDIFICIO MI6, LONDRES, REINO UNIDO.

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HIGH TECH

Las características principales de la arquitectura High Tech son muy variadas, entre las que se encuentran la exposición de componentes técnicos y funcionales de la construcción y un uso frecuente de componentes prefabricados.

Las paredes de vidrio y las estructuras de acero son muy populares en este estilo. Estas características unidas, generaron una estética industrial. La técnica, en algunos aspectos, implicó la base del fundamento estético de las construcciones. Los elementos técnicos no sólo se usan con finalidad estética, sino también por motivos funcionales.

En el estilo High Tech, el edificio debe ser un catalizador de actividades y los servicios técnicos están claramente definidos. Uno de los primeros ejemplos de arquitectura high tech, es el centro Georges Pompidou, en París, de los arquitectos Piano y Rogers. La estructura portante, lo elementos auxiliares como ductos de ventilación, escalera mecánica, los transformadores, todo se encuentra a la vista.

En los años 90, hubo un resurgimiento de la arquitectura high tech, con la fundación en 1993, del grupo READ, que tenía como una de sus finalidades, el uso de energías renovables en la construcción, proponiendo proyectos amigables para el medio ambiente.

Uno de los exponentes de este resurgimiento modificado, es el arquitecto británico Norman Foster.

Esta evolución del movimiento high tech, adoptó nuevas denominaciones, EcoTech, y actualmente arquitectura sustentable.

Estadio Olímpico de Múnich de Günther Benisch y Frei Otto, Mónaco de Baviera –Alemania, 1971 Temporalidad 1970/

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High tech El High Tech(alta tecnología) es un estilo arquitectonico que se desarrollo durante los años setenta.

Este movimiento busco dar a todo una apariencia industrial utilizando elementos propios de la industria, los que se crearon en un principio con idea de cubrir unas funciones y más tarde forman la posibilidad de servir para también otras.

Toma su nombre del libro: The Industrial Style and Source Book for The Home, publicado en 1978 por Joan Kron y Suzanne Slesin.

El libro muestra abundantes ejemplos de obras arquitectonicas donde priman los materiales industrializados particularmente utilizados en techos, pisos y muros.