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ANGÈLE

DESDE BRUSELAS CON AMOR ARDE BOGOTÁ / HOFE / SIENNA / MAR PUJOL / STREET FIGHTER / TRUENO / LA 126 / MARTA RIBATE / TOP 50 MUERTOS VIVIENTES

ARDE BOGOTÁ 3

LA LUZ AL FINAL DEL TÚNEL

HOFE / SIENNA / ANGÈLE / MAR PUJOL / STREET FIGHTER / TRUENO / LA 126 / MARTA RIBATE / TOP 50 MUERTOS VIVIENTES

HOFE

ESPERÁNDOTE SIENNA / ANGÈLE / ARDE BOGOTÁ / MAR PUJOL / STREET FIGHTER / TRUENO / LA 126 / MARTA RIBATE / TOP 50 MUERTOS VIVIENTES

SIENNA

LA NUEVA MASCULINIDAD ANGÈLE / ARDE BOGOTÁ / HOFE / MAR PUJOL / STREET FIGHTER / TRUENO / LA 126 / MARTA RIBATE / TOP 50 MUERTOS VIVIENTES

LA NUEBA

Lo que dé de sí, publicado en 2025, supuso un punto de inflexión en la carrera de Prenda: no era la primera vez que cantaba en castellano -ya lo había hecho en su anterior EP, After We Talk (2022), que se cerraba con No T olvido D mí-, pero sí la primera en que su idioma natal y el inglés, que como a muchos siempre le había sonado mejor en el pop, prácticamente compartían protagonismo. Si aquel EP supuso, en cierto sentido, un reinicio, la artista madrileña Claudia Ramos va aún más allá en Ahora que el mundo termina, un nuevo EP que publicará en noviembre, y que presentará en sala Cadavra de la capital unos días después, el 25 de noviembre. Ahora sí, escrito y cantado completamente en castellano, y más abstracto pero igual de intimista y sensible que sus anteriores propuestas, basado fundamentalmente en la voz, la guitarra, el piano, algunos vientos y gaseosas texturas electrónicas y en la línea de Amore o María Blaya -con la que ha colaborado en La camiseta-, es el primer gran canto de esta nueva poetisa de las batallas de la cotidianidad. El día a día, con sus dramas, contado desde la belleza y la honestidad, como hace en Dios se está fumando Madrid, que es como si el primer C. Tangana se hubiera enrolado en la liga fantasma de Dean Blunt.

PRENDA

VOL.48 OCTUBRE 2026

ANGÈLE EL INSTINTO

MAR PUJOL SALIR DEL MARGEN

EL PRECIO DE LA RED NOS VEMOS EN LOS TRIBUNALES

ALPHA DRIVE ONE IDOLS

ARDE BOGOTÁ EVOLUCIÓN

LOGIC1000 MUDANZA

EDITORIAL

BLACKOUT TALENT DANZAD, DANZAD, MALDITOS

Al igual que sucede con la cambiante actualidad internacional y su desconcertante política de bloques y acuerdos, el mundo de la cultura -y, más concretamente, el de la música- lleva años sometido a un proceso de globalización que convierte cualquier rincón del planeta en potencial cliente. Porque sí, no nos engañemos: el presente siglo ha terminado de despojar al pop de buena parte de su valor contracultural para convertirlo en objeto de consumo y herramienta de marketing privilegiada para vender todo tipo de productos, más allá de canciones y directos. Bien lo entendió Lee Soo-man cuando fundó SM Entertainment y acuñó el término "tecnología cultural" para lanzarse a la conquista del mercado internacional. Y también Daddy Yankee y el resto de pioneros del reguetón cuando impulsaron un movimiento musical dispuesto a conquistar el mercado estadounidense y, desde allí, el resto del mundo. Parece ya lejano el momento en que C. Tangana emigró a Estados Unidos para medirse con los grandes nombres del urbano latino, una aventura que acabaría derivando, españolidad mediante, en su reinvención como El Madrileño. O, casi en paralelo, el despegue

STREET FIGHTER HOSTIAS COMO PANES

definitivo de Rosalía como artista internacional con El mal querer. Para los más jóvenes, para quienes todo esto pertenece ya a un pasado remoto, más difícil todavía será recordar a Charco, una oficina que a principios de siglo planteó una idea entonces casi delirante: que el Atlántico era apenas eso, un charquito, y que no debería suponer una barrera para el intercambio musical entre los países de habla hispana. Después, Charco estuvo vinculado a las primeras ediciones del festival Río Babel y creció como promotora de conciertos, sirviendo de plataforma a giras que iban y venían de España a Iberoamérica. Para terminar afrontando su proyecto más ambicioso hasta la fecha: la creación de un mercado de la música con sede en Madrid y vocación universal. Un punto de encuentro para festivales, promotoras, sellos, editoriales y organismos internacionales que demuestra que la música española es, más que nunca, universal. Convencidos de ello, y también del potencial de NUEBO como el medio en español capaz de interpretar el momento actual de la música y la cultura, nos sumamos ilusionados como media partner a esta primera edición de Radar Madrid.

NETON VEGA ASÍ SUENA MÉXICO

MARTA RIBATE EL AMIGO AMERICANO

THE BLOOD OF THE DAWNWALKER DERRAMAMIENTO DE SANGRE

106

108

director comercial Luis Argeo argeo@nuebo.es

editora de moda Alba García Valero alba@nuebo.es web & rrss Antonio Amar antonio@nuebo.es

Eδέμ A CUATRO RUEDAS

SIENNA VALOR

100

directora de arte Liliana Carpio lillie@nuebo.es

jefe de redacción Diego Rubio diego@nuebo.es

76 83

HOFE CAMBIO DE IDEA

director editorial Luis J. Menéndez luis@nuebo.es

EL TREN FLUVIAL SOÑAR BUENOS AIRES

COLABORADORES Galo Abrain, Ramón Baylos, Fernando Bernal, Luis Bravo, Gabriel Carey, Marta España, Manu González, Ángel Izquierdo, Miguel Pardo, Olaya Pedrayes, Anna Pérez, Adriana Ramiro, Cris Regatero, Felipe Rodríguez Torres, Daniela Urzola, Ricardo Ruiz Varo, Eva Sebastián. FOTOGRAFÍA PORTADA Grant Thomas (Angèle) Assiah Alcázar (Arde Bogotá) Adrián Lorenzo (Hofe) Miquel Cabello (Sienna) www.nuebo.es / @somosnuebo

LA 126 TODO PUEDE PASAR IMPRESIÓN

118

112

116

PUÑO DRAGÓN ASTURPOP

TRUENO EN DIRECTO

122

TOP 50 MUERTOS VIVIENTES FELIZ HALOWEEN

Licencia de uso de la Certificación Forestal PEFC / 14-37-00097 DISTRIBUCIÓN

Elliot Bicimensajeros (MDZ) Mil Máscaras (BCN) NUEBO S.L.

Callejón de Concepción Jerónima 3, 1º Ext. Izq.28012 Madrid hola@nuebo.es

Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de la revista. Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1 párrafo segundo, de la Ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohibidas la reproducción, la distribución y la comunicación pública, incluida su modalidad de puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de la empresa editora de la publicación NUEBO S.L.

KARLA AGUILAR CUERPO, EMOCIÓN, TRANSFORMACIÓN

LEE O HAZTE CON TU EJEMPLAR DE NUEBO EN NUESTROS PUNTOS DE DISTRIBUCIÓN OFICIALES QUE PUEDES CONSULTAR A CONTINUACIÓN… BARCELONA

LA CIUTAT INVISIBLE Carrer, Riera d'Escuder, 38, baixos, 08028

BIBLIOTECA FRANCESCA BONNEMAISON Carrer Sant Pere més Baix, 7, 08003

LA DESKOMUNAL SCCL Carrer del Tenor Masini, 5 Carrer Riera d, Escuder 38, 08028

CCCB C/ de Montalegre, 5, 08001

BRIDGE48 C/ de Llull, 48, Sant Martí, 08005 VALKIRIA HUB SPACE C/ de C. Pujades, 126, Sant Martí, 08005 ÍNDIGO CAFÉ & BRUNCH Carrer d'Enric Granados, 3, 08007 KAÓTIKO Rambla de Catalunya, 54, 08007 CAMELIA ART CAFÉ C/ de la Diputació, 278, 08009 CELEBRE Pg. de St. Joan, 60, 08009 GRANJA PETITBO Pg. de St. Joan, 82, 08009

BIBLIOTECA SUD Passeig dels Almogàvers, 49 08204, Sabadell BIBLIOTECA PONENT Plaça d'Ovidi Montllor, 5, 08206 Sabadell BIBLIOTECA CENTRAL Passeig de Les Lletres, 1 08221 Terrassa BIBLIOTECA CASINO Passeig de Pere III, 29, 08242 Manresa BIBLIOTECA CAL GALLIFA Passeig Gallifa, 1, 08250 Sant Joan de Vilatorrada

FREE TIME Carrer del Comte d'Urgell, 32, 08011

BIBLIOTECA ANTONI COMAS Prat de la Riba, 110, 08301 Mataró

ODD KIOSK C/ de València, 222, 08011

BIBLIOTECA POMPEU FABRA Plaça d'Occitània, s/n, 08302 Mataró

CURUBA.SCP Plaça de la Vila de Gràcia, 19, 08012

BIBLIOTECA JOAN COROMINES Carrer de Josep Pujadas Truch, 1A, 08320 El Masnou

EL GENIO EQUIVOCADO, LA BOTIGA Carrer de Benet Mercadé, 22, baixos 1ª, 08012

BIBLIOTECA CAN COROMINES Carrer Consolat de Mar, 9, 08395 Sant Pol de Mar

EL NOA NOA C/ de Torrijos, 22, 08012

BIBLIOTECA JOSEP ROCA I BROS Carrer Federico García Lorca, 17 08630 Abrera

IED Carrer de Biada, 11, 08012 BIBLIOTECA FORT PIENC - ANA MARÍA MOIX Plaça del Fort Pienc, 4-5, 08013 CANTINA LAB CAN BATLLÓ Gran Via de les Corts Catalanes, 169, 08014 ZUMZEIG CINECOOPERATIVA C/ de Béjar, 53, 08014 COMETA C/ del Parlament, 20, 08015 NINAS COFFEE AND BRUNCH C/ d'Entença, 116 Bis, Local 2, 08015 BIBLIOTECA NOU BARRIS Plaça Carmen Laforet, 11 08016 BIBLIOTECA EL CLOT Plaça de les Glòries Catalanes, 37-38, 08018 ORVAL Carrer de Buenaventura Muñoz, 31, 08018 BIBLIOTECA JAUME FUSTER Plaça Lesseps, 20-22 08023 IED Carrer de Sant Salvador, 70, 72, 08024

BIBLIOTECA FRANCESC CANDEL Carrer d'Amnistia Internacional, 10, 08038

BIBLIOTECA SANTA OLIVA Carrer Salvador Casas, 28 08640 Olesa de Montserrat BIBLIOTECA CENTRAL Plaça de Cal Font, s/n, 08700 Igualada BIBLIOTECA JOAN OLIVA I MILÀ Plaça de la Vila, 13, 08800 Vilanova i la Geltrú BIBLIOTECA JORDI RUBIÓ I BALAGUER Carrer Baldiri Aleu, 6-8 08830 Sant Boi de Llobregat BIBLIOTECA VILADECANS Av. Josep Tarradellas i Joan, 16 08840 Viladecans BIBLIOTECA SANTIAGO RUSIÑOL Plaça de l'Ajuntament, 13 08870 Sitges BIBLIOTECA RAMON FERNÀNDEZ JURADO Carrer Bisbe Urquinaona, 19-21 08860 Castelldefels BIBLIOTECA SANT ROC Avinguda del Congrés Eucarístic, s/n 08918 Badalona

CAMELIA ART CAFÉ C/ de Padilla, 264, 08025

BIBLIOTECA DEL FONDO Carrer Massenet, 28-30, 08922 Santa Coloma de Gramenet

BIBLIOTECA LA SAGRERA MARINA CLOTET Josep Soldevila, 9 08027

BIBLIOTECA CENTRAL Carrer Mossèn Andreu, 15 08940 Cornellà de Llobregat

BURGOS

CAFÉ CENTRAL C/ Sal 9, 09400 Aranda de Duero

MADRID

BIPOLAR C/ Calatrava, 6, 28005 DESPERATE LITERATURE C/ Cava Baja, 8, 28005

NIM SALÓN C/ de San Vicente Ferrer, 63, 28015 SAMBU’S COFFEE Tr.ª del Conde Duque, 5, 28015

ESCUELA TAI C/ de Recoletos, 22, 28001

FEDERAL CAFÉ Pl. Conde de Barajas, 3, 28005

UNFLTRD COFFEE C/ Amaniel, 36, 28015

VÍA COMUNICACIÓN C/ Conde de Aranda 24, 3º Planta, 28001

L’ADORE CAFÉ Pl. de Cascorro, 20, 28005

DJP MUSIC SCHOOL C/ Pilar de Zaragoza, 63, 28028

LOS TIERNOS C/ Toledo, 73, 28005

LOS INVERNADEROS C/ Alonso Núñez, 6, 28039

1862 DRY BAR C/ Pez, 27, 28004 ALEATORIO BAR C/ Ruiz, 7, 28004 BERKANA C/ Hortaleza, 62, 28004 BIANCHI KIOSKO CAFFÉ C/ San Joaquín, 9, 28004 CAFÉ PEPE BOTELLA C/ San Andrés, 12, 28004 EL ALMACÉN DE DISCOS C/ Minas, 13, 28004 EL RINCÓN C. del Espíritu Santo, 26, 28004 FARADAY C/ San Lucas, 9, 28004 FREV BOUTIQUE Corredera Alta de San Pablo, 4, 28004 FUNDACIÓN SGAE C/ Bárbara de Braganza, 7, 28004

MOLAR DISCOS & LIBROS C/ Ruda, 19, 28005 RUDA CAFÉ C/ Ruda, 11, 28005 THE SOCIAL HUB Cta. de San Vicente, 28, 28008 SALA CLAMORES C/ Alburquerque, 14, 28010 THE BEER GARDEN TAP ROOM SALOON C/ Juan de Austria, 23, 28010 URRACA CAFÉ C/ Doña Urraca, 18, 28011 BAJOELVOLCÁN C/ Ave María, 42, 28012 CAFELITO C/ Sombrerete, 20, 28012 EL IMPARCIAL C/ Duque de Alba, 4, 28012 GENERACIÓN X C/ Conde de Romanones, 3, 28012

GENERACIÓN X C/ de la Puebla, 15, 28004

HOLA COFFEE FOURQUET C/ Dr. Fourquet, 33, 28012

GENERACIÓN X C/ Carranza, 25, 28004

JUAN RARO C/ Miguel Servet, 7, 28012

GILDA HOUSE C/ de San Mateo, 6, 28004

PERROS DE LLUVIA C/ Sombrerería 1, 28012

GORILA MALASAÑA Corredera Baja de San Pablo, 47, 28004

PUM PUM CAFÉ C/ Tribulete, 6, 28012

GOSTO CAFÉ C/ Palma, 47, 28004 HOBBY CONVERTERS C/ Estrella, 20-2, 28004 KAÓTICO C/ Fuencarral, 34, 28004 LA FIAMBRERA ART GALLERY C/ Pez, 30, 28004 LIBRERÍA CIENTO VOLANDO C/ Divino Pastor, 13, 28004 LOLINA VINTAGE CAFÉ C/ Espíritu Santo, 9, 28004 MALABAR Pl. del Dos de Mayo, 9, 28004 NEARE CLOTHES Corredera Alta de San Pablo, 21, 28004 PICNIC C/ Minas, 1, 28004 QUALITY SPORTSWEAR C/ Espíritu Santo, 6, 28004

BAR TOBOGGAN Pl. de Rutilio Gaci, 2, local 1, 28045 COSTELLO RÍO Pl. Gral. Maroto, 4, 28045 DRØMME KAFFE HOUSE C/ Juana Doña, 8, 28045 MATADERO MADRID Pl. de Legazpi, 8, 28045 PANDORA'S VOX C/ Rafael de Riego, 8, 28045

MÁLAGA

POLO DE CONTENIDOS DIGITALES Avda. Sor Teresa Prat, 15, 29003 CASA WILD C. Real, 54, 29680 Estepona

MURCIA

CAFETERÍA BAR COOP ÍTACA C/Mariano Vergara 6, 30003

GIJÓN

BAR LA PLAZA C/ Julio Fernández, 1, 33201 Gijón TOMA 3 C/ Marqués de Casa Valdés, 27, 33202

VIGO

WOODTOWN Camelias 20, 36202

VALENCIA

DISCOS OLDIES C/ de la Mare de Déu de Gràcia, 6, 46001

SALA EQUIS C/ Duque de Alba, 4, 28012

ULTRASOUND MUSIC C/ de Cuba, 49, L'Eixample, 46006

SWINTON GALLERY C/ Miguel Servet, 21, 28012

BILBAO

UMUSIC STORE C/ Carretas, 10, 28012 CASA JAGUAR C/ Caños del Peral, 9, 28013 FOUR C/ Calderón de la Barca, 8, 28013 WET COCKTAIL BAR C/ Mesón de Paños, 6, 28013 WURLITZER BALLROOM C/ Tres Cruces, 12, 28013 ACID CAFÉ C/ Verónica, 9, 28014 FELIZ COFFEE TO GO C/ Lope de Vega, 2, 28014 MISERIA C/ Verónica, 15, 28014 CAFÉ LA PALMA C/ Palma, 62, 28015

TATUAJERÍA CORAZÓN SALVAJE C/ Divino Pastor, 6, 28004

C.C. CONDE DUQUE C/ Conde Duque, 9, 28015

TOMA CAFÉ C/ Palma, 49, 28004

MARILIANS C/ del Noviciado, 9, Local 7, 28015

GOOOD PEOPLE C/ Goienkale, 38, 48005 MEDIATEKA AZKUNA ZENTROA - ALHÓNDIGA Plaza Arriquíbar, 4, 48010

ZARAGOZA

JUEVES SHOP C/ San Vicente de Paúl, 34, 50001 PIEDRA / ZONA DE ENSAYO C/ San Blas, 7, 50003 THE SHUAVE SHOP C/ Casto Méndez Núñez 10, 50003 Si tienes un negocio o gestionas un Espacio Público en cualquier punto del país te puedes convertir en distribuidor oficial de NUEBO por solo 25€. Ayúdanos a llevar la mejor revista de cultura pop a todos los rincones de España y premia a tus clientes y usuarios distribuyéndola gratuitamente en tu espacio. Infórmate en hola@nuebo.es

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EL CULTO A LA BELLEZA Una producción de:

Con el apoyo de:

Con la colaboración de:

El CCCB es un consorcio de:

EXPOSICIÓN EN EL CCCB 21.05—08.11.2026

AZULEJA Hajar Kaddouri Boudib empezó a subir canciones en la pandemia, y pronto se empezó a relacionar con el círculo de El Royale aunque aún no existiera El Royale como tal. Sus primeras canciones ya contaban con Roy Borland a la producción, y el madrileño se ha convertido en su escudero musical desde entonces: junto a él ha producido su debut largo, C.R.I.N.G.E., con el que conquistó nuestras páginas (y a Rosalía) el año pasado, y junto a él lo está defendiendo en los escenarios de toda nuestra geografía nacional, con

paradas en festivales como Primavera Sound, Vida Festival, Observatorio o FSTVL B, o recientemente en el MMVV de Vic. También escribe canciones con Teo Planell, ha colaborado con Nusar3000 y hemos podido verla en directo acompañándoles a ellos, a TRISTÁN!, a Teo Lucadamo o incluso a Hofe. La era de C.R.I.N.G.E. no se ha acabado todavía, y aún queda una recta final tras la que se irán desvelando, seguramente, nuevos caminos y nuevas locuras.

“Si mi gloss está en mis labios y amanece en tu polla, tampoco sería una ida de olla” – ‘Cachonda’

ESTADÍSTICAS Electrónica

75 %

Punk

20 %

Pop

100 %

Rock

30 %

Urban

65 %

Experimental

65 %

Cringe: Las cartas rivales en mesa cancelan acción. Tira un dado: >3 además reciben 2 de daño / <3 El jugador recibe 2 de daño Compañerismo: Invoca y juega directamente una carta de héroe del mazo. Esta carta tiene prioridad para actuar

Consulta la información de la exposición

LA NUEBA

ALBA MORENO Si alguna vez has pensado que las polirritmias de los afrobeats tienen bastante que ver con el flamenco, ya tienes algo en común con Alba Moreno. Musicalmente la artista madrileña realmente proviene del cante y los tablaos, y su bisabuela llegó a compartir escenario en los años setenta con ni más ni menos que Camarón de la Isla y Paco de Lucía. Su adolescencia ha estado marcada por esa herencia, pero también por los ritmos con los que ha crecido generacionalmente: el R&B, la música urbana, la música electrónica, el rap, los ritmos latinos o ritmos afro como el amapiano. Reconciliando los dos universos, Alba ha ido redescubriendo su voz, subiendo covers a redes sociales primero y sacando a la luz sus primeras canciones después. A principios de este año ha estrenado A mi manera, su EP de debut, donde experimenta entre otras cosas con la salsa, y va a seguir lanzando sencillos durante todo lo que queda de año.

LA NUEBA

Tras más de media vida dedicada a la interpretación, a sus 30 años la carrera de esta actriz danesa ha dado definitivamente un giro internacional. Participó en series, dramas y películas con relativa repercusión en Dinamarca (Kingmaker, El uniforme o La otra víctima, con la que optó por primera vez a los nacionales Premios Bodil), pero es ahora que acaba de conquistar Venecia con Woman Unknown, la gran triunfadora de esta edición del festival, ganadora del León de Oro. Su paso por Venecia le ha valido a Mathilde Arcel, además, la prestigiosa Copa Volpi a la mejor actriz, que en años recientes se han llevado Penélope Cruz, Cate Blanchett, Cailee Spaeny, Nicole Kidman o Xin Zhilei. En la película, aún pendiente de fecha de estreno en España, Arcel es una empleada del hogar que, en los años 40, va a casarse con su empleador, un viudo adinerado que esconde un secreto: mantuvo una relación con un soldado nazi durante la Segunda Guerra Mundial. La película, a través de la actriz, reflexiona sobre la culpa colectiva que invade a las sociedades tras eventos traumáticos, y adquiere ritmo dramático en la intensidad de su caza de brujas, más introspectiva que evidente.

FOTO: EMILIA STAUGAARD

MATHILDE ARCEL

AMYNATA

Crear durante años con y para otros y luego animarte a trazar tu propio camino es la historia de muchos artistas. También la de Amynata. escribe, compone y produce su música desde hace mucho tiempo. Con mezcla de raíces senegalesas y andaluzas, ha encontrado un sonido y un equilibrio entre lo emocional, sonidos de raíz y su propia vulnerabilidad o, como ella dice: “pop folk urbano y todo lo demás”. Si tuviera que elegir una palabra para describir su música, sería “orgánica”. Qué concepto más amplio y a la vez más certero para una artista que quiere que sea su público el que elija en lugar en el que encajan sus canciones. Fans de su música como Rels B, que ha tenido a bien incluirla en su último disco, fill de la mar, en un tema -esperanzacon tintes de bossa nova clásica que ya ha puesto a nuestra artista en la lupa de una nueva audiencia. A comienzos de 2027, Amynata lanzará un nuevo EP apoyado por Somos Records que se alejará de lo conceptual y en el que el amor lo atravesará todo. Ella lo describe como una evolución de su sonido hacia un lenguaje más accesible. De momento, podemos disfrutar de su último single, amormío, un tema elegantísimo y hecho con tremenda sensibilidad.

LA NUEBA DE CRIS REGATERO

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Junto a Diskover, Anthony & Yeigo, conocidos como El Dúo del Dembow, han convertido una estrategia de contenido sólida en redes sociales en crecimiento real de carrera. La creación constante de contenido y su capacidad para generar conversación han impulsado el descubrimiento de su música y multiplicado su alcance digital.

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Alba Moreno ha convertido su crecimiento en redes en una audiencia más sólida en plataformas digitales. Este avance ha venido acompañado de mayor presencia editorial, visibilidad y una identidad artística más reconocible. Un ejemplo de cómo contenido, distribución y estrategia pueden impulsar comunidad, audiencia y desarrollo de carrera.

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LAS NUEBAS

¿es eso, n o?

¡Contr a el viento !

Se encuentran en plena gira, presentando su EP de debut, Todas a chica (2025), “en todas partes”, como gritan ellas en una de sus últimas canciones. Y si subiéramos con ellas a la furgoneta, efectivamente, recorreríamos (casi) toda la geografía alternativa de nuestro país: La Lata de Bombillas, la Sala López, el Fotomatón, el Zaragoza Feliz Feliz, la Siroco, el Azkena Bilbo, la Meteoro, el Dabadaba, Ca Revolta, el Café La Palma, Deustu Gaztetxea, el Popfest, Sound Isidro, el Sexy Fest que organiza Arrebato, el FIZ, el Truenorayo... Sala a la sala, desde las asocis y los locales autogestionados, a la antigua, están regando su proyecto y viendo cómo crece... Y claro, se van notando los resultados. Su “pop de amigas”, como ellas mismas lo definen, gana rugosidad en un segundo EP, Era más barato llorar, que estrenan a finales de octubre y que las termina de alinear en una nueva escena de guitarras nacional Y eso con Las que unca an como Petunias, Ginebras, shego o nMelenas tes habían grandes abanderadas. A Marta, Luna, aparInés ecido p or en y Claudia -no, ninguna se llama Marina-, aquí. cualquier caso, no les asusta que sus rasgeos a veces suenen a Pignoise o a El Canto del Loco, ni mucho menos que digan de ellas que hacen pop-rock. A mucha honra. Las mañas van a seguir gozándoselo en la carretera, mientras hacen con poco lo que siempre han querido escuchar en la radio.

FOTO: ADRI G. LORENZO

MARINA DOMÍNGUEZ

Son lla ohm “reyes insect hay

DESCUBRE NAUSICAA

Y toda vía es rec iente... habrá mudado esta m ism mañana a a amanec l er.

¡Es maravil Nunca h loso abía vis un cap ara de ohm zó va y ente cío ro...

Qué bie n suena.

¡La obra maestra del icónico Hayao Miyazaki! 23

n dent eadas d e m, los s de lo s tos”, n o duda.

EN SU EDICIÓN MÁS ESPECTACULAR

LAS NUEBAS

De amor y de muerte hablan las canciones de este dúo -extrañamente humano, cotidianamente alienígena- que lleva desde 2023 apropiándose del pop en sus propios términos. Formado en Barcelona por la catalana Blanc Nua y la brasileña Rikamichie, sus influencias recogen la orgánica electrónica de las utopías virtuales y cristalizan en una propuesta musical etérea, abstracta y alucinada que conecta con Rebe o con Somadamantina (con la que, por cierto, han colaborado) pero también con el pop de conservatorio danés, con Smerz o Molina, flautas y maquinitas mediante. Este verano han publicado su tercer álbum, Inés decía que, en el que lo feérico de CAT POP (2024) se desplaza hacia sonidos submarinos herederos de la IDM y el UK Bass, mientras evoca un auditorio vacío más que un bosque encantado. Tras actuar en plazas alternativas (La Fabra de Barcelona o el Réplika Teatro de Madrid), y de aparecer en ferias internacionales como MIL Lisboa o el Mercat de Música Viva de Vic, siguen buscando oportunidades para practicar sus rituales allá donde haya gente dispuesta a comulgar.

FOTO: XAVI TORRENT @MERCAT DE VIC

DAMORIDEMORT

Unrayodecine 25

#DestellosFICX

LOS NUEBOS

BALIZA

A lo mejor este verano, entre la euforia mundialista, te has cruzado en internet con la historia de Baliza. El barcelonés Gon Massey y el coruñés Anxo Silveira se conocieron en Dublín, ciudad a la que llegaron en busca de un horizonte vital menos precario, y empezaron a tocar juntos en la calle canciones de su infancia que nada tienen que ver con Irlanda: Fito y Fitipaldis, Estopa, Extremoduro, Pereza, Melendi, El Canto del Loco. Lo que empezó como una forma de ganarse dignamente la vida con la música, un deseo que ambos compartían desde siempre, terminó amplificándose hasta convertirse en fenómeno viral local, y el dúo acabó asentándose con una socorrida residencia en uno de los garitos más míticos de la capital, el Whelan’s. El eco llegó de vuelta a España, giraron por aquí, por allí, y grabaron un disco con canciones propias -Hasta que la calle nos separe (2025); en castellano, claro- para dar conciertos que ya no fueran solo de versiones; la cosa iba en serio, iban a tomarse un descanso para cargar las pilas... Pero la Selección Española de Fútbol llegó a la semifinal del Mundial y decidieron convertirse en anfitriones de la fiesta que estaba por venir. Que ganáramos la Copa no hizo sino revolucionar aún más la historia, que saltó de los feeds de Instagram y TikTok a los telediarios. En breve, aprovechando la tracción, publicarán una nueva referencia. Y la historia se seguirá escribiendo sola.

¿QUÉ ES LA MÚSICA EN DIRECTO? En pleno 2026, no es una pregunta fácil de responder. ¿Qué define la música en vivo? ¿Exige -como mínimo- un ser humano produciendo unos sonidos al mismo tiempo que una audiencia los escucha? ¿Qué papel juega la tecnología? ¿Hasta dónde puede evolucionar la música en directo? ¿Qué es lo indispensable? ¿Qué podemos y qué no podemos aceptar? Históricamente, cuando una canción ha sido grabada ya no ha podido cambiar nunca más. En cambio, cuando se ejecutaba en directo, nunca era la misma. El sonido, el público, los músicos, el espacio, la instrumentación… Todos estos elementos han hecho que la música en vivo se llamara así, precisamente, porque era viva, con capacidad de sorprender, de cambiar, de improvisar. Pero la tecnología ha revolucionado la manera en que se piensan y se ejecutan los conciertos en directo. La cantidad de herramientas que los músicos tienen a su alcance para mejorar la ejecución y reducir la capacidad de errores es inmensa. La claqueta, los samplers, las bases, el playback. ¿Cada vez veremos menos músicos sobre el escenario? ¿Se está priorizando la escena y el espectáculo por encima de la ejecución de un conjunto de instrumentos sobre un escenario? ¿Un concierto sin músicos sobre el escenario puede ser música en directo? ¿Se está priorizando “la experiencia”? Si un concierto te ha emocionado pero ningún elemento ha sido tocado en directo, ¿el músico ha cumplido el objetivo? La música es una gran fuente de emociones, de pensamientos, de entretenimiento, de comunión, de exaltación de los sentidos. ¿Hay que ser puristas? ¿Hay que ser exigentes? ¿Hay que ser flexibles? Desde el Mercat de Música Viva de Vic hemos apostado este año para hacernos estas preguntas porque creemos que, lo que seguro que hace falta, es reflexionar sobre ello.

FOTO: JORGE CALATAYUD

POR: JOAN RIAL Mercat de Música Viva de Vic

NOBEDADES

CONTEMPORÁNEA CONDEDUQUE 26/27

MÚSICA

EL CENTRO CULTURAL MADRILEÑO ARRANCA UN NUEVO CURSO PLANTEANDO SUBTERFUGIOS CULTURALES CON LOS QUE HACER FRENTE -DESDE LA REFLEXIÓN, LA CONVERSACIÓN O LA CONTEMPLACIÓN- A LA BARBARIE Y EL SINSENTIDO DEL MUNDO CONTEMPORÁNEO. OS DESCUBRIMOS ALGUNAS PROPUESTAS, Y LA GRAN PREGUNTA COMÚN: ¿AÚN PODEMOS AMAR?

ARTES VISUALES La Sala de Bóvedas acogerá, del 18 de noviembre de 2026 al 31 de enero de 2027, la instalación de Juan López, Las frecuencias altas. Entre la hauntología, el lowercase y el micromontage, en este trabajo plantea una forma puramente física de habitar el espacio desde sus resonancias sonoras. La arquitectura habla.

Carmen Villain, “Memoria”

DJ Plead, “Please”

Juan López, “Las frecuencias altas”

PANTALLAS + CULTURA EXPANDIDA

Gala i Ovidio “Un final que parece un principio”

TEATRO / DANZA

Sarah Ardite, de Músicas Sospechosas, y Niño de Elche llevan el deep listening al flamenco en Escucha jonda, una invitación a escuchar desde otros lugares. Además, Suzanne Treister, pionera del arte digital, conversa (16 dic) con Rafa Barber Cortell sobre los caminos que conectan el videojuego, el cómic y el tarot con el arte contemporáneo, y sobre cómo esos lenguajes se cruzan y transforman.

Niño de Elche, Sarah Ardite “Escucha Jonda” (4 nov) Clara Furey “Unarmoured” (28-29 oct)

Andrea Jiménez “Contra Antígona” (26 nov-5 dic)

Alberto Cortés “El corazón de Ester” (20-22 nov)

La canadiense Clara Furey estrena en Madrid Unarmoured (28-29 oct), investigación dancística sobre el agua. Además, en este último trimestre del año recomendamos algunas obras del 44º Festival de Otoño, propuestas que buscan la interacción con el público, que desafían textos clásicos, que plantean reconciliarse con el origen y el propio pasado...

Anacarsis Ramos/Pornotráfico “Mi madre y el dinero” (17-18 nov)

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Gala i Ovidio son Aida Tarrío de Tantxugueiras y Raül Refree, y juntos presentan el 9 de octubre el fruto musical de su colaboración. También, la música electrónica y experimental toma el auditorio en la nueva edición de Soundset Series: Carmen Villain y More Eaze presentarán en programa doble sus últimos trabajos, el 16 de octubre; y el australiano Jarred Beeler, aka DJ Plead, acudirá en esta ocasión única con su formato live (30 oct).

donde se cRuzAn los caminos

NUEVO DISCO SEÑALES BRUTALES YA DISPONIBLE

NOBEDADES

FOTO: SERGIO ALBERT / FUNDACIÓN SGAE

TEATRO EN LA BERLANGA La Sala Berlanga de Madrid inaugura su temporada escénica de otoño con una nueva edición de la tradicional muestra de dramaturgia contemporánea de la Fundación SGAE. Incluye lecturas teatralizadas de los Premios SGAE de Autoría 2025 y fragmentos de los textos del 13º Laboratorio de Escritura Teatral, además del estreno de ‘Tu hija’, de Victoria Szpunberg.

• Martes 6 de octubre. / 19:30 Teatro en la Berlanga arranca con las lecturas de extractos de los seis textos que conformaron el 13º Laboratorio de Escritura Teatral de la Fundación SGAE: El volador de hojas, de Blanca Doménech Casares; Los prescindibles. Profecía científica para un planeta en llamas, de Itxaso Larrinaga; Mi proceso lento de amarte, de Guadalupe Sáez Moreno; Yo soy María, de Nani de Julián; Los espectAdores, de Ion Iraizoz; y El síndrome del norte, de Markos Goikolea Unzalu.

FOTO: ASIER CORERA

• Miércoles 7 de octubre / 19:30 Estreno en formato de lectura teatralizada de Tu hija, obra inédita de la dramaturga catalana Victoria Spunzberg, ganadora del Premio Max a la Mejor autoría teatral 2025.

ANA GARCÍA PEÑA El trabajo de esta dramaturga vizcaína atraviesa muchas dimensiones psicoemocionales, relacionadas con su formación en yoga, meditación, salud hormonal, sexual y emocional o ginecología natural. La aldea vacía, obra con la que se alzó con el Premio SGAE de Teatro Ana Diosdado al mejor texto escrito por una mujer en 2025, reflexiona desde estas y otras ideas sobre el abandono rural como abandono de nosotros mismos. Ella misma se pondrá al frente de un reparto coral formado por Nerea Elizalde, Ana García Peña, Miren Gaztañaga, Denis Martínez, Ana Otsoa San Juan y Arnatz Puertas.

• Martes 27 de octubre / 19:30 Lectura teatralizada de Memoria de una ficción, de Félix Estaire, ganadora del 19º Certamen Leopoldo Alas Mínguez (Premio LAM 2025) para textos LGTBIAQ+. • Martes 3 de noviembre / 19:30 Lectura teatralizada de Solarpunk de Ruth Rubio, ganadora del 34º Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela 2025. • Martes 10 de noviembre / 19:30 Lectura teatralizada de La aldea vacía, de Ana García Peña, ganadora del 7º Premio SGAE de Teatro Ana Diosdado 2025. * Encuentro con el público al finalizar cada lectura.

FOTO: CRISTINA MARTÍN QUINTERO

AGENDA

RUTH RUBIO La dramaturga ovetense mostrará en Teatro en la Berlanga la obra con la que conquistó en 2025 el 34º Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela, con el que la Fundación SGAE reconoce al mejor texto teatral del año: Solarpunk. Escenificada ya en una versión reducida en la Sala Cuarta Pared de Madrid, es realmente una epopeya hope-punk en la que la imaginación se convierte en un arma única para salvar el mundo, pues solo desde ella se puede cambiar la acción, y que invita a “sentir la esperanza como deber, no solo como deseo”. Mario Hernández dirige la lectura, interpretada por Natalia Cobos Chapman, José Fernández, Pilar Gómez y Sara Mata.

Sigue el QR y profundiza aún más en la programación de Teatro en la Berlanga, que incluye también textos latinoamericanos.

X EL MUNDO

PARÍS Es octubre y París huele a croissant, a lluvia, a perfume caro. El otoño intensifica sus clichés, pero hasta lo de enamorarse vuelve a tener sentido allí, si hay arte, moda, música y noches tan largas como las colas del Louvre. ¿Te apuntas? Los nenúfares de Monet en la Orangerie conectan con los murales callejeros de Seth, Obey, C215, BOM-K, Cryptik (hay 50) en el distrito 13, y con las propuestas de Les Frigos o de 59 Rivoli. Palais de Tokyo inaugura temporada el 21 oct.

TEMPERATURA OCTUBRE: Max: 17°C Min: 10°C

FESTIS Y EVENTOS

En Le Marais, el espacio 3537 es punto caliente durante la semana de la moda (2-5 oct). JILL es diseño y cultura joven, coincidiendo con la ventana de Fashion Week. Emergence (Grand Palais, 23-25 oct) se ocupa de artistas nueBos durante la feria Art Basel Paris. Creación asiática híbrida, en la Casa de la Moneda (20-24 oct).

FOTO: KEN OHARA

MaMA Music llena salas y clubs de Pigalle/Montmartre con 150 conciertos (14-16 oct). Más esperados son los de LE SSERAFIM (Accor Arena, 21 oct) o Young Thug (24, Adidas Arena). Los videojuegos tienen su salón (22-25 oct) en Parc des Expositions. Y el OFFSCREEN (20-25 oct) reúne a amantes de la fotografía experimental.

Escanea y encuentra esa información práctica que París ofrece a los turistas para visitar la ciudad.

Comer: En Canal SaintMartin hay que conocer Early June. En Bambino, el listening bar del 11.º, cenas y escuchas vinilos a la vez. Taco y cocktail, en Candelaria (Marais). Vino + helado, en Folderol.

Dormir: El club donde trasnochó medio París renace convertido en hotel: Bus Palladium tiene 35 habitaciones musicales. Para dormir sobre el Sena, busca So/Paris. Y no dejes de subir a su bar de cristal.

Salir: Marca en fosforito La Station (Gare des mines), un laboratorio musical alternativo. La escena emergente parisina pasa por Badaboum (Bastilla). El icónico Rex Club abre hasta las 7 am.

Compras: Por las Pulgas de Saint-Ouen pasaron Edith Piaf o Zendaya, es el rastro más grande y antiguo. Pasear por la Avenue Montaigne exige parada ante el escaparate de Dior. Una maravilla.

GUÍA PRACTICA

NOBEDADES

RAY-BAN x Jennie Convertida ya en uno de los rostros más demandados para las marcas occidentales, este verano Jennie se dejó ver, además de en la edición 2026 del festival Mad Cood, en las calles y paradas de metro de toda España como imagen de Ray-Ban. The rebirth of cool, como titulaba aquella fantástica serie de discos de acid jazz de los noventa...

SHE MAKES NOISE x TAIWAN El selecto minifestival regresa con una edición especial dedicada a la vibrante escena electrónica de Taiwán y tres nombres propios: los directos de Sabiwa, scintii y Sonia Calico. Ediciones en Madrid (sábado 3 de octubre en Réplika Teatro) y Barcelona (viernes 9 en Paral·lel 62), ambas a partir de las 20h.

WURLI 20º ANIVERSARIO

Madrid no se entiende sin la Wurlitzer Ballroom ("la Wurli" para los amigos), una de las catedrales mundiales del punk-rock y lugar de refugio y peregrinaje los 365 días del año. El caso es que la Wurli ha cumplido 20 años y por allí ha pasado lo mejor de cada casa a celebrarlo: Biznaga, Mujeres, Yawners, Parquesvr, Depresión Sonora, Los Punsetes y mil más. Gracias Elena, Álvaro y al resto del equipo por tanto.

FOTOS: ALVARO MIINGUITO

NOBEDADES

INVITADOS INTERNACIONALES

MERCADO INTERNACIONAL DE LA MÚSICA El Movistar Arena de Madrid se convierte en el epicentro de la industria musical global los días 19, 20 y 21 de octubre, reuniendo a profesionales, artistas y actores clave en busca de conexiones reales, oportunidades y nuevos horizontes internacionales.

ESPACIOS DE NETWORKING

El Movistar Arena se despliega en todo su esplendor ofreciendo no solo espacios para actuaciones, conferencias y mesas redondas; también zonas más distendidas pensadas para conversaciones espontáneas y speed meetings, o simplemente para relajarse un rato.

SHOWCASES Radar Madrid también es un escenario excepcional para que artistas españoles muestren su trabajo como mejor saben hacer: cantando y tocando. Durante los tres días de feria, casi cuatro decenas de músicos pondrán la banda sonora en salas de Madrid.

Más de cien profesionales del sector musical de todo el mundo se dan cita en Radar Madrid, representando a actores como MIL Lisboa, Sky TV, Lollapalooza, Secretly Group, Coachella, Glastonbury, Fuji Rock, Spotify, Nettwerk o Montreux Jazz Festival.

OPORTUNIDADES DE NEGOCIO

Supervisores musicales, mánagers, A&R, directores y programadores de festivales, agentes de prensa y booking, abogados especializados, expertos en marketing... Personas, en definitva, dispuestas a escuchar lo que haces.

Sigue el QR para descubrir todos los participantes de RADAR MADRID, conseguir entradas, consultar horarios...

Aunque opera desde Francia, Meryl nació en Martinica, y sigue representando sus raíces allá por donde va, mezclando el francés con el criollo y conectando los sonidos europeos del pop urbano con el dancehall y otros ritmos antillanos. Ha colaborado con Theodora, alto nivel, y este 2026 ha sucedido al exitoso La dame (2025) con un EP mucho más pistero y experimental -Woulo Volume 1- que le saca todo el partido a sus soundsystems a base de bouyon, shatta, bounce... Tiene su propio sello, Maison Caviar.

Martinica

Meryl

Galardonados a principios de este año con el Premio Pulsar a mejor nuevo artista, el sexteto chileno, formado en Santiago en 2022, le está disputando a Candelabro el puesto de gran sensación guitarrera del hemisferio austral. Su segundo álbum, el reciente Morir saltando, es uno de los mejores discos del año: sin dejar de ser ruidosos, post-rockeros y hasta proggies, ahora se formulan también con la angularidad del art-punk.

Chile

Hesse Kassel

Seguimos las pistas de la diáspora y nos movemos, en general, por latitudes bajas, tanto en lo sonoro como en lo puramente geográfico. Mucho rap, mucho bounce, mucha electrónica... y también algo de ruido y revolución.

“Los gringos piensan que la música es buena porque no saben muy bien lo que está pasando exactamente. Así que interpretan el funk como experimental... Yo no hago necesariamente baile funk. Tampoco techno estrictamente: sampleamos techno pero con acapellas de funk. Es un Frankenstein musical. No tengo otra forma de describirlo”, ha dicho el productor brasileño. Nosotros tampoco. Solo añadimos que se ha convertido en el líder de una loquísima escena de mash-ups en Brasil crónicamente online.

Brasil

Marcelinho Metebala

No es todo baile funk en Brasil aunque lo parezca, y aunque sus fórmulas polirrítmicas, su delivery agresivo y su locura botonera se cuelen siempre porque están en el ADN. MC Jvila (pronunciado Jotavila) traduce los lenguajes de Brasil, el pop rap del funk ostentaçao paulista, al ecosistema caribeño, coqueteando con ritmos de dembow, afrobeats... Acaba de sacar su primer disco, Já virei lenda aqui.

Brasil

MC Jvila

De origen senegalés y nacido en el distrito 19 de París, Seny Bengaly estuvo cumpliendo condena en prisión dos años, hasta 2025. Mientras estaba preso vio como sus freestyles conquistaban las calles de Francia y, ni un año después de salir, firmó con Atlantic para publicar, esta primavera, su primer disco, Numéro d'écrou. Han pasado solo unos meses, pero ya podemos decir que estamos ante el rapero más grande del país galo.

Francia

La Rvfleuze

Si cogieras a Young Fathers o a uno de esos grupos de rap ingleses con intereses punk-guitarreros, los pasaras por el filtro eléctrico de TV On The Radio o de Bloc Party, y los fusionaras después con el nervio inclasificable de Avalanche Kaito, quizá te saldría algo parecido a lo que hace Paul Adamah al frente de Boko Yout. Él lo llama afro-grunge y se lo compramos. Te va a encantar.

Suecia

Boko Yout

POR: ANNA PÉREZ

FOTOS: GRANT THOMAS

PUREZA, REALIDAD, INTUICIÓN... SON PALABRAS QUE MUCHAS VECES ACABAN VACÍAS DE SIGNIFICADO CUANDO HABLAMOS DE SUPERESTRELLAS DEL POP. NO ES EL CASO DE ANGÈLE. CINCO AÑOS DESPUÉS DE SU ÚLTIMO TRABAJO, LA ARTISTA BELGA SE LANZA AL ELECTROPOP CON ‘INSTINCT’, UN DISCO QUE ES FRUTO DE CONFIAR DE NUEVO EN SUS PROPIOS PÁLPITOS. HABLAMOS CON ELLA.

“Lo siento papá, la música no me gusta tanto como a ti. Me encanta el piano, lo amo, pero nunca será mi trabajo”, escribía Angèle en su diario de adolescente. Hija del cantante belga Marka y de la actriz Laurence Bibot, creció rodeada de música y escenarios, pero durante años se resistió a imaginarse dentro de ese mundo. Al final, sus propios instintos la llevaron por el camino del que llevaba años intentando escapar. Ahora, a los 30, la artista belga publica Instinct, su tercer álbum, después de una gira que la dejó física y mentalmente agotada y de un largo periodo dedicado a volver a crear sin pensar en el resultado. El título resume buena parte del proceso. “Es un álbum que habla principalmente de libertad y de conectar realmente contigo misma”. También es, dice, un recordatorio: “No siempre estoy conectada con mis instintos. Al llamar al álbum Instinct, era como si quisiera asegurarme de no olvidar lo importante que es para mí escuchar mi voz interior. Asegurarme siempre de que, en el fondo, estoy haciendo algo que encaja conmigo y que es lo correcto para mí”. La Angèle que habla ahora es también distinta de la que aparecía en el documental homónimo que retrató su vida entre el éxito abrumador de su primer álbum, Brol (2018), y la creación de Nonante-Cinq (2021). Allí se mostraba especialmente abierta sobre sus dudas y el impacto de haberse convertido en una estrella prácticamente de la noche a la mañana. “El objetivo de ese documental, supongo, era entrar en la vida de alguien que se había hecho muy famosa y ver cómo le afectaba. Pero eso fue hace casi cinco años, y no es ni siquiera que no quiera hablar de mi vida de la misma manera, sino que ya no veo mi vida como la veía entonces. Y cuando veo todo aquello, pienso que estoy muy agradecida de haber podido hacerlo, pero también estoy muy agradecida de no estar ya allí. Ahora tengo 30 años”. Esa evolución atraviesa las canciones de Instinct. En Dis-le, la artista anima a expresar aquello que sentimos y queremos; en Une seule vie, en cambio, aparece la duda y repite casi como un hilo conductor: “No sé qué quiero, no sé qué quiero”. La respuesta de la contradicción es que el álbum ha tardado cerca de dos años y medio en tomar forma y reúne canciones escritas desde sus veintitantos hasta la actualidad. “En esos años, lo único que se ha mantenido constante es que sigo preguntándome qué quiero. Me parece bonito y emocionante estar tan abierta a las dudas, especialmente siendo una artista pop que parece saber siempre exactamente lo que está haciendo. Y no. A veces también tengo dudas… En realidad, muchas veces, pero al final la respuesta siempre es el instinto”. La intuición también la ha llevado hacia un sonido más electrónico que no ha sido premeditado. “Cuando empecé el álbum simplemente no tenía ninguna expectativa más allá de pasármelo bien. Necesitaba crear por lo que la creación iba a hacerme sentir, más que crear con el

propósito de conseguir algo”, explica. Desde ese lugar se permitió llevar las ideas “tan lejos como fuera posible”, y abrirse a la electrónica. “Es un género musical con el que he crecido y nunca me había permitido realmente ir en esa dirección”. Pasó seis meses sola produciendo, escribiendo y componiendo, y más tarde se sumó Tristan Salvati, su coproductor y amigo. “Creo que lo que tenemos juntos es muy especial y diferente”, explica. Desde ahí fueron dando forma al equipo del álbum, combinando colaboraciones con artistas como Justice, SebastiAn, Caroline Polachek y Soulwax con el trabajo de productores como Oscar Holter (aliado de Max Martin y productor de, entre otros, The Weeknd) y Oscar Scheller (Lily Allen, PinkPantheress, Kelela), dos nombres vinculados al pop y la electrónica. “Todas estas personas son artistas de los que soy fan. Simplemente, pregunté”, cuenta. Su acercamiento a la escena french touch (el movimiento de música electrónica francesa que surgió en los años 90 y que convirtió el house y el funk en una de las señas de identidad del país con Daft Punk o Justice a la cabeza) fue creciendo a través de artistas que admiraba y con los que

“SIENDO UNA ARTISTA POP, PARECE QUE SIEMPRE SABES EXACTAMENTE LO QUE ESTÁS HACIENDO... Y NO”

Sin renunciar nunca a su francité, la artista belga ha sabido dar pocos pero poderosos e inteligentes pasos en el circo del pop global. Repasamos algunos de los más importantes en este camino tan innegociablemente propio hasta el estrellato.

‘Fever’, con Dua Lipa En 2020, Angèle colaboró con Dua Lipa en Fever, un éxito que ayudó a catapultarla fuera del mundo francófono. La canción, incluida en Future Nostalgia, llegó al número uno en Francia y Bélgica y entró en las listas de Reino Unido y Estados Unidos. Además, la belga acompañó a Dua Lipa como telonera en dos conciertos de su gira en Londres.

Debut cinematográfico de la mano de Leos Carax En 2021, Angèle dio el salto al cine con Annette, el musical de Leos Carax protagonizado por Adam Driver y Marion Cotillard, donde forma parte del coro y , además, ayuda en la parte vocal. La película inauguró el Festival de Cannes de ese año, donde Carax se alzó con el premio a Mejor Dirección.

En el Primavera Sound de 2022

En la ceremonia de clausura de París 2024, Angèle compartió escenario con Phoenix y Kavinsky para interpretar una versión de Nightcall. Antes de salir, tuvieron un problema técnico y los nervios hicieron aparición. “Estábamos hablando justo antes de salir al escenario, como: ‘¿Estás bien?’”. Frente a un estadio enorme, recuerda, “fue un momento muy verdadero y humano. Ninguno de nosotros se dio realmente cuenta de lo que estaba pasando, y eso es lo que lo hace tan mágico”, cuenta.

Con Justice en la ola sintética La colaboración surgió después de que se acercara al dúo francés tras uno de sus conciertos en Bruselas y les invitara al estudio. Entre las canciones que les enseñó estaba What You Want, un tema que había escrito pero cuya producción no terminaba de convencerla. “Pensé que Justice podían aportar su experiencia en música electroclub y la tensión que faltaba”, explicó a Vogue Francia. Y en cierto sentido terminó marcando el camino del disco.

‘Nightcall’ en los Juegos Olímpicos de París 2024

Angèle recuerda especialmente su concierto en el Primavera Sound, que fue la primera vez que actuó en España. “Fue una actuación muy importante para mí. He pasado todas mis vacaciones en España y todavía voy mucho… De hecho, estoy pensando en empezar a aprender español”. Ahora, con una gira internacional que será la más grande de su carrera, actuará en el Sant Jordi Club y asegura que está deseando volver: “Me siento muy conectada con España y espero poder volver más”.

“NO ENTIENDO ESPAÑOL, PERO ME ENCANTA AMAIA. VEO SU ALMA A TRAVÉS DE SUS CANCIONES”

ya había trabajado. Así llegó SebastiAn. Con Caroline Polachek ocurrió algo parecido: Angèle la había conocido años antes en Nueva York y ya era una gran admiradora suya. “Estaba en mi lista de las cinco personas con las que quería trabajar y simplemente me puse en contacto con ella y dijo que sí… Ha sido un viaje muy divertido porque, en su mayoría, he recibido respuestas afirmativas”, dice entre risas. Otra de las colaboraciones que recuerda con especial cariño es la que compartió con Kavinsky. Su muerte fue “un shock enorme” para Angèle. Y su relación con él quedó inevitablemente ligada a Nightcall, una canción que, mucho antes de compartir escenario junto a Phoenix en los Juegos Olímpicos de París, había marcado su adolescencia: “La escuchaba cuando tenía 16, 17, 18 años, y poder cantarla unos diez años después en los Juegos Olímpicos fue muy bonito y fuerte. Siento que él ha sido casi como un ángel para mí porque simplemente apareció en mi vida y ocurrió aquello, y su canción tuvo una segunda vida. Ese momento siempre será importante para

mí y nunca olvidaré todo lo que me permitió hacer”, explica. Llegar más allá del público francófono no es algo que Angèle dé por hecho. “Creo que es todo menos natural”, admite. El francés, dice, “es un idioma precioso, pero definitivamente no es tan poderoso como el inglés o incluso el español”. Aun así, esa barrera le gusta. “Me encanta que sea casi algo de nicho para cualquiera que no hable francés que escuche música en francés”. Aunque le interesa jugar con una mezcla de inglés y francés, no quiere adaptar su música a mercados concretos. “Solo quiero mantenerlo como está y ver a dónde me lleva”. Ella misma escucha música en idiomas que no entiende. “Es una buena pregunta por qué mi música funciona fuera… creo que tiene que ser buena. Yo no entiendo español, pero soy muy fan de Amaia. Veo su alma a través de su música y veo mucha de su personalidad sin saber lo que está diciendo”. También menciona a Alizz, Judeline o Rosalía en su playlist española. Le pregunto entonces por el reciente éxito de artistas europeas como Adéla, Zara Larsson o Rosalía fuera de sus países y por si se ve formando parte de ese fenómeno. “No puedo decir que sí por ahora porque el álbum acaba de salir y sigo pensando que la música francesa lo tiene más difícil para entrar realmente en las listas internacionales”. Aunque le entusiasma ver a estas artistas triunfar fuera de sus fronteras. “No diría que no, pero no estoy esforzándome especialmente por conseguirlo porque no es realmente lo que quiero para mí. Lo que quiero es poder actuar y hacer el arte que me gusta”. Para Angèle, hablar de feminismo, política o cuestiones sociales también ha salido solo. “No sé si los artistas deberían o no deberían hacerlo. Solo sé que yo lo he hecho tanto como he podido porque sentía que tenía la oportunidad de hablar, de ser escuchada”. Después del #MeToo, escribió Balance ton quoi, que terminó convirtiéndose en un himno feminista, aunque asegura que nunca pensó en hacer una canción política, “simplemente estaba hablando de algo que era muy verdadero y real para mí. Lo que escribes en tus canciones es político, es la manera en la que mejor puedo hacerlo”, explica. Ahora tiene por delante la gira más grande de su carrera, con la que volverá a Barcelona en abril de 2027. Será la primera oportunidad de llevar Instinct a los escenarios y comprobar hasta dónde llega un disco nacido sin demasiados planes. Lo demás, dice, tiene algo de “magia”. “No puedes realmente controlar el éxito. Nunca ocurre cuando quieres. Siempre le ocurre a una canción o a un clip que nunca te habías imaginado”.

INSTINCT (SONY, 2026) Instinct (Intro) / Dis-le / Au revoir / Une seule vie / Trop / On verra / What You Want / Je compte / F4ck 4ever / Tout décider / Je sais / Love Trinagle / NYC Blues CD / DIGITAL / LP

Yera & Lalo Ebratt

Nuevo single

"BABY PINGO"

Nuevo single

YA DISPONIBLE

Lil Mess

"Pa Querernos Mejor" YA DISPONIBLE

MAR Mar Pujol PUJOL POR: MARTA ESPAÑA POR: MARTA ESPAÑA

FOTOS: XAVI SOUTO FOTOS: XAVI SOUTO

MAR PUJOL HIZO UN PRIMER DISCO SOBRE LA DESPENSA DE SUMAR CASA Y LASHIZO COSAS OCURREN OCURRE DE PUJOL UN QUE PRIMER DISCO CUANDO SOBRE LANO DESPENSA NADA. ENCASA ‘D'AQUESTA AIGUAQUE NO EN BEURÉ’, QUE PUBLICA HIDDEN SU Y LAS COSAS OCURREN CUANDO NO OCURRE TRACK, A BUSCAR LAS HECHAS QUE USABAN NADA.SE ENLANZA ‘D'AQUESTA AIGUA NOFRASES EN BEURÉ’, QUE PUBLICA HIDDEN LAS ABUELAS PARA DESMONTARLAS POR DENTRO, DE PASO, TRACK, SE LANZA A BUSCAR LAS FRASES HECHASY,QUE USABAN MIRAR SU PROPIA VIDA PARA DESCUBRIR QUÉ LAS A ABUELAS PARA DESMONTARLAS PORHASTA DENTRO, Y,PUNTO DE PASO, SE MIRAR PARECEAASU LAPROPIA NORMAVIDA DE LA QUEDESCUBRIR CREÍA HABERSE DESVIADO. PARA HASTA QUÉ PUNTO SE PARECE A LA NORMA DE LA QUE CREÍA HABERSE DESVIADO.

“LA “LA VOZ VOZ DEDE LAS LAS ABUELAS ABUELAS ESES ALGO ALGO QUE QUE TETE HACE HACE TOCAR TOCAR TIERRA; TIERRA; TIENE TIENE MUCHA MUCHA SABIDURÍA SABIDURÍA ANTIGUA” ANTIGUA”

Nunca digas 'de este agua no beberé'. El refrán avisa de que las convicciones se mueven y la vida termina por llevarte al lado del que decías estar en contra. Mar Pujol vive en Sant Quirze de Besora, a la orilla del Ter, en una comarca de robles, y de ese refrán se quedó solo con la mitad, la que suena firme: así se llama el disco que publica en octubre, D'aquesta aigua no en beuré, su segundo álbum tras el revelador Cançons de rebost (“Canciones de despensa”; 2024). La otra mitad titula una de las canciones, No diguis mai (“No digas nunca”). “Lo primero que me vino a la cabeza fue la frase, pero solo la última parte. Y estuve un tiempo pensando: ‘¿Qué quiere decir esto? ¿Por qué se ha presentado en mi vida esta frase?’”. Lo que ese refrán vino a nombrar fueron los dos años transcurridos desde entonces. “Estos dos años han sido de mucha contradicción como artista y como persona. Puedes pensar que crees en algo en el presente, y que es necesario tomarlo como verdad absoluta, aunque al mismo tiempo pienso que las verdades absolutas no existen. Es esa contradicción todo el rato: necesitar agarrarte a algo que se parezca a una raíz, pero a la vez saber que en cualquier momento puede cambiar y tendrás que soltarla”. El ejemplo más concreto está en la distancia entre la vida que imaginaba y la actual, después de años vinculada a ateneos populares y redes de economía autogestionada del Lluçanès. “Sobre todo con ver lo normativa que puede llegar a ser mi vida. Yo me situaba en otro sitio, como de ser muy alternativa. Pero estoy viviendo con mi pareja, en una relación estable, pensando en tener hijos... Se me ocurren pocas cosas más normativas, y he aprendido que está bien escucharse también. Es verdad, estoy acatando estas normas sociales, pero al mismo tiempo las tengo interiorizadas y participo de ellas”. Para aliviar esas dudas, Pujol se plantea volver a la raíz; y dicha raíz la encuentra, como buena cantautora, en su lengua. Así, las canciones están hechas con refranes catalanes tomados al pie de la letra: En un got d'aigua jo m'ofegaria (“En un vaso de agua yo me ahoga-

ría”), En una bassa d'oli suraria (“En una balsa de aceite flotaría”), He perdut el nord (“He perdido el norte”), Fer volar coloms (“Hacer volar palomas”, o sea: hacerse ilusiones), He posat més llenya al foc (“He echado más leña al fuego”), He remat contra corrent (“He remado contra corriente”)... Junto a las reales aparecen otras que suenan igual y que no existen en ningún refranero, fabricadas con el mismo molde: Qui no s'apropa no pot tocar, qui no s'allunya no hi veu mai clar (“Quien no se acerca no puede tocar, quien no se aleja nunca lo ve claro”). “Para mí, la voz de las abuelas es algo que te hace tocar tierra, estos consejos que tienen una sabiduría antigua dentro, de muchos años de aprender algo, y que se resumen en una frase. Me gusta tomar esos refranes, pero a la vez vamos a relativizarlos también, pueden dejar de tener sentido en cualquier momento”, afirma. Esa vuelta a las raíces se mide también en tiempo: hacer las cosas despacio y con cariño, lo mismo da que sea un huerto, una conserva o una canción. “Creo que con la misma receta que cocino, también compongo. Y no solo la receta en sí, sino la energía que pones para hacerla, que en este caso es una energía lenta y hacia adentro. No necesito muchas cosas, y con la música me pasa un poco lo mismo”. Los tres ingredientes del disco son su guitarra, su voz y el violonchelo de Bruna González. Ambas se conocieron porque Pujol era oyente de su grupo, Faneka, descubrió que vivía cerca de su pueblo y coincidió con ella en un mercadillo donde la violonchelista vendía las velas que fabrica. De ahí salió una colaboración en el primer disco y tres años de directo juntas: comercio de proximidad. “Fue una unión de esas que dices... Como cuando encuentras el amor. Es una unión brutal, y esto es muy difícil de encontrar”. O no, porque ella lo encontró, como quien dice, a la vuelta de la esquina; hay que salir más de casa. El huerto, la conserva, la vela y la lentitud forman hoy el repertorio de imágenes de dos proyectos políticos enfrentados: una juventud que reivindica las raíces como forma de oposición a la hipervelocidad del capitalismo

CANCIÓN CANCIÓNDE DEAUTORA AUTORA

Cuatro discos de las músicas que tocan y cantan en D'aquesta aigua no en beuré, unidos discos de las músicas que y cantan en D'aquesta aigua no en beuré, porCuatro la misma costumbre de recoger lotocan heredado para contar lo propio: unidos por la misma costumbre de recoger lo heredado para contar lo propio.

FANEKA SÍLVIA PÉREZ CRUZ RITA PAYÉS, CARMEN ACIAR FANEKA SÍLVIA PÉREZ CRUZ ELISABETH RITA PAYÉS, CARMEN ACIAR Domus / 2016 ROMA Historias mías / 2023 Naranjas al mar / Naranjas al mar / Domus / 2016 ELISABETH ROMA Historias mías / 2023 2024 Imagina / 2019 Es la banda sonora El debut de la can2024 Imagina / 2019 Es la banda sonora El debut de la canTercer álbum del inde Cerca de tu casa, Madre e hija graban tautora sanjuanina, Tercer álbum del inCercade deEduard tu casa, a dúo, Madre graban grabado tautorajunto sanjuanina, la de película vozeyhija trombón al con- teresante trío de folk teresante tríoforde folk la película de Eduard a dúo, voz y trombón grabado junto al conprogresivo que Cortés sobre los frente a la guitarra trabajo de Horacio progresivo queAnika forCortés sobre frenteun a la guitarra trabajo deguitarra Horacio man Inés de Lis, desahucios quelos ella clásica, repertorio Fumero y la man Inés de Lis, con Anika desahucios que ella declásica, repertorio deFumero la guitarra y Bruna González, misma protagonizó, clásicosunbrasileJoaquíny Galván, y Brunaviolín, González, misma deJobim, clásicosChico brasile- cruza de Joaquín Galván, guitarra, viocon con piano,protagonizó, cuerdas y ños: canciones proguitarra, violín, viocon piano, cuerdas y Buarque ños: Jobim, Chico cruza ritmos de Sudaméy Heitor pias concanciones el folclorepro- lonchelo y charango, lonchelo y charango, ritmos de SudaméBuarque y Es Heitor pias con Como el folclore y letras en castellano, rica. La casa como Villa-Lobos. el mis- argentino. en y letras en castellano, La casa como el mis- el argentino. Como unrica. derecho atraviesa moVilla-Lobos. formato deEs dúo disco de Pujol, la en catalán y gallego. catalán y gallego. derecho atraviesa que moPujol formato de dúo tradición el discofunciona de Pujol, la Está dedicado a las el un álbum, el mismo comparte Está dedicado a las el álbum, el mismo que Pujol comparte tradición funciona asunto que empujó con Bruna González, como una lengua que mujeres de las genemujeres de las geneasunto que empujó y la con Bruna González, unaprimero lengua que raciones previas, esas a Mar Pujol y sus misma idea de la secomo aprende raciones previas, esas a MaraPujol y sus y la misma se aprende primero mismas abuelas cuya amigos montar una canción comoidea algode la y sirve para contar, mismas abuelas cuya amigos montarUn una que canción como algo desde y sirve contar, voz rescata Mar Pujol casa en suapueblo. se hereda y pasa lo para universal, Pujol casapor en su pueblo. Un deque hereda y pasa lo universal, envoz los rescata refranesMar de su tema, desgracia, unase generación a lasdesde historias más en los refranes de su tema, por desgracia, la de una generación a personales. las historias más nuevo álbum. muy de actualidad. otra. nuevo álbum. muy de actualidad. la otra. personales.

tecnológico alienador, esclavo de la productividad; y otra que la utiliza para retrotraerse a un mundo ultraconservador, inmovilista y sin avances sociales. El mismo tarro de mermelada puede ilustrar una red de apoyo mutuo o una propaganda conservadora. Ella tiene la distinción clara: “Para mí, volver a las raíces no significa ser retrógrada. Yo sé muy bien a qué raíces me refiero: la raíz del respeto, del amor, del valor del territorio, de la naturaleza, de la comunidad, que no tienen nada que ver con los valores tradicionales cristianos, retrógrados y cerrados”. La casa compartida en la que vivió unos años, en su pueblo, nació de otro sitio. “No supuso ninguna huida. Al revés, fue una expansión de mí misma. Estaba en la universidad, descubriendo el feminismo, el anarquismo… Todas esas cosas me rompían las estructuras que tenía hasta el momento”. Con un disco anterior premiado y tres años de gira detrás, lo previsible era girar hacia otro sonido. Mar explica que estuvo tentada de hacer justamente lo contrario. “En coña decía que quería hacer una segunda parte de Cançons de rebost. A veces me da un poco de rabia esa idea de que con cada nuevo disco debes reinventarte y hacer algo superdiferente. ¿Por qué?”. Mantiene de Cançons de rebost la

costumbre de musicar a un poeta ajeno: allí fue Flor de nit (“Flor de noche”) de Joan Josep Camacho, y aquí La mà a la mel (“La mano en la miel”) de Anna Tobías, un poema hecho de monosílabos que descubrió durante una residencia artística junto a la casa de la autora. En esas bromas internas -los monosílabos, el disco anterior entero en Re, el dibujo que en De saber no en sé se hace con un seis y un cuatro-, asoma su formación de maestra de infantil, aunque nunca llegara a dar clase. “Me dio un montón de herramientas para escucharme a mí misma y para escuchar a los demás, para leer en qué momento están los otros y poder acompañarlos desde lo que necesitan”. Un disco hecho de refranero, de palabras ajenas y de voces prestadas se abre también a otras cantantes: Rita Payés y Sílvia Pérez Cruz, que vienen de la canción que se hace aquí, y Carmen Aciar, que llega del folclore argentino. Entre las tres dejan planteado por qué esta manera de escribir, tan pegada a la palabra, se concentra en un territorio tan pequeño, y ella responde señalando los robles que tiene alrededor. “Cada sitio tiene su vegetación concreta y única, y para mí esto es traspasable a lo humano, a lo cultural: cada territorio emana un canto concreto”.

D'AQUESTA AIGUA NO EN BEURÉ (HIDDEN TRACK, 2026)

CD / DIGITAL / LP

Mitja vida/ De saber no en sé / Quilòmetres llum / Ullsclucs (amb Carmen Aciar) / La mà a la mel / No seria estrany / Moralina / He vist l amor (amb Sílvia Pérez Cruz) / No diguis mai (amb Rita Payés) / Jo sóc

POR: MIGUEL PARDO

FOTO: KASIA KIM-ZACHARKO

La artista y dj australiana habla de familia, religión y salud mental en ‘Confirmation!’, su segundo álbum de estudio. Más próximo al pop y al R&B que a la pista de baile, es el resultado de un proceso introspectivo basado en la ternura, en la empatía y en la creatividad.

Samantha Poulter es un alma inquieta. Origi- ridades. Sí, toda mi identidad y mi forma de “UTILIZO nal de Sidney, la dj y productora australiana se ser evolucionaron junto con eso”. Ello explimudó a Inglaterra poco después de empezar ca el sonido de un álbum mucho más indie, LA a despuntar artísticamente para, después, con colaboradores como Christine and The pasar seis años viviendo en Berlín mientras Queens, FAUZIA, yunè pinku o Jam City. Un FE comenzaba a formar una familia con el tam- álbum que toma aún más sentido si se pone bién músico Thomas McAlister, Big Ever, su en paralelo con su mix del año pasado, en el COMO pareja desde 2011, su marido desde 2017 y, que también encontrábamos indie, pop y R&B UNA desde siempre, su productor. No contenta con entre fases más bailables y pisteras. “Incluso con el nacimiento de Logic1000, ello, Logic1000 nos atiende desde Londres, FORMA ciudad a la que acaba de mudarse “hará unos hace tantos años, todo empezó con la mistres meses”. En la capital británica se siente ma idea. Solo quería hacer la música que me DE “alineada con la cultura de todo el mundo”. apetecía escuchar. Y creo que eso se ha man“Quería que mi hija, mi pareja y yo estuviéra- tenido hasta ahora”, cuenta Samantha. “Suena DARLE mos todos en una ciudad donde existe tanta un poco egoísta, y supongo que lo es en cierto vitalidad y creatividad, una energía magnéti- modo, porque simplemente hago música para SENTIDO ca. Es estupendo estar aquí después de seis mí misma”. Pero nada más lejos de la realidad. o siete años en Berlín, donde me sentía muy La autora de Confirmation!, a través de su fe, AL segura, muy tranquila”. La autora de uno de su música y su estilo de vida, evidencia sistelos mixes más populares de los últimos años máticamente que es una persona entregada a MUNDO, (su DJ-Kicks del curso pasado) quiere apro- los demás, dulce y atenta (nos pregunta consA vechar “el impulso y esas cosas que sientes tantemente sobre nuestra opinión), y sobre cada día para ser productivo”. Un marco vital, todo alguien que no tiene prejuicios. “No sé, VECES el suyo, copado por las responsabilidades de utilizo la fe como una forma de darle sentido la maternidad, sus bolos como selectora o al mundo, porque hay tantas cosas que son TAN su nuevo disco, el peculiar, pop y emocional incomprensibles y tan bizarras... Realmente que, sí, en cierto sentido viene el mundo es un lugar muy extraño. Y creo que INCOMPRENSIBLE Confirmation! a significar la confirmación de la artista ante los seres humanos no estamos hechos para el panorama global, pero que realmente car- asimilar y dar sentido por nosotros mismos a Y ga con implicaciones mucho más simbólicas, toda esa extrañeza que nos rodea”. Continúa explicando que cualquier otro estilo de vida, personales y profundas. BIZARRO” Samantha lleva quince años sobria. La au- incluso desde la religión, le parece estupendo. tora de EPs que nos volaron la cabeza a mediados de la década pasada no ha probado sustancias ni alcohol desde que comenzase a dedicarse a la música electrónica, en parte gracias a su fe. “Perdí la fe durante un tiempo y empecé a experimentar con otro tipo de ideas y sustancias que alteran la mente... Y, ya sabes, es como si me hubiera desviado un poco del camino. Pero siento que mi vida empezó a desmoronarse por aquella época. De verdad creo que tener fe, bueno, para mí -no necesariamente para todo el mundo, pero para mí-, la fe me sirve de guía, casi como la moral, los valores, etcétera”, comenta. Sobre salud mental, fe y autocuidados ha hablado en su podcast y en su Substack, al igual que sobre la etapa en la que recibió el diagnóstico de esquizofrenia. “Estaba justo escribiendo sobre ello antes de la llamada”, nos cuenta. Confirmation! es, en tal sentido, un disco que nos habla del sacramento de la confirmación como una etapa de reafirmación personal, tanto a nivel temático como sonoro. “Cuando llegó la maternidad y poco a poco me fui acostumbrando a ella, me di cuenta de que mis hábitos a la hora de escuchar estaban cambiando, y también las que eran mis prio-

“Creo que, mientras nadie haga daño a nadie, adelante. O sea, haz lo que te apetezca”. Y esa indulgencia con los demás y con una misma es también la que acota Confirmation! Su nuevo álbum, que vuelve a estar producido mano a mano con su marido, se abre con una progresión de ambient puntillista sobre voces familiares grabadas, antes de cederle el micrófono a Laura Jane Lowther, KUČKA, vieja colaboradora de Flume o A$AP Rocky, pero, sobre todo, profesora de canto de Samantha desde hace años. Y termina con un tema, Forgiven, que samplea otro de su pasado, DJ Logic Please Forgive Me (2019), en un tono más ambiental y emotivo del que podríamos imaginar por su parte. “He reflexionado mucho sobre esa etapa de mi vida en la que era tan inexperta en todo esto. Probablemente tomaba decisiones que no eran muy acertadas, decisiones basadas en el miedo y en traumas sin resolver”, concluye. “Pensé que era una bonita forma de incluirlo en el disco y, en cierto modo, decirme a mí misma, a mi yo más joven: ‘No pasa nada, está bien. Ya sabes, pase lo que pase, ahora estás aquí. Estás presente. No necesitas que te arreglen. Todo está bien. Estás perdonada’”.

CONFIRMATION! (BECAUSE, 2026)

CD / DIGITAL / LP

48 Fairmount / All In For You / Jersey / The Way I CHange / The Only One / 2Love / Sparkle / The Girl / Confirmation! / Forgiven

Aaron Sorkin asume la dirección de la segunda parte de ‘La red social’ (2010), la película que él mismo escribió y que dirigió David Fincher, basándose en la publicación de los “papeles de Facebook”, en los que se denunciaban los trapos sucios de esta comunidad mundial tras una filtración masiva revelada por la exempleada Frances Haugen.

Dos años después de que se estrenara La red social (David Fincher, 2010) Facebook alcanzó un récord de popularidad, superando el hito de los 1.000 millones de usuarios activos. En la actualidad, y aunque parece que la época dorada de esta comunidad ha pasado y se ha quedado reducida a un club de amigos boomers y nostálgicos de los viejos tiempos,

EL PRECIO DE LA RED POR: FERNANDO BERNAL

conserva su popularidad y son 3.000 millones los que se conectan mensualmente. La idea surgió en 2003 en una habitación del campus universitario de Harvard, donde estudiaba el ahora magnate y dueño de Meta -Instagram, WhatsApp, Meta AI y quién sabe cuántos más ingenios virtuales- Mark Zuckerberg. Un año después comenzó a usarse

de manera interna entre los universitarios y en 2006 comenzaron los registros de usuarios de forma masiva. Es decir, Facebook llega a los veinte años de vida y su convulsa historia sigue resultando apasionante. De ahí que Aaron Sorkin, guionista de aquella primera cinta que le valió un Oscar, haya decidido retomar el hilo de este emporio de los likes y las

EL GUIONISTA DE LOS DIÁLOGOS FRENÉTICOS La carrera de Aaron Sorkin comenzó en el teatro, y una de sus piezas más reconocidas, Algunos hombres buenos, acabó convertida en un éxito de cine en 1992. Ese prestigio como dramaturgo le llevó a crear El ala oeste de la Casa Blan-

ca (1999-2006), una serie política -junto con el periodismo, uno de los temas que más interesan a Sorkin- de gran influencia en lo que se denominó la segunda edad de oro de la tele, y que consolidó la figura de showrunner -responsable del aspecto global de una serie y realmente su autor, a pesar de que no figure como director en todos los capítulos- como esencial en el panorama creativo en la actualidad. Después llegaría otra serie de altura, The Newsroom (2012-2014), tres temporadas que se sumergían en las entrañas de una redacción de informativos de una importante cadena de televisión, y donde Sorkin confirmó su talento para firmar diálogos tan ingeniosos como frenéticos, ese “walk and talk” tan característico. Mientras Hollywood seguía rendido a su talento como guionista en grandes películas -Moneyball: Rompiendo las reglas (Bennett Miller, 2011), Steve Jobs (Danny Boyle, 2015)-, él preparaba el salto a la dirección que finalmente se produjo con Molly's Game (2017), en la que además de su talento como escritor de diálogos también brillaba su carácter narrativo en una historia con formato de thriller que ocultaba muchas lecturas. Ahora llega esta “pieza complementaria” de La red social, que encaja perfectamente con la narrativa que Aaron Sorkin lleva proponiendo décadas con gran éxito y reconocimiento crítico, tanto en cine como en televisión. NUEVAS CARAS En esta segunda parte de la historia de Facebook, Sorkin tuvo que prescindir de Jesse Eisenberg, que interpretaba a Mark Zuckenberg en la primera entrega. El actor que se dio a conocer con Zombieland (2009), y que ha sido también el villano Lex Luthor en la Liga de la Justicia (2017) de Zack Snyder, era la primera opción para repetir el papel, pero declinó la oferta porque quería tomar un rumbo distinto en su vida, y también porque estaba cansado de que le pidieran autógrafos como si fuera el mismísimo creador de Facebook. “No quiero que se me asocie con ese personaje, pero todas las razones por las que no quiero hacer la película no tienen nada que ver con lo maravillosa que será, y que estoy seguro de que ya es”, declaró el actor en The Hollywood Reporter. Su relevo lo ha tomado otro actor con fuerte presencia, Jeremy Strong, que

tras la serie Succession (2018-2023) y su papel en The Apprentice (2024), donde interpretaba al abogado que ayudó a moldear la figura pública de Donald Trump (sic), se mete en la piel de otro personaje controvertido, expuesto ante sus propias cloacas digitales. Junto a él brillan dos de las estrellas emergentes del nuevo Hollywood, Jeremy Allen White, protagonista de la serie The Bear y del biopic sobre Bruce Springsteen, y Mikey Madison, la ganadora del Oscar a Mejor actriz por Anora (Sean Baker, 2024). Ella es una de las actrices más importantes de la Generación Z y parece empeñada en hacer una carrera acotada al cine de autor -se dio a conocer por Érase una vez en... Hollywood (2019), de Quentin Tarantino-, y por eso ha rechazado ofertas para enrolarse en el reparto del nuevo proyecto en desarrollo de Star Wars y preferido la oferta de interpretar a un personaje real y muy distinto del que le dio la estatuilla. “Frances es pura dulzura, una mujer sin una pizca de agresividad”, afirmó la actriz a Variety. Con semejantes premisas y semejante casting, y aún sin Trent Reznor y Atticus Ros firmando la banda sonora -en este caso es Alexandre Desplat-, Sorkin promete llevar el culebrón de Facebook a los mismos altares que La red social.

EL PRECIO DE LA RED (9 octubre) Sony / EE UU / 2026 Dirección: Aaron Sorkin Reparto: Mikey Madison, Jeremy Allen White, Jeremy Strong

solicitudes de amistad en El precio de la red (2026). Si en la primera parte se narraba el origen de una idea genial como una especie de thriller judicial -en parte por el estilo incisivo y brillantemente ampuloso de David Fincher, genio de la tensión con Seven (1995) o Zodiac (2007) en el currículum-, ahora se trata de poner en imágenes la historia real de Frances Haugen (Mikey Madison), una ingeniera que desde dentro de Facebook filtró datos de la empresa a un periodista de The Wall Street Journal, Jeff Horwitz (Jeremy Allen White), que también firma el guion-, desatando una investigación conocida como 'los papeles de Facebook' (The Facebook Files). Se revelaba así la vinculación de la empresa de Zuckerberg con campañas de divulgación de información falsa que afectaron al equilibrio social y político del mundo -al final, se trata de un magnate con poder global que compite con otros-, y también los efectos negativos sobre la adolescencia de la red, algo que se sabía desde dentro, pero a lo que no se intentó poner ningún tipo de solución.

LA BANDA POR LA QUE SOLTAMOS A LOS PERROS Y NOS HICIMOS ‘COWBOYS DE LA A3’ VUELVE CON NUEVO DISCO, EN EL QUE MANIFIESTAN EL ENORME SALTO DE POPULARIDAD QUE HAN VIVIDO EN ESTOS ÚLTIMOS TRES AÑÓS. GRABADO EN LOS ANGELES CON JOE CHICCARELLI (MORRISEY, MY MORNING JACKET, THE WHITE STRIPES...), ‘MANUFACTURAS DEL CLUB DE LA GENTE SOLA’ ES UNA APUESTA POR EVITAR SER SUS PROPIOS DOPPELGÄNGER DONDE ENCUENTRAN ESPACIO EL ROCK, EL FLAMENCO Y HASTA EL PASODOBLE.

ARDE

POR: GALO ABRAIN

BOGOTÁ

FOTOS: ASSIAH ALCAZAR

La flor más bella es también la que más pronto se marchita. No dejes que se pierda su perfume. La flor inmortal no tiene olor”. Creo acertado comenzar con estas palabras de Gide, porque Arde Bogotá saca su tercer disco y todavía se mantienen bellos, jóvenes y vigorosos, dictados por los estremecimientos que no aceptan el sello de la costumbre. Hay una embriaguez efímera que se refiere a los sueños del absoluto, pero lo más inmutable de un cuerpo no es la pasión de los labios y el culebreo de la lengua; es el rictus inmóvil y bizco de la mandíbula de la calavera. El ritmo es la imagen de la vida. La línea continua es la imagen de la muerte. Por eso conviene resucitarse. Desafiar la planitud que es un estanque feísimo en el que chapotear, si no es para zambullirse a lo loco y salir rápidamente de él. Hecho por el que, cabe deducir, Arde Bogotá ha decidido reorientarse en sonido y temática para completar el menage a trois de su discografía. Así, a bote pronto, el nombre: Manufacturas del club de la gente sola... Ya es como: ¿whaaat? La ley no escrita, solo al alcance de la ciencia infusa, que marca un máximo de tres palabras -cuatro si me apuras- por título, al garete; viene a la cabeza el manierismo rococó de los Maniobras Orquestales en la Oscuridad, que es como llamaban cariñosamente a OMD nuestros compatriotas en los 80. Una girada que, huelga decir, Antonio García, voz de la banda, describe como muy premeditada: “Debatimos muchísimo sobre el título del disco; lo retrasamos hasta el límite de lo lógico. Nos quedamos con él porque era un nombre que nadie más en el mundo iba a poner”, asegura por videollamada desde un hotel, acompañado por el resto de la banda. “No servía para ningún otro álbum, libro o proyecto. Estaba ahí desde el principio. En la primera escucha con el equipo. Nos dimos cuenta de que era la parte troncal de este universo: la idea de que hay una empresa o una estructura desarrollando esta historia detrás de las canciones”. ¿Industry plants? Yendo al sonido, que es lo que a vosotros, pequeños melómanos onanistas, os interesa, Arde Bogotá ha mutado en este disco como si Queens of Stone Age cambiaran el desierto por un sarao flamenco de plazuela. Veo a Josh Homme, con ese estilazo que haría dudar de su heterosexualidad al líder de Hazte Oír, guitarreando en la Manga de Cartagena. Cuando no, ojito cuidao, a los Fu Manchu -escuchadlos, hijos míos, y conoceréis la palabra- sometidos al dictado lírico de un Enrique Bunbury posmoderno. “En este disco hay bastante rock and roll y flamenco en general. Hemos tenido muy presente el Omega de Enrique Morente con Lagartija Nick, cosas de Camarón, o de Ray Fernández”, prosigue García, que es rápidamente sustituido por José Ángel Mercader, batería: “Tuvimos que aprender a crear canciones de otra manera para salir del paso. Pensamos en el Lenny Kravitz de los 90 o en Jamiroquai,

donde la base es muy sólida y bailable sin necesidad de fuegos artificiales, dejando que todo lo demás ocurra con otros elementos. Queríamos evitar ser una copia de nosotros mismos. Al final nos preguntamos: ¿Qué podemos hacer que solo podamos hacer nosotros? La respuesta estaba en acudir a nuestra herencia: no solo el rock 'n'roll, sino el flamenco, el pasodoble o la música de Semana Santa”. Para rematar y enorgullecer al oído del aquí escribiente, Dani Sánchez, guitarra, confirma las intuiciones. “En la composición, lo que más nos venía eran los primeros discos de Queens of the Stone Age y, como recurso recurrente de solución eléctrica, los Arctic Monkeys”. Porque está bien zumbar por corrientes alternas, pero no debe uno despistar las continuas. Y ya puestos a hablar de superación, ¿qué hay del estrés, de la ansiedad acumulada que se desliza como el pus de un tímpano infectado, cuando se regresa de un éxito como fue Cowboys de la A3? ¿Qué pasa después de haber berreado en tantos foros por soltar a los bracos de Weimar? “Un fantasma al que te enfrentas es que el álbum, inevitablemente, se va a comparar con los anteriores, sobre todo con el inmediatamente anterior”, apostilla al respecto García. “Lo que me resolvió la tormenta fue pensar que tu obra no se compara con tu propia obra, sino con toda la historia de la música. Eso me trajo calma. No puedes bloquearte por el miedo a que te comparen con los Beatles o con lo que se haga en el futuro; solo puedes buscar que a ti te guste y sentirte orgulloso”. Sabio mantra el del vocalista de Arde Bogotá, al que se suma el diagnóstico de su batería: “Esta banda está llena de espíritu creativo y de ambición por inventar algo nuevo e ir por caminos inexplorados”, sostiene Mercader. “Lo terrible sería que a la gente le encantara un disco y a nosotros no, porque tendríamos que pasarnos el resto de la vida tocando algo que se ha vuelto viral pero que para nosotros no significa nada”. ¡Levanta la roca, Sísifo, hasta que tus pies sean tibias y tus manos hombros! No, desde luego, no parece plato de buen gusto. Pero son los pesos de la fama. La doble cara del éxito, tantas veces retratada y, sin embargo, siempre endulzada por el aroma de la irresistible caja de Pandora. “Haber alcanzado cierto punto te permite hacer cosas más locas, como irte a grabar un disco a Los Ángeles”, comenta Sánchez, refiriéndose a la oportunidad que han tenido de grabar este álbum en los EastWest Studios de Los Ángeles, a la batuta de un mago-productor como Joe Chiccarelli (Morrissey, Oingo Boingo, My Morning Jacket, The White Stripes). Sin embargo, el mismo combustible que te eleva sobrecalienta la cápsula hasta poder hacerla reventar. “La sobreexposición, por estadística, te lleva a recibir una multitud de comentarios donde se amplifica el lado negativo”, reflexiona Mercader. “Pero también significa que estás creciendo, lo cual es

“ESTÁ BIEN QUE UNA BANDA DE CHICOS SE PERMITA HABLAR DE QUE LLEGÓ LA PRIMAVERA AL CORAZÓN”

TACTO CLÁSICO

Arde Bogotá son de volver a las raíces, a los clásicos: al tacto físico, al marketing boca a boca, a la guerrilla callejera y a las colas de toda la vida.

Entradas de las de toda la vida Esta apuesta por el formato físico se ha extendido también a su nueva gira, que ha optado para su venta exclusivamente en taquilla. De hecho, esta primera gira del disco, apadrinada por Vibra Mahou y bautizada Hervideros, les devuelve a salas de mediano aforo en ocho ciudades españolas (Vigo, Gijón, Granada, Málaga, Madrid, Valencia, Alicante y Murcia). No es aquel homenaje de Vetusta Morla allá por 2009 a las salas que les vieron crecer, pero es lo más cercano que vamos a estar de ese espíritu más de tres lustros después.

Reivindicar el formato físico Al final el disco se llama “Manufacturas”, y viene, por supuesto, acompañado de una amplia cantidad de cuidadas ediciones físicas, que incluyen una caja deluxe con flexi disc y más contenidos especiales, una edición limitada, CD Digipack o, por primera vez en la historia de la banda, cassette.

Bigger Splash Unos días antes de completar sus carteles, el Mad Cool, el Cruïlla de Barcelona y el Bilbao BBK Live añadieron en sus escenarios secundarios a una banda misteriosa: Bigger Splash. Un día antes de su “debut” en el festival madrileño, Arde Bogotá revelaron el lanzamiento de una canción del mismo nombre, y la cosa quedó bastante clara.

La promesa se hace realidad La Selección demostró que lo de 2024 no fue una casualidad y sí el punto de partida de una generación que nos hace soñar. Este verano hemos ganado el Mundial, y Los perros no solo ha seguido abanderando a la Selección: ha sido la única canción capaz de plantarle cara al Superestrella de Aitana. Arde Bogotá estuvieron en la celebración en Colón, y ahora les toca a ellos demostrar que pueden cumplir la promesa.

bueno. Es lo que en inglés llaman a ‘Blessing in disguise’”. Pero, ¿qué escucha alguien en Manufacturas del club de la gente sola? ¿Qué versos y qué fines pueblan las canciones? “Empezamos a hacer canciones por instinto y descubrimos que todas compartían un sonido y una temática: la comprensión de un sentimiento incomprensible. Nos dimos cuenta de que estábamos haciendo un manual para la sensibilidad, un álbum sobre cómo construirte un corazón que no sienta”, declara Antonio García. “A partir de ahí armamos la arquitectura del disco: pasamos del deseo (en temas iniciales como El tesoro o Judas), a la tristeza (Olivos), a la culpa (Señor Herrero) y, finalmente, al consuelo (Asidero o Sacude). Con esa estructura trazamos el orden, ubicando piezas como Instrucciones a modo de prólogo o Bigger Splash como si fuera un error en el propio proceso de montaje”. Puestos a elucubrar, uno ve a Arde Bogotá certificando también una soledad que nos tiene el hígado tocado como sociedad, lo mismo que andan a la caza y captura de esa sensibilidad que se nos escapa a los machotes que cargamos sobre nuestros hombros los pesados maderos de la invulnerabilidad y el orgullo. Poco rufián hay que no se haya sentido perdido, y llegados a este punto de la civilización no iba a ser solo en un apocalípsis de speed, coñac y cerveza cuando se hablara de ello. “Por ejemplo, en

su momento me planteé si la letra de Sacude resultaba demasiado sentimentaloide, pero luego entendí que está bien que una banda de chicos se permita hablar de que ‘llegó la primavera al corazón’”, prosigue el vocalista. “No escribo letras para conquistar a nadie ni para agradar a la industria, sino para analizar mi propio corazón. Si nos exponemos no es por pose, sino por un ejercicio de nudismo emocional: no para seducir, sino para conectar y abrazar”, sentencia. Efectivamente, y como dice García, no os lo toméis como mero sentimentalismo, lectores míos: querer preservar algo de la impúdica golosina de la emotividad en ocasiones responde a una honestidad mucho mayor que rechazarla. Arde Bogotá es una banda consciente de que las almas gemelas del “nihilismo” y la “destrucción” se han agotado, y que el vehemente negativismo que antepone la ofensa frontal, el odio sobre el amor, la crueldad sobre el valor, está gastado por previsible. De ahí su entrega a la vida, a la música, con energías positivas que pueden hacerlos discurrir por la cursilería, ¿pero no es ese un necesario chute de autoconciencia? ¿Dedicarse a la vida, propia, popular, y no a su, por otra parte, tentadora ejecución? No sé, vosotros veréis. Pero escuchad el disco, y dejad el scroll, porque ahí no hay ni amor ni belleza, solo planitud, solo un club de muchísima gente sola. Y, ya sabéis, para eso mejor ir de cabeza al hoyo.

MANUFACTURAS DEL CLUB DE LA GENTE SOLA (SONY, 2026)

Instrucciones / El tesoro / Judas / Antifiesta / Olivos / Señor Herrero / Hervidero / Bigger Splash / El Club de la Gente Sola / Asidero / Sacude CD / DIGITAL / LP

“NADIE COMPARA TU OBRA CON TU PROPIA OBRA, SINO CON TODA LA HISTORIA DE LA MÚSICA”

FESTIVAL

15, 16 Y 17 OCT

Tomasa Crucero Teresa Díez Izco Lucha Libre: ‘La ficción de golpe’ Sergio Pinilla Ciclo de cine LIT: ‘Confesiones confusas’

Gráfica: Karmen Ameller

LeChatelier Cristina Len Salomelody TKMAMI superrreservao Alicia Otero Virginia Martín

Realizado en el marco del proyecto TMLAB, cofinanciado por la Unión Europea

Colaboran

Organiza

ALPHA DRIVE ONE

POR: EVA SEBASTIÁN / FOTO: GISELA JANE

Desde la publicación de ‘EUPHORIA’ a principios de este año, ALPHA DRIVE ON se han convertido en la nueva fuerza masculina del K-pop, amasando poco a poco una sólida base de fans. Aprovechando su visita a Barcelona en el marco del Music Bank, NUEBO habla con ellos.

Hace apenas unos meses que ALPHA DRIVE ONE existe como grupo y ya se ha enfrentado a uno de los grandes escenarios del K-pop en Europa. El pasado 12 de septiembre, el estadio Lluís Companys de Barcelona acogió su primera actuación en España dentro del Music Bank, ante miles de fans llegados de distintos puntos del continente. Para un grupo que todavía está escribiendo sus primeros capítulos, la experiencia fue tan emocionante como abrumadora. “Estábamos muy nerviosos”, reconocen a través de un intérprete durante una ronda de promoción, con turno para NUEBO, aprovechando su paso por la Ciudad Condal. “Fue nuestra presentación no solo ante los fans españoles, sino los de toda Europa, y eso era un orgullo y una responsabilidad a partes iguales. Además, no estaban solo nuestros fans, sino también los de otros grupos”. Esa misma noche, en el Estadi Olímpic, tomaron también el escenario los integrantes de ATEEZ, ENHYPEN, NMIXX, xikers, NCT WISH y CORTIS. “Nos sentimos muy apoyados. Ha sido un proceso muy largo, en el que hemos trabajado muchísimo, y ver reunidos a todos los fans nos ha permitido recuperar toda nuestra energía. Gracias a eso fue un concierto perfecto. Tenemos mucha suerte, y fue muy divertido. Si tenemos otra oportunidad, definitivamente vamos a volver”, avisan. De ser Junseo, Arno, Leo, Sangwon, Xinlong, Anxin y Sanghyeon a convertirse en la indestructible formación ALPHA DRIVE ONE en menos de un año. “Al principio, cada uno era muy diferente, y quizás era un poco complicado sentirnos como un todo, como una sola banda bien cohesionada. Pero con el tiempo, haciendo muchas prácticas, ensayando mucho, grabando álbumes y preparando los vídeos musicales, nos hemos sentido cada vez más como un equipo”, explican. Aun así, sus personalidades no se desdibujan, sino más bien se potencian las unas a las otras para hacerse brillar entre todos. “Como cada miembro tiene sus propios encantos y personalidades, eso hace que su música tenga mucha diversidad. Y como las características de cada uno están muy marcadas, creo que los fans también pueden descubrir y disfrutar de las diferentes personalidades de cada miembro”. No solo en los discos; sobre todo en los conciertos. “ALPHA DRIVE ONE significa que queremos llegar a ser los mejores, que tenemos esa pasión y ese impulso para seguir avanzando, pero también que somos un solo equipo”, reconocen. Ese significado estuvo muy presente desde el principio. Con EUPHORIA, su primer

UNBREAKABLE:

miniálbum, querían presentar por primera vez ese One Destiny que, según la propia definición del grupo, marca su punto de partida y su camino de crecimiento. “Nos preocupamos mucho por cómo queríamos mostrar quiénes éramos y qué imagen queríamos presentar. Queríamos que nuestra música, nuestras letras y nuestras performances estuvieran alineadas con nuestra identidad y que este álbum marcara claramente el comienzo de nuestra historia”. Con UNBREAKABLE: BEAST (UNBREAKABLE : FRAGILE BEAST), ALPHA DRIVE ONE quiso alejarse de la idea de felicidad que marcaba su debut y centrarse en una parte más vulnerable de su identidad. “Este nuevo trabajo contiene toda esta parte de nuestra juventud mucho más intensa y fuerte, tanto por su imagen como en su sonido. Pero también queríamos que transmitiera el lado más vulnerable. Es un álbum con el que queremos mostrar quiénes somos realmente y que los fans nos comprendan tal y como somos”. Si antes era la felicidad, el estallido brillante de un inicio de carrera, ahora quieren hablar “de los pesares y dificultades del crecimiento, y de cómo sobreponerse”. Ese cambio también se refleja en las canciones y en la decisión de apostar por un sonido más potente. “En nuestras primeras canciones buscábamos la alegría que cada uno podía aportar, pero ahora queremos demostrar que podemos ir un paso más allá”, explican. Por eso UNBREAKABLE : BEAST recurre a ritmos potentes, incluso agresivos -como en el tema que abre el disco, BORN DIRE-, para expresar “esas emociones y sentimientos más intensos”. Aunque el disco no se queda únicamente en esa faceta. “Hay canciones que son más emocionantes y tienen una melodía más destacada”, como por ejemplo Diamond Hour. “Queríamos sorprender con todos esos contrastes a nuestros fans para que cada vez nos entiendan mejor”. Entre esas otras caras aparecen las canciones más delicadas y sensibles, una variedad que para ALPHA DRIVE ONE resulta fundamental para definir su sonido. “Talk to me es una canción que puede transmitir una sensación más delicada y sensible”, explican al hablar de esta vertiente más melódica, antes de avanzar que el nuevo material -que en breve verá la luz, por cierto-, seguirá este nuevo camino. Por eso, resumen el álbum como un trabajo marcado por “la diversidad, donde se funden el sonido intenso y el sonido sensual”, en el que “hay una gran variedad de música y diversas formas de expresar las emociones, que es por donde queremos seguir avanzando como banda”. Frágil, fuerte y formal.

BEAST (WAKEONE, 2026)

BORN DIRE / Diamond Hour / One More Time / Talk to me / OMG! / Good Life / WELCOME home CD / DIGITAL

“QUEREMOS QUE NUESTRA MÚSICA, NUESTROS DIRECTOS Y NUESTRAS LETRAS ESTÉN ALINEADAS CON NUESTRA IDENTIDAD”

B AC K L POR:

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BIO

¿Cómo es bailar para miles de personas en un estadio? ¿Cuáles son las rutinas de las estrellas del pop? ¿Hay muchos castings? ¿Ensayos maratonianos? ¿Se puede trabajar sin redes sociales? De todo esto y algo más hablamos con cuatro bailarines y coreógrafos que han trabajado para Beele, Bad Gyal, Lola Indigo, Rels B, Shakira, Mayo, Edurne o Emilia.

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OUT ACK L B : S FOTO

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“Ahora, a los artistas pop se les valora mucho más que antes el espectáculo que dan, y eso a los bailarines nos viene muy bien”, dice Jesús Lobo. Tras trabajar en los cuerpos de baile de Shakira o Emilia y colaborar con artistas internacionales como Peggy Gou, el también coreógrafo sevillano se lanzó a la aventura de montar una agencia de un perfil inédito en España: Blackout Talent representa bailarines y los conecta con otras agencias y equipos (de marketing, de arte, de producciones audiovisuales...) para situarlos mejor en un ecosistema con cada vez mayor demanda y también con mayor competitividad. La idea, además, es ofrecer algo de estabilidad en una profesión que, con todo, “sigue siendo muy de ir picando”, como reconoce. De los cuatro bailarines con los que nos citamos en esta entrevista, tan solo Ariana Draganoiu puede decir que tiene, ahora mismo, un trabajo estable; el resto está en rodajes y proyectos diferentes. Y tampoco es que pueda decir exactamente cuánto va a durar: tras terminar la gira europea del colombiano Beele, la han pedido que siga en Latinoamérica, y quizá después de eso la pidan continuar... o no. “La propuesta de esta gira me llegó directamente por Instagram y sin hacer casting. En un principio iba a ser solo la gira europea, y lo que puede pasar, y siento que pasa mucho, es que de un día para otro te están pidiendo que hagas la gira en Latinoamérica: no me dio tiempo ni a despedirme de mi familia; no me dio tiempo ni a pasar por Madrid, de hecho, porque el último concierto fue en Málaga. Soy muy joven y vivo por y para la experiencia, así que ni me lo pensé, pero esto es una realidad: tu vida puede cambiar muy rápido de un día para otro, y hay que estar dispuesto a dejarlo todo”.

Blackout también llevó a sus talentos a La Velada, el multitudinario evento organizado por Ibai. Ya sea para colaborar con marcas o para vestir el show, otro nuevo horizonte de oportunidades.

Ahora que todo tiene la obligación de ser un espectáculo en la línea yanqui de la SuperBowl, una de las oportunidades que se abren para los bailarines son los intermedios. Aquí, Blackout en la Final de la Copa del Rey 2025/26.

Con solo 22 años, Ari ha llegado a un panorama muy distinto al que vivieron en sus inicios Lobo o Javi Bergia. “Trabajo con gente mayor que yo y me doy cuenta de las oportunidades que he tenido y que ellos no; soy una privilegiada y no me ha faltado curro desde que empecé con 17 años”. En este sentido, el mundo del baile está en un momento único en su historia, pero como Bergia reconoce, “aún hay situaciones que perduran más de lo debido. Se cuenta más con nosotros, sí, pero también esta sigue siendo una industria precaria, con muchas diferencias de inversión, y hay equipos que directamente no le dan el valor que realmente tiene a un equipo de bailarines”. También hay más estrellas de pop, y eso se traduce en un mayor control de lo que sucede en el escenario. “Los coreógrafos están cada vez más implicados en la dirección creativa, por ejemplo, cuando no son directamente coreógrafos los directores artísticos”, apunta Lobo. “Judeline o Belén Aguilera, por ejemplo, esto lo tienen clarísimo: todo lo que sucede en el escenario es una gran coreografía”. Esto se ha traducido en el desarrollo de una disciplina relativamente nueva: la dirección de movimiento. ¿Sabes cuando Rosalía se bebía de un trago la botella de agua en la gira de Motomami? ¿O cuando un artista baja al público micrófono en mano? Dirección de movimiento. “Elton John lleva dirección de movimiento, y tiene diseñado todo su show con claqueta. Cómo toca el piano, cómo interactúa con el público... Bad Gyal lleva mucha parte de dirección de movimiento en la última gira, más allá de la coreo, dando mucha importancia a cómo quieren contar la canción, a veces hasta con los bailarines completamente quietos. Creo que es muy útil para potenciar la narrativa visual de las canciones. En la publi, por ejemplo, también es una faceta a la que se le da cada vez mayor importancia”. Estas exigencias se traducen también en una paulatina democratización de lo que se espera sobre el escenario de los artistas masculinos y femeninas. “Por mi experiencia, cuando trabajo con mujeres su presencia es mucho más constante en los ensayos, por ejemplo. Lola Indigo o Bad Gyal están siempre ahí al pie del cañón, ensayando, trabajando de principio a fin como si fueran una más. En artistas masculinos es más difícil verlo, tam-

“TODO LO QUE SUCEDE ENCIMA DE UN ESCENARIO ES UNA GRAN COREOGRAFÍA"

bién porque lo que se requiere de ellos es un poco menor”, reconoce Javi, que también es uno de los bailarines principales de Rels B. Sin embargo, la experiencia de Alberto Parra es muy diferente. “Yo vengo de estar dirigiendo al equipo de baile de Edurne y ahora estoy con Álvaro Mayo (Mayo), y para él la danza es fundamental en todas las facetas de su proyecto. Si hacemos ocho horas de ensayo, él se hace las ocho horas con nosotros. Sí es cierto que hay artistas que perciben la danza como un acompañamiento, como algo que forma parte de la puesta en escena, y no hay tanta interacción con los bailarines, etc. Ahí sí puede ser un contacto más escaso de venir, mirar a ver si le gusta y poco más. Pero cada vez se da menos, creo, incluso en artistas masculinos”. Pasa lo mismo con la performatividad: antes, a las mujeres se les pedía ser sexis y a los hombres ser seductores y masculinos. “Llevo ya varios años trabajando con una artista lituana, Natalija Bunkė, y cuando nos reunimos por primera vez ella me pidió que fuera como yo

La publicidad es otro mundo en el que los coreógrafos, bailarines y directores de movimiento están cada vez más demandados, porque lo que quieren las marcas es una forma muy concreta de transmitir y de comunicar emociones.

soy, porque había un componente educativo en la performance: Lituania está muy atrasada en este sentido”, recuerda Alberto. Javi, sin embargo, que es hetero, tuvo que performar una pose más queer durante la última gira de Bad Gyal. “He sido un poco el bisexual del grupo. A mí siempre me ha encantado y me ha funcionado muy bien ir de hetero, pero de repente esto me dio un bombazo... Al principio me daba bastante respeto porque me parecía hacer un poco queerbaiting, pero el colectivo me ha acogido increíble”. La última cuestión interesante es cómo consiguen su trabajo. Y la respuesta es bastante obvia: redes sociales. “A veces sí hay castings maratonianos, sobre todo cuando alguien de América llega a Europa y tiene que montar un equipo de baile desde cero y sin tener muchos contactos”, explica Alberto. “Pero últimamente lo que más funciona son las redes sociales, que a día de hoy son prácticamente nuestro currículum -hace tiempo que no envío uno, de hecho, y hace poco para un curro me pedían directamente el Instagram-, y los contactos. La gente tiene una idea un poco distorsionada de que pasamos por pruebas superexigentes, pero luego al final esto es un mundo muy pequeño y funciona como una pequeña comunidad, y nos vamos dando lugar unos a otros”. “Hay castings, y últimamente de hecho ha habido un montón”, completa Ari. “Pero es verdad que es todo muy boca a boca, ya has trabajado antes con ellos y te contactan... Ahora con las redes sociales tenemos una ventana mucho más grande para mostrar lo que hacemos, y a lo mejor un coreógrafo o director artístico te ha visto por redes, le has gustado y te llama”.

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

Ante el estreno del esperadísimo reboot cinematográfico de ‘Street Fighter’ este 16 de octubre, repasamos los casi cuarenta años de historia de la franquicia transmedia de Capcom: desde el videojuego, y más allá, hasta convertirse en un icono global de la cultura urbana.

Hablar de Street Fighter es evocar el pilar fundamental que redefinió los salones recreativos y la cultura popular a nivel global. Desde su eclosión con la mítica segunda entrega en 1991, la franquicia de Capcom no solo inventó las mecánicas del género de lucha moderno, sino que se transformó en un fenómeno transmedia que se expandió a la música y la moda urbana, el lenguaje cotidiano y el coleccionismo. Movimientos icónicos como el Hadouken o personajes de la talla de Chun-Li y Ryu traspasaron las pantallas virtuales para convertirse en auténticos iconos pop internacionales. Y en NUEBO queremos ofreceros un recorrido exhaustivo por sus casi cuarenta años de historia y sus ramificaciones en el cine, la televisión, el cómic y la animación, sirviendo a su vez como antesala definitiva para el proyecto más ambicioso e importante de su trayectoria cinematográfica reciente. Porque el 16 de octubre de 2026 se produce el esperado desembarco en las salas de cine de todo el mundo de la nueva película de Street Fighter, distribuida por Paramount Pictures tras sellar una alianza estratégica de gran envergadura con Legendary Entertainment y la propia Capcom. Esta superproducción de acción real, diseñada específicamente para las tan de moda actualmente pantallas IMAX, busca desmarcarse por completo de los fallidos intentos comerciales y artísticos de pasadas décadas. La dirección corre a cargo de Kitao Sakurai, reconocido por su habilidad para conjugar ritmos frenéticos y dinámicas vibrantes, trabajando a partir de un libreto coescrito junto a Dalan Musson. Esta nueva propuesta cinematográfica o reboot apuesta, sobre todo, por la nostalgia colectiva al ambientar su trama en 1993, el año clave en que las recreativas de Street Fighter II dominaban el planeta. La historia nos sumerge en el reencuentro de dos compañeros de combate tan iconográficos como Ryu -interpretado por el artista marcial Andrew Koji- y Ken Masters -encarnado por Noah Centineo-. Ambos son reclutados por la misteriosa y carismática Chun-Li (Callina Liang) para participar en el legendario e implacable torneo World Warrior. Lo que se promociona como un brutal choque de artes marciales esconde una conspiración global letal orquestada por la siniestra organización criminal Shadaloo, forzando a los héroes a enfrentarse entre sí y a combatir a los demonios de su propio pasado. La cinta destaca por un reparto de estrellas tan diverso como llamativo. El camaleónico David Dastmalchian asume el rol del despiadado líder criminal M. Bison, mientras que grandes figuras del espectáculo y el deporte como Jason Momoa (Blanka), las estrellas de la WWE Roman Reigns (Akuma) y Cody Rhodes (Guile) o el músico 50 Cent (Balrog) terminan por cerrar un reparto coral y heterogéneo que promete al fin trasladar fielmente la espectacularidad de los movimientos y golpes especiales del videojuego a la gran pantalla. Crucemos los dedos…

HISTORIA DE LOS VIDEOJUEGOS En 1987 nacía Ryu en el modesto Street Fighter. Pero, cuatro años después, Street Fighter II desató la revolución cultural en las recreativas con Chun-Li o Bison. Tras la era Alpha y el virtuosismo técnico en 2D de la tercera entrega, la saga resucitó en 2.5D con SF IV. Hoy, SF V y el actual Street Fighter 6 coronan la franquicia de Capcom en los eSports con su influyente estética e identidad urbana.

1987

1991

Street Fighter Takashi Nishiyama

Street Fighter II Akira Nishitani

El primer Street Fighter fundó las bases mecánicas de la saga y los ataques especiales. Su máquina recreativa innovó con botones sensibles a la presión y vio nacer a los eternos rivales Ryu y Ken.

Aún hoy la segunda entrega se considera un cénit de la saga, porque sus sistemas jugables son inmortales. Ha sido uno de los juegos más vendidos en recreativas, y de lucha en general, de la historia.

1995–1999

Además de reinventar las reglas de los fight games y de ofrecer una galería de personajes carismáticos nunca vista antes, Street Fighter II se convirtió en un icono transmedia que modeló el rap, el streetwear y la cultura pop global. Madlib, Dizzee Rascal o Kanye West han sampleado sus sonidos.

Street Fighter Alpha Hideaki Itsuno

Street Fighter III Tomoshi Sadamoto

Street Fighter Alpha refrescó la saga con una brutal estética anime. Una precuela clave que expandió el lore underground, sumando mitos como Akuma y el oscuro Satsui no Hado.

Subtitulado New Generation, rompió moldes con la mejor animación 2D de la historia e introdujo el parry, la mecánica de parada y contraataque más compleja y exigente del gaming.

2008–Presente

Street Fighter IV Takashi Tsukamoto

Street Fighter V Takayuki Nakayama

Street Fighter 6 Takayuki Nakayama

Tekken desplazó a Street Fighter a principios de los 2000, pero la cuarta entrega llegó con apartado visual actualizado en 2.5D y nuevas mecánicas para reabrir los salones recreativos en el s. XXI.

Con la quinta entrega, la franquicia dio el salto a los eSports. Enfocado en la competición puramente online, se transformó en un juego con muchos metas centrado en los torneos globales.

A día de hoy, el merecido canon de la franquicia y su modelo de éxito actual. Una especie de reignición de Street Fighter II pero con las posibilidades técnicas de la actualidad.

EL FENÓMENO GLOBAL DE ‘STREET FIGHTER’

Del kitsch militar de Van Damme en 1994 al tropiezo de Chun-Li en 2009. Solo la webserie Assassin's Fist (2014) capturó la auténtica esencia del místico Ansatsuken.

Street Fighter: La última batalla Steven E. de Souza / 1994

Street Fighter: La leyenda de Chun-li Andrzej Bartkowiak / 2009

Street Fighter: El puño asesino Joey Ansah / 2014

Fuera misticismo; hola acción militar descerebrada. Van Damme marcaba el ritmo en esta joya kitsch de culto recordada por el gran Raúl Juliá, y que adaptaba a la virulé el segundo videojuego.

Centrada en el origen de la célebre luchadora de Street Fighter, este fallido intento de reiniciar la saga en el cine fue machacado sin piedad -justamentepor la crítica y los fans. Cero fidelidad al juego.

Esta webserie británica de imagen real acertó, pese a su escaso presupuesto, gracias a su respeto absoluto al lore de la saga y a la fiel representación del estilo de lucha Ansatsuken de Ryu y Ken.

ANIMACIÓN

CÓMICS y MANGAs

El anime fue el medio ideal para trasladar la saga del píxel al fotograma: combates épicos y fidelidad visual para reforzar su leyenda.

Del manga noventero al brutal arte de UDON, las viñetas blindaron el estilo y el lore urbano de la saga.

Street Fighter II: La película Gisaburô Sugii / 1994 Fundamental obra maestra del anime con un brutal nivel de dibujo y unas peleas impresionantes que contribuyeron a definir el canon estético de la saga en años sucesivos.

OVAs y cortos proStreet Fighter II: V Gisaburô Sugii / 1995 mocionales 1999-2016 Esta serie de 29 episodios revolucio- Una inteligente manera, muy de nó la televisión de Capcom, de expandir los 90 al reimaginar el universo del juego la juventud de Ryu hacia el ocio domésy Ken, apostando además por un tono tico, promocionar sus lanzamientos y promás maduro, viajes globales y combates fundizar en el lore. Arrancó con Alpha. encarnizados.

El manga japonés

Malibú y DC Comics

El manga japonés expandió la mitología de la saga en los noventa. Obras como la de Masaomi Kanzaki fueron tan influyentes que Capcom llegó a adoptar ideas suyas, como la mítica cinta roja de Ryu.

Los cómics noventeros de Malibú y DC fueron los primeros e infames intentos americanos por adaptar la saga. Aunque hoy son rarezas de culto, demostraron el tirón pop de las viñetas.

La era de UDON Entertainment La era de UDON (2003-) estructuró el lore definitivo en Occidente. Sus cómics destacan por un brutal y vanguardista estilo visual, inspirado en el arte digital contemporáneo.

STREET FIGHTER (16 octubre) Paramount / EE UU / 2026 Dirección: Kitao Sakurai Reparto: Noah Centineo, Callina Liang, Andrew Koji, Jason Momoa, Orville Peck

Street Fighter no es solo el rey de los combos; es un gigante cultural que devoró el concepto clásico de transmedia para colonizar el imaginario pop. Su arrolladora identidad visual y su icónico plantel de luchadores internacionales eran demasiado grandes para quedarse encerrados en una pantalla de recreativa. Por eso, la franquicia saltó del píxel al papel, a los fotogramas y a las viñetas, expandiendo su mitología a niveles masivos. Desde el cine de acción real hasta el anime y los cómics occidentales contemporáneos, la saga ha demostrado una versatilidad única para reinventarse. A continuación, repasamos cómo este universo expandido forjó su leyenda multimedia mucho antes de su asalto definitivo a las salas en 2026.

ADAPTACIONES CINEmatográficas

MAR TA

Despué s sellos co de ejercer de m m las male o Century Me odelo y de años d tas y se su pasió mudó p ia, Holy Cuervo trabajando com o n encontr por la fotogra r amor a Los A o Esmerarte, R o PR para ngeles. ibate co fía analó ado un fi All gió devota d g ló e una no n en las bodas ica y por el víde í ha redescubie r .. o stalgia c inemato . y sobretodo s en Super 8, ha to e ha dec gráfica y del gr an gótic larado por fin o americ ano.

RIBAT E POR: DIE GO RUB

Por amor, Marta Ribate hizo las maletas y dejó su vida y su trabajo en Madrid para poner rumbo a Los Angeles. Tras varios años en la oficina española de Century Media Records, subsello de Sony especializado en metal y hard-rock, había recalado posteriormente en Holy Cuervo, y allí conoció al que años más tarde sería su pareja y ahora marido, Zache Davis. “Por entonces Holy Cuervo eran los bookers allí de algunos de sus grupos (Suspect Parts, Maniac), y siempre hemos mantenido el contacto, aunque no pasara nada”, recuerda. “Yo estaba empeñada en ir a Los Angeles a hacer un road trip, y él siempre me ha dicho que tenía una habitación libre y que podía ir cuando quisiera. Le conté que quería hacer este viaje y me dijo que a lo mejor se apuntaba, y al final en noviembre de 2024 compré los billetes. Justo a los pocos meses él dejó su puesto de trabajo y tenía bastante tiempo libre, así que pudimos hacer juntos ese viaje. Allí surgió el amor, y aquí estamos”. Tras unos meses viendo cómo manejar una distancia imposible de doce horas en avión, Marta decidió dar, hace casi un año, el paso de mudarse definitivamente a California. En esa época, en cualquier caso, su pasión por la música estaba empezando a renquear. “En mis últimos años sentí que lo que al principio era muy divertido se había convertido en algo rutinario. A veces tenía la sensación de que estaba vendiendo música como podía vender calcetines. En Century Media tenías tantas bandas internacionales que al final estabas todo el rato de festivales y tenías la parte más divertida de toda esto. En los últimos años yo eso ya no lo tenía, y la verdad es que no me fue difícil renunciar”, reconoce. “En general, creo que soy una persona ecléctica, pero también a mi manera muy cerrada: me gusta el metal, el rock duro, el darkwave, y no me interesa nada el auto-tune. Y lo que estaba trabajando ya al final no me motivaba. ¿Trabajo en la industria del entretenimiento, pero ni yo me entretengo? Pues no”. Todo esto ha supuesto un necesario cambio de enfoque vital, y ha terminado con Ribate virando no solo de ciudad, también de intereses: de la música a la fotografía y el audiovisual; muchas de las instantáneas de esta galería pertenecen precisamente a esa pequeña gran epopeya de

carretera que le cambió literalmente la vida. “Tuve que dejarlo todo para empezar prácticamente de cero, porque no es que venga aquí a Los Angeles a volver a currar en la música... Es un mundo que funciona por contactos en todas partes, y yo conozco músicos, pero no tanto gente de la industria, de los sellos, que al final es quien va a darte trabajo. Hay una persona de Century Media aquí y podría optar a eso, pero la oficina tiene solo una plaza y esa persona lleva toda la vida. Siempre bromeo con mis amigos con que solo volvería a la música si me contrataran en Black Dice Records, porque su roster me parece un sueño... Pero aún no he establecido los contactos y la verdad es que me da un poco de pereza volver”. Además, el circuito musical en Los Angeles puede ser tan estimulante como prohibitivo. “Aquí consumo menos conciertos porque es muy caro. En Madrid, al final, si vives por la zona centro o alrededores hay opciones más o menos populares y te plantas en la sala en metro o andando en veinte minutos. Aquí ya tienes que coger el coche, pagar cervezas a veinte dólares más la propina... Entre pitos y flautas se te pone el concierto en una millonada, así que tienes que ser superselectivo; no puedes hacer la de ir a tres o cuatro bolos a la semana. Luego es verdad que hay cosas muy locas: por ejemplo, pude ver aquí la gira de Nine Inch Nails con Boys Noize (Nine Inch Noize), que parecía que iba a ir a España, pero al final no fue eso lo que vimos en Mad Cool. El próximo mes viene una amiga de España y vamos a ir al desierto, al Joshua Tree, a un pueblito mini, rollo western, que tiene un garito muy mítico, el Pappy & Harriet’s, donde han tocado Paul McCartney, Queens of the Stone Age, Patti Smith... cosas loquísimas. Tocan High On Fire y me parece un planazo, la verdad. Estas cosas sí que las tienes”. La fotografía, en cualquier caso, ha sido su vía de escape. “A mí siempre me ha gustado la fotografía, pero reconozco que, a partir de Instagram, de que una plataforma estuviera bombardeándome todo el tiempo con fotos, que antes no consumía tanto, me picó el gusanillo y me pillé una cámara. Cuando me iba de viaje me llevaba mi cámara digital, y así empezó. El tema es que no terminaba de conseguir

“LO DE LAS BODAS EN LOS ANGELES ESTÁ MUY AVANZADO: HAY TÍAS AQUÍ COBRANDO 20.000 POR BODA”

tico sureño y esa EE UU rural idealizada, encaja a la perfección con la que ha sido su última gran solución laboral: las bodas. “El chico que escaneaba mis películas de Super 8 en Madrid me dijo un día si me había planteado hacer bodas en Super 8, que estaba funcionando muy bien. En Madrid está empezando, pero aquí en Los Angeles además es que esto está superavanzado y lo piden muchísimo. Aquí es que te piden todo: Super 8, 35 mm, Polaroid, digital... Y hay tías -y digo tías porque en mi experiencia hay muchísimas más que tíos- cobrando 20.000$ por boda. Además, aquí la gente es tan artista y tan creativa que las bodas suelen ser una pasada, con todo supercuidado: la última que hice fue en un sitio de Hollywood que frecuenta Lana del Rey, y todos los invitados parecían sacados de Entrevista con el vampiro (Neil Jordan, 1994). El novio era un fotógrafo reconocido y, yo qué sé, todo eso se nota. Además, el Super 8 no da tanto trabajo porque no tienes todo ese tiempo de edición detrás: estás muy limitado por metraje y grabas lo que tienes que grabar, muy selectivo, luego lo mando a mi laboratorio y ellos me hacen el color. Ya está. Puede que pierdas los findes, pero ganas muchísimo tiempo libre dedicándote a esto”.

Once años de carrera en la promoción de bandas de rock duro, metal y derivados varios en España contemplan a Marta Ribate, pero su presente pasa por la fotografía y el vídeo analógicos, por la luz de California. Ha expuesto su trabajo fotográfico en Londres y en Madrid, y poco a poco está viendo cómo en este mundillo empiezan a abrírsele nuevas puertas.

los colores, las texturas... No sentía nada con las fotos que hacía. Empecé a fijarme mucho más en todos los fotógrafos que me gustaban, en sus técnicas, cómo hacían lo que hacían. Y me di cuenta de que todos tiraban en analógico y no en digital... Seguí investigando, hasta que de repente llegó la pandemia, y con más tiempo libre decidí comprarme una cámara analógica y empezar a probar. Al principio fatal, una chufla de fotos, pero con el tiempo empezaron a salirme cosas bonitas, además de darme cuenta de la importancia del laboratorio de foto -esa hipnótica habitación de luz roja donde se revelan las fotos analógicas-. Tú puedes hacer una foto increíble, pero si tu laboratorio te hace un estropicio con los colores el resultado va a ser un desastre... A base de prueba y error, de entender a mí ritmo qué me gustaba, de ejercitar el ojo, de desarrollar mis moodboards, he ido creándome un estilo, una personalidad. Y la música siempre ha estado ahí muy presente, porque al final es lo que me ha dado de comer y lo que me ha pagado el piso”. Poco a poco, Marta está tratando también de que sea la fotografía la que pague las facturas, y para eso Los Angeles es un lugar excepcional. “En España la foto era mi hobbie caro. Siento que este es un lugar donde yo puedo desarrollar más mi fotografía, y desde que me he mudado aquí me están saliendo más cosas. Yo vengo del artisteo en Madrid, pero desde un nicho muy específico, y mi trabajo en la fotografía no casaba bien con eso; realmente no conseguí meterme en los círculos de gente que trabajaba aquello que a mí me gustaba. No he estudiado Bellas Artes, no he estado en la escena... Y me flipa el trabajo de Jorge Rico, de Pia Riverola o de Silvia Grav, pero también me doy cuenta de que muchas de ellas no viven en España. Hace poco le escuchaba a Silvia, precisamente en unos encuentros de foto, que en España tenía que regalar prácticamente su trabajo”. Además, a Ribate, que siempre ha sido “muy del hard-rock, de Mötley Crüe y de Guns N’ Roses”, la idea de vivir en Los Angeles le parecía muy atractiva. “Yo soy muy autodidacta, y por no saber no sé ni utilizar bien el flash. Pero es que me emociona mucho más trabajar con la luz natural, y me transmite más. Para eso Los Angeles es brutal: la luz aquí es una pasada. Además, siempre me ha llamado mucho el rollo redneck, la América profunda... Luego los ves en la realidad y dan miedito, pero sí es algo como que desde fuera tenemos algo romantizado, por el cine y tal. Esa nostalgia cinematográfica creo que es muy constante en mi foto, y yo creo que películas como Paris, Texas (Wim Wenders, 1984) o Buffalo ‘66 (Vincent Gallo, 1998) van a estar muy presentes siempre en mi trabajo”, explica. Toda esa estética, entre el gó-

POR: ÁNGEL IZQUIERDO

Sin techo que le quede por romper en México, Netón Vega va camino de consolidarse en la escena internacional con un amplio surtido de ritmos y registros como carta de presentación. Su álbum debut, ‘Mi vida, mi muerte’, supuso, a principios de 2025, la eclosión de un artista versátil que no teme pasar del reguetón al corrido tumbado, o dejarse llevar por la electrónica sin perder su esencia. Parece fácil, solo por lo bien que suena.

FOTOS: ROGELIO TRAPERO

NATANAEL CANO El gran icono del movimiento. Fue el primero en usar el término “corridos tumbados” al bautizar así su segundo álbum. Con su éxito, impulsó a una nueva generación de artistas y consolidó el estilo urbano en México.

PESO PLUMA Seguramente el exponente más reconocido a nivel global. Entre 2022 y 2023 se disparó su carrera con éxitos como PRC o Ella baila sola. Con su frescura y su voz rasgada atrajo a un público masivo, ampliando los horizontes de los corridos tumbados.

FUERZA REGIDA La frontera entre California y México, recorrida a base de corridos tumbados.

JUNIOR H A sus 26 años cuenta con más de 10 álbumes a sus espaldas y es uno de los principales artífices de la expansión de los corridos tumbados a nivel internacional.

Como buen hijo de las rancheras y los corridos tradicionales, Netón Vega creció en Culiacán a la sombra de acordeones y guitarras. Sonidos que no abandona a día de hoy, pero que agita a su gusto cuando entra en el estudio. Mucho más intactos estaban en sus primeras composiciones, y también en sus primeros éxitos, aquellos Rubicón y La people que cedió a su amigo Peso Pluma, pero que le abrieron las puertas de la industria. “Iba mi nombre ahí, y con eso me empezaron a conocer en la calle y en todas partes. Eso fue lo que despegó mi carrera como compositor y me dio mucho renombre”, valora Netón. Fue el punto de inflexión que necesitaba para confiar en su talento y lanzarse a grabar. En 2024, el corrido tumbado ya estaba asentado como género referencia en México gracias a la irrupción, en ese último lustro, de una camada de artistas liderada por Natanael Cano que quería marcar la diferencia con su anterior generación. “Ya había un camino hecho, y en mi caso fue todo muy rápido”, reconoce Netón, que es muy consciente del vertiginoso ascenso de su música. Su aparición en los trabajos de Peso Pluma y Tito Double P, y el consiguiente éxito de La patrulla y Linda, pusieron el foco sobre él. De hecho, es en esta última colaboración donde se intuye el atrevimiento e instinto que tiene Netón, junto a su entorno, a la hora de crear. “No sabemos ni siquiera qué género es, pero se oye bien perro”, vacila el artista, a la vez que explica que nunca han podido incluir el sonido de la charcheta, un instrumento muy famoso en los corridos tradicionales, como lo hicieron en aquella canción. “Son cosas que salen únicas y funcionan muy bien”. No había comenzado 2025 y todo México esperaba su primer álbum con los brazos abiertos, y con razón. Mi vida, mi muerte es considerado un trabajo referencia en el género de corridos tumbados y fue el disco más escuchado en México en Spotify durante el año, con más de 2 billones de reproducciones. Un éxito con mayúsculas que catapultó a Netón y lo colocó como uno de los artistas revelación de la música latina. Ahora bien, el mayor hit del álbum no es un corrido. Netón cerró 2024 con Loco, un reguetón mexa que funcionó como único adelanto de su álbum debut. Su incursión en un ritmo latino tan marcado despertó la curiosidad de todos sus oyentes y atrajo a un nuevo público con un sonido más comercial. Una apuesta tan arriesgada como acertada, ya que en la actualidad sigue siendo su tema en solitario más escuchado. Desde entonces todo ha ido muy rápido para Netón. Ha pasado de rookie a referente en tiempo récord, casi a la misma velocidad con la que cuelga el cartel de sold out en sus shows. Artistas como Alemán, quién potenció su afición por el hip-hop, han pasado de ser ídolos a amistades. Y las cifras no han dejado de crecer. Los números le avalan y prácticamente todo lo que toca alcanza repercusión en redes y plataformas. Sin embargo, este éxito parece que no le altera a nivel personal. “Nunca me

ha cambiado, sigo muy sereno. Siempre bien ubicado y bien apegado al trabajo, siempre con mi esencia y mi sello”. Su segundo trabajo llegó antes de acabar 2025, y fue una declaración de intenciones. “Buscamos ese cambio más lanzado al urbano, al reguetón. Tenía ganas y lo hicimos”. Entre las 15 pistas de este nuevo Delirium cuesta no encontrar algo que te guste o te llame la atención. Reguetón, bachata, electrónica o rap melódico son algunos de los géneros con los que trastea Netón en este proyecto. Producciones muy diversas a las que el artista de La Paz se adapta sin reparo alguno. Con la seguridad de tener un sello muy marcado. “La voz ronca es la principal característica. Acá en México no se necesita más que escuchar una intro y ya sabes de quién es”, dice. Pero Netón no lo pone tan fácil. Su verdadera seña reside en su ocurrencia, y un ejemplo claro es su tema Melday. “A veces hasta invento palabras. Cuando estamos componiendo e improvisando me imagino algo, y si rima lo dejo. Y así pasó con Melday: existe esa palabra, pero nada que ver. Y al final se hizo viral”, cuenta con naturalidad. En esta nueva etapa más experimental tampoco deja de lado sus raíces, y los característicos sonidos de viento y cuerda de los corridos mexicanos están presentes a lo largo del álbum. Es, quizá, un aviso de lo que está por venir, un AURA en el que promete volver a sus orígenes. “Me siento muy emocionado de volver al regional, el estilo con el que la gente me conoció. Volver a hacer lo mío, lo que es mi fuerte”. Ahora toca, por el momento, poner la vista en una conquista internacional. Delirium cuenta con colaboraciones que miran al mercado global latino como Jowell & Randy, Benny Blanco, Myke Towers o Ryan Castro, y recientemente ha cruzado el charco hasta Europa para trabajar con el DJ y productor francés Hugel, con el que ha sacado su última canción, Mami; la enésima evidencia de su capacidad para desenvolverse sobre cualquier beat. Quién sabe si España será su próxima parada. “Siempre estoy aprendiendo y trato de escuchar un poquito de todas las culturas”, comenta, a la vez que se declara seguidor de Quevedo y Judeline. Netón Vega busca expandir fronteras con su música, pero su objetivo principal es mucho más sencillo: pasarlo bien y disfrutar componiendo y tocando, y esa ha sido su filosofía durante este último año. “Acá le decimos cotorreo, el vibe de divertirse y hacer cosas para que la gente también se divierta. A veces hay que meter ambiente, cambiarle un poquito el flow y hacer un poquito de todo”. Es esa la mentalidad que hay detrás del Premio Billboard a artista debutante de 2025. También la responsable de que sus singles Nalguita y teta y Riki estén copando las listas de éxitos en México. No sabemos cuál será la próxima mezcla que nos servirá el mexicano, pero sí que cuenta con los ingredientes para que el éxito esté servido.

BALUARTES DEL CORRIDO TUMBADO

POR: RAMÓN BAYLOS

El director de ‘The Witcher 3’ y otros renegados de CD Projekt Red estrenan estudio independiente con este cuento de vampiros ambientado en los Cárpatos góticos. En 'The Blood of Dawnwalker' se han permitido elevar a la enésima potencia la relación entre los juegos de acción y aventuras y el RPG de tablero. Y ya hay planteada secuela.

FANTASÍA VAMPÍRICA The Blood of Dawnwalker transcurre en una versión ficticia de los Cárpatos en pleno siglo XIV. Corre el año 1347 y la sociedad se desmorona a causa de las guerras, sobreviviendo como puede a la infame peste negra. Allí donde reina el caos, por si no fuera suficiente, una facción de vampiros se proclama señora del lugar e instaura un crudo sistema feudal.

Esto divide a la población en dos facciones diferenciadas: los Vrakhiri y el ganado. Los vampiros y el resto. En The Blood of Dawnwalker estas entidades aparecen como salvadores de la Humanidad gracias a sus capacidades curativas frente a la enfermedad que diezma su población. Pero no sin un alto precio: convertir la sangre en un impuesto a pagar por salvar la vida.

FOLCLORE RUMANO

En el juego encarnamos a Coen, un humano nacido en la aldea de Laslea, comandada por un señor vampiro que compromete la vida de su familia a cambio de lealtad. De ahí se deriva la dicotomía día/noche del juego, donde actuaremos como humano y monstruo respectivamente al transformarnos, así como en la ramificación narrativa que se desprende de elegir entre abrazar el vampirismo o rebelarnos contra él.

The Blood of Dawnwalker nos lleva, así, al epicentro de la fantasía y las leyendas del folclore rumano y balcánico, traduciendo sus tropos, sus historias y sus criaturas y vampiros al lenguaje de la alta fantasía oscura. En este sentido, comparte paralelismos con The Witcher y su revisión de los mitos polacos y centroeuropeos, generando un mundo rico, épico y misterioso.

Una de las entidades que convive con los humanos son los Uriash, los cuales proceden de un mito rumano. Conocidos como Uriași, fueron los primeros habitantes del mundo, una especie de gigantes responsables de dar forma a la escarpada orografía de la región de los Balcanes.

En el lore de The Blood of Dawnwalker también se hace mucho hincapié en la figura de los lobos. Representados por los Psoglavs, sirven como representación del gran demonio cánido que anhela devorar la luna en las antiguas leyendas balcánicas.

De hecho, el firmamento del juego está sitiado por dos de estos cuerpos celestes, haciendo referencia a otro concepto central de muchos mitos de la Rumania medieval: los eclipses, fenómenos astrológicos que en muchas otras culturas son puertas a dimensiones de índole mágica.

TEMPUS FUGIT

REBEL WOLVES

The Blood of Dawnwalker tiene una cuenta pendiente para saldar en sus secuelas: Rebel Wolves necesita explicar de manera más clara cómo funciona el concepto de tiempo a cualquier fan potencial de la franquicia. Con esta primera iteración lo han tenido difícil: muchos pensaron que el reloj se traducía en una imposición, casi como si fuera una cuenta atrás que limitaba tus opciones a través de esa prisa tan antónima a una experiencia de mundo abierto. No obstante, el reloj en realidad se utiliza como recurso jugable, como forma de elegir cuándo hacer que la aventura dé un paso hacia delante. El juego se aleja así de otras aproximaciones anteriores al concepto de tiempo como la que hizo Majora’s Mask, y lo utiliza como un agente que delimita secuencias jugables y no tanto como un puzle a resolver, un poco al estilo de los Persona. Hay una presión sutil pero no punitiva en la experiencia, pues el reloj sirve para articular el enorme grado de libertad que posee en realidad el jugador: gracias a él, somos nosotros quienes marcamos el ritmo de la aventura, y no al revés.

Resulta inevitable que The Blood of Dawnwalker nazca a la sombra de The Witcher 3. Hereda parte del ADN de CD Projekt RED al compartir el mismo director: Konrad Tomaskiewicz. Tomaskiewicz decidió abandonar el estudio polaco para fundar Rebel Wolves en 2023 con el objetivo de crear una obra separada de sus anteriores trabajos, aunque han terminado compartiendo matices creativos similares. Comenzando por una banda sonora ideada por Mikolai Stroinski, quien repite como compositor desde su paso por The Witcher 3. Hay más similitudes. La más importante de todas, un sistema de magia que se acerca al folk horror y no tanto a la alta fantasía, y cuya complejidad se intensificó aún más tras la llegada de Mateusz Tomaskiewicz (hermano de Konrad y diseñador de misiones en CD Projekt RED) como nuevo director creativo del juego en 2024.

HISTORIAS DE VAMPIROS Drácula Bram Stoker / 1897

Nosferatu Robert Eggers / 2024

True Blood Alan Ball / 2008-2014

Mundo de Tinieblas Mark Rein-Hagen / 1991

Referencia absoluta para cualquier obra de vampiros, y para el fantástico en la cultura pop. La novela, publicada en 1897, ha sido pozo sin fondo creativo para cientos de publicaciones, películas, series y videojuegos posteriores, convirtiendo al sanguinario Conde en un monstruo icónico.

Rebel Wolves también menciona Nosferatu como inspiración principal. La película de Robert Eggers reinterpreta el clásico alemán de 1922 utilizando el horror vampírico como herramienta de seducción incómoda para el espectador, Los Vrakhiri encarnan este concepto en el videojuego.

La sangre como generador de conflicto dramático, a la manera de True Blood o incluso de Crepúsculo, también es un elemento fundamental de The Blood of Dawnwalker. En la serie de Ball, la aparición de una sangre sintética acaba con la guerra fría entre humanos y vampiros y desata el caos.

Los juegos de rol de tablero son la última gran influencia del videojuego, especialmente la primera campaña publicada dentro del universo de Mundo de tinieblas en 1991, Vampiro: La mascarada. Aquí éramos los seres sobrenaturales y no los humanos, una circunstancia no tan habitual que se reproduce en Dawnwalker.

THE BLOOD OF DAWNWALKER (ya disponible) Rebel Wolves

PC, PS5, Xbox Series X|S

Por: Diego Rubio

Dos años de cambios, un disco con 4:40 que nunca terminó de materializarse, otro que llega ahora por fin tras varios retrasos y un reseteo necesario de su pasión por hacer música. Igotz Mendez renace de sus cenizas junto a Matti, Jangitz y Llúcia Pla en ‘Bihotzak Badaki’. Había ganas. Fotos:

Adrian Lorenzo

DIRECCIÓN CREATIVA: ADRIAN LORENZO Y LIAM MCDONNELL / PRODUCCIÓN: LIAM MCDONNELL Y LUCAS ALVES ASSIST DE FOTO: ANDER URRO / ARTE Y VESTUARIO: PALOMA ARAQUISTAIN Y MADDY LANGFORD

Hofe lo tenía todo a su favor. Gracias al impulso de la Chill Mafia, la escena de Euskal-Herria había conseguido liberarse del monopolio del rock radical vasco y abrirse a las fórmulas urbanas que tan bien conectaban con una nueva generación callejera y precarizada, en Euskadi, pero también mucho más allá. Y junto al dúo de productores 4:40 (Xabier Lafuente y Marcos Galech), Igotz Mendez -que así se llama realmente Hofe- supo ocupar un espacio que empezaba a abrirse de forma inédita. Barkhatu, precisamente junto a la Chill Mafia, puso al combo definitivamente en el mapa local y nacional en 2021, al año siguiente sacaron un disco (Amodioa) que supo igualar el hype gracias a Mzmz (Tek), se embarcaron en una gira interminable y, tras un EP que prácticamente era un epílogo (Amorrua, en 2023), fueron desvaneciéndose sin comunicados ni protocolos hasta que Hofe regresó en solitario en 2025 con R.A. y de la mano de InnerCut. “Los dos últimos años han sido muy locos: ese sería el titular”, reconoce hoy el artista vasco. Por supuesto había un disco con 4:40, pero “se quedó en agua de borrajas por temas personales que hubo en su momento: ellos en un punto deciden separarse porque había diferentes intereses en el proyecto y en lo que cada uno quería, y al final el disco no terminó de fraguarse”. Desde entonces ha tenido que replantearse muchas cosas, a veces poniéndose al filo del precipicio. “Han sido muchos cambios, no solo a nivel musical sino sobre todo a nivel personal. Siento que he cambiado de etapa vital, de proyecto... Muchas cosas muy significativas”. De todo ello es testigo Bihotzak Badaki, el que finalmente y después de varios retrasos es su debut en solitario. “En lugar de ver aquel disco que tuvo que quedarse a medias como una oportunidad perdida o algo así, preferí utilizarlo para expandirme, para investigar, para buscar un sonido más mío y para replantear mi carrera de otra manera, llevando al límite mi capacidad creativa. Y este es el resultado. Me apetecía explorar hasta dónde podía llegar haciendo música, y expandirme un poco en todos los sentidos: expandir mi universo y demostrarme a mí mismo quién soy. He estado un poco en un estado constante de inconformidad, pero no tanto por dudar de mi trabajo como por ir viendo todas las puertas que se iban abriendo ante mí según íbamos avanzando, y que me apetecía cruzar. He querido potenciar esa intuición de seguir explorando cada vez más y más, hasta la mayor profundidad posible. Esa curiosidad ha guiado todo el proceso de este disco”. También ha hecho que, quizá, se haya alargado más de la cuenta. Bihotzak Badaki empieza a gestarse realmente entre abril y mayo de 2025, y no se convierte en un plan sólido hasta la salida de R.A. “Tenía ganas de hacer música nueva y en

el momento en que me senté con Mattin a producir y a plantear la idea de hacer un disco todo fue saliendo de manera natural. El disco se llama como se llama, ‘El corazón lo sabe’ en euskera, porque surge de esa corazonada, de empezar a entender que detrás de todo lo que estábamos haciendo quizá se escondía un álbum. También sentía que me había acomodado en una fórmula, y necesitaba salir de ahí. Llevaba mucho tiempo girando sin parar y no me había dado el tiempo necesario para sentarme a componer de forma tranquila y sin una función inmediata”, rememora. “Pero el corazón sabía que quiero seguir haciendo música, que quiero esto para mi vida. Obviamente ha habido muchos momentos bastante flojos en los que te replanteas todo, y en general el disco ha estado muy marcado por esto. Lo que la gente piensa de la industria musical desde fuera es una cosa. Pero luego, cuando estás dentro, te das cuenta de que la película cambia un montón, y más a nivel nacional. Mucho tiempo fuera de casa, haciendo malabares todo el día para que los números den porque es un sector que está bastante precarizado... Bueno, qué te voy a decir, tú lo sabrás bien, que estás también dentro de esta movida. No soy ni el primero ni el último que te vaya a decir esto. Siempre hay un impass en el que aceptas que esto siempre va a ser tu sueño, pero que quizás tengas que dejarlo a un lado y buscar estabilidad. Un trabajo que no quieres o una movida que no quieres para poder tener cierta tranquilidad y pagarte el alquiler, algo que ahora mismo y por desgracia prácticamente es un lujo, sobre todo en ciudades como Madrid, Donostia o Barcelona”. Pero todas las dudas, las crisis, la espera, las vueltas... han merecido la pena. Aunque Mattin Zeberio -aliado habitual de Euskoprincess- es el productor principal, este dista mucho de ser un disco puramente electrónico, digital, y más bien abre una vía más orgánica para la mákina de gaztetxe característica de Hofe. Tampoco es exactamente un debut en solitario. “El disco ha ido cogiendo forma según íbamos dando los conciertos”, reconoce. “Lo electrónico al final es mi seña de identidad porque yo no dejo de imaginar la música en mi dormitorio y con el ordenador, pero ver cómo todo eso coge forma en directo es muy inspirador. Al final, toda esa parte orgánica contribuye a darle vida a la música, ese toque de humanidad que quizá antes echaba de menos. Jangitz por ejemplo era nuestro percusionista en directo en 4:40, y ahora me sigue acompañando en directo a mí y también ha grabado cosas conmigo. Llúcia Pla, que es la nueva integrante de la banda en directo, también ha grabado el bajo y sintetizadores...“. Ellos tres, los que salen en la foto, son el verdadero corazón de Hofe en este momento, mucho más allá de Igotz. “Además, para Tan petit hablamos

La importancia de las ferias y las ayudas institucionales Para muchas bandas, tocar fuera de su región -imagínate fuera del país- es una quimera sin el apoyo de un management, pero aún más sin las ayudas necesarias y los foros adecuados. Igotz. “Mikel, uno de nuestros managers, estuvo por allí dando una charla, y aprovechó para hablar con varias personas, presentarles la banda, decirles que tocábamos... Por allí estaba un booker de Corea del Sur que hace un festival increíble,

el Zandari. Le invitó al concierto, vino, le moló y el mismo día ya le dijo a Mikel que le interesaba tenernos allí. Lo cierto es que necesitamos de ayudas para girar por allá porque, si no, es insostenible. Nos echó un buen cable

para que la banda se cruzara medio mundo y con eso pudimos hacer varios conciertos en Corea. Fue también la ocasión de hacer piña antes de lo que viene, que no nos hemos podido ir de vacaciones con nuestros amigos o nuestras parejas”.

Hace poco, Hofe y su banda tuvieron la oportunidad de organizar una mini gira por Corea del Sur. “Todo empezó porque estuvimos en el Westway Lab de Guimarães, una feria musical internacional de Portugal”, recuerda

“Ha habido momentos flojos en los que te replanteas todo, y el disco ha estado muy marcado por esto. Pero el corazón sabe que quiero hacer música” con un percusionista colombiano afincado en Suiza que hizo toda la percu más analógica, las güiras, etc. Ha habido varias personas implicadas, aunque no hayan estado como de manera directa en el proceso, y casi todo el trabajo de Mattin ha sido lograr integrar bien todos los elementos, los instrumentos orgánicos y los procesos analógicos con lo electrónico y lo digital”. En el disco también InnerCut y los madrileños 1111 -con los que comparte colaboraciones de ida y vuelta- han aportado detalles en producción, y puede escucharse la voz de Natalia Lacunza. “La oportunidad de trabajar con otra gente te aporta muchas cosas, no solo en lo musical, sino en la manera que tiene cada uno de ver el mundo, de relacionarse...”. La expectación enorme es la otra cara de la moneda de todos estos retrasos. Aun sin disco, la gira ha vendido holgadamente, duplicando fechas en algunas ciudades, y justo ahora vienen de darse un baño de masas ante una plaza del Mercat de Vic completamente abarrotada. “Es imposible no sentir cierta presión porque todo está muy construido en torno a la inmediatez, y todo tiene que ser increíble y funcionar a la de ya. Somos personas, no máquinas, y tienes que permitirte fallar. No vas a ser tu mejor versión todos los días, aunque vayas a intentarlo”, explica reflexivo.

“Confiar en que este era verdaderamente el disco que yo quería hacer también era parte del proceso. Tengo la suerte de tener un equipo y una oficina increíbles, y lo agradezco todos los días. Cuando planteé el hecho de retrasar el disco con una gira ya anunciada y con un montón de fechas ya cerradas, lo apoyaron sin dudarlo. Tener a gente tan humana y cercana hace que tomar estas decisiones complicadas no resulte algo dramático”. Al final, Bihotzak Badaki no es más que el testamento perfecto de estos años de cambio, yendo de aquí para allá tanto literal como figuradamente. “Casi todo está grabado en Madrid, porque Mattin está en Universal y eso nos ha abierto las puertas de Metropol. También hemos grabado con Jaco, que es un crack, en Casa Talisio, y en Los Invernaderos. Pero luego también en un baserri (caserío) aquí en Intza, en un pueblecito de Navarra, en Tolosa...”. En las canciones han probado aproximaciones diferentes, hay sorpresas en forma de intimidad, hay más trabajo en las texturas. Hay más valentía, hay riesgo y hay una apuesta, sobre todo personal, que respira, a pesar de todo, un fuerte espíritu colectivo. Hay goce, hay fiesta, hay sinceridad y hay error. Hay un mapa personal que se recorre a acordes y a latidos. Y el corazón sabe que esto es solo el principio.

BIHOTZAK BADAKI (OSO POLITA, 2026)

R.A. / Ya está todo / Hofe - New Hit_v9 / Misil bat / Mugarik gabe maitatzeak arrisku handia dauka / Esto no es amor / Tan petit / I <3 yo / Bihotzak badaki egia / Tú y tú conmigo CD / DIGITAL / LP

25 AÑOS DESCUBRIENDO Y EXPANDIENDO TALENTO INDEPENDIENTE SILOÉ / JIMENA AMARILLO / REPION / TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO DELOREAN / LA126 / THE PARROTS / TU OTRA BONITA ADAM GUERRERO / EL COLUMPIO ASESINO / LUSILLON / HNOS MUNOZ LOVE OF LESBIAN / DELUXE / VICTORIAS / LOS ENEMIGOS JOE CREPÚSCULO / LOS PUNSETES / THE SUNDAY DRIVERS YALL / GAVIN MOSS / D. DRAMÁTICO / CECILIA KRULL / SR. CHINARRO LA BUENA VIDA / BANIN / WE ARE STANDARD / NAJWA BOYANKA KOSTOVA / POLOCK / MORREO / LOS CHIVATOS

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FOTOS: ED TEMPLETON

Su afición al skate y a la fotografía en los años 90 -añadimos dos muestras- hizo que Ed Templeton sea hoy una referencia mundial en ambos ámbitos. Por eso, Bershka ha querido aprovechar su destreza con la cámara. En febrero de 2026, Templeton fotografió la campaña Eδέμ para la colaboración Aries x Bershka en Huntington Beach, California.

Eδέμ

MATT BENNETT JUMPS BETWEEN TRAINS, BETHLEHEM, PENNSYLVANIA, 2005.

MIKE MALDONADO SKATES A FULL PIPE, DAVENPORT, IOWA, 1998.

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FALL SEASON BAZAR

Una temporada FALL de contrastes se dibuja entre capas, texturas y siluetas relajadas. El punto se encuentra con el cuero, los cuadros con volúmenes y los accesorios ponen el acento. Al mismo tiempo, la belleza apuesta por una piel fresca, mejillas encendidas y labios protagonistas. Un juego de piezas para construir un look propio, sin seguir un único código. 2

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Artistas Seleccionados 2026 ANADIE

23 OCT Doppler VIGO 7 NOV Cooperativa Ítaca MURCIA 14 NOV Electropura VALENCIA 26 NOV Fun Club SEVILLA 28 NOV Las Armas ZARAGOZA

CECILA ZANGO

17 DIC Casa das Crechas SANTIAGO 6 NOV Cooperativa Ítaca MURCIA

Anadie

Cecilia Zango

Euskoprincess

EUSKOPRINCESS

2 OCT Doppler VIGO 30 OCT Cooperativa Itaca MURCIA

HOSS&SWET 1987

22 OCT Rock&Blues Café ZARAGOZA 23 OCT Laut BARCELONA 25 NOV Villanos MADRID 27 NOV Doppler VIGO

SLAPPY AV

16 OCT Microdosis SEGOVIA

STIVIJOES

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Stivijoes

TODA LA INFORMACIÓN EN WWW.AIE.ES

28 OCT La Cochera Cabaret MÁLAGA 30 OCT Fun Club SEVILLA

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Hoss&Swet 1987

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POR: GABRIEL CAREY

MUCHO, MUCHO VALOR. ESTO ES LO QUE LE HA HECHO FALTA A SIENNA PARA CONDENSAR EN UN SOLO DISCO TODO LO QUE HA OCURRIDO EN SU VIDA DURANTE LOS ÚLTIMOS DOS AÑOS, TANTO LO BUENO COMO LO PEOR. EN ‘LINCE’, EL ARTISTA VALENCIANO SIGUE SUS INSTINTOS DE SUPERVIVENCIA PARA MIRAR A LA OSCURIDAD A LOS OJOS Y PODER VIVIR PARA CONTARLO. DISPONIBLE EL 23 DE OCTUBRE.

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FOTO: MIQUEL CABELLO

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Centrado. Paciente. Resiliente. Sienna tiene todos los motivos del mundo para que su cuarto álbum se titule LINCE. Sin embargo, estando en medio de un cambio de escala en su carrera y después de haber superado una de las situaciones más difíciles de su vida, el artista valenciano ha demostrado que la cualidad que más comparte con este felino es la de poder ver en la oscuridad. El fichaje de Álex Sienna por Universal a principios de 2026 puso fin a toda una carrera de independencia y autosuficiencia extrema. Como un lince, él se lo guisaba y él se lo comía. “No solo hacía las canciones. Yo me programaba las salas, hacía las notas de prensa, llevaba todas mis gestiones fiscales, todo lo que conlleva plantear una gira, furgoneta, backline… Aunque ahora tengo un equipo, sigo muy pendiente de todo eso”. Confiesa que se ha encargado personalmente del cartel de su próxima gira, programada para este mismo noviembre. Sienna se define como alguien “controlador”, lo cual le viene desde pequeñito. “Era el típico chiquillo que, sin que mis padres me lo dijesen, me levantaba un sábado a las 9 de la mañana para hacer los deberes y poder gozar por la tarde”. Le ocurre lo mismo con su proyecto musical. Si pudiese hacer absolutamente todo, lo haría. “El factor humano es muy importante y a mí me preocupa mucho, porque una persona que te conoce y te aprecia, que sabe cómo trabajas y viceversa, le va a poner más cariño al proyecto que alguien que te ve solo como un número”. Eso sí, defiende que las majors no son ninguna institución del mal. “No hay multinacional mala, simplemente hay personas que no trabajan bien”. En cualquier caso, son una buena vía para consumar la ambición de un artista. Para Sienna, esta consiste en “ser lo más fiel que pueda a mí mismo”. La tarea se complica cuando el cambio es algo constante. “Yo no soy el mismo del año pasado. Ni siquiera soy el mismo que ayer”. La discografía de Sienna es un reflejo total de todo lo que ha ido ocurriendo en su vida personal. Es realmente algo inseparable. “Cada álbum es distinto porque son fotografías de etapas muy distintas. Tienen otros elementos y recursos, al igual que cambian las personas. La esencia se mantiene, o intento que se mantenga, pero no soy el mismo”. Trágico y fugaz (2017) y Tiempos de impacto (2020), sus dos primeros discos, son algo más cercano al indie rock de grupos como Vetusta Morla, a quienes Sienna teloneó por aquel entonces, que a la ecléctica mezcla de pop alternativo a la que se dedicó en Trance (2024). “Con el tiempo, aprendes lo que funciona para ti. Ya no estoy tanto tiempo detrás de una idea si sé que no va a funcionar”. Tampoco tiene tiempo para ello. “Ahora existen otros elementos de más exigencia y responsabilidad para el proyecto. Creo que sobrepienso más las cosas ahora, pero tengo más claro de qué tirar”. El primer gran cambio de rumbo en la carrera de Sienna llegó en el momento en

el que tantos otros recorridos artísticos se vieron obligados a replanteárselo todo. “Saqué mi segundo disco, funcionando de puta madre, las salas llenas, tenía 15 festivales que me había programado yo mismo… Justo en ese momento, llegó la pandemia”. Así surgió melancolic, un EP que empezaba a jugar con texturas y capas electrónicas, y que distaba mucho del guitarreo clásico que Sienna había plasmado en sus primeros álbumes. “Si me hubiese quedado en el mismo sonido, me habría hecho un flaco favor a mí y al público, porque creo que ellos también están para evolucionar contigo”. Simplemente, fue fiel a sus valores. “Siento que lo único constante en la vida es el cambio”. Esto se ve claro en LINCE, en el que Sienna recupera otra vez los sonidos de sus inicios, pero no por la razón que a él le habría gustado. “En el disco hay tanta guitarra porque estaba muy enfadado con la vida”. La oscuridad empezó a invadir la visión de Álex Sienna a finales de 2024. “A mi madre le diagnosticaron leucemia. Ahora está bien, pero el disco habla de todo ese proceso tan oscuro. Mi madre me dijo que pasase lo que pasase, nunca dejase de cantar. Menos los días que tenía concierto, el resto estuve en la UCI con ella”. Por aquel entonces, el valenciano se encontraba en mitad de la gira de Trance, por lo que su rutina era ir del escenario al hospital y viceversa, con todo lo que eso conlleva. “Me acuerdo de estar llorando con mi padre a cinco minutos de salir a tocar y estar en plan: ¡¿Qué pasa Sevilla?!”. Aunque este suceso sea uno de los elementos más presentes en la narrativa de este nuevo disco, no es algo de lo que le apetezca hablar en todo momento. “Intento obviarlo en las entrevistas o decir que es una etapa más convulsa personalmente, porque tampoco quiero aprovecharme de ese dolor. Es mío y de mi familia”. CEMENTO es una de las canciones del LP que tratan directamente el tema. “Va sobre torturarse al pensar en el sufrimiento de otra

“TODA MI VIDA SE ESTABA DERRUMBANDO. LA MÚSICA FUE UN CANAL PARA TENER EL CONTROL”

VAMOS DE CONCIERTO Sienna nos cuenta cuáles han sido los conciertos favoritos de los que ha dado en su carrera.

FIB 2024 El verano de 2024 fue un antes y un después para el directo de Sienna. “Todavía no estaba tan denostado y fue increíble. No sé si lo abría yo, a las 19h en el escenario, pero estaba a reventar. Toda la gente se sabía todo”.

Low Festival 2024 Sienna tiene el “síndrome de la oportunidad única”. “Cada escenario es muy distinto y lo vivo como si fuera el último”. En el Low de 2024 tuvo “esa sensación de que estaba pasando algo importante”.

Lula Club, Madrid / 2025 En el Lula se dio el último concierto madrileño de la gira de Trance, con casi mil asistentes. “Después de tantísimos años, te pasan muchas cosas, te metes a otras, pero ahí estaba ocurriendo lo mejor”, comenta.

FOTOS: JOEL BERALDI

El 8 de enero de 2027, Sienna debutará en La Riviera. “Soy de extremos. Soy bastante visceral, pero también introspectivo. Si algo es muy pequeñito, lo hago muy pequeñito. Si algo se expande, lo hago grande”.

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La Riviera, Madrid / 2027

FOTO: ISMAEL NASROLLAH

persona, en preguntarse el por qué… Mi madre desarrolló unos dolores enormes, que en mi vida he visto a alguien sufrir así, y mi madre no se queja de nada”. Por otro lado, VALÈNCIA, tierno dueto con La Maria, sirvió para que Álex se reconciliase con su tierra. “Acabé odiándola el año pasado, porque cada vez que iba era el horror absoluto en el hospital”. LINCE es, al final del día, un ejercicio de fortaleza. “La música fue un canal bastante tocho para tener control sobre algo en mi vida, porque todo se estaba derrumbando”. Palabras como coraje, garra o valor se repiten a lo largo del tracklist porque es un disco que habla, sobre todo, de superar la adversidad. “Habla de la supervivencia y el instinto, pero también hay un punto de empoderamiento. De situarte un poco. También habla de lo dura que tengo la piel”. Esto solo es posible a través de la experiencia. El primer bache en la carrera de Sienna llegó tras la salida de su primer disco. “Saqué un tema que se llamaba Épico inmortal que se coló en el top 50 más viral de España, por la cara, y el disco funcionó que flipas”. Más dinero, más problemas. “Tenía un mánager que, por llamarlo de alguna forma, fue un hijo de la gran puta. Me robó sistemáticamente derechos de autor de todas mis canciones”. Ninguna canción del álbum está dedicada a este exmánager,

pero sí a “personas que te cogen del brazo”. Son temas como AFILADO o GARRA los que muestran la faceta más salvaje de un lince. A puro cuello. “Si te pones a escuchar de verdad lo que se dice cuando quedas con alguien, te das cuenta de que la gente solo habla de sí mismos, incluso cuando dan una opinión. Lo que piensan también habla mucho de ellos. Me parece fascinante”. Igual que prácticamente cualquier artista, Sienna también ha tenido que lidiar con el lado oscuro de la fama. “También hablo de personas en mi mundo artístico que han sido grandes amigos, y con los que me llevo genial ahora, y de los que a veces he notado un interés extraño que no acabo de entender”. Ahora, el artista vive un momento dulce. Su gira comienza este próximo noviembre, incluirá su debut en La Riviera de Madrid, y no hay ningún drama a la vista. “El disco también habla de esperanza. Todo el rato estaba imaginándome ver a mi madre recuperada, viéndome cantar en Madrid, y ya sucedió”. El lince vio a través de la oscuridad y le gustó el panorama. “He visto mucha belleza en lo oscuro. He visto el amor inquebrantable de mi padre. He visto cómo ha sido un cimiento brutal y cómo no ha permitido que a mi madre le faltase nada. La belleza es esos puntos de luz que ves dentro de un drama tan grande”.

LINCE (UNIVERSAL, 2026)

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Valor / Afilado / Cemento / Esto mata a cualquiera / A.P.D.L.P. / Bendice / X los siglos de los siglos / Loco / Lince / Te veo venir / Garra / València CD / DIGITAL / LP

“YO PROGRAMABA LAS SALAS, HACÍA LAS NOTAS DE PRENSA, FURGONETA, BACKLINE... AHORA TENGO EQUIPO, PERO SIGO MUY PENDIENTE”

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El tren fluvial POR: DANIELA URZOLA

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Recién llegada de San Sebastián, llega a cartelera una de las grandes revelaciones del año: ‘El tren fluvial’, ópera prima de Lucas Vignale y Lorenzo Ferro (al que entrevistamos). La trayectoria de ambos en la música, la realización y la interpretación confluye en una obra imaginativa que parte de la mirada infantil y nos invita a viajar a otros mundos. En un pueblo de la Argentina rural, Milo, de nueve años, pasa sus días entre dos orillas: estudia para ser bailarín de malambo y, al mismo tiempo, sueña despierto con tomar un tren e irse a Buenos Aires. Un día, finalmente, lo hace, emprendiendo un viaje que no solo es físico, sino también vital y simbólico. Este es el punto de partida de la ópera prima codirigida por Lucas Vignale y Lorenzo Ferro, una de las grandes revelaciones que salieron de la Berlinale de este año y que aterriza en salas de España tras su triunfador paso por el Festival de San Sebastián. Ninguno de los dos directores era un desconocido en la escena audiovisual: Vignale había dirigido videoclips de artistas como Bizarrap, Nicki Nicole, Cieloazul, Trueno, Usted Señálemelo y Wos, y se había convertido en uno de los realizadores clave de la nueva generación de Argentina. Por su parte, Ferro lleva labrando una interesante carrera como cantante y actor desde que deslumbrara como un joven asesino en serie en El ángel (Luis Ortega, 2018), habiendo trabajado con cineastas como Lucía Seles (The Bewilderment of Chile) y Federico Luis (Simón de la montaña, la cual protagoniza), así como en la serie de Netflix Narcos: México. Juntos aunaron fuerzas en 2024 para realizar el cortometraje La pasión, presentado en BAFICI, antes de dar por fin el salto al debut en largo con El tren fluvial. Sobre esta transición orgánica, Ferro comenta: “La primera vez que me di cuenta de que quería dirigir fue en el rodaje de un videoclip para una canción mía. El realizador era un amigo y me dejó dirigir un plano. Desde ese momento quedé enamorado. Fue como probar una droga, una pizca de algo que se siente inagotable, que te incita a imaginar nuevas cosas y querer estar en constante

movimiento”. Además, cuenta que el empezar a trabajar con Vignale fue también algo bello e inesperado. “Lucas estaba editando este videoclip, por eso lo conocí. Empezamos a compartir más rodajes juntos y nos gustaba mucho la intensidad de estos. Entonces, empezamos a hacer cortometrajes por azar y casi siempre giraban en torno a un viaje. A Lucas le gustaba salir a filmar, conocer personas, meterse en lugares donde nadie te llama por pura curiosidad”. Fue esa curiosidad, quizá, la que hizo que su vida se truncara demasiado pronto este verano -junto a la del youtuber Gaspi y el rapero Oliver Tree, entre otros- en un trágico accidente de helicóptero en Río de Janeiro. Pero también fue precisamente la que los llevó a hacer El tren fluvial; un espíritu que transmiten a través de su actor y personaje principal. “Habíamos involucrado a Milo en un corto, y nos quedaron ganas de seguir trabajando con él. Su personaje tiene también esa pulsión de escapar de la comodidad de casa para ir a conocer el mundo, y eso es el cine para nosotros”, señala Ferro. Sobre el trabajo que realizaron junto al joven Milo, añade: “Fue un trabajo de dirección y, al mismo tiempo, un primer acercamiento a la paternidad. Durante el rodaje teníamos que estar inventando algo siempre para hacerlo divertido. Era como una colonia de verano donde te vas inventando juegos para entretener a los nenes y sacar lo mejor de ellos. Dependíamos mucho de nuestra imaginación”. En ese sentido, El tren fluvial propone una aproximación sensible y diferente al coming of age, planteando una ruptura con el naturalismo puro para ir añadiendo toques oníricos en un relato que va sobre perseguir los sueños. “Quisimos que el guion siguiese la narrativa de los sueños, donde uno aparece en un lugar y

“EL CINE, PARA NOSOTROS, ES ESCAPAR DE LA COMODIDAD DE CASA PARA IR A CONOCER EL MUNDO”

pura curiosidad, decía el músico Djrum hace unos días. Otro elemento que transmite esto -precisamente- es la música, para la que Ferro y Vignale contaron con diversos colaboradores: Mihály Víg, habitual de Béla Tarr, envió a los cineastas una canción que acabó apareciendo en una escena concreta. Por su parte, la banda sonora original la compuso ONIRIA, productor colombiano afincado en Argentina con quien Ferro había trabajado en su proyecto musical Kiddo Toto. “Yo estaba muy obsesionado con el armonio. Sentía que era un instrumento que permitía llegar a un estado meditativo, y además estéticamente nos resultaba muy parecido a un tren. Lo mandamos a comprar a la India y desde ahí pensamos la música como una larga canción que se va deformando”, explica. El carácter onírico resalta el interés de Ferro y Vignale por imaginar otros mundos a través del cine, algo que los hace dialogar con referentes como Hayao Miyazaki y sus mundos inventados desde la mirada infantil (El viaje de Chihiro), Leonardo Favio o Albert Serra. Una anécdota que comparte Ferro es que fue a ver Pacifiction con Vignale y salieron tan entusiasmados que quisieron buscar la misma cámara que Serra había usado para filmar su película. Otra referencia importante, a la que se alude desde el título, es la poesía de Francisco Madariaga. “Nos preguntamos cómo podíamos capturar todo esto en una película y para ello sirvieron los referentes, pero en últimas está nuestra singularidad, que es a la vez la singularidad que nosotros nos queremos cruzar en la vida real: un pájaro en un tren, una pelota arrojada al cielo, un karateka en un hotel… Es difícil encontrar estas cosas en la vida pero no es imposible. La poesía existe antes que el ser humano y por ahí aparece cuando menos lo esperas”.

EL TREN FLUVIAL (23 octubre) Atalante / Argentina / 2026 Dirección: Lorenzo Ferro, Lucas Vignale Reparto: Milo Barría, Rita Pauls, Mariano Barria, Fabian Casas, Lucrecia Pazos

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FOTO: VALENTINE TORRE

después en otro y no se pregunta cómo pasó. Desde un principio queríamos que el personaje hiciera eso, que fuera saltando y fuese arrastrado por alguna especie de marea, pero donde nada de esto tiene importancia. Cuando soñamos somos seres realmente libres; esa libertad es el alma y la esencia de la película”, comenta Ferro, agregando que este mismo principio lo llevaron del papel al rodaje. “Así como cualquier idea puede entrar en un sueño, también podía entrar en el plan de rodaje. Había lugar para todo. Luego en montaje tuvimos que hacer un trabajo de reducción del delirio, pero trabajar de esa manera fue lo que le dio la huella a la película”. Este estado entre la vigilia y el sueño, tan anhelado por los surrealistas, fue el faro que guio muchas de las decisiones narrativas en la película, el tren como hilo conductor o el contraste entre el campo y la ciudad. A propósito, Ferro apunta: “El campo era para nosotros un lugar donde teníamos ojos de niño, a diferencia de la ciudad. Pero para el personaje de Milo el recorrido es a la inversa. El Al habla con Lorenzo Ferro El actor, cantante, compositor y ahora campo es lo que vive todos los días y director de cine argentino, nacido en es cuando va a la ciudad cuando se Buenos Aires el 9 noviembre de 1998, se sorprende de todo lo que pasa. Nos ha convertido a sus 27 años en una de las interesaba mucho verlo a través de grandes cabezas visibles de una nueva sus ojos, así como el limbo que regeneración de artistas argentinos. presenta el tren, ese momento en que estás a punto de quedarte dormido, pero todavía estás con un pie en la realidad. El tren es en muchos sentidos un instrumento para conseguir los sueños, un portal pantanoso o acuático que Milo atraviesa”. Algo parecido, por

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FOTOS: JAVIER DE ROJAS & RAFA GALAN

POR: RICARDO RUIZ VARO

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Desde que fantaseaban con montar una banda de rock en el instituto, Laura, Elia y Lucía no han parado de trabajar muy en serio para que La 126 existiese. Hoy, ese camino desemboca en ‘Nada puede hacernos mal’ (Mushroom Pillow, 2026), su primer álbum: un disco de rock guitarrero y sucio, en el que reivindican la amistad y la honestidad como refugio frente a las presiones de la industria y sus propias expectativas.

Laura, Elia y Lucía son amigas del instituto. Como tantos otros grupos de amigos adolescentes, un verano en Elche, entre juegos de mesa y conversaciones banales, fantasearon con la idea de montar una banda de rock. Lo que para la mayoría se habría quedado en eso, una simple conversación de verano, para ellas, hoy, varios años después, cristaliza en Nada puede hacernos mal, el primer álbum de La 126, una banda de rock que lleva la honestidad y la amistad por bandera. El secreto de su incipiente éxito no saben cuál es (que dirían aquellos), pero quizás algo tenga que ver con que, desde el primer momento, decidieron tomárselo muy en serio. “Desde que encontramos una sola oportunidad para poder creérnoslo, empezamos a tomarnos esto como si fuésemos trabajadoras, incluso cuando no era nada”, recuerda Lucía de Bunder, bajista. Esa primera oportunidad llegó con Que pase el siguiente, una canción que compusieron en 2022 para un cortometraje universitario que realizaron ella y Elia Sempere (batería), y con la que ganaron un concurso que les permitió financiar sus primeras grabaciones. “Decidimos cambiar el chip y dejar de pensar en que esto era un simple juego de tres chavalas. Empezamos a proyectarnos un poco lo que podía llegar a ser, más que lo que era realmente”, explica. Aquella primera oportunidad no fue, además, una excepción dentro de su trayectoria. La 126 ha crecido casi a la antigua usanza: presentándose a concursos de bandas, quedando entre las finalistas, ganándolos y convirtiendo esos pequeños éxitos en oportunidades para tocar en escenarios cada vez más grandes. En plena era de Spotify, TikTok y los artistas que aparecen de la noche a la mañana empujados por un algoritmo, el suyo ha sido un crecimiento mucho más progresivo, construido principalmente sobre los escenarios. Y a medida que La 126 ha ido creciendo, también han aparecido las decisiones importantes, las expectativas y la presión. Ellas son conscientes de que tomarse en serio el proyecto también significa enfrentarse a todo aquello que no se ve desde fuera. De ahí nace, precisamente, Nada puede hacernos mal, la canción que da título al disco y que funciona casi como una promesa entre las tres. “La música tiene cosas preciosas y por eso estamos aquí, pero también tiene otras malas de las que no se habla”, reconoce Laura Giner, guitarrista. “Esta canción surgió de estar perdida en un mundo que no conoces y al final decir: ‘Solo tengo a mis dos amigas y vamos a tirar esto para adelante como sea’”. Ese miedo no tiene tanto que ver con que la banda deje de ser di-

vertida como con equivocarse por el camino. “Sí que nos ha dado miedo tomar malas decisiones. Decisiones que a priori pensábamos que podían ser buenas y luego podían perjudicar en un futuro al proyecto”, continúa Laura. Lucía va incluso un poco más allá: “Monetizar algo siempre implica un poco de pérdida de diversión y de pérdida de una misma”. Frente a esa despersonalización, ellas apuestan por la amistad como anclaje a lo auténtico. No solo porque las tres se conozcan desde adolescentes, sino porque sigue siendo la base sobre la que construyen todo lo demás. “Sin amistad no hay discos, sin amistad no hay canciones y sin amistad no hay nada”, resumen. Laura lo lleva todavía más lejos: “Yo no tiraría a la basura mi amistad por seguir con una banda. Es lo prioritario, y luego ya va lo otro”. Pero Nada puede hacernos mal también supone un punto de llegada. Después de dos EP, La 126 siente que por fin ha conseguido trasladar al estudio aquello que llevaba tiempo descubriendo sobre los escenarios. El resultado es su trabajo más directo y contundente hasta la fecha: guitarras más afiladas, canciones que aprietan el acelerador y unas voces (las de las tres) que pierden cualquier miedo a gritar, ensuciarse o salirse de sitio. Hay melodía, pero siempre atravesada por una urgencia casi punk que el grupo ha ido adquiriendo a base de conciertos. “Yo creo que principalmente tocar en directo”, responde Elia cuando es preguntada sobre qué diferencia este álbum de sus trabajos anteriores. “Sobre todo en el primer EP: lo grabamos sin haber realizado ningún directo”. Ahora ocurre prácticamente lo contrario, la experiencia de tocar delante de gente ha terminado condicionando su manera de componer, grabar y hasta de entender la propia banda. “Para nosotras el concepto de La 126 empieza en el directo, hacemos canciones para tocarlas en el escenario”, refuerza Laura. Ese aprendizaje ha cambiado también su manera de trabajar juntas. “Ha sido la primera vez que nos sentamos las tres juntas a ver las canciones una por una. Horas y horas tirando ideas entre todas”, comentan sobre un disco que se ha compuesto a seis manos. Que La 126 haya crecido a golpe de escenario tampoco parece, por tanto, una simple casualidad. “Nos dimos cuenta muy pronto de que sin el directo y sin los conciertos La 126 no existiría, porque simplemente no nos interesaría que existiese”, explica Lucía. En un momento en el que, para muchos artistas emergentes, las redes sociales funcionan casi como una prolongación obligatoria de su carrera, ellas han preferido que el escaparate llegue después. “Si teníamos que demostrar

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“SI TENEMOS QUE DEMOSTRAR QUIÉNES SOMOS, QUE SEA EN EL ESCENARIO, NO EN LAS PANTALLAS”

quiénes éramos, que fuese delante de las personas en lugar de delante de las pantallas”. Eso no significa que renieguen de Instagram, TikTok o cualquier otra herramienta que pueda ayudar a que alguien llegue hasta sus canciones. Son conscientes de la importancia de una buena imagen, de los vídeos y de estar presentes en internet, pero lo entienden más como una puerta de entrada que como el destino final. Una herramienta, en definitiva, “para que a quien no nos conozca por ahí perdido en internet pueda llamarle algo la atención y luego se pase al directo, donde realmente nos gustaría que nos viera”, apunta Lucía. Laura incluso cree que su género conserva todavía algo de esa vieja lógica. “Siento que en el rock aún estamos un poco como en lo antiguo y me parece genial. Espero que siga así”. Precisamente, esa forma de crecer centrada en la música en vivo también ayuda a explicar el ecosistema en el que se mueve hoy La 126. En los últimos años se ha hecho cada vez más visible una generación de mujeres jóvenes acercándose al rock desde sonidos más directos, sucios y cercanos al punk. Aiko el Grupo, Shego, Las Petunias, TRONKAS! o las propias La 126 forman parte -con todas las diferencias que existen entre ellas- de una escena cuya presencia en determinados escenarios era mucho menos habitual hace apenas unos años. “Es que tenía que ser lo natural. Demasiado hemos estado tardando con esto”, responde Laura cuando se le pregunta por esa proliferación de bandas. Para ella, ese cambio no significa necesariamente que las mujeres hayan descubierto ahora un tipo de música. “El gusto por el rock, por el punk, por estar cabreadas y por hacer un sonido sucio ya venía de lejos. Lo que pasa (excepto en casos como Hole o The Breeders) es que no salía en la tele, en la MTV, y por eso parecía que no existía”. La diferencia está también en poder reconocerse al otro lado. “Mola que por fin tengas referencias que son mujeres, que puedas aprender de ellas”, celebra Elia. Y que Sleater-Kinney hayan llegado a donde siempre merecieron, aunque fuera con quince o veinte años de retraso. Ella avisa: “Hay que seguir destruyendo los bloqueos que todavía existen. Hay que aprovechar, entrar en los espacios como sea, porque es una mierda tener barreras y que no haya oportunidades”. Porque que cada vez haya más mujeres sobre los escenarios no significa que hayan desaparecido ciertos automatismos dentro de la industria. “Creo que sigue habiendo un cupo que hay que cumplir y que muchos festivales se acogen a eso con la excusa de que, si no, se les echan encima en redes”, lamenta la bate-

ría. Las barreras no terminan en la confección de los carteles: Lucía recuerda situaciones de condescendencia también en el propio directo. “Si no lo notas de alguna forma desde el festival, ya está el técnico de sonido para dejártelo claro”. En una ocasión, cuenta, llegaron a explicarle cómo se encendía una petaca de sonido. “Nos seguimos quedando a cuadros con situaciones así”. Esa voluntad de ocupar espacios sin dejar que esos mismos espacios definan quiénes tienen que ser atraviesa también Alguien especial, uno de los adelantos del disco. “Aúna un concepto mucho más simple, como el hecho de ser quien te dé la puta gana”, explica Lucía. Una reivindicación que, en su caso, adquiere también una dimensión artística: crecer implica que cada vez haya más ojos pendientes de lo que hacen, pero ellas se resisten a convertir La 126 en una identidad inamovible. “Vivimos en un mundo que te obliga a conseguir una personalidad cuanto antes para poder lucrarte de ella durante toda tu vida, explotar esa personalidad y especializarte”, reflexiona. Frente a eso, prefieren conservar algo tan sencillo -y a veces tan complicado- como “la tranquilidad de poder cambiar cuando quieras”. Incluso si dentro de dos años ese giro pasa, bromean, por hacer un disco lleno de sintetizadores. Laura niega insistentemente con la cabeza, pero Lucía insiste: “Por lo menos queremos tener la tranquilidad de que podemos hacerlo y que nadie tiene la verdadera potestad de cambiarnos en ese sentido”. La palabra que utilizan para explicar dónde ponen el límite es 'honestidad'. No hacer algo simplemente porque pueda funcionar mejor, llevarlas más lejos o encajar en lo que se espera de ellas. “No nos gusta hacer las cosas por hacer o por llegar a más”, continúa Lucía. “Nuestra forma de expresión es la honestidad y, realmente, desde las letras de las canciones, la música, hasta que vayamos en un videoclip disfrazadas de conejo, estrella y princesa medieval, todo parte de esa honestidad por detrás”. Y esa máxima está en el núcleo del grupo. “No estamos performando de ninguna manera. Lo que vas a ver de La 126 realmente siempre somos nosotras”. Siendo honestas, a punto de que se publique su primer largo, el nerviosismo aparece. “Yo me cago viva si lo pienso mucho”, asegura Lucía. Pero Laura se reafirma: “Confiamos mucho en el disco. A día de hoy no le sacamos un pero”. Frente a esa incertidumbre, Lucía encuentra una certeza bastante más sencilla. “Tengo a mis dos amigas, tengo un grupo, confío en ese sentimiento de cooperación y pienso que realmente nada puede hacernos mal”.

UNA CARRERA COMO LAS DE ANTES La 126 ha construido su camino como en la era pre redes sociales. Tras debutar en 2023 con el EP Todo venía de antes (Autoeditado), comenzaron a hacerse hueco en concursos de bandas que acabaron funcionando como trampolín: entre ellos, el Emerge Vibra Mahou, gracias al cual, en 2024, consiguieron tocar en Low Festival. Un año después publicaron TE ENTERAS? (Pink Flamingos, 2025), un segundo EP en el que endurecieron su sonido y empezaron a perfilar la identidad que ahora culmina en su primer largo. En 2026 han sido seleccionadas por dos ciclos Girando Por Salas y Artistas En Ruta. Una trayectoria progresiva y constante, construida más sobre el directo que sobre el algoritmo.

NADA PUEDE HACERNOS MAL (MUSHROOM PILLOW, 2026)

DIGITAL / LP

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Nada puede hacernos mal / Alguien especial / Todo puede pasar / Despedida (de una vez por todas) / Dime dónde estás / Lo último que haré por ti / Quiero guardarte / Me quedo dormida / ESCUPIR / Vamos a bailar

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POR: ALBA G VALERO

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Tras conquistar el Premio PELONIO New Talent en EGO, Karla Aguilar abre las puertas de AMORFO, una colección en la que cuerpo, emoción y transformación se encuentran. Desde Barcelona, la diseñadora convierte la herida, la vulnerabilidad y la experimentación material en un lenguaje propio que reivindica la belleza de lo imperfecto.

Desde NUEBO hemos conversado en primera persona con Karla Aguilar sobre inspiración, cuerpo, materiales y emociones, y sobre cómo AMORFO ha transformado su manera de crear. ¿En qué momento supiste que querías dedicarte a la moda? ¿Cuándo sentiste que habías encontrado tu lenguaje? Creo que no hubo un momento exacto. Siempre he tenido una necesidad muy fuerte de crear y durante mucho tiempo pensé que mi camino serían las Bellas Artes. Me encanta pintar, la fotografía, la escultura, visitar museos… Hasta que descubrí que en la moda podía unir todas esas disciplinas. Encontré mi lenguaje cuando entendí que no tenía que limitarme a diseñar ropa: podía intervenir tejidos, pintar, deformar volúmenes, experimentar con materiales y trabajar el cuerpo casi como una escultura. Ahí entendí que la moda podía ser mi forma de contar cosas. ¿Qué queda de aquella Karla que empezó a diseñar en la diseñadora que eres hoy? Sigo teniendo la misma curiosidad y las mismas ganas de experimentar, aunque ahora entiendo mejor cómo transformar esas ideas en un lenguaje propio. Estudié cuatro años en IDEP Barcelona y allí aprendí muchísimo. Profesores como Krizia Robustella me enseñaron a ser más libre creativamente; Xènia Simón me descubrió el mundo de los tintes y la intervención de tejidos; y Mireia Ruiz me introdujo en los bioplásticos, algo que después ha tenido mucho peso en AMORFO. Barcelona tiene una identidad creativa muy marcada. ¿Cuánto hay de la ciudad en tu manera de entender la moda? Barcelona es una fuente de inspiración constante. Soy muy curiosa y me encanta visitar museos y fijarme en los detalles. Admiro muchísimo a Miró, especialmente cómo trabaja el color y la materia, y me fascina Gaudí por sus formas orgánicas y su relación con la naturaleza. Aun inconscientemente, todo eso acaba entrando en mi trabajo. ¿Qué artistas y disciplinas han construido tu imaginario? Miró y Gaudí han sido muy importantes para mí. También me atrae muchísimo la moda asiática, especialmente diseñadores japoneses como Rei Kawakubo e Issey Miyake, por su manera de experimentar con el volumen, las formas y el cuerpo. La pintura, la escultura, la fotografía y la arquitectura también están muy presentes.

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Si tuvieras que señalar tres momentos que hayan cambiado el rumbo de tu trayectoria, ¿cuáles serían? El primero fue cuando terminé la ESO y decidí estudiar Imagen para el Diagnóstico. Quería tener una estabilidad económica que después me permitiera estudiar moda. El segundo fue cuando rechacé un trabajo fijo en el hospital donde trabajaba para poder terminar la carrera. Fue renunciar a algo seguro por algo que realmente quería. Y el tercero fue el día que Rubén Gómez, de Pelonio, me escribió por Instagram. Salí de la carrera bastante triste y Karla Aguilar (2002, Barcelona) es una diseñadora barcelonesa formada en IDEP que combina artesanía, experimentación material y escultura. Con su primera colección, AMORFO, explora cuerpo, emoción, transformación y belleza desde una mirada contemporánea.

sentía que quizá no había un hueco para mí en la moda. Que Rubén encontrara mis diseños y viera algo en ellos hizo que volviera a creer en mi trabajo. A partir de ese mensaje acabé presentando mi primera colección. AMORFO nace de experiencias muy íntimas, como la disociación y una quemadura que sufriste a los 15 años. ¿Qué te llevó a convertirlas en una colección? Era una experiencia personal que necesitaba transformar en algo creativo. La disociación cambió mi manera de percibirme y mi relación con mi cuerpo, y la moda me permitió dar una forma física a algo difícil de explicar con palabras. También está muy ligado a la quemadura de tercer grado que sufrí en el brazo cuando tenía 15 años. Aquello cambió mi relación con mi cuerpo y con lo que entendemos por belleza. Con AMORFO quería transformar todas esas experiencias en algo bello. Hacer belleza de lo diferente, lo imperfecto. ¿Hay alguna pieza que sientas especialmente cercana? El vestido de seda teñido a mano con cochinilla. Fue la primera prenda de AMORFO que confeccioné y teñí, y contiene mucho de lo que quería contar con la colección. Las líneas y texturas recuerdan a una piel quemada, mientras que la seda aporta un movimiento muy orgánico. También existe una contradicción que para mí es importante: las mangas largas parecen querer esconder y proteger el cuerpo, pero la transparencia de la seda lo muestra. Esa mezcla entre esconderse y querer mostrarse resume muy bien AMORFO. Uno de los aspectos que más ha destacado el jurado es la combinación de artesanía y sostenibilidad. ¿Qué significa para ti hacer moda sostenible? Para mí, la sostenibilidad no consiste únicamente en elegir determinados materiales, sino en la manera de entender y construir una prenda. Intento trabajar desde lo artesanal: teñir a mano, intervenir tejidos, experimentar con bioplásticos y aprovechar los materiales generando el menor residuo posible. Me gusta trabajar con tejidos naturales porque siento que tienen alma. Sus irregularidades y la manera en que reaccionan al tinte hacen que cada pieza sea diferente. También creo que es sostenible crear prendas con identidad, que tengan valor y sentido más allá de una temporada. Has experimentado con gelatina biodegradable... Trabajar con materiales nuevos me da mucha libertad creativa. La gelatina me permite tratar una prenda casi como si estuviera esculpiendo: crear volúmenes, texturas y formas difíciles de conseguir con un tejido convencional. También quiero investigar materiales con menor impacto ambiental. Hasta ahora he trabajado con gelatina de origen animal, pero es algo que quiero replantearme. Mi siguiente paso es experimentar con alternativas vegetales, como formulaciones a base de algas. Si AMORFO habla de esconderse, protegerse, transformarse y finalmente exponerse, ¿en qué momento estás tú ahora? Exponerme. Durante mucho tiempo he creado de una forma muy íntima, sin saber si lo que hacía iba a interesar a alguien o si podía encontrar mi sitio en la moda. Y de repente AMORFO ha salido de mi habitación, de mis manos y de mi cabeza para estar en una pasarela y ser visto por muchísima gente. Para alguien tímido no siempre es fácil. Pero estoy viviendo un momento muy bonito: ahora tengo muchísimas ganas de descubrir qué más hay para mí.

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“CON AMORFO QUERÍA TRANSFORMAR TODAS MIS EXPERIENCIAS NEGATIVAS CON EL CUERPO EN ALGO BELLO. HACER BELLEZA DE LO DIFERENTE, LO IMPERFECTO”

POR

TO: ALEJANDRO FAMOS AIN / FO R B A : GALO

Tras impactar con 'Juegos violentos', el rock de Puño Dragón regresa sin casi tomar aliento con su tercer disco, 'A palos', continuación de esa filosofía desenfadada, paradójica, igual de fresca que un viejo manantial, que les ha hecho un hueco en los tímpanos nacionales.

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Hay que ver con los norteños, colega. Su rispidez solo es comparable a la ternura que revelan cuando has conseguido escarbar un poco. Los asturianos tienen algo, una sonrisa taimada, una simpatía honesta, que no despega en las conversaciones con cañonazos verbales instantáneos ni entusiastas anécdotas agitadas al aire como pañuelos de boda. Los Puño Dragón, como orgullosos ovetenses, cumplen con el prospecto de su denominación de origen: les cuesta soltar prenda, deshacerse en el anecdotario que los lleva a construir esas canciones a medio camino entre el sopapo y la caricia con las que han dado un soberano subidón. Al preguntarles, sentados los cinco (Rafa Tarsicio y Germán Mingote, voz y guitarra; Manu Huertas, batería; Rubén Loro, teclado, y Julián Seijas, bajo) alrededor de la

mesa de una tabernita madrileña sobre las vivencias que esconden sus versos, Tarsicio zanja la cuestión: “No nos gusta decirlo. Mola que la peña interprete y, cuando vienen con una historia que no es la correcta, para nosotros es buena también. No hay que acotarle las canciones a la gente. Muchas veces la verdad es peor de lo que tú te puedas imaginar cuando escuchas un tema”. Esa dualidad entre lo lírico y lo incisivo, que enfrenta cierto grado de misticismo, forma parte indiscutible de sus formas. Lo del filo del cuchillo untado en caramelo, el chorro épico que pica pero no duele y esas paradojas, que tan cerca quedan de la realidad y que tanto les caracterizan. Ojo, no

buscan reinventar la rueda, como aseguran, pero ofreciendo ese contrapunto sí aspiran a evitar la previsibilidad y la planitud. Poco a poco, se va creando un ambiente más cálido. La magia de la confianza regada en chistecitos pueriles lanzados por este cronista aligera la sensación de tercer grado. Los miembros de Puño Dragón comienzan a mofarse, fraternales y risueños, riéndose entre ellos -nunca solo de uno de ellos-, y dan fe de lo que los hace fuertes: su colegueo. La camaradería en esa trinchera de la carretera que, o bien se convierte en pegamento de contacto, en anfetamina social o en aguarrás premium. En su caso, a la manera de Motörhead, (We Are) the Road Crew, la carretera los hace fuertes. “Nunca paramos de hacer música; forma parte del ADN de la banda”, incide Mingote. “Se nos da muy bien estar de gira y, al mismo tiempo, componer, grabar, mezclar, masterizar y planificar los videoclips. Lo hacemos todo de forma continua porque es nuestra verdadera pasión. Si disfrutamos cada una de las fases del proceso y tenemos la oportunidad de hacerlo, ¿por qué íbamos a frenar?”. Dios libre a este juntaletras de incitar a los fisting draconianos al desgaste de sus pastillas de freno. Están surfeando la ola y, si no se les tuerce, podrían acabar marcándose espectaculares alley-oops o haciendo eso de meterse en un tubo que mola cantidubi y parece pila difícil. Dicho sin ambages, Puño Dragón están en las primeras sílabas del Kamehameha, a punto de hacer estallar la onda de energía,

pero al igual que le pasó a su inventor, el Maestro Roshi, no ha sido moco de pavo llegar hasta aquí. Lo de Son Goku, que lo hace nada más verlo, es puro cuento. “Nunca definiríamos esto como un crecimiento exponencial”, zanja Manu Huertas, “sino como un trabajo constante, muy de hormiguita. Cada paso que damos es firme porque detrás hay un bagaje extenso por parte de todos los miembros”. Así, afirman sentir que saben hacia dónde se dirigen, pero disfrutan del horizonte sin definirlo. Caminante no hay camino, se hace camino al andar, y lo mismo que corona los deltoides de miles de mascachapas de gimnasio en letras góticas puede aplicarse a estos ovetenses, corajudos jugadores que se mueven más por instinto que por cálculo. Una expresión despreocupada, libre. Dentro de los límites, orgánica, como una flema cuajadita, que parece haber reconectado con el público. Mingote reflexiona sobre este éxtasis del desenfado señalando que ellos siempre han buscado la naturalidad, sin imposturas. “A veces da la impresión de que la escena indie está algo encorsetada o que todo está excesivamente calculado y preparado. Nosotros transmitimos una sensación de espontaneidad, de hacer las cosas sin que parezcan requerir un esfuerzo artificial, aunque detrás haya muchísimo trabajo. Es probable que el público necesitase un proyecto que aportase esa frescura y esa autenticidad”. Una pesquisa que es fácil sospechar queda retratada en el título de su recién horneado álbum: A palos. “Es un sintagma muy polisémico”, apunta Tarsicio. “El álbum es, en cierta forma, un diario del último año. Profesionalmente fue nuestro mejor año, pero en lo personal todos atravesamos momentos difíciles. La vida nos dio palos al mismo tiempo que nos daba grandes alegrías”. De nuevo, la ironía, la palpable paradoja que tiende a imponerse en esta mezquina vida. Sin embargo, apuntan todos, no es un disco pesimista. Los baches han quedado plasmados en canciones que versan sobre el poder de la amistad y la familia que se crea, lo único perdurable frente al tentador chute de individualismo que nos infecta. Una cepa agresiva que empuja a querer saltar encima de cualquier moda a fin de confraternizar con las tendencias, inevitablemente moribundas, a las que se agarran los pimpollos faltos de personalidad. “El rock es un género sumamente amplio y polifacético. Nosotros no nos consideramos un grupo encasillado en un único subgénero; somos un grupo que compone canciones y hace que el estilo se adapte a cada tema, no al revés”. Así pues, alcen los puños camaradas, pero no como si estuvieran en una cita de Comisiones Obreras sino como en Dragon Ball, porque la onda vital está por iluminarlo todo.

“EN LA ESCENA INDIE TODO ESTÁ DEMASIADO CALCULADO. NOSOTROS QUEREMOS TRANSMITIR FRESCURA Y ORIGINALIDAD”

De to se sale / Obvio que sí / Todos los charcos / Fogonazo rápido / Suaave / Cuchillo de rayo de luna / Si ves que no respondo / Mañana es hoy / Solía hacerlo mejor / Hasta que salga el sol / Y cómo sabe! / Subir por el Puerto CD / DIGITAL / LP

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A PALOS (ALTAFONTE, 2026)

POR: GABRIEL CAREY

Ya convertido en todo un maestro del reciclaje de códigos, en su último disco el argentino transforma el significado peyorativo de la palabra en puro orgullo, a la vez que tiende puentes con los iconos latinos del pasado. Hablamos con Mateo con motivo de su inminente gira por España: Barcelona (13), Tenerife (16) y Madrid (21).

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FOTOS: JULI GARCÍA

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RU EN

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El debut madrileño de Trueno tuvo lugar el 1 de noviembre de 2021 en La Riviera. El artista argentino había lanzado su primer álbum, Atrevido, y se encontraba en su primera gira internacional. Alrededor de cuatrocientas personas fueron a verlo. Cuatro años después, llenó el Movistar Arena. Entre medias, estrellato mainstream y consolidación total. Trueno no eligió nada de esto, pero nació para ello. “No sé si soñaba con ser mainstream. Me tocó, en cierto punto”. Después del hit masivo de Real Gansta Love, nº 1 en España y top 10 mundial en Spotify, y de colaborar con artistas de la talla de Gorillaz y De La Soul, Trueno ya no es el rapero underground que revolucionó el mundo del freestyle argentino. Él cree que dejó de serlo hace mucho tiempo. “La gente te escucha o no te escucha, y cuando uno ya vive de esto, creo que deja de ser underground”. A pesar de todo lo que ha conseguido a la corta edad de 24 años, Mateo Palacios asegura tener los pies en el suelo. “Nunca doy nada por garantizado. Todo esto sigue siendo un sueño y cada vez que saco una gira, un disco o voy a un país diferente, siempre tengo la incertidumbre de saber si a la gente le gustará el show, si han escuchado el disco…”. Aquel primer concierto en el Movistar Arena madrileño todavía persiste en su memoria como uno de los momentos más importantes de su carrera. “Cerrar esa gira en Madrid fue como el premio después del trabajo. Fue el mejor show de toda la gira. Ese, el de México y el de Argentina”. Tras el lanzamiento de TURR4ZO, el argentino está dispuesto a repetir la magia en el mismo recinto el próximo 21 de octubre. “Este es un álbum de consolidación artística conmigo mismo, y el show también va a ser más conceptual. Queremos que sea una película”. Un artista preocupado por dar el espectáculo de mayor calidad posible no es demasiado común en el ámbito del hip hop, en parte por sus raíces DIY. “El hip hop siempre fue muy ABC: DJ, MC… Y muchos ni siquiera usan auriculares. Yo fui aprendiendo y me fui encontrando”. Y lo que encontró fue la tradición de todo un país. “Argentina es muy rock, muy de banda en vivo y de salir con instrumentistas al escenario. Fui acercándome y mezclando esos mundos”. El argentino continúa incorporando elementos a su espectáculo, que al igual que su discografía, no deja de ser cambiante. “Hasta TURR4ZO traté de hacer cada disco muy diferente al anterior. El primero fue para mi barrio. El segundo fue mucho más alternativo. El tercero más digital. Y así voy a seguir”. Planteado como una carta de amor a la música argentina, y ya no tanto al rap con el que creció, el cuarto álbum de Trueno es un recorrido por los géneros musicales más importantes del país, desde la cumbia villera y el rock hasta el tango y, por supuesto, el rap. “Lo que no va a cambiar nunca es el hip hop. Todos mis discos serán más o menos alternativos, menos o más argentinos, pero lo que no puedo hacer es no rapear. Es mi masa madre”. El sabor autóctono del LP va más allá con la presencia de iconos argentinos y latinoamericanos, de Andrés Calamaro a Ruben Rada. “Yo los pongo en el mismo level que Pity,

LA SANTA TRINIDAD

Cypress, Marcelo D2 de Brasil… Son nuestros padres. Los que estuvieron antes de nosotros y construyeron este camino”. Más allá de sucumbir al nerviosismo, El último disco de Trueno Trueno aprovecha sus colabodeja a un lado los referentes raciones con artistas veteranos yanquis y se fija en los grandes para servir de 'aprendiz'. “Conomitos de Latinoamérica. cer a gente como los Avengers y darte cuenta de que son lo más humilde, que son personas que vienen, te saludan, te aconsejan y te comparten música… Esas son las cosas más gratificantes”. Este es el ADN musical de RUBEN RADA Trueno, que no recurre a estas Mito de la canción uruguaya figuras como outsider, sino y latinoamericana, Rada ha como fan. “Mis viejos me criafallecido este verano a los 83 ron un montón con Rubén, Caaños, después de toda una vida lamaro, Charly, Víctor Heredia, fusionando el rock y el jazz con el Fito… Tenemos un país con candombe, la samba o la bossa nova, ya fuera en solitario o con unos poetas y unos artistas que las bandas Totem u Opa. son históricos. Tenerlos cerca es una locura, porque más o menos lejanos, hacemos lo mismo. Somos argentinos haciendo música”. Son artistas jóvenes como Trueno los que a su vez están haciendo que el legado musical latinoamericano siga vivo para CARLOS GARDEL las nuevas generaciones. “AnIcono de la música y la cultura tes estaba todo muy dividido argentina, realmente Gardel –el hip hop, el rock, la cumbia, nació en Francia. A lo largo de su vida probó con éxito en el mundo qué sé yo- y siento que ahora de la actuación y apadrinó a una llegó una generación de artisgran generación de guitarristas, tas dispuestos a entrelazarse y pero sobre todo fue el estandarte compartir”. Y formar parte de mundial del tango. ella es una decisión totalmente consciente. “Siempre hablo con mi entorno de que lo más gratificante y lo que me pone muy feliz es que me siento de los que más respetados son por los viejos, por así decirlo. Me quieren ALFREDO ZITARROSA mucho y se han acercado con mucho amor casi todos los artisZitarrosa fue el gran representante de la Nueva Canción en tas que admiro”. No es raro ver a Uruguay y uno de los grandes deTrueno compartir escenario con sarrolladores de la milonga como un OG. Ya lo hizo en su primera forma sonora. Más poeta que aparición en el Movistar Arena cantautor, su obra es cotidiana y de Madrid con el freestyle de autobiográfica, y está atravesada Chuty. “Siempre que pude colapor su implicación política. boré o hice algo en el escenario con artistas de otro género y época. Estamos en conexión y eso es muy importante”. La visión multicultural de Trueno en directo va de la mano con la euforia, pero nunca deja de lado su objetivo principal. “Hay temas más tranquilos, más raperos, más de saltar, más de pop, pero siempre siento que terminamos logrando la misión: que la gente se vaya transpirada, mojada, a su casa”. El argentino promete un espectáculo más grande, pero con el mismo corazón. “Le sumamos un plus al último Movistar Arena, pero con la misma infraestructura de banda. Y, aun así, siento que el show de TURR4ZO es bastante rapero en comparación con todos los que hice”.

“ARGENTINA ES MUY ROCK, MUY DE BANDA EN VIVO Y DE SALIR CON MÚSICOS AL ESCENARIO”

Con el combo / X unas llantas / Turrazo / Pumas / Zombi / Estilo sudaka / Bailando sola / 90s / Uruguay / Grillz / Delivery Freestyle / 1000 horas / Rain IV / Pity in the Sky CD / DIGITAL / LP

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TURR4ZO (SONY, 2026)

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

De todas la criaturas surgidas del terror y la mitología popular, el zombie quizá ha sido el que mejor ha sabido adaptarse al zeitgeist de diferentes épocas, probablemente porque las pandemias, el barro, las guerras, lo opresivo de nuestras ciudades u otras paranoias contemporáneas son su caldo de cultivo. Sal de la tumba y prepárate para la noche de los muertos vivientes con este festín de cincuenta obras en las que los zombies son los auténticos protagonistas.

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El mito del zombie apareció durante la época colonial como reflejo y espejo de los miedos a la esclavitud y a la pérdida de identidad de la población haitiana. En Occidente lo popularizó el escritor William Seabrook en la novela de 1929 La isla mágica, y al cine llegó no mucho más tarde, en 1932, con La legión de los hombres sin alma, dirigida por Victor Halperin e inmortalizada por el carismático Bela Lugosi. Pero aquel era un muerto viviente muy diferente al que conocemos actualmente. Al principio, el zombie fue más bien una distorsión blanca, una malinterpretación, de los rituales y mitologías del vudú, porque todo el tema de la sangre, la resurrección blasfema de la carne o la posesión del alma le sonaba a los colonos demasiado infernal y pecaminoso. Con el tiempo, la Guerra Fría y la decadencia del sueño americano se convirtieron en el contexto perfecto para que George A. Romero reconstruyera este miedo atávico tan relacionado, paradójicamente, con un deseo

incontrolable de desafiar las leyes de la naturaleza, a la misma mortalidad. La serie B, después, despojó al género zombie de su posible hondura filosófica, y prefirió reforzar el componente satírico de su crítica social, descontrolando el gore y los excesos gráficos para acercarse a la comedia extrema. Esto terminó derivando en un manojo de tópicos, y así se mantuvo en general hasta que el clima geopolítico mundial volvió a virar y a caldearse ante la llegada del milenio: el terror biológico y bacteriológico, con el ántrax y las crisis del Ébola o de las vacas locas como máximos exponentes, dieron lugar a la corporación Umbrella o el Virus T, y en consecuencia a la saga Resident Evil. Los zombies servían para explicar un mundo en alarma ante enemigos y crisis comunes, pero también para escarbar en las intrigas y conspiraciones políticas que rigen nuestros miedos. El 11-S, claro, llevó esto al paroxismo: el terrorismo y las acciones bélicas inyectaron munición infinita en el subgénero,

justificando un viraje desde la tensión del terror de supervivencia a la acción encarnizada; la velocidad subió, y también la inversión, la recaudación, la magnitud. Y las mejores obras fueron las que supieron, ahora sí, dejar al zombie en el contexto para exponer al ser humano ante sus propias miserias: historias de amor que, sorprendentemente, destilan pura ternura; epopeyas cotidianas frente al apocalipsis que nos recuerdan que el verdadero peligro para nuestra especie somos nosotros mismos, pero también la mayor esperanza. Dilemas morales que se plantean cuando la vida y la sociedad han de abrirse nuevos caminos. Hoy, que los zombies somos un poco todos, abotargados por el scroll infinito que vomitan nuestras pantallas, no está demás recordar que en la mayoría de estas historias, los zombies, sí, eran las verdaderas víctimas. Y ya, si te pones al día con lo que no hayas visto, leído o jugado de esta lista, lo bordas. Creénos, te sentirás de muerte.

LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES George A. Romero / 1968 / Film

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Originadora del mito del zombie, del muerto viviente por excelencia, y punto de partida y tótem de la producción independiente y de bajo presupuesto. La obra maestra de George A. Romero, con su crudeza visual, realzada por un blanco y negro tan realista como fantasmagórico, dio lugar a una mitología que introducía el clima social, político y cultural de la revolución de finales de los 60 en una obra donde el enemigo no eran esos muertos resucitados, sino los terrores y la intolerancia de una sociedad racista y reaccionaria, que pronosticaba y reproducía en tiempo real los horrores de la administración Nixon con ese final tan pesimista y sorprendente. Entre medias, frases tan míticas como ese “They’re coming for you, Barbara”, o la ruptura de todo límite representado en la pantalla grande como ese parricidio perpetrado por la niña.

28 DÍAS DESPUÉS Danny Boyle / 2003 / Film

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Si entre 1968 y 1985 George A. Romero y otros autores desarrollaron y popularizaron el mito del muerto viviente, a partir de ahí, y durante la década de los 90, el zombie en la cultura popular estuvo casi desaparecido, siendo el único lugar donde floreció el mundo del videojuego, con la saga Resident Evil a la cabeza. Pero el 11-S y la consecuente crisis global de terror y miedo mundial abonaron el cementerio para que los zombies renacieran. Y cómo… Los encargados, el guionista Alex Garland y el director Danny Boyle, que cambiaron a los muertos por infectados y rompieron las reglas no escritas de la mitología zombie con unos seres aún más terroríficos por su extrema velocidad. Pero, además, al igual que Romero, Boyle entregaría un trabajo casi documental, gracias al uso de cámaras digitales lowres para, de nuevo, demostrar que el verdadero enemigo del hombre es el propio hombre.

THE WALKING DEAD Robert Kirkman, Charlie Adlard 2003 / Cómic Casi como si Boyle y Kirkman se conectaran a una mente colmena, el mayor éxito del cómic independiente dio lugar a una obra maestra de pesimismo y caracterización extrema.

VINIERON DE DENTRO DE… David Cronenberg 1975 / Film El maestro Cronenberg rompería los límites entre softcore y cine de terror en esta perversa y satírica visión del mito zombie pasada por el filtro ansioso y animal del deseo sexual.

PLANET TERROR Robert Rodríguez / 2007 / Film

ZOMBIES PARTY Edgar Wright / 2004 / Film

RESIDENT EVIL 4 Shinji Mikami (Capcom) / 2005 / Game

La mejor película de Robert Rodríguez, desatado y encomendado a su amor por la Serie Z y respaldado por una Rose McGowan icónica. ¿La mutilación puede ser sexy?

En su debut como director, Edgar Wright nos habla de cotidianidad, amistad, amor y costumbrismo British en esta Noche de los muertos vivientes divertida y a la vez melancólica.

Mikami ya había sentado cátedra en esto de los zombies y el survival horror con el primer Resident Evil (1996), y supervisó una trilogía original que es historia indeleble del género. Pero cuando volvió al mando con RE4 no le valió con refundar su propia fórmula desde las 3D, también revolucionó el mundo de los videojuegos introduciendo la cámara al hombro. El remake de 2023 lo sublima aún más.

MARVEL ZOMBIES Robert Kirkman, Sean Phillips 2005 / Cómic Uno de los tebeos más divertidos e irreverentes de la Marvel dosmilera, de la mano del creador de The Walking Dead y el dibujante del Criminal.

RE-ANIMATOR Stuart Gordon / 1985 / Film

GUERRA MUNDIAL Z Mark Brooks / 2006 / Libro No confundir con la mediocre adaptación cinematográfica protagonizada por Brad Pitt. La novela original es una joya ficciodocumental en la que el realismo crudísimo aterra.

AMANECER DE LOS MUERTOS George A. Romero / 1978 / Film

Basada muy libremente en el relato de Lovecraft Herbert West: Reanimador, Stuart Gordon entregó una de las cintas de terror más gráficas e influyentes de los 80.

Romero continuaba su mirada cáustica a la sociedad yanqui trasladando la acción al mall, el templo de consumo por excelencia, y aumentando exponencialmente la casquería.

YO ANDUVE CON UN ZOMBIE Jacques Torneur / 1943 / Film Antes de Romero, el mito zombie surgía de las tradiciones haitíanas y el vudú. Y como siempre, Jacques Tourneur ofrecía unas obras rodeadas de atmósferas oníricas.

BRAINDEAD: TU MADRE SE HA COMIDO A MI PERRO Peter Jackson / 1992 / Film Al igual que Re-Animator, la obra del Jackson no anillizado era un festival de sangre, risas y gore, con una Diana Peñalver convertida en scream queen.

THE HOUSE OF THE DEAD Takashi Oda (Sega) / 1998 / Game

THRILLER (MICHAEL JACKSON) John Landis / 1983 / Clip

Un shooter sobre raíles, homenaje al terror de Serie B más casposo y a la vez más divertido, que nos hizo gastar ingentes cantidades de dinero en los salones recreativos.

Existe un antes y un después del videoclip de Thriller, fruto de los esfuerzos de tres artistas en plenas facultades. En primer lugar, Michael Jackson, que quería revolucionar la manera de promocionar su música. Luego el director John Landis, que aunque mala persona, venía de romperla junto a la tercera persona de este triunvirato de ases, Rick Baker, con Un hombre lobo americano en Londres. Entre los tres se sacaron un revolucionario corto de 15 minutos con prólogo cinematográfico y meta donde brillaban las habilidades de Barker como maquillador, y luego un baile icónico que aterrorizó y fascinó por igual a todos los niños de los 80.

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RESIDENT EVIL Zach Cregger / 2026 / Film El tren de la bruja perfecto, esta versión tan perpendicular en el fondo como fidedigna en las formas a la saga de Capcom demuestra la pericia de puesta en escena de un Cregger magistral.

EL MÁS ALLÁ CON ARCHIE R. Aguirre-Sacasa, F. Francavilla 2013 / Cómic La luminosidad de un icono de la americana como Archie choca con la oscuridad siniestra y los claroscuros del arte de Francavilla. Uno de los tebeos más sorprendentes de los últimos años.

TREN A BUSAN Yeon Sang-ho / 2016 / Film Un sleeper que revolucionó el cine de infectados al encerrar el apocalipsis en los vagones de un tren en movimiento. La genialidad de Yeon Sang-ho no radica solo en el ritmo frenético de sus zombis veloces y contorsionistas, sino en su cruda radiografía social: a través de un padre egoísta obligado a proteger a su hija, la película explora el egoísmo humano frente al sacrificio colectivo. Con una tensión implacable, secuencias de acción coreografiadas con maestría y una profunda carga emocional, esta joya surcoreana se consolida como una obra maestra moderna del género zombie.

SOY LEYENDA Richard Matheson / 1954 / Libro Novela fundacional para entender la evolución del mito vampírico y de los muertos vivientes en la contemporaneidad, adaptada libremente al cine por Francis Lawrence y Will Smith en 2007.

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HIGH SCHOOL OF THE DEAD Tetsuro Araki / 2010 / Anime

AMANECER DE LOS MUERTOS Zack Snyder / 2004 / Film

Pilar imprescindible en el anime de terror y supervivencia, High School of the Dead destaca por su ritmo frenético y una espectacular animación a cargo del reconocido estudio Madhouse, encargada de retratar el colapso social de forma cruda y visceral. Aunque la serie es sumamente famosa por su abundante ‘fan service’ y desvergonzado erotismo, bajo esa capa se esconde una atmósfera de constante tensión y una inteligente crítica al egoísmo humano. La brutalidad de sus escenas de acción y sus memorables muertos vivientes lo convierten en una obra adictiva, un absoluto clásico de culto digno de este top 50 global.

La primera película del denostado Zack Snyder, de la mano del guion de un también primerizo James Gunn, entregaba un respetuoso homenaje al cánon de Romero.

RABIA David Cronenberg / 1977 / Film

DEAD ISLAND Pawel Merchewka (Techland) 2011 / Game

DCEASED Tom Taylor, Trevor Hairsine 2019 / Cómic La versión DC del Marvel Zombies de Kirkman a partir del Cuarto Mundo de Jack Kirby, de la mano del creador de Injustice. Tuvo spin-off con zombis nazis.

Protagonizada por la actriz porno Marilyn Chambers, esta pseudosecuela de Vinieron de dentro de… destacaba por su provocadora imaginería y dejaba entrever la eclosión del director.

Dead Island transformó unas vacaciones de ensueño en una pesadilla tropical. Su brutal combate cuerpo a cuerpo y el gran gore redefinieron el survival.

DEAD RISING Yoshinori Kawano (Capcom) 2006 / Game ¿Qué hay más divertido que ir de compras a un mall en los dosmiles? Pues acabar de todas las maneras con zombis en este exploit de Amanecer de los muertos.

IZOMBIE Chris Anderson, Michael Allred 2010 / Cómic Una de las sorpresas más interesantes de la última etapa del primer ciclo de Vertigo. Zombies enamorados y con sentimientos dibujados con ese punto retro de Allred.

RESIDENT EVIL Paul W. Anderson / 2002 / Film

REC Jaume Balagueró, Paco Plaza / 2007 / Film

Gracias a una Milla Jovovich elevada al panteón de las musas de la Serie B, Anderson fusionó los videojuegos con Cube y después descorchó una saga con resultados... cuestionables.

¿Era posible mezclar un FPS estilo Doom, el survival horror de Resident Evil, el found footage de El proyecto de la Bruja de Blair, un edificio como el de La Comunidad o Aquí no hay quien viva, y además entregar una sátira mordaz de la telebasura imperante en los años 2000? Sí, si sus autores son Balagueró y Plaza. Una obra que elevaba el terror patrio, en un tren de la bruja trepidante y no apto para cardíacos con un clímax final que helaba la sangre e inmortalizaba a una criatura pesadillesca llamada la niña Medeiros. El éxito de la propuesta hizo que se desarrollaran tres secuelas, destacando la tercera, supercanalla.

I AM A HERO Kengo Hanazawa 2009-2017 / Cómic Dibujo brutal e hiperdetallado y un realismo psicológico perturbador. Hay anime, y además una muy digna adaptación cinematográfica.

CAMBIO SUREÑO Alan Moore / 1985 / Cómic El vudú haitiano levanta a los muertos en este, que es el nº 41 de La Cosa del Pantano. Moore revisó los mitos del horror relacionándolos con el racismo o el esclavismo del sur confederado.

ONE CUT OF THE DEAD Shinichirô Ueda / 2017 / Film

LA SERPIENTE Y EL ARCO IRIS Wes Craven / 1988 / Film

La grabación de una película zombie de Serie B se convierte en un apocalipsis zombie real en esta maravilla meta que respira cinefilia, y que ha dado numerosos remakes y secuelas.

Craven se atrevió a adentrarse de manera casi documental en los abismos del vudú en un trabajo que fue recibido con tibieza en su momento, pero que bien merece un revisionado.

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MELANIE: LA CHICA CON TODOS LOS DONES Colm McCarthy / 2016 / Film Poética y ética, adaptación de la novela de M. R. Carey a partir de un enfoque poético y fresco. Destaca por su inesperado giro final y su tensión latente.

THE LAST OF US Bruce Straley, Neil Druckmann (Naughty Dog) / 2013 / Game

EL DÍA DE LOS MUERTOS George A. Romero / 1985 / Film

Posiblemente, el último gran juego de Playstation 3 y una evolución asombrosa de las poderosas narrativas del estudio Naughty Dog. The Last of Us no inventa nada y más bien es una adaptación de La carretera con infectados que en el fondo asimila el tono y los temas de obras como 28 días después y Los muertos vivientes. Pero el cómo expone sus diatribas morales haciendo partícipe al jugador, y la manera de entroncar las experiencias jugable y narrativa, lo han convertido en una especie de estándar, o más bien en una meta prácticamente inalcanzable. Su secuela es igual o mejor, y su valor cinemático queda demostrado en una gran serie de tv.

El final de la primera trilogía de los muertos vivientes de Romero cargaba las tintas en su componente político, criticando el neoliberalismo reaganiano en esta entrega negra y siniestra.

LOS MUERTOS NO MUEREN Jim Jarmusch / 2019 / Film Si Jarmusch se adentró en el vampirismo desde lo existencial con su espléndida Solo los amantes sobreviven, aquí abraza el subgénero zombie desde una perspectiva satírica.

Este adictivo DLC del primer RDR -a lo Call of Duty- cambiaba vaqueros y pistoleros por muertos vivientes, integrando horror, humor, gore y gamberrismo.

BLEEDING HEARTS Deniz Camp, Stipan Morian 2026 / Cómic Redefine el concepto de zombie en la que es una de las joyas de Vertigo: gore descarnado y un crudo enfoque emocional con altas dosis de crítica social.

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RED DEAD REDEMPTION: UNDEAD NIGHTMARE Rockstar / 2010 / Game

BIENVENIDOS A ZOMBIELAND Ruben Fleischer / 2009 / Film Con aires de Serie B y una mezcla perfecta de comedia adolescente gamberra y acción desenfrenada, la cinta equilibra el gore salvaje con un corazón inesperado. A través de sus icónicas reglas de supervivencia y un reparto muy carismático, demuestra que el apocalipsis zombie puede ser un viaje divertidísimo, dando lugar a una obra diferente dentro del subgénero.

RESIDENT EVIL VII: BIOHAZARD Koshi Nakanishi (Capcom) 2017 / Game La saga le debe a Ethan Winters -un prota que es un spin-off en sí mismo-, y a la intensidad de la primera persona, resucitar de entre los muertos.

ALL NIGHTMARE LONG (METALLICA) Roboshobo / 2008 / Clip

GHOSTS ’N GOBLINS Tokuro Fujiwara (Capcom) 1985 / Game

Obra maestra de la ucronía soviética, con un virus mutante de esporas biológicas que se transmite con la misma facilidad que hipnotiza la animación.

Un caballero medieval de brillante armadura se enfrenta a hordas de zombies y demonios en este mitiquísimo arcade de dificultad infernal.

RETURN OF THE LIVING DEAD Dan O’Bannon / 1985 / Film

LEFT 4 DEAD Mike Booth (Valve) / 2008 / Game

Auténtica carne de videoclub, esta parodia zombie destaca por sus astracanadas y su brillante cast de secundarios, auténticos mitos de la Serie B como la scream queen Linnea Quigley.

Left 4 Dead revolucionó el género cooperativo con su acción frenética y tensa. Gracias a su innovador “Director de IA”, cada partida se convierte en una experiencia única, brutal e impredecible. Sus infectados especiales, como la Witch o el imponente Tank, ya son verdaderos íconos de la cultura popular. Un título magistral que redefinió cómo sobrevivimos al apocalipsis zombie junto a nuestros amigos.

CROSSED Garth Ennis, Jacen Burrows 2008 / Cómic Ennis llevó al paroxismo la mutilación, visceras y violencia con un apocalipsis zombie realzado por el estilo hiperdetallado de J. Burrows.

MINECRAFT Notch (Mojang) / 2011 / Game

LA NOVIA DE RE-ANIMATOR Brian Yuzna / 1990 / Film

Los zombies fueron la segunda criatura que se añadió al infinito universo de bloques de Mojang, y desde entonces son uno de sus enemigos más icónicos. Hay hasta zombies bebé.

Secuela apócrifa de la cult movie de Stuart Gordon, donde Yuzna se atreve a llevar los límites de lo prohibido hasta un extremo inclasificable, convirtiéndose en una cumbre del gore.

CALL OF DUTY: WORLD AT WAR (NAZI ZOMBIES) Corky Lehmkuhl (Treyarch) / 2008 / Game

POSESIÓN INFERNAL Sam Raimi / 1981 / Film

En el exploitation nazi siempre han estado muy presentes los zombies, porque a los muy zumbados les iba el ocultismo y los experimentos Frankenstein, pero además porque son dos buenas formas de representar la maldad. ¿Qué mejor que llenar de plomo con tus colegas a una horda de soldados de las SS resucitados en este modo cooperativo ya legendario? Influyó hasta a Wolfenstein.

Icónica y polémica a partes iguales, es en cualquier caso un prodigio de la Serie B, el inicio de una franquicia interesante y el primer despliegue del talento loco de Sam Raimi y Bruce Campbell.

ZONA UNO Colson Whitehead / 2011 / Libro Whitehead reinventa el apocalipsis zombie con una prosa magistral y melancólica. Porque, más que terror, esta novela es una brillante disección literaria del trauma y del capitalismo. Solo es otro tipo de supervivencia.

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LANDING DISCOS

fontaines D.C.

LANDING / DISCOS

POR: DIEGO RUBIO

Dopamine Chamber XL / Popstock! 16 octubre

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Poco a poco Fontaines D.C. van desplegando más y más paralelismos con U2: ambas bandas surgieron desde la combustión espontánea de una ignición post-punk, y las dos fueron desterrando esa urgencia en favor de algo más melódico y atmosférico según pasaban los discos, de Boy (1980) o War (1983) a The Unforgetable Fire (1984) y; de Dogrel (2019) a A Hero’s Death (2020) y a Skinty Fia (2022). Los dublineses tampoco han renunciado al componente político que define desde el principio su proyecto o a la defensa orgullosa de la cultura y la identidad nacionales de Irlanda, y esgrimiendo esas banderas y emulando sonidos de gusto norteamericano también han ido, como U2 en su día, abriéndose camino al otro lado del charco. Y quizá Romance (2024) no tuviera el impacto multimillonario de The Joshua Tree (1987), vale, pero desde luego sí les convirtió, contra muchos pronósticos, en una banda de arenas con aura generacional y con un horizonte infinito de posibilidades por delante. Ahora, con Dopamine Chamber, llega ¿su primera gran reinvención? ¿Su particular Achtung Baby (1991)? Un trabajo más electrónico, mucho más abierto estilísticamente, en el que ahondan en algunas influencias hiphoperas que venían tiempo asomando y en el que la única colaboración es Rosalía en su primera noticia musical después de la publicación de LUX.

LANDING / DISCOS

FAT DOG Cancel Me, I’m Tired Domino / Music As Usual 2 octubre ¿Sabes esa cuenta (@k3nnygray) que parodia temas míticos de electropop y dance punk? Pues los ingleses serían su boss final. MEMOCRACIA Cada vez más cerca Desdémona 8 octubre Desdémona, el sello hermano y rockista de Mushroom Pillow, pone en circulación el disco definitivo del cuarteto burgalés. CHLOE SLATER Riot Youth AWAL 9 octubre Olivia Rodrigo tiró del hilo de las riot grrrls y de las guitarras noventeras y ahora una nueva ola indie pilla la influencia de vuelta. DAWN RICHARD Creole Culture Merge / Popstock! 9 octubre

TROYE SIVAN She’s the Best / Interscope / 9 octubre

Tras epopeyas varias demostrando su amplio abanico de estilos, este es su disco más político y personal, y un homenaje a Nueva Orleans.

Primer disco del australiano en Interscope tras terminar un contrato de casi una década con Capitol. De algún modo resetea su carrera con tópicos más maduros y un sonido menos eufórico, confeccionado por Jack Antonoff y George Daniel (The 1975) con Ariel Rechtshaid en mente. No significa, claro, que Sivan renuncie a la fiesta. Está de celebración.

DOMINIC FIKE How to Quit Smoking Columbia 9 octubre

HAAi DIGITiSE Mute / [PIAS] 9 octubre

ME ACUERDO DE TODO Allí donde no alumbran las farolas Mushroom Pillow 9 octubre

Con dirección artística de Kevin Abstract, el tercer disco de Fike sigue ampliando el soleado universo post Brockhampton.

El reverso clubber de HUMANiSE, resaltando más la faceta de dj de australiana y alejando un poco y por momentos la de productora.

A medio camino del pop melancólico de La Buena Vida y la astenia shoegazer, y con Javier, de La Claridad, en sus filas.

GIRL ULTRA RRRomeo Big Dada / [PIAS] 9 octubre

HOLY TONGUE Basilikum AD 93 / Popstock! 9 octubre

TOUNDRA Siete Autoeditado 9 octubre

Chromeo, enciclopedia electrofunk, producen este arrebato nocturno y pasional por parte de la mexicana. Titulazo.

Valentina Magaletti saca tres discos en octubre: uno con Vanishing Twin, otro con CZN, y este que es puro tribalismo dub.

Tras un silencio de cuatro años, los pioneros del metal progresivo en nuestro país están de vuelta con cambio de formación. @ Autosmile 4AD / Popstock! 16 octubre Victoria Rose y Stone Filipczak forman un combo inusual: hacen en remoto un freak folk íntimo y confesional y se han ganado a 4AD.

CAMERON WINTER Live at Carnegie Hall [PIAS] / 9 octubre

DJRUM DJ-Kicks: Djrum !K7 16 octubre Está en racha: da igual ambient que jungle; auditorio que club. Ahora Félix Manuel debuta su multiverso en la serie DJ-Kicks. JACQUES GREENE jg LUCKYME® 16 octubre

Foto: Sharon López / Primavera Sound

Siempre ha estado en la pista, pero el canadiense nos debía un disco pistero de verdad. Cuenta saldada por todo lo alto.

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Antes de la vorágine de Geese, Cameron Winter había lanzado un debut en solitario excelente que se tomó su tiempo en hacer el ruido merecido. Después, muchos han apreciado esta propuesta íntima incluso por encima de su banda, y el enfant terrible la ha puesto de largo al piano en contextos de auditorio. Aquí el registro original, a cargo de Ariel Rechtshaid.

LANDING / DISCOS

RACHEL CHINOURIRI I Think I Spoke Too Soon Parlophone 16 octubre Inglaterra no para de darnos popstars alternativas de las que más nos gustan: electrónicas, etéreas. Rachel apunta alto. THE AVALANCHES No Bad Memories Modular 16 octubre

MARINA HERLOP Dja Dja Lapsus 9 octubre

En la etapa en la que dan la cara también revelan su uso y abuso de las IAs de Suno para hacer un trabajo hiperpresurizado. 2026...

¿Cuál sería la lengua que los aliens le enseñaron a las civilizaciones olvidadas? ¿Cómo serían sus tecnologías? Las respuestas a estas preguntas están evocadas en el intrincado y ancestral lenguaje de esta bruixa catalana que sigue empujando los límites de un sonido bello, extraño, manierista, bastardo, místico y atronador.

GARA DURÁN Gara Universal 16 octubre

ANDERSON .PAAK & CORDAE Heavy is the Crown Empire 23 octubre

FINE Jazz Dreams Escho 23 octubre

Tras un EP que la situó en portada de NUEBO, colabos y composiciones para otr@s artistas, aquí está su debut largo.

La relación entre los dos raperos se remonta a The Lost Boys (2019). Ahora van full mode con lo que mejor saben hacer: smooth rap.

Tras su experiencia junto a Dean Blunt, la danesa fija su formación actual de folk espectral, triphopero y lynchiano. Classic Escho.

GYROFIELD Great Jobs Field Research 21 octubre

DIS FIG What to Make of These Mortal Hands Thrill Jockey 23 octubre

LISA Press Play RCA 23 octubre

Ciberpop y electrónica cerebral de la cuerda Dekmantel. La de Hong Kong se lo monta en su propio sello tras publicar en XL.

Si has catado sus colabos con The Bug o Asian Dope Boys ya sabes de qué va lo de Felicia Chen: dubs de presiones industriales.

Ante el exitazo de Jennie y más liberada de Blackpink, Lisa trata de recalibrar el hype no resuelto de su debut en solitario con nuevo EP.

Nadie se ha querido perder la nueva vuelta de los australianos: 31 temas en un infinito continuum de samples, electrónica y felicidad. TWO SHELL Infinite Now Young / Popstock! 16 octubre

VIVA BELGRADO Mientras el Guadalquivir fluye y fluye y fluye Fueled By Salmorejo 23 octubre Los cordobeses dejan de mirar al cielo y pasan a dejarse llevar por el fluir de los ríos, por los tránsitos, por el paso del tiempo. ANDY STOTT Late Loop Modern Love 30 octubre Elaine Howley se suma al centro vocal del mancuniano en un nuevo de depuración arquitectónica, de fragmentación. DIIV ZIRP! Fantasy 30 octubre A. G. Cook toma las riendas de la producción del nuevo disco del quinteto neoyorquino para un ejercicio de hiperdesaceleración.

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KALI MALONE Burning Song / Ideologic Organ / 30 octubre La organista sigue ahondando en su encuentro con las divinidades de la armonía, los temperamentos ajenos al dodecafonismo y la pura inspiración en un trabajo más espontáneo y menos racionalista, grabado sobre la tumba de J. S. Bach en el órgano de la Thomaskirche de Leipzig, donde el genio barroco ejerció como cantor durante los últimos 27 años de su vida. Vanguardia sacra.

PATRONATO Milagritos Mushroom Pillow 30 octubre Aún reciente el estupendo disco de Elena Carat, ahora vuelve a la carga al frente de Patronato. Produce Carlos Hernández.

LANDING CINE LANDING / DISCOS

POR: ADRIANA RAMIRO

HOPE

Evocando el cine más bizarro de Bong Joon-ho y películas como The Host (2006), y no tan lejos de El extraño (2016), la nueva película del director surcoreano es un festín de tópicos del cine de terror y de ciencia ficción que se pone a carburar a lo bestia cuando funciona como un motor de acción pura y desenfrenada. A ratos comedia, a ratos drama; a ratos serie B y por momentos superproducción; survival horror versus invasión extraterrestre; thriller apocalíptico o western crepuscular; Hope es un absoluto cuadro tremendamente disfrutable, pero sobre todo estamos ante una excelente frikada autoconsciente, que no pretende funcionar más que como un festival cinematográfico, como un puro delirio visual. En Cannes optó a la Palma de Oro, y aunque a algunos les pareció poco menos que un sacrilegio..., bueno, hay veces en la vida que no está de más ponerse en modo pecaminoso...

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Dir. Na Hong-jin Rep. Hwang Jung-min, Jo In-sung, Jung Ho-yeon, Michael Fassbender Corea del Sur / 2026 MUBI 30 octubre

LANDING / CINE

VERITY. LA SOMBRA DEL ENGAÑO Dir. Michael Showalter Rep. Anne Hathaway, Dakota Johnson Largo / 2 octubre Quinta película de Anne Hathaway en 2026: aquí hace de ghostwriter para una novelista incapacitada, dando forma a un thriller psicológico tenso y de aires clásicos. CARRIE Cr. Mike Flanagan Rep. S.H. Howell, S. Sloyan Serie / 7 octubre Prime Video estrena esta nueva adaptación de la novela de Stephen King, naturalmente más fiel al material original -y menos icónicaque la cinta de Brian de Palma. PEQUEÑOS PROFETAS Dir. Mackenzie Crook Rep. Pearce Quigley, Michael Palin Serie / 7 octubre La BBC ya ha renovado para una segunda temporada esta encantadora serie que trasciende el realismo social hacia algo más mágico. Del creador de Detectorists.

KAKERU (SHEEP IN THE BOX) Dir. Hirokazu Koreeda Rep. Haruka Ayase, Rimu Kuwaki, Daigo, Kotaro Daigo, Rito Kuwaki Japón / 2026 / Vértigo Films / 16 octubre

THE DROP: UNA HISTORIA DE SNOWFALL Dir. Alonso Álvarez, Child Rep. Gail Bean, Isaiah John Serie / 7 octubre

El tema no es nuevo -una familia destrozada por la muerte de su hijo busca replicarlo mediante la robótica y la IA-, pero el director japonés, maestro del sentimiento llevado al terreno de lo fílmico, le da un enfoque más tierno e inevitablemente actual.

Si Snowfall retrataba el impacto de la cocaína y el crack en la Los Angeles de los 80, este spin-off da su contrapartida musical en plena era de las guerras de bandas.

DIGGER Dir. Alejandro González Iñárritu Rep. Tom Cruise, Sandra Hüller Largo / 2 octubre La América del drill, baby, drill, parodiada hasta el delirio en la que es la primera película en la que Tom Cruise se aleja de la acción desde Leones por corderos en 2007. SUNNY DANCER Dir. George Jaques Rep. Bella Ramsey, D. Quinn Toye Largo / 2 octubre

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El realismo social inglés también puede dar feel good movies cargadas de ternura, como esta que nos recuerda a una versión bucólica de Planta 4ª. THE UMBRELLA FAIRY Dir. Jie Shen Animación 2 octubre

NAZA Dir. Yuval Abraham, Rachel Szor Reino Unido / 2026 / Elástica / 2 octubre

El animismo que define a las culturas asiáticas explicado para todos los públicos, a través de una preciosa fábula que contribuye al auge del cine chino.

Premio Especial del Jurado en Venecia, donde ha provocado una profunda y emocionada ovación, este durísimo documental desvela a través de testimonios reales -y escalofriantes- los mecanismos con los que el ejército de Israel acomete diariamente desde 2023 el asesinato en masa y deliberado de civiles palestinos en Gaza. Produce Jonathan Glacier y colabora The Guardian. Periodismo.

LANDING / CINE

ALI G: KIÉN ES YO? Dir. Sacha Baron Cohen Rep. Sascha Baron Cohen RU / 2026 / MGM / 23 octubre El infame y provocador cómico resucita a uno de sus primeros monstruos del humor idiota, creado en 1998 para el programa de televisión británico The 11 O'Clock Show, 24 años después de la icónica y gamberrísima Ali G anda suelto que tan fuerte marcó a los milenials a principios de los 2000. Nadie se lo había pedido y de hecho ha mantenido el rodaje en secreto, pero aquí estamos, listos para ver qué tal entran las coñas sobre pandilleros, pibitas y fumetas en big 2026. ANIMALES Dir. Ben Affleck Rep. Ben Affleck, Kerry Washington Largo / 9 octubre

LA INVITACIÓN. Dir. Olivia Wilde Rep. Olivia Wilde, Penélope Cruz Largo / 16 octubre

PARKOUR EN GAZA Dir. Areeb Zuaiter Documental 16 octubre

El Ben Affleck de Perdida (David Fincher, 2014) asoma en este tenso thriller sobre un candidato a la alcaldía de Los Angeles cuyo hijo es secuestrado. Llega directo a Netflix.

Wilde toma la Sentimental (2020) de Cesc Gay y le da un punto más burro y explícito de la mano de un reparto implacable con Penélope Cruz, Edward Norton y Seth Rogen.

Con cada ser humano que muere en Gaza mueren también sus sueños. En ellos se centra este documental que narra la amistad del director, con Ahmad, saltador de parkour.

CENIZA EN LA BOCA Dir. Diego Luna Rep. Anna Díaz, Adriana Paz Largo / 9 octubre Una década después, el actor mexicano regresa a la dirección de largometraje en la línea intimista, sensible y social de Todo va a estar bien, su serie de 2021. MISS JOBSON Dir. Amanda Sans Pantling Documental 9 octubre La que fuera abogada de Bob Marley, Diane Jobson, repasa ahora desde la vejez toda una vida defendiendo los principios rastafari. Música, rastas, tam y ganja. SU PROPIO INFIERNO Dir. Nicolas Winding Refn Rep. S. Tatcher, Charles Melton Largo / 9 octubre

EL DISCÍPULO Dir. Joanna Natasegara Documental 16 octubre

CYBERPUNK: EDGERUNNERS II Dir. Kai Ikarashi Japón / 2026 / CD Projekt Red / 20 octubre

RZA produce este documental sobre Cilvaringz, un rapero que pasó de fan de Wu-Tang Clan a infiltrarse en su círculo y producir luego el disco más polémico del grupo.

Nueva historia y nuevos personajes en lo que es mucho más que una secuela de Edgerunners, la serie de animación con la que CD Projekt Red expandió aún más si cabe la profundidad y el lore de su mastodóntico videojuego de 2020, Cyberpunk 2077. Night City es la verdadera protagonista, y los personajes nada más que trágicos recuerdos de que cada una de las derrotas de la raza humana.

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Ya no nos esperamos ninguna genialidad por parte de Winding Refn, pero siempre disfrutamos de sus locurillas. Aquí se pone cyberpunk, y también demoníaco.

LANDING VIDEO LANDING / CINE

POR: ADRIANA RAMIRO

LA VOZ QUEBRADA Dir. Manuel Menchón Rep. Álvaro Morte, Francesco Carril Largo / 16 octubre Lorca está de moda: esta película se adentra en los últimos años del poeta, cuando, antes de ser fusilado, planeaba abandonar España con Juan Ramírez de Lucas. BLUE HERON Dir. Sophy Romvari Rep. Eylul Guven, Réti Iringo Largo / 23 octubre La cineasta húngaro-canadiense debuta en largo con un drama familiar que recrea su propia vivencia de la diáspora, pero se desborda hacia las adolescencias problemáticas. CLAYFACE Dir. James Watkins Rep. Tom Rhys Harries, N. Ackie Largo / 23 octubre

OBSESSION Dir. Curry Barker / Rep. Michael Johnston, Inde Navarrette, Cooper Tomlinson EE UU / 2025 / Universal / 21 octubre

El Universo cinematográfico de DC sigue ampliándose con la historia de Matt Hagen y su ascenso de rata callejera de Gotham a actor superstar consumido por la venganza.

El salto de Curry Barker desde Youtube -plataforma que revolucionó con el mediometraje Milk & Serial- a la gran pantalla vuelve a poner énfasis en el género de terror (y la comedia) como el mejor vehículo para retratar la realidad que nos rodea, en este caso el inesperado desarrollo de una relación tóxica. Ediciones en todos los formatos con un detrás de las cámaras y comentario del propio Barker.

EL SAMURÁI Y EL PRISIONERO Dir. Kiyoshi Kurosawa Rep. M. Motoki, Masaki Suda Largo / 23 octubre

DESAYUNO EN PLUTÓN Dir. Neil Jordan Rep. Cillian Murphy, Liam Neeson Irl. / 2005 / A Contr. / 6 oct

ANIQUILACIÓN Dir. Alex Garland Rep. Natalie Portman, Oscar Isaac RU / 2018 / Paramount / 13 oct

¿De verdad no había hecho Kurosawa hasta ahora una película de samuráis? Su enfoque no es obvio, claro, y tiene más que ver con su obsesión criminopática.

Antes de convertirse en carne de zombi y pandillero sexy, Murphy nos conquistó como un encantador joven que sobrevive a la dureza de la Irlanda rural. Bien de extras.

Uno de los clásicos recientes de la ciencia ficción se publica por vez primera en UHD, además en edición steelbook y con más de una hora de adicionales.

SENTIDO Y SENSIBILIDAD Dir. Georgia Oakley Rep. D. Edgar-Jones, E. Creed-Miles Largo / 23 octubre

DOBERMANN Dir. Jan Kounen Rep. V. Cassel, Monica Bellucci Francia / 1997 / A Contr. / 6 oct

BATMAN Dir. Leslie H. Martinson Rep. Adam West, Burt Ward EE UU / 1967 / 20th Century / 13 oct

El revival victoriano que vive el Reino Unido no solo es musical, y ahora vuelve con una nueva adaptación de Jane Austen que no está mal, pero que ya bordó Ang Lee.

Cassel y (sobre todo) Bellucci en una gamberrada noventera que se calificó como la Airbag gala. Esta edición incluye 30 minutos de adicionales, el principal, un completo making of.

La serie clásica protagonizada por Adam West propició también este largo icónico, que convirtió al hombre murciélago en héroe pulp. Viene cargadita de extras.

KLARA Y EL SOL Dir. Taika Waititi Rep. Jenna Ortega, Amy Adams Largo / 30 octubre

TOY STORY 5 Dir. Andrew Stanton EE UU / 2026 / Disney Studios 26 octubre

Los adolescentes se han refugiado en el deporte, en las consolas, en los teléfonos o en el ordenador, pero... ¿y si lo hicieran en un robot con la pinta de Jenna Ortega?

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LEVITICUS Dir. Adrian Chiarella Rep. Joe Bird, Stacy Clausen Largo / 30 octubre Lo tiene todo esta película: terror sobrenatural, despertar homosexual adolescente... y un demonio que se aparece a la pareja como lo que más desean: el uno al otro.

Seamos sinceros: la saga Toy Story debió cerrarse con el final perfecto de su tercera entrega. Pero como no fue así, Stanton, que pinta arrepentido por su contribución a la avalancha de lo digital, intenta en cierta medida ejercer de Pepito Grillo de la conciencia de niños y no tan niños con la aparición de una nueva amenaza para Woody, Buzz y compañía, la más temible de cuantas han tenido que afrontar desde 1995: la aparición en la habitación de los juegos de una tablet. Hay edición steelbook, audiocomentario, escenas eliminadas y falsas-tomas-falsas, además de cuatro reportajes.

LANDING VIDEOJUEGOS

POR: RAMÓN BAYLOS

SUPERSONIC MAN Dir. Juan Piquer Simón Rep. A. Cantafora, C. Mitchell España / 1979 / Divisa / 13 oct Aunque para superhéroe trash este Supersonic Man del nunca suficientemente reivindicado Juan Piquer Simón. Un delirio pop al que por desgracia le faltan adicionales. THE MADISON - PRIMERA TEMPORADA Cr. Taylor Sheridan Rep. Michelle Pfeiffer, Kurt Russell EE UU / 2026 / Paramount / 13 oct Tras su paso por SkyShowtime lo nuevo de Sheridan -guionista de Comanchería o Sicario y creador del Universo Yellowstone- llega al home video con un drama sobre la pérdida. ANGEL’S EGG Dir. Mamoru Oshii Japón / 1985 / Vértigo 21 octubre Una obra críptica y tecnoespiritual del padre de Ghost in the Shell, por vez primera en UHD para disfrutar a tope de los diseños del más barroco de los cibermangakas.

PHANTOM BLADE ZERO S-Game / : PC, PS5 Xbox Series X/S / 28 octubre

Bajo el engañoso aspecto de una película infantil se esconde un homenaje a golpe de slapstick a los orígenes del cine, de Chaplin y Keaton a Welles. Bien de extras.

Nuevo juego de acción y rol que sigue la estela de Black Myth: Wukong en cuanto a convertirse en otro portento técnico y jugable salido de China, aunque su propuesta dista mucho de los soulslike. Sus responsables lo definen como un título de artes marciales kungfupunk de ambientación oscura con claras inspiraciones en el cine que se hacía allí entre los 70 y los 90 y concebido como un sucesor espiritual de Rainblood: Town of Death. Aunque sí, parece muy fuerte un souls, y el protagonista se llama Soul.

VAIANA Dir. John Musker, Ron Clements, Don Hall Rep. C.Laga’aia, Dwayne Johnson EE UU / 2016 / Disney / 26 oct

GEARS OF WAR: E-DAY The Coalition : PC, Xbox Series X/S 06 octubre

Turno para el trasvase a imagen real (con coartada musical) de las aventuras de la jovenzuela hawaiana, con Dwayne Johnson luciendo pelazo. Incluye making of y karaoke.

La saga de The Coalition vuelve con una precuela del original que posee un músculo técnico imbatible y las mismas ganas de siempre de ser la punta en lanza de Xbox. Que no se te pase.

De la mano de los creadores de Dead Cells, Belmont’s Curse reinterpreta la fórmula clásica de Castlevania con Symphony of the Night como referente. Infalible.

STAR WARS: GALACTIC RACER Fuse Games : PC, PS5, Xbox Series X/S 06 octubre

TENEBRIS SOMNIA Andrés Borghi / Saibot Studios : PC 16 octubre

El sueño de todo fan de las carreras de vainas de Star Wars. Un arcade racing aderezado con las ya conocidas tramas criminales del borde exterior de la galaxia que actualiza el mítico Racer de 1999.

Survival horror de puzles que mezcla de manera única escenarios, animaciones y personajes en 2D con cinemáticas filmadas con actores y escenografía real. Un indie muy a tener en cuenta.

VALOR MORTIS One More Level : PC, PS5, Xbox Series X/S 13 octubre

NINTENDO SWITCH SPORTS RESORT Nintendo : Nintendo Switch 2 22 octubre

Nuevo soulslike tipo Bloodborne de los creadores de Ghostrunner que se distancia de otras obras del género utilizando las Guerras Napoleónicas como fuente principal de inspiración.

Nueva entrega del recopilatorio de minijuegos que aprovechan el control por movimiento de los joy-con 2 de Nintendo Switch 2, ahora con precisión mejorada y más deportes a elegir.

CASTLEVANIA: BELMONT’S CURSE Evil Empire/ Motion Twin : PC, PS5, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, Xbox Series X/S 15 octubre

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MINIONS & MONSTERS Dir. Pierre Coffin EE UU / 2026 / Universal 21 octubre

LANDING LIBROS POR: LUIS ARGEO

CARAMPANGUE 392 Camila Gaibur Colectivo Bruxista 148 p. / Novela Una voz afilada y visceral recorre el Valparaíso chileno de los noventa entre secretos familiares, humor negro y mujeres que viven en los márgenes. Ilustra María Medem. SECUESTROS AMERICANOS Mauro Javier Cárdenas Pasado y presente 224 p. / Narrativa Ni ciencia ni ficción. Los secuestros y las deportaciones del ICE hacen que esta novela río se lance de corrido, con esperpento Black Mirror, a una ya triste realidad. COLGADA Asako Yuzuki Duomo 324 p. / Novela Una autora premiada en Japón, y una historia donde la prota treintañera te cogerá de la mano y te arrastrará con obsesión hacia un blog para amas de casa. Tensión. EL AÑO DE LA SERPIENTE Camila Fabbri Anagrama 224 p. / Novela Regresa en buena forma Fabbri, con su facilidad para lo siniestro, y convirtiendo la normalidad en algo sospechoso. Entre vecinas, si algo huele mal, rara vez es la basura.

SÍNTESIS Atom™ / Caja Negra / 160 p. / Música, ensayo Uwe Schmidt, alias Atom™, es una figura esencial de la electrónica experimental. En este libro comparte y piensa la creación desde dentro. Forma así un tratado fragmentario, un compendio de notas que hablan de intuición, técnica y oficio: quitar hasta encontrar el esqueleto, convivir con ideas contradictorias y asumir que lo simple nunca significa fácil. Deja una advertencia estupenda a artistas: si solo quieres el resultado, quizá te hayas equivocado de camino. ESTO NO ES UN LIBRO DE OT Pedro Ángel Sánchez Dos Bigotes 224 p. / Ensayo

Otra gran autora vuelve con ganas. Su voz valiente comparte familia, soledad y un París ajeno que nunca termina de ponérselo fácil. DORMIDA Honor Jones Libros del Asteroide 312 p. / Novela

Poemas, fotos y fragmentos íntimos escritos a mano nos amplian el universo de Lana Del Rey. Edición especial con cantos tintados.

Levantas el mantel de la adulta perfecta y encuentras debajo todo lo que nadie quería mirar: pasado, culpa, deseo y demasiados silencios bien guardados. Debut sorpresa.

NO LO DIRÍA SI NO FUESE CIERTO Steve Wynn Liburuak 368 p. / Música, bio

MILLENNIAL CANTABILE Martín Rodríguez-Gaona Espasa Poesía 376 p. / Poesía

COSAMALA Alana S. Portero Seix Barral 376 p. / Novela

El punk y el cachemir convivieron en California en los 80, dejando bandas legendarias y anécdotas brillantes. El Dream Syndicate fue protagonista y testigo.

He aquí la lúcida radiografía de un poeta especialmente atento a las mutaciones culturales de su generación. Identidad, precariedad y vida digital expuestas en verso.

De los cuerpazos y el amor de La bola negra a las brujas y las muertas de la España negra: Portero recurre a Lorca sin salir de las sombras, con aquelarres en plena Guerra Civil.

CUREPEDIA Simon Price Sexto Piso 576 p. / Música

ARDIENTE SECRETO Stefan Zweig Ediciones Invisibles 376 p. / Novela

CONTENTA Santiago Lorenzo Blackie Books 240 p. / Novela

Tras revisar a Manic Street Preachers, Price comparte las claves de The Cure, tras 30 años de trabajo, entrevistas, fotos, giras. Guía minuciosa para leer slow.

De cómo seducir a una mujer adulta desde un triángulo de deseo, celos e inocencia. Estáis ante un cuidadoso clásico: entre secreto y abismo apenas hay un paso...

Pocos autores ajenos al show tienen tanto fandom. Con una prosa exquisita y su singular humor, SL nos regala otra lectura prioritaria. Cecilia y Josito, pareja del año.

Camus dijo: es fácil tener éxito. Lo difícil es merecerlo. A los 25 años del primer OT, triunfitos, piratería, radiofórmulas caben en un análisis donde la música es el eje del mal.

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VIOLET HACE EL PUENTE SOBRE LA HIERBA Lana Del Rey Cúpula 160 p. / Poesía, música

CUANDO SEAS FELIZ, GOLPEA TÚ PRIMERO Tatiana Tîbuleac Impedimenta 264 p. / Autoficción

LANDING CÓMIC POR: MANU GONZÁLEZ

LA CONJURA DE LOS NECIOS Albert Monteys Astiberri 240 p. / Color / 28 € Uno de los mejores autores nacionales reinventa al gran Ignatius J. Reilly. Surrealismo, comedia y drama conviven en este clásico americano del humor sin sentido. EL INFIERNO DE TOMINO Suehiro Maruo Panini Cómics 688 p. / ByN / 49,95 € Sexo, violencia y perversión en un circo de monstruos ambulante de principios de la era Showa (19261989). Una de las obras más largas y definitorias de Suehiro Maruo. JOVANTORE Daniel Eichinger Planeta Cómic 336 p. / ByN / 22 € Cuando uno ve la portada de este cómic piensa en Junji Ito o Mitei Hattori, pero el autor es un joven alemán que debuta con una novela gráfica muy inquietante.

NANBANJIN Cyril Pedrosa, Taiyo Matsumoto / Norma Editorial / 480 p. / Color / 49 €

Tras el espectacular éxito de la juvenil Hooky, Bonastre recopila su famoso webtoon en un gran tomo disponible en papel por primera vez. Romanticismo, diversión y peligros.

Nanban-jin era la palabra medieval con la que los japoneses se referían a los comerciantes europeos que llegaban a sus costas, sobre todo de origen portugués. El francés Cyril Pedrosa nos cuenta la historia de un soldado portugués que naufraga en la costa de una pequeña isla japonesa donde se hará amigo de un viejo pescador. Lo sensacional es que está ilustrada por el gran Taiyo Matsumoto (Tekkon Kinkreet, Sunny), uno de los grandes mangakas. De lo mejor del año.

LOS MUNDOS EXTRAÑOS DE LA CIENCIA FICCIÓN Wally Wood Diábolo Ediciones 204 p. / Color / 39,95 €

LA REINA DE OTOÑO Borja González Reservoir Books 192 p. / Color / 14,90 €

ROOK: ÉXODO Geoff Johns, J. Fabok, B. Anderson Planeta Cómic 200 p. / Color / 24€

Otra gran recopilación de los archivos de EC con el trabajo del gigante Wally Wood en revistas pulp de ciencia ficción. Fantasías siderales en cuatricomía.

Vuelve el autor más románticogótico de las librerías con una novela gráfica de poesía visual de páramos, bosques y ruinas de castillos lúgubres, lejos del pop-rock.

Johns abandona por un momento su nuevo universo Unnamed para firmar junto a Jason Fabok (Los tres Jokers) un relato de ciencia ficción extraterrestre delirante.

NOCHE ETERNA Anabel Colazo La Cúpula 140 p. / Color / 17,50 €

RÉQUIEM. CABALLERO VAMPIRO Pat Mills, Olivier Ledroit Yermo Ediciones 232 p. / Color / 42 €

LA RUINA Lizzy Stewart Lumen 320 p. / Color / 24,95 €

Extraterrestres, magia y fantasmas son algunos de los temas que Colazo ha utilizado para hablarnos de las relaciones personales modernas. Ahora da un paso más.

Un cómic de Pat Mills con un estilo que parece Berserk hasta el culo de cuero tras escuchar 24 horas seguidas de death metal es la mejor receta contra el aburrimiento. Hail Metal!

Aunque Lizzy Stewart sea más conocida por sus cuentos infantiles, lleva varias novelas gráficas adultas bastante reconocidas, como este triángulo de amor, envidias y deseos.

LOS ROMÁNTICOS Cécile Coulon, Benjamin Chaud Nuevo Nueve 136p. / ByN / 22 € La poetisa Cécile Coulan y el dibujante Benjamin Chaud radiografían qué es el amor, el sexo y el erotismo inspirándose en algunas de las grandes epopeyas románticas antiguas, como Cumbres borrascosas. Todo lo que siempre quisiste saber sobre el sexo y nunca te atreviste a preguntar.

TRILOGÍA AMERICANA Yves H. y Hermann Cartem Comics 168 p. / Color / 36 € De Hermann (Jeremiah) hay que tenerlo todo, sobre todo la Trilogía americana que publicó a principios del siglo XXI junto a su hijo, el guionista Yves Hermann. EL ZORRO: LA ERA OSCURA Howard Chaykin y Jorge Fornés Moztros 96 p. / Color / 13,90 € El superhéroe pulp que inspiró a Batman con guion de Howard Chaykin y dibujo del mejor dibujante pulp de Batman… Shut up and take my money!

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MARIONETTA Miriam Bonastre Martínez Roca 336 p. / Color / 19,90 €

LANDING / EVENTOS

POR: LUIS ARGEO

RADAR JOVEN

LANDING EVENTOS

A MARES / AERONAVE ADOLESCENTE ALBERDI / ALI ABELLÁN / AMANDA AMANTE LAFFÓN / ANÁLISIS ANNA NADZION / APOLO 18 / ASHLEY AZUL YOKAI / BENZÚ / CARLA DELGADO CARLOTA URDIALES / CARMEN LANCHO COMIC SANS / CONSTRUIMOS ESCALERAS CRYYMM / CUPIDO / DHARMACIDE DURA CALÁ / ELENA CARAT / ESCARLATA ESTELA GRIS / GARBÍ / GRUMPYS INTERROGACIÓN AMOR / IRENEGARRY JOAQUÍN FÉNIX / JORDANA B JULIA HALCÓN / KILIKI / KORASHE KRIS TENA / LA NIÑA PARACAÍDAS LAS NIETAS DEL CHARLI / LOREA LOS GALGOS / LOS MANGOS MALA GESTIÓN / MARX HA MUERTO MARIAGREP & MUNDO PRESTIGIO MAX SECRETA / NATXO / NENAZAS NICO / NUEVOS VICIOS PALOMO PALOMO / PATATAONSTEREO PETRICOR / PORTOSANTO QUE TE JODAN PABLO / SABAH SALMA / SARA SÍSTOLE SARA ZOZAYA / SEASUNDAY / SÉLPIDE SUPERCREMALLERAS / TERE! TOLDOS VERDES / VERA GRV / WEST SRK WET IGUANAS

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Un año más -esta es ya su quinta ediciónlos conciertos de Radar Joven te permiten conocer en 27 salas de la ciudad de Madrid a los artistas destinados a convertirse en los grandes nombres del futuro. Radar Joven 2026 comenzará con dos fiestas de Carné Joven en la sala Shoko: la primera, el 15 de octubre, con las actuaciones de Toldos Verdes y Garbi, y la segunda, el día 22, con Vera GRB y Sabah.

FOTO: ELENA CARAT POR CARMEN REGUEIRO

VARIAS SALAS MADRID Del jueves, 15 de octubre, al domingo, 8 de noviembre.

TBA Jueves 22

SALA WURLITZER Octubre 2026

TENSURA +VELASQUES +POLICIA Viernes 23

DONDE ANTES BAILABAN + LIVING DEAD DOLLS + MOTHERPUNKRS Jueves 1

MOMENTS FEST: NOTES TO MY SELF + ATENCION TSUNAMI Sábado 24

LOS LARGOS +`GRAN LEGAZPI Viernes 2

LANDING / EVENTOS

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FANTASMAGE + DAGA VOLADORA Sábado 3 YAWNING MAN + SOFTSUN Domingo 4

DARK THOUGHTS + ESCARLATA Jueves 8 TWENTY ONE CHILDREN + AI Viernes 9 REELER + CHAVALAS + MEXIN Sábado 10 KALEIDOBORT +AXIOM9 Domingo 11 EMMA SWIFT Martes 13 GOETIA SESSIONS X MOMENTS FEST PRESENTA: DADAVER DE CABRA + WINTER VAMPIRAS Jueves 15

FESTIVALES HATSU<NO<OT Círculo Bellas Artes (MADRID) 3 de octubre Descubrir cómo la música puede superar barreras culturales e idiomáticas y generar un espacio de intercambio creativo. Retomar el diálogo entre escenas jóvenes y vanguardistas que, desde orillas distintas, comparten inquietudes. Ese es el gol de este evento que tiende puentes entre Tokio y España. Con una propuesta fresca y directa desde Japón, Peterparker69 están liderando el relevo generacional en la escena musical global. La japonesa Dove mostrará su talento combinando música con un trabajo multidisciplinar en diseño gráfico, fotografía y vídeo. El pop, la electrónica emocional y noise se unirán de la mano de los valencianos Ultralágrima. Y un día después, en Barcelona (Sala Upload) https://www.circulobellasartes.com

AUDIOVISUALES MÁRGENES EN RUTA Varios espacios (MADRID) Del 2 de octubre al 3 de noviembre Aranjuez, Las Rozas, Hoyo de Manzanares, Rivas Vaciamadrid y Chapinería acogerán las proyecciones de Tardes de soledad, Ciudad sin sueño, Las novias del sur, El cuento de una noche de verano, A nuestros amigos y Una película de miedo, una selección de títulos recientes presentados en anteriores ediciones del festival Márgenes, y de trabajos de cineastas vinculados a la trayectoria del propio festi, con una atención especial al talento madrileño y estatal. Desde películas que han pasado por la sección Escaner a los premiados honoríficos Albert Serra (Premio Especial Márgenes 2024) y Elena López Riera (Premio Márgenes Futura 2022). ¡Gratis! https://www.margenes.org

MOMENTS FEST: ANIVERSARIO DRUNK-O-RAMA: PROTEIN AND THE MUSCLE BOYS + LAS JENNYS DE ARROYO CULEBRO + DRUNK´S DJS Viernes 16

POINT OF NO RETURN + INWARD COLD + MAYESTA Domingo 25

TIGRE Y DIAMANTE + AI Sábado 17

ESTAMOS PERDIDOS Lunes 26

KOIKOI+BONELESS Domingo 18

DUEL + BLACK VERRACO Martes 27

THE SLEEVEENS Lunes 19

MAZO PRESENTA SANTA RITA Jueves 29

BASS DRUM OF DEATH (FOTO) Martes 20

RED APPLE + AI Viernes 30

DERIVA + LST FOREST RAIN Miércoles 21

TBA Sábado 31

SITGES FILM FESTIVAL Varios espacios (SITGES) Del 8 al 18 de octubre La celebración del cine en pantalla grande pasa cada año por este festival popular. Once días de fantástico, terror, sci-fi y cine de género, con premieres, fandom y toda la liturgia paralela a los estrenos y presentaciones. Entre la oferta de títulos, NUEBO espera con ganas otra irreverente monstruosidad del dúo creativo Burnin' Percebes (Juan González y Fernando Martínez), La muerte de Drácula. También la ópera prima de María Martínez Bayona, The End of It, donde morir es una elección. Y el cóctel de terror, comedia y brujería que propone Meredith Alloway en su Forbidden Fruits. El día 10 se celebra, además, la Zombie Walk, que convertirá la localidad entera de Sitges en parte del espectáculo. https://sitgesfilmfestival.com

alto. De musicar la película se encargará Caliza, el proyecto de la cantante, compositora y productora española Elisa Pérez, quien ha creado una banda sonora electrónica y atmosférica que conecta perfectamente el expresionismo alemán con la creación musical contemporánea. Esta misma fusión ya se ha visto con anterioridad en Madrid, y también en Gijón, Londres o Berlín. https://www.realteatroderetiro.es

SEMINCI Varios espacios (VALLADOLID) Del 23 al 31 de octubre Primer año Seminci tras la triste pérdida de JL Cienfuegos (DEP) al frente de esta cita festivalera anual con el cine de autor. La semilla ha quedado plantada, y algunos nuevos realizadores presentarán un puñado de películas antes de que llegue diciembre y empiece la conversación de listados y premios. La Gradiva, debut de la francesa Marine Atlan; y Prosecution, del joven alemán Faraz Shariat, son los títulos de esta edición que más expectación generan en la redacción de NUEBO. https://www.seminci.com CINECLÁSICA: CINE HALLOWEEN Real Teatro del Retiro (MADRID) 31 de octubre y 1 de noviembre Celebrar Halloween con el clásico expresionista de Robert Wiene, El gabinete del doctor Caligari, acompañado de música en directo en el Real Teatro de Retiro, es un planazo difícil de pasar por

ARTES ESCÉNICAS (LA)HORDE Mercat de les flors (BARCELONA) Del 9 al 11 de octubre El colectivo francés que dirige el Ballet National de Marseille trabaja justo en el cruce que nos interesa, y ha hecho de la danza un lugar donde caben TikTok, una rave, la moda y la cultura de internet. En Après moi, le déluge, su lenguaje vuelve a moverse entre la coreografía y la cultura club, borrando alegremente la frontera entre alta cultura y pista de baile. La obra lleva al escenario cuerpos que saltan, chocan y se agotan para hablar de una generación criada entre pantallas. Danza contemporánea para quienes todavía creen que eso significa bailar descalzo y muy despacio, con música y códigos visuales muy próximos al videoclip. https://mercatflors.cat MÍNIMA Microteatro por Dinero (MADRID) Del 9 de octubre al 1 de noviembre. Funciones teatrales para 15 espectadores, que duran 15 minutos en espacios de 15 metros cuadrados. Así se presenta MÍNIMA, el festival de microteatro que celebra su primera edición internacional en Madrid. Durante 15 días se representarán 18 obras agrupadas en dos ciclos, uno dedicado a la vibrante escena argentina y otro a la rica y diversa creación española, con grupos de distintas comunidades del país, como Canarias,

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FLIPPEUR + RAYA Martes 6

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GAZELLA

A Valencia, en los últimos años, se la conoce más por el post-punk y por la onda entre digital y oscura, pero hay mucho más si uno araña con ganas la superficie. Desde Valencia también sueña este quinteto -de izq. a dcha.: Mauro Llopis (bajo), Raquel Palomino (voz), Lluisen Capafons (batería y voz), Alba Raja (guitarra y sintes) y Adrián Camáñez (guitarra y sintes)- que prefiere quedarse con el lado más paisajístico del post-rock para impulsar una propuesta onírica que hace colisionar, siempre armónica y pacíficamente, dream pop, shoegaze y chiribitas de indietrónica. Lo escuchado en sus hasta ahora dos discos -el homónimo Gazella (2023) y el más reciente Volver (2025)- se amplifica en sus conciertos, que son el alma de la banda y donde todo adquiere el peso, la hondura y la intensidad necesarios. Slowdive o My Bloody Valentine son las claras referencias aquí, pero uno también va a encontrar ecos de Yo La Tengo, Los Planetas, Moin, Hope Sandoval o Cocteau Twins. Un sonido, un ruido, para dejarse volar.

FOTO: NATALIA DE JESÚS

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LANDING / EVENTOS

los nuebos de

LANDING / EVENTOS

PROGRAMACIÓN ALONDRA BENTLEY Jueves 1 Dabadaba / San Sebastián Jueves 8 Gong Galaxy / Oviedo Sábado 31 Casa Das Crechas / Santiago De Compostela

EL DIABLO DE SHANGHAI

ARTISTAS

CASAPALMA Jueves 1 Planta Baja / Granada

GAZELLA Jueves 8 Apolo / Barcelona

Viernes 2 Cooperativa Ítaca / Murcia

ARIMA SOUL Viernes 9 Clavicémbalo / Lugo

Sábado 24 O Rebullón / Mos

Sábado 10 Espazo Creativo Lago Mar / Murcia

Domingo 25 A Pousada / Boiro SARA ZOZAYA Viernes 2 Teleclube / Lugo Viernes 9 Cientocero / Valladolid VACACIONES PERMANENTES Viernes 2 La Pecera / Vigo

MONTEDAPENA

EN RUTA

ORINA Sábado 10 Loco Club / Valencia LAS NIETAS DEL CHARLI Jueves 15 Industrial Copera / Granada Jueves 22 Avalon Café / Zamora MONTEDAPENA Jueves 15 Cadavra / Madrid Viernes 16 Secretos / Mayorga Viernes 30 Gong Galaxy / Oviedo

VVV [TRIPPIN’YOU]

OCT 2026

Jueves 22 Cooperativa Ítaca / Murcia Jueves 29 Dabadaba / San Sebastián MARIAGREP & MUNDO PRESTIGIO Sábado 17 Dabadaba / San Sebastián EL DIABLO DE SHANGHAI Viernes 23 Porta Caeli / Valladolid LOS SAXOS DEL AVERNO Viernes 23 Cocodrilo Negro Bar / Ponferrada

YO ESTOY BIEN, EL MUNDO ESTÁ MAL Viernes 23 Directo Cuenca / Cuenca Sábado 24 Maravillas Club / Madrid CRISTINA LEN Viernes 30 Kutxa Kultur Kluba / San Sebastián

Sábado 31 Avalon Café / Zamora

MONDRA Viernes 30 Off Cultura / Badajoz

RESTINGA Jueves 15 La Lata De Zinc / Oviedo

VVV [TRIPPIN’YOU] Viernes 30 Boogaloo / Cáceres

Viernes 16 Casa Das Crechas / Santiago De Compostela

HERMANA FURIA Sábado 31 La Conservera / Viveiro

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LAS NIETAS DEL CHARLI

Ciclo de música: Nuevos Territorios por… Javier Ruibal Conciertos de Guada, Álvaro Ruiz, Alberto Alcalá y Jonathan Pocoví + Fernando Neira entrevista a Javier Ruibal Viernes 16 – 19.30h Sábado 17 - 20h Entradas: 6,50 euros

Ciclo audiovisual: Homenaje a Josefina Molina Con coloquios y proyecciones realizados por la pionera del audiovisual español Hasta el 3 de octubre 19h* *Sesión doble el 3 de octubre: 18:30h y 20:30h Entradas: 3,50 euros Teatro en la Berlanga: XIII Laboratorio de Escritura Teatral de Fundación SGAE Textos de Blanca Doménech, Itxaso Larrinaga, Guadalupe Sáez, Nani de Julián, Ion Iraizoz y Markos Goikolea Unzalu Martes 6 19:30h Entradas: 3,50 euros Teatro en la Berlanga: ‘Tu hija’ de Victoria Szpunberg Estreno Miércoles 7 19:30h Entradas: 3,50 euros Cataluña, Valencia y Andalucía, más dos propuestas de Portugal y Ecuador. Las obras transitan por la comedia, el drama, la sátira, el thriller, la danza o la experimentación escénica para abordar temas tan actuales como las dificultades de acceso a la vivienda, la burocracia, la corrupción, la identidad y los prejuicios, la dependencia tecnológica, el embarazo, la soledad o el amo. Lo que viene siendo el pan nuestro de cada día. https://microteatro.es

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FIRA MEDITERRÀNIA Varios espacios (MANRESA) Del 15 al 18 de octubre Por norma general, la cultura popular no se contempla desde la barrera: se canta, se baila, se toca y se construye colectivamente. Eso lo tienen claro en la Fira. Este año, la participación atraviesa el leit motiv de una programación que entiende las raíces como algo vivo, capaz de transformarse cuando pasa de unas manos a otras. Música, danza, circo y artes escénicas sirven para conectar tradición y creación contemporánea, con propuestas que invitarán al público a dejar de ser únicamente espectador. Entre los nombres a seguir aparecen Judit Neddermann, Brodas Bros, De Ninghures, Amorante o el Colectivo Glovo, dentro de un programa con una fuerte presencia de estrenos. Esta celebración de la cultura compartida se apoya en algo muy sencillo: una tradición sobrevive precisamente porque cada generación se apropia de ella y vuelve a hacerla suya. https://firamediterrania.cat MANTENER FUERA DEL ALCANCE DE LOS NIÑOS Teatro Abadía (MADRID) Del 29 de octubre al 22 de noviembre María Velasco vuelve al colegio, pero esta vez lleva a Carrie con ella. La dramaturga recupera sus años en un aula de necesidades educativas especiales y el dolor de crecer sintiéndose fuera de la pandilla. Es este un trabajo de autoficción, fantasía y ganas de revancha: aquella niña rarita imagina ajustar

Ciclo audiovisual: Barrio Berlanga Uno de nuestros espectadores programa dos sesiones Viernes 9 y sábado 10 19h y 21h Entradas: 3,50 euros Ciclo audiovisual: Documental musical Un recorrido por la música andaluza con tres documentales y la interpretación de dos canciones por Javier Ruibal Del 13 al 15 de octubre 19h y 21h Entradas: 3,50 euros cuentas en una cena de antiguos alumnos. En escena, Velasco se acompaña del cantaor AlBlanco y el bailarín-performer Mario Patrón, cruzando el quejido de las infancias no normativas con el quejío flamenco. Es esta una celebración de quienes nunca terminaron de encajar. https://www.teatroabadia.com

EXPOSICIONES KENNY SCHARF Museo Thyssen (MADRID) Hasta el 17 de enero de 2027 Scharf sale del Nueva York de los ochenta, ese East Village de Keith Haring y Jean-Michel Basquiat. Él sigue entre nosotros, y su "surrealismo pop" mezcla graffiti, cómic, cultura popular y ciencia ficción con colores radioactivos y personajes mutantes. Para una mirada joven, es una oportunidad estupenda de acercarse a aquel momento en que la calle comenzaba a entrar definitivamente en los museos. Y comprobar que aquella explosión visual todavía tiene bastante más futuro que muchas estéticas nacidas ayer. https://www.museothyssen.org PIPILOTTI RIST + STEVE McQUEEN Museo Guggenhein (BILBAO) 1 oct-17 ene y 9 oct-21 feb Pipilotti Rist por una parte y Steve McQueen por la suya aprovechan el Guggenheim como espacio donde invitan a mirar, escuchar y dejarse atravesar por ese tipo de creaciones que te acompañarán el resto de tu vida. La suiza llega con su videoarte. Rist recupera Ever Is Over All, aquella fantasía pop en la que una mujer pasea feliz mientras revienta ventanillas de coches con una flor gigante: belleza, violencia y espíritu videoclip antes de Instagram. A su vez, McQueen presenta nueva instalación creada en exclusiva para el museo, 66–76–26, donde enfrenta en la oscuridad dos versiones a capela del tema Wild Is the Wind, las grabadas por Nina Simone y David Bowie, sonando desde extremos

Ciclo audiovisual: Azcona, en Berlanga y más allá Un homenaje con ocho películas firmadas por el guionista Del 20 al 24 de octubre Sesión doble de tarde Entradas: 3,50 euros IX Festival Cine por Mujeres Con las películas estatales dirigidas por realizadoras más destacadas del año Del 28 de octubre al 5 de noviembre 17.30h, 18h, 20h, 20.10h y 20.30h Entradas: 3,50 euros Teatro en la Berlanga: ‘Memoria de una ficción’ de Félix Estaire 19º Premio LAM 2025 Martes 27 19:30h Entradas: 3,50 euros opuestos. Ambas exposiciones se convierten en poderosas razones para que Bilbao entre en tus planes de octubre. https://www.guggenheim-bilbao.eus CAUTÍN Museo Thyssen (MADRID) Del 6 de octubre al 17 de enero La artista mapuche y chilena, Seba Calfuqueo, definía el arte en nuestro anterior número de NUEBO como algo "bastardo, híbrido, champurreado, contaminado" y rechazaba la expectativa de que un artista indígena tenga que producir una imagen reconociblemente "indígena". Identidad, territorio, cuerpo y colonialismo son algunas claves de esta exposición tremendamente actual. https://tba21.org/cautin CONTINENTES COMO SEMILLAS La Casa Encendida (MADRID) Hasta el 10 de enero de 2027 Un mantón de Manila nunca fue solo un mantón. Te lo dicen La Chola Poblete, Niño de Elche y Pedro G. Romero, que tiran de sus hilos para descubrir rutas coloniales, cuerpos disciplinados y apropiaciones culturales que siguen bastante vivas. Del flamenco viajando entre China, Filipinas, México y España a una Virgen que puede encontrarse con la Pachamama, el Che o el logo de Quilmes. La expo reúne dibujo, escultura, sonido y performance para recordar que los imperios terminan oficialmente mucho antes de que desaparezca la cultura. https://www.lacasaencendida.es A MATTER OF TASTE Galería Marc Bibilonni (MADRID) Hasta el 28 de octubre Últimos días para disfrutar del mundo contemporáneo que captaba Martin Parr, observado con flash, humor británico y bastante mala leche. https://marcbibiloni.com

FOTO: GUADA

LANDING / EVENTOS

SALA BERLANGA Programación de octubre 2026 Madrid

LANDING / EVENTOS Dos generaciones de fotógrafas en un mismo tiempo y lugar. KBr enfrenta la primera gran retrospectiva de la holandesa Dana Lixenberg con Flama’26, una apuesta por el talento emergente formado en Barcelona. Sara Bravo, Elena Bulet i Llopis, Luca Gaetano Pira y Meghan Mathews trabajan con cuatro miradas que ensanchan la fotografía hacia nuevos lenguajes. Empápate del icono noventero -su aproximación durante más de treinta años a la cultura americana y sus comunidades, tengan el estatus que tengan, es un must- para luego saltar hacia las obras de quienes están construyendo y pensando las imágenes del futuro.

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LIXENBERG + FLAMA’26 KBr (BARCELONA) Del 1 de octubre al 17 de ene 2027

FOTO: TK MAMI

LANDING / EVENTOS

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PUWERTY La Casa Encendidda (MADRID) 15, 16 y 17 de octubre

Puwerty cumple diez años. ¿Significa que ya se ha vuelto viejo? ¡Qué va! Experimentado, quizá. En octubre, La Casa Encendida vuelve a dar el mando a menores de 26 para preguntar qué significa ser joven hoy en día. Cine sin industria, identidades digitales, coreografías rebosantes de deseo, memes, cringe, trap melancólico, talleres, serigrafía para imitar y hasta un show de lucha libre etiquetan algunas de las propuestas de una edición que celebrará día y noche una década haciendo justo lo que toca a esa edad: probar cosas sin pedir permiso. La edición de 2026 está comisariada por Mireya Larriba (Donosti, 2000), y la identidad visual corre a cargo de Karmen Ameller y Jaime Vidal.

LANDING / EVENTOS

9 DE OCTUBRE

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DISPONIBLE A PARTIR DEL

EL NUEVO ÁLBUM 16.10 22 OCTUBRE MOVISTAR ARENA MADRID 24 OCTUBRE SANT JORDI CLUB BARCELONA ENTRADAS AGOTADAS

NUEBO #48 OCTUBRE 2026