NUEBO #47 SEPTIEMBRE 2026

KAYLA E 1

EXORCISMO

AIKO EL GRUPO / 1111 / ALBA MORENA / SPACE AFRIKA / PHOEBE BRIDGERS / MOHAMED BOUROUISSA / TOP 50 HYPERPOP / ZEINE

Las noches de

RíoBabel MADRID 2026

Argentina México Argentina Argentina Argentina Argentina España Uruguay

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España

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AIKO EL GRUPO 3

LA INOCENCIA PERDIDA

1111 / ALBA MORENA / KAYLA E / SPACE AFRIKA / PHOEBE BRIDGERS / MOHAMED BOUROUISSA / TOP 50 HYPERPOP / ZEINE

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RíoBabel MADRID 2026

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EMOCIONES SINTÉTICAS ALBA MORENA / KAYLA E / AIKO EL GRUPO / SPACE AFRIKA / PHOEBE BRIDGERS / MOHAMED BOUROUISSA / TOP 50 HYPERPOP / ZEINE

Las noches de

RíoBabel MADRID 2026

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ALBA MORENA 7

YO SOY ESA

KAYLA E / AIKO EL GRUPO / 1111 / SPACE AFRIKA / PHOEBE BRIDGERS / MOHAMED BOUROUISSA / TOP 50 HYPERPOP / ZEINE

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RíoBabel MADRID 2026

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LOS NUEBOS

“Barcelona es muy cosmopolita”, decía Carlos Areces entre las geniales frases de 0’60, la icónica canción de Ojete Calor. Y es un poco posirónico porque es cierto: allí en Barcelona se conocieron la cantautora francesa Alison Manicourt y el compositor, productor y guitarrista británico-persa Shervin Hejazi, y allí montaron Mona et Toi con la mirada puesta en un rock alternativo más bien internacional. Sí, Barcelona es cosmopolita. Ahora el dúo estrena en Mushroom Pillow su primer trabajo largo, Radical Romance of Mind, con un sonido que se mueve con sinuosa seducción entre el pop noir, el rock gótico, el post-punk revival, la frontera y el indie rock, y que conecta con Black Rebel Motorcycle Club, con PJ Harvey, Dry Cleaning y Chelsea Wolf o sobre todo con aquel disco, Lux Prima (2019), que publicaron Karen O, de Yeah Yeah Yeahs, y el productor Danger Mouse. En septiembre estrenan el disco en Reino Unido y en nuestro país: el día 8 en el Dublin Castle de Londres, el día 10 en el Troubadour de Londres, el día 11 en la Estraperlo de Badalona y el día 17 en la Sala Vol de Barcelona. Y ya han pasado por COLORSxSTUDIOS o por KEXP Radio.

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FOTO: JORDI SANTOS

MONA ET TOI

26

ZEYNE ARAB POP

VOL. 47 SEPTIEMBRE 2026

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AIKO EL GRUPO CÓMO HEMOS CAMBIADO

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44

48

FORASTERA HISTORIAS DE FANTASMAS

58 EDITORIAL

LA BOLA NEGRA NOVEL

ALBA MORENA FRENTE AL ESPEJO

MORREO YEYÉ

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RAVYN LENAE LIBRE

MOHAMED BOUROUISSA VIÑETAS URBANAS

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KAYLA E MIRAR HACIA ATRÁS SIN IRA

El fuego arrasando España en verano; ganamos el Mundial, Ferrán, oh Ferrán y la depre de Julián; Sitges y las acreditaciones; el eclipse; los tribunales que dictaminan que Meta es la nueva droga; Canela y los djs; Ceuta y la avalancha de inmigrantes desde Marruecos; farmear aura; los desastres naturales a lo largo y ancho del planeta; el declive de los influs y la influ de la Vuelta. Han pasado solo dos meses y el frenesí del verano 2026 ha convertido ese tiempo estival, acostumbrados como estábamos al paréntesis y la tregua necesaria, en poco menos que media vida. No os engañamos, nos ha costado lo suyo retomar el pulso. Entre dramas de profundo calado y pequeñas tragicomedias magnificadas en X a las que se ha dado todas las vueltas posibles, nos quedamos en este arranque de temporada con unas declaraciones que posiblemente habrán pasado desapercibidas. Las firma Rick Rubin, fundador de Def Jam, dj de Beastie Boys en los buenos tiempos y productor estrella por su trabajo junto a Johnny Cash, sí, pero también de LL Cool J Run DMC, Slayer, Red Hot Chili Peppers, Kanye y tantos otros. A must, un gurú de la música que a sus 63 años se ha

descolgado con una reflexión ¿provocadora? “Antes, en la música, tenías que ir al conservatorio y estudiar durante años y años. Entonces, algún día, podías tocar en una sinfónica. Y luego, cuando surgió el punk rock, podías aprender tres acordes en un día, y así aparecieron todas estas bandas. Lo democratizó. Si tenías algo que decir, podías decirlo; no necesitabas la experiencia ni el conjunto de habilidades más allá de tu idea y tu capacidad para transmitirla. El vibe coding es lo mismo: es el punk rock de la programación“. El tiempo dará y quitará razones, pero a priori las palabras de Rubin, alineadas con los grandes capos de Silicon Valley, nos parecen peligrosas cuanto menos. Por lo que supone de poner el trabajo creativo en las manos equivocadas, fuera del alcance de un artista que se convierte en entrenador (otro más) de la IA. Y porque, no nos engañemos, durante un corto periodo de tiempo -lo que tardó en ser asimilado por el mainstream como un producto de consumo más- el punk supuso un desafío abierto al poder, el motor de una industria alternativa y un electroshock cultural protagonizado por desheredados.

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director comercial Luis Argeo argeo@nuebo.es

1111 ANGELITOS

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DOUBLE TWINS

SEBA CALFUQUEO INDIGENISMO POP

ONIMUSHA LA ESPADA DEL SAMURAI

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ANTONIO DEL CANTO INTIMIDAD

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directora de arte Liliana Carpio lillie@nuebo.es

jefe de redacción Diego Rubio diego@nuebo.es

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director editorial Luis J. Menéndez luis@nuebo.es

web & rrss Antonio Amar antonio@nuebo.es COLABORADORES Galo Abrain, Ramón Baylos, Fernando Bernal, Luis Bravo, Marta España, Manu González, Miguel Pardo, Olaya Pedrayes, Anna Pérez, Adriana Ramiro, Cris Regatero, Felipe Rodríguez Torres, Mateo Trapiello, Daniela Urzola, Raúl Valdivia, Ricardo Ruiz Varo, Eva Sebastián. FOTOGRAFÍA PORTADA Adri Cuerdo (Aiko el Grupo) Alba Morena (María Margo) Kayla E. (Kayla E.) Alfon López (1111) www.nuebo.es / @somosnuebo

JULEN AZCONA CUATRO AMIGOS

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JULIE ACKERMANN HYPEREFLEXIONES KARMA C LA ELECTROCOCINERA

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editora de moda Alba García Valero alba@nuebo.es

TOP 50 HYPERPOP PASADO, PRESENTE, ¿FUTURO?

IMPRESIÓN

Licencia de uso de la Certificación Forestal PEFC / 14-37-00097 DISTRIBUCIÓN

Elliot Bicimensajeros (MDZ) Mil Máscaras (BCN) NUEBO S.L.

Callejón de Concepción Jerónima 3, 1º Ext. Izq.28012 Madrid hola@nuebo.es

Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de la revista. Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1 párrafo segundo, de la Ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohibidas la reproducción, la distribución y la comunicación pública, incluida su modalidad de puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de la empresa editora de la publicación NUEBO S.L.

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PHOEBE BRIDGERS SE HACE GRANDE

SPACE AFRIKA ÓPERA TECHNO

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RESIDENT EVIL TENGO MIEDO

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LIONEL GENTE NORMAL

LEE O HAZTE CON TU EJEMPLAR DE NUEBO EN NUESTROS PUNTOS DE DISTRIBUCIÓN OFICIALES QUE PUEDES CONSULTAR A CONTINUACIÓN… BARCELONA

LA CIUTAT INVISIBLE Carrer, Riera d'Escuder, 38, baixos, 08028

BIBLIOTECA FRANCESCA BONNEMAISON Carrer Sant Pere més Baix, 7, 08003

LA DESKOMUNAL SCCL Carrer del Tenor Masini, 5 Carrer Riera d, Escuder 38, 08028

CCCB C/ de Montalegre, 5, 08001

BRIDGE48 C/ de Llull, 48, Sant Martí, 08005 VALKIRIA HUB SPACE C/ de C. Pujades, 126, Sant Martí, 08005 ÍNDIGO CAFÉ & BRUNCH Carrer d'Enric Granados, 3, 08007 KAÓTIKO Rambla de Catalunya, 54, 08007 CAMELIA ART CAFÉ C/ de la Diputació, 278, 08009 CELEBRE Pg. de St. Joan, 60, 08009 GRANJA PETITBO Pg. de St. Joan, 82, 08009

BIBLIOTECA SUD Passeig dels Almogàvers, 49 08204, Sabadell BIBLIOTECA PONENT Plaça d'Ovidi Montllor, 5, 08206 Sabadell BIBLIOTECA CENTRAL Passeig de Les Lletres, 1 08221 Terrassa BIBLIOTECA CASINO Passeig de Pere III, 29, 08242 Manresa BIBLIOTECA CAL GALLIFA Passeig Gallifa, 1, 08250 Sant Joan de Vilatorrada

FREE TIME Carrer del Comte d'Urgell, 32, 08011

BIBLIOTECA ANTONI COMAS Prat de la Riba, 110, 08301 Mataró

ODD KIOSK C/ de València, 222, 08011

BIBLIOTECA POMPEU FABRA Plaça d'Occitània, s/n, 08302 Mataró

CURUBA.SCP Plaça de la Vila de Gràcia, 19, 08012

BIBLIOTECA JOAN COROMINES Carrer de Josep Pujadas Truch, 1A, 08320 El Masnou

EL GENIO EQUIVOCADO, LA BOTIGA Carrer de Benet Mercadé, 22, baixos 1ª, 08012

BIBLIOTECA CAN COROMINES Carrer Consolat de Mar, 9, 08395 Sant Pol de Mar

EL NOA NOA C/ de Torrijos, 22, 08012

BIBLIOTECA JOSEP ROCA I BROS Carrer Federico García Lorca, 17 08630 Abrera

IED Carrer de Biada, 11, 08012 BIBLIOTECA FORT PIENC - ANA MARÍA MOIX Plaça del Fort Pienc, 4-5, 08013 CANTINA LAB CAN BATLLÓ Gran Via de les Corts Catalanes, 169, 08014 ZUMZEIG CINECOOPERATIVA C/ de Béjar, 53, 08014 COMETA C/ del Parlament, 20, 08015 NINAS COFFEE AND BRUNCH C/ d'Entença, 116 Bis, Local 2, 08015 BIBLIOTECA NOU BARRIS Plaça Carmen Laforet, 11 08016 BIBLIOTECA EL CLOT Plaça de les Glòries Catalanes, 37-38, 08018 ORVAL Carrer de Buenaventura Muñoz, 31, 08018 BIBLIOTECA JAUME FUSTER Plaça Lesseps, 20-22 08023 IED Carrer de Sant Salvador, 70, 72, 08024

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BIBLIOTECA FRANCESC CANDEL Carrer d'Amnistia Internacional, 10, 08038

BIBLIOTECA SANTA OLIVA Carrer Salvador Casas, 28 08640 Olesa de Montserrat BIBLIOTECA CENTRAL Plaça de Cal Font, s/n, 08700 Igualada BIBLIOTECA JOAN OLIVA I MILÀ Plaça de la Vila, 13, 08800 Vilanova i la Geltrú BIBLIOTECA JORDI RUBIÓ I BALAGUER Carrer Baldiri Aleu, 6-8 08830 Sant Boi de Llobregat BIBLIOTECA VILADECANS Av. Josep Tarradellas i Joan, 16 08840 Viladecans BIBLIOTECA SANTIAGO RUSIÑOL Plaça de l'Ajuntament, 13 08870 Sitges BIBLIOTECA RAMON FERNÀNDEZ JURADO Carrer Bisbe Urquinaona, 19-21 08860 Castelldefels BIBLIOTECA SANT ROC Avinguda del Congrés Eucarístic, s/n 08918 Badalona

CAMELIA ART CAFÉ C/ de Padilla, 264, 08025

BIBLIOTECA DEL FONDO Carrer Massenet, 28-30, 08922 Santa Coloma de Gramenet

BIBLIOTECA LA SAGRERA MARINA CLOTET Josep Soldevila, 9 08027

BIBLIOTECA CENTRAL Carrer Mossèn Andreu, 15 08940 Cornellà de Llobregat

BURGOS

CAFÉ CENTRAL C/ Sal 9, 09400 Aranda de Duero

MADRID

BIPOLAR C/ Calatrava, 6, 28005

MARILIANS C/ del Noviciado, 9, Local 7, 28015

DESPERATE LITERATURE C/ Cava Baja, 8, 28005

NIM SALÓN C/ de San Vicente Ferrer, 63, 28015

ESCUELA TAI C/ de Recoletos, 22, 28001

FEDERAL CAFÉ Pl. Conde de Barajas, 3, 28005

VÍA COMUNICACIÓN C/ Conde de Aranda 24, 3º Planta, 28001

L’ADORE CAFÉ Pl. de Cascorro, 20, 28005

1862 DRY BAR C/ Pez, 27, 28004 ALEATORIO BAR C/ Ruiz, 7, 28004 BERKANA C/ Hortaleza, 62, 28004 BIANCHI KIOSKO CAFFÉ C/ San Joaquín, 9, 28004 CAFÉ PEPE BOTELLA C/ San Andrés, 12, 28004 EL ALMACÉN DE DISCOS C/ Minas, 13, 28004 EL RINCÓN C. del Espíritu Santo, 26, 28004 FARADAY C/ San Lucas, 9, 28004 FREV BOUTIQUE Corredera Alta de San Pablo, 4, 28004 FUNDACIÓN SGAE C/ Bárbara de Braganza, 7, 28004

LOS TIERNOS C/ Toledo, 73, 28005

RUDA CAFÉ C/ Ruda, 11, 28005

DRØMME KAFFE HOUSE C/ Juana Doña, 8, 28045

THE SOCIAL HUB Cta. de San Vicente, 28, 28008

MATADERO MADRID Pl. de Legazpi, 8, 28045

SALA CLAMORES C/ Alburquerque, 14, 28010

PANDORA'S VOX C/ Rafael de Riego, 8, 28045

THE BEER GARDEN TAP ROOM SALOON C/ Juan de Austria, 23, 28010

MÁLAGA

URRACA CAFÉ C/ Doña Urraca, 18, 28011 BAJOELVOLCÁN C/ Ave María, 42, 28012 CAFELITO C/ Sombrerete, 20, 28012 EL IMPARCIAL C/ Duque de Alba, 4, 28012 GENERACIÓN X C/ Conde de Romanones, 3, 28012

GENERACIÓN X C/ Carranza, 25, 28004

JUAN RARO C/ Miguel Servet, 7, 28012

GILDA HOUSE C/ de San Mateo, 6, 28004

PERROS DE LLUVIA C/ Sombrerería 1, 28012

GORILA MALASAÑA Corredera Baja de San Pablo, 47, 28004

PUM PUM CAFÉ C/ Tribulete, 6, 28012

KAÓTICO C/ Fuencarral, 34, 28004 LA FIAMBRERA ART GALLERY C/ Pez, 30, 28004 LIBRERÍA CIENTO VOLANDO C/ Divino Pastor, 13, 28004 LOLINA VINTAGE CAFÉ C/ Espíritu Santo, 9, 28004 MALABAR Pl. del Dos de Mayo, 9, 28004 NEARE CLOTHES Corredera Alta de San Pablo, 21, 28004 PICNIC C/ Minas, 1, 28004 QUALITY SPORTSWEAR C/ Espíritu Santo, 6, 28004

BAR TOBOGGAN Pl. de Rutilio Gaci, 2, local 1, 28045 COSTELLO RÍO Pl. Gral. Maroto, 4, 28045

HOLA COFFEE FOURQUET C/ Dr. Fourquet, 33, 28012

HOBBY CONVERTERS C/ Estrella, 20-2, 28004

LOS INVERNADEROS C/ Alonso Núñez, 6, 28039

MOLAR DISCOS & LIBROS C/ Ruda, 19, 28005

GENERACIÓN X C/ de la Puebla, 15, 28004

GOSTO CAFÉ C/ Palma, 47, 28004

DJP MUSIC SCHOOL C/ Pilar de Zaragoza, 63, 28028

SALA EQUIS C/ Duque de Alba, 4, 28012 SWINTON GALLERY C/ Miguel Servet, 21, 28012 UMUSIC STORE C/ Carretas, 10, 28012 CASA JAGUAR C/ Caños del Peral, 9, 28013

POLO DE CONTENIDOS DIGITALES Avda. Sor Teresa Prat, 15, 29003 CASA WILD C. Real, 54, 29680 Estepona

MURCIA

CAFETERÍA BAR COOP ÍTACA C/Mariano Vergara 6, 30003

GIJÓN

BAR LA PLAZA C/ Julio Fernández, 1, 33201 Gijón TOMA 3 C/ Marqués de Casa Valdés, 27, 33202

VIGO

WOODTOWN Camelias 20, 36202

VALENCIA

DISCOS OLDIES C/ de la Mare de Déu de Gràcia, 6, 46001 ULTRASOUND MUSIC C/ de Cuba, 49, L'Eixample, 46006 PRO21 CULTURAL C/ Joan mercader 34, 46011

BILBAO

GOOOD PEOPLE C/ Goienkale, 38, 48005

FOUR C/ Calderón de la Barca, 8, 28013

MEDIATEKA AZKUNA ZENTROA - ALHÓNDIGA Plaza Arriquíbar, 4, 48010

WET COCKTAIL BAR C/ Mesón de Paños, 6, 28013

ZARAGOZA

WURLITZER BALLROOM C/ Tres Cruces, 12, 28013 ACID CAFÉ C/ Verónica, 9, 28014 FELIZ COFFEE TO GO C/ Lope de Vega, 2, 28014 MISERIA C/ Verónica, 15, 28014 CAFÉ LA PALMA C/ Palma, 62, 28015

TATUAJERÍA CORAZÓN SALVAJE C/ Divino Pastor, 6, 28004

C.C. CONDE DUQUE C/ Conde Duque, 9, 28015

TOMA CAFÉ C/ Palma, 49, 28004

LA TAPE C/ San Bernardo, 88, 28015

JUEVES SHOP C/ San Vicente de Paúl, 34, 50001 PIEDRA / ZONA DE ENSAYO C/ San Blas, 7, 50003 Si tienes un negocio o gestionas un Espacio Público en cualquier punto del país te puedes convertir en distribuidor oficial de NUEBO por solo 25€. Ayúdanos a llevar la mejor revista de cultura pop a todos los rincones de España y premia a tus clientes y usuarios distribuyéndola gratuitamente en tu espacio. Infórmate en hola@nuebo.es

EL VIRTUAL Detrás de la apariencia ruda de El Virtual se esconde realmente un Kirby lleno de ternura. El rapero malagueño se montó en la escena urbana nacional a la velocidad del plugg hace ahora más de una década, primero como ZER0SWAG, después como Virtual Boy de la mano de Fran Laoren -con quien fundó el colectivo Luxury Mob- y finalmente resucitando como El Virtual tras un duro periodo personal y al abrigo de la Shine Gang. Desde entonces ha hecho evolucionar su estilo -como sugiere su propio aka- atrapando

cada una de las derivaciones que el sonido acelerado de internet ha experimentado a lo largo de estos años. En 2026 ya ha publicado una pequeña mixtape, El Virtual Type Eat, repaso a todos sus sonidos, pero en el horizonte inmediato tiene un cambio de sensibilidad -ya avanzado en El suerte- que le ve tratando temáticas más introspectivas, conectar con partes más profundas de sí mismo y, sobre todo, experimentando con sonoridades orgánicas derivadas del jazz fusión, el flamenco pop o los ritmos latinos.

“Sí, bebé, yo soy tu gordo como Snorlax. Llega mi delivery, ternera en salsa de ostras. Shorty, cuando estás with me te pones pornstar, me gusta cómo lo haces so rebótalo en mi bolsa” – ‘Mi sofá’ Electrónica

85 %

Punk

65 %

Pop

60 %

Rock

0%

Urban

100 %

Experimental

40 %

Big Burger: Convierte a cualquier oponente en hamburguesa triple y lo enguye El Suerte: Organiza automáticamente la batalla para que se desarrolle sin impedimentos.

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ESTADÍSTICAS

LA NUEBA

C

M

Y

CM

MY

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QUIET LIGHT

En los cuatro años desde que lanzó su primer EP, la estadounidense de ascendencia hindú Riya Mahesh, Quiet Light, ha demostrado una enorme incontinencia creativa y un gusto ecléctico que infusiona su sonido de folk, de indie rock, de rock alternativo, de pop, de ambient y de collages sonoros con audios del móvil. Artista de la intimidad, en un principio su idea era mantener el equilibrio entre un proyecto más directo y accesible, Quiet Light, y otro más experimental, Blue Angel Sparkling Silver, pero finalmente los dos terminaron colisionando, revelando la personalidad musical esquiva y propositiva de la artista nacida en Texas. Desde la independencia logró abrirse un hueco entre esta nueva oleada de pop alternativo, con trazas de electrónica, pero fórmulas clásicas de canción, en la línea Dirty Hit (The Japanese House, Kelsey Lu, Marika Hackman, Pale Waves... incluso Wolf Alice o Beabadobee). Y llegó a telonear a Nilüfer Yanya, a Hovvdy, a Chanel Beads, a Ana Roxanne o a Cameron Winter, artistas que ayudan bien a delimitar un sonido que con cada lanzamiento se vuelve más etéreo e hipnagógico. En febrero de este año firmó con True Panther -el sello de Oklou, Grace Ives, Jawnino, Dawuna o Model/ Actriz-, y con ellos ha lanzado un Blue Angel Sparkling Silver 2 que aspira a convertirse en su confirmación definitiva: si te preguntabas a qué podía sonar la Taylor Swift de folklore con la producción onírica característica de Beach House... aquí tienes una posible respuesta. El 29 de octubre actúa en Madrid.

CY

CMY

K

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BELLA KAY

LA NUEBA DE CRIS REGATERO

FOTO: MEHKI REESE

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Hace unos meses apareció en mi aleatorio una canción que aparentemente no tenía nada especial: guitarra, voz y una letra sobre una relación tóxica. Fin. El título era iloveitiloveitiloveit y el nombre de la artista Bella Kay. Pero cuando llegó el brevísimo estribillo a modo de mantra, me quedé atrapada y quise reproducirla mil veces más. No era cosa solo mía: el tema empezaba a viralizarse en TikTok, donde Bella ya acumula más de un millón de seguidores. Empecé a indagar y resulta que, al igual que Beyoncé, Bella Kay nació en Houston (Texas), reside en Orlando (Florida), tiene 20 años y ya ha abierto conciertos para Maisie Peters, próximamente teloneará a Noah Kahan y en 2027 a Gracie Abrams. Giras que le servirán de escaparate masivo para presentar su álbum debut, My Reckless Abandon, un disco con el que se juega demostrar ser mucho más que un viral en redes. El pop confesional de Bella Kay lo es en todos los aspectos de su música. Ella cuenta que prefiere escribir sola en su habitación o trabajar de la mano de un círculo muy cerrado de colaboradores de confianza, como su productora principal Alexis Kesselman (Idarose), y hasta ha llegado a rechazar sesiones de composición con productores más comerciales y conocidos. De hecho, empezó a llamar la atención de la crítica internacional con su primer EP, el autoeditado Sick to My Stomach (2025). Si no sabes por dónde seguir después de iloveitiloveitiloveit, dale con Steady y después The Sick. Prestaremos atención a la evolución de la jovencísima Bella Kay.

CHO YEEUN

www.edicionesminotauro.com

minotaurolibros

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UNA LECTURA ADICTIVA, DULCE Y PERTURBADORA QUE MEZCLA TERROR Y CRÍTICA SOCIAL, DE UNA DE LAS AUTORAS JÓVENES MÁS ACLAMADAS DE COREA

edicionesminotauro

LA NUEBA

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TESSY EBOSELE “Intento mantenerme un poco al margen de las redes sociales porque soy consciente de que, aunque haya cosas muy positivas y muchísimo ánimo para las atletas, también hay comentarios negativos. Hoy a la noche no he podido pegar ojo porque no podía dejar de pensar en qué pasaría si no me iba como se esperaba, en las expectativas tan grandes que se nos ponen a todos. Entended desde casa que todos nosotros sacrificamos mucho para estar aquí, y que cuando vemos que nuestros sueños, ambiciones y esfuerzos caen en saco roto somos los primeros que sufren”. Con estas palabras se desahogó la saltadora española Tessy Ebosele ante las cámaras de RTVE tras su participación en el Campeonato Europeo de Birmingham, donde no logró clasificarse para la final. Tessy venía de una grave lesión que la ha mantenido alejada de las pistas un año y medio, y está necesitando tiempo para volver a sentirse, poco a poco, atleta de primerísimo nivel; es normal. Y seguro que retomará esa senda del éxito que ha augurado desde el principio su carrera: bronce en salto de longitud en el Europeo Sub-23 en 2023, bronce en triple salto en los Juegos Mediterráneos de 2022, plata en triple salto en el Mundial Sub-20 y plata en longitud en el Europeo Sub-20 de 2021. Ella, desde niña, ha demostrado su valentía, su ambición y su entereza: nacida en Marruecos hace 24 años y de familia nigeriana, llegó de bebé a España jugándose la vida con su madre cruzando el Estrecho en patera, y las dos se afincaron en Euskadi. Ahora vive y entrena en Guadalajara tras haberse unido al equipo de Iván Pedroso, medallista olímpico y entrenador de Ana Peleteiro, Yulimar Rojas, Jordan Díaz o Fátima Diame.

Surge Madrid en otoño

Luis Baylón, Éxito sin precedentes, 2000. Colección Museo CA2M. ©VEGAP. Madrid, 2026

XIII Muestra de Creación Escénica Del 22 de septiembre al 11 de octubre de 2026

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Escanea y consulta las actividades que tendrán lugar en varios espacios de la región www.madrid.org/surgemadrid Cultura Comunidad de Madrid #SurgeMadrid2026

EL NUEBO

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NOAH JUPE Primogénito de una familia de actores, sus padres son Katy Cavanagh, una actriz de televisión muy reconocida en Reino Unido, y el realizador Chris Jupe; y su hermano pequeño es Jacobi, con quien ya ha compartido focos en una película que les ha puesto a ambos en la cartelera mundial: Hamnet (2025) de Chloé Zhao. Antes, Noah Jupe ya había destacado como niño actor con apariciones en series como Penny Dreadfull y Downton Abbey, pero su irrupción definitiva en la vorágine hollywoodiense le llegó de la mano de George Clooney, que contó con él para uno de los papeles principales de ese oscuro thriller familiar que es Suburbicon (2017). Más mainstream fue interpretar a uno de los hijos de Emily Blunt y John Krasinski en la saga de terror Un lugar tranquilo (2018 y 2020), pero desde entonces el británico ha apostado más por proyectos de autoría, alternativos, pero a la vez afianzados en la industria comercial: fue el joven Shia LaBeouf en Honey Boy, película de Alma Har’el basada sucintamente en las memorias familiares del actor estadounidense; o el intérprete de Hamlet en la mencionada Hamnet... Y precisamente con otra de las grandes tragedias de Shakespeare, Romeo y Julieta, se estrenó en el teatro comercial del West End londinense junto a Sadie Sink, ya curtida en Broadway. Ahora, recién entrado en la veintena y listo para papeles más adultos y profundos, se pone al servicio del cineasta argentino Pablo Trapero en Sus hijos, donde interpreta al hijo de un hombre, Bill Nighy, que al final de su vida trata de recuperar y sanar la relación con sus descendientes.

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LOS NUEBOS

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MAN/ WOMAN/ CHAINSAW La narrativa de los jóvenes arties británicos pasa obligatoriamente, en la última década, por la BRIT School y por el Windmill de Brixton, y utiliza en general la crudeza, la fiereza del post-punk para expresar una postura cínica ante el devenir de los acontecimientos del mundo contemporáneo. Pero en los últimos años, sin embargo, hemos visto a estas bandas ir abandonando poco a poco esa pose casi condescendiente para abrazar una especie de nueva sinceridad seudo hippie, que reivindica el folk rural de la Inglaterra de los años sesenta, las escalas medievales, las leyendas de fantasmas, brujas y ninfas forestales, los cuentos de Canterbury, los instrumentos de madera. En este sentido, Man/Woman/Chainsaw enarbolan su propio manifiesto: la intensidad post-punk está ahí, el guitarreo, el coqueteo sutil con el experimento y con el jazz, pero realmente su sonido convoca más una hoguera de pop gótico que las conecta con Florence + The Machine y hasta con Nick Cave, con The Last Dinner Party y en general con la nueva ola de popstars de akelarre. El sexteto, caracterizado por el violín de Clio Starwood y el tapiz de texturas y detalles bizarros que entierran bajo fórmulas que resultan hasta radiofónicas -del rock alternativo al country o la balada pasando por un pop explícito y desacomplejado-, ha debutado en largo este verano con Cannonball, y ha hecho ruido en nuestro país con su actuación en el Canela Party.

SCHOPENHAUER Y RUPAUL… HERMANITAS SEPARADAS AL NACER Si alguna vez te has dado el gusto de leer a Schopenhauer, tan pronto como hayas empezado a perderte en sus frases larguísimas, cada una respirando ese hastío de quien ya ha visto demasiado de la vida, seguramente hayas notado que uno de sus mayores atractivos es ese tono tan irónico e increíblemente insultante con el que habla de otros filósofos de su época. Es, a mi parecer, una de las virtudes de su filosofía y si no fuera por ese carácter sus obras se habrían diluido en mitad del idealismo alemán. De esta agilidad mental nace una curiosa obra que recopila todos sus insultos, El arte de insultar (2011), donde argumenta que el insulto es una forma de dialéctica erística para confrontar al otro; y que puede funcionar como estrategia sofística de guerra intelectual. Básicamente, el insulto es algo inevitable e instintivo en nosotros, parte de nuestra naturaleza. Solo hacen falta dos capítulos de Rupaul’s Drag Race para apreciar que no solo Schopenhauer hace uso de su lengua afilada, sino que otras comunidades también hacen de este “arte” un despliegue de acidez e ironía extrema. Hablo de la prueba de reading, en la que un grupo de drags se insultan mutuamente de una forma muy peculiar. Este reading, tan característico de la cultura drag y queer, es toda una puesta en marcha de esta dialéctica erística. Algo fascinante, porque si por algo se le conoce también a Schopenhauer es por su gran misoginia. Imagínalo hoy viendo a estas drags insultarse con su mismo don de la palabra: probablemente se quedaría tieso. O fascinado. Por eso pensar en Schopenhauer y en Rupaul como dos hermanas separadas me parece algo poético. Pequeñas justicias poéticas que nos da la vida.

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FOTO: SOPHIE BARLOC

POR: BEA JORDÁN

NOBEDADES

38º MERCAT DE MÚSICA VIVA DE VIC

Marina Herlop La catalana estrena Dja Dja, su quinto álbum y primero como artista independiente, el próximo 9 de octubre. Pero antes, en Vic, podremos acercarnos por primera vez en directo a estas nuevas canciones -siempre un poco alienígenas- y a un nuevo espectáculo en el que Marina se acompaña de un quinteto.

Del 16 al 20 de septiembre CASI 80 CONCIERTOS EN ESCENARIOS INCOMPARABLES DEL CENTRO HISTÓRICO DE VIC: MITAD FERIA PROFESIONAL, MITAD FESTIVAL ABIERTO AL PÚBLICO QUE INCLUYE PROPUESTAS GRATUITAS, EL MERCAT DE MÚSICA VIVA SE CONVIERTE NO SOLO EN UN NEXO PARA LA INDUSTRIA, SINO EN UN EPICENTRO DEL DESCUBRIMIENTO MUSICAL.

Grandes estrenos y propuestas que van desde lo experimental a lo folclórico se reúnen en el Mercat de Música Viva de Vic, una cita para descubrir el futuro de la música pero también para celebrar su presente y su pasado. Con una nómina

de artistas que representan hasta a 30 países y 15 comunidades autónomas de España, esta feria global que también adopta la forma de un festival se extiende por ocho escenarios que transforman, durante su duración, la ciudad de Vic.

NUEVO POP-ROCK EN CATALÁN:

El talento catalán, naturalmente, juega un papel central de este proyecto: el indie rock de montaña de Remei de Ca la Fresca, el pop-rock entre lo orgánico y lo electrónico de Maig, el pop de resonancias locales de Ginestà, el indie pop de Socunbohemio o la canción folk de Mar Pujol, entre otros, protagonizan esta edición muy centrada en exponer las nuevas vías de la música en catalán.

CONEXIÓN EUSKADI:

Del Gesù

Mar Pujol

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Hofe

Galicia, Madrid, Zaragoza, Andalucía, Asturias... Artistas de toda España actúan en Vic. Pero esta edición, el País Vasco destaca especialmente con nombres como Hofe -que presentará su inminente primer disco en solitario-, Sara Zozaya de Merina Gris con su proyecto más ambient (y la colaboración de Ke Lepo) o Marte Lasarte.

NUEVA EXPERIMENTACIÓN CATALANA:

Maig

Ginestà

Remei de Ca la Fresca

Milkweed Uno de los grupos más extraños y elusivos de la actualidad, los británicos reinterpretan la épica pagana irlandesa desde la experimentación ruidista, la hauntología, la música de cinta y el collage sonoro. Folk espectral para abrir portales en el tiempo y formar vasos comunicantes.

Socunbohemio

Damoridemort

B1N0

Del Gesù y su R&B electrónico, vanguardista y experimental; Damoridemort, híbrido entre Let’s Eat Grandma y la Björk más molecular; o B1N0, que llevan tiempo encarnando el espíritu adelantado de Barcelona. Esta y otras actuaciones explican, además, la voluntad aventurera del Mercat.

¿NEOCANTAUTORES? Rachid B

Rebe

La genealogía de los cantautores también es seña de identidad del Mercat de Música Viva, donde este año actúan Nacho Vegas, Amaro Freitas o Quimi Portet. Pero además de los clásicos, también es lugar para Sigue el QR para descubrir nuevos discursos y nuevas adentrarte aún aproximaciones: es el caso de Rebe, más en la inmensa gran deconstructora de la canción programación del melódica, o de Rachid B, emigrante Mercat de Música Viva. marroquí y músico de frontera.

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NOBEDADES

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Eva Zar nació y creció en Viena pero se trasladó a los 19 años a New York para empezar a ejercer de fotógrafa para las principales revistas de tendencias -Vice, Dazed, i-D,...- poniendo foco en el universo queer. Pero desde hace un par de años Eva ha arrancado un proyecto que se debate entre lo periodístico y los artístico: en God Is a Stripper convierte a las jóvenes bailarinas de striptease y pool dance en princesas urbanitas y empoderadas. Sigue la pista de su trabajo en https://eva-zar.com

FOLIE À DEUX

Homenajeando a Andy Warhol, el artista pop total que convirtió la Polaroid casual en un soporte artístico más, YFIF y Phillip Leeds unen fuerzas en Folie à Deux, exposición que recopila dos archivos diferentes de polaroids de personalidades del pop reciente: A$AP Rocky, Young Miko, Mac Miller, Mala Rodriguez, SZA,... La muestra se puede visitar ahora mismo en la galería Colector de Monterrey (México).

REACTION FIGURES GOES POP

No es una sorpresa que en NUEBO nos flipan los Art Toys y que por estas páginas se asoman de cuando en cuando ediciones y colecciones más o menos limitadas. La de ReAction Figures rindiendo homenaje a sus músicos favoritos es, además, de las económicas: 25$ la pieza. Green Day, Beastie Boys, De La Soul, A Tribe Called Quest, White Stripes, J Dilla... Si eres fan no hay excusa para que no te hagas con la tuya.

EL ASOMBROSO UNIVERSO MUSICAL DE TURNSTILE

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Que a raíz de la publicación de Never Enough Turnstile se han convertido en mucho más que la banda hardcore del momento es una evidencia que se refirma con la publicación de Never Enough: Versions, edición especial en la que se dejan reinterpretar por la crema del pop contemporáneo. Oklou, Slayyyter, Chanel Beads, A. G. Cook, Julien Baker, Alex G (¡y Elton John!), entre otros, rinden homenaje a los de Baltimore.

NOBEDADES

PROGRAMACIÓN OTOÑO CCCB

EL CENTRO DE CULTURA CONTEMPORÁNEA DE BARCELONA PRESENTA UNA RICA Y EXTENSA PROGRAMACIÓN DE CARA A LOS ÚLTIMOS MESES DE 2026. SELECCIONAMOS ALGUNAS DE LAS PROPUESTAS QUE NOS RESULTAN MÁS INTERESANTES.

BIENAL DE PENSAMIENTO

EXPOS LA ERA ATÓMICA

¿Te acuerdas de cuando Oppenheimer se acerca a Einsten al final de la película de Nolan y le dice: “Creo que lo hicimos”? La reacción en cadena de la que derivó la bomba atómica no destruyó el mundo, pero quizá sí lo cambió para siempre. Esta exposición aborda la “nuclearización” en la que vivimos inmersos desde entonces a través de casi 250 obras. Del 26 de noviembre al 17 de mayo de 2027.

Del 13 al 18 de octubre, el CCCB acoge una nueva Bienal de Pensamiento, un espacio de reflexión colectiva y puesta en común centrado, esta vez, en la premisa “Desencadenar el presente”. ¿Cómo podemos activar el cambio, intervenir en los núcleos urbanos, para modelarlos en función de nuestras necesidades actuales como individuos?

EL CULTO A LA BELLEZA

Un repaso histórico, pero desde una perspectiva crítica y subversiva, a la construcción y evolución de la idea de la belleza a lo largo de los siglos, que culmina en las bellezas plásticas y cosméticas de la actualidad. Un concepto siempre atravesado por el deseo masculino, el patriarcado, la cosificación de la mujer y, ahora, también el capitalismo. Como colofón (21 sep - 5 oct), Zadie Smith, Édouard Louis y Remedios Zafra nos invitan a pensar la belleza más allá de los cánones. Hasta el 8 de novembre.

FIESTA TRESOR

Las fiestas TRESOR, <3Or -nada que ver con la discoteca berlinesa-, arrancaron en 2024 de la mano de Meritxell de Soto para celebrar los 30 años del CCCB y dar visibilidad a los nuevos artistas y colectivos de la escena electrónica barcelonesa. Esta es su sexta edición. Descubre las nuevas miradas a la cultura de club. 2 de octubre.

CINE XCENTRIC 25AÑOS

DANZA RADIAL

El coreógrafo Guillem Jiménez selecciona una serie de propuestas de danza contemporánea en Radial, programa de exhibición para descubrir la nueva creación dancística a través de piezas de corto y medio formato que puede recordar al consolidado ciclo madrileño Bailar en la Berlanga.7 y 28 de noviembre.

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BIVAC FESTIVAL

Sigue el QR para descubrir al completo toda la programación del CCCB.

RESIDENTE CCCB

El programa de residencias internacionales cierra 2026 con el escritor, politólogo y asesor en política urbana libanés Camille Ammoun. En sus encuentros propondrá una reflexión sobre los retos de las ciudades contemporáneas y la respuesta social a las transformaciones climáticas, sociales y urbanísticas a partir de los casos de Beirut y Dubái.

BIVAC reúne anualmente a jóvenes de entre 18 y 25 años para que diseñen, durante ocho meses, el programa de un festival de pensamiento propio para el CCCB. El festival cobra vida como gran colofón, esta vez centrado en la reutilización (del rêt-à-porter al prêt-à-rester): Prêt-à-rester. Herederos del residuo se celebra el 29 de octubre.

Este ciclo de cine experimental y de autor lleva definiendo la personalidad del CCCB desde 2001. Desde octubre, regresa con un programa radical que incluye cursos y talleres sobre realización o sobre el uso de la palabra en el cine, proyecciones y cinefórums, charlas con creadores...

ARQUITECTURA JOSEP LLUÍS SERT

Barcelona es Capital Mundial de la Arquitectura en 2026, y bajo ese marco acoge el CCCB -en colaboración con la GSD de la Universidad de Harvard- dos jornadas (1 y 2 de octubre) centradas en la figura y el legado del arquitecto catalán, gran representante del racionalismo en España, a través de un seminario y dos ponencias públicas.

X EL MUNDO

LISBOA TEMPERATURA SEPTIEMBRE: Max: 26°C Min: 18°C

Luz atlántica, calles empedradas y fachadas de azulejos, tranvías amarillos que suben y bajan, miradores abiertos al río Tajo y barrios donde suman fados y nostalgia + efervescencia. Pon acento portugués a tu septiembre.

FESTIS Y EVENTOS

Feira da Luz se alarga hasta el 27 con música y barracas en el parque Largo da Luz. Disfruta de la ópera con la pasión del pop (día 11, Operafest). O del metal en el Under the Doom fest (25 y 26, sala LAV). Vive cuatro días de cultura urbana (Festival Iminente, 17-20) en Marvila. Y descubre cine multicolor durante el Queer Lisboa (18-26), en el Cine São Jorge.

Para entender Lisboa en un paseo, remonta el Tajo: empieza por la historia de la Torre de Belém, pásate por las formas imposibles del MAAT y termina en LX Factory. Todo fluyeee... Consigue aquí la información que mejor se ajuste al tipo de viaje y visita que planeas en Lisboa.

Entra en la Casa Fernando Pessoa, en Campo de Ourique, para conocer el universo íntimo del escritor, y después cambia de registro en el MUDE, donde el diseño portugués muestra cómo ha ido cambiando la forma de vivir, crear y mirar. La 3ª Bienal de Joyería Contemporánea se celebrará aquí (días 19-27): Coexistencias

Comer: Mezcla el cine de Sorrentino con el de Oliveira, y deja que el hambre actúe. Porque en la mansión del Palacio do Grilo se cena entre performers y artes vivas. Delirante y delicioso.

Dormir: Para soñar como noble lisboeta, acude al Hotel Valverde. No te pierdas su jardín. Ambiente joven, creativo, asequible y eco-friendly en JAM Lisbon, barrio de Santos, junto al río.

Salir: Empieza en Bairro Alto y baja andando hacia Cais do Sodré (copa en la calle rosa), y decide sobre la marcha si toca música en directo, DJ (Club Lisa es underground) o amanecer junto al Tajo (mítico Lux).

Compras: Rollo vintage en el barrio de Mouraria, cerámica en Armazém das Caldas (barrio Alfama), libros y cosas bonitas en LX Factory, y algún tesoro enlatado que aparezca por el barrio de la Baixa, y ya.

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GUÍA PRACTICA

Volvemos del verano un poco eurocentristas, sí, pero no está mal reivindicar Europa en un momento en el que su identidad se ve tan amenazada y desde tantos frentes. Date una vuelta con nosotros por esta nuestra Eurovisión particular.

Asfar Shamsi

Paulinko Alemania

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La vocalista Anna Pauline Kohn y la baterista Lisa-Marie Bruynen formaron Paulinko en Ratingen, Alemania, en plena pandemia. Al principio más sintéticas, en su primer EP, Komet (2022), hacían gala de un sonido luminoso, brillante y electrónico mucho más pop. Pero a partir de su primer trabajo, Auf die Freese Pop, Vol. 1 (2024), metieron una marcha más guitarrera, electro y post-punk, acercándose a una versión colorista del riot grrrl -en la línea de Le Tigre- y dejando el himno feminista Skandal im Patriarchat. Canciones como Der Beste Sommer Meines Lebens o Tulpen + Narzissen marcan el camino hacia su segundo disco, que verá la luz próximamente.

Francia

Tamara Flores Austria

Cantante, flautista, bailarina... Tamara Mayr Flores nació en Viena de madre mexicana, y está construyendo su carrera musical desde la hibridación de sus raíces. Pop latino con diluciones de UK bass y ese hilo invisible que une los ritmos rotos ingleses con el Caribe musical, sus primeras canciones activan los carburadores del perreo en tierra extraña: Mi amor o Chingona ya avisan de que aquí hay artista para rato. Pero además no es raro verla en ambientes más festivos: en Sin miedo pone voz a un beat techno de Anna Ulrich, y en Bésala mucho colabora con Tourist en clave de house progresivo.

Con la sensibilidad que últimamente (más bien siempre) han exhibido muchas artistas francesas, esta joven parisina es algo así como la respuesta del pop rap a la nueva intimidad de Oklou. Nacida en 1998, debutó en 2023 con el EP Au revoir Fèvrier; con Le dilemme du hérisson (2025) desbloqueó una pantalla más atmosférica y electrónica en su música. Y, ahora, en 2026, ha publicado también cuicui, su EP más definitivo hasta la fecha, donde reinventa en clave de pop electrónico algunos tópicos del rap francés y donde se incluye, también, su mayor éxito hasta la fecha: 2006. El cabezazo de Zidane a Materazzi en la final del Mundial de aquel año, que Francia perdió ante Italia, aún resuena en los recuerdos de muchos.

Estonia

Frederik Mustonen publicó su primer disco, qqndqlt, en 2023, y entonces era sencillo trazar su sonido desde el rap melódico y emo de la Drain Gang y la tradición púrpura y pegajosa del plugg. Con los años, sin embargo, ha ido centrándose más en su faceta de productor y adentrándose aún más en el club y la música electrónica, una faceta que se explica bien a través de su trabajo en el grupo/colectivo Triibupasta -algo así como los rusia-idk estonios- o junto a la cantante An-Marlen en Emotsionaalne Elektronmuusika (2024). Sus últimos sencillos van aún más allá, tomando préstamos de los breaks progresivos, el future garage, el electro o el house noventero.

Kazhanna Ucrania

Ucraniana de Poltova y residente en Kiev pese al asedio ruso, Kazhanna ( ) se ha ido abriendo hueco en la escena local gracias a un sonido accesible pero futurista que fusiona la herencia del hyperpop con el j-pop, con el pop rap y con esa pulsión eurodance tan -valga la redundanciaeurovisiva. En 2024 publicó su primer disco, , en uno de los sellos independientes más destacados de Ucrania, Aby Sho Mzk.

KIIRAS Corea del Sur

Después de EvoL, una de las girlbands más importantes del k-pop en los primeros 2010, Saay debutó en solitario, pero sobre todo se convirtió en una de las productoras clave de Corea del Sur, con temas para Baekhyun, Aespa o Chai. Ahora está detrás del burbujeante sonido de KIIRAS, entre el hip hop, el R&B, el pop y las estéticas del country. El sexteto -que debutó en 2025 con Kill Ma Bo$$- representa un poco el futuro de una nueva Corea pop, siendo el primer grupo, masculino o femenino, en liderar LeanBranding, una de las alternativas al monopolio de YG.

Can’t Be Blue Corea del Sur

Primeros coreanos en conquistar el primer puesto del concurso internacional de bandas emergentes Emergenza en Japón, Can’t Be Blue son, a día de hoy, una rara avis del k-pop y del roster de YG Entertainment: formados en 2024, su sonido está más cercano al indie, al rock alternativo y al Shimokita-kei japonés, con infusiones jazz, soul y R&B que entroncan el opening de anime con las melodías de Justin Bieber. Este verano han publicado su primer disco largo, el homónimo Can’t Be Blue, y ya dejan claro que están dispuestos a liderar la renovación del k-pop.

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Boipepperoni

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Por: Eva Sebastián

Ad ri C Fot ue o rd s: o

RA BÁRBA Y A R N E I CON U ARA M Z L E , R A T U D A IÑES LA MA CURO, CON O, TERES NTRAN EN IESTR E ÁS OS LÓPEZ TRABAJO M L ROCK SIN DE A R TERCE FERENCIAS TRIÁNGULO IVO, X E A MÁS R LANETAS O BIÉN REFLE MPO E P M I A LOS IZARRO. TA L MISMO T B O, Y A AMOR ECTIV . RIO. P S O RECTO NTE EN SE I D INTR S LME O MÁ MUCH N TOTA A B I KO SÍ, AI

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de otras, porque “SI TE C AES somos tres persoCIN nas diferentes aunque cantemos todo el CO rato a la vez”, explican. “Era muy importante M buscar nuevos sonidos, hacer un buen tratamiento de la batería y probar nuevas maneras de trabajar con sintes. Fuimos con ideas superclaras; queríamos que fuera diferente. Y coincidir con Santi [García, de TÍOS A QUI Ultramarinos Costa Brava], E TA D nuestro productor, lo S R hizo todo más fácil. Nos ha entendido increíble. Espectro, por ejemplo, era solo una idea en un audio del móvil. De repente salieron una melodía y una letra, pero tuvimos que cortar enseguida y la cosa se quedó ahí. S PA Un día, sin más, Barbie pasó I L otro audio tocando el piano y Santi lo cogió tal cual. No hacía falta una segunda toma”. El cambio no solo está en cómo suena el disco, sino también en cómo lo han construido juntas. “Tenemos una relación superprofunda entre las tres, no solo musical sino también personal, y tenía muchísimo sentido que, aunque la canción la traiga Bárbara, entre las tres la acabemos puliendo y haciendo. Siento que las tres hemos estado muy involucradas en las canciones y son muy de las tres”. Espectro, precisamente, es el tema que registra su mayor evolución. Con reminiscencias sonoras a Something in the Way de Nirvana, en ella tratan por primera vez su música como un espacio sensorial en lugar de narrativo. “Es una canción algo más difusa, más oscura, más pesada. Habla de infancias complicadas, de casas, de trauma complejo, de cosas que igual no nos apetece tanto especificar, pero con las que creo que mucha gente puede conectar. Las tres hemos vivido en Madrid, fuera de casa, y todo cambia cuando vuelves. Este ‘espectro’, que vemos y que nos está viendo [hacen referencia a la portada del disco], es un poco el fantasma del pasado que igual te asustó, pero ahora de adulta lo ves de otra manera. Esa casa del pasado a veces es casi un espectro, un poco fantasmagórica, porque al volver llega todo lo que fue, lo que ya no es, para bien y para mal”. Encontrar el espacio para poder expresar aquello que da miedo ha acabado siendo lo más gratificante de hacer este disco. “Aunque casi siempre hablamos de cosas muy profundas y muy jodidas para nosotras, normalmente están más vinculadas al amor, a gente y a la vida de ahora. Es más fácil. Ponerte a hablar de tu pasado siempre da miedo”. No todo es pasado en Señales brutales. Muchas veces su brutalidad se traduce en el asfixiante presente de la autoexplotación, dando lugar a Cuándo un min?? “Llevábamos muchos días sin tener ni una tarde ni una mañana de

UTOS, IN

a totalmente en serio…Esta es la promesa que nos hicieron Aiko el Grupo cuando irrumpieron en nuestras vidas allá por 2020. Dos discos, un par de EPs, una cover de Toro de El Columpio Asesino, colaborar con TAB, una actuación en KEXP celebrada por Courtney Love, un sinfín de conciertos por toda la península y un reajuste de formación después, el trío que mezcla lo más adictivo de la furia y las melodías del pop-punk con la actitud riot grrrl lanza Señales brutales. Su disco -con perdón- más introspectivo. Pero no penséis que es pereza al describirlo: esta vez va totalmente en serio. Señales brutales son también todas esas pequeñas cosas que han ido apareciendo durante el último año y que, vistas ahora desde fuera, parecen haber ido colocando cada pieza en su sitio. “Están las señales brutales de la canción, y luego todo lo que ha pasado alrededor del disco, que nace de ahí, pero se extrapola a muchas más cosas. Cuando estábamos grabando Oda a la muerte de nuestro amor, nuestro productor nos preguntó si un grupo de chavales de instituto podían venir de excursión. Salió la idea de que grabaran algo y fue una señal brutal, porque la canción ya era superépica y esto le daba como el broche final. No era un coro angelical, sino algo mucho más caótico, más jaleoso, y eso nos gusta. Tienes que estar abierta a que te pasen cosas, a sentirlas, porque si no igual pasan delante de ti y ni las ves. Y con este disco, sin caer en teorías de la conspiración, hemos aprendido a ver todas estas cosas que acaban encajando solas. Eso es lo que las hace brutales: no solo su intensidad, sino también lo excepcional, lo increíbles que pueden ser. Como que nosotras tres hayamos coincidido y nos tengamos este cariño, y creemos este espacio donde apoyarnos y poder crear algo que sin las otras no existiría”. De un caos dulzón y jocoso a puñaladas para quien las merezca y un refugio para abrirse en canal y mostrar que dentro de la violencia que recibimos y emanamos también hay dolor y vulnerabilidad. La evolución de Aiko no ha sido solo una cuestión de sonido, sino también de lo que ahora están dispuestas a contar. “Al principio nos apetecía hacer cosas un poco amables en cuanto a las letras y no queríamos hablar de cosas horribles con una música tan divertida”, explican. Ahora, en cambio, se han dado permiso para ser más agresivas. “A veces nos cabreamos y al final la música no deja de ser nuestro medio de expresión y de liberación”. También han aprendido a asumir la tristeza sin necesidad de justificarla. “Antes creábamos desde esa idea de que nuestra vida tampoco está tan mal y que, en realidad, no podemos quejarnos tanto. Y ahora es más bien asumir que estamos tristes y que está bien expresarlo a veces”. Ese cambio de actitud también se plasma en la producción. “Estábamos superconcienciadas con el tratamiento que debían tener las voces. Necesitábamos que se distinguieran unas

Referentes femeninos

CHRISTINA ROSENVINGE

EVA AMARAL

ISA CEA

ZAHARA

MELENAS

La madrileña empezó en la Movida con un grupo de punk, Ella y Los Neumáticos, y tras la salida de Toti Álvarez se reinventó junto a Álex de la Nuez como Álex & Christina. Lo petaron con un temazo producido por Nacho Cano y luego Christina se enterró, colaboró con Lee Ranaldo o Nacho Vegas y se convirtió en madrina de nuestra música alternativa.

“Juega en otra liga, pero demuestra que se puede.” Casi tres décadas sobre los escenarios y nueve discos que muestran una búsqueda constante del pop-rock a la electrónica. Durante su carrera ha hablado abiertamente del machismo, y sigue reivindicando el lugar de las mujeres sobre los escenarios apoyando a figuras censuradas como Rocío Saiz.

Bajista, vocalista y cofundadora de Triángulo de Amor Bizarro, la gallega lleva desde 2004 surcando el rock alternativo entre la caricia y el ruido. “No solo es su presencia y lo fuerte que es sobre el escenario, sino que nos muestra que conciliar la crianza con seguir subiéndote a los escenarios es posible. Es un ejemplo de todo lo que está bien”.

“Quizás es la que se aleja más de nosotras a nivel musical, pero su figura es tan importante, sobre todo ahora reivindicando el papel de la mujer en la industria”. 41 años y sobre los escenarios desde finales de los noventa, ha evolucionado del indie de autor al pop electrónico y la rave, y sigue poniendo en valor el papel de las mujeres ahora también como productora.

“No han tenido el éxito que merecen, pero siguen aguantando como grupo íntegramente femenino pasados los 30 y eso pocas lo logran en el mundo independiente”. Cuando lanzaron su último trabajo en 2023, sus integrantes tenían entre 35 y 44 años, demostrando que los grupos de guitarras también suenan en femenino... y que no tienen edad.

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En un presente en el que los carteles de guitarras siguen plagados de nombres en masculino, y donde ver a mujeres pasados los 30 encima de los escenarios parece un espejismo, Aiko El Grupo señala a aquellas que han abierto camino en nuestro país.

descanso, y lo único que tenías era, antes de cerrar los ojos, cinco minutos para escribir unas frases y pensar: ‘Bueno, este es mi pequeño momento’. Y al día siguiente volver a empezar”. La canción nace como una pequeña grieta dentro de un ritmo de trabajo que no deja espacio para procesar lo que les ocurre. “A veces es difícil hasta echarte a llorar. Sin embargo, voy al local, canto y pienso: yo he escrito esto, Tere me asistió cuando no sé qué, Barbie me vino a buscar cuando tal”. Aprender a ralentizar el torbellino en el que vivimos es importante. “Somos una generación a la que le cuesta muchísimo, por toda esa presión de producir, maximizar todo lo que haces... Pero cada persona tiene que encontrar la manera de parar. Nosotras este año decidimos sacar el disco y hacer la gira después. Llevamos años sin parar de tocar ni un puto minuto. Siendo superaccesibles, tocando en todos lados. Y tenía sentido parar”. Esta pausa abría el abismo de poder o no desaparecer de un circuito que exige presencia constante. “Da miedo.

La gente tiene atención para dos segundos y cuando no estés van a aparecer cuarenta grupos que te van a fusilar. Cuando vuelvas, entonces ya eres vieja, no le importarás a nadie y morirás. Siento que también, muchos, sobre todo hombres, no tienen el oído para escuchar ni media puta experiencia de algo que esté fuera de su cosmovisión de hombre blanco cisheterosexual. En primera instancia les llama la atención, es como, jaja, las tías estas, pero luego, realmente, para que te tomen en serio y te validen y te respeten como mujer en cualquier trabajo, es que ya puedes ser la puta ama del mundo. Da igual. Y una cosa te digo, si te caes cinco minutos, aparecen siete bandas de tíos a quitarse la camiseta y a petarlo que flipas”. Ser directas las ha ayudado a entender mejor de dónde vienen y hacia dónde van, como músicas y como personas, pero sobre todo que, pese a todo, se tienen las tres. “Y en el futuro... ya se verá. Igual dentro de tres años cantamos estas canciones y ya no nos reviven nada”.

SEÑALES BRUTALES (PRIMAVERA LABELS, 2026)

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Modo sigilo / El aWard es para: / Cuándo un min?? / Paciencia / Suspiria / Oda a la muerte de nuestro amor / Césped falso / Espectro / Ni todo ni nada / Introducción CD / DIGITAL / LP

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POR: MARTA ESPAÑA

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FOTO: VADYM YATSUN

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Para grabar su primer álbum, Zeyne tuvo antes que pasar seis meses sin poder escribir un solo verso. De ese bloqueo -causado por la enfermedad de su madre, una ruptura y el horror de Gaza- nació ‘AWDA’, que en árabe significa ‘retorno’. El principio de su carrera, paradójicamente, habla de un regreso: a la identidad, a la familia, a la comunidad y a una misma. La cantante palestino-jordana lo presenta el 16 de septiembre en la sala Apolo de Barcelona.

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Zein Sajdi (Amán, 1997) creció rodeada de música. Su padre traía discos de sus viajes por el mundo, jazz sudafricano incluido; su madre cantaba solo dentro de casa y dirigía un grupo de dabke, la danza folclórica del Levante; su hermana mayor, pianista de formación clásica, la tenía hipnotizada. A los tres años pidió dar clases de ambos y a los cinco ya bailaba en el grupo de su madre. Sin embargo, para grabar el disco que la ha convertido en una de las voces del nuevo pop árabe, la artista que firma como Zeyne tuvo antes que atravesar un silencio muy largo. “En los últimos años hemos visto a nuestra gente sufrir cada día; lo que pasa en Palestina es una locura. Empecé a hacer este disco a finales de 2023, justo cuando todo se desbordó, y a la vez estaba pasando por cosas personales muy duras. Miraba las noticias en el móvil y solo pensaba: ¿Qué está pasando? ¿Cómo puede estar ocurriendo esto? Además, descubrí que mi madre estaba enferma. Todo a la vez. Me sentía impotente y estuve unos seis meses sin poder escribir. Hablar de mis propios problemas me parecía estúpido al lado de lo enorme que era lo de Palestina”, cuenta. Zeyne ya había prestado su voz a Rajieen, el single colectivo que en octubre de 2023 reunió a veinticinco artistas de once países y entregó todos sus ingresos al Palestine Children’s Relief Fund, que costea operaciones y tratamientos a menores palestinos heridos. Su título, además, comparte raíz con la palabra que acabaría dando nombre a su disco: “volver”. Lo produjo Nasir Al-Bashir, el mismo que firmaría después AWDA. Ella, entonces, se sentía anestesiada, ajena a una realidad que no era capaz de procesar del todo. La cura le vino con Bali, la primera canción que compuso para el álbum. “Después de escribirla, la música empezó a formarse sola: ideas sobre la relación en la que estaba, sobre la enfermedad de mi madre, sobre sentirme sostenida por mi comunidad y fuerte en mi identidad. Fue como abrir una puerta y volver a sentir. Por fin regresé a mí misma, porque durante mucho tiempo no me sentí yo”. Bali significa “mi mente”; AWDA, “retorno”. El disco entero es ese regreso, y llegaba en el peor momento posible para un debut: un álbum de amor y de identidad hecho durante un genocidio. Pese a todo, no lo vive como una contradicción. “Al contrario, me da fuerza. Durante mucho tiempo me costaba decir que mi disco era algo político, porque en el fondo es mi identidad: no es que intente ser política, es que soy quien soy. Soy quien soy por el lugar del que vengo y por la herencia que me pasaron. Sentí durante años que estar orgullosa de dónde venías no molaba, porque había un relato importado por Occidente de que somos menos: menos cultos, menos guapos, menos que cualquiera en el mundo. El momento en que me agarré a mi identidad y la abracé fue el momento en que me sentí libre”. Así, AWDA arranca en el fondo del pozo y termina volviendo a los suyos, hasta cerrarse apoyado en unos versos de Mahmud Darwish, el poeta na-

“HABLAR DE MIS PROBLEMAS ME PARECÍA ESTÚPIDO AL LADO DE LO ENORME QUE ERA LO DE PALESTINA”

cional palestino que perdió su aldea de Galilea en 1948, pasó media vida en el exilio y escribió el texto de la Declaración de Independencia de Palestina en 1988. “Nos apoyamos unos en otros y fuimos la fuerza y la resistencia del otro para poder seguir. Y no quiero hacer que esto vaya sobre mí: soy la que menos sufre en todo esto, porque yo no lo vivo. Pero si no fuera por mi comunidad, no creo que estuviera hoy aquí hablando contigo”. Esa identidad organiza tanto el discurso de su debut como también el sonido del mismo. Asli Ana arranca con un monólogo hablado sobre el linaje y el amor propio y se sostiene sobre un ritmo folclórico de ascendencia palestino-jordana. “Es un tema de dabke. Llevo en un grupo de dabke desde los cinco años, así que sus ritmos son mi ADN desde muy pequeña. Una canción que habla de descolonizar la mente y de abrazar de dónde vienes solo tenía sentido que fuera así. Le dije a Nasir que no quería hacer un dabke tradicional, porque mi música tira de forma natural hacia el R&B. Así que decidí casar los instrumentos que oirías en un contexto folclórico con el diseño de sonido de un tema de R&B”. Ese matrimonio entre lo folclórico y lo digital se resolvió mezclando las programaciones con instrumentos nativos de ascendencia árabe. Buena parte del

ARAB POP Cantar en árabe sobre producción pop contemporánea no lo inventó ‘AWDA’. Estos cuatro discos explican de dónde viene ese cruce y quiénes lo están resolviendo ahora mismo.

El precedente de todo esto. La libanesa Yasmine Hamdan, salida del dúo Soapkills, canta en árabe sobre bases de Mirwais Ahmadzai, ex Taxi Girl y productor de Madonna en Music. Lo árabe está en la dicción y en el melisma; el pop, en la caja de ritmos y en los loops sintéticos.

MERYEM ABOULOUAFA Meryem / 2020 Disco hermano en genealogía, pero mucho más solemne. La casablanquesa canta en árabe y en francés con fraseo de chanson sobre producción electrónica sobria y algo de folk. Probó que un timbre grave y clásico puede seguir siendo pop.

KISS FACILITY KHAZNA / 2025

ALEWYA Zero / 2026

Compañeros de escena de Zeyne, también pasarán por España este año: aquí es un productor occidental, Sega Bodega, quien busca una voz árabe, la de la emiratí Mayah Alkhateri. Shoegaze cantado en árabe con algo de electrónica y algo de ambient.

Etíope-egipcia criada en Londres, Alewya factura un dance pop de diáspora que arma la canción con percusión del Cuerno de África y del Golfo antes que con una batería occidental. El folclore es sin duda la base de un nuevo pop todavía pendiente de descubrir.

AWDA (SCARAB RECORDS, 2025) 7arrir 3aqlak / Asli Ana / Hilwa / Arrib Minni / 6 Il Sobhn / Liya / Jdeed / Si3r il 7ob / Bali / Yamma / Yom Wara Yom (ocd) / 7ilm - 7a2i2a / Kollo Lena DIGITAL

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Y.A.S. Arabology / 2009

disco pasó por el estudio con músicos tocando en directo. “Grabamos instrumentos como el mijwiz, la shababa o el mizmar, instrumentos antiguos que usamos en la música árabe. Grabarlos en directo y cantar eso en el estudio fue una locura, porque escuchaba la canción cobrar vida. Intento ser muy intencional al elegir dónde meto mi folclore, porque no todos los temas lo llevan y no quería forzarlo. Al final, forzarlo significa crear una representación falsa, y eso es lo que no quería tener en mi disco”. No obstante, si hay un hilo que cose el álbum entero es la herencia, la familia y, más concretamente, los lazos femeninos. “Cuando me preguntan de dónde saco la voz, siempre digo que de mi madre, y ella la sacó de mi abuela: su voz le llegó de su madre, y la mía me llegó de la mía”. Esa madre era también la mánager del grupo de dabke en el que Zeyne bailó de niña, y acabó inspirando media docena de canciones. Una es Hilwa. “Habla del amor propio y de agradecer el amor que te dan tu madre y tu abuela. Significa ‘eres tan guapa y nadie puede decirte lo contrario’, una frase que mi madre me decía cada día desde que era pequeña”. Otra, Yamma, es la nana que se cantaba a sí misma cuando su madre enfermó. “Sentía que tenía que ser fuerte por ella”. Este linaje aporta el reverso luminoso de un debut escrito en medio de un genocidio, y con ello la artista también abre una nueva vía en su activismo: que a los palestinos no se los reduzca al dolor. “Obviamente no hablo en nombre de nadie, hablo en el mío, porque me identifico con la lucha, pero no la vivo, y soy privilegiada por poder cantar sobre esto. Pero es muy triste que la identidad palestina de estos últimos años solo se muestre como te la enseñan los grandes medios. La gente olvida que también somos humanos, que también vivimos experiencias reales como cualquiera que camina por la calle: pasamos por relaciones, por el amor, por el desamor, por problemas de salud mental, por procesos de amor propio y de sanación. Nos han deshumanizado, y de una forma muy fea. ¿Cómo puedes borrar un país tan rico y actuar como si no existiera?”. El 16 de septiembre presentará AWDA en la Sala Apolo, en una ciudad que ya la sorprendió una vez. “Me acuerdo de subir al escenario en un festival benéfico por Palestina y no poder creerme la cantidad de gente que había en España, en Barcelona, de pie por esta causa”. Para los palestinos, AWDA es también la palabra del derecho al retorno, el regreso a una tierra que se les niega. Zeyne no puede volver a Nablus, de donde salieron sus abuelos, pero ha hecho un disco entero para poder volver a todo lo demás.

LA BOLA NEGRA

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

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Hablamos con Milo Quifes, estudiante de biología, autor de la novela ‘Ultravioleta’ y uno de los protagonistas de la película española del año: ‘La bola negra’. El último trabajo de Javier Calvo y Javier Ambrossi ya se llevó el premio a Mejor Dirección ex aequo en la pasada edición del Festival de Cannes, y tiene todas las papeletas para representar a nuestro cine en la próxima ceremonia de los Oscar.

La trayectoria de Milo Quifes dibuja un viaje donde la ciencia, las letras y la interpretación se cruzan de forma inesperada. Hace unos años, el ovetense -que hoy cuenta 25 primaveras- dedicaba sus días a estudiar Biología en la Universidad de Granada. Después, sorprendería con la publicación de su primera novela, Ultravioleta. Y hoy se ha convertido en uno de los protagonistas de La bola negra, la nueva película de Javier Calvo y Javier Ambrossi. Asimilarlo no es sencillo. Pero ser actor tampoco estaba en sus planes. “Yo me presenté al casting como un reto personal, porque estaba pasando una época con un poco de vergüenza de salir a la calle y me dije: ‘¡Terapia

de choque!’”, reconoce con honestidad. “Era un casting abierto y me presenté para probar suerte. Y pasando castings mes tras mes, pues al final me cogieron”. Desde entonces se ha desatado para él una pequeña gran vorágine. A Javier Calvo y Javier Ambrossi se les conoce por buscar una verdad muy pura en sus elencos, una autenticidad descarnada. Quifes rememora cómo fue el proceso de audición y lo que vieron en él para confiarle el complejo papel de Carlos. “Ellos son muy inteligentes. Te hacen un proceso de casting, pero luego tienen una entrevista personal contigo en la que te preguntan acerca de tu vida, de tus vivencias. En el momento en el que saben que pueden utilizar esas vivencias tuyas personales para que concuerden con las del personaje, saben que de ahí pueden tirar a la hora de rodar, de actuar. Saben perfectamente cuándo tus sueños o ambiciones son iguales que las del personaje. Seas una cara nueva o una más curtida, ellos siempre se van a guiar más por el tema de los sentimientos. Claramente tienes que saber actuar delante de una cámara, pero ellos se dan perfecta cuenta cuando una persona es el personaje que estaban buscando”. Otra de las apuestas con el elenco de la cinta ha implicado despertar la vis interpretativa de Guitarricadelafuente. ¿Reescriben, entonces, los directores el guion al conocer la personalidad y vivencias de su reparto? En el caso de Carlos, Quifes confirma que el texto original se convirtió en

película; un personaje que se enfrenta a la exclusión social y que debe defender su nombre tras ser rechazado por su homosexualidad en la Granada reaccionaria de la pre Guerra Civil. Para abordar emocionalmente ese dolor y el peso de ocultar su deseo, Quifes combinó el rigor histórico con la introspección. “Respecto a la época, fue mucha lectura y mucho cine. Cuando están rodando te pasan una lista de películas y libros que puedes ver para meterte un poquito más en todo el contexto. Me interesé muchísimo por todo lo que rodeaba a la Guerra Civil española”. Pero el verdadero puente hacia Carlos no fue la historia, sino la empatía temporal. “Respecto a lo emocional, es curioso, porque es de eso de lo que habla la historia: que, incluso separándonos tantos años y tantas décadas, es muy fácil conectar el sentimiento de exclusión que había en esa época con el que hay ahora”. Los paralelismos con sus propias experiencias personales se convirtieron en la materia prima de la interpretación en el set. “Yo en mi vida he sentido mucha exclusión, por así decirlo, aunque sea en el colegio, o con mi propia familia, a la que quiero mucho. Pero ese entendimiento o poco entendimiento que hay entre padre e

hijo, entre alumnos contigo, o incluso contigo mismo en cuanto a tu sexualidad y no ser capaz de aceptarla... Da igual cuánto tiempo pase y cuántas décadas transcurran, uno lo va a seguir viviendo”. Rememorar heridas tan íntimas terminó convirtiéndose en una experiencia profundamente sanadora y liberadora. “Fue curioso porque de primeras noté que es desagradable volver a esos recuerdos. Pero, en el momento en el que los utilizas de una manera catártica para poder actuar, se siente tan bien... Por fin puedo utilizar todo el daño, el dolor, la pena o esos sentimientos y esa furia para realizar un tipo de arte que pueda serle útil a los demás”.

LA BOLA NEGRA (25 septiembre) Elastica / España / 2026 Dirección: Javier Ambrossi, Javier Calvo Reparto: Guitarricadelafuente, Miguel Bernardeu, Carlos González, Milo Quifes

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“A LO LARGO DE MI VIDA HE SENTIDO MUCHA EXCLUSIÓN, EN EL COLEGIO O CON MI FAMILIA”

un lienzo vivo. “Digamos que el guion siempre está fluctuando. Me pasaron la primera versión, lo leí, practicamos, ensayamos... Y hay ciertas escenas, como la del baile en la taberna, que en el guion eran algo más pequeño y en el rodaje se convirtieron en algo mucho mayor”. Detrás de esa secuencia -donde se fractura la realidad y se eleva hacia un terreno poético, onírico y simbólico conectado con el imaginario de Lorca, pero también con la propia trayectoria de Los Javis y los momentos más extáticos de La Mesías- hay una hermosa evolución creativa. Es aquí donde la película se fractura para transformarse en algo mucho más místico, y también hay algo casi espiritual, un impulso, en su proceso de rodaje. “En el guion ponía simplemente ‘Carlos baila’. Pero luego, a medida que se fue grabando, a medida que nosotros nos desplegábamos, fue evolucionando”. A veces parece que Los Javis estructuran demasiado su puesta en escena, pero detrás de las cámaras se produce magia, una especie de iluminación. El milagro de construir una de las secuencias estelares de la cinta, donde el dolor de Carlos se transforma en poesía visual y corporal, se consolidó gracias a una colaboración estrecha. El cuerpo del actor se convirtió en canalizador de una opresión histórica y personal que las palabras no alcanzaban a narrar. “Es que Belén Martí, que es la coreógrafa, es una absoluta genia. Ella sabía exactamente cómo podía moverme y cómo no, y a partir de eso desarrolló toda la coreografía del baile”. Gracias a esa guía, el baile pasó de ser un requerimiento de guion a convertirse en una liberación catártica. Esa sensibilidad artística conecta directamente con su faceta como escritor de Ultravioleta. Aún siendo él mismo un autor, abordó el libreto de Los Javis con la inocencia de un neófito. “La verdad es que lo leí como un niño chico, sinceramente. Era la primera vez que leía un guion, y siempre me daba mucho respeto, ya que era novatillo, dar anotaciones o decir ‘Me gustaría hacer esto’. Me he dejado guiar muchísimo y he tenido la suerte de que todas mis ideas han ido acordes a las suyas. Antes de que incluso yo dijera, ‘Me gustaría hacer esta escena en este sentido o cambiar este tipo de frases’, ellos ya me escuchaban ensayar. Se adelantan a tu cabeza y saben exactamente cómo adecuarse a cómo tú vas a estar cómodo a la hora de actuar”. Sin embargo, el verdadero desafío de La bola negra reside en su profunda carga dramática. El relato de Carlos es una de las tres historias troncales de la

POR: MARTA ESPAÑA

FOTOS: MARÍA MARGO

ALBA Morena

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ALBA MORENA COMPONE PARA PERSONAS QUE LA ESCUCHEN DENTRO DE 20 AÑOS. PRODUCTORA Y COMPOSITORA DE OTROS ARTISTAS, SU OFICIO LE OBLIGA A ESTAR AL DÍA DE LAS ÚLTIMAS VANGUARDIAS. EN ‘MORENA CON A’, EL ÁLBUM QUE PUBLICA A FINALES DE SEPTIEMBRE, HA ESCRITO EN DIRECCIÓN CONTRARIA: CANCIONES AL PIANO, CANTADAS POR UNA VOZ CRUDA SIN AFINAR Y CON UNA ASPIRACIÓN COMPLETAMENTE ATEMPORAL, PENSADAS PARA PERMANECER EN EL TIEMPO. HAMBRE PARA HOY Y PAN PARA MAÑANA.

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Alba Morena empezó a hacer música hace casi seis años. Su primer disco se llama Las dos edades, salió en 2021 y lo hizo entero con el GarageBand en el móvil. Nacida en Salou en el año 2000, cantante, compositora y productora de todo lo que firma, vive en Madrid y escribe para otras personas: suya es Recordar, de Ana Torroja, o Tú y yo de Luz Casal. A finales de septiembre publica Morena con A: para ella, su álbum debut. “El primer disco que hice fue por probar: lo hice con el GarageBand del móvil, los coros son de los auriculares del iPhone... Este es mi primer disco de estudio en el que me dedico plenamente, grabo con músicos, etc. Yo sí que lo considero más un disco debut, ya que también tengo un bagaje, un rodaje para encontrar cómo sueno o quién Además de sus propias canciosoy. Y como siempre me están llamando Alba nes, Alba Morena compone para Moreno, dije: pues Morena con A”. Hablamos otros artistas, una faceta que le por teléfono un día de agosto, y ella responda mucha libertad. de desde una playa perdida en algún lugar de Francia. Detrás hay un currículum poco habitual para alguien de 26 años: el Conservatorio de Vila-seca, donde estudió violín y canto lírico, y el Taller de Músics, donde se especializó en jazz y flamenco. Lo previsible con ese aval habría sido publicar álbum antes, pero lleva encadenando EPs durante cuatro años, redescubriéndose y reinventando su sonido. Si se ha hecho esperar es debido a esa gran búsqueda, y el lugar donde ha decidido que- SALMA darse está lejos de lo que habitualmente firma Gata negra (2024) para terceros. Pese a sus inicios dentro de la Segundo corte del debut de la electrónica, Morena con A tira hacia el can- malagueña que canta soleás, cionero español de los noventa y los dos mil, bulerías y fandangos con el de Amaral, La Oreja de Van Gogh o Antonio electrónica, Sangre de cobarde. Aquí lo produce como un bolero Vega, un repertorio alejado de las referencias de piano clásico y después lo habituales del indie o lo urbano. “Estaba tan carga de samples: gusto antiguo cansada de estos años de explorar y de no ha- sostenido por una máquina. ber hecho ese disco de electrónica que quería hacer que esto ha sido como un lavado de cara. Todo el disco lo escribí a piano y voz, para volver a los orígenes después de esta sobresaturación de producciones. La electrónica me encanta como productora, pero como artista necesitaba volver a las canciones atemporales. No quiere decir que luego no las vaya vistiendo otra vez con mi electrónica, pero quería esa presentación desnuda. Son canciones que no pasan de moda, que las escuchas en veinte años y van a seguir sonando a pop español”. Producir para otros es un oficio en el que se premia ir por delante: el trabajo consiste en adivinar qué va a pegar dentro de seis meses. El productor piensa en el futuro, y ahí está la paradoja de Morena con A: lo que suena antiguo puede envejecer mejor que lo que suena nuevo, pues la vanguardia se caracteriza por su volatilidad o su inmediatez. “Puede ser. ObLUZ CASAL viamente no estás entrando en unos cánones Tú y yo (2025) Su canción es una de las cinco mucho más fáciles, tiktokeros, o de estéticas piezas nuevas de un disco cuya más indiespañolas, que entran más. Pero a larotra mitad son versiones de go plazo yo sigo escuchando a Antonio Vega, y Aznavour, Amália Rodrigues u quiero ser ese tipo de artista”. A ello se suma Olga Guillot: escribir para Casal que el encargo nunca llega en abstracto: los es colocar un tema propio al artistas no le piden un sonido, le piden sonar lado de esos nombres, en una cronología más amplia. a alguien concreto, y ese alguien es siempre

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FIRMADO, Alba

quien funciona esa temporada. “Empecé a producir a muchísima gente. Y yo feliz, porque me encanta ser productora. Pero la gente te pide siempre lo que está ahí en ese momento. Judeline, Rusowsky: quiero sonar a esto, quiero sonar a tal. Y hay un punto en el que dices, me encantan, soy mega fan, pero ¿quién soy yo y a quién quiero sonar? Si te quedas en la vanguardia coges lo que hay. Si soy artista quiero sonar a mí”. Así, ese ruido que la rodeaba no era falta de criterio sino exceso de criterios ajenos. “Me mudé a Madrid, empecé a producir a gente y me perdí un poquito. Pero ahora soy muy feliz con este disco, siento que el sonido es mío”. Su nuevo material gira alrededor del desamor con una lucidez que roza la burla de sí misma. En No vuelvas admite el gusto por la herida, el melodrama y el desencanto. “Puede que me guste exagerar, pero quiero que te quede claro: no vuelvas”. Morena sabe que se recrea en su propia pena y gusta de ello: en Hombre malo levanta el catálogo del hombre inconveniente, jura que jamás le daría una oportunidad y se desdice en el mismo estribillo. El chiste es que conoce sus debilidades y vuelve a caer igual en ellas. Eso separa el disco del confesionalismo de manual: Alba no es la víctima de la historia, es su analista. Sin embargo, con canciones tan desnudas y arreglos tan clásicos, le espera una etiqueta que en España no está bien vista: cantautor es un término fantasma que los sellos no se atreven a utilizar. Su generación la recupera por la vía de las mujeres que escriben con producción contemporánea y, aunque muchas quieren alejarse de esa categoría, la catalana reivindica la canción de autor. “Hay un punto en el que hay que reinventar el concepto de cantautora. Si Sílvia Pérez Cruz tuviese hoy mi edad seguro que haría esta música, o música con electrónica, pero serían canciones con un mensaje, una letra, un trasfondo”. El lugar donde se prueba esa idea se llama Club Debut, que fundó con Alba Reche y una amiga suya, Rayuela: una vez al mes, cinco euros con consumición y vacantes abiertas. Un micro abierto para mujeres en el que el formato es pobre a propósito, pues una canción que aguanta desnuda delante de cincuenta personas es la que soportará el paso del tiempo veinte años más. “Vienen chicas con mucha producción encima, pero se presentan a guitarra y voz y de repente escuchas la canción. Creo que faltaba un espacio de mujeres. Han salido muchas chicas de ahí que se contratan entre ellas, productoras que ahora están en el disco de otras: podemos hacer una red propia de chicas”. Pero a un disco así, además, le espera otra etiqueta con doble filo. La crítica literaria acuñó el término “confesional” a finales de los cincuenta y la música lo heredó en los setenta, repartiendo los papeles de forma desigual: cuando lo cuenta un hombre (Blood on the Tracks, de Bob Dylan; Here, My Dear, de Marvin Gaye) el resultado es una obra maestra, y cuando lo cuenta una mujer (Blue, de Joni Mitchell) es un diario que se dejó abierto, el

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“A LA LARGA YO SIGO ESCUCHANDO A ANTONIO VEGA, Y QUIERO SER ESE TIPO DE ARTISTA”

CURRO ft. Queralt Lahoz Lágrimas y suspiros (2025) Producción suya: armonías árabes sobre un fondo de R&B y una electrónica rota, asincopada, que mueve el flamenco urbano del sitio donde suele estar. Es su encargo más lejano al pop de canción clásica, contenido en Dios dirá, Dios proveerá.

desahogo de una despechada que, más que componer, se toma venganza de un tercero. El personaje está tan asentado que Taylor Swift lo interpretó para desactivarlo en Blank Space (2014); su versión de 2025 se llama West End Girl, el disco en que Lily Allen cuenta su divorcio de David Harbour. A Alba nada de eso le pone freno. “En general, me puedo cortar un poco al principio, pero luego pienso: a tomar por culo. Mira Allen con el último álbum, sacando todos los trapos sucios del otro. Y si piensas que le va a sentar mal a tu ex, dices que has compuesto esa canción pensando en la historia de tu amiga”. Aunque con el lenguaje propio de la contemporaneidad -“mis bromas, mis traumas”-, lo que prevalece en Morena con A es el gusto por la canción clásica, moldeado por las artistas con las que ha trabajado, o quizá al revés: trabajó con ellas por sus intereses previos. En cualquier caso, escribir a los veintipocos para Ana Torroja y Luz Casal es entrar en el taller de dos artistas formadas cuando una carrera se construía canción a canción. “Siempre te llevas algo de vuelta. Soy mega fan de ellas y es un puto sueño, porque siempre he estado con Mecano en la boca. Te ponen ese punto de volver a esas artistas míticas españolas, y dices: que vuelvan las canciones, y desnudemos la producción”. Escribir canciones que aguanten desnudas exige un oficio que lleva años queriendo quitarse de encima: ha repetido que su proyecto en solitario nacía con el objetivo de desaprender la academia y, sin embargo, Morena con A arranca con una obertura que imita el instante previo a un concierto clásico: la orquesta afinando. “Con la obertura quería explicar esa cosa de ‘vengo del clásico, pero mira dónde he acabado’. Siempre me dicen que mis canciones son muy musicales, sobre todo por sus progresiones

armónicas, y yo intento simplificarla, pero al final vengo del clásico y del jazz y no puedo evitarlo”. El síntoma más claro de ese equilibrio es el uso del violín: “Lo he odiado muchísimo, y ahora lo toco en casi todos los temas y me hace muy feliz”. Se lo lleva a los conciertos, aunque no del todo por gusto. “Mi manager dice que luce bien, que hay que vender niña ANA TORROJA de conservatorio atormentada. Me da un poco Recordar (2026) de cringe, pero lo estoy abrazando”. Balada íntima y sin adornos que localiza el duelo en un detalle Entre que un disco se termina y se publica doméstico: el frío del otro lado puede pasar mucho tiempo, así que su oficio de la cama al despertar. Se ha obliga a defender en directo una versión de acabado el show es el primer disco uno mismo que en muchas ocasiones ya ha que Torroja coescribe entero, dejado de existir. Morena con A se escribió y esta es de las canciones más durante 2025 y sale a finales de septiembre desnudas, como a Alba le gustan. de 2026, y esa Alba ya apenas se le parece. “Opino que no somos los traumas que tenemos, y que hay un momento en la vida en que ya no puedes culpar ni a tu infancia ni a lo que hayas vivido. Tengo que salir del victimismo, escoger ser feliz y esforzarme para ello. El año pasado fue muy duro, creo que para mucha gente. El disco es justamente una fotografía de ese momento”. Escucharlo hoy es escuchar a otra persona pidiendo algo que ella ya tiene. “Ha sido muy sanador hacer este disco. Ahora lo escucho y a veces me da penita: yo OLIVIA BAY estaba pensando que, con tanta gente en el Sin miedo a caer (2026) mundo, alguien habrá que me quiera, y pienso Compone para la segunda que qué pena. Pues claro que la hay. Ahora lo finalista de Operación Triunfo sé, lo tengo clarísimo”. Ese es el destino de 2025, de la que más se espera las canciones escritas para durar veinte años: comercialmente y a la que la industria coloca en primera sobreviven a quien las necesitaba y a quien ya línea. Se mueve en el terreno del no lo hace, y se quedan esperando por mucho Cuarto azul, de Aitana, con una a quien venga en su busca tiempo después. letra más naif.

MORENA CON A (UNIVERSAL, 2026)

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Ojalá haber sido ella / No vuelvas / Vicky / Estaba claro que no / Hace cuánto / Alguien habrá / 2º 1ª / Hombre malo / No nos supimos querer / Enamorada / Borracha CD / DIGITAL / LP

OPEN THE DOOR FOR WHAT IS COMING / SECRET LOCATION 2026 PUSHING THE BOUNDARIES OF POP MUSIC

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MUSHROOMPILLOW.COM

POR: DIEGO RUBIO

Ravyn FOTO: JARRETT RAVYN

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Lenae En su tercer álbum, ‘Blue Island’, la artista estadounidense se reconoce en un momento de transición y cambio tras el éxito arrollador e inesperado de ‘Love Me Not’ en TikTok. Lenae se reafirma en su cruzada por dinamitar las expectativas que se tiene con las artistas de color, encajonadas entre las paredes del soul y del R&B. Como Kelela y tantas otras, Ravyn Lenae enarbola un manifiesto a favor del pop alternativo y sofisticado.

Según la propia Ravyn Lenae, a quien tenemos la oportunidad de hacer algunas preguntas durante una preescucha global de su nuevo álbum, Baby Girl resume gran parte de las tesis que este defiende. Su colaboración con la rapera Doechii -en quien pensó inmediatamente, inspirada por su discurso en los Grammy- “refleja lo que significa ser una chica negra en la industria de la música y el hip hop, moviéndose a su propio ritmo y manteniéndose fiel a sí misma”. En torno a esta idea se estructura todo Blue Island: en su tercer álbum largo, Lenae interioriza el discurso de Kelela, luminaria definitiva para todas aquellas artistas negras que en la última década han buscado escaparse de los cajones del R&B y el soul, y se confirma como una artista pop capaz de saltar a placer entre géneros habitualmente (mal) relacionados con artistas blancas. “Mi negritud se ha puesto en duda simplemente por el tipo de música que me gusta hacer, o se ha discutido sobre si me corresponde o no existir en géneros más allá del R&B”, confiesa. Pero eso se acabó: “Con cada disco aprendo más sobre cómo quiero ser percibida. Y he aprendido mucho a reafirmarme en quién soy, y a que no me asuste lo que pueda ver de mí. En Blue Island he conseguido mantenerme absolutamente firme en mi visión, segura de lo que sentía que era genuino y sin dejarme condicionar por lo que es comercial o lo que se supone que va a funcionar”. En este sentido, Blue Island es también un trabajo transformativo y transicional para la artista estadounidense. Compuesto, además, en la vorágine de éxito de crítica y público que rodeó al sencillo Love Me Not tras viralizarse en TikTok un año después de su lanzamiento, es el primer disco que publica tras debutar en plazas festivaleras tan vigiladas como Coachella y Lollapalooza, tras dar también su primer concierto en nuestro país en el incomparable marco del Primavera Sound, tras marcarse una residencia de cuatro noches en el mítico club de jazz Blue Note de Nueva York -siguiendo, de nuevo, el ejemplo de Kelela; su paso por el garito puede escucharse en In The Blue Light (2025)- y tras aparecer como telonera en las giras de Sabrina Carpenter y Reneé Rapp. Y su nombre, Blue Island, viene de hecho del pueblo de Chicago donde Lenae nació, “un lugar donde todo el mundo para, pero nadie permanece”. “Durante el proceso creativo, estuve viajando constantemente y apenas tenía tiempo para procesar lo que me estaba pasando. Pero según el disco iba tomando forma, me fui dando cuenta de los paralelismos entre Blue Island y lo transicional que estaba siendo este periodo para mí”, reconoce. “Ir al estudio y componer funcionó como una verda-

dera terapia que me permitió entender mejor mis emociones y canalizar cómo me afectaban las cosas, tanto positiva como negativamente. El éxito abrumador también significó entender la satisfacción que me producía saberme en ese proceso transformador. Esa metamorfosis incluía muchas alegrías, pero también ansiedad, soledad y desamor... De algún modo, Blue Island es un puerto al que he llegado, y me siento muy confiada con la intención de usar mi música para explorar todos los rincones de mi identidad”. Blue Island también marca la primera vez en la que Ravyn Lenae apuesta por la sinceridad total y la primera persona. “A diferencia de trabajos anteriores, donde tomaba prestadas experiencias de personas cercanas, en este álbum me he basado al cien por cien en mi propia historia para transformarla en música”, asegura. Las canciones escarban en el deseo, el desamor, la nostalgia, la autoafirmación, las heridas familiares o las barreras y baches del camino con una lucidez pop renovada. También es la primera vez que trabaja mano a mano con un coreógrafo, Akira Uchida, para darle a todas esas palabras una dimensión más corporal en la que poder reconocerse en sus actuaciones en directo, cada vez más ambiciosas. A partir del 15 de septiembre llevará su nuevo show a EE UU -con Nourished By Time, Lexa Gates y Q como teloneros- ¿antes de volver a recalar en Europa? Lenae se muestra muy ilusionada y esperanzada con el presente y el futuro de esas artistas negras que, como ella, siguen el camino de Kelela. “Tengo un enorme cariño y respeto por ella. Y me encanta que una nueva generación de artistas negras siga ese camino y continúen rompiendo las barreras que siga pudiendo haber en la industria. Mantener esta postura cuando estás empezando a crecer puede sentirse como una maldición y un regalo a la vez, pero cambiar la perspectiva lo convierte en algo muy fácil y natural. Es inspirador ver a otros artistas hacer lo mismo”. Los catálogos de Tracy Chapman, Santigold y Janet Jackson también han sido muy importantes para darle la confianza necesaria para empujar en contra de las ideas preconcebidas sobre “cómo ‘supuestamente‘ tenemos que sonar las mujeres negras”. “Me gusta escuchar muchas cosas, además de ‘lo que se supone que debería escuchar’: Blondie, The Cranberries, Martin Rev... Ahora también he descubierto las bandas sonoras de Bollywood o el jazz etíope”. Y últimamente está muy interesada en explorar los ritmos y las melodías que se esconden en sus raíces panameñas y antillanas. Cualquier cosa que se salga, como ella, de cualquier corsé.

BLUE ISLAND (ATLANTIC, 2026) Handle / Familiar Dreams / Never Let Me Go / In & Out / Potential / Sew Me Back Together / Reputation / Saturday Night / Babygirl / Barriers / Wish You Well / Bobby / Find It One Day / Let Us In CD / DIGITAL / LP

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“MI NEGRITUD SE HA PUESTO EN DUDA SIMPLEMENTE POR EL TIPO DE MÚSICA QUE ME GUSTA HACER”

FORASTERA

POR: DANIELA URZOLA

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No todos los relatos de fantasmas son historias de terror. ‘Forastera’, debut largo de Lucía Aleñar Iglesias, se sitúa entre la presencia y la ausencia, la vida y la muerte, para plantear una aproximación novedosa al duelo y las distintas maneras de hacerle frente. Hablamos con ella y con Zoe Stein, su protagonista. Durante unas vacaciones de verano en Mallorca, Cata se debe enfrentar a la repentina muerte de su abuela. De ella recibe su nombre, la primera de muchas conexiones que las unen, en vida y en el más allá. Porque, de manera inesperada, Cata empieza a comportarse e identificarse de forma siniestra como la matriarca: usa sus vestidos, prepara sus recetas y emula sus ademanes y comportamientos. La ópera prima de Lucía Aleñar Iglesias, Forastera, que elabora además sobre el corto homónimo que la cineasta estrenó en 2020, parte de esta premisa para explorar la complejidad del duelo y de las emociones que nacen cuando se sufre una pérdida. “La película surge de una curiosidad o inquietud hacia esas emociones que rodean el duelo y que quizás son un poco más extrañas, relacionadas con ese deseo de intentar mantener a nuestros seres queridos cerca de alguna manera”, explica la directora madrileña de 33 años, residente en Los Angeles tras haberse formado en Nueva York y Columbia. “Esto nos lleva a proyectarlos muchas veces en objetos, lugares o incluso otras personas. Es algo que me parece muy extraño, pero a la vez

muy humano”. Zoe Stein (Mantícora, La chica invisible) lidera el elenco en el papel de la joven Cata, un personaje que preparó durante años. “Es un personaje muy camaleónico. A veces no sabes lo que le está pasando por la cabeza y a mí eso me interesa mucho como actriz. Está en un momento de cambio, de duda, atravesada por ese duelo”, reconoce la joven y carismática intérprete barcelonesa, con la que también hablamos de la película. El trabajo entre directora y actriz se desarrolló con mucha libertad y confianza: ya habían realizado juntas el cortometraje homónimo de 2020. “Es muy gratificante, porque al final te conoces de muchos años, hay confianza, y yo notaba cómo mi propia madurez de crecer a nivel personal y profesional jugaba un papel también en la película”, comenta Stein, destacando que se trató de un proceso que añadió muchas capas más a la historia y sus personajes. A propósito, Aleñar señala: “No quería volver a hacer lo mismo. Quería mantener el corazón del proyecto, pero también preguntarme cómo podíamos ampliar el mundo, abrir la historia al resto de la familia y ver

cómo las decisiones de Cata afectaban a los otros miembros”. Es así como Forastera acaba profundizando en las relaciones intrafamiliares, explorando las distintas formas que asume el duelo a ojos de cada persona. “El duelo afecta a todos, y en la película es muy interesante ver cómo esto transforma la jerarquía y las dinámicas dentro de la familia”, comenta Stein, resaltando también la importancia del trabajo coral con el resto de intérpretes. “Rodábamos cada día casi en el mismo sitio, y rápidamente se creó un ambiente muy familiar con todo el equipo. Me hacía mucha ilusión trabajar con Lluís Homar porque había sido mi profesor, y fue muy bonito ese reencuentro en el que pudimos crear una energía conjunta, pensar de manera común las escenas e ir probando”. Por su parte, Aleñar destaca la importancia de la casa como epicentro de todas estas relaciones. “La casa es el refugio emocional para estos personajes, y esto fue lo que guio la manera en la que nos aproximamos al espacio. Primero quería una casa laberíntica, donde no sabemos ubicar exactamente cada habitación en relación a las otras. Además, quería que estuviera frente al mar y que este tuviera una presencia constante en las imágenes. Eso nos permitió crear una especie de portales, que atrapan a los personajes, pero al mismo tiempo les ofrecen una salida”. De

como inspirador y misterioso a la vez, un lugar donde iba a pasar los veranos y que luego desaparecía de mi vida por el resto del año. Para mí encarna esta idea de cómo la ausencia representa presencia”, explica. A partir de todos estos elementos, Forastera logra construir una atmósfera a medio camino entre lo cotidiano y lo fantasmagórico, entre la comodidad y la seguridad y una amenaza invisible, donde encontramos algunos códigos del género de fantasmas domésticos sin recurrir al terror más tradicional. “No se trata de esta idea que tenemos del fantasma que viene a resolver algo pendiente. Tiene que ver con el día a día de estas personas que necesitan verlo, sentir esa presencia. La figura fantasmagórica viene así de algo orgánico... De cómo, incluso lo más banal, como encontrarte unas hormigas, puede resultar en algo mágico o espiritual”, afirma Aleñar. “Me interesaban películas como A Ghost Story (David Lowery, 2017), que llevan el género a un terreno más fresco y que se atreven a investigar otros lenguajes cinematográficos que habitualmente se salen de lo que normalmente es el terror de fantasmas y casas encantadas”. A esta lista Stein agrega también obras de Lucrecia Martel -quien usa las fórmulas del terror para hacer inquietantes a sus personajes sin trabajar explícitamente el género- o Céline Sciamma. Revisaron sus filmografías

Los fantasmas de mi vida

El fantasma es el centro de muchas obras que, como Forastera, se alejan del género para hablar de temas universales.

TÍO BOONMEE RECUERDA SUS VIDAS PASADAS / Apichatpong Weerasethakul / 2010 Espíritus del bosque y fantasmas del pasado se aparecen en este relato sobre la muerte inminente y la familia con una estética visual igualmente fascinante.

PERSONAL SHOPPER Olivier Assayas / 2016 Kristen Stewart como extranjera en una París pseudosobrenatural, transitando un limbo emocional entre la muerte de su hermano y el aparente glamour que la rodea.

A GHOST STORY David Lowery / 2017

ese modo, el diseño de producción refleja la correspondencia entre el espacio físico y el espacio emocional de los personajes, a la vez que evoca en el espectador la nostalgia de las casas familiares de verano. Y es que la idea de la “forastera” no es algo ajeno a la cineasta, que actualmente vive fuera del país. “Mi familia paterna es de Mallorca y tengo una relación muy cercana con la isla a pesar de que nunca he vivido ahí. Es un sitio que percibo

extensamente en el camino hacia encontrar el tono de la película, entre la magia y la realidad. “Hay muchas metáforas escondidas en la película”, concluye la actriz. “Tiene detalles que quizás no ves si la miras solo una vez. Esto es muy bonito, sobre todo con temas tan universales como el duelo. Todos podemos sentirnos conectados con Cata de muchas maneras distintas, y eso es lo que creo que le da tanto poder a la película”.

Un juego de espejos del duelo, que humaniza al fantasma con la historia de un hombre que, tras morir, se mantiene en casa observando a la viuda que ha dejado atrás.

FORASTERA (11 septiembre) Atalante / España / 2025 Dirección: Lucía Aleñar Iglesias Reparto: Zoe Stein, Lluís Homar, Nuria Prims, Martina García

El relato tierno de una niña pequeña que utiliza la imaginación para sobrellevar la ausencia de sus figuras maternales, reivindicando la mirada de la infancia.

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PETITE MAMAN Céline Sciamma / 2021

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Artista visual, fotógrafo y escultor, el francoargelino lleva dos décadas exponiendo por todo el mundo un trabajo que se centra en la intimidad, la colectividad, la diáspora, las desigualdades, el racismo, la apropiación cultural o la miseria humana de las sociedades contemporáneas. Ahora, y tras años también

Mohamed

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Por: Diego Rubio

Bourouissa

integrando el diseño sonoro en sus prácticas e instalaciones y colaborando con músicos, estrena en PAN Records el que es su primer disco, ‘LILA’. Pequeños retratos de ambient y post dubstep en los que encuentra una manera más personal de expresarse.

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Mohamed Bourouissa (Blida, Argelia; 1978) es un artista inquieto. Inquieto de verdad. “Puedo construir una metodología, pero no me gusta constreñirme a ella, porque me hace sentir aprisionado”, dice refiriéndose a su trabajo. Formado inicialmente como pintor en La Sorbona de París, pronto entendió que la fotografía le conectaba más con su realidad más inmediata, esencialmente diaspórica y urbana, y desde ahí empezó a desarrollarse en diferentes direcciones: cortometrajes, dibujo, escultura, collage, instalación, sonorización, escenografía... En sus más de veinte años de trayectoria podría decirse que ha tocado todos los palos. “Expandir el mundo hacia todas las cosas vivientes es necesariamente subversivo”, se dice en la presentación de uno de sus proyectos más interesantes, Brutal Family Roots (2020). Ahora, el artista multidisciplinar francoargelino estrena en PAN Records el que es su primer disco, LILA. Era lo que le faltaba, pero al mismo tiempo una consecuencia natural. “Este proyecto empezó hace cuatro años, pero realmente llevo muchos más trabajando con el sonido”, cuenta Bourouissa desde su estudio a las afueras de París. En 2017, en Beirut, conoció al guitarrista libanés Sharif Sehnaoui, y junto a él, la francesa DJ Sina y varios artistas más de diferentes disciplinas crearon Si Di Kubi, un proyecto en torno a la idea de compilación que mezclaba música árabe tradicional y música experimental, además de fotografías, estructuras... Entre 2019 y 2020 colaboró con el músico, desarrollador y programador francés, Jordan Quinqueret, en Brutal Family Roots, una exhibición que trazaba paralelismos entre la diáspora y la distribución global de la acacia cuya pieza central era una composición basada en las frecuencias sonoras de las propias plantas. “Durante un año estuvimos trabajando con un Raspberry Pi (un ordenador monoplaca de bajo coste y con software de código abierto) y el SuperCollider (entorno de desarrollo y lenguaje de programación para síntesis de audio y composición algorítmica) para generar sonidos que nos permitieran hacer audible la dispersión de la acacia. Procesando además sus frecuencias también pudimos traducirlas a ritmos perceptibles”, explica. “En ese momento me había empezado a hacer ya con algunos instrumentos, sobre todo sintetizadores, y ese fue un poco el principio. Una caja de ritmos, un Juno X... Con los sintes pude profundizar, por ejemplo, en las frecuencias de las plantas, generar una especie de fondo, de paisaje. Y sobre eso ya armé el ritmo y, por último, las voces, que están tratadas como un instrumento más: a veces no dicen nada, a veces sí... y a veces lo dicen, pero es ininteligible”. Desde entonces el sonido, y más concretamente la música, ha tomado el protagonismo en su obra. “Estaba empezando a sentir que la música, el sonido, no eran solo una parte anexa de mi trabajo, sino una dimensión propia de mi práctica artística. Quería ponerla en el centro”. Hacerlo ha sido, dice, completamente natural. “Trabajé con Valentina Fanigliu-

lo, Mushi, en Hara (una pieza basada en las señales de alarma que se dan en los barrios ante la aparición de policía, en España el grito ‘agua’), y ella fue muy importante para que diera el paso. Tengo mi propio estudio, y he sonorizado varias instalaciones para mi trabajo o compuesto pequeñas piezas como banda sonora para mis proyectos más audiovisuales, como el corto Généalogie de la violence (2024). Tratando de encontrar esos sonidos, de repente me vi preparado o sentí el impulso de hacerlo por mi cuenta, de hacerlo para mí. La idea de un disco, además, siempre me ha encantado como formato artístico, porque, de algún modo, es una pieza de arte que prácticamente todo el mundo quiere adquirir, conservar, y experimentarla de un modo muy personal, tanto que prácticamente reinventa por completo el significado de la obra”. Sacar el álbum con PAN, finalmente, fue una casualidad. “Una comisaria con la que tengo relación se pasó un día por el estudio y le enseñé algunas de las canciones que ya estaban terminadas. Le gustó y me dijo que tenía un conocido en el sello. Nos hizo de link y pude presentarles mi trabajo, y les gustó, sobre todo creo que les sorprendió. Porque normalmente, cuando eres artista visual, la gente tiende a esperar algo muy conceptual, música muy experimental y muy electrónica, prácticamente diseño sonoro o casi un ensayo sobre sonido. Pero yo he hecho canciones. Y, sinceramente, creo que eso fue lo que les convenció”. Quizá esto es lo más subversivo de LILA viniendo de un artista como él, asociado a los museos y el arte “elevado”, que ha exhibido en el Palais de Tokio, en el Pompidou de París o en ARCO: no

“QUIERO HACER CONCIERTOS AL USO, NO ACTUACIONES EN MUSEOS QUE SE VENDEN COMO PERFORMANCES”

renuncia a una melodía emocionante y abraza la música como fin, no como algo colateral ni como medio para un propósito artístico superior. “Si un artista visual hace música parece que siempre va a pertenecer obligatoriamente al mundo del arte y la instalación. Para mí, es muy enriquecedor sumergirme de lleno en la música, en sus círculos, en sus escenas, acercarme a otro público...”. Los conciertos al uso también le interesan. De hecho, esta nueva etapa para él arrancó oficialmente el año pasado con un concierto/performance en la Bourse de Commerce parisina presentada como Why I Choose to Make Music?, y este septiembre clausura el paso de Pour Noubia por el Migros Museum de Zúrich -exhibición construida a través de los recuerdos audiovisuales de su tía Noubia y su viaje desde Argelia a Alemania- con una performance del disco junto a Charbel Haber, Floy Krouchi y Tarek Atoui. “El año que viene seguro que hacemos conciertos, y tengo muchas ganas de centrarme solo en la música, de dar conciertos al uso y no tener que relacionarlos directamente con una práctica artística. Quiero ir al circuito normal de promotores, salas y

LILA (PAN, 2026) INTRO / HFC / MG / FZB / NMB / AF / SEUM / MN / JQ / LILA / AB / OUTRO DIGITAL / LP

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GALERÍA DE VIDA La portada de LILA es una fotografía perteneciente a la serie Horse Day, una reflexión en tiempo real sobre la apropiación blanca de la figura del cowboy a través de los establos comunitarios de Philadelphia. “Decidí usarla por su potencia, pero además porque sirve para explicar mi obra y de dónde vengo como artista”. Dentro hay un libreto con más fotos, pertenecientes a series como Nous sommes Halles o Périphérique, donde el artista apunta siempre a los márgenes. En esta galería seleccionamos algunas. “Me parecía muy bonito que la gente que comprara el disco pudiera tener ese pedazo de mi trabajo, como si fueran pequeñas obras de arte”.

festivales que trabajan este tipo de música, no hacer conciertos en museos que se venden como performances”. LILA se compone de pequeños retratos: cada canción está escrita pensando en alguien cercano. “La primera canción que escribí, HFC, estaba dedicada a mi padre, y eso abrió la puerta para hacer lo mismo con otras personas importantes en mi vida. Una de las canciones es para mi hijo, por ejemplo, y AF está dedicada a mi ex mujer, su madre: su madre había tenido un grave accidente, y a mí me dejó en shock porque las he querido mucho a las dos. Escribir esa canción prácticamente una semana después fue muy potente para mí, porque es una forma de acercarse al alma de las personas”. Esta idea de resonancia, que realmente atraviesa toda su obra, cobra aquí un significado mucho más íntimo. “Cuando hago fotografía de retratos, o cuando trabajo desde el punto de vista de la fotografía para proyectos de arte, aunque intente crear siempre una intimidad entre la cámara y el objetivo, también trato de distanciarme un poco, ser conceptual, observador... Pero aquí es todo lo contrario: hay una excavación personal muy poderosa, y la conexión es mucho más personal, mucho más emocional. La música es única para eso sin llegar a ser completamente explícita”, asegura. Hacer el disco, por tópico que pueda parecer, ha sido catártico para él por todo este arrojo, e incluso estuvo a punto de lanzarlo bajo seudónimo para poner un poco de tierra de por medio. “Pasé un periodo muy complicado hace cuatro años y la música me ayudó muchísimo a no perderme y a reconectar conmigo mismo. Es egoísta, pero es lo que hay: mi relación con la música realmente viene de una intención mía de obtener algo de ella. Lo que me encontré fue que también me ayudó a entender mi relación con el sonido: en mi vida siempre he relacionado el sonido con algo dramático, muy violento... Por eso cuando oía a la gente discutir y hablarse muy alto me irritaba, me asustaba. Controlar eso a través de la música me parece fascinante”. Mohamed se ha criado con mucho rap -”Booba, M.O.P., Wu-Tang Clan...”-, y aunque también hay influencias de Space Afrika y los northern gothics, realmente lo que vehicula todo el disco son las melodías del raï de su infancia, la música de Cheb Hasni o Khaled, muy emocionales y embadurnadas aquí de auto-tune. Su idea es seguir en esa dirección. “En mi próximo proyecto quiero invitar a otros músicos, tener instrumentos acústicos... Ya he trabajado algunas veces por ahí y me interesa mucho profundizar en ello. También he conseguido un sampler y quiero bucear en música árabe para poder samplearla”.

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POR: RICARDO RUIZ VARO / FOTO: RAFA GALÁN

En ‘Plato combinado’, Morreo cantan a la muerte, a los lugares que desaparecen y a todo aquello que algún día dejará de estar. Pero Joseca y Germán no han hecho un disco para llorar a solas: prefieren convertir el pop en refugio colectivo, recuperar las melodías de siempre y bailar juntos mientras todavía se pueda.

Morreo quieren montar una secta. Una en la que la religión sea el pop y cuya razón de ser no esté tanto en escapar del sufrimiento como en aprender a compartirlo. Porque Plato combinado, su tercer disco, habla de cosas que terminan: personas, amistades, lugares, ilusiones o etapas de la vida a las que ya no se puede volver. “Nos gusta mucho hablar de la muerte como el final de algo en el día a día”, explica Joseca, la mitad del dúo andaluz. Pero Morreo no están dispuestos a llorar delante del cadáver, sino que quieren compartir esa despedida. “Algo tan complejo como esto puedes solucionarlo de una manera simple: bailando, echando de menos, disfrutando también de la tristeza, de la pena”, cuenta Germán. Al escuchar el álbum es fácil caer en aquello de “mal de muchos, consuelo de tontos”, y resulta que la frase ya estaba apuntada casi desde el comienzo del proceso creativo. “Lo que se buscaba, dentro de un mundo tan egoísta, tan pensado en el individuo, es la colectividad. Es que, al final, la secta está muy bien”, resumen medio en serio, medio en broma, muy posirónicos. Esa es la gran fantasía de Plato combinado. “Queremos entrar en la secta del pop, de las cosas que nos gustan, del mundo colorido”, dice Joseca. Y Germán añade: “Con sus mandamientos y todo…”. “¡Y con una misa del pop! Sería increíble”, bromean. Morreo llevan años construyendo su identidad a partir de la tradición melódica española de los sesenta y setenta, pero no como un ejercicio de arqueología. “Siempre hemos sido amantes de aquellas décadas, pero realmente las descubrimos de la mano de esos grupos de los dosmiles que las reivindicaban”, explican, citando a Niza, La Casa Azul o Hidrogenesse. No buscan solo la estética retro, sino “ese poder que tenía el pop de generar canciones que todo el mundo recuerda”. Tiene sentido en un disco obsesionado con la desaparición. Frente a un presente fugaz, Morreo reivindican una música hecha para permanecer en la memoria, para ser cantada por otros. “Las canciones que más enganchan, sean de cualquier género, son las que tienen una melodía que te provoca ese click en el que piensas: ‘Perfecto, ya la tengo’”, resume Joseca. Esa tensión entre lo que permanece y lo que se pierde atraviesa todo el disco. Por ejemplo, Gracias por su visita es una despedida a los lugares que desaparecen sin ceremonia, “los sitios de siempre”. Hablan de bares, cines, mercerías, queserías y pequeños comercios, espacios aparentemente banales que sostienen una parte de la vida de un barrio. “Un bar no puede ser más

colectivo”, ejemplifican. “Esos lugares siempre han generado muchas redes y un entorno de comunidad”. De ahí sale una canción pensada como despedida para sitios que han acumulado décadas de historias y que, cuando finalmente cierran, “no tienen esa oportunidad de despedirse en comparación con todo lo que han ofrecido a un barrio, a una ciudad, a su gente”. La anécdota que mejor resume esa sensación está en su propia historia. Joseca y Germán son pareja y se conocieron frente a un supermercado. Meses después aquel local se convirtió en una sede de Glovo. “Ese recuerdo que tenías ahora de repente es otra cosa que no significa nada”. En Casa amigos hacen justo el movimiento contrario: imaginar un lugar que no desaparezca, una casa en la que reunir a los amigos que siguen cerca y a los que el tiempo fue alejando, verlos envejecer e incluso morir juntos. Esa aspiración no es casual viviendo en una ciudad que ellos mismos describen así. “Madrid es un sitio muy grande, pero a la vez te hace sentir muy pequeño. Estás rodeado y a la vez solo”. Por eso Plato combinado puede sonar hedonista a pesar de hablar de temas muy chungos. Pero lo hace sin resultar ingenuo; la alegría aquí no consiste en fingir que nada duele, sino en asumir que va a doler y decidir qué hacer con eso. Su respuesta vuelve a pasar por lo colectivo: “Al vivir desde un punto de vista mucho más rodeado de gente es cuando salen las ideas, cuando todo florece, cuando realmente hay un debate, cuando la sociedad avanza”. Y lo resumen a su manera: “Lo individual es una mierda”. En Vuelta a casa -un tema que de primeras solo aparecerá en la versión física del álbum- esa necesidad de encontrar un lugar donde quedarse se vuelve muy íntima. Joseca abandona el plural. “Yo me fui de mi casa porque había muchas cosas con las que no estaba de acuerdo, con las que no estaba cómodo”, cuenta. La grabó “llorando como un niño” y acabó convirtiéndola en el mensaje que le habría gustado escuchar entonces: “Oye, no te preocupes, al final puedes ser quien quieras ser, puedes irte cuando te dé la gana y puedes volver”. Después de un álbum entero hablando de finales, Joseca termina redefiniendo qué significa volver. “Un espacio físico no es nada. Tu casa también son tus amigos, tus cosas, muchas vivencias que has ido construyendo”. Y puede que ahí esté la meta de la secta de Morreo: no huir del final, sino crear un lugar compartido desde el que aprender a mirarlo. Y, mientras tanto, bailar. Nunca dejar de bailar.

“LO INDIVIDUAL ES UNA MIERDA. CUANDO ESTÁS RODEADO DE GENTE ES CUANDO TODO FLORECE”

PLATO COMBINADO (MUSHROOM PILLOW, 2026) Bienvenidos / Vamos a morir / No hagas nada / Me da la tos / Gracias por su visita / Locos por el ritmo / Fuerza bruta / Pim pam pum / Soy una bomba / Casa amigos / Vuelta a casa / Dominó

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DIGITAL / LP

Juguemos a algo.

L U E G O

gana.

Quien encuentre más monedas…

Bien hecho, cariño.

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Kayla E.

Muerte en Texas

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sitio.

Tú no vas a

ningún

POR: GALO ABRAIN

Tras una sonrisa radiante y una piel tatuada como refugio, Kayla E. se autoinmola en su novela gráfica ‘Dulce basura’ para transformar el horror de su infancia en un acto de supervivencia. A través del humor negro y una honestidad devastadora, la autora encara sus experiencias más oscuras sin maquillar la verdad. El resultado es un testimonio desgarrador y luminoso que libera su propio dolor mientras ofrece una lección universal de supervivencia.

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Te quedarás conmigo para siempre.

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Antonin Artaud llamó a Van Gogh “el suicidado de la sociedad”. Podría entrar en detalles y explicaros largamente el porqué de tan ominoso apelativo. Pero sois gente inteligente, así que dejaré a vuestra imaginación la naturaleza del sintagma, oreja navajeada y sangrante en el suelo mediante. Los artistas corajudos, los kamikazes, sienten el impulso masoca y dulce, majestuosamente sucio, de quemarse a lo bonzo a través de su obra. Es su particular vicio instintivo, a la manera de los niños que se comen sus propios mocos, incapaces de retener el placer de la antropofagia. Del canibalismo con el que digieren sus restos, aquí traumas y pecados, para devolver algo máximo. Algo total. La grabación de la endoscopia en la que exploran sus miedos, vulnerabilidades, obsesiones y corrupciones más profundas. Kayla E. ha ardido como un fénix maltratado, alcohólico, incestuoso, sectario, violado y suicida. Con su obra Dulce basura, ha alcanzado una autoinmolación pirotécnica bestial, lanzando a golpe de viñeta fuera del baúl de los recuerdos más terribles sus vivencias infantiles francamente vomitivas. Uno lee a Kayla. Uno ve a Kayla. Uno trata de conectar lo que narra el cómic y ve al otro lado de la cámara, a miles de kilómetros, en Carolina del Norte, EE UU, a una chica risueña, guapa, de ojos como guijarros negros, sonrisa kilométrica. Cuesta creer que Dulce basura sea autobiográfico. Solo sus muchísimos tatuajes, como estigmas, entran en sintonía con una vida empujada al sacrificio de la cordura. Su piel, colmada de parches finos y oscuros que parecen cerrar heridas chorreantes, avisa de las laceraciones pasadas. “En mi nuevo trabajo, The Knot Is Not, es la primera vez que me represento con mis tatuajes”, asegura la autora. “Tienen una relación con mi religiosidad y mi percepción del amor, en especial con

RECORTABLE DE LA PEQUEÑA KAYLA ¿Alguna vez has querido cuidar de una niña desatendida? ¡Ahora puedes hacerlo! Imagina que llevas a la pequeña Kayla al Kmart y le compras unos vestidos nuevos: ¿cuál le quieres poner hoy? ¿Le has enseñado ya a Kayla cómo tapar el agujero que ha hecho su hermano en su habitación? ¿Te has acordado de cerrar bien el mueble bar?

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Lidiar (a trazos) con el trauma

KAYLA E_Dulce basura v13.indd 27 American Splendor, Maus, Jimmy Corrigan, el dibujo de Ivan Brunetti, los cómics de los años 50 (Cookie, La pequeña Lulú, Sweetie Pie, Archie) o Fun Home sirven para explicar el trazo de Kayla. Pero no su trauma.

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MONSTRUOS Barry Windsor-Smith 2021 Crudísima heredera de Maus, Monstruos arranca como un frenético thriller de acción... para convertirse después en una casa de los horrores y la perversión humana que se esconde en el EE UU profundo. Uno no se acostumbra a lo enfermizo del mundo.

CHARTWELL MANOR Glenn Head / 2021

OUR LITTLE SECRET Emily Carrington / 2022

Con el joven Glen como trasunto de su propia experiencia, Head ha construido una de las trilogías más personales y brutales que se recuerdan. Con tono fantástico, el trasfondo es mucho más aterrador: los abusos del director del colegio, un depredador sexual.

En el seno de una familia disfuncional y poco afectiva, con su omertá, un allegado se convierte en el monstruo pederasta. Con muchos paralelismos con la obra de Kayla E, el enfoque de Carrington es sin embargo mucho más explícitamente oscuro.

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MEMORIES OF GISELLE Katia Vecchio / 2026 El abuso infantil, especialmente si ocurre dentro del entorno familiar, es un trauma que suele reprimirse, pero que define la vida y la construcción de la personalidad. Desbloquear esos recuerdos es horrible, catártico... y sanador.

KAYLA E. Artista de raíces mexicanas nacida en Texas, Kayla Keyla se graduó en la Universidad de Harvard, cofundó la revista Nat. Brut y es directora creativa de Fantagraphics. Dulce basura es su primera novela gráfica.

mi cuerpo. Antes odiaba mis manos. He sido una chica repleta de complejos. Pero gracias a mis tatuajes, ahora me miro y encuentro una gran belleza. Son, además, como post-its que me recuerdan mi fe. Salvando las distancias, es una forma de acceder al dolor físico de la crucifixión para conectar con un Dios con el que me siento segura, ya que experimentó en su propio cuerpo la violencia que yo viví de niña”. Una hostilidad manifiesta, palpable, ignominiosa que en Kayla no se contenta con la agresión. Va más allá. Va más al fondo. A lo oscuro de la traición, que para Dante era el último círculo del infierno. Un hermano abusador sexual, que se escurría hasta la indefensión de Kayla con el visto bueno de sus padres. Litros de alcohol y drogas desde la edad más tierna, dispensados por los adultos al cargo. Madrastras criminales. Madre psicótica y fanática religiosa. Y hasta una abuela, tal vez único punto de apoyo para la joven Kayla, que no la quiso genuinamente, sino como estrategia para desquiciar a su hija, la madre de esa niña que flirteó con el suicidio en la llamada patria del hombre, la infancia,

¡hip!

besos, kayla KAYLA E_Dulce basura v13.indd 53

30/3/26 12:08

supuesta tierra de ternura e inocencia. Para Kayla no. Para nada. Para evitar confusiones, lejos de Kayla domiciliar su actitud en una beatería espiritual de parroquia: cuando habla de fe, lo hace desde una conexión con su propia supervivencia, la superación de sus demonios. No han sido pocos y no solo mentales, también de carne y hueso. “He pasado por tanto trauma que mi estado por defecto es el horror. Tengo pensamientos intrusivos sobre las peores cosas que puedas imaginar. Así que ha sido realmente útil para mí reemplazar eso por un pensamiento sobre la espiritualidad. Y es como si extirpara algo podrido de mí. Me ha dado una alegría que nunca había sentido antes. Es más, no sabía que la alegría era real”. Ya sé, ya: estas declaraciones de Kayla parecen situarla en un pedestal un poco vehemente, pero la vibra que transmite es del todo opuesta. La misma ironía, el mismo humor sarcástico y oscuro que es ingrediente principal de Dulce basura, brota sin descanso durante su conversación. La risa hace más digerible el trauma, cuando no lo patea directamente a córner reduciendo su peligrosidad. “La magia del cómic es que permite enfrentar narrativas terribles con formas contrarias a esa naturaleza. Los dibujos tienen algo de infantil, así como la elección de los colores tan chillones. Eso permite al lector continuar la historia que, si lo hubiese escrito de manera novelada, con descripciones específicas, tal vez se habría convertido en algo inabordable por lo terrible”, apostilla la autora. “Y el humor, la manera en que complica la relación entre los lectores con el trabajo, sintiendo esa vergüenza, pero también un sentido de alivio... Hay algo sucediendo allí. Es fascinante. El humor es como mi escudo para expresar lo que no puedo decir directamente, mientras que la intimidad con el lector genera una bondad que intensifica la experiencia de leer”. Y es que no yerra el tiro Kayla al hablar de “experiencia”. Dulce basura es una montaña rusa después de una ronda de chupitos de ginebra. Tan pronto te emociona y divierte como puede darte ganas de echar la papilla. Ya sabéis, nada que ver con la calidad. Excelente, se mire por donde se mire. Incluso los juegos de pasatiempo sórdidos, y hasta un pelín divertidamente crueles, resultan refrescantes y originales. “El libro no es sobre la curación”, señala Kayla al preguntarle por los procesos que narra en la obra. “Es sobre estar bien. No sobre tener ese deseo de cubrir todo incluso con una narrativa. Solo honrar el dolor de lo que me pasó. Al haber sobrevivido al trauma extremo de mi infancia, entiendo mi presencia hoy -sobria, sanada y con una vida plena- como un verdadero milagro. Compartir abiertamente mi historia me permite servir como un modelo de esperanza para otros jóvenes que han pasado por lo mismo. Así les demuestro que es posible darle sentido al dolor, sanar y construir un futuro seguro del otro lado”. Ahora, la creación del cómic tampoco fue un parto sencillo. Kayla no padeció ninguna

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“HE PASADO POR TANTO TRAUMA QUE MI ESTADO POR DEFECTO ES EL HORROR”

A N U N C I O S

UNA

NIÑA

Y

PEQUEÑA

LE

A

puaj

¡CRASH!

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SIEMPRE

CASO»,

catarsis sanadora ni nada por el estilo. Fue más bien angustioso. “Sufrí mucho al escribir, y fue muy perjudicial para mi salud mental. Removí todo lo que tenía dentro, incluso hubo muchos recuerdos reprimidos que afloraron. Fue como una pesadilla, como un flashback. Empecé a tener ataques de pánico. Me he engañado toda mi vida pensando que no era tan malo o que no sucedió, pero el acto de dibujarlo, escribirlo y encender luces en mi cerebro fue un ejercicio muy poderoso. Cuando empecé no lo hice con la intención de publicarlo. Lo hice por impulso. No hubo constricción, ni me cuestioné. Por eso creo que el resultado es tan sincero”. También, si se me permite, tan descorazonador. Kayla E. es el perfecto ejemplo que sería bueno no, ¡necesario!, plantarle en la cara a todos esos victimistas; lloricas frívolos y malcriados que hacen de sus dramas de salón el leitmotiv de sus vidas. Quienes habitan esas burbujas aéreas que sobrevuelan el mundo real convirtiendo cualquier incomodidad, por estulta y moñas que sea, en acontecimiento. Sirve así Dulce basura no solo como gancho de apoyo para quienes han habitado terrores similares. También como lección universal de valor, insumisión a la derrota y para relativizar, con acierto, lo que creemos tan horrible en nuestras vidas. “Esa visión me encanta porque no había pensado en ello. Si puedo dejar un recado para el mundo, una herramienta de mejora y realidad, me sentiré satisfecha”. KAYLA E_Dulce basura v13.indd 22

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ÁNGELES GUARDIANES TU

ya sabes que siempre has sido mi favorito

abrazarte me hace sentir bien

Satisfacción, por cierto, que está igualmente enraizada en la esencia misma de cualquier obra de calidad: el amor. Bien sea su descubrimiento o su ausencia, toda gran creación responde a ese paradigma universal. Dulce basura aborda su ausencia. “Admitir con honestidad que mis padres no me amaban fue la verdad más dolorosa de afrontar, pero también el verdadero corazón del libro. Reconocer esta realidad sin maquillarla me liberó en mi proceso de recuperación y le ofrece al lector una honestidad absoluta. Afrontar esa horrible certeza es, en última instancia, lo que nos permite sanar a ambos, a mí y a quien me lee”. Poco más que añadir, preciosa basura que estáis leyendo esto. Kayla E., una nueva suicidada por la sociedad, ha alcanzado, sin desearlo, sin quererlo, la condición de dulce mártir. Mártir en su mejor sentido. En el del genuino sacrificio que, paradójicamente, devuelve desde las tinieblas una crónica bella, por lo cruel, por lo absoluto, con la que hacer frente a ese infierno que se materializa, por desgracia, tan a menudo en la tierra. Serviros vosotros mismos. 30/3/26 12:08

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DULCE BASURA Ya en librerías Kayla E. Reservoir Books 204 págs. Novela gráfica

¿Su hija está librando una batalla espiritual? ¿Está luchando contra sus demonios internos? No permita que los seglares y paganos lo convenzan de llevarla a terapia: ¡ese es el patio de recreo del diablo! Tráigala a una sesión de asesoría espiritual con alguno de nuestros líderes cristianos sin estudios ni formación.

Asesoramiento cristiano para niños

“ADMITIR QUE MIS PADRES NO ME AMABAN FUE LO MÁS DOLOROSO DE AFRONTAR. TAMBIÉN ES EL CORAZÓN DEL LIBRO”

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Lionel POR: FERNANDO BERNAL

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No son actores, pero en pantalla se comportan como si lo fueran. O mejor dicho, se comportan como si fueran ellos mismos, lo que quería Carlos Saiz cuando decidió contar en ‘Lionel’ el viaje desde Murcia a Francia de un padre y un hijo. Una road movie tierna, dura, divertida y emocionante como la vida, a ritmo de El Mató, Carolina Durante o Sen Senra. El mismo día que Carlos Saiz conoció a Lionel tuvo el impulso de filmarlo con el móvil. Y durante su formación académica como cineasta siempre recurrió a él. Hubo un punto en que Jonás Trueba, uno de sus profesores, en un ejercicio de guion, le propuso hacer un argumento para una película, y precisamente en ese momento, Lionel iba con su padre y con su hermana, Alicia, a Francia, a ayudar a que esta última se instalara allí. “Lionel me fue mandando fotos y contándome la odisea con su padre. Y todo lo que me contaba era muy cine y bastante loco. A su regreso ambos me contaron de viva voz su viaje, y ese fue el ejercicio que yo presenté”, recuerda. Primero hizo con ellos el cortometraje La hoguera (2020), y cuando el productor Mario Forniés se interesó por él, el director retomó ese guion sobre un viaje. Es lo que cuenta en este film, una road movie en la que Lionel hijo (Lionel Corral Bernal) y Lionel padre (Lionel Corral) se reencuentran de camino a Francia para visitar a Alicia (Alicia Corral Bernal). “El corto me dio mucha seguridad, y también pude ofrecerles a ellos un espacio seguro y no agresivo. También me sirvió para afianzar un estilo, que ahora he llevado al extremo y he ido reafirmando durante las seis semanas de rodaje. Para ellos también fue una manera de encontrar

seguridad en el proyecto: están contando su vida, su intimidad, pero veían que no era algo agresivo. El corto nos sirvió mucho, a mí para encontrar el estilo y a ellos para encontrar la confianza absoluta de poder rodar sin guion, lo que es una locura, y embarcarse en un viaje sin saber nada de lo que iba a pasar, porque no tenían ni idea”, asegura el cineasta debutante, el único que tenía el guion en la cabeza. En el centro de todo, el impactante magnetismo de los protagonistas principales, actores sin experiencia previa que asumen ese desafío de ser ellos mismos en pantalla con total naturalidad y con una verdad en sus interpretaciones que resulta arrolladora. “De Lionel lo que me cautivó en un principio es que su familia es muy distinta a la mía, al menos en la fachada, porque sí que hay conexiones. Cuando yo lo conozco no tiene ni padre ni madre, porque su padre en ese momento estaba distanciado de él. Es un chaval muy coherente, muy sensible, que me enseña música, que pinta grafiti desde un lugar sensible, con referentes que yo flipaba para un chaval de superbarrio. Ese background me cautivó, pero sobre todo su manera de ser. Creo que todo va junto. Un chaval con tanta luz, y también con sus sombras, que me produjo un impulso primario artístico de filmarlo. Creo que no me pasa solo a mí, yo he tenido

CARLOS SAIZ Tras trabajar con Carolina Durante en los icónicos videoclips de Espacio vacío y Famoso en tres calles y los cortos La hoguera y Muerte murciélago, este director nacido en 1991 debuta en largo con Lionel.

la rapidez de aprovechar todas sus virtudes para hacer una peli. Pero esto mismo le pasa a mucha gente en Murcia, que le cautiva porque tiene un aura muy especial”. A Lionel padre lo conoce hace unos nueve años, a la vuelta de un viaje junto al hijo. “Flipé. Tuve la intuición de que su energía podía ser muy trasladable a la cámara. Me encanta su locura y sobre todo el contraste con su hijo. Un padre muy distinto, al que poco a poco fui conociendo”. UN VIAJE CRONOLÓGICO Y DESDE LA VERDAD Lionel y Carlos Saiz son de la misma generación, solo les separan tres años: ambos rondan los treinta. Se conocieron solo unos meses después de que muriera la madre de Lionel, un personaje que orbita alrededor de esta road movie a través de las palabras de hijo y marido. “Lionel tenía un apego y un respeto muy fuerte con ella”. Un apunte que está presente en el guion, que Carlos Saiz firma junto a Raúl Liarte, autor también del libreto de La mala familia (2022), de Nacho A. Villar y Luis Rojo, miembros del colectivo BRBR con el que Lionel mantiene algunos nexos, sobre todo en lo que se refiere a la hibridación entre realidad y ficción y al interés por borrar los límites entre ambos territorios. “La idea de escribir con Raúl fue del productor, y no podía haberlo hecho mejor. Entonces él se encontraba en proceso de La mala familia o ya iban a rodarla. Me dio mucha seguridad. Ha sido un trabajo muy mano a mano; él le da mucha fuerza a sus ideas y se mantiene muy seguro en sus propuestas”. Carlos también se mantuvo firme en algunas ideas que tenía a propósito de cómo tenía que ser la producción de su primera película,

entre ellas que el rodaje debía ser cronológico. “El viaje emocional de Lionel tenía que estar acompañado por el viaje físico, pero desde la verdad en cuanto a puesta en escena. Eso explota, sobre todo en el final. Yo ya estaba curtido después de seis semanas y sabía perfectamente lo que tenía que decirles. Aprendí que debía darles cada vez menos información y en esa secuencia solo dije: ‘Despediros y ya’. Fue tremendo, un momento catártico para todos. Eso solo sucede cuando luchas por hacer un rodaje cronológico. Algo que también ayuda a mantener toda la película como un arco hasta que llega el clímax. Yo no frenaba nada, fomentaba estados de ánimo a través de la información. Realmente hicimos un viaje y ellos convivieron, más allá de fines de semana y otros periodos breves, por primera vez desde hace más de veinte años, cuando el padre se fue de casa”. Uno de los referentes que el cineasta tuvo presentes ya en el corto y posteriormente en el largo fue el cine de Isaki Lacuesta y de su pareja y colaboradora Isa Campo, que estuvieron a punto de formar parte del proyecto. Sobre todo, le interesa su trabajo en películas fundamentales de la historia reciente del cine español como La leyenda del tiempo (2006) y Entre dos aguas (2018), en las que cuenta la vida de dos hermanos también desde la no ficción. “Me interesa mucho cómo, sobre todo en la segunda película, camufla el documental bajo la forma de ficción. Me gusta que la forma sea lo más político de la peli, que parezca una ficción, aunque esté hecha por peña de barrio que no ha actuado en su vida. No me considero alguien explícito, pero hay algo muy político en poner en el centro de la pantalla a gente que habitualmente no lo está”.

LIONEL (11 septiembre) Sideral / España / 2025 Dirección: Carlos Saiz Reparto: Lionel Corral Bernal, Lionel Corral, Alicia Corral Bernal

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“ES POLÍTICO PONER EN EL CENTRO DE LA PANTALLA A GENTE QUE NORMALMENTE NO LO ESTÁ”

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POR: MATEO TRAPIELLO

Durante seis años, la alargada sombra de ‘Punisher’, el imprescindible segundo álbum de Phoebe Bridgers, se cernía sobre el espacio vacío que su sucesor habría de ocupar algún día. Cuesta afirmar si ‘Lost Weekend’, su regreso a la larga duración, está a la altura de las expectativas o si las ha dinamitado por completo, pero desde su lanzamiento no hemos podido dejar de pensar en él. Aquí tratamos de descifrar los complejos claroscuros que definen este íntimo y esperado trabajo, en el que la estadounidense deja de recrearse en el trauma para... ¿exorcizarlo?

FOTOS: OLOF GRIND

CALVARIO PÚBLICO La californiana nunca ha estado muy lejos del estudio ni de los focos. En este tiempo solo ha firmado con su nombre algunos temas y EPs dispersos, pero ha aprovechado su tirón de público y mediático -y su gran estado de forma como compositora- para consolidar definitivamente a boygenius, el supergrupo que forma junto a Lucy Dacus y Julien Baker. The Record (2023), primer álbum de estudio del trío tras un EP homónimo que se remonta a 2018, reafirmó tanto las idiosincrasias de sus respectivas carreras como su unidad creativa, hija de sus contrastes, pero nítidamente ensamblada. Lejos de los micrófonos, pero no del ojo público, la vida personal de Bridgers ha sido también objeto de un seguimiento no siempre respetuoso: el fallecimiento de su padre en 2023 -con quien había reconectado en la pandemia después de años sin hablarse y tras una infancia marcada por el abuso de drogas y alcohol-, el noviazgo y posterior ruptura prematrimonial con el actor Paul Mescal, o su actual relación con el músico y cómico Bo Burnham -buen par de artistas torturados-, han hecho que nunca hayamos perdido de vista a la cantautora en este tiempo.

AMOR Y MUERTE

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Más que nunca en toda su carrera, Lost Weekend ahonda con dolor y emoción en temas siempre presentes en la música de Bridgers: el amor y la muerte, ambos casi una misma pérdida. El fallecimiento de su padre cataliza las muchas contradicciones que flotan en torno al álbum: la necesidad de pasar página y la culpa por hacerlo, el corte de viejos vínculos que aún se hacen visibles en los nuevos, la ansiedad por perder la juventud y la extraña paz de aceptar que todo tiene su final. Sabiéndose observada y descontenta con la fama, tan pronto busca refugio en la introspección como se revela sin ambages para quien le preste oído. Incluso en su faceta más vitalista y romántica, en Phoebe conviven la culpa por los amores rotos, inquietud por el paso del tiempo y una pasión voraz por amar hasta las últimas consecuencias.

“DISOCIAR ME HA AYUDADO A PROTEGERME DE MI VIDA. AHORA PUEDE IMPEDIRME SENTIRME VIVA CUANDO MÁS LO DESEO”

LA BANDA No se separa Bridgers, claro, de su escuadra de confianza, musicazos de todos los rincones de EE UU y bien avenidos en esto de la americana, el country o el indie folk: Tony Berg, Ethan Gruska, Christian Lee Hutson y Blake Mills. El nivel está alto.

CAROLINE SHAW

DISCO CORAL

Formada y versada en el mundo clásico, Shaw ha colaborado con Kanye West y ha sido una de las arreglistas principales del LUX de Rosalía. Aquí ha aportado violas y coros, pero sobre ha sido fundamental para el tratamiento de las voces en todo el trabajo.

Lost Weekend es un disco sumamente personal y reflexivo, pero pese a todo Bridgers no camina sola en el sendero del duelo y la esperanza.

ALEX G

CAMERON WINTER

JACK ANTONOFF

ISAAC WOOD

El nuevo ídolo del indie rock, da lo mismo en solitario que al frente de Geese, no podía faltar en el nuevo disco de Phoebe Bridgers: aparece de estrangis, firmando con el palíndromo Son-John Johnson, y canta en Kill Me y en I Can’t Wait.

LUCY DACUS & JULIEN BAKER Pareja entre ellas, y compañeras de Phoebe en boygenius, no podían faltar con sus voces a este ritual de supervivencia y resiliencia. Con amigas, al fin del mundo.

Probablemente la gran sorpresa que nos ha traído este disco de Phoebe Bridgers: no sabíamos nada de él desde que abandonara Black Country, New Road en 2022 para cuidar su salud mental, y de repente es uno de los teloneros de Bridgers en su gira europea. Wood, además, presta su voz en Best Dressed, una canción exclusiva de las versiones físicas de Lost Weekend. Qué ganas de volver a verte.

ELECTRONIC DREAM Si Punisher nos envolvía como un denso manto de texturas nebulosas, las atmósferas de Lost Weekend se componen de forma analógica, pero con un cuidado tratamiento electrónico y digital: sus muchas capas de voces, efectos, programaciones e instrumentos bailan en perfecta coreografía, entrando y saliendo de escena para realzar la voz y las letras de Bridgers, siempre el núcleo duro del disco. Innegablemente heredero de boygenius, la instrumentación se hace también más nítida, decantándose por los acentos folk que definían The Record. Eso sí, las sombras envuelven todo lo que escuchamos, y eso en ocasiones nos hace percibir espectros del pasado, ya sean motivos musicales, viejos versos transformados o voces de quienes ya no están. No es nada nuevo: sabemos cuánto le gustan a Phoebe los fantasmas.

EL RESTO

BO BURNHAM El genial cómico musical llevaba más o menos desaparecido desde que se desnudó ante el mundo en la pandemia con esa obra maestra que es Bo Burnham: Inside. Su reaparición viene en un contexto muy romántico: actual pareja de Bridgers, que hasta le ha dedicado la tierna Bobby, ha escrito junto a ella gran parte del disco, revelando una bonita dinámica de pareja. Su presencia sobrevuela todo el disco.

¿Todo el indie ha querido sumarse a la fiesta? Es posible: Meg Duffy (Kevin Morby, Weyes Blood...), la banda de bluegrass Nickel Creek, Nick Zimmer de Yeah Yeah Yeahs, Conor Oberst y muchos afines a su banda Bright Eyes, el arreglista Rob Moose (Bon Iver, Perfume Genius, Alabama Shakes...), un mito de la americana como Greg Leisz (Joni Mitchell, Beck...), Mark Kinsella de American Football, Justin Broadrick de Godflesh y Jesu, Maya Hawke, Damien Jurado... Los créditos son un monumento.

LOST WEEKEND (DEAD OCEANS / POPSTOCK!, 2026) The Outside / Lost Boys / Kill Me / The Governor’s Waltz / Bobby / Lost Weekend / Haunted / Panorama / Still Standing / Liberty Tree / Never Going Back! / Other Plans / Lost Parade / I Can’t Wait / As Above / Lost Weekend (Reprise) CD / DIGITAL / LP

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Antonoff ya había producido una canción para Bridgers, para una banda sonora de Los Minions. Ahora se pone completamente en sus manos, y se une a su luminosa nómina de colaboradoras: Lorde, Lana del Rey, Taylor Swift, St. Vincent, Clairo, Florence + The Machine, Sabrina Carpenter, Doja Cat, Kelsey Lu... Su mano se nota en el fondo más sintético y electrónico del disco.

Alex G se ha hecho cargo de gran parte de la producción adicional y de la programación de varios sintetizadores y cajas de ritmos, además de algún que otro detalle más. Las chirivitas que se escuchan por todo el disco recuerdan mucho a su intricado detallismo, entre lo orgánico y lo electrónico.

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El regreso de la saga de videojuegos japonesa al cine de la mano de uno de los cineastas de terror más interesantes de la actualidad, Zach Cregger -autor de dos trabajos tan memorables como ‘Barbarian’ y ‘Weapons’- convierte a esta película en uno de los fenómenos de la vuelta del verano. En NUEBO hemos hablado mucho de ‘Resident Evil’, pero ya era de hora de repasarla en profundidad.

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POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

La nueva película de Resident Evil, dirigida por Zach Cregger -director de las aclamadas cintas de terror Barbarian y Weapons-, ha despertado un enorme interés entre los fanáticos del survival horror y los seguidores de la mítica franquicia de videojuegos de la compañía japonesa Capcom. Prevista para estrenarse en cines el 18 de septiembre de 2026, esta reinterpretación del lore de la saga promete alejarse de forma definitiva de las anteriores adaptaciones cinematográficas, caracterizadas por su enfoque en la acción desenfrenada y las acrobacias sobrehumanas de Alice, el personaje interpretado a lo largo de seis entregas por la actriz Milla Jovovich. En su lugar, el proyecto se plantea como un reinicio absoluto que regresa de lleno a las raíces más oscuras, tensas y claustrofóbicas del material original. El guion nos sitúa de nuevo en la icónica Raccoon City, la fatídica urbe que sirve de escenario especialmente para los eventos de las primeras tres entregas de la saga de videojuegos. Sin embargo, el gran giro de esta producción radica en la perspectiva elegida para narrar los acontecimientos. En lugar de seguir los pasos de personajes militares de élite, policías experimentados o miembros del equipo S.T.A.R.S. como Chris Redfield o Jill Valentine, la historia adopta el punto de vista de un ciudadano común y corriente. El protagonista es Bryan, un simple mensajero médico interpretado por el actor Austin Abrams. Alguien como tú y yo que pudiera verse con las manos en el mando. Bryan acepta una entrega nocturna de urgencia para transportar un órgano vital con destino al hospital general de la ciudad, y lo que debería haber sido un encargo rutinario se transforma rápidamente en una auténtica pesadilla cuando el virus T se libera y comienza a propagarse sin control por toda la población. Atrapado en medio del caos urbano, rodeado de hordas de muertos vivientes hambrientos y espantosas criaturas mutadas por los experimentos biológicos de la corporación Umbrella, este civil sin entrenamiento militar ni conocimientos de armas, como la Grace de Resident Evil Requiem, deberá exprimir al máximo su ingenio y su instinto de supervivencia para lograr salir con vida de esta noche infernal. Con esta premisa, la película busca capturar la verdadera esencia del survival horror clásico: la sensación de vulnerabilidad constante, la escasez de recursos y el miedo visceral a lo desconocido en pasillos estrechos y calles sumidas en la penumbra. Todo bajo la batuta de un Cregger que ya ha demostrado su maestría para incomodar al espectador y construir atmósferas asfixiantes, con unos giros de guion y una estructura narrativa que muta y se transforma en cada uno de sus actos. El ambiente de Resident Evil 2 sonará a los más versados, ofreciendo, eso sí, una mirada inédita, fresca, cruda y profundamente humana a la peor catástrofe biológica surgida del mundo de los videojuegos.

EN EL CINE: LA SAGA DE PAUL W. ANDERSON

El anti canon.

PELIS Y SERIES ROBOOTS FALLIDOS

RESIDENT EVIL Paul W. Anderson 2002

RESIDENT EVIL: APOCALIPSIS Alexander Witt 2004

RESIDENT EVIL: EXTINCIÓN Russell Mulcahy 2007

Némesis da más pena que miedo y los icónicos héroes del juego quedan relegados a animadores de Alice.

Resident Evil meets Mad Max en la entrega menos RE de todas. Ahora Alice además tiene poderes mentales.

RESIDENT EVIL: ULTRATUMBA Paul W. Anderson 2010

RESIDENT EVIL: VENGANZA Paul W. Anderson 2012

RESIDENT EVIL: CAPÍTULO FINAL Paul W. Anderson 2016

Gracias al 3D, Anderson refresca la saga con un festival brillante y exploit de piezas de acción. La era del Call of Duty.

La mejor entrega. Un recorrido por pantallas y géneros de la historia del videojuego. ¿Guion? Ni está ni se le espera.

Convencional y aburrido, un final muy poco a la altura de una saga abierta siempre al bizarrismo y a lo camp.

EL USO DEL CGI

El motor de cinemáticas se pone al servicio de la pura narrativa. Dan ganas de jugar.

Con Milla Jovovich como icono de serie b, una película correcta si olvidas su origen y cambias el terror por acción estilo Matrix.

RESIDENT EVIL: LA MALDICIÓN Makoto Kamiya 2012

RESIDENT EVIL: VENDETTA Takanori Tsujimoto 2017

Leon y Claire se enfrentan al virus en un aeropuerto siete años después. Básicamente una cinemática larga.

Un Leon Kennedy más maduro antes de RE 6 lucha contra la plaga en Europa del Este con Ada Wong y los lickers.

Ahora son Leon, Chris Redfield y Rebecca Chambers, en una “peli” que recuerda a los nuevos videojuegos.

RESIDENT EVIL: OSCURIDAD INFINITA Eiichirio Hasumi 2021

RESIDENT EVIL: DEATH ISLAND Eiichirio Hasumi 2023

BIENVENIDOS A RACCOON CITY Johannes Roberts 2022

RESIDENT EVIL Andrew Dabb / 2022 El universo de RE sirve de telón de fondo para un drama adolescente aburrido que llegó como serie de Netflix.

Fidelidad al material original pero muy bajo presupuesto. Una pena, la verdad.

CÓMICS

Hasta los 2010, los cómics han sido un buen vehículo para promocionar los videojuegos sobre todo en EE UU.

RESIDENT EVIL THE OFFICIAL COMIC Marvel / 1996 MAGAZINE Número proWildstorm mocional del 1998-1999 primer juego que preludia los Versión comiqueacontecimientos ra y antológica de la Mansión, de los tres primecon arte de ros juegos, con Dave Johnson relatos propios (100 balas) y y una aparición portada de Bill temprana de los Sienkiewicz. licántropos.

FIRE & ICE Wildstorm 2000-2001 Un equipo de S.T.A.R.S. nunca visto en los juegos protagoniza un trabajo donde solo destaca el arte de Lee Bermejo. DC lo convirtió en novela gráfica.

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MANGAS

RESIDENT EVIL: DEGENERACIÓN Makoto Kamiya 2008

No salieron bien, por lo que sea... para sorpresa de nadie.

Serie de Netflix que ahonda en los destinos de Leon y Claire tras Revelations, RE 4 y Degeneración.

Alcatraz se convierte en el opresivo escenario de esta secuela de Vendetta que incluye a Claire y a Jill. All stars.

THE MARHAWA DESIRE Naoki Serizawa 2012-2013

HEAVENLY ISLAND Naoki Serizawa 2015-2017

INFINITE DARKNESS: THE BEGINNING Keith R. A. DeCandido / 2022

DEATH ISLAND Zino / 2024

Tomo único que adapta de Chris atiende a manera literal el La isla de las un brote en la Novela gráfica li- anime sin aportentaciones se misteriosa Aca- convierte en la gada a Oscuridad tar nada nuevo demia Marhawa, de las pesadillas. infinita bastante de su propia en Singapur. cosecha. prescindible. Lidera Claire.

RESIDENT EVIL VOL 2 Wildstorm / 2009 Junto a la reedición de Fire & Ice, Vol 2 se lanzó coincidiendo con Resident Evil 5, y buscaba servirle de precuela inmediata. Fracasó, claro.

VIDEOJUEGOS

LA SAGA OFICIAL

Aquí es donde ha estado siempre la chicha de verdad. Bueno, no siempre.

La trilogía original 1996, 1998, 1999

CODE: VERONICA 2000

RESIDENT EVIL ZERO 2002

Los tres primeros Resident Evil de PlayStation afirmaron el survival horror mediante cámaras fijas, puzles y gestión de inventario, marcando un hito inolvidable en la era de los 32 bits.

Magnífica continuación inmediata de la trilogía y de la historia de Claire, ya por primera vez completamente en 3D y sin fondos prerrenderizados. Pedía a gritos un remake ¡que llegará en 2027!

Con la llegada de la saga a Nintendo llegó un excelente -canónico- remake del Resident Evil original. Aprovechando la mansión y la jugabilidad renovada, Capcom hizo también esta buenísima precuela.

La muerte | 2009, 2012

La resurrección Nintendo/ 2001

RESIDENT EVIL 4 2005 No nos cansamos de hablar de Resident Evil 4, el juego que inventó la cámara al hombro que adaptarían todos los shooters en 3ª persona y los juegos de acción y disparos desde entonces.

REMAKES

Resident Evil 5 y 6 llegaron en mal momento: Capcom venía convencida de que la acción elevó RE4, y Call of Duty y el shooter en línea empezaban su época dorada. La renuncia al horror estuvo a punto de sentenciar la saga.

30 años después, la saga vive su mejor momento y ha entendido las posibilidades de la nueva jugabilidad sin renunciar a la esencia original. Biohazard, Village y Requiem son un gótico círculo cerrado.

Los remakes estaban mal vistos... hasta que llegó Capcom a dar un golpe en la mesa.

SPIN OFFS

A veces infravalorados, aquí están sin embargo algunos de los mejores y más interesantres juegos de la saga ‘Resident Evil’.

RESIDENT EVIL 2 RESIDENT EVIL 3 RESIDENT EVIL 4 2023 2020 2019 Incomprensiblemente recortado respecto al juego original, más arcadero, y menos querido en general, merece la pena por un Némesis incansable y más aterrador que nunca.

El mejor juego de toda la saga, mejorando con creces el salto a la acción salvaje que supuso el original y oscureciendo el tono. Un juego perfecto en todos los sentidos.

OUTBREAK 2003

DEAD AIM 2003

REVELATIONS 2 2015

THE UMBRELLA CHRONICLES El concepto era Era época de Los Revelations -el 2007 interesantísimo: un experimentos: primero se lanzo Desarrollado juego cooperativo tras los reguleros en 2012- devolvie- -como su secuela, en línea en torno Resident Evil Sur- ron el survival ho- The Darkside a ocho personajes vivor, intento de la rror a la saga, en un Chronicles- para con distintas habi- saga de abrazar el barco fantasma y Wii, es un bastanlidades que, juntos, shooter en 1ª per- una prisión isleña, te buen shooter tenían que escapar sona de proyectos respectivamente. sobre raíles que de Raccoon City. como The House Y aunque trajeron resumía los topics Las conexiones of the Dead, Dead de vuelta el terror, de la saga en clave lentas lo lastraron, Aim al menos era abusaron de tralúdica, arcade y pero aún así tuvo muy divertido en mas secundarias. cooperativa. La secuela. su ridiculez. Pura serie b. cámara ya si eso...

RESIDENT EVIL (14 junio) Sony / EE UU / 2026 Dirección: Zach Cregger Reparto: Austin Abrams, Zach Cherry, Kali Reis, Paul Walter Hauser, Johnno Wilson

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El remake de RE2, desarrollado ya con el Resident Evil Engine, es una obra maestra que modernizó el survival horror con un apartado técnico brutal. La comisaría, como nunca antes.

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POR: RAÚL VALDIVIA

1111 HAN CONSIGUIDO, CON APENAS DOS ÁLBUMES, LO QUE MUCHOS OTROS GRUPOS SE PASAN PERSIGUIENDO TODA UNA CARRERA: SER ELLOS SU PROPIA REFERENCIA. DESDE EL AMBIENT HASTA EL EMO, Y SIEMPRE CON UNA SENSIBILIDAD QUE CONECTA LO URBANO Y EL RAP CON LA ELECTRÓNICA, NADA SE LES ATRAGANTA A ESTOS TRES CHAVALES MADRILEÑOS, QUE MIRAN A EUROPA CON UN SONIDO CONTEMPORÁNEO AJENO A LAS ESCENAS DE AQUÍ. ‘HISTORIAS DE ÁNGELES’ SUPONE SU DEBUT EN UNIVERSAL.

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FOTOS: ALFON LÓPEZ

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L

lega un punto en cualquier tipo de escena en el que es necesario que venga alguien a alterar, aunque sea de manera mínima, las reglas establecidas. Alguien que esté dispuesto a romper ese escaparate en el que habitan los dogmas autoimpuestos de los movimientos artísticos. Y 1111 (mil ciento once), con un nivel de producción impecable, consiguen desbordar las fronteras del moderneo madrileño con una sutileza y una elegancia pasmosa. Sentados todos en la terraza de una cafetería de especialidad a la salida de las oficinas de Universal, porque paga la disquera, estos tres chavales, todos de veintipocos años, hacen que el castigo al que te somete el sol madrileño de julio se olvide rápido: se manejan con una elocuencia improbable para chavales de su edad y de su corto bagaje. Cuando llegan los necesarios cafés con hielo el trío nos deja por fin entrar en su universo. Lo habitan tres planetas, a cada cual más singular: Armas (Mateo), ru0001 (Rubén) y Fedra (José). “Cada uno tiene su propio enfoque con respecto a la música, en algunos casos muy distinto”, afirma este último. “Yo vengo del mundo más académico. Estudié guitarra, piano, solfeo y armonía. Y, bueno, supongo que también, por otro lado, a mí me molaban estilos musicales un poco más distintos, como el hardcore o la electrónica”. Armas -que, además de producir, toca la guitarra en los directosexplica que él creció escuchando precisamente música de guitarras: “Empecé escuchando mucho hardcore, mucho metal. Y empecé a abrazar la música electrónica poco a poco a través del ambient”. Por último, Ru0001 -también productor, y DJ en los directos- cuenta que la electrónica y el rap siempre han estado presentes en su vida: “Yo soy de Torrejón… Ya está, ese es mi titular, no hay más”, comenta entre risas. Precisamente el haber crecido en una de las cunas del rap en España es lo que le ha permitido entender la música tal y como lo hace ahora. “Aunque siempre he escuchado de todo, la música mákina y el hip hop han sido mis grandes pilares. El tema es que antes no tenía con quién compartirlos”. No hace falta pasar mucho rato con ellos para darse cuenta de que les une algo más potente que el simple hecho de juntarse a hacer música. “Somos nuestro propio grupo de amigos y todo empezó en un local que tenían Rubén y sus amigos por Marqués de Vadillo. Fue ahí donde nos empezamos a conocer mucho más porque nos enseñábamos canciones, y nos unió mucho ver que teníamos cosas en común”. Más allá de la tierna amistad que mantienen, todos tienen claro cuál es, en cualquier caso, la clave de que 1111 funcione: “Es una mezcla de falta de complejos y falta de escena”, comenta Fedra (José), vocalista

y letrista del trío, con algo de sorna. “Somos nosotros tres y no compartimos mucho más espacio de nuestro universo con otra peña más allá de las colaboraciones que podemos llegar a hacer”. Es precisamente esa falta de conexiones y de complejos la que hace resaltar la música de los madrileños más allá de toda la conjunción de influencias. No es que su sonido se nutra única y exclusivamente de referencias construidas en los espacios liminales de internet. Tocan césped, asfalto en este caso, y la propia ciudad -física, real- juega un papel importantísimo en la creación de su imaginario. “Vivir en Madrid hace que hagas un tipo de música, la verdad. Es que te digo que ya no es solo el espacio habitable en sí, es también por dónde sales o la música que escuchas por la noche”, comenta ru0001. “Además, las escenas musicales de hoy en día son tan abrumadoras que uno se acaba recluyendo en internet... Pero es inevitable que el espacio en el que vives al final te acabe condicionando. rusia-idk ahora mismo tiene una influencia tremenda, y seguramente de manera consciente o inconsciente habrá un sonido que tiende a unificarse porque, al final, somos chavales de edad similar, viviendo en la misma ciudad y escuchando cosas parecidas. En cierto sentido creo que eso es inevitable, y

“LAS ESCENAS DE HOY DÍA SON TAN ABRUMADORAS QUE TE ACABAS RECLUYENDO EN INTERNET”

CRÓNICAMENTE ONLINE

Aunque los 1111 tengan su propio mini movimiento montado, esto no les impide tomar referencias concretas de algunas escenas. Las repasamos (sus camis realmente dan pistas).

Mirua

El Guincho

La escena de Euskal-Herria Aunque la barrera del idioma les impida comprender el mensaje al completo, sí que les llega ese sentimiento que hay de movimiento generacional alrededor de la música. Artistas todos nacidos a finales del siglo pasado o principios de este que hacen música que catalogan como tremendamente “exportable” a pesar de la lengua. Resaltan a Hofe o el último disco de Mirua, MIRUENEA. También a Merina Gris, Harana o Euskoprincess.

Oklou

El sentimiento emo

POP

Todos ellos comparten el amor por bandas como Title Fight, The Hottelier, Viva Belgrado o Sunny Day Real Estate, pero lo realmente interesante para 1111 es cómo se extrapola ese sentimiento a otros géneros a priori muy diferentes. Comentan que el cantante de Future Islands, por ejemplo, se retuerce por el suelo, grita o se desgarra la camisa a pesar de ser un grupo de pop electrónico. Qué decir de la Drain Gang y su influencia inagotable, o de Dean Blunt.

El POP, además, como dicen ellos, con mayúsculas. La fascinación por la música pop es común, pero es aún más la que sienten por El Guincho y su manera de hacer suyas las reglas del género y del juego. “De repente te saca el disco de Camila Cabello, C,XOXO, que es superpop, pero al mismo tiempo hay cosas loquísimas que nunca estarían en otros discos de pop. O colabora con Amaarae, o te mete una canción en el Brat de Charli XCX”.

realmente me parece positivo y muy sano que ocurra. De hecho, es algo superguay”. Con las cosas muy claras, Historias de ángeles es su segundo trabajo, y el que supone su estreno con una discográfica multinacional, poniendo fin a una trayectoria, hasta ahora, marcada por las turbulencias. En 2022 lanzaron su primer EP -La mil ciento once- con la colaboración de 9ckles, el cuarto uno, pero para su debut largo de 2023 ya se habían reafirmado como trío, atravesando un periodo de tres años marcados por las dudas hasta tener claro lo que querían hacer, y cómo. “Hay como… yo qué sé, 9 canciones de un disco scrapeado que no verán la luz en la vida. Pero bueno, al final tuvimos que matar a ese hijo para que pudiese nacer este”. Este largo proceso de creación les ha obligado a aprender a dejar ir. “Las cosas a veces tienen que morir y no precisamente por malas. Creemos que simplemente le podíamos dar una vuelta más a nuestro viaje personal”. Este viaje personal que abordan en Historias de ángeles abandona por completo el enfoque en forma y fondo que planteaban en esa primera expedición que fue Tres de palacio. El drum and bass, que estaba bien presente entonces, ahora aparece completamente erosionado, y lo mismo pasa con los sintetizadores y ritmos embadurnados en brillantina y rapidez

La “nueva ola” europea Están en el proceso de empezar a tocar internacionalmente y han notado que su música resuena con el público europeo. Sienten que hay “una movida en el aire superespecial que, cuando lo oyes, claramente suena a Europa”. Se sienten parte de ella como puede hacerlo mori, por ejemplo. Ponen como ejemplos y estandartes de esta nueva corriente a artistas como Oklou o Smerz, a ML Buch y todo el sonido Copenhague.

digital, que dan paso a paisajes instrumentales oscurísimos. Hay una herida, hay una cicatriz. “Hubo un día en el que igual sentíamos que teníamos que empezar a decir cosas un poco más jodidas”, reconoce Armas. “Han sido dos años y pico muy largos, nuestras vidas han cambiado, ya no vivimos en los mismos sitios de siempre y la forma en la que entendemos la vida también ha cambiado mucho”. Todo ha cambiado para ellos desde aquel debut que se autopublicaron. “Las influencias eran bastante distintas. En aquella época estábamos escuchando otras cosas, y quizás veníamos de unas referencias más ligadas al terreno de PC Music y esa electrónica digital”, explica Fedra. Pero en este intervalo de silencio musical de tres años, no solo las influencias fueron evolucionando, también cambiaron los tiempos que necesitaban para bajar a tierra sus canciones. “Tres de palacio básicamente lo hicimos en un mes. Fue como un éxtasis puro de creatividad; veníamos de una temporada muy larga sin hacer música y el cuerpo nos lo pedía. Historias de ángeles ha sido mucho más difícil, tanto en lo musical como afrontar el proceso desde el punto de vista psicológico. Hubo un momento en que floreció todo esto, una semana en la que estuvimos juntos en el pueblo de donde son los padres de Rubén, en la casa

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Future Islands

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de sus abuelos. Fueron unos días en que nos recluimos ahí a cocinar, a ver documentales random. De pronto, probando, empezamos a encontrar un sonido así más oscurete y fue ahí de donde salieron la primera y la última canción del disco”. Ru0001 lo confirma: “Ese viaje a mi pueblo definitivamente fue un hito muy importante”. Pero Fedra remata apuntando también a su propia actitud en ese momento. “Haciendo un análisis de toda la imagen completa, creo que también hay una cuestión importante: en ese momento en realidad no teníamos ni puta idea de lo que estábamos haciendo. De pronto, toda esta movida reveló un nuevo camino a seguir para el disco. Nos quedamos sorprendidos: ‘Hostia, chavales, ¿qué hacemos? Que este es otro disco…’. Nos dejamos llevar por la intuición. Y nuestra intuición es lo que pasa en Historias de ángeles”. El ensayo y error, efectivamente, fue clave. “Había momentos en que nos sorprendíamos: ‘¡Qué coño es esto!’. Encima, muchas canciones llevaban dando vueltas casi dos años, que es lo que lleva vivo este nuevo proyecto, y había días que consistían en abrir el archivo, poner un kick y cerrarlo. Y creo que este proceso nos ayudó a aprender que este tipo de canciones hay que saber asesinarlas”. Armas recuerda el día en el que, tras años de prueba y error, se dieron cuenta de que por fin habían terminado el disco. “Un día, tras años de cambios, hicimos una escucha en el estudio, nos miramos mutuamente y todos nos quedamos en silencio”. “En este disco hemos aprendido a parar. En Tres de palacio todo era como cuando ves una piedra por la calle y le das una patada. Todo valía, y en Historias de ángeles hemos dejado de darle patadas a las piedras y empezado a pensar que igual las mejores notas eran las que no tocábamos”, añade Fedra. Todo en su nueva forma de operar sugiere que se han atrevido a cuestionar los esquemas y los códigos que conforman los cánones del pop moderno. “Eso es completamente cierto; muchas canciones de este álbum son puro pop. Nos encanta. Sobre todo, coger las normas y las cosas que más nos gustan del género y arrancarles completamente la cabeza para que se amolden a nuestros códigos, siempre con respeto, por supuesto”. Y lo han conseguido. La intención es notoria cuando se les ve abordar géneros más obtusos como el ambient desde una perspectiva popificada. “El ejercicio de este disco es intentar coger todo eso y que sea escuchable hasta el punto de poder aproximarlo a alguien que no haya escuchado algo como el hardcore en su vida”. Armas lo relaciona con Sabrina Carpenter. “Es muy difícil hacer buen pop y ella lo consigue; son líneas y melodías universales y estamos en un punto en el que escuchamos más pop que nunca. Eso es que hemos madurado”. 1111 han logrado conjugar en su pequeña galaxia un disco que, en un tiempo donde cientos de satélites giran alrededor de una misma escena, ellos han conseguido ser au-

“SOMOS TRES CHAVALES, MEJORES AMIGOS Y VIVIMOS EN LA MISMA CIUDAD. ESO ES UN GRUPO”

torreferenciales. Y encima lo han hecho configurando un crudísimo retrato generacional. “Las cosas muy íntimas y concretas a veces se amplifican y consiguen llegar a mucha gente”. Fedra es el letrista, pero la imagen rima con situaciones que puede tener cualquier chaval viviendo en una gran ciudad, y eso incluye a sus compañeros de banda. “Puede ser tu vida, pero es que lo que cuentas es algo que me representa a mí también”, dice ru0001 dirigiéndose a su compañero de banda. El hostil entorno madrileño queda perfectamente plasmado en un imaginario de diez canciones en las que se preguntan a qué huelen los contratos precarios que firmas para llegar a fin de mes, o si merece la pena currar fregando platos de otros mientras estás todo el día pensando en cash. Ellos, al menos, se tienen entre sí, y la música les sirve para alzar la voz o viajar a mundos nuevos cuando el aire se vuelve irrespirable. Si funcionan tan bien no es solo porque sean los mejores en lo suyo, sino porque se llevan de puta madre. “Somos nuestra cuadrilla de tres. Al final, la aventura de montar un grupo en 2026 se reduce a algo tan sencillo como: ‘Somos tres chavales, somos mejores amigos y vivimos en la misma ciudad’”. El resto, sí, viene solo.

HISTORIAS DE ÁNGELES (UNIVERSAL, 2026) Salte fuera / La línea de puntos / Te espero de vuelta / Solos / Baby / De Sol a Sol / Dos personas juntas son un milagro / El odio ajeno / Que me baile / Poema DIGITAL / LP

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VESTIDOS: ANTONIO VELASCO / COLLARES: STYLIST’S OWN

EDITORA DE MODA: ALBA G.VALERO / FOTO: BERNAT PÉREZ DIGI: CLARA ARIAS / ASISTENTE FOTO: KAROLA CRUZ MODELO: LORENA DIAS BY BLOWMODELS AND ELIP FLORES BY LINEUPMODELS ESTILISTA: INES SÁNCHEZ / ASISTENTE ESTILISTA: LUIS CARMONA MUAH: CLARA ALIAGA AND ALEJANDRA GUZMÁN

DOUBLE explora la dualidad humana a través del encuentro entre dos cuerpos, donde identidad y reflejo se confunden. Inspirada en la estética minimalista de los años noventa, esta editorial de moda convierte la simetría en tensión, intimidad y deseo mediante composiciones depuradas, siluetas escultóricas y una narrativa contenida.

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DOUBLE

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TOP: INSTIMISSIMI / PANTS: LEMACHET ZAPATOS: JUAN ANTONIO LOPEZ X ANGEL SCHLESSER

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DRESS: MANÉ MANÉ

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SET: MANÉ MANÉ / ZAPATOS: KEPEREZAXIKO X HUNE / MEDIAS: CALZEDONIA

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TOTAL LOOK: ANGEL SCHLESSER

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TOTAL LOOK: MANÉ MANÉ

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TOTAL LOOK: ANGEL SCHLESSER

¿WTF ES MINIMALISMO?

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Adiós al quiet luxury; hola al “WTF es minimalismo”. La lista Lyst del segundo trimestre de 2026 pone sobre la mesa lo que realmente queremos llevar y los artículos de moda más buscados: gorras deportivas, jelly shoes, animal print, gafas vintage y piezas de alto impacto. En este NUEBO bazar de septiembre, hemos recogido una selección de tendencias -y alguna otra cosa más- que demuestran que pasar desapercibido ya no está de moda.

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1. Vestido asimétrico de DESIGUAL X OTTOLINGER. 169€ / 2. Bailarinas con tacón de HISPANITAS. 109,90€ 3. Termo Plus Karma. Tea Shop. €33,99 / 4. Tote bag de piel de ZAHATI / 5. Zapatilla Bridge Nappa de HOFF. 150€ 6. Vestido camisa de MARÀVIC COLLECTION / 7. Sandalias Vittoria Thong de GUCCI

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8. Zapato destalonado animal print de HISPANITAS. 119,90€ / 9. Pantalón Flare de DESIGUAL X OTTOLINGER. 89,95€ 10. Despertador analógico Casio TQ 140-1. 11,90€ / 11. Gafas de sol sin montura de CHANEL 12. Camiseta mundial México de ADIDAS X CHAVARRIA. 230€ / 13. Estola Madame-T de ISSEY MIYAKE / 14. Jelly Shoes de SKIMS. 50€ 15. Diana F+ CMYK Cámara y Flash. Últimas unidades. 62,30€ / 16. Boina Tropic 504 Ventair de LA TIENDA DE LAS GORRAS. 64,90€

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17. Vestido largo Gaia-Gots de SKFK. 90€ / 18. Chaqueta animal print de MARÀVIC COLLECTION / 19. Mocasines colección Escandalo de CAMPERLAB. 390€ / 20. Agenda anual semanal 2027 Alicia Aradilla. 16.4 x 22.2 cm. Planeta Gifts. 22,95€ 21. Gorra Knicks de Nueva York de NEW ERA. 43,16€ 22. The Weeknd - After Hours Collection x Yoshitaka Amano: con los discos ‘After Hours’, ‘DAWN FM’, ‘Hurry Up Tomorrow’ y ‘The Idol’. 71,16€ 23. Sudadera Cropped de DESIGUAL X OTTOLINGER. 149€ / 24. Mules Jelly de CHLOÉ. 520€

105 NRM de 18 años. Disponibles en puntos de venta habituales y en www.canalocio.es www.elcorteingles.es www.fnac.es www.amazon.es

SEBA CALFUQUEO

POR: GALO ABRAIN / FOTOS: CRISTIAN ARRIAGADA SEGUEL

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El arte indígena dista mucho de reducirse a vasijas de barro o folclore fosilizado. La artista mapuche y trans aterriza en Madrid para demoler prejuicios a golpe de estéticas glossy y una gloriosa defensa de la hibridez contemporánea. Un universo donde lo ancestral, lo sintético y lo queer confluyen.

Aprendidas ciertas lecciones de la vida, las veces que he cedido al prejuicio más ultrajante el resultado ha sido, por lo general, una vigorosa metida de gamba. Innegable la predisposición de la raza a la categorización, metiendo la información que nos llueve a diario en casilleros para hacer del mundo un lugar más habitable. Ahora bien, el despliegue de superficialidades debe tener un límite. La hermenéutica, en fin, no siempre es plato de buen gusto cotidiano y da pereza, pero hay veces en que dar caña, bucear un poco y meter el dedo en la llaga nos aleja de la mundanidad de espíritu, que es un estado feísimo. De ahí que si hablamos de Seba Calfuqueo y su arte mapuche -pueblo indígena originario del sur de Chile y del suroeste de Argentina-, ya estáis borrando de vuestro obtuso coco un muestrario de piedrecitas de río talladas, tambores y tocados de plata. Calfuqueo profundiza en su identidad indígena de forma multidisciplinar. Que si cerámica, videoanimación, tapiz, fotografía, pelo dispuesto como si hubieran hecho taxidermia en la pared con el Primo Eso de la Familia Addams... Eclecticismo bien, vaya. Y un talento para el discurso amparando la materia que le ha valido a la artista un CV de Cosmopolitan, de los que serían elogiados con comentarios esnob en una casa de techos altos y gente engalanada hasta el tobillo. Premios y exposiciones a tutiplén para esta joven mapuche que rompe con el relato hegemónico colonial que romantiza de manera muy ortopédica, cuando no minusvalora, la posición de los pueblos indígenas en el mundo contemporáneo. No solo por su condición de artista, sino por tratarse también de una mujer trans con vocación por cuestionar los roles de identidad de género. Y si eso no es original, que venga Ngenechén y lo vea. Al otro lado del charco, en Chile, Seba responde a las preguntas que se le lanzan con atino y premeditación. Su exposición, CAUTÍN, de TBA21 y el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, producida en colaboración con el Centro Cultural La Moneda (Santiago de Chile), será

visitable del 6 de octubre de 2026 a enero de 2027 en Madrid. Y puesto que su carta de presentación es esa esencia mapuche, parece propio comenzar con una definición propia del término. “Mapuche, en una traducción literal, es gente de la tierra o gente del territorio. Mapu es tierra o territorio y che es gente”, explica Calfuqueo. “Para mí es un pueblo que históricamente ha resistido a muchos procesos coloniales, que mantiene su propia lengua, su propia cultura, y que además de eso sigue en una resistencia muy fuerte”. En esto de las lides indígenas, el arte se ha visto demasiadas veces dirigido al exhibicionismo de la tradición, al museo de curiosidades. Grosso modo, a un relato descriptivo de los usos y costumbres, como un acontecimiento más volcado en el valor antropológico que en lo social o incluso lo político. Calfuqueo navega por un meandro diferente en el enfoque artístico. “Para mí el papel del arte es siempre generar preguntas más que respuestas. El arte abre interrogantes y permite establecer relaciones. Para mí siempre la conversación del arte tiene que ver con descentrar ciertos esencialismos y entender que el mundo indígena tanto como el mundo occidental están totalmente contaminados uno del otro”. Contaminación. Un término que

“EL ARTE ES UNA CONTRADICCIÓN: BASTARDO, HÍBRIDO, CHAMPURREADO, CONTAMINADO”

hemos aprendido a repeler como un Grimer en Pokémon, cuando no solo de un significado vive la palabra. Contaminar es alterar ‘nocivamente’ la pureza, y ¿qué hay más nocivo que la pureza en sí? ¿Acaso no es el arte una expresión impura, por lo subjetivo, de la vida? “Para mí el arte siempre es una contradicción, porque creo que habitar el mundo del arte siendo una persona indígena, siendo una persona trans, es una contradicción”, apostilla la artista. “Yo soy un claro ejemplo de lo bastardo, de lo híbrido, de lo champurreado, de lo contaminado; mi experiencia de vida está entramada por todas esas lógicas y esas lógicas conviven en esa contaminación. A mí me interesa cuestionar dentro del sistema del arte que no todos los relatos indígenas tienen que ver con la separación del mundo occidental o con pensarse separados de la tecnología. Para mí la tradición no es algo estático ni legitimado bajo formas estáticas; la historia del pueblo mapuche es una percepción constante de cambio y adaptación”. Lo que es innegable es que hemos ido ligando la idea de ‘progreso’ al dominio tecnológico y, por tanto, a la sumisión de la naturaleza. No crecen árboles sobre las gruesas alfombras de hormigón de la modernidad. Adaptamos el medio para vivir mejor, aunque no tengamos muy claro lo que eso significa. “El humano se siente fuera de la naturaleza; para el mundo mapuche, y los mundos indígenas en general, el humano es una parte más. El mundo

CAUTÍN 6 oct - 17 ene Seba Calfuqueo Museo ThyssenBornemisza (Madrid)

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La fluidez está en la naturaleza | Seba Calfuqueo (Santiago de Chile, 1991) es una artista visual trans de origen mapuche. Su trabajo es pionero -y muy reconocido- en investigar los roles de género en las sociedades indígenas precolombinas, especialmente la mapuche y su idea del weye. Además de lo queer, la naturaleza y sus divinidades, en relación con las imposiciones occidentales, atraviesa toda su obra.

mapuche pone en una perspectiva mucho más horizontal lo que es la vida”. Y es en esta horizontalidad donde el agua o el río bendicen su fuerza. El agua se adapta: no es una cosa; es la cosa donde está. En CAUTÍN, el río, la forma que conduce la obra de Calfuqueo, se recorre en esa filosofía de la adaptación. “Es una muestra panorámica en torno a mi trabajo que piensa el río en contracorriente, donde la desembocadura es el primer inicio y la vertiente el final. Intento generar distintos momentos de relación con los espectadores con materiales que parten desde lo orgánico, pero funcionan con lo sintético para dar cuenta de que el mundo indígena no es una cosa cerrada ni localizada”. Híbrido, bastardo, champurreado (¡qué maravilla de palabra!), esa es la esencia que motoriza su enfoque. Ahora, por eso mismo, no debemos plantear esta exposición madrileña como un ejercicio panfletario. “Esta no es una exposición identitaria en un sentido político, digámoslo así”, afirma Calfuqueo. “Es una exposición mucho más emotiva, mucho más democrática, pensada incluso para un público infantil. La composición parte del ciclo de la vida y la muerte y lleva una sensación muy personal también”. La obra de Seba es un totum revolutum de enfoques plurales en materia y fondo. Lo mapuche, como impulso, como origen, se suma a sus fetiches personales. Por cierto, también relacionados entre sí. “Hay espacios que están como llenos de objetos bellos que brillan, que destellan; todo tiene mucho color. Le pusimos un término que es como estética glossy. Al mapuche le encanta el brillo, el bling bling, el destello, y que todo suene y brille es algo muy importante para nuestra cultura”, explica Calfuqueo sobre esta puesta en escena. “Gran parte de estas obras son como homenajes también a las especies que habitan el río, pero tratadas con esta estética glossy brillante y procesos industriales tóxicos. Trabajo con materiales travestis, piezas de pelo, fotos, cerámica y una capa de metal diluido tóxico encima, haciendo que siempre sean materiales que parten desde lo orgánico pero que funcionan con lo sintético”. Así que, estáis al tanto. ¿Queréis entender qué es lo mapuche? ¿Qué es lo champurreado (insisto, qué genial fonética la de esta palabra)? ¿Y cómo lo travesti atraviesa ambas cosas? Tenéis una cita en el Museo Thyssen de Madrid con Seba Calfuqueo.

El paulatino declive de lo local, las comunidades invisibles y abstractas formadas por la diáspora o la posibilidad del optimismo y el cariño en un mundo hostil atraviesan el cuarto trabajo de Space Afrika. El dúo de Mánchester sintetiza ambient, dub, poesía, jazz, ruido, collages sonoros, pianos, ópera y dramatismo sinfónico en ‘Quiet Storm’, un disco destinado a marcar un antes y un después en su carrera.

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Space

POR: MIGUEL PARDO

Afrika

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FOTOS: TIMON BENSON

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Apenas comenzamos a hablar con Joshua Tarelle Reid y Joshua Inyang ya nos damos cuenta del atávico respeto que los artistas mancunianos tienen por su labor y por quienes se acercan a ella. Separados por unos miles de kilómetros (residen en Berlín y Manchester, respectivamente), los dos integrantes de Space Afrika nos atienden con una mentalidad reflexiva, cálida y acogedora, conscientes de que su nuevo álbum, Quiet Storm, puede suponer una huella trascendental en su discografía. “Creo que, por mucho que nos encanten todos los lanzamientos y el recorrido de nuestra música, su evolución, nos sentimos realmente unidos a este proyecto”, afirma Inyang. “Me parece un reflejo muy sincero y contundente del crecimiento y las ambiciones que hemos tenido a lo largo de toda nuestra carrera. Sin duda, es un buen reflejo de todo lo que hemos aprendido, vivido, de las personas con las que hemos colaborado y de la visión que tenemos del proyecto como una presentación más amplia”. El primer álbum de Space Afrika en cinco años -entre medias sí hicieron A Grisaille Wedding, disco a medias con Rainy Miller- es, en sus propias palabras, “mucho más maduro”, y bebe de “exponernos a diferentes disciplinas, formatos y estilos de trabajo. Ya sea en formato escrito, sonoro o visual. Realmente hemos dedicado muchísimo tiempo a intentar comprender y compartir una visión universal de la forma en que Josh y yo vemos el mundo”. Para realizar Quiet Storm, Tarelle e Inyang no solo han trabajado con multitud de artistas como Klein, RXKNephew o Kelly Moran, sino que se han desplazado a lugares como “París, Tasmania o Londres”, generando esa suerte de visión ampliada que se percibe de forma tan potente desde la primera escucha. “Hay mucho material que depende del ritmo de las cosas”, continúa Tarelle, “y la reflexión sobre cómo la gente percibe la obra y se relaciona con ella a lo largo de cinco años ha sido muy enriquecedora”. En la música de Space Afrika existe -desde siempre pero más evidentemente ahora- un hambre por reconciliar lo local y lo global, por hacerlos sonar conjuntamente. Los contrastes entre Manchester y Berlín, pero también entre sus diversos colaboradores y las opiniones y fundamentos expresados por sus seguidores, suponen un eje creativo del dúo. “Manchester siempre será como nuestro hogar espiritual y el vínculo con la familia, con nuestras propias historias familiares. Y nuestro segundo concierto internacional -o, mejor dicho, el primero- fue, de hecho, en Berlín. Así que ya teníamos esa especie de segundo vínculo espiritual con los músicos de allí”. En esa coyuntura entre dos ciudades que, como ellos dicen, “seguramente estén pasando por una especie de periodo de transición similar”, se forma una sinergia particular que les ha permitido “ampliar la actividad en algunos

espacios de Berlín”, convirtiendo su proyecto en una suerte de recipiente en el que se amalgaman infinidad de experiencias. La conversación fluye con una idiosincrasia propia, con Inyang y Tarelle completando y añadiendo información a las declaraciones del otro, reafirmándose mutuamente y reafirmando a los artistas y las personas que han fundamentado su obra y que siguen emergiendo a raíz de la escena de la que forman parte. “Sentimos un profundo respeto por cualquier persona que esté empezando ese camino o que ya lo esté recorriendo desde su lugar de origen. Entendemos las dificultades, entendemos la falta de oportunidades que había y que aún persiste”. Y añaden: “Seguimos sintiendo una responsabilidad hacia otros artistas y hacia la atención que se presta a la ciudad y a personas como nosotros. También hay mucho cariño y un profundo respeto por el arte que surge de aquí y por los lugares de donde proviene: los entornos de clase trabajadora en los que se mueve la gente y la comprensión real de los sacrificios que conlleva la creación de esta obra”. Mencionan así espacios esenciales para entender el despliegue de la escena mancuniana como White Hotel o la galería The Whitworth, lugares que promovieron y promocionaron su trabajo “incluso cuando tal vez no teníamos una dirección clara”. Space Afrika valoran igualmente la responsabilidad mutua que tienen tras casi siete años viviendo separados: “Hay cosas que Josh [Tarelle] no vive directamente en su día a día, aunque es consciente de lo que está pasando en Manchester, y también es mi responsabilidad compartir eso con él de forma natural. Lo mismo se aplica a mí”, cuenta Inyang. Reflexionando sobre esa sensibilidad local, uno de los puntos en los que nos detenemos particularmente es la forma en la que la globalización y la gentrificación parecen estar limitando o destruyendo la posibilidad de que la música tenga un acento propio, marcado por su ciudad de origen o su escena particular. “Creo que sin duda es una preocupación para muchos artistas y músicos. Pensando en lo local, pero también en lo hiperlocal, como tú has dicho, en términos de diferentes ciudades, diferentes acentos”, observa Tarelle. “Una cosa que sin duda podemos percibir, y que probablemente sea más bien un fenómeno occidental o europeo, es que hay una especie de avance de la gentrificación y el cierre de los llamados ‘terceros espacios’. En particular clubes, centros juveniles, estudios...”. Space Afrika hacen memoria destacando otros de esos lugares de Manchester como KRAAK Gallery, SOUP Kitchen, Islington Mill, Caustic Coastall... recalcando su “vital” importancia para la existencia de ese prurito local. Un prurito o una urgencia, que sin embargo, no se desarrollaron de manera explosiva, como en el caso de muchos fenómenos contemporáneos. “En Berlín, por

“VIVIMOS UNA ÉPOCA EN QUE LA MÚSICA SUENA IGUAL. HAY MUCHA REGURGITACIÓN Y NOS ALEJAMOS DE LOS NICHOS DE IDENTIDAD ÚNICOS, REDUCIDOS”

retro de Reino Unido como la del trip hop en Bristol, está también fundamentada en comunidades ambiguas, o algo más flexibles, como lo son la diáspora y la negritud. La conversación alcanza su punto álgido cuando hablamos sobre Glenn Ligon, artista conceptual estadounidense que no sólo cedió una obra suya (Figure #30) para la portada del disco, sino que le dio su título final. Quiet Storm tiene esa cualidad acuosa que siempre ha poseído la música del dúo, pero que en esta ocasión aparece más explícita, más remarcada, como una reflexión explícita sobre la negritud. “Es algo en lo que quizá no hayamos pensado, pero que quizá esté ahí de forma inconsciente”, arranca Terelle. “Esa idea de que la lluvia es muy permeable en nuestros sonidos y de cómo el agua transmite recuerdos e historia”. El dúo reconoce la presencia conceptual del trabajo de Sr. John Akomfrah, cuyo pensamiento es algo que “sin duda se tuvo en cuenta durante las fases de investigación y al plantearnos quiénes serían los colabora

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ejemplo, hay oleadas de cosas que suceden muy rápidamente. Hay, por así decirlo, formas aceleradas de música subcultural, que no siempre tienen tiempo de afianzarse y formar una comunidad antes de que ya hayan quedado obsoletas o incluso sean mercantilizadas por algún tipo de capitalismo o estrategia de marca. Por eso, parece que las cosas avanzan mucho más rápido, y hay menos tiempo para que crezcan de forma orgánica”. A pesar de ello, el dúo se mantiene optimista. “Hoy en día vivimos en una época en la que mucha música suena igual que otra. Hay mucha regurgitación y mucha repetición, y siento que nos estamos alejando de esos nichos de identidad tan únicos y tan reducidos”. Inyang considera que “es importante pensar en esas cosas y conservar algunos de los elementos más característicos que provienen de un lugar concreto o de un grupo concreto de personas. Y eso, sin duda, influye en nuestra forma de presentarnos”. Esa identidad, que Space Afrika detectan y aplauden en otras escenas ya clásicas o

Desde Mánchester, esta escena se ha caracterizado por la descentralización de los sonidos de vanguardia, y por integrar los sonidos del continuum hardcore, el grime y el UK bass en un diseño sonoro más arquitectónico, físico y experimental que tiene más que ver con la museística, la academia, la performace sonora, la poesía, el noise o la música industrial y el ambient. Ajenos en general al club, su sonido es grisáceo y gótico, exuberante y siniestro al mismo tiempo, y está atravesado por un marco socioeconómico posindustrial comparable al de la Detroit del techno o la Memphis del hip hop sureño.

Northern Gothics

dores. También, por ejemplo, las diferentes disciplinas que hay dentro del propio álbum, porque hay temas con un estilo operístico, pero también hay rap y spoken word. Creo que es un gran homenaje a muchas de estas diferentes formas de expresión negra, tanto al otro lado del Atlántico como a través de esos diferentes tipos de cuerpos de agua. En este disco, de alguna manera, Josh y yo nos convertimos en una especie de conducto o recipiente para todas estas expresiones e ideas diferentes, y quisimos utilizarlo como un medio para, por así decirlo, reunir todas esas manifestaciones”. Y esa es una gran metáfora para comprender lo que es Quiet Storm como conjunto: “Prestar especial atención a la forma en que se representan el cuerpo negro y los temas relacionados con la negritud, sin permitir siempre que sean los medios de comunicación quienes marquen la narrativa en torno a la ideología negra”. “Uno de los principales sentimientos que surge de nuestra práctica -de hecho, gran parte de ella- es cómo afrontar el fascismo. Se trata de esa idea de expulsar el dolor y la pena. Dentro de ese proceso, también hay mucha alegría que viene de la mano”, explica Inyang. En una escena en la que predomina la gente blanca -”Si te fijas en la música electrónica, es un ámbito dominado por hombres blancos”-, Space Afrika han hecho un álbum que funciona como recipiente en el que caben las voces de personas racializadas, queer y frecuentemente silenciadas. Y el resultado es uno de los trabajos más reflexivos, hermosos y totalizadores, en el mejor de los sentidos, de los últimos años. Un disco que desde la fecha de su publicación será considerado con seguridad uno de los más relevantes de la música electrónica actual.

Escogemos cuatro trabajos que, entre todos, explican bien a qué suenan estos artistas, con nexos comunes en Fixed Abode, Sferic Records, Boomkat y Modern Love, The White Hotel, The Whitworth y la deconstrucción club. RAINY MILLER Joseph, What Have You Done? / 2025 El rapero fue el responsable de acuñar el término Northern Gothic y en dar salida, a través de su sello, Fixed Abode, a los primeros representantes claros de la escena: Blackhaine o Iceboy Violet. En 2023 colaboró con Space Afrika en A Grisaille Wedding, que ya hablaba de lo monócromo y lo escultórico. Este es su trabajo más sólido. ICEBOY VIOLET & NUEEN You Said You’d Hold My Hand Through the Fire / 2024 Bandera de la escena, Iceboy Violet posee un perfil más queer y abierto a la performance, y ha sido el primero en abrirle hueco allí al mallorquín Nueen (Nacho Blanco Pezzati), residente en Barcelona, pero un northern gothic más. El rap experimental de uno colisiona aquí con el ambient del otro. AYA Hexed! / 2025 Aunque su estilo triturador y extremo es más bien colateral a los northern gothics, y aunque ella esté firmada con Hyperdub, no hay que olvidar que realmente hay varios ejemplos de de(con)strucción en la escena de Mánchester que se relacionan con Londres: Lilith Morris, Ship Sket -firmado en Planet Mu-, o Kavari, que acaba de debutar en XL. RAT HEART Dancin’ in the Streets / 2025 El último disco de Tom Boogizm es un bálsamo gótico que escapa a cualquier etiqueta previa. Próximo al profundo desasosiego de Dean Blunt, a Arthur Russell o al sonido de STROOM, su música mapea cuestiones como la clase y la salud mental sin renunciar a un encuadre puramente experimental a la par que melódico.

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QUIET STORM (DAIS / POPSTOCK!, 2026) Vanity / Crying Never Had a Voice / From the Heart of Knowing / Ballad for a ‘G’ / Black and Gold / H00D Ambient / Validation / 1,2 / MLN / We Live. Joy / Pretty Gospel / If This Is Hell / Regards CD / DIGITAL / LP

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POR: RAMÓN BAYLOS

El 4 de septiembre, Capcom resucita una saga de culto que duerme desde hace dos décadas. ‘Onimusha’ regresa con una cuarta entrega principal como reivindicación del legado de la compañía japonesa, siendo consciente de que su nueva cruzada es, de manera simbólica, contra los demonios presentes en la industria Triple AAA.

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SAGA DE CULTO DORMIDA

Tras dos décadas de inactividad, y ante un ecosistema gamer plagado de samuráis desde Sekiro, Capcom resucita a su guerrero más legendario.

OInimusha: Warlords Lanzado en 2001, el primer Onimusha fue concebido como un Resident Evil de samuráis, casi un spin-off que reinterpretaba el survival horror de Capcom desde otra perspectiva. Tenía algo especial, casi como si la desarrolladora quisiera dotar al cine clásico japonés de un aura de surrealismo mágico, y resultó en uno de los juegos más originales e inspiradores de la segunda generación de PlayStation.

Onimusha 2 El segundo Onimusha llegó en 2002, heredando mecánicas clave del primero como los parries, pero centrándose también en una dinámica social in-game que serviría como impulsora de su narrativa ramificada y ambiciosa. El camino de nuestro protagonista se iba definiendo en función de un sistema de afinidad hacia varios aliados clave, marcando con ello un culmen en la franquicia ¿dispuesto a ser superado?

Onimusha 3 El tercer Onimusha apareció en 2004 mostrando gráficos 3D en tiempo real, lo que supuso un salto generacional en la franquicia. Algo lógico, por el empeño que puso Capcom en convertir Onimusha 3 en un proyecto multimillonario, apostando incluso por la presencia de grandes actores como Jean Reno, quien coprotagonizó una trama cargada de saltos temporales cómo núcleo narrativo central.

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LO LLAMAN MUSASH

Apodado ‘El Santo de la Espada’, Miyamoto Musashi fue el samurái más famoso de todos los tiempos. Gracias a su habilidad con la hoja, logró sobrevivir a más de sesenta duelos a muerte a lo largo del siglo XVII hasta su fallecimiento en 1645 en la provincia de Higo. Su enfrentamiento más célebre, en el que logró derrotar a Sasaki Kõjiro -habilidoso experto en el arte de la esgrima- usando un simple remo, entraña parte de su leyenda como estratega. Sobre todo, porque Musashi también demostró ser una figura versada en el arte de la guerra, destacando su faceta de escritor con el libro Los cinco anillos, manual bélico de referencia. En el videojuego, Capcom convertirá a la persona en un personaje a través del surrealismo mágico, haciendo que se vea arrastrado por fuerzas demoníacas para enfrentarse hasta a la misma muerte.

Onimusha: Dawn of Dreams Vio la luz en 2006 y supuso un ligero reinicio de todo lo que se asentó en las tres entregas anteriores. Capcom abandonó ese componente de survival horror tan característico de la franquicia para convertirla en un hack & slash bastante del montón. No cuajó en el el público, que ya miraba hacia PS3 y Xbox 360 con el anhelo de una nueva entrega original. Hemos tenido que esperar dos generaciones más.

UNA LEYENDA TRANSMEDIA

La historia, entre la realidad, el mito y el retelling dramático, del samurái Musashi ha sido objeto de distintas representaciones en el último siglo.

Mushashi en el cine El impacto de la figura de Musashi en el cine es importante. Actualmente, existen más de sesenta películas que narran las hazañas del guerrero a través de sagas independientes entre sí. De ellas, destaca la trilogía del director Hiroshi Inagaki, cuya primera película, Samurai I: Musashi Miyamoto, fue galardonada en la ceremonia de los Oscar de 1954 con el premio a mejor película de habla no inglesa.

Musashi en consolas La influencia de Musashi también está presente en el mundo de los videojuegos, habiendo inspirado obras tan cruciales para el medio interactivo como Final Fantasy VII, cuyo protagonista bebe de la figura del guerrero. Aunque también ha sido impulsor en la creación otros personajes, desde Yasuo de League of Legends hasta Heisiro Mitsurugi de Soul Calibur, pasando por JetStream Sam en Metal Gear Rising.

CAPCOM EXCELSA Lo de Capcom es salvaje. Desde el lanzamiento de Resident Evil VII en 2017, la compañía japonesa ha trazado una trayectoria ascendente compuesta por propuestas de calidad incontestable. Cada una a su manera han servido para prolongar la influencia de la desarrolladora, ya sea con juegos como Pragmata encaminados al nacimiento de franquicias completamente inéditas o con Onimusha: Way of the Sword de cara a resucitar otras que llevaban décadas en el olvido. Con este tipo de movimientos Capcom se consolida una y otra vez como una de las mejores compañías de videojuegos dentro de una industria en caída libre. Ahí donde el medio interactivo trata de autoboicotearse, Capcom insiste en que las claves del futuro pasan y pasarán siempre por lo mismo: hacer videojuegos que la gente quiera jugar, y que la gente disfrute jugando. Ni más ni menos.

ONIMUSHA: WAY OF THE SWORD (4 septiembre) Capcom PC, PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2

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Musashi en el manga Vagabond, el famoso manga de Takehiko Inoue, narra la historia de Musashi desde un punto de vista introspectivo, haciendo que su camino del guerrero conste como una transición existencialista. Desde la violencia sin sentido a valorar la vida como un bien superior, cada página supone una reflexión intimista que se pregunta de dónde nace la fuerza para lidiar con los demonios que cada uno alberga en su interior. Está basado en Musashi, novela escrita por Eiji Yoshikawa en 1935.

A V O R B :L U IS R O P

Julen

Cuatro amigos, una casa solariega y un nombre que teme pronunciarse. Son las premisas de ‘Cara de nube’, la nueva e imprevisible novela con la que Julen Azcona nos acerca a la complejidad de las amistades y sus secretos desde un lugar tan impresionante como inhóspito y salvaje. Exactamente igual que el pasado. Hablamos con el autor.

Azcona

FOTO: RAFAEL MARTÍNEZ CALLE

El viaje parece ser uno de los motivos que te impulsan a escribir. Desde Lodo (2021) hasta la actual Cara de nube, los protagonistas de tus novelas emprenden un camino, de huida hacia delante o de descubrimiento, que funciona como activación de la trama, de los motivos psicológicos que van desvelándose. ¿Es uno de los tópicos literarios que más consiguen inspirarte? Sí. Los viajes, o más el hecho de que un personaje tenga que irse a un lugar que desconoce, plantarlo en un nuevo espacio, hostil o no, siempre son unas buenas premisas para activar la trama, para que conozca nuevas personas y situaciones, y sobre todo para enfrentarlo a su pasado. Es algo que me gusta.

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En tu libro anterior, La última sauna del mundo (2023), contaste que el origen estaba en diversos relatos que encontraron su unificación en una línea novelesca. ¿Podría decirse que Cara de nube tiene su primer latido en tu experiencia laboral dentro de la gestión cultural en el mundo de la danza? En el caso de Cara de nube, lo primero que pensé fue el título y que sería el nombre de uno de los personajes. Esa sugerencia permitió que viniera todo lo demás. También el tema y el ambiente de la danza contemporánea. En aquel entonces, trabajaba en el Festival DNA, que es un programa artístico muy parecido al que se describe en la novela, en el que hay una serie de personas que son becadas para ir a determinado espacio y desarrollar desde cero su proyecto. Yo estaba ahí en la parte de prensa. Y sí, me llamaba mucho y me dio por pensar qué pasaría si mis personajes tuvieran que estar dentro de ese programa y obligarse a crear juntos una obra de arte, con el añadido de que no se hablasen desde hace

tiempo, volver a llevarse bien en favor de, etc. Fueron los dos factores clave. Cara de nube sorprende por una ambición temática reforzada por la construcción de su entramado narrativo. Durante los meses de su escritura, ¿qué fue imponiéndose? ¿El plano estético-temático? ¿La división temporal? El grueso de la novela son los diálogos, con descripciones medidas y certeras. También tenía clara la estructura desde el inicio. Había leído Gente normal de Sally Rooney -me gustan mucho ella y esa novela-, y es que cada capítulo es un salto temporal. Tres días, tres años. Los hay muy bruscos, y permiten a la autora replantearse las dinámicas de los personajes en muy poco tiempo. Eso coloca al lector en una posición muy incómoda que poco a poco se va comprendiendo. Quería lo mismo, solo que, al tratarse de la beca de un año, le vi el sentido haciéndolo de una estación a otra. Los cuatro momentos concretos mostrarían las relaciones entre Ballesta, Uvedoble, Teceta y el Morro. Obviamente, con flashbacks y contextos para entender dónde estaban. Fue divertido y todo un estímulo escribirlo así. El paisaje navarro, su folclore y la impronta de su carácter, ¿se presta a lo que llamaríamos ‘novela gótica’? ¿Te interesaba esa vertiente? Es una vertiente eminentemente anglosajona, claro, muy estadounidense, pero es que bebo mucho de ella: me encantan los relatos de Flannery O’Connor, las obras de Tennessee Williams, los libros de Carson McCullers. Ese tipo de gótico sureño. También ese gótico más tradicional como el de Frankenstein (Mary Shelley) o Cumbres

“LOS AUTORES MASCULINOS DEBEMOS INTENTAR APORTAR A LA CULTURA DESDE LA COTIDIANIDAD Y EL INTIMISMO”

¿La cultura pop está en alza con un cierto tipo de neocostumbrismo? Encontrando en la música o la danza variados ejemplos y exponentes. ¡Siempre lo está! Sí es cierto que en los últimos años ese boom neocostumbrista, con artistas como C. Tangana y Rosalía, ha venido reivindicando lo folclórico y fusionándolo con el pop. Igual hace veinte años estábamos más alejados y buscábamos referencias en el extranjero, pero ahora basta con mirar hacia dentro.

Julen Azcona Nacido en EstellaLizarra, Navarra, en 1995, este escritor y periodista ha publicado ya tres novelas, varios relatos, y colabora como columnista en medios escritos.

¿Qué opinas de la descentralización de la cultura? Es un tema muy interesante para el cual no tengo una respuesta clara, pero que en Cara de nube he querido tocar tangencialmente. El personaje secundario de Paulo Rivero, profesor de academia de danza con una vida artística frustrada, que se largó fuera a probar suerte pero tuvo que volver al pueblo; esa espina clavada de querer trascender, toda ese amalgama que encarna, está canalizado en la idea del activo cultural de los pueblos.

A partir de él he dibujado esas circunstancias. De todas formas, sí que pienso que cada vez es más fácil vivir la cultura desde provincias. Internet y la globalización nos han dado ese acceso. Talleres online, muestras de cine rarísimo, etc. Cuando estuve trabajando en el DNA, en Navarra, los bailarines me decían que era más fácil para ellos encontrar becas y oportunidades allí que en Madrid, donde hay más competencia. Volviendo al personaje de Rivero, su descontento lo ejemplifica, pero gracias a él, la danza contemporánea se introduce en el pueblo. En el mío, Estella-Lizarra, es algo que también sucedió: hay una potente tradición de danza porque hace años un bailarín decidió quedarse y montó su academia. ¿Qué relevancia, tanto por tu parte de lector como de creador, han tenido determinadas autoras citadas en los agradecimientos? ¿Piensas que las escritoras han conseguido un refinamiento mejor a la hora de abordar problemáticas diversas -precariedad, nuevas maternidades, relaciones filiales, maternales, amistosas- dentro de marcos narrativos de géneros -terror, ciencia ficción- o precisamente gracias a valerse de los mismos? No lo sé con exactitud, pero me atrevería a decir que, en la literatura contemporánea, la óptica del género mas-

culino literario ha contado ya muchas historias a lo largo de los siglos XIX y XX y la parte que llevamos del XXI. El llamado ‘drama costumbrista’ se ha trabajado mucho, y curiosamente ahora estoy leyendo Fortunata y Jacinta, donde está contado todo y de tantas maneras que, en 2026, ¿qué podemos contar y cómo? ¿Cómo diferenciarse? Claro, aparecen en escena esos otros, el terror, la fantasía, que permiten abordajes de temas universales desde un prisma único. Las autoras, aquellas que han estado en los márgenes hasta hace muy poco, e incluyo a la comunidad LGTBIQA+, y esas historias, se presentan con todas sus posibilidades por narrar. Creo que es un momento muy emocionante para la literatura. ¿Qué atractivo o desafío conllevó el tratamiento de la amistad masculina? Cualquier tema es interesante. Lo que destaca es la forma. A pesar de lo que he dicho anteriormente, no hay temas manidos. Volviendo a Fortunata y Jacinta, nos da los temas que nos preocupan constantemente. La cuestión es abordarlos frontal, estilísticamente. Bueno, desde luego, hay un boom de la amistad femenina, se está viendo con novelas como Amiga mía de Raquel Congosto, Las cabras de Pilar Asuero... Así que, ¿por qué no aplicarlo a la masculina? Lo que los hombres podemos intentar aportar a la cultura tendrá que ser desde la cotidianidad, el intimismo, igual que ellas. La épica y las batallas están pasadas. Los autores debemos probar la misma senda que dichas autoras, renunciando a esa grandilocuencia que nos ha caracterizado. ¿Por qué este grupo necesita de la violencia como expresión previa a una ternura que permanece aletargada? Hablo mucho -desde la ficción, por supuesto- de la visión de mi infancia y adolescencia; ese chico distinto que se sentía apartado de los demás, un tanto diferente, rechazado. Esa violencia soterrada, esa tensión constante por adquirir esa masculinidad, que en mi entorno de los dosmiles era algo crucial. Fue sencillo de retratar. Solo tuve que echar mano de recuerdos. ¿Crees que las perspectivas generales de la nueva masculinidad causan un mayor rechazo o una aceptación sin ambages por parte de los lectores y la sociedad en sí? El concepto nueva masculinidad genera rechazo porque se vuelve una especie de hastío por parte del público femenino, porque debe sonarles a que les están vendiendo una moto, y posiblemente no exista esa novedad, que es lo que deberíamos aceptar. La masculinidad no ha cambiado, lo han hecho los tiempos. Las mujeres y el movimiento feminista, los colectivos como el LGTBIQA+ y otros, ya no toleran esas conductas que implican volver atrás. Los hombres y la masculinidad deberán encontrar su lugar en el mundo, uno en el que todos esos logros no se vean desplazados. Es un tema interesantísimo. Me apasiona. Nosotros todavía tenemos que ser más introspectivos, revisarnos y ser autoconscientes de los privilegios y conductas para con los demás.

CARA DE NUBE 2 septiembre Julen Azcona Blackie Books 352 págs. Novela

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borrascosas (Emily Brontë), pero no pretendía hacer la novela así. Me llaman los personajes moralmente grises, digamos, cuyas acciones suelen ser cuestionables, algo que implica que las atmósferas se vuelvan oscuras, inquietantes, tétricas.

ANTONIO DEL CANTO

POR: ALBA G VALERO

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Antonio Del Canto llega al calendario oficial de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid con ‘Dress Up Spring 2027’, una colección sobre el ritual de vestirse, la intimidad y la transformación. Desde Ubrique, el diseñador reivindica la artesanía y una moda de autor sin urgencias.

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Antonio Del Canto es una de las voces emergentes de la moda de autor española. Desde una mirada profundamente artesanal, el diseñador construye piezas exclusivas en las que la identidad estética, el trabajo manual y la atención al detalle ocupan un lugar central. Formado entre Madrid y París y con raíces en Ubrique, Del Canto ha ido consolidando un lenguaje propio que ahora da un nuevo paso al incorporarse al calendario oficial de MBFW Madrid. Hablamos con él semanas antes de su debut sobre trayectoria, creación y nuevas ilusiones. ¿Cuándo entendiste que querías dedicarte a la moda? Creo que fue un proceso más que un momento concreto. Desde los cinco años decía que quería ser diseñador de moda. Me gustaba dibujar prendas y hacer recortes con telas. Con el tiempo entendí que no quería limitarme a imaginar, sino construir esas ideas. Cuando descubrí que podía convertir algo que tenía en la cabeza en una prenda física, comprendí que quería dedicarme a esto de verdad. Vienes de Ubrique, un lugar estrechamente ligado a la piel y a la artesanía. ¿Cuánto hay de eso en tu manera de diseñar? Muchísimo. Ubrique forma parte de mi manera de entender el trabajo. Crecer rodeado de artesanía, oficio y respeto por los materiales te hace comprender que detrás de una pieza hay muchas horas, conocimiento y manos.

Como persona me ha dado una forma de trabajar basada en el esfuerzo y la constancia; como diseñador, me ha enseñado a valorar el proceso tanto como el resultado. ¿Algún recuerdo de niño sobre tu relación con la moda? Siempre tuve una relación muy visual con las cosas. Me fijaba mucho en cómo vestía la gente, especialmente mi madre, pero también en los objetos, los materiales y pequeños detalles que quizá para otros pasaban desapercibidos. Ahora, mirando atrás, creo que muchas de esas cosas ya estaban construyendo lo que acabaría siendo mi lenguaje. Estudiaste en Madrid y pasaste por París. ¿Qué te aportó cada ciudad? Madrid me enseñó a encontrar mi propia voz y a entender que podía hacer las cosas desde mi identidad. París fue la exigencia, la cultura de moda y la importancia de los códigos. Son ciudades muy diferentes, pero ambas me ayudaron a comprender que, para tener algo que decir, tienes que saber quién eres y qué quieres. ¿Es más difícil aprender a diseñar o a moverte en la industria? Sin duda aprender a moverte dentro de la industria. Diseñar es un lenguaje que perfeccionas con la práctica, pero la industria tiene códigos, tiempos y dinámicas que no vienen en ningún manual. También tienes que aprender a defender tu trabajo sin perder tu esencia. Una cosa es enamorarte de la parte creativa y otra descubrir todo lo que existe detrás: producción, financiación, comunicación, equipo, clientes… La moda es preciosa, pero también muy exigente. ¿Qué pensabas que era imprescindible para triunfar y ahora ya no te importa tanto? La aprobación inmediata. Antes podía pensar que si una colección no provocaba una reacción enorme algo no funcionaba. Ahora valoro mucho más construir algo coherente y con recorrido. Prefiero que alguien recuerde una prenda dentro de cinco años a que todo el mundo hable de ella durante cinco días. Todo es demasiado efímero.

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En un momento en el que las tendencias circulan a una velocidad brutal, ¿cómo se construye una identidad propia? Dejando de perseguirlas. Una identidad se construye desde las obsesiones personales, desde aquello que te interesa y reconoces como tuyo, aunque cambien las tendencias. Si trabajas desde ahí las tendencias pueden formar parte de tu lenguaje, pero no lo definen.

Antonio Del Canto (2000, Ubrique), diseñador gaditano formado en Madrid y París, crea una moda de autor artesanal y emocional, donde identidad, narrativa, sensibilidad y cuidado por el detalle definen un universo contemporáneo y personal.

Has pasado de EGO (plataforma de nuevos talentos de la Fashion Week) al calendario oficial de MBFW Madrid... EGO fue una plataforma fundamental para empezar a mostrar mi trabajo y construir una identidad. Llegar ahora al calendario oficial supone sentir que ese camino empieza a consolidarse. También una responsabilidad: ahora hay que seguir demostrando por qué estás ahí. Tu próxima colección, Dress Up Spring 2027, gira alrededor del momento de vestirse. ¿De dónde nace esa idea? Nace de ese instante exacto en el que alguien se prepara

“ESTAMOS RODEADOS DE ESTÍMULOS Y DE COSAS QUE DESAPARECEN MUY RÁPIDO. HACER ALGO QUE REQUIERE TIEMPO, OFICIO Y ATENCIÓN TIENE UN VALOR ENORME” para salir al mundo. No es solamente vestirse, es transformarse. Me interesa ese intervalo entre lo doméstico y lo social, entre lo que eres cuando nadie te mira y lo que decides mostrar cuando entra en juego la mirada de los demás. El tocador es el gran símbolo de la colección. ¿Qué representa para ti? Es un objeto que concentra ritual, rutina y una teatralidad silenciosa. Sobre él conviven perfumes, flores que empiezan a marchitarse, peines, joyas, maquillaje y espejos que multiplican fragmentos de nuestra identidad. Es casi un pequeño altar cotidiano donde el cuerpo se observa, se construye y se reescribe.

veces una referencia no tiene absolutamente nada que ver con una prenda y, sin embargo, termina siendo el origen de una colección. ¿Qué emoción dirías que predomina en tus colecciones? Probablemente el deseo y la nostalgia. Me interesa mucho esa mezcla entre algo que quieres alcanzar y algo que ya no está. Creo que de esa tensión nacen muchas de las emociones que después intento convertir en prendas. Has vestido a artistas como Ana Mena, Nathy Peluso y Aitana. ¿Qué cambia cuando diseñas para otra identidad? Cambia muchísimo. Ya no diseñas únicamente para una persona, sino para un personaje, un escenario, una imagen y un momento concreto. Me interesa que la prenda mantenga mi identidad y, al mismo tiempo, potencie la

¿Te interesa la faceta de comunicación y marca personal que hoy acompaña al diseñador? Actualmente es imposible separar completamente una cosa de la otra. Me interesa comunicar porque también forma parte de contar el universo de una marca, pero no quiero que la comunicación termine sustituyendo al diseño. Mi prioridad sigue siendo crear, aunque también he tenido que aprender todo lo que rodea a una marca. ¿Hay espacio para una moda lenta y artesanal en una industria obsesionada con producir constantemente? Sí, y precisamente por eso creo que es más necesaria que nunca. Estamos rodeados de estímulos y de cosas que desaparecen muy rápido. Hacer algo que requiere tiempo, oficio y atención tiene un valor enorme. Quizá no sea el camino más rápido, pero sí uno de los más sólidos. ¿Hay alguna prenda que haya marcado un antes y un después en tu trayectoria? El vestido rojo de lazos, de mi primera colección. Hay prendas que, independientemente de su repercusión, te enseñan algo y te hacen sentir que tu lenguaje empieza a estar definido. Son esas piezas en las que, de repente, piensas: “Esto sí soy yo”.

¿Quién es Antonio cuando no está diseñando? Soy bastante más sencillo de lo que puede parecer desde fuera. Me gusta estar con la gente que quiero, desconectar, viajar, descubrir sitios, escuchar música y tener momentos en los que no estoy pensando en una colección. Necesito también esa parte de mi vida para poder crear. ¿Qué te inspira fuera de la moda? El cine, la música, el arte, la arquitectura, las personas y los lugares. También las emociones y los recuerdos. A

personalidad de quien la lleva. Cuando sucede, la relación entre diseñador y artista se vuelve muy interesante. ¿Un diseñador que te hubiera gustado conocer? John Galliano. Me encantaría hablar con él. Me parece fascinante su proceso creativo, y su capacidad para convertir una colección en una experiencia. ¿Y una colección que te hubiese gustado diseñar? The Horn of Plenty, de Alexander McQueen, otoño-invierno de 2009. Me parece un ejemplo brutal de cómo utilizar la moda para construir un discurso completo.

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¿Y tu gran momento? Ver mis prendas en contextos que antes me parecían completamente lejanos. Que artistas que admiro lleven algo que salió de mi cabeza y de mi taller sigue teniendo algo surrealista. Y formar parte del calendario oficial de MBFW Madrid es algo que todavía estoy asimilando.

POR: DIEGO RUBIO

FOTO: IRIS WINCKLER

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Desde una posición de investigadora cultural más que de experta musical, pero también de fan, la periodista francesa se pone la compleja tarea de estudiar el hyperpop como fenómeno social inserto en el capitalismo digital en su primer libro, donde introduce conceptos como “aceleracionismo queer”. Hablamos con ella.

Mientras escribo esto, muy poco tiempo después de hablar con Julie Ackermann sobre los difusos pasos desde el mainstream hacia un revival del electroclash que ha dado el hyperpop, especialmente tras la publicación de Brat (Charli XCX; 2024), Pitchfork publica un reportaje precisamente sobre este fenómeno y ya habla de hyperclash. Imagínate los cambios que ha visto Julie en los seis años que han pasado desde que realmente escribió el que es su primer libro, en plena pandemia y cuando, de repente, en las profundidades de internet, ya se estaba produciendo la gran escisión del digicore. “Yo misma he evolucionado y ya no

estoy 100% convencida de muchas de las cosas que digo en el libro”, reconoce la investigadora y ensayista francesa. En menos de 15 años, el hyperpop ha pasado por cuatro olas (la primera, de 2013 a 2015, la fase bubblegum bass, con el principio de PC Music y SOPHIE; la segunda, entre 2017 y 2019, su expansión pop; la tercera en la pandemia, con el desplazamiento del foco a EE UU, el boom del digicore y la incorporación de sonidos guitarreros, emo y EDM yanquis; y la última esta especie de revisión electroclash), y con cada una ha sido más y más complejo darle sentido a los puntos de su manifiesto. “Ahora me siento muy desconectada de esta

HYPERPOP ya en librerías Julie Ackermann Caja Negra 136 págs. Ensayo, Música

“EL HYPERPOP ES LA PRUEBA DE QUE NO ESTAMOS APRISIONADOS POR EL PASADO” la verdadera aceleración aún estaba a punto de producirse y aún no existía TikTok. La hiperperfección de esa primera etapa choca con un presente en el que Substack, en aras de la autenticidad, implementa un detector de IA desarrollado por Pangram (googlea: el infierno), o en el que Bad Gyal deja de usar el auto-tune y Charli XCX mantiene las voces desafinadas: el hyperpop se adentraba en el valle inquietante para ¿hacerlo reconfortable?; hoy el valle inquietante somos nosotros, y vivimos en una carrera por la autenticidad. Todo esto conecta con la propia experiencia de Julie, que asegura que su primer impulso a la hora de escribir fue “tratar de entender el vínculo emocional que tengo con esta música; un vínculo que ahora tengo más con Dean Blunt, con el ambient y con otros artistas más irreductibles”. En el libro, su posición cuestiona directamente a Mark Fisher y a Simon Reynolds por su derrotismo y su idea de la retromanía, pero charlando con ella se la nota más pesimista teniendo en cuenta el complejo momento actual. Es una de las dicotomías que se derivan de adentrarse en un pasado que está tan presente. “Fisher es muy pesimista. Y estoy de acuerdo con él, estamos jodidos. Él se centra mucho en el diagnóstico de las situaciones: ‘Esto no funciona, esto no funciona’. Y tiene razón: no funciona; nada funciona. Pero a mí me gusta pensar más en las posibles soluciones, tratar de ver el lado bueno... Al final soy más optimista. Para mí el hyperpop es la prueba de que no estamos aprisionados por el pasado, y que se puede construir algo desde ahí que sirva para el futuro”. Y también de que el capitalismo comodifica todo, y de que asimila cualquier disidencia. “En el hyperpop siempre ha habido tensión entre una visibilidad exagerada y el rollo avatar en internet”. Y ahora igual es el momento de irse a tocar hierba.

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ola electroclash, indie sleaze revival, llámalo como quieras, porque en general me parece un movimiento ya orquestado desde la industria y que funciona con sus lógicas. El electroclash es más fácil de vender. Y Charli XCX, por ejemplo, ya no es el tipo de artista que yo necesito o con la que yo me puedo identificar. Sé que es un producto de nuestro tiempo, y me interesa como fenómeno... Pero en lo personal, para mí el hyperpop era otra cosa”. El hyperpop que a Julie le cambió la vida, como a muchas otras, fue uno que apareció en los márgenes del sistema pero con la vista puesta en sus capitales. “En mi casa se escuchaba rock, la radio, y en absoluto electrónica o algo mínimamente avant-garde. Así que yo crecí escuchando el pop mainstream de los 2000. Cuando descubrí el hyperpop a mediados de los 2010, la música de PC Music y SOPHIE, para mí fue una revelación, porque sentí que conectaba la influencia de lo que yo escuchaba con el futuro de lo que quería escuchar. Era como unir el puro placer de la música con esa dimensión crítica que tienen las escenas más experimentales: todos estos artistas amaban el artificio pop, pero al mismo tiempo eran muy conscientes de lo que eso significaba. Esa dimensión política, crítica, desde lo placentero, fue lo que me enamoró del hyperpop”. Entonces ella estaba formando su pensamiento crítico, su identidad como lesbiana, y este movimiento era un espacio naturalmente seguro para ella. Su formación académica tiene más que ver con la sociología y las ciencias políticas, así que el subtítulo del libro, El pop en tiempos de capitalismo digital, habla por sí solo: a Julie no le interesaba tanto la música como lo que la rodeaba y la impulsaba. “El hyperpop que yo estoy definiendo tiene más que ver con un ethos a la hora de hacerla, y con un movimiento histórico y cultural que se da en torno a PC Music”. Es aquí donde entran conceptos como ‘lucidez culpable’, ‘baby voices’ o ‘aceleracionismo queer’, de los que Ackermann se sirve en el libro para explicar las motivaciones del hyperpop. En resumen, el hyperpop se apropia de unas herramientas que en teoría sirven al capitalismo de la aceleración para imaginar sociedades donde las lógicas del capitalismo no tienen efecto. Y en este sentido hyperpop podría ser perfectamente lo que hacen Los Thuthanaka, imaginar una hiperrealidad queer en la que no sea necesaria la utopía porque los deseos son realizables gracias a la tecnología. La distorsión, lo plástico, la influencia de las estéticas e idealizaciones de la publicidad o la posironía de los años de expansión de internet, todo eran condiciones de la época en la que surge PC Music, cuando

POR: MIGUEL PARDO

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Durante este verano pudimos escuchar el debut de una productora que, sin alzar la voz, lleva ya unos años marcando la pauta de muchas artistas nacionales. Karma C, original de Pamplona y dj precoz en la escena de Euskadi, comenta con nosotros su primer álbum, ‘Postales’, en el que combina ternura y techno en la burbuja hyperpop, ambient en pequeñas dosis y reducciones de dulzura.

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FOTOS: JUAN SAURAS

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Aprovechando que en agosto la población civil de Madrid huye despavorida de la ciudad, quedamos con Karma en un bar castizo del centro para tomar algo y charlar sobre Postales. El cierre generalizado por vacaciones nos conduce a una vinoteca en la que, tras diversas vicisitudes técnicas, la artista oriunda de Pamplona nos habla de sus precoces inicios en la escena del djing. “Iba a las discotecas más poligoneras, como Sonora”, recuerda. En dicho espacio, pero también en Txitxarro, la productora navarra dio sus primeros pasos artísticos siendo solo una adolescente, alrededor de 2012. Una época en la que, como nos cuenta, “la escena era una cosa muy diferente. Creo que era algo un poco más hostil de lo que lo es ahora, y desde luego no había una escena queer, como hay actualmente”. Aunque ella lo dulcifica, e incluso se le dibuja media sonrisa nerviosa hablando de “los navajazos”, efectivamente resulta desconcertante imaginar a una persona queer de quince años entregándose al arte de pinchar en vinilo en un momento tan extraño del clubbing nacional. “Eran todo principalmente puretas; sentía que no era suficiente nunca”, reconoce. “Esta es mi historia de superación”, dirá entre risas al final de la conversación, cuando ya hemos entendido mucho mejor lo que es Postales. Como su propio nombre indica -también su estructura-, el que es el primer álbum de estudio al uso de Karma C está formado, esencialmente, por unas pequeñas misivas, sin demasiadas pretensiones. “Es la primera vez donde he dejado de machacarme y me he dejado llevar más. Este disco ha sido lo que me ha salido de dentro”. Habituada a un nivel de exigencia extraordinario, propiciado seguramente por esos años formativos entre puristas y por su dedicación total a producir a otros artistas, a Karma le había costado sistemáticamente sacar música propia. “En los últimos años he sacado alguna cosilla que luego he borrado”, confiesa. “Ha sido estar un poco perdida y llegar un momento de casi rendirme y decir: ‘Pues mira, voy a hacer música sin intención de nada’”. Las cartas son, así, para sí misma; necesarias cuando estás acostumbrada a poner nombre y banda sonora a las emociones de los demás. Y es que, recién entrada en la treintena, la artista navarra pertenece al selecto club -ahora que cobrar por trabajar es un privilegio- de artistas que viven de su trabajo; en su caso el de productora. Durante los últimos años, Karma ha producido a decenas de creadoras como Eva Calyza, Natalia Lacunza, Chiquilla, EDDI CIRCA... Siempre con un sello personal influenciado por el trance y por el sonido de PC Music y SOPHIE, pero también marcado por una sensibilidad que tendía a alejarse voluntariamente de la pista de baile. “Querer centrarme un poco más en el mundo de la producción implicó realmente dejar de lado el mundo de la fiesta”. Esa transición se consumó definitivamente hace cuatro años y es, en sus propias palabras, “un poco la típica historia de chica provinciana

que se viene a una gran ciudad para trabajar de lo suyo”. Con Postales, Karma dice sentir está “cerrando un círculo y volviendo un poco a mis inicios en la electrónica, sobre todo”. El trance y el house, pero también el chill out y el pop, dan forma a un álbum en el que apenas un par de temas sobrepasan los dos minutos, como una colección de recuerdos indecisos. “Nació un poco de eso: encender el ordenador, coger cuatro cacharros y tocar a ver qué salía. Este disco ha sido lo que me ha salido de dentro”, repite con insistencia. “Incluso durante el proceso de crear las canciones, ni siquiera pensaba en sacarlas. Era para mí, pero al final pensé que si estaba haciendo toda esa música y estaba saliendo de mí, por qué no iba a publicarla”. Postales funciona, convenimos, como un “desbloqueo emocional” o creativo que, de hecho, lanza a su autora a una nueva etapa vital. Una en la que planea volver a ejercer como dj dentro de una escena, la madrileña, que está en plena ebullición. Hablamos entonces de clubes y de la escena de la capital, con la que Karma no se siente plenamente alineada por el momento. Algunas actuaciones aquí y allá, con el perfil discreto que le caracteriza y, en general, confianza y complicidad con las propuestas y eventos queer de la ciudad, le dan una visión amplia y altamente concienzuda de su posición en Madrid como persona trans. “Estoy abierta a hablar de ello, pero no es algo que quiera que sea el centro de mi trabajo. Estoy orgullosa de serlo, del papel que tengo como productora trans, y en ese sentido creo que mi existencia ya de por sí es política”. Esta y otras afirmaciones similares caracterizan a una artista habituada a no estar en el foco, una que de hecho admira el papel de otras productoras que no siempre han estado en el ojo del huracán, como SOPHIE. Lo tiene claro: “Por el tipo de artista que soy, no me preocupa la exposición, me veo más como alguien de nicho. Quiero ser un poco la tía rara que le enseña a su amiga cosas que a lo mejor no son tan evidentes”. Y si funciona... La conclusión, en ese sentido, es obvia. En sus propias palabras: “¿Qué artista no tiene ganas de que el mundo conozca su música?”. Aunque continuamos charlando un rato y apurando otra cerveza, lo último que le preguntamos a Karma, estando como estamos a principios de agosto, es si va a ver el eclipse. “Pues no lo sé, tengo miedo. No sé si salir de casa porque me están saliendo todo el rato Tik Toks y no tengo las gafas todavía”, dice entre risas. Lo que sí nos recomienda es la actuación de Dj Pakito en unas fiestas populares a la vuelta de la esquina. Esa y otras afirmaciones juntan en unas pocas frases, como en Postales, un alto nivel de ternura y de sinceridad que poco a poco se está convirtiendo en bandera de un montón de artistas a los que amamos por su modus operandi. Menos exigencia por lo que se hace, dado que esto siempre va a estar presente, y más afecto por ello y por aquelles que nos ayudan a hacerlo.

COMO PERSONA TRANS, ESTOY ABIERTA A HABLAR DE ELLO, PERO NO ES ALGO QUE QUIERA QUE SEA EL CENTRO DE MI TRABAJO”

Recetas con ternura Una cosa que Karma adora y que está empezando a volverse popular en sus perfiles de redes son las recetas. Juntos reunimos algunas de sus favoritas para darle a los lectores otras referencias que, sin ser postales musicales, combinan de manera sinestésica colores, dulzores y picores que todas deseamos y sentimos.

Cordero al chilindron Para una persona 1) 250 g de cordero 2) Sal al gusto 3) Pimienta 4) Harina 5) Aceite de oliva 6) 1/2 cebolla 7) Un diente de ajo 8) Una cda. de carne de pimiento choricero 9) 1/2 copa de vino blanco 10) Una patata

Alubias de Tolosa Para una persona

Esto no tiene mucho misterio porque mandan las alubias y unos buenos ingredientes. Se puede hacer un sofrito de fondo pero es completamente opcional. Las piparras no.

Spicy Vodka Pasta Para una persona 1) Aceite de oliva 2) Una chalota 3) Un diente de ajo 4) Una cdta. de copos de chile 5) Albahaca 6) Sobrasada 7) Una cda. tomate concentrado 8) 30 ml. de vodka 9) 100 ml. de nata 10) 15 g. parmigiano reggiano 11) Sal 12) 100 g. pasta 13) 100 g. burrata

Marcas la carne, retiras, sofrito, desglasas, reduces, poquito de harina, cocinas, cubres de agua o caldo, patata y dejas cocinar. Al final, vuelves a echar la carne unos minutos y a gozar.

1) Aceite de oliva 2) Una chalota 3) Un diente de ajo 4) Sal 5) 75 g. de arroz 6) 1/2 copa de vino blanco 7) 1/2 l. caldo de carne 8) 25 g. de mantequilla 9) 25 g. parmigiano reggiano Primero el sofrito, y la clave aquí es tostar el arroz e ir incorporando el caldo poco a poco. El queso, al final, cuando haya reducido todo y pillado textura, y mejor ya fuera del fuego y acompañando con la mantequilla para lograr una mantecatura perfecta.

¿No te tenemos que decir cómo hacer una pasta, verdad?

POSTALES (AUTOEDITADO, 2026) Una carta de amor / En poco tiempo / Solo hay una dicha (amar) / Perfecta! / Anoche / Ojalá entrar / Siempre / saythatyouloveme / Cerca / Nina / Un lugar para las 2 / Nada / Cuéntame un secreto / Postales / Estás aquí aunque estés lejos / Eterna / Cuando nos volvamos a ver / Para que nunca te olvides / XOXO DIGITAL

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1) 125 g. de alubias de Tolosa 2) Panceta 3) Chorizo 4) Morcilla 5) Sal al gusto 6) Piparras

Risotto Para una persona

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POR:

Con la excusa del libro de Ackermann, repasamos la discografía del hyperpop en busca de los mejores álbumes, mixtapes, mixes o EPs. 50 trabajos que recogen y describen sus bases éticas y estéticas desde su configuración en 2013, pero que también repasan una evolución fragmentada e hiperacelerada que no puede ser más hija de su tiempo ni más coherente con el espíritu devorador del género. Es increíble pensar que el pop del futuro, ahora mismo, ya forma parte del pasado.

DIEGO RUBIO

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SOPHIE PRODUCT / 2015 Formado por las primeras producciones de SOPHIE, editadas como maxisingles por el sello escocés Numbers entre 2013 y 2015, PRODUCT es el manual sonoro definitivo para entender la base del hyperpop. Entre Madonna y Autechre -entre el pop comercial y la deconstrucción club-, toma además el enfoque plástico del future bass que Hudson Mohawke o Rustie desarrollaban también en Numbers o en el sello vecino LUCKYME®, y corre en paralelo a los primeros años de PC Music en la vanguardia del bubblegum bass. Su influencia en el sello durante aquellos años es inabarcable: Finn Keane se puso EasyFun por su bio en Soundcloud -“EasyJet Generation”-, y convirtió los hinchables plásticos salvavidas en su parque de atracciones.

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¿Pero qué es el hyperpop? En la entrevista con Julie Ackermann ya hemos hablado de unas características que tienen un cierto significado sociocultural y de su origen en la música de SOPHIE y en PC Music, el sello fundado por A. G. Cook en 2013. Pero en lo estrictamente musical, y como género voraz surgido de la cultura de internet e inmerso en la estética tecnocorporativa y el aceleracionismo de la publicidad y el pop mainstream, la foto del hyperpop es casi imposible de capturar. Un Pokémon legendario shiny. Su camino desde entonces, 2013, hasta su muerte de éxito en 2023 y la inmersión definitiva de su vertiente más mainstream en los tópicos generacionales del revival indie sleaze a partir del Brat (2024), de Charli XCX, ha dejado una historia hiperfragmentada con decenas de ramificaciones ultraespecíficas y microgéneros impronunciables. Y aún así, hay unos elementos comunes que unen a todos estos artistas: han utilizado la electrónica para expresar el transhumanismo de su propia identidad, desprendiéndose de los prejuicios de género ultraprocesando voces de helio; han diseñado utopías virtuales con una euforia plástica y elástica, pero también renderizado ambientes de extática introspección y vulnerabilidad. Han abrazado el hardcore y el trance, se han desarrollado desde el hip hop melódico de la Drain Gang o desde la IDM británica, desde el future bass o desde el bubblegum bass. Y, sobre todo, han sabido interiorizar cualquier género con resonancia emocional para llevárselo a su propio universo, vanguardista y extremo. Estos 50 “discos” pretenden arañar al menos la superficie de tan inasible dispersión. Ojalá los escuchéis todos, pero, sobre todo, ojalá googleéis a todos los artistas que salen en la lista porque el número de posibilidades y relaciones que brotan de cada uno de ellos compone una imagen glitcheada pero fascinante de lo que ha sido el pop en los últimos quince años.

VV. AA. PC Music Volume 1 / 2015 El primer roster de PC Music reiventa en sus propios términos (voces pitcheadas, bleeps digitales, posironía, diy) el pop mainstream de los 2000, el europop, el trance. El Volume 2 es igual de relevante.

GFOTY GFOTYBUCKS / 2017

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Este “Frankenstein del pop”, como lo describió Fantano, recopila lo mejor de la primera etapa de la británica. Producciones de A. G. Cook, versiones que rozan lo ridículo, mucho humor... Pudo ser Charli pero era demasiado rara.

CHARLI XCX Pop2 / 2017

DUX CONTENT Lifestyle / 2013

En 2016, y buscando darle un meneo a una carrera que corría el riesgo de quedarse en medianías pop, Charli XCX se alió con SOPHIE para hacer Vroom Vroom, un EP incomprendido entonces que sumergió su sonido en las turbinas de helio del hyperpop. Tras esto inició un idilio creativo con A. G. Cook de PC Music que dura hasta hoy, y cuyo primer gran statement fue Pop2: un reinicio de la carrera de la británica, definitivamente encomendada a los sonidos del futuro y a una electrónica pop siempre desafiante. Nada ha sido lo mismo desde entonces.

El primer disco de PC Music, despliegue de todas las obesiones que convertirían a sus autores, Cook y Danny L Harle, en arquitectos del pop de los años venideros. Pianos, bajos, juegos de rol, animes, internet.

EASYFUN easyMix / 2015

VV. AA. Month of Mayhem / 2017

MOTION GRAPHICS Screentones (DJ Mix) / 2014

IGLOOGHOST Neō Wax Bloom / 2017

Siete minutos y siete segundos de pura euforia con sorpresa gregoriana que son como entrar a hipervelocidad en el cielo del hyperpop. Siguen siendo los siete mejores minutos que han salido de PC Music: música trascendental.

Recuerdo un comentario en algún lugar que decía que la mejor manera de escuchar este disco era con Spotify Free. Vamos, con anuncios de por medio. PC Music, ahora sí, en estado puro, hasta con versión de Aphex Twin.

La revista neoyorquina DIS Magazine, gracias a sus mixes, fue fundamental para introducir el hyperpop -y otras vanguardias digitales- en EE UU. Este es, junto al ofrecido por PC Music poco antes, el mejor mix.

Cuando el productor inglés empezó a hacer música en la segunda década de los 2010, costaba encontrar etiquetas, palabras y cajones para definir su sonido. Ahora entendemos mejor maximalismo y eclecticismo.

HANNAH DIAMOND Reflections / 2019

GALEN TIPTON Nightbath / 2018

UNDERSCORES Fishmonger / 2021

100 GECS 1000 gecs / 2019

Antes de la incursión pop de Charli XCX, Diamond fue el primer gran proyecto de popstar que surgió de PC Music. Su carrera es uno de los mayores what if recientes, pero aquí entrega un debut a la altura.

Una de las grandes cabezas visibles del hyperpop y de las utopías virtuales en EE UU, Tipton encontró en las voces de helio y en el diseño sonoro plástico de SOPHIE una manera de expresar su identidad trans.

U reina en 2026 en un mundo post Brat, pero antes la estadounidense ya había demostrado que era la hyperpop darling que los yankees necesitaban: grungera, midwest emo, debota de la Drain Gang.

Dylan Brady y Laura Les estuvieron ahí desde el principio, construyendo en EE UU esa idea del hyperpop que bebía del cloud rap. Con 100 gecs, finalmente, lograron materializar su bizarro universo, y su canibalismo.

8485 Alpha Testing / 2020 Vinculada al colectivo draincore Helix Tears, la canadiense Cat Trevingt entregó en 8485 el primer gran disco del digicore, con participación de Petal Supply, Umru o Hatsune Miku, el software de Vocaloid.

A. G. COOK Britpop / 2025

FROST CHILDREN Speed Run / 2023

DORIAN ELECTRA Flamboyant / 2019

Bandera de True Panther Records e infiltrados hasta el tuétano en la escena del revival indie sleaze en Nueva York, antes los hermanos Prost funcionaron algo así como un puente entre Dorian Electra y Dylan Brady. Ciberpatinete.

En 2017, y tras algún proyectillo más indie que nunca terminó de cuajar como Dorian Electra & The Electrodes, la estadounidense era tan solo una artista de synthpop con aspiraciones y un gran tema, Mind Body Problem. Por entonces empezaba a experimentar con su drag king, y se acercó, con Jackpot, al sonido del bubblegum bass. Pero recibió una llamada de Charli XCX y A. G. Cook para participar en Pop2 y aquello lo cambió todo. Con productores como ABSRDST, Dylan Brady y Umru, su debut es la piedra rosetta del hyperpop norteamericano.

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La culminación del sonido de A. G. Cook, un extenso repaso a los orígenes de PC Music más de diez años antes y un manifiesto sobre cómo el bubblegum bass y el hyperpop pueden seguir evolucionando de cara al futuro.

PAS TASTA GOOD POP / 2023 Japón (el vaporwave, el chill hop, la música de bits, el j-pop) siempre ha sido una de las grandes inspiraciones para el hyperpop. Los japoneses se reapropian el sonido de PC Music y 100 gecs en este disco genial.

PUTOCHINOMARICÓN Corazón de cerdo con ginseng al vapor / 2018 Poca broma, uno de los discos más adelantados a su tiempo que se ha publicado nunca en España, nuestro eslabón perdido entre el electropop y el hyperpop. Aquí, además, somos precarias.

JANE REMOVER (DLTKZ) Teen Week / 2021 Lanzado como dltkz un año antes de renombrarse como Jane Remover, Teen Week no inventa nada pero es prácticamente una revelación. Llegó en la resaca de la explosión digicore de 2020, pero de pronto encarnó como ningún otro el ethos y el pathos del estilo: la herencia de la Drain Gang, el trap, el cloud rap, el plugg, el purple sound; las melodías emo y pop y los temas deprimentes; los breaks y la producción glitchcore; o el sonido de uno de los artistas que más contribuyeron a instalar las estéticas hiperdigitales y maximalistas del hyperpop en EE UU, Porter Robinson.

OKLOU Galore / 2020

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La francesa formó parte del sello/ colectivo NUXXE, fundado por Sega Bodega, Shygirl y Coucou Chloe y adyacente al hyperpop. Después, ya con su fiel escudero desde entonces, Casey MQ, mandó al hyperpop a la cama.

CAROLINE POLACHEK Pang / 2019

CAKE POP Cake Pop / 2015

Otra artista que, como Oklou, es más bien adyacente al hyperpop, pues su carrera no se puede entender por ejemplo sin su vinculación artística a Danny L Harle, uno de los fundadores de PC Music, pero al mismo tiempo trasciende las características del estilo para, sencillamente, contextualizar el sonido de sus arabescos pop. Caroline fue con Chairlift vanguardia del synthpop cuando el género ya estaba muerto, y en su resurrección en solitario no iba a pasar la oportunidad de imaginarse, por fin, en el futuro. La Imogen Heap de su generación.

Más allá de DIS Magazine, este proyecto temprano de Dylan Brady puede considerarse el principio del hyperpop en EE UU: una oda al maximalismo, los sonidos en despresurización, los teclados de juguete, deconstruir la EDM.

KERO KERO BONITO Intro Bonito / 2013 El mundo no estaba preparado para esta versión japobritish de Kyary Pamyu Pamyu que fue el antecedente conceptual más inmediato del hyperpop. Electro pero en un RPG. ¿Casiocore se puede decir?

FOOD HOUSE Food House / 2020

NAMASENDA Unlimited Ammo / 2021

SLAYYYTER Slayyyter / 2019

La artista sueca se convirtió en la primera artista negra en firmar con PC Music, y en defender un género habitualmente muy blanco. Producen Cook o Dylan Brady, y colaboran Hannah Diamond, Oklou... y La Zowi.

Hay muchos eslabones perdidos del hyperpop, artistas que sin saberlo estaban manejando las estéticas exageradas, sexualizadas, plásticas, caóticas y seudoinfantiles del género antes de entrar en contacto con él. Una de ellas fue Ayesha Erotica. Cuando Slayyyter la conoció por Twitter en 2018, ambas decidieron experimentar ya a sabiendas con el hyperpop, y el resultado es este debut tan revelador -quizá de un extremo opuesto- como el de Dorian Electra. Su momento ha llegado este 2026 con el revival indie sleaze y Wor$t Girl in America.

BRAKENCE Hypochondriac / 2022

ROJUU Starina / 2022

THAT KID Crush / 2020

ALICE GAS Sorry 4 Being Famous / 2019

En internet, el tipo que mató el hyperpop en la sombra. Y lo cierto es que el hyperpop aquí es más bien un recurso, como la bruma de agua que ponen en las terrazas en verano. Brakence se imaginó el futuro, y en esas estamos.

Nadie en España ha hecho algo ni remotamente parecido a lo de Rojuu, conectando el plugg y el cloud rap con el aceleracionismo del hyperpop, Japón y el digicore, y colaborando con la Surf Gang. Aquí está pletórico... y siniestro.

La otra gran alianza de Ayesha Erotica fue este joven de Denver que se presentó ante la escena hyperpop con Dial Tone de la mano de Slayyyter. En Crush, que lleva el hyperpop al ballroom, se suma además Donatachi.

Vinculada a GoonnCity junto a 8485, la estadounidense Alice Gas dejó una de las grandes pruebas de la aleación del hyperpop y el hardcore, antes incluso de que Danny L Harle incorporara esa faceta.

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Hijos espirituales de Dylan Brady, Gupi y Fraxiom marcaron la ola pandémica del hyperpop yankee, y precisamente en su sello lanzaron su debut como Food House en plena ascensión del digicore. Escucha Pharmacy.

DYNASTIC I Know There’s Something Left for You / 2022

CASEY MQ Babycasey / 2020

La consecuencia de la tercera ola hyperpop fue este disco pionero en usar el diseño sonoro del género para hacer emo pop y pop punk. Como juntar a DJ Re:Code con Underscores y Jane Remover.

Colaborador estrecho de Oklou -que de hecho coescribe varios temas aquí-, el canadiense abraza el sonido de PC Music y SOPHIE pero desde una masculinidad vulnerable y, como la francesa, una intimidad sorprendente.

UMRU Search Result / 2018

EFFIE E / 2025

Además de productor, el neoyorquino es uno de los diseñadores gráficos que han definido el hyperpop. Colaborador de Charli, Laura Les, Underscores, su debut para PC Music es uno de los más alienígenas del género.

El k-pop, a su manera, también ha inspirado el hyperpop, especialmente en esa idea de prefabricar pop digitalmente. Effie recoge en E esa influencia de vuelta, como ha hecho Yves, ex LOONA, a partir de White Cat.

BABII MiiRROR / 2021

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Ahora firma como Daisy* un R&B post-dubstep y forma con Iglooghost un proyecto de hypergrime -Cyst, una prórroga maximalista de lo que ya hicieran en XYZ-, pero en 2021 BABii cruzó el portal hyperpop para dejar su huella, siempre experimental, en el multiverso del género.

SIX IMPALA WFLYTD / 2020

DJ RE:CODE ReCodePop! (Disc II) / 2022

MORE EAZE Mari / 2020

Formados en 2017, en WFLYTD integran a Neutra, un software tipo Vocaloid que hace de miembro virtual. ¿Los otros? K//////ATT (Canadá), Underscores (USA), Script (Argentina) y Helvetican (Finlandia). The E-mail Service.

Representante de la comunidad furry y ahora también uno de los estandartes de la cuarta ola emo guitarrera del hyperpop, aquí entrega uno de los discos mejor producidos de la tercera ola, y el más “purista” de toda su carrera.

¿Cómo no iba a hacer More Eaze, nexo de parte de la vangardia estadounidense actual, un disco de hyperpop? Fue, de hecho, en el que exploró más en profundidad su transición, integrando la producción elástica de SOPHIE y el sonido etéreo de Ecco2k en sus propios experimentos. Colabora Claire Rousay.

SAOIRSE DREAM star / 2022

HIMERA Sharing Secrets / 2022

NINAJIRACHI Second Nature / 2022

Aliado habitual de la canadiense Petal Supply y de PC Music, este productor letón afincado en Rotterdam bebe también del utopian virtual de Lone o James Ferraro y se acerca al diseño hypertrance de Evian Christ.

Ninajirachi -portada de NUEBO en diciembre de 2025- ha pasado en apenas un año de outsider australiana a ídola de la EDM alternativa, y a colaborar y compartir escenario con uno de sus grandes héroes, el ídolo complextro Porter Robinson. Pero I Love My Computer no se entiende sin sus raíces en internet y en la construcción de mundos virtuales, y en los sonidos de PC Music y el UK bass. Second Nature, su primera mixtape, los funde con el deconstructed club y el trance, dejando un improbable ejemplo tardío de lo que significa el enfoque británico del hyperpop.

RAKKY RIPPER Nadie lo va a hacer por mí / 2023

KOGARASHI Greatest Hits / 2022

DANNY L HARLE Harlecore / 2021

ELOI Dernier Orage / 2023

La de Granada se abrió al mundo en la segunda ola hyperpop, encabezando el movimiento en nuestro país antes de que la pandemia lo pusiera todo patas arriba. Aguantó, y resurgió con este trabajo de miras globales.

Miembro de Niebla Niebla, Felipe Bravo es el gran núcleo del hyperpop y el nightcore en Chile, el gran heredero allí del sonido de SOPHIE y PC Music. Galen Tipton apoya en la produ de este disco brillante, emotivo y experimental.

Varios años después de Dux Content y de cofundar PC Music, Danny L Harle se desdobla en cuatro alter egos (el trancero, el hardcoreta, el popero y el ambiental) para abrazar por fin la parte más dura de la rave.

El hyperpop pegó en Francia con su deje synthwavero, con ese touch suyo tan electro, y uno de sus grandes exponentes es la artista parisina. En su debut, echa también en el depósito algo de technopunk y espíritu urbano.

NINA EMOCIONAL FDM / 2025

HYD Clearing / 2022

KARMA C Postales / 2026

CAMILA CABELLO C,XOXO / 2024

La barcelonesa Nina Emocional pertenece a un lado adyecente del hyperpop marcado por los sonidos etéreos y feéricos y un diseño sonoro más misterioso y downtempo. Pop deconstruido, casi fantasmal y en slow motion.

Antes de ser Hyd, Hayden Dunham fue QT, y así lanzó uno de los primeros grandes singles de PC Music, Hey QT, producido por A. G. Cook y SOPHIE y masterizado por Diplo. Todo PC Music se volcó en su resurrección.

La artista madrileña, que ha estado en la sombra de algunas producciones hyperpop de nuestro país para artistas como Natalia Lacunza, da testimonio de su transición en su trabajo más íntimo y definitivo.

Ha sido este pero podía haber sido Dawn of Chromatica, el disco remix hyperpopero que se marcó Lady Gaga. Dos discos muy buenos, magníficamente producidos... que certifican la muerte por éxito del hyperpop.

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Catherine Egbert es al mismo tiempo la respuesta melancólica a Underscores y la opción pop de Jane Remover. Lo más importante: es una de las popstars más autoconscientes y auténticas que ha dado el hyperpop.

LANDING DISCOS LANDING / DISCOS

POR: DIEGO RUBIO

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Según su padre -que, por cierto, es el único colaborador aquí, tocando el banjo en la canción homónima- un disco beatnik, compuesto “en la carretera” y en una especie de fuga hacia delante personal. The Singer in My Band refleja una etapa crucial en la trayectoria de Nate Amos: reivindicado con pasión ya por la crítica y el público como compositor, también ha visto cómo su banda con Rachel Brown, Water From Your Eyes, accedía a los contratos con adelanto y a los grandes circuitos mundiales de giras, y cómo Jeff Tweedy, MJ Lenderman o Cameron Winter -ayer, hoy y mañana de la gran canción norteamericanaversionaban sus temas. En la carretera se ha convertido en una suerte de antirockstar contemporáneo, y de la carretera surgen las ensoñaciones que dan forma a este nuevo álbum en el que Amos busca escribir la penúltima página de la música de cowboys y autopistas interestatales entre ecos de Ryan Adams, de Wilco, de The War on Drugs, de Sufjan Stevens, de Bill Callahan o de Bonnie ‘Prince’ Billy.

THIS IS LORELEI

FOTO: EVE ALPERT

The Singer in My Band Matador / Popstock! 11 septiembre

LANDING / DISCOS

BUENOS VAMPIROS El último disparo Spinda / Casa del Puente Discos 3 septiembre El cuarteto argentino añade luz a su rock gótico en un disco que estarán girando extensivamente por España. ADÉLA PRIMA Universal 4 septiembre El pop está en recesión si solo arañas la superficie. Valga el debut largo de esta inspiradora popstar eslovaca como prueba. AMELIE LENS AURA Exhale 4 septiembre La reina del revival hard techno entrega su debut -bien de acid y psytrance- tras una década a las cabinas. Para los jinchos. CYST (IGLOOGHOST & DAISY*) LUCKYME® 4 septiembre

SHARP PINS Mod Mayday 23 / K Records / Popstock! / 4 septiembre

Iglooghost y daisy* (antes BABii) firman este nuevo proyecto que les ve infiltrarse en la Matrix vía grime hyperdub y mecánica IDM.

El proyecto de rock lo-fi sesentero y de jangle pop de Chicago liderado por Kai Slater regresa con un disco más personal y sencillo que se aleja de la exuberancia de Balloon Balloon Balloon. Mod Mayday 23 recupera el espíritu do it yourself de los primeros trabajos de Kai, y pone banda sonora a un verano mod con nada más que una moto, una guitarra y un portastudio Tascam.

METTE Coming of Age Autoeditado / Grand Darling 4 septiembre

PARIS PALOMA The Fatal Flaw Nettwerk 4 septiembre

BONOBO Distance in Static Ninja Tune / [PIAS] 11 septiembre

Planteado originalmente como un EP pero descartado tras ser despedida de RCA, ahora es un sólido debut pop independiente.

La odisea romántica de la artista británica, pop prerrafaelita por parte de otra de las hijas del akelarre de Florence Welch.

Otra vuelta al mundo a ritmo de downtempo y observando paisajes ambientales a vista de pájaro por parte del productor británico.

MYKKI BLANCO Café Paradiso Transgressive 4 septiembre

REBECCA BLACK Age of the Exhibitionist Autoeditado 4 septiembre

ACTRESS Radical Frame Ninja Tune / [PIAS] 18 septiembre

Controvertido y genial a partes iguales, Blanco regresa muy Prince con un trabajo decididamente sensual, pop, arty, funktrónico.

Tercer disco y se pone seria, pero nunca es tarde para reinvindicar a la popstar delirante y mamarracha que nos merecemos.

Todos los Actress están en este disco que parece una culminación de su obra y de una de las vías de la vanguardia londinense. BEA MILLER Mr. Peaked in the High School Universal 18 septiembre

Inspirado según la artista chilena en Lucy in the Sky with Diamonds de The Beatles y en los Sundays de Reading, Writing and Arithmetic, y con Jane Remover coronando la lista de colaboraciones, lo nuevo de AKRIILA desvela una sensibilidad más melódica, emocional y pop-rockera. Se asienta, eso sí, sobre los códigos EDM que tan bien maneja.

BECK Ride Lonesome Capitol 18 septiembre El Beck de Morning Phase, el más atmosférico y folkie, regresa en este nuevo trabajo que pone pausa a la euforia synthpop. CARLY RAE JEPSEN Day and Night Interscope 18 septiembre Si te gustó Psychedelic Switch, este disco le sigue ampliamente la pista y pasa a formar entre lo mejor de la artista canadiense.

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AKRIILA Lucy miró al mundo y notó que está girando Atlantic / 3 septiembre

La nostalgia de los dosmiles más rockeros se funde con el electropop en el tercer trabajo de la extriunfita estadounidense.

LANDING / DISCOS

EMPRESS OF Dream House Major Arcana / Giant 18 septiembre En 2025, un brutal incendio arrasó gran parte de Altadena, incluida la casa familiar de Empress Of. Esta tragedia dio pie a su cuarto álbum. EZRA COLLECTIVE Here Because of Hope Partisan 18 septiembre

TINASHE Popstar Atlantic 25 septiembre

Cuarto álbum de una de las voces femeninas que definen el pop-folk actual. Años atrás habría sido carne de 4AD.

Tinashe sigue profundizando en su lado más electrónico y clubero en su octavo álbum, primero tras acceder definitivamente a la nobleza del mainstream pop tras el éxito viral en TikTok de su canción Nasty. Crunk, funk brasileño, acid, ghettotech, UK bass, Detroit techno, electroclash... Dentrísimo.

ORVILLE PECK Mule Warner 18 septiembre

BECKY HILL REBECCA Polydor 25 septiembre

GILLA BAND Pugnello Rough Trade / Popstock! 25 septiembre

Después de su periodo más dark, marcado por el alcoholismo y tentativas de suicidio, nuestro cowboy favorito resucita.

¿Es septiembre el mes del pop? Otro trabajo para ponerse brat en la disco o para subir un poco la intensidad en el cardio.

Punto cardinal de todo el postpunk irlandés, el cuarteto dublinés renueva su amor por el ruido desquiciándose por completo.

TOVE LO ESTRUS Virgin 18 septiembre

BLONDSHELL Violins Partisan 25 septiembre

HERMANOS GUTIERREZ Los ojos del Cóndor Easy Eye / Music As Usual 25 septiembre

El sexto álbum de la artista sueca es electrónico y oscuro, pero sobre todo sirve para devolvernos por un momento a Stromae.

Sí: los violines subrayan las guitarras y la intención indie rock del tercer trabajo de la angelina, contundente y expansivo.

El dúo ecuatoriano-suizo se embarca en un viaje trascendental y psicodélico por la cordillera de los Andes. Produce Dan Auerbach.

Otra aventura del colectivo de jazz y afrobeat londinense tras las pistas de la diáspora africana por el mundo, con invitados de lujo. LIZZY MCALPINE Angel RCA 18 septiembre

JULIA JACKLIN The Gem 4AD / Popstock! 25 septiembre La australiana debuta en 4AD con la convicción de las grandes cantautoras del indie rock y algunas canciones enormes. M83 I Wrote You a Letter Other Suns 25 septiembre Nuevo álbum de Anthony Gonzalez tras las bandas sonoras de A Necessary Escape y la monumental Resurrection. PROTOMARTYR Hotel Usona Domino / Music As Usual 25 septiembre Cuando empezaba a parecer improbable, los de Detroit entregan su mejor trabajo, puro art punk ruidoso y opresivo.

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BEABADOOBEE Pylon / Dirty Hit / Music As Usual / 18 septiembre Si en sus últimos lanzamientos habíamos asistido a una paulatina amplificación y a un mayor refinado de su sonido, lejos de ser casero ya en This Is How Tomorrow Moves (2024), Beabadobee agarra las guitarras noventeras y pilla la I-90 desde el midwest emo dirección Seattle en Pylon, con la compañía de Chino Moreno (Deftones), Brendan Yates (Turnstile) o Hayley Williams.

QUEENS OF THE STONE AGE Perfecth Matador / Popstock! 28 septiembre Cualquier vuelta al ruedo de los titanes del stoner, comandados con autoridad por Josh Homme, es siempre una buena noticia.

LANDING CINE LANDING / DISCOS

POR: ADRIANA RAMIRO

Destacada en el momento de su estreno en festivales de nuestro país como Sevilla o Ibiza, y luego metida durante un tiempo en la nevera, El olor a leche quemada llega por fin a los cines tras dos años. Un drama rural, generacional que nos muestra, a través de la vida de tres mujeres en una granja, la decadencia y el abandono del primer sector que ha experimentado Alemania, un país eminentemente industrial, en los últimos años. Con reminiscencias del cine actual chino y un ritmo frío que es muy alemán, pero también podría ser italiano, la directora Justine Bauer firma un debut poderoso y sorprendente, con trasfondo social amplio y siempre muy implícito. En primer plano, la nata de esta leche cubre una historia fuerte sobre las propias expectativas, la feminidad, la soledad, los choques culturales y generacionales, el deseo de independencia y los distintos tipos de éxodo. Pero, sobre todo, se apoya en la importancia trascendental de las cosas más pequeñas. Además, hierve la actriz Johanna Wokalek, que está espectacular.

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Dir. Justine Bauer Rep. Karolin Nothacker, Jahanna Wokalek, Pauline Bullinger Alemania / 2024 / Con Un Pack 4 septiembre

LANDING / CINE

CRONOS Dir. Fernando González Molina Rep. Enric Auquer, Diana Gómez Largo / 4 septiembre Un thriller que recrea, basándose en testimonios reales, el dispositivo policial que se organizó en Barcelona tras el atentado de las Ramblas en 2017: la Operación Cronos. JIM QUEEN Dir. Marco Nguyen, Nicolas Athane Animación 4 septiembre La picadura de la cobra gay se convierte en la picadura de la cobra hetero en esta fantasía animada y parisina muy marica, muy picantona y muy desvergonzada. LA CONSPIRACIÓN DEL CUERVO Dir. Kasia Adamik Rep. Lesley Manvillle, Tom Burke Largo / 4 septiembre Una profesora de psiquiatría inglesa llega en el momento inadecuado al lugar inadecuado: Jaruzelski ha impuesto la ley marcial en Varsovia y ha sacado los tanques a la calle.

EN EL CORAZÓN DE LA BESTIA Dir. David Ayer / Rep. Brad Pitt, J.K. Simmons, Anna Lambe EE UU / 2026 / Paramount / 25 septiembre

ENFRENTADOS: MARFIL Dir. Óscar Pedraza Rep. E. Expósito, H. Diego García Largo / 9 septiembre

Un ex oficial de las Fuerzas Especiales del ejército -James Belmont, interpretado por Brad Pitt- y su perro de combate retirado, Odin, sufren un fatídico accidente de avioneta en las profundidades de los parajes salvajes de Alaska. Juntos, se enfrentan a la naturaleza y luchan por sobrevivir, fortaleciendo aún más un vínculo inquebrantable entre hombre y animal. Spoiler: el perro no muere.

La hija de un magnate millonario es raptada y liberada sin motivo aparente, y a partir de ese instante desarrollará una relación amorosa con su nuevo guardaespaldas.

KATY PERRY: LIVE FROM PARIS Dir. Paul Dugdale Película-concierto 2 septiembre El Lifetimes Tour de Katy Perry está siendo una fantasía de coreografías voladoras, experimentos plásticos y demás bizarradas escénicas. Dos noches en París que lo escenifican. CREEDNOS Dir. Julia Ford Rep. Aimee-Ffion Edwards, Aasiya Shah Miniserie / 3 septiembre

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Serie documental de cuatro capítulos que recrea uno de los escándalos judiciales del Reino Unido, desatado tras un caso parecido al de La Manada. BLACK BOX: VUELO 298 Dir. Steven Quale Rep. Tom Brittney, Holly White Largo / 4 septiembre

OASIS: DON’T LOOK BACK IN ANGER Dir. Dylan Southern, Will Lovelace Reino Unido / 2026 / Disney / 11 septiembre

Bienvenida otra película de “terror de cajas negras”: un avión se estrella fatídicamente, y lo que se encuentra en las grabaciones revela un horror sobrenatural.

Los responsables de Blur: No Distance Left to Run (2010), Shut Up and Play the Hits: The Loud Ending of LCD Soundsystem (2012) y Nos vemos en el baño (2022; adaptación homónima del libro de Lizzy Goodman sobre la explosión indie en Nueva York a principios de los 2000) se encargar de retratar el esperadísimo regreso a los escenarios de los hermanos Gallagher en 2025. ¿Habrá buen rollo?

LANDING / CINE

DANG! Dir. Andrew Law EE UU / 2026 Netflix 8 septiembre Las mentes detrás de geniales comedias como Hacks o Parks and Recreation se atreven por primera vez con una serie de animación con aires de sitcom bizarra: Ruthie arruina su vida perfecta y termina recalando en el apartamento de sus dos hermanos en Nueva York, mucho más descerebrados que ella, pero también más felices. Tendrán que aprender, juntos, a equilibrar el amor propio y las ganas de vivir con las tediosas responsabilidades del mundo adulto. EL NIDO Dir. Hugo Stuven Rep. Michelle Jenner, Luisa Gavasa Largo / 11 septiembre

FEMENINO, SINGULAR Dir. Xavi Puebla Rep. Vico Escorcia, Nora Navas Largo / 18 septiembre

SUS HIJOS Dir. Pablo Trapero Rep. Bill Nighy, Noah Jupe Largo / 18 septiembre

Turbio thriller doméstico sobre una joven que, temerosa del mundo exterior, mantiene encerrados en casa a su madre y su hijo. Velasco llega para cambiarlo todo... a peor.

Preestrenado en el Festival de Málaga, este drama social diaspórico sigue a Nayeli, una joven mexicana que trabaja como empleada doméstica en Barcelona.

Trapero retoma el tema que mejor se le da, la familia -cuando más turbia, elevada y enrevesada, mejor-, en esta película con ínfulas mankiewiczianas y un gran Bill Nighy rollo crepuscular.

BUSCANDO A EMILY Dir. Alicia MacDonald Rep. Nicolas Cage, J. Nicholson Largo / 11 septiembre Interesante actualización de los tópicos sobre la idealización romántica a través de un chico que busca como loco a la chica de sus sueños por el campus de la uni. COYOTE VS. ACME Dir. Dave Green Rep. Will Forte, Lana Condor Largo / 18 septiembre Harto de los productos de ACME, Coyote contrata a un abogado para denunciar a la empresa. Juntos, lucharán contra el despiadado CEO. Maravilla de película, honestamente. EL LADRÓN DE PERROS Dir. Vinko Tomičić Salinas Rep. Alfredo Castro, Franklin Aro Largo / 18 septiembre

EN LA ZONA GRIS Dir. Guy Ritchie Rep. Jake Gyllenhaal, Henry Cavill Largo / 18 septiembre

BAD APPLES Dir. Jonatan Etzler / Rep. Saoirse Ronan, Eddie Waller, Nia Brown EE UU / 2025 / Paramount / 11 septiembre

No es lo mejor que ha hecho Ritchie en años pero tampoco lo peor, y al final funciona como una exagerada, delirante y divertida película de atracos un poco pasada de vueltas.

We don’t need no education! La segunda película del sueco Jonatan Ezler, y su primera en inglés, es una estupenda sátira estudiantil con trasfondo mordaz, humor negro y mucha oportunidad: una profesora tendrá que lidiar -de modos casi inverosímiles, por cierto- con un alumno conflictivo, una tierna criaturita de tan solo 11 años. En 2025 inauguró la Sección Nuevos Directores del Festival de San Sebastián.

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Esta peli boliviana lleva un par de años sorprendiendo en festivales de España y Latinoamérica, y ahora aterriza en cines. Un niño huérfano roba un perro y lo adopta como padre.

LANDING VIDEO LANDING / CINE

POR: ADRIANA RAMIRO

TIEMPO DE VICTORIA Dir. Anthony Maras Rep. Andrew Scott, Brendan Fraser Largo / 18 septiembre “La historia jamás contada del Día D”, la de un parte meteorológico del que depende el desembarco de las tropas americanas e inglesas en las cinco playas de Normandía. SUCH BRAVE GIRLS (2ªT) Cr. Kat Sadler Rep. Kat Sadler, Lizzie Davidson Serie / 22 septiembre Digna sucesora de Fleabag como gran fenómeno de la comedia feminista británica, esta serie de la BBC producida por A24 regresa con una segunda temporada. BROTHERS Dir. David West Read Rep. M. McConaughey, W. Harrelson Serie / 23 septiembre

STAR WARS: THE MANDALORIAN AND GROGU Dir. Jon Favreau / Rep. Pedro Pascal, Sigourney Weaver, Jonny Coyne EE UU / 2026 / Disney Studios / 28 septiembre

Un delirio con aires de mockumentary. McConaughey y Harrelson ponen en jaque a sus familias al revelarse un bizarro secreto: pueden ser hermanos.

Favreau cumple con uno de sus sueños de infancia, llevando de la pequeña a la gran pantalla a los dos personajes más carismáticos del universo Star Wars en la última década. Ediciones en todos los formatos una de ellas en UHD con steelbook y 2 pósteres metálicos.

4 BLOCKS ZERO Dir. Hüseyin Tabak, Özgür Yildirim Rep. Tariq Al Saies, Tareq Nassery Serie / 25 septiembre

EL GABINETE DEL DR. CALIGARI Dir. Robert Wiene Rep. Werner Krauss, Conrad Veidt, Alemania/ 1920 / Divisa / 7 sept

TRES ADIOSES Dir. Isabel Coixet Rep. Alba Rohrwacher, Elio Germano Italia / 2025 / BTeam / 7 sept

Precuela de la aclamada serie alemana 4 Blocks: la historia de una familia libanesa recién llegada a Berlín, antes de que Toni se convierta en el líder mafioso de la ciudad.

Por primera vez en UHD la película que por si sola define uno de los movimientos artísticos más influyentes del siglo XX, el expresionismo alemán. Una hora de extras.

Coixet en su prime emo adaptando las historias cortas de Michela Murgia, y convirtiéndolas en la vitalista historia de una mujer encarando la enfermedad y el abandono.

EL PROBLEMA FINAL Dir. Félix Viscarret Rep. J. Coronado, Maribel Verdú Miniserie / 25 septiembre

HOKUM Damian McCarthy Rep. Austin Amelio, Ezra Carlisle Irlanda / 2026 / Karma / 7 sept

EL DÍA DE LA REVELACIÓN Dir. Steven Spielberg Rep. Emily Blunt, Josh O’Connor EE UU / 2026 / Universal / 25 sept

Una versión española de la saga detectivesca Puñales por la espalda basada en la novela de Pérez-Reverte, pero muy, muy lejos del Mankiewicz de La huella.

Lo estaba pidiendo a gritos: a un escritor de historias de terror no se le ocurre otra cosa que irse a una siniestra posada a esparcir las cenizas de sus padres. Se lía.

Spielberg vuelve a uno de sus temas favoritos, el advenimiento alienígena, para plantear un thriller conspiracionista sobre los secretos de Estado y la libertad de prensa.

FALL 2: DEADPOINT Dir. Michael Spierig, Peter Spierig Rep. Harriet Slater, Arsema Thomas Largo / 25 septiembre

BARBARIAN Dir. Zach Cregger Rep. G. Campbell, Bill Skarsgård, EE UU / 2022 / 20th Century / 7 sept

Los alemanes hermanos Spierig (Predestination, Saw VIII) se encargan de la secuela de Fall, un thriller mediocre pero espectacular y angustioso que petó en internet.

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LINKIN PARK: UNSHATTER Dir. Joseph Hahn, Mark Ritchie Documental 30 septiembre Hahn lleva haciendo vídeos para Linkin Park desde el 2000, y Ritchie ya les ha filmado en directo. Juntos repasan su reencuentro tras la muerte de Chester Bennington.

El estreno el año pasado de Weapons terminó de confirmar el talento de Zach Cregger, joven cineasta que con títulos como The Civil War on Drugs (2011) no pasaba de aspirante a gamberro, y que con Barbarian y por la vía del terror le ha pegado un buen meneo al género que mejor define estos preocupantes tiempos que nos toca vivir. Tiene mérito, apostando por un género, el del encierro en una casa, a priori limitante, y que gracias a Barbarian -y también la más reciente Herejeparece abierto a nuevos plots de desarrollo imprevisible. Bien merecidas son estas ediciones (sencilla y steelbook) en UHD.

LANDING VIDEOJUEGOS

POR: RAMÓN BAYLOS

MIDSOMMAR Dir. Ari Aster Rep. Florence Pugh, Jack Reynor EE UU / 2019 / DeAPlaneta / 25 sept Reedición de la más singular de las películas del ya de por sí peculiar Ari Aster, un ejercicio de folk-horror pasadísimo de vueltas con Florence Pugh adueñándose de la pantalla. SUPERGIRL Dir. Craig Gillespie Rep. Milly Alcock, Matthias Schoenaerts EE UU / 2026 / Warner / 25 sept Se debate entre lo que podría haber sido -una divertida gamberrada con Supergirl convertida en heroína trompi fuera de control- y lo que finalmente es... Bien de extras. THE FAST AND THE FURIOUS 25º ANIVERSARIO Dir. Varios Rep. Paul Walker, Vin Diesel, EE UU / 2001 / Universal / 25 sept Pack para celebrar los 25 años que se cumplen del estreno del primer título de la saga. Además de infinidad de adicionales (UHD + Blu-ray de extras), incluye libro y postales.

SILENT HILL: TOWNFALL Screen Burn / : PC, PS5 / 24 septiembre

Edición especial y por vez primera en UHD para la comedia de acción que marcó un antes y un después para el cine español en los 90. Con libreto, póster, postales y un vinilo.

El nuevo spin-off de la saga survival horror de culto de Konami nos traslada esta vez a Escocia, introduciendo un giro mecánico que rompe con la fórmula tradicional: una cámara en primera persona que refleja los horrores de Silent Hill de forma más agobiante y opresiva que nunca. Promete convertirse, además, en otro paso más hacia esa gloria que la saga está intentando recuperar con éxito desde la publicación de Silent Hill 2 Remake (2024) y Silent Hill f (2025), y a la espera de un remake del original en 2027.

SCARY MOVIE Dir. Michael Tiddes Rep. Regina Hall, Anna Faris EE UU / 2026 / Paramount / 28 sept

THE BLOOD OF DAWNWALKER Rebel Wolves : PC, PS5, Xbox Series X/S 3 septiembre

HELL IS US Rogue Factor : Nintendo Switch 2 24 septiembre

Lo que surgió como una coña a costa del terror teen representado por Scream, se ha convertido ya en una saga en sí misma que va por su sexta entrega con síntomas de desgaste.

Los lobos renegados de CD Projekt Red se rebelan con un RPG de vampiros que usa mecánicas de paso del tiempo, a lo Prince of Persia, y las inserta en sistemas herederos de The Witcher 3.

El soulslike más infravalorado de los últimos años, de apabullante ambientación brutalista y mecámicas híbridas y originales, da el salto a la nueva consola de la gran N. Los souls toman Nintendo.

MARVEL’S WOLVERINE Insomniac Games : PS5 15 septiembre

CONTROL RESONANT Remedy Entertainment : PC, PS5 Xbox Series X/S 24 septiembre

Desenfrenado, violento y excesivo. El nuevo -y muy esperadovideojuego de Lobezno promete excelencia a la hora de traducir la esencia del personaje al medio interactivo. Había ganas.

La franquicia da un giro de 180º con una segunda entrega que se pasa al género de los hack and slash, manteniendo el mismo tono oscuro del original pero desquiciando aún más su multiverso.

FIRE EMBLEM: FORTUNE’S WEAVE Nintendo : Nintendo Switch 2 17 septiembre

MINECRAFT DUNGEONS 2 Double Eleven / Mojang Studios : PC, PS5, Nintendo Switch 2, Nintendo Switch Xbox Series X/S 28 septiembre

El rey de los JRPG tácticos por turnos da el salto a la nueva generación de Nintendo con una nueva entrega que recupera la fórmula clásica de la saga, pero se aprovecha del nuevo horizonte técnico.

Spin-off de Minecraft que traslada su iconografía a una propuesta estilo ARPG, casi como si fuera un juego de Diablo creado por Mojang Studios.

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EL DÍA DE LA BESTIA Dir. Álex de la Iglesia Rep. Álex Angulo, Santiago Segura España / 1995 / Divisa / 28 sept

LANDING LIBROS POR: LUIS ARGEO

ESTA ES TU CASA Jon Bilbao Impedimenta 268 p. / Relatos Vuelve con fuerza uno de los mejores narradores de nuestra lengua. Bastan nueve relatos para entrar en su mundo cotidiano y tenso. Hogar, incómodo hogar. REY ELNÓ Ánjel María Fernández Los aciertos & Pepitas 128 p. / Novela, fábula Imagina que el Nota (Lebowski) recrea sin moralejas la peli que te enseñó a cantar eso de Hakuna Matata. Desde ya, este perezoso león destrona a Mufasa y Simba. LÁZÁR Nelio Biedermann Salamandra 288 p. / Novela Comparado con Thomas Mann, el joven autor de esta febril saga familiar hace chocar privilegios decimonónicos, deseos aristocráticos, violencia húngara. HIJA DEL CIELO Rodrigo Cortés Random House 248 p. / Novela Perdonando algunos vocablos petulantes, la imaginación, el misterio y la emoción que mete Cortés a su escritura serán difíciles de ver en cine. Gabaón es solo tuyo.

AMAIA, PLANO SECUENCIA Luis Álvarez Borrero / Sílex / 274 p. / Bio, música

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De OT a referente del nueBo pop español: casi una década siguiendo la trayectoria de Amaia, su sensibilidad y su forma de construir una identidad propia, disco a disco, lejos de caminos marcados. El resultado es este retrato en movimiento de una artista que todavía está escribiendo su historia. Habrá fans que apunten que aún es muy pronto para llevar su vida y obra a papel, pero alguien tenía que romper el hielo. El tiempo pondrá esta bio en su lugar.

TÍO GRANDE Jacobo Bergareche Libros del Asteroide 272 p. / Novela, viajes Cuando uno salta la verja que separa realidad y ficción, corre el riesgo de perderse para siempre. Esta novela une vida y muerte, ida y venida, Europa y África. Sin verja.

Y SEGUÍ BAILANDO Josèphine Baker Plankton Press 220 p. / Música, bio

MIENTRAS ESPERO Elísabet Benavent Suma 232 p. / Diario, viajes

DORMIR FUERA DE CASA Paula Hoyos Candaya 130 p. / Novela corta

Puede que sea una de las voces más injustamente olvidadas de cuantas lucharon, desde el escenario, contra el racismo, el nazismo, la xenofobia. Comparte aquí todos los detalles.

Quizá la mejor manera de conocer el talento de la exitosa narradora es acercándose a sus escritos más personales, lo que perdura fuera de lo imaginado. Sincero y cercano.

Entre desconocidos, en un avión, puedes sincerarte sin miedo a estrellarte. Pero este avión no despega, y sus viajeros parecen haber caído hondo. ¡Premio!

RE-SISTERS Cosey Fanni Tutti Caja Negra 368 p. / Memorias, arte

TODO EL TIEMPO DEL MUNDO Roger Wolfe Renacimiento 248 p. / Ensayo, poesía

LA MASACRE... Cho Yeeun Minotauro 240 p. / Novela, terror

Descubre a la performer, artista, estríper en este collage de música, arte, sexo y resistencia donde tres mujeres se rebelan ante las normas de su tiempo. London callling.

Una suerte tener de nuevo a Wolfe en las manos, él es uno de esos versos libres que cuanto más le quitas, más grande se vuelve, como un agujero. Como la eternidad.

Pegajosa y brutal. Cho convierte la dulzura en pesadilla: la visión grotesca, oscuramente divertida y surrealista de la Corea contemporánea, en clave horror.

FAMESICK Lena Dunham Debate 432 p. / Memorias, cine

QUERERTE COMO VICIO Carlotta Boulay Valenzuela Valparaíso 66 p. / Poesía

LOS MUNDOS DE HAYAO MIYAZAKI Nicolas Rapold Lunwerg 224 p. / Arte, cine, ilustrado

¿Y si la fama se convierte en pesadilla? Lena Dunham repasa Girls (HBO), sus enfermedades, adicciones y desamores con un ingenio y una franqueza brutal.

A pesar de su juventud, la poeta comparte versos rotos, sentidos, cruzados, marcados por el desamor, el primero, el que deja esa huella perenne que cualquiera hace suya.

Hay quien ve estrellas donde otros ven asteriscos, que aquí son trucos, influencias y secretos para quienes crecieron mirando películas de Studio Ghibli.

LANDING CÓMIC POR: MANU GONZÁLEZ

ASTRAL PANIC Katie Hicks La Cúpula 192 p. / Color / 23,50 € Brillante portada para una novela gráfica que trata las enfermedades mentales, la sobresaturación digital y la precariedad laboral de las jóvenes generaciones del siglo XXI. BATMAN: AÑO UNO Frank Miller, David Mazzucchelli Panini Cómics 144 p. / ByN / 30 € En 1986 Miller contó el principio y el final del Caballero Oscuro… Para el origen, nada mejor que el arte de un David Mazzucchelli en estado de gracia, más noir que nunca. BIENVENIDOS A C.A.S.A. Tomeu Riera Cartem Comics 140 p. / Color / 30 € Cómic patrio de ciencia ficción sobre dos jóvenes que viven en el lugar más idílico del futuro y nunca les falta de nada. ¿Qué ocurrirá más allá de los muros de C.A.S.A.?

ESPECTADORES Brian K. Vaughan, Niko Henrichon Planeta Cómic / 344 p. / Color / 38 €

El autor de Destellos y El príncipe y la modista sigue haciendo cómics esenciales sobre adolescentes valientes, como este joven que quiere vivir solo en el bosque.

Mientras comenzaba a hacerse un nombre con la serie políticosuperheroica Ex Machina, el guionista canadiense Brian K. Vaughan publicó junto al dibujante Niko Henrichon la historia de tres leones escapados del zoo de Bagdad durante los bombardeos norteamericanos. El mismo equipo creativo vuelve con un atípico y futurista romance sobrenatural protagonizado por dos fantasmas.

CELLO SONG. LA HISTORIA DE NICK DRAKE Jason Astiberri 104 p. / ByN / 15 €

LOS FANTASMAS DE GAUDÍ El Torres y Jesús Alonso Iglesias Nuevo Nueve 136 p. / Color / 30 €

ISSUNBOSHI Ryan Lang Tengu Ediciones 200 p. / Color / 34 €

Nick Drake solo grabó tres álbumes entre 1969 y 1972 y son historia de la música folk. El noruego Jason necesita menos de cien páginas para contarnos su triste historia.

Edición revisada y ampliada por el décimo aniversario de esta novela gráfica. Asesinatos y la arquitectura de Gaudí en un thriller frenético.

La versión nipona del catalán Patufet o el clásico europeo Pulgarcito es este samurai de 15cm. de altura que defiende Japón de los demonios y las criaturas infernales.

EL EXTRAÑO PERIPLO DE LUCAS ANDRADE Pepe Macias, Javier Monsalvett Serendipia 150 p. / Color / 18,95 €

HOROBI Yoshihisa Tagami Mangaline 1012 p. / ByN / 35 €

MIDNIGHT NATION Straczynski, Frank, Sibal, Milla Moztros 352 p. / Color / 35 €

Divertido ejercicio de metaficción sobre un falso explorador de Cuenca que se fue a África. Sus cartas llegaron a los dos autores de esta simpática novela gráfica.

Entre mangas posapocalípticos (Grey) y batallas de mechas (Frontier Line), Tagami dibujó una fantasía demoniaca y sobrenatural al más puro estilo Jack Kirby.

Hace 26 años, el creador audiovisual tras Babylon 5 comenzó a publicar en Top Cow dos cómics, Rising Star y este Midnight Nation donde destaca un joven Gary Frank.

HARLEM Mikaël Norma Editorial 136 p. / Color / 35 € La verdadera historia de la reina de Harlem, Elisabeth St. Clair, que luchó contra las mafias judías e italianas convirtiéndose en una de las grandes damas del crimen organizado del Nueva York de los años treinta. Publicado en dos volúmenes para el mercado francobelga entre 2021 y 2023, llega a nuestro país en un único tomo.

QUÉ SUERTE LA MÍA Christian Watson Reservoir Books 128 p. / Color / 21,90 € Novela gráfica que hará las delicias de los fans del Tumbita de Tunet Vila: las desventuras cotidianas de Mr. Skelly, el esqueleto. “Huesos, huesos, tú eres solo huesos”. VIDA ENTRE LIBROS Ao Kojima Panini Cómics 200 p. / ByN / 12,95 € Serie costumbrista sobre el dueño de una librería de segunda mano. Ganadora del Manga Taishô, el Premio Cultural Osamu Tezuka y el Bookseller de los Ebook Japón 2026.

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LA CABAÑA DE ASH Jen Wang Sapristi 230 p. / Color / 25,95 €

LANDING EVENTOS

FSTVL•B

LANDING / EVENTOS

POR: LUIS ARGEO

PARC DEL FÒRUM BARCELONA Del jueves 17 al sábado 19 de septiembre 8BELIAL / AKRIILA / ALOSA / ÁNGELES TOLEDANO / AZOMBIKE / BIZNAGA / C MARÍ / CLAUDIO MONTANA / / D. VALENTINO / GAVINA.MP3 / GUITARRICADELAFUENTE / JIMENA AMARILLO / JUICY BAE / L0RNA / LA ÉLITE / LA PLAZUELA / LADIFERENCIA2006 / LAS PETUNIAS / LEÏTI / MALA GESTIÓN / MARIA ARNAL / MERITXELL DE SOTO B2B MERCA BAE / MUSHKA / MVRK / NATALIA LACUNZA / PABLOPABLO / RALY / REBE / RUSOWSKY / SANGUIJUELAS DEL GUADIANA / STEREO MADNESS / TARCHI / TRISTÁN! / ULTRALONE / XIYO Y FERNANDEZZ / YUNG BEEF

FOTO: LA PLAZUELA

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Son doce ediciones ya de un FSTVL•B (antes CARA•B o B•XTRA en aquellos complicados días de la pandemia) en los que el festival barcelonés no ha parado de crecer y hacer de termómetro de las nuevas tendencias en la escena musical de nuestro país, desde el guitarreo de aquellas ya lejanas primeras ediciones hasta una actualidad marcada por los sonidos urbanos -sin hacer ascos a los jóvenes artistas pop y rock: ahí están los Sanguis o Biznaga, padrinos del punk actual-. Para este año, el B rinde pleitesía a Yung Beef, se rinde a un Guitarrica que hizo suyo el último año y confía en un Rusowsky que es ya fenómeno global. https://fstvlb.com

LANDING / EVENTOS

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SALA WURLITZER Septiembre 2026

BASIC PARTNER + OU! Miércoles 2 LUCA FOGALE Jueves 3 DAPHNE + SEYMOUR Viernes 4 POGO FEST III: JADE4 + GAMUSINO + JIKE Sábado 5 PROYECTO HUELLAS: DESERT GNOMOS + NERINE + PARIASS Domingo 6

ATTACK OF THE RIFF-O-MANIAC+ DOBLE SESION NOCTURNA + GUID Miércoles 9

MAZO MADRID PRESENTA: CACHITO TURULO + DAGA Sábado 12

MEDALLA + MORDAZA Sábado 19

MY DARLING CLEMENTINE Martes 15

20 ANIVERSARIO WURLITZER BALLROOM MAS DE 15 GRUPOS... Martes 22 - Sábado 26

PUNITIVE ROOM + RUST Jueves 10

NOT SCIENTISTS Miércoles 16

STEREOLIKES Martes 29

MAZO MADRID PRESENTA: EL CHIVI Viernes 11

HOLY WAVE + BROWER + METALLEG Jueves 17

HUBRIS + NUEVOS MUNDOS Miércoles 30

FESTIVALES

Movistar Arena. Madrid. Jueves 17

MUSIC BANK WORLD TOUR Estadi Olímpic Lluís Companys (BARCELONA) Sábado 12 Ateez, Enhypen, NMIXX, xikers, NCT Wish, Cortos, Alpha Drive One, MC Park Bo-gum https://www.sonde3.com/festival/music-bankworld-tour

PALE WAVES El Sol. Madrid. Martes 15

hacia el trabajo del joven ruso Nikolay Morgunov en la galería Sorondo Projects; la primera individual de Gabriel Ventura, colaborador de Rosalía, en la galería FUGA, y el trabajo de Gema Polanco, por primera vez en ADN Galeria. www.barcelonagalleryweekend.com

COCA-COLA MUSIC EXPERIENCE Recinto Iberdrola Music (MADRID) Viernes 4 y sábado 5 Dellafuente, Milo J, Dimitri Vegas, Lucho RK, Natalia Lacunza, Pepe y Vizio, Céro, Lucía de la Puerta, Kabasaki , Omar Montes, Dei V, Taichu , Luc Loren y Vilu Gontero www.coca-cola.com/es/es/offerings/musica

CONCIERTOS THE WEEKND Estadi Olímpic Lluís Companys. Barcelona. Martes 1 AITANA Palau Sant Jordi. Barcelona. Viermes 4, sábado 5, lunes 7, martes 8 Movistar Arena. Madrid. Viernes 11, sábado, 12 lunes 13, martes 14 Bizkaia Arena BEC!. Bilbao. Viernes 18 y sábado, 19 HENS But. Madrid. Sábado 5 RAWAYANA Roig Arena. Valencia. Domingo 6 Movistar Arena. Madrid. Lunes 28 CA7RIEL & PACO AMOROSO Palau Sant Jordi. Barcelona. Jueves 10

AKRIILA La Riviera. Madrid. Jueves 17 MAC DEMARCO + VIKY FAREWELL Razzmatazz. Barcelona. Miércoles 16 y jueves 17 La Riviera. Madrid. Viernes 18 MAESTRO ESPADA Villanos. Madrid. Sábado 19 The Most Beautiful Day. Palma de Mallorca. Jueves 24 TY SEAGALL But. Madrid. Martes 22 Paral·lel 62. Barcelona. Lunes 21 ONLY THE POETS Moby Dick. Madrid. Jueves 24 Razzmatazz 3. Barcelona. Viernes 25 MAYA ONGAKU Moby Dick. Madrid. Miércoles 30

EXPOSICIONES BARCELONA GALLERY WEEKEND Varios espacios (BARCELONA) Del 17 al 20 de septiembre Duodécima edición de una cita con el arte contemporáneo que se vive y palpa en Barcelona y L’Hospitalet de Llobregat, donde 25 galerías abren sus puertas para mostrar obras de medio centenar de artistas de contrastada trayectoria. Las expos del programa general se complementarán con una rica agenda de visitas comentadas, encuentros y rutas guiadas. En NUEBO apuntamos la mirada

TODA MI CASA ES UN ALTAR Museo Nacional de Artes decorativas (MADRID) Hasta el 25 de octubre Aunque, siendo sinceros, para disfrutar de la obra de Gema Polanco (Valencia, 1992), nada como acercarse a este maravilloso museo que acoge, dentro del festival PHotoESPAÑA, su exposición íntima y coqueta, expansiva y radical. A través de banderas, collages, trajes, amuletos y talismanes, Polanco crea un recorrido que invita a mirar de otro modo los materiales cotidianos que convierten un espacio en hogar. Saltando de lo sagrado a lo punk, el visitante puede moverse por las salas mientras se empapa de cierta dimensión espiritual que late en los objetos más próximos, los que la artista crea a partir de procesos artesanales y cultura popular. www.cultura.gob.es/mnartesdecorativas DIORAMAS Museo Altamira (SANTILLANA DEL MAR) Hasta el 25 de octubre Una propuesta, con Joan Foncuberta detrás de ella, que te invita a mirar dos veces. Una para disfrutar, y otra para preguntarte cuánto de lo que vemos es verdad. Porque este viaje a la Prehistoria, de la mano del archivo personal del siempre imaginativo fotógrafo, es también una reflexión sobre cómo construimos la realidad a través de las imágenes. Foncuberta pone el foco en los dioramas, esas recreaciones tridimensionales con las que los museos han intentado durante décadas explicar cómo era el mundo antes de nosotros. La acumulación, la ficción y el simulacro que sujetan la muestra desmontan esos dioramas aparentemente objetivos. Pedagógica y divertida. www.cultura.gob.es/mnaltamira

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GRADE2 + THE BLACKBONES Martes 8

BAKCHEIA + ATRONER Viernes 18

Ciclo audiovisual: SGAE Documental 2026 Con las películas ‘Hijos del Compás’ de Miguel Forneiro, ‘La Fibra Sensible’ de Isabel Andrés Portí, ‘La Partitura del Cosmos’ de Juan Manuel Villar, ‘Pendaripen’ de Alfonso Sánchez, ‘Sustraiak, Raíces Perdidas’ de Luis Arrieta, ‘Un Altre Pare’ de Mariona Guiu, ‘Dones Muntanya (Mujeres Montaña)’ de Eduard Costa y Sònia Armengol, ‘Espacio Menguante’ de Norma Nebot y Cristina Mora, ‘Herencia’ de Ricardo Íscar y ‘Aldarriak’ de Cecilia Muñoz y Juan Esteban Montoya Del 1 al 12 de septiembre 18h, 18:30h, 20:30h y 21h Entradas: 3,50 euros

AUDIOVISUALES PUENTE AÉREO Filmoteca de Cataluña (BARCELONA) Del 1 al 30 de septiembre Vuela con el cine en pantalla grande. Puente aéreo engloba la retrospectiva que la filmoteca dedica a Warren Sonbert, cineasta vinculado a la Factory de Andy Warhol y al underground neoyorquino de los sesenta. Con su cámara y con total libertad retrató la cultura pop y la escena artística. Además, otras propuestas para disfrutar del cine brindan más oportunidades únicas, como la que llega con la restauración del mes, que en esta ocasión se trata de Sois belle et tais-toi!, de Delphine Seyrig, cinta que dialoga directamente con la expo Feminismes fílmics: 1976-2026, Además, habrá cine al aire libre durante las fiestas de La Mercè. www.filmoteca.cat

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HISTORIA NATURAL DE PLINIO Cineteca Matadero (MADRID) Día 4 de septiembre El cine expandido en super-8 es, para Pablo Eguía (Vigo, 1998), un instrumento más en esta pieza concebida como un concierto en directo. El proyector analógico también es un artefacto acústico para esta performance audiovisual que reúne seis películas filmadas entre 2024 y 2025 en Nueva York, ciudad donde reside este músico y cineasta conocido con el sobrenombre Plinio. Entre otros trabajos destacables, Eguía participó en la cinematografía de la pieza en 16 mm You Never Did Anything Wrong, Part 1, para la artista Nan Goldin, estrenada como instalación dentro de su exposición homónima en Gagosian. www.mataderomadrid.org L.E.V. MATADERO Matadero (MADRID) Del 17 al 20 de septiembre La electrónica no solo se escucha: también se

Festival de Cine de San Sebastián: Made in Spain Una selección de películas españolas tras su paso por el certamen donostiarra Del 22 al 26 de septiembre Horarios y programación pendientes de confirmar Entradas: 3,50 euros

35º Festival de Cine de Madrid - PNR Con las películas seleccionadas para la Sección Oficial de Cortometrajes y las secciones inclusivas Cine Sin Barreras y Cine Sordo Del 15 al 19 de septiembre 18h y 20h Entradas: 3,50 euros mira, se atraviesa y, en L.E.V. Matadero, incluso puede convertirse en un paisaje. El festival asturiano regresa a Madrid para explorar las posibilidades más visuales, digitales e inmersivas de la creación contemporánea. Entre las propuestas de esta edición, [“Á”1653 “gora” 23035], la nueva experiencia de realidad mixta de Carles Castaño (Girona, 1992), que se estrena mundialmente dentro del espacio Central de Diseño. ¿Qué pasaría si pudieras caminar por los restos de un planeta olvidado y descubrir, paso a paso, qué ocurrió con la civilización que vivió allí? Esa es la premisa de esta propuesta, que convierte al público en parte de la historia. Entre bosques que han crecido sobre las ruinas de una civilización extinta, emergen inteligencias luminosas para construir un paisaje que parece sacado de una película de ciencia ficción. Ojo, que aquí te mueves, exploras y tomas decisiones que activan nuevos recuerdos y archivos de ese pasado perdido. www.mataderomadrid.org 74 FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN Varios espacios (DONOSTI) Del 18 al 26 de septiembre Dejad a un lado a Brad Pitt, a los Javis, a Herzog y compañía. Centraos en catorce cineastas internacionales que presentarán sus primeros y segundos largometrajes dentro del bloque New Directors. Inaugurará la sección El mal hijo, el debut en la dirección del actor murciano Jaime Lorente. Esta soledad es una historia sobre vacío existencial, de Javier Giner, su primer largometraje después de codirigir Yo, adicto. La alemana Naëmi Ada estrena su ópera prima Body of Glass, la historia de una joven bailarina que comienza a llevar una vida paralela tras un enfrentamiento con su novio. February, Seven Days, de Tatjana Moutchnik, está ambientada en el contexto de la invasión rusa de Ucrania y centrada en el reencuentro de dos hermanos. Clausurará la sección Florid, el debut del director británico Billy Lumby, que sigue a un joven haciendo equilibrios entre sus problemas de salud

Ciclo audiovisual: Homenaje a Josefina Molina Programación dedicada a la cineasta, fallecida el pasado mes de mayo, con coloquios y las proyecciones de las películas ‘Función de noche’, ‘Esquilache’, ‘Vera, un cuento cruel’ y ‘La Lola se va a los puertos’ y sus trabajos para las series ‘Teresa de Jesús’ y ‘Paisajes con figuras’. Del 29 de septiembre al 3 de octubre Horarios pendientes de confirmar Entradas: 3,50 euros

mental, las drogas y sus ambiciones musicales. www.sansebastianfestival.com

ARTES ESCÉNICAS FIRATÀRREGA 46 Varios espacios (TÀRREGA) Del 10 al 13 de septiembre En su principal función, que no es otra que fortalecer el talento y el sector escénico, la nueva edición de esta feria internacional presentará 57 espectáculos al público que se acerque con curiosidad a esta localidad leridana. Bajo el leitmotiv CELEBREM como hilo conductor, la feria dispondrá del mejor escenario, el espacio público, para la mayoría de sus espectáculos, siendo además un 60% de ellos gratuitos. Circo, clowns y danza contemporánea pondrán patas arriba las calles y plazas de Tàrrega, que se impregnarán de sátira, humor, poesía, denuncia y virtuosismo con un objetivo primordial: entretenernos. www.firatarrega.com YOU DON’T LOOK ARAB Antic Teatre (BARCELONA) Del 4 al 6 de septiembre La artista multidisciplinaria del Líbano, Queer Falafel, comparte espacio y pensamiento alternativo con naturalidad, mediante una performance que mezcla visuales, música en directo, cuerpo y texto para desmontar la supremacía blanca desde una mirada queer, decolonial y no binaria. Una pieza incómoda -y precisamente por eso necesaria- para cuestionar privilegios, prejuicios y las historias que creemos conocer. Tal como dice: “Yo no inventé el sistema que estoy denunciando, ni la jerarquía piramidal que coloca tu identidad en lo más alto. Lo pobre no te quita lo blanco, lo trans no te quita lo blanco”. www.anticteatre.com

FOTO: FOTOGRAMA ‘HIJOS DEL COMPÁS’ DE MIGUEL FORNEIRO

LANDING / EVENTOS

SALA BERLANGA Programación de septiembre 2026 Madrid

LANDING / EVENTOS Casi una veintena de salas y teatros alternativos de la región sirven de marco para la nueva edición de un festival que permite conocer el estado de salud de las artes escénicas contemporáneas. Teatro, música, performances, danza, música, formatos híbridos y actividades complementarias conforman una programación que, lejos de los grandes focos y abrazando el riesgo, inspira y resuelve los vacíos de las su perproducciones. Estrenos como Hermética (de Constanza A. Aránguiz, en Artespacio Plotpoint, días 26 y 27 sep), o Yo soy el fantasma que os observa (de Viviseccionados, en El Umbral de Primavera, días 1 y 2 oct) son apenas dos de las 58 piezas que aguardan vuestros aplausos.

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FOTO: EVA VIERA, PARA EL ESTRENO DE HERMÉTICA

SURGE Varios espacios (MADRID) Del 22 de septiembre al 11 de octubre

FOTO: JESÚS UGALDE

LANDING / EVENTOS

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VENDRÁN LOS ALIENÍGENAS Y TENDRÁN TUS OJOS

Nave 10 (MADRID)

Del 3 al 20 sept

Estamos de suerte en esta vuelta al cole. La ganadora del Premio Nacional de Literatura Dramática, Natalia Velasco, regresa a la Sala Max Aub de la Nave 10 (Matadero) con una de las obras que más ha dado que hablar en los últimos tiempos. Y llega con algún galardón tras su gira, entre ellos el reconocimiento en los Premios Godot, donde Maricel Álvarez (en la foto) obtuvo el premio a Mejor Actriz. Vendrán los alienígenas y tendrán tus ojos enlaza el teatro íntimo con la ciencia ficción y la comedia romántica. La irrupción de un nuevo amor es, para una terrícola desencantada de la vida, solo comparable a un avistamiento nocturno, a un aterrizaje OVNI o a un contacto alienígena. Y ocurre.