Nos pasamos hace unos días por Zaragoza a participar en una de las charlas del Congreso Estatal ACCES / Semana de la Música, que llevaba por título Renovación de públicos, nuevas tendencias musicales: neo folk, orgullo rural y sonidos urbanos. Allí nos sentamos con artistas (Slappy Av, Rosin de Palo e Ixeya), colectivos (Espabila Co y Zaragoza Feliz Feliz) y Girando Por Salas para hablar de la renovación de la escena y de la forma en que los músicos veinteañeros afrontan la aventura de vivir de la música. Y nos resultó curiosa una contradicción en la que prácticamente todos caían: el presente del músico pasa por su labor autopromocional en redes sociales, pero todos ellos se lamentaban al tiempo de su invisibilidad en medios y de la tiranía que supone convertirse en entertainers de sus seguidores en Instagram y TikTok.
La conversación nos lleva a una polémica reciente, que surge a raíz de la entrevista que la agencia Chaotic Good Projects concedió a Billboard y que el diario británico The Guardian terminó de poner en la diana con un artículo reciente, In-
die music has been invaded by fake fans and cynical viral campaigns. Here’s how deep it all goes, firmado por Shaad D'Souza, En él, y poniendo encima de la mesa nombres concretos como el de Geese, se analiza el negocio de agencias que se dedican a promocionar a artistas con influencers, cuentas falsas de fans o posicionamiento viral en TikTok. Son acciones distintas entre sí y con diferentes grados de moralidad también, que en algún caso el articulista vincula con aquella práctica con la que se pagaba a los djs radiofónicos para conseguir reproducciones en antena. Habla también D'Souza de la mentira de las métricas y su efectividad en el marketing digital: cuando parece que toda campaña está sometida a ratios de efectividad, se gastan cantidades ingentes de dinero en influencers cuyos seguidores ni siquiera tienen un perfil similar a las campañas que se están promocionando. Hacemos nuestras las palabras de un manager británico con las que se cierra el artículo: “I’m also like, ‘most of the internet is bullshit’. Maybe people needed to wake up”.
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El apoyo de Jägermusic al talento musical emergente de nuestro país es como el amor, que se celebra cada día del año y no solo en San Valentín. Pero no está mal tampoco abandonarse al idilio veraniego que se da con la música en directo durante la temporada festivalera. Y repartir escenarios para destapar la música que escucharemos mañana.
26-27 junio
El “Monkey chico” de El Puerto de Santa María y Jägermusic tienen una relación estrecha, y comparten desde siempre ese afán por “descubrir hoy la música de ma ñana”, materializado en años de colabora ciones. Por su escena rio esta vez desfilarán ALAVEDRA, AZULEJA, KILIKI y TEO LUCADAMO
Fresquito & Mango
El Virtual
Observatorio
25-27 junio
Jägermusic se suma al Festival Observatorio con las actuaciones de MERITXELL DE SOTO, L0RNA y EZEZEZ. Celebrado a los pies del Castillo de Balboa, en El Bierzo (León), es un evento reducido, independiente y sostenible que se celebra en sintonía con la naturaleza, y que comparte con Jäger filosofía de descubrimiento.
Vida Festival
6-9 agosto
2-4 julio
Uno de los clásicos de los veranos festivaleros de Jäger es el escenario de la Cabana en el Vida Festival (Vilanova i la Geltrú). Este año, con las propuestas más vinculadas a la nueva ola nacional con mucha representación catalana: AZULEJA, KILIKI, ALAVEDRA, SVSTO y MERITXELL DE SOTO
Truenorayo
Marisquiño
El festival gratuito de cultura urbana y deportes de acción de Vigo -que es el más grande de su clase en todo el sur de Europa, por cierto- es mucho más que un conjunto de conciertos: exhibiciones de skate o bici competiciones...acrobática, Jäger aporta su experiencia en la parte musical con L0RNA, FRESQUITO Y MANGO y EL VIRTUAL
25-26 septiembre
Dos días de conciertos en La Mutant de Valencia, reivindicando la sala como espacio y la escena underground de nuestro país. Jäger participa directamente en la programación con las actuaciones de KILIKI, EZEZEZ y MERITXELL DE SOTO
ESCENARIOS
FSTVL B
17-19 septiembre
Antiguo Cara B, el FSTVL B ha ampliado considerablemente su propuesta desde que se mudó desde Fabra i Coats al Parc del Fòrum. Escaparate para el nuevo pop y la nueva música urbana de nuestro país, Jäger tenía que estar. Lo hace con el concierto de L0RNA y con el b2b especial entre MERITXELL DE SOTO y MERCA BAE
Meritxell de Soto
Teo Lucadamo
Alavedra
Azuleja
L0rna
Kiliki
EZEZEZ
SARA ZOZAYA LA NUEBA
Si en algún momento te has relacionado de cerca con la escena artística y musical de Euskal-Erria, y más concretamente de Donostia, es probable que conozcas a Sara Zozaya desde hace tiempo. Que incluso hayas trabajado con ella o coincidido con ella en alguna ocasión. Para el público general, sin embargo, se “desveló” más bien como parte del trío donostiarra Merina Gris sobre todo a partir del éxito de Zuloa (2025), con el que aparecieron en portada de esta revista. Los más avispados ya podían relacionar a la banda con almas gemelas como Margarita Quebrada -urgencia punk digital pop-, o conocer a Sara por su participación en el Cancionero de los cielos (2024) de Viva Belgrado. Precisamente con Aloud Music, que en su momento acogió a la banda de post-hardcore cordobesa, ha estrenado Zozaya su último trabajo en solitario, el EP attä, donde abraza su amor por una electrónica más etérea, evocadora, naturalista y ambiental. Actualmente, mientras Merina Gris se toma un merecido descanso, se encuentra preparando el que será su segundo disco, y disfrutando de la pausa que le aporta un proyecto mucho menos violento y más intimista.
PARC DEL FÒRUM · FRIDAY 7TH AUGUST 2026 · 3PM--1AM
BRIEELA · CASSIUS LIVE · DEER JADE · DJ SWEET6TEEN
DOUDOU MD · ENZO SIRAGUSA · GIGI ROS · GUSSET
IGNEZ · JAMIE JONES · JEFF MILLS · JOVEDRY
KAYTRANADA · KEVIN DE VRIES · LILDAMI · MARRØN
MASSANO · MAU P · MISS MONIQUE · NADI CABBAD
NHYMPH · PARAMIDA · PAUL KALKBRENNER · PAULA GM
RØDHÅD · SETH TROXLER · SHANTI CELESTE · SETH
PARC DEL FÒRUM · SATURDAY 8TH AUGUST 2026 · 3PM--3AM
999999999 · ACID ARAB LIVE · ÂME DJ B2B TRIKK
AMÉMÉ B2B LP GIOBBI · B1N0 · BASHKKA B2B SALLY C
BIIG PIIG · BIXBITA · CAMELPHAT · CHAOS IN THE CBD
DANI6IX & IZZKID · DEBORAH DE LUCA · ERIC PRYDZ
FLASHY ICE CREAM · FLOATING POINTS LIVE
I HATE MODELS · INEXXSTABLE · JAMIIE · JEN CARDINI
JULIAN ANTHONY · JULIET FOX · KLARA MISSYLE
LUCIANO · MAX DEAN · MERCÈ · NUUP · SNTS
SYREETA · WADE · YU SU ·
PARC DEL FÒRUM · SUNDAY 9TH AUGUST 2026 · 3PM--11 PM
THE BLAZE DJ · MARIAN ARISS · MIND AGAINST PARRA FOR CUVA · RY X DJ
OFFICIAL AFTERPARTIES · INPUT, LA TERRRAZZA, UPLOAD, NACAR
ABSTRACT DIVISION · ALICE CAROLINE · ANDRØMEDA
ANFISA LETYAGO · AVANGART TABLDOT · CHLÄR
DANILO PLESSOW AKA MCDE · DJ SENC · FEDELE · GEE LANE
DANILO PLESSOW AKA MCDE · DJ SENC · FEDELE · GEE LANE
GRETA LEVSKA · HEANDME · HITCH · ISA ROJAS
GRETA LEVSKA · HEANDME · HITCH · ISA ROJAS
KAMMA & MASALO · LEON VYNEHALL
KAMMA & MASALO · LEON VYNEHALL
LOBSTER · MARA BRAVO · OMOLOKO READ THE NEWS · SHALL OCIN
ALDHARA
La escena emergente en España es, cada vez más, un grito al cielo para que esta generación construya de nuevo una identidad en la que podamos vernos reflejados. No se trata de imitar el pasado, sino de reivindicarlo y adaptarlo al momento. Una de las artistas que pueden hacerlo es Aldhara, una madrileña del barrio de Campamento nacida en EE UU -interesantísima contradicción-. Formada en violonchelo en el conservatorio, acaba de sacar su primer EP, Belladona, y ya supera los cien mil oyentes en su perfil. El álbum -producido por Ismael Guijarro, nominado al Latin Grammy por Cuando el río suena… de Rozalén, y también productor de nombres como Saiko- toma el nombre de la bella planta conocida como la “droga de las brujas”, esa que en pequeñas dosis provoca alucinaciones y delirios, estadios por donde la madrileña nos lleva a lo largo de las seis canciones de este debut. Muy emocional en su voz y en las letras, apuesta por el eclecticismo sonoro abrazando el folclore, algo de electrónica y melodías pop. Sin apenas singles publicados, Aldhara también llamó la atención de su actual sello Raw Music, e incluso ha protagonizado una campaña internacional con Bershka con la canción Edén, que también está incluida en su EP. Si quieres empezar a escucharla, te recomiendo Los que ganan, una de las canciones con mayor repercusión de Belladona, y también su último tema, Cascabel, con Bajando al Mercao, otro grupo emergente nacional que no puedes dejar de escuchar. Este verano tiene algunas fechas por España, con parada especial en septiembre en la Feria de Albacete junto a Bebe y Chambao.
LA NUEBA DE CRIS
LA NUEBA
DIARA
Nacida en 2005 de madre catalana y padre senegalés, Diara empezó su carrera vinculada con las Artes Escénicas, y trabajó como modelo desde los 16 años. Pero en 2024 decide mudarse a Barcelona para formarse como productora y perseguir sus sueños musicales. Esto la llevó a conocer a la Cutemobb, familia-colectivo artístico organizado en torno a Leïti Sene que le dio sus primeras oportunidades, y con quienes ha salido recientemente al escenario del Sónar. Y desde entonces está desarrollando poco a poco una personalidad en solitario que se desliza desde el hip hop y el trap hasta los afrobeats por las vías del pop y el R&B alternativo, usando el castellano, catalán e inglés. Acaba de estrenar Me mudo a Marte, un EP donde asienta su relación con el productor iseekarlo y con el que ha actuado en la Sala Apolo -como parte del ciclo AFERS-, y este mes de julio publicará una segunda parte con sonidos más veraniegos, More Sugar. El 11 de julio lo presenta en directo dentro de la programación del festival Eufònic de las Terres de l'Ebre.
Foto:
Valentina González
Parquesvr Mitos y leyendas
Boyanka Kostova X
Néboa Barco Fantasma
Apolo18 Intentos de facer vida
Las Nietas del Charli Un Sol dentro
mariagrep & Mundo Prestigio Voy a pensar en ti
Inés de Lis TIME HONEY
Niños Luchando jab/cross
Baiuca Barullo Remixes
BARIRI Después de esa nube
Lucas Jesús Dark Emo Cowboy Sexy Dream
Alexandre Villalba Airoa
Antía Muíño Anfibia Por Veces
Elena Carat Mi deseo es transparente
Rita Ojanguren Ojos de Leche
Usted Sabor Severo
Y en los próximos meses discos de:
Escandaloso Xpósito . Salvar Doñana . María de la Flor . Técnicas y Procedimientos PatataOnStereo . Música Casera . Adriano Galante . Skanderani . Xosé Lois Romero . Y más...
LAFRANCESSSA LA NUEBA
Artista-transformista precaria e independiente, política, glamurosa, decadente, provocadora, provocativa y genial, Pere Francès representa todo lo que está bien en la escena disidente, punk, queer y underground de Barcelona. Desde 2020 nos lleva enseñando sus distintas transformaciones, todas con un subtexto que critica y ridiculiza los delirios del capitalismo voraz contemporáneo y desplegando nuevas capas de experimentación y deconstrucción electrónica, hyperpop, IDM, utopías digitales... Ahora, con TOUNTA..., y encarnando a Linda Vangelisss, un fantasma de la ópera de la decadencia en un Paral·lel ciberpunk habitado por putas ciborg, yonquis de metadatos, dealers de surface noise, cupletistas industriales o actores que aún no han alcanzado la singularidad y no saben que son simples hologramas, LaFrancesssa entrega su trabajo más definitivo hasta la fecha. Arca se encuentra con Fabio McNamara en el teatro del fin del mundo, a cielo abierto, sobre las ruinas de la cúpula colapsada. La lluvia ácida cae sobre ellos con violencia, pero no van a dejar de cantar hasta que la carne y la piel se hayan desprendido de sus gargantas.
LA NUEBA
ISABEL AIMÉ GONZÁLEZ SOLA
A los 20 años, esta chica de Mendoza cogió un avión y dejó su Argentina natal para poner rumbo a Francia, donde había conseguido entrar en un programa de intercambio para trabajar de niñera. Aterrizó en Nantes y, completamente fuera de lugar, encontró su sitio en el teatro. Se formó como actriz dramática, obtuvo sus primeros papeles, fue escalando y en pocos años se vio participando en varias series locales con relativa atención, aunque surfeando siempre papeles secundarios. Pero de repente su historia -la de una joven argentina perdida en Europa- resonó con la directora Milagros Mumenthaler, que la convirtió en la protagonista de su última película, Las corrientes. En la cinta, Isabel es Lina, una diseñadora de moda que está empezando a entrar, con 34 años, en el clímax de su carrera, pero que tras recibir un importante premio en Suiza siente un impulso y se arroja al río Ródano. Las corrientes la salvan, pero al regresar a Argentina con su familia empezará a sentirse desconectada de su propia vida. Este drama psicológico que reflexiona sobre las cargas que nos imponen las lógicas del capitalismo, ha supuesto a la vez el regreso y la confirmación de la personal cineasta argentina, conquistó el Premio TVE Otra Mirada del Festival de San Sebastián, y nos ha servido para descubrir a una actriz con mucha sensibilidad que, quizá sin esta oportunidad, se hubiera seguido viendo relegada a los créditos de relleno de alguna producción rándom de Netflix. Celebramos.
CAÓTICO PERO GENIAL
Por: Aleix Ibars
Director de Comunicación de Primavera Sound
Sucedió con Geese en la pasada edición de Primavera Sound Barcelona. Cuando el 25 de septiembre del año pasado se anunció el cartel de la edición 2026 del festival, faltaban 24 horas para que se publicara Getting Killed, el cuarto álbum de la banda neoyorkina. Por aquel entonces, Cameron Winter y los suyos todavía eran un grupo más: tenían tres discos en su haber, de recepción aceptable, y un cierto reconocimiento en el circuito indie pero poco más. En el cartel del festival se anunciaba doble concierto: por un lado, del grupo, y por el otro, de su líder Cameron Winter en solitario.
Flash forward a mayo de 2026: Geese son el grupo de guitarras del año y a pocos días del arranque de Primavera Sound Barcelona 2026 anuncian un concierto en sala antes del festival cuyas entradas se agotan en minutos. Todo el mundo quiere ver a Geese, todo el mundo habla de Geese. Transcurrida esa catarsis inicial el miércoles en la sala Paral·lel 62 para los mil y poco escogidos, la jornada del jueves del festival será recordada como el jueves de Geese -con permiso de la lluvia-, primero por el inolvidable concierto de Cameron Winter en solitario al piano a las cinco de la tarde en el Auditori Rockdelux y luego por el concierto de Geese bajo la lluvia. Un triunfo absoluto que, apenas nueve meses antes, nadie podría haberse imaginado y que cobró forma física en Primavera Sound Barcelona: el fenómeno era real. Era de carne y hueso. ¿Qué pasó? Pues una combinación de factores que coincidieron en el lugar y el momento perfectos: una apuesta clara del festival por una banda más o menos emergente que estaba despertando interés -hay que decir que los primeros singles de Getting Killed ya daban pistas y apuntaban maneras; inolvidable ese Taxes que es lo más conectados que nos hemos sentido nunca a una declaración de la renta-, una campaña mediática bien ejecutada y, sobre todo, un disco ambicioso y apabullante que simple y llanamente encontró su público.
JAZZ EÑE 2026
DEL 22 AL 25 DE JULIO TEATRO
VICTORIA EUGENIA (DONOSTIA - JAZZALDIA)
Un año más, la Muestra de Jazz para Programadores internacionales de la Fundación SGAE aterriza en el prestigioso festival Jazzaldia con ocho propuestas que sobrevuelan lo mejor del jazz nacional de nueva creación. En NUEBO, seleccionamos nuestras favoritas.
XAN CAMPOS
En su último trabajo, Amorodios, el pianista y compositor Xan Campos reúne la experimentación en el jazz moderno -abierta a conexiones con la música electrónica, el pop o el rock experimental- con el lenguaje de la música folclórica gallega. Lo hace gracias a la voz de Faia Díaz, cantante tradicional ajena al jazz; o a la percusión de Iago Fernández, que incluye instrumentos tradicionales y se adapta a las rítmicas del folclore. Completa el cuarteto Virxilio da Silva a guitarra y bajo.
PLEITO
Saxofonista experimental de Gran Canaria, Alba Aceytuno se sirve de una pedalera de loops y varios efectos para desplegar una propuesta que se estructura esencialmente en torno a la respiración, ya sea en bucles de respiración circular o con susurros que conforman el armazón rítmico. Suma eso a su voz y melodías tradicionales canarias y tienes una de las sorpresas del “jazz” reciente: loscoloresdelaspiedras
ANGGIE OBIN
La flautista panameña afincada en Barcelona, Anggie Obin, dirige su propio y singular quinteto. Formando con Gorka Benítez (flauta travesera, saxo tenor), Masa Kamaguchi (contrabajo), Diego Hervalejo (piano) y Estefanía Chamorro (batería), presentará el espectáculo que da forma a su primer trabajo, Luz: una mezcla libre de jazz espiritual y arreglos clásicos norteamericanos guiada salvajemente por los vientos.
Sigue el QR y descrubre toda la programación de JazzEñe 2026, que se celebra en el marco incomparable del Jazzaldia.
VÍCTOR ANTÓN CUARTETO
El guitarrista zamorano Víctor Antón arma una formación con Daniel Juárez al saxo, José Antonio Miguel al piano y Rodrigo Ballesteros a la batería para presentar su último trabajo, Nudos. Música inevitable Una conjunción de jazz clásico en la tradición estadounidense que se encuentra con todo tipo de experimentos guitarrísticos electrificados en la frontera del rock experimental, el blues o el folk.
FIFA WORLD CUP 2026 X BERSHKA
El Mundial de la FIFA 2026™️ sigue acaparando todas las miradas y Bershka mantiene vivo ese espíritu futbolero con una colección cápsula desarrollada junto a Outerstuff. La propuesta reinterpreta la estética del fútbol desde una perspectiva urbana, contemporánea y global. Entre las piezas más destacadas se encuentran camisetas de fútbol inspiradas en las equipaciones oficiales, además de baby tees, tops halter y bandeau, que fusionan el imaginario deportivo con las tendencias del momento. Una colección pensada para seguir celebrando el fútbol dentro y fuera del estadio, demostrando que el Mundial también se juega a través del estilo.
Visitamos la fábrica de New Balance en Flimby, cuna de la línea Made in UK: un pequeño reducto en el norte de Reino Unido y a las orillas del Mar de Irlanda donde se manufactura -con ética artesanal y materiales de proximidad y alta calidad como el ante de piel de cerdo- uno de los modelos más icónicos de la marca, la 991. Las probamos bajo el diluvio del jueves en el Primavera Sound y os podemos asegurar que funcionan.
EL SECRETO MEJOR GUARDADO DE UK
NOBEDADES WHERE TALENT IGNITES
Audiovisual From Spain, la marca creada por el ICEX para promocionar por el mundo el talento y las capacidades creativas de la industria audiovisual española, cuenta con tres nuevas joyitas, tres cortos que ya pasean nuestra idiosincrasia por festivales internacionales de cine. ¿Quieres saber quién hay detrás de cada uno?
Flamenco / Dirigido por Carla Simón Y protagonizado por Rocío Molina, este cortometraje revisita el flamenco desde una perspectiva contemporánea a través de la música, el baile y la memoria cultural. La pieza cuenta además con la participación de Niño de Elche, Dolores La Agujeta, Carmela Greco y Ángeles Toledano. La cinta fue producida por Mamma Team, buscando rendir homenaje a un género cinematográfico prácticamente olvidado: el musical flamenco.
No hace falta ir a Cannes, Shanghai o México para disfutar de estas piezas. Basta con que uses este código QR.
y
por
Explora el universo del diseño español más cotidiano: objetos de deseo, artilugios funcionales, cosas..., mediante una propuesta de animación protagonizada por el imaginario creativo de Jaime Hayon, y con la participación de artistas como Yerai Cortés, La Tania, Isabel Herguera, María Médem, María Trénor, Marc Torices, Jordi Labanda o Khris Cembe.
La Tarara / Dirigido por Nicolás Méndez y producción CANADA Este cortometraje se adentra en el territorio de la moda y lo vincula a la narrativa cinematográfica contemporánea. Cuenta con la participación de Bárbara Lennie, Rossy de Palma, Milena Smit, Eugenia Silva, Palomo Spain, Arón Piper, Miguel Bernardeau, Maria Arnal y otros destacados talentos de la cultura española.
La llama / Dirigido por Turbo (Pau López y Gerard del Hierro) Producido por White Horse y Apartamento,
escrito
Leticia Sala.
Para este verano tenemos preparadas dos sesiones de NUEBO Talento muy especiales: La Tania, en estado de buenaesperanza, interpretando uno de sus últimos singles, Palace; y al protagonista de nuestra portada de mayo, Fuji?, haciendo lo propio con Like!
UNA PRODUCCIÓN DE NUEBO & GAMÍN ESTUDIOS
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REALIZACIÓN Y MONTAJE: PABLO BERDÚN
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DMOCRACIA X BNOMIO
VALORES DEMOCRÁTICOS
Nuestra Democracia cumple medio siglo: 50 años de libertades, de progreso y de apertura. La Celebración de los 50 años de España en Libertad -una iniciativa del Gobierno de España a través de la Secretaría de Estado de Memoria Democrática- busca poner en valor esos avances y concienciar sobre los logros alcanzados durante nuestra andadura parlamentaria. Acercar la memoria de nuestra Democracia a las nuevas generaciones y fomentar una ciudadanía crítica y consciente. La colección de Bnomio DMOCRACIA lo hace a través de la moda y el streetwear, utilizándola como un lienzo sobre el que construir afiliación y activando el cambio social.
El director creativo Bnomio se une a la Celebración de los 50 años de España en Libertad con una colección de streetwear -look completo: camiseta, hoodie y pantalón- que propone una alineación con los valores democráticos. “Cuando te vistes, te posicionas. Las prendas que eliges hablan de quién eres, de lo que piensas, de lo que defiendes”.
UNA SESIÓN DE FOTOS EN EL CONGRESO DE LOS DIPUTADOS
La imponente arquitectura neoclásica del Palacio de las Cortes, sede del Congreso de los Diputados, ha sido el marco en el que se ha presentado la colección con una sesión aprobada por la Mesa del Congreso. La idea es situar a las nuevas generaciones, con sus códigos estéticos y visuales, en un lugar que representa a toda la sociedad española y que encarna los valores comunes de la Democracia, para reducir así las distancias que a veces parece haber entre lo institucional y lo urbano. Son imágenes potentes, de alta carga simbólica, y que plantean una aparente contradicción. Los jóvenes están listos para tomar, desde la responsabilidad, un lugar que también a ellos les representa.
COMUNICACIÓN NO VERBAL Y POLÍTICA
Lo que vestimos enseña de nosotros una forma de ver el mundo, una forma de posicionarnos ante él. Expresa nuestros valores estéticos, nos alinea con unos círculos u otros, nos identifica... ¿Por qué no va a representar también nuestros valores políticos? Vestirse es en sí mismo un acto político, y de eso va DMOCRACIA: de usar los códigos del streetwear, reconocibles por las nuevas generaciones, para convertir la moda en un vehículo de expresión de los valores democráticos. Las prendas no están a la venta: se usarán en eventos del programa España en Libertad, convirtiéndose más en un símbolo que representa la Democracia como algo cotidiano y a reivindicar, a lo que adherirse.
BRISTOL X EL MUNDO
Festivales, arte urbano, música en directo y una energía creativa que se respira en cada esquina. En verano, la ciudad de Banksy o Portishead se convierte en el destino british ideal para una escapada low cost con amigos.
Comer: BOX-E es un restaurante dentro de contenedores en Wapping Wharf, la zona más de moda de Bristol. En The Canteen, junto al The Mild Mild West de Banksy, hay live music.
TEMPERATURA
JULIO / AGOSTO:
Max: 22°C
Min: 13°C
FESTIS Y EVENTOS
El gran Pride Day (11 jul) en The Downs pone broche al mayor evento LGBTQ+ del suroeste de Inglaterra. El Harbour Festival (1719 jul) transforma el puerto en una fiesta cultural gratuita para 250k personas. Y FORWARDS Festival (29-30 ago) trae a Tems, Little Simz, Wet Leg, Self Esteem, Dijon, Maribou State, Joy Crookes, Tricky...
Los grafitis no están reñidos con la decimonónica Clifton Village ni con su puente colgante, diseñado por Brunel. Millennium Square y Harbourside son zonas ideales para pasear, descubrir exposiciones -museo Arnolfini incluido- y disfrutar de vibrantes o apacibles espacios al aire libre.
Dormir: En The Artist Residence Bristol las habitaciones reflejan el espíritu arty de la ciudad. En el SS Great Britain Cabin Experience sabrás lo que era dormir en un camarote del s. XIX
Stokes Croft acoge arte urbano y vida alternativa. La ruta por los murales de Banksy solo es otro latido del corazón contracultural de este gran barrio.
Salir: La música electrónica y el drum & bass arrasan en salas como Lakota, Prospect o Document. En agosto, no es raro que se deje ver la crema londinense en sesiones especiales.
Compras: No dejéis de visitar los mercados creativos y vintage en Stokes Croft y Old Market. Y no os lo penséis: esa lámina de 15 pounds podría ser un auténtico Banksy, único.
Desde la experiencia que nos respalda en Livensa sabemos que hay asignaturas que se miden con exámenes. Otras, con sobrevivir a poner una lavadora sin llamar a tu madre. El primer año fuera de casa va un poco de eso: aprender a vivir mientras intentas aprobar Estadística, Derecho Romano o esa asignatura optativa a las ocho de la mañana a la que tú te apuntaste y que nadie más pidió.
Septiembre empezó con miedo. Miedo a no encajar. A comer pasta cinco días seguidos. A pensar que ibas a estar todo el día solo en la resi. A descubrir que la vida universitaria no se parecía en nada a lo que imaginabas. Pero entre parciales, cafés de máquina y audios eternos de “no puedo más”, pasó algo raro: empezaste a sentirte en casa. Y ahí tuvo bastante que ver la vida dentro de la residencia. Porque estudiar fuera no es solo estudiar. Es aprender a convivir con gente que hace carreras completamente distintas a la tuya. Sois de ciudades opuestas en el mapa, o incluso de países remotos, pero compartir biblioteca horas y horas, o acabar yendo a un taller de sushi cuando en realidad habías bajado “solo un momento” hacen que esta etapa sea aún más especial.
Todo esto no es casualidad. Clases de gym, planes, fiestas y actividades de ocio, al final, acaban siendo las cosas que más recuerdas del año. Yoga antes de exáme-
nes para bajar un poco el drama, talleres de cocina donde nadie sabe muy bien qué está horneando, pero sale bien; Livensa Games, fiestas temáticas, karaokes, bingos, escapadas, noches de cine o talleres de CV, también conocidos como “cómo entrar al mundo laboral sin entrar en crisis”. Y entre plan y plan, acabas conociendo gente que estaba igual de perdida que tú aquel primer día, que termina siendo con quien cenas a las 11 de la noche tras estar en la biblio, con quien haces trabajos o te vas de viaje. Esto es Community Life y Livensa.
Porque al final el primer año no va de tenerlo todo claro. Va de aprender sobre la marcha. Y de descubrir que echar de menos tu casa no significa que quieras volver. De comprobar que la gente que conociste en septiembre ahora sabe cuándo tienes un mal día sin que tengas que decir nada.
Y quizá eso también es aprobar. Si no, que se lo digan a estos Livensers.
Escanea el código QR para conocer todas las residencias que Livensa Living tiene repartidas en la península ibérica, así como sus plazos de reserva y otra información importante.
JOSÉ ÁNGEL RUIZ
"Era la primera vez que estudiaba fuera de mi casa y la experiencia ha sido muy agradable. La residencia tiene una ubicación que me ha ayudado, tanto para ir a la universidad -estudio Farmacia yla ubicación me permite ir andando-, como para salir y hacer compras por el centro. Sevilla ha sido una ciudad muy acogedora, con un ambiente y personal increíbles, y eso ha enriquecido mi estancia aquí. He conocido a personas en la residencia ya en la fiesta de bienvenida, y en recepción. Muchas se han convertido en amigos para siempre, y compartimos recuerdos bonitos. He participado en las actividades de Bingo y Cocina, buen ambiente en ambas actividades, pero finalmente me he rodeado de gente que conocí antes. En general ha sido un año bastante bueno y. sin duda. una residencia a la que recomendaría acudir. Y Sevilla es una ciudad que enamora".
ABDUL TEMBE
Livensa Coimbra
“HE
“A LOS QUE VIENEN DE LEJOS: NO TENGAS MIEDO, LIVENSA TE ACOGE”
Soy Abdul Tembe, vengo de Mozambique y este ha sido mi primer año en Livensa Coimbra. Cuando llegué, confieso que estaba nervioso. Nunca había estado tan lejos de casa y, además, nunca había tenido que encargarme de las tareas domésticas yo solo. También me preocupaba hacer amigos: venir de un país del que quizás no hubiera nadie más en la residencia me hacía pensar que sería difícil encontrar personas con las que identificarme. La realidad me demostró lo contrario. Hice amistad de inmediato con una de las coordis, Ana Luísa, y con un compañero brasileño que también acababa de llegar. Para mi sorpresa, también encontré compañeros que ya conocía de Mozambique. Al final, hice amigos de regiones
“Me llamo María. Soy una estudiante de primero de Educación Social de la Universidad de Salamanca y vengo de Cantabria. Elegí la residencia porque para el primer año era una gran oportunidad de conocer gente nueva y hacer un grupo no solo con gente de tu carrera, y me quedé con Livensa porque tenía muy buenas instalaciones y la habitación me ofrecía todo lo que necesitaba.
Ahora que ya acaba el año estoy muy contenta con mi decisión, porque he conocido
MARÍA LÓPEZ
completamente diferentes del mundo, algo que nunca habría imaginado. Este primer año fue, sinceramente, muy positivo. Aprendí a ser más independiente, a cuidar de mí mismo y a gestionar el día a día. Pero lo que más me marcó fue la apertura mental que Livensa me proporcionó. En Mozambique vivía, en cierta manera, dentro de una burbuja: veía el mundo desde una perspectiva muy limitada. Aquí, cada persona con la que interactué me enseñó algo diferente. Aprendí a mirar el mundo con mucha más empatía y comprensión. Recomiendo a cualquiera que venga de lejos: no tengas miedo. Livensa te acoge”.
algunos de mis amigos más cercanos de este año. La gente que trabaja en la residencia siempre me ha facilitado la estancia y me han tratado genial, lo que ayuda a estar fuera de casa. A veces he echado en falta a mis amigos y mi familia y algunas cosas de mi tierra, pero en general ha sido un muy buen año. Muy fácil de llevar. Lo que más miedo me daba era no tener mi lugar cuando volviera a Cantabria, o no poder estar tan presente y ayudar a la gente que quiero. Aun así, ha sido todo llevadero y haber conocido buena gente aquí me ha facilitado las cosas. Bajar con ellos a jugar un billar, a tomar el sol o a la biblioteca sin tener que salir de la residencia se agradece también".
ANA KATE PLONKSKY
“Este año que he pasado en Livensa ha sido una parte muy importante de mi primer año de carrera. Llegar a Barcelona, empezar Medicina y vivir fuera de casa puede dar bastante respeto. Sin embargo, vivir en Livensa ha hecho mucho más fácil esta salida de mi zona de confort. Rápidamente pasó de ser simplemente el sitio donde me alojaba a convertirse en mi segunda casa. Las instalaciones, la recepción y dirección, y el ambiente que nunca te hace sentir sola han hecho de este año uno de mis mejores. Me llevo muchísimos momentos del día a día: comidas, conversaciones, risas en las clases de pilates o yoga, tardes de billar o ping-pong e incluso las horas largas hasta tarde en la biblioteca. Pero sobre todo me llevo
“ME GUSTA PODER DECIR CON CERTEZA QUE AQUÍ TENGO UNA SEGUNDA CASA”
“LA GENTE QUE TRABAJA EN LA RESIDENCIA SIEMPRE ME HA FACILITADO LA ESTANCIA”
personas que han hecho este año muy especial. Livensa no solo me ha ayudado a hacer este tránsito más fácil, sino también a crecer, a ser más independiente y a conocerme mejor. Para mí, este primer año no habría sido igual sin todo lo que he vivido aquí y sin la gente que me ha acompañado en esta etapa. Me gusta poder decir con certeza que aquí, en Barcelona, ya tengo una segunda casa. Gracias, Livensa”.
Livensa Sevilla
Livensa Salamanca
Livensa Barcelona Sants-Badal
¿Qué tienen en común un loco mexicano firmado en Hakuna Kulala, un chileno que mezcla el reguetón con la guaracha electrónica, unas surcoreanas que quieren ser como Taylor Swift, uno de los familiares de la Plutomania que inunda las fiestas de Nigeria, el nuevo rey del pop urbano húngaro o los Vetusta Morla de Manila? Que todos están en la odisea vacacional de NUEBO. Si no das la vuelta al mundo, que sea porque no quieres.
Ansiedad1000
México
Aquí hemos hecho un poco de trampa, pero merece la pena: Tony Gallardo lleva años sacudiendo los cimientos de la escena electrónica underground mexicana, más o menos desde finales de los dosmiles. Pero no fue realmente hasta 2022 cuando la cosa salió de ahí para acceder al nicho experimental global, gracias a una recopilación de algunas de sus mayores fumadas por parte de Hakuna Kulala, hermano pequeño de Nyege Nyege Tapes. Ahora, también en Hakuna Kulala, estrena su nuevo proyecto, ANSIEDAD1000, con ABIZZZMO, una fantasía oscura de pop fragmentado, psicodelia vaporizada y cumbias crepusculares.
Chile
María Becerra le descubrió al mundo a este joven artista chileno que lleva las fórmulas de sobra conocidas por todos del reguetón hacia un terreno genuinamente local, casi feriante, que conecta con algunas melodías y ritmos populares de su país. Especialmente, la guaracha electrónica, que con su tempo rápido es fácil de relacionar con la energía electrónica de la EDM y los géneros electrolatinos. ¿Demasiado local para ti? De eso va NUEBO Mundo.
Azahriah ILLIT
Hungría
Antes de músico, Azahriah se hizo famoso en YouTube como Paul Street con un canal, Rejtélyek nyomában, dedicado a temas de misterio, rollo Cuarto Milenio. Cuando saltó a las barras y las melodías lo hizo ya como una estrella nacional, y ahora ostenta el honor de ser el primer artista húngaro en abarrotar el Puskás Aréna tres noches seguidas. Ni Dellafuente, oiga. Ha pasado de un sonido más eurovisivo a otro más urbano, y ahora, desde Aziverzum (2025), desarrolla un ejercicio de fusión con músicas tradicionales y sonidos electrónicos.
Corea del Sur Aunque es difícil hacerle sombra a aespa como girlband surcoreana más interesante de la actualidad, ILLIT vienen presentando credenciales bastante sólidas desde que debutaran en 2024 con el EP Super Real Me. Salvadoras de la HYBE actual junto a LE SSERAFIM ante la aparente disolución de New Jeans, ellas destacan porque en su estilo no es tan importante el chunda-chunda o una energía bombástica y militar, y se permiten emular con más libertad las fórmulas poperas que conquistan Occidente: TaylorSwift, Olivia Rodrigo, Sabrina Carpenter... a veces hasta un poco de PinkPantheress, por qué no. Mamihlapinatapai es su último EP.
Nigeria
Lleva relacionado con la música desde los 10 años, y es que Osahon Grandeur Uzama pertenece a una de las familias musicales más influyentes de la nueva África: los Pluto. Su hermano mayor, Shallipopi, fundó Plutomania, un sello que ha funcionado para poner en el mapa nigeriano -y global- a la ciudad de Benin, y que acoge también a su hermano mediano, Zerrydl. Los dos se abrieron camino subiendo freestyles virales a TikTok, y de ahí al estrellato. El pequeño debuta ahora en Plutomania con Street Therapist, uno de los trabajos más interesantes que nos han dado los afrobeats este año.
Filipinas
Si eres Radioheadero a lo mejor el nombre de esta banda filipina te suena: es un acrónimo de dos canciones del OK Computer, Fitter Happier y Karma Police. El proyecto empezó antes de la pandemia como aventura en solitario de Joao de Leon, y ha evolucionado hasta el cuarteto actual que va a lanzar en breve su primer disco. La idea es sencilla: hacer un poco lo que hicieron Vetusta Morla en el pop rock alternativo de nuestro país entre lo 2000 y los 2010. La proyección de estos es mundial, sin embargo, y ya están teloneando a Men I Trust.
Por: Daniela Urzola
CHARLI XCX
Fotos: Aidan Zamiri
Con ‘brat’, Charli xcx culminó una década de ascenso en el filo del mainstream y el culto underground. En su nuevo disco, carpetazo a aquella fiesta preocupadamente despreocupada que acabó en delirio colectivo, Charli sintetiza todas sus versiones -la cantante, la compositora, la productora, la it girl, la modelo, la actriz- desde un glamour decadente y en B/N, replanteando lo que los viejos tótems representan para la cultura y dejando clara su visión holística del arte. ‘Music, Fashion, Film’ es otra nueva reacción contra sí misma, esta vez desde una vulnerabilidad más descarnada. Y quizá no cambie ni su carrera ni el mundo, pero nos da una razón para sobrevivir a otro verano.
MUSIC
Charli podría haber camuflado en su carrera como modelo, fashion victim y actriz las inseguridades que comprensiblemente entrañarían suceder el ÉXITO de ‘brat’. Pero entonces Charli no sería la mocatriz definitiva. En lugar de eso abrazó el lado gótico de la vida y ahora entrega un nuevo trabajo elegante y brutal, puro glamour decadente, en el que refleja, más que nunca, sus pasiones.
El 7 de junio de 2024 quedó para siempre en los anales de la historia del pop con el lanzamiento de uno de los discos definitivos de esta generación. Si bien Charli xcx no era ninguna desconocida, brat significó su irrupción total en el mainstream hasta llegar a ser un fenómeno cultural. El “brat summer” ocupó todos los espacios: de boiler rooms y festivales a bailes virales en TikTok, campañas presidenciales -“Kamala is brat”- y colaboraciones con otras grandes artistas del pop como Billie Eilish o Lorde. Pero, más allá del espectáculo, fue la vulnerabilidad del disco lo que impulsó su éxito: una mezcla de performance e intimidad en la que, desde el lugar más personal -el de la confrontación consigo misma-, Charli logró construir un canto generacional, dejándolo todo, cuerpo y alma, en el escenario.
Paréntesis: aunque Charli siempre funcione musicalmente desde la repulsión, su propia personalidad se puede reconocer como un hilo conductor. Y en su actitud de british punk que proviene de una familia económica y culturalmente solvente, siempre hubo esa actitud provocativa de replantear lo que significa una rockstar. En su nuevo álbum explora definitivamente este sentimiento.
Elipsis a abril de 2026, cuando Charli xcx declara a British Vogue: “I think the dance floor is dead, so now we’re making rock music”. Para nuestra sorpresa, lo que parecía una frase suelta en una entrevista en realidad era el primer avance del lead single de un nuevo disco que llegaría el 24 de julio. Como ha explicado recientemente en una exclusiva para Rolling Stone UK, “esa letra habla en gran medida de mi relación con brat y de mi experiencia personal con ese álbum. Mi marido dirige un sello discográfico de música dance. Últimamente han salido al mercado un montón de discos increíbles relacionados con la música dance y la electrónica, ya sean de Slayyyter, Underscores o PinkPantheress. La música dance está viviendo un momento increíble”.
“TODOS MIS DISCOS TRABAJAN EN OPOSICIÓN. SE REPELEN, Y ESO ES LO QUE LOS CONECTA”
Con estas palabras Charli disipa los rumores en torno a su rechazo a la música dance y aclara que se trata de un distanciamiento de todo lo que su disco anterior implicó para ella en las esferas de lo personal y profesional. “Todos mis discos trabajan en oposición. Se repelen y eso es lo que los conecta”, añade. Y es que, si brat iba “en contra de sí misma”, como señalaba Diego Rubio en el número 25 de NUEBO (julio-agosto 2024), Music, Fashion, Film parece mirar hacia dentro para ir más allá de ella, pasando de aquella vulnerabilidad camp a una especie de fatalidad glam. Al respecto, el productor A.G. Cook señala: “Lo que me parece interesante es que Charli ha conseguido seguir mirándose a sí misma desde un punto de vista lírico y llegar a esas perspectivas crudas que encajan perfectamente con la música”.
Esta descripción parece encajar con la primera figura de la triada en portada. Cualquiera que siga a Charli desde sus inicios conoce la influencia que John Cale y The Velvet Underground han ejercido en su manera de ver y entender la música, siempre con un pulso experimental. La admiración es mutua. “Su espíritu de descubrimiento en la música y el cine no conoce límites”, destaca Cale de Charli tras haber colaborado en House, el conmovedor tema gótico que hicieron juntos para la banda sonora de Cumbres borrascosas (Emerald Fennell, 2026). “Una cosa que se me quedó grabada fue cómo John Cale describió un requisito sonoro fundamental de The Velvet Underground: que cualquier canción tenía que ser a la vez ‘elegante y brutal’”, comentó Charli al hacer pública la canción. Así se siente Rock Music, con sus guitarras distorsionadas, percusión y glitches, y un videoclip que, inspirado en el arquetipo del rockstar -pogos, montañas de cigarrillos, caóticas habitaciones de hotel y teles cayendo por sus ventanas-, se aleja del verde brat y da paso al blanco y negro como nueva seña estética.
FASHION
Charli es una experta de la significación, y la moda, para ello, es un arma imprescindible. Lo que vestimos habla de nosotros, y para la británica comunicar a través de su aproximación a la moda ha sido siempre parte fundamental de su despliegue artístico. Su nuevo trabajo va, en este sentido, un paso más allá. Entre lo pop y lo grunge, Marc Jacobs encarna a la perfección su visión.
¿Hablamos de estética o lo hacemos de moda? En el caso de Charli xcx no hay distinción. Es algo que ya hemos visto en sus apariciones en la Met Gala, convirtiéndose en los últimos dos años en la musa de Anthony Vaccarello, director creativo de Yves Saint Laurent, y apropiándose del lema de este año: “Fashion is Art”. Pero este interés no solo se refleja en la alfombra roja sino también en su día a día. Basta ver cómo la “brat aesthetic” impulsó un estilo entre lo sexy y lo despreocupado que, con vestidos airosos y gafas de sol perennes, encapsula a la perfección el espíritu de una it girl de Los Ángeles saliendo de fiesta noche tras noche.
Resulta entonces lógico que en Music, Fashion, Film la moda pase a ocupar un lugar central, no solo con la mención en el título sino también desde su propio germen en octubre de 2025, durante la Semana de la Moda en París. Fue en ese corto período de tiempo cuando Charli, junto a A.G. Cook y Finn Keane, dio vida al nuevo disco. Como era de esperar, estas circunstancias permearon toda su composición. “Sabía que, al ubicarse temáticamente en este contexto, ella iba a asumir el method acting de ‘Charli va a grabar un álbum en París durante la semana de la moda’”, comenta Cook, con quien la cantante lleva trabajando desde 2015 y a quien incluso dedica una canción en el nuevo disco, mostrando que incluso en medio de la ironía y la crudeza aparecen también breves momentos de ternura.
La confluencia de todo lo anterior ha dado lugar a un disco anclado en la sofisticación y el eclecticismo, algo que se refleja en términos sonoros, visuales y conceptuales. Cobra sentido, entonces, la presencia de Marc Jacobs, quien además ocupa el lugar central de la portada. El diseñador neoyorquino siempre se ha mantenido cercano a la cultura popular, rompiendo con el binarismo de la alta y la baja cultura a través de un estilo crossover entre la elegancia y lo grunge. Lo más importante: celebrar la libertad de expresión. ¿Hay acaso algo más “brat” que eso?
El título cobra aún más sentido cuando Charli lanza el segundo sencillo, SS26. Aunque la distorsión es también un elemento presente aquí, el segundo adelanto del disco nos lleva por un camino más introspectivo, incluso existencial, revelando entre líneas un mensaje político ante los tiempos de desesperanza que atravesamos como humanidad. Esta aura de desolación detrás de un aparente glamour se transmite en el vídeoclip dirigido por David Toro y Solomon Chase, quienes conforman la dupla TORSO, conocida por su trabajo en el mundo de la fotografía y la moda y, más recientemente, por dirigir también el cortometraje que anticipa el próximo disco de Madonna, Confessions II
SS26 abre con la editora francesa Carine Roitfeld, quien exclama a viva voz “la moda no nos salvará”, mientras espera entre el público que las modelos empiecen a desfilar. Pero lo que podría parecer una suerte de homenaje a ese mundo revela un lado mucho más oscuro: desde las rutinas en el backstage hasta el abismo en el que se cae al final de la pasarela. Todo mientras Charli repite unas líneas ya icónicas: “Yeah, we’re walking on a runway that goes straight to hell / Nothing’s gonna save us, not music, fashion or film”.
Así llegamos a la tercera columna de su último disco, representada nada más y nada menos que por Martin Scorsese. A diferencia de Cale y Jacobs, cuya influencia se percibe de manera más directa, en primera instancia Scorsese pareciera estar más alejado del alegato feminista de Charli xcx. Pero hay aquí una relación más de forma que de contenido, a través de sus distintivos movimientos de cámara, el montaje dinámico de Thelma Schoonmaker y las narraciones en primera persona. Porque, de una u otra manera, es esto lo que lleva haciendo Charli toda su carrera: una artista siempre en movimiento, buscando nuevas y diferentes formas de narrar su propia historia. Algo que también ha logrado capturar Gus Van Sant en la sesión de fotos para Rolling Stone, en ese blanco y negro que caracteriza la era Music, Fashion, Film.
FILM
Precisamente a su nuevo camino interpretativo alude en letras como: “Am I being fucking stupid if I try to be a girl on the screen when I’m turning 34?”. Charli puede dudar, pero nosotros no. Porque lo que nos viene mostrando en pantalla es a una intérprete comprometida y entregada, igual que la artista pop. Todo ello se ve reflejado en The Moment, película que protagoniza, coescribe y produce, y en la que emplea el lenguaje del mockumentary para mostrar una disección ficcionalizada del ‘brat tour’ y el desgaste físico y mental que implicó para ella. Estrenada en el Festival de Berlín, se trata de una obra tan honesta como el disco del que se hace eco, a la vez que proporciona un cierre brillante a dicha era para dar paso a una nueva.
Si 2024 significó el boom de la Charli cantante, 2026 bien puede ser el año de la Charli actriz. La británica siempre ha tenido un gran gusto cinéfilo, expuesto en su cuenta de Letterboxd (@itscharlibb), donde se descubre como espectadora activa y crítica. Además, el proceso colaborativo detrás de su álbum de pandemia ‘how i’m feeling now’ fue recopilado en el documental ‘Charli XCX: Alone Together’. Era solo cuestión de tiempo que diera el salto a la interpretación.
Pero este es solo uno de los títulos en los que la prolífica Charli, a quien Cook define como workaholic, ha actuado recientemente. Tan solo en la temporada de festivales 2025-2026 la hemos podido ver en películas como 100 Nights of Hero, de Julia Jackman -adaptación de la novela gráfica homónima- o Faces of Death, remake libre de la película de culto de los setenta a cargo de Daniel Goldhaber y con Barbie Ferreira como protagonista. Se suman Sacrifice, de Romain Gavras, o las anticipadas The Gallerist, de Cathy Yan -en la que comparte reparto con Jenna Ortega y Natalie Portman- y I Want Your Sex, del mítico director queer Gregg Araki. Y, por supuesto, Erupcja, de Pete Ohs, un retrato emotivo en 16mm sobre las relaciones sexoafectivas en la vida adulta y la segunda película de la que es protagonista.
Charli también compone música para la gran pantalla, desde temas concretos para Barbie (Greta Gerwig, 2023) o Bodies Bodies Bodies (Halina Reijn, 2022) hasta hacerse cargo de las bandas sonoras de Bottoms (Emma Seligman, 2023) y Cumbres borrascosas o, más recientemente, con canciones originales junto a Jack Antonoff para Mother Mary (David Lowery, 2026). Por si fuera poco, tiene ya otros dos proyectos anunciados: la nueva película del director japonés Takashi Miike y la ópera prima de Dakota Johnson. Aún no hay mucha información sobre ellos, lo que sí podemos decir es que no parece que Charli vaya a parar en un futuro inmediato. Y aunque Music, Fashion, Film cierre con No One Lasts Forever, hay en su arte un aura de inmortalidad que, al menos aquí y ahora, celebramos.
Por: Yeray Iborra
En qué momento exacto la norma decide que un cuerpo encaja, ¿y qué carajo es la norma? Esa y muchas otras ideas preconcebidas están presentes en ‘El culto a la belleza’, la exposición del CCCB que hasta el 8 de noviembre reúne más de trescientas obras para incomodar y reflexionar bajo la batuta de Júlia Llull y blanca arias. Hablamos con las comisarias.
Recuerdo perfectamente la primera vez que pensé que era feo. No porque lo fuera especialmente -o eso decía mi abuela-, ni porque hubiera un trauma fundacional digno de un psicólogo de TikTok. Fue una tontería, como casi todo lo que se queda grabado a fuego. Una compañera de clase repartía cromos en el patio según una lógica que entonces me pareció misteriosa: a unos niños les daba las cartas buenas; a otros, las repetidas. A mí me hizo una mueca y se fue. Aquella tarde llegué a casa convencido de que existía una jerarquía secreta que todo el mundo entendía menos yo. Una especie de algoritmo invisible capaz de ordenar el mundo. Los guapos arriba. Los feos abajo. Más tarde comprendería que todos en algún momento estamos pivotando en la dicotomía. Quizá por eso resulta tan difícil hablar de belleza. Todo el mundo tiene una opinión. Todo el mundo tiene experiencia sobre el tema. Pocas cuestiones atraviesan con tanta facilidad el mercado, el arte, la política, el deseo y la identidad. Y precisamente por ello resulta llamativo que El culto a la belleza, la exposición que el CCCB acoge hasta el 8 de noviembre, evite responder la pregunta que cualquiera formularía antes de entrar: qué narices es la belleza.
Las encargadas de la muestra, Júlia Llull y blanca arias, comisarias independientes y educadoras, no quieren contestar el gran interrogante. Es más, sospechan de él. “La formulación de la pregunta es compleja, de entrada, por el verbo ser”, dice Llull. “Presupone que la belleza no será ambigua. La determina. Igual la pregunta sería cómo trabaja la belleza, cómo nos afecta”. Ahí se encuentra el corazón de una exposición tan atractiva como incómoda, nacida de un proyecto de Janice Li en la Wellcome Collection de Londres (2023) y ahora adaptado a la realidad de Barcelona, y que reúne más de trescientas piezas entre obras de arte, documentos históricos, fotografías, instalaciones y objetos relacionados también con la industria estética -¡Barbies y cremas por doquier, sí!- para analizar
EL CULTO A LA BELLEZA
“LO VIOLENTO ES EL DISCURSO SOBRE LAS COSAS, NO LAS COSAS”
cómo se construyen los cánones y qué cuerpos quedan fuera de ellos. No es una exposición sobre la belleza como esencia. Es sobre la belleza como fuerza. Las propias comisarias reconocen que parten de un lugar poco habitual. “Ninguna de las dos somos expertas en belleza”, señala arias. “Trabajamos sobre nuevos materialismos y deseos”. “Y todo ello relacionado con la cultura de la imagen”, añade Llull. La aclaración es importante porque explica buena parte del recorrido, que no pretende ofrecer una definición universal ni sustituir unos cánones por otros. “La belleza es un concepto muy situado”, afirma arias. “Esta exposición está situada en Barcelona, desde una perspectiva transfeminista. No quiere responder una pregunta... No nos interesa eso, sino las respuestas, las muchas que hay”. Esa voluntad se percibe desde el inicio. El visitante encuentra referencias al mundo clásico, pero cuando parece que va a comenzar el habitual
recorrido histórico por los ideales occidentales aparecen cuerpos que no encajan en la narración dominante. Figuras extrañas, híbridas, que rompen la ilusión de continuidad. “La belleza disidente no es contemporánea. Estaba antes, ¡hemos creado una narrativa que ha desatendido la disidencia!”, explica Llull. La exposición se articula en tres grandes bloques. El primero analiza cómo operan los cánones y de qué manera intentan disciplinar unos cuerpos que nunca terminan de dejarse domesticar. El segundo se adentra en la industria de la belleza, capaz de absorber las diferencias y convertirlas en tendencias comercializables. El tercero habla sobre el cuerpo como una realidad que desborda cualquier intento de clasificación: pelo, carne, piel. “El cuerpo está vivo y no puede ser contenido”, resume Llull. A lo largo del recorrido aparecen pelucas, corsés, cremas blanqueadoras o másca-
ras LED que recuerdan algo evidente y a menudo olvidado: la presión estética no nació con Instagram. La muestra incorpora, claro, obras, objetos y también videoinstalación, como la de Lorenza Böttner presentándose como una Venus de Milo contemporánea -para cuestionar por qué determinados cuerpos son aceptados como bellos dentro del arte, pero siguen siendo problemáticos en la vida cotidiana- o el espectacular e impactante final de Narcissister. También figuran artistas tan diversos como William Hogarth, Laura Aguilar, Juno Calypso, Zed Nelson o Shirin Fathi. Sin embargo, uno de los mayores aciertos de la exposición está en cómo las obras dialogan entre sí. No funcionan como ilustraciones de una tesis previa, sino como una conversación. “Cuando trabajamos con imágenes y obras de arte no trabajamos con ellas como ejemplos de un discurso”, explica arias. “¡Son el propio discurso!”. La idea se traslada también al diseño expositivo, concebido por Emiliana Design Studio. Un espacio de curvas, tonalidades rojizas y formas orgánicas que recuerda más a una anatomía que a una sala de museo. Nada parece completamente estable en El culto a la belleza. Las épocas se mezclan. Las categorías se contaminan. Las alianzas aparecen de forma insospechada. “Lo violento es el discurso sobre las cosas, no las cosas”, sostienen las comisarias. Hay una dimensión política evidente en todo ello. La exposición señala cómo el capitalismo, el colonialismo o el patriarcado se han servido históricamente de la belleza para ordenar y domesticar cuerpos. Pero evita caer en la promesa fácil de una revolución futura. Su propuesta es otra. “Hay mucha potencia creativa e imaginativa que ya está en nuestra historia. No es una exposición utópica, sino realista. No hay promesa de lo que vendrá, sino un presente continuo”, dice Llull. Al salir del CCCB volví a pensar en aquella escena absurda del patio del colegio. La niña de los cromos. La jerarquía invisible. La sospecha de que existía una fórmula secreta para ordenar los cuerpos. Quizá todos empezamos ahí. Intentando averiguar quién es bello y quién no. El culto a la belleza propone una posibilidad más incómoda: llevamos toda la vida formulando mal la pregunta.
EL CULTO A LA BELLEZA Hasta el 8 noviembre Varios artistas CCCB
Apuntes para una ficción consentida
Por: María Juesas
La primera ficción de Ana Serret lanza una carta de amor a un idioma ajeno y a la profesión de la actuación, con todas sus consecuencias. Presentada en la pasada Seminci de Valladolid, donde compitió por el Gran Premio Alquimias, ‘Apuntes para una ficción consentida’ convierte en relato la vida real de su protagonista, Isabelle Stoffel.
“Esta es una ficción consentida por la actriz Isabelle Stoffel a partir de sus propias vivencias, donde realidad y ficción se difuminan totalmente”, explica la directora y guionista Ana Serret Ituarte sobre la que es su primera película alejada de las fórmulas del documental. Después de trabajar como asistente y directora de segunda unidad con cineastas como Mario Camus, Fernando Colomo o Mariano Barroso, la madrileña logró hacerse con el Goya al Mejor corto documental por Extras (2003), donde perfilaba el retrato del veterano figurante Pablo Piñeiro. Ahora da el salto al largo de ficción con otra semblanza, no desprovista de la realidad que tanto tiempo lleva capturando. “Cuando Ana me dijo que se iba a pasar a la ficción con una película conmigo y sobre mí, no sabía lo que significaba, pero su sensibilidad cinematográfica me fascinaba y por ello confié y me abrí”, nos cuenta en entrevista Isabelle Stoffel.
La actriz suiza, que se dio a conocer a principios de siglo en la serie alemana
de drama carcelario Hinter Gittern (RTL), lleva más de veinte años residiendo y trabajando en nuestro país. Estrechamente ligada al cine y al universo personal de Jonás Trueba (La virgen de agosto), su primer papel en España se lo ofreció Gonzalo López-Gallego en Sobre el arco iris (2003). Desde entonces, ha actuado a las órdenes de Mariano Barroso, Fernando Trueba o Carlos Iglesias. “Vine aquí porque me enamoré del idioma español y es un amor que perdura”, cuenta Stoffel. “Cuando vivía en Suiza y en Berlín, ver cine español era la forma de estar en contacto con este amor. Ahí vi las películas de Almodóvar o las de Fernando León de Aranoa, que tanto me marcaron. Me encantó descubrir que el cine que se hacía en España era muy diverso, mucho más que el cine alemán de aquella época. Conocer a Jonás Trueba y trabajar con él ha sido y sigue siendo una experiencia vital que no quiero que se acabe nunca”, apunta. Colaborar con Ana Serret también ha supuesto una experiencia vital para la
actriz, que protagoniza junto a nombres como Alex Brendemühl uno de los proyectos surgidos de la primera edición de Residencias Academia de Cine, iniciativa que permite a cineastas emergentes y profesionales desarrollar proyectos audiovisuales relacionados con la ciudad de Madrid. Al funcionar como un espejo de la actriz, la película reflexiona sobre la identidad, sobre pertenecer o no al lugar en el que naces y sobre las falsas fronteras. En ella, la vida de la protagonista Lea Grand, intérprete suiza perdida en Madrid, se tambalea entre la precariedad laboral y la imposibilidad de seguir viviendo en el centro de la ciudad que ha elegido. Para encontrar su forma de ser, y de habitar, contará con la ayuda de personajes dispares que se cruzan en su camino. “Todo empezó sin que nos diéramos cuenta ni la directora ni yo”, reconoce Stoffel. “Fue en la Cineteca, tras una proyección de su documental La fiesta de otros (2015), que me encantó. Nos conocimos ahí y enseguida nos contamos muchas cosas. Tuvimos una conexión fuerte que nos sorprendió a las dos. Quizá no pueda decirse que empecé a trabajar en la película en ese momento, pero viví un encuentro maravilloso. Me fui a casa pensando: ‘Qué pena que esta directora se dedique al documental, porque me encantaría trabajar con ella’. Sin duda, aquella noche empezó Apuntes para una ficción consentida”.
El término presente en el título “consiste en que Ana empezó a aparecer mucho más en mi vida”, nos aclara la actriz natural de Basilea, donde también tuvo lugar parte del rodaje. “Iba a mis bolos de teatro, a las cenas con amigos. Ella empezaba a formar parte de mi vida, se inspiraba en cosas de mí, en detalles en los que yo no
hubiese reparado, y los mezclaba con otras cosas que le interesaba contar en la película”. La confianza en la directora también era fundamental para sostener esta ficción consentida, sin llegar a sentirse expuesta. “El cine son muchas cosas, pero sobre todo es mirada”, apunta la intérprete. “En su documental, Ana Serret retrató a los personajes con mucha dignidad. En ese sentido me sentía protegida por su mirada. Es muy bonito cuando alguien se interesa tanto por ti, y Ana siempre supo qué película estaba haciendo, qué tono y qué temperatura buscaba. Yo sabía que no iba a querer una composición de un personaje, sino que quería que el personaje de Lea estuviera cerca de la persona de Isabelle. A la hora de prepararlo estudié mucho el guion, me imaginé mucho las situaciones por las que transita Lea y luego me fui al rodaje confiando en que el cine es el arte del momento”.
“Me gustaría que los espectadores se quedaran con el deseo de dejarse llevar”, confiesa Isabelle Stoffel, que también manifiesta su deseo de seguir trabajando en España. “Las películas que hace Jonás Trueba con Los Ilusos Films son magníficas, preciosas, geniales. Y la manera en que las hace, desde la amistad, me llena de admiración. Si pienso en ello, querría estar rodando siempre. También he conocido aquí a otros cineastas cuyo trabajo me encanta, como Núria Giménez Lorang, Carlos Marqués-Marcet, Rai María, Mar Coll, Eva Libertad, Elena Trapé, Juan Cavestany, Cesc Gay, Javier Rebollo o Sigfrid Monleón. O recientemente he descubierto películas de cineastas como Jaume Claret, Marta Matute, Laura García Alonso o Gemma Blasco. Pero hay más: hay muchos cineastas y miradas interesantes en España”, remata.
Artistas en tránsito
Lost in Translation
Sofia Coppola / 2003
El encuentro entre un actor norteamericano en decadencia que acepta rodar un anuncio de whisky japonés en Tokio y una joven fotógrafa casada acabó conquistando a medio mundo.
Mi semana con Marilyn Simon Curtis / 2011
Michelle Williams se enfundó en la peluca rubia de Norma Jeane para recrear su tensa estancia en Inglaterra, donde llegó en 1957 para rodar con Sir Laurence Olivier El príncipe y la corista
El bailarín
Ralph Fiennes / 2018
El también actor dirigió al ucraniano Oleg Ivenko en el biopic del joven bailarín Rudolf Nuréyev, que cuenta su primer viaje de trabajo fuera de su hogar en la Unión Soviética.
El director neozelandés convirtió en ficción la historia real de Joy Womack, la primera estadounidense en graduarse en la prestigiosa Academia del Ballet Bolshoi de Moscú.
A los neoyorquinos YHWH Nailgun les han bastado 10 canciones y 11 minutos para crear uno de los discos más intrigantes del año. Partiendo de la no wave y el rock experimental, en ‘Magazine’ (2026), su segundo álbum, la banda rebaja su dosis de paranoia y agresividad para lograr un resultado más atmosférico, pero igual de caótico que lo que fue su debut, ‘45 Pounds’ (2025). Hablamos con ellos.
Por: Raúl Valdivia
Foto: Eve Alpert
“ESTE DISCO ES COMO UNA TRAMPA. UN AGUJERO CUBIERTO POR HOJAS QUE NO VES... Y ACABAS CAYENDO DENTRO”
Hace ya un tiempo que la escena underground norteamericana del rock experimental y el punk industrial está en estado de gracia. Bandas como Model/Actriz, Lip Critic o los propios YHWH Nailgun salen del nicho para llamar la atención de crítica y también público. Con minutajes más cortos y directos que lo que caracterizan a tótems del género como Swans -que basan su propuesta precisamente en lo contrario-, están atrayendo a un público joven sediento de caos y distorsión.
YHWH Nailgun han llevado al siguiente nivel este concepto de reducir las canciones a la mínima expresión. En su segundo álbum, Magazine, el cuarteto de Nueva York condensa 10 canciones en apenas 11 minutos de duración. “Teníamos que mantenerlas cortas, porque los cuatro estábamos realmente comprometidos con la idea. Podíamos haber dejado que las canciones se alargaran demasiado, pero no queríamos llegar a ese punto”, confiesan al otro lado de la pantalla, reunidos para esta charla en algún lugar de Londres. Y es que Zack Borzone (cantante), Sam Pickard (batería), Jack Tobias (sintetizadores) y Saguiv Rosenstock (guitarra) ya venían barruntando desde hace tiempo la idea de hacer algo como Magazine; concretamente desde que cerraron el capítulo de su disco debut, 45 Pounds. “No era un punto de partida estricto, pero sí que queríamos hacer algo realmente corto. La idea que tuvimos fue la de crear un proyecto que pudiera compartirse fácilmente. Tengo un amigo que me dijo que el álbum le pareció realmente bueno después de escucharlo tres veces, y me gusta esa idea”, comenta Zack entre risas.
Este concepto de condensar una idea en una canción que dura un suspiro no les supone algo nuevo, en realidad: las 10 canciones que formaban 45 Pounds apenas sumaban 20 minutos de duración. “Magazine se siente como una evolución natural de nuestro álbum anterior, aunque creemos que existe en el mismo universo que 45 Pounds. Hay momentos en los que nos divertimos mucho haciendo este disco, pero en general se siente como el cierre de un ciclo para nosotros”. Un cierre que se nota sobre todo en el cambio de enfoque que ha tenido la banda a la hora de componer este último disco. La agresividad se rebaja considerablemente, sobre todo en cuanto a las voces y a la percusión se refiere. Sobre este cambio, Saguiv comenta que la ban-
da se hizo una serie de preguntas antes de lanzarse a componer. “¿Cuántas cosas podemos cambiar y aun así seguir siendo nosotros mismos? ¿Qué aspectos de nuestra personalidad todavía no hemos explorado? Notamos que ya éramos un grupo de personas diferente y también teníamos una mentalidad distinta para este disco. Y por eso queríamos explorar cosas nuevas sin dejar de sonar como la banda que somos. 45 Pounds fue la resolución de una cosa, y Magazine es la resolución de otra”.
Además, el proceso de creación de este último álbum también tuvo diferencias notables con su predecesor. Zack comenta que “hubo un intervalo más largo entre la grabación de los instrumentos y la de las voces que la vez anterior”. Sam aclara que también hubo cambios importantes en la producción. “Queríamos centrarnos un poco más en el sonido de una habitación y colocamos un montón de micrófonos de ambiente por toda la sala. Como decías, 45 Pounds es un disco más directo, más físico, más inmediato; este es más bien como una trampa. Un agujero cubierto por hojas que no ves y en el que acabas cayendo”.
Sobre este distanciamiento de la agresividad, Jack comenta que usó un nuevo sintetizador para acompañar un sonido más atmosférico. “Me hizo pensar más en las melodías en vez de centrarme tanto en rellenar los bajos. Pude pensar en registros distintos, en notas distintas y en sonidos distintos”, confiesa. En Magazine , la banda al completo se puso a disposición de crear un sonido más atmosférico, aunque eso implicase tener que dar algún paso atrás. Sagiv lo notó a la hora de componer con la guitarra: “Cuando tocas la guitarra, lo más fácil es tocar cada nota individualmente y llenar todo el espacio disponible. Es más difícil dar un paso atrás y dejar más aire. Además, siendo canciones tan cortas, había que encontrar la manera de crear sensación de amplitud en muy poco tiempo. Por eso intenté crear melodías más largas y complejas que pudiesen funcionar como un ciclo”. Para lograr dar dos pasos hacia delante, a veces, hay que dar uno hacia atrás, y Magazine es un ejemplo de ello. Los neoyorquinos han dejado atrás la oscuridad que presentaban en su debut para lograr algo un poco más sensible. En palabras de Zack, “escribir este disco fue una experiencia increíble porque me obligó a ser más vulnerable, y siento que ese es un paso que siempre hay que dar”.
CD / DIGITAL / LP
MAGAZINE (4AD / POPSTOCK, 2026)
Ghost of Love / Stillness Blues / Innocent
Sigh / Hips on a Wheel / Ballerina / Give Blood / Magazine / Sewer Tree / Burns / To the Devil
L A BATALLA
Cada cuatro años, millones de seguidores de la geopolítica-balompédica esperamos el inicio de un nuevo Mundial. Fuera del campo, sin embargo, se juega una competición paralela que comienza mucho antes de la ceremonia inaugural. Un enfrentamiento sin árbitros ni clasificación, disputado en pantallas de tv, cines y redes sociales. A un lado del campo, Adidas. Al otro, Nike. Tú de qué equipo eres.
Por: Oriol Rodríguez
LA CUP
¿El mejor anuncio mundialista ever? Puede. Backyard Legends, de Adidas, recupera la esencia de aquel José + 10 de 2010. Los alemanes nos embaucan con una pieza que es puro cine de malas calles para dejarnos ir un mensaje ¿subliminal?: “Nosotros no vendemos camis, vendemos autenticidad porque sabemos que el fútbol nació en las aceras y, más que nadie, es de quien lo ama”. Gol. Una pista de calle -la icónica Pista Verda de Llefía, uno de los barrios más humildes de Badalona, en el extrarradio barcelonés, aunque aquí parece que esté en el corazón del Bronx-, y un equipo de pibes de parque: Isaak, Ruthie y Clive. No han perdido una pachanga desde 1996. Ni Beckham, Zidane y Del Piero en el prime de sus carreras pudieron con ellos. Respect. Un tres para tres, sin reglas. El primero que mete tres goles, gana. Te los meten a ti, te vas para casa con la cabeza gacha y aguantando el vacile de los colegas. Ouuuuu. Al otro lado de la pista, un trio formado por Lamine Yamal, Jude Bellingham y Trinity Rodman -una de las grandes estrellas de la selección femenina de Estados Unidos e hija del exjugador de la NBA Dennis Rodman; no sabe na’, el del casting-. Además, cameos de Pedri, Raphinha, Dembelé y el más grande de todos los tiempos: Messi, claro. Ampliando el Pantone de colabos: lo más tocho de la cultura pop en el verano de 2026. Partidazo.
CHALAMETVS KARDASHIAN
El tipo, odiado y amado a partes iguales, es, indiscutiblemente, uno de los actores referenciales de su generación. Nosotros lo amamos porque, aunque a veces rozando lo dramático sobreactuado, Timothée Chalamet es un flipado del fútbol; acérrimo, por influencia de su rama familiar francesa, del AS Saint-Étienne. Tal vez por ello, en el anuncio de Adidas, en un papel en el que interpreta algo así como un dealer-hustler-entrenador-del-equipo-de-las-estrellas, lo borda bastante. Lo de Kim Kardashian con el fútbol es algo mucho más tangencial. Ha olisqueado que el soccer mola y se ha apuntado a la campaña de Nike.
BAD BUNNY
YOUNG MIKO VS
Puede que a Bad Bunny no le guste tanto el futbol como a Rauw Alejandro -se ve que el ex de Rosalía no le daba mal al balón y, de no haberse lesionado, tenía números de llegar lejos en la MLS yanki-. Benito, como mucho, le da diez veces al balón sin que se le caiga, pero el soccer forma parte de su imaginario. Más desde que se ha aliado con Adidas: cameo en Backyard Legends, colección propia, la Bad Bunny x Messi y unas camis oficiales de su actual gira -hechas, claro, por la marca alemana- que tienen indiscutible diseño futbolero. Young Miko no alcanza sus niveles de popularidad, pero la toca mucho mejor: llegó a jugar en las categorías sub-17 y sub-20 de la selección femenina de Puerto Rico. Lateral derecha, dicen que la banda era suya. En el partido reguetonero entre Adidas y Nike la cosa acaba en empate.
Nike también nos ha tirado un caño con Rip the Script. Los de Oregon retoman el espíritu de sus megaproducciones dosmileras -Secret Tournament, Write the Future-, ahora sabiendo que el soccer ha trascendido lo estrictamente deportivo para convertirse en un fenómeno social y cultural. El fútbol ya no va solo de unos tipos sudando en el césped y otros gritando en la grada. Ahora es tan cool como el Coachella o el Primavera Sound. Rip the Script va de las más grandes figuras de la marca, de ahora y de siempre: Cristiano Ronaldo, Kylian Mbappé, Erling Haaland, Vinícius Júnior, Alexia Putellas, Cole Palmer, Nico Williams, Ronaldinho, Zlatan Ibrahimović, Didier Drogba y, evidentemente, Eric Cantona -no hay anuncio bueno de Nike sin el francés-, marcándose regates, sotanas y virguerías varias al ritmo frenético de un reel de Instagram. Estamos en 2026, aquí las cosas no tienen pausa y hay que mantener la atención del espectador. Mejor aún si le añades un LeBron James por aquí y unas cuantas estrellas del pop por allá. Ante el relato de Adidas, Nike apuesta más por el lucimiento y la espectacularidad. Tú decides de qué equipo eres.
T
Travis Scott lo debió gozar cuando fue al Camp Nou -de hecho, fue a Montjuïc- el día que el Barça lució en la cami (Nike) su logo. Ahora, y coincidiendo con el Mundial, más allá de aparecer en Rip the Script, el norteamericano ha creado una línea propia a través de su marca Cactus Jack en colabo con Nike recuperando la legendaria Total 90, colección -aquella de remeras oversized y botas plateadas con lengüetas infinitas- que entre 2000 y 2006 equipó a jugones como Ronaldinho, Wayne Rooney, Thierry Henry o Samuel Eto'o.
RAVIS SCOTT VS
LAMINE, MBAPE, V IN I JR...
Siempre ha sucedido algo curioso en la guerra entre Nike y Adidas. Ya pasaba en la era Messi-Cristiano: un hombre de Adidas jugando para un equipo de Nike, y viceversa. El escenario se repite con los nombres que más camisetas deben vender en todo el mundo.
Lamine Yamal es de los alemanes y defiende en su club una remera hecha por los americanos. Vini y Mbappé son de los de la “swoosh”, pero se enfundan las tres franjas sobre blanco.
Los tres protagonizan las campañas de Adidas (Lamine) y Nike (Mbappé y Vinicious).
MESSI CR7
Ya pueden ir apareciendo estrellas: Lamine, Mbappé, Vini, Haaland, Dembélé… que Messi y Cristiano Ronaldo siguen siendo los capitanes de la banda del patio. Lo sabes tú y lo saben en Adidas y Nike, que tiran -y tirarán- de ellos en sus campañas mundialistas. Un anuncio de los dos titanes de la industria deportiva sin sus dos iconos sería como un partido de fútbol sin pelota. Son actores pésimos, pero su aura vende millones.
Los Mundiales de fútbol no solo se juegan sobre el césped. Desde mediados de los años noventa, cuando el Mundial pisó por primera vez suelo yanki, Nike y Adidas han protagonizado una competición paralela tan influyente como la que disputan las selecciones: la guerra por apropiarse del relato, la estética y la emoción del torneo a través de la publicidad. Desde entonces, diversas generaciones de aficionados al más bonito de todos los juegos han soñado con los goles de Ronaldo, Zidane, Beckham o Messi, a la par que también aprendían a asociar cada Copa del Mundo a campañas que han convertido el marketing deportivo en un auténtico fenómeno social. Del tor-
NIKE: THE WALL
Nike jugaba en casa y ganó por goleada: varios magos del balón -varios de selecciones ni siquiera clasificadas como Francia o UKcomo lonas publicitarias pasándose la pelota por sus diferentes ciudades hasta que Bebeto, en Brasil, la mete a barraca. La publi mundialista nunca volvería a ser igual.
neo clandestino de Secret Tournament de la marca del “swoosh” al emotivo José + 10 de la de las tres franjas, ambas compañías entendieron antes que nadie que vender camis era mucho menos importante que vender una forma de entender el fútbol. Y, con ello, una forma de estar en la sociedad: este recorrido por sus campañas más emblemáticas explica cómo dos gigantes de la industria deportiva transformaron los anuncios en acontecimientos capaces de marcar la memoria colectiva de la cultura pop contemporánea, y en cómo, además, han ido retratando -poco a poco- la conquista de la diversidad e incorporado nuevos ídolos para llevar el fútbol más allá de los confines del campo.
1994 1998 2010
NIKE: WRITE THE FUTURE
Alejandro González Iñárritu dirigía este espectacular comercial con Didier Drogba, Fabio Cannavaro, Wayne Rooney, Franck Ribéry, Ronaldinho o Cristiano Ronaldo y cameos de Kobe Bryant, Roger Federer, Gael García Bernal... o Homer Simpson, aparición estelar. Ups.
ADIDAS: THE MATCH
Apostando ya por una estética más alternativa y narrativa, Adidas se desvelaba en el Mundial de Francia con Beckham, Del Piero, Kluivert y Zidane como protagonistas en un spot lynchiano y expresionista, en blanco y negro y con banda sonora -Angel- de Massive Attack.
NIKE: THE AIRPORT
La Canarinha espera en el Aeropuerto de Río a un avión que se retrasa. Aburridos, Ronaldo, Romario, Kaka, Rivaldo, Cafú, Dunga o Roberto Carlos -tela- se marcan un freestyle al ritmo del Mais que nada de Sergio Mendes. Nike volvía a dar el golpe con un anuncio para el recuerdo.
NIKE: THE LAST GAME
CR7 monta un equipo de ensueño para derrocar a un villano que ha convertido el fútbol en algo anodino en este corto animado -y muy fortnitero, todo sea dicho: muy de fútbol moderno- dirigido por la productora responsable de muchos vídeos de Gorillaz. Gamers: welcome.
ADIDAS: THE DREAM
Lo más interesante del anuncio -centrado en Messi y sus besties: Fàbregas, Alves, Luis Suárez- es la dirección de Fernando Meirelles y una canción de Kanye West, The Game, que tampoco es gran cosa. Su apuesta en Brasil fue crear contenido en tiempo real durante todo el Mundial.
ADIDAS: JOSE + 10
“Tratamos de hacer realidad el sueño de todo niño: poder jugar con tus ídolos”. Un campirri, una pachanguilla entre críos. José y Pedro, capitanes, deben formar sus equipos. Uno elige a Zidane, el otro a Beckham. Caen Riquelme, Cissé, Kaká, Defoe, Kahn, Lampard, Klose… hasta llegar a los mitos Platini y Beckenbauer. El fútbol debería ser siempre eso, dos niños, dos niñas de barrio haciendo realidad su sueño. No hay nada imposible.
NIKE: JOGA BONITO
Por primera vez Nike caía ante Adidas en la parte comercial, y eso que su apuesta por el jogo bonito enlazaba 17 minutos de puro orgasmo futbolero hosteados por -cómo no- Eric Cantona. A lo largo del Mundial de Alemania fueron lanzando en el portal JogoTV verdaderas cápsulas de pirotecnia balompédica: Ronaldinho, Rooney, Henry emulando a Harry Potter, unos jóvenes Cristiano e Ibra en un duelo de ego y balón...
2002
NIKE: SECRET TOURNAMENT
Adidas ganaba en el campo así que Nike solo podía redoblar su apuesta publicitaria. Para Corea-Japón organizó un torneo en una jaula canariera en un petrolero frente a la costa italiana: los 24 mejores jugadores del mundo -Figo, Roberto Carlos, Thierry Henry, Totti o nuestro Mendieta, que por aquel entonces, como cantaban Los Planetas, marcaba goles realmente increíbles- batiéndose a muerte súbita en equipos de 3, con Cantona como maestro de ceremonias. “Hoy en día sería imposible rodar un anuncio como aquel”, reconocían recientemente al New York Times desde la agencia responsable.
ADIDAS: CREATE THE ANSWER
La idea en Rusia estaba clara: el Mundial es el evento deportivo más relevante universalmente. Además de estrellas futbolísticas, por ahí desfilan otros perfiles asociados a la marca como la tenista Caroline Wozniacki, la supermodelo Karlie Kloss o músicos como Stormzy, A$AP Ferg o Pharrell Williams. Igual o más importante es que, si hasta ahora los anuncios mundialistas eran territorio machirulo, a partir de Create the Answer, ¡por fin! empiezan a aparecer mujeres en los spots. El de Nike, está guapo: una vez más, los jugadores de selección canarinha haciendo filigranas con el balón, etc… pero te olvidas de él tan pronto como acaba.
2010
ADIDAS: THE QUEST
La intensidad futbolera de este comercial no estuvo a la altura de esta frikada más bien colateral: una reversión cutre de la cantina de Star Wars con Snoop Dogg, Daft Punk, Noel Gallagher, Ian Brown, Beckham y Beckenbauer codeándose con Han Solo, C3PO y R2D2. Adidas tenía claro que el camino iba hacia incorporar narrativas extrafutbolísticas.
ADIDAS: FAMILY REUNION
Tras varias campañas excesivas, Messi volvía a reunirse con su familia futbolera -Pedri, Benzema...- en un back to basics de Adidas, con una estética que cruza la línea vintage Original con el cine de Wes Anderson. Stormzy está al volante del autocar que les llevará al Mundial de Qatar. Y para ahí que se van a ritmo de grime.
NIKE: FOOTBALLVERSE Unos a Wes Anderson y otros de Regreso al futuro a ritmo de Oingo Boingo: un grupo de científicos intenta crear el futbolista definitivo enfrentando al Ronaldinho de 2006 con el Mbappé actual, con cameos de CR7, Ronaldo o DeBruyne. Ahora es Nike quien suma estrellas femeninas: Alex Morgan, Leah Williamson, Carli Lloyd...
Por: Miguel Pardo
Foto: Leanda Heler
“EL DUB ES LA BASE DE TODA LA ELECTRÓNICA
Cuando nos llamamos con Suze, la artista australiana se encuentra en Londres recién llegada de Barcelona. La capital inglesa, que la vio crecer como dj y productora, es hoy también su base de operaciones, y la fuente de contrastes e inspiración creativa para su último trabajo, Cutting Thread, con el que recala en el sello electrónico de George Daniel, dh2. “Cuando estoy trabajando en música nueva lo que intento es evolucionar siempre y probar cosas distintas. Como FRIED, que es un buen ejemplo de algo que se parece mucho más al tech-house y tiene un ritmo un poco más ondulante, es decir, no es tan obvio ni está tan orientado a la pista de baile”. Surusinghe, que se ha vuelto particularmente reconocida por el sonido bass de sus sesiones y por petardazos como Likshot, ha procurado últimamente trabajar con estilos que le son menos familiares, como el dub. “Para mí, sinceramente, es la base de toda la música de baile que me encanta. Creo que es algo que siempre perdura y que
lo de vida que se asocia con trabajar en el clubbing y en la escena de la música electrónica son parte esencial de Cutting Thread. En este EP también habla sobre la “party guilt” -el remordimiento por salir de fiesta-, que ejemplifica con el caso de un promotor que conoció en Hanoi. “Él ya tenía unos 30 años, pero después de ir a cenar antes de la sesión, me dijo que tenía algo que hacer y que nos veríamos en un par de horas en el club. Cuando le pregunté qué tenía que hacer me dijo que vivía en casa de su padre, que era un hombre muy estricto y que cuando llegaba fingía que se iba a dormir... ¡Y luego se escapaba para salir de fiesta!”. Esa pasión que trasciende normas o tradiciones sociales la ve muy presente en su país. “La escena local es tan potente que allí se celebran festivales de música impresionantes con carteles compuestos casi en su totalidad por artistas locales. La gente paga veinte dólares para ir a ver a DJs locales y a DJs australianos. Eso es algo realmente especial y genial”.
La australiana Suze Gurusinghe recala por primera vez en el sello británico dh2 con su último EP, ‘Cutting Thread’. En él se desmarca de algunos de los sonidos bass que la han llevado a la fama para interactuar con otros como el dub o el tech-house, abriendo más que nunca su paleta sonora. Extrovertida, visceral, autocrítica, empática... hablamos con ella.
hay muchísimos géneros diferentes con distintas variaciones. Y siento que realmente el dub son los cimientos”.
Desde un profundo respeto hacia las raíces de la música electrónica y hacia los estilos característicos de la escena de Melbourne, Suze Gurusinghe intenta, como muchos, cribar entre la ola de promos y lanzamientos que llegan a nuestros oídos cada semana. “Creo que hay algo muy instintivo en la música y en cómo reaccionas ante ella. Simplemente sabes cuándo te gusta algo”. Esta intuición o este instinto han llevado a la artista australiana a crear dos fiestas de las que es promotora -Ormside y Miscellania- y a girar incesantemente por el mundo. Como ella misma admite: “Siempre he trabajado en la industria musical”. Una claridad con respecto a su carrera y desarrollo profesional que, como a todos, le ha conducido a todo tipo de cuestionamientos, incluso el familiar. “Seguro que mi padre hubiera preferido que fuese abogada”. Esas dudas y esa culpa sobre el esti -
Y esa pasión es compartida por la propia Surusinghe, que en cualquier caso entiende cómo la escena se está sobrecargando de DJs y, con una poderosa propiocepción, admite entre risas: “Me da la sensación de que decir que soy DJ es una de las cosas más vergonzosas que hay. Cada vez que voy en un Uber o cojo un vuelo y alguien me pregunta a qué me dedico, le digo: ‘Soy barista’”. Odiando tomar como referencia la cuarentena y la crisis del coronavirus, ambos terminamos por reconocer que creemos que las pistas de baile han cambiado mucho desde el año 2020. “En muchos sitios la gente ya no baila igual. Estamos de pie parados, o con nuestros teléfonos. Estamos prestando mucha más atención a los DJs en vez de bailar entre nosotras... Tenemos que volver a disfrutar de verdad de la pista de baile y no sentir que solo estamos allí para ver un espectáculo, sino para estar realmente con la comunidad y relacionarnos de una forma un poco diferente también. ¡Ah! Y que desaparezcan los dj-influencers, por favor”.
El próximo 29 de julio Peter Parker volverá a colgarse de nuestra cartelera, en la cuarta aventura de Tom Holland como el trepamuros. Si ya suele estar bien acompañado por Zendaya, en esta ocasión se suman, entre otros, Jon Bernthal como Punisher y Mark Ruffalo como Hulk. Sin duda, la mejor manera de empezar un nuevo día en el MCU. Aunque el camino de Spidey hasta este amanecer ha sido de lo más enredado. Tranquilo: tu amigo y vecino NUEBO está aquí para contártelo.
Nada mejor para desenredar una telaraña que situarnos en el punto de partida. Una Marvel en plena era de cambios, abrazando a los superhéroes tras el éxito de The Fantastic Four y dispuesta a dejar atrás las viñetas del oeste, las historias de terror y los comics de suspense. Tras Los 4 Fantásticos no tardaron en llegar Hulk, Namor y, ¡chantatachán!, Spider-Man. Agosto de 1962, Amazing Fantasy #15. El año en que murió Marilyn, Warhol enseñaba al mundo su lata de tomate y a James Meredith, un estudiante negro, por fin le admitían en la Universidad de Misisipi, tras varios enfrentamientos y un par de muertes violentas. En esa fecha, en ese ambiente y en ese tebeo hizo su primera aparición nuestro querido trepamuros.
Stan Lee, siempre tan excelsior, tuvo la genial idea de dar protagonismo a un adolescente, un personaje siempre habituado a ser el compañero del héroe. Como el Robin de Batman. O el Kid Flash de Barry Allen. Conocidos tradicionalmente como sidekicks, estos personajes se habían convertido en poco tiempo, y lo serían aún más con el paso de los años, en todo un recurso indispensable en los comics: enganchaban a la audiencia más joven, aligeraban el tono dramático de los relatos y permitían al personaje principal soltar algún que otro sermón. Viejo zorro, Lee supo antes que nadie que un sidekick podía volar y correr por su propia cuenta. O si no, al menos, balancearse en una telaraña. Con Peter Parker, Marvel no solo encontró un nuevo superhéroe para su todavía balbuceante universo. También descubrió un protagonista en sintonía con los tiempos que corrían, uno que tenía que buscarse la vida en el mundo real, arreman-
Los OTROS SPIDER-MEN
Antes de Tom Holland tuvimos a Andrew Garfield. Y antes de Garfield, a Tobey Maguire. Pero ¿hubo otros Peter Parkers por el camino? Sí, y ahí se quedaron…
garse y trabajar como cualquier hijo de vecino, soportar las burlas de sus compañeros de clase y hasta perder en el amor. La vida misma, vamos. Como muestra, un botón: una vez adquiridos sus super poderes, ¿qué hizo Peter Parker? ¿Defender a los inocentes? ¿Luchar contra los malos? ¿Rescatar a alguna damisela en apuros? No, como bien queda relatado en su historia de orígenes y también en la aplaudida primera película de la trilogía de Sam Raimi, prefirió apuntarse a un torneo de lucha libre y sacarse unas pelas extras para superar su contexto de currito de clase trabajadora.
Y ya que hablamos de pelas, saltemos en el tiempo y vayamos a 1996. El año en el que a Marvel, la Casa de
las Ideas, se le fundieron los plomos y se declaró, ¡ay no!, en bancarrota. Unos años antes del triste anuncio, en 1988, Marvel Comics fue adquirida por el empresario Ronald Perelman, conocido como el magnate tras el imperio de cosmética Revlon. Sus inicios fueron de maravilla, con una exitosa generación de dibujantes como Jim Lee, Rob Liefeld o Todd McFarlane, que revolucionó precisamente el personaje de Spider-Man. Con esa sangre nueva al frente, las ventas de títulos Marvel se dispararon, pero al llegar 1991 sus estrellas decidieron montar su propia editorial, Image Comics. Acuciado por el descenso de la popularidad de sus productos estrella, Perelman apostó por invertir en otras líneas de ne-
La versión de Fincher ¿Eldirectorde Seven y El Club de la Luchaenunadesuperhéroes?Sí, parafrotarselosojos,perocierto. DavidFincherpresentóaSony la historia de un Peter Parkermaduro,intentandosuperar lamuertedesuamadaMary Jane.Ojo:GwenStacyni siquieraaparecía.
gocio, como la juguetera Showbiz y los cromos Panini. Y la jugada no le salió como esperaba. Tras declararse en quiebra, el hasta entonces tiburón de las finanzas fue cesado de su cargo y Marvel pasó a manos de Isaac Pellmutter y Avi Arad, dos viejos conocidos de la casa. Arad, de origen israelí y que se había criado leyendo comics de Superman y Spider-Man en hebreo, fue quien vio en las adaptaciones de las viñetas a la gran pantalla una válvula de escape a la asfixia económica que sufría la empresa. Y ni corto ni perezoso, vendió los derechos cinematográficos del Hombre Araña a Sony por tan solo 7 millones de dólares. En aquellos años, finales de los noventa, las versiones de superhéroes en Hollywood se contaban con los dedos de las manos y nadie pensaba que en un futuro no muy lejano tanto Marvel como DC iban a competir no solo en las estanterías de las tiendas de comics sino también en las carteleras de los cines. Si la cantidad de 7 millones de dólares por todo el universo Spidey -pues el acuerdo incluía a más de 200 personajes, incluyendo villanos y aliados del protagonista- nos parece ahora irrisoria, hay que pensar que Sony rechazó la oferta de hacerse con todo el universo Marvel
El delirio de la Cannon A mediados de los 80 la mítica productora compró los derechos del personaje para levantar una película muy pero que muy bizarra: aquí Spider-Man era una gigantesca tarántula de ocho brazos creada por un científico loco, y el propio Stan Lee obligó a replan -
por tan solo 25 millones de dólares. Tras este acuerdo que insufló algo de aire a las maltrechas arcas de la editorial, nacieron las películas de Sam Raimi con Tobey Maguire y también las de Marc Webb con Andrew Garfield, pero tras la tibia acogida de The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro (2014) y la necesidad imperiosa de incorporar a tan legendario personaje en un MCU que no paraba de crecer desde Iron Man en 2008 hasta la segunda entrega de Los Vengadores en 2015 -La era de Ultrón-, por fin Peter Parker volvía al redil de la Casa de las Ideas.
Sería en Capitán América: Civil War
(2016), reclutado por un Tony Stark que se convertirá en su mentor y ya por fin con el rostro de Tom Holland. El Holland que se ha ganado a pulso ser el Spidey para las nuevas generaciones, ese que hace suspirar a la mismísima Zendaya -en un rol a años luz del que nos ofrece en Euphoria- y que, tras tres entregas bajo la dirección de un inspirado Jon Watts, enfrenta una especie de nuevo comienzo. Dustin Daniel Cretton -a quien debemos una de las últimas producciones Marvel más divertidas, la un tanto infravalorada Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos- toma las riendas de la dirección en Spider-Man: Brand New Day con una historia a priori más madura.
Hasta el momento de su estreno, la productora sigue jugando al despiste y, aunque conocemos que nuestro héroe arácnido contará con nuevos viejos aliados como Punisher y Hulk -interpretados, respectivamente, por Jon Bernthal y Mark Ruffalo como es habitual-, desconocemos si, como apuntan los rumores, el filme servirá como la esperadísima presentación de los mutantes del Profesor Xavier en el MCU -¿será Sadie Sink la nueva Jean Grey?-, y si la aparición de La Mano, ese clan de ninjas que popularizó Frank Miller en las viñetas, implicará también la presencia ¿inesperada? de Daredevil. Mucho runrún alrededor de uno de los estrenos más ansiados de la temporada y que puede, además, suponer todo un punto de inflexión no solo en la continuidad del universo Marvel en celuloide -se habla de un reinicio prácticamente total una vez Vengadores: Doomsday (2026) y Vengadores: Secret Wars (2027) culminen con esta generación de superhéroes y los X-Men de Jake Schreier empiecen a marcar el rumbo del MCU-, sino también en la propia historia de Peter Parker: ¿habrá llegado el momento del relevo y veremos recoger el testigo a Miles Morales, el Ultimate Spider-Man? Ya veremos, más allá de tanto ruido, cuántas nueces nos depara este nuevo día. Lo bueno es que tenemos telaraña de sobra para recogerlas si finalmente empiezan a caer a cascoporro.
SPIDER-MAN: BRAND NEW DAY (29 julio)
Sony / EE UU / 2026
Dirección: Destin Cretton
Reparto: Tom Holland, Zendaya, Jacob
Batalon, Sadie Sink, Jon Bernthal
A caballo entre Madrid, Londres, Nueva York o México, Mar del Corral ha sido y es una de las directoras para publicidad con una mirada más personal de los últimos años, desplegada en campañas para Adidas o para el Ministerio de Igualdad. Formada como intérprete y en videoarte y performance, ahora va en busca también de destaparse como directora de ficción, y quizá llegar, por fin, al lugar deseado.
Del
Por: Diego Rubio
Fotos: Dewerf, Nuria
Rius y Mar del Corral
demás de trotamundos y una persona naturalmente inquieta, Mar del Corral es una superviviente. Nacida hace 39 años en República Dominicana, de padre asturiano y madre dominicana, llegó a Madrid muy joven, a los cinco, y en su infancia siempre se sintió dividida. “Mi padre murió de SIDA cuando yo era pequeña y me he criado con mi madre, así que realmente no he crecido con costumbres españolas. Ni era del todo española ni era del todo dominicana”, me cuenta -siempre honesta y cercana- mientras tomamos un café. Además, las circunstancias familiares hicieron que acabara viviendo y yendo al colegio -ella, underdog, hecha a sí misma con su madre, de origen humilde- en el barrio de Salamanca, rodeada de niños mucho más ricos que ella y sintiéndose inferior. Al menos fuera de lugar. El arte se convirtió en su refugio: “Desde pequeña me ha gustado mucho el arte. Quería ser pintora, y leer y escribir han sido siempre mis grandes pasiones”, recuerda. Hizo el Bachillerato de Artes, pero de pronto, por uno de esos impulsos que tanto han terminado marcando su vida y su trayectoria, se metió a azafata de vuelo. “Quería viajar. Estuve un año y fue una de las peores experiencias de mi vida porque hay muchas cosas del mundo de la aviación -cosas de estatus,
de dinero, de pilotos, de mujer florero...que no encajan conmigo, lo que pasa es que yo no lo sabía. Después del batacazo me metí a una escuela de interpretación aquí en Madrid, que para mí fue una experiencia increíble. Y a partir de ahí desarrollé mi carrera como actriz, que fue muy bonita y me empezó a ir más o menos bien: hice la película con Asghar Farhadi, Todos lo saben (2018)”.
El problema es que no le motivó demasiado la rutina en la que se terminan metiendo muchos actores noveles, aceptando papeles en series diarias. Ella quería algo más. Y que ella, después de todo, seguía sintiéndose fuera de lugar. “Con lo que gané en la película de Farhadi cogí las maletas y me planté en Londres”. Fue allí donde todo empezó a encajar. Se puso a trabajar en la cafetería del teatro de danza más importante de la ciudad, también en el Harold Pinter, sumergiéndose en el ambiente artístico de la ciudad. Y se enteró de que la Universidad, a veces, acepta solicitudes de acceso por bajas a ultimísima hora. Pidió una beca para estudiar Bellas Artes, se la dieron y de repente estaba cumpliendo su sueño. “Como venía de la interpretación, elegí la especialidad de Vídeo y Performance, porque me gustaba estar con la camarita y me gustaba ser actriz. Empecé a hacer videoarte pero muy de contexto de galería, muy contemplativo, muy crítico, muy intenso, un poco demasiado experimental. Por entonces hasta me planteaba ser comisaria, porque me interesaba mucho elaborar una narrativa a través del arte de otros... Pero tengo un accidente de bici justo un mes antes de terminar la universidad. En este momento tengo tres trabajos: en una cafetería, en una sala de techno poniendo copas por las noches y de niñera del hijo de uno de mis profesores. De repente todo se desploma y tengo que volver a Madrid. Y, claro, para mí eso, en aquel momento, fue como supertraumático, porque mi círculo de amigos en Londres era de todo el mundo, gente muy creativa, dedicada al arte... Tenía mi vida allí: mi trabajo, mi pareja... Y aquí eso no lo tenía”.
Pero las aguas fueron entrando en calma. “Al final me llamaron para trabajar en Blur, que era una de las mejores productoras de publicidad de España. Empecé a ayudar a directores a hacer tratamientos, luego me empezaron a llamar directores para escribir guion, y fui aprendiendo muchísimo. Piensa que se trabaja con unos presupuestos gigantescos, así que puedes ver todos los juguetes, muchas cosas funcionando al máximo nivel. Y los tiempos son siempre muy rápidos, así que es una masterclass tras otra”. En paralelo consiguió sacar adelante por su cuenta -y gracias a la ayuda de un amigo- la pieza audiovisual For Hemma, con un equipo de bailarinas,
que le valió un Vimeo Staff Pick y un Premio CICLOPE. “Esto me abrió muchísimas puertas y, de repente, me ofrecieron ser directora para Blur. El primer proyecto en el que participé fue para Lancôme: querían hacer como una obra de teatro sorpresa sobre la vida de un influencer con cámara oculta, pero yo propuse que simplemente una chica fuera al teatro y se viera representada a sí misma, su vida. El productor le mandó la idea a la agencia, les encantó y me cogieron directamente sin necesidad de hacer el tratamiento. También coincidió con el boom de mujeres directoras, y eso al portfolio de Blur le venía muy bien, o sea que había mucho trabajo. De Blur pasé a una productora de Londres que era para publicidad un poco más funcional, pero que me daba muchísimo dinero. Pero muchísimo. Lo que me aporta mucha libertad en mi vida personal y familiar, me permitió proveer”.
Todas estas experiencias son fundamentales para entender la forma que Mar tiene de mirar, de ver. “En la publi suele ser todo muy rápido y muy frío, no hay un trabajo como tal de actores; a mí me interesaban más las narrativas, la sensibilidad, y que haya más trato humano. No me interesan las matemáticas ni los malabares de cámara; me encanta
mirar a la gente. Hay mucha magia en dejar que la gente se exprese. Cuando hice la publicidad con Idris Elba, notabas que el tío llegaba quemado de hacer sus mil cosas, y me decía: ‘Que sepas que si hago esto es por ti’. Para mí eso es increíble”. Esa mirada la llevó a trabajar con Adidas, una marca construida precisamente en torno a esa sensibilidad humana y narrativa. “Es un ambiente supercreativo: gente muy joven, con muchas ideas, te dan libertad para hacer lo que quieras...”, reconoce sobre la marca de las tres franjas. “No siempre se puede, pero intento aceptar solo trabajos que a nivel personal tengan algo que decir, que haya una causa justa y moral detrás. Que
contribuyan a mejorar en algo el mundo en que vivimos y que estén de acuerdo con mis valores y principios. Los de Adidas, por ejemplo, eran para recaudar fondos para que niños en situaciones desfavorables pudieran acceder al fútbol, o para defender el fútbol femenino en las niñas”.
La publicidad no es, en cualquier caso, su destino definitivo. “Soy muy inquieta y necesito, artísticamente, tocar todos los palos”, asume. “Además, ahora mismo hay vacas flacas porque en publi ya no buscan tanto perfiles como nosotros y van a por los influencers, que están acaparando los presupuestos. Eso y la IA. Para qué me voy a gastar 1 millón de euros en hacer una campaña para televisión cuando puedo gastarme 50.000 en un influencer y que lo vea exactamente la gente que quiero que lo vea”. En el tiempo libre que encuentra entre que le salen trabajos de publi aprovecha para desarrollar proyectos de ficción propios, para escribir guiones. “He aprendido muchísimo de la publicidad y he ganado mucho dinero, pero mi objetivo es dedicarme a la ficción, al entretenimiento de calidad”, asegura con la convicción de quien sabe que o lo consigue o le va a ir la vida en ello. “Me gusta mucho lo que hace A24, que puede tener estéticas que vienen de la publicidad, pero aplicadas a buenos guiones, buenas historias, con actores comerciales dispuestos a hacer propuestas más alternativas y autorales. Me interesan, en cualquier caso, las ficciones cercanas, que puedan tocarme, no las fantasías de superhéroes. Ahora estoy flipada con lo que hace Han Kang [escritora surcoreana ganadora del Premio Nobel de Literatura en 2024] en Actos humanos, porque trata cosas tremendas, pero en segunda persona, y eso elimina la emoción. Es muy fuerte, muy cinematográfico”. Y a ella le mueve esa potencia.
“ME ENCANTA MIRAR A LA GENTE. HAY MUCHA MAGIA
DEJAR QUE LA GENTE
Idris Elba Spot para Grey Goose protagonizado por el actor Idris Elba.
The Del Piero's Campaña con Adidas protagonizada por Alessandro Del Piero y su hija Dorotea que reivindica el fútbol femenino.
GREY GOOSE
ADIDAS
ADIDAS
US Soccer Foundation Campaña para la Fundación de Adidas para un programa en defensa de la inclusión en el fútbol.
ORÁN / Preso Videoclip del sencillo de cabecera de Demasiado humano para esto (2026), el EP debut de Orán, proyecto musical de Javier Orán.
Trans Period
Una investigación audiovisual sobre la menstruación en los hombres trans.
JAIME LORENTE
Corazón
Videoclip del sencillo con el que el actor Jaime Lorente debutó como cantante en 2020.
MINISTERIO DE IGUALDAD
No es un lugar Campaña contra la violencia digital para el Ministerio de Igualdad del Gobierno de España.
FUNDACIÓN GRANDES AMIGOS
Libre de edadismo
Ana Torrent protagoniza esta campaña en contra del edadismo en la publicidad cosmética que incluyó un manifiesto y una exitosa recogida de firmas.
For Hemma Pieza audiovisual que acompaña a la canción Hemma de Surma, tratado como una exploración del lenguaje de la danza para una nueva generación de mujeres.
SURMA
República Dominicana: “Solo he vuelto una vez, cuando encontré la fuerza para volver, con 33 o 34 años. Compré el billete de un día para otro. Estaba justo llevando una terapia de identidad en Londres, ya viviendo en Madrid, y de repente encontré la fuerza. Llamé a un primo que tengo en Punta Cana y que es profesor de cine allí y fui para allá, y de ahí cogimos un coche y nos hicimos un road trip por toda República Dominicana hasta Santo Domingo para conocer a mi familia”.
Archivo personal
Nueva York
París
Los Angeles
ASGHAR FARHADI
Todos lo saben
Mar se pone a las órdenes del director iraní Asghar Farhadi en su película de 2018, protagonizada por Penélope Cruz, Javier Bardem y Ricardo Darín.
FRED AGAIN.., YOUNG
THOUG / Scared
Videoclip para el tema contenido en el segundo volumen de USB, la compilación pistera del productor británico.
“En este disco vuelvo a las guitarras, que es de donde yo vengo y donde más tiempo estuve. Cuando para Novedades Carminha vuelo a otros sitios, jugueteo con la electrónica, con el hip hop, con el funk, y en este disco me recojo y vuelvo a las guitarras. Para esto tengo que desempolvar discos que conozco perfectamente pero que hacía tiempo que no escuchaba. Y es la primera vez que vuelvo a escuchar mis propios discos, que es un ejercicio bastante guay. Los primeros con Novedades tienen una energía increíble, pero me cuesta sentirme reconocido: estaba recién llegado a Madrid, descubriéndolo todo... Los dos últimos sí los siento muy cerca de mí en la actualidad”.
Familia S.L.
Es un tipo de canción que siempre había rondado pero nunca había hecho: dos acordes, aguerrida, furiosa... En directo sí lo he trabajado esto, pero en disco no.
WIRE - Pink Flag (1977)
Descubrí tarde a Sonic Youth o a Los Planetas y no vengo tanto del shoegaze y eso, entonces para mí Wire son un poco la entrada al ruido, a ese tratamiento más de textura.
PARQUET COURTS - Wide Awake! (2018)
De ahí trazo una línea hasta Parquet Courts: conecto mucho con ese rock urgente, repetitivo y angular.
Carlangas se encuentra a sí mismo en un disco que reconoce como una “vuelta a casa y un fin de ciclo de transición entre Novedades Carminha y mi carrera en solitario”. Nos sentamos con él para desgranar algunas canciones de este retorno crudo a las guitarras, y para desempolvar las muchas y muy variadas influencias que le han traído hasta aquí.
“EN ESTE DISCO ME RECOJO Y VUELVO A LAS GUITARRAS”
Fotos: Darío Vázquez arlan
Recuerdo estar saliendo muchísi- mo por Madrid; yo curraba poniendo copas en el Garaje Sónico, un bar de rock & roll en el 2 de mayo. Cuan- do cerraban nos íbamos a la Wurli o al Nasty, y tengo muchos recuerdos de aquellas ainterminables,nochesvolver casa por Gran Vía solo y medio marea- do, en plan ‘Dios, se me va la vida entre las barras’. Un rollo muy divertido y muy decadente a la vez.
VARIOS ARTISTAS - Nuggets (1972-2009)
Esto son unas recopilaciones que se lanzaban de artistas así clásicos de garage y psicodelia, todos con esa reverb de Fender tan característica: esas guitarras twang vienen de ahí.
Podría Gran Vía
ser peor
NOVEDADES CARMINHA - Típica cara (2021)
Es la última canción que publicamos y una de mis favoritas si no mi favorita. Tiene una cajilla de ritmos por detrás de un Farfisa, y es como mi homenaje a ese rollo.
VENENO - Veneno (1977)
También le veo una cadencia en el estribillo que me lleva a ese rock sevillano que termina derivando en Pata Negra o Kiko Veneno. Incluso la letra tiene ese toque surrealista y humorístico.
gas
Si lo sé no vengo
Esta es un rollo que viene de mi obsesión con Blur y todas las líneas que se pueden tirar en torno a ellos.
BLUR - Parklife (1994) Blur suenan clásicos en sí mismos porque saben integrar muy bien todos clásicos británicos. En Blur puedes ver a The Specials, a The Clash... Me quedo especialmente con Tracy Jacks, que es así un poco groovy.
Aquí empiezo a desenfundar los discos del indie primigenio y post britpop, la cosa Nueva York y Londres, con The Strokes, The Libertines... Llamé a Leiva porque cuando pensé qué estaba sonando en aquella época en España dije: ‘Pereza’. Así que es una especie de hermanamiento entre el rollo que yo estaba escuchando y lo que se escuchaba aquí.
THE JAM - This Is the Modern World (1977) Es algo que a mí siempre me gustó, este rock groovy que empieza a lo mejor en The Jam, sobre todo con Standards.
BECK - Odelay (1996) Y que para mí conecta a través de samples y psicodelia con el Odelay de Beck.
NOVEDADES CARMINHA - Que Dios reparta fuerte (2016) Creo que esta forma de hacer canciones está especialmente bien planteada en esta canción del Campeones del mundo.
GIRLS - Album (2009)
Más allá de lo evidente, escuché a Girls mucho en su momento. Esa obsesión por ir a la canción de siempre, todo muy pop, emulando ese brillo de los 50 y los 60 pero desde la lógica del indie....
Problemas
Tiene una melodía muy identificable, y a mí me conecta con ese Carlos de 2005, que llega a Madrid recién terminado el instituto para estudiar periodismo y empieza a pillar los discos de los Buzzcocks, de los Under- tones, de los Nerves, los Ramones, algunos Clash como más del principio...
BUZZCOCKS
- Singles Going Steady (1979)
Fue por donde entré a la escena punk de los 70 cuando empecé a descubrir música ya por mí mismo. Venía, un poco como todos, de los grandes clásicos, los Led Zeppelin, los Rolling Stones... y me volaron la cabeza.
BLACK LIPS - Arabia Mountain (2011) Al principio empezaron como más sixties, pero aquí, con la producción de Mark Ronson, se ponen más sexies, como más surf rock y tal. Tiene temas muy urgentes como Raw Meat o Modern Art que me encantan. Se la propongo a Dear Joanne porque creo que vienen de ahí, de la Wurlitzer, de esa urgencia...
UNIVERSO PARALELO (VIRGIN, 2026)
Podría ser peor / Universo paralelo / Si lo sé no vengo / Gran Vía / Vienen a por ti / Familia S.L. / DNI / Problemas / Interludio / Lo quiero todo DIGITAL / LP
Por: Anna Pérez
SPIRO
Sienna Spiro ha aprovechado el trampolín de la viralidad para observarlo de frente y ponerlo en cuestión. A sus 20 años, la londinense debuta con ‘Visitor’, grabado en una sola toma como gesto de devoción por lo imperfecto y lo fugaz.
Aterriza en el circuito internacional con un pop de reminiscencias jazzísticas, soul orquestal y una estética vintage de actriz de los sesenta, como si su presente estuviera siempre a punto de convertirse en fantasmagórico recuerdo.
Foto: Capitol Records
Sienna Spiro es de esas artistas que TikTok catapulta y que, en apariencia, surgen de la nada. Su “nada”, sin embargo, es la ELAM, la prestigiosa academia East London Arts and Music, donde también estudiaron Ama Lou o las integrantes de FLO. “Aprendí muchísimo en la escuela, pero lo más especial fueron las personas que conocí. Estabas rodeada de gente con la misma pasión, tocábamos música todos los días y las clases consistían prácticamente en improvisar y hacer jams. Allí conocí a Eddie, que sigue tocando conmigo en todas partes”, explica la británica en una entrevista con Mike Adams.
Con tan solo 20 años decidió dejar la carrera para lanzarse al mundo profesional y, mediante virales, se permitió saltarse la parte áspera de los bares y los estándares de jazz y soul e ir directamente a los grandes festivales, a los grandes contratos, a los grandes eventos. En eso difiere de las que son sus grandes ídolas, aunque Sienna Spiro retome el hilo donde ellas lo dejaron precisamente cuando abandonaron los garitos, los antros y los micros abiertos. “Creo que las británicas tenemos una honestidad y una aspereza muy características. Todo el mundo es muy directo, muy crudo, incluso un poco miserable. Quizá eso es lo que resulta refrescante para la gente hoy en día, con todo el tema de la IA. Creo que los oyentes buscan esa autenticidad y esa sensación de escuchar una voz realmente humana”. Tras Duffy, Adele y Amy Winehouse, emerge una nueva generación de voces británicas de influencia jazzística, como RAYE, Olivia Dean y, por supuesto, ella.
El tema Die on this Hill, escrito junto a Omer Fedi y Michael Pollack, se convirtió en su gran punto de inflexión. Una balada de corte pop-soul que consolidó su proyección internacional y su identidad vocal en tan solo unos meses. El videoclip fue dirigido por Cole Bennett para Lyrical Lemonade, la mítica plataforma nacida en Chicago como blog musical en 2013 y convertida con el tiempo en uno de los lenguajes visuales más influyentes del pop y el hip hop contemporáneo. Antes incluso de la publicación de su álbum debut, su nombre ya circulaba en el circuito de la industria. Fue nominada al premio Critics’ Choice de los Brit Awards 2026, un reconocimiento reservado históricamente para artistas que suelen marcar el inicio de una carrera de largo recorrido en la música británica como Adele o Dua Lipa. Y ahora, con aquel tema formando parte de la banda sonora de El Diablo viste de Prada 2, con un primer tour como headliner por todo el mundo -con sold out incluido en Barcelona- y con altas dosis de determinación, ya empezamos a atisbar una gran estrella. Con una voz mezzosoprano profunda, rasgada y madura, nos regala Visitor , un álbum debut que
THE NEW CLASSIC
Pop soul británico, jazz, cine retro y orquesta. Una identidad que mira al pasado para redefinir lo que puede ser, hoy, un “clásico”.
Alguien tiene que retomar el legado...
Sienna Spiro se inscribe en una tradición muy británica de voces femeninas con raíz soul que han definido el pop de las últimas décadas. La intensidad emocional de Adele, la crudeza confesional de Amy Winehouse o el revival retro de Duffy trazan una genealogía clara dentro de la cual se sitúa su propuesta. Spiro coge el testigo también guiñando el ojo a Lana del Rey o Florence Welch.
Los clásicos
Su primera composición la tituló Lady in the Mirror en homenaje a Michael Jackson, una de las figuras que formaron su imaginario. Spiro creció rodeada de música más allá de la contemporánea, y su formación está profundamente marcada por el jazz y el soul clásico. Frank Sinatra, Nina Simone, Aretha Franklin o Al Green moldearon su forma de entender la voz. De ahí quizá esa contención tan medida, esa expresividad contenida.
Palomitas, por favor
Su imaginario creativo es claramente cinematográfico. Ella misma ha explicado que, aunque suene a cliché, le encantaría actuar en el Royal Albert Hall con una orquesta o interpretar un tema de James Bond. Música orquestal con importancia en la narrativa y casi visual, Spiro se ve a sí misma más cercana de una banda sonora que del pop convencional. Obvio, Adele o Lana del Rey están entre las chicas Bond musiqueras.
These boots are made for 2026
Su estética dialoga con el pasado, como si Nancy Sinatra tuviera Instagram-face. Cateyes definidos, siluetas clásicas, vestidos rectos y cardados construyen una imagen que parece suspendida en el tiempo. Lejos de ser un disfraz, esta estética retro y vintage se integra como una extensión de su universo musical y creativo, dando forma a un personaje atemporal en coherencia con su sonido.
VISITOR (UNIVERSAL, 2026)
This Is My House / We're Not In Love / Great Expectation / Die on this Hill / He's Not My Baby, I'm His / Pure / The Visitor / Time, You & Me / You Stole the Show / Mono no aware / Maybe CD / DIGITAL / LP
“LAS
IMPERFECCIONES
parte del jazz pop clásico con grandes baladas, pero también con soul con aires orquestales. Su éxito llegó por la velocidad de internet, pero su debut mira deliberadamente hacia el pasado, tanto en la estética como en la forma. “Creo que las imperfecciones son lo que hace que una interpretación resulte humana. Me gusta grabar de una sola toma, no me gusta ir cortando y pegando. Así era como se grababa la música de los sesenta que tanto me gusta: se escuchaban las grietas de la voz, la emoción. Incluso una nota un poco desafinada aporta algo”, explica.
Invasión británica (de nuevo)
Si figuras como RAYE han abierto el camino hacia una mayor libertad creativa y narrativa, y Olivia Dean ha consolidado una versión más sofisticada del soul-pop -ambas conectan con la intimidad y la ambición orquestal de Spiro-, artistas como PinkPantheress o Lola Young introducen una autoconciencia generacional marcada por lo digital y lo fragmentado. Sonidos diversos, pero con un carácter común.
Spiro parece consciente de esa herencia en su forma de cantar con un fraseo contenido, un vibrato medido y una interpretación que remite más al soul clásico que al pop nacido de la inmediatez de TikTok. Para ella el, presente musical, marcado por la hiperconexión y la exposición constante, ha erosionado parte de la intuición creativa. “Ahora tenemos tantísimo acceso a todo... Puedes publicar algo y ver de inmedia-
to lo que siente la gente y lo que están haciendo los demás. Ya no hace falta ir a un concierto; puedes abrir el móvil y verlo todo. Creo que eso ha hecho que la música sea un poco menos original”, explicaba en una entrevista con Rolling Stone. Frente a ello, reivindica la necesidad de que la música “venga de uno mismo”, de un lugar menos contaminado por la mirada externa.
Ese mismo impulso atraviesa Visitor, un álbum construido con la impermanencia como idea central. Desde un miedo muy personal a la pérdida y a la desaparición, Spiro construye algo bello inspirada en un proverbio japonés que alaba que “todo lo bello es temporal”: Mono no aware. Para su álbum debut, Sienna Spiro ha contado de nuevo con la producción de Omar Fedi, figura clave del pop global reciente que ha trabajado en la construcción del sonido de artistas como The Kid LAROI, Lil Nas X o Justin Bieber. Pero, sobre todo, ha apostado por grabar el álbum en estudios con una fuerte carga simbólica dentro de la historia de la música popular, como Abbey Road en Londres y Electric Lady en Nueva York. Estudios atemporales donde se lleva haciendo música atemporal desde hace más de medio siglo, y donde se seguirá haciendo. Donde han grabado algunos de los artistas más grandes de la historia, y donde se han grabado decenas de canciones que resisten el paso del tiempo.
En los últimos años, además, ha descubierto que tiene TDAH, algo que ha transformado su manera de entender sus vínculos y su propia percepción: “Conocer cómo funciona mi cerebro ha sido revelador y reconfortante. De eso hablan muchas de mis canciones, como The Visitor: de luchar por seguir el ritmo de los demás, de ser demasiado consciente de todo y acabar perdiendo a la gente. Al final, tú también eres algo temporal”. También hay en su obra una exploración íntima de la identidad y del cuerpo. Antes de consolidar su imagen pública, Spiro atravesó una etapa de incertidumbre respecto a cómo quería presentarse al mundo, alternando entre la necesidad de desaparecer y el deseo de ser vista. Su estética actual, más definida y consciente, funciona como una construcción deliberada de lo que quiere mostrar. Entre el miedo a desaparecer y la voluntad de dejar huella, su música se mueve en ese espacio donde lo íntimo se convierte en espectáculo. Veremos cómo Spiro construye algo que, por definición, siempre está a punto de marcharse.
ANOCHE CONQUISTÉ TEBAS
Por: Fernando Bernal
Hablamos con Gabriel Azorín para desentrañar su última película, en la que plantea dos historias de amistad masculina separadas por 2.000 años, poniendo en valor el revolucionario acto de conversar. Las fragilidades de estos cuatro hombres que parecen no tener nada en común se dan cita en unas termas romanas ¿más allá del espacio y del tiempo?
Gabriel Azorín es miembro fundador -junto a María Antón Cabot, Elena López Riera y Carlos Pardo Ros- de lacasinegra, un colectivo que, tanto en su obra conjunta como en las diferentes propuestas que sus miembros han desarrollado de forma individual -sin perder el sentimiento colaborativo-, resulta esencial para entender la experimentación visual y las propuestas que rompen con las convenciones más normativas del cine de nuestro país en la última década. En Anoche conquisté Tebas, que fue premiada dentro de la sección Giornate degli Autori
del último Festival de Venecia, aborda una ficción basada en la construcción de dos relaciones de amistad: la de António y Jota, dos jóvenes portugueses de la actualidad; y la de Aurelio y Pompeyo, dos soldados romanos de la misma edad. Son historias que están separadas en el tiempo por dos mil años, pero que comparten un rasgo común: son chicos que tienen “miedo a perder a su mejor amigo”.
La película se basa en la palabra, un acto que su autor considera denostado en el cine contemporáneo, con diálogos que alternan el portugués, el gallego y el latín. “La palabra ahora se utiliza solo para dar información o para hacer avanzar la trama. Incluso se valoran los personajes lacónicos, que apenas hablan, y para nosotros había un gusto por algo del cine clásico que era buscar la belleza de los diálogos, que no fueran solo útiles. Y también dar tiempo para ver al pensamiento trabajar: es algo que no se estila demasiado hoy en día, porque se trata de secuencias largas, con diálogos largos. Pero después de todo el recorrido por festivales de la película, uno descubre que esto acaba emocionando a los espectadores”, reconoce el director. El filme se desarrolla íntegramente en las termas de Bande (Ourense), que son las ruinas de unos baños romanos de finales del siglo I, un lugar que sigue funcionando desde entonces como idílico y -casi- desconocido espacio de relax al aire libre. Gabriel Azorín las conoce desde el invierno de 2017, cuando acudió allí para bañarse con unos amigos. “Se hizo de noche y me quedé solo en unas bañeras individuales con forma de sarcófago, que luego son muy importantes en la película. Como estas termas están en mitad de un valle y no hay luz eléctrica, no se ve absolutamente nada. Lo único que puedes hacer es mirar al cielo. Tuve muchísima suerte, porque esa noche me encontré con un cielo estrellado precioso. En esa soledad, me pregunté cuánta gente antes que yo ya había hecho este gesto durante dos mil años. De alguna manera, me sentí en comunión con toda la gente que se había tumbado allí antes. De ahí surge el deseo de rodar en esta localización, pero solo es un deseo”. Empezó a tomar forma dos años después, cuando el autor estaba obsesionado con la capacidad que puede tener un plano cinematográfico para revelar los distintos tiempos que habitan un lugar.
“EN LA PELÍCULA
VEMOS A
HOMBRES
HABLAR DE COSAS QUE LES DAN MIEDO, Y ESO EL CINE NUNCA LO MUESTRA”
“Con todo esto en la cabeza, me acordé de las termas y le propuse a mis compañeros de lacasinegra María Antón Cabot y Carlos Pardo Ros que me acompañaran para bañarnos y ver si ellos sentían lo mismo que yo había sentido aquella primera vez. Nos llevamos una cámara muy sensible, más que el ojo humano, y estuvimos bañándonos por la tarde. Se hizo de noche y rodamos a tres chicos que estaban bañándose. Nosotros podíamos verlos a través del visor de la cámara, pero ellos a nosotros no. Cuando revisamos las imágenes, estuvimos de acuerdo en que habíamos podido rodar imágenes sin tiempo. Surge esta idea de que si a estos chicos les quitáramos los bañadores de piña y los iPhones era imposible saber si era una imagen de 2018, de 1513 o de hace dos mil años”.
Su intención era generar un limbo en este lugar tan mágico, donde los rituales humanos no han cambiado nada en veinte siglos y pueden convivir diferentes tiempos, “porque los vecinos del lugar siguen haciendo lo mismo que hacían los soldados romanos. El dispositivo es muy sencillo: son cuerpos desnudos que representan a chicos contemporáneos y a soldados romanos, que comparten el espacio y el tiempo. Un mismo plano ci-
nematográfico y un baño caliente”. Entre los personajes se desarrollan, siempre a través de la palabra, generando un poder de seducción tan imparable como el propio espacio natural, dos historias de amistad entre hombres jóvenes que muestran sus facetas más frágiles. “Una amiga, a propósito de cómo muestra el filme a los hombres de una manera vulnerable, me dijo que habíamos hecho una película de ciencia ficción. No porque en ella convivan personajes de diferentes épocas, sino porque vemos a hombres hablar de las cosas que les dan miedo, y eso el cine nunca lo muestra”. Visualmente la película apuesta por ese torrente de imágenes intimistas, pero también aporta momentos que remiten al pensamiento digital de nuestros días, sobre todo en su prólogo, donde los personajes parecen adentrarse en un mapa interminable de The Legend of Zelda “Los mundos abiertos están en todo el inicio de la película, tanto a nivel de las conversaciones como a nivel de la puesta en escena. Y se materializan en un plano de dron, que termina siendo un mapa del Zelda, pero que tiene una pregunta cinematográfica detrás: ‘¿Cuál es la mejor manera de rodar un campamento romano en ruinas?’”.
ANOCHE CONQUISTÉ TEBAS (28 agosto)
Begin Again / España / 2025
Dirección: Gabriel Azorín
Reparto: Santiago Mateus, Antonio Gouveia, Oussama Asfaraah, Pavle Cemerikic
SUMMER GAMES
Por: Ramón Baylos
Los videojuegos y el verano tienen algo en común: la nostalgia, el recuerdo de unos días más felices en que las preocupaciones terminaban con los exámenes y en los que los veranos parecían infinitos. Con nuestra consola portátil en las manos nos adentrábamos en mundos virtuales y, al mismo tiempo, tocábamos césped, notábamos la caricia del sol. Te proponemos 12 títulos con los que dejarte llevar por esa satisfactoria -y sanísima- sensación de improductividad estival
ATOMICROPS
Granjas, mutantes y metralletas
Como Stardew Valley pero con armas de fuego. Atomicrops es un roguelite frenético disfrazado de juego de gestión de granjas con dos mitades: de día siembras fructíferos bancales de mejoras randomizadas; de noche toca sobrevivir a hordas sucesivas de enemigos en un demencial bullet hell.
Roguelites:
Pulsar START, morir, mejorar; pulsar START, morir, mejorar; pulsar START, morir, mejorar. Los roguelites son una forma de vida: si lo tuyo es la repetición, jugar, jugar y jugar... quizá meterte en estos bucles aleatorios de duración infinita sin cinemáticas ni demás parafernalia innecesaria son la mejor manera de aliviar las noches de verano.
BALL X PIT
Roguelite en modo ‘Breakout’
Su propuesta revisita la fórmula clásica de los brick breaker tipo Arkanoid, introduciéndola en una batidora de elementos aleatorios para convertirla en la base de algo mucho más complejo, randomizado e infinito. Y, además, lo introduce todo entre mecánicas de city builder. Es de esos videojuegos adictivos que engancha duro, te avisamos. Por algo será...
Gestión / Crafteo:
Nuestro cerebro se configura a partir de la dopamínica secuencia entre objetivos y tareas completadas, a menudo simplificada en cadenas adictivas de estímulos-respuestas. Los juegos de gestión son el sumun de esa faceta workacohólica tan nuestra.
TERRARIA
No es un ‘Minecraft’ en 2D
La profundidad desde la que construye su jugabilidad multisistémica es digna de estudio. Tan disparatada y efectiva, su propuesta lo tiene prácticamente todo: mundo abierto, minería, crafteo, construcción de bases, islas flotantes, plagas de zombies, jetpacks, unicornios, armas de fuego, rituales de Eldritch… Un juego total que resiste la prueba del paso del tiempo.
CORAL ISLAND
Digno heredero de ‘Harvest Moon’
ENTER THE GUNGEON Bienvenido a la Armazmorra Bebe de The Binding of Isaac -mazmorras procedurales de progresivamente mayor profundidad-, pero establece su propio universo a través de una sátira de iconografía armamentística. Enemigos en forma de balas que portan escopetas, rifles que disparan armas aleatorias... La obra de Dodge Roll es tan surrealista como efectiva -y efectista- en todos los sentidos.
Con la esencia de los juegos de granjas de principios de los 2000, Coral Island se fija en las fórmulas clásicas del género y en ejemplos como Harvest Moon con absoluta pulcritud. En muchos aspectos es como un simulador del propio verano: alterna sus aventuras con las de la vida real y tendrás un verano sin fin; el verano definitivo.
FORAGER
Crafteo delirante, acelerado y demencial Si la mayoría de juegos de gestión van de menos a más, Forager sigue un sorprendente patrón exponencial. Es un juego que busca constantemente la forma de romperse a sí mismo... y la encuentra: tan pronto empiezas con una azada de madera como acabas construyendo una red interconectada de centrales nucleares. Un delirio desde la sencillez.
ANIMAL WELL
El pozo (pacífico) de los secretos No es un metroidvania al uso porque suprime directamente uno de sus elementos principales: la acción, el combate. Sin botón de ataque ni complejas habilidades de movimiento, Animal Well continúa siendo un misterio a día de hoy por su intrincado y laberíntico diseño de niveles y su saturación de secretos irresolubles.
NINE SOLS
AXIOM VERGE
‘Metroid’ vive, la lucha sigue Es el metroidvania contemporáneo más fiel a la primera mitad del término. Bebe muchísimo de las aventuras originales de Samus y su universo posee numerosos paralelismos con la franquicia de Nintendo. Es, sin embargo, más cautivadoramente decadente, e incluso más sobrio si cabe.
Metroidvania:
No hace falta complicarse mucho para viajar en verano sin moverte de donde estés: a veces es suficiente con un buen metroidvania; juegos con ambientaciones impensables y cuyos rincones bastan para ocupar las horas muertas con travesías que te cambian por completo.
Más allá de ‘Hollow Knight’ Este juego cumple de forma excelente con el canon contemporáneo del metroidvania, y a una mezcla entre las estéticas de Hollow Knight, las mecánicas de Sekiro y el enfoque jugable de la saga Shinobi, añade una ambientación irresistible y evocadora que une lo chamánico y lo psicodélico con lo robótico y lo ciberpunk.
TINYKIN
Cariño, he encogido a ‘Pikmin’
El collectathon más infravalorado de la década. Tiene menos de Pikmin de lo que parece a simple vista: su propuesta oscila mucho más hacia la aventura, el plataformeo, los juegos de lógica y la exploración curiosa de un universo que bien podría haber salido del corto previo a un largometraje de Pixar. Una pequeña maravilla.
PENNY'S BIG BREAKAWAY
Plataformas de kinestésica sensacional Hay juegos con flow -de Sonic a Crash Bandicoot y más allá-, y luego está Penny’s Big Breakaway. Su sistema de movimiento -vertiginoso, pero enormemente preciso- es la virtud primordial de su propuesta, ofreciéndonos combos de inputs con los que poner el trazado de cualquier nivel a nuestro servicio gracias al uso de un versátil yoyó.
A SHORT HIKE
La vida sigue, igual que el verano
Dura apenas 3 horas, pero su mensaje es extremadamente potente. A Short Hike es un juego que habla de esa ansiedad con la que convivir entre dos eventos canónicos de nuestra vida, disimulándolo tras una enternecedora y contemplativa aventura wholesome de atardeceres infinitos. El verano también es esto.
Collectathones:
El verano tiene mucho del verbo recolectar, y más aún en modo portátil. Los collectathones son juegos que elevan este concepto -la recolección- a su máximo nivel, experimentando además con kinestésicas y sistemas de movimiento alternativos que son el curioso eje central de su propuesta jugable.
MODA
EDITORA DE MODA: ALBA G.VALERO / FOTO: ALICIA PASTOR / ASISTENTE FOTO: ABRIL FOX
MODELO: EMILIA RUS / ESTILISTA: ÁLEX MONTOYA MARTÍN / ASISTENTE ESTILISTA: AINA SEGUI
MUAH: JORGE MORANDEIRA
SCULPED GRACE
Sculpted Grace encuentra el equilibrio entre la delicadeza y la fuerza. Una belleza andrógina, libre de etiquetas, transforma cada silueta en una declaración de actitud donde la naturalidad se convierte en su mayor expresión.
TOP + FALDA: NADYA DZYA / ZAPATOS: FORTFORTE / CHAQUETA: ZARA
TOP + FALDA: NADYA DZYA / ZAPATOS: FORTFORTE
BODY: SAINT LAURENT / ABRIGO: DOBLAS / ZAPATOS: PATRIZIA PEPE
TOTAL LOOK: PATRIZIA PEPE
CÓDIGO VERANO
La paleta más dulce del verano sirve de hilo conductor para un NUEBO BAZAR con una selección en la que conviven firmas emergentes, colaboraciones especiales y gadgets virales que arrasan en redes. La moda de culto que necesitas para construir un closet estival tan desenfadado como sofisticado.
1. Chanclas HAVAIANAS x TWOJEYS / 2. Falda PAR Y ESCALA - 85€ / 3. Top Stella Maris AT FIRST SIGHT - 100€
7. Camisa PAR Y ESCALA - 85€ / Cinturón Dolce & Gabbana by ESSELL STUDIO - 150€ / 9. Gadget pop FUNKO
10. Bailarina GIMAGUAS - 295 € / 13. Toe rings TWOJEYS x HAVAIANAS
15.Vestido Cira GIMAGUAS- 89€ / 16. Gadget pop FUNKO / 17. Bra PAR & ESCALA - 45€ / 18. Bailarinas GIMAGUAS- 145€
19. EMini bag GIMAGUAS- 165€ / 20. Alain Pants AT FIRST SIGHT - 100€ / 21. Cadena decorativa ESSELL STUDIO - 125€
22. Charm LABUBU - 80€
KELELA
KELELA
Por: Diego Rubio / Foto: n ē v a
La estadounidense se transforma de nuevo en su último trabajo, y desbloquea un ‘new avatar’. Agarrando las guitarras y abrazando la distorsión shoegazer, esta vez se sumerge en una bruma que también se extiende hasta el club, y que no deja de revelar una nueva cara del R&B en conversación con géneros no evidentes. Kelela, The Linker.
El lore de Kelela es un agujero de gusano, o la madriguera del conejo. Siempre puedes descubrir, sumergiéndote lo suficiente, una nueva referencia, una nueva relación. “He vivido muchas vidas en mi exploración de la música. He podido visitar muchos lugares a lo largo de esta quest. Antes incluso de escribir música, siempre he estado interesada en excavar, tratando de encontrar nuevos lugares que existan entre mundos, y penetrar en ellos”, confiesa al otro lado de la pantalla. Está en Londres para grabar el videoclip de outta time, y encuentra tiempo para atendernos durante una sorprendentemente soleada -y ajetreada- mañana de promo. Podríamos decir que Kelela es The Linker: “Desde el principio de mi viaje, la idea siempre ha sido romper la segregación que hay entre diferentes géneros, tradiciones o formas de entender la música. Estallar el vaso y desmantelar todas esas preconcepciones”. Esto se ha traducido en una lucha constante por resignificar y recontextualizar el sonido del R&B: alejarlo de los clichés y de lo que una industria dominada por hombres y por blancos ha decidido que sea. “El R&B es un campo enorme y expansivo. Además de su tradición, que tiene un profundo valor porque es de donde prácticamente todos estamos tirando, el R&B tiene un montón de facetas distintas que nunca han estado en primer plano, pero que ya han sido exploradas por la comunidad negra. Han sido relegadas, marginadas y condenadas al ostracismo por el racismo sonoro, y se ha empaquetado el R&B como algo que no puede ser complejo, ni elaborado... Cada proyecto mío es una nueva forma de enseñarle al mundo una de esas facetas, y por lo tanto de mostrar también lo expansivo que puede ser el R&B. Pero encuentro algo inherentemente racista en pensar que estoy reiventando el R&B: la realidad es que el R&B ha sido reinventado infinidad de veces, y que tradicionalmente es un género no tradicional”.
estimulante tapiz de nuevos vínculos e ideas que le han permitido desplegarse musicalmente y, como es habitual, como nunca antes.
Su nuevo álbum, new avatar , despliega otra nueva faceta del R&B y otra nueva cara de Kelela, como sugiere desde el propio título. Una en la que agarra las guitarras y les aplica distorsión shoegazer sin dejar de orbitar el club ni abandonar su característico timbre vocal ni las melodías R&B. Y una en la que reprograma la idea de música alternativa desde su propio epicentro.
“La música alternativa ha tenido siempre tendencias racistas. Es ella la que necesita expansión, la que necesita ser replanteada. No el R&B. Y es en ella donde veo más tradicionalismos y más actitudes conservadoras, tanto en lo sonoro como más allá. Este disco es un poco lo que pasa cuando repiensas esos límites”, asegura. Y en ellos ha encontrado la artista estadounidense un
“Ya antes de Take Me Apart (2017) tenía en la cabeza hacer un disco como este, y sabía que iba a pasar tarde o temprano. De hecho, era la idea en lugar de Raven (2023), pero muchas de las cosas no funcionaron en aquel momento, no encontré los colaboradores adecuados y la dirección fue otra. Tengo mucha paciencia con la música, y si algo no surge naturalmente no me gusta forzarlo”, confiesa. Esta vez sí encontró al alma gemela que necesitaba: Oscar Scheller (Ashnikko, PinkPantheress, Lily Allen). “El único tema que no ha producido es outta time , y es una canción que produje con A.K. Paul [Jai Paul para los amigos] descartada de Take Me Apart . Nunca fue el momento para ella, pero sabía que llegaría en algún punto, porque necesitaba vivir en mi disco de guitarras. Fue, realmente, el tema que abrió el camino de new avatar , porque cuando hablé la primera vez con Oscar la idea era encontrar con él intersecciones entre lo que yo y Paul exploramos musicalmente en esa canción. Es un tema muy Nirvana, pero también es Dirty Diana (Michael Jackson). Y mi pregunta siempre era: ‘¿Qué haría Aaliyah aquí?’. Esta conversación fue el punto de partida. Y necesitaba a alguien como Oscar, que estuviera inmerso en esa misma dinámica. Cuando nos conocimos yo realmente le buscaba para hacer música de baile. En plan, quería hacer un disco de guitarras, pero también aproximarme a la pista de baile. No tenía muy claro el sonido, pero sí la intención de ir hacia algo que conectara con Burial y también con el sonido de guitarras acuoso de algunas bandas que transicionaron al dance en la Inglaterra de los noventa; los links entre el triphop y el shoegaze...”. Como si Aaliyah, precisamente, o Janet Jackson fueran la Ruth-Anne Boyle de Olive o la Tracey Thorn de Everything But The Girl, o como si Loveliescrushing -a cuyo debut parece apuntar la portada- incluyeran el R&B en su particular gabinete de curiosidades y experimentos. “Resultó que Oscar estaba realmente en esta dicotomía también, así que fue un match perfecto. Yo ni sabía que él ya había hecho música de guitarras... Fue cuando fui a su estudio y las vi cuando me di cuenta de todo”, recuerda. Es la primera vez que Kelela trabaja mano a mano con un solo productor. “Normalmente voy parte por parte con varios productores y luego me siento con todo ello y me pongo a hacer mi tapicería”. Pero esta vez necesitaba algo mucho más personal, unitario y cerrado. También más espontáneo y liberador, como un
“Cada proyecto mío es una nueva forma de enseñarle al mundo
algunas de las
facetas del R&B: lo expansivo que puede ser”
Going Under Water
Hay artistas espaciales, otros terrestres, rurales, infernales, divinos.... Kelela vive en el agua.
“Estoy criada en la música de Janet Jackson, que soltó la mejor grabación de lluvia en un disco jamás hecha, y en la Tina Turner de I Can't Stand the Rain. El agua puede sonar de infinitas formas. La idea de Raven en cierto sentido era explorar muchas de ellas: el sonido que se produce justo encima y debajo de las olas, el roce de la superficie, o la sensación de estar completamente sumergido en las profun-
didades, en ingravidez y rodeada de sonidos de sónar. También esa idea de estar a merced de las olas que transmite la portada, entrando y saliendo del agua, rompiendo la superficie. Hay un enorme rango de emociones y experiencias contenido dentro y fuera del agua, sobre ella o en inmersión completa. El contexto del agua, también: es lo que busca por ejemplo ofrecer el principio de Aquaphoria [mix de culto que revelaba otra nueva faceta: el ambient]. No es lo mismo el agua de una
fuente o de un grifo que el agua del mar. Te sitúa en un espacio completamente diferente. Raven tenía un rango amplísimo de cosas: música cinematográfica a base de cuerdas, música club... En la titular Raven puedes reconocer un patrón techno, y Let It Go tiene una plantilla de R&B más tradicional. Pero el agua era el hilo subacuático conductor. La corriente”.
vómito o un grito. “La relación de Oscar con el R&B es tan obsesiva como la mía, pero él también es un obseso de las guitarras y de la música dance. Hacer con él un disco de R&B pero tratarlo como si fuera Everything But The Girl, pero también Incubus, mezclar todas esas cosas a priori tan diferentes e incluso opuestas, era una de las tesis principales. Ha sido un proceso catártico y muy emocionante en el que han ido surgiendo siempre nuevas ideas, pero que a la vez llevaba deseando salir de mi cuerpo desde hace mucho tiempo”. El primer acercamiento de Kelela a la música de guitarras, de hecho, nos retrotrae al principio de su carrera, cuando hacía coros en T.R.A.M. -una banda de jazz progresivo con miembros de Suicidal Tendencies, The Mars Volta y Animals As Leaders-, militaba en el combo indie Dizzy Spells o cantaba metal progresivo con Tosin Abasi. “Recuerdo que en aquella época Navene, un batería que programaba percusiones para bandas de metal, me enseñó unos temas bastante duros en los que estaba trabajando, con percus y guitarras muy agresivas... Muchas de esas exploraciones nunca han llegado a ver la luz explícitamente en mi música, pero están ahí y son muy importantes para lo que soy como artista. En general la agresividad, ya sea en forma de música de guitarras o en forma de techno o música de baile, me interesa porque contrasta con mi voz, que es muy suave y etérea, casi aterciopelada. La gente suele quedarse con uno de los dos extremos, pero a mí me interesa mucho tratar de unirlos”. Otra vez, Kelela, The Linker.
El sonido más físico y orgánico de su nuevo álbum, pero también su vínculo indisociable con la electrónica, se alinean con un signo de los tiempos en los que -parafraseando a James Murphy- los artistas ya no cambian turntables por guitarras, o viceversa, sino que vienen
con ambas ya de casa. “Creo que la música electrónica expresa mucha de la furia con la que necesitamos comunicarnos a día de hoy, pero que igualmente tenemos una necesidad cada vez mayor, en un mundo jodido y dominado por un uso esclavizante de la tecnología, de volver a cosas más físicas, que nos conecten con la potencia de nuestros cuerpos y con una forma de estar presente en el mundo de forma sólida”. Entre ellas está, por ejemplo, el sonido crudo de la guitarra de Scarlet House: “Al final de una lista de referencias que estaba escuchando para el disco, Apple Music me sugirió: ¿Quizá estás buscando algo como esto? Y fue como: ‘De hecho, sí’. Estaba trabajando con Oscar en Los Angeles y resultó que Scarlet House estaba en la ciudad y que tocaba en el Roxy, así que fui con él a verle en directo. Descubrimos a una banda de hardcore que tocaba antes que él y que no conocíamos, y fue todo muy bonito. Le conocimos en persona, pero no llegamos a trabajar juntos en el estudio. Oscar ya había grabado todas las guitarras, pero le pedí ese sonido tan suyo que saca en la guitarra. ‘Por favor, simplemente toca los mismos acordes, pero con ese aparataje de efectos tuyo’. No compuso para nosotros, pero necesitaba su textura”. De ese tipo de búsquedas surge un trabajo en el que también colaboran Fousheé y PinkPantheress, distintas facetas del puzle que ha diseñado la estadounidense esta vez. Kelela, en cualquier caso, ya había hecho su reconciliación con lo orgánico en In The Blue Light (2025), un trabajo en directo que recogía los dos conciertos en el Blue Note de Nueva York donde reinterpretaba en clave jazz su repertorio más icónico. “Todo surgió de la propuesta del Tiny Desk. Recuerdo cuando entré en la sala de ensayo por primera vez y estaban tocando el principio de Raven, Washed Away, usando un Prophet. Me puse a hacer glissandos sobre eso y pensé: ‘Esto no puede quedarse solo en un Tiny Desk, tenemos que llevarlo al Blue Note’. No tenía el presupuesto, pero se lo propuse al sello y me apoyaron sin dudarlo, así que hicimos los conciertos y el disco. Fue la primera vez que pude armar algo parecido a lo que sería mi sueño de banda, un híbrido electroacústico con el que poder acercarme a mis canciones desde arreglos más jazz, pero en general también más versátiles”. Para las presentaciones en directo de new avatar -que incluyen fechas en salas de Madrid y Barcelona en octubre- también va a llevar banda, pero esta vez es la primera que gira con una formación armada con guitarras. “Quiero monitores en el suelo para poner el pie sobre ellos, ¿sabes? Y mezclar esa energía de headbanging y de mosh pit con otros momentos más introspectivos y con otros que sean como estar de fiesta en un club. Esas tres energías que parecen irreconciliables para algunas personas, pero que otras necesitamos experimentar en un mismo momento, en un mismo espacio”.
NEW AVATAR (WARP, 2026)
idea 1 / point blank / goin down / outta time / against me / crystalize / retaliation lillaby / linknb / don't piss me off / new life forms / the bridge / if we meet again
CD / DIGITAL / LP
Por: Galo Abrain
Jesús G. Maestro diría que John Gwynne escribe el combustible perfecto para la enajenación neotérica. Millones de lectores, en cambio, lo consideran uno de los grandes arquitectos de la fantasía épica y oscura actual. Tras la trilogía ‘Hermanos de sangre’, su universo continúa desembarcando en nuestro país con ‘Maldad’, la novela que dio comienzo a una de las sagas más celebradas del género.
Tremendo kilombo montó el revuelveconciencias hispanoadicto de Jesús G. Maestro cuando aseguró que, si en Alemania hubieran leído El Quijote, nos habríamos ahorrado dos guerras mundiales. Casi nada, tú. Y todo porque, para él, la vida de Alonso Quijano es un alegato contra el idealismo. Un GPS de la realidad. Un realismo barroco que se opone al engaño. Un espacio frente al sueño de la razón que es, como decía Goya, donde vemos nacer los monstruos.
Hablando de monstruos, no son precisamente ositos de Mimosín los que nos traen aquí, sino los seres a caballo entre los panteones olímpicos y las épicas batallas ricas en desmembramientos de John Gwynne. Gwynne es heredero de esa literatura fantasiosa, evasiva de la realidad, que para Jesús G. Maestro empuja a la enajenación neotérica. A ser pimpollos superferolíticos frente a lo que los rodea, evasivos crónicos de la verdad con la necesidad de migrar a fábulas irreales. Hechiceriles y románticas, vaya. Sea cierto o no, el hecho es que quien fuera profesor de la University of Brighton mueve marabuntas internacionales de lectores por todo el mundo, un fenómeno que ahora golpea de lleno las librerías en nuestro idioma con la esperada traducción de su
primera novela, publicada en 2012, Maldad, y que sigue a la reedición especial de su trilogía Hermanos de sangre. Con su pose de cosplay vikingo, de lanzador de hachas aficionado y criador de mastines, el bigardo alopécico encarna a la perfección la imagen del hooligan de la fantasía y el símbolo. Y, contra lo que cualquiera pudiera creer, el auge de ese mundo épico no prendió tras un viaje lisérgico de setas en el bosque. Todo fue más triste, cotidiano y familiar. Aislado en casa las veinticuatro horas del día en una tarea de lo más dura, junto a su esposa, Caroline, Gwynne tuvo que dedicar una atención constante a su hija Harriett, afectada por una profunda discapacidad. En mitad de esa compleja situación, el autor buscó un asidero mental. Un “momento para mí”, asegura. Así, en una cena familiar en el año 2002, justo tras regresar del cine de ver El Señor de los Anillos: Las dos torres, su mujer le soltó el órdago que llevaba años rumiando: “Tienes que escribir un libro”. El propio Gwynne reconoce el escepticismo que lo embargó. “Pensé que era una idea un poco inalcanzable. Me faltaban muchos ingredientes: una buena trama, unos personajes firmes y, en fin, una buena dosis de talento”. Pero el asedio de Caroline fue implacable.
“SIEMPRE ME ESFORCÉ EN CREAR ALGO ÉPICO E ÍNTIMO POR IGUAL”
CELSIUS 232
John Gwynne es uno de los grandes protagonistas de esta edición del festival de literatura fantástica de Avilés. Además...
África Vázquez
La autora zaragozana ha publicado La sombra del loto negro, fantasía ambientada en el Antiguo Egipto.
Mauro Caffaratto
El sauce oscuro es la novela debut de este madrileño amante de la fantasía oscura e hijo de Almudena Grandes.
Carlos Sisí
Uno de los grandes escritores cifi de nuestros país. En julio reedita la fundamental Alma por su décimo aniversario.
Tomás Hijo
El salmantino, enorme ilustrador, es famoso por reinterpretar obras míticas del terror, la fantasía y la ciencia ficción.
Kiera Azar
La británica presenta su primera novela, Thorn Season, primera entrega de una romantasy con mucha expectación.
Antonio Runa
Amante de lo insólito y lo oculto, Runa ha explorado el terror, la fantasía y, ahora, la ciencia ficción con SuprAdalid
Desde ese momento comenzó a tejerse el argumento de la novela. Una receta inspirada en un poquito de romanticismo clásico por aquí, de Tolkien por acá y, de pronto, el dios caído Asroth busca romper sus cadenas para desatar una guerra divina, obligando al mundo a buscar a contrarreloj a sus campeones profetizados, el Sol Negro y el Lucero del Alba. En mitad de este cataclismo inminente destaca Corban, un joven que anhela convertirse en guerrero mientras el peso del destino y las traiciones políticas lo arrastran hacia la madurez a espadazos. No es el único; el relato se vertebra también a través de figuras oscuras y complejas como Maquin, un hombre marcado por un “enfoque y falta de ego, combinado con su capacidad general para ser un tipo duro”, asegura Gwynne. Esas dualidades, según el autor, lo convierten en el defensor definitivo ante cualquier amenaza absoluta.
Curiosamente, la novela no iba a llamarse Maldad a secas; el título original concebido por Gwynne era So Deep a Malice (Una maldad tan profunda), un préstamo poético extraído de El paraíso perdido de John Milton. Fue Bella Pagan, editora de Tor UK, quien le dio el hachazo de realidad comercial al sugerir un título más directo. En un mercado editorial cada vez más supeditado a la tiranía del entorno digital, el título de una sola palabra funcionaba como un piñazo en el mentón. La jugada fue buena y terminó definiendo la identidad de toda su trayectoria. A Maldad le siguieron Valor, Ruina e Ira, los eslabones que cerraron con éxito la tetralogía Fieles y caídos, a la que seguirían
muchas otras obras y sagas exitosas que han consolidado su estatus en la primera línea de la fantasía internacional. Y, bueno, volviendo al inicio, ¿puede leerse esta bibliografía como un burdo parque de atracciones para el escapismo neotérico? El autor se defiende al revelar cómo procesa mentalmente su propio universo. Lejos de concebirlo como un limbo mágico, el escritor confiesa que sufre una feliz distorsión cognitiva. “Porque soy un poco raro y pienso en las Tierras Desterradas como una realidad semihistórica, hay infinitas historias que contar. Es un poco como ir arrancando momentos de la historia real”. Este enfoque historicista se refleja en su técnica de escritura. “Yo diría que ahora hay menos relleno en mi escritura”, asegura el autor respecto a su evolución. “Un poco más de confianza para ver una escena con claridad y simplemente ponerme con ello”.
Frente al espejo de los grandes tótems de la espada y brujería, Gwynne edificó su poética particular mediante una directriz irrenunciable: lo épico y lo íntimo. “Épico e íntimo siempre fue mi mantra, lo que me esforcé por crear. Por épico me refiero a panoramas grandiosos y a un conflicto que se eleva por encima de las disputas fronterizas o la política; por íntimo, a conectar con los personajes, preocuparme por lo que les sucede”. Esa dualidad provocó que sus criaturas se independizaran de las páginas. El autor confiesa la extrañeza agridulce de tener que decir adiós, en algunos momentos, a unos personajes que se habían vuelto “posiblemente un poco demasiado reales” para él conforme avanzaba en su universo. Para Gwynne no son muñecos de paja en una coreografía de desmembramientos. Se trata de entes dotados de una tridimensionalidad tal que el propio autor experimentó el dolor del desarraigo al terminar el manuscrito de la saga que hoy se inaugura en las estanterías patrias con aquella ópera prima. Evasión neotérica o enfoque original, poco importa. La imaginación de John Gwynne ya cautiva a todo el universo de la fantasía y, como bien apunta, no parece que se vaya a quedar sin estrategias para volver al campo de batalla.
MALDAD 1 julio
John Gwynne Minotauro
752 págs. / Novela
El rapero polaco se alía con tres de los músicos de vanguardia más interesantes de Reino Unido para un disco colaborativo que surge de un encargo en directo por parte del festival Unsound, y en el que despliegan un diálogo entre el ambient, el post-dubstep, el hip hop, el trip-hop, el R&B o la música experimental.
Por: Miguel Pardo + Diego Rubio
Este 9 de julio llega uno de los LPs más peculiares del verano: Everything Always Changes, For We’re Truly Here. Un proyecto colaborativo concebido originalmente como presentación en vivo para el Festival Unsound de 2025, que terminó convirtiéndose en un álbum experimental en el que cuatro puntas de lanza de la música electrónica y de vanguardia contemporánea unen sus fuerzas en un viaje confuso a través del despliegue poético del tiempo y las texturas ambientales.
“Me gusta escuchar a través de las imágenes y ver a través del sonido”, cuenta el artista polaco Przemysław Jankowiak, más conocido como 2K88. Él es uno de los protagonistas de este trabajo, que surge con la inquietud de juntar a creadores polacos con otros de origen británico y que resultó en un directo que, para varios de los agentes implicados, significaba un más que esperable lanzamiento de estudio. El resto es historia y la grabación, que ya ha sido presentada en ciudades como Berlín, Varsovia o Blackpool, muestra el carácter híbrido, avant garde e hipnagógico de unos artistas que se neutralizan y al mismo tiempo se destacan mutuamente de manera brillante.
LAUREN DUFFUS
UK Garage 2.0
Ambient, pop, R&B, post-dubstep... Las referencias de Duffus, que ha trabajado para sellos under como AD93 o radios de la talla de NTS, son inclasificables. La artista afincada en Londres añade al álbum “estribillos” y en general unas intervenciones vocales próximas al hip hop, basadas en la rítmica y la cadencia propias de un ambiente urbano pesado, confuso y esotérico. Su nombre saltó a la palestra de la escena británica con el lanzamiento de Sulk en 2021 y desde entonces no ha hecho sino despuntar en el ámbito internacional.
RAINY MILLER
Northern Ghotic
Uno de los “góticos norteños” junto a Space Afrika o Iceboy Violet, con quienes ha colaborado activamente, este “rapero” mancuniano destaca por su mezcla entre el folk, el hip hop, el ambient -también ha colaborado con Purelink- y una manera única de plasmar las emociones a través de un flow visceral. En Everything Always Changes, For We’re Truly Here, Miller utiliza esas herramientas para darnos algunos de los momentos más memorables del disco, destacando entre los samples clásicos y las capas abisales del conjunto.
Al creador oriundo de Gdynia se unen, entonces, Lauren Duffus, Rainy Miller y Bianca Scout. Trío calavera de la música más avant la lettre y originales de Londres, Manchester y Glasgow respectivamente, los artistas británicos aportan cada uno su granito de arena. Con una estructura sostenida en el loopeado coral, ciertos sonidos encontrados, atmósferas opresivas e instantes de gran lucidez en los que el rap toma la delantera, el disco suena como todos sus autores al mismo tiempo. Pero no por ello el resultado es particularmente caótico ni excesivamente calculado. En lugar de eso, Jankowiak y compañía suenan espontáneos, fluyendo entre algo personal y algo colectivo, con el sentimiento del paso del tiempo y la desesperación cognitiva de una generación interconectada a nivel anímico. Everything Always Changes... representa esa sobrecarga a base de mezclar sonidos de orígenes dispares, pero nunca saliendo de una masa atmosférica común, que lo envuelve todo y suena rabiosamente contemporánea y abandonada. EVERYTHING ALWAYS CHANGES, FOR WE’RE TRULY HERE (Fixed Abode x Unsound, 2026) Everything Always Changes / In Stardust Garden…(Empress Ballroom) / Purple Mauve / Salto / Quiet’s Song /b Paper Thin / A Random Introduction /b Forevers Just Trust In Another Day / Poetic Fallacy / For We’re Truly Here
DIGITAL / LP
BIANCA SCOUT
Ballet radical
Una de las favoritas de la escena contemporánea, su formación en ballet y clásica permite a Bianca aportar un sonido muy visual y liminal. Entre la música de orquesta y las oscilaciones físicas -que se adaptan de una manera inusitada a los sonidos más urbanos-, su propuesta contribuye a darle al álbum un aire atávico, en el que también despliega unas propiedades vocales misteriosas y ricas en matices. Además de su carrera en solitario, que se mueve entre el ambient y el collage, forma con Martyn Reid el proyecto Marina Zispin.
2K88
Grime de importación
Eje de la residencia artística que dio lugar al disco, Przemysław Jankowiak es por méritos propios uno de los artistas que mejor y mayor trabajo de archivística está haciendo del despliegue de la escena hip hop en Polonia en los años 90 y 2000. Su hambre por trazar paralelismos entre dicha escena y la de la electrónica de Reino Unido fue el detonante para que los cuatro artistas se reunieran en Gdynia, su ciudad natal, tratando de modular y comprender los puentes que se generaban entre sus sonidos. Esencial escuchar SHAME
POP/R&B
Puede que el origen del post-dubstep fuera puramente club y se estructurara en torno a Hessle Audio, sello fundado por Pearson Sound, Ben UFO y Pangaea en 2007. Pero la trayectoria de Mount Kimbie, James Blake o Jamie xx, también entre sus primeros valedores, demostraba que la dirección pop era, quizás, la primera y la más evidente que iba a seguir el género en su rápida dispersión. En su aleación con el R&B alternativo, después, surgieron algunos de los proyectos más interesantes de los 2010.
Kelela FKA twigs
Abra
Lauren Duffus
FKA twigs LP1 (2014)
De todas las derivaciones del post-dubstep, quizá la que más ha permeado en el gran público de la electrónica de baile han sido los progressive breaks, que se construyen desde la idea del post-dubstep pero incorporando elementos de techno y deep house y melodías progresivas. Es más una aproximación a la pista de baile, una forma de demostrar la dominancia del UK Bass. Hasta Skrillex ha entrado en razón.
Bicep
Fred Again..
Overmono
Sega Bodega
Overmono Good Lies (2023)
EVOLUCIÓN DELPO S T -
PETSBUD
DIGITAL GLITCH ABSTRACT
Según el capitalismo iba acelerándose a marchas forzadas con el desarrollo de los formatos verticales en redes sociales, según PC Music definía lo que era el bugglegum bass y según el hyperpop y sus principios se asentaban en el imaginario colectivo de todos los géneros musicales, las formas derivativas del dubstep también entraron en terrenos ultradigitales, glitcheados, inquietantemente artificiales, que se aprovechaban de la velocidad como potencia estética. El australiano Flume fue uno de los primeros en entenderlo.
Two Shell
Oli XL
Ramon Pang
Loraine James
Oli XL
Lick the Lens - Pt. 1 (2025)
Siempre hubo una vía abstracta después del dubstep, y en cierto sentido muchos proyectos asociados a Dean Blunt o a Mica Levi a través de Micachu & The Shapes surgieron de la bruma que quedó cuando el género se disipó hacia mediados de los 2010. Hay aquí una evidente relación con el pop, pero también con el downtempo, lo experimental, el hip hop o la IDM.
Tirzah
Tracey
2K88
Verses GT
GLOBAL
Gracias a Club Romántico, sello de Mánchester fundado por DJ Florentino, el ADN del UK Bass y del post-dubstep se filtró también hacia los ritmos caribeños y latinos, dando lugar a toda una ida y vuelta, el latin club, que ha desembocado en alguna de las propuestas pisteras más radicales de los últimos años. Aquí lo ciberpunk, lo brutalista, lo destructivo y lo apocalíptico pueden convivir con la seda y el vapor, con la calidez y con vibras más tropicales. El nexo común, claro, los ritmos rotos.
Nick León Verraco
Nazar
Ela Minus
Nick León A Tropical Entropy (2025)
MINIMAL
La versión más inmaterial del post-dubstep, tanto que es complicado relacionarlos directamente. Su eslabón perdido podría ser Actress, no tanto por el sonido en sí sino por su aproximación a los bajos, sistemáticamente esqueléticos. Y Faith in Strangers, del mancuniano Andy Stott, algo así como su artefacto más representativo. Que de aquí se pase al ambient dub, como demuestran por ejemplo la trayectoria de Carrier o de Dave Huismans desde A Made Up Sound hasta ex_libris, tampoco debería extrañarle a nadie.
Verses GT
Verses GT (2025)
Carrier
A Made Up Sound / A Made Up Sound (2016)
Actress Andy Stott
A Made Up Sound
‘Un viaje eterno’ parte de una contradicción tan íntima como reconocible: no creer, pero desear entender la fe de a quienes quieres. En su tercer largo, Vangoura dejan atrás parte del peso electrónico de sus primeros trabajos para abrirse a un pop más luminoso, mientras Miguel
Alarcón hablan de muerte, consuelo y espiritualidad sin solemnidad ni cinismo.
Figueras e Ignacio
Vangoura
Por: Ricardo Ruiz Varo
Foto: Juanjo Marbai
Miguel e Ignacio no creen, pero han hecho un disco sobre querer hacerlo. Y lejos de resultar una contradicción, es la premisa de Un viaje eterno (Acqustic, 2026), el tercer largo de Vangoura, el dúo que formaron en 2020 y que ahora cambia los sintes por un pop más orgánico y luminoso para hablar de fe, miedo, muerte y amor sin solemnidades. “Tiene más que ver con lo que otras personas sienten respecto a esas cosas que uno no logra sentir”, explica Miguel Figueras, letrista de la banda. “No somos creyentes, pero hay muchas personas de nuestro alrededor a las que queremos mucho y que desde esa fe han influenciado nuestra propia vida”. El matiz importa porque este no es un disco religioso, ni una rendición ante lo espiritual, ni mucho menos un panfleto de conversión. Es, como insisten ellos, un disco de amor. O, mejor dicho, de cómo el amor puede hacerte mirar con otros ojos algo que no compartes. “Una forma honesta de querer a alguien es entendiéndole realmente”, defiende Miguel. “Muchas veces pasamos por alto cosas que son importantes para otra persona porque no van mucho con nosotros”. Ahí se abre la verdadera búsqueda del álbum: ver la fe como un idioma ajeno que uno intenta aprender para querer mejor. En canciones como Yo quisiera y Ojalá tengas razón, esa tensión queda muy clara: no creen, pero les gustaría compartir la calma de quien sí lo hace. “Yo he sentido esa envidia”, reconoce Miguel, hablando en este caso de cómo las personas creyentes se enfrentan a temas como la muerte. Ignacio, su compañero y amigo, aterriza esa idea en una imagen muy concreta. “Hace poco fui a un funeral y, tío, es como que tienen esperanza. Son más resistentes al dolor”. Porque, al final, la reflexión sobre la fe que envuelve todo el disco tiene ahí su origen. “Yo he pensado muchísimo en la muerte desde que soy pequeño. Me da mucho miedo morir, esa es la realidad”, admite Miguel. La religión, en ese punto, ofrece una respuesta que ellos no tienen. Y aunque Vangoura no la compren del todo, tampoco sienten la necesidad de ridiculizarla. “Conozco a mucha gente creyente y lo último que pienso es que sean estúpidos; al revés”, defiende Ignacio. “Simplemente llevan una vida con pensamientos completamente distintos”. Miguel marca entonces una frontera clara. “Podemos estar en completo desacuerdo con muchos comportamientos que se han llevado desde la Iglesia, por ejemplo. Pero aquí no vamos a eso”. El foco no está en las instituciones ni en los dogmas, sino en las personas concretas que tienen cerca. “Nuestras parejas, nuestras abuelas o abuelos, nuestros amigos”. Cómo viven la fe. Que todo esto llegue justo cuando la espiritualidad vuelve a asomar en la cultura pop parece casi demasiado opor-
“HABÍA
CIERTO MIEDO: LOS CREYENTES VAN A
DECIR ‘ESTE ES GILIPOLLAS’, Y LOS QUE NO ‘ESTE ES UN MONAGUILLO”
tuno, pero ellos niegan que el disco naciera de ahí. “Miguel empezó a escribir canciones sin tener claro que el disco iba a ir sobre esto”. Después llegó la ola espiritual con Lux como referencia, y la sensación de haber tenido puntería, pero Miguel insiste en que todo venía de antes. “El disco lleva dos años preparándose, pero incluso te diría que es una consecuencia de muchos años de pensamientos”. En él asoma algo que el barcelonés tenía dentro desde hace años. “Había frases sueltas en nuestras canciones desde hace mucho tiempo que casi me iban poniendo flechitas hacia lo que quería contar ahora”. Una de las personas más importantes en ese camino ha sido su pareja, creyente, con la que lleva doce años. “Imagínate si no ha habido tiempo de hablar de esto. Ha sido un proceso muy largo, de mucho más que dos años realmente”, cuenta.
En el camino también hay pudor. Y bastante miedo a ser malinterpretados. “Había días en los que leía lo que había escrito el día anterior y decía: tío, ¿cómo voy a decir esto? Qué vergüenza”, admite Miguel. “Esto luego sale, lo escuchará mi madre, tendré que hablar de esto contigo en una entrevista… ¿Voy a ser realmente capaz de explicar estas canciones?”. El vértigo no era solo íntimo, sino también externo. “Había cierto miedo o reparo a que la gente nos pudiera etiquetar injustamente de una cosa o de la otra”. Demasiado creyentes para unos, demasiado descreídos para otros. “Los creyentes van a decir: este es gilipollas; los no creyentes van a decir: este es un monaguillo”, bromea. “Pero ¿qué hago, tío, si es lo que siento?”.
Con todos esos materiales -fe, muerte, miedo, consuelo-, cualquiera podría imaginar Un viaje eterno como un disco solemne u oscuro. “Tendríamos que haber metido cantos gregorianos”, bromea Ignacio. Pero no, nada más lejos de la realidad. El álbum deja atrás parte del peso electrónico de sus primeros trabajos y se abre hacia un pop más orgánico, luminoso, de guitarras, con Paco Salazar en la producción. Ese contraste era deliberado. “No queríamos darle un carácter triste”, explican. “Era importante que el disco se comprendiera como más esperanzador que otra cosa”. Un viaje eterno no trata tanto de encontrar una respuesta como de preguntarse hasta dónde estamos dispuestos a movernos por alguien. “No hace falta ni que la persona atea pase a ser creyente ni que la creyente deje de creer”, resume Miguel. Ignacio habla de “encontrarte en un punto intermedio”. Y Miguel remata: “¿Hasta dónde estoy dispuesto a abrirme para que la otra persona se sienta realizada y yo también? En la búsqueda de ese punto es donde creo que se encuentra el amor verdadero”. UN VIAJE ETERNO (ACQUSTIC, 2026) Yo quisiera / Un lugar para ti / Tu reflejo / (No) tengo miedo / Ojalá tengas razón / 500 grados / Improbables / Providencia / Primera Clase / La superficie / El cielo del que habla
DIGITAL / LP
Blu Boi
El dúo valenciano se evade de la pista de baile y flota hasta una dimensión etérea, abstracta y completamente difuminada en su tercer trabajo.
‘FOUND’ lleva su amor por la electrónica deconstruida de Arca y el witch pop de la progenie de SALEM a un nuevo nivel de resonancia emocional, conectando con Bassvictim y otros proyectos que lanzan la esperanza y el brillo contra un muro de distorsión y ruido.
Fotos: Luzía Orts
Por: Daniel Caballero
“BLUBOI NO ES UN ALTER EGO: SOMOS NOSOTROS Y EN LA MÚSICA ALQUIMIZAMOS LO QUE MÁS NOS ATRAVIESA”
“El lugar que mejor representa nuestro sonido es un paraje natural que te supera, donde entiendes la insignificancia del ser humano. Un lugar solemne con una meteorología muy cambiante, donde hay tormentas con nubes negras de titanio. Y nosotros ahí en medio, quietos como una estatua, contemplando todo”, imaginan Bluboi, dúo formado por Antoni y Xavier con sede en la Valencia más aventurada. Lanzan su tercer largo, FOUND, un meteorito de electrónica experimental con estelas de witch house alimentado por el darkpop o el ambient que inyecta más eclecticismo al paisaje nacional sonoro. En 2021 salió la primera criatura del laboratorio: JOVE x SEMPRE, un proyecto inclinado más hacia el dance y el deconstructed club con el que Xavi trazaba retratos de angustia emocional, ansiedad y demás sentires generacionales de una juventud con la soga al cuello. Antes Bluboi fue incluido en una de las mixtapes que la matri-Arca cura, MUTANTS VOL. 2: RIOT, con el tema Sols. A finales de 2023 aterrizó su segunda referencia, Sol x Sempre, más sobrio y con virutas más estruendosas a nivel sonoro, afilado por distorsiones etéreas y el gusto por un enfoque posgénero. “Con ese disco llegamos al punto máximo de estirar el sonido y la expresividad a través de los sintetizadores, la distorsión y el procesamiento. Para nosotros hacer música es como hacer jardinería: vas regando sin saber cómo la planta va a crecer del todo, pero al final siempre es más grande que al principio”, expresa Xavi. Inspirado en ese misticismo entre lo real, lo inestable y lo imaginario de los found footage, y aunque al principio estaba concebido como un simple recopilatorio de canciones, FOUND se erige como la piedra de toque de su universo creativo, un álbum que, a diferencia de los anteriores, mira con menos miedo a los ojos de la vida. “Hemos aceptado la realidad, hemos entendido que hay cosas que ni vamos a entender ni vamos a poder cambiar. También hay de fondo una narrativa donde, al igual que nosotros hemos ido encontrando la música, las canciones y las ideas durante estos años de creación, ahora también lo hace la gente que llega al álbum. Por eso el título”, admite Toni. “En anteriores trabajos cada canción estaba enlazada con otra. Aquí son autónomas y se pueden contemplar por sí mismas”, remarca Xavi. Esta vez han soltado la mano del club en favor de, en palabras de Toni, el “pop experimental” y el “witch pop”, etiquetas
con las que se sienten cómodos por ser más abstractas y habitables para ellos. “Nos parecía frívolo y poco honesto incluir elementos de club, celebración y baile en un álbum con el que estábamos pasando momentos muy jodidos durante su creación. No nos sentíamos conectados con eso. No somos ultratristes ni ultraintensos en la vida real, pero Bluboi no es un alter ego: somos nosotros y en la música alquimizamos lo que más nos atraviesa”.
Con referentes ambivalentes como Chappell Roan, Ethel Cain, Lady Gaga, Lana del Rey, Salem, Sophie o la mencionada Arca, explican que del pop han digerido su mapa para “construir universos identitarios propios”. También desvelan cómo el sonido cuasirrespiratorio que se escucha en la canción homónima “fue lo primero que grabamos del álbum en el Metropol Estudios de Madrid. Estábamos como amebas después de una resaca de conciertos, pero la primera sensación de demo es muy importante para nosotros y queríamos incluir como homenaje el trocito donde todo esto nació”.
Sobre la escena electrónica de Valencia y su evolución, Xavi remite inteligentemente al videojuego Dark Souls. “Nosotros llegamos tarde a Valencia. Yo llegué en 2022 y Antoni vivía en Castellón. Pero lo veo como el que llega a una ciudad donde han pasado mil movidas, hay mucho lore y te tienes que ir enterando por el camino hablando con NPCs y leyendo objetos. Se vivió mucha ebullición antes de que nosotros llegáramos. Grupos como La Plata, Ultralágrima, Neutro Gris, artistas como Marco Henri, colectivos como Sindicato Circular o agentes culturales como Electropura han hecho un aporte muy valioso a la escena electrónica valenciana. Hables con quien hables están las mismas figuras presentes”.
Sobre la portada del álbum juegan al despiste con ese halo ilusorio que pulsa el disco. “Vamos a mantener el misterio y no vamos a revelar si es un rostro real, IA, un render o una fotocopia; solo nosotros lo sabemos”, afirma Toni. Y finalizan hablando sobre el kilómetro zero humano: el amor. “Hay que hacer un ejercicio consciente para poner el peso en el amor que das y en cómo de sincero lo das y no tanto en el que recibes”, sentencia Toni, a lo que Xavi añade que “actuar desde el amor siempre es algo que vale la pena: lo que das de forma genuina se queda en ti y te va a volver”. Suenan los fuegos artificiales de despedida que inauguran FOUND II, la última canción.
FOUND (AUTOEDITADO, 2026)
Nosaltres/L'amor que ens hem trobat / Un incendi / Esperit / No lo pienso / Goldskies / Aquesta nit / Enemy / Destello / Creure en res / Found / Found II, Medicine
DIGITAL
Por:MartaEspaña
Fotos: Pagos Agamemnos
Con apenas tres canciones publicadas, MEEK se ha convertido en una de las irrupciones más comentadas del pop británico reciente. Detrás de ese ascenso hay más de una década trabajando como compositora, productora y vocalista para otros artistas, una defensa explícita de la cultura queer y una concepción del pop entendida como experiencia total. Entre activismo y estética glam, la londinense reivindica una idea fundamental en la industria actual: que un artista debe ser dueño de su propia narrativa.
ace apenas unos meses, Georgia Meek (Londres, 1995) era una compositora conocida principalmente dentro de la industria musical británica. Había escrito para artistas como Rita Ora, Martin Garrix o Alan Walker -una faceta verdaderamente fructífera que desplegamos con más detalle en el apoyo de la siguiente página-, había puesto voz para varios DJs y llevaba años intentando desarrollar una carrera propia como artista, siendo seleccionada por ejemplo para formar parte del BBC Music Introducing de 2020, una plataforma para el descubrimiento de nuevos talentos. Hace un año decidió empezar de nuevo y renació como MEEK. El lanzamiento de Fabulous, su primer single, la ha convertido en una de las irrupciones más visibles del pop británico reciente
gracias a una propuesta donde conviven cultura queer, teatralidad glam, referencias al rock clásico y el british punk más caótico, y una concepción del pop entendida como performance integral. Lo que une a las sobrinas espirituales de Adele y Beth Ditto, vaya, y lo que la emparenta a su modo con proyectos como Luvcat, Cherry Bomb o Chappell Roan. Sin embargo, MEEK no interpreta este éxito como una reinvención repentina. El cambio de nombre responde a la necesidad de separar una etapa profesional anterior de aquello que realmente quería construir. “Creo que es algo bastante común. Los artistas pasan por diferentes etapas, estilos y momentos de sus vidas”, explica. Durante años trabajó como vocalista y compositora dentro de la electrónica comercial. “Necesitaba hacer aquella música. Fue mi entrada en la industria y la manera en la que empecé a
conseguir atención, contactos y colaboraciones”. Con el tiempo sintió que aquella etapa ya no reflejaba sus prioridades. “Cuando firmé para hacer un álbum fue importante para mí decir: esto soy yo ahora. Ya no pongo voz a los demás. Soy mi propia voz. Esto soy yo y mi música, las cosas que produzco y escribo. Soy una artista completamente diferente”.
La conversación gira constantemente alrededor de la nueva autenticidad que le ha otorgado esta nueva etapa. “No tengo miedo de ser completamente auténtica y decir exactamente lo que quiero decir”, afirma. “Creo en lo que estoy haciendo y, si a alguien no le gusta, ya no me afecta. Porque no es para esa persona. Es para mis fans. Hay una belleza real en encontrar ese lugar en el que no tengo que gustarle a todo el mundo, porque quiero ser amada solo por algunos”.
Fabulous, la canción que ha impulsado su popularidad, resume bien esa filosofía. Aunque pueda parecer un himno de autoconfianza, ella la entiende de otra manera. “La canción no trata solo de tener confianza. Trata de pasar por momentos difíciles, de recibir golpes de vez en cuando y poder decir que sigues siendo tú”. Para MEEK, la autoestima nace de la capacidad para atravesar situaciones adversas. “Creo que ahí es donde se crea la confianza. No en los momentos positivos, sino en los momentos negativos que consigues atravesar y superar”. Por eso, añade, “todo el enfado, los momentos tristes y toda la negatividad... Pasar por ello es lo que nos hace más fabulosos”. Como buena diva, MEEK describe la música y la imagen como partes inseparables del mismo proceso creativo, y cita a Lady Gaga, Björk o Beth Ditto entre sus referentes. “Soy una compositora muy visual. Cuando escribo una canción imagino cómo se ve y cómo es el vídeo”. Para ella el pop consiste en construir mundos. “Creo que eso es lo que hace grande a un proyecto pop: crear un mundo en el que la gente pueda entrar, sentir algo diferente y sentirse liberada”. Cuando define el suyo utiliza tres palabras: “Seguro. Experimental. Positivo”. Y añade: “Estoy intentando disfrutar de la vida y creo que otras personas están viendo eso y tratando de disfrutar de las suyas. Y si podemos hacerlo con un poco de oscuridad y glamour, perfecto”. Esa idea de comunidad aparece también en Beautiful Freeks , una canción dedicada a quienes se perciben como outsiders. MEEK rechaza asociar esa condición a una estética concreta. “No tienes que estar loca, ponerte un vestido extraño y un maquillaje oscuro para ser un freak. También puedes ser una chica pop, llevar un vestido precioso y seguir siendo un freak”. Para ella, la diferencia no depende de la apariencia sino de la capacidad para sostener decisiones
Alan WalkerDancing in Love En el universo de Walker, donde la identidad audiovisual es casi una franquicia (capucha, máscara, melo- días sintéticas y épica EDM), la voz de MEEK aparece al servicio de algo más directo: los códigos festivaleros.
Denise Mara Laartistadedarkpopmaltesa DeniseMerciecasepresentóal MaltaEurovisionSongContestde 2024 -nuestro Benidorm Fest- con estacanciónelectrónica,percutivay eurovisivacoescritaporMeek.
propias. “Se trata de tomar tus propias decisiones, defenderte a ti misma y ser auténtica con lo que quieres hacer”. También introduce una dimensión ética. “Se trata de ser amable con otras personas y amar las diferencias entre los seres humanos. Porque son hermosas”.
Cuando la conversación se desplaza hacia la cultura queer contemporánea, MEEK muestra preocupación por el contexto político actual. “Es un momento muy conservador ahora mismo. Por eso necesitamos arte, necesitamos voces queer, necesitamos positividad en el mundo del arte”. Frente a un entorno que considera cada vez más hostil, reivindica el papel del pop como espacio de refugio e identificación. “Si te sientas y piensas demasiado en todo lo que ocurre en el mundo, acabas volviéndote loca”. Por eso insiste en que “la positividad y autenticidad en la música pop son ahora más importantes que nunca” y ve en artistas como Chappell Roan parte de una reacción cultural más amplia. “Creo que podemos esperar que las próximas décadas estén llenas de arte auténtico”, augura.
Su condición de artista integral también incluye todas las labores de producción. MEEK se autoproduce y produce para otros artistas. Tras varias experiencias negativas en el estudio, fundó Female Music Producers World junto a la productora francesa Uli Swan, una red internacional de mujeres y personas no binarias productoras. “Estaba trabajando como productora con una banda formada por hombres y fue una experiencia horrible”, recuerda. Lo que comenzó como un pequeño grupo privado terminó convirtiéndose en una comunidad internacional. Para ella el problema nunca ha
sido la ausencia de mujeres productoras, sino su falta de visibilidad. “La primera cosa que oigo de la gente es: ‘¿Has trabajado con una productora?’. Y responden: ‘No, porque no hay ninguna’. Y yo digo: ‘¡Sí que las hay!’”. Esa necesidad de controlar los aspectos técnicos de su carrera está directamente relacionada con su origen social. “Empecé a aprender producción en YouTube porque no tenía ninguna conexión en la industria musical”, explica. Durante años trabajó en cafeterías y bares mientras financiaba sus proyectos. “Siempre era: puedo producir esto para ti, pero te va a costar tanto. Y sentía que me estaban sacando dinero todo el tiempo”. Aquella experiencia la convenció de que debía aprender por sí misma todos los aspectos del oficio. 360. “Como creativo de clase trabajadora no tienes plataforma, no tienes presupuesto, no tienes nada. Tienes que hacerlo todo por ti mismo”. Por ahora solo hay unas pocas canciones publicadas bajo el nombre de MEEK, pero detrás de la viralidad existe una identidad artística muy definida y una creadora que lleva años preparándose para este momento. Como resume al hablar de quienes intentan abrirse camino desde posiciones similares a la suya: “Mi consejo para los creadores de clase trabajadora es aprender todos los entresijos de la industria mientras puedas”. Entre tanto, la londinense sigue abriéndose camino en sus propios términos: este mes de julio la veremos actuar por primera vez en nuestro país dentro de las celebraciones del Orgullo LGTBIQA+ de Madrid, el 5 de julio en la Plaza de España como parte del fin de fiesta. La fiesta de la diversidad de MEEK, sin embargo, no ha hecho más que comenzar.
“LA POSITIVIDAD Y LA AUTENTICIDAD EN LA MÚSICA POP SON AHORA MÁS IMPORTANTES QUE NUNCA”
Por: Raül de Tena
Lo queer es motor de cambio: una lucha beligerante contra lo normativo y un espíritu de revolución que muta y se adapta a los aires de cada tiempo, cada década, cada año, cada momento. Lo queer de los ochenta nada tiene que ver con lo queer actual… Pero, aun así, siempre es interesante hacer revisión de las últimas décadas para rebuscar, resignificar y reordenar a los iconos (musicales)
LGTBIQA+ más influyentes.
ICONOS (MUSICAL
Si vamos a hacer un índice que compile a las personalidades queer más influyentes de las últimas décadas en el ámbito de la música, antes se hace necesario definir qué es exactamente lo queer. Y nadie mejor para ello que Paul B. Preciado, que en el año 2012 publicó en la web Parole de Queer un archirreferenciado artículo -“Queer”: Historia de una palabra- en el que repasaba la historia de este vocablo partiendo de una realidad dolorosa: “Hubo un tiempo en el que la palabra queer solo era un insulto. En lengua inglesa, desde su aparición en el siglo XVIII, queer servía para nombrar a aquel o aquello que por su condición de inútil, mal hecho, falso o excéntrico ponía en cuestión el buen funcionamiento del juego social”. Lo queer se origina desde lo freak, y relega a todas
las personas que no encajan en una norma construida desde el rechazo a simple gabinete de curiosidades, a circo ambulante.
Claro que el tiempo fue poniendo la palabra en su lugar y, a día de hoy, tal y como prosigue Preciado en el mencionado artículo, “el movimiento queer no es un movimiento de homosexuales ni de gays, sino de disidentes de género y sexuales que resisten frente a las normas que impone la sociedad heterosexual dominante, atento también a los procesos de normalización y de exclusión internos a la cultura gay: marginalización de las bolleras, de los cuerpos transexuales y transgénero, de los inmigrantes, de los trabajadores y trabajadoras sexuales”. Dicho de otra forma: lo queer es, por definición, un concep-
to mutante que está necesariamente atravesado por la experiencia de la marginación social. Esto se traduce también en que lo que es queer hoy será posiblemente la norma de mañana, una mutación natural de la normatividad humana, así que será necesario que exista un nuevo queer que seguirá siendo queer por mucho que sea diferente de lo que ayer era queer. Suena a galimatías, pero es un galimatías apasionante porque en su interior contiene algo que el mundo va a necesitar, pasen los siglos que pasen: la lucha contestataria contra la norma que oprime a todo aquello que no se repliega al statu quo y lo relega hacia los márgenes del discurso oficial; empujar el piano contra la pared y, cuando la haya tocado, seguir empujando hasta que la atraviese, y entonces seguir empujando más allá de cualquier obstáculo. Una batalla para sacar a las disidencias de los márgenes y llevarlas hacia el centro. Sean cuales sean; y sean cuales sean dichos márgenes también.
Todos los artistas de esta lista, 50 comandantes de una batalla contra la norma librada en el último medio siglo, en algún momento de sus vidas empujaron el piano y la pared. Hicieron el mundo más ancho. Y esto tan solo pretende ser una celebración, un brindis, por su inolvidable legado. Let's dance!
ES)
1DAVID BOWIE
En el inhóspito año 1972, Bowie se declaraba bisexual en una entrevista en la revista Melody Maker y revolucionaba una industria mainstream que, por aquel entonces, no admitía desvíos del canon. Pero su importancia va más allá de su sexualidad: va más bien de haber creado una persona mediática ambigua que se cristalizó en el álbum Ziggy Stardust y que sirvió a las posteriores generaciones queer no solo para verse representades y reflejades, sino para encontrar explicaciones a sus dilemas identitarios. Puede que el alienígena bisexual y andrógino sea el personaje más conocido del artista británico, pero en su impecable discografía abundaron reinvenciones que se avanzaron varias décadas a la hora de hablar de la identidad como mero constructo social. Un concepto que, nadie lo duda, está en la base de la teoría queer. Bowie hizo de la transformación su seña de identidad.
MADONNA
Madonna abrió puertas en la industria musical y en la sociedad en general para que las divas que vinieron después pudieran correr a través de ellas. Desde sus inicios, usó su éxito para devolverle al colectivo LGTBIQA+ todo lo que había tomado prestado a la hora de construir una identidad artística mutante y estimulante. Estuvo al lado de la comunidad en tiempos del sida y, ahora, varias décadas después, sigue siendo azote de la religión, aliada de lo queer y animadora de la disidencia. Que aprendan otras mucho más jóvenes.
5
ANOHNI
Nunca entenderé por qué llaman MADRE a Beyoncé cuando MADRE no hay más que una, y es ANOHNI. Su impecable discografía es, de hecho, un abrazo maternal tan tierno y dulce como emocionalmente complejo para todos los excluidos.
ARCA
Arca es una deliciosa agente del caos queer: en su música, en la de otros, en sus directos, en su proyección pública, en la moda… Alejandra Ghersi es lo contrario al caballo de Atila: por donde pasa, crece una nueva hierba mutante, libre y poderosa. 3
JUAN GABRIEL
Puede que JuanGa nunca se declarara gay, pero no hacía falta: lo queer era una segunda piel que también cubrió su cancionero de perfectas rancheras mariachis. Porque, como el mexicano solía decir: “Lo que se ve, no se pregunta”. 4
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FREDDIE MERCURY
Desconfía de esa Bohemian Rhapsody que intentó heterosexualizar a Mercury, porque este fue un verdadero icono maricón que hizo historia con sus canciones, pero que hizo más historia todavía con su vida -y su muerte-.
DIVINE
“La persona más asquerosa sobre la faz de la tierra”. Así se describía orgullosa Divine en las primeras películas de John Waters -Pink Flamingos, Female Trouble...-, donde siempre interpretó a mujeres desde la naturalidad de su drag por mucho que este fuera grotesco y perverso. Desbordante y rotundo, como su propia persona. Usó su éxito en el cine para afianzar una carrera que bendijo a los clubs gays de los 80 con una mansalva de himnos hi-NRG como Shoot Your Shot o You Think You’re a Man, e inspiró a la Úrsula de Disney.
SOPHIE
La carrera de SOPHIE se vio truncada por su trágica muerte a los 34 años. Antes, le dio tiempo de revolucionar la electrónica desde el bubblegum pop y el hyperpop. ¿Es It’s Okay to Cry la canción de outing trans más bella de la historia?
FRANK OCEAN
Hay que tener valor para salir del armario en una industria tan machirula y homófoba como la del hip hop. Ocean tiene los huevos bien gordos, y también un don -y una sensibilidad- para la música que escasea más de lo que desearíamos.
LADY GAGA
Además de bisexual, Lady Gaga es tan aliade de lo queer que, al final, se ha convertido en icono queer por derecho propio. La comunidad se lo ha dado todo, pero es que ella le ha dado a la comunidad las palabras, la música y los looks.
SYLVESTER
Si nunca te has parado a pensar en el intríngulis de ese temón que es You Make Me Feel (Mighty Real), te invito a que lo hagas ahora. ¿A qué se refiere el “real” del título? Ahí vertió Sylvester el realness que es obsesión para la comunidad drag y trans, pero también ese “hombre de verdad” que tantos padres heteros intentaron que fueran sus hijos gays. Aunque, ojo, porque Sylvester fue mucho más que esta canción que también le sirvió para convertirse en uno de los pioneros fundamentales del Hi-NRG: fue un maricón negro y afeminado -“The Queen of Disco”- que, con su mera existencia, desafiaba a unos conservadores años 80 a los que sedujo con su voz de falsete a medio camino entre el gospel y el disco. Un canto de sirena que le sirvió para practicar la política queer radical desde la música, el drag y la performance.
GENESIS P-ORRIDGE
Revolucionó UK en los 60 con su radical colectivo COUM. En los 70 fue pionera de la música industrial con Throbbing Gristle. En los 80 acogió a los más góticos en Psychic TV. Y en los 90 hizo con Pandrogeny de la identidad su performance definitiva.
KLAUS NOMI
Ahora tenemos claro que lo queer va más allá del género, pero esto es algo que ya exploró el contratenor alemán Klaus Nomi a principios de los 80 con su ópera synth barroca, su gorguera y sus icónicos looks de extraterrestre en smoking.
JAYNE COUNTY Man Enough to Be a Woman es la canción más conocida de Jayne, pero también el leitmotiv de esta pionera considerada la primera artista trans del punk-rock yanki tras pasar por Stonewall y la Factory de Warhol. Pedigree.
15
ROB HALFORD
Que Halford, epítome de hipermasculinidad al frente de los heavies Judas Priest, saliera del armario en 1998 obligó a revisar y resignificar la estética metalera de los 80. Que era la misma que la de los bares leather gays, claro.
16
GEORGE MICHAEL
Michael fue ídolo ochentero queer-coded para muchachas desubicadas que no entendían de qué iba la cosa… Por lo menos hasta que le pillaron de cruising en unos urinarios y protagonizó el outing más espectacular de la historia.
BEVERLY GLENN-COPELAND
Dejó su marca en el mundo de la música con el influyente Keyboard Fantasies en 1986, pero no fue hasta 1995 cuando descubrió el vocabulario que por fin le permitió identificarse como hombre trans. En 2023 su disco The Ones Ahead optó a los Polaris, pero poco después fue diagnosticado de una demencia que le está mermando capacidades y recuerdos. Para atesorarlos y celebrarlos, ha publicado el precioso Laughter in Summer con su mujer Elizabeth y, juntos, han salido de gira para recordarnos que cantar es la mejor forma de hacer comunidad.
17
PET SHOP BOYS
Neil Tennant y Chris Lowe llevan desde mediados de los 80 usando sus canciones para hablar de la vida maricona. It's a Sin. Y, quien lo dude, que escuche Being Boring como lo que es: la gran canción sobre la tragedia del sida.
18
PACO CLAVEL
Camp, kitsch y naïf en el exterior. Gamberro, cachondo y provocador en el interior. Así era Paco Clavel en La Movida y así ha llegado hasta un presente que nunca lo celebrará lo suficiente como el icono queer de nuestro país que fue, es y será.
19
WENDY CARLOS
Qué gozo cuando lo queer coloniza territorios en los que no se le espera. Ahí estuvo, por ejemplo, Wendy Carlos como pionera del Moog y compositora casi alienígena de las bandas sonoras de El resplandor y Tron, entre otras.
20
ORVILLE PECK
El homoerotismo del rollo cowboy ha sido ampliamente explotado por literatura, cine y cómics. Pero el alzamiento de este enmascarado como estrella musical ha sido como azotar con el pene en la cara a la nación MAGA. Tan placentero.
22
BOY GEORGE
En los 80, mientras lo petaba con temas de Culture Club como Karma Chameleon, Boy George ya escandalizaba por su irreverente androginia. Cuando salió del armario en 1995, nadie se sorprendió… Pero todos lo agradecimos.
23
ETHEL CAIN
Para Ethel Cain, música y transición son dos procesos paralelos con los que huir del mismo lugar: una familia bautista ultraconservadora de la yankilandia profunda y un sistema de valores digno de una peli de terror. Folk trans horror.
Cuenta la leyenda que Romy se mantuvo en el armario durante los primeros discos de The xx para no perjudicar el desempeño de la banda, aunque de ahí nació precisamente la necesidad de una carrera en solitario con la que explorar extensiblemente su identidad queer. Pero, a quién vamos a engañar: ya en aquellos inicios, las fans lésbicas del trío suspiraban por ella en masa a pie de escenario. Así que, en cuanto empezó a escribir canciones que trataban abiertamente el amor entre mujeres, el fandom se triplicó. Y a día de hoy, casada desde 2021 con la fotógrafa y cineasta Vic Lentaigne y habiendo publicado un debut en largo tan brillante como Mid Air -nunca es tarde para un buen coming of age-, ya puede afirmarse que es una de las grandes articuladoras de la actual escena sáfica.
PEACHES
Aprende la lección: en el año 2000, el álbum The Teaches of Peaches repartió enseñanzas sobre cómo desactivar y desarticular cualquier concepto de género identitario o musical por la vía del electro-punk y el electro clash. Siguen vigentes.
BIG FREEDIA
La Queen of Bounce sobrevivió al huracán Katrina para llevar a este subgénero del hip hop desde Nueva Orleans al mundo entero… Un mundo en el que caben colaboraciones con SOPHIE, Beyoncé y Drake... Y las que vendrán.
PERFUME GENIUS
Mike Hadreas es una reina, tal y como dejó claro el icónico clip de Queen. Una reina que, en su pop-rock exuberante, aniquila con la mirada a sus traumas del pasado. El abuso y el acoso. La sexualidad y la vergüenza.
SAM SMITH
Desde sus inicios, Smith ha sufrido un doble bullying por no binarie y por cuerpo no normativo. Pero a le artiste le resbala el hate y lo transforma en temazos de pop perfecto, baladones de partirte el corazón y una cuenta de IG para comérsela.
ANTONIO AMAYA
El niño de los peines de oro pasó por el franquismo sin declararse abiertamente gay, pero también sin ocultar el pie del que cojeaba. Icono camp antes de que existiera el camp. Y pionero de la mariconería folclórica de toda la vida.
LA PROHIBIDA
Con un universo musical y estético en el que lo camp se cruza con la sci-fi, La Proh es básicamente la travesti más importante de nuestro país incluso después de que Drag Race impusiera el anglicismo drag queen. Obrera queer.
HONEY DIJON
Honey Dijon se ha convertido en una verdadera power house de la música de club como lubricante de una comunidad queer que sabe que, si ella está a los platos, el escenario estará ocupado por lo más colorido de la ciudad. 31
33
KIDDY SMILE
Su trabajo con Gaspar Noé o sus sesiones en la Fête de la Musique ante Macron y en la clausura de los Juegos Paraolímpicos de París catapultaron a Kiddy a una cúspide queer que ha completado con su irreverente labor educativa desde IG.
OCTO OCTA
Maya Bouldry-Morrison, que inició su transición cuando ya tenía una carrera consolidada -y bastante visible- como dj, se define a sí misma como una “bruja trans queer poliamorosa”. Pero, como respuesta a la pregunta de El Mago de Oz sobre si es una bruja buena o una bruja mala, está clarísimo que es una bruja buenísima que lucha por la visibilidad y el amor trans desde el sello T4T LUV NRG junto a su pareja Eris Drew. Todo ello sin dejar de facturar discos de pura magia blanca como Where Are We Going?
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LARRY LEVAN
El house primigenio está en la base de la revolución queer. Y por eso hay que pagar tributo a Levan y su labor como guía espiritual del género desde la sudorosa cabina del mítico Paradise Garage de Nueva York en los 80. Historia queer.
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DJ SPRINKLES
Terre Thaemlitz, trans no esencialista, usa la música de forma tan afilada como la palabra para dar hostias como panes al capitalismo, al oficio de dj, a las políticas identitarias, al orgullo LGTBIQA+ comercial y a todo lo que huela a norma.
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RODRIGO CUEVAS
Con su eterno mostacho y su disidencia de género, Cuevas lleva toda una carrera sacando a lo queer de su zona de confort urbana para, de la forma más gozona, hacerle arrimar la cebolleta a lo rural y al folclore. Maricón de campo.
LOCOMÍA
Locomía fueron el máximo exponente patrio de algo que ocurría en los 80: artistas queer-coded que los que “entendíamos” pillábamos al vuelo… pero que los heteros pensaban que eran heteros. Ellos, siempre barriendo para casa.
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EZRA FURMAN
En 2021, Furman publicó una carta abierta en la que salió de un doble armario como mujer trans y judía ortodoxa. Esta compleja tensión entre identidad de género y vivencia religiosa ha alimentado sus mejores discos.
RUPAUL
RuPaul es nuestro Voldemort particular: puede que invierta en fracking y que la cagara en su momento con la comunidad trans… Pero no se puede negar que Drag Race ha hecho cosas grandes, buenas y muy importantes por lo queer.
CHUQUIMAMANI-CONDORI
La mezcla de música andina con sonido de club que practica Chuquimamani-Condori (DJ E; también en Los Thuthanaka) es arqueología y fiesta, además de reivindicación de la presencia histórica de cuerpos queer y trans en la cultura aymara.
SAMANTHA HUDSON
La bocaza -malhablada, irreverente, infinitamente elocuente- de la disidencia patria. Con su música, su podcast o simple y llanamente su opinión, Samantha es el azote que necesitamos contra el ascenso de la ultraderecha.
EL TITI
Seamos realistas: si no existiera ese himno titulado Libérate, un temazo cantaor en el que brillan los colorines de todas las disidencias sexuales pre Transición, no existiría la comunidad LGTBIQA+ española [suelta el micrófono].
TINO CASAL
Pionero del synth en España, figura capital de La Movida… Y, por encima de todo, icono estético de pelo cardado, maquillaje recargado y actitud ambigua que hace pensar que lo extravagante fue el queer de los 80. Un desafío a la masculinidad. 41
BETH DITTO
Los frentes abiertos por la vocalista de Gossip son múltiples, pero para esta lista basta con quedarse con su férrea militancia lesbiana y con su lucha por el body positivity como herramienta activa de deseo sexual.
GUITARRICADELAFUENTE
Spanish Leather ya es el gran disco patrio sobre la sensualidad gay a flor de piel en las playas de Levante, un outing y un éxodo sexual. Ahora, tras aparecer en La bola negra de Los Javis, Álvaro Lafuente se va a hacer inmenso.
CINDY LEE
Cindy Lee es el alter ego de diva clásica drag queen del canadiense Patrick Flegel. También es la autora de uno de los discos más influyentes de los últimos años: Diamond Jubilee. Y puede que esto ya no se diga, pero PEC.
Su voz ultratratada y su colección de prótesis faciales encumbraron a Jam Rostron como icono del género neutro. Por el camino, Planningtorock nunca ha dejado de experimentar con los géneros musicales.
CHAPPELL ROAN
A estas alturas del cuento de hadas, parece claro que Chappell es un icono queer no tanto por su outing ni por dedicarle un buen puñado de letras gloriosas a estos menesteres que atiborran hits como Good Luck, Babe! o Pink Pony Club en ese discazo que es The Rise and Fall of a Midwest Princess -ya generacional para los zillennials-. Es solo una parte de una militancia queer que acabó de encajar del todo cuando la artista se abrazó a sí misma como drag queen hasta las últimas consecuencias.
KAE TEMPEST
Tempest se declaró no binarie en 2020 y hombre trans en 2025. Pero lo importante es que en su larga carrera le ha dado fuerte a todo desde la conciencia identitaria y social: hip hop, spoken word, poesía, novela, teatro… El cielo es el límite para Kae.
BABYMOROCCO
Por fuera, Babymorocco es el himbo perfecto. Por dentro, un festín de queer house hipersexual. Pero no olvidemos que debutó en 2013 con una performance en la que prometió perder la virginidad ante un selecto grupo de cien personas.
LANDING DISCOS
POR: DIEGO RUBIO
Daughter from Hell
Interscope / Universal 17 julio
Entre 2024 y 2025, mientras llevaba por todo el mundo el The Secret of Us Tour y después de haber figurado como una de las ilustres teloneras del Eras Tour, a Gracie Abrams le pilló de sopetón la millonaria vorágine del éxito: la acústica I Love You, I'm Sorry -que parece unir los mundos de Taylor Swift y Olivia Rodrigo y que reformulaba en clave brillante el primer gran hit de la estadounidense, I Miss You, I'm Sorry- se viralizó y alcanzó las listas de éxitos de varios países, incluido España. That's So True, sencillo que avanzaba el lanzamiento de la versión deluxe de The Secret of Us y que se lanzó apenas un mes después, aprovechó la tracción e incluso la superó. De repente Abrams había dejado de subir peldaños y ascendió tres plantas de golpe, situándose entre la élite de la nueva generación de estrellas del pop. Ahora, a las puertas de su tercer trabajo largo, nunca ha habido más atención sobre ella. La última gran aliada del Aaron Dessner post Taylor Swift se viste de bruja y se adentra en su propio akelarre personal en un Daughter from Hell que combina la expansión vívida de las cuerdas y una producción sintética minimalista, y que por primera vez hace de su sonido algo ambicioso y expansivo.
Gracie Abrams
MADONNA Confessions II
Warner
3 julio
Stuart Price no falla y nos regala el disco club definitivo de Madonna, statement contra el edadismo y celebración de su idilio con la pista.
LORENA ÁLVAREZ & ALEJANDRO PALACIOS
Jardín Giratorio
Not Not Fun
3 julio
Psicodelia evocadora, experimentos de baja fidelidad, ambient, ¿jazz? y poesía. Lo de Chile ahora mismo es para estudiarlo.
BABY ROSE
Yearnalism
Secretly Canadian / Popstock
10 julio
En un panorama de copias exageradas, Rose se confirma como una de las voces más personales del nuevo R&B en su tercer álbum.
JACK WHITE
Frozen Charlotte Third Man Records
10 julio
Un back to basics de Mr. White, con un sonido pesado y radiofónico y muchas frikadas de las que nos enteraremos con el tiempo.
MAQUINA.
Body Transmission Fuzz Club
10 julio
Los lisboetas siguen implacables: su krautrock ruidoso con trazas de EBM se convierte ahora en TBM y deja entrar también metal. Wow.
PANDA BEAR & SONIC BOOM
A ? of When Domino / Music As Usual 10 julio
La vuelta al mundo -por los caminos de la sampledelia o el mariachi- del insólito dúo, que se reencuentra tras Reset (2022).
EARTHEATER
Heavenly Body:
If I’m the Bottle
You’re the Message
Chemical X - Mad Decent / 14 julio
El disco con el que Alexandra refleja su embarazo, y una nueva colección de canciones voluptuosas, profundas y que, coproducidas de la mano de Dave Sitek, reimaginan el trip-hop. Hay dúo con otra reciente mamá: Oklou.
PHOEBE BRIDGERS
Lost Weekend / Dead Oceans - Popstock / 14 agosto
Precedido por el anuncio de una gira por Europa y EE UU que ya ha vendido prácticamente todos los tickets, Lost Weekend es el tercer trabajo de Phoebe Bridgers, y llega seis años después de aquel disco generacional que fue Punisher y a tres de la gran confirmación de Boygenius. ¿La nueva reina del indie rock?
SUKI WATERHOUSE
Loveland Island / Universal 10 julio
Si Sabrina Carpenter trabajara en el Club Silencio del universo David Lynch y quisiera ser Lana del Rey, sonaría más o menos como esto.
HELADO TROPICAL
Helado Tropical Psychic Hotline 17 julio
Helado Negro y Reyna Tropical firman uno de los discos del verano, interpelándose en el lenguaje de las máquinas y la electrónica solar.
LIDO PIMIENTA
Caribenya
Anti- / [PIAS] 17 julio
La colombiana une calle y auditorio, cumbia y experimentación, en un disco con Angélica Negrón, Chancha Vía Circuito o Nelly Furtado.
STEVE LACY Oh Yeah? RCA / Sony 17 julio
Tirando un poco del sonido fragmentado Mk.gee/Dijon, ¿podrá Lacey trascender la viralidad de Bad Habit en su tercer álbum?
YARD ACT
You’re Gonna Need a Little Music Island / Universal 17 julio
El cuarteto inglés deja el carnaval seudoelectrónico de sus últimos discos y apuesta por un rock más directo y descarnado. ¿Arctic...?
FLO Therapy at the Club EMI 24 julio
Arreglarse, calentar, emborracharse, bailar, desfasar, cometer algún error, volver a casa... una noche de fiesta según el trío R&B.
NIA ARCHIVES
Emotional Junglist Island / Universal 24 julio
¿No ha estado a la altura de lo que prometía, como PinkPantheress?
Quizá Nia siempre fue solo una junglist introspectiva y emocional.
FRANCISCA VALENZUELA
Maldita
Frantastic Records
30 julio
Reflejando su maternidad, la chilena profundiza en la senda de electrónica intimista abierta en Adentro con su disco más sólido.
ARIANA GRANDE
Petal
BabyDoll Music / Republic 31 julio
Grande estrena su propio subsello con un trabajo minimalista y reflexivo en el que muestra su cara más delicada. No falla nunca.
OVERMONO
Pure Devotion
XL / Popstock 7 agosto
Unos dirán que repiten su fórmula post-Bicep y otros que la expanden y la consolidan. En cualquier caso, más octanos hay, seguro.
RAVYN LENAE
Blue Island
Atlantic / Warner 7 agosto
El gran público está listo para conocer por fin a Lenae: tras años codeándose con Kelela, Solange o Fousheé, este es su disco más pop.
ICONA POP
Ritual
Ultra Records 14 agosto
Si vuelve el electroclash, que vuelvan las que lo reincendiaron en los 2010. Y que nadie baje nunca al dúo sueco de la pista de baile.
JUNGLE
Sunshine
AWAL / Popstock 14 agosto
Los británicos tiran más de su faceta dj set y cambian fuego por tardeo en un disco muy ibicenco y veraniego, pero inofensivo.
ROLE MODEL
Chuck Timely & The Hourglass
Interscope / Universal / 7 agosto
Acaba de demostrar en el Primavera Sound que lo suyo no es solo cosa de guiris, y que su country pop -cada vez más con gorra o pelazo surfero y sin sombrero tejano- es capaz de romper fronteras y unir generaciones. Lo que no una un buen baile en línea...
AYRA STARR
Starr Girl / Mavin Records - Roc Nation / 14 agosto
Bandera en la actualidad para el sello nigeriano Mavin Records junto a Rema -y por lo tanto para el afropop en general-, Ayra Starr va a por su confirmación definitiva en este tercer álbum. Tampoco es que lo necesite: ya ha firmado hits millonarios, y Peggy Gou la ha llevado a lo más alto de las pistas de baile.
KATSEYE
WILD EP
HYBE / Geffen 14 agosto
Hardcore pop en el tercer EP de la girl band estadounidense: el anuncio de Benetton definitivo de la industria occidental k-pop.
L’RAIN
Fata Morgana
Mexican Summer / Popstock 14 agosto
Sin perder extrañeza ni esa manera tan poco ortodoxa de entender los géneros, L'Rain se desvela aquí como artista “pop”.
Foto: Sharon López (Primavera Sound)
FLOATING POINTS & SF BALLET ORCHESTRA
Mere Mortals
Pluto / Deutsche Grammophon 28 agosto
El productor y dj desembarca en un sello de clásica con esta composición para el Ballet de San Francisco que reimagina el mito de Pandora.
INTERPOL
This Mirror Weighs a Ton Partisan / [PIAS] 28 agosto
Nunca han caído en hacer malos discos, pero este probablemente contenga lo mejor que han publicado desde El pintor (2014).
MONA ET TOI
Radical Romance of Mind
Mushroom Pilow 28 agosto
La francesa Alison Manicourt y el británico-persa Shervin Hejazi forma esta banda con sede en Barcelona para fans de Danger Mouse.
SCARLET HOUSE
Angels
Markow, Inc. 28 agosto
Después de colaborar en el disco de Kelela, el estadounidense despliega de verdad su híbrido de shoegaze, rap y R&B en su debut.
TY SEGALL
Chrome
Drag City / Popstock 28 agosto
El Segall de Slaughterhouse, Manipulator y Emotional Mugger, el más ruidoso y agerrido, rearma su banda y regresa a la carretera.
Dir. Christopher Nolan
Rep. Matt Damon, Tom Holland, Robert Pattinson, Zendaya, Anne Hathaway.
EE UU / 2026 / Universal 17 julio
Aires anacrónicos y casi ciberpunk, atmósfera gótica y dramática, lisergia a cañonazos, heroicidad oscura... Tras casi tres décadas reinventando el viaje homérico del héroe desde la perspectiva de la nación estadounidense, Christopher Nolan llega por fin a la raíz de todas sus obsesiones adaptando La Odisea, uno de los textos fundacionales de la cultura occidental. No esperes fidelidad, especialmente en la parte estética, ni mucho menos le des valor histórico. Total, la obra original, escrita cuatrocientos años después de los acontecimientos supuestamente reales que cuenta -una versión en forma de epopeya de la caída de Troya, atravesada por la mitología griega-, tampoco es que estuviera muy preocupada por el rigor histórico, como demuestran por ejemplo el uso del hierro en plena Edad del Bronce o la imprecisión en la forma de describir los ritos funerarios. Rapsoda épico de nuestro tiempo, Nolan pone toda la carne en el asador con la que es su película más cara -más de 250 millones de dólares: efectos prácticos por doquier, escenarios a escala real, cíclopes animatrónicos, casting inacabable de estrellas- y la primera en la historia rodada íntegramente en IMAX de 70mm. ¿Estará volando demasiado cerca del sol?
LA ODISEA
MOTHER MARY
Dir. David Lowery / Rep. Anne Hathaway, Hunter Schafer, M. Coel, FKA twigs / EE UU / 2026 / A24 - Elástica / 31 julio
Con canciones originales de Charli XCX y Jack Antonoff y un reparto estelar encabezado por Anne Hathaway, Mother Mary es otra de las grandes apuestas de A24 en 2026: una película sobre las relaciones personales en el seno del stardom, entre la música y la moda. Pop y fantasmas asegurados.
AKIRA
Dir. Katsuhiro Ōtomo Animación
3 julio
El clásico anime de ciencia ficción por antonomasia vuelve a la gran pantalla completamente restaurado en 4K. Momento perfecto para arrancar la moto y volver a Neo-Tokyo.
HERMANOS
Dir. Carol y Marina Rodríguez Colás
Rep. Badr Oubahassou, P. Márquez
Largo / 3 julio
La clase social difícilmente termina no interponiéndose en la forma en la que construimos nuestras relaciones sociales, en nuestras amistades. Más en la adolescencia.
MAGALLANES
Dir. Lav Diaz
Rep. Gael García Bernal, Á. Ramos
Largo / 3 julio
El cineasta filipino y el actor mexicano se unen en esta reinterpretación épica de la historia real de Magallanes, el conquistador, presentando el lado más oscuro y humano del mito.
MINIONS & MONSTERS
Dir. Pierre Coffin
Animación
Largo / 3 julio
Tenía todo el sentido que los Minions se pusieran al servicio de un sincero homenaje al cine mudo. Es la séptima vez de los adorables secuaces en la gran pantalla.
SILO (3ªT)
Cr. Graham Yost
Rep. Rebecca Ferguson, Common Serie / 3 julio
La mejor serie de ciencia ficción distópica de la actualidad -probablemente también de los últimos años- regresa a Apple TV con una muy esperada tercera temporada.
LAS CORRIENTES
Dir. Milagros Mumenthaler
Rep. I. A. G. Sola, Esteban Bigliardi
Largo / 8 julio
La directora argentina se confirma como una de las grandes voces del cine actual con una cinta que es más un detalladísimo estudio de personaje inundado de empatía y de ternura.
VAIANA
Dir. Thomas Kail
Rep. C. Laga'aia, Dwayne Johnson
Largo / 8 julio
Nuevo episodio en la fiebre de remakes live-action de la factoría Disney, esta vez con la historia feminista, tropical y oceánica de Vaiana en su décimo aniversario.
ERUPCJA
Dir. Pete Ohs / Rep. Charli XCX, Lena Gora, Jeremy O. Harris
EE UU / 2025 / Filmin / 7 agosto
Sorprendente Charli XCX en su primer papel protagonista, como una joven británica lost in translation que, atrapada en Varsovia con su prometido a causa de una erupción volcánica, se reencuentra con una amiga de la infancia y, por el camino, con la fiesta, el peligro, la tentación... y su propio deseo.
EL SER QUERIDO
Dir. Rodrigo Sorogoyen
Rep. J.Bardem, V. Luengo España / 2026 / A Contracorriente / 26 agosto
Las grandes mentes piensan igual, pero pueden actuar muy diferente: aquí Sorogoyen plantea una historia muy parecida a la de Joachim Trier en Valor sentimental -cineasta genial y padre ausente le ofrece a su hija, actriz estancada, un papel en su gran obra final-, pero opta por un enfoque casi opuesto, explosivo y meta. La cinta se estrenó en Cannes y estuvo nominada a Mejor película.
MURDER 101
Dir. Stacey Lee
Serie documental 13 julio
La clase de sociología de un instituto da con la clave para resolver una serie de crímenes cometidos en Tennessee que llevaban décadas sin resolverse. Es un caso real.
LUCKY
Cr. Jonathan Tropper
Rep. A.Taylor-Joy, Drew Starkey Largo / 15 julio
Anya Taylor-Joy es Lucky, una joven criminal que se embarca en una última caza para poder desprenderse de su pasado e iniciar una nueva vida, en esta nueva serie de Apple.
EN EL CAMINO
Dir. David Pablos
Rep. Victor Prieto, Osvaldo Sánchez Largo / 17 julio
Un thriller queer on the road sobre la prostitución masculina, vehiculado en torno a un improbable y trágico romance y resuelto con intensidad y con dureza. Peliculón.
HOMBRES DE ACERO
Dir. Cal McMau
Rep. Tom Blyth, David Jonsson Largo / 17 julio
David Jonsson se confirma como uno de los grandes actores under británicos de su generación en esta violenta cinta carcelaria que supone el debut en la dirección de McMau.
I WAS A TEENAGE SEX PISTOL
Dir. Nick Mead, Andre Relis
Documental musical
POSESIÓN INFERNAL: EN LLAMAS
Dir. Sébastien Vanicek
Rep. Souheila Yacoub, T.Wright Largo / 17 julio
Nuevo spin-off de la saga de exorcismos y demonios de Sam Raimi Posesión infernal, con el director de Vermin: La plaga al frente y amenazas diabólicas más colectivas.
Largo / 18 julio
Basada en las memorias de Glen Matlock, repasa la eclosión del punk en Reino Unido en los 70 y el ascenso de los Sex Pistols a través de los ojos de uno de sus miembros fundadores.
STUART NO CONSIGUE SALVAR EL UNIVERSO
Cr. Chuck Lorre, Zak Penn, Bill Prady
Rep. Kevin Sussman, Lauren Lapkus Largo / 23 julio
Delirante spin-off de The Big Bang Theory en el que el dependiente de la tienda de comics tiene que desfacer un entuerto multiversal provocado por Sheldon y Leonard.
LA CONSTELACIÓN DEL PERRO
Dir. Ridley Scott / Rep. Jacob Elordi, Josh Brolin, M. Qualley EE UU / 2026 / 20th Century Fox / 26 agosto
Lástima que Ridley Scott no sea capaz de sacarle todo el juego metafísico, filosófico, poético y tierno a la excelente novela de Peter Heller. Por lo demás su adaptación funciona como gran película de ciencia ficción pospandémico, con un mundo por el que merece la pena luchar y buenas dosis de acción.
EL UNIFORME
Dir. Jonas Alexander Arnby
Rep. L.M. Christensen, Soheil Bavi Serie / 28 julio
Siempre casa de las más rebuscadas series policiacas europeas, Filmin trae esta vez este thriller danés en el que un tiroteo cuestiona la credibilidad del cuerpo de Policía.
LA ÚLTIMA RONDA EN VENECIA
Dir. Francesco Sossai
Rep. Filippo Scotti, Sergio Romano
Largo / 31 julio
El encuentro inesperado entre dos cincuentones y un estudiante desata una maravillosa road movie sobre el sentido de la vida, entre copas, reflexiones y cigarros. La bella vita.
MALA BESTIA
Dir. Bàrbara Farré
Rep. María Schwinning, Iria del Río Largo / 31 julio
Buen debut largo de la directora de vídeos para Bad Gyal, Rosalía o Amaia, con una historia de adopción que se convierte en una fábula fantástica con tintes de terror.
LANDING VIDEO
POR: ADRIANA RAMIRO
TRAVIS BARKER: LOUDER THAN FEAR
Dir. Michael Dwyer, Justin Krook
Documental
Largo / 13 agosto
El carismático batería de blink-182 ya acaparó gran parte de la atención en el regreso de las Kardashian a la tele. Ahora se pone íntimo para contar su accidente aéreo de 2008.
VIVIR LA TIERRA
Dir. Kristoffer Borgli
Rep. Huo Meng
Largo / 14 agosto
Llega a España una de las grandes epopeyas contemporáneas del cine monumental chino, narrando a través de la vida de una familia los principales cambios del país.
INSIDIOUS: FUERA DEL MÁS ALLÁ
Dir. Jacob Chase
Rep. Amelia Eve, Brandon Perea
Largo / 21 agosto
En la sexta entrega de la franquicia de terror inaugurada por James Wan, una nueva protagonista toma el mando y vuelve a adentrarse en el más allá a través de la Puerta Roja.
MAKOTO SHINKAI ANIMATION WORKS 2002-2022
Dir. Makoto Shinkai / Japón / 2002-2022 / Selecta Visión / 29 julio
No descubrimos nada si decimos que las últimas dos décadas de anime de autor vienen marcadas por la obra de Makoto Shinkai, fantasiosa, emotiva y contemporánea. Este box set incluye sus 8 largos: El lugar que nos prometimos, 5 centímetros por segundo, Viaje a Agartha, El jardín de las palabras, Your Name, El tiempo contigo y Suzume. Y de guinda incluye 7 artbooks.
PILLION
Dir. Harry Lighton
Rep. A. Skarsgård, Harry Melling RU / 2025 / Divisa / 13 julio
Multipremiada película sobre un romence gay con motos de por medio. Incluye entrevistas con el director y los actores y una serie de piezas detrás de las cámaras.
LOS INTOCABLES DE ELIOT NESS
Dir. Brian De Palma
Rep. Kevin Costner, Sean Connery EE UU / 1987 / Paramount / 13 julio
UHD para una cinta convertida ya en clásico absoluto del noir. Paramount la recupera en edición steelbook y los mismos extras que ya conocíamos de ediciones previas.
LA CHICA ZURDA
Dir. Shih-Ching Tsou
TODA LA VERDAD SOBRE MIS MENTIRAS
Dir. María Togores, Marina Pérez
Rep. Daniel Ibáñez, Itziar Manero
Serie / 28 agosto
Seguro que alguna vez te has visto envuelto en un grupo de amigos en el que todo parece idílico... hasta que los secretos salen a la luz. A estos les pasa en un viaje en caravana.
Rep. Janel Tsai, Shih-Yuan
Ma, Nina Ye, Teng-Hui Huang
Taiwan / 2025 / Karma
7 julio
Entre los extras se incluye un coloquio con Sean Baker y Shih-Ching Tsou. Y no es de extrañar, porque esta cinta premiada en Roma respira ese realismo tan del cineasta norteamericano y su gusto por los personajes (femeninos), en este caso llevados a la jungla de asfalto de Taipei. Además de ese coloquio, también vas a encontrar un making of y dos análisis de escenas.
EL HOMBRE DEL NORTE
Dir. Robert Eggers
Rep. Alexander Skarsgård, Nicole Kidman EE UU / 2022 / Universal / 22 julio
Universal vuelve a poner en circulación, solo en UHD, con los mismos adicionales y con una ligera variación en la portada, la cinta que supone la reinvención de Eggers.
LA MOMIA DE LEE CRONIN
Dir. Lee Cronin
Rep. Jack Reynor, Laia Costa EE UU / 2026 / Warner / 22 julio
Cronin le da una vuelta, gore explícito mediante, al clásico relato de la Universal, y deja aquella versión de 1999 con Brendan Fraser a la altura de un cuento Disney. Gran edición.
NO TE OLVIDARÉ
Dir. Vanessa Caswill
Rep. Maika Monroe, Tyriq Withers
EE UU / 2026 / Universal / 22 julio
La historia de resiliencia de una madre que acaba de salir de la cárcel, convierte este ejercicio de cine romántico que adapta el best seller de Colleen Hoover en algo más.
SUPER MARIO GALAXY: LA PELÍCULA
Dir. Aaron Horvath, Michael Jelenic
EE UU / 2026 / Universal / 22 julio
Segunda entrega de este nuevo capítulo de las aventuras de Mario y compañía. Hay una edición UHD en forma de huevo que nos retrotrae a los años dorados del home video.
WHITE BOY RICK
Dir. Yann Demange
Rep. M. McConaughey, R. Merritt
EE UU / 2018 / Sony / 22 julio
Lástima que no se haya aprovechado esta reedición para incluir formato UHD. La relación de un padre vinculado al tráfico de drogas con su hijo en el Detroit de los 80.
MAKE A GIRL
Dir. Gensho Yasuda
Japón / 2024 / Selecta Visión 29 julio
En el presente ya hemos alcanzado a esta historia en la que un joven crea un robot con IA para echársela de novia. Hay una edición coleccionista con postales y libreto.
EL DIABLO VISTE DE PRADA 2
Dir. David Frankel
Rep. Meryl Streep, Anne Hathaway
EE UU / 2026 / 20th Century / 3 ago
El regreso, veinte años después, de los personajes de la revista Runway Con audiocomentario de David Frankel, Aline Brosh McKenna y Molly Rogers y varios extras.
MARVEL TŌKON: FIGHTING SOULS
Arc System Works / : PC, PS5 / 6 agosto
De los creadores de otras obras magnas de los juegos de lucha como Dragon Ball FighterZ, Marvel Tōkon nace como adaptación de la celebérrima IP de Disney y heredero del legado de Marvel Vs. Capcom. Es casi como un cómic de crossovers alocado, donde los enfrentamientos se suceden en íntimos combates 3 vs 3 de ritmo extremadamente acelerado.
ASSASSIN’S CREED: BLACK FLAG RESYNCED
Ubisoft : PC, PS5, Xbox Series X/S 09 julio
La que para muchos es la mejor entrega de Assassin’s Creed vuelve reimaginando su épica trama de piratería con apartado técnico renovado y jugabilidad refinada. A la saga no le va a venir nada mal.
SPLATOON RAIDERS
Nintendo : Nintendo Switch 2 27 julio
Nuevo spin-off de la saga más centrado en la historia que toma como referencia el famoso modo Salmon Run e hipervitamina su fórmula con cientos de conceptos inéditos.
HALO: CAMPAIGN EVOLVED
Halo Studios
: PC, PS5, Xbox Series X/S 28 julio
El primer capítulo del Jefe Maestro contado de nuevo a través de un remake con gráficos despampanantes y sin perder un ápice de la esencia del original. Uno de los mejores juegos de la historia.
RESONANCE: A PLAGUE TALE LEGACY
Asobo Studio : PC, PS5 Xbox Series X/S 27 agosto
El juego con el que Asobo Studio expande su relato fantástico sobre la Francia del Siglo XV con una precuela mucho más enfocada a la acción y el enfrentamiento directo y no tanto en el sigilo.
STAR WARS: ZERO COMPANY
Bit Reactor : PC, PS5, Xbox Series X/S 27 agosto
Juego de estrategia táctica por turnos a lo XCOM, protagonizado por una compañía de marginados del universo de Star Wars y desarrollado en colaboración con Respawn, autores de Star Wars: Jedi
METAL GEAR SOLID MASTER COLLECTION VOL 2
Konami : PC, PS5 Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y Xbox Series X/S 28 agosto
Ahora mismo este bundle con tres títulos de Kojima es la única forma de acceder a Metal Gear Solid IV: Guns of the Patriots sin tener una PS3. No hace falta decir más.
LANDING LIBROS
JANE BIRKIN
Marisa Meltzer / Circe / 248 p. / Biografía
Mucho antes de que existieran las influencers, Jane Birkin ya había inventado una forma de convertir su naturalidad en tendencia. Esta exquisita biografía explora cómo una actriz y cantante aparentemente discreta acabó transformándose en uno de los mayores iconos de la cultura pop. Busca la peli La piscine, escucha Je t’aime... moi non plus. Imposible no adorarla.
MÚSICA DE CARNE
Pablo Und Destruktion
Liburuak
176 p. / Pensamiento
En esta nueva Edad Media, el algoritmo santifica artistas pop y lxs convierte en dinero. Aparte, hay gente que busca el silencio y presta atención a la música.
ANTONIO VEGA
Jordi Tormo
Muzikalia
120 p. / Música, bio
Lo bueno del santificado Vega es que sus poemas, apuntes, diarios siguen demostrando que algunas canciones encuentran el camino solas, sin algoritmos.
HYPER-POP
Julie Ackermann
Caja Negra
136 p. / Cultura pop
Entre Rihanna y Charli XCX, el hyperpop suena a muchas cosas a la vez. Quizá porque nació en esta época en la que nadie tiene tiempo para elegir solo una.
F1 PARA ROOKIES
Beatriz Quevedo
Montena
184 p. / Deportes, motor
Leyendo este entretenido libro se descubre, entre otras muchos detalles de la Fórmula 1, por qué un simple cambio de neumáticos puede arruinar un domingo.
ARTESANÍA DEL ALMA
Elena Piles
Valparaíso
76 p. / Poesía
Hay heridas que el tiempo no cura, y se vuelven poema. Estos versos muestran ese proceso sin atajos, con fragmentos y palabras que supuran emoción.
EL SECRETO DE PANDORA
Susan Stokes-Chapman
Duomo bolsillo
384 p. / Novela histórica
En el Londres de 1799, Dora y Edward afrontan el cambio de siglo y su amor romántico entre joyas y un misterioso jarrón griego. Arqueología elegante.
EL CÓMPLICE SECRETO
Joseph Conrad
Ediciones invisibles
112 p. / Suspense
El mar y Conrad son dos refugios primordiales en vacaciones. Un capitán, su tripulación descontenta, un misterioso desconocido... Thriller oceánico.
SAN BARTOLO
Anónimo
Editorial Barrett
328 p. / Novela
España no aburre. Trolero quien no haya asistido a una verbena o fiesta de pueblo tal y como se narra en el que es, sin duda, el libro más salvaje del verano.
HUELLAS EN LOS FIORDOS
Satu Rämö
Salamandra
368 p. / Novela nordic blue
Si algo nos ha enseñado la novela nórdica es que cuanto más bonito es el paisaje, peor lo pasa la gente. Hildur nos lleva de nuevo a Islandia para confirmarlo.
INDUCCIÓN POR SHOCK
Chuck Palahniuk
Random House
240 p. / Novela
La enseñanza secundaria ya es bastante extraña, pero Palahniuk es capaz de demostrar que siempre puede ser peor. El elitismo y el caos en clave de sátira.
RADIO SARAJEVO
Tijan Sila
Libros del Asteroide
200 p. / Novela autoficción
La guerra siempre mal. Su recuerdo en papel puede esconder bellos pasajes y testimonios reales que invitan a la gran reflexión: la guerra siempre mal.
ESTO TAMBIÉN ES UNA CASA
Cezanne Cardona
Seix Barral
144 p. / Novela
Crecer consiste, entre otras cosas, en aprender que ningún lugar nos pertenece del todo. Hacerlo en PR le pone una dosis hot que Cardona sabe medir.
DISOLUCIÓN
Nicholas Binge
Minotauro
384 p. / Tecnothriller
El autor de Ascensión sigue sorprendiendo con esas tramas que, de verosímiles, asustan. Tecnología, desmemoria y curiosidad. El triángulo perfecto.
PRISA
Marta Ros
El Paseo
112 p. / Novela
Ros viene avisando de su talento hace tiempo. Esta obra, con tres historias híbridas, destila terror y desencanto: nos cambiaron el tiempo por la prisa. Puro Gen Z.
ACORAZADO ESPECIAL YAMATO
Leiji Matsumoto
OOSO Còmics
248 p. / ByN / 17,95 €
No tan conocido en España como su Capitán Harlock pero adorado en Japón, llega por primera vez a España la historia de la icónica nave espacial.
THE BOY WONDER
Juni Ba, Chris O'Halloran
Panini Cómics
184 p. / Color / 26 €
Ya tenemos aquí a una de las mejores historias sobre Damian Wayne, el hijo de Batman, que se han publicado desde que se lo inventara Grant Morrison.
CASACA ROJA
Varios autores
Planeta Cómic
248 p. / Color / 24 €
Geoff Johns sigue inventando “superhéroes” y está vez le acompaña el gigante Bryan Hitch. La vida de un granuja soldado británico que se vuelve inmortal.
CHARITY Y SYLVIA
Tillie Walden
La Cúpula
276 p. / Color / 30,95 €
Vuelve Walden con la historia verdadera de Sylvia Drake y Charity Bryant, una de las parejas homesexuales más documentadas del siglo XIX.
EL COMBATE DE HENRY FLEMING
Steve Cuzor, M. Versaeve
Norma Editorial
152 p. / Color / 35 €
La Guerra de Secesión vista por el autor francés Steve Cuzor: comic inspirado en el clásico antibelicista La roja insignia del valor de Stephen Crane.
EL CUENTO DE LA ROCA
Benedì Elephant Books
224 p. / ByN / 22 €
Oriente Próximo es un polvorín. Esta historial coral prefiere quedarse con los encuentros entre árabes y judíos en plena plaga de superstición y fanatismo.
DULCE BASURA
Kayla E. / Reservoir Books / 204 p. / Color / 23,90 €
La diseñadora de Fantagraphics recopila diez años de fanzines contándonos en forma de cómic infantil -y en una dicotomía escalofriante- una infancia de violaciones incestuosas y una adolescencia de vejaciones familiares por parte de su madre. Ganadora del último premio Ignatz a Mejor novela gráfica de 2025 y en la lista de lo mejor del año de cabeza.
HEAVY LIQUID
Paul Pope Moztros
264 p. / Color / 29,90 €
En los estertores de la explosión de Vertigo, antes del cambio de siglo, Pope nos trajo una distópica desventura de ciencia ficción al más puro estilo Irvine Welsh.
MOON DEER
Yoann Kavege
Tengu Ediciones
192 p. / Color / 34 €
Aunque la portada nos parezca un cómic juvenil espacial naíf, Kavege tejió esta historia de venganza intergaláctica en las páginas de la nueva Métal Hurlant
SON CUATRO DÍAS
Joan S. Luna, Jordi Pastor
Astiberri
144 p. / Color / 18 €
El periodista musical Joan S. Luna se alía con el dibujante Jordi Pastor para contarnos la historia de Ismael, el mejor amigo de Luna, que se quitó la vida con 24 años. Una historia triste pero necesaria para entender la realidad sobre la depresión.
ODISEA
Milo Manara
Lumen
112 p. / Color / 22,90 €
La historia de Odiseo narrada por el centauro Quirón a su hijo Telémaco. El padre ausente, el viaje imposible, el poema épico más íntimo. El mejor Manara.
SPACE SCOUTS
Matt Kindt, David Rubín
Astiberri
144 p. / Color / 25 €
Kindt y Rubín -dúo salvaje- retuercen la space opera con una historia que comienza como una Bildungsroman espacial y acaba con una guerra cruel.
WAR OF THE ADULTS
Kappy y Masaki Tsuzuki
Ivrea
200 p. / ByN / 9,90 €
Un adolescente queda en coma durante quince años y despierta en un mundo distópico donde la reputación lo es todo. ¿Crecerá o se perderá por el camino?
YAN
Chang Sheng
Planeta Cómic
344 p. / ByN / 22 €
¿Y si Adiós a mi concubina se juntara con una de las salvajes pelis de venganza de Park Chanwook? Yan: baño de sangre con los colores de la ópera china.
MAD COOL
IBERDROLA MUSIC, VILLAVERDE (MADRID)
Del miércoles 8 de marzo al sábado 11 de julio
A PERFECT CIRCLE / aerea / AMRITA / BOYS NOIZE / BUNT. / CHARLIE PUTH / CHLOE SLATER / CLIFFORDS / CMAT / DAVID BYRNE / DOGSTAR / FLORENCE
+ THE MACHINE / FLORENTENES / FOO FIGHTERS / FROST CHILDREN / HALSEY / HOLLY HUMBERSTONE HOONINE / HOT MILK / HOTWAX / INTERPOL / JALEN NGONDA / JEHNNY BETH / JENNIE / KAREN DIÓ / KASABIAN / KINGS OF LEON / LA PALOMA / LORDE / LUXI VILLAR / MADMADMAD / MAESIC / MATT BERNINGER / MIDNIGHT GENERATION / MOBY / MY FIRST TIME / NICK CAVE & THE BAD SEEDS / NINA KRAVIZ / OVERPASS / PALAYE ROYALE / PALMS TRAX / PERSIA HOLDER / PIXIES / POLO PAN dj set / PULP / RENEÉ RAPP / RICHIE HAWTIN / RIO KOSTA / SADIE JEAN / SIGRID / SON MIEUX / SUPERMODEL / SWIMMING PAUL / TEDDY SWIMS / THE BLACK CROWES / THE BLAZE dj set / THE LAST DINNER PARTY / THE REYTONS / THE VACCINES / THE WAR AND TREATY / THE WAR ON DRUGS / THE WARNING / TTSSFU / TWENTY ONE PILOTS / USTED SEÑALEMELO / VILLANELLE / WEVAL / WOLF ALICE / YUNG PRADO / ZARA LARSSON / ZIMMER90
En su novena edición, Mad Cool hace un replanteamiento, alargando a cuatro días el festival, retirando uno de los escenarios principales para hacer más cómodo el recinto, y planteando bloques temáticos por días: los días de corte más rockero, el jueves para las divas pop y un cierre para clásicos de la música independiente.
Riyadh Air Metropolitano. Madrid. Viernes 10 y sábado 11 julio
KANY GARCÍA
Roig Arena. Valencia. Viernes 3 julio
Movistar Arena. Madrid. Domingo 5 julio
GRUPO FRONTERA
Movistar Arena. Madrid. Jueves 9 julio
BEÉLE+ FARRUKO
Movistar Arena. Madrid. Viernes 10 julio
FEID vs FERXXO
Cidade da Cultura. Santiago. Sábado 11 julio
Movistar Arena. Madrid. Jueves 16 julio
Palau Sant Jordi. Barcelona. Sábado 18 julio
El Muelle. Alicante. Viernes 24 julio
Plaza de Toros. Murcia. Sábado 25 julio
FONTAINES DC
Baluarte. Cádiz. Domingo 9 agosto
El Muelle. Alicante. Martes 11 agosto Ciudadela. Pamplona. Jueves 13 septiembre
THE WEEKEND
Riyadh Air Metropolitano. Madrid. Viernes 28, sábado 29 y domingo 30 agosto
Estadi Olímpic Lluis Companys. Barcelona. Martes 1 septiembre
CLUB CERO + MISS PENAS + MORDIERON AL PERRO + TODO
BIEN TODO MAL Viernes 17
CALORET FEST: MATANZZO + UN LUGAR TRANQUILO + NO SOMOS TURISTAS
Sábado 18
SUBFOBIAS Jueves 23
MILK +Ai Viernes 24
DOGTEETH + KAIRO+ SALMONETES ENFADADOS
Sábado 25
DOC BURNER + BILLY MUGRE CULT Martes 28
FESTIVALES
XXXIX SEMANA NEGRA
Playa de L'Arbeyal (GIJÓN)
Del 3 al 12 de julio
Un año más, el festival se reinventa con una programación que demuestra que todo aquí es mucho más que novela negra. Más de 250 autores nacionales e internacionales de la talla de Elmer Mendoza o Barbara Baraldi participarán en presentaciones, debates y encuentros dedicados al thriller, el cómic, la ciencia ficción, la novela histórica y fantástica o el ensayo. La edición de 2026 incluye además una gran exposición sobre el mundo del trabajo -Trabajar cansa- a través del cómic y la ilustración, y un ciclo nocturno que combina conciertos, cine documental y memoria musical gijonesa. Todo ello en un recinto de acceso gratuito junto a la playa del Arbeyal (nueva ubicación), donde la literatura convive con mercadillos, chorizos criollos y churros, norias y barracas, y actividades culturales para todos los públicos.
https://www.semananegra.org
VIÑETAS DESDE O ATLÁNTICO
Varios espacios (A CORUÑA)
Del 10 al 16 de agosto
Sí, el cómic también puede ser llevado al espectáculo de entretenimiento a través de actividades en diversos escenarios: cine, concierto ilustrado, teatro, pódcast y Carrusel BD con entrevistas. Este festival, durante varios días, reunirá a más de 70 autores, 24 exposiciones y un centenar de actividades entre encuentros, firmas, talleres, revisiones de porfolios y propuestas para toda la familia. Entre los grandes reclamos destacan una exposición dedicada al animador Raúl García y su trabajo en Los Simpson, una muestra sobre cómic palestino contemporáneo y varias exposiciones centradas en la memoria histórica. Un plan imprescindible para amantes del cómic, la ilustración y la cultura pop. https://vinetasdesdeoatlantico.com
GOYA + WULFCROWN
Miércoles 29
Fin de gira europea de SEGGS TAPE (Madrid) y WWW (Buenos Aires) + SPRGRS
Jueves 30
GEE TEE (FOTO) Viernes 31
AGOSTO
THE BLACK WIZARDS
Viernes 07
MESS
Miércoles 12
HOLOTOPICS + OCTOPUS GARDENS
Sábado 15
BARAKA (JAPÓN)
Viernes 28
LAS FOKIN BITCHES + CATASTROXICO
Sábado 29
EXPOSICIONES
ARTEFACTOS SONOROS
DA2 (SALAMANCA)
Hasta el 4 de octubre
A lo largo del pasado siglo XX, la tecnología consiguió transformar la música en un fenómeno universal. Del vinilo al casete y los sintetizadores, los soportes físicos marcaron durante décadas la forma de escuchar y construir nuestra identidad. Hoy, en cambio, la música se ha desmaterializado y los algoritmos condicionan cada vez más nuestros hábitos de consumo. La exposición de Eduardo Balanza (Murcia, 1971) reflexiona sobre esa arqueología analógica y el papel que los objetos musicales desempeñaron en nuestra memoria colectiva. A través de ellos, plantea cómo el paso de lo tangible a lo digital ha cambiado la relación con la música y, especialmente, la manera en que los jóvenes construyen hoy su identidad. https://domusartium2002.com
PHOTO TANGER
Varios espacios (TÁNGER)
Del 17 de junio al 31 de agosto
El Festival Internacional de la Imagen celebra este verano su primera edición con el objetivo de convertir Tánger en un gran escaparate de la fotografía y la creación visual contemporánea. Bajo el lema La llamada del horizonte, el festival reúne exposiciones repartidas por galerías, museos y espacios culturales de la ciudad, con artistas marroquíes e internacionales, además de un ciclo dedicado al cine español. con proyecciones de películas en el Cine Alcazar. España es el país invitado de esta edición, con una exposición de la fotógrafa Isabel Muñoz y una programación que reivindica el papel de Tánger como puente cultural entre Europa y África. Una cita imprescindible para quienes disfrutan de la fotografía, el arte contemporáneo y las ciudades con alma creativa. https://latermicamalaga.com
LOW FESTIVAL
Parque Antonio Soria, (TORREVIEJA) / 31 de julio, 1 y 2 de agosto
ALCALÁ NORTE / ULTRALIGERA / MALA GESTIÓN / LA CASA AZUL / DANI FERNÁNDEZ / BARRY B / NATALIA LACUNZA / DEPRESIÓN SONORA / ...
Low celebra su cambio de ubicación, de Benidorm a Torrevieja, con una edición de tres días en la que combina los nombres internacionales (Editors, The Hives, Kasabian) con pesos pesados del pop nacional (Iván Ferreiro, Love Of Lesbian, Fangoria,...) y una renovación de nombres
NUEBOs que hace ya tiempo que vienen tirando la puerta abajo.
VECINAS, VERANO Y VERGÜENZA
Altallama (MÁLAGA)
Hasta el 2 de agosto
El colectivo o movimiento activista Málaga Paradise nació en 2023 para hacer frente a la gentrificación, la turistificación y la precariedad habitacional que sufre Málaga desde hace ya varios años. Entre sus actividades no faltan guiños a ese arte que pretende cambiar la ciudad. Un total de 24 artistas con nombres como María Bermejo, Usama Mossa, Sofía Sorokina, África Guerrero, Alba Pinazo, Magno Morales, Rocío Mayoral o Isabel Garnelo plantean alguna forma de habitar la ciudad desde sus márgenes. “La muestra recoge las narraciones de quienes hacen y sostienen la vida cotidiana entre el auge del souvenir y la especulación inmobiliaria, así como las reflexiones de quienes continúan tejiendo comunidad pese a la creciente fragmentación del territorio”, explican las comisarias de la exposición, González Palomino y Vázquez de la Rosa www.instagram.com/altallama_laecomonica
SUMMER VIBES IV
Opera Gallery (MADRID)
Del 25 junio al 29 agosto Toda una celebración del verano a base de arte moderno y contemporáneo, gracias a otra asombrosa selección -y van cuatro- de grandes nombres como
Fernando Botero, KAWS, Jeff Koons, Keith Haring, Julian Opie, Alex Katz, Manolo Valdés, Juan Genovés, el dúo formado por Pedro Almodóvar y Jorge Galindo, y otros nombres menos conocidos, pero igual de creativos. La exposición reúne pintura, escultura y fotografía en torno a temas como la memoria, la percepción o la cultura visual contemporánea. Más que una muestra para expertos es una oportunidad para descubrir en un mismo espacio algunas de las firmas más influyentes del arte de los siglos XX y XXI. Si te interesan el diseño, la estética pop o los artistas que ves constantemente en redes sociales, esta exposición es una forma perfecta de conocer sus obras de cerca. Un recorrido visual lleno de color, ironía y referencias culturales que demuestra que el arte contemporáneo, como el verano, también puede disfrutarse sin manual de instrucciones. www.operagallery.com
RADIX
IVAM (VALENCIA)
Hasta el 20 de septiembre
La artista mexicana Tania Candiani transforma el IVAM en un ecosistema inmersivo donde arte, ciencia y naturaleza dialogan desde el subsuelo. Plantas vivas, esculturas de vidrio soplado, proyecciones y una envolvente composición sonora invitan a descubrir las redes invisibles que sostienen la vida
y a imaginar futuros donde lo humano y lo vegetal conviven. Lejos de la típica exposición para recorrer deprisa, Radix propone parar, escuchar y dejarse llevar por una experiencia sensorial que conecta con temas tan actuales como la crisis climática, la biodiversidad o nuestra relación con el planeta. Si buscas un museo que se sienta más como una instalación inmersiva que como una sucesión de cuadros, esta es una de las citas del verano. Perfecta para quienes disfrutan compartiendo experiencias visuales, pero también para salir con alguna pregunta más que con la que entraste.
https://ivam.es
MITOLOGÍAS MODERNAS: OUKA LEELE & CO.
Sala Alcalá 31 (MADRID)
Del 2 de julio al 18 de octubre
Nunca es tarde para revisitar el Madrid más creativo de los años ochenta, a través de la obra de la siempre genial Ouka Leele y otros artistas clave de la Movida, como Ceesepe, El Hortelano, Carlos Franco o Sigfrido Martín Begué. Esta exposición explora cómo la mitología clásica se transformó en un imaginario pop, lleno de color, fantasía y referencias a las subculturas urbanas. Un recorrido imprescindible para entender el arte y cómo una generación convirtió los mitos de siempre en iconos de la cultura contemporánea. www.comunidad.madrid/centros/sala-alcala-31
ARTES ESCÉNICAS
23 FEX
Varios espacios (GRANADA)
Hasta el 12 de julio
El Festival Extensión vuelve a sacar la cultura de los teatros para llevarla a calles, plazas, patios y espacios patrimoniales de Granada y su provincia. La programación, gratuita, reúne 61 actividades que mezclan música, danza, circo, teatro, performance y arte urbano en escenarios poco habituales. NUEBO atenderá a Aria, un impactante ballet aéreo suspendido a 30 metros de altura; Phasmes, de la compañía francesa Libertivore, que fusiona danza contemporánea y acrobacia; el espectáculo de funambulismo Carena, de La Corcoles; y los conciertos del ciclo Noches Carmelas, que acercan artistas emergentes a algunos de los rincones más especiales de la ciudad. https://granadafestival.org
ÓPERA A QUEMARROPA
Varios espacios (MADRID)
Del 3 al 18 de julio
Un plan que demuestra que la ópera ya no tiene por qué asociarse a grandes teatros ni montajes monumentales. En su tercera edición, el festival de la Comunidad de Madrid apuesta por formatos de cámara, producciones contemporáneas y escenarios patrimoniales de San Lorenzo de El Escorial, Alcalá de Henares y Aranjuez. La programación reúne seis propuestas que van desde estrenos absolutos y óperas a capela hasta revisiones de clásicos y montajes inspirados en temas tan actuales como la inteligencia artificial o la memoria histórica. En NUEBO nos fijamos en la función del proyecto colectivo La Plaza, integrado por artistas de distintas disciplinas -canto, performance, interpretación instrumental y composición- y que apuesta por nuevas voces, artistas emergentes, espacios alternativos y un lenguaje escénico contemporáneo en el ámbito de la ópera de cámara española contemporánea. www.comunidad.madrid
FRESCA!
Casa Mediterráneo (ALICANTE)
Desde el 8 de junio al 27 de julio
Si buscas algo diferente a un festival de música, FRESCA! es una oportunidad para descubrir espectáculos visuales, físicos e inmersivos. El festival reúne teatro, danza, circo, flamenco y espectáculos de calle en una programación que combina compañías internacionales con algunos de los nombres más interesantes de la escena española. Entre las propuestas destacadas figuran Teatro Delusio, de la prestigiosa compañía alemana Familie Flöz; Las hi
FESTIVAL GIGANTE (GUADALAJARA)
Del 27 al 28 de agosto
LA M.O.D.A. / ULTRALIGERA / BELÉN AGUILERA / GINEBRAS / ZAHARA RAVE / REPION / QUERALT LAHOZ / ORTIGA / AIKO EL GRUPO / ONA MAFALDA / OSLO OVNIES / ...
A poco más de 30 minutos de Madrid y conectada también por Cercanías, Guadalajara ofrece la posibilidad de desconectar de los festivales multitudinarios con una selección de artistas, todo producto nacional, de primer nivel. ¿Nuestras debilidades? Belén Aguilera (en la foto) interpretando el cuasi-experimental Mediterrania o Aiko El Grupo avanzando nuevo disco.
Programación de julio 2026
Madrid
Ciclo audiovisual: III Semana del Cine Mexicano
Diez películas de Kani Lapuerta, Rigoberto Perezcano, Tania Hernández Velasco, Semillites Hernández Velasco, Ximena García Lecuona, Eduardo Lecuona, Pablo Tamez Sierra, Rafael Ruiz Espejo, Eduardo Esquivel, Sophia Stieglitz, Indira Cato y Pancho Rodríguez
Hasta el 4 de julio
18h, 20 h y 20:30h
Entradas: 3,50 euros
Ciclo audiovisual: Un verano de cine
Diez películas recién estrenadas para acompañar las tardes y noches estivales: Yo no moriré de amor de Marta Matute, Los Ilusos 13+13 de Jonás Trueba, Un poeta de Simón Mesa Soto, Pizza Movies de Carlo Padial, Amarga Navidad de Pedro Almodóvar, Altas capacidades de Víctor García León, Todo lo que nunca fuimos de Jorge Alonso, Pioneras. Solo querían jugar de Marta Díaz de Lope Díaz, A la cara de Javier Marco y Tal vez de Arima León
Del 7 al 29 de julio
18h, 18:30h, 20:30h y 21h Entradas: 3,50 euros
jas de Bernarda, de Taiat Dansa; Sísifos, de UpArte; Paraíso de los negros, de María Pagés Compañía; y la producción propia del Institut Valencià de Cultura, Los locos de Valencia. https://festivalfresca.es
FESTIVAL GREC
Varios espacios (BARCELONA)
Del 29 de junio al 31 de julio
El Grec celebra su 50º aniversario con una edición que vuelve a convertir la ciudad en un gran escenario de teatro, danza, música, circo y artes vivas. ¿Qué ver? A Florentina Holzinger, una de las creadoras más rompedoras de la danza contemporánea europea, presenta Ophelia's Got Talent, un espectáculo que mezcla performance, acrobacia y cultura pop. Y a Mucha Muchacha, el colectivo madrileño que fusiona danza contemporánea, flamenco y cultura urbana desde una mirada muy generacional. Y a Sergi Casero Nieto, uno de los nombres más prometedores de la nueva escena catalana, con un lenguaje híbrido entre teatro, performance y artes visuales. Pueden complementar perfectamente a figuras ya consolidadas como Romeo Castellucci, Anne Teresa De Keersmaeker, Calixto Bieito o Angélica Liddell, que nunca defraudan. www.barcelona.cat/grec/es
AUDIOVISUALES
CIBELES DE CINE
CentroCentro (MADRID)
Del 25 de junio al 8 de septiembre La undécima edición de este maratón cinéfilo, oasis estival, homenajea al cine español en una programación de más de setenta películas para las noches madrileñas. Aviso para repugnantes: los espectadores podrán disfrutar de títulos internacionales para todo tipo de público, desde el más palomitero hasta el más de autor, así como el familiar, los amantes de los clásicos o del cine de culto. Habrá sesiones
especiales con presencia de parte del equipo. Los domingos, la gran triunfadora de lo Premios Goya 2026, contará con la presencia de su directora Alauda Ruiz de Azúa; grandes éxitos de taquilla recientes como Michael. Cine de culto, como El viaje de Chihiro (25 aniversario), o clásicos como Taxi Driver, Vértigo, o La escopeta nacional. Consulta toda la programación y adquiere tus entradas en la web. www.cibelesdecine.com
LA TERRAZA MAGNÉTICA
La Casa Encendida (MADRID)
Del 26 de junio al 1 de agosto
Con una nueva edición bajo el lema Cartografías de la noche, una de las terrazas para noctívagos de la ciudad plantea cierto recorrido por el cine y la música como espacios de tránsito, transformación y descubrimiento. Caído el sol, se organizarán proyecciones de títulos de culto como Noche en la Tierra (Jim Jarmusch), Retrato de una alcohólica (Ulrike Ottinger), Una chica vuelve sola a casa de noche (Ana Lily Amirpour), Angel's Egg (Mamoru Oshii), Largo viaje hacia la noche (Bi Gan) y The African Desperate (Martine Syms). La programación musical reunirá algunas de las propuestas más interesantes de la escena experimental internacional, con conciertos de Bint Mbareh, Violeta García, Ava Rasti, RenzNiro, Amanda Mur y Adrasha, entre la electrónica, el ambient, el noise, el grime y las músicas de raíz reinterpretadas desde la contemporaneidad. www.lacasaencendida.es
CINEMA LLIURE A LA PLATJA
Varias playas (BARCELONA)
Del 16 de julio al 6 de agosto Ya se celebra la 15.ª edición de un festi muy especial y esperado por quienes se citan con el cine, con proyecciones gratuitas al aire libre, siempre al atardecer (entre las 21:30 y las 22:00), precedidas por un cortometraje de nuevos talentos, y de música en vivo, y en un entorno único y veraniego, las playas. En la ciudad, será Playa de Sant Sebastià la que
despliegue pantalla, pero también se puede acudir a las de Palamós, Tossa de Mar, Mataró, Arenys de Mar o Sitges, entre otras. Títulos como Romería, La chica zurda, La misteriosa mirada del flamenco, Little Amélie, Molt Lluny o La llum de Naisha se disfrutan de otro modo cuando sus escenas primordiales brillan bajo las estrellas. https://cinemalliure.com
ATLÁNTIDA FILM FEST
Varios espacios (PALMA DE MALLORCA)
Del 24 de julio al 2 de agosto
Rodrigo Sorogoyen, Javier Bardem y Victoria Luengo clausurarán la edición presencial de esta edición, la 16, con el estreno en España de su esperada El ser querido. Antes, un centenar de estrenos internacionales, cine de autor llegado de los principales festivales europeos, música en directo, fiestas, encuentros con cineastas y actividades culturales como solo se hacen en la ciudad de Palma. Si no puedes saltar a la isla, siempre te queda la opción de verlo online. https://atlantidafilmfest.com
GANDULES 2026
CCCB (BARCELONA)
Del 28 de julio al 13 de agosto
Vuelve al patio del CCCB con una de las mejores propuestas de cine al aire libre del verano. Bajo el título Bellas y eternas, y vinculada a la exposición que te presentamos en un artículo en este mismo número de NUEBO, la crítica de cine Desirée de Fez ha seleccionado nueve películas de terror, ciencia ficción y fantasía que reflexionan sobre la obsesión por la belleza, la juventud y la perfección. La programación incluye títulos imprescindibles como The Substance, de Coralie Fargeat; The Neon Demon, de Nicolas Winding Refn; Helter Skelter, de Mika Ninagawa; Paris Is Burning, de Jennie Livingston; The Fly, de David Cronenberg; y clásicos como Death Becomes Her o Les yeux sans visage www.cccb.org
Foto:
Pioneras. Solo querían
jugar de Marta
Díaz de Lope
Díaz
FIB
Recinto Ferial (BENICÀSSIM)
Del 16 al 18 de julio
THE PRODIGY / FRANZ FERDINAND / BIFFY CLYRO / DEADLETTER / ROSE GRAY / JULIETA / NIÑA POLACA / CARLOS ARES / SIENNA / VANGOURA / CARLANGAS / ...
El festival decano de nuestro país celebra su 30ª edición con un cartel que al mismo tiempo rinde homenaje a su pasado (The Prodigy, Franz Ferdinand, The Kooks, Lori Meyers) y mira hacia el futuro con estrellas emergentes internacionales como Rose Gray o Deadletter y un puñado de artistas nacionales que, como Julieta (en la foto), definen el momento actual.
SONORAMA
Aranda de Duero (BURGOS)
Del 5 al 6 de agosto
GUITARRICADELAFUENTE / RUSOWSKY / RVFV / CARLOS ARES / ÁNGELES TOLEDANO / VALERIA CASTRO / SAMURAÏ / LA M.O.D.A. / BELÉN AGUILERA / DOLLAR SELMOUNI / ...
La cita de cada verano en el festival que marca la temperatura del pop nacional. Dudas razonables para esta edición: ¿Será el momento del salto definitivo a la primera división de Carlos Ares (en la foto)? ¿Son Oslo Ovnies el nuevo grupo de guitarras aupado por Sonorama?
¿Qué grupo aparecerá por sorpresa en la Plaza del Trigo? A resolver el 5 de agosto...
