NUEBO #45 JUNIO 2026 by nuebomagazine

BAD BUNNY

¡HAZTE YA CON TU ABONO!

OLIVIA RODRIGO IN LOVE

BAD BUNNY / MALA GESTIÓN / SUPERGIRL / MANUELA LORENTE / FIRE-TOOLZ / BACKROOMS / POKÉMON POKOPIA / JUANA AGUIRRE

¡HAZTE YA CON TU ABONO!

SUPERGIRL

¡HAZTE YA CON TU ABONO!

GESTIÓN

¡HAZTE YA CON TU ABONO!

Como en casa de tus padres, pero... sin padres.

Residencias de estudiantes pensadas para estudiar... y lo que surja.

EDITORIAL

Decía la escritora argentina Samanta Schweblin en una entrevista reciente que “prestar atención es el superpoder más grande en estos momentos”, y que “ya no todo el mundo es capaz de hacerlo”. Vivimos tiempos contradictorios en los que perdemos la tarde visitando la tienda de Apple para gastarnos mil euros en un móvil, al tiempo que nos devanamos los sesos para encontrar la fórmula que limite la (drogo)dependencia tecnológica. Y, mientras le damos vueltas al asunto, nuestra capacidad para poner foco en disfrutar de un libro, una película o hasta una conversación con nuestros amigos, se diluye a base de impactos de dopamina. La medida de escritura es el tweet, la musical el single de tres minutos (a duras penas), y la audiovisual ese TikTok que se multiplica en el scroll infinito.

Es una conversación recurrente, sí, pero que tiene unas connotaciones que van más allá del propio entretenimiento. Lo comentábamos hace unos días con una conocida agencia de comunicación, que ponía en cuestión el valor de los formatos: la entrevista ha dejado de ser útil porque, al ser demasiado larga, carece de engagement, nos decían. Pero es que el formato audiovisual debidamente masticado tampoco es ya garantía de éxito porque, en este punto de desconexión mental, las métricas apuntan a que, cada vez más, el usuario abandona rápidamente en busca de nuevos estímulos. Sin estar del todo de acuerdo con esas conclusiones -aquí hemos apostado desde el primer día por contenidos que se consumen de forma reposada, por formatos que exigen cierta profundidad de lectura, como la entrevista o el reportaje-, sí que es cierto que todo esto, junto a la tiranía de las métricas en que se ha convertido el mundo de la información, conduce a un callejón sin salida. En el caso de NUEBO, convivimos con este panorama intentando combinar el fast food sin el que las redes sociales sencillamente no carburan, con otro tipo de planteamientos que rehúyen las urgencias. Y el mejor ejemplo de ello es esa nueva aventura a la que nos hemos lanzado de la mano de Teatro Albéniz, UMusic Hotel y Aude - La Habitación Sonora: un ciclo de escuchas de discos en el que lo prioritario es la experiencia y dejar a un lado, durante el rato en que se suceden las canciones, cualquier otra cuestión que no sea el acto de pararse y escuchar. Volver a poner, en definitiva, la música en el primer plano, sin necesidad de convertirla en otra experiencia instagrameable más.

DIRECTOR EDITORIAL

Luis J. Menéndez / luis@nuebo.es

DIRECTORA DE ARTE

Liliana Carpio / lillie@nuebo.es

DIRECTOR COMERCIAL

Luis Argeo / argeo@nuebo.es

JEFE DE REDACCIÓN

Diego Rubio / diego@nuebo.es

EDITORA DE MODA

Alba García Valero / alba@nuebo.es

WEB & RRSS

Antonio Amar / antonio@nuebo.es

COLABORADORES

Galo Abrain, Pablo Barboza, Ramón Baylos, Fernando Bernal, Tali Carreto, Marta España, Manu González, María Juesas, Rocío Mateo-Sagasta, José de Monfort, Miguel Pardo, Olaya Pedrayes, Anna Pérez, Adriana Ramiro, Cris Regatero, Felipe Rodríguez Torres, Ricardo Ruiz Varo, Eva Sebastián, Daniela Urzola, Raúl Valdivia.

FOTOGRAFÍA PORTADA

Lluis Martí Llopis (Mala Gestión)

Valheria Rocha (Olivia Rodrigo) Eric Rojas (Bad Bunny) Warner Bros (Supergirl)

www.nuebo.es / @somosnuebo

IMPRESIÓN

Licencia de uso de la Certificación

Forestal PEFC / 14-37-00097

DISTRIBUCIÓN

Elliot Bicimensajeros (MDZ) Mil Máscaras (BCN)

NUEBO S.L .

Callejón de Concepción Jerónima 3, 1º Ext. Izq.28012 Madrid hola@nuebo.es

Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de la revista. Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1 párrafo segundo, de la Ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohibidas la reproducción, la distribución y la comunicación pública, incluida su modalidad de puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de la empresa editora de la publicación NUEBO S.L.

théodore pellerin

tres días, una vida

una película de pauline loquès

william lebghil salomé dewaels con la par ticipación de jeanne balibar

ESTRENO 26 DE JUNIO

BARCELONA

CCCB

C/ de Montalegre, 5, 08001

BIBLIOTECA FRANCESCA

BONNEMAISON

Carrer Sant Pere més Baix, 7, 08003

BRIDGE48

C/ de Llull, 48, Sant Martí, 08005

VALKIRIA HUB SPACE

C/ de C. Pujades, 126, Sant Martí, 08005

ÍNDIGO CAFÉ & BRUNCH

Carrer d'Enric Granados, 3, 08007

KAÓTIKO

Rambla de Catalunya, 54 , 08007

CAMELIA ART CAFÉ

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CELEBRE

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Pg. de St. Joan, 82, 08009

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EL GENIO EQUIVOCADO, LA BOTIGA

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EL NOA NOA

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BIBLIOTECA FORT PIENC - ANA MARÍA

MOIX

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CANTINA LAB CAN BATLLÓ

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ZUMZEIG CINECOOPERATIVA

C/ de Béjar, 53, 08014

COMETA

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NINAS COFFEE AND BRUNCH

C/ d'Entença, 116 Bis, Local 2, 08015

BIBLIOTECA NOU BARRIS

Plaça Carmen Laforet, 11 08016

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Plaça de les Glòries Catalanes, 37-38, 08018

ORVAL Carrer de Buenaventura Muñoz, 31, 08018

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Plaça Lesseps, 20-22 08023

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CAMELIA ART CAFÉ

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BIBLIOTECA LA SAGRERA - MARINA CLOTET

Josep Soldevila, 9 08027

LA CIUTAT INVISIBLE

Carrer, Riera d'Escuder, 38, baixos, 08028

LA DESKOMUNAL SCCL

Carrer del Tenor Masini, 5 Carrer Riera d, Escuder 38, 08028

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Carrer d'Amnistia Internacional, 10, 08038

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Passeig Gallifa, 1, 08250 Sant Joan de Vilatorrada

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Prat de la Riba, 110, 08301 Mataró

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BIBLIOTECA CENTRAL Plaça de Cal Font, s/n, 08700 Igualada

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Plaça de la Vila, 13, 08800 Vilanova i la Geltrú

BIBLIOTECA JORDI RUBIÓ I BALAGUER

Carrer Baldiri Aleu, 6-8

08830 Sant Boi de Llobregat

BIBLIOTECA VILADECANS

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BIBLIOTECA SANTIAGO RUSIÑOL Plaça de l'Ajuntament, 13 08870 Sitges

BIBLIOTECA RAMON FERNÀNDEZ JURADO

Carrer Bisbe Urquinaona, 19-21 08860 Castelldefels

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Avinguda del Congrés Eucarístic, s/n 08918 Badalona

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BURGOS

CAFÉ CENTRAL

C/ Sal 9, 09400 Aranda de Duero

MADRID

ESCUELA TAI

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VÍA COMUNICACIÓN

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1862 DRY BAR

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ALEATORIO BAR

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BERKANA

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BIANCHI KIOSKO CAFFÉ

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CAFÉ PEPE BOTELLA

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EL ALMACÉN DE DISCOS

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EL RINCÓN

C. del Espíritu Santo, 26, 28004

FARADAY

C/ San Lucas, 9, 28004

FREV BOUTIQUE

Corredera Alta de San Pablo, 4, 28004

FUNDACIÓN SGAE

C/ Bárbara de Braganza, 7, 28004

GENERACIÓN X

C/ de la Puebla, 15, 28004

GENERACIÓN X

C/ Carranza, 25, 28004

GILDA HOUSE

C/ de San Mateo, 6, 28004

GORILA MALASAÑA

Corredera Baja de San Pablo, 47, 28004

GOSTO CAFÉ

C/ Palma, 47, 28004

HOBBY CONVERTERS

C/ Estrella, 20-2, 28004

KAÓTICO

C/ Fuencarral, 34, 28004

LA FIAMBRERA ART GALLERY

C/ Pez, 30, 28004

LA INDUSTRIAL EVENTOS

C/ San Vicente Ferrer, 33, 28004

LOLINA VINTAGE CAFÉ

C/ Espíritu Santo, 9, 28004

MALABAR

Pl. del Dos de Mayo, 9, 28004

MONKEY GARDEN

C/ Barco, 38, 28004

NEARE CLOTHES

Corredera Alta de San Pablo, 21, 28004

PICNIC

C/ Minas, 1, 28004

QUALITY SPORTSWEAR

C/ Espíritu Santo, 6, 28004

TATUAJERÍA CORAZÓN SALVAJE

C/ Divino Pastor, 6, 28004

TOMA CAFÉ

C/ Palma, 49, 28004

BIPOLAR

C/ Calatrava, 6, 28005

DESPERATE LITERATURE

C/ Cava Baja, 8, 28005

FEDERAL CAFÉ

Pl. Conde de Barajas, 3, 28005

L’ADORE CAFÉ

Pl. de Cascorro, 20, 28005

LOS TIERNOS

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MOLAR DISCOS & LIBROS

C/ Ruda, 19, 28005

RUDA CAFÉ

C/ Ruda, 11, 28005

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SALA CLAMORES

C/ Alburquerque, 14, 28010

THE BEER GARDEN TAP ROOM SALOON

C/ Juan de Austria, 23, 28010

URRACA CAFÉ

C/ Doña Urraca, 18, 28011

BAJOELVOLCÁN

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BOCONÓ SPECIALTY COFFEE

C/ Embajadores, 3, 28012

CAFELITO

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CANELA ESPACIO CREATIVO

C/ Palos de la Frontera 4, 3º, 28012

EL IMPARCIAL

C/ Duque de Alba, 4, 28012

GENERACIÓN X

C/ Conde de Romanones, 3, 28012

HOLA COFFEE FOURQUET

C/ Dr. Fourquet, 33, 28012

JUAN RARO

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PERROS DE LLUVIA

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PUM PUM CAFÉ

C/ Tribulete, 6, 28012

SALA EQUIS

C/ Duque de Alba, 4, 28012

SWINTON GALLERY

C/ Miguel Servet, 21, 28012

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CASA JAGUAR

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FOUR

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MISERIA

C/ Verónica, 15, 28014

CAFÉ LA PALMA

C/ Palma, 62, 28015

C.C. CONDE DUQUE

C/ Conde Duque, 9, 28015

LA TAPE

C/ San Bernardo, 88, 28015

MARILIANS

C/ del Noviciado, 9, Local 7, 28015

NIM SALÓN

C/ de San Vicente Ferrer, 63, 28015

DJP MUSIC SCHOOL

C/ Pilar de Zaragoza, 63, 28028

LOS INVERNADEROS

C/ Alonso Núñez, 6, 28039

BAR TOBOGGAN

Pl. de Rutilio Gaci, 2, local 1, 28045

COSTELLO RÍO

Pl. Gral. Maroto, 4, 28045

DRØMME KAFFE HOUSE

C/ Juana Doña, 8, 28045

MATADERO MADRID

Pl. de Legazpi, 8, 28045

PANDORA'S VOX

C/ Rafael de Riego, 8, 28045 MÁLAGA

POLO DE CONTENIDOS DIGITALES

Avda. Sor Teresa Prat, 15, 29003

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C. Real, 54, 29680 Estepona

MURCIA

CAFETERÍA BAR COOP ÍTACA

C/Mariano Vergara 6, 30003

GIJÓN

BAR LA PLAZA

C/ Julio Fernández, 1, 33201 Gijón

TOMA 3

C/ Marqués de Casa Valdés, 27, 33202

VIGO

WOODTOWN Camelias 20, 36202

VALENCIA

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ULTRASOUND MUSIC

C/ de Cuba, 49, L'Eixample, 46006

PRO21 CULTURAL

C/ Joan mercader 34, 46011

BILBAO

GOOOD PEOPLE

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MEDIATEKA AZKUNA ZENTROAALHÓNDIGA Plaza Arriquíbar, 4, 48010

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J u l i e t a

V e n e g a s

"Norteña" Nuevo álbum

YA DISPONIBLE

Nuevo álbum

YA DISPONIBLE

SVSTO

Para la artista catalana, ilustre excomponente del dúo Las Bistecs, la música es un canal para expresarse y transformar emociones negativas en algo performático. Un espacio donde se puedan mezclar fiesta y reivindicación. Sin pretender ser experta en música electrónica, como reconoce, es el lenguaje de los sintes, los ordenadores, los plugins, las maquinitas y las cajas de ritmos el que más le sirve para hablar sobre temas que le hacen entrar en cólera. “Es decir, hago música para que bailes enfadada”.

ESTADÍSTICAS

En este momento se encuentra en el segundo año de la gira de CRISIS, su debut largo en solitario, “sintiéndome ya muy cómoda con la puesta”. “Precisamente eso es lo que me está impulsando a escribir singles nuevos y a pensar ya en el lugar desde donde quiero enfocar los nuevos temas que iré sacando próximamente. Obviamente, aún hay muchas cosas que me hacen enfadar -no voy a hacer un álbum de folk de repente-, pero sí quiero plantearme algunos cambios”.

“Soy la Kill Bill catalana ” – ‘VENGANZZA’

1 1 1 1 f e a t . C l a u d i o M o n t a n a

N u e v o s i n g l e

LOS NUEBOS

GO CACTUS

Formados en 2017, un poco cuando aquella cosa que era el indie había traspasado aún tímidamente la frontera del meme, Go Cactus enfrentaron prácticamente una reinvención tras lanzar We Have Wasted the Chance but We Are Fine (BMG, 2022). El trío mallorquín había perdido un poco esa oportunidad de hacerse mainstream en una multi a base de capitalizar y monetizar la pose independiente, pero realmente estaban a punto de encontrarse a sí mismos. Abandonaron el inglés definitivamente y empezaron a escribir y cantar en castellano; dejaron BMG y se embarcaron en una aventura, ahora sí, independiente de la mano de Hotel Records, mítico sello del tejido under en el que han publicado My Expensive Awareness, Los Bengala, Exnovios, Los Nastys o Las Odio; y apostaron por un sonido más sucio y electrificado, y por una retórica más irónica. Plaza patines (2024) marcó el punto de inflexión para Pau Gual, Joan Gual y Joan Amengual, y ahora el power trío punk-pop presenta Vidas modelo, un disco en el que por fin parecen haber consolidado esta nueva versión de sí mismos de la mano del productor Raúl Pérez (La Mina).

Foto:

Claudia Couso

DIE SPITZ

Decía Miley Cyrus en una entrevista con Zane Lowe que para seguir siendo una artista relevante durante décadas había que estar al quite de la nueva música. Por eso Miley admiraba a Stevie Nicks, porque conocía a los artistas emergentes y su música incluso antes de que salieran. La vocalista de Fleetwood Mac supo que Harry Styles iba a lanzar un buen álbum debut y no se equivocó; Dolly Parton hizo lo propio con Sabrina Carpenter. Si nos fijamos bien, las nuevas generaciones también son muy generosas con sus coetáneos, siempre y cuando hayan tenido buenos referentes. Es el caso de Olivia Rodrigo: fan acérrima de The Cure, ha ofrecido un abanico de nuevas bandas femeninas para abrir los conciertos de su gira The Unraveled Tour. En España recibiremos a un cuarteto de mujeres de Austin, Texas que hace una mezcla de punk, rock y metal. Su carrera comenzó en 2022 pero no sacaron su álbum debut, Something to Consume, hasta 2025. Un disco que lanzaron bajo el sello Third Man Records, propiedad de Jack White (The White Stripes), quien las descubrió y las conectó con Will Yip, dueño del famoso Studio 4 en Pennsylvania y productor de bandas como Panic! at the Disco, Lauryn Hill o Turnstile. El biógrafo de Metallica, Paul Brannigan las considera “la mejor banda emergente del mundo”, y Ava Schrobilgen (guitarra y voz), Eleanor Livingston (guitarra y voz), Kate Halter (bajista) y Chloe de St. Aubin (baterista, cantante y guitarrista) han hecho de sus directos una experiencia única en la que homenajean a referentes suyos como Black Sabbath. No podemos, ni debemos, quitarles el ojo de encima. Iremos a ver a Olivia Rodrigo, pero también a las enérgicas Die Spitz.

LAS NUEBAS DE

BEN ATTIA LOS BÁRBAROS RODRIGO GARCÍA LOS VOLUBLE

JUAN LUIS MATILLA TERESA GARZÓN PAULA QUINTANA

NAVE DE FOMENTO DEL MUSEO DEL FERROCARRIL

PASEO DE LAS DELICIAS, 61 28045 MADRID

ORGANIZA:

LAURA MORALES

19, 20 Y 21 DE JUNIO

COMISARIA: MARTA GARCÍA MIRANDA

ENTRADA GRATUITA PREVIA RESERVA EN TACHAN.EVENTBRITE.ES A PARTIR DE 12 AÑOS

COLABORAN:

EL NUEBO

HENRY SEMLER

Aunque ya había publicado canciones y algún EP -como el más acústico <3 & </3-, a Henry Semler le conocimos en el Benidorm Fest de 2025, al que se presentó con una balada atmosférica, No lo ves, que ponía a dialogar imaginarios a priori muy distantes: ¿Luis Fonsi y James Blake? ¿Disney y Sen Senra? Asentado en Madrid desde 2020 y ya bien empapado de las sonoridades hispanas, el estadounidense va un paso más allá en su primer trabajo largo, Loverboy, en el que mezcla field recordings, sintetizadores vaporosos y sutiles drones de chelo con melodías reconocibles en el pop latino. No es el único puente cultural tendido: hay momentos que tratan producciones herederas del yatch rock y de la new wave -Dímelo y ese sample del Africa de Toto- como lo harían Dijon y su círculo trabajando para Justin Bieber. Otros que llevan el pop de boyband a una onda muy mediterránea, y otros que son como si a Justin Vernon le hubiera dado por poner su folk digital y atmosférico al servicio del Ricky Martin romántico. Otros que son como si Nourished by Time trabajara para un especial de Glee. Tantos que, en definitiva, es mejor que los cruces tú solo.

LA NUEBA

MAIG

El año pasado la catalana nos sorprendió con un EP, La flor de Maig, que la situaba en sintonía con esa escena de nuevo pop catalán sedoso, electrónico y etéreo en la que podemos destacar también a Julieta, Ginestà o Maria Hein. Eran canciones, en general, sintéticas, bañadas de efectos, aunque minimalistas en el fondo: baladas desnudas que de pronto entraban en ignición a través de breaks progresivos y ritmos de dembow. Ahora, un año después, la Maig abandona en Prou esos estímulos en busca de algo más terrena. Su nuevo trabajo, que suma a Joan Borràs de Oques Grasses como coproductor, apuesta por las guitarras y la instrumentación orgánica, por un sonido más imperfecto, y deja la electrónica como un tapiz de sintetizadores que propulsa las canciones. Sigue habiendo tristeza, sigue habiendo intimidad y desnudez, y sigue habiendo piruetas vocales, pero el lenguaje, más que extrovertido, es ahora más expansivo. Más abierto a compartir y ser compartido.

Una novela gráfica poética pero realista sobre el trastorno de ansiedad.

Àurea Muñoz Judit Crehuet

LA NUEBA

PAULA FELICES

Antes de ser Paula Felices, Paula fue Paula Happys, escribía en inglés, hacía bedroom pop y trabajaba como modelo y actriz en videoclips y publicidad. Pero, en la última etapa de su vida, la barcelonesa ha aprendido a dejarse llevar por la intuición y la confianza en sí misma. Durante la pandemia se refugió en el campo y empezó a componer a la guitarra las canciones que finalmente, casi un lustro de trabajo, idas y venidas después, han acabado dando forma a Canciones de, su disco debut. Producido junto a Carla Pérez Vas (de Mourn), es una fantasía de pop valiente y escacharrado, de bajas ambiciones y revoluciones, lo-fi en ética más que en estética. Folk transatlántico weird y experimental, rock expansivo por momentos, con arreglos de cuerdas preciosistas que colisionan con distorsiones y noises, ritmos folclóricos latinos... Lo que haría Amaia si quisiera parecerse a Joanna Newsom y le saliera más cerca de Juana Molina.

DEJAR LOS ZAPATOS EN LA ENTRADA DE LA DISCO

Por: Rocío Mateo-Sagasta

Coordinadora de Música y Audiovisuales de La Casa Encendida de Madrid

Entrar en un club como quien entra en una casa. Eso proponían Laura Pacas y Eris de Egaña, del colectivo madrileño Alimentación Ming Zhu, cuando fueron elegidas para comisariar Electrónica en el Club dentro de Electrónica en Abril 2026. La idea venía de las fiestas que organizan en su propia casa, donde quitarse los zapatos es obligado y te hace transitar de otra manera. Con más cuidado, con más intensidad. Me interesa trabajar con personas que proponen hacer las cosas desde otro lugar. No solo programando artistas que desconocemos, sino imaginando contextos que no pensábamos que fueran posibles. Generar vínculos, estrechar los lazos, hacer una escena menos individualista y más permeable al cuidado, a la conversación y a la experiencia compartida. Quizás por eso algunos de los momentos más significativos del festival no estaban solo en el escenario de La Casa Encendida, sino detrás de cortinas o puertas. Tumbados sobre un sofá-cojín gigante tejido en Colombia o en aulas donde los artistas cuentan sus confesiones más íntimas sobre sus procesos creativos. Ahí aparece el valor de proyectos como TMLAB, la plataforma europea que impulsa a artistas y comisarios emergentes de comunidades infrarrepresentadas; y el apoyo de Fundación SGAE, que este año reforzó la dimensión formativa del festival con talleres y masterclasses de la mano de artistas nacionales e internacionales. Conseguir que estos proyectos sucedan sigue siendo una de las cosas más satisfactorias de trabajar en cultura: abrir la puerta de la institución a quien quiera entrar descalzo para cuidar lo que pasa dentro, y que eso se convierta a su vez en una forma de estar ahí fuera.

Foto: Carla Perez Vas

Cuervos y reinvenciones oscuras de los sonidos de la Surf Gang marcan gran parte de esta nueva vuelta al mundo de NUEBO que viene con doble acento francófono. También regresos a la raíz, sea esta la que sea -incluido el tuétano óseo, antediluviano, del ambient dub-, u otra operación de exportación global surcoreana, esta vez hacia el revival electroclash.

Kidd

Voodoo

Chile

El chileno se dio a conocer hace una década con una banda indie rock, Resonancia Etérea, y luego se pasó al pop suave y de sonoridad urbana y electrónica. Ahora, ya convertido en uno de los artistas más grandes del país, hace el camino inverso hacia la raíz que están haciendo todos: Euforia, su nuevo álbum, le ve abrazar ritmos folclóricos e instrumentos tradicionales y una onda más reposada, romántica y baladista. De ahí colaboraciones con Mon Laferte o Pablo Alborán.

Najm

Marruecos

Tres EPs y un miniálbum han contemplado el rápido ascenso del rapero marroquí desde 2024. El recién estrenado Fallen Angel es su verdadero debut largo, un trabajo apadrinado por el más grande del norte de África, ElGrandeToto, donde Najm acude a motivos sinfónicos, a tradiciones locales como el rai y a atmósferas y distorsiones del Souncloud rap para dejar claro que ya podemos hablar de nueva ola en el rap MENA.

La Rvfleuze

Francia

Las historias urbanas de Francia son, podríamos decir, prácticamente únicas en Europa: Seny Bengaly (La Rvfleuze) empezó a rapear en 2022, cuando lanzó una serie de freestyle llamada Serrure. Después le cayó una condena a prisión que cumplió durante dos años. Mientras estaba encerrado, se las apañó para autoeditarse un EP, EALS, que trascendió rápido la condición de culto callejero y se convirtió en un exitazo local. Y nada más salir de la cárcel firmó con Atlantic para lanzar su debut largo, Numéro d’écrou. De cero a héroe nacional.

K Wata

Japón

Aunque asentado en Nueva York, este japonés opera más bien en una escena global y muy de nicho que está volviendo a lo esencial de las lecciones de Chain Reaction, definiendo un ambient dub menos atmosférico y más arquitectónico: avant-dub; ambient concrete. Su debut, Give U Space, acaba de salir en Short Span, casa de almas gemelas sonoras como Mammo o Picture, y encajaría perfectamente también con el canon que están construyendo Pressure (The Bug, Ghost Dubs), Peak Oil (Purelink, Paperclip Minimiser, Hoavi) y False Aralia (Selfsame, Topdown Dialectic).

Cortis

Corea del Sur

La última -y muy excitante- creación de Big Hit Music, un quinteto masculino que ha entendido a la perfección la pulsión del revival electroclash y que parece estar listo para pegarse la fiesta por todo el mundo, un poco como ha hecho Yves con el pop post PC Music. GREENGREEN, su primer EP, es sucio, surfgangero, épico como lo sería un concierto de SALEM si fueran mainstream... Muy divertido.

URBANEÑE 2026

DEL 2 AL 4 DE JULIO GRAN CANARIA (GRANCA LIVE FEST)

La Fundación SGAE celebra un año más su Muestra de Música Urbana para programadores internacionales en el contexto del Granca Live Fest, el festival del género más importante de las Islas Canarias. Un escaparate perfecto para que nuestro nuevo talento urbano se desvele no solo ante los fans, sino de los profesionales del sector.

Cantante, compositora, saxofonista y bailarina tinerfeña, Melania pasó en Madrid siete años y se desveló al gran público como parte del grupo E’Femme en el Benidorm Fest de 2023. Ahora, de vuelta en las islas, estrena su propio proyecto con pop electrónico infusionado en ritmos afrocaribeños y temas como Novamoallegar o EXclusive

Formada entre el conservatorio, la danza y la interpretación, y transitando en la música un universo de dembow, afrobeat, pop y dancehall, la artista catalana acaba de publicar su primer trabajo largo, autoeditado: Revelación. En él, Admire transforma la vulnerabilidad en motor creativo.

Productor autodidacta y formado vocalmente en el Coro Infantil de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, Batista es la vanguardia del urbano canario. Integrando ritmos de las islas y localismos, y fusionándolos con toda la onda urbana electrónica latina, sigue desarrollando su sonido en canciones como Dopao o Disfrazao

Aunque su lenguaje es el del folk atmosférico y electrónico y el del art pop, la artista granadina se nutre de sonidos urbanos -fraseos heredados del rap, breaks de hip hop, tresillos traperos, bajos diluidos- tanto como de las tradiciones del flamenco, la música latina o la academia y el pop de cámara en un proyecto preciosista que ha debutado en formato EP con Rosas y estrellas

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ESTOCOLMO X EL MUNDO

Ciudad elegante y melancólica, construida sobre islas. Estocolmo combina diseño, agua, historia, modernidad, naturaleza nórdica, calma sofisticada y una intensa vida cultural contemporánea. Junio es un mes suave para conocer sus largos atardeceres y celebrar el Midsommar.

FESTIS Y EVENTOS

El Midsommar es la gran celebración sueca del solsticio de verano: flores, coronas, mesas al aire libre, arenques, fresas, schnapps y bailes alrededor del “midsommarstång”. Este año cae el 19 de junio, con casi 19 horas de luz solar. Skansen es el lugar tradicional, y Rålambshovsparken ofrece un ambiente más festivo.

El parque de atracciones Gröna

Lund es escenario de conciertos y bellos atardeceres. Jack White (día 9), Shaggy (22) o Charlie Puth (30).

TEMPERATURA

JUNIO:

Max: 21°C

Min: 12°C

GUÍA PRACTICA

Comer: Patatas nuevas con eneldo, köttbullar, tartas de frutos rojos, y muchísimo “fika” al sol. Pero no dejes de pasar por el centenario Kvarnen, obligado para fans de la saga Millenium

Dormir: El Hotel Rival es propiedad de ABBA, instalado en un antiguo cine art déco de Södermalm. Para budget ajustado, el Generator Stockholm, de diseño escandinavo y cool.

El pasado naval, vikingo, no está reñido con el pensamiento contemporáneo de lugares como Färgfabriken o del mismo suburbano, donde hay 90 estaciones intervenidas con murales, esculturas y mosaicos. El grafiti aguarda en Snösätra, y el Museo ABBA es todo un must para fans de la música pop.

Consigue aquí la información que mejor se ajuste al tipo de viaje y visita que planeas en Estocolmo.

Mamma mía... Dos góndolas de cristal permiten otear la ciudad sobre la cubierta del Avicii Arena, colosal globo y hub musical junto al 3Arena

Salir: Trädgården es un club híbrido bajo un puente industrial: música electrónica, food trucks, arte, skaters, conciertos, neones y gente pasando horas al aire libre hasta el amanecer. Viva el verano.

Compras: Los textiles y diseños de Svenskt Tenn (Strandvägen 5) son una locura. Joyas góticas, las de Maria Nilsdotter. Y para revolver sin más, las tiendas de las calles Hornsgatan y Götgatan.

TACHÁN

19 al 21 DE JUNIO / MADRID

En conmemoración de los 50 años de España en libertad, una iniciativa del Gobierno de España, llega el festival de artes vivas TACHÁN. Del 19 al 21 de junio, en la Nave de Fomento del Museo del Ferrocarril de Madrid, teatro, danza, música y performance se ponen al servicio de una reflexión plural y poliédrica sobre la Democracia: sus conquistas, sus cuerpos, sus preguntas abiertas, su memoria en construcción.

1.

Miguel Rojo, Javier Hernando y Rocío Bello son Los Bárbaros, una compañía que, a través de la coreografía, el teatro o la performance, y desde lugares cotidianos, reflexiona sobre las poéticas y las políticas que nos unen. Esta misma idea plantean en Una celebración: un espectáculo que surge de las coincidencias, de las casualidades más anodinas, y que de ahí se despliega hacia lugares universales para hablar de cómo se ha configurado nuestra forma de estar en sociedad durante este medio siglo de Democracia.

2. Ben Attia

España no solo es España, es toda la gente que ha ayudado a construirla. Y esta es la idea que pretende evocar en escena Ysabel, de Ben Attia: gestada en Box Levante Centro Escénico del Estrecho (Algeciras) durante un taller con jóvenes migrantes magrebíes y subsaharianos mayores de edad -uno de los colectivos más desatendidos por las políticas de acogida-, la pieza busca activar un diálogo entre el relato histórico y la realidad actual, entre la construcción de la identidad nacional y las trayectorias migrantes que hoy la atraviesan.

Los Bárbaros

3. Rodrigo García

Fundador de La Carnicería Teatro, el dramaturgo argentino (adoptado por Madrid) Rodrigo García lleva años desarrollando un lenguaje escénico visceral, impactante y extremo que se basa en la oposición de fuerzas antagónicas y en un imaginario incómodo, cruento y bestial. Presenta Charles & Jorge Luis, un choque de trenes entre el Borges “pensador” de tertulia y todos esos monos vulgares, seres comunes darwinianos condenados a habitar y vivir la realidad.

Sigue el QR para ahondar más en la programación del festival TACHÁN y en las distintas propuestas que la componen.

El dúo andaluz Los Voluble, consolidados experimentadores entre las fronteras del flamenco y el sonido y la identidad audiovisual de Hyperdub, presentan Democracia Total. Junto a las bailarinas, creadoras y performers Laura Morales, Teresa Garzón, Paula Quintana y Juan Luis Matilla, la pieza ensaya una composición en directo sobre los cuerpos e imaginarios que han sostenido la Democracia.

Como colofón, todos los artistas implicados en TACHÁN construirán -según Marta García Miranda, periodista de artes escénicas y comisaria del festival- “una gran pieza final poliédrica y colectiva, como nuestro propio relato de país, en un festival nacido para contagiar a otros y otras de un secreto de las fiestas que, como diría Casavella -cuyos hombres-tachán, personajes de su novela El secreto de las fiestas, inspiran la propuesta-, nunca terminan. ¡Tachán!”.

4. Los Voluble 5. Un final colectivo

Desde que se asomaron a la portada de NUEBO con su debut en noviembre de 2023, a Pipiolas las sentimos un poco nuestras. Les debíamos un paso por NUEBO Talento y, cuando se lo dijimos, se vinieron de cabeza para interpretar uno de los temas de su nuevo disco: Ay,querida

UNA PRODUCCIÓN DE NUEBO & GAMÍN ESTUDIOS

DIRECCIÓN CREATIVA: PABLO BERDÚN & AXEL CASTILLO

DIRECTOR TÉCNICO TEATRO ÁLBENIZ: MIGUEL CIPRÉS

REALIZACIÓN Y MONTAJE: PABLO BERDÚN

OPERADORA DE ILUMINACIÓN: NOELIA ACIÉN

COLOR: CARLOS GRAHN

GRABACIÓN: MIGUEL SANTERVÁS

MEZCLA & MASTER: MIGUEL SANTERVÁS & PAPISOUND

FOTO FIJA: BELÉN FRANCO

DISEÑO DE CRÉDITOS: LILLIE CARPIO

NUEBO corner en UMusic Store

Estrenamos punto NUEBO en el centro de Madrid, dentro de la UMusic Store que se encuentra en los bajos del UMusic Hotel (C/ Carretas 10). Allí podrás encontrar y encontrar nuestra revista mientras buceas en las cubetas de discos y te tomas un refresco.

LA ECAM, MUCHO MÁS QUE UNA ESCUELA DE CINE

Guiando a las próximas generaciones del sector audiovisual y promoviendo actividades culturales asociadas a la industria, así es como la ECAM ha conseguido su prestigio como escuela de cine. Apoyando el talento emergente y dinamizando el oficio de hacer cine a través de acuerdos. La colaboración con instituciones y empresas del sector, y la participación en importantes festivales donde profesionales detrás de las películas comparten sus experiencias con alumnos son clave: forman parte de un modelo educativo que, curso a curso, perfecciona y complementa los estudios que cualquier estudiante de cine necesita hoy.

El ALUMNADO PROGRAMA

y gestiona sesiones cinematográficas especiales en diversos festivales. Ejemplos: ‘LIT’, en La Casa Encendida. Desde hace cinco ediciones, los alumnos plantean y trabajan en todas las fases de creación de este ciclo de cine de vanguardia. Y en el festival Documenta Madrid participan en la creación de encuentros teórico-prácticos que mezclan masterclasses y conferencias con proyecciones. El pasado mes de mayo, contaron con la presencia de cineastas como Miranda Pennel, Morgan Quaintance o Jan Soldat.

Una escuela debe aportar conocimientos completos de aquello que enseña. Si es cine, el espectro es amplio en materias. En la ECAM saben que la teoría no es suficiente, y con su programa de actividades complementarias han conseguido consolidar una apuesta que ya da resultado: generar espacios de encuentro directo entre creación, pensamiento cinematográfico e industria. Conoce cómo y dónde despliegan tu propósito, el de aprender haciendo.

FERIA DE TALENTO ECAM

El pasado mes de enero tuvo lugar la primera edición de la Feria de Talento ECAM. En estas jornadas participaron varias empresas de referencia del sector audiovisual, tales como Aluzine, Buendía Estudios, Elástica Films y Secuoya Studios. No faltaron tampoco a la cita diversas y destacadas asociaciones profesionales, como APSA, AMAE, APPA o DOCMA. El programa de esta feria se articuló en torno a talleres, charlas y actividades de networking, momentos concebidos para facilitar el intercambio directo entre estudiantes y profesionales de la industria del cine.

ENCUENTROS CON LA INDUSTRIA

Recientes encuentros con la productora Esther García o con el director artístico del Festival FID Marseille, Cyril Neyrat; con los guionistas de la serie ‘La ruta’; o los cineastas

Estíbaliz Urresola y Álvaro Gago, o con Los Javis, son oportunidades que posibilitan el contacto directo con la realidad del cine desde la ECAM. Estos talleres y acercamientos a la industria consiguen generar puentes entre alumnado, alumni y el sector audiovisual.

Además, la ECAM organiza masterclasses de primer nivel con el objetivo de divulgar y compartir la experiencia de reconocidos cineastas internacionales. Entre ellos, Walter Murch, Albert Serra, Robert McKee, Lucrecia Martel, Valia Santella y Oliver Laxe. ECAM Forum invitó en 2024 a Hélène Louvart, directora de fotografía en ‘La quimera’ o ‘Romería’, quien ofreció una masterclass inolvidable. La próxima (junio) será impartida por Milagros Mumenthaler, directora argentina de títulos como ‘La idea de un lago’ o la reciente ‘Las corrientes’.

EN FESTIVALES

La escuela tiene acuerdos con varios festivales: la Berlinale, el Festival de Cannes, el Festival de San Sebastián, Series Mania, etc. El alumnado participa en programas de desarrollo y encuentros profesionales. José Luis Martínez Puche, alumni de la Diplomatura en Producción, en Cannes: “Vuelves con muchos contactos en la agenda, experiencias y momentos únicos, con ganas de seguir haciendo proyectos, y con el corazón lleno”.

Conoce todos los programas, cursos y fechas importantes para formar parte de la comunidad ECAM

Por: Marta España / Foto: Valheria Rocha

Con ‘You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love’, Olivia Rodrigo entra en esa tradición pop donde las antiguas estrellas adolescentes transforman su identidad pública para construir un relato de madurez. Menos pop-punk noventero y más romanticismo maximalista, el disco sustituye la rabia juvenil de ‘Sour’ y ‘Guts’ por una estética pastel atravesada por el dream pop y las baladas orquestales, se declara conquistado por sonoridades británicas y apuntala la condición de la artista como reina del pop de la nueva generación.

Olivia Rodrigo es la Disney Star que las generaciones previas a su presentación con High School Musical se hubiesen merecido tener. Desde Sour, su proyecto ha funcionado como una negociación constante entre el melodrama de desquiciada de Internet y una genealogía rock muy concreta: Paramore, Avril Lavigne, Alanis Morissette o incluso el pop confesional de Taylor Swift. En ella aparece el imaginario del star system con algo de rebeldía -no tan rebelde como el Wrecking Ball de Miley, pero mucho más actualizado-. Ahora, con You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love, su tercer trabajo, Rodrigo parece estar intentando otra cosa: abandonar parcialmente la rabia como motor principal y explorar una estética sentimental

más ambigua, maximalista y romántica. Menos pop-punk y más pop, porque, en realidad, casi todos los punkis se suavizan con el paso de los años. El primer single fue drop dead, y lo interesante era que la canción funcionaba casi como un pequeño engaño semántico. El título sugería otra descarga de resentimiento adolescente en la línea de good 4 u o get him back!, pero nada de eso. Por su parte, the cure trae de la mano cierta melancolía expansiva asociada al indie dosmilero y al dream pop de los noventa. El propio título remite inevitablemente a The Cure, grupo al que Rodrigo ha citado varias veces como una influencia central y con cuyo líder, Robert Smith, llegó a compartir escenario

De teen angst a young love

La nueva era de Rodrigo es más romántica, más londinense, menos adolescente y más madura. “I’m definitely a lover girl”, le ha dicho a Vogue recientemente...

LA NUEVA GRAN POPSTAR

La gira de presentación de Guts, poca broma, se convirtió en la más exitosa de cualquier artista nacido en el siglo XXI, superando a Billie Eilish. Rodrigo lo aprovechó introduciéndose en Reino Unido, plaza habitualmente compleja para las popstars estadounidenses.

UNA POETISA EN LONDRES

“Me gustaría medio mudarme a Londres algún día”, confiesa ahora. Allí ha encontrado el ritmo pausado y un anonimato relativo que le esquivan en Los Angeles. Toda esa britishness se nota en sus últimos pasos: novio inglés, alagos a The Cure, visitas a Wimbledon o al fútbol...

TODO AL ROSA PASTEL

El rosa empolvado, los tejidos vaporosos y la estética Coppola sustituyen lo agresivo del púrpura en la era más romántica y adulta de Rodrigo. Menos poppunk, más maximalismo emocional y arreglos grandiosos. No hay que avergonzarse de estar pillada hasta las trancas.

BABYDOLL vs RIOT GRRRL

Muchos vieron infantilización, sumisión y sexualización en el vestido babydoll que Olivia vistió durante su concierto en el Grec de Barcelona. Pero las referencias apuntaban al uso subversivo de la generación riot grrrl: Courtney Love, Kathleen Hanna, Kat Bjelland...

“DEFINITIVAMENTE,

SOY

UNA CHICA ROMÁNTICA”

en Glastonbury. Aunque la canción no suene directamente a Just Like Heaven, sí recupera algo de esa sensibilidad: guitarras limpias, acumulación lenta de tensión y una forma de dramatismo romántico menos explosiva y más atmosférica. Esto es clave, y es que Sour y Guts estaban construidos alrededor de una reapropiación bastante inteligente del rock noventero con tintes de la cultura emo de los dosmiles. Eran discos donde convivían riffs pop-punk, baladas de piano gigantescas y pequeños gestos grunge convertidos en lenguaje mainstream para una generación demasiado joven como para haber vivido MTV cuando todavía emitía música.

Su nuevo disco, en cambio, se mueve hacia otro terreno, y desde los inicios lo

Narrativas de madurez

MILEY CYRUS

Bangerz / 2013

Bangerz escenifica una ruptura deliberada con la identidad Disney mediante la incorporación de códigos del hip hop mainstream de los 2010: rebeldía, sexualización y espectacularización del cuerpo. Fue un golpe en la mesa, Miley había dejado de ser una niña.

TAYLOR SWIFT

folklore / 2020

Trabajando ahora con Aaron Dessner y gente del círculo The National-Bon Iver, Swift se quitó el sambenito de ex vengativa del pop para abrazar un indie folk atmosférico y adulto, con letras más creativas inspiradas en el folclore y, sobre todo, mucho menos autorreferenciales.

BILLIE EILISH

Happier Than Ever / 2021

Billie Eilish abandona parcialmente el minimalismo siniestro de su debut para explorar estructuras cercanas al soft rock y la balada clásica. El álbum gira en torno a la sobreexposición mediática y el agotamiento emocional, y rebela la faceta baladista de la cantante.

LORDE

Solar Power / 2021

Tras la intensidad emocional de Melodrama, casi un coming of age, Lorde opta por un giro acústico y contemplativo influido por el folk y el pop sesentero -también por la terapia con microdosis de eme-, sustituyendo el dramatismo por distancia reflexiva y espiritualidad difusa.

dejaba bien claro: fuera el color morado, el rosa pastel es su nueva personalidad. Hay sintetizadores más brillantes, arreglos de cuerda muy teatrales, baterías que crecen progresivamente hasta el colapso y una producción mucho más cercana al maximalismo romántico de principios de los 2010. Por momentos recuerda al periodo en que Taylor Swift y Katy Perry competían por fabricar himnos gigantescos sobre sentimientos adolescentes como si cada ruptura fuese el final del Imperio Romano. También hay algo de Chappell Roan en esa saturación emocional deliberada, probablemente porque Dan Nigro -productor central de ambas- entiende muy bien cómo construir canciones que suenan enormes sin perder sensación diarística. Así,

mientras toda la era Guts funcionaba desde una teatralización del caos adolescente -maquillaje corrido, rabia, ironía, cotilleos de instituto americano-, la nueva estética parece mucho más suave y etérea. Babydolls polémicos, referencias a Sofia Coppola, hiperfeminidad pastel y una especie de melancolía romántica.

Claro que probablemente termine mal. Rodrigo sigue siendo demasiado buena narrando obsesiones como para entregarse al optimismo puro. Incluso drop dead, que suena eufórica durante gran parte del metraje, deja pequeñas grietas abiertas constantemente. Por ello, You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love es el disco de madurez de una artista que sigue trabajando con los códigos emocionales de la adolescencia, pero intentando expandirlos hacia algo más complejo que una dulce venganza. Aunque también hay algo de eso. Rodrigo no va a desperdiciar unas buenas guitarras distorsionadas solo por haberse enamorado.

En su epopeya europea, nada más europeo que un clásico futbolero. El FC Barcelona estrenó camisetas con su logo, en el Barça - Madrid de Liga, con Olivia presente en el Camp Nou.

YOU SEEM PRETTY BAD FOR A GIRL SO IN LOVE (GEFFEN, 2026) drop dead / track 2 / track 3 / track 4 / track 5 / track 6 / track 7 / the cure / track 9 / track 10 / track 11 / track 12 / track 13

CD / DIGITAL / LP

Producido por Dan Nigro

SKY FERREIRA

Night Time, My Time / 2013

Nigro participó en uno de los discos fundacionales del pop alternativo de la década pasada, marcado por las tensiones entre industria mainstream y sensibilidad indie. Años después, muchos de sus códigos están presentes en Lorde, Charli XCX o la propia Rodrigo.

CAROLINE POLACHEK

Pang / 2019

El productor protagoniza uno de los grandes momentos del disco con el que Caroline Polachek se emancipaba como estrella del pop digital, feérico y alternativo: So Hot You’re Hurting My Feelings. New wave y synth pop en un tema avant para la norma de Nigro.

CONAN GRAY

Kid Krow / 2020

El artista estadounidense se convirtió en sensación adolescente con un disco íntimo y confesional que mezcla bedroom pop, indie melancólico y balada generacional, centrado en la ansiedad, el aislamiento digital y la dramatización emocional propia del pop post-Tumblr.

CHAPPEL ROAN

The Rise and Fall of a Midwest Princess / 2023 Nigro desarrolla un pop maximalista influido por el glam rock, el synthpop ochentero y la teatralidad camp. El disco, pura fiebre rococó, utiliza la exageración drag como herramienta identitaria dentro del pop queer contemporáneo.

Por: Ramón Baylos

Poniendo a los Pokémon por primera vez en el centro, ajenos a la inferencia humana, ‘Pokémon Pokopia’ se ha convertido en el videojuego más animalista de la saga, una defensa explícita del ecologismo camuflada de cozy game. Revolucionando cualquier fórmula asociada a Pokémon, este spin-off planteado como gigantesco juego de gestión de asentamientos quizá sea no solo uno de los grandes juegos de 2026, sino también uno de los mejores de toda la historia de Pokémon.

De Builders a Pokopia

Koei-Tecmo y Game Freak codesarrollan Pokémon Pokopia, sucesor espiritual de un spin-off engendrado a raíz de otra queridísima franquicia japonesa.

BLOQUE A BLOQUE

Pokémon Pokopia supone la traducción de los elementos centrales del Dragon Quest: Builders lanzado en 2016 a partir de los arquetipos de Pokémon. El esqueleto de su estructura permanece intacto en ambas iteraciones, y sirve como trasvase exitoso de su diseño mecánico troncal. Infravaloradísimo en su momento, el primer Dragon Quest: Builders surgió como una respuesta tardía al abrumador éxito de Minecraft, apostando por el estilo voxel. Desde ahí, el estudio trató de establecer un puente entre estos últimos y el género de los JRPG, creándose una sinergia inesperada donde no seguíamos el camino del héroe, lo construiríamos bloque a bloque.

¡ACÓGELOS A TODOS!

Nuestra misión en Dragon Quest: Builders y Pokémon Pokopia es la misma: construir, tanto estructural como funcionalmente, un espacio que sirva para acoger a todo tipo de visitantes, en este caso Pokémon. Evoluciones, ítems clásicos, pedacitos de ese lore erigido durante décadas, habilidades y stats transformadas en herramientas de gestión y creación de hábitats… Lo esencial está ahí, pero va más allá: la magia de Pokémon Pokopia se va desplegando por capas y sirve como instrumento para observar la biodiversidad caleidoscópica de la saga desde una perspectiva pokecéntrica.

en tan solo seis semanas desde su lanzamiento sirven como dato fehaciente del demoledor triunfo de Pokémon Pokopia como estandarte de Nintendo Switch 2.

1200

130

Horas

de media para ver la mayoría de contenidos que ofrece el juego, sin contar los otros tantos cientos que dedicar a cuidar de tus Pokémon y poner más bonita tu ciudad.

300 Millones de copias

Objetos Pokémon

delimitan las posibilidades de Pokémon Pokopia en cuanto a decoración y utilidad, pasando por materiales, muebles y todo lo que se te ocurra, plagados de referencias.

dentro de la Pokédex base del juego, aunque se actualiza con nuevas entradas para convertirse en el primer juego cozy como servicio de Nintendo Switch 2.

Olimpo de spin-offs

Pokémon Pokopia entra directamente a la galería de grandes spin-offs de Nintendo y demuestra el potencial infinito de la marca de entretenimiento más importante del mundo.

POKÉMON PINBALL

En 1999, con la fiebre Pokémon recién desatada, Nintento optó por hacer portátil otro de los elementos clave de los salones arcade: el pinball. Si la jugada les había funcionado con el trasvase de conceptos de las recreativas a su consola de sobremesa, ¿por qué no hacer lo mismo con el sencillo pinball? Así nació el homónimo spin-off de Pokémon, con ese icónico cartucho que requería pila propia, presente en la Game Boy Color de todo niño crecido en los dosmiles.

POKÉMON SNAP

Pokémon Snap fue otro spin-off de Pokémon laureado tanto por crítica como por público, que se lanzó en el año 1999 y que ensalzó el término contemplación como otra virtud más de la marca. Proponiendo la loca idea de crear un safari interactivo de Pokémon, trascendía la idea de simplemente fotografiarlos para convertirse más en un simulacro de zoología fantástica sobre raíles, que nos acercaba a la naturaleza de las criaturas más allá del juego.

POKÉMON MUNDO MISTERIOSO

Lanzado en 2005, cuando la saga ya había confirmado su alta capacidad para desenvolverse en entornos jugables ajenos a la forma original de RPG de exploración y estrategia por turnos y captura y crianza de criaturas, Pokémon mundo misterioso fue el roguelike de Pokémon antes de que los roguelike volvieran a ponerse de moda. De él salieron seis entregas más y un remake, así como varios especiales animados y mangas. Casi nada...

Pokecentrismo

Los Pokémon estarían mejor sin nosotros. Todas las entregas de la saga contienen entre líneas un importante mensaje ecologista porque todas surgen de los impulsos de su creador original, Satoshi Tajiri, quien ideó aquel primer título con la esperanza de que los niños tuvieran acceso a una vivencia en vías de extinción con la entrada del nuevo milenio. Que tocaran hierba, vamos, aunque fuera de un modo virtual, porque quizá eso les inspiraría a hacerlo en el mundo real. Como apasionado cazador de insectos, Tajiri no podía soportar cómo la industrialización de Japón en los años ochenta acabó con los bosques y estanques en los que creció, así que diseñó un universo en el que poder reconectar con todo aquello desde una perspectiva muy humanista y naturalista; años después, Pokémon GO de algún modo cumplió este gran sueño gracias a la realidad aumentada. Pokémon Pokopia va un paso más allá, situando a los Pokémon en el centro y tratándolos por primera vez como un fin en sí mismo, no como medio: el juego no trata de que la humanidad haya desaparecido, sino más bien de cómo los Pokémon serían capaces de sobrevivir y progresar por sí mismos sin depender de ella. Probablemente el canto animalista más determinante que ha dado la franquicia en estos 30 años ya de historia.

POKÉMON POKOPIA

(ya disponible)

Game Freak / Omega Force (Koei-Tecmo)

Nintendo Switch 2

nino

Por: Fernando Bernal

Antes de ponerse a las órdenes de Tom Ford -sí, el diseñador más cool de la pasada década- dentro del impresionante reparto de ‘Cry to Heaven’, una adaptación del universo de la escritora Anne Rice, el canadiense Théodore Pellerin fue elegido como la “estrella en ascenso” del Festival de Cannes de 2025 y obtuvo el premio César francés al mejor actor revelación. Si buscas la clave de su éxito solo tienes que ver ‘Nino’, de Pauline Loquès, y descubrir cómo es capaz de controlar todos los registros -del optimismo al drama más dolorosotransmitiendo al mismo tiempo decisión y una irresistible fragilidad.

Definitivamente, tenemos que hablar de Canadá. En concreto, de uno de los jóvenes actores canadienses que, en muy poco tiempo, se ha convertido en una estrella emergente de esas a las que hay que tener tomada muy bien la matrícula. Desde que empezamos a caer mes a mes en tus manos te hemos hablado de nuevas actrices y actores que llegan desde Inglaterra, Irlanda, Francia o de nuestro propio país, pero ya era hora de fijarse en Canadá. Seguro que los nombres de Finn Wolfhard (Stranger Things e It), Jacob Tremblay ( Room , la voz de Luca o el videoclip del tema Lonely, de Justin Bieber & Benny Blanco) o Iman Vellani (Kamala Khan en The Marvels) ya te dicen algo. Pero ahora hay que sumar también a la nueva estrella emergente -así lo calificaron oficialmente en el pasado Festival de Cannes- que es Théodore Pellerin, el protagonista de Nino, segunda película de la directora francesa Pauline Loquès. Previamente, en su currículum figuraban ya cineastas como Xavier Dolan, el enfant terrible del cine mundial, moderno incluso entre los modernos, que le dio una de sus primeras oportunidades en Solo el fin del mundo (2016). También Eliza Hittman, con la que trabajó en Never Rarely Sometimes Always (2020), película que conmocionó la escena indie; o Alex Russell, con el que rodó Lurker (2025), uno de los filmes británicos más sorprendentes de la última década y que ya te hemos recomendado en alguna ocasión. Además, Pellerin ha participado en algunos proyectos más mainstream como la miniserie Becoming Karl Lagerfeld (2024), sobre el mítico diseñador de la casa Chanel, o Fendi, con Daniel Brülh como protagonista. También en películas que han sido un verdadero éxito en su país, como Solo (2025), de Sophie Dupuis.

Con esta trayectoria y una presencia

que le empareja con una estirpe de actores en la que figuran Josh O’Connor, Adam Driver o Enric Auquer, su consagración llegó el pasado año, cuando fue reconocido en Cannes con el Premio Foundation Louis Roeder en la Semana de la Crítica -este año ha recaído en la española Aina Clotet-, además de conseguir el premio al mejor actor revelación en los Premios César -donde Nino también fue reconocida como la mejor ópera prima del año-. Su actuación fue calificada como “memorable y llena de gracia natural”. La directora de casting del filme, Youna de Peretti, fue quien descubrió a la cineasta Pauline Loquès el talento de Pellerin, y ella enseguida encontró en él una acumulación de contrastes que le parecieron, simplemente, fascinantes. “Es sensible y fuerte, inteligente e instintivo, reservado pero generoso. Cautiva sin esfuerzo aparente, lo cual era crucial, ya que aparece en pantalla durante la hora y media completa. También me atrajo su rostro singular y su imponente físico. Quería que la vulnerabilidad de este personaje fuera completamente interna, con la enfermedad atacando un cuerpo exteriormente tan fuerte”, afirma la directora sobre su actor protagonista.

FONTAINES D.C. Y LA MÚSICA QUE

CURA EL ALMA

La relación de los irlandeses Fontaines D.C. con el cine es intensa. Andrea Arnold utilizó varios de sus temas, con especial atención a Bug, en su película Bird (2024), donde Carlos O’Connell -integrante de la banda con, por cierto, raíces españolas y nacido en Madrid-, realizaba un pequeño cameo. Más recientemente, Grian Chatten, cantante del grupo, ha sido uno de los grandes impulsores del score de Peaky Blinders: El hombre inmortal (2026), la película que sirve como provisional final de la saga familiar de gángsters de Birmingham protagonizada por Cillian Murphy. La música de Fontaines D.C. suena también en uno de los momentos determinantes de Nino, en la que también aparecen composiciones de You!, Daffodils o Foals “para capturar los estallidos de energía y vitalidad que Nino experimenta ocasionalmente” en sus derivas parisinas. “Quería que el público experimentara la ciudad de dos maneras: a veces como una amiga que reconforta y te abraza, y otras veces como una presencia insoportable. Jugamos con estos contrastes creando ambientes sonoros surrealistas en algunas escenas, mientras que amplificábamos paisajes sonoros urbanos reales en otras. Para la música que acompaña las escenas de vagabundeo recurrí al repertorio cinematográfico de un artista quebequense que admiro, Flore Laurentienne. Seleccionamos piezas suaves, algo etéreas -todas pertenecientes a su álbum 8 tableaux (2024)-, para acompañar a Nino en sus divagaciones”.

UNA PUESTA AL DÍA DE UN CLÁSICO DE AGNÈS VARDA

Nino narra cuatro días en la vida de un joven parisino a punto de cumplir 29 años. Un viernes le diagnostican una enfermedad, concretamente cáncer, y el lunes tiene que comenzar su tratamiento de urgencia. Pauline Loquès plantea en el filme su deriva por París, remitiendo directamente -y al parecer no por casualidad- a lo que la maestra Agnès Varda propuso en su película Cléo de 5 a 7 (1962), una de las piedras angulares de la Nouvelle Vague francesa. En la cinta de Varda, una joven cantante espera los resultados de unas pruebas que pueden cambiar su vida mientras trata de tomar las riendas de su pasado y de su vida; Loquès le da la vuelta enfrentando esa situación desde la vulnerabilidad masculina y desde la enfermedad, conectando pequeñas historias que nos hablan de la relación del protagonista con su madre -interpretada por Jeanne Balibar, tan imprescindible en el cine francés como la propia pionera Vardà-, con una conocida de la infancia, con su mejor amigo o con una antigua amante, que puede tener el mismo virus que le ha producido a él el cáncer.

Se trata de una mirada femenina sobre un personaje masculino, una cuestión que la propia Loquès trató de responder antes de afrontar su trabajo. “Pero luego pensé en todos los directores masculinos que han retratado a las mujeres sin mucha vacilación. Al filmar este estudio de personaje masculino, resultó que mi equipo técnico estaba compuesto principalmente por mujeres: directora de fotografía, directora de casting, editora,

directora de arte, supervisora de guion, primera ayudante de dirección y jefa de producción. Todo fluyó con naturalidad. Fueron elegidas por su talento, su ética de trabajo y su inteligencia. Así pues, Nino también es el resultado de una mirada femenina impulsada por un equipo mayoritariamente femenino”.

La cuestión es por qué centrarse en los días previos al tratamiento, en esa especie de time-out en la vida del protagonista, que, por otra parte, mantiene una actitud tranquila y optimista. “Me interesa este lapso de tiempo porque rara vez se representa. Hemos visto películas sobre la lucha contra una enfermedad, pero pocas muestran los días de espera antes de que comience el tratamiento. Me atrae la banalidad de la vida cotidiana, lo mundano, y quería profundizar en este tiempo de inactividad. Entre estos dos eventos importantes; recibir el diagnóstico de cáncer y comenzar el tratamiento. ¿Cómo puede alguien sobrellevarlo? Dado que mi proceso de escritura implicó seguirlo de cerca, me gustó la idea de experimentar casi en tiempo real con él. También es una forma de examinar el presente, ese momento que tanto nos cuesta vivir cuando estamos perdidos en arrepentimientos y proyecciones futuras. Es profundamente humano dejarse llevar por la nostalgia o los deseos futuros; es raro estar contento exactamente donde uno está. Me gusta reflexionar sobre estos conceptos”, afirma la cineasta.

En lo que realmente brilla Nino es en su manera de abordar el drama desde un punto de vista que combina la tragedia con los buenos sentimientos, convirtiéndose en un antídoto perfecto para quienes huimos de esas pelis cuyas sinopsis anuncian en primer lugar la enfermedad de su protagonista principal. “Durante el proceso de escritura pensé en transiciones de escena que pudieran arrancar una sonrisa a los espectadores. Me divertí con esto, y ayudó a darle ritmo a la película. El tono está directamente ligado a mi perspectiva de la existencia, que es a la vez divertida y trágica. En general, nunca me fío de las apariencias; busco lo absurdo dentro de la tragedia, como un programa informático que falla durante un diagnóstico médico grave, por ejemplo. Me encantan las sorpresas, los pequeños accidentes, los deslices; esa es la belleza de la realidad. Partí de su humanidad para escribir las situaciones y los diálogos”, concluye Loquès.

NINO (26 junio)

Surtsey / Francia / 2025

Dirección: Pauline Loquès

Reparto: Théodore Pellerin, William

Lebghill, Salomé Dewaels, Jeanne Balibar

Backrooms

Por: Daniela Urzola

Desde que A24 anunció el proyecto de largometraje para ‘Backrooms’, firmado por el joven creador de 20 años Kane Parsons, el mundo del internet se ha mantenido a la expectativa. Este mes se estrena, finalmente, la que promete ser una de las películas de terror del año: una ampliación visual y narrativa de este perturbador universo online convertido en fenómeno de la cultura popular.

El 7 de enero de 2022, el usuario de YouTube, Kane Pixels, publicó un cortometraje llamado The Backrooms (Found Footage). En él se observa a un joven cineasta en medio de un rodaje cuando, como por parte de magia -y siguiendo lo que en videojuegos se conoce como noclip [que no haya clipping, es decir, anular la física que nos impide atravesar las paredes o los límites fijados]- cae dentro de un espacio desconocido, aunque aparentemente reconocible. El usuario resultó ser Kane Parsons, un chico de dieciséis años que, utilizando herramientas como Blender y After Effects, se basó en una famosa imagen circulada en foros de Internet y transformó este icónico creepypasta de la era 4chan en una experiencia inmersiva de terror analógico. En una conversación con el maestro del terror contemporáneo, James Wan (Saw, Insidious, Maligno), Parsons comparte sobre el origen del proyecto en plena pandemia: “Me mantenía bastante ocupado haciendo cosas en cualquier rato libre que tenía. Era prácticamente lo único que hacía desde que terminé la primaria; se convirtió en una especie de obsesión en la que me centraba por completo”.

De ahí al estrellato. Con más de 78 millones de visualizaciones a día de hoy, y ampliando el universo a través de

más cortos que conforman una especie de webserie, el vídeo se hizo tan viral que llegó a oídas de Hollywood, llamando la atención de A24 y de cineastas como Wan y Osgood Perkins (Longlegs, Keeper). Todos ellos actúan como productores de Backrooms, ópera prima del director que adapta su propio trabajo previo sobre el tema, ampliando el universo creado por este lore online del que también han nacido videojuegos, series y más. La base de las backrooms es la estética de los espacios liminales: lugares de transición que son construidos por humanos, pero se encuentran vaciados de su presencia, generando así sentimientos de desorientación, angustia, soledad e incluso nostalgia. Algo que caracteriza a esta estética -que, a día de hoy, ha asumido muchas variantes diferentes en el mundo virtuales la sensación de estar en un lugar que parece familiar, pero no lo es del todo, porque algo en él está

Qué son las backrooms

Todo comenzó en 2019 con una foto en 4chan. En un foro dedicado a compartir “imágenes inquietantes que den mala espina”, se viralizó la imagen -originalmente de 2011- de una habitación vacía con moqueta vieja, luces brillantes de neón y el ahora tan reconocible papel pintado amarillo. Un usuario respondió a esta foto con una descripción que contaba cómo, si no tenías cuidado, podías salir (noclip) de la realidad y caer en este espacio llamado Backrooms. Este creepypasta, con los años, se viralizó hasta hacerse más popular con el corto de Parsons, y él siguió ampliando el universo a través de diversas adaptaciones, desde un capítulo en la serie antológica American Horror Stories hasta videojuegos como Escape the Backrooms y The Backrooms 1998

mal. Se trata de evocar miedos colectivos, tan ancestrales como contemporáneos -como la angustia del ser en el capitalismo tardío-, todo a través de un espacio laberíntico que tiene el potencial de albergar amenazas infinitas.

Este misterio es algo que Parsons logra mantener y transmitir en el largometraje. Desde el marketing de la película se ha buscado respetarlo, revelando muy poco: en el teaser, por ejemplo, solo se escucha una voz en off mientras la cámara va bajando por diferentes “niveles” de un mismo espacio, cada vez más deformado y abstracto. Por supuesto, en la película hay una historia y para ello se ha contado con destacados intérpretes como Chiwetel Ejiofor (12 años de esclavitud, Doctor Strange) y Renate Reinsve (La peor persona del mundo, Valor sentimental). Pero el foco se mantiene en el espacio, tanto así que para el rodaje se construyeron casi 3000 m² de backrooms físicas que siguieron

los diseños originales en Blender. Cuenta la leyenda que el espacio se sentía tan real que el equipo y el elenco se perdían frecuentemente en el set. Fue tanta la atención al detalle que también se probaron alrededor de cincuenta tipos de papel pintado para encontrar el tono adecuado de amarillo que se observa en esas oficinas vacías. Por su parte, el uso de técnicas como el found footage y los sonidos del mundo digital presentes en la banda sonora -creada por el propio Parsons junto al compositor canadiense Edo Van Breemen- amplifican el ambiente liminal. A todo ello se suma la cantidad de detalles que se pueden observar en cada una de las habitaciones, con referencias tanto a los cortos previos como a otros elementos de la estética de Internet e incluso a universos de otros directores como David Lynch y de otros artistas experimentales, como el músico The Caretaker y sus ensayos sonoros sobre la demencia. Todo ello hará que los más aficionados pasen horas intentando descifrar los easter eggs que encontrarán en el recorrido. Parsons confía en su público en ese sentido. “Mi público se va a fijar en todo. Sin duda, hay un montón de detalles y eso es genial, porque en el cine no se puede poner en pausa. Así que, durante un tiempo limitado, quizá tengas que verla un par de veces para descubrir todo lo que hay, porque hay muchísimo”. ¿Hallaremos respuesta a todo? Probablemente no, y ese es el encanto de Backrooms... y de todas las leyendas urbanas.

BACKROOMS (5 junio)

A24 / Elástica / EE UU / 2026

Dirección: Kane Parsons

Reparto: Renate Reinsve, Chiwetel Ejiofor, Mark Duplass, Finn Bennett, Lukita Maxwell

De los rincones de Internet a la cultura popular, la estética de los espacios liminales inunda el cine y la tv.

SKINAMARINK

Kyle Edward Ball / 2022

En esta película de culto con lenguaje analógico y experimental, dos niños despiertan una noche y descubren que su padre no está y que su casa ya no tiene puertas ni ventanas.

SEVERANCE

Dan Erickson / 2022

Filmada en un complejo de oficinas semiabandonado de Nueva Jersey, la exitosa serie de Apple TV+ funde los espacios liminales con la EE UU corporativa para criticar el capitalismo.

EXIT 8

Genki Kawamura / 2025

La adaptación del videojuego de Kotake Create sigue a un joven que, atrapado en un bucle en una estación de metro, debe enfrentarse a distintas anomalías que permitirán su avance.

NRM de 12 años

Disponibles en puntos de venta habituales y en www.canalocio.es www.elcorteingles.es www.fnac.es www.amazon.es

TOTAL LOOK: DAVID MOSS

EDITORA DE MODA: ALBA G.VALERO / FOTO: FFLORENCIA / PRODUCTION: MAISON MARTIN / DIT: PABLO BELAZA

MODEL: FILIPA UZAIR / AGENCY: UNO MODELS / STYLIST: JUANITA ZULUAGA / STYLITS ASSISTANT: INES TRUJILLO

MUAH: MANU REPILA / SPECIAL THANKS: AFLAME GROUP, AARON GIL LLACER

WHITE ROOM RENTAL

Entre siluetas escultóricas, archivos reinventados y una feminidad que desafía lo previsible, esta editorial explora el equilibrio entre fuerza y sofisticación. Un relato visual de la modelo Filipa Uzair donde la moda se convierte en actitud y expresión para el nuevo número de NUEBO.

SOMBRERO: PAT EQUILUX

VESTIDO: ALINEO STUDIO / ZAPATOS: MARINA RINALDI

ZAPATOS: PAT EQUILUX

TOP: COURREGÈS / FALDA: GUCCI

SHOES: LOEWE ARCHIVE ANTONIO VELASCO

FALDA: DAVID MOSS / BLAZER: TAMARA PRESS / ZAPATOS: HUNE

CAZADORA: PAT EQUILUX / FALDA: PRADA

TOTAL LOOK: PAT EQUILUX / ZAPATOS: HUNE

TOP: PAT EQUILUX

BOTAS: JOHN GALLIANO ARCHIVE ANTONIO VELASCO

CORSET, TOP Y FALDA: MAISON MOONSIEUR / ZAPATOS: HUNE

SEXO ES UNA DE LAS COSAS MÁS BELLAS Y PROFUNDAS DEL MUNDO”

al estrellato mundial porque es quizá, después de todo, uno de los ámbitos en los que mejor se maneja. Esto, a priori, puede ser también contradictorio, pero así es Bad Bunny: un tipo duro pero sensible, un rompecorazones pero también un romántico, y un tipo sexualmente explícito, pero con alma de poeta. “El sexo es una de las cosas más bellas y profundas del mundo”, le dijo en 2023 a Vanity Fair, y lo cierto es que pocos artistas saben ponerse tan poéticos y viscerales cuando se trata de chingar. Él mismo ha sido víctima de sus contradicciones a menudo. La intensificación de su discurso local sigue a un backlash personal tras un disco -Nadie sabe lo que va a pasar mañana- diseñado para afianzar el éxito conseguido en territorio comanche. “Pasé un tiempo viviendo en Los Angeles. Fue en la época de Coachella [y de su relación con la supermodelo del clan Kardashian Kendall Jenner]. Estaba rodando Bala perdida, Terminagolf 2... Nunca había estado tanto tiempo tan lejos de Puerto Rico, y eso me llevó a conectar con mis orígenes, con todo lo que soy como puertorriqueño. Soy Hollywood, pero también soy Puerto Rico. También soy el barrio”, reconoce. Sus últimas apariciones vestido de Zara -marca “democrática”, pero marca, al fin y al cabo-, con quienes acaba de lanzar una colección, o la decisión de dar el show de la Super Bowl cuando había garantizado que no daría conciertos en EE UU debido a la violencia estatal y las deportaciones masivas de latinos, cosa que no ha hecho sino recrudecerse desde la formación del ICE, se suman a la lista de contradicciones.

Con todo, Benito es de los pocos que siempre tratan de poner el foco en lo humano, y lo cierto es que la mayoría de sus símbolos son personas corrientes y no ídolos materiales ni becerros de oro -aunque los haya-. Madres y padres que sacan a sus hijos adelante, bomberos que se juegan sus vidas por rescatar las de otros de las garras de la catástrofe, panaderos que madrugan y que ven cómo sus negocios cada vez lo tienen más difícil para cuadrar las cuentas, camareros que sirven con una sonrisa, niños con derecho a jugar, chicas con derecho a vivir como quieran vivir y a salir como quieran salir.

Foto: Christian Bertrand

1/2 página - Nuebo - 215 x 150 + 5 mm NOCHE DE BODAS 2 - 06-2026

Acaba de dar en Madrid el pistoletazo de salida a su nueva gira, ‘Pilares’, con la que la cantora argentina sintetiza los aprendizajes de sus dos primeros álbumes en solitario -‘Claroscuro (2021) y ‘Anónimo’ (2025)-. Partiendo del folk, Aguirre se encamina cada vez más hacia territorios donde los paisajes ambient, las melodías drone y la experimentación vocal son las protagonistas. Hablamos con ella.

Por: Raúl Valdivia

Foto: Victoria del Sel

“MI

FORMA

DE RELACIONARME

CON LA MÚSICA NACE DE NO ENTENDER MUY BIEN QUÉ ESTOY HACIENDO”

Decía el cantautor Argentino Facundo Cabral que “el cantante canta porque puede, pero que el cantor lo hace porque debe”. Cita que, en el contexto actual, en el que el retorno de las raíces folclóricas al mainstream es cada vez más obvio, cobra más sentido que nunca y es donde los “cantores” de verdad se hacen notar más. Juana Aguirre encaja a la perfección en esta definición de cantora argentina. Ella comenta que es imposible huir de las tradiciones de la música latinoamericana y de sus letristas: “Encuentro que son voces urgentes, que necesitan cantar. Eso es lo que me gusta del folclore de mi país y de otros países también: Mercedes Sosa, Chavela Vargas, Violeta Parra, Atahualpa Yupanqui... todos cantan por necesidad”. La última mencionada fue la figura que inspiró el nombre de su último álbum, Anónimo (2025), que recientemente ha presentado en España.

“Atahualpa contaba que un día en Madrid escuchó a un chico tocando Los ejes de mi carreta en la calle y le preguntó que dónde había aprendido esa canción. El chico le dijo: ‘Esta canción es de aquí, me la enseñó mi papá’. Antes las canciones no eran de nadie”. Es en esa intención de despersonalizar la canción y de dejar a la música hablar por sí sola de donde nace un disco que ya ha cumplido el año, pero que Aguirre sigue sintiendo fresco. “Me gusta mucho Anónimo y lo siento super vigente. Con mi primer disco, Claroscuro, me pasó que necesité un tiempo para volver a escucharlo con distancia. Hay una parte de cansancio en el proceso que, una vez que se materializa, acabas abandonando un poco, pero este último sigue siendo actual para mí”.

La cantante venía de ser la vocalista de Churupaca, un grupo con raíces más arraigadas en el folk y el rock, y aquel debut por su cuenta marcó una transición importante. “Estaba aterrada de lanzarme en solitario. Encima me costó mucho recuperarme de la pandemia. Vivía dentro de un parque nacional y cuando la vida volvió a la normalidad y regresé a Buenos Aires, me abrumó la intensidad de la ciudad”. Fue después de que la invitaran a un festival en Eslovenia que ese miedo desapareció. “Cuando terminé el disco no sabía si lo quería tocar en vivo o no, porque no sabía cómo iba a hacerlo. Entonces recuerdo que me llegó un mensaje de un promotor de Eslovenia que me quería invitar a su festival y yo dije: ‘Ya está, esto es una señal’. Fue

ahí donde empecé de verdad a armar mi banda”, cuenta.

Cuando Anónimo llegó en 2025, cuatro años después, la artista no lo sintió como un proyecto completamente aislado, sino como algo que expandía su universo creativo, y por eso en su nueva gira, Pilares, traza las conexiones. “Veo un montón de links entre un disco y el otro y eso también pasa cuando construyes un álbum, que una canción y la otra se van hablando entre sí”. Esa parte del proceso compartido entre ambas obras converge en la mayoría de sus partes en el minimalismo. Temas que en sus partes más electrónicas recuerdan al Bon Iver de 22, a Million y en sus partes más clásicas a la Mabe Fratti de Pies sobre la tierra o Vidrio “A veces se convierte en algo muy barroco porque se solapan los géneros, pero la versión que más me gusta de mí es la minimalista. Cuando necesito menos. Cuando lo que está se sostiene solo con pocos elementos”.

La argentina añade que todo su proceso creativo “es muy intuitivo”. “No sé mucho de armonía ni tampoco sé nombrar los acordes en la guitarra, pero porque hay algo en mi forma de relacionarme con la música que viene de ese lugar: de no entender muy bien qué estoy haciendo. Cuando encuentro algo que me gusta, sé que está bien. Para mí es como que la creatividad y la razón viven un poquito en casas separadas”, confiesa. “Cuando estoy de gira, muchas veces desafino la guitarra antes de subirme al avión y después, cuando aterrizo, la agarro y veo qué afinación tiene”.

Este ensayo constante que tiene también un componente de investigación y de juego se traduce en una infinidad de aproximaciones, desde loopear cintas, coquetear con el ambient o distorsionar los ritmos rotos y metálicos de su drum machine. “Todas las canciones son distintas; otras veces me pasa que se me aparece algo que me da mucha emoción, que entiendo, que puedo percibir de dónde viene y le puedo poner un mundo alrededor de eso”. No hay que ponerle puertas al campo, pero quizá si aprender a localizar los límites. “Hay algunos temas que surgen súper rápido y los produzco y grabo y siento que ya están. Después hay otros mucho más difíciles de aterrizar, como En la noche, que hice como cinco versiones distintas hasta que elegí una. Tienes que aprender cuando parar con eso. Si el proceso se alarga mucho, después viene el desencanto y no está bueno llegar hasta ese punto”.

L O R ENTE

MANUELA

A partir del 20 de junio, la fotógrafa madrileña se convertirá en una de las grandes protagonistas de PHE 2026 con su exposición ‘¿Es usted quien creo que es?’, un proyecto fotógrafico compuesto por seis historias que surgen en los entresijos de las calles de Madrid, y que -como todo en la obra de Lorente- ofrecen una dramatización surrealista, rococó, kitsch e irresistible de la realidad urbana cotidiana. Hablamos con ella, y le dedicamos nuestra galería, para mostrar un trabajo que recupera lo castizo, la picaresca o el sainete para, desde el humor y la ironía, fantasear con lo mágico del día a día.

Manuela Lorente es callejera como lo fue Eloy de la Iglesia. Consciente de que la mejor ficción se oculta detrás de una mirada inesperada a la realidad, cámara en mano, Lorente se patea Madrid por sus costuras. Da testigo, imperioso flash bañando rostros o restos mediante, del genoma de la capital. Atended que no he dicho esa cursilada del ADN -que viene a ser lo mismo, pero queda más chachi lo mío- por nada. No casa lo manido con Manuela. Y no iba yo a casar mis palabras con la sobada tautología que se aplica a la fotografía costumbrista. Lo de esta biógrafa visual está gratamente desparasitado de la pringosa pátina victimista. Ese dogma lanzado desde la atalaya de la superioridad. Una corrupción a la que nos tienen acostumbrados quienes retratan los glamures de la mundanidad como si fueran de safari. Fardando de visitar un zoológico humano de cemento. No diré nombres. Soy un caballero. Al menos cuando escribo. Los especímenes de adoquín a los que la madrileña roba el alma no son para ella fulanos extraños. Y menos aún exóticos. “Los personajes de mis fotografías muchas veces están posando, hay un consentimiento implícito, aunque es verdad que no han firmado nada”, confiesa la fotógrafa frente a un doble de cerveza en la Glorieta de Álvarez de Castro, en Madrid. “Siempre existe el riesgo de que alguien se vea y no le haga gracia. Tal y como está la gente de irascible hoy con la intimidad, es un riesgo que corremos todos los fotógrafos callejeros”. Lorente, sin embargo, asume no vivir con miedo. “Si llega ese río, ya lo cruzaré”. En el mundillo de la imagen sobran los mongólicos fotógrafos, hipersensibilizados instagra-

“SOY

mers, super, super comprometidos con el drama ajeno... pero solo si este les permite medrar en la escala social. En el mercadillo de la bondad. Manuela no destaca, en momento alguno, un compromiso prefabricado, pocho y plastiquero. Solo -y qué fresco y gratificante resulta oírlo- una pasión por dejarse llevar. “La excusa siempre es salir a la calle, porque me apasiona la fotografía documental”, apunta. “Soy muy curiosa y, como fotógrafa, admito que soy cotilla. Si veo una puerta abierta, me meto; considero que siempre es mejor pedir perdón que pedir permiso”. La estrategia narrativa de sus imágenes pendula entre la verdad y la fantasía que edifica a su alrededor. “Las historias me nacen de pronto. Una vez vi cómo arreglaban un portal y, entre el polvo, apareció una señora que era idéntica a Gloria Swanson en El crepúsculo de los dioses”, recuerda. “A raíz de ahí, me inventé la historia de una actriz del destape en decadencia. Busco esos personajes singulares y genuinos”.

Si veis alguno de los molones libros de Lorente, comprobaréis que al lado de las fotos hay un texto. Un relato. Un guion. “Funcionan un poco como las cartelas del cine mudo, ajenas a la fotografía. Algunas hablan de la imagen siguiente y otras dan información adicional. Es un rompecabezas un poco loco. A veces no tienen sentido, pero es que estoy hasta las pelotas de que todo tenga que tener un porqué absoluto”. Ay, Manuela, ¡cuánta verdad en tan pocas y malsonantes palabras! Sin embargo, Lorente no es un Juan Palomo. Ella guisa, sí, pero se lo come a medias con un socio. “Es verdad que soy muy fantasiosa, me invento historias, pero el

Nacida en Madrid en 1991, Manuela Lorente se formó como arquitecta y terminó pasándose a la fotografía. Como freelance, colabora con varios medios, instituciones y marcas, y también se dedica a la docencia. Ha publicado algunos libros recopilando su trabajo, que además ha expuesto en galerías nacionales e internacionales.

que escribe los textos bien se llama Pedro Colao León. Lo que yo hago es mandarle, literalmente, el esqueleto o la columna vertebral de los personajes, o cosas anecdóticas que se me van ocurriendo sobre sus vivencias”. Los protagonistas de Lorente viven en la fantasía del discurso. Como decía, nacen en cuerpo con un flash, y proyectan una historia de lo más marciana una vez reveladas las sutilezas de la fotografía. Así, el primo de Manuela se convierte en El Langosta, talentoso asalta carros y amante de La Mantis, chunga cómplice de su novio cuando, en realidad, se trata de una anónima trapera con tatuajes salpicados en el rostro con la que la fotógrafa se cruzó al salir del metro. Especial mención a El Patera, líder gitano, cabecilla patriarcal de la raza en la fotografía de Manuela. Un capo feroz que, en la trastienda, es decir, en la vida real, resulta ser pareja de la artista. Y no, de Príncipe de la etnia tiene poco. Pero si hay algo que identifica la obra de Lorente, es ese flashaco ya varias veces mentado. “Para mí fue como un acelerador de partículas. El flash te da una visión surrealista con la que tú no ves la realidad ordinaria. Te ayuda a generar ficción, homogeneiza el trabajo y tiene un factor sorpresa”. Hay realidades que viven mejor paridas desde la teatralidad. Son las sabrosas dualidades de la fotografía moderna. Aun presuponiendo su rapto del instante, una encarnación de la verdad fácilmente puede nacer de la mentira. Y en la mentira, disfrutarse. Y desde la mentira, ser narrada. ¡Falso, falso, falso y... jódete, genial! Prueba de ello son sus maravillosos títulos. “Vienen de películas, libros o series como Los Soprano, de la que soy muy fanática”. Manuela se refiere aquí a su trabajo Él pone la música y notros bailamos. Un título -y unas fotos, vaya- que no me costaría ver en el próximo disco de Mala Gestión. Hay mucha “noche de casino” en ese proyecto de Lorente. Oh, y su anterior obra, ¿Y a esta rata quién la mata?, sin duda encajaría con otro tema. Uno llamado, pongamos, Tardes de albañil. “¿Y a esta rata quién la mata? es una frase que se dice mogollón en mi casa y le venía al pelo a la historia de los obreros del Vicente Calderón. Al final, me armo un Frankenstein con frases que me gustan del cine, de mi cotidianidad o de la música”, asegura. “A mí, me apasionan cosas como Se vende un tranvía, un cortometraje con guion de Berlanga y Azcona que iba justo de eso: los típicos pícaros que urden un plan colosal, esperpéntico y absurdo en un bar”. A Manuela, si algo dice seducirla, es esa comedia, subyacente y castiza, que puebla el imaginario patrio como el gusto por la tortilla de patata. “Yo disfruto mucho de eso, igual que disfruto leyendo literatura costumbrista de otros tiempos. Sonia Berger (editora) me dijo hace poco que mis fotos le recordaban a los Sainetes de Carlos Arniches. Me enamoré de esa jerga tan coloquial y popular de los madrileños. Captar eso sin que quede impostado es un auténtico don”. Un talento que desprenden sus fotos. Lorente, como arquitecta, también se deja atrapar por los edificios y sus recovecos. En su obra es habitual ver esquinas de portales desde ángulos desmayados, o casas que, quizás, oculten alguna picaresca. Como Los crímenes de Torres Blancas o ¡Qué risa, todas lloran!, un trabajo nacido de la claustrofobia pandémica. “Es un proyecto más distinto porque nació en pleno confinamiento. Se acabó el salir a la calle y me pilló viviendo con mi madre. Hice lo contrario a mi método habitual: en vez de armar una historia a partir de fotos encontradas, me inventé los personajes, los caractericé y luego disparé. En ese proyecto me descojono directamente de todos mis miedos, de mis fobias y hasta de mi madre”. Y es que no hay como probar y espabilar y no darse tanto mal con los hábitos y costumbres para darse cuenta de que, en el fondo, somos capaces de mucho más de lo que creemos. “A mí, me ayuda enormemente salir a pasear con la perra y charlar con cualquiera, por ejemplo, con el portero del edificio de enfrente. A lo mejor no tengo el mejor día, pero me paro a hablar con él y la conversación me cambia el ánimo. El poder de la conversación va por encima de la fotografía y de todo. Y por desgracia se está perdiendo”.

Por: José de Monfort

Meg Lowman

Meg Lowman, Dosel

Meg, es una bióloga de campo estadounidense que lleva más de cuatro décadas descubriéndonos las copas de los árboles, una investigación que nos ha ayudado a entender mejor los bosques y a descubrir muchísimas especies que estaban sin catalogar. La mujer que decidió subirse por las ramas pasa revista a su vida, a su trabajo y a su gran obra en ‘El arbonauta’, su apasionante autobiografía.

Hay una anécdota que servirá para ejemplificar la bravura y pasión por la naturaleza, y en particular por los árboles, de la bióloga estadounidense Meg Lowman, también conocida como Dosel Meg, y que sucedió en su tierna infancia. La joven Meg, a partir de sus clases semanales de piano, inventó una melodía llamada Hoffman Air, que fue interpretada por la orquesta del colegio y de la que salió una noticia en un periódico local. Ello provocó que un loco llamara un día a su madre asegurándole que la tenía atada de pies y manos en el asiento trasero de su coche. Fue una amenaza que, afortunadamente, nunca se cumplió, pero provocó una fuerte ansiedad en la madre de Meg y un escalofrío en la propia niña, entonces en quinto de primaria. Sin embargo, y a pesar de pasar un tiempo retirada en su cuarto-laboratorio, donde se dedicaba a observar sus flores secas, y viviendo en un miedo constante, esto no la amilanó para, llegada la universidad, comenzar a explorar el mundo y desarrollarse su carrera como bióloga de campo. Todo eso lo cuenta en La arbonauta (Galaxia Gutenberg), una suerte de memorias donde nos habla no solo de su descubrimiento del así conocido como “octavo continente” -los doseles de los árboles-, disciplina de la que es pionera, sino sobre la dificultad de abrirse camino en una profesión predominantemente masculina, sin mentoras mujeres y, además, tratando de inventar de manera rudimentaria nuevas formas de observación de un mundo hasta entonces desconocido. Sucedió que, estando Meg Lowman en Australia como estudiante de posgrado -luego se quedaría once años allí-, se dio cuenta de que no podía observar las hojas de las copas de los árboles. Así que

tuvo que tirar de ingenio: construyó un improvisado tirachinas con el que lanzaba un sedal y el plomo de pesca hacia arriba, contra una robusta rama a unos treinta metros de altura. Su rudimentario método para aparejar árboles consistía en deslizar una cuerda de nailon tras haber lanzado el sedal y después pasar la cuerda más pesada de la escalada -de 12,7 milímetros-. Con el arnés y los estribos enganchaba los puños de elevación a la cuerda, se sentaba en cuclillas, inclinada hacia atrás, comenzaba a deslizar los puños y… ¡alehop!

Así comenzó su exploración con los bosques pluviales australianos, cuyas copas se extendían de los quince a los sesenta metros de altura. De su observación nació el plan para su tesis doctoral: observar cómo brotaban, crecían y morían las hojas. Con el fin de poder acceder a las copas más altas, y gracias a la financiación de la Universidad de Sídney, se marcha a Nueva Zelanda a practicar espeleología y, poco a poco, va mejorando su equipo, convirtiéndose en la primera persona en medir la herbivoría de árboles completos, considerando la variación temporal y espacial. Con ello, sus métodos de campo con cuerdas y arneses ayudaron a inaugurar la exploración de las copas de los árboles y los doseles ar-

“CUANDO LA GENTE VIVE LA EXPERIENCIA DEL DOSEL, SE DAN CUENTA DE SU MAGIA”

bóreos. Sobre su método de exploración, cuenta Meg que “se convirtieron en el punto caliente de la investigación tropical en los años ochenta y noventa, y esa tendencia se extendió desde Australia a muchos otros países tropicales”. A resultas de ello, la misma Meg se ocupó personalmente de entrenar a muchos estudiantes en dicha técnica. Además, partiendo de estas formas de observación, Lowman continuó utilizando zepelines y, finalmente, construyendo pasarelas fijas entre los árboles. Existen varias por el mundo gracias a ella. Una de ellas está en Barcelona: se trata de FLORA (Forest Lab for Observational Research and Analysis), una estructura de madera maciza emplazada en Valldaura, en la sede del IAAC (Instituto de Arquitectura Avanzada de Cataluña), en el Parque Natural de Collsera. Con más de 8,5 metros de altura, el proyecto se construyó con pinos procedentes del bosque del entorno, y el pasado 14 de mayo fue visitado por la propia Meg Lowman en su visita a España. “Ya tengo una nueva mejor amiga en Barcelona”, dijo.

En su libro, El arbonauta, cuenta Meg las múltiples trabas burocráticas que ha tenido que sufrir durante su larga carrera. Fruto de esa frustración es la creación de su fundación, TREE Foundation, en 1999, junto a Mike Pender y Bob Richardson, en Sarasota (Florida), de la que nos dice que “cada dólar se invierte en salvar los bosques, no en bienes inmuebles corporativos ni en gastos estructurales”. El mismo libro es también fruto de su voluntad por “compartir la historia de una vida dedicada a la investigación, el descubrimiento y la exploración de las maravillas de los árboles”. Y es que, como manifestó durante su visita a España, para Lowman es mucho más importante concienciar a los jóvenes y a los agentes locales sobre la necesidad de cuidar la naturaleza que no la publicación misma de manuales técnicos sobre su estado de conservación.

hallaban ante un dilema: el Gobierno de Samoa Occidental obligaba a las poblaciones a construir escuelas de cemento, porque las construcciones con techos de palma no soportaban los frecuentes monzones y no tenían dinero -cada escuela costaba más de cincuenta mil dólares-. Meg, junto a dos ingenieros, visitó la isla y les propuso abrirse al ecoturismo, invitándoles a construir una plataforma que rodea la higuera más grande de la isla y conecta con un puente que se extiende hasta la escuela local. En dos años consiguieron el dinero para pagar la escuela, manteniendo el bosque y sin tener que recurrir a la industria maderera, con lo que consiguieron salvar el bosque. En agradecimiento, a Lowman la nombraron “Mati”, que significa “higuera”.

Preguntada por su árbol favorito, dice Lowman que es la higuera. Y, de hecho, una de sus pasarelas favoritas del mundo es la que atraviesa una higuera en el municipio de Falealupo, en la isla de Savai’i, en Samoa. La visitó en 1994 y evidencia también mucho de su propósito vital: los jefes de las dieciséis tribus del lugar se

Los doseles son importantísimos porque su desaparición implica que el follaje ya no limpie y haga circular el agua dulce. Eso incide también en la erosión del suelo, cuyas partículas acaban en los canales fluviales por culpa, también, de la pérdida de las raíces arbóreas. Por no hablar del hecho de que más de la mitad de la biodiversidad terrestre se quedaría sin lugar donde vivir. Perdemos nuestros mayores almacenes de carbono y, además, el techo arbóreo nos da sombra, nos refresca y nos protege. No podemos olvidar que cada año se talan mil quinientos millones de árboles. En este contexto, son importantísimas las pasarelas de dosel, explica Meg Lowman, porque “cuando la gente vive la experiencia del dosel, se dan cuenta de su gran complejidad y de su magia, y están más motivados para protegerlo”.

LA ARBONAUTA (ya en librerías)

Mewg Lowman

Galaxia Gutenberg

480 págs. / Autobiografía

JANE BARDOT

Por: Alba G. Valero

Jane Bardot nació de un viaje cancelado, pero convirtió la incertidumbre en un universo creativo donde lo inesperado manda. María y Diego han construido una marca que mezcla joyería, moda y objetos cotidianos desde una mirada rebelde, alejada de la inmediatez y obsesionada con la autenticidad. Cinco años después, sus piezas han llegado a pasarelas, colaboraciones y nuevas colecciones de ropa sin perder la esencia intuitiva y emocional con la que empezó todo.

La firma fundada por María y Diego se mueve entre la joyería, la moda y el objeto como quien construye un imaginario intuitivo y deliberadamente inesperado. Desde una mirada artística que desafía la velocidad y la homogeneidad de la industria, la marca ha convertido la creatividad en una forma de resistencia. Hablamos con ellos sobre ADN, procesos creativos y esta nueva etapa donde la ropa amplía -todavía más- el universo Jane Bardot.

¿Cómo nace Jane Bardot y cuándo sen tisteis que podía convertirse en una marca con identidad propia?

Jane Bardot nació de un cambio de planes radical. Había decidido cerrar el es tudio de diseño que llevaba diez años dirigiendo para empezar una nueva vida en Los Angeles. Tenía el viaje preparado, las maletas hechas y muchas expectativas puestas en esa aventura, pero una semana antes llegó la pandemia y todo se canceló. De repente me encontré preguntándome: “¿Y ahora qué hago?”. Ahí empezó realmente Jane Bardot. Fue un comienzo desde cero, inesperado, pero también una oportunidad para reinventarme y crear algo propio.

Barcelona o Riga y las han llevado perfiles como Marina Rivers, L0rna o Inés Hernand. Además, hemos trabajado con marcas como Levi’s, Cupra o Zalando. Este año, por ejemplo, Jane Bardot ya ha tenido espacio propio en los showrooms de la MBFW y la 080, algo que sentimos como un paso importante.

Jane Bardot nació desde la joyería. ¿Cómo surge el salto hacia la ropa?

El nombre de la marca tiene mucha fuerza estética y narrativa. ¿Qué hay detrás de “Jane Bardot”?

El nombre surge de unir el nombre de una diva con el apellido de otra: Jane Birkin y Brigitte Bardot. Dos mujeres icónicas, referentes tanto en la moda como en la música, con una personalidad muy marcada y una estética muy libre. Me divertía imaginar qué habría pasado si hubieran sido pareja, y de esa fantasía nació Jane Bardot.

María, vienes del mundo de las Bellas Artes y el diseño. ¿Cómo influye esa mirada artística en la creación de las

Mi formación artística condiciona totalmente mi forma de crear. Creo que vivimos un momento donde la inmediatez pesa demasiado y muchas veces se cae en repetir fórmulas que ya existen, inspiradas por redes sociales o tendencias pasajeras. Para mí la creatividad debería aspirar siempre a buscar algo auténtico, aunque no siempre salga perfecto. En Jane Bardot intentamos mantener una actitud rebelde frente a eso. Las joyas y la ropa no son solo objetos estéticos; son una forma de expresión. Cada pieza funciona como un pequeño lienzo desde el que contar algo, provocar o jugar con nuevas ideas. Ese desafío constante es lo que más me motiva.

¿Cómo ha evolucionado vuestra visión de la moda y el diseño desde que empezasteis?

Han sido años de muchísimo aprendizaje. Cuando empezamos no sabíamos hacer shootings ni fotografía de producto, ni cómo funcionaba una pop-up. Hemos cometido muchos errores, pero precisamente eso nos ha ayudado a entender qué queremos construir como marca. También hemos tenido la suerte de colaborar con diseñadores como Guillermo Décimo, Reparto Studio o Acromatyx. Nuestras piezas han desfilado en ciudades como Madrid,

De alguna manera, la moda siempre estuvo presen te en mi vida. Mi madre es modista y crecí rodeada de telas, patrones y costura. Además, siempre he intervenido prendas, diseñado tidos para ocasiones especiales o creando accesorios para mí misma. El salto a la ropa llegó de forma muy natural. Empe cé diseñando piezas personales y poco a poco entendí que quería compartir también ese universo con los demás. Recuerdo especialmente un ves tido que hice para la boda de unos amigos; aquello parecía más un desfile que una boda convencional, y aproveché para crear algo comple tamente surrealista y festivo. Ahí confirmé que quería llevar esa creatividad también a una colección.

¿Qué os inspiró para esta primera colección?

La colección se llama Mercería y resume perfectamente el universo que queríamos explorar. Nos inspiramos en la tela de faja, la corsetería, los cajones de nuestras madres y abuelas, las tiendas de barrio y la tradición lencera española. Nos interesa rescatar todo aquello que históricamente ha permanecido en lo íntimo y llevarlo al exterior. La ropa interior vintage, los corpiños o los detalles de corsetería dejan de esconderse para convertirse en protagonistas. Nos gusta jugar con esa idea de que lo íntimo también puede ser social y visible.

¿Qué objeto cotidiano convertiríais hoy en joya o accesorio?

Últimamente estamos trabajando mucho alrededor de la lencería aplicada a los accesorios. Acabamos de presentar bolsos intervenidos con elementos de corsetería, como un baguette con liguero o el Wonderbag, un bolso con sujetador incorporado. Los presentamos en la MBFW y tuvieron una acogida increíble, tanto en Madrid como en Barcelona. Nos interesa sacar la corsetería del cajón y reinterpretarla desde un lugar divertido, inesperado y contemporáneo.

¿Qué parte del proceso creativo es la que disfrutáis más?

María Blanco, formada en Bellas Artes y diseño, y Diego Rivera, especializado en marketing y comunicación, son los fundadores de Jane

Ese instante espontáneo en el que surge una idea. Puede pasar tomando una cerveza, paseando o viendo una serie, y de repente uno dice: “¿Y si hacemos esto?”. Ese momento es siempre emocionante. La creatividad forma parte de nuestra vida cotidiana, no solo del trabajo en el estudio. Vivimos constantemente imaginando nuevas piezas, conceptos o combinaciones, y creo que esa curiosidad permanente es lo que mantiene viva la esencia de Jane Bardot.

Bardot. Juntos han desarrollado la marca desde 2019.

QUE HISTÓRICAMENTE HA PERMANECIDO

Cinco coleguitas de Valencia que se han pasado el juego musical sin pensárselo demasiado y casi a la primera, apropiándose de un concepto antes trabajado por Los Chivatos: el ñunk. Mezclando pop, rock, punk, lo rural con lo urbano, el costumbrismo cañí con el día a día en Malasaña, el grupo canta a gritos contra los jefes calvos, el postureo político y la gentrificación. Sin dejar, ojo, de pasárselo de puta madre, que para eso han agarrado los instrumentos. En su último álbum, ‘Hacemos lo que podemos’, te clavan una sátira tan fina y gamberra que lo mismo te hacen bailar que te lían un pifostio mental si te pones a darle una vuelta. Haz lo que puedas, como ellos.

Por: Galo Abrain

Fotos: Lluís Martí Llopis

No veas lo bien que se lo pasan estos cabroncetes. Dan envidia. Y uno siente vergüenza propia por desear ser ellos. Se toman la vida como se toman la música: a despreocupada coña. A gozadora chanza. A honesta y genuina ironía. Nótese que digo genuina, más que por lo genial -que también-, por lo auténtico y legítimo. Gamberrez de corazón. Mala Gestión es esa sátira que hiere y se revela seria, porque mete el dedo en la llaga, revolviéndolo entre maléficas carcajadas. ¡JUA! ¡JUA! ¡JUA! Bilis contra la masificación, la hostilización de las ciudades, el poder cretino, el casposismo crápula ludópata o los clichés del indie. Todo PEC (Por El Culo), que en jerga juvenil es hoy un halago. Sentadicos en un banco detrás del Museo Reina Sofía, a la manera de los sacros botellones que es ese bello lugar del que venimos, donde fuimos felices y al que volver siempre es un riesgo, la banda al completo responde cariñosa, desacomplejada y, a bien educados turnos, a todo lo que se les tira. Para empezar, dicen los brillantes majaretas que lo suyo es ñunk. No rock, no pop, no punk. Ñunk. “Es un concepto, una cosa que nos inventamos para explicar qué estilo hacemos y tener la libertad de hacer lo que nos dé la gana”, asegura Pablo Prats (bajo). No obstante, el término ya se lo habían calzado otros: Los Chivatos. “Es pura casualidad”, apuntilla Prats. “Es como el descubrimiento de la rueda, que se dio en diversos sitios del mundo al mismo tiempo”. Y cuando algo igual nace en lugares diferentes, será porque la raza lo requiere.

“ENTRAMOS

EN TODAS LAS CIUDADES CON EL ‘TORNADO OF SOULS’ A TODO TRAPO”

Aunque cada cual es de su padre y de su madre en lo que a CV se refiere -hay en la banda un filólogo, dos técnicos de sonido, uno de ADE y hasta un ingeniero bioquímico-, todos comparten algo: “Ser amigos”, asegura con voz parsimoniosa Elías MacCabe (voces). “Somos colegas de toda la vida. Nos unen la amistad, la música y nuestro sentido del humor. Pero, sobre todo, ser amigos. Hacer amigos. Querer amigos”. Y, por muy guion de los Teletubbies que suene, anda que no lo están consiguiendo. Los valencianos se han pasado el juego en las primeras partidas. Y no tienen fórmula. Ni saben muy bien cómo, que es la prueba fehaciente del talento. De hacer, en el momento justo y en el lugar adecuado, lo que demanda el clima. Que sí, que lo que tú digas. Que no son Satriani. Ni Rosalía. Pero suenan frescos cual alcachofa. “La clave”, insiste MacCabe, “es pasarlo bien. Siempre pasarlo bien. Si no disfrutas esto con tus amigos y tus amigas, no tiene sentido. Ese es el único secreto”. Revelada la cuadratura del círculo, apunten la fórmula los aspirantes. Otra cosa que conviene compartir son gustos musicales. O, como mínimo, estar dispuestos a oír los de tus camaradas. Mala Gestión se dice fan de Cora Yako o Green Day y, aunque para Pablo Prats los

sacrosantos Viagra Boys están ahí, no toda la banda coincide. En lo que sí corean al unísono es en su devoción por Extremo- duro. “Es una referencia que no solemos decir mucho, pero nos ha marcado desde el principio”, sentencia, con una embria- gadora sonrisa cargada de un buen humor que en él parece genético, Guillermo Llop (guitarra). “Es lo que nos hizo querer seguir tocando muchísimo. Siempre ha- cíamos versiones. Hubo un momento en que a Elías solo le molaba Extremoduro, solo venía a ensayar para tocar sus temas y hacer metáforas con la luna”.

Todos los de la banda han trasteado con los instrumentos desde zagales. For- mación reglada, de conservatorio, como tal, poca. MacCabe, por ejemplo, reconoce que no ha dado una clase de canto en su vida, aunque últimamente se lo está pensando. “Por norma, yo canto el 50% del bolo y el público el otro 50%. Pero a veces acabo destrozado. Y queremos hacer un buen concierto”. Porque esto de ir tocando por ahí invoca una responsabilidad. Una de las cuales implica la pureza del cuerpo, libre de providenciales desinhibi- dores de conciencia, para no andar como ratas y fallando notas. “Nunca bebemos antes de los conciertos”, asegura Llop. “El único ritual que tenemos es, cuando llegamos a una ciudad, entrar con la furgoneta poniendo el Tornado of Souls, de Megadeth, a todo trapo”.

Quede claro que los licores, salvo alguna mojadica saludable, no son el vi- cio predilecto de Mala Gestión. Así pues, ¿drogas? Como dijo un gran hombre frente a la discoteca Florida: “En mi vida las he probado porque me dan miedo”. Bueno, tampoco es eso. No es que estos malos burócratas corran en dirección obligatoriamente contraria. Pero, de tra- bajárselas -sin que haya ninguna con- firmación por su parte, conste-, desde luego jamás sobre el escenario. Cosa que quiere dejar bien clara el vocalista que, al parecer, ha sido señalado por su actitud ligera, de chulandrismo britpop, como párroco narcótico. MacCabe lo dice alto y claro: “Eso es asunto mío. De nadie más”. Yendo al núcleo de Mala Gestión, ¿dón- de se conforma el magma que los hace tan particulares? ¿Dónde emana ese humor, a la par sagaz y serio, tan adictivo? Pues según todos, los cinco al unísono, de la improvisación. “Muchas letras sa- len de estar en mi casa viendo a ver qué pasa, sin ningún objetivo”, dice Héctor Soriano (batería). “Hacemos lo que nos sale y no nos preocupa el resultado final, hasta que tenemos que hacer que funcione. Puede ser gracioso, pero no es la intención primera”. “A mí”, interviene sonriente MacCabe, “lo que más gracia me hace es cuando un calvo del PP nos sube una historia con la canción Noche de Casino, reivindicando lo que dice la letra...

¡Está claro que no lo ha pillado! Eso es precioso. Eso es sátira de alto nivel”. Tampoco entendamos los temas de la banda desde la literalidad. No es desde lo vivido desde donde cantan, sino desde una vocación sartorial por tomarle las medidas a lo que ven a su alrededor. Por eso, que en canciones como Buenos días, Vietnam haya un jefe -“Hijo de puta. ¡Calvo de mierda!”-, no significa que sea autobiográfico.

“Aquí el único que ha currado de verdad he sido yo”, señala Joan Adsuar (guitarra). “Y, curiosamente, todos mis jefes me caen muy bien. Pero estábamos convencidos de que mucha gente se identificaría. Todos tenemos amigos o familiares que han tenido un jefe cabrón”. “Además”, apunta el batería, “un jefe no es solo el que te da curro; en la vida hay mucha gente que ejerce una cierta autoridad sobre ti, te toca la polla y no tiene ni puta gracia”. No faltan tampoco un merecido coscorrón musical a la ineptitud política. Valencia, fuente de inspiración y mala baba a partes iguales para la banda, se convierte así en el embudo por el que discurre gran parte de su bilis. Porque no hay nada como pertenecer a un lugar para cabrearse con él. O, al menos, con aquello en lo que lo están convirtiendo quienes llevan la batuta y se hinchan los bolsillos, vigorosa cara dura mediante. “La ciudad

COSTUMBRE IRÓNICA

CAMELLOS

Quizá los grandes representantes en Madrid -junto a Carolina Durante- de ese rock y amistad que desde Barcelona predicaron Mujeres. Con un poco de ruido, amigos, buenas canciones y grandes estribillos es más fácil quejarse de lo que nos jode.

cada día está peor, da asco y no se puede vivir. Hacen gilipolleces constantemente. En Valencia, a nivel político, lo que reina es la estupidez y el paletismo opcional”. Pero no todo en Mala Gestión es un cla- mor hacia la ineptitud política. También hay guiños a los outfits y demás idiosin- crasias propias de las bancadas que, oh, vaya, resultan de lo más cachondas, como en Sandalias del PSOE’. “Las Birkenstock abiertas son del PSOE, cien por cien. En cambio, las que son medio cerraditas por delante... esas son de Ciudadanos”, ad- vierte Elías MacCabe. Sea como fuere, y tal que rezan en su Noche de Casino, “Rita Barberá, jamás te olvidaré”. Por último, y como en toda banda que se precie, no todos los miembros andan bregando con lo mismo. “Están los de la ‘zona redes’, encargados de ser muy pesados y salir en muchos reels, que es muy divertido y nos reímos un huevo haciéndolos”, asegura Llop, refiriéndose a él, a Prats y a Héctor Soriano. “También somos los que solemos dar la cara en las entrevistas”, concluye. “Las letras las hago yo”, prosi- gue MacCabe. “Y yo me ocupo de que las gestiones del grupo sean buenas”, asume Joan Adsuar. Ese a quien todos tienen por una suerte de “hermano mayor”. Al final, habría mil cosas gratas, molonas y espe- ranzadoras que decir de los valencianos. Pero quedémonos con algo simple: se gestionan de puta madre.

ALAVEDRA

El cuarteto barcelonés, formado por Xiri, Dani, Ret y Genís -todos genios y figuras de la escena indie nacional-, mantiene una trayectoria ascendente sin pretender nada y manteniendo su -inquebrantable-amistad en el centro del relato.

LOS CHIVATOS

Los ideólogos originales del ñunk, una banda que combina mala leche, sorna y autoparodia, psicodelia, fuzz, locura, rock, punk y cualquier cosa que les sirva para levantarse contra el sistema, la estupidez nacional... o lo que haga falta, en verdad.

NUEVOS VICIOS

Si nos fijamos en las estadísticas, los nuevos vicios de la chavalada tienen más que ver con los zumitos y con revelarse contra el statu quo y la imposibilidad de adquirir una vivienda que con los viejos mitos rockeros de sexo, droga y rock & roll. Otra prueba.

HACEMOS LO QUE PODEMOS (ACQUSTIC, 2026)

Morir lejos de aquí / Skol / Edgar Allan Poe / Hacemos lo que podemos / Con mis amigos / Diésel / Buenos días Vietnam / Sandalias del PSOE / Ex-Ex (Pareja) / Kambio klimático / Sí, es tu culpa / Noche de Casino / Correo

Mala Gestión son parte de una nueva generación de rockeros cuya música surge de la amistad, pero se dirige como un misil contra las malas costumbres.

Por: María Juesas

El debutante Ian de la Rosa transita por las aguas de la identidad, la herencia familiar y la conquista del cuerpo propio en ‘Iván & Hadoum’, una suerte de ‘Romeo y Julieta’ contemporáneo premiado en el Festival de Málaga y presentado en la Berlinale. Con el amor en el centro del relato, la cinta expone cómo el auge capitalista y el abuso de poder contaminan muchas veces las relaciones, queramos o no.

Algunas de las óperas primas más celebradas del cine español reciente han pasado por un mismo escaparate: la sección Panorama de la Berlinale. Por allí han desfilado nombres como Carla Simón, Pilar Palomero, Alauda Ruiz de Azúa o Eva Libertad, a los que ahora se suma el urcitano Ian de la Rosa. El debut en el largometraje del guionista de Veneno y director de la serie Vestidas de azul, así como muy laureado responsable del cortometraje Farrucas (2021) y premio en la Cinéfondation de Cannes por Victor XX (2015), explora el luminoso pero complejo romance entre una joven árabe y un joven trans en el contexto de la precariedad que atraviesa a los trabajadores de Almería. “El conflicto laboral y de clase es

el gran impedimento para los personajes, más allá de la identidad y el prejuicio”, contó el director en el Festival de Málaga, donde ganó el Premio Especial del Jurado y la Biznaga al mejor guion. “En nuestras vidas, lo que manda es el dinero y el contexto en el que naces o el lugar donde trabajas. Queríamos hacer una defensa férrea del amor por encima de cualquier cosa, como paraguas al que agarrarte. El ser humano tiene una forma de amar tremenda y conviene recordarlo en los tiempos que corren”.

Rodada en Níjar, la tierra del director, la cinta supone una reformulación moderna de Romeo y Julieta. “Es una obra que siempre es una referencia”, apunta Ian de la Rosa, “pero es diferente porque aquí

“LLAMADME NAÍF, PERO SE PUEDE

no hay un amor trágico o imposible, sino simplemente difícil. Tanto el deseo como el amor son dos fuerzas constructivas que ayudan, en el caso de Iván, a atreverte a ser la persona que eres, más allá del género o de la familia”, cuenta sobre la historia centrada en un joven trans que trabaja como carretillero en un invernadero. Cuando se enamora de Hadoum, una nueva compañera hispano-marroquí, su amor se pondrá a prueba, ya que ninguna de las familias está a favor de la relación y un posible ascenso laboral amenaza con destruirla.

El apodado mar de plástico almeriense, una de las pocas construcciones humanas visibles a simple vista desde el espacio, permea la historia protagonizada por los debutantes Silver Chicón -artista drag y referencia entre la cultura transmasculina- y Herminia Loh, compositora y música conocida bajo el apodo Restinga que, además, pone banda sonora a los créditos de la película. “Hicimos casting para todo”, recuerda Ian de la Rosa, “pero no sabíamos quién se atrevería a aceptar este guion. Desde el principio quisimos explicarles a los actores las escenas de desnudez e intimidad, a las que yo no quería renunciar”. Dos meses de ensayos sobre improvisaciones facilitaron la evidente química que desprenden los protagonistas. “Silver vino porque es muy amigo de Bea Sastre, la directora de fotografía”, continúa el director. “Y a Herminia la descubrí un

domingo por la mañana, cuando googleé ‘Cantante hispanomarroquí andaluza’”, ríe. “La elección era importante porque, más allá de hombre o mujer, etiquetas de las que se intentan liberar también los personajes, intentamos representar un sexo menos normativo y hacer el amor de otra manera en la gran pantalla”. “Llevo años estudiando esa tierra porque me parece fascinante”, afirma el ci-

neasta sobre el municipio almeriense de Níjar, donde se ha criado. “Todo lo que sucede es ficción, pero parto de algo que ya conozco muy bien”. El pueblo, entendido por Ian de la Rosa como “un lugar trans”, registra sesenta nacionalidades diferentes en su censo. “Es una riqueza increíble, aunque pocas veces se entiende de esa manera. Y digo que Níjar es un lugar trans porque es una esquinita del mundo que está entre Europa y África, que alberga muchas y diferentes culturas que se congregan a través del trabajo, esa inmensa agroindustria que representa el invernadero. Almería es un lugar mundialmente conocido, también en el cine por los spaghetti western que rodó Sergio Leone. De hecho, creo que mientras estábamos rodando también estaban grabando La momia de Lee Cronin (2026) en el desierto de Tabernas. Me interesaba contraponer todo eso a la cultura almeriense, como puede ser el acento, tan concreto y tan poco representado en el cine”, remata.

Una de las particularidades de Iván & Hadoum es que la experiencia trans no ocupa el centro del relato, sino que supone una circunstancia más dentro de la historia. De hecho, el conflicto de la pareja no se articula en torno a su identidad ni a lo queer, sino a las presiones de un mundo exterior atravesado inevitablemente por el capitalismo. La suya es una película sobre el amor, hilo conductor por el que pasan los distintos conflictos a los que se enfrentan sus personajes. “Ojalá que esta película sea un abrazo y un refugio de amor y deseo para el espectador, dos motores de un cambio y una revolución que empieza en lo personal pero que puede acabar en lo colectivo”, afirma el director. “El cine y la mirada, como país y como industria, solo nos puede hacer mejores. El hecho de que lo LGBTIQA+ se incorpore a generar estas miradas y a contar su historia, conquistando espacios hasta ahora negados, genera un impacto positivo. Al final, el cine es un espejo de la sociedad que genera referentes, que trae a la luz cosas que parece que están en la oscuridad para la gran masa. Eso hemos intentado precisamente con esta película. Se puede cambiar la mirada, se pueden cambiar los corazones e incluso el mundo. Llamadme naíf, pero sigo pensándolo. Hay que seguir y mi forma de luchar es esta”, concluye De la Rosa. En su película, amor rima con esperanza, con resistencia, con comunidad.

IVÁN & HADOUM (12 junio)

Avalon / España / 2026

Dirección: Ian de la Rosa

Reparto: Herminia Loh, Silver, Úrsula Díaz

Manzano, Esperanza Guardado, Cisco Lara

Por: Miguel Pardo

Después de años adelantándose a todas las vanguardias digitales desde uno de los sellos más extraños y fascinantes de EE UU, Hausu Mountain, Angel Marcloid ve reconocidos todos sus titánicos esfuerzos por alumbrar una new age utópica desde la distopía firmando con Warp Records. En la casa de Oneohtrix Point Never, Fire-Toolz se estrena con el excepcional ‘Lavender Networks’, uno de sus mejores trabajos, donde todas sus inquietudes -screamo, metal, noise, vaporwave, new age o IDM- adquieren un tono más melódico. Que nadie te diga que es imposible: el futuro tiene todas las papeletas de convertirse en presente.

Fotos: Warp Records

Angel Marcloid siempre está encantada de hablar sobre su trabajo. Nos atiende desde el estudio que tiene montado en una habitación de su casa, plagado de colores saturados, arcoíris rampantes y gatos. “Se llama Porcelina”, nos cuenta sobre la primera felina que se cuela en el plano, a la que alimenta periódicamente mientras seguimos hablando. Después de una larga serie de lanzamientos en Hausu Mountain (Good Willsmith, M. Geddes Gengras), Fire-Toolz ha acabado publicando su nuevo disco, Lavender Networks, en Warp Records. Que su proyecto llegase al sello británico era “una broma privada que llevamos mucho tiempo teniendo entre amigas. Todas veíamos a Warp como un sello que supondría un punto de inflexión para mí”. Este reconocimiento a su peculiar estilo, que oscila entre el screamo, el metal, el free jazz o el vaporwave y convoca una utópica distopía virtual, ha supuesto un cambio de praxis para la artista estadounidense, que hasta ahora trabajaba más desde la espontaneidad y una admirable anarquía creativa. “Ahora todo está mucho más planificado. Lo tienen todo muy programado”.

Sin embargo, este cambio no parece en absoluto negativo. Fire-Toolz ha publicado este mes de mayo su enésimo álbum, y lo ha hecho bajo sus propias condiciones y con un sonido particularmente contagioso. “Sé que es extraño que sólo tenga diez canciones”, confiesa mientras hablamos de la pequeña reseña que Anthony Fantano le dedicó en su canal. “Al tener otros seudónimos puedo seguir sacando música, siempre y cuando no pasen años entre un lanzamiento y otro. Eso es algo que no soportaría. Me resultaría muy difícil”. Y es que Angel no es solo una artista enormemente comunicativa, sino profundamente prolífica y colaborativa. “Creo que el álbum es más pegadizo porque algunos de los otros vocalistas que aparecen aquí y allá -Zola Jesus, Jennifer Holm, Lipsticism... Artistas con los que Marcloid ya ha trabajado y para los que ha producido cosas- son, por así decirlo, cantantes melódicos. La verdad es que espero que el próximo no sea así, porque no pretendo convertirme en una artista pop”.

La música de Fire-Toolz también funciona como una analogía de la manera en que vive su vida. “El proceso de composición, de producción, incluso la mezcla, las letras, el diseño gráfico... Todo es, en gran medida, una mezcla de ciencia y espiritualidad; considero que son dos lenguajes muy diferentes para expresar lo mismo en muchos aspectos”. Angel es una persona “espiritual, pero no dogmática” que intenta no mezclar ambos mundos y que los vive a través de una suerte de intuición que guía su percepción de la realidad y de su quehacer creativo. El sonido de Lavender Networks y el de toda su obra posee esa cualidad técnica y casi microscópica que se combina con ideas esotéricas, con ambientes new age y, en general, con una cosmovisión anárquica y ecuménica. Casi como la de un narrador omnisciente.

Esa concepción holística nos conduce a hablar de la tradición o la filosofía perenne. Dicha filosofía sostiene que la recurrencia de temas comunes en distintas religiones sugiere verdades universales sobre la naturaleza

de la realidad, la humanidad o la conciencia. Vamos, que implica la existencia de un conjunto universal de verdades y valores comunes. “Puedes ser agnóstico o ateo y, al mismo tiempo, conocer a alguien que sea, por ejemplo, un budista tibetano convencido y practicante, y ambos podéis tener enfoques muy similares de la vida”. Ese significado más allá le permite vivir con optimismo y calma una realidad que, por lo general, parece enajenada e inquietante, incluso distópica. En cualquier caso, su enfoque tiene una prioridad anarquista y antiestatal importante. “No me gusta ninguna espiritualidad en la que el amor y la ética no ocupen un lugar central y no sean su fuerza motriz, que sea exclusiva, que sitúe a alguien por encima de los demás, que sea fascista en cualquier sentido o que anteponga el dinero y el poder a los seres humanos”. Desde esa perspectiva anti-hegemónica hablamos también sobre drogas y el poder subversivo de las mismas. “Te sor- prenderá saber que he tomado LSD, creo que tres veces, y que en ninguna de ellas tuve realmente alucinaciones”. Angel parece haberse caído en la marmita alucinógena de niñe, con una percepción alterada que compartimos respecto a la música y los estados perceptivos transmutados a los que te puede conducir. “Además, tengo TDAH, así que siempre estoy pensando”, confiesa. “Pero me gusta mantener los pies en la tierra, y creo que el cannabis me ayuda precisamente a eso. La verdad es que no quiero desaparecer. No quiero desconectarme de la realidad. No quiero perder el control. Creo que da un poco de miedo”. En cualquier caso, Fire-Toolz aprueba y comprende el uso de ciertas drogas para el tratamiento de enfermedades como la depresión o el trastorno obsesivo compulsivo. Al parecer, han tenido “efectos muy positivos” en amigas suyas, aunque eso no deje de causarle dudas sobre su regularización. “Es complicado ser anarquista, porque por un lado quiero que todo el mundo tenga todo el poder para hacer lo que quiera, y por otro lado pienso: ‘¡Eh! Quizá deberíamos controlar y regular tal o cual cosa”.

En el fondo, la música de Angel trata justamente “sobre seguridad, protección, comodidad, relajación”. La artista estadounidense afronta con coraje los riesgos de ser una persona trans y disidente en un país como el suyo. “Me horroriza el mundo, me horroriza la gente. Me dan miedo los que están en el poder. Me dan miedo los policías. Me dan miedo los matones de la calle. Me dan miedo los hombres”. Para sobrellevar ese miedo, Angel se ha “enamorado aún más de la música” y ha aprendido a autorregularse con pequeñas cosas de la vida cotidiana que le dan tranquilidad, que actúan como contrapeso a las malas noticias de las que no quiere disociarse. “ICE está secuestrando a ciudadanas, pero mi puto latte está delicioso”, ejemplifica. “Tenemos a Trump, pero también a Porcelina; es una locura, pero ambas cosas acontecen a la vez”. Esos contrastes entre lo que nos resulta complejo, abrumador y espantoso, y aquello que nos abraza y nos acuna, son el núcleo de Lavender Networks. Es por eso, justamente, que la música de Fire-Toolz es tan pertinente para nuestro tiempo.

LAVENDER NETWORKS (WARP, 2026)

Quintessential Fixed Width Unfoldment / Balam =^..^= ... / [Codename...] / Kiss the Bladed Cat... / A Demon & Its Spinal Cord... / And Where Is The Heart? ... / The Ocean Gratitude... / Offsjore ‘92 / Pleasant Valley--- / Dear Robin Bears-... CD / DIGITAL / LP

“SOY UNA PERSONA ESPIRITUAL, PERO NO DOGMÁTICA”

BOCA DE INCENDIOS

El paralelismo con las “herramientas de fuego” es evidente. Le recuerda a los suburbios y lo asocia a la “filtración de emociones”

BUZÓN

Otro tótem que aparece con frecuencia en sus portadas. El estadounidense de toda la vida, ubicado frente a las casas de familias felices y normativas.

CONEJOS Y MICHIS

La debilidad de Marcloid por los mamíferos pequeños y peluditos es consabida. En su trabajo aluden a esa comodidad buscada. En su casa son legión.

BALÓN

“No soy fan del deporte”, aclara. Pero el modo en que contrastan el rojo y el negro y la propia estética con la que aparece la pelota de soccer le transmiten tranquilidad y agrado a partes iguales.

VÁPER DE CANNABIS

“Es una parte muy importante de mi vida. Me reconforta. Me relaja. Me da energía... Simplemente lo disfruto mucho. Es bastante suave, la verdad”. El perfecto acompañante para alguien con la tolerancia muy alta, su enorme tamaño y su color dorado nos fascinan igualmente en la llamada.

Adam Guerrero

Por: Ricardo Ruiz Varo

Foto: Ely Nieto

Adam Guerrero llevaba años componiendo para sí mismo, fuera del foco. Ahora, tras viralizarse sus vídeos tocando la guitarra, el músico sevillano publica dos discos a la vez: el instrumental ‘Metronom’ y otro en el que se desvela como cantautor, ‘Juguetes rotos’. Es la historia de un outsider que vivía tranquilo en los márgenes, pero que entendió que sus canciones también podían pertenecer a otros.

“SI VIVIERA EN UNA ISLA DESIERTA, ME HARÍA UNA GUITARRA Y CANTARÍA A LOS COCOTEROS”

Antes de que el algoritmo lo encontrara, Adam Guerrero ya tocaba, componía y vivía alrededor de la música. Sevillano, guitarrista y compositor, sobrevivía dando clases, haciendo “bolitos” y tocando en chiringuitos. “Ahora sí que me está conociendo muchísima más gente, pero yo hacía lo mismo, con menos personas que me veían y me escuchaban. Era lo mismo, pero con menos ojos que me miraban”. De una viralización muy orgánica nacen ahora Metronom y Juguetes rotos (ambos Mushroom Pillow, 2026), dos álbumes independientes, pero lanzados casi al mismo tiempo, que funcionan de carta de presentación ante el gran público para un artista muy particular. Su historia empieza mucho antes de que esos vídeos hipnóticos, en los que parece sacar de una guitarra más sonidos de los posibles, cautivaran a miles de personas de España, EE UU, México y otros países. Su abuelo era compositor y en su casa siempre había un piano. A los 12 años, una noche de Reyes, le regalaron una guitarra española. Su padre le enseñó unos acordes básicos y empezó a sacar canciones de Nirvana encerrado en su cuarto. “Venían a llamarme mis amigos a la puerta y ya ni salía. Era guitarra, guitarra, guitarra”. Después llegó el conservatorio. “Me aburría muchísimo. Yo lo único que quería era tocar la guitarra. Prefería aprender de oído”, reconoce. Quizá por eso su técnica tiene algo de aprendizaje salvaje. No responde del todo al flamenco, ni al folk, ni al fingerpicking más puro, aunque todo eso esté ahí. “Creo que es una batidora de todo lo que escucho”. Le cuesta explicar cómo se construye un lenguaje tan propio. “No sé cómo se forja un estilo. Creo que viene de fábrica”.

Durante años Guerrero vivió en los márgenes de la industria musical de una manera totalmente ajena. No como pose, sino casi como una manera natural de estar en el mundo. “Soy un poco ermitaño. Soy muy tranquilo y me gusta la vida en el campo. Y siempre he sido de pensar que lo que tenga que pasar, que pase”, se presenta. Tampoco arrastraba frustración por no mostrarse más. “Yo, cuando escribo las canciones y compongo, lo hago para mí. No busco nada. Si viviera en una isla desierta me haría una guitarra con un palo y una hoja de palmera y seguiría componiendo a los cocoteros”, asegura entre risas. Lo raro, entonces, no es que Adam Guerrero apareciera de repente,

sino que tanta gente lo descubriera a la vez. Hace apenas unos meses, sus vídeos empezaron a circular con una velocidad insólita. “Ha sido un boom, de repente. Yo no hacía nada antes que no hiciera ahora, pero de repente estalló todo. Montones de visitas, montones de visualizaciones… ¿qué está pasando aquí?”, dice. Ese impacto le hizo mirar sus canciones de otra forma. “Me han abierto un chakra, jajaja. Antes no era consciente. Hacía mis canciones para mí y ya está. Pero ahora hay gente que quiere escucharlo. ¿Por qué lo voy a ocultar entonces?”, argumenta. La llegada de un sello como Mushroom Pillow terminó de empujar esa apertura. “Que me hablaran y me contaran que podía grabar un disco fue una ilusión muy grande”. Al final no fue un disco, sino dos: Metronom, un álbum instrumental, y Juguetes rotos, su cara más vocal e íntima. Metronom funciona como un experimento contra la velocidad que se impone en esta época. “La gente quiere consumir rápido: un minuto ya es demasiado. Entonces pensé: ¿por qué no hago un disco instrumental con canciones de un par de minutos, súper orgánico?”. Lo grabó todo con un solo micrófono, colocado dentro de un cajón. “Está todo grabado como se grababa antiguamente. Son paisajes muy cinemáticos, muy de película”. Juguetes rotos , en cambio, mira hacia dentro. “Es más personal. Es una introspección de mí mismo. Hay cosas de la infancia, cosas que he vivido cuando chico con mi primo, con mi familia. Ahí he sacado todas mis enfermedades”. Aunque arrastra más de 120 composiciones y varias maquetas caseras, no parece interesado en vivir de su archivo. “Lo que más me gusta es componer. El momento de estar delante de una libreta con un bolígrafo y mi guitarra es el mejor momento de mi vida”. Quizá por eso su viralidad, completamente orgánica, resulta tan extraña en un presente saturado de popularidad comprada e imágenes perfectas. “La gente me dice: ‘¿Cómo consigues el efecto retro?’. Y respondo: ‘¿Qué retro? Si es el móvil, que es malísimo’. Grabo con un micrófono de solapa de 20 euros de Amazon”, dice, haciendo gala de su sentido del humor. “La gente necesita realidad”, sentencia. Ahora que todo empieza a acelerarse, sigue tranquilo. “No tengo miedo, solo ilusión”. Después de años tocando en chiringuitos, “no es que vaya a perder algo. Al revés: creo que voy a recuperar algo que yo estaba perdiendo”.

JUGUETES ROTOS (MUSHROOM PILLOW, 2026)

El bar de los niños / La plazoleta / Estupideces de amor / Tardes de verano / Fotos de la Polaroid / En el puerto / El vacío / La evidencia / La rebelión de los fantasmas / Cajas de cartón / Fuego viejo

CD / DIGITAL / LP

Fotos: Pablo Barboza

ESPECIAL FIESTA DE LA MÚSICA

De la mano de El Corte Inglés Cultura, celebramos el Día Europeo de la Música 2026 convocando a seis artistas muy diferentes entre sí -y todos muy NUEBOpara que merodeen por las estanterías de la sección musical en busca de algunos de sus vinilos favoritos. Conseguimos, así, no solo acercarnos al gusto que ha definido y define a los artistas que nos flipan; también hacernos con una colección ecléctica y desacomplejada que nos demuestra que el formato físico está más vivo que nunca. ¡Nada como bucear entre cubetas y encontrar la guinda que le falta a tu colección!

La música está en todas partes. Forma, por supuesto, parte de un entramado comercial, y hay toda una industria que sustenta, segmenta, organiza, publicita o comercializa su dimensión más profesional. Pero la música se escapa constantemente de eso: está en los conservatorios pero también en los parques; está en las radios pero también en cintas perdidas; está en los grandes escenarios pero también en las esquinas o en el Metro. Tanto hacer música como escuchar música pueden ser un trabajo como pueden ser un hobbie. Y defender esa práctica transversal está en el ideario básico de la Fiesta Europea de la Música, que se celebra anualmente cada 21 de junio coincidiendo con el Solsticio de Verano: la

música es un lenguaje, un vehículo de la expresión humana, y por tanto ha de ser de interés público. Accesible para todos los públicos; abierta a todas las disciplinas, contextos o estilos, y protegida por las instituciones públicas pero también respetada desde lo privado. Con esta idea en mente, y en colaboración con El Corte Inglés Cultura, nos juntamos con seis artistas de estilos y contextos muy diferentes -FUJI?, Alba Morena, Escandaloso Xpósito, Mía Berlín, La 126 y Alcalá Norte- para que nos expliquen sus referencias a través de ese maravilloso planazo que resulta de acercarse a una tienda de discos, buscar, rebuscar y encontrar exactamente el vinilo opuesto al que ibas buscando.

Aunque nada como tocar césped en esto de la aventura vinilera, también puedes rebuscar en las cubetas virtuales, claro. Sigue el QR y bucea entre el inmenso catálogo de Música de El Corte Inglés.

FUJI?

Viajero empedernido, el joven artista madrileño refleja con sus selecciones el alma funk y disco que exuda también su primer trabajo largo, recién estrenado: SuperSweet. Dulzura y caramelos pop para definir a un artista forjado en la carretera.

Bee Gees

Timeless: The All-Time Greatest Hits

“Una recopilación de algunas de las mejores canciones de los Bee Gees, que para mí han sido mi infancia. Yo en el coche con mis padres lo que escuchaba era Bee Gees y boleros, y ya está. Para mí es un disco muy emotivo”.

Sabrina Carpenter

Short n’ Sweet

“Soy el mayor fan del universo, probablemente. Y este es mi disco más escuchado del año pasado; tengo guardadas prácticamente todas las canciones. A día de hoy estoy enganchadísimo: si canta en Madrid -que ojalá- iré a verla 100%”.

Luther Vandross

This Close To You “Aunque pase más desapercibido, sobre todo fuera de EE UU, para mí es el mejor del rollo disco, con todos los respetos. Me ha ayudado mucho en muchísimos viajes que he hecho, para motivarme un poco y para hacer las cosas bien”.

ALBA MORENA

Junto a Alba Reche, la catalana acaba de fundar Club Debut, una plataforma para la proyección de nuevos artistas. Y en solitario se encuentra en pleno proceso de revelación de un nuevo trabajo largo, que la ve adoptando un sonido más acústico y clásico, vinculado a géneros de canción más tradicionales. Sus refes van por ahí.

Extremoduro

Material defectuoso

“Es uno de los discos de mi vida, y me lo ha puesto mi familia siempre. Además, tiene una de las canciones más bonitas de Extremoduro, que es Si te vas, aunque diría millones más”.

Fleetwood Mac Greatest Hits

“He pillado el grandes éxitos porque es imposible encontrar Rumours. Tiene, claro, mi canción favorita de ellos, que es Sara. Es una canción de ruptura perfecta, pero además es una canción genial para conducir. Yo no tengo carnet, pero la pongo siempre cuando alguien conduce”.

Lily Allen West End Girl

“Es uno de mis discos favoritos ahora mismo y seguro que va a salir entre mis discos más escuchados este año. Me encanta cómo Lily Allen, como una reina, ha monetizado su ruptura y además ha hecho unos temas increíbles”.

ESCANDALOSO XPÓSITO

Genio y figura, Escandaloso se viene hoy a esto y mañana se pone de director musical -saxo, teclados, percus...- en la nueva gira de Rels B. Mucho funk, mucho groove, fusión, jazz, hip hop... Su ADN está claro.

Michael Jackson

Dangerous

“Es un disco muy de mi infancia. Tuve la suerte de poder verlo además en el Vicente Calderón en directo -conservo aún la tape que regalaban a la entrada; una de esas referencias que ya no se encuentran-, y resume, todo: años noventa, música popular, Teddy Reily, grandes canciones. Dangerous es Historia de la música”.

Pedro Iturralde Jazz flamenco

“Es uno de los saxofonistas más míticos, históricos de España, y fue además uno de los pioneros en mezclar flamenco con jazz. Le tengo mucho cariño a este disco. Año 67, el guitarrista es Paco de Lucía... Vamos, una obra maestra del jazz fusión de aquí”.

Tyler, The Creator

Chromakopia

“Su penúltimo álbum. Para mí representa la vanguardia, la modernidad, sacar el hip hop del nicho y llevarlo al mundo entero. Uno de mis artistas favoritos contemporáneos y una escucha muy recomendada”.

LA 126

Tres amigas haciendo rock, punk, pop desde Elche. Sus discos hablan de su formación más como personas que como banda... ¿Nos están dando pistas de cosas que están pronto por llegar?

Twenty One Pilots Breach “Nos han encantado desde pequeñas, no tanto por este último disco sino en general. Con ellos aprendimos todo el rollo del simbolismo, los conceptos, y creo que es algo que nosotras siempre hemos intentado integrar en la banda, y con lo que nos sentimos”.

Nathy Peluso Calambre “En nuestros 18-19 años marcó un hito. No lo hemos podido escuchar más. Fuimos al concierto a verla... Increíble, historia del hip hop de España. No se parece absolutamente nada a lo que hacemos, pero nos ha marcado mucho en nuestro paso a la adultez. ¡Te queremos!”.

Él Mató a un Policía Motorizado

La síntesis O’Konor “El disco más especial de Él Mató: nos identificamos muchísimo con su música a nivel sonoro, pero sobre todo con su mensaje, su forma de expresión y la propuesta de directo. Nos gustan muchísimo ellos. Si este disco no te llega al corazón...”.

ALCALÁ NORTE

En pleno proceso de creación de su esperadísimo segundo álbum, y todavía abonados a la furgoneta, paramos a Pablo Prieto (bajista) y Carlos Elías (guitarra) para que nos expliquen sus raíces rockeras: discos brillantes, conceptuales, expansivos.

Héroes del Silencio Senderos de traición

“El segundo disco de los Héroes. La sonoridad de las guitarras, tan brillante; los arpegios y los riffs de Juan Valdivia, que son preciosos, increíbles. Para mí es insuperable, sin duda el mejor disco de Héroes del Silencio aunque muchos puedan preferir otros como El espíritu del vino”.

Pink Floyd Animals

“Un disco que quedó un poco a la sombra de The Wall, Wish You Were Here o The Dark Side of the Moon, pero que es de mis favoritos. Tiene la pista Dogs, que es el mejor trabajo vocal y guitarrístico de Gilmour. Está inspirado en Rebelión en la granja: muy adecuado para los tiempos que corren”.

Extremoduro

Pedrá

“Un disco increíble de una sola canción, pionero en muchos aspectos, por momentos macarrada y obra de arte a partes iguales. Es el primero en el que Uoho colabora con Robe, formando lo que sería ya el núcleo duro de Extremoduro en adelante. Un viaje de principio a fin”.

The Jimmy Hendrix Experience

Electric Ladyland

“Hacía mucho que no escuchaba a Hendrix y en cuanto he visto el disco he ido a por él. No solo por Voodoo Child (Slight Return), temazo, una maravilla de la guitarra, sino por dos temas de psicodelia que van empalmados en el disco: 1983 y Moon Para sentarte y flotar”.

MÍA BERLÍN

Miembro fundamental de La La Love You, Mía Berlín también tiene un proyecto en solitario, y seguramente tendremos más noticias de ella próximamente. Su selección habla el lenguaje del pop como gran panorámica emocional. Introspección... a puertas abiertas.

Hillary Duff Luck… Or Something

“Ha sido una de las estrellas de mi vida, literalmente quería ser ella cuando era pequeña. Me acuerdo cuando fui a Hollywood con mis padres y me compré un carnet de conducir falso en una gasolinera: le puse ‘Hillary Duff’ pues, bueno, porque yo tenía diez años y quería ser Hillary Duff”.

Supertramp Breakfast in America

“Es uno de los primeros CDs que tuve en mi vida, y me lleva mucho a los viajes de vuelta del cole, cuando mi madre me recogía y me llevaba a casa con la merienda, y nos lo poníamos a todo gas. Fue una de las primeras veces que se me pusieron los pelos de punta escuchando música”.

Olivia Rodrigo Sour

“Es una de mis grandes referentes, una genia. Me enamoró cuando la escuché por primera vez, por su voz, después por sus melodías y luego sobre todo por sus letras. Su forma de componer me flipa y me inspira, porque escribe desde un lugar de storytelling, como otros artistas que admiro”.

Carat Elena

Con David Baldo a la producción, Elena Carat se desvela sin tapujos en su segundo álbum, ‘Mi deseo es transparente’. Un combinado rebajado de pop gaseoso, shoegaze, psicodelia cálida y rock intimista con el que la artista enfrenta las emociones cara a cara, letra a letra, a base de canciones atemporales. Surfeándolas con su delicada voz con la intención de procesarlas y convertirlas en materia universal.

Por: Eva Sebastián Fotos: Carmen Regueiro

“ME ENCANTARÍA DESGARRAR LA VOZ, PERO SI LO FORZARA NO ESTARÍA CÓMODA”

Aquello que es transparente puede ser algo que deja pasar la luz, que permite ver a través, que es prácticamente invisible. Pero, al mismo tiempo, puede hacer referencia a quien deja ver el cien por cien de sí mismo con claridad y sin tapujos. Esta dualidad es la que cruza el segundo disco de Elena Carat. Mi deseo es transparente es a su vez una confesión y un misterio. Entre guitarras shoegaze, ecos de rock intimista, psicodelia delicada y destellos de pop luminoso, Elena construye un viaje emocional en el que el deseo aparece como impulso, ausencia y motor vital. Sus canciones hablan de contradicciones íntimas, de huida y permanencia, del amor entendido como tensión constante y de esa necesidad de seguir avanzando hacia algo que quizá nunca termina de alcanzarse. El disco surge durante la estancia de Elena en Buenos Aires, un paréntesis lejos de Madrid en el que vive un tiempo de calma creativa y empieza a dejarse llevar por las canciones. “Tuve muchísimo tiempo para escuchar música, descansar, escribir y tocar la guitarra. Ahí fue cuando, de repente, me junté con una serie de canciones que me motivaban un poquito más y que tenían cierta emoción”. A su regreso, se juntó en el estudio con David Baldo, quien ha trabajado junto a artistas como Carlangas, Russian Red o Aiko El Grupo. “Acabó siendo productor y arreglista de gran parte de las canciones. Tuvimos momentos muy interesantes de experimentar y, con calma, probar arreglos, quitarlos, y hacer distintas versiones de las canciones”. Pero también reconoce que el disco tuvo bloqueos y momentos de atasco. “Yo creo que cualquier fase creativa se encalla”, admite. “A medida que nos alejamos de que eso fuera simplemente grabar canciones y empezó a convertirse en un disco, también hubo momentos de estar más atascada. Por ejemplo, Miedo pasó por distintos lugares, un sonido más psicodélico, un tempo más lento, y finalmente encontró su espacio en algo un poquito más misterioso y minimalista”. Esa libertad en el proceso creativo terminó trasladándose directamente al sonido del disco. Aunque Mi deseo es transparente se mueve entre el shoegaze, el pop atmosférico, el rock intimista o incluso ciertos momentos más cercanos a la psicodelia, Elena Carat insiste en que nunca existió una hoja de ruta. “No había una idea preconcebida sobre cómo

debían sonar las emociones. A lo mejor en unas nos fijábamos mucho en grupos míticos de shoegaze como Slowdive, porque eran canciones más reverberadas, pero en otras hay guiños a la música que yo estaba escuchando muchísimo en esa época, como el rock nacional argentino”. Entre esas referencias menciona también a Aldous Harding, de quien admira “esa libertad de hacer discos con canciones súper pintorescas y distintas entre sí”.

Aun así, el viaje sonoro que plantea el disco mantiene un elemento común. “Nos dimos cuenta de que mi voz podía ser un poco el elemento conductor que va guiando el resto de sonidos. Hicimos que compartiera siempre unas mismas características, que mantuviera una misma textura, que siempre estuviera en un primer plano respecto a los otros instrumentos. Mientras las guitarras podían ir y venir, tener momentos más psicodélicos o más shoegaze, la voz tenía que mantenerse como ese hilo. Es una forma simbólica también de darme espacio”. Una voz que da luz a las contradicciones. “Al final ha salido de forma natural: a mí me cuesta mucho gritar. Me encantaría aprender a desgarrar más la voz y hacer una interpretación mucho más rota, pero si lo forzara no estaría cómoda”. “Las canciones versan un poco en torno a esto, en torno a las conversaciones y los sentimientos encontrados, los conflictos, las cosas que nos tensionan en el día a día. No deja de ser un disco sobre cosas íntimas, en el que trato de ser transparente”, reconoce. “Yo concibo los discos, y también esos son los álbumes que más me gustan, como un viaje. Esto ocurre como un encantamiento. Siento que habla de un corazón emocionado con todo, muy perceptivo y como muy encantado. Hay una especie de vitalismo incluso en la de Decir adiós, que cierra el álbum. Pero a lo mejor, en el fondo, no ocurre nada”. Bromeamos sobre la idea de ese final cuando decides liberarte del deseo, los anhelos o el dolor, como la imagen de Nicole Kidman saliendo de firmar el divorcio más complicado de la historia. Pero Carat no llega a profundizar en sus explicaciones, prefiere que su música le dé voz. “Me cuesta mucho ser analítica con las cosas que hago, porque si pudiera redactarlas o explicarlas, a lo mejor no tendría que escribir las canciones. Pero creo que, si escuchas el disco, se puede intuir lo que quiero compartir.”

MI DESEO ES TRANSPARENTE (RASO ESTUDIO, 2026)

En un coche a ninguna parte / El nudo / El tiempo en que te vas / Guarda tu recuerdo / Miedo / Víctor / La ciudad del frío / Árbol de papel / Decir adiós

DIGITAL / LP

La trapera argentina hace las maletas -solo simbólicamente- para firmar con Interscope en EE UU y publicar un disco en el que se codea cara a cara, mano a mano, con muchas de las escenas digitales que la han servido para formarse como persona y como artista. Sin perder de vista el barrio -como él se llama el álbum: ‘Mataderos’-, Sara escribe un nuevo capítulo para la Rip Gang y Bohemian Groove colaborando con la Surf Gang de Nueva York -evilgiane, Eera...-, con muchos de los artífices del sonido de Playboi Carti -F1lthy, Ojivolta...- y con productores pop marginales como Dylan Brady de 100gecs y Casey MQ, corresponsable del último disco de Oklou. Que no te engañen: pese a los focos, en Argentina sigue existiendo el underground.

Por: Diego Rubio Fotos: Octavio Skiaffos

La escena urbana de Argentina se ha hinchado mucho en estos años, pero también se ha simplificado mucho. Tanto que ahora mismo parece haber solo estas opciones: reivindicarse como “músico” a la manera de Ca7riel y Paco, jugar el juego de la daleplayización del que solo se escapa Six Sex, irse del país o tratar de hacerse un hueco en Bohemian Groove, en Fractura o en alguna de esas escenas que representan la verdadera alternativa under para los newcomers. Saramalacara, uno de los tótems de Bohemian y de la fundacional Rip Gang junto a Dillom, ha terminado firmando en EE UU con Capitol e Interscope. “Firmar con ellos fue increíble por lo que significa, pero también era la prueba de que en mi país iba a ser difícil que alguien apostara por ese sonido de trap melódico que tanto tiene que ver con la Drain Gang. Yo siento como un logro de Argentina que Yung Lean venga a tocar ahora acá, aunque sepa que es solo por el Primavera Sound, pero también me apena sentir que cuesta que haya espacio para lo que a mí me ha gustado siempre aquí”, reconoce. No es desagradecida y sí muy consciente de lo que ha logrado, pero le encantaría que en Argentina se hubiera hecho más caso a lo suyo. Su nuevo álbum, Mataderos , lo ha presentado con un concierto gratuito y sin anunciar -“Si lo anunciamos se hace todo demasiado grande y el Gobierno lo cancela... así estamos”, diceen el skate park de su barrio de Buenos Aires de toda la vida, Mataderos, demostrando que, pese a todo, en el kilómetro cero está su lugar ideal: “Show barrial, kilombo nacional y popular”. “Pero es que la industria aquí no está muy desarrollada, aunque pueda parecerlo”, sentencia. “El problema de Dale Play es que solo quieren 2+2, y si te sale mal te cajonean. No te dejan apostar por nada que se salga de ahí. Además, me gusta que hables de daleplayización porque me ha pasado mucho de sentir acá, dentro de Argentina, y directamente de personas que trabajan ahí y a las que conozco bien, como un shade, en plan ‘No firmaste con nosotros, mira todo lo que hacemos por ellos y por ti no’”.

Sara, además, siempre tiende a ser un verso suelto. “Bohemian, mi familia, también pasó a ser más como un sello acompañador que un verdadero proyecto de artista, así que todo se tiene que ir desligando poco a poco. Y con toda esa

GLOSARIO SOUNDCLOUD

RIP GANG | Con la Drain Gang en el corazón, Sara, Dillom, Ill Quentin, Evar, Odd Mami o Broke Carrey fundaron la Rip Gang y Bohemian Groove.

SAD BOYS / DRAIN

GANG | El colectivo sueco -Yung Lean, Bladee, Ecco2k...- ha sido la gran referencia para una generaciones de traperos emocionales.

SURF GANG | Epílogo hyper de Drain Gang en NY, tiene artistas como Eera, productores como evilgiane, y ha publicado a Nettspend, Xaviersobased, Snow Strippers, Rojuu...

OPIUM | F1lthy, Ojivolta o Twisco, esenciales para entender el sonido rage -trap x castlevania- de Playboi Carti, colaboran con Sara.

“SOY

DYLAN BRADY |

Miembro de 100gecs, no es esta faceta exactamente la que llamó la atención de Sara: “Siempre he sido muy fan del glitchcore, no tanto del hyperpop, y de eso conocía yo a Dylan Brady”.

CASEY MQ | “Estuve muy fanática del disco de Oklou, Choke Enough, y quise contar con él. Vino con una balada triste de piano que había hecho esa mañana y dijo que creía que me sentaba genial”.

escena alternativa de Fractura, EQ (Estratosfera y Qiri) o Fran (Francisca Cuello: Six Sex) conecto y me llevo increíble, pero también soy el alien: es un nicho muy queer y yo en el fondo me expreso y me presento de una manera muy heteronormativa. Sé que me aman y sintonizamos mucho en la electrónica, y por el hecho de que soy mujer, pero hay algo ahí con el trap que no termina de cerrar. En mi caso, me identifico mucho con Molly Santana o con Skaiwater, mujeres o personas queer y no binarias que tratan de hacer lo suyo dentro de un trap tradicional y machista. Es muy difícil”.

El desembarco en Interscope le abrió un universo infinito de probabilidades, y ella las aprovechó. “Llámame industry plant, que ya me pasa, pero cuando me preguntaron les planté una lista enorme de colaboraciones soñadas”, reconoce. Finalmente, en su nuevo álbum se han materializado muchas de ellas: F1lthy, uno de los productores principales de Playboi Carti, o su guitarrista en directo, Ojivolta; miembros fundamentales de la Surf Gang como evilgiane o DJH (aka DJ Heroine); salidas hacia un pop posdigital de la mano de Dylan Brady (de 100gecs) y Casey MQ (Oklou)... Una verdadera wishlist para cualquier trapero criado en la era Soundcloud. “Es raro porque no asi-

MATADEROS (INTERSCOPE / CAPITOL, 2026)

milas mucho nada mientras va pasando. Te va a sonar narcisista, pero yo sabía que esto iba hacia algo bueno desde el principio, que yo tenía algo para ofrecer que simplemente necesitaba un empujón, ayuda para llevarlo a puerto”, explica. “Al principio tenía muchas ideas, estaba muy inspirada, porque escuché mucha música y vi muchas películas gracias a Internet, y eso me puso a orbitar muy rápido el arte aunque fuera solo en un sentido filosófico. Cuando empecé a grabar música lo hicimos siempre así, sabiendo por qué lo hacíamos, con un background, un lore, un transfondo... Soy muy fantasiosa también, así que desde el día 1 me he creído esa fantasía. Estamos en el baile, y vamos a bailar. Soy colega de Nicki Nikole, del Duko, y puedo coincidir con ellos en eventos mainstream de aquí en Argentina y estar bien, pero no puedo hablar con ellos como hablo con evilgiane o con DJH, porque no compartimos ese amor por lo mismo. ¿Por qué soy tan amiga de Roc (Rojuu, que también ha colaborado con evilgiane)? ¿Por qué conecto con Yung Beef? Pues porque tenemos el mismo imaginario. Esa conexión hace que se diluya un poco el respeto que puede imponerte trabajar con figuras a las que admiras. El lado humano, luego, es muchísimo más importante”.

Cosas malas / En la oculta / Señal de dios / Tax Free / Gastando racks en designer / Millies Per Day / No tengo clase / Ik U Gonna Dig This / Encima de mí / MTD Dreams / Creo que nos podemos ir / Tierra con cristal / Despacio / 1PM / 3Faces Style / Tenemos piel / Uno atrás de otro

DIGITAL

SUPERGIRL

Por: Tali Carreto

Este 26 de junio aterrizará -nunca mejor dicho- en nuestras pantallas la nueva Supergirl, otro paso más de James Gunn en la creación de su ambicioso Universo DC y segunda entrega de esa saga inicial titulada ‘Capítulo 1: Dioses y Monstruos’. Aunque la prima del Hombre de Acero siga como antaño rubia y enfundada en una minifalda, algo nos dice que esta será una versión más acorde con los tiempos y no tan modosita como nació: malhumorada, deslenguada y, si hacemos caso a su protagonista Milly Alcock, “muy punk”.

Kara, Kara Zor-El, o simplemente Supergirl, apareció por vez primera a finales de los años cincuenta en el nº 252 de Action Comics, la misma cabecera que alumbró a su primo Superman. Si en 1938 el kryptoniano llegó a unos EE UU necesitados de esperanzas y patriotismo, lamiéndose las heridas de la Gran Depresión, nuestra heroína lo hacía en tiempos mucho más optimistas y candorosos. En 1959, Alaska y Hawái entraron a formar parte de la Gran Nación, Eisenhower se daba un baño de masas por la vieja Europa -abrazo incluido con nuestro Generalísimo, ay- y la NASA tomaba la primera fotografía desde el espacio. Vamos, que por aquel entonces USA no necesitaba para nada el lema de los actuales MAGA, porque ya era grande de cojones. Otro dato curioso e ilustrativo: tan solo dos meses antes de la llegada de Supergirl, Ruth Handler, presidenta de Mattel, presentaba en sociedad a la muñeca Barbie. Dos iconos femeninos en exquisita sintonía con su época. La Supergirl de entonces, como la famosa muñeca, nacía con una identidad bien concreta: mona, rubia… y al servicio de los hombres. Nada extraño tampoco que su creador, Otto Binder, también fuera el papá de otras dos supermujeres siempre a la sombra de sus macho men: Mary Marvel, la hermana melliza del Capitán Marvel -Shazam-, y Miss America, compañera de fatigas del mismísimo Capitán América. Las protagonistas de los cómics en aquellos años, por muchos superpoderes que tuvieran, encajaban al 200% en el estereotipo femenino del momento, uno sin atisbo alguno de empoderamiento.

Este se haría esperar, y tanto. Supergirl mantuvo su perfil de american beauty hasta 1985, cuando se sacrificó para salvar a su idolatrado primo en aquella saga que rehízo el Universo DC, Crisis en Tierras Infinitas. Pero incluso su muerte, por

muy decisión propia que pareciera, obedecía a los designios de un mundo de hombres: los gerifaltes de la editorial habían pensado, en su relanzamiento del Multiverso DC, que el único kryptoniano en todo el planeta debía ser Superman. ¿Mujeres para qué? Aquel adiós, pese a las apariencias, no sería nada definitivo, pues el personaje volvería dieciocho años después. Incluso entre medias pudimos conocer otra versión de Supergirl: Matrix, un protoplasma viviente de un universo alternativo. Ejem. Un año antes de aquel ya legendario número 7 de Crisis en Tierras Infinitas, nos llegaría Supergirl, la película, o más bien, Supergirl, el fiasco. Tras décadas siendo la chica buena de Krypton con minifalda en las viñetas, el personaje daba por fin el salto a la gran pantalla. Y lo hacía de la mano de los mismos productores de Superman, la exitosa película de Richard Donner: Alexander e Ilya Salkind, mexicanos pese a esos nombres tan europeos. Padre e hijo vieron en Kara la posibilidad de exprimir la gallina de los huevos de Krypton tras el taquillazo monumental del filme de Donner y los no menos agraciados estrenos de sus dos primeras secuelas, ambas firmadas por otro Richard, Lester. Claro que aquí decidieron

reducir los riesgos y recortaron el presupuesto a la mitad del filme original. Así, donde antes tenían a Marlon Brando como gran estrella invitada, ahora contaban con un Peter O’Toole alcoholizado y en horas bastante bajas. En lugar de otorgar a un inmenso Gene Hackman en la cresta de su popularidad el rol de villano, la mala malísima era una Faye Dunaway intentando recuperarse de las malas críticas de sus últimos filmes. Y, para colmo de penurias, el mismísimo Superman, Christopher Reeve, se largó antes del rodaje esgrimiendo las típicas diferencias creativas -léase: “el cheque no me convence”-, obligando a reescribir el guion originalmente previsto. Poco pudo hacer la desconocida Helen Slater, elegida como protagonista por delante de otras candidatas como Demi Moore, Brooke Shields o Melanie Griffith, ante semejante situación, agraviada todavía más por el tono naif de la historia y unos F/X de saldo. La película se hundió en taquilla en su segunda semana en salas y condenó a un ostracismo digno de la Zona Fantasma al personaje, hasta que la pequeña pantalla la rescató de 2015 a 2021 en una serie tan ligera como entretenida, y que mostraba ¡al fin! una visión feminista del mito, encarnada en una Melissa Benoist recién salida de Glee. Luego nos llegaría la Supergirl de pelo oscuro y corto que Andy Muschietti incorporó en 2023 a The Flash con el rostro de Sasha Calle, más cercana al Robin del Dark Night de Frank Miller que a la heroína de siempre. Y así hasta que este 2026 la australiana Milly Alcock -Rhaenyra Targaryen en La Casa del Dragón - promete ser la Supergirl que todas las niñas del presente esperaban, una mujer que no necesita de ningún primo para sentirse súper. Que tras la cámara esté Graig Gillespie (Yo, Tonya, Cruella ), y que Kara luzca camiseta de Blondie, nos da algo de esperanza.

Asistente de Chris Cla remont en la Marvel de los noventa, el califor niano Tom King se ha ganado después a pulso un nombre en la Dis tinguida Competencia revisionando personajes clásicos como Batman, Mr. Miracle, Nightwing, Wonder Woman… Y por supuesto, Supergirl, en esta miniserie de ocho números que combi naba una historia de amistad a lo Logan o The Last of Us con una mirada más compleja y oscura a los orígenes de nuestra heroína. Ha inspirado el filme que nos ocupa.

“¡Uh! ¡Ah! Las chicas son gue rreras”, cantaban los madrileños Coz allá por 1981. En DC siempre han tenido claro que ese estribillo es una verdad como un templo, y desde principios de los cuarenta ya empezaron a presentar en sociedad a super girls de todo pelaje y condición. Hawkgirl fue la primera en rom per el hielo, a la que siguieron Wonder Woman poco después, nuestra Kara a finales de los cin cuenta y Batgirl ya bien entrados los sesenta. ¡Mujeres al poder!

SUPERGIRL

Estrenada originalmente en CBS e incluida en el Arrowverse de The CW a partir de su segunda temporada, Supergirl, la serie, mostró en sus seis temporadas y 126 episodios una visión feminista del personaje, haciendo hincapié más allá de su protagonista en un universo lleno de mujeres independientes y fuertes. La pancarta contra Trump que llevó su protagonista

Melissa Benoist en la Marcha de las Mujeres de 2017 refrendó ese mensaje alto y claro: “Hola Donald, no intentes agarrarme por el coño. Está hecho de acero”.

Un personaje tan bigger than life como nuestro Hombre de Acero no es extraño que reúna a su alrededor toda una serie de satélites que han terminado por conformar un propio universo: la Superfamilia. Entre ellos, su prima Kara, ese clon ¡creado con ADN de Superman y Lex Luthor! que es Superboy, sus hijos con Lois Lane -Jonathan y Jordan-, o Karen Starr, alias Power Girl, la Supergirl de otra dimensión. ¡Menudas cenas de Navidad se tienen que montar en el hogar de los Kent!

En la última película de Superman, el perro Krypto se convirtió en todo un roba escenas, por lo que seguro que en esta Supergirl su presencia será aún mayor, no lo dudemos. Pero, ¿veremos algún día al resto de supermascotas? Porque ojo, en el hogar de Superman y familia hay para todos los gustos: Streaky, el supergato; Beppo, el supermono; Cometa, el supercaballo… En esta peli sale Lobo, pero no, no es un animal -o casi-.

SUPERGIRL (26 junio)

Warner / EE UU / 2026

Dirección: Craig Gillespie

Reparto: Milly Alcock, Matthias

Schoenaerts, Eve Ridley, Jason Momoa

Como toda buena peli de superhéroes, Supergirl también ha tenido sus superlíos. En esta ocasión, en torno a su banda sonora: hasta tres compositores diferentes han pasado por el rodaje. Primero Gunn y su socio Peter Safran, capos del DCU, confiaron en Ramin Djawadi, el creador de la famosa sintonía de Juego de Tronos. No contentos con su labor, le sustituyeron por Tom Holkenborg, más conocido como Junkie XL. Pero al final le han dado la batuta a Claudia Sarne, bregada en la TV y esposa de Atticus Ross.

Aprovechando la llegada este 26 de junio de ‘Supergirl’ -inspirada en el ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ de Tom King con ilustración de Bilquis Evely- nos liamos la manta a la cabeza y os entregamos un ránking de las superheroínas legendarias del cómic norteamericano. Entre estas tiras encontrarás, además, un relato de cómo ha cambiado la forma en que el poder femenino se ha representado en la sociedad a lo largo de estos años.

Por: Felipe Rodríguez Torres

Para datar el origen de la superheroína en el mundo del cómic, tendríamos que remontarnos a 1941, cuando el psicólogo William Moulton Marston creó el molde del que todas nacieron: Wonder Woman, la princesa de las amazonas. Lo que no esperaba DC Comics es que Marston introdujera en la década de los cuarenta sus teorías acerca del feminismo y el bondage en un tebeo dirigido a los críos. Y en cuanto se dieron cuenta, la reconvirtieron en un personaje absolutamente nada empoderado. Una norma que se mantendría incluso en los sesenta, cuando Stan Lee y Jack Kirby crearon iconos como Sue Storm (La Chica Invisible), Janet Van Dyne (La Avispa) o la Jean Grey de los X-Men primigenios. Todas ellas, aunque mucho más activas y con mayor protagonismo que sus compañeras de décadas pasadas, muestran, a ojos actuales y con cierto rubor, el paternalismo con el que guionistas como el titán de la Marvel representaban al género femenino. Mujeres florero, meras escisiones de sus compañeros sentimentales. En

los setenta el empoderamiento pasó siempre por la fuerza bruta, con personajes sobre todo imponentes por su aspecto físico, como Hulka, Misty Knight o Spider-Woman. Y no fue hasta después cuando una serie de autores como Marv Wolfman, Chris Claremont o Frank Miller comenzaron a reinterpretar el papel del género femenino en el cómic de superhéroes. Mujeres de fuerte presencia, atractivas físicamente -no hay que olvidar que el lector del género era predominantemente masculino-, pero con personalidades bien definidas, resolutivas y de poderosa actitud.

Es el caso de las X-Women de Claremont, por ejemplo: Tormenta, Kitty Pryde, Pícara, Mariposa Mental o un sinfín de creaciones del patriarca mutante, así como la reconversión de una pacata Jean Grey en una fuerza cósmica de la naturaleza, Fénix. O de la Sue Storm de John Byrne, que en sus manos pasó de entrañable ama de casa a Mujer Invisible. O Hulka, que pasó a tener una personalidad más definida y empoderada. Frank

Miller convertiría a bad girls como Catwoman en una igual para Batman, o una creación propia como la asesina ninja Elektra en algo parecido para Matt Murdock/Daredevil. Algo que la siguiente generación, la generación Image de los noventa, malinterpretó convirtiendo a esas chicas de fuerte actitud en pin ups lúbricas como Zealot, Voodoo o Witchblade, para adolescentes tan calenturientos como sus autores.

El nuevo milenio ha colocado las cosas en su sitio, volviendo a traer personajes femeninos que no necesitaban cuerpos salidos de Sports Illustrated para convertirse en iconos de pleno derecho del panteón superheroico. La Jessica Jones de Brian Michael Bendis, la Harley Quinn de Paul Dini y Bruce Timm o adolescentes herederas de la Kitty Pryde claremontiana como Kate Bishop, Spider Gwen o la nueva iteración de Ms. Marvel nos confirman que, aunque hablemos de superhéroes, esto realmente va de cosas muchísimo más corrientes.

WONDER WOMAN (1941)

Creación del psicólogo William Moulton Marston para DC Comics y primera mujer del canon superheroico, su origen es de los más bizarros de la historia del medio. Su creador, amante del bondage y de la liberación femenina, coló a una línea dirigida a los niños su ideario feminista y sexual, hasta que DC Comics se dio cuenta y la acabó arrinconando como secretaria del primer supergrupo de la editorial, la JSA. No fue hasta los ochenta que volvió a brillar en la reinterpretación del personaje realizada por George Pérez. A partir de ahí ha pasado por manos de los mejores autores, hasta la Absolute Wonder Woman de Kelly Thompson, versión extrema de la amazona.

SUPERGIRL (1959)

Aparecida por primera vez en 1959 en Action Comics 259 como insigne prima de Superman, el personaje languidecería después hasta fallecer en 1985 en Crisis en Tierras Infinitas a manos de Marv Wolfman y George Pérez, creando un cisma en el hasta el momento tranquilo universo DC. Y, aunque el personaje original no reaparecería hasta 2004 de la mano de Jeph Loeb y Michael Turner y se convirtiera en parte fundamental del canon contemporáneo de Superman, habría que destacar la versión perpendicular creada por Peter David en los años noventa junto a dibujantes como Gary Frank y Leonard Kirk, y la serie regular más reciente de Sophie Campbell o el Supergirl: Woman of Tomorrow de Tom King.

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PÍCARA (1981)

De villana mutante perteneciente a la Hermandad de Mutantes Diabólicos a villana redimida como miembro de los X-Men. Nueva muestra de la habilidad de Claremont para los personajes femeninos.

DAZZLER (1980)

Estrella pop mutante creada también por Chris Claremont en los X-Men, Alison Blaire superaría su etapa disco a lo largo de las décadas convirtiéndose en parte fundamental del cosmos mutante.

MARIPOSA MENTAL (1976)

Otra ingeniosa transformación de Chris Claremont, Mariposa Mental pasó de telépata modosita como Betsy Braddock a asesina despiadada al fusionarse con la letal asesina ninja Kwannon. Dos en uno.

HULKA (1979)

Réplica en femenino de Bruce Banner, Jennifer Walters no destacaría hasta que John Byrne la integrara en Los Cuatro Fantásticos y en la serie regular de los ochenta, rompiendo definitivamente la cuarta pared.

BATGIRL (1967)

Aparecida por primera vez en Detective Comics 359, la hija del comisario Gordon se convertiría en memorable tras quedar lisiada por el Joker en el clásico Batman: La broma asesina de Alan Moore.

LA BRUJA ESCARLATA (1963)

De villana mutante e hija de Magneto en la época de Lee y Kirby a la heroína más poderosa e inestable del universo Marvel y vengadora de honor, donde su “No más mutantes” cambió para siempre dicho universo.

JEAN GREY (1963)

No sería hasta que Chris Claremont pusiera sus manos en los X-Men en 1975 que Jean Grey se convertiría en el personaje por antonomasia del universo mutante como Fénix. Antes solo había sido Chica Maravilla.

TORMENTA (1975)

Primera superheroína negra de la historia. Gracias a Chris Claremont, la diosa de la tormenta se convirtió en uno de los personajes femeninos más complejos -y amenazadores- de la historia del medio.

BATWOMAN (2006)

Aunque ya existía una versión de los años cuarenta, la que se ha convertido en una de las superheroínas de culto del nuevo siglo es la versión actualizada y oscurísima de Katie Kane creada por Greg Rucka y el ilustrador J. H. Williams en 2006, dentro de la serie Detective Comics. Con su propia serie regular también de la mano de Williams, y otra nueva versión a cargo de Rucka y el dibujante Dani, es la primera superheroína lesbiana de DC Comics, y tan letal como su homólogo masculino.

CASSANDRA CAÍN / BATGIRL (1999)

Hija del asesino Caín y aparecida por primera vez en Batman 567 dentro de la macrosaga Batman: Tierra de nadie, Cassandra Caín fue el gran revulsivo para la franquicia del hombre murciélago en los años 2000. Fue la primera Batgirl en tener su propia serie regular, con una nueva iteración guionizada por Tate Brombal, y actualmente protagoniza entre otras superheroínas la nueva versión de Aves de Presa. Su estética oscura y actitud agresiva la han convertido en favorita de los fans.

CAPITANA MARVEL (1977)

Aunque se estrenó como Ms. Marvel a la sombra del Capi, en el momento que Claremont la acogió en su regazo dio lugar a una de las heroínas más torturadas y resilientes de Marvel Comics.

SPIDER-WOMAN (1977)

Conocimos a la primera mujer arácnida como Jessica Drew en los setenta. Su imaginería estética la convertiría en emblema de la editorial en dicha década, aunque para Stan Lee fuera solo una estrategia comercial. 12 7 4 13 14 5

MS. MARVEL (2014)

De inhumana a mutante, la americana-pakinstaní Kamala Khan se convertiría en una especie de Peter Parker para una nueva generación de fans de Marvel, gracias a G. Willow Wilson. La superheroína de la Gen Z.

VIUDA NEGRA (1964)

Espía de la paranoia anticomunista de la Marvel de los sesenta, reconvertida en la gran superespía y miembro fundamental de Los Vengadores poco después, Scarlet Johannson la interpretó en la gran pantalla.

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WITCHBLADE (1995)

Sara Pezzini, la detective -y dueña del Witchblade que una vez poseyera Cleopatra- creada por David Wohl y Michael Turner para el sello Top Cow, dio lugar a un universo de éxito dentro del comic independiente americano de los noventa inaugurando una franquicia donde el género superheróico se daba la mano con el sadomaso -influenciado por el porno noventero-. Verdadero thrash que, sin embargo, representaba muy bien el estado de la cuestión del tebeo americano post Image Comics.

HARLEY QUINN (1992)

Posiblemente el personaje surgido del bat-universo más popular de las tres últimas décadas. Y su origen nace no en las viñetas, sino en la serie de animación de Paul Dini y Bruce Timm de los años noventa como novia del Joker. Tan importante fue su éxito que en 1999 entraría de lleno en el universo original de los cómics pasando de mero sidekick villanesco a superheroína carismática e inestable con múltiples lecturas y caras.

POSION IVY (1966)

ZEALOT (1992)

Miembro de los Wildcats creados por Jim Lee en la Image originaria, esta guerrera extraterrestre fue el verdadero reflejo de las bad girls salidas del grim and gritty de los años noventa. ¿She-Woman?

THOR: DIOSA DEL TRUENO (2014)

Jason Aaron, en su memorable etapa al frente de Thor, daría un giro de 180º convirtiendo a la enfermera Jane Foster en la heredera de Mjolnir, y haciéndonos olvidar al hijo de Odín.

CANARIO NEGRO (1947)

Al igual que Catwoman y Harley Quinn, la botánica Pamela Isley, Hiedra Venenosa, ha pasado de villana del universo Batman a antiheróina ecologista de la mano de G. Willow Wilson. Personajazo.

De novia de Linterna Verde a heroína por derecho propio tras el trauma que le infligió Mike Grell en 1987. Esta luchadora implacable se convirtió en una de las superheroínas más empoderadas de DC Comics. 26 27

KITTY PRYDE (1980)

Miembro más joven de los X-Men, Pryde fue la mutante más representativa para el fandom por su actitud más cotidiana y por tener una mascota monísima, Lockhead, un pequeño dracoalien morado.

LA CHICA/MUJER INVISIBLE (1961)

Si para Lee y Kirby era el miembro más débil de los 4 Fantásticos, John Byrne convertiría a Sue Storm en los ochenta en el miembro más poderoso de la Primera Familia.

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LA GATA NEGRA (1979)

La versión del universo Marvel de la Catwoman de DC llegó de la mano de Marv Wolfman y Keith Pollard en The Amazing Spider-Man 194, y su aterrizaje provocó un cambio en el statu quo de Peter Parker. Sumándose como gran elemento desequilibrante al triángulo amoroso de Spider-Man con Gwen Stacy y Mary Jane Watson, Felicia Hardy supo sin embargo separarse de su sombra arácnida, protagonizando varias series regulares que la han convertido en icono por derecho propio.

LA AVISPA (1963)

La millonaria Janet Van Dyne era un miembro decorativo de Los Vengadores hasta que el relato de los malos tratos de su pareja la convirió en personaje principal de la franquicia. Es una de sus líderes más recurrentes.

GAMORA (1975)

Aunque apareció en los setenta, la hija de Thanos no destacó hasta la versión de Guardianes de la Galaxia de 2008 a cargo de Dan Abnett, que sirvió de inspiración para la película de James Gunn que la consolidó.

ELEKTRA (1981)

La primera aparición de Elektra Natchios fue en Daredevil 1969 -obra de Frank Miller y creación del mismo-. Es posiblemente la antiheroína por excelencia del universo Marvel. Novia de Matt Murdock en la universidad y reaparecida años después como miembro de La Mano, su muerte a manos de Bullseye se convertiría en la primera de muchas tragedias para él. También para Miller cuando Marvel decidió resucitarla.

CATWOMAN (1940)

La gran antiheroína de DC Comics. Amante y rival del hombre murciélago, en Batman: Año Uno fue reconvertida por Frank Miller en un personaje profundísimo con millones de aristas. Sus pasos por el cine: icónicos.

ECO (1999)

La heroína muda creada por David Mack y Joe Quesada en Daredevil 11, dentro de Marvel Knights, ha rozado la popularidad de la omnipresente Elektra. Una suerte de ronin con reflejos sobrehumanos.

MISTY KNIGHT (1975)

Hija del blaxploitation cinematográfico, la investigadora y luchadora biónica es una de las mayores badasses del universo Marvel. Se dio con su novio, Puño de Hierro, el primer beso interracial de la historia del cómic.

RAVEN (1980)

De nuevo Wolfman y Pérez en Los Nuevos Titanes dieron en la diana con el miembro más oscuro y misterioso del supergrupo, punto de partida de su primer arco argumental y aproximación a lo arcano de DC.

CAZADORA (1989)

Helena Bertinelli -implacable cazadora- es una más de las vigilantes que pueblan Gotham City y sus mafias. Su sed de venganza ha hecho que su relación con Batman no sea del todo pacífica.

JESSICA CRUZ (2014)

Una de las incorporaciones más recientes al universo de Linterna Verde, creada por Geoff Johns. Muy del siglo XXI, su trastorno de ansiedad y su pánico agorafóbico son sus principales señas de identidad.

POLARIS (1968)

Mutante ama del magnetismo, e hija a ratos de Magneto, Lorna Dane tuvo la suerte de que su imagen gráfica fuera obra del gran Jim Steranko a partir de la icónica portada de X-Men 49 Un poco Bruja Esmeralda.

SPIDER-GWEN (2014)

Surgida del evento del spiderverso obra del guionista Dan Slott, pero creada por el guionista Jason Latour y el dibujante Robbie Rodríguez, esta versión perpendicular de la famosa Gwen Stacy dio en la diana del fandom sobre todo por su aspecto poliédrico, digital y futurista, reforzado en el mainstream por su versión animada en las películas del Spiderverso de Sony Pictures. Es, hasta la fecha, una de las grandes revoluciones estéticas de la compañía, pura magia cel shading.

WONDER GIRL (1965)

Aunque nacida en la Silver Age, no sería hasta los años ochenta -en Los Nuevos Titanes de Wolfman y Pérez- que Donna Troy se convertiría en una de las estrellas de DC Comics, casi emulando al ídolo disco Donna Summer.

MAGIK (1983)

Illyana Rasputín, hermana del miembro de los X-Men Coloso, era un personaje terciario hasta que Claremont decidió llevarla al Limbo y convertirla en una de las magas más poderosas del universo Marvel.

POWER GIRL (1976)

La Supergirl de Tierra 2 tuvo unos momentos caóticos tras las Crisis de Wolfman y Pérez, pero su reconversión en icono voluptuoso de DC Comics, gracias a Amanda Conner y a Crisis infinita, le ha dado su sitio.

STARFIRE (1980)

La princesa Koriandr -obra de Wolfman y Pérez, también en Los Nuevos Titanes ochenteros- insufló sensualidad y fuego en el universo DC en una serie mítica para los fans de la editorial. Su versión Teen Titans es mítica.

DOMINO (1991)

Creada por el hiperbolizado Rob Liefeld en la versión militarizada de Los Nuevos Mutantes, reconvertidos a X-Force, ha podido salirse de la sombra de su creador con apariciones en películas, series, videojuegos...

MARY MARVEL (1942)

La hermana gemela del Capitán Marvel o Shazam no ha tenido mucha suerte, pero la miniserie de Sophie Campbell de 2022, que resignifica a esta especie de Superblancanieves, la ha situado en el punto de mira de DC.

ZATANNA (1964)

Hija del mago Zatara, y traumatizada por John Constantine y Alan Moore en La cosa del pantano, esta bruja ha sido revitalizada por autores como Javier Rodríguez o Jamal Campbell en la actualidad.

TIGRA (1972)

Aunque su origen data de los setenta, los dos guionistas que realmente han desarrollado a un personaje tan sensual -gata reconvertida en tigresa- como infrautilizado han sido Steve Englehart y Bendis.

JESSICA JONES (2001)

En esos ejercicios de retrocontinuidad que tanto le gustan a Brian Michael Bendis, gran arquitecto de la Marvel de los primeros dosmiles, el guionista dio lugar a su mejor idea en el universo superheroico dentro de la serie Alias, el primer tebeo del sello adulto Max. Una detective que ahonda en los rincones más oscuros del universo Marvel y que deviene en Power Woman a lo largo de apariciones cada vez más memorables.

BIG BARDA (1971)

Una de las creaciones que más han perdurado en la actualidad de El Cuarto Mundo de Jack Kirby para DC Comics, esposa de Mr. Miracle y mujer -nunca mejor dicho- de armas tomar. Uno de los Nuevos Dioses.

KATE BISHOP (2005)

La heredera de Ojo de Halcón nació de la mano de una de las mejores ideas de los dosmil, Los Jóvenes Vengadores, y tuvo una serie regular de la mano de Kelly Thompson a revalorizar. Un personaje muy del siglo XXI.

MEDUSA (1965)

Creación gráfica de Jack Kirby en Fantastic Four 36, y primer atisbo de una de las invenciones más interesantes de la Marvel sesentera, la raza de Los Inhumanos. Fue una de Los 4 Terribles, villanos todopoderos del F4.

CHICA HALCÓN (1940)

Aunque ha tenido muchísimas interpretaciones a lo largo de las épocas -muy buena la de Jorge Jiménez-, lo que mantiene siempre el personaje de Shiera Hall es el amor imperecedero por Carter Hall, Hawkman.

PÁJARO BURLÓN (1971)

Aunque aparece en los 70 con un look muy ABBA, fue de la mano de Steve Englehart que la esposa de Ojo de Halcón destacaría en los 80. Chelsea Cain le dio una nueva vida con su miniserie feminista de 2015.

Eyes Full

Matador / Popstock! / 5 junio

Nacida en Tennessee hace 25 años, Zoh Amba se hizo más o menos conocida en la escena vanguardista y experimental de Nueva York gracias a su trabajo al saxofón, y colaborando con un amplio rango de artistas que van desde Wendy Eisenberg hasta Trevor Dunn, de Brian Chase de Yeah Yeah Yeahs al jazzista Matthew Shipp o a improvisadores como Luke Stewart o Mark Dresser. No se queda ahí: el mismísimo John Zorn completó el quinteto que la artista lideró para el que fue su primer disco, O, Sun (2022), publicado por Tzadik Records, y en 2023 compartió trío con el guitarrista experimental Bill Orcutt en The Flower School Sun (2025), su anterior trabajo y un ejercicio casi sin red de free jazz introspectivo, llegó en un sello tan prestigioso como Smalltown Supersound, y ahora, tras formar parte también de la banda en directo de Iggy Pop, aterriza en Matador con un giro inesperado. Aparta el saxo, agarra una guitarra que siempre fue su instrumento principal y deja que salga su propia voz en Eyes Full, un disco en el que se abandona al folk de los Apalaches y el Laurel Canyon con la intensidad vocal de una Adrianne Lenker, sin renunciar a su relación con las disonancias.

ZOH AMBA

Foto:

E leonore Hendricks

MACHINEDRUM

BL00MS EP

IAMSIAM / Autoeditado

2 junio

El productor se lo monta por primera vez por su cuenta en esta carta de amor a su camino entre glitches, bajos y ritmos rotos.

BEDOUINE

Neon Summer Skin

Thirty Tigers / Popstock!

5 junio

Una invitación a los paisajes, sonidos y leyendas del Laurel Canyon. Folk alucinado, pastoral, nostálgico. Y diseño de Robert Beatty.

DEATH CAB FOR CUTIE

I Built You a Tower

Anti- / [PIAS]

5 junio

Tras más de 20 años haciendo “indie” desde una multi, este es el retorno de los de Ben Gibbard a un circuito indie de verdad.

LAURA MISCH

Lithic

One Little Independent

5 junio

La saxofonista nos sorprende con un giro electrónico y experimental basado en fuerzas telúricas y construido con grabaciones en cinta.

LIZZO

Bitch Atlantic

5 junio

Tras el backlash por sus comportamientos abusivos y un importante cambio físico, ¿podrá Lizzo recuperar la confianza del fan?

MODEST MOUSE

An Eraser and a Maze

Glacial Pace Recordings

5 junio

Otros que vuelven al redil indie -y a un sonido más esencial- después de dos décadas en Epic. Algo está pasando, está claro.

DJ SEINFELD

If This Is It Ninja Tune / [PIAS] 5 junio

En su tercer trabajo largo, el productor sueco ofrece lo más parecido a lo que podría ser su idea del pop electrónico. Abierto a voces, sí, y a instrumentos orgánicos, pero guiado por la propulsión rítmica de las máquinas y una melancolía bailable que le pertenece al club.

THE STROKES

Reality Awaits / RCA / 26 junio

Tras conquistar Coachella denunciando las operaciones de la CIA y el gobierno de EE UU en política exterior, la doctrina del shock, los bombardeos en Irán y Gaza, los Strokes vuelven a la acción con disco y gira mundial. Además, Julian Casablancas cambia el vocoder radiofónico por el autotune.

NIALL HORAN Dinner Party Capitol 5 junio

El ex One Direction más folky y atmosférico insiste en esta dirección en un trabajo influido por Damien Rice y por el sonido de Dirty Hit.

PROSPA

Free Your Mind

Rockstar / Circoloco Records 5 junio

El propulsivo dúo británico debuta por fin en largo tras cinco años incendiando club tras club por Gran Bretaña, Ibiza, Europa, el mundo.

TARA CLERKIN TRIO

Somewhere Good World of Echo 5 junio

El trío de Bristol es la “banda perfecta” según Ryan Davis, y seguramente según tu dealer musical favorito. Trip jazz al cubo.

THOMAS BANGALTER

Mirage

Erato / Warner Classics 5 junio

Tras Mythologies, el ex Daft Punk ahonda en su inmersión en el clasicismo y el ballet contemporáneo con su nuevo trabajo.

VINCE STAPLES

Cry Baby

Loma Vista / Music As Usual 5 junio

El rapero de Long Beach, referente del rap en la última década, abraza sonidos orgánicos y por momentos se acerca al punk.

BOYNEXTDOOR

Home

KOZ 8 junio

La boyband coreana se pone dirty y más oscura en el que es su debut largo, listo para la conquista del mercado internacional.

BAAUER U LuckyMe 12 junio

Nunca se fue, pero el del Harlem

Shake regresa con una celebración de su legado electrónico supervisada por Hudson Mohawke.

BEBE REXHA

Dirty Blonde

Empire 12 junio

Eurodance, electroclash, rock electrónico, big beat, vibras dosmileras... Todo para confirmar a Rexha como una de las grandes divas.

DEBIT

Potpourri

NAAFI

12 junio

Después de una carta de amor hauntológica al Sonido Dueñez, Delia Beatriz sigue la senda club y propulsiva de System. Gasolina.

KELSEY LU

So Help Me God

Dirty Hit / Music As Usual 12 junio

Giro de pop oscuro, camerístico, barroco y avant-garde coproducido por Jack Antonoff. ¿He dicho ya que el mundo está cambiando?

GRAHAM COXON

Castle Park

Transgressive 19 junio

La actividad de Blur -y después del propio Coxon- frustró la salida de este disco en 2012, pero nunca es tarde si la dicha es buena.

POND

Terrestrials

Mangovision 19 junio

La psicodelia se echa a un lado -solo un poquito- en el nuevo trabajo de los australianos, alucinados pero ahora más directos.

BRUTALISMUS 3000

Harmony

Columbia 26 junio

De secreto techno punk en Berlín a portadores mundiales de la llama gabber pop. Su debut llega en major y con colabos de rigor.

CHANEL BEADS

Your Day Will Come

Jagjaguwar / Popstock!

26 junio

Una voz distorsionada y asfixiada de efectos peleando en la inmensidad, y entre brumas dream pop y cuerdas sampleadas, contra un tapiz de ritmos intensísimos. El proyecto del neoyorquino

Shane Lavender avanza con él, pero sin hacerse del todo corpóreo.

SIEMPRE NO

El campamento de fútbol y actuación del rey Pelé

Autoeditado / 5 junio

La onda madrileña del tontipop -un pop ruidoso, casero y de preocupaciones contemporáneas traído realmente del indie estadounidense- aterriza con fuerza en México gracias a María, Cosme, Miguel y Toño. ¿Axolotes madrileños?

DJ PLEAD

Please

Smalltown Supersound 26 junio

Meditaciones dub y tech-house sobre microtonías arábigas en un trabajo con ecos de Muslimgauze: Líbano meets Club Romántico.

DOWNTOWN BOYS

Public Luxury

Sub Pop / Popstock 26 junio

¿Y si la Orchestre Tout Puissant

Marcel Duchamp fuera de unos

EE UU fronterizos y bastardos?

¿Sonarían como ellos?

FAI LACI

Elephant in the Room Easy Eye 26 junio

Si a estos punkrockeros bostonianos Dan Auerbach les abre su estudio en Nashville y un hueco en Easy Eye es por algo, ¿eh?

GEORGIA WEBSTER

Everything Must Go Peach Records 26 junio

La artista estadounidense hace el camino taylorswiftiano del folk al pop, pero desde la independiencia en un debut algo genérico.

IBEYI

Offering AWAL 26 junio

Las franco-cubanas cambian XL por AWAL, pero no su sonido ritualista y ancestral, que fusiona folclore y pulsos electrónicos.

MUSE

The Wow! Signal Warner 26 junio

¿Muse y Boards of Canada hablando de la señal Wow! -una frecuencia alien- con semanas de diferencia? ¡Yo no me lo pierdo!

TEMPLES

Bliss V2 28 junio

El Currents de los británicos, aunque en su caso la referencia sean más Justice y The Prodigy. Un salto mortal a la pista de baile.

PIONERAS: SOLO QUERÍAN JUGAR

Dir. Marta Díaz de Lope Díaz Rep. Sofía de Iznájar, Bruna Lucadamo, Aixa Villagrán España / 2026 / Filmax 12 junio

Nominada a la Biznaga de Oro del Festival de Málaga, donde conquistó además el Premio del Público, Pioneras narra la historia de un grupo de chicas que, a principios de los setenta, durante los últimos coletazos de la dictadura franquista, luchan por su sueño de jugar profesionalmente al fútbol y configuran el primer equipo femenino de nuestro país. Sin ellas, jóvenes luchadoras y tenaces que rompieron moldes y que se rebelaron contra lo que se esperaba de ellas y contra una idea machista y paternalista de feminidad, no sería hoy España uno de los países con mayor salud y desarrollo en el fútbol femenino. Pero en su relato se cuela el eco de todas las generaciones posteriores que, dictaduras al margen, han tenido que demostrar que el fútbol no es solo cosa de hombres, y que las únicas pelotas necesarias son las que ruedan por el campo. Daniel Ibáñez (Segundo premio) lidera como el idealista visionario Javier Poga -un joven que se jugó el cuello para apostar por el equipo femenino- un reparto plagado de nuevas estrellas: Aixa Villagrán (La Virgen Roja), las debutantes Sofía de Iznájar y Bruna Lucadamo, o Nora Otxoteko, Leire Aguilar, Lorea Carballo y Miriam Rubio.

LA IRONÍA DEL AMOR

Dir. Chandler Levack / Rep. Barbie Ferreira, Devon Bostick

Canadá / 2025 / Adso Films / 5 junio

A mí, el verano de 2011 me pilló en Malta, haciendo una beca del MEC para aprender inglés que realmente se convirtió en la excusa perfecta para enamorarme de un alemán guapísimo con ascendencia italiana al ritmo de Rihanna, The Rapture, Metronomy o M83. Amor, verano, música..., los temas de este film.

CAPE FEAR

Cr. Nick Antosca

Rep. Javier Bardem, Amy Adams Miniserie / 5 junio

Adaptación, en formato serial y con un terrorífico Javier Bardem, del clásico de terror El cabo del miedo que en su momento dirigió Martin Scorsese. Produce Spielberg.

ESTE CUERPO MÍO

Dir. Afioco Gnecco, Carolina Yuste

Rep. Afioco Gnecco, Carolina Yuste Largo / 5 junio

Carolina se lanza con su amigo Rafael hacia una historia de aceptación, reconocimiento, transformación, que repasa los primeros años de su transición con pulso emocional.

HE-MAN Y LOS MASTERS DEL UNIVERSO

Dir. Travis Knight

Rep. Nicholas Galitzine, Camila Mendes Largo / 5 junio

La bizarrada del verano: el cine vuelve a contar la historia del origen de He-Man, el hombre más poderoso del Universo, y su lucha interestelar contra las fuerzas de Skeletor.

LA LUZ

Dir. Fernando Franco

Rep. A. San Juan, P. Casablanc Largo / 5 junio

Cuando un sacerdote está a punto de colgar los hábitos, de pronto oscuros secretos de su pasado amenazan con salir a la luz. ¿Cómo se gestiona el abuso dentro de la Iglesia?

LOS ILUSOS 13+13

Dir. Jonás Trueba

Rep. F. Carril, Aura Garrido

Largo / 5 junio

Trueba reimagina, 13 años después, su película de 2013, Los ilusos, su gran cinta sobre la inspiración, rodada en su momento en blanco y negro y ahora presentada a todo color.

MÉXICO 86

Dir. Gabriel Ripstein

Rep. Diego Luna, Karla Souza

Largo / 5 junio

La historia real de Martín de la Torre, un tiburón sin escrúpulos que consiguió, a base de artimañas y favores imposibles, que México acogiera el Mundial de Fútbol de 1986.

REBUILDING

Dir. Max Walker-Silverman

Rep. Josh O’Connor, Lily LaTorre Largo / 5 junio

Una de las sorpresas de Sundance en 2025. Llega a España esta cinta sobre segundas oportunidades que nos recuerda el poder de la comunidad, dan igual las circunstancias.

LA CASA DEL DRAGÓN (3ªT)

Cr. Ryan Condall, George R.R. Martin / Rep. Emma D’Arcy, Matt Smith

EE UU / 2026 / HBO / 22 junio

Tras una segunda temporada gélida, lenta y diseñada como un caldero en el que hervir toda la tensión acumulada entre las dos ramas Targaryen contendientes por el trono, la Danza de Dragones estalla definitivamente en esta nueva entrega mucho más dinámica, ambiciosa y espectacular. Dracarys.

TOY STORY 5

Dir. Andrew Stanton EE UU / 2026 / Disney-Pixar Largo / 17 junio

Otro movimiento genial por parte de la franquicia juguetera de Pixar, la única que demuestra seguir siendo necesaria generación tras generación. Ahora, en pleno 2026, un Woody con calva, Buzz y el resto de juguetes se enfrentan a una nueva amenaza: Lilypad, una tablet interactiva que representa cómo lo digital ha desplazado a prácticamente todos los juguetes clásicos, analógicos. Pero, ¿es Lilypad realmente el enemigo?

SCARY MOVIE

Dir. Michael Tiddes

Rep. Anna Faris, Marlon Wayans Largo / 5 junio

La mítica saga de terror que se cachondea de todas las sagas de terror regresa tan irreverente e hilarante como siempre, pero también más absurda, en su sexta entrega.

TODOS NUESTROS AÑOS

Dir. Tara N. Weyr, Jeff Byrd, Gillian Robespierre

Rep. Sadie Soverall, Matt Cornett Miniserie / 10 junio

La novela romántica de Carley Fortune llega a Prime Video en forma de serial televisivo. ¿Puede la amistad convertirse en amor? ¿Existen las almas gemelas?

EL DÍA DE LA REVELACIÓN

Dir. Steven Spielberg

Rep. Emily Blunt, Josh O’Connor Largo / 12 junio

Poco se sabe de la nueva película de Spielberg, aparte de que es un retorno a sus temas fetiche -la ciencia ficción- y supone un reencuentro con el guionista David Koepp.

JOIKA

Dir. James Napier Robertson

Rep. Talia Ryder, Diane Kruger Largo / 12 junio

Ningún sueño es imposible, pero todos tienen un precio: Joika cuenta la historia real de Joy Womack, la primera bailarina estadounidense en graduarse en el Ballet Bolshoi ruso.

SOLOMAMMA

Dir. Janicke Askevold

UNA PISTOLA, UNA BALA Y UN OSO PANDA

Dir. Oriol Cardús

Rep. A.Hernández, José Troncoso Largo / 12 junio

Oriol Cardús debuta con una alocada historia protagonizada por un director malavenido que podría ser trasunto suyo. Eso sí, a él empiezan a pasarle cosas bastante surrealistas.

Rep. Lisa Loven Kongsli, Herbert Nordrum Largo / 12 junio

La curiosidad de una madre soltera fecundada por un donante y la curiosidad de una periodista colisionan en el solvente debut del noruego, que brilló en Locarno.

UN TALENTO ÚNICO

Dir. Daniel Roher

Rep. Leo Woodall, Havana R. Liu Largo / 12 junio

Un joven aprendiz de pianista con hiperacusia descubre que su condición le concede un talento oscuro: abrir cajas fuertes. Esto desata un thriller de atracos bastante apetecible.

EL GUARDIÁN DEL ÁRBOL DE ALCANFOR

Dir. Tomohiko Ito Japón / 2026 / Vértigo Films / Largo / 12 junio

Una fábula -muy japonesa: pausada, mágica, espiritual y con moraleja- sobre segundas oportunidades: un joven acaba en la cárcel tras una serie de malas decisiones tomadas a raíz de la muerte de su padre, pero un misterioso abogado le ofrece una salida: convertirse en el Guardián del Árbol de Alcanfor.

15 PRUEBAS DE AMOR

Dir. Alice Douard

Rep. Ella Rumpf, Monia Chokri Largo / 19 junio

La cineasta francesa debuta por fin en largo con una película muy sensible, que discurre por una fina línea entre la comedia romántica y el drama sobre la maternidad.

HABITACIÓN Nº 13

Dir. Mattias Johansson Skoglund

Rep. Philip Oros, Anki Lidén Largo / 19 junio

Posesiones demoníacas, convalecencias geriátricas, casas del horror... Todo tratado con un tono sobrio, silente y gélido en el debut largo del director sueco.

VIVA

Dir. Aina Clotet

Rep. Aina Clotet, Marc Soler Largo / 19 junio

Trágica y cómica a partes iguales, esta locura que toca el ecologismo, el romance imposible, el edadismo o la enfermedad, le ha valido a Clotet un premio revelación en Cannes.

TRÍO

Dir. Anders Hazelius

Rep. A. Wittgenstein, F. Sandman

Serie / 22 junio

Una especie de versión milenial -y sueca- de la Soñadores de Bertolucci, sin todo ese erotismo sugerente y libre y, en su lugar, con una buena mochila de traumas.

NORMAL

Dir. Ben Wheatley

Rep. Bob Odenkirk, Lena Headey

Largo / 26 junio

Bob Odenkirk se desquita como héroe de acción -¿el nuevo Bruce Willis?- en otra locura marca de la casa Wheatley, llena de tipos duros, mafiosos, criminales y tiroteos.

OBSESSION

Dir. Curry Barker

Rep. M.Johnston, Inde Navarrete Largo / 26 junio

De genio del horror en Youtube a genio del horror a toda pantalla: Barker lleva lo visto en Milk & Serial a otro nivel, con una película muy malrrollera que triunfó en Sitges.

THE BEAR 5ªT

Cr. Christopher Storer

Rep. J. Allen, E. Moss-Bachrach

Serie / 26 junio

Con su quinta temporada, The Bear echa el cierre tras varios años siendo el equivalente televisivo a un Estrella Michelín. Una retirada a tiempo es una victoria.

LANDING VIDEO

POR: ADRIANA RAMIRO

AVATAR: FUEGO Y CENIZA

Dir. James Cameron / Rep. Sam Worthington, Zoe Saldaña

EE UU / 2025 / 20th Century / 25 junio

Tras arrasar a su paso por salas comerciales, la tercera entrega de la saga presenta ediciones en vídeo con más de 3 horas de adicionales (solo para UHD y Blu-ray), ocupadas mayormente por un detallado making of en 13 capítulos. En paralelo se pone a la venta un pack recopilatorio con la trilogía.

ARCO

Dir. Ugo Bienvenu

Rep. Oscar Tresanini, M. Ringard Francia / 2025 / Karma / 9 junio

No puede ser casual que una de las voces pertenezca a Alma Jodorowsky... A medio camino de Moebius y Miyazaki, una maravillosa fantasía made in Europe.

FLORES PARA ANTONIO

Dir. Elena Molina, Isaki Lacuesta Rep. Alba Flores, Lolita España / 2025 / A Contrac. / 9 junio

Con entrevistas en San Sebastián a Elena Molina e Isaki Lacuesta, y a Alba Flores, además del videoclip del tema central de la propia Alba Flores y Sílvia Pérez Cruz

HOPPERS

Dir. Daniel Chong

Rep. Piper Curda, Bobby Moynihan, Jon Hamm

EE UU / 2026 / Disney 10 junio

Daniel Chong, el creador de Somos osos, vuelve a Pixar, el lugar donde se formó como cineasta, para devolver a la casa el caracter lúdico que ha ido perdiéndose a base de tanto filosofar sobre el drama de hacerse adulto. Echamos en falta el UHD, pero a cambio Disney presenta una edición en Blu-ray con muchos extras: making of, tomas falsas y eliminadas,...

SONATA DE OTOÑO

Dir. Ingmar Bergman

Rep. Ingrid Bergman, Liv Ullmann Ale. / 1978 / A Contrac. / 9 junio

Junto a Como en un espejo, los dos títulos de Bergman que A Contracorriente recupera este mes por vez primera en Blu-ray. Incluye libreto e introducción de Ariadna Vidal.

2013: RESCATE EN L.A.

Dir. John Carpenter

Rep. Kurt Russell, Stacy Keach EE UU / 1996 / Paramount / 10 junio

Edición en steelbook que viene a complementar la primera versión en UHD que salió a la venta en 2022 del clásico de Carpenter. Edición muy chula, pero todavía sin extras.

LOS TIGRES

Dir. Alberto Rodríguez

Rep. A. de la Torre, Bárbara Lennie España / 2025 / Divisa / 10 junio

Alberto Rodríguez convierte la dura vida de dos hermanos que sobreviven al día a día como buceadores, en un thriller que es marca de la casa. Incluye making of.

MOSS & FREUD: EL ARTISTA Y LA MODELO

Dir. James Lucas

Rep. Ellie Bamber, Derek Jacobi RU / 2025 / Divisa / 10 junio

Ellie Bamber es Kate Moss y Derek Jacobi es Lucian Freud. Chimpún. Final de la sinopsis y principio de otra película sobre un pintor y su diva. Sin adicionales.

RENTAL FAMILY (FAMILIA DE ALQUILER)

Dir. Hikari

Rep. Brendan Fraser, Mari Yamamoto Japón / 2025 / Divisa / 10 junio

Brendan Fraser salta a Japón para interpretar el papel de un occidental que trabaja para una agencia nipona de ‘familias de alquiler’. Con escenas eliminadas y making of.

SCREAM 7

Dir. Kevin Williamson

Rep. Neve Campbell, Isabel May EE UU / 2026 / Paramount / 10 junio

La disfrutarás si eres fan de la saga y echabas de menos a Ghostface y Sidney Prescott, protagonista absoluta de esta entrega. Hay edición UHD en steelbook y extras varios.

EL CABALLERO DE LOS SIETE REINOS 1ªT

Cr. Ira Parker, George R.R. Martin

Rep. Peter Claffey, Dexter Sol Ansell EE UU / 2026 / Warner / 24 junio

El humor y la aventura sin filtro llegan a Juego de Tronos de la mano de Sir Duncan el Alto y su pequeño escudero, Egg. Como todas las series de HBO, bien nutrida de extras.

DENSHATTACK!

Undercoders / : PC, PS5, Nintendo Switch 2, Xbox Series X/S / 17 junio

La ida de olla patria de 2026, construida a partir de una propuesta demencial protagonizada por trenes que quieren ser Tony Hawk dentro de un Japón vertiginoso y psicodélico. No habrá juego más atrevido en todo el año y, desde su anuncio inicial, Undercoders ya apuntaba maneras como estudio obsesionado con surcar los raíles de la creatividad.

FINAL FANTASY VII: REBIRTH

Square Enix

: Nintendo Switch 2, Xbox Series X/S 03 junio

La segunda parte del ambicioso remake de Final Fantasy VII -que parte de la huída de Cloud y compañía de Midgar y enfrenta el mundo abierto- aterriza por fin en Nintendo y Xbox.

THE OUTLAST TRIALS

THQ Nordic Barcelona

: PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S 05 junio

El clásico de culto revisionado tanto a nivel técnico como jugable. Ahora que los souls son la norma, recordar que la aventura en el reino de Myrtana es una de las más difíciles de la historia del RPG.

THE ADVENTURES OF ELLIOT: THE MILLENIUM TALES

ChronoInk Studios

: PC, PS5, Nintendo Switch 2, Xbox Series X/S 18 junio

ARPG que mezcla pasado y presente en cuanto a estética y jugabilidad y que está especialmente inspirado en las obras más noventeras de Japón.

EA SPORTS UFC 6

EA Vancouver

: PS5 y Xbox Series X/S 19 junio

La mejor saga de simulación de MMA nos devuelve al ring una vez más para hacer gala del realismo crudo que la caracteriza. Un juego que va a hostia limpia, pero mejor esto que intentarlo de verdad.

WANDERSTOP

Ivy Road

: Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 23 junio

El creador de The Stanley Parable se pasa al bando de los cozy games con una propuesta centrada en reflexionar sobre el viaje del héroe desde otras perspectivas más humanistas.

STAR FOX

Nintendo

: Nintendo Switch 2 25 junio

Remake del mítico Star Fox 64 con aspecto visual totalmente renovado, pero conservando la esencia jugable del shooter de naves espaciales lanzado originalmente por Nintendo en el año 1997.

TUPAC SHAKUR

Staci Robinson / Liburuak / 408 p. / Música, bio

Un retrato que revela al hombre tras el mito: brillante, vulnerable, comprometido políticamente y tocando su lado humano. Basándose en años de investigación y en su estrecha relación personal, Robinson traza la trayectoria de Tupac desde una infancia agitada hasta su estrellato mundial, explorando las contradicciones que moldearon su arte y su imagen pública.

MOONWALK

Michael Jackson

Alba

280 p. / Música, bio

Escrito en 1988, encargo de la Jackie Onassis editora, he aquí el testimonio directo del rey del pop, ilustrado con fotos de su archivo personal. No solo fans.

FILM NOIR

María Negroni

La marca editora

120 p. / Cine

La femme fatale, su sexualidad, la noche y el lugar de la mujer como encarnación del peligro en el relato cinematográfico, estudiados desde filmes clásicos.

XENA

Andrés Argal Sotés

Héroes de papel

270 p. / Cultura pop

Estás ante una de las heroínas de la cultura pop, que desbancó a Hércules de la parrilla y se coronó princesa guerrera de la tele noventera. Conócela aquí.

LEJANA VOZ

Luis Bravo

PapelesMínimos

88 p. / Poesía

Nada como despedir la primavera de forma elevada y agradecida. Estos poemas se deslizan a contrapelo por la piel más elástica de la lírica actual.

NODO NORTE

Raquel Vázquez

Letraversal

94 p. / Poesía

No por joven le falta recorrido poético a la autora gallega. Roger Wolfe prologa sus impactantes poemas que, de sonoros, parecen esperar una partitura.

CUIDAR CRISANTEMOS...

Fran Ruiz

Rosita y Amparo

208 p. / No ficción, anotaciones

Se aprende mucho caminando, en los bares, observando, reflexionando sin concluir y prestando atención a los detalles. Lee y pasea BCN como flâneur.

CANCIONES DE LOS MUERTOS

B. Sanderson y P. Orullian

NOVA

376 p. / Novela fantástica

El primer volumen de la trilogía de Las guerras de los estratos sigue a rockero nigromante en apuros. Londres respira envuelta en magia hecha de luz y música.

CONTRAPESO

Djuna

Minotauro

208 p. / Ciencia Ficción

Si el cyberpunk te suena a siglo xx, súbete a este ascensor espacial y conoce lo cerca que está la imaginación coreana del futuro inminente de la humanidad.

MÁSCARA

Stanislaw Lem

Impedimenta

424 p. / Relatos, sci fi

¡Qué acierto! Nueva edición de este conjunto de relatos que, lejos de caducar, irradian vida. La actual IA parece imitar a la del genio polaco, autor de Solaris

EL CÓDIGO TWYFORD

Janice Hallett

Ático de los libros

389 p. / Misterio

Siempre hay una maestra inolvidable en nuestro CV. La de esta trama dejó huella: estás ante el mejor libro del pasado año en UK, y suspense nivel premium.

HOMBRES ENAMORADOS

Irvine Welsh

Anagrama

592 p. / Novela social

La secuela de Trainspotting, o de cómo aquel grupo de amigos sigue sin salir del agujero, sin soltar lastre ni evitar los excesos juveniles que marcaron época.

HABLAR CON LOS MUERTOS

Lola Ancira

Pánico Books

144 p. / Relatos, terror

Relatos afilados y oscuros donde Lola Ancira explora nuestras obsesiones cotidianas con lupa cruel. El horror, en manos de la mexicana, se agarra los machos.

LA PIEL HEMBRA

Elaine Vilar Madruga

Barrett

664 p. / Fantasía

La cubana salta del poema a la prosa inquietante con esta obra descomunal en la que un fuego milagroso pone patas arriba la nueva literatura fantasy.

ANIMAL PRINT

Irene Cuevas

Reservoir Books

128 p. / Relatos

Dejaste atrás las fábulas de infancia y ahora Irene te devuelve aquellos animales de modo más salvaje, perturbador, envueltos en deseos. Irene está on fire.

THE BUGLE CALL. CANCIÓN DE GUERRA

Mozuku Sora, Higoro Toumori

Milky Way Ediciones

256 p. / ByN / 9 €

Fantasía medieval sobre un joven corneta del ejército que sueña con ser músico de la corte a finales del siglo XIII. Comienza histórica y vira hacia lo berserkiano.

ESTE SITIO ME MATA

Mariko Tamaki y Nicole Goux

Ediciones la Cúpula

272 p. / Color / 29,90 €

Tamaki vuelve a radiografiar la adolescencia femenina de manera magistral con la compañía de Nicole Goux a los pinceles. Esta vez con una historia de misterio.

INDÓMITO

Wu zhe

Norma

444 p. / ByN / 22,95 €

Segundo BL del interesante dibujante Wu Zhe que ve la luz en España. Es bastante interesante cómo se puede vivir la homosexualidad en la China moderna.

KNIGHT CLUB

Arthur de Pins

Nuevo Nueve

192 p. / Color / 30 €

Una revisión de Los siete samuráis en la Jerusalén de las cruzadas del siglo XII con mucho sentido del humor. Tienen que defender una aldea sin matarse entre ellos.

LOBO

Keith Giffen, A. Grant, S. Bisley

Panini Cómics

576 p. / Color / 65 €

Vuelve el Hombre en una colección con todas sus miniseries recopiladas donde destaca todo lo ilustrado por Simon Bisley. Humor más negro que el carbón.

LUTHER STRODE

Justin Jordan, Tradd Moore

Moztros

544 p. / Color / 45 €

Antes de convertirse en el ilustrador más personal de Marvel, Moore creó con Jordan entre 2011 y 2016 una serie sobre un adolescente que se convierte en héroe.

EL VIAJE

Paco Roca / Astiberri / 192 p. / Color / 22 €

Mejor autor en Cómic Barcelona 2025 y protagonista en la edición de 2026 con exposición propia, Roca vuelve a Astiberri con una nueva novela mágica sobre la memoria, centrada en las relaciones de pareja y las uniones familiares que creamos. Abandonado en un pequeño pueblo de la Patagonia argentina, el protagonista escudriña su pasado para superar una ruptura.

EL NECRONOMICÁN

Matthias Arégui

Elephant Books

120 p. / Color / 26,50 €

¿Se puede encontrar la inspiración artística, perder el miedo al folio en blanco, gracias a un perrete? Eso le pasa al artista protagonista de este cómic.

OUTLINE. EL ÚLTIMO CURSO

Michéle Fischels

Reservoir Books

208 p. / Color / 21,90 €

Un coming of age que nos viene desde Alemania… ¿Y por qué no lo llamas bildungsroman, que sería más correcto? Debut precioso y lleno de melancolía.

RESPIRA

Aurea Muñoz, Judit Crehuet

Planeta Cómic

168 p. / Color / 20 €

Tras el excelente No me cuentes cuentos, Judit Crehuet vuelve a publicar de la mano de Planeta con una historia con guion de Aurea Muñoz sobre la ansiedad y el proceso de perder toda la ilusión y la felicidad para sentir siempre dolor.

SANGRE DE BARRIO

Jaime Martín

Norma

192 p. / Color / 35 €

Ahora que el Hospitalet más de barrio está de moda con las líricas de Morad, es un buen momento para ver cómo era este pueblo de Barcelona en los 80.

¡SÉ COMO EL VIENTO! Ai Yazawa Planeta Cómic

320 p. / ByN / 18 €

Conocemos a Yazawa por Nana, o No soy un ángel. Ahora podemos conocer a la primeriza Yazawa con las historias cortas que la hicieron famosa en Japón.

SPACE SCOUTS

Matt Kindt, David Rubín

Astiberri

144 p. / Color / 25 €

Kindt y Rubín vuelven a colaborar con una fantasía de la ciencia ficción más loca y a todo color. Los juegos del hambre meets The Last Starfighter

TROJAN

David Pamies y Orhan Gökcek Tengu Ediciones

148 p. / Color / 26 €

El guionista de Casos pendientes: El rey de los caracoles vuelve al thriller psicológico de aires

sci-fi con el autor turco Orhan Gökcek, inédito en España.

PRIMAVERA SOUND

PARC DEL FÒRUM (BARCELONA)

Del miércoles 3 al domingo 7

MY BLOODY VALENTINE / THE CURE / OKLOU / DOJA CAT / ADDISON RAE / BAD GYAL / MASSIVE ATTACK / WET LEG / GUITARRICADELAFUENTE / 2HOLLIS / PINKPANTHERESS / THE XX / OLI XL / GORILLAZ / SKRILLEX / ETHEL CAIN / JADE / DIJON / ALEX G / RAVYN LENAE / BLOOD ORANGE / MAC DEMARCO / OVERMONO / NINAJIRACHI / PEGGY GOU / CARL COX / KNEECAP / AMAARAE / ROLE MODEL / FEMTANYL / RILO KILEY / NICK LEON / SLOWDIVE / BUSCABULLA / MERZBOW / EINSTÜRZENDE NEUBATEN / FCUKERS / ECCO2K / MECHATOK / THESE NEW PURITANS / BARRY B / DEPRESIÓN SONORA / RALPHIE CHOO / LUCRECIA DALT / CAROLINE / BAMBII / CAMERON WINTER / PANDA BEAR / ANTHONY NAPLES / LABLACKIE / MALIBU / THE SOPHS / GRACE IVES / ASHNIKKO /WATER FROM YOUR EYES / MATMOS / KNOCKED LOOSE / JASSS /...

Referente global, la edición 2026 del Primavera Sound Barcelona vuelve a equilibrar los clásicos (The Cure, My Bloody Valentine, The XX,...) con nombres como los de Oklou, Addison Rae, Doja Cat, Ethel Cain o Pinkpantheress que representan el brillante presente del pop de nuestro tiempo.

SALA WURLITZER JUNIO 2026

THE MIDNIGHT CALLS + A.I.

Martes 2

TODO BIEN TODO MAL

Miércoles 3

COMUNION + ALTOS HORNOS + GROSGOROTH

Jueves 4

LOS HERMANOS DALTON + LOS SACRAMENTOS

Viernes 5

SOUNDISIDRO: BASURA + LOS BLODY

Sábado 6

SPEEDWAY + FEELS LIKE HEAVEN + BLUNTSIDE

Domingo 7

FIASCO+MAGNETISMO APLICADO Miércoles 10

ANALISIS + MELCOCHAS + NADIELOQUIERE Jueves 11

SOUNDISIDRO: ORINA Viernes 12

NUOVO TESTAMENTO + GRIS FUTURO + EQUINOUXIOUS Sábado 13

FESTIVALES

NOCHES DEL BOTÁNICO

Auditorio Miguel Ríos (RIVAS-VACIAMADRID)

Del 3 de junio al 31 de julio

Omega De Morente, Rigoberta Bandini, Two Door Cinema Club, Ethel Cain, Big Thief, Ata Kak, Shinova, Lia Kali, Ginebras, Marta Santos, Macario Martínez, Love Of Lesbian, Veintiuno, Silvestre y la Naranja, Pablo López , Pamela Rodríguez, M Clan, Yerai Cortés, Zaz, Nile Rodgers & Chic, Mark Guiliana Beat Music, Cory, Don West, Beat, Antoñito Molina, Lasso, Ela Taubert, Van Morrison, Toute Sanders. https://nochesdelbotanico.com

SUBSÓNICO

Auditorio Miguel Ríos (RIVAS-VACIAMADRID)

Viernes 5 y sábado 6

8Belial, Al Safir, Anadie, El Bugg, Gloosito, Hard GZ, Huda, Israel B, Jarfaiter, John Pollón, Juicy Bae, L’Haïne, LaBlackie, Lorna, Maritune, Matasvandals, Miranda, Parkineos, Soto Asa, Sticky M.A., Xiyo y Fernandezz, Ynestroza. www.instagram.com/subsonicofest

CRANC

Venice Bay (IBIZA)

Jueves 18

Mujeres,. Soleá Morente, Billy Flamingos, Bárbara Rave, Colin Peters, Diego Calvo. https://crancfestival.com/ibiza

O SON DO CAMIÑO

Monte do Gozo (SANTIAGO DE COMPOSTELA)

Del jueves 18 al sábado 20 Katy Perry, Dani Martín, Linkin Park, Biffy Clyro, DJ Snake, Lola Índigo, Guitarricadelafuente, Afrojack, Sen Senra, Mvrk, Dorian, Carlangas, Ortiga, Sarria, Hoobastank, Sexy Zebras, Niña Polaca, The Bloody Beetroots (DJ Set), D. Valentino, Corella, Carlos Ares, Lerie Martínez, Barry B, The Molotovs, Michenlo, Habló Pablo, Aida Blanco, Barbara Lago,

ALL3 + SIERRA A SECAS Domingo 14

AGUAS MIL + SEASUNDAY Martes 16

STEREOLIKES Miércoles 17

SOUNDISIDRO: GARBI+ JOAQUIN FENIX Jueves 18

DJ Gigola, Héctor Oaks, MCR-T, Supergloss, Carlita, Caste, Honeyluv, Hoonine, Jimi Jules y Viviana Casanova, Bego Martin, Li/Lu, Patrick Mason (House Set), B2B Haai, Perel, Toute Sanders https://osondocamino.es

OBSERVATORIO

Balboa (LEÓN)

Del jueves 25 al sábado 27

Amore, Amor Líquido, Brava, DJ Belly Pfat, Equipazo DJs, Euskoprincess, Ezezzez, Girlttoy: Adbal & Juguete, Iuky, l0rna, Las Petunias, Mercromina Club, Meritxell De Soto, Mostk, Rebe, Stereo Madness, Stonzzze, Tristán! , Ultralágrima, Yung Prado. https://observatoriofestival.com

MONKEY WEEKEND

El Puerto de Santa María (CADIZ)

Viernes 26 y sábado 27

Alavedra, Azuleja, Cervatana, Construimos Escaleras, Corte!, Dear Joanne, Helicóptero Boom, Hogar, Karaoke Los Jaguares, Kiliki, Ku!, Los Disgustos, Lospiestorcidos, Mala Gestión, María Marín, Orina, Quique Gallp, SanIsidro, Teo Lucadamo, The New Raemon & McEnroe, The Ripples, Yo Somos. https://monkeyweekend.es

CARIÑENA DIVINO

Santuario Virgen de Lagunas (CARIÑENA, ZARAGOZA)

Viernes 26 y sábado 27

Hinds, Juicy Bae, Depresión Sonora, Xavibo, Sonica, Ultralágrima, Enry-K, Toldos Verdes, Mercromina Club, La Carrera, Nico, Big Ddy, Donna, Capros, Ivanin y Ksas, Fer AG, Sevendays, DJ Carlos Pérez. https://divinofestival.com

EXPOSICIONES

NUEVA VIEJA PINTURA

Sala de Arte Joven (MADRID)

Hasta el 19 de julio

SOUNDSIDRO: TATUAJE+ SANTA RITA Viernes 19

POGOFEST2: DOPLERS + GO CACTUS Sábado 20

FIESTA EL ELEMENTO Domingo 21

COMBUST + LUST

GRÖSSRAMA + AUTOMATIC LOVERS Jueves 25

UNAMOTO + AFILADOR + 100 MILLONES DE AÑOS Viernes 26

MAD PSYCH FEST: TRAVO + UNGUS Sábado 27

EJKE + ANTIALGORITMO + YAKUZZA Domingo 28

SISTER OF DOOM Lunes 29

STACY ANTONEL + ELENA AMORES Miércoles 31

SOUNDISDRO: ROLANDO BRUNO (FOTO) Jueves 1 Julio

BOCA NARIZ +A.I. Viernes 3 Julio

MEJUNJE + A.I. Sábado 4 Julio

Uno de los proyectos ganadores de la XVII edición de Se busca comisario propone esta “genealogía experimental” de la pintura contemporánea, sin una definición cerrada de qué es hoy la pintura. Organiza obras de artistas como Irene Anguita, Álvaro del Fresno, Andrés Izquierdo, Esther Gatón, Iris Sanmartín, Raúl Silva y María Tinaut alrededor de cuatro grandes ejes históricos del arte moderno y contemporáneo (formalismo, historicismo, figuración y conceptualismo). https://www.comunidad.madrid/cultura

UN ÁRBOL CAE EN EL BOSQUE

Azkuna Zentroa (BILBAO)

Del 18 de junio al 27 de septiembre

La exposición de la artista cubana Glenda León se presenta en la ciudad como una reflexión poética sobre la naturaleza, el silencio y la percepción de nuestro mundo. A través de instalaciones, sonido y elementos orgánicos, la muestra explora la relación entre el ser humano y el entorno natural, cuestionando cómo interpretamos aquello que sucede fuera de nuestra mirada. El título remite al célebre dilema filosófico sobre la existencia del sonido sin un oyente.

https://www.azkunazentroa.eus

APOTEOSIS NOW

IVAM (VALENCIA)

Hasta el 20 de octubre

La artista Cristina de Middel presenta en el IVAM una potente catarata de imágenes, 252 fotografías de distinto formato que generan un gran collage del propio trabajo de la artista en el que no hay un hilo conductor, ni temas, ni secuencias. “La única concesión que hago a la salud mental del público es que las fotografías están ordenadas por colores. Todo lo demás está diseñado y pensado para que no tenga ninguna conexión”, ha confesado la fotógrafa alicantina. El objetivo, según sus palabras, es “activar el sentido crítico” de la audiencia y cuestionar la sobresaturación de imágenes actual. https://ivam.es

Programación de junio 2026

Madrid

Bendita Tú Festival de Cine. 9ª edición

2 de junio – Programa Difracciones

3 de junio – Programa Luminancias 19h

Entradas: 3,50 euros

Ciclo audiovisual: Cinegrafiando cineastas

Homenaje a José Luis Borau y Fernando Méndez-Leite con Borau y el cine de Germán Roda, La memoria del cine: una película sobre Fernando Méndez-Leite de Moisés Salama y Odradek de Juli

Suárez

Del 4 al 6 de junio

18.30h y 20.30h

Entradas: 3,50 euros

Ciclo audiovisual: Programado por… Fernando Velázquez

Del 9 al 13 de junio

Sesión de tarde

Entradas: 3,50 euros

EL CULTO A LA BELLEZA

CCCB (BARCELONA)

Hasta el 8 de noviembre

Ay, la belleza, sus obsesiones, sus opiniones, sus variaciones, sus pretensiones... Siglos y siglos de variaciones. La belleza como concepto invade espacios culturales, ideas y debates. Esta exposición nos invita a cuestionar los cánones establecidos y a a ampliar y enriquecer nuestra mirada, reivindicando cuerpos y bellezas que han quedado excluidos de la norma. William Hogarth, Angelica Dass, Laura Aguilar, Juno Calypso, Zed Nelson, Shirin Fathi, Narcissister, Ismael Smith, Isidre Nonell, Josep Masana, Colita, Sandra Gamarra, Esther Ferrer, Regina José Galindo, Maria Alcaide, Colectivo Ayllu, Lorenza Böttner, Marina Vargas, Arvida Byström, Harriet Davey o Renaissance Goo x Baum & Leahy participan en la muestra. https://www.cccb.org

ARTES ESCÉNICAS

LA RICA FEST

Paral-lel62 (BARCELONA)

Días 5 y 6 de junio

Larga vida a este estreno, una propuesta, un nuevo espacio para las culturas queer y disidentes, que combina artes escénicas, música, humor y pensamiento crítico desde una perspectiva transfeminista y antirracista. El festival apuesta por propuestas híbridas que desbordan los formatos tradicionales, situando el cuerpo, la identidad y la comunidad en el centro de la experiencia artística. ¿Nombres?

Bob Pop, Las Bajas Pasiones, Muerte a la Norma, Megane Mercury y Soumeya, entre otros. https://paral-lel62.cat

ECHO

Contemporánea Condeduque (MADRID)

Días 5 y 6 de junio

El dramaturgo iraní Nassim Soleimanpour y el

director ítalo-palestino Omar Elerian estrenan en Madrid una odisea teatral donde la brillantez improvisada se une a la innovación en la crisis climática. Un nuevo intérprete se sube al escenario en cada función sin tener ni idea de lo que se le va a pedir. Sin ensayar ni prepararse, el guion se convierte en su guía mientras recorren la historia del dramaturgo, conectados en directo desde su apartamento en Berlín. ¿O no? ¿Podemos realmente saber dónde o cuándo estamos? El poder de la tecnología se ve acompañado del alcance de la magia. https://www.condeduquemadrid.es

HIROAKI UMEDA

Azkuna Zentroa (BILBAO) 11 de junio

El reputado coreógrafo japonés Hiroaki Umeda presenta dos solos que muestran el holístico e innovador enfoque de su práctica, combinando la danza con las artes digitales, el diseño de iluminación, la proyección, el video mapping y la creación sonora y visual. El programa consta de dos piezas de veinte minutos cada una: Split Flow es la versión coreográfica de la instalación de luz del mismo nombre. Y Assimilating es una de sus obras más recientes. En ella, el movimiento corporal interactúa de manera integral con elementos ópticos, sonoros y espacio-temporales. https://www.azkunazentroa.eus/

AUDIOVISUALES

BENDITA TÚ

Varios espacios (MADRID)

Del 2 al 6 de junio

La novena edición de este festival con perspectiva feminista y queer, dedicado a la exhibición de cine experimental, documental, híbrido y de animación, programará dos sesiones de cortometrajes: Difracciones y Luminancias, seguidos de coloquios con las directoras en Sala Berlanga. El encuentro Una cascada de imágenes, con María Inés Plaza -del proyecto The Arts of the Working Class-, en el Goe-

Ciclo audiovisual: Cine por refugio Sesión diaria de proyección y coloquio, incluye la exhibición de Todos somos Gaza de Hernán Zin, candidato en 2025 al Premio Goya a Mejor documental

Del 16 al 20 de junio 19h

Entradas: 3,50 euros*

Ciclo audiovisual: Diminutos del Calvario. Antes y Después

Del 23 al 27 de junio

Sesión de tarde

Entradas: 3,50 euros

Ciclo audiovisual: III Semana del Cine

Mexicano

Muestra de cine actual mexicano. Con una decena de películas realizadas por Kani Lapuerta, Alejandro Zuno, Pablo Tamez, Indira Cato, Olallo Rubio, Eduardo Esquivel, Rafael Ruiz Espejo, Sophia Stieglitz y Tania Hernández Velasco y Semillites Hernández Velasco

Del 30 de junio al 4 de julio

18h y 20h

Entradas: 3,50 euros

the-Institut, organizada en colaboración con CIMA. Un taller, Laboratorio de cartas: el archivo familiar, en la Quinta del Sordo; y el monólogo Un show genital de Antía Lousada, en el Teatro del Barrio. https://www.benditatu.com

(S8) MOSTRA DE CINE PERIFÉRICO

Varias sedes (A CORUÑA)

Del 2 al 7 de junio

Una maravilla. Bajo una imagen que este año hace referencia a los eclipses, la XVII edición de la Mostra Internacional de Cinema Periférico contará con 161 proyecciones, con 8 film performances y con la participación de 80 artistas y profesionales de todo el mundo. Siempre mirando a la vanguardia y los márgenes del audiovisual, vuelve a destacar la presencia de algunas de las figuras más relevantes del cine experimental internacional. Entre los principales participantes destacan el canadiense John Porter, referente del Super 8; la artista y performer neoyorquina Jeanne Liotta; el mexicano Bruno Varela, figura clave del cine de vanguardia latinoamericano; y la belga Els van Riel, especializada en experimentación óptica y formatos analógicos. https://s8cinema.com

CINEMA JOVE

Varios espacios (VALENCIA)

Del 19 al 27 de junio

Nos alegra saber que este año el festival va a rendir homenaje con un ciclo especial para Greta Gerwig. La selección consta de dos películas fundamentales del ‘mumblecore’, Hannah Takes the Stairs (Joe Swanberg, 2007) y Noches y fines de semana (Greta Gerwig y Joe Swanberg, 2008). Ambas forman parte de su etapa como referente de este subgénero del cine independiente. Además, la edición de este año apuesta por el cortometraje y nombres que ya conocen la ciudad: el regreso de Joecar Hanna con su peli producida por Spike Lee, y de Christian Avilés o Guil Sela, elevan la expectación de la cinefilia valenciana. https://www.cinemajove.com

Foto:T

odos somos Gaza de Hernán Zin

RÍO BABEL

Auditorio Miguel Ríos. (RIVASVACIAMADRID)

Del 3 al 4 de julio

Lo que comenzó como un festival que tendía la mano a la música latinoamericana se ha convertido en un evento cada vez más grande y abierto a diferentes sensibilidades. Y el mejor ejemplo de ello es la edición 2026 de Río Babel, con dos cabezas de cartel anglosajones del calibre de Katy Perry y Offspring. En su segunda edición en el recinto de Rivas-Vaciamadrid compartirán cartel con otros nombres que son puro ADN Río Babel: Amaia, Molotov, Bomba Estéreo, La Casa Azul, La M.O.D.A., La Pegatina... Además, sigue la apuesta cada vez más fuerte por la Stand-up Comedy en Babel Comedy.

Foto: Katy Perry

DEMM26

Matadero (MADRID)

Del 19 al 21 de junio

Una de las citas musicales más asequibles de este mes congrega en Legazpi a aficionados de toda índole, durante un fin de semana en el que toda Europa celebra su día internacional de la música. Los conciertos de artistas como pablopablo, Maria Arnal, Ángeles Toledano (en la foto), Depresión Sonora, Alizzz o Rita Payés en Plaza Matadero permitirán conocer su estado de forma sobre el escenario. El festival incluirá también DJ sets de Gazzi y Akazie, y sesiones de programación familiar en la Central de Diseño, con las actuaciones de La Fantástica Banda y Le Parody. Consulta toda la programación por días en este QR.

Madrid

EL CORTE INGLÉS, S.A. C/ Hermosilla 112, 28009

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NUEBO #45 JUNIO 2026

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LAS NUEBAS DE

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Una novela gráfica poética pero realista sobre el trastorno de ansiedad.

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DEJAR LOS ZAPATOS EN LA ENTRADA DE LA DISCO

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URBANEÑE 2026

DEL 2 AL 4 DE JULIO GRAN CANARIA (GRANCA LIVE FEST)

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FESTIS Y EVENTOS

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19 al 21 DE JUNIO / MADRID

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