NUEBO #44 MAYO 2026

JUSTIN BIEBER

ESPECIAL FESTIVALES

FOO FIGHTERS · MOBY · THE WAR ON DRUGS · WOLF ALICE THE LAST DINNER PARTY · THE WARNING · JEHNNY BETH · THE WAR AND TREATY PALAYE ROYALE · DOGSTAR · HOT MILK · VILLANELLE · HOTWAX HOONINE · MADMADMAD · BIGGER SPLASH

9th THURSDAY

FLORENCE + THE MACHINE · JENNIE · LORDE · TEDDY SWIMS

ZARA LARSSON • RENEÉ RAPP • CHARLIE PUTH • THE BLAZE dj

8th WEDNESDAY BOYS NOIZE • PALMS TRAX • YUNG PRADO • AMRITA

SADIE JEAN • ZIMMER90 • CHLOE SLATER · FROST CHILDREN · SON MIEUX FLORENTENES · LA PALOMA · CANDELA GÓMEZ

TWENTY ONE PILOTS · KINGS OF LEON · PIXIES · HALSEY A PERFECT CIRCLE · INTERPOL · SIGRID · HOLLY HUMBERSTONE · MIDNIGHT GENERATION CLIFFORDS · USTED SEÑALEMELO · KAREN DIÓ · RIO KOSTA · MY FIRST TIME TAPE VISITORS · LOS BLODY · BABYLON

11th SATURDAY

NICK CAVE · PULP · THE BLACK CROWES · DAVID BYRNE KASABIAN · JALEN NGONDA · THE VACCINES · MATT BERNINGER

THE REYTONS · PERSIA HOLDER · OVERPASS · TTSSFU · SUPERMODEL* BAD TOMATO · BREAK THE SENSES

RICHIE HAWTIN · NINA KRAVIZ · AEREA · LUXI VILLAR & THE BAD SEEDS

“ABSOLUTAMENTE LIBRE. DERRIBA TODOS LOS TABÚES” CAIMÁN

“ARREBATADORA. CON UNAS ACTRICES IMPRESIONANTES” THE GUARDIAN

CANDIDATA A LOS OSCARS ® POR ESLOVENIA

LA CHICA DEL CORO

Little Trouble Girls

Una película de URŠKA DJUKIĆ

15 DE MAYO SOLO EN CINES

EDITORIAL

Con la llegada del buen tiempo arrancan los festivales musicales, que desde finales del siglo XX se han convertido, en un país turístico como el nuestro, en uno de los soportes sobre el que gira la industria musical española. De unos años para acá se han escrito una serie de ensayos a propósito del funcionamiento y las características de la industria festivalera en España, y publicaciones como los anuarios de APM o SGAE ofrecen datos concretos sobre la incidencia del sector: el último Anuario publicado, que corresponde a 2024, habla de un nuevo récord económico en la venta de entradas, que generaron ese año una facturación de 718.872.030€ (25,4% más que en 2023) y un volumen de asistentes de 33.954.503 de personas (19,8% más que el año anterior). Aun así, nuestra percepción a la hora de hablar del fenómeno festivalero es que, desde su definitiva implantación en España de la mano de eventos pioneros como FIB, Festimad o Doctor Music, su avance se ha atomizado en centenares de propuestas de dimensiones e intenciones diferentes, que atienden a formas de entretenimiento igualmente distintas, y asistentes que, a menudo, poco tienen que ver entre sí por mucho que la música en directo funcione como aparente nexo de unión de todos ellos. El mapa festivalero de España en 2026 es también una radiografía generacional de carácter sociológico en la que cabe la nostalgia de un tiempo pasado que fue mejor, la conciencia ecológica, la distinción hípster, el consumismo salvaje, la oportunidad de reivindicar la denominación de origen de zonas olvidadas de nuestra geografía, y la utopía química por la vía de la electrónica. Juntos, sí, pero casi nunca revueltos.

A ese fenómeno dedicamos un número especial de mayo que es la consecuencia lógica del seguimiento que venimos haciendo en años anteriores a todo ese inabarcable panorama festivalero. Y, casualidad o no, en este mismo número cumplimos con una deuda pendiente, al llevar también a portada a Justin Bieber tras su mediático paso por Coachella. Precisamente, el festival californiano se ha convertido en el gran escaparate global que muestra hacia dónde se dirige la música comercial, hoy: instagrameable, inevitablemente vinculada a las marcas y el marketing, el polo opuesto de lo que una vez fue alternativo y contracultural y que, como nos recuerda el periodista Chris Deville en este mismo número, definitivamente se ha convertido en otra cosa.

DIRECTOR EDITORIAL

Luis J. Menéndez / luis@nuebo.es

DIRECTORA DE ARTE

Liliana Carpio / lillie@nuebo.es

DIRECTOR COMERCIAL

Luis Argeo / argeo@nuebo.es

JEFE DE REDACCIÓN

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EDITORA DE MODA

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WEB & RRSS

Antonio Amar / antonio@nuebo.es

COLABORADORES

Galo Abrain, Ramón Baylos, Fernando Bernal, Luis Bravo, Daniel Caballero, Gabriel Carey, Marta España, Manu González, Eduardo Jáuregui, Miguel Pardo, Olaya Pedrayes, Anna Pérez, Adriana Ramiro, Cris Regatero, Raúl de Tena, Ricardo Ruiz Varo, Eva Sebastián, Álex Serrano, Daniela Urzola.

FOTOGRAFÍA PORTADA

Verónica Alvez (Cano)

Javier Bragado (Especial Festivales)

Marta Crusoe (Fuji?)

Rennel Medrano (Justin Bieber)

www.nuebo.es / @somosnuebo

IMPRESIÓN

Licencia de uso de la Certificación

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DISTRIBUCIÓN

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NUEBO S.L.

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GENERACIÓN X C/ Carranza, 25, 28004

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C/ Espíritu Santo, 9, 28004

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TOMA CAFÉ

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BIPOLAR

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THE BEER GARDEN TAP ROOM SALOON

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PERROS DE LLUVIA

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PUM PUM CAFÉ

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SALA EQUIS

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FOUR

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ACID CAFÉ

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FELIZ COFFEE TO GO

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MISERIA

C/ Verónica, 15, 28014

CAFÉ LA PALMA

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C.C. CONDE DUQUE

C/ Conde Duque, 9, 28015

LA TAPE

C/ San Bernardo, 88, 28015

MARILIANS

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NIM SALÓN

C/ de San Vicente Ferrer, 63, 28015

DJP MUSIC SCHOOL

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LOS INVERNADEROS

C/ Alonso Núñez, 6, 28039

BAR TOBOGGAN

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COSTELLO RÍO

Pl. Gral. Maroto, 4, 28045

DRØMME KAFFE HOUSE

C/ Juana Doña, 8, 28045

MATADERO MADRID

Pl. de Legazpi, 8, 28045

PANDORA'S VOX

C/ Rafael de Riego, 8, 28045

MÁLAGA

POLO DE CONTENIDOS DIGITALES

Avda. Sor Teresa Prat, 15, 29003

CASA WILD

C. Real, 54, 29680 Estepona

MURCIA

CAFETERÍA BAR COOP ÍTACA

C/Mariano Vergara 6, 30003

GIJÓN

BAR LA PLAZA

C/ Julio Fernández, 1, 33201 Gijón

TOMA 3

C/ Marqués de Casa Valdés, 27, 33202

VIGO

WOODTOWN Camelias 20, 36202

VALENCIA

DISCOS OLDIES

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ULTRASOUND MUSIC

C/ de Cuba, 49, L'Eixample, 46006

PRO21 CULTURAL

C/ Joan mercader 34, 46011

BILBAO

GOOOD PEOPLE

C/ Goienkale, 38, 48005

MEDIATEKA AZKUNA ZENTROAALHÓNDIGA

Plaza Arriquíbar, 4, 48010

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MERITXELL DE SOTO

Performer, dj, productora, investigadora sonora, compositora, pianista, cantante, activista de la pista... La barcelonesa es un terremoto del deconstructed club, una de esas personas que piensa la fiesta y el baile como un espacio político y de creación de comunidad. Actualmente se encuentra preparando, con el apoyo de Jägermusic y colaboradores “a los que admiro profundamente”, un EP en el que culmina sus años de conservatorio y los pone

ESTADÍSTICAS

en conversación con su recorrido como DJ y como oyente de música electrónica. “Es un trabajo que comunica una energía que siento muy mía: que dialoga con la cultura bimbo, con las frecuencias bajas, con lo terrestre y con la potencia.

A lo largo de 2026, Meritxell estará tocando en distintos festivales de España y a nivel internacional, y presentando además varias performances, “expandiendo mi práctica más allá del formato del club”.

“No soy la mejor pero siempre gano ” – ‘Random Hoe’, La Zowi

Claro de luna | El piano hipnotiza a los rivales. Anula acciones y hechizos activos y roba dos cartas Revelación | Todos enseñan su mano; puedes descartar una carta de cada jugador.

LA NUEBA

AWA FAM

Hablar de Awa Fam es hacerlo de una de esas irrupciones que hacen ruido de verdad. Versátil, dominante y con una presencia física que no pasa desapercibida. Valiente y humilde, reconoce que se enamoró del basket como actividad para pasar el rato, siendo una niña, viendo jugar a sus hermanos mayores en Santa Pola (Alicante). Pero a los 13 años la captó Valencia Basket, y con apenas 15 debutaba con el primer equipo en competición europea. Con la selección nacional el pasado verano conquistó la plata en el Eurobasket, formando parte del quinteto ideal del torneo. Y el mes pasado, a sus 19 años, hacía historia en nuestro deporte, convirtiéndose en la jugadora española que ha copado el puesto más alto del draft de la WNBA (3ª posición, elegida por Seattle Storm), el mismo que Pau Gasol en su día. Awa seguirá sorprendiendo en USA, con su visión de juego, su verticalidad, su facilidad para ver aro. Su sueño está a punto de hacerse realidad en la mejor liga del mundo, donde seguro que no irá a pasar el rato.

SOFIA AND THE ANTOINETTES

El Carnegie Hall es su escenario soñado, su nombre viene de una película de Sofia Coppola y su manager es el mismo que en su día descubrió a Amy Winehouse y que luego nos presentó también a Lola Young. Sofia es británica, nació en el condado de Derbyshire en 2002, de niña se mudó con su madre a Mallorca hasta los 18 años y ahora está afincada en ese hervidero que es el East London. Empezó a tocar el piano a los cinco años, compuso su primera canción a los once y desde entonces las palabras y la música han sido su forma principal de expresión.

Con una evidente teatralidad envolviendo su estética y letras, que se inspiran también en figuras literarias, la artista impregna su música de honestidad confesional. Alt pop con coartada existencialista o, como ella misma afirma, una edición melódica de su propio diario. En 2025 lanzó su primer EP, Women Who Love Too Much, un trabajo de seis canciones cuyo título está inspirado en el homónimo y exitoso libro de psicología de Robin Norwood, por el que pagó 2€ en un mercadillo de España el verano de 2022. Desde entonces ha abierto, además de para Lola Young, para Raye en el All Points East Festival, y se ha asentado como una de las voces más prometedoras de esta nueva oleada de cantantes glam, con estéticas que entroncan la feminidad clásica de los años cincuenta con el imaginario victoriano, engoles melódicos y una actitud contemporánea que puede resultar anacrónica. Como la María Antonieta de la peli de Sofia Coppola, claro.

LOS NUEBOS

ANGINE DE POITRINE

El 6 de febrero de este año, un día después de que KEXP publicara en YouTube su actuación en la plataforma, me encontré el vídeo en redes y se lo mandé inmediatamente a un colega. “Es tu tipo de mierda”, le dije escuetamente. La mierda en cuestión son un par de locos disfrazados de alienígenas caseros que parecen sacados de un cómic de Simon Hanselmann y que se llaman, en francés, “Angina de Pecho”. Hacen kraut microtonal: una fantasía para los fumadores de la repetición marihuanera, los devotos de la psicodelia, los que solo saben hacer las cuentas del math rock y los que se han escuchado todos los discos de King Gizzard & The Lizard Wizard. Tres meses después, lo que era solo un fenómeno remoto de la escena alternativa canadiense -al parecer los dos miembros, Khn y Klek, tienen años de rodaje en bandas y proyectos de todo tipo- parece haberse apropiado de internet, y de ahí ha estallado a escala real. La cosa les ha pillado en plena gira estadounidense: tocaban en salas tan pequeñas que la reventa ha llegado a alcanzar el medio millar de dólares, y todos los preorders de las ediciones físicas de sus discos -Vol.II, lanzado recientemente, y el reeditado Vol.1 (2024)están completamente agotadas. ¿El último hype que nos regala el lado bueno de internet? ¿Otra psy-op musical orquestada por Chaotic Good? ¿Acaso importa?

EL NUEBO

FILIPENDULAE

Se pasó seis años preparando un disco que finalmente, en 2024, decidió descartar por completo. Lo que podría haber supuesto un bajón insalvable derivó sin embargo en una convicción férrea de la dirección que iba a tomar su sonido: hacia una deconstrucción queer, que gustará a fans de Perfume Genius, del cabaret rock y del sonido glamurosón de los Arctic Monkeys más garageros, del indie rock inglés de los años dosmil. En muy pocos meses escribió un puñado de canciones con una guitarra española de una sola cuerda, y procesando sonidos dio con las doce que finalmente componen su debut, High Looking Up. Un collage de rock digital con el que el artista afronta, por fin, su ansiado renacimiento. Él, como la mariposa que pende de un hilo, se transforma.

LA NUEBA

MOLLY MOGUL

Nacida en Múnich, Molly Mogul hace tiempo que decidió desarraigarse y entregarse a la carretera. Se mudó a Bristol por amor y se quedó para seguir formando su vena creativa. Grabó un intimísimo EP de canciones en inglés y alemán mientras vivía en una furgoneta, y fundó el colectivo FLINTA Dirty Spread Collective, dedicado a la música y la performance experimental. En Barcelona cursó un máster de Creative Performance Practice con especialización en teatro musical, ampliando su lenguaje hacia la danza contemporánea. Y ahora lanza un primer álbum escrito en su Múnich natal y producido en París. A Bouquet of Hopes and Dreams es el resultado de todo este viaje tanto literal como figurado a través de la geografía, la creación y la expresión artística y el descubrimiento musical: como si una Charli XCX más emocional y folky se encontrara con Christine and the Queens en una película de David Lynch.

Foto:

Jordi Santos

EL NUEBO

ADAY MARA

El talento de Aday Mara saltaba a los móviles de medio mundo a principios de abril, cuando se proclamaba campeón de la NCAA de baloncesto con la Universidad de Michigan. Nunca antes un español había logrado tal mérito. Interior de gran altura (2,21 metros), con manos finas y una lectura del juego poco habitual para su edad, el zaragozano se ha convertido en una de las mayores promesas del basket actual. Para quien no lo tenga fichado: no es solo tamaño, es visión, pase y una capacidad para influir en el juego que va más allá de anotar. Quien sí lo conoce sabe que su primera etapa en USA no resultó fácil, aunque hoy sea ejemplo entre quienes quieren seguir compaginando canasta y estudios universitarios. Mara ya se ha inscrito en el próximo draft de la NBA. El mes que viene conoceremos su nuevo equipo. ¿Destino? El estrellato.

QUEREMOS

EL RECREO

Por: Eduardo Jáuregui

Autor de “Playfulness: Despierta tu espíritu lúdico”

Jugar nos parece una actividad trivial, frívola, una total y absoluta pérdida de tiempo. ¿Y qué peor crimen podemos cometer en nuestro acelerado Siglo XXI que perder el tiempo?

Sin embargo, hay buenos motivos para afirmar que el juego -entendido como todo aquello que hacemos libremente, sin una motivación externa como el dinero o la fama- es absolutamente esencial para el ser humano. Lo necesitamos para aprender y desarrollarnos, para crear y construir, para conectar con el mundo y con los demás. Y por supuesto, para alcanzar la felicidad. El instinto lúdico surgió en el proceso de la evolución para permitir que ciertas especies -sobre todo las más inteligentes, creativas y sociales- pudieran adaptarse con flexibilidad y destreza a un entorno complejo. ¿Y hay alguna especie más inteligente, creativa y social que el Homo Sapiens? A pesar de ello, en nuestra civilización inhibimos el juego casi por completo. De hecho, la mayoría de las personas hechas y derechas evitamos cantar, bailar o dibujar, y por supuesto disfrazarnos de piratas, a pesar de que durante la infancia tales actividades nos llenaban de vida. Si hoy en día nos refugiamos en los videojuegos, como oasis en este desierto lúdico, nos sentimos culpables.

El colmo es que siquiera dejamos jugar libremente a nuestros hijos e hijas, supervisados y evaluados en casi todo lo que hacen, con agendas que parecen de ministros: lunes violín, martes natación, miércoles chino…

En experimentos con ratones, se ha comprobado que inhibir el juego en la edad temprana les convierte en seres asustadizos o agresivos, incapaces de relacionarse con normalidad. Sospecho que esto explica al menos una parte del preocupante aumento de ansiedad, depresión y adicción entre los jóvenes. ¡Y también entre los mayores! ¿Nos rebelamos? Creo que llegó el momento. No basta con el mindfulness. Hay que pasar al playfulness. No basta con el coffee break. Queremos el recreo. ¿Quién se apunta a montar la revolución más divertida de la historia?

Argentina Un sueño, un vídeo viral y una carrera meteórica que ha enamorado incluso a Di María. El rosarino es una especie de Luis Miguel para la música regional argentina, y antes de haber cumplido la mayoría de edad ya llena arenas en su país.

Valentino Merlo

Portugal Formado en el boom bap, el rapero portugués se mudó a Reino Unido y cuando regresó ya estaba convertido a la corte vampírica de Lil Peep y la GothBoiClique. 94 , su cuarto álbum, más abierto, le ha llevado a sonar en todas partes: en las discotecas, en los taxis, en las plazas, en los teléfonos mó viles. En los sitios importantes, vaya.

Lon3r Johny

Chile El poder de las redes sociales, y de las canciones buenas: esta influencer chilena ha pasado en apenas un año de ser una turista del reguetón a liderar la nueva ola femenina local, a abrir para Bad Bunny y para Doja Cat.

Katteyes

Un tochaco como este número de NUEBO se merecía una vuelta al mundo a la altura: trap francés, hip hop cannábico marroquí, drill griego, reguetón chileno y “ragatón” pakistaní, plugg portugués, regional argentino y un embrujo chino de música gamelán.

Marruecos Drill melódico desde el este de Marruecos, lo de Gustavo 51 ha sido cuestión de un abrir y cerrar de ojos. A principios de año era un desconocido incluso en la escena árabe y francoparlante, pero a su última canción, Dorororo , le tocó la lotería de la viralidad, y ahora su presencia es ubicua. Le encontrarás también en el excelente nuevo disco de ONZY -pero eso ya el mes que viene-.

Pakistán Tras un disco y una gira conjunta con Nicolás Jaar mucho más espirituales, y puesto ya en el mapa global, el músico pakistaní regresa a su “ragatón” más característico -música árabe, ritmos latinosde la mano de Gregory R ogove (Devendra Banhart, Megapuss, Priestbird) en Room Jhoom

SethiAli Gustavo 51

BoysDope

Asian

O cean Cage , entre la expermentación electrónica y el gamelán. E starán presentando su adaptación escénica en la 61ª Bienal de Arte de Venecia.

China Después de sus maratones rituales en Sónar o R ewire, el colectivo de perfomance audiovisual chino se acerca p or primera vez, y a su peculiar y espiritual manera, al formato tradicional de álbum con

Francia Este rapero francés de ascendencia polaca y corsa que empezó en colectivos underground parisinos como Panama Bende ahora lidera la facción local de Def Jam. Grand Garçon es su disco de madurez.

PLK

Grecia No, no tiene nada que ver con Flying Lotus. FLY LO es uno de los capos más duros del drill y del trap en Grecia, y acaba de estrenar su primer trabajo largo, VEGANZE .

FLY LO

Arrancamos temporada de NUEBO Talento en una coproducción junto a Gamin

Estudios y UMusic Hotel Teatro Albéniz que, es un absoluto lujo. Y para este primer disparo contamos con padrino de excepción: Dollar Selmouni interpretando Borracha, primer single de su nuevo disco.

UNA PRODUCCIÓN DE NUEBO & GAMÍN ESTUDIOS

DIRECCIÓN CREATIVA: PABLO BERDÚN & AXEL CASTILLO

DIRECTOR TÉCNICO TEATRO ÁLBENIZ: MIGUEL CIPRÉS

REALIZACIÓN Y MONTAJE: PABLO BERDÚN

OPERADORA DE ILUMINACIÓN: NOELIA ACIÉN

COLOR: CARLOS GRAHN

GRABACIÓN: MIGUEL SANTERVÁS

MEZCLA & MASTER MIGUEL SANTERVÁS & PAPISOUND

FOTO FIJA: BELÉN FRANCO

DISEÑO DE CRÉDITOS: LILLIE CARPIO

Nuestras cuentas de Instagram y Tik Tok están más ac tivas que nunca: a los contenidos habituales hay que sumar la participación de nuestr@s colaboradores Paula, Areesan y Raúl, y entrevistas y secciones con artistas como los que puedes ver a continuación...

Cris Regatero hizo de enviada especial para contarnos cómo fue el concierto de Barry B para Ballantine’s True Music.

Paula se enfrentaba a un reto: adivinar en qué artista estaba pensando Dei V

Fitasha os invitó al concierto de Subversivas x Vibess junto a Ana Farelo

Ojo a lo nuevo de Luzía, pop sensible para todos los públicos que publica Universal

Leo Rizzi está de vuelta con nuevo disco y se somete a nuestro cuestionario.

1 DE JUNIO

TEATRO ROMANO DE MÉRIDA

LOS PREMIOS DE LAS ARTES ESCÉNICAS DE LA FUNDACIÓN SGAE LLEGAN A UN ENCLAVE TAN EMBLEMÁTICO COMO EL TEATRO ROMANO DE MÉRIDA. CRISTINA D. SILVEIRA DIRIGE UNA CEREMONIA QUE REIVINDICA EL PODER TRANSFORMADOR DE LAS ARTES Y EL PENSAMIENTO, Y QUE PODRÁ VERSE A PARTIR DE LAS 22 HORAS POR RTVE PLAY Y A LAS 23:40 HORAS EN LA 2 DE TELEVISIÓN ESPAÑOLA. TE PRESENTAMOS A LOS FINALISTAS MÁS NUEBO.

Elisa Forcano

Mejor espectáculo revelación, Mejor intérprete de danza y Mejor autoría revelación por ‘Zorra Dorada’

La zaragozana, artista multidisciplinar y coreógrafa afincada en Madrid, presenta en su nuevo espectáculo una catarsis física y emocional inspirada en el caso de Noa Pothoven, una joven de 17 años que se suicidó por inanición. A través de su propio cuerpo, Elisa Forcano canaliza las violencias que se ejercen sobre las mujeres para poder exorcizarlas.

Mejor actor por ‘La tercera fuga’

En Cataluña ya es un secreto a voces: este joven de 22 años ha actuado en el Teatre Lliure y es uno de los protagonistas de L’Acadèmia -serie futbolera de Prime Video y 3Cat-. Ahora, además, se revela como la gran sorpresa del que es uno de los espectáculos de la temporada, La tercera fuga de Victoria Szpunberg -gran favorita y finalista, por su parte, a los cuatro grandes Premios Max-.

Irene Tena

Mejor coreografía y Mejor intérprete de danza por ‘No’

No es el primer espectáculo de los barceloneses Irene Tena y Albert Hernández (La Venidera) completamente en solitario y fuera de sus roles habituales como solistas del Ballet Nacional de España. Un emocionante tête à tête entre la danza española y la danza flamenca, entre dos cuerpos que comparten lenguaje.

Iván López-Ortega

Ana Sagües Abad

Mejor espectáculo revelación por ‘Torcidxs’

Junto a Cristina Tomás Olaya, con quien forma el dúo creativo Las Nenas, Abad traslada el delirio de la construcción de identidad contemporánea al campo de la performance, la comedia y el teatro multidisciplinar. Torcidxs combina texto, improvisación, música y contaminación lumínica para hablar de cómo nos vemos, y nos aceptamos, a nosotres mismes.

Mejor espectáculo revelación y Mejor autoría revelación por ‘Taxidermia de una alondra’

Estrenada en la sala madrileña El Umbral de Primavera, Taxidermia de una alondra habla de lo mucho que nos atrae la catástrofe a los seres humanos. Es el debut de este joven de 23 años que además es músico, actor, iluminador, escenógrafo, y que prepara una dirección propia en el teatro español para esta temporada.

Ton Vieira

ESCUCHA ‘LUX’ COMO NUNCA ANTES

NUEBO, de la mano de AUDE y UMusic Hotel

Teatro Albéniz, te plantea toda una experiencia: escuchar el LUX de Rosalía en 5.1, en un teatro en el que lo único que importa es la música y la experiencia sonora.

Tras un tiempo en que la experiencia de disfrutar de un disco se degradó con la aparición de los reproductores portátiles, poco a poco las nuevas generaciones estamos redescubriendo la importancia y el placer de pararnos y… escuchar. En ese contexto y como un complemento necesario a los conciertos en directo, surgen los clubs de escucha. Y, en un paso más allá, los eventos de reproducciones audiofilas como AUDE La Habitación Sonora que, tras arrancar su actividad en Barcelona, aterriza ahora en Madrid de la mano del UMusic Hotel Teatro Albéniz y NUEBO.

VIERNES 29 DE MAYO 19H

UMUSIC HOTEL TEATRO ALBÉNIZ / MADRID

ENTRADA:

19€ ESCUCHA INMERSIVA + ANTIFAZ POSIBILIDAD DE ADQUIRIR EL LIBRO ‘BUSCANDO A ROSALÍA’

En esencia lo que te proponemos es una escucha de LUX COMPLETES WORKS -el disco al completo y los temas extras que solo se publicaron en algunos formatos-, debidamente introducida por expertos, y que te situará en un espacio impresionante: la platea del Teatro Albéniz. Todo ello con un sistema de sonido Hi-Fi envolvente, una hora de sesión inmersiva para que escuches a Rosalía como nunca antes lo habías hecho: la separación entre instrumentos, el campo estéreo completo, la dinámica entre el pianissimo y el fortissimo de ochenta músicos tocando a la vez.

La escucha se introducirá con la presentación en Madrid del libro recién editado por Libros del Kultrum Buscando a Rosalía. Sus autores, Oriol Rodríguez y Yeray S. Iborra, charlarán con el redactor jefe de NUEBO, Diego Rubio, a propósito de la diva de Sant Esteve Sesrovires, LUX y las circunstancias que los llevaron a escribir este libro. Además, los asistentes tendrán también la oportunidad de adquirir el libro una vez finalice la sesión de escucha.

Foto: Carlos Baglietto

LA GENERACIÓN

QUE YA NO QUIERE

COMPARTIR PISO

Durante años, independizarse significaba aceptar el pack completo: muebles heredados, convivencia improvisada, un gotelé que tiene más historia que los libros de bachillerato y espacios que eran más supervivencia que hogar. Era casi un rito generacional.

EL PISO CUTRE COMO MITO GENERACIONAL

Compartir piso fue durante décadas un símbolo de libertad. También de precariedad asumida. El modelo tradicional de piso compartido era accidental. Se normalizaba que la nevera fuera territorio hostil y que la convivencia dependiera de normas improvisadas en un grupo de WhatsApp llamado “PISO 3ºB”.

VIVIR BONITO TAMBIÉN ES CULTURA

Pero eso ha cambiado. La nueva generación no solo busca un techo: busca experiencia, comunidad y bienestar. Quiere vivir bien. El piso compartido tradicional, con sus normas caóticas y espacios descuidados, ya no encaja con una generación que ha crecido valorando el diseño, la estética y el equilibrio mental. Hoy, el espacio importa. Y mucho.

EL FIN DEL “YA SOBREVIVIRÉ”

Aquí es donde entran propuestas como las residencias de estudiantes, y concretamente los alojamientos de Nido Living, que van más allá de ofrecer una habitación: crean entornos pensados para vivir, conectar y disfrutar. Espacios cuidados, zonas comunes, actividades y una comunidad que no surge por azar, sino por diseño.

2. Lo mejor de tener tu habitación privada es, sobre todo, la intimidad y la privacidad que te da la residencia, te hace sentir cómodo, como si estuvieras en tu casa prácticamente. En cuanto a las zonas comunes, nos brindan la posibilidad de relajarnos y divertirnos conjuntamente sin tener que salir del edificio. Estar en una residencia es como formar parte de una familia.

Alessandro, residente de Nido

El Porvenir (Sevilla)

“Porque el cambio no es económico, es cultural”

Porque el cambio no es económico, es cultural. Ya no se trata de sobrevivir: se trata de vivir mejor. Residentes de Nido Living nos contestan dos preguntas básicas:

1.¿Por qué elegir una residencia de estudiantes vs un piso compartido?

2.¿Qué es lo mejor de tener tu habi tación privada y al abrir la puerta las zonas comunes?

Carlos, residente de Nido

El Porvenir (Sevilla)

1. En una residencia de estudiantes puedes socializar y conocer a nuevas personas, estudiar y hacer actividades juntos después de estudiar. En cambio, en un piso compartido, tienes un espacio limitado, y no dispones de las comodidades de la residencia.

1. Una residencia de estudiantes ofrece un ambiente internacional ideal para conocer gente de todo el mundo. Además, garantiza mayor seguridad, con controles y personal dedicado, y dispone de ser vicios como piscina, gimnasio y zonas comunes. Frente a un piso compartido, aporta más comodidad, socialización y tranquilidad.

2. Disfruto de privacidad y tranquilidad en mi habitación, y al abrir la puerta accedo a zonas comunes para socializar, relajarme y compartir. Combino independencia con vida en comunidad.

Ana, residente de Nido El Porvenir (Sevilla)

1. Pienso que una residencia puede ser mejor opción que un piso compartido porque en caso de que ocurra algo, ya sea un problema técnico de instalación o problemas con el compañero o compañera, va a poder ser solucionado con relativa facilidad. Además, se trata de un recinto vigilado que proporciona seguridad.

2. Lo mejor de tener una habitación privada es que solo yo puedo entrar en ella, y tengo seguridad de dejar mis pertenencias sabiendo que van a estar ahí y no les va a pasar nada. Tener zonas comunes está bien, pues creo que, de alguna forma, aprendes a convivir.

NIDO El Porvenir (Sevilla)

Madrid, Sevilla, Valencia, Lisboa y Oporto cuentan con 10 residencias y flex living NIDO. Conoce cómo es la vida en todas ellas y solicita información específica visitando la web.

Jandro, residente en Nido Aravaca (Madrid)

2. Para mí, es fundamental tener una habitación privada porque de esta manera estás solo y te gestionas tu comida y no tienes a nadie del cual dependas; y tener acceso a zonas comunes es muy bueno ya que de esta manera puedes ir a estudiar a una zona en la que puedes estar tranquilo, nadie te molesta. En un piso siempre tienes vecinos y no sabes si vas a encajar bien con ellos.

Gabriela, residente en Nido Asprela (Porto)

“Tú simplemente sales de la habitación y lo tienes ahí todo”

1. Para mí, la residencia es mejor que un piso, sobre todo los primeros años que estudies en la universidad, porque sí que es verdad que estás en contacto con mucha más gente, haces muchas más amistades. También pienso que es bastante más sencillo, las resis son más fáciles de encontrar y la mayoría están bien comunicadas.

2. Tener zonas comunes para estar con tus amigos y como para conocer a gente nueva, y también sitios como el gimnasio o la biblioteca, son muy útiles y convenientes. Al final, tú simplemente sales de tu habitación y lo tienes ahí todo, no tienes que preocuparte por buses, por horarios. Encima, la elección de estar tranquilo en tu habitación o estar, ya sea, haciendo vida social o estudiando o entrenando es completamente tuya.

Marc, residente en Nido Aravaca (Madrid)

1. Personalmente, es mejor venir a una residencia ya que de esta manera puedes interactuar mucho más con las personas, hacer mejores relaciones que, para un futuro, te van a servir, y también por el tema económico, porque es mucho más fácil venir a una residencia que es un precio fijo y no tienes que estar buscando diferentes opciones de pisos que te van a salir más caras.

1. Principalmente, es por los eventos que la propia residen cia organiza entre nosotros. También por lo que Nido ofrece en cuanto a instalaciones, como una habitación privada, cocina y baño. Eso proporciona más privacidad de la que tendríamos en un piso compartido. De esta manera, cada uno puede tener su propio espacio personal mientras sigue disfrutando de las zonas comunes, y en el caso de Nido están muy bien equipadas.

2. En cuanto a la habitación privada, diría que sobre todo es por la privacidad. En cuanto a las zonas comunes, son muy prácticas, ya sea para organizar actividades juntos o simplemente tener un espacio para relajarse y desconectar cuando nos sentimos abrumados.

Luis, residente en Nido Asprela (Porto)

1. Debo admitir que esto fue algo que me preocupó mientras decidía dónde vivir. Elegí la residencia de estudiantes porque ofrecía más ventajas. Aquí, los suministros como la electricidad, el agua y el internet están incluidos, mientras que en un piso compartido serían gastos adicionales al alquiler. Sobre todo, elegí la residencia por su proximidad al campus universitario. Esto facilita mucho mi vida diaria.

2. Lo mejor es la privacidad, la considero esencial y aquí está garantizada. Las zonas comunes nos permiten vivir un poco del mundo sin salir de la residencia. Además, es tán disponibles las 24 horas, podemos utilizar las instala ciones, como el gimnasio, en cualquier momento.

NIDO Príncipe Pío (Madrid)

NIDO Asprela (Porto)

AMSTERDAM X EL MUNDO

Quedan diez días hasta el año que viene (1-10 de mayo) para visitar Keukenhof, el parque de tulipanes más grande y famoso del mundo. Otras flores y otras sensaciones aguardan en el Barrio Rojo, distrito histórico, nocturno, imperecedero.

CANALES, TULIPANES, COFFESHOPS, DIAMANTES, CERVEZA, GRANDES MUSEOS DE ARTE, NADA DE ESTO SUPERA UN ASPECTO FUNDAMENTAL DE AMSTERDAM: LA BICICLETA AQUÍ NO ES SOLO UNA OPCIÓN, SINO EL PRINCIPAL MEDIO DE TRANSPORTE. ESTO INFLUYE EN EL RITMO DIARIO DE LA CIUDAD, EN EL URBANISMO Y HASTA EN LA CONVIVENCIA DIARIA. PORQUE LA LIBERTAD Y LA TOLERANCIA VAN A PEDAL.

TEMPERATURA

MAYO:

Max: 18°C

Min: 8°C

Consigue aquí la información que mejor se ajuste al tipo de viaje y visita que planeas en Amsterdam.

GUÍA PRACTICA

Comer: Rollende Keukens es un popular festival gastronómico anual de food trucks que se celebra en el parque Westergasfabriek (días 13-17), gratuito y con mucha música en vivo.

La casa de Ana Frank o el museo del pobre Van Gogh comparten visitantes con alternativas como el NDSM Wharf y su museo de arte urbano STRAAT

FESTIS Y EVENTOS

Dormir: Si os lo podéis permitir, el Hotel Tivoli Doelen fue donde Rembrandt pintó sobre pared “La ronda de noche”. Para bolsillos más parcos: Bunk Hotel, una antigua iglesia.

Salir: ¿Hartos de degustaciones de cerveza? TonTon Club West, con sus juegos de arcade, air hockey, comida japonesa, y más. Cannabis para turistas, sí: Grey Area, o The Plug

Las estrechas y alargadas casas sobre los canales contrastan con el edificio EYE Film Institute o las torres irregulares Valley, en Zuidas.

Compras: Los souvenirs, en el canal de Singel. Zipper es un clásico de la ropa vintage. Fuera de Kalverstraat, el diseño local está en “las nueve calles”, De Negen Straatjes. Mayo es mes musical. El Music On de Marco Carola atrae a miles de fans del techno mundial al parque Meerpark (días 9 y 10). Además, Rüfus Du Sol (días 6 y 7) y Conan Gray (día 14) llenarán el Ziggo Dome. Y aquí tendrá lugar el comienzo de la gira mundial de Harry Styles (días 16, 17, 20, 22, 23, 26, 29, 30, Johan Cruijff Arena)

Por: Anna Pérez

Foto: Renell Medrano

DESPUÉS DE SU SIMBÓLICA ACTUACIÓN EN COACHELLA , Y EN PREVISIÓN DE UN POSIBLE REGRESO REAL A LOS ESCENARIOS GLOBALES, REPASAMOS LA TRANSFORMACIÓN QUE HA SUFRIDO LA CARRERA DE JUSTIN BIEBER EN LOS ÚLTIMOS AÑOS. SURFEANDO ENFERMEDADES, PROBLEMAS DE SALUD MENTAL, ADICCIONES Y TURBULENTOS CAMBIOS PERSONALES, EL BIEBER DE 2026 ES UN HOMBRE QUE, GRACIAS A SU FAMILIA Y AL HOGAR , ESTÁ POR FIN EN PAZ .

Going through CHANGES

‘Purpose’ (2015) le dio precisamente eso, un propósito, a la carrera de Justin Bieber, pero quizá el canadiense seguía sin estar preparado para manejar el estrellato de forma equilibrada. El resultado fue un periodo extraño intentando agrandar su base de fans de formas innecesarias. Estaba claro que algo tenía que cambiar...

Yummy, el primer sencillo de Changes y la canción con la que Bieber rompió su silencio, impactó más por su videoclip de lecturas siniestras. Varios niños ar tistas entretenían a los viejos ricos en un salón mientras estos se daban un festín. ¿Una referencia velada a las fiestas de Epstein y el Pizzagate? Internet no ha parado de especular desde entonces.

Tras el hiato, un Bieber ya alejado de su figura adolescente vuelve al ruedo con Changes Sonoramente en la estela de Purpose, se acerca sin embargo al R&B de una forma más paciente y relajada.

En esta época, Bieber estrena también Seasons, una serie documental en la que reflexiona sobre sus años de parón, su preparación para volver a hacer música, sus problemas de adicción o su gran cambio físico. Habla también de su lucha contra la enfermedad de Lyme, aunque no existe consenso científico sobre una manifestación prolongada de la enfermedad.

The BIEBER

Siguiendo la vía de madurez de Changes, Bieber entrega, en menos de un año, otro nuevo trabajo, Justice. Esto escribía el propio artista en su Instagram sobre su sexto disco: “En un tiempo en el que hay tantas cosas mal en este planeta roto, todos anhelamos sanación y justicia para la humanidad. Esta es mi forma de aportar un pequeño grano de arena. Mi parte. Quiero continuar la conversación sobre cómo es la justicia para que podamos seguir sanando”.

El regreso de Justin a lo más alto del imperio musical coincidió quizá con su época más turbulenta en lo personal, acumulando problemas que acabarían afectando a su presencia en los escenarios. También fue, por otra parte, cuando consolidó su matrimonio con Hailey Bieber.

Tras ser diagnosticado en 2022 con el síndrome de Ramsay Hunt en estadio 2, lo que le provoca una parálisis facial parcial, Bieber se ve obligado a cancelar el Justice World Tour. Aunque intenta retomar los conciertos, termina por decidirse a suspender la gira definitivamente para centrarse en su salud y en la de su matrimonio.

En este momento es cuando su nueva relación con la modelo Hailey Baldwin -hija del actor Alec Baldwin-, comienza a hacerse especialmente visible. Ambos habrían mantenido un breve affaire durante una de las idas y venidas de Justin y Selena Gomez entre 2015 y 2016, y en 2018 contrajeron matrimonio pocos meses después de anunciar su compromiso. Sus primeros años de casados han sido motivo de rumores desde el principio: que si Bieber estaba utilizando a Hailey para obtener la nacionalidad estadounidense, que si sus apariciones públicas mostraban claramente a una pareja infeliz, que si el cantante era demasiado inmaduro para estar a la altura de las circunstancias, que si Justin trataba mal a su esposa en público... Los Bieber, sin embargo, han sabido mantenerse fuertes a lo largo de estos años.

Casi a la vez que vendió su catálogo, Bieber puso fin a su relación profesional con Scooter Braun, el polémico manager que impulsó su carrera desde la adolescencia y que ha protagonizado otras controversias sonadas con ex representadas como Ariana Grande o, sobre todo, Taylor Swift. Su separación simboliza el cierre de una etapa muy influyente en la industria del pop de la década de los 2010.

En 2024, Bieber entra en una fase mucho más reservada de su vida tras el nacimiento de su hijo Jack Blues Bieber. Se aleja progresivamente del foco mediático para centrarse en su familia y en su marca de moda, Drew House, apostando por una vida más tranquila fuera del constante escrutinio público.

En 2025, Justin Bieber sorprende al mundo -que ya le esperaba más bien poco- lanzando un nuevo álbum, SWAG Es un retorno a la acción más divertido y desenfadado que trascendental, reflejo de sus nuevas rutinas más caseras.

2023- 2024

En 2023, Justin Bieber sorprende al mundo vendiendo los derechos de todo su catálogo musical hasta la fecha al fondo Hipgnosis Songs por 200 millones de dólares. Es el mismo que recauda las regalías de Nelly Furtado, Justin Timberlake o Leonard Cohen. ¿Se estaba dando por vencido de su carrera musical?

La RECUPERACIÓN

Centrado en su vida familiar y en su sanación personal, el canadiense tiene su primer hijo con Hailey Bieber y decide aparcar, al menos por el momento, su camino en la música.

Los rumores sobre un nuevo disco, en cualquier caso, fueron constantes: varias colaboraciones y apariciones sorpresa marcan un tímido retorno a la acción justo cuando se revela que Bieber habría declinado participar en Coachella 2023 por estar preparando canciones nuevas.

2025

Standing on BUSINESS

Pero, sobre todo, es un regreso que sorprende por enseñar a un Justin Bieber despierto, que sabe a qué suena la última ola de pop alternativo, hip hop y r’n’b en Los Ángeles.

“Your skin white, but your soul black”, le suelta Druski al canadiense en Therapy Session. Si algún cantante blanco le puede poner swag a su álbum, ese es Justin Bieber. SWAG es una oda íntima a la música negra que no es nueva ni aislada en su carrera, pero sigue la búsqueda de la credibilidad artística de Bieber más allá de su figura de superestrella pop.

Con Carter Lang (SZA, Kali Uchis...) y Dylan Wiggins (Rosalía, Don Toliver....) como productores ejecutivos, SWAG también cuenta con asistencia a la composición de Tobias Jesso Jr. y la producción adicional de Dijon y Mk.gee, dos artistas que están empujando el legado dejado por Bon Iver o Frank Ocean hacia un presente posdigital y fracturado.

A finales de año, el lanzamiento de SWAG II nos confirmaba la incontinencia creativa de un Justin Bieber renovado.

En el momento más comentado del concierto, Bieber se sienta delante de su Macbook, abre el chat de Youtube y empieza a interactuar con la gente. Les pide canciones y pincha sus primeros clásicos ahí mismo, en la plataforma, cantando por encima.

2026

BIEBERMANÍA 2.0

El momento actual de Justin Bieber se puede entender como un círculo completo dentro de la cultura pop. Tras años de hiperexposición y polémicas, su imagen se desplaza hacia una estética más contenida y su música reedifica los cimientos de su propia historia. Su actuación en Coachella es, así, tanto la culminación de un fenómeno adolescente como el nacimiento definitivo de un artista adulto y en control de su propia narrativa.

Antes de su retorno triunfal en Coachella, Bieber apareció en los Grammy vestido solo con un calzoncillo morado para dar su primera actuación en solitario en años. Una guitarra, un looper y un espejo como único punto de apoyo emocional definen una puesta en escena introspectiva que recuerda a Frank Ocean, y que refuerza el mensaje también introspectivo de SWAG

Donde unos vieron vaguería nosotros vemos una intención muy clara de cerrar el ciclo de lo que ha significado internet en la cultura pop durante sus años de actividad. Bieber revive su propia historia en directo y delante de sus fans, conectando con el público a través del personaje, pero distanciándose al mismo tiempo de él definitivamente. Elevándolo a objeto de culto pop, situándolo muy encima de él.

Pero nada como el Bieberchella: misma introspección pero elevada a la enésima potencia de la exposición masiva. Él solo ante una escenografía minimalista que parece aún más colosal y que le empequeñece, un ordenador para romper todas las limitaciones interactivas que le presuponemos a un concierto... ¿Lo que Coachella quiso de Frank Ocean en 2023 y este no supo dar?

Durante el segundo fin de semana de Coachella, Hailey, además, subió al escenario a Billie Eilish, una artista que ha mostrado en muchas ocasiones su admiración por Bieber. A pesar de conocerse desde hace años e incluso contar con un remix juntos, el acto de subirla para cantarle One Less Lonely Girl es un bonito gesto para honrar a todas las Beliebers. También es el símbolo de un relevo generacional.

Tras el festival, la página web de Justin Bieber se actualizó momentáneamente incluyendo lo que parece que podrían ser nuevas fechas de gira. ¿Podría volver Justin a España…? Quién sabe. Pero, sin duda, parece un gran momento para volver a ser Belieber. We want to believe!

JIMENA AMARILLO

MP/989 [SINGLE]

LUSILLON

MP/1017 [SINGLE]

PATRONATO

MP/936 [SINGLE]

MORREO

MP/963 [SINGLE]

D.DRAMÁTICO

MP/996 [SINGLE]

TRISTICIS

MP/1023 [SINGLE]

Por: Ramón Baylos

La literatura de Ian Fleming no es ajena al medio interactivo y los videojuegos de James Bond se cuentan por decenas. Aunque haya entregas francamente olvidables, en general mantienen alto el listón, especialmente cuando se desvían de la pura adaptación y se aventuran a contar nuevas historias para ponernos en las manos del agente secreto más famoso de la ficción.

‘First Light’ lleva a más esta premisa: con un joven 007 aún ganándose su licencia para matar, el sigilo y la infiltración juegan un papel fundamental en este “reinicio” desarrollado por los autores de ‘Hitman’.

Lo nuevo de James Bond está, lógicamente, impregnado de la naturaleza del estudio que lo ha desarollado: IO Interactive. Creadores de la archiconocida -e incluso adaptada a la gran pantalla- saga de infiltración Hitman, han decidido que sean los elementos de espionaje y sigilo los que den forma a las principales mecánicas del juego, reforzando la dimensión de superespía de Bond.

INFILTRACIÓN DESTRUCCIÓN

Pese a ello, IO Interactive parte de una premisa clara: First Light no opta por el sigilo como estándar jugable, sino como otra opción más que otorga una agencia decisiva para el jugador. Así, el agente 007 es capaz tanto de pasar inadvertido como de morir matando cuando la situación lo requiera. Además de un espía, Bond también es un letal e infalible agente secreto.

ELEGANCIA

Todas estas novedades, que recuerdan a una versión moderna de Splinter Cell -a caballo entre la infiltración y la acción-, se supeditan siempre, claro, a lo más importante aquí: Bond, James Bond. Recrear al personaje y su universo -britishness, coches clásicos pero potentes, mujeres bellas y fuertes, gadgets imposibles, persecuciones de infarto o escenarios glamurosos- implica siempre la misma mesura y las dosis idóneas que exige preparar su bebida fetiche: “Martini con vodka, mezclado, no agitado”. Sigilo realista ha de convivir con el reloj Q o una útil estilográfica todopoderosa, del mismo modo que la acción tensa y frenética puede abrirse al delirio provocado por un Aston Martin con lanzacohetes. Adaptarse o morir.

La segunda mitad de la infraestructura de mecánicas que componen 007: First Light supone la antítesis de Hitmam por cómo se acerca a la acción. De aquí se desprenden dos fuentes cruciales de inspiración que pertenecen al mismo medio. Por un lado, la saga Uncharted sirve de testimonio sobre cómo articular un elemento de caos procesado desde una perspectiva realista. Por otro, Batman: Arkham es referente de su sistema de combate multitudinario. Con ambas sagas en mente, IO Interactive busca que este James Bond pueda desplegarse también con la espectacularidad explosiva que caracteriza a las películas: tanto en enfrentamientos reducidos como en aquellas otras situaciones donde todo saltará por los aires en sentido literal, Bond usará el entorno y sus herramientas para estar a la altura.

La mitad la de que Light la antítesis Hitmam por cómo acerca la se dos fuentes que al medio. Por lado, saga sirve testimonio cómo articular un caos procesado realista. otro, Batman: Arkham es su sistema multitudinario. Con mente, busca que Bond desplegarse la explosiva que a películas: en enfrentamientos reducidos como en otras situaciodonde todo saltará por aires en Bond usará y sus herramientas estar a altura.

AGENTES 007 Y 47

Sería imposible entender 007: First Light sin observar la saga Hitman, que ha mantenido a IO Interactive ocupados durante varias décadas afianzando su filosofía de diseño, como trampolín contextual. Existen muchos paralelismos entre el Agente 007 y el Agente 47: ambos son tabulas rasas sobre las que expresar algo, aunque bien es cierto que los dos afrontan sus objetivos desde polos opuestos. Si 007: First Light nos pone en la piel de James Bond, Hitman lo hacía en la de alguien que podría servir como antagonista del agente secreto británico. No obstante, su vínculo va más allá de lo meramente simbólico y se aprecia en una transferencia inevitable de mecánicas. Al fin y al cabo, no tendría sentido que en IO Interactive desaprovechasen su valiosísima experiencia, sino que usen a Bond como puerta de entrada a ritmos más acordes a las exigencias de jugabilidad actuales.

LENNY Y JAMES

007: First Light encapsula la dualidad entre el bien y el mal gracias a las dos caras de un mismo arquetipo de personaje, representando caos y orden en el retorcido entramado de un conflicto militar.

Lenny Kravitz como Rey Pirata: llámalo estrategia de marketing arriesgada en forma de cast incomprensible o genialidad imprevista, pero el hecho de que Lenny Kravitz dé vida al villano de 007: First Light nos tiene dentrísimo. Está todavía por ver, de momento, si la música del artista servirá como elemento definitorio de la caracterización del personaje que interpreta. O si, por el contrario, la aportación del mismo será meramente visual. Lo que está claro es que contar con alguien con su mojo, su trayectoria y cuatro Grammys a las espaldas es algo que no se ve todos los días. Esta vez nada de American Woman: su pesadilla será más bien un British Guy.

El nuevo James Bond: IO Interactive opta por expandir lo que sabemos acerca de los orígenes del agente secreto en 007: First Light, distanciándose de cada actor que le ha dado vida en la gran pantalla y ocupando el espacio vacío que antecede a Casino Royale. Antes de conseguir su ansiada licencia para matar -acontecimiento canonizado en las películas justo en la escena precréditos de la primera cinta con Daniel Craig como Bond, primera también del corpus 007-, el joven espía británico del MI6 se mueve entre los grises que definen la doble moral del protagonista de Hitman Este es, convenientemente, un James en construcción.

NI DANIEL CRAIG NI PIERCE BROSNAN BOND THEME

Otro de los elementos más icónicos y definitorios de la saga de James Bond son sus sensuales y sinuosas escenas de créditos, cada una musicada por un artista también icónico de la cultura popular, y con una canción original que incorpora siempre el mítico tema orquestado por John Barry -el James Bond Theme, que, por cierto, se ha ido actualizando con el paso de las décadas de manera fascinante-. 007: First Light cumple en este sentido un viejo sueño de los fans de la saga: que lo interprete Lana del Rey. Un sueño que ella misma, además, compartió siempre: en 2015 optó para la apertura de Spectre, pero perdió ante el Writing’s on the Wall de Sam Smith, más continuista respecto al hit de Adele en Skyfall. Ahora ese sueño se hace realidad de la mano de David Arnold, autor de otros cinco Bond themes.

Otro de los elementos más icónicos y definitorios de la saga de James Bond son sus sensuales y sinuosas escenas de créditos, cada una musicada por un artista también icónico de la cultura popular, y con una canción original que incorpora siempre el mítico tema orquestado por John Barry -el James Bond Theme, que, por cierto, se ha ido actualizando con el paso de las décadas de manera fascinante-. 007: First Light cumple en este sentido un viejo sueño de los fans de la saga: que lo interprete Lana del Rey. Un sueño que ella misma, además, compartió siempre: en 2015 optó para la apertura de Spectre, pero perdió ante el Writing’s on the Wall de Sam Smith, más continuista respecto al hit de Adele en Skyfall. Ahora ese sueño se hace realidad de la mano de David Arnold, autor de otros cinco Bond themes.

Para interpretar a este Bond más bisoño e inexperto que está descubriendo sus letales capacidades -aspecto que contribuye también a la sensación de progresión en el juego-, IO Interactive no ha recurrido a ninguno de los míticos actores que le han puesto rostro en la gran pantalla, un puesto que además está vacante ahora mismo. El elegido es Patrick Gibson, conocido por interpretar al joven Dexter Morgan en Dexter: Pecado original. En él recae el primer intento de traer al agente 007 a un presente en que la forma en la que se ha presentado su (agresiva y controvertida) personalidad a lo largo de los años parece vivir un proceso de constante y necesaria revisión. Ante el envejecimiento inevitable de James Bond lo que se necesita no son grandes reinvenciones, sino repensar al personaje desde sus propias bases.

007: FIRST LIGHT

IO INTERACTIVE

27 de mayo

PC, PS5, Xbox Series X|S

LA CHICA DEL CORO

Por: Fernando Bernal

¿Cómo una película en la que suenan canciones populares eslovenas y un tema de Sonic Youth es una de las sorpresas de la temporada? La clave la tiene la directora debutante Urška Djukić, que firma el coming of age más revelador e inesperado del año. Una historia del despertar al deseo de una joven de 16 años que tiene que hacer frente, así, de sopetón, al sentimiento de culpa, el pecado y la sexualidad. La cineasta encuentra la manera de recuperar las voces femeninas silenciadas durante siglos en un filme bello y doloroso al mismo tiempo.

En su debut en la dirección de largometrajes, Urška Djukić explora el despertar a la sexualidad de una adolescente en el extraño y sugerente entorno de un monasterio situado entre Eslovenia e Italia, donde el coro de chicas del que forma parte pasa unos días de retiro. En ese contexto, lo espiritual y lo físico, los deseos reprimidos y los impulsos vitales, se confunden y palpitan en torno a un personaje fascinante, en una cinta cuyo título original, Little Trouble Girls, remite directamente a una canción de Sonic Youth. “Resume a la perfección la narrativa y su esencia temática”, asegura la cineasta sobre esa elección tan con-

creta. Con esa cadencia melancólica que define al tema, y también con la misma capacidad para embriagar con su ritmo, el filme demuestra una nueva forma de acercarse al periodo de la adolescencia, evitando cualquier trazo de condescendencia y reformulando en parte las bases en las que se suelen sustentar los coming of age de manual.

Djukić, que obtuvo con su cortometraje L a vida sexual de la abuela (2021) el Premio de la Academia de Cine Europea y el César a Mejor corto de animación en 2023, tuvo la idea para la película hace unos años, en 2018, cuando acudió a un concierto de un coro de chicas. “Cuando

las escuché cantar por primera vez, se me llenaron los ojos de lágrimas”, asegura Urška Djukić en las notas de presentación del filme. “Me conmovió profundamente el poder de esas voces, las de unas chicas a pun to de convertirse en mujeres, hasta el punto de que tuve que contener mis emociones para no romper a llorar en medio del concierto. Había algo profundamente importante en la fuerza de estas jóvenes voces femeninas, a menudo silenciadas a lo largo de la historia. También había tres sacerdotes sentados entre el público, que estaban tan conmovidos como yo. Me llamó la atención esa escena tan inusual: hombres adultos que viven en celibato escuchando a unas niñas que irradiaban una energía de pleno despertar sexual y emocionándose de ese modo. Es algo que me impactó hondamente y que necesitaba explorar”. Esta imagen activó la necesidad de la directora de “investigar al coro y sus dinámicas”. Luego escribió el guion y seleccionó a un grupo de chicas para formar un coro real, en el que se integraron las actrices durante el rodaje de la cinta.

UN ALTAVOZ

PARA

LAS VOCES FEMENINAS SILENCIADAS

La película comienza cuando Lucija, una joven de 16 años tímida y de carácter introvertido, se une al coro de su colegio. En este ambiente católico conoce a Ana-Marija, extrovertida y mucho más impetuosa que ella. Ambas comparten un fin de semana con el resto de sus compañeras en un convento aislado en el campo y habitado por una comunidad de monjas, y lo que allí viven y experimentan se convierte en el eje de la propuesta del filme. Urška Djukić realiza un retrato que destaca por el fuerte magnetismo de sus imágenes, y saca partido a su capacidad para entablar referencias que miran tanto a la imaginería religiosa como a una sensorialidad más física, tan poética como pop, que acaba por resultar fascinante. Sin tener explícitamente una base autobiográfica, La chica del coro sí que guarda, sin embargo, algunas conexiones con la experiencia de su propia autora. “El sentimiento de culpa en torno a los instintos naturales es algo que yo misma experimenté mientras crecía. Aunque mi familia no era estrictamente religiosa, mi madre me educó según las ideas católicas tradicionales de lo que debía ser una ‘buena chica’. Más adelante me di cuenta de que esas ideas, sobre todo las relacionadas

con la imagen corporal, la vergüenza y la sexualidad, y que han sido impuestas a muchas generaciones de chicas, incluida la mía, son rígidas y torpes”.

L as poderosas secuencias que logra la directora debutante cuentan con una importante carga simbólica, con el uso de metáforas relacionadas con esa voz femenina silenciada dur ante siglos y que fue el inicio de su investigación y del proceso de escritura. Esto la llevo a temas como la sexualidad, el pecado o el sentimiento de culpa. Todo ello canalizado a través de ese personaje femenino principal, una chica sensible ante todo lo que sucede en su entorno, pero a la vez deseosa de experimentar, y -como la autora reconoce- dispuesta a encontrar su propio poder interior frente a las convenciones que la sociedad trata de imponerle. “Quería explorar los misterios de los sentidos como herramientas para comprendernos a nosotros mismos. Creo que el tabú que rodea a la sexualidad nos ha hecho incapaces de comprender o aprovechar plenamente su potencial. El cuerpo tiene su propia inteligencia instintiva, que nos guía si lo escuchamos con atención. El concepto de sexualidad pecaminosa y la falta de educación al respecto son un mecanismo inteligente para desconectar a las personas de su fuente interior de poder, del poder que se esconde en sus cuerpos. Diría que es importante permitirnos escuchar y confiar en nuestra intuición, incluso cuando contradice las normas sociales. L as personas profundamente conectadas con sus cuerpos son menos fáciles de controlar porque confían más en su guía interna que en las directrices externas”, reconoce Djukić. Para retratar esa duda interior y esa frustración, la elección de las actrices principales de la historia -además de la selección de voces que integran el coro- resulta fundamental. Y, a partir de ahí, comprobar la química que se establece entre ellas, a pesar de que es la primera película que hacen ambas. Jara Sofija Ostan interpreta a Lucia: la directora la conoció durante las audiciones previas, tras ver los más

de cincuenta vídeos de presentación de las actrices seleccionadas por el equipo de casting, y de inmediato supo que ella era la elegida, porque vio que “tenía algo mágico. Parecía un alma vieja atrapada en el cuerpo de una niña, despertando lentamente. Hay una cierta tristeza en sus ojos que la hace más sensible que las demás”. De Mina Švajger, que interpreta a su amiga Ana-Marija, destaca “sus ojos azules”, que “ encarnan a una joven salvaje y valiente que contrastaba perfectamente con la dulzura y timidez de Lucija. L as veía como el yin y el yang, complementarias y parte de un todo”.

LITTLE TROUBLE GIRLS

Puede parecer casual, pero la influencia de Kim Gordon, vocalista y bajista de la mítica banda de noise y no wave neoyorquina Sonic Youth, es una constante para una nueva generación de cineastas preocupadas por dar voz a mujeres silenciadas, o al silencio que la propia mujer se impone en una sociedad y en un sistema dominados por la mirada masculina. Gordon, que no ha parado de reinventarse con los años, que ahora -a sus 70 y pico- balbucea críticas al tecnocapitalismo sobre abrasivos ritmos de trap y guitarras no wave acompañada por una banda de chavales que difícilmente superan los 20 años, y que es la autora de una de las autobiografías con trasfondo feminista más importantes de este siglo -La chica del grupo-, es sobre todo un verdadero ejemplo de emancipación. Kirsten Stewart, de hecho, contó con ella para un papel en su debut como directora, La cronología del agua, adaptación de las memorias de Lidia Yuknavitch con conexión espiritual evidente con el libro de Gordon. Djukić utiliza ahora esta canción contenida en Washing Machine, cantada a dúo con Kim Deal, para poner título a una película que habla de voz, de silencio, de ruido. La traducción al español, La chica del coro, desde luego que no parece casual.

LA CHICA DEL CORO (15 mayo)

Atalante / Eslovenia / 2025

Dirección: Urška Djukić

Reparto: Jara Sofija, Mina Švajger, Sasa

Tabakovic, Natasa Burger

Después de una trayectoria forjada en el fanzine y en los festivales de autoedición, la autora extremeña afincada en Bilbao pone su vampírico -y carismático- imaginario de personajes al servicio de su primer libro largo, ‘Sedienta’. Cinismo, ausencia, esperanza. Humanidad.

Por: Alex Serrano

Paula Guerrero (Almendralejo, Badajoz; 1996) llegó al cómic por la vía que más veces se repite y más raras veces funciona: alguien le dijo que dibujaba bien y le convenció de que no parase. Era 2018, el taller lo impartía el artista y docente Javier Lozano, y de aquella noche salieron, casi de golpe, Chica Vampiro y Cabeza Perro, los dos personajes que desde entonces pueblan sus loquísimos fanzines - Vamp , El año del vampiro, Maldita sabandija- y que ahora protagonizan Sedienta (Apa Apa Cómics), su primer libro largo. 144 páginas en bitono que cuentan cómo la inmortalidad se vuelve insoportable cuando implica cargar eternamente con las ausencias.

que el personaje merecía un poco de atención”, reconoce. “Necesitaba desarrollar un poco de fondo. Realmente no desvelo tampoco mucho sobre él en el libro, pero me apetecía darle una dimensión más allá del que acompaña y el que pone la cabeza”.

ejemplo, en la que Chica Vampiro explica a sus amigos que la joven que lleva apoyada en el hombro hace tiempo que ya no está viva. “Me hacía gracia la idea”, añade, “porque te hablo de las cosas malas que pasan en las relaciones, pero realmente es una depredadora”. Y además con coartada: es su naturaleza, no puede evitarlo. Cabeza Perro, por su parte, es el contrapunto racional de la vampírica protagonista. El que frena, el que piensa. Pero, para Guerrero, era importante ofrecer de él una visión algo más profunda que la que se da en los fanzines, necesariamente más breves, concisos y directos. “Creo

La manera de construir el cómic fue tan intuitiva que muchas decisiones dice haberlas racionalizado más a posteriori que en el momento de tomarlas. “No sé si lo pensé tanto en un primer momento...”, afirma con la honestidad de alguien que ha aprendido a hacer un álbum largo precisamente lanzándose a hacerlo, sin manual previo y empujándose a ello. “Empecé a dibujar sin pensar, muy desde la emoción, y llegó un momento en que era imposible seguir así y tuve que poner orden”. Los primeros meses produjo mucho material sin una unidad clara. Entonces vino la edición manual, hojas por las paredes, conexiones buscadas: “Vale, esto puede estar unido a esto, así que voy a hacer algo en medio que conduzca una historia hacia la otra”. A mitad del libro necesitó empezar a escribir un guion. “Si no, podía seguir infinitamente y no acabar; tenía que focalizarme”. Tenía un año de plazo marcado por una ayuda a la creación, y eso limitó lo que la cabeza por sí sola no era capaz de acotar.

El vampiro como figura podría haber sido cualquier otra cosa, pero carga con muchos significados para la autora extremeña. “El vampiro era como la figura perfecta”, dice, “porque al final es un ser que necesita seducirte para luego comerte. Así que un poco tomo a ese personaje para hablar de todas esas cosas tóxicas dentro del amor”. Le interesaba poder hablar del ghosting, de las cosas turbias de las relaciones, pero desde la impunidad que da lo fantástico. Hay una historieta, por

“El fanzine me sostiene. No a nivel económico, sino a nivel vital. Me permite explorar cosas, otros personajes, ver cómo funciona”

Gracias a esta beca concedida por la fundación BilbaoArte, Guerrero vive en Bilbao desde hace cuatro años, y ha podido sacar adelante su primer libro largo. Desde allí nos atiende al teléfono; está en la calle y el barullo de algún modo rima con el momento que está viviendo. Tras la intervención de Apa Apa, Paula pudo darle finalmente a Sedienta una forma última. La editorial le ayudó con el trabajo de edición, la propuesta de las páginas de color que articulan el libro, la distancia sobre la portada que ella ya no tenía después de un año encima del material...

Pese a la buena recepción de y a la ambición que demuestra Sedienta, Paula sigue trabajando por amor al arte: tras años autoeditándose, no tiene ninguna intención de dejar de hacerlo. “El fanzine me sostiene. Lógicamente no a un nivel económico, pero sí desde el punto de vistal vital. Necesito hacer fanzines, no puedo evitarlo. El fanzine me permite explorar cosas, hacer historias cortas con otros personaj es y ver cómo funcionan”. Desde 2018, ha forjado su trayectoria en las ferias o en librerías especializadas en fanzines como la Fat Bottom de Barcelona, que considera “uno de esos espacios que generan algo más que un catálogo”. Conociendo a la gente cara a cara. “Creo que nunca habría llegado a hacer este libro con Apa Apa si no hubiera pasado antes por un montón de ferias. Es bastante más valioso y satisfactorio que intentar vender tu movida por redes”, afirma convencida.

CHICA VAMPIRA,

¿PERSONAJE GENERACIONAL?

La treintañera eterna que duerme en una nevera y sale de conciertos

tiene algo muy concreto de este momento actual, una especie de neonihilismo consciente. Una pequeña mecha destructiva que se relaciona con la propia naturaleza de una v ampiresa. Una sed insaciable de algo que no consigue saciar. “Creo que el tono del cómic tiene mucho que ver con cosas que lees en el momento”. Reconoce que es difícil no caer en el pesimismo atendiendo a las noticias, pero le importa que Chica Vampiro no se quede ahí atascada. “Tiene ese punto cínico, y puede llegar a estar un poco sobrepasada por todo, pero luego es un personaje que tiene una pulsión... esperanzadora. Es bastante liberada en el fondo, y un poco ajena también”. Una Tumblr girl que sigue resistiéndose a los intentos de la vida por derrotarla, y que aún tiene ganas de enamorarse y de bailar. El cinismo es el punto de partida, pero no el destino. Cuando finalmente se enamora hasta eso cambia. El otro gran giro de Sedienta lo marca la ausencia. Hay un punto del libro en el que Elís, amiga de la protagonista, desaparece, y entonces el relato cambia de ritmo. La inmortalidad pesa diferente cuando quien ya no está era alguien importante. “Me gustaba la idea de alguien que está atrapado en el trabajo, que no se atreve a salir de ahí, y que de repente se ve forzado a ello. Y relacio-

Paula Guerrero (Badajoz, 1996) Graduada en Bellas Artes por la UCLM de Cuenca, esta extremeña -que también cuenta con un amplio currículum de trabajos de performance y arte sonoro- empezó a dedicarse al fanzine en 2018. Después de participar en varios festivales de autoedición y mudarse a Bilbao con una beca, ahora presenta su primer libro largo, Sedienta.

narla con esta especie de bucle de ausencia en el que puede verse inmerso un vampiro inmortal. Cuando dibujé esa escena, pensé: ‘Ostras, es un motivo perfecto para que la historia gire en torno a ella’. Pero el proceso fue tan de hacer-sin-escribir que ese método terminó derivando en la estructura fragmentada que al final tiene el libro, los saltos en el tiempo...”.

REBELIÓN CONTRA EL COLOR (O NO) Guerrero ha reconocido en varias ocasiones que el color, francamente le cuesta, y que la idea de utilizar para Sedienta una gama bitono, con páginas de color, viene sugerida por su editorial. “Últimamente estoy utilizando los encargos para aproximarme más al color. Tengo la suerte de que me están mandando cosas bastante libres, y es ahí donde voy probando”, cuenta.

No sabe si lo próximo será en color. Lo que sí tiene claro es que el universo de Chica Vampiro no se ha agotado. El Murciélago ya aparecía en algún fanzine anterior, y seguro que volverá a hacerlo. También la bruja Chupalmas y la propia Elís. “Los últimos meses que estaba dibujando el libro pensaba: ‘Ahora empiezo a saber cómo se hace esto...’. Y me he quedado con ganas de más...”.

SEDIENTA (ya en librerías)

PAULA GUERRERO

Apa Apa Cómics 144 págs. / Cómic

MAURO CAFFARATTO

Por: Galo Abrain

A lomos de un extraño espécimen con testa de lobo, cuerpo de gigantesco ravero y manos de Shiva, llega Mauro Caffaratto a la literatura de alta fantasía. ‘El sauce oscuro’, la primera novela de una duología, importa a España, a través del autor, la prosa grimdark de Andrzej Sapkowski con la ambición cosmológica de George R. R. Martin. Un viaje al valle del Cuervo donde su protagonista, Kendarian Molino, se enfrentará cara a cara con su pasado.

Supongo que la realidad nos sabe a poco cuando sentimos tanta inclinación por la fantasía. Vive la creatividad de la mente por encima de lo puramente material. Se siente prisionera, incómoda en lo tangible, ardiendo en deseos de elevarse hasta la bizarrada y la hipérbole. Y hay que ver cómo de burdelesca es la imaginación que flirtea sin reparos con esa tensión oscura, pero atractiva, con la que la humanidad ha narrado sus miedos y deseos alrededor de un fuego desde tiempos primigenios. Una tradición ampliada verso a verso, historia a historia, dando como resultado un rizo nacido de lugares comunes, pero capaz de bifurcarse, naufragando con éxito en parajes desconocidos.

Mauro Caffaratto ha logrado con su primera novela, El sauce oscuro, invocar un mundo hasta ahora inexplorado, poblado por extrañas e inquietantes criaturas así como curiosos oficios que poco tienen que

ver con una oposición a la administración pública. “Siempre me han gustado las historias, la fantasía y el rol, pero no me veía como un creativo”, reconoce Caffaratto en el Café Comercial de Madrid, donde su talante pausado y medio introvertido pega bastante con las exigencias arquitectónicas de esta clase de novelas. “Hablaba mucho con mis amigos y con mi madre sobre qué hace que una historia sea buena o mala, pero nunca pensé en hacerlo yo. En 2015, empecé a crear este mundo para una partida de rol y, con el parón de la pandemia, me lancé a escribir”. Hay que decir que, cuando Caffaratto menciona a su madre, no hablamos de una madre sin más. Bien, vale, madre no hay más que una y no hay genitora cualquiera; sin embargo, hablando en las lides de la escritura, ser vástago de Almudena Grandes impone. “Responsabilidad, y mucha. Me daba mucho apuro publicar una novela si era una mierda; le di muchas vueltas porque no quería escribir mal y, siendo hijo de mi madre, sentía esa presión”, dice el joven autor. “Tenía claro que, si no encontraba a alguien que quisiera publicarla de forma natural, no lo iba a forzar y, desde luego, no la iba a autopublicar”. De ahí que Caffaratto contactara con un conocido de su madre en una editorial, quien le ayudó a encontrar la suya. “Es un privilegio que una persona anónima no tendría, pero lo llevo con agradecimiento porque sé que he hecho un buen trabajo; le he dedicado años y la he reescrito muchas veces. No voy a sentirme mal por ello; es una realidad que está ahí”.

La misma realidad de la que escapa con las peripecias de Kendarian Molino, que tiene nombre como de elfo de Carabanchel, aunque eso se debe a su ascendencia paterna de un país del norte del universo del autor. El resto de personajes manejan apelativos castellanos, similares a los paisajes de Aldaria, donde se encuentra el valle del Cuervo, que

Mauro Caffaratto Grandes Aficionado a los juegos de rol, los videojuegos y la literatura de alta fantasía, Mauro realmente se dedica a la programación. Pero escribir le viene de familia: hijo de Almudena Grandes, El sauce oscuro es su primera novela.

“Mi madre, para definir las malas obras, tenía un adjetivo muy bueno: ‘tramposo’. Historias que no están bien cerradas, finales con truco”

es el lugar donde se desarrolla la trama. Porque, un poco a la manera de Pedro Páramo, pero más vigorosamente freak, Caffaratto hace regresar a su protagonista al origen. “Kendarian, volviendo a su pueblo natal tras haber caído en desgracia, cruzando el puente y viendo a los niños jugar donde él jugaba de niño, es una imagen que se me apoderó. También la de él volviendo al molino, ya que de niño era molinero”.

Pero no todo en El sauce oscuro son sentimentales reencuentros con la infancia. La historia, como buena fantasía dark, no escatima en esperpentos babeantes, con la boca colmada de sangre y pa’luegos en forma de fémur de algún inocente campesino. En concreto, los vestiglos de la novela son los llamados ‘invitados’: monstruos que surgen cuando alguien perece de manera violenta. “El germen fue el manga Claymore ”, reconoce Caffaratto. “Pero la idea de los ‘invitados’ nació de una escena que imaginé: una mujer mayor que moría accidentalmente cayendo sobre una guadaña, y todos le echaban la culpa al yerno. Pensé que sería más divertido si se transformaba en un monstruo y se comía al yerno”. Es menester recordar, para neófitos y susceptibles, que si algo caracteriza a este género es su domicilio en esa áspera comedia donde lo dramático, por la desmesura en las formas, pero no en el fondo, acaba resultando tan provocador que culmina en risa. De ahí también la inherente ironía que sobrevuela muchas de las partes de El sauce oscuro. “Los llamé ‘invitados’ porque me pareció sugerente”, apunta el autor. “Luego descubrí que en el folclore británico existen los guests, pero fue casualidad. En la novela, la gente evita usar la palabra ‘invitar’ porque es tabú”, un poco a la manera de Voldemort... ¡Ay, no debería haberlo dicho!

De entre todos los invitados, los más chungos, los más escalofriantes y revienta-sueños, son los ‘espantos’. Los espantos son invitados premium. Titanes

cambiantes, al estilo de los de Attack on Titan, que ni puros ni anormales pueden echarle cabeza a la situación. “Una de las grandes inspiraciones aquí es el videojuego Bloodborne”, apunta Caffaratto. “Los espantos actúan de forma errática, tienen una agencia propia y no siempre entendemos sus razones. Son como seres de otro plano que interactúan con nuestra realidad, pero bajo su propia agenda, la cual no se le presenta tan fácilmente al lector”. ¿Qué sería de la fantasía sin misterio? Y, siguiendo con las demandas del género, no todo pueden ser bicharracos y abuelas degolladas por guadañas. En el mundo de Caffaratto hay espacio para agencias de dominio y lacayos a su cargo, llamados ‘hermanos detectives’. “A mí mismo me sonaba un poco raro al escribirlo. La explicación reside en la propia estructura de Control (o el ‘Directorio para las Altas Escamánticas’, como lo llaman ellos). Esta organización funciona como una especie de empresa transnacional dentro de este mundo fantástico”, explica el autor. “Los ‘hermanos’ son, en realidad, los generales de Control. Se les llama así porque son individuos a los que arrancan de sus familias en el momento en que entran en la entidad. La idea de fondo es puramente política: como en este mundo los nacimientos y la magia están muy ligados a través de ‘las semillas’ -léase la obra para saber más-, separar a los miembros de sus familias sirve para evitar tramas de corrupción y prevenir que favorezcan a sus propios parientes. De hecho, rara vez se les permite volver a sus pueblos natales; siempre los envían lejos de donde se criaron”. Una fórmula que para quien haya leído los Witcher de Sapkowski se reconoce similar. “En cuanto al término ‘detective’”, continúa Caffaratto, “admito que es una palabra anacrónica. El libro está ambientado en una atmósfera que vendría a traducir la Europa de los siglos XV o XVI, y ‘detective’ no encaja históricamente ahí. Sin embargo, no encontré una palabra mejor que definiera exactamente su labor”. Para conocer más a fondo el intríngulis de esta historia habrá de bucearse en sus páginas. “Mi madre, para definir las malas obras, tenía un adjetivo muy bueno: decía que algo era ‘tramposo’. Se refería a esas historias que no están bien cerradas y se siente que el final es un truco; ella lo acusaba mucho”. Con semejante premisa zumbando en la oreja, está claro que dudar de la honestidad de El sauce oscuro sería un error.

EL SAUCE OSCURO (ya en librerías)

MAURO CAFFARATTO Planeta

496 págs. / Novela, Fantasía oscura

CUANDO EL MADRILEÑO LANZÓ EN 2019 SU PRIMERA CANCIÓN, ‘HABIBA’, EMPEZÓ A FORMARSE BAJO SU PIES UNA ESPUMA QUE, CON LOS SIGUIENTES LANZAMIENTOS, ACABARÍA CONVIRTIÉNDOSE EN UNA GRAN OLA . SURFEANDO EL MISMO MAR QUE LOS EXPONENTES DE SU SONIDO, CON LA RESACA CALLEJERA LATENTE Y DEFENDIENDO UN POP URBANO PERO CARNAL , VOLCADO EN LA MELODÍA Y ABIERTO AL FLAMENCO Y A VIRUTAS ELECTRÓNICAS, CANO PRESENTA AHORA SU TERCER TRABAJO LARGO, ‘ANAIS’, EL FINAL DE UNA ESPECIE DE TRILOGÍA QUE LO DELIMITA TODO EN TORNO AL CÍRCULO FAMILIAR .

Por: Daniel Caballero

Fotos: Verónica Alvez

avid Cano Calleja (2001, Madrid) incursionó desde muy temprano en el mundo de la música, y sus inicios siendo menor de edad estuvieron firmemente marcados más por la necesidad de alejarse de la cara oscura de la calle que por convicciones puramente artísticas. A su primera canción, Habiba, le siguió Loco, con esos bombos cadenciosos 4x4 y en la que hablaba sobre la incertidumbre del futuro en la calle a través de la rabia y el desconcierto. Poco a poco fue ampliando su espectro sonoro incluyendo elementos de bachata, reguetón o trap, y agrandando su lista de colaboraciones trabajando con grandes nombres como Nickzzy, JC Reyes, El Bobe, Flowtiago o Dollar Selmouni. Y en 2023 llegó su primer álbum y el primer fogonazo identitario de su carrera, DPQDP -“Dinero pa quitarme de problemas”, frase que tiene tatuada en el cuello-, un trabajo más sofisticado y meditado que aludía a esa etapa vital en la que el artista concebía hacer dinero como el único escape hacia una vida más digna y tranquila.

Al año siguiente publicó su segundo LP, Triana, dedicado al nombre de su hija, que elevaba un par de pisos el ascensor del prestigio al incluir colaboraciones junto a RVFV, Lia Kali, Lacrim o Cyril Kamer, y que además supuso para él su primer gran hit, una Se pone las Nike prendada de house. Anais, que lleva esta vez el nombre de su mujer -brújula inspiradora de Cano a lo largo de toda su vida personal y su carrera profesional-, es su tercer álbum de estudio, y en cierto sentido el final de una trilogía que se ha compuest o en torno a una especie de omertá familiar. “Esta nueva etapa es preciosa, vamos a disfrutar mucho tanto yo como toda la gente que lo escuche, y espero que se valore porque hay muchísimo trabajo detrás. He aprendido a no ser un cabeza loca y a tener una imagen buena y trabajada”, reconoce. Ya no necesita ponerse en el mapa; el mapa está puesto para él.

El crecimiento que el artista madrileño ha experimentado en estos seis años es abrumador: decenas de canciones con millones de visitas, sold outs al instante en recintos como el Palacio de Vistalegre... Pero cuenta que jamás se le ha subido a la cabeza. “Nadie te prepara mentalmente para esto. Lo bueno es que he ido subiendo muy poco a poco y la fama me ha venido así, no de un día para otro, que quizá eso es lo más difícil de gestionar. Al final considero que soy una persona que tiene los pies en el suelo. También es positivo rodearte de gente que te haga tener los pies en el suelo, no que estén dando palmas todo el día; esa es una de las claves para que la fama no te vuelva loco. Además, es importantísimo saber recibir las críticas, porque no todo lo que te diga alguien es malo, también puede

ser por tu bien. Lo valioso es la manera en la que tú te tomas lo que te dicen: si te tomas a mal cualquier mínima crítica probablemente te irá mal; pero si te las tomas bien probablemente progresarás”, asegura convencido.

En 2024, en una entrevista para el 20 Minutos, Cano afirmó que “no vivía de la música, sino que sobrevivía”. Dos años después nada ha cambiado mucho, pero a la vez ha cambiado todo. “Todavía no vivo de la música, pero sobrevivo mejor que antes. Vivir, lo que es vivir, que tú puedas tener un sueldo y tal, considero que tampoco es tan complicado. Conozco muchos artistas y compositores que no son famosos pero pagan sus alquileres y sus cosas tocando la guitarra, componiendo... El problema viene cuando quieres llevar una vida de locura, de rockstar”, argumenta. “Yo ya no tengo la misma ambición que cuando era pequeño porque he conseguido la mayoría

HACER LA PRESENTACIÓN EN EL METROPOLITANO FUE INCREÍBLE. SOY FAN DEL ATLETI

DESDE PEQUEÑO Y ME IDENTIFICO

CON LOS VALORES QUE REPRESENTA EL EQUIPO

de las cosas que me propuse cuando no era cantante, y eso lógicamente hace que el nivel de ambición baje. Ahora mismo la música la hago por arte más que por dinero. Ya no tengo ese ansia de ganar dinero como cuando era un muerto de hambre (cuando necesitaba dinero pa quitarme de problemas, cuando era una urgencia). Tampoco pienso que sea malo obsesionarse con el dinero, porque te permite focalizarte. Pero llega un momento en el que, cuando consigues tus objetivos, debes dejar de estar obsesionado con él, y tienes que aprender a invertirlo y a compartirlo”.

Cuenta Cano que cuando era un crío sus influencias musicales procedían de la música holandesa y francesa, además de algunos popes urbanos y de raíces flamencas. “También me ha influenciado mucho El Barrio, y obviamente he escuchado a raperos de la vieja escuela y he crecido con artistas como Dellafuente o Maka, aunque me considere bastante diferente a ellos”. De hecho, Cano admite no escuchar prácticamente música de otros artistas, solo sus propias canciones. “No consumo música de otros artistas, solo cuando voy de viaje con más personas y ellas me ponen un poco lo que está sonando en España. Llega un momento que cuando me monto en el coche no quiero escuchar música, me satura. Escucho podcasts, la radio, el fútbol, lo que sea. Si me tengo que poner algo de música son canciones mías. Pero me gusta bastante estar solo y en silencio”.

Precisamente el fútbol es una de sus grandes pasiones. Fan acérrimo del Atlético de Madrid, cuyo blasón luce orgulloso en una cadena empedrada de diamantes, logró cumplir un sueño presentando este álbum que acaba de publicar en el estadio Metropolitano. “Soy del Atleti desde pequeño y cuando entré en la música no tenía realmente ninguna relación musicalmente con el equipo, hasta que poco a poco nos fuimos introduciendo y hemos hecho ya varios actos juntos, incluso ir a partidos, he viajado en el avión con ellos en un partido de Champions League... Es una relación muy bonita, y he acabado haciendo la presentación allí. Fue increíble. También me identifico mucho con los valores que representa el Atleti y los aplico a mi vida”. El grueso de la música del madrileño es sumamente autorreferencial y autobiográfica, así que le pregunto si en el futuro teme quedarse sin nada que

ENTRE LA CALLE Y EL CANTE

Entre raíces flamencas y callejeras -y casi siempre entre el extrarradio sur de Madrid y Granada-, estos artistas han ayudado a definir el sonido más genuinamente local de nuestra música urbana.

Maka

Uno de los popes de la pasada década en la fusión urbana con la tradición flamenca y responsable en la sombra de la explosión de Dellafuente. Deje andaluz y trazas del más puro cante jondo, el granadino terminó de despejar las sendas a la mezcla folclórica, asfaltando una autopista por la que hoy transitan multitud de artistas.

Omar Montes

El de Carabanchel, con su personalidad peculiar y arrolladoramente mediática, ha elevado con astucia la dimensión nacional y heterodoxa del género, así como su intergeneracionalidad, legitimado con sonadísimas colaboraciones con artistas de la talla de Bad Gyal, C. Tangana, Saiko, Ana Mena o Nicky Jam.

Toni Anzis

En cierto modo, el productor de Granada ha sido el nexo de unión de una nueva escena de reguetón a la española -claramente aflamencao- en torno a la que han orbitado -con mayor o menor distancia- Los del Control, David Marley, Saiko, Moncho Chavea, Lia Kali, J Abecia, Antony Z, Camin o Pepe y Vizio. Todo un mapa sonoro.

Camin

El madrileño, que está muy hermanado con Cano por compartir orígenes e imaginario musical, también ha sido uno de los grandes representantes de esta oleada de fusión urbana y flamenca. Después de años bregando en el underground, acaba de estrenar Modo leyenda, con colaboraciones de Rvfv o J Abecia y la bendición de Yung Beef.

contar. “El día que eso pase me retiraré. Pero de momento no tengo miedo porque hasta el día de hoy siempre tengo puntos de inspiración entre el amor y el dolor, y no entra en mi cabeza que llegue el día en el que no sea capaz de escribir nada”. Cuenta también que “la melodía es lo más importante que hay en la música. La gente hoy en día escucha letras que no valen para nada, pero al tener una buena melodía se consumen las canciones”. Y finaliza hablando del amor, su importancia y la impaciencia que prima en la sociedad de consumo. “Hoy en día estamos en una sociedad muy consumista tanto en los productos como en las relaciones y creo que la gente se precipita un poco en mandar todo a la mierda cuando a veces hay que tener un poco más de paciencia para una relación; de hecho, mucha paciencia. En una relación no solo hay cosas bonitas, también tienes que aguantar los arreones. Al final el amor mueve el mundo, si lo moviese el odio ninguno estaríamos aquí”.

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Foto: Javier Bragado

Por: Diego Rubio

Se acerca otro verano de música en directo, así que te traemos nuestra guía festivalera definitiva para 2026. Haz la maleta, pilla el tren y recorre España poniendo los oídos. Y no te olvides de tu revista NUEBO: te recomendamos artistas y planes para hacer en los festivales con el objetivo de que no te pierdas nada. Y, si te quedan ganas de leer, te explicamos un poco cómo está el panorama.

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Decir que los festivales están de moda en España es como decir que mañana va a salir el sol. Y, sí, ya hemos oído todos muchas veces aquello de que se puede recorrer este país de festival en festival, como la ardilla de árbol en árbol. Pero lo cierto es que, con los datos en la mano, el nuestro es un país especialmente propenso para este tipo de eventos, y destaca en este sentido a nivel internacional, siendo el tercer país de Europa con mayor número de festivales musicales solo por detrás de Alemania y Reino Unido. España es, definitivamente, festivalera. El clima benévolo, unas menores limitaciones horarias o una industria musical cada vez más dinamizada explican en cierto modo esta situación. También los precios reducidos de nuestro país en comparación con otros puntos calientes festivaleros como EE UU o Reino Unido -de donde, por cierto, llega la mayoría del público extranjero-, aunque este aspecto se esté igualando a marchas forzadas durante los últimos años.

Según el Anuario de la Música en Vivo 2026, un estudio sobre el sector que elabora y publica anualmente la Asociación de Promotores Musicales (APM), los festivales representan más de un 50% de la facturación total de la industria del directo. Esto supone, con los datos de 2025, más de 400 millones de euros de los 807, 2 con los que se han batido todos los récords. Es, simplemente, la foto actual de una tendencia alcista que lleva experimentándose desde el shock cultural de la pandemia, y que parece estar consolidándose de-

finitivamente: desde 2022, en solo tres años, los ingresos que supone la música en vivo en nuestro país se han casi duplicado. Y no tienen visos de caer; si acaso, de estabilizarse. Esto significa, esencialmente, que a día de hoy los festivales son un activo cultural clave de nuestro país, y representan a un sector “maduro, estratégico y clave para la economía”, como aseguran desde el Anuario. “Hay una climatología favorable, una red de infraestructuras sólida, una gran tradición cultural vinculada a la música en directo y un público muy participativo. Además, ha habido una profesionalización enorme del sector: promotores con visión internacional, equipos técnicos de primer nivel y una clara apuesta institucional y privada por la cultura como motor económico”, reconoce Javier Arnáiz, director de Mad Cool Festival. El sector está boyante, y eso lo hace tremendamente atractivo para las marcas -que buscan un engagement emocional con sus futuros clientes-, los turistas, los inversores y las instituciones, que cada vez más lo entienden como el

“No consideramos a Madrid una ciudad hostil. Pero, como gran capital que es, plantea retos específicos y normativas complejas”

Mad Cool Festival

bien cultural que es y como un elemento dinamizador de las ciudades. Primavera Sound estima -siempre según sus datos- que su impacto económico en Barcelona ronda los 300 millones de euro. Para Arnáiz “un festival como Mad Cool activa la economía de una ciudad durante semanas. Además, tiene un impacto tangible a la hora de asentar la imagen de Madrid como capital europea de la música en directo”. Todo esto que pertenece un poco a la narrativa del optimismo de los números -“más”, aunque a veces cueste creerlo, no siempre significa “mejor”- es, sin embargo, cada vez más complicado de bajar a tierra. Los precios, da igual el eslabón y da igual la cadena, no paran de subir. El reparto del mapa festivalero, por ejemplo, se concentra en su práctica totalidad entre Madrid y Barcelona pasando por el corredor Mediterráneo, y los ciclos de conciertos proliferan especialmente a lo largo de toda la costa andaluza, generando una fotografía desigual. El público ha cambiado y tiene nuevos hábitos de consumo y nuevas exigencias. El crecimiento ha de relacionarse con la sostenibilidad -a todos los niveles: medioambiental, económico o de afluencia y flujo de público- del evento. Y aceptar que quizá no todos los festivales han de aspirar a ese proceso de crecimiento masivo es una realidad a día de hoy, porque no puede haber hueco para todos: diferenciarse y crear una propuesta personal es cada vez más imprescindible para sobrevivir en un ecosistema tan hiperpoblado.

Foto: Andrés Iglesias

MÚSICA EN TIEMPOS DE INFLACIÓN

“La inflación es una realidad que afecta a toda la industria”, aseguran desde Mad Cool Festival. “Han subido de forma notable los costes de producción, energía, transporte, estructuras, personal, seguros, cachés artísticos y pr ácticamente cualquier partida relacionada con la organización de un evento de estas dimensiones”. Todos los festivales a los que hemos preguntado coinciden categóricamente.

“Sería absurdo negarlo”, afirman desde Sonorama Ribera. “La subida ha sido muy significativa. Cada año es más complicado cuadrar números sin que eso afecte al público o al proyecto. Es uno de los temas que más nos preocupa ahora mismo”. Si el poder adquisitivo del público no sube en paralelo a los precios, y si los festivales no pueden reducir más su margen de beneficio a costa de mantener reducido el precio de las entradas -“El Cruïlla supone una actividad de riesgo de 10 millones de euros, y cuando tenemos un buen año tenemos una rentabilidad del 5%”, asegura el director del festival barcelonés, Jordi Herreruela, en el mencionado Anuario-, ¿seguimos pese a tanto número positivo bajo la permanente sombra de que estalle una burbuja 2.0?

“Es un contexto que nos obliga a optimizar recursos y a ser muy eficientes en la planificación, manteniendo siempre el nivel de calidad que define al festival”, explican desde Noches del Botánico. El discurso de Mad Cool se sitúa en la misma línea. “Eso nos obliga a ser

más eficientes, planificar con más antelación y tomar decisiones muy medidas para mantener la calidad sin trasladar todo ese incremento al público”. Para ellos, “el equilibrio entre viabilidad económica y accesibilidad es uno de los grandes desafíos actuales del sector”, y son palabras -equilibrio, accesibilidad...- que en general resuenan en las oficinas de todos los festivales. “Mantener el equilibrio entre crecimiento y esencia, entre costes y accesibilidad, entre ambición y realidad, es uno de los principales retos de Sonorama Ribera actualmente. También adaptarnos a un sector que cambia muy rápido, constantemente”.

¿ES POSIBLE CRECER DE FORMA SOSTENIBLE?

Primavera Sound celebró en 2022 su edición más grande hasta la fecha, desplegándose en Barcelona durante dos semanas completas. El resultado fue económicamente notable, pero generó mucha respuesta nega tiva por parte del público: la extensión del festival se había ido de las manos, también el aforo, la navegación interna, las colas... Desde entonces, el festival ha optado

“No todo vale para crecer”, aseguran desde el Sonorama Ribera. “Preferimos crecer de forma controlada, repartiendo la actividad por la ciudad y cuidando la experiencia. Si la gente no está cómoda y feliz, el festival pierde sentido”. La cita arandina también se ha tenido que ir replanteando su crecimiento en los años posteriores a la pandemia, y fundamental para dar con su actual modelo fue cambiar de recinto en 2019. Mad Cool es experto en esto de las mudanzas: en sus nueve edi-

“Aquí el público no viene solo a ver conciertos. Viene a vivir unos días en comunidad, con amigos, a comer lechazo y a beber vino Ribera del Duero”

Sonorama Ribera

Foto: Paco Poya

por dar ligeramente marcha atrás, volver a un modelo liger amente más concretado -sigue siendo el segundo festival con más asistentes de nuestro país, con 297.000 en 2025 y solo 3.000 por detrás de los 300.000 del Arenal Sound-. Y los dos sold outs logrados en 2025 y 2026 con meses de antelación le dan la razón a este ligero modelo más conservador. La gente quiere ir a disfrutar, no a la guerra. Quiere ver conciertos con relativa comodidad y sin hacer colas infernales. Y quiere que la experiencia, aunque no sea perfecta, sí sea fluida.

ciones, ha experimentado tres cambios de recinto, y esto se ha relacionado lógicamente con la forma en la que evolucionaba su modelo de festival. “Uno de los principales retos para nosotros es crecer de forma sostenible. No se trata solo de hacer un festival más grande, sino mejor: más eficiente, más cómodo, más responsable medioambientalmente y más integrado en la ciudad. Esa es la verdadera evolución que persigue cualquier evento con vocación de continuidad. Al mismo tiempo, trabajamos para consolidar un modelo estable a largo plazo, basado en un

recinto adecuado, una buena relación con la ciudad, sostenibilidad económica y una experiencia cada vez mejor para el público”, aseguran desde la organización.

Para ellos, adaptarse a las necesidades que se les vayan imponiendo y mantener una actitud conciliadora con Madrid es clave para su supervivencia. Y esto, más allá de los cambios de recinto, donde más se ha notado es en la proyección horaria del Mad Cool: sus horarios “a la europea” -nunca prolongándose hasta más de las dos de la madrugada- son una anomalía en nuestro país, pero al mismo tiempo una imposición sin la cual el festiv al no sería viable. Otro malabarismo más para la colección: “España tiene hábitos culturales y horarios distintos a otros países europeos, especialmente en lo relacionado con el ocio. Somos más nocturnos. Adaptar ciertos horarios requiere tiempo. Pero también vemos que el público entiende cada vez más las ventajas: mejor conciliación con el transporte, mayor comodidad, descanso, menor impacto acústico y “La industria cambia

y es el público quien decide. Por eso trabajamos no solo en la programación, sino en todo lo que rodea al festival”

Noches del Botánico

una experiencia más ordenada. Es un cambio progresivo, no inmediato”, explican desde la organización. “Creemos que es el modelo adecuado para el presente y el futuro del festival. No hablamos de algo rígido o inamovible, porque siempre estamos abiertos a ajustar y mejorar, pero sí de una dirección clara. Los grandes eventos necesitan marcar horarios compatibles con la movilidad, la seguridad, la normativa y la sostenibilidad. En ese sentido, acercarse a estándares internacionales no solo es positivo, sino en muchos casos necesario para garantizar viabilidad a largo plazo”.

M adrid, que capitaliza junto a Barcelona la oferta musical, puede ser sin embargo una plaza hostil para los festivales en general: el modelo extensivo de Primavera Sound, que probó un piloto en la capital en 2023, demostró ser incompatible con la administración de la ciudad; Mad Cool o Río Babel mantienen esos corsés horarios, y un modelo de ciclo como Noches del Botánico ha demostrado sobradamente encajar más con su filosofía. Pero, al mismo tiempo, Madrid está configurándose, para bien o para mal, como el gran hub de Latinoamérica en Europa, y esto se traduce en que, a la ciudad, cada vez más, le interesa cuidar a sus festivales. “Consideramos que lo que más define a Río Babel es que es un festival que, desde sus inicios, se ha caracterizado por tender puentes entre América y España. Que España y Madrid cada día sean más ricos en cuanto a nacionalidades, directa o indirectamente, tiene un impacto en el festival”. En Mad Cool, en fin, “no consideramos a Madrid como una ciudad hostil. Madrid es una ciudad extraordinaria para la música

en vivo: tiene público, conectividad, oferta hotelera, atractivo internacional y una enorme vida cultural. Eso es una base privilegiada. Lo que sí ocurre es que, como gran capital que es, plantea retos específicos: normativas complejas, presión urbanística, movilidad, climatología complicada en verano o necesidad de compatibilizar usos del espacio. Pero eso sucede en muchas grandes ciudades europeas. La clave está en trabajar coordinadamente con instituciones y vecinos para encontrar soluciones duraderas”.

¿Y QÚE QUIERE EL PÚBLICO DE LOS FESTIVALES?

La respuesta parece unánime: vivir una experiencia que parte de la música, pero que también tiene parte de turismo, de ritual social, y aura de “the place to be”. Un todo que trasciende el hecho de ir a un concierto. Garantizarlo, ahora mismo, es la prioridad de todos los festivales. “El principal reto, y la premisa en la que confiamos, es seguir siendo relevantes en un entorno cada vez más competitivo”, dicen desde Noches del Botánico. “L a industria cambia constantemente y es el público quien decide. Por eso trabajamos no solo en la programación, sino en todo lo que rodea al festival, para seguir siendo una opción atractiva y diferencial cada verano”. “Hoy el público tiene más opciones que nunca y eso obliga a todos a elevar el nivel”, añaden desde Mad Cool. “Pero más que verlo como una dificultad, lo entendemos como un estímulo para seguir evolucionando. Diferenciarse ya no depende solo del cartel, sino de la experiencia completa: la comodidad del recinto, los servicios, la movilidad, la sostenibilidad, la identidad visual y la co-

Foto: Fer González

Foto: Toni Villén

nexión emocional con el público. En ese sentido, Mad Cool tiene una personalidad muy reconocible y seguimos trabajando para reforzarla. Escuchamos mucho a nuestro público, analizamos cada edición y tratamos de implementar cambios reales en logística, accesos, sonido, restauración o sostenibilidad”.

Canela Party, por ejemplo, cuenta con una propuesta artística ambiciosa, pero mucha gente prefiere ir por el ambiente y por su original fiesta de disfraces, en la que incluso participan los artistas. Que el sonido no sea perfecto no importa si cada uno sabe qué es lo que hace especial a su festival. En Sonorama Ribera, esta idea también ha sido muy importante desde siempre, simbolizada en la frenética actividad que inunda Aranda de Duero durante la celebración del festival. “Nos define la conexión emocional con la gente, tanto con el público como con los artistas”, reconocen. “Aquí el público no viene solo a ver conciertos, viene a vivir unos días en comunidad, con amigos, a comer lechazo y a beber vino Ribera del Duero”. Los festivales cargan, así, con una fuerte carga emocional como evento masivo. Ya no son solo un lugar para escuchar música, sino un lugar donde la música atraviesa narrativas más personales: hay gente que se casa en un festival, que celebra allí su cumpleaños, su aniversario o su despedida de soltera, o que los utiliza para estar con aquellos amigos a los que ya nunca ve. Son un rito iniciático, un pequeño desafío -tanto físico como intelectual, siempre que esté uno abierto al descubrimiento-. Esto se traduce en que son, también, un poco parte del espectáculo contemporáneo que los creadores de contenido narran en redes sociales.

“Los festivales conviven con activaciones de marca. Hay que entender todas las nuevas dinámicas que llegan con la digitalización y las redes sociales”

Río Babel

El festival, más que nunca, define nuestra agenda de gustos y filias, o lo que es lo mismo: estatus social y construcción pública de la identidad, FOMO. Y eso a las marcas les encanta, porque ya no habla de música, sino de uno mismo. “La música en direct o convive en un entorno donde hay otros estímulos, como las activaciones de marca”, apun -

tan en Río Babel. Hay que entender todas estas nuevas dinámicas que llegan con la digitalización y las redes sociales y saber crear la atmósfera perfecta para que todas estas novedades convivan en un festival sin desvirtuar el propósito inicial”.

LOS CICLOS DE CONCIERTOS: UN REFUGIO FRENTE A LA MASIFICACIÓN En 2025, el ciclo de conciertos Icónica Santalucía de Sevilla congregó a 276.000 asistentes en torno a los 28 conciertos que organizó durante todo el verano, con un 58% de público local y un impacto de 230 millones de euros. Es un éxito que se replica en citas similares como Marenostrum Fuengirola -que actúa como referente en la Costa del Solo Noches del Botánico, en Madrid. Al ser conciertos más aislados, con menos extensión horaria y complicaciones logísticas, pueden celebrarse en emplazamientos más pintorescos o emblemáticos -el Poble Espanyol de Barcelona, el Castillo Sohail de Fuengirola, la Plaza de España de Sevilla...-, y cuidar con mayor facilidad la experiencia. “El Real Jardín Botánico Alfonso XIII de la Universidad Complutense de Madrid permite disfrutar de un espacio único, con temperaturas más agradables, amplias zonas de descanso y una oferta gastronómica cuidada. Todo ello convierte la visita en algo más que asistir a un concierto: es una experiencia completa”, reconocen desde Noches del Botánico. “Nuestro formato reducido permite una sinergia entre público y artista difícil de encontrar en otros festivales. Al ser un ciclo de conciertos durante dos meses, ofrecemos comodidad y flexibilidad al público, que puede elegir cuándo venir en función de sus gustos”.

Foto: Gloria NM

Foto: Javier Bragado

1 & 2 DE MAYO / MURCIA

SOULWAX / GUITARRICADELAFUENTE / FATBOY SLIM / SANGUIJUELAS DEL GUADIANA / LA LA LOVE YOU / LORI MEYERS / RUSOWSKY / CARLOS ARES / ULTRALIGERA / GINEBRAS / LADILLA RUSA / LEÓN BENAVENTE / MIDNIGHT GENERATION / VEINTIUNO / BIZNAGA / NEOVERBENEO / PERDÓN / 1111 / BCLIP / BLACKPANDA / DREA / JUGUETE / OJETE CALOR / DEADLETTER / FLASH STEREO CLUB DJS / FIRMADO, CARLOTA / KARAVANA / LA PALOMA / VIVA BELGRADO / CORA NOVOA / FLACA / MERITXELL DE SOTO / PATATAONSTEREO / PIEM / POGO DJS / JAMES...

NO TE LO PUEDES PERDER

LAS PETUNIAS | Cecilia, Elsa y Natalia han leído con ahínco el libro gordo del pop punk madrileño y ahora lo hacen suyo desde la frescura, el descaro y la retranca irónica. Ahí te pudras, maldita, su EP debut en Sonido Muchacho, es todo un golpe en la mesa.

La Fica de Murcia se prepara para una nueva edición de Warm Up, junto al San San el primer gran preámbulo a la temporada festivalera. Más info siguiendo el QR.

AKRIILA | La rapera chilena ya está liderando la escena urbana de su país, y la palabra empieza a extenderse por toda Hispanoamérica.

VVV (TRIPPIN’YOU)

HADREN

AMORE

BLOC PARTY

NO TE LO PUEDES PERDER

REPION | Alta intensidad emocional, pop melódico embadurnado en guitarrazos y ruido, las hermanas Iñesta tienen algo de The Breeders meets Ella Baila Sola.

22

& 23

DE MAYO ALCÁZAR DE SAN JUAN

LORI MEYERS / NIÑA POLACA / SEXY ZEBRAS / MARLENA / LAS PETUNIAS / MARLENA / VEINTIUNO / ALEJO / JAGUAYANO / LA SONRISA DE JULIA / MAIKIE / ALEX CURREYA / STANZ DJ / SUPERFRAME / PUÑO DRAGÓN / BITA / MODELO / NIÑOS BRAVOS / OSLO OVNIES / POPI&SITO / THE CBB / CHINCHES DJS

NO TE LO PUEDES PERDER

SANGUIJUELAS DEL GUADIANA | Los autores de nuestro mejor disco nacional de 2025 se embarcan este año en una ambiciosa gira de festivales para llevar su conquista a escala nacional.

RIGOBERTA BANDINI

La tierra de los molinos, en plena Castilla-La Mancha,. se inunda de música en esta cita con acampada, poco masificada y ambiente popular. Más info en el QR.

MY BLOODY VALENTINE / THE CURE / DOJA CAT / BAD GYAL / MASSIVE ATTACK / WET LEG / GUITARRICADELAFUENTE / 2HOLLIS / PINKPANTHERESS / THE XX / GORILLAZ / SKRILLEX / ETHEL CAIN / JADE / ALEX G / RAVYN LENAE / BLOOD ORANGE / MAC DEMARCO / OVERMONO / PEGGY GOU / CARL COX / KNEECAP / AMAARAE / ROLE MODEL / RILO KILEY / SLOWDIVE / BUSCABULLA / MERZBOW / EINSTÜRZENDE NEUBATEN / FCUKERS / ECCO2K / MECHATOK (LIVE) / THESE NEW PURITANS / DEPRESIÓN SONORA / BARRY B / RALPHIE CHOO / LUCRECIA DALT / CAROLINE / CAMERON WINTER / PANDA BEAR / ANTHONY NAPLES / BAMBII / LABLACKIE / MALIBU / THE SOPHS / WATER FROM YOUR EYES / ANNA VON HAUSWOLFF / GRACE IVES / ASHNIKKO / MATMOS / JASSS / ...

NO TE LO PUEDES PERDER

DEL 3 AL 7 DE JUNIO BARCELONA

RAE | Tiktoker reconvertida en popstar de éxito, su debut largo es una anomalía total en estos brillantísimos derroteros: canciones y melodías perfectas, como veladas por una sutil bruma.

OKLOU | La francesa, autora del mejor disco internacional de 2025 para NUEBO, regresa a nuestro país tras triunfar el año pasado en la Sala Apolo.

DIJON | Artista, productor, y uno de los grandes responsables del nuevo R&B pop glitcheado y alternativo junto a Mk.gee. Hijo espiritual de Frank Ocean.

ADDISON

NICK LEÓN (LIVE) | Responsable de uno de los discos más destacados de 2025, A Tropical Entropy, llega al Primavera Sound para levantarlo en formato live, en una de las rarísimas ocasiones en las que se aleja del dj-set.

PLANES FESTIVALEROS

NO TE LO PUEDES PERDER

NINAJIRACHI | Portada de nuestro número de enero, la artista australiana ha entendido todos los códigos de internet, la electrónica y su generación para facturar un debut inolvidable.

El Primavera se abre en las salas de Barcelona durante toda la semana del festival con Primavera a la Ciutat. El complemento perfecto de una cita inabarcable. Otro de sus grandes atractivos es el escenario Cupra: un club futurista al aire libre con programación non stop y sonidazo a ras del mar. Legendario. En el ecosistema de Primavera Sound siempre pasan cosas: conciertos sorpresa o en contextos inesperados, colaboraciones encima del escenario... Observa.

OLI XL (LIVE) | El productor sueco ha sido uno de los responsables de los últimos giros del sonido Year0001, y a día de hoy es vanguardia pop. IDM de gominola.

FEMTANYL | Digicore extremo a la canadiense: el dúo sale del anonimato y la red para hacerse carne y presentar su debut largo.

KNOCKED LOOSE | La vertiente más agresiva y radical del revival post hardcore.

FAKEMINK | El líder británico de un nuevo hiper-rap, distorsionado y en scroll infinito.

Sigue el QR y descubre la inmensa programación completa del Primavera Sound, incluyendo los conciertos en salas de Primavera a la Ciutat o Primavera Pro.

7, 8 & 9 DE MAYO PALMA DE MALLORCA 18 DE JUNIO SANT JOSEP DE SA TALAIA, IBIZA 17, 18 & 19 DE SEPTIEMBRE MAHÓN, MENORCA

Desde Venice Bay, CRANC ofrece una noche de rock alternativo en Ibiza el día 18 de junio.

MUJERES / MAIKA MAKOVSKI / AMABLE DJ / SVSTO / PITXORINES / FIN DEL MUNDO / MALÁNIMA / LAME / ZULU ZULU / TWO LITTLE ROOMS / POINTLIST DJ SET / LOLA VIN DAGE / ROCÍO SAIZ DJ / FABIAN ROELANDT / FREENIPPLES / ANÍS / BAF / UMBRA / JANE YO / LITTLE ONE / EL ZID / PODCAST MAMARRACHAS CON ANA MORGADE

SOLEÁ MORENTE | La artista protagoniza, con su nuevo álbum, la programación del CRANC Ibiza (el 18 de junio) junto a Mujeres o Billy Flamingo.

Cranc Festival despliega la música alternativa por todas las Islas Baleares con tres citas fundamentales en Mallorca, Ibiza y Menorca entre mayo y septiembre. Sigue el QR y descubre toda la programación de sus distintos eventos, así como las entradas disponibles.

NO TE LO PUEDES PERDER

RAYA DIPLOMÁTICA | Punk, queerness, irreverencia y mcnamarismo en la banda de Javier Calvo con miembros de The Parrots o El Buen Hijo.

NO TE LO PUEDES PERDER

TEMPLES | Los héroes británicos de la neopsicodelia regresan con nuevo álbum bajo el brazo, Bliss, que verá la luz en junio.

Del 17 al 20 de septiembre, CRANC se celebra también en Menorca, con un cartel aún por anunciar.

JUICY BAE | ¿La reina del urbano actual en nuestro país? El secreto, mezcla de trap, pop, R&B y sonidos experimentales, dice que sí.

5 & 6 DE JUNIO RIVAS VACIAMADRID

NO TE LO PUEDES PERDER

| Canta, baila, rapea... Un todoterreno de la

en definitiva. La favorita

AL SAFIR / HARD GZ / ISRAEL B / JARFAITER / MATASVANDALS / MARITUNE / MIRANDA / PARKINEOS / YUNG BEEF / STICKY M.A. / PABLO CHILL-E / 8BELIAL / JOHN POLLÕN / L’HAINE / SOTO ASA / XIYO Y FERNANDEZZ / YNESTROSA

| De taxista a rapero de éxito, todo gracias al rap de la Sierra de Madrid: shout outs a Hijos Bastardos, Natos y Waor,

Subsónico es el nuevo festival de música urbana de la periferia de Madrid, con sede en el Auditorio Miguel Ríos de Rivas. Sigue el QR y entérete de todo lo que necesitas saber.

LABLACKIE

escena urbana,

L0RNA

ANADIE

GRECAS

AlSafir, Matasvandals...

HUDA

JUNIO & JULIO / MADRID

Foto: Fer González

SILVANA ESTRADA | El relevo generacional en la gran tradición de la canción de autor en México tiene nombre propio: Silvana Estrada.

OMEGA 30 ANIVERSARIO / TWO DOOR CINEMA CLUB / SHINOVA / MARTA SANTOS / LOVE OF LESBIAN / VEINTIUNO / VAN MORRISON / JEFF GOLDBLUM / SNARKY PUPPY / NATE SMITH / NU GENEA / GILSONS / DOVE ELLIS / MACARIO

MARTÍNEZ / SILVESTRE Y LA NARANJA / BABASÓNICOS / EL ZAR / ELVIS CRESPO / PABLO LÓPEZ / PAMELA RODRÍGUEZ / M-CLAN / ZAZ / NILE RODGERS & CHIC / MARK GIULIANA BEAT MUSIC / CORY WONG / DON WEST / BEAT (ADRIAN BELEW, STEVE VAI, TONY LEVIN, DANNY CAREY) / ANTOÑITO

MOLINA / LASSO / ELA TAUBERT / TAKE ME TO THE RIVER / RICK ASTLEY / OMD (ORCHESTRAL MANEUVRES IN THE DARK) / <<RINÔÇÉRÔSE>> / ZZ TOP / BIFFY CLYRO / JOHN LEGEND / ÉL MATÓ A UN POLICÍA MOTORIZADO / LEÓN BENAVENTE / THE KOOKS / PAT METHENY / DIANA KRALL / LP / JET VESPER / TOM JONES / CULTURA PROFÉTICA / ÇANTAMARTA / ...

NO TE LO PUEDES PERDER

ETHEL CAIN | Una de las autoras más valientes a día de hoy, confundiéndose entre el pop de masas y un gótico sureño espectral.

TOMORA | Tom Rowlands de The Chemical Brothers y la artista pop noruega AURORA se unen en este nuevo -y vitaminado- proyecto.

NO TE LO PUEDES PERDER

DANNY ELFMAN | El maestro californiano llega a nuestro país acompañado de una orquesta, con la que repasa los clásicos inolvidables que facturó para las películas de Tim Burton. ¡Esto es Halloween!

JEAN-MICHEL JARRE | Mito de la electrónica francesa y responsable de algunos de los conciertos más multitudinarios de la historia. Poco más que añadir.

GINEBRAS

YERAI CORTÉS | El guitarrista que se hizo famoso por acompañar a C. Tangana y que le sirvió para debutar como cineasta, vuela solo en su esperado segundo álbum.

GARBAGE

ALABAMA SHAKES | Tras la aventura en solitario de Brittany Howard, el combo blues rock regresa con nuevo trabajo. En la misma jornada toca Joel Culpepper.

Sigue el QR para conocer toda la distribución de artistas por días en las Noches del Botánico 2026, que tienen lugar en el Jardín Botánico de la Universidad Complutense durante todo el verano.

MARÍA BECERRA

BIG THIEF | Seguramente la banda de americana con más enjundia de la última década. Imperdibles en directo.

PLANES FESTIVALEROS

El recinto del ciclo Noches del Botánico, en el Jardín Botánico de la Universidad Complutense, es uno de sus grandes atractivos: un lugar perfecto para disfrutar, en las suaves noches veraniegas de Madrid, de grandes conciertos para todos los públicos sin masificaciones, con una muy buena visibilidad y amplias comodidades (gradas, zonas de descanso...).

LIA KALI

20 DE JUNIO / SANTIAGO DE COMPOSTELA

19 &

18,

LOLA ÍNDIGO / SEN SENRA / THE BLOODY BEETROOTS / LEIRE MARTÍNEZ / THE MOLOTOVS / MICHENLO / HABLÓ PABLO / AIDA BLANCO / BÁRBARA LAGO / DJ GIGOLA / HÉCTOR OAKS / MCR-T / SUPERGLOSS / BIFFY CLYRO / HOOBASTANK / SEXY ZEBRAS / NIÑA POLACA / D.VALENTINO / CORELLA / CARLITA / CASTE / HONEYLUV / HOONINE / JIMI JULES / VIVIANA CASANOVA / MVRK / DORIAN / CARLANGAS / ORTIGA / SARRIA / BEGO MARTÍN / LI | LU / PATRICK MASON (HOUSE SET) B2B HAAI / PEREL / TOUT SANDERS / CARLOS ARES

NO TE LO PUEDES PERDER

B | Le conocimos después de la pandemia con un sonido urbano y vinculado a los rusia-idk, pero ahora ya se ha convertido en el líder de un nuevo pop rock nacional.

No es la Catedral ni el final del Camino la única razón para peregrinar a Santiago. También está el O Son Do Camiño, que lleva al Monte do Gozo lo mejor del pop, rock y la electrónica nacional e internacional. Sigue el QR para obtener más información.

DJ SNAKE

NO TE LO PUEDES PERDER

AFROJACK

KATY PERRY

BARRY

Foto: Javier Bragado

NO TE LO PUEDES PERDER

LINKIN PARK | La mítica banda del nu metal trae a nuestro país su versión reformulada, con la vocalista Emily Armstrong en la agrupación y nuevo disco bajo el brazo, From Zero.

9 - 11 DE JULIO

TORRE DEL MAR

NO TE LO PUEDES PERDER

LA PEGATINA / MEDINA AZAHARA / BOIKOT / DAVID BISBAL / ANA MENA / ALCALÁ NORTE / MYKE TOWERS / ABRAHAM MATEO / BIZNAGA / BORIS BREJCHA / LOS ESTANQUES Y EL CANIJO DE JEREZ / BALLESTEROS DJ / BREAK THE SENSES / JP FERNÁNDEZ / VILU GONTERO / ALVAMA ICE / AWAKATE / CORAZÓN INVERSO / ANTHONY GODFATHER / DETLEF / EMM / FLEUR SHORE / LES CASTIZOS / MIGUEL BASTIDA / RICHI RISCO / JOSÉ DE LAS HERAS / KYBBA / MAGÖ DE OZ / WALLS / BIIA / DJ PEP / HERMAN PRIET / MIGUEL PAYDA / OLIVER GIL / PATRICK MASON

DELLAFUENTE

La Costa del Sol tiene propuestas para todos los públicos durante todo el verano, y aquí otra prueba: música urbana y pop radio friendly en el mismo municipio que el Dreambeach.

MORAD

DANI MARTÍN

26 & 27 DE JUNIO

MADRID

3 & 4 DE JULIO

SEVILLA

10 & 11 DE JULIO

ALMERÍA

17 & 18 DE JULIO TORREMOLINOS

23, 24 & 25 DE JULIO

EL PUERTO DE SANTA MARÍA

MYKE TOWERS / MORAD / ÑENGO FLOW / KIDD VOODOO / RVFV / MORAD / JUAN MAGÁN / CYRIL KAMER / ALVAMA ICE / YOUNG CISTER / ROA / KYBBA / JOSÉ DELASHERAS / ...

NO TE LO PUEDES PERDER

TITO EL BAMBINO

NO TE LO PUEDES PERDER

DON OMAR | El rey del reguetón pone fin a 25 años de trayectoria con una gran gira global y la excelente excusa de un disco de despedida. Evento con pinta de histórico.

En Madrid, y a lo largo de cinco ciudades de Andalucía, Puro Latino ofrece a algunos de los artistas más grandes de la música urbana, a este y el otro lado del charco.

ANUEL AA | ¿Tendremos nueva música del rapero puertorriqueño en 2026 y en este tour?

JC REYES | El rapero más controvertido de España también es uno de los más exitosos.

18, 19 & 20 DE JUNIO BARCELONA

CABARET VOLTAIRE / DAITO MANABE / DANIEL AVERY (LIVE) / KELIS / FUKCNORMAL / JOY ORBISON / KETTAMA / DOM DOLLA / METRIKA / NAMASENDA / NIA ARCHIVES / MODESELEKTOR (LIVE) / ORIANA / SAMMY VIRJI / SKEPTA / TAKUYA NAKAMURA / TWO SHELL / WATA IGARASHI (LIVE) / WHOMEDEWHO (LIVE) / YHWH NAILGUN / SBTRKT (LIVE) / REINIER ZONNEVELD PRESENTS R2 (B2B AI, HOLOGRAPHIC AV) / BOYS NOIZE / CHARLOTTE DE WITTE / AMELIE LENS PRESENTS AURA / AMALIAH B2B PANGAEA / AKUA / ...

Una crisis reputacional, nuevos dueños, nuevo formato ininterrumpido en la Fira Gran Via, que por primera vez aloja toda la programación... Todo es nuevo para el festival de electrónica más longevo de España.

ICEMORPH

SAIKO

8 - 11 DE JULIO

MADRID

FOO FIGHTERS / THE WAR ON DRUGS / WOLF ALICE / THE WARNING / JEHNNY BETH / THE WAR AND TREATY / PALAYE ROYALE / DOGSTAR / HOT MILK / VILLANELLE / HOTWAX / HOONINE / MADMADMAD / BIGGER SPLASH / TEDDY SWIMS / RENEÉ RAPP / CHARLIE PUTH / THE BLAZE (DJ SET) / SADIE JEAN / ZIMER90 / CHLOE SLATER / SON MIEUX / FLORENTENES / LA PALOMA / CANDELA GÓMEZ / BOYS NOIZE / PALMS TRAX / YUNG PRADO / AMRITA / TWENTY ONE PILOTS / KINGS OF LEON / PIXIES / A PERFECT CIRCLE / INTERPOL / SIGRID / HOLLY HUMBERSTONE / MIDNIGHT GENERATION / CLIFFORDS / USTED SEÑÁLEMELO / KAREN DIÓ / RIO KOSTA / MY FIRST TIME / TAPE VISITORS / LOS BLODY / BABYLON / POLO & PAN (DJ SET) / BUNT. / SWIMMING PAUL / WEVAL / MAESIC / NICK CAVE & THE BAD SEEDS / THE BLACK CROWES / KASABIAN / JALEN NGONDA / THE VACCINES / MATT BERNINGER / THE REYTONS / PERSIA HOLDER / OVERPASS / RICHIE HAWTIN / NINA KRAVIZ / AEREA / ...

NO TE LO PUEDES PERDER

THE LAST DINNER PARTY | Las británicas están abanderando el revival del pop barroco y del glam en su país, e incendiando cualquier escenario al que se suben.

el carismá-

los irrepetibles Talking Heads antes de poner toda su teatralidad al servicio de un todavía estimulante proyecto en solitario. Imprescindible.

FLORENCE + THE MACHINE

DAVID BYRNE | Mito, leyenda, Byrne fue

tico líder de

ZARA LARSSON

PLANES FESTIVALEROS

Seguramente, uno de los puntos fuertes de Mad Cool sea que se celebra en Madrid, y que sus horarios más amables permiten dedicar la mañana a hacer turismo.

Su cercanía al centro, y en especial a la zona de Embajadores, La Latina o Lavapiés, lo sitúa cerca de mercados como el de Anton Martín o San Fernando, un must gastronómico.

El Metro de Madrid vuela, pero sobre todo se mantiene abierto hasta el centro de la ciudad durante la celebración del festival, con un plan de desalojo excepcional.

PULP | Pletóricos en su nueva gira de retorno, y con un gran disco bajo el brazo, Pulp son los Jim Jarmusch del britpop. Canciones para gente corriente.

NO TE LO PUEDES PERDER

FROST CHILDREN | ¿Los hijos bastardos de Skrillex, A. G. Cook, Grimes y el Drácula de Castlevania?

Sigue el QR para más información sobre Mad Cool Festival: venta de entradas, localización, programación, horarios -que, por cierto, ya están disponibles-...

NO TE LO PUEDES PERDER

JENNIE | Encuentra un rarísimo hueco en su ajetreada gira con Blackpink para desplegar en Madrid sus filias sonoras occidentales.

MOBY | El neoyorquino no se prodiga mucho en directo, así que celebrar su repertorio legendario parece una buena idea.

CMAT | Desde Irlanda, una de las sorpresas más refrescantes del pop reciente.

HALSEY LORDE

NO TE LO PUEDES PERDER

26 & 27 DE JUNIO

CARIÑENA, ZARAGOZA

SÓNICA / BIG DDY / DONNA / JUICY BAE / ENRY K / MERCROMINA CLUB / LA CARRERA / IVANIN Y KSAS / FER AG / SEVEN DAYS / CAPROS / DJ CARLOS PÉREZ

Divino Fest llega al Santuario Virgen de Lagunas de Cariñeña con una programación que marida vino local, humor y la mejor música urbana. Más información, siguiendo el QR.

ULTRALÁGRIMA | Con rodaje en proyectos como Margarita Quebrada o Tarara!, Marco Silvy-Leligois e Ignacio López hacen pop urbano y abstraído.

DEPRESIÓN SONORA

NO TE LO PUEDES PERDER

TOLDOS VERDES | El ruido de su debut se confirma en su recientemente estrenado segundo trabajo, Hace tiempo que quiero estar así. HINDS

FESTIVAL RIOBABEL

3 , 4 & 5 DE JULIO / MADRID

NO TE LO PUEDES PERDER

LA M.O.D.A. / LA PEGATINA / ISEO & DODOSOUND / BÁNDALOS CHINOS / LOUTA / JUVENTUDE / MACHAKA / THE OFFSPRING / MOLOTOV / CARAMELOS DE CIANURO / ESKORZO / ALAN SUTTON / SON ROMPE PERA / ILAN AMORES / IREPELUSA / OSLO OVNIES / LA CASA AZUL / TÚ PELEAS COMO UNA VACA / YADAM

CHIQUITA MOVIDA | El nuevo proyecto de Rayden, tu nuevo supergrupo favorito.

(25 ANIVERSARIO)

Autora de algunas canciones inolvidables de los primeros dosmil, La Mari celebra el cuarto de siglo con regreso a los escenarios.

El festival más multicultural de la capital regresa un año más con un menú global y especial atención a propuestas novedosas, alternativas y de raíz latina.

NO TE LO PUEDES PERDER

AMAIA

CHAMBAO

KATY PERRY

YAMI SAFDIE | La nueva voz del pop argentino.

16 - 18 DE JULIO

BENICÀSSIM

FRANZ FERDINAND / LORI MEYERS / TINIE TEMPAH / CARLOS ARES / THE HUNNA / WALLS / MAFALDA CARDENAL / BÁNDALOS

CHINOS / VANGOURA / LEY DJ / THE KOOKS / KAISER CHIEFS / LA LA LOVE YOU / THE REYTONS / EXAMPLE / VEINTIUNO / MARLENA / FLOWEROVLOVE / VERA FAUNA / RATA / NUEVOS

VICIOS / NEVERLAND BARI / MAADRAASSOO / BIFFY CLYRO / JET / THE FRATELLIS / DORIAN / SEXY ZEBRAS / CIRCA WAVES / LA HABITACIÓN ROJA / PAULA MATTHEUS / CARLANGAS / SANTERO Y LOS MUCHACHOS / SIENNA / CICLONAUTAS / INNMIR

NO TE LO PUEDES PERDER

ROSE GRAY | La británica es, hoy por hoy, la gran esperanza del pop electrónico más bailable en la Inglaterra post Brat

SOPHIE ELLIS-BEXTOR | Saltburn viralizó un hit suyo de hace más de dos décadas, y la británica lo ha aprovechado para montarse una segunda juventud. Ole su...

(LIVE) | La banda que hizo, fijándose en el

PENDULUM

big beat de The Chemical Brothers y The Prodigy, del jungle un asunto de masas.

Foto: Nerea Coll

JULIETA

El Festival Internacional de Benicàssim sigue firme en su propósito de reencauzar su propuesta renovando sus intereses (pop, electrónica) pero sin perder el foco entre nacional y británico que lo define desde sus inicios. Más info, venta de entradas, etc., siguiendo el QR.

NO TE LO PUEDES PERDER

DEADLETTER | Aunque con origen en la escena del Windmill londinense, ellos miran más al dance punk neoyorquino. Fueron portada de NUEBO en marzo.

NIÑA POLACA

BESMAYA

THE PRODIGY

2 - 4 DE JULIO

RALPHIE CHOO / ALCALÁ NORTE / BARRY B / OSEES / SAINT ETIENNE / AMORE / MARIA JAUME / LEWIS OFMAN / GUITARRICADELAFUENTE / LIA KALI / LA LOM / SHAME / DEPRESIÓN SONORA / JUAN WAUTERS / FATBOY SLIM / AMAIA / YERAI CORTÉS / TYLER BALLGAME / MARIA ARNAL / CUPIDO / TRSITÁN! / ...

NO TE LO PUEDES PERDER

ALDOUS HARDING | La fecha del Vida es, de momento, la única oportunidad de disfrutar en directo en nuestro país de la presentación del nuevo álbum de la cantautora neozelandesa.

Además de sus escenarios principales, Vida ofrece múltiples opciones de entretenimiento en torno a la Masia d’en Cabanyes, un edificio histórico construido a finales del s. XVIII.

Si lo tuyo es reconectar con la naturaleza mientras escuchas música en un entorno idílico, tienes que ir al Vida Festival. Grandes artistas internacionales, propuestas de descubrimiento y un ambiente relajado y curioso son las tónicas generales aquí.

31 DE JULIO - 2 DE AGOSTO TORREVIEJA

THE HIVES / KASABIAN / FANGORIA / DANI FERNÁNDEZ / LOVE OF LESBIAN / LA CASA AZUL / IVÁN FERREIRO / ULTRALIGERA / BARRY B / DEPRESIÓN SONORA / GINEBRAS / OJETE

CALOR / THE MOLOTOVS / RUFUS T. FIREFLY / VEINTIUNO / AIKO EL GRUPO / BESMAYA / ÉXTASIS / JUVENTUDE / LOS CHIVATOS / PAPA TOPO / PARQUESVR / PERRO / REPION / BAILAMAMÁ / DANI DEL LÍO / ISAAC CORRALES (FASCINADO CLUB) / LAS HIENAS DJS / NEOVERBENEO / ORO JONDO / REM DJS / ...

MALA GESTIÓN | Agropunk destartalado, electrónico y agresivo por unos jóvenes desencatados de todo y herederos de Los Ganglios. Galgos, póker y farlopa.

NO TE LO PUEDES PERDER NUEVOS VICIOS

Después de quince ediciones en Benidorm, Low Festival desembarca en Torrevieja en 2026. Es el único cambio sustancial para un festival que mantiene su espíritu original. Sigue el QR para más info.

LA PALOMA

JOSELUIS

NO TE LO PUEDES PERDER

NATALIA LACUNZA | Quizá cuando menos gente miraba, Natalia ha logrado hacer su mejor disco, equilibrando a la perfección tristeza, melancolía, curiosidad electrónica y ganas de vivir.

ALCALÁ NORTE

EDITORS | En lo que Tom Smith presenta su primer disco en solitario, ¿por qué no refrescar un poco a sus Editors? No sabemos aún si esta nueva gira de los oscuritos del revival post-punk inglés viene con nueva música.

PABLOPABLO

PLANES FESTIVALEROS

Por primera vez, Low Festival abandona su habitual emplazamiento en Benidorm y se traslada a la localidad alicantina de Torrevieja

Su paseo marítimo y el buen tiempo todo el año son sus grandes atractivos. El Mediterráneo sigue siendo definitorio de Low Festival.

Si tienes tiempo, Torrevieja esconde también las salinas de las Lagunas de La Mata y Torrevieja, con la famosa Laguna rosa.

30 DE JULIO2 DE AGOSTO / BURRIANA

MARÍA BECERRA / LA PANTERA / BRESH (TAKEOVER) / PIGNOISE / IÑIGO QUINTERO / PTAZETA / L0RNA / LUC LOREN / VILU GONTERO / KIDDO / DJ VERSE / JOSÉ NOGALES / DIMITRI VEGAS / OMAR MONTES / ÁLVARO DE LUNA / LEIRE MARTÍNEZ / NIL MOLINER / MAFALDA CARDENAL / ALEJO / JUSEPH / METRIKA (DJ SET) / ENOL / THE WHISTLERS / CASA PEPA (TAKEOVER) / HIDALGO / W&W / CALI Y EL DANDEE / FUNZO / KIDD KEO / YOUNG CISTER / KIDD VOODOO / INAZIO / MIDAS ALONSO / Q2 / XINA MORA / PADANA / BARCE / JC REYES / JUAN MAGÁN / J ABDIEL / ALVAMA ICE / YAPI / MAR LUCAS / MAYO / AVENIDA / MICHENLO / GEA / RECREO / EL CEJAS

NO TE LO PUEDES PERDER

Lo más nuevo del pop nacional y de las escenas urbanas y latinas, junto a grandes estrellas consagradas de las listas de éxitos, se dan cita en uno de esos festivales con aura de iniciación. Más info, detrás del QR.

NO TE LO PUEDES PERDER

ANA MENA RVFV

C MARÍ | El flaco de Los Xavales quiere confirmarse definitvamente como artista en su nueva mixtape.

MVRK | Uno de los bastiones del desembarco de Rimas en España y uno de los grandes ídolos de la nueva música urbana.

MYKE TOWERS | El disco más playero del puertorriqueño encuentra en Burriana un escenario casi perfecto.

Foto: @borjanowak

KABASAKI | A lo mejor no lo sabes, pero Kaba está detrás de muchos de los palos de reguetón y trap que más te has gozado aquí estos años.

WALLS | Transicionando desde la música urbana, hay ganas de ver cómo adapta al directo esta nueva faceta rockera.

31 DE JULIO - 1 DE AGOSTO

VÉLEZ-MÁLAGA

DAVID GUETTA (SPECIAL MONOLITH SHOW) / LUCIANO / NICO MORENO / HEDEX B2B BOU / BORN ON ROAD / CHARLIE TEE / DJ ZINC / EPTIC / FUTURE FUNK SQUAD B2B DJ RASCO / HANNAH WANTS / JAZZY B2B JOWI / KARPIN / LADY WALKS B2B STANTON WARRIORS / MIAU PRESENTS MULTIPLE / NGHTMRE / NIKOLINA / NORBAK / ONLYNUMBERS / POLA & BRYSON / SNTS / VENDEX / WIZARD / YANAMASTE

NO TE LO PUEDES PERDER

ERIC PRYDZ | Da igual en qué formato, el sueco es un infalible de las noches más fiesteras de nuestro país.

Cita ya imprescindible para el circuito de djs internacionales en nuestro país, Dreambeach pone a bailar a toda la Costa del Sol. Sigue el QR para encontrar toda la info que necesitas.

MATHAME

MELANIE RIBBE

5

- 9 DE AGOSTO

ARANDA DE DUERO

AL SAFIR / ALEJO / ÁNGELES TOLEDANO / BUM

MOTION CLUB / CARLOS ARES / CARLANGAS / COTI / D.VALENTINO / DEPRESIÓN SONORA / DOLLAR SELMOUNI / GRANDE AMORE / HOONINE / IVÁN FERREIRO / LA CABRA MECÁNICA / LADILLA RUSA / LA SONRISA DE JULIA / LA M.O.D.A. / LABLACKIE / LAS MIGAS / LUCHO RK / LOVE OF LESBIAN / NACHO VEGAS / MAFALDA CARDENAL / MARLENA / MARUJA LIMÓN / NIÑA POLACA / OJETE CALOR / PABLOPABLO / RAMONCÍN / RAYA DIPLOMÁTICA / ORTIGA / ONA MAFALDA / REPION / RIGOBERTA BANDINI / SAMURAÏ / SEXY ZEBRAS / SIMULACRO / SOFÍA GABANNA / SUZETE / TIGRE Y DIAMANTE / TIBURONA / TU OTRA BONITA / VERA FAUNA / VEINTIUNO / WALLY LÓPEZ / XAVIBO / WE ARE SCIENTISTS / YACARÉ / ALBERTO & GARCÍA / ALE ACOSTA / BEBE / ARCO / CANCILLER / COMANDANTE TWIN / EGON SODA / EL VERBO ODIADO / KITAI / KARAVANA / GO CACTUS / ELADIO Y LOS SERES QUERIDOS / LAPILI / LOS VINAGRES / GALERNA / ...

RUSOWSKY

GUITARRICADELAFUENTE | Autor de uno de los álbumes más descarnados, pasionales y personales del pop reciente, sus conciertos son, además, toda una experiencia comunitaria. NO TE LO PUEDES PERDER

VALERIA CASTRO | La canaria es una de las voces más personales de la nueva

SALVANA | Uno de los proyectos emergentes de shoegaze más interesantes de nuestro país.

PLANES FESTIVALEROS

Sonorama Ribera es lo que es por cómo se despliega por el centro histórico de Aranda de Duero durante toda la semana, emulando la grandeza de nuestras fiestas populares.

Estamos en tierras de la Ribera del Duero, claro, así que descubrir esta Denominación de vinos entre amigos, música, y a lo largo de las plazas y las cuevas del pueblo, es un must.

Pero seguramente lo mejor del Sonorama sea la Plaza del Trigo, un escenario mítico en el que se reducen todas las distancias posibles, y en el que todo puede pasar.

Un pueblo de Castilla y León se convierte, durante toda una semana, en el hub por excelencia del pop rock alternativo de nuestro país. Si no te lo quieres perder, sigue el QR y consulta precios, entradas, camping...

BELÉN AGUILERA

canción de autor.

OSLO OVNIES

CANDELA GÓMEZ | Teen angst, emo y lengua afilada. Respuesta española a Olivia Rodrigo.

28, 29 & 30 DE AGOSTO

VALLADOLID

ULTRALIGERA / KAISER CHIEFS / M-CLAN / CLAPTONE / COMANDANTE TWIN / DMASSO (LIVE) / ILAN AMORES / OSLO OVNIES / ...

NO TE LO PUEDES PERDER

PUÑO DRAGÓN | Desde Asturias, pop rock de formas clásicas con narrativas y preocupaciones contemporáneos.

Con más de 20 años de historia en Córdoba, Argentina, el festival Cosquín Rock celebra su tercera edición en España. Más info, siguiendo el QR.

OLUGBENGA (DJ SET) | Irresistible y funkosísimo bajista de Metronomy, Adelekan también sabe montar fiestas tras los platos.

LA M.O.D.A. / ULTRALIGERA / BELÉN AGUILERA / GINEBRAS / LA CABRA MECÁNICA / REPION / QUERALT LAHOZ / ÁNGEL STANICH / CHIMO BAYO / ÁNGELA GONZÁLEZ / CALEQUI Y LAS PANTERAS / COMANDANTE TWIN / THE MOLOTOVS / KITAI / DELACUEVA / CASINO MONTREAL / OSLO OVNIES / MUSGÖ / ESTROGENUINAS / LOLA VILA / MAT ALBA / SANDRA BAUTISTA / BITA / LA NIÑA PARACAÍDAS / KÖV / LATE CAPITAL / POP&SITO / CHINCHES / TOO BALD SOUND

NO TE LO PUEDES PERDER

AIKO EL GRUPO | El contundente trío madrileño viene de hacer un directo para KEXP en el contexto de BIME, y planea nuevo trabajo para 2026.

27 , 28 & 29 DE AGOSTO

ORTIGA

ONA MAFALDA

NO TE LO PUEDES PERDER

ZAHARA (RAVE) | El amor de Zahara por la electrónica no nos es desconocido, y ahora vuelve a la rave con el contexto de Lento Technura

LA 126 | Más ruido, más mordacidad y más guitarras, con ecos de Sleater-Kinney o Rilo Kiley.

Que la capital no ensombrezca la que es una propuesta valiente, sólida y consolidada que lleva a Guadalajara la mejor música alternativa nacional. Info siguiendo el QR.

2 & 3 OCTUBRE CALA DE BOU IBIZA

NO TE LO PUEDES PERDER

TU OTRA BONITA | Los madrileños le dan un giro a su carrera en su sexto álbum, Puta vida, el primero que entregan en un sello independiente.

ANABEL LEE

El ya habitual desembarco de Sonorama en la glamurosa isla balear ha confirmado ser todo un acierto. Si tienes dudas logísticas, ya sabes, QR para más info.

GINEBRAS / PETER COLOURS / COMANDANTE TWIN / ÉXTASIS / FERMÍN BOUZA / KITAI / MODELO / OSLO OVNIES / TENDA

MARLENA

6, 7 & 8 DE AGOSTO CANGAS DEL NARCEA

ÉL MATÓ A UN POLICÍA MOTORIZADO / RUFUS T. FIREFLY / STANDSTILL / ORTIGA / LORENA ÁLVAREZ / AXOLOTES MEXICANOS / NADADORA / LA RATE

TÍMIDE / BASIC PARTNER / FROM / AUTOCAMPER / JOSELUIS / FEE REEGA / LADY LLAGAR / LA GÜERIATA / LUCÍA DILEMA / DJ COCO / MEDIOCRE

NO TE LO PUEDES PERDER

SPRINTS | Los irlandeses forman parte de una nueva generación de bandas locales que, a la estela de Fontaines D.C., están exponiendo a voz en grito y guitarrazo limpio las atrocidades del mundo.

17-19 DE SEPTIEMBRE BARCELONA

NO TE LO PUEDES PERDER

LADIFERENCIA2006 | La nueva generación del reguetón con denominación de origen en el Hospitalet de Llobregat. San Juan Sounds está a la altura de los mejores días de La Mafia del Amor, y viene con el sello de La Vendicion.

RUSOWSKY / YUNG BEEF / LA PLAZUELA / MVRK / MUSHKA / 8BELIAL / AKRIILA / ALOSA / ÁNGELES TOLEDANO / AZOMBIKE / BIZNAGA / C MARÍ / CLAUDIO MONTANA / JIMENA AMARILLO / CUPIDO / D.VALENTINO / TRISTÁN! / SANGUIJUELAS DEL GUADIANA / ...

Prestoso lleva la mejor música independiente al paraíso de Cangas del Narcea, en los confines asturianos. Una ocasión para reconectar con la naturaleza.

El FSTVL B despliega en Barcelona lo mejor de las nuevas escenas que orbitan lo urbano. El broche de oro a la época festivalera.

STEREO MADNESS

NRM de 16 años

Disponibles en puntos de venta habituales y en www.canalocio.es www.elcorteingles.es www.fnac.es www.amazon.es

Por: Gabriel Carey

FUJI?

FUJI? QUIERE SER EL REY DEL POP. Y A SUS 24 AÑOS, EL JOVEN ARTISTA MADRILEÑO SE ACERCA A SU OBJETIVO CON EL LANZAMIENTO DE ‘SUPER SWEET’, UNA ODA MODERNA AL FUNK , LA MÚSICA CLUB Y EL CITY POP QUE SUPONE SU PRIMER TRABAJO LARGO . SI CONTASE TODOS LOS QUE HA HECHO EN SU VIDA ESTE SERÍA “EL CUARTO O EL QUINTO”, PORQUE TIENE UN POCO DE INCONTINENCIA CREATIVA Y DEJA QUE EL ESTÍMULO CONSTANTE SE MANIFIESTE EN SU SONIDO . HABLAMOS CON ÉL SOBRE NO SABER TOCAR INSTRUMENTOS PERO SACAR ADELANTE UN DISCO CON INSTRUMENTOS, SU TRANSFORMADOR VIAJE A JAPÓN Y TOMARSE LA MÚSICA COMO UN PATIO DE JUEGO .

Foto: Nadia Crusoe

De cuando en cuando surge una voz en el panorama musical que te hace preguntarte cómo ha sido posible no haberla cruzado antes con ella. Fuji? es uno de esos artistas. Aunque, para ser justos, no es que él lo haya puesto tampoco demasiado fácil... “Hemos estado un montón de tiempo haciendo el disco, y por eso he estado como un año sin sacar nada. Sentía que debía tener la mente centrada en eso, y que luego ya veríamos”. A un día del lanzamiento de Super Sweet, su muy gratamente sorprendente debut largo, admite estar “supercansado”. Algo normal si te has pasado los últimos cuatro años de tu vida haciendo un disco.

Super Sw eet es un trabajo artesanal. “Todo el disco está hecho por mí”. No saber tocar ningún instrumento y tener que aprender a tocar el bajo sobre la marcha durante la grabación del disco no ha supuesto un problema para Fuji?. “Todos los bajos están grabados por mí”. Lo más importante era hacerlo, costara lo que costara. “No sé tocar la guitarra como tal. Tocaba el acorde 40 veces hasta que sonaba bien, y pasaba al siguien te. Así todo el rato. No sabía tocar nada”. Parece mentira, pero los samples escasean. “He intentado rehacerlo todo con instrumentos reales”. Fuji? es la prueba de que sí se puede hacer buena música sin ir al conservatorio. “No conozco la teoría musical. Todo lo hago de oído”. Como muchos otros productores de su edad, Carlos Jiménez empezó con el FL Studio. “Antes de cantar, solo producía y subía bases instrumentales a YouTube”. No se puso delante de un micro hasta llegar al instituto, cuando intentó, sin demasiado éxito, producir temas para sus colegas. “No hacían lo que yo quería. Les decía: ‘Haz esto, haz lo otro’. Y nada. Al final, tenía que cantarlo yo”. Sus primeras obsesiones fueron el mundo de la electrónica y el EDM. “Me molaba muchísimo Skrillex y pinchaba en la tablet con una app. Empecé a ver vídeos de producción, suyos o de Deadmau5, y me hice productor”. Iba a tope desde el principio. “Hacía cuatro o cinco bases al día y, si no, me frustraba muchísimo. Además, me exigía que todas fuesen la hostia”.

“No sabía tocar nada, pero todo el disco está hecho por mí. Todos los bajos están grabados por mí. Lo he rehecho todo con instrumentos”

La realidad, sin embargo, no es tan poética: “Fuji? viene de mis apellidos, que son Fuentes Jiménez. Estaba entre Lil Fuji o Fuji?. Dejé el signo de interrogación para distinguirlo un poco. Menos mal que no se quedó lo de Lil Fuji...”. El SEO no está entre sus preocupaciones, desde luego. El destino quiso que Japón también jugase un papel en la creación de Super Sweet. “He estado varias veces en Japón, pero la última vez me fui solo con una bici y me recorrí medio país. Todos los días eran una aventura”. Acabar en el hospital después de una caída, el sabio consejo de un dependiente o su encontronazo con la policía japonesa son algunas de ellas. Fuji? aseguraba que el motivo de su viaje tenía que ver con la música, pero no era cierto al cien por cien. “Lo camuflaba un poco en eso. Estaba hasta las narices. Nada me salía bien. Y me fui”. En Momiji, el artista canta sobre tener el corazón roto. “Lo hice antes de irme y es el tema más n ostálgico del disco. Narraba un poco lo que creía que me iba a encontrar en Japón. Efectivamente, acerté bastante”. Dice la letra: “Llamé ‘Momiji’ a esto porque solo veré rojo el paisaje / Qué suerte que me quieras así, viendo mi lado salvaje / Quiero pensar mis cosas, conocerme, me da igual lo que pase”.

En lo que respecta al sonido de Super Sweet -toda una gran batería de géneros que bebe del funk, el hip hop, el pop, la electrónica y hasta los boleros- Japón también fue una gran influencia. Al principio, claro. “Era mucho más city pop. En plan funk estaba Robotika y alguna cosa más”. Es por eso que las portadas de los primeros singles, como Magika y Momiji, sí contienen referencias a la cultura y al pop japonés de los años ochenta. “Luego, de repente, me di cuenta de que a mí lo que realmente me gusta es el funk. A mí me gusta la tontería”.

Alrededor de esta época nació su misterioso nombre artístico, y sobre su origen se ha creado una bonita historia. “Viene de un recuerdo superbonito del cole. Había una profesora, la mejor que he tenido en mi vida. Nos traía postales de sitios, y un día nos mostró una del monte Fuji. Yo lo reconocí por Doraemon y Shin-Chan y me regaló la postal. Todavía la conservo”.

Uno de los momentos más especiales del disco es el remix de Muñekitos , una canción lanzada originalmente en 2023. “Quería hacer algo con esta porque la hice con un colega hace mucho tiempo para un directo. Me pregunté qué era lo más anticlimático posible para la canción, porque la original es pseudocañera. Un bolero o una salsa. Algo que no pegue nada”. En cuan to a tontería, en el mejor de los sentidos, la pieza que brilla es el interludio del álbum. “Ya no tenía más canciones que sacar / Así que un interludio para rellenar”, canta Fuji?. Al igual que muchas canciones del disco, el interludio pasó por varias versiones diferentes. “Rehice el bajo, cambié la

PERFECT DAYS

Pilló una bici y se fue a Japón para recorrer la isla en el viaje más importante de su vida... hasta ahora.

Fuji? recorrió Japón en una bici de carretera. “Un día me metí un hostión histórico y me reventé la mano. Una señora me preguntó si estaba bien. Todo en japonés, claro -menos mal que controlo un poco-. Me llevaron al hospital y, mientras la señora me ayudaba a explicarle a la médica lo que había pasado, me di cuenta de que su marido me había llevado la bici a mano durante dos kilómetros y pico, hasta el hospital. Sin montarse en ella, porque ellos lo ven como algo de tu propiedad y les parece una falta de respeto. Ni siquiera esperó un ‘gracias’”.

No todo podían ser cosas bonitas: “Un día protegí a una señora mayor de un hombre que la estaba acosando. Me puse en medio mientras el tío gritaba. Yo le decía que parase, pero, claro, no entendía del todo qué estaba pasando. El señor me dijo que la mujer era una asesina. ‘¿Dónde me estoy metiendo?’, pensé. No quería dejarla allí, así que la acompañé a la policía. Ellos tampoco entendían muy bien ni la situación ni qué pintaba yo allí. ‘¿Pero a ti te ha pegado?’, me preguntaron. Todo se solucionó, pero hoy sigo sin entender nada”.

Un buen consejo, en el momento perfecto, es algo mágico: “En mi segundo día de bici, fui a una tiendecita de barrio a desayunar. Había agua, café y arroz. Nada más. Estuve hablando con el señor de la tienda y me regaló dos botellas de agua, café... Yo le conté todo sobre mi viaje. Me dijo: ‘Aprovecha ahora que eres joven, porque es el momento para hacer todo esto. Me alegro de que lo estés haciendo’. Le di las gracias, me fui y empecé a llorar mogollón. Diez minutos seguidos llorando mientras pedaleaba, cada vez más fuerte”. Catarsis sobre ruedas.

instrumentación, la letra... Y ya no tenía nada que ver con la primera versión. Era una canción diferente”. Super Sweet no ha parado de transformarse en estos cuatro años. Y, aunque Robotika es una de las canciones que más han cambiado, su puente lleva intacto desde el principio. “Tiene tres o cuatro años y me parece loquísimo, porque viene de la nada”. Es una de las canciones más orientadas al club, digna de una reunión multitudinaria en la pista de baile. El puente es todo lo contrario. “Lo grabé para cambiarlo luego, pero cuando lo hice todos mis colegas me preguntaban que dónde estaba. Es lo más cutre del mundo, pero me mola eso”. Esa caprichosa manera de entender la producción es parte importante de la filosofía de Super Sweet. “Si algo me sonaba bien, lo dejaba. No pensaba en si tenía sentido a nivel técnico o no”. Así, el disco está lleno de excentricidades, bromas

autorreferenciales y riffs humanamente imposibles. “En Michelín hay líneas de bajo que no tienen mucho sentido... como que no son tocables del todo”. Fuji? huye conscientemente de la perfección, buscando todo el rato el happy accident. “A veces, te quedas con la toma más cutre porque tiene algo raro, un delay o lo que sea, que lo hace más humano”. Todo esto solo es posible gracias al bendito pop. “El disco es un poco chorra, en general, pero juntándolo con algo serio, como pop, funciona. He intentado que sea gracioso, pero sin ser puramente cómico”. El camino hasta la publicación de Super Sweet no ha sido, aunque pueda parecerlo, todo risas. Estar cuatro años dándole vueltas al mismo set de canciones ha provocado, por momentos, cierta sensación de saturación. “Me encanta empezar canciones, pero terminarlas puede llegar a ser un suplicio. Llega un punto en el que ya no sabes qué cambiar, te gusta más la demo que la versión final... Es lo que yo llamo ‘demotitis’”. Por supuesto, también ha sufrido la presión de tener que terminar todo un álbum, más allá de grabar canciones sueltas. “Todo el rato tienes en la cabeza que hay que hacer el disco. A la vez, te apetece hacer cosas nuevas. Empiezas otro tema y pierdes el hilo del disco”. Por eso Fuji? siempre tiene en la cabeza su particular mantra: “Para mí, la música es jugar”.

La ambición es una parte importante del proyecto de Fuentes Jiménez. Así, cuenta que algunas de sus colaboraciones soñadas son BLACKPINK, Sabrina Carpenter o Tyler, the Creator. Por eso tiene en mente la proyección internacional. “España va un poco por detrás de lo que pasa en Estados Unidos, pero hay gente muy guay aquí y la escena va a crecer muchísimo”. Aquí cita a rusowsky, excompañero de instituto, y a todo el círculo rusia-idk, con los que ya está recibiendo comparaciones. “Me parece muy guay que me comparen. Personalmente, yo sí veo nuestros proyectos muy diferentes”. Sí que tienen algo muy importante en común: el factor sorpresa. “Quiero que cuando escuches mi música no sepas qué te vas a encontrar, que cada canción se convierta en una experiencia distinta”. La parte estratégica le importa poco. “Sé que desde un punto de vista del marketing eso es malo, pero me da igual. No me quiero limitar”. Su objetivo es ir siempre por delante del público. Tener el control. “En el momento en que la gente entienda mi sonido, lo cambiaré”.

SUPER SWEET (COEQUIPIER, 2026)

90% / Like! / Gatito / Magika / Michelín / Esto es un interludio / Momiji / Robotika / Tú y yo / Muñekitos el remix / Top DIGITAL

EL

Por: Daniela Urzola

El 29 de mayo llega a España uno de los estrenos independientes más esperados de la temporada: ‘El drama’. Zendaya y Robert Pattinson, dos de las estrellas más cotizadas de Hollywood, lideran esta inusual película que, recurriendo a la comedia más oscura, hace de una boda el escenario de lo inesperado, poniendo a prueba aquel amor que se declara como incondicional.

Kristoffer Borgli apareció en el mapa del cine de autor hace unos años y, hoy más que nunca, parece que lo hizo para quedarse. En Sick of Myself (2022) y Dream Scenario (2023) demostraba ya un interés por historias surrealistas que bordean el absurdo como medio para indagar en lo más profundo de la condición humana en diferentes contextos culturales. Una estela que continúa en El drama , donde la antesala de una boda se convierte en el entorno perfecto para un retrato de personajes en tensión y los desafortunados eventos que les siguen.

La cinta producida por Ari Aster -reconocido director detrás de éxitos de terror recientes como Hereditary o Midsommar- desafía las con-

DRAMA

venciones de la comedia romántica, usando muchos de los tropos presentes en esta -desde el meet cute hasta la propia boda- para hacer que todo implosione desde dentro. “La idea surgió de reflexionar sobre los altibajos de las relaciones amorosas y las silenciosas negociaciones que todos mantenemos entre nuestras emociones y nuestra lógica”, comenta Borgli, aclarando que no se trata de una romcom sino de una “película sobre una boda”.

Charlie (Robert Pattinson), un curador de museo, y Emma (Zendaya), editora literaria, se conocen en una cafetería de Cambridge, Massachusetts. Tras enamorarse casi al instante, tienen un noviazgo breve e intenso antes de dar el paso al ma-

trimonio. Son jóvenes, convencionalmente guapos, exitosos, felices y comparten un piso increíble en Boston. ¿Qué podría salir mal? Su vida aparentemente perfecta toma una dirección inesperada cuando, días antes de la boda y como parte de un juego con sus amigos Mike (Mamoudou Athie; Kinds of Kindness) y Rachel (Alana Haim; Licorice Pizza), Emma confiesa lo peor que ha hecho en su vida…

No os v amos a decir lo que es, para eso tenéis que ver la película. Pero, aunque mucho del marketing ha girado en torno a esa “gran” revelación del personaje de Zendaya, realmente este es solo el punto de partida para lo que será una historia sobre la complejidad de las relaciones humanas y las pruebas de amor a las que nos enfrentamos al conocer a otra persona. Así inicia un proceso de tolerancia, perdón, redención y aceptación por el que deben transitar Charlie y Emma. El problema es que queda muy poco para el gran día y la tensión va aumentando con cada segundo.

E ste ambiente claustrofóbico le sirve a Borgli para plantear preguntas como: ¿Qué pasa cuando los lazos que creamos parecen más frágiles de lo que pensábamos? ¿Qué implica amar y aceptar a una persona con todo lo que es? ¿Cuáles son los límites morales? ¿Estamos dispuestos a cruzarlos? “Todos llevamos dentro aspectos de nosotros mismos que mantenemos ocultos.

UNIONES NO TAN SAGRADAS

Y fueron felices para siempre… O no. Repasamos aquí algunas de las bodas más inusuales, excéntricas, caóticas o terroríficas en la historia del cine.

El banquete de boda (Ang Lee, 1993)

El acuerdo entre dos jóvenes taiwaneses, un hombre gay y una mujer que necesita papeles, se complica cuando la familia de aquel decide viajar a Manhattan para celebrar la boda.

Melancolía

(Lars von Trier, 2011)

Una de las principales referencias de Borgli y uno de los filmes definitivos sobre bodas caóticas, que disecciona las relaciones familiares en medio del apocalipsis inminente.

Relatos salvajes

(Damián Szifrón, 2014)

En el último de los relatos en esta antología argentina, una novia desciende en una espiral de locura tras descubrir la infidelidad de su nuevo esposo en mitad de su baile de boda.

Noche de bodas

(Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin, 2019)

El terror no podía faltar en una lista de bodas que acaban mal, especialmente con una Samara Weaving desatada que lucha por escapar de Resident Evil 7

Secretos, errores, miedos..., cosas que nos preocupa que puedan cambiar la forma en que los demás nos ven, aunque en realidad definen quiénes somos. Vivir con autenticidad aporta una gran claridad, pero también conlleva un riesgo. Esa tensión me fascina”, comenta el director. Algo que reafirma Zendaya: “Esta es la versión de Kristoffer Borgli de la comedia romántica, que nos pregunta cuánto estamos dispuestos a aceptar de otra persona en nombre del amor”.

La actriz protagonista, icono de la pantalla grande y pequeña (de Spider-Man a Euphoria ), indaga sobre la psicología de su personaje, incomprendida y juzgada por algo de su pasado. “Emma es alguie n que busca desesperadamente pertenecer y encajar; quiere formar parte de la vida de Charlie. Desde niña nunca ha dado con su tribu ni su comunidad, encontrando en cambio ese sentido de pertenencia en Charlie y su grupo de amigos”. Mientras tanto, Charlie encarna el prototipo del “hombre bueno”: querido por todos, fiel y comprensivo. Además, para Borgli era importante hacer de este personaje extranjero alguien que observa todo con una mirada foránea. Siendo de Noruega y residiendo actualmente en L os Ángeles, el director entiende bien esta posición. “Soy de Escandinavia, y aunque algunos de los temas de El drama son típicamente estadounidenses, quería aportar una sensibilidad más nórdica a un entorno americano”.

fuerzas de la interpretación se encuentran y demuestran una enorme química que no hace sino dejarnos deseando más. Afortunadamente, no tendremos que esperar mucho para ello, ya que volverán a compartir espacio en dos de los grandes blockbusters del año: la tercera entrega del Dune de Denis Villeneuve, Mesiah, y la anticipada adaptación de La odisea de Homero a cargo de Christopher Nolan. Como si de una boda se tratase, Borgli trabajó de cerca con Zendaya y Pattinson, conversando con ellos y realizando varios ensayos en las semanas previas al rodaje. “Durante la preproducción, hablamos sin cesar sobre los papeles, sentándonos juntos a una mesa y repasando el guion a diario”, cuenta el director, quien tuvo en cuenta las sugerencias que los intérpretes le hacían para enriquecer y desarrollar los personajes. Un proceso colaborativo que reforzó con proyecciones para su elenco, con películas como Bob, Carol, Ted y Alice, de Paul Mazursky,

El proceso de casting le llevó a esta magnética dupla de una manera muy orgánica. Borgli conocía ya a Pattinson, mientras que Zendaya, fan previa de esta película, se hizo con el guion de El drama y contactó al cineasta con gran interés en el papel. La mezcla de humor negro, incomodidad, amor, terror y surrealismo es algo que atraía a estos fan favorites, que en su carrera han demostrado un gran rango interpretativo, siguiendo un curso similar: de la saga Crepúsculo y Disney Channel, respectivamente, a colaborar con destacados nombres tanto del circuito hollywoodiense como del más independiente. El resultado es exitoso, por decir lo menos: dos

Melancolía de Lars von Trier o El vídeo de Benny y La pianista, de Michael Haneke, que indagan en bodas retorcidas y/o en la naturaleza compleja de las relaciones humanas en general. “La película es una invitación para que el público entable una conversación -sincera- entre el corazón y la mente. No hay conclusiones morales definitivas, y se anima a cada espectador a decidir su postura”, concluye, a lo que Zendaya agrega: “Aunque podamos sentirnos incómodos con la situación de Charlie y Emma, también es fácil quererlos y tener esperanza en su futuro. Hay mucho en la película sobre lo que conversar y reflexionar”.

EL DRAMA (29 mayo)

A24 / Diamond Films / EE UU / 2026

Dirección: Kristoffer Borgli

Reparto: Zendaya, Robert Pattinon, Alana Haim, Mamoudou Athie

arlo parks

Es de noche. Nueva York, Los Angeles o Londres. El club está lleno de gente. Cuerpos y sexualidades disidentes se cruzan, encuentran y laten como una sola. Bailan al son del downtempo, de beats que retumban. En mitad de todos ellos, florece una poeta completamente liberada en la pista de baile: hablamos con Arlo Parks sobre la descarga eufórica de su tercer trabajo, ‘Ambiguous Desire’.

Fotos: Joshua Gordon

Por: Eva Sebastián

Arlo Parks viene de la poesía, del bedroom pop y el neo soul con matices R&B. Pero con el paso del tiempo su carrera la ha llevado a abandonar el resguardo de su habitación para hacer de su música un movimiento colectivo. Su tercer álbum de estudio, Ambiguous Desire, pone un pie en el club y se reviste de electrónica y trip-hop en un movimiento inesperadamente expansivo. “Los primeros pasos probablemente vinieron de haber pasado tanto tiempo en la pista de baile. No estaba intentando hacer mi música bailable, pero un día empecé a bailar y eso encontró su camino. Independientemente del género que hagas, si tocas en directo, experimentas la magia de escuchar música en una sala oscura con mucha gente. Creo que hay una conexión con esa experiencia colectiva que muchos poetas y artistas tienen y que luego empiezan a incorporar en su propia música”. En esas noches infinitas entre Londres, Los Ángeles y Nueva York, y en clubes como Midnight Lovers, M.O.T, Nowadays o el extinto Black Flamingo, Parks encontró la inspiración y el amor.

“Cuando estoy en Londres, pienso en Massive Attack y en Radiohead y adquiero esa energía. Pero luego estando en Nueva York estoy inmersa en el disco y la música house, o en LA mi mente va del hip hop a la tradición de Laurel Canyon o Joni Mitchell. Así que todo fue muy intuitivo. Luego solo se trataba de ir al estudio e improvisar. Me di cuenta de que me apetecía empezar los temas con el break de una batería que me evocaba a Caribou o Jamie xx, algo que no era propio de mí. Empecé a hacer algunas canciones por este camino, pero no fue hasta que me dediqué exclusivamente a escribir Senses, Blue Disco y Heaven que me di cuenta de que esa era la dirección. Estaba mirando mucho más hacia fuera que antes. Pensaba en cómo se sentiría pinchar este álbum en un DJ-set o incluso tocarlo en directo. La producción pedía compartirlo desde el principio”. El cambio, en cualquier caso, no eliminó su escritura introspectiva.

En este viaje sonoro no estuvo sola: le acompañó en la producción Baird, quien ha trabajado anteriormente con Kevin Abstract y en el entorno creativo de Brockhampton. “Para mí, esta relación colaborativa tiene que estar basada en la amistad y en la confianza real y la conexión, porque lo que hago para mí es algo muy vulnerable”, explica. “Baird es una persona muy abierta, nada jui-

ciosa y muy sensible, y desde el primer momento estaba decidido a ayudarme a dar vida a la nueva visión que tenía para mi música”. El resultado es su trabajo “más libre y seguro”. “Hay momentos más íntimos y confesionales, casi como páginas de un diario, y otros en los que la música se abre hacia algo más rítmico y liberador, pensado para la pista de baile. También aparecen influencias más et éreas y atmosféricas que refuerzan esa idea de fluidez emocional, especialmente al tratar temas como el deseo, que se presenta tanto de forma clara como ambigua. En conjunto, el sonido mantiene una coherencia emocional fuerte mientras explora diferentes texturas y formas de expresar vulnerabilidad, amor y autodescubrimiento”.

Durante esos meses reconoció este mismo proceso y abrazó el trabajo de otros artistas como “Tracy Thorn, de Everything But The Girl o el, álbum de remezclas de The King of Limbs de Radiohead con Four Tet, Caribou, Jamie xx y Jacques Greene. Y también Romy con su proyecto en solitario después de The xx, que es mucho más bailable en ese sentido. Me encanta que muchos artistas tengan ese momento en el que exploran el mundo electrónico, que se convierta casi en un rito de paso. Creo que a menudo ha habido una idea equivocada de que la música electrónica es bastante repetitiva y quizá no tiene mucha alma. Pero en todos ellos, en sesiones como las de Kelly Lee Owens o simplemente en una buena noche con tus amigos escuchando electrónica, puede existir una gran carga emocional”. Para la británica, es su manera de dejar testimonio de aquellas personas que han entrado y salido de nuestras vidas. “No solo se trata de amor romántico sino de amor platónico y de comunidad. De pertenecer y de estar presente”. Además, hay una evidente búsqueda de liberación. “Muchas de estas canciones tratan de no querer admitir ciertas cosas o de intentar encontrar una forma de ser honesto contigo mismo y aceptarte”. Esa especie de catarsis es el vehículo principal de Ambiguous Desire. “Parte de un deseo de aceptación, de aceptar que el cambio es lo único que está garantizado. Por eso preferí dejar el final abierto. Cada vez que llegas a ese punto final, sigues floreciendo. Y te das cuenta de que estás cada vez más en paz con el hecho de que el ciclo no siempre se cierra. En todo hay preguntas que siempre se quedan sin respuesta.

AMBIGUOUS DESIRE (TRANSGRESSIVE, 2026)

Blue Disco / Jetta / Get Go / Senses / Heaven / Beams / South Seconds / Nightswimming / 2SIDED / Luck of Life / What If I Say It? / Floette

CD / DIGITAL / LP

“Me di cuenta de que me apetecía empezar los temas con el break de una batería que me evocaba a Caribou o Jamie xx, algo que no era propio de mí. Estaba mirando mucho más hacia fuera que antes”

INto the club

EVERYTHING BUT THE GIRL Walking Wounded / 1996

El dúo británico consiguió un hit inesperado con el remix de Todd Terry de Missing, y decidió tomar esa dirección más electrónica y expansiva en su noveno álbum de estudio.

BETH ORTON Kidsticks / 2016

La británica siempre se deslizó entre el folk, el pop y la electrónica, pero en su sexto disco, producido junto a Fuck Buttons, la apuesta por los sintetizadores fue total.

AITANA alpha / 2023

Un sample de Bangarang (Skrillex) abre este disco en el que Aitana se sumerge de lleno en el hedonismo del club con un enfoque claramente noventero. Pinchó y todo.

ZAHARA

Lento Technura / 2026

Zahara ya montó La Puta Rave y demostró su amor por la electrónica junto a Martí Perarnau. Lento Technura lleva este proceso de extroversión club un poquito más allá.

Por: Anna Pérez

Foto: Eduardo Montes

Asistente fotografía

Álvaro Gómez

Productor Sergio Pascual

Aux. Producción

Adrián Gómez

MUAH

Dani Arias

Estilista Guadalvpe

Ayudante Estilista

Dana Fracalossi

Directora Arte

Carla Bru

No es sencillo alejarse de una etiqueta como ‘estrella infantil’. Sin embargo, Melani hace tiempo ya que ha roto con su pasado a basde de asumir riesgos. Lírico, pop y electrónica se fusionan en ‘Scorpion’, el tema de avance de un EP con el que la valenciana entrega su candidatura a artista total.

“Quería que en esta nueva etapa se viera la madurez de la Melani pequeña. Una progresión. Por eso intento explicar las cosas que pienso, cómo veo el mundo, cómo siento el mundo ahora”

Melani García (2007, L’Eliana) no es ninguna recién llegada. Pese a sus 19 años, acumula más de una década de trayectoria sobre los escenarios. Aunque a menudo se subraya la juventud como sinónimo de mérito, en su caso resulta casi irrelevante porque la primera muestra de su nuevo y ambicioso proyecto artístico ya se sostiene por sí misma. Desde q ue se dio a conocer en La Voz Kids y alcanzó proyección internacional con un tercer puesto en Eurovisión Junior en 2019 hasta su reciente victoria en Tu Cara Me Suena, Melani ha trabajado duro para ahora, ya mayor de edad, tomar un nuevo rumbo artístico.

Tras años publicando singles, la valenciana siente que ha llegado el momento de tomar las riendas de su proyecto. “Cuando era más pequeña lanzaba canciones por ilusión, porque me hacían feliz… pero nunca lo había visto desde otra perspectiva. Ahora, poder trabajar de ello me hace muy feliz. Me muero de ganas de ir al estudio cada día”. El primer resultado de este nuevo camino es Scorpion un tema que aúna el pop contemporáneo y la electrónica con detalles de su bagaje lírico, mezclando español con francés y poniendo kilómetros de por medio con cualquier cosa con la que pudiéramos, remotamente, relacionar su sonido. El single surgió de la pregunta “¿Cómo ve Melani el mundo?”. Desde la metáfora del veneno del escorpión, la artista critica la superficialidad de las redes sociales y la tendencia a encerrarse en una burbuja de perfección, olvidando problemas verdaderamente importantes. “Yo creo que, en nuestra sociedad, el pensamiento crítico está dormido. A veces preguntas sobre algún tema y mucha gente te dice ‘Ah, no sé’, y yo pienso: ‘Pues deberías saber’. Para mí es súper importante informarme, investigar, porque eso es lo que nos permite ser libres y creativos. Quería plasmar esa sensación y ese pensamiento recurrente mío sin señalarlo de forma directa”.

El tema -coescrito junto a Manel Navarro, representante de España en Eurovisión en 2017, producido por Alex Capdevila, y antesala de un proyecto mayor que lleva tiempo en proceso y del que todavía solo sabemos que existe- muestra una parte más oscura y madura de la artista que aún no conocíamos, fruto de una decisión consciente que buscaba reflejar su crecimiento. “Quería que en esta nueva etapa se viera la madurez de la Melani pequeña. Una progresión. Por eso quiero explicar las cosas que pienso, cómo veo el mundo, cómo siento el mundo ahora”. Melani toma el control de su narrativa artística. “Obviamente, estaba un poco inquieta por el recibimiento de esta nueva era. Sé que es algo nuevo, más experimental… Pero me apetecía mucho hacerlo y tenía ganas de sacarlo;

si no gustaba, yo iba a estar feliz igual. Pero la verdad es que sé que la gente de mi entorno cercano más cercano no me miente, y a todos les ha encantado… Así que he tenido un buen recibimiento”. Una recepción que, además, ha tenido eco en redes sociales y en círculos dedicados al art pop. Su nuevo enfoque artístico es el resultado de un largo proceso de búsqueda de su propio estilo, fusionando su faceta de cantante pop y su formación en el conservatorio. Y poniendo, en ese equilibrio, la voz como centro clave del proyecto. Como ella misma explica, “He estado intentando encontrarme un poco porque era más chiquitita y venía del conservatorio, que es muy exigente y, o sigues lo que está en la partitura, o está mal. Que me encanta, pero cuando empecé a sacar mis propias canciones tenía que encontrar un estilo propio y concreto. ¿Hago solo pop? ¿Me pongo a cantar ópera? Intentaba trabajarlo, pero no tenía los medios”. Ahora ha encontrado cómo sus referencias, que se desplazan sin problema y con gracilidad balletística entre Charli XCX y Maria Callas, pueden convivir en el pop, ahora que vivimos el advenimiento de una Rosalía orquestal y académica que ha dinamitado de golpe las pocas distancias que quedaban ya entre el conservatorio y el stardom pop. “Entre semana voy al conservatorio y los fines de semana tengo tiempo”, cuenta la artista. “Al principio llegaba al estudio con mi productor, Lex C (nombre detrás de proyectos de Aitana o Xavibo) y él me hacía muchas preguntas. Me acababan de coger en una ópera en el conservatorio y llegué con una de las canciones en la cabeza, y él me decía ‘Vale, cántamela, a ver qué tal’. Y yo creía que no tenía nada que ver con lo que hacíamos, pero así fuimos creando ideas, melodías, utilizando alguna armonía… Y así hemos trabajado mucho en mi nuevo yo”. Dejándose ir, tanto a nivel conceptual como a nivel vocal. Sin miedo a explorar el color de su voz, sus posibilidades técnicas y expresivas. Y explorando con ella nuevos horizontes, poco habituales para una artista pop; Mónica Naranjo estaría orgullosa, pero Caroline Polachek, también. Melani habla de esta versión como un punto de llegada, pero también como el verdadero comienzo. Haber podido escribir, experimentar y jugar con su voz mezclando idiomas, registros y referencias es, en sí mismo, un objetivo cumplido. “La Melani pequeña estaría súper contenta”, reconoce. Ahora, con una renovada ambición creativa, mira hacia delante sin perder de vista sus sueños de siempre, como subirse algún día al escenario de Teatro alla Scala de Milán. Entre la disciplina del conservatorio y la exploración del estudio, su camino es brillante y muy prometedor.

Superimposed Movement, 2022 | Cortesía de Romer Young Gallery

Por: Raül de Tena

Gwenaël Rattke es uno de esos artistas con los que no se puede tener una conversación de 20 minutos. Será por eso por lo que nos pasamos más de una hora charlando de lo humano y de lo divino, pero sobre todo de una visión artística que bebe de los fanzines ochenteros para, cut & paste mediante, construir mundos de fascinantes geometrías imposibles atravesadas por la cultura visual gay de los 70, los 80 y los 90.

En cuanto la cámara de Gwenaël Rattke se conecta a nuestro Google Meet, pienso inmediatamente: “¡Cómo somos los maricones maduros!”. Nuestros fondos son prácticamente intercambiables: dos excelsas bibliotecas a rebosar de coloridos libros y cómics que demuestran que ambos somos gays de la vieja escuela, de aquellos tiempos en los que la homosexualidad parecía ir siempre de la mano de la alta cultura. Supongo que, precisamente por eso, desde el inicio de nuestra entrevista se establece una corriente de simpatía entre los dos que hace que riamos constantemente, Gwenaël con una risa contagiosa de esas que se van desvaneciendo poquito a poco en un eco de gozonería. Su biblioteca, eso sí, también tiene una segunda función realmente pertinente: de ella va extrayendo libros y cómics, tanto ajenos -¡tenemos la misma edición del Anarcoma de Nazario!- como propios. Porque, al final de todo, una biblioteca es una forma de compactar y exhibir un universo identitario, y de las estanterías de Rattke van saliendo libros en los que ha trabajado y que son una expresión directa de sus gustos y placeres. No es extraño que en sus trabajos editoriales convivan Cookie Mueller -mítica actriz conocida por las pelis de John Waters-, Patrick Cowley -icónico productor y compositor que entrelazó el ADN del Hi-NRG de principios de los 80 junto a gente de bien como Sylvester o Bobby Orlando- o Spider Taylor -ejemplo de cómo el porno gay de los 80 dio cobijo a la creatividad de una comunidad azotada por el sida-. Y, así, después de diez minutos charlando de la diéresis en nuestros nombres, de Berlín -desde donde él habla- y de Barcelona -desde donde hablo yo- y de cosas de maricones maduros, por fin entramos en materia…

No hay mucha información sobre tu formación artística… Es que no tengo ningún tipo de formación en arte. Ten en cuenta que soy un poco viejo: nací en los 70, y en los 90 era un chaval loco por los fanzines. Estuve muy metido en la escena punk y DIY, la música hardcore, el punk y el queer punk.

¿Todo eso en Berlín?

No, no. Nací en Alemania, pero crecí en Francia. Al cumplir los 21, me mudé a California primero y a Canadá después. Allá estuve muy metido en las escenas que te comentaba. Esa fue mi formación. Antes de las tecnologías digitales, para hacer fanzines y revistas te dedicabas a cortar y a pegar, que es la misma técnica del collage. Por aquel entonces, hacía mi propio fanzine y formaba parte de una red internacional de personas que también hacían fanzines, “mail art”. Me encanta el diseño gráfico, pero

aplicado al arte. Mi intención siempre ha sido usar el lenguaje del diseño gráfico, pero sin la parte del marketing, sin tener la necesidad de vender nada. Solo las palabras, las tipografías, las maquetas. Intento trabajar con el espíritu de alguien que hiciera portadas de discos en los 80: la idea es llevarlo hacia el collage y hacerlo simple.

A ver, simple, simple, tu arte no es. (Nos reímos). Puede que no parezca simple por el uso de la tecnología como herramienta, casi como una fotocopiadora con la que escanear y ensamblar, poco más.

San Francisco tiene una gran presencia en tu carrera. Es como una ciudad instrumental para mí. Llegué a San Francisco con 19 años, sobre el año 90 o 91. Estaba muy interesado en la ola de fanzines queer de California. Fue el momento en el que salí del armario y tuve que decidir si quería ser un tipo de gay más mainstream o no. La música y la cultura que me gustaban eran extremas, así que conecté inmediatamente con la ciudad, hice muchos amigos, me integré en la comunidad. Suena a cliché, pero sentía que allí podía ser yo mismo. Antes de que llegaran las tecnológicas, San Francisco era una ciudad barata llena de freaks. Me fascinaba su historia como lugar de liberación gay en los 70, pero también en los 60 con todo el rollo psicodélico.

Apasionado autodidacta del fanzine desde los años 80, Gwenaël Rattke ha construido su carrera desde la admiración por las geometrías básicas del diseño gráfico, y siempre aportando una lectura y subtexto queer.

Ese rollo psicodélico también está muy presente. Puede ser, aunque no de forma consciente. Gráficamente, los posters y la cultura psicodélica de los 60 me sacuden. También el concepto de la expansión de la mente. Me preocupan la conciencia y las maneras de calmar tu mente, las formas de encontrar tu centro en un mundo que está descentrado.

Es necesario aparcar las leyes de la realidad para entrar tanto en la psicodelia como en tu obra…

El surrealismo hace eso mismo: crear imágenes que desafíen la lógica y que te transmitan un mensaje. También la ciencia ficción. Me interesan mucho los mundos no racionales, pero combinados con cosas mundanas. Con la banalidad y la normalidad de lo cotidiano. La cosa no va de drogas y de escapismo.

Bueno, en tus obras abundan los poppers. (Nos reímos de nuevo). Lo de los poppers es porque una de mis grandes influencias es el lenguaje visual gay de los 70, 80 y 90. Ya sean los poppers o el leather, ese imaginario se construyó de una forma

“Una de mis grandes influencias es el lenguaje visual gay de los 70, 80, 90. Los poppers, el leather... Me encanta porque está hecho por amateurs, y adoro cuando la gente hace las cosas sin reglas”

Novocreto, 2022 | Cortesía de Romer Young Gallery

gráfica realmente fuerte. Y me encanta porque fue algo hecho por amateurs. Adoro cuando la gente hace las cosas sin conocer e incluso sin preocuparse por las reglas.

Esa mariconería que homenajeas en tu obra me parece muy necesaria en estos momentos en los que estamos intentando luchar contra lo “gay” como concepto capitalista. Sí, el movimiento gay se convirtió en algo muy conservador. Por eso siento un lazo tan fuerte con la cultura gay de entonces. Y por eso me gusta tanto hacer portadas para el sello Dark Entries de San Francisco: son buenísimos encontrando música que representa la cultura gay menos aceptable.

¿Tu trabajo es una expresión de tus obsesiones? Necesito que me guste la obra en la que voy a trabajar. Ya ves que me encantan los libros, como formato y también como vehículo para expresar ideas e imágenes. Supongo que me viene de mi época fanzinera… Un libro es como un gran fanzine. (Saca un tomo de su biblioteca: ‘Edgewise: A Picture of Cookie Mueller’). Este, por ejemplo, lo hice con mi amiga Chloe Griffin. Ella escribió el libro y luego montamos la parte visual entre los dos. Es un fanzine gigante. Cogimos un libro en blanco que encontramos en la basura, todo muy Cookie Mueller, y cortamos y pegamos absolutamente todo a base de tijeras y pegamento. El libro original es un tochaco colosal.

Otra presencia habitual en tu trabajo es Patrick Cowley. Sí, hicimos un libro para Dark Entries con sus dia-

rios. (Me lo enseña: ‘Mechanical Fantasy Box: The Homoerotic Journal of Patrick Cowley’). Tristemente, tuvo una vida muy corta. Murió en el 82, en la primera ola del sida. Formó parte de esa generación de artistas queer que apenas tenían 20 o 30 años cuando vieron cómo la tragedia truncaba toda aquella energía creativa. Me encanta su música porque refleja un sentimiento de pura libertad.

Libertad y comunidad. Totalmente. Es un sentido de comunidad, de estar juntos. Y en su obra hay mucho sentido del humor, además de muchas referencias sexuales. Sus diarios son un reflejo de lo que significaba ser un hombre gay en la San Francisco de finales de los 70. Divertirse, trabajar en el estudio, ir a la sauna… Cosas así.

Tiene mucho que ver con Surge Studio Music, el disco de Spider Taylor para el que has hecho la portada… Fue su forma de conseguir dinero en unos tiempos difíciles. Patrick Cowley también hizo música para porno gay, por cierto. Resulta curioso pensar que el porno de aquellos tiempos fuera una plataforma para ideas experimentales tanto en lo fílmico como en lo musical. Es interesante escuchar esa música desconectada de las imágenes pornográficas… Bueno, si yo viera las pelis originales, sería incapaz de concentrarme en el porno porque solo querría bailar. (Risas). Es raro que fuera música tan experimental. Y tan oscura. Incluso sórdida. Impensable para algo tan comercial como el porno de hoy en día.

Las Ánimas, 2025 | Cortesía de Romer Young Gallery

1. Patrick Cowley – Hard Ware, portada vinilo, 2025, Dark Entries Records | Cortesía de Dark Entries Records

2. Back Up – Mexican Tecno Pop 1980–1989, portada vinilo, 2024, Dark Entries Records | Cortesía de Dark Entries Records

3. Patrick Cowley – Kickin’ In, portada vinilo, 2024, Dark Entries Records | Cortesía de Dark Entries Records

4. Deep Entries – Gay Electronic Excursions 1980-1989, portada vinilo, 2024, Dark Entries Records | Cortesía de Dark Entries Records

5. Spider Taylor – Surge Studio Music, portada vinilo, 2025, Dark Entries Records | Cortesía de Dark Entries Records

1. Mann mit Energie, 2025 | Cortesía de Romer Young Gallery

2. Nexos 93, 2025 | Cortesía de Romer Young Gallery

Candelabro

Navegando entre la espiritualidad y simbología cristianas, la tensión política y una forma de entender el rock como espacio de sorpresa, misterio y descubrimiento, Candelabro se han convertido en apenas un año en cara visible de la nueva vanguardia chilena. En su segundo trabajo, ‘Deseo, carne y voluntad’, reeditado ahora por Sonido Muchacho, el septeto revisa los códigos del catolicismo y la identidad andina en clave avant-folk, entre impulsos jazzísticos, aristas experimentales y pasajes progresivos. El rock de guitarras en lengua castellana tiene un nuevo referente.

Fotos: Isidora Blanco @isii.b

Por: Marta España

Apenas unos meses después de que Deseo, carne y voluntad viera la luz, Candelabro continúan asimilando el peso de un álbum que los ha sacudido fuera de los márgenes de la novedad para situarlos, por derecho propio, en el mapa del rock vanguardista latinoamericano. Sin embargo, en las distancias cortas, el discurso de la banda huye de la épica del éxito logístico para refugiarse en una insistencia casi obsesiva: desentrañar la genealogía de sus canciones y entender por qué han necesitado tomar una forma tan densa, tanto conceptual como sonoramente. El punto de partida del disco, lejos de cualquier narrativa grandilocuente, es sorprendentemente concreto. Matías Ávila (guitarra y voz) lo sitúa en un contexto académico. “El disco nace de la musicalización que hice de El Ángel de la Guarda para un ramo [asignatura] de pedagogía en música”. Para el lector no familiarizado con la iconografía religiosa, decir que El Ángel de la Guarda es una plegaria y el primer contacto de millones de niños hispanoamericanos con lo sobrenatural y con la idea de la protección (o el miedo) invisible. Es la oración (“Dulce compañía, no me desampares ni de noche ni de día”) que se susurra antes de dormir y que en el disco de Candelabro funciona como portal hacia la memoria personal e histórica.

Lo que comienza como un ejercicio universitario se transforma rápidamente en algo distinto al enfrentarse al público. “Había muchas personas que se emocionaban, que nos comentaban que se habían acordado de un momento muy específico de su infancia, de sus abuelos o de sus padres”, explica. Esa reacción, casi involuntaria, abre una vía que la banda decide explorar. Poco después, el contexto personal de Ávila se ve atravesado por una enfermedad familiar que le obliga a regresar al núcleo doméstico. “Fue volver a la casa y enfrentarme a esa situación de la enfermedad, a estos cuestionamientos tan grandes, al por qué de la vida”, recuerda. Ese cruce entre lo íntimo y lo estructural acaba configurando el eje conceptual del disco. Más que un trabajo sobre la religión, o de su presencia en el duelo, Deseo, carne y voluntad se articula como una revisión del imaginario católico que atraviesa la vida cotidiana en Chile y, por extensión, en gran parte de Latinoamérica. “El catolicismo permea muy fuerte aquí, incluso siendo creyente o no. Hay formas en las que uno afronta la culpa, la resignación o la empatía como valores cristianos, más allá de la decisión de creer en un Dios”, afirma Ávila. El disco no busca reafirmar ese lenguaje, pero tampoco criticarlo. Lejos de construir un relato de fe, Candelabro utiliza sus símbolos para abrir interrogantes. “Uno no puede

abrazar algo ni entregarse por completo sin previamente criticarlo, o sin previamente dudar”, afirma Ávila. “El disco se encarga de esa conversación. Hoy por hoy mantenerse saludable espiritualmente tiene que ver con guardar una distancia sana con las redes sociales, salir a juntarte con tus amigos, conversar con tus padres, abrazar a tus hermanos, aprender a decir te quiero, aprender a perdonar”, enumera. En ese desplazamiento, la espiritualidad se vuelve muy práctica: “Tratamos de no hacer un disco que tuviera que ver con la alabanza, sino uno más cercano a Jesucristo Superstar (Camilo Sesto, 1975), con una cosa mucho más teatral, más descarnada, más identitaria con nuestro sector del mundo”.

Ese posicionamiento conecta directamente con el contexto político en el que se inscribe el disco. En Chile, como en muchos otros lugares, la religión sigue asociándose a posiciones conservadoras, pero Candelabro decide operar desde dentro de ese imaginario para subvertirlo. Luis Ayala (guitarra) lo explica en t érminos de accesibilidad. “Nunca fue nuestra intención hacer un disco de rock cristiano, sino más bien ocupar los símbolos para acercar la espiritualidad a la gente que de repente no está tan fami-

“Uno no puede entregarse por completo a algo sin antes criticarlo, sin antes dudar”

Un relato mágico de dentro a fuera

De la tradición prog-folk andina a la proyección (y el foco) internacional, apuntalada por esa reedición de Sonido Muchacho que les acerca al público español. Este es el viaje sonoro a través del que se puede reconocer a Candelabro.

Los Jaivas

Alturas de Macchu Picchu (1981)

“Durante la dictadura de Pinochet, era prácticamente imposible hacer arte porque todo arte estaba subordinado al sistema. Entonces surgieron grupos de vanguardia que buscaban hermetizar y complejizar mucho el discurso para poder ocultar en él los aspectos de denuncia”. Inti-Illimani o Los Jaivas son ejemplos primigenios, además de pura lisergia consciente.

Congreso

Pájaros de arcilla (1984)

“Para nosotros son el eje principal”, reconoce sin problemas uno de los guitarristas de la banda. Pájaros de arcilla fue el primer trabajo que entregaron sin su vocalista principal, José Vasconcellos, que marchó para seguir formándose en Brasil: la respuesta del combo fue apostar por los vientos y entregar piezas más vinculadas al prog de vanguardia y el avant-jazz.

Niños del Cerro Lance (2018)

“Son el predecesor definitivo en Chile, no solo por su música, sino por su capacidad para abrir espacios en la escena. La primera vez que tocamos en un escenario grande fue abriendo un show para ellos”, recuerda Ayala cuando piensa en el fundamental grupo chileno, grandes baluartes de una generación más globalizada y motivadores allí de la explosión indie.

Black Country, New Road Forever Howlong (2025)

El prog folk arty de Candelabro les ha granjeado comparaciones, a oídos internacionales, con el combo británico. “Nos ha ayudado a conectar con oyentes comunes, pero también es reduccionista. En el arte nadie va a volver a inventar la rueda, lo que nos queda es reinterpretar las experiencias y la cultura pasada para generar nueva cultura”.

liarizada con otra terminología ligada a ella”. La dimensión política de la banda se hizo especialmente visible en su r eciente paso por Lollapalooza, donde proyectaron imágenes de líderes de ultraderecha acompañadas de simbología nazi, generando una reacción inmediata tanto dentro como fuera del festival. Ávila lo sitúa en un plano modesto, pero igualmente necesario. “Nosotros sabemos que con mostrar estas imágenes no estamos cambiando nada, no vamos a hacer que la hegemonía global deje de estar ubicada donde está. Pero sí creo que logramos que sea, al menos, un tema de conversación”.

En paralelo, el discurso musical de Candelabro se articula desde una lógica que rehúye cualquier planificación excesiva. Deseo, carne y voluntad es un disco que se mueve entre el post-rock, el jazz, el math o el art rock sin detenerse demasiado en las etiquetas. “No es como que conversemos sobre el género que vamos a hacer”, señala Ayala. “Es algo que nace naturalmente de las distintas formas que tiene cada uno de tocar y de abordar ciertas sonoridades. Carlos es-

cucha casi solo música ligada al Caribe; a Javi le gusta mucho el j-rock; a mí el metal y el post-hardcore”. El resultado es un sonido que se construye en esa intersección de universos con un enfoque vinculado a la vanguardia chilena, y en esa reinterpretación las escenas locales juegan un papel fundamental. Lejos de presentarse como un fenómeno aislado, Candelabro se reconoce como parte de un ecosistema más amplio en el que conviven tradición y vanguardia. En términos más concretos, el proceso de este segundo disco ha supuesto también un aprendizaje interno para la banda. Ha afianzado sus dinámicas de trabajo y consolidado una forma de entender el proyecto en colectivo. “La experiencia de grabar en grupo fue una cosa irremplazable. Aprendimos a hacer que la música tuviera dinámicas internas, que nos sorprendiera”. Y, en esa amalgama, Candelabro ha construido un trabajo que se somete al misterio mismo, guiado por impulsos que son pequeños saltos de fe. Que, más que ofrecer respuestas, parece interesado en sostener preguntas. Algunas de ellas nunca se resolverán.

DESEO, CARNE Y VOLUNTAD (REGISTRO MÓVIL / SONIDO MUCHACHO, 2025)

Las copas / Domingo de ramos / Prisión de carne / Tumba / Haz de mí / Ángel / Liebre / Pecado / Tierra maldita / Deseo, carne y voluntad / Fracaso / 3 flores blancas / Cáliz / José (créditos)

CD / DIGITAL / LP

EAFTIMOS

Por: Alba G. Valero

Eaftimos, la firma del diseñador leonés Erik Bruccia, se consolida como una de las propuestas emergentes tras ganar el Premio Pelonio New Talent en el 20 aniversario EGO de MBFW Madrid, destacando por su enfoque artesanal y su visión autodidacta contemporánea.

Eaftimos irrumpe en la escena emergente con un universo propio y una propuesta que conecta con una generación que busca algo más que moda: identidad, proceso y una emoción honesta se esconden detrás de cada pieza de su colección.

Para quienes aún no te conocen, ¿quién es Eaftimos más allá de la moda?

Me considero una persona bastante casera. Me gusta encerrarme en lo que yo llamo “mi caverna” y estar constantemente creando o buscando cosas nuevas que hacer. Paso gran parte del día imaginando ideas y también soy muy trabajador: siempre estoy ocupado con algo, ya sea en un restaurante como cocinero, como comercial para empresas de inversión o en una tienda de ropa. Al final, cuando empiezas en este sector necesitas generar ingresos para poder invertir en tu proyecto y sacarlo adelante.

¿Recuerdas el momento en que decidiste que querías dedicarte al diseño?

Sí. Aún vivía en León y trabajaba como cocinero. Recuerdo que, en pleno servicio, mientras preparaba platos, tenía una especie de introspección constante en la que pensaba en crear mi propia marca. Estaba deseando terminar el turno para llegar a casa e investigar. Durante mucho tiempo quise dar el paso, pero no me atrevía. Finalmente, con el confinamiento, empecé de forma autodidacta y, junto a dos amigos, monté una marca de streetwear. Más adelante decidimos separarnos, y ahí fue cuando di un giro importante a mi camino: mientras estu-

Erik Bruccia (León, 2001) es un diseñador emergente y fundador de Eaftimos. Formado en moda en Madrid, desarrolla una propuesta autodidacta basada en la artesanía, la introspección y la construcción de universos narrativos propios.

diaba moda en Madrid, creé desde cero mi propia marca, Eaftimos.

¿Qué influencias han marcado tu forma de entender la moda?

Mi visión es una mezcla de lo familiar y lo cultural. Por un lado, mi familia ha sido clave: mis bisabuelos -modista y vendedor ambulante-; mi abuela, que es mi mentora y sigue activa como modista, y mi madre, que lleva más de 15 años con un negocio de ropa. Todo eso me aportó una base sólida tanto en confección como en negocio. Por otro lado, crecí en una época en la que internet formaba parte del día a día. Ahí descubrí culturas musicales, el hip hop, el origen del streetwear y artistas y diseñadores con una estética muy marcada. Con el tiempo, me interesé por la moda asiática y por figuras como César Manrique, que entendían el arte desde una perspectiva muy conectada con el entorno.

¿Cómo nace Eaftimos como marca?

Eaftimos nace de una necesidad muy personal de expresar algo que no encontraba fuera. El nombre

“Me interesa mostrar lo que no se ve: el proceso, el silencio, la construcción interna. Busco que cada prenda tenga una carga emocional y una razón de ser”

proviene de una palabra que descubrí en un TFG sobre autismo, relacionada con la idea de estar “encerrado en uno mismo”. Conecté profundamente con ese concepto en un momento en el que me sentía así, inmerso en mi propio proceso creativo. No buscaba cubrir una necesidad comercial, sino crear un universo propio.

¿Cuál es el ADN de tu firma? Introspección, artesanía y coherencia. Todo gira en torno a eso. Me interesa mostrar lo que no se ve: el proceso, el silencio, la construcción interna. Busco que cada prenda tenga una carga emocional y una razón de ser, desde la silueta hasta el material o la forma de presentarla.

¿Qué significó ganar el premio Pelonio New Talent dentro de EGO en Mercedes-Benz Fashion Week Madrid? Fue un momento muy intenso. El nivel era muy alto, así que estar en EGO ya era un logro. Ganar el Premio Pelonio New Talent supuso un reconocimiento importante para todo el equipo. Creo que se valoró el conjunto: esfuerzo, coherencia y profesionalidad.

¿Qué historia hay detrás de tu colección Nierika?

Habla del oficio, la tierra y la conexión con la naturaleza. Se inspira en la cosmovisión huichol, en

César Manrique y en el paisaje de Lanzarote. Todo converge en una idea común: la naturaleza como algo sagrado. La isla de Lanzarote y la figura de Manrique. A través de viajes y experiencias personales, empecé a imaginar formas y colores. Más tarde descubrí la cultura huichol, y entendí que compartía una sensibilidad similar. De esa fusión nació la idea de crear una “tribu” dentro del universo Eaftimos.

¿Qué escuchas mientras diseñas?

Depende del proyecto. En la última colección, pasaba horas escuchando música tribal, folk y dark wave para sumergirme en la atmósfera creativa.

¿Referentes actuales?

Yohji Yamamoto y Miguel Adrover.

¿Una prenda?

Una blazer negra.

¿Algo que nunca llevarías?

Una camiseta de Nude Project.

¿Un sueño por cumplir?

Que todas las personas que han apoyado el proyecto puedan vivir de él. Y, algún día, realizar un desfile en la catedral de León que marque un antes y un después.

POR: MIGUEL PARDO

LORAINE JAMES

FOTOS: DIARA SOW

DESPUÉS DE SUPERAR UN BLOQUEO CREATIVO, DE VARIOS

PROYECTOS COLABORATIVOS Y DE UN TRABAJO CON EL QUE

CONSOLIDÓ SU PROYECTO PARALELO DE AMBIENT, LORAINE JAMES ENTREGA SU CUARTO ÁLBUM EN HYPERDUB, ‘DETACHED FROM THE REST OF YOU’. CON UNA CARTA DE PRESENTACIÓN ALGO MENOS EXPERIMENTAL Y UN SUTIL VIRAJE HACIA ATMÓSFERAS MÁS

R&B, LO CIERTO ES QUE EN ESTE NUEVO DISCO LA PRODUCTORA BRITÁNICA SIGUE APOSTANDO POR SONIDOS SINTÉTICOS Y AVANT GARDE, QUIZÁ AHORA DEJANDO QUE LAS VOCES SE EXPRESEN DE UN MODO MÁS NATURAL. HABLAMOS CON ELLA SOBRE DEDICARSE PLENAMENTE A LA MÚSICA, LA ESCENA LONDINENSE, LAS VENTAJAS Y DESVENTAJAS DE COLABORAR CON OTROS ARTISTAS O LA IMPORTANCIA DE RECONOCER SU QUEERNESS A LA HORA DE PENSAR EN LO QUE HACE Y EN PARA QUIÉNES LO HACE.

Desde que se focalizó en su carrera creativa en 2020, Loraine James se ha convertido en una de las artistas de música electrónica más relevantes del panorama de Inglaterra. Pero esa precocidad, lejos de darle seguridad, a veces la sumerge en un mar de dudas. “L e he dedicado mucha energía personal, emocional, por así decirlo, al proyecto en los últimos cinco años”, confiesa en videollamada desde Londres. “Ha llegado un punto en el que no sabía bien a dónde ir”. Su álbum Detached from the Rest of You, que llega vía Hyperdub el 8 de mayo, supone un giro en su carrera hacia un sonido someramente más r’n’b, después de un disco, Gentle Confrontation (2023), con el que, en sus propias palabras, “cerré un capítulo”.

En su segundo trabajo, la artista nos recuerda la delgada línea que ha separado el sonido londinense más retorcido del pop progresivo internacional. Hablamos con ella de las -en ocasiones- irrastreables diferencias entre los sonidos de las distintas zonas de la capital inglesa, por ejemplo. “Si escuchas jazz y cosas por el estilo, gran parte de ello proviene del sur de Londres. Pero la verdad es que no sé por qué. Quizá debería investigar un poco sobre la historia de eso”, acepta. En su música, esas influencias -al igual que otras más atávicas- aparecen enrevesa-

das, en un sentido ahistórico que no es iconoclasta, sino deconstructivo, y que funciona como contrapeso a las narraciones más blancas y heteropatriarcales de la música experimental. “Las voces negras y queer suelen ser silenciadas, o al menos no se las escucha tanto como a las de sus compañeros blancos”, continúa. “Yo existo, y otros amigos míos que también son negros y queer en el mundo de la música existen, gracias a otras personas”. Un gran ejemplo de esas voces, del que hablamos y al que le dedicó un disco en 2022, es Julius Eastman: su actitud activista como artista gay y racializado le valió un olvido histórico que no sufrieron otros compañeros de generación. “Creo que es importante conocer a personas como él, aunque a veces me agobia pensar en ello”.

Aunque la artista de Enfield parezca aproximarse con asiduidad al burnout, lo que se relaciona mucho con esa especie de “bloqueo” creativo que ha experimentado en los últimos años, realmente adora el ritmo frenético de Londres. “Todo el mundo va con prisa, como si tuviéramos que llegar a algún sitio. Sí. Como si fuera el fin del mundo, o algo así”. Ese ritmo algo caótico y acelerado aparece representado en su discografía a través de un diverso elenco de percusiones rotas y de colaboraciones. Sobre algunas de ellas, dice: “Es algo que nunca habría creado por mi cuenta, y una forma de liberarme de mi trabajo en solitario”. Una peculiar forma de socialización, además, que también tiene distintas naturalezas según se produzcan en el estudio o a través de la mediación digital. “Odio los estudios. Lo diré hasta el día de mi muerte, es que... me hacen sentir incómoda”, asegura. En cualquier caso, “no es culpa de las otras personas, no soy necesariamente extrovertida. Siempre he sido bastante tímida, así que entrar en una habitación a veces me resulta... incómodo. Intimidante e incómodo”, reconoce entre risas. No obstante, es esa confrontación con la incomodidad lo que sigue expandiendo su sonido.

En otro equilibrio algo paradójico, existe un contrapeso terrenal y cotidiano en el abstracto sonido de James. Uno de los ejemplos paradigmáticos de ello en su nuevo álbum es la colaboración con la ya icónica Tirzah. Además de hacerle algún remix, ambas artistas londinenses han colaborado “como parte del espectáculo sobre Arthur Russell que se representó en el Barbican, creado por The Speaker’s Corner Quartet y dirigido por su pareja”. La canción de la que hablamos, Habits and Patterns, fue “grabada a distancia. Fue la primera canción que, por así decirlo, se incluyó en el álbum”, cuenta Loraine, que también admira profundamente el trabajo de Tirzah y su acercamiento cotidiano a la música. “Me

“ME GUSTA JUGAR CON LAS VOCES, YA SEA AÑADIENDO

EFECTOS DE GLITCH, SUBIENDO O BAJANDO EL TONO... LO QUE SEA. PERO LA DE TIRZAH QUERÍA DEJARLA TAL CUAL”

gusta jugar con las voces, ya sea añadiendo efectos de glitch, subiendo o bajando el tono, o lo que sea. Pero la de Tirzah... realmente quería dejarla tal cual”. Esa querencia hacia la vida en el barrio y los sonidos que representan el día a día o la rutina con florituras electrónicas, que evidencian la alienación actual, resume bastante bien el trabajo de Loraine. Nos lo demuestr a también cuando le preguntamos si el título de otra de sus canciones, Flatline, tiene que ver con un concepto filosófico, dando una sencilla y sincera respuesta: “Por desgracia, no. A veces, cuando le envío una canción a alguien, le pongo un nombre provisional y pasa que simplemente la dejo tal cual”. Su aproximación a sus propias texturas es visceral e intuitiva, con metáforas corporales y sencillas, casi juguetonas... Un espíritu de descubrimiento que define gran parte de su carrera. Y es que Loraine James, además de por la música, siente pasión por otra cosa: la educación. Hasta la llegada del confinamiento y del excelente Reflection (2021), la artista londinense trabajaba con niños y niñas, así que le preguntamos por la correlación entre la pedagogía y la música. “Esa es una pregunta muy buena. Nunca había pensado en esa relación”, responde casi acorralada. “Reflection lo hice durante la

pandemia. Y, sí, era profesora en prácticas en el colegio donde trabaja mi madre. Me gustaba mucho trabajar allí. Me di cuenta de lo que le faltaba a mi cerebro y a mis conocimientos [risas]. Guardo muy buenos recuerdos de aquella época. Y, bueno, también jugábamos mucho al fútbol con los niños, porque me encanta el fútbol. Me transporta a cuando era pequeña”. Sobre la posibilidad de conciliar ambos mundos admite: “No sé. Compaginar la música con un trabajo a tiempo completo fue, sin duda, una locura. Pero si lo de la música hubiera tomado otro rumbo o dejara de ser sostenible, creo que me gustaría volver al mundo de la educación. Me gustaba mucho. Era muy gratificante enseñar cosas a los niños. Es decir, molaba bastante”. Viendo la portada del álbum podemos intuir esa especie de bifurcación entre ambos mundos personales, e incluso el modo en el que, a través de sus recuerdos escolares, James encontró inspiración para hacer un trabajo más revoltoso. “Sobre todo considerando que no fue un momento muy divertido”. En 2026 y tras muchas dudas y lanzamientos diferentes, la de Enfield sigue intentando jugar. Distintos sonidos, distintos colaboradores, pero siempre esa delgada línea entre lo recreativo, lo placentero y lo experimental.

WHATEVER THE WEATHER

Este seudónimo se ha ido convirtiendo en un proyecto cada vez más relevante para James. Bajo él ha lanzado sendos discos homónimos en 2022 y 2025 en el sello Ghostly International, del que la artista londinense es muy fan. “Disfruté más haciendo el segundo volumen porque el estilo de Loraine James no aparecía tanto en el foco principal”, recuerda al comparar la experiencia de cada uno de ellos. En ambos álbumes encontramos un modus operandi mucho más ambient y aéreo, alejado de su sonido urbano habitual y basado en la ligereza de los sintetizadores. Mucho más centrado en la contemplación del paisaje que en su vivencia, pero además preocupado por darle una dimensión fisiológica al sonido, ya que cada track representa una temperatura atmosférica. “Creo que con el primer álbum de Whatever the Weather quizá todavía no tenía muy claro qué quería hacer o qué dirección musical tomar”. Aunque desde aquí adoramos el sonido del primero, entendemos cómo esa seguridad se plasma de manera más desinhibida y extensiva en el segundo. Un trabajo que además llegó en aquel momento de sequía creativa y que seguramente contiene un valor personal extra para la artista. Cabe recordar, en cualquier caso, que “el primero de estos álbumes lo estaba realizando al mismo tiempo que terminaba Reflection”. Imaginar a James trabajando en los dos álbumes mientras luchaba con la incertidumbre de la cuarentena y cómo ésta afectó al cierre de los colegios es todo lo que necesitamos para comprender el compromiso creativo de esta artista.

DETACHED FROM THE REST OF YOU (HYPERDUB, 2026) A Long Distance Call / The Book of Self Doubt / In a Rut / Score / Seem Like I / Flatline / Peak Again / Habits / and Patterns / Wish I Was Like You /Ending Us All / Forever Still (Steel) / See Through CD / DIGITAL / LP

CHRIS DEVILLE

Las cosas claras desde el principio: La música indie es un relato emocional, no un ensayo al uso sobre un género musical, un movimiento o una época concreta. Y cualquiera que ahora mismo gaste la treintena y haya construido su personalidad entre discos, foros de internet, reseñas y festivales se verá fácilmente identificado en él. A través de sus páginas, Chris DeVille reconstruye más o menos 25 años de “eso que llamamos indie” durante un periodo continuamente expansivo que envió a la música alternativa hasta audiencias mainstream, y que la convirtió en el foco de los productores de la televisión y el cine, de las marcas, del sistema. “La idea original del libro [cuyo título original en inglés es Such Great Heights, tema de nombre premonitorio contenido en el disco que le dio contra todo pronóstico su segundo disco de oro a Sub Pop. El primero fue Bleach , de Nirvana] parte de tratar de entender cómo y por qué el indie se abrió camino hacia audiencias más mainstream, pero también cómo el sonido evolucionó en una dirección más pop”, explica el crítico musical norteamericano. “Cómo llegamos a tener popstars gigantes con coartada indie como Grimes, Sky Ferreira o Charli XCX; incluso The 1975, que son como la versión popstar de una banda indie. Cómo hemos llegado a decir que Taylor Swift ha sacado su

“Cuando era adolescente, entré en el indie como si fuera una religión, una militancia. Sentía que esa música era mejor, era superior”

Por: Diego Rubio

Editor jefe de Stereogum, Chris DeVille se plantea en su primer libro, ‘La música indie’, cómo la idea de “indie” configuró el centrismo estadounidense con el que se narró la historia de la música alternativa durante las dos primeras décadas de este siglo, a través de los blogs de internet convertidos en brújula y medios de referencia. La historia -engañosa- de cómo unos aparentes márgenes musicales se situaron en el centro del relato.

‘disco indie’ porque de pronto trabaja con Aaron Dessner o con Bon Iver”.

El periodo que recorre el libro son más o menos los mismos 25 años a lo largo de los cuales Pitchfork se ha ido ganando el derecho -honestamente no tan dudoso- de autodenominarse “the most trusted voice in music”. Y los mismos en los que el Primavera Sound ha ido creciendo continuamente hasta convertirse en el macroevento de referencia mundial que es hoy. Que ya no haya duda alguna de que el gigante de Barcelona es un festival de tendencias, no un festival “indie”, dice mucho de lo que es realmente esta etiqueta: un constructo con evidente perspectiva yanqui que se ha ido utilizando sistemáticamente para aglutinar las tendencias de la música alternativa desde los años 2000 y a lo largo de la blog era. Una narrativa para decirle a los modernos, a los hipsters, lo que está de moda en el underground, lo que les tiene que gustar, y que desvió la atención de las revistas y la dirigió hacia el ecosistema digital. “Una de las cosas más importantes que he descubierto de mí mismo escribiendo este libro -reconoce DeVille- es lo mucho que dejé que prescriptores del buen gusto, especialmente Pitchfork, influyeran en mi opinión hace 20 años. No es algo de lo que me sienta orgulloso. Pero uno de mis principales aprendizajes a lo largo de estos años ha sido definir un gusto propio y ser capaz de defenderlo. Y creo que esto es algo que no solo me ha pasado a mí, ha

sido un fenómeno social y generalizado. La gente ahora está mucho más segura de su propio gusto, y se ha perdido ese consenso que estaba detrás del éxito de Pitchfork en los 2000, o al menos la capacidad de generarlo de forma natural”. Que se lo digan a Geese o a Charli XCX... La publicación online fundada por Ryan Scheiber en 1995 con tan solo un Mac juega un papel nuclear en el libro de DeVille. Mucho más, de hecho, que la que ayuda a dirigir desde hace varios años, Stereogum. Tanto que es inevitable preguntarse si, por ejemplo, las famosas puntuaciones de los discos hablan más de la propia Pitchfork que de los discos en sí, por cómo sirven -pareciera estratégicamente- para construir una narrativa que les sitúe en el centro. “En cierto sentido funciona como la moda: siempre necesitas una tendencia nueva para poder vender cosas nuevas, así que no permites que las modas duren mucho tiempo”, dice el autor. “Esto se relaciona con la forma en la que, en la era de Mano Sundaresan, han conseguido mantenerse en el centro de la conversación con decisiones que son muy de nicho y que, en el fondo, parecen seguir la misma lógica que hace 20 años: Pitchfork, evidentemente, ya no tiene el poder que tenía para levantar y para hundir carreras -como hizo por ej emplo con Clap Your Hands Say Yeah o con Travis Morrison de The Dismemberment Plan-, pero que sus últimos discos del año sean tan ambiguos y tan difíciles de encajar en los cánones de opinión

tradicionales dice mucho de ellos. Y al señalarlos consiguen, además de diferenciarse, seguir dando esa sensación de que pueden seguir siendo relevantes para el futuro de los artistas y para cómo les vaya”. Quién sabe si Los Thuthanaka llevan varios meses inmersos en una gira mundial a causa de la propulsión que les dio el #1 de Pitchfork. En esta dicotomía -música buena sometida a una narrativa construida con ciertos intereses-, en el fondo, se mueve todo el libro, se mueve esta “música indie”. Y no cambia, lo estamos viendo en tiempo real con Geese: la música es buena -de hecho, increíblemente buena-, pero hay toda una narrativa detrás para que no haya ninguna duda de que lo es. Lo que ha cambiado es la forma en la que esta se construye: antes era fingiendo que uno era más popular de lo que realmen te era -Bowie style-, pagando a buenos promotores, haciendo campañas de marketing o con un “Best New Music” de Pitchfork, y ahora es a través de ruido en redes sociales, bots y viralidad. En la época en la que se supone que es el fan el que tiene todo el poder, en la que la gente tiene más facilidades para compartir en sus redes la música que le gusta, quizá estamos asistiendo a la vez a la muerte real del fan, porque cualquiera que hable de música en redes es susceptible de acabar entrando en las mecánicas -pagadas- del influencer. “Es un tema que, aunque Pitchfork pueda estar aún en la conversación musical, seguramente tenga mucho más impacto, muchas más visitas y mucho más engagement un reel o un tiktok sobre la nota de un disco que la crítica del disco en sí misma. El influencer ha terminado por sustituir al periodista, y eso no es malo per se. El problema es que el influencer siempre va a ser, a priori, mucho más fácil de manipular porque no tiene que ajustarse a un código deontológico y un marco ético. A lo mejor es que me hago mayor y tengo que entender que el mundo cambia y ya está. Desde luego va a ser emocionante ver cómo esta narrativa de la música indie evoluciona en este contexto, en este nuevo paradigma”.

POPTIMISMO E INDIEROCKIZACIÓN

La música indie realmente no es música indie: es un tipo de oyente, una forma de identificarse. “Cuando era adolescente, entré en la música indie como si fuera una religión, una militancia. Sentía que esa música era mejor, era superior, y de-

Chris DeVille (43) es el editor jefe de la web musical independiente Stereogum, y La música indie es su primer libro. Para complementar la publicación, DeVille ha abierto un Substack donde repasa varios fenómenos que se le han quedado en el tintero, especialmente los más recientes. Es algo así como un gran epílogo en construcción.

cidí construir mi personalidad en torno a eso. De algún modo sentía que mi manera de ver el mundo estaba íntimamente relacionada con esas bandas underground de rock que me parecían tan excitantes”, confiesa DeVille. “Una de las mentalidades clásicas de los hípsters es que, cuando su artista favorito es desconocido, quieren que lo conozcas. Quieren que el gran público llegue a ese secreto. Pero cuando de repente eso sucede y el artista se hace famoso, tienden a rechazarlo, contradiciendo lo que deseaban en un primer momento. Es una gran contradicción. A mí mismo me pasó con The Shins y lo cuento en el libro: me encantaban, me obsesioné muchísimo con ellos, pero cuando se hicieron más famosos dejaron de interesarme. Al final, si estás construyendo tu personalidad en torno a estas cosas más marginales, que se hagan mainstream te pone en una especie de encrucijada moral a la que a lo mejor no quieres enfrentarte. Ya no eres especial escuchando algo que escucha todo el mundo”. El poptimismo vino un poco a cambiar esta lógica para que el molódromo indie pudiera seguirse ampliando y no muriera de inanición. “Mi propia opinión sobre esto ha ido cambiando según mi relación con esta música cambiaba. Pero según la propia música iba mutando, también. Y pasaban los años. En los 2010, los hípsters abrazaron el pop, el r’n’b o el hip hop -añado yo: incluso la música latina después, largamente denostada en el pasado- de una forma casi transgresora, y eso rompió un

poco el binarismo entre alta y baja cultura, entre lo bueno y lo malo. Y, por ejemplo, eso cambia por completo el sentido de la crítica musical y, a la larga, la forma en la que nos relacionamos con esta música”. El propio DeVille sufrió en sus propias carnes -como quizá todos los que somos apasionados de la música- este proceso que podríamos llamar realmente indierockización del pop, más que poptimismo, y que no solo afecta al pop, sino a cualquier género, subgénero, escena o t endencia que sea susceptible de molar -y de venderse, por tanto- en según qué momento. Fue a la artista experimental estadounidense Claire Rousay a la que le escuché precisamente este término en una entrevista para esta misma revista -que puedes encontrar en el número de diciembre de 2025- y lo aplicaba a la forma en que el clásico oyente estereotipo de indie, el hípster al que retrata DeVille en su libro, se estaba desplazando hacia la vanguardia e intereses más experimentales, en busca de ese riesgo, de esa satisfacción que da pertenecer a un nicho que ya no tiene el indie, definitivamente masificado.

En cualquier caso, esto que DeVille llama indie -ha quedado claro que no tiene nada que ver realmente con lo que es la música indie de verdad, que hunde sus raíces en los 80 y los 90, no en los 2000 ni los 2010; ni mucho menos con la independencia- sí que habla de una revisión constante de lo que significa la música para nosotros. Si seguimos al dedillo al autor, él considera -quizá de forma un poco optimista- que ese público que vivió los días del “indie” tiene una naturaleza dispuesta a descubrir, a repensar y a cuestionarse su relación con lo que escucha. “Creo que también se han reproducido mucho las lógicas de acción-reacción de siempre: después de un periodo un poco blando en el indie, asociado a t oda esa cosa del bedroom pop, ahora se está volviendo a una especie de revival un poco más anguloso, más raro, con sonidos que desafían lo que habitualmente era aceptado en el mainstream. Pero, sin embargo, son artistas y bandas con mucho éxito: Dijon y Mk.gee, o Geese y Wednesday”.

LA MÚSICA INDIE (ya en librerías)

CHRIS DEVILLE

Península

400 págs. / Ensayo

A raíz del libro de Chris DeVille y contando con él para seleccionar y jerarquizar esta selección, nos ponemos la tarea de mostrar, a través de 50 discos, qué fue aquello que llamamos indie. Una etiqueta engañosa y mal planteada desde su popularización a principios de los 2000, pero que habla, en el fondo, de cambios socioculturales mucho más importantes: los blogs y el ascenso de internet, las redes, el streaming, lo alternativo como cool.

Hacer una lista de música indie y no tener en la selección a Pavement, Modest Mouse, Built to Spill, Songs: Ohia, Red House Painters -limitándonos a lo estrictamente yanqui-, o a cualquiera de las seminales bandas británicas de finales de los ochenta, puede parecer un sacrilegio. Pero si algo nos queda claro al leer el libro de Chris DeVille es que eso que denominamos, un poco entre todos y sin saber muy bien por qué, “la música indie”, poco tenía que ver con la idea de independencia en la música o con las escenas DIY que reaccionaron a lo largo de los 90 a una música cada vez más industrializada, y sí con una actitud del oyente que buscaba diferenciarse en la era temprana del desarrollo de la “marca personal”.

E stos discos no son, por tanto, parte de ninguna etiqueta estilística concreta: hay rock, hay pop, hay electrónica y hay folk, anglocentrista siempre y mayormente norteamericano -Londres deja de ser la capital mundial del pop cuando llega Internet-. Pero sí sirven para entender cómo ha cambiado la forma en la que nos relacionamos con la música indie en todos estos años de reseñas de Pitchfork, de blogs supuestamente alternativos, de carteles del Primavera Sound, de hypes más o menos inventados por NME... Y, en el fondo, hablan de lo sesgado que ha estado el relato musical cuando creíamos que más herramientas teníamos para acceder a una música progresivamente más infinita. Quizá esta lista sirve más para señalar errores, entonces. Para hacernos reflexionar sobre cómo dejamos que una simple etiqueta aglutine categóricamente nuestro espectro de gustos. Y sobre cómo detrás de esa necesidad de diferenciación se esconden viejos mecanismos de imposición.

TOP 50 FAKE

Por: Chris DeVille & Diego Rubio

INDIE

1ARCADE FIRE Funeral / 2004

En octubre de 2004, Arcade Fire encabezaban el showcase de Merge -discográfica independiente fundada por los miembros de Superchunk- en el CMJ Music Marathon de Nueva York, en una sala para 250 personas. Fue una noche legendaria, como recuerda Chris DeVille en su libro. “Brutal. Las canciones, atronadoras e indómitas, pero también la misma masa de personas que en el escenario daban vida conjuntamente a aquel estruendo”. Es una anécdota que recuerda también al runrún generalizado que provocó su desembarco en España en el Primavera Sound de 2005, que se convirtió durante años en un fijo del amplio muestrario hípster del “yo estuve ahí”. El hype lo valía: la troupe canadiense, amish electrificados con tendencia a la épica cacofónica, lírica romántica, mensaje reivindicativo y actitud combativa y violenta, fue durante años la mejor banda en directo del mundo.

NEUTRAL MILK HOTEL

In the Aeroplane Over the Sea / 1998

Chris DeVille utiliza inteligentemente este disco -entre otros- para hablar de la influencia del discurso online, de Pitchfork y de festivales como el Primavera Sound en la configuración del canon “indie”. En su lanzamiento todas las alabanzas se quedaron en nichos especializados y online, pero tras la ruptura de la banda liderada por Jeff Mangum y con el paso de los años y la primera reedición de 2005, y con lo hípster ya consolidado, se convirtió en una especie de joya de culto para todos los modernos. Un trabajo de antifolk destartalado y poético inspirado en los diarios de Ana Frank que, en cualquier caso, sigue siendo absolutamente perfecto.

BEACH HOUSE

Bloom / 2012

“El chillout definitivo de la era del vapeo y los ansiolíticos”, escribe DeVille. Él los conecta con la oleada de psicodelia que, desde todos los rincones, infectó el indie en los primeros 2010.

BROKEN SOCIAL SCENE

You Forgot It In People / 2002

Los canadienses definieron en parte lo que serían las formaciones polimórficas canadienses en los siguientes años del indie, desdoblándose en proyectos como Feist o Emily Haines.

BON IVER

For Emma, Forever Ago / 2007

El folk se hipsterizaba definitivamente en el debut de Justin Vernon. Prácticamente, todo lo que vino después fue un sucedáneo para tiendas de ropa vintage y playlist de cafetería.

DEERHUNTER

Halcyon Digest / 2009

Quizá el trabajo que mejor define la forma en la que el indie, y sus sellos, interiorizaron las posibilidades que el desarrollo de las redes sociales iban a ofrecer en adelante... hasta que ya no.

THE DISMEMBERMENT PLAN

Emergency & I / 1999

El disco que DeVille utiliza para dar el pistoletazo a su libro, y su foto de perfil en RRSS. Una metáfora -quizá no tan válida como el último de Unwound- de la indieficación de bandas 90s.

7

ANIMAL COLLECTIVE

Merriweather Post Pavillion 2009

El álbum que trasladó el imaginario de la sampledelia al indie, trazando además una pista de despegue hacia lo pop que ha resonado décadas después.

8

LCD SOUNDSYSTEM

Sound of Silver / 2007

La explosión dance punk que electrificó el indie con fiestas domésticas tenía un subtexto claro: los hipsters también quieren divertirse, y no solo viven de guitarras.

13

CAR SEAT HEADREST

Teens of Denial / 2016

Will Toledo fue uno de los héroes primigenios de una nueva forma de relacionarse con su comunidad, casi un culto, en internet. Con este trabajo se exponía por fin al mundo.

THE STROKES

Is This It / 2001

El punto de partida más claro de esto que estamos llamando “indie” es también el gran reflejo de sus contradicciones: estos nepobabies de NY debutaron en RCA, filial de Sony.

THE POSTAL SERVICE

Give Up / 2003

De este disco que solo podría haberse hecho en el siglo de la mensajería online sale el título del libro en inglés. Un indie como Ben Gibbard se fijaba en la electrónica weird de Dntl.

6

SUFJAN STEVENS Illinoise / 2005

Antes de que el indie folk se estilizara por completo, una larga genealogía de cantautores freak folk culminaba de algún modo en Stevens, equilibrio perfecto entre lo extraño y lo radiable.

VAMPIRE WEEKEND

Modern Vampires of the City / 2013

¿Pueden encabezar unos pijos de NY un movimiento indie? El debate que tan solo rozó a The Strokes le pilló de pleno luego a los de Ezra Koeing y Rostam, sobre todo porque su actitud ya nada tenía que ver con el mito rockstar y cargaba un aire un poco más ilustrado. Siguieron evolucionando y consiguieron devolver las críticas por apropiacionismo con este disco chupóptero que reflejaba bien la inquietud/superioridad moral del socialista blanco.

DEATH CAB FOR CUTIE

Transatlanticism / 2003

El último disco independiente de DCFC marcó también el desembarco emo en las retóricas indie, y atrajo en masa a las productoras de series del momento. Pozo desbloqueado.

FLEET FOXES

Helplessness Blues / 2011

Robin Pecknold y los suyos devolvieron el folk y la americana a sus raíces en un disco que nos recordó lo mucho que podían dar esos géneros cuando no se renuncia a la profundidad. 17

GRIMES

Art Angels / 2015

Con el agotamiento que lo indie -si es muy conocido, ya no es interesante- atravesaba en los 2010, llegó el fenómeno del poptimismo 2.0: ahora lo más cool era descubrir a nuevas artistas pop; haber estado ahí en los primeros días de Lady Gaga. Que el pop, además, estuviera muy metido en unas narrativas DIY por el desarrollo de las tecnologías caseras redondeaba la narrativa. Grimes supo cristalizar como nadie este momento.

20

ARCTIC MONKEYS

Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not / 2006

De ese sonido -adaptación británica del indie entre el post-punk revival y el dance punk- que desarrollaron Franz Ferdinand y Bloc Party, Arctic Monkeys sacaron la base de lo que sería su gran revolución. Su secreto fue pasarle una mano de revival garage para ensuciar el sonido, además de las letras -puro neorrealismo social inglés- y el aura de galán contemporáneo de Alex Turner. Ciertamente un producto hípster perfecto.

FRANZ FERDINAND Franz Ferdinand / 2004

Los escoceses pillaron la onda expansiva del revival postpunk de Interpol y Strokes, lo combinaron con el sonido DFA y dieron con el disco definitorio del hipsterismo británico.

24

BELLE AND SEBASTIAN

The Life Pursuit / 2006

Tras muchos años siendo de verdad un grupo de indie pop, los escoceses le hicieron tilín finalmente al público hípster con un disco más luminoso, más dinámico, más de alta fidelidad.

THE NATIONAL

Boxer / 2007

Después de años de bailoteo, revivalismo punk, ínfulas de estrellato y sincronizaciones televisivas, The National devolvieron la introspección, la gravedad, la carga filosófica. ¿AOI?

19

TAME IMPALA

Currents / 2015

Primer gran detonador de la fiebre psicodélica de los primeros 2010, Tame Impala también sublimaron el giro hacia el disco y las producciones electrónicas que definió esta etapa.

21

BLOOD ORANGE

Cupid Deluxe / 2013

Para DeVille, este es el disco que trasladó definitivamente las narrativas del R&B al territorio de lo indie capturando la influencia de Frank Ocean, de Prince y de los ritmos africanos.

25

MGMT

Oracular Spectacular / 2007

Era el siguiente paso para la NY que definió lo que iba a ser el hipsterismo indie: entrar en las drogas psicodélicas y abrazar lo pijipi. Nadie entendió ese electric feel como MGMT.

26

MITSKI

Be the Cowboy / 2018

De la escuela de arte y de los nichos más especializados al estrellato pop. Es un paso que ahora tenemos más que interiorizado, pero que nos sorprendió muchísimo cuando nos dimos cuenta de que Mitski, de pronto, “estaba lista para los estadios”. Sus conciertos en esta gira incluían tan solo una mesa y una peculiar coreografía de butoh: ¿una Yoko Ono contemporánea se abría paso entre las grandes audiencias?

GEESE

Getting Killed / 2025

El último gran grito -que no estertor- del indie, resucitando las mismas conversaciones en torno a Strokes o Vampire Weekend y añadiendo además las psy-ops del internet 3.0.

27

ST. VINCENT

Strange Mercy / 2011

St. Vincent anduvo para que Mitski corriera, y antes de vestirse de MET Gala con Jack Antonoff era algo así como un híbrido femenino entre Matt Bellamy y David Byrne.

28

THE SHINS Chutes Too Narrow / 2003

Otros discos alcanzaron mayor culto después, pero gracias a su segundo álbum los de Nuevo México lograron la proyección necesaria para convertirse en un fenómeno global.

DIRTY PROJECTORS

Bitte Orca / 2009

Si el indie iba a ir por derroteros conformistas según triunfaba el modelo impuesto por los modernos, no sería por David Longstreth. Su banda se deslizó siempre por el filo experimental.

CUT COPY

In Ghost Colours / 2008

La ola dance punk fue divertida, pero no elegante. Para eso tendría que pasar por los filtros ingleses: cuando llegó a manos de estos australianos, el house y los sintes hicieron su conquista.

BOYGENIUS

The Record / 2023

DeVille no puede evitar relacionar la oleada de artistas femeninas que repoblaron la escena indie rock a finales de los 2010 con el #MeToo. Para él, el trío entre Lucy Dacus, Phoebe Bridgers y Julien Baker representa también el ascenso de los artistas LGTBI+.

ALEX G Race / 2011

Antes de que DeMarco hiciera del lo-fi material de festivales, Alex G supo mantenerlo en secreto en una quest personal para bordear la americana desde la experimentación.

THE ANTLERS Hospice / 2009

Los de Brooklyn se anticiparon a la era del revival sadcore que desató Lana del Rey con este disco intensísimo y conceptual que acortaba distancias entre indie, folk, post rock, shoegaze.

ALVVAYS

Blue Rev / 2022

Cuando el indie pop parecía lobotomizado por infinidad de proyectos de bedroom pop vacíos, Alvvays vinieron al rescate con este disco que es canon contemporáneo del estilo.

BRIGHT EYES

I’m Wide Awake, It’s Morning 2005

Cómo Pitchfork aupaba y destrozaba bandas a placer durante los 2000: es el trasunto de un capítulo con buena presencia de la banda de Conor Oberst.

THE NEW PORNOGRAPHERS

Twin Cinema / 2005

Proyectos como Neko Case o Destroyer salieron del seno de este supergrupo canadiense que aplicó la energía del power pop al indie rock. Nada que ver con el Spanish Techno.

THE RAPTURE

In The Grace of Your Love 2011

Miembros honoríficos del dance punk original, The Rapture se pasaron directos a los festis y las discotecas con este retorno intergeneracional.

MAC DEMARCO 2 / 2012

DeMarco no inventó nada, pero insertó en el indie ese modelo lacónico de los cantautores antifolk. Ídolo lo-fi de los hípsters, desató una fiebre que acabó en mucha música genérica.

HAIM

Days Are Gone / 2013

El glow de un nuevo indie pop, más comercial, más preparado para una alternatividad cool de masas. Con las hermanas Haim venía también Ariel Rechtshaid: la nueva ola del sonido de LA.

IRON & WINE

Our Endless Numbered Days 2004

Junto a Devendra Banhart, San Beam encarnó el paso de las dinámicas lo-fi y DIY del indie folk en los 90 a una producción más limpia y accesible.

BLOC PARTY

Silent Alarm / 2005

Franz Ferdinand decidieron reforzar el dance y el funk, pero Bloc Party optaron por la angularidad de las guitarras del math rock para este disco que sigue significando adolescencia.

BEIRUT

Gulag Orkestar / 2006

Iconos -con Arcade Fire- de la era de La Blogothèque y un indie rústico y barroco, los de Zach Condon abrieron los oídos hípsters a los sonidos tradicionales balcánicos.

THE WALKMEN

Bows + Arrows / 2004

Hamilton Leithauser perfiló lo que sería el crooner para los hípsters durante mucho tiempo: missing link entre Paul Banks (Interpol) y Matt Berninger (The National), aquí está pletórico.

REAL ESTATE Days / 2011

PHOENIX

Wolfgang Amadeus Phoenix 2009

¿Te acuerdas de cómo describían en Los Simpson la adaptación francesa del rock & roll? Pues Phoenix se encargaron de que con el indie no hubiera lugar a ninguna broma: sintéticos y propulsados por el legado del french touch -electrónica analógica, trances psicodélicos, guitarras y bajos funky, influencia del disco y el deep house-, estos parisinos que se relacionaban personal y creativamente con Sofia Coppola pusieron el charme europeo al modelo de hípster en el paso a los 2010.

JUNIOR BOYS

Last Exit / 2004

El dúo canadiense pilló los planos de la new wave inglesa -Erasure, Bronski Beat, FGTH, Scritti Politti- y los trasladó al lenguaje de la indietrónica entre glitch, ambient, house, electro.

En cierto modo el estandarte de una generación de bandas indies que soñaba, desde Nueva Jersey, con el skyline neoyorquino, y que le devolvieron el brillo al jangle pop. 33

COURTNEY BARNETT

La respuesta británica a LCD Soundsystem -con quienes comparten miembros- y el sonido DFA -que también les sacaba los discos-. Melancolía bailable y brillo en la oscuridad. 49

HOT CHIP

The Warning / 2006

Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit / 2015

Garagera, rabiosa, guitarrera... El slacker que era pop y canutos en Mac DeMarco adquiría rabia rockera y ruido en el sonido de Courtney Barnett. 35

GRIZZLY BEAR

Veckatimest / 2009

De los neoyorquinos que veraneaban en Cape Cod, y de los neofolkeros que rebuscaron la raíz, los que mejores migas hiceron con raperos como Jay-Z y popstars como Beyoncé. 42

50

THE KILLERS

Hot Fuss / 2004

Desde Las Vegas, los de Brandon Flowers trajeron al postpunk revival las deslumbrantes luces de casino, entregando uno de los debuts más radiables de toda esta generación.

Maitreya Corso

Mom+Pop / 1 mayo

En su cuarto álbum, el precioso -en serio, es precioso, casi arrebatador- Maitreya Corso, la cantautora estadounidense parece dar por finalizada su aventura actualizando el folk electrónico de los 2010 con la perspectiva de una estudiante de arte neoyorquina con beca en Copenhague. Con un lenguaje que roza el hyperpop en fondo, pero lo rechaza de pleno en forma, como una Oklou completamente acústica y desnuda, Maya Hawke se entrega al amor en un disco que refuerza su vínculo personal y creativo con el productor Christian Lee Hutson (Boygenius, Phoebe Bridgers), con quien contrajo matrimonio en febrero, y que la ve recluirse en un sonido más acústico, más etéreo, más íntimo y contemplativo. Piensa en Sufjan Stevens o en Bon Iver compartiendo clase con ML Buch y escapándose para pegarse un maratón de Girls. Piensa en el sonido Dirty Hit, una ida y vuelta entre el bullicio de Nueva York y el countryside inglés que se plasma en los discos más detallistas de The 1975 o de The Japanese House. Piensa lo que quieras, pero escúchalo.

MAYA HAWKE

ANA ROXANNE

Poem 1

kranky 1 mayo

Después de su proyecto con DJ Python, Roxanne se entrega por completo a la canción en un disco de piano ambient fantasma.

KACEY MUSGRAVES

Middle of Nowhere

Lost Highway 1 mayo

La heroína del country pop contemporáneo sigue demostrando cualidades en otro disco que busca tumbar fronteras y lindes.

LIL TJAY

They Just Ain’t You Trenchkid

1 mayo

El pegajoso rapero neoyorquino apuesta por los beats relajados y las infuencias globales -amapiano, bass music...- en su cuarto álbum.

MELANIE C

Sweat Red Girl Records 1 mayo

No sé si la pista de baile está acabada pero el gimnasio está más en boga que nunca. La ex Spice Girl dirige esta clase de cardio.

ALDOUS HARDING

Train on the Island 4AD / Popstock!

8 mayo

Sin perder esa extraña solemnidad folk, la neozelandesa coquetea con el pop/R&B en su mejor disco hasta la fecha.

BIANCA CASTAFIORE

Un año cualquiera

Mushroom Pillow 8 mayo

¿Qué pasaría si Carolina Durante hubieran surgido en plena efervescencia indie dosmilera, como Arcade Fire? Algo parecido a esto.

FIRE-TOOLZ

Lavender Networks / Warp / 8 mayo

Angel Marcloid montó Fire-Toolz, su alias más representativo, en 2015, y en ese momento aún había muy pocas etiquetas claras para hablar de su música, un collage electrónico de sonidos industriales, metal, vapor y digicore. Más de una década después, este es su debut en Warp. Arco completado.

CHIARA OLIVER No fue real Universal 8 mayo

Pop etéreo y progresivo en el nuevo álbum de la ex triunfita, un tratado de desamor con la inmaculada producción de Daniel Sabater.

CLAPTONE

Wanderer Golden Path 8 mayo

House melódico y electrónica casi siempre diurna protagonizan un trabajo que es más música de fondo para un chill-out en Ibiza.

ABHIR ULTRASWAN

Dale Play

29 mayo

Después de un ejercicio de extroversión y expansividad a lo Kanye West como BROWN BOY, el canario se deanbluntiza ligeramente en un disco fragmentado y oscuro, más melódico, que conecta el imaginario de World Music con el de Bad Bunny. En el aire queda la pregunta: ¿es hoy por hoy Abhir el rapero en mejor forma de España?

GIRLI it’s just my opinion

Autoeditado 8 mayo

El viaje de la británica continúa de forma independiente por la senda de la nostalgia guitarrera de los primeros dosmiles. Teenage riot.

J BALVIN & RYAN CASTRO

Omertá

Universal 8 mayo

Colombia unida a través de dos de sus grandes emperadores urbanos. ¿Lo mejor que han sacado ambos en bastante tiempo?

LEO RIZZI

La belleza de las flores

Warner 8 mayo

Con un lenguaje de pop fragmentado, épica romántica y detalles electrónicos, Rizzi narra las emociones fuertes que implica el amor.

MUNA

Dancing on the Wall

Saddest Factory

8 mayo

¿Nos esperábamos que un proyecto tan pop se pusiera oscuro, casi industrial y nineinchnailero? No, pero estamos dentrísimo.

NAMASENDA

Limbo

YEAR0001

8 mayo

Salida de la facción sueca de PC Music, Namasenda continúa poniendo a prueba la elasticidad de la bass music en su nuevo álbum.

OLOF DREIJER

Loud Bloom

Rabid Records / dh2

8 mayo

¡Qué ganas había de decir esto! Primer disco de Olof y es todo lo que queremos de él: la IDM tropical de The Knife, ritmo, world bass.

SÍLVIA PÉREZ CRUZ

Oral_Abisal

Universal

8 mayo

La cantautora regresa con un disco dual, que explora la calidez de lo conocido y la inmensidad onírica y abismal de lo desconocido.

EMILIA, PARDO Y BAZÁN

Qué ha sido de los planes que hicimos…

Mushroom Pillow 15 mayo

Ve la luz la película romántica que es el tercer trabajo del quinteto, recuerdo a los discos más narrativos de Love of Lesbian.

KEVIN MORBY

Little Wide Open

Dead Oceans / Popstock! 15 mayo

Tras currar con Gracie Abrams o Taylor Swift, Aaron Dessner (The National) produce en clave country el nuevo disco de Morby.

ROSTAM

American Stories

Matsor 15 mayo

El ex Vampire Weekend explora -con amigos como Clairo- sus raíces como iraní-estadounidense en su primer álbum en cinco años.

TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO

Mi catedral

Sonido Muchacho 15 mayo

Unos TAB más atmosféricos nos dan la bienvenida a su catedral de sintetizadores, progresiones enérgicas y arreglos de cuerdas.

LYKKE LI

The Afterparty

Neon Gold

8 mayo

No sabemos si este trabajo será un poco la “afterparty” de la carrera de la artista sueca, como ella misma ha insinuado, pero desde luego suena como una fiesta disolviéndose en el aire. Pop de aires disco y euforia expansiva pero ralentizado en plan Lorde. Melodrama y despedidas.

ADAM GUERRERO

Juguetes rotos / Mushroom Pillow / 19 mayo

Prolífico y excepcional guitarrista y cantautor folk enamorado de Devendra Banhart, Guerrero estrena en mayo dos discos con Mushroom Pillow: este de canciones de americana -mediterránea, más bien- atmosférica y otro completamente instrumental con experimentos acústicos a las seis cuerdas.

6LACK

Love is the New Gangsta LVRN 22 mayo

Giro hacia la introversión, entre chiribitas electrónicas y experimentos, por parte del controvertido rapero estadounidense.

BLEACHERS

Everyone for Ten Minutes

Dirty Hit 22 mayo

Jack Antonoff se convierte definitivamente en el crooner barroco que siempre quiso ser en el disco de madurez de sus Bleachers.

HYD

Hold onto Me Infinity Cascine 22 mayo

Con producción de, entre otros, Hudson Mohawke, la artista afincada en Nueva York ofrece su versión onírica del electro pop.

BOARDS OF CANADA

Inferno

Warp 29 mayo

Trece años después, el culto fantasmal de las cintas de vídeo regresa con nuevo trabajo. The world -pese a todo- is healing.

GREG MENDEZ

Beauty Land

Dead Oceans / popstock! 29 mayo

Los años van dando luz a las oscuras perspectivas vitales juveniles. Le pasó a Alex G y le pasa también a su flamante heredero.

LATTO

Big Mama

RCA 29 mayo

Embarazada de su primer hijo con 21 Savage, la nueva diva del soul urbano lanza su gran órdago discográfico, entre la seda y el trap.

SISTRA

She Won’t Let Go

Autoeditado 29 mayo

El dúo británico debuta en el mismo universo digital de Caroline Polachek, entre eurodance, trance, art pop y pulsos de UK bass.

LANDING CINE

POR: ADRIANA RAMIRO

Dir. Jon Favreau / Rep. Pedro Pascal, Sigourney Weaver EE UU / 2026 / Disney 21 mayo

Mientras dejan el legado mandaloriano de la serie de Disney+ en manos de otros personajes más secundarios, el Din Djarin interpretado por Pedro Pascal y su joven (y monísimo) aprendiz Grogu se embarcan en su primera gran aventura espacial para la gran pantalla. Convertido ya en algo más que un cazarrecompensas, el Mandaloriano jugará un papel fundamental en la consolidación de la recién instaurada Nueva República Galáctica, en un complejo ecosistema de cambios de alianzas políticas y comerciales que amenazan la estabilidad. Todavía está por ver, claro, el nivel de fan service, y la conexión que establece la cinta con el canon de Star Wars.

BILLIE EILISH - HIT ME HARD AND SOFT: THE TOUR LIVE IN 3D

Dir. James Cameron / Documental EE UU / 2026 / Paramount / 8 mayo

Entre película y película de Avatar, entre inmersión e inmersión para acercarse un poco más al Titanic, el titán del gigantismo cinematográfico se pone tras las cámaras para documentar, también en riguroso 3D, la ambiciosa y espectacular última gira de Billie Eilish. Toda una experiencia.

LEYENDAS

Cr. Neil Forsyth

Rep. Tom Burke, Steve Coogan Serie / 7 mayo

Unos funcionarios anónimos se infiltran en el mundo del hampa para tratar de combatir desde dentro a los cárteles de la droga que inundaron Reino Unido en los 90.

COUTURE (ALTA COSTURA)

Dir. Alice Winocour

Rep. Angelina Jolie, Anyier Anei Largo / 8 mayo

Una frenética Semana de la Moda de París sirve como excusa para adentrarse, a través de tres mujeres, en las contradicciones y melodramas de la clase social más glamurosa.

ESCAPE INÚTIL

Dir. Eb Alers

Rep. Ramiro Delgado, Jorge Antares Largo / 8 mayo

El cineasta puertorriqueño trae una historia que fusiona con acierto varios géneros colindantes: el thriller de secuestros, el drama de desapariciones, el terror psicológico...

HANGAR ROJO

Dir. Juan Pablo Sallato

Rep. Nicolas Zárate, Boris Quercia Largo / 8 mayo

Poderoso ejercicio de memoria histórica y cine en blanco y negro que narra el golpe militar en Chile desde la perspectiva de un ex jefe de aviación ante una encrucijada moral.

LAS OVEJAS DETECTIVES

Dir. Kyle Balda

Rep. Hugh Jackman, E. Thompson Largo / 8 mayo

Craig Mazin, que tanto te dirige Chernobyl y The Last of Us como te escribe Scary Movie y Resacón, adapta esta delirante novela sobre (lo has adivinado) ovejas detectives.

MORTAL KOMBAT II

Dir. Simon McQuoid

Rep. Karl Urban, Adeline Rudolph Largo / 8 mayo

Por fin perseguir una trama sólida ya no es la intención principal, así que esta es una entretenida película de hostias y fan service que recupera el alivio cómico de Johnny Cage.

DREAM SCENARIO

Dir. Jim Sheridan, David Merriman

Rep. Vicky Krieps, Aidan Gillen Largo / 8 mayo

Entre el drama y el documental, Sheridan y Merriman tratan de descifrar uno de los crímenes más famosos de Irlanda, vieja preocupación del director de En el nombre del padre

YO NO MORIRÉ DE AMOR

Dir. Marta Matute / Rep. Júlia Mascort, Tomás del Estal España / 2026 / Elástica Films / 8 mayo

Ganadora absoluta del Festival de Málaga (Biznaga de Oro y mejor actriz/ actor para el dúo protagonista), esta película con fondo de autoficción que comenzó como un guion surgido de los Laboratorios de la Fundación SGAE supone un debut apasionante y cercano sobre el trauma familiar del Alzheimer.

CORREDORA

Dir. Laura García Alonso

Rep. Alba Sáez, Marina Salas, Àlex Brendemühl

España / 2026 / Distinto Films 29 mayo

La debutante Laura García Alonso se arma de toda la adrenalina e intensidad que implica el atletismo de alto nivel para contar la historia de Cris, una joven que ha de replantearse su ascendente y prometedora trayectoria en la competición tras sufrir un brote psicótico. Alba Sáez se muestra en todo su esplendor actoral tras su trabajo en el cuerpo de baile de Rigoberta Bandini.

KISS ME

Cr. Louisa Levy

Rep. Ella Bright, Belmont Cameli Serie / 13 mayo

Una estudiante de música y el capitán del equipo de hockey de la universidad se enamoran en esta nueva reformulación del viejo mito romántico entre lo freak y lo popular.

EL AMIGO SILENCIOSO

Dir. Ildikó Enyedi

Rep. Tony Chiu-Wai, Léa Seydoux

Largo / 15 mayo

La directora húngara, como Win Wenders, declara su amor a la filosofía y la cultura asiáticas en esta película poética y botánica que se despliega siempre desde la lentitud.

GIGANTE

Dir. Rowan Athale

Rep. Amir El-Masry, P. Brosnan Largo / 15 mayo

Rocky (produce Silvester Stalone) pero a la inglesa, con más intimismo y más drama social. Basada en la vida real del boxeador británico-yemení Naseem ‘Naz’ Hamed.

HOKUM

Dir. Damian McCarthy

Rep. Nicolas Cage, J. Nicholson

Largo / 15 mayo

El director irlandés depura su interés por las historias de brujería y los mitos locales del folk horror en una cinta terrorífica que además se adentra en los miedos del autor.

HUGO 24

Dir. Luc Knowles

Rep. Arón Piper, Marta Etura

Largo / 15 mayo

El drama de la juventud actual (padres ausentes, fracasos laborales y amorosos, vivienda imposible) detonado, tras un deshaucio inminente, como una contrarreloj de 24 horas.

IRON LUNG: OCEEÁNO DE SANGRE

Dir. Mark Fischbach

Rep. M. Fischbach, C. Rose Kaplan Largo / 15 mayo

De youtuber a director de cine, Markiplier debuta en un terreno muy videojueguil: adaptando el juego de terror indie Iron Lung y contando con Troy Baker en el reparto.

IRON MAIDEN: BURNING AMBITION

Dir. Malcolm Venville

Documental Largo / 15 mayo

From Here to Eternity: probablemente la retrospectiva cinematográfica más exhaustiva hasta la fecha (50 años) sobre el fundamental grupo de heavy metal británico.

UN MUNDO FRÁGIL Y MARAVILLOSO

Dir. Cyril Aris / Rep. Mounia Akl, Hassan Akil, Julia Kassar Líbano / 2025 / Adso Films / 22 mayo

Historia de amor de tres décadas vivida contra viento y marea, en un Líbano atravesado por el conflicto político y bélico, la inestabilidad y la tragedia. Entre el romántico impulso de quedarse en Beirut de él y la necesidad de ella de ir en busca de una vida mejor, el amor tendrá que entender cómo prevalecer.

PIZZA MOVIES

Dir. Carlo Padial

Rep. Berto Romero, Judit Martín Largo / 15 mayo

Hay algo de adaptar a la cotidianidad de aquí Licorice Pizza, pero sobre todo hay más de carta de amor a todas esas películas que nos unen en torno a las pasiones sencillas.

RIVALES (2ª T)

Dir. A. Brodski, E. Hegarty, D.K. O’Leary

Rep. David Tennant, Aidan Turner Largo / 15 mayo

Esta sátira sobre la clase política y la alta alcurnia que bien podría haber firmado Ruben Östlund si no fuera porque es terriblemente británica, vuelve por todo lo alto.

SAL & DEAN: TRAS LOS PASOS DE KEROUAC

Dir. Rosa García Loire, Miguel Hualde

Documental Largo / 21 mayo

Emulando a los personajes de En la carretera, Jimmy Barnatán y Mike Inverno se adentran en el interior profundo de EE UU en busca de entender lo que es el sueño americano.

TRES MUJERES

Dir. Leyla Bouzid

Rep. Eya Bouteraa, Hiam Abbass Largo / 21 mayo

Tres generaciones de mujeres se enfrentan a sus diferencias en una película que, inteligentemente, se detona a raíz de un asesinato, coqueteando con lo detectivesco.

RANCHO DUTTON

LANDING VIDEO

POR: ADRIANA RAMIRO

SEND HELP

Dir. Sam Raimi / Rep. Rachel McAdams, Dylan O’Brien. EE UU / 2026 / 20th Century / 12 mayo

Raimi abandona por un momento sus obligaciones para con el blockbuster para firmar una ácida fábula que parece la versión anglo de El triángulo de la tristeza: una oficinista y el capullo de su jefe naufragan en una isla desierta. Edición muy completa con audiocomentarios y varios reportajes.

EL ACORAZADO POTEMKIN

(BSO DE PET SHOP BOYS)

Dir. Sergei M. Eisenstein URSS / 1925 / Divisa / 12 marzo

Cr. John Linson, Taylor Sheridan, Chad Feehan

Rep. Kelly Reilly, Cole Hauser Serie / 22 mayo

Tras un incendio en el rancho de Montana, Beth Dutton y Rip Wheeler inician una especie de nueva vida en otro rancho del sur de Texas. Spin-off de Yellowstone

LEONARD Y HUNGRY PAUL

Dir. Andrew Chaplin

Rep. Alex Lawther, L. Kynaston Serie / 26 mayo

Estrenada en Irlanda el año pasado, esta serie que cuenta con el siempre simpático Alex Lawther como rostro principal recupera el indie sleaze de un modo muy particular.

CIUDAD DE LAS ESTRELLAS

Cr. Ben Nedivi, Matt Wolpert, Ronald D. Moore

Rep. Rhys Ifans, A. Maxwell Martin

Serie / 29 mayo

Después de las cinco temporadas del what if Para toda la humanidad, sus creadores recuentan la historia pero desde el punto de vista de los ingenieros y cosmonautas rusos.

El clásico de Eisenstein en una nueva edición que destaca por la banda sonora creada para la ocasión por Pet Shop Boys con la ayuda de la Orquesta Sinfónica de Dresde.

EL CLUB DE LA LUCHA

Dir. David Fincher

Rep. Edward Norton, Brad Pitt EE UU / 1999 / 20th Century / 12 mayo

David Finche vs Chuck Palahniuk, un duelo que se saldó con unos de los thrillers más escalofriantes de siempre que ahora ve la luz por primera vez en UHD a tope de extras.

LOS DOMINGOS

Dir. Alauda Ruiz de Azúa Rep. Blanca Soroa, Patricia López Arnaiz, Miguel Garcés España / 2025 / BTeam 12 mayo

Los conflictos de una adolescente convencida en que su vida pasa por entrar en una orden religiosa, se ha convertido en una de las películas del año. BTeam la recupera para la última de las ventanas de exhibición, la de vídeo, con una edición que incluye libreto de 24 páginas, making of, Entrevistas: a Blanca Soroa, Miguel Garcés y Alauda Ruiz de Azúa, y la rueda de prensa en San Sebastián.

BLUE MOON

Dir. Richard Linklater

Rep. Ethan Hawke, Margaret Qualley EE UU / 2025 / Sony / 27 mayo

Uno de nuestros directores favoritos recluta a dos de sus (y nuestros) actores favoritos para componer la emocionante biografía del letrista Lorenz Hart. Sin extras.

COMO CABRAS

Dir. Tyree Dillihay y Adam Rosette EE UU / 2026 / Sony 27 mayo

Acostumbrado a medirse en la cancha, Stephen Curry ejerce de productor en la que aspira a ser la mejor cinta infantil sobre basket de siempre. Space Jam, ¡en tu cara!

EL CASTILLO EN EL CIELO

Dir. Hayao Miyazaki

Japón / 1986 / Vértigo 27 mayo

Por primera vez en Blu-ray, uno de los títulos que cimentaron la fama de Estudio Ghibli en los 80. Como extras storyboard multiángulo y La historia de El castillo en el cielo

EL HOMBRE MENGUANTE

Dir. Jan Kounen

Rep. J. Dujardin, Marie-Josée Croze Francia / 2025 / DeAPlaneta / 27 mayo

No tan increíble como el hombre menguante de Jack Arnold, que en 1957 creó escuela igualmente adaptando la novela de Richard Matheson. Sin adicionales.

HAMNET

Dir. Chloé Zhao

Rep. Jessie Buckley, Paul Mescal, RU / 2026 / Universal / 27 mayo

Oh the drama! Hamlet, la obra. Hamnet, el hijo que perdió la vida antes de hacerse hombre. Y entre medias el drama de un escritor universal y, sobre todo, su mujer.

IT: BIENVENIDOS A DERRY

Cr. Jason Fuchs y Brad Kane

Rep. Bill Skarsgård, Jovan Adepo EE UU / 1990 / Warner / 27 mayo

Ediciones en todos los formatos y hasta steelbook para la última sensación de los seriales terroríficos. Como siempre cuando HBO/Warner están por medio, bien de extras.

SCARLET

Dir. Mamoru Hosoda Japón / 2025 / Sony 27 mayo

Sony le rinde pleitesía al que hoy por hoy es el gran cineasta de culto en el terreno del anime, aquí enfrentado a su particular reinvención del wuxía. Incluye entrevista con Hosoda.

MIXTAPE

Bethoven and Dinosaur / : PC, PS5, Nintendo Switch 2, Xbox Series X/S 07 mayo

Aventura narrativa en forma de cassette interactivo de gran saturación emocional, que trata el duelo de la infancia a través de la música. En él viviremos la última noche de tres amigos de instituto que separarán sus caminos como rito de paso a la adultez, reviviendo experiencias vitales en clave onírica.

FORZA HORIZON 6

PlayGround Games

: PC, Xbox Series X/S 18 mayo

Sexta entrega del incontestable simulador de conducción de PlayGround Games, que aprieta de nuevo el acelerador a través de los despampanantes paisajes de la Japón tanto rural como urbana.

DARKSIDERS: WARMASTERED EDITION

Kaiko

: PS5, Xbox Series X/S 19 mayo

El apocalipsis católico convertido en videojuego (remasterizado) de aventuras y complicados diseños, bajo la siempre inquieta mirada artística de un Joe Madureira formado en el cómic y la novela gráfica.

DEEP ROCK GALACTIC: ROGUE CORE

Ghost Ship Games : PC 20 mayo

Spin-off de Deep Rock Galactic en forma de shooter cooperativo desenfrenado con elementos de microgestión. Se acerca al concepto de roguelike como siguiente paso lógico de la saga.

YOSHI AND THE MYSTERIOUS BOOK

Nintendo : Nintendo Switch 2 21 mayo

El dinosaurio verde de Nintendo vuelve en una nueva aventura que mezcla dos dimensiones jugables en un mismo lugar, y que aspira a actualizar la saga con el maximalismo habitual en la Gran N.

LEGO BATMAN: LEGACY OF THE DARK KNIGHT TT Games

: PC, PS5, Nintendo Switch 2, Xbox Series X/S 22 mayo

Batman se confirma como una de las grandes minas de oro del crossover cine-LEGO-videojuegos con esta nueva adaptación que apuesta por construir una historia inédita a base de referencias.

PARALIVES

Alex Massé and Team : PC 25 mayo

Nuevo intento de superar y enterrar a Los Sims engendrado desde el sector independiente. Trae ideas frescas, como la construcción de casas, pero aún queda por ver si será suficiente para tales ambiciones.

LANDING LIBROS

POR: LUIS ARGEO

BOLAS PERDIDAS

Terry Pluto / Contra / 576 p. / Deporte, historia

La American Basketball Association (1967-1976) fue una liga profesional que compitió osadamente con la entonces pulcra NBA. Caótica y revolucionaria, con jugadores desechados, marginados, excéntricos, consiguió cambiar el basket (línea de tres, alley-hoops constantes) y desapareció igual que nació, entre escándalos y blaxploitation. Estos testimonios te divertirán.

A CUALQUIER OTRA PARTE

Alex Serrano, Dorian

Plaza & Janés

280 p. / Música

A vueltas con el indie en este número (fijaos en el Top 50), uno piensa: ¿Es Dorian un buen ejemplo del indie patrio? Leed este libro y sacad conclusiones.

NORTEÑA

Julieta Venegas

las afueras

176 p. / Música, bio

Debut literario de una de las voces mexicanas que más alto ha cantado a su tierra. Sus comienzos, su familia, su empeño en abrirse camino en la música.

P FKN R

V. Díaz y P. Rivera-Rideau

Libros Cúpula

336 p. / Música, Actualidad

Ahora que Benito ya está por encima del bien y del mal, conviene revisar la huella que ha dejado el artista en PR, a través de este gran trabajo etnográfico.

EL ARTE DE TRASPASAR

LA ESCRITURA

Sofía Ruvira

Barlin Libros

176 p. / Ensayo, pensamiento

La poesía unida a voces, cuerpos, silencios es otra forma de atravesar muros y de dar bello valor a la performance de vivir.

JOMO

Juan Evaristo Valls Boix

Anagrama

136 p. / Ensayo

Si lees este alegato al dolce fare niente, a disfrutar la vida sin exigencias monitorizadas, comprenderás que hay un mundo feliz esperando ahí fuera.

CORDERITO

Yunez Chaib

Aguilar

376 p. / Autoficción

Una buena manera de tomar el pulso a la España racista, clasista, populista que se está quedando es leyendo a hijos de inmigrantes. Un lujazo de libro.

LA AHORCADA

Mayte Navales

NdeNovela

288 p. / Novela

El espíritu de una cantautora muerta en casa de su amante -un productor musical de éxitonos guía por una novela que pronto saltará a la gran pantalla.

LA SALA

César Aira

Random House

376 p. / Novela

Recuperada y traducida del francés original por el propio Aira. Esta sala parisina de cine coreano seducirá a quienes aspiren a ser escritores. O electricistas.

SI UNA FAMILIA

Alba Dalmau

Consonni

336 p. / Novela

Azafata de vuelo en horas bajas

descubre que la familia y las turbulencias se parecen demasiado. Bordearlas lleva hacia rutas nuevas. Dalmau le mete humor.

JARDÍN

Hiroko Oyamada

Impedimenta

248 p. / Relatos

Un viaje perturbador a Japón. Otra alucinación orquestada entre bichos, seres y plantas que la autora de Agujero descompone con estilo preciso, admirable.

ÚLTIMA ESCALA

Marta San Miguel Libros del Asteroide

224 p. / Novela

El pianista Granados tuvo una muerte trágica en un vapor trasatlántico, y la autora la usa para reconsiderar qué significa realmente llegar a tu destino.

PROBLEMAS CON LA AUTORIDAD

Nadia Bulkin

La Biblioteca de Carfax

256 p. / Relatos, fantasía

Estos tres relatos mezclan terror, política y American way of life.

Lo más perturbador es que, de verosímiles, no sobraría ese “basado en hechos reales”.

CASILLA VACÍA

Santiago Mazarrasa

Alianza

232 p. / Novela

Entre una prosa íntima y reflexiva, cuatro amigos nos regalan su historia dispar, momentos cotidianos antes de echar el anzuelo al vacío existencial.

ANUNCIOS

Camila Cañeque

Capitán Swing

376 p. / Ensayo

Cañeque falleció sin ver publicada esta obra, que escribió en paralelo a su celebrada La última frase. Aquí, prota y autora muda trascienden ese hecho. Top!

ALBUS CAMBIA EL MUNDO

Akihisa Maki, Miki Yatsubo

Milky Way

192 p. / ByN / 9 €

Sigue la fiebre del isekai (personajes humanos en mundos fantásticos) con una aventura en la que el protagonista tiene que salvar el mundo una y otra vez.

ANIMALES DOMÉSTICOS

Bianca Bagnarelli

Salamandra Graphic

224 p. / Color / 23,70 €

Una colección de historias dramáticas que se llevó el último premio Lucca al mejor cómic de historias breves. Drama, desconcierto y angustia: slice of life.

ANIMALES A LA FUGA

Daniele Kong

Astiberri

600 p. / ByN / 39 €

Otra autora italiana ganadora de un Lucca (mejor debut) que llega a las librerías españolas. Una bildungsroman que sucede en la posguerra italiana de los 50.

ARTIFICIAL

Maria Llovet

Norma Editorial

112 p. / Color / 25 €

¿Y si el amante de tus sueños, un androide realista, se convirtiera en un acosador peligroso por culpa de un fallo informático? Saturno 3 meets Black Mirror

LA CITA

Pau Valls

Andana

152 p. / Color / 24 €

Influido por el descacharrante noir de los hnos. Coen, Valls entrega un debut sobre dos conductores que sufren un accidente con un cadáver en el maletero.

DOS PERSONAS

Teresa Ferreiro

La Cúpula

160 p. / ByN / 16,50 €

La autora gallega aplica un tercer grado periodístico a sus padres para contarnos la juventud y los desafíos adultos de sus progenitores, Teresa y Jose.

SUPERGIRL:

MUJER

DEL MAÑANA

Tom King, Bilquis Evely, Mat Lopes Panini Cómics / 264 p. / Color / 33 €

Antes de la adaptación de este cómic con la que James Gunn lleva a Supergirl a la gran pantalla en verano, Panini Cómics lo trae de vuelta. Kara ZorEl, una joven kryptoniana que solo puede emborracharse en sistemas con estrellas rojas, tiene que ayudar a una joven alienígena que busca venganza.

LA ESPIA DE HITLER. EL DOBLE JUEGO DE LARISSA SWIRSKY

Maite P. Ruiz, Antonio Sachs

Planeta Cómic

128 p. / Color / 24 €

Una actriz políglota que trabajó con el creador de James Bond protagoniza esta fantástica historia de contraespionaje en la IIWW.

EL GRAN LIBRO DE MAGIA DE LA LUNA Y LA SERPIENTE

Alan Moore, Steve Moore Planeta Cómic

352 p. / Color / 50 €

“Un grimorio claro y práctico de las ciencias ocultas”. Vuelve el barbas que nos gusta, el de la magia y el peyote. ¡Abracadabra!

VENDETTA

Fabrice Colin, Bartolomé Seguí

Norma Editorial

128 p. / Color / 29,50€

Factoría francesa para contar una historia negrísima que sucede hace veinte años en Louisiana. Está detrás nuestro grande Bartolomé Seguí a los lápices, y eso siempre significa que este cómic será más negro que la misma noche.

EL GUSTO DEL METAL

Bruno Duhamel

Harriet Ediciones

64 p. / Color / 22 €

Si alguna vez te has quedado enganchado con esos vídeos de TikTok de gente pescando en ríos pantanosos con superimanes, aquí tienes una versión noir.

J.K. ROWLING, YA TE VALE

Rubén Fdez.

Fandogamia

96 p. / Color / 15 €

Es difícil superar la ficción haciendo sátira sobre una de las tiparracas más chungas del mundo, la autora de Harry Potter. Fdez. lo consigue.

EL LEGADO DE LA SERPIENTE MARINA

Mairghread Scott, Pablo Tunica

Yermo Ediciones

160 p. / Color / 23,95 €

El argentino, fantástico en los últimos números de las Tortugas Ninja, se lanza a la piscina con una historia de fantasía oscura al más puro estilo Cristal oscuro

PERSÉPOLIS

Marjane Satrapi

Reservoir Books

352 p. / ByN / 29,90 €

Una de las mejores autobiografías del cómic, culpable de la plaga de autobiografías malísimas que nos tragamos después. Obra maestra única e irrepetible.

44 COMIC BARCELONA

Fira Barcelona Montjuïc (BARCELONA)

Días 15, 16 y 17 de mayo

ALEX GARIN / ÁLVARO MARTÍNEZ BUENO / ARTUR LAPERLA / BIANCA BAGNARELLI / BONNIE PANG / BRUNO DUHAMEL / CARMEN CARNERO / CATI BAUR / DANI COLLATERALE / DENIZ CAMP / EDWARD ROSS / ÉTIENNE DAVODEAU / GIOPOTA / JADE KHOO/ JAVIER RODRÍGUEZ / JIM / LINUS LIU / MARÍA LOBATO / NATACHA BUSTOS / PACO ROCA / PEN SO / PAOLO VILLANELLI / RAQUEL RIBA ROSSY / REX KOO / SHINTARO KAGO (ilustración) / TOMMY REDOLFI / WOOH NAYOUNG

Llega una de las citas señaladas en fosforito para fans y freaks de las viñetas. Salón, feria, multiverso pop comprimido en unos días: entras y sales convertido en otra persona, probablemente con tote bag llena y mil fotos en el móvil. Aquí, el cómic es el centro, pero el vibe va mucho más allá. Cosplay, manga, superhéroes, fantasía y cultura geek en modo real. Hay artistas firmando como si fueran estrellas del rock, colas épicas para sketches y ese momento fan de “te sigo desde siempre” que nunca falla. El ambiente es pura energía colectiva: gente que viene a compartir obsesiones, descubrir cosas nuevas y vivir el fandom sin filtro, de manera compulsiva. Que no te estalle la cabeza...

SALA WURLITZER MAYO 2026

PRIMITIVE MAN + KOLLAPSE

Viernes 1

BONAERENSE + LOS DOMINGOS

Sábado 2

PROYECTO HUELLAS: HEADLESS CHIMPS + GRUMPYS + FUZZPHERE

Domingo 3

STEREOLIKES

Miércoles 6

J7 BONELESS + CRYYMM

Jueves 7

SOUND ISIDRO: GO CACTUS (FOTO)

Viernes 8

SUPERPUESTAS + AI

Sábado 9

GLUE(USA)+ PROVIDERS(USA) + ESCARLATA

Miércoles 13

SONNY VINCENT + THE BLACK BONES

Jueves 14

WEBO WEBO: PERFIL BAJO + ALTOS HORNOS + SONIC YOUTH OF TODAY + TABACO

Viernes 15

WEBO WEBO: SEGGS TAPE + TRIPLE ENTE + CARIES COMPANY + COLEGIATA

Sábado 16

MUGRE

Domingo 17

CONCIERTOS

GRECAS

Pelícano. A Coruña. Viernes 1 Aliatar. Granada. Viernes 8 Pandora. Sevilla. Sábado 9

La Riviera. Madrid. Domingo 17 París 15. Málaga. Sábado 23

MIGUEL + TWIN SHADOW

La Riviera. Madrid. Lunes 4 Razzmatazz. Barcelona. Martes 5

SANGUIJUELAS DEL GUADIANA

La Riviera. Madrid. Miércoles 6, jueves 7 y viernes 8 Toledo Beat. Toledo. Sábado 9

Oh See. Málaga. Viernes 22 Ferial. Getafe. Lunes 25

LA PEGATINA

Plaza de Toros. Lorca. Sábado 9

La Riviera. Madrid. Viernes 22 y sábado 23

ARCÁNGEL

Movistar Arena. Madrid. Lunes 11 y jueves 14

Palau Sant Jordi. Barcelona. Miércoles 13

TWICE

Palau Sant Jordi. Barcelona. Martes 12

RAWAYANA

Movistar Arena. Madrid. Viernes 15 y sábado 16

Palau Sant Jordi. Barcelona. Domingo 17

BAD BUNNY

Estadi Olímpic Lluís Companys. Barcelona. Viernes 22, sábado 23

Riyadh Air Metropolitano. Madrid. Sábado 30 y domingo 31

MADISON BEER

Palacio Vistalegre. Madrid. Domingo 24

Sant Jordi Club. Barcelona. Martes 26

MOLCHAT DOMA

La Riviera. Madrid. Miércoles 27 Razzmatazz. Barcelona. Jueves 28

EXPOSICIONES

ART PHOTO BCN

Disseny Hub (BARCELONA)

Del 8 al 10 de mayo

La XIII edición de la feria fotográfica reúne de nuevo a galerías, artistas, editoriales y coleccionistas en un entorno que combina exhibición, mercado y reflexión en torno a la imagen actual. Este año, la mirada femenina dentro de las muestras de Art Photo romperá prejuicios, edades y tendencias, dentro de la pluralidad de voces que expanden el medio fotográfico. Entre las participantes, destacan fotógrafas como Myriam Meloni, Masha Wysocka, Marlene Freniche, Marike Hoex, Laura Alandes o Luana Fischer Agustine, junto a figuras consolidadas como Cristina García Rodero, Graciela Iturbide y Katerina Belkina. No faltarán debates sobre coleccionismo y espacios de mediación y formación pensados para acompañar la mirada y abrir nuevas formas de relación con la fotografía contemporánea. https://artphotobcn.com

WHAT WE INVOKE

Marquesa Gallery (MADRID)

Hasta el 30 de mayo

La artista Lauren Januhowski presenta su último trabajo artesanal, que llega como un estallido suave pero hipnótico dentro del circuito de arte contemporáneo. La muestra convierte el textil en lenguaje pop y emocional: telas cosidas, bordados y capas translúcidas que funcionan casi como pantallas de memoria. No hay una narrativa cerrada, sino un universo fragmentado donde todo vibra entre lo

DERIVA (IT) + SIMULACRA

Martes 19

DEL TORNADOS + LËON

Jueves 21

SOUND ISIDRO: SALVANA + FUZZPHERE

Viernes 22

AIE: MARTA LASARTE + FATAL Sábado 23

CVBA + MIEDA

Domingo 24

OPAL IN THE SKY + GIVE EM BLOOD + THREATS Lunes 25

RAYA + VIOLET MISTAKE + FLAWBRAIN

Miércoles 27

THE DELINQUENTS + HARD & CHEAP

Jueves 28

ZACH KEIM

Viernes 29

NO TIME TO FUNK Domingo 31

íntimo y lo simbólico. Januhowski trabaja la idea de invocación como si cada pieza fuera un hechizo visual: historias de mujeres, herencias invisibles y recuerdos que se cruzan como si fueran mensajes en bucle. El resultado tiene algo de diario secreto y algo de instalación sensorial. What We Invoke no grita: susurra. Y en ese tono medio, entre lo místico y lo cotidiano, construye una experiencia visual muy actual, muy joven y muy física, que te obliga a mirar más despacio de lo que el mundo pop normalmente permite.

https://marquesagallery.com

EL IMPERIO FAN CONTRAATACA

Espacio Delicias (MADRID)

Del 6 de mayo al 5 de julio

Esta no es una exposición normal: es entrar en una galaxia fan hecha a lo grande, en un universo paralelo donde todo vibra a nostalgia, hype y cultura pop. A esta muestra no se va solo a mirar vitrinas, sino a entrar dentro de Star Wars. Hay figuras a tamaño real, naves icónicas, disfraces, props míticos y más de 600 objetos que parecen sacados directamente de la pantalla. Todo está hecho “por fans y para fans”, y eso se nota cada detalle. https://www.imperiofancontraataca.com

ERRETRATU (DOS)

SC Gallery (BILBAO)

Hasta el 30 de junio

Una revisión contemporánea al retrato para celebrar la mayoría de edad de la galería bilbaína más inquieta y pop del momento. No dejes de visitar la muestra colectiva formada por obras de artistas (algunas han pasado por nuestras páginas) como Ana Barriga, Ana Riaño, Ángeles Agrela, Camila Mihkelsoo, Carla Fuentes, Fátima de Juan, Grip Face, Imon Boy, Iván Floro, Javier Palacios, Juana González, Julia Santa Olalla, Luis Candaudap, Nieves González, Paco Pomet, Pablo Merchante, Santiago Ydáñez, Sebas Velasco, Silvia Lermo https://www.scgallery.es

SALVAR DOÑANA

Salvar Doñana es el último proyecto de los dos ex Califato ¾: Curro Morales y Roxana Pappalardo, y solo con esta información ya debería valer para explicar a qué suenan en conjunto. Curro lleva casi una treintena desmenuzando la relación del breakbeat y la cultura rave británica con los ritmos flamencos, el hip hop, el punk o la psicodelia electrónica -ya sea como S Curro, Distorsión Morales o Skeletor Selektor, o al frente de Narco y los propios Califato-, y Roxana curtiendo su voz en tablaos y chiringuitos de toda la costa andaluza, comandando su propio proyecto -Roxy Music- o, también, poniendo el acento flamenco en Califato. En esta nueva aventura se dejan llevar por sus pasiones sin demasiados corsés, entregando una amalgama de electro-punk, funk, electrónica progresiva, sintes ácidos, atmósferas downtempo, post-punk, bubblegum pop y lo que les vaya apeteciendo según el momento. Actualmente se encuentran cerrando la gira de su debut, el homónimo Salvar Doñana, y seguro que ya tienen alguna sorpresa de cara a un próximo segundo disco.

Foto: Racccle

DE NINGHURES

Domingo 10

Copérnico / Madrid

Viernes 29

Cte Artesa Tradicionarius (Cat) / Barcelona

CALEQUI Y LAS PANTERAS

Jueves 14

La Casa Del Mar / Valencia

Viernes 15

Euterpe / Sant Joan D’alacant

SALVAR DOÑANA

Jueves 14

16 Toneladas / Valencia

PROGRAMACIÓN ARTISTAS

CHOLO CHICHA

Viernes 8

Radio City / Valencia

Viernes 8

Stereo / Alicante

EN RUTA

MAYO 2026

QUERALT LAHOZ

Viernes 15

López / Zaragoza

AMOR LÍQUIDO

Sábado 16

La Yeseria / Murcia

Viernes 22

Directo Cuenca / Cuenca

MARISA VALLE

ROSO

Viernes 22

Cotton Club / Bilbao

THE NEW RAEMON & McENROE

Viernes 22

Es Gremi / Palma Mallorca

MARTE LASARTE

Sábado 23

Wurlitzer Ballroom / Madrid

Sábado 30

La Lata De Zinc / Oviedo

MARTA KNIGHT

Jueves 28

La Lata Bombillas / Zargoza

NAT SIMONS

Viernes 29

Sala X / Sevilla

AMOR LÍQUIDO

NAT SIMONS

THE NEW RAEMON & MCENROE

CHOLO CHICHA

SALA BERLANGA

Programación de mayo 2026

Madrid

Ciclo audiovisual: Barcelona: la memoria secuestrada

Con Tres por cuatro de Manuel Iborra; Canet Rock de Francesc Bellmunt, mediometrajes de Pere Portabella y la nueva serie Ramblas de Manuel Iborra y Joan Estrada

Viernes 1: 18.30h y 20.30h

Entradas: 3,50 euros

Sábado 2: 18h y 20.30h

Entrada libre hasta completar aforo

Festival de cortometrajes: SGAE en Corto 2026

Muestra actual del mejor cortometraje estatal

Del martes 5 al jueves 7 19h y 20.30h

Entrada libre hasta completar aforo

Ciclo de flamenco: Nuevos Territorios por… Patricia Guerrero

Con los bailaores Jasiel Nahín y Blanca Lorente, el cantaor Manuel de Gines y el tocaor Marcos de Silvia

Viernes 8: 19.30h

Sábado 9: 20h

Entradas: 6,50 euros

AUDIOVISUALES

DOCSBARCELONA

Varios espacios (BARCELONA)

Del 7 al 17 de mayo

Considerada como una de las principales citas europeas dedicadas al cine documental, durante diez días el certamen reunirá una amplia selección de estrenos internacionales en pantallas repartidas por toda la ciudad condal. Entre los títulos más esperados, Barbara Forever, un retrato de la cineasta experimental Barbara Hammer, o Réplica, de la cineasta Chouwa Liang, que sigue a tres mujeres que recurren a amantes de IA para llenar vacíos emocionales, figuran en la Sección Oficial a concurso. La retrospectiva dedicada a una figura clave del cine documental se ocupará de la obra de Mark Cousins, mientras John Wilson volverá al DocsBarcelona para presentar su debut en el largometraje, The History of Concrete, tras su paso por los festivales de Sundance y CPH:DOX. https://docsbarcelona.com

FANT 32

Varios espacios (BILBAO)

Del 8 al 16 de mayo

El Festival de Cine Fantástico de Bilbao sigue la línea habitual que tanto gusta a sus fans, año tras año: ambiente muy ligado a la cultura alternativa y de género, estrenos y rescate de clásicos, actividades paralelas más allá de la pantalla, encuentros, premios, fiestas y debates de película. La casa en el árbol, de Luis Calderón, será la cinta encargada de inaugurar la edición 32, donde cabrán 19 largometrajes y 29 cortos en la Sección Oficial. No falta una buena ración de terror, fantástico y sci-fi de todo el mundo. En NUEBO estaremos pendientes de ver cómo Cuántica rave continúa cosechando estatus de título de culto marginal. Y comprobaremos si All You Need Is Kill rompe barreras desde la animación asiática hacia otros espacios mainstream. https://fantbilbao.eus

DOCUMENTA MADRID

Varios espacios (MADRID)

Del 26 al 31 de mayo

Con Cineteca Madrid como sede principal y con la revisión de un proyecto inacabado de Pier Paolo Pasolini para la inauguración, la edición 23 del festival de referencia para la no ficción en la ciudad promete gran satisfacción a quienes disfrutan del lo real en pantalla grande. La programación de este año se articula en torno al concepto de ‘tomar el pulso’, una reflexión sobre el cine directo como forma de registrar la realidad contemporánea. La Casa Encendida acogerá la retrospectiva dedicada al cineasta británico Charlie Shackleton. También hay programada, en colaboración con el Museo Reina Sofía, un acercamiento al trabajo de la chilena Marilú Mallet, pionera del documental autobiográfico. https://www.documentamadrid.com

ARTES ESCÉNICAS

XXII FIP

Varios espacios (GRANADA)

Del 4 al 9 de mayo

La ciudad de Granada recibe un año más a poetas de todo el mundo para elevar la palabra y el ánimo de la ciudad a lugares bellos. Encuentros y emoción colectiva encuentran su gracia en debates, recitales, talleres y eventos mixtos, con participación de Lucía Solla Sobral, Santa Salut, Alejandra Martínez de Miguel, Ángeles Toledano, Nerea Pascual, David Uclés, Chica Sobresalto, Corina Oproae, que podrán sentir el espíritu de Lorca muy cercano en todas las sedes donde compartan su talento. Si te lo preguntas, sí, la Alhambra, uno de los más lujosos espacios poéticos jamás construidos, es también sede del FIP. Actividades gratuitas previa inscripción en su página web. https://www.fipgranada.com

Ciclo audiovisual: Documental musical

Con las películas: Back in Time de Sigfrid Monleón, Canciller, el templo del rock de Vicente J. Martín, Solo pienso en ti de Hugo de la Riva, Flores para Antonio de Isaki Lacuesta y Elena Molina y El canto de las manos de María Valverde. Y el acústico de Adolfo Rodríguez (Los Íberos), Luis Martín (Los Ronaldos) y Javier Ojeda (Danza Invisible)

Del martes 12 al sábado 16 19h y 21h

Entradas por 3,50 euros

Ciclo audiovisual: Perú restaurado

Retrospectiva de clásicos restaurados del cine peruano, incluyendo La ciudad y los perros de Francisco Lombardi, cineasta ganador del Premio Goya y la Concha de Plata

Del martes 19 al sábado 23

18.30h y 20.30h

Entradas: 3,50 euros

Actividad paralela al estreno de Romeo y Julieta en el Teatro Real de Madrid

Ciclo audiovisual inspirado en los personajes clásicos, con motivo del estreno de la ópera de Charles-François Gounod en el Teatro Real

Del martes 26 al sábado 30

Consultar horarios

Entradas: 3,50 euros

GUAYOMINÍ

Nave 10 Matadero (MADRID)

Hasta el 17 de mayo

¿Todavía no habéis ido a verla? Olvídate de Eurovisión. La dramaturga Laura Garmo nos propone una comedia pop que disecciona con ironía el engranaje del éxito contemporáneo. La función parte de una premisa tan sencilla como reveladora: Roi, un joven cantante que ha ascendido rápidamente tras ganar un concurso, se queda en blanco en plena final europea. Ese instante de quiebra activa un descenso tan vertiginoso como su fulgurante ascenso previo. Bajo su superficie luminosa, la obra plantea una crítica directa a un sistema que mide el valor personal en términos de visibilidad, productividad y aprobación social. Lejos de caer en el cinismo, Guayominí apuesta por una mirada generacional que reivindica el error, la vulnerabilidad y la necesidad de reconectar con lo esencial. Más que una sátira del espectáculo, es una reflexión sobre qué queda cuando se apagan los focos. https://www.nave10matadero.es

HAPPY

Mercat de les Flors (BARCELONA)

Días 27 y 28 de mayo

Con un lenguaje escénico que mezcla acrobacia, teatro físico, música y humor. Alejándose del circo tradicional para acercarse a una experiencia más emocional y narrativa, las creadoras argentinas Mau Cugat y Julieta Martín trabajan precisamente esa contradicción entre la obligación de estar bien y la fragilidad real de las emociones. Happy construye un universo visual dinámico, con un ritmo ágil y una estética cercana al videoclip, al lenguaje pop. La pareja de intérpretes pone en juego la vulnerabilidad, el fracaso y la necesidad de conexión en un mundo acelerado. Un mástil chino, dos cuerpos que parecen cuatro y un deseo incontrolable de liberarse y bailar. No contiene contenido sexual, pero incluye desnudez integral, por lo que “está destinado a un público adulto o sensible”. https://mercatflors.cat

Foto: Patricia Guerrero

SACRESIZE

Teatros del Canal (MADRID)

Del 28 de mayo al 7 de junio

“Una vez tuve un sueño: un ballet de personas gordas. Un ballet para bailarines/as como yo”. Son palabras de Alberto Velasco, uno de los creadores más reconocidos de la escena española contemporánea. SACRESIZE nace de la necesidad de visibilizar la violencia estructural que atraviesan los cuerpos no normativos. Inspirada en La consagración de la primavera de Igor Stravinsky, la pieza, de 55 minutos de duración, se estructura en dos actos -SIZE y SACRE- que combinan danza, cine y música para generar un potente discurso escénico. Desde el dancehall o el twerking hasta el butoh o el folklore, estos cuerpos se liberan.

Foto: Alberto Velasco / Por: Adrian Nucelaar

PHE 2026

Varios espacios (MADRID)

Del 13 de mayo al 13 de septiembre

Atención al giro que va dando PHotoESPAÑA hacia territorios cada vez menos clásicos, más abiertos a lo experimental. En esta 29ª edición nos proponen repensar qué es la imagen hoy, la mezcla con otras disciplinas, y en el cuestionamiento de la realidad y de la autoridad de las imágenes. También se percibe cierto enfoque generacional, con especial atención a la juventud y la adolescencia como momentos marcados por la transformación, la creatividad y la construcción de nuevas miradas hacia el futuro. Sin despreciar un Robert Frank o un Avedon, fijaos en Viviane Sassen, Juan Couder, Raphaëlle Peria, Jose Quintanilla

Foto: Alejandro Cartagena para la expo Ground Rules

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