執念之間
我們用力發聲
We Are Here ！
9 月開幕季，我們開始發聲演出 透過生活的節拍、記憶的殘響、肢體的低鳴⋯⋯ 爬梳理清欠缺的執著的遺憾的那些地方 將塵封的勇氣從現實中徹底釋放。
二十六年鑄指環 自成一家華格納 鋼琴家的跨界藝術之作 魔時尚 穿梭西方神話與當代臺灣的奇幻之旅 博瑞的女舞者肖像
給哥們兒的情書
當黑月升起，誰在那邊唱自己的歌？ 跟著郭貝爾，推開音樂 ╳ 劇場的旋轉任意門 最美的角落
臺中新生活風格基地
華格納歌劇《萊茵黃金》
）擅於融合空間視覺、聲響的虛實想像， 以舞台幻景涉入表演者曲折幽深的內心世界。他的系列 作品「女舞者肖像三部曲」目前已發表的前兩部曲，都 即將於臺中國家歌劇院演出。
首 部曲《妳怎麼樣了？》 Questcequetudeviens?
與佛朗明哥舞者 史蒂芬妮‧佛斯特 （ Stéphanie Fuster ） 合作，博瑞不只探問這 位拋下法律高薪白領生活，義無反顧投入舞蹈的表演者，也以這個存 在的基本命題質問觀者。 妳內心的渴望是什麼呢？妳如何面對那些未曾與人言說，卻悄悄在內 心底層燃燒的渴望？妳喜歡現在的自己嗎？⋯⋯《妳怎麼樣了？》不 僅是質問跳舞當下的佛斯特，更是那個回首來時路，開始勇敢正視自 己對舞蹈的慾望的女人。
舞台上一大一小的貨櫃屋，光線方框囿限了佛斯特的移動範圍，從佛 斯特穿著相當「佛朗明哥式」的火紅洋裝開始，接著是脫下洋裝後， 在貨櫃屋如排練室般的窄仄空間對鏡練習，汗水、疲乏、困頓、熱情、 渴望⋯⋯多種情緒交織，直到她踏入水中，踢踏的腳步聲如激烈的心 跳，水漫溢出方框，她突破的不僅是非科班出身的舞者身體的邊界， 也是自我生命的邊界。
相較之下，與日本舞者伊藤郁女 （ Kaori Ito ） 合作的二部曲《糾
麼樣了？》以方框與貨櫃所框限出的空間，在《糾纏》中更縮緊為 密如蛛網的尼龍繩縫隙，博瑞讓伊藤郁女以一種危險的平衡，去除情 感，以極其精準的肢體動作如人偶懸吊，但肉身喘息、心跳聲仍劇烈 地迴盪在舞台空間之中，交織的纜繩彷彿是伊藤郁女肉身血管、神經 所延伸出的第二身體。
伊藤郁女五歲開始學習古典芭蕾，十八歲時作為職業舞者嶄露頭角， 就被榎本良一 （ Ryouiti Enomoto ） 評為最優秀青年舞者和編舞家，她 隨後更遠赴美國紐約，學習葛蘭姆、康寧漢、李蒙等現代舞技巧，紮 實出色的身體能力在《糾纏》中有精彩的呈現。
博瑞不愧是善於以多重感官說故事的高手，將兩位表演者的生命歷程 的色調與氛圍，極其成功地分別在一個小時當中立體化地呈現，也讓 人不禁期待在尚未發表的最終曲中，博瑞會「畫」出什麼樣的女舞者 肖像？ █ Kaye
更自由的表演新藝術 法國 111 自從 1917 年藝術家杜象將從街上商店買來的陶瓷小便斗，放在美術 館展覽台上，簽上大名並以《噴泉》宣稱這件「藝術品」之後，關於 藝術的定義與界線，便開始眾聲喧嘩了起來；什麼是藝術？什麼不是 藝術？藝術想表現什麼？不想表現什麼⋯⋯，自此之後人們不斷提出 疑問的聲量，也從美術界，逐漸擴散到電影、音樂、文學、表演藝術 等領域。
而新時代表演藝術界，傳統的音樂、舞蹈、戲劇的分類界線，也開始 逐漸模糊、斑駁、脫落；無聲也是音樂、舞蹈只表現身體、戲劇也不 演故事⋯⋯，這攪亂的一池春水，終於在德國劇場學者雷曼在 1999 年發表的《後戲劇劇場》一書歸於平靜，原來，新時代、新生活，也 需要新的觀看方式，在仍然持續發展的「後戲劇劇場」中，讓勇於冒 險的藝術家，帶領我們認識這個新世界。
來自法國的法國 111 創辦人奧雷利安．博瑞，就是一個難以界定的表 演藝術創作者，他大學的時候念物理，畢業後的工作專業是「建築聲 響」，後來又在雜技藝術中心工作，也成為了雜技表演演員， 2000 年的時候，創辦了法國 111 。舞團風格獨特，是以「空間」及「肢體」 為主所構成的新馬戲劇場，作品中常融合了戲劇、舞蹈、雜耍、音樂 與影像視覺，其獨特的新馬戲創作享譽國際，甚至曾在法國「莫里哀 戲劇獎」及英國「奧立佛戲劇獎」舞蹈類得獎。 即將於歌劇院演出的兩套表演，是導演以女性舞者為對象的二部曲連 作。《妳怎麼樣了 ? 》與法國佛拉明哥女舞者史蒂芬妮．弗斯及兩位 樂手合作，在一個貨櫃屋空間及水池上，進行了一趟舞者自我探索之 旅。《糾纏》則是與日本女舞者伊藤郁女攜手，在五千條尼龍繩構成 的幽暗空間中，進行了一趟虛實光影的存在辯證。兩個精彩的表演， 跨越了表演藝術的傳統疆界，創造了極具想像力的舞台表演，讓人感 受到一個更自由的表演新藝術。 █ 謝東寧
踢踏的腳步聲如激烈的心跳，水 漫溢出方框，她突破的不僅是 非科班出身的舞者身體的邊界， 也是自我生命的邊界。 10.22 19 ： 30 10.23 15 ： 30 《糾纏》
DELUSION OF THE FURY
跟著郭貝爾
推開音樂 ╳ 劇場的旋轉任意門
手機都能實境抓取虛擬寶貝的今天，劇場還能帶給人類什麼新奇有趣的體驗？答 案是：參加一場醒著做夢的集體派對。來自德國的音樂劇場藝術家海恩納．郭貝
爾 （ Heiner Goebbels 1952- ） ，與德國音樂工廠樂團 （ Ensemble Musikfabrik ） 聯
手將美國傳奇音樂家哈利．帕奇
（ Harry Partch ， 1901-1974 ） 創作於 1966 年的奇
幻之作 《進擊的狂想》Delusion of the Fury 重新搬上舞台，以活潑而充滿想像的 調度手法，將這支原本就像個夢的曲目定位為「一個夢與狂想的儀式」，引誘早 已見怪不怪的當代觀眾一同加入這愉悅的想像力進擊。
《進擊的狂想》帶來的第一個衝擊，是舞台上奇 形怪狀的樂器。一般音樂會出現的鋼琴、提琴、 鼓或笛，在這場表演中全部缺席，取而代之的是 帕奇本人發明的十幾種樂器。身兼音樂理論家和 作曲家的他，曾提出顛覆傳統的「四十三微分 音」，亦即一個八度音被切分為四十三個音階。 按照傳統音律法則創造的樂器，當然無法演奏他 以這些理論為基礎所作的樂曲，帕奇索性捲起袖 子自己製造樂器 雖然他可能沒意識到，這麼一 來將增添後人演奏他作品的難度。
幸好這樣一個對音樂充滿狂熱與奇想的鬼才，被 另一個鬼才「英雄惜英雄」的慧眼相中，他的樂 曲和樂器得以重現於世人面前。郭貝爾在 1980 年 代購得這張專輯唱片，一聽就被帕奇以聲響構築 出的奇特夢境大為震動，多年後，當他和擅長創 造樂器的德國音樂工廠合作，這個必須由演奏家親 手打造樂器、再以此樂器演出的作品，終於在 2013 年首演，觀眾與帕奇重新邂逅之際，也再次臣服 於郭貝爾讓音樂「活靈活現」的創意與執行力。
只為了得到一個好聲音 2010 年，郭貝爾的作品來台，標榜「無人劇場」 的《史迪夫特的事物》Stifter ’ s Dinge 迅速擄獲 新觀眾的目光，他也因此多了不少粉絲，然而此 作的驚人之處絕非只是無人劇場上炫目的音樂裝 置，當時曾採訪郭貝爾的臺灣作曲家林芳宜認為， 郭貝爾作品成功的關鍵，在於「他不是為了想做 一個『無人劇場』去搞出這些裝置，而是基於他 對作品概念的充分理解，根據他對藝術的想像、 價值和追求而決定用『無人劇場』的方式呈現」。 一言以蔽之，郭貝爾的創意，是縝密思考、推敲 後的產物，「其實你聽他的音樂就知道，那些聽 起來自然而然、隨機、即興的聲響，全部都是精 密計算過的。要不是看過他的工作紀錄片，我不 敢相信那些音樂全都在樂譜上標示得清清楚楚」。 在林芳宜眼中，郭貝爾與帕奇儘管年齡相差半世 紀，兩人對音樂的追求與堅持卻非常相似，「他 們兩個都願意為了得到一個聲音，反覆實驗、甚 至創造出一件新的東西，好發出他們想要的聲 音」，「你可以只單純欣賞那聲音的成果，但假
使你是一個聲響或音樂創作者，我相信你會從郭 貝爾和帕奇的作品中獲得非常寶貴的經驗和資源， 也就是觀察他們經歷了哪些實驗和思考，才走到 這裡，以這樣的方式呈現創作」。
音樂作品變身劇場作品
除了音樂聆賞的角度，郭貝爾也以豐富的視覺元 素為《進擊的狂想》製造另一波想像衝擊。林芳 宜分析，郭貝爾之所以能跳脫古典樂窠臼，從音 樂出發，卻不拘泥於傳統的音樂類型和演出形式， 和他年輕時接觸搖滾樂、流行樂有很大的關係， 「這些音樂圈當年被視為次文化，但是和古典樂 制式的創作模式不同，流行樂創作者必須和很多 人合作、沒有所謂的 SOP 、創作中有許多隨機情 況，你必須靈活做出藝術判斷和選擇，這樣的經 歷讓郭貝爾擁有很強的整合能力，我認為這是他 的作品能兼具音樂性和劇場性的主要原因」。 這樣的整合能力，讓郭貝爾版本《進擊的狂想》 比當年帕奇的演出版更有可看性。他將帕奇創造 的樂器安排妥當的位置，構成舞台上一體成形的 超大裝置；穿著戲 服的演奏者同時也 是演員和舞者，他 們演奏樂器的身體 姿勢更在郭貝爾的 巧妙設計下，呈現 出舞蹈的編排感， 卻沒有太多不屬於 演奏的額外動作 「郭貝爾曾說，他對藝術的追求無法只滿足於聲 音的演奏，而是連同視覺、文本、舞台整體呈現， 這是他被視為劇場藝術，而不僅只是音樂演奏會 的原因」，林芳宜慨嘆，「我覺得他最不可思議、 最鬼才的地方，是他清楚知道讓音樂作品變成劇 場作品的那道旋轉門」。正因為能在這道旋轉門 任意穿梭出入，郭貝爾才能引領我們同在《進擊 的狂想》裡睜著眼睛神迷夢遊吧！
和村上春樹同世代的音樂鬼才：海恩納
二戰後出生的他們趕上了好時候，在全球青年反戰反社會的當兒，藝術文化也正迎來一陣讓人 站不住腳的大浪。其中，鮑伯．迪倫、披頭四、海灘男孩等創作者一一登場，用流行音樂將大 眾與精緻文化的天與地，孩子玩轉玻璃雪球般顛倒了幾回，此後人間音樂再也不是只有溫良恭 儉讓。
和村上春樹一樣，郭貝爾挾著青年時代的搖滾樂文化薰陶，將當代音樂在劇場連續翻滾出嶄新 意象。就像當年村上在一片私小說的日本純文學傳統中，將他耽讀的外國文學、古典樂和流行 樂，與消費時代人人愛不釋手的服飾商品融於一爐，冶煉出高度個人化的當代小說，郭貝爾也 把他的音樂與文學教養，匯合成視聽兼具、訊息豐沛、風格鮮明的音樂劇場。文青們不妨趁此 機會耙一耙：同是穿梭於古典與流行、文學與音樂之間的兩位同代創作者，在他們形式各異的 作品中，你有沒有嗅見一絲英雄所見略同的氣味？
帕奇：自己的樂器自己造
作為一位死後比生前聞名的音樂家，儘管軼事不少，但恐怕沒有什麼比 哈利．帕奇自己創造的樂器更能充分說明他是怎樣的一個人。 將大小葫蘆固定在桉樹枝上的打擊樂器，直接取其造型名為「葫蘆樹」； 十幾個透明碗狀玻璃倒掛在木架上，這個有幾分類似編鐘的樂器叫「雲 室碗」 （ Cloud-Chamber Bowl ） ，此外還有鑽石木琴、竹琴、名為「戰 利品」的帕奇樂器混搭版⋯⋯十幾種自創樂器，維基百科甚至整理出一 個「哈利．帕奇樂器一覽」條目。
美感與童趣在帕奇的樂器上有著奇妙的融合，就像紀錄片中，年邁的他 披散白髮，在海灘上快樂潑水踩踏，老頑童的形象底下，是對音樂最高 標準的思考與實踐。你可以把帕奇的樂器看成演奏家在舞台上盡情耍弄 的玩具，但別忘了：這些創造的最初，來自他將八度音切分成四十三 分的「微分音」理論。這麼切分音符不是為了悅耳的旋律，而是為了 將一個樂音到另一個樂音之間的細緻過程充分表達。帕奇的音樂理論、 樂器發明與音樂實踐，在上世紀中乍然出現時造成了驚嚇和漠視，但時 間已為他證明：他是推開不同音樂世代間那道窄門的關鍵，他的影響 所及不只當代音樂，流行樂界如 The Residents Frank Zappa Tom Waits BECK Paul Simon 等人也輪番援引他的理論或樂器創作，表 達對帕奇的敬意。 「自己的樂器自己造」，當年謙稱自己是個「幹木匠活的音樂家」的帕
服裝中的精緻工藝品— 黃薇打造臺中國家歌劇院亮眼制服
歌 劇院從建築到營運精神，都展現了大膽的創造性與想 像力；對於充滿熱情、勇敢逐夢的臺灣新銳藝術家、 設計師，更是不遺餘力支持。館內有設計孵育平台；找設 計師時，歌劇院找到了來自臺灣、以英國為發展基地、走 向國際的服裝設計師黃薇。 臺灣旅英新銳服裝設計師黃薇操刀的歌劇院制服，推出男 女改良式西裝與 T 恤等三件式套裝，搭配黑、白兩色系點 綴的紅藍皮革副產品 （ By-Product ） 。中性設計、結合休閒 輕金屬風格，大膽突破了制服刻板印象，將個性與工藝性
