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GROSSER SOMMER THEATER

Maria HAPPEL

„Reichenau ist nicht mehr nur ein Termin, es ist ein Ziel und es freut mich, wenn mehrere Generationen kommen.“

Cover: Maria Happel

Künstlerische Leiterin

„‚Die Fledermaus‘ funktioniert womöglich immer dann besonders gut, wenn eine Gesellschaft spürt, dass sie gerade auf Vulkanen tanzt.“

Nils Strunk inszeniert „Die Fledermaus“

„Man kann nun wirklich nicht sagen, dass die einseitigen Machtund Herrschaftsansprüche überkommen oder aufgegeben sind.“

Stefan Jürgens

Schauspieler im „Reigen“

„Die Kernfrage ist für mich, wie und wofür man eigentlich leben soll. Wie können wir uns in dieser Welt bewegen? Wo ist unser Platz und was können wir Sinnvolles tun?“

Philipp Hauß inszeniert „Krieg und Frieden“

„Für mich sind ein gutes Kostümbild und eine gelungene Bühne vor allem visuell klar, ohne überladen zu sein oder sich in den Vordergrund zu drängen.“

Johanna Lakner, Bühnenbildnerin „Die Legende vom heiligen Trinker“

Inhalt

Sonderausgabe Festspiele Reichenau

„Wir machen anspruchsvolle Abende für Leute, die das Theater lieben. Das empfinde ich als eine Verpflichtung, der ich mit Freude nachkomme.“

Julia Stemberger spielt Mrs. C. in „24 Stunden aus dem Leben einer Frau“

„Die Menschen kommen nach Reichenau, um wirklich zuzuhören. Ich empfinde das als sehr befreiend.“

Gordon Greenberg inszeniert „24 Stunden aus dem Leben einer Frau“

„Junges Publikum bleibt nicht aus Höflichkeit ruhig, das ist das Fordernde, wenn es funktioniert, aber auch das unübertrefflich Schöne.“

Johanna Arrouas inszeniert „Der kleine Prinz“

„Es ist ein doppeltes Gerichtssaaldrama, das uns anhand der Suche nach der einzig bis dato nicht gefundenen Toten bis ins Heute führt.“

Martin Prinz Autor von „Die letzten Tage“

Julia Stemberger steht seit 2008 regelmäßig in Reichenau auf der Bühne. In diesem Jahr in der Dramatisierung einer Novelle von Stefan Zweig.

Coverfoto: Stefan Fürtbauer 10

Impressum

Nils Strunk und Lukas Schrenk inszenieren mit „Die Fledermaus“ die Operette schlechthin.

Herausgeber Wiener Bühnenverein, Linke Wienzeile 6, 1060 Wien, Österreich ZVR-Zahl: 294353292 Präsident Prof. Dr. Franz Patay, Geschäftsführer Vereinigte Bühnen Wien Verleger & Medieninhaber Falstaff Verlags-Gesellschaft m.b.H., UID: ATU14913209 Redaktionsort des Medieninhabers: Schottenring 2–6, 1010 Wien, T: +43 1 9042141, F: +43 1 9042141-450 Geschäftsführung Wolfgang M. Rosam, Mag. Elisabeth Kamper Chefredakteur Atha Athanasiadis Stv. Chefredakteur*in Mag. Klaus Peter Vollmann, Mag. Sarah Wetzlmayr Art Direction Maximilian Kamper Fotochefin Kerstin White Online Bernadette Sarman Lektorat Mag. Sandra Bak Produktion Philipp Wagner Chefinnen vom Dienst Mag. Aline Mareiler, Marlene Tragut Media Sales & Kooperationen Lisa Tschnernig, M. A. (Geschäftsleitung Sales), Dr. Jasmin Wolfram (Head of Sales), Christiane Ceccarelli (Sales-Koordination), anzeigen@buehne-magazin.com Advertorial-Management Amelie Wagner Offenlegung gemäß § 25 Mediengesetz: Informationen zum Medieninhaber sind ständig und unmittelbar unter folgender Webadresse auffindbar: buehne-magazin.com/impressum Druck Druckerei Berger, Wiener Straße 80, 3580 Horn Vertrieb Presse Großvertrieb Austria Trunk GmbH, Urstein Süd 13, 5412 Puch, pgvaustria.at, Einzelverkaufspreis: € 9,90, Jahresabonnement: € 69,–, Hinweis: Nicht gekündigte Abonnements gelten automatisch als verlängert. Bei Fragen zu Ihrem BÜHNE- bzw. Theaterabo, Adressänderungen etc. wenden Sie sich bitte an das jeweilige Theater Kontakt Redaktion: redaktion@buehnemagazin.com Kontakt Abo-Service: abo@buehne-magazin.com Kontakt Anzeigen: anzeigen@buehne-magazin.com Kontakt Wiener Bühnen Verein: Ruth Pfletschinger, T: +43 1 58830-1532, E-Mail: office@buehnenverein.at, Internet: www.buehnenverein.at

Maria Happel, ReichenauIntendantin, Volksschauspielerin.

CHEF DIE FRAU

Maria Happel hat in Reichenau ein kluges, elegant-feines Programm zusammengestellt.

Stars treffen hier auf die besten Jungen. Ein launiges Gespräch mit der Intendantin über Glück, Druck, Sommerfrische und die Kunst, das richtige Karussell zu bauen.

Es gibt Menschen, die ein Festival leiten, als würden sie Excel-Tabellen verwalten. Und es gibt Menschen, die darüber sprechen, als wäre das alles ein lebendiger Organismus: mit Eitelkeiten, Hoffnungen, Wetterlagen, Talenten, Enttäuschungen, Glücksmomenten und sehr viel Menschenkenntnis. Maria Happel gehört eindeutig zur zweiten Kategorie.

Wenn sie über Theater redet, dann nicht geschniegelt, nicht in Pressetext-Sätzen, sondern in Bildern. Da ist vom Karussell die Rede, von Speisekarten, von Litfaßsäulen, von Zeitreisen und davon, dass man sich manchmal vorkommt wie jemand, der einen Sommer lang eine kleine Welt zusammenbaut – und hofft, dass sie trägt. Und wahrlich: Maria Happel hat in Reichenau ein feines, elegantes, kluges und gleichzeitig breites Programm nach Art des Hauses zusammengestellt: Namhafte Schauspieler*innen treffen auf die besten Jungen und ein Repertoire aus textgenau dargebotener Klassik und unterhaltsamer Gegenwart. Ein Mix, der eigentlich wie eine große, homogene, künstlerische Welle ist, der da durch die beschauliche Sommerfrischeregion spült.

Wir haben Maria Happel getroffen. Es wurde ein Gespräch über künstlerische Lust, administrative Zumutungen, das Älterwerden im Betrieb, Sommer auf dem Land und darüber, warum guter Humor etwas ganz anderes ist als Klamauk.

Frau Intendantin, wie geht es Ihnen – jetzt, nach den ersten intensiven Jahren?

Tendenz: steigend. Mir geht es tatsächlich gut. Aber dieses Gefühl hat im Theater ja immer eine sehr kurze Halbwertszeit. Kaum ist eine Premiere geschafft, denkt man schon an die nächste. Es ist wirklich so: Nach dem Spiel ist vor dem Spiel. Natürlich ist es nicht mehr ganz so wie am Anfang. Im ersten Jahr musste alles sehr schnell gehen – Programm, Struktur, Entscheidungen. Das war ein ziemlicher Kraftakt. Jetzt haben wir den Luxus, früher planen zu können. Die Prozesse sind klarer, die Aufgaben besser verteilt. Und ja – wir sind erfolgreich. Das darf man auch einmal sagen.

Wenn man von außen draufschaut, klingt „Intendantin“ nach Macht, Gestaltung, Einfluss – aber wahrscheinlich auch nach Stress, Ärger und Telefonaten, die man nicht führen will. Wie spannend ist dieser Job wirklich?

Sehr unterschiedlich. Manche Dinge sind wahnsinnig spannend, vor allem der kreative Teil. Einen Spielplan zu entwickeln, Stücke zueinander in Beziehung zu setzen, Besetzungen zu denken, Atmosphären vorauszuahnen – das ist nach wie vor das, was mich am meisten interessiert. Dafür mache ich es.

Und dann gibt es natürlich die andere Seite. Die gehört halt auch dazu. Wenn ich etwa Kolleginnen oder Kollegen in einem Sommer nicht beschäftigen kann, obwohl ich weiß: Das hätte ihnen gutgetan, das wäre schön gewesen, das wäre vielleicht sogar wichtig gewesen. Aber das geht eben nicht immer. Das Karussell ist größer als die Anzahl der Plätze darauf. Und irgendwer muss entscheiden.

Hat sich Ihre Haltung verändert, seit Sie diese Verantwortung tragen? Man wird zwangsläufig strenger – oder sagen wir: klarer. Am Ende trägt eine Person die Verantwortung. Nach außen bin ich diejenige, mit der alles verbunden wird. Ich bin gern die „wandelnde Litfaßsäule“, aber es gibt eben auch Momente, in denen man die Last dieser Rolle spürt.

Wenn man sich das Programm ansieht, hat man fast das Gefühl: Da sind ja wirklich alle dabei. Die, die man mag, die, die man kennt, die, die gerade interessant werden, und die, die ohnehin schon Stars sind. Wie macht man das? Können die einfach schwer Nein sagen?

(lacht) Ach, ich glaube nicht, dass das ein einzelner Zaubertrick ist. Es ist, wie so oft, die Mischung. Oder wie ich immer sage: Die Speisekarte muss stimmen. »

TEXT Atha Athanasiadis. FOTO Stefan Fürtbauer.

Es hat sich einfach herumgesprochen, dass dieser Monat auf dem Land etwas Besonderes ist. Wir hängen direkt an die Spielzeit an und trotzdem bleibt dann noch der August frei, um wirklich Urlaub zu machen. Das ist attraktiv. Und dann ist da natürlich diese spezielle Mischung: große Häuser aus Wien, Filmszene, junge Leute, Erfahrene – diese Zusammensetzung kriegst du so woanders kaum. Und das merken die Leute. Diese fünf Wochen im Sommer haben fast etwas von einer konzentrierten Theater-Utopie. Alle wissen, worauf sie sich einlassen. Alle haben ihren Vertrag. Es gibt nicht dieses übliche Kantinenraunzen gegen die Direktion. Warum auch? Man arbeitet, man lebt miteinander, man verbringt einen Sommer zusammen. Das schafft etwas.

Und für manche Schauspieler*innen ist es Sommerfrische ... Absolut. Es gibt schon welche, die sagen: Wunderbar, ich habe gleich Sommerfrische mit dazu. Draußen ist es im Sommer sieben, acht Grad kühler als in der Stadt. Wenn die Premieren einmal draußen sind, dann kann man tagsüber ins Bad gehen oder wandern – und am Abend steht man auf der Bühne. Das hat schon etwas von vorgezogenem Urlaub. Einem sehr arbeitsintensiven Urlaub, aber immerhin.

Was ist der Zauber von Reichenau? Er hat Geschichte. Ich bin gewissermaßen Nutznießerin einer Zeit lange vor mir. Schon um die Jahrhundertwende war das ein Ort, der Künstler angezogen hat – Musiker, Schriftsteller, Architekten. Heute ist er nur noch eine Stunde von Wien entfernt, aber es fühlt sich an wie eine Zeitreise. Die Landschaft, die Architektur, diese leicht raue Schönheit – das ist Atmosphäre. Und genau die erwartet man auch, wenn man hier Theater macht. Schnitzler, Zweig, Roth – die gehören hier einfach hin.

Ein Beispiel: „Die Fledermaus“ –aber in den Roaring Twenties. Warum dieser Zugriff?

Weil es historisch passt. Vor 100 Jahren wurde genau dort, wo wir spielen, „Die Fledermaus“ aufgeführt. Diese Geschichte wollten wir wiederbeleben – aber mit einem eigenen Blick. Unsere Inszenierung spielt 1926, mit entsprechendem Bühnenbild und Kostümen. Und wir hatten das Glück, früh genug anzufragen – bevor

unsere beiden Hauptdarsteller zu den Superstars wurden, die sie heute sind.

Schnitzlers „Reigen“ gilt als Klassiker – aber auch als Herausforderung. Wie nähern Sie sich dem Stück?

Wir spielen es im neuen Spielraum – einer Arena mit fast 360-Grad-Blick. Das ist für Schauspielerinnen und Schauspieler eine echte Herausforderung. Man kann sich nicht „verstecken“. Sprache, Präsenz, Bewegung – alles wird unmittelbarer. Ich habe bewusst ein Regieduo gewählt, um die männliche und weibliche Perspektive gleich stark zu beleuchten. Und ja: Natürlich kann und muss man dieses Stück heute spielen. Gerade heute.

Maria HAPPEL

1991 holte Claus Peymann Maria Happel an die Burg. 1999 wechselte sie mit ihm nach Berlin, aber es zog sie nach Wien zurück. Seit 2002/03 gehört die vielfach ausgezeichnete Schauspielerin wieder zum BURGEnsemble. Seit 2022 ist sie die künstlerische Leiterin der Festspiele Reichenau.

360 Grad – das klingt fast wie Zirkus. In gewisser Weise ist es das auch. Man ist dem Publikum unglaublich nah. Man hört jedes Rascheln, spürt jede Reaktion. Das ist intensiv – für beide Seiten.

Dann kommt mit „Krieg und Frieden“ gleich der nächste Brocken. Weltliteratur im Südbahnhotel – das klingt nach einem Projekt, das man entweder sofort will oder für komplett verrückt hält. Vielleicht beides. Aber genau das ist ja interessant. Das war ein lang gehegter Wunsch, auch von Niki Hagg. Und ich finde: Ein Stück Weltliteratur gehört an einen Ort, der selber WeltkulturerbeQualität hat. Für mich sind Semmering und dieses Südbahnhotel genau so ein Ort. Nach den Erfahrungen im letzten Jahr mit diesem Hotel und seinen Räumen war klar, dass

wir damit weiterarbeiten wollen. Dieses Morbide, dieses Halbvergangene –und dann schaltet man das Licht ein und plötzlich ist da wieder Glanz. Diese Balance zwischen Verfall und Schönheit, zwischen Geschichte und Gegenwart, die passt bei „Krieg und Frieden“ natürlich ungeheuer gut.

Ist das dann richtig immersiv?

Wandert man mit?

Man geht nicht ganz durch, aber man wechselt die Räume. Im ersten Teil ist man unten, dann geht es nach oben in den Waldhofsaal und nach der Pause wieder nach unten. Und unten hat sich dann das Bühnenbild verändert. Das ist schon ein sehr eigenes Erleben. Man schaut nicht nur zu, man bewegt sich mit.

Sie klingen überhaupt sehr verliebt in Räume.

Ja, weil Räume erzählen. Es gibt Räume, die tragen etwas. Und es gibt Schauspielerinnen und Schauspieler, die bestimmte Räume lieben und können. Das ist ja auch etwas, woran man bei Besetzungen denkt.

Manche Menschen stellt man in so einen Raum – und plötzlich gehört er ihnen. Andere brauchen eine klassische Guckkasten-Situation. Das ist keine Wertung, das ist einfach ein anderes Können.

Überhaupt scheinst du sehr genau zu beobachten, welche Künstler*innen wohin passen. Ist das ein ganzjähriges inneres Archiv? So ein permanentes „Die könnte das, der könnte jenes“?

Ja, das ist schon ein ständiges Sammeln. Natürlich gibt es Bewerbungen, klar. Aber vieles entsteht über Beobachtung. Man sieht Leute, man merkt sich etwas, man denkt plötzlich Monate später: Ah, genau die. Und ich habe dabei große Unterstützung. Meine Mitarbeiterin sieht noch viel mehr als ich, geht noch öfter in Vorstellungen, entdeckt Menschen, denkt in Kombinationen. Wer könnte mit wem? Wer trägt welchen Raum? Wer hat was für eine Energie? Das ist eine dauernde Suche – und auch ein großes Vergnügen.

Das klingt fast ein bisschen nach der alten Idee von Ensemble, aber in verdichteter Form. »

Die Landschaft, die Architektur, diese leicht raue Schönheit – das ist Atmosphäre. Und genau die erwartet man auch, wenn man hier Theater macht.

Schnitzler, Zweig, Roth – die gehören hier einfach hin. – Maria Happel

Reichenau ist nicht mehr nur ein Termin, es ist ein Ziel und es freut mich, dass mehrere Generationen kommen. – Maria Happel

Ja, vielleicht. Eine Sommerform davon. Und ich finde das sehr wertvoll, gerade für junge Leute. Dass sie mit Erfahrenen zusammenkommen, mit ihnen spielen, von ihnen lernen, vielleicht auch anders in diesen Beruf hineinwachsen. Diese Pflege, von der man früher öfter gesprochen hat, die gibt es ja vielerorts kaum noch. Hier haben wir wenigstens für ein paar Wochen die Möglichkeit dazu.

Wenn man dir zuhört, merkt man auch: Diese Programme entstehen nicht zufällig, sondern aus langen Linien. Josef Roth ist nicht einfach nur ein weiterer Titel, Stefan Zweig auch nicht.

Nein, natürlich nicht. Das hängt alles zusammen. Bei Roth zum Beispiel ergibt sich da wirklich ein Bogen über die Jahre. Und wenn etwas einmal eine starke Handschrift hatte und funktioniert hat, dann schaut man natürlich, wie man daran weiterarbeiten kann, ohne sich zu wiederholen. Dasselbe bei Stefan Zweig. „24 Stunden aus dem Leben einer Frau“ beschäftigt mich schon länger. Ich habe das vor zwei Jahren bei einem Festival in China gesehen – ich fliege um die halbe Welt, gehe am ersten Abend ins Theater und sehe Stefan Zweig. Das hat mich nicht mehr losgelassen. Manchmal kommen Projekte eben auch über solche Umwege zu einem.

Das ist eigentlich die schönste Theatergeschichte: Man reist weit weg und findet genau den Autor, der dann später im eigenen Programm landet.

Ja, und manchmal merkt man daran auch, wie weit Literatur trägt. Und wie wenig provinziell solche Stoffe sind, selbst wenn sie an einem sehr spezifischen Ort gespielt werden. Oder vielleicht gerade deshalb.

Eine ganz banale Frage, die wahrscheinlich gar nicht banal ist: Spürt man irgendwann, dass so ein Festival „angekommen“ ist? Dass da plötzlich eine Welle da ist?

Ein bisschen schon. Wenn am ersten Verkaufstag am Abend die Zahlen kommen und du siehst: über 22.000 Tickets verkauft – dann macht das natürlich etwas mit einem. Das freut einen. Sehr sogar. Und ich habe schon das Gefühl, dass sich etwas herumspricht. Dass die Leute das Bedürfnis haben, dorthin zu fahren. Dass es nicht mehr nur ein Termin ist, sondern ein Ziel. Und ich finde es besonders schön, wenn man merkt, dass mehrere Generationen kommen: die Eltern, die Kinder, die Schwiegertochter, die Enkel. Das ist etwas sehr Feines. Wissen Sie: Wenn mich jemand aus Bangkok anruft und sagt, er kommt nicht durch beim Ticketkauf – dann weiß man: Da bewegt sich etwas.

Und macht dich das glücklich – dieses Gefühl, dass man da gerade etwas wirklich zum Laufen gebracht hat? Natürlich. Ja. Das macht glücklich. Weil es dann eben nicht nur Arbeit war, nicht nur Kalkulation, nicht nur Besetzungsgespräch, nicht nur Druck. Sondern weil man merkt: Man hatte einen Riecher. Einen richtigen. Und daraus ist etwas geworden.

Auch für Kinder gibt es Produktionen, etwa „Der kleine Prinz“. Warum ist Ihnen das wichtig?

Weil Theater für alle da sein muss. Und weil es etwas sehr Schönes ist, wenn Familien gemeinsam zu uns kommen. „Der kleine Prinz“ wird ein sehr poetisches Stück – mit Musik und mit einer eigenen Sprache.

Sie sprechen von einer „Pflege“ des Nachwuchses.

Ja. Dieses gemeinsame Arbeiten, dieses Wachsen – das ist etwas, das ich sehr schätze. Man nimmt junge Menschen an die Hand, ohne sie zu bevormunden. Und manchmal hat man das Glück, einen „richtigen Riecher“ zu haben.

Sie haben einmal gesagt, der Begriff „Volksschauspieler“ sei überholt. Warum?

Weil sich das System verändert hat. Früher wurden Schauspielerinnen und Schauspieler innerhalb eines Ensembles aufgebaut. Heute arbeiten Regisseurinnen und Regisseure international, bringen ihre eigenen Teams mit. Das hat vieles verschoben.

Dazu kommt: Fernsehen und Serien haben Funktionen übernommen, die früher das Theater hatte. Und ich unterscheide sehr bewusst zwischen Komik und Klamauk. Zwischen Humor mit Tiefe und bloßer Unterhaltung. Vieles ist heute verwässert.

Infos & Tickets

Alle Infos über das Festival Reichenau, den Überblick über den gesamten Spielplan und für welche Vorstellungen Sie noch Tickets bekommen finden Sie auf: festspiele-reichenau.at

ROTATION Heavy

Nils Strunk und Lukas Schrenk bringen ihre erste Operette auf die Bühne.

Die Fassade bröckelt, alles dreht und verändert sich. Da hilft nur: zu berauschenden Klängen ein wenig um sich selbst zu kreisen. Die beiden Multitalente Nils Strunk und Lukas Schrenk befördern Johann Strauß‘ Operette „Die Fledermaus“ ins Wien der Zwanzigerjahre und fänden es schön, wenn sich der Komponist im Grabe mitdreht.

TEXT Sarah Wetzlmayr.

Oper, Schauspiel, Ballett, Konzert, Erzählung, Tragik, Komik, Stand-up, Hochkultur, Volksmusik, Unterhaltung, Tiefgang, Kritik und Vergnügen:

Das alles ist die Operette, wenn es nach dem erfolgreichen Regieduo Nils Strunk und Lukas Schrenk geht. Und die beiden müssen es ja wissen, schließlich sind sie ausgewiesene Experten darin, sich permanent zwischen Schauspiel, Regie, Musik und Komposition hin- und herzubewegen. Wie sie es schaffen, dabei nicht andauernd zwischen den Stühlen zu sitzen oder in der Luft zu hängen, ist für Außenstehende schwer erklärbar. Irgendwie gelingt es ihnen, mit beiden Füßen fest am Boden zu bleiben – wenn auch nicht lange auf ein und derselben Stelle. Sicher ist außerdem, dass es ein ziemlich großes Ausmaß an Leidenschaft und Hingabe dafür braucht. Wie auch ein hohes Energielevel. „Theater ist kontrollierter Wahnsinn“, zitierte Nils Strunk vor einigen Monaten Heiner Müller. Ihre Hingabe rühre wiederum vor allem daher, dass sie genau das Theater machen, das sie selbst auch sehen wollen. Mit „Die Fledermaus“ inszenieren die beiden Multitalente erstmals eine Operette und lassen die Handlung im Wien der Zwanzigerjahre spielen. „Die Idee begann beim hundertjährigen Jubiläum der Festspiele. Wir fanden es verblüffend, dass das Theater in Reichenau in jenem Jahr mit , Die Fledermaus‘ eröffnet wurde, und fanden das einen willkommenen Anlass, die Handlung in eine Zeit zwischen der Entstehungszeit und unsere heutige Zeit zu verschieben. Dadurch ziehen sich auch einige Schrauben in der Handlung fester, Abgründe werden tiefer, Beträge größer“, so Nils Strunk. Zudem sei sowohl das Uraufführungsjahr der

„Fledermaus“ wie auch das Jahr, in dem die Operette das Theater in Reichenau eröffnete, von großen Umschwüngen gekennzeichnet gewesen, fügt er hinzu. „Und auch jetzt spüren wir, dass eine Epoche zu Ende geht, etwas gänzlich Neues und Unbekanntes vor uns liegt. Wir wissen noch nicht, wie darauf zugehen. ,Die Fledermaus‘ funktioniert womöglich immer dann besonders gut, wenn eine Gesellschaft spürt, dass sie gerade auf Vulkanen tanzt.“ Alle drei Zeiten verbindet jedoch auch etwas sehr Positives, wie Nils Strunk daran anknüpfend hervorhebt: „Es gab eine absolut florierende Kunst- und Bühnenwelt.“

SCHÖNER SCHEIN

An der Operette fasziniert die beiden außerdem, wie Strauß hinter der glitzernden Oberfläche des Champagnerrauschs messerscharf gesellschaftliche Heuchelei sezierte. „Das Spiel mit dem Schein, der bösartige Humor und die brutale Realität hinter all dem. Das ist teilweise wirklich hochintelligentes Entertainment“, bringt es Nils Strunk auf den Punkt. Ihre Inszenierungen dürfen ruhig berauschen, fügt er hinzu. „Aber der beste Rausch ist doch der, bei dem man sich am nächsten Morgen noch erinnern kann. Theater darf berauschen, aber es sollte einen nicht betäuben.“

Auch über die wohl berühmteste Zeile aus dem Libretto – „Glücklich ist, wer vergisst, was doch nicht zu ändern ist“ – haben sich die beiden Theatermacher viele Gedanken gemacht. Es sind auch jene Themen, die an diesen scheinbar einfachen Satz geknüpft sind, die Strauß’ Operette so erschreckend aktuell machen, ist Strunk überzeugt. „Wir wissen scheinbar alles und wissen doch nicht weiter. ‚Glücklich ist, wer vergisst‘ ist

genauso Rettung wie tragische Selbsttäuschung. Wir können uns da selbst schwer entscheiden. Nur ist das Vergessen vermutlich eher eine Überlebensstrategie als eine Lösung.“

Woran man sich definitiv noch lange erinnern wird, ist ihre musikalische Bearbeitung, die wesentlich zum rauschhaften Sog der Operette beitragen wird. Die dahinterliegende, alles andere als mathematische, sondern hochemotionale Formel lautet: Die Goldene Operettenära trifft auf die Goldenen Zwanziger. Außerdem erwartet das Publikum eine fantastische Band, die Nils Strunk keinesfalls unerwähnt lassen möchte: Bernhard Moshammer, Hans Wagner, Jörg Mikula, Alexander „Xidi“ Christof, Anna Tropper, Jakob Helling und Manuel Ernst. „Eine einmalig gute Konstellation für so ein Unterfangen“, lautet Strunks Fazit.

NUR SOG, KEIN DRUCK

Bei der Zusammenstellung des Ensembles sei ihnen vor allem wichtig gewesen, dass es den enorm lebendigen und vielseitigen Geist repräsentiert, der in der Wiener Bühnenszene gerade herrscht. „Und natürlich ist uns wichtig, dieses Stück Musiktheater auch sehr von der schauspielhandwerklichen Seite anzugehen. ‚Die Fledermaus‘, gespielt und gesungen von einem Ensemble von Schauspieler*innen. Die aber eben auch fantastisch singen. Und noch vieles mehr.“ Dass Strunk und Schrenk eine kindliche Freude empfinden, wenn es um ihre Arbeit geht, ist bei jedem Satz gut spürbar. „Nur Sog, kein Druck“, brachte Nils Strunk jüngst den aktuellen künstlerischen Flow der beiden auf den Punkt. Wie damals bei ihrer stets ausverkauften Bearbeitung von Mozarts „Zauberflöte“ gilt auch nun wieder: Schön wäre, wenn sich Johann Strauß nicht im Grabe um-, sondern mitdreht. Heavy Rotation sozusagen. Letzteres gilt vermutlich auch für die Ohrwürmer, die sich nach dem Besuch der Schrunk’schen Operettenbearbeitung tief in die Gehörgänge drehen werden.

Darum geht‘s in „Die Fledermaus“ In ihrer ersten Reichenauer Inszenierung widmen sich Nils Strunk und Lukas Schrenk der Operette schlechthin. Ihre Version von „Die Fledermaus“ pulsiert im Rhythmus der Roaring Twenties: Swing, Blues und Charleston treffen auf die unvergänglichen Melodien von Johann Strauß. Ab 1. Juli, Theater Reichenau

Reichenau Calling

Moritz Mausser langweilt sich schnell. Das eint ihn mit seiner Rolle in „Die Fledermaus“. Warum es bei aller Getriebenheit trotzdem wichtig ist, ab und an zur Ruhe zu kommen? Wir haben mit ihm gesprochen.

TEXT Sarah Wetzlmayr.

Es gibt nicht viele 25-jährige Künstler*innen, bei denen es sich anbietet, über Routine zu sprechen. Darüber, ob sie wichtig oder vielleicht doch gefährlich ist. Moritz Mausser gehört definitiv zu jenen Menschen, bei denen sich die Frage unweigerlich aufdrängt. Schließlich hat der in Baden bei Wien aufgewachsene Künstler gerade erst als Falco in „Rock Me Amadeus“ die Wände des Ronacher zum Beben gebracht, um direkt danach in „Maria Theresia – Das Musical“ in die Rolle des Friedrich II. von Preußen zu schlüpfen. Die Anzahl an zurückgelegten Bühnenkilometern und verbrannten Kilokalorien würde vermutlich jede Fitnessuhr ins Burn-out schicken. Doch Moritz Mausser brennt für seinen Beruf und weiß auch, wie er diese Flamme am Lodern hält. „Routine ist wichtig, um dauerhaft bestehen zu können, aber sie darf nicht dazu führen, dass man kreativ einschläft. Ich möchte wach belieben, weitersuchen und mich auch außerhalb des Theaters inspirieren lassen.“

Mit dem Operettenklassiker „Die Fledermaus“ begibt sich Mausser auf für ihn bislang unbekanntes Terrain. „Der größte Unterschied zwischen Operette und Musical liegt im Gesang“, so Mausser, der sich schon sehr darauf freut, in Reichenau neue Arbeitsweisen und Menschen kennenzulernen. Er wird die Rolle des Prinzen Orlofsky übernehmen, dessen rauschvolle Ballnacht so einiges durcheinanderwirbelt. „Orlofsky ist ein junger, wohlhabender Mann, der von seinen eigenen Möglichkeiten gelangweilt ist. Er hat im Grunde schon alles erlebt und sucht nach etwas, das ihn wirklich reizt. Seine Feier wird für ihn zum Versuch, genau diesen besonderen Moment wiederzufinden“, sagt Mausser über seine Rolle. Mit seinem inneren Getriebensein kann er sich gut verbinden – mit dem Wunsch etwas zu finden, das ihn wirklich begeistert. „Gleichzeitig mag ich Figuren, die auf den ersten Blick weit weg sind. Oft fällt es mir leichter, dort loszulassen und freier zu spielen als bei Figuren, die mir sehr ähnlich sind.“

Wie schnell alles ging, seit er die Zusage für „Falco“ bekommen hat, realisiert er erst nach und nach. „Mittlerweile kommt das erst so richtig an. Lange hatte ich das Gefühl, ich komme gut damit klar, aber jetzt merke ich, wie intensiv diese Zeit eigentlich war.“ Eigene handwerkliche und künstlerische Projekte helfen ihm gerade dabei, zwischendurch ein wenig zur Ruhe zu kommen, so der Musicalstar. Als Prinz Orlofsky wird er jedenfalls schon bald dafür sorgen, dass die Masken fallen und die Fassade bröckelt.

Glückliche HEIMKEHR

Als Harras in Carl Zuckmayers „Des Teufels General“ erlebte Stefan Jürgens nach vielen TV-Erfolgen 2022 in Reichenau ein Bühnencomeback. Heuer verkörpert er in Schnitzlers „Reigen“ die Rolle des Grafen.

TEXT Klaus Peter Vollmann.

Maria Happel habe ein gutes Gespür für Timing, findet Stefan Jürgens. Denn sie sei es gewesen, die ihn nach vielen Jahren der Film- und TV-Erfolge mit dem Angebot, bei den Festspielen Reichenau General Harras in „Des Teufels General“ zu spielen, 2022 für die Bühne wiedergewonnen habe.

„Ich hatte mich just aus der Fernsehwelt vorübergehend verabschiedet und suchte nach neuen Herausforderungen“, erzählt der dem heimischen Publikum vor allem aus der TVSerie „Soko Donau“ und dem „Tatort“ bekannte Schauspieler. 2023 spielte er in Reichenau die Titelrolle in „Tartuffe“, 2024 den Doktor in „Der Intrigant und der Wahnsinnige“ und 2025 Jonathan Brewster in „Arsen und Spitzenhäubchen“ – heuer wird er als Graf im „Reigen“ auf der Bühne stehen. Schnitzlers Drama war ob seiner standesübergreifenden Sexualität ein Skandal und wurde von diesem selbst bis 1982 mit einem weitgehenden Aufführungsverbot belegt. Heute ist es das erfolgreichste Stück des Autors, der noch vor Freud der Gesellschaft tief in die Seele blickte. Den „Reigen“ inszenieren werden Alexandra Henkel und Dietmar König, was sowohl den weiblichen als auch den männlichen Blick garantieren dürfte.

Für die Rolle des Harras wurden Sie mit dem Publikums-NESTROY ausgezeichnet. Welche Bedeutung hatte in dieser Phase Ihrer Karriere die Anerkennung in Form von Österreichs wichtigstem Theaterpreis? Na ja, als ich vom Theater wegging, war das nicht eben ein triumphaler Auszug mit Pauken und Trompeten. Ich saß, 30-jährig, ordentlich angetrunken in der Kantine und habe mich über Gott und die Welt und vor allem über meinen Intendanten beschwert. Insofern war da noch eine Rechnung offen. Dass sich dieser Kreis doch noch geschlossen hat und obendrein so wunderbar honoriert wurde, war ein schönes Lebensgeschenk.

Heuer treten Sie zum fünften Mal bei den Festspielen Reichenau auf. Was macht den Reiz dieses Festivals aus – warum sagen Sie immer wieder Ja?

Man kann nun wirklich nicht sagen, dass die einseitigen Macht- und Herrschaftsansprüche überkommen oder aufgegeben sind. – Stefan Jürgens, Schauspieler

Es ist tatsächlich ein bisschen wie Landschulheim – um das in Theaterkreisen manchmal überstrapazierte Wort Familie zu vermeiden. Intensiv und zeitlich klar begrenzt, also gut planbar, mit wunderbaren Kollegen in einer herrlichen Landschaft. Und wie sehr ich als Piefke Wien und Österreich mag, ist ja mittlerweile kein Geheimnis mehr.

Erleben Sie dabei auch die berühmte Sommerfrische oder bleibt für Müßiggang gar keine Zeit?

Absolut! Ich genieße die Gegend, lasse zwischendurch die Seele baumeln und schaue anderen beim Wandern zu. Und obendrein ist die Zeit in Reichenau auch außerhalb der Theatervorstellungen für mich eine höchst kreative Phase. Im letzten Jahr habe ich dort mein TucholskyProgramm entwickelt und direkt danach am Semmering zur Premiere gebracht.

Auf Ihrem Programm 2026 steht die Rolle des Grafen in Schnitzlers „Reigen“. Wie würden Sie diese Figur charakterisieren?

Auf den ersten „vorprobenlichen Blick“ scheint er mir weniger ein Charakter großer psychologischer Tiefe zu sein. Er übt innerhalb eines hermetischen Systems eine klare Funktion aus, die er offenbar auch gar nicht hinterfragt. Sein Adelstitel, sein Status öffnen ihm buchstäblich die Türen. Und mehr scheint ihn auch nicht zu interessieren – ein individuelles Zentrum scheint er nicht zu haben und aus seiner Sicht auch nicht zu brauchen. Ich spüre eine gewisse routinierte Kälte in ihm …und eine ziemlich erschreckende Leere. Aber: Wir haben noch nicht angefangen zu proben.

Das Stück war ein Skandal, weil es sexuelle Begegnungen, noch dazu

durch alle Gesellschaftsschichten, zeigt. Damals stand die Freiheit der Kunst auf dem Spiel. Warum ist es wichtig, den „Reigen“, der aktuell an manchen Stellen aus ganz anderen Gründen problematisch erscheint, heute noch immer zu spielen?

Weil es, salopp gesagt, in manchen Bereichen unserer Gesellschaft immer noch einen erheblichen „Modernisierungsstau“ gibt. Vieles wird heute thematisiert und hinterfragt, Gott sei Dank. Aber man kann nun wirklich nicht sagen, dass die einseitigen Macht- und Herrschaftsansprüche überkommen oder aufgegeben sind. Die patriarchalischen Strukturen sind nach wie vor tief verwurzelt. Das Personal im „Reigen“ scheint ja durchgehend von sich selbst entkoppelt – sowohl die „Täter“ als auch die „Opfer“. Der Spiegel, den Schnitzler uns vorhält, ist noch nicht blind.

„Reigen“ wird im Neuen Spielraum aufgeführt. Dieser ist eine Art Arenabühne, das Publikum sitzt rund um die Schauspieler, der Aktionsradius umfasst beinahe 360 Grad. Welchen Unterschied macht das für Sie als Schauspieler?

Das Spiel ist – auch räumlich – nach allen Seiten offen. Man ist nicht auf die eingeschränkte Publikumsrichtung der klassischen Theaterbühne begrenzt. Das erlaubt mitunter eine fast filmische Spielweise, was ich sehr schätze.

Die Intendantin sagt, man müsse diesen Raum auch sprachlich

Darum geht‘s

Stefan Jürgens und Johanna Arrouas – die heuer Regie bei „Der kleine Prinz“ führen und Hélène Kuragina in „Krieg und Frieden“ spielen wird –2022 in Hermann Beils Inszenierung von „Des Teufels General“.

beherrschen. Was genau ist, neben der Lautstärke, damit gemeint?

Durch die 360-Grad-Öffnung ist eine enorme Präsenz gefordert. Das Publikum muss ja nicht nur aus einer Richtung „abgeholt“ werden. Blöd gesagt: Du musst auch nach hinten spielen und dementsprechend auch zu hören sein. Das ist neben der Lautstärke vor allem eine Frage der inszenatorischen Klarheit und der persönlichen Spielgenauigkeit.

Welche Pläne haben Sie für den Sommer 2027?

Das fragen Sie mich am besten Anfang 2027 noch einmal. Frühestens.

Infos

Wer. Alexandra Henkel und Dietmar König (Regie), u. a. mit Therese Affolter, Stefan Jürgens, Daniel Jesch, Stefanie Dvorak Wann. ab 2.7.2026 Wo. Neuer Spielraum festspiele-reichenau.at

Die Tanzform des Reigens bildet die Struktur in Schnitzlers Stück, bei dem zehn Mal einzelne Personen aufeinandertreffen, Dialoge führen und Sex miteinander haben. Dabei werden gesellschaftliche Schranken überschritten, was Anfang des 20. Jahrhunderts zum Skandal führte. Hier geht es zum Spielplan

FESTSPIELE REICHENAU Krieg und Frieden

ZWISCHENWELT

Es gibt kaum einen Zwischenraum, den Leo Tolstoi in seinem monumentalen Werk „Krieg und Frieden“ nicht ausleuchtet. In einige davon begeben sich Regisseur Philipp Hauß und sein Ensemble im Südbahnhotel Semmering hinein – und landen immer wieder bei der Frage, wofür man eigentlich leben soll.

Johanna Mahaffy spielt Natascha Rostowa.

TEXT Sarah Wetzlmayr.

Was befindet sich zwischen Krieg und Frieden? Das kleine Wörtchen „und“ könnte man jetzt sagen, wenn man die Frage mit einer gewissen Nüchternheit beantworten und sich lieber nicht zu tief in diesen Zwischenraum hineinbegeben möchte. Geht es nach Leo Tolstoi steckt darin jedoch sehr viel mehr. Mit seinem Werk „Krieg und Frieden“ hat der 1828 geborene russische Schriftsteller ein genaues Bild der Gesellschaft des zaristischen Russlands zu Beginn des 19. Jahrhunderts geschaffen, das wie kaum ein anderes genau diese Zwischenwelt ausleuchtet und beschreibt. Die Fragen, die dabei aufgeworfen werden, haben keinesfalls an Gültigkeit verloren, sagt Regisseur und Schauspieler Philipp Hauß, der den Prosakoloss in einer Dramatisierung von Nicolaus Hagg im Südbahnhotel Semmering auf die Bühne bringt. Ganz im Gegenteil.

WOFÜR MAN LEBEN SOLL

„Vor ein paar Jahren war es vor allem der Frieden, den wir kannten. Wie viele andere Menschen bin auch ich mit der Idee von Abrüstung groß geworden, mittlerweile ist der Krieg jedoch wieder sehr viel näher an uns herangerückt. Diese Inszenierung ist eine Möglichkeit, etwas über Krieg zu erzählen, ohne die gegenwärtigen Kriege benennen zu müssen“, bringt es Hauß auf den Punkt. „Die Kernfrage ist für mich, wie und wofür man eigentlich leben soll. Wie können wir uns in dieser Welt bewegen? Wo ist unser Platz und was können wir Sinnvolles tun?“

Weder Tolstois Werk noch die Inszenierung werden diese Fragen beantworten, hält Philipp Hauß mit ruhiger Stimme fest. „Allerdings können weitere Fragen und vielleicht auch Anhaltspunkte auftauchen, während man die Figuren bei ihren Versuchen, genau diese Dinge herauszufinden, begleitet. Am Ende gibt es jedoch schon so etwas wie Hoffnung, dass wir mit der Welt vorankommen können, solange wir an Liebe, Fürsorge und Solidarität festhalten.“

Dem Regisseur und Schauspieler kommt daraufhin sofort eine Szene rund um die Hauptfigur Pierre in den Sinn, die genau diese Diskrepanz zwischen dem Wunsch nach Veränderung und der gleichzeitigen Ahnungslosigkeit, wie diese aussehen könnte, beschreibt: „Es war, als ob sich eine Hauptschraube in seinem Kopf, die seinem ganzen Leben eine Stütze gewesen war, gelockert hätte. Diese Schraube ging weder heraus noch hinein, aber sie drehte sich, ohne zu greifen, immer in demselben Gewinde herum und er konnte nicht anders, als immer wieder an

Martin Schwab ist in „Krieg und Frieden“ als Fürst Nikolai Bolkonski zu erleben.

ihr zu drehen.“ Bemerkenswert findet Philipp Hauß auch, dass sich Tolstois Werk nicht an Heldengeschichten abarbeitet. „Geschichte wird von vielen gemacht. Sie entsteht aus einem unendlichen Räderwerk, in dem Napoleon nicht wertvoller ist als ein einfacher Soldat. Tolstoi hat nicht an Genies geglaubt.“

BRÖCKELNDE DEKADENZ

Neben dem Stoff selbst hätte ihn auch die Möglichkeit, im Südbahnhotel zu inszenieren, sehr gereizt, fügt er hinzu. „Die bröckelnde Dekadenz und das Morbide dieses Orts haben mich sehr angezogen. Und auch das Setting, das es ermöglicht, als Zuschauer*in mittendrin zu sein und nicht nur draufzuschauen. Ich denke, dass man dadurch ganz anders in die Geschichte eintauchen kann. Es wird im Laufe der Inszenierung auch einen Ortswechsel innerhalb des Hotels geben.“ Wenn man so möchte, ist außerdem auch das Südbahnhotel eine Art Zwischenwelt. Das einst prunkvolle Grandhotel wurde in den vergangenen Jahren zur Kulturstätte umfunktioniert. Das vierzehnköpfige Ensemble von „Krieg und Frieden“ versammelt Spieler*innen unterschiedlicher Generationen auf einer Bühne. Martin Schwab kenne er am längsten, so Hauß. „Ich habe ihn am Max Reinhardt Seminar kennengelernt, er war damals mein Lehrer. Später haben wir zusammen gespielt. Dass er hier dabei ist, löst ein großes Glücksgefühl in mir aus und ist auch ein Ansporn für mich. Gleichzeitig habe ich das Gefühl, dass die jüngeren Spieler*innen diesen Ort anders für sich einnehmen werden – ein bisschen hineinstürmen. Wichtig ist mir, dass wir diesen Abend wirklich als Ensemble erzählen und sich das Publikum an die Fersen der Figuren heften kann.“ Sicher ist, dass hier Künstler*innen zusammenkommen, die all die Zwischentöne in Tolstois Werk spür- und hörbar machen werden.

Einer davon, nämlich der bereits erwähnte Martin Schwab, sagte im großen BÜHNEInterview über seinen Beruf: „Die Bühne war mein Freiraum, weil ich auf ihr so sein konnte, wie ich aufgrund meiner Erziehung nicht sein durfte. Im Leben muss man sich zusammennehmen, am Theater ist man Liebhaber, Mörder oder Priester.“ In „Krieg und Frieden“ spielt der mit dem Lebenswerk-NESTROY ausgezeichnete

Darum geht‘s in „Krieg und Frieden“

Leo Tolstois epochales Werk zeichnet ein genaues Bild der russischen Gesellschaft Anfang des 19. Jahrhunderts. Die Handlungsstränge verlaufen nicht geordnet, Einzelschicksale werden mit weltgeschichtlichen Großereignissen verknüpft. Eine der zentralen Figuren ist Pierre Besuchow.

DER REGISSEUR Philipp HAUSS

wurde in Münster geboren und studierte Schauspiel am Max Reinhardt Seminar. Seit 2002 ist er Ensemblemitglied am Burgtheater. Als Regisseur arbeitete er unter anderem an der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz, am Burgtheater und am Landestheater Niederösterreich. In Reichenau arbeitet er bereits zum dritten Mal.

Schauspieler Fürst Nikolai Bolkonski. Johanna Mahaffy, die zum dritten Mal in Reichenau auf der Bühne steht, wird als Natascha Rostowa zu sehen sein. „Natascha ist, glaube ich, eine sehr lebendige und instinktive Figur, die durch ihre radikale Offenheit intensiv liebt, scheitert und daran wächst. Zu Beginn des Romans ist sie ja noch wirklich sehr jung und man begleitet sie dabei, wie sie zu einer erfahrungsreichen Frau heranwächst. Diesen großen dramaturgischen und emotionalen Bogen darzustellen, wird wahrscheinlich eine der größten Herausforderungen für mich sein“, sagt die Schauspielerin, die sich zwischen den Proben gern in der Schwarza –„kalt, sehr kalt“ – abkühlt. Die Zusammenarbeit mit Kolleg*innen unterschiedlicher Generationen weiß sie sehr zu schätzen. „Eine Kollegin sagte neulich etwas, das bei mir sehr hängen geblieben ist: dass ältere Schauspielerinnen oft unterrepräsentiert sind, kurz gesagt, weil weniger für sie geschrieben wird und ein gewisser Ageism spürbar ist. Und dass unsere Generation das nicht stillschweigend hinnehmen sollte, wenn es in Zukunft anders werden soll. Sichtbarkeit ist keine Selbstverständlichkeit, sondern eine Frage des Diskurses.“

Als Regisseur möchte Philipp Hauß weder den Zuschauer*innen vorschreiben, wie sie leben sollen, noch den Spieler*innen erklären, wie sie spielen sollen. „Es geht darum, einen Rahmen zu schaffen, damit sich die Menschen, die genau wissen, was sie tun, selbst ins Spiel bringen können.“

Infos

Wer. Philipp Hauß (Regie), Nicolaus Hagg (Dramatisierung), mit: N. Saavedra, J. Mahaffy, M. Schwab, T. Werths, E. Eilinghoff u. v. a. Wann. ab 3. Juli Wo. Südbahnhotel Semmering, festspiele-reichenau.at

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FOTO: CHRISTINA KÖRTE

Saison 2026/27

Stell dir vor, du bist Teil des Spiels.

Premiere 24. April 2027

Ferdinando Paër Leonora

Eine tragikomische und lebensnahe Oper, ein Stück Dresdner Musikgeschichte in der die Liebe über die Willkür triumphiert.

Sächsische Staatskapelle Dresden Beethoven.

Vier Tage. Neun Sinfonien

Jedes Konzert präsentiert Sinfonien von Beethoven im Dialog mit der Uraufführung eines Auftragwerkes von Jörg Widmann, Riccardo Panfili, Jesús Torres und Clara Ianotta.

Zyklus I

Aufbruch 14.4.2027

Von Helden und Antihelden 15.4.2027

Naturgesänge 16.4.2027

An die Freude 17.4.2027

Zyklus II

Aufbruch 28.4.2027

Von Helden und Antihelden 29.4.2027

Naturgesänge 30.4.2027

An die Freude 1.5.2027

Information & Tickets

Sächsische Staatskapelle Dresden Silvesterkonzert

Dirigentin Marie Jacquot Klavier Igor Levit

Beethoven Klavierkonzert Nr. 5 u. a.

30. & 31. Dezember 2026

Ludwig van Beethoven Fidelio

Musikalische Leitung Finnegan Downie Dear Inszenierung nach Christine Mielitz

3., 10., 17., 23., April & 2. Mai 2027

Late Night with Ludwig

Musiker*innen der Giuseppe-SinopoliAkademie bringen die Schlosskapelle zum Klingen.

16. & 30. April 2027

Kapelle für Kids

Die Konzerte Umzug (Januar) und Ludwig (Mai) erkunden das Geheimnis der Musik Beethovens! und vieles mehr...

semperoper.de/beethoven

Die bröckelnde Dekadenz des Südbahnhotels Semmering macht das einstige Grandhotel zu einer spannenden Spielstätte für Theaterschaffende.

TEXT Sarah Wetzlmayr.

EIN FRISCHER WIND

Der Speisesaal im Südbahnhotel ist einer der Spielorte von „Krieg und Frieden“.

Nach seiner Fertigstellung im Jahr 1882 dauerte es nicht lange, bis sich sämtliche Mitglieder der Hocharistokratie und der neuen Hochfinanz im Südbahnhotel die Klinke in die Hand gaben. Das im Stil des Späthistorismus erbaute und durch die Semmeringbahn perfekt an Wien angebundene Hotel wurde rasch zum Synonym für Sommerfrische und die Gemeinde Semmering entwickelte sich in Windeseile zu einem beliebten Luftkurort. 1903 wurde das Südbahnhotel zum Grandhotel erweitert, in den darauffolgenden Jahren kamen weitere Trakte und Anbauten hinzu. Bis 1938 hielt die magische Anziehungskraft des Hotels an, mit dem Zweiten Weltkrieg endete seine Blütezeit – das Haus verlor zusehends an Bedeutung. Der Hotelbetrieb wurde um 1970 zwar endgültig eingestellt, allerdings wurde das Gebäude einige Jahrzehnte später von der Kulturszene wiederentdeckt. Und wiederbelebt. Unter anderem nutzte es die Wiener Volksoper

für eine Produktion ihres Opernstudios und auch die Festspiele Reichenau erkannten schon früh das Potenzial dieser architektonischen Perle. 2025 verwandelte Maria Happel das Hotel mit Shakespeares „Ein Sommernachtstraum“ (Foto) in einen Spielplatz der Leidenschaften.

BRÖCKELNDE DEKADENZ

In diesem Jahr inszeniert Philipp Hauß Tolstois Monumentalwerk „Krieg und Frieden“ im Südbahnhotel Semmering. Wie schon 2025 werden wieder zwei unterschiedliche Räumlichkeiten bespielt. Die bröckelnde Dekadenz und der verblasste Glanz des Hotels hätten ihn besonders angezogen, erzählt Hauß im Interview. Währende der Inszenierung wechselt das Publikum gemeinsam vom Speisesaal in den Waldhofsaal und wieder zurück, gibt der Regisseur und Schauspieler erste Einblicke in seine kommende Regiearbeit. Sicher ist: Der morbide Glanz des einst prunkvollen Grandhotels macht es zu einem besonderen Spielort, der es dem Publikum ermöglicht, noch ein bisschen intensiver in die Geschichten einzutauchen. Sicher ist auch: Obwohl heute ein etwas anderer Wind weht, ist die Luft am Semmering noch genauso gut wie damals, als Kaiserin Elisabeth ihre Lunge damit füllte.

bis zu 20 % vorverkaufsrabatt

bis 30. Juni 2026

Saisonstart

20.9. 2026

So | 19:30 Uhr | Musikverein Wien | Großer Saal

Patrick Hahn Dirigent Französische Romantik Wiener Jeunesse

Orchester

Klavierduo Gugg Featured Artist 2026 | 27

Johanna Lakner verantwortet Bühne und Kostüm für Joseph Roths „Die Legende vom heiligen Trinker“. Ihren Beruf betrachtet sie nicht isoliert, sondern als Kunstform, die Hand in Hand mit der Regie geht.

JEDES STUCK BRAUCHT EIN ZUHAUSE

TEXT Klaus Peter Vollmann.

Als „vollkommene, vollendete Prosa“ bezeichnete der Literaturkritiker Marcel Reich-Ranicki in einer Rede Joseph Roths Novelle „Die Legende vom heiligen Trinker“, in der dieser auch seine eigene Alkoholabhängigkeit einer genauen Selbstbeobachtung unterzog – exemplarisch und stellvertretend für viele, die diesen Weg gehen. Andreas lebt als Clochard unter einer Pariser Brücke und trifft einen ihm fremden Mann, der ihm Geld leiht, das er vertrinkt. Er zieht durch die Straßen, bereit, das Leben zu feiern, das auch gut zu ihm scheint. Immer wieder beschert es ihm „Wunder“ – in Form von finanziellen Zuwendungen oder menschlichen Begegnungen –, langsam beginnt ihn aber auch die Vergangenheit einzuholen. Joseph Roth erzählt mit zartem Ton, voller leiser Würde und feiner Ironie und öffnet so einen Raum, in dem Schmerz, Hoffnung und Humor still nebeneinander existieren dürfen. Regisseurin Alexandra Liedtke dramatisierte dieses literarische Vermächtnis Joseph Roths, das erst kurz nach seinem Tod veröffentlicht wurde, und bringt es in Reichenau auf die Bühne.

Sie verantworten Bühne und Kostüm für „Die Legende vom heiligen Trinker“. Was zeichnet dieses Stück für Sie aus?

Die Poesie der Sprache von Joseph Roth ist das, was dieses Stück auszeichnet, ähnlich wie bereits bei „Hiob“. Wir führen die Arbeit, die wir im vergangenen Jahr begonnen haben, weiter und dürfen erneut mit dieser Sprache arbeiten. Daraus entwickelt sich eine Kostüm- und Bühnensprache, die wir konsequent weiterdenken. Das Besondere ist vielleicht auch, dass ein eigentlich unmöglicher Zustand, Krankheit und Verfall, konkret die Abhängigkeit von Alkohol, dennoch mit einer Form von Weichheit erzählt wird. Dieser Spagat zwischen Abgrund, großer Poesie und Hoffnung macht das Stück so besonders und spannend. Wir wissen, dass Alkoholismus zerstörerisch ist, und wir leben in einer Zeit, die von Kriegen und Unruhen geprägt ist. Umso bemerkenswerter ist es, dass es dennoch immer wieder die Möglichkeit gibt, Hoffnung zu finden. Joseph Roth rettet sich in eine literarische Welt und schafft es, die Realität des Alkoholismus mit Poesie und Hoffnung zu verbinden.

Müssen Sie ein Werk „mögen“, um es ausstatten zu können?

In jedem Text liegt eine Herausforderung und in jeder Herausforderung eine große Stärke. Es geht darum, sich intensiv mit einem Stoff

auseinanderzusetzen und darin jene Seiten zu finden, die man beleuchten möchte.

Mit Regisseurin Alexandra Liedtke arbeiten Sie seit 2010 immer wieder zusammen. Worauf beruht diese künstlerische Verbundenheit?

Alexandra Liedtke und ich arbeiten seit vielen Jahren gerne, intensiv und erfolgreich zusammen. Unsere künstlerische Verbundenheit basiert auf einem gemeinsamen ästhetischen Zugang und einer engen konzeptionellen Zusammenarbeit. Uns verbindet ein Verständnis von Theater als untrennbare Einheit von Regie, Bühne und Kostüm. Diese Bereiche werden nicht isoliert gedacht, sondern entwickeln sich parallel aus einer gemeinsamen Idee heraus. So entsteht ein roter Faden, der sich durch alle Ebenen der Inszenierung zieht – von der Figurenentwicklung bis zur Bildsprache. Es macht große Freude, solche Projekte wie jetzt wieder in Reichenau 2026 gemeinsam zu entwickeln und umzusetzen.

Wie schaut Ihr Konzept für die Bühne und die Kostüme des heiligen Trinkers konkret aus? Wovon haben Sie sich inspirieren lassen?

Das Konzept für Bühne und Kostüm versteht sich als Fortführung der Auseinandersetzung mit der Sprache und Poesie von Joseph Roth. Im Zentrum steht das Aufeinandertreffen zweier Welten: der realen, vom Alkoholismus geprägten Wirklichkeit und einer poetischen Ebene, die von Hoffnung und Sehnsucht erzählt. Diese Dualität spiegelt sich sowohl im Bühnenraum als auch in den Kostümen wider. Die reale Welt erscheint reduziert, klar und dunkel. Demgegenüber steht eine zweite Ebene, die sich durch Farbe, Leichtigkeit und eine fast spielerische, teils auch humorvolle Qualität auszeichnet.

Sie haben ursprünglich Mode studiert. Wann und warum haben Sie sich für Bühne und Kostüm als künstlerisches Ausdrucksmittel entschieden?

Ich habe in San Francisco Fashion und Visual Arts studiert und bin in einer Künstlerfamilie aufgewachsen, in der es selbstverständlich war, vieles auszuprobieren. Während des Studiums und später als Assistentin am Burgtheater, meinem ersten Job am Theater, hat sich mein Interesse zunehmend in Richtung Theater und Oper verschoben. Mich faszinieren die vielen Facetten des Lebens, die auf der Bühne sichtbar werden. Als Bühnen- und Kostümbildnerin

Johanna Lakner studierte Fashion und Visual Arts, ehe sich ihr Interesse in Richtung Theater und Oper verlagerte.

kann ich eigene visuelle Welten erschaffen und diese ästhetisch prägen. Das hat mich als Künstlerin letztlich stärker interessiert als die Mode allein, auch wenn sie im Kostümbild weiterhin eine wichtige Rolle spielt. Zudem empfinde ich Theater und Oper in unserer immer schneller werdenden digitalen Welt als einen besonderen Ort: einen Raum, in dem Kunst analog entsteht und erlebt wird.

Was macht ein gutes Kostüm, eine gelungene Bühne aus? Die entscheidende Frage ist immer: Was braucht es wirklich, um die Geschichte zu erzählen? Für mich sind ein gutes Kostümbild und eine gelungene Bühne vor allem visuell klar, ohne überladen zu sein oder sich in den Vordergrund zu drängen. Es hängt immer stark vom jeweiligen Stück ab. Manchmal reicht eine sehr abstrakte, stark reduzierte Form.

Skizzen, Entwürfe und Anmerkungen von Johanna Lakner für Bühne und Kostüm des Stücks „Die Legende vom heiligen Trinker“.

Worin liegt für Sie generell der Reiz des Festivals Reichenau begründet?

Der Reiz liegt für mich gerade in seiner kleineren Struktur im Vergleich zu den großen Häusern, an denen ich sonst arbeite. Es ermöglicht ein sehr freies Arbeiten, bei dem ich innerhalb der Produktion vieles selbst übernehme. Genau darin liegt die besondere Qualität: die Möglichkeit, eigenständig zu gestalten und unmittelbar als Künstlerin zu arbeiten. Mit vergleichsweise reduzierten Mitteln eine starke Wirkung zu erzielen und das Publikum zu erreichen und zu berühren, empfinde ich als besonders spannend. Alexandra Liedtke und ich haben das im vergangenen Jahr gemeinsam mit einer großartigen Besetzung gezeigt und wir hoffen, dass uns das auch heuer wieder gelingt.

Darum geht‘s Andreas lebt als gescheiterte Existenz unter einer Brücke an der Seine, als sich ihm durch die geheimnisvolle Begegnung mit einem fremden Mann die Möglichkeit eines Neuanfangs eröffnet. Doch wie geht man damit um, wenn einen das Glück so plötzlich überfällt?

Infos

Wer. Alexandra Liedtke (Regie)

Mit: Joseph Lorenz, Julienne Pfeil, David Oberkogler, Oliver Urbanski

Wann. ab 4.7.2026 Wo. Großer Saal festspiele-reichenau.at

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STETER SEHNSUCHTS-

Julia Stemberger mit Stefan Jürgens (l.) und Martin Schwab 2024 in Thomas Bernhards „Der Ignorant und der Wahnsinnige“.

Julia Stemberger spielt seit 2008 regelmäßig in Reichenau und wurde in dieser Zeit so etwas wie das Gesicht der Festspiele. Sie weiß um den Mythos, die künstlerische Qualität und das Miteinander an diesem magischen Ort.

TEXT Klaus Peter Vollmann.

In Wien aufgewachsen, wurde Julia Stemberger im Alter von 19 Jahren mit dem Film „Herzklopfen“ über Nacht bekannt und startete in der Rolle der Schülerin Susanne eine beispiellose Schauspielkarriere, die sie nicht nur an die bedeutendsten deutschsprachigen Theater brachte, sondern die ihr auch beim Kino- und TV-Publikum große Erfolge bescherte. So spielte sie die Desdemona in George Taboris „Othello“-Inszenierung am Burgtheater, war als Charmian in „Antonius und Cleopatra“ – Regie Peter Stein – bei den Salzburger Festspielen zu erleben, gab Eliza in „My Fair Lady“ an der Volksoper, beeindruckte als Jeanne d’Arc am Münchner Gärtnerplatztheater und war im TV-Mehrteiler „Der König von St. Pauli“ für einen Straßenfeger mitverantwortlich. Auch in Robert Dornhelms Historienzweiteiler „Maria Theresia“, im Kinofilm „Schächten“ von Regisseur Thomas Roth, in der Kultserie „Vorstadtweiber“ sowie in der neuesten „Sisi“-TV-Produktion war Julia Stemberger präsent – um nur einige wenige zu nennen.

Seit 18 Jahren ist sie wiederkehrend auch bei den Festspielen Reichenau zu Gast. „Mein erstes Engagement war 2008“, erinnert sie sich im Interview. „Wir haben unter der Regie von Hermann Beil ,Die Wahlverwandtschaften‘ von Goethe auf die Bühne gebracht. Die Sommermonate sind häufig mit Dreharbeiten voll, aber da ging es sich zum ersten Mal terminlich gut aus, was für mich eine große Freude war.“

KÜNSTLERISCHE ERFÜLLUNG

ORT

Seitdem stand Julia Stemberger oft in Reichenau auf der Bühne. „Ich war in vielen Produktionen österreichischer Autoren wie Schnitzler, Roth, Hofmannsthal oder Doderer zu sehen, aber auch in Tolstois ,Anna Karenina‘ und Ibsens ,John Gabriel Borkman‘. Jede dieser Inszenierungen war eine ganz eigene Welt, auch weil die Stücke der unterschiedlichen Autoren spezielle Universen sind. Ich bin um die Vielzahl der Erfahrungen sehr dankbar.“ Vor zwei Jahren brillierte sie als Königin der Nacht in Thomas Bernhards „Der Ignorant und der Wahnsinnige“, im vergangenen Jahr berührte sie als Deborah in Joseph Roths „Hiob“. Und heuer wird sie in der Dramatisierung von Stefan Zweigs Novelle „Vierundzwanzig Stunden aus dem Leben einer Frau“ Mrs. C verkörpern. „Eine bemerkenswerte Geschichte, in der Zweig so eigenen Dichte der Sprache. In präziser Genauigkeit schildert er die

Gefühle, das psychologische Innenleben seiner Protagonisten. Menschen am Abgrund, die nach einander greifen“, schildert Julia Stemberger die Besonderheiten dieses nicht jedermann geläufigen Texts. „Meine Figur verlässt dabei alle ihre bislang gewohnten Komfortzonen, um einen Menschen zu retten. Was da an Ungelebtem erwacht und Feuer fängt, wird die Suche innerhalb des Probenprozesses sein.“

KONZENTRIERTE UTOPIE

Reichenau wird von Menschen, die hier bereits künstlerisch zugange waren, oft als Sehnsuchtsort beschrieben. Was macht ihn dazu? „Reichenau zieht interessiertes Theaterpublikum an, hier treffen sich Jahr für Jahr Kolleg*innen aus den unterschiedlichsten Theaterhäusern Wiens und, so wie ich, freischaffende Schauspieler*innen, die in einer intensiven Zusammenarbeit spannende Theaterprojekte umsetzen. Diese Ingredienzen wirken sich offenbar befeuernd und produktiv aus“, erklärt Julia Stemberger, weshalb die Festspiele über die Jahrzehnte zur Institution geworden seien. „Wir machen anspruchsvolle Abende für Leute, die das Theater lieben. Das empfinde ich als eine Verpflichtung, der ich mit Freude nachkomme.“ Maria Happel spricht von einer fünf Wochen dauernden „konzentrierten Theater-Utopie“ und lobt das generationenübergreifende Arbeiten sowie das Hochhalten des Ensemblegedankens – wiewohl es bei einem Festival natürlich kein Ensemble im klassischen Sinne gibt. Wie empfindet Julia Stemberger diese außergewöhnliche Gemeinschaft? „In Reichenau begegnen sich Kolleginnen und Kollegen in unterschiedlichen Konstellationen. Mal arbeitet man gemeinsam, mal übergibt man einander die Garderoben. Es ist ein dichtes Geflecht an Miteinander, jeder weiß, was wir in diesen fünf Wochen gemeinsam stemmen.“

Hat es sie mit ihrer reichen Erfahrung nie gereizt, auch einmal Regie zu führen? „Ich bin da zurückhaltend, weil ich großen Respekt vor einem guten Theaterabend habe. Aber wer weiß, vielleicht juckt es mich mal so sehr, dass ich das ausprobieren werde.“ Dem Mythos der bezahlten Sommerfrische muss Julia Stemberger leider abschließend eine Abfuhr erteilen. „Ich habe in Reichenau den Fokus immer auf der Arbeit. Es ist ein dichter Theatersommer, dem ich meine ganze Kraft widme. Man sieht mich eher nicht auf der Rax wandern.“ Das ist für sie schade. Und für das Publikum ein Segen.

TEXT Sarah Wetzlmayr. FOTO Stefan Fürtbauer.

THEATER OHNE AUFFANGNETZ

Stefan Zweigs Novelle „24 Stunden aus dem Leben einer Frau“ ist eine Geschichte über den Sprung ins Unbekannte. Das damit verbundene Gefühl hat viel mit dem Theater selbst zu tun, wissen Gordon Greenberg, Thomas Kahry und Nils Arztmann.

Wie fühlt es sich an, im Moment zu leben? Was verbirgt sich hinter diesem rätselhaften Zustand, der sich zwar gut als Wandtattoo eignet, außerhalb der eigenen vier Wände aber meist schwer umsetzbar scheint? Eine Figur, die ganz genau wissen muss, wie es sich anfühlt, einen mutigen Kopfsprung in unbekannte Gewässer zu unternehmen, ist Mrs. C. aus Stefan Zweigs Novelle „24 Stunden aus dem Leben einer Frau“. Der Inhalt ist schnell zusammengefasst: In einer kleinen Pension in der Nähe von Monte Carlo trifft ein namenloser Erzähler auf Mrs. C., die ihm von den Erlebnissen eines 25 Jahre zurückliegenden Tages erzählt. Seit zwei Jahren verwitwet, trifft sie im Casino von Monte Carlo auf einen jungen

Mann, der sein Vermögen verspielt hat und sich umbringen möchte. Nach einer Liebesnacht gibt sie ihm Geld und er verspricht ihr, nie wieder zu spielen. Das Versprechen kann er jedoch nicht halten. Ihre Liebe zu ihm verhilft Mrs. C. jedoch zu einer lange nicht mehr gefühlten Lebendigkeit. Statt schmerzhaft auf dem Boden der Tatsachen aufzuschlagen, landet sie also auf dem Grund ihrer eigenen Persönlichkeit, der lange Zeit verdeckt und verschüttet war. Außerdem ist es kein ruhiger Bergsee, in den sich Mrs. C. mit allem, was sie hat, hineinwirft, sondern ein Fluss, der sie augenblicklich mitreißt. Sie lässt sich von ihm mitnehmen, schwimmt mit, um nicht länger in der sie ignorierenden Gesellschaft unterzugehen.

Man verbringt den Sommer an einem tollen Ort mit tollen Menschen und darf nebenbei auch noch Theater spielen. Ich wüsste nur wenig Schöneres. – Nils Arztmann, Schauspieler

EIN LEUCHTTURM DER HOFFNUNG

„Auf den ersten Blick scheint es eine sehr einfache Geschichte zu sein, doch das täuscht“, sagt Gordon Greenberg, der die Novelle im Rahmen der Festspiele Reichenau inszeniert und gemeinsam mit Thomas Kahry dramatisiert hat. „Innerhalb dieses scheinbar einfachen Rahmens verbergen sich ein psychologischer Thriller, eine moralische Debatte und eine Art romantischer Fiebertraum.“

Im Grunde war es Wes Anderson, der ihn zu Stefan Zweig geführt hat, fügt Greenberg hinzu. „Ich wusste, dass sein Film ‚Grand Budapest Hotel‘ von Zweig inspiriert ist. An seinen Texten beeindruckt mich unter anderem, wie modern sie sich anfühlen, während sie gleichzeitig so in ihrer Zeit verwurzelt sind. Darüber hinaus besitzt er die außergewöhnliche Fähigkeit, das Innenleben seiner Figuren in genau jenem Moment einzufangen, in dem sie zu zerfallen drohen.“ Stefan Zweig sei jemand, der Emotionen nicht nur beschreibt, sondern es schafft, dass man sie selbst durchlebt,ergänzt Thomas Kahry. „Und er tut das mit einer Präzision und Klarheit, die fast schon unheimlich ist.“

Nils ARZTMANN

studierte Schauspiel am Max Reinhardt Seminar und gehört zum Ensemble des Theaters in der Josefstadt. Für seine Doppelrolle in „Das Vermächtnis“ wurde er 2025 mit einem NESTROY als „Bester Schauspieler“ ausgezeichnet. Außerdem wird er ab Herbst als Bruno Kreisky im Spielfilm „BRUNO – Der junge Kreisky“ zu sehen sein.

Die Menschen kommen nach Reichenau, um wirklich zuzuhören. Ich empfinde das als sehr befreiend.

– Gordon Greenberg, Regisseur

innerlich, lange bevor es tatsächlich vorbei ist?“

Beim Erstellen der Fassung war ihm wichtig, Zweigs Sprachkraft und psychologische Tiefe zu bewahren und gleichzeitig einen Abend zu schaffen, der heute unmittelbar trifft.

Thomas Kahry und Gordon Greenberg kennen einander schon seit mehreren Jahren. So verantwortete Greenberg die nordamerikanische Premiere seines Erfolgsstücks „Spatz und Engel“. Weitere gemeinsame Arbeiten folgten. „Wir teilen eine gemeinsame Faszination und Begeisterung für theatrale Erzählweisen, die intim und gleichzeitig groß gedacht sind. Die Festspiele Reichenau bewundere ich als Ort, an dem man sich als Theatermacher in Nuancen, Stille und emotional komplexe Zusammenhänge begeben kann, ohne das Gefühl zu haben, dem Publikum viel erklären zu müssen“, so Greenberg.

REGIE

Gordon GREENBERG

Sich von der Geschichte der Mrs. C. mitreißen zu lassen, sei auch deshalb einfach, weil es um ein Gefühl geht, das vermutlich viele Menschen kennen, hält Gordon Greenberg fest. „Nach dem Tod ihres Mannes war sie plötzlich unsichtbar, sehnte sich jedoch danach, wieder gesehen zu werden. Ich glaube, dass wir alle das Gefühl von Bedeutungslosigkeit kennen – und die damit zusammenhängende Suche nach Sinn und Verbundenheit. Deshalb ist diese Geschichte ein Leuchtturm der Hoffnung – eine Erinnerung daran, dass sich der Lauf eines jeden Lebens innerhalb eines einzigen Tages ändern kann. Man muss es nur zulassen.“

Thomas Kahrys Perspektive ist eine ähnliche: „Sie hat ihr Leben lang ‚funktioniert‘ und ihre eigentlichen Sehnsüchte weggesperrt. Und dann bricht plötzlich etwas auf. Der Moment, in dem ihre unterdrückte Lebensenergie zurückkehrt, ist extrem stark. Und auch beunruhigend. Sie gerät in einen Zustand radikaler Ehrlichkeit – und wird dadurch überhaupt erst wieder lebendig.“ Folgende Kernfragen hat er für sich aus dem Text herausdestilliert: „Bin ich noch in Kontakt mit dem, was mich wirklich antreibt? Oder lebe ich nur noch auf Autopilot? Es geht dabei auch um die Kraft eines einzelnen Moments, ein ganzes Leben zu verändern. Die Frage ist: Lässt man das zu? Oder beendet man sein Leben

Darum geht‘s in „24 Stunden aus dem Leben einer Frau“

In einer kleinen Pension unweit von Monte Carlo trifft der namenlose Erzähler der Novelle auf eine ältere Frau, die ihm von einem Tag in ihrem Leben erzählt, der alles verändert hat. Es entsteht ein mitreißender Erzählstrom zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Wann ist er eigentlich zum letzten Mal ins kalte Wasser gesprungen? Der Regisseur und Autor antwortet: „Im Grunde fühlt sich jede Theaterproduktion so an. Ich sage immer, dass man sich ja auch die Abende von Cirque du Soleil nicht ansehen würde, wenn die Artist*innen ein Auffangnetz hätten. Ich stelle mir immer vor, dass die Spieler*innen auf der Bühne Abteile haben, die ihnen Halt und Sicherheit geben. Aber innerhalb dieser Abteile können sie explodieren. Wäre es nicht fantastisch, dieses Gefühl auch im echten Leben zu haben?“

DIE MAGIE DER AMBIVALENZ

Nils Arztmann spielt Teo, jenen jungen Mann, mit dem Mrs. C. zu ihrer Lebendigkeit zurückfindet. „An Teo finde ich besonders spannend, dass wir einen jungen Menschen sehen, der für das Leben steht und gleichzeitig um sein eigenes Überleben kämpft. In dieser Ambivalenz entsteht etwas Magisches. Was genau diese Magie ist, werden wir in den Proben herausfinden“, so Arztmann, der Zweigs „Schachnovelle“ zu seinen Lieblingsbüchern zählt. Dazu passt, dass der NESTROY-Preisträger einst Kärntner Meister im Schach war. „Das Antizipieren der nächsten Züge und das Analysieren einer konkreten Stellung helfen mir jetzt vor allem in der Vorbereitung auf eine neue Rolle, beim Hineindenken in einen Charakter.“

Infos Wer. Gordon Greenberg (Regie & Dramatisierung), Thomas Kahry (Dramatisierung), mit: J. Stemberger, S. MacDonald, N. Arztmann, A. Kapl, R. Frankl Wann. ab 5. Juli Wo. Neuer Spielraum

wuchs in New York auf und trat mit 13 Jahren in seiner ersten Broadway-Show auf. Er inszenierte unter anderem am Broadway, am Off-Broadway und am Londoner West End, schrieb außerdem für Fernsehen und Bühne und entwickelt und produziert neue Stücke.

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DRAMATISIERUNG Thomas KAHRY

feierte seinen ersten großen Erfolg als Autor 2013 am Wiener Burgtheater, wo sein Musiktheaterstück „Spatz und Engel“ über sieben Jahre hinweg auf dem Spielplan stand. Für die Vereinigten Bühnen Wien schrieb er das Buch zum neuen Long Run Musical „Maria Theresia – Das Musical“.

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Wo die Stadt lebt, Kultur pulsiert und Natur atmet.

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