Jorge Galindo

AYUNTAMIENTO DE SANTANDER / GOBIERNO DE CANTABRIA

CHOQUE

JORGE GALINDO

JORGE GALINDO

MUSEO DE BELLAS ARTES DE SANTANDER

COMITÉ DE HONOR Excmo. Sr. D. ÍÑIGO DE LA SERNA HERNÁIZ Alcalde de Santander Excmo. Sr. D. FRANCISCO JAVIER LÓPEZ MARCANO Consejero de Cultura, Turismo y Deporte del Gobierno de Cantabria Ilmo. Sr. D. JUSTO BARREDA CUETO Director General de Cultura Ilmo. Sr. D. SAMUEL RUIZ FUENTES Primer Teniente de Alcalde del Ayuntamiento de Santander Sr. D. FERNANDO GARRIDO-ALLEPUZ LÓPEZ Subdirector General de Cultura Sr. D. CÉSAR TORRELLAS RUBIO Concejal de Cultura del Ayuntamiento de Santander

JORGE GALINDO

CHOQUE

U

One of the prime objectives of the programme of activities organised by Santander Museum of Fine Arts and the Department of Culture, Tourism and Sports is the ability to devote at least one of the successive exhibitions programmed throughout the year to an outstanding national artist, in order to promote the collection, as well as giving a purpose to the institutions’ joint collection as a solid and priority pillar of museum activity.

On this occasion, and in response to the needs of the people of Cantabria and all of the visitors expressing a growing interest in contemporary art, we welcome the participation of the Madrid artist, Jorge Galindo, an artist who enjoys great prestige and influence, and author of a particularly spectacular work in which he raises a reflection on today’s painting. A particularly significant collection of around thirty, colourful large format works have been brought together for this exhibition, along with an in situ installation by the artist, which will undoubtedly raise much expectation in the visitor.

no de los objetivos primordiales del programa de actividades desarrolladas desde el Museo de Bellas Artes de Santander y la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte es, además de dar sentido a la colección de ambas isntituciones como pilar sólido y prioritario de la actividad museística, el poder ofertar, de entre las sucesivas muestras programadas en el transcurso de todo el año, al menos una dedicada a un destacado artista nacional, intentado propiciar de esta manera un mejor conocimiento de la colección.

En esta ocasión, y en respuesta a las necesidades de los cántabros y de todos los visitantes que manifiestan un creciente interés por el arte contemporáneo, se ha contado con la participación del artista madrileño Jorge Galindo, artista de notable prestigio e influencia, y autor de una obra especialmente espectacular en la que plantea al mismo tiempo una reflexión sobre la pintura actual. Para esta muestra se ha logrado reunir una selección especialmente significativa de una treintena de obras de gran formato y potente colorido, así como una instalación in situ realizada por el artista, que sin duda han de generar una gran expectación en el espectador.

Through this exhibition dedicated to the interesting works of Jorge Galindo, both institutions seek to offer the public a point of information, sensitization and activity aimed at promoting and raising awareness of new artistic expression within today’s contemporary art.

Con esta exposición sobre el interesante trabajo de Jorge Galindo, ambas instituciones prosiguen su labor de poner al alcance del público un lugar de información, de sensibilización y de animación destinado a promover y dar a conocer las nuevas manifestaciones artísticas dentro del arte contemporáneo más actual.

Fracisco Javier López Marcano Minister of Culture, Tourism and Sports Cantabria Government

Fracisco Javier López Marcano Consejero de Cultura, Turismo y Deporte Gobierno de Cantabria

JORGE GALINDO

CHOQUE L

a Consejería de Cultura del Gobierno cántabro y el Ayuntamiento de Santander vienen manifestando, en una grata andadura conjunta, tanto a través de la exhibición de su Colección Permanente como de la organización de exposiciones temporales y otras actividades paralelas -conferencias, ciclos de cine, edición de publicaciones- un creciente y constante interés por la difusión del Arte de nuestro tiempo, sumando, de este modo, sinergias con la Fundación 2016 en aras a la consecución de convetir Santander en Capital Europea de la Cultura.

En esta línea de trabajo el Museo de Bellas Artes de Santander se ha erigido en un lugar idóneo para la reflexión, la divulgación del arte contemporáneo en todas sus manifestaciones (pintura, escultura, fotografía, video, instalaciones) así como para la promoción tanto de jóvenes artistas nacionales y extranjeros –Espacio MeBAS-, como de aquellos otros con una trayectoria más consolidada -El Puente de la Visión- o de figuras ya consagradas dentro del panorama nacional e internacional, como es el caso de Jorge Galindo, uno de los más significativos representantes del arte contemporáneo actual.

La muestra, que ocupa la planta baja y primera del museo, ofrece una propuesta repleta de imágenes con las que establece un diálogo armónico con el espacio, resultando una colección de gran impacto visual no exenta de una profunda reflexión sobre el estado de la pintura.

Íñigo de la Serna Hernáiz Alcalde de Santander

The Cantabria Government’s Department of Culture and Santander City Council have shown a growing yet constant interest in the spread of contemporary art throughout their joint activities, namely the their Permanent Collection and the organization of temporary exhibitions and other parallel activities -conferences, film cycles, publications-, hence joining synergies with the 2016 Foundation in order to succeed in making Santander the European Capital of Culture.

Following this line of work, the Santander Museum of Fine Arts has created an ideal venue for reflection, raising awareness of contemporary art in all of its expressions (painting, sculpture, photography, video, installations) as well as the promotion of young national and international artists -MeBAS Area-, and others with a more consolidated career -The Bridge of Vision (El Puente de la Visión)- or acclaimed figures in the national and international panorama, such as Jorge Galindo, one of the leading representatives of today’s contemporary art.

The exhibition located on the museum’s ground and first floor offers a proposal full of images establishing a harmonious dialogue with space, resulting in a collection with high visual impact, which is not without a profound reflection into the state of painting.

Íñigo de la Serna Hernáiz Mayor of Santander

JORGE GALINDO

CHOQUE

Museo de Bellas Artes de Santander De 16 de abril a 23 de junio de 2010 EXPOSICIÓN / CATÁLOGO organización, producción, gestión y edición MUSEO DE BELLAS ARTES / CONSEJERÍA DE CULTURA, TURISMO Y DEPORTE Ayuntamiento de Santander / Gobierno de Cantabria dirección y comisariado SALVADOR CARRETERO REBÉS texto LIDIA GIL CALVO coordinación BELÉN POOLE QUINTANA / ISABEL PORTILLA ARROYO restauración BELÉN LAHOZ SOLER administración MAXIMINA DE ABAJO REÑONES / Mª ESTHER MIGUEL DOSAL coordinación Consejería de Cultura M. ROSARIO MONESCILLO FRANCIA fotografía JORGE ORONOZ (Págs. 25, 43) BELÉN PEREDA (El resto) traducción VOCENTO MEDIATRADER diseño y cuidado edición MUSEO DE BELLAS ARTES DE SANTANDER impresión catálogo SOCIEDAD DE ARTES GRÁFICAS J. MARTINEZ S.L. (Maliaño.Cantabria) señalización ALBAST S.L. seguros AXA ART VERSICHERUNG AG, Sucursal en España transporte SITO ESPECIALES asistencia montaje MOBIBOX asistencia y mantenimiento JULIA Mª CABALLERO MORALES/ FERNANDO CALDERÓN DÍEZ/ JOSEFINA COBO ACEBO/ CARMEN DEL POZO CURTO/ INÉS FERNÁNDEZ MARTÍN/ LUIS GONZÁLEZ AJA/ ROSA MARÍA GONZÁLEZ VEGA/ MARIA DOLORES LAVÍN EGUÍA/ Mª ANTONIA LÓPEZ GARCÍA/ Mª DEL PILAR MARQUÉS MARTÍNEZ/ MAXIMINO MIER MURO /BLANCA AMELIA MORA GRANADOS/ ELENA ORTEGA BENITO agradecimientos Queremos manifestar un especial agradecimiento a Felicidad Moreno, a la Galería Soledad Lorenzo de Madrid, muy especialmente a Soledad Lorenzo, su directora, a Jorge Rigol, Eladio Mora y a Desguaces LATORRE. ISBN: 978-84-88285-86-8 Dep. Leg.: SA-385-2010 © De la edición: Museo de Bellas Artes / Ayuntamiento de Santander © De los textos: el autor Prohibida la reproducción total o parcial por cualquier medio o procedimiento, sin la autorización expresa y por escrito de los titulares de los copyright.

MUSEO DE BELLAS ARTES DE SANTANDER C/ Rubio, 6. 39001 SANTANDER (Cantabria/España) TELÉFONO: +34 942 203 120 – FAX: +34 942 203 125 E-mail: museo@ayto-santander.es

CONSEJERÍA DE CULTURA, TURISMO Y DEPORTE

C/ Pasaje de Peña, 2 - 1ª 39008 SANTANDER (Cantabria) España

las flores salvajes crecen bajo los puentes Lidia Gil Calvo

“Las maravillas de la creación consisten en la armonía de los únicos principios diversamente combinados, a saber: la fuerza-la belleza. […] Las fragantes beldades del mundo físico, con sus delicadísimas formas, sus suaves contornos, su armonía de colores, su existencia de amor y simpatías, las flores, ¿no tendrán correspondencia con los dulces afectos e íntimas emociones de la mujer, su reina competidora?”.

Florencio Jazmín. El lenguaje de las flores y el de los colores.

Barcelona, 1894.

“Según los contemporáneos de Goya, la palabra ‘capricho’ la empleaban constantemente los ilustrados para indicar algo arbitrario, como el término inglés caprice, aunque también tenía el sentido italiano de capriccio, refiriéndose también a un arrebato súbito de la imaginación. En realidad, el término también está ligado a caper, del italiano capro, que significa cabra. Es decir, viene a indicar algo así como ‘cabriolar como una cabra’”.

Albert Boime. Historia social del arte moderno, 2. Madrid, 1996.

Infinitas son las posibilidades que se abren a la creación, incluso cuando los elementos están previamente elegidos. Un origen caótico e incierto, un proceso de selección y manipulación y, finalmente, un resultado claro y coherente, más coherente cuanto más se vuelve a él, cuanto mayor es el diálogo con lo que allí ocurre. La magia del arte. De repente esa totalidad cobra una vida rica e independiente en la que surgen sin cesar conexiones y referencias, pero sobre todo, una plasticidad muy física, rotunda y protagonista que se impone al ojo, a la experiencia estética del encuentro. Tras el caos original, el orden, pero preñado de vida interna, de las huellas de aquel que

WILD FLOWERS GROW UNDER THE BRIDGES “The wonders of creation have to do with the harmony of the only principles that are variously combined, namely, strength-beauty. […] The sweet-smelling beauties of the physical world, with their smooth shapes, harmonious colours, loving and sympathetic existence, i.e. flowers, might they not be analogous to the sweet affection and intimate emotions of women, their reigning rivals?”

Florencio Jazmín. El lenguaje de las flores y el de los colores. Barcelona, 1894.

“For Goya’s contemporaries, capricho was pervasively used by the ilustrados to denote something arbitrary, like English term caprice, but also carried the Italian sense of capriccio, referring more to a sudden leap of the imagination. Indeed, it is related to caper, from Italian capro for ‘goat,’ that is, ‘capering like a goat.’”

Albert Boime. A Social History of Modern Art, vol. 2.

Chicago, 1990 Endless possibilities open up for creation, even when the elements have already been chosen. An uncertain, chaotic origin, a selection and manipulation process and, finally, a clear and coherent result, which becomes clearer and more coherent when one comes back to it, when there is dialogue with what happens there. It is the magic of art. Suddenly, the whole becomes alive, a rich, independent life given ceaseless birth to references and connections and, above all, to an em9

phatic physical plasticity that meets the eye, dominating the aesthetic experience of the encounter. After the original chaos there is order, but this order is pregnant with interior life, with the traces of the chaos that are there to give a meaning full of life. Seeing an artist like Jorge Galindo at work is a direct experience in the eternal, vital dialectics between order and chaos, schedule and anarchy, harmony and chance. You can grasp the complexity of the present and the battles that gave birth to it, similar to the proliferation of thoughts finding their way in your brain until they blossom into theories or the unfathomable tribulations that culminate in the certainty of love.

This exhibition-installation, and all the pieces in it, shows this life-creating, art-creating clash. No wonder it is called Choque (Clash). Clashing matter, clashing shapes, clashing concepts. Clashing colours. Painting and volume. Coherence and truth. Creative energy. The discovery of an artist who has been working on his own, indisputable style for over twenty years, clinging to the real in a world in which the virtual corners what you can see with your senses. It helps you identify yourself in the physicality that constitutes you.

One of the achievements of this exhibition, which has been mostly created at and for the Santander Museum of 10

permanecen dando sentido, lleno de vida.

Ver trabajar a un artista como Jorge Galindo permite constatar directamente esa eterna y vital dialéctica entre orden y caos, entre lo programado y la anarquía, la armonía y el azar. Permite intuir la complejidad del instante presente y las batallas que lo parieron, que es similar a la profusión de pensamientos que luchan en la mente hasta generar una teoría o a los insondables trasuntos que desembocan en el sentimiento cierto del amor.

Esta exposición-instalación, y cada una de las piezas que la conforman, evidencia este choque generador de vida, generador de arte, y ese es el título que la identifica: Choque. Choque de materias, de formas, de conceptos. De color. Es pintura y volumen. Coherencia y verdad.

Energía creadora. Es un nuevo descubrimiento para un artista que lleva más de veinte años trabajando en un estilo propio e indiscutible que defiende lo real en un

mundo en que lo virtual arrincona cada vez más todo aquello que podemos percibir con los sentidos. Nos permite reconocernos en la fisicidad que nos conforma.

Uno de los grandes valores apreciables en esta muestra, creada en su mayor parte in situ y ex profeso para el Museo de Bellas Artes de Santander, es la importancia del origen y conjunción de los soportes utilizados en cada pieza y cómo éstos dialogan con los temas que significativamente sostienen. A parte del tradicional lienzo, Galindo introduce objetos encontrados y manipulados: carteles y capós de coche. Son materiales -papel y chapa- con una existencia a sus espaldas que nada tiene que ver con el arte, confundiéndose así los ámbitos arte y vida.

En cuanto al papel está en forma de grandes carteles arrancados de los muros y pegados toscamente unos a otros por el propio artista, hacedor de todo el proceso. En algunos casos, se pueden ver restos del contenido de los mensajes, conciertos o espectáculos del pasado que, seleccionados por el azar, introducen significados aleatorios y curiosos a la obra. Esos sedimentos, estratos de vida urbana han sido recogidos muchas veces en lugares recónditos, allí donde la lluvia no los estropeara demasiado (muchos de debajo de los puentes de las autopistas), y son el humus de donde nacen esas flores desdimensionalizadas y maravillosas, exultantes de color, descaradas en trazo y formas. Los mismos carteles se hacen flores al volverse los bordes replegándose hacia el centro. En el caso de los capós de coche el artista se ha provisto en los desguaces de un auténtico “pantone” de lo más neoplasticista. Como si de 48 pétalos de flores de chapa se tratara, los fabulosos soportes de diferentes formas y colores (pintura al fin y al cabo), que mantienen en algunos casos los motivos de las empresas a las que pertenecieron, han sido seleccionados e intervenidos y conforman una genial instalación titulada El choque que por sí misma valdría la exposición.

Fine Arts, is the importance attached to the origins and constellations of the media used in each piece, as well as to the interaction between them and the themes they are a signifying support of. Alongside traditional canvases, Galindo introduces objects he has found and manipulated: posters and car bonnets, for instance. These materials –paper and metal sheets– have an existence of their own before art, and so art and life blend.

Paper is present in the form of big posters ripped off walls and glued together by the artist –the maker of the whole process. In some cases, communication residues are visible –randomly selected past messages, concerts, or shows giving rise to fortuitous and curious meanings. This detritus of city life was collected in secluded places, where it could not be touched by rain (under highway bridges, for example). It is the hummus for marvellous undimensional flowers, brimming with colour, bold in their strokes and shapes. The posters themselves become flowers when their edges fold inwards. As to the metal sheets, the artist has furnished himself in scrap yards with a real Pantone palette in the tradition of Neoplasticism. As if they were forty-eight metal flowers, the fabulous media in different shapes and colours (it is painting after all), some of which have kept the motifs of the car makers who first used them, have been selected and tampered with to make a brilliant installation, El choque (The Clash), which is worth the whole exhibition alone.

The objects found recover time, setting it free from linear chronology. What they used to belong to still re11

Los objetos encontrados recuperan el tiempo, lo liberan de lo cronológico lineal. Vibra en ellos aquello a lo que antes pertenecieron, poseen una vida previa que transmuta cobrando nuevas lecturas, nuevas vidas. Lienzo, papel y chapa se ensamblan en algunas piezas combinadas generando obras de una poderosa plasticidad sobre las que actúa con trazo brusco y gestual la propia pintura, sustituida en ocasiones por la incisión, los surcos en la suciedad, respetada e introducida en la obra, o los golpes para dar volumen y movimiento. Si bien es evidente el parentesco con la estética pop de los assemblages a lo Rauschenberg (a quién Galindo hace un guiño explícito en Belushi Combine y Flores para Robert), también es cierto que el proceso de creación tiene mucho de la pintura de acción que consideraba el lienzo o el soporte como un ruedo en el que el artista lidia con los materiales volcando toda su energía vital en el proceso creativo, cuerpo a cuerpo. verberates in them; they have a previous life of their own which transmogrifies into new readings, new lives. Canvas, paper and metal are assembled into combined pieces, works whose powerful plasticity is operated on by painting in rough strokes like gestures, sometimes replaced by incisions –grooves in dirt, introduced and respected in this work– or blows for volume or movement. Even when the connections with the pop aesthetics of Rauschenberg’s assemblages are self-evident (there are direct allusions to the American artist in Galindo’s Belushi Combine and Flores para Robert), it is no less obvious that the creation process has a lot to do with action painting, where canvases or other media are a bullring in which the artist fights hand-to-hand against materials using up his energy.

To this mix of times, media, and techniques we should add one more element if we are to understand this exhibition’s eclecticism, the idea of fragmentation it conveys –a distinctive feature of our times. This element abides by no law other than the complexity it is strung with. It is the iconography, and it is inexorably linked to style or the maniera in which style is expressed. If the exhibition is split into three distinct sections, there are strategic ties that create a whole that accounts for Jorge Galindo’s career in the past ten years. Thus, there are common topics in the various rooms of the museum which the artist had explored before too: flowers (still lifes), women (nudes), clowns, what could be referred to as “caprices of photomechanics,” direct and indirect references to the history of art –Robert Rauschenberg, Salvador Dalí, Francisco de Goya, artists Galindo admires and alludes to.

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A este combinado de tiempos, soportes y técnicas vamos a sumarle un elemento más para dar cuenta del eclecticismo que caracteriza la muestra, de la fragmentación que transmite, tan característica de nuestro tiempo, y que no responde a otra cosa que a la complejidad que lo enhebra. Ese elemento es el iconográfico, inevitablemente unido en este caso al estilo o maniera en que éste se plasma. Si la muestra está dividida en tres ámbitos bien diferenciados, existen nexos estratégicos que hacen de ellos un todo a través del cual se puede explicar la trayectoria de Jorge Galindo en los últimos diez años. Así, al recorrer las salas del museo nos encontramos algunos temas básicos trabajados ya ampliamente por el artista: las flores (el bodegón), la mujer (el desnudo), el payaso, lo que podríamos llamar “caprichos de la fotomecánica” y las alusiones directas o indirectas a la historia del arte, como las dedicadas a Robert Rauschenberg, Salvador Dalí o Goya, a los que admira y referencia explícitamente.

Galindo funde continuamente lo que se denomina alta y baja cultura, arte y comunicación de masas, lo popular y lo intelectual, lo racional y lo surreal, la tradición y la vanguardia, con un sentido kitsch y retro que vertebra toda su obra. Es lo que po-

dríamos llamar el “jorgismo”, término que introduce en un collage de 1993 emulando al “ramonismo” de su querido y admirado Ramón Gómez de la Serna. Esta manera de hacer genera entre la obra y el espectador una distancia muy interesante, muy proclive a la crítica social desde el estilo. No es muy explícita pero sí efectiva, plantea conflictos aunque no aporta las soluciones, habla de la sociedad y se pronuncia con sutilidad, con métodos similares a los que operan en la ironía, desde el impulso auténtico y la espontaneidad. El resultado es un arte libre y muy directo que ataca los convencionalismos y los modos del buen gusto llegando muchas veces a lo irreverente.

De esta manera, revisita algunos de los géneros clásicos de la historia de la pintura, de la que es gran conocedor y apasionado. Los reinterpreta a su manera, los desmitifica o desvela, los trae a la cultura mass media, a nuestra sensibilidad pos-

Galindo is always merging the so-called high and low cultures, art and mass communication, the popular and the intellectual, the rational and the surreal, tradition and avant-garde in a kitsch and retro sense that is the backbone of his work. His style could be described as “jorgismo,” a term he himself introduced in a collage in 1993, emulating the “ramonismo” of Ramón Gómez de la Serna, whom Galindo loves and admires. This style creates an interesting distance between the works and the viewers, making them prone to social criticism through style. It is not explicit but it is effective, expressing conflicts but avoiding solutions, speaking subtly of society with methods similar to those used in irony, out of genuine impulse and spontaneity. The result is art that is free and straightforward, fighting conventionality and taste, sometimes verging on irreverence.

This is Galindo’s way of revisiting the classical genres in the history of painting, which he is well acquainted with and is passionate about. He reinterprets them, inserting them in mass media culture, adapting them to our postmodern sensitivity. Female nude is a case in point. Whereas traditionally, naked women were symbolic and allegorical, part of typified mythological or religious themes –nude in 13

conceptual disguise, far away from the real, everyday contents of the body, hypocritically confined to the realm of (of course, male) desire and pleasure, Galindo adds this sense to the genre, showing it as it is consumed in society. On the one hand, he resorts to erotic magazines of the 1960s and 1970s, whose pictures even look naïve today. He has used these motifs for many years in his collages and photomontages; they can be identified in Poupette or Desnudo rojo para Dalí. The other nudes scattered throughout the exhibition in the car bonnets have been taken from the flyers handed out by prostitutes for advertising purposes in London, the city where the artist now lives with his family.

In sketchy yet powerful and beautiful images, Galindo has kept the original seductive poses and even the phone numbers. Prostitution is not a resolved issue. It is still wrapped in ambiguity and double moral standards. Galindo show this naturally.

In his assemblage Busty, ads are stuck on the glass of what used to be the back door of a van –somehow reminiscent of the interior of a truck’s cab and, therefore, a kitsch temple par excellence. The work, which is brilliant for the capricious volume and amazing colours of the metal 14

moderna. El desnudo femenino por ejemplo. Tradicionalmente sólo se permitía ser tratado desde el símbolo y la alegoría, en temas mitológicos o religiosos tipificados, el desnudo conceptualmente disfrazado, alejado del contenido real y cotidiano del cuerpo, relegado hipócritamente de la esfera del deseo y el placer (evidentemente masculinos). Galindo restablece este sentido al género mostrándolo tal y como se consume en la sociedad. Por un lado utilizando como modelos las reproducciones de antiguas revistas eróticas de los años sesenta y setenta, que hoy resultan hasta inocentes. Son los temas que utiliza desde hace años en sus collages y fotomontajes y que están en la base de Poupette o de Desnudo rojo para Dalí. Por otro, las demás representaciones de desnudos que aparecen salteadas por la exposición y representadas en los capós, provienen de los pequeños flyers con los que las prostitutas se publicitan realmente por las calles

de Londres, ciudad a la que Galindo se ha trasladado recientemente con su familia. En representaciones muy sintéticas, llenas de fuerza y belleza mantiene las posturas seductoras de las chicas e incluso los números de teléfono de contacto. No olvidemos que la prostitución no es todavía un tema solucionado en nuestra sociedad. Existe todavía mucha ambigüedad y doble moral al respecto. Galindo lo muestra con naturalidad.

En el ensamblaje Busty (tetona en inglés), los cartelitos anunciantes aparecen pegados directamente en el cristal de lo que fue la puerta trasera de una furgoneta, que recuerda de alguna manera a esos interiores de las cabinas de los camiones, templos del kitsch por excelencia. En esta pieza, genial por su volumen azaroso y los magníficos colores de las chapas utilizadas, aparece también un antiguo cubo de fregona rosa, que se puede relacionar con otro aspecto doméstico contemplado en la exposición que choca con el sheets, includes a pink mop bucket which can be related estereotipo de la mujer de la calle. Aparece to the theme of the domestic world also present in the en un maravilloso óleo sobre papel titulado exhibition, standing in sharp contrast to the stereotype of Poupette, perteneciente a una larga serie the streetwalker. It is in Poupette, a wonderful oil on pade fotomontajes pintados en 2003. Sobre per belonging to a series of photomontages from 2003. un fondo negro delicadísimo se siluetea Against a delicate black background there is a woman’s en grisalla el perfil desnudo de una mujer, profile silhouette in grisaille, her face turned to look at the su rostro se gira hacia el espectador, sin viewer but covered with a sort of cross-stitch veil, the most embargo está cubierto por una especie de popular hobby among women when the first erotic magamáscara de punto de cruz, que es lo que zines were published in Spain. The painting corresponds la mayoría de las mujeres hacía cuando se with a black bonnet wrecked in an accident –itself an acpublicaban esas revistas de los comienzos cidental sculpture–, emphasising the clash of concepts, the del destape en nuestro país. Se corresponmix of roles women are expected to play in a patriarchal de en el montaje con este cuadro un capó society. In The System of Objects, Jean Baudrillard reflects negro destrozado por un accidente, toda on the car’s place in the cultural system of our capitaluna escultura accidental, corroborando ist society. With obvious male connotations (stereotypes ese choque de conceptos, esa confusión again), cars are associated with eroticism and narcissistic de roles a los que la mujer está sometida projection, to freedom, to a sense of control of space-time en una sociedad patriarcal. En El sistema through speed: “Home means a regressive attachment to de los objetos, Jean Baudrillard reflexiona domestic relationships and habits, whereas the intimacy of sobre el lugar que tiene el automóvil en el the car arises from an accelerated space-time metabolism sistema cultural de nuestra sociedad capiand, inextricably, from the fact that the car may at any talista. Todavía tiene claras connotaciones time become the locus of an accident: the culmination in a masculinas -volvemos a los arquetipos-, chance event –which may in fact never occur but is always unidas al erotismo y a la proyección narimagined, always involuntarily assumed to be inevitable– cisista, a la libertad, al sentimiento de doof that intimacy with oneself, that formal liberty, which is minación del espacio-tiempo a través de la never so beautiful as in death”. velocidad: “La intimidad del hogar es la de la involución en la relación doméstica Flanking both works and facing one another, two y el hábito. La intimidad del automóvil es twin canvases show different ways of painting. They are la del metabolismo acelerado del tiempo y Desnudo rojo para Dalí (2006) and Desnudo para Dalí 15

del espacio, y es, a la vez, el lugar siempre posible del accidente en el que culmina en un azar, una posibilidad jamás realizada tal vez, pero siempre imaginada, siempre involuntariamente asumida de antemano, de esa intimidad consigo mismo, de esa libertad formal que tal vez nunca es tan hermosa como en la muerte”.

Flanqueando ambas piezas y enfrentados, dos lienzos hermanos nos hablan de dos formas de trabajar. Son Desnudo rojo para Dalí (2006) y Desnudo para Dalí (2009), otro de sus artistas admirados, pintor de oficio y tan maravillosamente surrealista. El primero, pintado tradicionalmente, de vivos colores y pincelada prieta y uniforme, con sus sombras y detalles, nace de un fotomontaje hecho por Galindo y que posteriormente ha sido copiado al lienzo por un pintor profesional de carteles en un ejercicio de ventriloquia, como afirmaba el propio artista. Es interesante el término con el que (2009), Dalí being another of the artists Galindo admires, lo define, que etimológicamente significa a painter by trade and a marvellous surrealist. The former el que habla con el vientre (con el pincel), was painted in a traditional fashion, using bright colours a diferencia del que habla (pinta) con la and firm, homogeneous strokes, depicting shadows and mente, el que realmente inventa la obra o details. It was part of a photomontage and then copied crea la idea. En el arte contemporáneo, este on canvas by a professional poster painter in an exercise in último es el que asume la autoría frente al ventriloquy, as the artist himself describes it. Interestingly que la ejecuta manualmente, como planenough, a “ventriloquist” is someone “who speaks with teara Duchamp a principios de siglo XX their bowels” (with a paintbrush), unlike those who speak oponiendo pintura retiniana y arte de con(paint) with their brains, that is, those who invent a work cepto. Reflexionando sobre este juego conof art or create the idea of it. In contemporary art it is the ceptual, Galindo elabora su propio Desnulatter that assumes authorship to the detriment of those do para Dalí de puño y trazo en 2009, con who do the manual work (cf. Duchamp’s rejection of “retilíneas esenciales y enérgicas, lleno de vida nal” art vis-à-vis conceptual art). Exploring this conceptual y desechado lo anecdótico, en una ejecugame, Galindo painted Desnudo para Dalí in his own hand ción mucho más personal. in 2009, using essential, vigorous brushstrokes. A much more personal rendering, the new painting is full of life; it has done away with the incidental.

This type of ventriloquy underlies L’Auguste Celito (2007), a portrait of one of the famous Rivel clowns, Celito, who in the circus shows he held with his brothers performed the role of the red-nose quintessential clown, clumsy and silly, always tripping over things, always slapped in the face. Clowns have been one of Galindo’s favourite iconographic themes of the past few years. In fact, many artists were fascinated by these colourful yet complex circus characters, who are themselves works of art: so plastic are they, with their unique, non-transferable makeup, that they become a grotesque metaphor of human beings and their underlying comicality, of our individual and social beings, of what we are and what we would like to be.

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El mismo juego de ventriloquia está debajo de L’Auguste Celito, de 2007, en que se representa a uno de los célebres payasos Rivel, Celito, que en el espectáculo circense que desarrollaba con sus hermanos hacía el papel de augusto, el de la nariz roja, el típico payaso torpe y bobo que se tropieza siempre con todo y se lleva las bofetadas de los demás. El clown o el payaso ha sido otro de los temas iconográficos que Galindo ha trabajado profusamente en los últimos años. Muchos artistas antes quedaron fascinados por estos personajes circenses complejos y coloristas, una obra de

arte en sí mismos, tan plásticos, cada uno con su maquillaje único e intransferible que son la metáfora un tanto grotesca del propio ser humano y su comicidad latente, de nuestra expresión individual y social, de lo que somos y nos gustaría ser. Kitsch por excelencia, es un personaje cargado de ironía y sentido del humor, de sentido profundo y serio que, por otro lado, aparece reproducido hasta la saciedad en cualquier tipo de producto sin importar la forma y el lugar: tazas, pijamas, cajas de galletas, de rotuladores, de detergentes… Se ajusta perfectamente a una de las definiciones del kitsch que Umberto Eco hace en su estudio Apocalípticos e integrados: “es kitsch aquello que se nos parece como algo consumido; que llega a las masas o al público medio porque ha sido consumido; y que se consume (y, en consecuencia, se depaupera) precisamente porque el uso a que ha estado sometido por un gran número de consumidores ha acelerado e intensificado

Inherently kitsch, clowns are irony-laden characters with a deep and earnest sense of humour who are endlessly reproduced in all kinds of products, whatever their format and place: cups, pyjamas, biscuits, felt-tip pens, washing powder… In fact, they match one of Umberto Eco’s definitions of kitsch in Apocalypse Postponed: “We could say that the term ‘Kitsch’ can be applied to any object that (a) appears already consumed; (b) reaches the masses, or the average customer, because it is already consumed; and (c) will quickly be reconsumed (and, therefore, impoverished), because the use to which it has already been put by a large number of consumers has hastened its erosion.” Gómez de la Serna has a long, beautiful and tender section on clowns in El circo, but it is not the only work by him we can associated with Galindo’s aesthetics. Think of Greguerías, Disparates, Variaciones, Senos or El rastro. Galindo knows them well: “Clowns hold the circus, and maybe life, up, and it is a source of consolation knowing that, after our death, they will continue clowning around”.

Celito brings a huge red tulip to his red conk. Something similar could be seen in the long clown series displayed at the MUSAC exhibition dedicated to Galindo 17

su desgaste”. A los payasos dedica también Gómez de la Serna un largo apartado lleno de belleza y ternura de su libro El circo, que no es el único vinculable a la estética de Galindo; podemos pensar en las Greguerías, Disparates, Variaciones, Senos o El rastro, títulos todos ellos que el pintor conoce al dedillo: “El clown es el que sostiene el circo y quizás sostiene la vida, siendo lo que más consuelo nos da el saber que después de nuestra muerte ellos continuarán con sus payasadas”.

Celito acerca a su rojo narizón de payaso un enorme tulipán rojo.

Igual sucedía en la extensa serie de payasos mostrada en la exposición que el MUSAC dedicó al artista el pasado año, que todos los payasos cubrían parte de su cara con flores. Este es el origen, además del deseo de trabajar otro de los grandes géneros desde esa perspectiva kitsch antes comentada, de los bodegones de flores que ocupan la planta baja del Museo santanderino. Esas (Castile-León, 2009): all the clowns had their faces hidden flores, exuberantes y salvajes, hablan tambehind flowers. This is the origin, alongside the desire to bién de la seducción y el deseo. Más que work with another main genre in the kitsch perspective abundantes son las relaciones que siemalready discussed, of the still lifes on the ground floor of pre se han hecho entre la flor y la mujer. the Santander museum. Wild and exuberant, these flowers Tanto en la llamada alta cultura, como en also hint at desire and seduction. Countless relationships la media y la baja. Como ejemplo del arte have been established between flowers and women, both religioso, la Virgen tenía simbolizados en in high culture as in mid-brow or mass culture. In religious los diferentes tipos de flores todos sus atriart, Virgin Mary had all Her attributes symbolised in difbutos. Como ejemplo de la cultura popular ferent types of flowers. In popular culture, there is a great Silvio Rodríguez compuso una canción gesong by Silvio Rodríguez, “Flores nocturnas,” which is a nial titulada Flores nocturnas en que hace collection of similes between flowers and the prostitutes un sinfín de hermosos símiles ente las floon Fifth Avenue. As to low culture, kitsch and pomposres y las chicas que ofrecen sus servicios ity, we can mention on of our epigraphs: alga la cita que en la Quinta Avenida. Y como ejemplo de encabeza este texto, extracto del inestimable libro El lenla baja cultura, de lo kitsch y rimbombante guaje de las flores y los colores. Adicionado con el de la sin desperdicio, valga la cita que encabeza sombrilla y pañuelo. Emblema de las flores y colores. El este texto, extracto del inestimable libro El valor real que tienen. Los ojos negros y los azules. Edición lenguaje de las flores y los colores. Adiaumentada con varias poesías alusivas a las flores. Diez cionado con el de la sombrilla y pañuelo. magníficos cromos [The Language of Flowers and Colours.

Emblema de las flores y colores. El valor Enriched by Those of Umbrellas and Handkerchiefs. Symreal que tienen. Los ojos negros y los azubols of Flowers and Colours. Their Real Value. Black and les. Edición aumentada con varias poesías Blue Eyes. Enriched edition with several poems about flowalusivas a las flores. Diez magníficos croers. Ten wonderful picture cards], a curious book by one mos, curiosa obra de 1894 firmada por un Florencio Jazmín, printed in 1894. tal Florencio Jazmín.

In his usual creative process, Galindo collects magaSegún su habitual proceso creativo, zine motifs of different times, subjects and places, flyers, Jorge Galindo va recogiendo motivos de books, and other tokens of photomechanics. All these revistas de todas las épocas, materias y luiconographic caprices, taken out of context and loaded gares, panfletos, libros y demás artículos with irony or curiosity, are glued on the pages of his field 18

de la fotomecánica. Todos esos antojos iconográficos, descontextualizados, cargados de ironía, a veces, de rareza o de curiosidad otras, quedan guardados o pegados entre las páginas de sus cuadernos de campo, en un corta y pega incesante y compulsivo que nace de dos actividades creativas por sí mismas: la atenta observación del mundo sorprendente y la capacidad de selección. Muchos de esos motivos son entonces los que más tarde encuentran orgánicamente su lugar en un cuadro, en una chapa o en un papel. Es intensa y prolífica la dedicación que Galindo ha volcado en los collages a lo largo de diferentes series desde sus comienzos en el arte. Aquí el proceso es distinto, esos recortes son modelos iconográficos a partir de los cuales interviene, por ejemplo, los cuarenta y ocho capós de coche que conforman la instalación El choque. Algunos capós quedan tal y como los vio en el desguace, pues considera su plasticidad suficientemente interesante; en otro dibuja de nuevo una flor (ligando la pieza a los papeles de notebooks –a ceaseless, compulsive cut-and-paste out of flores); en otro un hooligan brutal con la two activities that are creative in themselves: the careful cara pintada, casi como un payaso (Celito observation of the surprising world and the capacity to sepermanece en medio de la escena, con la lect. Many of these motifs will then systematically find their mirada perdida); en otro respeta el motivo place in a painting, on a metal sheet or a poster. Galindo que ya traía el capó; en varios de ellos pinta was worked feverishly and prolifically on collages in differla silueta de una prostituta con su número ent series since the beginning of his artistic career. Here the de teléfono; en otros la graba en la chapa o process is different, for the clippings are iconographic modla marca con el dedo en el polvo acumulaels the artist operates on; for instance, the 48 car bonnets do por el tiempo; otro es golpeado para que of the installation El choque. Some bonnets appear exactly adquiera volumen… Mezclando procedenas Galindo found them at the scrap yard, for he considered cias de diferentes tiempos y lugares, Galintheir plasticity to be interesting enough. In others, he draws do muestra todo un inventario de caprichos a new flower (connecting the piece to flower papers) or a iconográficos y formales que en esta pieza fierce hooligan with a painted face or a clown (Celito in the múltiple intercala con versiones propias de middle of the scene, his eyes fixed on the horizon). Still in algunos conocidos Caprichos de Francisco others, he keeps the original motifs, or paints or engraves de Goya. the silhouette of a prostitute with a phone number below Los Caprichos (no puedo evitar la comparación terminológica con los Disparates, las Variaciones o las Greguerías de Ramón) son ochenta grabados que Goya editó en 1799 y en los que el autor, haciendo alarde de una inusual libertad creativa, criticaba y satirizaba a la sociedad alineándose con las posturas ilustradas que en la época defendían intelectuales amigos como Jovellanos, Ceán Bermúdez, Menéndez Valdés o Leandro Fernández de Moratín. Desde el Capricho nº 1, el autorretrato en que Goya firma y se define orgulloso

or just draws her with his finger on the dust deposited by time. Others are battered for greater volume. And so on.

Mixing origins in space and time, Galindo reveals an inventory of iconographic and formal caprichos, alternating in this multiple piece installation with his own versions of the most famous of Goya’s Caprichos.

Los Caprichos (the lexical resemblance with Ramón’s Disparates, Variaciones or Greguerías cannot be overlooked) are a set of 80 aquatint prints created by Goya and published as an album in 1799. Unusually creative, the prints condemn the universal follies and foolishness in the Spanish society in which Goya lived. Thus, the painter sides with his friends, intellectuals like Jovellanos, Ceán Bermú19

como pintor, Galindo parece ejercer un nuevo ejercicio de ventriloquia al hablar a través del propio Goya y declararse como él, pintor; pues Jorge Galindo se siente pintor en cuerpo y alma y adora su oficio. Así mismo, parece dejar caer algunas observaciones sobre la sociedad de hoy, pues observando con detenimiento el fondo de los temas nos damos cuenta de que hay cosas que parecen no cambiar demasiado. Capricho nº 12: A la caza de dientes, arrancaban los dientes a los ahorcados para los hechizos, “lástima que el vulgo crea en tales desatinos”, la superstición y el esoterismo; Capricho nº 23: Aquellos polvos… trajeron aquellos lodos; Capricho nº 24: No hubo remedio, la mujer ajusticiada “todo se lo merece, nadie puede avergonzar a quien no tiene vergüenza”... quizás se trataba de una flor nocturna.

dez, Menéndez Valdés, or Leandro Fernández de Moratín.

Right from Capricho No. 1, a self-portrait in which Goya defines himself and signs proudly as a painter, Galindo is making a new exercise in ventriloquy, speaking through Goya and describing himself as a painter, just like his predecessor. Galindo paints wholeheartedly and loves his trade.

In addition, his versions of Goya’s Caprichos reveal his stance on contemporary society. Taking a closer look at the subjects, we can see that some things do not seem to have changed much. Capricho No. 12: A la caza de dientes: Teeth were pulled out of hangmen’s mouths for spells.

“What a pity ordinary people believe in such nonsense.”

Superstition and esotericism. Capricho No. 23: Aquellos polvos… brought these mud. Capricho No. 24: No hubo remedio: A sentenced woman. “She deserves it all. Nobody can make a shameless woman feel ashamed.” Maybe she was a flower of the night.

Choque begins (or finishes) with a huge sheet of paper representing Capricho No. 41: Ni más ni menos. It is a fantastic allegory of painting: a monkey is holding a palette and a paintbrush in an artistic attitude. His model is a donkey.

No matter how much the model insists on being touched up, the artists cannot erase its animal nature. Goya was asked to do this all the time. He was asked to present reality in disguise.

In this ironic print, Goya and Galindo rehabilitate truth in art, the need of artists to be themselves and place their creative freedom above all else. This exhibition by Jorge Galindo is, I believe, a good example of their standpoint.

20

Choque se abre (o se cierra) con un gran papel que representa el Capricho nº 41: Ni más ni menos. Se trata de una fantástica alegoría de la pintura: un mono sostiene la paleta y el pincel en artística actitud. Pretende pintar a un asno modelo y, por mucho que quiera retocarlo a petición de éste, no logra esconder su animalidad.

A Goya se le pedía ese ejercicio continuamente, que disfrazara la realidad. A través de esta estampa llena de sátira e ironía, tanto Goya como Galindo reivindican la verdad en el arte, la necesidad de que el artista pueda ser auténtico y anteponga su libertad creativa, por encima de todo lo demás.

Creo que en esta gran muestra de Jorge Galindo, tenemos un buen ejemplo de ello.

JORGE GALINDO

CHOQUE

22

L´Auguste Celito. 2007. Acrílico sobre tela.

240x200 cm CONSEJERÍA DE CULTURA, TURISMO Y DEPORTE. GOBIERNO DE CANTABRIA

El choque. 2010. 48 cap贸s de coche. Medidas variables

28

30

32

36

38

Desnudo para DalĂ­. 2009. Ă“leo sobre lienzo. 250x200 cm 40

42

Desnudo rojo ( para Dalí ). 2006. Óleo sobre lienzo. 250x200 cm Poupette. 2003. Óleo sobre papel. 150x100 cm 44

Ni mรกs ni menos. 2009. Mixta sobre papel. 217x142 cm 46

Masquerade. 2009. Óleo sobre lienzo y papel. 282x400 cm CORTESÍA GALERÍA SOLEDAD LORENZO

Bon Baisers 2. 2009. Óleo sobre lienzo y papel. 282x400 cm CORTESÍA GALERÍA SOLEDAD LORENZO

Papeles arrancados Nยบ 18, Lady Belper. 2009. 210x100 cm

Papeles arrancados Nยบ 1, Mojave. 2009. 280x100 cm

54

Papeles arrancados Nยบ 12, Prelude. 2009. 140x90 cm

Papeles arrancados Nยบ 16, Wink rosa. 2009. 140x100 cm

Papeles arrancados Nยบ 17, Wink. 2009. 140x100 cm 56

Belushi Combine. 2010. T茅cnica mixta. Papel y cap贸 de coche. 260x170 cm Flores para Robert. 2010. T茅cnica mixta. Papel y cap贸 de coche. 260x290 cm 58

El choque 07548313851. 2010. Óleo sobre capó de coche. 144x130x8 cm Busty. 2010. Ensamblaje de chapa y collage. 267x160x128 cm

JORGE GALINDO Madrid 1965 EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2010 Choque. Museo de Bellas Artes. Santander.

2009

Flores y papeles arrancados. Galería Soledad Lorenzo. Madrid La pintura y la furia. MUSAC. León.

2007

Pintura de todos los géneros. Galería Soledad Lorenzo. Madrid.

2005

The job of Eden. Galería Ramis Barquet. New York.

Fotomontajes Pintados. Galería Soledad Lorenzo. Madrid

2004

Pretty in pink. Galería Alejandro Sales. Barcelona.

Nus. Mundial-Confianca Chiado 8 Arte Contemporánea. Lisboa.

Nus. Galería Fernando Santos. Porto.

2003

Galería La Nave. Valencia.

Odo-ro-no. Galería Fernando Latorre . Zaragoza.

Le roí ornamental. Galería Soledad Lorenzo. Madrid.

2001

Calle de Abastos (pinturas). Galería Soledad Lorenzo. Madrid.

Calle de Abastos (pinturas). Sala Amós Salvador. Logroño.

2000

Caprichos. Galería Fernando Santos. Oporto.

Galería La Nave. Valencia.

Patchwork 1996-1998. Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo.

Badajoz.

1999

Pintura Animal. Espacio Uno. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. Madrid.

La vida des Bétes. Galería Soledad Lorenzo. Madrid.

1998

Palacio de Abrantes. Salamanca Galería Ramis Barquet. New York Jorge Galindo, Miscelánea de Pinturas. Galería OMR. México D.F.

1997

Patchwork. Galería La Nave. Valencia.

Fotomontajes. Galería Soledad Lorenzo. Madrid.

1996

Pinturas y Fotomontajes 1992-1996. Galería Ramis Barquet. Monterrey. México.

Galería Soledad Lorenzo. Madrid.

1995

Galería La Nave. Valencia.

Galería Manuel Ojeda. Las Palmas de Gran Canaria.

1994

Galería Fernando Latorre. Zaragoza.

Galería Soledad Lorenzo. Madrid.

1992

Galerie Calart. Ginebra.

1989

Galería Víctor Martín. Madrid.

EXPOSICIONES COLECTIVAS 2009

ARCO 09. Stand Galería Soledad Lorenzo. Madrid.

MODERN STARTS- Arte contemporáneo en la colección CIRCA XX- Pilar Citoler.

Palacio de la Merced. Córdoba.

Pintura-escultura, AENA arte. Palacio de Villavicencio. Jerez de la Frontera.

Experiencias 3. Museo de Bellas Artes de Santander.

Cortar y pegar. Galería Artesonado. La Granja. Segovia.

2008

ARCO 08. Stand Galería Soledad Lorenzo. Madrid.

Una nueva mirada, Colección AENA de Arte Contemporáneo. Sala Arquerías. Madrid.

PARANGOLÉ, Fragmentos de los 90. Museo Patio Herreriano. Valladolid.

Divertimentos (junto a Felicidad Moreno). G.E.Galería. Monterrey. México.

Exposición inaugural. OTR Espacio de arte. Madrid.

AENA, Colección de Arte Contemporáneo. Hospedería Fonseca. Salamanca.

No mas héroes, la colección VIII. Museo ARTIUM. Vitoria.

2007

Existencias. MUSAC. León AENA, Colección de Arte Contemporáneo. Convento de Santa Inés. Sevilla.

SH Contemporary. Stand Galería Soledad Lorenzo. Shanghai.

Salzillo 21. Sala Verónicas. Murcia.

Fondos de la Colección Coca-Cola. DA2 Domus Artium. Salamanca.

Adquisiciones y proyectos 2003-2006. Museo Municipal de Arte Contemporáneo. Madrid.

ARCO 07. Stand Galería Soledad Lorenzo. Galería Ramis Barquet. Madrid.

Secuencias 76/06, Arte Contemporáneo en las Colecciones Públicas de Extremadura. MEIAC. Badajoz.

2006

¿Viva Pintura!, Aktuelle positionen spanischer Malerei. Hangart-7, Saltzburgo. Austria.

El efecto Guerrero y la pintura española de los años 70 y 80. Centro José Guerrero.

Granada y Museo de Navarra. Pamplona.

AENA, Col.lecció d’art contemporani. Edifici Forum. Barcelona.

Enlaces + dos, Ultimas adquisiciones. Museo Patio Herreriano. Valladolid.

Colección AENA de Arte Contemporáneo. Fundación Rodríguez Acosta. Granada.

Art 37 Basel. Stand Galería Soledad Lorenzo. Basilea.

ARCO 06. Stand Galería Soledad Lorenzo, Galería Ramis Barquet. Madrid.

AENA Arte, obra sobre papel. Sala Arquerías de Nuevos Ministerios. Madrid.

2005

2004

Art’Basel Miami. Stand Galería Ramis Barquet. Miami.

Colección AENA de Arte Contemporáneo. Fundación Rodríguez Acosta. Granada.

Acentos en la colección Caja Madrid, Pintura Española Contemporánea. Sala de las Alhajas. Madrid.

El Barco del Arte. Muelle Uribitarte. Bilbao.

Art 36 Basel. Stand Galería Soledad Lorenzo. Basilea.

Lenguajes y Sentidos, Colección Caja Burgos. Museo de la Pasión. Valladolid.

ARCO 05. Stand Galería Soledad Lorenzo, Galería Alejandro Sales. Madrid.

Experimentación en la colección de fotografía del IVAM. Fundación Astroc. Madrid.

Las pasiones inútiles, 20 años de la Galería Manuel Ojeda. Galería Manuel Ojeda.

Las Palmas de Gran Canaria.

Imagen y representación. Arte y Naturaleza, centro de arte. Madrid.

La Colección de Caja Burgos. Museo de Bellas Artes de Santander.

Travesías, Arte Actual Dominicano y Español. Centro Cultural de España. Santo

2003

Domingo. República Dominicana.

Sombras y deseos. La Colección 2. Centro de Arte Caja Burgos. Burgos.

Aena, Colección de Arte Contemporáneo. Fundación Caja Vital Kutxa. Vitoria.

ARCO 04. Stand Galería Soledad Lorenzo, Galería Fernando Santos, Galería Ramis Barquet. Madrid.

Incubator. 250 Hudson St. Space. New York.

Art 34 Basel. Stand Galería Soledad Lorenzo. Basilea.

Itinerario, Miguel Logroño: Una vida para el arte. MEIAC. Badajoz.

Cuadros de una Colección, fondos de la Colección de Fotografía de la Comunidad de Madrid. Sala de Exposiciones de la Comunidad de Madrid.

Citric Desig. Universitat de Valencia. Valencia.

Colección Caja Burgos, Memoria de un recorrido. Círculo de Bellas Artes. Madrid.

ARCO 03. Stand Galería Soledad Lorenzo, Galería La Nave, Galería Fernando Santos. Madrid.

Colección AENA de Arte Contemporáneo. Fundación Caixa Galicia. Lugo.

El arte de la democracia, creación en libertad. Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad. Valencia.

2002

Suite Europa. Ministerio de Asuntos Exteriores. Itinerante por Europa y América.

ARCO 02. Stand Galería Soledad Lorenzo, Galería Fernando Santos, Galería La Nave. Madrid.

Colección AENA de Arte Contemporáneo. Museo Pablo Serrano. Zaragoza.

Colecció d’art Contemporani Fundació La Caixa. Caixaforum. Barcelona.

Pensar América. Casa de América. Madrid.

Madrid al descubierto. Sala de la Consejería de las Artes de la Comunidad de Madrid.

2001

Fotografía y Fotomontaje en la Colección del IVAM. Fundación ICO. Madrid.

ARCO 01. Stand Galería Soledad Lorenzo, Galería Fernando Santos, Galería La Nave.

Madrid.

Foro Sur. Stand Galería Soledad Lorenzo, Galería Fernando Santos. Cáceres.

Colección AENA. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid.

Pintura Española de los 90, Fondos de la Colección Coca-Cola. Palacio de Abrantes.

Salamanca.

Galería Fernando Santos. Oporto.

Madrid Contemporáneo, Adquisiciones 1999-2001. Museo Municipal de Arte Contemporáneo. Madrid.

Confluencias II, Forma y Gesto. Galería Fernando Latorre. Zaragoza.

Colecció Testimoni 2000-2001. Centro de Arte La Regenta. Las Palmas de Gran Canaria.

Art Cologne 2001. Stand Galería Fernando Santos. Colonia.

Arte Lisboa 2001. Stand Galería Fernando Santos. Lisboa.

Fotomontaggi della Collezione IVAM. Gallería Cívica. Módena. Italia.

Contemporary Art from Spain. European Central Bank. Frankfurt.

2000

ARCO 2000. Stand Galería Soledad Lorenzo, Galería Fernando Santos. Madrid.

Colección Aena. Palacete del Embarcadero. Santander.

Propuesta 2000. Galería La Nave. Valencia.

Galería Alejandro Sales. Barcelona.

Pasajes de la Colección en Málaga. Colección de Arte Contemporáneo, Fundación la Caixa. Palacio Episcopal. Málaga.

Canal de Seducción. Iglesia del Monasterio de Ntra. Sra. De Prado. Valladolid.

Diálogos con la Fotografía. Galería Soledad Lorenzo. Madrid.

Visiones de la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación La Caixa.

Fundación la Caixa. Palma de Mallorca.

Galería Fernando Santos. Oporto.

Art Cologne 2000. Stand Galería Fernando Santos. Colonia.

1999

ARCO 99. Stand Galería OMR. Madrid.

Espacio Pintado. Centro Cultural Conde Duque. Madrid.

Paisajes Españoles de Hoy. Garage Regium. Madrid.

Colección Testimoni 1998-1999. Sala de Exposiciones El Almodí. Valencia.

Art 30’Basel. Stand Galería Soledad Lorenzo. Basilea.

Drawings from Artist’s Collections. The Drawing Center New York. The Hammer Museum of Art. Los Angeles.

Colección Aena. Estación Marítima. A Coruña.

V Bienal Martines Guerricabeitia: Mirant-nos desde fora. Centro Cultural de la Beneficencia. Valencia.

Colección Fundación del Fútbol Profesional. Palacio de Abrantes. Salamanca.

1998

Patio de Figuras. Sala de Exposiciones Plaza de España. Madrid.

ARCO 98. Stand Galería Soledad Lorenzo. Madrid.

Colección de Arte Contemporáneo Aena. Centre Cultural Bancaixa. Valencia.

Art’98 Chicago. Stand Galería Ramis Barquet, Galería OMR. Chicago.

Before Millenium, Spanish Contemporary Artworks from Marugame Hirai Museum.

Yokohama Portside Gallery. Japón.

1997

ARCO 97. Stand Galería Soledad Lorenzo, Galería La Nave, Stand Museo Marugame Hirai. Madrid.

Colección de Arte Contemporáneo Aena. Casal Solleric. Palma de Mallorca.

Nuevas Abstracciones Españolas. Galería Manuel Ojeda. Las Palmas.

Colección Testimoni 1996-1997. Estación Marítima. A Coruña.

Art 28’Basel. Stand Galería Soledad Lorenzo. Basilea.

III Foro Atlántico de Arte Contemporáneo. Galería Marisa Marimón. A Coruña.

1996

ARCO 96. Stand Galería Soledad Lorenzo, Galería La Nave, Stand Museo Unión Fenosa. Madrid.

Collage. Galería Marisa Marimón. Ourense.

El cuerpo en venta. Asociación Hetaria. Madrid.

Fondos para una Colección. Sala de Exposiciones Plaza de España. Madrid.

Colección Testimoni 1995-1996. Sala de exposiciones Banco Herrero, Sala de exposiciones Café Español. Oviedo.

VII Bienal Ciudad de Oviedo. Museo de Bellas Artes de Asturias. Oviedo.

1995

La Fotografía sin Cámara. Centro Andaluz de la Fotografía. Almería.

ARCO 95. Stand Galería Soledad Lorenzo. Madrid.

Art 26’Basel. Stand Galería Soledad Lorenzo. Basilea.

IV Mostra Unión Fenosa. Estación Marítima. A Coruña.

Colección Unión Fenosa. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid.

A Martín. Círculo de Bellas Artes. Madrid.

1994

La Fotografía sin Cámara. Canal de Isabel II. Madrid.

Col-lecció Testimoni 1993-1994. Sala Sant Jaime de la Fundación La Caixa. Barcelona.

XV Salón de los 16. Museo Español de Arte Contemporáneo. Madrid.

1993

Sobre Papel. Galería Soledad Lorenzo. Madrid.

Propuesta. Maatschappij Arti el Amicitiae. Amsterdam.

1992

Art 23’Basel. Stand Galerie Calart. Basilea.

X Premio Constitución de Pintura. Mérida.

Seis Pintores. Galería Gamarra y Garrigues. Madrid.

1991

Cadena de Cristal. Fundación Centro Nacional del Vidrio. La Granja. Segovia.

Propuesta 92. Círculo de Bellas Artes. Madrid.

1990

Iberoamérica en Tren, VI. ICI. Madrid.

1989

Propuesta 89. Círculo de Bellas Artes. Madrid; Casa de España. París; Sala Amarica. Vitoria.

El papel de los 90. Galería Victor Martín. Madrid.

1988

Galería Víctor Martín. Madrid.

1987

IV Salón de Pintura Joven de Madrid. Ayuntamiento de Madrid. Madrid.

Talleres de Arte Actual. Círculo de Bellas Artes. Madrid.

MUSEOS Y COLECCIONES MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.

Museo Patio Herreriano. Valladolid.

Museo Municipal de Arte Contemporáneo. Madrid.

IVAM, Centre Julio González. Valencia.

Museo de Bellas Artes de Alava. Vitoria.

Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo. Badajoz.

Museo Marugame Hirai de Arte Español Contemporáneo. Marugame. Japón.

Colección Norte. Arte Conetmporáneo. Gobierno de Cantabria.

Colección Fundación Coca-Cola España. Madrid.

Colección Fundación Helga de Alvear. Cáceres.

Colección Unión Fenosa. A Coruña.

Colección Banco de Santander. Madrid.

Colección Banque Bruxelles Lambert. Bruselas.

Colección Telefónica Publicidad e Información. Madrid.

Col-lecció Testimoni de La Caixa. Barcelona.

Colección de la Comunidad de Madrid. Madrid.

Colección Fundación del Futbol Profesional. Madrid.

Colección Aena. Granada.

Colección Universidad de Salamanca.

Colección Caja Burgos. Burgos.

Colección La Caixa. Barcelona.

Colección Caja Castilla-La Mancha. Toledo.

Colección Caja Madrid. Madrid.

Colección Caja de Ahorros del Mediterráneo.

Colección Comunidad Autónoma de Murcia.

Colección Banco de España. Madrid.

Colección Red-Bull, Hangart-7. Salzburgo. Austria.