Pinacoteca del Museo de Bellas Artes de Valparaíso

Créditos: Dirección y edición general: Rafael Torres A./ Magíster en Patrimonio Textos e investigación: Javier Muñoz A. / Historiador del arte Asistente de investigación: Fernanda Jaime G. / Historiadora (C) Diseño: Nadín Cruz D. / Diseñadora gráfica Preservación Digital: Javier Muñoz A. / Centro de Restauración CREA Equipo Museo Baburizza: Director Ejecutivo: Rafael Torres A. Administración: Soledad Carmona A. - Mabel González R. Contenidos y Colecciones: Javier Muñoz A. Mediación: Valentina Sagredo U. Diseño: Nadín Cruz D. Comunicaciones: Tamara Candia A.

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© 2024 - Museo de Bellas Artes de Valparaíso, Palacio Baburizza Se autoriza la reproducción parcial o total de este material citando la fuente correspondiente.

Prohibida su venta.

En la actualidad, el Museo de Bellas Artes Palacio Baburizza alberga una destacada colección de obras europeas y chilenas en las líneas de escultura, pintura, grabados y acuarelas, que abarcan desde el siglo XVIII hasta el siglo XX, convirtiéndose en una de las colecciones públicas más relevantes de todo el país.

Entre las obras pictóricas que el Museo resguarda y promociona se encuentran las pertenecientes a los “Precursores extranjeros”, los “Grandes Maestros de la Pintura Chilena”, la “Generación del 13”, el “Grupo Montparnasse”, la “Generación del 40”, la “Generación Porteña” y otros grupos y movimientos artísticos.

En este sentido, la colección chilena está compuesta por pinturas, grabados y acuarelas de grandes artistas nacionales, tales como: Juan Francisco González, Pedro Lira, Alfredo Valenzuela Puelma y Nemesio Antúnez, por señalar a algunos.

A su vez, también podemos destacar a precursores extranjeros, entre ellos Thomas Jacques Somerscales, Johan Moritz Rugendas, Giovanni Mochi y Desiree Chassin Trubert.

Además, el Museo también exhibe obras de destacados artistas europeos que presentan la evolución pictórica del siglo XIX y XX. Autores tales como Eugene Louis Boudin, Félix Ziem, Julio Romero de Torres, entre otros, engrosan la colección.

Esta pinacoteca se ve enriquecida por la generosa donación de don Pascual Baburizza, la cual incluye obras de autores europeos que reflejan las expresiones plásticas de los siglos XIX y XX, dentro de las cuales destacan las pertenecientes a la Escuela de Barbizon.

Entre los años 2001 y 2007, CREA, centro especializado en documentación, conservación, restauración y puesta en valor de bienes patrimoniales y colecciones de artes visuales, llevó a cabo la recuperación de 244 obras de la colección del museo, avocándose en una primera etapa al análisis de óleos sobre tela y madera, acuarelas sobre papel y otras técnicas mixtas, transformándola en una de las cuatro colecciones públicas de arte más importantes de Chile.

Con obras creadas desde 1840 a 1930, la Colección Europea comprende setenta pinturas de artistas españoles, franceses, italianos y de otras nacionalidades, donadas por don Pascual Baburizza a la ciudad, representativas de “diversas escuelas y tendencias vigentes entre mediados del siglo XIX y las primera décadas del siglo XX, adquiridas en sus constantes viajes al viejo mundo” (Torres, 2016:42).

Con una variedad de tendencias, estilos y propuestas de distintos autores europeos, artistas románticos, pre-impresionistas, post-impresionistas, costumbristas, realistas, figurativos, académicos, naturalistas, simbolistas y preexpresionistas, las obras que componen la Colección Europea del Museo Baburizza representan paisajes, retratos y figuras, motivos populares, escenas al aire libre, intimistas, rincones típicos urbanos, rurales y marinos, protegidas por Pascual Baburizza en los últimos años de su vida; todas originales y que constituyen la espina dorsal del Museo Municipal de Bellas Artes de Valparaíso.

Dentro de la Colección Europea del Museo Baburizza, destacan también 20 obras pertenecientes a la Escuela de Barbizon, movimiento artístico de mediados del siglo XIX definido por Keith (2008:2) como un grupo informal de artistas que vivía y trabajaba en los alrededores del pequeño pueblo agrícola francés de Barbizon entre 1830 y 1870, quienes representaron a través de sus obras la rica diversidad de paisajes de la zona.

En contraste con la belleza romántica, cuidadosamente refinada según los gustos y expectativas tradicionales, las obras de Barbizon “fueron rápidamente ejecutadas con pinceladas amplias. Sus colores fueron tomados directamente del propio paisaje, en lugar de una paleta particular, para capturar un momento específico o un juego de luces” (Fraser, 2017:7), tal como se observa en las obras pertenecientes al periodo y que forman parte de la colección europea del Museo.

Nuestro objetivo es contribuir a la construcción de los atributos de la colección de obras conservadas en el Museo de Bellas de Valparaíso, Palacio Baburizza, a través de un proceso de lectura interpretativa de las obras. Aportar con el desarrollo de un catálogo descriptivo de las obras preservadas en el Museo de Bellas Artes de Valparaíso Palacio Baburizza.

Queremos generar la caracterización de autores representados en las Colecciones del Museo de Bellas Artes de Valparaíso Palacio Baburizza, y contribuir con el desarrollo de contenido crítico en la lectura de las obras del Museo de Bellas Artes de Valparaíso Palacio Baburizza.

Rafael Torres Arredondo Director Museo

En la década del 40 del siglo XX el inmigrante yugoslavo Pascual Baburizza Solectic, donó a la ciudad de Valparaíso su colección pictórica, compuesta por cerca de ochenta obras de destacados artistas españoles, franceses, italianos, ingleses, yugoslavos, entre otras nacionalidades. Dichos lienzos los adquirió en sus distintos viajes de negocios por el Viejo Continente.

Baburizza fue un coleccionista de variados gustos estéticos.

Su pinacoteca se compone de autores de diversas escuelas, tendencias y estilos vigentes entre mediados del siglo XIX y primeras décadas del siglo XX. Algunos de estos artistas representan movimientos que se encontraban en plena eclosión. Algunos concitaban opiniones contradictorias, otros, de lleno, eran “rechazados” entre los especialistas de su tiempo.

El cuerpo de obras de la Colección Baburizza se enmarca en un periodo histórico “bisagra”, en el que se debatían los entusiasmos de las futuras vanguardias y los conservadores que deseaban mantener la tradición de la Academia. Es una colección sumamente heterogénea, pero que conserva concordancias, similitudes y concatenaciones que transforman a estas obras en relatos de la evolución del arte europeo del siglo XIX-XX. Es una colección armónica y equilibrada dentro de su eclecticismo.

Podemos encontrar marinas, retratos, figuras humanas, motivos populares y temáticas costumbristas. Sin embargo, es el paisaje el tema predominante, el cual se presenta desde las perspectivas del Costumbrismo -rescate de tradiciones y ambientes populares-. Por otra parte, el paisaje concebido desde parámetros Historicistas, que buscan conservar la identidad y características propias del territorio geográfico.

Estas obras se ponen en pugna, en diálogo, se complementan con las nuevas visiones propuestas por la Escuela de Barbizon.

Fueron estos últimos los que rompieron con la tradición intimista de pintar dentro del taller y se volcaron a la aventura

de pintar en medio de la naturaleza, “au plein air”. Esto fue una de las principales causas de la revolución Impresionista.

Dentro de la Colección Baburizza, las obras de la Escuela de Barbizon tienen una presencia importante, al ser estas piezas las que simbolizan el gran cambio en la pintura europea.

Desde la abrupta evolución del Naturalismo, pasando por el Realismo heredado del periodo imperial y el frío Romanticismo, hasta el surgimiento de las nuevas tendencias propiciadas por artistas “antisistema”, rechazados por la Academia (Salon des Refusés 1863), que indagaron en campos, bosques, ciudades y puertos sus motivos para llevar a la pintura.

Paul Desiré Trouillebert, Henri-Joseph Harpignies, Félix Brissot, Charles-Francois Daubigny, Albert Gabriel Rigolot, son excelentes ejemplos de lo anterior, engrosando las filas de la colección con obras de los precursores del Impresionismo, representado por los maestros Eugène Louis Boudin y Johan B. Jongkind.

En sus lienzos no hay cabida para vírgenes, crucifixiones, reyes, papas o grandes acontecimientos de la historia. Ahora la belleza se descubrió en el reconocimiento de la naturaleza, pero no para copiarla, sino para interpretarla, para sentirse “impresionados” por ella. La luz y el espacio ocupan el centro de la mirada.

Por tanto, estos pintores forman parte de aquella “bisagra” a la que nos referimos. De siglos dominados por lo figurativo, lo cristiano, lo monárquico y la Academia (desde el Renacimiento), se abren paso en la escena los precursores del Impresionismo, Postimpresionismo y Neoimpresionismo. Es así como nacieron las Vanguardias históricas, a nuestro juicio, el hito más radical en la Historia del arte occidental.

Pero la Colección Baburizza no sólo se compone de obras “modernas”, también se presentan las tradiciones que las antecedieron, junto con los nuevos movimientos artísticos que se mantuvieron apegados a sus antecesores. Todo esto

es producto del heterogéneo gusto personal de Pascual Baburizza como coleccionista, aspecto fundamental a la hora de analizar esta colección. Esto nos permite apreciar un variado cuerpo de obras donde priman los valores estéticos propios de cada periodo histórico.

Carlos Lastarria Hermosilla, curador durante largos años del Museo de Bellas Artes de Valparaíso, nos amplía la información precisando: “El Romanticismo representado por telas de Louis Gabriel Eugene Isabey. El empático y coloquial Costumbrismo español de Francisco Miralles y Eugenio Hermoso. El Historicismo de Francisco Pradilla Ortiz. El Simbolismo de Julio Romero de Torres y su continuidad en su hijo Rafael. El Intimismo de Ulises Caputo, William Albert Ablett y Eugene Benjamín Selmy. El puntillismo de Henri Eugène Agustín Le Sidaner. El Paisajismo realista desde Félix Francois Georges Philibert Ziem y Henri Emilien Rousseau; hasta el realismo casi fotográfico del ruso Iván Choultse. El simbolismo de Jules Jacques Veyrassat y la vinculación con el impresionismo con las particularidades en Louis Marie Désiré-Lucas, Georges ch. g. Robin, Jean Francois Raffaëlli y Genaro Befani. Un anticipo al expresionismo son las pinturas de Antonio Rivas Prats, Segundo Matilla, Eliseu Meifren y del italiano Ugo Flumiani.” *Lastarria Hermosilla, Carlos - sobre La Colección Europea – Catálogo del Museo de Bellas Artes de Valparaíso” 2016.

Es importante señalar que solo existen dos pintoras en la Colección europea. Una de ellas es Marie Rosalie Bonheur, una de las artistas más elogiadas y famosas del siglo XIX, quien obtuvo a lo largo de su carrera importantes reconocimientos. También se encuentra Jeanne Pinot, quien estudió pintura con artistas como Ferdinand Humbert, François Rivoire y Eugène Romain Thirion y su destreza en el arte no deja indiferente a nadie.

Sus presencias destacan, brillan y enriquecen la visión general del arte europeo del Siglo XIX. La poca presencia de mujeres artistas en colecciones, las asimetrías en la cantidad de obras de mujeres en demerito de museos marcados por la presencia

de pintores, el machismo y conservadurismo de la Academia, son temáticas que deben considerarse en la investigación.

Las nuevas vertientes contemporáneas que traen consigo reivindicaciones propias de la época, han contribuido a actualizar los anales y que cada día tengan el lugar que merecen en la Historia del Arte.

Sin más que añadir, este trabajo de fichaje razonado pretende ser un humilde, pero cuidado aporte que potencie la investigación y el rol de los museos como espacios generadores de conocimientos. Esta también es una herramienta para amplificar el acceso de la comunidad a patrimonios artísticos de alto valor estético, cultural e histórico.

Es un largo y complejo trabajo, considerando los vacíos en la bibliografía tradicional, pero eso más nos motiva a continuar con la labor emprendida. La pinacoteca del Museo Baburizza exhibe de manera permanente 234 obras, para las cuales tenemos un trabajo planificado de generar una ficha razonada por cada una de ellas.

Este trabajo es el primer esfuerzo de una ardua tarea que se nos viene por delante, en la cual se incorporarán las obras de artistas europeos, sus escuelas y movimientos, pero no solo quedaremos ahí, sino que también se revisarán las colecciones nacionales. Esperamos que este material sea un valioso aporte para la formación de estudiantes, aficionados, investigadores, amantes del arte y a quien haga eco de estas palabras.

Javier Muñoz A. Encargado Colecciones y Contenidos

NOMBRE: “Abordaje en la tempestad” TÉCNICA: Acuarela sobre papel (Alto 24 cm - Ancho 34 cm) FECHA: 1842 AUTOR: Eugène Louis Gabriel Isabey (1803 – 1886 - Francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Isabey nació en París 1803; hijo de Jean-Baptiste Isabey, un destacado miniaturista, protegido por el mecenazgo de Napoleón Bonaparte.

Se formó profesionalmente en la Academia del Museo del Louvre, esto le permitió tener contacto con los grandes maestros de la historia del arte universal. Fue un pintor versátil, destacado marinista romántico; acucioso acuarelista de escenas de género; como también grabador.

Gran parte de sus obras fueron dedicadas al paisaje de Normandía, lugar que frecuentaba desde 1820. A los 20 años de edad participó con sus obras en el Salón oficial de Pintura, donde recibiría medalla de Primera Clase. También recibiría medallas en el Salón de 1827 y 1855. Se le concedió la Legión de Honor en 1832 y se convirtió en oficial en 1852.

Paralelo a esta exitosa carrera, la “Société des amis des Arts”,

grupo de aficionados y coleccionistas de arte, compró muchas obras de Isabey, transformándose en una especie de mecenas del artista durante más de 2 décadas.

Ya en sus años de madurez artística, amplió sus temáticas, volcándose por las pinturas de género histórico de escenas de la Edad Media.

La capacidad de Isabey para pintar vestidos y fastuosas ceremonias, atrajo la atención del rey Luis Felipe I. El monarca designa a Isabey como pintor oficial de la Cámara del Rey. Desde 1867 se unió a un grupo de acuarelistas llamados Société D’Aquarellistes Français. Sus miembros siempre estuvieron presentes en destacados lugares del Salón oficial. Fue maestro de destacados artistas como Eugène Boudin y Johan Jongkind.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Desde 1820, el artista realizó varios viajes a Normandía, norte de Francia, sector costero de grandes acantilados de piedra caliza, pero también de extensas playas. La belleza de estas costas hizo que Isabey dedicará gran parte de sus trabajos a crear escenas marinas.

Sus paisajes son melancólicos, pueden ser plácidos y dramáticos al mismo tiempo. Plasma en ellos mucha emocionalidad. Por esta forma de pintar, fue considerado un maestro del Romanticismo.

Si bien Isabey es conocido por su arte marítimo. También creó grabados y óleos de paisajes bucólicos. Se le cataloga como un pintor romántico francés, sin embargo, otros especialistas lo consideran como un artista de transición entre los períodos Romántico e Impresionista. Esta idea se refuerza, por ejemplo, por la amistad que entabló con Édouard Manet, artista que llevó la obra de Isabey hacia un estilo audaz y colorido.

En Normandía, a menudo se podía encontrar a Isabey en la playa trabajando en sus pinturas. Practica arte denominado “Au plein Air”.

“Abordaje en la tempestad” es un motivo recurrente en la obra de Isabey. Creó varias obras y versiones utilizando la misma temática; similar al estilo del pintor inglés William Turner, pintor

con el que Isabey tuvo contacto en sus viajes a Inglaterra.

En esta obra también tenemos la condicionante que otorga el nombre a la lectura que hace el observador de la misma, ya que lo coloca en un evidente contexto espacial y atmosférico.

Esta acuarela creada en 1842, representa los últimos momentos de un barco zozobrando. Sus pasajeros se aferran ante el embate de olas espumosas. No podemos especificar si el pequeño bote, es utilizado como un escape; o si son personas que intentan auxiliar el naufragio.

Es una pintura que nos transmite fuertes emociones, y al mismo tiempo contradictorias. Puesto que, puede ser considerada como una pintura que refleja esperanza o desesperación.

De su amigo, el artista romántico Eugene Delacroix (1798-1863), aprendió a dar libertad al uso ilimitado del color.

También utilizó la técnica de aplicación de la acuarela sobre fondos blancos o claros, otorgándole más luminosidad y brillo a sus obras. Isabey se destacó por este elemento, generando un gran contraste con sus compañeros artistas franceses, que normalmente usaban fondos oscuros o negros.

Su pincelada es ágil, suave y denota cierta espontaneidad; pero su trazo es seguro, con un gran dominio del dibujo.

Temática principal: Naturaleza / Paisaje / Paisaje francés / Paisaje del agua / Marina / Pescadores Género pictórico: Marino Estilo artístico: Romanticismo / Pre-Impresionista / Escuela Francesa del S. XIX. Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-51

NOMBRE: “Los madrugadores” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 45,5 cm - Ancho 61 cm).

FECHA: S/D AUTOR: Paul Desiré Trouillebert (1829 – 1900- francés).

RESEÑA BIOGRÁFICA Paul Desiré nació en la ciudad de París el año 1829. Fue parte de la prestigiosa agrupación de artistas llamada Escuela de Barbizon.

Todos estos artistas se especializaron en el paisajismo, con ello, retratando escenas bucólicas, personajes y faenas del campo del entorno geográfico del Bosque de Fontainebleau.

Los jóvenes pintores de esta escuela, estaban enfocados en captar los múltiples efectos lumínicos que se producen en esta zona rural de Francia. Paul Desiré no solo se dedicó al paisaje, también creó naturalezas muertas y muchos retratos

inspirados en el orientalismo.

Por su acercamiento a Camille Corot, introdujo en su concepción del paisaje un tratamiento equilibrado, con predominio de tonalidades cálidas. Deseaba plasmar escenas de tranquilidad, donde la figura humana casi se desdibuja en aquella naturaleza sutil, fragmentada y “mágica” (Edad de Oro).

Consolidó su carrera como artista cuando logró ingresar a las exhibiciones del Salón de París en el año 1865.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación El artista francés lleva consigo la tradición de Turner, Constable y Friederich, artistas que profundizan su arte a partir de estudios en torno a los cambios de la luz. Quieren asimilar todas estas manifestaciones cromáticas para crear paisajes basados en la captación de la realidad, sin embellecerla como hacían los románticos y sin apenas retoques en el taller, como hacían los academicistas.

Este artista, al igual que sus colegas de la Escuela de Barbizon, gustaba de pintar al aire libre, quería representar lo que ve, la realidad, a modo de una fotografía para captar el instante.

Rechazan la idealización de la historia, del paisaje y de la sociedad que hace el Romanticismo.

Suelen ser pintores comprometidos tanto política como socialmente, ahora los personajes son trabajadores y las clases sociales bajas. Ya no hay cabida en el lienzo para reyes, papas o vírgenes.

Los artistas de Barbizon, técnicamente, introducen novedades como la pincelada suelta, densa, de trazo grueso y las manchas de color. Pero su calidad para sugerir detalles en la composición, los llevó a dominar también la pincelada pequeña, delgada, rápida y fugaz, que le otorga dinamismo al lienzo.

Estos pequeños brochazos, también permiten generar focos

de atención en el espectador, como lo es la confección de las boyas de los botes que flotan en el río, de un intenso color rojo.

El artista logró captar con gran precisión todos los contrastes atmosféricos que se dan en el Bosque de Fontainebleau. Sus frondosos árboles de verdes intensos y sus generosos cursos de agua, se relacionan como si fuera el reflejo de un espejo.

Estos contrastes se suman a los del cielo. Esta zona de Francia se caracteriza por sus abruptos cambios atmosféricos, donde se puede pasar del sol intenso a la lluvia copiosa en un par de minutos.

El nombre de la obra titulada “Los madrugadores” nos hace una referencia directa a los personajes retratados, en un contexto temporal específico.

Temática principal: Paisaje / Arte bucólico / Paisaje del agua.

Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Realismo pictórico francés / Pre-Impresionista. / Escuela de Barbizon Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-63

NOMBRE: “Regreso de los pescadores” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 82 cm - Ancho 122 cm) FECHA: 1862 AUTOR: Eugène Louis Gabriel Isabey (1803 - 1886 Francés).

RESEÑA BIOGRÁFICA Isabey nació en París 1803; hijo de Jean-Baptiste Isabey, un destacado miniaturista, protegido por el mecenazgo de Napoleón Bonaparte.

Se formó profesionalmente en la Academia del Museo del Louvre, esto le permitió tener contacto con los grandes maestros de la historia del arte universal. Fue un pintor versátil, destacado marinista romántico; acucioso acuarelista de escenas de género; como también grabador.

Gran parte de sus obras fueron dedicadas al paisaje de Normandía, lugar que frecuentaba desde 1820. A los 20 años de edad participó con sus obras en el Salón oficial de Pintura, donde recibiría medalla de Primera Clase. También recibiría medallas en el Salón de 1827 y 1855. Se le concedió la Legión de Honor en 1832 y se convirtió en oficial en 1852.

Paralelo a esta exitosa carrera, la “Société des amis des Arts”,

grupo de aficionados y coleccionistas de arte, compró muchas de sus obras, transformándose en una especie de mecenas del artista durante más de 2 décadas.

Ya en sus años de madurez artística, amplió sus temáticas, volcándose por las pinturas de género histórico de escenas de la Edad Media.

La capacidad de Isabey para pintar vestidos y fastuosas ceremonias, atrajo la atención del rey Luis Felipe I. El monarca designa a Isabey como pintor oficial de la Cámara del Rey. Desde 1867 se unió a un grupo de acuarelistas llamados Société D’Aquarellistes Français. Sus miembros siempre estuvieron presentes en destacados lugares del Salón oficial. Fue maestro de destacados artistas como Eugène Boudin y Johan Jongkind.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Desde el año 1820, el artista realizó varios viajes a Normandía en el norte de Francia, sector costero de grandes acantilados de piedra caliza, pero también de extensas playas. La belleza de estas costas hizo que Isabey dedicará gran parte de sus trabajos a crear escenas marinas.

Sus paisajes son melancólicos, pueden ser plácidos y dramáticos al mismo tiempo. Logra plasmar en ellos mucha emocionalidad. Por esta forma de pintar, fue considerado un maestro del movimiento cultural llamado Romanticismo.

En Normandía, a menudo se podía encontrar a Isabey en la playa trabajando en sus pinturas. Practica arte Au plein Air. El nombre de la obra, expone directamente el contexto de lo representado; se ilustra un pueblo costero, un asentamiento de pescadores, que está por ser embestido por una tormenta.

Pescadores de manera desesperada intentan ingresar sus embarcaciones a la costa, 2 caballos esperan ser utilizados para apoyar esta labor.

En un promontorio, por encima del caos, están las estructuras de las casas del pueblo costero. Sus habitantes esperan el regreso a salvo de sus familiares.

La obra de Isabey es un excelente ejemplo del concepto de lo sublime, elemento característico del Romanticismo europeo.

Donde se presentan las fuerzas de la naturaleza como imponentes, incontrolables y peligrosas para la existencia humana.

En este caso, pescadores a merced del viento y el oleaje del mar.

La pintura es un poco oscura y lúgubre, lo cual es bastante común en las pinturas francesas de esta época. Sin embargo, aplica una paleta más iluminada en sectores específicos.

Dentro de los grises propios de la tormenta, resaltan pequeños claros de cielo y elementos textiles presentes en el escenario, como la bandera francesa y las vestimentas de algunos pescadores Su pincelada es ágil, suave y denota cierta espontaneidad; pero su trazo es seguro, con un gran dominio del dibujo.

Cabe destacar el dominio que maneja en la confección de animales de faena, como los 2 fuertes caballos en la orilla de la playa. Interesante es también como agrupa una bandada de gaviotas en el sector derecho de la tela.

Temática principal: Paisaje / Paisaje francés / Marina / Pescadores / Normandía/ Paisaje del agua.

Género pictórico: Marino Estilo artístico: Romanticismo / Escuela Francesa del S. XIX. Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-13

NOMBRE: “A orillas del Vienne” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 56 cm - Ancho 81 cm) FECHA: S/D AUTOR: Paul Desiré Trouillebert (1829 – 1900- francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Desiré Trouillebert nació el año 1829 en la ciudad de París. Su formación profesional la recibió de los artistas Ernest Hébert y Charles Jalabert. Sus maestros le brindaron el conocimiento y la calidad plástica que le permitirían participar en destacadas exhibiciones de arte, entre ellas, la presentación en el Salón de París del año 1865.

Por las características de su obra, Trouillebert se unió a la Escuela de Barbizon, agrupación de jóvenes artistas que se especializaron en la creación de paisajes rurales. Sus escenas a representar, eran en específico de la localidad del Bosque de Fontainebleau.

Su atención en la naturaleza es total. El lugar que se les otorga a los hombres es siempre ínfimo. Solo evoca la presencia de personas en una naturaleza que lo envuelve todo. Insinúa y casi borra las formas humanas en el entorno.

El pintor es reiterativo en la temática sobre orillas de ríos y lagos; espacios que por sus brillos, reflejos y contrastes impulsan al uso de tonos brillantes como los grises plateados.

Esto también revela dos características de Trouillebert, esa sensación que le otorgaba pintar en el aire libre, donde lograba esa impresión inmutable de paz y de calma. Rechazaba completamente el trabajo en el taller.

Si bien era vanguardista para emprender la creación plástica, también defendía elementos de la visión tradicionalista, como ensalzar la fidelidad a la realidad (con la invención de la cámara, esto podría definirse como “tener una concepción fotográfica” de la imagen).

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación El artista logró captar con gran precisión todos los contrastes atmosféricos que se dan en la ribera del río Vienne, río que le otorga el nombre a la obra. Este curso de agua es uno de los principales afluentes del río Loira, que atraviesa las ciudades de Limoges, Confolens, L’Isle-Jourdain, Chauvigny, Châtellerault y Chinon.

Estas localidades francesas han vinculado profundamente su vida a estos afluentes ricos en peces migratorios, como la lamprea, el salmón o la anguila. Su longitud lo hace navegable.

Estas características son un fuerte motor identitario que determina el estilo de vida de los habitantes del entorno, la vida campesina y la vida bucólica alejada de las grandes ciudades.

Los artistas de la Escuela de Barbizon celebraban la idea de una naturaleza divina y dominante, presentando lo humano sin omnipresencia ni grandeza. Se insinúa y se confunde la figura del botero con el entorno.

La pintura presenta el follaje de los árboles con algunas pinceladas ocre rojo y cafés intensos, que representan el tono pardo otoñal de las hojas. Esos árboles son exhibidos como los personajes principales del cuadro; desafían la estructura y nivelación del encuadre en el lienzo, ocupan la mitad de la

escena y casi toda su altura.

El botero y su acompañante; la tranquilidad del agua, la monumentalidad de los árboles y un cielo grisáceo; brindan una impresión inmutable de paz y de calma, una estabilidad que ilustra el realismo de la pintura al aire libre.

Trouillebert, en un pequeño caballete; sobre una tela de lino, utiliza la técnica alla prima, que permite la aplicación de capas superpuestas de pintura fresca.

En sus trabajos suele aplicar -o trabajar previamente- telas con fondo rojo pardusco, utilizando un lino de mediano grosor, sin muchas porosidades. Usa la técnica alla prima, que permite la aplicación de capas superpuestas de pintura fresca.

Mediante un encuadre fotográfico, Trouillebert resalta el carácter fragmentario del paisaje, donde las ramas devoran con delicadeza un inmenso cielo cambiante.

Temática principal: Paisaje / Paisaje bucólico/ Paisaje del agua.

Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Realismo pictórico francés / Pre-Impresionista / Naturalismo.

Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-60

NOMBRE: “Abordaje en la tempestad” TÉCNICA: Acuarela sobre papel (Alto 24 cm - Ancho 34 cm) FECHA: 1842 AUTOR: Eugène Louis Gabriel Isabey (1803 – 1886 - Francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Ménard nació en la ciudad de París, el 15 de abril de 1862, en una familia de artistas e intelectuales. Filósofos, pensadores y artistas, como Corot, Milet y los pintores de Barbizon, frecuentaban su hogar, lo que lo familiarizó tanto con el paisaje como con temas antiguos.

En 1880 comenzó sus estudios profesionales en la destacada Académie Julian, donde tuvo de maestros a Paul Baudry, William Bouguereau y Henri Lehmann, entre otros.

Con una carrera ascendente, participó en el Salón de la Sécession en Munich y el Salón de la Libre Esthétique en Bruselas.

Siendo el año 1899, se incorporó a la Nueva Sociedad de Pintores y Escultores, logrando presentarse por primera vez en la destacada galería Georges Petit de París, consolidando así su sitial en el circuito artístico europeo e internacional.

Ménard combinaba en su obra varias tendencias modernas,

donde el paisaje era el campo de experimentación para todas ellas. Su cercanía con las vanguardias –pintores, arquitectos, filósofos, escritores, amigos de su familia- no modificaron del todo los sólidos cimientos de su formación bajo preceptos de la tradición académica -William Bouguereau-, por lo que su obra se encausó en parámetros del Simbolismo.

Fue nombrado profesor de la Académie de la Grande Chaumière en 1904 y miembro del grupo Black Band.

En sus últimos años de vida es proclamado Caballero de la Legión de Honor.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Los paisajes de René Ménard circularon ampliamente en el mercado local francés a comienzos del siglo XX. Esto se explica en parte por su gran talento, pero también por la íntima relación que forjó con los artistas de la Escuela de Barbizon, los cuales ya se habían consolidado en un emergente mercado del arte impulsado por talleres y galerías.

Las influencias de sus colegas impresionistas estaban presentes en su pintura, sin embargo la estética de Ménard no se adecuaba estrictamente a estos parámetros. Combinada y experimentaba con tendencias modernas, las que ponía en diálogo con temáticas clásicas que tanto le atraían. En 1898 viajó por el Mediterráneo, y desde entonces, su pintura se vio influenciada por una Arcadia visionaria del pasado, poblada de ninfas, dioses y pastores, temáticas de la mitología clásica.

Su paisaje es Simbolista, tomando como referencia directa la obra de Pierre Puvis de Chavannes y Claudio de Lorena.

Menard no deseaba apegarse del todo a teorías impresionistas.

Tomaba las distancias de la mera observación, trataba de ingresar al mundo interior, la espiritualidad y dimensión subjetiva del paisaje. Lo evidente es el protagonismo de la luz como elemento sensible, es lo que atrae y envuelve al espectador. La luz, el sol de fondo, nos lleva a un mundo de ensueño; logra

sugerirnos un efecto de “antigüedad”, una luz “mágica”, tal como pintaban los pintores clásicos que nos hacen viajar a esa edad de oro clásica de los pasajes de la “Teogonía”, del poeta Hesíodo. Esta puesta de sol es la que le otorga el nombre a la obra.

La luz toma un rol protagónico. La composición de la imagen se sostiene sobre los juegos de luces y sombras, que le otorgan la base al dibujo. Luego, como si ocurriese en una segunda instancia, la luz interactúa con el color, quien crea el espacio y el tiempo, lo que define así la relación entre las figuras, animales y elementos de la naturaleza representada.

En lo técnico, sobre el lienzo aplica pinceladas de óleo seco, trazos rápidos, cortos y yuxtapuestos, construyendo por su contigüidad el paisaje y sus elementos (hierba, plantas y árboles, animales y la laguna). Colores verdes, cafés y negros predominan en esta área. El resultado es una tela homogénea en su superficie, sin presentar grandes protuberancias o acumulaciones de material que genere relieves. El cielo y el sol tienen un trabajo en particular, distinto a la aplicación de la pintura en el resto de la obra, que logra esta excesiva luminosidad que nos absorbe, satura el color, utilizando exclusivamente blancos y amarillos.

Temática principal: Paisaje / Paisaje francés / Paisaje del agua /Bosque de Fontainebleau.

Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Naturalismo / Pre impresionista / Simbolista / Escuela de Barbizon / Escuela francesa del S. XIX / Referencia al Paisaje “clásico/Edad de oro”.

Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-10

NOMBRE: “Vuelta al trabajo” TÉCNICA: Óleo sobre madera (Alto 27 cm X Ancho 36 cm) FECHA: 1855 AUTOR: Jules Jacques Veyrassat (1828 – 1893 francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA El artista nació el año 1828 en la ciudad de París. Tuvo sus primeros estudios con el destacado pintor y retratista Henri Lehmann. Si bien Veyrrasat destacaba por sus pinturas de paisajes, también fue grabador y escritor.

En la década de 1860, sus grabados obtuvieron varios premios que le dieron un gran prestigio. Luego de esto, fue invitado a trabajar con distintos académicos en la publicación de libros y catálogos; en ellos él podía presentar sus grabados y pinturas. Varias de estas publicaciones tratan sobre episodios de la vida rural francesa, abarcando temas como el ganado y el trabajo agrícola. Particular habilidad tenía para retratar las faenas del arado y los caballos de tiro, al igual que Rosa Bonheur, supo retratarlos con una veracidad excepcional.

Veyrassat fue un asiduo pintor. Creó cientos de obras, como

producción personal o por constantes encargos realizados por coleccionistas. La temática pastoril es su tema predilecto.

El increíble conocimiento de los detalles de la vida campesina, transforman sus lienzos en verdaderos documentos antropológicos. Son crónicas visuales de contextos y periodos históricos concretos en Francia.

Fue uno de los pintores más premiados de Francia por su trabajo sobre la naturaleza, aunque su fama logró trascender fronteras.

Por sus destacados aportes al arte, pero también por su estudio sobre la vida sociocultural francesa, Veyrrasat fue galardonado con el título de “Caballero de la Legión de Honor”, la más importante distinción francesa, en el año 1878.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Toda la obra de Veyrassat se puede considerar como un registro realista, basado en la observación de la vida rural en la Francia profunda de la época. Sus obras abordan los temas de la cría y el trabajo de caballos en la vida agrícola; pero además representa desde campesinos y sus faenas, animales del campo, corrales, paisajes bucólicos tranquilos, a ríos calmos llenos de botes surcándolo.

Si bien sus influencias se consolidan en la relación que sostuvo con los artistas de la Escuela de Barbizon, también extrajo sus temas y figuras de los pintores holandeses y flamencos del siglo XVII, de quienes también tomó prestado un estilo minucioso y el gusto por los tonos bistre.

Veyrassat fue constante en la repetición de sus temáticas, llegando a trabajar con “moldes”, repitiendo las mismas obras en distintos tamaños, solo modificando los colores de los ropajes, por ejemplo, de los campesinos retratados en sus lienzos. Esta obra es una constatación de aquello. El Museo Baburizza tiene dos obras en las que Veyrassat recrea estas dos temáticas. Si bien difieren en tamaño y en las características de sus personajes, en lo espacial, en componentes y lo formal, parecieran ser adaptaciones entre la una y la otra. Solo una somera búsqueda por las pinacotecas de museos france-

ses, nos indican la existencia de una decena de obras similares, todos denominadas “Vuelta del trabajo” o “Regreso a casa”.

Su obra siempre se vincula a los grandes maestros Charles Jacque y Jean François Millet.

Su dibujo es sumamente academicista, donde prima una perfección en el trazo y una cuidada anatomía de sus personajes y animales. Sin embargo, la naturaleza circundante la difumina en pinceladas y brochazos más intuitivos.

Aplica manchas, puntos y trazos, para insinuar la flora de las zonas rurales de Francia, tal como lo estaban comenzando a experimentar sus colegas de la Escuela de Barbizon, considerados como el antecedente directo del nacimiento del Impresionismo. Veyrassat nunca abandonó su país de origen, sin embargo, su fama se extendió por toda Europa.

Cabe señalar, que dentro de los análisis de la evolución de la Historia del arte, esta obra en particular, es un buen ejemplo de cómo se rompe el paradigma del Romanticismo y el Neoclásico, donde los motivos centrales de las obras eran los grandes reyes, papas o importantes sucesos de la historia. Ahora los protagonistas de los lienzos y grandes exhibiciones, son los campesinos, el paisaje y animales de granja.

Temática principal: Paisaje / arte bucólico / Paisaje francés / Campesinos.

Género pictórico: Costumbrismo Estilo artístico: Realismo pictórico francés / Pre-Impresionista / Naturalismo / Escuela Francesa del S. XIX. Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-24

NOMBRE: “Vuelta del trabajo” TÉCNICA: Óleo sobre tela ( Alto 79 cm - Ancho 112 cm) FECHA: 1855 AUTOR: Jules Jacques Veyrassat (1828-1893- francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA El artista nació el año 1828 en la ciudad de París. Tuvo sus primeros estudios con el destacado pintor y retratista Henri Lehmann. Si bien Veyrrasat destacaba por sus pinturas de paisajes, también fue grabador y escritor.

En la década de 1860, sus grabados obtuvieron varios premios que le dieron un gran prestigio. Luego de esto, fue invitado a trabajar con distintos académicos en la publicación de libros y catálogos; en ellos él podía presentar sus grabados y pinturas. Varias de estas publicaciones tratan sobre episodios de la vida rural francesa, abarcando temas como el ganado y el trabajo agrícola. Particular habilidad tenía para retratar las faenas del arado y los caballos de tiro, al igual que Rosa Bonheur, supo retratarlos con una veracidad excepcional.

Veyrassat fue un asiduo pintor. Creó cientos de obras, como

producción personal o por constantes encargos realizados por coleccionistas. La temática pastoril es su tema predilecto.

El increíble conocimiento de los detalles de la vida campesina, transforman sus lienzos en verdaderos documentos antropológicos. Son crónicas visuales de contextos y periodos históricos concretos en Francia.

Fue uno de los pintores más premiados de Francia por su trabajo sobre la naturaleza, aunque su fama logró trascender fronteras.

Por sus destacados aportes al arte, pero también por su estudio sobre la vida sociocultural francesa, Veyrrasat fue galardonado con el título de “Caballero de la Legión de Honor”, la más importante distinción francesa, en el año 1878.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Toda la obra de Veyrassat se puede considerar como un registro realista, basado en la observación de la vida rural en la Francia profunda de la época. Sus obras abordan los temas de la cría y el trabajo de caballos en la vida agrícola; pero además representa desde campesinos y sus faenas, animales del campo, corrales, paisajes bucólicos tranquilos, a ríos calmos llenos de botes surcándolo.

Si bien, sus influencias se consolidan en la relación que sostuvo con los artistas de la Escuela de Barbizon, también extrajo sus temas y figuras de los pintores holandeses y flamencos del siglo XVII, de quienes también tomó prestado un estilo minucioso y el gusto por los tonos bistre.

Veyrassat fue constante en la repetición de sus temáticas, llegando a trabajar con “moldes”, repitiendo las mismas obras en distintos tamaños, solo modificando los colores de los ropajes, por ejemplo, de los campesinos retratados en sus lienzos. En el caso de esta obra, representa a los mismos campesinos, desde otra perspectiva, dicha obra le atribuyó el mismo nombre “Vuelta del trabajo”.

Su obra siempre se vincula a los grandes maestros Charles Jacque y Jean François Millet.

Su dibujo es sumamente academicista, donde prima una

perfección en el trazo y una cuidada anatomía de sus personajes y animales. Sin embargo, la naturaleza circundante la difumina en pinceladas y brochazos más intuitivos. Aplica manchas, puntos y trazos para insinuar la flora de las zonas rurales de Francia, tal como lo estaban comenzando a experimentar sus colegas de la Escuela de Barbizon, considerados como el antecedente directo del nacimiento del Impresionismo.

Veyrassat nunca abandonó su país de origen, sin embargo su fama se extendió por toda Europa.

Cabe señalar, que dentro de los análisis de la evolución de la Historia del arte, esta obra en particular, es un buen ejemplo de cómo se rompe el paradigma del Romanticismo y el Neoclásico, donde los motivos centrales de las obras eran los grandes reyes, papas o los grandes sucesos de la historia. Ahora los protagonistas de los lienzos y grandes exhibiciones, son los campesinos, el paisaje y animales de granja.

Temática principal: Paisaje/ arte bucólico / Paisaje francés / Campesinos Género pictórico: Costumbrismo Estilo artístico: Realismo pictórico francés / Pre-Impresionista / Naturalismo / Escuela Francesa del S. XIX. Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-62

NOMBRE: “En la playa de Trouville” TÉCNICA: Óleo sobre madera (Alto 16 cm X Ancho 28 cm) FECHA: S/D AUTOR: Eugène Louis Boudin (1824 – 1898- francés).

RESEÑA BIOGRÁFICA Boudin, fue uno de los principales precursores en el desarrollo del Impresionismo. Pasó la mayor parte de su vida en Normandía, donde realizó más de 6.000 óleos, dibujos y acuarelas sobre la costa del norte de Francia.

Su búsqueda por captar y reflejar la luz del ambiente en sus lienzos, lo llevó a ser uno de los primeros artistas en dedicar mayor tiempo en pintar al aire libre (en plein air) que en su taller. La Historia del arte nos señala que el célebre Claude Monet, figura entre sus principales discípulos.

El artista, siendo muy pequeño se desempeñaba como grumete, ya que su padre tenía un barco mercante. Es por esto la fuerte influencia del mar en sus trabajos.

Trabajando como impresor, tuvo la oportunidad de conocer a maestros como Théodule Ribot, Thomas Couture, Jean-François Millet, Constant Troyon y Eugène Isabey, que influyeron en su decisión de dedicarse por completo a la pintura y de trasladarse a París en 1847.

En esta primera etapa creativa también influyó la pintura holandesa del siglo XVII, y por supuesto, la obra de sus

contemporáneos de la Escuela de Barbizon. Desde 1855 realiza varios viajes a Bretaña, intercalando su residencia entre Normandía y París. El paisaje bretón, sus calles, iglesias y sus mercados se convertirían en tema de su pintura.

Luego de su primera exposición en el Salón de París 1859, realizó varias series de obras que tenían como protagonistas, a grupos de veraneantes en las playas de Trouville. Estos conjuntos lo hicieron muy popular entre la crítica y el mercado del arte. Esta obra es un buen ejemplo de aquellas creaciones.

Posterior a esto, su vida seguiría de lleno los pasos de los artistas impresionistas. Llegando al ocaso de su vida, en 1874 recibió la medalla de oro de la Exposition Universelle.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Las costas de Normandía se transforman en una temática recurrente de Boudin, como una respuesta al profundo rechazo que le provocaba el “encierro”, la escena parisina le provocaba claustrofobia. Debía buscar el paisaje natural. De hecho, un joven Claude Monet conoció por primera vez la pintura al aire libre gracias a su mentor Boudin.

Existe una situación particular en la vida personal de Eugene Louis Boudin, su lucha permanente contra la melancolía y su auto desprecio. A pesar de los continuos reconocimientos y elogios recibidos de otros maestros del gremio (Jean-Francois Millet, Gustave Courbet, Monet y Charles Baudelaire), que lo llamaban como pintor El rey de los cielos, Boudin no lograba presentarse con convicción y seguro de sus propias capacidades frente a la escena artística.

En lo formal, sus obras tienen una audacia expresiva; su pincelada a veces es considerada violenta e intrusiva. Pero esta energía la fusiona con la intimidad y delicadeza de sus escenas. Pone atención en las vestimentas de los personajes, las transformaciones del cielo y los efectos del medio ambiente y el clima.

La sinceridad de la obra de Boudin se entiende por la proximidad de lo representado, in situ, en directo, au plein air.

Su paleta de colores era variada, predominan los grises y ocres, pero le daba paso a un sinfín de colores, muchos de ellos contrastados e intensos, pero siempre en una armonía consistente. No se atrapaba en convenciones o fórmulas; prefería reflejar el momento preciso de la naturaleza, quería plasmar su capacidad sensible de percibir su entorno.

Sus temáticas a trabajar, eran escenas de la vida cotidiana y el mar; esta obra es fiel reflejo de ello. El artista tituló sus obras en relación directa a lo representado, con el propósito de hacer más realista la obra, evidenciando el elemento de pintura in-situ; como lo es “En la playa Trouville”.

Algunos académicos de la época consideraban sus obras como inconclusas y desordenadas. Los teóricos apegados a la tradición naturalista, percibían las pinceladas de Boudin como erráticas, algunas de sus líneas parecían borrosas, o meras manchas de pintura.

Sin embargo Monet y sus contemporáneos, se impactaron con esta “forma” de hacer arte, lo que se transformaría en el hilo conductor de las características estéticas de los impresionistas.

Temática principal: Paisaje / Paisaje costero / Paisaje francés / Paisaje de Normandía, distrito de Lisieux - Trouville.

Género pictórico: Costumbrismo.

Estilo artístico: Naturalismo / Realismo / Pre impresionista / Escuela de Barbizon / Escuela francesa del S. XIX. Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-49

NOMBRE: “Rastreando” TÉCNICA: Acuarela sobre papel (Alto 37 cm - Ancho 54 cm) FECHA: S/D AUTOR: Paul Tavernier (1852 – 1943- francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Tavernier fue formado gracias a la tutela de los grandes maestros Alexandre Cabanel, Adolphe Yvon y Gustave Guillaumet. Su formación inicial fue naturalista y sumamente academicista, arrastraba los gruesos empastes de las generaciones de romanticistas que lo antecedieron, y que habían marcado a la disciplina en la Academia. Sin embargo, sus tres maestros le aconsejaron visitar el norte de África, los paisajes desérticos y las amplias llanuras de la Sabana, le permitirían conocer nuevas temáticas, nuevas tonalidades emanadas de la naturaleza, lo que llevaría al artista a una búsqueda por aligerar su paleta.

Debutó en el Salón de 1876, momento en el cual toma contacto con los artistas especializados en la técnica del plein air, los jóvenes pintores de la Escuela de Barbizon. Ya en 1883, se convierte en miembro oficial de la Société des artistes français, participando en el Salón oficial hasta 1897. No sólo

residió en la zona de Fontainebleau, sino que además se transformó en un ciudadano activo de dicha localidad. Trabajó en el municipio local para emprender distintos proyectos de mejoras para desarrollar la ciudad y preservar su medio ambiente. De esa gestión, destaca la creación del “Campo de Golf de Fontainebleau” y la decoración del teatro municipal de la ciudad. Este inmueble lo decoró con pinturas y frescos que presentan al rey Luis XV, siempre practicando el pasatiempo de la caza. Como es el caso de esta obra, se presentan los canes que acompañan a los jinetes en esta labor.

Recibió medallas de bronce en la Exposición Universal de 1900 y en la de 1905.

Las causas y motivos de su muerte presentan algunos vacíos, pero el contexto en los embates de la cruenta 2da Guerra Mundial. Hoy aún, una calle de Fontainebleau lleva su nombre como homenaje.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación El pintor francés fue un excepcional diseñador de animales, un maravilloso colorista que sabía dominar la luz, como solo unos pocos grandes maestros del arte universal lo lograron; es también un artista de extrema sensibilidad, que evidentemente no ocupa el lugar que le corresponde. Hoy, una Fundación radicada en Fontainebleau, la que lleva su nombre, quiere rescatar, trazar e identificar las obras del autor en distintos lugares del mundo. Tienen la loable misión de generar el catálogo más actualizado que se tenga del artista a la fecha.

Su amplia paleta de colores, el uso de colores apastelados, expresaban con encanto y delicadeza "francesa" los temas de un Clasicismo ya en retirada, como lo es la práctica de la caza.

Sin embargo, estas obras le permiten adquirir un dominio supremo del arte animal y del paisaje, temáticas representativas de la Escuela de Barbizon.

Esta obra fue creada en acuarela sobre papel. Por lo que nos indica su biografía, el artista aún no se desprendía del todo del taller para dedicarse al 100% al plein air. Los investigadores postulan que la creación de acuarelas, de secado rápido y costos materiales más bajos, le permitía finalizar sus obras en taller y traspasarlas al óleo. Fue un observador riguroso con perfecto conocimiento de la anatomía y de la locomoción, del

movimiento, de la expresión de la mirada, del oído alerta.

Tavernier, regularmente representaba pinturas ecuestres o de caza. La obra “Rastreando” no es la excepción. El título de la obra hace directa referencia a lo representado, canes rastreadores en cacería. En lo formal, la obra posee predominantemente una paleta de colores verdes para la vegetación y grises para el cielo. Los canes de intensos colores cafés y blancos, contrastan y resaltan en la escena, poniendo de relieve aún más la gran capacidad de Tavernier para representar elementos anatómicos.

La acuarela a diferencia del óleo, por lo general, es mucho más lisa, no genera protuberancias sobre el papel, por lo que es homogénea y no tiene brillos accidentales producidos por el mero material. Solo resaltan las iluminaciones que el artista conscientemente le desea brindar a la composición. Manchas difuminadas en amplias extensiones son utilizadas para el paisaje y figuras en la lejanía, mientras que para los objetos cercanos al espectador, como la hierba, plantas y flores, utiliza trazos, manchas y líneas pequeñas que se yuxtaponen las unas a las otras.

Temática principal: Paisaje / Paisaje francés / Bosque de Fontainebleau / Perros de caza.

Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Naturalismo / Realismo / Pre impresionista / Escuela de Barbizon / Escuela francesa del S. XIX. Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-35

NOMBRE: “El tendedero” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 46 cm - Ancho 38 cm) FECHA: S/D. AUTOR: Paul Desiré Trouillebert (1829 – 1900- francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Paul Desiré nació en París, Francia el año 1829. El artista, fue parte de la prestigiosa agrupación de artistas llamados la Escuela de Barbizon.

Todos estos artistas de la escuela, se especializaron en el paisajismo, retratando escenas bucólicas, personajes y faenas del campo del entorno geográfico del Bosque de Fontainebleau.

Los jóvenes pintores de esta escuela, estaban enfocados en captar los múltiples efectos lumínicos que se producen en esta zona rural de Francia. Paul Desiré no solo se dedicó al paisaje. También creó naturalezas muertas y muchos retratos inspirados en el orientalismo.

Consolidó su carrera como artista cuando logró ingresar a las exhibiciones del Salón de París en el año 1865.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Al observar una obra de la escuela de Barbizon nos preguntamos ¿qué estará pasando?, con estas obras podemos crear historias, ya que sabemos que no son creaciones artificiales, sino que el artista ilustra un momento genuino de la vida común. Pintaban in-situ.

Podemos imaginarnos una tarde calurosa de verano, el río refresca el ambiente; pero también les permite a los habitantes del entorno lavar sus ropajes.

El soporte de óleo sobre tela, le brinda un brillo particular a los colores, permitiendo resaltar los contrastes lumínicos en el cielo y las nubes; como también los claroscuros que genera el espeso bosque. Es interesante el juego que genera el artista entre vacío y masa, cielo y bosque, respectivamente.

El pintor viajó por todo Francia, pero el Bosque de Fontainebleau y sus comunas aledañas, eran sus zonas preferidas para pintar. En concreto, sectores que conectan con las riberas del río Loira y el Sena.

El agua y sus reflejos eran los que potenciaban esas escenas bucólicas cargadas de movimiento, cielos animados y árboles sacudidos por el viento, temáticas donde el pintor se destaca.

La obra es de pequeño formato, sin embargo, concentra lo mejor y más característico de Trouillebert.

El cielo, azul y luminoso, contrasta con el denso follaje, este último esbozado con su pincel. Le da una sensación de “bosquejo” a su solución plástica.

Con el equilibrio en la distribución de elementos; el uso de colores contrastados; y dirigir todas las líneas de perspectiva hacia “El tendero”, le brinda al espectador una sensación de tranquilidad.

La gama cromática es armónica, predominan los colores cafés, verdes y celestes; no es de fuertes saturaciones. Excepto por una blusa roja colgada en el tendero. La prenda roja dentro de la composición, es un punto intenso que genera equilibrio y tensión a toda la obra. Con este elemento, logra captar la atención del espectador y volcar su mirada hacia el tendero.

El nombre de la obra hace directa relación a lo representado: un tendero colgando ropa en los bosques franceses. Su pincelada es rápida y ligera, aplica cortos y sutiles brochazos para recrear la vegetación, logrando una textura “plana” sobre el lienzo; en cambio, espesa el material para aplicar los tonos cafés de la tierra, agregando volumen al lienzo.

Temática principal: Paisaje / arte bucólico / Paisaje del agua / Bosque de Fontainebleau Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Realismo pictórico francés / Pre-Impresionista / Escuela de Barbizon.

Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-47

NOMBRE: “Landas y acantilados” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 59 cm X Ancho 80,5 cm) FECHA: S/D AUTOR: André Dauchez (1870 - 1948- francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Dauchez, desde temprana edad, fue impulsado por sus padres a formarse como artista. Su primer mentor fue el grabador Gastón Rodríguez, que entre los años 1885 a 1887, le enseñó el oficio de la prensa. Continúo sus estudios con Luc-Olivier Merson, en la reconocida L’Académie Julian.

Dauchez destacó por ser un creador versátil, desenvolviéndose como pintor en las técnicas de la acuarela, pastel, temple, dibujo, grabado y el óleo sobre tela y madera. Gran admirador de la obra de Rembrandt, al cual estudió con gran detenimiento. Del maestro holandés aprendió el arte de la luz, también la importancia de la aplicación del blanco y el negro para la representación de un paisaje.

Su hermana, Jeanne, contrajo nupcias con el destacado artista Lucien Simon. Él introdujo a Dauchez en un exclusivo círculo de artistas como Émile-René Ménard, Charles Cottet, Mau-

rice Denis, entre otros. Pero lo que fue determinante en su obra, fue el viajar junto a estos artistas a la costa de Bretaña en Francia y Cornualles en Inglaterra. Dauchez encontró la mayor inspiración para su obra en la fuerza del paisaje marino.

Playas, dunas, acantilados, estuarios, roqueríos que interactúan con las mareas, pueblos, pescadores, eran sus motivos favoritos. Una fuente inagotable de inspiración.

La prestigiosa carrera de André Dauchez lo llevó a convertirse en el director de la Société des artistes français. Hoy sus obras se exponen de manera exclusiva en la sección de pintores naturalistas del Museo de Orsay en París. Su obra ha trascendido las fronteras francesas, exhibiendo trabajos en museos de Japón, Estados Unidos, Finlandia, Inglaterra y Chile.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Fue artista versátil, podía representar paisajes y retratos sin dificultad. Sin embargo, los especialistas elevan su figura como la de un paisajista puro. La figura humana a menudo estaba ausente de sus paisajes. Dibujante de gran talento, también notable grabador (llegó a crear más de 400 estampas).

Es importante señalar que no debemos confundir el movimiento pictórico “Naturalismo” con la utilización del término en su forma genérica, aplicado a cualquier periodo de la historia de la pintura, en la que los artistas centran sus obras en la representación de objetos realistas en un ambiente natural.

André Dauchez pertenece a un estilo, a una “escuela”, a un movimiento concreto que podemos definir como un “naturalismo francés”. Especialistas lo denominan en concreto como estilo “Bande noire” o “Les nubiens”, para referirse a la agrupación de artistas franceses que estéticamente – de alguna forma- continúan con la tradición del Realismo. Los naturalistas franceses agregaron temáticas sociales a los lienzos, sosteniendo sus composiciones en base a la figura humana.

Los artistas de la agrupación que tuvieron estadías en la región de Bretaña, como Dauchez, se especializaron en el paisaje. Culturalmente la influencia ideológica del darwinismo

les proporcionó una perspectiva vital. Les entregó la conciencia sobre la futilidad de lo humano, contra la permanencia y superioridad de las fuerzas de la naturaleza.

Dauchez se aproxima al paisaje desde el ejercicio del registro.

El esfuerzo de plasmar la realidad sin condicionamientos, sin la introducción de interpretaciones añadidas. Se aleja de lo anecdótico, de lo pintoresco, excluye al sentimentalismo, quiere limitar la divagación en la imaginación del espectador.

El artista quiere explorar el dominio del hecho y de la experiencia; quiere analizar minuciosamente los datos del paisaje, para presentar el “fenómeno” en sí mismo. En lo formal, el pintor y sus colegas de grupo navegan en un ambiente artístico dominado por los impresionistas y postimpresionistas. La cercanía e intercambio fluido entre distintos grupos de artistas influenciaron a Dauchez.

Su paleta de colores es intensa y sutil al mismo tiempo. El dibujo es sobresaliente, pero le permite fluidez a la expresividad de la mancha en sí misma. Su trazo es firme, pero difuminado en zonas de la tela, según el interés plástico propio del pintor. La luz, es un elemento central en la obra, logrando compartir con el espectador la sensación ambiental del lugar representado.

Temática principal: Paisaje / marina / Paisaje del agua / Península de Cornualles, Inglaterra.

Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Naturalista / Bande Noire / Les nubiens Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-64

NOMBRE: “Barcazas” TÉCNICA: Acuarela sobre papel (28 cm de alto X 45 cm de ancho) FECHA: S/D AUTOR: Johan Barthold Jongkind (1819-1891- holandés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Jongkind nació en los Países Bajos el año 1819. Fue un pintor y grabador especializado en la técnica del agua fuerte. Sus primeras obras son un fiel reflejo de la tradición pictórica holandesa, donde predominan detallados paisajes invernales y marinas.

Inició su formación profesional como artista en la Escuela de la Haya, para luego continuar su perfeccionamiento en Francia.

En su denominado “periodo parisino”, Jongkind recibió una importante influencia de Eugene Isabey, maestro del Romanticismo, del cual obtuvo su atracción por las marinas y los paisajes costeros.

Su cercanía con los artistas Manet, Monet y Boudin, ampliaron sus horizontes. Jongkind modifica su técnica y estética romanticista para transformarse en uno de los principales

impulsores del Impresionismo. Movimiento considerado el motor del nacimiento de las Vanguardias. Su cercanía a los artistas de la Escuela de Barbizon influiría de manera determinante en su obra, lo que se tradujo en múltiples reconocimientos y premios.

Fue tal la atención que suscitaron sus obras, que el Príncipe de Orange (más tarde el Rey Guillermo III de los Países Bajos), a través de su secretario Ludolph van Bronkhorst, coleccionista de arte, institucionalizaría la creación de una subvención (1871) como un Subsidio Real para la Pintura al aire libre que realizaba Jongkind.

Sin embargo, su vida fue caótica y llena de excesos; lo que hicieron que su carrera artística fuera irregular; sumado al alcoholismo, una enfermedad mental lo llevarían a su muerte en el año 1891.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Jongkind, al igual que sus colegas de la Escuela de Barbizon, pintaban al aire libre. Pero mientras los franceses aplicaban directo el óleo al lienzo, el holandés prefería crear acuarelas a modo de croquis, para “traspasar” posteriormente la obra al óleo en la tranquilidad de su taller. Esta obra es un buen ejemplo de aquello, siendo además la única acuarela de la colección Barbizon presente en el Museo Baburizza.

Ese era su método de trabajo. Preparación previa del paisaje en una croquera o cuaderno de apuntes, utilizar el lápiz y la acuarela, la gran mayoría composiciones claras, lo suficientemente elaboradas para servir como base para una pintura al óleo. El tener apuntes previos le permitía repetir la misma temática varias veces, pero experimentando bajo diversas luces, usando distintos colores y tratando de representar distintas estaciones del año. Esta última idea, marcó profundamente a su amigo Monet, del cual podemos apreciar obras con las mismas escenas, variando entre primavera, verano, otoño e invierno.

En lo formal, la pintura tiene un estilo abocetado. Las líneas y formas de los elementos son sólo sugeridas por sutiles trazos. Lo anterior, evidenciado en las barcazas, de las cuales se le otorga el nombre de la obra. El artista cubre parcialmente

de acuarela la obra, dejando que el color blanco del papel sirva para otorgar brillo y luminosidad.

La suavidad de la acuarela se presenta en tonos finamente matizados, captando la luz y el ambiente de aquellos paisajes.

El brillo logrado por Jongkind en la obra es producto de su manejo con el material, los pigmentos y la capacidad de relacionarlos con el papel. La fina trama hilada del papel de algodón no opaca la luminosidad lograda.

En los escritos de su discípulo Édouard Monet, él nos señala: “en la obra de Johan Jongkind, Camille Corot y Eugene Boudin, está el origen del impresionismo”.

Es importante señalar que fueron muchos los pintores impresionistas, hoy considerados fundamentales en la historia del arte, los que alabaron los trabajos de Jongkind, sin embargo, nunca expuso junto a ellos.

Temática principal: Paisaje / Paisaje marítimo / Paisaje del agua /Paisaje bucólico.

Género pictórico: Marino Estilo artístico: Pre impresionista / Escuela de Barbizon / Escuela francesa del S XIX / Escuela Holandesa (Romanticismo).

Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-36

NOMBRE: “Santa María della Salute” TÉCNICA: Óleo sobre tela (59 cm alto X 69 cm ancho) FECHA: S/D AUTOR: Félix-Francois Georges Philibert Ziem (1821-1911- francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Félix Ziem nació en Francia el año 1821. Desde temprana edad quiso convertirse en arquitecto, por lo que estudió en la Escuela de Arquitectura de Dijon. No obstante, la pintura y el dibujo los practicaba constantemente como un pasatiempo.

Gradualmente su pintura fue pasando de una afición a una profesión. Esto sucedió luego de un viaje a Italia en el año 1841, oportunidad en la que conoció a todos los grandes artistas del Renacimiento. La ciudad de Venecia lo cautivó, lugar que se convertiría en la fuente de inspiración para muchas de

sus obras. Sin embargo, no solo creó paisajes venecianos, sino que también hizo algunos de Borgoña y Constantinopla.

Por su contribución al mundo del arte, el gobierno de Francia lo nombró Caballero de la Legión de Honor en el año 1857.

Le gustaba plasmar en sus obras paisajes luminosos, por eso el Mar Adriático y el cielo ocupaban un lugar importante en sus pinturas.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Tras estudiar en la Escuela de arte de Dijon, en 1843 comenzó un peregrinaje de 5 años por Francia e Italia, donde visitó lugares en los que “encontró” el brillo de la luz del sol, particularmente adecuado a su temperamento y finalidades artísticas.

Si bien fue un artista influenciado por el Orientalismo (Escuela de Marsella), su reputación se construye por sus cuadros sobre Venecia, que generalmente se caracterizan por la intensidad del resplandor del sol, edificios de color amarillo dorado, bajo un cielo azul profundo y coloridas embarcaciones surcando el paisaje.

Muchas de sus obras venecianas son imaginativas, no necesariamente captaron la escena con los mismos detalles, sino que centran su atractivo en las cualidades del color. Es más, curiosamente, con la formación profesional de Ziem como arquitecto, la representación de sus dibujos arquitectónicos frecuentemente eran defectuosos.

La técnica de pintar al aire libre es uno de los hechos notables en los artistas de Barbizon, pero esto también implicaba pintar rápido, reducir el formato de las obras, todo para captar el momento preciso de la luz.

Las obras de Ziem tienen una magia especial que viaja por sus tonos dorados, el esplendor de sus cielos azules, pero también

la audacia de sus pinceladas y la libertad de su gesto, que le convirtieron en el precursor del Impresionismo.

Para la construcción del cielo, el artista utiliza brochazos amplios, aplastados y mucho más homogéneos que la configuración plástica de la góndola, personajes y el mar. Aquí predominan los tonos celestes y blancos. Sin embargo, en la parte inferior las formas humanas las construye con brochazos rápidos, pequeños, yuxtapuestos, que en lo plástico, no son más que manchas. Pero Ziem sabía perfectamente lo que estaba haciendo. Comprendía que el espectador cumple un rol fundamental en la construcción de sentido en la obra de arte. La mancha tiene una carga expresiva en sí misma y el espectador posee la potencia de “traducir” o “leerla”.

La obra lleva el nombre de la Basílica de Santa Maria della Salute, inmueble ubicado en Venecia.

Temática principal: Paisaje / Paisaje italiano (Venecia) / Paisaje marítimo-urbano / Paisaje del agua / Marinas.

Género pictórico: Marino Estilo artístico: Pre impresionista / Escuela de Barbizon / Escuela francesa del S. XIX / Orientalismo.

Fichaje Surdoc: https://surdoc.cl/registro/51-58

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NOMBRE: “A ras del agua” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 43,5 cm - Ancho 49 cm) FECHA: 1852 AUTOR: León Victor Dupré (1816 – 1879- francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Dupré nació el año 1816 en la ciudad de Limoges en Francia.

Se especializó en la creación de paisajes rurales franceses.

Plasmó en sus lienzos verdes campos cruzados por ríos y lagunas, cielos tormentosos con claros de luz entre sus nubes. La iluminación del ambiente es un tema central en su pintura.

A temprana edad aprendió el oficio de artista gracias al nego-

cio familiar de fabricación de porcelanas. Su hermano mayor, Jules Dupré, era el encargado de decorar porcelanas con escenas rurales.

Luego, se unió a la Escuela de Barbizon. Movimiento pictórico de inicios del siglo XIX que rechazó los esquemas artísticos de la tradición neoclásica.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación El artista y los exponentes de Barbizon buscaron crear una representación realista del paisaje, centrando sus esfuerzos en el estudio de lo natural. La capacidad de plasmar con gran realismo efectos lumínicos, le otorgaba tintes dramáticos a sus paisajes.

Esta nueva concepción de hacer arte y dejar el taller para trabajar al aire libre, fueron elementos fundamentales en el desarrollo posterior del Impresionismo.

El fuerte orientalismo que permeó la producción artística de la Escuela francesa del S. XIX es evidente en esta tela. Una naturaleza llena de contrastes, que armónicamente brinda equilibrio. El botero navega tranquilamente, a ras del agua, del cual proviene el nombre de la obra; en este paraje amenazado por nubes de un cielo tormentoso.

El color de Dupré es sonoro y resonante; la temática de esta obra es un tema recurrente en su creación: paisajes bajo la puesta del sol o cubiertos por nubes de tormenta. En lo formal, nos percatamos que pintó bajo la influencia de Gustave Courbet.

Si bien, Vincent van Gogh (con él que jamás coincidió en el contexto histórico y creativo); demostró su admiración por la pintura de Dupré; ideas que reflejó en sus epistolarios, donde

señalaba que en Dupré veía el alma del romanticismo, pero con aires renovadores.

El brillo captado de los reflejos del agua, los claros en el bosque y las nubes del cielo demuestran la gran maestría del pintor. Lo reafirman como uno de los más importantes exponentes de la Escuela de Barbizon, pero además recae en sus lienzos la responsabilidad de haber articulado lo que hoy en el arte es un “género” pictórico en sí mismo, el “paisaje francés”.

Sus obras hoy se exhiben en muchos museos de Europa, pero una cantidad considerable son albergadas en el Museo d´Orsay, dispositivo cultural en París que cautela y exhibe la mayor cantidad de obras de la Escuela de Barbizon y los Impresionistas.

Temática principal: Paisaje / arte bucólico / Paisaje del agua.

Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Realismo pictórico francés / Pre-Impresionista / Naturalismo / Escuela Francesa del S. XIX. / Escuela de Barbizon Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-29

NOMBRE: “Pescadores catalanes” (Poblado de Cadaqués) TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 66 cm X Ancho 65,5 cm) FECHA: S/D AUTOR: Segundo Matilla Marina (1862 - 1937 Español)

RESEÑA BIOGRÁFICA Segundo Matilla, pintor, dibujante y acuarelista español, se formó profesionalmente en bellas artes en la Escuela de la Lonja de Barcelona, bajo la dirección de Antonio Caba, uno de los artistas más destacados del Academicismo pictórico en España. Pero su camino artístico buscaría el desarrollo de un arte más fresco, acorde al desarrollo de las vanguardias artísticas. Se especializó en la pintura de paisajes y marinas, muy influenciado por el estilo del destacado pintor Eliseo Meifrén. Sin embargo, su habilidad, sensibilidad, un consolidado dominio del dibujo y de la técnica pictórica, hicieron que Segundo Matilla cultivara variados géneros. Además de sus paisajes, destacó en la creación de retratos (de personajes famosos o bajo la luz pública); también creó coloridos bodegones y naturalezas muertas.

Participó en numerosas exposiciones, obteniendo distintos reconocimientos y premios como la Exposición Internacional de Barcelona (1891, 1894, 1896 y 1898; 1918 y 1919). Participó en el famoso Salón de París en el año 1897, además exhibió obras en el Salón Vilches de Madrid de 1915.

En todas estas exhibiciones logró vender una gran cantidad de sus obras, ganando un importante reconocimiento y adquiriendo un muy buen pasar económico. Durante esos años, parte importante de su producción fue exportada a América.

Sus obras se encuentran en distintos museos españoles, como el Museo del Prado y el Museo Nacional de Arte de Cataluña, pero también, están presentes en importantes colecciones público/privadas internacionales. Tal es el caso de este lienzo que cautela el Museo Baburizza.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación El pintor se especializó en crear paisajes y marinas, pero no bajo patrones academicistas. Sus aproximaciones con las nacientes vanguardias hicieron que el artista fijara su interés pictórico en resaltar las vibraciones de la luz intensa, que predomina en el espacio del mar y la Costa Blanca en la provincia de Gerona. Su estilo impresionista logró captar de forma vívida el ambiente cálido del Mediterráneo.

La escena que presenta la obra “Pescadores catalanes” es algo melancólica, también es lo cotidiano en Cadaqués. El artista revela, evoca con el paisaje, esas acciones ocultas que solo un artista con cercanía y conocimiento del lugar puede revelar.

Su composición es sencilla, basada en el plano horizontal de la tierra, dividiendo el cuadro en tres partes, de diferentes dimensiones cada una. Dándole la mayor amplitud a la parte inferior de la obra, donde representa al mar y los pescadores, quienes son protagonistas de la obra, los cuales le otorgan el nombre a este óleo. Acentúa esta zona dotándola con los colores más intensos y contrastados.

A medida que asciende la escena, el poblado de Cadaqués es trabajado con ligeras variaciones tonales. El color es más suave, hay menos contraste, salvo los sutiles trazos utilizados

para las ventanas de los inmuebles de la ciudad, representados como puntos de luz que le otorgan lo figurativo a la pincelada.

Podríamos suponer que la escena se sitúa en el alba. El cielo es grisáceo, envolviendo todo el ambiente en una atmósfera fría. El mar oscuro acentúa este frío. Sin embargo, los reflejos de los edificios blancos de Cadaqués en el mar le otorgan un brillo intenso a la obra.

Su paleta de colores se satura en los puntos donde quiere acentuar la atención del espectador (en los pescadores), utilizando el blanco, el rojo y el azul cobalto.

El resto de la obra se construye en base a blancos, grises y una gran gama de azules. El azul es dinámico, se intensifica y atenúa según el interés plástico del artista.

Según señalan algunos especialistas, la obra de Segundo Matilla es totalmente inteligible. No deseaba presentar complicaciones reflexivas, quería ser directo. Esta postura difería de sus colegas de época, que complejizaban las temáticas representadas con alegorías y simbolismos.

Temática principal: Paisaje / Paisaje del agua / Pescadores / Poblado de Cadaqués / Provincia de Gerona, Cataluña.

Género pictórico: Marino Estilo artístico: Impresionismo / Influencia de la Escuela de Barbizon / Romanticismo y Luminismo Valenciano.

Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-53

NOMBRE: “Rompientes” (Costa mallorquina) TÉCNICA: Acuarela sobre papel (Alto 45 cm X Ancho 60 cm) FECHA: S/D AUTOR: Antonio Ribas Prat (1883 - 1931- español)

RESEÑA BIOGRÁFICA Hijo del destacado pintor Antonio Ribas Oliver. A temprana edad comenzó su formación artística, luego de pasar por la Escuela Nacional de Bellas Artes en España, donde S. Russinyol influyó directamente en su obra. Viajó a Francia para conocer a sus colegas impresionistas, donde fue cautivado por este estilo pictórico, el que definió por completo su obra.

De regreso en Mallorca, se unió a las filas de profesores de la Escuela Provincial de Bellas Artes.

Tuvo la oportunidad de viajar por distintos lugares de América, dedicando gran parte de sus telas a representar los océanos y sus costas. En sus pinturas resalta el expresivo naturalismo y las características del pintor mallorquín.

En nuestro continente, presentó sus obras en exposiciones colectivas en Uruguay, Argentina, Perú y Chile. Adquirió reconocimiento por parte de la crítica y el público. En particu-

lar, en Chile, entabló amistad con el pintor Juan de Saridakis, él que le permitió acceder al mercado del arte local, vendiendo obras a coleccionistas privados. Especulamos que esta acuarela puede haber sido adquirida de forma directa por don Pascual Baburizza para engrosar su pinacoteca personal.

Aunque lamentablemente estos son solo supuestos al no contar con las actas individualizadas de cada obra en la donación de Pascual Baburizza a la ciudad de Valparaíso.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Su obra evidencia que Ribas Prats siguió los pasos de su padre en la pintura, siendo fiel reflejo de sus enseñanzas. Pero también se encuentra presente en sus trabajos la vinculación a las formulaciones estéticas de la Escuela de Barbizon, nociones que de seguro adquirió en su breve estancia en París para perfeccionar su formación académica. De ellos tomó la pintura "au plein air".

Su composición responde a normas y formulaciones academicistas, en las que cada elemento de la obra se ordena en base a un equilibrio y armonía. La aparición de pequeños elementos en contraste – “figurillas” como le llaman algunos especialistas (los árboles en el extremo superior derecho del lienzo)-, es un recurso empleado por el artista en casi todas sus obras. Estos elementos llaman la atención del espectador, dinamizan la obra y le otorgan equilibrio.

En esta marina, con oleaje turbulento, destaca el intenso movimiento de las olas que rompen contra las rocas; de ahí el nombre del lienzo “rompientes”.

La acción que se desarrolla en la obra tiene un esquema de composición, se utiliza la línea del horizonte para dividir en partes lo representado.

La superior, que presenta un cielo nuboso y en la inferior, donde desarrolla un paisaje dispar, producto del contraste

entre las olas y los peñascos de roca.

La novedad que Ribas presenta ante el academicismo y romanticismo que le fueron inculcados en su formación, está en el nuevo y esencial elemento en su obra: la luz. La que está presente de forma intensa en la espuma de las olas.

Emplea una paleta de colores y tonalidades donde predominan distintos tonos pardos, blancos, azules y celestes.

El artista tomaba notas en directo, con el afán de acabar las obras en el taller. Esto le permitía depurar, corregir o también, traspasar la obra a formatos superiores en el estudio; siempre con la cautela de que estos traspasos no perdieran la fuerza de la primera impresión.

Si analizamos desde la perspectiva estética la relación con el contexto histórico en el cual este artista se desenvuelve, momento en que el impresionismo y sus versiones posteriores (post y neo impresionismo) avanzaban fuertemente por la primera mitad del S. XX, Ribas Prat presenta un impresionismo “tímido”, que no logró desprenderse de los patrones de sus maestros del siglo XIX. Si bien, los trabajos Ribas Prat son de gran calidad técnica, se presentan como manifestaciones desfasadas y contradictorias en relación a lo “moderno” y “novedoso” que eran los trabajos de sus antecesores.

Temática principal: Paisaje / marina / Paisaje del agua/ Cala Deia / Mallorca, Islas Baleares, Mar Mediterráneo.

Género pictórico: Marino Estilo artístico: Impresionista con Influencia del Realismo y Romanticismo / Escuela Mallorquina / Influencia de la Escuela de Barbizon Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-52

NOMBRE: “Niebla en el Canal du Midi” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 73 cm X Ancho 92 cm) FECHA: S/D AUTOR: Henri Eugene Le Sidaner (1862 - 1939- mauriciano)

RESEÑA BIOGRÁFICA Le Sidaner nació en las Islas Mauricio, antigua colonia francesa en África. Siendo pequeño, su familia se trasladó a la ciudad de París. Es allí donde inicia su formación (1880) siendo aprendiz de Alexandre Cabanel en la École des Beaux-Arts de París.

La vida artística parisina estaba llena de maestros consolidados (Naturalistas) y nuevos talentos emergentes (Impresionistas). Paradójicamente, estas mismas características serían las que lo agobiaban, impulsándolo a buscar latitudes más tranquilas que le permitieran desarrollar un arte propio.

Sus obras, de bucólicos paisajes y humildes personajes, nos recuerdan al Naturalismo de Camille Corot. Escenas ín timas cargadas de misterios y ensoñación. De regreso en París, se reencuentra con el mundo académico y entrega su obra por

completo a las nuevas tendencias emanadas del Impresionismo (Postimpresionismo – Fauvismo).

Si bien sus obras fueron presentadas en destacadas exposiciones, como el Salon des Artistes Français y en la Société Nationale des Beaux-Arts, su estilo que navegaba entre varios estilos, no gozó de la popularidad alcanzada por otros artistas.

Esto lo mantuvo alejado de colecciones públicas y museos. Su difusión fue mayor en galerías y colecciones privadas. Le Sidaner fue un pintor productivo, respetado y exitoso en el gremio de artistas hasta el final de su vida.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación El artista incursionó en distintas temáticas (bodegón, naturaleza muerta, retratos), pero se mantuvo concentrado en el género del paisaje, escenas que, por lo general, no presentan figuras humanas.

El trabajo de la luz y la representación del brillo del día, nos invitan a definir a Le Sidaner como un perfecto exponente del Impresionismo. Sin embargo, si analizamos sus composiciones, nos percatamos que sus escenas no están tomadas directamente del natural, sino de la percepción directa. Sus obras surgen de una elaboración lenta, introduce colores intensos y no en sintonía con la apreciación directa de la realidad. Hay una abstracción de las atmósferas. La utilización del color es libre y subjetiva (características propias del Fauvismo). Las construcciones y la ciudad se difuminan en alteraciones de pequeños puntos y rápidos brochazos.

Le Sidaner se alejó del naturalismo y el simbolismo para centrarse en nuevas formas de representar la realidad. Introduce mucha luz en sus trabajos; aplica pinceladas rotas, yuxtapuestas, pequeñas e intensas, que se configuran como un plano de “puntos”, uno al lado del otro (elemento propio en el Puntillismo/Neoimpresionismo), predominan los colores fríos. Pero la tela se equilibra con el intenso blanco y amarillos

utilizados para representar el cielo. Llena de esa atmósfera brillante toda la escena.

Algunos críticos de su época señalaban que esta transformación formal en la obra de Le Sidaner, respondía a un interés particular del artista. Quería mantenerse en sintonía con las “Vanguardias históricas”. Críticos de la época, peyorativamente, se referían a su obra como un “neoimpresionismo traicionado por el academicismo”.

Si analizamos la obra hoy, considerando las implicancias del paso del tiempo, podemos sostener que “Niebla en el Canal du Midi” es sobresaliente, lo formal revela la enorme versatilidad del pintor.

Un elemento no menor a considerar, es la escasa presencia de obras del autor en colecciones públicas. En Chile, el Museo de Bellas Artes de Valparaíso es la única institución que custodia una de sus obras en el país.

Temática principal: Paisaje / Paisaje urbano / Paisaje del agua / Canal urbano navegable, parte del río Garona, Toulouse, Francia.

Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Post-Impresionismo / Impresionismo / Fauvismo / Influencias del Naturalismo y del Simbolismo.

Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-67

NOMBRE: “El espejo en la charca” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 39 cm X Ancho 75 cm) FECHA: 1885 AUTOR: Henri Joseph Harpignies (1819 – 1916- francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Artista de origen belga, llegó a Francia junto a su familia para establecerse en una fábrica de remolacha azucarera en Famars hacia 1825. Vivió toda su infancia como un burgués gracias a los logros económicos de su padre.

Harpignies comenzó a dibujar a los cuatro años y comenzó sus estudios en 1830 en el Colegio Comunal de Valenciennes, donde destacó en dibujo, música y geografía. Sin embargo, la intención de su padre era convertirlo en un hombre de negocios, enfocando las labores del pintor en temas financieros y económicos. Por lo anterior, es que su formación artística se mantuvo discreta, tomando talleres esporádicos en los que logró crear obras que conmovieron a su padre, el que finalmente tomaría la decisión de apoyarlo en su vocación artística.

Viajó a París, donde comenzó sus primeros estudios artísticos con el paisajista Jean-Alexis Achard. Después de unos años, ya iniciada la revolución, comienza un viaje por distintos países de Europa, adquiriendo experiencias artísticas en las distintas localidades que visitó. Harpignies no seguía los pasos de sus contemporáneos al pie de la letra.

Harpignies debutó en el Salón de 1853, cuando tenía treinta y cuatro años. Momento que su figura se posiciona en la luz

pública y se acerca a los pintores del bosque de Fontainebleau. Mantuvo participaciones entre los años 1864 y 1866, y no solamente con obras al óleo o el temple, también experimentó en otras disciplinas como la acuarela y el grabado. De hecho fueron sus acuarelas las que lo internacionalizaron al ingresar en destacadas galerías en Nueva York y Londres.

Es importante señalar que si bien el pintor adquirió ciertos influjos de los Impresionistas, nunca se agrupó a ellos de manera formal.

En 1875 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor, su carrera fue en constante ascenso llegando en 1911 a convertirse en Gran Oficial. Se presentó al Salón hasta 1913, consiguiendo docenas de premios y reconocimientos.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Los pintores de la Escuela de Barbizon ya conocían todas las técnicas para poder evocar el realismo de la escena representada, como los reflejos trabajados por Van Eyck o el juego de luces y sombras trabajado por Goya. Pero estos artistas iban más allá, transportándonos a entornos cotidianos, la obra muestra escenarios fácilmente identificables para la comunidad rural francesa.

La obra de Henri-Joseph Harpignies navegó y alternó entre distintos movimientos artísticos. Durante su juventud, los pintores de Barbizon marcaban tendencia y ponían en pugna la tradición paisajística clásica, las temáticas históricas y las mitológicas.

Sin embargo, el Realismo pictórico, aún ejercía influencia sobre las nuevas generaciones de artistas. Harpignies coexistió con los Impresionistas, colaboró y trabajó con ellos, pero su obra respondía, mayormente, a las influencias de intereses anteriores (Jean-Baptiste-Camille Corot.)

En lo formal, la composición está cuidadosamente estructurada: Tiene una pincelada exuberante que le otorga espontaneidad al lienzo. La vista sugiere hábilmente que la elección del motivo fue espontánea. La intención era plasmar el entorno directo de los artistas, paisajes del Bosque de Fontainebleau.

Un efecto para aportar simetría lo consigue colocando los árboles a modo de línea de horizonte en medio del lienzo. La mirada del espectador se dirige hacia la sombra de los árboles a través de un claro y el brillo que genera el “espejo de agua”, del cual proviene el nombre de la obra, el espejo reflejado en la charca. El espectador nivela su mirada y observa de manera estructurada.

La paleta de colores es equilibrada, navega entre una variedad de intensos verdes; cafés y negros, utilizados para representar árboles y arbustos; los grises y blancos se utilizan para la charca y en un cielo mayormente despejado, pero no carente de nubosidad.

Temática principal: Paisaje / Paisaje bucólico / Paisaje francés (bosque de Fontainebleau) /Paisaje del agua.

Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Naturalismo / Realismo / Pre impresionista / Escuela de Barbizon / Escuela francesa del S. XIX. Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-69

07

NOMBRE: “Lavando” TÉCNICA: Óleo sobre madera (Alto 39 cm X Ancho 75 cm) FECHA: S/D AUTOR: Charles Francois Daubigny (1817 – 1878- francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Daubigny nació en la ciudad de París, en una familia llena de talentosos pintores, los que desde temprana edad le compartieron sus conocimientos, entregándole una sólida formación artística. Principalmente de su padre, el pintor Edmond François Daubigny y su tío, el miniaturista Pierre Daubigny, es de quienes aprendió el oficio de pintor.

Fue uno de los primeros pintores de la escuela de Barbizon, considerado uno de los precursores del impresionismo, desde que se estableció en el bosque de Fontainebleau en 1843, para dedicar su trabajo en exclusivo a la naturaleza. Daubigny transitó de una pintura tradicional, romántica, a una más libre, “naturalista”, centrada en el paisaje. También incursionó en el grabado, en 1850 publica dos álbumes de aguafuertes que lo acreditaron como grabador. Desde 1866 visitó Inglaterra y los

Países Bajos junto a su gran amigo Claude Monet, ampliando sus conocimientos y experiencias.

Participó en los Salones oficiales desde 1838, de manera constante, transformándose años después en uno de los jurados del mismo. Muchas veces renunció a participar cuando el resto del gremio academicista rechazaba las obras de los jóvenes y “rebeldes” impresionistas.

La obra de Daubigny destaca sobre todo por la interpretación personal que tenía del paisaje. Esta autenticidad para pintar fue un motor de inspiración fundamental para todos los futuros impresionistas. Sin embargo, la popularidad de estos fue tan avasalladora y explosiva que la obra de Daubigny, en la crítica y la historia, se vio eclipsada.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación En la historia del arte, Daubigny es considerado como un impresionista adelantado, el nexo entre el academicismo y la Escuela de Barbizon.

Su interés por reflejar elementos como el agua, el aire y el cielo presentaron a la comunidad y a la crítica un arte fresco, renovado.

La capacidad para captar la esencia de la naturaleza lo hacían un exponente sobresaliente del Realismo, sin embargo, la novedad estaba al introducir emoción y sensaciones, que manifestaba por medio de su pincelada. Podemos hablar de una especie de “Realismo emotivo”.

“A plein air”, la técnica ideada por los preimpresionistas fue el modo de trabajo de Daubigny. Plantaba su caballete al aire libre. Lidiaba con los cambios atmosféricos. En ocasiones dejaba su atril en el mismo lugar durante días, siempre esperando lograr las condiciones perfectas (o preconcebidas) para representar la escena.

Se esfuerza por capturar la transparencia del aire y los efectos de la luz; la interpretación del agua -del mar, la de los ríos, estanques o lagos- es uno de sus temas preferidos; puesto que, funcionan como verdaderos espejos de luz en la naturaleza, lo que permite expresar su emoción. En esta obra, el agua

del río se fusionar con el cielo. Se logra visualizar una mujer a la orilla de este río, lavando ropajes, acción que le otorga el nombre de la obra.

En lo técnico, aplica la pintura con pinceles, pero también utiliza la espátula, pero la presiona y aplasta, lo que resulta en una aplicación moderna entre sus colegas preimpresionistas.

El resultado es una tabla sin mayores protuberancias o relieves.

Alterna la espátula con pinceladas nerviosas y sueltas. Algunos académicos las tildaban de obras “mal acabadas”. Pero Daubigny estaba en la misión de innovar, lo que fue sumamente reconocido por las nuevas generaciones.

Las veladuras previas sobre la tabla facilitan la aplicación de todos los matices posibles, brindándole mayor transparencia a la luz y al agua.

El soporte en madera, la tabla, aporta sus propias tonalidades.

Entrega irregularidades que Daubigny aprovechó muy bien.

Sus colegas impresionistas priorizaron el uso de lienzos, lo que les restó la capacidad de aplicar mayores sutilezas y detalles en el dibujo.

Temática principal: Paisaje / Paisaje bucólico / Paisaje francés (bosque de Fontainebleau) Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Naturalismo / Realismo / Pre impresionista / Escuela de Barbizón / Escuela francesa del S. XIX. Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-25

NOMBRE: “Pescadores italianos” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 100 cm X Ancho 84 cm) FECHA: S/D AUTOR: Ugo Flumiani (1876 - 1938- italiano) RESEÑA BIOGRÁFICA Flumiani nació en Trieste en 1876, dedicando gran parte de su obra a paisajes y motivos relacionados a dicha localidad.

Actualmente es considerado como el principal marinista de Trieste entre el S. XIX y el S. XIX. Sus primeros estudios los realizó en la Academia de Venecia, bajo las enseñanzas del pintor italiano Guglielmo Ciardi, suscrito al Realismo pictórico.

Continúa formándose en la Academia de Bolonia, donde se instruye en arquitectura y decoración. Finalizó sus estudios en Munich, donde aprendió la lección impresionista de su amigo y mentor Umberto Veruda. La influencia de este último definiría formalmente toda la obra de Flumiani.

El pintor gozó de gran popularidad, puesto que trabajaba múltiples temáticas (pintura de género, paisajes bucólicos,

marinas y algunas naturalezas muertas). Si bien, sus obras poseen gran realismo debido a su formación inicial, su estilo abocetado adoptado después de su periodo formativo en Munich, lleva a los especialistas a definirlo como un impresionista.

Se mantuvo activo presentando sus obras en destacados certámenes y exhibiciones, como en la Bienal de Venecia (1899, 1909, 1910, 1920 y 1924); en los eventos organizados por el Club Artístico de Triste entre 1906 a 1925. También realizó exposiciones personales en París, Viena, Trieste y Praga. Por sus estudios de arquitectura, pudo colaborar en destacados proyectos decorativos de la ciudad, como el Palazzo Artelli y en el barco a motor Vulcania. Flumiani falleció en su ciudad natal Trieste en el año 1938.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación El paisaje ha sido trabajado por muchos artistas en la historia, como protagonista, escenario o fondo en la investigación artística. A falta de la invención de la fotografía, los artistas buscaban realizar una descripción naturalista del paisaje que representaban.

Primero, como una investigación sobre el espacio y la perspectiva (Renacimiento), pasando por el análisis científico del entorno (dibujo botánico); hasta llegar a la representación más subjetiva, que ponía el acento en los impactos y vibraciones de la luz sobre los objetos, algo que pusieron de relieve los artistas impresionistas. En este sentido, las "marinas" son un tema recurrente, tanto por el lirismo implícito en las vistas de mar; pero también por las posibilidades que conllevan la representación de superficies acuáticas, en las que los pintores pueden dar rienda suelta a su creatividad cromática.

El artista Ugo Flumiani se caracteriza por su producción paisajística de marinas. Esta obra es congruente desde el punto de vista formal con el lenguaje impresionista, puesto que pone de manifiesto las intensidades de las relaciones de la luz con los objetos representados.

La técnica de Flumiani descansa en pinceladas cortas y densas, algunas muy gruesas, donde el material pictórico se

presenta como pequeños montículos con relieve. Estos efectos los plasmaba como un elemento que le otorgará coherencia a la “representación inmediata”, pintura al “Plein Air”. Las pinceladas se presentan como “motas rectangulares”, u ondas con forma de “S”. Sus colores son intensos, donde priman los verdes y azules (embarcación) y los intensos amarillos y ocres (velas de la embarcación). Como buen impresionista, tienen un total manejo de los reflejos sobre superficies acuáticas, haciendo interactuar intensamente los coloridos reflejos de las embarcaciones y sus velas, sobre los azules, celestes y blancos utilizados en la representación del mar.

El nombre de la obra “Pescadores italianos” es una alusión directa a lo representado.

Temática principal: Paisaje / Marina/ Paisaje de agua/ Pescadores / Mar Mediterráneo.

Género pictórico: Marino Estilo artístico: Impresionismo / Influencias del Realismo / Escuela de Trieste.

Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-54

NOMBRE: “En la rada” TÉCNICA: Óleo sobre madera (Alto 24 cm X Ancho 38 cm) FECHA: S/D AUTOR: Jean Francois Raffaëlli (1850 – 1924- francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Raffaëlli fue un pintor, escultor y grabador de origen italiano, nacionalizado francés. Se formó como artista bajo el alero de Jean-Léon Gérôme en la Escuela de Bellas Artes de París, pero su mayor desarrollo artístico lo logró siendo autodidacta. Su talento le permitió tempranamente acceder al destacado Salón de París en 1870, abriéndose camino en el mundo artístico.

Posterior a esto, su obra se consagró al paisaje, buscando retratar escenas del mundo rural y bucólico, donde campesinos, obreros y animales de campo eran los protagonistas en la obra.

Comenzó a alejarse de su formación academicista (naturalismo y realismo), lo que fue percatado por el connotado pintor Edgar Degas, el que invitó a Raffaëlli a presentarse en las exposiciones impresionistas de 1880 y 1881. Su participación

no gustó a todos los artistas del gremio, que percibían su obra aún muy conectada con las tradiciones pictóricas que precisamente querían superar.

Sin embargo, tras ser reconocido por la Legión de Honor en 1889, sus temáticas se ampliaron, ahora presentando escenas de suburbios y calles del centro de París, una temática que gustó a la crítica y al público.

Actualmente, varios museos del mundo cautelan obras de Raffaëlli. En Latinoamérica en particular, los Museos de Bellas Artes de Argentina; El Museo Nacional de Bellas Artes de Chile; y el Museo de Bellas Artes de Valparaíso tienen creaciones del autor.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Durante la primera década del siglo XX, Raffaëlli centró su obra en crear representaciones de la pintoresca campiña francesa, principalmente de la zona de Bretaña. Trabajó en los suburbios parisinos donde la figura humana era protagonista, temática que hizo muy popular la obra del artista en los incipientes mercados de arte.

Ya como artista maduro y consagrado, viajó a la Costa azul (La Riviera francesa frente al Mediterráneo), por lo que comenzó a elaborar obras dedicadas a la costa; sus personajes; los farellones de piedra caliza frente al océano; entre otras temáticas marinas.

Sus paisajes aquí adquieren una perspectiva más amplia, como si el artista estuviera frente a la escena, pero alejado de ella al mismo tiempo. Puesto que los personajes han sido reducidos a meras manchas dentro del paisaje; tal como se evidencia en esta obra. Manchas alternas y yuxtapuestas que solo sugieren formas concretas. He aquí una de las genialidades de este artista. La técnica de solo sugerir impulsa el cerebro del espectador a decodificar las manchas del fondo como si fueran personajes en la escena.

Este logro es atribuible a todos los artistas impresionistas, que comprendieron que el ojo humano puede concluir la lectura de

lo representado por el artista, sólo con meras sugerencias. Y viceversa, el artista se percata que su obra no sería, ni podría ser, sin la existencia de un interlocutor, el espectador.

La paleta de colores utilizada para el cielo es fría, el suelo lo confecciona con marrones y ocres, más cálidos, que equilibran la composición. Esto es algo característico y recurrente en el artista.

Los impactos de los blancos, cremas y grises utilizados para el cielo y el suelo, aportan a esta obra un interesante espesor matérico (sin ser excesivo) que contrasta con los trazos rápidos, desordenados de las figuras humanas que sugiere el artista (más pesados en material).

Solo un par de pequeños manchones verdes, azules y rojos llaman la atención del espectador. Estos manchones están ubicados precisamente donde el artista sugiere a personajes (sector central izquierdo) para invitar al espectador a decodificar el mensaje que quiere señalar el artista: un grupo de personas disfrutando de un paisaje costero.

Si bien no tenemos año de factura de la obra, por su temática y el trato formal, podríamos relacionarla con la producción tardía (o consagrada) del artista.

Temática principal: Paisaje / Paisaje costero / Paisaje francés Género pictórico: Marino Estilo artístico: Naturalismo / Realismo / Pre impresionista / Escuela de Barbizon / Escuela francesa del S XIX. Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-50

07

NOMBRE: “Mañana de octubre” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 65 cm – Ancho 91,5 cm) FECHA: S/D AUTOR: Albert Rigolot (1862 – 1932- francés).

RESEÑA BIOGRÁFICA Nació en París; estudió con los artistas León Germain Pelouse y Auguste Allongé.

Sus pinturas tienen un estilo artístico inspirado en un grupo de paisajistas franceses, que se instalaron en el Pueblo Barbizon entre 1830 y 1870 para capturar su entorno geográfico.

Rigolot fue parte de la generación de artistas que consolidó a la Escuela de Barbizon en el circuito artístico.

Sus obras se caracterizaban por buscar el brillo y luminosidad, agregando un enfoque oriental y naturalista a sus composiciones.

Esto lo llevó a ser reconocido a través de diversas medallas, como la de Honor, Bronce y Plata, hasta finalmente convertirse en Caballero de la Legión de Honor en Francia.

A finales de la década de 1890, Rigolot realizó varias excursiones a Argelia. En dichas localidades obtuvo la inspiración para

sus paisajes místicos, obras que reflejan claramente el estilo del autor a lo largo de toda su vida.

Un elemento interesante a constatar en su vida fue la relación que tuvo con algunos de sus discípulos (John Hafen, Lorus Pratt, JB Fairbanks y Edwin Evans), los llamados “Artistas misioneros”. Pintores que viajaron a América, se detuvieron en Valparaíso y luego siguieron su camino hacia Utah, Estados Unidos. En su largo peregrinaje fueron dejando lienzos en manos de coleccionistas a lo largo de todo el continente americano. También traían consigo obras de su maestro Rigolot, el cual se internacionalizó gracias al extenso viaje de sus discípulos.

Después de una larga carrera, Albert Rigolot falleció en 1932.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Las obras de Rigolot son magistrales interpretaciones de la luz, ya que logró captar la esencia de las atmósferas. Sus paisajes transmiten estados de ánimo; la naturaleza se hace protagonista del lienzo gracias a los acentos que le otorga la intensidad de la luz.

En este óleo sobre tela, la pincelada es mayormente plana, no hay excesos de pintura. Sin embargo, alterna estratégicamente pequeños manchones más gruesos, que generan un relieve. Estas pequeñas protuberancias son amplificadores de los reflejos de luz que recibe la obra. Sea esta luz natural o artificial, estos manchones cumplen la misma función.

Las manchas para representar el pasto muestran la diversidad de la naturaleza. La mancha en sí misma tiene una carga expresiva.

La bóveda de árboles define el camino de la luz, que pareciese viajar por una especie de túnel desde el fondo de la obra hacia el espectador. Esto además genera gran contraste entre las sombras de los árboles y la luminosidad del fondo.

En la pantonera utilizada, prima una gran variedad de verdes, cafés, negros y ocres.

Rigolot, al igual que la mayoría de los artistas de la Escuela Barbizon, no titulaban sus obras con alegorías o analogías

poéticas, sus denominaciones son concretas y congruentes a lo representado, no hay nombres simbólicos como en épocas anteriores.

Rigolot, titulando la obra como “Mañana de octubre”, quiere reforzar en el espectador la contextualización y la atmósfera de lo representado.

Sus atmósferas iluminadas por una luz mágica es un claro influjo de su aproximación con la Sociedad de Orientalistas Franceses. En sus viajes buscó el brillo de la luz africana y se esforzó por capturarla en su obra.

Es importante señalar que esta pieza artística posee una versión “hermana”, un lienzo de Rigolot que complementa este paisaje. Una visión del mismo lugar, orientado desde otra perspectiva, que hoy cautela el Museo de Bellas Artes de Viña del Mar.

Temática principal: Escena bucólica / paisaje/ paisaje del agua / Bosque de Fontainebleau Género pictórico: Marino Estilo artístico: Realismo pictórico francés / Pre-Impresionista / Naturalismo / Escuela Francesa del S. XIX / Orientalismo.

Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-21

NOMBRE: “Puentecito de madera” TÉCNICA: Óleo sobre madera (Alto 25 cm – Ancho 33 cm) FECHA: S/D AUTOR: Félix Brissot de Warville (1818 – 1892- francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Brissot nació en Verón, pequeña localidad en la región de Borgoña. A los 17 años se trasladó a París para iniciar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes; donde se especializó en pintura, dibujo y distintas técnicas de grabado. Sus maestros le entregaron influencias de la corriente Naturalista, por esto es que muchas de sus obras están dedicadas al paisaje.

El artista viajó por distintas provincias francesas, buscando escenas rurales que plasmar en sus creaciones. Se especializó en la confección de animales: rebaños de ovejas en los Montes Pirineos; arrieros de mulas por caminos rurales; caballos pastando en páramos; son algunas de sus temáticas.

Por poner la naturaleza como total protagonista en sus trabajos, a Brissot se lo vinculó con la Escuela de Barbizon. Esta agrupación estaba conformada por un grupo de artistas que influyó directamente en el nacimiento del Impresionismo.

Su prestigio lo llevó a convertirse en el director del Musée du Château de Compiègne, donde se cautelan varias de sus obras, pero también una interesante selección de trabajos de sus discípulos directos y alumnos.

Sus obras hoy se exhiben en distintos museos del mundo, repartiéndose por casi todos los continentes. Una presencia importante de sus lienzos se encuentra en América.

Hoy distintas casas de subastas comercializan sus obras en considerables precios

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Formado en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París, Brissot tuvo como maestro al destacado pintor neoclasicista/romanticista Léon Cogniet, mentor de los artistas franceses más importantes en la renovación de la pintura europea a fines del 1900. (Rousseau; Bonheur; Blanchard, entre otros). Si bien Cogniet se especializaba en el Retrato y en la Pintura histórica, la mayoría de sus jóvenes discípulos se apegaban a los aires renovadores que artistas gestaban en el Bosque de Fontainebleau.

Adquirió de su maestro la rigurosidad del dibujo y el manejo de los materiales, sin embargo, se especializó en pinturas de paisajes y animales, sus temáticas se centran en retratar el Ducado de Berry, alrededor de Compiègne y el Bosque de Fontainebleau.

Su talento lo llevó a ser nombrado director del Musée du Château de Compiègn. Sus pinturas se encuentran en muchas colecciones: Victoria and Albert Museum de Londres y museos de Chartres, Amiens, Mulhouse, Reims, Rouen, Saint-Étienne, Sens, Estrasburgo y Troyes.

Este éxito en vida no se condice con la investigación historiográfica, la cual está llena de vacíos y pocas precisiones.

Archivos franceses o del mismo Museo Compiègne podrían

tener documentos relevantes para la reconstrucción de la vida y legado de este talentoso artista. La investigación está pendiente.

En relación a lo formal, destacan las pinceladas rápidas y los trazos cortos, por ejemplo, los utilizados para representar los juncos a la orilla del riachuelo. Con pequeñas manchas irregulares, de distintos tamaños y colores, insinúa, representa flores y distintas especies de plantas. Hay drásticos contrastes entre los verdes y negros de la vegetación, con los blancos y grises del cielo. Como elemento principal, unos caballos y un puentecito de madera, el cual le otorga el nombre a la obra.

El lienzo fue creado sobre madera, la cual no tiene grandes acumulaciones de material y pintura (relieves), Brissot aplicaba solo pinceladas “livianas” (planas).

La obra posee cierta simetría geométrica, al estructurarse a partir de un gran triángulo central, formado por los altos árboles que la cruzan verticalmente.

Temática principal: Escena bucólica / paisaje /paisaje del agua / Caballos Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Realismo pictórico francés / Pre-Impresionista / Naturalismo / Escuela Francesa del S. XIX. / Escuela de Barbizon Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-5

NOMBRE: “Góndola veneciana” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 52 cm X Ancho 72 cm) FECHA: S/D AUTOR: Félix-Francois Georges Philibert Ziem (1821-1911- francés).

RESEÑA BIOGRÁFICA Félix Ziem dedicó su formación profesional a la arquitectura, estudiando en la prestigiosa Escuela de Dijon. Inició sus trabajos en pintura como un hobby, luego de conocer a destacados artistas en un viaje de estudios a la ciudad de Venecia.

Realizó hermosos paisajes de lugares como Constantinopla, Martigues, y Borgoña. Por las características de sus trabajos, se unió a la Escuela de Barbizon, movimiento artístico que, entre otras cosas, promovía el desarrollo de talentos jóvenes emergentes.

En el año 1856 realizó un extenso viaje por Oriente: Constantinopla, Turquía, Líbano, Grecia y Egipto. Es en este viaje donde su obra se adscribe al Orientalismo. Cabe destacar que hoy el Museo de Bellas Artes de Marsella en Francia (“Puerta del Oriente”) cautela una gran cantidad de telas de Ziem, siendo reconocido como el mayor exponente de este movimiento en

dicha localidad. Varios años incluso se desempeñó como director de la misma institución.

Sus obras se exhibieron en el destacado Salón de París, siendo galardonado por el gobierno francés como Caballero de la Legión de Honor.

Fue un pintor prolífico, sumamente trabajador, se especula que su producción bordea más de 10.000 obras pintadas.

Felix Ziem, luego de una larga vida de reconocimientos artísticos y una exitosa carrera económica, falleció el año 1911 en la ciudad de París. Luego de su muerte, la prensa francesa junto al Museo del Louvre resaltan la figura del artista, publicando varios comunicados donde exaltan la admiración por el autor.

Pero notable es la precisión que realizan al especificar que Ziem fue el primer artista que había ingresado en vida a exhibir trabajos en el Museo del Louvre.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Uno de los hitos más importantes de la vida de Ziem ocurrió en 1910, cuando tuvo el privilegio de vivir como el mundialmente famoso Museo de Louvre compró varias de sus pinturas. Incluso hoy en día, su legado artístico goza de una gran demanda y consiguen resultados sensacionales en las subastas de pinturas del siglo XIX. Esto se debe al espíritu inquieto, perfeccionista y nómade de Ziem. El artista viajó por distintos países europeos, no adhiriéndose a la discusión estética hegemónica que se daba en París. Los numerosos viajes le abrieron la gama temática a representar, pero con ella, también el conocer y aplicar nuevas técnicas artísticas.

Se instaló unos años en la ciudad costera de Marsella, lo que le abrió la puerta al Mediterráneo (Costa azul), pero además pudo captar las influencias provenientes de África y Egipto.

Ziem tenía un trazo firme y seguro, técnica adquirida en su formación como arquitecto. Pero sus viajes le permitieron descifrar el paisaje a partir de observaciones directas. Pintar al aire libre es uno de los hechos notables en los artistas de Barbizon, pero esto también implicaba pintar rápido, reducir el formato, todo para captar el momento preciso de la luz.

Sus obras tienen una magia especial por sus tonos dorados, el

esplendor de sus cielos azules, pero también en la audacia de sus pinceladas y la libertad de su gesto que le convirtieron en un precursor del Impresionismo.

Para la construcción del cielo utiliza brochazos amplios, aplastados y mucho más homogéneos que la configuración plástica de la góndola (la cual le otorga el nombre a la obra), personajes y el mar. Aquí predominan los tonos celestes y blancos.

La parte inferior y las formas humanas las construye con brochazos rápidos, pequeños, yuxtapuestos, que en lo plástico, no son solo más que manchas. Pero Ziem sabía perfectamente lo que estaba haciendo.

Comprendía que el espectador cumple un rol fundamental en la construcción de sentido en la obra de arte. La mancha tiene una carga expresiva en sí misma y el espectador posee la potencia de “traducir”, o “leer” la mancha.

Es así como manchones rojos, anaranjados, cafés y amarillos construyen a boteros, viajeros y personajes sobre esta góndola.

Como un referente dentro de los artistas pre-impresionistas, podemos apreciar la gran gama de colores que expone sobre la superficie del agua.

Temática principal: Paisaje / Paisaje italiano (Venecia) / Paisaje marítimo-urbano/ Paisaje del agua / Marinas.

Género pictórico: Marino Estilo artístico: Pre impresionista / Escuela de Barbizon / Escuela francesa del S XIX. / Orientalismo Fichaje Surdoc: https://surdoc.cl/registro/51-57

NOMBRE: “Aparejando” TÉCNICA: Témpera sobre papel (Alto 30 cm X Ancho 12 cm) FECHA: S/D AUTOR: Amédée Rosier ( 1831 - 1898- francés) RESEÑA BIOGRÁFICA Pintor francés conocido por su talento como colorista.

Amédée Rosier adquirió reputación en su primera exposición en el Salón de París en 1857 con la pintura, “Combate naval antes de Sebastopol”. Viajó por Francia, Holanda, Italia y el norte de África, donde realizó obras de los paisajes de cada país. Amédée recibió una medalla de tercera clase en 1876 con su obra “La Lagune, por la tarde en Venecia” y una medalla de bronce en la Exposición Universal de 1889 por la obra “Venecia, el Gran Canal”. El artista murió en 1898.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación El artista produjo una gran cantidad de obras, de diversas dimensiones y algunas de ellas alcanzan grandes formatos.

En sus obras que se podrían considerar como “consolidadas”, aplicó como técnica pictórica el óleo, ya sea sobre tablas o sobre telas.

El caso de este lienzo difiere completamente de lo anterior, ya que sus dimensiones son menores; en la que utilizó la técnica de témpera sobre papel para representar esta marina.

La témpera o temple, en este caso funciona como una técnica “informal”, ligera e inmediata. Lo que le permitió a Rosier sondear las posibilidades del color, la materia y la escena, antes de traspasarla a su formato definitivo, el mencionado anteriormente, el óleo sobre tabla o sobre tela.

Este método de trabajo ya había sido utilizado por el pintor William Turner a comienzos de 1800. Dicha técnica era una forma experimental del oficio, con el fin de crear bocetos o estudios previos al aire libre, los cuales posteriormente eran concluidos en el taller.

En la obra predominan los colores azules, celestes y blancos; a modo de contraste, aplica solo un tenue color rosa para un edificio del fondo y suaves amarillos para otorgar brillo al cielo.

Todos los colores son sutiles, de intensidad “pastel”.

La pincelada es rápida, pero precisa. Predomina el trazo corto y la mancha, los que poseen carga expresiva en sí mismos.

El artista titula la obra “Aparejando” para entregar al espectador el sentido de lo representado, una embarcación preparando, pertrechado, cargando elementos para enfrentar la travesía.

Es importante destacar que en la colección de pintura europea que cautela el museo, la gran mayoría de obras son en la técnica óleo sobre tela o sobre madera. Los pocos casos particulares de pasteles, temples o acuarelas sobre papel, se transforman en excepciones. Elementos discordantes a la regla que nos invitan a profundizar en la investigación, para tratar de dilucidar las decisiones de estos artistas a la hora de afrontar la creación plástica en estas técnicas y formatos.

Temática principal: Paisaje / Marina/ Paisaje del agua / Venecia, Italia.

Género pictórico: Marino Estilo artístico: Orientalismo francés / Impresionismo / Escuela francesa del S. XIX. / Influencia de la Escuela de Barbizon Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-7

NOMBRE: “Vacas en el estero” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 26 cm - Ancho 36 cm) FECHA: S/D AUTOR: Émile René Menard (1862 – 1930- francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Menard nació en la ciudad de París, en una familia de artistas e intelectuales. Filósofos, pensadores y artistas como Corot, Millet y los pintores de Barbizon, frecuentaban su hogar, lo que lo familiarizó tanto con el paisaje como con temas antiguos.

En 1880 comenzó sus estudios profesionales en la destacada Académie Julian, donde tuvo de maestros a Paul Baudry, William Bouguereau y Henri Lehmann, entre otros.

Con una carrera ascendente, participó en el Vom Salon zur Secession (Salón de la secesión) en Munich, y el Salón de La Libre Esthétique en Bruselas.

Siendo el año 1899, se incorporó a la Nueva Sociedad de Pintores y Escultores, logrando presentarse por primera vez en la destacada galería Georges Petit de París. Consolidando así su sitial en el circuito artístico europeo e internacional.

En todas sus obras la luz toma un rol protagónico. La compo-

sición de la imagen se sostiene sobre los juegos de luces y sombras, que le otorgan la base al dibujo. Luego, como si ocurriese en una segunda instancia, la luz interactúa con el color. La luz crea el espacio y el tiempo, lo que define así la relación entre las figuras, los animales y los elementos de la naturaleza representados. Todas estas características se explican por su profunda formación en la Edad de Oro, en ese pasado mágico de la antigua Grecia clásica.

Fue nombrado profesor de L'Académie de la Grande-Chaumière en 1904; miembro del grupo Black Band.

En sus últimos años de vida es nombrado Caballero de la Legión de Honor.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Los paisajes de Ménard circularon ampliamente en el mercado local francés de comienzos del siglo XX. Esto se explica en parte por su gran talento, pero también por la íntima relación que forjó con los artistas de la Escuela de Barbizon. Los cuales ya se habían consolidado en un emergente mercado del arte impulsado por talleres y galerías.

Las influencias de sus colegas impresionistas estaban presentes en su pintura, sin embargo, la estética de Ménard no se adecuaba estrictamente a estos parámetros.

Combinó, fusionó, experimentó con tendencias modernas, las que ponía en diálogo con temáticas clásicas que tanto le atraían. En 1898 viajó por el Mediterráneo y desde entonces su pintura se vio influenciada por una mirada arcaica del pasado, visiones pobladas de ninfas, dioses y pastores; temáticas de la mitología clásica.

Su paisaje es Simbolista, tomando como referencia directa la obra de Pierre Puvis de Chavannes y Claudio de Lorena.

Ménard no deseó apegarse del todo a teorías impresionistas, tomó las distancias de la mera observación, tratando de ingresar al mundo interior, la espiritualidad y la dimensión subjetiva del paisaje. Lo evidente en su obra es el protagonismo de la luz como elemento sensible, es lo que atrae y envuelve al

espectador. La luz, el sol de fondo, nos lleva a un mundo de ensueño: logra sugerirnos un efecto de “antigüedad”, una luz “mágica” que nos hace viajar a esa Edad de Oro clásica de los pasajes de la “Teogonía” del poeta Hesíodo.

Al igual que la mayoría de las obras de Barbizon, los artistas titulaban sus obras según lo expresamente representado, en este caso, vacas en un estero /laguna.

En lo técnico, aplica pinceladas de óleo seco, trazos rápidos, cortos y yuxtapuestos, va construyendo, por su contigüidad, el paisaje y sus elementos (hierba, plantas y árboles, animales y la laguna). Colores verdes, cafés y negros predominan en esta área. El resultado es una tela homogénea en su superficie, sin presentar grandes protuberancias o acumulaciones de material que generen relieves.

El cielo y el sol tienen un trabajo particular, distinto al resto del lienzo. Para lograr esta excesiva luminosidad que nos absorbe, satura el color, utilizando exclusivamente blancos y amarillos. Y esto lo conseguía aplicando la pintura con pequeñas esponjas que dejan su marca en pequeñas circunferencias salpicadas que presentan la rugosidad de la esponja. El resultado en la tela también es liso, sin mayores relieves.

Temática principal: Paisaje / Paisaje francés/ Paisaje del agua / Bosque de Fontainebleau / Influencias sobre la concepción del “Paisaje clásico”/Edad de oro”.

Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Naturalismo / Pre impresionista / Simbolista / Escuela de Barbizon / Escuela francesa del S. XIX. Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-48

NOMBRE: “La cosecha” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 27 cm - Ancho 35 cm) FECHA: S/D AUTOR: Jules Jacques Veyrassat (1828 – 1893- francés).

RESEÑA BIOGRÁFICA Jules Jacques Veyrassat nació en la ciudad de París. En su formación como artista profesional, recibió las enseñanzas de los maestros Henri Lehmann y Faustin Besson. Gracias a ellos aprendió el oficio de la pintura, la escritura y el grabado.

Su talento como artista lo llevó a exponer en el Salón de París, la exhibición artística más importante del siglo XIX. En estas muestras obtuvo distinciones, medallas y además el título de “Caballero de la Legión de Honor”, el reconocimiento más importante que existe en Francia para un ciudadano.

En la década de 1860 sus grabados obtuvieron varios premios que le dieron un gran prestigio. Luego de esto fue invitado a trabajar con distintos académicos en la publicación de libros y catálogos, en ellos él podía presentar sus grabados y pinturas.

Varias de estas publicaciones tratan sobre episodios de la

vida rural francesa, abarcando temas como el ganado y el trabajo agrícola.

Veyrassat fue un asiduo pintor. Creó cientos de obras, como producción personal o por constantes encargos realizados por coleccionistas. La temática pastoril es su tema predilecto.

El increíble conocimiento de los detalles de la vida campesina, transforman sus lienzos en verdaderos documentos antropológicos. Son crónicas visuales de contextos y periodos históricos concretos en Francia.

Le gustaba visitar el Bosque de Fontainebleau para pintar sus hermosos paisajes bucólicos. Falleció en 1893.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación El artista francés dedicó gran parte de su carrera a escenas de la vida rural, eligiendo sus motivos en diversas regiones de su país natal. Privilegiaba los paisajes y las actividades agrícolas, pero demostró particular interés por los caballos, los que retrató en numerosos cuadros.

Sus obras fueron muy apreciadas, estuvieron muy de moda entre coleccionistas, lo que llevó al artista a pintar varias veces los mismos motivos. Se especula que incluso utilizaría moldes para representar una y otra vez la misma escena y personajes.

La obra muestra la faena de un día de cosecha, acción utilizada por Veyrassat para titular esta pieza, donde carretas, campesinos y caballos se unen al paisaje de forma armónica, otorgando una visión tranquila y serena en un contexto bucólico.

Por la existencia de otras obras con este mismo motivo, varias de ellas muy similares (incluso algunas idénticas) presentes en distintas colecciones del mundo, podemos sostener que fue creada en conjunto a otras piezas, mientras el artista residía en el pueblo de Valvins, zona cercana al bosque de Fontainebleau.

De todos los personajes representados, Veyrassat despliega

su calidad artística en los caballos. Demostrando su habilidad como pintor de animales.

Otra característica de su patrimonio artístico es el manejo y capacidad de generar la sensación de extensión. Posiciona figuras en primer plano, pero dejando en segundo un gran horizonte que se expande.

En lo formal y la técnica, predominan los colores cafés claros y amarillos para representar la hierba, el pasto y la tierra de la parte inferior de la obra. Aplica los colores con pequeñas y dinámicas líneas, algunas tan pequeñas, que parecen manchas. Los diminutos trazos van en todas las direcciones, otorgándole fluidez a la obra y al mismo tiempo, aumenta el volumen del material aplicado sobre la tela.

Para representar a los personajes y el cielo, aplica pintura de forma más “plana”. El trazo es más cuidado y homogéneo. Le resta volumen a este sector de la obra.

Lo evidente es el protagonismo de los dos fuertes caballos en primer plano. Lo que articula la mirada del espectador a partir de este punto focal en el centro de la obra.

Temática principal: Paisaje / Paisaje francés / Paisaje bucólico / Trabajos del campo / Campesinos / Animales de campo / Cosechas.

Género pictórico: Costumbrismo Estilo artístico: Naturalismo / Pre impresionista / Escuela de Barbizon / Escuela francesa del S. XIX. Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-27

NOMBRE: “En los lindes del bosque” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 63,5 cm X Ancho 80 cm) FECHA: S/D AUTOR: Henri Joseph Harpignies ( 1819 – 1916- francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Artista de origen belga, llegó a Francia junto a su familia para establecerse en una fábrica de remolacha azucarera en Famars hacia 1825. Vivió toda su infancia como un burgués gracias a los logros económicos de su padre.

Harpignies comenzó a dibujar a la temprana edad de cuatro años e inició sus estudios en 1830 en el Colegio Comunal de Valenciennes, donde no sólo destacó en dibujo, sino que también en música y geografía. Sin embargo, la intención de su padre era convertirlo en un hombre de negocios, enfocando las labores de Henri en temas financieros y económicos.

Su formación artística se mantuvo discreta, tomando talleres esporádicos en los que logró crear obras que conmovieron a su padre, el que finalmente tomaría la decisión de apoyarlo en su vocación artística.

Viajó a París, donde comenzó sus primeros estudios con el

paisajista Jean-Alexis Achard. Después de unos años, ya iniciada la revolución, realizó un viaje por distintos países de Europa adquiriendo experiencias artísticas.

En 1852 debutó en el Salón de 1853, momento en que su figura se posicionó en la luz pública y se acercó a los pintores del bosque de Fontainebleau. Mantuvo participaciones entre los años 1864 y 1866, y no solamente con obras al óleo o el temple, también experimentó en otras disciplinas como la acuarela y el grabado.

De hecho, fueron sus acuarelas las que lo internacionalizan al ingresar en destacadas galerías en Nueva York y Londres. En 1875 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor, su carrera fue en constante ascenso llegando en 1911 a convertirse en Gran Oficial. Se presentó al Salón hasta 1913, consiguiendo docenas de premios y reconocimientos.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Los exponentes de la Escuela de Barbizon ya conocían las técnicas para poder evocar el realismo de la escena representada. Como los reflejos trabajados por Van Eyck o el juego de luces y sombras trabajado por Goya. Pero estos artistas iban más allá, nos transportan a entornos cotidianos, eso se logra ver en las obras, que muestran escenarios fácilmente identificables para la comunidad rural francesa.

El legado de Henri-Joseph Harpignies navega y alterna entre distintos movimientos artísticos. Durante su juventud, los pintores de Barbizon marcaban tendencia y ponían en pugna la tradición paisajística clásica, las temáticas históricas y las mitológicas.

Sin embargo, el Realismo pictórico, aún ejercía influencia sobre las nuevas generaciones de artistas. Harpignies coexistió con los Impresionistas, colaboró y trabajó con ellos, pero su obra respondía mayormente a las influencias de intereses anteriores (Jean-Baptiste-Camille Corot.)

En lo formal, la composición está cuidadosamente estructurada. Tiene una pincelada exuberante que le otorga espontaneidad al lienzo.

La vista sugiere hábilmente que la elección del motivo fue espontánea. La intención era plasmar el entorno directo de los

artistas, paisajes del Bosque de Fontainebleau, lugar o contexto espacial utilizado para dotar a la obra de su nombre concreto.

La paleta de colores es equilibrada, navega entre una variedad de intensos verdes; cafés y negros, utilizados para representar árboles y arbustos; los grises y blancos se utilizan para la charca y en un cielo mayormente despejado, pero no carente de nubosidad.

Sus obras poseen un estilo inmediatamente reconocible. Sus composiciones son simples, donde abundan los tonos verdes, grises y cielos de azul brillante.

Su patrimonio artístico sigue siendo buscado por coleccionistas, hoy en particular, sus acuarelas despiertan gran interés.

Temática principal: Paisaje / Paisaje francés / Paisaje bucólico / Bosque de Fontainebleau.

Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Naturalismo / Pre impresionista / Escuela de Barbizon / Escuela francesa del S. XIX. Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-22

NOMBRE: “Paisaje Francés” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 25,5 cm - Ancho 40 cm) FECHA: S/D AUTOR: León Victor Dupré (1816 – 1879- francés)

RESEÑA BIOGRÁFICA Dupré nació en la ciudad de Limoges, una comuna en la zona central de Francia, la cual era conocida por la hermosa porcelana que producían sus artesanos y artistas.

Desde temprana edad, tuvo la oportunidad de vivir rodeado de arte. Su padre era un destacado ceramista. Su hermano Jules era un talentoso pintor romántico.

Jules, además de ser su mentor, lo llevó a la Escuela de Barbizon, importante movimiento artístico al cual pertenecía.

La temática de la obra de León Víctor Dupré se centra en la zona del Bosque de Fontainebleau. Capturaba típicas escenas rurales: lindes de riberas de ríos; cielos tormentosos; arboledas y profundos bosques; campesinos junto a sus animales; entre otros motivos.

Contrajo una dolorosa enfermedad que lo aquejó durante años, la que finalmente lo llevó a su muerte en el año 1879.

Sus obras hoy se exhiben en muchos museos de Europa, pero una cantidad considerable son albergadas en el Museo d´Orsay y el Museo du Petit Palais, dispositivos culturales en París que cautelan y exhiben la mayor cantidad de obras de la Escuela de Barbizon y los Impresionistas.

Algunos de estos museos dedican salas o realizan exposiciones transitorias exclusivas a León Victor Dupre y sus colegas.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación El artista francés se formó bajo el alero de los maestros de la Escuela de Barbizon, lo que es evidente en su obra, tanto en la selección de temáticas, como en el trabajo técnico formal que utiliza en sus lienzos.

Paisajes bucólicos, casi oníricos, son contrastados por un par de vacas que pastan bajo el ojo atento de una mujer pastora.

Su técnica se centra en una pincelada luminosa y quebrada, característica de la escuela de Barbizon. Además, le otorga dinamismo a lo representado por medio de pinceladas cortas y rápidas.

La tela no presenta grandes relieves, porosidades o protuberancias de material. El óleo es aplicado a modo de empaste, otorgándole homogeneidad a la obra en lo que respecta a su superficie.

Para el trabajo de la vegetación utiliza mayoritariamente verdes oscuros; cafés y negros. Aquí la aplicación de material es un poco más generosa, brindando pequeñas porosidades en la superficie.

En completo contraste, el cielo, en el que predominan los celestes, grises y blancos, aplica la pintura en empastes planos y estirados. Este sector del lienzo carece de protuberancias o relieves.

El punto más notorio en la aplicación de la pintura y el manejo formal de las figuras representadas, donde se percibe en la confección de las vacas, casas y la mujer que cuida su ganado. Son figuras solo insinuadas por pequeñas manchas.

Simples gotas de material, sugieren y le permiten a los ojos del espectador decodificar las figuras y otorgarles sentido.

La obra de Dupre es un buen ejemplo de aquellas energías artísticas reactivas contra el Romanticismo (pintura del realismo), que deseaban plasmar la naturaleza sólo desde una manera imitativa (mimesis).

Temática principal: Paisaje / Paisaje francés /Paisaje del agua/ Bosque de Fontainebleau / Paisaje bucólico.

Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Naturalismo / Pre impresionista / Escuela de Barbizon / Escuela francesa del S. XIX. Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-26

NOMBRE: “La pescadora” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 97 cm X Ancho 68 cm) FECHA: 1880 AUTOR: Francisco Miralles y Gallup (1848 – 1901 - español) RESEÑA BIOGRÁFICA Miralles y Galup nació en Valencia, en una acomodada familia de comerciantes, lo que le permitió desde su juventud residir en la ciudad de París, lugar donde desarrolló la mayor parte de su carrera artística.

Fue discípulo de Ramón Martí Alsina (Escuela paisajista catalana S.XIX) del cual obtuvo ciertos influjos del orientalismo.

En Francia, obtuvo gran popularidad debido a su estilo refinado, ya que representaba escenas y costumbres de la vida burguesa. Con el notable prestigio alcanzado abrió su primer taller en el Boulevard Clichy, lugar de reunión de algunos artistas y de sus amigos personales, como el pintor Daniel Zuloaga.

Destacan en su producción artística, modelos femeninos,

mujeres de la alta sociedad, presentadas con opulentos vestidos en distintas escenas íntimas o sociales.

Se presentó más de 4 veces en la exhibición del Salón oficial de la Academia de Bellas Artes, alcanzando medallas de plata y oro. El año 1893 regresó definitivamente a Barcelona, pero no dejó de enviar obras a certámenes por toda Europa.

Hoy sus obras descansan en prestigiosas galerías y museos europeos, como el Museo Carmen Thyssen Málaga y en el Museo de Arte Moderno de Barcelona, ambos de España.

Además se encuentra en la Biblioteca Museo Víctor Balaguer y en el Museo de Bellas Artes de Brest (La Place de Clichy) en Francia.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Este destacado pintor español se formó profesionalmente bajo la tutela del maestro Ramón Martí Alsina (creador de la Escuela paisajística catalana del S.XIX e impulsor del orientalismo).

Desde 1886 Miralles se radicó en París, donde sus obras fueron solicitadas por coleccionistas y galerías. Allí conoció de cerca a los artistas de las nacientes vanguardias, asimilando de ellos el uso de una paleta clara e iluminada.

Su obra es figurativa, sobria y equilibrada, pero con rasgos impresionistas. En la obra de Miralles destacan los retratos o figuras aisladas, especialmente femeninas. El estereotipo presentado por el artista tuvo resonancias en la construcción estética del tipo de mujer del Modernismo, una figura que destaca más por su propuesta plástica decorativa, que por los mundos interiores o aspectos socioculturales de las representadas.

De los impresionistas extrajo algunos efectos pictóricos, como la pincelada quebrada. Yuxtapone los colores, logrando un equilibrio, un camino intermedio entre plasmar neutralmente el hecho o personaje; y la captación subjetiva del momento fugaz.

En su primera etapa artística utilizó un cromatismo atenuado,

pero luego de tomar contacto con las vanguardias, presentó en su obra un colorido exuberante y brillante (utiliza tonalidades exóticas como el rosa de Nöel, el Azul de luna o el Verde Nilo).

Su estilo posee cierto anecdotismo, reflejo de las costumbres y ambientes de la burguesía; plasmó la elegancia de familias adineradas y los ambientes donde se desenvuelven. Es una pintura hedonista y aduladora, sigue el gusto del público/clientela que consume sus obras.

Sin embargo, no quedó relegado al mecenazgo y al mercado del arte, tocando otro tipo de personajes, socialmente más humildes, como trabajadores y pescadores. La inclusión de estos personajes, del cual el lienzo “La pescadora” es un excelente ejemplo.

Formalmente, Miralles lo aborda con la misma propuesta plástica. Dotando a la mujer retratada con ribetes propios de una mujer burguesa. Se cambian los ropajes y los lujos, pero la presentación, postura, trabajo conceptual es el mismo emprendido para crear retratos de mujeres de la alta sociedad. Con esto se aleja del realismo courbetiano y marca una pequeña vinculación con lo que sería el desarrollo de las futuras vanguardias.

Temática principal: Figura humana/ Retrato / Paisaje / Pescadores /Marina /Paisaje del agua.

Género pictórico: Costumbrismo Estilo artístico: Costumbrismo / Realismo / Influencia de la Escuela de Barbizon.

Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-56

Este ejercicio de sistematización continúa con una selección de quince obras pictóricas de maestros españoles activos a fines del siglo XIX e inicios del XX. En este apartado, se reúne la totalidad de artistas ibéricos dentro de la colección de pintura europea del Museo. Obras de destacados artistas como Julio Romero de Torres, Eugenio Hermoso, Francisco Pradilla y Ortiz, Emilio Poy Dalmau, entre otros.

Proseguir con la “Sistematización de obras" manifiesta nuestros propósitos de potenciar la investigación y ampliar el acceso de la comunidad a este invaluable patrimonio artístico.

Este capítulo presenta a artistas que reflejan las expresiones plásticas españolas de los siglos señalados, contribuyendo a la visión global del arte europeo, permitiendo apreciar los valores estéticos de cada periodo. Pero al mismo tiempo nos permite contrastar sus diferencias y particularidades.

Julio Romero de Torres, artista de inmensa popularidad, con sus obras superó el mero costumbrismo pintoresco, ofreciendo una visión trágica y crítica de España. Sus temáticas en torno a la mujer morena cordobesa, con resonancias simbolistas y narrativas, exploraban el erotismo, el amor y la muerte.

Eugenio Hermoso, uno de los máximos exponentes de la pintura costumbrista extremeña, plasmó con gran realismo la vida y las costumbres de su región. Sus modelos principales fueron personas comunes del entorno en Fregenal de la Sierra. Pintor cosmopolita que sostuvo contacto con las vanguardias europeas, incluyendo a los impresionistas, pero siempre mantuvo un arraigado sentido clasicista en su pintura y docencia.

Francisco Pradilla y Ortiz, reconocido como “pintor universal”, presenta un Historicismo lleno de identidad que refleja las características propias del territorio geográfico. Su enfoque

entró en diálogo con las nuevas visiones propuestas por la Escuela de Barbizon en la representación del paisaje. Su destacada carrera lo llevó a ser nombrado director de las más importantes instituciones del arte ibérico, entre ellas el Museo Nacional del Prado.

En esta selección se incorpora además a maestros como Daniel Zuloaga Boneta, Emilio Poy Dalmau, Juan Antonio González y Rafael Romero de Torres Pellicier. Su presencia en la colección recalca la amplitud y riqueza del legado donado por Pascual Baburizza.

En este nuevo avance es importante remarcar la presencia del español, avecindado en Valparaíso, Antonio Viladoms. Artista fundamental en la historia del Museo de Bellas Artes, al desempeñarse como curador y gestor de exposiciones organizadas por el Museo en la década del 50, en esos años dirigido por el poeta Augusto Dhalmar.

Este conjunto de obras representa estilos y temáticas diversas; con ellas la pinacoteca enriquece su narrativa dentro del arte nacional. Los lienzos de estos pintores habitaron el panorama artístico europeo; lo que contribuye a la vinculación de la colección del Museo a un contexto mayor dentro de la Historia del Arte Internacional.

NOMBRE: “Carmen la desolada” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 76 cm - Ancho 94 cm) FECHA: S/D AUTOR: Julio Romero de Torres (1874 – 1930 - Español)

RESEÑA BIOGRÁFICA Este artista cordobés creció en una familia de artistas que lo conectó a la tradición de la pintura española. Su padre, Rafael Romero Barros, influyó profundamente en su formación, introduciéndolo en la tradición pictórica ibérica.

Tras sus estudios en el Instituto Luis de Góngora, se interesó por el manejo de la luz, observando a artistas como Joaquín Sorolla (luminista español). Sin embargo, Romero de Torres se adscribe al simbolismo, integrando la luz como recurso dramático. Su obra está cargada de identidad andaluza, sensualidad y religiosidad.

Su estilo híbrido -postimpresionista y simbolista- no recibió buenas críticas dentro de círculos académicos. Cuando incorporó

elementos narrativos propios de Córdoba, logró despertar el interés en el ámbito español.

Obtuvo varios reconocimientos y premios, como en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1906.

Fue un artista versátil; trabajó pintura de caballete, frescos, grabados y dibujos para libros y revistas, como la publicación “La Ilustración Española y Americana”.

Su legado perdura en el Museo Julio Romero de Torres, donde sus obras siguen siendo emblema del alma andaluza.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Esta obra se estructura en un formato rectangular, con disposición horizontal. Presenta una composición basada en un retrato femenino de medio cuerpo, sobre un fondo escenográfico.

Por medio de un dibujo preciso y una composición equilibrada (efecto fotográfico), Romero de Torres utiliza colores azulados, verdosos y, sobre todo, marrones y negros.

Dota a esta obra de un halo de poesía y misterio, característico de su lenguaje simbolista. Sus trazos son minuciosos en los contornos, recuerdan técnicas del retrato clásico, pero adaptadas a una estética moderna.

Presenta a la mujer andaluza en primer plano, en situaciones o poses que resaltan la belleza, la sensualidad y lo erótico, detrás de la cual representa amplios escenarios paisajísticos, donde en ocasiones incluye elementos arquitectónicos y pequeños elementos de la cultura ibérica, como instrumentos musicales o alimentos típicos españoles. En "Carmen la desolada" el fondo es más contenido, con un escenario más simbólico que descriptivo.

La mujer morena cordobesa es un tema recurrente en Romero de Torres. Su padre Rafael, también representaba otros tipos populares, su enfoque era más historicista y menos simbólico.

El gesto de Carmen es introspectivo; podría tener relación con

la tradición melancólica del flamenco y la cultura popular.

La iluminación genera una atmósfera etérea, como si la figura humana estuviera iluminada por luces artificiales de un estudio. Esto nos recuerda a las técnicas utilizadas por Caravaggio.

En lo formal, el dibujo es sobresaliente y muy cuidado. Con suaves sombras sobre la figura femenina, el artista le otorga volumen y profundidad. La representación de la mujer, su actitud y vestimenta forman parte de la iconografía popular que los artistas andaluces solían imprimir en sus telas.

A principios del S.XX, la mujer andaluza era vista en el imaginario nacional como símbolo de "lo auténtico" español: pasión, moralidad y belleza, al mismo tiempo. Carmen la desolada podría interpretarse como una síntesis de este imaginario, una idealización y una melancolía social.

Temática principal: Retrato/ Figura humana / La mujer cordobesa Género pictórico: Desnudo Estilo artístico: Simbolismo español / “Andalucismo” / Prerrafaelismo / Manierismo Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-73

NOMBRE: “Del corral ajeno” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 64 cm - Ancho 50 cm) FECHA: S/D. AUTOR: Eugenio Hermoso Martínez (1883-1963- Español)

RESEÑA BIOGRÁFICA Hermoso fue un pintor español de la primera mitad del siglo XX, considerado como un importante exponente de la pintura Costumbrista extremeña.

Desde temprana edad, alternaba sus labores en el campo y las lecciones de pintura. En 1898, con el apoyo de su familia, se trasladó a Sevilla para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría, donde sería discípulo de Gonzalo Bilbao y José Jiménez Aranda.

En 1901 se instaló en Madrid, donde asistió a clases en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y se convirtió en un destacado copista en el Museo del Prado, estudiando a maestros como Goya, El Greco y Velázquez.

Gracias a la Academia, pudo viajar a distintas ciudades italianas, donde conoció a maestros renacentistas y barrocos.

Hermoso fue un artista de gran versatilidad.

Obtuvo importantes premios y reconocimientos. En 1917 ganó la 1era Medalla de la Nacional de Bellas Artes con la obra “A la fiesta del pueblo”.

En 1941, fue nombrado académico de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, transmitiendo sus conocimientos a nuevas generaciones.

Luego de una vida llena de reconocimientos, premios y medallas, publicó sus memorias y autobiografía en 1955, bajo el seudónimo de Francisco Teodoro de Nertóbriga.

Finalmente, en 1963 falleció en la ciudad de Madrid. Posteriormente, sus restos mortales fueron trasladados a Fregenal de la Sierra.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación En esta obra se retrata a una niña de tez morena, cabello castaño y corto, con una expresión pensativa. En sus brazos sostiene una gallina de plumaje amarillo y gris. Es un retrato de la cotidianidad rural extremeña, un ejemplo vívido del estilo de Eugenio Hermoso, que captura la simplicidad, la conexión con la naturaleza y la vida campesina (lo bucólico).

En lo formal, la obra es equilibrada. La figura de la niña se estructura como un triángulo dentro del lienzo rectangular de orientación vertical.

Utiliza pinceladas suaves y detalladas para crear una textura realista, especialmente en las plumas de la gallina y en el rostro de la niña. La paleta de colores es cálida, con predominio de rojos y marrones. La pincelada es plana, no hay acumulación de pasta sobre el lienzo, lo que otorga cierta homogeneidad a los colores.

La obra refleja el realismo de la escena, con atención al detalle en la representación del personaje. El título de la obra “Del corral ajeno”, junto con la mirada pícara de la niña, invita al espectador a interpretar el significado de la escena. Hermoso, logra capturar un momento cotidiano, destacando la belleza simple de la naturaleza. Esta tela es un testimonio de su habilidad para retratar la vida campesina con sensibilidad y detalle,

utilizando el color y la composición para enfatizar sus temas.

Durante el siglo XX, el arte español osciló entre modernismos, vanguardias y nacionalismos. Hermoso, con un estilo independiente del canon vanguardista, mantuvo una línea tradicional que fue valorada en ciertos círculos, pero no promovida en otros, donde las vanguardias comenzaban a modificar las concepciones tradicionales del arte español.

Actualmente, superados estos periodos históricos, podemos analizar la obra de este artista en su justa medida, tanto en su contexto local como en el internacional. Hoy es objeto de revisión crítica por su técnica, su mirada social y la capacidad de representar lo rural sin paternalismos.

Temática principal: Retrato / Campestre / Costumbrismo / Escena bucólica Género pictórico: Costumbrismo / Retrato.

Estilo artístico: Realismo pictórico español / Pintura costumbrista extremeña / Copista Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-9

NOMBRE: “Cogiendo moras” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 65,5 cm - Ancho 72 cm) FECHA: S/D AUTOR: Eugenio Hermoso (1883-1963- Español)

RESEÑA BIOGRÁFICA Artista considerado uno de los mayores exponentes de la pintura Costumbrista Extremeña.

En su formación inicial exploró a grandes maestros de la pintura europea, lecciones obtenidas en la Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría, en Sevilla. Tras su estancia en la Academia de San Fernando, emprendió un viaje a Italia para perfeccionarse.

En 1912 visitó Inglaterra, donde conoció obras de William Turner.

El pintor inglés experimentaba con los efectos lumínicos en su pintura. Hermoso no incorporó estos elementos a su trabajo, pero

sí adquirió mayor comprensión de los procesos técnicos de los vanguardistas.

A pesar de su conservadurismo, introdujo cambios formales, principalmente en textura y color. Las pinceladas se volvieron más expresivas, dotando a sus composiciones de mayor vitalidad.

En la representación de los coloridos trajes de sus personajes, sitúa estos elementos como espacios independientes dentro de la obra, destacando su riqueza cromática.

Su obra es testimonio de una transición que combina el conservadurismo artístico y algunos elementos de la modernidad.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación En la obra se retrata a dos niñas en un entorno natural, escena que captura la simplicidad y calidez de lo cotidiano. La niña de la izquierda tiene un abanico decorado; la niña de la derecha sostiene una canasta con flores y moras, elemento que le otorga el título a la obra. Estos personajes, alejados de la alta sociedad española, se convirtieron en una constante en el trabajo de Hermoso, reflejando su interés por lo popular.

En sus primeros años, Hermoso fue muy autoexigente, ya que tenía el objetivo de alcanzar un dominio técnico que le permitiera destacar en el ámbito académico. Sin embargo, por los recesos que tuvo en la Escuela de Bellas Artes, perdió la posibilidad de copiar los modelos profesionales de las clases. Esto lo llevó, durante sus estancias en su pueblo natal de Fregenal de la Sierra, a buscar inspiración en los habitantes locales, convirtiéndolos en los protagonistas de sus obras.

En Fregenal encontró lo cotidiano, lo cercano, la viveza de sus personajes, elementos que no hallaba en los salones de las academias. Su obra, por tanto, se transforma en una fuente directa para la reconstrucción de la historia del arte español, con fuerte acento en lo social y las costumbres de sus habitantes.

En lo formal, las niñas están dibujadas con gran precisión. Sus

posiciones equilibran el lienzo; se refuerza la estabilidad y centralidad de la escena, lo que es común en la composición clásica de Hermoso.

El fondo, con tonos suaves y difusos, sugiere un espacio al aire libre sin distraer la atención de las protagonistas. La paleta de colores, cálida pero sutil, combina tonos pastel en las figuras con colores oscuros y terrosos en la naturaleza del fondo, lo que facilita la atención en los personajes retratados. La pincelada es suave y controlada, detallada y cuidadosa.

La obra encapsula la esencia de la infancia y la belleza de la vida cotidiana, a través de una composición equilibrada, un uso delicado del color y la luz, con una atención meticulosa en los detalles.

Temática principal: Retrato / Escena bucólica Género pictórico: Costumbrismo / Retrato.

Estilo artístico: Realismo / Costumbrismo Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-46

NOMBRE: “Portal Español” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 27,5 cm- Ancho 26 cm) FECHA: S/D. AUTOR: Antonio Viladoms (1888 - 1958 - Español)

RESEÑA BIOGRÁFICA Pintor catalán activo en la primera mitad del siglo XX. Reconocido principalmente por su técnica en acuarela, Viladoms destacó por su participación en la Exposición de Artes Decorativas celebrada en Barcelona en 1918, en la sección dedicada a los pintores independientes.

Durante la dictadura franquista, Viladoms fue acusado de pertenecer a la masonería, según consta en la ficha del Tribunal Especial para la Represión de la Masonería y el Comunismo del Centro Documental de la Memoria Histórica. Esta acusación retrata la persecución política que sufrieron numerosos artistas e intelectuales en esa época, lo que explica su posterior exilio a Chile.

Instalado en Valparaíso, ingresó rápidamente en el circuito artístico. En 1944 fue invitado a participar por Augusto D´hal-

mar, en ese entonces director, como expositor dentro del Museo de Bellas Artes de Valparaíso. Luego de varias acciones artísticas en la ciudad, en 1950 asumió como curador del museo.

Viladoms falleció en Chile el 23 de mayo de 1958, dejando un gran legado. Sus obras están en colecciones privadas y museos de Chile, donde su técnica en acuarela sigue siendo apreciada por su sutileza en el uso del color.

En su memoria, se realizó una ceremonia conmemorativa en el Museo Municipal de Bellas Artes de Valparaíso. Durante el evento, cónsules, autoridades y admiradores del arte le rindieron homenaje, lo que subraya el impacto de su obra y figura en el ámbito artístico de Valparaíso.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación La obra tiene un formato rectangular con una disposición vertical; representa un paisaje urbano. En primer plano, se puede apreciar un arco de medio punto de color café rojizo oscuro, el cual funciona como estructura arquitectónica que enmarca la escena y dirige la mirada del espectador hacia el centro de la composición. A los costados del arco aparecen figuras humanas, representaciones esquemáticas, poco detalladas, con ropajes de tonos cafés, negros, rojos y blancos.

En el segundo plano, se repiten figuras humanas con vestimentas similares, lo que sugiere una continuidad en la escena representada. Alrededor de ellas, se distinguen mesas con manteles blancos y automóviles en tonos cafés y azules.

Se presenta un espacio cotidiano, lo que podría ser una plaza o un mercado.

En el fondo, se encuentra una fachada de un edificio en tonos azules con balcones y ventanas. El edificio también tiene un gran pórtico coronado con un arco de medio punto. Las estructuras otorgan profundidad y contexto arquitectónico. La obra posiblemente retrata una escena costumbrista, capturando el ambiente de una plaza urbana, donde se refleja la vida cotidiana, probablemente durante una festividad o ceremonia tradicional.

En España, estas pequeñas plazas son espacios que funcionan como centros de la vida comunitaria, albergando festividades tradicionales y otras actividades sociales. En estos lugares también funcionan edificios gubernamentales y residenciales; son el espacio donde se desarrollan las actividades cívicas.

El entorno retratado en la obra no solo refleja la celebración, sino que evidencia la interacción y el dinamismo entre el espacio público y la vida social. Viladoms con su obra nos aproxima a una lectura que remite a las identidades colectivas y a las formas en que estas se proyectan en lo cotidiano.

Temática principal: Paisaje Urbano / Arquitectura Género pictórico: Costumbrismo Estilo artístico: Costumbrismo / Elementos del impresionismo Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-200

NOMBRE: “Pueblito Catalán” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 44 cm - Ancho 54,5 cm) FECHA: S/D AUTOR: Antonio Viladoms (1888 - 1958 - Español)

RESEÑA BIOGRÁFICA Destacado pintor y gestor cultural que dejó una huella significativa en la escena artística de Valparaíso durante las décadas de 1940 y 1950.

En ese periodo, la prensa local destacó a Viladoms como un ilustre pintor en Valparaíso.

La donación de varias obras de su autoría fue especialmente significativa para la pinacoteca del Museo, lo que enriqueció la colección y fortaleció el patrimonio artístico de la ciudad.

De las cinco obras que exhibe el museo en su colección permanente, tres de ellas presentan escenas de la ciudad. “Iglesia del Espíritu Santo”, “Mirador O’Higgins” y “Plazuela Ecuador” reflejan su capacidad para captar el ambiente de la ciudad a mediados del siglo XX.

Sus obras se transforman en testimonios visuales que contribuyen a la memoria histórica de Valparaíso.

Además, desempeñó un papel crucial como asesor y consejero del museo. En este rol, realizó importantes contribuciones, como la valuación de obras, entre ellas algunas del destacado artista inglés Thomas Somerscales. Asimismo, tuvo un rol destacado como administrador y restaurador del museo.

La influencia de Antonio Viladoms perdura en la historia del Museo y en el desarrollo cultural de Valparaíso, siendo recordado como una figura significativa en la promoción y conservación del arte en la ciudad.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación La obra tiene un formato rectangular y una disposición horizontal. La composición presenta un paisaje, un entorno típico de la Cataluña rural.

En primer plano, se puede observar una zona montañosa vista desde la altura, aparentemente desde una colina. En la tela predominan colores verdes que otorgan profundidad, azules claros que sugieren una vegetación exuberante, y cafés característicos en paisajes de climas templados.

En el centro de la obra se vislumbra, de forma poco clara, una zona urbana de tonos grises y cafés. En el fondo, se aprecia un cielo nuboso, de tonos grises y matices amarillentos, que sugiere una atmósfera cargada de humedad, condición atmosférica habitual en la zona rural de Cataluña.

En la obra predominan los tonos cálidos y terrosos, que sugieren un ambiente de calidez, evocando el clima mediterráneo característico de esta zona geográfica. Con el uso de azules y verdes en el primer plano, destaca la vegetación frente a los tonos ocres que unifican el resto del paisaje, creando un contraste armónico que resalta la diversidad natural.

El poblado en el centro está perfectamente integrado con su entorno, donde la naturaleza y lo humano se fusionan. La montaña del fondo genera una sensación de inmensidad que, junto al cielo nuboso, refuerza el ambiente sereno.

Las pinceladas sueltas y dinámicas reflejan la influencia impresionista en Viladoms, centrada en la captación de la luz y su interacción con el paisaje. La falta de detalles precisos prioriza la percepción del color y la atmósfera. La importancia es captar la luz y cómo esta se refleja en el paisaje, otorgando una gama de colores amplia; los detalles se subordinan al efecto general de luz y color, que se convierten en los verdaderos protagonistas.

En el costado inferior derecho se encuentra la firma del artista, realizada en pinceladas finas, con un trazo preciso.

Temática principal: Paisaje rural / Paisaje español - Cataluña Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Impresionista Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-198

NOMBRE: “Maruja la gaditana” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 97 cm - Ancho 71 cm) FECHA: S/D. AUTOR: Rafael Romero de Torres Pellicer (1888 - 1984 - Español) RESEÑA BIOGRÁFICA Desde niño, su vida giró en torno al arte. Su abuelo, tíos y su padre, Julio Romero de Torres, fueron reconocidos artistas.

Guiado por la tradición familiar, tuvo sus primeras aproximaciones a la pintura realizando copias de obras de su padre.

Su tío Enrique Romero le enseñó técnicas de restauración, perfeccionando así sus conocimientos.

Tras la muerte de su padre, en acuerdo con su madre, no venden las obras del maestro. Son donadas al Ayuntamiento, quedando bajo la tutela del Museo de Bellas Artes de Córdoba de dicha ciudad, institución en la cual Rafael asumió como conservador y director. En 1936 se gestionó la creación del

Museo Julio Romero de Torres, en el cual Rafael cumplió funciones de conservador y director. Institución que mantiene la vigencia del legado de su padre.

También desarrolló una importante carrera docente en la Real Academia de Córdoba, en la Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Con Rafael culmina un virtuoso cenáculo de tres generaciones, donde tres hijos pintores, amantes de la pintura, la música y la literatura, dejaron una huella indeleble en la cultura ibérica.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación La obra presenta un formato rectangular con una disposición vertical. Se trata de un retrato femenino de medio cuerpo.

En primer plano, la figura de la mujer se encuentra sentada de perfil izquierdo, mirando al espectador. Su piel es de tez morena, ojos marrones oscuros y marcados, cabello ondulado de color negro, recogido hacia su hombro derecho. Su torso está semidesnudo: lleva un vestido largo color granate, pero no lleva puesta una manga del vestido, por lo que se entrevé el pecho izquierdo.

El plano de fondo presenta tonos amarillos en la zona central, que se difuminan hacia tonos cafés en la parte superior, mientras que en la zona inferior predominan los verdes y cafés.

En la parte inferior central de la obra se encuentra una firma: “Julio Romero de Torres”.

Sin embargo, especialistas en las obras del maestro cordobés señalan que Rafael copiaba constantemente las obras de su padre. No obstante, “Maruja la gaditana” no corresponde a ninguna obra de Julio Romero. Rafael hace una reinterpretación; se influenció por los lienzos de su padre para crear esta obra original. Lo curioso, incierto y cuestionable es haber firmado la tela con el nombre de su progenitor.

La obra transmite una introspección y melancolía. La mujer

retratada tiene una expresión serena, con una mirada directa que conecta con el espectador. El uso de tonos cálidos en la piel contrasta armoniosamente con el fondo oscuro, destacando la figura femenina como el foco central de la composición.

Rafael Romero de Torres fusiona el simbolismo y el modernismo, creando una representación idealizada de la figura femenina. La modelo adopta una pose elegante y reflexiva: sentada de perfil, pero con la cabeza girada hacia el espectador, creando una conexión sutil pero profunda.

Es la posición del vestido, junto con su cabello suelto, lo que otorga un aire sensual. La simplicidad del fondo nos centra en la mujer, como foco de atención. La postura de la mujer sugiere serenidad, pero su mirada expresa una nostalgia profunda, generando un contraste emocional que invita a la reflexión.

Temática principal: Retrato / Figura humana / La mujer cordobesa Género pictórico: Retrato Estilo artístico: Simbolismo español Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-72

NOMBRE: “Puente del río Manzanares” TÉCNICA: Óleo sobre tela. (Alto 30 cm - Ancho 40 cm) FECHA: S/D AUTOR: Emilio Poy Dalmau. (1876-1933 - Español)

RESEÑA BIOGRÁFICA La mayor parte de la producción de Dalmau se centró en retratos y escenas de la vida cotidiana de su época, pinturas costumbristas.

Se formó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde estudió escultura, grabado y pintura. Allí tuvo como maestros a Joaquín Araujo y Francisco Pradilla. Por su obra “El capuchón negro”, la Academia le otorgó una beca para continuar sus estudios en Roma.

Participó en varias exposiciones nacionales de Bellas Artes.

Obtuvo mención honorífica en 1895 y 1897, tercera medalla en 1901, 1906 y 1908, y segunda medalla en 1910.

También ejerció la docencia, siendo profesor de dibujo en la Escue-

la Central de Artes y Oficios de Madrid.

La obra de Dalmau fue valorada por su capacidad para retratar con precisión y sensibilidad las costumbres de la sociedad española de comienzos del siglo XX, tal como lo señalan catálogos del Museo del Prado y de la Real Academia de San Fernando. En ellos se manifiesta que sus obras tienen las condiciones suficientes para figurar dentro del patrimonio de las colecciones del Estado, lo que impulsa al gobierno a comprar obras del autor.

En su carrera artística logró representar a una tradición pictórica de raíz postromántica, que tiene a Madrid como fuente de su repertorio iconográfico.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Obra de formato rectangular, presenta una composición de un paisaje urbano.

En primer plano, se aprecia un grupo de figuras humanas y animales situados sobre un puente, que se distribuye horizontalmente por el lienzo, actuando como foco narrativo.

De izquierda a derecha, se observa a un hombre de vestimenta café, que lleva sombrero, chal rojizo y un bastón. Al costado, una mujer con camisa blanca y faldón verde; lleva un manto anaranjado y una canasta. Sostiene en brazos a un niño pequeño.

En la zona central, un burro de color gris, sobre el que va montada una mujer de camisa blanca y un faldón azul. La figura del animal organiza el espacio dentro de la obra; a su vez, representa los medios de transporte de las clases populares de la época.

A su lado, un hombre de pie viste un traje café verdoso y sombrero negro. Su postura erguida cumple la función de anclaje visual.

En el extremo derecho, un hombre de pantalones amarillos, chaqueta negra y sombrero monta un caballo. La figura en movimiento añade dinamismo a la escena.

En segundo plano, dos grandes pilares esculpidos con diseños ornamentales, se alzan en los extremos de la compo-

sición. De fondo, se observa un camino central de tierra, a los costados, abundante vegetación. En la línea del horizonte, se aprecia una gran cantidad de construcciones, lo que podría corresponder a la ciudad de Madrid.

En la parte superior de la obra, un cielo despejado de color celeste refuerza la atmósfera de claridad y apertura.

El uso de figuras populares, animales de carga y luz natural ubica la obra dentro del género del costumbrismo español, que buscaba documentar las prácticas y tipos sociales tradicionales.

En el extremo inferior derecho, se encuentra la firma del artista.

Temática principal: Paisaje urbano / Río Manzanares, Puente de Toledo, Madrid Género pictórico: Costumbrismo Estilo artístico: Costumbrismo / Escuela española Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-28

NOMBRE: “Patio del pintor” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 79,5 cm - Ancho 83,5 cm) FECHA: S/D AUTOR: Eliseo Meifrén Roig (1859 - 1940 - Español)

RESEÑA BIOGRÁFICA Eliseo Meifrén es considerado un pionero del impresionismo en Cataluña. El artista es conocido por sus composiciones de paisajes y marinas. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde fue alumno de Ramón Martí Alsina y Antonio Caba, destacados representantes del estilo romántico academicista. Aunque comenzó trabajando dentro de esa corriente, su estilo evolucionó considerablemente durante su estancia en París en 1878, donde desarrolló la técnica “plein air” característica del impresionismo.

Tras su regreso a España, participó en numerosas exposiciones, como la Exposición Nacional de Madrid en 1881, y obtuvo

importantes galardones, incluyendo premios en la Exposición Regional de Valencia en 1879. También recibió medallas en París, Bruselas, San Francisco, Buenos Aires y otras ciudades de Estados Unidos, destacando la concesión de la Legión de Honor en Francia en 1926, lo que consolidó su reconocimiento internacional.

A finales del siglo XIX, al regresar a Barcelona, su estilo presenta una paleta más luminosa, con predominio de tonos azules y ocres que resaltaban los efectos de luz en el mar y los ríos. Esta evolución cromática está en sintonía con la búsqueda impresionista de capturar la atmósfera y la luz.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Obra de formato rectangular y disposición horizontal. La composición presenta un patio, el espacio interior de una vivienda.

En primer plano, al costado derecho de la obra, se observa una planta de color verde y amarillo que se enreda alrededor de un tronco. En su base, hay tres maceteros con plantas de grandes hojas verdes.

El suelo del patio es de tierra, de un intenso color café con tonos rojizos y bermejos, detrás se entrevé un muro de ladrillos.

En segundo plano, a nivel del suelo, destaca un pequeño sector circular, un terraplén de piedras color café que contiene plantas de flores rojas.

Sobre esta escena se observa una estructura, una cuadrícula de ramas de árboles. Corresponde a una pérgola tradicional utilizada para guiar el crecimiento de las parras.

Detrás, un arco de medio punto da acceso a una construcción, una gran casa de piedra. En la obra se aprecia que posee al menos tres pisos de altura.

En el extremo inferior izquierdo de la obra, hay una firma.

La escena representa un rincón íntimo del patio de una casa mediterránea. Los muros de piedra, las distintas plantas y flores otorgan un ambiente acogedor a la escena. Se ofrece al

espectador una sensación de tranquilidad y privacidad, en un ambiente típico de los patios mediterráneos.

En cuanto a lo técnico, la paleta de colores es cálida, con tonos terrosos en muros y suelo, en contraste con los tonos verdes de las plantas. El artista demuestra un notable manejo de la luz, logrando plasmar una iluminación suave y difusa en la escena, a la que incorpora delicadas sombras.

La obra transmite serenidad y un ambiente acogedor. La luz en la atmósfera aporta calidez a la escena.

Meifrén, con su obra, nos evoca una escena cotidiana. Los detalles en las macetas, las flores y plantas contribuyen a reforzar una atmósfera doméstica y cercana.

Temática principal: Paisaje urbano / Arquitectura Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Romanticismo / Influencias de la Escuela de Barbizon / Impresionismo Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-55

NOMBRE: “Boudier Luis XV” TÉCNICA: Óleo sobre madera (Alto 50 cm - Ancho 39,5 cm) FECHA: 1877 AUTOR: Juan Antonio González Jiménez (1842 – 1920 – Español) RESEÑA BIOGRÁFICA Juan Antonio González nació en 1842 en Chiclana, en la provincia de Cádiz. Proveniente de una familia humilde, a temprana edad demostró sus dotes para la pintura, lo que llevó a su familia a tomar la decisión de enviarlo a estudiar a la Escuela de Bellas Artes de Cádiz, donde fue discípulo de Ramón Rodríguez Barcaza. En 1864 viajó a París becado junto a su maestro y otros artistas. González formó parte de la llamada "Segunda generación" de pintores españoles que llegaron a la ciudad de París a mediados del siglo XIX. Desde 1868 participó en diversas ediciones del Salón Oficial

de París de manera regular hasta 1895, donde recibió galardones como la Tercera Medalla en el Salón de 1876.

El pintor se especializó en pintura de género, retratando escenas de la vida cotidiana, combinando elementos antiguos y modernos. Durante ese periodo, las ventas de arte a coleccionistas internacionales eran comunes en Europa y América, lo que explica en parte el apogeo del costumbrismo español en la pintura. González pudo vivir de la venta de sus trabajos, cuyos principales compradores fueron ingleses, franceses y americanos.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Obra de formato rectangular, con una disposición vertical. En la composición se retratan dos mujeres en una habitación. El espacio está decorado de manera elegante.

En primer plano, una mujer de pie dirige su mirada hacia un espejo de marco dorado sobre una mesa de estilo Luis XV. Lleva un vestido largo de color púrpura y un sombrero con un lazo rojo. La mujer de cabello negro se encuentra apreciando su apariencia frente al espejo.

En segundo plano, al costado izquierdo, se encuentra una mujer sentada. Lleva un vestido largo de color celeste y blanco. Esta mujer de cabello rubio observa atentamente las acciones de su compañera.

En el costado derecho de la habitación, podemos apreciar una gran cortina color café con tintes anaranjados y rosas. Un cuadro de marco dorado adorna la habitación. El mobiliario se complementa con un jarrón color blanco, un macetero dorado con una planta de grandes hojas verdes y una gran alfombra que cubre todo el piso de la escena.

Con el trabajo pictórico en el espejo y la mujer reflejada, González demuestra su habilidad para representar reflejos, elementos que dotan de profundidad a la composición.

El artista se caracterizó por retratar escenas de la vida cotidia-

na, particularmente aquellas vinculadas al mundo aristocrático o de la alta burguesía. En esta obra, por ejemplo, se representa un momento íntimo en un entorno refinado, donde el ambiente, la vestimenta y los objetos/muebles que decoran la escena destacan un estilo de vida acomodado.

Los colores que utiliza el artista son suaves; los tonos cálidos predominan en el alfombrado y los muebles. Mientras que los tonos fríos de la porcelana y el vestido blanco de la mujer equilibran la escena.

El artista maneja una pincelada fina demostrando un manejo sobresaliente del dibujo, típico del rigor académico de la época.

La obra posee un énfasis en la representación del estatus social, no solo destaca las figuras humanas, también el mobiliario dorado, los objetos de porcelana y las telas lujosas que decoran el espacio.

Temática principal: Retrato / Figura humana / Pintura de género Género pictórico: Pintura de Género / Retrato Estilo artístico: Academicismo / Realismo pictórico francés Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-31

NOMBRE: “A orillas del río” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 40 cm - Ancho 50 cm) FECHA: 1918 AUTOR: Francisco Pradilla y Ortiz (1848 - 1921 - Español)

RESEÑA BIOGRÁFICA Francisco Pradilla y Ortiz nació en 1848 en Villanueva de Gállego, Aragón.

Desde temprana edad mostró un marcado interés por el arte, lo que lo llevó a iniciar su formación artística en Zaragoza bajo la guía de Mariano Pescador, reconocido pintor y escenógrafo.

En 1863 se trasladó a Madrid, donde ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Desde su llegada, comenzó a figurar como copista en los registros del Museo del Prado. También trabajó en el taller de los escenógrafos Ferri y Bussato. Colaboró con sus dibujos en revistas como La Ilustración Española y Americana (1870–1874).

Pradilla y Ortiz estuvo interesado en todas las corrientes de su época. Trabajó un romanticismo en retirada; también abrazó el naturalismo desde la perspectiva de los paisajistas franceses. Sus telas presentaban temáticas de carácter histórico, en grandes formatos; pero también dedicaba su atención a sucesos y personajes de su entorno. En pequeños formatos, presentaba la intimidad que reflejan escenas costumbristas.

Su obra se conserva en importantes museos, como el Museo del Prado, y sigue siendo objeto de estudios por su valor narrativo y técnico.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Obra de formato rectangular y disposición horizontal. La composición presenta un paisaje rural, una escena con un río.

En primer plano, se observa un río en tonos azules, blancos, verdes y cafés. Estos colores se funden con pinceladas superpuestas, lo que contribuye al efecto de profundidad del agua.

Dentro del agua se aprecian de manera difusa unas figuras humanas. Sobre una estructura, probablemente de madera, un grupo de figuras trabaja sobre telas extendidas de color blanco; podrían tratarse de lavanderas.

En segundo plano, al costado izquierdo de la composición, se observan casas y chozas en tonos negros y cafés, construcciones ribereñas de una aldea rural.

Al costado derecho destaca una abundante vegetación de color verde oscuro; árboles y arbustos están trabajados con pinceladas sueltas, generando una textura espesa y atmosférica.

En el fondo, se percibe un cielo semidespejado con tonalidades azules, blancas, rosadas y amarillas. Los colores difuminados sutilmente podrían asociarse a una luz crepuscular.

En el extremo inferior derecho, se encuentra una firma.

La escena retrata la ribera de un río tranquilo, donde un grupo de personas, junto con animales y otros elementos, sugiere una atmósfera rural.

Uno de los intereses pictóricos de Pradilla era capturar lo pintoresco y lo cotidiano, cercano al naturalismo poético del paisaje europeo decimonónico.

El pintor utiliza una paleta de colores suaves, que podría indicar que la escena se sitúa al amanecer o al ocaso.

La luz tenue y los colores difusos refuerzan una sensación de quietud, tranquilidad e incluso melancolía. Esa mirada nostálgica sobre el mundo rural fue un elemento frecuente en la pintura de paisaje del siglo XIX. Los tonos verdes, marrones y ocres, están matizados para crear un ambiente brumoso y húmedo. El cielo, con tonos rosados y amarillos, refleja su luz en el agua, creando un efecto de espejo que añade profundidad y equilibrio a la composición.

Pradilla aplica una pincelada suelta. Prioriza la captación de la atmósfera y los efectos lumínicos sobre los detalles precisos, sugiriendo una ejecución en plein air. Este recurso permite captar las sensaciones inmediatas del paisaje, evocando una experiencia sensorial directa, acción que conecta al artista con las prácticas impresionistas y postimpresionistas.

Temática principal: Paisaje rural / Paisaje del agua / Campesinos Género pictórico: Paisaje Estilo artístico: Naturalismo / Impresionismo / Post-impresionismo Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-70

NOMBRE: “Semana Santa” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 14,5 cm - Ancho 38,5 cm) FECHA: S/D AUTOR: Francisco Pradilla y Ortiz (1848-1921 - Español)

RESEÑA BIOGRÁFICA Francisco Pradilla alcanzó el éxito con su obra “El rapto de las sabinas”, inspirada en una leyenda de la antigua Roma. Sin embargo, fue con su pintura de 1877, “Doña Juana la Loca”, que logró un reconocimiento internacional significativo. Esta obra le valió la medalla de honor en la Exposición Universal de París de 1878.

Pradilla demostró, a través de sus pinturas, una habilidad excepcional para captar la complejidad emocional de personajes históricos. Este talento lo consolidó como uno de los grandes maestros del género histórico en España.

Como anteriormente mencionamos en otra ficha referida al artista, su trabajo en el taller de los escenógrafos y decorado-

res Ferri y Bussato influyó considerablemente en la capacidad de Pradilla para plasmar en sus obras espacios y ambientes escenográficos, donde las luces y efectos otorgan a sus lienzos un aire teatral, como lo analizaremos en esta obra.

Estuvo interesado en todos los movimientos y corrientes pictóricas de su época, trabajó un romanticismo tardío, pero incorporando aspectos formales de otras tendencias como el Impresionismo, que deja de manifiesto en la ejecución de este lienzo.

Su carrera la consolidó cumpliendo el rol de director de la Real Academia Española de Bellas Artes de Roma y del Museo del Prado.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación La obra, de formato rectangular y disposición horizontal, representa a una multitud de personas.

La elección de un formato pequeño puede revelar la intención del artista de generar un estudio previo o boceto, concebido para captar una impresión emocional, más que relatar un hecho con detalle.

En el primer plano se distinguen, a modo de manchas poco definidas, figuras humanas masculinas y femeninas, algunas cargando niños en sus brazos. Los colores predominantes son negro, gris, blanco, anaranjado y azul. En el fondo, se perciben manchas difusas en tonos oscuros, como negro y gris. En el extremo inferior derecho, de manera sugerida, se encuentra la firma del artista.

Francisco Pradilla utiliza una paleta de colores oscuros, contrastada con pequeños toques en zonas iluminadas por blanco y anaranjado que destacan en medio de la multitud.

Los colores claros, como el blanco en la parte derecha, parecen resaltar a personajes específicos, probablemente los protagonistas de la escena. La jerarquía visual se establece mediante el contraste entre figuras relativamente nítidas en primer plano, creando profundidad.

La pincelada suelta y dinámica sugiere movimiento en la composición; se crea un efecto de vibración visual. La multitud

parece moverse, otorgando una sensación casi cinemática.

El artista desea capturar la atmósfera del evento, más que centrarse en detalles precisos. Pradilla pinta mediante manchas cromáticas gestuales, especialmente en el fondo y en algunas figuras del primer plano, sugiriendo una vinculación con la pintura más sensorial que ilustrativa.

El manejo del contraste entre luz y sombra refuerza la idea de un ambiente cargado de dramatismo y dinamismo. El contraste es particularmente evidente entre las figuras del primer plano, más definidas, y cuyo fondo oscuro evoca el silencio penitencial.

Dado que se trata de una escena de Semana Santa, las figuras iluminadas podrían representar a los protagonistas centrales del evento, como un líder religioso o niños, simbolizando inocencia y pureza dentro del simbolismo cristiano.

La obra no describe un proceso, sino que busca evocar una atmósfera espiritual: la densidad del aire, los silencios colectivos, la presencia intangible de lo sagrado.

Temática principal: Paisaje urbano / Festividad religiosa Género pictórico: Costumbrismo - Pintura Religiosa.

Estilo artístico: Impresionista / Costumbrismo / Realismo pictórico francés Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-34

NOMBRE: “Mosquetero” TÉCNICA: Acuarela sobre papel (Alto 42 cm - Ancho 26 cm) FECHA: 1879 AUTOR: Francisco Pradilla y Ortiz (1848 -1921 - Español) RESEÑA BIOGRÁFICA Gracias al reconocimiento obtenido por su obra “Doña Juana la Loca”, Francisco Pradilla recibió importantes encargos que consolidaron su prestigio. Entre ellos destaca “La rendición de Granada” (1882), que le valió el primer lugar en la Exposición de Múnich en 1883. Además de sus obras de temática histórica, también incursionó en el retrato, representando a miembros de la aristocracia.

En 1873, fue nombrado director de la Academia de España en Roma, cargo que desempeñó con notable éxito.

Posteriormente, en 1897, asumió la dirección del Museo del

Prado por un breve período. La bibliografía existente sobre el autor sostiene que su corta estancia en el Prado se debió a desencuentros con el modelo de gestión del museo y con las autoridades de la época.

Francisco Pradilla falleció en Madrid en 1921, dejando un legado significativo que lo consagra como uno de los grandes maestros del arte español del siglo XIX, particularmente como un referente de la pintura histórica de corte académico.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación La obra presenta un formato rectangular y una disposición vertical. La composición se organiza en torno a una figura masculina central. En el primer plano, se representa a un hombre de pie que dirige su mirada hacia el lado derecho; su mirada sugiere expectación. De tez blanca y cabello oscuro, viste un sombrero blanco, una camisa de manga larga en tono café claro, del tipo jubón; sobre ella, un delantal blanco sin mangas con una tela rosada atada al pecho. Su vestimenta se completa con pantalones café hasta las rodillas, donde lleva lazos celestes, calcetas largas de color rosado y zapatos de tono plomo. Estas vestimentas son ajustadas al cuerpo, como una innovación para aumentar la movilidad en combate, a diferencia de las prendas holgadas utilizadas por los soldados en el siglo anterior.

En sus manos sostiene de manera horizontal una espada tizona (espada ropera española) de empuñadura de copa, una evolución de la empuñadura barrida de los napiers franceses.

El fondo presenta una muralla de color gris claro adornada con un tapiz de patrones rectangulares en tonos rojizos y azules, que, aunque detallado, resulta sencillo en comparación con la figura del mosquetero; este contraste refuerza la centralidad y el protagonismo del personaje.

El mosquetero se encuentra en una posición relajada, pero

vigilante; sugiere un estado de alerta y preparación, mientras que su mirada dirigida hacia el lado derecho genera intriga al insinuar algo fuera del campo visual de la obra. Sostiene su espada, dando la alusión de que está preparado para usarla.

La obra puede interpretarse como un retrato de un personaje histórico. La minuciosidad para presentar las características del vestuario y los detalles del personaje nos remite a obras del realismo académico francés.

En la esquina inferior derecha se encuentra la firma del autor junto a la inscripción “Roma 75”, indicando que Francisco Pradilla realizó esta pintura durante su estancia en Roma en 1875, un detalle significativo que permite contextualizar la obra en su trayectoria artística, en un momentos en que su carrera lo consolidaba como pintor histórico y académico, influido por el ambiente artístico italiano.

Temática principal: Mosquetero / Soldado - Tercio español / Figura humana Género pictórico: Retrato Estilo artístico: Academicismo / Clasicismo Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-65

NOMBRE: Sin título TÉCNICA: Acuarela sobre papel (Alto 42 cm - Ancho 26 cm) FECHA: 1879 AUTOR: Francisco Pradilla y Ortiz (1848 -1921 - Español) RESEÑA BIOGRÁFICA En fichas anteriores profundizamos en la biografía de este autor. Por tanto, en esta nos referiremos al contexto temporal en el que el maestro crea esta acuarela.

Luego de presentar su obra “Doña Juana la Loca” en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid (1978), obtiene la Medalla de Honor. La tela también participó en la Exposición Universal de París, obteniendo la Medalla de Honor. Con esto se consagra como el pintor más destacado del género histórico en España.

Por lo anterior, obtiene un nuevo pensionado en Roma. Fija

residencia en la ciudad italiana, abre un taller y comienza a recibir encargos del Ayuntamiento de Zaragoza para crear retratos de los reyes de Aragón.

Las obras encargadas presentaban a muchos personajes.

Esta complejidad llevó al maestro a realizar múltiples bocetos.

Para estos fines, la técnica de la acuarela permitía crear apuntes, los que luego podía traspasar al óleo.

En aquella época, Pradilla fue el artista español más reconocido en la Ciudad Eterna, por lo que fue designado director de la Academia Española de Bellas Artes de Roma.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Antes de analizar en detalle esta acuarela, es importante señalar lo siguiente: esta creación fue hecha por Pradilla y Ortiz en el reverso del papel de la obra “El mosquetero”. Esto nos permite sostener que ambos trabajos fueron creados a modo de bocetos previos antes de traspasar la creación al óleo sobre tela o madera.

Presentar en estas fichas esta obra, que no puede ser apreciada por el público general del museo, se transforma en un aporte en la divulgación del patrimonio artístico del museo, pero también en incrementar el acervo sobre el maestro Francisco Pradilla y Ortiz.

La obra presenta un formato rectangular y una disposición vertical. La estrechez de la composición organiza y enfatiza la figura masculina central.

En el primer plano, se representa a un hombre joven de pie.

Sus rasgos son andróginos (tradición pictórica donde la ambigüedad infantil se combina con la teatralidad). De tez clara y rostro suave, cabello castaño. Su vestimenta está compuesta por una chaqueta blanca-amarilla con mangas rojas y amarillas, pantalones cortos a juego y calcetas altas blancas. Carga en su mano un sombrero azul y blanco.

Viste una prenda ligera sobre los hombros; puede ser una capa corta o un bolero, propio del vestuario escénico. Tiene un

cuello de gola, de textura suave.

Por su vestimenta podemos inferir que corresponde a un músico o artista escénico. Una especie de trovador, pero no según la estética medieval tradicional. El personaje evoca más bien una figura carnavalesca posterior (siglo XVIII o XIX).

Su postura es elegante, sus piernas están cruzadas, con una mano sostiene un objeto, una especie de vara o bastón, elemento utilizado en teatro y presentaciones escénicas.

El artista experimentaba con distintos materiales y soportes.

Elaboró combinaciones de pigmentos acuosos con albúmina que le permitieron desarrollar la técnica de la acuarela sobre tela. El pintor, ilustrador y teórico Gascón de Gotor, en el texto “Tres pintores aragoneses” (1946), sostiene que, a diferencia de otros acuarelistas que trabajan sus obras en los momentos de mayor luminosidad, Pradilla elige la noche.

El pintor buscaba estas condiciones para lograr y obtener las sutilísimas gamas de colores presentes en sus obras. Los delicados matices lumínicos en el vestuario del joven remarcan la sobresaliente capacidad técnica de Pradilla y Ortíz.

Temática principal: Personaje teatral / Músico / Figura humana Género pictórico: Retrato Estilo artístico: Academicismo / Clasicismo Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-65 Mismo registro que obra “El mosquetero”

NOMBRE: “Retrato del pintor Pradilla Ortiz” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 43 cm - Ancho 32 cm) FECHA: S/D AUTOR: Angélico Aranda Hurtado (1870 - 1961 - Chileno) RESEÑA BIOGRÁFICA Angélico Aranda fue un sacerdote de la orden franciscana y pintor chileno, nacido en la región de O’Higgins.

Si bien el autor es chileno, su vinculación a España nos presenta una oportunidad para otorgar un contexto mayor a las obras del maestro Francisco Pradilla. Presentando un retrato del autor.

En 1908, viajó a Europa para formarse en la Real Academia Española del Janículo, en Roma, entonces dirigida por el pintor José Benlliure Gil. Este maestro inculcó entre sus alumnos la pintura de género, la pintura costumbrista y la de temáticas religiosas. En 1909 Aranda viajó a Barcelona, donde conoció la

obra de Antoni Gaudí. Escribió directamente al arquitecto solicitando referencias para construir una capilla en la ciudad; Gaudí le respondió que lamentablemente no podía crear un diseño nuevo, pero sí le envió croquis de una capilla adosada a la Sagrada Familia.

A lo largo de su vida, Aranda participó solo en una exposición personal, inaugurada el 25 de enero de 1955 en Rancagua, en el Museo de la Patria Vieja. Por tanto, contar con una obra del autor se transforma en un hecho destacable a considerar dentro de la Historia del Arte nacional.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Obra de formato rectangular y disposición vertical. La composición se basa en un retrato de un busto masculino.

En primer plano, se observa un hombre mirando al espectador, con cabello y barba oscuros. Lleva lentes y un gorro grisáceo. Viste un abrigo gris, camisa blanca y un corbatín negro con un adorno dorado en el centro, el cual actúa como punto focal en la zona del pecho.

El fondo es plano, en tonos café claro con manchas verdosas.

Se observa una ligera iluminación difusa, el efecto lumínico es logrado a partir de pinceladas planas, generando una textura visual que contrasta sutilmente con el acabado del rostro.

Al costado izquierdo de la tela se encuentra la firma del artista.

En este lienzo Aranda retrata al artista Francisco Pradilla, figura relevante de la pintura histórica española del siglo XIX, quien además fue director de la Real Academia de España en Roma y del Museo del Prado en Madrid. Podemos especular que la selección de Aranda para crear este retrato responde a un homenaje artístico.

El retrato está creado con un enfoque realista, especialmente en los detalles del rostro del personaje. La barba tupida, las gafas y la expresión facial transmiten introspección y concentración. El fondo neutro refuerza el protagonismo del rostro,

mientras que la vestimenta sobria refleja seriedad y formalidad.

En cuanto a la técnica del artista, destaca el manejo de la luz y la sombra, logrando un efecto tridimensional en el rostro.

Una iluminación suave ingresa de manera lateral, resaltando la frente, los pómulos y el mentón.

El uso de una paleta naturalista, con tonos terrosos y cálidos, aporta realismo a la obra y otorga una atmósfera de sobriedad. La mirada intensa del personaje, combinada con su postura, transmite una sensación de serenidad y reflexión, reforzando el carácter introspectivo del retratado.

Temática principal: Retrato Género pictórico: Retrato Estilo artístico: Realismo / Naturalismo / Retrato académico europeo Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-20

NOMBRE: “Interior Capilla de San Juan” TÉCNICA: Pintura en cerámica (Alto 62 cm - Ancho 46 cm) FECHA: S/D AUTOR: Daniel Zuloaga Boneta (1852 - 1921 - Español) RESEÑA BIOGRÁFICA Zuloaga Boneta fue un renombrado pintor y ceramista, considerado uno de los mayores renovadores de la cerámica en España.

Zuloaga provenía de una familia de artistas de la orfebrería, recibiendo de esta forma las primeras influencias en el arte.

Continuó su formación en la prestigiosa Escuela de Cerámica de Sèvres, en Francia, donde desarrolló técnicas tradicionales como la cuerda seca y los reflejos metálicos. Estas técnicas las introdujo desde una visión neorenacentista y regionalista, pero a su vez también revisa técnicas orientales provenientes de Japón y China. Al regresar a España, trabajó en la fábrica de

loza La Segoviana. En 1911 fue nombrado profesor de la Escuela de Cerámica de Madrid. Ese mismo año recibió el primer premio en la Exposición Nacional de Artes Decorativas de Madrid.

Posteriormente, en 1921, fundó un taller en la iglesia de San Juan de los Caballeros, el cual dirigió hasta su fallecimiento.

Sus hijos (Cándida, Esperanza, Teodora y Juan) continuaron su obra en el taller y lograron que fuese convertido en el Museo Zuloaga en 1949. La institución alberga cerca de 150 piezas propias de Daniel, junto a obras de su sobrino Ignacio Zuloaga.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación Obra de formato rectangular, disposición vertical. La composición representa el interior de una capilla. En primer plano, en la esquina inferior derecha, una mujer de perfil, de medio cuerpo, con la cabeza inclinada, refleja una actitud de recogimiento. Lleva un manto sobre los hombros de color rojizo con diseños ornamentales de colores blanco, azul y verde. Sobre su cabeza lleva envuelto un pañuelo de color rojo y amarillo.

En segundo plano, un grupo de mujeres distribuidas al interior de la capilla, algunas de pie y otras arrodilladas, miran en dirección al altar, donde se distingue la figura de Cristo crucificado en el extremo superior izquierdo. Se observan dos pilares grises de orden corintio, dividen el espacio compositivo, acentuando la profundidad y dando estructura simétrica a la escena.

En la parte superior, se aprecian los arcos y pechinas de la capilla, dibujados y pintados con diversos colores. El uso de color en la arquitectura refleja el estilo decorativo y el interés de Zuloaga por la ornamentación cerámica.

Al costado inferior izquierdo, se encuentra la firma del autor.

La obra está compuesta por mujeres arrodilladas que oran y contemplan el crucifijo. Están vestidas con trajes tradicionales. La iglesia representada, llena de color gracias a los frescos y los ropajes de las mujeres, contrasta con los tonos

ocres del fondo, creando una atmósfera de regocijo. La escena presentada nos remite al interés de Zuloaga por el costumbrismo castellano y la religiosidad popular.

Por sus grandes aportes a las artes decorativas, el rescate de técnicas tradicionales y la docencia de las mismas, además de la implementación de distintos proyectos de decoración de importantes inmuebles españoles, tres años después de su muerte (1924), la ciudad encargó al escultor Emiliano Barral la creación de un busto de Daniel Zuloaga. La obra hoy se emplaza junto a la iglesia de San Juan de los Caballeros de Andalucía, misma edificación representada en esta obra.

Temática principal: Ceremonia religiosa / Costumbrismo Género pictórico: Costumbrismo Estilo artístico: Ceramista / Modernismo / Arte decorativo / Neorenacentismo Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-37

El Museo de Bellas Artes de Valparaíso resguarda en su Colección Europea obras de dos destacadas artistas francesas del siglo XIX: Marie Rosalie Bonheur y Jane Pinot. Aunque desde trayectorias distintas, ambas desafiaron una sociedad empeñada en excluir a las mujeres del espacio público y de la práctica artística profesional.

Durante aquel periodo, las mujeres fueron sistemáticamente apartadas de las escuelas y organizaciones artísticas, negándosele la posibilidad de formar sus propias asociaciones. Tal como señala Patricia Mayayo en Historias de mujeres, historias del arte (2020), los debates respecto al ingreso femenino a la prestigiosa École des Beaux-Arts giraban en torno al problema del desnudo. Algunos detractores sostenían que la escuela era demasiado pequeña para admitir nuevas estudiantes; otros temían por la “moral” de las mujeres, quienes corrían el riesgo de corromperse o, peor aún, de masculinizarse. También se argumentaba que su presencia distraería a los alumnos varones (pág. 42).

Desde la Edad Media hasta bien entrado el siglo XIX, el papel de la mujer en el arte fue principalmente el de musa, modelo o inspiradora. La virilidad y la dominación masculina se evidencian la mayoría de los espacios culturales: basta recorrer museos y monumentos para advertir cómo el poder se representa en figuras masculinas imponentes, mientras que las mujeres aparecen retratadas con delicadeza o abiertamente sexualizadas.

Entre las ocho obras de artistas europeas que conserva el museo, se advierten distintas maneras de representarse a sí mismas. En Desnudo de oro, de Jane Pinot, por ejemplo, el cuerpo retratado se aleja de los cánones hegemónicos de belleza se aprecia un cuerpo real y cotidiano.

De esta forma, y con el trabajo artístico de diversas artistas, el cuerpo femenino deja de ser un mero objeto de observación pasiva y se convierte en un punto de articulación donde confluyen supuestas debilidades orgánicas, morales y políticas que históricamente han legitimado su subordinación.

Comprender estas transformaciones requiere también revisar las narrativas dominantes en la historia del arte. En ese sentido, la lectura de La historia del arte (1950) de Ernst Gombrich -considerada una obra fundamental para los historiadores-, revela con elocuencia las exclusiones del canon: en sus más de seiscientas páginas, no aparece ninguna mujer artista.

El arte, lejos de ser un espacio neutro de contemplación estética, ha funcionado como un dispositivo de saber-poder que produce subjetividades y fija las diferencias de género. La representación de las mujeres en la tradición artística se ha configurado bajo un régimen de visualidad contradictorio: uno que, al mismo tiempo, las exhibe y las oculta.

Explorar este conjunto de obras nos permite reconocer y valorar la trayectoria de mujeres artistas que desafiaron las normas de su tiempo para conquistar un espacio en la esfera pública del arte. Gracias a la mirada coleccionista de Pascual Baburizza, el Museo de Bellas Artes de Valparaíso resguarda y exhibe sus creaciones, ofreciendo al público la posibilidad de reconsiderar el lugar de las mujeres en la historia del arte europeo.

Tamara Candia Ahumada Encargada de Comunicaciones

NOMBRE: “Cesta de rosas” TÉCNICA: Pastel sobre papel (Alto 88 cm - Ancho 60 cm) FECHA: S/D AUTOR: Jeanne Pinot (1872 - 1929 - Francia) RESEÑA BIOGRÁFICA Jeanne Pinot nació en 1872 en Missy-sur-Yonne (Seine-et-Marne, Francia). Su formación artística tuvo lugar en París, ciudad que concentraba un importante desarrollo cultural en la época. Pinot pudo estudiar bajo la tutela de maestros como Ferdinand Humbert, connotado artista que destaca por sus óleos sobre temáticas históricas y decorativas; François Rivoire, especializado en obras sobre flores y plantas en la técnica de la acuarela. Sin embargo, podemos apreciar que su obra tuvo una notable influencia de la artista francesa Frédérique Vallet-Bisson, reconocida retratista que introdujo a Pinot en la disciplina del pastel.

Es importante complementar que en esos momentos Vallet-Bisson mantenía una relación sentimental con Auguste

Renoir; el maestro impresionista de alguna forma influyó en ambas, compartiendo algunos preceptos de las incipientes Vanguardias históricas.

Utilizando el pastel como herramienta principal, Pinot creó obras que destacan por sus texturas suaves, atmósferas delicadas y transiciones cromáticas de gran sutileza, cualidades que marcaron su sello personal.

Jeanne Pinot se situó en un cruce estético entre el realismo pictórico francés y un naturalismo académico tardío; además, sus obras siempre presentaron una especial atención en los aspectos decorativos, intención que situaba sus obras en congruencia con las tendencias del mercado del arte.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación La obra presenta un formato rectangular con disposición vertical. La composición se organiza en torno a una canasta de mimbre cargada con flores. El objeto se encuentra centrado en la obra, lo que genera un eje visual. La cesta se ubica en primer plano; de fondo se aprecia una superficie oscura que funciona como un telón que concentra la atención del observador en el motivo central.

El uso contrastado del color es uno de los elementos predominantes en el papel. Los tonos cálidos de las rosas –rosados, amarillos y rojos– destacan respecto a la neutralidad de los colores de la canasta y el fondo. Pinot logra crear una textura aterciopelada. El rosetón celeste en la parte superior de la manilla introduce un contraste cromático que equilibra la composición.

La luz de la escena no proviene de un punto específico; la iluminación es envolvente, otorgándole un brillo intenso a las flores sobre la oscuridad del fondo. Con un trazo suave superpone capas de color que otorgan volumen; este efecto tridimensional logra transmitir realismo al espectador.

La obra “Cesta de rosas” se inscribe en la tradición del bodegón floral académico francés de fines del siglo XIX. Estas temáticas fueron ampliamente requeridas por coleccionistas, tanto por su belleza efímera como por el goce estético de la

naturaleza que estas simbolizan.

Jeanne Pinot además aporta una sensibilidad propia que logra transmitir al espectador; sus escenas con una atmósfera íntima invitan a la contemplación. El contraste entre la oscuridad del fondo y la luminosidad de las rosas otorga al cuadro un carácter meditativo, evocando al esplendor transitorio de la naturaleza.

Temática principal: Naturaleza / Flores Género pictórico: Bodegón / Pintura de Género Estilo artístico: Realismo pictórico francés / Escuela Francesa de fines del siglo XIX Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-38

NOMBRE: “Crisantemos” TÉCNICA: Pastel sobre papel (Alto 104 cm - Ancho 75 cm) FECHA: S/D AUTOR: Jeanne Pinot (1872 - 1929 Francia) RESEÑA BIOGRÁFICA Pinot se instaló en la ciudad de Neuilly-sur-Seine, localidad dentro del área metropolitana de París, lo que posibilitó un contacto directo con la red de galerías y el circuito artístico francés, en plena expansión a comienzos del siglo XIX. Desde dicha localidad debutó en el Salón de los Artistas Franceses en 1897, con un retrato de una mujer ejecutado al carbón. Al año siguiente presentó dos obras en la misma técnica, “Femme en prière” y “Endormie”. En 1899 dio un giro decisivo: presentó “Parisienne”, su primera obra en pastel en participar de un certamen oficial. Desde ese momento, Pinot priorizó el uso de esta técnica en su producción artística.

La Société des Artistes Français la incorporó como miembro, lo que aseguró su presencia en exposiciones y catálogos

oficiales. En 1900 recibe la mención de honor en el Salón de París por su pastel “Pour la fête de la grand-mère”, consolidando su presencia en la escena.

Si bien Pinot se especializó en el uso del pastel, no prescindió de otras técnicas. En el Salón presentó “La Fileuse” (1906) y “Hotte de cerises” (1914), obras creadas en la técnica óleo sobre tela, demostrando así dominio en los formatos tradicionales utilizados comúnmente por la Academia.

Jeanne Pinot demostró interés por extender su campo creativo, al utilizar distintas técnicas, sin modificar sus temáticas centrales: naturalezas muertas y retratos femeninos en contextos íntimos.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación La obra “Crisantemos” es una obra creada con la técnica del pastel, posee un formato rectangular con disposición vertical; en primer plano se presenta un jarrón oscuro con un ramo de tres flores. Dos crisantemos amarillos aparecen en la zona inferior, mientras que en la parte superior se destaca uno de tonos rosados. El fondo, de tonos negros y cafés, concentra la atención en el motivo central. La obra presenta la firma de la autora en el extremo inferior derecho.

En esta creación destaca la aplicación del color. El intenso amarillo de las flores inferiores se complementa con el rosado de la flor superior; esto genera un juego cromático donde resalta el contraste, lo que aporta dinamismo a la composición.

La iluminación se concentra en las flores, dejando el fondo oscuro. La ubicación de las flores y sus hojas forma una figura triangular, que dirige la atención del espectador. El jarrón aparece ligeramente desplazado hacia la derecha, lo que evita la rigidez de la simetría triangular.

Las formas y figuras son creadas con trazos sueltos y cargados, especialmente en los pétalos. En ellos la artista logra transmitir sensación de textura, mientras que las hojas están trabajadas con mayor difuminado.

Desde una perspectiva simbólica, podemos inferir que el

contraste entre la oscuridad del fondo y la luminosidad de las flores puede entenderse como una metáfora de la belleza efímera de las flores. La delicadeza y fuerza del color aplicado a los crisantemos refuerzan esta lectura que evoca fragilidad, vitalidad y futilidad simultáneamente.

En lo formal, el estilo de Pinot presenta elementos cercanos a una sensibilidad impresionista, en la que se privilegia la atmósfera y las sensaciones antes que el detalle realista.

Temática principal: Naturaleza / Flores Género pictórico: Bodegón / Pintura de Género Estilo artístico: Realismo pictórico francés / Escuela Francesa de fines del siglo XIX Fichaje Surdoc: Crisantemos | SURDOC

NOMBRE: “Desmadejando” TÉCNICA: Pastel sobre papel (Alto 80 cm - Ancho 75 cm) FECHA: S/D AUTOR: Jeanne Pinot (1872- 1929 - Francia) RESEÑA BIOGRÁFICA Pinot, además de mantenerse presente de manera constante en los Salones de París, de forma paralela, participaba activamente en el Salon de l’Union des Femmes Peintres et Sculpteurs, instancia clave para la profesionalización artística femenina. Entre los años 1898 y 1908 presentó retratos, flores y naturalezas muertas. Su inclusión en este círculo constata una participación destacada en la escena artística francesa.

La presencia en ambas plataformas expone la versatilidad de la autora para participar en instancias diversas. El Salon de l’Union des Femmes, creado en 1881, funcionaba como espacio alternativo y de apoyo entre mujeres artistas, que busca-

ban legitimar su oficio y encontrar un público más receptivo.

En cambio, los Salones de París manifestaban los parámetros estéticos que pregona la institucionalidad académica, más relacionada con lo formal de las obras y cómo estas se desenvuelven en el circuito de difusión (museos y mercado del arte).

Alternar entre ambos círculos –el oficial y el femenino– le brindaba la posibilidad de mantener reconocimiento en el marco académico; por otro, reforzaba redes en los circuitos alternativos, como los espacios creados por las propias mujeres, que aumentaban sus posibilidades de venta de obras en exposiciones abiertas al coleccionismo privado.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación “Desmadejando” tiene un formato rectangular de disposición vertical. La creación presenta como temática una escena íntima y cotidiana.

Dos figuras femeninas –una mujer sentada y una niña de pie– desenredan un ovillo de lana dentro de una habitación. En la sala no hay mobiliario, salvo la silla que utiliza la mujer y un pequeño piso de madera.

La acción doméstica se convierte en el núcleo central de la escena, sin otros distractores presentes en la obra; la presencia de un modesto piso de madera en el extremo inferior izquierdo equilibra la composición.

Destaca el uso de la luz, la que ingresa de manera intensa desde una ventana. El brillo cubre las figuras, lo que genera contraste con las sombras del entorno. Encapsula la escena.

Los personajes llevan vestidos largos. En el ropaje de la niña predominan los tonos ocres, dorados y rosados, que transmiten calidez. En el caso del vestido de la mujer, destacan los negros y grises, que transmiten sensación de frío en el espectro visual.

El vestido de la niña se presenta como punto de tensión que capta la mirada del espectador. Al utilizar tonos oscuros en la figura de la mujer, se acentúa este efecto.

Entre las figuras de la niña, la mujer, el hilo y la luz de la venta-

na se genera una estructura triangular que organiza la lectura de la obra. Concentra la observación en el centro de la obra.

Pinot aplica trazos suaves y difuminados, otorga énfasis a la luz de la escena, elementos que nos presentan ciertos atisbos de la intención impresionista.

Si analizamos la obra desde una perspectiva simbólica, podemos inferir que la acción de desenredar el ovillo puede interpretarse como el paso del tiempo, el traspaso de la memoria entre generaciones, a partir de recuerdos domésticos, pero de íntima profundidad.

Temática principal: Vida cotidiana / Intimidad / Familia Género pictórico: Pintura de Género Estilo artístico: Realismo pictórico francés / Escuela Francesa de fines del siglo XIX Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-39

NOMBRE: “Desnudo de oro” TÉCNICA: Pastel sobre papel FECHA: S/D AUTOR: Jeanne Pinot (1872 - 1929 - Francia) RESEÑA BIOGRÁFICA En 1901, Pinot ingresó a formar parte del colectivo Les XII à la Bodinière, instancia creada para visibilizar a las mujeres artistas mediante exposiciones colectivas y la difusión en catálogos. Lo notable de esta plataforma era su aspiración internacional, convocando a creadoras de distintos lugares del mundo. El periódico La Fronde menciona la participación de Pinot junto a destacadas pintoras como Louise Catherine Breslau (Alemania), Esther Huillard (Francia) o Julia Beck (Suecia). Ese mismo año presentó en el Salón Lorrain las obras “Le Réveil” y “Le Liseron”.

En 1903 recibió un importante reconocimiento estatal, al ser nombrada Officier de l’Instruction publique, distinción otorgada a artistas y profesores destacados dentro de la escena artística, pero en especial por sus distinguidos servicios pres-

tados al sistema educativo nacional francés.

Ese mismo año se trasladó a la Rue de Vaugirard 89, a pasos de Montparnasse. Este cambio coincidió con la popularidad de Pinot, por lo que se instaló en un barrio que se posicionaba como una plataforma de difusión, donde proliferaban galerías, talleres y bares donde artistas e intelectuales vivían la bohemia parisina. Y con ella, el desarrollo de las ideas y preceptos de las Vanguardias históricas.

En 1914, se trasladó a Levallois-Perret, donde vivió hasta su muerte.

Estos cambios de domicilio dentro de la región parisina (Île-de-France) explican variaciones en su ritmo expositivo y quizás su adaptación a un mercado artístico menos centrado en la capital.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación La obra es una representación del cuerpo femenino, una creación bajo la estructura académica del género del desnudo.

Pero no es solo una mera constatación de las características formales y anatómicas de un cuerpo humano. Pinot resalta una sensibilidad y sutileza técnica con gran profundidad simbólica.

La obra es de formato rectangular con una disposición vertical; presenta a una mujer de medio perfil, sentada en un ambiente natural difuso. Su postura, ligeramente encorvada y con la cabeza inclinada, revela cierta introspección, dando énfasis a ese mundo interior en oposición a una intención erótica.

Pinot logra exponer con certeza la anatomía femenina, pero dota a la escena con una dimensión emocional, donde lo íntimo y lo contemplativo se transforman en protagonistas.

Destaca en la obra el cuidado manejo de la luz y el color. La artista utiliza una gama cálida de tonos dorados, ocres y rosados que bañan la piel del cuerpo. Esta luz moldea el volumen de la figura, resaltando curvas y las formas naturales, sin idealización. La piel adquiere una textura casi escultórica (mármol), sin perder las características orgánicas.

El fondo de la escena se construye con manchas difusas en tonos oscuros y verdes. Podemos inferir en estos trazos la

intención de representar vegetación en un espacio exterior. El contraste que se produce entre el fondo y los tonos de la figura humana, refuerza el protagonismo central de la mujer.

En la técnica predomina la aplicación de trazos suaves y transiciones sutiles; no hay contornos rígidos ni líneas en extremo definidas. Las formas concluyen su definición gracias al contraste entre luz y sombra.

La obra “Desnudo de oro” trasciende la mera representación académica del cuerpo femenino. Pinot destaca la actitud de la mujer –ensimismada, ajena a la mirada exterior– que sugiere un momento de intimidad. Se presenta el desnudo como un espacio de sensibilidad y contemplación, donde la luz, el color y las formas generan un diálogo con el espectador.

Temática principal: Retrato / Desnudo Género pictórico: Desnudo Estilo artístico: Realismo pictórico francés / Escuela Francesa de fines del siglo XIX Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-43

NOMBRE: “La niña de las rosas” TÉCNICA: Pastel sobre papel (Alto 100 cm - Ancho 65 cm) FECHA: S/D AUTOR: Jeanne Pinot (1872 - 1929 Francia) RESEÑA BIOGRÁFICA Un aspecto interesante en su carrera es la alternancia entre Jeanne Pinot y Jane Pinot. En catálogos de salones de 1902 aparece como Jane, mientras que en 1910 retoma Jeanne, para luego volver a Jane en 1913. Este juego de nombres parece responder a una estrategia.

Podemos especular que el cambio de nombre era un modo de proyectar su obra fuera de los círculos franceses, una intención de posicionamiento internacional. Un ejemplo claro es “Suzette”, un pastel presentado en el Salón de 1903 bajo la firma de Jane Pinot, hoy conservado en el Museo de Arte y

Arqueología de Laon. También se conocen otras obras con esta firma en colecciones privadas, como “Tête de jeune femme” y dos piezas subastadas en Artprice: “Woman in Hat” y “Jeune fille au ruban bleu et tenant des rameaux de cerises.”

En Valparaíso, el Museo Municipal de Bellas Artes cautela seis pasteles sobre papel. Las temáticas de estas piezas, al igual que otras en colecciones internacionales, refuerzan la idea de que Pinot destacó en el género del bodegón floral y en retratos femeninos intimistas.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación “La niña de las rosas” es una obra en formato rectangular con una disposición vertical. Presenta a una joven sosteniendo un ramo de flores; con una de sus manos sostiene una flor que observa con gesto contemplativo.

Pinot expone un meticuloso trabajo en el tratamiento de la luz, el color y la atmósfera. La escena captura un instante suspendido en la intimidad, donde la belleza y fugacidad del tiempo se entrelazan.

El elemento predominante es la luz, que incide suavemente sobre el rostro y los brazos de la niña. El vestido blanco funciona como espejo, reflejando y expandiendo el brillo de la luz por la escena. Se genera un intenso contraste con el fondo de la escena, elemento característico en obras de la artista. Con esto, Pinot logra dotar de profundidad y volumen a las figuras, sin recurrir a contornos definidos. El fondo oscuro y difuso concentra la atención del espectador en la figura iluminada.

En cuanto a la paleta cromática, predominan los tonos blancos, rosados, verdes y amarillos que aportan calidez. Los colores no son aplicados de manera pura, Pinot utiliza la técnica de la veladura, superponiendo capas finas y traslúcidas de pigmentos, por lo general mezclando los pasteles grasos con algún disolvente.

Los trazos sueltos y fluidos, nuevamente nos revelan cierta

influencia impresionista en sus trabajos. El protagonismo que le otorga a la luz y cómo ésta se descompone sobre las figuras, otorga vitalidad y dinamismo a la obra.

Desde una perspectiva simbólica, podemos inferir que la figura de la niña se constituye como una alegoría a la infancia y la inocencia. Mientras que las flores, símbolo clásico de belleza y transitoriedad, refuerzan la idea de lo efímero y fugaz.

Temática principal: Retrato / Infancia Género pictórico: Retrato Estilo artístico: Realismo pictórico francés / Escuela Francesa de fines del siglo XIX Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-40

NOMBRE: “Niña de rojo” TÉCNICA: Pastel sobre papel (Alto 43 cm - Ancho 37 cm) FECHA: S/D AUTOR: Jeanne Pinot (1872 - 1929 - Francia) RESEÑA BIOGRÁFICA Hacia la década de 1920, la presencia de sus obras en catálogos disminuye. En el listado de artistas franceses premiados al 1 de abril de 1929, su nombre ya no aparece, lo que coincide con su fallecimiento.

Se mantuvo como artista activa hasta el ocaso de su vida; su muerte cerró una trayectoria discreta pero significativa. Una mujer pintora que logró insertarse en los circuitos oficiales del arte francés. Los reconocimientos estatales, medallas obtenidas en salones y un legado en colecciones públicas, tanto en Francia como en Chile, demuestran la trascendencia de la artista.

La vida de Jeanne Pinot se enmarca en un contexto especial, vivir la experiencia de ser artista francesa en la transición

entre siglos, donde la tradición academicista y las Vanguardias históricas se enfrentan. Donde una mujer pintora de formación académica, puede ser moderna en su elección técnica; feminista a la vez por su inserción y promoción de colectivos de mujeres.

La oscilación entre los usos Jeanne y Jane reflejan tanto las posibilidades como las tensiones que enfrentaban las mujeres artistas en la Belle Époque.

Su arte, hoy conservado en museos europeos y latinoamericanos, permite reconocerla como parte de esa generación de mujeres que, sin romper con el sistema académico, lo habitaron y ampliaron con una voz propia consistente.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación En “Niña de rojo”, obra de formato rectangular con una disposición vertical, Pinot demuestra su gran capacidad para la creación de retratos femeninos.

Desde la invención del género en la Grecia clásica hasta nuestros tiempos, el subgénero del retrato infantil no ha gozado de tanta popularidad como los retratos familiares, históricos, autorretratos o ecuestres. Jeanne Pinot demostró habilidad para crear este tipo de obras, creaciones que tenían la intención de plasmar una imagen del protagonista en aquel momento fugaz de su vida.

La obra muestra a una niña de perfil, con la mirada elevada y un gesto meditativo que transmite cierta quietud. La composición es directa; Pinot centra toda su intención en el retrato de medio cuerpo, sin agregar otros elementos a la escena. Logra sintetizar la luz, el color y las texturas para generar una atmósfera de introspección.

Un elemento predominante es el intenso color rojo del vestido, que se constituye como centro visual de la composición. Este elemento contrasta con el fondo neutro y difuminado, lo que hace realzar la figura de la niña. El rojo, además, otorga una sensación de calidez al conjunto.

Al igual que en otras obras de Pinot, la luz juega un papel fundamental. La intensidad de su brillo modela el rostro de la

niña, destaca su perfil, mejillas y ojos, lo que brinda volumen y realismo.

El fondo difuso trabajado con tonos ocres crea un ambiente cerrado, silencioso, que refuerza la sensación de intimidad.

Desde el punto de vista técnico, podemos identificar características recurrentes en las obras de Pinot. Trazos cortos y empastados aplicados con un tratamiento impresionista del color y la luz.

Los trazos transicionan sutilmente entre las formas, de manera suave y armónica.

Desde una perspectiva simbólica, el retrato “Niña de rojo” es un intento por capturar ese breve momento de la infancia.

Donde la inocencia y la sencillez pueden revelar una profunda expresión emocional. La mirada contemplativa de la niña aleja a la obra de su función únicamente decorativa, para convertirse en un retrato intimista que puede generar una profunda conexión con el espectador.

Temática principal: Retrato / Infancia Género pictórico: Retrato Estilo artístico: Realismo pictórico francés / Escuela Francesa de fines del siglo XIX Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-42

NOMBRE: “Vaca” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 30 cm - Ancho 38,5 cm) FECHA: S/D AUTOR: Marie-Rosalie Bonheur (1822 - 1899 - Francia)

RESEÑA BIOGRÁFICA Nacida en Burdeos, Marie Rosalie Bonheur creció en una familia profundamente vinculada al arte. Su padre, Raymond Bonheur, fue pintor y profesor de dibujo; estimuló a temprana edad la vocación de su hija, compartiendo sus conocimientos y técnicas.

En 1828, en la ciudad de París, Raymond fundó una escuela de dibujo, especializada en la formación artística para niñas. Hecho relevante en el contexto histórico, donde las mujeres enfrentaban dificultades para acceder a la enseñanza del arte.

En esta escuela inició sus estudios formales, dedicando su mayor atención al estudio de los animales. Visitaba constantemente el campo, mataderos, zoológicos para observar caballos, bueyes, perros, ciervos, ovejas, entre otros, buscando representar su fuerza,

movimientos, sin idealizaciones. Con precisión anatómica, Bonheur se aleja de la idealización del Romanticismo predominante.

En 1849 presentó un lienzo de grandes proporciones, la obra “Bueyes labrando en Nivernais”, la que fue elogiada y adquirida por el Estado francés, lo que marcó su reconocimiento oficial (hoy en exhibición en el Museo de Orsay). Esta pieza es un ejemplo sobresaliente de cómo Bonheur convirtió a los animales en los protagonistas centrales de sus lienzos.

Bonheur se consolidó como la pintora más famosa del Realismo francés a fines del siglo XIX, pero además representaba una lucha contra las limitaciones culturales impuestas por la institucionalidad académica y los gremios de arte.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación La obra “Vaca” refleja la destreza de Bonheur para representar animales, pero también nos demuestra el profundo respeto que tiene por la naturaleza. Por su gran capacidad para desarrollar pinturas realistas, logra en esta pieza convertir a un animal cotidiano de trabajo en el protagonista de esta creación estética.

La obra, rectangular con una disposición horizontal, presenta a una vaca de perfil. La figura del animal ocupa casi el plano total del lienzo, el paisaje de fondo –una pradera abierta– ofrece un contexto naturalista, pero sus elementos no distraen la atención del espectador.

La artista, que estudió directamente de la naturaleza, aplicó sus conocimientos para obtener representaciones verosímiles de sus modelos. En este caso, en la imagen de una robusta vaca Bonheur logra representar la musculatura y la textura del pelaje del animal, logrados mediante pinceladas firmes y moduladas.

El brillo de la luz se difumina de manera equilibrada en la escena. Esta cumple el rol de aportar en la construcción del volumen, acentuando los contrastes entre los tonos oscuros del pelaje y las áreas claras de la cabeza y el vientre del animal.

La paleta de colores está compuesta por marrones, ocres,

verdes y azules, la escena se sitúa en una atmósfera rural tranquila.

La capacidad técnica de Bonheur le permite crear retratos de gran realismo que, con esta obra nos permite conocer un animal de trabajo rural tradicional del país galo, la vaca Frisona Negra, especie que se encuentra expandida por todo Francia, por su gran capacidad como productora de leche.

La artista nos presenta una visión humanista de la naturaleza.

El animal tiene una perspectiva ética, lo dota de una presencia digna en el campo rural francés, no hay idealización. Lo sitúa como protagonista de un entorno. Por tanto, la obra se carga de sentido de identidad.

Temática principal: Animales / Animales del campo Género pictórico: Costumbrismo Estilo artístico: Naturalismo / Realismo / Animalística Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-6

NOMBRE: “Venado” TÉCNICA: Óleo sobre tela (Alto 27 cm - Ancho 35 cm) FECHA: S/D AUTOR: Marie-Rosalie Bonheur (1822 - 1899 - Francia)

RESEÑA BIOGRÁFICA Rosa Bonheur fue una pintora considerada transgresora, puesto que logró transformar convenciones que limitaban el acceso de las mujeres como participantes activas de círculos artísticos.

En aquellos años un mandato legal transformado en ordenanza policial prohibía a las mujeres utilizar pantalones u otras prendas masculinas. Bonheur gestionó un permiso oficial que le autorizaba vestir pantalones y camisas. Este acto tenía la finalidad práctica de facilitar la labor de la pintura en terreno, fuera del taller, pero además manifestaba la voluntad de ejercer el arte sin ataduras.

La postura de Bonheur también fue simbólica, una declaración de principios que inspiró a otras mujeres a reclamar espacios de participación en un circuito artístico cerrado, dominado por hombres.

En 1865 la Emperatriz Eugenia de Montijo le realizó el encargo de crear una obra. Bonheur crea la notable tela “Ovejas frente al mar”, una pieza sobresaliente, excelente ejemplo del animalismo informal.

Con su exitosa exhibición y por la trayectoria propia de la pintora, la soberana le otorga la Legión de honor, convirtiéndola en la primera pintora francesa en recibir esta distinción, todo un hito en la historia de este reconocimiento.

En las postrimerías de su vida Bonheur se estableció en su finca de By, cerca de Fontainebleau. En aquel lugar construyó su taller, un predio lleno de animales que utilizaba para cumplir su compromiso con la pintura animalista.

ANÁLISIS ARTÍSTICO DE LA OBRA Elementos predominantes e interpretación La obra “Venado” es un notable ejemplo del realismo naturalista en el cual la pintora se desenvuelve. Con profunda sensibilidad hacia el mundo animal, Bonheur lograba captar las características morfológicas de criaturas y su entorno con gran precisión.

En esta pintura, un venado solitario inclina la cabeza para beber agua de un arroyo. El animal se encuentra en medio de un bosque y bañado por una luz difusa. La escena no busca dramatismo, sino una contemplación serena de la naturaleza, donde el animal es un elemento armónico dentro del paisaje forestal.

La composición es rectangular con una disposición horizontal. El venado se encuentra en primer plano, en una posición equilibrada en relación al fondo boscoso que se disuelve en tonalidades brumosas. El animal se convierte en el principal foco visual de la obra, lo que se refuerza con el contraste cromático entre su pelaje rojizo y los tonos fríos del paisaje.

La pintora dedica especial atención al trabajo de la luz. Aplica una iluminación tenue y envolvente que atraviesa la escena, entregándonos la sensación lumínica de un amanecer o atardecer. La luz, a su vez, modela el volumen del cuerpo del venado; en el fondo, nos sugiere la sensación de humedad del entorno.

En lo formal, las pinceladas son amplias y suaves, lo que aporta una textura atmosférica que difumina los límites entre figura y fondo. En los detalles, utiliza pequeñas y cuidadas pinceladas. La paleta cromática la dominan los verdes, ocres y grises, que transmiten la frescura del bosque y el tono melancólico de la escena.

Desde una perspectiva simbólica, “Venado” puede interpretarse como una alegoría a la pureza del mundo natural. El animal, representado con una actitud tranquila dentro de su entorno, encarna el equilibrio natural que Bonheur buscaba preservar a través de sus obras de arte.

Temática principal: Animales / Animales de caza Género pictórico: Costumbrismo Estilo artístico: Naturalismo / Realismo / Animalística Fichaje Surdoc: https://www.surdoc.cl/registro/51-17