Guía MUSAC 18

GuĂ­a musac 18

Del 24 de septiembre de 2011 al 8 de enero de 2012 From September 24th, 2011 to January 8th, 2012

Edita // Publisher MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León Coordinación editorial // Editorial Coordination Carlos Ordás Proyecto gráfico // Graphic Project menoslobos Impresión // Printing Gráficas Celarayn, S.A. Portada // Cover Dan Graham Body Press, 1970-73. Foto / Photo: Ian Murray. Col. Fundação de Serralves - Museu de Arte Contemporânea, Oporto d.l. LE-1108-2011

Para la elaboración de esta Guía Musac 18 se ha utilizado papel ecológico libre de cloro y se han seguido procesos de impresión respetuosos con el medio ambiente. Le rogamos que si no va a conservarla la recicle de manera adecuada. Gracias.

Guía musac 18

Del 24 de septiembre de 2011 al 8 de enero de 2012 From September 24th, 2011 to January 8th, 2012

Cambio de paradigma Colección Serralves años 60 - 70

Paradigm Shift. Serralves Collection 60’s - 70’s

El grito The Cry

I Was a Male Yvonne de Carlo

El arte crítico puede ser sofisticado, incluso entretenido / Critical art can be sophisticated, even entertaining

Laboratorio 987

Fermín Jiménez Landa & Lee Welch Amikejo

Proyecto Vitrinas Daniel G. Andújar CAPITAL

Proyecto P4

Serafín Álvarez Entre las cosas no designa una relación localizable

MUSAC Off

América ocaso / Purple America

Cambio de paradigma.

Colección Serralves años 60 - 70

Paradigm Shift. Serralves Collection 60's - 70's

Vito Acconci, Helena Almeida, Armando Alvess, Giovanni Anselmo, Richard Artschwager, John Baldessari, Artur Barrio, António Barros, Lothar Baumgarten, Bernd and Hilla Becher, Christian Boltanski, Marcel Broodthaers, Fernando Calhau, Alberto Carneiro, Manuel Casimiro, Lourdes Castro, Jan Dibbets, Valie Export, Hans-Peter Feldmann, Hamish Fulton, Anna Bella Geiger, Gilbert & George, Dan Graham, Hans Haacke, Ana Hatherly, Alex Hay, Sanja Iveković, Joan Jonas, Imi Knoebel, Jannis Kounellis, David Lamelas, Álvaro Lapa, Gordon Matta-Clark, Cildo Meireles, Robert Morris, Leonel Moura, Matt Mullican, Antoni Muntadas, Bruce Nauman, Maria Nordman, Claes Oldenburg, Dennis Oppenheim, Gina Pane, Lygia Pape, Jorge Pinheiro, Adrian Piper, Michelangelo Pistoletto, Vítor Pomar, Martha Rosler, Dieter Roth, Reiner Ruthenbeck, Julião Sarmento, Gerry Schum, António Sena, Richard Serra, Robert Smithson, Ângelo de Sousa, Francesc Torres, Ana Vieira, Lawrence Weiner, Hanna Wilke, Gilberto Zorio

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Cambio de paradigma es la primera gran muestra de la Colecção Fundação de Serralves - Museu de Arte Contemporânea (Oporto, Portugal) que tiene lugar en una institución museística española. Construido por Álvaro de Siza, el museo abrió sus puertas el 6 de junio de 1999 y a día de hoy constituye uno de los referentes internacionales en el panorama artístico internacional no sólo por la importante colección que atesora, sino también por su amplia y variada oferta de programación expositiva.

La exposición, centrada en una selección de la principal colección portuguesa de arte contemporáneo, construye una revisión de un período –los años sesenta y setenta– de cambio en los lenguajes artísticos, que marca el inicio de una nueva contemporaneidad. Con ella, el MUSAC abre su espacio expositivo a un período de referencia, clave para entender las prácticas artísticas más contemporáneas, centradas en el período que va de 1989 hasta el presente, y que constituyen el núcleo y eje de la programación del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.

La muestra Cambio de paradigma presenta una revisión, a través de una selección de obras de la Colecção Fundação de Serralves - Museu de Arte Contemporânea, de un período de redefinición en la naturaleza del arte y su posición en la vida, creando nuevas gramáticas que, aún hoy, definen los parámetros de lo que entendemos por arte contemporáneo. A mediados de los años sesenta, dentro de un contexto de cambios sociales y políticos,

se produce una revolución en las prácticas artísticas, tanto a nivel de formato como de contenidos, a partir de la cual surgen multitud de propuestas que se desprenden de la situación social del momento.

Durante estos años, el concepto de vanguardia se vuelve un tanto globalizador, haciendo emerger en la experiencia artística aspectos globales de la vida.

En este período, la condición de la obra de arte es redefinida tanto en una interacción con la vida como en una crítica de la autonomía, de la “esencia” y del “ensimismamiento” de la obra de arte que se traduce en las experiencias minimalistas.

Como traslación de este período, Cambio de paradigma se articula a partir de varios nexos conceptuales que sientan las bases de la definición de las prácticas artísticas a partir de este período y hasta la actualidad.

Entre otras prácticas, se produce una revisión del paisaje a través de corrientes como el land-art, con la utilización del marco y los materiales de la naturaleza para la redefinición del género; o una

Christian Boltanski

Inventaire des objects ayant appartenu à une vieille dame de BadenBaden, 1973.

Fotografia B/N y marco metálico / B/W photograph and metalic frame.

Col. Fundação de Serralves - Museu de Arte Contemporânea, Oporto.

revisión y crítica socio-espacial de la arquitectura y el urbanismo a través de nuevas prácticas como la alteración de la percepción de las construcciones en su entorno.

El uso de nuevos materiales, ya sean materiales pobres o reciclados a partir de otros preexistentes, afecta especialmente a la escultura, tal y como evidencia el arte povera. Pero en paralelo se acentúa también la simplicidad de formas y materiales como expone el minimal americano.

Asimismo, la agitación de nuevas ideas políticas y sociales (feminismos, postcolonialismos, antibelicismo, movimientos pro derechos civiles) entra en la práctica artística, unida al uso de nuevos lenguajes como son el audiovisual o el de la acción: surgen de las prácticas performativas como género crítico fuera del mercado establecido del arte.

En este cambio de paradigma, lo textual se erige en soporte de lo conceptual, y la fotografía y el vídeo se erigen en vehículos de soporte y documentación de acciones. Se produce un cruce de los lenguajes formales, y se generaliza el uso del cine y del vídeo, de la fotografía y del texto como soportes de proyectos conceptuales. En esta línea, en la sala 2 podrán verse algunos ejemplos de publicaciones y ediciones de artistas, ejercicios textuales y de poesía experimental.

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Del mismo modo, la muestra se completa con tres programas de vídeo que podrán verse en la sala 2 del MUSAC a lo largo de la duración de la muestra: Lawrence Weiner 24 de septiembre - 23 de octubre de 2011 A First Quarter, 1973 Videoworks of Lawrence Weiner, vol.1, 1970 - 1974 A Second Quarter, 1975 Ângelo de Sousa 25 de octubre - 27 de noviembre de 2011 Compilação, 1972 -1976 Feminismos 26 de noviembre de 2011 - 8 enero de 2012 Valie Export. Körperaktionen, 1973-76 Joan Jonas. Vertical Roll-Loop, 1972 Joan Jonas. Left Side Right Side, 1974 Hannah Wilke. Gestures, 1974 Sanja Iveković. Instructions #1, 1976 Anna Bella Geiger. Declaração em Retrato, 1974

Paradigm Shift is the first large showing of the Colecção Fundação de Serralves - Museu de Arte Contemporânea (Oporto, Portugal) ever to take place at a Spanish museum. Built by Álvaro de Siza, the museum was opened to the public on the 6th June 1999, and nowadays it is a worldwide reference for the international art scene, not only for the important collection it has amassed, but for the wide and varied scope of its exhibitions of the highest regard.

The exhibition, focusing on a selection of the principal contemporary art collection, surveys a period of shifts in artistic language—the 60's and 70's—that ushered in the new contemporary. With Paradigm Shift, MUSAC opens its exhibition space to a referential era, the decades spanning the 1960's and 70's. This period has been crucial to understanding the most up-to-date artistic practices—mainly from 1989 - present—that represent the core of our exhibition programming here at the museum.

Martha Rosler

Semiotics of the Kitchen, 1975.

Vídeo B/N con sonido, 6' / B/W video with sound, 6'.

Col. Fundação de Serralves - Museu de Arte Contemporânea, Oporto.

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Paradigm Shift presents an overview of a period that redefined the nature of art and its place in life, creating a new grammar that, even today, establishes the perimeters of what we consider to be contemporary art. In the mid 1960's, within a context of social and political change, a revolution in artistic practice broke loose both on form and content levels. From this, a myriad of concepts would emerge: brainchildren of the prevailing social milieu.

During these years, the concept “avant-garde� thus becomes comprehensive, forcing the broader aspects of life to seep into artistic experience. At this time, the condition of an artwork is redefined as both an interaction with life and a criticism of the autonomy, the essence and inwardness of art that translates into minimalist experiences.

In that way, Paradigm Shift is organised around a number of conceptual nexus which would lay the foundations for defining artistic practice from this period into our days.

Among other practices, the idea of landscape are revised by currents such as land art, which makes use of the framework and materials of nature to redefine the genre; a social-spatial revision and critique of architecture and urban planning by way of new practices such altering the perception of edifications in their environment.

During this period, the use of new materials also becomes popular, sculpture specially, either inferior materials or those recycled from pre-existing objects, such as in arte povera or the use of simple forms and materials such as in American minimalism.

In this paradigm shift, an intersection of formal languages takes place, and film and video, photography and text are used as platforms for conceptual projects.

Thus, text becomes a substrate for the conceptual and photography and video emerge as vehicular media and documentation for actions. The exhibition will be also completed by three video programs to show at MUSAC’s Hall 2 from September 2011 to January 2012: Lawrence Weiner 24 September - 23 October, 2011 A First Quarter, 1973 Videoworks of Lawrence Weiner, vol.1, 1970 - 1974 A Second Quarter, 1975 Ângelo de Sousa 25 October - 27 November, 2011 Compilação, 1972 -1976 Feminisms 26 November, 2011 - 8 January, 2012 Valie Export. Körperaktionen, 1973-76 Joan Jonas. Vertical Roll-Loop, 1972 Joan Jonas. Left Side Right Side, 1974 Hannah Wilke. Gestures, 1974 Sanja Iveković. Instructions #1, 1976 Anna Bella Geiger. Declaração em Retrato, 1974

 Robert Morris

Sem Título, 1969.

Fieltro/ Felt.

Col. Fundação de Serralves - Museu de Arte Contemporânea, Oporto.

 Bruce Nauman

Boucing in the Corner 1, 1969. Vídeo B/N con sonido, 61' / B/W video with sound, 61'.

Col. Fundação de Serralves - Museu de Arte Contemporânea, Oporto.

El grito The Cry

Absalon, Allora & Calzadilla, Hernan Bas, Irina Botea, Luisa Cunha, El Resplandor, Lara Favaretto, Terence Gower, Jesper Just, David Maljkovic, Christian Marclay, Teresa Margolles, Loreto Martínez Troncoso, Olivia Plender, Ugo Rondinone, Javier Téllez, von Calhau

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El título de la exposición evoca este gesto liberador, ya sea como un llamado público que incita a la emancipación política o como una expresión del orden de lo privado que manifiesta un sentimiento en particular, como lo recuerda la emblemática pintura expresionista de Edvard Munch. ¿Cómo identificaríamos hoy en día el gesto artístico en una obra de arte en una exposición? Aquí no se habla del gesto como la marca que identifica la obra de arte de un artista, sino de la forma en que se expresan y estructuran las preocupaciones y emociones en nuestro tiempo.

La exposición está organizada en tres núcleos conceptuales que abordan, cada uno, distintos sentidos de una sola pero compleja expresión: el grito de dolor, ira; el llamado de socorro, que suplica ayuda; y el clamor político, la invitación a la congregación. Estos tres acercamientos permiten localizar la manifestación o la recepción del grito en el universo del individuo, así como en la sociedad. El grito incluye la obra de diecisiete artistas plásticos, de los cuales seis participan con proyectos realizados para esta ocasión.

A excepción de la obra de Absalon (1963-1993) que pone en escena un grito audible, real, constante y desgarrador, el conjunto de obras de la exposición evocan y desencadenan otras asociaciones relacionadas con esta expresión, que van desde el grito silencioso y ahogado, su reverberación en comunidad, pasando por sus repercusiones en el otro, como testigo ineludible de un acontecimiento.

En la parte central de la exposición se encuentra la “plaza pública”, que es la plataforma en donde se presentarán tres performances del grupo El Resplandor, del dúo von Calhau, y de la artista Loreto Martínez Troncoso, generando así un espacio social, sonoro, activo. El diseño museográfico de la exposición es un proyecto especial del artista Terence Gower, quien ha participado activamente en el proceso curatorial y desarrollado lo que podríamos llamar una “arquitectura emocional” (término acuñado por el artista mexicano Mathias Goeritz) para acoger las obras de los artistas invitados. La identidad gráfica del título de la exposición, que retoma las inquietudes que queremos manifestar en este proyecto, ha sido realizada por Scott Ponik.

The title of the exhibition evokes this liberating gesture, whether as a public call that incites political emancipation or as a more private sort of expression that manifests a particular sentiment, as Edvard Munch’s emblematic expressionist painting reminds us. What is explored here is not gesture as the mark that identifies an artist’s work of art, but the way in which concerns and emotions are expressed and structured in our time.

The exhibition is organized into three conceptual blocks each of which addresses different meanings of a single complex expression: the cry of pain, ire; the call for help, which pleads for assistance; and the political clamour, the invitation to the congregation. These three approaches enable locating the manifestation or the reception of the cry in the universe of the individual as well as in the society.

The Cry includes the work of seventeen visual artists, six of whom participate with projects produced for this occasion. Except for the work by Absalon

Javier Téllez

La Passion de Jeanne d’Arc (Rozelle Hospital, Sydney), 2004.

Instalación, dos canales de vídeo, cortinas y sillas. 92’ / Two channel installation, curtains and chairs. 92’.

Comisionada por la Bienal de Sydney 2004: Emotion and Reason / Commissioned by the Biennale of Sydney 2004: Emotion and Reason Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Galerie Peter Kilchmann, Zurich.

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Performances relacionadas / Related performances * Allora & Calzadilla 25 septiembre / September: 18:30, 19:30 h.

8, 9, 12, 29, 30 octubre / October: 18:30, 19:30 h.

12, 13, 26, 27 noviembre / November: 18:30, 19:30 h.

3, 4 diciembre / December: 17:30, 18:30 h.

10, 11, 17 diciembre / December: 18:30, 19:30 h. von Calhau 24 septiembre / September: 23:55 h.

25 septiembre / September: 19:30 h.

Loreto MartĂ­nez Troncoso 8 octubre / October: 13:30, 17:30 h.

* Calendario sujeto a cambios. Disculpen las molestias / Calendar subject to change. Sorry for any inconvenience

(1963-1993) which stage an audible, real, constant and bloodcurdling scream, the set of works in the exhibition evoke and unleash other associations related to this expression, which range from the silent and hushed cry, its reverberation in the community, to its repercussions in the other, as inescapable witness to an event.

In the central part of the exhibition is the “public plaza”, which is the platform for the presentation of three performances by the El Resplandor group, the von Calhau duo and the artist Loreto Martínez Toncoso. This public plaza will therefore embody an active, social, sound space. The exhibition design is a special project by the artist Terence Gower, who has actively participated in the curatorial process and developed what we might call an “emotional architecture” (a term coined by the Mexican artist Mathias Goeritz) to house the works by the guest artists. The graphic identity of the exhibition title, which draws on the considerations we wish to convey in this project, was produced by Scott Ponik.

 Ugo Rondinone

Twentyfourhours, 2004.

Contrachapado, acero y sonido / Plywood, steel and sound. 600 x 700 x 100 cm. Foto / Photo: Imagen MAS. Colección MUSAC (donación del artista) / MUSAC Collection (donated by the artist).

 Olivia Plender

¿Son los sueños alucinaciones mientras dormimos, o las alucinaciones sueños en la vigilia? (detalle / detail), 2011. Cuaderno de artista / Artist’s book.

Producción MUSAC / MUSAC production.

I Was a Male Yvonne de Carlo

El arte crítico puede ser sofisticado, incluso entretenido / Critical art can be sophisticated, even entertaining Ignasi Aballí, John Baldessari, Robert Crumb, Guy Ben-Ner, Julien Bismuth & Jean-Pascal Flavien, Stanley Brouwn, Guy de Cointet, Kirsten Mosher, Itziar Okariz, Allen Ruppersberg, Jack Smith

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I Was a Male Yvonne de Carlo. El arte crítico puede ser sofisticado, incluso entretenido es una exposición comisariada por artistas, y por lo tanto basada más en una actitud que en una trayectoria profesional en este ámbito. La exposición nace del deseo de comprender y rendir homenaje a la obra de los artistas Guy de Cointet y Jack Smith. Tan alejada como pueda parecer la práctica artística de ambos creadores, comparten una serie de rasgos comunes: la elegancia, el humor, la osadía, el gusto por la provocación y un finísimo sentido del camp; de hecho el término fue adoptado por Susan Sontag para describir la obra de Smith. Más específicamente, comparten algo que queda plasmado en el título de la exposición: una capacidad crítica (crítica del establishment cultural, crítica del status quo, crítica del imaginario colectivo) preñada de estilo: humor, comedia, inteligencia.

La exposición estriba en la obra de estos dos artistas. De que la comedia constituye una estrategia idónea para la crítica institucional da prueba sobrada la gran tradición de comediantes (judíos), de Jerry Lewis a Andy Kaufman. Así, entre la comedia de situación y la bufonada, nos encontramos con la obra de Guy Ben-Ner (Stealing Beauty, 2007) y Kirsten Mosher (Gumhead, Gumhead Sister y Gumhead, Ready or Not, todos de 2011).

Más bien en la tradición del absurdo acerbo podríamos situar la obra de Ruppersberg (Sin título, 1991) y Baldessari –Teaching a Plant the Alphabet (1972), I Am Making Art (1971) y I Will Not Make Any More Boring Art (1971)–, que cuestiona sin miramientos la sacralidad del arte y la literatura contemporáneos. Esta díscola irreverencia hacia todo lo institucional se percibe claramente en la obra de Itziar Okariz (Mear en espacios públicos y privados, 2011), al tiempo que la obra de Ignasi Aballí se sitúa más cerca de la broma ingenua e infantil que avergüenza al superego paterno (Listado (Sexo), 2011, y Soplidos (Blows), 2008).

El humor y la mofa de toda autoridad quedarían incompletos sin la presencia de Robert Crumb. Este excelente dibujante y estrella rutilante de la contracultura nos sorprende, en el tarjetón de invitación de la exposición, con una visión inmisericorde del artista (siempre el propio Crumb) con los pantalones

bajados, vacilando entre sus fantasías sexuales y el compromiso social. El opuesto diametral, si cabe, del humor blanco y abstracto de un Stanley Brouwn.

En 3 Corners (2007), Brouwn reduce al absurdo la esencia de la arquitectura, la escultura y la vivienda.

Se trata de un artista inscrito en la mejor tradición dandiana de frialdad, distanciamiento e inteligencia.

Lenny Bruce solía decir que “la comedia es tragedia más tiempo”. Aquí efectivamente se percibe una cierta nostalgia por un tiempo pretérito, en los trágicos semblantes presentados por Jack Smith en su aparición en el zoo de Colonia (Jack Smith in Jack Smith’s Fear Ritual of Shark Museum, Cologne Zoo (serie), fotografías de Gwen Thomas, y Jack Smith: Cologne de Birgit Hein, 1974). Esta misma sensación de sinsentido, del artista como héroe errante, solitario y absurdo, aparece en la performance concebida por los artistas Julien Bismuth & Jean-Pascal Flavien y su descenso por un río de agua somerísima. Y por supuesto, los excesos orientales de Jack Smith en Flaming Creatures (1962), Normal Love (1965) o la película que presta su nombre a la exposición, I Was

Guy de Cointet

Tell Me, 1979-1980.

Instalación, técnica mixta.

Medidas variables / Installation, mixed media.

Variable dimensions. Foto / Photo: Imagen MAS. Collection Centre Pompidou, París / Collection Centre Pompidou, Paris.

a Male Yvonne de Carlo (1970), que cierran el círculo con la obra de Guy de Cointet. Las mujeres de Guy de Cointet, etéreas, bellísimas, elegantes e ingeniosas, que intercambian frases espléndidas, que nos recuerdan alternativamente a Oscar Wilde y a Dallas, son la personificación misma del subtítulo de la exposición: la crítica puede ser sofisticada, incluso entretenida.

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I Was a Male Yvonne de Carlo. Critical Art Can Be Sophisticated, Even Entertaining is an exhibition curated by artists, and therefore emerges more from a question of attitude than a professional curatorial stance. It is an exhibition born of the desire to understand and pay homage to the work of artists Guy de Cointet and Jack Smith. No matter the distance separating the work of these two artists, both share common traits: elegance, humour, bravura, defiance, and a very delicate sense of camp–actually the term was adopted

by Susan Sontag to speak about Smith’s work. But most specifically, they share what the title of the exhibition describes: the capacity to critique (critique the cultural establishment, critique the status quo, critique the collective imagination) with style: humour, comedy, intelligence.

Hence it is from the work of these two artists that the exhibition takes form. The fact that comedy is a brilliant strategy for institutional critique is no news to the great tradition of (Jewish) stand up comedy from Jerry Lewis to Andy Kaufman. Here, between sitcom and slapstick, we encounter the work of Guy Ben-Ner (Stealing Beauty, 2007) and Kirsten Mosher (Gumhead, Gumhead Sister, Gumhead, Ready or Not, all 2011). We could place the work of Ruppersberg (Untitled, 1991) and Baldessari–Teaching a Plant the Alphabet (1972), I Am Making Art (1971), and I Will Not Make Any More Boring Art (1971)–more in the tradition of caustic nonsense challenging, in an absolutely undaunted manner, the sacredness of contemporary art and literature. This wayward disrespect for the institutional is clearly felt in the work of Itziar Okariz (Mear en espacios públicos y privados, 2011), while we feel the work of Ignasi Aballí is closer to the innocent, childish prank which embarrasses the parents' superego (Listado (Sexo), 2011, and Soplidos (Blows), 2008).

Humour as derision of any authority could not be complete without Robert Crumb. The wonderful draughtsman and revered star of counterculture surprises, in the image on the invitation to this exhibition, with a merciless vision of the artist (always Crumb himself), trousers down, doubting between sex fantasies and social engagement.

Quite the opposite, we could say, of Stanley Brouwn’s white abstract humour. In 3 Corners (2007), he reduces ad absurdum the essence of architecture, sculpture and habitation; he is an artist in the best dandyish tradition of coolness, detachment, and intelligence.

Lenny Bruce used to say “comedy is tragedy plus time”. So indeed there is a sense of a bygone era, a certain nostalgia, in the tragic figures composed by Jack Smith in his appearance at the Cologne Zoo (Jack Smith in Jack Smith’s Fear Ritual of Shark Museum, Cologne Zoo (series), photographs by Gwen Thomas, and Birgit Hein's Jack Smith: Cologne, 1974). This same sense of the senseless, the artist as a lonely and absurd wandering hero, appears in the performance conceived by artists Julien Bismuth & Jean-Pascal Flavien and their descent through an extremely shallow river. And then, the oriental excesses of Jack Smith in Flaming Creatures (1962), Normal Love (1965) or the film that gives title to the exhibition, I Was a Male Yvonne de Carlo (1970) all send us back full circle to the work of Guy de Cointet. Guy de Cointet's women: ethereal, beautiful, elegant and witty, exchanging wonderful lines of dialogue that sometimes make us think of Oscar Wilde and at others, of Dallas, are the very epitome of the exhibition subtitle: criticism can be sophisticated, even entertaining.

Allen Ruppersberg

Sin título / Untitled 1991-1994. Instalación, linóleo. Medidas variables / Installation, linoleum.

Variable dimensions. Foto / Photo: Imagen MAS. Producción MUSAC / MUSAC production.

Laboratorio 987

Comisariado por Latitudes

Fermín Jiménez Landa & Lee Welch

Ciclo expositivo Amikejo / Amikejo Exhibition Series

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Amikejo es una serie de cuatro exposiciones a cargo de parejas de artistas en el Laboratorio 987 de MUSAC. Amikejo, un estado minúsculo que existió de 1908 a 1920 entre los Países Bajos, Bélgica y lo que hoy es Alemania, se fundó sobre el anhelo de propiciar una comunicación internacional más efectiva mediante el lenguaje sintético del Esperanto: Amikejo significa "lugar de gran amistad" en ese idioma. Este episodio-lugar fue una síntesis única de cartografía, lengua, nación, política, economía y subjetividad. Ahora se le brinda el tratamiento de ubicación gemela del Laboratorio 987, prestando su nombre y sus fronteras conceptuales a la serie expositiva.

Fermín Jiménez Landa (Pamplona, España, 1979. Vive y trabaja en Valencia, España) y Lee Welch (Louisville, EE.UU., 1975. Vive y trabaja en Rotterdam, Países Bajos) no se conocían antes de que se les invitara a participar en Amikejo. Como si fuera una cuestión de diplomacia internacional, los artistas han tenido que entenderse mutuamente tanto en lo personal como en lo artístico antes de emitir una declaración conjunta, según lo acordado y negociado. Jiménez Landa y Welch han escogido establecer su colaboración en torno a la noción de “micro-nación” y los recursos que definen la soberanía: fronteras, sellos o himnos nacionales.

En el MUSAC presentan un conjunto de elementos, algunos de los cuales se advierten directamente en el Laboratorio 987, mientras que otros documentan fenómenos en lugares remotos, o existen únicamente en la imaginación.

Una estructura similar a una plataforma, junto con esculturas que adoptan la forma de portales o hitos fronterizos, crea espacios y herramientas para el encuentro y el debate, además de albergar otras obras bidimensionales y de vídeo. Se contrató a una banda de música de León para que compusiera e interpretara un himno nacional para un nuevo estado insular independiente, documentando la fundación de dicha micro-nación a través de vídeo y fotografía. A esto hay que añadir el envío de una serie de cartas por parte de los artistas utilizando sellos de Moresnet, la república anterior a Amijeko. El proyecto conjunto plantea cómo el arte puede dar lugar a un nuevo entendimiento, a nuevos recuerdos y nuevas posibilidades de comunicación en colaboración con el público.

Amikejo is a series of four exhibitions by artist duos at MUSAC’s Laboratorio 987. Amikejo was a tiny state that existed from 1908–1920 between the Netherlands, Belgium and present day Germany and was founded on a desire to foster more effective international communication through the synthetic

Fermín Jiménez Landa & Lee Welch, 2011.

Cortesía de los artistas / Courtesy of the artists.

language Esperanto–Amikejo means "place of friendship’" in Esperanto. This episode-place was a unique synthesis of cartography, language, nationhood, politics, economics and subjectivity, and is entreated as a twin site to Laboratorio 987 by lending its name and conceptual borders to the exhibition series.

Fermín Jiménez Landa (Pamplona, Spain, 1979. Lives in Valencia, Spain) and Lee Welch (Louisville, USA, 1975. Lives in Rotterdam, the Netherlands) did not know each other before the invitation to participate in Amikejo. As if engaged in international diplomacy, the artists have had to understand each other personally and artistically before issuing a joint statement based on what they have agreed and negotiated. Jiménez Landa and Welch have chosen to establish their collaboration in relation to the notion of the micronation and devices which delineate sovereignty–borders, stamps, anthems, and so on.

Their works in MUSAC comprise a constellation of diverse elements, some of which are directly apparent in the Laboratorio 987, while others document occurrences at remote locations, or exist only in the imagination. A platform-like structure and sculptures that take the form of portals or border markers constitute spaces and tools for assembly and discussion as well as hosting further two-dimensional and video works. A marching band from León was recruited to compose and perform a national anthem for a new autonomous island state and the founding of this micronation has been documented in video and photography. Companioning this, a series of letters have been sent by the artists using stamps from Moresnet, the republic which anteceded Amijeko. The artists' joint endeavour considers how art can produce new understanding, memories and communicative possibilities together with an audience.

Proyecto Vitrinas Daniel G. Andújar CAPITAL

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CAPITAL es una performance gráfica, encuentro / taller teórico-práctico y una instalación producida por Technologies To The People / MUSAC, para el Proyecto Vitrinas.

La práctica artística de Daniel G. Andújar se ha basado, durante años, en la relectura, reapropiación y recontextualización de materiales audiovisuales.

CAPITAL parte de un taller realizado en León, que le ha permitido explorar aspectos de cooperación social, entendida como la mejor forma de apoyar un modelo que permite la distribución y expansión de los contenidos para los participantes, los usuarios y el público. Es un proyecto que trata al usuario cultural como un individuo activo y emancipado, poniendo en duda el rol de público como elemento pasivo y consumidor estático. Su objetivo fundamental es forjar un diálogo estrecho entre los participantes que permita, desde la práctica artística, generar reflexión en torno a nuevos procesos transformadores de nuestra realidad, pero también como potencial para una lectura más abierta, compleja y crítica de temas que preocupan a este artista.

Este proyecto es también un intento de asumir el archivo como gestión de la inteligencia colectiva, su utilización como estrategia de difusión y generación de opinión pública. CAPITAL tiene una parte de investigación y conformación de una especie de mapa, de atlas que nos permita, aún ínfimamente, viajar en el caos y ayudarnos a descubrir lo que los mecanismos de visibilidad de la realidad en ocasiones nos ocultan. Este proceso tiene como objetivo fundamental forjar un diálogo estrecho entre los participantes que permita, desde la práctica artística, generar plataformas de reflexión sobre esos procesos transformadores de nuestra realidad.

CAPITAL is a graphic performance, a theoretical meeting / workshop and an installation produced by Technologies To The People / MUSAC, for the Showcase Project.

Daniel G. Andújar’s artistic practice has been based for years on the rereading, reappropriation, and recontextualization of audiovisual material.

CAPITAL departs from a workshop that took place in León, which allowed him to explore aspects of social cooperation as the best way to support a model that allows the distribution and expansion of its contents to the participants, the users, and the audience. It is a project that treats the cultural

user as an active and emancipated individual, thus questioning the role of the audience as a passive element and a static consumer. Its most important objective is to create a direct dialogue between the participants, which will allow, from within the artistic practice, to generate reflection surrounding the new processes that are transforming our reality, but also lead, potentially, to a more open, complex, and critical reading of the themes that concern this artist.

This project is also an attempt to take on the archive as a way to manage collective intelligence, and to use it strategically to diffuse and generate public opinion. CAPITAL includes a research component, as well as the creation of a sort of map, an atlas that will allow us, however fleetingly, to travel through the chaos and help us discover that which the mechanisms of visibility of reality sometimes hide from us. This process has as its essential objective to create a close dialogue between the participants, which, parting from the artistic practice, will allow to generate platforms for reflection about the processes that transform our reality.

Daniel G. AndĂşjar / Technologies To The People CAPITAL, 2011.

PROYECTO P4 Serafín Álvarez

Del 24 de septiembre al 13 de noviembre de 2011

Entre las cosas no designa una relación localizable Entre las cosas no designa una relación localizable es un proyecto de Serafín Álvarez (León, España, 1985), uno de los cuatro artistas seleccionados en la 1ª Convocatoria de proyectos expositivos de la Plataforma para el Apoyo del Arte en Castilla y León, P4, y asignado al Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León*. Este proyecto comienza a forjarse en el año 2008. Se trata de un trabajo en el que nociones tradicionales como la fascinación humana por volar, por los viajes e incluso por la ciencia-ficción confluyen en una mirada actual y crítica.

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En los proyectos y exposiciones recientes de Álvarez, las tecnologías, las curiosidades científicas y la cultura web se integran con frecuencia en las experiencias artísticas que el autor lleva a cabo. El resultado es un lenguaje en constante progresión que destaca por el análisis de las construcciones culturales que dominan la subjetividad humana en nuestros días. El proyecto plantea un cuestionamiento de significados y significantes universales que, utilizando la velocidad de un medio de transporte (el avión), y una convención relativa a la medida del tiempo (los diferentes husos horarios), permiten al artista realizar desplazamientos entre diferentes ciudades de tal manera que la hora local en el momento del despegue y la hora local en el momento del aterrizaje sean la misma.

Esta coincidencia temporal posibilita la realización de falsos “tele-transportes” utilizados para llevar a cabo una serie de acciones, que se mostrarán posteriormente en la sala expositiva bajo un enunciado estético.

Entre las cosas no designa… propone un acercamiento a la globalización, a los desplazamientos y a la posibilidad de ensayar una multiplicidad temporal o, como el propio artista señala, “velocidad, subjetividad, desplazamiento o alteración física y psicológica son algunos de los elementos sobre los que se articula este proyecto en un uso crítico de la velocidad y la tecnología pero a la vez fascinado por ellas”.

La muestra se completa con una publicación diseñada por el estudio barcelonés ferranElotro. Un libro de artista en el que tienen cabida tanto las obras realizadas, como todo el proceso necesario para llevarlas a cabo, desde los billetes aéreos hasta fotografías de los lugares visitados con el objeto de documentar las acciones y apuntar nuevas líneas de investigación sobre el proyecto.

Entre las cosas no designa una relación localizable is a project by Serafín Álvarez (León, Spain, 1985), one of the four artists chosen in the 1st Call for Exhibition Projects from the Platform to Support Art in Castilla y León, P4, assigned to the Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León*.The project started to take form in 2008 and is now being presented for the first time in the open area just outside the assembly hall at MUSAC. It mixes together traditional ideas such as the human fascination for flying, for journeys, and even for science-fiction, with a contemporary and critical gaze.

In Álvarez’s recent projects and exhibitions, he regularly intermeshes technology, scientific oddities and web culture in his artistic experiences. The end result is a constantly mutating vernacular predicated on an analysis of the cultural constructs that govern human subjectivity today. The project posits a questioning of universal signifieds and signifiers which, grounded in the speed of a means of transport (the airplane), and conventions on the measurement of time (time zones), allows the artist to make displacements between different cities in such a way that the local time zone at the time of taking off and at the time of landing are the same.

This synchronicity enables the realisation of false “teletransportation” which is used to carry out a series of actions, which will be shown later in the exhibition hall under an aesthetic formulation.

Entre las cosas no designa… explores a particular reading of globalisation, of displacements and of the possibility of rehearsing a temporal multiplicity or, as the artist himself says: “speed, subjectivity, displacement or physical and psychological alteration are some of the elements around which this project revolves, critically using speed and technology yet at once fascinated by them.”

The exhibition is rounded off by a publication designed by the Barcelona-based studio ferranElotro. This artist’s book embraces both the works created as well as the whole process necessary to bring them to reality, from the plane tickets to photos of the places visited with the purpose of documenting the actions and opening up new lines of research for the project.

* La Plataforma de apoyo al Arte en Castilla y León (P4) es una alianza para el fomento de la creación, producción y exhibición artística contemporánea en Castilla y León, surgida en 2011 por iniciativa del MUSAC e integrada por el Centro de Arte de Caja Burgos (CAB) en Burgos; Domus Artium 2002 (DA2) en Salamanca; MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, en León; y Museo Patio Herreriano en Valladolid.

P4, the Platform to Support Art in Castilla y León, is an alliance to foster the creation, production and exhibition of contemporary art in Castilla y León. Coming about in 2011 thanks to an initiative from MUSAC, P4 comprises Centro de Arte de Caja Burgos (CAB) in Burgos; Domus Artium 2002 (DA2) in Salamanca; MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, in León and Museo Patio Herreriano, in Valladolid.

Serafín Álvarez, 2011.

MUSAC Off

América ocaso / Purple America

Del 21 de octubre al 18 de diciembre de 2011

SALA DE EXPOSICIONES PATIO DE ESCUELAS Universidad de Salamanca

Horario: de martes a sábado de 12:00 a 14:00 h y de 18:00 a 21:00 h.

Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h. Lunes cerrado.

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François Bucher, Gregory Crewdson, Joan Fontcuberta, Piero Golia, Paul Graham, Isaac Julien, Juan Pérez Agirregoikoa, Andrés Serrano Tomando como referencia y punto de partida el título de una novela del escritor norteamericano Rick Moody, América ocaso / Purple America (Debate, Madrid, 1998), esta exposición, realizada a partir de obras de la Colección MUSAC, propone un acercamiento, a modo de ensayo visual, a aquello que podría definirse como el colapso y agotamiento del llamado “sueño americano”. El título original de esta novela, Purple America, hace referencia al púrpura, al color del ocaso pero también al color de la realeza.

Una tonalidad que la novela recoge en su decadencia, como bien resume el texto de la contraportada de la edición española: “Este color es un vestigio, una mera huella de una era que un día fue y terminó. Las ruinas del sueño americano, las cenizas de lo que un día se llamó el estilo de vida «americano»”. Es precisamente la expresión de este residuo, a modo de cenizas, y la exploración de los síntomas de la decadencia de un mito que durante décadas ha alimentado la sociedad contemporánea, el argumento que relaciona las obras reunidas en esta exposición. A través de un juego de miradas tanto externo como interno, de artistas tanto estadounidenses como de fuera del país, las diferentes propuestas tejen un entramado de alusiones y referencias desde el que se visitan temas como la iconización de los mitos o el declive y agotamiento de sus iconos; la diversidad de la sociedad norteamericana y el conflicto racial; la expresión de las patologías del estilo de vida americano; la agresividad de la política exterior de EE.UU. y el carácter invasivo de su cultura; la marginación provocada por las condiciones de vida en el interior profundo de las ciudades; o, por último, el modo en que la construcción de un enemigo exterior no es sino el correlato necesario para contener y exorcizar los propios fantasmas y terrores internos de una sociedad. Aunque durante décadas se ha asistido a las llamadas de aviso sobre las contradicciones y peligros del modelo americano convertido en ideal y autodefinido en múltiples ocasiones como la utopía encarnada en un modelo real, no cabe duda de que la coyuntura generada por los atentados del 11-S actuó como el detonante o confirmación de una definitiva desintegración, ocaso o invalidación. ¿Es este ocaso el telón que pone fin al espectáculo?

Joan Fontcuberta

11-S, de la serie / from the series Googlegramas, 2005. Impresión digital sobre papel / Digital print on paper. 120 x 150 cm.

Colección MUSAC / MUSAC Collection.

American writer Rick Moody’s novel Purple America (Little, Brown & Company, 1997) serves both as a title reference and a departure point for this exhibition.

A visual essay that draws on works from the MUSAC collection, this exhibition seeks to bring us closer to all that which can be defined as the decline and collapse of the so-called “American dream.”

The title of the novel Purple America makes reference to the colour of twilight but also to the colour of royalty. In the novel, it is a hue imbued with decadence: “this hue is vestigial, leftover, a mere trace of the era that prevailed here; the ruins of the American dream, the ashes of what was once called the American way of life.” The arguments that unite the works in the exhibition are precisely these expressions of remains in the form of ashes and an exploration of the symptoms of decay of a myth that has fed contemporary society for decades. By playing with the gazes, both outward and inward, of American and non-American artists, the works weave a tapestry of allusions and references touching on the following topics: the iconography of myths and the decline and exhaustion of these icons; American multiculturalism and racial conflict; pathologies of the American way of life and their manifestations; the aggressiveness of US foreign policy and the invasiveness of its culture; the marginalisation caused by inner-city living conditions; and lastly, the manner in which erecting an external enemy is nothing more than the discourse needed to contain and exorcise a society’s own inner fantasies and terror. For decades we have been warned of the contradictions and dangers of an American model that has become an ideal, self-defined on numerous occasions as a real-life utopia.

Nevertheless, there is no doubt that the situation created by the September 11th attacks has been a trigger or a confirmation of a definitive disintegration, decline or invalidation. Is this decline the show’s final curtain?

1812-2012. Una mirada contemporánea

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Maider López

Desde el 5 de diciembre de 2011

Con ocasión del bicentenario de la Constitución de Cádiz, conocida como “La Pepa”, Acción Cultural Española (AC/E) produce el proyecto 1812-2012.

Una mirada contemporánea. Un conjunto de propuestas en distintos ámbitos como el arte, la ilustración, la música contemporánea y popular o el audiovisual, que se desarrollarán en diversas ciudades españolas desde los primeros días del próximo diciembre hasta marzo de 2012. El comisario del proyecto, Jorge Díez, lo ha planteado como una mirada crítica desde las prácticas artísticas contemporáneas sobre los conceptos de ciudadanía, libertades políticas y participación en el contexto de las revoluciones árabes o del propio 15-M en España.

Este proyecto parte del modelo de trabajo generado en los proyectos de intervenciones producidos por AC/E en Cartagena de Indias-Colombia y Valparaíso-Chile (www.valparaisointervenciones.com), siendo en esta ocasión los artistas Dionisio Cañas, Democracia, Diana Larrea, Iñaki Larrimbe, Abigail Lazkoz, Juan López, Maider López, Rogelio López Cuenca, Cristina Lucas, Alicia Martín, Carme Nogueira, Marina Núñez, Gustavo Romano, Fernando Sánchez Castillo, Pablo Valbuena e Isidoro Valcárcel Medina.

Todos ellos van a desarrollar propuestas específicas para museos y centros como MARCO de Vigo, MEIAC de Badajoz, CENDEAC de Murcia, ARTIUM de Vitoria-Gasteiz, CAAC de Sevilla, CAAM de Las Palmas, Es Baluard de Palma de Mallorca, EACC de Castellón o MACBA de Barcelona. La artista Maider López (San Sebastián, España, 1975) es la seleccionada para intervenir en el espacio exterior del MUSAC.

Maider López

366 Sillas 22 de septiembre, 2007.

Noche en Blanco. Madrid.

Programa de actividades DEAC MUSAC Septiembre, 2011 – enero, 2012 VISITAS GUIADAS Visitas guiadas De martes a viernes a las 18:00 h.

Sábados y domingos a las 11:30, 13:00, 17:30 y 19:00 h.

Actividad gratuita.

Visitas guiadas con comisarios A las 12:00 h. Actividad gratuita.

25 de septiembre de 2011: visita de Amikejo, con Latitudes (comisarios).

23 de octubre de 2011: visita general de las nuevas exposiciones, con Agustín Pérez Rubio (Director del MUSAC).

13 de noviembre de 2011: visita de I Was a Male Yvonne de Carlo, con Dora García (co-comisaria).

PROGRAMACIÓN AUDIOVISUAL El documental del mes A las 20:10 h. Salón de actos.

Entrada gratuita hasta completar aforo.

1 de septiembre La revolución de los saris rosas, de Kim Longinotto (UK, India. 2010) 28 de septiembre Hombres sincronizados, de Dylan Williams (Reino Unido, Suecia. 2010) 6 de octubre Gueto. La película perdida de la propaganda nazi, de Yael Hersonski (Israel, 2010) 3 de noviembre El perdón, de Ventura Durall (España, 2009) 1 de diciembre Vidal Sassoon, de Craig Teper (EE.UU., 2010) El grito A las 20:10 h. Salón de actos.

Ciclo programado por Chus Domínguez paralelo a la exposición El grito.

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo.

15 de septiembre Presentación del ciclo.

El grito [Il grido], Michaelangelo Antonioni (Italia, EE.UU.,1957) 22 de septiembre 2/Dúo, de Nobuhiro Suwa (Japón, 1997) 29 de septiembre Vida [Kyang], de Artavazd Pelechian (Armenia, 1993)

Nacimiento / Madre [Tarachime], de Naomi Kawase (Francia, Japón, 2006)

13 de octubre El principio [Skizbe], de Artavazd Pelechian (U.R.S.S., 1967) El miedo [La Paura], de Pippo Delbono (Francia, 2009) 20 de octubre Instrument, de Jem Cohen y Fugazi (EE.UU., 1999) 27 de octubre Filmefobia, de Kiko Goifman (Brasil, 2008) El cine como máquina de guerra. Ciclo de cine experimental Crítica y sublevación en la vanguardia más radical Jueves de noviembre y diciembre.

A las 20:10 h. Salón de actos.

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo.

Ciclo de cine experimental programado por Esperanza Collado.

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10 de noviembre Presentación del ciclo Sesión 1: La destrucción del plot Kreise (1933), Le Retour a la Raison (1923), El hombre de la cámara (1929) 17 de noviembre Sesión 2: Asalto a la suspensión crítica Wavelenght (1967), Structural Studies (1974), Nostalgia (1971)

24 de noviembre Sesión 3: Las enfermedades del celuloide Anémic Cinèma (1926), Reflections on Black (1955), Print Generation (1974), The Flicker (1966) 15 de diciembre Sesión 4: Crítica de la separación 30 Sound Situations (1975), So Is This (1982), Traité de Bave et D’éternité (1951)

22 de diciembre Sesión 5: La estética del corte* Instructions for a Light/Sound Machine (2005), Ensayos PLAT (1975-81), Towers Open Fire (1963), Background (2011), T,O,U,C,H,I,N,G, (1968) *Proyección en el Teatro del Albeitar. Actividades Culturales de la Universidad de León.

CURSOS, TALLERES Y CONFERENCIAS Curso de introducción al arte contemporáneo Tendencias artísticas desde la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad Del miércoles 26 de octubre de 2011 al 30 de mayo de 2012.

De 18:00 a 20:00 h. Salón de actos.

Presentación del curso miércoles 19 de octubre a las 19:00 h.

Matrícula: 40 €. 30 € para estudiantes parados y jubilados. 100 plazas.

Dirigido a alumnos de cursos de las anteriores ediciones, estudiantes de Historia del Arte, Bellas Artes, Historia Contemporánea y cualquier otro interesado en el Arte Contemporáneo.

Convalidación de créditos en www.unileon.es Con el propósito principal de acercar el arte contemporáneo al conocimiento de todos los ciudadanos y a su debate, el MUSAC junto con la Universidad de León, presenta por séptimo año consecutivo el Curso de Introducción al Arte Contemporáneo.

En este curso 2011-2012 hemos elaborado un programa conjunto para detenernos en los cambios producidos en la escena artística y estética a partir de la Segunda Guerra Mundial. Se divide en cinco bloques: I. Estética

II. Arte y cultura de masas III. Arte y política

IV. Desbordamientos discursivos, del concepto de arte al espacio social

V. El sistema artístico contemporáneo. El mercado, las instituciones y la crítica Taller de lectura cinematográfica Triángulo: cine y escritura 9, 10 y 11 de noviembre de 2011, de 10:00 a 14:00 h.

Impartido por Irene Antón, Javier Codesal y Aramis López.

Matricula: 20 €. 10 € para estudiantes, parados y jubilados. 20 plazas.

El objetivo fundamental del taller es introducir el concepto de lectura cinematográfica o audiovisual, a través de la obra de tres escritores fundamentales del siglo XX que produjeron obra fílmica, Samuel Beckett, Jean Genet y Yukio Mishima. El nexo común en las tres piezas que se analizan en el taller es la ausencia de palabra, de gramática literaria, de un lenguaje oral que sería lo esperado en creadores que utilizan la palabra como herramienta fundamental de creación.

Dirigido a personas interesadas o formadas en Bellas Artes, Historia del Arte, Comunicación Audiovisual, Filología, Filosofía, Educación o Literatura.

Jornada Guy de Cointet 12 de noviembre de 2011.

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo.

Con motivo de la exposición I Was a Male Yvonne de Carlo.

12:00 h. Ponencia: Marie de Brugerolle sobre Guy de Cointet

13:00 h. Proyeccción de la película Who's that Guy? (VOSE) de Marie de Brugerolle 17:00 h. Mesa redonda. Frederique Bergholtz, Marie Brugerolle, Dora García

19:00 h. Proyección del documental Crazy Wisdom. The Life and Work of Eric Orr (VO) 23:00 h. Teatro: 5 Sisters, de Guy de Cointet (nueva producción MUSAC) Conferencia Antoni Muntadas Proyectos en espacios públicos e introducción al taller del 2012.

19 de octubre a las 20:00 h. Salón de actos.

Durante los últimos treinta años Muntadas ha realizado proyectos e impartido talleres y cursos que considera complementarios a su trabajo en diferentes lugares. Esta presentación consistirá en la descripción comentada de proyectos realizados en diferentes contextos, examinando y enfatizando el proceso de trabajo.

Taller Antoni Muntadas La metodología del proyecto Primera sesión: 9 al 14 de enero de 2012, de 10:00 a 14:00 h.

Proyecciones y encuentros en horario de tarde.

Segunda sesión: junio de 2012 (fechas por determinar).

Matrícula: 40 €. 30 € para estudiantes, parados y jubilados. Carta de motivaciones y dossier (del 20 de octubre al 2 de diciembre). 12 plazas.

El taller se orientará a analizar las fases de un proyecto y compartir experiencias creativas entre los participantes, tanto de los proyectos realizados como de los que están en proceso.

Dirigido a artistas o creadores especialmente interesados en los procesos de trabajo y en compartir las experiencias metodológicas en la creación de proyectos artísticos.

Encuentro de trabajo / Taller con Hiwa K. Jueves 26 de enero de 2012, de 18:00 a 21:00 h.

Viernes 27 de enero de 2012, de 10:00 a 14:00 h y de 16:00 a 20:00 h.

Actividad gratuita con inscripción previa en deac@musac.es

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Hiwa K. es un artista y músico errante que reside en Alemania con estatus de refugiado político. Ha desarrollado diversos proyectos sobre las paradojas implícitas a la producción cultural, la participación, la transmisión de conocimiento y la difusión del evento. Inicia su práctica a través de la pintura en la década de los años 80, tras una formación informal junto a otros intelectuales, músicos, dramaturgos y artistas en Irak. En 1998, abandona la pintura y comienza a tocar la guitarra española después de formarse con guitarristas flamencos como Paco Peña, Paco Serrano, Antón Jiménez y Oscar Largo. Ha participado en eventos internacionales como Manifesta 7, Italia.

Taller de realización de archivo audiovisual Memoria en torno al MUSAC Viernes de octubre y noviembre de 2011, de 17:00 a 20:00 h.

Impartido por Ismael Aveleira y Tomás García.

Matrícula: 30 €. 20 € para estudiantes, parados y jubilados.

Propuesta didáctica en forma de taller para la formación audiovisual y la creación de grupos de trabajo que aborden la memoria popular en torno al territorio del edificio del MUSAC. La finalidad del taller es la creación de un canal propio en Internet para archivar y compartir la memoria registrada.

ACTIVIDADES INFANTILES Taller de Cine Mudo Del 27 al 30 de diciembre de 2011. De 11:00 a 13:00 h.

Impartido por ese8 Asociación Cultural.

Actividad gratuita. 20 plazas. Entre 5 y 11 años.

Experiencia creativa que pretende fomentar y apoyar el uso didáctico del cine. A través de un acercamiento práctico descubriremos la imagen en movimiento y construiremos nuestros propios juguetes ópticos, para descubrir y comprender los orígenes del cine.

Sesión de cine Mudo Viernes 30 de diciembre de 18:00 a 19:00 h. Salón de actos.

Con pianista y narración en directo.

Entrada gratuita hasta completar aforo.

Programa: Lotte Reiniger Hansel y Gretel (1955) Los tres deseos (The Three Wishes) (1955) El caballo mágico (The Magic Horse) (1953) Segundo de Chomón Los cien trucos (1906) Ki ri ki. Acróbatas japoneses (1907)

El buceador fantástico (1905) Sinfonía bizarra (1909) El hotel eléctrico (1908) Jim "el escurridizo" (1909) Cuentacuentos Cuadros de miedo 27 de noviembre de 2011, a las 13:00 h. Biblioteca-Centro de documentación.

Autor: Fernando Saldaña.

Intérprete: Fernando Saldaña.

Cuentos para niños con el apoyo de juegos de magia.

OTRAS ACTIVIDADES Laboratorio de Trabajo Cultura Ficción Sábado 8 octubre de 2011 De 10:00 a 14:00 h y de 17:00 a 21:00 h.

Jornada de trabajo en torno a cuestiones de gestión, financiación y programación.

Domingo 9 octubre de 2011 De 11:00 a 14:00 h.

Jornada de trabajo en torno a cuestiones de desarrollo comunitario y relaciones externas.

Cultura Ficción propone crear un espacio público, abierto y participativo, que facilite el intercambio y diálogo entre los actores interesados e involucrados en el desarrollo creativo y sociocultural de la ciudad de Léon en torno a las problemáticas detectadas a lo largo de las fases previas del proyecto.

Cultura Ficción es un proyecto de colaboración entre José Luis Rodríguez y el DEAC del MUSAC, gracias a la Ayuda a Proyectos.

Grupo de discusión Un martes cada tres semanas*, desde el 27 de septiembre de 2011, a las 20:10 h.

Biblioteca-Centro de Documentación.

El Grupo de Discusión es un foro abierto al intercambio de ideas y reflexiones, una iniciativa dirigida a todas aquellas personas interesadas en compartir, ampliar y enriquecer de forma distendida sus experiencias y reflexiones sobre el arte contemporáneo y la creación actual. Son muchos los temas y líneas argumentales que se pueden debatir en el Grupo de Discusión. Cada sesión se articulará a través de un texto crítico y/o unas imágenes ilustrativas, información que será facilitada a los participantes con antelación a la actividad a través de correo electrónico.

Más información: biblioteca@musac.es *Se informará de cada sesión a través de la web.

Publico Arte Presentación del libro Fabricando ladrillos de luz para la casa de Ícaro de Rax Rinnekangas.

21 de septiembre de 2011, a las 20:10 h. Biblioteca-Centro de Documentación.

Presentado por: Alberto Santamaría y Víctor del Río.

Fabricando ladrillos de luz para la casa de Ícaro contiene una larga entrevista divulgativa sobre la obra y la producción artística del autor finés, realizada por los periodistas Javier Fernández Rubio y Mada Martínez García, así como treinta y cuatro imágenes en color seleccionadas por el propio autor. El libro, editado por El Desvelo Ediciones, tendrá a partir de junio una distribución nacional en librerías y centros especializados.

Biblioteca Centro de Documentación del MUSAC La Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC está especializada en arte contemporáneo a nivel nacional e internacional. Está ubicada en la planta baja del museo, con acceso directo desde el hall y consta de dos plantas: la planta baja, reservada para consulta, visionado de material audiovisual, hemeroteca y acceso a Internet; y la segunda planta, que alberga el fondo bibliográfico.

La entrada es gratuita para investigadores del mundo del arte y para el público en general.

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La Biblioteca-Centro de Documentación alberga el Archivo Documental de Artistas de Castilla y León (ADACYL), también en línea: http://www.musac.es/adacyl Servicios La Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC ofrece: • Consulta en sala de los fondos de libre acceso • Información y referencia

• Acceso a Internet para consultas especializadas y conexión WIFI • DSI (Difusión Selectiva de Información) y Alerta Informativa • Visionado de material audiovisual

• Acceso a recursos digitales específicos • Préstamo interbibliotecario restringido • Atención al público on-line

• No hay servicio de préstamo La Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC organiza periódicamente actividades como: ¬ Virtualizarte: un proyecto de alfabetización informacional en el campo de la edición digital. Se centra en ofrecer conferencias, mesas de debate y talleres de formación y producción utilizando las nuevas tecnologías.

¬ Publico Arte: una actividad que parte con el objetivo de dar a conocer, presentar y analizar publicaciones de arte, ya sean revistas especializadas, colecciones específicas, líneas editoriales, así como publicaciones independientes, a nivel internacional y nacional.

¬ Foros de la Edición: una prolongación de Publico Arte, cuyos objetivos son reflexionar acerca de los factores cruciales que involucran a la crítica y al lugar desde donde ésta se ejerce, así como realizar diferentes análisis del estado de las publicaciones especializadas. Ya se han celebrado tres ediciones basadas en diferentes temáticas y con conferencias ofrecidas por importantes ponentes.

¬ Grupo de Discusión: un foro abierto al intercambio de ideas y reflexiones, una iniciativa dirigida a todas aquellas personas interesadas en compartir, ampliar y enriquecer de forma distendida sus experiencias y reflexiones sobre el arte contemporáneo y la creación actual.

¬ Congresos, encuentros y otras actividades:

– Encuentro de software libre, arte y mujer. Encuentro donde participaron artistas, periodistas, investigadoras y gestoras. Gracias a sus aportaciones pudimos conocer y estudiar la relación actual de las mujeres con nuevas tecnologías en diferentes ámbitos: políticos, sociales y fundamentalmente artísticos.

– I Encuentro de Redes Sociales en Museos y Centros de Arte. Exitoso encuentro donde se analizó la visibilidad de los museos y centros de arte contemporáneo en las redes sociales. Se estudió el papel de los agentes y las acciones específicas desarrolladas a través de casos reales; así como la figura del Community Manager y la reputación digital

Horario Martes a viernes: de 10:00 a 14:30 h y de 17:00 a 19:45 h.

Sábados: de 11:00 a 14:30 h.

Domingos, lunes y festivos: cerrado. e-mail: biblioteca@musac.es

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Créditos

Normas del museo / Museum Regulations Horario De martes a viernes: de 10:00 a 15:00 h y de 17:00 a 20:00 h

Opening Hours Tuesdays to Fridays: from 10 a.m. to 3 p.m and from 5 to 8 p.m.

Sábados, domingos y festivos: de 11:00 a 15:00 h y de 17:00 a 21:00 h

Saturdays, Sundays and festivities: from 11 a.m. to 3 p.m and from 5 to 9 p.m.

Lunes cerrado. ENTRADA GRATUITA 24 y 31 de diciembre: de 10:00 a 15:00 h 25 de diciembre y 1 de enero: CERRADO La recepción cierra a las 14:30 y a las 20:30 h.

El desalojo de las salas se iniciará quince minutos antes del cierre.

Facilidad de acceso Puede accederse a las salas e instalaciones del museo con sillas de ruedas y cochecitos para niños. En la recepción del museo se podrá solicitar una silla de ruedas sin cargo.

Closed on Mondays. FREE ADMISSION December, 24th and 31st: from 10 a.m. to 3 p.m.

December, 25th and January 1st: CLOSED Thereceptioncounterwillcloseat2:30p.m.and8:30p.m.

The galleries will start to be vacated fifteen minutes before the closing time.

Access Facilities The galleries and installations of the museum can be accessed with wheelchairs and strollers.

In the reception counter of the museum these wheelchairs may be requested for free.

Recepción Para proteger las obras de arte de posibles accidentes, se deberán dejar en la recepción o en las taquillas las mochilas (de todos los tamaños), paraguas, paquetes y bolsas, así como cualquier bulto grande.

Reception Counter To protect the works of art from possible accidents, all backpacks (of all sizes), umbrellas, bags and large packages should be left in the reception counter or lockers.

Animales Está permitida la entrada de animales cogidos en brazos y perros-guía.

Animals The entry of animals is permitted to small dogs and guide dogs.

Niños Los niños deben ir controlados y acompañados en todo momento para que cumplan estas normas y evitar que corran por las salas, ya que podrían molestar a los otros visitantes.

Normas de acceso Se permite tomar fotografías en las salas únicamente con cámaras de mano. No se permite el uso del flash ni de trípodes. Se podrán efectuar grabaciones de vídeo únicamente en la entrada y en los patios del museo. Queda prohibida la reproducción, distribución o venta de fotografías sin el permiso del museo. No está permitido fumar en el interior del museo, ni entrar con alimentos y bebidas. El uso de teléfonos móviles no está permitido dentro de las salas de exposiciones.

Medios de transporte Autobuses urbanos: 7, 11, 12 y 13 Estación de autobuses: Avda. Sáinz de Miera s/n. www.alsa.es Ferrocarril: RENFE. Calle Astorga s/n. www.renfe.es Aeropuerto: Aeropuerto de La Virgen del Camino a 7 km del centro de la ciudad.

Aparcamientos: Muy cerca del museo hay un aparcamiento público.

Children Children must never be left unattended so as to make them follow these regulations and to avoid them from running around the galleries as they may disturb other visitors.

Entry Regulations Photographs may be taken inside the museum only with hand cameras. The use of flash or tripods is not permitted. Video may be taken only in the entrance and in the courtyards of the museum. Smoking is not permitted inside the museum, nor entering with food and drinks. The use of cellular phones is not permitted in the galleries.

Transportation Bus Lines: 7, 11, 12 and 13 Bus Station: Avda. Sáinz de Miera s/n. www.alsa.es Railway Station: RENFE. C/ Astorga s/n. www.renfe.es Airport: La Virgen del Camino Airport.

7 km from the city center.

Parking: There is a public parking area near the museum.

MUSAC, PLATAFORMA DE PENSAMIENTO MUSAC, PLATAFORMAS DIGITALES Plataformas en red Para profesionales de la educación en museos: http://educacion.deacmusac.es/ Para agentes culturales en Castilla y León: www.todapracticaeslocal.com Plataformas artísticas: www.primerproforma2010.org Archivos digitales Archivo de artistas de Castilla y León: www.adacyl.org Blogs de divulgación educativa Actualidad // Comunidad // Conferencias // Cursos // Revista Hipatia // // Jornadas // MUSAC escuela // Radio // Talleres // http://deacmusac.es/ Infantil: http://www.pequeamigosmusac.blogspot.com/ Redes sociales Página de MUSAC en Facebook: http://www.facebook.com/pages/Leon-Spain/ MUSAC/#!/pages/Leon-Spain/MUSAC/63038883760?ref=ts&ajaxpipe=1&__a=6 Canal youtube MUSAC: http://www.youtube.com/user/musacmuseo

MUSAC

Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León Avda. Reyes Leoneses, 24 24008 León (España) Tel. +34 987 09 00 00 Fax +34 987 09 11 11 musac@musac.es

www.musac.es

Horario De martes a viernes: Mañanas: de 10:00 a 15:00 h Tardes: de 17:00 a 20:00 h Sábados y domingos: Mañanas de 11:00 a 15:00 h Tardes de 17:00 a 21:00 h Lunes cerrado.

ENTRADA GRATUITA

La recepción cerrará treinta minutos antes del cierre del museo El desalojo de las salas se iniciará quince minutos antes del cierre.

Opening Hours Tuesdays to Fridays: Mornings: from 10:00 a.m. to 3:00 p.m.

Afternoons: from 5:00 p.m. to 8:00 p.m.

Saturdays and Sundays: Mornings: from 11:00 a.m. to 3:00 p.m.

Afternoons: from 5:00 p.m. to 9:00 p.m.

Closed on Mondays.

FREE ADMISSION The reception counter will close thirty minutes before the closing time The galleries will start to be vacated fifteen minutes before the closing time.