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Lacasa

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número 9 | diciembre2010

| azulmarino70 InésAizpún directora

Un año de revista Premios internacionales a diseñadores dominicanos. Majestuosos

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paisajes locales que enmarcan los trabajos de arquitectos extranjeros. El interiorismo y la arquitectura se convierten en la ventana por la que mirar al mundo, un espacio para que nos miren. El año ha terminado con una Bienal en la que los estudiantes han mostrado unos proyectos que garantizan la continuidad de la excelencia del sector en el futuro, ya tan próximo. Lacasa trabaja ya para que 2011 sea un año de revista. Su compromiso con decoradores, artistas, interioristas, diseñadores, arquitectos, urbanistas… todos los que hacen posible que cada día vivamos un poco mejor, rodeados de belleza y equilibrio, se renueva en este fin de año.

Directora Inés Aizpún • Edición y redacción Olga Agustín • Editora de Diseño de Revistas Norca Amézquita • Fotos Maglio Pérez, Fernando Calzada y Holly Reynoso • Gerente de Ventas Bethania Manzueta • Publicidad Joseph Cabrera • Tratamiento de Imágenes Irving Cleto y Daniel de los Santos Presidente Arturo Pellerano • Vicepresidente Manuel Arturo Pellerano • Secretario Salvador Dájer • Vicepresidenta Comercial Gina Lovatón • Gerente Financiero Abel Flores • Gerente de Mercadeo Deborah Hernández • Directora de Ventas Laura Mena • Gerente de Circulación Rafael Oviedo • Gerente de Producción Tomás Rodríguez Dirección Ave. Abraham Lincoln esq. Max Henríquez Ureña, Santo Domingo, R. D. Teléfono 809-476-7200 Fax 809-616-1520 Apdo. 20313

Fotografía de portada JodiJones

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La

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colortendencias

Paleta de color 2011 elegant

en 2011, los colores vienen en varios temas, pero siempre partiendo de un estilo moderno y contemporáneo, imperante en el interiorismo y en la decoración de los últimos tiempos. Neutrales, monocromáticos y retro son algunas de las opciones. ¿Se anima a implementarlos en su hogar?

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First thaw 6l2-2

silver queen 6l2-5

wood lane 5j2-7

artistos 512-2

oak savanna 5k1-5

dunhill 6F2-7

laMoMa 6F1-5

garden gloves 5j2-5

cottage white 6k1-2

australian adventura 5l1-7

highgate grey 6l3-5

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snow white ow20-1P

tea leaves 5j1-8

canton cotton 513-2

carMel sauce 5g3-7

river rock 6j1-7

steaMed Milk 5j2-1

tuxedo tails 6l1-7

woodBury 5c3-7

Milk Moustache 6k1-1

weathered wood 6h3-5

Blue Fescue 5o1-7

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Moon dance 6n2-1

castlewood canyon 6j3-7

Bayou waters 61c-3d

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sandstone Point 5j1-5

dash oF cinnaMoon 5F1-7

Bridging the Bay 6M2-7

cirrus cloud 6n1-1

silver Beacon 6l3-3

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Big Mossy Point 5k2-7


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casa Asunto:

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Para el equipo de trabajo de esta revista, recibir y contestar los correos electrónicos de nuestros amables lectores se ha convertido en más que una costumbre: en un verdadero deleite. Continúe escribiendo a la dirección electrónica lacasa@ revistalacasa.com ¡Queremos saber qué piensa! 3

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entrevista

Fotografías MaribelÁlvarez

1. Esta mañana dEscubrí Lacasa (a través del link http://app2. Lacasa

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diariolibre.com/revistas/lacasa/), pues resido en Barcelona y no había tenido la oportunidad de verla antes. El contenido me encantó desde que hice “clic” en el primer número. Me llena de orgullo este hallazgo, pues es una alegría saber que en nuestro país se está realizando una publicación con un nivel de calidad y de exquisitez que se percibe desde la portada.

sorayda Peguero Isaac, lectora

Por: FrancisRodríguez Fotografías: JavierMota

El hogar del diseñador dominicano Sully Bonnelly es sofisticado, práctico y, sobre todo, contemporáneo. Una espectacular vista de Nueva York, a través de los grandes ventanales de su apartamento, contrasta a la perfección con el espacio interior.

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En cada rincón pueden ser descubiertas piezas que conectan las preferencias de Bonnelly con diversas épocas que reflejan una contrastante evolución del arte. En esta sala de estar se destacan una obra de Opalka (en la pared), un juego de muebles de Jean Michell Frank, una mesa “Surf Board” (de Nogushi), y dos sillas de Rietveld, que evocan la década de los 30.

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Un santuario

de paz

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Para Rosario (Charo) Gómez, ligada al diseño y la decoración de interiores y exteriores a través de Charo Decoraciones, su fuente de inspiración para crear un jardín es la arquitectura de la casa. Aunque en su nueva casa, su jardín ya es inspirador por sí solo.

Entre el minimalismo y la nostalgia por la antigua Roma gravita el espacio de este diseñador dominicano, que abrió las puertas de su apartamento a la revista Lacasa, mostrando desde Nueva York el fascinante mundo que le rodea cotidianamente.

Charo es amante de los bonsáis, y éste (en primerísimo plano de la foto) cuenta con 70 décadas de existencia. La tapia, revestida de verde a lo largo del lateral derecho, se ve matizada en el centro por cuatro estatuas que simbolizan las cuatro estaciones del año. En frente, unos pinos, y al fondo, el área de la piscina que también cuenta con cuatro tarros repletos de trinitarias.

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El día a día del diseñador dominicano Sully Bonnelly, director creativo de la colección Muse, transcurre en torno al Arte -en sus más diversas formas de expresión-. Y tal y como era de esperarse, su refugio en Nueva York no podía estar desligado de su personalidad ni de sus intereses de artista. Por eso, desde el umbral de su apartamento, Bonnelly deja a la luz un espacio que funde armónicamente su pasión por la ciudad de los rascacielos, su genialidad como profesional y su devoción por los estilos arquitectónicos más exquisitos. En la vida de Sully también coexisten dos dimensiones: la del diseñador de modas, con una demandante agenda de trabajo y un extenuante listado de compromisos sociales, sin dejar de pasar por alto un buen espectáculo en la ciudad; y

la faceta del hombre, que tras terminar su jornada diaria se retira agotado hacia su casa en busca de relajación y confort al más puro estilo contemporáneo. Partiendo de ahí, su hábitat se debate entre lo moderno y lo versátil, permitiéndole un merecido descanso y la búsqueda de inspiración, sin dejar de ser el escenario perfecto para celebrar una fiesta. Bonnelly, quien conjuga con garbo todas las características de un anfitrión ejemplar, se presenta ante el visitante como un amante de los elementos simples y prácticos. En su hogar neoyorquino imperan los espacios abiertos, las piezas de arte más diversas y los muebles más exclusivos de mediados del siglo XX, en contraposición con una marcada fascinación por la corriente minimalista.

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Por OlgaAgustín Fotografías: FernandoCalzada

Por: OlgaAgustín Fotografías: FranciscoManosalvas

montaña Un paraíso en la

Anclada a 1,800 metros sobre el nivel del mar, esta casa parece emerger de la montaña Las Neblinas, sobre el Valle de Constanza, como un revival del tradicional sistema constructivo americano, sin perder la esencia de la arquitectura domínico-española. Lacasa

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Aunque al llegar allí no se lee ningún letrero que rece: “La Blanca”, es muy fácil de identificar por su color entre las múltiples casas colaterales a la bahía del Palmar de Ocoa. De hecho, en 2004, cuando la familia Contreras Alba pasó a habitarla, La Blanca ya era nívea. “Esta casa siempre fue blanca, desde que la erigieron hace

2. GracIas Por Las atEncIonEs dE su EquIPo al visitar el jardín de mi residencia, en Santiago, para realizar un reportaje titulado “Santuario de paz” (publicado en la octava edición de la revista bajo la firma de la periodista Olga Agustín). Este espacio es un lugar especial para mí, está lleno de paz y de armonía. ¡Muchos éxitos!

rosario (charo) Gómez, decoradora/ diseñadora, y propietaria de charo decoraciones

La Blanca

La estructura de La Blanca, que se ha mantenido en pie durante más de tres décadas, es rectangular y consta de un cuerpo central con un techo a cuatro aguas y cuyas tejas azules lo hacen único. Dos módulos colaterales presentan unos vuelos, a través de los balcones de la habitación principal y del estudio, que son los únicos volúmenes que sobresalen colateralmente a los de la infraestructura central.

por siempre…

Con más de treinta años y con la alternancia de varios propietarios, esta casa a orillas de la playa de Palmar de Ocoa vio desaparecer parte de su infraestructura y presenció un sinfín de remodelaciones… Eso sí, sin perder su esencia original.

tres décadas o más. El día en que la conocí, pensé inmediatamente en bautizarla, como suelo hacerlo con todos mis proyectos, y ella se agenció su nombre por sí sola”, explica la arquitecta Olga Alba. La adquisición de La Blanca fue totalmente inesperada para Alba. Su esposo, advirtiendo la oportunidad de tener ante sí un buen terreno, dotado de un envidiable frente de playa, la compró sin pensarlo, y de la noche a la mañana se la presentó sorpresivamente. Aunque la idea original de Luís Contreras consistía

En las 200 tareas, donde se yergue esta casa de montaña (de 2,200 metros cuadrados de construcción), se observa el gran trabajo de paisajismo y de jardinería, que fue realizado por sus propios anfitriones en la cúspide de Las Neblinas, sobre el Valle de Constanza. Desde liliáceas, azucenas y agapantos, hasta rosas y hortensias son algunas de las especies florales que pueden apreciarse junto a la gran diversidad de especies vegetales y frutales conjugadas allí.

en demoler completamente la infraestructura, la arquitecta vio en aquélla: la oportunidad ideal para enfrentar un gran desafío profesional, siendo sus op- En la entrada principal de esta casa, situada en Palmar de Ocoa, se aprecia un pergolado situado ciones remodelar La Blanca o empezarla desde cero. entre dos almendros y rodeado de varias palmas, orquídeas y helechos. Desde este umbral es posible ver el mar y las montañas; el muelle en el agua, y hasta el reflejo de un atardecer a Sin embargo, Alba se sintió más retada ante la través de los cristales de esta residencia de playa.

Quiero darle las gracias a la periodista Francis Rodríguez, al fotógrafo Javier Mota y a todos los que trabajaron en el layout de este tema. La verdad es que me encantó su trabajo y el gran empeño mostrado para que todo se viese súper bien.

¡Felicidades! Para ustedes, los creadores, y para nosotros, los lectores... 

sully bonnelly, diseñador de modas

hace referencia al texto “Un paraíso en la montaña”, que fue desplegado en las páginas de la edición anterior de esta revista, desplegando una casa de montaña en Constanza, construida por él. Ésta se constituye en una reminiscencia del tradicional sistema constructivo americano, sin perder la esencia de la arquitectura domínico-española).

3. EL rEPortajE (tItuLado “suLLy bonnELLy”, que muestra en

4. Estoy muy orGuLLosa dE sEr suscrIPtora de ese manjar llamado “revista Lacasa”. Todas las ediciones

su edición de septiembre el apartamento neoyorquino de este afamado diseñador de modas dominicano) está fantástico. Les quedó lindísimo.

me han fascinado, pero ésta (la de septiembre de 2010) estuvo espectacular. Es cierto que este producto mejora con el tiempo, todo su contenido es de provecho.

norka Valdez, suscriptora

5. muchas GracIas Por EL rEPortajE. Me gustó mucho. (El autor

Eduardo Lora bermúdez, arquitecto


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Texto: AntonioAcuña Fotografías: FuenteExterna

Los “Oscar” del diseño en

el Design Museum El Design Museum de Londres acaba de presentar los ‘Brit Insurance Designs Awards’, considerados como los Oscars del diseño. Allí no sólo brillaron los acreedores de aquellos premios, sino la enorme gama de ejemplos que demostraron por qué el buen diseño es simple y ocurrente. Lacasa

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El británico Design Museum volvió a convertirse en el cómplice silente de una andanada de obras de arte, presentadas en los ‘Brit Insurance Designs Awards’, como piezas inigualables en el mundo del diseño. Entre estas creaciones se pudo observar una silla creada por el alemán Konstantin Grcic, titulada “360 Work Chair”. De apariencia extraña, ésta es capaz de confundir a cualquiera, ya que es difícil de discernir si hay que sentarse de lado y apoyar el brazo, o si hay que hacerlo normalmente y descansar la espalda. El sui géneris asiento está concebido para quienes tienden a moverse mucho y nunca encuentran una posición adecuada; también es cómodo, de eso no hay duda, y lleva consigo cierta gracia de línea y estilo que crea una interesante interacción entre el usuario y éste. En otra de las esquinas se apostaba, como salida de una película de ciencia ficción, una caja de votación que lucía llamativa y sencilla, a su vez. Este producto fue traído de la mano de Blueroom, Innovativoli and KADABRA (un equipo de diseñadores europeos). Blanke Ark provee una serie de artefactos para la votación, que promueven la transparencia y la sensibilidad del proceso democrático. De igual modo, vale la pena mencionar el trabajo que exhibió PearsonLloyd con su maravillosa invención: el sistema Parcs de muebles de oficina.

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1. Fachada del Design Museum, en Londres. 2. Pieza de diseño creada por el alemán Konstantin Grcic y bautizada como 360 Work Chair. 3 y 5. Diferentes ángulos de House of Stone, una de las obras exhibidas en el Design Museum por el diseñador y arquitecto John Pawson, la cual simboliza a una monumental iglesia rectangular con una sola puerta. 4. Esta caja de votación, traída de la mano de Blueroom, Innovativoli and KADABRA, se mostró en una de las esquinas de este museo londinense. 6. Una de las maquetas de los diseños más famosos de John Pawson es la Casa delle Bottere, ésta también estuvo presente en la exposición. 7. El sistema Parcs de muebles de oficina (de PearsonLloyd) fue igualmente mostrado, sorprendiendo con su reformulación modular de 360 grados.

A través, de líneas que evocan a los muebles plásticos de los años 70, pero con colores y materiales más nobles y delicados, el Parcs permite una configuración de 360 grados. Las sillas se transforman en pared, las paredes se unen para formar un kiosco, y después hasta vuelven a su individualidad de silla o de mesa. La cantidad y el tipo de objetos presentes en esta exhibición fue tan amplia que arrojó una visión premonitoria del futuro en el diseño. En el segundo piso del museo fue instalada una presentación completa del trabajo de John Pawson, diseñador y arquitecto conocido por su minimalismo y reduccionismo. Entre las maquetas de sus diseños más famosos, como la Casa delle Bottere, se apreciaron otros, más pequeños pero no menos interesantes, como el diseño monumental de una iglesia rectangular y con sólo una puerta de apertura. Pawson también exhibió otros objetos, como cubertería, platos… y una instalación de suaves líneas y de tenue luz que permite experimentar sus diseños. Realmente, ésta fue una muestra de las que siempre vale la pena ir a ver en Londres.

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Fotografía: EvaHart

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WendyEspinal Fotografías: FuenteExterna

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) es otra de las clásicas

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En la memoria del proyecto, Jean Nouvel describe la ampliación del MNCARS como una adaptación del territorio, que expresa fidelidad, respeto y pertenencia al gran edificio: “A la sombra, sí, puesto que no se trata de hacer sombra al propio museo. Debe dominar. Claramente. Debe imponer su fuerza con sencillez y de manera evidente.”

El Reina Sofía

y su sombra

Noventa y dos millones de euros y un soberbio proyecto de ampliación convirtieron al Reina Sofía en uno de los museos de arte contemporáneo más grandes e imponentes del mundo.

edificaciones madrileñas que han sido intervenidas en los últimos años para potenciar y mejorar su utilización en el ámbito de la cultura. Éste era el antiguo Hospital General de Madrid, fundado por Felipe II y más tarde reconstruido por los arquitectos José de Hermosilla y, principalmente, por Francisco Sabatini, durante el reinado de Carlos III. Es en 1965 cuando deja de funcionar como hospital, y en 1977 es declarado Monumento Histórico-Artístico. Antonio Fernández Alba restaura el edificio en 1980 y, finalmente, en 1986 se inaugura el Centro de Arte Reina Sofía. A finales de 1988, José Luis Íñiguez de Onzoño y Antonio Vázquez de Castro llevan a cabo las últimas modificaciones, incluyendo las tres torres de ascensores de vidrio y acero, diseñadas en colaboración con el arquitecto británico Ian Ritchie. Pero después de más de dos décadas de existencia como museo, la principal casa del arte contemporáneo español necesitaba crecer. Por eso, en 1999 se convoca un concurso internacional y es elegido el proyecto de ampliación a manos del prestigioso arquitecto Jean Nouvel; una propuesta portadora de un lenguaje potente y audaz, que además se adecúa a las prácticas museísticas más actualizadas. Así, como si de una gran sombra se tratara, se alzaron tres nuevos edificios, independientes pero complementarios, que entablaron un cortés diálogo con la solidez clásica del edificio de Sabatini, sin que dejara de destacar esa arquitectura de gran elegancia técnica y de sin igual eficacia escenográfica que transformó la complejidad urbanística de la zona. Las cuatro estructuras convergen en una plaza pública en la que se exhibe una escultura de Roy Lichtenstein, y el museo se convierte en la suma de todos los edificios, sus diferencias y sus semejanzas. Y así nacen las dos nuevas salas de exposiciones temporales, la biblioteca, la tienda-librería, los dos auditorios y el restaurante del Reina Sofía. Además,


El premiado arquitecto– urbanista francés, Jean Nouvel, nacido en 1945, fue el responsable de la admirada ampliación. Entre sus galardones destacan el Équerre d’Argent por el Instituto del Mundo Árabe (1987); Équerre d’Argent por la Ópera de Lyón (1993); Commandeur dans l’Ordre des Arts et des Lettres (1997); León de Oro de la Bienal de Venecia (2000); Medalla de oro del Royal Institut of British Architects (2001); Premio Borromini por el Centro de Cultura y de Congresos de Lucerna (2001); Praemium Imperiale (2001); Wolf Prix (2005).

la ampliación también permitió liberar espacios del edificio Sabatini para poder desplegar y ampliar la Colección Permanente que pasó de 500 a 700 obras expuestas, reordenadas cronológicamente, y poniendo énfasis en los puntos fuertes de la historia del arte español del siglo XX.

Los materiales En la ampliación destacan los novedosos usos de materiales y técnicas, como la mezcla de fibra de vidrio y poliéster, para recubrir el edificio del auditorio, tanto en el exterior como en el interior, con un tono rojizo muy característico; o como las lamas de protección de fachadas de aluminio “extruido”, la creación de una inmensa lámpara de dados de vidrio moldeados “ex profeso” en la Real Fábrica de Vidrio de la Granja (Segovia) para el techo de la biblioteca, o la aerodinámica cubierta, revestida de alucore y zinc.

Mientras que los edificios de la biblioteca y de exposiciones temporales fueron construidos con acero laminado. Vigas y pilares se confeccionaron como si se tratase de un textil, con el corte por láser de palastros de cinco centímetros de espesor. Por su parte, el edificio del auditorio fue resuelto constructivamente con el sistema de hormigón postensado. Dos grandes costillas, en disposición simétrica, soportan las cargas de los auditorios y de la sala de protocolo. Estas costillas están unidas por vigas de hormigón armado que forman el patio de butacas de ambos auditorios. La gran cubierta que se eleva seis metros sobre las terrazas en que culminan los edificios y se apoya en esbeltos pilares metálicos, de casi 8,000 metros cuadrados, cubre la totalidad de la parcela y las aceras perimetrales.

Las obras de ampliación aumentaron la superficie museística en 26,892 metros cuadrados, más de un 65 por ciento de la anterior.

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ilovemadrid Los extraordinarios voladizos, que alcanzan hasta los 36 metros de vuelo, hacen de éste un elemento excepcional, con estructuras de vigas metálicas.

La gran biblioteca Este volumen, ubicado en el extremo más cercano a la Plaza del Emperador Carlos V, es uno de los más admirados de la ampliación. Goza de una autonomía física que favorece el estudio y la investigación en condiciones apropiadas. Su fachada sureste refleja la del edificio Sabatini, a través de una superficie reflectante que devuelve la imagen hasta la plaza de Carlos V. Por encima, se alzan grandes terrazas, flanqueadas por inmensos cristales y huecos de iluminación cenital.

“La Central”, la librería

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Situada en el mismo edificio de la biblioteca, la librería “La Central” del MNCARS se especializa en las áreas de humanidades: Arte, Artes Escénicas, Cine, Fotografía, Arquitectura, Diseño, Filosofía, Historia, Sociología, Antropología, Estudios de género, Teoría política, Estudios literarios, Poesía y libros infantiles. Fue fundada por los veteranos libreros María Isabel Guirao, Marta Ramoneda Molins y Antonio Ramírez González. Entre los aproximadamente 65,000 títulos, destacan los catálogos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) y los libros relacionados temáticamente con las exposiciones temporales.

La biblioteca es tal vez uno de los espacios más agradecidos de toda la ampliación. Es un lugar único para los investigadores del arte contemporáneo en España, que cuenta con 100 puestos de lectura y almacenes de reserva capaces de reunir hasta 250,000 volúmenes.

El restaurante Arola Como parte del edificio del auditorio, la apertura de este restaurante, tutelado por el premiado chef catalán Sergi Arola, convirtió al MNCARS en uno de los pioneros del mundo en brindar a sus visitantes un espacio gastronómico internacional. La arquitectura interior del restaurante fue diseñada por Vidal y Asociados, mientras que es Davidelfín quien firma los trajes del personal, dotándoles de su toque característico y peculiar. La muy cuidada imagen corporativa es obra de la diseñadora Susana Vara.

El Concurso Internacional de Ideas para el proyecto arquitectónico de la arriesgada ampliación fue convocado en modalidad restringida y finalmente compitieron sólo 12, de los más de 100 equipos inscritos.


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Texto: FrancisRodríguez Fotografías: FuenteExterna

Asia invade los sentidos

Hoy por hoy, las culturas inherentes a China y Japón sirven de inspiración para los estilos más vanguardistas, que decoran a los espacios neoyorquinos y del mundo. 1

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Cuando se llega a la fachada frontal de esta tienda,estamos en Obscura. Éste es el punto referencial para encontrar cualquier tipo de curiosidad dentro de la gran urbe neoyorquina.

Los diseños y estilos orientales se distinguen por su simplicidad y elegancia.

Hay culturas que se convierten en una pauta a seguir cuando de los nuevos estilos de decoración se trata. Una de ellas es, sin duda, la cultura oriental. Texturas, colores y aromas se imponen con más fuerza, abriéndose paso en los espacios más diversos de la ciudad. Finos muebles e impresionantes piezas de arte, que han caracterizado por siglos a esta cultura, dicen “presentes” en el lugar más inesperado. Los diseños y estilos provenientes de naciones como Japón, China y Korea se distinguen básicamente por su simplicidad y elegancia. “Menos es más” parece ser la filosofía a seguir por estas corrientes, convirtiendo a cada espacio en un tributo a la onda minimalista y en una pauta para todo tipo de establecimientos. Pero esta musa no se limita a invadir los centros comerciales, también se extiende a los hogares. La influencia asiática incluye en su propuesta a un elemento singular: no sólo se trata de hacer más placenteros y acogedores cada uno de estos espacios, sino que procura una incesante búsqueda de paz, balance y calma espiritual. Plantas en todos los tamaños; la implementación del color rojo y de los dorados; muebles en color negro, y fuentes de agua para atraer la armonía, forman parte de esta tendencia. La mezcla entre el Oriente y el folclore norteamericano da como resultado una exquisita combinación que no puede pasar desapercibida. Restaurantes como Haru Sushi, una cadena japonesa en Estados Unidos, y las famosas cadenas


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de hoteles, como el Mandarín Oriental, recogen con gran acierto y glamour las bases de la influencia asiática y las exhiben con orgullo en Norteamérica. Se trata de dos establecimientos totalmente diferentes, pero que coinciden en despertarle la inspiración artística y decorativa a todo el que decide visitarlos.

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Mandarín Oriental Dramáticos colores y seductoras texturas son algunos de los elementos que caracterizan al majestuoso Mandarín Oriental New York, creado por la firma de arquitectos Brennan Beer Gorman, LLP. Este hotel de cinco estrellas refleja una fusión perfecta entre el estilo urbano-moderno de Nueva York y la nostalgia por la herencia oriental. Entre los japoneses los tonos naturales con matices (como el marrón y el gris) son básicos, y pueden encontrarse en la mayoría de los muebles y de las telas utilizadas para la decoración del hotel, que tiene 248 elegantes habitaciones. El rojo, considerado como un color que da buena suerte, se impone en espacios como el Mobar, a cargo del diseñador de interiores Tony Chi, quien se inspiró en las décadas de los años 30 y 40. Las alfombras se abren paso en este conjunto gracias a sus llamativos estampados (en su mayoría florales). Los grandes ventanales y un aprovechamiento de la luz natural forman parte de los atractivos que exhibe el diseño interior de Hirsch Bedner & Associates. También llama la atención una pieza de 250 años de antigüedad, que muestra en su escritura una historia en chino sobre la felicidad y la buena fortuna. Asimismo, las obras de arte acaparan la atención desde la entrada a Mobar.

1. La suite presidencial del hotel Mandarín se convirtió, desde su inauguración en 2003, en uno de los mayores atractivos del recinto hotelero. Cada suite de éstas se asemeja a a la de un pequeño palacio. 2. El salón de fiesta del Mandarín Oriental es un majestuoso espacio ubicado en el piso número 36 de la torre Time Warner, donde se encuentra este hotel. 3. El color de la suerte, el rojo, es uno de los aspectos más distintivos en el MoBar (del Hotel Mandarín Oriental). Los grandes ventanales, con vista panorámica a Central Park, son de los detalles más distintivos de este diseño. 4. Haru Sushi. La entrada al restaurante conduce a un atractivo y moderno salón multinivel. El espacio principal está seccionado con bambú. Esta área también incluye espacios más pequeños, que contribuyen a crear ambientes de mayor privacidad. 5. La sala de estudio del Hotel Mandarín muestra, al igual que en otros espacios, un gran predominio del mármol y la madera, propios en el estilo asiático.

El escultor estadounidense Dale Chihuly es el autor de las dos obras maestras de cristal instaladas en el hotel. La primera es una lámpara chandelier (con un peso aproximado de 2,100 libras y como resultado de una colaboración única con la empresa Waterford Crystal), ésta consiste en 683 piezas de cristal soplado; la segunda, se encuentra


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en el piso 35 y se denomina Crystal Canes, la cual exhibe piezas de cristal instaladas sobre un jardín de ensueño.

Haru Sushi Ésta es una cadena japonesa que no sólo ofrece una exquisita propuesta al paladar, sino a todos los sentidos. Con sus nueve restaurantes en Norteamérica, uno de los más atractivos se encuentra localizado a tan sólo un bloque de distancia de la emblemática área del Times Square, en la calle 42, de Manhattan. Rodeado de cientos de teatros, éste crea en el transeúnte una insuperable primera impresión. Dentro de su concepto japonés no podía faltar el bambú, que en este caso se transforma en el eje

central de la decoración. A este material se suman el uso de pinturas enmarcadas y de maderas al natural, aplicadas en las mesas y en las sillas. Esta acogedora propuesta exhibe una amplia área de comedor rodeada de originales paredes de bambú, que se encargan de dividir el restaurante del Sushi Bar. Pero no se trata de paredes sólidas, sino de múltiples ramas iluminadas y separadas entre sí, que son capaces de crear un ambiente cálido, acogedor y sobre todo práctico. Gris, negro, amarillo y marrón… Son algunos de los colores que pueden encontrarse en otros restaurantes de la cadena. La simplicidad en su diseño y el uso de recursos naturales (muchos de ellos reciclables), se convierte en la mejor carta de presentación de estos enclaves gastronómicos.

El moderno y acogedor Sushi Bar (de la cadena japonesa Haru Sushi) está ubicado en la parte más alta del diseño multinivel de este establecimiento.


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JorgeTavárez

Fotos: FuenteExterna Fotografía: Dan Keys Así se muestra, nocturnamente, una de las caras de la fachada del 1111 Lincoln Road.

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1111 Lincoln Road A través del 1111 Lincoln Road, en Miami Beach, se puede admirar el “modernismo tropical” de una novedosa estructura de ocho pisos, que alberga espacios comerciales, habitacionales y de aparcamientos.

Jacques Herzog, el afamado arquitecto a cargo de este proyecto, lo creó de un modo en el que parece más una obra de arte que un parqueo público. Este profesional “transgredió” por completo las reglas previamente establecidas para la construcción de garajes, y le demostró al mundo que el conductor no tiene por qué estar encerrado entre paredes de concreto. En el 1111 Lincoln Road cada esquina está repleta de luz, de aire natural y de envidiables vistas hacia Miami. En las noches, está iluminado


magistralmente, llamando la atención de todo el que circula por aquel lugar. Ubicado en la Lincoln esquina Alton Road, en South Beach, este conjunto comercial no sólo trae consigo más espacios para parquearse en la concurrida zona, sino que introduce en ésta un concepto totalmente original e innovador.

Vivir en el 1111 Construido a base de vidrio y hormigón armado, el recinto incluye flamantes apartamentos completamente amueblados. Los condominios del “1111 Residences” -así se les conoce popularmente- están impecablemente decorados por Herzog, quien escogió personalmente cada una de las piezas que adornan a estas residencias. En este complejo que mezcla el buen diseño, la exclusividad y una ubicación privilegiada, las viviendas de dos habitaciones (con una extensión de 194.9 metros cuadrados) están valoradas en 1,295,000 de dólares y su cuota mensual de mantenimiento es de US$1,000. En el primer nivel hay más de 40,000 pies cuadrados de espacio comercial; mientras que las vitrinas de los locales, cuyas dimensiones superan los 30 pies de alto, sirven como una especie de espejo para los encantadores jardines acuáticos que engalanan una plaza al aire libre.

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El `verde´ se pone presente

Fotografías: Steven Brooke para Raymond Jungles

Los espacios ajardinados estuvieron a cargo del renombrado paisajista del sur de la Florida, Raymond Jungles, quien conversó con este reportero de Lacasa sobre la flexibilidad y la variedad conferidas a estos diseños paisajísticos, como parte de sus características principales. En esta trilogía fotográfica se pueden apreciar parcialmente los espacios ajardinados del 1111 Lincoln Road, que fueron diseñados por el reconocido paisajista Raymond Jungles.

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ilovemiami Asimismo, Jungles explicó que su inspiración para crear los jardines del 1111 Lincoln Road resultó de una combinación de su admiración por el trabajo de Herzog y del ecosistema natural de los Everglades en la Florida. Para este profesional lo más importante es que estos espacios permitan que los visitantes “aprecien las plantas nativas de la Florida”, y que experimenten lo divertido que puede llegar a ser un punto urbano. Por eso, creó un área verde que fluye naturalmente con la formidable estructura comercial y residencial establecida por Herzog.

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Entre las 11 tiendas y los tres restaurantes de la primera planta de esta edificación se encuentran: la famosa librería alemana Taschen, MAC Cosmetics y el primer Nespresso Boutique Bar de la Florida (el tercero en los Estados Unidos). Nespresso Boutique Bar es un sueño hecho realidad para los que disfrutan del buen café. Es un concepto innovador que no compite con la popular cadena Starbucks. En Nespresso no se sirve el café en vasos desechables, sino en cerámica. La decoración del lugar es realmente alucinante. Su ambiente es moderno y elegante, donde predominan las maderas oscuras, las pieles, los metales y los paneles de vidrio diseñados por el arquitecto francés Francis Krempp. Una explosión de colores y formas, que incorporan elementos Art Deco dentro de la modernidad circundante, le dan la bienvenida al recién llegado. Las tonalidades utilizadas por Krempp en este local de Nespresso van desde el marrón oscuro de los granos de café hasta el blanco de la espuma del capuchino. Ésta es una paleta de colores y sabores, que fluye con equilibrio y proporción. Aquí se puede disfrutar de la experiencia Nespresso, tanto dentro como fuera del local, a sabiendas de que los paisajes de Jungles complementan esta aventura desde afuera. Una verdadera explosión de colores y formas reciben al visitante cuando ingresa a Nespresso Boutique Bar (ubicado en esta versátil edificación miamense). El arquitecto francés Francis Krempp se encargó de implementar allí una gama de tonalidades, que van desde el marrón oscuro de los granos de café hasta el blanco de la espuma del capuchino.

Fotografías: : Seth Browarnik, WorldRedEye.com)

El 1111 y su lado comercial


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SoraydaPeguero Fotos: XavierAngulo

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Vista interior de Los Cuatro Gatos. Allí se sentaron, en su momento, artistas como Rubén Darío, Ramón Casas, Gaudí… y un Picasso ilusionado con la idea de poder ofrecer su Arte al mundo.

La Barcelona de Picasso

El otoño acaba de llegar a Barcelona. Avanzando por la calle Montsió, lugareños y turistas se pasean con abrigos y paraguas, a pesar de que el sol se permite una última apuesta veraniega. Con chaqueta en mano y ligeramente acalorados, nos acercamos a la antigua cervecería Els Quatre Gats (Los Cuatro Gatos), una de las paradas obligadas en la carta de ruta que nos conducirá por la Barcelona de Picasso...


El Colegio de Arquitectos de Barcelona. La única obra de Picasso que se exhibe en la calle. Los dibujos calcados en las paredes del edificio (a cargo del artista noruego Carl Nesjar) están basados en un diseño que originalmente fue plasmado en papel por Picasso.

Els Quatre Gats, una construcción modernista, a cargo de Josep Puig (uno de los arquitectos más importantes del modernismo catalán), fue donde Pablo Ruiz Picasso presentó su primera exposición pública e individual, y donde participó de tertulias bohemias, junto a compañeros de oficio y entrañables amigos como Carles Casagemas, Santiago Rusiñol y el poeta Jaume Sabartés -al que Picasso pintó en varias ocasiones y de quien recibió un apoyo constante-. Puede que “cuatro gatos” sean pocos y que, sin duda, ésta represente una famosa expresión popular (que dicha en catalán o en castellano significa lo mismo), pero a esta hora de la tarde, sólo se contemplan algunas mesas vacías. Los demás puestos están ocupados por lectores absortos, por incipientes familias y por grupos de amigos que conversan tras un postre tardío, sentados en los mismos lugares que antaño fueron ocupados por jóvenes ataviados con grandes sombreros de alas, capas y corbatas. Aquí se sentaban artistas como Rubén Darío, Ramón Casas y Gaudí… y un Picasso ilusionado con la idea de poder ofrecer su Arte al mundo. En las paredes de Els Quatre Gats se pueden apreciar algunas fotos de los artistas e intelectuales que antiguamente fueron asiduos visitantes de este punto de encuentro. Otro dato curioso, que descubrimos durante nuestra visita, es que el entusiasmo de Picasso por este punto era tal que hasta accedió a diseñar la carta del menú.

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Fachada frontal de Els Quatre Gats (Los Cuatro Gatos), en Barcelona, donde Picasso presentó su primera exposición pública e individual, y donde participó de tertulias bohemias, junto a compañeros de oficio y entrañables amigos.


ilovebarcelona Fotografía: FuenteExterna

“Allá (en Barcelona) es donde empezó todo…”, Picasso

Las señoritas de Avinyó es una obra que marcó un antes y un después en la vida artística de Picasso. Ésta debe su nombre a una de las calles que le siguen el rastro al paso del artista por Barcelona, y que en aquel momento estaba repleta de burdeles: la Calle de Avinyó.

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Carrer d’Aviñó (o también conocida como la Calle de Avinyó) es la arteria barcelonesa que inspiró a Picasso a pintar su famosa obra Las señoritas de Avinyó.

“Allá (en Barcelona) es donde empezó todo… Allá es donde entendí hasta dónde podía llegar”, Pablo Ruiz Picasso (1881-1973), pintor y escultor español.

Después de un café en Els Quatre Gats nos dirigimos al Colegio de Arquitectos de Barcelona. Allí nos aguardaba una de las sorpresas más exclusivas de la Ciudad Condal: 57 metros de hormigón que sirven de lienzo a la única obra de Picasso expuesta al aire libre. Los dibujos calcados en las paredes del edificio están basados en el diseño original que Picasso plasmó sobre papel y que fueron realizados por el artista noruego Carl Nesjar. La obra muestra la estampa de temas populares catalanes, que reafirman la estrecha relación del artista malagueño con la ciudad que le acogió durante casi nueve años de su vida y a la que permaneció ligado hasta sus últimos días. “Allá es donde empezó todo… Allá es donde entendí hasta dónde podía llegar”. Así hablaba de esta ciudad Pablo Picasso, que llegó con su familia, contando apenas con catorce años, para instalarse en su nuevo domicilio de la pensión del Paseo de Isabel II, número 4. Era el ocaso del verano de 1895 y Barcelona contaba con propuestas artísticas modernas y florecientes que le revelarían, de a poco, a este joven malagueño los acertijos que le convirtieron en uno de los artistas más importantes del siglo XX. Atrás quedaba el aroma salobre de La Coruña, donde esbozó sus primeros dibujos, y también los vestigios de un invierno doloroso por la pérdida de su hermana Concepción. El padre de Picasso aprovechó el interés de un profesor que quería trasladarse a Galicia, para hacer un intercambio que le permitió establecerse como maestro en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona -la misma escuela en la que más tarde Picasso aprobaría con excelentes resultados los exámenes de ingreso-, iniciando así sus dos años de estudios en el plantel de la capital catalana. En 1896, el profesor José Ruiz Blasco alquiló un espacio en la calle de la Plata, número 4, un lugar que se convirtió en el primer taller de su hijo Pablo, y que éste compartiría posteriormente con su gran amigo Manuel Pallarés. Ahí pintó su primera gran obra, Ciencia y Caridad, expuesta actualmente en el museo Picasso de Barcelona.


Fotografía: FuenteExterna

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En la Sala Parés fue donde Picasso presentó su primera exposición conjunta. Hace cien años que esta sala era un referente muy importante del Arte en Barcelona. En la actualidad, sigue abierta al público.

La andadura de Picasso en la Ciudad Condal En 1899, este artista traslada su taller a la calle d’Escudellers Blancs, donde comparte estudio con Santiago Cardona. Un año después, vuelve a reasentarse nuevamente; esta vez, en la Riera de Sant Joan, cerca de La Escuela de Artes y Oficios, en la que su padre trabajó como docente. Esta calle dejó de existir con la construcción de la Vía Layetana. Durante su período de formación, Picasso fue inquilino de varios talleres ubicados dentro del mismo radio de acción en la Ciudad Condal, pasando por el antiguo Conde del Asalto, actual Nou de la Rambla, y cerrando el círculo con el último estudio que ocupó en la calle del Comerç, número 28, antes de marcharse a París. Recorrer las humildes porterías de algunos de estos lugares evidencia claramente el constante movimiento y el gran tesón del malagueño en su ascenso creativo. La obra que marcó un antes y un después en la vida artística de Picasso debe su nombre a una de las calles que siguen el rastro de su paso

|25 por Barcelona: la calle de Avinyó. André Salmon formaba parte de ese exclusivo grupo de amigos al que Picasso mostró por primera vez su obra revolucionaria. Inspirado en la calle barcelonesa, que en aquel entonces contaba con varios burdeles, André bautizó la obra con el nombre de Las señoritas de Avinyó (Museo Moma, Nueva York) después de que Apollinaire, también amigo de Picasso, se sintiera tentado a nombrarla El burdel filosófico. Cuentan que la controversia de esta pintura empezó co los amigos más íntimos de Picasso que al ver la obra mostraron sorpresa y hasta se atrevieron a gastarle algunas bromas al artista. Dejando atrás la calle de Avinyó dirigimos nuestros pasos hacia el Museo Picasso de Barcelona, que fue construido por expresa voluntad del pintor. Allí nos esperaban más de 3,800 obras amparadas en una bóveda compuesta por cinco palacios góticos que engalanan a la calle Montcada. Seguro que en Barcelona aún quedan muchas cosas por descubrir de aquel joven, que un día ingresó al catalán Els Quatre Gats y que años después partió a París… No sin antes dejar sus huellas indelebles en la Ciudad Condal.

Ciencia y Caridad es una pintura que recrea la escena de un médico (el padre de Picasso posó para simbolizarlo), que le toma el pulso a una mujer enferma (representada por una mujer que mendigaba con su niño por los alrededores del estudio y a la que el pintor le pidió que posara, pagándole dos duros por sesión). Esta dama convaleciente también se hace acompañar de una monja, que sostiene a un niño con una mano mientras ofrece una tisana con la otra.


Fotografía: MaglioPérez

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Arq.CarolinaGarcíaMarcano Fotos: CortesíaArquitecturaenVerde

La vinilomanía,

una moda que se “pega” Lacasa

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Los viniles, también conocidos como vinilos decorativos, están de última. Su sencillez, gracia y unicidad le dan un toque mágico a cualquier espacio, que va de lo exótico a lo natural y de lo divertido a lo intelectual… El vinilo es un adhesivo de gran sujeción, fácil de colocar en superficies lisas (de todo tipo), como paredes, techos, cristales, maderas y metales, y su implementación no requiere del uso de clavos ni de la perforación de pared alguna. Por éstas y por muchas razones más, este material se ha convertido en uno de los recursos actuales más fáciles, rápidos y económicos, a la hora de decorar. El vinilo se consigue en más de 24 tonos: el negro, el plata, el dorado, el rojo y el rosado son sólo algunos de ellos; mientras que el brillo y el mate también son los tipos de acabados en los que se puede encontrar dentro del mercado.

Protagonista de todo espacio conceptual La variedad de los diseños en vinilo promueve la existencia de combinaciones tan diversas como los gustos de los usuarios. Con este elemento ornamental se pueden crear diseños para interiores


“El vinilo se ha convertido en uno de los recursos decorativos más económicos, fáciles y rápidos de implementar”, Carolina García, arquitecta

y exteriores, imprimiéndoles arte y originalidad a cada uno de sus rincones. Esta nueva forma de expresión decorativa nos permite jugar con estilos y diseños, que pueden ser colocados en paredes, puertas, techos y ventanas; en muebles, computadoras y vehículos, hasta convertir a estos espacios en algo único, gracias a la personalización de cada detalle. Los viniles representan el complemento perfecto, cuando de diseño se trata, porque además de materializar ideas, transmiten mensajes y le dan forma a un entorno más artístico y acogedor. Es como crear poesía en forma tridimensional. Las paredes pueden cobrar vida y ser provistas de su propia historia, a través de detalles que harán que los espacios transmitan una sensación de continuidad.

Lo que se ‘desprende’ del vinilo Generalmente, esta ornamentación contribuye a realzar los ángulos que se desean destacar, complementando el mobiliario circundante y contrastando con el color de las paredes, sin ocupar espacio adicional por estar adheridos. Otra ventaja que presenta este tipo de material es que permite la posibilidad de volver a diseñar con el paso del tiempo, ya que puede ser retirado fácilmente.

Paredes, puertas, techos y ventanas; muebles, computadoras y vehículos… Todos estos espacios y elementos se prestan para ser estampados con vinilos que materializan ideas, transmiten mensajes y le dan forma a un entorno más artístico y acogedor.

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espaciosvirtuales Los viniles interiores duran de cuatro a cinco años, mientras que los exteriores cuentan con un lapso de vida menor por estar expuestos a diversos factores climáticos. No es aconsejable pegarlos sobre superficies rugosas, en paredes húmedas, o cerca de fuentes de calor (como radiadores o estufas). Este producto está conformado por tres elementos: la base, que es una hoja protectora siliconada (de color blanco), donde no actúa el adhesivo; el vinilo, que es una lámina adhesiva recortada según su diseño; y el transportador, que es una hoja adhesiva transparente que facilita la colocación.

Optimizando la adherencia

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Colocar el vinilo resulta bastante sencillo, es lo más parecido a poner una calcomanía, y puede derivar en una actividad recreativa para compartir con amigos y familiares. Primero, se orienta en la dirección en la que se habrá de situar el diseño, con la hoja protectora (opaca) apostada en el lado de la superficie donde será adherido, luego se va retirando la hoja protectora, desde arriba hacia abajo, de manera que el vinil se quede pegado a la hoja. A la vez que se va retirando esta lámina protectora, se ejerce presión sobre el dibujo para que el vinil quede adherido a la superficie. Una vez pegado en su totalidad, se va desprendiendo la parte opaca y se le pasa una espátula o regla para eliminar las burbujas. Lo delicado del vinil es que se debe asegurar bien su colocación, ya que una vez instalado si llega a despegarse, pierde su adherencia. Sin embargo, otra opción puede ser la de encargar los viniles con su colocación incluida, pues a veces se torna en un verdadero reto el pegar aquellos que tienen un diseño muy elaborado o que constan de varias partes. Sin embargo, si lo que se quiere es retirar el vinilo sólo hay que aplicarle calor con un secador y levantarlo -poco a poco- por medio a un cortaplumas y con sumo cuidado, para que no se rompa. En definitiva, estos son tiempos de renovación, y nuestros lugares preferidos deben exhibir un sello distintivo. Por eso, este innovador material es ideal para poner en marcha la imaginación, permitiendo crear un mundo propio de la manera más simple. (Para más información sobre el tema acceda a: www.arquitecturaenverde.com / 809-856-8068).


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Fotografía: FuenteExterna

actualidad

Bubble Kid’s sobresale en la BID´10 El proyecto Bubble Kid´s, ejecutado en la Plaza Palma Real (Punta Cana) a manos de la diseñadora de interiores dominicana, Claudia Díaz, fue destacado como uno de los mejores por el jurado internacional de la II Bienal Iberoamericana de Diseño (BID´10). Entre los evaluadores que tomaron esta decisión estuvieron: Carmelo Di Bártolo, Adelia Borges, Lilly Díaz, Fernando Gutiérrez, Antonio Toca y Julius Wiedemann. En su segunda edición, celebrada en Matadero, Madrid, España; y organizada y convocada

por la Central de Diseño y Dimad (Asociación Diseñadores de Madrid y Fundación Diseño Madrid), la BID´10 reafirmó que es una de las actividades más importantes a la hora de promover el diseño contemporáneo que se realiza en Latinoamérica, España y Portugal. La convocatoria se apoyó nuevamente en las ideas de que el diseño ocupa un lugar muy importante dentro de la creación actual; de que puede unir tradición y futuro, y de que puede ser un dinamizador de realidades complejas (como las de los países que forman

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exalta Arquitectura de Santo Domingo En la X Bienal Internacional de Arquitectura de Santo Domingo, dedicada a la región del Caribe, fueron reconocidos los aportes hechos por los arquitectos Eduardo Selman, Segundo Imbert, Oscar Imbert y Cuqui Batista, a la arquitectura dominicana. El Museo de Arte Moderno (MAM) fue el escenario perfecto para promover la producción arquitectónica y urbanística del Caribe y todas las realizaciones afines, tanto en fase de proyectos como en estatus de construcción y producción -dentro y fuera del país-. Entre las disciplinas incluidas estuvieron: el Diseño arquitectónico, el Diseño urbano, la Teoría, historia y/o crítica de la arquitectura y/o urbanismo, el Diseño de interiores, la Arquitectura del paisaje o paisajismo, la Restauración de monumentos, la Arquitectura experimental y la Arquitectura verde. La Bienal contó con la presencia del doctor Manuel Blanco, de España;

parte de la BID). Asimismo, es una muestra de que está obligado a desarrollar soluciones alternativas de consumo responsable, fomentando esa conciencia en las comunidades.

“ArkiForum 2010”

X Bienal Internacional Lacasa

Una perspectiva del proyecto Bubble Kid´s, ubicado en Punta Cana y destacado en la BID’10.

Fotografía: HollyReynoso

Una de las obras exhibidas en el MAM, durante la X Bienal Internacional de Arquitectura de Santo Domingo.

y de los arquitectos Arnaldo Vaca, de Argentina; Carlos Betancourt, de Puerto Rico; Sonia Chao, de CubaEstados Unidos; Fernando Abruña, de Puerto Rico; Daniele Eli, de Haití; y Rafael Álvarez, Richard Moreta, Omar Rancier y Erwin Cott, de República Dominicana.

reúne a profesionales de la construcción

La primera edición de “ArkiForum 2010”, evento que permitió a los profesionales dominicanos de la arquitectura entrar en contacto con las últimas tendencias de este sector en Latinoamérica, de la mano de los más importantes actores internacionales de esta industria, fue celebrado en Santo Domingo a mediados de noviembre. Organizado por la compañía Talent Construction – Match Talent, “ArkiForum 2010” contó con la participación, entre otros profesionales, de Danny Forster, anfitrión del programa “Mega construcciones” de Discovery Channel; del profesional mexicano Carlos Pascal, que expuso sobre “Prácticas innovadoras de la arquitectura en América Latina”; y del arquitecto Sebastián Eilert, que disertó sobre “Sistemas de clasificación de edificaciones verdes y climas subtropicales”, con la contraparte del reconocido profesional dominicano Neiquel Filpo. Esta actividad permitió que profesionales dominicanos relacionados con el área de la construcción, “pudiesen compartir con destacados pensadores del Continente y, al mismo tiempo, con sus colegas dominicanos”, según Oscar Guzmán, organizador de este cónclave. Fotografía: FuenteExterna

“ArkiForum 2010” versó sobre las últimas tendencias de la construcción en Latinoamérica.


Al acudir a Google, compañía de la que es socio y en la que funge exitosamente como ingeniero de software, Spencer Kimball digitó la palabra “arquitecto” y encontró –entre muchos– a la persona ideal para remodelar su loft de Nueva York. El profesional, al que habría de endilgarle aquella obra de rehabilitación, fue seleccionado entre los demás por estar dispuesto a compartir ideas con Kimball, independientemente de ser contratado o no. Era oriundo de la India, vivió en Londres y, finalmente, se domicilió en la ciudad neoyorquina, no sin antes haberse educado en la británica Escuela de San Pablo, en Yale College y en Yale University Graduate School of Architecture. Llevaba por nombre: Jasmit Singh Rangr. Su Hoja de Vida debió cautivar tanto al joven líder informático, que éste siguió buscando información detallada –a través de su popular buscador de Internet- sobre la infinidad de proyectos en los que había intervenido el talentoso arquitecto. Y es que, a partir de 2004, las ejecutorias de Singh Rangr han sido incontables (desde su compañía Rangr Studio), tanto en apartamentos, casas, resorts, hoteles, instituciones, oficinas, galerías, bibliotecas, museos, bares, tiendas y restaurantes, como en el diseño y en la fabricación de muebles. Actualmente, la estrategia de este profesional de la arquitectura sigue cifrándose en la primacía de la experiencia espacial sobre la forma; en los efectos intangibles de la luz, de la acústica y de la textura sobre el espacio, y en el pintoresco efecto único que prodigan las formas escultóricas… El génesis de Casa Kimball Tras la satisfactoria experiencia del rediseño de su apartamento en la Gran Manzana, Kimball le refirió a Jasmit su interés por diseñar algo muy moderno en una zona cálida y playera (en el Caribe, concretamente), adonde poder acudir durante el invierno neoyorquino. De ese modo, viajaron en 2005 a República Dominicana y se prendaron de este solar de 12,000 metros cuadrados, en el que posteriormente decidieron erigir la “Casa Kimball”. Esta construcción sobre suelo dominicano, cuya ejecución inició en enero de 2007 y culminó en diciembre de 2008, no sólo ha sido objeto de múltiples reseñas en publicaciones internacionales, sino que ya es acreedora de un reconocimiento mundial

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por su arquitectura, a través del “International Property Award”, otorgado recientemente en Londres. La consigna del Estudio de Arquitectura y Diseño de Jasmit Singh Rangr (la de crear espacios cuya conexión entre el habitante y el paisaje vaya más allá), se hizo más que evidente en esta obra arquitectónica. “Mis diseños siempre se integran al entorno. Por eso, en cada uno de ellos te sientes muy cerca del exterior. Estos generan escenarios para la vida, que se relacionan profundamente con el medioambiente circundante, como sucede en Casa Kimball”, comenta el arquitecto –quien fue entrevistado por Lacasa, a través del correo electrónico-. “También soy proclive a las figuras geométricas simples, a la modernidad y a las líneas ostensiblemente limpias”, agrega. Por curioso que parezca, cuando Jasmit ideó los planos de esta casa no pensó en implementar estilo arquitectónico alguno. “Por el contrario, el diseño evolucionó a partir del paisaje. La brisa del mar motivó la creación de interiores frescos y abiertos, y la coralina local (sancristobalense) se encargó de prodigar la autenticidad necesaria, para que esta casa fuese tan única”. A fin de concebir el concepto que representaba la mejor solución espacial para este proyecto

En el corazón de Casa Kimball se enmarca su piscina. Cual afluente que habrá de desembocar en el mar, esta pileta de borde infinito simula prolongarse hasta el Océano Atlántico a través de sus 47 metros de extensión.

Agradecimientos a: Spencer Kimball/ Jasmit Singh Rangr/ Ronaldo Widmann/ Jodi Jones/ Oscar Montes de Oca/ Mónica Bouwmeester.

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1. En las terrazas de esta infraestructura construida en “L” se aprecian a la perfección las panorámicas vistas de la costa norte de República Dominicana. 2. La tendencia modernista en el diseño de esta villa está presente en su trazado rectilíneo y en la implementación de materiales nobles. 3. Dos módulos arquitectónicos se disponen en una distribución completamente abierta al exterior, con un espacio a doble altura. Entre ambos discurre una pasarela de un nivel que los conecta. 4. La piscina de borde infinito se extiende hacia el acantilado de esta parcela de Orchid Bay, en Cabrera, sustentando consigo una sucesión de terrazas que parecen desprenderse de ésta.

4 residencial, Jasmit Singh, Eivind Karlsen y Josh Weiselberg (integrantes del Equipo de Diseño de Rangr Studio), visitaron varias veces la zona; analizaron cuidadosamente las condiciones del sitio y sus múltiples visuales. Estudiaron tanto la posición del sol durante las estaciones, como la orientación de las corrientes marinas; y, finalmente, verificaron las condiciones topográficas. En todas las versiones que se manejaron antes y durante el diseño final imperó el equilibro del viento, las vistas y el sol. Cabe destacar que este terreno situado en Cabrera presentaba una suave pendiente hacia el mar, que motivó a los arquitectos de Rangr Studio a posicionar la infraestructura, junto a sus terrazas y su piscina, según la orografía del lote.

Una infraestructura abocada al exterior Desde el umbral hasta el acantilado, esta propuesta es armónica en todas sus formas, volúmenes, entramados y desniveles; mientras que los materiales


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5. Las estancias de Casa Kimball (como esta sala de estar) dialogan con el paisaje a través de las puertas-ventanas giratorias, que permiten un sistema de iluminación natural y la libre circulación de la brisa marina. 6 y 8. En esta villa, que permite una experiencia vacacional única a sus huéspedes, se ofrecen actividades y servicios personalizados. (www. casakimball.com) 7. El comedor se presenta con un doble panel de capirona en el techo, que aporta calidez y contrasta con la blanca coralina del suelo. Esta estructura parece flotar y conecta al dueto de volúmenes rectangulares que la colindan y que componen, junto con ella, a la planta arquitectónica.

naturales se encargan de definir su piel. La blanca coralina (originaria de una cantera dominicana), no sólo reviste las escaleras, las paredes y los pisos de Casa Kimball, sino que les aporta vida a través de su intrincada y fosilizada estructura de relieve del fondo marino. Por otro lado, hay techos puntuales cubiertos de capirona –una densa madera brasileña que, debidamente cuidada y aceitada, le prodiga un brillo inusitado a cada estancia-. De igual modo, algunos muros irregulares se visten de cemento alisado, y ciertas tapias se recubren de piedra. Esta obra arquitectónica, con especificaciones en hormigón armado, presenta forma de “L” e involucra a una estructura flotante que -a modo de pasarela y sobre la piscina- alberga al elegante comedor, cuya mesa de madera brasileña acoge a 20 personas. Este conector, con ventanales contiguos que se abren hacia el cielo, el océano y los jardines, es el responsable de vincular a los comensales con los dos módulos rectangulares que componen al resto de la infraestructura. Ronaldo Widmann, quien estuvo a cargo de la construcción de la villa, explica cómo fusionaron a la perfección a los interiores y exteriores de este espacio. Un par de amplios salones, que comprenden la sala principal, dos bares y un área de entretenimiento, se entrelazan con el paisaje a través de enormes puertas-ventanas (en la casa hay 136 en total), que aunque pesan 1,000 libras (cada una) y miden 5 metros de altura, giran con un cómodo sistema de rodamientos de bolas. La brisa marina y las vistas panorámicas del Atlántico también traspasan a los balcones de las amplias suites de esta villa, llegando sin cortapisas hasta las dos del primer nivel, y hasta las seis del segundo.

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“Este chalet ultra-moderno, cuyo elegante diseño ocupa parcialmente tres acres de vírgenes tierras ubicadas frente al Océano Atlántico, también se rodea de almendros y cocoteros. Sobre un acantilado y a 50 pies del mar, goza Casa Kimball de una vista panorámica de 180 grados hacia el horizonte”, Spencer Kimball, propietario.

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Sin embargo, es la piscina de borde infinito y de 360 grados de panorámica, el corazón de Casa Kimball. Con 47 metros de largo y 10 de ancho, y provista de 750 metros de cerámicas azuladas que se confunden con las tonalidades oceánicas, esta pileta es circundada por tres niveles de terrazas: la superior, con un jacuzzi para 20 bañistas; la intermedia, y la inferior (al borde del acantilado), desde donde puede disfrutarse del Atlántico “cara a cara”. Para el sinnúmero de visitantes que han pasado por allí, este destino es “una inspiración”, “un sueño hecho realidad”, “un oasis en el Caribe”, “un pedazo del paraíso”… Para Spencer Kimball, su casa representa más que eso; le da la oportunidad de experimentar sensaciones tan maravillosas, (cada vez que deja atrás a la “Ciudad que nunca duerme”), como “nadar bajo la luz de la Luna o disfrutar, desde la azotea, de un cielo nocturno tan brillante, que la Vía Láctea puede ser divisada como una difusa banda de blanca luz que atraviesa el arco de los cielos…”.

9. La ingeniosa construcción de mamparas en coralina le prodigan privacidad y encanto a las duchas de algunos de los baños de esta casa (donde hay 14 en total), permitiendo que la experiencia en esta área sea sublime gracias a sus vistas panorámicas hacia la piscina y el mar. 10. Con dos habitaciones abajo y seis arriba, en estas suites de Casa Kimball priman la amplitud y la holgura en el metraje, el paisaje que se infiltra a través de los balcones, y los contrastes entre los vaporosos visillos y los elegantes muebles. (Todas las piezas mobiliarias de esta casa son de Dedon). 11. El entramado irregular de los paramentos permite la fusión de los espacios interiores y exteriores, propiciando el ingreso de la luz natural y de la brisa marina en todas las estancias de Casa Kimball.


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“El dramático centro de la casa viene dado por la piscina, con su borde infinito y sus 47 metros de largo, al crear la combinación perfecta entre la propiedad y la vasta extensión donde se unen el océano y el cielo”, Spencer Kimball, propietario.


casasconestilo Por OlgaAgustín Fotografías: MaglioPérez

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La predilección de la diseñadora Paola Alvarado por un estilo moderno y glamoroso, con ciertos matices barrocos, se refleja a través de todas las estancias de su apartamento, incluyendo al espectacular comedor que se aprecia en esta imagen.


Un espacio reflectante Inspirada en un estilo barroco-moderno, la diseñadora Paola Alvarado reflejó en su propio apartamento, situado en una torre del Mirador Norte, ese toque chic que la caracteriza. A pesar de haber egresado -no hace tanto- de la Universidad APEC, en la carrera de Diseño de Interiores, Paola Alvarado se inició a temprana edad en su área, llegando, inclusive, a diseñar, ejecutar y dirigir proyectos de interiorismo aún antes de graduarse. El haber dado pasos agigantados en lo suyo, desde sus comienzos, es tal vez lo que la ha llevado a insertarse de manera independiente en un mercado, donde a pesar de su juventud ya exhibe diversos proyectos residenciales, comerciales y de salud en su portafolios. Ante tal experiencia, no es de extrañar que su propio espacio haya sido uno de los más disfrutados y de los que han encerrado mayor dificultad para ella, a la hora de ser ejecutado. Sin embargo, y aunque su modestia no le permita reconocerlo, es el apartamento de 160 metros cuadrados que hoy habita, una de sus obras maestras; y el inmueble más codiciado de la torre del Mirador Norte, donde está ubicado. “Podría decirse que yo ‘erigí’ este apartamento, pues estuve aquí desde que se colocó el primer block y cuando se dispuso de cada detalle…”, comenta Alvarado al explicar cómo se involucró en el diseño de la iluminación, de los techos, de las puertas y de los muros, desde que el inmueble estuvo plasmado en planos.

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La personificación del glamour Al ingresar al espacio de Paola Alvarado lo primero que se ve es un pequeño recibidor, que no habría existido de no ser porque ella así se lo propuso; éste se hilvana cromáticamente con el resto de las áreas y exhibe una repisa flotante junto a un espejo singular (ambos creados por la diseñadora). A seguidas, un espacio matizado por el azul turquesa revela la predilección cromática de su propietaria, aunque “El concepto del diseño de esta decoración se cimentó en los colores neutros”, aclara.

Cual túnel de ensueño, el pasillo enmaderado del apartamento de esta diseñadora fue prolongado a través de dos vigas acentuadas con luminarias indirectas hasta llegar al nicho del fondo, que hace las veces de punto focal.


casasconestilo “Aunque fue muy difícil diseñar mi propio espacio, decidí finalmente que resultase sencillo y que, a su vez, luciese trabajado”, Paola Alvarado, diseñadora de interiores (www.paolaalvarado.net).

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Dentro de la sala, cuadros alegóricos a la música juegan con las tonalidades imperantes en la estancia. Aquí se fusiona el negro, a través del mueble de micro-fibra diseñado por Paola; el azul turquesa, por medio a la alfombra de seda y a los cojines (ambos manufacturados por la anfitriona); y el gris-plateado, a cargo de otros cojines, de los accesorios decorativos y del estuco veneciano aplicado en la pared.

Es, sin duda, el comedor, el espacio que roba las miradas de todo el que se adentra en esta infraestructura. Allí pende una majestuosa lámpara, con luz directa e indirecta, que enamoró desde un escaparate a Paola Alvarado, e inspiró a la diseñadora no sólo en esta estancia, sino en las demás. En cuanto al juego de comedor, cuyo diseño (también a manos de Alvarado) evoca ligereza, con un tope de cristal y una base enmaderada moderna como mesa, está rodeado de media docena sillas forradas a la medida, y se ve enmarcado por una pared revestida con un gran espejo, que proporciona una sensación de amplitud, y por unas piezas de sheetrock embellecidas a través de un moteado grisáceo. En la sala priman los tonos neutros (el gris, el blanco y el negro), tanto en paredes, techos y mobiliario, como en vigas y columnas; mientras que el azul turquesa es salpicado a través de los cojines y de una llamativa alfombra de seda (manufacturada y diseñada por la propia diseñadora). En esta estancia también se realizó un trabajo especial en los techos para aligerarlos, con pequeños toques de luz y con un diseño provisto de cierto movimiento. Originalmente, la cocina no se comunicaba con el comedor y estaba prácticamente amurallada; sin embargo, Paola Alvarado la rediseñó, sacándole el mayor provecho posible al metraje disponible. Así surgió un espacio abierto, que también funge como desayunador, invitando a sus dueños a cocinar, e integrándose con las áreas adyacentes. Al atravesar unas puertas pintadas de negro (diseñadas por esta creativa, y dotadas de un estilo moderno y rectilíneo), se accede: al pasillo que conduce a las habitaciones, al cuarto de estudio y a los baños de este apartamento. Este pasaje se realza con un piso enmaderado (al igual que los dormitorios), pues Paola buscó dotar de la mayor calidez posible a las áreas más privadas de su hogar. Al pasillo también le fue anexado un falso techo para acentuarlo con luces indirectas, que conducen –cual túnel- hacia las diferentes estancias de la casa y hacia un nicho iluminado, que hace las veces estéticas y que propicia la sensación de profundidad. En la habitación principal, al igual que en el resto del lugar, el mobiliario fue diseñado por Paola Alvarado. Aquí no hay gavetero como tal, sino un


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|47 La tríada de imágenes se corresponde a diversos ángulos de la cocina, donde Alvarado creó un desayunador y un práctico espacio que invita a la gastronomía. Es notable ver cómo acentuó en color turquesa: la viga y la columna central, en franca coherencia cromática con el resto de las áreas. Asimismo, llaman la atención: un fregadero de esquina, como elemento funcional y decorativo; un par de lámparas metalizadas sobre el desayunador; y un reloj en forma de nota musical, por aquello de la melomanía de sus dueños.

mueble flotante donde está colocada la televisión; y un par de mesillas, flotantes también. Asimismo, en esta estancia, los colores marrones prodigan el toque hogareño y se combinan con el azul turquesa, que prima en todas las áreas, a través de la ropa de cama y de la cortinería (que se matiza en dos gamas de azul y que cuenta con hilos claroscuros). Las paredes están pintadas de color marfil, bajo la técnica del estuco veneciano, siendo realzadas por las luminarias indirectas que Paola adaptó al techo de su dormitorio central. Contiguo al master room está el baño principal, donde el blanco y el negro se imponen junto a unos tramos flotantes que le aportan un acento distintivo, con detalles ornamentales que lo enriquecen y le confieren mayor personalidad. Que sus vecinos quieran comprarle el inmueble, o que su esposo organice los convites más inesperados para que las nuevas visitas piropeen este espacio, son señales más que claras de que Paola Alvarado logró reflectarse a sí misma en su propia creación.


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“En los diferentes proyectos que he diseñado siempre juego con la iluminación; es algo que, sin duda, me identifica”, Paola Alvarado, presidenta de Paola Alvarado Diseñadora de Interiores y Eventos

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4 1. Este rincón espera al visitante en forma de mini-recibidor, a través de una repisa flotante junto a un singular espejo (ambos creados por Paola Alvarado). 2. Este vibrante baño, con su lavamanos, sus cenefas y su suelo anaranjado, incluye también al blanco, para armonizar el original espacio. 3. Un medio baño exhibe un pequeño lavamanos con grifería importada (de acero inoxidable y tipo cascada), y un porcelanato metalizado que lo reviste por completo. 4. En blanco y negro, el baño principal es un deleite, donde el papel de la iluminación es protagónico. 5. Los tramos del baño principal, junto a unos accesorios puntuales, lo acentúan elegantemente.

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das influencias y corrientes artísticas o artesanales con inusitada armonía y libertad- en la esencia de Adriana Hoyos, en su fuerza como mujer detallista, en la artista de cada trazo al diseñar sus muebles. Su nueva colección respira la riqueza de un continente caudaloso, tanto en formas naturales como animales. África es el nombre que inspiró a Adriana Hoyos. Ésta no sólo es una colección, es más que eso. Es interpretación, es arte, es la fusión de una cultura poderosa con lo contemporáneo... No hay sitio para la inspiración sin creatividad ni tradición; por ello, África, para Adriana Hoyos, es única.

¿Por qué el nombre de África? ¿Qué trae esta colección?

Las piezas de África Collection se prestan tanto para los ambientes playeros, como para los metropolitanos.

Fotografía: HollyReynoso

“El estilo de vida de la gente ha cambiado, ahora busca la comodidad por encima del lujo”, Adriana Hoyos, decoradora de interiores y diseñadora de muebles.

Yo busco que los nombres de mis colecciones no tengan idiomas, que se entiendan en cualquier parte del mundo. Anteriormente mi tendencia se orientaba hacia nombres gastronómicos –durante una entrevista con un periodista en México, me dijo que parecía que estaba entrevistando a un chef y no a una diseñadora de muebles-, y debo confesar que fue duro salirme de esa línea. Pero era tan fuerte mi colección desde que nació África que nunca pudimos cambiarle el nombre y tratamos de hacerlo para que no fuera tan relacionada y no encasillara a una colección en específico, de modo que no predispusiera a la gente sobre qué encontraría en África. Porque la colección es exótica, es salvaje, es glamour; tiene que ver con el continente africano, pero también es muy urbana. En fin, era tan África que no pudimos salirnos de ahí. Y África a mí me gusta, porque siento que está de moda, es un Continente muy actual. Hoy día, la gente ha tomado mayor conciencia sobre la naturaleza y siente más deseos de cuidarla. Creo que en África la naturaleza está en su forma más primitiva, es por eso que la atención del mundo está allá.

¿Qué está de moda en la decoración? La decoración se ha abierto mucho. No es tan estricta como antes. Pienso que hay una relación muy íntima entre la moda de vestir y la moda del diseño de interiores. De hecho, hay una tendencia altísima hacia todo lo que es el animal print. Esto ha traído un reflejo inmediato de todo lo que es la moda del mueble. También por ahí tengo una gran dosis de inspiración en la moda. Actualmente, lo que pre-

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entrevista domina en un hogar es un ambiente confortable, provisto de materiales naturales, duraderos; ya no son ambientes para deslumbrar, sino para usar en familia. El estilo de vida de la gente ha cambiado, busca la comodidad antes que el lujo.

Tus colecciones anteriores han sido impactantes; dan comodidad, lujo y confort, ¿qué buscaste en África? Creo que me muevo buscando los mismos elementos: confort, impacto, lujo y originalidad. Me gusta que cada colección tenga identidad propia. Esos son algunos de los elementos que siempre uso como inicio del proceso creativo de una colección. Y de repente, ahora me inspiró el continente africano; su fauna, su cultura, sus costumbres. Es África en todo su esplendor.

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Has utilizado el color chocolate en una de tus colecciones, ¿qué significa este tonalidad de madera para ti? El color chocolate me parece que da mucho realce al mueble. Es un color que no pasará de moda, porque es cálido, da glamour y elegancia a los muebles. Al generar un alto contraste crea un marco para el mueble. Yo trato de incorporar algo de madera oscura en todas mis colecciones. En esta colección y en la anterior, utilicé algunos tonos de madera; también en la Caramelo. La Colección África cuenta igualmente con un tono medio.

¿Cómo es el ambiente ideal para ti? Debe invitar a ser usado, debe llamar a relajarte y a disfrutar. Cuando se genera esa magia y el ambiente te atrae y te busca, se crea una especie de imán. Eso es lo que persigo al diseñar un ambiente.

¿Quién es Adriana Hoyos? Soy una mujer muy luchadora, muy trabajadora. Una persona sencilla, que disfruta de su familia y de estar en casa. Para mí el lujo es algo muy personal. Soy una persona vibrante, perseverante, por donde meto la cabeza la saco (así me ha dicho mucha gente). Soy de las que salen adelante. Trato de ser transparente y sincera. Me gusta ser directa, creo que eso me ha ayudado mucho en la vida. Soy alegre, optimista, me gustan las fiestas. Disfruto mucho de la vida.

Por medio de África Collection, Adriana presenta una interpretación de los tambores africanos a través de las formas que adquieren las mesas. La textura visual de la piel de jirafa se aprecia en varios de los diseños y los contrastes de los colores del desierto se ponen de manifiesto en las finas maderas de cada pieza.


¿Cuál ha sido la inspiración en cada una de tus creaciones? La cultura latinoamericana. Ésa es mi bandera. Eso es lo que vendo. Me siento muy orgullosa de ser latinoamericana, de presentar mis colecciones de muebles en distintos escenarios y de que claramente reflejen que Latinoamérica es distinta. Y es que los muebles reflejan muchas veces nuestra personalidad. Que seamos alegres y abiertos no es algo que pasa desapercibido.

como diseñadora es orientado a la persona con un background, yo soy diseñadora de interiores. No estudié Diseño Industrial, sino Diseño de Interiores. Yo veo el mueble siendo parte de un ambiente, no como una pieza suelta por ahí. Voy mucho a Europa, a la Feria de Milán, y observo piezas de diseñadores maravillosos, pero que no pertenecen a nada. Yo creo colecciones, apuesto por ambientes que fluyan, por eso es que puedes preparar toda una casa con mis creaciones.

¿Estás tras cada detalle de tus colecciones?

En tus creaciones, ¿impones tu femineidad?

Sí, estoy en todos los procesos. Tengo un buen equipo que me respalda. Pero estoy día a día en cada detalle, desde el inicio, marcando los lineamientos. Muchas veces la inspiración viene de un momento a otro. Por ejemplo, África fue uno de mis sueños, de los momentos de claridad conmigo misma y entonces yo los interpreto y le cuento la historia a mi equipo creativo. No pueden ser étnicos, quiero que trasciendan de ello. Luego, realizo los primeros esbozos (soy pésima dibujante, pero me hago entender). Después ya vienen los prototipos, los materiales a usarse; investigo constantemente, porque no estoy sólo en Ecuador, tengo que viajar mucho, comprar los mejores cueros, los mejores cerrajes. Además, estoy en contacto con muchos trabajadores del diseño para lograr todo esto.

Sí, en todo. Como mujer tenemos nuestros pro y nuestros contras, pero siento que la mujer tiene más sensibilidad con los detalles. Ser mujer me ha ayudado para ser más detallista y tener más cuidado, que es lo que marca la diferencia.

¿Cuáles tendencias sigues en el diseño?

La colección Coco fue mi primera. Le tengo un gran aprecio. Siento un gran apego aún. La recuerdo y creo que es una colección impecable, a ella le debo donde estoy hoy día. A Chocolate también le tengo mucho cariño, porque es la que más se ha vendido hasta ahora.

Me gusta siempre que mis muebles sean cálidos y clásicos contemporáneos. Me gustan las cosas atemporales. Yo diseño mucho pensando en el ser humano y en la escala. Mi perspectiva y mi estilo

“Cuando el ambiente irradia relajación y disfrute, éste atrae al usuario como si fuese un imán. Ésa es la magia que persigo con cada uno de mis diseños”, Adriana Hoyos, decoradora de interiores y diseñadora de muebles.

¿Qué representa tu mayor tesoro?

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Mi familia. Tengo dos hijos maravillosos, que a pesar de tener una madre trabajadora, que viaja constantemente, son exitosos. Mi hijo tiene 21 años y mi hija 19, creo que lo hemos hecho bien; he tenido un marido que me ha apoyado incondicionalmente con ellos. Él muchas veces ha hecho de padre y de madre.

En cuanto a tus colecciones, ¿alguna predilección en particular?

África es una colección casual y versátil, que adapta las tendencias y los valores modernos a diseños con proporciones livianas. En ésta, “Los contrastes de maderas en colores y texturas son fascinantes… Es divertida, de piezas frescas llenas de sensaciones”, puntualiza Adriana Hoyos, su diseñadora. “África es exótica y urbana; un safari, pero a la vez muy metropolitano”, añade.


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Por Arq.IvánBalcácer Fotografías MaglioPérez

La reutilización

en el nuevo diseño de interiores

Darle un nuevo uso a los materiales, mediante una acción de mejora o restauración, es la consigna de la reutilización. Ésta forma parte del repertorio de todos los arquitectos e interioristas que propugnan por una `arquitectura sostenible´. La preocupación por la conservación medioambiental estimula el empleo de la mayor cantidad posible de recursos naturales para la producción de energía, a ser consumida en el interior de la edificación. También propugna por la reducción del consumo de recursos como el agua, la calefacción, la refrigeración y la iluminación artificial, entre otros. Y, asimismo, procura disminuir el consumo de ciertos materiales de construcción y terminación, dando prioridad a los de menor contenido energético para su producción y procesamiento.

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La reutilización durante el paso del tiempo…

La fachada de La Viña de El Catador, en la Tienda Lope de Vega, es un vivo ejemplo de la reutilización de decenas de botellas de vino vacías.

Aunque el concepto de la reutilización suena novedoso, realmente no lo es. Durante el Imperio Romano era usual derrumbar edificaciones dotadas de exuberantes terminaciones, porque su uso debía ser modificado o eliminado; entonces se procedía al desguace de la estructura, procurando aprovechar las partes que podían “reutilizarse” y que entrarían a formar parte de una nueva edificación (como las puertas, los bloques de piedra tallada, las columnas y los elementos de mármol, por mencionar algunas). A principios del siglo XX, el arquitecto catalán, Antonio Gaudí, creador de una arquitectura con un lenguaje único, solía terminar sus estructuras con pedazos de cerámica y otros objetos recolectados en basureros, aplicándolos tanto en interiores como en exteriores. Otro ejemplo de la reutilización, que ha quedado plasmado en el tiempo, viene dado por el arquitecto norteamericano, Frank Lloyd Wright, quien diseñó estructuras con muros de concreto y botellas empotradas, para permitir el ingreso de la luz solar.


¿Por qué se retoma este concepto con tanta fuerza? La respuesta es muy clara. A partir del siglo XIX el mundo industrializado avanzó de una manera vertiginosa. Las mejoras en materia de salud, apoyadas en las nuevas medicinas, facilitaron que la población mundial se multiplicase por diez, a pesar de las guerras; sumado a esto, también hay que ponderar: los avances agrícolas que permitieron alimentar a esta superpoblación, las mejoras económicas para un mayor número de gente, el abaratamiento de las mercancías de oferta por parte del mercado y las ideas consumistas. Todo esto derivó en que los depósitos de chatarras y desechos, producidos principalmente por los países desarrollados, reventasen. Desde ese momento, las voces de los ecologistas no se hicieron esperar. Durante la década del 70, inició una gran preocupación por detener la inevitable contaminación de los ríos, de los valles agrícolas y de las zonas urbanas. Muchos países se planteaban el reciclaje de materiales ya procesados a fin de obtener materia prima para la fabricación de nuevos productos o de otros similares; esto podría paliar parcialmente el problema, y reduciría a su vez los costos de producción. Así se empezó a reciclar el vidrio, el acero, el papel, el cartón, los plásticos y los textiles; más tarde, se decidió emplear la basura orgánica en la producción de fertilizantes y de combustibles orgánicos.

La reutilización, hoy en día Reutilizar, con visión ecológica, los artículos que han llegado al término de su vida útil, se ha convertido en una verdadera alternativa para superar los embates medioambientales. Los arquitectos e interioristas también se han abanderado de esta idea, convirtiéndola en una tendencia ecologista que ha sido bautizada de diversas formas. “Ecofriendly”, “arquitectura verde”, “eco-arquitectura”, “arquitectura ambiental consciente”, son sólo algunas de estas acepciones que derivan en la finalidad común de concienciar a los usuarios de los nuevos espacios para que tomen en serio la necesidad de cuidar el planeta y los recursos que éste les ofrece. La tendencia se centra en la reutilización de elementos y materiales como la madera, el ladrillo y

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En la foto superior, un ángulo del diseño ganador del primer premio correspondiente a la Segunda Edición del Concurso “Espacio Verde” (promovido por La Nacional Home Gallery, y todavía en exhibición en esta tienda), muestra cómo se puede ambientar un espacio con un mobiliario a base de papel de periódico, de botellas plásticas, de gomas, de revistas y de otros materiales reutilizados. La imagen de abajo corresponde a la tienda The Green Store, donde es posible admirar un conjunto de plafones suspendidos, que fueron construidos a partir de paletas de madera reutilizadas y preservadas en su estado natural.


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la cerámica; los hierros, las puertas y las ventanas; los ornamentos de yeso y los de mármol, a fin de reconceptualizarlos en los nuevos espacios. Esta propensión deja de lado al minimalismo, permitiendo que el detalle, las formas y las texturas invadan a los ambientes con toques sutiles. Las directrices avocadas a la conciencia ecológica admiten de buena manera el empleo de elementos que formaron parte de estructuras arquitectónicas antiguas, donde algunos materiales (como la madera) son recuperados y re-ensamblados. A estas piezas se les provee de formas modernas, aprovechando el material ya elaborado, cuya añejada belleza no logra ser superada por uno nuevo; de ese modo se evita la acumulación de depósitos repletos de materiales inservibles. Algunos objetos como puertas, lavamanos y rejas, entre otros cuantos, no sólo pueden recuperarse y reutilizarse dentro del mismo concepto de uso, sino que admiten ser cambiados para ser utilizados de un modo totalmente nuevo y diferente. Cabe destacar que el uso reiterado de toda pieza y material deberá hacerse tras una selección previa y antes de ser ubicada dentro de otro ambiente. Muchos interioristas sugieren la implementación de muebles ya usados dentro de los espacios con el objetivo de frenar la constante fabricación de otros nuevos, controlando así la tala de árboles, por mencionar una de las ventajas que esto acarrea. Algunos llaman Sabih-Chic a este movimiento, ya que para conseguir la unidad visual dentro de esta mezcla de elementos -que supone la decoración con objetos tan diversos-, estos se seleccionan en consonancia con una línea más bien tradicional y se pintan de blanco. Por otra parte, hay expertos que argumentan que el mobiliario contemporáneo (como los muebles acrílicos de 1970) debe rescatarse y reutilizarse, ya que este material no es biodegradable y es mejor no producirlo más. En general, es permisible cualquier aplicación dentro de un proyecto nuevo. Se puede utilizar todo material, objeto o producto que contribuya a la reducción de los basureros, resultantes de la fabricación y del descarte de un sinfín de productos industriales. Con esta acción, se promueve la disminución de los cúmulos de materiales

Una verdadera obra de arte, construida a partir de la reutilización de varias planchas de impresión de periódicos, pende de una doble altura en la tienda Stiletto (de la calle Max Henríquez Ureña). La creación de este colgante, que representa a una bandada de grullas, es de la autoría de la orfebre Geovanna Cabrera; el diseño de la tienda es de la arquitecta Marivi Bonilla.

desechables y la reducción del uso de la energía para extraer los recursos naturales, explotarlos y destruirlos, añadiendo a este proceso -y como producto del mismo- el reciclaje de los residuos.


Gustavo MejĂ­a Ricart No. 265, La Castellana. / Tel: 809-472-1171 / Cel.: 809-447-1055 artenativodm@hotmail.com


livingoffice Por NormaGuzmán Fotografías: MaglioPérez

En el pasillo de IMEDEC, como espacio de transición entre este Centro de Imágenes y el local adyacente, primó la neutralidad, pues su función principal era convertirse en el silencioso complemento al diseño de cada área. Éste permite la fluida transición entre los distintos ambientes. (El diseño de interiores de IMEDEC estuvo a cargo de Interiores Innovadores).

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Espacios que

sanan

Hoy por hoy, los centros de salud, como IMEDEC, se inclinan por la onda del diseño arquitectónico que implementa los healing spaces (o espacios curativos), para promover el bienestar y la pronta curación del paciente.


Los espacios que nos circundan tienen el poder de sanarnos, de acompañarnos y hasta de confortarnos. Y es que estos escenarios no son inanimados, como solemos pensar, sino entes activos que ejercen una gran influencia sobre nuestro estado mental, emocional y físico. Son herramientas terapéuticas que combaten la depresión, disminuyen la ansiedad y el dolor, estabilizan la tensión arterial, mejoran el sistema inmunológico, generan buen humor y hasta incrementan nuestra productividad. En las últimas décadas, los conocimientos adquiridos en el ámbito de la psicología del diseño impulsan el desarrollo de un tipo de diseño arquitectónico cuyo objetivo principal es promover el bienestar de los usuarios a través de los llamados healing spaces (o espacios curativos). Estas soluciones devienen de la necesidad de dejar atrás el frío estilo tradicional que se viene implementando en los centros de salud, el cual se ha comprobado que incrementa los niveles de estrés en el paciente y entorpece su pronta curación. El espacio curativo combate el famoso Síndrome de la Bata Blanca al incorporar estrategias de diseño que promueven una sensación de tranquilidad y confort, que aluden a la naturaleza, tanto en el uso de materiales como en los motivos decorativos empleados, incorporando la iluminación y la ventilación natural. Pero, sobre todas las cosas, un espacio curativo propicia un ambiente que refleja el respeto al ser humano, en especial en el momento de la enfermedad, cuando nos encontramos más vulnerables que nunca.

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IMEDEC se suma a la onda curativa del diseño La propuesta de rediseño en la sala de espera del centro de Imágenes Médicas Especializadas (IMEDEC), situada en el séptimo piso del edificio Medicalnet, fue realizada por la diseñadora de interiores Marlene Ferrando y por quien escribe. Allí, intentamos crear un ambiente que reflejase la confianza y el sentido de tranquilidad que se desea transmitir a los pacientes que acuden al Centro, aminorando

El alto contraste entre la verde tonalidad de la pared de esta sala de espera, su mobiliario blanco y la oscura madera que lo matiza, permite maximizar el impacto que causa esta pared tan pronto se ingresa al área, convirtiéndola en el punto focal del espacio dentro del Centro de Imágenes Médicas Especializadas.


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así el alto grado de ansiedad que estos sufren en la espera previa a una prueba diagnóstica. Para lograrlo, incorporamos detalles alusivos al concepto de la naturaleza, introduciendo motivos florales como elementos decorativos; así como el tono verde manzana utilizado en la pared principal. Elegimos esa tonalidad por su alto contenido de amarillo, la cual aporta más luz que el tradicional verde pastel usado en los centros de salud, y genera una atmósfera acogedora. El gran ventanal que ocupa toda una pared de la sala de espera nos permitió explotar la enorme cantidad de luz natural que entra al espacio. La iluminación natural es esencial dentro de un espacio curativo, pues el estar expuesto de manera prolongada a espacios con una iluminación pobre o con luminarias artificiales hace que el usuario se sienta deprimido, apático y vencido por la fatiga. Por tal razón, y en aras de aprovechar la luz, utilizamos una pantalla semi-translúcida que funciona como difusor y evita el deslumbramiento. En el diseño del pasillo que conduce a la sala de espera, introdujimos madera de roble, que aporta cierta calidez al espacio; piedras blancas, y plantas en jarrones y maceteros, para incorporar toques naturales, y el cristal como componente reluciente que refleja la claridad. En este último se aprecia un diseño ondulante, que elaborado en vinil adhesivo tipo frost y colocado sobre una prolongada pared de vidrio, les proporciona un gran interés visual a las personas que esperan a ser atendidas. Con el blanco de las paredes se enfatiza la sensación de pulcritud y limpieza, mientras que los tonos grises proporcionan un fondo sobre el que se destacan las sillas blancas. El mayor reto a la hora de diseñar cada rincón de este espacio fue lograr un ambiente que pudiese satisfacer la variedad de criterios y gustos de los usuarios, así como de contribuir con una experiencia enriquecedora para ellos, canjeándole su miedo por tranquilidad; su ansiedad por serenidad, y su angustia por esperanza. En fin, la idea fue crear un espacio digno para un ser humano aquejado de salud, donde su bienestar no fuese parte del azar, sino más bien el resultado de una intención: materializar un espacio curativo. (La autora es diseñadora de interiores).

En la sala de espera de este espacio curativo (en IMEDEC) se agregaron sutiles toques de verde para complementar el color de la pared opuesta y enfatizar, así, el concepto de la naturaleza.

Las diseñadoras de interiores Norma Guzmán y Marlene Ferrando (a cargo de este healing space) decidieron que antelando el paisaje que se vislumbraba a través de este gran ventanal de IMEDEC colocarían tres maceteros. Asimismo, la inclusión del vidrio a través de los jarrones aportaría la sensación de transparencia dentro de este espacio de salud.


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Por: OlgaAgustín Fotografías MaglioPérez

Composición de una cocina Nathalie López Morillo y Catherine Mtnez. Chestaro

Igual que el pintor Piet Mondrian en su obra Composición en rojo, amarillo y azul, la propuesta de una cocina “reformulada” por Catherine Martínez Chestaro y Nathalie López, estudiantes de término de Diseño de Interiores en UNIBE, también logró crear un efecto monumental en el Proyecto 001 de la revista Lacasa.

Tras enterarse de aquella posibilidad,

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que les llegó de manos de su profesora, la diseñadora y máster en interiores Angélica Rodríguez, y de la directora de la Escuela de Diseño de Interiores de UNIBE, la diseñadora Sandra Gómez, esta pareja de estudiantes -casi egresadas de la carrera de Diseño de Interiores- no lo dudaron ni un instante: concursarían junto a 23 compañeras universitarias de la materia de Costos y Presupuesto de Mobiliario, para ser las ejecutoras de la remodelación de una cocina, en tan sólo un mes y con apenas 20 mil pesos de presupuesto, a través del Proyecto 001 de la revista Lacasa. Familiarizarse con los precios de los materiales y artículos en el mercado, manejar óptimamente un equipo de trabajadores y ejecutar una propuesta de diseño sujeta a los gustos, necesidades y exigencias del cliente eran tópicos que Catherine Martínez y Nathalie López sólo habían leído en sus libros de texto y escuchado en las cátedras universitarias de sus maestros, hasta que se enteraron de que su propuesta no sólo sería ejecutada en un hogar y publicada en Lacasa, sino merecedora de una excelente calificación para su récord de notas. Los propietarios de la cocina, que serviría de escenario para que estas estudiantes meritorias –a la espera de graduarse Magna Cum Laude– pusiesen en práctica lo aprendido, querían que su reducido espacio se tornase más moderno y que le fuese incorporado un pequeño desayunador. Inmediatamente, Martínez y López pensaron en utilizar la encimera existente frente a la única ventana de la cocina de este matrimonio sin hijos. Así, los anfritriones podrían degustar de los platos

“Ésta ha sido una oportunidad académica y editorial, que nos ha permitido dar un salto hacia la realidad”.

recién preparados, disfrutando de la vista y de la ventilación proveniente del exterior. Tomando al libro Las dimensiones humanas de los espacios interiores, de Panero y Zelnik, como referente para determinar las normas del diseño en cuanto a la adaptación física entre el cuerpo humano y los diversos componentes del espacio interior, estas jóvenes adquirieron dos sillas (en Ikea), de patas altas y materiales sintéticos, que le dan un toque joven y vanguardista al espacio. Sobre esta encimera, también se implementaron puntualmente dos lámparas incandescentes con intensidad de luz regulable (también de Ikea), que dotan de calidez y romanticismo a esta cocina.


En cuanto a los módulos en pino adosados a la pared, este dúo decidió tornar sus marcos en lisos y rectilíneos; y sus anteriormente bordeados paneles, en láminas de vidrio martillado, permitiéndoles reflejar traslúcidamente los enseres de cocina, y ofreciéndoles un aspecto más contemporáneo, coherente con la modernización del diseño existente. Asimismo, se dispuso la colocación de tiradores de color negro (de Almacenes Unidos) en todo el mobiliario de esta cocina, por aquello de que estos prodigarían la continuidad estética anhelada. Una parrilla enmaderada, creada por ambas diseñadoras y fabricada por el ebanista Nathanael Félix, fue dispuesta como pieza divisoria entre el desayunador y el fregadero para “independizar” visualmente a estas áreas, confiriéndoles a su vez un aspecto industrial y, por tanto, más innovador. Esta parrilla funge, además, como una especie de “escurridor flotante” donde se pueden colgar los utensilios de cocina. Ésta también enmarca una pared que exhibe la sugestiva imagen de unas frutas, impresa en vinil sobre un vidrio (de SDQ Printing y Cristaluz, respectivamente), como una estructura flotante suspendida con cuatro distanciadores. La pared del fondo (pintada por las propias diseñadoras, con pinturas de la Ferretería Papaterra) se utilizó como mural y punto focal, con formas rectangulares en rojo, amarillo, azul, blanco y negro, separadas por líneas rectas, en franca alusión a la obra Composición en rojo, amarillo y azul del pintor holandés Piet Mondrian, complaciendo a los anfitriones al implementar el rojo y el azul en su cocina. Por otra parte, la despensa fue subdividida en dos nichos: en uno, se aumentaron los tramos del mueble habilitado para el almacenaje; mientras que en el otro, se colocó el bebedero, que anteriormente

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se apostaba en el muro principal afeando la vista y obstruyendo el flujo de circulación aledaño a la puerta del área de servicio. Otros accesorios para las cocinas , como un par de rieles, un escurridor flotante en acero inoxidable y dos zafacones con un sistema de rieles que les permiten ser colocados dentro del mueble ubicado bajo el fregadero (todo de Ikea), son soluciones prácticas y estéticas, que optimizan al máximo este espacio. Treinta días después, aquella composición de Catherine Martínez y Nathalie López, que inició como una propuesta universitaria ganadora entre otras 13, pasó a ser un material de publicación editorial. Pero, finalmente se convirtió en un proyecto de ejecución real, que basó su diseño en la contemporaneidad, en la simplicidad de sus elementos y en una paleta de colores primarios, tal y como un día lo hizo Piet Mondrian en su famosa Composición en rojo, amarillo y azul.


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Por OlgaAgustín Fotografías: FernandoCalzada

La “mímesis perfecta” de Eduardo Adams. Así puede definirse este apartamento, que en el sexto piso de una torre del Mirador Sur y con apenas 60 metros cuadrados, se ha convertido en más que un “hijo” para su propietario. Hace siete años que ninguno de los dos es como era antes. En primer lugar, no se tenían el uno al otro; y en segundo, por el pequeño apartamento de recién estreno y níveas paredes todavía no habían pasado un sinnúmero de visitantes ni se habían arraigado decenas de obras de arte. Mientras que, por la vida de Eduardo Adams, su propietario, faltaban por desfilar incontables vivencias y empezaba a germinar un profundo amor por el Arte y la bohemia. Adams se mudó allí por pura casualidad. Fue el Viernes Santo de 2003 –eso lo recuerda muy bien-. El cristal del balcón se resquebrajó tras un ventarrón y no podía dejar sólo aquel espacio, que posteriormente alquilaría al mejor postor… “Y por coincidencia de la vida, ¡terminé quedándome en él! (Risas)”.

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¿De día o de noche?

En la sala de este apartamento de soltero, un caballo de madera (policromada y estofada a mano por el artista mexicano Agustín Parra) parece flanquear a una butaca, otra de las obras de este pintor, escultor, retablista, diseñador y mueblero (que fue nombrado por la Conferencia del Episcopado Mexicano como “Proveedor Oficial del Vaticano”, y que decoró y amuebló la cuarta y la quinta visita de Juan Pablo II a la Ciudad de México, en 1999 y 2002, respectivamente).

Un espacio evolutivo

Máquinas de luces, de humo y hasta de espuma; bolas giratorias de discoteca; y algunos letreros, fotos y accesorios, que pertenecieron a diversos lugares de diversión, adonde Adams era asiduo, parecen camuflarse en este refugio. Estos artilugios reaparecen de noche, cual camaleones en discoteca, o en cuanto se bajan las cortinas y la gran pantalla enrollable, que sirve para la proyección del karaoke o de cualquier programa televisivo, cubriendo el amplio ventanal del balcón. Sin embargo, cuando el apartamento está en su “estado diurno” las miradas se dirigen hacia otros puntos de atención. Al ingresar al espacio, un pequeño pasillo recibe al visitante con un par de candelabros (Theodore Alexander), que con un estilo victoriano parecen antorchas encendidas y sostenidas por unas manos de bronce.


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1. Eduardo Adams es amante de las finas piezas elaboradas a mano e inspiradas en el estilo Novohispano, como este mueble rojinegro (de Agustín Parra) sobre el que se observa un jarrón en mármol negro con accesorios en bronce (de la diseñadora Hilda Flack). 2. En la habitación, la cama (tipo daybed, para aprovechar al máximo el espacio) está fabricada por artesanos dominicanos; al fondo se observan dos obras de la artista Ada Balcácer. Esta área es otra de las áreas de la autoría del arquitecto Eduardo Álvarez, quien ideó vestir de blanquinegro a esta cama de caoba, logrando un excelente resultado visual. 3 Y 4. En esta estancia, contigua al aparta-estudio (que mide 60 metros cuadrados en su interior, 62 en la terraza y 72 en el techo), se ve una lámpara de cristal de Quorum (casa que la distribuye) junto a una obra del maestro Yoryi Morel. También se observa un cofre marroquí, con piedras incrustadas y un precioso trabajo de repujado en hojas de aluminio.

Al fondo y en una de las esquinas, un reloj de piso (de La Nacional Home Gallery) fue una de las primeras piezas que amuebló a este lugar. Durante el paso del tiempo, esta reliquia que mide el tiempo llegó a atesorar en sus entrañas, desde insignias, piezas de cubertería y de vajilla (pertenecientes a la familia Trujillo), hasta un souvenir de cada país en el que Adams ha estado. Cerca de este vestigio, un caballo de madera (policromada y estofada a mano por el artista Agustín Parra) parece flanquear a una butaca, otra de las obras de este pintor, escultor, retablista, diseñador y mueblero mexicano. Al proseguir con el recorrido de la sala, Aretes Rosados, de Antonio Prats Ventós, se adueña del espacio desde el centro de una pared lateral. También se hace acompañar de otras obras maestras ejecutadas magistralmente por pintores dominicanos…

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“Este apartamento ha evolucionado tal y como lo ha hecho el soltero que habita en él”, Eduardo Adams, gerente general de las tiendas La Nacional, sobre su propio apartamento.

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Es ésta la prueba fidedigna de que Eduardo Adams es “amante y coleccionista de todo lo que es el buen Arte”. Estas pinturas rodean a una contemporánea lámpara de techo (tipo chandelier, con una pantalla en cristales de colores de PLC Lighting, de la Nacional Home Gallery), a unos muebles en cuero blanco, y a una alfombra de animal print (cuya implementación en la decoración está en boga, nuevamente). Hasta en las paredes más sólidas de la casa, como las de la cocina y el baño, se aprecian cuadros de Ada Balcácer, Dionisio Blanco y Gilberto Hernández Ortega, y fotografías de la autoría de Marian Balcácer, respectivamente.

Las etapas del apartamento de Eduardo Adams

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Las épocas del refugio de este soltero son tantas y tan variadas que, como en el caso de Picasso –y guardando la debida distancia con el artista español-, se dividen en tres: la blanca, la amarilla y la gris (éstas se ponen de manifiesto con en el color de las paredes). La primera, es símbolo de la emancipación familiar; la segunda, expresa la intensidad de su soltería, y la tercera (y actual, sugerida por el arquitecto Eduardo Álvarez) representa la estabilidad con la que vive Adams, hoy en día. “Pienso que mi futura etapa (o color) será lino, porque me mudo a otro espacio; y aunque en este apartamento dejo muchos recuerdos atrás, al próximo no iré tan en ‘blanco’ como lo hice aquí…”, concluye Adams, con evidentes sentimientos encontrados. 5. En la sala, la obra Aretes Rosados, de Antonio Prats Ventós, se adueña del espacio desde la pared lateral; mientras se rodea de otras obras de prestigiosos pintores dominicanos, como Miguel Núñez, Ada Balcácer, Ramón Oviedo, Teté Marella, Guillo Pérez, Virgilio Méndez, Cándido Bidó y Gabriel Caldentey. Estas pinturas se hacen acompañar de una contemporánea lámpara de techo, tipo chandelier, con una pantalla en cristales de colores de PLC Lighting (de la Nacional Home Gallery), de unos muebles en cuero blanco, y de una alfombra de animal print. Aquí también se observa la tendencia del dueño a coleccionar todo tipo de máscaras (venecianas, chinas, hindúes, africanas…). 6. En este rincón de la habitación se destacan, entre otras piezas artísticas, un pedestal de la línea española de muebles Hurtado y una escultura en bronce de Pegasus.


Alegoría

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A ocho pisos de la Playa Juan Dolio, e inmerso en el proyecto inmobiliario Marbella, a este apartamento le fue conferido un sutil toque de mar, a manos de la diseñadora de interiores Michelle Urtecho. Si bien es cierto que nadie puede competir con la Creación Divina -y eso lo sabe muy bien Michelle Urtecho, una versátil profesional del Diseño Arquitectónico, Industrial, de Iluminación e Interiores-, hay que reconocer el gran esfuerzo que realizó al darle vida a un apartamento del Condominio Marbella, que ostenta en esta zona una de las mejores vistas al Mar Caribe. La idea de Urtecho no era, en absoluto, contender con 750 metros lineales de playa ni con el cielo más azul que háyase visto jamás; su objetivo radicaba en que “El interior atrajese al exterior, para integrar la naturaleza a este espacio”. Al ingresar al apartamento, y desde todos los ángulos posibles, el mar es el protagonista principal. Desde el pasillo, la sala, el comedor, la cocina y, por supuesto, desde la terraza -como espectadora de primera fila-, se disfruta de la panorámica vista de la playa de Juan Dolio. En este inmueble de 175 metros cuadrados, los propietarios (un matrimonio con dos hijos adolescentes) le externaron a Urtecho sus necesidades de que aprovechase al máximo el metraje existente, sobre todo, en los tres dormitorios que debían estar en la capacidad de hospedar al mayor número de invitados (doce, por lo menos). Entre otros requerimientos vitales para los anfitriones también formulaba la búsqueda de la funcionalidad, de la durabilidad y, obviamente, de la estética. De ese modo, la diseñadora, tomando en cuenta todos esos aspectos a desarrollar, inició su proyecto con el pasillo. Éste representaba la dificultad de ser muy alargo y de que había que “acortarlo” visualmente. Para tales fines, Urtecho seleccionó una paleta de tonalidades blancas, bronces y plateadas,

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Aunque el Mar Caribe es el verdadero protagonista de esta terraza, Michelle Urtecho supo ambientarla equilibradamente, implementando el rojo, el blanco y el marrón oscuro a través de las butacas Calypso (diseñadas por el italiano Schönhuber Franchi), de los cojines (de Sema y Casa Cuesta) y de artículos decorativos (como los velones, de Ikea, y los adornos de pared, de Ilumel).


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“En este espacio el interior imanta al exterior, procurando integrar la naturaleza en él”, Michelle Urtecho, diseñadora de interiores (www.michelleurtecho.com).

La diseñadora de interiores Michelle Urtecho utilizó una paleta de tonalidades blancas, bronces y plateadas en el pasillo de este apartamento, implementando un empapelado de vinyl (de Thopesa) y unas piezas de arte adosadas a la pared. Con la colocación interrumpida de una serie de espejos, Michelle procuró acortar visualmente este prolongado pasaje.

con el objetivo de no entrar en disputa con la sala, la terraza y el mar, visibles al fondo. Allí también eligió un papel tapiz vinilizado (y fácil de limpiar), que emula sutilmente a pequeños caracoles, dentro de un ambiente que evoca a la espuma del mar por medio al brillante empapelado; junto al mismo, unas piezas de arte adosadas a la pared destacan su tridimensionalidad, a través de varias luces halógenas, que resaltan sus luces y sus sombras. A la izquierda del pasillo, la forma en que colocaron los espejos interrumpe la perspectiva a propósito, para “acortar” la percepción de este pasaje. Una vez en la sala-comedor se aprecia la estratégica ubicación del mobiliario de cara al exterior, que hace de éste un espacio más relajante. “Disponer de este espacio óptimamente fue todo un reto, porque implicaba habilitar un espacio compartido que se comunica con todas las estancias sociales. Había una cuestión básica de circulación, sin olvidar la importancia de la panorámica exterior”, afirma Urtecho. Los dueños del apartamento también deseaban ubicar la televisión en el estar y situarle enfrente un sofá cómodo, pero no muy grande por el tema del flujo. Así se encontró el mueble ideal: ligero y confortable, que a pesar de ser blanco, no representa un obstáculo que impida la viabilidad de su mantenimiento, pues para la diseñadora de interiores este punto es sumamente importante a la hora de amueblar una residencia de playa. Mientras, en un rincón del comedor, un mueble bar (diseñado por la propia Michelle, al igual que la mayoría del mobiliario de este apartamento) alberga una nevera de vinos y un tope que sirve para la preparación de los tragos y cocteles. Anexo está el juego de comedor, concebido originalmente para ocho personas, es desplegable a su vez, y puede adaptarse a un mayor número de comensales de ser necesario. El desayunador de la cocina también funge como ente divisorio entre ésta y el comedor, prestando su encimera como apoyo adicional para el disfrute de la comida. En esta área, Michelle prefirió usar taburetes con un pequeño espaldar, que no obstruyen la visual y la circulación entre ambas estancias. Ya en las habitaciones, la principal exhibe un original espaldar (creado por la diseñadora de interiores Lorena Zimmerman, perteneciente al staff de

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En esta área se percibe el juego de comedor (de Ilumel), concebido originalmente para ocho personas, el cual es desplegable a su vez, y puede adaptarse a un mayor número de comensales de ser necesario; sobre éste pende una original lámpara (también de Ilumel), que evoca a la cera. Al fondo se ve cómo la diseñadora Urtecho aprovechó inteligentemente el espacio con un mini-bar.

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Michelle Urtecho & Asociados), que se encuentra adosado a la pared, adaptándose al espacio disponible para optimizarlo, y formando una composición geométrica. Su color grisáceo rememora el tono plateado del mar, se integra con el resto de las tonalidades y se constituye en un tono base capaz de combinar con toda la ornamentación circundante. En esta estancia, los muebles (en madera, color wengé) también corren bajo el diseño de la firma de Michelle Urtecho. “Desde las mesillas de noche, pasando por el gavetero y el mueble flotante de la televisión, hasta llegar a la cama… Todo fue creado por nosotros”, puntualiza. La idea de combinar los colores tierras con el aqua, siguiendo como referente la línea cromática del mar, insinúa la inserción del ambiente playero en este dormitorio, pero sin predictibilidad alguna; el diseño de los cojines, que emulan las algas marinas, son un ejemplo de ello. Las cortinas, en visillos y tafeta, desdeñan un centelleo, que oculta o desvela a un pequeño balcón, donde los anfitriones acceden a un íntimo comedor complementado con un par de asientos. Sin embargo, en la habitación de la adolescente priman el amarillo, el rojo y el blanco, en franca alegoría a los rayos solares; el verde y el fucsia también se ponen presentes en este espacio, aunque en menor medida, invitando grácilmente a la naturaleza a ingresar en este lugar. Las dos camas, que se muestran en colores mixtos, cuentan con edredones reversibles en algodón peinado, y están unidas por un espaldar común. Justo al lado, hay un pequeño tocador con un espejo redondo, donde varias bandas elásticas sirven como portafotos, matizando con simplicidad a ese rincón del dormitorio. En la habitación del mozalbete de la casa, se implementó una fusión del blanco, el verde y el marrón; el uso de este último tono fue a petición del usuario, quien exigió su uso en una de las paredes, cosa que Michelle aprovechó para darle mayor profundidad al cuarto. Allí se asientan dos camarotes, cuyas partes inferiores están copadas por camas full; y por twin en las superiores. A la larga, Michelle Urtecho se salió con la suya: si bien no logró competir con la rica naturaleza del entorno, sí la trasladó al interior del apartamento, haciendo de éste un sutil tributo al mar, a través de cada uno de sus elementos…

En la imagen superior se percibe de cerca el mueble bar (diseñado por Michelle Urtecho & Asociados, al igual que la mayoría del mobiliario de este apartamento), que contiene botellas, una vinera y sostiene un tope que sirve de apoyo para la coctelería. En la foto inferior se advierte un ángulo de la sala, presidido por el mueble de la televisión (igualmente creado por Michelle Urtecho) junto a los elementos decorativos que aportan un estilo contemporáneo con ciertos toques rústicos.

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76| “No soy proclive a seleccionar elementos marinos explícitos, prefiero sugerirlos con sutileza y abstracción”, Michelle Urtecho, presidenta de Michelle Urtecho & Asociados.


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1. Un espejo corrido aporta profundidad y amplitud a este baño, mientras que sus luces tipo camerino lo iluminan adecuadamente. 2. En franca alusión al sol y a la naturaleza, en la habitación de la adolescente de este hogar prevalecen: el amarillo, el rojo, el blanco, el fucsia y el verde. 3. En la habitación del mozalbete se jugó con el blanco, el verde y el marrón. Allí hay dos camarotes y un escritorio (ambos de Ilumel), que se complementan con los adornos, con las colchas y con los cojines decorativos (cuyas telas son de Sema, de Diamantex y de El Canal). 4. Un pequeño mueble de baño, una mezcladora tipo cascada y una ducha con vidrio flotante diferencian a este baño de los demás. 5. El dormitorio principal exhibe un original espaldar (cuya tela es de Tendance, al igual que los visillos), el cual está adosado a la pared y se muestra en un color grisáceo que hace juego con el resto de colores de la estancia. Estas tonalidades aqua y tierra también dominan en la ropa de cama y en las cortinas (con telas de la tienda Aurora); mientras que el matelasse es de Tessutti. Por su parte, los muebles (en madera, color wengé) corren, una vez más, a cargo de la firma de diseño de Michelle Urtecho.

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Fotografía: FernandoCalzada

Por AngélicaRodríguezBencosme

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Existe en el país un fuerte apego a la madera, en particular a la caoba, como símbolo de estatus y de garantía de la calidad del mueble (particularmente por su durabilidad).

La transmutación del

mueble dominicano

En nuestro país, el mueble no sólo ha variado poco durante el paso del tiempo, también es sinónimo de estatus para sus dueños y se perpetúa en los hogares, gozando de una gran longevidad, a pesar de sus apuestas actuales por el cambio.


es una profesión íntimamente ligada a los valores sociales, llegando solamente a ser permeada por la siempre incisiva economía. Aún así, con frecuencia prevalece el valor social; como en el caso de la silla cabecera de una mesa, que en su reminiscente aspiración a ser un trono, aparenta ser de oro sin realmente serlo. A través de los años, han sido pocos los cambios en el mobiliario que predomina en los espacios de la casa dominicana. El mueble, atado a la moda en otro hemisferio, está anclado al discurso panegírico de su dueño como cualquier otro símbolo de estatus (no sólo de clase socio-económica, sino también de grado cultural). De esta forma, el mueble dominicano goza de ser más longevo que sus homólogos extranjeros, y el porqué –entre otras razones- puede estar relacionado con aquellos hogares donde todavía prevalece el lujo, y en su defecto, un simulacro de éste; y por ello, se tiende a colocar un mueble ostentoso entre diplomas, certificados y otros símbolos del éxito profesional o social de los miembros familiares en el área más pública de la casa. Localmente, este reinado perenne del mueble también se atribuye a la arraigada estética del que se fabrica en madera y parece estar atado a la talla profusa y al lugar de la casa al que está destinado; en este caso, es notable la fuerte valoración de la tradición. De igual modo, existe un fuerte apego a la madera, específicamente a la caoba, como símbolo de estatus y de garantía de la calidad del mueble (particularmente por su durabilidad). Por otro lado, la acogida y aceptación en el imaginario colectivo de las nuevas tendencias del diseño de muebles es lenta en comparación con otros ámbitos afectados por la moda. Y por tradición, el consumidor dominicano compra muebles que duren toda la vida y que resistan nuestros hábitos de limpieza -el uso del agua para el aseo doméstico se presta a un profundo análisis cultural, asociado con lo limpio y lo moral-. Entre otras causas que justifican la perpetuidad de la vida del mueble en el ámbito nacional se encuentran: un mercado que aún no se ha hecho eco de los llamados diseños de usar y tirar, y una costumbre arraigada de que el ciclo de vida del mueble dominicano, cuando se desecha tras largos años de uso, apenas empieza a terminar; en barrios perifé-

Fotografía: FernandoCalzada

Más allá de las apariencias, el diseño

Con el uso de materiales orgánicos, la terminación rústica de la madera, el uso de los colores asociados con el trópico y una predominante horizontalidad, las casas de playa introdujeron cambios en la manera de amueblar la casa en el país.

ricos y densamente poblados, se comercializan los desechos, el mueble se reconstruye y comienza su proceso de reutilización –en este caso, sin dudas, es evidente la mordida de la economía-.

Los cambios se avecinan Con la observación y el análisis de la evolución del hábitat, se vislumbran los factores del entorno y del mercado que influyen en la generación y asimilación de las nuevas tendencias. Tanto el uso de materiales orgánicos, la terminación rústica de la madera y la implementación de los colores asociados con el trópico, como una predominante horizontalidad y las casas de playa (como un segundo hogar), introdujeron cambios en la manera de amueblar la casa y popularizaron los muebles asociados a este estilo de vida hedonista y placentero, caracterizado por diseños geométricos sencillos y por la implementación de textiles, madera y materiales orgánicos como la principal materia prima. Por demás, estos inmuebles turísticos suelen ofertarse completamente amueblados y aunque subyacen razones económicas (la intención es que quien los compre forme parte del pool de renta del proyecto inmobiliario), cristalizan el imaginario colectivo de cuáles muebles deben habitar estos espacios.

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Probablemente, los concurridos liquor stores, comercios dedicados a la venta y expendio de bebidas alcohólicas, sean lo más próximo al diseño contemporáneo que ve de manera cotidiana el pueblo dominicano.

“A través de los años, han sido pocos los cambios en el mobiliario que conforma los espacios de la casa dominicana” Angélica Rodríguez Bencosme, diseñadora máster en interiores y mobiliario

Aunque lejos de poseer un segundo hogar, la clase media es receptiva a estas modas y tendencias que da a conocer la clase alta, elite o dirigente. La venta de muebles de este estilo, tanto en franquicias y tiendas especializadas como en las populares tiendas por departamentos, son pruebas de ello. Por su parte, la diáspora dominicana y el vaivén de su corriente migratoria promueven cambios en nuestro modo de vida que siempre han sido muy notorios. Los llamados dominicanos ausentes, proFotografía: MaribelÁlvarez

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Fotografía: EnriqueArneda

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Localmente, la estética del mueble de madera parece atada a la talla profusa y al lugar de la casa al que está destinado; se valora la tradición.

venientes mayormente de Nueva York, con todos los componentes propios de los núcleos culturales desarrollados en ese medio, y el uso de medios audio-visuales (televisión, cable, videos), además de fortalecer los elementos foráneos a nuestra cultura, los presentan como modelos a ser reproducidos, total o parcialmente, en nuestro medio. El estilo de la vestimenta, las casas (tanto su estilo arquitectónico como su decoración), la música y los vehículos de los dominicanos ausentes dejan sus huellas. Probablemente los concurridos liquor stores, comercios dedicados a la venta y expendio de bebidas alcohólicas, sean lo más próximo al diseño contemporáneo que ve el pueblo de manera cotidiana. Habiendo entrado por esta puerta, tan divorciada de la dogmática primacía de Sullivan: “la forma sigue a la función”, cabría preguntarse cuáles valores exaltan. El engendro de esta frase, que posteriormente acuñó la Bauhaus, se presenta como un local monocolor (por lo general blanco) de concreto, vidrio y metal; bien iluminado; de la mano de imágenes publicitarias y de promesas de transgresión; de lo nuevo. (La autora es diseñadora, máster en interiores y mobiliario,rodriguezbencosme@hotmail.com)


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PorInmaculadaTapia Fotografías FuenteExterna

Al más puro estilo

neoyorquino ¿Quién no ha soñado con vivir una temporada en la Gran Manzana? Las nuevas propuestas en decoración le permiten hacer realidad este deseo.

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Seguro que alguna vez en su vida ha pensado en lo maravilloso que sería disponer de un apartamento en Manhattan. El centro del mundo -a escala planetaria- se pone a sus pies dispuesto a desvelar todos sus encantos a través de los detalles que le harán imaginar que Wall Street se encuentra muy cerca de su vivienda. Aunque soñar es gratis, podemos conformarnos con una fantasía más pequeña. Quien se sienta atraído por la cultura norteamericana lo tiene fácil, pues las nuevas propuestas de diseño de interiores le facilitan la tarea y le acercan a lo más cool en complementos y mobiliario. Nueva York siempre dinámico, donde nada ni nadie parece descansar requiere de una decoración útil en el día a día, poco condicionada por el espacio, donde el habitante se siente a gusto cuando atraviesa el umbral. Sin embargo, esta ambientación no debe demandar mucho tiempo para su mantenimiento, ni abrumar; además, es imprescindible que contribuya a mantener todas las pertenencias en orden.

Nueva York entra en la decoración.

Práctico y limpio Los muebles de líneas rectas y depuradas de este estilo neoyorquino conducen a lo práctico, a lo “limpio”, a lo que no recarga el ambiente... Su atmósfera ligera acompaña a cualquier espacio, tanto en el dormitorio, como en la cocina y, especialmente, en el salón. El estilo de la firma Plumanac Home es versátil y con un diseño muy actual. La madera es uno de sus fuertes para consolas, mesas y cómodas. Este material hace más acogedora aquella decoración que persigue ser pragmática y ligera. Pero es quizás la firma Camino a Casa quien realiza la apuesta más innovadora, en la que se dan la mano: el diseño, la calidad y los buenos precios,

El blanco es el tono elegido para las paredes, en un deseo de resaltar lo que en ellas se cuelga, además de contribuir a que la luz que entra por las ventanas brille más aún.


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Los dormitorios también atrapan el blanco que permite grandes combinaciones con los textiles.

especialmente en la colección “Wow”. Los lacados en cabeceros, mesitas y muebles de comedor, ofrecen brillo y un buen reflejo de lo que queremos resaltar, además le cierra el paso al polvo para que no se refugie allí. Un mobiliario largo en extensión, pero liviano en volumen, donde -sin embargo- quedan salvaguardadas todas las necesidades del hogar. El blanco es el tono por excelencia para las paredes, en un deseo de resaltar lo que en ellas se cuelga, y contribuye a que la luz que entra por las ventanas brille aún más.

Funcionalidad El punto fuerte de esta funcional colección son los accesorios, donde las lámparas se funden con el soporte de un blanco inmaculado sobre el que se destacan, consiguiendo que elevemos la mirada hacia los cuadros. Audrey Herpburn, la eterna Marilyn o Rita Hayworth descubren la mejor y más mediática de sus imágenes al más puro estilo “pop art” y es entonces, si nos dejamos llevar por la imaginación, cuando la Gran Manzana parece estar más cerca.

Los muebles de líneas rectas y depuradas le conducen a un estilo práctico y “limpio”. La imagen del taxi refuerza nuestro deseo de visitar la Gran Manzana.

Los populares taxis amarillos neoyorquinos descansan sobre asfaltos pintados y lluviosos, recordándonos ese viaje tan deseado, mientras que una mesa de cristal se presta para la degustación de la mejor de las hamburguesas. El azul añil de las estanterías rinde un homenaje a los cielos intensos, que parecen tocar a los grandes rascacielos de Nueva York. El transparente metacrilato toma una nueva dimensión con un tono vigoroso y muy poderoso en esa decoración. A ello se unen los brillos de las lámparas cromadas, bien de pie o de mesa. Diseños singulares de multi-bombillas para el techo, o de lámparas de lectura, caen sobre el sofá más cómodo de la casa, cual si fuera una cascada. La madera se mezcla con los brillos, ofreciendo sobriedad y rotundidad en una decoración que gana espacio y que, a lo mejor, puede parecer fría cuando no lo es. Los rojos intensos también tienen su lugar, si lo prefiere. Nada más cercano a la Gran Manzana que el rojo bermellón implementado en mesitas y cabeceros. (EFE REPORTAJES).

Diseños singulares de multi-bombillas para el techo, o lámparas de lectura que caen sobre el sofá más cómodo de la casa, le harán recordar la elegancia de Nueva York.

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Por PaolaTineoNarváez Fotografías MaglioPérez

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The Green Store,

un toque ‘verde’ en Santo Domingo Conscientes de que toda construcción o remodelación impacta al medioambiente, la arquitecta Liza Castellanos y la propietaria de The Green Store, Lilian Peña, marcaron la diferencia con esta tienda que se apega con fuerza a los lineamientos de la arquitectura y del interiorismo ´verde´.


En los últimos tiempos queda más que claro que todos somos capaces de hacer algún aporte (sea grande o pequeño) para que el impacto medioambiental sea menor o, mejor dicho, nulo. Por tal razón, es plausible encontrarnos con personas que tengan la mejor disposición de contribuir con el ecosistema aun tocándole la difícil tarea de proyectar, construir y hasta remodelar espacios exteriores e interiores. Éste es el caso de The Green Store, cuya concepción y ejecución, a manos de su propietaria Lilian Peña y de la arquitecta Liza Castellanos, se basó en el acondicionamiento de una edificación existente. Entre los criterios sustentados para la adecuación de la nueva tienda ecologista, primaron: la mínima intervención posible en la infraestructura original, la aplicación del ahorro de energía (en los sistemas de iluminación, de aire acondicionado y de plomería), la optimización del costo de ejecución y de los materiales usados, y la implementación de elementos verdes en sus acabados.

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Una tienda ‘verde’ Situada en pleno corazón de Piantini, The Green Store da la bienvenida a sus visitantes con una sensación cálida y agradable, que invita a quedarse y a recorrer todos sus espacios. Allí se respira ecología en el ambiente, en los materiales, en las exquisitas fragancias, en el juego de texturas y en la filosofía de quienes la crearon... Es una tienda ‘verde’, como su nombre lo indica. Pero para su creadora Lilian Peña es más que eso; ella la define como: “Natural, orgánica, gluten free, allergy free, vegan, libre de crueldad, artesanal, ecofriendly, fair trade. Donde se puede encontrar una gran variedad de comestibles, productos para el cuidado personal y la higiene del hogar; aromaterapia, bolsos y suplementos... Donde predominan los materiales verdes, los nuevos usos de artículos hechos a mano y los complementos ecológicos”. Peña y Castellanos emprendieron un maravilloso viaje creativo, a través del cual crearon un espacio donde el impacto ambiental fue prácticamente nulo. En este proceso utilizaron materiales esencialmente locales y dejaron prácticamente intacta la primera edificación. Las escaleras y las ventanas también se reutilizaron siendo restauradas y reubicadas de sitio.

Insertada en la calle Fantino Falco No. 59, esta tienda atesora una inusitada gama de productos ‘verdes’ tras su fachada (foto superior). Abajo, se puede apreciar que a lo interno de The Green Store se halla un mini-mercado, donde se pueden adquirir desde diversos comestibles naturales, detergentes orgánicos y suplementos vitamínicos, hasta regalitos. También se encuentran: esencias para aromaterapia, velas de soya, franelas con motivos ecológicos y bolsos con el logotipo de esta empresa, entre otros artículos. (Para más información acceda a la página www.thegreenstore.com.do)


ilovegreen Fotografía: FuenteExterna

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La infraestructura de The Green Store se remodeló con un reducido impacto medioambiental y bajo los preceptos de la ‘arquitectura verde’. La fachada de The Green Store merece una mención especial, pues está concebida y materializada con carretes de madera recolectados de un proyecto arquitectónico samanense. El toque de frescura del paramento exterior de este edificio viene dado por las plantas. En cuanto a la luminosidad, la arquitecta Liza Castellanos, quien también cuenta en su haber con un Post-grado en Administración de la Construcción, ideó una iluminación seriada para irradiar la tienda según el flujo de clientes, la hora del día y el baño de luz predominante. Conforme avanzan las horas, las luminarias se van encendiendo o apagando a fin de iluminar u oscurecer ciertos espacios, de modo que permiten medir su impacto energético. Cabe destacar que aquí sólo se utilizan bombillas de bajo consumo. La iluminación natural tiene una fuerte presencia en este local al ingresar libremente por las puertas y las dos ventanas, que facilitan la plena entrada de la luz solar en la tienda. “Hay horas del día en las

que sólo es necesario encender las luminarias del counter, pues el resto de las estancias son bañadas por la luz de los rayos solares”, agrega la propietaria de Liza Castellanos, Arquitectos S.A. Asimismo, fue instalado un aire acondicionado ecofriendly, con refrigerante tipo R-410A, que consume menos energía, no emite sustancias dañinas a la capa de ozono y reduce los niveles de ruido. Para minimizar las emisiones de dióxido de carbono (CO2) se instaló un inversor en lugar de una planta eléctrica.

“Madre Tierra”, como eje del lugar El centro de la tienda está presidido por “Madre Tierra”. Se trata del counter, que fue bautizado de esa manera por su autora, la arquitecta Castellanos. El origen de esta creación se remonta al momento en que Lilian Peña recorría la ciudad y se encontró con un tronco de caoba, cortado para la construcción de un edificio. Peña recogió una parte de éste, logrando posteriormente que le fuesen realizados

En la foto superior izquierda se observan las instalaciones sanitarias de The Green Store, que están concebidas bajo el criterio de ahorro, tanto en el consumo de agua como de energía, y cuyos jabones están libres de nitratos y fosfatos, evitando así la contaminación. En el resto de las imágenes, aparecen algunas perspectivas de esta tienda, que también funge como centro de acopio al recibir envases de vidrio, periódicos y plásticos -que después son reciclados en plantas de tratamiento-.


unos cortes, y así logró darle forma a esta encantadora obra de revestimiento que hoy en día le aporta una belleza natural a la estancia. El resto de los muebles, adquiridos como superficie de apoyo y/o de exposición para los productos, fueron adquiridos en Ikea, empresa que se destaca por su respeto y compromiso con el medioambiente, la cual junto a la WWF (Fondo Mundial de la Vida Silvestre, como es conocida por sus siglas en español) trabaja en armonía con la naturaleza. Mientras se recorre el espacio que circunda a “Madre Tierra” es posible admirar los plafones suspendidos, que fueron construidos a partir de paletas reutilizadas y preservadas en su estado natural (sin ningún tipo de laca), otorgando calidez a las diferentes estancias y fungiendo como superficies de exhibición. Las instalaciones sanitarias son de bajo consumo de agua, y los jabones están libres de nitratos y fosfatos, evitando así la contaminación de las aguas. Además, la mayoría de las señalizaciones de los productos están hechas con papel reciclado, dando una sensación de textura, de sentirse en casa…

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The Green Store, doblemente ‘green’ Este lugar, donde subyace un universo de productos saludables, además de haber representado un impacto ambiental mínimo en su proceso de remodelación, está destinado a impartir educación en temas ecológicos y de salud. Otra de las ideas de su propietaria es la de convertirlo en un centro de acopio para la comunidad, a fin de recibir materiales reciclables (como vidrio, plástico, papel periódico...). The Green Store también ofrece productos naturales y libres de agentes tóxicos, como comestibles, artículos orgánicos, de higiene y de limpieza, artesanías, y todos aquellos que nos permiten “teñir de verde” nuestro alrededor. Para la arquitecta Liza Castellanos, desarrollar este proyecto ha cambiado tanto su vida (personal y profesional) como la de su familia, transformando su manera de ver el mundo, al percibirlo de un modo más ‘verde’. Definitivamente, ésta es una tienda preparada para ser versátil, donde los espacios son capaces de convertirse en talleres, exhibidores y aulas; en fin, en lo que demande el público, pues como asegura su propia arquitecta: “The Green Store es

una tienda capaz de mutar según las necesidades”. Sin duda, una mutación atinada y bien pensada por parte de sus creadores, porque los apremios medioambientales son muchos y urgentes... (La autora es miembro de U.S.G.B.C, IIDA y ADOPRODI).

Las vitrinas de esta tienda promueven productos de la línea de ropa “Life is Good”, de algodón orgánico. Además exhiben unos bolsos reciclados, confeccionados por artesanas de Viet Nam, y unos tapices hechos por indígenas peruanos, que propugnan por un estilo de vida más sano y ecológico.


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Por: OlgaAgustín Fotografías: MaglioPérez

Cocinas a la medida

Diferentes materiales, colores y estilos hacen de las cocinas modulares una opción exclusiva para personalizar las necesidades de sus usuarios, y materializar la cocina de sus sueños.

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Cada vez más, las nuevas edificaciones cuentan con espacios pequeños, que se constituyen en un verdadero reto a la hora de ser amueblados y, por supuesto, las cocinas no son la excepción ante tal limitante espacial. Por tal razón, las compañías que diseñan, fabrican e instalan cocinas se preocupan constantemente por brindar soluciones prácticas, personalizadas y provistas de tecnologías actuales, en función de los metros disponibles y en aras de aprovechar al máximo el espacio.

La modularidad hecha mueble

Bajo un modelo simple, estético y ligero, esta cocina (de la línea Premium, Modelo Contempo, de ROICA) ofrece una opción vanguardista.

A menudo escuchamos hablar de “los muebles modulares” sin estar plenamente conscientes de que estos, tal y como su nombre lo indica, están formados por una serie de componentes básicos (módulos), que desempeñan la práctica función de almacenar artículos. “Estos muebles (los modulares) incluyen divisiones a base de tablones o tableros del mismo material con el que se han construido, y es así como se logran formar los módulos en cuestión”, señala el ingeniero Manuel Roa, presidente de Roa Industrial C. por A. (ROICA). A decir de Roa –quien lidera esta empresa, pionera en la fabricación de cocinas modulares


en República Dominicana-, las cocinas independientes suelen estar compuestas por módulos solitarios que se pueden colocar libremente en el espacio, brindando innumerables posibilidades para amueblar según las necesidades y los deseos del usuario. Realmente la idea de la modularidad va más allá y permite ensamblar este conjunto de componentes básicos, creando toda una gama de productos, que originan tantas opciones estéticas y funcionales en la cocina como la imaginación lo permita… Estas innovadoras combinaciones del diseño modular en la cocina no sólo son muy fáciles de plasmar, sino que se muestran proclives a integrar estos módulos con el resto del mobiliario del hogar. Debido a que este tipo de mobiliario está fabricado en aglomerados, acero inoxidable, materiales sintéticos, metales, madera (maple, roble, caoba, cerezo, andiroba, MDF, melamina…), y cuenta con un sinnúmero de aplicaciones de tintes, colores y revestimientos, representa una alternativa tan diversa que da y sobra para alimentar el amplio universo de las cocinas. La base del mobiliario modular de cocina posee un sistema flexible de estructuras que se adaptan a muchos diseños y entornos; las alturas de los módulos de pared pueden variar de 12 a 42 pulgadas, dentro de su estándar, y los módulos de despensa se producen a alturas que oscilan entre las 84 y 96 pulgadas, según la línea de módulos de pared a la que correspondan. Todos estos muebles pueden fabricarse en diferentes anchuras, sólo es cuestión de tomar las medidas pertinentes. Una de las grandes ventajas de los muebles modulares de cocina radica en su practicidad para ser transportados e independizados entre sí; esta clase de mobiliario es desmontable, lo que implica que si hay que realizar una mudanza o un cambio de módulo a causa de su deterioro, no habrá que desmantelar la cocina completa. Por otro lado, no hay que olvidarse de que estos sistemas de configuración modular se constituyen en una instalación permanente, por lo que es de vital importancia que la elección de este mobiliario se ciña al gusto y a la utilidad que cada persona pueda darle.

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1, 2 y 3. Las cocinas modulares involucran a un conjunto de componentes estandarizados de módulos, puertas, frentes de gavetas y accesorios que responden a las dimensiones preestablecidas y a los gustos de sus usuarios. (Las dos primeras imágenes muestran al Modelo Alistonado, en wengé y andiroba, respectivamente, de la línea Premium, disponible en ROICA; la tercera, Modelo Berwind, de la línea Premium, también de ROICA, se presenta en roble wengé, con marcos biselados y paneles lisos).


Fotografías 4 y 7: FuenteExterna

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4. Esta cocina (de línea Premium, Modelo Contempo) es una auténtica joya para los espacios pequeños y se puede personalizar en función de los metros disponibles, debido a su configuración modular. 5 y 6. En estas cocinas modulares sus estructuras específicas permiten empotrar microondas, neveras, hornos, vitrocerámica, placas eléctricas encimeras y cajones con espacio para los utensilios de cocina (ambas de la línea Premium, correspondiente al Modelo Alistonado en roble). 7. Si la idea es aprovechar todos los rincones de la cocina, se puede optar por armarios bajos de esquina con carrusel, que permitan el fácil acceso a todo su interior (ésta es Contempo y pertenece a la línea Premium). Todos estos modelos están disponibles en ROICA.


baños

Por: JoséErnestoRivera Fotografías: MaglioPérez

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El mueble de este baño presenta superficies en laminado plástico; su encimera y fuente de lavamanos, en vidrio esmerilado y canteado, respectivamente. (De H2O M&T Mobiliarios y Terminaciones). Mientras que los tramos y el espejo también hacen juego, adosados a paredes con revestimientos en gres porcelánico (de la casa Edilgres Sirio, disponible en Cerarte). Por su parte, las botellas de espejo envejecido y los accesorios son de ICONOS.


¿Un baño funcional o funcionalista?

“No todo lo que funciona es funcionalista, ni todo lo que es funcionalista funciona” es uno de los postulados más certeros del diseño de interiores, y se aplica perfectamente a la hora de ambientar un baño que cumpla con ambas condiciones. En medio de una mezcla de estilos y de un revival sin fin, propenso a revalorizar diversas tendencias del pasado, los clientes (y lamentablemente muchos colegas dentro del gremio) se encuentran perdidos, asignando la categoría de diseño a lo que no lo es. Y es que, aún cuando el concepto “diseño” se ha hecho bastante conocido entre el común denominador de sus seguidores, no se ha llegado a acuerdo alguno al señalar sus resultados. Cada escuela podrá enarbolar sus enunciados, sin embargo, existen valores atemporales difíciles de ignorar a la hora de definir el baño perfecto. Limpieza, comodidad, seguridad, practicidad y estética siempre han sido las metas cuando de introducir elementos innovadores se trata. En definitiva, eso es lo que se busca: crear un baño que sea funcional y, a su vez, funcionalista.

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Funcional y funcionalista no es lo mismo ni es igual... Que un producto de diseño sea funcional significa que los objetos que lo componen cumplen, de manera particular y en su conjunto, la utilidad para la que fueron creados. Muchas veces las funciones se cumplen a medias o terminan incumpliéndose absolutamente; mientras que si la función se eleva a una categoría estética, el diseño deviene en funcionalismo. Para un funcionalista, lo bello y lo práctico se conjugan como un sólo cuerpo. “No todo lo que funciona es funcionalista, ni todo lo que es funcionalista funciona”, aclara Isabel Campi, académica española y una de las voces más autorizadas del diseño. De tal razonamiento se colige que, con frecuencia, los productos ofrecidos como soluciones modernas y prácticas para el diseño en definitiva no lo son. En la sección “baños” (publicada en la séptima edición de Lacasa) se mostraron espacios dise-

El avance dentro de la investigación de materiales cerámicos ha permitido la producción de unos revestimientos, que propician un rejunte mínimo muy acorde con la estética funcionalista. En esta imagen se muestra que la superficie de los muros se logró con la conjunción de varios gres cerámicos (de 60 centímetros cuadrados, cada uno).


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“No todo lo que funciona es funcionalista, ni todo lo que es funcionalista funciona”,

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ñados con estilos de época que son funcionales aunque en algunos aspectos se contrapongan al funcionalismo. Isabel Campi, diseñadora industrial, catedrática y una de las voces más autorizadas del mundo del diseño. El funcionalismo, que llegó a ser un estilo emblemático de mediados del siglo XX, alcanza la belleza a través del despeje de la ornamentación y de los simbolismos. A veces, esta manera de ver y de ejercer el diseño resulta carente de sabor para un paladar que no esté acostumbrado a la sinceridad constructiva. Sin embargo, la adjudicada frialdad que puede ser inadmisible para un sector social de nuestra cultura, es bienvenida en estancias íntimas como lo son los cuartos de baño. Hay una analogía que se ha convertido en un verdadero referente para los elementos de baño, que obedece a la ambientación relajante de un spa, cercana al minimalismo funcionalista; superficies reflectantes sobre superficies no reflectantes, relieves de la naturaleza sobre planos lisos, y efectos alcanzados mediante el color, la línea y la forma... son algunos de sus componentes.

Baños funcionalistas que funcionan

El minimalismo extremo olvida las funciones necesarias de un mueble de baño. Sin embargo, en este diseño se han implementado algunos muebles de estética funcionalista que no olvidan el involucramiento de las gavetas necesarias. Los revestimientos son de la Serie Not de Edilgres Sirio (de Cerarte), y la escultura utilizada como jabonera junto a los canister es de ICONOS.

A la arquitecta Anne Marie Sánchez le fue confiado el diseño integral de un proyecto residencial que envolvía a cuatros baños (cuyas imágenes son presentadas dentro del tema que ocupa esta sección). Esta profesional de la arquitectura coincidía laboralmente con quien suscribe en el Estudio de Diseño de una compañía de revestimientos y, de ese modo, empezamos a descubrir las virtudes de los materiales cerámicos industrializados más modernos, producidos por casas europeas de vanguardia. En este cuarteto de baños el programa a desarrollar por nosotros fue simple: eliminamos las divisiones innecesarias, abrimos los ambientes, olvidamos -deliberadamente- a las bañeras y sacamos partido a las entradas de luz natural. Asimismo, utilizamos revestimientos con junta cero, hicimos juegos de color intencionalmente en los planos, seleccionamos prácticos muebles, y aprovechamos al máximo el presupuesto para hacerle espacio a griferías de alta calidad. Finalmente, pretendimos hacer un buen diseño, cuya doble misión fue cumplida: hacer de estos, cuatro baños funcionales y, por demás, funcionalistas. (El autor es diseñador, miembro ADOPRODI y parte del staff creativo de ICONOS).


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El uso de las duchas se impone sobre el uso de las bañeras, pues envuelve una solución más a tono con la rapidez de la vida en la ciudad. En este caso, la arquitecta Anne Marie Sánchez proyectó los revestimientos de los muros hasta el piso de la ducha, logrando un ligero cambio en los niveles del suelo; esto fue posible gracias a la superficie rústica de los materiales tras la impermeabilización del área.


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Fotografías: Archivo/FuenteExterna

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casa

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valijadearte Texto y Fotografías: FuenteExterna

3 de octubre de 2010 al 25 de abril de 2011

El MoMA y el expresionismo abstracto

Palco en el teatro (En el concierto), PierreAuguste Renoir (1880)

19 de octubre de 2010 al 6 de febrero de 2011

Pasión por Renoir en el Museo del Prado Lacasa

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Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), uno de los artistas más destacados del Impresionismo, trabajó durante toda su vida con una absorbente pasión por la pintura, que le llevó a alcanzar un gran prestigio y popularidad entre sus contemporáneos. El excelente conjunto de 31 obras del artista, las mejores entre las reunidas por el coleccionista norteamericano Robert Sterling Clark (1877-1956), fundador del Sterling & Francine Clark Art Institute (Williamstown), se muestra en el Prado en la que se constituye la primera exposición monográfica dedicada a Renoir en España. El núcleo de la colección de pinturas del Clark Institute corresponde a un gran conjunto de obras impresionistas, que permiten mostrar en España la amplitud y el interés de las propuestas de Renoir a través de las etapas más destacadas de su trayectoria (entre 1874 y 1900), en los principales géneros que cultivó: el retrato, la figura femenina, el desnudo, el paisaje, la naturaleza muerta y las flores. En ellos pueden percibirse las aportaciones de su obra a la pintura de su tiempo, y la profundidad de su vinculación con las grandes tradiciones pictóricas anteriores. Ubicación: Calle Ruiz de Alarcón 23 Madrid 28014. Tel. +34 91 330 2800 Ingrese a: www.museodelprado.es

El Museo de Arte Moderno (MoMA), de Nueva York, presenta una gran exposición de arte abstracto expresionista que reúne unos 300 trabajos de una treintena de artistas europeos y estadounidenses, como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Barnett Newman, Arshile Gorky, Lee Krasner, David Smith y Joan Mitchell, entre otros. Abstract Expressionist New York es el título que se ha elegido para esta muestra, que exhibe los trabajos de ese movimiento artístico desde los años cuarenta del siglo XX hasta su madurez en la década del 60. La exposición contiene pinturas, dibujos, grabados y fotografías que subrayan los logros de una generación de artistas que convirtieron a Nueva York en el centro del mundo artístico durante los años cincuenta y que dejaron un legado que se cuenta entre las obras maestras del siglo XX. La colección de ese movimiento en el MoMA, que comenzó en 1941 con la adquisición de una pintura de Arshile Gorky, es una de las más importantes del mundo, y la exposición es la primera de ese carácter que la institución realiza desde hace cuarenta años. Ubicación: 11 W 53rd St. New York, NY 10019 Ingrese a: www.moma.org

Enigmatic Combat (1936-1937), Arshile Gorky

The Ancient of Days (1794), William Blake

16 de febrero al 21 de agosto de 2011

Watercolour en Tate Britain Watercolour (Acuarela, traducido al español) es una exposición que nos lleva de vuelta a los orígenes de la acuarela, mostrando de qué modo los artistas lograron remontarnos a las regiones más remotas a través de sus creaciones. Estos creativos lograron también documentarnos sobre todo lo que vieron, permitiéndonos descubrir novedades sobre la flora y la fauna al plasmar nuevos paisajes y situaciones por medio de cada pincelada. Antes de la llegada de la fotografía, la acuarela también fue el medio a utilizar por los pintores para dejar constancia de las declaraciones de los testigos presenciales. Algunos de los representantes de los orígenes de la acuarela son artistas británicos como William Blake, JMW Turner y Girtin Thomas, y la utilidad de ésta va más allá si se analiza desde un contexto moderno y contemporáneo en la obra de artistas como Patrick Heron y Tracey Emin. En fin, el espectáculo va más allá en esta exposición que muestra a la acuarela como un medio que durante mucho tiempo fue variado y atractivo, tanto para los aficionados como para los profesionales, pues permitió (y permite) mostrar lo notorio y lo íntimo, y representar con fidelidad lo real y hasta lo abstracto… Ubicación: Millbank London SW1P 4RG Ingrese a: www.tate.org.uk/britain


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