Catalogue de saison 2016-17 - MAI (Montréal, arts interculturels)

montréal, arts interculturels saison seize › dix-sept

Suivez notre exemple.

Page de couverture

Robo-Proletarian warriors. La Pocha Nostra Performeurs : Saul Garcia-Lopez et Guillermo Gomez-Peña © Wolfgang Silveri Page centrale de droite

The Minotaur. The Demonstration. Coco Guzman © Serene Husni Équipe de rédaction Rédaction Jean-Matthieu Barraud, k.g. Guttman, Edwin Janzen, Pablo Rodriguez, Ron Ross, Jessica Rae, Christine Roy Traduction Carolina Calle, Faten Faour, Nancy A. Locke, Ron Ross, Caroline St-Onge, Wai-Yin Kwok Révision Caroline St-Onge, Dima Karout Coordination Christine Roy Design graphique Atelier Mille Mille et Atelier Atoca

m-a-i.qc.ca 3680, rue Jeanne-Mance, bureau 103 Montréal, Québec H2X 2K5 — billetterie / box office 514 982.3386 billetterie@m-a-i.qc.ca Mardi au samedi, de 15 h à 18 h, et une heure avant chaque représentation. / Tuesday to Saturday, from 3 pm to 6 pm and one hour before performances.

— galerie d’art / art gallery Mardi au samedi, 12 h à 18 h. Entrée libre.

Tuesday to Saturday, 12 pm to 6 pm. Free admission.

08.09 � 17.09 Performances 8 + 9 + 10 + 15 + 17.09

L’ E N V E R S DES ÎLES BLANCHES C LAU D I A BE R NAL

Avec L’Envers des îles blanches, l’artiste C ­ laudia Bernal déploie dans la galerie une installation performative et onirique librement inspirée de trois nouvelles du Nobel de littérature colombien Gabriel García Márquez : c’est ainsi que La douleur des trois somnambules, La femme qui venait à six heures et Ève à l'intérieur de son chat deviennent matière à une création déambulatoire et immersive. Empli de symboles, de sons, de voiles et de présences, le MAI se transforme en écrin exubérant pour le réalisme magique de l’auteur.

L’expérience, fantasmatique, foisonnante, évocatrice de l’Amérique latine, se fait performance quand deux interprètes (Claudia Bernal et Danae Serinet) s’immiscent pour donner corps et musicalité aux mots de García Márquez.

Claudia Bernal is an interdisciplinary artist originally from Colombia whose work, straddling performance, theatre, visual arts, and literature, delivers a compelling and original examination of social and political forces along with contemporary issues of identity.

MONTRÉAL

INTERDISCIPLINARITÉ

Artiste interdisciplinaire originaire de Colombie, Claudia Bernal insuffle énergie et originalité à des œuvres (performance, installation, vidéo, gravure, peinture) profondément animée par des questionnements sociaux, politiques, notamment féministes.

In L’Envers des îles blanches, artist Claudia Bernal transforms the gallery with a dreamlike, performative installation drawn from three short stories by Nobel Prize for Literature laureate Gabriel García Márquez. Here, the tales of Bitterness for Three Sleepwalkers, The Woman Who Came at Six O’Clock, and Eva is Inside Her Cat become material for an ambulatory immersion, filled with sounds, symbols and presences.

Claudia Bernal and Danae Serinet give body to Márquez’s magic realism and to his haunting words, creating an ebullient and riotous enclosure where the fantastical so redolent of Latin America is materialized through performance.

© Marc-André Goulet

5

23.09 + 24.09

L E I LA’ S D E AT H A LI C HA HROU R

Diplômé de l’école de théâtre au Liban, Chah­ rour poursuit des recherches sur les rapports possibles entre un environnement politique et culturel empreint de religion et les enjeux et techniques de l’art contemporain. « Le Festival d'Avignon offre un magnifique écrin aux rituels chantés et dansés d’Ali Chahrour, jeune chorégraphe et danseur libanais. » L'Orient-Le Jour (Beyrouth)

En association avec le Festival du Monde Arabe de ­Montréal

This mourning ritual created by Lebanese choreographer Ali Chahrour revolves around Leila, a professional mourner, who expresses her grief through the singing of ataba (lamentations).

Based on the notions of martyrdom and of a heroic death, Chahrour’s work questions the relationship between the body and religion.

Accompanied by musicians Abed Kobeissi and Ali Hout, Leila’s Death borrows elements from traditional song and poetic elegy to reactivate a near-extinct cultural heritage.

Since graduating from theatre school in Lebanon, Chahrour has researched possible relationships between the religion-saturated cultural and political environment and the concerns and techniques of contemporary art.

«Leila’s Death relies upon the middle aged performer’s sensational presence: her ample form, covered from head to toe, striding on stage, belting out her atabas in a husky voice perfected by years of performance.» — The Daily Star (Beyrouth) In association with Festival du Monde Arabe de Montréal

BEYROUTH, LIBAN

DANSE — PERFORMANCE

6

Le chorégraphe libanais Ali Chahrour nous présente une cérémonie de la mort, où le personnage principal, Leila (pleureuse professionnelle), chante sa peine dans une ataba (une complainte). Basée sur des notions de martyr et de mort héroïque, cette œuvre de Chahrour interroge le rapport entre le corps et la religion.

En présence des musiciens Abed Kobeissi et Ali Hout, Leila’s Death emprunte des éléments de chant et de poésie élégiaques traditionnels réactualisant ainsi un héritage culturel en voie de disparition.

© Gilbert Hage

06.10 � 12.11

T H E D E M O N S T RAT I O N

TORONTO

INSTALLATION

CO CO G U Z MAN

© Wai-Yant Li

La participation à une manifestation constitue un mélange singulier de proximité humaine et de sensations démultipliées. Artiste de ­Toronto, Coco Guzman explore ces dynamiques de groupe hautement chargées dans l’installation immersive The Demonstration. Parcourant l’installation – sorte de manifestation ou de défilé grotesque composé de grands dessins et de matériaux en trois dimensions –, les visiteurs sont conviés à réfléchir sur le rôle de la contestation et de la célébration publique dans notre société néolibérale.

Née en Espagne, Coco Guzman emploie le dessin pour raconter des histoires sur des sujets qui restent souvent invisibles, mais qui ont pourtant une existence persistante dans notre réalité quotidienne. Ses histoires concernent parfois des événements ou des situations occultées par des normes sociales ou par des réalités politiques, et certaines de ses œuvres révèlent, sur le plan visuel, des événements historiques étouffés par les autorités.

Participating in a public demonstration is a unique combination of human closeness and intense emotion. The Demonstration, an immersive installation by Toronto-based artist Coco Guzman, explores these highly charged crowd dynamics. Visitors moving about the work—a grotesque demonstration or parade comprised of large-scale drawings and 3D materials—are invited to reflect upon the place of public protest and celebration in our neoliberal society.

Born in Spain and educated in France, Coco Guzman uses drawing to tell stories about things not revealed to the eye, yet which persist within our everyday reality. Sometimes these stories concern events or situations kept secret owing to social norms or political realities. Some of Guzman’s work visually reveals historical events suppressed by authorities, using art to investigate realms of silence and secrecy, and to unearth hidden truths about past and present.

7

DANSE

VANCOUVER © Donald Lee

8

Made in China est une performance intimiste cocréée par le chorégraphe chinois-canadien Wen Wei Wang, la directrice artistique de la Beijing Modern Dance Company Gao Yanjinzi, l’artiste médiatique Sammy Chien et la musicienne Qiu Xia He. Les quatre artistes ont cherché dans leurs souvenirs et leurs héritages, les bribes d’une biographie collective volontairement subjective : l’enfance en Chine, l’entraînement sous la Révolution culturelle, leur carrière, leurs inspirations.

Made in China fait éclater cette mémoire vivante et ses questionnements à travers la danse, la musique, le récit et le multimédia. Établie à Vancouver, Wen Wei Dance a remporté de nombreuses distinctions et fait montre de ses talents polymorphiques partout dans le monde, de Shanghai à Venise dans le cadre notamment de la Biennale de Venise.

«It is a visual feast that asks questions about change and loss, new life and what is left behind.» — Review Vancouver

Made in China is an intimate performance co-created and performed by Chinese-Canadian choreographer Wen Wei Wang, artistic director of the Beijing Modern Dance Company Gao Yanjinzi, media artist Sammy Chien and musician Qiu Xia He. The four artists culled snippets from their memories, heritage, and personal histories – childhood in China, training during the cultural revolution – to form a collective biography that is unapologetically subjective.

Made in China gives explosive life to these memories and inquiries through dance, music, storytelling, and multimedia.

Vancouver-based Wen Wei Dance here creates a generous, inventive production that employs contemporary practices to revive tradition in a visual and choreographic conception that is at once touching, subtle, and breathtaking.

Wen Wei Dance has produced nine full-length works, garnered numerous awards, and showcased its polymorphic talents internationally, from Shanghai to the Venice Biennale in Italy.

14.10 + 15.10

MADE IN CHINA W E N W E I DA NCE

28.10 + 29.10

ISLAM CHIPSY & EEK Considéré comme « la nouvelle sensation égyptienne » par Le Figaro, révélation au festival des Trans Musicales de Rennes, le trio Islam Chipsy & EEK fait mouche sur la scène européenne avec son style enjoué et abrasif. Virtuose excentrique du synthétiseur et pionnier du chaâbi électro, Islam Chipsy est accompagné de Mohamed Karam et Mahmoud Refat, qui dans leur duo à la batterie nous plongent dans un tourbillon percussif envoûtant. Islam Chipsy s’empare de la trame mélodique orientale et nous en livre des formes éclatées.

Leur bootleg électrisant Live at the Cairo High Cinema Institute (2014), fut suivi l’année suivante de leur premier album, Kahraba. « Une musique festive et frénétique, issue des ghettos du Caire, que les révolutions arabes ont projetée sous les feux médiatiques occidentaux. » Le Courrier (Genève)

“Exploding out of Cairo,” when “one of the most exciting propositions on the planet” appeared at Foreign Affairs 2016 (Berliner Festspiele), and sending crowds “wild” in Bristol and London, Islam Chipsy & EEK have blazed an electrifying trail through Europe. Bandleader and electro chaabi keyboard pioneer Chipsy is flanked by drummers Mohamed Karam and Mahmoud Refat on dual kits, raining down a percussive maelstrom.

The band’s electrifying 2014 bootleg Live at the Cairo High Cinema Institute was followed a year later by Kahraba, their debut studio album.

«In Cairo, the three-piece are usually hired to play large outdoor wedding celebrations and their sound has developed in tandem with a need to kickstart parties…. Now, playing indoors through really powerful rigs, their sound has morphed into something that is bordering on overwhelming.» — The Guardian

Commissaire : James Goddard En association avec le Festival du Monde Arabe de Montréal.

Curator: James Goddard In association with Festival du Monde Arabe de Montréal.

MUSIQUE

CAIRE, ÉGYPTE Photo gracieuseté de 100 Copies Music

9

09.11 � 20.11

T RAV E R S É E VOYAG E U R S I M MO BILES, C I E D E C R É AT ION

Avec des images d’une grande puissance d’évocation, cette compagnie de théâtre se distingue encore une fois par son travail humaniste, engagé et exigeant. Présenté en français et en langue des signes québécoise.

Traversée tells the story of Nour and her nanny, Youmma. “Youmna smells like orange trees.

She is also deaf.” Youmna and Nour create a remarkably imaginative world all of their own.

Until the day comes when Nour must leave for a distant land, “where girls can go to school, even with messed up hair.” What follows is a perilous journey of hope and chance encounters: “To be someone, you sometimes have to be many.”

Written by Estelle Savasta and directed by Milena Buziak, in collaboration with visual ar­ tist Khadija Baker and musician Diane Labrosse, Traversée comes to life through hearing-impaired performer Hodan Youssouf and non-deaf actress, Florence Blain Mbaye.

Drawing on the evocative power and creative use of music and images, this theatre company is further distinguished by its humanism, social commitment, and exacting performances. Presented in French and in Quebec Sign Language.

MONTRÉAL

THÉÂTRE

10

« Youmna est belle et douce. Elle sent l’oranger.

Elle est aussi sourde. Nour grandit avec Youmna dans une toute petite maison »… jusqu’au jour où elle doit partir pour un pays lointain « où les filles peuvent aller à l’école, échevelées si elles le veulent ». S’ensuit alors un voyage périlleux fait de rencontres et d’espoir : « Parfois, pour être quelqu’un, il faut être plusieurs ». Texte d’Estelle Savasta mis en scène par Milena Buziak, avec la collaboration de l’artiste visuelle Khadija Baker et de la musicienne Diane Labrosse, Traversée est l’aboutissement d’un processus créatif avec la comédienne sourde Hodan Youssouf et la comédienne entendante Florence Blain Mbaye.

© Patricia Voumard

26.11

SONIDO PESAO RÉ C I PI E NDA I RE DU P R I X D E LA D I VE RS I T É E N M U S I QU E

MUSIQUE

MONTRÉAL © Géraldine Brière

Depuis plusieurs années, Sonido Pesao se démarque sur scène par son empreinte musicale unique. Electro rap latino, cumbia, salsa, kompa et soul servis par le bouillonnant sextuor.

Along with their stand-out stage presence, Sonido Pesao’s distinctive sound, a heady mix of latino electro-pop, cumbia, salsa, kompa, and soul has earned them an ardent following.

Originaires du Salvador, du Guatemala, de Hongrie voire du Québec, ces musiciens et MCs étaient auparavant regroupés sous le nom d’Heavy Soundz. Inspirée par Montréal et ses vies de quartier, la formation s’est produite notamment au Festival international de jazz de Montréal en 2015. En 2016, le collectif lançait son deuxième opus musical : Reir para no llorar, un album festif à souhait.

Hailing from Salvador, Guatemala, Hungary and Quebec, and inspired by the energy of Montreal and its street life, this sextet of musicians and MCs, which first went under the name Heavy Soundz have performed extensively including an appearance at the 2015 Montreal International Jazz Festival. In 2016, the group released its pulsating second album – Reir para no llorar.

« Le résultat : rieur et jubilatoire (…). C’est funky, syncopé, parfois près du reggae, avec ce délicieux mélange électro-organique. À la fois sabroso et conscient. » Yves Bernard, Le Devoir

«The result: high-spirited and joyous (...). It’s funky, syncopated, sometimes leaning into reggae, with a deliciously organic electro mixed in. At once sabroso and aware.» — Yves Bernard, Le Devoir

En partenariat avec le Conseil des arts de Montréal, V ­ ision Diversité, la Fondation Arte Musica et ICI Musique RadioCanada.

In partnership with Conseil des arts de Montréal, ­Vision Diversité, Fondation Arte Musica and ICI Musique Radio-Canada.

11

09.12 + 10.12

MOI, PETITE M A LG AC H E - C H I N O I S E C LAU D I A C HA N TAK

DANSE

MONTRÉAL

12

© Nans Bortuzzo

Entre danse contemporaine et documentaire, Claudia Chan Tak propose avec Moi, petite Malgache-Chinoise une recomposition subjective de ses propres racines et de son imaginaire. Sa démarche fait suite à son pèlerinage à M ­ adagascar, endroit où elle a retrouvé de nombreux souvenirs d'enfance : la petite fille qu’elle était semblait visiblement plus intéressée par les animaux et la nature que par les gens et leur réalité. À l’aide de ces archives, elle tisse un conte très personnel qu’elle anime d’un mélange de souvenirs, de clichés, d’impressions. Entre le réel et l’onirique se dessine alors une géographie intime de son existence.

Réalisatrice et interprète montréalaise, Claudia Chan Tak se livre à une pratique riche et ludique qui flirte entre danse, performance, documentaire, film et multimédia.

Part contemporary dance, part documentary, Claudia Chan Tak proposes with Moi, petite Malgache-Chinoise, a subjective retelling of her personal story tinged with the imaginary that followed a pilgrimage to Madagascar where she was deluged by childhood memories: a young girl more interested in animals and in nature than in real people. Using these recollections, she weaves a very personal tale that mixes memories, impressions, and unshakeable clichés.

Lying somewhere between reality and the oneiric, she sketches an intimate geography of her existence.

Director and performer, Claudia Chan Tak’s often playful practice oscillates between dance, performance, documentary, film and multimedia. Her creative work investigates familial, cultural, and imaginative bonds, along with the sources of confrontation, reconciliation, and liberation.

« Claudia Chan Tak est géniale (…) Faudrait pas que Tarantino vienne nous la piquer. » Dance from the mat

Accompagnement jumelé en danse CAM + MAI

« hilarante Claudia Chan Tak » — Dfdanse Joint CAM + MAI mentorship in dance

WELCOME TO INDIAN COUNTRY 20.01 + 21.01

Welcome to Indian Country presents a selection of Indigenous artists from within ­Indigenous territory widely known as the Island of M ­ ontreal.

In marking the anniversaries of Canada 150th and Montreal 375th, curator Lara Kramer, an Oji-Cree (Ojibwe and Cree) choreographer and performer, would like to acknowledge and pay respect to all nations of “Turtle Island”.

E CL E CTIK 2017

Welcome to Indian Country présente une sélection d'artistes autochtones issus du territoire indigène vastement connu sous le nom d'île de Montréal. À l'occasion du 150e anniversaire du Canada et du 375e de Montréal, la commissaire, chorégraphe et interprète oji-crie Lara Kramer souhaite rendre hommage à la kyrielle de nations provenant de « l'île de la Tortue ».

Dans Welcome to Indian Country, les artistes créent un impact collectif qui reflète leur communauté, leurs chants, leurs voix et leurs récits, tous aussi différents les uns que les autres.

Tantôt traditionnelles, tantôt contemporaines, ces œuvres évoquent le changement, la croissance nouvelle et la transformation de l'identité autochtone. Influencées par les doctrines eurocentriques de longue date caractérisant les assises de l'identité amérindienne tout en étant bien ancrées dans les expériences autochtones, elles expriment un profond besoin de recouvrer une autonomie, une histoire personnelle et une identité qui admet l'effet de la colonisation. Un pas vers l'avenir, tourné vers le passé.

The featured artists of Welcome to Indian Country create a collective impact reflecting our diverse communities, stories, songs and voices. Working in both traditional and contemporary forms, we witness the change, regrowth and transformation of Indigenous identity. With the long standing history of Eurocentric ideologies determining what is Indian, these artists’ works are grounded in self-determination that reclaim personal autonomy and history, and are an expression of identity that recognize the colonial effect while remaining connected to Indigenous experiences. A movement towards the future while addressing the past. Performance and visual art, film, video, and dance.

13

ECLECTIK, MAI’s annual multidisciplinary event, moves to its new home in January – ­opening rather than closing the latter half of each season, signifying a beginning rather than an end.

© Stefan Petersen

ECLECTIK se tiendra dorénavant en j­anvier.

Plutôt que de clore la dernière moitié de la saison, ce cabaret multidisciplinaire ouvrira l’année dans une optique de renouveau.

ECLECTIK 2017 COMMISSAIRE LARA KRAMER

28.01

ACCORDÉON KA I E K E LLO UGH PRE MIÈ RE PARTIE / O PEN I N G ACT NICK SCHO FIE LD E T AR I S WAN

Kaie Kellough est l’auteur de deux recueils de poésie et de deux enregistrements sonores. Émanant du langage, ses performances explorent les éléments de base du discours pour créer un écosystème sonore qui favorise l’épanouissement de l’énoncé, de la parole.

Kaie Kellough’s debut novel, Accordéon, (Arbeiter Ring Publishing, 2016) presents a vertiginous, surreal Montréal. As the 2012 student strike dissolves and an election looms, an itinerant confabulator attempts to make sense of the city. This novel, which will be launched at MAI, is also a performance. Its language is charged by electronic drums, distortion, and drones. Accordéon invites readers / listeners on cloud-borne nocturnal voyages, disappearances under the earth, and offers insights into race, belonging, nationalism, immigration, class, se­ xuality, and their intersections in the city streets.

Kellough is the author of two poetry collections and two sound recordings. His performances are rooted in language and explore the basic units of speech production, creating sonic ecosystems in which vocal utterance can flourish.

Curator: James Goddard

Commissaire : James Goddard

MONTRÉAL

INTERDISCIPLINARITÉ

14

Le premier roman de Kaie Kellough, Accordéon (Arbeiter Ring Publishing, 2016), présente un Montréal vertigineux, surréel. Tandis que les grèves étudiantes de 2012 s’estompent et que se profilent des élections, un itinérant fabulateur tente de donner sens à la ville. Le roman, dont le lancement est prévu au MAI, est aussi une performance. Son langage est chargé de batterie électronique, de distorsions et de drones. ­Accordéon convie les lecteurs - auditeurs à des voyages nocturnes et éthérés, à des disparitions souterraines, et nous livre des réflexions sur l’appartenance, l’identité raciale, le nationalisme, l’immigration, les classes sociales, la sexualité, et leurs entrecroisements sur le macadam de la ville.

© Mariel Rosenbluth

INSTALLATION MULTIMÉDIA

MONTRÉAL © Maia Iotzova

Dans l'installation vidéo multicanale intitulée Love is a Whole Other Creature, Maia Iotzova présente les facettes d'un monde rempli d'amour où 60 individus de Sofia, de Montréal, de Toronto et de Rijeka nous communiquent ce que l'amour signifie pour eux. Des images de l'univers de l'artiste ponctuent cette production. La dispersion d'images en mouvement dans l'espace galerie propose un lien ténu avec la distribution géographique des participants, et le désir de gommer les dissimilitudes n'a comme seul objectif de comprendre les nuances que l'autre apporte au tableau.

Cinéaste et artiste médiatique passionnée installée à Montréal, Maia Iotzova a grandi à Sofia en Bulgarie. La plupart de ses œuvres, documentaires et projets Web, explorent notre relation intime avec la nature dans le contexte urbain. Un regard porté sur la nature laissée en friche, les terrains vacants ou abandonnés. Rien à voir avec les parcs aménagés.

Originally from Sofia, Bulgaria, Maia Iotzova is a Montreal-based filmmaker and media artist.

In the multi-channel video installation Love is a Whole Other Creature, she presents facets of a world of love, as 60 individuals from Sofia, Montreal, Toronto, and Rijeka tell us what love means to them. Interspersed throughout are images from the artist’s life and world. The dispersion of images through the gallery space loosely figures the participants’ geographical distribution, and the attempt to bridge the distance is none other than the attempt to understand one-another for the nuances each of us brings to the picture.

Much of Iotzova’s work to date, including documentary films and web-based projects, has dealt with our relationship with urban nature, not the landscaped parks, but the unkempt spaces and sometimes abandoned “vacant” lots.

PRIM-MAI joint residency

Résidence conjointe PRIM-MAI

03.02

LOV E I S A W H O L E OT H E R C R E AT U R E M A I A I OT ZOVA

15

mot du directeur michael toppings

16-17 niwakenhnhò:ten

16

Enhonten’enhrotónnion’, sok enshonten’enhrotakwanión:ko’, thó:ner á:re enshonten’enhrotónnion’. Aten’èn:ra iakonónhstats nón:kwe né: ne tóhsa ó:ia ón:kwe aontaiontáweia’te’. Aten’èn:ra tewate’nienténhston tsi niionkwarihò:ten tánon’ nahò:ten titewehtáhkhwa’. Tóka’ setshà:nis, ensónnien’ ne wahétken. Tóka’ sahsósenes, enkaríhsi’ ne thé:nen ionehrákwaht. Ón:kwe ionhtsa’nà:ke waten’enhrotónnions tánon’ ka­ kwirià:khons ò:ni’, tánon’ ionhtsa’nà:ke iakaonnién:ni ahontenatón:ni’ ne ahonte’kwáhsen’ nok ò:ni’ ienkaiá:kenhwe’ akwé:kon nahò:ten ká:ien ne onkwanonhskónhshon. Kahnekaksà:tha’ nonkwahné:ka, kanonhsienénhtha’ nononhsatokénhti, tánon’ tkanien’serénhtha’ ne káhonre.

18háton iohserá:te tsi náhe MAI ronanitiohkón:ni. Tehotiienawà:kon ne tehonttihánion ratirahstánions, thikà:te nahò:ten ronnonhtónnion teio’nikónhrhare ne ontionhóntsa, tánon’ oh ní:tsi tsi aonsaionhontsí:io’ne’. Teiotonhontsóhon aiethiiatahónhsatate’ né: tsi ne ronónha shakotíhkhwas ne ratinakerahsera­ kwe’ní:io’s raoti’shatsténhsera. Ratinakerahsera­ kwe’ní:io’s thonnónhtons oh ní:tsi taontté:ni’ ne kanakerahserá:kon nek tsi sótsi iehatikwénie’s ne tóhsa taontté:ni’. Tewatahónhsatat, tewawe­ ientéhta’n tánon’ tewaia’taratiè:shek ne karihwaneren’èn:ke.

2016 / 2017 iohserá:te wa’titewatenonhwerá:ton’ tsi 150 niiohserá:ke ó:nen shikanakerahseríson, tánon’ tsi 375 niiohserá:ke tsi náhe ronatenatíson ne Tiohtià:ke. Tsi nihá:ti kèn:’en ratinakerénion é:so ronate’shennakè:ron, tánon’ thia’tehá:ti ra­ tinákere ne kanatowanèn:ne, shaià:ta rón:kwe ne tehniiáhse tehnón:kwe ò:ia’ kanakerahserá:kon thonakerá:ton tóka’ ni’ ronwaièn:’a ò:ia kanakerahserá:kon thonennakerá:ton. É:so tsi

ionkwatáhska tsi kén: tewanákere. Tsi né: tsitewehià:ra’s ne Tiohtià:ke, skén:nen nón:we teiotonhontsóhon taietewatenonhwerá:ton’ tsi Kanièn:ke watená:taien ne Tiohtià:ke. Kanien’kehá:ka iah nowén:ton tehonatkà:wen ne raotinakeráhsera, tánon’ Kó:ra iah nowén:ton kaianerenhserá:kon tehorihwahnirá:ton tsi ronnonkwehón:we rona­ tenakerahseratshénrion ne kèn:’en. Nó:nen thé:nen enwaterihwahtén:ti’ teiotonhontsóhon aionkwaterièn:tarake’, skén:nen aonsetión:ni’, aietewakwénienhste’, tánon’ aonsetewarihwahní:rate’ tsi nitiawénhseron.

Nok 50 niiohserá:ke tsi náhe onterihwahtén:ti’ ne 1967 International and Universal Exposition, sénha tewahsennaienté:ri ne Expo 67, tánon’ tho ki’ nón:we MAI Otióhkwa tahoti’nikonhratihéntho’ tánon’ wahontenonwará:ko’ oh ní:ioht ne sénha aioianerénhake’ tsi ní:tsi enkarihwahseronníhake’ kí:ken wakenhnhá:te. Ià:ia’k niwáhsen tékeni nikanakerahserá:ke wahontià:ta­ ren’ tsi nón:we onhontsakwé:kon wahón:nehrek né: aonhà:’a tioiánere ionte’nikonhroria’táhkhwa’ nonhontsà:ke, tánon’ iohserowá:nen né: tsi wa’thontenonhwerá:ton’ tsi teioten’niáwe ne Koráhne. Rón:kwe tánon’ Raonhóntsa wahatinà:tonhkwe’ ne ionte’nikonhroria’táhkhwa’, skén:nen kénhne - rón:kwe tehotstikahwhenhátie’s tánon’ iehò:reks ne ahatshén:ri’, aho’nikonhraién:ta’ne’ tánon’ ahrón:ni’; oh ní:ioht tsi teshaténie’s, rarihwahserón:nis tánon’ rátstha’ ne raottokháhtshera naiá:wen ne ahatenenhrí:iohste’…tánon’ oh ní:ioht ne rón:­ kwe kanakerahserá:kon réhsaks tánon’ shé:kon réhsaks ne skén:nen ahninákereke’ skátne ne ronatén:ro.

Né: ká:ti’ MAI, 50 niiohserá:ke ohnà:ken, thikà:te tánon’ tó:ske tsi nahò:ten enhsha-

kotina’tón:hahse’ ne onhontsakwé:kon oh neniá:wen’ nó:nen enhontia’tarò:roke’. Tho ki’ nón:we enhonnè:sheke’ tsi nihá:ti iah kwah teiethí:kens, enhóntien’ atekhwahrahtsherákta tsi nón:we rotiianerenhserá:ien. Tho nón:we iah thahshé:ken’ ne ónhka’k sénha è:neken tetiakótte, iontatia’tontákwas, ónhka’k sénha shakote’shén:ná:wi, ónhka’k ok thiiako’shatstenhseraientà:’on tánon’ ónhka’k ok thiiakoiane­ renhseraientà:’on ne aontaionnónhton’. Nó:nen kí:ken ratirahstánions enhonaterihwahtentià:ton iah tha’taontonhóntsohwe’ ónhka’k taiontatté:ni’ naiá:wen ne aiontià:taren’. Enwá:ton’ ón:kwe skén:nen enieia’tá:rake’ tánon’ tenhonttihánion’. Tho nón:we sha’otiié:ra enkénhake’ neh nahò:ten tekonttihánion. Arohátien oh nenhsia’to’ténhake’, oh nensonhontso’ténhake’, tó: nensakwatshéhake’, oh nahò:ten nenhseweientehtónhake’, ónhka enhshenorónhkhwake’, oh nensarihwiiostonhtshero’ténhake’, oh nihshwa­ tsirò:ten, tó: na’tesohseriià:kon, oh nenhsewen-

no’ténhake’, tánon’ oh nensentiohko’ténhake’.

Tsi ní:tsi enwaterihwahtén:ti’, enhsatkáhtho’ tsi enhskwé:ni’ tenhsatté:ni’. Tho nón:we enkahtharáhkwenke’ oh nahò:ten takarihón:ni’ tsi iah thia’tehá:ti teiethí:kens, oh nontié:ren tsi iah sha’teionkwakwátshe té:, oh nontié:ren tsi tetewatátshwens, tánon’ oh nontié:ren tsi ohwísta ne karihwiiostonhtsherasé’tsi.

Wa’tekhenonhwerá:ton’ ne iontkahthóhtha’ otióhkwa, Lara Kramer (ECLECTIK 2017) tánon’ James Goddard (karén:na) tsi tahiáhtka’we’ ne iowennaná:wen’s tánon’ nahò:ten wahiatkáhtho’, kwah iorihowá:nen. Wa’tekhenonhwerá:ton’ ne Emily Wad, Vanessa Jame Kimmons, Kate Nankervis tánon’ Gary Varro tsi wa’onkena’tonnì:ra’ ne iorì:wase’s.

Tsi tionón:te ienkwaia’ténhawe’. Onontoharà:ke ia’tentsitewatátken’

17

saison 16-17

Les frontières s’érigent, tombent, puis s’érigent à nouveau. Les frontières tiennent lieu de barrières de sécurité qui empêchent l’autre d’entrer, qui protègent ce qui se trouve en leur cœur ; des barrières qui définissent les croyances culturelles, justifiées ou erronées. La peur crée ce qu’il y a de plus laid. L’envie détruit ce qu’il y a de plus beau.

Les mains qui construisent ces frontières sont les mêmes qui abattent nos forêts, et les mains qui entravent l’établissement de camps de réfugiés sont les mêmes qui pillent nos ruches, empoisonnent nos rivières, détruisent nos temples et appuient sur la gâchette.

La 18e saison du MAI met en vedette d’incomparables artistes aux idées lumineuses, des artistes qui s’interrogent sur la souffrance de notre planète et sur la façon dont on peut la soulager.

Nous devons leur prêter une oreille attentive, car ce sont eux qui luttent pour retirer le pouvoir de ces mains qui le monopolisent ; ce sont eux qui soutiennent la déconstruction des systèmes de pouvoir qui résistent si bien au changement. Écoutez, apprenez et soyez complice.

Notre saison 2016-2017 se veut aussi un hommage au 150e anniversaire du Canada et au 375e anniversaire de la Ville de Montréal – pays foisonnant de possibilités pour tous ceux qui souhaitent y élire domicile et ville universelle où un habitant sur deux est né ailleurs ou dont un parent vient de l’étranger. Notre adresse fait de nous des êtres véritablement privilégiés. Cette commémoration doit néanmoins souligner le fait que la ville de Montréal est située en plein cœur de Ganiengeh, un territoire mohawk non cédé, et que le Canada n’a pas encore officiellement et juridiquement reconnu les peuples autochtones comme fondateurs de la nation. Ces célébrations doivent par conséquent être empreintes d’affirmation, de respect de l’histoire et d’un désir de réconciliation.

Ce sera par ailleurs le 50e anniversaire de l’Exposition internationale et universelle de 1967, plus connue sous le nom d’Expo 67, source d’inspiration du MAI et grande responsable de la composition de la nouvelle saison. L’Expo 67 a suscité la participation de 62 pays et fut une véritable foire

18

mondiale de catégorie A ainsi qu’un moment fort des célébrations du centenaire du Canada. Ayant pour thème Terre des Hommes, l’événement était des plus optimistes et se voulait « une exploration de l’homme et de son univers physique, de son désir de découvrir, de comprendre et de produire, de la façon dont il assimile, organise et utilise ses connaissances pour améliorer son destin et, en tant qu’être social, de la façon dont il a cherché et cherche encore à vivre en paix et en harmonie avec son prochain ». Conséquemment, quelque 50 ans plus tard, le MAI riposte en présentant une version autrement altruiste d’un rassemblement d’envergure mondiale, un rassemblement à l’occasion duquel les groupes historiquement sous-représentés prennent la place qui leur revient, un rassemblement dont le concept est affranchi de privilège, d’exclusion, d’avantage, de pouvoir arbitraire et de dominance conférée.

Dans cette version, mise sur pied par les artistes à l’affiche, l’appartenance ne requiert aucune

assimilation. L’appartenance est naturelle, et les différences en matière de genre, de race, de classe, d’habilité, d’orientation sexuelle, de religion, de caste, d’âge, de langue et de pratique sectaire sont la norme. Dans cette version, le changement est possible. Nous abordons non seulement le manque ou le besoin de diversité, mais bien l’enracinement de ces derniers. Nous parlons également d’inégalité économique, de racisme systémique, d’équité comme nouvelle religion.

Je remercie les commissaires Lara Kramer (ECLECTIK 2017) ainsi que James Goddard (volet musical) pour leur vision à la fois humble et tranchée. Je remercie également Emily Wad, Vanessa Jane Kimmons, Kate Nankervis et Gary Varro pour m’avoir mené vers de nouvelles découvertes.

Nous vous convions à la montagne. Rendez-vous au sommet.

season 16-17

Borders go up, borders go down, borders go up again. Borders become security barriers, security barriers to keep people out, to protect what’s in, barriers that define cultural beliefs and misbeliefs. Fear builds the ugliest of things. Greed tears down the most magnificent. The hands that build barrier walls are the same that clearfell our forests, and the hands that coerce the need for refugee camps are the same that empty our hives, the same that poison our water, same that tear down temples, pull triggers.

MAI’s 18th season is formed by incomparable artists with significant ideas about what ails our globe and how perhaps it can be mended. We need to lend them our ear for they are the ones wrestling away power from the hands that hold most of it, the ones critical to the reconstruction of power systems that so successfully resist change. Listen, learn and be complicit.

2016 / 2017 also pays homage to both the 150th anniversary of confederation, and the 375th anniversary of the founding of Montréal, a country rich with possibilities for all who call

it home, and a world city where one in two was born abroad or has a parent born abroad. We are truly blessed by our address. Any commemoration must however be tempered by the acknowledgement that Montréal is located in the heart of Ganiengeh, unceded Mohawk territory, and that Canada has yet to recognize indigenous peoples as founders of the nation in a formal, legal way.

Let any celebration therefore be mindful, reconciliatory, respectful of history and affirmative.

It is however the 50th anniversary of the 1967 International and Universal Exposition, better known as Expo 67, from which MAI drew inspiration, and which is most liable for structuring the season anew. Sixty-two countries participated in what was considered a Category One World's Fair and in what was a definitive highlight of ­Canada's Centennial celebrations. The theme, Man and his World, was optimistic – an exploration of man and his drive to discover, understand and produce ; of how he assimilates, organizes and uses his knowledge to improve his lot... and how, as a social being, he has sought and still seeks to live in peace and harmony with his fellow man.

‫‪the lack of or the need for diversity but about the‬‬ ‫‪root causes, about economic inequality, systemic‬‬ ‫‪racism, and about equity being the new religion.‬‬ ‫‪Thank you to the curatorial team of Lara Kramer‬‬ ‫)‪(ECLECTIK 2017) and James Goddard (music‬‬ ‫‪for their soft-spoken but bellowing visions.‬‬ ‫‪Thank you also to Emily Wad, Vanessa Jane‬‬ ‫‪Kimmons, Kate Nankervis and to Gary Varro‬‬ ‫‪for guiding me towards new discoveries.‬‬ ‫‪We are going to take you to the mountain. See‬‬ ‫‪you at the summit.‬‬

‫‪And so, MAI counters, some 50 years later, by‬‬ ‫‪presenting an alternatively altruistic version of a‬‬ ‫‪world gathering, one in which the historically‬‬ ‫‪underrepresented take their rightful seat at the‬‬ ‫‪table, one in which the concept of our is free of‬‬ ‫‪privilege, exclusion, advantage, arbitrary power‬‬ ‫‪and conferred dominance. In this version, drawn‬‬ ‫‪by the programmed artists, one need not assimi‬‬‫‪late to belong. One simply belongs and can be‬‬‫‪long differently. In this version, differences along‬‬ ‫‪lines of gender, race, class, ability, sexual orienta‬‬‫‪tion, religion, caste, age, language or other such‬‬ ‫‪sectarian axes of identity are the norm, change is‬‬ ‫‪achievable. In this version, we talk not just about‬‬

‫موسم‬

‫‪16-17‬‬

‫‪19‬‬

‫مثاالً لتنظيم الموسم الجديد‪ .‬فقد شاركت إثنتان وستون دولة في‬ ‫المعرض الذي اعتبر من فئة المعرض العالمي األول والذي ألقى‬ ‫الضوء على الذكرى المئوية األولى لكندا‪ .‬أما عنوان المعرض‬ ‫“أرض البشر” فقد كان تفاؤليا ً بامتياز – حيث عمل على سبر‬ ‫غور اإلنسان ومحيطه من حيث كيفية سعيه لالكتشاف‪ ،‬للفهم‬ ‫ولإلنتاج؛ وحول كيف يتأقلم‪ّ ،‬‬ ‫ينظم ويستخدم علمه لتحسين‬ ‫أوضاعه‪ ...‬ثم كيف سعى‪ ،‬ككائن اجتماعي‪ ،‬وما زال يسعى‬ ‫للعيش بسالم ووئام مع أخيه اإلنسان‪.‬‬

‫ُتقام الحدود‪ُ ،‬تزال الحدود ثم ُترسم من جديد‪ .‬تتحول الحدود إلى‬ ‫حواجز أمنية لمنع اآلخرين من اجتيازها ولحماية من هم داخلها‪.‬‬ ‫تعرِّ ف الحدود وتفصل بين ما تعتبره قيمها ومعتقداتها الثقافية‬ ‫واألخرى الخاطئة‪ّ .‬‬ ‫يعزز الخوف أقبح األشياء‪ .‬والجشع يهدم كل‬ ‫ما هو جميل‪ .‬األيادي التي تبني الجدران الفاصلة هي ذاتها التي‬ ‫تعمل على قطع وإزالة غاباتنا‪ .‬واأليادي التي تقيّد بناء مخيمات‬ ‫الالجئين هي نفسها التي تنهب قفراننا وتسمم أنهارنا؛ تهدم‬ ‫المعابد‪ ،‬تدمّر البيئة وتتسبّب بالحروب‪.‬‬

‫وهكذا‪ ،‬تعمل “ماي”‪ ،‬خمسون عاما ً فيما بعد‪ ،‬على تقديم نسخة‬ ‫بديلة ومغايرة لعالم جامع‪ ،‬عالم سيتم من خالله إعطاء كل ذي‬ ‫حق حقه بحيث تأخذ المجموعات المهمّشة تاريخيا ً مكانها الشرعي‬ ‫خال من‬ ‫على الطاولة‪ .‬وحيث يرتكز مفهوم ال“لنا” على عالم ٍ‬ ‫االمتيازات؛ خال من النبذ ومن المنفعة؛ من السلطة التعسفية ومن‬ ‫الهيمنة الممنوحة‪ .‬في هذه النسخة‪ ،‬ومن خالل الفنانين المشاركين‪،‬‬ ‫ّ‬ ‫التمثل باآلخرين حتى يشعر باالنتماء‪ .‬يكفي‬ ‫ال يحتاج المرء إلى‬ ‫أنه ينتمي ويمكنه أن ينتمي على نحو مغاير حيث التمايز حسب‬ ‫الجنس‪ ،‬العرق‪ ،‬الطبقة‪ ،‬القدرة‪ ،‬التوجه الجنسي‪ ،‬الدين‪ ،‬الطائفة‪،‬‬ ‫العمر‪ ،‬اللغة أو أي شيء من هذه المحاور القائمة على الهوية هو‬ ‫القاعدة‪ .‬في هذه النسخة‪ ،‬التغيير ممكن‪ .‬في هذه النسخة‪ ،‬نحن ال‬ ‫نتكلم فقط عن غياب أو عن الحاجة إلى التنوع واالختالف بل عن‬ ‫المسبّب الرئيسي لهذا أو ذاك‪ .‬نتكلم عن التفاوت االقتصادي‪ ،‬عن‬ ‫التمييز العنصري وعن مبادئ اإلنصاف والمساواة كدين جديد‪.‬‬

‫تقدّم الدورة الثامنة عشرة ل“مونتلاير‪ ،‬فنون انتركولتورال –‬ ‫ماي” فنانين من خارج المألوف مع أفكارهم المميزة حول ما‬ ‫يعانيه كوكبنا وحول ما قد يمكن معالجته‪ .‬نحن بحاجة ألن نصغي‬ ‫إليهم ألنهم هم من يكافح من أجل إزاحة نفوذ أوالئك الذين‬ ‫يحتكرون السلطة‪ ،‬وهم من يبرع في انتقاد أوالئك الذين يعملون‬ ‫على إعادة بناء نظام قادر على مقاومة أي تغيير‪ .‬لذا علينا أن‬ ‫نسمع لهم‪ ،‬أن نتعلم منهم وأن نتكاتف معهم‪.‬‬

‫أتقدم بشكري الخالص إلى القيمين على فريق العمل‪ ،‬إلى الرا‬ ‫كرامر (اكليكتيك ‪ ) 2017‬وجايمس نيقوالس دوميل ويللوغبي‬ ‫(موسيقى) لكالمهم اللطيف ورؤيتهم العميقة‪ .‬شكراً أيضا ً إليميلي‬ ‫واد‪ ،‬فانيسا جاين كيمونز‪ ،‬كايت نانكيرفيز وغاري فارو ألخذي‬ ‫نحو اكتشافات جديدة‪.‬‬ ‫نحن على موعد في قمة الجبل‬

‫سيجري خالل موسمنا هذا ‪ 2017 \2016‬إحياء الذكرى ال‪150‬‬ ‫للكونفدرالية الكندية‪ ،‬والذكرى ال‪ 375‬لتأسيس مدينة مونتلاير‪ .‬هذا‬ ‫البلد الغني بإمكانياته لكل من يجعل منه وطنه األم‪ .‬وهذه المدينة‬ ‫التي تع ُّد عالمية بامتياز إذا أخذنا باالعتبار أن نصف أبنائها وُ لِدوا‬ ‫في الخارج أو أن أحد الوالدين‪ ،‬على األقل‪ ،‬كان قد ولد في بلد‬ ‫آخر‪ .‬نحن محظوظون حقا ً باالنتماء إلى هذا المكان‪ .‬ولكن عند‬ ‫إحياء أي ذكرى يجب أن ُنشير إلى حقيقة مدينة مونتلاير التي تقع‬ ‫في قلب غونيينكا‪ ،‬أراضي الموهوك الغير متنازل عنها‪ ،‬ويجب‬ ‫أن نؤكد على ضرورة اعتراف كندا‪ ،‬بشكل رسمي وقانوني‪،‬‬ ‫بسكانها األصليين كمؤسسين فعليين لألمة‪ .‬وبناء عليه‪ ،‬ينبغي لهذه‬ ‫ً‬ ‫يقظة‪ ،‬تصالحية‪ ،‬تحترم التاريخ وجازمة‪.‬‬ ‫االحتفاالت أن تكون‬ ‫إنها أيضا ً الذكرى السنوية ال‪ 50‬للمعرض العالمي والدولي الذي‬ ‫أقيم عام ‪ 1967‬والمعروف باسم إكسبو ‪ ،67‬حيث استلهمت منه‬ ‫“مونتلاير‪ ،‬فنون انتركولتورال – ماي” أفكارها والذي تعتبره‬

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« On s'accroche parfois à une croyance fondamentale tenace. Lorsque nous découvrons des preuves qui remettent celle-ci en question, nous sommes incapables d'accepter ces certitudes au risque de ressentir un sentiment extrêmement inconfortable appelé dissonance cognitive.

S'ensuivent la rationalisation, l'ignorance et le déni, puis nous restons sourds à tout ce qui va à l'encontre de notre propre conviction. » f r a n t z fa n o n , p e au n o i r e , m a s qu e s b l a n c s

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temporada 16-17

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Se levantan fronteras, se tumban fronteras, se levantan las fronteras nuevamente. Las fronteras se convierten en barreras de seguridad, barreras de seguridad para mantener a personas por fuera de ellas, para proteger lo que está dentro, barreras que definen creencias culturales y escepticismos.

El miedo genera las peores cosas. La ambición derrumba las más magníficas. Las manos que construyen barreras son las mismas que talan nuestras selvas. Las manos que arman campos de refugiados son las mismas que vacían nuestras colmenas, que envenenan nuestras aguas, las mismas que derrumban templos, disparan armas.

La decimoctava temporada del MAI está conformada por artistas incomparables con ideas significativas sobre lo que aflige al mundo y sobre lo que quizás lo pueda enmendar. Necesitamos prestarles atención pues son ellos los que luchan por quitarle el poder a aquellas manos que lo acaparan casi todo. Los artistas son clave para la reconstrucción de aquellos sistemas de poder que tan exitosamente se resisten al cambio. Escuchen, aprendan, sean cómplices.

En 2016-2017 también se rinde homenaje al aniversario 150 de la confederación y a los 375 años de la fundación de Montréal. Por un lado, un país rico en posibilidades para aquellos que lo llaman su hogar, por otro, una ciudad cosmopolita en la que una de cada dos personas nació en el extranjero o tiene un padre nacido en el exterior. Sin embargo, toda conmemoración debe estar moderada por el reconocimiento de que Montreal está localizada en el corazón de Ganiengeh, territorio Mohawk, y que Canadá tiene pendiente el reconocimiento formal y legal de los pueblos indígenas como fundadores de la nación. Que las celebraciones sean entonces conscientes, conciliadoras, respetuosas de la historia y afirmativas.

De igual manera se celebran los cincuenta años de la Exposición Universal de 1967, mejor

c­ onocida como la Expo 67, de la cual el MAI se inspiró para estructurar la temporada. 62 países participaron en la que fue considerada una feria de primera categoría y un momento culminante de las celebraciones del centenario de Canadá.

La temática, el hombre y su mundo, era optimista : una exploración del hombre y su impulso por descubrir, entender y producir ; sobre cómo asimila, organiza y usa su conocimiento para mejorar su destino ; y sobre cómo, en su calidad de ser social, ha buscado vivir en paz y harmonía con el prójimo.

Así, 50 años después, el MAI presenta una visión altruista alternativa de un encuentro mundial en el que los históricamente subrepresentados toman el lugar que les corresponde, un lugar en el que el concepto de lo “nuestro” está libre de privilegio, de exclusión, ventaja, poder arbitrario y dominación deliberada. En esta versión, atraídos por los artistas programados, uno no necesita asimilar la necesidad de pertenencia.

Uno simplemente pertenece y puede pertenecer de maneras diferentes a otros, en donde las diferencias de género, raza, clase, habilidad, orientación sexual, religión, casta, edad, lengua u otros ejes sectarios de identidad son la norma. En esta versión, el cambio es lograble. En esta versión, no hablamos solo de la falta de necesidad de diversidad sino también sobre la causa, la raíz del problema, sobre inequidad social, racismo sistémico, sobre la equidad como la nueva religión.

Gracias al equipo de Lara Kramer (Eclectik 2007) y James Goddard (música) por sus suaves pero potentes visiones. Gracias también a Emily Wad, Vanessa Jane Kimmons, Kate Nankervis y Gary Varro por guiarme hacia nuevos descubrimientos.

Los llevaremos a la montaña. Nos vemos en la cima.

季 16-17

边境放宽收紧，收紧再放宽。边境成为大家的 安全保护网，用来防御别人进入，保卫内里的 东西，这些保护网也就定义了一切文化的肯定 与否定。恐惧引申成最丑陋的；贪婪摧毁了最 壮丽的。建筑边境的人同样是破坏我们森林的 人；威迫我们建立难民营的人同样是腾空了我 们蜂巢的人、污染清水的人、拆卸庙宇的人、 动武的人。 MAI 第十八季项目的参与艺术家独一无二，他 们对世界上的一些伤痕以及修补的方法都有自 己独到的看法。我们必须暂借出耳朵聆听他们 的话，因为艺术家们从拥有最大权力的人手中 取回公义，且批评权制，成功地与改变抗衡。 聆听、学习、相辅相成。 2016/2017年度也是加拿大联邦的150周年纪 念，以及蒙特利尔建市375周年纪念。加拿大 对希望在这建立家园的人是一个充满可能性的 国家，也是一个国际性城市，在这里每两人就 有一人出生于外地或者父母其中之一在外地出 生。我们住在这真的很幸运。然而，任何纪念 活动都应该适当地承认蒙特利尔位于莫霍克人 未经割让的领土中心干尼安哥（Ganiengeh） ，加拿大还需要正式合法地承认原住民才是这 国家的始创人。任何庆祝活动需坚决贯彻与原 住民调解的方针，以醒悟和尊重历史作为大前 提。 再者，今年也是1967年世界博览会的50周年，

人们可能会比较熟悉Expo 67这名字，MAI从 中汲取灵感，重新构思新一季的项目。六十二 个国家当时参加了被视为全球顶级的世界博览 会，并且是加拿大百年庆祝活动的一个重要亮 点。该主题人与世界相当乐观 - 人类的探索以 及不断发掘、理解和生产的魄力; 人如何融入 社会、组织并运用自己的知识去改善自己的生 活状况......在社群当中，人如何努力尝试与 其同类和平及和谐地共处生活。故此，MAI于 50年后，通过举办一个无私的另类世界大会， 好让在历史上未被重视的代表者占一席位，我 们的理念绝对没有特权、排外、优势、武断的 权力和赋予的主导地位。这一季表演的艺术 家，不必同化也能够有归属感。每个人本身有 权保留自己的差异去融入一个地方，这里的差 异包括性别、种族、阶级、能力、性取向、宗 教、社会地位、年龄、语言或其他派别身份上 的差异。在这季中，改变是能够实现的。在这 季中，我们谈论的不只是多元化性的缺乏或必 要性，而是其根本原因，是经济不平等，是系 统式的种族主义，要谈论的是我们的新宗教， 名字叫平等。 谢谢策划项目团队Lara Kramer (Eclectik 2017) 和Jaames Nicholas Dumile Willoughby（ 音 乐 ） 温 和 却 充 满 怒 吼 的 寄 语 。 谢 谢 Emily Wad,Vanessa Jane Kimmons, Kate Nankervis 和Gary Varro一直引导我发掘更多新事物。

我们将带你共同登山。在高峰再会。

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CONTE

MONTRÉAL © Adrián Morillo

24 À travers ses différents personnages, Mafane nous fait vivre les étapes de l’exil : le départ, la traversée, les épreuves, l’arrivée... Dans l’évocation des espoirs si puissants, des doutes, des drames et des repères perdus, La ruée vers ­l’autre parle de notre rapport à l’autre du point de vue du migrant. Une œuvre sensible qui pose la question de ce qu’on apporte avec soi dans ce voyage incertain où l’ailleurs et l’ici se confondent, et qui célèbre l’importance de la rencontre, de l’ouverture à l’autre, des communautés et des liens sans cesse retissés au fil de réalités mouvantes.

Using an array of characters, Mafane allows us to experience various stages of exile: departure, journeying, trials, arrival. In summoning up powerful hopes and dreams, the doubts, the tragedies, the disorientation, La ruée vers ­l’autre speaks of the relationship with the other from the point of view of the migrant. A sensitive work that raises the question of what we take with us on this journey into the unknown, merging into the here and now, while celebrating the importance of the encounter, of openness, of bonds, and of communities constantly reformed as reality evolves.

Originaire de l’île de la Réunion, la conteuse a mûri ce projet en résidence à Saint-Élie-deCaxton. Elle s’est notamment inspirée de récits de ses proches et de sa rencontre avec de nouveaux arrivants au Canada. Mafane a bénéficié du Programme d'accompagnement accordé en 2015-2016 par le MAI.

Originally from l’île de la Réunion, the storyteller conceived this project during a residency at Saint-Élie-de-Caxton. She was mainly inspired by the stories of her friends and family and by encounters with new arrivals in Canada.

Mafane benefited from the MAI’s Mentorship Program in 2015-2016.

10.02 + 11.02

L A R U É E V E R S L’A U T R E M A FA N E

22.02 � 26.02 01.03 � 05.03

LA FEMME COMME CHAMP DE BATAILLE OU DU SEXE DE LA FEMME COMME CHAMP DE BATAILLE DANS LA GUERRE EN BOSNIE

HA S HT PA P RO D U CTIONS

Dans l'adaptation interdisciplinaire que fait Naeim Jebelli de la très applaudie pièce écrite par Matéi Visniek, deux femmes issues de mondes bien différents verront leurs destins se croiser sur fond de tragédie marquée par la guerre et dont la portée sera beaucoup plus universelle.

Bien que la version originale mette en vedette une Bosniaque et une Américaine, ­Jebelli brise le binarisme de l'Orient et de ­l'Occident pour créer une expérience culturellement inclusive au moyen d'une trame sonore évocatrice et d'écrans projetant animation interactive, séquences vidéo tournées en zone de guerre et même des images du public réuni dans la salle.

En français avec sous-titres en anglais (la 1re semaine) et en farsi (la 2e semaine), sans aucune altération au dialogue original.

Fondateur et directeur d'Hashtpa Productions, Naeim Jebelli s'inspire des différentes cultures et communautés pour transcender les frontières, bonifier ses productions et enrichir la scène culturelle canadienne.

In Naeim Jebelli’s interdisciplinary adaptation of Matéi Visniek’s acclaimed play, the junction of two women’s lives from vastly different worlds take on a larger, more universal perception of tragedy marked by war. While the original features both a Bosnian and an American woman, Jebelli breaks the binary of East and West to create a culturally inclusive, shared experience using atmospheric sound design and TV screens to project interactive animation, video footage of war zones, and to broadcast the audience directly onto the set.

This production will be performed in French, with English subtitles the first week and Farsi subtitles the second, with no change made to the dialogue.

MONTRÉAL

THÉÂTRE

Naeim Jebelli is founder and director of ­Hashtpa Productions. He seeks inspiration from various cultures and communities to eliminate borders, enrich productions and to add to the cultural scene of Canada.

© Naghmeh Sharifi

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Prendre place Série de performances Taking Place Performance Art Series

La quête identitaire est souvent nourrie par un besoin de trouver un lieu auquel nous appartenons. En 2017, la notion de lieu sera capitale au Canada. Les récits ayant particulièrement trait à l'appartenance et à la cohésion sociale revêtiront une importance cruciale.

Prendre place est une série portant sur les arts performatifs qui réunit sous un même toit huit artistes exceptionnels issus des quatre coins du monde au moment précis où la notion de lieu devient singulièrement pertinente. Lieu de résidence, géographie, attachement territorial.

Communauté. La série Prendre place a en outre été conçue pour faire référence aux droits civils et aux mouvements de libération qui ont trait à l'inclusion. Il s'agit de prendre sa place au moment où la notion d'équité est toute aussi déterminante. Intersection, identité sociale et frontières indéfinies.

Braids. Hee Ran Lee © Cheng-Yung Kuo

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16.03 � 25.03

The search for who we are is often fuelled by a need to find a place where we belong. The notion of place in Canada in 2017 will be significant. Narratives particular to belonging and to social cohesion will be critical.

Taking Place is a performance art series conceived as a means to group together eight significant performance artists from around the globe under one roof precisely at a time when the notion of place becomes especially relevant.

Place as address, as geography, as territorial attachment. Community. Taking Place was also conceived as a means to reference civil rights and liberation movements, of inclusiveness.

Taking one’s place at a time when the notion of equity is equally as climacteric. Intersection, social identity and indefinite borders.

DU JEUDI AU SAMEDI

16.03 Prendre place

THE SIGN C HU N HUA C AT HE R INE D ONG

De quelle manière encourage-t-on la honte au sein de sociétés qui reproduisent les relations fondées sur le capitalisme et le pouvoir ? Comment utilise-t-on cette honte dans l'intention de marginaliser certains groupes et d'exercer un contrôle sur le corps ? Dans The Sign, Chun Hua Catherine Dong explore la culture visuelle de la honte en mettant en scène seize artistes féminines portant masque et corde autour de la taille, déambulant et esquissant une série de gestes symboliques. The Sign s'appuie sur l'idéologie personnelle de l'artiste, vision selon laquelle le corps est politique, et cherche à déconstruire la honte du corps de la femme au moyen de gestes et de la complicité des spectateurs.

Originally from China, based in Montréal, Dong is a visual artist working with performance art, photography and video. Her work aims to transform everyday political life into art, and has been showcased internationally in numerous exhibitions and performance art festivals.

MONTRÉAL

PERFORMANCE

Native de Chine, Dong pratique les arts performatifs, la photographie et la vidéo. Ses œuvres ont été présentées partout dans le monde dans le cadre d'expositions et de festivals consacrés aux arts performatifs.

How is shame encouraged within societies that reproduce capitalist and power relations ?

How is it used as a tool to marginalize certain groups and exert control over the body ? Chun Hua Catherine Dong’s new work The Sign poses questions while exploring the visual culture of shame. Sixteen female performers stand in a row, each one wearing a mask and a rope around her waist, moving slowly through a series of symbolic gestures. Derived from Dong’s personal ideology that the body is political, The Sign seeks to deconstruct shame in relation to the female body using gestures, movements and audience participation.

The Lost Twelve Years. © Tongyu Zhao

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17.03 + 18.03 Prendre place

I S TA N D I N J U LI E VU LC AN

Artiste installée à Sydney, Julie Vulcan occupe également les fonctions de directrice artistique, de présidente et d’associée au PACT Center for emerging artists. La performance I stand in a été présentée entre autres, en 2014, à la Venice International Performance Art Week.

A durational performance to honour the forgotten, misplaced, unrecovered, and removed, Julie Vulcan’s I Stand In invites up to 30 volunteer participants to ‘stand in’ for a faceless individual. The artist enacts a stylized ‘corpse-washing’ ritual. Over time the physical remains of the activity – oil imprinted shrouds – accumulate in the space as a ghostly presence and a symbolic archive to the lost. By being a proxy, each participant offers a human presence against the cold hard statistic of a death toll, the flesh and blood of an individual to counter the thousands of deaths that are not named.

Julie Vulcan is a Sydney based artist who has been active as Associate and Artistic Director/ CEO of PACT centre for emerging artists. Her works have extensively toured Australia and internationally, including Arts House, Melbourne, and the Venice International Performance Art Week, Italy.

Durational piece: 10 hours over 2 days. Free Admission

Durée de la performance : 10 heures pour les deux représentations. Entrée libre

SYDNEY, AUSTRALIE

PERFORMANCE

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I stand in est une performance pour les êtres oubliés, déplacés, disparus ou enlevés, un hommage aux vivants autant qu’aux morts. Julie Vulcan invite une trentaine de participants à prendre la place d’un quelconque personnage.

Elle effectue avec chacun un rituel métaphorique de « lavage de corps ». Au fil du temps, les traces physiques de l’activité (les linceuls imbibés d’huile, annotés poétiquement par l’artiste) s’accumulent dans l’espace, comme une présence fantomatique, un archivage symbolique des corps passés. Chaque participant donne ainsi corps, par procuration, aux statistiques implacables des êtres décédés, une incarnation individuelle qui fait écho aux milliers de morts sans nom.

© Pari Naderi

17.03 + 18.03 Prendre place

IT’S NOT A THING K E YO N G A S K IN

PERFORMANCE

PORTLAND , É-U © Robert Duncan Gray

keyon gaskin préfère dissocier individu et performance.

keyon gaskin prefers not to contextualize their performances with their credentials.

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PERFORMANCE

TORONTO New primaries © Francisco-Fernando Granados

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23.03 Prendre place

MAKE A LINE FRA N C I S CO-F E R N A N D O GRANAD OS

Dans cette installation performative comprenant un amalgame de scripts et de gestes préfabriqués, l'artiste torontois Francisco-Fernando Granados ressuscite le petit réfugié propret de 18 ans qui figure dans un manuel d'anglais langue seconde. La pièce, inspirée des souvenirs personnels de l'artiste, est librement calquée sur une entrevue qu'il a accordée à un journal de Vancouver à l'époque où il était adolescent.

Make a line matérialise la mémoire culturelle institutionnalisée, la bureaucratie étatique et le désir latent qui anime tout récit de réfugié.

In this performance installation comprising a readymade script and actions, Toronto-based artist Francisco-Fernando Granados resuscitates the story of a “clean-cut, fresh-faced 18-year-old” refugee that is part of a language lesson in an ESL textbook. Motivated by personal memory – the piece is loosely based on an interview the artist gave as a teenager to a Vancouver newspaper. Make a line drifts in the currents of institutionalized cultural memory, tracking the flows of agency and desire latent in a refugee narrative.

Natif du Guatemala, Francisco-Fernando Gra­ nados est un artiste et un écrivain de renommée internationale. Ses œuvres vivantes, politiquement engagées et décriant la procédurite s'inspirent de son expérience de réfugié immigrant au Canada et usent de toutes les stratégies conceptuelles et formelles possibles pour aborder les récits contemporains qui célèbrent la migration et l'excentricité.

Born in Guatemala, Francisco-Fernando Gra­ nados is an internationally recognized artist and writer. His live, process-based, and often politically-oriented work draws on his background and experience of coming to Canada as a refugee, deploying a range of conceptual and formal strategies to addresses contemporary experiences of queerness and migration.

Durée approximative de la performance : 4 heures.

Entrée libre

Durational piece: 4 hours, approximate length.

Free Admission

23.03 Prendre place

50 BULBS HE E RA N LE E

Cinquante ampoules, pendant en grappe du plafond, émettent une intense lumière au centre de la pièce sombre. Cette image austère, pour le public qui s’engage dans la salle, constitue leur première expérience d’une œuvre qui est à la fois installation et performance interactive. 50 bulbs de Hee Ran Lee explore la dichotomie du « je » et de l’« autre », et les insécurités résultant de la marginalisation culturelle. Élevée au féminin dans la structure patriarcale de la Corée du Sud, puis ayant vécu de longues périodes à l’étranger en minorité culturelle, Hee Ran Lee a axé sa recherche sur l’Autre et la relation de celui-ci avec la conformité et la dominance.

Hee Ran Lee est une artiste de la performance dont l’œuvre présente des environnements immersifs qui permettent aux spectateurs d’examiner en profondeur la construction d’un espace et d’un temps.

Fifty lightbulbs hang together from the ceiling, emitting a strong glow into the center of a dark room. As the audience enters the space, this stark image is their initial experience of a piece that is both installation and interactive performance.

Hee Ran Lee’s 50 Bulbs explores the dichotomy of “I” versus “other”, and the insecurities consequent to cultural marginalization. Growing up female in the patriarchal power structure of South Korea, as well as living extensive periods away from home as a cultural minority, has provoked Lee’s research on “otherness” and how it relates to conformity and dominance. The fragility of the lightbulbs create a tense and precarious space as the audience find themselves integral to the work’s conclusion.

NEW YORK , É-U, SÉOUL, CORÉE DU SUD

PERFORMANCE

Hee Ran Lee is a performance artist whose work presents immersive environments that allow audiences to investigate a thoroughly constructed time and space.

© Natalia Nicholson

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24.03 Prendre place

LECTURES ON FLESH A N D D E A T H ( L . O . FA D ) CHAIR ET MORT À L'ORDRE DU JOUR

F RA N C I S M A R I O N M O S E LE Y WILSO N (F MMW)

PERFORMANCE

OBERLIN, É-U, GLASGOW, R-U

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© Caspian Alavi-Flint

Inspirée par notre peur de mourir et sanctionnant la notion de pureté de notre société, l'œuvre de l'artiste américaine Francis Marion Mosely Wilson (fmmw) intitulée lectures on flesh and death (l.o.fad) est née de ses recherches personnelles. Amorçant sa performance avec deux animaux morts inaltérés, elle les dépouille de leur peau, les déconstruit et les reconstruit au moyen de techniques de taxidermie traditionnelles, puis leur greffe des membres de peluches d'enfant. Elle les ressuscite en créatures hybrides servant d'objets d'art, de prototypes ou de trophées. Ses gestes s'accompagnent d'un monologue et d'une trame sonore mêlant littérature posthumaniste, contes pour enfants ainsi que ses propres témoignages évoquant rites mortuaires et expériences avec la mort.

Diplômée du Conservatoire d'Oberlin et de l'Université Brunel, fmmw a recours à la taxidermie et aux arts de la scène comme critique culturelle pratique pour explorer la façon dont notre société cherche constamment à aseptiser la mort et à en effacer la moindre trace. Pendant quatre ans, elle a travaillé au service d'un taxidermiste de la campagne de l'Ohio. Ses œuvres sont présentées à l'échelle locale et internationale.

Inspired by humanity’s fear of death and taking action against society’s notions of purity, lectures on flesh and death (l.o.fad) arose from American artist Francis Marion Mosely Wilson's (fmmw) personal research. Commencing her performance with two intact dead animals, the artist skins, deconstructs and reconstructs them using traditional taxidermy techniques and pieces from children’s toys, “resurrecting” the resulting hybrids as art objects, specimens, or trophies. Accompanying the action is a monologue and soundtrack blending post-humanist literature, children’s tales and the artist’s testimonies on encounters with death and death rituals.

A graduate of Oberlin Conservatory and Brunel University, fmmw employs taxidermy and performance as hands-on cultural critique to explore how our society seeks to sanitize and undo the evidence of death. She spent four years working under a taxidermist in rural Ohio, and has performed locally and internationally.

24.03 Prendre place

I F I W E R E T H E A P O C A LY P S E M A RT I N O’BR IEN

Et si on avait affaire à l'apocalypse, je te mangerais pour rester en vie. Je n'y penserais pas deux fois. Je suis le prédateur, tu es la proie. La survie du plus tordu ! Et si on avait affaire à une invasion de zombies, seules les personnes infectées survivraient. Tu serais constamment pourchassé, à moins que tu te rendes, que tu t'avoues vaincu, que tu deviennes toi aussi une créature assoiffée de chair. Seuls les plus tordus survivront !

L'artiste britannique Martin O’Brien examine la nature de la peur entourant le corps et la mort.

Avec If I Were The Apocalypse, il démontre notre peur profonde de la mort et nous rappelle que nous sommes tous des proies potentielles.

O’Brien est atteint de fibrose kystique. Sa pratique artistique fait appel à une combinaison harmonieuse d'endurance physique et de douleur pour mieux défier les représentations usuelles de la maladie.

If it were the apocalypse, I’d eat you to stay alive.

I wouldn’t think twice. I’m the predator, you’re the prey. It’s survival of the sickest ! If it were the zombie apocalypse, only the infected could survive. You’d always be hunted unless you give in.

Surrender, become a flesh eater too. Only the sick will survive !

U.K. performance artist Martin O’Brien exa­ mines the nature of fear surrounding bodies and death. With his performance If I Were The Apocalypse… he probes our deeply rooted fear of death, reminding us that we are all potential prey.

LONDRES, R.-U.

PERFORMANCE

O’Brien suffers from cystic fibrosis, and his practice employs physical endurance, hardship and pain-based practices to challenge common representations of illness and examine what it means to live with a life-threatening disease. His work is a celebration of his body, sufferance in the service of survival.

© Tim Fluck

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25.03 Prendre place

UROBORUS LA P O C HA N OSTRA

PERFORMANCE

SAN FRANCISCO , É-U

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Cabaret Babylon Aztlan. © Don Costello

La Pocha Nostra, reconnue pour son esthétique robo-baroque /cyborg-kitsch et son humour caustique, y va de sa toute dernière création : Uroborus, œuvre conçue et interprétée par Guillermo Gómez-Peña, écrivain, metteur en scène et militant radical, Saul Garcia-Lopez, interprète, metteur en scène et pédagogue d'avant-garde et Balitronica Gomez, interprète et poète cyborg.

Uroborus the latest performance by le­gendary troupe La Pocha Nostra, known for its “robo-baroque / cyborg-kitsch” aesthetic and acid humor. Uro­borus is conceived and performed by renowned artist, writer, director, and radical activist Guillermo Gómez-Peña, along with avant-garde performance artist, director and pedagogue Saul Garcia-Lopez, and performer / cyborg poet Balitronica Gomez.

Séance d'improvisation artistique et hautement énergique, Uroborus souhaite ardemment réinventer les identités. La troupe explore, au moyen d'un amalgame de gestes chamaniques et psychomagiques des plus audacieux, la force politique derrière les corps qui défient les conventions : le corps qui vieillit, la fluidité du genre, l'ethnicité et le corps comme objet de racisme.

L'œuvre se veut un véritable appel aux armes contre le conformisme excessif et la violence.

Uroborus is a “high-energy live-art jam session” that dreams for the reinvention of our identities. Using daring shamanic and psychomagic actions, the troupe explores the body politics of non-normative bodies : the aging body, the gender fluid and/or dissident body, ethnic and racialised. The performance is a call to arms against extreme conservatism and violence.

Organisation artistique transdisciplinaire, La Pocha Nostra accorde une importance toute particulière à la collaboration au-delà des frontières nationales, des races, des genres et des générations.

La Pocha Nostra is a transdisciplinary arts organization focused on collaboration across national borders, race, gender and generations. It has been considered by critics to be “the most influential Latino performance art troupe of the last 10 years.” (El Pais, Spain.)

06.04 � 08.04 Agglomérat

MAKE BANANA CRY A N D R E W TAY + S T E P HE N THOMPSO N

En collaboration avec des artistes invités, Andrew Tay et Stephen Thompson présentent Make Banana Cry, une prestation de danse performative axée sur les subtilités d’un patrimoine culturel, identitaire et sur un moyen possible de les assimiler pour le futur.

Tandis que les incorporations esthétiques du fait « asiatique » deviennent plus prédominantes dans l’art et la culture pop occidentale, les artistes désirent réfléchir à ces représentations et en faire imploser les mécanismes qui créent ainsi ces catégorisations.

Make Banana Cry serait un flot continuel de politiques identitaires mettant en exergue la problématique de la culture « universelle », octroyant ainsi au public l’occasion de faire l’expérience de l’identification, de la confusion ou de la discrimination.

Andrew Tay (wants&needs danse) et Stephen Thompson (Par B.L.eux) croient en l’importance de créer un travail ayant des implications sociales pertinentes et un effet direct sur la politique et la poétique du public.

Andrew Tay and Stephen Thompson, in collaboration with guest artists from various backgrounds and approaches present Make Banana Cry ; a performative dance event fixated on the intricacies of heritage, cultural identity and a possible way to swallow them for the future. As aesthetic embodiments of “Asian-ness” become more predominant in western art and pop culture, the project will reflect on these representations and explode the mechanisms that create these categorizations within today’s appropriative landscape.

Make Banana Cry will be a continuous barrage of identity politics, contemplating the proble­ matic of universal “western” pop culture while making a space for the public to experience re­ cognition, confusion, and prejudice in the work.

MONTRÉAL, PARIS, CALGARY

INTERDISCIPLINARITÉ

Andrew Tay (wants&needs danse) and Stephen Thompson (Par B.L.eux, Trajal Harrell) work with expanded choreography. As collaborators, they believe in the importance of creating work with pertinent social implications that directly affect people’s politics and poetics.

© Dominique Pétrin

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12.04 + 13.04 Agglomérat

RAV E M AC H I N E D O R I S U HLI C H + M I C HAEL T U R INSKY

Acclaimed Austrian choreographer and performer Doris Uhlich teams up with the formidable Michael Turinsky for a techno-thumping, energetic state-making, wheelchair-lifting repartee that doubles as an adventure into the borderlands of attachment and rapture. “We are looking for movement that charges the body up like a battery.” Affirmative, frictional, and contagious in equal parts, Ravemachine draws on the beats and atmospheres of techno to explore the meeting between two very different bodies, a form of dance-as-research that opens up a singular space of encounter.

Doris Uhlich a étudié la pédagogie de la danse contemporaine au Conservatoire de Vienne.

Ses chorégraphies veulent transmettre les états d’énergie dans les corps et l’espace. Danseur en situation de handicap, Michael Turinsky travaille comme théoricien et chorégraphe à Vienne.

Doris Uhlich studied pedagogics for contemporary dance at the Conservatory of Vienna.

Her choreographies take up the transmission of energetic states in bodies and space.

A teacher at Max Reinhardt Seminar, Uhlich tours widely and recently gave her “more than naked” workshop at Studio 303 in Montreal.

Living with a disability, Michael Turinsky lives and works as a theoretician, choreographer and performer in Vienna.

«Boom Bodies, Doris Uhlich’s latest piece, plays to rave reception at Vienna’s Tanzquartier.»

— Kurier (Autriche)

VIENNE, AUTRICHE

INTERDISCIPLINARITÉ

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La renommée chorégraphe et interprète autrichienne Doris Uhlich s’associe avec l’impressionnant Michael Turinsky pour une répartie techno, déroutante et énergétique, devenant une véritable aventure aux frontières de l’attachement et du ravissement. « Nous sommes à la recherche du mouvement qui saura recharger le corps telle une batterie. » À la fois discordant, positif et entraînant, Ravemachine s’inspire des rythmes et des ambiances techno afin d’explorer la rencontre de corps éminemment différents, une forme de recherche par la danse d’un espace d’échange singulier.

© Peter Empl

14.04 + 15.04 Agglomérat

AL13FB<3 F E R N A N D O BE LF IO R E

INTERDISCIPLINARITÉ

RIO DE JANEIRO, BRÉSIL, AMSTERDAM, PAYS-BAS © Nicky Webb

Vérifiez vos 0 et vos 1 à la porte, ouvrez votre xin (votre cœur) et mettez vos attentes de côté.

La toute dernière création solo de Fernando Belfiore tient lieu de tumultueuse odyssée transcendant les genres qui vous mènera vers le côté obscur des technologies modernes, de la culture et de la religion. Lumière, voix, mouvement, rituel et panoplie d'accessoires modifiables : Belfiore en fait usage pour lever le voile sur un monde frénétique, évolutif, instable et incandescent. Œuvre toute en verve et en tendresse, AL13FB<3 chamboule la tradition alchimique occidentale en accordant une place aux visions oubliées, déviées et futures que l'on a du renouveau.

Brésilien d'origine établi à Amsterdam, Fer­ nando Belfiore est un chorégraphe et interprète réputé pour la qualité intrinsèque de ses œuvres. À l'heure actuelle, Belfiore est artiste en résidence à la maison de production Dansmakers à Amsterdam.

Check your 0s and 1s at the door, open your xin (“heart-mind.”), and take leave of your expec­ tations. Fernando Belfiore’s latest solo creation is a spine-tingling, genre-bending journey to the underground of modern technology, culture and religion. Using light, voice, movement, ri­ tual, and a smattering of mutable props, Belfiore uncovers a frenzied world, changing, unstable, and incandescent. A work of tenderness and verve, AL13FB<3 tugs at the alchemi­ cal heartstrings of the western tradition, ma­ king room for forgotten, waylaid, and yet-to-be born visions of renewal.

Fernando Belfiore is a Brazil-born, Amsterdam­ based choreographer and performer recognized for the intensity, energy, and visceral quality of his works. He searches for challenging new forms of engagement within the audience’s bo­ dily experience and choice-making. Belfiore currently teaches movement research at the School for New Dance Development and since 2011 has been Artist in Residence at Dansmakers production house in Amsterdam.

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21.04 + 22.04 Agglomérat

A AT T I T L E

MONTRÉAL

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INTERDISCIPLINARITÉ

S I M O N P O RT IGAL

© Véronique Soucy

Je te salue langage, plein de honte ; nous faisons jaillir nos désirs pour te délivrer. Donne-nous un répit, notre pain quotidien, et permets-nous de nous délivrer des répercussions historiques qui disposent de nos corps.

Performance expérimentale, Aattitle aborde sans détour l'emprise qu'ont les mots sur l'expérience et cherche à profaner notre fétichisme pour la linéarité. Simon Portigal tente d'abandonner la sécurité que procure l'identification sociale en utilisant la danse pour façonner des armes douces et évanescentes.

Tendre compagnon, nous sommes à la fois ton ami et ta cible. Ce n’est profitable qu’à toi. Nous sommes tous concernés. Il n’y a aucune issue.

Portigal a étudié la danse à Montréal et à Bruxelles et a travaillé avec d'innombrables artistes et compagnies y compris, entre autres, Dana Michel, Michael Trent, et Mårten Spångberg. Il participait dernièrement à l'édition 2016 de la Third Floor Residency à l'Usine C.

Hail language, full of disgrace; we bring forth desires to undo thee. Give us a break, our daily bread, and allow us to undo the historical effects of control on our bodies.

An experimental dance performance, Aattitle aims point blank at language’s grip on the production of experience, seeking to violate our fetish for linearity. Simon Portigal endeavours to abandon the security of identification by using dance to forge weapons of soft, slippery mutability.

Soft comrade, we are with you and your target, both. There are only profitable sides. We are in this together. There is no way out.

Having studied dance in Montreal and in Brussels, Portigal has worked with innumerable artists and companies including, among others, Ame Henderson, Sasha Kleinplatz, Dana Michel, Michael Trent, and Mårten Spångberg.

He recently participated in the 2016 edition of the Third Floor Residency at Usine C.

EXPO 67/17 28.04 � 06.05 Gala d'ouverture Vendredi 28 mai – 17 h

Notre Salonesque de 2015 (maintenant devenu événement biennal) nous revient dans l'esprit de l'Expo 67 ; un rassemblement mondial qui a laissé une marque indélébile sur la ville de Montréal et sur le Canada.

Initiative d'échange communautaire, Expo 67/17 comprend une exposition sans jury dans laquelle les murs de la galerie seront couverts d'œuvres, section par section et du plancher au plafond. Cette exposition reprend les principaux thèmes exploités lors de l'authentique Expo 67 – l'individu en tant que personne créatrice, exploratrice, productrice et pourvoyeuse de sa collectivité. Votre œuvre devient par conséquent votre pavillon, votre carte d'identité. Nouveauté cette année : pendant la soirée d'ouverture, notre espace théâtre sera ouvert aux artistes qui souhaitent présenter une première mouture ou un extrait de leurs créations scéniques dans une variété de disciplines.

© Archives de la Ville de Montréal. VM94-EX19-065.

Design graphique : Atelier Mille Mille et Atelier Atoca

What was Salonesque back in 2015 (and now a biannual event) returns in 2017 in the spirit of Expo 67, a world gathering, which left an indelible mark on the city of Montréal as well as Canada.

MAI’s rendition, Expo 67/17, a community exchange initiative includes a non-juried exhibi­ tion where section by section of the gallery walls will be filled from floor to ceiling. The exhibition embraces major themes put forth by the origi­nal fair – humankind as the creator, the explorer, the producer, the provider, and the community.

Your work therefore becomes your pavilion, your identity card. New this edition, MAI’s theatre space will be activated for and by artists wishing to showcase unplugged versions of works in a variety of disciplines over the course of opening night.

39 D EV ENIR LE MOND E Q U E NO U S HABITO NS

Public Plus culturel, un esprit de collaboration, un métissage d'éléments disparates, tous reliés par un grand pont : celui de la communauté.

Passez le micro

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Là où l'art traverse les frontières. Il y a quelques années, le MAI utilisait ce slogan comme moyen d'identification. Au fil du temps, il a été abandonné et remplacé par d'autres jugés plus pertinents à ce moment. Des slogans qui reflétaient mieux, dans une perspective optimiste, une période pendant laquelle la notion de territoire n'était pas d'actualité. Puis soudainement, en 2016, frontières, barrières et murs de sécurité font à nouveau la manchette. Du jour au lendemain, on dépoussière ce slogan devant un nombre record de 65,3 millions de personnes réfugiées dans le monde – près de deux fois la population du Canada. Réfugiés, demandeurs d'asile ou personnes déplacées comptent pour un pour cent de la population mondiale : difficile de fermer les yeux devant un problème d'une telle ampleur.

Public +, une série d'activités offertes par le MAI parallèlement à ses expositions et spectacles, se veut une manière d'aborder l'inconcevable, d'éclairer notre compréhension et d'articuler nos opinions. Essentiellement, la série a été créée pour stimuler la réflexion et tisser des liens entre les artistes et le public au moyen d'échanges et de dialogues.

Ainsi, en plus des activités régulières prévues dans le cadre de sa saison 2016-2017 comme les discussions d'après-spectacle, les ateliers et les visites guidées d'expositions, le MAI présentera une série d'événements animés qui traiteront de sujets comme la réapparition des murs, le racisme systémique, la décolonisation, l'inégalité économique et un nombre infini de phobies liées à la peur de l'autre. Ces événements feront tous appel au concept passez le micro – geste par lequel on cède le microphone aux groupes sous-représentés afin que leur voix résonne plus fort – et tiendront lieu de tribune où les individus partageront leur vécu, d'environnement sécuritaire pour faire du bruit et d'espace où ceux qui prennent habituellement la parole passeront leur tour pour écouter.

Place à l'émancipation.

Enfin, il est facile d'imaginer la raison pour laquelle un slogan comme Là où l'art traverse les frontières fut attribué au MAI, puisqu'on retrouve, au cœur même de son mandat inter-

Pass the mic Where art breaks down barriers was a slogan used by MAI some years ago as a means of self-identification. Slowly over time the statement was dropped, replaced by others deemed more of the moment, more reflective, optimistically-speaking, of a time when the subject of territory was less of a current event. Fast-forward to 2016 and suddenly borders, barriers, security walls are all back in the news. Suddenly that slogan warrants a dusting off as the world refugee population reaches an all-time record of 65.3 million, close to twice the population of Canada. Imagine, 1 per cent of the world’s population that are refugees, asylum seekers or internally displaced people. It is difficult to not need to talk about this situation.

Public +, a series of activities offered by MAI in tandem with its exhibitions and performances is a means to process the seemingly incomprehensible, to galvanize an understanding, to articulate an opinion. Fundamentally, the series was developed to link artist and audience through dialogue and exchange, and to inspire thinking.

Aside from regular activities planned for 2016 / 2017 such as post show discussions, workshops, and guided tours of exhibitions for example, MAI will be presenting a number of popup events throughout the season on the resurgence of barrier walls, systemic racism, decolonialization, economic inequality, and about any number of phobias linked to the fear of the other. These events are to all be programmed through the optic of passing the mic… the act whereby control of the microphone is proffered to the underrepresented so that their voices might be amplified, programmed as a space for individuals with lived experiences to speak out and share their lived experiences, a safe space for making some noise – a space where the customarily vocal cede their place at the podium, and, instead, listen. Empowerment.

Finally, it’s not difficult to imagine why a slogan such as where art breaks down barriers was attributed to MAI for at core of its intercultural mandate is collaboration, a melding of disparate parts, a bridge that connects. Community.

Programme d'accompagnement

La ruche

Le programme de mentorat le plus complet et le plus ancien au Canada en est maintenant à sa 12e année (12 étant le symbole de l'ordre cosmique). Ce programme tient lieu de porte d'entrée vers la communauté artistique et facilite l'intégration des artistes mentorés. Il s'agit d'une façon d'investir dans l'essor des arts interculturels. Le programme d'accompagnement du MAI en est un axé sur les artistes et ouvert à ceux dont la pratique touche aux arts interculturels. Il priorise les artistes autochtones, les artistes issus de minorités visibles (résidents ou nouvellement arrivés), les artistes sourds ou handicapés et les artistes issus de la communauté LGBTQA+. De façon directe et indirecte et dans une multitude de sphères, le programme a influencé la vie d'autant d'artistes qu'il y a de sièges dans la Salle Wilfrid-Pelletier ! En un peu plus d'une décennie seulement, le MAI a créé une communauté. Une vaste communauté où les anciens y ont aussi leur place.

Résidence 01.05 � 20.05

Créations en résidence

I S MAËL MOUARAKI C I E D ESTINS CRO ISÉS P HÉNOMÈNE Dans cet espace d’échange, de liberté et d’exploration, Ismaël Mouaraki et six interprètes exploreront les relations entre l’humain et les technologies, entre les corps et leur environnement. Le chorégraphe et danseur amène danses urbaines et danse contemporaine vers d’autres territoires de création.

In a space reserved for exchange, dialogue and exploration, Ismaël Mouaraki and six dancers probe the relationships between humans and technology, between the body and its environment. Choreographer and dancer Ismaël Mouaraki propels urban and contemporary dance into innovative, new territory.

Mentorship program Canada’s longest running, most extensive mentorship program edges into its 12th year (12 being the symbol of cosmic order). This program is aimed at providing access, facilitating integration, a welcome to community and investment in the development of intercultural art. MAI’s Mentorship Program is an artist-driven program open to artists with an intercultural art practice, prioritizing Indigenous artists, visible minority artists (resident or newly immigrated), and, in addition, artists who are deaf or who have disabilities and the LGBTQA+ community. Either directly or indirectly, and in a variety of capacities, it has impacted the lives of as many artists as there are seats in the Salle Wilfred-Pelletier.

In just over a decade, MAI has created a community. And it’s a large one, alumni included.

Sarah Elola, interprète en danse.

Programme d’accompagnement © Adrián Morillo

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Billetterie Tarifs / Prices

Forfaits / Special Rates

25 $ Régulier / Regular

— Les soirs de première 2 pour 1 – Deux billets pour 25 $.

20 $ Réduit / Discount

Sauf pour PRENDRE PLACE.

Taxes incluses - Tax included

Professionnels des arts, aînés, étudiants, détenteurs de carte Accès Montréal, membres du DAM, ELAN/ Professional artists, Seniors, Students, Accès Montréal cardholders, DAM, ELAN members.

18 $ Série Création bourgeonne Moi, petite Malgache-Chinoise de Claudia Chan Tak La ruée vers l’autre de Mafane

17 $ Groupe / Group (10 +) 14 $ 14 ans et moins / 14 years and under 20 $ ECLECTIK 2017 Une pièce justificative valide est requise pour les tarifs Réduit et Étudiant. Une (1) entrée par carte. / A valid ID is required for when purchasing or picking up discounted tickets. One (1) ticket per card holder.

— Opening Night Special 2 for 1 – Two tickets for $25.

Except for TAKING PLACE.

En prévente uniquement. Applicable jusqu’à 24 h avant la représentation. / Pre-sales only. Up to 24 h prior to the performance.

Vente en ligne / Online sales Frais de service en sus de 3,50 $ par billet / A $3.50 service charge per ticket will apply.

Passeport 4/4 Passport 4/4 4 spectacles pour 60 $ 4 performances for $60 Maximum de 2 billets par spectacle. / A maximum of 2 tickets per performance.

Prendre place/ Taking place 20 $ / performance * *À l’exception des performances de Julie Vulcan et de Francisco-Fernando Granados qui sont présentées gratuitement / Free admission for Julie Vulcan and Francisco-Fernando Granados performances.

Passeport Prendre place / Taking Place Passport 60 $ Accès illimité aux huit performances / Illimited access to all 8 performances Une pièce justificative valide est requise pour le Passeport Prendre place. Une entrée par carte. / A valid ID is required for Taking Place Passport. One ticket per card holder.

nouveauté Stationnement/ Parking Tarif fixe de 6 $ (à partir de 17 h) / $6 Fixed-rate (after 5pm) Veuillez récupérer votre bon de réduction à la billetterie du MAI. / Please pick up your discount coupon at the MAI Box Office.

3625, avenue du Parc (près de la rue Prince-Arthur) H2X 3P8

partenaires publics

partenaires culturels

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« Le

service que vous rendez aux autres est le loyer que vous payez pour votre chambre ici sur terre. » muhammad ali

08.09 › 17.09

20.01 + 21.01

L’ENVERS DES ÎLES BLANCHES

ECLECTIK 2017

CLAUDIA BERNAL PERFORMANCES

WELCOME TO INDIAN COUNTRY

08 + 09 +10 +15 + 17.09

28.01

EXPOSITION

ACCORDÉON

09.09 › 17.09

23.09 + 24.09

LEILA’S DEATH

KAIE KELLOUGH PREMIÈRE PARTIE NICK SCHOFIELD + ARI SWAN

ALI CHAHROUR

06.10 › 12.11

THE DEMONSTRATION COCO GUZMAN

14.10 + 15.10

MADE IN CHINA WEN WEI DANCE

28.10 + 29.10

ISLAM CHIPSY & EEK 09.11 › 20.11

TRAVERSÉE VOYAGEURS IMMOBILES

26.11

24.03

LECTURES ON FLESH AND DEATH...

FRANCIS MARION MOSELY WILSON

+ IF I WERE THE APOCALYPSE 25.03

MAIA IOTZOVA

10.02 + 11.02

LA RUÉE VERS L’AUTRE MAFANE

22.02 › 05.03

LA FEMME COMME CHAMP DE BATAILLE

OU DU SEXE DE LA FEMME COMME CHAMP DE BATAILLE DANS LA GUERRE EN BOSNIE HASHTPA PRODUCTIONS

PRENDRE PLACE

CLAUDIA CHAN TAK

HEE RAN LEE

LOVE IS A WHOLE OTHER CREATURE

PRIX DE LA DIVERSITÉ

MOI, PETITE MALGACHECHINOISE

+ 50 BULBS

MARTIN O’BRIEN

16.03 › 25.03

09.12 + 10.12

MAKE A LINE

FRANCISCO-FERNANDO GRANADOS

03.02

SONIDO PESAO EN MUSIQUE

23.03

Série de performances 16.03

THE SIGN

CHUN HUA CATHERINE DONG 17.03 + 18.03

I STAND IN

JULIE VULCAN

+ IT’S NOT A THING KEYON GASKIN

UROBORUS

LA POCHA NOSTRA

06.04 › 22.04

AGGLOMÉRAT

Série interdisciplinaire 6 .04 › 8.04

MAKE BANANA CRY

ANDREW TAY + STEPHEN THOMPSON 12.04 + 13.04

RAVEMACHINE

DORIS UHLICH 14.04 + 15.04

AL13FB<3

FERNANDO BELFIORE 21.04 + 22.04

AATTITLE

SIMON PORTIGAL

28.04 › 06.05

EXPO 6717 01.05 › 20.05

LA RUCHE

Créations en résidence CIE DESTINS CROISÉS

PHÉNOMÈNE

2017

2016

montréal, arts interculturels saison seize › dix-sept