Issuu

M A G A Z I N E

« LA BEAUTÉ SAUVERA LE MONDE. » MaSH M AT I G N O N S A I N T- H O N O R É

70s

Boutique Glashütte Original – L‘écrin 25 Rue du Faubourg Saint-Honoré . 75008 Paris . Tel. 01 81 69 56 46 Beijing · Dresden · Hong Kong · Macau · Paris · Seoul · Shanghai · Tokyo · Vienna

ÉDITO

RAPHAËL DURAZZO, HÉLÈNE BAILLY MARCILHAC & ALEXIS LARTIGUE Co-fondateurs / Association Matignon Saint-Honoré

M © Say Who - Jean Picon

aSH est née de notre volonté commune de valoriser l’exceptionnelle concentration de galeries du secteur Matignon Saint-Honoré. Depuis sa création il y a trois ans, notre initiative poursuit une ambition simple mais forte : faire vibrer à l’unisson un quartier à l’héritage exceptionnel et l’animer collectivement autour d’un nouvel élan culturel. Pour cette édition, notre dynamique s’enrichit. Nous sommes heureux d’accueillir de nouveaux adhérents et partenaires, dont l’engagement témoigne de la vitalité, de la diversité et de l’attractivité croissantes de notre collectif. En imaginant ce grand rendez-vous commun, nous avons souhaité fédérer les acteurs du monde de l’art et réaffirmer la place singulière du 8e arrondissement, territoire historique du marché de l’art parisien. À l’occasion de l’ouverture de la Semaine de l’art, le lundi 19 octobre 2026, collectionneurs, professionnels et amateurs seront invités à découvrir la richesse des programmations proposées par les galeries, et à déambuler dans les rues de Matignon et du Faubourg Saint-Honoré, animées de 17h à 21h par des performances artistiques à ciel ouvert.

Les co-fondateurs de l'association accompagnés de Jacques Grange, parrain de la 3e édition de Matignon Saint-Honoré.

MaSH was born out of our shared desire to showcase the exceptional concentration of galleries in the Matignon Saint-Honoré district. Since its creation three years ago, our initiative has pursued a simple yet powerful ambition: to bring a neighbourhood with an outstanding heritage to life in unison, collectively fostering a renewed cultural momentum. This year, our movement continues to grow. We are delighted to welcome new members and partners, whose commitment reflects the increasing vitality, diversity and appeal of our collective. In creating this major shared event, our aim has been to bring together figures from across the art world and reaffirm the distinctive position of the 8th arrondissement, the historic heart of the Parisian art market. To mark the opening of Art Week on Monday 19 October 2026, collectors, art professionals and enthusiasts will be invited to discover the wealth of exhibitions and events presented by the galleries, and to wander through the streets around Avenue Matignon and Rue du Faubourg Saint-Honoré, brought to life between 5 and 9 pm by open-air artistic performances.

FRANCE - On sale date: 15 OCTOBRE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

06 RENCONTRE AVEC JACQUES GRANGE

10 LES COUPS DE CŒUR DU PARRAIN

12 LE GRAND RETOUR DE MATIGNON

18 COMMENT BIEN S’INFORMER AVANT D’ACQUÉRIR UNE ŒUVRE ?

22 PETITS RIENS, GRANDS DESSEINS

Un quartier réuni sous le signe de l’art 28 L'ART DE LIRE 30 À LA CROISÉE DES ARTS ET DU TEMPS

Portfolio

38 MILAN : LABORATORIO DELLA MODERNITÀ

43 CAP SUR L'EST LONDONIEN 44 SAVE THE DATE

Les galeries de l’association

SOMMAIRE

MASH MAtignon SAint Honoré 245x310

HJ M26 SP1

MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

CONTENTS

06 MEET JACQUES GRANGE

28 THE ART OF READING

10 THE PATRON'S PICKS

30 WHERE ART MEETS TIME

12 MATIGNON'S GREAT COMEBACK

38 MILAN : LABORATORIO

18 BEFORE YOU BUY: HOW TO MAKE

DELLA MODERNITÀ

AN INFORMED ART PURCHASE

43 EAST LONDON BOUND

22 LITTLE THINGS,

44 SAVE THE DATE

GREAT AMBITIONS

A neighbourhood united under the sign of art

Portfolio

The association’s galleries

MASH MAGAZINE

DÉCORATEUR ET ARCHITECTE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

D'INTÉRIEUR PARMI LES PLUS INFLUENTS DE SA GÉNÉRATION, JACQUES GRANGE A CONSTRUIT SON GOÛT AU FIL DES GALERIES, DES COLLECTIONNEURS ET DES GRANDES RENCONTRES ARTISTIQUES. À L'OCCASION DE LA 3E ÉDITION DE MASH, IL REVIENT SUR LES LIEUX ET LES DÉCOUVERTES QUI ONT NOURRI SA PASSION POUR L'ART. One of the most influential interior designers and decorators of his generation, Jacques Grange has shaped his eye through galleries, collectors and remarkable artistic encounters. On the occasion of the third edition of MaSH, he looks back on the places and discoveries that have fuelled his passion for art.

INTERVIEW

PROPOS RECUEILLIS PAR Lina Tchalabi

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

MASH MAGAZINE

Jacques Grange

MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

Vous êtes le parrain de la 3e édition de Matignon

capacité à partager une vision personnelle. Avec

et Pierre Bergé. Tout cela a nourri ma curiosité.

Saint-Honoré. Qu'est-ce qui vous a donné envie de

le temps, lorsqu'on se reconnaît dans la sensibi-

Au fond, il faut simplement rester disponible : il y

soutenir cette initiative ?

lité d'un marchand, une confiance se crée natu-

aura toujours un artiste ou une œuvre capable de

Lorsque Per Skarstedt m’a demandé si je voulais

rellement. J'ai beaucoup fréquenté les galeries

vous émouvoir.

être associé à cette nouvelle édition, je n’ai pas

d'Art déco, dont j’appréciais l’exigence. Ce sont

hésité une seconde et j'ai accepté avec plaisir. Je

souvent ces personnalités passionnées qui vous

Les galeries du quartier défendent aussi bien des

trouve cette démarche particulièrement intéres-

ouvrent des horizons auxquels vous ne seriez pas

artistes historiques que des créateurs contempo-

sante, car elle met en lumière un quartier qui s'est

allé spontanément.

rains. Qu’apporte, selon vous, ce dialogue entre les générations et les époques ?

profondément transformé ces dernières années. Vous avez vécu entouré d’œuvres tout au long de

Cette diversité crée une énergie très stimulante :

Comment avez-vous vu évoluer le quartier Matignon

votre vie. Qu’est-ce qui, aujourd’hui, continue de

passer d'un marchand d'Art déco à une galerie

Saint-Honoré au fil des années ?

vous surprendre dans l’art ?

d'art contemporain, découvrir de nouveaux ar-

Avant, le cœur du marché de l'art se situait rive

La découverte demeure un immense plaisir. Les

tistes, puis revenir vers des œuvres plus histo-

gauche ; aujourd'hui, il s'est déplacé vers la rive

plus belles surprises naissent souvent des ren-

riques. C'est cette liberté de passer d'un univers à

droite, et Matignon Saint-Honoré en est la meil-

contres. Pierre Passebon m’a fait connaître Jean

l'autre qui fait la richesse du quartier.

leure illustration. On y trouve désormais une

Royère et Knoll et François Pinault m’a fait décou-

concentration unique de galeries, de maisons de

vrir Martin Szekely, dont j’admire la rigueur. J’ai eu

Existe-t-il, selon vous, une spécificité parisienne dans

vente, comme Christie’s ou Sotheby’s, ainsi que

la chance d’être entouré de collectionneurs ex-

la manière de collectionner ou de regarder l’art ?

de grands hôtels, à l’image du Bristol. Ce qui fait

traordinaires, de côtoyer de près Marie-Laure de

Je ne sais pas s'il existe une manière parisienne de

le charme de ce quartier, c'est cette proximité :

Noailles et de travailler avec Yves Saint Laurent

collectionner. L'art est universel. Pour ma part, j'ai

on passe d'une galerie à une exposition, puis à un

toujours cultivé un goût très éclectique, en faisant

café ou un déjeuner.

dialoguer les époques, les styles et les œuvres. Je n’apprécie pas les intérieurs figés ou les accro-

Les galeries ont joué un rôle important dans votre propre éducation du regard. Quelles œuvres et rencontres vous ont particulièrement marqué ? Je me souviens surtout de deux véritables chocs esthétiques : la découverte de La Maison de Verre de Pierre Chareau, puis celle du salon de Jean-Michel Frank chez les Noailles, place des États-Unis. Ces lieux ont profondément compté pour moi. Je fréquentais alors les galeries de Félix Marcilhac, Vallois, Jean-Marie Rossi ou Didier Aaron. J'ai aussi rencontré Alexandre Iolas, l’un des plus grands marchands d'art moderne, grâce auquel je me suis familiarisé avec René Magritte, Max Ernst, les Lalanne ou Niki de Saint Phalle. Les galeries ont été pour moi de véritables écoles. On y observe, on y écoute, on y échange. Elles ont façonné mon regard autant que les artistes qu'elles défendaient. Dans un monde où les foires internationales occupent une place croissante, que permet la visite d’une galerie et la relation directe avec le galeriste ? Ce que j’apprécie chez les galeristes, c’est leur

« IL FAUT RESTER DISPONIBLE : IL Y AURA TOUJOURS UN ARTISTE OU UNE ŒUVRE CAPABLE DE VOUS ÉMOUVOIR. »

INTERVIEW

chages trop muséaux. Chez moi, tout est naturel, spontané, presque évident. J’accroche les œuvres de façon instinctive, en recherchant avant tout un équilibre. Que diriez-vous à un jeune collectionneur qui découvre le parcours Matignon Saint-Honoré ? Poussez toutes les portes, observez tout, échangez avec les galeristes, laissez-vous surprendre : vous apprendrez énormément. Et surtout, ne subissez jamais le goût des autres. Fiez-vous à votre instinct et à vos envies. Et quel conseil donneriez-vous aux galeristes de la nouvelle génération qui font vivre aujourd'hui ce quartier historique ? Continuer à transmettre avec générosité. Les galeristes jouent un rôle essentiel : ils transmettent, accompagnent les collectionneurs et rendent possibles de véritables coups de cœur. C'est ce qui m'a nourri lorsque j'étais jeune, et je suis convaincu que cela reste fondamental aujourd'hui.

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

MASH MAGAZINE

As patron of the third edition of Matignon

What I appreciate most about gallerists is their

riosity. Ultimately, you simply have to remain open:

Saint-Honoré, what made you want to support this

ability to share a personal vision. Over time, when

there will always be an artist or a work capable of

initiative?

you recognise yourself in a dealer's sensibility, trust

moving you.

When Per Skarstedt asked me to be involved in

develops naturally. I frequented many Art Deco

this new edition, I didn't hesitate for a second and

galleries, whose discernment and rigour I greatly

The galleries in the district represent both historic

gladly accepted. I think it's a particularly compel-

admired. It is often these passionate personalities

artists and contemporary creators. What does this

ling initiative because it shines a light on a neigh-

who open up horizons you might never have ex-

dialogue between generations and periods bring,

bourhood that has changed profoundly over the

plored on your own.

in your view? This diversity creates an extraordinarily stimulating

past few years. You have lived surrounded by art throughout your

energy. You can move from an Art Deco dealer to

How have you seen the Matignon Saint-Honoré

life. What continues to surprise you today?

a contemporary gallery, discover new artists, then

district evolve over the years?

The joy of discovery never fades The people you

return to more historic works. It is this freedom to

The heart of the Paris art market used to be on the

meet often open unexpected doors. Pierre Passe-

move from one universe to another that makes the

Left Bank; today, it has since moved to the Right

bon introduced me to the work of Jean Royère and

district so rich.

Bank, and Matignon Saint-Honoré is its finest ex-

Knoll, while François Pinault opened my eyes to

ample. The area now brings together an exception-

Martin Szekely, whose discipline I greatly admire.

Do you think there is a distinctly Parisian way of

al concentration of galleries, auction houses such

I have been fortunate to be surrounded by ex-

collecting or looking at art?

as Christie's and Sotheby's, as well as landmark

traordinary collectors, to have known Marie-Laure

I'm not sure there is a specifically Parisian way of

hotels, including Le Bristol. What gives the area its

de Noailles, and to have worked with Yves Saint

collecting. Art is universal. Personally, I have al-

unique charm is this sense of proximity: you can

Laurent and Pierre Bergé. All of this fuelled my cu-

ways cultivated an eclectic taste. I enjoy mixing

move effortlessly from a gallery to an exhibition,

periods, styles and works. I dislike rigid interiors or

then stop for a coffee or lunch.

museum-style displays. At home, everything feels natural, spontaneous and effortless. I hang works

Galleries played an important role in shaping your eye. Which works and encounters left the deepest impression on you? Above all, I remember two genuine aesthetic revelations: discovering Pierre Chareau's La Maison de Verre, followed by Jean-Michel Frank's salon at the Noailles residence on Place des États-Unis. Those places left a profound impression on me. At the time, I regularly visited the galleries of Félix Marcilhac, Vallois, Jean-Marie Rossi and Didier Aaron. I also met Alexandre Iolas, one of the greatest dealers in modern art, through whom I discovered René Magritte, Max Ernst, Claude and FrançoisXavier Lalanne, and Niki de Saint Phalle. For me, galleries were places of learning, where you observed, listened and exchanged ideas. They shaped my eye as much as the artists they championed. At a time when international art fairs play an increasingly prominent role, what does visiting a gallery and building a direct relationship with a gallerist offer?

“YOU SIMPLY HAVE TO REMAIN OPEN: THERE WILL ALWAYS BE AN ARTIST OR A WORK CAPABLE OF MOVING YOU.”

INTERVIEW

instinctively, always searching for balance. What would you say to a young collector discovering the Matignon Saint-Honoré galleries for the first time? Open every door, look carefully, talk to the gallerists, and allow yourself to be surprised—you will learn an enormous amount. Above all, never let other people's taste dictate your own. Trust your instincts and your own eye. And what advice would you give the new generation of gallerists shaping the district today? Keep sharing your knowledge generously. Gallerists play an essential role: they pass on knowledge, guide collectors, and make genuine discovery possible. That is what nurtured me when I was young, and I believe it remains just as essential today.

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LES COUPS DE CŒUR DU PARRAIN THE PATRON’S PICKS

1. Galerie Marcilhac

Alberto Giacometti, Lampe 'Égyptienne', c. 1933. H 50 - L 47 cm. © Galerie Marcilhac - Edouard Auffray

2. Brame & Lorenceau

Jorge Camacho, Figuras en la noche, 1957. Huile sur toile, 147 x 132 cm. Signé et daté en bas au centre gauche. Oil on canvas. Signed and dated lower center left.

3. Perrotin

Klara Kristalova, Sucker, 2026. Grès émaillé, 53 x 61 x 30 cm. © Claire Dorn © ADAGP, Paris, 2026. Courtesy of the artist and Perrotin. Glazed stoneware, 20 7/8 x 24 1/16 x 11 13/16 inches.

4. Opera Gallery

Keith Haring, Untitled, 28 septembre 1984. Acrylique sur toile, 61 x 61 x 3.5 cm.

3. 8. Skarstedt

Alberto Giacometti, Diego assis [Homme à mi-corps], 1964-1965, bronze patiné, 59.1 x 18.7 x 28.3 cm. © Succession Alberto. © Giacometti / Adagp, Paris 2026.

Acrylic on canvas.

Patinated bronze, 23 1/4 x 7 3/8 x 11 1/8 in.

5. Helene Bailly Marcilhac

9. Perrin

Brush and ink on paper. Dated and numbered on the reverse: 11.7.59. ; VI.

Allegorical Figures of the Tiber and the Nile, bronze with a reddish-brown patina. H. 16 59/64 in. ; L. 29 3/8 in. ; P. 12 29/32 in. (The Tibre) - H. 15 3/4 in. ; L. 29 17/32 in. ; P. 29 17/32 in. (the Nile)

6. Gagosian

10. Univers du Bronze

Pablo Picasso, Visage À Deux Profils, 1959. Pinceau et encre sur papier, 20,8 x 26,8 cm. Daté et numéroté au revers : 11.7.59. ; VI. © Succession Picasso 2026. © Julien Pépy Photographie

Figures allégoriques du Tibre et du Nil, bronze à patine brun rouge. H. 43 cm ; L. 74,6 cm ; P. 32,8 cm (le Tibre) H. 40 cm ; L. 75 cm ; P. 32,6 cm (le Nil)

Hubert Le Gall, En attendant Acteon, circa 2025. Métal et miroir. H : 190 cm, L : 225 cm, P : 3,5 cm. Pièce unique signée « LeGall ». Metal and mirroir. Unique piece signed "LeGall".

Oil on canvas, 70 × 86 inches.

7. Mayoral

Joan Miró (1893–1983), Femme. Exécuté entre 1967 et 1970. Gouache sur papier noir, 65 x 50 cm. Signé « Miró » en bas à droite, daté VIII/67 et 3/IV/70 au verso. Gouache on black paper, 25 1/2 x 19 5/8 in. Signed Miró (lower right), dated VIII/67 and 3/IV/70 (on the reverse).

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

MASH MAGAZINE

6. 5.

10.

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M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

LE GRAND RETOUR DE MATIGNON MATIGNON’S GREAT COMEBACK

Comment le quartier Matignon-Saint-Honoré est-il redevenu l'un des centres névralgiques du marché de l'art parisien ? How did the Matignon–Saint-Honoré district reclaim its place at the heart of the Paris art market? TEXTE Charlène Campos

Si le VIIIe arrondissement s'est imposé au début du XXe siècle

Le véritable basculement intervient à la fin des années

comme le nouveau territoire des marchands d'art, son histoire

1990. L'ouverture du marché français des ventes aux enchères

est loin d'avoir suivi une trajectoire linéaire. Au fil des décennies,

à la concurrence internationale entraîne l'arrivée de Sotheby's

le marché parisien s'est déplacé au gré des mutations culturelles

et Christie's dans le quartier, où elles prennent place dans d'an-

Après-guerre, Saint-Germain-des-Prés s'est progressivement im-

ciennes galeries emblématiques. Leur implantation transforme

posé comme le principal foyer de l'art moderne et contemporain

durablement Matignon-Saint-Honoré, qui redevient un point

parisien. À partir du milieu des années 1970, le Marais prend le

de passage incontournable pour les grands collectionneurs in-

relais, porté notamment par l'annonce de l'ouverture du Centre

ternationaux. Aux galeries historiques s'ajoutent désormais les

Pompidou. Pendant ce temps, Matignon-Saint-Honoré conserve

maisons de ventes, créant une concentration unique d'acteurs

une autre identité : celle d'un quartier où se côtoient les grandes

majeurs du marché de l'art.

sionnisme et du second marché.

À partir de 2009, un nouveau mouvement s'amorce. L'ouverture de Tornabuoni agit comme un véritable signal, bien-

Pour autant, le quartier n'abandonne jamais complètement la

tôt suivie par Gagosian, White Cube, Perrotin, Almine Rech,

création contemporaine. Des galeries historiques continuent de

Nathalie Obadia, Marianne Ibrahim ou encore Galleria Continua.

lui accorder une place importante, à l’image de la galerie Lelong.

Plusieurs de ces galeries conservent leurs implantations histo-

Dès les années 1990, une nouvelle génération de galeristes vient

riques tout en ouvrant un second espace avenue Matignon ou

renforcer cette présence. Jérôme de Noirmont y installe sa galerie

rue du Faubourg Saint-Honoré, tandis que d'autres choisissent

en 1994 et devient l'un des principaux défenseurs de Jeff Koons

directement le quartier pour leur implantation parisienne.

en France, allant jusqu'à financer la production de ses œuvres

Plus qu'un déplacement, il s'agit d'une extension stratégique.

monumentales. Enrico Navarra accompagne quant à lui très tôt

À proximité immédiate des palaces, des maisons de luxe et des

des artistes comme Jean-Michel Basquiat ou Keith Haring. Ces

maisons de ventes, le quartier devient une vitrine mondiale où

initiatives demeurent toutefois des exceptions dans un secteur

se concentrent les plus importantes transactions.

encore largement tourné vers des œuvres déjà consacrées.

BERNARD BUFFET ARTWORK IN AN ART GALLERY ON AVENUE MATIGNON, 1959.

Cette renaissance ne ressemble pourtant à aucune des

galeries historiques, spécialistes de l'art moderne, de l'impres-

ŒUVRE DE BERNARD BUFFET DANS UNE GALERIE D'ART DE L'AVENUE MATIGNON EN 1959.

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précédentes. Autrefois, les galeries se rapprochaient des infrastructures culturelles ; aujourd'hui, elles se rapprochent avant tout des collectionneurs. Matignon-Saint-Honoré s'affirme ainsi comme un pôle du marché international de l'art, tandis que le Marais demeure le laboratoire de la création émergente. Loin de se concurrencer, les deux quartiers se complètent désormais. Cette singularité se retrouve également dans la diversité des acteurs réunis au sein de l'association Matignon Saint-Honoré : galeries de premier et de second marché, maisons de ventes, enseignes historiques et grandes galeries internationales. Une diversité qui prolonge l'esprit des Nocturnes Rive Droite, lancées en 1997 par plusieurs galeristes du quartier afin d'affirmer son identité collective. Cet héritage se poursuit aujourd'hui à travers MaSH (Matignon Saint-Honoré), dont la première édition s'est tenue en 2025 et qui célèbre, à son tour, le dynamisme et la richesse de ce territoire. Plus d'un siècle après les premiers

Le véritable basculement intervient avec l'ouverture du marché français des ventes aux enchères à la concurrence internationale. The decisive shift came when France opened its auction market to international competition.

marchands venus s'y installer, Matignon-Saint-Honoré démontre ainsi que l'histoire du marché de l'art parisien est faite de cycles, de déplacements... mais aussi de retours. Merci à Nathalie Moureau, professeure des universités en

A new wave began in 2009. The opening of Tornabuoni sent

sciences économiques et coautrice de l'ouvrage Histoire des

a powerful signal, soon followed by Gagosian, White Cube,

galeries d'art en France du XIXe au XXIe siècle, paru en 2024 aux

Perrotin, Almine Rech, Nathalie Obadia, Marianne Ibrahim

éditions Flammarion, à l'initiative de Georges-Philippe Vallois,

and Galleria Continua. Several retained their original locations

président d'honneur du Comité Professionnel des Galeries

while opening a second space on Avenue Matignon or Rue du

d'Art.

Faubourg Saint-Honoré; others chose the district for their Paris location. This was less a relocation than a strategic expansion. Close to luxury hotels, luxury houses and auction houses, the area became a global showcase for the market’s most signifi-

Although the 8th arrondissement became the new home of art

cant transactions.

dealers in the early twentieth century, its history has been far

This revival differs from those that came before it. Galleries

from linear. As Parisian culture evolved, so did the geography of

once moved closer to cultural institutions; today, they primarily

its art market. After the war, Saint-Germain-des-Prés established

seek proximity to collectors. Matignon–Saint-Honoré has be-

itself as the leading centre for modern and contemporary art in

come a centre of the international art market, while the Marais

Paris. From the mid-1970s onwards, the Marais took over, spurred

remains a laboratory for emerging talent. Rather than compet-

in particular by the announcement of the opening of the Centre

ing, the two districts now complement one another.

Pompidou. Meanwhile, Matignon–Saint-Honoré retained a dis-

The diversity of the Matignon Saint-Honoré association

tinct identity, bringing together established galleries specialising

reflects the district’s distinctive character: primary- and sec-

in modern art, Impressionism and the secondary market.

ondary-market galleries, auction houses, historic names and

Yet contemporary art never entirely disappeared from the

major international dealers. It also carries forward the spirit of

area. Established galleries continued to give it a prominent place,

Nocturnes Rive Droite, launched by local gallerists in 1997 to

notably Galerie Lelong. From the 1990s onwards, a new gener-

forge a shared identity. That legacy continues through MaSH

ation of gallerists further strengthened this presence. Jérôme

(Matignon Saint-Honoré), first held in 2025 to celebrate the ar-

de Noirmont opened his gallery there in 1994 and became one

ea’s vitality and diversity.

of Jeff Koons’s leading advocates in France, even financing the

More than a century after the first dealers settled here,

production of his monumental works. Enrico Navarra was also

Matignon–Saint-Honoré shows that the history of the Paris art

an early supporter of artists such as Jean-Michel Basquiat and

market is shaped by cycles and shifting centres—but also by

Keith Haring. These initiatives, however, remained exceptions in

remarkable returns.

a district still largely devoted to established artists. The decisive shift came in the late 1990s. France’s auction

With thanks to Nathalie Moureau, Professor of Economics and

market opened to international competition, prompting Sotheby’s

co-author of Histoire des galeries d’art en France du XIXe au

and Christie’s to move into former landmark gallery premises in the

XXIe siècle, published by Flammarion in 2024 at the initiative

district. Their arrival transformed Matignon–Saint-Honoré, once

of Georges-Philippe Vallois, Honorary President of the Comité

again making it essential territory for major international collectors.

Professionnel des Galeries d’Art.

Historic galleries were now joined by auction houses, creating an exceptional concentration of leading art-market players.

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QUAND L’ART DONNE LE TON LIAIGRE

Depuis 1985, Liaigre cultive un art de vivre façonné par l'architecture, le mobilier, l’art et les objets. Since 1985, Liaigre has cultivated an art of living shaped by architecture, furniture, art and objects.

Œuvre : Kiki Smith, Untitled (2009). Mobilier : Fauteuil de chasse, Martin Godsk ; lampadaire Chantecaille, Collection Liaigre ; guéridon Tabou, Eric Schmitt pour Liaigre. © Claire Israel

Œuvre : Donald Baechler, Flowers #19 (1998). Mobilier : Fauteuil Robinson, Collection Liaigre.

’art, chez Liaigre, est une composante à part

When art sets the tone. At Liaigre, art is an integral

entière de l’intérieur. Au même titre que les

part of the interior. Just like proportion, materials

proportions, les matières ou la lumière, les œuvres

and light, artworks shape the space, heighten the

structurent l’espace, renforcent la perception des

perception of volume and extend the dialogue

volumes et prolongent le dialogue avec le mobilier.

with the furniture. This sensibility, inherited from

Cette sensibilité, héritée de Christian Liaigre, s’inscrit

Christian Liaigre, has always been deeply rooted in

depuis toujours dans la culture de la Maison. Nourrie

the Maison’s culture. Nurtured by close relationships

par des liens étroits avec artistes, galeristes et

with artists, gallerists and collectors, it informs an

collectionneurs, elle se traduit par une approche de

approach to art that is attuned to the unique character

l’art attentive à la singularité des lieux. Les œuvres

of each setting. Artworks are never considered

ne sont jamais envisagées comme de simples

merely decorative: selected for their strength and the

éléments décoratifs : choisies pour leur force et les

resonances they evoke, they play a defining role in the

échos qu’elles suscitent, elles participent pleinement

identity of every interior. At 77 Faubourg Saint-Honoré,

à l’identité de chaque intérieur. Au 77 Faubourg

this approach finds its fullest expression: architecture,

Saint-Honoré, cette approche prend tout son sens :

furniture and artworks engage in a dialogue, united

architecture, mobilier et œuvres d’art se répondent

by a shared language of space. It is another way of

dans une même écriture de l’espace. Une autre

expressing Liaigre’s philosophy: creating interiors that

manière d’exprimer la philosophie de Liaigre : créer

transcend function to become sensory and deeply

des intérieurs qui dépassent le fonctionnel pour

distinctive experiences.

devenir des expériences sensibles et profondément singulières.

www.studioliaigre.com

Design : henri.destjulien@gmail.com • Crédit photo : Renaud Corlouër

La maison ROUSSEL est une entreprise familiale bicentenaire, située au cœur de Paris et spécialisée dans la conception, la fabrication et la pose de stores à l’ancienne, haut de gamme, et sur mesure. La famille Roussel se transmet un savoir-faire artisanal de génération en génération, fondé sur la passion du métier, l’amour du Beau et la qualité du service. Ce savoir-faire s’étend à l’ensemble de l’équipement et l’habillage des ouvrants du bâtiment : stores intérieurs et extérieurs, vélums, fenêtres, volets roulants ; mais aussi structures extérieures type pergolas, tentes de toiles, etc. L’intégration de compétences dans le domaine de la domotique leur permet d’allier aux techniques traditionnelles les technologies les plus avancées. En 2013, la marque BELZACQ rejoint le giron de ROUSSEL STORES, un rapprochement qui permet la continuation de cette autre marque patrimoniale du store sur mesure. ROUSSEL STORES & BELZACQ interviennent sur tout type de chantier, du plus simple au plus extraordinaire.

Showroom : 177 boulevard Haussmann 75008 Paris - Tél : 01 43 59 33 14

www.rousselstores.fr

MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

Maître Marc-Olivier Deblanc, avocat en droit de la

œuvre peut ainsi être originale sans avoir été en-

elle répond à une offre, une demande et à une va-

propriété intellectuelle, apporte des repères essen-

tièrement exécutée de la main de l'artiste, dès lors

leur marchande. Le risque est que cette multiplica-

tiels pour mieux comprendre ce que l'on acquiert.

qu'elle respecte le cadre fixé par la loi ou les usages

tion affecte la perception de rareté. L'exemple de

du marché. Cette logique a ensuite été étendue à

Damien Hirst est souvent cité : certaines de ses

Quelle est la différence entre une œuvre originale

d'autres médiums : en droit fiscal français, une pho-

œuvres se sont fortement dépréciées en raison

et une œuvre unique ?

tographie peut être considérée comme originale

d'une production jugée trop abondante. À l'inverse,

Le terme « original » est polysémique et reste, dans

dans la limite de trente exemplaires, tandis que les

Picasso a créé un nombre considérable d'œuvres

l'imaginaire collectif, assimilé à l'unicité. Pourtant, en

œuvres d’art vidéo sont généralement éditées à

sans que la valeur de ses œuvres n’en soit affectée,

droit, ces deux notions ne se confondent pas : une

trois ou cinq exemplaires. Les seuils varient, mais le

car la demande pour ses peintures et sculptures de-

œuvre originale n'est pas nécessairement unique.

principe demeure : certaines œuvres peuvent être

meure phénoménale d’une part et d’autre part il s’agit

Pendant des siècles, les œuvres ne pouvaient tout

originales tout en existant en plusieurs exemplaires.

presque toujours d’œuvres originales et uniques.

simplement pas être reproduites : une sculpture tail-

La question des éditions limitées vient toutefois re-

lée dans le marbre ou le granit demeurait, par nature,

distribuer les cartes, car dans ce cas nous ne sommes

Qu’en est-il alors des éditions limitées ?

unique. Il en demeure une forme de sacralisation de

pas en présence d’œuvres originales (au sens préci-

Une édition limitée n'est plus une « œuvre origi-

l'œuvre d'art, liée à l'idée qu'elle a été conçue, voire

té) dans la mesure où elles constituent un niveau

nale » au sens juridique du terme, mais une repro-

seulement touchée, par l'artiste lui-même. C'est pour

particulier d’œuvres dérivées où le lien avec l’artiste

duction dont le nombre d'exemplaires est très va-

clarifier cette frontière que j'ai théorisé une « pyra-

ou ses ayants droit est maintenu (notamment par

riable selon la volonté de l’artiste ou de ses ayants

mide de l'originalité* », qui distingue si l’on peut dire

le contrôle de l’artiste sur les éditions, sa signature,

droit d’une dizaine d’exemplaires à plusieurs mil-

plusieurs « degrés d’éloignement » dans le rapport à

etc.), mais dilué (par le nombre) quelque part entre les

liers. Évidemment la valeur de l’œuvre est inver-

l’œuvre unique en fonction précisément de la nature

œuvres originales et les reproductions illimitées.

sement proportionnelle au nombre d’éditions. La rareté demeure en effet un principe fondamental

des œuvres. L'essentiel est simplement de savoir ce que l'on achète.

Que se passe-t-il juridiquement lorsqu’un artiste

du marché de l'art : plus une œuvre est rare, plus

dépasse les seuils fixés par le Code général des im-

elle est susceptible de conserver ou d'accroître

Une œuvre peut-elle être originale au sens légal

pôts français qui permettent de fixer le statut des

sa valeur. Ces éditions répondent néanmoins

tout en étant produite en plusieurs exemplaires ?

oeuvres originales ?

à une demande, en permettant à des amateurs

Absolument, les bronzes d'art en constituent une

Il ne peut plus les présenter comme des œuvres

d'acquérir une édition associée au travail d'un ar-

belle illustration. À la fin du XIXe siècle, un régime

originales au sens strict. Leur qualification juridique

tiste reconnu quand les prix deviennent inacces-

spécifique a été instauré pour autoriser leur ti-

évolue, même si leur commercialisation demeure

sibles. Encore faut-il savoir ce que l'on achète. Un

rage à huit exemplaires, auxquels s'ajoutent quatre

parfaitement licite. En pratique, la question est sur-

ami était convaincu d'avoir acquis une sculpture

épreuves d'artiste, destinées à l'artiste lui-même, à

tout celle de la rareté. Un artiste peut parfaitement

de Salvador Dalí avant de découvrir qu'il en exis-

ses ayants droit ou à ses archives mais qui n’avaient

éditer trente photographies en format 40 × 60 cm,

tait plusieurs centaines d'exemplaires et qu’il ne

en principe pas vocation à être commercialisées.

puis trente autres dans un format plus grand, voire

s’agissait en réalité même pas réellement d’une

Cette évolution marque une rupture importante :

trente supplémentaires dans un troisième format.

édition limitée, mais plus d’un produit dérivé dé-

l'acte de fabrication de l’œuvre, sa reproduction se

Il respecte alors les usages admis tout en augmen-

coratif tiré de l’œuvre de l’artiste. La déception ve-

« détache » désormais symboliquement de la ré-

tant considérablement le nombre d'exemplaires dis-

nait moins de l'objet lui-même que de l'ambiguïté

alisation artistique et du geste de l’artiste tout en

ponibles sur le marché. Lorsqu'on observe le marché

entretenue autour de sa nature.

conservant son statut d’œuvre « originale ». Une

de l'art, une œuvre est aussi un bien économique :

COMMENT BIEN S’INFORMER AVANT D’ACQUÉRIR UNE ŒUVRE ?

BEFORE YOU BUY: HOW TO MAKE AN INFORMED ART PURCHASE

PROPOS RECUEILLIS PAR Lina Tchalabi

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

Quel est le rôle réel du certificat d’authenticité lors d'une transaction ? Le certificat d'authenticité est avant tout la carte d'identité de l'œuvre. Il mentionne son auteur, ses dimensions, la

technique et le support utilisé,

sa date de création, ou encore sa numérotation en cas d’édition limitée ou de bronze d’art par exemple. Il faut toutefois distinguer « authenticité » et « originalité » : un certificat peut attester qu'un exemplaire est authentique sans pour autant qu’il s’agisse d'une œuvre unique. La « valeur » d’un certificat d’authenticité dépend également de son auteur, qu'il s'agisse de l'artiste lui-même, d'un expert, d'une fondation ou des ayants droit. Enfin, le certificat indique ce qu'est l'œuvre, tandis que la provenance, qui est pour le marché un critère tout aussi important, raconte son histoire, son parcours. Ces deux critères se renforcent mutuellement et nourrissent ce sur quoi repose fondamentalement le marché de l'art : la confiance.

« Une œuvre peut ainsi être originale sans avoir été exécutée de la main de l'artiste. » “An artwork can be original without being executed by the artist.”

MASH MAGAZINE

undermines the perception of rarity. Damien Hirst is frequently cited in this regard: the value of some of his works has declined significantly because his output has been considered excessively prolific. By contrast, Picasso produced an extraordinary number of works without diminishing their market value, both because demand for his paintings and sculptures remains exceptional and because they are, in almost every case, original and unique works. What, then, about limited editions? A limited edition is no longer an "original work" in the legal sense, but rather a reproduction whose edition size is determined by the artist or their estate and may range from as few as ten copies to several thousand. Naturally, the value of a work tends to be inversely proportional to the size of the edition. Rarity remains a fundamental principle of the art market: the rarer a work is, the more likely it is to retain or increase its value. Limited editions nevertheless meet a genuine demand by enabling collectors to acquire a work associated with a recognised artist when original works have become financially out of

Intellectual property lawyer Marc-Olivier Deblanc

entirely executed by the artist's own hand, provided

reach. The important thing is to know exactly what

provides essential insights to help you better under-

it complies with the legal framework or accepted

you are buying. A friend of mine was convinced he

stand what you are acquiring.

market practice. This principle was subsequently

had acquired a sculpture by Salvador Dalí, only to

extended to other media. Under French tax law, a

discover that several hundred examples existed and

What is the difference between an original work

photograph may be regarded as an original work

that it was not, in fact, a genuine limited edition at

and a unique work?

provided it is limited to thirty prints, while video art

all, but rather a decorative derivative based on the

The term original is polysemous and, in the pub-

is generally issued in editions of three or five. The

artist's work. His disappointment stemmed less from

lic imagination, remains closely associated with

numerical thresholds differ, but the underlying prin-

the object itself than from the ambiguity surround-

uniqueness. Legally, however, the two concepts are

ciple remains the same: a work may be original while

ing its true nature.

distinct: an original work is not necessarily a unique

existing in multiple copies. Limited editions, howev-

one. The Mona Lisa embodies both characteristics,

er, introduce a different category. They are no longer

What is the real role of a certificate of authenticity

yet for centuries certain works simply could not be

original works in the legal sense outlined above, but

in a transaction?

reproduced: a sculpture carved in marble or granite

occupy an intermediate position between original

A certificate of authenticity is, above all, the work's

was, by its very nature, unique. This has left a lin-

works and unlimited reproductions, maintaining a

identity card. It records the artist's name, its dimen-

gering sense of the artwork's almost sacred status,

connection with the artist or their estate—through

sions, the technique and support used, its date of

rooted in the belief that it was conceived—or even

editorial control, signature or other forms of authen-

creation and, where applicable, its edition number,

merely touched—by the artist. To clarify this distinc-

tication—while inevitably diluting that link through

as in the case of a limited edition or a fine art bronze.

tion, I developed what I call the “Pyramid of Original-

the number of copies produced.

It is important, however, to distinguish between authenticity and originality: a certificate may confirm

ity” , which identifies different degrees of originality according to the nature of the work. Ultimately, what

What happens legally when an artist exceeds the

that a work is authentic without implying that it is

matters is knowing exactly what you are buying.

thresholds set by the French General Tax Code

unique. The value of a certificate of authenticity also

for determining whether works qualify as original

depends on who issues it, whether the artist, an ex-

Can a work be legally regarded as original if it ex-

works of art?

pert, a foundation or the artist's estate. Finally, while

ists in multiple copies?

The works can no longer be presented as original

the certificate establishes what the work is, prove-

Absolutely. Fine art bronzes provide an excellent

works in the strict legal sense. Their legal status

nance—an equally important criterion in the art mar-

example. At the end of the nineteenth century, a

changes, although they remain perfectly lawful to

ket—tells its story and traces its history. Together,

specific legal framework was introduced allowing

market. In practice, however, the real issue is rarity. An

these two elements reinforce one another and un-

editions of up to eight casts, together with four

artist may legitimately produce thirty photographs in

derpin the fundamental principle on which the art

artist's proofs, intended for the artist, their estate or

a 40 × 60 cm format, another thirty in a larger size,

market is built: trust.

their archives and, in principle, not for commercial

and thirty more in a third format. In doing so, they

sale. This marked a significant turning point: the act

remain within accepted practice while substantial-

of producing or casting a work became symboli-

ly increasing the number of works available on the

cally detached from the artistic act itself, while the

market. From a market perspective, a work of art is

work retained its status as an "original". A work may

also an economic asset, subject to supply, demand

therefore qualify as original without having been

and market value. The risk is that such multiplication

* La « pyramide de l'originalité » hiérarchise les œuvres, de la pièce unique aux multiples et produits dérivés. The "Pyramid of Originality" ranks artworks according to their level of uniqueness, from unique works to multiples and merchandising.

MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

Cour intérieure de l'hôtel particulier situé 54, rue de Monceau.

À l’occasion de son trentième anniversaire,

NOUVELLE ADRESSE, NOUVEAU CHAPITRE

PIASA ouvre un nouveau chapitre de son histoire en s'installant dans l’un des quartiers les plus emblématiques de la vie artistique parisienne. Réparti sur trois niveaux, ce nouvel espace de 1 200 m2 accompagne le développement de la maison et accueille des ventes consacrées à l’art moderne et contemporain, au design, aux arts décoratifs, ainsi qu’à l’horlogerie, à la joaillerie, aux livres rares et à la mode. Pensé comme un lieu de

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rencontres, d'expositions et d'expertise, il favorise le dialogue entre les œuvres, les collectionneurs et les spécialistes PIASA, qui proposent tout au long

PIASA Auction House Moves to a Private Mansion at 54 Rue de Monceau.

de l’année des estimations, expertises et inventaires gratuits et confidentiels. Fidèle à son approche pluridisciplinaire, PIASA conçoit chacune de ses ventes comme une proposition curatoriale. Héritière de l'esprit des grands ensembliers, elle défend une vision des enchères inspirée de l'art

Frédéric Chambre, Directeur Général associé, Commissaire-priseur

de vivre, où art, design et décoration s’entremêlent pour composer un même récit.

between works of art, collectors and PIASA's specialists, who offer free, confidential valuations,

New address, new chapter. As it celebrates its

appraisals and collection inventories throughout

thirtieth anniversary, PIASA opens a new chapter in

the year. Remaining true to its multidisciplinary

its history by relocating to one of Paris's most iconic

approach, PIASA conceives each sale as a curatorial

artistic neighbourhoods. Spanning three floors, this

proposition. Inheriting the spirit of the great French

new 1,200 sqm space supports the auction house's

ensembliers, the auction house champions a vision

continued growth and hosts sales dedicated to

of auctions inspired by the art of living, where art,

Modern and Contemporary Art, Design, Decorative

design and decoration are brought together to

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create a single, coherent narrative.

Conceived as a place for encounters, exhibitions and expertise, the new premises foster dialogue

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Post-War : Abstraction - Figuration internationale | 2 décembre American Design | 9 décembre Bijoux & Horlogerie | Du 4 au 14 décembre Scandinavian Design | 16 décembre Découvrez nos expositions toute l’année de 10h à 18h

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Agrément n° 2001-020 - Commissaire priseur habilité : Frédéric Chambre

Le Design Bazaar : en partenariat avec Harper’s Bazaar Intérieurs | 24 novembre

MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

PETITS RIENS, GRANDS DESSEINS LITTLE THINGS, GREAT AMBITIONS

Deux artistes, deux trajectoires, deux regards qui ont changé l’histoire de l’art. À Paris, le Grand Palais et le musée d'Orsay célèbrent l'influence de Paul Cezanne et la liberté conquise de Mary Cassatt, deux figures majeures dont les œuvres continuent de fasciner par leur modernité. Two artists, two trajectories, two visions that changed the course of art history. In Paris, the Grand Palais and the Musée d'Orsay celebrate the influence of Paul Cezanne and the hard-won freedom of Mary Cassatt, two major figures whose work continues to fascinate with its striking modernity. TEXTE Lina Tchalabi

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

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M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

2. 1. Paul Cezanne, La Montagne

Sainte-Victoire vue des Lauves, 1904-1905. Huile sur toile, 63.8 × 81.6 cm. The Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City. © Photo courtesy of Nelson-Atkins Digital Production & Preservation.

2. Henri Matisse, Baigneur, été 1909. Huile sur toile, 92.7 x 74 cm. The Museum of Modern Art, New York. © Photo Digital image, The Museum of Modern Art, New York / Scala, Florence.

3. Natalia Gontcharova, Composition, 1913-1914. Huile sur toile, 104.2 x 97 cm. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle. © Adagp, Paris, 2026, Paris. Photo Centre Pompidou, MNAM-CCI, dist. GrandPalaisRmn / Philippe Migeat - Christian Bahier.

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

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Page 23 :

Paul Cezanne, Le Baigneur,

vers 1885. Huile sur toile, 127 x 96.8 cm. The Museum of Modern Art, New York. © Photo Digital image, The Museum of Modern Art, New York / Scala, Florence.

CEZANNE ET NOUS LE GRAND PALAIS, 17 AV. DU GÉNÉRAL EISENHOWER, 8E ARR. JUSQU’AU 17 JANVIER 2027 CEZANNE ET NOUS UNTIL JANUARY 17TH, 2027

CEZANNE, L’ÉTERNEL MODERNE

« notre père à tous » et qui n'a jamais cessé d'être

the Aix painter declared his ambition: to prove that

Des baigneurs ici, des joueurs de cartes là, la mon-

relu, réinterprété, parfois même contesté ? Réunis-

an ordinary apple could be every bit as grand as a

tagne Sainte-Victoire en toile de fond… Paul Ce-

sant près de 180 œuvres, cette exposition ne célèbre

history painting. By dismantling the classical per-

zanne (1839-1906) n'a jamais eu besoin de sujets

pas seulement Cezanne comme précurseur de l’art

spective inherited from the Renaissance, Cezanne

spectaculaires pour révolutionner l'histoire de l'art.

moderne. Elle s'intéresse aussi à la manière dont sa

reshaped the foundations of modern painting. By

Fidèle aux paysages de sa Provence natale comme

peinture a influencé les artistes qui lui ont succédé,

the late 1880s, when he was hardly exhibiting any

aux objets du quotidien, il fait de chacun de ses mo-

de Paul Gauguin à Henri Matisse, de Piet Mondrian à

longer, young artists discovered his work in Père

tifs un terrain d'expérimentation. Sous son pinceau,

Joan Mitchell, Bridget Riley ou Peter Doig. Entre filia-

Tanguy's shop. For them, it was a revelation. From

la couleur construit les formes, tandis que la lumière

tions et confrontations, les toiles se répondent dans

his first exhibition at Ambroise Vollard's gallery to

donne corps aux volumes. En s'affranchissant de la

un dialogue ininterrompu entre les générations.

the posthumous triumph of the 1907 Salon d'Au-

simple imitation du réel – « il faut traiter la nature par

Plus qu’une rétrospective, Cezanne et nous raconte

tomne, Cezanne established himself as a defining

la sphère, le cylindre et le cône », disait-il – Cezanne

l’histoire d’un héritage qui continue, plus d’un siècle

figure of the avant-garde. He opened the way for

saisit l’essence des choses au-delà de leur appa-

après sa disparition, de nourrir la création contem-

the Fauves through colour, guided the Cubists

rence, préfigurant les grandes révolutions esthé-

poraine.

through form, and inspired the pioneers of lyrical

tiques du XXe siècle.

and geometric abstraction.

« Avec une pomme, je veux étonner Paris ! »

Cezanne and us

C’est par ce défi audacieux, adressé aux institutions

The title alone captures the exhibition's ambi-

qui méprisaient alors le genre de la nature morte, que

CEZANNE, FOREVER MODERN

tion. A simple conjunction is enough to raise

le peintre aixois affirme son ambition : prouver qu’un

Bathers here, card players there, with Mont

the question: what still connects us to the artist

fruit ordinaire recèle autant de grandeur qu'une

Sainte-Victoire rising in the background... Paul

whom Picasso famously described as "the father

scène d’histoire. En déconstruisant la perspective

Cezanne (1839–1906) never needed spectacular

of us all", and whose work has never ceased to

classique héritée de la Renaissance, Cezanne bou-

subjects to change the course of art history. Re-

be reinterpreted, reassessed and, at times, chal-

leverse les fondements de la peinture moderne. À

maining faithful both to the landscapes of his na-

lenged? Bringing together nearly 180 works, the

la fin des années 1880, alors qu’il n’expose presque

tive Provence and to everyday objects, he turned

exhibition does more than celebrate Cezanne

plus, de jeunes artistes découvrent ses toiles dans

each of his motifs into a field of experimentation.

as a pioneer of modern art. It also explores the

la boutique du père Tanguy. Pour eux, c’est une ré-

Under his brush, colour constructs form, while

lasting influence of his painting on generations

vélation. De sa première exposition chez Ambroise

light gives volume its substance. By moving be-

of artists, from Paul Gauguin and Henri Matisse

Vollard au triomphe posthume du Salon d’automne

yond the simple imitation of nature—"Treat nature

to Piet Mondrian, Joan Mitchell, Bridget Riley

de 1907, Cezanne s’impose comme la figure tutélaire

by means of the sphere, the cylinder and the cone,"

and Peter Doig. Between affinity and contrast,

des avant-gardes. Il libère les fauves par la couleur,

as he famously put it—Cezanne captured the es-

the works engage in an uninterrupted dialogue

guide les cubistes par ses volumes, et inspire les

sence of things beyond their outward appearance,

across generations. More than a retrospective,

pionniers de l'abstraction lyrique et géométrique.

paving the way for the great artistic revolutions of

Cezanne and us traces the story of a legacy that

the twentieth century.

continues, more than a century after his death, to

Cezanne et nous

shape contemporary art.

Le titre résume à lui seul toute l’ambition. Une simple

"With an apple, I want to astonish Paris!"

conjonction suffit à poser la question : quel lien

It was with this bold challenge to the institutions

nous unit encore à celui que Picasso surnommait

that still dismissed still life as a minor genre, that

MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

MARY CASSATT, L'INDÉPENDANTE MUSÉE D’ORSAY, ESPLANADE VALÉRY GISCARD D'ESTAING, VIIE ARR. JUSQU’AU 31 JANVIER 2027 MARY CASSATT, BEING INDEPENDENT UNTIL JANUARY 31ST, 2027

MARY CASSATT, L’ESPRIT LIBRE

des regards silencieux, de la tendresse des gestes

is, where her meeting with Edgar Degas (1834–1917)

Être une femme et vouloir devenir peintre au XIXe

ordinaires et de tout un pan de la vie domestique

proved a decisive turning point. At his invitation,

siècle relevait déjà d’un acte d’émancipation.

jusque-là rarement représenté.

she joined the Impressionists, exhibiting alongside

À une époque où les académies leur étaient sou-

them and finding the artistic freedom she had long

vent fermées et où le monde de l’art était dominé

Une liberté sans frontières

sought. Yet Cassatt did more than embrace the

par les hommes, rares étaient celles qui pouvaient

À travers près de 80 tableaux, pastels et estampes

avant-garde of her time. She developed a distinc-

vivre de leur art et imposer leur nom. Mary Cassatt

rares, l’exposition Mary Cassatt, L’Indépendante

tive artistic language of her own, shaped by col-

(1844-1926) fut de celles-là. Loin des conventions

dresse le portrait d’une artiste libre dans sa pein-

our, draftsmanship and the influence of Japanese

de son temps, elle n'aura cessé de tracer sa propre

ture comme dans ses convictions. Conseillère de

prints.

voie jusqu’à devenir la seule artiste américaine à

grands collectionneurs américains, elle contribue

exposer avec les impressionnistes à Paris.

à faire entrer l’impressionnisme outre-Atlantique

Intimacy takes centre stage

et participe ainsi à sa reconnaissance internatio-

While her male contemporaries claimed the streets

« Je peux vivre seule ! »

nale. Féministe engagée, Mary Cassatt défend

and cafés as their subject, Mary Cassatt made the

De l’audace, il en fallait pour prononcer ces mots.

également le droit de vote des femmes. Cent ans

private sphere her studio. Not by choice, but be-

Née en Pennsylvanie dans une famille aisée de

après sa disparition, le musée d’Orsay célèbre

cause the society of her time confined women to

banquiers, Mary Cassatt décide très jeune de de-

celle qui aura conquis son indépendance et légué

the domestic realm. She turned instead to every-

venir artiste professionnelle. Après avoir étudié la

à l'histoire de l'art l'une de ses représentations les

day moments: a woman absorbed in her reading,

peinture aux États-Unis, elle gagne l'Europe et finit

plus sensibles de la condition féminine.

a mother bathing her child, a young girl sewing in

par s'établir à Paris, où sa rencontre avec Edgar De-

a garden. These scenes are neither anecdotal nor

gas (1834-1917) marque un tournant décisif. Invitée

sentimental. Instead, they reveal the beauty of the

par ce dernier à rejoindre les impressionnistes, elle

ordinary: the invisible bonds between people, si-

participe à plusieurs de leurs expositions et trouve

MARY CASSATT, A FREE SPIRIT

lent glances, the tenderness of everyday gestures,

auprès du groupe la liberté artistique qu'elle

For a woman in the nineteenth century, aspiring to

and an entire dimension of domestic life that had

recherchait. Mais Cassatt ne se contente pas

become a painter was already an act of emancipa-

rarely found its way into painting.

d'épouser les avant-gardes de son siècle. Elle dé-

tion. At a time when women were often excluded

veloppe son propre langage, nourri par la couleur,

from the academies and the art world was domi-

A freedom without limits

le dessin et l'influence des estampes japonaises.

nated by men, few were able to make a living from

Through nearly 80 paintings, pastels and rare

their work, let alone establish a reputation. Mary

prints, Mary Cassatt, Being Independent portrays

L’intime au premier plan

Cassatt (1844–1926) was one of them. Defying

an artist who was as free in her art as in her con-

Là où ses contemporains masculins s'approprient

the conventions of her time, she forged her own

victions. As an adviser to leading American collec-

la rue et les cafés, Mary Cassatt fait de la sphère

path, becoming the only American artist to exhibit

tors, she helped introduce Impressionism to the

privée son atelier. Non par choix, mais parce que la

alongside the Impressionists in Paris.

United States, playing a key role in its international

société de son temps assigne les femmes à l'inté-

recognition. A committed feminist, Cassatt also

rieur. Elle saisit alors des instants du quotidien : une

“I can live independently!”

campaigned for women's suffrage. A century after

femme absorbée par sa lecture, une mère donnant

It took real courage to utter those words. Born into a

her death, the Musée d'Orsay celebrates an artist

le bain à son enfant, une jeune fille cousant dans

wealthy banking family in Pennsylvania, Mary Cas-

who won her independence and bequeathed to art

un jardin. Des scènes qui ne sont ni anecdotiques

satt decided from an early age to become a profes-

history one of its most sensitive portrayals of the

ni sentimentales, mais qui révèlent la beauté dans

sional artist. After studying painting in the United

female condition.

la banalité, celle des liens invisibles entre les êtres,

States, she moved to Europe before settling in Par-

1. Mary Cassat, Automne, portrait de Lydia Cassatt [L’Automne], 1880. Huile sur toile, 92,5 × 65,5 cm. Petit Palais, musée des Beaux-arts de la Ville de Paris, PPP706. © Paris Musées / Petit Palais, musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris. 2. Mary Cassat, Lilas à la fenêtre,

vers 1880-1883. Huile sur toile, 61,5 × 51,1 cm. New York, The Metropolitan Museum of Art, don de M. et Mme Douglas Dillon, 1997. © The Metropolitan Museum of Art, Dist. GrandPalaisRmn / image of the MMA.

3. Mary Cassat, Le Thé, vers 1880. Huile sur toile, 64,8 × 92,1 cm. Boston, Museum of Fine Arts, Fonds M. Theresa B. Hopkins. Photography © Museum of Fine Arts, Boston.

1. 3.

L’ART DE LIRE MASH MAGAZINE

THE ART OF READING

PARCE QUE LES ŒUVRES SE LISENT AUSSI. Because art is meant to be read as well as seen.

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

MASH MAGAZINE

MONOGRAPHIE

RÉCIT LITTÉRAIRE

ROMAN

ROMAN BIOGRAPHIQUE

Iván Tovar, Masterpieces Julie Belcove, Assouline, The Legends Collection, 224 p.

Le syndrome de l'Orangerie Grégoire Bouillier, Flammarion, 432 p.

L'Inconnue du portrait Camille de Peretti, Calmann-Lévy, 350 p.

Leonora Elena Poniatowska, Actes Sud, Babel, 496 p.

Première monographie consacrée à

Que se passe-t-il lorsqu'une œuvre

À partir de l'histoire fascinante du

Dans le sillage de la rétrospective

Iván Tovar (1942-2020), cet ouvrage

provoque le trouble plutôt que

Portrait d'une dame de Gustav Klimt,

que le Musée du Luxembourg a

s'inscrit dans la redécouverte

l'émerveillement ? À partir de son

Camille de Peretti déploie une ample

consacrée à Leonora Carrington en

internationale du peintre dominicain,

face-à-face avec les Nymphéas de

fresque romanesque où se croisent

2026, ce roman d'Elena Poniatowska

mise en lumière par la Biennale de

Monet, Grégoire Bouillier mène

création, transmission, secrets de

fait revivre cette figure majeure du

Venise 2026. De Paris à New York

une enquête aussi personnelle

famille et quête de vérité. Entre

surréalisme. Au fil de ses rencontres

jusqu'à Saint-Domingue, il explore le

qu'intellectuelle sur le regard et les

fiction et réalité, elle compose un

avec les grandes personnalités de

parcours et l'œuvre singulière d'un

mystères de la perception. Un essai

récit érudit et captivant qui célèbre

l'avant-garde se dessine le portrait

artiste dont la reconnaissance ne

exigeant et stimulant qui renouvelle

la puissance des œuvres autant que

d'une artiste libre, dont l'univers

cesse de s'affirmer.

notre manière d'approcher l’art.

celle des destins qu'elles relient.

onirique continue de fasciner.

The first monograph devoted to

What happens when a work of

Drawing on the fascinating history

Following the Musée du

*Iván Tovar (1942–2020), this book

art provokes unease rather than

of Gustav Klimt's Portrait of a

Luxembourg's 2026 retrospective

forms part of the international

wonder? Drawing on his encounter

Lady, Camille de Peretti weaves a

of Leonora Carrington, this novel

rediscovery of the Dominican

with Monet's Water Lilies, Grégoire

sweeping narrative in which creation,

by Elena Poniatowska revives one of

painter, brought to the fore by the

Bouillier undertakes an inquiry—as

legacy, family secrets and the quest

Surrealism's major figures. Through

2026 Venice Biennale. From Paris

personal as it is intellectual—into

for truth intertwine. Blurring the lines

her encounters with leading figures

to New York to Santo Domingo,

the act of looking and the mysteries

between fiction and reality, she crafts

of the avant-garde, a portrait

it explores the life and singular

of perception. A challenging and

a scholarly and captivating narrative

emerges of a free-spirited artist

body of work of an artist whose

stimulating essay that renews our

that celebrates the power of works

whose dreamlike world continues

international recognition

approach to art.

of art as much as the lives they

to captivate.

continues to grow.

connect.

MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

À la croisée des arts et du temps Les montres métiers d'art sont le fruit d'un dialogue entre excellence horlogère et création artistique. Bien plus que de simples garde-temps, elles mettent l'art en mouvement. Entre les mains du graveur ou de l’émailleur, elles deviennent des œuvres miniatures où le geste de l'artisan rejoint celui de l'artiste. Where art meets time. Métiers d’art watches emerge from a dialogue between watchmaking excellence and artistic creativity. Far more than timekeepers, they set art in motion. In the hands of an engraver or enameller, they become miniature works of art in which craftsmanship and artistic vision come together. TEXTE Charlène Campos

GLASHÜTTE SENATOR MEISSEN RENCONTRE ENTRE LA PEINTURE MINIATURE ET LA PORCELAINE DE MEISSEN. MINIATURE PAINTING MEETS MEISSEN PORCELAIN.

MASH MAGAZINE

Certaines montres dépassent la seule prouesse mécanique

seigle soigneusement sélectionnés, fendue à la main puis as-

pour devenir le terrain d'expression de métiers d'art séculaires.

semblée fragment après fragment, la paille compose un motif

Chaque création naît de la rencontre entre horlogers et artisans

en nid d'abeille dont les reflets évoluent au gré de la lumière.

d'art, dont le savoir-faire façonne des pièces exceptionnelles où

Ce décor prend tout son sens avec le premier calibre L.U.C à

la virtuosité technique se met au service de l'émotion. Le mou-

heure sautante, dont l'affichage contribue à l'épure du cadran.

vement ne se limite plus au calibre : il est aussi celui du burin sur le métal, du pinceau sur l'émail, de la lumière sur la matière.

Avec la Reverso Tribute Enamel Hokusai « Les Chutes d'Aoigaoka », Jaeger-LeCoultre révèle tout le raffinement de

Avec la référence 5249R-001, Patek Philippe met à l'hon-

la peinture miniature sur émail Grand Feu. Sur le fond du cé-

neur la gravure. Inspirée de la fable Le Corbeau et le Renard,

lèbre boîtier pivotant, les artisans reproduisent l'une des es-

cette montre-bracelet à automate donne vie à une scène où

tampes les plus emblématiques de Katsushika Hokusai à l'aide

les appliques en or et les décors de feuillage, a nécessité plus

de pigments appliqués au pinceau sur de multiples couches

de 150 heures de travail, révèlent une remarquable richesse

d'émail, chacune cuite à près de 800°C. Ce travail minutieux

de reliefs et de textures. Ici, le burin remplace le pinceau pour

s'accompagne d'un cadran guilloché à la main, recouvert d'un

insuffler profondeur et réalisme, tandis qu'une pression sur le

émail Grand Feu translucide, tandis que le calibre Manufacture

poussoir déclenche l'animation orchestrée par le mouvement.

à remontage manuel se met au service de l'œuvre.

L'heure apparaît alors au cœur de la scène, faisant de la gravure

Gravure, marqueterie de paille, émail Grand Feu : ces mé-

une composante essentielle de l'expression mécanique de la

tiers d'art racontent une même histoire. Celle d'une horloge-

montre.

rie où la valeur d'une montre ne réside pas seulement dans la

Là où Patek Philippe joue sur le relief et la profondeur,

précision de son mouvement, mais aussi dans la mémoire des

Chopard mise sur la lumière et la matière grâce à la marque-

gestes qui lui donnent vie. À travers ces trois montres excep-

terie de paille. Avec la L.U.C Quattro Spirit 25 Straw Marque-

tionnelles, l'horlogerie rejoint le champ des arts décoratifs :

try Edition, la maison célèbre un métier d'art peu répandu en

non comme un simple écrin de virtuosité technique, mais

horlogerie : la marqueterie de paille. Prélevée sur des brins de

comme un territoire où le temps devient matière à création.

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

PATEK PHILIPPE RÉF. 5249R-001 LA GRAVURE SE MET EN MOUVEMENT AU RYTHME D'UN AUTOMATE. GRAND FEU ENAMEL MINIATURE PAINTING BRINGS A WORK BY HOKUSAI TO LIFE.

VACHERON CONSTANTIN MONTRE MÉTIERS D’ART HOMMAGE AUX GRANDES CIVILISATIONS ATHÉNA DE VELLETRI

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

Some watches go beyond mechanical prowess to become a

fragment by fragment to form a honeycomb pattern whose re-

canvas for centuries-old decorative crafts. Each creation is born

flections change with the light. This decoration comes fully into

from an encounter between watchmakers and master artisans,

its own alongside the first L.U.C jumping-hour calibre, whose

whose expertise shapes exceptional pieces in which technical

display contributes to the pared-back elegance of the dial.

virtuosity serves an emotional purpose. Movement is no longer

With the Reverso Tribute Enamel Hokusai ‘The Falls at

confined to the calibre: it is also present in the engraver’s bu-

Aoigaoka’, Jaeger-LeCoultre reveals the full refinement of min-

rin moving across the metal, the brush moving over the enamel

iature painting on Grand Feu enamel. On the reverse of the cel-

and light playing across the surface.

ebrated swivelling case, the artisans reproduce one of Katsushika

With reference 5249R-001, Patek Philippe pays tribute to

Hokusai’s most iconic prints using pigments applied by brush

the art of engraving. Inspired by the fable The Crow and the Fox,

over multiple layers of enamel, each fired at nearly 800°C. This

this automaton wristwatch brings to life a scene whose gold ap-

meticulous work is complemented by a hand-guilloché dial coat-

pliqués and foliage decoration—requiring more than 150 hours

ed with translucent Grand Feu enamel, while the hand-wound

of work—reveal remarkable depth and richness of texture. Here,

Manufacture calibre allows the artwork to take centre stage.

the burin replaces the brush to lend depth and realism, while

Engraving, straw marquetry and Grand Feu enamel: these

a press of the pusher activates the animation orchestrated by

decorative crafts all tell the same story. It is the story of a form

the movement. The hours and minutes are then revealed at the

of watchmaking in which the value of a watch lies not only in

heart of the scene, making the engraving an integral part of the

the precision of its movement, but also in the craft traditions

watch’s mechanical expression.

that bring it to life. Through these three exceptional timepieces,

Where Patek Philippe plays with relief and depth, Chopard

watchmaking enters the realm of the decorative arts—not mere-

focuses on light and texture through the art of straw marquetry.

ly as a showcase for technical virtuosity, but as a space in which

With the L.U.C Quattro Spirit 25 Straw Marquetry Edition, the

time itself becomes a creative medium.

Maison celebrates a craft rarely encountered in watchmaking. Carefully selected rye straw is split by hand and assembled

MASH MAGAZINE

CHOPARD L.U.C QUATTRO SPIRIT 25 LA MARQUETERIE DE PAILLE COMPOSE UN TABLEAU VIVANT, ANIMÉ PAR LA LUMIÈRE. STRAW MARQUETRY CREATES A SHIFTING TABLEAU ANIMATED BY LIGHT.

JAEGER-LECOULTRE REVERSO TRIBUTE ENAMEL HOKUSAI WATERFALLS LA PEINTURE MINIATURE SUR ÉMAIL GRAND FEU DONNE VIE À UNE ŒUVRE D'HOKUSAI. GRAND FEU ENAMEL MINIATURE PAINTING BRINGS A WORK BY HOKUSAI TO LIFE.

MASH MAGAZINE

LE TEMPS EN MOUVEMENT PIAGET

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

vec la Piaget Polo Minute Repeater, la Manufacture de La Côte-aux-Fées

pousse l’art de l’ultraplat jusque dans l’une des complications les plus exigeantes de la Haute Horlogerie. Dans un boîtier en or blanc de seulement 9,3 mm d’épaisseur, le calibre 1290P se dévoile sous un cadran en or partiellement ajouré et guilloché à la main. À l’oreille, la sonnerie des heures résonne en sol dièse et celle des minutes en la dièse, à la cinquième octave. Piaget change ensuite de registre avec les Swinging Pebbles, réinterprétation de ses emblématiques Swinging Sautoirs. Œil-de-tigre, verdite ou pietersite : trois pierres façonnées en galets polis dissimulent chacune un mouvement de Manufacture et se balancent au bout de chaînes en or torsadé. Un geste qui renoue avec l’audace de la Collection du 21e Siècle, lorsque la Maison brouillait déjà les frontières entre garde-temps et bijou. D’un côté, faire entendre la mécanique dans un boîtier ultrafin ; de l’autre, presque faire oublier la montre derrière la pierre. Deux expressions d’une même liberté créative.

Time in motion. With the Piaget Polo Minute Repeater, the Manufacture de La Côte-aux-Fées takes its mastery of ultra-thin watchmaking into one of Haute Horlogerie’s most demanding complications. Just 9.3 mm thick, its white-gold case houses the 1290P calibre, revealed beneath a partially openworked, hand-guilloché gold dial. Its chimes sound the hours in G-sharp and the minutes in A-sharp, both in the fifth octave. Piaget then shifts register with the Swinging Pebbles, a reinterpretation of its iconic Swinging Sautoirs. Tiger’s eye, verdite or pietersite: three stones shaped into polished pebbles, each concealing a Manufacture movement and swinging from twisted gold chains. The pieces revive the audacity of the 21st Century Collection, when the Maison was already blurring the line between timepiece and jewellery. On one side, mechanics made audible within an ultra-thin case; on the other, a watch almost hidden behind stone. Two expressions of the same creative freedom.

Deux créations, deux expressions du savoir-faire Piaget. Two creations, two expressions of Piaget’s savoir-faire.

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M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

AU-DELÀ DES GEMMES GEMGENÈVE

« La fidélité de nos participants contribue à l’esprit si particulier du salon. » “The loyalty of our participants helps create the unique spirit of GemGenève.”

GemGenève est bien plus qu’un salon

GemGenève is far more than a jewellery fair…

de joaillerie…

GemGenève stands apart on the international

GemGenève est une forme d’OVNI dans le

high jewellery and gemstone calendar. Since its

calendrier des salons de haute joaillerie et

launch in 2018, its co-founders have championed a

pierres précieuses. Dès sa création en 2018, les

carefully curated selection of exhibitors (international

cofondateurs ont fait le choix d’une stricte sélection

dealers, bold designers and cultural institutions)

des exposants (marchands internationaux, designers

alongside an intimate approach and a passion for

audacieux, institutions culturelles…), d’une approche

rarity. Exhibitions, talks, educational projects and live

intimiste et d’une quête de rareté. Expositions,

demonstrations offer a glimpse behind the scenes

conférences, projets éducatifs et démonstrations

of this discreet world, where craftsmanship takes

de métiers d’art invitent à plonger dans les coulisses

precedence over ostentatious luxury.

de ce monde discret, où l’artisanat prime sur le luxe ostentatoire.

What can we expect from the next edition? Almost all the dealers who joined us in 2026 will

Que réserve la prochaine édition ?

return, reflecting their loyalty to GemGenève. We

La quasi-totalité des marchands présents en

will also welcome new participants and expand

2026 sera au rendez-vous, signe de leur fidélité

our collaborations and artistic projects, including a

à GemGenève. Nous accueillerons aussi de

new themed exhibition.

nouveaux participants et développerons nos Jewellery, objets d’art and collectors’ pieces: how

notamment une nouvelle exposition thématique.

do you bring these different worlds together? At GemGenève, these worlds are conceived as a

Bijoux, objets d’art, pièces de collection : comment

whole rather than simply placed side by side. Each

faites-vous dialoguer ces différents univers ?

has its place within a coherent vision, united by a

À GemGenève, ces univers sont pensés comme

shared passion for gemstones, beautiful objects,

un tout et non comme une juxtaposition. Chacun

creativity, craftsmanship and the passing on of

trouve ainsi sa place dans un ensemble cohérent,

knowledge.

réuni par une même passion pour les gemmes, le bel objet, la créativité, les savoir-faire et leur transmission.

www.gemgeneve.com

Mathieu Dekeukelaire, Directeur de GemGenève

collaborations et projets artistiques, avec

GemGenève INTERNATIONAL GEM AND JEWELLERY SHOW

11 > 14 mai 2027 Genève G E M G E N E V E .C O M

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M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

Laboratorio della modernità Au-delà de son image de capitale de la mode, Milan est l’un des grands laboratoires européens de la modernité. Du futurisme au spatialisme, puis à l’art contemporain, la ville offre depuis plus d’un siècle un terrain fertile aux artistes, aux architectes et aux designers. Beyond its reputation as the capital of fashion, Milan is one of Europe's great laboratories of modernity. From Futurism and Spatialism to contemporary art, the city has provided fertile ground for artists, architects and designers for more than a century. TEXTE Charlène Campos

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M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

Page 38 : Escalier principal du Palazzo Reale. The main staircase of the Palazzo Reale. Page 41 : Fondazione Prada. Architectural project by OMA. © Alessandro Saletta and Agnese Bedini DSL Studio. Courtesy Fondazione Prada.

Benni Bosetto, Corridoio orgonico (detail), 2026. Installation, Pirelli HangarBicocca, Milan, 2026. Courtesy the artist and Pirelli HangarBicocca, Milan. © Agostino Osio

Face au Duomo, le Palazzo Reale, ancienne rési-

dale qui accompagne le visiteur d’un mouvement

projet ne gomme pas le passé : il le met en tension

dence du pouvoir milanais aujourd’hui consacrée

artistique à l’autre. Les formes dynamiques d’Um-

avec le présent. Plus au nord, les halles de Pirelli

aux grandes rétrospectives internationales, ouvre

berto Boccioni cristallisent la fascination futuriste

HangarBicocca déploient des volumes hors norme

la visite avec l’une des expositions phares de la sai-

pour la vitesse ; Carlo Carrà incarne l’effervescence

qui permettent aux artistes de réaliser des œuvres

son, Picabia : Open The Gates of the Night. Figure

des premières avant-gardes avant son tournant mé-

monumentales que peu de lieux sont en mesure

majeure des avant-gardes européennes, le peintre

taphysique ; Giorgio de Chirico peuple ses places

d’accueillir. Les Seven Heavenly Palaces d’An-

français n’a cessé de brouiller les pistes : cubisme,

silencieuses d’une étrange mélancolie. Plus loin, Lu-

selm Kiefer, sept tours de béton de plus de quinze

dadaïsme, abstraction, retour à la figuration... Son

cio Fontana ouvre littéralement la surface de la toile

mètres de haut, interrogent à la fois la mémoire, la

œuvre avance par ruptures successives, refusant

avec ses célèbres Concetti Spaziali. En l’incisant, il

spiritualité et les ruines de l’histoire. Elles côtoient

toute fidélité à un style. Chez Francis Picabia, le

ne cherche pas à la détruire, mais à faire entrer la

des installations immersives et des créations in situ

changement devient une méthode. Une liberté qui

peinture dans une nouvelle dimension. D’un mou-

qui invitent le visiteur à faire l’expérience de l’œuvre

résonne particulièrement à Milan, où l’esprit d’ex-

vement à l’autre, une même ambition se dessine :

plutôt qu’à la contempler. Ici, l’art ne se regarde pas

périmentation s’est durablement imposé comme

remettre en question les conventions et repousser

seulement : il se traverse et se ressent. Plus qu’une

un véritable langage artistique. Entre les salles du

les limites de l’art. Une ambition qui demeure l’un

vitrine pour l’art contemporain, Milan demeure un

palais et la silhouette gothique de la cathédrale

des fils rouges de l’histoire artistique milanaise.

véritable laboratoire d’expérimentation.

et modernité semblent dialoguer avec une éton-

Le laboratoire du présent

Quand l’art rencontre le design

nante évidence.

Cette énergie créative irrigue toujours la scène ac-

Impossible enfin de parler de Milan sans évoquer

tuelle. À la Fondazione Prada, vaste complexe ima-

les liens étroits entre art, architecture et design. La

Le siècle des avant-gardes

giné par Rem Koolhaas sur le site d’une ancienne

Triennale Milano, installée dans le Palazzo dell’Arte,

Quelques pas suffisent pour rejoindre le Museo del

distillerie, les bâtiments industriels restaurés coha-

au cœur du Parco Sempione, incarne cette histoire

Novecento. Installé dans l’ancien Palazzo dell’Aren-

bitent avec des architectures résolument contem-

singulière où les disciplines dialoguent bien au-de-

gario, le musée réunit l’une des plus importantes

poraines. L’ensemble présente des expositions

là des frontières du musée. Les grandes figures du

collections consacrées à l’art italien du XXe siècle.

internationales où les disciplines se répondent li-

design italien y côtoient les architectes, les pho-

Le parcours s’organise autour d’une rampe hélicoï-

brement. Fidèle à l’approche de Rem Koolhaas, le

tographes et les artistes contemporains, rappelant

qui se découpe derrière les fenêtres, patrimoine

Rirkrit Tiravanija, Untitled 2009 (the house the cat built), 2026. Installation, PirelliHangarBicocca, Milan, 2026. Courtesy the artist and Pirelli HangarBicocca, Milan. © Agostino Osio

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L'art de vivre à la milanaise THE MILANESE ART OF LIVING

L’hôtel où séjourner : Portrait Milano Ancien séminaire magnifiquement réhabilité par la famille Ferragamo, Portrait Milano compte parmi les adresses les plus élégantes de la ville. Son immense piazza intérieure en fait un véritable lieu de vie autant qu'un hôtel d'exception. Where to stay A former seminary beautifully restored by the Ferragamo family, Portrait Milano is one of the city's most elegant addresses. Its vast inner piazza serves as a vibrant social hub, making it as much a destination in itself as it is an exceptional hotel. Le restaurant où déjeuner : Trattoria del Ciumbia Nichée dans le quartier de Brera, cette table revisite avec finesse les grands classiques de la cuisine lombarde dans une atmosphère chaleureuse. Une halte idéale entre deux galeries ou musées. Where to lunch Nestled in the Brera district, this refined trattoria offers a contemporary take on Lombardy's great culinary classics in a warm, welcoming setting. A perfect stop between visits to galleries and museums. La librairie où flâner : Libreria Bocca Fondée en 1775, cette librairie historique de la Galleria Vittorio Emanuele II est un passage obligé pour les amateurs d'art, d'architecture et de photographie, entre beaux livres, catalogues d'exposition et éditions rares. Where to browse for books Founded in 1775, this historic bookshop in the Galleria Vittorio Emanuele II is a must-visit for art lovers, architecture, and photography. Its shelves are filled with beautiful coffee-table books, exhibition catalogues, and rare editions.

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M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

D’un mouvement à l’autre, une même ambition se dessine : remettre en question les conventions. From one movement to another, the same ambition emerges: to challenge convention.

combien la ville a fait de l’innovation une véritable

cento. Housed in the former Palazzo dell'Arenga-

high—reflect on memory, spirituality and the ruins

culture. Cette même énergie se retrouve dans

rio, it holds one of the finest collections of twen-

of history. They stand alongside immersive installa-

les galeries de Brera, les concept stores de Porta

tieth-century Italian art. Visitors follow a helical ramp

tions and site-specific commissions that invite visi-

Venezia, les ateliers de design d’Isola ou les cafés

that leads seamlessly from one artistic movement

tors to experience art rather than simply observe it.

qui participent à cette effervescence. À Milan,

to the next. Umberto Boccioni's dynamic forms

Here, art is not merely seen; it is inhabited and felt.

cette culture de l’expérimentation dépasse lar-

embody the Futurists' fascination with speed; Carlo

More than a showcase for contemporary art, Milan

gement les institutions artistiques : elle imprègne

Carrà captures the energy of the early avant-garde

remains a genuine laboratory of experimentation.

jusqu’à la manière de concevoir les objets, les

before turning towards Metaphysical painting;

espaces et l’art de vivre. L’exposition consacrée

Giorgio de Chirico populates his silent piazzas with

Where art meets design

à Francis Picabia n’apparaît alors plus comme un

an uncanny sense of melancholy. Further on, Lu-

It would be impossible to speak of Milan without

événement isolé, mais comme le prolongement

cio Fontana quite literally opens the picture plane

acknowledging the close relationship between

naturel d’une histoire qui, depuis plus d’un siècle,

with his celebrated Concetti Spaziali. By slashing

art, architecture and design. Housed in the Palazzo

célèbre celles et ceux qui inventent de nouvelles

the canvas, he sought not to destroy painting but

dell'Arte within Parco Sempione, Triennale Milano

façons de voir.

to propel it into a new dimension. From one mo-

embodies this unique history, where disciplines

vement to another, the same ambition emerges: to

converse well beyond the traditional boundaries of

Facing the Duomo, Palazzo Reale—once the seat

challenge convention and push the boundaries of

the museum. The great figures of Italian design are

of Milanese power and now dedicated to major

art. It is an ambition that remains one of the defi-

presented alongside architects, photographers and

international exhibitions—opens the journey with

ning threads of Milan's artistic history.

contemporary artists, reflecting the city's enduring

one of the season's highlights: Picabia: Open The

A laboratory for the present

spirit can be found throughout the galleries of Brera,

avant-garde, the French painter constantly defied

That creative energy continues to shape Milan's

the concept stores of Porta Venezia, the design

categorisation, moving from Cubism to Dada, abs-

contemporary art scene. At Fondazione Prada, the

studios of Isola and even the cafés that contribute

traction and back to figuration. His work evolved

vast cultural complex designed by Rem Koolhaas

to the city's creative atmosphere. In Milan, experi-

through successive ruptures, refusing allegiance

on the site of a former distillery, restored industrial

mentation extends far beyond cultural institutions: it

to any single style. For Francis Picabia, change be-

buildings coexist with boldly contemporary ar-

informs the way objects are conceived, spaces are

came a method. This spirit of freedom resonates

chitecture. The foundation presents international

designed and everyday life is imagined. Against this

particularly strongly in Milan, where experimenta-

exhibitions in which artistic disciplines engage in

backdrop, the exhibition devoted to Francis Picabia

tion has long established itself as a defining artistic

an open dialogue. True to Koolhaas's approach,

appears not as an isolated event but as the natural

language. Between the palace's galleries and the

the project does not erase the past but sets it in

continuation of a story that, for more than a century,

Gothic silhouette of the cathedral rising beyond its

productive tension with the present. Further north,

has celebrated those who constantly reinvent the

windows, heritage and modernity engage in a dia-

the monumental spaces of Pirelli HangarBicocca

way we see the world.

logue of remarkable naturalness.

provide artists with the scale required to realise works that few institutions could accommodate.

Picabia : Open The Gates of the Night.

The century of the avant-garde

Anselm Kiefer's The Seven Heavenly Palaces—se-

Jusqu’au 24 janvier 2027 au Palazzo Reale,

Just a short walk away lies the Museo del Nove-

ven concrete towers rising more than fifteen metres

Milan (Italie).

commitment to innovation as a way of life. The same

Gates of the Night. A leading figure of the European

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V&A East Museum

MASH MAGAZINE

CAP SUR L'EST LONDONIEN Le V&A East accompagne la transformation de Stratford en l'un des nouveaux pôles culturels de Londres. Au cœur de l'East Bank, cet ensemble réunit le V&A East Museum et le V&A East Storehouse, deux lieux qui proposent une nouvelle manière d'aborder les collections, dans un dialogue entre patrimoine, création contemporaine et vie urbaine. East London Bound. V&A East is helping transform Stratford into one of London’s most dynamic cultural districts. At the heart of East Bank, the new V&A East Museum and V&A East Storehouse offer fresh ways to engage with the collections, bringing together heritage, contemporary creativity and urban life.

L'AUTRE VISAGE DU V&A

L'EST SE RÉINVENTE

Le V&A East Museum prolonge

Avec l’East Bank, Londres réinvente

l’ambition du Victoria and Albert

le Queen Elizabeth Olympic Park.

Museum à travers une approche

Le V&A East y côtoie la BBC,

contemporaine et participative.

Sadler's Wells, l’UCL et le London

Design, mode, architecture,

College of Fashion, au sein d'un

photographie et cultures visuelles

écosystème dédié aux arts, à la

y explore les enjeux de notre temps.

création et à l'innovation.

The other side of the V&A.

East London reimagined.

V&A East Museum reimagines

East Bank is reshaping Queen

the Victoria and Albert Museum

Elizabeth Olympic Park into a major

through a contemporary lens.

creative hub. Alongside V&A East

Design, fashion, architecture and

are the BBC, Sadler’s Wells, UCL

visual culture explore the defining

and London College of Fashion,

issues of our time in an engaging,

creating a vibrant ecosystem for the

participatory setting.

arts, innovation and education.

L'ENVERS DU DÉCOR

AU-DELÀ DU MUSÉE

À deux pas, le V&A East Storehouse

Prolongez la visite en explorant

ouvre les réserves du V&A dans un

le quartier. Déjeunez chez HERA,

lieu spectaculaire. Le programme

flânez à Hackney Bridge avant de

Order an Object permet de réserver

passer la nuit à l'hôtel The Stratford.

une ou plusieurs œuvres afin de les

Entre architecture contemporaine

observer de près lors d'un rendez-

et belles adresses, l'Est londonien

vous privilégié.

dévoile une scène créative en

Behind the scenes. Just moments

pleine effervescence.

away, V&A East Storehouse opens

Beyond the museum. Explore

up the museum’s vast collections

the neighbourhood. Lunch at

in a striking new space. Its Order an

HERA, wander through Hackney

Object programme allows visitors to

Bridge, then spend the night at

book one or more works for a close-

The Stratford. East London blends

up viewing by appointment.

contemporary architecture with a vibrant creative scene.

Weston Collections Hall - V&A East Storehouse

SAVE THE DATE PARIS

06.10.26 > 31.01.27 Art moderne

01.07.26 > 10.01.27 Art ancien

MARY CASSATT. L’INDÉPENDANTE

ANIMALIA. BESTIAIRE DE LA COLLECTION AL THANI

FOIRES & SALONS

Musée d'Orsay

Hôtel de la Marine

Esplanade Valéry Giscard

2 place de la Concorde (VIII ) e

ASIA NOW – PARIS ASIAN ART FAIR

06.10.26 > 07.02.27 Art moderne

DANIEL DEZEUZE Musée d’Art Moderne de Paris

Monnaie de Paris

11 avenue du Président Wilson (XVI ) e

11 quai de Conti (VIe)

11.09.26 > 24.01.27 Art ancien

22.10.26 > 25.10.26

MODERNE ART FAIR

ÉTERNEL TINTORET

Place de la Concorde (VIIIe)

Musée Jacquemart-André 158 boulevard Haussmann (VIIIe)

23.10.26 > 25.10.26

ART BASEL PARIS Grand Palais 17 av. du Général Eisenhower (VIIIe)

23.10.26 > 25.10.26

AKAA - ART & DESIGN FAIR Carreau du Temple

15.09.26 > 24.01.27 Art moderne

EVA GONZALÈS. PARCOURS D’UNE ARTISTE LIBRE Petit Palais Avenue Winston Churchill (VIIIe)

4 rue Eugène Spuller (IIIe)

16.09.26 > 10.01.27 Art moderne

28.10.26 > 01.11.26

LE SALON D’AUTOMNE

ANDY WARHOL. LA LIGNE ET L’IMAGE

Place de la Concorde (VIII ) e

Musée du Luxembourg

12.11.26 > 15.11.26

19 rue Vaugirard (VI ) e

PARIS PHOTO Grand Palais

17 av. du Général Eisenhower (VIII ) e

24.02.27 > 27.02.27

ART CAPITAL Grand Palais

17 av. du Général Eisenhower (VIIIe)

18.03.27 > 21.03.27

DRAWING NOW PARIS Carreau du Temple 4 rue Eugène Spuller (IIIe)

01.04.27 > 04.04.27

ART PARIS Grand Palais

17 av. du Général Eisenhower (VIIIe)

01.04.27 > 04.04.27

URBAN ART FAIR Carreau du Temple

4 rue Eugène Spuller (IIIe)

07.04.27 > 12.04.27

SALON DU DESSIN Palais Brongniart Place de la Bourse (IIe)

EXPOSITIONS 19.06.26 > 04.01.27 Art contemporain

FLORIAN KREWER. WOVEN THIN Musée d’Art Moderne de Paris 11 avenue du Président Wilson (XVIe)

18.09.26 > 24.01.27 Art contemporain

KERRY JAMES MARSHALL. THE HISTORIES Musée d’Art Moderne de Paris 11 avenue du Président Wilson (XVIe)

23.09.26 > 17.01.27 Art moderne

CEZANNE ET NOUS Grand Palais 17 av. du Général Eisenhower (VIIIe)

24.09.26 > 31.01.27 Art moderne et contemporain

HISTOIRES DE PAYSAGES. DE MONET À HOCKNEY Musée Marmottan Monet 2 rue Louis Boilly (XVIe)

30.09.26 > 17.01.27 Art moderne

PENN & FASHION Maison Européenne de la Photographie 5/7 rue de Fourcy (IVe)

30.09.26 > 25.01.27 Art moderne

MONET. PEINDRE LE TEMPS Musée de l'Orangerie Place de la Concorde (VIIIe)

02.10.26 > 02.05.27 Art contemporain

RAFAEL PAVAROTTI. PHOTOGRAPHE

LOUISE BOURGEOIS. EXTRÊME TENSION BnF – Richelieu 5 rue Vivienne (IIe)

d'Estaing (VIIe)

21.07.26 > 04.01.27 Art contemporain

20.10.26 > 24.10.26

20.10.26 > 21.02.27 Art contemporain

KURT SCHWITTERS. LE CHAOS-MONDE 1918-1948

21.10.26 > 14.02.27 Art contemporain

SONIA GOMES. CŒUR SAUVAGE Palais de Tokyo

Musée Picasso

13 avenue du Président Wilson

5 rue de Thorigny (IIIe)

(XVIe)

07.10.26 > 18.01.27 Art moderne et contemporain

22.10.26 > 28.02.27 Art contemporain

REMEMBER ME

Bourse de Commerce Collection Pinault 2 rue de Viarmes (Ier)

07.10.26 > 25.01.27 Art ancien

ZURBARÁN. 1598-1664 Musée du Louvre Rue de Rivoli (Ier)

09.10.26 > 08.03.27 Art moderne

GUSTAVE FAYET, COLLECTIONNEUR-CRÉATEUR. ICÔNES DE L’ART MODERNE Fondation Louis Vuitton 8 avenue du Mahatma Gandhi (XVIe)

15.10.26 > 14.03.27 Art moderne

IBRAHIM MAHAMA. LE TEMPS DES RÉCOLTES

1 place du Trocadéro et du 11 novembre (XVIe)

ART GENÈVE SALON D’ART Genève

28.01.27 > 30.01.27

ART BASEL QATAR Doha

25.02.27 > 28.02.27

FRIEZE LOS ANGELES Los Angeles

03.03.27 > 07.03.27

ARCOMADRID Madrid

13.03.27 > 18.03.27 Maastricht

2 place du Palais-Royal (Ier)

25.03.27 > 27.03.27

ART BASEL HONG KONG

MONDE FOIRES & SALONS

Hong Kong

EXPOSITIONS 18.09.26 > 31.01.27 Art moderne

30.10.26 > 01.11.26

PICASSO – BACON. WHAT IT FEELS LIKE TO BE HUMAN

Turin

Albertina / Vienne

04.11.26 > 08.11.26

04.10.26 > 31.01.27 Art moderne

ARTISSIMA

SALON ART + DESIGN

ART COLOGNE

Cité de l’architecture et du patrimoine

28.01.27 > 31.01.27

TEFAF MAASTRICHT

Musée d'art et d'histoire du Judaïsme

FRANÇOIS MORELLET. TRAITS D’ESPRIT

Bruxelles

l'art contemporain

New York

16.10.26 > 03.01.27 Art contemporain

BRAFA ART FAIR

Fondation Cartier pour

GEORGES KARS. UN BOHÉMIEN À PARIS 71 rue du Temple (IIIe)

24.01.27 > 31.01.27

05.11.26 > 08.11.26 Cologne

12.11.26 > 16.11.26

ADAA FAIR New York

KRASNER AND POLLOCK. PAST CONTINUOUS The Met / New York

08.10.26 > 21.02.27 Art contemporain

LUCIANO FABRO. ABITARE LO SPAZIO, INHABITING SPACE Pirelli HangarBicocca / Milan

19.11.26 > 22.11.26

FRIEZE ABU DHABI Abu Dhabi

16.10.26 > 14.03.27 Art ancien et moderne

01.12.26 > 06.12.26

PORTRAITS! SURPRISING ENCOUNTERS FROM BOTTICELLI TO LEMPICKA

Miami

Gemäldegalerie / Berlin

12 rue Cortot (XVIIIe)

04.12.26 > 06.12.26

20.10.26 > 10.01.27 Art contemporain

20.10.26 > 24.01.27 Art moderne

Miami

16.10.26 > 14.02.27 Art moderne

LE CIRQUE. FABRIQUE DE L’ART MODERNE Musée de Montmartre

STAN DOUGLAS. PARALLAX Jeu de Paume Jardin des Tuileries, Place de la Concorde (VIIIe)

20.10.26 > 21.02.27 Art contemporain

JENNY HOLZER. J’AI VU Musée d'Orsay

Musée des Arts décoratifs

Esplanade Valéry Giscard

107-111 rue de Rivoli (Ier)

d'Estaing (VIIe)

DESIGN MIAMI

ART BASEL MIAMI BEACH

06.01.27 > 10.01.27

LA ART SHOW Los Angeles

20.01.27 > 24.01.27

LONDON ART FAIR Londres

THE FREUDIAN UNIVERSE OF DALÍ Museo Thyssen-Bornemisza / Madrid

25.10.26 > 27.02.27 Art moderne

BRANCUSI. THE ARTIST AND HIS STUDIO MoMA / New York

22.01.27 > 24.01.27

21.11.26 > 11.04.27 Art ancien

Singapour

National Gallery / London

ART SG

VAN EYCK. THE PORTRAITS

KERRY JAMES MARSHALL : THE HISTORIES Louise Bourgeois Altered states (États modifiés), 1992. Don de l’artiste en 1995. Collection Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris © The Easton Foundation / ADAGP, Paris, 2026. © Centre Pompidou, MNAMCCI/ Jean-Claude Planchet/Dist. GrandPalaisRmn

Florian Krewer, reviving the bear, 2022. Huile sur toile. © Florian Krewer, Paris Musées / Musée d' Art Moderne de Paris.

LOUISE BOURGEOIS. EXTRÊME TENSION

EVA GONZALÈS. PARCOURS D'UNE ARTISTE LIBRE

Eva Gonzalès, L’Alcôve, vers 1875-1878. Huile sur toile, 46,5 x 38,4 cm. Collection particulière.

FLORIAN KREWER : WOVEN THIN

Kerry James Marshall, Slow Dance, 1992–93 Technique mixte et acrylique sur toile libre avec œillets métalliques, 191,1 x 188,6 cm. © Kerry James Marshall © 2025 courtesy The David and Alfred Smart Museum of Art, The University of Chicago.

L’ASSOCIATION M a SH REMERCIE SES PARTENAIRES

@matignonsainthonore

www.matignonsainthonore.com

LU N D I 1 9 OCTOBRE 2 0 26 DE 17H À 21H

S’ inscrit dans le programme VIP d ’A R T B A S E L PA R I S

POUR LEUR PARTICIPATION À L’ÉDITION 2026

AVEC L’AIMABLE SOUTIEN DE LA MAISON RUINART

MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

UN QUARTIER RÉUNI SOUS LE SIGNE DE L’ART A NEIGHBOURHOOD UNITED UNDER THE SIGN OF ART

Au carrefour de l’histoire et de la création contemporaine, le quartier Matignon Saint-Honoré s’affirme comme un lieu incontournable de l’art parisien. At the crossroads of history and contemporary creation, the Matignon Saint-Honoré neighbourhood can well lay claim to being an essential address for Parisian art.

COPRÉSIDENTS

L’Association Matignon Saint-Honoré (MaSH)

The Association Matignon Saint-Honoré (MaSH) is

HÉLÈNE BAILLY MARCILHAC

regroupe 39 galeries d’art et de design situées

comprised of 39 art and design galleries located in

dans le quartier Matignon Saint-Honoré, repré-

the Matignon Saint-Honoré neighbourhood, repre-

sentant des artistes du xvi siècle à nos jours.

senting artists from the 16th century to the present

Sa vocation est de promouvoir l’actualité artis-

day. Its vocation is to promote current artistic de-

tique et de créer des événements. Ce quartier

velopments and create events. For many years, this

est, depuis longtemps, un épicentre de l’effer-

neighbourhood has been an epicentre of the cap-

vescence culturelle de la capitale, nourri par la

ital’s cultural effervescence, nourished by the prox-

proximité d’institutions emblématiques comme

imity of iconic institutions such as the Grand Palais

le Grand Palais et le Petit Palais, ainsi que par la

and the Petit Palais, and its closeness to prestigious

MARIA CIFUENTES

tenue de prestigieuses foires d’art. Fondée pour

art fairs. Founded to inform and provide support for

CHARLES GEOFFRION

informer et soutenir ses membres, l’Associa-

its members, the Matignon Saint-Honoré Associa-

CELIA GRAS

tion Matignon Saint-Honoré a pour objectif de

tion also intends to contribute towards the neigh-

CAMILLE LACAZE

contribuer au développement culturel du quar-

bourhood’s cultural development while ensuring

tier et d’offrir une visibilité accrue aux galeries

greater visibility for its member galleries. Convinced

adhérentes. Convaincue par la force du collectif,

about the power of collective action, the associa-

l’association aspire à créer une synergie vertueuse

tion aims to build virtuous synergy and a vibrant at-

PAULINE ROZEL

et une atmosphère vibrante, célébrant l’art et la

mosphere, celebrating art and creativity in all their

CYRIL SAYEGH

création sous toutes leurs formes afin de conso-

forms, to consolidate the position of Paris—and

lider la position de Paris – et plus particulièrement

more specifically, that of the Matignon Saint-Honoré

celle du quartier Matignon Saint-Honoré – comme

neighbourhood—as the European capital of art. To

capitale européenne de l’art. Pour marquer l’ou-

mark the opening of the Paris Art Week, MaSH is

verture de la Paris Art Week, MaSH organise un

organising an inaugural cocktail event on Monday,

cocktail événement inaugural le lundi 19 octobre

October 19th, 2026. On this occasion, all member

2026. À cette occasion, l’ensemble des galeries

galleries will propose a variety of events including

membres proposeront une variété d’événements,

opening nights, book signings, and performances.

ALEXIS LARTIGUE

CONSEIL NATHALIE BERGHEGE CLARA BONDIS

EMMANUELLE ORENGA MARION PETITDIDIER

incluant des vernissages, des signatures de livres et des performances.

Instagram @matignonsainthonore

RAPHAËL DURAZZO

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

L'Association Matignon Saint-Honoré regroupe 39 galeries d'art et de design. The Association Matignon Saint-Honoré is comprised of 39 art and design galleries.

MASH MAGAZINE

KLIN

DE SAINT-CYR

RAN AV. F

5 • PIERRE CORNETTE

(14 rue de Marignan)

RATTON-LADRIÈRE

29 • GALERIE

ARTCURIAL

LE MATIGNON

(32 avenue Marceau)

. AV

TH U

. G A BR IE L

BO UR G S AIN

OR RU

LIAIGRE

U F AU BO

25 • PERROTIN 30 • SKARSTEDT

PETIT PALAIS

AIN OR É

7 • DURAZZO

LIBRAIRIE LARDANCHET

13 • DE JONCKHEERE

CONTINUA

4 • GALLERIA

10 • OSCAR GRAF

T-H

LE BRISTOL

G S

SAHAG ARSLANIAN

15 • ALEXIS LARTIGUE

IÈV

17 • GALERIE LELONG 19 • MAYORAL

D RUE

TH PEN

DU BRONZE

35 • UNIVERS PEN

PALAIS DE L’ÉLYSÉE

24 • PERRIN

PHILLIPS

PLACE BEAUVAU

GALERIES

PARTENAIRES

23 • OPERA GALLERY

(8 rue d’Anjou)

LAFAYETTE’S

ANDRES THALMANN

33 • GALERIE

27 • GALERIE DE

LA PRÉSIDENCE

JOCELYN WOLFF

ÈVR

38 • GALERIE

THI

16 • GALERIE LAURENTIN

E E D

(68 boulevard Malsherbes)

3 • BRAME & LORENCEAU

8 • A & R FLEURY

ENRICO NAVARRA

E D

TAMÉNAGA

34 • TORNABUONI ART

GRAND PALAIS

VRE

28 • PRON 20 • MENNOUR 22 • GALERIE

HIÈ

32 • GALERIE

ENT

2 • HELENE BAILLY MARCILHAC 11 • MARIANE IBRAHIM

T-H

RUE

P DE

POLIGNAC

26 • DIANE DE

MARCILHAC

(rue de Téhéran)

17 • GALERIE LELONG

18 • GALERIE

37 • WHITE CUBE 6 • STÉPHANIE COUTAS

SOTHEBY’S

31 • STROUK GALLERY

U F

BARNES

CENTRE CULTUREL CANADIEN

E D

PUIFORCAT

CHRISTIE’S

14 • GALERIE JACQUES LACOSTE

AXA HÔTEL DE LA VAUPALIÈRE

9 • GAGOSIAN

1 • GALERIE ARY JAN

ARC DE TRIOMPHE

21 • MITTERRAND

36 • GALERIE FLORENCE DE VOLDÈRE

E RU

É BO

12 • GURR JOHNS

(54 rue de Monceau)

A M . V A

N O N TI G

PIASA

DU E

ESNI

ROM

E MI

D RUE L

ROO

SEVE

PIAGET

(16 place Vendôme)

PLACE VENDÔME

A S S O C I A T I O N M A T I G N O N S A I N T - H O N O R É

• A&R FLEURY

• GALLERIA CONTINUA

• ALEXIS LARTIGUE

• GURR JOHNS

• ALMINE RECH

• HELENE BAILLY MARCILHAC

• BRAME & LORENCEAU

• MARIANE IBRAHIM

• DE JONCKHEERE

• MAYORAL

• DURAZZO

• MENNOUR

• GAGOSIAN

• MITTERRAND

• GALERIE ANDRES THALMANN

• OPERA GALLERY

• GALERIE ARY JAN

• OSCAR GRAF

• GALERIE DE LA PRÉSIDENCE

• PERRIN

• GALERIE DIANE DE POLIGNAC

• PERROTIN

• GALERIE ENRICO NAVARRA

• PIERRE CORNETTE DE SAINT CYR

• GALERIE FLORENCE DE VOLDÈRE

• PRON

• GALERIE JACQUES LACOSTE

• SKARSTEDT

• GALERIE JOCELYN WOLFF

• STÉPHANIE COUTAS

• GALERIE LAURENTIN

• STROUK GALLERY

• GALERIE LELONG

• TORNABUONI ART

• GALERIE MARCILHAC

• UNIVERS DU BRONZE

• GALERIE RATTON-LADRIÈRE

• WHITE CUBE

PLAN À VENIR

• GALERIE TAMÉNAGA

Les galeries de l’Association Matignon Saint-Honoré tissent des liens entre l’art ancien et la création contemporaine, représentant une grande diversité d’artistes e du xvi siècle à nos jours.

MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

The Matignon Saint-Honoré Association galleries weave connections between ancient art and contemporary creation, showcasing a wide diversity of artists from the 16th century to the present day.

MARIANE IBRAHIM

AMOAKO BOAFO — GREEN BERET (2020) COURTESY OF MARIANE IBRAHIM

GALERIE JOCELYN WOLFF

MIRIAM CAHN — HEUTEGEFÜHL, 15.7.22 + 5.7.23 (2022-2023) OIL ON CANVAS | 265 × 200 CM | COURTESY OF THE ARTIST AND GALERIE JOCELYN WOLFF, PARIS

GALERIE ANDRES THALMANN

IAN DAVENPORT — UPWARDS (2025) ACRYLIC ON ALUMINIUM MOUNTED ONTO ALUMINIUM PANEL 60 × 50 CM | © IAN DAVENPORT STUDIO

SKARSTEDT

ALBERTO GIACOMETTI — NU DANS L'ATELIER (ANNETTE) (1954) OIL ON CANVAS | 100 × 80,5 CM © SUCCESSION ALBERTO GIACOMETTI / ADAGP, PARIS 2026 COURTESY SKARSTEDT, NEW YORK

GALERIE TAMÉNAGA

KYOSUKE TCHINAI — IROHA 116 × 178 CM © GALERIE TAMÉNAGA

A&R FLEURY

ALICIA PENALBA — PRIS DANS LE MUR (1962) BRONZE SCULPTURE | 43 × 26 × 19 CM SIGNED AND NUMBERED ‘APENALBA 6/6’ FOUNDRY STAMP ‘SUSSE FONDEUR PARIS’, 1964

STÉPHANIE COUTAS ‘LE TOURBILLON’ TRIPTYCH | RAFFIA, EMBROIDERY, MARBLE MOSAIC & CARVED STONE 315 × 165 CM | © INU STUDIO

GALERIE FLORENCE DE VOLDÈRE

ABEL GRIMMER — L’HIVER, LE MOIS DE JANVIER OIL ON PANEL | Ø 25 CM

GALERIE RATTON-LADRIÈRE HEAD OF AN ANGEL OR SAINT (SECOND HALF OF THE 13TH CENTURY) LIMESTONE | REIMS CATHEDRAL – NORTH PORTAL 12 × 11,2 × 6,9 CM

MITTERRAND

TOM WESSELMANN — STUDY FOR "BEDROOM PAINTING NO. 11" (1968) OIL ON CANVAS | 14,5 × 19 CM | SIGNED AND DATED ‘68’ ON THE UPPER EDGE SIGNED, TITLED, INSCRIBED AND DATED 1968 ON THE STRETCHER © GRÉGORY COPITET / 2026 THE ESTATE OF TOM WESSELMANN / ADAGP, PARIS 2026

WHITE CUBE

ALEXIS LARTIGUE

JEAN DEGOTTEX — MEDIA (VII) (1973) ACRYLIC AND INDIAN INK ON CARD, LAID DOWN ON CANVAS AND MOUNTED ON PANEL | 100 × 75 CM SIGNED, DATED AND TITLED VERSO © ERIK LASALLE | COURTESY OF THE GALLERY ALEXIS LARTIGUE

GURR JOHNS

MARC CHAGALL — RÉSISTANCE (C. 1937-48) OIL ON CANVAS

OPERA GALLERY

KEITH HARING — TV DOG (1982) SUMI INK ON PAPER | 58,4 × 73, 3 CM

DURAZZO

PEGEEN — INTERIOR (1952) GOUACHE ON PAPER | 46 X 59 CM | © DURAZZO

GALERIE LELONG

ARLENE SHECHET — THE HILLS ARE ALIVE (2024) GLAZED CERAMIC, PAINTED AND DYED HARDWOOD AND STEEL 106,7 × 94 × 66 CM | © ARLENE SHECHET, COURTESY GALERIE LELONG

GALERIE ENRICO NAVARRA

JIAHAO PENG — KUMQUAT ELECTRON CLOUD (2026) 46 × 81 × 94 CM | © JIAHAO PENG

HELENE BAILLY MARCILHAC

FRANCIS PICABIA — LE PÊCHEUR (C. 1941-42) OIL ON CARDBOARD | 105.5 × 76 CM | SIGNED LOWER LEFT: FRANCIS PICABIA © CÉCIL MATHIEU / GRAPHIC DESIGN: MARION NGUYEN

UNIVERS DU BRONZE

HUBERT LE GALL — AURORE (2026) ANTELOPE FAMILY – CABINET TWO-TONE PATINATED BRONZE IN SHADES OF BROWN 147 × 89 × 55 CM | ORIGINAL ARTIST’S EDITION THIS EXAMPLE NUMBERED ‘1/8’ © HUBERT LE GALL

PERROTIN

ANNA-EVA BERGMAN — N°6-1966 (1966) VINYLIC PAINT AND METAL SHEET ON CANVAS | 60 × 73 CM © TANGUY BEURDELEY / ADAGP, PARIS, 2026 COURTESY OF THE HARTUNG-BERGMAN FOUNDATION & PERROTIN

PERRIN JUSEPE DE RIBERA (1588-1656), LE PROPHÈTE | LARGE TRIPARTITE VASE, ROMAN, JULIO-CLAUDIAN PERIOD, 1ST CENTURY AD, MARBLE | PAIR OF LIDDED VASES, ITALY, 19TH CENTURY, PORPHYRY | PORTRAIT OF EMPEROR COMMODUS, ROMAN, LATE 2ND CENTURY AD, WHITE MARBLE | ITALIAN CONSOLE, 18TH CENTURY. BUST OF DIONYSUS, AFTER THE ANTIQUE, C. 1900, PATINATED BRONZE

GALERIE JACQUES LACOSTE VIEW OF GALERIE JACQUES LACOSTE, AVENUE MATIGNON COURTESY GALERIE JACQUES LACOSTE © ADRIEN DIRAND

MAYORAL

PABLO PICASSO — GRAND VASE AUX FEMMES NUES (1950) PAINTED EARTHENWARE VASE | 67 × 38 × 38 CM STAMPED MADOURA PLEIN FEU, EMPREINTE ORIGINALE DE PICASSO AND NUMBERED 20 (INSIDE THE VASE) | NUMBER 20 OF AN EDITION OF 25 © SUCCESSION PICASSO 2026

PRON

OSVALDO BORSANI — TABLE (1941) WOOD, LEATHER, GLASS, CRYSTAL & LACQUERED METAL | 80 × 285 × 162 CM PRODUCTION ABV ARREDAMENTI BORSANI VAREDO, ITALY COURTESY PRON © GREGORY COPITET

STROUK GALLERY

ROBERT COMBAS — LA REINE D'EXTRÊME ORIENT (1985) ACRYLIC ON CANVAS | 218 × 160 CM

GALERIE DE LA PRÉSIDENCE

JEAN DUBUFFET — PAYSAGE AVEC 3 PERSONNAGES (1980) INK AND COLLAGE ON PAPER | 35 × 25,5 CM | © PRESIDENCE.FR

PIERRE CORNETTE DE SAINT CYR

ROBERT RAUSCHENBERG - COLORADO (1989) ACRYLIC AND ENAMEL PAINT ON ENAMELLED SHEET ALUMINIUM 122 × 122 X 4 CM | FRAME: 123.8 X 123.8 X 4 CM SIGNED AND DATED 'RAUSCHENBERG '89' LOWER CENTRE INSCRIBED '89.74' ON THE REVERSE

GALERIE LAURENTIN

JEAN DEWASNE — LE CIRQUE QUELQUECHOSE (1972) LACQUER ON PANEL | 97 × 130 CM | SIGNED AND TITLED VERSO

ALMINE RECH

TOM WESSELMANN — MONICA SITTING, ROBE HALF OFF (GRAY) (1986/89) ENAMEL ON CUT-OUT STEEL | 99,1 × 58, 4 CM © 2026 THE ESTATE OF TOM WESSELMANN / ARTISTS RIGHTS SOCIETY (ARS), NEW YORK COURTESY OF THE ESTATE OF TOM WESSELMANN AND ALMINE RECH © NICOLAS BRASSEUR

OSCAR GRAF

JOSEF MARIA OLBRICH — JEWELRY BOX (1901)

GALERIE MARCILHAC DESK AND STOOL BY PIERRE CHAREAU | FLOOR LAMP BY JEAN ROYÈRE CABINET BY JEAN-MICHEL FRANK | VASES BY JEAN DUNAND CONSTELLATION OF MIRRORS BY LINE VAUTRIN GALERIE MARCILHAC, PARIS © EDOUARD AUFFRAY

GALERIE ARY JAN

AUGUSTE RENOIR — LAVEUSES ET PAYSAGE OIL ON CANVAS | ‘RENOIR’ STUDIO STAMP LOWER RIGHT DIMENSIONS: 30 × 35 CM; FRAMED: 58 × 62 CM

DE JONCKHEERE ATTRIBUTED TO THE MASTER OF THE ANTWERP ADORATION ACTIVE IN ANTWERP IN THE EARLY 16TH CENTURY

BRAME & LORENCEAU

JORGE CAMACHO — MYSTERIOUS PERSONNAGE (1957) OIL ON CANVAS | 157 × 104 CM SIGNED AND DATED LOWER RIGHT ‘CAMACHO 57’

TORNABUONI ART

ARNOLDO POMODORO — TAVOLA DEI SEGNI IV (1964) BRONZE | 65 X 118 CM | COURTESY OF TORNABUONI ART

GALLERIA CONTINUA

JULIO LE PARC — CONTINUEL MOBILE RECTANGLE INOX (1964) STAINLESS STEEL, NYLON, WOOD, METAL | 125 × 100 × 150 CM COURTESY THE ARTIST & GALLERIA CONTINUA © DUCCIO BENVENUTI / ART STORE

GALERIE DIANE DE POLIGNAC

GÉRARD SCHNEIDER — OPUS 494 (1952) OIL ON CANVAS | 72,5 × 92 CM | TITLED "494" ON THE BACK OF THE CANVAS © GALERIE DIANE DE POLIGNAC

MENNOUR

JUDIT REIGL — ÉCRITURE EN MASSE (1960-1964) OIL ON CANVAS | 205 × 230 CM © JUDIT REIGL, ADAGP, PARIS, 2026 COURTESY FONDS DE DOTATION JUDIT REIGL AND MENNOUR, PARIS

GAGOSIAN

JENNIFER GUIDI — FALLING VEIL, SEA OF LIGHT (2026) OIL & SAND ON LINEN | 76,2 × 53,3 CM © BRICA WILCOX / COURTESY THE ARTIST AND GAGOSIAN

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

Cet automne, les galeries de l’association déploient une programmation plurielle, de Lee Krasner à Magnus Plessen, en passant par Jean Dubuffet et Arnaldo Pomodoro. This autumn, the association’s galleries present a wide-ranging programme,from Lee Krasner to Magnus Plessen, via Jean Dubuffet and Arnaldo Pomodoro.

MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

MASH MAGAZINE

A&R FLEURY ART MODERNE & CONTEMPORAIN

Depuis près de dix ans, la galerie A&R Fleury fait vivre l’œuvre d’Alicia Penalba, figure majeure de la sculpture abstraite d’après-guerre. For close to ten years, the A&R Fleury gallery has been showcasing the work of Alicia Penalba, a leading figure in postwar abstract sculpture.

Born in Argentina, Alicia Penalba (1913–1982) grew up amidst the vast landscapes of Patagonia. This environment left a lasting imprint on her work, which evokes organic growth, fossils, erosion and forms shaped by wind and time rather than by the human hand. In 1948, she settled in Paris, at the heart of the post-war avant-garde. After a brief period in Ossip Zadkine's studio, she made the radical decision to destroy her early works and start again from scratch. Inspired by the great masters of modern art, she

EN 1951, ALICIA PENALBA RÉALISE SA PREMIÈRE SCULPTURE NON FIGURATIVE. IN 1951, ALICIA PENALBA CREATED HER FIRST NON-FIGURATIVE SCULPTURE.

abandoned figuration for good and, in 1951, created her first non-figurative sculpture, Été. Her work subsequently developed a highly distinctive visual language. Initially solid and totemic, her bronzes gradually opened up to allow light to penetrate their structure. Matter appears to breathe; Née en Argentine, Alicia Penalba

alors un vocabulaire très personnel.

mass becomes rhythm, density gives

(1913-1982) grandit au cœur des

D'abord massifs et totémiques,

way to movement, culminating in

vastes paysages de Patagonie.

ses bronzes s'ouvrent peu à peu

the celebrated Ailées series.

Cet environnement laisse une

pour laisser pénétrer la lumière.

Winner of the São Paulo Biennial

empreinte durable sur son œuvre,

La matière semble alors respirer ;

Prize in 1961, and exhibited from

qui évoque la croissance organique,

la masse devient rythme, la densité

the 1950s at UNESCO and later the

les fossiles, l'érosion et les formes

se transforme en mouvement jusqu'à

Guggenheim Museum in New York,

façonnées par le vent et le temps

donner naissance à la série des Ailées.

Alicia Penalba's work also entered the

plutôt que par la main de l'Homme.

Lauréate de la Biennale de São Paulo

collections of the Centre Pompidou,

En 1948, elle s'installe à Paris, au cœur

en 1961, exposée dès les années 1950

MALBA and the Hakone Museum.

de l'avant-garde d'après-guerre.

à l'UNESCO puis au Guggenheim

Today, the longstanding partnership

Après un bref passage dans l'atelier

de New York, Alicia Penalba intègre

between A&R Fleury Gallery and the

d'Ossip Zadkine, elle prend une

également les collections du Centre

Alicia Penalba Estate continues to

décision radicale : détruire ses

Pompidou, du MALBA ou encore

generate exhibitions, publications

premières œuvres pour repartir

du Hakone Museum. Le partenariat

and curatorial projects that extend

de zéro. Au contact des grands

privilégié entre la galerie A&R Fleury et

the legacy of her work.

maîtres modernes, elle abandonne

sa succession donne lieu aujourd'hui

définitivement la figuration et réalise,

à des expositions, publications et

en 1951, sa première sculpture non

projets curatoriaux qui prolongent le

figurative, Été. Son œuvre développe

rayonnement de son œuvre.

1. Vue d’exposition « Alicia Penalba.

Formes volantes », avril-juin 2026. © Galerie A&R Fleury et Allison Borgo Exhibition view 'Alicia Penalba. Formes volantes', April–June 2026.

2. Vue d’exposition « Alicia Penalba. Le langage des formes », septembreoctobre 2021. © Galerie A&R Fleury Exhibition view 'Alicia Penalba. Le langage des formes', September– October 2021.

3. Alicia Penalba dans son atelier.

36, avenue Matignon, 8e arr. galeriefleury.com

Alicia Penalba in her workshop.

MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

ALEXIS LARTIGUE ART D'APRÈS-GUERRE

Avec Anti-Chroma, la galerie Alexis Lartigue réunit les grands noms de l'art d'après-guerre pour explorer la force expressive du noir et du blanc. With Anti-Chroma, Alexis Lartigue Gallery brings together leading figures of post-war art to explore the expressive power of black and white.

du XXe siècle jusqu’à nos jours, où

This exhibition brings together

le noir et le blanc deviennent un

major works from the various artistic

territoire d’expérimentation plastique

movements of the twentieth century

et gestuelle. Chez Simon Hantaï, les

to the present day, in which black and

pliages fragmentent la surface et

white become a territory of formal

créent une respiration lumineuse où le

and gestural experimentation. In the

vide acquiert une importance égale à

work of Simon Hantaï, folds fragment

celle de la matière peinte. Les œuvres

the surface and create a luminous

de Hans Hartung traduisent une

breathing space where emptiness

énergie fulgurante, faite de tensions

acquires an importance equal to that

graphiques et de gestes incisifs qui

of painted matter. The works of Hans

traversent l’espace avec une intensité

Hartung convey a striking energy,

presque calligraphique.

composed of graphic tensions and

Dans les travaux de Jean Degottex et

incisive gestures that traverse space

de Gérard Schneider, le noir devient

with an almost calligraphic intensity.

une écriture libre, spontanée et

In the works of Jean Degottex and

intérieure. Les formes semblent naître

Gérard Schneider, black becomes

d’un mouvement immédiat, oscillant

a free, spontaneous, and deeply

entre maîtrise et abandon, silence et

personal form of writing. The forms

vibration. La peinture se transforme

appear to emerge from an immediate

ainsi en une expérience physique et

movement, oscillating between control

méditative où chaque trace conserve

and surrender, silence and vibration.

la mémoire du geste qui l’a produite.

Painting is thus transformed into a

Entre abstraction et figuration, retenue

physical and meditative experience in

et spontanéité, les œuvres présentées

which each mark preserves the memory

explorent une même quête de

of the gesture that produced it.

l’essentiel. Loin d’être une absence

Between abstraction and figuration,

de couleur, le noir et le blanc révèlent

restraint and spontaneity, the works

une intensité singulière, où lumière,

presented explore a shared quest for

1. Robert Longo, Study for F-14, 2013. Encre et fusain sur vélin original encadré, signé et daté avec les initiales de l’artiste « RL 2011 » en bas à droite, titré Study for F-14 en bas à gauche, 55,5 × 37,5 cm. © Erik Lasalle - Courtesy of the gallery Alexis Lartigue.

Le noir et le blanc incarnent le

matière et profondeur composent une

the essential. Far from representing

dialogue incessant entre l’ombre et la

vision universelle du regard moderne.

an absence of colour, black and white

Ink and charcoal on original wove paper, framed, signed and dated with the artist’s initials 'RL 2011' lower right, titled 'Study for F-14' lower left.

lumière, la présence et l’effacement,

reveal a singular intensity, where light,

la forme et le vide. Réduite à cette

Black and white embody the perpetual

materiality, and depth come together to

dualité essentielle, l’image se

dialogue between shadow and light,

create a universal vision of the modern

dépouille de l’artifice chromatique

presence and disappearance, form

gaze.

pour révéler une tension plus

and emptiness. Reduced to this

profonde. Le contraste devient alors

essential duality, the image sheds the

langage, matière et rythme, laissant

artifice of colour to reveal a deeper

la créativité s’exprimer pleinement

tension. Contrast thus becomes

à travers le geste de l’artiste.

language, substance, and rhythm,

Cette exposition réunit des œuvres

allowing creativity to express itself fully

majeures des différents mouvements

through the artist’s gesture.

32, avenue Matignon, 8e arr. alexislartigue.com

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MASH MAGAZINE

2. 2. Simon Hantaï, Tabula, 1975. Acrylique sur toile, monogrammée et datée en bas à droite, 117,5 × 116,5 cm. © Erik Lasalle - Courtesy of the gallery Alexis Lartigue. Acrylic on canvas, monogrammed and dated lower right.

3. Bernar Venet, Effondrement

ligne indeterminée, 2013. Crayon gras, pastel et collage sur papier, signé, titré et daté, 50 × 65 cm. © Erik Lasalle - Courtesy of the gallery Alexis Lartigue. Grease pencil, pastel and collage on paper, signed, titled and dated.

LE CONTRASTE DEVIENT LANGAGE, MATIÈRE ET RYTHME, LAISSANT LA CRÉATIVITÉ S'EXPRIMER PLEINEMENT À TRAVERS LE GESTE DE L'ARTISTE. CONTRAST BECOMES LANGUAGE, SUBSTANCE, AND RHYTHM, ALLOWING CREATIVITY TO EXPRESS ITSELF FULLY THROUGH THE ARTIST’S GESTURE.

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ALMINE RECH ART CONTEMPORAIN

Entre textile, papier et fibres végétales, Joël Andrianomearisoa donne forme aux émotions à travers des œuvres d’une grande intensité. Working across textiles, paper and plant fibres, Joël Andrianomearisoa gives form to emotion through works of remarkable intensity.

La matière occupe une place centrale

Material lies at the heart of Joël

dans le travail de Joël Andrianomearisoa.

Andrianomearisoa’s practice.

Sous la main de l’artiste malgache, le

In the hands of the Malagasy artist,

textile, le papier, le métal ou les fibres

textiles, paper, metal and plant fibres

végétales contribuent à créer des

become the building blocks of works

œuvres mêlant sculpture, artisanat

that bring together sculpture, craft

et écriture. Formé à l’architecture et

and writing. Trained as an architect

représenté par la galerie Almine Rech,

and represented by Almine Rech,

il développe depuis plus de vingt ans

he has spent more than two decades

un registre personnel dans lequel les

developing a distinctive visual

matériaux, les mots et les gestes sont au

language in which materials, words

cœur d’un langage plastique singulier.

and gestures play an essential role.

Une recherche que l’on retrouve

This approach is evident in Things

notamment dans Things and Something

and Something to Remember Before

to Remember Before Daylight et

Daylight and Les Herbes folles du

Les Herbes folles du vieux logis, deux

vieux logis, two recent bodies of

ensembles récents dans lesquels la

work in which materiality takes centre

matière occupe une place centrale.

stage. Drawing on both his Malagasy

À la croisée de ses racines malgaches

roots and the places he has travelled

et des territoires qu’il traverse, son

through, his practice ranges from

œuvre se déploie entre installations

monumental installations to more

monumentales et créations plus

intimate works, each serving as a

intimistes, qui s’imposent comme

vehicle for exploring emotion.

le support d’une réflexion sur les

In 2026, Andrianomearisoa reaches

émotions. L’année 2026 marque une

a significant milestone as one of the

étape importante de son parcours,

four finalists for the 26th Prix Marcel

puisque Joël Andrianomearisoa figure

Duchamp, awarded annually in

parmi les quatre finalistes de la 26e

recognition of a major contribution

édition du Prix Marcel Duchamp, qui

to the French contemporary art

distingue chaque année une démarche

scene. The shortlisted artists’ works

majeure de la scène artistique française.

will be exhibited at the Musée d’Art

Les œuvres des quatre artistes

Moderne de Paris this autumn before

sélectionnés seront réunies au Musée

the winner is announced. He will also

d’Art moderne de Paris à l’automne,

take part in the 18th Lyon Biennale,

avant la désignation du lauréat.

presenting a monumental installation

Il participera également à la 18e Biennale

at Les Grandes Locos, the Biennale’s

de Lyon, où il présentera une installation

main venue. Together, these major

monumentale aux Grandes Locos,

presentations underline his growing

principal site d’exposition de la Biennale.

international stature.

Une double actualité qui confirme la place grandissante de son œuvre sur la scène internationale.

1. Joël Andrianomearisoa, Things and

Something to Remember Before Daylight, 2024. Textile, 260 × 185 cm. Almine Rech Paris, Turenne, 2024. Courtesy of the artist and Almine Rech. © Nicolas Brasseur

2. Joël Andrianomearisoa, Les Herbes folles du

vieux logis, 2020 - 2025. Textile, techniques mixtes, 600 × 355 cm. Collection privée. Courtesy of the artist and Almine Rech. © Nicolas Brasseur Textile, mixed media, 236 × 140 in.

Textile, 102 1/2 × 71 in (each).

64, rue de Turenne, 3e arr. www.alminerech.com

3. Portrait de Joël Andrianomearisoa © Studio Joël Andrianomearisoa

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BRAME & LORENCEAU ŒUVRES SUR PAPIER & SCULPTURE DES XIXE ET XXE SIÈCLES

Dans le cadre de l’exposition Esprits Cubains, la Galerie Brame & Lorenceau réunit des œuvres de Jorge Camacho, d'Augustin Cárdenas et de Wilfredo Lam. As part of the exhibition Esprits Cubains, Galerie Brame & Lorenceau brings together works by Jorge Camacho, Agustín Cárdenas and Wifredo Lam.

Ces trois artistes d’origine cubaine ont

Leurs productions sont mues par

se rencontrent dans des figures

emprunté chacun une voie singulière,

un héritage culturel propre : chez

hybrides. Présentée jusqu’au

tout en participant aux grands

Camacho, les références à l'art

19 novembre, Esprits Cubains propose

bouleversements artistiques du

précolombien se mêlent aux formes

un parcours couvrant différentes

XXe siècle. Leurs parcours ont en

géométriques et à l’écriture de

périodes et techniques de production,

commun leur installation à Paris, où

signes. Les sculptures de Cárdenas

telles trois toiles de Camacho issues

ils se lieront avec André Breton et les

transforment le bois, le marbre ou le

des années cubaines de l’artiste

artistes du mouvement surréaliste.

bronze en formes abstraites aux lignes

ou des sculptures de Cárdenas qui

Les peintures, dessins et sculptures

organiques et sensuelles. L’œuvre

traduisent la vision organique de

exposés offrent un regard croisé

de Lam développe un langage où

l’artiste et alternent souplesse et

sur leurs trajectoires respectives.

traditions afro-cubaines et art africain

tension à travers différents matériaux

(marbre, bronze, bois brulé). Seront aussi exposées trois œuvres de Lam de la période parisienne de l’entredeux-guerres. L'exposition offre l’occasion d’un dialogue entre trois expressions artistiques majeures, mues par des héritages culturels multiples. These three Cuban-born artists each followed a distinctive path while

Cubains spans different periods

contributing to the major artistic

and techniques. Highlights include

upheavals of the 20 century.

three paintings by Camacho from his

Their journeys share a common

Cuban years, as well as sculptures by

thread: all three settled in Paris,

Cárdenas that embody his organic

where they forged ties with André

vision, alternating between suppleness

Breton and the artists of the Surrealist

and tension through materials such as

movement. The paintings, drawings

marble, bronze and burnt wood.

and sculptures on display offer

Also on display are three works by Lam

intersecting perspectives on their

from his interwar Paris period.

respective careers. Each artist’s work is

The exhibition creates a dialogue

shaped by a distinct cultural heritage.

between three major artistic practices,

In Camacho’s work, references to

each shaped by multiple cultural

pre-Columbian art mingle with

legacies.

geometric forms and a language of signs. Cárdenas transforms wood, marble and bronze into abstract 1. Jorge Camacho,

Figuras en la noche, 1957. Huile sur toile, 147 × 132 cm. Signé et daté en bas au centre gauche. Oil on canvas. Signed and dated lower left of center.

2. Augustin Cárdenas,

3. Wifredo Lam, Fantaisie, 1938.

La dimension après le mètre, 1955. Sculpture en bois brulé, H: 100 cm. Signé et daté.

Fusain, pastel et gouache sur papier, 95 × 64 cm. Signé et daté en bas à droite.

Burnt wood sculpture. Signed and dated.

Charcoal, pastel, and gouache on paper. Signed and dated lower right.

forms with organic, sensual lines. Lam, meanwhile, develops a visual language in which Afro-Cuban traditions and African art converge in hybrid figures. Running until 19 November, Esprits

68, boulevard Malesherbes, 8e arr. www.bramelorenceau.com

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DE JONCKHEERE PEINTURE FLAMANDE DES XVIE ET XVIIE SIÈCLES

La galerie De Jonckheere célèbre son retour à Paris avec une exposition inaugurale consacrée aux maîtres flamands. De Jonckheere marks its return to Paris with an inaugural exhibition dedicated to the great masters of Flemish painting. Fondée à Bruxelles en 1976, la

de l'observation, ces artistes donnent

Founded in Brussels in 1976,

with remarkable precision. Landscapes,

galerie De Jonckheere est l'une des

à voir un monde où l'humain, la nature

De Jonckheere is one of the world's

genre scenes, still lifes and portraits

références internationales dans le

et le sacré s'entremêlent avec une

leading specialists of 16th and 17th-

reveal inexhaustible richness, where

domaine de la peinture flamande des

précision remarquable. Les paysages,

century Flemish painting. This autumn,

every pictorial detail invites closer

XVIe au XVIIe siècles. Cet automne, elle

scènes de genre, natures mortes et

the gallery returns to Paris, taking up

contemplation. At a time when our

fait son retour à Paris en investissant

portraits dévoilent une richesse infinie,

residence in the former salons of the

attention is constantly drawn to an

les anciens salons de la maison

où le moindre élément pictural devient

Loris Azzaro fashion house at 65 rue

endless flow of images, everything here

de couture Loris Azzaro, au 65 rue

matière à contemplation. À l'heure

du Faubourg Saint-Honoré. The new

encourages us to slow down. The eye

du Faubourg Saint-Honoré. Cette

où notre attention est sans cesse

space marks an important milestone

lingers, discovering one detail after

nouvelle adresse marque également

sollicitée par le flot des images, tout

in the gallery’s history as it prepares

another, until it becomes clear that a

une étape importante dans l’histoire de

ici invite à ralentir. Le regard s’attarde,

to celebrate its half-century with the

painting never reveals itself fully at first

la galerie, qui célébrera prochainement

se laisse surprendre, détail après

publication of a book retracing fifty

glance. It is in this meticulous attention

son demi-siècle d’existence par la

détail, jusqu’à découvrir qu’un tableau

years of discoveries and research

to detail that the eloquence and artistic

publication d’un ouvrage retraçant

ne livre jamais tout au premier coup

devoted to Flemish painting. Painting

genius of the Flemish masters find

cinquante ans de découvertes et de

d'œil. C'est dans cette minutie que

the World, the inaugural exhibition

expression. Long before the invention

recherches consacrées à la peinture

s’expriment toute l'éloquence et le

brings together an exceptional selection

of photography, they had already made

flamande. Pour son exposition

génie des maîtres flamands. Bien avant

of works by the masters of the Southern

painting an inexhaustible source of

inaugurale, Peindre le monde, elle

la photographie, ils avaient déjà fait

Netherlands. Through their extraordinary

knowledge, wonder and imagination.

réunira une vaste sélection d'œuvres

de la peinture une source inépuisable

powers of observation, these artists

réalisées par les maîtres des Pays-Bas

de connaissance, d'émerveillement et

depict a world in which humanity, nature

méridionaux. À travers leur sens aigu

d'imagination.

and the sacred are woven together

LE REGARD SE LAISSE SURPRENDRE, DÉTAIL APRÈS DÉTAIL. THE EYE DISCOVERS ONE DETAIL AFTER ANOTHER.

1. Pieter Brueghel Le Jeune (Bruxelles 1564 - Anvers 1638),

La Résurrection du Christ, vers 1600. Panneau, 47,2 × 34,3 cm. Signé BRVEGHEL en bas à gauche. Panel. Signed BRVEGHEL lower left.

2. Denijs Van Alsloot (Malines circa 1568 – Brussels 1625/26),

Paysage boisé s’ouvrant sur une chaîne de montagnes, circa 1609-1610. Toile, 117 × 173 cm. Canvas.

65, rue du Faubourg Saint-Honoré, 8e arr. dejonckheere-gallery.com

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DURAZZO ART D’AVANT-GARDE

Cet automne, DURAZZO rend hommage à Pegeen, une artiste qui a su faire entendre une voix singulière dans l'art du XXe siècle. This autumn, DURAZZO pays tribute to Pegeen, an artist whose distinctive voice earned her a unique place in twentieth-century art.

Si son patronyme évoque celui de l’une

et de paysages oniriques. À travers

sobrement intitulée Pegeen, affirme

The daughter of patron Peggy

des plus grandes collectionneuses

ses compositions vives empreintes

la volonté de replacer l'artiste au

Guggenheim and writer Laurence Vail,

d’art moderne, c'est son talent de

de symboles, l’artiste explore les

premier plan, au-delà du nom auquel

she forged an artistic identity entirely

peintre que Raphaël Durazzo choisit

frontières entre réalité, mémoire et

elle demeure souvent associée.

her own, far removed from the shadow

de mettre en lumière. Née en Suisse

émotion, donnant naissance à un

Une belle manière de redécouvrir

of her celebrated family.

en 1925, Pegeen grandit entre le Vieux

univers sensible et personnel. Exposée

une figure injustement oubliée dont

Her paintings combine naïve figuration

Continent et le Nouveau Monde

de son vivant en Europe comme aux

l'œuvre mérite d’être regardée pour

with a poetic imagination populated by

dans le sillage des grandes figures du

États-Unis, Pegeen voit pourtant sa

elle-même.

stylised figures, animals and dreamlike

surréalisme et des avant-gardes.

carrière interrompue par sa disparition

If her surname immediately recalls one

landscapes. Through vibrant, symbol-

Fille de la mécène Peggy Guggenheim

prématurée en 1967. Aujourd’hui

of the greatest collectors of modern art,

laden compositions, she explores the

et de l’écrivain Laurence Vail, elle se

conservées dans d'importantes

it is her talent as a painter that Raphaël

boundaries between reality, memory

forge très tôt une identité artistique qui

collections internationales, notamment

Durazzo chooses to bring into the

and emotion, creating a deeply personal

lui est propre, loin de son illustre famille.

à la Peggy Guggenheim Collection,

spotlight. Born in Switzerland in 1925,

and sensitive visual world.

Elle développe un langage pictural

ses peintures occupent une place à

Pegeen grew up between the Old

Although she exhibited throughout

distinctif où la figuration naïve se

part dans l'histoire de l'art moderne.

World and the New, surrounded by the

Europe and the United States during

mêle à un imaginaire poétique peuplé

Présentée chez DURAZZO jusqu'à la fin

leading figures of Surrealism and the

her lifetime, Pegeen's career was cut

de personnages stylisés, d'animaux

de l'année, l’exposition monographique,

twentieth-century avant-garde.

short by her premature death in 1967. Today, her paintings are held in major

international collections, including the Peggy Guggenheim Collection, and have secured a distinctive place in the history of modern art. On view at DURAZZO through the end of the year, the monographic exhibition, simply entitled Pegeen, places the artist firmly centre stage, beyond the famous name with which she is so often associated. A welcome opportunity to rediscover an unjustly overlooked figure whose work deserves to be appreciated on its own merits. 1. Pegeen, The Painter

and His Model, 1949. Crayon de couleur et pastel sur papier. © DURAZZO Coloured pencil and pastel on paper.

2. Pegeen, Untitled, circa 1960. Pastel sur carton, 48 × 31 cm. © DURAZZO Pastel on cardboard.

23, rue du Cirque, 8e arr. www.raphaeldurazzo.com

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GAGOSIAN ART MODERNE & CONTEMPORAIN

Gagosian présente la première exposition personnelle en France consacrée à Lee Krasner, artiste pionnière de l'expressionnisme abstrait américain. Gagosian presents the first solo exhibition in France devoted to Lee Krasner, a pioneering figure of American Abstract Expressionism.

Organisée en collaboration avec

Organised in collaboration with Olney

Olney Gleason et la Pollock-Krasner

Gleason and the Pollock-Krasner

Foundation, l’exposition rend

Foundation, the exhibition celebrates

hommage à l’une des artistes les plus

one of the leading figures of the New

marquantes de l’École de New York.

York School. Bringing together paintings

Réunissant peintures et œuvres sur

and works on paper from the 1960s,

papier des années 1960, elle met en

it focuses on a pivotal decade in Krasner’s

lumière une décennie décisive dans

artistic development, characterised by

le parcours de Krasner, marquée par

vibrant gestural abstractions.

des abstractions gestuelles d’une

Throughout the 1960s, living between

grande intensité. Partageant son temps

Springs, East Hampton, and her

entre Springs (East Hampton) et son

apartment and studio in Manhattan,

appartement-atelier de Manhattan,

Krasner threw herself into a period

l’artiste s’engage dans une période

of experimentation and reinvention.

de profonde expérimentation et de

Tackling canvases of unprecedented

renouvellement. Elle réalise des toiles

scale and increasingly lyrical

d’un format inédit, aux compositions

compositions, she worked with newly

toujours plus libres et lyriques, adopte

restricted palettes and began to apply

une palette plus resserrée et applique

paint directly from the tube. These

désormais la peinture directement

developments gave rise to the Umber

au tube. De cette évolution naissent

paintings (1959–62) and Primary Series

les séries Umber Paintings (1959-

(1960s), now considered among the

1962) et Primary Series (années 1960),

pinnacles of her painterly achievements.

aujourd’hui considérées comme l'une

Krasner’s influence on American art

des expressions les plus abouties

deepened across the decade and

de sa peinture. Au fil de la décennie,

in 1969, she turned her attention to

l’influence de Krasner sur l’art américain

calligraphic color experiments and

s’affirme encore. En 1969, elle

original compositions in gouache on

explore des compositions originales

paper. The exhibition includes works

en gouache, où l’expérimentation

spanning this period, culminating in the

calligraphique de la couleur occupe

majestic oil on canvas Comet (1966–70).

une place centrale. L’exposition

France’s modernist legacy, particularly

réunit des œuvres de cette période

the work of Henri Matisse, proved

jusqu’à l’imposante Comet (1966-1970).

formative to Krasner’s development as a

L’héritage du modernisme français,

painter. During an important visit to Paris

en particulier l’œuvre d’Henri Matisse,

in 1956, time at the Louvre deepened

a profondément nourri sa pratique.

her engagement with the history of

Son séjour à Paris en 1956, notamment

European painting. Her relationship with

ses visites au Louvre, renforce son

France was recognised in 1982, when she

dialogue avec la peinture européenne.

was awarded the Chevalier de l’Ordre

En 1982, la France lui décerne le titre

des Arts et des Lettres.

de chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres. 1. Lee Krasner

4, rue de Ponthieu, 8e arr. gagosian.com

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

L’HÉRITAGE DU MODERNISME FRANÇAIS A PROFONDÉMENT NOURRI LA PRATIQUE DE LEE KRASNER. FRANCE’S MODERNIST LEGACY PROVED FORMATIVE TO KRASNER’S DEVELOPMENT AS A PAINTER.

MASH MAGAZINE

2. Lee Krasner, Comet, 1966-70.

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

MASH MAGAZINE

1. Ian Davenport,

Mirrored Metzinger I, 2026. Acrylique sur acier inoxydable, monté sur un panneau en aluminium, 200 × 200 cm. © Prudence Cuming Associates Acrylic on stainless steel, mounted onto aluminium panel.

2. Claude Viallat, 369/2024, 2024. Acrylique sur tissu, 97 × 186 cm. © Claude Viallat, image courtesy of Galerie Andres Thalmann Acrylic on fabric.

GALERIE ANDRES THALMANN ART CONTEMPORAIN

À 90 ans, Claude Viallat poursuit avec la même liberté une œuvre qui n'a jamais cessé de réinventer les frontières de la peinture. At 90, Claude Viallat continues to redefine the boundaries of painting with undiminished freedom.

Son œuvre est immédiatement

publiques et privées, du Centre

His work is instantly recognisable

his 90th birthday, Claude Viallat

reconnaissable à la répétition

Pompidou au MoMA, il a notamment

through the repetition of a single motif

reaffirmed his international presence

d'un même motif sur des surfaces

représenté la France à la Biennale de

across found and reclaimed textiles.

with a solo presentation at Zona Maco

textiles trouvées ou récupérées.

Venise en 1988. En 2026, année de

Coffee sacks, parasols, curtains and

in Mexico, followed by Art Paris, where

Sacs de café, parasols, rideaux ou

ses 90 ans, Claude Viallat confirme

aprons become the ground for a

Andres Thalmann Gallery presented

tabliers deviennent ainsi le support

son rayonnement international

radically renewed pictorial language.

his work beneath the glass roof of the

d'un langage pictural radicalement

avec une exposition personnelle à

A leading figure in contemporary

Grand Palais. A longstanding partner,

renouvelé. Figure majeure de l'art

Zona Maco, à Mexico, avant d'être

art and co-founder of the Supports/

the gallery has already devoted three

contemporain et cofondateur du

présenté par la galerie Andres

Surfaces movement, Claude Viallat

solo exhibitions to his work in Zurich

mouvement Supports/Surfaces,

Thalmann à Art Paris, sous la verrière

has transformed painting since the

and will continue this collaboration

Claude Viallat a profondément

du Grand Palais. Fidèle partenaire

1960s by freeing the canvas from

with an upcoming exhibition in

transformé la peinture depuis les

de l'artiste, qu'elle a déjà accueilli

its stretcher and asserting it as an

dialogue with the American painter

années 1960, en libérant la toile de

à trois reprises dans son espace

autonomous object. Colour, rhythm

Sam Francis. Awarded the Légion

son châssis et en l'affirmant comme

zurichois, la galerie prolongera cette

and materiality create a vibrant visual

d'honneur, Claude Viallat remains fully

un objet autonome. Couleurs,

collaboration avec une exposition en

language, each variation extending

active, his work embodying a radical

rythmes et matérialité composent

dialogue avec le peintre américain

an exploration of painting beyond

formal freedom and an enduring

un univers vibrant, où chaque

Sam Francis. Chevalier de la Légion

its conventional boundaries without

presence in contemporary art.

variation prolonge une réflexion

d'honneur, Claude Viallat demeure

ever losing its experimental vitality.

sur les possibilités infinies du

aujourd'hui un artiste pleinement

Represented in major public and

médium au-delà de ses frontières

actif, dont l’œuvre continue

private collections, from the Centre

conventionnelles, sans jamais perdre

d’affirmer une liberté plastique

Pompidou to MoMA, he notably

de sa force expérimentale. Présent

radicale et une présence essentielle

represented France at the Venice

dans les plus grandes collections

dans l’histoire de l’art vivant.

Biennale in 1988. In 2026, the year of

70, rue du Faubourg Saint-Honoré, 8e arr. andresthalmann.com

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GALERIE ARY JAN PEINTURES & SCULPTURES (SECONDE MOITIÉ DU XIXE – DÉBUT DU XXE SIÈCLE)

Bien avant de devenir son galeriste, Mathias Ary Jan fut un collectionneur passionné de Goudji, grand maître de l’orfèvrerie contemporaine. Long before becoming his gallerist, Mathias Ary Jan was an avid collector of Goudji, a leading master of contemporary goldsmithing.

Depuis plus de cinq ans, la galerie

de l'Antiquité, de Byzance, de l'art

actuellement au nouveau mobilier

Ary Jan représente Goudji, poursuivant

roman et du gothique. Coupes, bijoux,

liturgique et aux vases sacrés de

une relation de confiance née bien

reliquaires ou créatures fantastiques

la cathédrale de Beauvais, dont la

avant leur collaboration. Né en Géorgie

semblent surgir d'une civilisation

restauration s'achèvera en 2027.

en 1941 et formé à l'Académie des

imaginaire, mêlant rigueur de la forme,

À travers les expositions qu'elle lui

Beaux-Arts de Tbilissi, l'artiste s'installe

perfection de l'exécution et puissance

consacre, la galerie Ary Jan poursuit

en France en 1974, où il développe

symbolique. Son talent lui vaut de

son engagement auprès de Goudji,

un univers singulier à la croisée de la

prestigieuses commandes publiques,

mettant en lumière une œuvre qui

sculpture, de l'orfèvrerie et des arts

religieuses et institutionnelles, ainsi

conjugue virtuosité technique et

décoratifs. Travaillant l'or, l'argent, les

que la réalisation de nombreuses

portée universelle. Plus qu’un orfèvre,

pierres dures et les matériaux précieux

épées d'académiciens. En mai dernier,

Goudji est un créateur de mondes,

selon des techniques ancestrales,

il remettait au pape Léon XIV un calice

capable de faire dialoguer les époques

il façonne entièrement à la main

unique lors d'une audience privée

et les savoir-faire avec une rare

des œuvres nourries des héritages

au Palais apostolique et travaille

intemporalité.

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

MASH MAGAZINE

1. Goudji, L'envol du cerf-volant, détail. © Thomas Hennocque - Galerie Ary Jan 2. Remise par Goudji d'un calice au Pape Léon XIV au Palais Apostolique en mai 2026. © Vatican Media Presentation of a chalice by Goudji to Pope Leo XIV at the Apostolic Palace in May 2026.

3. L'Atelier de Goudji © Atelier de Goudji

Goudji’s Workshop.

GOUDJI EST UN CRÉATEUR DE MONDES, CAPABLE DE FAIRE DIALOGUER LES ÉPOQUES ET LES SAVOIR-FAIRE AVEC UNE RARE INTEMPORALITÉ. GOUDJI IS A CREATOR OF WORLDS, WHERE ERAS AND CRAFTSMANSHIP MEET IN A TIMELESS ARTISTIC VISION.

For more than five years, Ary Jan

française. Last May, he presented

Gallery has represented Goudji,

a unique chalice to Pope Leo XIV

continuing a relationship of trust that

during a private audience at the

long predates their collaboration.

Apostolic Palace and is currently

Born in Georgia in 1941 and trained

creating the new liturgical furnishings

at the Tbilisi Academy of Fine Arts,

and sacred vessels for Beauvais

the artist settled in France in 1974,

Cathedral, whose restoration will

where he developed a singular

be completed in 2027. Through the

practice at the crossroads of sculpture,

exhibitions it devotes to his work,

goldsmithing and the decorative arts.

Ary Jan Gallery continues its

Working with gold, silver, hardstones

commitment to Goudji, bringing

and precious materials using ancestral

to light an oeuvre that unites technical

techniques, he handcrafts works

virtuosity with universal resonance.

inspired by the legacies of Antiquity,

More than a master goldsmith,

Byzantium, Romanesque and Gothic

Goudji is a creator of worlds, where

art. Cups, jewellery, reliquaries

eras and craftsmanship meet in a

and fantastical creatures seem to

timeless artistic vision.

emerge from an imagined civilisation, combining formal rigour, exceptional craftsmanship and symbolic power. His talent has led to prestigious public, religious and institutional commissions, including the creation of ceremonial swords for members of the Académie

32, avenue Marceau, 8e arr. www.galeriearyjan.com

MASH MAGAZINE

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M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

GALERIE DE LA PRÉSIDENCE ART MODERNE

Une sélection d’œuvres retrace le moment où Jean Dubuffet a renouvelé en profondeur son langage plastique. A selection of works traces the moment when Jean Dubuffet radically transformed his artistic language.

C’est un tournant décisif qu’opère le peintre et plasticien Jean Dubuffet dans sa pratique, entre la fin des années 1970 et le début des années 1980. Figure majeure de l’art du XXe siècle et fondateur de la notion d’art brut, il bouleverse alors son vocabulaire plastique : le trait et le collage prennent une place nouvelle, tandis que ses compositions s’éloignent progressivement du motif paysager. À l’occasion de la soirée Matignon Saint-Honoré du 19 octobre, la Galerie de la Présidence, installée rue du Faubourg Saint-Honoré et spécialisée dans l’art moderne et d’après-guerre, revient sur ce moment charnière à travers un accrochage réunissant cinq encres et collages de 1980 ainsi qu’une peinture de 1981. Les premières œuvres, réalisées à l’encre et au collage sur papier, se construisent à partir de hachures, de cellules et de gribouillis où apparaît encore la figure humaine. Un an plus tard, la couleur fait son apparition et modifie profondément l’équilibre des esquisses. Réalisées à un an d’intervalle, ces pièces racontent cette évolution : d’abord limitées au noir de l’encre sur papier, elles s’ouvrent progressivement à une palette plus vive, qui donne une nouvelle place au fond dans la composition. Leur présentation conjointe permet de suivre cette évolution presque pas à pas. À travers ce dialogue, la galerie donne à voir un moment décisif dans l’évolution du travail de Jean Dubuffet.

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

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MASH MAGAZINE

2. 1. Jean Dubuffet, Paysage avec un

personnage, 1980. Encre et collage sur papier. 51 × 35 cm. © presidence.fr Ink and collage on paper, 20 × 13,8 in.

2. Jean Dubuffet, Site avec trois

personnages, 1981. Acrylique sur papier marouflé sur toile, 51 × 35 cm ; 69,5 x 53,5 cm (encadré) © presidence.fr Acrylic on paper mounted on canvas, 20 × 13,8 in ; 27,36 × 21,06 in (with frame).

Between the late 1970s and the early 1980s, Jean Dubuffet underwent a decisive shift in his artistic practice. A leading figure of twentieth-century art and the founder of the concept of Art Brut, he radically redefined his visual vocabulary, giving new prominence to line and collage while gradually moving away from landscape-inspired compositions. For the Matignon Saint-Honoré evening on 19 October, Galerie de la Présidence, located on Rue du Faubourg Saint-Honoré and specialising in modern and post-war art, revisits this pivotal period through a display of five ink-and-collage works from 1980 alongside a painting completed in 1981. The earlier works, created in ink and collage on paper, are composed of hatching, cellular forms and scribbled marks in which the human figure still appears. A year later, colour enters the compositions, profoundly altering their balance and opening up new possibilities. Created just twelve months apart, these works chart Dubuffet's transition from the monochrome restraint of ink on paper to a more vibrant palette, in which colour gradually assumes a central role and the background becomes an active element of the composition.

LA GALERIE DE LA PRÉSIDENCE DONNE À VOIR UN MOMENT DÉCISIF DANS L'ÉVOLUTION DU TRAVAIL DE JEAN DUBUFFET. GALERIE DE LA PRÉSIDENCE REVEALS A DECISIVE MOMENT IN THE EVOLUTION OF JEAN DUBUFFET’S ARTISTIC PRACTICE.

Seen together, they reveal this creative transformation almost step by step, offering a rare insight into one of the most significant turning points in Dubuffet's career.

90, rue du Faubourg Saint-Honoré, 8e arr. presidence.fr

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MASH MAGAZINE

GALERIE DIANE DE POLIGNAC ART MODERNE

À l’occasion de l’ouverture de sa nouvelle adresse, la Galerie Diane de Polignac revient sur la richesse de la scène artistique d’après-guerre. To mark the opening of its new gallery, Galerie Diane de Polignac revisits the richness of the post-war art scene.

Depuis plus de quinze ans, la Galerie

For over fifteen years, Galerie Diane

Diane de Polignac se consacre à la

de Polignac has been dedicated

redécouverte et à la mise en lumière

to rediscovering and showcasing

des artistes de l’après-guerre. Pour

post-war artists. To inaugurate its new

inaugurer son nouvel espace situé

space at 45 Rue de Penthièvre, it brings

au 45, rue de Penthièvre, elle réunit

together thirteen of them in At the

treize d’entre eux dans À la Source.

Source. Every work on display comes

Toutes les œuvres présentées

directly from the artists' families or

proviennent directement de leurs

estates, who took part in the selection.

familles ou de leurs ayants droit,

Huguette Arthur Bertrand, Robert

qui ont participé à leur sélection.

Helman, Inès Blumencweig, Loïs

Huguette Arthur Bertrand, Robert

Frederick, Sergio de Castro, Roberto

Helman, Inès Blumencweig, Loïs

Matta, Jean Miotte and Maria Papa

Frederick, Sergio de Castro, Roberto

Rostkowska are brought together

Matta, Jean Miotte ou encore Maria

through paintings, sculptures and

Papa Rostkowska s’y côtoient à travers

drawings spanning different stages

des peintures, des sculptures et des

of their careers. They all share one

dessins issus de différentes périodes

thing in common: choosing Paris as

de leur carrière. Tous partagent un

the place to create. Born in France,

point commun, celui d’avoir choisi

Argentina, Chile, Turkey, Romania,

Paris comme lieu de création. Nés

Switzerland and Poland, they met

en France, en Argentine, au Chili,

there, sharing studios, galleries, cafés

en Turquie, en Roumanie, en Suisse

and friendships while contributing

ou encore en Pologne, ils s’y sont

to the artistic vitality of the post-war

rencontrés, ont partagé des ateliers,

years. Rather than placing them within

des galeries, des cafés ou des amitiés,

a single movement, the exhibition

participant à l’effervescence artistique

brings together works from different

de l’après-guerre. L’exposition ne

periods and across a range of media,

cherche pourtant pas à les rassembler

revealing the individuality of each artist.

sous un même courant : elle fait

This inaugural exhibition continues a

dialoguer des œuvres de différentes

programme the gallery has devoted

périodes et techniques, révélant

to these artists for the past decade,

la singularité de chaque parcours.

developed in close collaboration with

Ce premier accrochage s’inscrit

their families and enriched by archives,

dans le programme d’expositions

texts and personal accounts. It offers

que la galerie consacre depuis dix

a compelling insight into both the

ans à ces artistes, mené en étroite

diversity of this artistic scene and the

collaboration avec leurs familles

ties that united its members.

de témoignages. Il offre ainsi un aperçu de la diversité de cette scène les unissaient.

1. Jean Miotte (1926-2016),

Sans titre - Untitled, 1980 CA. Acrylique sur toile, 100,5 × 82 cm. Signé « Miotte » en bas à droite et au dos sur la toile.

et enrichi d’archives, de textes et

artistique, autant que des liens qui

TOUS PARTAGENT UN POINT COMMUN, CELUI D’AVOIR CHOISI PARIS COMME LIEU DE CRÉATION. THEY ALL SHARE ONE THING IN COMMON: CHOOSING PARIS AS THE PLACE TO CREATE.

45, rue de Penthièvre, 8e arr. dianedepolignac.com

Acrylic on canvas, 39,6 × 32,3 in. Signed "Miotte" lower right and on the back of the canvas.

2. Roberto Matta (1911-2002),

Sans titre - Untitled, 1974. Pastel et fusain sur papier teinté, 65 × 50 cm. Signé en bas à droite. Pastel and charcoal on tinted paper, 25 9/16 × 19 11/16 in. Signed lower right.

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M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

GALERIE ENRICO NAVARRA ART CONTEMPORAIN

Jusqu'au 11 décembre, la Galerie Enrico Navarra présente au 75 Faubourg la première exposition personnelle parisienne de l'artiste JiaHao Peng. Until December 11, Galerie Enrico Navarra presents at 75 Faubourg the first Parisian solo exhibition by artist JiaHao Peng.

En écho à Héraclite – « On ne se

Croître et décliner appartiennent

Echoing Heraclitus—that "You cannot

ever-shifting world, between joy and

baigne jamais deux fois dans le

au même geste. Et dans ce monde

step twice into the same river"—the

sorrow, this exact moment—just this

même fleuve » –, l'exposition On ne

sans cesse remué, entre joies et

exhibition You Cannot See the Same

one—is the most beautiful of all.

voit jamais deux fois la même plante

peines, cet instant, juste celui-ci, est

Plant Twice is shaped by the eternal

JiaHao Peng is a Los Angeles-based

s'inscrit dans l'éternel mouvement du

le plus beau de tous. JiaHao Peng

movement of the world.

botanical artist whose multidisciplinary

monde. Chaque rencontre avec la flore

est un artiste botanique établi

Each encounter with the flora is unique,

practice bridges living sculpture,

y est unique, unique comme l'instant

à Los Angeles dont la pratique

as fleeting as the moment itself.

photography, and site-specific

qui fuit. Une feuille se déplie, une

multidisciplinaire unit sculpture

A leaf unfurls, a stem bends, light shifts

installation. Trained in fine art and

tige s'incline, la lumière se déplace

vivante, photographie et installation

from hour to hour: nothing we observe

photography, Peng investigates the

d'heure en heure : plus rien de ce que

in situ. Formé aux beaux-arts et

remains the same as it was before.

intersections of ecology, temporality,

l'on regarde ne demeure identique

à la photographie, Peng explore

The living, ever-changing plants

and structural fragility. His works

à ce que l'on avait vu. Les plantes,

les intersections entre écologie,

whisper a lesson in presence: accept

function as living ecosystems that

vivantes et changeantes, murmurent

temporalité et fragilité structurelle.

the current, merge with the flow of

map cycles of growth, decay, and quiet

une leçon de présence : accepter le

Ses œuvres, de véritables

nature, and let go of the desire to hold

resilience. Entrusted to time as much

courant, se fondre dans le flux de la

écosystèmes vivants, cartographient

onto what, by its very essence, passes.

as to the gaze, they transform spaces

nature, renoncer à retenir ce qui, par

les cycles de croissance, de déclin

As the Tao Te Ching teaches, true

into sites of contemplation, sensory

essence, passe. Comme l'enseigne le

et de résilience discrète. Confiées

harmony comes from letting things be:

stillness, and profound ecological

Tao Te King, l'harmonie véritable naît

au temps autant qu'au regard, elles

force nothing, hold onto nothing, allow

connection.

de l'abandon : ne rien forcer, ne rien

transforment les espaces en lieux de

each being to flourish, unfold, and

retenir, laisser chaque être s'épanouir,

contemplation, de silence sensoriel et

then rest in peace. Growth and decline

se déployer, puis se reposer en paix.

de connexion écologique profonde.

belong to the same gesture. And in this

2. 1. JiaHao Peng. 2. JiaHao Peng, Giant Peacock Moth (Saturnia Pyri) and Gnarled Shrub Root, 2026. 80 × 40 × 11 cm. 3. JiaHao Peng, Musa, Quercus, and Agave, 2026. 137 × 49 × 64 cm.

75, rue du Faubourg Saint-Honoré, 8e arr. enriconavarra.com

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LE TONDO S'AFFIRME COMME UN FORMAT À PART ENTIÈRE DANS L'HISTOIRE DE L'ART. THE TONDO ESTABLISHED ITSELF AS A FULLY FLEDGED ARTISTIC FORMAT.

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

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GALERIE FLORENCE DE VOLDÈRE PEINTURE FLAMANDE DES XVIE ET XVIIE SIÈCLES

À l'automne, la galerie Florence de Voldère explore le tondo, ce format circulaire qui traverse les siècles, des maîtres flamands aux artistes contemporains. This autumn, Florence de Voldère Gallery explores the tondo, the circular format that has inspired artists for centuries.

Fondée en 1984, la galerie Florence

Florence de Voldère met à l'honneur

Founded in 1984, Florence de

de Voldère défend une lecture

le tondo, ce format circulaire hérité

Voldère Gallery has championed a

renouvelée de la peinture flamande

de l'Antiquité, remis en lumière par la

fresh reading of 16th- and 17th-century

des XVIe et XVIIe siècles. Passionnée

Renaissance italienne, de Fra Angelico

Flemish painting. Passionate about

par Pierre Brueghel l'Ancien, elle voit

à Botticelli et Léonard de Vinci, avant

Pieter Bruegel the Elder, Florence de

dans les maîtres du Nord de véritables

d'être adopté par les maîtres flamands

Voldère regards the Northern masters

peintres humanistes, dont les scènes

du XVIe siècle sous l'impulsion de

as true humanist painters, whose

villageoises, les figures masquées ou

Pierre Brueghel l'Ancien, de ses fils

village scenes, masked figures and

les paysages interrogent avec une

ou encore d'Abel Grimmer.

landscapes explore, with remarkable

étonnante modernité la condition

En résonance avec l'essor des cabinets

relevance, the human condition,

humaine, l'égalité, la liberté de pensée,

de curiosités et le regard nouveau

equality, freedom of thought,

mais aussi la tendresse et l'amour.

porté sur les sciences et l'astronomie,

as well as tenderness and love.

Cette vision, développée dans son

le tondo s'affirme comme un format

Developed in her book Flemish

ouvrage La peinture flamande –

à part entière dans l'histoire de l'art.

Painting—awarded by the Institut

récompensé par l'Institut de France

Réunissant des œuvres de Pierre

de France in 2011 and prefaced by

en 2011 et préfacé par Emmanuel

Brueghel le Jeune, Pablo Picasso,

Emmanuel Le Roy Ladurie—this vision

Le Roy Ladurie – constitue depuis plus

Maurice Estève, Daphné Dorel ou

has shaped the gallery's identity for

de quarante ans le fil conducteur de

Nicolas Touron, l'exposition montre

more than forty years: a vision of

la galerie : une peinture sensible, à la

comment le tondo a inspiré les artistes

painting that is both scholarly and

fois savante et populaire. À l'occasion

d'hier et continue de nourrir la création

deeply accessible. For its autumn

de son accrochage d’automne,

contemporaine.

exhibition, the gallery celebrates the tondo, the circular format inherited from Antiquity and revived during the Italian Renaissance by artists such as Fra Angelico, Botticelli and Leonardo 3.

da Vinci, before being embraced by the 16th-century Flemish masters, from Pieter Bruegel the Elder and his sons to Abel Grimmer. Echoing the rise of cabinets of curiosities and a renewed fascination with science and astronomy, the tondo established itself as a fully fledged artistic format.

1. Abel Grimmer (Anvers 1570 1619), Juin, Jean & La parabole du

bon pasteur, 1609. Huile sur panneau, Ø 25 cm. Oil on panel.

2. Abel Grimmer (Anvers 1570 1619), Septembre, Luc XIII, La parabole du figuier stérile, 1609. Huile sur panneau, Ø 25 cm. Oil on panel.

3. Daphné Dorel, La croisée des chemins. Huile sur bois, Ø 80 cm. Oil on wood.

FLORENCE DE VOLDÈRE MET À L'HONNEUR LE TONDO, CE FORMAT CIRCULAIRE HÉRITÉ DE L'ANTIQUITÉ. THE GALLERY CELEBRATES THE TONDO, THE CIRCULAR FORMAT INHERITED FROM ANTIQUITY.

Bringing together works by Pieter Brueghel the Younger, Pablo Picasso, Maurice Estève, Daphné Dorel and Nicolas Touron, the exhibition shows how the tondo inspired generations of artists and continues to shape contemporary creation. 134, rue du Faubourg Saint-Honoré, 8e arr. 34, avenue Matignon, 8e arr. www.florencedevoldere.com

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GALERIE JACQUES LACOSTE ARTS DÉCORATIFS DU XXE SIÈCLE

Depuis 1997, Jacques Lacoste incarne une vision unique où l'harmonie naît de la rencontre entre mobilier d'exception et expression artistique audacieuse. Since 1997, Jacques Lacoste has personified a unique vision in which harmony results from an encounter between exceptional furnishings and daring artistic expression.

collections in search of a rare gem, one that is meaningful. A great expert in 20th-century French furnishings and the decorative arts from the 1930’s to 1950’s, Jacques Lacoste is also well-known as a specialist on Jean Royère (1902-1981), one of the most influential designers of his day. In particular, he defends his work in a collection of major pieces, regular exhibitions and publications, the result of in-depth research. Jacques Lacoste also admits to a very special fondness for Max Ingrand (1908-1969), one of the 20th century’s greatest master glassmakers, and Alexandre Noll (1890 1970), known for his remarkable wood sculptures. Pieces offering clean, sober lines which converse perfectly naturally with creations by Jean Prouvé, Alberto and Diego Giacometti, Jacques-Émile Ruhlmann, Eugène Printz or Serge Mouille. In 2026, Jacques Lacoste inaugurated new exhibition spaces adjoining its historic Avenue Matignon gallery. Adding 120 square metres across two levels, the expansion provides an even greater showcase for the finest in

Harmoniser du mobilier avec des

temps. Il défend notamment son œuvre

inauguré un nouvel espace attenant à sa

signatures d’exception : Jacques

à travers une collection de pièces

galerie historique avenue Matignon.

Lacoste a le flair de ceux qui savent faire

majeures, des expositions régulières et

Avec 120 m2 supplémentaires sur

se rencontrer un fauteuil iconique et

des publications, fruits de recherches

deux niveaux, elle offre plus que jamais

une vision artistique, sans jamais trahir

approfondies. Jacques Lacoste

une belle manière de faire briller le

l’un ou l’autre. L’amour du bel objet,

voue également une affection toute

design français.

ce marchand de rêve l’a chevillé au

particulière à Max Ingrand (1908-1969),

corps depuis 1986. Quand il n’est pas

l’un des plus grands maîtres-verriers du

Harmonising furniture bearing

dans l’une de ses galeries éponymes,

XXe siècle, et Alexandre Noll (1890-

exceptional signatures: Jacques Lacoste

il écume ventes et collections privées

1970), connu pour ses remarquables

has all the flair of those who know how

en quête de la perle rare, celle qui fait

sculptures en bois. Des pièces aux

to introduce an iconic armchair into an

sens. Grand expert du mobilier français

lignes sobres et épurées qui dialoguent

artistic vision without betraying either

du XXe siècle et des arts décoratifs des

naturellement aux côtés des créations

one. This merchant of dreams has

années 1930-1950, Jacques Lacoste

de Jean Prouvé, Alberto et Diego

connected a love for beautiful objects

est aussi reconnu comme spécialiste

Giacometti, Jacques-Émile Ruhlmann,

to the body since 1986. When not in

de Jean Royère (1902-1981), l’un des

Eugène Printz ou Serge Mouille.

one of the galleries bearing his name,

designers les plus influents de son

En 2026, la galerie Jacques Lacoste a

he is scouring auctions and private

French design.

1. Vue du salon « Œuf » de Jean Royère,

Galerie Jacques Lacoste - avenue Matignon. Courtesy Galerie Jacques Lacoste © Hervé Lewandowski View of Jean Royère's Œuf sitting room, Galerie Jacques Lacoste, Avenue Matignon.

2. Vue du salon « Elephanteau » de Jean Royère, Galerie Jacques Lacoste - avenue Matignon. Courtesy Galerie Jacques Lacoste. © Studio Shapiro View of Jean Royère's Elephanteau sitting room, Galerie Jacques Lacoste, Avenue Matignon.

19, avenue Matignon, 8e arr. jacqueslacoste.com

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GALERIE JOCELYN WOLFF ART CONTEMPORAIN

Avec Riding Hot, une nouvelle série de peintures monumentales, l’artiste Santiago de Paoli explore les possibilités de matériaux inattendus. With Riding Hot, a new series of monumental paintings, Santiago de Paoli explores the creative potential of unexpected materials.

Pour sa deuxième exposition à la galerie, Galerie Jocelyn Wolff présente Riding Hot, une exposition personnelle de Santiago de Paoli. Ce titre énigmatique et surréaliste est emprunté à une série de peintures réalisées à partir de matériaux variés et non conventionnels : bois, cuivre, bouchons de liège, feuilles séchées, cacahuètes. L’artiste poursuit une recherche picturale où les images semblent émerger d’un rêve ou d’un souvenir fragmentaire peuplé de lunes, paysages, corps, objets domestiques ou formes organiques. Ces éléments, oscillant entre nature, magie et abstraction, sont traversés par une tension constante entre humour, poésie et étrangeté. L’exposition réunit un ensemble inédit d’œuvres monumentales présentées pour la première fois, et marque une nouvelle étape dans la pratique de l’artiste, où la matérialité des œuvres devient un terrain d’expérimentation

For his second collaboration with

the first time, marking a new stage in the

toujours plus ouvert. Né à Buenos

Galerie Jocelyn Wolff, Santiago de

artist's practice, in which the materiality of

Aires en 1978, Santiago de Paoli vit

Paoli presents Riding Hot, a solo

the work becomes an increasingly open

et travaille à New York. Son travail a

exhibition.The exhibition's enigmatic,

field of experimentation. Born in Buenos

fait l’objet de plusieurs expositions

surreal title is borrowed from a series of

Aires in 1978, Santiago de Paoli lives and

personnelles, parmi lesquelles Inside

paintings created using a wide range

works in New York. His work has been

2. Santiago de Paoli, Riding hot, 2025. Huile sur toile et cuivre, bois, 185 × 306 cm. Courtesy de l’artiste et Galerie Jocelyn Wolff.

the Red Barn à OSMOS Station en

of unconventional materials, including

the subject of several solo exhibitions,

Oil on canvas and copper, wood.

2022, A Leaf in the Wind à la Galerie

wood, copper, cork, dried leaves and

including Inside the Red Barn at OSMOS

Jocelyn Wolff, Paris-Romainville,

peanuts. The artist continues to explore

Station in 2022, A Leaf in the Wind at

en 2021, Bebê Rasteja chez Mendes

a painterly language in which images

Galerie Jocelyn Wolff, Paris-Romainville,

Wood DM à São Paulo en 2019–2020

seem to emerge from dreams or

in 2021, Bebê Rasteja at Mendes Wood

ou Entre nosotros y el objeto à Móvil

fragmented memories populated by

DM, São Paulo, in 2019–2020, and Entre

en 2016. Il a également participé à de

moons, landscapes, bodies, domestic

nosotros y el objeto at Móvil in 2016. He

nombreuses expositions collectives

objects and organic forms. Hovering

has also participated in numerous group

au sein d’institutions internationales,

between nature, magic and abstraction,

exhibitions at international institutions,

notamment à la 12 édition de SITE

these elements are infused with a

including the 12th edition of SITE SANTA

SANTA FE International en 2025, au

constant tension between humour,

FE International in 2025, the Museo de

Museo de Arte Moderno de Buenos

poetry and the uncanny. The exhibition

Arte Moderno de Buenos Aires in 2019

Aires en 2019 ou au Nouveau Musée

brings together a new group of

and the Nouveau Musée National de

National de Monaco – Villa Paloma.

monumental works, presented here for

Monaco – Villa Paloma.

1. Santiago de Paoli, Coum softly stay, 2025.

Huile sur toile, bois, cuivre, 268 × 200 × 4 cm. Courtesy de l’artiste et Galerie Jocelyn Wolff. Oil on canvas, wood, copper.

1, rue de Penthièvre, 8e arr. www.galeriewolff.com

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GALERIE LAURENTIN ART MODERNE

La nouvelle adresse de la Galerie Laurentin s’ouvre avec un hommage à Daniel Cordier et deux artistes majeurs de son parcours. Galerie Laurentin inaugurates its new premises with a tribute to Daniel Cordier and two artists who shaped his remarkable career.

En s’installant au 8, rue de Miromesnil,

abstraites de Jean Dewasne répondent

By moving to 8 Rue de Miromesnil

in the gallery's history. Dewasne's

dans le 8e arrondissement parisien, la

aux encres de Chine réalisées par Henri

in Paris's 8th arrondissement, Galerie

abstract lacquer paintings enter into

Galerie Laurentin prend possession

Michaux entre 1959 et 1960, offrant deux

Laurentin takes up residence in a place

dialogue with the India ink works

d’un lieu chargé d’histoire. C’est ici

approches très différentes de la création

steeped in history. It was here that

created by Michaux between 1959 and

que Daniel Cordier installa sa galerie

d’après-guerre. Ce dialogue se prolonge

Daniel Cordier established his gallery

1960, offering two strikingly different

entre 1959 et 1964, faisant de cette

à travers une sélection d’œuvres de

between 1959 and 1964, transforming

approaches to post-war artistic

adresse un lieu majeur de découverte

Jean Dubuffet, Pierre Bettencourt, Horst

this address into a major venue for the

expression. This dialogue is extended

des avant-gardes de l’après-guerre.

Egon Kalinowski, Bernard Réquichot et

discovery of the post-war avant-garde.

through a selection of works by Jean

Résistant, compagnon de la Libération,

Manolo Millares. Toutes témoignent

A Resistance fighter, Compagnon

Dubuffet, Pierre Bettencourt, Horst

collectionneur puis galeriste, Daniel

des liens que la galerie entretient avec

de la Libération, collector and later

Egon Kalinowski, Bernard Réquichot

Cordier s’est imposé comme l’un des

l’univers artistique de Daniel Cordier

gallerist, Cordier became one of the

and Manolo Millares. Together, these

grands défenseurs de la création de son

et incarnent, à leur manière, une

foremost champions of the artistic

works testify to the close ties the

temps. Pour inaugurer ce nouvel espace,

création libre, exigeante et novatrice.

creation of his time. To inaugurate its

gallery maintains with Daniel Cordier's

la galerie choisit de lui rendre hommage

Au-delà d’un hommage à cette adresse

new space, the gallery pays tribute

artistic universe and embody, each in

en réunissant un ensemble d’œuvres de

emblématique, cette exposition est une

to his legacy by bringing together a

its own way, a spirit of creative freedom,

Jean Dewasne et d’Henri Michaux, deux

manière de consacrer les choix d’un

selection of works by Jean Dewasne

rigor and innovation. Beyond paying

artistes auxquels il consacra plusieurs

collectionneur et galeriste visionnaire,

and Henri Michaux, two artists to

tribute to this emblematic address,

expositions et qui occupent une place

qui a su accompagner des artistes dont

whom he devoted several exhibitions

the exhibition celebrates the vision

importante dans son histoire. Les laques

l’importance n’a cessé de se confirmer.

and who occupy an important place

of a pioneering collector and gallerist whose commitment helped nurture

artists whose importance has only continued to grow.

1. Henri Michaux (1899-1984),

Composition, 1959. Encre de Chine sur papiermonogrammé en bas à droite, daté « Juillet 59 » au dos, 75 × 108 cm. India ink on paper, monogrammed lower right; dated "July 59" on the reverse.

2. Jean Dewasne (1921-1999), Studio Pôle, vers 1970. Laque sur panneau, 50 × 65 cm. Cachet de la signature au dos.

Lacquer on panel. Stamped signature on the reverse.

8, rue de Miromesnil, 8e arr. www.galerie-laurentin.com

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MASH MAGAZINE

LES LAQUES ABSTRAITES DE JEAN DEWASNE RÉPONDENT AUX ENCRES DE CHINE RÉALISÉES PAR HENRI MICHAUX, OFFRANT DEUX APPROCHES TRÈS DIFFÉRENTES DE LA CRÉATION D’APRÈS-GUERRE. DEWASNE'S ABSTRACT LACQUER PAINTINGS ENTER INTO DIALOGUE WITH THE INDIA INK WORKS CREATED BY MICHAUX, REVEALING TWO STRIKINGLY DIFFERENT APPROACHES TO POST-WAR ARTISTIC EXPRESSION.

MASH MAGAZINE

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M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

LES ŒUVRES COMPOSENT UN ENSEMBLE OÙ CHAQUE TABLEAU AFFIRME SA PROPRE AUTONOMIE TOUT EN DIALOGUANT AVEC LES AUTRES. THE WORKS FORM A COHESIVE ENSEMBLE IN WHICH EACH PAINTING ASSERTS ITS OWN AUTONOMY WHILE REMAINING IN DIALOGUE WITH THE OTHERS.

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

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MASH MAGAZINE

GALERIE LELONG ART CONTEMPORAIN

Magnus Plessen fait de la peinture un théâtre d'images où chaque toile dialogue l'une avec l'autre. Magnus Plessen transforms painting into a theatre of images, where the canvases are in conversation with one another.

et de superpositions, les visages se

superimposition, faces multiply and

démultiplient et se fondent les uns

merge into one another, while hands

dans les autres, tandis que les mains

establish a tactile and emotional

instaurent une relation tactile et

connection between the figures.

émotionnelle entre les figures.

Plessen's work is held in major public

L'œuvre de Magnus Plessen

and private collections worldwide,

est aujourd'hui présente dans

from Paris and New York to Los

d'importantes collections publiques

Angeles, Mexico City and Shanghai.

et privées, de Paris à Los Angeles,

With Imaginary Theatre, on view at

en passant par New York, Mexico

Galerie Lelong from 19 October to

ou Shanghai. Avec cette première

14 November 2026, the artist

exposition personnelle à la Galerie

inaugurates a new collaboration with

Lelong – présentée du 19 octobre au

the Paris gallery, marking the beginning

14 novembre 2026 – l’artiste inaugure

of an artistic dialogue set to continue.

une nouvelle collaboration avec la galerie parisienne, marquant le début d'un dialogue artistique appelé à se poursuivre. Born in Hamburg in 1967, Magnus Plessen lives and works in Berlin. His work explores the shifting boundaries between abstraction and figuration, bringing forth human presences that emerge, transform and dissolve through form and colour. Bringing together around twenty paintings created between 2024 and

1. Magnus Plessen,

The golden hour, 2024. Huile, acrylique et fusain sur toile, 160 × 140 × 4,5 cm. © Magnus Plessen - Courtesy Galerie Lelong. Oil, acrylic, and charcoal on canvas.

2. Magnus Plessen,

Affiche d’un théâtre imaginaire, 2026. Acrylique, huile et fusain sur toile, 100 × 80 cm. © Magnus Plessen - Courtesy Galerie Lelong. Photo : Dotgain. Acrylic, oil and charcoal on canvas.

2026, Théâtre imaginaire reflects the latest developments in this ongoing artistic exploration. Born from the Né à Hambourg en 1967, Magnus

l'imagination de l'artiste, les œuvres

artist's imagination, the works form

Plessen vit et travaille à Berlin.

composent un ensemble où chaque

a cohesive ensemble in which each

Son œuvre explore les frontières

tableau affirme sa propre autonomie

painting asserts its own autonomy

mouvantes entre abstraction et

tout en dialoguant avec les autres.

while remaining in dialogue with the

figuration, faisant surgir des présences

Portraits, natures mortes et scènes

others. Portraits, still lifes and interior

humaines qui apparaissent, se

d'intérieur s'y répondent comme les

scenes unfold like successive acts in

transforment et s'effacent au gré des

différentes séquences d'un théâtre

a theatre without a narrative, where

formes et des couleurs. Réunissant

sans récit, où les images semblent

images seem to come to life before

une vingtaine de peintures réalisées

prendre vie sous le regard du visiteur.

the viewer's eyes. At the heart of this

entre 2024 et 2026, Théâtre imaginaire

Au cœur de cet univers se déploie

imagined world lies a meditation on

témoigne de l'évolution récente de

une réflexion sur le rapport à l'autre.

our relationship with others. Through

cette recherche plastique. Issues de

Par un subtil jeu de transparences

subtle layers of transparency and

13, rue de Téhéran, 8e arr. 38, avenue Matignon, 8e arr. www.galerielelong.com

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MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

GALERIE MARCILHAC ARTS DÉCORATIFS DU XXE SIÈCLE

La Galerie Marcilhac lance Art déco Insights, une nouvelle rubrique en ligne consacrée à l’actualité de la recherche en Art Déco. Galerie Marcilhac launches Art déco Insights, a new online series dedicated to the latest research and discoveries in the field of Art Deco.

La Galerie Marcilhac donne la parole

Galerie Marcilhac highlights the work

his workshop in Lyon. He then became

aux jeunes chercheurs de l'Art déco

of emerging Art Deco researcher Louis

a member of the “Société des Artistes

en mettant en lumière les travaux de

Pierson, whose research is contributing

Décorateurs” (SAD), exhibiting his

Louis Pierson, dont les recherches

to a renewed understanding of Claudius

work in several galleries and events in

contribuent aujourd'hui à mieux faire

Linossier (1893–1953). Born in Lyon,

France and abroad. This recognition

connaître l'œuvre de Claudius Linossier

he was one of the main contributors to

culminated at the 1925 International

(1893-1953). Né à Lyon, il est l’un des

the re-emergence of dinanderie—the

Exhibition of Modern Decorative and

principaux acteurs du renouveau de la

art of hammering metal into shape

Industrial Arts, where his dinanderie

dinanderie – cet art de battre le métal

lies midway between metalwork and

featured in six pavilions. Also a sculptor

pour lui donner forme, à la frontière

silverware. Trained with Christofle

and medallist, Claudius Linossier is now

entre la chaudronnerie et l’orfèvrerie.

and Cardeilhac, then completed a

represented in 25 museums worldwide,

Formé chez Christofle et Cardeilhac,

short internship with Jean Dunand

including seven in the United States.

puis auprès de Jean Dunand (1877-1942),

(1877-1942)—well-known as a master

maître de la dinanderie et du laqué,

of dinanderie and lacquerwork—the

Discover Louis Pierson’s article, along

l’artiste se démarque par la richesse

artist developed a richly decorative

with the complete selection of works

de son langage décoratif, fondé sur un

language based on geometric motifs

by Claudius Linossier, on the Galerie

vocabulaire de motifs géométriques

inspired by Antiquity and by African

Marcilhac website.

inspirés de l’Antiquité, des arts africains

and Pre-Columbian art. His greatest

et précolombiens. Il innove surtout

innovation lay in revealing the natural

par sa recherche de couleurs propres

colours of metal through subtle alloys

au métal, obtenues grâce à un subtil

and a distinctive blowtorch patina. His

jeu d’alliages et à une patine réalisée

ambition was to reveal the material

au chalumeau. Son but : sublimer la

beauty of metal itself. His personal

matérialité même du métal. Sa carrière

career began in 1920 when he opened

1. Claudius Linossier (1893-1953). Plateau, 1925. © Cécil Mathieu Tray.

2. Claudius Linossier (1893-1953). Vases, 1922-1930. © Edouard Auffray Vases.

8, rue Bonaparte, 6e arr. 120, rue du Faubourg Saint-Honoré, 8e arr. www.marcilhacgalerie.com

3. Claudius Linossier (1893-1953).

Plateaux décoratifs. © Edouard Auffray Decorative trays.

personnelle débute en 1920 où il décide d’installer son atelier à Lyon. Dès lors, il devient membre de la Société des Artistes Décorateurs (SAD), et est exposé dans plusieurs galeries et salons en France et à l’étranger. Cette reconnaissance culmine lors de l’Exposition internationale de 1925, où ses dinanderies figurent dans six pavillons. L’engouement pour Claudius Linossier, également sculpteur et médailleur, explique aujourd’hui la présence de ses œuvres dans vingtcinq musées à travers le monde, dont sept aux États-Unis. Retrouvez l’article de Louis Pierson ainsi que l’ensemble des œuvres de Claudius Linossier sur le site de la Galerie Marcilhac.

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

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GALERIE RATTON-LADRIÈRE ART MÉDIÉVAL

Depuis Charles Ratton jusqu'à Sandrine Ladrière, le Moyen Âge s'inscrit au cœur de l'histoire de la galerie. From Charles Ratton to Sandrine Ladrière, the Middle Ages have remained at the heart of the gallery's identity.

C'est en 1980, à l'occasion d'une

à la sculpture et aux éléments

expertise sur un ivoire médiéval,

architecturaux, dont témoignent une

que Guy Ladrière rencontre Charles

tête d'ange provenant des ateliers de

Ratton au 14 rue de Marignan.

la cathédrale de Reims, un chapiteau

Depuis, la période médiévale est

roman et plusieurs sculptures en

devenue l’un des fils conducteurs de la

ivoire. Dans cette continuité, Sandrine

galerie, reliant les regards de Charles

Ladrière affirme à son tour son goût

Ratton, Guy Ladrière puis Sandrine

pour la sculpture en pierre et les objets

Ladrière. Cet automne, la galerie mettra

d'art, avec notamment une tête de roi

en lumière cette passion commune

bourguignonne aux délicats vestiges

à travers une exposition d’œuvres

de polychromie et une Allégorie de

acquises par ces trois personnalités.

la Foi en bronze doré. Une véritable

L’époque médiévale fascine très tôt

rencontre entre histoire, matière et

Charles Ratton, qui montre un vrai

émotion.

goût pour des objets alors en vogue sur le marché de l’art des années 1930

It was in 1980, during the appraisal

(sculptures en bois polychrome, en

of a medieval ivory carving, that Guy

pierre, candélabres, petit mobilier, mais

Ladrière first met Charles Ratton at

aussi textile avec les orfrois). Ce vif

14 rue de Marignan. Since then, the

intérêt a perduré tout au long de sa vie.

medieval period has become one of

Parmi les objets chinés figurent deux

the gallery's defining threads, linking

très belles pièces illustrant sa passion

the discerning eyes of Charles Ratton,

pour cette période : une clé en bronze

Guy Ladrière and, today, Sandrine

doré souvenir du Saint-Sépulcre

Ladrière. This autumn, the gallery

rapportée par un pèlerin bourguignon

celebrates this shared passion through

et un lion en albâtre à la patine

an exhibition of works acquired by

couleur de noyer, témoin des années

these three figures. Charles Ratton

écoulées. Guy Ladrière prolonge

developed an early fascination with the

ce regard à travers une approche

Middle Ages, showing a particular taste

plus particulièrement consacrée

for objects that were highly sought

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

MASH MAGAZINE

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after on the art market of the 1930s, including polychrome wooden and stone sculptures, candelabra, furniture and textiles. Among the objects he acquired are two remarkable works that reflect this lifelong passion: a gilded bronze key brought back from the Holy Sepulchre by a Burgundian pilgrim, and an alabaster lion whose walnut-coloured patina bears the marks of time. Guy Ladrière extended this vision through a particular focus on sculpture and architectural elements, represented here by an angel's head from the workshops of Reims Cathedral, a Romanesque capital and several ivory sculptures. Continuing this tradition, Sandrine Ladrière has developed a particular interest in stone sculpture and works of art, illustrated by a Burgundian king's head with delicate traces of its original polychromy and a gilded bronze Allegory of Faith. A remarkable encounter between history, material and emotion.

UNE RENCONTRE ENTRE HISTOIRE, MATIÈRE ET ÉMOTION. AN ENCOUNTER BETWEEN HISTORY, MATERIAL AND EMOTION.

1. France, XIVe-XVe siècle. Tête de roi en calcaire blanc. H: 26 cm; L: 20,5 cm; P: 22 cm. King's head in white limestone.

2. Strasbourg, Xlle siècle. Christ en bronze doré (auréole moderne). Christ figure in gilt bronze (modern halo).

3. Bourgogne, XVe siècle. Clé reliquaire en bronze doré sur socle en bois polychrome et doré. Gilt bronze reliquary key on a polychromed and gilt wooden base.

14, rue de Marignan, 8e arr. www.ratton-ladriere.com

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M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

GALERIE TAMÉNAGA ART MODERNE & CONTEMPORAIN

La galerie Taménaga réunit des peintures inédites de Kyosuke Tchinaï, où paysages, faune et flore prolongent la tradition picturale japonaise. Galerie Taménaga presents a new series of paintings by Kyosuke Tchinaï, where landscapes, flora and fauna extend the traditions of Japanese painting.

Depuis les années 1980, Kyosuke

confèrent à ses peintures un réalisme

d’arbres, de fleurs et d’oiseaux, où

are populated by rocks, trees, flowers

Tchinaï réinterprète les codes de la

minutieux. Après avoir longtemps fait

le réel glisse progressivement vers

and birds, where reality slowly gives

peinture japonaise traditionnelle dans

de sa fille le sujet principal de son

l’imaginaire : les grues dansent sous

way to the imaginary: cranes dance

une œuvre où le dessin occupe une

travail, il tourne progressivement

la lune, les rochers semblent naître

beneath the moon, rocks seem to

place centrale. Formé à l’Université

son regard vers une nature inspirée

d’un mouvement naturel, tandis que

emerge through natural forces,

des Arts de Tokyo et aujourd’hui

autant de paysages existants que

les cerisiers sont saisis dans l’instant

while cherry trees are captured at the

installé dans la préfecture de Saitama,

de la symbolique japonaise.

de leur floraison. Cette évolution est

fleeting moment of blossom. This

il développe un trait d’une grande

Fruit d’une imagination féconde, ses

au cœur d’une nouvelle exposition

evolution lies at the heart of a new

finesse et un sens du détail qui

compositions se peuplent de rochers,

proposée jusqu’au 31 octobre par la

exhibition, on view until 31 October

galerie Taménaga, qui accompagne

at Galerie Taménaga, which has

le travail de Kyosuke Tchinaï depuis

represented the artist for several

plusieurs décennies. Fondée à Tokyo

decades. Founded in Tokyo in 1969

en 1969 et installée à Paris en 1971,

before opening its Paris gallery in

la galerie s’est d’abord spécialisée

1971, Taménaga initially specialised

dans les grands maîtres européens

in the great European masters before

avant d’élargir progressivement

gradually expanding its programme to

sa programmation aux artistes

include contemporary artists. Around

contemporains. Une quarantaine de

forty previously unseen paintings

nouvelles œuvres dévoilées à cette

reveal a vision of nature in which close

occasion montrent une nature où

observation meets the imagination,

l’observation du réel dialogue avec

echoing the Japanese animist

l’imaginaire, dans le prolongement de

tradition that sees every element of

la tradition animiste japonaise selon

the natural world as possessing its

laquelle chaque élément de la nature

own spirit.

possède une âme. 1. Kyosuke Tchinaï, Camelia.

Since the 1980s, Kyosuke Tchinaï has reinterpreted the conventions of traditional Japanese painting through a body of work in which drawing remains central. Trained at

116 × 89 cm. © Galerie Taménaga

2. Kyosuke Tchinaï, Envol céleste. 162 × 114 cm. © Galerie Taménaga

Tokyo University of the Arts and now based in Saitama Prefecture, he has developed an exceptionally refined line and meticulous attention to detail, lending his paintings an extraordinary sense of realism. Having long made his daughter the central subject of his work, Tchinaï has gradually turned his attention to nature, drawing inspiration from both real landscapes and Japanese symbolism. Born of a richly 1.

imaginative vision, his compositions

18, avenue Matignon, 8e arr. www.tamenaga.com

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

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MASH MAGAZINE

GALLERIA CONTINUA ART CONTEMPORAIN

Hank Willis Thomas a rejoint le programme de GALLERIA CONTINUA avec trois expositions en 2026. Hank Willis Thomas joins the GALLERIA CONTINUA programme with three exhibitions in 2026.

Hank Willis Thomas (born in 1976, Plainfield, New Jersey) is a conceptual artist based in Brooklyn, New York, whose work explores perspective, identity, commodity, media, and popular culture, often through photography, sculpture, and text-

Inauguré le 17 septembre à Paris Matignon, le cycle d’expositions de l’artiste se poursuit dans les galeries GALLERIA CONTINUA de Rome et San Gimignano. Following its inauguration on September 17 at Paris Matignon, the artist's exhibition cycle continues at GALLERIA CONTINUA's galleries in Rome and San Gimignano.

based interventions. His practice has been exhibited internationally, including at the International Center of Photography, Guggenheim Museum Bilbao, the Musée du quai Branly in Paris, the Hong Kong Arts Centre, and the Witte de With Center for Contemporary Art. Thomas is widely recognised for his collaborative, socially engaged projects, including Question Bridge: Black Males, The Truth Booth, The Writing on the Wall, the Gun Violence Memorial 3.

Project, and For Freedoms, an artist-led organisation advancing creative civic

Hank Willis Thomas (né en 1976

en faveur de l'engagement civique

engagement. His public art practice

à Plainfield, New Jersey) est un

créatif. Sa pratique de l'art public

includes major permanent works such

artiste conceptuel basé à Brooklyn,

comprend des œuvres pérennes

as The Embrace (2023) on Boston

dont le travail explore la perspective,

majeures telles que The Embrace

Common, Duality (2023) in Miami,

l'identité, la marchandisation, les

(2023) sur le Boston Common,

and Unity in Downtown Brooklyn.

médias et la culture populaire, à

Duality (2023) à Miami et Unity

Among his honors are the 2022

travers la photographie, la sculpture

à Brooklyn. Parmi ses distinctions

U.S. Department of State Medal of

et des interventions textuelles.

figurent la Medal of Arts du

Arts, the Guggenheim Fellowship

Sa pratique a été exposée à

Département d'État américain (2022),

(2018), the Gordon Parks Foundation

l'international, notamment à

la bourse Guggenheim (2018),

Fellowship (2019), and the Soros

l'International Center of Photography,

la bourse de la Gordon Parks

Equality Fellowship (2017).

au Guggenheim Museum Bilbao, au

Foundation (2019) et la Soros Equality

He is a former member of the

Musée du quai Branly à Paris, au Hong

Fellowship (2017). Il a été membre

Public Design Commission for the

Kong Arts Centre et au Witte de With

de la Public Design Commission

City of New York. Thomas holds a

Center for Contemporary Art. Thomas

de la Ville de New York. Thomas

BFA from New York University and an

est particulièrement reconnu pour ses

est diplômé d'un BFA de New York

MA/MFA from the California College

projets collaboratifs à portée sociale,

University et d'un MA/MFA du

of the Arts, alongside honorary

dont Question Bridge : Black Males,

California College of the Arts, et

doctorates from CCA, the Maryland

The Truth Booth, The Writing on

détient des doctorats honorifiques du

Institute College of Art, and the

the Wall, le Gun Violence Memorial

CCA, du Maryland Institute College

Institute for Doctoral Studies in the

Project, et For Freedoms, une

of Art et de l'Institute for Doctoral

Visual Arts.

organisation initiée par des artistes

Studies in the Visual Arts.

THOMAS EST RECONNU POUR SES PROJETS COLLABORATIFS À PORTÉE SOCIALE. THOMAS IS RECOGNISED FOR HIS COLLABORATIVE, SOCIALLY ENGAGED PROJECTS. 1. Hank Willis Thomas, Embrace, 2026. Marbre de Ruivina, 64 × 60 × 50 cm. Œuvre unique. © Duccio Benvenuti - Art Store Courtesy of the artist & GALLERIA CONTINUA. Unique work, Ruivina marble.

2. Hank Willis Thomas, Everything

we see hides another thing, 2025. Marbre de Marquina, 32 × 45 × 25 cm. Ed. 3 unique variations + 1 AP. © Duccio Benvenuti - Art Store Courtesy of the artist & GALLERIA CONTINUA Marquina marble. Ed. 3 variations uniques + 1 AP.

2. Hank Willis Thomas. Courtesy of the artist & GALLERIA CONTINUA.

108, rue du fg. Saint-Honoré, 8e arr. www.galleriacontinua.com

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MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

GURR JOHNS ART MODERNE

Avec La couleur des sentiments, Gurr Johns explore l'œuvre de Marc Chagall à travers ce qui en constitue peut-être le langage le plus intime : la couleur. With The Colour of Emotion, Gurr Johns explores the work of Marc Chagall through what is perhaps its most intimate language: colour.

Chez Marc Chagall (1887-1985),

les personnages, accompagnée

variée, pour traduire la richesse des

and his concept of "inner necessity"

la couleur dépasse largement sa

du son d’instruments aux accents

rencontres qui se produisent dans son

as the true driving force behind artistic

fonction plastique pour devenir

tziganes. Loin d’être une confusion

esprit. Cette quête rejoint la vision de

creation. From L'Ange bleu, which

le langage privilégié de l'émotion

des sens qui se pressent et se

Vassily Kandinsky (1866-1944), pour

immerses us in Jacob's dream, to the

et de la mémoire ; elle ne sert pas

conjuguent chaotiquement, les choix

qui la spiritualité et la « nécessité

gentler tones of La Lecture, and the

à représenter le monde mais à le

chromatiques et leur agencement

intérieure » constituent le véritable

incandescent red of Résistance, each

réinventer. Cette couleur, à la fois

pensé et précis, reflètent dans son

moteur de la création artistique.

work unfolds like a musical score in

reine de son œuvre et confidente de

œuvre une logique toute poétique

De L'Ange bleu, qui nous plonge

which emotion and colour exist in

son intimité, dévoile toute la poésie

et musicale. En vrai synesthète, ce

dans le songe de Jacob, aux tonalités

perfect harmony. Through this group

de l’âme qui s’échappe sur les toiles

peintre des sentiments a choisi

plus apaisées de La Lecture, jusqu'au

of works, on view at 62 rue La Boétie

et les papiers, pour s’envoler avec

le pinceau et la couleur, vive et

rouge incandescent de Résistance,

until 8 December 2026, Gurr Johns

chaque œuvre compose une partition

reveals Chagall as a painter of the soul,

où les sentiments s'accordent avec

whose works give form to the fusion

les couleurs. À travers cet ensemble

of the senses, impressions and artistic

présenté au 62, rue La Boétie jusqu’au

vibrations, carrying the intimate into the

8 décembre 2026, Gurr Johns révèle

heart of the outer world.

un Chagall peintre de l'âme, dont les œuvres donnent à voir la fusion des sens, des impressions et des vibrations artistiques de l’intime au cœur du monde extérieur. For Marc Chagall (1887–1985), colour extends far beyond its pictorial function to become the privileged language of emotion and memory; it serves not to represent the world, but to reinvent it. At once the sovereign force of his work and the confidante of his inner life, colour reveals the poetry of the soul as it unfolds across canvases and works on paper, carrying his floating figures to the sound of gypsy-inspired music. Far from creating a chaotic confusion of the senses, Chagall's carefully orchestrated chromatic choices reveal

« IL N'Y A QU'UNE SEULE COULEUR QUI DONNE UN SENS À LA VIE ET À L'ART : LA COULEUR DE L'AMOUR. » "THERE IS ONLY ONE COLOUR THAT GIVES MEANING TO LIFE AND ART: THE COLOUR OF LOVE." Extrait de Marc Chagall : 1887-1985, Jacob Baal-Teshuva, 1998, Taschen.

a profoundly poetic and musical logic. A truly sensual artist, this painter of emotions chose brush and brilliant colour to express the richness of the 1. Marc Chagall (1887-1985),

2. Marc Chagall (1887-1985),

La lecture. Gouache sur papier, 58 × 48,5 cm.

L'ange bleu, peint vers 1975. Huile sur toile, 55 × 45 cm.

Gouache on paper.

Oil on canvas.

encounters taking place within his imagination. This quest echoes Wassily Kandinsky's vision of spirituality in art

62, rue La Boétie, 8e arr. www.gurrjohns.com

MASH MAGAZINE

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MASH MAGAZINE

HELENE BAILLY MARCILHAC ART IMPRESSIONNISTE, MODERNE & D’APRÈS-GUERRE

Un seul mot, et déjà un dédoublement. Reflection dit à la fois le reflet et la réflexion : l’image que renvoie une surface, et la pensée qui s’y attarde. A single word, yet already a double meaning. Reflection evokes both the image returned by a surface and the thought it sets in motion.

À l'occasion de MaSH, la galerie

For MaSH, HELENE BAILLY MARCILHAC

HELENE BAILLY MARCILHAC

presents Reflection, an exhibition

présente Reflection, une exposition

exploring one of the most universal

qui explore l'un des phénomènes les

phenomena of human experience: the

plus universels de notre expérience :

reflection. Present in water, mirrors and

le reflet. Présent dans l'eau, le miroir ou

another person's gaze, it sometimes

le regard de l'autre, il reproduit parfois

reflects reality, often transforms it, and

le réel, le transforme souvent

always invites us to question the way we

et nous invite toujours à interroger

perceive the world. From Impressionism

notre perception du monde.

to Cubism, from Renoir to Picasso,

De l'Impressionnisme au Cubisme, de

through Valtat, Marquet, and Friesz,

Renoir à Picasso en passant par Valtat,

Reflection explores the richness of a

Marquet et Friesz, Reflection explore

motif that runs through modern art.

la richesse d'un motif qui traverse

The exhibition is structured around

toute l’histoire de l'art moderne.

three themes. The first focuses on

L'exposition s'articule autour de trois

the manifestations of reflection in the

grands axes. Le premier s'intéresse

natural world. Water, light, and their

aux manifestations du reflet dans le

reverberations become privileged fields

monde naturel. L'eau, la lumière et

of experimentation, from Impressionist

leurs réverbérations deviennent des

research to Fauvist audacity and Cubist

terrains d'expérimentation privilégiés,

constructions. The second theme

des recherches impressionnistes

explores the correspondences between

aux audaces fauves puis aux

forms and figures. Symmetry, dialogues

constructions cubistes. Le deuxième

between presences, representations

explore les correspondances entre

of the double, and the coexistence of

formes et figures. Jeux de symétrie,

multiple viewpoints reveal the richness

représentation du double, dialogues

of the relationships that connect

entre présences ou coexistence de

beings and images. Finally, Reflection

plusieurs points de vue révèlent la

approaches reflection as an inner space.

richesse des relations qui unissent

Through dreams, metamorphosis, and

les êtres et les images. Enfin,

imagination, artists move beyond the

Reflection aborde le reflet comme

observation of reality to explore memory,

un espace intérieur. À travers le rêve,

desire, and the construction of identity.

la métamorphose et l'imaginaire,

Bringing together works created from

les artistes dépassent l'observation

the late nineteenth century to the twenty-

du réel pour explorer la mémoire, le

first century, the exhibition shows how a

désir et la construction de l'identité.

simple, familiar motif has enabled artists

Réunissant des œuvres réalisées de

to question perception, the relationship

la fin du XIX siècle au XXIe siècle,

to others, and self-knowledge.

l'exposition montre comment un motif simple et familier a permis aux artistes d'interroger la perception, la relation à l'autre et la connaissance de soi.

71, rue du Faubourg Saint-Honoré, 8e arr. 18, avenue Matignon, 8e arr. www.helenebaillymarcilhac.com

1. Paul Signac (1863-1935), Port-En-Bessin, 1884.

Huile sur toile, 61,5 × 38 cm. Signé en bas à gauche : P. Signac. Contresigné et titré sur le châssis : P. Signac ; Port-en-Bessin. © Cécil Mathieu

Unique piece. Stamped on the stem: Lalanne. Galvanised brass and copper.

Oil on canvas. Signed lower left: P. Signac. Signed again and titled on the stretcher: P. Signac; Port-en-Bessin.

3. Lynn Russell Chadwick (1914-2003),

2. Claude Lalanne (1925-2019),

Bronze. Numbered on the underside: 707S 5/8.

Le Baiser, circa 1970. Pièce unique. Cachet sur le pédoncule : Lalanne.

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M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

MARIANE IBRAHIM ART CONTEMPORAIN

Jusqu'au 19 décembre 2026, la galerie Mariane Ibrahim présente l'exposition personnelle d'Amoako Boafo, The Home I've Never Had. Until 19 December 2026, Mariane Ibrahim Gallery presents The Home I've Never Had, a solo exhibition by Amoako Boafo.

LE PORTRAIT EST AU CŒUR DE LA PRATIQUE DE AMOAKO BOAFO, MAIS SON ŒUVRE DÉPASSE LA SIMPLE REPRÉSENTATION. PORTRAITURE LIES AT THE HEART OF AMOAKO BOAFO'S PRACTICE, YET HIS WORK GOES BEYOND REPRESENTATION.

Le portrait est au cœur de l’œuvre

certains portraits masculins, où les

Portraiture lies at the heart of Amoako

suggest more nuanced forms of

d’Amoako Boafo. Depuis plusieurs

accessoires, les motifs et les couleurs

Boafo's work. For several years, the

identity. This distinctive approach

années, l’artiste représente presque

participent à une représentation

artist has focused almost exclusively

developed over the course of Boafo's

exclusivement des proches, des amis,

plus libre de la masculinité. Cette

on portraying family members, friends,

artistic journey. Trained in Accra,

des artistes et des personnalités

manière de peindre a pris forme au

fellow artists and other Black figures.

before continuing his studies at the

noires. En choisissant ces modèles,

fil du parcours de l’artiste. Formé à

By choosing these sitters, he brings

Academy of Fine Arts Vienna, he

il contribue à rendre plus visibles

Accra, puis à l’Académie des Beaux-

greater visibility to faces and bodies

gradually refined the painterly language

des visages et des corps longtemps

Arts de Vienne, Amoako Boafo y

that have long been underrepresented

that brought him international

sous-représentés dans l’histoire du

développe progressivement cette

in the history of Western portraiture.

recognition. His work is now held in the

portrait occidental. Cette volonté

écriture picturale qui le fait connaître

His subjects are matched by a highly

collections of the Centre Pompidou,

s’accompagne d’une écriture picturale

sur la scène internationale. Son travail

distinctive painterly technique. Each

the Solomon R. Guggenheim Museum

très personnelle, puisque tous

a depuis rejoint les collections du

portrait is painted directly with his

in New York, the Los Angeles County

sont peints directement au doigt,

Centre Pompidou, du Guggenheim

fingers, leaving visible traces of

Museum of Art and Vienna's Belvedere

laissant apparaître les empreintes

de New York, du Los Angeles

the artist's touch, while uncluttered

Museum. Represented by Mariane

du geste, tandis que les fonds

County Museum of Art ou encore

backgrounds draw the eye to the sitter.

Ibrahim since 2020, Boafo has been

restent volontairement épurés. Les

du Belvedere Museum de Vienne.

Clothing also plays a central role, with

the subject of several solo exhibitions

vêtements, leurs couleurs et leurs

Représenté par la galerie Mariane

colours, patterns and fabrics becoming

organised by the gallery in Chicago,

motifs occupent eux aussi une place

Ibrahim depuis 2020, Amoako Boafo

powerful means of expression. In many

Mexico City and Paris.

importante dans ses tableaux et

a fait l’objet de plusieurs expositions

of his male portraits, garments and

deviennent un moyen d’expression

personnelles organisées par la galerie

accessories challenge conventional

à part entière, notamment dans

à Chicago, Mexico et Paris.

representations of masculinity and

18, avenue Matignon, 8e arr. marianeibrahim.com

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

Vues de l’exposition I Have Been Here Before d’Amoako Boafo, Wooyang Art Museum, Corée du Sud (20 juillet30 novembre 2025). © Courtesy of the Wooyang Art Museum and Mariane Ibrahim.

129

Installation views of Amoako Boafo, I Have Been Here Before, Wooyang Art Museum, South Korea. July 20 – November 30, 2025.

MASH MAGAZINE

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

1. Joan Miró (1893–1983), Femme. Exécuté entre 1967 et 1970. Gouache sur papier noir, 65 × 50 cm. Signé « Miró » en bas à droite, daté VIII/67 et 3/IV/70 au verso. Cette œuvre est accompagnée d’un certificat d’authenticité délivré par l’ADOM (Association pour la Défense de l’Œuvre de Joan Miró). Gouache on black paper, 25 1/2 × 19 5/8 in. Signed Miró (lower right), dated VIII/67 and 3/IV/70 (on the reverse). This work is accompanied by a certificate of authenticity issued by ADOM (Association pour la Défense de l’Œuvre de Joan Miró).

2. Pablo Picasso (1881-1973),

Portrait de famille, 1962. Crayon sur lithographie sur papier, 50.5 × 65.7 cm. Daté 30.9.62 (en haut à gauche). © Succession Picasso 2026. Pencil over lithograph on paper, 19 7/8 × 25 7/8 in. Dated 30.9.62 (upper left).

MAYORAL ART ESPAGNOL DU XXE SIÈCLE

Une exposition collective réunit des œuvres modernes et contemporaines autour d’un même sujet : le portrait d’artiste. A group exhibition brings together modern and contemporary works exploring one enduring subject: the artist's portrait. Genre majeur de l’histoire de l’art,

encore Fernando Botero, aux côtés

One of the great genres in the history

Botero, alongside contemporary

le portrait est aussi l’un des plus

des créations de Jordi Alcaraz, José

of art, portraiture is also among its

artists Jordi Alcaraz, José Luis

libres. Entre représentation fidèle

Luis Barquero et Oriol Enguany.

most open to interpretation. Poised

Barquero and Oriol Enguany.

et interprétation, il révèle autant

De la figure féminine stylisée de

between faithful representation and

From Joan Miró's stylised Woman

son sujet que le regard de l’artiste.

Femme de Joan Miró au Portrait

artistic invention, it reveals as much

and Salvador Dalí's Portrait of Abel E.

C’est à cette diversité d’approches

d’Abel E. Fagen de Salvador

about the sitter as it does about the

Fagen, depicting one of his collectors,

que la galerie Mayoral consacre une

Dalí, consacré à l’un de ses

artist. It is this richness of approaches

to Pablo Picasso's Family Portrait,

exposition collective, à l’occasion

collectionneurs, en passant par

that Mayoral explores in a group

the exhibition demonstrates the many

de la semaine de l’art à Paris. Fondée

Portrait de famille de Pablo Picasso,

exhibition presented during Paris Art

forms and functions portraiture can

à Barcelone en 1989 et installée à

l’accrochage montre combien le

Week. Founded in Barcelona in 1989

assume. By bringing together modern,

Paris depuis 2019, la galerie s’est

portrait peut revêtir des formes

and based in Paris since 2019, the

post-war and contemporary works,

d’abord spécialisée dans l’art

et des fonctions variées, d’une

gallery initially specialised in Spanish

it also reveals the artistic affinities

moderne et d’après-guerre espagnol

œuvre à l’autre. En réunissant des

modern and post-war art before

that connect these generations.

avant d’élargir progressivement

créations modernes, d’après-guerre

gradually expanding its programme

A fitting opportunity to place

sa programmation aux grandes

et contemporaines, elle révèle

to encompass leading figures of

twentieth-century masters and

figures du XXe siècle et à la création

également les affinités qui traversent

the twentieth century alongside

contemporary artists in dialogue—

contemporaine internationale. Dans

ce corpus d’artistes. Une occasion

contemporary international artists.

an approach that has long defined

le cadre de cette exposition, elle met

idéale pour faire se rencontrer les

As part of this exhibition, it brings

the gallery's programme.

en regard une sélection d’œuvres de

grandes figures du XXe siècle et les

together works by Pablo Picasso,

Pablo Picasso, Joan Miró, Salvador

artistes contemporains, au cœur de la

Joan Miró, Salvador Dalí, Marc

Dalí, Marc Chagall, Antonio Saura, ou

programmation de la galerie.

Chagall, Antonio Saura and Fernando

36, avenue Matignon, 8e arr. www.galeriamayoral.com

132

MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

MENNOUR ART CONTEMPORAIN

Les grandes œuvres trouvent leur place dans les grands lieux. Mennour investit l'une des adresses les plus emblématiques du marché de l'art parisien. Great works deserve great settings. Mennour takes over one of the most emblematic addresses in the history of the Paris art market.

Fondée par Kamel Mennour

Dans le prolongement de son activité

Founded by Kamel Mennour in 1999,

25 years of close collaboration with

en 1999, la galerie poursuit son

de premier marché et du travail qu'elle

the gallery continues its expansion

artists and their Estates, the gallery

développement avec l'ouverture

mène depuis plus de 25 ans auprès

with the opening of a new 400 sq m

pursues a shared ambition: presenting

d'un nouvel espace de 400 m2,

des artistes et de leurs Estates, la

space at 26 Avenue Matignon, entirely

museum-quality historical works

entièrement dédié au second marché,

galerie affirme une même exigence :

dedicated to the secondary market and

while fostering a dialogue across

au 26 avenue Matignon, en lieu et

mettre en regard des œuvres

housed in the former Galerie Malingue.

generations of artists. In recent years,

place de la Galerie Malingue. Pendant

d'une qualité historique et muséale

For decades, the gallery founded by

Mennour has presented masterpieces

plusieurs décennies, la galerie fondée

exceptionnelle, dans un dialogue

Daniel Malingue championed many

by Alberto Giacometti, Francis

par Daniel Malingue, y a défendu les

entre différentes générations

of the twentieth century's greatest

Picabia, Pablo Picasso, Henri Matisse,

plus grands artistes du XXe siècle,

d'artistes. Au fil des dernières

artists, published landmark catalogues

Alexander Calder, Joan Mitchell,

publié des catalogues raisonnés

années, Mennour a présenté des

raisonnés, and helped establish

Tsuguharu Foujita and Yayoi Kusama.

devenus des références, et contribué

chefs-d'œuvre d'Alberto Giacometti,

Avenue Matignon as one of the historic

The new venue will also provide a

à faire de l'avenue Matignon l'un des

Francis Picabia, Pablo Picasso, Henri

centres of the Paris art market.

setting for monographic and thematic

hauts lieux du marché de l'art parisien.

Matisse, Alexander Calder, Joan

By taking over this address steeped

exhibitions dedicated to the major

En investissant cette adresse chargée

Mitchell, Tsuguharu Foujita ou encore

in history, Mennour both honours

figures of art history, while encouraging

d'histoire, Mennour prolonge cet

Yayoi Kusama. Ce nouvel espace

this remarkable legacy and opens a

new conversations between modern

héritage tout en ouvrant un nouveau

permettra désormais de développer

new chapter in its own story. The new

and contemporary art.

chapitre de son propre parcours.

des expositions monographiques et

space brings together major works by

Elle réunit ici des œuvres majeures

thématiques consacrées aux grandes

modern, post-war and contemporary

d'artistes modernes, d'après-guerre

figures de l'histoire de l'art, tout en

artists from prestigious private

et contemporains provenant de

élargissant le dialogue entre art

collections. Building on its primary

prestigieuses collections privées.

moderne et création contemporaine.

market programme and more than

1. 1. Vue de la façade de Mennour, 26 avenue Matignon, Paris.

View of the façade of Mennour, 26 Avenue Matignon, Paris.

2. Alexander Calder,

Turkish Delight, 1974. Tôle peinte et fil métallique, 31,7 × 40,6 × 22,8 cm. Painted sheet metal and wire.

Alberto Giacometti,

Portrait de Diego, 1947. Gouache sur papier, 40 × 26 cm ; 78,5 × 64,5 cm (encadré). Gouache on paper.

26, avenue Matignon, 8e arr. mennour.com

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

133

MASH MAGAZINE

134

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

1. François-Xavier Lalanne, Grande Carpe, 2002. Monogrammé "FXL", daté "2002" et numéroté "EA 4/4". Bronze doré, 76,2 × 144,8 × 29,2 cm. Édition de 8 + 4 EA, EA n°4/4. © Aurélien Mole Monogrammed "FXL", dated "2002", and numbered "EA 4/4". Gilt bronze, H 30 × 57 × 11 1/2 in. Edition of 8 + 4 artist's proofs; artist's proof no. 4/4.

2. Claude Lalanne, Lustre, 2013.

Monogrammé "CL", estampillé "LALANNE", daté "2013" et numéroté "1/1". Bronze doré, cuivre galvanisé H 112,5 × 128 cm. Unique. © Pauline Assathiany Monogrammed "CL", stamped "LALANNE", dated "2013", and numbered "1/1". Gilt bronze and galvanized copper. H 44 1/4 × 50 3/8 in. Unique piece.

3. François-Xavier Lalanne,

Le très grand ours, 1994-2015. Bronze, H 300 × 127 × 120 cm. Édition de 8. © Romain Darnaud Bronze, H 118 1/8 × 50 × 47 1/4 in. Edition of 8.

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

135

MASH MAGAZINE

MITTERRAND ART D’APRÈS-GUERRE

Depuis près de 40 ans, la galerie Mitterrand accompagne Claude et François-Xavier Lalanne, dont l'œuvre singulière continue de fasciner le monde entier. For nearly four decades, Galerie Mitterrand has represented Claude and François-Xavier Lalanne, whose singular body of work continues to captivate audiences worldwide.

Peu d'artistes auront trouvé dans

Few artists have found in the living

le monde vivant une source

world such an inexhaustible source

d'inspiration aussi inépuisable.

of inspiration. And few have created

Et peu auront construit un univers

a universe so instantly recognisable.

aussi immédiatement reconnaissable.

Claude (1925-2019) and François-Xavier

Claude (1925-2019) et François-

(1927-2008) Lalanne consistently stood

Xavier (1927-2008) Lalanne ont

apart from the artistic movements

toujours été à rebours des courants

of their time. Sculptors, craftsmen

artistiques de leur temps. À la fois

and poets in equal measure, they

sculpteurs, artisans et poètes, ils

profoundly redefined the boundaries

ont profondément renouvelé les

between sculpture, design and the

frontières entre sculpture, design et

decorative arts. By introducing function

arts décoratifs. En introduisant l'usage

into sculpture and poetry into everyday

dans la sculpture et la poésie dans

objects, they created an artistic

l'objet, ils ont donné naissance à un

language unlike any other, inspired

langage artistique qui échappe aux

by the animal and plant kingdoms,

conventions, inspiré par la faune et

in which humour, imagination and

la flore, où humour, imagination et

exceptional craftsmanship coexist with

excellence des savoir-faire dialoguent

remarkable freedom. Galerie Mitterrand

avec une rare liberté. La galerie

has represented Claude and François-

Mitterrand représente Claude et

Xavier Lalanne since its foundation in

François-Xavier Lalanne depuis sa

1988. This long-standing collaboration

fondation en 1988. Une collaboration

has played a major role in bringing

de longue date, qui a largement

their work to the attention of collectors,

contribué au rayonnement de leur

institutions and the wider public alike.

œuvre auprès des collectionneurs,

Ever since, the gallery has continued to

des institutions et du grand public.

foster this unique relationship through

Depuis, la galerie n'a cessé de faire

exhibitions, publications and ambitious

vivre cette relation privilégiée à travers

projects in France and abroad.

des expositions, des publications

From the gardens of the Château de

et des projets en France comme à

Chenonceau in 1991 to the Château

l'international. Des jardins du château

de Versailles in 2021, via Taiwan, the

de Chenonceau en 1991 au château

Parc de Bagatelle, Seoul and Geneva,

de Versailles en 2021, en passant par

these exhibitions beyond the gallery

Taïwan, le parc de Bagatelle, Séoul

walls have introduced their work to

ou Genève, ces expositions hors les

ever wider audiences. Today, creations

murs ont largement contribué à faire

by Claude and François-Xavier

découvrir leur travail à de nouveaux

Lalanne feature in some of the world's

publics. Aujourd'hui, les créations de

most prestigious public and private

Claude et François-Xavier Lalanne

collections.

figurent parmi les plus grandes collections publiques et privées à travers le monde.

28, avenue Matignon, 8e arr. mitterrand.com

136

MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

OPERA GALLERY ART CONTEMPORAIN

Opera Gallery célèbre Andy Warhol, Keith Haring et Jean-Michel Basquiat, trois artistes visionnaires qui ont redéfini les contours de l'art contemporain. Opera Gallery celebrates Andy Warhol, Keith Haring and Jean-Michel Basquiat, three visionary artists who redefined the boundaries of contemporary art.

WARHOL, BASQUIAT ET HARING ONT REDÉFINI L'ART ET L'ONT RENDU ACCESSIBLE À TOUS.

L'histoire de l'art est parfois bousculée

a transposé cette énergie brute sur la

par une simple poignée d'artistes.

toile, mêlant jazz, graffiti et identité noire.

Le New York des années 1970 et

Sa complicité avec Warhol donnera

1980 fut l'un de ces séismes créatifs,

naissance à de célèbres œuvres

porté par trois figures légendaires :

réalisées à quatre mains.

Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat

Haring, quant à lui, a propulsé le dessin

et Keith Haring. Opera Gallery est

à la craie des couloirs du métro sur

heureuse de réunir ces voix uniques

la scène internationale, inventant un

dans une exposition exceptionnelle à

vocabulaire visuel universel et engagé,

Paris. Warhol a révolutionné les codes

notamment dans la lutte contre le

de l'art contemporain en abolissant

sida. Évoluant dans le même monde,

les frontières entre art savant et

s’admirant et collaborant sur différents

commerce en célébrant la société

projets, chacun a pourtant réussi à

de consommation et le star system.

développer un style reconnaissable

Véritable mentor pour la génération

entre tous, changeant la pop culture

suivante, il a ouvert son atelier, la

à jamais. Quarante ans plus tard, leur

mythique Factory, à la jeunesse et à

héritage reste immense. Ensemble, ils

streets. Among them was Basquiat, who

l'énergie de la rue. Parmi elle, Basquiat,

ont redéfini l'art et l'ont rendu accessible

began as an enigmatic graffiti artist in

d’abord tagueur énigmatique du Lower

à tous. Opera Gallery vous invite à

Lower Manhattan before becoming

Manhattan devenu peintre de génie. Il

revivre cette rencontre légendaire.

a painter of extraordinary genius.

WARHOL, BASQUIAT AND HARING REDEFINED ART AND MADE IT ACCESSIBLE TO EVERYONE.

Art history is sometimes transformed by just a handful of artists. New York in the 1970s and 1980s was one such creative epicentre, shaped by three legendary figures: Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat and Keith Haring. Opera Gallery is delighted to bring these singular voices together in an exceptional exhibition in Paris. Warhol revolutionised the conventions of contemporary art by breaking down the boundaries between fine art and commerce, while celebrating consumer society and the star system. A true mentor to the next generation, he opened his studio—the legendary Factory—to the youth and energy of the

He channelled the raw vitality of the 1.

streets onto canvas, weaving together jazz, graffiti and Black identity. His close artistic dialogue with Warhol gave rise to a series of celebrated collaborative works. For his part, Haring brought chalk drawings from subway corridors to the international stage, creating a universal and activist visual language, particularly through his commitment to the fight against AIDS. Moving within the same world, admiring one another and collaborating on various projects, they each nevertheless succeeded in developing a style unlike any other, forever changing pop culture. Forty years later, their legacy remains immense. Together, they redefined art and made it accessible to everyone. Opera Gallery invites you to rediscover this legendary artistic encounter.

62, rue du Faubourg Saint-Honoré, 8e arr. www.operagallery.com

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

137

1. Jean-Michel Basquiat,

Batman, 1983. Bâton d'huile et feutre sur papier, 55,9 × 75,6 cm. Oilstick and felt-tip marker on paper.

2. Andy Warhol, Multicolored

Retrospective (Reversal series), 1979. Acrylique et encre sérigraphique sur toile, 128, 3 × 161, 9 cm. Acrylic and silkscreen ink on canvas.

MASH MAGAZINE

138

MASH MAGAZINE

OSCAR GRAF

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

Oscar Graf s'est installée en 2022

and Victor Horta. The gallery has since

rue du Faubourg Saint-Honoré, en

expanded its focus to include the

face du Bristol Paris et à quelques

Symbolists, represented by Gustave

pas de Christie's et de Sotheby's.

Moreau, Edward Burne-Jones and

Présente dans les plus grandes foires

Armand Point, as well as leading

internationales, parmi lesquelles

ceramicists, goldsmiths and enamellers

La galerie Oscar Graf met à l'honneur les précurseurs de la modernité dans les arts décoratifs.

TEFAF Maastricht, TEFAF New York,

such as Taxile Doat, William De

Frieze Masters ou Masterpiece

Morgan, Lucien Falize and Archibald

London, elle poursuit son engagement

Knox. After opening on Quai Voltaire

en exposant des œuvres majeures,

in 2011 and relocating to Rue de Seine

rigoureusement documentées,

in Saint-Germain-des-Prés two years

Oscar Graf gallery showcases the pioneers of modernity in the decorative arts.

qui témoignent de la richesse,

later, Oscar Graf Gallery moved to its

de l'inventivité et de l'héritage des

current premises on Rue du Faubourg

pionniers du design moderne.

Saint-Honoré in 2022, opposite The

ARTS DÉCORATIFS DU XXE SIÈCLE

Bristol Paris and just a few steps from Established in Paris in 2010, Oscar

Christie's and Sotheby's. A regular

Graf Gallery specialises in European

exhibitor at the world's leading art

Fondée à Paris en 2010, la galerie

Edward William Godwin, Charles

and American furniture and works of

fairs, including TEFAF Maastricht,

Oscar Graf est spécialisée dans le

Rennie Mackintosh, Frank Lloyd

art from the late nineteenth and early

TEFAF New York, Frieze Masters and

mobilier et les objets d'art européens

Wright, Josef Hoffmann, Henry van

twentieth centuries. This pivotal period

Masterpiece London, the gallery

et américains de la fin du XIXe et du

de Velde, Hector Guimard ou Victor

marked the emergence of modernity,

continues to champion these

début du XXe siècle. Cette période

Horta, et s'étend aujourd'hui aux

shaped by the British Aesthetic

movements by presenting important

charnière voit naître les débuts de la

symbolistes représentés par Gustave

Movement, French Japonisme, the Arts

works, meticulously researched and

modernité, marquée par l'essor de

Moreau, Edward Burne-Jones ou

and Crafts movement, Jugendstil, the

documented, reflecting the richness,

l'Aesthetic Movement britannique,

Armand Point, ainsi qu'aux grands

Vienna Secession and Art Nouveau.

creativity and enduring legacy of the

le japonisme français, les mouvements

céramistes, orfèvres et émailleurs,

Since its inception, the gallery has

pioneers of modern design.

Arts & Crafts, Jugendstil, la Sécession

tels Taxile Doat, William De Morgan,

showcased works by the leading

viennoise ou encore l'Art nouveau.

Lucien Falize et Archibald Knox.

figures of these movements, including

Depuis ses débuts, la galerie présente

Après avoir ouvert ses portes quai

Christopher Dresser, Edward William

les œuvres des figures majeures

Voltaire en 2011, puis rejoint la rue

Godwin, Charles Rennie Mackintosh,

de ces grands courants artistiques,

de Seine deux ans plus tard, à

Frank Lloyd Wright, Josef Hoffmann,

parmi lesquelles Christopher Dresser,

Saint-Germain-des-Prés, la galerie

Henry van de Velde, Hector Guimard

71, rue du fg. Saint-Honoré, 8e arr. oscar-graf.com

3. M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

139

MASH MAGAZINE

LA GALERIE OSCAR GRAF PRÉSENTE DES ŒUVRES MAJEURES DES PIONNIERS DU DESIGN MODERNE. THE OSCAR GRAF GALLERY PRESENTS MAJOR WORKS BY THE PIONEERS OF MODERN DESIGN.

1. Stand TEFAF

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

141

MASH MAGAZINE

PERRIN ARTS DÉCORATIFS DU XVIIE AU XIXE SIÈCLE

À la Galerie Perrin, Rome devient le fil conducteur d’un accrochage mêlant antiquités, mobilier et création contemporaine. At Galerie Perrin, Rome becomes the common thread of an exhibition bringing together antiquities, furniture and contemporary art.

À quoi ressemble Rome lorsqu’elle

What does Rome look like when

A portrait of the Emperor Commodus,

est racontée à travers des œuvres

told through works of art? This is the

a Roman Venus carved in bone and a

d’art ? C’est la question que pose

question explored by The Nomadic

vase from the Julio-Claudian period

The Nomadic Eye II: Rome,

Eye II: Rome, The Eternal Interior, the

are displayed alongside works by

The Eternal Interior, deuxième volet

second chapter in the collaboration

Lucio Fontana, Gavin Turk and Robert

de la collaboration entre la Galerie

between Galerie Perrin and curator

Rauschenberg. Specialising in 17th-,

Perrin et la commissaire d’exposition

Valérie Cueto, whose work promotes

18th- and early 19th-century works of art,

Valérie Cueto, qui promeut une

a more intuitive approach to art history.

Galerie Perrin has been run by a family

approche sensible de l’histoire de

Ancient sculptures, paintings, furniture,

of antiques dealers for three generations

l’art. Sculptures antiques, peintures,

decorative arts and contemporary

and enjoys bringing together works from

mobilier, arts décoratifs et œuvres

works are brought together in a single

different periods. With The Nomadic Eye

contemporaines y sont dévoilés au

display, where connections are shaped

II, it extends this approach by assembling

sein d’un même accrochage, où les

by forms, materials and motifs rather

pieces spanning from Antiquity to the

rapprochements se construisent par

than chronology. Under the guidance

21st century. Rather than placing them

les formes, les matières et les motifs

of antiques dealer Philippe Perrin, the

back within their historical context, the

plutôt que par la chronologie. Sous

gallery is transformed into an imaginary

exhibition reveals Rome as an enduring

l’impulsion de l’antiquaire Philippe

interior, evoking Roman palaces as much

source of inspiration for both artists and

Perrin, la galerie se transforme en

as collectors' homes and artists' studios.

collectors.

un intérieur imaginaire évoquant aussi bien les palais romains que les maisons de collectionneurs ou les ateliers d’artistes. Un portrait de l’empereur Commode, une Vénus romaine sculptée dans l’os ou encore un vase de l’époque julio-claudienne côtoient ainsi les œuvres de Lucio Fontana, Gavin Turk ou Robert Rauschenberg. Spécialisée dans les arts des XVIIe, XVIIIe et du début

1. Gavin Turk, Holy Egg, 2016. Acrylique sur toile, 173 × 122 cm ; Buste d’Hercule, Naples, XIXe siècle, bronze et marbre, H. 62 cm ; Haut-relief représentant une saison personnifiée (L’Été), art romain, IIe siècle, marbre blanc, 23 × 23 cm ; Lucio Fontana, Concetto Spaziale, 1964, terre cuite, 28 × 26 × 29 cm ; Giacometti, Médailles, bronze ; Console aux puttis, France fin du XVIIe siècle. Gavin Turk, Holy Egg, 2016. Acrylic on canvas, 173 × 122 cm; Bust of Hercules, Naples, 19th century, bronze and marble, H. 62 cm; High relief depicting a personification of a season (summer), Roman, 2nd century AD, white marble, 23 × 23 cm; Lucio Fontana, Concetto Spaziale, 1964, terracotta, 28 × 26 × 29 cm; Giacometti, Medals, bronze; Console Table with Putti, France, late 17th century.

2. Robert Rauschenberg, Anniversary (Salvage), 1984. Acrylique sur toile marouflée sur carton, 125,7 × 210,8 cm ; Masque de Méduse, Italie, vers 1820, albâtre, 50 × 23 cm ; Paire de bracelets à décor de spirales, Europe centrale, âge du bronze, culture des Tumuli, vers 1600–1200 avant. J.-C ; Paire d’obélisques, Sicile, première moitié du XVIIIe siècle, bois, carton, glace, verre aglomisé, argent doré, pâte de verre et laiton, H. 79 cm, L. 19 cm, P. 19 cm ; Diego Giacometti, Grand Duc, poignée de porte, bronze doré ; Vénus, rare sculpture romaine en os, IIe–IIIe siècle après J.-C., H. 16 cm ; Buste de Dionysos, d’après l’Antique, vers 1900, bronze patiné, H. 68 cm ; Commode Louis XVI ; François Fontelle, Louis XIV et Marie-Thérèse d’Autriche costumés en Roger et Angélique, Versailles, 1664, marbre blanc. Robert Rauschenberg, Anniversary (Salvage), 1984. Acrylic on canvas mounted on board, 49 ½ × 83 in; Medusa Mask, Italy, c. 1820, alabaster, 50 × 23 cm; Pair of Spiral Bracelets, Central Europe, Bronze Age, Tumulus Culture, c. 1600–1200 BC; Pair of Obelisks, Sicily, first half of the 18th century, wood, cardboard, mirror glass, verre églomisé, silver-gilt, glass paste and brass, 31 × 7½ × 7½ in; Diego Giacometti, Grand Duc, door handle, gilt bronze; Venus, rare Roman bone sculpture, 2nd–3rd century AD, H. 16 cm; Bust of Dionysus, after the Antique, c. 1900, patinated bronze, H. 68 cm; Louis XVI Commode; François Fontelle, Louis XIV and Maria Theresa of Austria Costumed as Ruggiero and Angelica, Versailles, 1664, white marble.

du XIXe siècle, la Galerie Perrin, tenue par une famille d’antiquaires depuis trois générations, aime mettre en regard des œuvres de différentes périodes. Avec The Nomadic Eye II, elle prolonge cette approche en réunissant des pièces allant de l’Antiquité au XXIe siècle. Loin de chercher à les replacer dans leur contexte historique, elle montre que Rome est une source perpétuelle d’inspiration, aussi bien pour les artistes que pour les collectionneurs.

98, rue du fg. Saint-Honoré, 8e arr. www.galerieperrin.com www.cuetoartadvisory.com

142

MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

PERROTIN ART CONTEMPORAIN

Depuis plus de 30 ans, Perrotin accompagne les artistes dans la durée, donnant naissance à des projets qui dépassent largement les murs de la galerie. For more than 30 years, Perrotin has supported artists over the long term, bringing projects to life beyond the gallery walls.

FIDÈLE À UN ESPRIT RÉSOLUMENT ÉCLECTIQUE, PERROTIN RÉUNIT PLUS DE 70 ARTISTES DE VINGT NATIONALITÉS.

Fondée à Paris par Emmanuel Perrotin

Founded in Paris by Emmanuel

generation or aesthetic. This long-

en 1990, la galerie s'est imposée

Perrotin in 1990, the gallery has

term commitment has helped bring

comme l'un des acteurs majeurs de

established itself as one of the

international recognition to artists

la scène artistique internationale.

leading forces on the international

including Sophie Calle, Maurizio

De Paris à Hong Kong, de New York

contemporary art scene. From Paris

Cattelan, Takashi Murakami, JR,

à Séoul, de Tokyo à Shanghai, de

and Hong Kong to New York, Seoul,

Jean-Michel Othoniel, Daniel Arsham

Los Angeles à Londres ou Dubaï,

Tokyo, Shanghai, Los Angeles,

and Claire Tabouret, whose work

elle déploie aujourd'hui un réseau

London and Dubai, it has built a

is now held by many of the world's

mondial au service d'une même

global network driven by a shared

leading museums and institutions.

ambition : accompagner les artistes

ambition: to support artists at every

Beyond its exhibition programme, the

à chaque étape de leur parcours

stage of their careers and provide

gallery also develops a publishing

et leur offrir les moyens de réaliser

them with the means to realise

programme alongside talks, podcasts,

des projets d’envergure. Fidèle à un

ambitious projects.

educational workshops and public

RESOLUTELY ECLECTIC IN ITS OUTLOOK, PERROTIN REPRESENTS MORE THAN 70 ARTISTS FROM TWENTY COUNTRIES.

esprit résolument éclectique, Perrotin

Resolutely eclectic in its outlook,

events. By creating new opportunities

réunit plus de 70 artistes de vingt

Perrotin represents more than

for dialogue between artists and

nationalités, figures majeures de l'art

70 artists from twenty countries,

audiences, Perrotin seeks to make

contemporain, artistes émergents et

bringing together internationally

contemporary art more widely

Estates, sans jamais se limiter à un

acclaimed figures, emerging

accessible. Through this diversity of

mouvement, une génération ou une

talents and Estates without being

initiatives, the gallery continues to

esthétique. Cette approche au long

defined by any single movement,

champion a vision of the gallery as a

cours a contribué à faire rayonner

vibrant cultural space, rooted in the

le travail d'artistes tels que Sophie

present and committed to sharing

Calle, Maurizio Cattelan, Takashi

knowledge.

Murakami, JR, Jean-Michel Othoniel, Daniel Arsham ou Claire Tabouret, aujourd'hui présents dans les plus grandes institutions internationales.

Au-delà des expositions, la galerie

Perrotin gallery façade, 8 Avenue Matignon.

développe une activité éditoriale, organise conférences, podcasts, ateliers et événements, tout en publiant livres et éditions d'artistes. Une manière de prolonger le dialogue avec les œuvres, de créer de nouveaux espaces de rencontre entre les artistes et les publics, et de rendre l'art contemporain accessible au plus grand nombre. À travers cette diversité de formats, Perrotin défend une vision de la galerie comme un lieu vivant, ouvert sur son époque et résolument tourné vers le partage des savoirs.

2 bis, avenue Matignon, 8e arr. 8 avenue Matignon, 8e arr. perrotin.com

143

MASH MAGAZINE

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PIERRE CORNETTE DE SAINT CYR ART MODERNE & CONTEMPORAIN

Pendant la semaine d'Art Basel Paris, Booth 207 présente un accrochage exceptionnel consacré à l'art américain. During Art Basel Paris week, Booth 207 presents an exceptional exhibition dedicated to American art.

Jeff Sonhouse, Untitled, 2015.

Huile et technique mixte sur toile, 203 × 275 cm. Oil and mixed media on canvas.

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

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MASH MAGAZINE

L'AMÉRIQUE A TOUJOURS PRODUIT DES IMAGES QUI DÉBORDENT LEUR CADRE. AMERICA HAS ALWAYS PRODUCED IMAGES THAT EXCEED THEIR FRAME.

Josef Albers (1888 - 1976),

Study to Homage to the Square: Trusted, 1958. Huile sur masonite, 76,2 × 76,2 cm. Monogrammée et datée en bas à droite (« A58 ») ; signée, titrée et datée au revers. Oil on masonite, 30 × 30 in. Monogrammed and dated lower right "A58"; signed, titled and dated on the reverse.

L'Amérique a toujours produit des

Robert Mapplethorpe, Jean-Michel

America has always produced images

image can hold, transmit, resist.

images qui débordent leur cadre.

Basquiat, Josef Albers, Robert

that exceed their frame. Images

Here, the formal rigor of Albers

Des images qui ne documentent pas

Rauschenberg, Alex Katz, Andy

that do not document a reality but

answers the explosive energy of

une réalité, mais la fabriquent, qui

Warhol, parmi d'autres. Celle de ce

manufacture it, that construct what

Basquiat. The cool elegance of

construisent ce qu'elles prétendent

que l'image peut contenir, transmettre

they claim merely to show. This is not

Katz speaks to the symbolic density

seulement montrer. Rien de tout

et opposer comme résistance. Ici, la

a neutral operation. Every image of

of Mapplethorpe. Rauschenberg

cela n'est neutre. Chaque image

rigueur formelle d'Albers répond à

America is also a claim about what

absorbs the world and gives it

de l'Amérique porte en elle une

l'énergie explosive de Basquiat.

America is, what it can be, what it

back transformed. Warhol made it

affirmation sur ce qu'est l'Amérique,

La froideur élégante de Katz dialogue

refuses to become. That is the power

indissociable from its own image.

sur ce qu'elle pourrait être et sur ce

avec la densité symbolique de

this exhibition is about. At its centre,

No filler, no imposed hierarchy.

qu'elle refuse de devenir. C'est à

Mapplethorpe. Rauschenberg absorbe

a large-scale work by Jeff Sonhouse.

Each work was chosen for its

cette puissance que s'intéresse cet

le monde et le restitue transformé.

A monumental painting, one of the

irreducible place in the artist's career,

accrochage. Au centre, un grand

Warhol l'a rendu indissociable de sa

most accomplished of his career, that

and for what it continues to do to

format de Jeff Sonhouse. Une

propre image. Pas de remplissage,

asserts itself before you have had time

those who stand before it, long after.

peinture monumentale, l'une des plus

pas de hiérarchie imposée. Chaque

to understand it. The kind of work that

These are not works that decorate a

abouties de sa carrière, qui s'impose

œuvre a été choisie pour la place

changes the room it is in. The kind that

space. They inhabit it. They demand

avant même qu'on l'ait comprise. Une

irréductible qu’elle occupe dans

stays with you. Around it, a group of

something back.

œuvre qui transforme l'espace qu’elle

l’œuvre de l’artiste, et pour ce qu'elle

artists who have each asked the same

occupe. Une œuvre qui demeure

continue d'exercer sur celles et ceux

question through radically different

bien après le premier regard. Autour

qui la regardent, longtemps après.

means: Robert Mapplethorpe, Jean-

d’elle, un ensemble d'artistes qui ont

Ce ne sont pas des œuvres qui

Michel Basquiat, Josef Albers, Robert

chacun posé la même question par

décorent un espace. Elles l'habitent.

Rauschenberg, Alex Katz, Andy Warhol,

des moyens radicalement différents :

Elles exigent quelque chose en retour.

among others. The question of what an

29, avenue Franklin D. Roosevelt (rez-de-chaussée), 8e arr. pierrecornettedesaintcyr.com

146

MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

PRON ART CONTEMPORAIN

Cet automne, la galerie Pron présente, sous le commissariat de Luca Massimo Barbero, l'artiste Runo B, dont l'œuvre fait dialoguer peinture, céramique et imaginaire contemporain. This autumn, Pron presents Runo B, curated by Luca Massimo Barbero, whose work brings painting, ceramics and the contemporary imagination into conversation.

Né en Chine en 1992, Runo B vit et

toujours nouvelles. Développée à

inédit d'œuvres illustrant les évolutions

Curated by Luca Massimo Barbero, this

travaille entre Venise et Jingdezhen.

Jingdezhen, berceau historique de

récentes de son œuvre. Inspirées de

monographic exhibition at Pron brings

Il se définit avant tout comme un

la porcelaine chinoise, la céramique

situations bien réelles – la pandémie,

together a new body of work reflecting

peintre, considérant la peinture moins

occupe une place centrale dans cette

le travail des livreurs, les mutations du

the latest developments in his artistic

comme un médium que comme une

recherche, prolongeant sa réflexion

monde urbain ou les objets de la vie

practice. Drawing on everyday

manière d'observer le monde.

sur la circulation des matériaux et des

quotidienne –, ses compositions ne

realities—from the pandemic and the

Qu'il travaille sur toile, sur papier ou

imaginaires. Présentée à la galerie

cherchent jamais à raconter le réel :

lives of delivery riders to urban change

en céramique, les images circulent

Pron, sous le commissariat de Luca

elles le transforment. Figures humaines,

and ordinary consumer objects—Runo

d'un support à l'autre, se recomposent

Massimo Barbero, cette exposition

animaux et objets s'y métamorphosent

B's works never seek to document

et donnent naissance à des formes

monographique réunit un ensemble

dans un langage pictural où chaque

reality; instead, they transform it.

image révèle la poésie cachée des

Human figures, animals and familiar

expériences ordinaires. Nourrie par un

objects continually shift and merge

parcours entre la Chine et l'Europe,

within a pictorial language in which

l'œuvre de Runo B dépasse les

each image reveals the hidden poetry

frontières culturelles pour interroger

of everyday experience. Shaped by

ce qui relie les êtres humains.

a life between China and Europe,

Déjà présenté dans plusieurs

his work moves beyond cultural

institutions et collections en Europe

boundaries to explore what unites

et en Asie, l'artiste affirme ici une

human experience. Already exhibited

écriture plastique singulière, où

by major institutions and collections

peinture et céramique dialoguent

across Europe and Asia, Runo B has

dans un même mouvement de

developed a distinctive visual language

transformation.

in which painting and ceramics evolve

together through a shared process of L’exposition de Runo B est présentée

transformation.

jusqu’au 7 novembre 2026. The exhibition Runo B is on view Born in China in 1992, Runo B lives

until 7 November 2026.

and works between Venice and Jingdezhen. He has always regarded himself first and foremost as a painter,

1. Runo B, Power Jar, 2026.

seeing painting not simply as a

medium but as a way of observing and

Glazed porcelain.

understanding the world. Whether working on canvas, paper or ceramics,

2. Runo B, Apple Rain, 2026

images move freely from one material

to another, constantly recombining

Glazed porcelain.

to generate new forms. Developed in Jingdezhen, the historic birthplace of Chinese porcelain, ceramics play a central role in his practice, extending his exploration of the circulation of materials and imagined worlds.

75, rue du fg. Saint-Honoré, 8e arr. www.pron.fr

LES COMPOSITIONS DE RUNO B NE CHERCHENT JAMAIS À RACONTER LE RÉEL : ELLES LE TRANSFORMENT. DRAWING ON EVERYDAY REALITIES, RUNO B'S WORKS NEVER SEEK TO DOCUMENT REALITY; INSTEAD, THEY TRANSFORM IT.

MASH MAGAZINE

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M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

SKARSTEDT ART MODERNE & CONTEMPORAIN

De New York à Paris, Skarstedt défend une approche curatoriale où l'exposition prend une dimension muséale et offre un propos scientifique rigoureux, bien au-delà de la simple présentation d'œuvres. From New York to Paris, Skarstedt embraces a museum-quality curatorial approach that goes far beyond the simple presentation of works of art.

Installée Avenue Matignon depuis 2021, la galerie Skarstedt s'est rapidement imposée comme une référence du second marché parisien, développant une programmation en résonance avec les grandes rétrospectives, les institutions et les collections internationales. Chaque exposition s’inscrit dans cette démarche curatoriale consacrée aux artistes majeurs des XXe et XXIe siècles, tout en offrant un regard renouvelé sur leur oeuvre. À travers ces projets, Skarstedt réaffirme le rôle de l’exposition comme espace de réflexion intellectuelle, contribuant activement au rayonnement de la scène artistique parisienne. Cet automne, la galerie réunira les artistes Yves Tanguy (1900-1955) et Alberto Giacometti (1901-1966) dans une exposition inédite faisant dialoguer les êtres-objets du peintre breton avec les œuvres peintes et sculptées du maître suisse. Là où Tanguy cherche le monde en l'absence de l'homme, Giacometti cherche l'homme comme dernière mesure du monde. L'un fait du paysage le lieu de la survivance ; l'autre fait de la figure humaine le dernier territoire du réel. À travers cette confrontation, l'exposition révèle deux conceptions profondément différentes de notre rapport à la survivance, à la nature et à la réalité. Des prêts d'institutions internationales viendront enrichir cet ensemble, révélant les résonances formelles et poétiques qui unissent ces deux figures majeures de l'histoire de l'art. Une invitation à redécouvrir leur héritage à la lumière des connaissances et des regards contemporains.

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

1. Alberto Giacometti, Diego assis [Homme à mi-corps], 1964-1965, bronze patiné, 59.1 × 18.7 × 28.3 cm. © Succession Alberto. © Giacometti / Adagp, Paris 2026.

149

MASH MAGAZINE

Patinated bronze, 23 1/4 × 7 3/8 × 11 1/8 in.

2. Galerie Skarstedt Paris. © Nicolas Brasseur. 2. Yves Tanguy, La Cage des Temps, 1951. Huile sur panneau, 33 × 40.6 cm. © 2026 Estate of Yves Tanguy / Artists Rights Society (ARS), New York. Oil on panel, 8 7/8 × 10 in.

LÀ OÙ TANGUY CHERCHE LE MONDE EN L'ABSENCE DE L'HOMME, GIACOMETTI CHERCHE L'HOMME COMME DERNIÈRE MESURE DU MONDE. WHERE TANGUY SEEKS THE WORLD IN THE ABSENCE OF MANKIND, GIACOMETTI SEEKS HUMANITY AS THE ULTIMATE MEASURE OF THE WORLD. 3.

Established on Avenue Matignon

absence of mankind, Giacometti

in 2021, Skarstedt has become

seeks humanity as the ultimate

one of the most influential galleries

measure of the world. One makes

on the Parisian secondary market,

the landscape a place of survival

developing a programme in dialogue

and renaissance; the other makes

with major retrospectives, museums

the human figure the final territory

and international collections. Each

of reality and hope. Through

exhibition forms part of this curatorial

this juxtaposition, the exhibition

vision, offering fresh perspectives on

reveals two profoundly different

the leading artists of the twentieth

conceptions of our relationship

and twenty-first centuries. Skarstedt

to reality, survival, and existence.

reaffirms the role of the exhibition

Featuring unique works alongside

as a space for intellectual reflection,

loans from international institutions,

actively contributing to the influence

the exhibition sheds light on the

and vitality of the Parisian art scene.

formal and poetic resonances that

This autumn, the gallery will bring

unite these two major figures of art

together Yves Tanguy (1900–1955)

history, and present an invitation to

and Alberto Giacometti (1901–1966) in

rediscover their legacy through the

a landmark exhibition exploring the

lens of contemporary perspectives.

dialogue between the Breton painter's enigmatic biomorphic forms and the Swiss master's paintings and sculpture. Where Tanguy seeks the world in the

2, avenue Matignon, 8e arr. www.skarstedt.com

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MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

STÉPHANIE COUTAS ARCHITECTURE D’INTÉRIEUR, DÉCORATION & GALERIE D’ART

L’onyx inspire la nouvelle collection de mobilier de Stéphanie Coutas, entre design, artisanat et sculpture. Onyx takes centre stage in Stéphanie Coutas's latest furniture collection, where design, craftsmanship and sculpture converge.

C’est à l’onyx que l’architecte d’intérieur,

parisien, ces nouvelles créations

témoigne de son approche du mobilier

designer et galeriste Stéphanie Coutas

prennent place aux côtés de ses

comme d’une véritable pièce de

consacre sa nouvelle collection de

collections de mobilier et de luminaires,

collection, à la croisée du design, de

mobilier. Nommée Cohiba, la ligne

ainsi que d’une sélection d’œuvres

l’artisanat et de la sculpture.

décline cette pierre naturelle à travers

d’art contemporain. Pensé comme un

un fauteuil, un canapé, une console et

écrin, cet espace reflète l’univers de la

Interior architect, designer and gallerist

une table basse, où elle sublime le bois

designer, qui développe depuis 2015

Stéphanie Coutas has devoted her

laqué brillant, les tissus texturés et les

ses propres collections de mobilier en

latest furniture collection to the beauty

mosaïques de pierre réalisées à la main.

parallèle de ses projets d’architecture

of onyx. Entitled Cohiba, the series

Véritable fil conducteur de l’ensemble,

intérieure. Parmi les œuvres présentées

includes an armchair, a sofa, a console

l’onyx accompagne une réflexion sur

figure également Mutatio, une

and a coffee table, combining this

les liens entre pierre minérale, volumes

sculpture conçue en collaboration

striking natural stone with high-gloss

sculpturaux et savoir-faire artisanaux,

avec le sculpteur belge Guy Buseyne.

lacquered wood, richly textured fabrics

dont chaque pièce propose une

Composée de trois éléments librement

and hand-crafted stone mosaics.

interprétation singulière. Présentées

modulables, elle repose sur un socle

Serving as the collection's unifying

dans la galerie que Stéphanie Coutas

monolithique imaginé par Stéphanie

element, onyx underpins a dialogue

a inaugurée au cœur du Triangle d’or

Coutas. Une création originale qui

between mineral materials, sculptural forms and exceptional craftsmanship, 1.

L'ONYX SUBLIME LE BOIS LAQUÉ BRILLANT, LES TISSUS TEXTURÉS ET LES MOSAÏQUES DE PIERRE. ONYX ENHANCES HIGH-GLOSS LACQUERED WOOD, TEXTURED FABRICS AND STONE MOSAICS.

with each piece offering its own distinctive interpretation. Presented in the gallery Stéphanie Coutas inaugurated in the heart of Paris's Golden Triangle, these new designs are displayed alongside her furniture and lighting collections, as well as a curated selection of contemporary artworks. Conceived as an intimate setting, the gallery reflects the designer's creative universe, developed alongside her interior architecture practice since launching her own furniture collections in 2015. Also on view is Mutatio, a sculpture created in collaboration with the Belgian sculptor Guy Buseyne. Composed of three freely configurable elements resting on a monolithic base designed by Coutas, it embodies her vision of furniture as a true collector's piece, at the intersection of design, craftsmanship and sculpture.

10, avenue Matignon, 8e arr. stephaniecoutas.com

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

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MASH MAGAZINE

1. Robert Combas, La mare aux sons cogneurs. flap ! flap ! frimeurs. Violence en couleur. Guitares aux cris ravageurs ! Méchant rythme de basse violeur d'oreilles. Batterie à fond la caisse. pam ! pam ! poum ! poum ! 2026. Acrylique sur toile, 200 × 190 cm.

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

2, avenue Matignon, 8e arr. www.stroukgallery.com

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

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MASH MAGAZINE

STROUK GALLERY ART FIGURATIF

Artiste pluridisciplinaire, Robert Combas déploie un univers foisonnant, nourri d’histoires, de couleurs et de culture populaire. A multidisciplinary artist, Robert Combas conjures up a teeming, vibrant world nourished by stories, colours, and popular culture.

Il est de ceux qui bousculent les conventions. Son inspiration ? Il la puise dans les bandes dessinées, le rock ou encore les mythologies urbaines. Né à Lyon en 1957, Robert Combas grandit à Sète dans un environnement peuplé de silhouettes qui ne quitteront jamais sa palette. Artiste aux multiples facettes, il se tient à distance des codes et des règles académiques. Son œuvre reflète une liberté assumée : couleurs saturées, signes familiers, motifs inspirés des BD ou du graffiti, figures humaines souvent grouillantes et narratives. Sur chaque toile, rien n’est laissé au hasard, pas même le trait noir, vif et affirmé, qui structure l’espace pictural. Derrière cette profusion se dessine un univers animé et vivant, à travers lequel l’artiste aborde des thèmes comme l’amour, la violence ou la guerre. Cette manière de faire coexister influences populaires et références artistiques l’a imposé comme l’un des pionniers de la Figuration Libre. En accompagnant ce mouvement au début des années 1980, il a remis la peinture et le dessin au premier plan, à une époque dominée par l’art conceptuel. Exposées à la galerie Strouk, les œuvres de Robert Combas revendiquent une toile pleinement investie, pensée comme un terrain

mythologies. Born in Lyon in 1957,

left to chance, not even a black line, bold

dominated by conceptual art.

d’exploration et marquée par l’humour,

Robert Combas grew up in Sète in an

and assertive, structuring the pictorial

On display in the Galerie Strouk,

le grotesque et la spontanéité. Loin de

environment inhabited by silhouettes

space. Beyond this profusion, a lively,

works by Robert Combas present fully

l’abstraction, il fait de chaque tableau

which remained forever on his palette.

vibrant world emerges in which the artist

committed canvases seen as fields of

une scène habitée, où l’œil du public

A multi-faceted artist, he keeps his

addresses themes such as love, violence

exploration and marked by humour,

est invité à lire, à déchiffrer, parfois à se

distance from academic rules and codes.

or war. This way of making popular

spontaneity and the grotesque.

perdre avant de se laisser surprendre.

His work lays claim to unapologetic

influences and artistic references coexist

Far from abstraction, he makes each

freedom: saturated colours, familiar signs,

made him one of the pioneers of Free

work an inhabited stage where the

He is one of those artists who overthrow

motifs inspired by comics or graffiti,

Figuration. When joining this movement

public’s eye is invited to read, decipher,

conventions. He draws inspiration from

human figures often bustling around and

in the early 1980’s, he reinstated painting

and sometimes lose its way before

comic strips, rock’n roll and urban

telling stories. On the canvas, nothing is

and drawing at centre-stage, in an era

letting itself be taken in.

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MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

TORNABUONI ART ART ITALIEN DU XXE SIÈCLE

À l’occasion du centenaire de la naissance d’Arnaldo Pomodoro, Tornabuoni Art célèbre son amitié avec Ettore Sottsass et Ugo Mulas. To mark the centenary of Arnaldo Pomodoro's birth, Tornabuoni Art celebrates his friendship with Ettore Sottsass and Ugo Mulas.

Trois piliers de la scène artistique

Pomodoro débute sa carrière par

intérieurs. Parallèlement, la première

artistic ferment of the period, with

milanaise, le sculpteur Arnaldo

la création de bijoux avant de se

exposition de Pomodoro et Sottsass

whom he formed a deep friendship.

Pomodoro, le designer Ettore Sottsass

tourner vers la sculpture à la fin

en 1958 marque le début d’une

Over 20 years, Mulas documented

et le photographe Ugo Mulas ont

des années 1950. C’est alors qu’il

collaboration déterminante, comme

the emergence of Pomodoro’s artistic

laissé une marque indélébile sur

fait la connaissance d’Ugo Mulas,

en témoigne le cliché de Mulas pris

language, based on geometric forms

l’espace public, privé et la mémoire

témoin privilégié de l’effervescence

dans l’appartement de Pomodoro

whose surfaces he fractured to reveal

collective, bien au-delà de la ville

artistique de l’époque, avec lequel

conçu par Sottsass. « Peut-être est-

their inner mechanisms. At the same

de leur rencontre. Un an après la

il lie une amitié profonde. Pendant

ce précisément de rencontres et de

time, Pomodoro and Sottsass’s first

disparition de Pomodoro, Tornabuoni

vingt ans, Mulas capture l’essor

fréquentations comme celles-ci qu’est

exhibition together in 1958 marked the

Art célèbre leurs destins croisés et

du langage de Pomodoro, fondé

née l’idée – ou plutôt la nécessité – de

beginning of a defining collaboration,

le dialogue qui a accompagné leurs

sur des formes géométriques

remettre la tradition à zéro, de trouver

as illustrated by Mulas’s photograph

évolutions respectives. Figure majeure

dont il fracture les surfaces

une nouvelle méthode, un nouveau

taken in Pomodoro’s apartment,

de l’après-guerre italien, Arnaldo

pour en révéler les mécanismes

modèle de représentation », écrit le

commissaire de l’exposition Alberto

was precisely from encounters and

Salvadori, Directeur de l’Archivio

relationships such as these that the

Mulas. L’exposition « Pomodoro &

idea—or rather the necessity—arose to

Sottsass : une amitié vue par Ugo

reset tradition, to find a new method,

Mulas » célèbre ainsi la richesse

a new model of representation,” writes

des échanges qui ont constitué un

exhibition curator Alberto Salvadori,

terreau exceptionnellement fertile

Director of the Archivio Mulas.

pour l’art italien. Elle est accompagnée

The exhibition ''Pomodoro & Sottsass:

d’un catalogue avec des textes

A Friendship Seen by Ugo Mulas''

d’Alberto Salvadori et Ivan Mietton,

celebrates the rich exchanges that

spécialiste d’Ettore Sottsass et d’une

created an exceptionally fertile ground

scénographie de Charles Zana.

for Italian art. It is accompanied by a catalogue featuring texts by Alberto

Three pillars of Milan’s artistic scene,

Salvadori and Ivan Mietton, a Sottsass

sculptor Arnaldo Pomodoro, designer

specialist, with exhibition design by

Ettore Sottsass, and photographer

Charles Zana.

Ugo Mulas, left an indelible mark on public and private spaces, as well as the collective imagination, far beyond the city where they first met. One year after Pomodoro’s

1. Arnaldo Pomodoro,

Ruota I, 1995. Bronze, Ø 150 cm. Courtesy Tornabuoni Art.

passing, Tornabuoni Art celebrates their intertwined destinies and the dialogue that accompanied their

artistic development. A major figure in postwar Italian art, Arnaldo Pomodoro began his career designing jewellery before turning to sculpture in the late 1950s. It was then that he met Ugo 1.

Mulas, a privileged witness to the

16, avenue Matignon, 8e arr. www.tornabuoniart.com

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

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MASH MAGAZINE

POMODORO, SOTTSASS ET MULAS SONT LES PROTAGONISTES D’UNE ÉPOQUE MARQUÉE PAR UNE RARE SYNERGIE ENTRE DIFFÉRENTS MODES D’EXPRESSION. POMODORO, SOTTSASS AND MULAS ARE THE PROTAGONISTS OF AN ERA DEFINED BY A RARE SYNERGY BETWEEN DIFFERENT FORMS OF EXPRESSION.

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

157

MASH MAGAZINE

UNIVERS DU BRONZE SCULPTURE DES XIXE, XXE ET XXIE SIÈCLES

Entre sculpture, design et arts décoratifs, Hubert Le Gall, Umberto et Jean-Marie Fiori proposent une interprétation très personnelle du monde animal. Blending sculpture, design and the decorative arts, Hubert Le Gall, Umberto and Jean-Marie Fiori offer two highly distinctive interpretations of the animal world.

Des profondeurs marines aux créatures

From the depths of the ocean to

imaginaires, la nature constitue le

imaginary creatures, nature forms

fil conducteur de l’exposition que

the common thread of the exhibition

présente cet automne la galerie

presented this autumn by Univers du

Univers du Bronze. Baptisée HUBERT

Bronze. Entitled HUBERT LE GALL |

LE GALL | UMBERTO | FIORI, elle

UMBERTO | FIORI, it brings together

rassemble Hubert Le Gall, Umberto

Hubert Le Gall, Umberto and Jean-

et Jean-Marie Fiori autour de trois

Marie Fiori through three distinct

interprétations personnelles de la

interpretations of the natural world.

nature. Collaborateur de la galerie

Working with the gallery for more

depuis plus de vingt ans, Umberto

than twenty years, Umberto draws

puise son inspiration dans les

inspiration from marine ecosystems

écosystèmes marins, dont il transpose

and the living world, translating their

les mouvements et les lignes dans

rhythms and organic forms into refined

des bronzes aux formes épurées.

bronze sculptures. Jean-Marie Fiori,

Jean-Marie Fiori imagine quant à

meanwhile, has created a bestiary in

lui un bestiaire où animaux réels et

which real and imagined creatures

fantastiques deviennent sculptures,

become sculptures, seating and

sièges ou consoles, à la croisée de

console tables, at the crossroads of

l’art et du mobilier. À la fois designer,

art and furniture design. Designer,

sculpteur, scénographe et peintre,

sculptor, scenographer and painter,

Hubert Le Gall complète cet ensemble

Hubert Le Gall completes the

avec une œuvre nourrie par le végétal

exhibition with a body of work inspired

et le monde animal, où le bronze

by the plant and animal kingdoms,

dialogue avec différents matériaux

where bronze is combined with

tels que le bois, le verre, la résine et la

materials including wood, glass, resin

céramique. Si leurs univers diffèrent,

and ceramics. Although their artistic

tous trois partagent une même

worlds differ, all three share a keen

attention au monde vivant et à la

sensitivity to the living world and to

capacité de la sculpture et du design

the ability of sculpture and design to

à en réinventer les formes. Le parcours

reinvent its forms. Bringing together

met en lien sculptures et mobilier,

sculpture and furniture, the exhibition

soulignant autant les points de

highlights both the affinities between

rencontre que la singularité de chaque

their practices and the individuality of

artiste. En amont de cette présentation

each artist. Ahead of the exhibition,

qui se tiendra jusqu'au 20 novembre,

on view until 20 November, the gallery

la galerie participera également

will also take part in Fine Arts Paris,

au salon Fine Arts Paris avec une

presenting a selection of major works

sélection de pièces majeures issues

from its collection by Antoine-Louis

de ses collections, signées Antoine-

Barye, Jean-Baptiste Carpeaux,

Louis Barye, Jean-Baptiste Carpeaux,

Rembrandt Bugatti and Auguste

Rembrandt Bugatti ou encore Auguste

Rodin.

LA NATURE CONSTITUE LE FIL CONDUCTEUR DE L’EXPOSITION HUBERT LE GALL | UMBERTO | FIORI. NATURE FORMS THE COMMON THREAD OF THE EXHIBITION HUBERT LE GALL | UMBERTO | FIORI.

1. Umberto Fiori, Knossos.

Bronze à patine noir richement nuancé. Haut : 82,5 cm, Long : 40,3 cm, Prof : 30 cm. Épreuve d’artiste signée « Umberto », numérotée de l’édition originale, cachet de fondeur « Atelier France Bronze ». Richly nuanced black-patinated bronze. Artist's proof, signed "Umberto", numbered from the original edition, with the "Atelier France Bronze" foundry stamp.

2. Jean-Marie Fiori,

Console aux cerfs, circa 2015. Bronze patiné brun noir, plateau en palmier. Haut : 90 cm, Long : 187 cm, Prof : 60 cm. Signée « Jean Marie Fiori », édition de l’artiste numérotée « 6/25 », bronze fondu et assemblé par « Deroyaume Fondeur-GD » (cachet). Brown-black patinated bronze, with a palm-wood top. Signed "Jean Marie Fiori", numbered ‘6/25’ from the artist’s edition; the bronze cast and assembled by ‘Deroyaume Fondeur-GD’ (foundry stamp).

27-29, rue de Penthièvre, 8e arr. www.universdubronze.com

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MASH MAGAZINE

M AT I G N ON X SA I N T- H ON OR É

WHITE CUBE ART MODERNE & CONTEMPORAIN

Des peintures et sculptures inédites prolongent l’exploration du corps et de l’intime qui traverse l’œuvre de l’artiste Tracey Emin. New paintings and sculptures continue Tracey Emin's exploration of the body and the intimate, themes that have long defined her work. 1.

TRACEY EMIN FAIT DE SON HISTOIRE INTIME LE POINT DE DÉPART D’UN LANGAGE PROFONDÉMENT PERSONNEL. TRACEY EMIN TRANSFORMS HER OWN STORY INTO A DEEPLY PERSONAL VISUAL LANGUAGE.

such as Everyone I Have Ever Slept With 1963–1995 and My Bed brought her to the attention of an international audience and have since entered the history of contemporary art. Her work has been presented by major museums and institutions worldwide. In 2007, she represented Great Britain at the Venice Biennale before being appointed Professor of Drawing at the Royal Academy of Arts in London. In 2024, she was made a Dame in recognition of her outstanding contribution to the visual arts. Opening during Art Basel Paris 2026, this new exhibition at White Cube runs until 18 December and brings together a previously unseen group of paintings and sculptures. Informed by recent events in the artist's life, most

un ensemble inédit de peintures et

notably her experience of illness, these

de sculptures. Nourrie par les récents

new works revisit and deepen themes

bouleversements de la vie de l'artiste,

that have long shaped her practice,

notamment la maladie, cette nouvelle

including vulnerability, physicality,

série approfondit des thèmes déjà

intimacy and the passage of time.

présents dans son œuvre, parmi lesquels la vulnérabilité et le passage du temps.

1. Tracey Emin.

Depuis le début des années 1990,

britannique. Des pièces telles que

Tracey Emin développe une œuvre

Everyone I Have Ever Slept With 1963–

Since the early 1990s, Tracey Emin has

où l’expérience personnelle devient la

1995 ou My Bed contribuent à faire

developed a body of work in which

matière première d’une réflexion sur

connaître son travail auprès d’un large

personal experience becomes the raw

l’amour, le désir, la perte, le corps ou

public, présenté dans de nombreuses

material for a wider reflection on love,

encore la mémoire. Dessins, peintures,

institutions internationales. En 2007,

desire, loss, the body and memory.

sculptures, néons ou installations : quel

elle représente la Grande-Bretagne

Whether through drawing, painting,

que soit le médium, l’artiste britannique

à la Biennale de Venise, avant d’être

sculpture, neon or installation, the

fait de son histoire intime le point de

nommée professeure de dessin à la

British artist transforms her own story

départ d’un langage profondément

Royal Academy of Arts de Londres,

into a deeply personal visual language,

personnel, où l’autoportrait et la figure

puis élevée au rang de Dame en 2024

in which self-portraiture and the

féminine occupent une place centrale.

pour sa contribution aux arts visuels.

female figure occupy a central place.

Acrylic on canvas, 10 × 12 × 3/4 in.

Révélée sur la scène internationale

Inaugurée à l’occasion d’Art Basel

Emerging on the international art scene

dans les années 1990, elle s’impose

Paris 2026, cette nouvelle exposition

in the 1990s, Emin quickly established

rapidement comme l’une des figures

au sein de la galerie White Cube se

herself as one of the defining figures

majeures de l’art contemporain

tient jusqu’au 18 décembre et réunit

of contemporary British art. Works

2. Tracey Emin, I will miss you Yesterday - I will miss you Today I will miss you Tomorrow - And that's how it will Always be, 2025. Acrylique sur toile, 30,8 × 30,8 × 2,3 cm. © Tracey Emin. All rights reserved, DACS 2026. Photo © White Cube (Eva Herzog). Acrylic on canvas,12 1/4 × 12 1/4 × 1 in.

10, avenue Matignon, 8e arr. www.whitecube.com

M AT IGN O N X SAIN T-HONORÉ

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M A S H MGAA TGE LA T EZ R I EII N R ES E

É D I T I O N R É A L I S É E E N C O L L A B O R AT I O N AV E C H É L È N E B A I L LY M A R C I L H A C , A L E X I S L A R T I G U E E T R A P H A Ë L D U R A Z Z O , A I N S I Q U E T O U S L E S M E M B R E S D E L'A S S O C I AT I O N E T É L É O N O R E A L L I E R .

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Octobre 2026

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