MOSSO LIFE 42

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Elegance is an attitude Simon Baker

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The Longines Master Collection

EDITORIAL

MOSSO LIFE

Edición 42

BIENVENIDA PRIMAVERA Una nueva estación anuncia su llegada y con ella llegan también los colores, las flores y las tardes más luminosas para compartir con amigos y disfrutar momentos de reencuentro y relajo. Damos la bienvenida a la primavera con un nuevo ejemplar de lujo de nuestra revista MOSSO Life. Una edición que está pensada especialmente para ustedes, para vivir esta nueva temporada al máximo, con todos los must de moda, estilo de vida, belleza, gastronomía y más.

En moda, por ejemplo, hablamos sobre la insuperable combinación de la sustentabilidad y el lujo a través de la propuesta de la diseñadora inglesa Stella McCartney, y vibramos con el color de los diseños que la Maison Valentino impregnó en su colección Otoño-Invierno 2021/2022.

Asimismo, moda y alta relojería marcan la pauta de la nueva colección de Audemars Piguet, genialmente retratada por el lente de la reconocida fotógrafa de moda Harley Weir.

forma”. Y conversamos en exclusiva desde Nueva York con Jorge Tacla, uno de los artistas chilenos con mayor presencia internacional del momento.

En esta edición, su obra “Señal de Abandono 008” ilustra nuestra portada con una personalidad y energía incomparables.

Rolex, por su lado, nos vuelve a sorprender. Esta vez gracias a sus Premios a la Iniciativa 2021, programa que nació en 1976, pero que hoy cobra más relevancia que nunca al reconocer los mejores proyectos para ayudar a mejorar nuestro planeta.

Con un recorrido por las seis ciudades finalistas de los Word Travel Awards, y mucho más, le damos la bienvenida a una nueva estación y, con ella, a una nueva edición de nuestra querida MOSSO Life.

En arte, destacamos una muestra que reúne a dos grandes diseñadores de todos los tiempos en la exposición “Alaïa y Balenciaga, escultores de la

Ernesto Mosso

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STAFF

STAFF Directora General Carolina Vargas

Portada: Señal de abandono 008, 2016.

Cortesía: Jorge Tacla

Coordinadora Editorial Andrea Larrabe Editor Cristián Pavez Director de Arte Rodrigo González Fotógrafos Moda: Carlos Ortega

Columnistas Cristián Benkö Débora Calderón Claudia Larraguibel Coco Pacheco Colaboradores Consuelo Goeppinger Carola Hidalgo Área comercial Dariana Andrade dariana@mossolife.cl

Realización de Moda Paola Agulló.

Correctora de Estilo Norinna Carapelle

Impreso en Ograma. 8.000 ejemplares certificados ante notario Luis Pozo Maldonado. Prohibida la reproducción o uso de contenido. Derechos reservados, copyright 2011.

El editor no tiene responsabilidad por el contenido de los mensajes publicitarios. Ejemplar de cortesía. Prohibida su venta.

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CONTENIDOS

CONTENIDOS 26

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TENDENCIAS

RELOJERÍA

JORGE TACLA

Materiales nobles llenos de color para una temporada de absoluta elegancia.

Rolex y sus proyectos para mejorar el planeta.

Íntima entrevista con este destacado artista visual chileno.

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CONTENIDOS

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OVERSIZE COLOR

Brillos y anillos MOSSO para iluminar las noches de fiestas.

56 AUTOS Valhalla, el superdeportivo híbrido de Aston Martin.

70 VESTIR LA POESÍA Moda, arte e historia en Venecia de la mano de Valentino.

100 ARQUITECTURA Descubriendo la historia del Apple Tower Theatre.

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ARTE Y CULTURA

VIAJES

ESCULTORES DE LA FORMA

Una completa guía artística para despertar los sentidos.

Un recorrido por las 6 ciudades favoritas del mundo.

Alaïa y Balenciaga, unidos en una muestra única.

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ACTUALIDAD

POR DÉBORA CALDERÓN

DEPORTE PARA LA SALUD MENTAL Los Juegos Olímpicos de Tokio 2020 nos dejaron hace ya algunas semanas. Más allá de que vamos a extrañar en nuestras pantallas la belleza y perfección de las disciplinas de élite, en esta versión hay varias conclusiones que podemos sacar en limpio.

La primera de ellas es que, frente a la pandemia, el calentamiento global, el juego limpio y la convivencia humana, el deporte es un gatillante esencial para el cambio.

Si queremos realmente cambiar la inercia en la que nos vemos envueltos como sociedad, y dar espacio al bienestar personal y de la humanidad, es necesario tomar estas lecciones y hacerlas parte de nuestro cotidiano.

En esta columna me quiero referir específicamente a la salud mental. Un tema que hasta hace poco rara vez se hablaba y que por décadas fue definido por múltiples prejuicios, convirtiéndose en un tabú. No es de sorprendernos que, en cierto modo, se haya estigmatizado y hasta invisibilizado. Sin embargo, las nuevas generaciones lo han traído de vuelta a la agenda, asociado con el Covid-19 y su incidencia en este ámbito.

Pero son embajadoras como Simone Biles las que pueden realmente remecer. “No somos un simple entretenimiento. Somos humanos, y hay cosas que suceden entre bastidores que también intentamos compaginar con el deporte”, fue su declaración al momento de dejar la competencia, el preciso instante cuando sintió la presión, haciendo un importante llamado al mundo sobre la necesidad de cuidar la salud mental de los deportistas.

De acuerdo con un estudio de la fundación española ONCE, las personas que se dedican a algún deporte están sometidas a una gran disciplina y nivel de competencia. Sin embargo, los atletas de alto rendimiento enfrentan tensiones, cargas físicas y

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psíquicas, además de presión psicológica y el gran peso que significa representar a su país.

El mundo que rodea a los deportistas olímpicos exige mucho más de cada uno de ellos que la propia competencia. Hay patrocinios, prensa y contratos en juego que, si bien pueden financiar una carrera, pueden convertirse en un arma de doble filo y después estar ahí no es tan fácil y no es para cualquiera.

Las redes sociales también han hecho lo suyo en este camino de presión hacia las delegaciones. El impacto y alcance de ciertas cuentas ha impulsado aún más el deporte como negocio y, al mismo tiempo, han dejado más expuestos a los deportistas repercutiendo en su salud mental.

Los Juegos Olímpicos son emblema de esfuerzo, dedicación, resiliencia, tenacidad, trabajo en equipo, entrenamiento extenuante, la incorporación de la ciencia al deporte y el juego limpio, entre otros. Pero no pueden ir en contra de las personas.

Menos cuando hoy, según la Organización Mundial de la Salud (OMS), más de 260 millones de ellas en todo el mundo sufren de depresión. Y la mitad de estas afecciones de salud mental comienzan a los 14 años. El suicidio es la cuarta causa principal de muerte entre los jóvenes de 15 a 29 años. Cifras realmente impactantes y de cuidado.

Estas olimpiadas han hecho lo suyo al hablar de salud mental y bienestar de los deportistas. Un tema que puede extrapolarse a la sociedad en su conjunto y que requiere de nuevas herramientas para poder vivir en un mundo sano, que permita el error, no castigue por las faltas y nos impulse a recorrer el camino sin pensar siempre en las metas.

GUÍA INTERNACIONAL

LO MÁS SELECTO DEL ARTE Y LA MÚSICA SE TOMA LA RENOVADA AGENDA CULTURAL DEL MUNDO EN MODO PRESENCIAL.

Guía

INTERNACIONAL

ALEKSANDRA DOMANOVIC PARA AUDEMARS PIGUET CONTEMPORARY Audemars Piguet Contemporary, la iniciativa de la marca de Alta Relojería que promueve la creación de arte, presenta su más reciente proyecto artístico a cargo de la artista serbia Aleksandra Domanovic. Se trata de una instalación en Berlín en las dependencias de la antigua imprenta del periódico alemán Der Tagesspiegel. La obra es resultado de un trabajo de investigación histórica y tecnológica que se traduce en una instalación de gran formato que abarca la imponente altura del espacio de exposición. Compuesta de esculturas e indicadores LED tipo ventilador, la experiencia estética de la obra consta de dos elementos: la presencia física de cada escultura en el espacio que lo contiene y la visión que crea la rotación de su ventilador. La exposición se inauguró en el contexto del Gallery Weekend Berlin, y se mantendrá hasta fin de año.

GEORGIA O’KEEFFE ATERRIZA EN FRANCIA El Centre Pompidou de París es el anfitrión de la primera exposición retrospectiva de la legendaria artista norteamericana Georgia O’Keeffe (1887-1986) en suelo francés. Con alrededor de un centenar de obras artísticas que comprenden dibujos, retratos y fotografías, la exposición despliega lo más selecto y célebre de la obra de O’Keeffe, quien fue un nombre clave y una de las pioneras en darle forma a la identidad visual del llamado “modernismo americano”. De esta manera, paisajes y personajes de la América profunda son parte fundamental del imaginario de Georgia O’Keeffe y llegan a la capital francesa gracias a un esfuerzo curatorial mancomunado de colecciones privadas y públicas de museos como el Georgia O’Keeffe Museum de Santa Fe, el MoMA, el Met Museum, el Whitney Museum de Nueva York y el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Esta extraordinaria muestra se mantendrá abierta hasta el mes de diciembre. Para no perdérsela por nada.

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GUÍA INTERNACIONAL

MET OPERA DE NUEVA YORK VUELVE A ABRIR SUS PUERTAS Boris Godunov, de Modest Mussorgsky, es la ópera con la que la Metropolitan Opera de Nueva York reanudará su temporada de conciertos presenciales. Una celosa lucha por el trono del Imperio Ruso es el argumento central de esta pieza musical estrenada en 1874, que está basada en la obra maestra homónima del escritor Aleksandr Pushkin. En ella, Boris Godunov se convierte en zar de Rusia en medio de acusaciones de conspiración para asesinar al zarévich Dimitri, hijo de Iván El Terrible y legítimo heredero del trono imperial. Mientras tanto, la princesa Maryna de Polonia hará lo imposible para aspirar al título de zarina y llevar a su país a una grandeza nunca antes vista. Finalmente, traición, ambición, orgullo y episodios de paranoia son los condimentos que hacen de esta ópera una de las más importantes del idioma ruso y que en esta representación tiene como protagonista a René Pape, uno de los bajos más aplaudidos de la lírica masculina actual.

ZLATOMIR FUNG EN LA FENICE Zlatomir Fung es actualmente una de las más prominentes figuras de la interpretación en cello. El músico estadounidense logró en 2019 una verdadera hazaña para su país: ganar la prestigiosa Tchaikovsky International Cello Competition. De esta forma, Fung se alzó como el primer norteamericano en ganar la competencia, luego de un paréntesis de 30 años.

Este premio lo ha tenido en una vertiginosa gira de lanzamiento de su carrera en solitario, destacándose por su sorprendente virtuosismo, su profunda sensibilidad y su técnica impecable.

Es así como Fung hará su debut en la Sale Apollinee del prestigioso e histórico Teatro La Fenice de Venecia. En su programa de recitales, el chelista interpretará obras de compositores como Bach, Luciano Berio, Joseph Marie Dell’Abaco y Gaspar Cassadò. Sin duda, una oportunidad única para ver a una de las más importantes estrellas de las nuevas generaciones de músicos de renombre mundial que estarán dando de qué hablar.

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TENDENCIAS

DETALLES DE COLOR SON PARTE ESENCIAL DE NUESTROS IMPRESCINDIBLES PARA ESTA TEMPORADA.

DIORAMOUR Con un diseño de tablero de ajedrez con corazones, la división de casa de Dior nos presenta su colección cápsula Dioramour que fue lanzada en la temporada otoño-invierno 2021 del prêtà-porter de la firma parisina, pero que hoy es parte de Dior Maison con una línea de diseño de objetos que van desde libretas, un juego de loza y velas aromáticas.

FLORA GORGEOUS GARDENIA Lo nuevo de la perfumería de Gucci es la evolución de su fragancia Flora, que esta vez se relanza con la campaña #FloraFantasy, protagonizada por Miley Cyrus. Con base de gardenia blanca, notas de jazmín grandiflorum y otros ingredientes como flor de pera y azúcar moreno, Flora Gorgeous Gardenia es pura expresión y optimismo para espíritus libres.

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TENDENCIAS

LIPSCANNER DE CHANEL Chanel hace uso de los avances de la inteligencia artificial para su nueva app Lipscanner, que permite al usuario encontrar el tono de labial perfecto escaneando cualquier superficie nítida, como una prenda de vestir, un accesorio o la foto de una revista. Asimismo, a través de la realidad aumentada se puede testear el tono del labial sugerido con sólo tomar una foto de su smartphone. Disponible sólo para usuarios Apple.

METALIZADOS TORNASOL En su última colección otoño-invierno 2021, Dolce & Gabbana presentó una campaña fotografiada por Juergen Teller que se inspira en la irreverencia del Hollywood moderno. Dentro de esta colección destacan un par de botas en tono lila tornasol que ponen un toque de color con carácter y personalidad para avanzar hacia un verano cálido, que permite ver su lado más vibrante y creativo.

MASCOTAS VESTIDAS DE LUJO Donatella Versace se ha vuelto a superar: acaba de lanzar la colección de mascotas más fabulosa del mercado. Enmarcada dentro del universo Versace Home, esta cápsula para mascotas tiene desde chalecos o batines estilosos para vestir a nuestros perros, como camas y correas que capturan la esencia absoluta de la firma. Lo mejor de todo es que están disponibles en diferentes tamaños, para adaptarse a todos los tipos de canes.

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TENDENCIAS

INNOVACIÓN Y MATERIALES NOBLES SON LA FÓRMULA DE ESTILO PARA UNA TEMPORADA DE ABSOLUTA ELEGANCIA.

LA MODA SEGÚN FERRARI A diferencia de su conocido merchandising oficial, Ferrari decidió este año revelar otro de sus importantes proyectos de expansión: el mundo de la moda. Es así como Ferrari reveló su primera colección de moda prêt-à-porter diseñada por Rocco Iannone, quien trabajó para Dolce & Gabbana y Giorgio Armani. Así, Ferrari hace su entrada en la moda llevando su herencia de diseño a la silueta masculina.

ESCAPAR CON ESTILO Inspirado en su lujoso modelo Black Badge Cullinan, Rolls-Royce presenta su nueva gama de equipaje Black Badge Escapism. Diseñada con Technical Weave, un material de fibra de carbono, la línea consta de cinco piezas: 48hr Weekender, 24hr Weekender, Holdall, Tote Bag y Organiser Pouch, todas customizables con ocho opciones de colores de cuero y dos tipos de molduras.

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TENDENCIAS

UNA COLABORACIÓN CÓSMICA La nueva carrera por desarrollar el turismo espacial ha vuelto a traer interés sobre los vuelos interplanetarios y su tecnología. Es por esto que Balenciaga vuelve a sorprendernos con una colección cápsula 2021 junto a la agencia espacial Nasa. Poleras tipo polo, parkas de astronauta, bomber jackets y accesorios de todo tipo rememoran el universo de la Nasa con sus históricos logotipos.

INSPIRACIÓN MARINA La nueva fragancia masculina de Carolina Herrera nos invita a sumergirnos en la magia del mundo submarino.

Se trata de CH Men Under The Sea, una edición limitada que propone notas especiadas y acuáticas, utilizando materiales como bayas de enebro de Virginia, flor de Angélica y almizcle amaderado, que resultan en un conjunto ligero, fresco y delicado.

TANINOS GANADORES El redescubrimiento de la cepa País, la más antigua presente en Chile, ha entregado diversas etiquetas ganadoras. Este año no ha sido la excepción gracias a Viña Bouchon, que con sus cosechas 2020 de su País Salvaje y País Viejo obtuvo 95 y 92 puntos, respectivamente, en el ranking Best Buy de la prestigiosa revista especializada Wine & Spirits, que también ubicó a la viña chilena entre las 100 mejores del mundo.

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ESTILO MUJER

LUZ MOMENTOS DEROSADA BRILLO NOS INSPIRAMOS EN LA BELLEZA DE LOS DIAMANTES Y LA NOBLEZA DEL ORO BLANCO PARA PONER UN ACENTO DE BRILLO A LOS COLORES DE ESTA TEMPORADA.

DIAMANTES, ORO AMARILLO Y BLANCO Delicado, ligero y elegante, este brazalete es una pieza infaltable para llevar un detalle de brillo en cada look de esta temporada.

Su minuciosa construcción en oro blanco y oro amarillo de 18 kilates con diamantes corte brillante nos deja una joya clásica y sofisticada que encuentra en MOSSO una versión cuidadosamente diseñada. Cualquiera sea la ocasión, los diamantes junto al oro blanco y amarillo son una garantía de estilo para acompañar paletas de colores vibrantes, agregándoles personalidad y un je ne sais quoi.

PASOS DORADOS El emblemático Safety Pin de Versace es muestra de cómo los herrajes dorados están tomando un rol protagónico en los zapatos para esta temporada. Estos pumps de su colección primavera-verano 2021 en tono camel son ideales para transitar entre el ajetreo del día y la elegancia de la noche.

POUCH PULSERA Loewe trajo para esta temporada una nueva it-bag que llenará de estilo la temporada primavera-verano. Se trata de su Bracelet Pouch, que se caracteriza por su diseño plisado con placas de metal y correa de cuero que permite usarlo en la muñeca. Sin duda, un hito en el mundo de los accesorios, que mezcla estilo e innovación en diseño.

MARIGOLD La colección primavera-verano 2021 de Prada es un ejemplo de cómo el amarillo marigold está impactando en esta temporada como uno de sus tonos oficiales. Un trench de cortes depurados con mangas oversize y un vestido midi sin mangas nos muestran que no hay límites de color para una elegancia moderna.

BURDEOS PROFUNDO El Stylo Contour Des Yeux de la línea de belleza de Gucci se caracteriza por su fórmula cremosa, versátil, vegana y a prueba de agua, que permite utilizarlo en diferentes áreas del contorno de ojos. De esta manera, puede usarse en párpados y en la línea de pestañas para lograr todo tipo de efectos en la mirada.

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ESTILO HOMBRE

LAPICERA QUADRATTO

TRAZOS DE ESTILO

El color negro junto a los tonos metalizados en plata son la mezcla ideal para introducirnos a un mundo de sofisticación. Con un diseño elegante e innovador en su forma, la lapicera Quadratto de MOSSO es un artículo de escritura destinado a darle valor a la palabra en los escritos más importantes de la vida. Un distinguido cuerpo superior de resina noble de color negro y una elaboración en metal con aplicación de baño en rhodium resultan en un objeto de lujo, que es clásico e imprescindible en el lifestyle masculino.

EL UNIVERSO DE LOS ARTÍCULOS DE ESCRITURA DE MOSSO ES PARTE DE NUESTRA INSPIRACIÓN PARA UNA GUÍA DE ESTILO LLENA DE ELEGANCIA EN LOS DETALLES.

SONIDO DE LUJO

ARTE ESCRITO De la mano de la editorial Assouline, Montblanc lanzó su más reciente libro: Inspire Writing. Sus 220 páginas nos muestran a célebres mentes creativas que incluso en la era presente siguen escribiendo de manera tradicional. Es así como personajes de la talla de Herman Hesse, Tom Wolfe y Spike Lee nos presentan su relación creativa a la luz de los instrumentos de escritura de Montblanc.

Louis Vuitton apuesta por explorar nuevos alcances para el lujo con el lanzamiento de Horizon Light Up, un parlante inalámbrico que es mucho más que sólo eso. Con un diseño que integra cuero, vidrio y acero inoxidable, junto a un sofisticado sistema de sonido en 360º que incluye subwoofer y micrófono, este icónico objeto es todo un must-have que combina lujo, moda y tecnología.

CLÁSICO RENOVADO Para esta temporada Tod’s renueva su clásico Gommino de gamuza, llevándolo a nuevos materiales y colores, como este par hecho de cuero y en tonos grises. De esta manera, el clásico y original driver shoe llega con nuevos aires a vestir los pies para continuar una tradición italiana de elegancia masculina para cualquier ocasión.

ROMÁNTICO No hay duda que Giorgio Armani es sinónimo de elegancia casual.

Sin embargo, en su colección primavera-verano 2022 nos demuestra que toques florales o botánicos pueden integrarse con buen gusto y diferentes interpretaciones para darle un toque sensible a la rigidez cada vez menos presente en el vestuario masculino.

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REPORTAJE

Premios Rolex a la Iniciativa

PROYECTOS PARA MEJORAR EL MUNDO DESDE HACE MÁS DE 45 AÑOS, ROLEX LIDERA UNA INICIATIVA QUE BUSCA RECONOCER PROYECTOS VISIONARIOS ORIGINALES QUE SE ESFUERZAN POR PRESERVAR EL MEDIOAMBIENTE, PROMOVER EL CONOCIMIENTO Y MEJORAR EL BIENESTAR HUMANO. POR: CAROLINA VARGAS P. | FOTOS: CORTESÍA ROLEX.

Fomentar el espíritu de iniciativa alrededor del mundo fue la principal motivación de André J. Heiniger para crear en 1976 los Premios Rolex a la Iniciativa. Según J. Heiniger, director de la marca en esos años, este reconocimiento -que coincide con las celebraciones del 50º aniversario del Oyster, el primer reloj de pulsera hermético del mundo- nace “desde la convicción de que, como empresa, éramos responsables de participar activamente en la mejora de las condiciones de vida en nuestro planeta y en el deseo de fomentar los valores que apreciamos: calidad, ingenio, determinación y, sobre todo, un espíritu emprendedor”.

Desde su creación y hasta hoy, los Premios Rolex a la Iniciativa han representado la determinación de la empresa de contribuir con el resto del mundo, y han despertado tanto interés a nivel internacional, que cada año se reciben miles de solicitudes.

Los Premios Rolex a la Iniciativa son premios bienales y cuyas temáticas se relacionan con algunas de las siguientes áreas: herencia cultural, medioambiente, exploración y descubrimiento, ciencia y medicina, y tecnología e innovación.

Estos reconocimientos otorgan financiamiento a cinco proyectos asociados a nuevos emprendimientos o para completar proyectos en curso. Los ganadores reciben 100.000 dólares cada uno, un cronómetro Rolex y la posibilidad de que sus proyectos formen parte de la “Iniciativa Global Perpetual Planet”, programa 32

del que también forma parte la iniciativa “Mission Blue de Sylvia Earle”, destinado a la conservación de los océanos y la alianza con National Geographic, socia de Rolex desde 1954, para comprender el cambio climático a través de la ciencia.

Para postular a estos reconocimientos, los candidatos deben ser mayores de 18 años y no existen requisitos académicos o profesionales ni restricción alguna de sexo o nacionalidad.

Esto ha permitido a muchas personas sin acceso a fuentes de financiación tradicionales ganar reconocimiento y fondos. Cada proyecto postulante es sometido a un exigente proceso de selección a cargo de un panel de expertos a nivel mundial. Desde sus inicios a la fecha, Rolex ha apoyado a 155 laureados, cuyos proyectos han contribuido de forma significativa a mejorar las condiciones de vida y a proteger nuestro planeta.

En la versión 2021, los ganadores son hombres y mujeres provenientes de distintas partes del mundo como Brasil, Chad, Nepal, Reino Unido y Estados Unidos. Entre ellos destacan un científico marino, un conservacionista, una exploradora polar, un emprendedor social y una geógrafa y activista climática.

Los invitamos a conocer a los cinco ganadores y sus grandes proyectos.

REPORTAJE

MAPAS HACIA LA PAZ Hindou Oumarou Ibrahim, Chad Hindou es una activista procedente del pueblo Mbororo, una tribu pastoril de la región semiárida africana del Sahel. En esa zona, más de 40 millones de personas dependen del lago Chad para el agua. Sin embargo, la realidad es que el lago está disminuyendo a un ritmo alarmante: en los últimos 50 años, debido principalmente al cambio climático, ha disminuido más de un 90%. Su iniciativa busca involucrar comunidades indígenas

de la región en el mapeo de la misma: corredores para animales, racimos de árboles frutales y puntos de agua dulce se ubicarán y se cartografiarán, fomentando así la conservación de recursos vitales y asegurando su distribución de tal manera que se minimiza el conflicto. “Todos dependemos de la naturaleza, del medioambiente. No puedo proteger los derechos humanos sin proteger el medioambiente”, declara Ibrahim.

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REPORTAJE

LUCHA CONTRA LA MALNUTRICIÓN Felix Brooks-Church, Estados Unidos El emprendedor social está combatiendo uno de los mayores males que aquejan al mundo: la malnutrición que afecta a 2.000 millones de personas y está relacionada con la mitad de las 15.000 muertes infantiles que se producen al día. Su proyecto aborda la malnutrición en Tanzania equipando los molinos harineros rurales con una máquina “dosificadora” que añade micronutrientes esenciales para enriquecer los alimentos básicos.

“Lo que estamos haciendo es añadir nutrientes esenciales a alimentos básicos de los que millones de personas dependen a diario”, comenta Brooks-Church.

DEFENDER LA NATURALEZA Rinzin Phunjok Lama, Nepal Rinzin nació en Humla, un rincón montañoso del norte de Nepal, aproximadamente igual de tamaño que Cantabria, pero con una población de sólo 50.000 personas. Es una de las regiones más desfavorecidas económicamente del país himalayo, y posee un ecosistema singular y vulnerable, uno que, según Lama, “está bajo amenaza constante por actividades humanas". Su proyecto pretende proteger estos ecosistemas de gran altitud y a los animales que viven en ellos (como el leopardo de las 34

nieves, el lobo himalayo o el yak salvaje), mientras empodera a las comunidades locales económicamente. Planifica entrenar a algunos residentes en la aplicación de la ley para reducir la caza furtiva, la tala ilegal y los incendios forestales. También quiere hacer rutas de senderismo para fomentar el ecoturismo, trayendo así capital externo a la región. Otra iniciativa suya espera expandir la infraestructura disponible a los lugareños que quieren montar negocios pequeños.

REPORTAJE

CUEVAS COMO MÁQUINAS DEL TIEMPO Gina Moseley, Reino Unido Gina es una exploradora y científica climática que se dispone a encabezar la primera expedición para explorar las cuevas más septentrionales del mundo, con el fin de ahondar en nuestros conocimientos sobre el cambio climático en el Ártico. Con un equipo de seis personas recorrerá uno de los rincones más remotos de Groenlandia, con la intención de ayudar a los científicos del mundo a predecir con mayor exactitud los cambios que pueda experimentar el clima del planeta en el futuro.

“Las cuevas son como máquinas del tiempo”, explica Moseley. Y para aprender sobre el futuro, pretende mirar al pasado, mucho más allá de lo que los científicos actualmente pueden hacerlo.

PROTECCIÓN PARA LOS ARRECIFES PROFUNDOS Luiz Rocha, Brasil Luiz aprendió a bucear desde pequeño en su nativa Brasil. Su pasión por el mar lo convirtió en experto en la ictiología -rama de la zoología dedicada al estudio de los peces-, en Estados Unidos, obteniendo su doctorado en la Universidad de Florida. Su proyecto consiste en explorar, estudiar y proteger los arrecifes de coral mesofóticos, ecosistemas ancianos bajo el mar que existen en el límite de donde la luz es capaz de penetrar (entre 30 y 150 metros bajo la superficie) y así poder reforzar su conservación.

En la actualidad estos arrecifes albergan vida desconocida por el mundo. “Estos arrecifes son los productos singulares de un proceso de evolución que ha tardado millones de años. Es urgente y necesario que los protejamos, porque si no, los vamos a perder, aun antes de conocerlos”, señaló Rocha.

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REPORTAJE

EL LUJO RESPONSABLE ESTÁ DE

Moda

LA DISEÑADORA BRITÁNICA CELEBRA 20 AÑOS DE VIDA DE SU PROPIA FIRMA, STELLA MCCARTNEY, ALZÁNDOSE COMO UNO DE LOS REFERENTES MÁS IMPORTANTES DE SUSTENTABILIDAD EN LA MODA Y DE BUENAS PRÁCTICAS MEDIOAMBIENTALES. POR CRISTIÁN PAVEZ FOTOS: CORTESÍA DE STELLA MCCARTNEY

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REPORTAJE

Moderno, pulcro, femenino y esencialmente británico. Así podría describirse a simple vista el universo de diseño de Stella McCartney. Hija de padres con una nutrida vida pública, la diseñadora londinense ha debido batallar durante toda su vida para demostrar que tiene un valor propio y que “ser hija de” es sólo un dato anecdótico. Desde sus primeros pasos en la moda mientras estudiaba en Londres, hasta su consolidación como una reconocida etiqueta de moda, Stella McCartney ha tenido un interesante recorrido en el que ha debido sortear el escrutinio de la industria del lujo para poder instalar su propio concepto de moda ética y sustentable.

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REPORTAJE

UNA JOVEN LLAMADA STELLA Desde muy pequeña, Stella vivió rodeada de activismo a favor de los derechos de los animales. Su madre, la renombrada fotógrafa Linda McCartney, se encargó de enseñarle el valor de la vida salvaje y los efectos de la acción humana en la depredación de especies que han sobrevivido durante décadas en constante peligro de extinción. En paralelo, la futura diseñadora comenzaba a dar luces de su vocación profesional a los 13 años, cuando ya empezaba a fabricar su propia ropa experimentando con patrones, formas y aprendiendo a usar una máquina de coser.

Su interés por el diseño de vestuario comenzó a volverse una obsesión, hasta que a sus 15 años logró tener el primer contacto real con la moda gracias a una pasantía que consiguió con la maison del diseñador Christian Lacroix en París. Esto fue determinante para que la joven Stella McCartney decidiera su destino, matriculándose en la carrera de Diseño de Moda en la prestigiosa escuela Central Saint Martins de Londres.

En la universidad, Stella hizo todo lo posible para ocultar cualquier vínculo con su padre, el músico Paul McCartney. Se presentó frente a sus compañeros de carrera con el nombre de Stella Martin, aunque casi a mediados de su carrera ya era vox populi su cercano parentesco con el ex-Beatle, lo que dividió opiniones entre sus pares. No obstante, Stella se mantuvo firme en su convicción de perfeccionar sus conocimientos. Fue así 38

REPORTAJE

como durante sus años universitarios la entonces aspirante a diseñadora aprendió sastrería con Edward Sexton, uno de los más importantes exponentes del traje británico de la afamada Saville Row de Londres. Sus sacrificios valieron la pena y logró llevar a cabo un sorprendente desfile de graduación en 1995, con una colección de corte sartorial llevada por sus amigas, las supermodelos Naomi Campbell, Yasmin Le Bon y Kate Moss, lo que incendió a la prensa ese año. Pero luego de un par de colecciones como diseñadora independiente, fue reclutada por Chloé en 1997 para ser su directora creativa y reemplazar a nada menos que Karl Lagerfeld en la posición.

STELLA MCCARTNEY, UNA MARCA DE MODA Luego de cuatro años a cargo de las mesas de diseño en Chloé, en 2001 Stella dio un golpe de timón en su carrera. Ese año logró cerrar un acuerdo con Kering, holding de marcas de lujo y moda, en una participación de 50/50 que le permitió estrenar su propia marca, Stella McCartney, con un aclamado debut en la Semana de la Moda de París. Desde entonces, Stella estableció principios sustentables y éticos que garantizaran la no-utilización de materiales de origen animal, como el cuero, pieles, plumas, entre otros, en un compromiso que ha permanecido vigente.

A lo largo de su trayectoria como marca de moda, Stella McCartney ha sido enfática en aplicar principios ecosustentables no sólo a lo largo de la cadena de producción de sus colecciones, sino también en todas las decisiones que afectan directamente a su negocio. Este factor diferenciador la posicionó rápidamente como pionera dentro del mercado del lujo, validándola como un agente de cambio. Y es que Stella siempre ha declarado que aún falta mucho trabajo para lograr fabricar materias primas biodegradables, teniendo que utilizar sustitutos como acrílico, poliéster, lana y mohair. Por lo tanto, el llamado que McCartney hace a sus consumidores es el de aprender a cuidar sus productos, ya que para ella el verdadero lujo es que sean utilizados durante toda la vida.

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AUTOS

PISTA FIORANO

EL CIRCUITO EXCLUSIVO DE PRUEBAS DE FERRARI

POR CRISTIÁN BENKÖ DESDE ITALIA

EN ESTE CIRCUITO, UBICADO EN LA CIUDAD DE MARANELLO Y PROPIEDAD DE LA SCUDERIA FERRARI, SE REALIZAN PRUEBAS PRIVADAS DE LA MARCA DE PROYECTOS A DESARROLLAR, TEST DRIVES DE LOS FÓRMULA 1 Y MUCHO MÁS. EN OTRAS PALABRAS, UN SUEÑO PARA CUALQUIER SEGUIDOR DEL CAVALLINO RAMPANTE.

Pista Fiorano fue inaugurado en 1972 por Enzo Ferarri y construido como una respuesta a la necesidad de poseer un circuito privado que le otorgara libertad a la marca. Durante la década del 50 y 60 Ferrari había estado utilizando el aeródromo de la ciudad de Módena, pero eso pronto se convirtió en una limitación, ya que la estructura era usada por otras compañías y para diversos fines.

El circuito de Fiorano está emplazado en 279.000 metros cuadrados de terreno y ubicado a dos cuadras de la fábrica, por calle Giles Villeneuve 23. Para ingresar se debe estar acreditado 40

y autorizado por la Casa de Maranello. Su primera extensión fue de 3.000 metros y en 1996 se modificó para configurarlo con dos opciones de trazado, una de 2.976,41 metros y otra de 2.948,50 para brindar un excelente dibujo de pista con pendientes y altas exigencias. Aquí se prueban los autos de experimentación, competición y gran turismo, juntamente con el adiestramiento de mecánicos y capacitación o instrucción de pilotos para el óptimo trabajo de equipo o squadra, como le llaman en Italia.

La mantención y evolución del circuito responde al pensamiento de su creador, quien afirmó que "cada tramo debe poder ejercer

AUTOS

UN DÍA COMO PILOTO DE FIORANO

presión sobre el comportamiento dinámico del automóvil de tal manera que sea fácil identificar los problemas, de cada máquina.

A partir de ahora, no quiero que ningún Ferrari se enfrente a la pista o la producción en serie sin haber pasado el examen de Fiorano con gran éxito". El siete veces campeón del mundo de F1 Michael Schumacher también aportó sus modificaciones en 2001, ya que quería elevar la velocidad máxima para lograr 300 km/h de máxima y 190 km/h promedio, lo cual dio un éxito rotundo en su campaña deportiva.

El recinto cuenta con ocho curvas y contracurvas, fases de aceleración y desaceleración, que sirven para no solo testear la rapidez de los Ferrari, sino que además los frenos, suspensión, aerodinámica y comportamiento del mismo; todo esto medido en la sala de telemetría y con un sinnúmero de cámaras de video que captan los mínimos detalles para lograr la perfección. La pista puede ser regada con agua para crear condiciones extremas para testeo con los mejores estándares de seguridad. Se podría decir que Fiorano es un laboratorio perfecto.

Pero Fiorano no es solo pista, sino que también alberga una colección privada de la marca de numerosos ejemplares monoposto F1, entre ellos los conducidos por leyendas como Niki Lauda, Jean Alesi, Michael Schumacher, Nigel Mansel, Felipe Massa y Fernando Alonso, entre otros grandes. Además, está la exhibición de automóviles GT, la Ferrari FXX, Ferrari 599GTO, FXXK, que son parte de la sección exclusiva para la división F1.

Tuve la oportunidad de presenciar las pruebas de un Ferrari de competición. El día comenzó con una emocionante visita a la casa de Don Enzo Ferrari, contigua al circuito donde aún se preserva intacto su escritorio, comedor y salón en el que se encerraba los domingos a ver las carreras por TV o bien compartía con sus cercanos. Es posible captar a través de fotos y objetos de época el ambiente de esos días en los que Don Enzo construía el sueño del imperio que hoy es Ferrari.

La preparación para entrar a pista ocurre en los mismos camarines utilizados por Michael Schumacher y muchos otros reconocidos pilotos incluso en la actualidad, mientras que en la pista espera un completo staff, desde bomberos, paramédicos, instructores y mecánicos, quienes se hacen cargo de cumplir con los máximos estándares de seguridad.

La mañana se cierra con un almuerzo gourmet ofrecido en el comedor por un chef privado del circuito, para recargar energías y seguir en pruebas al atardecer.

MÁS ALLÁ DE FERRARI En la ciudad de Maranello los visitantes disponen de una gran oferta de atracciones, tales como una visita al museo, rentar un Ferrari por un par de horas, tomar un café en el ambiente de la afamada marca, conocer el recientemente inaugurado restaurante Cavallino con la cocina del premiado chef Massimo Bottura o bien comprar un souvenir para llevar a casa. Sin duda vale la pena visitar la ciudad y empaparse de la cultura automovilística que nació del sueño de Enzo Ferrari, il Commendatore de Maranello.

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ELEGIDOS

Elegidos de Lujo

RELOJ MOSSO TRG 64

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ELEGIDOS

Elegidos de Lujo

RELOJ MOSSO OVERDRIVE RACING

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REPORTAJE

Las mujeres de

No Time To Die DESDE HACE MÁS DE 25 AÑOS, OMEGA ACOMPAÑA AL AGENTE 007 EN CADA UNA DE SUS PELÍCULAS. EN LA NUEVA VERSIÓN DE LA SAGA, LA MARCA DE ALTA RELOJERÍA SUIZA SE LUCE EN LA MUÑECA DE LAS “BOND GIRLS”.

Pese a sus indiscutibles credenciales de “macho alfa”, James Bond nunca logra sus cinematográficas hazañas en solitario. Desde hace más de 60 años, el famoso espía ha estado acompañado por atractivas mujeres que se han convertido en inolvidables compañeras en algunas de sus más reconocidas misiones.

NAOMIE HARRIS DEVILLE PRESTIGE 44

Fotos: Cortesía OMEGA

REPORTAJE

LASHANA LYNCH SEAMASTER AQUA TERRA

En No Time To Die, la nueva película de la famosa saga, dos expertas y poderosas mujeres altamente calificadas serán las protagonistas de la historia. Interpretadas genialmente por las actrices Naomie Harris y Lashana Lynch, ambos personajes -al igual que el agente encubierto- vivirán sus aventuras junto a su reloj Omega.

La relación entre la manufactura suiza y el mundo de Bond comenzó hace 25 años con el estreno de Golden Eye en 1995. Desde entonces, el Agente 007 ha lucido relojes Omega Seamaster en cada una de sus películas, convirtiéndose en una pieza clave de la historia por su diseño, espíritu aventurero y fiabilidad a toda prueba.

En la nueva producción cinematográfica, la actriz británica y jamaicana Lashana Lynch interpreta a Nomi. Una nueva agente que ingresa al servicio secreto poco tiempo después que Bond, -interpretado por Daniel Craig, protagonista de su quinta y última película- se retira y hereda su legendario número de código. Fuerte, inteligente, divertida, valiente, bella y ruda agente de campo aportará una nueva sensibilidad a la historia y se

enfrentará al peligro con un Seamaster Aqua Terra 150M Master Chronometer 38 mm. Este modelo de Omega se presenta en acero inoxidable con esfera y pulsera NATO negra y cuenta con un cronómetro calibre 8800, resistente a campos magnéticos de 15.000 gauss. Sin duda, el reloj perfecto para la nueva 007.

Por su parte, la actriz británica Naomie Harris trae de regreso a Miss Moneypenny, una inteligente operadora del MI6 que acompaña a Bond, tal como lo hizo en Skyfall y Spectre. En cada escena, Moneypenny luce un De Ville Prestige de la marca confeccionado en acero con correa de cuero verde cazador.

El reloj de 27.4 mm se presenta con caja en acero noble y una esfera plateada blanca con diseño sedoso y acabado opalino.

Esta está también adornada con agujas facetadas ennegrecidas, números romanos e incluye seis soportes de diamantes también ennegrecidos. El clásico de la marca que complementa el estilo de este personaje.

Próxima a su estreno, no hay dudas que No time to die será un éxito de taquilla, así como también las denominadas “Bond Girls” y, con ellas, sus relojes Omega.

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REPORTAJE

La Década del

Color

UNA NUEVA CAMADA DE CREADORES CHILENOS REVOLUCIONÓ LA ESCENA ARTÍSTICA NACIONAL A TRAVÉS DE LA EXPERIMENTACIÓN DE LA PINTURA, EL REGRESO A LO FIGURATIVO Y LA BÚSQUEDA DE LO LÚDICO. HASTA HOY, SE LES CONSIDERA UNA GENERACIÓN QUE MARCÓ UN ANTES Y UN DESPUÉS EN LA HISTORIA DEL ARTE NACIONAL. POR ANDREA LARRABE

Obra: “Cuando brotan las visiones”, Omar Gatica Cortesía: Galería de Arte Artium

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REPORTAJE

Obra “Caballo rojo”, Matías Pinto D'Aguiar Cortesía: Galería de Arte Artium

Fue en 1980 que el Museo de Arte Contemporáneo invitó a un grupo de artistas y estudiantes de la Universidad de Chile a exponer en una muestra que pretendía mostrar los cambios que estaba viviendo la escena del arte gracias a todo el talento fresco que estaba en formación. El grupo de jóvenes se conformaba por Samy Benmayor, Jorge Tacla, Victoria Calleja, Ismael Frigerio, Rodrigo Pascal, Mamy Ussui, Omar Gatica y Álvaro Cortés, y la exhibición se titulaba “Promoción 80”. Fue así como esta nueva generación de artistas chilenos se ganó un apodo que los acompaña hasta el día de hoy, uno que va acompañado por un prestigio y un gran reconocimiento frente al trabajo que han hecho.

Con el tiempo, por supuesto, más exponentes se fueron sumando a la generación artística, como Patricia Figueroa, Carlos Maturana (Bororo), Eva Lefever, Matías Pinto D'Aguiar, Sergio Lay, Carlos Bogni y Enrique Zamudio, entre otros. Lo importante era que compartiesen una visión que buscara romper los cánones establecidos y volver a ciertos rasgos tradicionales, como la pintura, pero con un vuelco original y atrevido. Se inspiraban en el neoexpresionismo nacido en Alemania durante los años 60, que buscaba remecer los cimientos de los estilos que habían cobrado fuerza en el último tiempo, principalmente el minimalismo y el arte conceptual. Sin embargo, lo que buscaba el neoexpresionismo iba mucho más allá de un estilo pictórico: quería tratar temas diversos, atrevidos, agresivos y hacerlo de forma osada también,

trayendo en muchos casos el foco al cuerpo humano, pero presentándose de una forma más lúdica e interpretativa.

Milan Ivelic, teórico de las artes visuales, se refiere a esta generación como "los artistas de esta promoción se mantuvieron firmes en la experimentación con la pintura y se volcaron, sin excepción, hacia lo figurativo". Otra característica llamativa de la tendencia es que les dio espacio a obras de gran tamaño, dándoles también a los artistas la libertad de crear en grande sin tener que sentirse limitados en espacio. Respecto de sus técnicas, cabe destacar el “dripping”, pinceladas que eran aplicadas violentamente sobre la tela. A pesar del regreso a lo figurativo, muchas de las obras también mantenían aspectos o grados de abstracción, principalmente gracias a estas pinceladas de color que hablaban por sí solas, creando intensos contrastes entre unas y otras. Considerando que el neoexpresionismo encuentra sus orígenes en Alemania, muchos artistas de este país se apoyaron en este estilo para ironizar su propia cultura, particularmente todo lo que tenía que ver con el régimen nazi.

Es importante recalcar, a su vez, el rescate de géneros tradicionales que buscaron estos artistas, basándose principalmente en el óleo y acrílico sobre tela, junto con la fotografía. Temáticas como la naturaleza, los paisajes y la figura humana vuelven a convertirse en los protagonistas de las obras, cada cual transformado con el estilo de su creador.

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REPORTAJE

Obra: “Estadio reservado” Bororo Cortesía: Galería de Arte Artium

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REPORTAJE

Obra: “Blanco / Negro, Colectiva 2018” Benmayor Cortesía: AMS Marlborough

CONSTRUCCIÓN DE UN DIÁLOGO Pero a pesar de esa exhibición en el Museo de Arte Contemporáneo y la constante experimentación, los artistas de la “Promoción 80” no fueron reconocidos como tales hasta bastantes años más tarde. En la universidad solo eran un grupo de jóvenes compartiendo una pasión por el arte y aprendiendo sobre él. En una entrevista en 2008, por ejemplo, Samy Benmayor dijo que lo que los unía en ese entonces era “la libertad de espíritu, dejar en paz al otro, que cada uno haga lo que le dé la gana hacer".

Con el paso de las décadas, sin embargo, las galerías, museos y críticos fueron percatándose del valor del arte de la década de los 80, tanto en su estilo como en su valor cultural e histórico, y fueron generando más espacios de exhibición como un grupo, como, por ejemplo, en el Museo de Artes Visuales, Galería Trece, Galería Atrium y la Corporación Cultural de Las Condes. En 2008,

cuando los artistas Carlos Maturana, Pablo Domínguez, Samy Benmayor, Pancha Núñez y Omar Gatica, entre otros, expusieron trabajos inéditos en la Galería Atrium, la directora Luz Barros comentó que se trataba de "obras atípicas y con valor histórico, creadas en momentos especiales de la vida de los artistas, durante viajes y estadías en lugares específicos".

Más allá de su contribución artística y cultural, hay algo muy particular que ocurre con la Generación de los 80, que es el valor que entregan como un grupo. Cada artista es, por supuesto, dueño de su propia visión, fortalezas y experimentación, pero como un grupo se unen de individuos muy particulares que encontraron en el arte una forma de mostrar temas que no estaban siendo tratados.

Los códigos que comparten, las temáticas críticas, reflexivas y la reivindicación del placer de la cultura se entremezclan creando algo absolutamente nuevo.

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MOSSO IN ART

Obra: Injury Report, 139,7 x 139,7 cm. - © Jorge Tacla

JorgeTacla, artista visual

“MI OBRA ES UNA DENUNCIA REVELADORA” SOBRE SU PROCESO CREATIVO, SU VIDA LEJOS DE CHILE Y LA RUPTURA SOCIAL QUE REPRESENTA EN SUS PINTURAS, CONVERSAMOS CON ESTE ARTISTA CHILENO RADICADO EN N.Y. Y CUYA OBRA ILUSTRA LA PORTADA DE ESTA EDICIÓN. POR CAROLINA VARGAS P. | FOTOS: CORTESÍA TACLA STUDIO.

AdolfoSessa Aldo Cambiaso, por Bruce 2000 Weber, 2010.

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MOSSO IN ART

Desarrollar su arte en una ciudad multicultural, donde la cultura tuviera un peso específico y relevante, fue lo que motivó hace ya 40 años al pintor chileno Jorge Tacla a radicarse en Nueva York. Desde este lugar, su obra ha sido exhibida en innumerables museos, bienales y galerías, convirtiéndose en uno de los artistas contemporáneos chilenos con mayor presencia internacional. “Nueva York es una ciudad dura, pero -al mismo tiempo- tiene muchos beneficios. Hay una abundancia de estímulos a los que hay que adaptarse y, a la vez, editar todo el tiempo: ese placer seductor que engaña y atrapa. Desde que llegué, adopté una disciplina de trabajo intensa y rigurosa para así poder lentamente integrar mi lenguaje en la escena cultural”, nos señala.

Y aunque confiesa que la nostalgia por Chile siempre es eterna, visita frecuentemente su país y a su familia. “Por eso instalé desde 1997 un taller y una vivienda para estar muy conectado y poder tener la flexibilidad de ir y trabajar continuamente allá”.

La obra de Tacla tiene un componente que la hace única. En ella, busca representar catástrofes de la historia humana donde la confusión, devastación y destrucción son los grandes protagonistas. Sus obras son el resultado de un proceso creativo que considera múltiples etapas de recolección, estudio y composición de imágenes. Desde ahí nace su arte y visión sobre el mundo.

Foto: Ari Maldonado

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MOSSO IN ART

Obra: Señal de abandono, 101,6 x 146,05 cm. - © Jorge Tacla

¿Qué buscas provocar a través de tus obras?

Mi obra siempre es una denuncia reveladora. Desde esta plataforma abro un permanente cuestionamiento a los traumas y el desquiciamiento de la condición humana. Y mi trabajo es también una celebración de lo sublime, en tanto es una idea peligrosa capaz de transformar lo malo en bueno y lo bueno en malo con su alquimia. Esto alimenta el vacío crujiente del desastre. ¿Por qué dedicarse a un tema que a simple vista se visualiza oscuro, doloroso y traumático?

Mi obra vive en constante tensión con los conflictos sociales. Es una denuncia social de los diferentes actos violentos que son, en parte, el motor de la crisis mundial y, por tanto, de mi obra, que no existe de forma aislada. ¿Cuánto de tu historia personal está presente en tus obras?

En los años 80, mi experiencia personal estaba directamente relacionada con mi obra; en mi trabajo aparecían las víctimas -de las dictaduras, del sida, por mencionar algunos ejemplos- que en algunos casos eran personas con las que yo tenía algún tipo de relación. A mediados de los años 90, la arquitectura, las construcciones, los albergues, las ciudades y las ruinas 52

contemporáneas tomaron un lugar relevante en los conceptos y las imágenes que trabajo.

Desde el principio y hasta hoy, mi trabajo es una denuncia del desquiciamiento humano. Lo personal está muy presente desde el momento en que uno de los referentes mayores en mi obra es la relación entre la víctima y el agresor, desde el lugar más íntimo al más global.

Si hablamos de catástrofes de la historia humana, ¿es la pandemia un tema que tienes considerado tratar en tus obras?

Se vio aún más la miseria humana en este tiempo de pandemia y eso está muy presente en el sentimiento de mis obras actuales.

La pandemia afectó fuertemente a Nueva York. ¿Cómo viviste este tiempo? ¿Cómo te afectó el encierro?

Afectó muy fuerte a NY y la muerte circulaba en todas partes de la ciudad. Los primeros meses fueron momentos de mucha reflexión: trabajaba desde una intimidad muy sutil. Todo lo habitual fue interrumpido; nos encontrábamos en una extraña pausa.

Todas las coordenadas cotidianas se remecieron. Surgieron muchas reflexiones que involucran un dramático cuestionamiento a los sistemas.

MOSSO IN ART

Pareciera que hoy el mundo te está entregando infinitos temas que pueden ser fuentes de inspiración para tu obra: terremotos, movimientos sociales, cambio climático, entre otros. ¿Algo de ellos quedará plasmado en los trabajos que vienen?

Todo lo que mencionas es y será parte de nuevas obras. Estoy buscando, guardando y relacionando mucha información de lo que está sucediendo en el mundo. Es el foco principal de mi obra y de mi constante denuncia.

New York, Los Ángeles y Madrid Entre los años 1976 y 1979, Jorge Tacla estudió Arte en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. En esos años se formó la denominada Generación de los 80, que reunió a un grupo de estudiantes -hoy reconocidos artistas plásticos- que buscaban aportar una nueva mirada sobre el arte. ¿Qué recuerdos tienes de esa época?

Fue una época muy reveladora en muchos sentidos. Éramos jóvenes dinámicos, revolucionarios, con una mirada fresca que aportaba un nuevo cuestionamiento en la escena cultural. Yo me vine a NY el año 1981, por lo que esa década la viví en esta

ciudad. En ese sentido, les doy crédito a los artistas que estaban en Chile, luchando fuertemente para construir obras y enriquecer la escena.

A propósito de escena, ¿cuál es tu mirada del escenario artístico chileno?

Veo a muchos artistas chilenos aquí en Nueva York y en mis constantes viajes a Chile.

Hay muestras muy importantes en el circuito chileno que se traman de manera muy precaria en la escena artística internacional. Creo que el impulso, no siempre exitoso, de conectar lo local con lo internacional es sumamente relevante.

Esa carencia es histórica, aunque de alguna manera las galerías de arte y las instituciones están trabajando para tener una presencia más concreta. Los artistas hacen un enorme esfuerzo para tener una real participación tanto en la escena nacional como en la internacional. La colaboración en esta trama, que involucra artistas, curadores, galerías, críticos, académicos, coleccionistas, fundaciones e instituciones es el engranaje para hacer visibles las obras de los artistas.

Obra: October 25-2019, 107,7 x 146 cm. - © Jorge Tacla

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Obra: Señal de abandono, 203,2 x 203,2 cm. - © Jorge Tacla

Y ¿sobre las nuevas generaciones de artistas chilenos?

Las nuevas generaciones son más agresivas y competitivas. La información es muy inmediata y eso crea en ellos una ansiedad feroz. Por eso mismo, algunos de ellos buscan un sabio refugio en los estudios académicos; esto les da una suerte de cable a tierra respecto de artistas anteriores y contemporáneos sin la exigencia de velocidad de las redes sociales.

Tengo una estrecha relación con muchos artistas jóvenes chilenos, veo con mucha admiración sus trabajos y la capacidad que tienen para instalar sus obras en la escena.

A propósito de la destrucción como cambio de paradigma, ¿cuál es tu opinión respecto del arte digital? ¿Es para ti una forma legítima de hacer arte?

Sí, es muy legítima y me interesa mucho, ya que es el lenguaje más actual y está tomando dimensiones que aún no se determinan con nitidez. Ahora bien, yo trabajo con la manualidad y lo análogo, casi como forma revolucionaria frente al sistema.

El 2019 el Archives of American Art Smithsonian Institution adquirió gran parte de tu archivo personal (dibujos, 54

correspondencia, fotos, cuadernos y documentos), convirtiéndote en el primer chileno que entra al Smithsonian.

En un medio chileno comentaste que fue desgarrador entregar todo, ya que era entregar tu historia y parte de tu componente humano. ¿Fue una especie de destrucción para empezar de cero con un archivo nuevo?

Fue desgarrador, ya que fue una revisión completa de mi vida y también quedé expuesto para siempre en todos los sentidos.

Pero no fue una destrucción, al contrario: es una preservación de los archivos, que pueden ser vistos por todos. En noviembre sale el libro sobre ellos (Los archivos de Jorge Tacla), una monografía escrita por la doctora en Historia del Arte Florencia San Martín.

Hablemos del futuro, ¿qué proyectos están en carpeta?

Mis próximas muestras serán en Nueva York, Los Ángeles y Madrid; en Chile se inaugura en ILPOSTO el 25 de septiembre de este año, “Historia natural de la destrucción”, una exposición de mis trabajos que pertenecen a su colección. Además, estamos preparando la presentación del libro sobre mis archivos en Chile, Europa y Estados Unidos.

MOSSO IN ART

Obra: Señal de abandono, 203,2 x 203,2 cm. - © Jorge Tacla

Obra: Señal de abandono, 203,2 x 203,2 cm. - © Jorge Tacla

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REPORTAJE

VALHALLA

EL SUPERDEPORTIVO HÍBRIDO DE ASTON MARTIN TRAS DOS AÑOS DE ESPERA, LA MARCA BRITÁNICA ANUNCIA LA PRODUCCIÓN DEL HÍBRIDO ENCHUFABLE QUE CONTARÁ CON TRES MOTORES CENTRALES, CAPAZ DE ALCANZAR LOS 950 CV Y TECNOLOGÍA INSPIRADA EN LA FÓRMULA 1.

CAROLINA VARGAS P. | FOTOS: CORTESÍA ASTON MARTIN 56

REPORTAJE

“Valhalla, el primer superdeportivo con motor central de producción en serie de Aston Martin. Este un momento verdaderamente transformador para esta marca de ultralujo”.

Con estas palabras Lawrence Stroll, presidente ejecutivo de Aston Martin, se refirió al nuevo modelo que la marca británica presentó conceptualmente en 2019 y que este año comienza su producción. Se trata de un modelo híbrido enchufable -resultado de una colaboración entre Aston Martin y Red Bull Racing- que contará con tres motores centrales, capaz de alcanzar los 950 CV y que se espera esté disponible a fines del año 2023.

Con la intención de ofrecer menor resistencia al aire y una aerodinámica activa, el Aston Martin Valhalla tendrá un chasis de fibra de carbono reforzado, una suspensión push-rod en el eje delantero -inspirada en la Fórmula 1-, con amortiguadores regulables y una configuración multilink en el eje trasero, acompañado de una parrilla frontal con barras cromadas y nuevo diseño de puertas.

Para acompañar el sofisticado exterior, Aston Martin apostó por un motor V8 4.0 litros Twin Turbo de disposición trasera y dos E-Motors, con un pack de baterías de 150 kW, acompañado de una transmisión de doble embrague de ocho cambios y función e-reverse, es decir, en reversa solo actúa el modo eléctrico. El superdeportivo es capaz de acelerar de 0 a 100 km/h en 2,5

segundos y de alcanzar una velocidad máxima de 330 km/h. En modo eléctrico podrá alcanzar los 130 km/h. Asimismo, tendrá la capacidad de decidir cómo actuarán los tres motores según las necesidades que detecte, siendo el principal el V8. De esta forma, el sistema decide si aplicar la energía disponible a ambos ejes o sólo al trasero.

La innovación de la marca también se podrá observar en el interior, ya que ofrecerá una postura similar a la de un monoplaza de Fórmula 1, con butacas fijas, pero con pedales y volante ajustables. Además, tendrá un sistema multimedia con Apple Car Play y Android Auto, luces led frontales, climatizador dual, frenado de emergencia, alerta de colisión, control crucero inteligente, detector de punto ciego y cámara en 360 grados.

Con Valhalla, nombre inspirado en la mitología nórdica, la marca espera romper un nuevo récord: completar una vuelta en el famoso circuito alemán de Nürburgring en seis minutos y 30 segundos. Es decir, lograr una vuelta 13 segundos más rápida con respecto al actual récord, hoy en manos de Mercedes-AMG GT Black Series.

El nuevo superdeportivo de Aston Martin da cuenta del compromiso de la marca británica por la construcción de una gama de automóviles simplemente excepcionales.

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REPORTAJE

EL ARCOÍRIS DE

HUBLOT 58

REPORTAJE

Fotos: Cortesía Hublot

COLORES Y PIEDRAS PRECIOSAS QUE BRILLAN Y QUE ESTALLARÁN EN TU MUÑECA. LOS INVITAMOS A CONOCER EL BIG BANG UNICO RAINBOW KING GOLD, UN MODELO ÚNICO POR SU ARQUITECTURA Y DISEÑO.

Con una combinación ultralujosa y muy moderna, la marca de alta relojería suiza viste su nuevo modelo: Big Bang Unico Rainbow King Gold. Una explosión de color, estilo y diseño para deslumbrar este 2021.

Unico de cuerda automática, que tiene una generosa reserva de marcha de 72 horas. La medición a corto plazo se hace aún más fácil con la función flyback, que permite reiniciar el cronógrafo con solo tocar un botón.

La paleta de colores del arcoíris definida subjetivamente por Isaac Newton vuelve a tomar fuerza, esta vez de la mano de Hublot. En este modelo el rojo brillante, rosa fucsia, ultravioleta, azul klein, azul oscuro, turquesa, verde clorofila, amarillo limón y el naranja brillante se combinan en el bisel y la caja de titanio pulido de 45 mm para crear un reloj extravagante y único.

Este alegre reloj también luce los colores del arcoíris en su correa que combina caucho natural y cocodrilo para ofrecer un ajuste cómodo y flexible. Asimismo, cuenta con un sistema One Click patentado por la marca que permite cambiarlo fácilmente.

Para lograr este resultado, la marca además seleccionó alrededor de 388 piedras. Y es que en esta atrevida creación cromática se utilizaron ocho piedras preciosas deslumbrantes: rubíes, zafiros rosas, amatistas, zafiros azules, topacios azules, tsavoritas, zafiros amarillos y naranjas.

Al igual que otros cronógrafos de la colección, la información de la hora se muestra en una esfera calada. El pequeño segundero, el contador a las tres en punto, los números y los marcadores de índice también están coloreados con piedras preciosas y el cristal de zafiros cuenta con un tratamiento antirreflejos. Todas las complicaciones están reguladas por un cronógrafo de movimiento

Maestro de la fusión y alquimista de los metales preciosos, Hublot ha desarrollado un nuevo color de oro que presenta un tono más cálido que el oro tradicional de 18 quilates 5N. Esta aleación exclusiva, bautizada como King Gold, contiene platino y se presta perfectamente a todo tipo de operaciones de pulido y satinado.

De esta manera, puede combinarse con los materiales más inesperados, como la cerámica de alta tecnología, el caucho o el carbono.

En palabras de Ricardo Guadalupe, CEO de la marca “la fortaleza de Hublot reside en su clara identidad -el arte de la fusión-, la habilidad única de crear relojes que combinan tradición e innovación”. Y Big Bang Unico Rainbow King Gold es un claro ejemplo de ello.

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REPORTAJE

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REPORTAJE

Colección Royal OAK de Audemars Piguet

MODA Y ALTA RELOJERÍA A TRAVÉS DEL LENTE DE HARLEY WEIR LA NUEVA PROPUESTA FEMENINA DE LA MANUFACTURA SUIZA ESTÁ INSPIRADA EN LA MUJER CONTEMPORÁNEA, SU ESTILO Y PERSONALIDAD. UNA COLECCIÓN VANGUARDISTA, ELEGANTE Y LLENA DE COLOR. POR CAROLINA VARGAS P. | FOTOS: CORTESÍA AUDEMARS PIGUET

Una vez más, Audemars Piguet vuelve a sorprendernos con la presentación de su nueva colección Royal Oak, inspirada en la mujer contemporánea. Una propuesta ecléctica en su colorido, materiales y estilo, que busca reflejar la personalidad y el espíritu libre de quien la lleva.

Alta Costura y Alta Relojería reunidas en una sola gran propuesta que la destacada fotógrafa de moda inglesa Harley Weir explora bajo su lente. “Mi inspiración para la sesión fotográfica fue pensar en cómo se fabrica el reloj y sus diferentes materiales, y después pensar en la mujer, cómo es, qué constituye su personalidad, cómo es su carácter, quién es.

La moda siempre me ha interesado también en

ese sentido, en la construcción del carácter. Me fascina la idea de que las personas llevamos puesta visiblemente una parte de nuestro ser, y con el cuerpo podemos mostrar nuestros deseos”, señaló Weir, quien ha trabajado con grandes marcas de moda, como Gucci y Stella McCartney, entre otros.

Combinando tradición con vanguardia, los relojes de esta nueva colección ofrecen contrastes creativos, que van desde la elegante estética de la cerámica negra hasta el brillo resplandeciente de Frosted Gold o los vívidos tonos de gemas multicolores. Los invitamos a conocer la nueva propuesta que la manufactura suiza ha preparado.

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REPORTAJE

ROYAL OAK EN CERÁMICA NEGRA La estética elegante y refinada del nuevo Royal Oak Selfwinding (34 mm) en cerámica negra realza con detalles en oro rosa en un sutil contraste bicolor. El tono negro, atemporal y versátil, combinará a la perfección con cualquier estilo.

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REPORTAJE

ROYAL OAK FROSTED GOLD Audemars Piguet amplía su colección Royal Oak Selfwinding de 34 mm, establecida en abril de 2020, con una nueva referencia que brilla con Frosted Gold. Una técnica de joyería desarrollada en 2016 en colaboración con la diseñadora de joyería italiana Carolina Bucci. La pieza de oro blanco de 18 quilates se realza con una esfera Tapisserie en nuevos tonos de azules. Una combinación única que rinde un homenaje al savoir-faire y el refinamiento que constituye la esencia del trabajo artesanal de la marca.

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REPORTAJE

ROYAL OAK CRONÓGRAFO AUTOMÁTICO Por primera vez, Audemars Piguet ofrece un reloj en oro rosa macizo de 18 quilates en 38 mm con un bisel engastado con una variedad de amatistas corte baguette. Estas piedras preciosas rodean y combinan con los tonos de la esfera violeta del reloj.

Desarrollado por los artesanos de la manufactura, la esfera del reloj muestra una gama de tonos púrpuras que bailan y cambian de color con la luz.

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REPORTAJE

ROYAL OAK FROSTED GOLD DOBLE VOLANTE ESQUELETIZADO Audemars Piguet complementará su serie Royal Oak Frosted Gold Double Balance Wheel Openworked con tres nuevas referencias en 41 mm y dos en 37 mm, todas con un bisel arcoíris compuesto de gemas multicolores. La atención al detalle en el corazón de estos relojes y su interacción de colores, materiales y decoraciones refinadas se inspiran en mundos diversos, incluyendo Haute Joaillerie y Haute Couture.

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BELLEZA

UN SIGLO DE

Feminidad

EL PERFUME Nº5 DE CHANEL CUMPLIÓ 100 AÑOS DE HISTORIA COMO UNO DE LOS ACCESORIOS INVISIBLES MÁS ICÓNICOS DE NUESTRA ERA. PARA CELEBRARLO AL MÁS PURO ESTILO TRÉS CHIC, LA MAISON HA LANZADO UNA COLECCIÓN DE EDICIÓN LIMITADA PARA INSPIRARSE EN SU ELEGANCIA PERPETUA. POR CRISTIÁN PAVEZ. | FOTOS: CORTESÍA CHANEL 66

BELLEZA

A pesar de su irrupción en 1921 como un complemento de la renovada imagen femenina de Chanel, no fue sino hasta 1952 que el Nº5 se catapultó como un perfume que marcaría para siempre a varias generaciones de mujeres. ¿La responsable del fenómeno? Una joven Marilyn Monroe que, por esos años, lograba su primera portada en la recordada revista Life en el marco del que sería el estreno de su película “Los Caballeros Las Prefieren Rubias”. Fue en una entrevista para aquella edición la que provocó una verdadera fiebre por el emblemático perfume de la casa de Alta Costura, cuando Marilyn respondió a la pregunta “¿qué te pones para dormir?”, contestando “tan solo unas gotas de Chanel Nº5”. Este crossover entre dos leyendas indiscutidas es el que ha convertido al perfume en un clásico que sigue siendo sinónimo de la esencia femenina, la elegancia y la sensualidad.

Con ingredientes florales como el jazmín, rosas, ylang-ylang, nerolí y vainilla, así como notas vegetales provenientes del vetiver y el sándalo, Chanel Nº5 le debe su nombre a la mismísima Coco Chanel, la que luego de haber testeado varias muestras desarrolladas por el maestro perfumista francés Ernest Beaux, seleccionó la número 5 para realizar el primer perfume de su etiqueta homónima. Además de ser el primer perfume en la historia de una casa de moda, Chanel Nº5 se caracteriza por ser la fragancia pionera en el uso de aldehídos, sustancia que logra unificar los ingredientes para evitar distinguirlos fácilmente, dándoles también una gran capacidad de difusión y fijación. No en vano, la primera estrategia de Coco Chanel para introducir su perfume en el mercado fue rociarlo de forma desapercibida dentro de los más selectos lugares en los que se hacían reuniones sociales con las mujeres más entusiastas de la lujosa Alta Costura

Para celebrar el centenario del icónico Nº5, la maison ha lanzado Chanel Factory 5, una colección cápsula que permitirá sumergirse en el hipnótico universo de aromas de Chanel Nº5 con dramáticos envases inspirados en la estética de blanco y negro que caracteriza a la marca. La colección incluye productos como The Bath Tablets (sales de baño), The Body Oil (aceite de cuerpo y pelo), The Shower Gel (gel para la ducha con efecto suavizante), The Body Lotion (crema de cuerpo de textura fluida), The Body Cream (hidratante de ocho horas de duración) y, por supuesto, una edición especial del perfume. Asimismo, existen otros productos que complementan la colección, como The Mystery Box (una caja sorpresa), The Soap (jabón en barra) y The Sparkling Body Gel (hidratante con un leve acabado brillante).

Junto con el lanzamiento de Chanel Factory 5, la marca ha construido tiendas pop-up en diferentes ciudades del mundo para su venta al público, desplegando así su elegante iconografía.

De esta manera, esta edición limitada e irrepetible es la primera de una serie de nuevos productos exclusivos que Chanel lanzará para celebrar el espíritu del Nº5 en sorprendentes transformaciones del perfume más importante del siglo XX. En su sitio web, Chanel ha desarrollado una ilustrativa experiencia de usuario para conocer el concepto de esta colección, en donde se puede encontrar información detallada de cada producto.

Por lo tanto, la invitación es a mantenerse informados sobre las nuevas cápsulas de Chanel Factory 5 a través de su web y redes sociales, ya que pronto se revelarán nuevos productos que, sin duda, volverán a sorprendernos.

parisina.

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REPORTAJE

REINA

EL DESTELLO DE UNA

LA COLECCIÓN REINA DE NÁPOLES DE BREGUET ESTÁ INSPIRADA EN MUJERES FUERTES QUE HAN MARCADO LA HISTORIA. EL NUEVO MODELO 8938 MANTIENE LOS ELEMENTOS ESTÉTICOS QUE HAN CONVERTIDO A ESTA LÍNEA EN UNA DE LAS MÁS HERMOSAS Y REFINADAS DE LA RELOJERÍA FEMENINA.

Desde siempre las creaciones de Breguet han seducido y fascinado a mujeres brillantes e ilustres como María Antonieta, reina de Francia; la marquesa de Condorcet y la propia emperatriz Josefina. Inspiradas en ellas, la marca presenta en 2002 la colección Reina de Nápoles como digna heredera del primer reloj de pulsera de la historia, creada por Abraham-Louis Breguet en 1812 para Caroline Murat, la hermana de Napoleón Bonaparte y reina de Nápoles. Este año, Breguet presenta un nuevo modelo de esta emblemática colección: la Reina de Nápoles 8938.

las agujas pomme évidée en acero azulado -las mismas que Abraham-Louis Breguet diseñó en 1783-, junto a los estilizados números que caracterizan a la marca. El engaste continúa sobre el realce, el bisel y las asas con diamantes corte brillante, así como sobre la corona con un diamante talla briolette, un corte único y sofisticado. Más de tres quilates de diamantes iluminan este precioso reloj, cuyo fondo está protegido con cristal de zafiro que permite apreciar en detalle su mecanismo.

Con una estética sofisticada y una mecánica avanzada, Reina de Nápoles 8938 se presenta en dos versiones: oro blanco con correa de piel azul claro y en oro rosa con correa de piel naranja. En ambos modelos, la esfera -también hecha de oroofrece un espectáculo deslumbrante gracias a los 384 diamantes (unos 0.89 quilates) engastados con la técnica nieve, una de las más exigentes de los Métiers d’Art. Esto significa que el artesano o engastador ubica piedras de distintos tamaños en la esfera hasta cubrir totalmente el metal precioso sobre el que descansan. Se trata de un proceso muy complejo que requiere destreza y paciencia, pero que garantiza un resultado único por la variedad de los diamantes. Breguet completa la esfera de este modelo con una circunferencia de las horas excéntrica a la altura de las 6 horas en nácar natural blanco, sobre el cual se ubican

Como la estética debe ir siempre de la mano de la técnica, la manufactura equipó esta nueva línea con un movimiento mecánico de carga automática calibre 537/3 con escape y espiral de silicio. Este último cobra vida gracias al movimiento de una masa oscilante de platino finamente guilloché.

Decorar los relojes con piedras preciosas es una tradición muy valorada en la alta relojería desde hace más de cinco siglos. Una tradición que Breguet bien sabe mantener. Con este nuevo modelo, la marca da cuenta, una vez más, de maestría artesana. Reina de Nápoles 8938 es, sin lugar a dudas, la perfección entre técnica y estética.

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Fotos: Cortesía Breguet

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VALENTINO, VESTIR LA POESÍA PARA LA ALTA COSTURA DE OTOÑO-INVIERNO 2021/2022 VALENTINO PRESENTÓ UNA COLECCIÓN DE ESPÍRITU COLABORATIVO JUNTO A 17 ARTISTAS, FUNDIENDO MODA, ARTE E HISTORIA EN UNA DE LAS PASARELAS MÁS DESTACADAS DE LA TEMPORADA. DE ESTA FORMA, LA MAISON PARISINA LLENÓ DE COLOR UNA VENECIA BELLA Y NOSTÁLGICA CON UN DESFILE INOLVIDABLE. POR CRISTIÁN PAVEZ | FOTOS: CORTESÍA DE VALENTINO

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Fue el controvertido filósofo Friederich Nietzsche quien alguna vez dijo «cuando busco otra palabra para “música”, nunca encuentro otra palabra que “Venecia”». Y es que Venecia es eso: una sinfonía perenne en la que conviven belleza, drama y un aire desteñido del que es imposible escapar. Una ciudad de cáscaras resquebrajadas, tumultos de turistas boquiabiertos y donde el silencio emerge sólo en el oscuro misterio de la noche.

El romanticismo de Venecia está lejos de hacer match con la caricatura edulcorada de sus paseos en góndola, y mucho más cerca de un encanto que deja ver la resiliencia frente al implacable paso de la historia. Sus calles, edificios y canales son patrimonio de una nostalgia que se ha batido entre la peste, el carnaval y la amenaza latente de rendirse frente al avance del Mediterráneo. Esta es la Venecia a la que han desembarcado marcas de moda como Saint Laurent y Rick Owens, estableciéndose como un telón de fondo ideal para mostrar colecciones que usualmente se estrenan en París. Valentino no ha querido quedarse atrás y ha hecho de la capital véneta parte de su historia iconográfica para desplegar su vibrante colección de Alta Costura de otoño-invierno 2021/2022 llamada Valentino Des Ateliers.

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El director creativo Pierpaolo Piccioli ha construido una visión sólida para la Maison Valentino, habiendo asumido hace 13 años el peso y la responsabilidad de mantener y elevar la visión del fundador de la casa, Valentino Garavani. Aunque llegó al mando creativo de Valentino en 2008, ya había estado nueve años a cargo de la división de accesorios de la firma. Pero en principio, esta tarea la asumió de manera compartida con quien lo había acompañado en casi toda su trayectoria laboral: la diseñadora Maria Grazia Chiuri. De esta manera, después del retiro de Valentino Garavani, fue la dupla Chiuri-Piccioli la encargada de continuar el legado y trazar su futuro. Con un éxito traducido en el beneplácito de la crítica especializada y un reposicionamiento de la etiqueta Valentino, fue en 2016 que Pierpaolo se apartó de su amiga Maria Grazia. Mientras que Dior comenzaba una nueva era de la mujer francesa al mando de Chiuri, Piccioli quedó con el control absoluto de las decisiones creativas de Valentino, bajo la atenta mirada de Garavani. Fue así como Pierpaolo hizo su debut en solitario para la primavera-verano 2017 en la Semana de la Moda de París con un desfile que terminó con una ovación de pie de todos los presentes y un Valentino Garavani que no pudo disimular lágrimas de gloria. Desde entonces, la marca ha logrado renovarse y encontrar deseabilidad en las nuevas generaciones, gracias a la integración de nuevos lenguajes estéticos como la moda urbana y siluetas deportivas.

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En la Semana de la Alta Costura otoño-invierno 2021/2022, no fue la excepción. Para esta pasarela, Pierpaolo Piccioli volvió a deslumbrar utilizando uno de los rincones más nostálgicos de Venecia, el Arsenale. Fue así como en el Gaggiandre, antiguo astillero de la histórica base naval, Valentino sorprendió con un desfile presencial lleno de drama y color. Los invitados debieron cumplir con un estricto dresscode que indicaba vestir de blanco absoluto, para así lograr el contraste ideal de una colección que mostró una vibrante gama de colores en bloque. Con la participación de 17 destacados artistas, el proceso creativo de esta colección fue un verdadero desafío en el contexto de la pandemia. Para lograrla, Piccioli debió realizar reuniones presenciales y remotas con los artistas, manteniendo tiempos acotados de supervisión. De esta manera, Pierpaolo destaca que esta colección fue resultado de poner a prueba el poder de la conversación.

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Para el diseñador, la moda no es arte. El componente práctico, utilitario y funcional de la moda es, según Piccioli, la fuerza movilizadora de la moda.

Mientras que el arte existe en la lógica expresada por Kant como expresión pura. Y a lo largo de los 84 looks de la pasarela se hizo evidente la dimensión orgánica que está representando la Alta Costura para el Valentino de Pierpaolo Piccioli. Como suele ser en este tipo de pasarelas, los vestidos se impusieron con fuerza en diferentes tipos de cortes. Largos, cortos, de cóctel y los más dramáticos e imponentes que crean momentos inolvidables en las alfombras rojas. La clásica silueta Valentino estuvo presente con vestidos voluminosos y en coloridas variantes. Asimétricos, strapless, con mangas de volantes, con capas y escotes tridimensionales, Valentino trasladó la esencia de su atelier de París al eje de la pasarela con una paleta de tonos intensos, predominando la gama de rojo, rosado, fucsia y morado.

Sin embargo, Piccioli se inspiró en otras clásicas arquitecturas de la moda, como la silueta trapezoide de Balenciaga, los volúmenes anchos y curvos de Pierre Cardin, así como formas escultóricas de tipo imperial de Madame Grès.

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Comisariada por Gianluigi Ricuperati, escritor, ensayista y curador italiano, la selección de los artistas se caracterizó por el minucioso trabajo artesanal que se vio reflejado en cada pieza intervenida. Siendo la mayoría de ellos especialistas en pintura, el tiempo promedio de dedicación exclusiva sobre cada vestido fue de aproximadamente 700 horas. Dentro de las artistas más destacadas del conjunto se encuentran las pintoras estadounidenses Patricia Treib y Jaime Nares. Treib desarrolló un complejo y minucioso trabajo textil para construir un vestido clásico de Valentino. Con una combinación de 88 telas diferentes, la artista aplicó una paleta de colores sólida y de percepción variable según las propiedades de cada material.

El resultado fue un montaje de formas que recuerdan el aspecto más abstracto de Henri Matisse. En tanto, Nares fue la protagonista del vestido que marcó el cierre de la pasarela.

Su obra pictórica, caracterizada por la abstracción de trazos de brocha continuos, encontró en Valentino una manera de quedar estampada para la historia. Fue así como en un vestido blanco dejó estampado un imponente brochazo de pies a cabeza con tonos de rojo, color característico de la Maison Valentino. Además del impresionante trabajo artístico en esta colección, detalles como el uso de plumas en sombreros, faldas y vestidos contribuyen con movimiento y dinamismo a la solemnidad impávida e hipnótica que rodea a la atmósfera de la Alta Costura.

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Otra de las innovaciones que no pasaron desapercibidas en esta pasarela fue la creación de looks masculinos de Alta Costura. Ya en la mitad de los años 90, un joven y rebelde Jean-Paul Gaultier planteaba enérgicamente que el futuro de la Alta Costura sólo podría estar asegurado si se incluye al mercado masculino. Y en esta temporada, la Alta Costura masculina pareciera haber declarado su entrada oficial a los ateliers de la capital francesa. Junto con otras casas parisinas como Balenciaga y Maison Margiela, Valentino está hoy marcando una hoja de ruta hacia la diversificación de la división más exquisita de la industria, reivindicando el deseo masculino por abrazar la cultura de la moda. Por lo tanto, además de continuar con su virtuosa tradición, Valentino está marcando presencia no sólo con perfección y belleza en la expresión femenina. La atención puesta en una nueva clientela masculina habla de tener visión, navegar con los tiempos actuales y cuestionar el devenir de la historia de la moda. Valentino ya ha hecho historia, lo está haciendo y de la mano de Pierpaolo Piccioli continuará siendo un nombre que inspire las fantasías más sublimes en torno a la identidad visual que nos une a todos los seres humanos: la moda.

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HOUSE OF GUCCI

MODA Y CRIMEN

CRECE LA EXPECTACIÓN POR EL ESTRENO DE "HOUSE OF GUCCI", PELÍCULA QUE RELATA LAS CAUSAS Y ACONTECIMIENTOS QUE LLEVARON AL ESCANDALOSO CRIMEN QUE TERMINÓ CON LA VIDA DE MAURIZIO GUCCI, EL HEREDERO LEGÍTIMO DE LA CASA ITALIANA DE LUJO. POR CRISTIÁN PAVEZ | FOTOS: CORTESÍA DE UNIVERSAL PICTURES

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Gucci no es sólo una marca de lujo. Es también una dinastía familiar que tuvo un vertiginoso auge y caída. Cumpliendo un siglo de historia, Gucci ha vivido épocas de esplendor, ruina y resurrección. Su fundador, el empresario florentino Guccio Gucci, hizo de su apellido una de las marcas más reconocidas de la historia. Sin embargo, este logro no ha estado exento de episodios negros para la familia. Luego de la muerte de Guccio, sus hijos Aldo, Rodolfo y Vasco continuaron a cargo de la empresa, empujándola a un proceso de internacionalización.

Gucci no sólo comenzaba a vivir un apogeo dentro de Italia y el resto de Europa, sino también se negociaron licencias de fabricación que llevaron a la marca de la doble G a otros países.

Chile fue una de las remotas latitudes en las que Gucci fabricó y comercializó artículos de lujo fabricados en cuero durante los años 60 y 70. Ya en la década de los 80, el imperio Gucci comenzó a experimentar las primeras disputas familiares después de la muerte de Rodolfo. Fue así como su hijo Maurizio asumió el control de la compañía, tomando la decisión automática de despedir a su tío Aldo Gucci, quien fue condenado a prisión por evasión fiscal. Es aquí donde se despeja el camino para Patrizia Reggiani, la mujer de Maurizio, quien hará todo lo posible para tomar un rol preponderante en la familia. Pero el doloroso proceso

de divorcio con Maurizio en 1992 para casarse con su amante, Paola Franchi, sería el punto inicial de una vendetta que Patrizia no dudaría en llevar a cabo para quedarse con las valiosas propiedades de la familia Gucci. Su fatal desenlace no sólo marcó la pauta periodística de los diarios italianos, sino también quedó registrado para la posteridad en la novela The House of Gucci: A Sensational Story of Murder, Madness, Glamour and Greed, de la autora estadounidense Sara Gay Foden.

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La novela es el punto de partida para el guion de la película “House of Gucci”, dirigida por Ridley Scott (director de “Gladiador”, “Blade Runner”, “Alien”, entre otras). No obstante, el proyecto de llevar a cabo la película sobre el crimen Gucci data del año 2009, con largas conversaciones que no llegaron a acuerdo. Ese año, el director británico presentó un proyecto que contaba con la incorporación de Angelina Jolie y Leonardo Di Caprio en los roles protagónicos, así como actuaciones de otras figuras como Nicolas Cage, Russell Crowe e incluso Julio Iglesias. Pero la familia lo desaprobó y la idea debió desecharse. Luego de que le fuera otorgada la libertad en 2016, Patrizia Reggiani accedió a vender su historia para pagar costosas indemnizaciones a las víctimas que sobrevivieron a sus macabros planes de asesinato. Curiosamente, la libertad de Patrizia supondría también la libertad para dar curso al proyecto cinematográfico 14 años después, con fecha oficial de estreno el 24 de noviembre y que llegará posteriormente a la plataforma de streaming Paramount Plus. De esta forma, la historia de la familia 80

Gucci será parte de la fascinación por los crímenes de las más poderosas dinastías familiares, junto a las de las series “Dallas”, “Dynasty” y más recientemente, la galardonada “Succession”, que está inspirada en la familia Murdoch, y que es desarrollada por HBO. El tráiler de la película, estrenado mundialmente el 12 de agosto, nos muestra imágenes que se centran en el conflicto principal: el antagonismo entre Maurizio y Patrizia. A pesar de que no se sabe mucho más sobre el desarrollo de la historia en esta película, podemos ver conflictos de traición, infidelidad y, por supuesto, ambición.

“House of Gucci” está protagonizada por Lady Gaga en el rol de Patrizia Reggiani, Adam Driver como Maurizio Gucci, Al Pacino personificando a Aldo Gucci, Jared Leto con una sorprendente transformación física para interpretar a Paolo -hijo de Aldo y primo

REPORTAJE

de Maurizio-, Jeremy Irons como Rodolfo y la actuación especial de Salma Hayek como Pina Auriemma, una clarividente que era amiga personal de Patrizia Reggiani y que contribuyó en gran medida a planificar el asesinato de Maurizio Gucci. La aparición de Hayek en la película no es casualidad, ya que el marido de la actriz mexicana -François-Henri Pinault- es el presidente de Kering, holding francés de lujo que hoy en día controla el 100% de la marca.

Para lograr las impecables reconstrucciones de época, el director creativo de la marca Alessandro Michele, liberó los archivos de Gucci para que pudieran ser utilizados como parte del vestuario de la película.

Por su parte, al ser consultada por el rol de Lady Gaga, la mismísima Patrizia Reggiani ha declarado que es la actriz perfecta para interpretarla. Pero estos elogios no serían correspondidos

por la norteamericana de ascendencia italiana, quien declaró que junto con su equipo de comunicaciones han sido lo suficientemente cautos para no glamorizar la figura de Patrizia Reggiani y, por ende, su crimen que finalizó con cargos judiciales por sicariato.

Otra de las reacciones que han trascendido es la de Patrizia Gucci -prima en segundo grado de Maurizio e hija de Aldo-, quien ha sido enfática en esperar que la película no se detenga sobre detalles de la vida privada de la familia.

Sea como sea, la película sobre el crimen Gucci será uno de los estrenos más grandes de este año que, sin ninguna duda, estará presente durante la esperada temporada de premios cinematográficos de la industria del cine. Por ahora, sólo queda esperar a sorprendernos con una historia que reúne todos los elementos de una cinta emocionante y ganadora.

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JOYA

Colores

POR CLAUDIA LARRAGUIBEL

PARA BRILLAR

Verdes, azules, doradas, violetas, rosadas y negras. Gemas multicolores como el granate, amatista, topacio, turmalina, ámbar, cuarzo y aguamarinas, que nada tienen que envidiar a las gemas preciosas como la esmeralda, el rubí, los diamantes y zafiros.

Este impactante arcoíris es lo que distingue la nueva colección de anillos oversize de MOSSO. Gemas que nos regala la naturaleza y que se reconocen por su tono, calidad y belleza. Ciento treinta especies minerales agrupadas por color, pero todas con sus propias variaciones de tinte, luminosidad y saturación.

A pesar de su atractivo componente visual, las gemas también están asociadas a la medicina oriental. Fue precisamente en los años 70 que su uso se popularizó por herencia cultural de los hippies, expandiéndose su uso a la accesorización de la moda y como complemento de la Alta Joyería. Sin embargo, hasta el día de hoy hay una gran demanda por ellas por la creencia en sus propiedades curativas que equilibran la energía de la mente y el cuerpo. Asimismo, quienes estudian las propiedades holísticas de estas gemas suelen darles significados especiales.

Su utilización en formatos de gran dimensión permiten integrarlas de manera virtuosa a nuestros looks, convirtiéndose muchas veces en un detalle que le pone una firma visual potente a nuestras elecciones de estilo y color. Un punto diferenciador que saca a las prendas básicas de lo previsible. Estas coloridas maravillas naturales son en gran medida utilizadas como un verdadero condimento por la Alta Joyería para lograr sorprendentes combinaciones de tonos y brillos.

Para esta primavera-verano, estas gemas son la oportunidad ideal para lucir en eventos de día, así como para el dresscode del llamado “sunset”. El brillo del sol y los colores del verano son el trasfondo perfecto para ser de estas gemas nuestras mejores aliadas. En MOSSO, te invitamos a conocerlas y a encontrar tonalidades sorprendentes para incorporar ese pop de color tan necesario para marcar una diferencia.

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CITRINO Anillo oro amarillo 18 kilates, con un Citrino.

TOPAZIO Anillo oro blanco 18 kilates, con un Topacio London Blue.

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Color

Oversize

LA ELEGANCIA Y EL BRILLO DE LA NOCHE ES NUESTRA INSPIRACIÓN JUNTO A VESTIDOS DE FIESTA Y DETALLES TRANSPARENTES PARA COMBINAR CON LA COLECCIÓN DE ANILLOS MOSSO. ASÍ, TOPACIOS, AMATISTAS, TURMALINAS Y GRANATES DAN EL TOQUE DE COLOR PARA CELEBRAR CON ESTILO.

Fotógrafo: Carlos Ortega | Stylist: Paola Agulló Makeup Artist: Constanza Oyarzún 85

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AMETISTA Anilllo oro blanco 18 kilates, con una amatista rosa.

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CITRINO Anillo oro amarillo 18 kilates con un Citrino.

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TOPAZIO Anillo oro amarillo 18 kilates, con un Topacio Azul.

AMETISTA Anillo oro blanco 18 kilates, con una Amatista.

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CITRINO Anillo oro amarillo 18 kilates, con un Citrino.

TOPAZIO Anillo oro blanco 18 kilates, con un Topacio London Blue.

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TOPAZIO Anillo oro rosa 18 kilates con un Topacio London Blue.

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TOPAZIO Anillo oro amarillo18 kilates con un Topacio Fumé.

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TOPAZIO Anillo oro amarillo 18 kilates, con un Topacio Fumé.

CITRINO Anillo oro amarillo 18 kilates, con un Topacio Azul.

TOPAZIO Anillo oro rosa 18 kilates con un Topacio London Blue.

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TOPAZIO Anillo oro rosa 18 kilates con un Topacio Fumé.

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Historia la

Restaurando

APPLE TOWER THEATRE

En un edificio cargado de historia, Apple inaugura su tienda Nº 26 en Los Ángeles. Uno de los proyectos de restauración más relevantes del último tiempo que busca revitalizar una de las salas de cine más emblemáticas de la ciudad.

POR CAROLINA VARGAS P. | FOTOS: CORTESÍA APPLE.

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Visitar la nueva tienda que Apple abrió recientemente en la ciudad de Los Ángeles es una invitación no sólo a recorrer parte de la historia del cine estadounidense, sino también a conocer uno de los proyectos de restauración más importantes realizados a la fecha. Y es que el lugar que hoy alberga la nueva Apple Store fue uno de los teatros más importantes de la década del 20: el histórico Tower Theatre ubicado en la esquina de Eighth Street y Broadway.

Diseñado por el famoso arquitecto S. Charles Lee e inaugurado en 1927, el teatro fue el hogar del primer cine sonoro de la ciudad. Entonces, la exclusiva torre del reloj del mismo nombre 102

del edificio y el uso de tecnología de vanguardia -equipado con sistemas Vitaphone y Movietone para películas con sonido- lo convirtieron en un ícono. Tras su cierre en 1988, el espacio permaneció vacío y sin uso, pero gracias al proyecto de restauración liderado por Apple, volvió a abrir sus puertas para continuar con el legado de innovación tecnológica que lo hizo reconocido en la década del 20. El emblemático teatro ha aparecido en películas como "El Club de la Pelea", "Mulholland Drive", "Los Reyes del Mambo" y "Coyote Ugly", así como en series de televisión de culto como Twin Peaks.

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PLANIFICAR EL FUTURO RESPETANDO EL PASADO En el año 2018, Apple junto al estudio de arquitectura Foster + Partners comenzó una restauración integral y una reinvención del antiguo teatro, habiendo anteriormente realizado la restauración del Palazzo Marignoli en Roma para la tienda Apple ubicada en la Vía del Corso. Con el fin de preservar cuidadosamente su belleza y grandeza, contó con el apoyo de destacados conservacionistas y artistas de restauración. Es así como esta gran obra de rescate patrimonial viene a renovar el alicaído rostro del centro de Los Ángeles, gracias a una verdadera apuesta que está haciendo Apple por intervenir áreas urbanas poco convencionales que tienen una historia icónica, pero que han permanecido erosionadas por el inclemente paso del tiempo.

Apple Tower Theatre es un ejemplo de narración arquitectónica.

Visitar la tienda evoca una experiencia cinematográfica que comienza en la calle Broadway, donde la marquesina original de 1927 fue totalmente replicada con detalles de bronce y letreros intercambiables en el tablero de lectura.

La puerta principal de la edificación da paso a un gran vestíbulo inspirado en la Ópera de París de Charles Garnier. En él,

una gran escalera de mármol, arqueada con pasamanos de bronce y flanqueada por columnas corintias de mármol, luce impecablemente restaurada. Al mismo tiempo, este vestíbulo se abre al enorme volumen de la sala principal del teatro en la planta baja, un espacio que ha sido transformado por completo en una majestuosa área de exhibición. Los intrincados detalles históricos de yeso en las paredes y el techo, que datan de la década de 1920, han sido cuidadosamente restaurados y mejorados.

Los extremos del balcón revelan toda la altura del auditorio elevándose hacia la cúpula central del techo del teatro, la que fue reinterpretada con un fresco de relajante sol dorado asemejando el cielo del sur de California, añadiendo, de esta forma, dinamismo y color al espacio.

Haciendo referencia a la época dorada del cine, el nuevo foro reestablece la pantalla bajo el arco del proscenio. En este espacio, Apple da la bienvenida a los artistas locales y a los profesionales de la tienda para que realicen presentaciones especiales y compartan conocimientos creativos.

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Un discreto conjunto de escaleras y ascensores lleva a los visitantes al nivel del palco, lugar que alberga los mejores asientos y vistas de la sala. Los asientos de cuero estilo teatro cuentan con puntos eléctricos y de datos integrados, convirtiéndose en el lugar perfecto para que los visitantes esperen, por ejemplo, para ser atendidos. Asimismo, en la parte superior del palco se encuentra la zona Genius de la tienda, ubicada justo debajo de las ventanas de la sala del proyeccionista, lugar que ofrece una vista completa del teatro en todo su esplendor, donde los usuarios de Apple podrán resolver dudas y hacer reparaciones simples de sus productos cara a cara con personal capacitado.

La conexión con la comunidad de Apple continúa debajo del auditorio, donde la escalera de mármol original se ha reinventado como un espacio de galería único donde hoy los visitantes pueden disfrutar de la historia de la restauración del Apple Tower Theatre con artefactos y fotografías originales.

Por último, los paneles publicitarios originales ubicados a lo largo del techo fueron fielmente pintados a mano por un equipo de 15 artistas encargados de celebrar la gran inauguración de la tienda en junio recién pasado. Para ese día, Apple descubrió un panel de Tower Theater de bronce fundido original en el ático y lo reubicó sobre la entrada.

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PALACIOS CINEMATOGRÁFICOS Tower Theatre es una joya palaciega del renacimiento francés ubicada en el distrito de los teatros de Broadway, un tramo del centro histórico de la ciudad que alguna vez fue el hogar de docenas de los cines dorados de Estados Unidos. A principios de la década de 1900, el avance de las películas provocó una era de palacios cinematográficos, donde la arquitectura del teatro cautivó al público tanto como las mismas películas. En este contexto, la gran torre que da vida al teatro fue diseñada con motivos renacentistas franceses con influencias españolas, románicas y moriscas.

El actual proceso de restauración consideró también el trabajo de expertos para reparar la torre la que, además del paso de los años, fue parcialmente destruida durante un terremoto de 1971.

Esta situación motivó a la marca a realizar una completa revisión y renovación sísmica del edificio, con el objetivo de transformarlo en un lugar seguro para sus clientes, visitantes y vecinos.

La inauguración del Apple Tower Theatre forma parte de un proyecto de regeneración urbana del centro de Los Ángeles, el cual espera fortalecer la vida comercial y comunitaria en esta parte de la ciudad.

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ARTE Y CULTURA

UNA GUÍA ARTÍSTICA PARA DESPERTAR LOS SENTIDOS.

ARTE & CULTURA

ANIVERSARIO DE LUJO Fue en 1857 con la ópera Enarni, de G. Verdi, que el Municipal de Santiago hizo su inauguración como principal escenario de las artes escénicas chilenas. Desde entonces han transcurrido 164 años y hoy el teatro se prepara para celebrar en grande. Acaba de reabrir sus puertas tras la pausa de la pandemia estrenando el ballet Trilogía+1, bajo la dirección artística de Luis Ortigoza. Esta propuesta contempla el estreno en Chile de Réquiem para una rosa, de la coreógrafa belga-colombiana Annabelle López Ochoa; Tres preludios, del coreógrafo británico Ben Stevenson, obra remontada por Sara Nieto, exbailarina estrella del Ballet de Santiago, y el estreno mundial de La Quinta, del coreógrafo Esdras Hernández, sobre la Sinfonía Nº5 de L.V. Beethoven. A este programa se suma también un pas de deux del ballet de “Carmen” de Marcia Haydeé, protagonizada por los bailarines Andreza Randisek y Rodrigo Guzmán.

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ARTE Y CULTURA

AVES DE CHILE El cóndor es nuestro majestuoso emblema nacional, mientras que el flamenco y el caití son los protagonistas de la zona norte.

En la zona centro destacan la loica, el cachudito y el chirihue, y el cormorán guanay y el pingüino rey son los íconos del sur. Todas estas increíbles aves ilustran las fotografías de la nueva muestra organizada por la Ilustre Municipalidad de Vitacura. La exposición, compuesta por 138 imágenes, reúne el trabajo de Walter Baliero y Jorge Valenzuela, destacados fotógrafos nacionales con amplia experiencia registrando a estas especies en sus hábitats naturales. Cada fotografía considera información sobre las especies retratadas, los diversos cantos o sonidos que cada una emite y antecedentes del lugar en que habitan. Esta exposición se presenta Avenida Bicentenario a un costado del parque y cuenta con entrada liberada.

COCO Y ANTOINETTE Abandonadas por su familia y educadas en la rigidez de un convento, Antoinette y Gabrielle “Coco” Chanel sueñan con un futuro mejor mientras leen novelas sentimentales y ojean revistas de moda a escondidas. Coco no es capaz de aceptar un destino de pobreza y obediencia, y por ende se deja llevar por su ambición inquebrantable para ir conquistando su libertad bajo la mirada de su hermana, quién le apoyará en su camino para convertirse en diseñadora de moda. La segunda novela de la estadounidense Judith Little -autora de Wickwythe Hall (2017), premiada ficción histórica que se desarrolla durante la Segunda Guerra- revela la incondicional relación entre las hermanas Chanel y cómo Antoinette fue un pilar fundamental en la vida de la diseñadora. Un libro íntimo y entretenido, resultado de un minucioso trabajo de investigación por parte de la autora, quien revisó cartas y diarios viejos para unir la historia de estas fascinantes mujeres.

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ARTE Y CULTURA

VIAJE AL RENACIMIENTO La Embajada de Italia en Chile, el Instituto Italiano de Cultura de Santiago y Museo Artequin traen a Chile la exposición Magister Raffaello, un maravilloso viaje por el Renacimiento italiano. La muestra honra y celebra el patrimonio histórico-artístico de Italia y, especialmente, el gran maestro Rafael Sanzio. A cargo del historiador de arte Claudio Strinati, la exposición se divide en seis espacios en los cuales se presentan más de 40 obras que dan testimonio de las diferentes etapas de la producción de Rafael, así como de los tres estilos que la dominaron: sus primeros años en Umbría, su período florentino y, finalmente, la experiencia romana a la corte de los papas. La parada en nuestro país es solo una de muchas de esta gran gira internacional patrocinada por Magister Art que conmemora los 500 años de la muerte del artista (1483-1520). “Luego del gran éxito de Da Vinci Experience en 2019, con Magister Raffaello volvemos a acercar a las chilenas y a los chilenos a los grandes artistas del Renacimiento italiano con una experiencia moderna, divertida y accesible para todos. La extraordinaria belleza en las pinturas de Rafael puede inspirarnos en esta fase de recuperación y resurgimiento, después de más de un año de pandemia”, comentó Mauro Battocchi, el embajador de Italia en Chile.

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LA PASIÓN DEL MAR

AveF énix En la mitología del antiguo Egipto, el Ave Fénix representaba al Sol, que muere por la noche y renace por la mañana. El mito se asocia a esta criatura con la capacidad de resiliencia que muchas personas tienen; esa habilidad para encontrar soluciones a situaciones adversas que les presenta la vida.

En mis casi cinco décadas como empresario gastronómico he vivido tiempos muy buenos y otros marcados por duros reveses.

En 1973, al inicio de mi carrera, debimos enfrentar los toques de queda que marcaron esos años. En 1982, nos vimos afectados por la fuerte crisis económica que golpeó a la banca. Tres años después, un terremoto de 7,8 grados en la escala de Richter remeció las regiones de Coquimbo, Valparaíso, O’Higgins y Región Metropolitana.

Luego, a principios de la década de los 90, el país se vio afectado por la llegada del cólera, una contagiosa enfermedad que a Chile llegó proveniente del Perú y cuya rápida propagación exigió la implementación de medidas radicales por parte del Estado. Medidas que el rubro gastronómico de entonces debió hacer propias para poder controlar el brote.

Algunos años después, específicamente en 2008, las llamas de un voraz incendio destruyeron por completo mi antiguo restaurante en plena madrugada. Incredulidad, tristeza e impotencia. Todo se destruyó, pero el espíritu se mantuvo intacto y con el apoyo de mi familia nos rearmamos y lo volvimos a

POR COCO PACHECO

construir para reinaugurarlo en el año 2010. Nueve años más tarde, el estallido social de octubre de 2019 y la llegada del Covid-19 en marzo de 2020 pusieron nuevamente en jaque al rubro gastronómico y mis ganas de continuar. La sensación de un futuro incierto me obligó a parar para pensar qué hacer y cómo seguir adelante.

Por meses decidí cerrar las puertas de mi restaurante y de alguna manera cerrar también gran parte de mi historia. Pero mis ganas de salir adelante me motivaron a abrir nuevamente "Aquí está Coco", un clásico de la cocina chilena que espero pueda abrir nuevamente sus puertas en octubre de este año.

En el ámbito profesional me ha tocado vivir una historia llena de adversidades, algunas más profundas que otras, que pusieron a prueba mi capacidad de reinventarme y salir adelante. Como el Ave Fénix, vuelvo otra vez. En todos estos años, he aprendido que toda dificultad tiene algo positivo. En mi caso, poder acceder a arriendos un poco más económicos o comprar muchas cosas en remates para reciclarlas. Pero sin duda, mi gran capital es y seguirá siendo el equipo humano que he formado y que me ha acompañado por más de 30 años. Ellos me incentivan a seguir adelante, incluso, algunos de ellos tendrán una participación importante en este nuevo emprendimiento.

Gracias al gran apoyo de mis amigos, clientes y familia, una vez más saldré volando como el ave Fénix, dispuesto a renacer de las cenizas.

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VIAJES

WORLD TRAVEL AWARDS

SEIS CIUDADES QUE BUSCAN SER EL DESTINO FAVORITO DEL MUNDO Este año, los World Travel Awards celebran su aniversario número 28, una marca que nació para reconocer, recompensar y celebrar la excelencia en los sectores más importantes de las industrias de viajes, hotelería y turismo. A pesar de lo complejo que es armar itinerarios en la actualidad, los World Travel Awards siguen siendo reconocidos como el principal sello de la industria, otorgando reconocimiento en categorías como mejor aerolínea, hotel & resorts, agencias de viajes, operadores de tours y destinos. Escogimos seis ciudades nominadas como “Leading City Destination 2021” para conocer por qué postulan como posibles ganadoras.

TEXTO Y FOTOGRAFÍA POR CAROLA HIDALGO L.

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NORTEAMÉRICA NUEVA YORK – ESTADOS UNIDOS Como un verdadero puzzle de rascacielos, así se ve la famosa ciudad que no duerme desde las alturas. Y es que Nueva York se ganó ese sobrenombre por ser un lugar intenso que, efectivamente, puede pasar en vela durante toda la noche. Desde famosos museos de arte y fotografía -como el Metropolitano, el MoMa o el Brooklyn Museum, entre tantos otros-, hasta icónicos escenarios de películas y series, pasando por los clásicos musicales que iluminan Broadway y Times Square, y considerando infaltables como el Rockefeller Center, el puente de Brooklyn, el Toro de Wall Street o la Estatua de la Libertad.

Ruido, gente, tráfico, artistas, tours e inmigrantes. Nueva York, y por sobre todo Manhattan, es una experiencia por sí sola.

Pero más retirado del centro eufórico de la Gran Manzana se encuentran lugares tan mágicos como Coney Island. Ubicado en el extremo sur de Brooklyn, este sector abarca parques de diversión de antaño, con ruedas giratorias y montañas rusas de más de 80 años. Entrar y caminar por Coney Island es una actividad gratuita, sin embargo, cada atracción tiene su precio.

Para quienes gusten de las áreas verdes, el deporte o simplemente de las largas caminatas, la ciudad alberga uno de

los parques más grandes y famosos del mundo: Central Park, característico por sus 340 hectáreas con lagunas artificiales, cascadas y peatonales, entre otros. Es famoso, además, por ser el lugar escogido para el memorial dedicado a John Lennon, pieza clave de la banda The Beatles que fue asesinado en la puerta del Edificio Dakota, donde residía junto a Yoko Ono y ubicado a pasos del parque. El mosaico en blanco y negro lleva la palabra “Imagine” en el centro y suele estar rodeado de flores que dejan los visitantes y fanáticos del cantante.

Pero para obtener una panorámica clásica de la ciudad es necesario subir al Empire State Building, el cual cuenta con dos miradores: el primero se ubica en el piso 86 y el segundo está en el 102, a una altura de 381 metros. La entrada cuesta cerca de US$ 43.00, aunque los menores de seis años suben gratis.

Entre musicales, museos, visitas a distintas atracciones turísticas, paseos por el día a sus diferentes barrios, tardes de compras y caminar por la ciudad libremente para reconocer los escenarios hollywoodenses son necesarios, por lo menos, siete días completos en Nueva York.

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ÁFRICA LUXOR - EGIPTO Mucho más que pirámides. Egipto es un país donde se respira mitología, religión, jeroglíficos y creencias. Grandes monumentos, tallados de alto impacto y un Nilo que aún alberga poblaciones en su orilla -entre otros destacados- son parte de la oferta turística y de la vida egipcia.

Luxor -que significa “fortificación”- es una ciudad construida sobre las ruinas de la ex Tebas, territorio reconocido por haber sido la capital del Imperio Nuevo del Antiguo Egipto.

Ubicada en la ribera oriental del río más grande del mundo, tiene tres must para disfrutar: el Templo de Karnak, el Templo de Luxor y volar en globo aerostático.

El primero es el templo dedicado al dios Amón y el más grande del país. Fue construido por faraones tan importantes como Ramsés II, Ramsés III y la reina Hatshepsut, la primera mujer del Antiguo Egipto en gobernar con la autoridad de faraón. Cuenta con más de 134 columnas, todas con un relato grabado en ellas. También llaman la atención las 40 esfinges con cabeza de oveja que dan la bienvenida al recinto. En su momento, caminar por esta avenida llevaba hasta el Templo de Luxor y hasta el Nilo.

Construido por el faraón Amenhotep III y terminado por Ramsés II se encuentra el Templo de Luxor. Ubicado en pleno casco urbano, es uno de los mejor conservados del país. Su entrada principal la caracteriza un obelisco de 25 metros de altura al que, originalmente, lo acompañaba otro igual. Sin embargo, este fue donado a Francia en 1831 y hoy se encuentra en la Plaza de la Concordia de París.

Junto al obelisco actual hay dos impresionantes colosos que representan a Ramsés II, faraón que por más de 60 años reinó el país y a quien se le rindió culto como si fuera un dios.

Por último, y si las condiciones climáticas acompañan, Luxor ofrece vuelos en globos aerostáticos. Los tours pasan por los turistas a las 5.30 am para luego dirigirse al sector desde donde se elevan. Sin embargo, es una actividad que puede sufrir modificaciones en el camino. Si el clima empeora o el viento toma fuerza, la actividad se cancela. Cerca de las 8 am es el horario límite para que el último globo haga un viaje.

De poder realizarlo, el panorama en el aire es espectacular, capaz de lucir varios globos elevados a la vez.

A estos tres imprescindibles se le pueden sumar un paseo por el día al Valle de los Reyes, a los Colosos de Memnón y disfrutar de las vistas y paseos por el Nilo. Para recorrerlo como corresponde, Luxor merece, por lo menos, de tres a cuatro días completos.

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EUROPA MOSCÚ - RUSIA Como una ciudad de superlativos, así define Lonely Planet a Moscú. Todo es majestuoso: la arquitectura, el arte, la historia y hasta el Metro, no por nada se conoce como el Palacio Subterráneo.

La Plaza Roja es el punto icónico de la capital rusa, digna de ser fotografiada en 360 grados. Comienza con el GUM, la galería comercial más famosa del país. Un shopping donde reina el lujo, pero donde también es posible encontrar restaurantes y comidas al paso a precios económicos. Por fuera, la arquitectura es lo que más llama la atención. Es fácil pensar que se trata de un monumento, un edificio gubernamental o la sede de una importante entidad, pero nunca a que es un centro comercial.

Tiene tres niveles y su techo es completamente de cristal. Lo mejor es verlo de noche, cuando lo iluminan por completo, como si viviera en una constante Navidad.

Justo frente al GUM se encuentra uno de los lugares más visitados de la plaza: el Mausoleo de Lenin. Cuando falleció, los restos del expresidente sólo iban a exponerse públicamente de forma temporal. Sin embargo, los dirigentes de la URSS decidieron conservar su cuerpo, convirtiendo el mausoleo en uno de los principales símbolos del régimen soviético.

Entrar a verlo es toda una experiencia: luego de superar la larga fila, los primeros guardias del recinto permiten el ingreso por grupos. Está prohibido tomar fotografías o iluminar con el celular, lo que sería bastante lógico de hacer al entrar a una sala completamente oscura, donde solo se ve una luz incandescente al centro, la cual ilumina el cuerpo sobre una tumba con cortinas rojas. Los guardias van indicando que está prohibido detenerse.

Así, los más de 45 minutos de espera se reducen a un corto minuto caminando alrededor de la sala. Al salir, es posible reconocer otra importante tumba: nada menos que la de Iósif Stalin, la cual suele estar adornada con rosas rojas.

Detrás del mausoleo y frente al río Moscova se encuentra el famoso Kremlin de Moscú, un conjunto de edificios religiosos y civiles, el cual incluye cuatro palacios y cuatro catedrales. Si bien existen más de 20 Kremlins en Rusia, el de la capital es el más importante. Hasta hoy es reconocido como casa de gobierno, a pesar de que el presidente trabaja -pero no vive- en el lugar.

Son 27 hectáreas que alojan distintas construcciones y jardines, aunque no todo puede ser visitado por los turistas. Para ingresar, existen dos tickets: el primero es el que incluye entrar al complejo, pero no a sus edificios, y a la plaza de las catedrales; mientras que el segundo incluye también el museo de la armería. Vale la pena comprar el segundo, lo que equivale a –por lo menoscuatro horas de recorrido en total.

Finalmente, y casi mirándose una con otra, se encuentran la Catedral de San Basilio -reconocida por su peculiar forma y sus llamativos colores- y la Catedral de Kazán, que sigue el mismo estilo. La primera fue mandada a construir por el Zar Iván el Terrible, mientras que la segunda fue por orden del príncipe Dmitri Pozharski. Sin embargo, el edificio actual es una reconstrucción, luego de que Iósif Stalin destruyera el original en 1936.

Pero Moscú es mucho más que la Plaza Roja. Para conocer la ciudad en profundidad y visitar cuanto tour ofrece, son necesarios –por lo menos- cuatro días en ella.

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ASIA HONG KONG – CHINA Cada tres tiendas se asoma una de Rolex. Entremedio se encuentran espacios dedicados a Louis Vuitton, Giorgio Armani, Prada y Dior. Todas siempre con gente y con vendedores realmente ocupados. Así es Hong Kong, el territorio autónomo que desde 1997 pertenece a China, una provincia donde –al igual que otras ciudades del Gigante Asiático- reina el lujo y donde lucir los logos de distinguidas marcas en las prendas es parte del outfit diario.

Pero si de turismo se trata, Hong Kong deja boquiabierto: rascacielos, mercados, olores, gastronomía, elegancia, modernidad, comercio, euforia, luces y mucha gente son parte de la vida diaria de la ciudad.

Desde ella también se pueden realizar paseos por el día. Hay dos, de hecho, que son imprescindibles. El primero es el cruce a Macao, el cual se hace en ferry y que toma poco más de dos horas de viaje. Este territorio, que alguna vez fue colonia

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portuguesa, es reconocido por ser Las Vegas de Asia. De hecho, están los mismos hoteles que en la ciudad de Nevada e, incluso, genera más dinero. No es necesario pasar la noche, ya que los ferry salen cada 15 minutos hasta tarde.

El otro paseo es visitar el Gran Buda y el Monasterio de Po Lin ubicados en Ngong Ping, la parte más alta de la isla de Lantau.

A ella se puede llegar en bus y, para alcanzar la cima donde se encuentra Buda se deben subir 268 escalones. Lo mejor de llegar hasta él es la fantástica vista del lugar, completamente verdosa. El monasterio budista, por su parte, es el más importante de Hong Kong. Fue fundado en 1906 y su nombre significa Loto Precioso.

En el templo hay otras tres estatuas de Buda que representan el pasado, el presente y el futuro, además de innumerables inscripciones budistas.

Considerando un día en Macao, otro en Ngong Ping y el cruce al otro lado de la isla de Hong Kong hasta llegar al Puerto Victoria y conocer el centro más administrativo del lugar, es necesario considerar de cuatro a cinco días en este atractivo destino.

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OCEANÍA CAIRNS – AUSTRALIA Cuando se habla de Australia se tiende a pensar inmediatamente en ciudades como Sidney y Melbourne. Pero al norte del país, en el estado de Queensland, se encuentra Cairns, una ciudad amigable y relajada, cercana a playas vírgenes y bellezas naturales. Destaca, por sobre todo, por ser el epicentro de la gran barrera de coral y las selvas Daintree y Cape Tribulation.

Los más aficionados al agua llegan hasta aquí para sumergirse en las profundidades del mar Coral y conocer el mayor arrecife de corales del mundo. Como parte del Patrimonio Mundial de la Unesco, la gran barrera hoy vive los impactos del cambio climático global, con efectos en la acidificación y temperatura del mar. Aun así, todavía no se define como “en riesgo”.

Descubierta por el explorador británico James Cook en 1770, la mayor estructura viva del planeta impresiona no tan solo por sus colores, sino que también por la cantidad de peces, tortugas y tiburones que viven en ella. Es tan grande que –según dicenpuede divisarse desde el espacio.

Y si de paseos se trata, una interesante parada es Port Douglas.

A una hora en auto desde Cairns, este pequeño pueblo cuenta con una paradisíaca playa, un ambiente tranquilo y distancias dignas de bicicleta. Su temporada alta es bastante extensa: desde mayo a diciembre se llena de turistas y de los propios

australianos provenientes del sur del país. Sin embargo, y por muy raro que parezca, es en pleno verano cuando se termina por vaciar.

A pesar de estar en el centro, la ciudad de Cairns no cuenta con playas. Pero para palear las intensas temperaturas, los ciudadanos cuentan con una laguna artificial con agua salada.

Junto a ella está la Explanade Boardwalk, un llamativo y extenso paseo marítimo donde los australianos realizan deporte, entre otras actividades.

Como es muy característico del país en general, la fauna de las ciudades se hace notar. Y más allá de los canguros y los koalas, en Cairns es muy común ver grandes murciélagos durmiendo cabeza abajo desde las copas de los árboles. A eso de las seis de la tarde, el cielo se cubre de negro con bandadas de ellos, ahuyentando a los turistas poco acostumbrados a ver murciélagos de tal magnitud.

Para disfrutar de sus bares, restaurantes, paseos por el día, tours a las playas, a la gran barrera de coral y a las selvas tropicales, es primordial dedicarle, como mínimo, tres días completos a esta exótica ciudad.

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SUDAMÉRICA RÍO DE JANEIRO – BRASIL Playa, gastronomía, cultura y fiesta. Río de Janeiro es de esas ciudades que lo tienen todo para el turista. Copacabana es uno de los barrios principales de la ciudad y donde está -precisamente- una de las playas más visitadas. Con forma de medialuna, esta área abarca desde hoteles en primera línea, hasta ricos restaurantes al paso bordeando la arena. Aquí, ir a la playa es mucho más que disfrutar del mar: las caipiriñas de distintos sabores, los queijos derretidos y untados en orégano, los anticuchos de camarones, los collares, los aros, los trajes de baño y un largo etcétera son las tentadoras ofertas que caminan a pleno sol. Los cariocas disfrutan de un clima marítimo tropical, caluroso y húmedo, siendo de mayo a noviembre la mejor época para ir.

Río de Janeiro se caracteriza también por sus atracciones culturales, las que pueden ser visitadas por tours que se contratan en plena peatonal de Copacabana. La parada más reconocida es el Cristo Redentor, la estatua de Jesús de Nazaret con los brazos abiertos que cuida la ciudad. La figura art déco que se ubica en la cima del Cerro del Corcovado, en el Parque Nacional de la Tijuca, tiene una altura de 38 metros y está sobre un pedestal de ocho. Fue inaugurada en 1931 y es la tercera estatua de Jesús más grande a nivel mundial, luego de la ubicada en Polonia (Swiebodzin) y en Bolivia (Cochabamba). Hoy es reconocida como una de las siete maravillas del mundo moderno, junto a la Gran Muralla China, el Coliseo Romano, Petra, Machu Picchu, Chichén Itzá y el Taj Mahal.

La Catedral Metropolitana o Catedral San Sebastián de Río de Janeiro también es parte del tour. Inaugurada en 1979 y ubicada en pleno centro financiero de la ciudad, llama la atención por su peculiar forma piramidal y por sus vitrales interiores que producen un efecto de luz fascinante, los que van desde la punta hasta la base de la construcción.

Localizada en el barrio Lapa -reconocido por ser la zona bohemiase encuentra la famosa Escalera de Selarón, construida por el viajero y artista chileno Jorge Selarón, quien vivía en lo alto de los peldaños. Fue en 1990 cuando comenzó a colorearlos y, tal como lo dijo desde el primer azulejo encajado, terminó la obra el día de su muerte, 23 años después. La fama fue tal que es fácil encontrarse con azulejos provenientes de todas partes del mundo, ya que los turistas se los llevaban de regalo para lucirlos en este llamativo mosaico al aire libre.

Para disfrutar tranquilamente de la ciudad que dio vida al Carnaval de Río se requiere de aproximadamente cinco días, los que pueden ser divididos para disfrutar de sus paradisíacas playas -como Ipanema, Botafogo, Leblón y Flamengo-, subir por teleférico al Pan de Azúcar y recorrerlo, conocer el Estadio Jornalista Mário Filho -más conocido como Maracaná-, caminar por el sambódromo y disfrutar de los bares y restaurantes que caracterizan la alegría de los brasileños.

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REPORTAJE

AZZEDINE ALAÏA Y CRISTÓBAL BALENCIAGA

Escultores de laForma POR CRISTIÁN PAVEZ | FOTOS: CORTESÍA DEL MUSEO CRISTÓBAL BALENCIAGA

A pesar de que la etiqueta Balenciaga sigue existiendo hasta nuestros días, sus tiempos de gloria se remontan principalmente a la primera mitad del siglo XX. Fundada en 1917 por Cristóbal Balenciaga en la ciudad vasca de San Sebastián, la casa de Alta Costura debió sortear dos cruentas guerras y tomar la determinante decisión de mudarse a París. Fue en la capital francesa donde Balenciaga alcanzó reconocimiento mundial, gracias a una filosofía de diseño que liberó a la mujer de los cánones arquetípicos que Christian Dior había impuesto a fines de los años 40 gracias a su revolucionario “New Look”, que marcaba la cintura para crear la famosa “silueta de reloj de arena”.

Vistió a distinguidas mujeres de la realeza, como la Reina Fabiola de Bélgica, a quien le diseñó su vestido de novia. También tuvo el privilegio de diseñar para leyendas de Hollywood como Ava Gardner y Grace Kelly, con diseños que marcaron una época y cuya inspiración sigue siendo tendencia el día de hoy. La creación de siluetas simples y geométricas se entremezcla con una arquitectura de volúmenes inusuales que permiten la libertad de movimiento, al mismo tiempo que le dio a la Alta Costura nuevas posibilidades de experimentar con colores, estampados y bordados.

Enemigo de la vida pública y maestro de nombres como Óscar de la Renta, Hubert de Givenchy, Emanuel Ungaro y André Courrèges, Cristóbal Balenciaga se mantuvo a cargo de su propia casa de moda por 51 años. Con un perfeccionismo hasta 120

el hartazgo y un control absoluto de cada proceso creativo y artesanal de cada prenda que diseñó, Cristóbal se vio enfrentado a una realidad que cambió la moda para siempre y que lo obligó a cerrar su legendario estudio de Alta Costura en 1968 con un último desfile. Ese año, no sólo se respiraba un aire de convulsión política en las calles de París. Existía también una silenciosa revolución que estaba poniendo en jaque a los antiguos negocios de moda: la irrupción del prêt-à-porter de la mano de un visionario Pierre Cardin. Esta nueva forma de hacer moda dejó a los ateliers en segundo plano y alimentó el auge de los centros comerciales.

En el París de fines de los 60, nombres importantes como Yves Saint Laurent, Chanel y Dior temblaron frente a este fenómeno, sin embargo, lograron compaginar sus negocios con los nuevos tiempos, siendo Yves Saint Laurent el pionero en la alta moda con su famosa línea de prêt-à-porter Rive Gauche.

Para entonces, Balenciaga no podía competir contra la explosiva aparición de tiendas y retailers que llevaron la moda a las masas con estructuras de producción en serie que impedían mantener la nobleza, la precisión y, por sobre todo, la exclusividad de la Alta Costura. El cierre de la casa Balenciaga dejaba, entonces, una gran cantidad de vestidos y prototipos a los que les esperaba un futuro incierto. En ese momento fue que apareció un coleccionista que vio en la obra de Balenciaga un valor incalculable y una responsabilidad por mantener y cuidar piezas que son cruciales en la línea evolutiva de la historia de la moda. Se trataba de Azzedine Alaïa.

REPORTAJE

EL MUSEO CRISTÓBAL BALENCIAGA REÚNE A DOS DE LOS MÁS IMPORTANTES COUTURIERS DEL SIGLO XX EN UNA EXPOSICIÓN DE 100 PIEZAS DE ALTA COSTURA, QUE SON EL TESTIMONIO VIVO DE PERFECCIÓN EN TÉCNICA Y VANGUARDIA.

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REPORTAJE

Nacido en Túnez y establecido en París en 1957, Azzedine Alaïa logró formarse bajo la tutela creativa de importantes diseñadores, como Guy Laroche, Christian Dior y Thierry Mugler. Durante sus primeros años laborales, Azzedine vivió el esplendor de Cristóbal Balenciaga y adoptó de él varios aspectos que los unirían. No obstante, a diferencia del español, Alaïa se convertiría en un creador obsesionado por resaltar el cuerpo de la mujer, enfundándolo con un magistral trabajo técnico. Habiendo recibido clases de escultura en la Escuela de Bellas Artes de Túnez, Alaïa logró dominar los volúmenes y las materialidades que luego fueron claves para su posterior trabajo como diseñador.

Luego, en 1981, Azzedine Alaïa abrió su propia firma en un París intimidante que buscaba renovar forzosamente la silueta femenina.

Buscó la forma de hacer de cada vestido un verdadero guante corporal para la figura femenina, lo que lo motivó a trabajar de manera escultórica. De este modo, Alaïa comenzó a destacarse por trabajar directamente sobre el cuerpo de las modelos, poniendo telas, cortando y hasta cosiendo a mano sobre ellos.

Fue así como llegó hasta sus talleres una joven inglesa llamada Naomi Campbell, quien se refugió en el diseñador para dar los primeros pasos que marcarían su astronómica carrera en el mundo del modelaje. La prensa especializada de moda le atribuye a Alaïa y el descubrimiento de Naomi Campbell el inicio de las

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llamadas “supermodelos”, que luego marcaron una época de oro en el modelaje que se extendió desde mediados de los años 80 hasta los 90.

Azzedine odiaba a la prensa y la presión comercial de las colecciones de temporada. Su trabajo incansable y metódico lo mantuvo a su propio ritmo y sólo estrenaba sus colecciones de Alta Costura cuando sentía que el trabajo estaba terminado y conforme a su propia visión. Fue un devoto seguidor de Balenciaga, haciéndolo fuente de conocimiento e inspiración para toda su carrera. De él no sólo heredó un carácter hermético, meticuloso y obsesivo, sino también el deseo de alcanzar la maestría en el oficio.

Tras la muerte de Azzedine Alaïa en 2017, sus archivos fueron el punto de partida para la Fondation Azzedine Alaïa, institución que desde 2020 lidera la galerista italiana y amiga personal del diseñador, Carla Sozzani. La fundación se encarga, además, de proteger el archivo de Alaïa, de conservar la valiosísima colección de Alta Costura que Azzedine fue construyendo a lo largo de su vida. Es así como dentro de sus etiquetas no sólo se encuentra una vasta colección de vestidos, abrigos y accesorios de Balenciaga, sino también de otras figuras, como Madame Grès, Elsa Schiaparelli y Madeleine Vionnet.

REPORTAJE

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REPORTAJE

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REPORTAJE

Unos años antes, en junio de 2011, se inauguró el Museo Cristóbal Balenciaga en la ciudad natal del couturier, Getaria. Con presencia de importantes autoridades del País Vasco, la Reina Sofía, el entonces presidente de la Fundación Balenciaga, Hubert de Givenchy, así como representantes del mundo de la cultura de España, se cortó la cinta para dar la bienvenida a un nuevo espacio para rendir homenaje a la importancia de Balenciaga para la historia de la moda. Fue así como logró verse concretado el ambicioso proyecto que llevaba esperando ser inaugurado desde 2003, y cuyas primeras conversaciones para realizarlo comenzaron en 1999.

Un impresionante sistema de cámaras de conservación alberga 1.200 piezas del archivo del diseñador como resultado de donaciones de herederos de antigua clientela, así como vestidos, abrigos y accesorios que se rescataron después del dramático cierre del atelier de Balenciaga en París. De esta forma, Hubert de Givenchy, amigo personal del gran genio de la moda española, logró darle forma a un proyecto con el que siempre soñó desde la constitución de la Fundación Balenciaga, de la cual es su artífice principal.

En la actualidad, el Museo Cristóbal Balenciaga no sólo se destaca por su nutrido programa de exposiciones itinerantes, sino también por sus programas culturales que apuntan a establecer

vínculos con su entorno social. Iniciativas como cursos de moda para perfeccionar técnicas de costura, cursos orientados a la docencia, así como un innovador programa escolar para todas las etapas de aprendizaje estableciendo actividades didácticas. Asimismo, el museo tiene actividades para personas con discapacidad, adaptando la enseñanza y el acercamiento a la indumentaria para personas con diversas necesidades específicas.

En el marco de la exposición “Escultores de la Forma”, la Fondation Azzedine Alaïa adquirió un rol fundamental para llevarla a cabo en conjunto con el Museo Cristóbal Balenciaga. Con una selección de 100 vestidos de ambos diseñadores, esta icónica exposición marca los primeros 10 años de vida del Museo, cumpliendo un sueño que Hubert de Givenchy nunca pudo llevar a cabo: el de realizar un homenaje que comprendiera el trabajo de ambos couturiers. Es así como la exposición establece un diálogo evidente entre Alaïa y Balenciaga, elevando su relevancia histórica y destacando su destreza y habilidad. Cortes innovadores, manejos a propio antojo de tejidos, gasas, bordados y encajes, así como el desarrollo de arquitecturas atemporales son parte esencial de lo que contiene este acontecimiento de moda, que conserva la memoria de dos importantes responsables de mantener con vida la razón y el propósito de la Alta Costura como vertiente artística.

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REPORTAJE

NUEVO PANAMERA:

RENOVACIÓN PARA EL SEDÁN DE LUJO DE PORSCHE UNA IMPORTANTE ACTUALIZACIÓN ES LA QUE HA RECIBIDO EL PORSCHE PANAMERA, PRESENTANDO UNA SERIE DE MEJORAS EN SUS PRESTACIONES Y EXHIBIENDO CAMBIOS NOTABLES EN SU DISEÑO PARA SEGUIR SIENDO UN REFERENTE ENTRE LOS AUTOS DE LUJO. EL NUEVO PANAMERA LLEGA A CHILE EN DOS VERSIONES: TURBO S Y 4 E-HYBRID.

La marca alemana Porsche sigue sorprendiendo en Chile al anunciar la llegada de uno de los modelos más exclusivos y que se ha transformado en la referencia dentro del segmento de sedanes de lujo a nivel global: el nuevo Panamera, variante que exhibe una importante actualización en su diseño exterior y el establecimiento de nuevas cifras de desempeño que lo mantienen en la cúspide como uno de los grandes actores de este competitivo segmento.

“Porsche ocupa un lugar importante entre los sedanes de lujo gracias al Panamera, exclusiva variante de cuatro puertas de nuestra marca”, dijo Cristóbal Lüttecke, gerente general de Porsche en Chile. “La llegada de esta actualización está reservada para nuestros clientes más exigentes, ya que mezcla a la perfección el diseño sofisticado con el ADN deportivo de Porsche y además entrega una incomparable sensación de comodidad y de lujo. El Panamera vuelve a demostrar que es el equilibrio perfecto entre todas estas variables”.

El lanzamiento de uno de los modelos más voluminosos de Porsche en Chile fue en realidad un estreno doble, puesto que con la llegada de esta importante actualización se ha dado a conocer el nuevo Panamera Turbo S, modelo que se transforma en el tope de la gama de sedanes de la firma de Stuttgart en nuestro país. Además, se suma la variante denominada Panamera 4 E-Hybrid, modelo que mezcla la propulsión a combustión y el uso de un motor eléctrico para hacer de la conducción un proceso más eficiente sin dejar de lado la deportividad.

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Fotos: Cortesía Porsche

REPORTAJE

TURBO S: DE CERO A 100 KM/H EN SÓLO 3,1 SEGUNDOS Con la promesa de superar las prestaciones del Panamera Turbo, modelo que fuera el anterior tope de gama de las variantes 100% a combustión, el nuevo Panamera Turbo S exhibe números nunca vistos. Con una potencia de 630 CV y un torque de 820 Nm, el nuevo líder de Panamera a combustión ofrece 80 CV más de potencia y 50 Nm más de par que el Turbo de generación previa.

Esto se traduce en una mejora significativa de las prestaciones: en el modo Sport Plus, el auto acelera de 0 a 100 km/h en sólo 3,1 segundos, mientras que la velocidad máxima se sitúa en 315 km/h. Para trasladar la enorme potencia a la calzada de forma controlada y maximizar el rendimiento en curvas fueron optimizados de manera específica la suspensión neumática de tres cámaras, el Porsche Active Suspension Management (PASM) y la estabilización del balanceo Porsche Dynamic Chassis Control Sport (PDCC Sport), incluido el Porsche Torque Vectoring Plus (PTV Plus), entre otros elementos.

NUEVO PANAMERA 4 E-HYBRID Porsche sigue ampliando su estrategia E-Performance en Chile, lanzando al mercado el nuevo Panamera 4 E-Hybrid. Este modelo híbrido enchufable es impulsado por un motor V6 biturbo de 2.9 litros y 330 CV (325 hp, 243 kW), al que se suma un motor eléctrico, que proporciona una potencia de 136 CV y un par máximo de 400 Nm. Como resultado, el Panamera 4 E-Hybrid despliega una potencia conjunta de 462 CV, va de 0 a 100 km/h en 4,4 segundos y alcanza una velocidad máxima de 280 km/h.

El nuevo Panamera debuta oficialmente en Chile con la llegada de estas dos variantes: el Panamera Turbo S y el Panamera 4 E-Hybrid. Los clientes ya pueden visitar el Porsche Center Santiago y el Porsche Center Concepción para conocer la disponibilidad de estos modelos y el resto de las alternativas asignadas al mercado chileno.

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SIBARITAS

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EDITORIAL

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RECOMENDADOS DEL CHEF

SensaciyTexturaones POR ISIDORA MARTÍNEZ, CHEF MOSSO LOUNGE

Foto: MOSSO

Ostras y caviar, una mezcla explosiva de sabores del mar. Productos únicos de la gastronomía y del buen paladar, que unidos producen un complemento perfecto de sabores. Con la llegada de la primavera y las terrazas, las ostras y el caviar son el aperitivo ideal para compartir con amigos junto a un buen vino blanco o champán. Un maridaje clásico que aporta un halo de elegancia y exclusividad.

Una experiencia de lujo, llena de sensaciones y textura.

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RECOMENDADOS DEL CHEF

KENOZ:

UN LUJO DE CAVIAR Un hito para la gastronomía chilena que está dando de qué hablar a nivel mundial.

Kenoz se atreve a marcar pauta, y con estilo propio.

Así es esta empresa que nace del sueño del empresario chileno Felipe Vial por producir el mejor caviar del mundo. Esta aventura, que comenzó en 2010, se consagra como una empresa que está revolucionando la oferta de este producto en el país, siendo los primeros productores de caviar en Chile gracias al cultivo de esturión de las especies de Beluga, Oscietra y Sevruga.

Tras años de investigación y cultivo liderados por especialistas en el rubro y convencido del potencial gastronómico y las propiedades nutricionales de este pez prehistórico, Vial instaló su planta en la localidad de Parral, en la Región del Maule, zona conocida por la pureza, abundancia y temperatura de sus aguas. Ahí, tras casi una década de dedicación y cuidado de los esturiones rusos, en abril de 2020 concretó la primera producción de caviar Oscietra, siendo el primero en Chile y el más austral del mundo. La aventura continúa con las otras dos especies, Sevruga y Beluga, cuyas cosechas están programadas para 2027 y 2032, respectivamente.

El largo período de maduración de estos peces es la razón que explica la exclusividad y elevado valor del producto.

En Kenoz se sigue una filosofía de economía circular en todos los procesos que implican la crianza y producción del caviar, el uso de agua se ha optimizado recirculando más del 95% de esta, mientras que el 5% restante es utilizado en el riego de un parque que incluye todo tipo de especies nativas de la región. Los lodos son tratados para servir de fertilizante de los jardines y el pez es trabajado de manera de utilizar cada corte, brindando selectos productos y preparaciones, como el foie gras, cremeux, fumet, filete de esturión, entre otros.

Como complemento de la producción de caviar y carne, el proyecto contempla también un centro gastronómico a cargo del destacado chef belga Rudi Scholdis, con el objetivo de recibir a clientes, profesionales de la gastronomía y a todos quienes quieran disfrutar de estos deliciosos productos. Este espacio, ubicado en una típica casona chilena que se aloja en la misma planta de producción, es un lugar con vista a la cordillera especialmente reservado para disfrutar los sabores de Kenoz.

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