Subasta de Arte Contemporáneo | Esto es Ahora

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CONSEJO DE ADMINISTRACIÓN Don Luis López Morton Ing. Sergio Autrey Maza Lic. José Calderón Muñoz de Cote Lic. Flavio J. Díaz Tueme Mtro. Carlos Noriega Arias Ing. Dan Ostrosky Shejet

DIRECTORIO

Director General

. . . .

Luis C. López Morton

.

eorozco@mortonsubastas.com

Administración y Finanzas Horacio Rodríguez

hrodriguez@mortonsubastas.com

Planeación Estratégica Vivian Gorinstein

Operaciones

Rafael Perusquía

vgorinstein@mortonsubastas.com rperusquia@mortonsubastas.com

EXPOSICIÓN

Jueves 22 de septiembre 10:00 a.m. a 7:00 p.m.

Viernes 23 de septiembre 10:00 a.m. a 10:00 p.m.

Sábado 24 de septiembre 11:00 a.m. a 7:00 p.m.

Domingo 25 de septiembre 11:00 a.m. a 6:00 p.m.

Lunes 26 de septiembre 10:00 a.m. a 7:00 p.m.

Martes 27 de septiembre 10:00 a.m. a 7:00 p.m.

Miércoles 28 de septiembre 10:00 a.m. a 7:00 p.m.

COCKTAIL

Miércoles 21 de septiembre A partir de las 7:00 p.m.

DIRECCIÓN SUBASTA / COCKTAIL

General Antonio León #48 Col. San Miguel Chapultepec, Ciudad de México

Autos y Camiones Aída Alanís Lara

aalanis@mortonsubastas.com

CONSIGNACIÓN Antigüedades

INFORMES

Constanza Infante cinfante@mortonsubastas.com Tel. 5283 3140

Carlos Millán

Arte Moderno y Contemporáneo Pilar Alfonso

Joyería y Relojes

Alejandra Rojas

Libros Antiguos y Contemporáneos Jesús Cruz

Vinos de Colección y Uso Diario

PORTADA: Lote 71 CONTRAPORTADA: Lote 91 Informamos a nuestros clientes que la comisión de comprador es del 20% más IVA. Se recibirán ofertas en ausencia hasta cuatro horas antes del inicio de la subasta.

Antonio Villa

Oportunidades Adrianna Navarro

Empeños

Giselle Beltrán

Monterrey

Samuel Campillo

DEPARTAMENTO DE ARTE MODERNO

Gerente de Departamento Pilar Alfonso

Especialistas Sandra Murra Sofía Duarte

Catalogadoras Odette Paz María Fernanda Serrano

Atención a Clientes Constanza Infante

INFORMES Tel. + 52 (55) 5283 3140 atencion.clientes@mortonsubastas.com

La subasta es conducida en pesos mexicanos. Los estimados en este catálogo se presentan en pesos y en dólares americanos.

L a s p i e z a s s e e n t re g a n c o n l a d o c u m e n t a c i ó n q u e aparece en la descripción del catálogo.

En las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos se incluye un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento.

Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar antes de hacer una oferta.

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Pilar Alfonso | palfonso@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140 Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, puede consultarlo con Pakmail dentro de nuestras oficinas.

mortonsubastas.com

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Esto Ahora

SU BASTA DE A RTE CON TEMPORÁ N EO

m i é rcol e s 28 de s e p t i e m br e de 2016, 7:00 p . m .

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? ¡BIENVENIDO! Usted está entrando al mundo de las subastas, un mundo donde es emocionante adquirir antigüedades, arte, joyas, muebles y muchas cosas más.

Algunas personas creen que la subasta es un proceso complicado... ¡sorpresa! entrar a comprar a una subasta es muy sencillo y no se requiere invitación, inscripción, ni nada de eso. Únicamente acuda, disfrute el momento y dese el placer de llevarse eso que tanto le gusta.

Aquí le damos unos consejos para que lo disfrute desde la primera vez...

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO? Sí, la subasta es un evento público y gratuito.

Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, incluso si no está seguro de que adquirirá un lote.

(Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente).

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA? Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición, donde podrá ver las piezas que se van a subastar.

Es muy recomendable comprar el catálogo, porque en él se encuentra la descripción detallada y fotos de cada lote.

El día de la subasta, al registrarse en la recepción le entregarán un número de paleta para hacer posturas; es decir, una paleta de plástico con un número que será levantada cada vez que usted quiera ofrecer una cantidad para adquirir un lote.

En el registro se le solicitará su nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (en efectivo o tarjeta).

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS PRECIOS ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO? Generalmente el catálogo muestra dos precios: un estimado bajo y uno alto.

El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

¿CÓMO FUNCIONA LA SUBASTA? Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir, simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote.

El último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo es el precio de martillo, y esa es la cantidad más la comisión (20%), más el IVA de la comisión, lo que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN? ¿SE PUEDEN HACER OFERTAS SIN ASISTIR AL SALÓN DE SUBASTAS?

El formato de ofertas en ausencia se encuentra en la última página de este catálogo

Sí, existen dos sencillas formas de hacer ofertas en ausencia: • Por escrito.

Usted llena el formato de ofertas en ausencia, indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros representantes estará haciendo las ofertas en su nombre y representación.

• Por teléfono.

Previamente a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas.

Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted y así estará pasando sus ofertas al subastador.

OFERTAS EN AUSENCIA El personal autorizado por Morton podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores, sin ningún cargo para el licitador y de acuerdo a las siguientes reglas: 1. El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo, por medio de fax o bien por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com, el formato está a su disposición en nuestras oficinas así como en el catálogo de la subasta.

2. Será necesario que Morton haya recibido las posturas del licitador, señalando un monto máximo como límite de cada puja.

3. En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, se autoriza a Morton a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial.

4. Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express a la orden de Galerías Louis C. Morton, S.A. de C.V. 5. Los lotes se adjudicarán al precio más bajo que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala.

6. En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta.

7. Morton NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar.

8. Morton NO acepta ofertas sin límite.

OFERTAS POR TELÉFONO 1. Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el desarrollo de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregada a Morton por lo menos con dos días hábiles de anticipación siempre y cuando la cifra sea mayor a $10,000.00 por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas, son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos vía fax o bien a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com 2. No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000.00

INFORMACIÓN IMPORTANTE • El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

•

El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• El transporte es por cuenta del comprador.

•

Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda no compre.

•

Todas las piezas incluidas en este catálogo, están revisadas y muchas de ellas autentificadas tanto por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

•

Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

•

De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16, de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 37 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-005 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte.

• Los precios estimados son en pesos mexicanos.

• En los lotes que no llevan estimado, la salida está por abajo de $2,000.00 M.N. •

Si por alguna razón no puede pasar a liquidar en el tiempo ya mencionado, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, más su porcentaje correspondiente.

•

Compras por debajo de $20,000.00 M.N., se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito más su porcentaje de comisión de la subasta.

• Morton Subastas le proporciona factura por el Premium y el IVA correspondiente.

• Una vez hecha la factura no hay cambio de nombre.

• Si se le asigna un lote en la subasta no hay devoluciones ni reclamaciones.

RETIRE RETIRESUS SUSPIEZAS PIEZASCOMPRADAS COMPRADASEN ENSUBASTA SUBASTAAATIEMPO TIEMPO

Las piezas de subasta se deberán en los siguientes y horarios, Monte Athos 179 Lasesta piezas de esta subasta recoger se deberán recoger en losdías siguientes díasen y horarios, Lomas de Chapultepec: en Blvd. de los Virreyes 155, Lomas de Chapultepec: Viernes 30 de septiembre de 9:30 a.m. a 7:00 p.m.

Lunes 3 de octubre de 9:30 a.m. a 7:00 p.m.

Martes 4 de octubre de 9:30 a.m. a 7:00 p.m.

Si no son recogidos en este plazo tendrán un cargo del 10% mensual sobre la reserva.

Si no son recogidos en este plazo tendrán un cargo del 10% mensual sobre la reserva.

LA SUBASTA 1. Al iniciar la subasta, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la Subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida.

2. La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero.

El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

3. Para que el martillero adjudique un lote, será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador.

4. Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto a la postura anterior o al precio de salida, se regirán dentro de los siguientes parámetros: PRECIO DE SALIDA

INCREMENTO DE LA PUJA

DE:

A:

$100

$1,000

$100

$1,000

$5,000

$200 $500 $800

$5,000

$10,000

$500

$10,000

$20,000

$1,000

$20,000

$50,000

$2,000

$50,000

$100,000

$5,000

$100,000

En adelante

$10,000

5. La persona a la que el martillero adjudique el lote, se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente: a. El precio de venta o de martillo del lote subastado. b. La cantidad equivalente al 20% del precio mencionado en el punto (a) por concepto de comisión (Premium). c. El Impuesto al Valor Agregado sobre la comisión. d. En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito bancario o American Express, se agregará el 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta de crédito.

6. Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación y un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

7. El transporte corre por cuenta del comprador.

8. Compras menores de $20,000.00 (veinte mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta, el I.V.A. correspondiente.

9. Si requiere factura a nombre de su Compañía, favor de solicitar al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Causantes.

NO habrá cambios en las facturas.

10. Una vez adjudicado un lote no se aceptan reclamaciones ni cancelaciones.

11. La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés.

#EstoesAhora A diferencia de una exhibición de galería o museo, una subasta no está sujeta al absoluto control y dirección de un curador; cada subasta es única y diferente a la anterior, tiene personalidad y vida propia.

Lo que hace que esta subasta sea especial e inédita es que, como nunca antes, reúne obra de diversos artistas, grupos y propuestas contemporáneas de diferentes formatos y lenguajes visuales, plásticos y sonoros.

En Morton Subastas estamos interesados en promover el coleccionismo de las manifestaciones artísticas actuales, así como los espacios físicos y virtuales que estimulan la producción y difusión de las mismas; partimos de la vocación de constituirnos como una plataforma que haga visible y acerque el arte contemporáneo al público.

Esto es Ahora, es una compilación de arte de todas partes y de todas formas; obras que hablan de lo que está pasando en el arte hoy; una reunión de artistas de diferentes procedencias y trayectorias que se aproximan al arte desde lo lúdico, lo político, lo público, lo poético. Es una muestra que nunca antes ha sido y que nunca volverá a ser: efímera, ecléctica, irrepetible.

Morton Subastas

Unlike a gallery or museum exhibition, an auction is not bound to the absolute control of a curator; each auction is unique and different to the previous one, it has personality and a life of its own.

What makes this auction special and unprecedented is that, like never before, it gathers works from different artists, groups and contemporary proposals of diverse formats and visual, plastic and sound languages.

In Morton Subastas we are interested in encouraging the collecting of contemporary art forms, as well as the physical and virtual spaces that promote their production and development; we have the true call of being a platform that makes contemporary art visible and approachable to the general public.

Esto es Ahora is a compilation of art from everywhere and every form; works that tell about what is happening in art today; a reunion of artists from different backgrounds and trajectories that approach art from the ludic, the political, the public and the poetic. It is a display that has never been and will never be again: ephemeral, diverse, unique.

Morton Subastas

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El arte cambia, ¡nosotros cambiamos también!

Este fue el slogan que utilizó la Tate Modern para anunciar la inauguración de su nuevo edificio el verano pasado. Actualmente, el arte contemporáneo está en constante transformación. El caso de Morton Subastas no es diferente, ya que ha dado un paso adelante para acercar el arte contemporáneo a los coleccionistas; arte que, con frecuencia, no se ha mostrado todavía en galerías. Morton también ha invertido en comisionar a artistas instalaciones de sitio específico para sus oficinas y lugares de residencia.

Hoy, Morton es aliado de artistas, galerías y proyectos independientes tanto en México como en el extranjero. Estas alianzas, si bien poco comunes, permiten a Morton seleccionar obras de arte exclusivas, tanto de artistas emergentes como de artistas de media carrera y por supuesto, de artistas consolidados, como las que se encuentran más comúnmente en las subastas tradicionales.

La posibilidad de empezar o expandir una colección de arte contemporáneo es lo que Morton ha estado ofreciendo durante los últimos dos años. Sin embargo, en esta ocasión la selección de artistas y la diversidad de obra es tan rica, interesante e internacional, que todo el mundo debería de venir a la subasta para decidirse a adquirir una obra de arte ahora, en esta oportunidad única.

Javier Calderón Director, Chalton Gallery, Londres 2016

Art Changes, We Change As Well!

This was the slogan that the Tate Modern used to announce the opening of its new building last summer. Currently, contemporary art is in constant transformation. The case of Morton Subastas is no different, as it has moved forward to bring contemporary art to collectors; often, art that hasn’t been actually shown in galleries yet. Morton has also invested in commissioning artists to create site-specific installations for its offices and residencies.

Today, Morton has partnerships with artists, galleries and project spaces both in Mexico and abroad. These rather unusual partnerships enable Morton to select exclusive works of art from emerging artists, artists in their mid-career and, of course, established artists, as those more commonly found in traditional auctions.

The possibility of starting or expanding a collection of contemporary art is what Morton has been offering for the last couple of years. However, this time around the selection of artists and the variety of works is so rich, interesting and international, that everyone should come to the auction to make up their minds and acquire a work of art now, in this unique opportunity.

Javier Calderón Director, Chalton Gallery, London 2016

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JEFF KOONS

(York, Pensilvania, 1955 - ) Sin título, de Popeye series, 2012 Con firma impresa en la parte posterior / With printed signature on the reverse Plato de porcelana / Porcelain plate 26.25 cm de diámetro / 10.33 in diameter Al reverso tiene los sellos de Sotheby's, Bernardaud y Art Production Fund. / With hallmarks of Sotheby's, Bernardaud and Art Production Fund on the reverse.

Fue producido en el taller de porcelana Bernardaud en París y editado por Art Production Fund. Coeditado y patrocinado por Sotheby's. Forma parte del proyecto Artware Editions, Nueva York. / It was released in the Bernardaud porcelain workshop in Paris and Edited by Art Production Fund. Published and sponsored by Sotheby's. This project is part of Artware Editions, New York.

Jeff Koons es uno de los más famosos y controvertidos artistas de nuestros tiempos, desde 1980 ha cautivado al público con su obra. Estudió en the School of the Art Institute of Chicago y en the Maryland Institute College of Art. Su obra se encuentra en importantes colecciones como las del MoMA en Nueva York, Whitney Museum of American Art, Solomon R. Guggenheim Museum, LACMA en Los Ángeles, San Francisco Museum of Modern Art, Tate Gallery en Londres y en the Museum of Contemporary Art en Tokio.

Sus obras se han vendido en importantes sumas, incluyendo al menos un récord mundial de precio en subasta por la obra de un artista vivo: el 12 de noviembre de 2013 "Balloon dog (orange)" fue vendida en Christie's por $58,400,000 USD. Fabricado por Bernardaud, este plato de Jeff Koons presenta una fotografía de George Caddy elegida por el artista. La obra combina el clasicismo de la fotografía en blanco y negro con la funcionalidad de un objeto cotidiano. La forma circular propia del plato combinada con la pose de los jóvenes bañistas remite a la forma de un signo de amor y paz; pero no debe sorprendernos que el carácter irreverente de Koons no queda de lado en esta obra, pues su composición también hace alusión a su icónica obra "Acrobat" que representa a una langosta inflable equilibrada en una silla y un basurero.

Jeff Koons is one of the most famous and controversial artists of our time; since 1980 he has captivated the public with his work. He studied at the School of the Art Institute of Chicago and in Maryland Institute College of Art. His work can be found in important collections, such as MoMA in New York, Whitney Museum, LACMA in Los Angeles, San Francisco Museum of Modern Art, Tate Gallery in London and the Museum of Contemporary Art in Tokyo. His new artwork has been sold for important sums, including at least one world record in auction for the work of a living artist: November 12th 2013 "Balloon dog (orange)" sold by Christie's for 58,400,000 USD. Fabricated by Bernardaud, this plate by Jeff Koons presents a George Caddy's photograph, chosen by the artist. This piece combines the classicism of Black and White Photography with the functionality of an everyday object. The round shape of the plate together with the pose of the young bathers reminds us of the peace and love sign; however, we should not be surprised by the irreverent character of Jeff Koons in this piece, as this composition also refers to his iconic work "Acrobat" that represents an inflatable lobster balancing on a chair and a trashcan.

$18,000.00-$25,000.00 M.N. USD $1,000-$1,400 13

2

MR. BRAINWASH

(París, Francia, 1966 - ) Vintage Lennon, 2009 Firmada / Signed Serigrafía / Screenprint 13/35 71 x 51 cm / 27.9 x 20 in Con huella digital del artista estampada al reverso. / With the artist's fingerprint stamped on the reverse.

Mr. Brainwash es el seudónimo del artista francés Thierry Guetta. Se lanzó a la fama con el documental "Exit through the gift shop" dirigido por el famoso artista urbano Banksy, quien lo impulsó a crear su propio estilo. Para Thierry todo movimiento artístico consiste en un tipo de "lavado de cerebro", de ahí su nombre y alter ego. Se describe a sí mismo como un artista pop callejero.

Por decisión propia, invirtió en un taller capaz de producir obra a escala masiva en donde inició a comercializar sus proyectos. El éxito llegó con sus diseños de íconos populares mezclados con imágenes históricas, llenas de ironía, simples y directas.

Mr. Brainwash is the alias used by the French artist Thierry Guetta. He acquired fame through the documentary "Exit through the gift shop" directed by famous street artist Banksy, who encouraged him to create a style of his own. For Thierry, every artistic movement constitutes a sort of "brainwash", thereby his pen name and alter ego. He describes himself as a pop street artist.

By his own decision, he decided to invest in a workshop able to produce works in a massive scale, where he began to commercialize his projects. He achieved success thanks to his designs of popular icons mixed with historical images, filled with simple and direct irony.

Fuente consultada / Source: www.mrbrainwash.com

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,300-$3,400 14

Detalle de la firma

3

MR. BRAINWASH

(París, Francia, 1966 - ) Life is beautiful, 2015 Firmada y fechada 2015 / Signed and dated 2015 Escultura en resina / Resin sculpture 53/200 14 x 22 x 4 cm / 5.5 x 8.6 x 1.5 in Con estuche firmado y con huella digital del artista estampada al reverso. / With case signed by the artist and stamped with his fingerprint on the reverse.

En 2008 realizó su primera exposición llamada "Life is beautiful". Fue instalada en el antiguo estudio de televisión de CBS en Hollywood. Un artículo en una revista de Los Ángeles sobre la exposición dio a conocer a Mr. Brainwash en el mundo del arte.

Más de 7,000 personas asistieron la noche de apertura y estuvo abierta tres meses con bastante afluencia.

In 2008 he held his first exhibition called "Life is beautiful". It was installed in the former CBS television studio in Hollywood. It was an article in a Los Angeles magazine that introduced Mr. Brainwash to the art world. More than 7,000 people attended the opening night and the exhibition was open for three months with considerable show-up.

Fuente consultada / Source: www.miamibiennale.org

$20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,150-$1,700 15

4

MR. BRAINWASH

(París, Francia, 1966 - ) The King of Pop, 2009 Firmada / Signed Serigrafía / Screenprint 118/250 76 x 56 cm / 29.9 x 22 in Con huella digital del artista estampada al reverso. / With the artist's fingerprint stamped on the reverse.

Mr. Brainwash comenzó su carrera artística con una serie de carteles de sus artistas favoritos, entre ellos John Lennon y Billie Holliday. En 2009 diseñó la cubierta del álbum "Celebration" de Madonna. Ese mismo año comenzó el proyecto "Icons", exposición que fue exhibida con gran aceptación en 2010 en Nueva York, formada por retratos de los íconos de la cultura del espectáculo, entre ellos Brad Pitt, Angelina Jolie y el Rey del Pop, Michael Jackson.

Mr. Brainwash began his artistic career with a series of posters of his favorite artists, such as John Lennon and Billie Holliday. In 2009 he designed the album cover for Madonna's "Celebration". On the same year he began the project "Icons", which had a very well received exhibition in New York in 2010, made up by portraits of celebrity icons like Brad Pitt, Angelina Jolie and the King of Pop, Michael Jackson.

Fuente consultada / Source: www.miamibiennale.org

$22,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,300-$1,700 16

5

ALEJANDRO VIGILANTE

(Buenos Aires, Argentina, 1964 - ) Marilyn Monroe - It’s all make believe, isn't it?

Firmado y fechado 2015 / Signed and dated 2015 Acrílico y transfer sobre MDF / Acrylic and transfer on MDF 160 x 122 cm / 62.9 x 48 in Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, julio de 2016. / With certificate of authenticity from Galería Alfredo Ginocchio signed by the artist, July 2016.

Alejandro Vigilante llegó a los Estados Unidos en 1995 debido a una invitación de Art Miami. Rápidamente se volvió popular en los noticieros de televisión y programas de entretenimiento. A medida que su popularidad crecía, también lo hizo la demanda de su trabajo. Las superestrellas internacionales de la música, Gloria y Emilio Estefan, le encargaron pintar murales de estilo Art Deco en su histórico hotel de South Beach. Ese trabajo lo llevó a un encuentro con el cineasta Oliver Stone, quien le comisionó un retrato al óleo de uno de los personajes de su película "Any given Sunday". El trabajo de Vigilante se basa en la exploración de los campos digitales, en especial del internet. Aprovecha estos métodos intangibles para mezclar y alterar los colores rápidamente, agregar textos, cortar y pegar gráficos y editar y reproducir limpiamente. Vigilante residió un tiempo en Nueva York, lugar donde se dio a conocer su talento abiertamente y utilizó como discurso las imágenes de Elizabeth Taylor y Jim Morrison. En el caso de Marilyn Monroe, Vigilante contextualizó la queja de la artista sobre la velocidad "dial-up" en la que se informó su ilícito romance con el presidente Kennedy. Actualmente Vigilante vive y trabaja en Miami.

Alejandro Vigilante arrived to the United States in 1995 due to Art Miami's invitation. He quickly became popular on T.V. news and entertainment shows. As his popularity grew, so did the demand for his work. International music superstars Gloria and Emilio Estefan commissioned him to paint a mural Art Deco style in their historic South Beach hotel. This task allowed him to meet director Oliver Stone, who asked him for a portrait of a character from his movie "Any given Sunday". Vigilante's work is based on the exploration of the digital world, especially the Internet. He uses these intangible methods to quickly mix and alter colors, add text, copy-paste graphs, edit and play in a clean way. Vigilante lived in New York for a while, where his talent became openly known and the images of Elizabeth Taylor and Jim Morrison were used as a statement for his work. In Marilyn Monroe's case, he contextualized her complain about the "dial-up" speed by which her illicit romance with President Kennedy became rapidly known.

Vigilante now lives and works in Miami.

Fuente consultada / Source: www.alejandrovigilante.com

$150,000.00-$180,000.00 M.N. USD $8,400-$10,000 17

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ALEX KATZ

(Brooklyn, Nueva York, 1927 - ) Plaid shirt 2, 1981 Firmada / Signed Serigrafía / Screenprint 30/40 111.9 x 78.1 cm / 4.0 x 30.7 in Impresa por / Printed by: Hiroshi Kawanishi, Simca Print Artists, Inc., New York.

Publicada por / Published by: Simca Print Artists, Inc., New York, and the artist.

Incluida en / Included in: MARAVELL, Nicholas P. Alex Katz: The complete prints. E.E. U.U. Art Books Intl Ltd, 1984, catalogada / cataloged 128.

Publicada en / Published in: www.alexkatz.com La edición de esta serigrafía consta de 40 ejemplares numerados y 11 pruebas de artista. / This print's edition consists of 40 numbered copies and 11 artist's proofs.

Estudió en la prestigiosa escuela de artes The Cooper Union Art School en Manhattan. Desde 1951, ha realizado más de 200 exposiciones individuales y cerca de 500 colectivas. Actualmente su obra se encuentra en importantes galerías y museos, como en el MoMA, el Whitney Museum y el Metropolitan Museum of Art. En estas piezas, se puede identificar la composición plana, los trazos simples y las gamas de colores claros y básicos que Katz acostumbra a usar en los retratos.

$25,000.00-$35,000.00 M.N. USD $1,400-$2,000 18

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ALEX KATZ

(Brooklyn, Nueva York, 1927 - ) Plaid shirt 1, 1981 Firmada / Signed Serigrafía / Screenprint 36/71 111.9 x 78.1 cm / 44.0 x 30.7 in Impresa por / Printed by: Hiroshi Kawanishi, Simca Print Artists, Inc., New York.

Publicada por / Published by: Simca Print Artists, Inc., Nueva York, and the artist.

Incluida en / Included in: MARAVELL, Nicholas P. Alex Katz: The complete prints. E.E. U.U. Art Books Intl Ltd, 1984, catalogada / cataloged 127.

Publicada en / Published in: www.alexkatz.com La edición de esta serigrafía consta de 71 ejemplares numerados y 13 pruebas de artista. / This print's edition consists of 71 numbered copies and 13 artist's proofs.

He studied in the prestigious Cooper Union Art School in Manhattan. Since 1951, he has presented more than 200 individual exhibitions and nearly 500 collective exhibitions. Currently, his work is shown in important galleries and museums, such as MoMA, Whitney Museum and Metropolitan Museum of Art. In these pieces one can identify the flat composition, simple lines and the light and basic colors Katz uses in his portraits.

Fuente consultada / Source: www.alexkatz.com

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,700-$2,300 19

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JAVIER PULIDO MONSTERTRUCK!!!

(Ciudad de México, 1980 - ) De la serie Rare & Unseen David Bowie collection / Cosmo epiphany, 2013 Sin firma / Unsigned Luz neón y zapatillas de charol / Neon light and patent leather shoes 26 x 133 cm medidas variables / 10.2 x 52.3 in variable measurements Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Exhibida en / Exhibited at: "Cosmo epiphany. Javier Pulido MonsterTruck!!!", Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, 2013 - 2014. Curaduría / Curatorship: Cuauhtémoc Medina & Cecilia Delgado.

Javier Pulido se inició en el oficio de la pintura a los 12 años. Su formación pictórica es el resultado de una continua exploración de los grandes maestros mediante la reproducción de obras para el mercado de la decoración. Esta situación lo llevó a buscar un enfoque diferente a los medios tradicionales, por lo que decidió estudiar la Licenciatura en Artes Visuales en La Esmeralda.

Ha presentado su obra de forma individual en importantes recintos como el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, Ex Teresa Arte Actual, galería Arena México Arte Contemporáneo, galería Jesús Gallardo en León, Guanajuato dentro del Festival Internacional Cervantino, entre otros.

Pulido ha creado dos alter egos o proyectos que crean y firman sus propuestas interdisciplinarias: Patrick Mallow y MonsterTruck!!!

Al respecto menciona: "MonsterTruck!!! es un principio, algo así como un manifiesto. Los monster trucks fueron creados expresamente para destruir y ser destruidos en un show espectacular. Destrucción lúdica, tonta y libre. Creo que mi trabajo artístico es precisamente para inmolarme a mí mismo mientras destruyo y creo una exhibición con esto".

"La obra de Javier Pulido MonsterTruck!!! ofrece una sátira de la cultura contemporánea y de los elaborados rituales de adoctrinamiento mediático que determinan las conductas de la sociedad actual. Su obra ocupa una variedad de medios cuyo centro referencial se encuentra en la pintura. Conformada por instalación, video y una colección de piezas bidimensionales, 'Cosmo epiphany' recrea un ambiente de glamour, extravagancia y sofisticación a partir del ídolo del glam rock: David Bowie. De este modo genera una serie de narrativas que difuminan los límites entre la ficción y la realidad". Cecilia Delgado.

Esta obra hace referencia a las esculturas de luz del famoso duo británico Tim Noble & Sue Webster.

Javier Pulido started painting when he was 12 years old. His pictorial development and skills are a result of a constant exploration of the great masters through the reproduction of their works for the decorative market. This encouraged him to seek a different approach far from traditional means, and as a result he decided to study Visual Arts in La Esmeralda. He has presented his work individually in important locations, such as Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, Ex Teresa Arte Actual, Arena México Arte Contemporáneo gallery and Jesús Gallardo gallery in León, Guanajuato within Festival Internacional Cervatino, among others.

Javier Pulido has created two alter egos or projects that produce and sign his interdisciplinary artwork: Patrick Mallow and MonsterTruck!!! He says "MonsterTruck!!! is a principle, a sort of manifest. Monster trucks were made expressly to destroy and be destroyed in an extraordinary show. Destruction that is amusing, silly and free. I think my artistic work is precisely meant for me to immolate myself while I destroy and create an exhibition with it."

"Javier Pulido MonsterTruck!!!'s work offers a satire of contemporary culture and the elaborate rituals that the media employs to indoctrinate society's conducts. His work utilizes a variety of media that are centered in painting as reference. Made up of an installation, video and two-dimensional pieces, 'Cosmo epiphany' recreates an atmosphere of glamour, extravagance and sophistication inspired in glam rock's idol: David Bowie. This way, he generates a series of narratives that blur the limits between fiction and reality". Cecilia Delgado.

This work makes reference to the light sculptures by famous British duo Tim Noble & Sue Webster.

Fuentes consultadas / Sources: DELGADO, Cecilia et ál. Epifanía cosmo / Cosmo epiphany. México. MUCA, UNAM, 2013, pp. 7 - 9 y www.monstertruck000.wixsite.com/javierpulidogandara

$35,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,000-$2,800

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JAVIER PULIDO MONSTERTRUCK!!!

(Ciudad de México, 1980 - ) De la serie Rare & Unseen David Bowie Collection / Cosmo epiphany Sin firma / Unsigned Óleo sobre tela / Oil on canvas 130 x 150 cm / 51.1 x 59 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Exhibido en / Exhibited at: "Cosmo epiphany. Javier Pulido MonsterTruck!!!", Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, 2013 2014. Curaduría / Curatorship: Cuauhtémoc Medina & Cecilia Delgado.

Este óleo hace referencia al lenguaje plástico del pintor y fotógrafo austriaco Gottfried Helnwein.

"Pulido utiliza la noción de epifanía como 'momento de verdad'. La puesta en escena de 'Cosmo epiphany' produce un espacio de deseo que cuestiona los estereotipos, la cultura y las prácticas contemporáneas y genera un simulacro perfecto en el que el concepto de ídolo y de icono se confunden en la reproducción excesiva de la figura de Bowie, entre la memorabilia y su propio trabajo en el que reprodujo una serie de obras con los estilos de importantes artistas internacionales como Lucian Freud, Robert Rauschenberg, Edward Hopper, Roy Lichtenstein, Chuck Close, Andy Warhol, Jeff Koons y Shepard Fairey, entre otros, quienes no escapan a la seducción y artificialidad producida por los mass media de la moda, el cine, la música, las élites, el arte y el fanatismo que rodean la figura de Bowie". Cecilia Delgado.

This painting refers to the plastic language by Austrian painter and photographer Gottfried Helnwein.

"Pulido uses the notion of epiphany as a 'moment of truth'. The display of 'Cosmo epiphany' produces a wishful space that questions stereotypes, culture and contemporary practices. Also, it generates a perfect simulation in which the concepts of idol and icon get lost in the excessive reproduction of Bowie's figure, among the memorabilia and his own work, in which he created a series of artworks imitating the styles of important international artists such as Lucian Freud, Robert Rauschenberg, Edward Hopper, Roy Lichtenstein, Chuck Close, Andy Warhol, Jeff Koons and Separd Fairey, to name a few, who don't escape the seduction and artificiality produced by mass media fashion, cinema, music, elite groups, arts and fanaticism that surround Bowie's persona". Cecilia Delgado.

Fuente consultada / Source: DELGADO, Cecilia et ál. Epifanía cosmo / Cosmo epiphany. México. MUCA, UNAM, 2013, pp. 7 - 9.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,400-$4,500 22

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ALEXIS MATA "CILER"

(Ciudad de México, 1981 - ) Todos felices, de la serie Happy people, 2014 Sin firma / Unsigned Acrílico sobre impresión en papel de algodón / Acrylic on digital print on cotton paper 50 x 68.5 cm / 19.6 x 29.9 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en CADEC. Ha exhibido su obra de forma individual en galerías como FU Gallery en Miami, Soze Gallery en Los Ángeles, FIFTY24MX y Yautepec en la Ciudad de México, entre otras; así como en muestras colectivas en espacios como Modern Eden Gallery en San Francisco, Museo de Arte Carrillo Gil, MUCA Roma, Inner State Gallery en Detroit, Vlaams Cultuurhuis de Brakke Grond en Países Bajos y Eye Level Gallery en Nueva York.

Inicialmente se enfocó al graffiti y las intervenciones urbanas, pero su trabajo también se ha desarrollado en la gráfica visual y la cultura popular contemporánea. Hoy en día sus intereses van hacia la gente que habita espacios en los que se desenvuelve día a día.

"Happy people" es una serie sobre las típicas representaciones de los líderes políticos y estereotipos de personajes plasmados en revistas de sociedad mexicana.

He graduated from Graphic Design in CADEC. He has exhibited his work individually in galleries like FU Gallery in Miami, Soze Gallery in Los Angeles, FIFTY24MX and Yautepec in Mexico City, among others; as well as collective exhibitions in spaces like Modern Eden Gallery in San Francisco, Museo de Arte Carillo Gil, MUCA Roma, Inner State Gallery in Detroit, Vlaams Cultuurhuis de Brakke Grond in The Netherlands and Eye Level Gallery in New York.

Initially, he focused on graffiti and urban interventions, but his work has also been developed in visual graphic and contemporary pop culture. Nowadays his interests are drawn towards the people that inhabit the spaces where he dwells every day.

"Happy people" is a series focused on the typical representations of political leaders and stereotypical characters that appear in Mexican society magazines.

$20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,150-$1,700 23

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LUIS SELEM

(Cuernavaca, Morelos, 1975 - ) Soaring unicorns, de la serie A true story Firmado y fechado 2015 / Signed and dated 2015 Óleo sobre tela / Oil on canvas 120 x 120 cm / 47.2 x 47.2 in Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, abril de 2016. / With certificate of authenticity from Galería Alfredo Ginocchio signed by the artist, April 2016.

Después de haber estudiado arquitectura y una especialidad en artes plásticas, Luis Selem se dedicó de lleno a la pintura, llevando ya más de 20 años realizando exposiciones colectivas e individuales en México y Estados Unidos. Además de Zona Maco, ha participado en importantes ferias de arte en Corea, Colombia, Perú y Venezuela. Su obra se encuentra en la colección de HBO y del Museo de Arte de Querétaro.

"A true story" hace culto a todos los objetos cotidianos que la sociedad suele idolatrar. Los desconecta de su verdadera esencia y los protege de las miradas deseosas para romper el vínculo que hace de estos objetos nuestros.

After graduating from architecture and specializing in plastic arts, Luis Selem decided to dedicate himself fully to painting, and for 20 years he has partaken in collective and induvidual exhibitions in Mexico and the United States. Besides Zona Maco, he has participated in important art fairs in Korea, Colombia, Peru and Venezuela. His artwork is found in the HBO collection as well as in Museo de Arte de Querétaro.

"A true story" portrays the everyday objects that society usually worships. It disconnects them from their true essence and protects them from the lustful gazes, in order to break the bond that makes these objects ours.

Fuente consultada / Source: www.luisselem.wixsite.com/luis-selem

$100,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,600-$6,700 24

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ALEXIS MATA "CILER"

(Ciudad de México, 1981 - ) Sin título / Untitled, 2016 Sin firma / Unsigned Collage / Collage 23 x 18 cm cada uno / 9 x 7 in each Piezas / Pieces: 2 Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Las prácticas artísticas de Ciler involucran la desfiguración y manipulación de imágenes existentes en la cultura visual popular y la construcción de discursos plásticos que buscan desfigurar ideas y políticas usadas por tales medios con una intención continua, obscura y arqueológica de desenterrar emociones. A través de sus collages, dibujos, pinturas e instalaciones transforma las imágenes encontradas en comentarios viscerales sobre la muerte, la violencia, la belleza y los ambientes producidos.

"Mi obra denota una constante preocupación por el ser humano y lo que le rodea, por los estados de ánimo, la pérdida de sanidad y la muerte". Ciler.

Ciler's artistic practices involve the disfiguration and manipulation of existing images from popular visual culture and the creation of proposals that seek to disarticulate the ideas and policies used by those media, with a continued, obscure and archeological intention of digging up emotions. Through his collages, drawings, paintings and installations he transforms the images he finds in visceral comments about death, violence, beauty, and produced atmospheres.

"My work denotes a constant worry about humans and their surroundings, about moods, loss of sanity and death". Ciler.

$15,000.00-$25,000.00 M.N. USD $840-$1,400 25

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CIRCE IRASEMA

(Ciudad de México, 1987 - ) Patoaventuras I, II, III, IV y V, de la serie Nuevos pesos Sin firma / Unsigned Lápices de color sobre billetes antiguos / Colored pencils on old bills 6 x 15 cm cada uno / 2.3 x 5.9 in each Piezas: 5, enmarcadas juntas / Pieces: 5, framed together Con certificado de autenticidad de la artista, septiembre de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, September 2016.

Circe Irasema es una artista que opta por representar los estereotipos de la cultura mexicana. Su obra está impregnada de discursos complicados, sin embargo los proyecta de un modo sutil y sencillo de comprender. Mediante marcas y logos, Irasema representa con toques de ironía el mundo consumista en el que vivimos, haciendo de su obra una nueva representación de la cultura posmoderna. Su identidad artística la ha llevado a participar en exposiciones colectivas en museos y galerías mexicanas como en el Museo de Arte Carrillo Gil, la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México y en La Esmeralda.

Circe Irasema is an artist who represents stereotypes in Mexican culture. Her work is filled with complex claims and concepts, yet she projects them in a subtle and simple way. Through brands and logos, Irasema depicts with ironic tints the consumerist world we live in, making her work a new representation of postmodern culture. Her artistic identity has led her to participate in collective exhibitions in Mexican museums and galleries such as Museo de Arte Carrillo Gil, Facultad de Artes at Universidad Autónoma del Estado de México and La Esmeralda.

$8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $450-$700 26

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EMMANUEL GARCÍA

(Ciudad de México, 1973 - ) Perdone usted, de la serie Figurama, 2015 Firmada al reverso / Signed on the reverse Tintas sobre papel / Ink on paper 120 x 80 cm / 47.2 x 31.4 in Con certificado de autenticidad del artista, 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, 2016.

Publicada en / Published in: emmanuelgarcia.weebly.com Exhibida en / exhibited at: "Pasaremos un día maravilloso", eMe Espacio de Arte, 2016.

"Sus obras son la promesa de una repetición que no olvida su principal fundamento: el placer de activar el recuerdo de lo vivido. […] Un modo de contar cómo vivimos los recuerdos es a partir de la experiencia de apropiarnos de aquello que está afuera y trazar nuestros pasos con la mirada para reconocer en el consumo visual una memoria colectiva, la que constituye nuestra familiaridad, como lo descubrimos en las obras de Emmanuel García". Carlos Alberto Rodríguez Gómez.

"His works are a promise of a repetition that does not forget its foundation: the pleasure of activating the memories of what was once lived. […] A way of telling how we live our memories is by the experience of appropriating the external and sketching the path in our mind, in order to recognize in our visual consumption a collective memory, which constitutes a kind of familiarity, as we discover the artwork of Emmanuel García". Carlos Alberto Rodríguez Gómez.

Fuente consultada / Source: RODRÍGUEZ GÓMEZ, Carlos Alberto. Pasaremos un día maravilloso. México. eMe espacio de arte, 2016.

$35,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,000-$2,800 27

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CIRCE IRASEMA

(Ciudad de México, 1987 - ) Tesoro nacional Óleo sobre madera y monografía / Oil on wood and monograph 3: 15 x 21.5 cm cada una, monografía: 23 x 31 cm / 3: 5.9 x 8.4 in each, monograph 9.1 x 12.2 in Piezas / Pieces: 4 Con certificado de autenticidad de la artista, septiembre de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, September 2016.

Con una técnica que denomina "naturalista mimética", Circe Irasema pinta principalmente alimentos, medicinas, artículos de higiene y escolares, haciendo una crítica a la cultura de consumo y al capitalismo.

"Utilizo los productos que, de acuerdo a la Procuraduría Federal del Consumidor, contiene la canasta básica y la pirámide nutricional, y los superposiciono con marcas reconocidas, ya que lo natural ha sido sustituido por lo comercial". Circe Irasema.

Using a technique she calls "mimetic naturalist", Circe Irasema mainly paints food, medicines, hygiene and school supplies, criticizing consumerism and capitalism.

"I use products that, according to Procuraduría Federal del Consumidor, are contained in the basic food basket and the food pyramid, and I overlap them with known brands, since the natural has been replaced with the commercial". Circe Irasema.

$10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $550-$840 28

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HÉCTOR JAVIER RAMÍREZ

(Guadalajara, Jalisco, 1977 - ) Malas amistades Firmados y fechados 09 / Signed and dated 09 Óleo sobre tela sobre fibracel, díptico / Oil on canvas on fiberboard, diptych 40 x 32.5 cm y 37.5 x 40.5 cm / 15.7 x 12.7 in and 14.7 x 15.9 in Piezas / Pieces: 2 Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. / With certificate of authenticity from Aldama Fine Art. Publicados en / Published in: ALDAMA, José Ignacio et ál. Héctor Javier Ramírez. Wallpaper. México. Aldama Fine Art, 2011, Pág. 26, catalogado 9.

"El compromiso técnico del autor le permite articular un lenguaje gráfico preciso y pulcro. Los objetos de la composición se presentan de frente, sin veladuras ni sugerencia alguna más allá de lo evidente. A veces con una crudeza que golpea a la vista, no hay segundos planos ni atmósferas que nublen el mensaje. Sus alegorías, si acaso, son discursivas, nunca fantasiosas ni efectistas pero necesarias para nombrar aquello que por sí mismo no tiene ni debería tener una lógica posible". José Manuel Ruiz Regil.

"The author's technical commitment allows him to articulate a graphic language that is precise and clean. The objects in his composition are presented upfront, without any veils or suggestions that transcend the evident. Sometimes with a rawness that hits the gaze, there are no backgrounds or atmospheres that cloud the message. His allegories, if anything, are discursive: never too imaginative or meant to impact, but necessary to name that which in itself does not have or should have a possible logic". José Manuel Ruiz Regil.

Fuente consultada / Source: ALDAMA, José Ignacio et ál. Héctor Javier Ramírez. Wallpaper. México. Aldama Fine Art, 2011, Pág. 4.

$30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,700-$2,800 29

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ROMEO MIJANGOS

(Oaxaca de Juárez, Oaxaca, 1992 - ) El arte, 2012 Sin firma / Unsigned Témpera con adhesivo sobre madera / Tempera and adhesive on wood 59 x 40 cm / 19.2 x 15.7 in Romeo conjuga la variedad de los medios confrontados en la sociedad actual y los traspasa a su obra mediante una reinterpretación de los efectos culturales, sociales y políticos actuales. Junto con Wendy Cabrera y Pablo Cendejas trabaja en un colectivo llamado “Trotar” en el cual generan diálogos entre su arte y el espectador a través de diferentes juegos de poder que se ejercen a su alrededor. En 2015 fue curador de la exposición “X to the Z, the exhibit. Pintura, la melancolía del éxito”, proyecto realizado por La Esmeralda donde expusieron artistas como Pablo Cendejas y Marco Aviña.

Romeo joins the variety of contrasted media in today’s society and transfers them into his work through a reinterpretation of the cultural, social and political effects. He works along Wendy Cabrera and Pablo Cendejas in a group called “Trotar” which seeks to generate a dialogue between their art and the viewer through different power games that work around them. In 2015 he curated the exhibition “X to Z, the exhibit. Pintura, la melancolía del éxito”, a project organized by La Esmeralda where artists such as Pablo Cendejas and Marco Aviña presented their artwork.

Fuente consultada / Source: www.colectivotrotar.com

$6,000.00-$10,000.00 M.N. USD $350-$550 30

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MIGUEL ÁNGEL GARRIDO

(Ciudad de México, 1982 - ) La última y nos vamos Firmado y fechado 13 / Signed and dated 13 Óleo sobre tela / Oil on canvas 74 x 109 cm / 29.1 x 42.9 in Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. / With certificate of authenticity from Aldama Fine Art. Publicado en / Published in: VÉLEZ, Gonzalo et ál. Miguel Ángel Garrido. Lo que habitamos. México. Aldama Fine Art, 2014, Pág. 35, catalogado 26.

"En su obra fluyen diversos discursos estéticos simultáneos, pero ajenos entre sí. Utiliza la imagen fotográfica para consumar el acto pictórico, esto es: pintar no a partir de la realidad, o en su defecto de la realidad de la imaginación, sino de una imagen dada, donde la realidad es ya una mediatización. Por otra parte, integra su imaginería –los títulos de las obras, los temas– y la manera de presentar los personajes con discursos performáticos, dándole un sentido opuesto al espíritu del arte efímero [...] Nos encontramos ante una muy particular especie de costumbrismo expresionista, por así nombrarlo, en esta serie de deleitables cuadros que nos hablan del estar en el mundo". Gonzalo Vélez.

"Several esthetic discourses coexist in his work simultaneously without being mixed together. He uses photographic image to consummate the pictorial act: painting not from reality, or from imagined reality, but from a given image where reality is already mediatized. On the other hand, he makes up his imagery –titles, topics and the way of portraying characters– with performance qualities, giving an opposite sense to ephemeral art […] We find ourselves before a very specific kind of expressionist costumbrismo, to name it somehow, in this series of agreeable paintings that talk about being in the world". Gonzalo Vélez.

Fuente consultada / Source: VÉLEZ, Gonzalo et ál. Miguel Ángel Garrido. Lo que habitamos. México. Aldama Fine Art, 2014, pp. 2 y 3.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,400-$4,500 31

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ROBERT WATTS

(Burlington, Iowa, 1923 - Martins Creek, Pensilvania, 1988) Safepost / K.u.K. Feldpost / Jockpost postage stamps Firmada y fechada 84 / Signed and dated 84 Serigrafía sobre lino / Screenprint on linen 28/35 68 x 81 cm área impresa, 107 x 123.5 cm medidas totales / 26.7 x 31.8 in printed area, 42.1 x 48.6 in overall Editada por / Edited by: Edizioni Francesco Conz, Verona.

Procedencia: adquirida del artista. Colección Jakob de Chirico. Coleccion privada, Italia. / Provenance: Jakob de Chirico Collection.

Private collection, Italy.

Robert Watts es considerado como un artista enigmático amante de su país y las artes. De joven se unió a la Marina de los Estados Unidos y al término de su servicio se mudó a Nueva York donde dio inicio a sus estudios de arte. Conoció a Andy Warhol, Claes Oldenburg y Tom Wesselmann. Sin embargo, en los años 60 decidió abandonar el sistema de las galerías y centró sus conocimientos en torno a Fluxus, una fusión internacional a favor de promover las ideas de los artistas, poetas, diseñadores, científicos y compositores mediado por George Maciunas. Watts se integró perfectamente a este movimiento y aportó varias obras y proyectos, entre ellos la serie de sellos postales. En este proyecto, Watts colaboró con el coleccionista italiano Francesco Conz, con quien estableció una larga amistad y relación laboral.

Con humor e influencia de la cultura pop realizó docenas de sellos postales los cuales revelan sus propios intereses por el whisky, las latas de aerosol, el sexo, los pechos y las letras del alfabeto. Los sellos fueron impresos por Conz y distribuidos a través del correo postal de Fluxus. El Museum of Modern Art de Nueva York cuenta con un número considerable de sellos, los cuales no fueron utilizados. También el Whitney Museum of American Art, el Centre Georges Pompidou de París, el Museo Reina Sofía en Madrid y el Tate Modern de Londres cuentan con obras suyas en su colección.

Robert Watts is considered an enigmatic artist who loved his country and the arts. When he was young, he joined the United States Navy and after graduating, he moved to New York where he began his artistic studies. He met Andy Warhol, Claes Oldenburg and Tom Wesselmann. Nevertheless, in the 60's he decided to abandon the gallery system and instead he centered his knowledge around Fluxus, an international fusion that meant to promote ideas from artists, poets, designers, scientists and composers, mediated by George Maciunas. Watts integrated himself perfectly in this movement and provided several works and projects, among them the series of post stamps. In this project, Watts collaborated with Italian collector Franceso Conz, with whom he established a long friendship as well as a professional relationship.

With humor and influence from pop culture, he produced dozens of post stamps, in which he reveals some of his interests, such as whisky, spray paint, sex, breasts and alphabet letters. These stamps were printed by Conz and distributed through Fluxus mail.

The Museum of Modern Art in New York owns a considerable number of stamps that were never used. Also, Whitney Museum of American Art, Centre George Pompidou in Paris, Museo Reina Sofia in Madrid and Tate Modern in London have Watts's work in their collections.

Fuentes consultadas / Sources: www.moma.org y www.georgemaciunas.com

$18,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,000-$1,700 32

20 CAMELIA ESTEFES (Estado de México, 1992 - )

Conjuntos, 2016

Sin firma / Unsigned Óleo sobre madera / Oil on wood 15 x 15 cm cada uno / 5.9 x 5.9 in each Piezas / Pieces: 4 Con certificado de autenticidad de la artista, septiembre de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, September 2016.

"La pregunta por la identidad me persigue. El juego del rol y los conflictos de lo cotidiano, permean mi trabajo; lo que me permite trasladarme de lo pictórico y el video, hasta las posibilidades de lo virtual. Me expongo a partir del otro. Me pierdo en el espacio social". Camelia Estefes.

"The question of identity chases me. Role-playing and conflicts of the everyday permeate my work; therefore, allowing me to move from what is pictorial and video, to the possibilities of the virtual world. I expose myself from the other. I get lost in social space".

Camelia Estefes.

$15,000.00-$20,000.00 M.N. USD $840-$1,150 33

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c

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CAMELIA ESTEFES

(Estado de MĂŠxico, 1992 - ) De la serie Nemo, 2016 a) Recolector de riquezas b) Vendedora de ilusiones I c) Creador de recuerdos Sin firma / Unsigned Ă“leo sobre madera / Oil on wood 10 x 10 cm cada uno / 3.9 x 3.9 in each Piezas / Pieces: 3 Con certificado de autenticidad de la artista, septiembre de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, September 2016. $10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $550-$840 34

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STANO CERNY

(Bratislava, Eslovaquia, 1956 - ) Melancholic Moon Firmado y fechado 2014 / Signed and dated 2014 Óleo sobre tela / Oil on canvas 81 x 69 cm / 31.8 x 27.1 in Con raíces eslovacas pero corazón tropical, Stano Cerny viajó a México en 2004 en búsqueda de un lugar donde pudiera explorar las culturas indígenas. Se estableció en Yucatán e instaló un taller en un espacio rodeado de naturaleza y misticismo que lo inspiró artísticamente. Para Cerny el taller es su guarida, un refugio donde fluye toda su producción artística. La fuerte influencia del trópico hizo que su lenguaje plástico tenga humor negro, colores enérgicos y temas constantes, figuras repetitivas que aluden a las pirámides, frutas y flores tropicales, chamanes, rituales de la cultura indígena maya y en general de todo el entono selvático de la península mexicana.

“Mi obra se convierte en un respiro de la tierra, en donde se puede percibir hasta la humedad de la noche posterior a una gran tormenta”. Stano Cerny.

Antes de llegar a México, Stano fue director creativo de empresas importantes en Eslovenia, participó en diversas exposiciones colectivas e individuales en Italia, Londres, Noruega, España, Rumania y Francia. Además de pintura, realiza dibujo, escultura, arquitectura y video. Actualmente vive y trabaja en Playa del Carmen.

With Slovak roots but tropical heart, Stano Cerny traveled to Mexico in 2004 in search of a place where he could explore indigenous cultures. He settled in Yucatán and installed his studio in a space surrounded by nature and mysticism that inspired him artistically.

For Cerny, his studio is sort of a den, a shelter where all his artistic production flows. The tropic influenced his art with dark humor, energetic colors and constant themes, repetitive shapes that allude to the pyramids, tropical fruits and flowers, shamans, Mayan rituals and, in general, the jungle environment of the Mexican peninsula.

“My work becomes the earth's breathing, in which it can be perceived even the humidity of the night after a great storm”. Stano Cerny.

Before arriving to Mexico, Stano was creative director of important firms in Slovenia, he participated in several collective and individual exhibitions in Italy, London, Norway, Spain, Romania and France. Besides painting, he does drawing, sculpture, architecture and video. Currently, he lives and works in Playa del Carmen.

Fuente consultada / Source: www.stanocerny.com

$70,000.00-$120,000.00 M.N. UDS $3,900-$6,700

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EDGAR "SANER" FLORES

(Estado de México, 1981 - ) Señor del Mictlán Firmado y fechado 2016 / Signed and dated 2016 Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 49.5 x 39.5 cm / 19.4 x 15.5 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Artista visual e ilustrador por vocación y diseñador de profesión, descubrió su amor por el arte desde muy joven, interesándose principalmente en el dibujo y el muralismo mexicano, desarrollándose en el graffiti y formándose en la carrera de Diseño Gráfico.

La obra de Saner se sirve de la cotidianidad y de sus raíces (su madre es de Oaxaca) para crear seres con reminiscencias prehispánicas y populares en un contexto contemporáneo. Además de las máscaras mexicanas, siempre presentes en su obra, sus personajes deambulan en una mexicanidad reinterpretada, en la que los referentes prehispánicos conviven con iconografía actual, revelando una nueva visión de identidad mexicana. La obra de Saner nos lleva a cuestionarnos: ¿Qué máscara usas? ¿A qué te resistes? ¿Cuál es tu identidad cultural?

Ha exhibido su obra de manera individual en galerías en Nueva York, San Francisco, Madrid y la Ciudad de México. Este año presentó la muestra "Resistencia / Resistance" en el Museo de las Americas en Denver y en noviembre inaugurará la exposición “In a dream” en The Brand Arts Center en Glendale, California. También fue convocado a desarrollar la identidad y escenarios del pasado Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino.

"Saner emplea la vida cotidiana como el escenario para presentar a sus seres mágicos, llenos de energía y malicia, siempre ocultando su identidad, resistiéndose a las mentes conservadoras. Estas criaturas representan los ideales y aspiraciones de las personas que luchan por la supervivencia. Sus pinturas celebran el espíritu de nuestra comunidad, nuestra cultura, nuestro amor por la vida y el poder de resistencia de nuestro antiguo espíritu de ser domado". Maruca Salazar, curadora del Museo de las Americas, Denver.

Visual artist and illustrator by vocation, and designer by profession, he discovered his love for art from a young age, primarily concerned with drawing and the Mexican muralists, he developed in graffiti and studied the career of Graphic Design.

Saner's work uses everyday life and his roots (his mother is from Oaxaca) to create beings with pre-Hispanic and reminiscences in a contemporary context. Besides Mexican masks, always present in his work, his characters roam in a reinterpreted mexicanity, where pre-Hispanic relating coexist with current iconography, revealing a new vision of Mexican identity. Saner's works begs us to ask the questions: What mask do you wear? What do you resist? What is your cultural identity?

He has exhibited his work individually in galleries in New York, San Francisco, Madrid and Mexico City. This year he presented the solo show "Resistencia / Resistance" at the Museo de las Americas in Denver and in November he will inaugurate the exhibition "In a dream" in The Brand Arts Center in Glendale, California. He was also commissioned to develop the identity and scenarios from last Iberoamerican culture music festival Vive Latino.

"Saner uses everyday life as the stage to introduce his magic beings full of energy and mischief, always concealing their identity, resisting the conservative mind. Those creatures represent the ideals and aspirations of people struggling for survival. His paintings celebrate the spirit of our community, our culture, our love for life and the power to resist the taming of our ancient spirit". Maruca Salazar, curator, Museo de las Americas, Denver.

Fuentes consultadas / Sources: www.saner.com.mx y www.museo.org

$20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,150-$1,700 36

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CISCO JIMÉNEZ

(Cuernavaca, Morelos, 1969 - ) Venado Firmada y fechada 2011 / Signed and dated 2011 Cerámica policromada a mano / Hand painted polychrome ceramic 20.5 x 27 x 12 cm / 8.07 x 10.6 x 4.7 in Exhibida en / Exhibited at: "Molecular Coatlicue", ReTrouvé, 2013.

Ha exhibido en numerosas exposiciones en México, Francia, Suiza y Alemania. Su obra ha formado parte de importantes acervos como la Colección de Jacques y Natasha Gelman, Fundación Cultural Televisa, de The Young Memorial Museum en San Francisco, Schoenenmuseum en Holanda, el Museo Nacional de la Estampa y el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo de Guayaquil, Ecuador.

La obra de Cisco es irreverente, sardónica y juguetona. Políticamente incorrecta.

He has shown his work in numerous exhibitions in Mexico, France, Switzerland and Germany. His work has been part of important collections as the Jacques & Natasha Gelman collection, Fundación Cultural Televisa, The Young Memorial Museum in San Francisco, Schoenenmuseum in the Netherlands, Museo Nacional de la Estampa, and Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo de Guayaquil, Ecuador.

Cisco's work is irreverent, sardonic and playful. Politically incorrect.

Fuente consultada / Source: "Molecular Coatlicue". México. ReTrouvé, 2013.

$10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $550-$840 38

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CISCO JIMÉNEZ

(Cuernavaca, Morelos, 1969 - ) Collage Firmada y fechada 2006 - 2011 / Signed and dated 2006 - 2011 Tinta y collage sobre papel / Ink and collage on paper 57 x 87 cm / 22.4 x 34.2 in Exhibida en / Exhibited at: "Molecular Coatlicue", ReTrouvé, 2013.

Cisco Jiménez es un artista contemporáneo que se basa en la iconografía y el lenguaje del arte tradicional mexicano. Constantemente utiliza palabras provenientes de anuncios y carteles públicos. Así mismo, incorpora la sátira y el humor para revelar la realidad de la sociedad mexicana. Su trabajo es como un arte de denuncia.

Cisco Jiménez is a contemporary artist that bases his work on the iconography and language of traditional Mexican art. He constantly uses words from adverts and public posters. Likewise, he includes satire and humor to reveal the reality of Mexican society. His work is an art that is meant to denounce.

Fuente consultada / Source: "Bloque geológico de Cisco Jiménez". México. Museo Nacional de la Estampa, julio de 2015.

$18,000.00-$25,000.00 M.N. USD $1,000-$1,400 39

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ERIC VALENCIA

(Tulancingo, Hidalgo, 1981 - ) Paralampasa II, 2012 Sin firma / Unsigned Óleo sobre tela / Oil on canvas 180 x 180 cm / 70.8 x 70.8 in Publicado en / Published in: www.ericvalenciagarcia.wixsite.com/principal/info Eric Valencia es egresado de La Esmeralda. Desde 2003 ha realizado diversas exposiciones colectivas en el interior de la República. En 2007 obtuvo mención honorífica en la tercera Bienal Nacional de Arte Universitario, en 2013 impartió talleres de arte contemporáneo en Puebla y en 2015 fue co-director del espacio de exhibición Obstante y de la exposición "El cuarto de los ojos sucios".

Eric Valencia graduated from La Esmeralda. Since 2003 he has participated in various collective exhibitions around the country.

In 2007 he achieved honorable mention in the third Bienal Nacional de Arte Universitario; in 2013 he directed contemporary art workshops in Puebla and in 2015 he co-directed the exhibition space Obstante and the exhibition "El cuarto de los ojos sucios".

Fuente consultada / Source: www.ericvalenciagarcia.wixsite.com/principal/info

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,700-$2,300 40

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KENTA TORII

(Hiroshima, Japón, 1983 - ) Skull dear, 2016 Firmado / Signed Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 120 x 120 cm / 47.2 x 47.2 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

En 2005 se dirigió a los Estados Unidos a conocer el arte que se estaba desarrollando en Nueva York. Posteriormente decidió que en México podía encontrar las bases del arte latinoamericano, así viajó a la Ciudad de México con el propósito de enfocarse en su desarrollo como artista. Su estilo ha ido evolucionando a lo largo de los años al explorar múltiples formatos.

"No pinto lo que hace años atrás, estoy en busca de cosas nuevas. Tengo muchísimas influencias, sobre todo de artistas japoneses.

Quisiera poder encontrar en mis dibujos una mezcla entre Japón y México, quizás sea la manera en la que pueda saber la relación que existe entre ellos. Los personajes que pinto salen de mi ser, porque soy tímido, algo enojón y negativo. Antes no me interesaba tener en mis dibujos influencias japonesas, pero ahora que estoy en otro país, quiero dar importancia a la cultura japonesa.

Aprovecho que soy japonés". Kenta Torii.

In 2005 he headed to the United States to experience art that was developing in New York. Afterwards, he decided that in Mexico he could find the bases of Latin American art, so he traveled to Mexico City with the aim to focus on his artistic development. His style has evolved throughout the years exploring different formats.

"I don't paint what I used to years ago, I am looking for new things. I have many influences, especially Japanese artists. I wish to find in my drawings a blend of Japan and Mexico, maybe this way I can learn the relation between the two. The characters I paint come out of my being, because I am shy and a bit bad-tempered and negative. Before, I was not interested in Japanese influence in my drawings but now that I am in another country I want to give importance to Japanese culture. I seize the fact that I am Japanese". Kenta Torii.

Fuente consultada / Source: Iszy Bell. "Entre murales y Kenta Torii". México, 2014, www.hiroshima.mx

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,700-$2,300 41

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MELISSA KIME

(Trowbridge, Reino Unido, 1989 - ) I wanna look good for you Firmada y fechada 2015 al reverso / Signed and dated 2015 on the reverse Acuarela, gouache y grafito sobre papel / Watercolor, gouache and graphite on paper 100 x 140 cm / 39.3 x 55.1 in Estudió Artes Visuales en The University College Falmouth en Reino Unido, así como estudios de postgrado en dibujo en The Prince's Drawing School, Londres y de pintura en The Royal College of Art, también en Londres. Ha exhibido su obra en diversas ciudades de Reino Unido como Londres, Marlborough y Liverpool. En 2016 presentó su muestra individual "Do the hokey cokey!" en Espacio Arterial en la Ciudad de México.

She studied a BA in Fine Art at University College Falmouth, United Kingdom; she also has a Postgraduate diploma in drawing from The Prince's Drawing School, London, as well as an MA in painting from The Royal College of Art, London. She has exhibited her work in the United Kingdom, in cities such as London, Marlborough and Liverpool. In 2016 she presented "Do the hokey cokey!", a solo show at Espacio Arterial in Mexico City.

$25,000.00-$35,000.00 M.N. USD $1,400-$2,000

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MELISSA KIME

(Trowbridge, Reino Unido, 1989 - ) God you're so handsome. I think you're my national anthem Firmado y fechado 2016 al reverso / Signed and dated 2016 on the reverse Óleo, lápiz de grafito y tinta sobre fibracel / Oil, graphite and ink on fiberboard 40 x 50 cm / 15.7 x 19.6 in "Tengo miedo de perder gente o de olvidar gente o de que la gente se vaya de mi vida. A través de intrincados detalles e iconografía religiosa he creado mis santuarios los cuales se aferran a estas personas y evitan que se mueran o se vayan de mi mundo". Melissa Kime.

"I have a fear of losing people or forgetting people, people leaving my life. Through intricate detail and religious iconography, I have created my own sanctuary which holds on to these people and stop them from dying or leaving my world". Melissa Kime.

$12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $700-$1,150

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MELISSA KIME

(Trowbridge, Reino Unido, 1989 - ) Superman go!

Firmado y fechado 2014 al reverso / Signed and dated 2014 on the reverse Óleo, lápiz de grafito y tinta sobre tela / Oil, graphite and ink on canvas 160 x 120 cm / 62.9 x 47.2 in "Un tutor una vez me dijo esto, y estas palabras se han convertido en la fuerza que empuja mi trabajo: acercar el mundo imaginario. Mi trabajo también está motivado por la pérdida, debido a que hace más de diez años perdí a un miembro de mi familia. Mi hermano no murió, pero su desaparición se sintió de esa manera.

Tenía 11 años cuando lo vi mirarme por última vez antes de irse. No lo he vuelto a ver, así que empecé a dibujar para no olvidarlo. Mi hermano mayor se volvió otro amor que cayó instantáneamente a una realidad autobiográfica donde capturo fragmentos de travesías importantes.

Aquí los tiempos y lugares que no quiero olvidar se mantienen seguros; así los personajes de mis historias se congelan en el tiempo; se previene que sean olvidados o se desvanezcan como fantasmas". Melissa Kime.

"A tutor once told me this, and these words have become the driving force behind my work: to bring the imaginative world closer. My work is also driven by loss as over ten years ago I lost a family member.

My brother did not die, but his disappearance felt that way. I was eleven when I watched him look at me for the last time before walking away. I have not seen him again and so I began drawing so as not to forget him. My older brother was another love who fell instantaneously into an autobiographical realm where I capture fragments of important journeys. Here the times and places which I wish to not forget are kept safe; and so the characters in my stories are frozen in time; they are stopped from becoming forgotten or fading away by ghosts". Melissa Kime.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,800-$3,900

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GIBRANN MORGADO

(Ciudad de México, 1988 - ) Membrane, 2015 Sin firma / Unsigned Render 3D y sublimado sobre satín / Render 3D and sublimation on satin 135 x 100 cm / 53.1 x 39.3 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

El arte virtual es un medio de comunicación basado en la unión del arte y la tecnología. Gibrann Morgado es un artista que experimenta con estos aspectos y utiliza la producción digital para desarrollar híbridos virtuales que convergen con nuestro ecosistema cultural. Es creador de Uncurated, una iniciativa que genera contextos de realidad mixta y co-fundador de Vngravity, una galería 3D en internet. Ha expuesto en México, Brasil, Estados Unidos, Canadá y Francia y participado en diversas plataformas de arte y tecnología como The Creators Project, Fractal y Thvndermag.

Virtual art is a type of media based on the union of art and technology. Gibrann Morgado is an artist who experiments with this aspect and uses digital production in order to develop virtual hybrids that cohabit with our cultural ecosystem. He is the creator of an initiative called Uncurated, meant to generate mixed reality context; he is also co-founder of Vngravity, an online 3D gallery.

He has exhibited his work in Mexico, Brazil, the United States, Canada and France, and participated in diverse art and technology platforms such as The Creators Project, Fractal and Thvndermag.

Fuentes consultadas / Source: www.chopo.unam.mx y www.vrfest.mx

$20,000.00-$25,000.00 M.N. USD $1,150-$1,400 46

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ERIKA HARRSCH (Ciudad Void Firmado Acrílico, 75 x 61

de México, 1970 - )

y fechado 07 / Signed and dated 07 acuarela y collage sobre papel / Acrylic, watercolor and collage on paper cm / 26.5 x 24.0 in

Erika Harrsch es una artista mexicana multidisciplinaria, amante de las metáforas visuales y exploradora de nuevos escenarios artísticos. Habiendo trabajado en México, Estados Unidos, Italia y Alemania ha podido cultivar su trabajo profesionalmente y experimentado con diversos recursos que incluyen dibujo, pintura, fotografía, video, animación e instalaciones.

Sus obras son seductoras, sugestivas y tentadoras para el espectador. Es amante de las mariposas, las cuales ha estudiado e investigado formalmente desde hace más de seis años con un entomólogo. Sutilmente, yuxtapone las mariposas con ciertas partes del cuerpo, específicamente los genitales, tratando de hacer un sólo elemento que se conecte con el centro del universo.

Hace fusiones con su pasión por la anatomía y la sublima en un plano de belleza estética: "Mi obra cada vez va a ser más explícitamente sexual. Quiero sacar a flote toda esa energía creativa que mueve al mundo".

Erika ha participado en ferias y bienales en Polonia, China, Corea y México. Su trabajo ha sido mostrado en exposiciones individuales y colectivas en galerías y museos de América, Europa y Asia. El famoso violonchelista Jeffrey Zeigler y el aclamado compositor Philip Glass cuentan con obra suya en su acervo.

Erika Harrsch is a Mexican multidisciplinary artist who loves visual metaphors and exploring new artistic scenarios. Having worked in Mexico, the United States, Italy and Germany she has been able to cultivate her experience and experiment with several resources, including drawing, painting, photography, video, animation, and installations.

Her works are seductive, suggestive and tempting for the spectator. She loves butterflies, which she has studied and investigated formally for at least six years with an entomologist. Subtly, she juxtaposes butterflies with certain body parts, especially genitals, trying to create a single element that connects with the center of the universe. She joins her passion for anatomy and sublimates it into a plane of aesthetic beauty: "My work is becoming more and more sexually explicit. I want the creative energy that moves the world to come out".

Erika has participated in fairs and biennales in Poland, China, Korea and Mexico. Her work has been shown in exhibitions, individual and collective alike, in galleries and museums in America, Europe and Asia. Famous violoncellist Jeffrey Zeigler and acclaimed composer Phillip Glass own some of her artworks.

Fuente consultada / Source: www.erikaharrsch.com

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,900-$5,600 47

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VANESSA ALICE BENSIMON "MISS VAN"

(Toulouse, Francia, 1973 - ) Mujer pájaro I Firmado y fechado 2014 / Signed and dated 2014 Gicleé print 22/60 54 x 54 cm / 21.2 x 21.2 in Con certificado de autenticidad de FIFTY24MX. / With certificate of authenticity from FIFTY24MX. Miss Van pintó sus primeros muros a los veinte años, en 1993, fue una de las pioneras en el street art femenino. A pesar de ser nativa de Toulouse, Francia, pasó casi toda su vida artística en Barcelona para después viajar alrededor del mundo pintando sus ya icónicas mujeres en las calles y en lienzos.

Ha exhibido intensamente a nivel internacional, por toda Europa, Asia y América, con exposiciones individuales en ciudades como Londres, Los Ángeles, Roma, la Ciudad de México y la más reciente en Málaga.

Miss Van painted her first murals when she was twenty years old, in 1993, she was a pioneer of female street art. Despite being from Toulouse, France, she spent most of her early artistic life in Barcelona and later travelled around the world painting her iconic women in the streets and on canvas.

She has exhibited her work intensely on an international level around Europe, Asia and America, with individual exhibitions in cities like London, Los Angeles, Rome, Mexico City and most recently, Málaga.

Fuente consultada / Source: www.missvan.com

$8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $450-$700 48

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VANESSA ALICE BENSIMON "MISS VAN"

(Toulouse, Francia, 1973 - ) Gorditas de chicharrón V Firmado y fechado 2014 / Signed and dated 2014 Gicleé print 19/60 64 x 53.5 cm / 25.1 x 21 in Con certificado de autenticidad de FIFTY24MX. / With certificate of authenticity from FIFTY24MX. A pesar de que permaneció varios años trabajando en su estudio, la búsqueda artística de Miss Van la llevó de regreso a los muros de España, Brasil y Estados Unidos. En Miami realizó, en 2013, una de las obras más visitadas de Wynwood Walls, como parte del proyecto "Women on the Walls".

El resultado de ese tiempo de introspección fueron obras cargadas de profundidad, emoción, una elevada oscuridad romántica y delicadeza. Sus icónicos y seductores personajes femeninos, aparecen ahora con sensuales y misteriosas máscaras de animales y en ambientes envolventes. Dentro de sus translúcidas composiciones, estas mujeres cargan cualidades casi surreales del burlesque, resonando con una hermosa sinergia de crudeza, suavidad y emoción.

"Estoy evolucionando y madurando con mis obras. Es la única manera, cuando pintas con emociones y sentimientos. Estoy tratando de ser sincera conmigo misma". Miss Van. Despite spending several years working in her studio, Miss Van's artistic quest took her to the walls of Spain, Brasil and the United States. In Miami, in 2013, she created one of the most visited works at Wynwood Walls, as a part of the project "Women on the Walls".

As a result of this time of introspection, her artwork was soaked in deepness, emotion, an elevated romantic darkness and delicacy. Her iconic and seductive female characters appear now with sensuous and mysterious animal masks and mesmerizing atmospheres. Inside her translucid compositions, these women possess surreal burlesque qualities, creating a beautiful, raw, soft and emotive synergy.

"I'm evolving and growing up with my paintings. It's the only way, when you paint with emotions and feelings. I'm trying to be true with myself". Miss Van. Fuente consultada / Source: www.missvan.com

$9,000.00-$15,000.00 M.N. USD $500-$840 49

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JUAN JOSÉ SOTO

(Ciudad de México, 1981 - ) #3 de la serie Ekleipsis, 2015 Sin firma / Unsigned Impresión fotográfica en papel metálico aperlado MOAB / Photographic print on metallic pearl MOAB paper 80 x 120 cm / 31.4 x 47.2 in Licenciado en Relaciones Internacionales y Licenciado en Artes Plásticas y Visuales, Juan José Soto es un artista mexicano multidisciplinario que se caracteriza por representar su concepción de corporeidad como territorio. Cuenta con veinte exposiciones colectivas en México y más de cinco exposiciones individuales presentadas en Estados Unidos y América Latina. En los últimos años ha trabajado en proyectos fotográficos y conformado el grupo "Taller de los miércoles" en el cual ha realizado una serie de colaboraciones y participado en ferias de arte y proyectos de gestión cultural.

Esta pieza pertenece a la serie de "Ekleipsis", un proyecto en el cual Juan José se enfoca en el entorno de un objeto y su relación con la contemporaneidad. Es un trabajo a partir de las cualidades matéricas del objeto, desarrollando una concepción con potencial estético; evidencia los vicios y deficiencias del objeto y pone al descubierto su condición desechable.

Graduated from International Relations and also Plastic and Visual Arts, Juan José Soto is a multidisciplinary Mexican artist characterized for presenting his conception of corporeity as territory. He has presented twenty collective exhibitions in Mexico and more than five solo shows in the United States and Latin America. In recent years, he has worked in photography projects and formed the group "Taller de los miércoles", in which he has done a series of collaborations and participated in art fairs and cultural management projects.

This piece belongs to series "Ekleipsis", a project in which Juan José focuses on the surroundings of an object and its relation with what is contemporary. It is a work that parts from the material qualities of an object, developing a conception that has esthetic potential. As a result, he makes the vices and deficiencies of the object evident and unveils its disposable condition.

Fuente consultada / Source: www.juanjosoto.com

$20,000.00-$25,000.00 M.N. USD $1,500-$1,400 50

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PABLO COTAMA

(Ixtepec, Oaxaca, 1978 - ) Nadie llega solo a Honolulú Firmada y fechada 2016 al reverso / Signed and dated 2016 on reverse Pintura plástica con relieve y entramado sintético sobre tela / Plastic paint with reliefs and synthetic frames on canvas 82 x 82 cm / 32.2 x 32.2 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Estudió Artes Visuales en La Esmeralda y es Licenciado en Diseño de la Comunicación Gráfica por la UAM. Pablo Cotama es un creador visual, especializado en pintura. Desde niño su formación estuvo fuertemente influida, por la televisión, los libros ilustrados, el 3D del View-Master y la fascinación por observar al fuego consumir los juguetes favoritos de algún otro niño. Sus inquietudes temáticas se relacionan con el estudio del hombre, de la dimensión humana y la concepción de mundo; por lo que su pensamiento e investigaciones transitan a través de diversas disciplinas como las neurociencias, la psicología, la astrofísica, la historia del arte, las religiones, el juego y los juguetes, marcando una influencia determinante en su propuesta visual. Su trabajo plástico se enfoca en la configuración de estéticas hibridas y supra barrocas volcadas a la pintura, así como en la experimentación de materiales extra pictóricos, soportes flexibles, aplicaciones tridimensionales e intervenciones en el espacio de exhibición.

Ha recibido varias distinciones entre las que destaca ser miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA y premios en certámenes como la Bienal Nacional de Arte de Yucatán, Bienal de Pintura Pedro Coronel, Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce. Cuenta con 9 exposiciones individuales en la Ciudad de México, Londres, Oaxaca, Monterrey y Morelia, y ha participado en más de 30 exposiciones colectivas en México, Londres, Singapur, Corea, Indonesia, Canadá y Francia.

Su obra se encuentra en las colecciones de importantes instituciones como el Museo de los Pintores Oaxaqueños MUPO,

UAM Xochimilco, Instituto de Cultura de Yucatán, Museo Pedro Coronel en Zacatecas y Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce en Morelia.

He studied Visual Arts in La Esmeralda and Graphic Comunication Design in UAM. Pablo Cotama is a visual creator who specializes in painting. Since childhood, his education was strongly influenced by television, illustrated books, 3D ViewMaster and a fascination for staring at fire as it consumed other children's toys. His thematic concerns are related to the study of man, human dimension and the conception of the world; this is why his thought and investigations go through different disciplines such as neurosciences, psychology, astrophysics, history of art, religions, play and toys, marking a determining influence in his visual proposals.

His plastic work is focused on the configuration of hybrid and supra-baroque aesthetics that he transfers to painting; also the experimentation with non-pictorial materials, flexible supports, three-dimensional applications and interventions in the exhibit's space.

He has received a number of distinctions, such as being a member of Sistema Nacional de Creadores de Arte by FONCA and awards in events such as Bienal Nacional de Arte de Yucatán, Bienal de Pintura Pedro Coronel, and Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce. He has presented nine solo shows in Mexico City, London, Oaxaca, Monterrey and Morelia, and has participated in more than 30 collective exhibitions in Mexico, London, Singapur, Korea, Indonesia, Canada and France.

His work can be found in the collections of important institutions such as Museo de los Pintores Oaxaqueños MUPO, UAM Xochimilco, Instituto de Cultura de Yucatán, Museo Pedro Coronel in Zacatecas and Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce in Morelia.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,300-$3,400 51

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EMILIO RANGEL

(Toluca, Estado de México, 1984 - ) #39 y #45, de la serie Baile, 2013 Firmadas / Signed Figuras modeladas en plastilina epóxica, obras únicas / Modeled figures in epoxy clay, unique pieces 29 x 18 x 15 cm y 27 x 22 x 13 cm / 11.4 x 7 x 5.9 in & 10.6 x 8.7 x 5.1 in Piezas / Pieces: 2 Con certificado de autenticidad del artista / With certificate of authenticity signed by the artist.

Exhibidas en / Exhibited at: Terreno Baldío Arte, 2013.

Con una producción mayormente tridimensional, Emilio centra su trabajo técnico en el contacto directo con el material. Generalmente utiliza como medio la plastilina epóxica, elemento que permite que su práctica sea siempre lúdica, evocando los juegos que se desprenden naturalmente al experimentar con un material maleable, como todos lo hicimos desde la infancia. El resultado final es un objeto de carácter cercano a la manualidad, pero con la herencia de una sólida escuela de arte contemporáneo que hace guiños a la modernidad pop. Su lenguaje evoca personajes icónicos de dibujos animados con los que narra historias que satirizan el comportamiento humano. Tal es el caso de Baile, una colección de 120 piezas, en las que distintas especies de osos protagonizan una alocada fiesta.

With a composition that is mainly tridimensional, Emilio centers his technical work on the direct contact with the material. Generally, he uses epoxy clay, an element that allows his work to be always ludic, evoking the playful feelings that come naturally from experimenting with a malleable material, like we all did in our childhood. The final result is an object close to a handcraft, but with the solid legacy of contemporary art school that winks at pop culture. His language reminds us of iconic characters from cartoons with which he tells stories that satire human behavior. This is the case of "Baile", a 120-piece collection, in which different bear species host a crazy party.

Fuente consultada / Source: www.emiliorangel.mx

$8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $450-$700 52

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ANTONY WARD

(Béziers, Francia, 1985 - ) Fish dance Firmado y fechado FR 2015 al reverso / Signed and dated FR 2015 on the reverse Óleo sobre tela / Oil on canvas 200 x 101 cm / 78.7 x 38.7 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Actualmente la fachada de Morton Subastas está vestida con los viniles multicolores de Antony Ward. Visita Monte Athos 179 y conoce esta obra de sitio específico realizada especialmente para nuestra casa. / Currently the façade of Morton Subastas is dressed with multicolored vinyls by Antony Ward.

Come visit this site-specific artwork in Monte Athos 179.

"Mis pinturas confrontan un fondo con una figura. El fondo se conforma de una combinación de elementos pictóricos y la figura es un individuo interpretando una acción. La superficie del lienzo está trabajada en capas y yuxtaposiciones.

La primera capa se compone de colores que producen un horizonte. Luego, yuxtapuestos hay elementos pictóricos suaves, chorreados, protuberantes y angulares que parecen cabezas, torsos, brazos, piernas". Antony Ward.

"My paintings confront a background with a figure. The background is shaped by a combination of pictorial elements and the figure is an individual performing an action. The canvas surface is worked on in layers and juxtapositions. A first layer is composed of colours producing a horizon. Then juxtaposed onto this are soft, dripping, swollen, angulated pictorial elements which resemble heads, torsos, arms, legs". Antony Ward.

$25,000.00-$35,000.00 M.N. USD $1,400-$2,000

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GERARDO FELDSTEIN

(Buenos Aires, Argentina, 1958 - ) La puerta, 2016 Firmada / Signed Escultura en técnica mixta / Sculpture in mixed media 1/3 136 x 80 x 40.5 cm medidas totales con base / 53.5 x 31.4 x 15.9 in overall, includes base.

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, mayo de 2016. / With certificate of authenticity from Galería Alfredo Ginocchio signed by the artist, May 2016.

Es un artista multidisciplinario que antes de dedicarse de lleno a su verdadera pasión vivía de la ingeniería electrónica, clases de teatro y budismo zen. Las artes plásticas lo absorbieron por completo y comenzó a oscilar su obra entre la abstracción y la figuración, posteriormente añadió volumen a su trabajo realizando esculturas e instalaciones. Bajo la influencia de sus antiguas experiencias, trabaja con la problemática existencial del hombre y su relación consigo mismo a través de constantes combinaciones de ausencias y presencias. En los últimos años ha participado en diversas ferias y colaborado en proyectos de arte en Ecuador, Argentina, México, Israel y Alemania.

Fuente consultada: “Gerardo Feldstein: artista Zen”. Distrito Arte, 2014.

$80,000.00-$110,000.00 M.N. USD $4,500-$6,200

Detalle / Detail

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GERARDO FELDSTEIN

(Buenos Aires, Argentina, 1958 - ) El de arriba, 2016 Firmado / Signed Dibujo en varilla de hierro sobre madera / Iron rod drawing on wood 1/3 150 x 90 cm / 59 x 35.4 in Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, mayo de 2016. / With certificate of authenticity from Galería Alfredo Ginocchio signed by the artist, May 2016.

He is a multidisciplinary artist that used to dedicate himself to electronic engineering, theater classes and Zen Buddhism, before giving in to his real passion. Plastic arts absorbed him completely and he began to oscillate his work between abstract and figurative art; he later added volume to his work creating sculptures and installations. Under the influence of old experiences, he works around human’s existential problems and the relationship with himself through constant combinations of absence and presence. In the last years, he has participated in diverse fairs and collaborated in art projects in Ecuador, Argentina, Mexico, Israel and Germany.

Source: “Gerardo Feldstein: artista Zen”.

Distrito Arte, 2014.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,000-$6,700 55

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ALEJANDRA ZERMEÑO

(Ciudad de México, 1978 - ) Biología interna de un camaleón, 2011 Firmada / Signed Vaciado en resina, hilo de nylon, bisutería, cuadro y base de metal / Cast in resin, nylon thread, beads, frame and metal base 165 x 30 x 25 cm / 64.9 x 11.8 x 9.8 in Con certificado de autenticidad de la artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Esta obra será incluida en el libro de la artista publicado por Fomento Cultural México y B&B Editores en 2018. / This work will be included in the artist's book published by Fomento Cultural México and B&B Editores in 2018.

Exhibida en / Exhibited at: “BiDA (Biología interna De los Animales)”, Museo Universitario del Chopo, 2012.

Itineró en / Traveled to: galería X Espacio de Arte; Centro Cultural Jaime Torres Bodet IPN; Corredor Cultural José Chávez Morado, Guanajuato; Parque de las Esculturas Izcalli & ITESM Estado de México.

Estudió la Licenciatura y Maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos con especialidad en escultura.

El interés de Zermeño ha sido desde sus inicios la exploración del cuerpo. Su prolífica producción ha estado presente en más de cincuenta exposiciones colectivas nacionales e internacionales entre las que destacan: la Bienal Latin Views en Connecticut, el Premio Internacional Tokio, el Encuentro Internacional Mujeres en el Arte en el Palacio de Bellas Artes, Nord Art Busseldorf en Alemania y el XIV Encuentro Internacional Iberoamericano de Mujeres en el Arte en Madrid. Ha recibido diversos premios y distinciones, entre los que sobresalen: Premio de Adquisición I y V Bienal Internacional de Arte Sacro Contemporáneo (2008 y 2015); Premio Internacional Tokio Mérito al Maestro de Arte, Japón (2011); Mención Honorífica V Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán (2011); Primer lugar Concurso Nacional de Pintura y Escultura Las Mujeres en el Arte (2009).

Ha presentado quince exposiciones individuales en connotados recintos como el Museo de la Mujer, Museo Universitario del Chopo, Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce y Museo de Arte Tridimensional. En 2018 exhibirá la colección “Las custodias del maíz” en el Museo Mexicano de San Francisco, California; este mismo museo la invitó a pertenecer a su Arts & Letters Council en 2016.

Su obra está presente en la colección permanente de la Biblioteca José Vasconcelos en el marco del proyecto presidencial La Ciudad de los libros. En el 2013 fue invitada de manera especial al Congreso de Escultura Essarts, para realizar una obra pública en Montreal, Canadá.

Alejandra Zermeño creó la serie BiDA (Biología interna De los Animales)”, como homenaje a la vida animal. Su obra la concibió a partir del alejamiento del hombre urbano de la naturaleza.

“En esta muestra toco el tema de los animales, que tienen una relación simbiótica con el hombre. También abordo la situación de los que están en peligro de extinción”. Según el animal que deseaba representar, Zermeño buscó a la persona que podría tener sus características, ya sea emocionales, profesionales e incluso físicas. “Siempre trabajo en torno a materiales industriales, entonces se me ocurrió que tenía muchas ganas de hacer un homenaje a la vida, por esta razón el uso del tejido. Soy mujer y busco elementos que están a la mano. Tejo desde los 13 años. Como represento figuras humanas, me gusta hablar de la segunda piel, que es nuestra ropa. También hago un estudio escultórico del espacio con la figura. Mediante esta segunda piel puedo expandir o contraer, dependiendo de lo que diga cada pieza; hacer dentro de la misma composición escultórica un juego visual”. Alejandra Zermeño.

She studied a Bachelor and Master in Visual Arts in Academia de San Carlos, specializing in sculpture.

From the beginning, Zermeño’s main interest consisted in the exploration of the body. Her prolific production has been present in more than fifty collective exhibitions both national and international, the most important being: Latin Views Biennale in Connecticut, International Award Tokyo, Encuentro Internacional Mujeres en el Arte in Palacio de Bellas Artes, Nord Art Busseldorf in Germany and XIV Encuentro Internacional Iberoamericano de Mujeres en el Arte in Madrid. She has received awards and distinctions, highlighting: Acquisition Award at I and V Bienal Internacional de Arte Sacro Contemporáneo (2008 and 2015); International Award Tokyo to Art Master (Japan); Honorific mention V Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán (2011); First place Concurso Nacional de Pintura y Escultura Las Mujeres en el Arte (2009).

She has presented fifteen individual exhibitions in renown locations like Museo de la Mujer, Museo Universitario del Chopo, Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce and Museo de Arte Tridimensional. In 2018, the collection “Las custodias de maíz” will be exhibited in the Mexican Museum in San Francisco, California; this same museum invited her to their Arts & Letters Council in 2016.

Her work belongs to Biblioteca José Vansconcelos’s permanent collection within presidential project “La ciudad de los libros”. In 2013 she was a special guest in the sculpture congress Essarts to produce a public work in Montreal, Canada.

Alejandra Zermeño created BiDA (Biología interna De Los Animales), as a tribute to animal life. Her work parted from the distancing between urban man and nature. “In this piece I examine the theme of animals, who have a symbiotic relation with men. I also observe the situation of those who are endangered”. Depending on the animal she wanted to represent, Zermeño searched for a person with similar characteristics, whether they were emotional, professional of even physical. “I always work with industrial materials; this is how I realized that I wanted to do a tribute to life and for this reason I use knitting. I am a woman and I look for elements that are at hand. I have been knitting since I was 13 years old. Because I represent human figures, I like to discuss our second skin: our clothes. I also do a sculptural study of space with the form. Thanks to this second skin, I can expand and contract, depending on what each piece says; doing within each sculptural piece a visual game”. Alejandra Zermeño.

Fuentes consultadas / Sources: McMASTERS, Merry. “Alejandra Zermeño esculpe su emoción ante la naturaleza”. La Jornada, agosto de 2012 y www.alejandrazermeno.net

$35,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,000-$2,800 56

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SMITHE

(Ciudad de México, 1987 - ) Signos Firmado y fechado 16 al frente. Firmado y fechado México DF 16 al reverso / Signed and dated 16 on the front. Signed and dated México DF 16 on reverse Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 60 x 50 cm / 23.6 x 19.6 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Bajo la influencia de los viejos cómics locales, el diseño gráfico de los años 50 y películas de ciencia ficción, Smithe comenzó a pintar graffiti a los 13 años de edad. Autodidacta y evolutivo, Smithe ha reinventado constantemente su estilo y ha explorado muchos temas en su obra tales como el existencialismo, la individualidad y la maquinaria interna. La desfragmentación es un símbolo común en su trabajo, la utiliza como vehículo para mostrar los elementos interiores que alimentan a sus personajes, que se expresan como máquinas surrealistas. Ha expuesto en Alemania, Francia, Bélgica, Reino Unido, España, E.E. U.U. y México.

Dentro de la escena de la cultura urbana, Smithe es uno de los creadores más reconocidos en México. Actualmente se dedica a hacer murales, escultura, diseño, ilustración, tipografía, produce música con su banda. "Stendal", junto con Pogo fundó el estudio de diseño "Copete Cohete" y con un grupo de diseñadores creó y desarrolla la marca de ropa "Tony Delfino". Con Jesús Benítez (antes Dhear) fundó "Albatross" un proyecto de talleres para formar talentos.

Desde 2015 es parte del grupo que Pharrell Williams eligió como los creadores más influyentes del mundo para la campaña "Original Superstar" de Adidas. Ha colaborado con René Pérez "Residente" de Calle 13 y ha realizado carteles para el festival Coachella.

También ha sido convocado para realizar intervenciones urbanas en la Ciudad de México, comisionadas por el Instituto de la Juventud y el Sistema de Corredores de Transporte Público de Pasajeros Metrobús.

[Sobre su trabajo] "Yo creo el hecho de que la pieza como tal hable sola y te diga algo. Si no te comunica nada, no sería mi chamba. Siempre te tiene que transmitir esa angustia o felicidad". Smithe.

Influenced by old local comics, 50's graphic design and Sci-Fi movies, Smithe began to paint graffiti at the age of 13. Self-taught and evolutionary, Smithe has constantly reinvented his style and has explored many themes in his work such as existentialism, individuality and the internal body's machinery. Defragmentation – a common symbol in his work, is used as a vehicle to show the inside elements that power his characters, which are expressed as surrealistic machines. He has exhibited in Germany, France, Belgium, United Kingdom, Spain, U.S. and Mexico.

In Mexico’s street art scene, Smithe is one of the most well-known creators. Currently, he works on murals, sculpture, design, illustration, typography and produces music with his band. "Stendal", along with Pogo he founded design studio "Copete Cohete"; and, with a group of designers, he created and developed clothing brand "Tony Delfino". With Jesús Benítez (formerly Dhear) he founded a project called "Albatross", consisting of workshops that intended to shape talent.

Since 2015 he is a part of a group that Pharell Williams picked as the most influential group of creators for the Adidas campaign "Original Superstar". He has collaborated with René Pérez "Residente" from Calle 13 and made posters for Coachella festival.

He has also been asked to do urban interventions in Mexico City, commissioned by Instituto de la Juventud and Sistema de Corredores de Transporte Público de Pasajeros Metrobús.

[On his work] “I believe in the fact that the piece should speak for itself and tell you something. If it does not communicate anything, it wouldn’t be my job. It must always communicate anguish or happiness”. Smithe.

Fuentes consultadas / Sources: All City Canvas: “¿Quién no es Smithe?”; FRANCO, Fernanda. “Smithe, el artista mexicano que cautivó a Pharrell Williams”. México. www.arca.tv y Original Superstar – Influencer Bio – Smithe by Adidas.

$20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,150-$1,700

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Grupos

"El artista contemporáneo trabaja en el interior de un escenario en rápida evolución, tomando conciencia de que él mismo también ha cambiado, sea interiormente, sea en su relación con los demás y con las <<cosas>>. Pero, en vez de dejarse sumergir por la entidad de tales cambios, que lo rodean y lo implican, disfruta de la energía producida por el conjunto de esas innovaciones, sobre todo tecnológicas y científicas, para así aumentar su conciencia de hombre mutante." Ernesto L. Francalanci.

Históricamente el arte ha tenido que soportar la carga de parecer tener que narrar su tiempo, y es que cuando se mira al pasado parecería que algunos libros de Historia del arte están repletos con nombres de personas cuyo talento artístico está fundido con una voluntad férrea de narrar el tiempo social que los rodeaba, nada más que un bello mito de la modernidad. Todo acto creativo es, finalmente, un acto íntimo en algún momento, y aunque la comunidad participe en él, aunque el ritual sea grupal, siempre habrá algún momento en que el sujeto quiera y deba hablar de sí y para sí.

Y en estos ritos surge la conversación que todo artista necesita; nace “la relación con los demás”, el caos casual que existe entre los individuos que se comunican con la otredad, y es por eso que consideramos que el arte que se genera a partir del diálogo está lleno de riqueza, ya que encierra una paradoja tremenda, por un lado el artista que debe conciliar consigo mismo, y por otra parte el hilo de las otras voces que conversan con su obra; otros artistas que desde la fuerza de los cambios que atraviesan todos juntos, cantan a coro, pero en una suerte de esquizofrenia silente a través de sus “objetos”.

Es así que, Feral, Arte Cocodrilo, Ediciones y Plataforma A & C, sin lugar a duda están dando a conocer una narrativa peculiar del arte contemporáneo mexicano; a partir de la complejidad de los encuentros de sus integrantes (e incluso de los desencuentros).

Ya que en cada uno de los grupos encontraremos piezas alimentadas por la visión de un artista y el diálogo con las disciplinas, temperamentos, vivencias de muchos otros. Miradas que a lo largo de varios años han hecho comunión en la mesa de trabajo y estudio de cada una de estas asociaciones artísticas. Bienvenidos pues, a esta charla silenciosa, a esta ruidosa esquizofrenia objetual.

Alberto Waxsemodion, crítico de arte, Ciudad de México 2016.

“The contemporary artist works on a fast- evolving stage, being conscious of the fact that he himself has also changed, either internally, either in his relation with others and with <<things>>. However, instead of letting himself be immersed in such changes, that both surround him and involve him, he enjoys the energy produced by these set of innovations, especially the technological and scientific, consequently increasing his awareness of mutant man”. Ernesto L. Francalanci.

Historically art has had to endure the burden of being supposed to narrate their time, when looking at the past it seems like some Art history books are bursting with names of people whose artistic talent is merged with a strong will to narrate the social time that surrounded them, nothing more than a beautiful modern myth. Every creative act is, essentially, an intimate act in some moment, and although the community participates in it, even when the ritual is done in a group, there will always be a moment in which the individual must talk about himself and for himself.

It is in these rituals that a conversation that every artist needs emerges; a “relation with others” is born, casual chaos exists between individuals that communicate with otherness, and this is why we consider art that generates from dialogue filled with richness, as it contains an incredible paradox, on one hand the artist who must reconcile with himself, and on the other the echo of other voices who converse in his work; other artists that from the strength of the changes they are going through, sing along, but in a sort of quiet schizophrenia through their objects.

Thus, Feral, Artecocodrilo, Ediciones y Plataforma A & C, are expressing a peculiar description of Mexican contemporary art; parting from the complexity of their member’s encounters (even some discounters). In each one of these groups we will find art pieces nurtured by the vision of an artist as well as the dialogue with disciplines, personalities and memories of many others. Life interpretations that throughout the years have made connections in the studio of each of these artistic associations. So welcome to this silent conversation, to this loud object schizophrenia.

Alberto Waxsemodion, art critic, Mexico City 2016.

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El dibujo, simple o complejo, icónico y simbólico, provocador y revolucionario, no importa dónde ni cómo, es y será la forma de expresión más antigua.

El dibujo ha sido la mejor herramienta para representar las ideas que no son posibles de expresar con palabras.

Oaxaca se ha convertido en un santuario para el arte moderno y contemporáneo, lugar donde se ha visto crecer a grandes artistas y nacer excelentes talleres de gráfica; Artecocodrilo Ediciones es uno de ellos.

Todo inició con René Almanza, un artista de tiempo completo, un emprendedor artístico preocupado por apoyar a jóvenes mexicanos cuyos intereses en común son practicar la gráfica y el dibujo. Fue en 2005 cuando el proyecto de René empezó a materializarse al abrir un espacio que apostara a la producción y difusión del dibujo y la gráfica mexicana. Fue así como, uniendo a diversos artistas y exponiendo periódicamente, se generó la fusión con el taller Gráfica Pata de Perro fundado por Uriel Marín y David Domínguez. Ahora, con nuevos colegas en el proyecto, se renovó el equipo de Artecocodrilo Ediciones.

Después de que Artecocodrilo expusiera frecuentemente en Oaxaca, el proyecto emprendió en 2008 su camino hacia Monterrey. El dibujo y la gráfica producida comenzaron a llamar la atención de jóvenes de diversos puntos de la ciudad. Sin embargo, el éxito llegó cuando el proyecto se estableció como taller de producción en la Colonia del Valle en la Ciudad de México.

Hoy en día, gracias a las obras de Daniel Berman, René Almanza, Edgar Bacalao, Uriel Marín, Nicolás Guzmán y Oscar Camilo de las Flores, entre otros, Artecocodrilo alberga un gran archivo de obra. Todos estos artistas han expuesto su obra en Multiplied, una de las ferias de arte contemporáneo más importantes en Londres, organizada por Christie’s. También han realizado más de 50 exposiciones colectivas e individuales en México, Estados Unidos y algunos países de Europa, colocándose así, como una plataforma de nivel internacional.

Artecocodrilo es un grupo 100% mexicano, revolucionario, sobreviviente y evolutivo que salvaguarda los medios más utilizados por la humanidad: el dibujo y la gráfica. Y, que sin importar qué suceda, por el sinfín de cambios a causa de las necesidades sociales, Artecocodrilo seguirá impulsando a jóvenes creadores.

Drawing, simple and complex, iconic and symbolic, provocative and revolutionary, it doesn’t matter where or how, it is and will be the oldest form of expression.

Drawing has been the base for many artists, the best tool to represent ideas that are impossible to express into words. Oaxaca has become a sanctuary for modern and contemporary art, a place that has witnessed the birth and growth of excellent artists and printmaking workshop; Artecocodrilo Ediciones is one of them.

It all began with René Almanza, a full-time artist, an artistic entrepreneur concerned about helping young Mexican people whose common interests were to practice printmaking and drawing. It was in 2005 when Rene’s project began to materialize, opening a space that believed in production and diffusion of Mexican drawing and printmaking. That was how, joining various artists and periodically exhibiting their work, resulted in the fusion with Gráfica Pata de Perro, a printmaking workshop founded by Uriel Marín and David Domínguez. Now, with new colleagues in the project, the team was renewed in Artecocodrilo Ediciones.

After Artecocodrilo exhibited constantly in Oaxaca, the project took its path to Monterrrey in 2008. Drawing and printmaking began to capture the attention from young people from around the city. Nevertheless, the project succeded when they stablished their studio in Colonia del Valle in Mexico City.

Today, thanks to the works of Daniel Berman, René Almanza, Edgar Bacalao, Uriel Marín, Nicolás Guzmán and Oscar Camilo de las Flores, among others, Artecocodrilo hosts a large archive of their work. All of these artists have exhibited their work in Multiplied, one of the most important contemporary art fairs in London, organized by Christie's.

They also have made more than 50 group and solo exhibitions in Mexico, the United States and some countries in Europe, placing Artecocodrilo as a platform of international level.

Artecocodrilo is a 100% Mexican, revolutionary, survivor and evolutionary group that safe keeps two the most used means by humanity: drawing and printmaking. And, whatever happens, because of the many changes in social needs, Artecocodrilo will remain boosting young creators.

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DANIEL BERMAN

(Veracruz, México 1982 - ) De la serie La chaca me miraba y yo coqueteaba con ella, 2016 Dos firmadas / Signed: 2 Tinta sobre papel / Ink on paper 20.7 x 20.7 cm cada una / 8.1 x 8.1 in each Piezas / Pieces: 3 Con certificado de autenticidad de Artecocodrilo Ediciones, septiembre de 2016 / With certificate of authenticity from Artecocodrilo Ediciones, September 2016.

Publicadas en / Published in: www.danielberman.com.mx Exhibidas en / Exhibited at: "La chaca me miraba y yo coqueteaba con ella". Artecocodrilo Ediciones, 2016.

La obra de Daniel Berman es narrativa; viaja a través de imágenes y tiene como fin provocar reflexiones sobre el arte y lo relacionado con lo cotidiano. A través de sus dibujos potencializa la condición humana como un escenario y saca provecho de escenas de la sociedad contemporánea apoyándose de la simbología del lenguaje visual. Está influenciado por las viñetas parecidas a las de las novelas antiguas, la entropía del humor y los pensamientos sobre el caos social. Daniel ha participado en numerosas exhibiciones tanto individuales como colectivas en México y en el extranjero.

Daniel Berman's work is narrative; it travels through images and is meant to provoke reflections about art and that which is related to daily life. With his drawings, he maximizes human condition as a stage and uses scenes from contemporary society leaning on visual language symbols. He is influenced by vignettes similar to antique novels, humor's entropy and thoughts of social chaos.

Daniel has participated in numerous exhibitions, individual and collective alike, in Mexico and internationally.

Fuente consultada / Source: www.artecocodriloediciones.org

$6,000.00-$10,000.00 M.N. USD $350-$550 63

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RENÉ ALMANZA

(Monterrey, Nuevo León, 1979 - ) Asalto a la Ciudad de México, de la serie Landscape Firmada y fechada 3-4-14 / Signed and dated 3-4-14 Acuarela sobre papel / Watercolor on paper 76 x 76 cm / 30 x 30 in Con certificado de autenticidad de Artecocodrilo Ediciones, septiembre de 2016 / With certificate of authenticity from Artecocodrilo Ediciones, September 2016.

El estilo artístico de René está fuertemente inmerso en el dibujo e influenciado por los comics y gráficas underground. Después de graduarse de la Escuela de Artes Visuales de la UANL en Monterrey se dedicó de lleno al arte y comenzó a explorar diversas plataformas artísticas. En 2000 se unió al grupo Reforma como ilustrador de la sección política. Trabajó en el proyecto editorial "Shinseken" en Tokio, el cual almacenaba historias de folclore de todo el mundo y se concentraban en libros ilustrados. Con el fin de compartir su obra y dar a conocer sus proyectos realizó constantes exposiciones individuales en espacios que le permitieron montar sus series y ejecutar sus ideas de manera inmediata. Es así que en 2003 se mudó a Oaxaca y fundó el proyecto "Artecocodrilo" y el estudio de gráfica "Pata de perro" junto con Uriel Marín y David Domínguez.

Muchos de sus proyectos nacen del deseo por el dibujo, limitándose al lápiz, la pluma y el pincel como únicos instrumentos. Las infinitas líneas que caracterizan su trabajo enfrentan temas de ficción y de la realidad social en ángulos y diseños sumamente expresivos. Sus trazos violentos ejecutan ilustraciones cautivadoras y forman un tipo de escritura que llevan a caminos hostiles y lugares que pueden ser accesibles o inaccesibles.

La mayor parte de su trabajo está ligado a la plataforma de "Artecocodrilo Ediciones", sin embargo ha realizado exposiciones individuales en Estados Unidos, España, Francia y Reino Unido. Ha colaborado con otros colectivos mexicanos, en revistas y libros extranjeros. Coleccionistas privados en Europa, América y Asía han adquirido obra suya.

René's artistic style is strongly immersed in drawing and influenced by comics and underground graphics. After graduating from Escuela de Artes Visuales de la UANL in Monterrey, he dedicated fully to art and started exploring several artistic platforms. In 2000 he joined Reforma group as an illustrator in the political section. He worked in the project "Shinseken" in Tokyo, in which he gathered folklore tales from around the world and concentrated them in illustration books. In order to make his projects known, he constantly presented them in solo exhibitions in spaces that allowed him to set up his series and execute them in an immediate way. This is why he moved to Oaxaca in 2003 and founded project "Artecocodrilo" and graphic studio "Pata de perro" along with Uriel Marín and David Domínguez.

Many of his projects were born out of the desire to draw, limiting himself to pencil, pen and brush as the only tools. The infinite lines that characterize his work face fiction themes and social reality in angles and designs that are extremely expressive. His violent strokes execute captivating illustrations and form a type of writing that lead to inhospitable roads and places that may be accessible or inaccessible.

Most of his work is linked to platform "Artecocodrilo Ediciones", however, he has presented his work in solo exhibitions in the United States, Spain, France and the United Kingdom. He has collaborated with other Mexican groups, in magazines and international books.

Private collectors in Europe, America and Asia have acquired his work.

Fuente consultada / Source: www.renealmanza.com

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,700-$2,300

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EDGAR BACALAO

(Bacalar, Quintana Roo, 1983 - ) Calcoteca, Limbo 1 Firmada y fechada 2013 / Signed and dated 2013 Acuarela y tinta sobre papel guarro / Watercolor and ink on guarro paper 40 x 30 cm / 15.7 x 11.8 in Con certificado de autenticidad de Artecocodrilo Ediciones, septiembre de 2016 / With certificate of authenticity from Artecocodrilo Ediciones, September 2016.

Publicada en / Published in: www.artecocodriloediciones.org/calcoteca A través de sus imágenes explora los límites entre la humanidad y su relación con el mundo. Su estética promiscua está influenciada por el cine de arte, el jazz, el arte medieval y barroco, la estampa japonesa y hasta de la gráfica popular y el muralismo mexicano.

"En mi obra busco transgredir la representación estética de lo erótico. Estoy convencido de que el placer, la obscenidad, el deleite carnal, el deseo corpóreo y el goce de la voluptuosidad pueden ser representados desde lo más sublime hasta lo más grotesco, sin tener demasiados remordimientos ni complejos". Edgar Bacalao.

Through his images he explores the limits between humanity and its relationship with the world. His promiscuous aesthetics are influenced by art cinema, jazz, Medieval and Baroque art, ukiyo-e Japanese art and even Mexican muralism.

"In my work I seek to transgress esthetic representation of the erotic. I am convinced that pleasure, obscenity, delectation of the flesh, corporal lust, and pleasure based on voluptuousness can be presented from the most sublime to the most grotesque, without any regrets or complexes". Edgar Bacalao.

Fuente consultada / Source: www.artecocodriloediciones.squarespace.com

$6,000.00-$10,000.00 M.N. USD $350-$550

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URIEL MARÍN

(Córdoba, Veracruz, 1981 - ) Paisaje con serpientes y pirámides, 2016 Firmada / Signed Litografía / Lithography 8/13 95 x 71 cm / 37.4 x 27.9 in Con certificado de autenticidad de Artecocodrilo Ediciones, septiembre de 2016 / With certificate of authenticity from Artecocodrilo Ediciones, September 2016.

Con sello de agua de Ediciones la Ceiba Gráfica. / With Ediciones la Ceiba Gráfica blindstamp.

Licenciado en Artes Visuales por la Universidad Veracruzana, Uriel Marín ha realizado exposiciones colectivas e individuales en Japón, Estados Unidos y México. En 2010 participó en Art Fair en Alemania y en 2012 obtuvo una Mención Honorífica en el Salón Nacional de Gráfica. En 2011 trabajó con La Ceiba Gráfica en Veracruz y Head Space Project en Osaka.

Durante 2011 y 2014, Uriel se intrigó por las lecturas del budismo chino y japonés y comenzó a realizar diversas piezas influenciadas por la cultura oriental. Durante sus diversos viajes a Japón realizó una serie de obras con carga histórica y yuxtaposiciones de figuras geométricas. Para él, Japón fue un laboratorio de creatividad que lo inspiró a generar discursos gráficos sobre la experiencia de una apertura mental.

Graduated from Universidad Veracruzana, Uriel Marín has presented his work in collective and individual shows in Japan, the United States and Mexico. In 2010 he participated in Art Fair in Germany and in 2012 he received an Honorable Mention in Salón Nacional de Gráfica. In 2011 he worked with La Ceiba Gráfica in Veracruz and Head Space Project in Osaka.

Throughout 2011 and 2014, Uriel was intrigued with readings about Chinese and Japanese Buddhism, and so he began to produce pieces inspired by these cultures. During his travels to Japan, he created a series of works with historical content and juxtapositions of geometric shapes. For him, Japan was a creativity laboratory that inspired him to create graphic discourses about the mind opening experience.

Fuente consultada / Source: www.urielmarin.blogspot.mx

$8,000.00-$15,000.00 M.N. USD $450-$840

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NICOLÁS GUZMÁN

(Xalapa, Veracruz, 1983 - ) Sin título, de la serie Nueve novelas cortas de seducción y venganza Firmada al reverso / Signed on the reverse Litografía a una tinta en piedra de mármol mexicano sobre papel / Lithography at one ink on Mexican marble stone on paper 110 x 90 cm / 43.3 x 35.4 in Edición de 10 ejemplares. Firmados y numerados al reverso. / Edition of 10 copies. Signed and numbered on the reverse.

Impresa a sangre / Full bleed printing Editada por / Edited by: Ceiba Gráfica, Xalapa, 2015 Por el tipo de enmarcado de esta obra, la firma no es visible / Because of the type of the frame of this work, the signature is not visible.

Con certificado de autenticidad de Artecocodrilo Ediciones, septiembre de 2016 / With certificate of authenticity from Artecocodrilo Ediciones, September 2016.

Estudió Artes Plásticas en la Universidad Veracruzana e hizo una residencia artística en la Universidad Clear Lake en Houston.

Ha colaborado como curador y museógrafo en la embajada Lomography México y fue jurado en 2007 del concurso de fotografía Cromofilia Lomography. En 2001 dio inicio a sus participaciones en exposiciones colectivas y en 2004 hizo su debut de forma individual en galerías de Oaxaca, Veracruz, Toluca y la Ciudad de México. Su obra ha sido expuesta en Zona Maco, BLOOM art fair en Alemania y en la feria Multiplied Contemporary Art de Christie's, Londres.

He studied Plastic Arts in Universidad Veracruzana and he made an artistic residency in Clear Lake University in Houston. He has collaborated as a curator and museographer in Lomography embassy in Mexico, and in 2007 was a judge in the Fotografía Cromofilia Lomography contest. In 2001 he began participating in collective exhibitions and in 2004 he debuted individually in galleries in Oaxaca, Veracruz, Toluca and Mexico City. His artwork has been exhibited in Zona Maco, BLOOM in Germany and in Christie’s Multiplied Contemporary Art fair in London.

Fuente consultada / Source: www.nicolasguzman.mx

$8,000.00-$15,000.00 M.N. USD $450-$840

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OSCAR CAMILO DE LAS FLORES

(Santa Ana, El Salvador, 1974 - ) El origen del mezcal, 2016 Firmada / Signed Litografía, serigrafía y café sobre papel / Lithography, screenprint and coffee on paper P/A 80 x 60 cm / 31.4 x 23.6 in Edición de 40 ejemplares / Edition of 40 Con certificado de autenticidad de Artecocodrilo Ediciones, septiembre de 2016 / With certificate of authenticity from Artecocodrilo Ediciones, September 2016.

A Oscar le gusta experimentar con múltiples técnicas y por más de 15 años ha trabajado la pintura (en técnicas como la témpera y encáustica), escultura, pero el grabado siempre ha sido su especialidad. Es aficionado a la humanidad y a lo que la rodea, sin embargo es un artista solitario, por ello su obra es resultado de todo lo que siente, ve, escucha y lee, formando así obras de fuerte carácter artístico, casi teatral. Su estilo es abstracto figurativo con toques de humor negro y detalles de la cultura popular mexicana. Ha trabajado como ilustrador independiente, forma parte de "Artecocodrilo Ediciones" y es fundador del colectivo latino-canadiense "La Trinchera".

Ha recibido condecoraciones por diversos festivales de arte internacionales y ha expuesto en algunos países de Latinoamérica y en Estados Unidos, Canadá, Italia y España. Su obra ha sido adquirida por Nelson Mandela, Fidel Castro Ruz, el famoso cantante cubano Silvio Rodríguez, Alfredo Zalce, por el Museo Mugrabi en Nueva York y la Universidad de Arte y Diseño de Taipei, entre otros.

"Mi obra es una recopilación constante de mis sentimientos hacia lo externo, mi lectura más privada de mis miedos, mis

obsesiones y mi urgencia de reaccionar ante lo aborrecible y lo injusto. Mi trabajo es un portal a mi mente donde comparto mi laberíntica confusión así como mis momentos de iluminación". Oscar Camilo de las Flores.

Oscar likes to experiment with multiple techniques, and for more than 15 years he has dedicated himself to painting (tempera and encaustic), sculpture, although he specializes in engraving. He is a fan of humanity and everything that surrounds it; however, he is a solitary artist and this is why his work is a product of all that he feels, sees, listens and reads, creating this way artwork with strong artistic character.

His style is abstract figurative with hints of dark humor and details from popular Mexican culture. He has worked as an independent illustrator, belongs to "Artecododrilo Ediciones" and is founder of Latin-Canadian group "La Trinchera".

He has received honors by several international art festivals and has presented his work in some Latin American countries and in the United States, Canada, Italy and Spain. His work has been bought by Nelson Mandela, Fidel Castro Ruíz, famous Cuban singer Silvio Rodríguez, Alfredo Zalce, Mugrabi Museum in New York and Art and Design University in Taipei, among others.

"My work is a constant compilation of my feelings towards the outside, a private reading of my fears, my obsessions and my urge to react before the repugnant and unfair. My art is a portal to my mind where I share my maze-like confusion, as well as my enlightening moments". Oscar Camilo de las Flores.

Fuente consultada / Source: www.artecocodriloediciones. squarespace.com

$22,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,300-$1,700

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Feral es un grupo que surgió en la Ciudad de México en 2014, a partir del interés común por desarrollar una plataforma de trabajo colaborativo, en la cual el punto de encuentro es el acto de dibujar. Feral está integrado por cuatro artistas: Christian Castañeda, Jorge Rosano Gamboa, Mariana Magdaleno y Roberto Flores.

Uno de los principales objetivos de Feral es promover la vinculación entre distintos espacios y profesionales de la cultura, tanto en México como alrededor del mundo, ya que es precisamente a través de este constante intercambio de puntos de vista, como este grupo busca cuestionar el status quo, generando así una conversación que nos permite contribuir a la expansión de la percepción y concepción del arte. Es por ello que a lo largo de los años 2014 y 2015, Feral apoyó a distintos artistas por medio de su programa AiR (Artist in Residence) brindándoles un estudio y un espacio expositivo, así como también ayudándoles con la coordinación para poder llevar a cabo más de una decena de exposiciones de arte contemporáneo. Este año fueron invitados a participar en “Nuestro Barrio”, un proyecto de intercambio entre las escenas de arte independiente existentes en la Ciudad de México y Berlín en el marco del año dual México-Alemania 2016-2017. Con el apoyo del Goethe-Institut México, Feral viajó a Berlín y cuatro artistas alemanes vinieron a la CDMX. Allá realizaron una exposición abordando la idea de gentrificación y psicogeografías por medio de ejercicios de dibujo durante un mes tanto dentro como fuera de la galería Neurotitan.

El dibujo como método de ejecución, fue entonces el punto de partida, mismo que ha ido evolucionando hasta transformarse en una forma de pensamiento, en un lenguaje conformado por piezas que trascienden lo bidimensional, convirtiéndose en instalaciones en el espacio. La generación de estos espacios dialógicos es la intención ulterior de Feral, pues es ahí donde se suscitan esos instantes de quiebre: donde sucede la conversación en busca de discursos futuros. Son espacios que presentan una barrera a los lugares comunes producidos por la inercia de la trivialidad de la continuidad, es ahí donde es propicio pensar a contracorriente.

Feral is a group that emerged in Mexico City in 2014, from the common interest in developing a platform of collaborative work, in which the meeting point is the act of drawing. Feral is composed by four artists: Christian Castañeda, Jorge Rosano Gamboa, Mariana Magdaleno and Roberto Flores.

One of the main objectives of Feral is to promote links between different cultural spaces and professionals, both in Mexico and around the world, because it is precisely through this constant exchange of views, as this group seeks to question the status quo, generating a conversation that allows us to contribute to the expansion of perception and conception of art. That’s why throughout 2014 and 2015, Feral supported different artists through their AiR (Artist in Residence) program, providing a studio and exhibition space, as well as helping with coordination to carry out more than a dozen contemporary art exhibitions. This year they were invited to participate in "Nuestro Barrio", an exchange project between the existing independent art scenes in Mexico City and Berlin, under the Mexico-Germany dual year 2016-2017. With the support of Goethe-Institut Mexico, Feral traveled to Berlin and four German artists came to Mexico City. For a month they made an exhibition addressing the idea of gentrification and psychogeographies through drawing exercises there, inside and outside Neurotitan gallery.

Drawing as an execution method, was then the starting point, it has evolved to become a way of thinking, in a language made up of pieces that transcend the two-dimensional, becoming installations in space. The generation of these dialogical spaces is the ulterior intention of Feral, because that is where those breaking moments arise: where the conversation happens seeking future speeches. They are spaces that present a barrier to the common places produced by the inertia of the continuity triviality, it is where is conducive thinking countercurrent.

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MARIANA MAGDALENO

(Ciudad de México, 1982 - ) El sueño de Emilia, 2015 Sin firma / Unsigned Tinta y acuarela sobre papel / Ink and watercolor on paper Con certificado de autenticidad de Feral firmado por la artista. / With certificate of authenticity from Feral signed by the artist.

Exhibida en / Exhibited at: "Japonice. Japonismo en el arte contemporáneo en México", eMe Espacio de Arte, 2015.

56 x 76 cm / 22 x 29.9 in $15,000.00-$20,000.00 M.N. USD $840-$1,150

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MARIANA MAGDALENO

(Ciudad de México, 1982 - ) Passionflower goat, 2016 Sin firma / Unsigned Tinta y acuarela sobre papel / Ink and watercolor on paper Con certificado de autenticidad de Feral firmado por la artista. / With certificate of authenticity from Feral signed by the artist.

28 x 19 cm / 11 x 7.4 in Mariana Magdaleno es egresada de La Esmeralda y se le ha otorgado la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA en dos ediciones. Vive y trabaja en la Ciudad de México.

Proveniente de una familia de arquitectos, publicistas e ilustradores, no es de extrañar que el arte de Mariana Magdaleno este enfocado al dibujo. Su trabajo ha sido exhibido en varias ferias de arte contemporáneo alrededor del mundo: en Argentina, Estados Unidos, Canadá, Italia y Bélgica, entre otros. Asimismo, su obra también ha conformado diversas exposiciones en México, tales como “Liminal animal”, exposición individual en el Museo Universitario del Chopo en 2014; “Estudio de trazo”, en el Museo de Arte Moderno en 2014, “DRAW” en el Museo de la Ciudad de México en 2010 y “Mundo Comic” en el Museo de la Ciudad de Querétaro en 2007. Ha exhibido su obra en Austria, Italia, Buenos Aires, Argentina, Portugal, Bélgica, Reino Unido, Estados Unidos y recientemente en Alemania.

Mariana Magdaleno graduated from La Esmeralda and has received grants by the program Jóvenes Creadores by FONCA in two editions. She lives and works in Mexico City.

Born in a family of architects, publicists and illustrators, it comes as no surprise that Mariana Magdaleno focuses her art approach on drawing. Her work has been exhibited in several contemporary art fairs around the world in: Argentina, the United States, Canada, Italy and Belgium, among others. Also, her work has been presented in various exhibitions in Mexico, such as “Liminal animal”, solo show in Museo Universitario del Chopo in 2014; “Estudio de trazo” in Museo de Arte Moderno in 2014, “DRAW” in Museo de la Ciudad de México in 2010 and “Mundo Comic” in Museo de la Ciudad de Querétaro in 2007. She has exhibited her work in Austria, Italy, Buenos Aires, Argentina, Portugal, Belgium, United Kingdom, the United States and, recently, Germany.

$6,000.00-$10,000.00 M.N. USD $350-$550

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MARIANA MAGDALENO

(Ciudad de México, 1982 - ) Despliegue, 2016 Sin firma / Unsigned Dibujo en papel recortado e hilo dorado / Drawing on cut paper and golden thread Con certificado de autenticidad de Feral firmado por la artista. / With certificate of authenticity from Feral signed by the artist.

37 x 41 cm medidas totales / 14.5 x 16.1 in overall El descubrimiento de la identidad, la habilidad creativa del imaginario, la magia, la espiritualidad, el simbolismo de la naturaleza, así como la búsqueda de las lábiles fronteras entre el bien y el mal, son los temas recurrentes en su obra. A través de sus delicadas pinturas, Mariana Magdaleno se conecta de nuevo a la fuerza de la naturaleza. Ella representa a los animales con la intención, la gracia, el respeto y con una carga de energía a través de su simbolismo innato. Es un ritual que toma a un ser vivo y hace honor a su presencia.

The discovery of identity, imagination’s creative ability, magic, spirituality, nature’s symbolism, as well as the search of the fragile frontiers between good and evil, are the recurring themes in her work. Through her delicate paintings, Mariana Magdaleno connects herself once again to nature’s power. She represents animals with intention, grace, respect and an energy load through innate symbolism. It is a ritual that takes a living being and honors its presence.

Fuente consultada / Source: ALCÁNTARA, Ivonne. “Mariana Magdaleno's ritualistic animal portraits”, agosto de 2015, www.juxtapoz.com

$10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $550-$840

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ROBERTO FLORES

(Ciudad de México, 1980 - ) Reconocimiento Sin firma/ Unsigned Acrílico sobre papel / Acrylic on paper 20 x 20 cm cada uno / 7.8 x 7.8 in each Piezas / Pieces: 9 Con certificado de autenticidad de Feral firmado por el artista. / With certificate of authenticity from Feral signed by the artist. "'Reconocimiento' es un examen de interacción pictórica específica donde pretendo establecer mi propia identidad, naturaleza y circunstancias; monólogo interno de admitir –o no, necesariamente– que algo tiene determinada cualidad o condición, usándolo como proceso y materia prima para mi creación". Roberto Flores. “’Reconocimiento’ is an examination of a specific pictorial interaction where my aim is to stablish my own identity, nature and circumstances; internal monologue to admit –or not necessarily– that something has certain quality or condition, using it as process or raw material for my creation”. Roberto Flores.

$10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $550-$840

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ROBERTO FLORES

(Ciudad de México, 1980 - ) Once, 2014 Firmada Tinta y acrílico sobre papel algodón / Ink and acrylic on cotton paper 27.5 x 37.5 cm / 10.8 x 14.7 in Con certificado de autenticidad de Feral firmado por el artista. / With certificate of authenticity from Feral signed by the artist.

Roberto Flores es un artista visual que vive y trabaja en la Ciudad de México. Estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Nacional Autónoma de México. Antes de enfocarse en las artes visuales desarrolló una amplia trayectoria en el mundo de la ilustración, conocido en este medio bajo el seudónimo “La Rata Rey”.

En su quehacer artístico aborda temas como la cultura pop, el dibujo como herramienta multidimensional, las conexiones no aparentes en la sociedad y la transferencia del ser y estar a lo material. Sus obras abarcan exploraciones hacia lo siniestro, lo invisible, lo oculto e inadvertido, la yuxtaposición y lo metafísico. Su trabajo ha sido expuesto en México, Estados Unidos, Inglaterra, Alemania, Italia, Serbia y Croacia.

Roberto Flores is a visual artist that lives and works in Mexico City. He studied Graphic Design in Universidad Nacional Autónoma de México. Before focusing on visual arts he developed a wide trajectory in the illustration world under the pseudonym "La Rata Rey".

In his artistic labor he explores themes such as pop culture, drawing as a multidimensional tool, the connections that are not apparent in society and the transfer of being to the material. His works include explorations on what is sinister, invisible, hidden and unseen, the juxtaposition and metaphysical. His work has been exhibited in Mexico, the United States, England, Germany, Italy, Serbia and Croatia.

$6,000.00-$10,000.00 M.N. USD $350-$550

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CHRISTIAN CASTAÑEDA

(Ciudad de México, 1982 - ) Estructura, de la serie Estructuras imposibles Sin firma / Unsigned Collage y tinta sobre papel / Collage and ink on paper 45 x 30 cm medidas totales / 17.7 x 11.8 in overall Con certificado de autenticidad de Feral firmado por la artista. / With certificate of authenticity from Feral signed by the artist.

A través de la investigación del ocultismo, la fragilidad, la arquitectura, el espacio, el silencio y las realidades alternas, Christian discute las fronteras entre los mundos posibles y relaciona el dibujo como acto alquímico, centrándose en el estudio del psicoanálisis, la abstracción y la realidad simbólico-sagrada.

Through investigating occultism, fragility, architecture, space, silence and alternate realities, Christian discusses the frontiers between possible worlds and links drawing as a chemical act, focusing on the study of psychoanalysis, abstraction and symbolic- sacred reality.

$10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $550-$840

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CHRISTIAN CASTAÑEDA

(Ciudad de México, 1982 - ) Maqueta para un espacio deshabitado II, de la serie Estructuras imposibles Sin firma / Unsigned Tinta sobre papel / Ink on paper 61 x 46 cm medidas totales / 24 x 18.1 in overall Con certificado de autenticidad de Feral firmado por la artista. / With certificate of authenticity from Feral signed by the artist.

Christian Castañeda es graduada de La Esmeralda y participó en el Seminario de Fotografía Contemporánea en el Centro de la Imagen durante 2007. Fue becada por la Fundación / Colección Jumex y el FONCA - CONACYT en 2011 y en 2012, para una residencia en Islandia. Ha participado en más de treinta exhibiciones en México y en el extranjero, de igual forma que en diversas ferias y festivales de arte en México, Estados Unidos, Canadá y Suecia. Su obra ha sido adquirida por colecciones privadas en Nueva York, Los Ángeles, Boston y la Ciudad de México, así como también por la colección pública Länskultur Gävleborg en Bollnäs, Suecia. Entre 2011 y 2014 formó parte del Colectivo Neter.

Ella combina su producción artística con el tatuaje, su obra se ha desarrollado dentro del campo del dibujo, la instalación y la fotografía, siendo ésta última, por medio de la cual ha desempeñado trabajos editoriales en diversas revistas en México, Brasil, Estados Unidos, Inglaterra y China. También ha realizado el arte para discos de distintas bandas.

$12,000.00-$15,000.00 M.N. USD $700-$840

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CHRISTIAN CASTAÑEDA

(Ciudad de México, 1982 - ) Maqueta para un espacio deshabitado I, de la serie Estructuras imposibles Sin firma / Unsigned Tinta sobre papel / Ink on paper 61 x 46 cm medidas totales / 24 x 18.1 in overall Con certificado de autenticidad de Feral firmado por la artista. / With certificate of authenticity from Feral signed by the artist.

Christian Castañeda graduated from La Esmeralda and participated in Seminario de Fotografía Contemporánea in Centro de la Imagen in 2007. She received scholarships from Fundación / Colección Jumex and FONCA - CONACYT in 2011 and 2012, for a residency in Island. She has participated in more than thirty exhibitions in Mexico and abroad, as well as in several art fairs and festivals in Mexico, the United States, Canada and Sweden. Her work has been acquired by private collectors in New York, Los Angeles, Boston and Mexico City, and by Länskultur Gävleborg public collection in Bollnäs, Sweden. Between 2011 and 2014 he became part of Colectivo Neter.

She combines her artistic production with tattoo; her work has been developed in the fields of drawing, installation and photography, she has developed editorial projects in several magazines in Mexico, Brazil, the United States, England and China. She has also produced the artwork for several music bands albums.

$12,000.00-$15,000.00 M.N. USD $700-$840 79

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JORGE ROSANO GAMBOA

(Ciudad de México, 1984 - ) Metamemorias, 2016 Sin firma / Unsigned Collage de chapa de madera, fotografía y papel / Veneer, photograph and paper collage 20 x 20 cm cada una / 7.8 x 7.8 in each Piezas / Pieces: 4 Con certificado de autenticidad de Feral firmado por el artista. / With certificate of authenticity from Feral signed by the artist.

Publicados en / Published in: www.rosanogamboa.com/work Exhibidos en / Exhibited at: Salón ACME, 2016. $10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $550-$840

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"Metamemoria es un término en la psicología que refiere a la conciencia que tenemos de nuestra propia memoria. Cuando somos niños nuestra confianza sobrepasa lo que realmente recordamos y nos damos cuenta de nuestra limitación hasta que intentamos visualizar lo que en algún momento observamos. Este ejercicio de composiciones es un intento de regresar a una serie de recuerdos que tengo de cuando era niño. Algún interior de un consultorio u oficina de los setentas u ochentas, con unas ventanas o cuadros con vista a la ciudad o alguna fotografía o pintura de un paisaje, olor a madera, cigarro y alfombra". Jorge Rosano Gamboa.

"Metamemory is a psychological term that refers to the knowledge of our own memory.

As children, our trust surpasses what we actually remember and we are aware of our own limitations, until we try to visualize what we witnessed in a certain moment. This composition exercise is an attempt to go back to a series of memories I have from when I was a child. A certain office or doctor's office from the 70's or 80's, with windows with a view of the city, or some photograph or landscape painting, smell of wood, cigarettes and carpet". Jorge Rosano Gamboa.

Fuente consultada / Source: www.rosanogamboa.com/ work

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JORGE ROSANO GAMBOA

(Ciudad de México, 1984 - ) De la serie Hueco, 2012 Sin firma / Unsigned Fotografía manipulada, impresión digital / Manipulated photograph, digital print 45 x 60 cm / 18 x 24 in Con certificado de autenticidad de Feral firmado por el artista. / With certificate of authenticity from Feral signed by the artist.

Publicada en / Published in: www.rosanogamboa.com/work Jorge Rosano Gamboa es graduado de La Esmeralda, participó en el seminario de "Semiótica en el Arte" del CENIDIAP y en el seminario de "Fotografía Contemporánea" en el Centro de la Imagen. Ha participado en más de 20 exhibiciones colectivas en México y en el extranjero. Entre sus exposiciones individuales se encuentra "Impermanencia" que se presentó en el MUCA Roma y en el Museo Latino en Omaha, Nebraska. Ha presentado su obra en México, Reino Unido, Alemania, Países Bajos, Estados Unidos y varios países de Latinoamérica.

Es fundador de la galería Breve, un proyecto enfocado en impulsar a artistas emergentes mexicanos y extranjeros. A lo largo de su vida ha trabajado continuamente en el enmarcado y montaje de obras de arte.

La memoria, la identidad, las fuerzas de la naturaleza y la muerte son puntos clave en el proceso de su trabajo, pero lo medular radica en lo que no está, en el vacío, la presencia de la ausencia, donde la importancia reside más en la memoria que se tiene de las imágenes, que en las imágenes mismas y lo familiar se torna en algo extraño. La imagen fotográfica suele ser la base de reflexión, aunque la salida de su obra puede terminar en dibujo e instalación.

Jorge Rosano Gamboa graduated from La Esmeralda, he has participated in the Art Semiotics seminar by CENIDIAP and also in the Contemporary Photography Seminar at Centro de la Imagen. He has participated in more than 20 group exhibitions in Mexico and abroad. He presented his solo show "Impermanencia" in MUCA Roma and Museo Latino in Omaha, Nebraska. He has presented his work in Mexico, the United Kingdom, Germany, Netherlands, U.S. and several Latin American countries.

He is founder of the gallery Breve, a project aimed at boosting Mexican and foreign emerging artists. Throughout his life he has worked continuously in art framing and montage.

Memory, identity, the forces of nature and death are key points in his work process, but its core lies in what is not there, the void, the presence of the absence, where the importance lies more in the memory we have of the images than in the images themselves, and what is familiar therefore becomes something strange. The photographic image is usually the basis of his work, although the output of his work ends up in a drawing or an installation.

Fuente consultada / Source: www.rosanogamboa.com/work

$15,000.00-$20,000.00 M.N. USD $840-$1,150

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JORGE ROSANO GAMBOA

(Ciudad de México, 1984 - ) De la serie Hueco, 2012 Sin firma / Unsigned Fotografía manipulada, impresión digital / Manipulated photograph, digital print 45 x 60 cm / 18 x 24 in Con certificado de autenticidad de Feral firmado por el artista. / With certificate of authenticity from Feral signed by the artist.

Publicada en / Published in: www.rosanogamboa.com/work "'Hueco' es un proyecto que desarrollé después de la muerte de mis padres. Tomé imágenes de su boda civil y mandé borrar a todos los personajes que hasta ahora han fallecido; una suerte de actualización de las imágenes, como si éstas fueran incapaces de recordar a partir de la ausencia. El trabajo fue realizado con la ayuda de los manipuladores de imágenes que normalmente se dedican a crear imágenes para XV años o bodas, una vez más apuntando al oficio aprendido para descontextualizarlo y generar una otredad". Jorge Rosano Gamboa. "'Hueco' is a project I developed after my parents' death. I took images from their wedding and deleted everyone who has died until now; a kind of update of the images, as if they were unable to remember from the absence. This work was made with the help of image manipulators that normally work creating images for XV años or weddings, once again pointing to this craft to decontextualize it and generate otherness". Jorge Rosano Gamboa.

Fuente consultada / Source: www.rosanogamboa.com/work

$15,000.00-$20,000.00 M.N. USD $840-$1,150 83

El trabajo de los artistas contemporáneos latinoamericanos ha tenido la necesidad de explorar la conciencia del arte ante una sociedad complicada. Los artistas se han aventurado a renovar sus formas artísticas mediante grupos que comparten objetivos y búsquedas similares. Toda asociación artística tiene su propia personalidad y Plataforma A&C tiene el temple necesario para romper con los paradigmas.

Plataforma A&C se enfoca en la investigación y documentación de los fenómenos artísticos contemporáneos. Tiene un lenguaje propio el cual le ha permitido tener éxito en todos sus proyectos. Plataforma A&C pretende abrir nuevos espacios de expresión para dar a conocer el trabajo de nuevos artistas.

Han sido más de 30 los proyectos culturales, artísticos, teatrales y cinematográficos que Plataforma A&C ha logrado realizar en México bajo la dirección de Dea Arjona Fernández. Ella dirige la variable gama de proyectos contemporáneos de artistas como Daniel Pérez Coronel, Miguel Rodríguez Sepúlveda, Enrique Rosas y Rafael Uriegas, entre otros.

La creaciones de Plataforma A&C han logrado conquistar los corazones ambiciosos de importantes colecciones privadas de arte contemporáneo en México. Su misión es continuar promoviendo las experiencias genuinas que hacen visibles las fuerzas que impulsan a las personas a ser lo que son y a hacer lo que hacen.

The work of contemporary Latin American has had the need to explore art consciousness facing a complicated society. Artists have ventured to renew their art forms through groups that share similar goals and searchs. Every artistic association has its own personality and Plataforma A&C has the necessary mettle to break with paradigms.

Plataforma A&C focus in the investigation and documentation of contemporary artistic phenomena. It has its own language which has enabled to have succeeded in all projects. Plataforma A&C aims to open new spaces of expression to spread the work of new artists.

They have been more than 30 artistic, cultural, theater and film projects that Plataforma A&C has managed to perform in Mexico under the direction of Dea Arjona Fernández. She directs the variable range of contemporary artists’ projects such as Daniel Pérez Coronel, Miguel Rodríguez Sepulveda, Enrique Rosas and Rafael Uriegas, among others.

The creations of Plataforma A&C have managed to conquer the ambitious hearts of important private collections of contemporary art in Mexico. Its mission is to continue promoting genuine experiences that make visible the forces that push people to be what they are and to do what they do.

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RAFAEL URIEGAS

(Málaga, España, 1982 - ) 2 Kayaks, 2014, de la serie Laguna Sin firma / Unsigned Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 60 x 77 cm / 23.6 x 30.3 in Con certificado de auntenticidad del artista y con historial artístico, análisis estético y tasación de Plataforma A&C. / With certificate of the authenticity signed by the artist and a historical and esthetic analysis and appraisal of Plataforma A&C. Obtuvo la Licenciatura en Artes por La Esmeralda y la Maestría en la Universidad Autónoma de Morelos. En 2014 fue premiado en la XVI Bienal de Pintura Rufino Tamayo y en 2015 por la Bienal de Pintura Latinoamericana de Nicaragua. Su obra actual se caracteriza por escenas de interiores y paisajes abstractos, colores cálidos y figuras que hacen alusión al nacimiento y la muerte.

Su pintura es un contenedor de vida.

"La obra de Uriegas atiende al régimen estético de los paisajes y es mediante la evocación de vegetaciones que aparecen formas con las que se puede representar el origen: cuevas, cavernas y úteros que cada persona alberga para gestar la vida […] Su pintura es un rastro de las experiencias que se quedan grabadas en el interior del hombre". Plataforma A&C. He graduated from La Esmeralda art school and received his master's degree in Universidad Autónoma de Morelos. In 2014 he was awarded in XVI Bienal de Pintura Rufino Tamayo and in 2015 by Bienal de Pintura Latinoamericana de Nicaragua. His current work is characterized by interior scenes and abstract landscapes, warm colors and shapes that suggest birth and death. His painting is a container of life.

"Uriegas work attends to landscapes aesthetic regime and, through evoking vegetation, certain shapes begin to take form that enable him to represent the origin: caves, caverns and uteruses that each person harbors within to gestate life […] His painting is a trace of the experiences that shelter in men's interior". Plataforma A&C. Fuente consultada / Source: www.plataforma.ac

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,800-$3,900 85

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DANIEL PÉREZ CORONEL

(Ciudad de México, 1984 - ) Flamma 9, 2016, de la serie Flamma / Variaciones del Fénix Sin firma / Unsigned Acrílico y silicón sobre tela / Acrylic and silicon on canvas 33 x 55 x 3 cm / 12.9 x 21.6 x 1.1 in Con certificado de auntenticidad del artista y con historial artístico, análisis estético y tasación de Plataforma A&C. / With certificate of the authenticity signed by the artist and a historical and esthetic analysis and appraisal of Plataforma A&C. Daniel es egresado de La Esmeralda. Su trabajo está enfocado en los sentidos y una limitada paleta de colores y texturas que invita a explorar cómo es que la sencillez puede ser la mayor fuerza de una idea. Parte de su producción artística se ha publicado en periódicos mexicanos y revistas digitales. Ha participado en más de veinte exposiciones colectivas e individuales en México.

En 2016 el FONCA apoyó su proyecto "Ave Fénix" del cual deriva la obra "Flamma". En esta pieza, Daniel utiliza la fluorescencia como un elemento químico, el cual es escaso en la tierra pero abundante en el universo. Flamma significa resplandor en latín, por ello la serie recibe este nombre, pensando en la pintura como un resplandor lumínico. Limpiamente aplica la fluorescencia y hace que se tope con la zona blanca texturizada que sobresale del lienzo y se expande sutil pero caóticamente hacia el vacío.

"Sus obras dejan un rastro lumínico como aparentemente lo haría un ave fénix después de haber renacido de las cenizas". Dea Arjona.

$10,000.00-$20,000.00 M.N. USD $550-$1,150 86

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DANIEL PÉREZ CORONEL

(Ciudad de México, 1984 - ) Variaciones del Fénix 17, 2016, de la serie Variaciones del Fénix Sin firma / Unsigned Acrílico y silicón sobre tela / Acrylic and silicon on canvas 36 x 55 cm / 14.2 x 21.66 in Con certificado de auntenticidad del artista y con historial artístico, análisis estético y tasación de Plataforma A&C. / With certificate of the authenticity signed by the artist and a historical and esthetic analysis and appraisal of Plataforma A&C. Daniel graduated from La Esmeralda. His work is focused on the senses and a limited color and texture range, inviting to explore how simplicity can be the greatest strength in an idea. Part of his artistic production has been published in Mexican newspapers and digital magazines. He has participated in more than twenty collective and individual exhibitions in Mexico.

In 2016, FONCA sponsored his project "Ave Fénix", from which his work "Flamma" comes from. In this piece, Daniel uses fluorescence as a chemical element, which is scarce on Earth but abundant in the universe. Flamma means radiance in Latin, and this is why the series is named this way, considering painting as a luminous radiance. He cleanly applies fluorescense and makes it bump into the textured white area protruding from the canvas and expands subtly but chaotically into the void.

"His works leave a light trail as a phoenix would apparently do after being reborn from the ashes". Dea Arjona.

Fuente consultada / Source: www.danielperezcoronel.com

$10,000.00-$20,000.00 M.N. USD $550-$1,150 87

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ENRIQUE ROSAS

(Ciudad de México, 1972 - ) Evocación Dee - Tezcatlipoca, de la serie Interferencias Firmado y fechado 2013 al reverso / Signed and dated 2013 on the reverse Serigrafía digital sobre plexiglass negro / Screenprint on black plexiglass 110 x 220 cm / 43.3 x 86.6 in Con certificado de auntenticidad del artista y con historial artístico, análisis estético y tasación de Plataforma A&C. / With certificate of the authenticity signed by the artist and a historical and esthetic analysis and appraisal of Plataforma A&C. Tecnología y ciencia son los campos que constantemente Enrique tiende a explorar en su trabajo. Es pionero de la fabricación 3D entre los artistas mexicanos y hasta hoy en día sigue manipulando estas tecnologías en sus obras plásticas. Fue profesor invitado en la Escuela Nacional de Escultura y Arquitectura de París y en la Facultad de Arquitectura de la UNAM. Ha participado en exposiciones colectivas en Museo Jumex y Museo Carrillo Gil y muestras individuales en Valle de Bravo, Puebla, Ciudad de México y París.

"Interferencias" es una serie de obras que parte de la superposición de dos patrones concéntricos que van del centro de la pieza a los bordes y se desfasan ligeramente del centro a lo largo de la obra, generando un patrón de interferencia que aumenta la vibración; como en el encuentro con el otro, es la creación de una elipse a través de dos focos y dos concentricidades.

Both technology and science are fields that Enrique, tends to explore in his work. He is pioneer in 3D fabrication among Mexican artists and to this day he continues to employ these technologies in his plastic work. He was a guest professor in Escuela Nacional de Escultura y Arquitectura de París and in Facultad de Arquitectura UNAM. He has participated in collective exhibitions in Museo Jumex and Museo Carrillo Gil, and individual exhibitions in Valle de Bravo, Puebla, Mexico City and Paris.

"Interferencias" is a series of works arising from the superposition of two concentric patterns ranging from the center of the piece to the edges and that slightly become out of phase from the center across the work, generating an interference pattern that increases vibration; as in the encounter with one another, is the creation of an ellipse through two foci and two concentricities.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,900-$5,600

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MIGUEL RODRÍGUEZ SEPÚLVEDA

(Tampico, Tamaulipas, 1971 - ) Paisaje 12, de la serie Unbearable persistence of memory, 2008 Sin firma / Unsigned Tinta en base a las cenizas del cuerpo de una mujer colombiana sobre papel de algodón / Ink based on the ashes of the body of a Colombian woman on cotton paper 20 x 25 cm / 7.8 x 9.8 in Con certificado de auntenticidad del artista y con historial artístico, análisis estético y tasación de Plataforma A&C. / With certificate of the authenticity signed by the artist and a historical and esthetic analysis and appraisal of Plataforma A&C. Exhibida en / Exhibited at: “La irresistible persistencia de la memoria”, Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia, 2008.

Estudió arquitectura y fotografía en Monterrey. Fundó el Taller Multinacional en la Ciudad de México junto con Fernanda Mejía y realizó proyectos en Colombia. Durante su carrera artística ha sido acreedor a 13 becas y reconocimientos internacionales. Ha participado en más de 140 exposiciones colectivas en museos y centros culturales en México y en el extranjero.

En 2008 comenzó un proyecto peculiar, una serie de paisajes y retratos realizados con una tinta preparada con cenizas humanas.

Todo inició en el municipio de Cali en Colombia, donde Miguel colocó un anuncio solicitando donaciones de cenizas de colombianos fallecidos. Al no tener buena respuesta, hizo que el contexto de la obra se dramatizara aún más, enfatizando el fuerte apego que la sociedad le tiene a sus muertos. Detrás de estas piezas hay historias y tradiciones de una cultura hacia sus muertos. Durante la reflexión artística para la realización de esta serie, Miguel utilizó las cenizas diluidas como tinta, con el mismo procedimiento que la tinta china. La serie además de haberse presentado en Colombia fue exhibida en Proyectos Monclova en México y Drawing Room en Madrid.

He studied Architecture and Photography in Monterrey, founded Taller Multinacional in Mexico City along with Fernanda Mejía and worked in projects in Colombia. During his artistic career he has been given 13 scholarships and international awards. He has participated in more than 140 collective exhibitions in museums and cultural centers both in Mexico and internationally.

In 2008 he started an unusual project: a series of landscapes and portraits made with ink prepared with human ashes. It all began in Cali, Colombia, where Miguel placed an ad where he asked for donations of ashes from deceased Colombians. After little success, he dramatized even more his work's context, emphasizing the strong attachment society has for their dead. Behind this piece, stories and cultural traditions can be found. During the artistic reflection in order to create the series, Miguel used the ashes that he diluted with the same technique as Indian ink. The series was shown in Colombia, and also in Proyectos Monclova in Mexico and Drawing Room in Madrid.

Fuente consultada / Source: www.miguelrodriguezsepulveda.com

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,700-$2,300 90

Fin de Grupos

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ED RUSCHA

(Omaha, Nebraska, 1937 - ) Desert gravure Firmado y fechado 2006 / Signed and dated 2006 Fotograbado / Photogravure 13/30 37.5 x 48.3 cm / 14.7 x 19 in Con etiqueta de Jonathan Novak Contemporary Art, Los Angeles.

Impreso y publicado por / Printed and published by: Dena Schuckit y Crown Point Press, con sello de agua de ambos.

Procedencia / Provenance: Christie's Nueva York, #2309 Prints & Multiples, abril 2010.

Estudió en el Chouinard Art Institute. En sus libros de artista, fotografías, dibujos y pinturas, Ed Ruscha replantea emblemas de la forma de vida estadounidense en el último medio siglo. Su obra se encuentra en las colecciones de museos internacionales, como en el MoMA y Guggenheim Museum de Nueva York y el Museo Reina Sofía en Madrid.

La obra de Ruscha está influenciada por el arte pop, el trabajo de Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Marcel Duchamp. Su representación de logotipos icónicos como el de Hollywood, gasolineras estilizadas y paisajes arquetípicos destilan el imaginario de la cultura popular en un lenguaje de códigos cinematográficos y tipográficos que son tan accesibles como profundos.

Desde 1999 el festival de Coachella se ha transformado en un fenómeno cultural que suele atraer a grandes celebridades y patrocinadores corporativos, ya no es un evento sólo acerca de la música. A partir de abril de 2017 el festival contará con una nueva oferta artística llamada "Desert X". Ed Ruscha, para quien el desierto de California ha sido una fuente de inspiración a lo largo de su trayectoria, forma parte del comité de esta nueva propuesta, y será el encargado de organizar esta bienal. No será la primera vez que se incluyan eventos de arte a lo largo del festival, pero sí la primer exhibición organizada por un comité de personalidades reconocidas en el ámbito internacional.

Su obra forma parte de la colección de museos internacionales, como el MoMA y el Guggenheim en Nueva York y el Reina Sofía en Madrid.

He studied in Chouinard Art Institute. In his artist books, photographs, drawings and paintings, Ed Ruscha rethinks symbols of the American way of life in the last century.

Ruscha's work is influenced by Pop Art, Jasper Johns' work, Robert Rauschenberg and Marcel Duchamp. His representation of iconic logos like Hollywood's, stylized gas stations and archetypical landscapes extract the popular cultural imagery in a language made up of cinematographic and typographic codes that are at the same time accessible and profound.

Since 1999, Coachella Festival has transformed into a cultural phenomenon that tends to attract great celebrities and corporate sponsors; it is no longer an event only about the music. Starting in 2017, the festival will include a new artistic proposal called "Desert X".

Ed Ruscha, for whom the California desert has been an important source of inspiration throughout his career, will be part of the committee and will be in charge of organizing it this year. It won't be the first time that artistic shows are included in the festival, however this is the first exhibition organized by a committee made up of renowned international personalities.

His work is part of the collections of international museums, such as MoMA and Guggenheim Museum in New York and Museo Reina Sofía in Madrid.

Fuentes consultadas / Sources: MUNRO, Cait. "Ed Ruscha starts Coachella art biennial in the desert".

Artnet News, sección Artworld, 4 / 01/ 2016 y sitio de Gagosian Gallery www.gagosian.com

$45,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,500-$3,400

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BLEK LE RAT

(París, Francia, 1951 - ) The mask Firmada / Signed Serigrafía / Screenprint 23/50 65 x 48 cm / 25.5 x 18.8 in Con certificado de autenticidad del artista, marzo de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, March 2016.

Xavier Prou conocido como Blek le Rat fue uno de los primeros artistas de graffiti en París y muchos lo consideran el creador del arte urbano pintado con plantillas (el esténcil).

En la década de los 70, Blek le Rat viajó a Nueva York y paseando por las calles vio por primera vez los graffitis: palabras gigantes marcadas en las paredes con diferentes colores y formas. En esta época, este tipo de expresión no había surgido en París, por ello y más le fue tan curioso que decidió quedarse un tiempo en la ciudad para averiguar más al respecto. Se dedicó a investigar sobre la arquitectura urbana y madurar su creatividad. Comenzó a hacer graffitis con esténciles, figuras como ratas, tanques de guerra, hombres corriendo y plátanos, lo que generó expectativa en las calles de París y Nueva York. En 1981, junto con su colega Gerard decidió pintar alrededor del Centre Georges Pompidou, lo que los llevó a exponerse casi por completo. Tiempo después, cuando dejó de colaborar con Gerard, decidió tomar el seudónimo Blek le Rat, posiblemente haciendo referencia al comic italiano Blek le Roc. En el manifiesto sobre el esténcil, Blek menciona: "Intento exponer las mejores cosas de la vida mediante inesperadas imágenes que distraen y deleitan a los peatones, sacándolos de sus preocupaciones cotidianas. A pesar de las represalias por parte de la policía en contra del graffiti, continuaré asaltando las calles en la oscuridad y llevaré mi trabajo directamente a las calles como parte primordial de la evolución del arte".

Xavier Prou, known as Blek le Rat, is one of the first graffiti artists in Paris, and he is considered the creator of stencil street art.

In the 70's, Blek le Rat traveled to New York and, strolling through the streets, he saw graffiti for the first time: enormous words marked in walls with different colors and shapes. At the time, these kind of manifestations had not yet arrive to Paris, and this is why he was fascinated by it and decided to stay for a while and find out more about them. He was devoted to investigate urban architecture and mature his creativity. He started to do graffiti with stencil, rat-like figures, war tanks, running men and bananas, which generated expectation in the streets of Paris and New York. In 1981, along with his colleague Gerard, he decided to paint the surroundings of Centre Georges Pompidou, which exposed them almost completely. When he separated from Gerard, he decided to use the pseudonym Blek le Rat, which probably refers to Italian comic book Blek le Roc. In the stencil manifest, Blek mentions: "I try to expose the best things in life through unexpected images that distract and amuse pedestrians, distracting them from their everyday worries. Despite police reprisal against graffiti, I will continue to go out when it is dark and take my work directly to the streets, as it is a fundamental part of the artistic evolution".

Fuente consultada / Source: www.blekmyvibe.free.fr

$25,000.00-$35,000.00 M.N. USD $ 1,400-$2,000 94

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INVADER

(Francia, 1969 - ) Marlboro, de la serie Provocateurs Firmada y fechada 2014 / Signed and dated 2014 Serigrafía / Screenprint 28/200 75 x 52.5 cm / 29.5 x 20.6 in Con sello de agua de Art Alliance / With blind stamp of Art Alliance.

La conocida marca de cigarros Marlboro fue invadida en el 2014 por el artista urbano Invader para la muestra de "Art Alliance: The Provocateurs", una exposición colectiva que combinó el arte público y la música a favor de organizaciones benéficas. La exposición tuvo lugar durante el famoso festival Lollapalooza en Chicago.

Invader trabaja en el anonimato invadiendo espacios estratégicos con temáticas de la cultura popular, es un hacker de los espacios y toma las calles como lienzos. Se inspira en los pixeles de los videojuegos y aprovecha la forma de los azulejos para usarlos como retícula. Para sus obras también ha utilizado pintura en aerosol, pintura comercial y hasta cubos Rubik. Su seudónimo fue tomado a partir del juego Space Invaders de 1978. En 2011 fue detenido por colocar mosaicos en el letrero de Hollywood. Ese mismo año se registraron casi 70 ciudades alrededor del mundo invadidas. Actualmente cuenta con más de 3,358 invasiones artísticas.

The well-known cigarette brand Marlboro was invaded in 2014 by street artist Invader for an art show called "Art Alliance: The Provocateurs", a group exhibition that combined public art and music in order to help benefic organizations. The exhibition took place during famous festival Lollapalooza in Chicago.

Invader works anonymously, invading strategic spaces with popular culture themes, he is a hacker of spaces and uses the streets as canvas. He is inspired by video games' pixels and uses tiles' shapes as grid. In his works he has also used spray paint, commercial paint and even Rubik's cubes. He took his name from 1978 videogame Space Invaders. In 2011 he was arrested for placing mosaics in the Hollywood sign. On the same year, almost 70 cities around the world were invaded. Currently, he has done over 3,358 artistic invasions.

Fuente consultadas / Sources: www.space-invaders.com & www.artalliance.com

$18,000.00-$25,000.00 M.N. USD $1,000-$1,400 95

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MR. BRAINWASH

(París, Francia, 1966 - ) Don't be cruel Firmada y fechada 08 / Signed and dated 08 Serigrafía / Screenprint 151/200 88.5 x 59.5 cm / 34.8 x 23.5 in Bajo la influencia del arte pop de Warhol, en esta pieza Mr. Brainwash modificó la figura de Elvis, cambiando la guitarra por un juguete de Fisher Price. Es una mezcla visual en la cual la metralleta alteró el discurso del instrumento musical por uno de crítica social. El ícono hollywoodense es convertido en una herramienta mucho más poderosa, enérgica y urbana.

Under the influence of Andy Warhol's Por Art, in this piece Mr. Brainwash modifies Elvis by placing a Fisher Price toy gun where he holds his guitar. This is a visual game in which the gun replaces the musical symbolism by one of social criticism. The Hollywood icon is transformed into a much more powerful, energetic and urban tool.

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,700-$2,300 96

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MR. BRAINWASH

(París, Francia, 1966 - ) Art is not a crime, 2011 Firmada / Signed Serigrafía / Screenprint 39/300 74 x 54.5 cm / 29.1 x 21.4 in Con huella digital del artista estampada al reverso. / With the fingerprint of the artist stamped on the reverse.

La intención de Mr. Brainwash no es juzgar el arte, sino decir la verdad criticando el estado actual de las artes plásticas y dando más importancia a la actitud que al talento. Con su estilo ha logrado trabajar en proyectos con Google, Mercedes-Benz, Coca-Cola, Hard Rock Hotel y colaborado en el Festival Coachella y la feria Art Basel. Además, ha participado en exposiciones en Inglaterra, Canadá, España y Estados Unidos. Durante 2014 y 2015 realizó diversos murales en Nueva York relacionados al 9/11.

Habiendo demostrado tener una gran capacidad para la publicidad y generar expectativas en los medios, en 2010 decidió debutar en el mercado secundario, rebasando toda expectativa al vender su obra en importantes casas de subastas excediendo los estimados esperados.

The intention of Mr. Brainwash's work is not merely to judge art, but rather to say the truth by criticizing the current state of plastic arts and giving more importance to attitude than talent. With his style he has been able to work in projects for Google, MercedesBenz, Coca-Cola, Hard Rock Hotel and has collaborated in Coachella Festival and Art Basel fair. He has also participated in exhibits in England, Canada, Spain and the United States. During 2014 and 2015 he created several murals in New York related to 9/11.

Having demonstrated an ability for advertising and generating expectations in the media, in 2010 he decided to make his debut in secondary market, surpassing all expectations by selling his work in important auction houses and exceeding sale estimates.

Fuente consultada / Source: BENAVIDES, Alejandra. "¿De dónde salió Mr. Brainwash". Colombia. El Espectador, diciembre de 2016.

$18,000.00-$25,000.00 M.N. USD $1,000-$1,400 97

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ODETTE PAZ

(Ciudad de México, 1983 - ) Aullido I, II, III y IV, de la serie El extraño privilegio Firmados y fechados 2016 / Signed and dated 2016 Acrílico sobre tela estampada sobre fibracel / Acrylic on printed canvas on fiberboard 14.8 x 10.2 cm cada uno / 5.8 x 4 in each Piezas: 4, enmarcadas juntas / Pieces: 4, framed together Con certificado de autenticidad de la artista, agosto de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, August 2016.

Cursó la Licenciatura en Artes Visuales en la ENAP y la Universidad de Guanajuato. Ha exhibido su obra en México, E.E. U.U. y Uruguay. Su práctica artística la ha desarrollado en las disciplinas de la pintura, el dibujo, la fotografía, el performance y relacionándolas entre sí; a la par ha trabajado proyectos curatoriales y relacionados al mercado del arte como valuadora e investigadora, lo cual ha repercutido en su búsqueda artística personal.

Su obra plástica está estrechamente ligada con la literatura y se ha visto enriquecida con la creación de proyectos en conjunto con escritores: "Las cosas por su nombre" con la autora uruguaya Natalia Chargoñia y recientemente la novela negra "El gran cuadro" del escritor español Óscar Fernández. Los títulos de sus obras citan a literatos como Mario Benedetti, Jaime Sabines, Haruki Murakami y Ernesto Sábato.

Los "Aullidos" forman parte de "El extraño privilegio", un proyecto en el que la artista reflexiona en torno a la condición del enfermo crónico, particularmente (y por su historia personal) aquel que padece de una enfermedad autoinmune. El título de la serie refiere a un fragmento del cuento "El fin de la disnea" de Mario Benedetti: "Pero si mis compañeros de clan defeccionaban, si uno a uno iban vendiendo su dignidad de asmáticos por el mezquino precio de una salud masificada, entonces ¿dónde quedaba mi extraño privilegio?"

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She studied Visual Arts in ENAP and Universidad de Guanajuato. She has exhibited her work in Mexico, the United States and Uruguay. She has developed her practice in disciplines such as painting, drawing, photography, performance and relating them with each other; at the same time, she has developed curatorial projects and other ones related to the art market as appraiser and researcher, all of which has influenced have personal artistic exploration.

Her artwork is closely linked to literature, which has allowed her to create joint projects with writers: "Las cosas por su nombre" with Uruguayan author Natalia Chargoñia, and recently the black novel "El gran cuadro" by Spanish writer Óscar Fernández. The titles of her works often quote important literary figures such as Mario Benedetti, Jaime Sabines, Haruki Murakami and Ernesto Sábato.

"Aullidos" belongs to "El extraño privilegio", a project in which the artist ponders about the condition of a patient who suffers from a chronic disease, particularly (due to her personal history) an autoimmune illness. The title of the series refers to a fragment of the short story "El fin de la disnea" by Mario Benedetti: "But if my clan partners deserted, if one by one they sold their asthmatic dignity for the petty price of massive health, then where whould my strange privilege be left?"

Fuente consultada / Source: BENEDETTI, Mario. La muerte y otras sorpresas. México, 1968.

$10,000.00-$20,000.00 M.N. USD $550-$1,100

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FIDIA FALASCHETTI

(Las Marcas, Italia, 1977 - ) Red, de Apple care project, 2010 Firmada / Signed Resina, pintura automotriz y aluminio / Resin, automotive paint and aluminum 11 x 10 x 8 cm / 4.3 x 3.9 x 3.1 in Edición de / Edition of: 10 Con certificado de autenticidad de FIFTY24MX. / With certificate of authenticity from FIFTY24MX. El viaje de Fidia en el arte comenzó a una temprana edad dentro de una familia altamente inspiradora y creativa; a los 16 años fue contratado para producir murales e ilustraciones para diversas compañías reconocidas. Creció inspirado por diferentes subculturas, después formó sus habilidades creativas a partir del arte callejero y el mundo del hip hop. Estudió Producción de Diseño en la Accademia di Belle Arti en Italia. Ha exhibido su obra en museos y ferias de arte en India, Francia, Estados Unidos, Brasil, Indonesia, Suiza, Reino Unido y por supuesto Italia. Actualmente Fidia Falaschetti es representado por importantes galerías como Grafos en Río de Janeiro, FIFTY24MX en la Ciudad de México y Fabien Castanier Gallery en Los Ángeles y Bogotá.

Después de un viaje de dos meses a Estados Unidos en el 2007, Fidia decidió darle un cambio a su carrera dejando el diseño.

El artista sintió la necesidad de empezar a hablar sobre el lado oscuro del mundo, tratando de llevarlo a un nivel más creativo.

Se dio cuenta de que la mejor manera de tener un mundo mejor era creando arte positivo, el cual produce a través de sus ilustraciones e instalaciones. En el mismo período, Fidia comenzó su carrera como profesor de Arte y Comunicación, esto ha sido una experiencia increíble para adquirir conocimientos acerca de lo que necesitan las nuevas generaciones. Lo recaudado con la venta de la primera edición de "Apple Care Project" lo donó íntegramente a Amnistía Internacional.

Fidia's journey into art began in his early childhood, raised in a hugely inspiring and creative family. At the age of 16, Fidia was hired to produce wall paintings and illustrations for multiple stores and established companies. He grew up inspired by different subcultures, later he formed his creative skills from street art and the hip hop world. He studied Production Design at the Accademia di Belle Arti in Italy. He has exhibited his work in museums, art fairs and galleries in India, France, the United States, Brazil, Indonesia, Switzerland, the UK and of course Italy. Fidia Falaschetti is currently represented by Galeria Graphos Brazil in Rio De Janeiro, FiFTY24MX in Mexico City, and Fabien Castanier Gallery in Los Angeles and Bogotá.

After traveling for two months in the United States in 2007, Fidia decided to change the course of his career by leaving design aside. The artist felt the need to start talking about the dark side of the world, trying to bring it to a more creative level. He realized that the best way to have a better world was to create positive art, which he produces through his illustrations and installations.

In the same period, he began his experience as an Art and Communications teacher, which has been an amazing experience to gain knowledge about what the new generation needs. He donated all the proceeds from the first edition of "Apple Care Project" to Amnesty International.

Fuente consultada / Source: www.fidiafalaschetti.com

$12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $700-$1,150 100

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EMILIO RANGEL

(Toluca, Estado de México, 1984 - ) Memorama, 2015 Firmada / Signed Serigrafía y offset sobre cartón / Screenprint and offset on cardboard 1/10 8.5 x 6 cm cada una, 24.5 x 18.5 x 4.5 cm medidas de la caja / 3.3 x 2.3 in each, 9.6 x 7.2 x 1.7 in total measurements of the box Piezas / Pieces: 86 En caja de cartón. / In cardboard box.

Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Procedencia / Provenance: Terreno Baldío Arte.

Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en La Esmeralda. Fue beneficiario del programa Jóvenes Creadores del FONCA, periodo 2013 - 2014.

Emilio Rangel ha participado en muestras nacionales e internacionales en donde ha mostrado algunos elementos que conforman el amplio cuerpo de obra que ha producido. Algunas de las sedes en las que ha exhibido su trabajo son: el Antiguo Colegio de San Ildefonso, Co-lab en Copenhague, Queens Nails Anex en San Francisco, California, Centro Nacional de las Artes en la Ciudad de México, el Centro Cultural Tijuana, Zona Maco México Arte Contemporáneo y Terreno Baldío Arte.

He studied Visual Arts in La Esmeralda. He was supported by the program Jóvenes Creadores of FONCA during 2013 - 2014.

Emilio Rangel has participated in national and international exhibitions in which he has shown some of the elements that conform his prodigious art production. Some of the locations where his work has been exhibited are: Antiguo Colegio de San Ildefonso, Colab in Copenhagen, Queens Nails Anex in San Francisco, Centro Nacional de las Artes in Mexico City, Centro Cultural Tijuana, Zona Maco Mexico and Terreno Baldío Arte.

Fuente consultada / Source: www.emiliorangel.mx

Lote sin reserva 101

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PAULINA JAIMES

(Ciudad de México, 1986 - ) Cuerpo espacio II, 2014 Firmado y fechado 2014 / Signed and dated 2014 Encausto sobre madera / Encaustic painting on wood 40 x 30 cm / 15.7 x 11.8 in Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. / With certificate of authenticity from Aldama Fine Art. Exhibido en / Exhibited at: "Evocaciones. Cinco pintoras mexicanas contemporáneas", Museo de Arte de Querétaro, 2016.

"Pulsiones", Centro Cultural del México Contemporáneo, 2014.

Estudió la Licenciatura de Artes Visuales en La Esmeralda y diversos cursos de especialización en técnicas pictóricas en la Escuela de Arte Van Gogh. Su trabajo ha sido reconocido con la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA y con la Mención Honorífica en el Premio Nacional de Pintura José Atanasio Monroy. En 2013 fue invitada a participar en el proyecto "El milenio visto por el arte", iniciativa de Grupo Milenio y Avelina Lesper para la difusión de la pintura mexicana contemporánea.

En 2015 presentó la exposición individual "Síntomas de un cuerpo presente" en el Museo del Pueblo de Guanajuato y en 2016 "Entre el silencio y el canto" en la Galería de la SHCP. También ha participado en numerosas exposiciones colectivas en espacios como el National Museum of Mexican Art, en Chicago, el Museo de la SHCP Antiguo Palacio del Arzobispado y el Museo del Carmen.

El tema del cuerpo se ha vuelto parte esencial en su trabajo ya que le permite conocer aspectos relevantes de su condición humana. Aunque tiende a la figuración, hay una preocupación e insistencia por ser brutal con cada personaje al que retrata.

Por medio del óleo y barnicetas a base de cera, y entre pinceladas de color que tienden a la desfragmentación, Paulina Jaimes muestra la condición vulnerable del cuerpo, frente a los embates de un mundo insospechadamente inestable.

She studied Visual Arts in La Esmeralda and several courses to specialize in pictorial techniques in Escuela de Arte Van Gogh.

Thanks to her work, she has been granted with the scholarship Jóvenes Creadores by FONCA and Honorable Mention in Premio Nacional de Pintura José Atanasio Monroy. In 2013 she was invited to participate in the project "El milenio visto por el arte", an initiative by Grupo Milenio and Avelina Lesper for the diffusion of contemporary Mexican painting.

In 2015 she presented the solo show "Síntomas de un cuerpo presente" in Museo del Pueblo de Guanajuato and in 2016 "Entre el silencio y el canto" in Galería de la SHCP. Also, she has participated in numerous collective exhibitions in spaces such as National Museum of Mexican Art in Chicago, Museo de la SHCP Antiguo Palacio del Arzobispado and Museo del Carmen.

The theme of the body has become an essential part of her work, as it allows her to get to know relevant aspects of her human condition. Although she tends to figurative art, there is a concern and insistence on being brutal with each character she portrays.

Through oil and glazes, and between colored brushstrokes that tend to defragment, Paulina Jaimes shows the vulnerable condition of the body, before a world that is surprisingly unstable.

Fuente consultada / Source: "Paulina Jaimes. Síntomas de un cuerpo presente", 2015.

$25,000.00-$35,000.00 M.N. USD $1,400-$2,000 102

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YAMPIER SARDINA

(La Habana, Cuba, 1979 - ) A la carta Firmado y fechado VII 09 / Signed and dated VII 09 Grafito y acrílico sobre papel / Graphite and acrylic on paper 49 x 34 cm / 19.2 x 13.3 in Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. / With certificate of authenticity from Aldama Fine Art. Publicado en / Published in: ALDAMA, José Ignacio et ál. Yampier Sardina. El placer del engaño. México. Aldama Fine Art, 2009, Pág. 62, catalogado 22.

Realizó estudios en la Escuela Elemental de Artes Plásticas 20 de Octubre y en la Academia Nacional de Artes Plásticas San Alejandro, ambas en La Habana. Fue discípulo de Arturo Montoto, con quien realizó varios proyectos murales. Vive y trabaja en Miami.

En su trabajo se ve la madurez de quien ha asumido con claridad su vocación de pintor y la seguridad de quien se ha entregado por completo al estudio, la técnica, la reflexión y la contemplación. Su obra supone una revisión personal y colectiva a la vez, subjetiva y concreta, de lugares, acciones y objetos cotidianos para revelarlos en su cruda realidad, quizás para contar la mejor historia posible.

"En los dibujos de la etapa en que yo salía de Cuba se reflejaba decadencia, yo diría que aunque con una intención realista, esos dibujos tienen mucho de expresionistas. Cuba es un país con muchos problemas. Hay mucha prostitución, pero es prostitución escondida, la falta de recursos hace que la gente cambie sexo por ropa, una salida a algún lugar o por comida. Lo peor es que se hace por voluntad propia, nadie te obliga, sólo la situación, nadie te secuestra o te obliga a tener sexo por dinero. Es denigrante".

Yampier Sardina.

He studied in Escuela Elemental de Artes Plásticas 20 de Octubre and in Academia Nacional de Artes Plásticas San Alejandro, both in Havana, Cuba. He was Arturo Montoto's disciple, with whom he participated in a number of mural projects. He lives and works in Miami.

In his work, the maturity of whom has fully realized his vocation as a painter is evident, and the security of whom has given himself completely to the study, technique, reflection and contemplation. His work consists of a revision that is both personal and collective, subjective and concrete, of places, actions and everyday objects, to reveal them in their raw reality, maybe to tell the best possible story.

"In the drawings from the time when I left Cuba decadence is reflected, I would say that even with a realistic intention, those drawings are really expressionist. Cuba is a country with many problems. There is a lot of prostitution, but it is a hidden prostitution, the lack of resources corners people into exchanging sex for clothes, a day out or for food. The worst part is that it is done voluntarily, no one makes you do it, only the situation, no one kidnaps you or forces you to have sex for money". Yampier Sardina.

Fuente consultada / Source: RUIZ REGIL, José Manuel et ál. Yampier Sardina. El placer del engaño. México. Aldama Fine Art, 2009, pp. 6 - 12.

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,700-$2,300 103

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DAMIÁN ONTIVEROS

(Nuevo León, Monterrey, 1974 - ) Basquiat's Fallen Angel / Jymminson Durán y Felipe Ortiz. (Honduras - Guatemala), de la serie Pure beauty is inside those walls Firmado y fechado Monterrey México 2016 al reverso / Signed and dated Monterrey México 2016 on the reverse Acrílico y pastel al óleo sobre tela / Acrylic and oil stick on canvas 168 x 198 cm / 66.1 x 77.9 in Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, julio de 2016. / With certificate of authenticity from Galería Alfredo Ginocchio signed by the artist, July 2016.

Con doctorado en Artes y Humanidades por el Instituto de Comunicación de Monterrey, Damián Ontiveros es un artista con un fuerte currículo de exposiciones. Ha participado en más de 70 muestras en países de Latinoamérica, Europa y Asia. En 2003 representó a México en la Bienal de Bolivia. Su obra forma parte del acervo de la Colección Jumex, de la Maison Rouge de París y del Museo del Barrio de Nueva York.

"El fenómeno migratorio representa un estado de descomposición y transformación constante y es este mismo pueblo migrante, la masa de excluidos e invisibles, que dentro de su movilidad, tienen la posibilidad de reclamar para sí el levantamiento y fabricación de un lugar para sentirse en casa, 'Pure beauty is inside those walls' es un proyecto dirigido por Damián Ontiveros que brinda la posibilidad al pueblo migrante, de dejar de ser una categoría para convertirse en personas. A través de esta serie de pinturas, se traza una dinámica social a través de la cual se valoran y revalorizan grupos de migrantes dentro de un espacio social y dentro de una práctica artística, en la que más allá de la remuneración económica, el ejercicio pictórico se convierte en un lugar para estar y lo materializado en vivienda. Dentro de esas paredes cabe la posibilidad del hogar anhelado, los espacios invisibles con los que cada migrante carga se materializan y juntos, por los que sólo tienen sus brazos para su sustento, acción y sujeto se convierten en belleza pura". Francisco Larios.

With a PhD in Arts and Humanities from Instituto de Comunicación de Monterrey, Damián is an artist with a strong exhibition resume.

He has participated in more than 70 shows in Latin America, Europe and Asia. In 2003, Damián represented Mexico in Bolivia's Biennale. His work is part of Colección Jumex, Maison Rouge in Paris and Museo del Barrio in New York.

"The migratory phenomenon represents a state of constant decomposition and transformation, and it is the same migrating people, the mass of excluded and invisible, who have in their own mobility the possibility of claiming for themselves the rise and fabrication of a place to make them feel like home. 'Pure beauty is inside those walls' is a project directed by Damián Ontiveros that brings for migrants the possibility of not being a category anymore and becoming people. Through these paintings, he traces a social dynamic thanks to which migratory groups are valued and revalorized within social space and the artistic practice, in which beyond economic remuneration, the pictorial practice becomes the place to be in and what is materialized becomes livable. Inside those walls remains the possibility of the longed home, the visible spaces that each migrant carries, materialize and together, for those who only have got their arms as support, action and subject become pure beauty". Francisco Larios.

Fuente consultada / Source: www.damianontiveros.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,000-$8,400 104

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FELIPE EHRENBERG

(Tlacopac, Ciudad de México, 1943 - ) Bahía de Tiburones / Andante largo, de la serie Tropicalias tripartidas Firmado y fechado 89 / Signed and dated 89 Vinilacrílico, esmalte en aerosol y lápices de color sobre madera, tríptico ensamblado junto / Acrylic vinyl, spray enamel and colored pencils on wood, triptych assembled together 122 x 122 cm / 48 x 48 in Con etiquetas de / With lables of: Azzul Espacio y de la Bienal Internacional de Pintura de Cuenca, Ecuador.

"Las artes son como el agua, fluyen por donde encuentran menos resistencia". Felipe Ehrenberg.

Felipe se considera a sí mismo como cronista, político, diplomático, activista y profesor, pero ante todo esto es un pintor y escultor mexicano, explorador y navegante del mundo contemporáneo. Su aprendizaje visual comenzó con la inspiración del muralista José Chávez Morado, los escultores Feliciano Béjar y Mathias Goeritz. Durante tres años escribió en la revista Mexico City Times con el seudónimo de "Montenegro". A finales de los años 60 representó a México en exposiciones y ferias de arte en Texas, Nueva Jersey y Argentina. Posteriormente, se exilió a Inglaterra donde fundó con algunos colegas el colectivo Beau Geste Press / Libro Acción Libre, dedicado a presentar el trabajo de importantes poetas y artistas visuales experimentales conectados a Fluxus. En 1979 fundó H2O Talleres de Comunicación, colectivo que durante 10 años dirigió la creación de más de 500 pequeñas comunidades y grupos de comunicación y cerca de 1,100 murales colectivos en México. La obra de Felipe ha sido expuesta en el Museo de Arte Moderno en México, MOLAA en Los Ángeles y la Pinacoteca de São Paulo en Brasil.

"The arts are like water; they flow where they find less resistance". Felipe Ehrenberg.

Felipe considers himself a chronicler, politician, diplomat, activist and professor, but above all he is a Mexican painter and sculptor who explores and navigates the contemporary world. His visual learning began with inspiration from muralist José Chávez Morado, sculptors Feliciano Béjar and Mathias Goeritz. For three years he wrote for Mexico City Times magazine using "Montenegro" as his pen name. Towards the end of the 60's he represented Mexico in exhibitions and art fairs in Texas, New Jersey and Argentina. Later, he exiled himself to England, where he initiated with some colleagues the group Beau Geste Press / Libro Acción Libre, dedicated to presenting the work of important poets and experimental visual artists connected to Fluxus. In 1979 he founded H2O Talleres de Comunicación, collective that, for ten years directed the artistic creation for more than 500 small communities and communication groups, and nearly 1,100 collective murals in Mexico. Felipe's work has been exhibited in Museo de Arte Moderno in Mexico, MOLAA in Los Angeles and Pinacoteca in São Paulo, Brazil.

Fuente consultada / Source: MORENO, Concepción. "Felipe Ehrenberg: el arte en su versión anarquista". México. El Economista, 2012.

$110,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,200-$10,000 105

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LUCY PAWLAK

(Londres, Reino Unido, 1980 - ) Lost Beat Officer, 2016 Sin firma / Unsigned Gorra de policía bordada a mano, un par de gafas de sol, tarjetas de visita y un álbum encuadernado en cuero / A hand embroidered police cap, a pair of sunglasses, business cards and a leather bound album Medidas variables, objetos a escala real / Variable measures, full-scale objects Piezas / Pieces: 4 Incluye video / Video included La venta de esa obra será donada por la artista a la organización CPJ (Committee to Protect Journalists) / The sale of this work will be donated by the artist to the organization CPJ (Committee to Protect Journalists).

En 2001 Lucy Pawlak participó en el programa Lux Associate Artists Programme en Londres, además de estudiar cine en la Escuela Nacional de Cine, Televisión y Teatro de Lodz, Polonia y Pintura en el Royal College of Art de Londres. Sus performances y proyecciones se han presentado en Londres, Berlín, Toronto, Zúrich, Atenas y Viena, entre otros. Además, ha realizado residencias en Canadá en Fogo Island Arts, the Banff Centre for the Arts y Wysing Arts y en Suiza en Zentrum Paul Klee.

"Actualmente me atrae la figura romántica del revolucionario, el vaquero, el vigilante y su relación con el modo de ser del emprendedor capitalista del laissez faire; la búsqueda de la independencia en relación con el perseguir el interés propio, y cómo las vidas de los artistas podrían haber informado o inspirado el proyecto neoliberal". Lucy Pawlak.

Lucy Pawlak was a member of the Lux Associate Artists Programme in London in 2011, she also studied Cinematography at the Polish National Film, Television and Theatre School in Lodz, Poland, and Painting at the Royal College of Art, London. Her performances and screenings have been presented in London, Berlin, Toronto, Zurich, Athens and Vienna. Also, she has done residencies in Canada in Fogo Island Arts, the Banff Centre for the Arts and Wysing Arts and in Switzerland in Zentrum Paul Klee.

"I am currently attracted to considerations of the romantic figure of the revolutionary, cowboy or vigilante in relation the entrepreneurial laissez faire capitalist; the quest for independence in relation to the pursuit of self-interest, and how the lives of artists might have informed or inspired the neoliberal project". Lucy Pawlak.

$6,000.00-$10,000.00 M.N. USD $330-$550,000 106

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LUCY PAWLAK

(Londres, Reino Unido, 1980 - ) Missing Evidence, 2016 Sin firma / Unsigned Moldes de arcilla y tarjetas de cartón / Clay molds and cardboard labels Medidas variables, objetos a escala real / Variable measures, full-scale objects Piezas / Pieces: 6 Incluye video / Video included La venta de esa obra será donada por la artista a la organización CPJ (Committee to Protect Journalists) / The sale of this work will be donated by the artist to the organization CPJ (Committee to Protect Journalists).

El trabajo de Pawlak examina y explora la interacción del aparato social y cultural a través de videos, instalaciones y performances.

Entre sus proyectos destacan los temas sociales y culturales que conforman los sistemas y patrones del entorno contemporáneo.

"Missing evidence" es un proyecto basado en el relato "Cada contacto deja un rastro".

Un oficial de policía se convierte en artista, creando una Academia Internacional de Policía Independiente que fusiona la informática forense con la práctica artística del détourment. Los cadetes participantes modelan en arcilla la evidencia faltante de actividades desaparecidas para así explicar sucesos inexplicables alrededor del mundo. Estos modelados se convierten en piezas de arte.

Este policía fue uno de los primeros en probar Dorothy, una interfaz que conecta el cerebro con una nube. Los oficiales son híbridos conectados cerebralmente a un archivo global de información. Al llegar a la escena del crimen, la nube entabla una conversación con los pensamientos del oficial, generando importante información forense. Tras un defecto en el funcionamiento de Dorothy, el agente de policía comienza a obsesionarse con la sección de la base de datos dedicada a los crímenes sin resolver; lejos de convertirse en un soplón, decide reflejar las traumáticas escenas que ha presenciado creando arte.

La instalación está compuesta por una pistola Colt 45 personalizada con el diseño de Louis Vuitton, 3 balas que señalan el ADN, un Nokia 3310 cubierto de restos de sangre y semen y una botella de plástico vacía cubierta de huellas digitales. El lote también incluye un USB que contiene la documentación de una sesión de entrenamiento.

Pawlak's work examines and explores the interaction of social and cultural system through videos, installations and performances.

Among her projects she includes social and cultural issues that make up the systems and patterns of contemporary environment.

"Missing evidence" is a project based on the story "Every contact leaves a trace".

A beat officer becomes and artist, creating an International Independent Police Academy that fuses advanced digital forensics with the practice of détournement. Participants are invited to model with clay to materialize missing evidence from disappeared activity and unexplained events. These models become art pieces.

This policeman was one of the first officers in the flagship trials of Dorothy, an interface linking the brain to a cloud. Her officers are hybrid agents cerebrally connected to a global archive of big data. When a Dorothy Officer arrives on a crime scene, the cloud begins a conversation with the officer's thoughts, generating relevant forensic data. Out of a malfunction in Dorothy, he became exuberantly interested in the unsolved crime section of the database. Rather than becoming a snitch, he chose to reflect upon the traumatic scenes he witnessed through making art.

The installation is composed of a Colt 45 pistol personalized with Louis Vuitton pattern, 3 bullets pointing DNA, a Nokia 3310 covered in residues of blood and semen and an empty plastic bottle covered in fingerprints. The lot also includes a USB containing documentation of a training session.

$6,000.00-$10,000.00 M.N. USD $330-$550,000 107

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FRANCISCO MUÑOZ

(Texóloc, Tlaxcala, 1986 - )

La espuma del mar frío, 2016

Sin firma / Unsigned Vaciados de concreto / Concrete castings Medidas variables, objetos a escala real / Variable measures, full-scale objects.

Piezas / Pieces: 110 Con certificado de autenticidad del artista, septiembre de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, September 2016.

$85,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,800-$5,600

109

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HARTWIG LUGO ROHDE

(Ciudad de México, 1970 - ) Pelota dura No. 3 Firmada y fechada 2014 / Signed and dated 2014 Escultura de hormigón armado / Sculpture of reinforced concrete 19.5 cm diámetro / 7.6 in diameter Es la No. 3 de una edición inconclusa. / It is the No. 3 of an unfinished edition.

Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

"En la lógica de nuestra civilización mexicana, de obra negra, de intenciones que a veces se cristalizan y en ocasiones se quedan en proceso, surge de la paleta de un pintor neorrenacentista un símbolo, una visión realista, naturalista. Vivimos en un país futbolero, de pelotas duras, de hormigón gris como nuestra suerte, de cabezas duras, pero resistentes". Ricardo Zentella Gómez.

“Within the logic of our Mexican civilization, in construction, of intentions that sometimes crystalize and sometimes are left in the process, out of a Neo- Renaissance painter’s palette emerges a symbol, a realistic, naturalistic vision. We live in a soccer country, of tough balls, of gray concrete like our luck, of tough heads, although resistant”. Ricardo Zentella Gómez.

USD $1,000-$1,400 $18,000.00-$25,000.00 M.N.

110

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CÉSAR RANGEL

(Ciudad de México, 1977 - ) Nave, 2007 Sin firma / Unsigned Carbón y grafito sobre tela / Charcoal and graphite on canvas 125 x 250 cm / 49.2 x 98.4 in Con certificado de autenticidad de Alfredo Ginocchio Arte Internacional firmado por el artista, junio de 2008. / With certificate of authenticity from Alfredo Ginocchio Arte Internacional signed by the artist, June 2008.

Su formación fue autodidacta. Actualmente trabaja en su taller en San Francisco Tlalnepantla, Xochimilco.

Entre sus exposiciones destacan: “Ni César ni Rangel” en la Galería de Arte de la Secretaría de Economía, "Animal de otra certeza" en Galería Alfredo Ginocchio; "Cuentahilos" en el Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán y "Seres Vivos" en Raemian Gallery en Seúl, Corea del Sur. "Cuando uno se detiene frente a una alberca quieta, sin nadadores, es un espejo. La realidad que se refleja en ese espejo es la misma que está afuera, afuera de ese espejo, pero en cuanto el agua se empieza a mover con el vaivén de quien transita esa agua, toda la realidad se sigue reflejando en el agua, pero empieza a variar. Nadar siempre tiene una continuación en las imágenes que necesito construir". César Rangel.

He is a self- taught artist. Currently, he works in his workshop in San Francisco Tlalnepantla, Xochimilco.

Among his exhibitions, the most relevant are: “Ni César ni Rangel” in Secretaría de Economía’ art gallery, “Animal de otra Certeza” in Galería Alfredo Ginocchio, “Cuentahilos” in Museo de Arte Contemporáneo Ateneo in Yucatán and “Seres Vivos” in Raemian Gallery in Seoul, South Korea.

“When you face a calm pool, with no swimmers, it is a mirror. The reality reflected on that mirror is the same as outside, outside that mirror, but the moment the water begins moving together with the one who transits that water, reality is still reflected on the water, but it starts to vary. Swimmingalways has a continuation on the images that I need to construct”. César Rangel.

Fuente consultada / Source: LÉSPER, Avelina. "César Rangel". México. La Poesía vista por el Arte, grupo Milenio, 2014. www.poesia.milenio.com/ artistas/24cesar/

$100,000.00-$140,000.00 M.N. USD $5,600-$7,800 111

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HARTWIG LUGO ROHDE

(Ciudad de México, 1970 - ) Estación 13, de la serie Pop Firmado y fechado 09 / Signed and dated 09 Óleo sobre lino / Oil on linen 110 x 100 cm / 43.3 x 39.4 in Presenta un ligero detalle de conservación. / It shows a slight detail conservation.

Es egresado de La Esmeralda y también fue discípulo de Santiago Carbonell. Ha participado en muestras de arte nacionales e internacionales. Su obra ha sido expuesta en Zona Maco, "Muestra" Feria Internacional de Arte Contemporáneo, Museo Universitario del Chopo, Museo de la Ciudad de Querétaro, Galería Oscar Román, Galería Libertad de Querétaro y Galería El Palomar del Minotauro. En 2012 le fue comisionado uno de los tres retratos del expresidente Felipe Calderón Hinojosa para la Galería de los Presidentes de Palacio Nacional.

He graduated from La Esmeralda and was disciple of Santiago Carbonell. He has participated in national and international art shows.

His work has been presented in Zona Maco, "Muestra" Feria Internacional de Arte Contemporáneo, Museo Universitario del Chopo, Museo de la Ciudad de Querétaro, Galería Oscar Román, Galería Libertad in Querétaro and Galería El Palomar del Minotauro. In 2012 he was commissioned one of the three portraits for former president Felipe Calderón Hinojosa for Galería de los Presidentes at Palacio Nacional.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,300-$3,400 112

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JESÚS BENÍTEZ

(Ciudad de México, 1985 - ) Arcadia 1, 2016 Sin firma / Unsigned Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 69 x 48.5 cm / 27.1 x 19 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Su formación ha sido autodidacta, es uno de los representantes del street art mexicanos más reconocidos internacionalmente, sus obras pueden ser encontradas en ciudades como Barcelona, Ciudad de México y Berlín. En su trabajo hay una clara influencia de la literatura, las películas de ciencia ficción y los artistas Moebius y Roger Dean; en su propuesta se ha enfocado en desarrollar personajes estilizados, con características psicodélicas y alienígenas, que tardó poco en trasladar de los muros al lienzo.

Hasta 2014 Jesús Benítez firmó su obra como "Dhear" o "Dhear One", el último proyecto que presentó con ese seudónimo fue la exposición "La llegada de Apophis" realizada en conjunto con Smithe en la galería FIFTY24MX en la Ciudad de México en 2013.

La primera exposición individual con su nuevo alias (su nombre real) fue en la FIFTY24SF, su obra conservó la estilización de sus personajes y su característica técnica impecable.

Self- taught, he is one of the most internationally well-known exponents of Mexican street art, his work can be found in cities like Barcelona, Mexico City and Berlin. In his work there is an evident influence from literature, sci-fi movies and artists Moebius and Roger Dean; in his proposal he has focused in developing stylized characters, with psychedelic and alien characteristics that he quickly took from the walls to canvas.

Until 2014, Jesús Benítez signed his work as "Dhear" or "Dhear One", the last project he presented with this surname was the exhibition "La llegada de Apophis" made along with Smithe in FIFTY24MX gallery in Mexico City in 2013. The first individual exhibition with his new alias (his real name) was in FIFTY24SF, in which his work still maintained the stylized characters and his characteristic impeccable technique.

Fuentes consultadas / Sources: ALCÁNTARA, Ivonne. "The work of Jesús Benítez". 11 de mayo de 2015, www.juxtapoz.com y Lara. "Mexican surrealism

by Dhear". www.thefindmag.com

$18,000.00-$25,000.00 M.N. USD $1,000-$1,400 113

84

JESÚS BENÍTEZ

(Ciudad de México, 1985 - ) Mictlantecuhtli, 2015 Sin firma / Unsigned Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 205 x 113 cm / 80.7 x 44.4 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

En 2013 realizó el mural "Similia similibus curantur" ("lo semejante cura lo semejante", el principio básico de la homeopatía) en el Hospital Nacional Homeopático de la Ciudad de México, en él hizo un homenaje al Muralismo mexicano.

En 2015 participó en "Cinco de Mayo" presentada en Inner State Gallery en San Francisco, una muestra que reunía a 11 de los más importantes artistas mexicanos de la escena internacional y en la que también participaron Saner, Smithe, Ciler, Mariana Magdaleno y Apolo Cacho.

In 2013 he created a mural called "Similis similibus curantur" ("The similar cures the similar", homoeopathy's basic principle) in Hospital Nacional Homeopático in Mexico City, in which he paid homage to Mexican Muralism.

In 2015 he participated in "Cinco de Mayo", presented by Inner State Gallery in San Francisco, a show that gathered 11 of the most important and internationally renowned Mexican artists, such as Saner, Smithe, Ciler, Mariana Magdaleno and Apolo Cacho.

Fuente consultada / Source: ALCÁNTARA, Ivonne. "The work of Jesús Benítez". 11 de mayo de 2015, www.juxtapoz.com

$45,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,500-$3,400 114

85

FRANCISCO MUÑOZ

(Texóloc, Tlaxcala, 1986 - ) Paseos de ciego, 2013 Sin firma / Unsigned Acrílico y carbón sobre tela / Acrylic and charcoal on canvas 150 x 110 cm / 59 x 43.3 in Con certificado de autenticidad del artista, septiembre de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, September 2016.

Exhibido en / Exhibited at: "XVI Bienal de Pintura Rufino Tamayo", Museo Tamayo Arte Contemporáneo, 2014.

Francisco Muñoz estudió en La Esmeralda, posteriormente en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lyon, Francia. El dibujo es la base de su desarrollo artístico, sin embargo, gusta también de experimentar con la fotografía, las instalaciones y los cortometrajes.

Sus obras se caracterizan por ser sumamente expresivas y abstractas. Constantemente está en busca de nuevas formas de arte y para él en el mundo contemporáneo es importante avanzar, conocer, desarrollarse y crecer. A pesar de su corta edad ha logrado ser aceptado rápidamente en diversas ferias de arte y galerías mexicanas.

Francisco Muñoz studied in La Esmeralda, and later in Lyon Fine Arts School. Drawing is the base of his artistic development, although he also likes to experiment with photography, installations and short films. His work is characterized for being extremely expressive and abstract. He is constantly searching for new art forms and for him, in the contemporary world it is crucial to move forward, learn, develop and grow. Despite his young age he has succeeded in being quickly accepted in several art fairs and Mexican galleries.

Fuente consultada / Source: AVENDAÑO, José Carlos. "Francisco Muñoz logra un lugar en bienal de pintura". La Jornada de Oriente, sección Cultura, 2014.

$45,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,500-$2,800 115

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ANTONY WARD

(Béziers, Francia, 1985 - ) Sin título / Untitled Firmado y fechado México City October 2015 al reverso / Signed and dated Mexico City October 2015 on the reverse Lápiz, achiote y acuarela sobre papel / Pencil, achiote and watercolor on paper 30 x 30 cm cada uno / 11.8 x 11.8 in each Piezas / Pieces: 3 Los marcos intervenidos por el artista son parte de la obra / The frames are intervened by the artist and are part of the work.

Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

"Una de las primeras cosas que me llamó la atención cuando llegué a la Ciudad de México, era el olor de las tortillas tostadas de los puestos callejeros de comida. Durante mi estancia, quería de alguna manera extraer su esencia y hacer un perfume. Pero después de muchos experimentos fallidos decidí usar las tortillas para hacer monotipos. Estas impresiones se hicieron con achiote, un ingrediente natural que permite hacer una grandiosa tinta para impresiones". Antony Ward.

"One of the first things that struck me when I arrived in Mexico City was the smell of toasted tortillas coming from the street food vendors. During my stay there, I wanted to somehow extract that smell and make a perfume from it. But after many failed experiments I just started using tortillas to make monoprints. These prints were made with achiote, a natural ingredient that makes great ink for prints". Antony Ward.

$10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $550-$840 116

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ANTONY WARD

(Béziers, Francia, 1985 - ) Sin título / Untitled Firmado y fechado Mexico City, October 2015 al reverso / Signed and dated Mexico City, October 2015 on the reverse Lápiz, acuarela y chocolate sobre papel / Pencil, watercolor and chocolate on paper Piezas / Pieces: 2.

30 x 30 cm cada uno / 11.8 x 11.8 in each Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Estudió en Bezalel Academy of Art and Design en Jerusalén, Israel y tiene una Maestría en School of Fine Arts of Lyon, Francia, así como un posgrado de Central Saint Martins College of Art and Design, Londres, Reino Unido. Ha exhibido su obra en países como Reindo Unido, Corea del Sur, Sudáfrica, Francia y México.

He studied at Bezalel Academy of Art and Design of Jerusalem, Israel, and he has a MA from School of Fine Arts of Lyon, France, as well as a postgraduate degree in Central Saint Martins College of Art and Design, London, UK. He has exhibited in United Kingdom, South Korea, South Africa, France and Mexico, among others.

$8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $450-$700 117

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WENDY CABRERA RUBIO

(Ciudad de México, 1993 - ) El gran blanco, 2014 Sin firma / Unsigned Muñecos de fieltro y pana rellenos de hule espuma y guata con aplicaciones de botón / Puppets of felt and corduroy stuffed with foam and wadding with button applications 70 x 150 x 120 cm medidas totales / 27.5 x 59 x 47.2 in overall Piezas / Pieces: 6 Con certificado de autenticidad de la artista, septiembre de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, September 2016.

Además de estudiar en La Esmeralda, Wendy ha complementado su formación artística con diversos talleres y cursos de historia del arte y fotografía. A través de diferentes disciplinas, representa las exploraciones que constantemente hace sobre las ideologías pragmáticas de la sociedad y sus divulgaciones. Es mediante instalaciones, fotografías y videos que ejecuta los discursos contemporáneos. Desde hace más de dos años Wendy forma parte del Colectivo Trotar junto con Pablo Cendejas y Romeo Mijangos. También es coordinadora del espacio alternativo LADRÓNgalería.

"El gran blanco" es un proyecto que Wendy hizo en colaboración con la Universidad Autónoma de Chapingo y Yanali Cruz Coca, el cual consiste en una videoinstalación que registra la reacción de cerdos de crianza ante sus reflejos presentes con la condición humana. Y es mediante representaciones casi caricaturizadas de esta raza que el proyecto se presenta aún más fiel.

Los puercos protagonistas de este proyecto son de la raza gran blanco, originarios del nordeste de Inglaterra. Son cerdos de piel blanca, de crianza rústica y de cautiverio, sumamente maternales y de fácil reproducción.

Estos animales son para muchas culturas simbólicos. Wendy refleja en estos muñecos el antagonismo que tienen los puercos ante la humanidad y como se enfrentan a ella, pues la sociedad contemporánea toma sus esencias y simbolismos para elaborar alegorías y emblematizarlos por ser considerados la raza más extendida del mundo. Sin olvidar el doble sentido al ser animales que se crían principalmente para la obtención de carne.

"El principal interés fue la condición y la naturaleza humana reflejada en la otredad del animal, particularmente en uno que fue criado y modificado para beneficio de esta, con quien tiene una relación genética muy profunda y que desde el punto de vista histórico, su domesticación ha sido una de las más antiguas. La pieza busca una contraposición entre la visión idealista de los animales donde normalmente se genera una sobre personificación y humanización de estos contra su uso dentro de la industria alimenticia, donde el mayor interés es más bien pragmático". Wendy Cabrera.

Besides studying in La Esmeralda, Wendy has complimented her artistic education with several workshops, as well as art history and photography courses. Through different disciplines, she represents her constant exploration of society's pragmatic ideology and its divulgation. Through installations, photographs and videos, she executes contemporary proposals. For more than two years now, she has been part of Colectivo Trotar along with Pablo Cendejas and Romeo Mijangos. She also coordinates alternative space LADRÓNgalería.

"El gran blanco" is a project in which Wendy collaborated with Universidad Autónoma de Chapingo and Yanali Cruz Coca, which consists in a video installation that registers pig's reactions to human condition. And it is through these almost cartoon-like representations of this breed that the project presents itself as trustworthy.

The protagonist of the project is the pig breed called Large White, originally from north-east England. They are pigs with white skin, of rustic breeding and extremely maternal and easy reproduction.

These animals, for many cultures, are symbolic. Wendy reflects in these dolls the antagonism that pigs have towards humanity and how they face it, given that contemporary society takes their essence and symbolism in order to elaborate allegories and emblems, as they are the most expanded breed in the world. Without forgetting the double meaning, as they are animals that are bred to obtain meat.

"The main interest was human condition and human nature reflected on the otherness of the animal, particularly one that was bred and modified to benefit men, with whom it has a profound genetic relation and, from a historical point of view, its domestication has been one of the oldest. This piece seeks a counter position between the idealist vision of animals, where normally a personification and humanization is made of them against their use in the food industry, where the interest is actually pragmatic". Wendy Cabrera.

$15,000.00-$20,000.00 M.N. USD $840-$1,150

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WENDY CABRERA RUBIO

(Ciudad de México, 1993 - ) Wikitrans, 2014 Libros en stand de triplay / Books on plywood stand 145 x 63 cm medidas totales / 57 x 24.8 in overall Piezas / Pieces: 10 Con certificado de autenticidad de la artista, septiembre de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, September 2016.

Wikitrans nació como un proyecto antropológico que consistió en la indagación del imaginario de la sociedad actual, mediante encuestas y estadísticas, que revelaron de manera libre e inmediata la inconsistencia del conocimiento sobre el significado de la palabra transgénico. De ahí, el título del proyecto, compuesto entre: "Wiki", nombre que recibe un sitio cuyas páginas pueden ser creadas, editadas y eliminadas por usuarios y "trans" como abreviatura de transgénico, tema central de este proyecto. "¿Qué crees que es un transgénico?" fue la única pregunta que Wendy realizó a mil personas de entre cinco y ochenta y siete años en escuelas, mercados, parques, plazas y transportes. Las respuestas y dibujos realizados fueron variables por lo que se calificaron en nueve campos semánticos: frutas, humanos, alegorías a la ciencia ficción, formas abstractas, medicinas, etc. Terminadas las encuestas se imprimieron nueve libros cuyos contenidos son explícitamente lo que la gente respondía. Los libros fueron colocados en un stand, una manera reveladora de almacenar los resultados, pero también de fácil acceso.

Wikitrans was born as an anthropological project that consisted on an examination of current society's mental images, through surveys and statistics, that showed in a free and instant way, inconsistency on the knowledge about the meaning of the word transgenic. The title of the project is composed of "wiki", a name used by webpages that can be created, edited and eliminated by users; and "trans", an abbreviation of transgenic, the project's central theme.

"What do you think transgenic means?" was the only question Wendy asked to a thousand people who were between five and eighty-seven years old in schools, markets, parks, plazas and public transport. The answers and drawings people produced were quite diverse, this is why they were divided into nine categories: fruits, humans, sci-fi allegories, abstract forms, medicines, etc. After the survey, nine books that explicitly showed people's answers were printed. The books were placed on a stand, a revealing way to keep results, but also easily accessible.

$18,000.00-$25,000.00 M.N. USD $ 1,000-$1,400

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HÉCTOR DE ANDA

(San Juan de los Lagos, Jalisco, 1950 - ) El regreso / diáspora XIII Firmado y fechado 2013 / Signed and dated 2013 Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 85 x 150 cm / 33.4 x 59 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Realizó estudios de teatro en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM y de Historia del Arte y Fotografía en la Academia Lorenzo de Medici en Florencia, Italia. Fue editor de la revista Vogue por más de 10 años y director de imagen de TV Azteca.

Ingresó a la Colección Pago en Especie en 1998 y ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA. Desde el inicio de su producción plástica, en 1980, ha exhibido su obra pictórica y conceptual en México y países como Inglaterra, Italia, Francia, España, Emiratos Árabes y Alemania en los últimos años destacan: "Acumulaciones", retrospectiva presentada en el Centro Cultural Eje, "Diáspora" en el Museo de Arte Carrillo Gil, "Futuro Próximo / Pasado Remoto" en el Museo de la Ciudad de Querétaro y en el MACAY, y recientemente "El conocimiento silencioso" en el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez.

He studied Theater in Facultad de Filosofía y Letras in UNAM and History of Art and Photography in Academia Lorenzo di Medici in Florence, Italy. He was editor of Vogue magazine for more than 10 years and image director in TV Azteca. He entered to Colección Pago en Especie in 1998 and has been a member of Sistema Nacional de Creadores de Arte by FONCA. Since the beginning of his plastic production, in 1980, he has exhibited his pictorial and conceptual work in Mexico and countries like England, Italy, France, Spain, Arab Emirates and Germany. In the last few years, the most relevant: “Acumulaciones” a retrospective presented in Centro Cutlural Eje, “Diáspora” in Museo de Arte Carrillo Gil, “Futuro Próximo / Pasado Remoto” in Museo de la Ciudad de Querétaro and in MACAY, and recently “El conocimiento silencioso” in Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,500-$6,700 122

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SAID DOKINS

(México, 1983 - ) Vespéride, 2016 Firmado / Signed Acrílico y tinta UV sobre tela / Acrilyc and UV ink on canvas 122 x 130 cm / 48 x 51.5 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Said Dokins plantea a la caligrafía y al graffiti como prácticas intermedias de inscripción y trazo, que pueden modificar órdenes simbólicos y dar foro a enunciados políticos. Su práctica cultural se enfoca en la producción, investigación y gestión del arte contemporáneo.

Su trabajo como artista se ha exhibido a nivel nacional e internacional en países como España, Italia, Alemania, Países Bajos, Bélgica, Reino Unido, Francia, Argentina, Chile, Brasil, El Salvador y Perú. Es el primer artista mexicano invitado a participar en el proyecto internacional Calligraphy Masters y como embajador de Calligraffiti. Entre otros, fue ganador del Premio Iberoamericano a la Creación Contemporánea Cortes de Cádiz en 2015. Actualmente se encuentra de gira en Europa, presentando su obra en exhibiciones y continuando su proyecto de caligrafía lumínica.

Retomando la economía de la caligrafía medieval, la energía y la expresividad de caligrafía japonesa, y creando una poética basada en la escritura pre-fonética. Para Dokins, cada experiencia es un trazo, una impresión psíquica que crea una textura en nuestro universo simbólico. En ese sentido, la caligrafía y el graffiti no están sólo en el papel y la tinta, en las paredes y el aerosol, sino en todos los acontecimientos de nuestra existencia.

Said Dokins relates to calligraphy and graffiti as intermediate practices of inscription and trace, twisting symbolic orders and as a place of political enunciation. His cultural practice takes on contemporary art production, research and management.

His work as an artist has been shown nationally and internationally in countries such as Spain, Italy, Germany, Netherlands, Belgium, United Kingdom, France, Argentina, Chile, Brazil, El Salvador and Peru. He was the first Mexican artist invited to participate in the international project Calligraphy Masters and as Calligraffiti ambassador. Among other awards, he was the winner of Premio Iberoamericano a la Creación Contemporánea Cortes de Cádiz in 2015. He is currently on tour in Europe, presenting his work in exhibitions and continuing his light calligraphy project.

He takes up the economy of Medieval calligraphy, the energy and expressiveness of Japanese calligraphy, besides creating a poetic based on pre-phonetic writing. For Dokins every experience is a trace, a psychic impression that creates a texture in our symbolic universe. In that sense, calligraphy and graffiti aren’t just on paper and ink, on the walls and spray, but on every event of our existence.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,500-$6,700 123

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SAID DOKINS

(Ciudad de México, 1983 - ) y LEONARDO LUNA (Ciudad de México, 1987 - ) Jardín Guerrero, Quéretaro, de la serie Heliografías de la memoria, 2014 Sin firma / Unsigned Fotografía digital gicleé sobre papel Hahnemühle / giclee digital photography on paper Hahnemühle 2/5 48 x 72 cm medida del área impresa / 18.9 x 28.3 in printed area La edición de esta fotografía consta de 5 ejemplares y 2 pruebas de artista. / The edition of this photograph has 5 copies and 2 artist's proofs.

Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

"Heliografías de la memoria" es un proyecto que explora diversas relaciones sociales e históricas que definen lugares específicos, a su vez que las señala y resignifica los emplazamientos dentro de los imaginarios contemporáneos, como memorias desplazadas, a través de objetos, registros, intervenciones, bitácoras y fotografías de larga exposición que el artista va creando en lugares específicos en su andar en espacios públicos considerados baluartes o sitios históricos.

Las fotografías han sido realizadas en la Ciudad de México, Querétaro y Guanajuato por Said Dokins en colaboración con el fotógrafo Leonardo Luna. Abordan a través del registro, acciones caligráficas lumínicas en espacios públicos, la noción de monumento borrado.

“Heliografías de la memoria” ha itinerado en diversos lugares de Alemania, principalmente en Berlín y en Burdeos, Francia.

“Heliografías de la memoria” is a project that explores the diverse social and historical relations that define specific places, at the same time pointing and signifying the locations in contemporary imagery, as misplaced memories, through objects, registers, interventions, binnacles and long exposure photographs that the artist created in specific public places considered symbols and historical sites.

The photographs were taken in Mexico City, Querétaro and Guanajuato by Said Dokins in collaboration with photographer Leonardo Luna. Through register, they capture luminal calligraphy actions in public locations and approach the notion of an erased memory.

“Heliografías de la memoria” has been presented in various locations in Germany, specially Berlin, and in Bordeaux in France.

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,300-$5,000

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HÉCTOR DE ANDA

(San Juan de los Lagos, Jalisco, 1950 - ) Move on / Guess who, de la serie Hipótesis de la conversación Firmada y fechada 2012 / Signed and dated 2012 Mixta sobre tela, díptico / Mixed on canvas 150 x 100 cm cada una, 150 x 200 cm medidas totales / 59.05 x 39.3 in each, 59 x 78.74 in overall Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Exhibidas en /exhibited at: "Hipótesis de la conversación", Maresa Arévalo Galería, 2012.

"El trabajo de Héctor de Anda hurga en lo abstracto la posibilidad de recuperar momentos inconclusos del pensamiento. Es un juego de la memoria para recobrar los olvidos. Y lo que contemplamos son esas letras descontextualizadas que hubieran podido armar una frase que –tal vez– hubiese planteado una ruta diferente; sin embargo, dicha posibilidad quedó anulada en el momento exacto en el cual optó por ‘no decir’. Esta es una serie acerca de los ‘supuestos’.

“La serie ‘Hipótesis de la conversación’ es más que un diálogo interno, se trata de un acto puro de abstracción, que va más allá de lo pictórico: es una posibilidad de mirar no sólo lo indecible, sino lo no dicho. Cada pieza es en sí una posibilidad. Una historia sin historia… O quizá una historia por contar". Miriam Mabel Martínez.

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“Hector de Anda’s work seeks in abstraction the possibility to retrieve unfinished moments from thought. It is a memory game to recover what is forgotten. And what we contemplate are these decontextualized letters that could have been a sentence that –maybe– would have settled a different route; however, said possibility was revoked the exact moment it opted to “not say”. This is a series about “assumptions”.

“The series ‘Hipótesis de la conversación’ is more than an internal dialogue, it is a pure act of abstraction, that goes beyond what is pictorial: it is a possibility to look not only about the unspeakable, also the unsaid. Each piece is a possibility in itself.

A story with no history… Or maybe a story to be told”. Miriam Mabel Martínez.

Fuente consultada / Source: “Héctor de Anda. Hipótesis de la conversación”, Maresa Arévalo Galería, 2012.

$180,000.00-$240,000.00 M.N. USD $10,000-$13,400 127

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GABRIEL OROZCO

(Jalapa, Veracruz, 1962 - ) Cronógrafos Firmado y fechado 1989 al frente y al reverso / Signed and dated 1989 on the front and on the reverse Óleo sobre tela / Oil on canvas 90 x 120 cm / 35.4 x 47.2 in Con certificado de autenticidad del artista, julio 2015 / With certificate of authenticity signed by the artist, July 2015.

Según la revista Forbes, Gabriel Orozco es el artista mexicano más cotizado en el mercado internacional del arte contemporáneo. Su obra ha sido motivo de un sinfín de exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno y Museo Guggenheim de Nueva York, Museo Reina Sofía en Madrid, Museo Hirshhorn en Washington y en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, entre otros. Es representado por la Galería Mariana Goodman de Nueva York, la Galería Kurimanzutto de la Ciudad de México y la Galería Chantal Crousel de París.

Su currículo es basto y todo gracias a su experiencia y aprendizaje académico y autodidacta a través de los años. Todo comenzó desde pequeño, cuando su padre trabajaba con David Alfaro Siqueiros lo llevaba consigo a ver cómo pintaban murales, y el pequeño Gabriel sólo escuchaba y veía todo lo que sucedía, comenzando así su acercamiento a las artes y temas políticos. En 1984 finalizó sus estudios en la ENAP, pero como todo el aprendizaje fue sumamente conservador decidió viajar a España para explorar el arte por sus propios medios. En 1986 llegó a Madrid, y entre las calles de Alcalá y Gran Vía encontró el Círculo de Bellas Artes, una entidad cultural privada que difunde las principales manifestaciones artísticas, y la sede es actualmente un edificio declarado Monumento Histórico Artístico Nacional. Durante esta primera etapa artística, Gabriel experimentaba con todo aquello que despertara su curiosidad. Fue en el CBA que conoció a una amplia gama de artistas de la posguerra y estableció estrechas amistades.

Sus piezas fueron resultado de estas relaciones, de la exploración de la calle y de su negación por el sedentarismo.

Las obras de los años 80 y 90 chocaron con las corrientes de la época, por lo que son consideradas rarezas de los inicios del arte de Gabriel. Son obras de alto contenido cultural, parte aguas de todo su trabajo, recolectoras de las historias de sus primeros encuentros artísticos y testigos de los lugares donde estuvo. "Cronografós" es una obra que radia la creatividad de sus inicios.

According to Forbes magazine, Gabriel Orozco is the most valued Mexican artist in the international contemporary art market. His work has been presented in numerous solo exhibitions in MoMA and Guggenheim Museum in New York, Museo Reina Sofía in Madrid, Hirshhorn Museum in Washington and Museo del Palacio de Bellas Artes in Mexico City, among others. He is represented by Mariana Goodman Gallery in New York, Galería Kurimanzutto in Mexico City and Chantal Crousel Galerie in Paris.

He has a rich resum, thanks to his experience, academic and self- taught learning through the years. It all began in his childhood, when his father worked with David Alfaro Siqueiros and took him along in order for him to see how they painted murals, little Gabriel listened and observed everything that happened, introducing himself to the arts and political themes. In 1984 he finished his studies in Escuela Nacional de Artes Plásticas, but since all his learning was extremely traditional he decided to travel to Spain to explore art by his own means. He arrived to Madrid in 1986, and between streets Alcalá and Gran Vía he found Círculo de Bellas Artes, a private, non-profit, cultural organization that helped spread the word about the main cultural practices, and the headquarters are now a National Historical Artistic Monument. From this first artistic stage, Gabriel experimented with all that awakened his curiosity. It was in CBA that he met a wide range of post-war artists and stablished close friendships. His pieces were a result of these relations, of his explorations of the streets and his refusal of sedentary life.

Artworks from the 80's and 90's clashed with the production of the time, which is why they are considered rarities from Gabriel's beginnings. They are works with a strong cultural content, a turning point in all his work, collectors of stories of his first artistic encounters and witnesses of the places he visited. "Cronógrafos" is a work that emits the creativity of his beginnings.

Fuente consultada / Source: TORRES, Jonathán et ál. "Gabriel Orozco: crea arte sin esperar nada a cambio". Forbes México, 2016.

$700,000.00-$900,000.00 M.N USD $38,900-$50,000

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MEREDITH DITTMAR

(Boston, Massachusetts, E.E. U.U., 1974 - ) Follow the ginger smile, 2015 Sin firma / Unsigned Ensamblaje de papel en caja de acrílico y fibracel / Paper assemblage in acrylic and fiberboard box 94.5 x 63.5 x 14 cm / 37.2 x 25 x 5.5 in Con certificado de autenticidad de FIFTY24MX. / With certificate of authenticity from FIFTY24MX. Meredith Dittmar es una artista que vive y juega en Portland, Óregon. Nació cerca de Boston y creció entre cerditos mascota, fuertes de heno y juegos de espionaje.

Posteriormente estudió ciencias de la computación y una carrera en diseño interactivo, conservando siempre una necesidad compulsiva de crear y un empuje de curiosidad; elementos que al unirse crearon la esencia de su obra. Ha presentado su obra en numerosas exposiciones colectivas internacionalmente y de forma individual en la Ciudad de México, Los Ángeles, Estambul, Portland y Seattle.

Las criaturass de Dittmar son amalgamas de humano-animal-planta-energía, están conectados por elementos y colores en común para expresar profundos niveles de unión entre varios temas como: la biología, la tecnología y el conocimiento. Sus personajes con frecuencia se encuentran involucrados en momentos expresivos pero tranquilos, o se presentan de frente a su público para que puedan compartir su espacio interior. Ella cree que es este el espacio que reconocemos en nosotros mismos y por medio de unirnos en ese espacio, la interconexión de todas las cosas se revela. Ella ve el acto de la creación artística espontánea como parte de una práctica más grande de consciencia sobre el presente, y una manera de entenderse mejor a sí misma y a la realidad.

$35,000.00-$45,000.00 M.N. USD $2,000-$2,500 130

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MEREDITH DITTMAR

(Boston, Massachusetts, E.E. U.U., 1974 - ) Regeneration (a story), 2011 Sin firma /Unsigned Ensamblaje de arcilla polimĂŠrica en caja de acrĂ­lico y fibracel / Polymer clay assemblage in acrylic and fiberboard box 66 x 46 x 6.5 cm / 25.9 x 18.1 x 2.5 in Con certificado de autenticidad de FIFTY24MX. / With certificate of authenticity from FIFTY24MX. Meredith Dittmar is an artist living and playing in Portland, Oregon. Born near Boston, she grew up surrounded by pet pigs, hay-forts and spy games. Follow this with an education in computer science, a career in interactive design, a compulsive need to create, and a drive to seek and you get the major elements of her work. She has presented her artwork in several colective exhibitions, her solo shows have taken place in Mexico City, Los Angeles, Istanbul, Portland and Seattle.

Dittmar's human-animal-plant-energy amalgams contain threads of common elements and colors to express deep levels of union across themes of biology, technology, and consciousness. Her characters are frequently involved in quiet expressive moments, or lounge facing their audience so they can share their inner space. Dittmar believes it is this space we recognize in ourselves, and through convening in that space, the interconnectedness of all things is revealed. She sees the act of spontaneous artistic creation as part of a larger practice of being present, and a way to better understand herself and reality.

Fuente consultada / Source: www.cargocollective.com/meredithdittmar

$40,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,300-$2,800 131

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JUSTIN FITZPATRICK

(Dublin, Irlanda, 1985 - ) A bunch of grapes, 2015 Sin firma / Unsigned Cerámica esmaltada y piel / Glazed ceramic and leather 31 x 21 x 2 cm / 12.2 x 8.2 x 0.7 in Justin Fitzpatrick estudió pintura en el Royal College of Art en Londres. Su trabajo artístico se enfoca en crear un mundo de objetos significativos, esculturas que generan y desprenden sensaciones y revelan ideas. Entre 2014 y 2015 realizó seis residencias artísticas en Londres, y exposiciones colectivas en Bloomberg New Contemporaries, Galerie Jakob Kroon, Hockney Gallery, Glassbox Gallery, entre otras. Actualmente vive y trabaja en Londres.

Justin Fitzpatrick studied painting in the Royal College of Art in London. His artistic work is focused in creating a world of meaningful objects, sculptures that generate and emanate sensations and reveal ideas. Between 2014 and 2015 he made six art residences in London, and group exhibitions in Bloomberg New Contemporaries, Galerie Jakob Kroon, Hockney Gallery, Glassbox Gallery, among others. He lives and works in London.

Fuente consultada / Source: www.justinfitzpatrick.com

$12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $700-$1,150 132

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SYUNOVEN

(Fukushima, Japón, 1980 - ) Untitled, 2012 Sin firma / Unsigned Tinta y acrílico sobre tela / Ink and acrylic on canvas 120 x 90 cm / 47.2 x 35.4 in Con certificado de autenticidad de FIFTY24MX. / With certificate of authenticity from FIFTY24MX. Su formación ha sido autodidacta. En 2001 se trasladó a Sendai y comenzó a dibujar imágenes influenciado por la escena skate y la música de la segunda mitad de la década de 1990.

En los últimos años ha logrado un amplio reconocimiento en su natal Japón. Forma parte del proyecto Try & Error, una organización independiente de artistas japoneses que promueve la gestión y difusión de su propia obra, y con el famoso

calígrafo y artista Usugrow formó el duo "Luvvine", juntos realizan obras al alimón tanto de estudio, como murales en sesiones de live painting.

He is a self-taught artist. In 2001 he moved to Sendai and began drawing images influenced by skate scene and music from the second half of the 1990's.

In the last few years, he has acquired a wide recognition in his homeland, Japan. He is part of a project called Try & Error, an independent organization of Japanese artists that promotes the management and diffusion of their own artwork; and with famous calligrapher and artist Usugrow he formed duo "Luvvine", together they create work both at their studio and live painting murals.

Fuentes consultadas / Sources: www.usugrow.com y www.try-error.jp

$35,000.00-$45,000.00 M.N. USD $2,000-$2,500 133

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BOSCO SODI

(Ciudad de México, 1970 - ) Sin título / Untitled Firmado y fechado 2003 / Signed and dated 2003 Óleo y arena sobre tela / Oil and sand on canvas 60 x 60 cm / 23.6 x 23.6 in Con documento que especifica la autenticidad de la obra. / With document specifying the authenticity of the artwork.

Bosco Sodi es un reconocido artista mexicano que siempre está en constante búsqueda de trascender las barreras de lo conceptual. Convierte el trabajo en sí, en una memoria, una reliquia simbólica y una conversación con la materia prima. Deja muchos cuadros sin título, con la intención de eliminar cualquier conexión más allá de la existencia de la obra. Gusta de explorar con materiales ricos en texturas y colores. Trabaja de forma horizontal, directo en el piso, siendo sus manos la herramienta principal para pintar. Utiliza mezcla de aserrín, fibras de árboles y pigmentos para crear una masa parecida al lodo, lo que hace que la capa pictórica de sus piezas tengan distintos grados de texturas, en algunos casos son superficies uniformes y en otras se crean grietas y craqueladuras en diversas intensidades. Su influencia artística proviene de las líneas de Antoni Tàpies y Jean Dubuffet, del expresionismo abstracto de Mark Rothko y Willem de Kooning y del colorido vibrante de su herencia oaxaqueña.

"Mi obra es orgánica. Me gusta convertir la pintura al óleo en una especie de escultura. Quiero que el espectador juegue con la obra y crea que proviene de marte, de la luna o del desierto".

Bosco Sodi.

Ha expuesto en reconocidas galerías de México y el extranjero. Ha participado en importantes ferias de arte internacionales como Art Basel Miami, Zona Maco, Frieze Art Fair y ARCO. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas alrededor del mundo. Actualmente vive y trabaja entre Nueva York, Barcelona, Berlín y la Ciudad de México.

Bosco Sodi is a renown Mexican artist that is in a constant search for transcending conceptual barriers. He transforms work in a memory, a symbolic relic and a conversation with raw material.

Many of his paintings are untitled, with the intention of eliminating any connection that is external to the painting. He is keen on experimenting with rich in texture and color materials. He works horizontally, directly on the ground, and using his hands as the main tool to paint. He uses sawdust, fibers and pigments to create a mud-like paste, which produces many textures as a pictorial layer, in some cases uniform surfaces and in others with cracks of different intensities.

His artistic influences come from Antoni Tàpies and Jean Dubuffet, abstract expressionism by Mark Rothko and Willem de Kooning and the vibrant colors from Oaxaca.

"My artwork is organic. I like to transform oil painting in a sort of sculpture. I want the viewer to play with my work and think it comes from Mars, the Moon or the desert". Bosco Sodi.

He has exhibited his work in Mexican and international galleries. He has participated in important international art fairs such as Art Basel Miami, Zona Maco, Frieze Art Fair and ARCO. His work can be found in public and private collections around the world. Currently he lives and works in New York, Barcelona, Berlin and Mexico City.

Fuente consultada / Source: sitio oficial del artista www.boscosodi.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,200-$16,700 135

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ERIC VALENCIA

(Tulancingo, Hidalgo, 1981 - ) S2S Sin firma / Unsigned Encausto sobre madera / Encaustic on wood 60 x 60 cm / 23.6 x 23.6 in $15,000.00-$20,000.00 M.N. USD $840-$1,150

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FRANCISCO CASTRO LEÑERO

(Ciudad de México, 1954 - ) Juegos de sombras, 2014 Firmado al frente y al reverso / Signed on front and on the reverse Óleo sobre tela / Oil on canvas 150 x 140 cm / 59 x 55.11 in Con certificado de autenticidad del artista, octubre de 2014. / With certificate of authenticity signed by the artist, October 2014.

Agradecemos al Maestro Francisco Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2014. / We are grateful to the artist Francisco Castro Leñero for confirming the authenticity of this work, August 2014.

"La obra de Francisco Castro Leñero se trata de una obra compleja y difícil en todas sus manifestaciones, pero que hace de la complejidad y la dificultad un resultado cuyo nombre obligado es la facilidad. Lo que ocurre es que enfrentamos una visión o, lo que es lo mismo, una interpretación de la realidad en la que no es posible separar la realidad de la realidad de la pintura". Juan García Ponce.

“The work of Francisco Castro Leñero is complex and difficult in all of its manifestations, but out of complexity and difficulty it gives a result whose only name is easiness. What happens is that we face a vision or, what is the same, an interpretation of reality in which it is not possible to separate reality from the reality of painting”. Juan García Ponce.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $10,000-$12,300 137

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CARLOS AMORALES

(Ciudad de México, 1970 - ) Telarañas con espacios negativos 02 Firmado y fechado 2006 al reverso*/ Signed and dated 2006 on the reverse Collage y tinta offset sobre papel / Collage and offset ink on paper 69 x 45 cm / 27.1 x 17.7 in *Por el tipo de enmarcado de esta obra, la firma no es visible, sin embargo está mencionada en el certificado de autenticidad. / Because of the type of the frame of this work, the signature is not visible, but it is mentioned in the certificate of authenticity.

Con certificado de autenticidad del artista, 2008. / With certificate of authenticity signed by the artist, 2008.

Con etiqueta de Kurimanzutto. / With label from Kurimanzutto.

Carlos Amorales es egresado de la Gerrit Rietveld Academie y de la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Ámsterdam, Holanda.

Ha expuesto individualmente en importantes instituciones nacionales como el Museo Amparo, el Museo Tamayo y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), e internacionales como el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), el Contemporary Art Center de Cincinnati, el Hirshhorn Museum en Washington DC, el Cabaret Voltaire en Zúrich, entre otros. Sus obras forman parte de importantes colecciones como la del MoMA de Nueva York, la Colección Jumex, Tate Modern y Daros Latinoamérica. Vive y trabaja en la Ciudad de México.

Carlos Amorales graduated from Gerrit Rietveld Academie and Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam. He has presented solo exhibitions in important national institutions such as Museo Amparo, Mueo Tamayo and Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), and international like Museo de Arte Latinoamericano in Buenos Aires (MALBA), Contemporary Art Center in Cincinnati, Hirshhorn Museum in Washington D.C., Cabaret Voltaire in Zurich, among others. His work is part of important collections, for instance, MoMA in New York, Colección Jumex, Tate Modern and Daros Latinoamérica. He lives and works in Mexico City.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD$10,000-$12,300 138

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CARLOS AMORALES

(Ciudad de México, 1970 - ) Exotic ravens 06 Firmado y fechado 2006 al reverso*/ Signed and dated 2006 on the reverse Collage y tinta offset sobre papel / Collage and offset ink on paper 69 x 45 cm / 27.1 x 17.7 in *Por el tipo de enmarcado de esta obra, la firma no es visible, sin embargo está mencionada en el certificado de autenticidad. / Because of the type of the frame of this work, the signature is not visible, but it is mentioned in the certificate of authenticity.

Con certificado de autenticidad del artista, 2008. / With certificate of authenticity signed by the artist, 2008.

Con etiqueta de Kurimanzutto. / With label from Kurimanzutto.

A lo largo de su trayectoria, Carlos Amorales ha desarrollado una producción artística que trasciende los límites del dibujo, difuminando las fronteras entre el arte y el diseño. A través del cruce de diferentes soportes artísticos aborda cuestiones sociales, políticas y estéticas, así como la construcción de identidades y la tensión entre la realidad y ficción.

Throughout his trajectory, Carlos Amorales has developed an artistic production that transcends the limits of drawing, blurring the frontiers between art and design. By using different artistic surfaces, he approaches social, political and aesthetic matters, as well as the construction of identities and tension between reality and fiction.

Fuente consultada / Source: MOTA, Melissa. "Perfil: Carlos Amorales, del archivo líquido al esplendor geométrico". México. Revista Código, febrero de 2015.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD$10,000-$12,300 139

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THOMAS LAMMERS

(Cuernavaca, Morelos, 1980 - ) Sin título / Untitled Firmada y fechada 16 / Signed and dated 16 Escultura en corian / Sculpture of corian P / A 80 x 21 x 21 cm / 31.4 x 8.2 x 8.2 in Con certificado de autenticidad de Galería Oscar Román firmado por el artista. / With certificate of authenticity from Galería Oscar Román signed by the artist.

Estudió la licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad de las Américas, Puebla. Ha exhibido su obra en México, 9cortes en router o láser a materiales comúnmente utilizados en la industria de la construcción como son el corian y el acero inoxidable. El contraste entre estos materiales caracterizados por su solidez y resistencia con las formas planteadas, resulta en un juego etéreo de superficies sólidas, sombras, espacios y vacíos". Odette Paz. He studied Plastic Arts in Universidad de las Americas, Puebla; and has exhibited his work in Mexico, Argentina, U.S., Spain and Cuba.

“In Thomas Lammers's work we can appreciate his interest in creating a link between the organic and the industrial. In his initial process he traces intuitive forms, that are perceived as organic and at the same time abstract that flow from his hand to later summon them to industrial processes like router or laser cuts done to materials commonly used in the construction industry like corian or stainless steel. The contrast between these two materials, characterized by their solidity and resistance, result in an ethereal game of solid surfaces, shadows, spaces and voids”. Odette Paz.

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,800-$4,500 140

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RAMSÉS OLAYA

(Ciudad de México, 1981 - ) Kami (rojo), 2014 Sin firma / Unsigned Pintura automotriz sobre corte láser en lámina de acero / Automotive painting on lasered cut steel sheet 120 x 150 cm / 47.2 x 59 in Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, septiembre de 2015. / With certificate of authenticity from Galería Alfredo Ginocchio signed by the artist, September 2015.

Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la ENAP. En 2014 presentó la exposición individual "Obra reciente" en la Galería Alfredo Ginocchio.

"Ramsés Olaya es claramente un artista emergente, tanto por su edad, como por las manifestaciones tempranas de su trabajo que representan sus pulsiones vitales, donde la velocidad, la producción en masa y el rock marcan el ritmo de la vida cotidiana de su época. Como representante de la generación de los 80s, creció influenciado por los íconos y súper héroes televisivos de la cultura pop. Para Ramsés Olaya el camino de las artes visuales, ha estado poblado de dibujos, esculturas y objetos que recrean a súper héroes, en múltiples roles y soportes contemporáneos, como resinas, plásticos y acrílicos. Actualmente la obra de Olaya es el producto de una mecánica creativa, en donde fusiona el 'oficio' artesanal (recortado de papel y dibujo) y una particular y personal mirada plástica, que resultan en un conjunto de piezas que trascienden su idea original y se encuentran ahora más cerca de la abstracción". Mayra Nakatani.

He studied Bachelor of Visual Arts at ENAP. In 2014 he presented the solo exhibition "Obra reciente" at Galería Alfredo Ginocchio.

"Ramsés Olaya is evidently an emerging artist, due to his age and to the early manifestations of his work, representing his vital pulsations, where speed, mass production and rock set the pace of everyday life in his time. As an exponent of the 80's generation, he grew under the influence of pop culture TV icons and superheroes. To Ramsés Olaya, the path of visual arts has been inhabited by drawings, sculptures and objects that seek to recreate superheroes, in multiple roles and contemporary supports, such as plastic and acrylic. Currently, Olaya's work is the product of mechanic creativity, in which he merges the artisanal labor (cutting paper and drawing) with his particular and personal plastic vision, as a result, he comes up with a number of pieces that transcend his original idea and are now closer to abstraction". Mayra Nakatani.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,000-$6,700 141

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̌ ENRIQUE JEZIK

(Córdoba, Argentina, 1961 - ) Sin título / Untitled Sin firma / Unsigned Carboncillo sobre papel / Charcoal on paper 185 x 120 cm / 72.8 x 47.2 in La manipulación de información por parte de los medios de comunicación es la mayor violencia de nuestra era y Enrique Ježik retoma estos procesos violentos y los manipula para aplicarlos en su trabajo. Reflexiona sobre el poder que genera la guerra y el uso de las armas. A través de su pintura, escultura, performances, videos e intervenciones incorpora acciones de carácter destructivo, represivo y controlador que atestiguan un complejo trabajo de exploración simbólica. Sus proyectos han sido presentados en galerías de México, Argentina, Brasil, Estados Unidos, España, Francia e Italia.

Ha colaborado en bienales internacionales y expuesto su obra en importantes museos de la Ciudad de México, Nueva York, California y Buenos Aires.

The media manipulation of information is the greatest violence of our time, and Enrique Ježik retakes these violent processes and manipulates them in order to apply them to his work. He ponders upon the power generated by war and the use of weapons. Through his painting, sculptures, performances, videos and interventions he incorporates actions of a destructive, repressive and controlling nature that witness a complex labor of symbolic exploration.

His projects have been presented in galleries in Mexico, Argentina, Brazil, the United States, Spain, France and Italy. He has collaborated in international biennales and has exhibited in important museums on Mexico City, New York, California and Buenos Aires.

Fuente consultada / Source: www.enriquejezik.com

$85,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,800-$5,600

142

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BETO DE VOLDER

(Buenos Aires, 1962 - ) Sin título 17 / Untitled 17, 2011 Sin firma / Unsigned Acrílico sobre MDF imantado y chapa / Acrylic on magnetized MDF and 55 x 78 cm / 21.6 x 30.7 in Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, noviembre de 2011. / With certificate of authenticity from Galería Alfredo Ginocchio signed by the artist, November 2011.

Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano. De 2013 a 2015 participó en ferias de arte en Perú y Colombia.

Ha realizado más de 10 exposiciones individuales entre Estados Unidos, México y Argentina. Obra suya se puede encontrar en el Museo de Arte Contemporáneo y el Museo de Arte Latinoamericano de Argentina.

El trabajo de Volder es considerado bajo la línea de la abstracción. Le gusta experimentar con el dibujo y la geometría. Juega con líneas rectas y curvas que se despliegan en el espacio sin fin, utilizando el color como refuerzo para las uniones de las formas.

He studied in Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano. From 2013 to 2015 he participated in art fairs in Peru and Colombia. He has presented more than 10 solo exhibitions in the United States, Mexico and Argentina. His work can be found in Museo de Arte Contemporáneo and Museo de Arte Latinoamericano in Argentina.

Volder’s work is considered among abstraction lines. He likes to experiment with drawing and geometry. He plays with straight and curve lines that unfold into space and beyond, using color as a backup for the union of the forms.

$75,000.00-$90,000.00 M.N. USD $4,200-$5,000

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BORIS VISKIN

(Ciudad de México, 1960 - ) La mirada de Mathias, de la serie Tesoros del Rijksmuseum, 2013 Firmado / Signed Collage sobre reproducción en papel / Collage on paper reproduction 29 x 36.5 cm / 11.4 x 14.3 in Publicado en / Published in: VÉLEZ, Gonzalo. Tesoros del Rijksmuseum. México. Trouvé, 2013, catalogado 52. Libro-objeto, incluye un ejemplar. "[…] Detrás de los juegos formales y semánticos, se vislumbra la presencia reflexiva del artista: cierto escepticismo en su manera de ver el mundo, de abarcar la cultura en un sentido muy amplio y de criticarlo con la ironía penetrante del arte, con esa energía impalpable capaz de abrir ojos y alumbrar conciencias. Pero entonces, según el artista, ¿todo [los 'tesoros' del Rijksmuseum] es un engaño?

"Aparentemente sí: en realidad no hay Botticellis ni Giacomettis ni Rubens, sino sólo Boris Viskin y viejas reproducciones de grandes maestros, y entonces resulta que esta serie no trata sobre la historia del arte sino sobre el mundo contemporáneo, y por supuesto que no es el Rijksmuseum, sino nuestro aquí y ahora interpretado lúdicamente y puesto en escena por un notable artista nuestro.

La intervención plástica es aquí diálogo con el acontecer". Gonzalo Vélez. "[…] Behind formal and semantic games, the reflective presence of the artist is evident: certain skepticism in his understanding of the world, of approaching culture in a broad sense and of criticizing it with the sharp irony characteristic of art, with an intangible energy that is an eye-opener and a conscience enlightener. Then, according to the artist, is it all [the Rijksmusem 'treasures'] a delusion?

"Apparently it is: in reality there are no Botticellis, or Giacomettis or Rubens, only Boris Viskin and old reproductions of great masters, it is then that one realizes that this series is not about history of art but rather about the contemporary world, and clearly it is not the Rijksmusem, but our here and now interpreted in a ludic way and set in motion by a remarkable artist of ours. Here, the plastic intervention is a dialogue with fate". Gonzalo Vélez.

Fuente consultada / Source: VÉLEZ, Gonzalo. "Tesoros del Rijksmuseum por Boris Viskin", 2013.

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,700-$2,300 144

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BORIS VISKIN

(Ciudad de México, 1960 - ) Odisea Firmado y fechado 2008 / Signed and dated 2008 Óleo, resina plástica, hule y encausto sobre madera / Oil, plastic resin, rubber, and encaustic on wood 126 x 126 cm / 49.6 x 49.6 in Boris Viskin vivió su niñez en la Ciudad de México. Su juventud transcurrió en Israel y posteriormente vivió tres años en Florencia, donde arrancó su trayectoria pictórica. En 1985 regresó a la Ciudad de México y formó parte de los talleres de la Academia de San Carlos. Estos cambios de culturas, paisajes e idiomas han quedado plasmados en su obra.

En su trabajo son recurrentes las alusiones a obras maestras y a artistas (pintores, escritores, músicos, cineastas) que operan según estrategias y propósitos distintos: citas, paráfrasis y exégesis visuales que confieren un nuevo significado a determinado referente. También realiza homenajes con una inevitable carga de refinada provocación, y cuya originalidad radica en reactualizar la visión de un tercero en un lenguaje contemporáneo.

Una vez concretadas, sus obras suelen cobrar emotividad y llamar a la contemplación. Un rasgo notorio más, entre las características formales que han ido perfilando el estilo de Viskin, es sin duda su excelso sentido compositivo, con tendencia creciente hacia el collage y los relieves en técnicas mixtas, en un coqueteo con el constructivismo.

Hoy consolidado como uno de los creadores más destacados de su generación, principalmente de pintores, Boris Viskin desmiente en sus propuestas plásticas un estricto encasillamiento como tal, pues es un pintor "postpictórico". Ha llevado la pintura más allá.

Boris Viskin spent his childhood in Mexico City and his youth in Israel; he later lived in Florence for three years, where his artistic career began. In 1985 he returned to Mexico City and participated in Academia de San Carlos' workshops. This transitions in cultures, languages and scenery impregnate his work.

In his work, there is a presence of constant allusions to masterpieces and artists (painters, writers, musicians and cinematographers) used for various strategies and purposes: quotes, paraphrases and visual interpretations, all of which confer a new meaning to the particular element used. Also, he does these tributes with an inevitable hint of provocation, in which the originality of the piece rests upon updating the view of the spectator in a contemporary language.

Once created, his works tend to acquire emotionality and call for contemplation. A notorious trait, among the many formal characteristics that have shaped Viskin's style, is clearly his extraordinary sense of composition, with an increasing tendency towards collage and reliefs using mixed techniques, flirting with constructivism.

Today, being consolidated as one of the most remarkable creators of his generation, mainly painters, Boris Viskin rejects being classified as such, because he is a "post pictorial" painter. He has taken painting beyond.

Fuente consultada / Source: "Boris Viskin. La belleza llegará después…". México. Museo de Arte Moderno, 2016.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,670-$10,000 145

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BETSABEÉ ROMERO

(Ciudad de México, 1963 - ) Sin título / Untitled Firmado y fechado 93 / Signed and dated 93 Óleo sobre tela montado a manera de pergamino con dos vigas de madera / Oil on canvas mounted like parchment with two wooden beams 118 x 170.5 cm / 46.4 x 67.1 in Estudió Arte en París y en la Ciudad de México. Ha realizado más de 30 exposiciones individuales en México, Estados Unidos y Europa, destacando las del British Museum, Nevada Museum of Art, Neuberger Museum, Antiguo Colegio de San Ildefonso, Museo Amparo en Puebla, MARCO y Museo de Monterrey, Canberra University Museum, Museo Carrillo Gil, la Recoleta en Buenos Aires y otros más.

Desde hace más de 15 años, su trabajo se ha centrado en temas como migración, mestizaje y movilidad, reutilizando símbolos y ritos cotidianos de la cultura del consumo global, como automóviles, tatuajes y señalética urbana. Su obra interpreta los roles de género y las problemáticas del arte público y popular, abordando la permanencia y relación con el tejido social y con públicos alternativos al arte contemporáneo.

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She studied Arts in Paris and Mexico City. She has made more than 30 solo exhibitions in Mexico, the United States and Europe, among which are British Museum, Neuberger Museum, San Ildefonso College, Amparo Museum in Puebla, Monterrey MARCO Museum, Canberra University Museum, Museum Carrillo Gil, the Recoleta in Buenos Aires, among others.

For over 15 years her work has specialized in the development of a critical discourse on issues such as migration, miscegenation and mobility through reusing symbols and everyday rituals of the culture of global consumption, such as cars, tattoos, urban signage, etc. His work interprets gender roles and issues of public and popular art, addressing the permanence and relationship to the social fabric and alternative public to contemporary art.

Fuente consultada / Source: www.betsabeeromero.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N. UDS $5,000-$8,400 147

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FABIÁN CADENA MONTES

(Ciudad de México, 1975 - ) Dual I y II Sin firma / Unsigned Fotografía digital en papel metálico 2/8 / Digital Photography on metallic paper 2/8 20 x 27.5 cm cada una / 7.8 x 10.8 in each Piezas / Pieces: 2 Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Fabián Cadena Montes es un fotógrafo con más de veinte años de trayectoria especializado en fotografía de retrato, escena y reprografía de piezas de arte.

A la par del trabajo comercial ha desarrollado una línea creativa personal de lenguaje abstracto, resultado de la reconstrucción de imágenes provenientes del registro de lugares, momentos o personas que mediante un proceso de edición deriva en obras que lejos de retratar la realidad como documento, muestran las posibilidades de la fotografía como materia para producir nuevos escenarios.

Fabián Cadena Montes is a photographer with more than twenty years of experience; he specializes in portrait, scene and reprography of art pieces.

Along his commercial work he has developed a creative and personal line of abstract language, a result of the reconstruction of images that come from the registering of places, moments or people through an editing process that leads to artworks that do not seek to treat reality as a document, but rather aim to show the possibilities of photography as material that is able to produce new scenarios.

$10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $550-$840 148

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ALEJANDRO MENE Z. "MINOZ"

(Ecatepec, Estado de México, 1988 - ) Fausto en la oscuridad, 2016 Firmado y fechado 2016 / Signed and dated 2016 Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 175 x 189.5 cm / 68.8 x 74.6 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Esta obra será el arte para el cartel del cortometraje "Fausto en la oscuridad", dirigido por Israel Ahumada y producido por el Centro de Capacitación Cinematográfica, a estrenarse en 2017. / This work will be the promotional art for short film “Fausto en la oscuridad”, directed by Israel Ahumada and produced by Centro de Capacitación Cinematográfica, premiering in 2017.

Alejandro Mene Z. “Minoz” es originario del Estado de México, ahí comenzó a pintar graffiti a los 11 años de edad, desde ese momento las calles y sus muros serían la materia prima de su trabajo. A los 16 años formó el crew "Vew", con el que realizaría diversos murales en estados de México como Nuevo León, Oaxaca, Guerrero, Chihuahua, Tamaulipas, el Estado de Mexico, Ciudad de México, entre otros. Al descubrir que, en aquél entonces, no había mucho graffiti realista plasmado en las paredes de la capital, Minoz incursionó en ese género, pero siempre con un toque de fantasía e imaginación, de este modo creó un estilo único, en el que los colores, la realidad, la modernidad y la fantasía se unen, permitiéndonos viajar a un mundo casi surrealista.

Su obra se ha incluido en exposiciones y festivales en ciudades como Hamburgo, París, Guadalajara, Monterrey y Ciudad de México. En 2015 presentó la exposición individual “Atarhasis” en la galería FIFTY24MX, en 2013 expuso en Dorian Grey Gallery en Nueva York y en 2012 en

Millerntorn Gallery en Hamburgo, Alemania. Además, ha colaborado con diferentes marcas como Adidas, Carolina Herrera, Nike, DC Shoes, Corona y Jack Daniel’s.

Alejandro Mene Z. “Minoz” is originally from State of Mexico, where he began painting graffiti when he was 11 years old, and since then the streets and walls became the raw material for his work. At 16 he formed the crew “Vew”, with which he created various murals in states in Mexico like Nuevo León, Oaxaca, Guerrero, Chihuahua, Tamaulipas, Estado de Mexico, Mexico City, among others. Upon discovering that back then there wasn’t much realistic graffiti in the capital’s walls, Minoz became interested in this genre, but always using a hint of fantasy and imagination, this way he created a unique style, in which colors, reality, modernity and fantasy unite, allowing us to travel to an almost surreal world.

His work has been included in exhibitions and festivals in cities like Hamburg, Paris, Guadalajara, Monterrey and Mexico City. In 2015 he presented individual exhibition “Atarhasis” in FIFTY24MX gallery, in 2013 he exhibited in Dorian Grey Gallery in New York and in 2012 in Millerntorn Gallery in Hamburg, Germany. Furthermore, he has collaborated with different brands, like Adidas, Carolina Herrera, Nike, DC Shoes, Corona and Jack Daniel’s.

Fuente consultada / Source: DELGADO, Rodrigo. “Minoz: Arte urbano realista y fantástico”. México. Septiembre de 2015 www.mx-df.net

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,800-$4,500 149

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ALDO CHAPARRO

(Lima, Perú, 1965 - ) Sin título / Untitled Firmada y fechada 2013 al reverso / Signed and dated 2013 on the reverse Escultura en aluminio dorado anodizado / Sculpture in gold anodized aluminum 190 x 147 cm aproximadamente / 74.8 x 57.8 in approximately Agradecemos al Maestro Aldo Chaparro por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2016. / We are grateful to the artist Aldo Chaparro for confirming the authenticity of this work, April 2016.

Procedencia / Provenance: adquirido directamente al artista / acquired from the artist.

“El acero inoxidable no tiene color, su superficie no tiene información, esta proviene de lo que lo rodea, en cierto sentido son como camaleones.

“Mi interés por las superficies que reflejan ha estado conmigo desde siempre. La seducción que una superficie reflejante genera en muchos de nosotros no se compara a nada. En mi caso yo lleve eso un poco más allá cuando a la superficie de espejo le sume el color con la pintura electrostática. La característica de los colores que yo uso es que son translúcidos, es decir puedes ver el reflejo del acero a través del color. Se trata de una pátina que hace que el color vibre de una forma especial; la superficie brillante apuntala el sentimiento de deseo y de lujo que la experiencia de un chocolate o un dulce conllevan.

Por otro lado los espejos siempre me han intrigado; Borges decía que los espejos son objetos aterradores y que nos hemos acostumbrado a su presencia”. Aldo Chaparro.

“Stainless steel has no color, its surface has no information, this comes from what surrounds it, in a sense, they are chameleons.

“My interest for reflective surfaces has always been with me. The seduction that a reflective surface generates in many of us cannot compare to anything. In mi case, I took this further when I added color to the mirror-like surface with electrostatic painting. The characteristic of the colors I use is that they are translucid, meaning you can see the steel’s reflection through color. It is a patina that makes the color vibrate in a special way; the shining surface underpins the feeling of desire and luxury that a chocolate or candy make you experience. On the other hand, mirrors have always intrigued me; Borges said that mirrors are terrifying objects and that we have grown accustomed to their presence”. Aldo Chaparro.

Fuente consultada / Source: www.aldochaparro.com

$350,000.00-$450,000.00 M.N. USD $19,500-$25,000

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ALDO CHAPARRO

(Lima, Perú, 1965 - ) Sin título / Untitled Firmada y fechada 2013 al reverso / Signed and dated 2013 on the reverse Escultura en aluminio dorado anodizado / Sculpture in gold anodized aluminum 188 x 151 cm medidas aproximadas / 74 x 59.4 in approximately Agradecemos al Maestro Aldo Chaparro por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2016. / We are grateful to the artist Aldo Chaparro for confirming the authenticity of this work, April 2016.

Procedencia / Provenance: adquirido directamente al artista / acquired from the artist.

La obra de Aldo Chaparro forma parte de importantes colecciones a nivel internacional como: Fundación / Colección Jumex, la Colección Coppel, Cisneros Fontanals Art Foundation en Miami, The Helga de Alvear Foundation en España, Simon de Pury en Londres, Douglas Baxter's Collection en Nueva York, Collection Guler Sabanci en Estambul, Turquía y Pierre Huber Collection en Suiza, entre otras.

Aldo Chaparro's work belongs to internationally important collection like Fundación / Colección Jumex, Colección Coppel, Cisneros Fontanals Art Foundation in Miami, The Helga de Alvear Foundation in Spain, Simon de Pury in London, Douglas Baxter's Collection in New York, Collection Guler Sabanci in Istanbul and Pierre Huber in Switzerland, among others.

$350,000.00-$450,000.00 M.N. USD $19,500-$25,000 152

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DAMIEN HIRST

(Brístol, Reino Unido, 1965 - ) Psalm 8: Domine, Dominus noster - Non diamond dust, 2014 Firmada / Signed Serigrafía con polvo de diamante / Screenprint with diamond dust 39/50 70 x 70 cm área impresa, 74 x 71.5 cm total del papel / 27.5 x 27.5 in printed area, 29.1 x 28.1 in overall Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, enero de 2014. / With certificate of authenticity from Galería Alfredo Ginocchio, January 2014.

Publicada por / Published by: Other Criteria.

Las mariposas han sido una constante en la obra de Hirst desde 1989 y se convirtieron en un ícono artístico a partir de los 90.

En 2008 Hirst realizó una serie de 150 obras hechas con alas de mariposa sobre lienzos pintados. Cada una fue titulada como un salmo del Antiguo Testamento. Las piezas de la serie se presentan en diversas formas y tamaños, así como también pueden ser interpretadas como naturaleza muerta, exploraciones de belleza, religión y muerte. La serie completa nunca ha sido expuesta.

"Todo el mundo está asustado del vidrio, todo el mundo está asustado de los tiburones, todo el mundo ama a las mariposas".

Damien Hirst.

Butterflies have been a constant element in Hirst's work since 1989 and became an artistic icon during the 90's. In 2008, Hirst made a series consisting of 150 works made with butterflies' wings on painted canvases. Each one of them was titled like an Old Testament's psalm. The pieces of the series present different shapes and sizes, and can be interpreted as still life, explorations of beauty, religion and death.

"Everyone's frightened of glass, everyone's frightened of sharks, everyone loves butterflies". Damien Hirst.

Fuente consultada / Source: www.damienhirst.com

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,700-$11,200 153

a

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DAMIEN HIRST

(Brístol, Reino Unido, 1965 - ) Meprobamate plus Controlled substances key spot set, de la serie Pharmaceutical, 2015 Firmadas / Signed Serigrafías / Screenprints 62/150 a) 49 x 73 cm área impresa, 69 x 93 cm total del papel / 19.2 x 28.7 in printed area, 27.1 x 36.6 in overall b) 30.5 x 30.5 cm área impresa, 50 x 48 cm total del papel / 12 x 12 in printed area, 19.6 x 18.8 in overall Piezas / Pieces: 2 Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, junio de 2016. / With certificate of authenticity from Galería Alfredo Ginocchio Arte, June 2016.

Publicada por / Published by: Other Criteria.

Esta pieza forma parte de la serie "Pharmaceutical", la cual se compone de puntos de colores como si fuesen píldoras perfectamente organizadas en un tablero, fácil y atractivas de tomar. Cada pieza de la serie es única, con distintas cantidades de puntos y en diversos tamaños. Así mismo, cada pieza esta titulada como un medicamento, en este caso Meprobamato, que es usado para tratar los síntomas de la ansiedad, un tranquilizante que desacelera la actividad cerebral. Lo que Hirst intenta meticulosamente es una serie sin fin, un experimento del desequilibrio de las sensaciones mecánicas y emocionales producidas por los fármacos y causadas por la intervención humana con la ciencia.

154

b

This piece belongs to "Pharmaceutical" series, which is made up of small colored objects that seem as if they were dots perfectly ordered in a board, easy and attractive to touch. Each piece of the series is unique, with different amounts of dots and diverse sizes. Also, each piece is titled like a medicine, in this case, Meprobamate, that is used to treat anxiety symptoms, a tranquilizer that deaccelerates cerebral activity. What Hirst is meticulously trying to do is a series with no end, an experiment of disequilibrium of mechanical and emotional sensations produced by pharmaceutical drugs and caused by human intervention in science.

Fuentes consultadas / Sources: www.damienhirst.com y https://othercriteria.com

$250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,900-$16,700 155

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TIM ALLEN

(Manchester, Reino Unido, 1950 - ) Blaze (For N.F.) Firmado y fechado 2002 al reverso / Signed and dated 2002 on the reverse Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 75 x 133 cm / 26.5 x 52.3 in "Durante los últimos seis o siete años mi obra ha intentado reunir un número de contradictorios o temas que hayan aparecido en mi trabajo en los últimos cuarenta más que la suma de las partes y que generen una respuesta extensa en quien las vea, limitar esta respuesta al tratar de definir su 'contenido' de manera demasiado rígida".

elementos formales disparatados y a veces y cinco años. Espero que las pinturas sean tanto emocional como intelectual. No quiero Tim Allen.

"My work over the last six to seven years has attempted to draw together a number of disparate, sometimes contradictory, formal elements and subjects or themes that have all featured in my work over the last forty five years at different times. I hope that the paintings are more than the sum of their parts and that they can generate a broad response in whoever's looking at them, emotionally and intellectually. I don't want to limit this response by trying to define their 'content' too rigidly". Tim Allen.

Fuente consultada / Source: University of East London www.uel.ac.uk

$40,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,300-$2,800 156

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FRANCISCO VALVERDE

(Cuernavaca, Morelos, 1972 - ) E-42 Firmado y fechado 2014 / Signed and dated 2014 Poliuretano sobre MDF / Polyurethane on MDF 80 x 120 cm / 31.4 x 47.2 in Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio. / With certificate of authenticity from Galería Alfredo Ginocchio.

Francisco Valverde estudió la Licenciatura en Arte en Art Center College of Design en Pasadena, California. Ha participado en un gran número de exposiciones tanto nacionales como internacionales, individuales y colectivas, y ha sido seleccionado en 2004 y 2016 en la Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Apasionado por el arte urbano, Francisco participó recientemente en The Street Is Yours Project en el Estado de México. Y produjo una intervención urbana en el festival "SMART Art Festival 2015" en San Miguel de Allende, México.

Trabaja grandes formatos, usando dispensadores de botellas rellenos de materiales sintéticos de colores en lugar de pintura y pinceles. Su objetivo era el de recrear el elemento esencial: la línea. El resultado consistía en líneas imperfectas que rechazaban la característica manera de representar la línea. Actualmente, su trabajo usa materiales plásticos para aumentar la complejidad.

Francisco Valverde obtained a BA in Fine Arts at the University Art Center College of Design in Pasadena, CA. He has participated in numerous domestic and international solo and group exhibitions, and has been selected in the 2004 and 2016 Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Passionate about public and urban art, Francisco recently participated in The Street Is Yours project in the State of Mexico. And, in 2015, the artist produced an urban intervention at the "SMART Art Festival 2015" in San Miguel de Allende, Mexico.

He works on large canvases, using bottle dispensers filled with colorful synthetic materials instead of traditional paints and brushes.

His goal was to re-create the essential element: the line. The resulting lines were imperfect and denied the traditional representative characteristic of a line. His work currently utilizes plastic materials to build complexity.

Fuente consultada / Source: www.slateart.net

$50,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,800-$3,400 157

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GABRIEL DE LA MORA

(Colima, Colima, 1968 - ) SFJ.8P Firmado y fechado 00 / Signed and dated 00 Grabado al aguafuerte y aguatinta / Etching and aquatint engraving 68/100 39.5 x 49.5 cm / 15.5 x 19.4 in Con sello de agua del impresor Jorge Pérez / With blindstamp of printer Jorge Pérez Muchos críticos de arte califican a Gabriel de la Mora como uno de los artistas más relevantes de la actualidad, con piezas al nivel del trabajo de Gabriel Orozco y Julio Galán. Obtuvo su Licenciatura en Arquitectura por la Universidad Anáhuac en México, Maestría en Fotografía y Video en Nueva York y estudios en la Escuela de Diseño y Bellas Artes de Saint-Étienne en Francia, preparaciones que garantizaron parte de su carrera profesional.

Sus obras han sido expuestas en infinidad de galerías y museos en países de América, Europa y Asia. Desde el 2008 ha realizado casi 28 exposiciones individuales y sólo entre 2015 y 2016 ha participado en un poco más de 18 muestras colectivas. La Colección Jumex, Museo de Arte Moderno de México, El Museo del Barrio de Nueva York, Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, Colección Fundación Televisa y el Museo de las Américas en Washington, entre muchos más cuentan con obra suya en sus acervos.

Many art critics qualify Gabriel de la Mora as one of the most relevant current artists, with pieces that reach Gabriel Orozco's and Julio Galán’s level. He graduated from Architecture in Universidad Anahuac de Mexico, obtained a Master’s degree in Photography and Video in New York and studied in the School of Design and Arts of Saint-Étienne in France, all of which prepared him for a successful career.

His works have been exhibited in numerous galleries and museums in America, Europe and Asia. From 2008 he has presented almost 28 solo shows, and just between 2015 and 2016 he has participated in more than 18 collective exhibitions. La Colección Jumex, Museo de Arte Moderno in Mexico, Museo del Barrio in New York, Museum of Contemporary Art in Los Angeles, Colección Fundación Televisa and Art Museum of the Americas in Washington are some of the institutions that own some of his works.

Fuente consultada / Source: www.gabrieldelamora.com

$12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $700-$1,150 158

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GABRIEL DE LA MORA

(Colima, 1968 - ) 20 nudos, 2008 Firmado al reverso / Signed on the reverse Pelo humano sobre papel / Human hair on paper 31.5 x 25 cm medidas totales / 12.4 x 9.8 in overall Con certificado de autenticidad del artista, junio 2014 / With certificate of authenticity signed by the artist, June 2014 De la Mora es un artista multifacético, atrevido, explorador de ideas, curioso, minucioso y hasta obsesivo con su trabajo. Ha llevado sus obras a nivel internacional, algunas de ellas inspiradas en su familia y en la investigación científica del arte. Durante cinco años De la Mora ejerció la arquitectura hasta que tuvo un gran colapso familiar y a los 25 años abandonó esta profesión, para dedicarse de lleno al arte. A causa de esto y otras cosas más, su trabajo se relaciona a algunos acontecimientos familiares.

Lo curioso y atractivo de su obra es que utiliza diversos métodos artísticos nada tradicionales, basados en el interés por el coleccionismo, la deconstrucción de imágenes por medio del fuego, captura de espíritus en fotografías y hasta el uso o reuso de objetos obsoletos que parecen haber concluido su vida utilitaria, como es el caso de uñas y cabello humano como material primario.

Todo inició cuando cursaba sus estudios en Nueva York y comenzó a observar que su cabello se dispersaba y adelgazaba lo que despertó su interés por este elemento como material e empezó a recolectar cabello humano según su textura, color, grosor y tamaño. Ha realizado cientos de obras utilizado el cabello como línea de dibujo, haciendo con ellos efectos de contrastes. Las primeras piezas fueron retratos de sus sobrinos combinando el cabello natural con el sintético. Posteriormente las piezas cambiaron a ser conjuntos geométricos reorganizados y fragmentados, círculos, nudos y líneas rectas y onduladas. Los títulos de estas piezas aluden a la cantidad de cabello y de nudos que la componen.

Piezas como estas enfatizan la personalidad coleccionista y obsesiva del artista, son alegorías al elemento más íntimo, trabajo casi místico sobre una deconstrucción de este material a través del tiempo. “Le otorgo visibilidad al aura del objeto, comprimiendo su inmaterialidad, el cual, una vez removido de su narrativa previa y puesto en un contexto de exhibición, parece a su vez estar mirándonos”. Gabriel de la Mora.

De la Mora is a multi-faceted artist, bold, explorer of ideas, curious, meticulous and even obsessive about his work. He has taken his works to an international level, some of them inspired by his family and the scientific investigation of art. For five years, De la Mora practiced as an architect, until he had a family collapse and therefore when he was 25 he abandoned this profession in order to dedicate himself to art. This is why his work is related to family events.

What is most interesting and attractive about his work is how he uses diverse artistic methods that are far from traditional, based on his interest for collecting, deconstructing images with fire, capturing spirits with photographs and even using obsolete objects that seem as if their utilitarian life has ended, such as fingernails and human hair as the main material.

It all began when he was studying in New York and discovered that his hair was scattering and thinning, which awakened an interest for this element as a material for his work, so he started collecting human hair according to texture, color, thickness and size. He has produced hundreds of works using hair as a line of drawing, creating contrasts with it. The first pieces where portraits of his nephews, combining human hair with synthetic hair. Later, his pieces changed and became rearranged and fragmented geometric compositions, circles, knots and lines straight and wavy. The titles of these pieces come from the amount of hair and knots they are made of.

Artworks like these emphasize the artist’s personality, collector and obsessive, with a very intimate element, it is an almost mystical work about the deconstruction of the material through time. “I grant visibility to the object’s aura, compressing its immateriality, to which, once removed from its previous narrative and place it in an exhibition context, it seems as it is observing us”. Gabriel De la Mora.

Fuentes consultadas / Sources: CRUZ, Pedro. “La obra del mexicano Gabriel de la Mora. Posmodernidad y tradición”. México, 2012; “Pulsión y método”. Gabriel de la Mora, Madrid, 2011 y www.gabrieldelamora.com

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,400-$12,300 159

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EVA VALE

(Ciudad de México, 1983 - ) Testigo E, de la serie Testigos presenciales Firmado y fechado 2014 al reverso / Signed and dated 2014 on the reverse Acrílico y tinta sobre MDF / Acrylic and ink on MDF 200 x 122 cm / 78.74 x 48.03 in Con certificado de autenticidad de la artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Es egresada de La Esmeralda y cursó estudios en The School of Visual Arts en Nueva York. Ha sido docente en su alma mater y en Miami Ad School. Su trabajo ha sido seleccionado para ferias y espacios como Art Revolution Taipei, Art House Atlanta, La Joven Estampa Cuba, Arte Joven México, Animal Celebration Mexico City y Zona Maco. Cuenta con 16 exposiciones individuales y ha participado en numerosas muestras colectivas. Es creadora de “La Virgen de los migrantes”, pieza bendita por el Papa Francisco en su pasada visita a México y que actualmente está de gira en Estados Unidos.

She graduated from La Esmeralda and studied at the prestigious School of Visual Arts in New York. She has taught at his alma mater and Miami Ad School. Her work has been selected in art fairs and spaces such as Art Revolution Taipei, Art House Atlanta, La Joven Estampa Cuba, Arte Joven Mexico, Animal Celebration Mexico City and Zona Maco. She has presented 16 solo shows and has participated in numerous group exhibitions. She is the creator of “La Virgen de los migrantes”, a piece blessed by Pope Francis in his last visit to Mexico and is currently on tour in the United States.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,400-$11,200 160

161

122 EVA VALE (Ciudad de México, 1983 - )

De la serie Wrapping paper dolls

Sin firma / Unsigned Grafito y tinta sobre papel de envoltura Prada / Graphite and ink on Prada wrapping paper 54.5 x 22.5 cm / 21.4 x 8.8 in Con certificado de autenticidad de la artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Su obra tiene como misión crear diálogos íntimos que conectan su visión personal con la universal.

Eva Vale explora la conexión interpretativa y de percepción que tenemos en torno a nuestro bagaje personal. Estos diálogos juegan con una noción emocional. La experimentación, búsqueda y resignificación de materiales que van desde madera y placas de aluminio, a tickets, accesorios de marcas de lujo, billetes, así como sus grandes formatos, la han mantenido en continua renovación, gracias a esto ha desarrollado una línea propia y reconocible a simple vista.

Eva Vale ha construido alianzas inteligentes con marcas como Audi, Adidas, Coca-Cola, Samsung y Kartell, a manera de generar un altavoz para abrir las redes del arte, convirtiéndose así, en una de las jóvenes promesas del arte contemporáneo.

Her work’s mission is to create intimate dialogues that connect her personal vision with the universal.

Eva Vale explores the interpretive and perceptive connection that we have around our personal background. These dialogues play with an emotional concept. Experimentation, search and resignification of materials ranging from wood and aluminum plates, to tickets, luxury brands accessories, bills, and her huge formats, have kept her constantly renewed, thanks to this she has developed her own line and recognizable naked eye.

Eva Vale has built smart partnerships with brands such as Audi, Adidas, Coca-Cola, Samsung and Kartell, a way to generate a voice for opening art networks, making her one of the young promises of contemporary art.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,800-$3,900 162

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VÍCTOR RODRÍGUEZ

(Ciudad de México, 1970 - ) Pink pearls Firmado y fechado Nov. 9 2006 NYC al reverso / Signed and dated Nov. 9 2006 NYC on the reverse Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 213 x 198 cm / 83.9 x 78 in Agradecemos al Maestro Víctor Rodríguez y a Ricardo Reyes, representante en México del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2013. / We are grateful to Víctor Rodríguez and Ricardo Reyes for their assistance verifying the authenticity of this work, September 2013.

Publicado en / Published in: www.victorrodrigueznyc.com De formación autodidacta, desde 1997 vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Ha exhibido de forma individual en ciudades como: Madrid, París, Ciudad de México, California, Milán, Berlín, Nueva York, Panamá y Monterrey. Su obra ha sido galardonada en importantes certámenes como la Bienal de Pintura Rufino Tamayo, Bienal Monterrey FEMSA, Encuentro Nacional de Arte Joven, entre otros.

"De vocación voyerista, Rodríguez pinta mujeres que son un arquetipo que se convierte en un pretexto pictórico. Dice que busca crear un 'lenguaje pictórico, universal, muy fácil de absorber y de entender', nunca se sintió cómodo haciendo cosas que requerían de una explicación sofisticada.

"Las mujeres que pinta dejan su condición humana, son un vehículo para analizar el color y la forma, para desprender del hiperrealismo a la interpretación y la alteración. Una trayectoria en el gran formato, en el que la pincelada limpia y precisa, con colores violentos y deslumbrantes hace de la realidad una ficción delirante. La presencia femenina es una dualidad que manifiesta la lejanía de la pintura y el realismo fotográfico". Avelina Lésper.

He is a self-taught artist and, since 1997, lives and works in Brooklyn, New York. He has exhibited individually in cities such as Madrid, Paris, Mexico City, California, Milan, Berlin, New York, Panama and Monterrey. His work has been awarded in important venues such as Bienal de Pintura Rufino Tamayo, Bienal Monterrey FEMSA, Encuentro Nacional de Arte Joven, among others.

"Of voyeuristic vocation, Rodríguez paints women that are an archetype that transforms itself into a pictorial pretext. He says that he seeks to create a 'language that is pictorial, universal, easy to absorb and understand', he never felt uncomfortable doing things that required a sophisticated explanation.

"The women he paints abandon their human condition and become a vehicle to analyze color and form, to part from hyperrealism to interpretation and alteration. A trajectory within the large format, in which a clean and precise brushstroke, with violent dazzling colors turn reality into a delirious fiction. Female presence is a duality that manifests the distance of painting from photographic realism". Avelina Lésper.

Fuente consultada / Source: LÉSPER, Avelina. "Víctor Rodríguez". México. El milenio visto por el arte, Milenio, 20 de julio de 2013, http://arte. milenio.com/artistas/14victor

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,000-$13,900 163

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RIGEL HERRERA

(Guadalajara, Jalisco, 1975 - ) Poltrona rosa, 2015 Firmado / Signed Óleo y hoja de oro sobre tela, díptico enmarcado junto / Oil and golden leaf on canvas, diptych framed together 91 x 63 cm medidas totales / 35.8 x 24.8 in overall Con certificado de autenticidad de la artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Rigel estudió la Licenciatura en Artes Plásticas en La Esmeralda. En 1996 fundó La Masmédula galería. En 2000 recibió mención honorífica en el Salón Internacional de Artes Plásticas de Barcelona. Ha participado en más de 80 exposiciones en museos y galerías de México, Estados Unidos, Francia, Irlanda y Japón.

Su trabajo está enfocado en la figura femenina presentada de forma sensual, con poses y acciones atractivas y eróticas que dejan el deseo a la imaginación.

Rigel studied Fine Arts at La Esmeralda. In 1996 he founded La Masmédula gallery. In 2000 she received honorable mention at the International Exhibition of Plastic Arts in Barcelona. She has participated in over 80 exhibitions in museums and galleries in Mexico, the United States, France, Ireland and Japan.

Her work is focused on the sensuality of the female figure, presented with attractive and erotic poses and actions that leave the desire to imagination.

Fuente consultada / Source: www.rigelherrera.com

$20,000.00-$40,000.00 USD $1,150-$2,300 164

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ESCOTO + CARRARA

Federico Escoto (Ciudad de México, 1981 - ) & Roberto Carrara (Ciudad de México, 1982 - ) Cinestésica Firmado y fechado 2013 al reverso / Signed and dated 2013 on the reverse Óleo sobre tela / Oil on canvas 120 x 70 cm / 47.2 x 27.5 in Con certificado de autenticidad de los artistas. / With certificate of authenticity signed by the artists.

Federico es pintor de formación prácticamente autodidacta, Roberto aprendió de su padre el oficio de la fotografía. A más de 10 años de colaborar juntos, su obra engaña a quien la observa, pues el lenguaje compartido por ambos artistas impide en ocasiones notar de primera vista la diferencia entre pigmentos sobre tela e imagen digital.

Su obra se ha exhibido en importantes espacios como el Museo Universitario del Chopo, el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, la galería Henaine Fine Art en Nueva York y Art Basel Miami, además se encuentra en colecciones particulares en países como México, Alemania, Estados Unidos y Brasil.

"Nos gusta tomar elementos que provienen de lo real, lo material, lo físico y transformarlos a través del uso desmedido

del color para salir de sí mismos, como un psicotrópico visual que requiere el reconocimiento de lo tangible para mostrar lo que no lo es. Descomponiendo los códigos de color que existen en la realidad, nuestra obra oscila ente lo figurativo fotorrealista y lo óptico - abstracto". Escoto + Carrara.

Federico is a self-taught painter; Roberto learned photography from his father. Having worked together for more than 10 years, their artwork can deceive the viewer, as their shared language makes it difficult to notice at first the differences between pigments on canvas or digital image.

Their work has been exhibited in important spaces, such as Museo Universitario del Chopo, Museo de Arte Moderno in Mexico City, Henaine Fine Art gallery in New York and Art Basel Miami, and it is also included in private collections in countries like Mexico, Germany, the United States and Brazil.

"We like taking elements that come from what is real, material, physical and transforming them through the excessive use of color in order to make them come out of themselves, as a visual psychotropic that requires the recognition of the tangible world to reveal what is not tangible. By decomposing color codes that exist in reality, our work oscillates between figurative photorealism and optic abstraction". Escoto + Carrara.

$35,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,000-$2,800 165

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JOSÉ ANTONIO FARRERA

(Ciudad de México, 1964 - ) Daniela Firmado y fechado 2012 al reverso / Signed and dated 2012 on the reverse Óleo sobre tela / Oil on canvas 50 x 50 cm / 19.6 x 19.6 in Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. / With certificate of authenticity from Aldama Fine Art. Publicado en / Published in: PEREDA, Juan Carlos et ál. José Antonio Farrera. Óleos. México. Aldama Fine Art, 2013, pp. 85 y 95, catalogado 26.

Es Licenciado en Artes Plásticas por La Esmeralda y Maestro en Artes Visuales especializado en el área de gráfica por la Academia de San Carlos. Su trayectoria ha sido distinguida en certámenes como la II Bienal Alfredo Zalce en 1999, la I Bienal de Pintura Pedro Coronel en 2008, la I Bienal de Pintura Gómez Palacio y la Bienal de Pintura Julio Castillo, ambas en 2008, y la Bienal Nacional Alfredo Zalce en 2011. En 2010 ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA. Su obra se encuentra en importantes colecciones como la del Museo de Arte Moderno, la Secretaría de Relaciones Exteriores, Fundación Cultural Omnilife, Instituto Cultural Domecq, entre muchas otras.

Farrera nos entrega obras que impactan por su opulencia creativa, son obras de grandes contrastes y al mismo tiempo de grandes encuentros tranquilizadores, son obras resultado de un enorme conocimiento del oficio, de la tradición y del buen hacer, al mismo tiempo son contemporáneas, vivas y explosivas.

He graduated in Plastic Arts from La Esmeralda and has a Master's degree in Visual Arts specialized in graphics, from Academia de San Carlos. His trajectory has been distinguished in contests such as II Bienal Alfredo Zalce in 1999, I Bienal de Pintura Pedro Coronel in 2008, I Bienal de Pintura Gómez Palacio and Bienal de Pintura Julio Castillo, both in 2008 and Bienal Nacional Alfredo Zalce in 2011. In 2010 he entered Sistema Nacional de Creadores de Arte by FONCA. His work can be found in important collections such as Museo de Arte Moderno, Secretaría de Relaciones Exteriores, Fundación Cultural Omnilife, Instituto Cultural Domecq, among others.

Farrera delivers works that astonish with their creative opulence; his works are made up of big contrasts and at the same time great tranquilizing encounters, they are a result of an enormous knowledge of the craft, of tradition and good skill, at the same time they are contemporary, alive and explosive.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,300-$3,400 166

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JOSÉ ANTONIO FARRERA

(Ciudad de México, 1964 - ) Desnudo barroco (a G. Gedovius) Firmado y fechado 2016 al reverso / Signed and dated 2016 on the reverse Óleo sobre tela / Oil on canvas 140 x 120 cm / 55.1 x 47.2 in Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. / With certificate of authenticity from Aldama Fine Art. Es considerado como uno de los autores más significativos del género del desnudo de su generación, en 2014 participó en la muestra "El hombre al desnudo. Dimensiones de la masculinidad a partir de 1800" que se presentó en el Museo Nacional de Arte.

En las obras de Farrera la mujer es ante todo, una fuerza vital que se yergue con el solo poder de una corporeidad plena en la medida en que se aparta de los cánones de una belleza forzosa, tradicionalmente impuesta como obligación y razón de ser del género femenino. José Antonio usa el virtuosismo técnico que le permite manejar luces, sombras, proporciones y texturas a su antojo para un interesante propósito: crear una tensión constante dentro y fuera del cuadro, una peculiar relación de poder en la que por momentos no sabemos si nosotros miramos a las mujeres o son ellas quienes nos miran a nosotros.

La serie "Bouquets", que ha desarrollado a la par de los retratos y desnudos, comenzó como un ejercicio en torno al color y la composición mediante una paleta específica, explosiva y contundente. Le ha permitido crear metáforas en torno a la naturaleza, que exacerbada se expande infinitamente por el sustrato; el crecimiento de los elementos es referente de la fuerza brutal de la naturaleza misma.

"Desnudo barroco (a G. Gedovius)" muestra la conjunción de estos dos géneros en un homenaje basado en el cuadro del mismo

nombre de la autoría de Germán Gedovius y que forma parte de la colección permanente del MUNAL. He is considered one of the most relevant artists in the nude genre of his generation, in 2014 he participated in "El hombre al desnudo. Dimensiones de la masculinidad a partir de 1800", presented in Museo Nacional de Arte.

In Farrera's work, women are above all, a vital force that stands with the power of complete corporeity as it gets apart from the canons of forced beauty, traditionally imposed as an obligation and a reason of existence for the female gender. José Antonio uses technical virtuosity that allows him to manipulate lights, shadows, proportions and textures to his liking, serving an interesting purpose: creating a constant tension in and out of the painting, a peculiar power play in which we often don't know if we look at the women or if it is them who look at us.

The "Bouquets" series, which he has developed along portraits and nudes, began as an exercise around color and composition using a specific palette, explosive and overwhelming. This has allowed him to create metaphors about nature, that when intensified, expands to infinity; the growth of the elements refer to the brutal force of nature itself.

"Desnudo barroco (a G. Gedovius)" shows the conjunction of these two genres in a tribute based on the painting by the same name by Germán Gedovius that is part of MUNAL's permanent collection.

Fuente consultada / Source: ALDAMA, José Ignacio et ál. José Antonio Farrera. Óleos. México. Aldama Fine Art, 2012.

$120,000.00-$160,000.00 M.N. USD $6,700-$8,900 167

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HERBERT BAGLIONE

(São Paulo, Brasil, 1977 - ) Past, present & future #4, 2013 Sin firma / Unsigned Tinta y gouache sobre papel / Ink and gouache on paper 45 x 35 cm / 17.7 x 13.7 in Con certificado de autenticidad de FIFTY24MX. / With certificate of authenticity from FIFTY24MX. A lo largo de los últimos años, Herbert Baglione se ha posicionado como uno de los principales artistas contemporáneos de Brasil.

Trabaja tanto murales callejeros, como instalación y obras de estudio, con rasgos que iluminan dilemas existenciales y los peligros de la modernidad y la vida urbana aislada.

Por medio del uso de frases caligráficas y personajes, distorsiona, estira y retuerce las formas para reflexionar sobre el culto al ego en nuestra sociedad. Baglione también ha experimentado con la fotografía, el video y la instalación, presentándolo en galerías y museos de Colombia, Brasil, Europa y los Estados Unidos. En 2013, presentó su muestra individual "Obituary" en FIFTY24MX, presentada por Juxtapoz América Latina.

For over the past years, Baglione has become one of Brazil's leading contemporary artists. He works on street murals, installation, and fine art, with traits that illuminate existential dilemmas and the perils of modernity and isolated urban life.

Through the use of caligraphy, phrases and characters, he distorts, stretches, and twists to reflect upon our worship of the ego in society. Herbert has also experimented with photography, video and installation, presenting his work in galleries and museums in Colombia, Brazil, Europe and the United States. In 2013, he presented his solo show “Obituary” at FIFTY24MX, organized by Juxtapoz Latin America.

Fuente consultada / Source: “Herbert Baglione "Obituary" @ FIFTY24MX gallery, Mexico City” www.juxtapoz.com

$20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,150-$1,700 168

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FRANCESCA DALLA BENETTA

(Florencia, Italia, 1977 - ) Auntenticitá (retrato de Maria Cappello), 2014 Firmada / Signed Escultura en resina policromada con tintas / Sculpture in polychrome resin with inks 46 x 36 x 33 cm / 18.1 x 14.17 x 12.9 in Con certificado de autenticidad de la artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Exhibida en / Exhibited at: "Identitá transitorie", Fundación Sebastian, 2014 y Universidad Iberoamericana, 2015.

"Anatomía del sogno", Traeger & Pinto Arte Contemporáneo, 2015.

"Sogni, memorie e fantasie", Casa de Arte Málaga, 2015.

Publicada en / Published in: www.francescadallabenetta.com Estudió Artes Plásticas en la Accademia di Brera en Milán, posteriormente se especializó en escultura y efectos especiales en la escuela Cinelife en Milán y en Studio Rocchetti & Sodano en Roma. Por un tiempo se dedicó a la caracterización para efectos especiales, una forma de explorar continuamente un concepto que siempre le ha interesado y ha estado presente en su obra: la transformación de los cuerpos y la deformación, con la aspiración de crear un mundo donde la realidad y el sueño se fundan.

En 2006 fue invitada a trabajar en la película "Apocalypto", así llegó a México, donde decidió quedarse. A partir de 2011 comenzó su participación en múltiples exhibiciones en distintas galerías y museos del país, habiendo presentado a la fecha 15 muestras individuales.

En el proyecto "Identitá transitorie", Francesca Dalla Benetta exploró los estadíos emocionales que experimenta el migrante, evidenciando cómo es que el vivir en un país extranjero genera una importante posibilidad: elegir entre el pasado y presente, entre lo nuevo y lo viejo. A partir de lo anterior, Francesca comparó su propia experiencia con la de otros inmigrantes italianos en México

y para ello realizó una entrevista y retrató a casi 40 italianos que radican en el país. El resultado de esta exploración fueron figuras humanas (retratos) que se fusionan con elementos fantásticos, pero haciendo un especial énfasis en sus expresiones, sugiriendo maravillosas historias de vida.

She studied Plastic Arts in Accademia di Brera in Milan, she later specialized in sculpture and special effects in Cinelife school in Milan and Studio Roccheti & Sodano in Rome. For a while she focused on characterization for special effects, a way of continuously exploring a concept that she has always found interesting and has been present in her work: the transformation and deformation of bodies, with an aspiration of creating a world where reality and dreams become one.

In 2006, she was invited to work on film "Apocalypto", this is how she came to Mexico, where she decided to stay.

In 2011, she began participating in multiple exhibitions in galleries and museums in our country, having presented to this day 15 solo shows.

In the project "Identitá transitorie", Francesca Dalla Benetta explored the emotional stadiums that an immigrant experiments, evidencing how living in a foreign country generates an important possibility: choosing between the past and the present, between the old and the new.

Consequently, Francesca compared her own experience with that of other Italian immigrants in Mexico and for that purpose she interviewed and portrayed almost 40 Italians that live in this country. The result for this project were human figures (portraits) that fuse with fantastic elements, making special emphasis on their expressions, suggesting wonderful life stories.

Fuentes consultadas / Sources: "Identitá transitorie. Francesca Dalla Benetta" & www.francescadallabenetta.com

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,300-$3,400 169

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GUILLERMO DEL CASTILLO

(Ciudad de México, 1956 - ) Señoritos y señorcitos Firmado y fechado 2014 / Signed and dated 2014 Collage, vinílica, grafito y textil sobre cartón sobre tela / Collage, vinyl, graphite and textile on cardboard on canvas 125.5 x 159 cm / 49.2 x 62.5 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Con etiqueta del artista adherida al reverso. / With artist's label on the reverse.

Exhibido en / Exhibited at: "Guillermo Del Castillo. Imperios personales", Four Points by Sheraton Ciudad de México, 2015.

Desde muy joven incursionó en la pintura. En los años setenta participó en varias exposiciones, entre ellas: "Tres jóvenes valores de la plástica" y "Minimuseo de Arte de México", colectiva itinerante que recorrió varias ciudades de México y Estados Unidos.

Tras desarrollar una fructífera carrera como publicista, decidió retomar su actividad pictórica, la cual se vio notoriamente enriquecida por su experiencia profesional. Su lenguaje combina el collage y técnicas mixtas, con los que aborda de manera irónica temas actuales y los relaciona con obras icónicas de la tradición pictórica europea y hasta temas pop de la actualidad.

"Entre a.C. y d.C., entre brocados, símbolos y significados, una tribu de rupestres señorcitos puede coexistir con Sir Charles Walton, Cesare Alessandro Scaglia di Verrua (por Van Dyck), otro señorito no identificado (con todo y abanico) y la caminante silueta de Simon Templar 'El Santo'". Guillermo Del Castillo.

He started painting since he was very young. In the 70's, he participated in various exhibitions, among them: "Tres jóvenes valores de la plástica" and "Minimuseo de Arte de México", a collective project that travelled to several cities in Mexico and the United States.

After developing a fructiferous career as a publicist, he decided to resume his pictorial activity, which was notoriously enriched by his professional experience. His language incorporates collage and mixed techniques in order to ironically approach current topics and relates them with iconic artworks from European tradition and even present-day pop themes.

"Between B.C. and A.D., between brocades, symbols and meanings, a tribe of prehistoric señorcitos can coexist with Sir Charles Walton, Cesare Alessandro Scaglia di Verrua (by Van Dyck), another unidentified señorito (complete with his fan) and the walking silhouette of Simon Templar 'The Saint'". Guillermo Del Castillo.

$20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,150-$1,700 170

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CÉSAR CÓRDOVA

(Ciudad de México, 1983 - ) Firenze1506Tokyo1996 Firmado y fechado 2016 al reverso / Signed and dated 2016 on reverse Óleo sobre tela / Oil on canvas 100 x 80 cm / 38.3 x 31.4 in Con certificado de autenticidad del artista / With certificate of authenticity signed by the artist.

Estudió la licenciatura en Artes Visuales en la ENAP. En 2013 fue reconocido con el XXXII Premio Nacional de Arte Joven y ha sido acreedor a la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA en dos ocasiones. Su obra ha sido seleccionada en la IV Bienal de Pintura Pedro Coronel, II Bienal de Arte Sacro Contemporáneo, Bienal Nacional de Pintura Gómez Palacio, entre otras.

Ha participado en diversas exposiciones en México, Estados Unidos, Italia, Colombia y Alemania. En 2015 presentó la muestra individual "Hotel Vermeer" en Pillbox Gallery.

"La obra de César Córdova emplea los espacios de pintores consagrados como Vermeer, Velázquez, da Vinci o Géricault, para poner en tan distinguida ambientación los más insospechados personajes y situaciones. Se trata de un montaje paradójico y desenfadado donde convive la tradición reconocible con lo inusitado en el arte canónico. Entre el homenaje, el humor, la transgresión y el erotismo, sea cual sea el objeto que el pintor escoja, la calidad de un cuadro no se limita a nuestras

expectativas de prestigio y corrección política. César Córdova nos invita a mirar de nuevo, sin solemnidad ni prejuicio, y a repensar nuestras concepciones del quehacer artístico".

Salvador Ortiz.

He studied Visual Arts in ENAP. In 2013 he was awarded with XXXII Premio Nacional de Arte Joven, and he has received the grant for Jóvenes Creadores program by FONCA twice. His work has been selected in IV Bienal de Pintura Pedro Coronel, II Bienal de Arte Sacro Contemporáneo, Bienal Nacional de Pintura Gómez Palacio, among others.

He has participated in many exhibitions in Mexico, the United States, Italy, Colombia and Germany. In 2015 he presented his solo exhibition "Hotel Vermeer" in Pillbox Gallery.

"César Córdova's work uses spaces of acclaimed painters like Vermeer, Velázquez, da Vinci or Géricault, placing in such distinguished surroundings surprising characters and situations.

It is a paradoxical and carefree setting in which known tradition coexists with what is unusual on canonic art. Between tribute, humor, transgression, and eroticism, whatever the object the painter chooses to be, the quality of the painting is not limited to our prestige expectations and political correctness.

César Córdova invites us to look again, with no solemnity or prejudice, and to rethink our conceptions of art making".

Salvador Ortiz.

Fuente consultada / Source: www.cesarcordova.com

$35,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,000-$2,800 171

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ANTONIO FALCÓN VILLALOBOS

(Pachuca, Hidalgo, 1992 - ) Próceres, tipología de sombras, 2016 Sin firma / Unsigned Impresión fotográfica / Photographic print 100 x 89 cm / 39.3 x 35.1 in Con certificado de autenticidad del artista, septiembre de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, September 2016. $15,000.00-$20,000.00 M.N. USD $840-$1,150

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APOLO CACHO

(Ciudad de México, 1987 - ) Dante en el exilio Firmado y fechado 14 al reverso / Signed and dated 14 on reverse Óleo sobre tela / Oil on canvas 130 x 130 cm / 51.1 x 51.1 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Exhibido en / Exhibited at: "El acto de ver", myl Arte Contemporáneo, 2014.

Es pintor y artista gráfico, autor de "El taco psicotrópico", novela gráfica que une historias inspiradas en el desencanto y la precariedad de la Ciudad de México.

Su obra ha sido seleccionada en la XI Bienal de Pintura Joaquín Clausell, la II Bienal de Pintura Pedro Coronel, XXXI Encuentro Nacional de Arte Joven y Animasivo, en el XXVII Festival de la Ciudad de México, ha sido becario del FONCA en dos ocasiones, su trabajo ha sido publicado en proyectos internacionales como Decadence (Gran Bretaña) y 2dcloud (E.E. U.U.). En 2013 presentó la muestra individual "El mago está ebrio" en la galería FIFTY24MX en la Ciudad de México y en 2016 "La eterna represión del mexicano" en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO). En el 2014 fue seleccionado para realizar una residencia en La Maison des Auteurs en Angulema, Francia, participando en el 42 Festival de la Bande Dessinée con la exposición "Sillages".

"Dante en el exilio" es una interpretación del cuadro del mismo nombre atribuido al pintor italiano Domenico Peterlini (1822 - 1891); pertenece a una serie de pinturas en las que el artista hace referencia a la catástrofe y el silencio a través de la cita, también haciendo alusión a otras pinturas de Pieter Bruegel.

He is a painter and graphic artist, author of the graphic novel "El taco psicotrópico", in which he combines stories inspired by the distress and precariousness of Mexico City.

His work has been selected by the XI Bienal de Pintura Joaquín Clausell, the II Bienal de Pintura Pedro Coronel, XXXI Encuentro Nacional de Arte Joven y Animasivo, in the XXVII Festival de la Ciudad de México; also, he has been a FONCA intern twice and his work has been published in two international projects: Decadence (Great Britain) and 2dcloud (U.S.). In 2013 he presented a solo show "El mago está ebrio" in FIFTY24MX gallery in Mexico City, and in 2016 "La eterna represión del mexicano" at Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO). In 2014 he was selected to do a residency in La Maison des Auteurs in Anguleme, France, participating in 42 Festival de la Bande Dessinée with the exhibition "Sillages".

"Dante en el exilio" is an interpretation of the painting of the same name by Italian painter Domenico Peterlini (1822 - 1891); it belongs to a series of paintings in which the artist references catastrophe and silence, also alluding to other paintings by Pieter Bruegel.

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,700-$2,300 173

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JOSÉ CASTRO LEÑERO

(Ciudad de México, 1953 - ) Paisajes desdoblados, de la serie Desplazamientos Firmados / Signed Acrílico sobre MDF, formatos irregulares / Acrylic on MDF, irregular format 77 x 73 cm, 68 x 69 cm y 73 x 89 cm / 30.3 x 28.7 in, 26.7 x 27.1 in & 28.7 x 35 in Piezas / Pieces: 3 Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Exhibida en / Exhibited at: “Paisajes desdoblados”, galería Oscar Román, 2011. "'Tríptico verde' [Paisajes desdoblados], se integra de pinturas sobre tabla, cada una en diferente formato y cada formato desdiciendo la idea de cuadro. Aquí la secuencia resulta inusitada, porque no cancela la representación, que le es consabida. Los personajes están vistos como si se hubieran observado a través de cristales deformantes y además el panel del centro parece doblado por la mitad, provocando efecto de reflejo. Es un truco trompe l'oeil, pero no corresponde a un efecto destinado a confundir lo real con lo pintado, como sucedería en el hiperrealismo, pues lo que queda afectada es la estructura del soporte, que, siendo totalmente plana, parece dividida en dos. El uso del color es parco, aunque las composiciones no llegan a ser bicromáticas. Lejos de ser sobrias, estas piezas evocan la riqueza de tonos, sólo que aquí no pretenden en lo más mínimo imitar fotografías, aunque sabemos que el punto de partida está en encuadres fotográficos del propio artista sometidos a pictorización". Teresa del Conde.

$110,000.00-$150,000.00 M.N. USD $6,200-$8,400

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"'Tríptico verde' [Paisajes desdoblados], is made up of paintings on panel, each one in a different format and each format contradicting the idea of a painting. Here the sequence seems unusual, because it does not cancel the representation, which is renowned. The characters can be seen as if they were observed through deforming crystals and also the center panel seems folded in half, causing a reflex effect. It is a trompe l'oeil trick, but it does not correspond to an effect destined to confuse what is real with what is painted, as it would happen with hyperrealism, because what remains affected is the support's structure, that, being completely flat, seems divided in two. The use of color is frugal, although compositions are not yet bi-chromatic. Far from being sober, these pieces evoke richness in tonality, only that here they do not seek at all to imitate photographs, although we know that the starting point are photographical frames of the own artist, subject to pictorization". Teresa del Conde.

Fuente consultada / Source: DEL CONDE, Teresa. "José Castro Leñero en la galería Oscar Román". México. La Jornada, 8 de febrero de 2011.

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HUGO ROBLEDO

(Ciudad de México, - ) Diagrama de sobrevuelo #2 Sin firma / Unsigned Acrílico e impresión fotográfica sobre papel / Acrylic and photoprint on paper 66 x 45 cm / 25.9 x 17.7 in "Me interesa abordar la idea de hibridación como un modo de ver al mundo. Por esta razón contrapongo diferentes lenguajes al construir una pintura". Hugo Robledo.

"I’m interested at the idea of hybridization as a way of seeing the world. That’s why I counterpose different languages to build a painting". Hugo Robledo.

$10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $550-$840

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HUGO ROBLEDO

(Ciudad de México, - ) Incendio #1 Sin firma / Unsigned Acrílico e impresión fotográfica sobre papel / Acrylic and photoprint on paper 150 x 110 cm / 59 x 43.3 in "Una de las razones por las que me interesa mucho la arquitectura es porque es un símbolo de la aspiración humana por el orden y por lo permanente. Pero el caos y la volatilidad también son parte de la naturaleza humana, de ahí que vivamos en una contradicción constante. Encuentro muy interesante observar cómo el ser humano construye, destruye y modifica su entorno para satisfacer sus necesidades". Hugo Robledo.

"One of the reasons architecture interests me so much is that it is a symbol of how humans aim for order and for what is permanent.

However, chaos and volatility are also part of human nature, therefore we live in constant contradiction. It is very interesting to observe how human beings construct, destroy and modify their surroundings in order to satisfy their needs". Hugo Robledo.

Fuente consultada / Source: LLANA, Pablo. "Ambigüedad barroca analítica: Hugo Robledo". México. Revista Art-facto today, 2014.

$10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $550-$840 177

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WUERO RAMOS

(Ciudad de México, 1979 - ) Valle negro Firmado y fechado México D.F. 2015 al reverso / Signed and dated México D.F. 2015 on the reverse Óleo sobre tela/ Oil on canvas 105 x 170 cm / 41.3 x 66.9 in Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. / With certificate of authenticity from Aldama Fine Art. "Lo que miramos en la obra de Wuero Ramos son, ciertamente, las imágenes de un mundo postapocalíptico generado por la acción humana". Rafael Muñoz Saldaña.

“What we look at the work of Wuero Ramos are indeed images of a postapocalyptic world generated by human action”. Rafael Muñoz Saldaña.

Fuente consultada / Source: El misterio de la tristeza. Vanidad y paisaje en la obra del Wuero Ramos. México. Aldama Fine Art, 2014.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,900-$5,600

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ALEJANDRO PALOMINO

(Ciudad de México, 1986 - ) Exterior bosque 6:45 p.m. carretera, 2014 Sin firma / Unsigned Fotografía, impresión digital / Photograph, digital print 30 x 60 cm / 11.8 x 23.6 in Con certificado de autenticidad del artista, septiembre de 2015. / With certificate of authenticity signed by the artist, September 2015.

Estudió artes visuales en La Esmeralda. Ha impartido clases y cursos en universidades mexicanas. En 2009 presentó un visual en Projections on Lake en South Lake Avenue, California y en noviembre del mismo año exhibió su trabajo en la Monterrey FEMSA. Entre 2011 y 2012 expuso colectivamente en galerías de Guadalajara, Monterrey y Ciudad de México. participó en el ciclo de video arte en Beijing Film Academy en China, la única academia de cine en Asia. Recientemente con veinte artistas más en una muestra de videoarte en la Galería Concreto en Santiago de Chile.

proyecto IX Bienal En 2013 colaboró

He studied visual arts in La Esmeralda. He has taught lectures and courses in Mexican universities. In 2009 he presented a visual project in Projections on Lake, in South Lake Avenue, California and in November of the same year he exhibited his work in IX Bienal Monterrey FEMSA. Between 2011 and 2012, he displayed his work collectively in galleries in Guadalajara, Monterrey and Mexico City. In 2013 he participated in a video art cycle in Beijing Film Academy in China, the only cinema academy in Asia.

Recently, he collaborated with 20 artists in a video art show in Galería Concreto, Santiago de Chile.

Fuente consultada / Source: www.alejandropalomino.com

$15,000.00-$25,000.00 M.N. USD $840-$1,400 180

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JOAQUÍN FLORES

(Ciudad de México, 1989 - ) Tierra quemada II, de la serie En el borde Firmado y fechado 2014 en el canto derecho / Signed and dated 2014 on the right edge Óleo sobre tela / Oil on canvas 145 x 190 cm / 57 x 74.8 in Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art./ With certificate of authenticity from Aldama Fine Art. Exhibido en / Exhibited at: "Premio Nacional de Pintura Julio Castillo", Galería Libertad, Querétaro, 2014.

Es egresado de la Licenciatura en Artes Plásticas por La Esmeralda. Fue acreedor al Premio Nacional de Pintura Julio Castillo en 2014, a la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA en ese mismo año y al tercer lugar en la V Bienal de Pintura Pedro Coronel en 2016.

"El tema central de mi producción es la periferia de la ciudad, es un tema que me interesa porque es el lugar donde he vivido.

Para mí es importante, porque es el lugar donde se ve el impacto tanto social y ecológico del hombre, la basura siempre va a dar a la periferia, la pobreza también, todo lo que denigramos, todo lo que no queremos va a la periferia. Entonces, para mí es importante porque es dignificar este lugar. No quiero hacer una apología de la pobreza, quiero que la periferia sea un espacio de reflexión estética". Joaquín Flores.

He graduated from La Esmeralda. He won Premio Nacional de Pintura Julio Castillo in 2014, a scholarship from Jóvenes Creadores

by FONCA that same year and was awarded third place at V Bienal de Pintura Pedro Coronel in 2016.

"The central theme of my production is the city's periphery, which interests me as it is the place where I have lived. It is important to me because it is the place where one can experience human's social and ecological impact: trash always ends up in the periphery, as well as poverty, everything we deem unworthy. Therefore, it is important for me to dignify this place. I don't intent to make an apologetic defense for poverty but to present it as a space for aesthetic reflection". Joaquín Flores.

Fuente consultada / Source: BENÍTEZ, Rocío G. "Joaquín Flores, un pintor ganador". México. El Universal de Querétaro, 16 de diciembre de 2014.

$65,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,700-$4,500 181

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DAVID PESCADOR

(Ciudad de México, 1986 - ) Up (pilot), de la serie DreamSight Firmado y fechado 2015 al reverso / Signed and dated 2015 on the reverse Óleo y acrílico sobre tela / Oil and acrylic on canvas 150.5 x 200 cm / 59.2 x 78.7 in Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. / With certificate of authenticity from Aldama Fine Art. Publicado en / Published in: www.davidpescador.com Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la ENAP. Fue seleccionado en la XVIII Bienal de pintura Alfredo Zalce, en el XXXV Encuentro Nacional de Arte Joven y ha sido acreedor a la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA en dos ocasiones.

Esta obra fue la primera pintura de "DreamSight", un proyecto en el que partir de datos capturados en la aplicación de registro de sueños Dreamboard se generan composiciones que buscan una correspondencia entre los aspectos mentales del sueño y el lenguaje pictórico.

"Mi trabajo consiste en evidenciar el diálogo existente entre la tradición plástica y el lenguaje digital contemporáneo, así como explorar la virtualidad y artificialidad que impregnan el entorno día a día". David Pescador.

He studied Visual Arts at ENAP, and was selected for XVIII Bienal de Pintura Alfredo Zalce, XXXV Encuentro Nacional de Arte Joven and was awarded the scholarship Jovenes Creadores by FONCA twice.

This piece was the first painting of "DreamSight", a project that parted from the data collected in the dream register app Dreamboard to generate compositions that seek a correspondence between mental aspects of dreams and pictorial language.

"My work consists in making evident the dialogue between plastic tradition and contemporary digital language, as well as exploring the virtual and artificial aspects that impregnate our surroundings every day". David Pescador.

Fuente consultada / Source: David Pescador, obra plástica y digital. México. Facultad de Artes y Diseño, Aldama Fine Art, 2014.

$45,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,500-$3,400 182

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MARCO KALACH

(Ciudad de México, 1984 - ) Sin título / Untitled, 2014 Sin firma / Unsigned Óleo, esmalte y hoja de oro sobre madera / Oil, enamel and golden leaf on canvas 122.5 x 90 cm / 48.2 x 35.4 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en Savannah College of Arts and Design. Vive y trabaja en la Ciudad de México y Savannah, Georgia. Ha sido acreedor a la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA. En 2015 presentó la muestra "Óxidos oníricos" en la galería FIFTY24MX. A través de sus vistas aéreas, Marco Kalach reflexiona sobre los principios del sismo y la destrucción, donde las texturas juegan como una vibración presente en lo sólido que se expande y contrae generando nuevas estructuras rectilíneas y orgánicas que nos permiten ver el dinamismo de la pesada geometría de la ciudad.

La configuración de la ciudad oscila entre el caos y la catástrofe planteando un espacio donde todo es inestable, pero al mismo tiempo es increíblemente poético.

"Mi trabajo es una purga de algo que está dentro de mí, es una explicación de lo que estoy viviendo, de lo que me rodea. Desde que era un niño, si no empezaba a pintar, a tocar o a rayar con lo que tuviera a la mano, me convertía en un monstruo". Marco Kalach.

He graduated from Visual Arts in Savannah College of Arts and Design. He lives and works in Mexico City and Savannah, Georgia. He has been awarded with the program Jóvenes Creadores by FONCA. In 2015 he presented "Óxidos oníricos" solo show in FIFTY24MX gallery.

Through his aerial views, Marco Kalach reflects upon the principles of earthquakes and destruction, where textures act as a present vibration in what is solid, expanding and contracting, generating new rectilinear and organic shapes that allow us to see the dynamism of the city's dense geometry. The city's configuration oscillates between chaos and catastrophe planning a space where everything is unstable, but at the same time incredibly poetic.

"My work is a purge from something that is within me, it is an explanation of what I am living, of what surrounds me. Since I was a child, if I didn't start painting, touching or scribbling with whatever was at hand, I became a monster". Marco Kalach.

Fuentes consultadas / Sources: ALCÁNTARA, Ivonne.

"Marco Kalach's 'Óxidos Oníricos' show in Mexico City". 15 de julio de 2015, www.juxtapoz.com y www.artroomtalent.com/ artista/marko-calach

$18,000.00-$25,000.00 M.N. USD $1,000-$1,400 183

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DARINKA DONIZ LAMAS

(Ciudad de México, 1993 - ) Tsunami, de la serie Catástrofes, 2015 Sin firma / Unsigned Fotografía, impresión digital / Photography, digitalprint 24 x 55 cm cada una / 9.4 x 21.6 in each Piezas / Pieces: 2 Con certificado de autenticidad de la artista, septiembre de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, September 2016.

Darinka Lamas hace uso de diversos medios visuales para transmitir intensas relaciones emocionales como una especie de experimento socio antropológico. En la serie "Catástrofe" utiliza principalmente el cuerpo humano y lo relaciona con espacios afectados por la naturaleza, dando a notar los sentimientos trágicos.

A pesar de ser una artista joven, Darinka es miembro del taller "La Colmena", una plataforma cultural que busca ser un campo en el arte contemporáneo para jóvenes artistas. Ha colaborado en el proyecto "We are visual poetry. Book work" de Rafael Morales Cendejas, el cual busca generar reflexión en la percepción visual poética. También participó en "El gran poema inexacto del siglo XXI" de Jorge Méndez Blake en el MUAC, un poema colectivo que condensa parte de la poesía mexicana del siglo pasado.

Darinka Lamas uses different visual means to transmit intense emotional relationships as a sort of socio-anthropological experiment.

In the series "Catástrofe" she mainly uses the human body, relating it to spaces affected by nature, allowing a tragic sensation to emerge.

Despite being a young artist, Darinka is a member of "La Colmena", a cultural platform that seeks to generate a space for young artists in contemporary art. She collaborated in a project called "We are visual poetry. Book work" by Rafael Morales Cendejas, which looks to invite reflection around the perception of visual poetry. She also participated in "El gran poema inexacto del siglo XXI" by Jorge Méndez Blake at MUAC, a collective poem that condensates part of Mexican poetry from the past century.

$8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $450-$700 184

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CASSANDRA DE SANTIAGO

(Ciudad de México, 1986 - ) Aerial VII: Discontinuity (or sailing the chance) Firmado y fechado 2015 / Signed and dated 2015 Óleo sobre tela / Oil on canvas 140 x 120 cm / 55.1 x 47.2 in Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista. / With certificate of authenticity from Galería Alfredo Ginocchio signed by the artist Exhibido en / Exhibited at: "Aerial", Galería Alfredo Ginocchio, 2015.

Cursó la Licenciatura en Artes Visuales en la ENAP especializándose en pintura. Hizo una residencia artística en The Banff Center en Canadá y ha sido beneficiaria del programa Jóvenes Creadores del FONCA. “Aerial” hace hincapié en las formas y el uso de la geometría para abordar la pintura. Las formas geométricas dan la impresión de dinamismo y con las perspectivas, el plano bidimensional crece y transforma el entorno de lo que ve el ojo. Las vistas aéreas fueron un punto importante de inspiración para la artista en aras de lograr amplitud y distancias infinitas. Y es que por medio de estas vistas aéreas, que la artista invita a reflexionar sobre el espacio geográfico que ha sido intervenido por el hombre como los campos de cultivo y las ciudades.

"Tomo la geometría que surge a partir de los asentamientos vistos desde el aire, como cuando uno va en el avión y se aprecian todos estos círculos y cuadrados y la división de las ciudades que por lo general son a cuadrícula, las tomo y las pongo a manera de escenario e incorporo personajes a escalas aumentadas que realizan alguna actividad cotidiana. La idea es despertar el sentimiento de que a pesar de que somos tan pequeños y tantos y el universo es tan vasto, al final nos desenvolvemos en un mismo territorio, somos parte de una unidad que se construye a partir de la dependencia entre unos y otros". Cassandra de Santiago.

She has a B.A. in Visual Arts from ENAP, she specialized in painting. She did an art residence in The Banff Center, Canada, and obtained the scholarship of the young creators program, FONCA. "Aerial" emphasizes shapes and the use of geometry to approach painting. Geometric shapes give the impression of dynamism and with perspective, the two-dimensional plane grows and transforms the environment that meets the eye. The aerial views were an important point of inspiration for the artist in order to achieve amplitude and infinite distances. And it is that through these aerial views, the artist invites to think on the geographical area that has been intervened by human beings, such as fields and cities.

"I take geometry arising from settlements seen from the air, as when one goes on the plane and all these circles and squares and the division of towns that usually are grid appreciate, I take them and put them as stage and then incorporate characters performing some daily activity in increased scales. The idea is to arouse the feeling that even though we are so small and so many and the universe is so vast, in the end we live in the same territory, we are part of a unit that is built from the dependency between each other". Cassandra de Santiago.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,000-$6,700 185

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LUCY JOYCE

(Londres, Reino Unido, 1978 - ) Tate poster series, de la serie Drawing series for Tate poster Firmada y fechada 2014 al reverso / Signed and dated 2014 on the reverse Mixta y collage sobre papel / Mixed media and collage on paper 42 x 29.6 cm / 16.5 x 11.6 in Publicada en / Published in: www.lucyjoyce.net Estudió arte en Slade School of Fine Art. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en Chelsea College of Art y en 2008 cursó un intercambio académico en el Erasmus en Udk, Berlín. Realizó una Maestría en Escultura en The Royal College of Art. Ha exhibido en Whitechapel Gallery, Academy of Fine Arts, Katowice en Polonia, Institute of Contemporary Art, the Mall en Londres, Tate Learning, Tate Modern y Tate Britain, Chelsea Future Space Gallery en Londres, entre otros.

Ganó el Villiers David Travel Award del Royal College of Art en 2012 y el Workspace Studio Award del Chelsea College of Art and Design en 2009.

Fuente consultada / Source: www.lucyjoyce.net

$8,000.00-$15,000.00 M.N. USD $450-$840 186

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LUCY JOYCE

(Londres, Reino Unido, 1978 - ) L.A. skies (in my head) II, de la serie Drawing series for Tate poster Firmada y fechada 2014 al reverso / Signed and dated 2014 on the reverse Mixta y collage sobre papel / Mixed media and collage on paper 42 x 29.6 cm / 16.5 x 11.6 in She studied art at The Slade School of Fine Art. She has a BA in Fine Art at Chelsea College of Art and did an Erasmus Exchange in Udk, Berlin. She has an MA in Sculpture from The Royal College of Art. She has exhibited at Whitechapel Gallery, Academy of Fine Arts, Katowice, Poland; 'Institute of Contemporary Art, the Mall, London, Tate Learning, Tate Modern and Tate Britain, London, Chelsea Future Space Gallery in London, among others.

She has won the Villiers David Travel Award, Royal College of Art in 2012 and the Workspace Studio Award, Chelsea College of Art and Design in 2009.

Fuente consultada / Source: www.lucyjoyce.net

$8,000.00-$15,000.00 M.N. USD $450-$840 187

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LUCY JOYCE

(Londres, Reino Unido, 1978 - ) Building as plinth I, de la serie Drawing series for Tate poster Firmada y fechada 2014 al reverso / Signed and dated 2014 on the reverse Mixta y collage sobre papel / Mixed media and collage on paper 42 x 29.6 cm / 16.5 x 11.6 in Publicada en / Published in: www.lucyjoyce.net "Mi práctica artística está interesada en la ruptura, y con esto me refiero a una cierta interrupción, un momento de gran distracción –una intercepción primaria o intervención– un corte, rotura, grieta que es recibida físicamente, emocionalmente o mentalmente a través de un cierto momento en el tiempo, un inesperado y desconocido encuentro". Lucy Joyce.

$8,000.00-$15,000.00 M.N. USD $450-$840 188

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LUCY JOYCE

(Londres, Reino Unido, 1978 - ) Possibility for the Tate, de la serie Drawing series for Tate poster Firmada y fechada 2014 al reverso / Signed and dated 2014 on the reverse Mixta y collage sobre papel / Mixed media and collage on paper 42 x 29.6 cm / 16.5 x 11.6 in "My practice is preoccupied with rupture, and by this I mean an interruption of sorts, a moment of severe distraction â&#x20AC;&#x201C;a primary interception or interventionâ&#x20AC;&#x201C; a cut, break, crack that is received physically, emotionally or mentally through a given moment in time, an unexpected and unknown encounter". Lucy Joyce.

$8,000.00-$15,000.00 M.N. USD $450-$840 189

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AMADO SANTOS

(Buenos Aires, Argentina, 1975 - ) Sin título 4 / Untitled 4, 2009 Firmado y fechado 2010 al reverso / Signed and dated 2010 on the reverse Óleo y mixta sobre tela / Oil and mixed media on canvas 110 x 135 cm / 43.3 x 53.1 in Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, julio de 2016. / With certificate of authenticity from Galería Alfredo Ginocchio signed by the artist, July 2016.

Amado Santos estudio Pintura en la Universidad Nacional de Córdoba, tomó diversos talleres de arte en Catamarca y Buenos Aires y una residencia artística en Francia. Ha realizado más de 15 exposiciones entre Argentina y México. Participó en el proyecto “Argentina Pinta Bien”, programa de exposiciones para artistas argentinos que impulsa la Fundación YPF. “Sus imágenes evocan estados de ánimo, pero ante todo, una urgencia expresiva en la que el color semeja explotar en algunas de sus obras. […] Tenues y diminutas líneas se observan en sus trabajos; están ubicadas a modo de referencia, tal vez, como pretendiendo poner orden al caos generalizado”. Jorge Figueroa.

Amado Santos studied painting at the Universidad Nacional de Córdoba, he has taken several courses in Catamarca and Buenos Aires and an artist residency in France. He has presented more than 15 exhibitions between Argentina and Mexico. He participated in the project "Argentina Pinta Bien" a program of exhibitions for Argentine artists promoted by the YPF Foundation.

“His images evoke a state of mind but, above all, an expressive urgency in which color appears to explode in some of his paintings […] Tenuous and tiny lines are observed in his works; they are placed as references, perhaps, as if pretending to establish order in the generalized chaos”. Jorge Figueroa.

Fuente consultada / Source: “’Hábito’, muestra plástica de Amado Santos”. El Esquiú, Catamarca, 2012.

$45,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,500-$3,400 190

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MARCO AVIÑA

(Ciudad de México, 1986 - ) Águilas y señoritas, un compás sobre el Valle de México, 2015 Sin firma / Unsigned Óleo sobre tela / Oil on canvas 130 x 100 cm / 51.1 x 39.3 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Exhibido en / Exhibited at: "X to the Z, the exhibit". En El Cerrojo. Proyecto realizado por La Esmeralda, diciembre 2015. / Project made by La Esmeralda, December 2015.

Actualmente Marco Aviña estudia en La Esmeralda. Ha participado en exposiciones colectivas en galerías y casas de cultura en México, Italia y España. Está enfocado en las estrategias artísticas ligadas con temas de la economía de medios y gusta de impregnar de reflexiones estéticas su trabajo mediante la pintura, el ready-made, la instalación, la fotografía y videos. Entre 2015 y 2016 Aviña realizó la serie "Paisaje mexicano", un conjunto de obras que denotan un lenguaje contemporáneo que no está en la pintura sino el proceso artístico. Actualmente es colaborador de LADRÓNgalería y forma parte del espacio Biquini Wax. Currently, Marco Aviña estudies in La Esmeralda. He has participated in group exhibitions in galleries and cultural houses in Mexico, Italy and Spain. He is focused on artistic strategies linked to resource economy and likes to drench his work with aesthetic reflections through painting, ready-made, installation, photography and videos. Between 2015 and 2016, Aviña created a series called "Paisaje mexicano", a group of works that show a contemporary language that can be found in the artistic process rather than in painting. He is at the moment collaborating with LADRÓNgalería and is part of Biquini Wax space.

$15,000.00-$20,000.00 M.N. USD $840-$1,150 191

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BERTA KOLTENIUK

(Ciudad de México, 1958 - ) Globos Firmada y fechada 2015 al reverso / Signed and dated 2015 on the reverse Pintura vinílica sobre madera / Vinylic paint on wood 70 x 85 cm / 27.5 x 33.4 in Con certificado de autenticidad de la artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Berta Kolteniuk es una artista mexicana que gusta de experimentar todos los conceptos de la pintura. Tras haber vivido siete años en Estados Unidos y madurado su estilo, regresó a México para extender su crecimiento profesional. Gusta de crear irregularidades en sus pinturas, introduce manchones que surgen de la propia pintura derramada y relaciona su trabajo con el clima y las superficies, determinando así los contornos y formas.

"Me gusta jugar con las proporciones, sacar la pintura del muro y ponerla a jugar en el espacio, es mi manera de decir que la pintura también interactúa. No creo que los colores tengan un significado único, pero si algo he comprendido es que el color no puede existir solo, siempre tiene que estar relacionado con otro tono o con el contexto". Berta Kolteniuk.

$45,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,500-$2,800 192

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BERTA KOLTENIUK

(Ciudad de México, 1958 - ) Paisaje líquido Firmado y fechado 2016 al reverso / Signed and dated 2016 on the reverse Acrílico y óxido de hierro micáceo sobre tela / Acrilyc and micaceous iron oxid on canvas 50 x 60 cm / 19.6 x 23.6 in Con certificado de autenticidad de la artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Berta Kolteniuk is a Mexican artist that likes to experiment all concepts of painting. After having lived for seven years in the United States and maturing her style, she returned to Mexico to expand her professional growth. She is keen on creating irregularities in her paintings, introducing blurs that come out of the dripped paint, and relating her work with the weather and surfaces, determining this way the contours and forms.

"I like to play with proportions, take the painting off the wall and have it play in space, it's my way of saying that painting also interacts. I don't think that colors have a unique meaning, but if there's something I've understood is that color can't exist on its own, it always needs to be related to another hue or to the context". Berta Kolteniuk.

Fuente consultada / Source: "Berta Kolteniuk emplea los colores como materia de su obra". México, El Informador, sección Cultura, noviembre 2010.

$35,000.00-$40,000.00 M.N. USD $2,000-$2,300 193

194

152

ALBERTO RAMÍREZ JURADO

(Ciudad de México, 1978 - ) Sin título / Untitled Firmado y fechado 11 / Signed and dated 11 Óleo y grafito sobre tela / Oil and graphite on canvas 90 x 120.5 cm / 35.4 x 47.4 in Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. / With certificate of authenticity from Aldama Fine Art. También conocido como RAJU, Ramírez Jurado es egresado de La Esmeralda y fue coordinador del Museo Regional de Milpa Alta. En 2004 participó en la Bienal Nacional Diego Rivera de Dibujo y Estampa. Ha impartido cursos y talleres de arte en el Colegio de Bachilleres.

Su obra funciona como mediador para comunicar y revelar las diferentes formas de ver el mundo. Utiliza colores llamativos, líneas y estructuras que generan armonía visual. Aunque su pintura lo personifique, la interpretación que da a cada obra es libre, por ello muchos de sus trabajos no tienen título.

Also known as RAJU, Ramírez Jurado studied in La Esmeralda and was the coordinator of the Museo Regional de Milpa Alta. In 2004 he participated in the National Biennial Diego Rivera de Dibujo y Estampa. He has taught courses at the Colegio de Bachilleres.

His work serves as a means for communicating and revealing different ways of seeing the world. He uses vibrant colors, lines and structures that generate visual harmony. Although his painting personifies him, each work’s interpretation is free, that’s why most of them are untitled.

Fuente consultada / Source: CAMPOS Raúl. “El arte es como un atardecer. Alberto Ramírez Jurado”. México. El Milenio, 2015.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD$2,300-$3,400

195

153

MARCO AVIÑA

(Ciudad de México, 1986 - ) Acapulco, 2016 Sin firma / Unsigned Óleo sobre tela / Oil on canvas 100 x 130 cm / 39.3 x 51.1 in Con certificado de autenticidad del artista. / With certificate of authenticity signed by the artist.

Por intención del artista, esta obra no está montada en bastidor. / It is the artist's intention that this work is not mounted on stretcher bars.

"Mi trabajo gira en torno al imaginario colectivo socialmente predominante. Trabajar con paisaje y símbolos como Acapulco y el Valle de México es hablar relativamente. En ambos, el título va por encima de la importancia de la imagen, dejando el razonamiento del espectador a la expectativa de que este se relacione con la pieza y vincule su propio planteamiento conceptual / intelectual".

Marco Aviña.

"My work revolves around the collective imagery that predominates in society. Working with landscapes and symbols like Acapulco and Valle de México is talking relatively. In both, the title is above the importance of the image, expecting the viewer's reasoning to relate with the piece and linking his or her own conceptual / intellectual approach". Marco Aviña.

$12,000.00-$18,000.00 M.N. USD $700-$1,000 196

154

DEBORAH WESTMANCOAT

(Solihull, Reino Unido, 1968 - ) White field and hailstorm Firmada y fechada 2015 / Signed and dated 2015 Mixta sobre cartón / Mixed media on cardboard 39.9 x 49.8 cm / 15.7 x 19.6 in "Tengo un interés a largo plazo en la alquimia y las ciencias filosóficas y cómo nos ayudan a entender el paisaje y nuestro lugar dentro de él, particularmente la manera en que las etapas metafísicas de la alquimia: nigredo (negrura), albedo (blancura), citrinitas (amarillez) y rubredo (rojez) pueden aparecer en el ambiente natural. Busco los lugares silenciosos donde estas etapas se hagan evidentes y colecciono muestras de agua de lugares y climas específicos (inundaciones, lluvia, granizo, rocío, escarcha y nieve derretida) y las mezclo con tinta para ilustrar mis hallazgos". Deborah Westmancoat.

"I have a long-term interest in alchemy and the philosophical sciences and how they help us to understand landscape and our place within it, particularly how the traditionally held metaphysical stages of alchemy: nigredo (blackness), albedo (whiteness), citrinitas (yellowing) and rubredo (redness) might appear within the natural environment. I look for the quiet places where these stages become apparent and collect samples of site and weather specific waters (flood, rain, hail, dew, frost and snowmelt) and combine with writing ink to illustrate my findings". Deborah Westmancoat.

$25,000.00-$35,000.00 M.N. USD $1,400-$2,000 197

155

EMILY MOTTO

(Bromley, Reino Unido, 1992 - ) Brass Jesmonite Sin firma / Unsigned Yeso y látex / Plaster and latex 15 x 12 x 10 cm / 5.9 x 4.7 x 3.9 in Emily Motto es una artista joven que va en ascenso dentro de la disciplina de la instalación, sin embargo también ha realizado esculturas y pintura. Estudió Artes en la Universidad de Oxford, en donde obtuvo el premio de diseño de Ashmolean y algunas otras distinciones.

Motto tiene una forma particular de crear, experimentar, innovar y manipular los materiales. Utiliza colores fluorescentes, telas, hilos, incluso creó su propia masa para poder manipular las formas. Estas piezas resultan ser divertidas y traviesas porque generan sensaciones, invitan a querer tocarlas y explorarlas.

"Me encanta usar masa. Me encanta hacerla, moldearla, porque es simplemente muy divertido para jugar y experimentar. Encuentro su textura y temporalidad emocionantes, y con lo fácil que es para moldear, puedo llenar un espacio y dejar una huella". Emily Motto.

Emily Motto is a young artist who is quickly rising in the world of installations, although she has also created sculptures and paintings. She studied arts in Oxford University, where she received Ashmolean Design Award and some other distinctions.

Motto has a peculiar way of creating, experimenting, innovating and manipulating materials. She uses fluorescent colors, fabrics, threads and even created her own playdough in order to manipulate forms. These pieces seem fun and playful, as they create sensations and invite you to touch and explore them.

"I love using playdough. I love to make it, mold it, and it's just really fun to play and experiment with. I find its texture and temporality exciting, and like how easy it is to mould, fill a space, and trace an imprint". Emily Motto.

Fuente consultada / Source: www.emilymotto.com

$8,000.00-$15,000.00 M.N. USD $450-$840 198

156

RAVI ZUPA

(Colorado, E.E. U.U., 1977 - ) Garuda can fly over any wall, USA & Mexico Firmados y fechados 2016 al reverso / Signed and dated 2016 on the reverse Grabado en relieve impreso en una prensa antigua sobre papel montado en madera coloreado a mano y con barniz protector UV, díptico. Edición: 5 Relief printed on an antique press, mounted to wood, hand painted and coated with UV protectant varnish, diptic. Edition: 5 25.5 x 20.5 cm cada uno / 10 x 8 in each Piezas / Pieces: 2 Con certificado de autenticidad de FIFTY24MX. / With certificate of authenticity from FIFTY24MX. Todas las imágenes de Ravi Zupa han sido dibujadas y pintadas por su mano. Él considera que los libros son la mejor manera de experimentar el arte y ha pasado décadas estudiando las expresiones de las culturas que han surgido a lo largo de la historia en distintas regiones geográficas.

De formación totalmente autodidacta, Ravi Zupa ha buscado inspiración en el grabado del Renacimiento alemán, en el arte Flamenco, los expresionistas abstractos, la xilografía japonesa, la pintura mogol, la iconografía religiosa de Europa, Asia y América precolombina, así como en la propaganda revolucionaria de todo el mundo. Le disgustan el arte irónico y la apropiación de la cultura sin sentido, en su obra integra imágenes que aparentemente no están relacionadas entre sí en busca de algo universal.

Ha presentado exposiciones individuales en galerías en San Francisco, Los Ángeles, Londres, Ciudad de México, Copenhague y en ferias internacionales como Context Art Miami, Art San Diego y Scope Art Show en Nueva York y Miami.

All of Ravi Zupa's images are drawn and painted by his hand. He considers books the best way to experience art and has spent decades studying the cultural expressions that have risen throughout history in the different geographical regions.

Being entirely self-taught, Ravi Zupa looks for inspiration in German Renaissance print makers, Flemish art, abstract expressionism, Japanese woodblock artists, Mughal paintings, religious iconography from Europe, Asia and Pre-Columbian America, as well as revolutionary propaganda from around the world. With distaste for ironic art or the thoughtless appropriation of culture, he integrates seemingly unrelated images in search of something universal.

He has presented individual exhibitions in galleries in San Francisco, Los Angeles, London, Mexico City, Copenhagen and international fairs such as Context Art Miami, Art San Diego and Scope Art Show in New York and Miami.

Fuente consultada / Source: www.ravizupa.com

$8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $450-$700 199

157

JUDE CRILLY

(Reino Unido, - ) Forecasting, 2016 Sin firma / Unsigned Plastilina epóxica, acrílico, pelo sintético / Epoxy clay, acrylic and synthetic hair 125 x 76 x 5.5 cm / 49.2 x 29.9 x 2.1 in Edición única / Unique edition.

Estudió Diseño Gráfico en Ámsterdam y Escultura en la Royal Academy of Arts en Londres. Es una artista contemporánea que balancea su trabajo entre instalaciones que convergen con el sonido y videoinstalaciones. Dirige performances y se encarga de presentar obras de una sola noche.

Ha hecho residencias artísticas en Lituania, Polonia, Escocia, Portugal, Alemania y Londres. En 2015 expuso más de 12 veces en diversas galerías de arte en Londres. Su obra ha sido publicada en importantes revistas de arte. Actualmente vive y trabaja entre Londres y Ámsterdam.

She studied Graphic Design in Amsterdam and Sculpture in the Royal Academy of Arts in London. She is a contemporary artist who balances her work between installations that converge with sound and video installations. She directs performances and presents one night shows.

She has made artistic residences in Lithuania, Poland, Scotland, Portugal, Germany and London. In 2015 she exhibited her work more than 12 times in several galleries in London. Her work has been published in important art magazines. She lives and works in London and Amsterdam.

Fuente consultada / Source: www.jude-crilly.com

$35,000.00-$45,000.00 M.N. USD $2,000-$2,500 200

158

GILBERTO ACEVES NAVARRO

(Ciudad de México, 1931 - ) Sin título / Untitled Firmada y fechada 83 / Signed and dated 83 Mixta sobre papel / Mixed media on paper 69 x 98.5 cm / 27.1 x 38.7 in Estudió en La Esmeralda y trabajó con David Alfaro Siqueiros en la realización de los murales de la Rectoría de la UNAM en 1952.

Ha desarrollado una importante labor docente desde 1957, primero en el Instituto de Intercambio Cultural Mexicano Norteamericano, en Los Ángeles, California, posteriormente en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y Academia de San Carlos de la UNAM y en su taller de la Colonia Roma. En 2009 se realizó una exposición retrospectiva que ocupó por completo el Palacio de Bellas Artes.

Ha expuesto en México y en el extranjero y participado en las Bienales de Francia, Tokio, México y Suiza.

"Dibujar es un quehacer que me salva y reconcilia, que me acompaña y da luz, es ayuda, muleta, patín, vehículo para mis entendederas y es en esto en lo que se me ha ido la vida". Gilberto Aceves Navarro.

He studied in La Esmeralda and worked along David Alfaro Siqueiros in the making of the murals for UNAM's Rectoría in 1952. He has developed an important teaching task since 1957, first at Instituto de Intercambio Cultural Mexicano Norteamericano in Los Angeles, California and later in Escuela Nacional de Artes Plásticas, Academia de San Carlos and in his studio in Colonia Roma. In 2009 he presented a retrospective exhibition that took over completely Palacio de Bellas Artes. He has exhibited his work in Mexico and internationally and has participated in Biennales in France, Tokyo, Mexico and Switzerland.

"Drawing is a task that saves me and reconciles with myself, it accompanies me and enlightens, it is help, a crutch, a vehicle to my conscience and it is in this that my life has gone". Gilberto Aceves Navarro.

Fuente consultada / Source: www.gilbertoacevesnavarro.com

$45,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,500-$3,400 201

159

ANTONIO FALCÓN VILLALOBOS

(Pachuca, Hidalgo, 1992 - ) Desbordamientos, de la serie Capturas del encuentro, 2015 Sin firma / Unsigned Impresión fotográfica / Photographic print 24 x 33.5 cm / 9.4 x 13.1 in Piezas / Pieces: 3 Con certificado de autenticidad del artista, septiembre de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, September 2016.

El trabajo de Antonio Falcón se rige por la investigación en fotografía urbana y la utilización de otros medios visuales. Bajo la influencia del antropólogo Néstor García Canclini y el arquitecto Francesco Careri, Antonio se enfoca en los cruces entre la memoria y la microhistoria de la ciudad, capturando principalmente el modo de vida tal cual y como se presenta ante sus ojos. Es miembro del taller de investigación y producción "La Colmena". Ha expuesto en México y Colombia.

Antonio Falcón's work is marked by the investigation of urban photography and the use of visual means. Under the influence of anthropologist Néstor García Canclini and architect Francesco Careri, Antonio focuses on the intersection of the memory and microhistory of the city, mainly capturing life as it is presented to him. He is a member of the investigation and production workshop "La Colmena". He has exhibited in Mexico and Colombia.

Fuente consultada / Source: www.antoniofalconvillalobos.wordpress.com

$8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $450-$700 202

160

CECILIA MIRANDA

(Ciudad de México, 1993 - ) Las ciudades de abajo, 2015 Sin firma / Unsigned Piezografía sobre papel algodón, tríptico / Piezography on cotton paper, triptych 10 x 10 cm cada una / 3.9 x 3.9 in each Con certificado de autenticidad de la artista, septiembre de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, September 2016.

Cecilia Miranda estudió Artes Visuales en la UNAM y Artes en la Universidad de las Artes, Ciencias y Comunicación de Santiago de Chile. Es cofundadora del proyecto GAMA, espacio independiente para la promoción del arte emergente en México. Su obra está enfocada en captar el entorno vivencial de las ciudades y "Las ciudades de abajo" es un proyecto que enmarca este enfoque.

"Este proyecto indaga sobre la auto construcción, el plano, la materialidad y el territorio de ciudades como Santiago de Chile, São Paulo y México. Este tipo de ciudades se caracterizan por tener a su alrededor una zona periférica que enmarca el centro, que lo tensiona y que modifica las dinámicas del vivir en la ciudad, periferias que comparten la arquitectura, la distancia y el crecimiento expansivo. Estas imágenes dan cuenta de esa particularidad de la periferia y atestigua como sus habitantes generan procesos de auto construcción sobre sus viviendas, creando otras formas de entender y habitar el espacio a partir de diversos planos de color, materiales y acabados que poco tienen que ver con la arquitectura y que logran forzar al espacio para adaptarse a las necesidades de sus habitantes". Cecilia Miranda.

Cecilia Miranda studied Visual Arts in UNAM and Arts in Universidad de las Artes, Ciencias y Comunicación in Santiago de Chile.

She co-founded the GAMA project, an independent space dedicated to promoting emergent Mexican art. Her work is focused on capturing the atmosphere of cities, and "Las ciudades de abajo" is a project that illustrates this focus.

"This project investigates self-construction, plane, materiality and the territory of cities like Santiago de Chile, São Paulo and Mexico. This kind of cities are characterized for having a surrounding area that frames the center, creating tensions and modifying the way of living in the city, these peripheries share the architecture, distance and the expansive growth. These images realize the peculiarities of the periphery and witness how its population generate self-construction processes upon their houses, creating new ways of understanding and inhabiting the space parting from diverse color planes, materials and finishes that have little to do with the architecture, forcing the space to adapt to their needs". Cecilia Miranda.

$8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $450-$700 203

161

PABLO CENDEJAS

(Ciudad de México, 1990 - ) Selfie de dos personas blancas o negras, de la serie Ciclorama Firmado y fechado agosto 2016 en el canto / Signed and dated August 2016 on the edge Óleo sobre tela / Oil on canvas 90 x 120 cm / 35.4 x 47.2 in Con certificado de autenticidad del artista, septiembre de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, September 2016.

Pablo Cendejas es un artista mexicano egresado de la Universidad Iberoamericana y de La Esmeralda.

"Ciclorama" es una serie de cuadros que tienen como fin ser utilizados como fondos fotográficos. Los diseños funcionan con diferentes combinaciones cromáticas para que la composición sea ideal. Según el color de piel, ropa o cabello que tenga el usuario es el diseño de la pieza o viceversa. De igual manera, el tamaño de la pieza establece el número de usuarios que pueden usarla para ser fotografiados. Seguir las indicaciones que provee el cuadro es indispensable para un óptimo resultado en la toma de la selfie.

Mexican artist Pablo Cendejas graduated from Universidad Iberoamericana and La Esmeralda.

"Ciclorama" is a series of paintings that are meant to be used as photographic backgrounds. The designs work in different chromatic combinations so the composition gets as good as possible. Depending on the user's skin color, clothes or hairstyle, the design of the artwork may be chosen. Consequently, the size of the piece stablishes the number of users that can use the cyclorama. Follow the instructions provided by the canvas is essential for optimal results in taking the selfie.

$12,000.00-$18,000.00 M.N. USD $700-$1,000 204

162

PABLO CENDEJAS

(Ciudad de MĂŠxico, 1990 - ) Selfie de 2 personas blancas, de la serie Ciclorama Firmado y fechado agosto 2016 en el canto / Signed and dated August 2016 on the edge Ă&#x201C;leo sobre tela / Oil on canvas 80 x 110 cm / 31.4 x 43.3 in Con certificado de autenticidad del artista, septiembre de 2016. / With certificate of authenticity signed by the artist, September 2016. $10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $550-$840 205

I

A

ALBERTO RAMÍREZ JURADO 152 ALDO CHAPARRO 113, 114 ALEJANDRA ZERMEÑO 41 ALEJANDRO PALOMINO 138 ALEJANDRO VIGILANTE 5 ALEX KATZ 6, 7 AMADO SANTOS 148 ANTONIO FALCÓN VILLALOBOS 132, 159 ANTONY WARD 38, 86, 87 APOLO CACHO 133

Índ ice︱Index

B

BERTA KOLTENIUK 150, 151 BETO DE VOLDER 107 BETSABEÉ ROMERO 110 BLEK LE RAT 66 BORIS VISKIN 108, 109 BOSCO SODI 99

C

CAMELIA ESTEFES 20, 21 CARLOS AMORALES 102, 103 CASSANDRA DE SANTIAGO 143 CECILIA MIRANDA 160 CÉSAR CÓRDOVA 131 CÉSAR RANGEL 81 CHRISTIAN CASTAÑEDA 54, 55, 56 CILER 10, 12 CIRCE IRASEMA 13, 15 CISCO JIMÉNEZ 24, 25

D DAMIÁN ONTIVEROS 75 DAMIEN HIRST 115, 116 DANIEL BERMAN 43 DANIEL PÉREZ CORONEL 61, 62 DARINKA DONIZ LAMAS 142 DAVID PESCADOR 140 DEBORAH WESTMANCOAT 154 E

ED RUSCHA 65 EDGAR BACALAO 45 EMILIO RANGEL 37, 72 EMILY MOTTO 155 EMMANUEL GARCÍA 14 ENRIQUE JEŽIK 106 ENRIQUE ROSAS 63 ERIC VALENCIA 26, 100 ERIKA HARRSCH 32 ESCOTO + CARRARA 125 EVA VALE 121, 122

F

FABIÁN CADENA MONTES FELIPE EHRENBERG FIDIA FALASCHETTI FRANCESCA DALLA BENETTA FRANCISCO CASTRO LEÑERO FRANCISCO MUÑOZ FRANCISCO VALVERDE

111 76 71 129 101 79, 85 118

G

GABRIEL DE LA MORA 119, 120 GABRIEL OROZCO 94 GERARDO FELDSTEIN 39, 40 GIBRANN MORGADO 31 GILBERTO ACEVES NAVARRO 158 GUILLERMO DEL CASTILLO 130

H HARTWIG LUGO ROHDE HÉCTOR DE ANDA HÉCTOR JAVIER RAMÍREZ HERBERT BAGLIONE HUGO ROBLEDO

80, 82 90, 93 16 128 135, 136

INVADER 67 J JAVIER PULIDO MONSTERTRUCK!!! 8, 9 JEFF KOONS 1 JESÚS BENÍTEZ 83, 84 JOAQUÍN FLORES 139 JORGE ROSANO GAMBOA 57, 58, 59 JOSÉ ANTONIO FARRERA 126, 127 JOSÉ CASTRO LEÑERO 134 JUAN JOSÉ SOTO 35 JUDE CRILLY 157 JUSTIN FITZPATRICK 97

K KENTA TORII 27 L

LEONARDO LUNA 92 LUCY JOYCE 144, 145, 146, 147 LUCY PAWLAK 77, 78 LUIS SELEM 11

M

MARCO AVIÑA 149, 153 MARCO KALACH 141 MARIANA MAGDALENO 49, 50, 51 MELISSA KIME 28, 29, 30 MEREDITH DITTMAR 95, 96 MIGUEL ÁNGEL GARRIDO 18 MIGUEL RODRÍGUEZ SEPÚLVEDA 64 MINOZ 112 MISS VAN 33, 34 MR. BRAINWASH 2, 3, 4, 68, 69

N

NICOLÁS GUZMÁN 47

O ODETTE PAZ 70 OSCAR CAMILO DE LAS FLORES 48 P PABLO CENDEJAS 161, 162 PABLO COTAMA 36 PAULINA JAIMES 73 R

RAFAEL URIEGAS 60 RAMSÉS OLAYA 105 RAVI ZUPA 156 RENÉ ALMANZA 44 RIGEL HERRERA 124 ROBERT WATTS 19 ROBERTO FLORES 52, 53 ROMEO MIJANGOS 17

S

SAID DOKINS 91, 92 SANER 23 SMITHE 42 STANO CERNY 22 SYUNOVEN 98

T THOMAS LAMMERS TIM ALLEN

104 117

U URIEL MARÍN

46

V

VÍCTOR RODRÍGUEZ

123

W

WENDY CABRERA RUBIO 88, 89 WUERO RAMOS 137

Y YAMPIER SARDINA 74

SUBASTA DE ARTE LATINOAMERICANO EN PREPARACIÓN NOVIEMBRE DE 2016 Estamos abiertos a consignación de pintura, escultura y fotografía Cierre de consignación: jueves 22 de septiembre

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Guía para compradores Si usted no ha comprado antes en nuestras Subastas, por favor lea las siguientes reglas de Subasta.

En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal, que lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la Sala de Ventas. Usted puede consultarnos y responderemos a todas sus preguntas.

I. Generales 1. Galerías Louis C. Morton, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton, actúa únicamente como comisionista en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos previamente celebrados con estos, de quienes se presume tienen la propiedad de los mismos.

2. Los datos contenidos en el catálogo de la Subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios.

3. La Subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton.

la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de dos mil pesos M.N. 6. Los lotes que se subasten se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos.

7. Para efectos de la Subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por lotes en el transcurso de la Subasta.

II. lotes

Para hacer una oferta en la Subasta usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin.

1. Como garantía a Morton, por el o los lotes que le fueren adjudicados durante la Subasta, la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express, firmado a la orden de Galerías Louis C. Morton, S.A. de C.V. 2. Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de IVA sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote.

Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 más comisión $1,000.00 más IVA $160, total de la factura a pagar $6,160.00 3. Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible.

Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la Subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de Subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicara ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento.

1. Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton indique.

2. Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo que para la Subasta elabore Morton.

3. Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la Subasta, por lo que el personal de Morton, estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote.

4. Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentren en el momento de celebrarse la Subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la Subasta. Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a Subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla.

5. Los precios estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir

III. ofertas en presencIa, reGIstro

4. Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el IVA correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de Crédito Bancario o American Express, se incrementará el 6.6% (seis punto seis por ciento) por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados.

5. Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la Subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja.

6. Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. ofertas en ausencIa Refiérase a las primeras páginas de este catálogo: “Cómo se compra en subasta”.

V. exportacIón El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación.

Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión o devolución de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados.

Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad.

Para mayores informes, consulte: www.tramites.inah.gob.mx

OFERTAS EN AUSENCIA

CONDICIONES Y FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA. AVISO DE PRIVACIDAD Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso_de_privacidad.pdf Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos.

ESTOY DE ACUERDO SI NO

FICHA DE REGISTRO

AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE:

1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Galerías Louis C. Morton, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo; las cuales se encuentran a su disposición en Morton.

2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en el presente documento, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

LÍMITE DE OFERTA

3. Que no están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

RESPONSABILIDAD

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo, es responsable que usted logre se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

ADJUDICACIÓN

NOMBRE DE SUBASTA

FECHA

NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS

SI

NO

OFERTA POR TELÉFONO

SI

NO

NOMBRE COMPLETO CALLE

No.

COLONIA

C.P.

DELEGACIÓN / MUNICIPIO

E-MAIL

TELÉFONO

CELULAR

IDENTIFICACIÓN NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton.

7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

FECHA DE VENCIMIENTO

NÚMERO SEGÚN CATÁLOGO

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

DESCRIPCIÓN

REQUISITOS

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos: a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta. b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton. c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente: Subastas en Monte Athos: $20,000.00 M.N. Subastas en Moliere: $5,000.00 M.N. El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton, con previo aviso al cliente. d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada.

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RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON) NOMBRE Y FIRMA FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN

CONDICIONES DE PAGO

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%).

Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o American Express, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C. reembolsable en el caso que no se me adjudiquen los lotes.

Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

FIRMA

OFERTAS POR TELÉFONO

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía fax o vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor.

México, D.F. a

de

del año

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Tel. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150

Fax. +52 (55) 5202 3932

ABSENTEE BIDS ABSENT BID TERMS, CONDITIONS AND BID FORM

BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Galerias Louis C. Morton, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton.

ABSENTEE BID FORM AUCTION TITLE

DATE

PALETTE NUMBER

WHO MAKES THE BIDS

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT

3. Unlimited bids are not permitted.

RESPONSIBILITY

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the "One more bid authorized" section is chosen as "Yes", you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as "No" or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received

by Morton.

7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

ONE MORE BID AUTHORIZE

YES

NO

TELEPHONE BIDS

YES

NO

FULL NAME ADRESS

ZIP CODE

E-MAIL TELEPHONE

MOBILE

ID NUMBER CREDIT CARD SECURITY CODE

EXPIRING DATE

LOT NUMBER

TOP LIMIT BID

DESCRIPTION

(Mexican Pesos)

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met: a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it. b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held. c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton.

Auctions at Monte Athos Gallery: $20,000.00 MXP Auctions at Moliere Gallery: $5,000.00 MXP The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer. d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

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RECEPTION (MORTON STAFF ONLY) NAME AND SIGNATURE DATE AND TIME OF RECEPTION

I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

PAYMENT CONDITION

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission.

Payment made with credit card or any American Express card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for.

BIDS OVER THE TELEPHONE

SIGNATURE (Date)

MEXICO CITY

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent by fax to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

CONFIDENTIALITY

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.

Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com 212

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 & 3150

Fax. +52 (55) 5202 3932