SUBASTA DE ARTE LATINOAMERICANO

subasta de arte latinoamericano jueves

2

de junio de

2022, 5:00

p.m.

1

2

Lote 158 Lote Lote82 249

Lote 36

6

7 Lote 90

DIRECTORIO Presidente | Luis C. López Morton · eorozco@mortonsubastas.com Director General | Eduardo J. López Morton · emorton@mortonsubastas.com Director de Operaciones | Manuel González · mgonzalez@mortonsubastas.com Director General de Préstamos | Andrés López Morton · amorton@mortonsubastas.com Gerente de Autos y Camiones | Aída Alanís Lara · aalanis@mortonsubastas.com

CONSIGNACIÓN Antigüedades | Antonio López Morton Arte Moderno y Contemporáneo | Sofía Duarte Obra Gráfica | Diana Álvarez Joyería y Relojes | Alejandra Rojas Libros Antiguos y Contemporáneos | Rodrigo Agüero Vinos de Colección y Uso Diario | Abril Rodríguez Oportunidades. Cerro de Mayka | Rafael Perusquía Herencias y Colecciones | Javier López Morton Monterrey | Daniella Palafox Guadalajara | Stephanie Torres París | Carlos Millán

DEPARTAMENTO DE ARTE MODERNO

Gerente de Departamento

Especialista

Sofía Duarte

Constanza Infante

Especialista

Catalogadora

María Fernanda Serrano

Ana Segoviano

INFORMES Tel. + 52 (55) 5283 3140 · atencion.clientes@mortonsubastas.com Visite nuestra página web mortonsubastas.com donde encontrará fotografías adicionales de todos los lotes incluidos en esta subasta.

subasta de arte latinoamericano Salón Candiles del Club Naval Norte

Fernando Alencastre 310, Col. Lomas de Virreyes, Ciudad de México

JUEVES 2 DE JUNIO DE 2022, 5:00 P.M. EXPOSICIÓN

Sábado 28 y domingo 29 de mayo de 11:00 a.m. a 2:00 p.m.

Lunes 30, martes 31 de mayo y miércoles 1 de junio de 10:00 a.m. a 6:00 p.m.

Nos complace invitarle al cocktail, el martes 31 de mayo a partir de las 5:00 p.m.

VISITAS PRIVADAS Y ASESORÍA EN ARTE. Citas: Sofía Duarte | Tel. (55) 5283 3140 ext. 3156 | sduarte@mortonsubastas.com

PORTADILLA

Lote 32

PORTADA

CONTRAPORTADA

Lote 73

Lote 73

INFORMES. Sofía Duarte | Tel. (55) 5283 3140 ext. 3156 | sduarte@mortonsubastas.com Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Frida Kahlo, José María Velasco y Dr. Atl, forman parte del grupo de pintores mexicanos cuyas obras son consideradas Monumentos Artísticos e Históricos. Si usted requiere mayor información, contacte a nuestro Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

Las piezas se entregan con la documentación que aparece en la descripción del catálogo.

Informamos a nuestros clientes que la comisión de comprador es del 20% más IVA. Se recibirán ofertas en ausencia hasta cuatro horas antes del inicio de la subasta. Los precios son en pesos mexicanos (M.N.) Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento. Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta.

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Sofía Duarte | sduarte@mortonsubastas.com | Tel. (55) 5283 3140

LAS VENTAS DESPUÉS DE SUBASTA SERÁN SOBRE EL ESTIMADO BAJO

Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, podemos asesorarlo para su envío.

mortonsubastas.com

MORTON SUBASTAS, S.A. DE C.V. ¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? Bienvenido al mundo de las subastas, donde tendrá la oportunidad de adquirir emocionantes tesoros como lo son antigüedades, arte, joyas, relojes, muebles, libros, vinos, entre muchas otras cosas.

Participar en una subasta es muy sencillo y no requiere invitación. Usted podrá acudir, o en su caso, comprar en línea, disfrutar del momento, y participar para llevarse el lote de su preferencia. A continuación, le damos algunas recomendaciones, reglas y requisitos para que pueda disfrutar de esta experiencia única:

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO?

Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, e incluso puede asistir aún sin estar seguro de adquirir un lote.

(Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente.)

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA?

Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición en la cual podrá ver las piezas que se van a subastar.

Asimismo, es recomendable adquirir el catálogo mediante la suscripción por teléfono o acudiendo directamente a nuestras oficinas, ya que en él se encuentran las fotos y la descripción detallada de cada lote.

Para poder participar en la subasta es indispensable registrarse.

¿CÓMO ME REGISTRO A UNA SUBASTA? El registro puede ser de las siguientes maneras: A) Para participar en vivo: Directamente en las oficinas de Morton Subastas, ya sea previamente o durante la celebración de la subasta.

B) Para participar en línea o con una oferta en ausencia: Directamente entrando a la pagina de www.mortonsubastas.com mediante la plataforma de Bidsquare, o bien descargando la aplicación de MORTON SUBASTAS Comunicándose a los teléfonos de Morton Subastas (55 5283 3140) Enviando un correo electrónico a la dirección ofertasenausencia@mortonsubastas.com En el registro se le solicitará su identificación oficial vigente, nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (ya sea en efectivo o tarjeta).

Al registrarse para la subasta se le asignará un número de paleta, con la cual usted podrá realizar las pujas que considere convenientes.

¿CÓMO SE LLEVA A CABO LA SUBASTA?

• Al dar inicio, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida.

• La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces, los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero.

• El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

• El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de las pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• Para que el martillero adjudique un lote será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto, el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador.

• La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés. Una vez adjudicado un lote, no se aceptan cancelaciones y devoluciones.

¿CÓMO REALIZAR UNA COMPRA EN LA SUBASTA?

Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote.

Al último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo se le conoce como el precio del martillo, y esa es la cantidad, más la comisión (20%), más el I.V.A. de la comisión, que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN?

¿Se pueden hacer ofertas sin asistir al salón de subastas?

Sí, existen tres sencillas formas de hacerlo:

EN AUSENCIA Usted debe llenar el formato de ofertas en ausencia, mismo que se encuentra a su disposición en nuestras oficinas y en el presente catálogo, en el cual tendrá que indicar el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. De esta manera, uno de nuestros representantes podrá hacer las ofertas en su nombre y representación.

El personal autorizado por Morton podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores sin ningún cargo adicional, y de acuerdo a las siguientes reglas: 1.

El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com.

2.

Será necesario que Morton haya recibido las posturas del licitador señalando un monto máximo como límite de cada puja.

3.

En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, usted puede autorizar a Morton Subastas a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia por una sola vez; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. Es importante que usted seleccione la casilla correspondiente en el formato para autorizar a Morton Subastas. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

4.

Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

5.

Los lotes se adjudicarán al precio final que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala.

6.

En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta.

7.

Morton Subastas NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar.

8.

Morton Subastas NO acepta ofertas sin límites.

POR TELÉFONO 1.

Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el transcurso de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregado a Morton por lo menos con dos días hábiles de anticipación, siempre y cuando la cifra sea mayor a $50,000 M.N. por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

2.

Previo a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas.

3.

Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted vía telefónica y así estará pasando sus ofertas al subastador.

NOTA: No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000 M.N.

EN LÍNEA 1.

En www.mortonsubastas.com encuentre la subasta en la quiere participar y de click en “Participe en línea”. Entrará a la plataforma Bidsquare en la que podrá crear una cuenta gratuita con un correo electrónico y una contraseña. Una vez creada su cuenta, podrá registrarse para participar en la subasta; el sistema le indicará si su registro fue aprobado automáticamente para participar o si necesita contactar al personal de Morton para que éste sea autorizado. Una vez que suceda esto, puede dejar sus ofertas desde el momento que quiera o bien, tiene la opción de seguir la subasta en vivo a través de la transmisión de audio y video, y hacer sus ofertas con un click.

2.

En caso de venta a través de Bidsquare, el Premium será de 23%.

EL FORMATO DE OFERTAS EN AUSENCIA SE ENCUENTRA EN LA ÚLTIMA PÁGINA DE ESTE CATÁLOGO.

INFORMACIÓN IMPORTANTE 1.

El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

2.

El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

3.

Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda, no compre, ya que no se aceptan cambios ni devoluciones.

4.

Todas las piezas incluidas en los catálogos están revisadas y muchas de ellas autentificadas, ya sea por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información, estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

5.

Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

6.

Los precios estimados son en pesos mexicanos (M.N.).

7.

Si por alguna razón no puede pasar a liquidar el precio, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, cobrando también el porcentaje correspondiente a la comisión más el I.V.A. de la comisión.

8.

Las compras menores de $50,000.00 (cincuenta mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta y el I.V.A. correspondiente.

9.

En los lotes que no llevan estimado, la salida será por debajo de $2,000.00 M.N.

10. Una vez asignado el lote en la subasta no hay devoluciones ni cancelaciones.

11. Morton Subastas le proporciona factura únicamente por el Premium (comisión) y el I.V.A. correspondiente.

12. Una vez emitida la factura no hay cambio de nombre.

13. De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 35 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-002 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte.

14. En caso de adquirir un lote que se considere monumento histórico o artístico en términos del artículo 36 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos, deberá de dar aviso al instituto competente, de acuerdo a lo establecido en el artículo 26 de la mencionada ley e inscribirlo en el Registro Público correspondiente, en términos del artículo 18 del Reglamento de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos.

15. El transporte es por cuenta del comprador.

16. Cualquier reclamación de todo tipo contra Morton Subastas en relación a los lotes que adquiera, tendrá una vigencia únicamente por cinco años contados a partir de la compra respectiva.

17. El adquirente tendrá un plazo máximo de 4 días hábiles a partir de la fecha de la subasta en que se le adjudicó el artículo para pagar en su totalidad y recogerlo en el domicilio de Morton en el cual se haya realizado la subasta y en el horario que se le indique. El quinto día después de la subasta se utilizará para transportar las piezas a Avenida Constituyentes 910, colonia Lomas Altas, C.P. 11950, Miguel Hidalgo, Ciudad de México, por lo cual este día no habrá entrega de mercancía. A partir del sexto día después de la subasta comenzará a correr un periodo de gracia consistente en 10 días hábiles en el cual no se cobrará el almacenaje de los lotes. A partir del décimo primer día, si el adquirente no ha recogido sus artículos, estará obligado a pagar $100.00 más I.V.A. diarios por concepto de almacenaje.

RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO

Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec:

Lunes 06 de junio de 9:30 a.m. a 6:00 p.m.

Martes 07 de junio de 9:30 a.m. a 6:00 p.m.

Miércoles 08 de junio de 9:30 a.m. a 6:00 p.m.

Jueves 09 de junio de 9:30 a.m. a 6:00 p.m.

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS VALORES ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO? Los catálogos de Morton Subastas muestran dos valores: un estimado bajo y un estimado alto.

El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

+ $10,000

$100,000

¿CÓMO FUNCIONA EL INCREMENTO DE PRECIOS? Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto al precio de salida o a la postura anterior, se regirán dentro de los parámetros que se encuentran en el gráfico de incremento de precios.

+ $5,000

$50,000 ¿CUÁNTO DEBO PAGAR POR UN LOTE ADQUIRIDO EN SUBASTA? + $2,000

1.

La persona a la que el martillero adjudique el lote se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente:

•

El precio de venta o de martillo del lote subastado.

•

Comisión del comprador: Al precio de venta o de martillo de lote subastado se le agregará un 20% adicional, correspondiente al Premium, que es la comisión por la compra, más el 16% de I.V.A. que se aplicará únicamente al Premium.

•

En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito bancario o American Express, se agregará 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta de crédito.

•

En caso de venta a través de Bidsquare, el Premium será de 23% más el I.V.A. del 16%.

2.

Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación, un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

3.

Si requiere factura a nombre de su compañía, favor de solicitarla al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Contribuyentes. No habrá cambios en las facturas una vez completado el trámite.

$20,000

+ $1,000

$10,000 + $500

$5,000 + $800 + $500 + $200

$1,000 + $100

$100 Gráfico de incremento de precios

PARTICIPAR EN NUESTRAS SUBASTAS ES MUY SENCILLO En presencia

Asista a la subasta en la fecha y hora establecidas en su catálogo o indicadas en nuestra página web. Al llegar al salón de subastas, deberá registrarse y se le asignará una paleta con la cual podrá ofertar por el lote de su interés. Si usted es quien realiza la mayor oferta, ¡la pieza será suya!

En ausencia

Previo a la subasta, comuníquese con nosotros al 55 5283 3140 y el departamento de Ofertas en Ausencia tomará sus datos y la oferta por la pieza de su interés. Durante la subasta, nuestro personal asignado hará las ofertas por usted, o bien, puede pedir que le llamen cuando el lote que desee adquirir esté por salir a subasta para que haga su oferta vía telefónica.

mortonsubastas.com

En línea

Visite nuestra página web e identifique la subasta en la que desea participar y dé clic en “Plataforma Morton”. Ahí podrá abrir una cuenta, una vez creada, podrá registrarse para participar en la subasta; el sistema le indicará si su registro fue aprobado automáticamente para participar o si necesita contactar a nuestro personal para que sea autorizado.

GLOSARIO DE TÉCNICAS PLÁSTICAS Las técnicas pictóricas están conformadas por pigmento (sustancia que permite colorear las superficies al dejar partículas adheridas a ellas), aglutinante (que permite que la mezcla sea estable y garantiza su permanencia en el soporte) y diluyente (que permite adelgazar, homogenizar y disolver la materia).

Tipos de soporte: Aglomerados: Tableros fabricados a partir de elementos fibrosos de madera prensada y unidos por medio de distintos procesos y aglutinantes; los más utilizados son: fibracel, masonite y MDF. En ocasiones llevan un recubrimiento industrial como en el caso de la melamina y formica.

Cartón: Material compuesto por varias capas de papel a base de fibra virgen o de papel reciclado superpuestas. Es grueso, duro y resistente.

Láminas de metal: Suelen ser de cobre o zinc.

Madera: También catalogada como “tabla”. Los tipos de madera más usados en la pintura son: caoba, pino y laminados como el triplay.

Papel: Hoja delgada que se hace con pasta de fibras vegetales. Puede ser de fabricación industrial o a mano, lo que brinda a las hojas distintas texturas y cualidades.

Polipropileno: Polímero termoplástico, parcialmente cristalino. Se fabrica en diversos grosores y grados de flexibilidad.

Tiene gran resistencia contra solventes químicos y al calor.

Tela o lienzo: Usualmente preparado con una imprimatura para pintar sobre él. Los más utilizados son los fabricados en lino, yute, cáñamo, algodón o fibras sintéticas.

Vinilo: Se obtiene a partir del cloruro de vinilo, un material que se usa para fabricar PVC (policloruro de vinilo), utilizado en una variedad de productos plásticos. Puede ser usado como soporte de impresión, entre sus propiedades destacan la durabilidad y la maleabilidad. También se utiliza como material de rotulación pues su alta maleabilidad permite que sea deformado y cortado, permitiendo construir siluetas y textos.

Técnicas bidimensionales: Acrílico: Emulsión integrada por pigmento y cola vinílica soluble en agua que se distingue especialmente por la rapidez del secado.

Acuarela: Pigmentos aglutinados con goma arábiga que al ser diluidos en agua resultan traslúcidos y ofrecen una textura visual muy ligera.

Anilina: Pigmentos de origen natural, usados principalmente en la industria alimenticia.

Barniz: Producto que suele aplicarse al finalizar la obra, forma una película sólida, transparente, con propiedades protectoras o decorativas.

Bolígrafo: Instrumento que produce un trazo uniforme y de secado rápido. Contiene un tubo de tinta y, en la punta, una bolita metálica que gira permitiendo el dibujo.

Crayón: Barra hecha con cera y pigmentos.

Carboncillo: Trozo de madera carbonizada que permite trazar líneas ágiles y gradaciones.

Collage: Procedimiento que consiste en pegar trozos de diferentes materiales como telas, cartón, papel, fotografías y recortes de periódicos, sobre una superficie para crear una composición.

Conté: También se le conoce como lápiz de carbón compuesto, similar al carboncillo, pero ofrece un trazo más preciso al estar aglutinado con cera o arcilla.

Encáustica: Pigmentos disueltos en cera que se extienden con ayuda de una espátula o pincel sobre el soporte. Se le suele aplicar fuego directo para crear diversos efectos y texturas.

Esmalte: Pasta vítrea, brillante y dura, que se obtiene mediante fusión de polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal.

Gouache: Pintura opaca en la que los pigmentos están aglutinados con goma arábiga y mezclados con un medio inerte como el yeso, carbonato de calcio o creta.

Hoja de oro: Lámina muy fina de oro batido o metal que imita metales preciosos. Se adhiere a diversas superficies previamente preparadas.

Lápiz: Barras de madera que contienen en su interior una mina de pigmento aglutinado. Los tipos más usuales son: De grafito: Su mina está compuesta de grafito (un mineral de carbono casi puro), arcilla y agua; da distintas tonalidades de gris de acuerdo al grado de dureza que tenga, en una escala indicada con las siglas H (hard) a B (black).

De color: Su mina está compuesta por pigmentos de colores aglutinados con cera de abeja.

Mixta: Cuando se combinan varias técnicas o se introducen elementos extra pictóricos como arena, polvo de mármol o tierra. Óleo: Pigmentos integrados con aceites y resinas vegetales, se disuelven en trementina (aguarrás). Se puede controlar su fluidez y espesor, aplicándolo de manera directa o por medio de veladuras.

Pastel: Barras secas de pigmentos aglutinados con goma. Su textura permite mezclarlos o difuminarlos.

Pastel graso: Combinación de pigmentos con aceite y cera. Estas barras son blandas, de consistencia cremosa y colores brillantes.

Piroxilina: Laca sintética a base de nitrocelulosa; su uso es principalmente industrial.

Poliuretano: Polímero que puede fabricarse para que sea rígido o flexible, por ejemplo como espuma.

Sanguina: Óxido férrico aglutinado con goma arábiga que se utiliza en forma de lápiz o barra para trazar en una gama de colores rojizos.

Temple: Su característica principal es la emulsión de agua y materia grasa. Los pigmentos se encuentran aglutinados con yema de huevo, caseína, goma o grasa animal.

Tinta acrílica: Gracias a su base acrílica seca rápidamente, es permanente y resistente al agua.

Tinta china: Está formada por partículas de pigmento negro carbón con un aglutinante de cola proteica, los cuales se disuelven en agua.

Tinta saiboku: Barritas de tinta hechas con pigmentos inorgánicos y cola animal. Su color es intenso.

Técnicas tridimensionales: Escultura: Obra tridimensional tallada, modelada o construida en barro, cerámica, piedra, madera, metal u otro material.

Relieve: Obra adosada a un plano; adherida a una superficie que le sirve de fondo, por lo que tiene un punto de vista frontal.

Las técnicas más comunes son: Fundición: Técnica para obtener esculturas en metal. Predominan dos procedimientos: la fundición a la cera perdida y a la arena.

A la cera perdida: Consiste en realizar un modelo en arcilla que se recubre con una capa de cera, que a su vez se recubre con alguna sustancia refractaria y se deja endurecer. Una vez secos, se le hacen unos orificios por donde se deja salir la cera y posteriormente se rellena con bronce fundido. Al enfriarse el metal, se rompe la capa exterior de arcilla.

A la arena: Consiste en dividir la pieza en diversas partes, que se ponen en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las distintas piezas se unen mediante remaches.

Ensamblaje: Técnica que consiste en pegar o soldar distintos objetos y materiales para crear una composición con tridimensionalidad.

Labra: Técnica sustractiva en la que se parte de un bloque de piedra (mármol, ónix, basalto, etc.) y se desbasta con mazo y cincel, para crear una forma.

Modelado: técnica aditiva que consiste en añadir materia e ir moldeándola, ya sea con las manos o algún instrumento como espátula o estiques. Los materiales más comunes son la arcilla, cerámica, cera y plastilina.

Pátina: Medios químicos que posibilitan cambiar el tono de la superficie de una escultura. Su nombre proviene de emular la “pátina”, barniz o tono que adquieren ciertos objetos antiguos con el paso del tiempo.

Soldadura: Procedimiento por el cual dos o más piezas de metal se unen por aplicación de calor, presión o una combinación de ambos.

Talla: Técnica sustractiva que parte de un bloque generalmente de madera, el cual se va extrayendo y puliendo con mazas y gubias hasta alcanzar la forma deseada.

Vaciado: Se vierte el material, que puede ser metal, plástico, resina, yeso o cerámica en un molde.

Lote 72

Lote 57

“El arte de un pueblo es el verdadero espejo de sus pensamientos.”

Jawaharlal Nehru

El Arte Latinoamericano es un fenómeno que se ha ido construyendo desde las más distintas perspectivas, zonas geográficas, culturas y situaciones políticas y económicas. Para Morton Subastas es un honor poder desentrañar este fenómeno a través de algunos de sus más fascinantes exponentes.

En esta ocasión preparamos para su disfrute una selección de 180 lotes que dan cuenta de la magnífica diversidad de propuestas que ofrece el arte latinoamericano.

Sobresalen dos obras del maestro Rufino Tamayo, “Naturaleza muerta” y “La vendedora de frutas”. Ambas son una demostración de la extraordinaria destreza artística de uno de los más grandes pintores modernos mexicanos del siglo XXI. La subasta en sí es un recorrido a través del tiempo, por lo que además de arte moderno podrá encontrar obras mucho más academicistas como el óleo de gran formato de Ángel Zárraga titulado “Autorretrato con modelo”. Sobre esta misma línea cabe mencionar la sección de Galas de México que pone a su disposición obras de excepcionales artistas de calendario como Jesús Helguera, Eduardo Cataño, Antonio Gómez Rodríguez; entre otros.

Para comprender una visión más actual del arte latinoamericano contamos también con obras de grandes artistas contemporáneos como Carlos Amorales, Dr. Lakra y Boris Viskin.

En la exposición previa a la subasta podrá también encontrar obra de Fernando de Szyszlo, David Alfaro Siqueiros, Edgar Negret, Jorge González Camarena, Dr. Atl, Rodolfo Morales, Loló Soldevilla, René Portocarrero, Joy Laville, Alfredo Castañeda, Nahui Olin, Francisco Toledo, Carlos Ríos, Manuel Felguérez, entre una gran variedad de artistas que representan la historia de nuestro continente.

Acérquese a las especialistas del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo para recibir asesoría personalizada sobre estas y todas las obras que componen la subasta. Así mismo, nos complacerá acompañarlo durante el proceso de compra de algunas de estas maravillosas obras.

Morton Subastas

21

1

EDGAR NEGRET

(Popayán, Colombia, 1920 - Bogotá, Colombia, 2012) Mariposa crisálida

Firmada y fechada 1998 en la base Escultura en aluminio policromado 12 / 60 45 x 50 x 20 cm Con certificado de autenticidad de Galería Casa Negret Buitrago, febrero de 2019.

Presenta detalles de conservación.

Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cali, Colombia, donde elaboró figuras convencionales, influenciado por el arte religioso de las iglesias en su ciudad natal. Se encontró posteriormente con el artista vasco Jorge Oteiza, quien lo puso al tanto de la escultura moderna. Entre 1944 y 1948 trabajó una serie de yesos que anticiparon su inventiva; cabezas de personajes como Walt Whitman y Gabriela Mistral, las cuales obtuvieron reconocimiento a nivel internacional.

Continuó con su formación en el Clay Club Sculpture Center de Nueva York, donde experimentó con el ensamblaje de láminas metálicas y alambres, materiales que se convirtieron en parte de su identidad como artista. En la década de los 50 se instaló en Europa, donde conoció a Antoni Gaudí y después se mudó a Nueva York, donde ejecutó la serie “Aparatos mágicos”, que constaba de piezas geométricas, coloridas y elaboradas en aluminio. Estas fueron presentadas en la Bienal de São Paulo de 1957. En la 34ª Bienal de Venecia recibió el Premio Internacional de Escultura David E. Bright. Con su obra buscaba reflejar el mundo contemporáneo de la invención científica, la estética de la máquina y la geometría abstracta. Se sentía atraído por formas mecánicas de origen industrial, que él mismo denominó “símbolos de nuestra era”. Ruedas, tuercas, tornillos o láminas curvadas que conjugaba armónicamente con formas y colores entre los que sobresalen el rojo, azul y negro.

Sus obras se encuentran en colecciones como la del MoMA de Nueva York, el Museo Stedelijk de Ámsterdam y el Museo de Arte Moderno de Bogotá, entre otras.

Fuentes consultadas: “Edgar Negret, el escultor que quería ser santo”. España. El País, sección Cultura, 11 de octubre de 2016 y sitio oficial de la Red Cultural del Banco de la República en Colombia www.enciclopedia.banrepcultural.org

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 22

2

LOLÓ SOLDEVILLA

(La Habana, Cuba, 1901 - La Habana, Cuba, 1971) Sin título

Firmado Óleo y collage sobre tela 28.5 x 33.7 cm Con certificado de autenticidad del Lic. Roberto Cobas Amate, curador del Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba, septiembre de 2017.

Procedencia: Colección privada E.E. U.U; colección privada Cuba Exhibida en la Sarracino Gallery, Coral Gables, Florida, en 2015, 2016 y 2017.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Gracias a la influencia de su madre María Nieto Lannes, quien era maestra de piano, estuvo rodeada de expresiones artísticas desde niña.

Practicó música y escritura y desde niña fue empática ante los temas sociales. Se graduó del Conservatorio Falcón en La Habana, para fundar en 1934 la “Orquesta de Loló”, conformada por mujeres y con repertorio de música cubana y latinoamericana. En estos años también se fue acentuando su pensamiento, ideales y acciones políticas, incorporándose a diferentes actividades contra el gobierno de Gerardo Machado, lo cual ocasionó que fuera encarcelada en más de una ocasión en la Cárcel de Mujeres de Guanabacoa. Posteriormente fue nombrada Agregada Cultural de la Embajada de Cuba en Francia y a partir de este hecho su carrera como artista despegó. Inmersa en la vida intelectual, se inscribió en la Grande Chaumière, viajó por Europa y se involucró con el movimiento artístico dominante de la posguerra: el abstraccionismo.

El trabajo de Loló Soldevilla exploró la geometría en diversos medios; pintura, escultura, collage y relieves. Su producción siguió los principios del concretismo: simplicidad y reducción de elementos a superficies y color, usando el círculo como forma dominante e introduciendo un sentido de ritmo y movimiento en sus composiciones. Cuando decidió insertarse en el contexto cubano, su obra había adquirido personalidad propia y una alta calidad, unido a su interés como promotora por dar a conocer al público cubano lo mejor del arte abstracto internacional.

En este sentido, organizó la exposición “Pintura de Hoy. Vanguardia de la Escuela de París” en el Palacio de Bellas Artes de La Habana en 1956. Entre los pintores exhibidos se encontraban Jean Arp, Edgard Pillet y Victor Vasarely, introduciendo al público cubano a las nuevas tendencias europeas.

Después junto con su colega y esposo Pedro de Oraá, fundó la Galería de Arte Color Luz, establecimiento que se convirtió en el epicentro de arte abstracto en el país y que dio origen a un grupo de artistas conocidos como “Los diez pintores concretos” o “Los Diez”, quienes formaron una importante conexión entre el arte europeo y el latinoamericano.

Fuentes consultadas: GREENHILL CALDERA, CJ. “What made Cuban Modernism so groundbreaking? Scholar Roberto Cobas Amate on the rapidly expanding market”.

Artnet, 30 de agosto de 2021, “5 things to know about Loló Soldevilla”. Bonhams. Publicaciones, 12 de julio de 2021 y sitio oficial de la artista www.lolosoldevilla.com

$300,000.00-$400,000.00 M.N. 23

3

MIGUEL ÁNGEL GIOVANETTI (Buenos Aires, Argentina, 1984 - ) Pentágonos 15, 2015

Sin firma Mixta sobre tela 180.5 x 149.5 cm Exhibida en: “Miguel Ángel Giovanetti: Proyecto Pentágono”, muestra presentada en RO Galería de Arte en Buenos Aires, Argentina, del 31 de julio al 12 de septiembre de 2014.

Presenta detalles de conservación.

“En principio, al utilizar un único elemento, Giovanetti reduce su lenguaje al mínimo. Al multiplicar la figura a través de la repetición, la superposición, la línea con sus cualidades de grosor y color, expande el discurso de ese único elemento en complejas composiciones que él mismo llama ‘enjambres’”. Luis Espinosa.

Fuente consultada: ESPINOSA, Luis. “Miguel Ángel Giovanetti. Proyecto Pentágono”. Argentina. RO Galería de Arte, mayo de 2014.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. 24

4

BRUNO WIDMANN

(Montevideo, Uruguay, 1930 - Montevideo, Uruguay, 2017) El vuelo

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela 140 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, mayo de 2014.

Bruno Widmann es considerado por la crítica como uno de los maestros de la pintura contemporánea de América Latina. Inició sus estudios con el artista italiano Sergio Curto, posteriormente se puso en contacto con el Instituto de Arte Contemporáneo del maestro Scroppo de Turín y la Academia de Bellas Artes de Perusa, Italia. Invitado por el gobierno de Francia, viajó a París en 1973, repitiendo en los años 1975 y 1976, para culminar dicho ciclo con su participación en la 9ª Edición Internacional de Grupo, Galería Arnaud de París.

Su obra se caracteriza por llenarse de formas, de sugerencias orgánicas y en ocasiones también geométricas inscritas en un espacio infinito que no pretende representar el mundo, sino desplegarlo hasta el límite. Ha sido parte de destacadas exposiciones individuales y forma parte de los acervos museísticos más importantes a nivel internacional, entre ellos el Museo de Arte Reina Sofía en España, el Centre Pompidou en París, los Museos de Arte Moderno en Haifa y Milán y el Museo de Artes Visuales de Montevideo, entre otros.

Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. Bruno Widmann: quimeras y realidades. Chile. Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, 2007.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. 25

5

ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) Cruz Xóchitl

Firmada y fechada 1989 Escultura en fierro con esmalte acrílico 62 x 62 x 31 cm También conocida con el título "Flor prehispánica" Con certificado de autenticidad del artista, mayo de 2015.

Procedencia: colección privada, México.

Esta pieza cuenta con una estructura metálica que funciona como eje para que gire.

“La obra de Sebastian, particularmente atractiva para los amantes de la geometría, también atrae al público en general, como lo evidencian los numerosos espacios públicos que sus esculturas adornan alrededor del mundo. Aunque es mayor la emoción al conocer a este hombre tan agradable, cálido y humilde, que cuando se le ‘provoca’, habla sobre el desarrollo de sus obras con gran entusiasmo. Sus dinámicos trabajos pueden servir de estímulo ilimitado a los estudiantes de geometría, por sus visualizaciones desafiantes y sorprendentemente inspiradoras, mientras que el público en general puede apreciar la belleza de sus obras estéticas y, al contemplarlas durante horas, tener nuevos descubrimientos personales. Nuestra civilización recibió como regalo a este genio”. Alfred S. Posamentier.

Fuente consultada: TAJONAR, Héctor et al. Sebastian. Escultor. México. Fundación Sebastian, 2009, pág 42.

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

26

6

MIGUEL ÁNGEL GIOVANETTI (Buenos Aires, Argentina, 1984 - ) Pentágonos 4, 2014

Sin firma Acrílico sobre tela 190 x 120 cm Con esta serie el artista explora la línea y la figura del pentágono y sus posibilidades expresivas como dinamismo, movimiento y armonía.

Su obra forma parte de importantes colecciones, destacan las de MoMA en Nueva York, The Museum of Art Fort Lauderdale, en Florida, Lowe Art Museum en Miami, Stockhausen Museum, Goethe Institut en Colonia, Alemania, Museo Emilio Caraffa y en el Museo Timoteo Navarro en Argentina.

“El pentágono en su quinto lado supera la estabilidad del cuadrado generando un dinamismo que a la vez que impone un movimiento comunica armonía. Al girar sobre el plano, por momentos se apoya en uno de sus lados, por momentos se apoya en un vértice, pero siempre se impulsa como si tuviera en su interior una fuerza motora”.

Fuente consultada: ESPINOSA, Luis. “Miguel Ángel Giovanetti. Proyecto Pentágono”. Buenos Aires. RO Galería de Arte, mayo de 2014.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. 27

7

PEDRO CERVANTES

(Ciudad de México, 1933 - Ciudad de México, 2020) Columna móvil

Firmada Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 14 / 24 en base de madera laqueada 47 x 12 x 12 cm Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Félix Landero (FLM).

Existe una versión de esta obra en mayor formato publicada en: BOELSTERLY URRUTIA, Regina. Pedro Cervantes. Camino escultórico. México. Museo Federico Silva Escultura Contemporánea, 2006, pág. 36, y una versión en bronce fundida en 1990 en: QUIRARTE, Vicente et al. Cuerpo en el espacio: Las vidas de Pedro Cervantes. México. Frontespizio, 2010, pág. 135.

Cuando Pedro Cervantes quiso eternizar el cuerpo femenino lo estudió por completo y lo ha ejecutado mediante la escultura con gran elegancia y delicadeza desde entonces. Son obras realizadas de manera precisa, concebidas en parte de forma autobiográfica, pues en ellas se encuentran influencias de sus propias experiencias, como por ejemplo sus antiguos paseos por el patio de la Academia de San Carlos donde yacía una reproducción a escala de la Victoria de Samotracia, sus visitas por el Museo de Antropología y la admiración hacia la Coatlicue, así como sus primeros estudios dibujanticos sobre bailarinas en la Academia de la Danza, donde conoció al entonces director Santos Balmori. El captar el movimiento de las bailarinas equivalió a un gran aprendizaje en su educación visual, aquellos bocetos fueron elogiados por el propio Balmori y al convertirse en esculturas, fueron aclamadas por la crítica con la obra de Henry Moore.

Fuente consultada: QUIRARTE, Vicente et al. El cuerpo en el espacio: Las vidas de Pedro Cervantes.

México. Frontespizio, 2010, pp. 69-117.

$180,000.00-$280,000.00 M.N. 28

8

NESSIM BASSAN

(Panamá, Panamá, 1950 - ) Eyes open, eyes shut

Uno firmado y fechado julio 2020 Acrílico y papel sobre tela, díptico 46 x 46 x 5 cm cada uno Piezas: 2 Presentan ligeros detalles de conservación.

Estudió Artes Visuales en The Peddie School de Nueva Jersey. Presentó su primera exposición individual en 1968 y a partir de los años setenta comenzó a exhibir sus obras de manera colectiva en importantes recintos culturales de su país. En 1973, el crítico José Gómez Sicre lo invitó a exponer en la sede de la Organización de los Estados Americanos en Washington, D.C. y recibió menciones honoríficas en el Concurso Xerox de 1970, 1971, 1972 y 1973. Su obra fue seleccionada para participar en la Bienal de São Paulo en 1981 y obtuvo el Segundo Premio en la Bienal de Arte Pictórico de Panamá en 1992. Reapareció en la escena de arte de su país después de algunos años de dedicarse a su familia y la vida empresarial, fue comisionado para diseñar y supervisar la ejecución de vitrales en la Gran Sinagoga de Panamá en el año 2015 y se realizará una retrospectiva de su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá. $220,000.00-$300,000.00 M.N. 29

9

JORGE GONZÁLEZ VELÁZQUEZ (Ciudad de México, 1966 - ) Siembra

Firmado y fechado 16 Acrílico sobre tela 195 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: DRIBEN, Lelia et al. Jorge González Velázquez. Origen. México. Aldama Fine Art, 2018, pág. 33, catalogado 9.

Exhibido en: “Jorge González Velázquez. Origen”, muestra individual presentada en Aldama Fine Art en la Ciudad de México, en octubre de 2018.

Es un sobresaliente pintor y escultor mexicano egresado de La Esmeralda. A lo largo de su carrera ha trabajado en la fundición de múltiples piezas con Juan Soriano, Gunther Gerzso y José Luis Cuevas. Ha participado en un sinfín de exposiciones colectivas e individuales en museos y galerías de diferentes países de América y Europa. Es un incansable experimentador de técnicas y materiales, no obstante la pintura es una disciplina que ha desempeñado de manera vasta y en cierta forma una rama de su trabajo tridimensional pero, a la vez, goza de una idea propia, usando casi siempre gamas monocromáticas y elementos en distintos modos de abstracción, es decir, descargando en su totalidad la complejidad de formas y figuras que serían difíciles de llevar a los tres planos. Por eso, sus dos trabajos se comunican y complementan, pues la elegancia y sobriedad de su escultura halla correspondencia en la delicadeza de su pintura.

Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio, et al. Jorge González Velázquez. Fractal. México. Aldama Fine Art, 2013, pp. 8 y 9.

$130,000.00-$180,000.00 M.N. 30

10

FELICIANO BÉJAR

(Jiquilpan, Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007) Irrigación

Firmada y fechada 2003 Escultura en aluminio y cristal tallado, pieza única 55 x 47.5 x 30 cm Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, enero de 2022.

Cuando tenía 15 años comenzó a experimentar con los materiales que hallaba a su paso. Fue entonces cuando conoció al muralista José Clemente Orozco, quien trabajaba en una biblioteca de Jiquilpan y de quien aprendió que el arte debía estar al servicio de la sociedad. No obstante, primero se dedicó a recorrer el mundo y practicó distintos oficios, hasta que en Nueva York, el inglés Arthur Ewart lo estimuló para dedicarse a la pintura. En 1948 realizó su primera exposición individual en la Ward Eggleston Gallery. Continuó su formación autodidacta en museos en Europa, la cual recorrió en bicicleta. Fue en 1956 cuando además de pintar, trabajó como extra de cine y locutor de radio, mismo periodo en el que comenzó a integrar consistentemente la luz a manera de pequeños soles. Estos que después trasladó de sus lienzos a sus esculturas; así nacieron las obras bautizadas por Jorge Hernández Campos como “magiscopios”; instrumentos de metales reciclados con lentes encapsulados. Estas creaciones llegaron en 1966 al Palacio de Bellas Artes y constituyeron la apertura para toda una generación de esculturas vanguardistas, significó la ruptura de moldes tradicionales. Impuso una nueva forma de entender el arte de manera lúdica.

Fuente consultada: MACMASTERS, Merry et al. “Murió Feliciano Béjar, impulsor de un arte al servicio de la sociedad”. México. La Jornada, sección Cultura, 2 de febrero de 2007.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. 31

11

ROGER VON GUNTEN

(Zúrich, Suiza, 1933 - ) Semblanza de un ser pensante

Firmado y fechado 16 al frente. Firmado y fechado 2016 al reverso Acrílico sobre tela 90.5 x 70 cm Agradecemos al Maestro Roger von Gunten por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

Estudió pintura y diseño gráfico en la Escuela de Artes y Oficios de Zúrich. Ahí tuvo como director al teórico del color Johannes Itten y como maestro a Ernst Gubler. A su regreso viajó por Europa y recorrió América de Nueva York a Patagonia.

En 1957 se trasladó a la Ciudad de México y realizó su primera exposición en la Galería Antonio Souza. Participó más adelante en la exposición “Confrontación 66” y formó parte del Salón Independiente en 1968, 1969 y 1970. Ha presentado su obra a nivel nacional e internacional, destacando tres retrospectivas: Museo de Arte Moderno en 1978, Palacio de Bellas Artes en 1989 y Museo Universitario del Chopo en 1994, en la Ciudad de México. Incursionó en el teatro a través de escenografías para obras como “Doce y una trece” de Juan García Ponce en 1963 y “La hija de Rapaccini”, ópera de Daniel Catán con libreto de Juan Tovar a partir de una obra de Octavio Paz en 1991. En 2014 fue reconocido con la Medalla Bellas Artes por sus aportaciones a la cultura mexicana.

“La obra de von Gunten es extremadamente sutil, de gran elaboración y sobre todo natural. Sus cuadros son irónicos, como una especie de sueño en la realidad que permanece siempre única e indivisible”. Juan García Ponce.

Fuente consultada: GARCÍA PONCE, Juan. Nueve pintores mexicanos. México. UNAM, colección Pértiga, 2006, pág. 62 y sitio oficial del Centro Virtual de Documentación e Información La Ruptura www.laruptura.org

$230,000.00-$350,000.00 M.N. 32

12

BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009) Sin título

Firmado y fechado 77 Óleo sobre tela 100 x 100 cm Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana.

Presenta ligeros detalles de conservación.

A los 16 años Byron Gálvez decidió trasladarse a la Ciudad de México para ingresar a la Academia de San Carlos, donde cursó sus estudios en arte, forjándose con una generación de maestros de primer nivel, entre ellos Antonio Rodríguez Luna, Francisco Moreno Capdevila, Luis Nishizawa, Santos Balmori y Antonio Ramírez.

Entre 1962 y 1964 realizó estudios de posgrado, especializándose en pintura. Fue miembro fundador del taller de escultura en metal de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. En vida, presentó más de 60 exposiciones individuales en Estados Unidos y América Latina, además de muchas otras colectivas. Su producción plástica forma parte de diversas colecciones privadas en México y el extranjero. Su obra al óleo se caracteriza por un dominio técnico, una capacidad inusual en el manejo de los volúmenes y los colores fríos y su temperamento rebelde ante una realidad que pretende unificar al ser humano, su conocimiento en el manejo de la simultaneidad de los planos y sus cualidades como colorista.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.byrongalvez.com

$260,000.00-$400,000.00 M.N. 33

13

MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - Ciudad de México, 2020) Nocturno inmóvil

Firmado y fechado 90 Óleo sobre tela 65 x 75 cm Con certificado de autenticidad firmado por Mercedes Oteyza, viuda del artista.

Agradecemos a Mercedes Oteyza, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

Manuel Felguérez fue un artista implacable y analítico, un pintor libre y un escultor rígido que tras su fuerza reveladora creó su propio estilo.

Estudió en la Academia de San Carlos, en La Esmeralda y en la Académie Colarossi en París. Formó parte de la generación de La Ruptura, junto a otros importantes artistas como Vicente Rojo, Fernando García Ponce y Lilia Carrillo, quienes destacaron por componer obras fundamentalmente abstractas, renovando por completo el lenguaje artístico en México.

En sus obras experimentó con las formas, la materia y el color. Cada una es una aventura, siempre ordenada, analítica y abstracta. Si bien la tecnología fue un compromiso artístico para Manuel Felguérez, con su uso, aumentó su producción plástica y realizó diversos proyectos que poco a poco fueron recibidos con elogios. En 1975 por las obras de “El espacio múltiple” obtuvo la beca Guggenheim, uno de los subsidios de arte más importantes a nivel internacional. Ese mismo año, fue galardonado con el Gran Premio de Honor en la XIII Bienal de São Paulo, Brasil, una de las exposiciones de arte moderno más importantes de Latinoamérica. Es considerado el pintor más intelectual de su generación, sus obras se pueden encontrar en museos e importantes colecciones mexicanas y extranjeras.

Fuentes consultadas: GONZÁLEZ TORRES, Alberto. México abstracto. Manuel Felguérez. Islas Canarias. CONACULTA, INBA, 2008, pp. 30 y 31 y MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 259.

$500,000.00-$700,000.00 M.N. 34

14

FERNANDO DE SZYSZLO

(Lima, Perú, 1925 - Lima, Perú, 2017) XXIII, de la serie El innombrable

Firmado al frente. Fechado Orrantia / 80 al reverso Óleo sobre tela 100.5 x 100 cm Fernando de Szyszlo fue uno de los artistas más emblemáticos del siglo XX. Fue hijo del científico polaco Vitold de Szyszlo, sobrino del reconocido escritor peruano Abraham Valdelomar y cuñado del diplomático mexicano Alfonso García Robles, premio Nobel de la Paz en 1982.

Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional de Ingeniería de Perú, la cual dejó para seguir su verdadera vocación en la Academia de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica del Perú, bajo la tutela del austriaco Adolfo Winternitz, con quien creó la revista cultural “Las Moradas”. En 1947 viajó a París, estancia que fue trascendental para su formación artística. Allí entabló amistad con Octavio Paz, Julio Cortázar, Roberto Matta y Wifredo Lam, asimismo fue influenciado por la obra e ideales de Rufino Tamayo y estudió con gran dedicación el movimiento surrealista y abstracto, el cual estudió, estilizó y poco a poco fortaleció.

De regreso a su tierra natal, se interesó por el arte precolombino, retomando sus raíces ancestrales por medio de la pintura, logrando un equilibrio armonioso entre la tradición y las vanguardias estudiadas en Europa. A principios de la década de los 60, su estilo artístico ya estaba trazado y cada uno de sus cuadros expresaba una total libertad estética. Para la década de los 70, su obra ya había sido expuesta de manera individual en diversos museos y galerías de diversos países de América y Europa.

Durante su sólida trayectoria, fue acreedor a premios y reconocimientos importantes, obteniendo el nombramiento Doctor Honoris Causa por la Universidad de San Martín de Porres y la Pontificia Universidad Católica del Perú y la Cruz de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras, una de las mayores distinciones otorgada por el Gobierno de Francia. Además, ejerció la docencia con gran responsabilidad, llegando a ser profesor en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Perú y en las universidades Cornell y Yale en Estados Unidos.

Fuentes consultadas: PORRAZ, Paloma. Fernando de Szyszlo. Elogio a las sombras. México. Universidad Nacional Autónoma de México, CONACULTA, 2011, pág. 49, sitio oficial del Antiguo Colegio de San Ildefonso www.sanildefonso.org.mx y sitio oficial del Ministerio de Comercio Exterior y Turismo de Perú www.peru.info

$900,000.00-$1,500,000.00 M.N. 35

15

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Luna

Firmada y fechada 96 Escultura en bronce en base de mármol 42 / 50 35 x 20 x 20 cm Con certificado de autenticidad de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., agosto de 2021.

Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2022.

Publicada en: sitio oficial del artista www.juansoriano.net Una versión de gran formato de esta obra está publicada en: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, pág. 169.

La versión monumental está situada en la explanada del Auditorio Nacional en la Ciudad de México.

La remodelación del Auditorio Nacional estuvo a cargo del arquitecto Teodoro González de León y se llevó a cabo entre 1989 y 1991. Invitó a Juan Soriano a colocar una de sus obras en la explanada y este decidió colocar “La Luna”, una de sus piezas más emblemáticas. Pertenece a la última etapa creativa del artista, en la que trabajó ejes temáticos como los animales y las fuerzas de la naturaleza. Además de ser un referente de la inspiración de músicos y poetas, la figura de la luna fue para Juan Soriano la síntesis de las teorías de su amiga la filósofa española María Zambrano acerca de la relación entre el arte y la aurora. El artista comentaba que en Italia existe un culto a la aurora, pues es la promesa eterna de cada día; precede a la luz. En relación con esto, comentó que se percibía a sí mismo en un nacimiento continuo.

Antes de la aurora siempre había un temor dentro de él, “la angustia de nacer cada día”, tal como para los aztecas la noche ocupaba su temor de no ver el alba de nuevo.

En 1992 cuando la versión monumental de esta obra se colocó en la explanada del Auditorio Nacional, comentó que le gustaría que esa obra se volviera punto de encuentro, como se hace con el afamado “Caballito” de Manuel Tolsá en el Centro Histórico de la Ciudad de México.

Diez años después se instituyó la entrega de “las Lunas del Auditorio”, premio que reciben los personajes más destacados de la industria musical nacional y desde entonces los galardonados reciben una réplica de cristal de la obra en miniatura. Debido a eso, hoy en día mucha gente se queda de ver en “La Luna”.

Fuentes consultadas: FIGUEROA, Fernando. “Juan Soriano: niño de 100 años”. México. Milenio, sección Cultura, agosto de 2020 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 36

16

MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - Ciudad de México, 2020) Sin título

Firmado y fechado 87 Óleo sobre tela 75.5 x 91 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Agradecemos a Mercedes Oteyza, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

La producción artística de Manuel Felguérez se desarrolló en paralelo con su trabajo académico, de forma sistemática y no como ejercicio ocasional. Fue profesor en la Academia de San Carlos y la Universidad Iberoamericana a temprana edad. En 1966 fue profesor invitado en la Universidad de Cornell en Nueva York, donde coincidió con Octavio Paz y Fernando de Szyszlo, quien era maestro de arte en esta institución desde años atrás. Posteriormente se convirtió en investigador de tiempo completo en el Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México a partir de 1977, año en el que también participó en la creación del Espacio Escultórico de Ciudad Universitaria.

Para los años sesenta, la promesa de un arte latinoamericano ya había sido sembrada en el debate europeo de la modernidad, a través de una tensión entre el lenguaje abstracto y la tradición propia. Este fue un aspecto que entrelaza los trabajos de artistas como Pedro Coronel, Wifredo Lam, Alejandro Obregón y Rufino Tamayo. Aunque Manuel Felguérez formó parte de esta atmósfera artística intelectual, sus investigaciones sobre la abstracción se apuntaron hacia un terreno más experimental, no obstante, en su trabajo reside una esencia completamente latinoamericana. Además de formar parte de una generación que contravino los preceptos nacionalistas del muralismo en México, experimentó tempranamente con elementos industriales, integró la escultura con arquitectura y desarrolló una constante búsqueda en la pintura volumétrica. En los años setenta, mientras era profesor de la Academia de San Carlos y por un interés particular en el geometrismo y el diseño incorporó el uso de la computadora en la fabricación de diferentes piezas artísticas.

Fuente consultada: MEDINA, Cuauhtémoc et al. Manuel Felguérez. El futuro era nuestro. México. Museo Universitario de Arte Contemporáneo - Instituto de Investigaciones Estéticas. 2020, pp. 16-18.

$600,000.00-$800,000.00 M.N. 37

17

GILBERTO ACEVES NAVARRO

(Ciudad de México, 1931 - Ciudad de México, 2019) Mi turno para una cantante

Firmado y fechado 87 al frente. Firmado con monograma y fechado 21 08 87 al reverso Óleo sobre tela 130 x 120 cm Agradecemos a Juan Aceves, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2022.

Inició sus estudios en La Esmeralda en 1950 y al poco tiempo comenzó a trabajar al lado de David Alfaro Siqueiros en la realización de murales. En 1964 colaboró como maestro en el Instituto de Intercambio Cultural Mexicano Norteamericano en Los Ángeles y luego en la Academia de San Carlos. Con el tiempo, su profesionalismo plástico se fortaleció y su alto perfil como artista lo colocó como uno de los más destacados del arte mexicano de finales del siglo XX y principios del XXI. Fue un artista de convicciones firmes e ideología liberal, disciplinado, serio, hiperactivo y reflexivo. Su obra se caracterizó por contener esencias neofigurativas y recursos del informalismo, además de presentar juegos cromáticos, planos con toques de luces, trazos vigorosos y ágiles que refuerzan los efectos volumétricos.

Conjuntamente a su pintura de caballete, realizó esculturas efímeras y monumentales, diseños de escenografías, iluminación y vestuarios para obras teatrales y obra mural, entre los que destaca “Canto triste por Biafra”, el cual es parte del acervo del Museo de Arte Moderno y es considerado una pieza clave para el desarrollo de la etapa de la generación de La Ruptura.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 68 y sitio oficial del Museo Claudio Jiménez Vizcarra www.museocjv.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 38

18

FRANCISCO MORENO CAPDEVILA

(Barcelona, España, 1926 - Ciudad de México, 1995) Un mundo para Caín

Firmado y fechado 1963 Óleo sobre tela 200 x 180 cm Publicado en: RODRÍGUEZ, Antonio et al. Capdevila, visión múltiple 1987. México. Museo del Palacio de Bellas Artes, 1987, pág. 55, Catalogado 14, con el título “La estirpe de Caín”.

Exhibido en: “Capdevila, visión múltiple 1987”, muestra individual presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, de mayo a agosto de 1987.

Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana.

Presenta ligeros detalles de conservación. $180,000.00-$250,000.00 M.N. 39

19

VLADY

(Petrogrado, Rusia, 1920 - Cuernavaca, Morelos, 2005) Del natural

Firmado y fechado 52 Óleo sobre lino 132 x 93 cm Con certificado de autenticidad de Carlos Díaz, febrero de 2022.

Presenta craqueladuras.

Nació durante el periodo bélico en Rusia, su padre Victor Serge fue un anarquista franco-ruso y su madre Liuba Rusakova provenía de una familia judía. Vlady heredó la ideología revolucionaria, espíritu que lo caracterizó de modo especial. Recién llegado a México, tuvo su primer contacto con los gigantes murales de Diego Rivera, experiencia que marcó de manera determinante en su estadía y vida. Entre las piezas de gran formato realizadas por Vlady destaca el fresco pintado en la Biblioteca Miguel Lerdo de Tejada encargado por el ex Presidente de México, Luis Echeverría Álvarez en 1971, además en la colección de la Casa Museo León Trotsky se encuentran importantes piezas, así como en la Colección del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.

Fuente consultada: RENS, Jean Guy. Vlady. De la Revolución al Renacimiento. México. Siglo XXI Editores, 2005, pp. 25-30 y 121-135.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 40

20

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - ) Sin título, 2006

Firmado París al reverso Óleo sobre tela 311 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Propiedad de Morton Préstamos. $200,000.00-$350,000.00 M.N. 41

21

FEDERICO URIBE

(Bogotá, Colombia, 1962 - ) Sin título

Firmado y fechado 92 Óleo sobre tela 120 x 107 cm Federico Uribe es considerado como uno de los artistas contemporáneos más representativos de Colombia. Cuenta con estudios en el Instituto Superior de Artes de La Habana, en la Universidad Estatal de Nueva York y en la Universidad de Los Andes en Bogotá. Ha exhibido de manera individual en galerías y recintos culturales en varias ciudades de Estados Unidos como Adelson Galleries y el Hudson River Museum en Nueva York, la Embajada de Colombia en Washington, D.C., y la galería Annina Nosei en Chicago y su obra pertenece a importantes colecciones internacionales como la del Museo de Bellas Artes de Boston, la Hermes Foundation en Francia y la Colección de la Familia Real de los Emiratos Árabes Unidos. $65,000.00-$80,000.00 M.N. 42

22

ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - ) Standing male No. 14

Firmado al frente y al reverso Mixta sobre papel sobre madera 190 x 130.5 cm Estudió un año en la Escuela Nacional de Iniciación Artística, posteriormente ingresó a La Esmeralda y tres años después obtuvo su primera beca por parte del Instituto Nacional de Bellas Artes. Estéticamente se caracteriza por la combinación de los elementos en contraste, las líneas delicadamente marcadas en las figuras humanas, refinamiento estilístico y la aspereza de la superficie, dando así una tensión dramática a cada obra.

Las figuras de Roberto Cortázar parecen estar aprisionadas, literalmente atrapadas dentro del espacio ignorando o a veces, respondiendo directamente a la mirada del espectador. La energía que exudan es cruda, constante y vibrante; se siente primordial y seductiva.

Fuente consultada: M. GOMEZ, Edward. “Roberto Cortázar: explorador de la conciencia humana, pintor del alma”, 2000.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 43

23

ALBERTO CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1951 - ) Figura con signo

Firmada en el bastidor Encáustica, cerámica e incrustación de metal y madera sobre tela sobre madera 162 x 150 cm Agradecemos al Maestro Alberto Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

Con etiqueta del Museo del Palacio de Bellas Artes.

Alberto Castro Leñero estudió Comunicación Gráfica y Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y pintura en la Academia de Bellas Artes en Bolonia, Italia. A lo largo de su carrera ha trabajado como ilustrador en diversas publicaciones culturales y educativas de instituciones como el Fondo de Cultura Económica, la Secretaría de Educación Pública y el Instituto Nacional de Bellas Artes. Ha presentado diversas exposiciones individuales y colectivas en México y el extranjero.

“El trabajo de Alberto es múltiple, es variado, es diverso, toma de muchos lados, pero tiene una extraña unidad. Es de una enorme integridad, unidad quizá no sería la palabra más conveniente, pero sí ‘integridad’, aquella que tiene para dar a entender las cosas, cierta alusión a la organicidad del trabajo, es una obra viva […] Estamos en el entendido de que Alberto ha pensado en grande y ha trabajado en grande, por eso es un gran artista y, en ese sentido, es igual, es comparable a cualquier gran artista del mundo en la época moderna”. David Huerta.

Fuentes consultadas: HUERTA, David et al. Ciclo. Alberto Castro Leñero. México. FONCA, 2013, pág. 20.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 44

24

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - ) Sin título

Firmado y fechado París 07 al reverso Óleo sobre tela 301 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista. Por error el certificado fecha la obra en 2006.

Presenta detalles de conservación.

Propiedad de Morton Préstamos. $200,000.00-$350,000.00 M.N. 45

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JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - ) Cirquero II en un brazo

Firmada Escultura en bronce y mármol P / A 62.3 x 33 x 15 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Agradecemos al Maestro Jorge Marín por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2022.

De carrera multifacética, ha experimentado con distintos materiales y técnicas, siendo el bronce su signo distintivo, pues lo considera idóneo para que las manos y los pies de sus personajes, así como las texturas de plumas, venas y telas, adquieran la perfección de la materia viva. Además, trabaja con diversos formatos, desde la miniatura hasta la escultura monumental, con ello generando un diálogo que permite desarrollar un juego espontáneo y lúdico.

En la mitología plástica de Jorge Marín es común encontrar figuras aladas, seres inclinados sobre su propio peso, presentándose como una alusión a la acción del vuelo. A través de sus obras, busca provocar en el espectador una profunda reflexión.

“En Marín, la composición juega con los puntos de equilibrio y tensión que dota de una armonía constructiva al volumen contenido entre los vacíos y la masa. Ambos oscilan entre la pureza lineal de los soportes de sus personajes, donde formas elegantemente proyectadas en el espacio, constituyen la morada del tema que acusa; y el sujeto, que evoca cierto manierismo desde su resolución realista, en la actividad que recrea los personajes fantásticos provistos de máscaras y vigorosas alas […] Jorge Marín nos transporta con su obra en un viaje hacia a un mundo misterioso, mágico y místico, pero a la vez de sugerente erotismo, divertido y sagaz”.

Luisa Barrios.

Fuentes consultadas: SOTRES MORA, Bertha Eugenia. “Jorge Marín”. México. IdeArte, julio de 2015 y sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx

$150,000.00-$300,000.00 M.N. 46

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JAVIER MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1962 - ) Fin, finito, final

Firmado y fechado 1.9.8.8. al frente. Firmado y fechado México 1988 al reverso Acrílico sobre papel sobre madera 98 x 68 cm Agradecemos al Maestro Javier Marín y a Terreno Baldío por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

“En Javier Marín, en cada una de las formas que busca él, en sus Venus, sus guerreros, sus torsos y sus caballos, sólo por debilidad podríamos descubrir alguna inquietud metafísica. No hay inquietud, en sentido trivial, que sea existencial. No, sino una inquietud de la forma, una inquietud de esos gigantes con maneras de una serenidad desmentida; sus cuerpos, sumamente acogedores al principio, si nos aproximamos un poco y aunque todavía nos tengan de la mano y hayamos confiado en ellos con ojos de sorpresa, comunican esa ‘inquietante extrañeza’ de la que habla Sigmund Freud”. Francis Marmande, “La dichosa inquietud de la forma”.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.javiermarin.com.mx

$90,000.00-$150,000.00 M.N. 47

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JAVIER MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1962 - ) Torso de mujer con cuatro cabezas intercambiables

a

a) Firmada y fechada Feb 04 México en el torso Escultura en bronce en base de metal 02 / 04 233.5 x 70 x 60 cm medidas totales con base Piezas: 4 b) Escultura en bronce en base de metal 02 / 04 50 x 25 x 35 cm medidas de la escultura 178 x 34 x 34 cm medidas totales con base Piezas: 2 c) Escultura en bronce en base de metal 02 / 04 57 x 41 x 33 cm medidas de la escultura 186 x 41 x 34 cm medidas totales con base Piezas: 2 d) 48 x 36 x 34.5 cm medidas de la escultura 182 x 36 x 34.5 cm medidas totales con base Piezas: 2 Piezas totales: 10.

El torso es desmontable y las cabezas intercambiables.

Con certificado de autenticidad de Terreno Baldío firmado por el artista, noviembre de 2005.

Agradecemos al Maestro Javier Marín y a Terreno Baldío por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022. $2,500,000.00-$4,000,000.00 M.N.

48

b

c

d

Javier Marín es un reconocido artista plástico mexicano que cuenta una larga y afamada trayectoria internacional. Su obra gira en torno al ser humano, especialmente enfocado al cuerpo, el cual presenta vulnerable y descompuesto, pero a la vez digno y orgulloso, fortalecido e imponente, con pieles marcadas por la propia existencia de la vida. La forma en que Javier Marín concibe su obra es significativa, con contexto, donde transgrede los materiales para crear obras con estilo personal.

Ha realizado proyectos y muestras en espacios públicos, ha expuesto de manera individual en más de noventa ocasiones y ha participado en más de doscientas muestras colectivas en México, Estados Unidos y Canadá, así como en varios países de Centroamérica, Sudamérica, Asia y Europa. Actualmente, su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas de México y el extranjero.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.javiermarin.com.mx

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RENÉ PORTOCARRERO

(La Habana, Cuba, 1912 - La Habana, Cuba, 1985) Sin título

Firmado y fechado 80 Gouache y acrílico sobre papel 42.6 x 35.3 cm Procedencia: perteneció a la colección de Carlos Monsiváis.

Su formación como pintor fue esencialmente autodidacta. En 1934 organizó su primera exposición individual en el Lyceum en La Habana. Trabajó como orientador en el Estudio Libre de Pintura y Escultura en La Habana, y sus dibujos fueron publicados en las revistas “Verbum”, “Espuela de plata” y “Orígenes”. También enseñó dibujo en la Cárcel de La Habana, donde posteriormente pintó un mural religioso. Hacia 1942 comenzó a trabajar en series que tuvieron un gran peso en su estilo personal: “Interiores del cerro”, “Festines” y “Figuras para una mitología contemporánea”, y más tarde desarrolló paisajes campesinos interpretados con un sofisticado lenguaje naif, el cual lo impulsó en la escena de la pintura moderna y lo llevó a exponer en la Julian Levy Gallery y en el MoMA de Nueva York, donde su estilo se fue dirigiendo hacia las tradición y estética afrocubana, abordada desde una perspectiva poética.

Fuente consultada: sitio oficial de Fundación Arte Cubano www.fundacionartecubano.org

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

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RENÉ PORTOCARRERO

(La Habana, Cuba, 1912 - La Habana, Cuba, 1985) Sin título

Firmada y fechada 68 Mixta sobre papel 58 x 44 cm Procedencia: colección privada, México.

En 1967 el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana le dedicó una amplia exposición retrospectiva. Entre los numerosos premios que obtuvo destacan el Premio Internacional Sambra dentro de la 7ma Bienal de São Paulo en 1963. Fue condecorado en múltiples ocasiones por el Gobierno Castrista y formaba parte del Consejo Técnico Asesor del Ministerio de Cultura de Cuba. Asimismo le fueron conferidas varias distinciones y condecoraciones entre las que sobresalen la Orden de la Cultura de Polonia y “El Águila Azteca”, máxima condecoración que otorga México a una personalidad extranjera. En 1979 fue nombrado Miembro Consejero de Honor de la Asociación Internacional de Artistas Plásticos de la UNESCO. Fuente consultada: sitio oficial de Fundación Arte Cubano www.fundacionartecubano.org

$250,000.00-$350,000.00 M.N. 50

30

JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - Ciudad de México, 2019) El retablo de la inequidad

Firmado y fechado 2001 al frente. Firmado dos veces y fechado 2001 al reverso Óleo sobre tela 120 x 202 cm Agradecemos a Andrés Ocejo, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

“José García Ocejo no es un artista tan puro desde el punto de vista estrictamente mexicano, si juzgamos el mexicanismo como se ha dado en la pintura contemporánea [finales de la década de 1980]. Aparece como un romántico tardío, perdido en medio de un siglo extraño, estéril en buena parte, y se adhiere ostensiblemente al sistema de símbolos, arquetipos y resonancias culturales europeas. Ocejo es un artista dandy que expresa sin equivocación su vocación teatral, que se fascina con el gesto retórico, y que vive la vida sólo como un espectáculo, al lado de su público”. Jordán Chimet, 1984.

Fuente consultada: “José García Ocejo. Pues Modernismo”. México. Galería Arvil, 1989.

$220,000.00-$300,000.00 M.N.

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ALFREDO CASTAÑEDA

(Ciudad de México, 1938 - Madrid, España, 2010) Sin título

Firmada y fechada 82 Collage, acrílico, lápices de color y lápiz de grafito sobre papel 38 cm de diámetro Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, noviembre de 2021.

“Para una figuración pictórica tan precisa como connotativamente inasible, Castañeda debió aprender el lenguaje de los renacentistas y/o de los flamencos, siendo fiel a las apariencias, pero en esencia a la capacidad simbólica de la imagen realista, para luego adulterarlas con la ironía con que los surrealistas llevaron al delirio las fuentes del lenguaje onírico. Por eso su realismo conduce rigurosamente a lo insondable, por desconcierto. La película de óleo más sutil, que deja en el cuadro la ilusión de realidad, y el colorido indispensable para hacer verosímil lo natural, nos embarcan en una sobrenaturaleza que, sin embargo, está a la mano como una sospecha inmemorial”.

Luis Carlos Emerich, 1992. $300,000.00-$400,000.00 M.N.

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ALFREDO CASTAÑEDA

(Ciudad de México, 1938 - Madrid, España, 2010) Sombrero

Firmada y fechada 83 Tinta, lápices de color y lápiz de grafito sobre cartón sobre papel 23 x 24 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, noviembre de 2021.

“Si alguna obra literaria serviría para explicar a Castañeda, es la de Samuel Beckett con su incesante espera y espiritual movilidad hacia el vacío abierto en uno mismo y en los demás. El ámbito místico de Castañeda es cercano a una poesía pintada, barroca, inusitada. La obra de Alfredo Castañeda ha sido clasificada de maneras muy distintas a lo largo de las últimas décadas: en el Surrealismo tardío tuvo su lugar y luego en La Ruptura. Hasta en el Neomexicanismo de los ochentas y noventas fue incluido. En realidad no pertenece a ningún movimiento y su persistente originalidad está a prueba de modas y simplificaciones. Incluyendo a las más actuales. Su mundo pictórico, tan extraño y profundamente místico, es único y descubrirlo, entrar en él, en ‘lo abierto’ de su obra, es siempre una sorpresiva experiencia poética”. Alberto Ruy Sánchez.

Fuente consultada: RUY SÁNCHEZ, Alberto. “Por el asombro avanzando hacia el vacío”.

$280,000.00-$400,000.00 M.N.

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FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) El Burgués

Firmado y fechado 79 Óleo sobre tela 120 x 100 cm Con recibo de compra de Galería Ramis Barquet, diciembre de 1992.

Procedencia: adquirido en Christie’s, Nueva York, Subasta de Arte Latinoamericano, lote 33, 24 de noviembre de 1992; Colección privada.

Estudió en La Esmeralda, sus maestros fueron Agustín Lazo, Carlos Orozco Romero y Manuel Rodríguez Lozano, además de María Izquierdo y Juan Soriano. En 1956 viajó a Europa y se instaló en Roma durante tres años; allí asimiló los cursos de la técnica de pintura al fresco en la Academia de San Giacomo y de desnudo en la de Bellas Artes. Esta etapa formativa en Roma, donde se nutrió de los fundamentos de la cultura occidental, fue decisiva en la formulación de los principios plásticos que comenzaría a desarrollar poco tiempo después. Su estancia europea le ofreció la oportunidad de acercarse al arte renacentista, manierista, barroco, romántico y vanguardista. En esa misma capital ganó la medalla de plata en el Premio Internacional Vía Margutta en 1958, lo que le permitió darse a conocer a nivel internacional. Realizó una exposición individual en la galería Trentadue en Milán y participó en varias colectivas. Su reconocimiento le mereció en 1973 realizar dos óleos para el Vaticano: “Profeta” y “Plegaria”. A su regreso a México en 1962, le fue otorgada la Mención Honorífica en el Salón de la Plástica Mexicana y realizó una exposición en la Galería Misrachi. Obtuvo la beca Des Art del gobierno francés y residió en París un año.

Fue un pintor con una presencia plástica indomable, certero en su visión sobre el fin que persigue la pintura misma: crear un mundo poblado de seres propios. Siempre consciente del valor de las grandes figuras en la historia del arte, lo mismo Rembrandt y Caravaggio, que Goya y José Clemente Orozco, Francisco Corzas fue un artífice que comprendió los profundos cambios estilísticos que introducía su generación a mediados del siglo XX, en México. Por todo ello, a pesar de su temprana desaparición y los caminos que emprendió como un ser humano —vulnerable ante el destino—, Corzas está siendo, cada vez más, reevaluado como artista, con aprecio y objetividad por parte de la crítica y los historiadores de arte.

Fuentes consultadas: TARACENA, Berta. Francisco Corzas. México. Secretaría de Educación Pública, 1973, pág. 30 y LOZANO, Luis-Martín et al. Francisco Corzas.

México. Editorial Océano, Grupo Financiero Bital, 2001, pp. 60-70 y 187.

$950,000.00-$1,300,000.00 M.N.

54

55

Frente

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FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Centurión

Firmada y fechada 82 Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 10 / 24 29 x 36 x 16 cm Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Félix Landero (FLM).

Otra vista 56

$160,000.00-$260,000.00 M.N.

35

ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) Quijote

Firmado al frente. Firmado y fechado 2022 al reverso Óleo sobre tela 65 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista, febrero de 2022.

“Nada inhibe a Alcalde en la persecución de su visión de un arte pictórico de peculiar giro filosófico. Lo que se manifiesta es una profundización importante de la figuración humanista en la que se enmarcaría su arte […] Hay en su manejo del color algo así como una sugerencia de ecuación de nueva dimensión cósmica: esta corporeidad sólida se convierte en puente entre los orígenes y el final de la existencia”.

Jorge Villacorta Chávez.

Fuente consultada: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. “Alfredo Alcalde. Antología pictórica 1985-2016. Caminos, máscaras y destinos”. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger Espantoso, hoja de sala de la muestra presentada de julio a agosto de 2016.

$380,000.00-$500,000.00 M.N.

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JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980) Desde cuándo

Firmado al frente. Firmado y fechado 1979 al reverso Óleo sobre tela 80 x 130 cm Con certificado de autenticidad de la Sociedad Mexicana de Autores de las Artes Plásticas firmado por el Ing. Marcel González Camarena, hijo del artista, 2002.

Con etiquetas del Palacio de Bellas Artes y del Salón de la Plástica Mexicana.

Jorge González Camarena fue un destacado pintor y escultor jalisciense considerado como uno de los representantes más importantes de la segunda generación de muralistas mexicanos. Su formación comenzó en la Academia de San Carlos, donde fue recomendado por el entonces director Alfredo Ramos Martínez para dibujar unas láminas que Gerardo Murillo “Dr. Atl” estaba realizando para un futuro libro. De aquel trabajo, Jorge González Camarena no solo consiguió aprender de uno de los mejores artistas de la época, sino entablar también una estrecha y larga amistad; inclusive su afecto y admiración profesional hicieron que el propio Dr. Atl le regalara uno de sus conventos para que lo convirtiese en su taller personal.

Dibujante nato, mostró un gentil y fino trato estético en cada una de sus obras, las cuales realizó mediante la pintura de caballete y mural, así como la realización de esculturas de formatos medianos y monumentales.

Fue un artista interesado en la difusión y preservación de la cultura mexicana a través de su obra y por ello recibió varios premios y reconocimientos en México y el extranjero. Algunas de estas obras se encuentran en instituciones de gran importancia, como el Palacio de Bellas Artes, el Castillo de Chapultepec y el Museo de Antropología e Historia de la Ciudad de México.

Además, pintó por encargo para el Instituto Mexicano del Seguro Social, para el edificio de Televicentro y para la Casa de Estudios del Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey, entre otros.

Su indiscutible entrega al arte lo colocó a través de los años como uno de los pintores más completos y cuya obra prevalece por su temática equilibrada en el campo histórico y social de México.

Fuentes consultadas: LUNA ARROYO, Antonio. Jorge González Camarena en la Plástica Mexicana. México. UNAM, 1981, pág.

39 y FAVELA FIERRO, Ma. Teresa. Jorge González Camarena.

Universo plástico. México. Democracia ediciones, 1995, pág. 86.

$1,800,000.00-$3,000,000.00 M.N.

58

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ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) Encuentros en pandemia

Firmado Óleo sobre tela 135 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista, febrero de 2022.

Inició sus estudios en arte en la Escuela de Bellas Artes de Lima, donde tuvo de maestro a Víctor Humareda considerado uno de los pintores expresionistas más importantes en Perú. Su estilo ha transitado del impresionismo y expresionismo hasta el realismo simbólico con temas irónicos relacionados a la reflexión y denuncia social. A lo largo de su carrera, además de desempeñarse como pintor, realizó obra escultórica y experimentó con el grabado y la cerámica. Ha ilustrado libros, participado en foros y pláticas en universidades y centros culturales en Perú y el extranjero.

Ha expuesto en museos y galerías de Perú, Chile, México, Tokio, Suiza y Francia; además, en el año 2000 fue distinguido con la placa “Sol del Cuzco” otorgada por el Museo de la Nación y el Instituto Nacional de Cultura del Perú a la mejor exposición de arte del año.

F u e n t e s c o n s u l t a d a s : V I L L A C O R TA CHÁVEZ, Jorge. “Alfredo Alcalde. Antología pictórica 1985-2016. Caminos, máscaras y destinos”. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger Espantoso, hoja de sala de la muestra presentada de julio a agosto de 2016.

$900,000.00-$1,000,000.00 M.N. 60

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RENÉ PORTOCARRERO

(La Habana, Cuba, 1912 - La Habana, Cuba, 1985) Sin título

Firmado y fechado 76 Gouache, acrílico y tinta sobre papel 63 x 48.5 cm Procedencia: perteneció a la colección de Carlos Monsiváis.

René Portocarrero fue uno de los pintores de mayor trascendencia en el panorama de la pintura cubana moderna. Incursionó en los retratos femeninos tomando como inspiración el naturalismo clásico, pero con el tiempo ocurrió en su trabajo una transformación sorprendente, tal como los otros integrantes de la corriente denominada “Primera vanguardia pictórica”, surgida en Cuba en los años cuarenta, etapa en la que artistas como Mariano Rodríguez, Eduardo Abela y Amelia Peláez fueron trazando una ruta propia hacia nuevos paradigmas en su lenguaje artístico.

Tuvo como costumbre trabajar en extensos ciclos a partir de motivos centrales. Esto inició en 1962 en la exposición “Color de Cuba”, compuesta por imágenes religiosas vinculadas a la santería cubana, mujeres ornamentadas y figuras de carnaval. No obstante, el eje de su obra fue la figura femenina, desarrollándose en diversas series como las que emergieron en los años sesenta y setenta; mujeres con sombreros, rostros coronados por flores que las hacía devenir símbolos de la primavera.

Fuente consultada: ORAMAS, Ada. “Color de Cuba en Portocarrero”. Cuba. Revista Cubahora, sección Cultura, 24 de febrero de 2012.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 62

39

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1932 - Ciudad de México, 2019) Equilibrio

Firmada y fechada II - XII – 18 Escultura en bronce 73 x 60 x 17.3 cm Con certificado de autenticidad de Juan Coronel, febrero de 2021.

Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

La obra de Rafael Coronel está repleta de elementos fantásticos y místicos. Uno de sus personajes más recurrentes es la imagen de un viejo, de estructura huesuda y dedos alargados, quien recuerda a la figura de un profeta o mago según lo entendemos en la cultura occidental; así, trae a la mente a personalidades como El Quijote que pinta El Greco o quizá al mismo Merlín. La narrativa que crea este personaje casi sagrado nos envuelve en un ambiente misterioso y ritual.

Fuente consultada: CORONEL RIVERA, Juan Rafael et al. Rafael Coronel: Retrofuture. México. Talamontes Editores, INBA, CONACULTA, 2010, pág. 445.

$400,000.00-$600,000.00 M.N. 63

40

FEDERICO URIBE

(Bogotá, Colombia, 1962 - ) Sin título

Firmado y fechado 92 Óleo sobre tela 107 x 70 cm

$65,000.00-$80,000.00 M.N.

64

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SANTIAGO CARBONELL

(Quito, Ecuador, 1960 - ) Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz

Firmada Escultura en mármol 33 x 19 x 10 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, julio de 2019.

Existen diversas adaptaciones de esta pieza, una de ellas en bronce y una versión pictórica, la cual se encuentra publicada en: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com “El hecho de que Carbonell no sólo prescinde de objetos y elementos innecesarios sino que se atiene, la mayoría de las veces, a una o dos figuras dotadas de centralidad y de jerarquía compositiva. El artista no ha hecho entonces más que crear un espacio-visión que tiene por nexo y aglutinante la luz tenebrista dirigida con doble intención: dotará las formas de energía plástica, y la visión lumínico atmosférica”.

Jorge Juanes.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$300,000.00-$500,000.00 M.N.

65

42

FANNY RABEL

(Lublin, Polonia, 1922 - Ciudad de México, 2008) En los procelosos mares de la tramitología

Firmado y fechado 1995 al frente. Fechado 1995 - 96 al reverso Óleo y acrílico sobre masonite 82 x 122 cm Procedencia: adquirido directamente a la artista.

Exhibido en: “Participar en lo justo: recuperando la obra de Fanny Rabel”, muestra presentada en la Galería Andrea Pozzo de la Universidad Iberoamericana del 14 de agosto al 10 de octubre de 2013 y en el Centro Deportivo Israelita del 24 de noviembre al 1° de diciembre de 2013 en la Ciudad de México.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Como alumna de Frida Kahlo, su enseñanza fue plenamente nacionalista con posturas ideológicas, políticas y sociales. Fue contratada por Diego Rivera para pintar en el Palacio Nacional y por David Alfaro Siqueiros para decorar los muros del Sindicato Mexicano de Electricistas.

También fue miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana y trabajó en el Taller de Gráfica Popular. Su obra ha sido definida como poética surrealista, enfocada al aspecto humano.

“En los cuadros y grabados de Fanny Rabel hay rostros inconfundibles de niños mexicanos. Esos rostros tienen expresiones que no se sabe si son el preámbulo de una risa furtiva o acaso van a descomponerse en llanto. Es el niño mexicano hijo de generaciones que no han conocido más realidad que la inicua explotación; esos rostros de millones de niños nacidos en las capas pobres de nuestra sociedad, las de clase obrera y campesina a lo largo y ancho del país”. Raquel Tibol.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 102 y TIBOL, Raquel.

“Algo sobre Fanny Rabel”. México. La Jornada, sección Semanal, 20 de mayo de 2007.

$190,000.00-$300,000.00 M.N.

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43

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992) El debate (Guerra y Paz)

Firmado y fechado 1956 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre masonite 94 x 121 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2022.

Procedencia: colección privada, México.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Habiendo descubierto la pintura de Diego Rivera a través de la revista Time, llegó a México a los 18 años para estudiar en La Esmeralda.

Después de trabajar como asistente de David Alfaro Siqueiros en los 50, empezó a trabajar como muralista y fue conocido como “el hijo canadiense del muralismo mexicano”.

El hombre como centro de la creación, el hombre en armonía con el universo, o bien como protagonista de las grandes batallas que modelaron el curso de la historia son las constantes en la obra de Belkin, quien siempre se reveló enérgicamente en contra de las injusticias políticas y sociales.

Fuente consultada: GARCÍA DE KRINSKY, Emma Cecilia et al. Homenaje a Arnold Belkin. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1998, pp. 14 - 17.

$250,000.00-$300,000.00 M.N.

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DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974) Juicio Final

Firmada y fechada 7 - 68 Piroxilina sobre madera 122 x 103 cm Desde muy joven Siqueiros conoció la destrucción que conllevaba la guerra. Siendo un adolescente se unió al Ejército Constitucionalista en Veracruz durante la Revolución Mexicana y en 1937 viajó a España para enlistarse en la milicia del Ejército Republicano, donde alcanzó el grado de Coronel.

La guerra de Vietnam, entre 1960 y 1975, sería un motivo más para que Siqueiros se manifestara. Estados Unidos con el apoyo de otras naciones quería impedir la unificación de Vietnam bajo un gobierno comunista. El Partido Comunista Mexicano y el Partido Popular Socialista de México organizaron grandes manifestaciones demandando que se creara un comité de solidaridad para que se promoviera, a nivel nacional y se coordinaran las acciones de apoyo a Vietnam. Siqueiros fue el fundador de dicho comité.

No es de extrañar que, en 1967, en la Embajada de la Unión Soviética en México, le fuera otorgado el Premio Lenin de la Paz. Dicho reconocimiento era entregado anualmente por la Unión Soviética a los individuos que hubieran contribuido a generar armonía entre los pueblos.

El premio constaba de una medalla, un diploma y mil rubros, que decidió obsequiar a la República Democrática de Vietnam.

Estas experiencias que eligió voluntariamente lo acercaron al dolor humano en su máxima expresión, y a la vez lo ayudaron a desarrollar una gran sensibilidad artística.

En este contexto fue realizada la pieza “Juicio Final”, una obra en la que Siqueiros refleja el fin de los tiempos; donde por fin se decidirá el destino final que cada individuo construyó para sí.

Fuente consultada: MEJÍA GONZÁLEZ, Adolfo. México y la Unión Soviética en la defensa de la paz. México. Agencia de Prensa Nóvosti, 1986, pp. 76-77.

$3,000,000.00-$5,000,000.00 M.N.

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ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992) Figura caída (El viejo orden)

Firmado y fechado 87 al frente Firmado y fechado Nov - Dic 1987 México al reverso Acrílico sobre tela 88 x 115 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, julio de 2015.

Con etiquetas del Museo del Palacio de Bellas Artes y Galería Misrachi.

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ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 Ciudad de México, 1992) Al futuro

Firmada y fechada México 1968 Mixta sobre papel 56.5 x 69 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022. $50,000.00-$70,000.00 M.N. 70

“Figura caída (El viejo orden)” es un estudio para el mural “Los prometeos” que el maestro Belkin pintó en 1987 y está ubicado en el Palacio Nacional Héroes y Mártires de la Revolución en Managua, Nicaragua. Este mural abarca 42 metros cuadrados y fue concebido como tríptico. En la composición están representadas dos revoluciones: la mexicana y la nicaragüense.

Fuentes consultadas: KUNZLE, David. The murals of Revolutionary Nicaragua, 1979-1992. California. University of California Press, 1995, Pág. 90. Arnold Belkin: muertes históricas. México. Museo de Arte Moderno, Instituto Nacional de Bellas Artes, 1975, pág. 2.

$120,000.00-$200,000.00 M.N.

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ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992) a) Identidad y futuro

Sin firma Acrílico sobre triplay 106 x 126 cm b) La Guerra Civil Española Sin firma Acrílico sobre triplay 27 x 114 cm c) Barandal Colegio Madrid Sin firma Acrílico sobre madera 27 x 43.5 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, junio de 2017.

Con etiqueta del Palacio de Bellas Artes y Museo Mural Diego Rivera. $300,000.00-$400,000.00 M.N. 71

48

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002) Juego de pelota

Firmado Óleo sobre tela 90 x 60 cm Con certificado de autenticidad del artista, noviembre de 1998.

José Chávez Morado fue uno de los artistas plásticos militantes más importantes del siglo XX junto con su esposa Olga Costa, Juan O’Gorman, Alfredo Zalce, Raúl Anguiano. Fue parte del Partido Comunista Mexicano y del Taller de la Gráfica Popular. Fue un artista preocupado por compartir temas nacionalistas, comunicar a través de su arte la gran proliferación cultural mexicana. Durante su residencia en Guanajuato con su esposa Olga, retomó proyectos anteriores y su producción manifestó una cierta madurez creativa. Desde el punto de vista formal, la obra de Chávez Morado puede ser considerada como prototípica del realismo que se desarrolló paralelamente a la pintura mural posrevolucionaria, con abundantes antecedentes del arte popular tanto en lo cromático como en la inclusión de productos artesanales.

Su carrera se fortaleció en su labor como empleado del Estado, creando campos de acción cultural muy fructíferos, contribuyendo en la promoción cultural y educativa. Su arte siempre tuvo un enfoque preocupado por compartir temas nacionalistas con una gran madurez creativa y con una carga emocional con temas que simbolizaban su visión folclórica e histórica de México.

Fuentes consultadas: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado. Vida, obra y circunstancias. México. Instituto Estatal de la Cultura, Ediciones La Rana, 2001, pp. 55-57 y 67-69 y TIBOL, Raquel. José Chávez Morado. Imágenes de identidad mexicana. México. Universidad Nacional Autónoma de México, Coordinación de Humanidades, 1980, pág. 43.

$260,000.00-$360,000.00 M.N. 72

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JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Sin título

Firmado Pastel, sanguina y carboncillo sobre papel 37 x 89 cm $65,000.00-$90,000.00 M.N.

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ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946) The annunciation

Firmada y fechada Noel 38 Acuarela, gouache y lápiz de grafito sobre papel 12 x 11.5 cm Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, asesora en la realización del libro: Ángel Zárraga, la colección de la CNIC [Cámara Nacional de la Industria de la Construcción], 1994, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2022.

Procedencia: adquirida en Bonhams, Londres, Subasta “Viajes y exploración”, 2 de noviembre de 2022, lote 160.

Presenta detalles de conservación. $100,000.00-$180,000.00 M.N. 73

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DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Sin título

Firmado Lápiz de grafito sobre papel 18 x 10.5 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

Presenta detalles de conservación. $85,000.00-$150,000.00 M.N.

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DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Sin título

Firmado Lápiz de grafito sobre papel 21 x 13.2 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

Presenta detalles de conservación. $85,000.00-$150,000.00 M.N. 74

Vista del mural “Katharsis” completo

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JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán el Grande, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949) Estudio del mural “Katharsis” del Palacio de Bellas Artes, ca. 1934

Sin firma Carboncillo sobre papel 75 x 56 cm Agradecemos al Sr. Emmanuel Herrero-Morales Orozco, nieto del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

Esta obra es un boceto del puño del personaje central del mural “Katharsis”.

Presenta detalles de conservación.

El mural “Katharsis” fue realizado por José Clemente Orozco entre 1934 y 1935 a su regreso a México, después de concluir una pintura mural en la Biblioteca Baker del Colegio de Dartmouth en New Hampshire, Estados Unidos. A solicitud de Antonio Castro Leal, entonces Director del Departamento de Bellas Artes de la Secretaría de Educación Pública. El Palacio de Bellas Artes estaba próximo a inaugurarse, por lo que se comprometió a entregar la pintura al fresco en cuarenta días.

El mural se encuentra ubicado en el extremo oriente del segundo piso del palacio, el cual se denominaba “de galerías”. Debido a los

problemas de hundimiento que sufría el inmueble, el artista decidió no pintarlo directamente en el muro, sino sobre un bastidor de acero.

Decidió representar una alegoría sobre la guerra y la desintegración, empleando diversos motivos, los cuales eran recurrentes en su obra: la lucha, el caos, la prostitución y las máquinas. Su composición caótica y el dramatismo que le imprimió a la escena contrastan con las figuras serenas del mural que Diego Rivera pintó en el otro extremo del edificio.

El historiador Justino Fernández criticó negativamente el mural en una primera publicación, anotando que era desagradable y no reflejaba nada realmente de valor, pero en un ensayo posterior que tituló “Orozco. Forma e idea”, redactó que el fuego en la parte superior simboliza la catarsis, y lo citó como “una posibilidad de salvación por medio de la renovación, de la destrucción”. A través de esta catarsis, el hombre enfrentado a la civilización mecanicista puede llegar a purificarse. Fue a partir de esta interpretación crítica que el mural empezó a ser conocido como “Katharsis”.

Fuentes consultadas: GONZÁLEZ MELLO, Renato. La máquina de pintar: Rivera, Orozco y la invención de un lenguaje. Emblemas, trofeos y cadáveres. México.

Instituto de Investigaciones Estéticas. 2008 y sitio oficial del Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, www.museopalaciodebellasartes.gob.mx

$400,000.00-$500,000.00 M.N. 75

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ALFREDO RAMOS MARTÍNEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1871 - California, E.E. U.U., 1946) Retrato de joven, 1920

Firmado al frente y al reverso Pastel sobre papel 53 x 35 cm Con documento del Museo Estudio Diego Rivera.

Alfredo Ramos Martínez fue un artista mexicano nacido en Monterrey, Nuevo León, que llevó a cabo un proyecto novedoso en el campo de la educación artística. Académico en su formación, discípulo de Félix Parra y Santiago Rebull, entre otros, pintó retratos y paisajes naturalistas.

Como muchos otros de sus contemporáneos, viajó a Europa para seguir su formación y se vio influenciado por el movimiento impresionista y fauvista, entre otros estilos europeos de la época.

Su producción plástica es reconocida por su excelente dibujo, composición equilibrada, grato colorido y amplio manejo de tonalidades, texturas y claroscuros. Su obra fue prolífica tanto en la realización de retratos al óleo como al pastel. A través de sus pinceladas o sus trazos, pudo expresar un caudal de emociones y plasmar belleza en sus imágenes.

Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La Colección de Pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. pág. 558.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. 76

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ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946) Desnudo masculino, estudio para la Vie de Saint Jacques.

Firmado y fechado 1934 Lápiz de grafito sobre papel 50 x 45 cm Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, asesora en la realización del libro: Ángel Zárraga, la colección de la CNIC [Cámara Nacional de la Industria de la Construcción], 1994, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2022.

Publicado en: GARAY, Claudia et al. Ángel Zárraga. El sentido de la creación. México.

CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, Fundación Mary Street Jenkins, 2014, pág. 182, catalogado 44.

Exhibido en: “Ángel Zárraga. El sentido de la creación”, muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, del 9 de mayo al 20 de julio de 2014. $120,000.00-$200,000.00 M.N.

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ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946) Desnudo masculino

Firmado Lápiz de grafito sobre papel 51 x 35.5 cm Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, asesora en la realización del libro: Ángel Zárraga, la colección de la CNIC [Cámara Nacional de la Industria de la Construcción], 1994, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2022.

Presenta detalles de conservación.

Publicado en: GARAY, Claudia et al. Ángel Zárraga. El sentido de la creación. México. CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, Fundación Mary Street Jenkins, 2014, pág. 185, catalogado 45.

Exhibido en: “Ángel Zárraga. El sentido de la creación”, muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, del 9 de mayo al 20 de julio de 2014. $100,000.00-$180,000.00 M.N. 77

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ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946) Autorretrato con modelo

Firmado y fechado Chapultepec 1944 Óleo sobre tela 155.7 x 110 cm Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, asesora en la realización del libro: Ángel Zárraga, la colección de la CNIC [Cámara Nacional de la Industria de la Construcción], 1994, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2022.

Procedencia: adquirido en la Galería Ramis Barquet; colección privada.

Presenta ligeros detalles de conservación. Ángel Zárraga presentó habilidades artísticas desde joven. A los 14 años de edad ingresó a la Escuela Nacional Preparatoria en San Ildefonso, entrando al seno mayor de la floreciente cultura nacional, teniendo como maestros a Justo Sierra, Amado Nervo, Ezequiel Chávez y a su tío, el poeta y profesor de literatura Pedro Argüelles. En aquel entonces, el joven Zárraga escribía prosa y dibujaba algunas caricaturas y retratos sobre tarjetas postales. Entre 1902 y 1903 fue motivado por Luis G. Urbina, José Juan Tablada y Amado Nervo para que publicara sus primeros versos en la "Revista Moderna”. Posteriormente ingresó a la Academia de San Carlos por un breve periodo de tiempo, teniendo como compañeros a José Clemente Orozco, Diego Rivera, Roberto Montenegro y Saturnino Herrán y como maestros a José María Velasco y a Santiago Rebull. Fue gracias a este último que se interesó por el clasicismo francés de Jacques-Louis David y Jean-Dominique Ingres, poniendo especial interés en la búsqueda de la perfección de la forma y del equilibrio compositivo, el estudio constante del cuerpo desnudo y la prevalencia de la figura humana como objeto precedente de representación. Estos principios se convirtieron para él en una promesa inquebrantable con su obra, mismos que le sirvieron para contrarrestar las tentaciones de la vanguardia. Se impregnó también del simbolismo de Julio Ruelas, de quien aprendió no solo la disciplina dibujística, sino la visión moderna del compromiso artístico con la imaginación desbordada, la libertad para abordar iconografías clásicas y de la exploración del erotismo.

Influido por su maestro, se embarcó con destino a Europa. A su llegada asistió a la Real Academia de Bruselas y mediante una beca se trasladó a España para tomar clases con Joaquín Sorolla. En 1919 fue seleccionado como jurado calificador por la junta directiva del Salón de Otoño de París y dos años más tarde logró montar una exposición individual con gran éxito. Europa fue para él un cúmulo de enseñanzas e influencias artísticas; experimentó las vanguardias desde su propio lenguaje, lo cual lo condujo a pintar diferentes temáticas, destacando las escenas religiosas, los bodegones y las representaciones deportistas, en especial el futbol.

En las décadas de los veinte y los treinta se convirtió en un artista muy codiciado en París, participando en numerosas exhibiciones y volvió a la forma humana como fuente original de inspiración, alejándose del cubismo. A diferencia de muchos artistas latinoamericanos que trabajaron en Francia en el periodo de entreguerras, cuyo trabajo respondió a la fascinación francesa por las diferencias étnicas, Zárraga continuó centrándose en los avances contemporáneos del país galo. Su visión de la forma humana tiende a aludir a la universalización de ideas como la trascendencia, la belleza ideal y la perfección física. Así, a la par de la ejecución de sus famosos futbolistas, realizó algunos bodegones, escenas costumbristas y siguió explorando el estudio del desnudo.

Estableció su vida en el viejo continente, visitando México en pocas ocasiones y tras vivir ahí por casi tres décadas, se vio obligado a regresar definitivamente a causa del bombardeo a París en 1940. Tras su llegada a la Ciudad de México, fue buscado por diversas instancias y personalidades de la cultura de nuestro país.

Fuentes consultadas: - ECHEGARAY, Miguel Ángel et al. Ángel Zárraga. Primer realista mexicano del siglo XX. México. Gobierno del estado de Durango, 2006, pp. 9, 26-29 y 40 - GREET, Michele et al. Ángel Zárraga. El sentido de la creación. México. CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, Fundación Mary Street Jenkins, 2014, pp. 77-81 - NOVELO, María Luisa et al. Zárraga. México. Américo Arte Editores, Grupo Financiero Bital, 1997, pág. 26.

$4,000,000.00-$6,000,000.00 M.N. 78

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JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 Ciudad de México, 2006) Retrato de Arturo Pani

Firmado y fechado 48 Óleo sobre tela 132 x 76 cm Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2022.

Juan Soriano fue más un autodidacta independiente que un estudioso de la academia, no obstante, reconoció siempre los rastros que en él dejaron figuras como Chucho Reyes, Luis Barragán, Roberto Montenegro y Alfonso Michel.

Su mutable actividad creadora le permitió ser docente, ceramista, escenógrafo, pintor, escultor, diseñador de vestuarios, ilustrador y activo participante en exposiciones en México, Estados Unidos, Italia, Francia, Alemania, Polonia y otras sedes más.

Abrazó la modernidad desde la tradición. En el periodo de mediados de la década de 1930 a 1950, el artista re c u r re e n s u s re t r a t o s y autorretratos a formas clásicas dispuestas esquemáticamente y a procederes de la pintura occidental.

Fuente consultada: AVENDAÑO, Octavio et al. Juan Soriano 1920 2006. México. Museo de Arte Moderno, Secretaría de Cultura, 2016, pp. 5 y 29.

$750,000.00-$1,000,000.00 M.N. 80

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JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) La vuelta de los pescadores

Firmado Óleo sobre tela 100 x 120.5 cm Presenta detalles de conservación y desprendimientos de capa pictórica.

Fue un pintor y cartelista madrileño, virtuoso del color, dibujante excelso y arduo representante de la norma estética. Su trabajo es fruto de un cultivo de temas costumbristas nacidos en dos continentes, pues sus múltiples viajes a causa del exilio por guerras, le amplió el panorama plástico. En España ingresó a la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, posteriormente viajó a Londres, París, Bruselas y La Haya gracias a la beca Conde de Cartagena que le fue concedida en 1935. Cuatro años más tarde, tras haber pasado por campos de concentración en Francia, marchó a México donde desarrolló intensamente su labor de cartelista, colaborando en revistas y periódicos. Después de unos años de residir en nuestro país, regresó a España donde realizó diversas exposiciones y obtuvo importantes distinciones.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. Tomo I, pág. 106 y “Una antológica de José Bardasano devuelve la figura del pintor realista a través de 135 pinturas, dibujos y carteles”.

Madrid. El País, sección Cultura, 24 de febrero de 1984.

$350,000.00-$450,000.00 M.N. 81

GALAS DE MÉXICO

Desde finales del siglo XIX se producían imágenes que podían ser encontradas en estampas, postales, litografías y grabados. Fueron muy apreciadas en su época por su contenido estético y poco tiempo después se convirtieron en el elemento decorativo de los calendarios de principios del siglo XX. El éxito que tuvo la nueva presentación de los calendarios generó una demanda de nuevas imágenes que se manifestó en una gran producción de pinturas, siendo éste el primer medio que dotó de imágenes a los calendarios hasta llegados los años sesenta.

(Inicialmente se pintaba con modelo, posteriormente se tomaban fotos para ser reproducidas en pinturas) El proceso de producción de esas imágenes iniciaba al conceptualizar la temática sobre la que se trabajaría, que regularmente estaba en función de la necesidad del cliente que iba a publicitarse en los calendarios, después se montaba el escenario adecuado con la o los modelos que se requerían y se hacía una pintura que terminaría siendo reproducida en litografía, a este procedimiento se le llamó cromolitografía, un adelanto de las artes gráficas que permitía reproducir en color. Así nació el "Cromo" la imagen que desde entonces acompaña un calendario. Las imágenes no solo dotaron de un color visual a los calendarios, también los llenaron de esencia al ser el lienzo de la cultura mexicana.

La industria del tabaco fue el primer escenario de los resplandecientes cromos que dieron lugar a una impresión de gran calidad y pureza en el colorido. Esta modalidad se extendió más tarde a otros negocios como el cervecero, las embotelladoras y los alimentos.

La publicidad del calendario, como fenómeno de carácter internacional, se manifestó simultáneamente en diferentes latitudes del planeta –desde China hasta Latinoamérica– con la incorporación de elementos costumbristas y tradicionales de cada lugar.

Con antecedentes comerciales de la gráfica mexicana del siglo XIX en las obras de Casimiro Castro y Hesiquio Iriarte, a comienzos de 1930 sobrevino un fenómeno de reproducción de cromos publicitarios gracias a la empresa líder que fundara el inmigrante de Santander Santiago Galas Arce: Galas de México.

La conjunción de la mirada empresarial de su propietario y los adelantos técnicos en la maquinaria rotativa del offset, el cual consiste en la aplicación de tintas sobre una plancha metálica con la forma del motivo a imprimir, ya sea grabada manualmente o por fotograbado, método que utilizó Galas, ya que las imágenes que se imprimían provenían de las pinturas originales realizadas por artistas reconocidos que recreaban paisajes, temas mitológicos y de deporte, así como escenas de cine, historia, cultura y la vida urbana mexicana hicieron de los calendarios una industria sumamente prolífica, se decía que no había negocio en el país que no tuviera un calendario de Galas.

Los temas fueron variados; patrios, históricos, familiares, costumbristas, deportivos, infantiles, humorísticos o evocadores de la belleza femenina, se imprimieron de forma permanente en calendarios especiales y de línea entre 1933 y 1970, año de la muerte de Santiago Galas.

Algunos artistas que realizaron las imágenes de los calendarios tenían formación académica, como Jesús Helguera, Eduardo Cataño e incluso Jorge González Camarena, pero otros, la mayoría, eran pintores de ocasión con grandes aptitudes que eran invitados a trabajar en la empresa en calidad de obreros.

Menospreciados por la crítica durante muchos años, que los consideraba un arte menor, hoy en día los calendarios mexicanos son reconocidos por su riqueza estética. El arte calendárico floreció hasta los años setenta, con la muerte de Santiago Galas. Después de que su popularidad decayó con la aparición de la fotografía Kodak en los sesenta, repuntó hacia la siguiente década, donde se convirtieron en parte de la memoria del país y comenzaron a convertirse en patrimonio artístico.

Las imágenes de los calendarios han perdurado en el imaginario de varias generaciones de mexicanos y refrendaron una forma de definir lo nacional, la belleza y el folclor.

Fuentes consultadas: QUIRARTE, Xavier. "La colección Soumaya de calendarios, en un catálogo". México. Milenio, sección Cultura, 6 de julio de 2015 y GUTIÉRREZ, Verónica. "El arte de los calendarios mexicanos, una exposición en el consulado mexicano en Raleigh". Estados Unidos. La Conexión USA, sección Noticias, 15 de enero de 2020.

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ANTONIO GÓMEZ RODRÍGUEZ

(Ecuandureo, Michoacán, ca. 1886 - Pénjamo, Guanajuato, 1970) Fiesta en Xochimilco, ca. 1930

Firmado Óleo sobre tela 200.5 x 216 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

Exhibido en: “La Patria Portátil: 100 years of Mexican Chromo Art Calendars”, muestra presentada en el Mexican Fine Arts Center Museum of Chicago del 15 de enero al 25 de abril de 1999.

Con etiqueta del Mexican Fine Art Center Museum of Chicago.

Presenta una rasgadura y detalles de conservación. $150,000.00-$200,000.00 M.N. 83

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EDUARDO CATAÑO

(Nayarit, México, 1910 - Ciudad de México, 1964) Artesanía Mexicana, ca. 1950

Firmado Óleo sobre tela 204 x 168.5 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Entre los artistas de Galas de México destacó Eduardo Cataño, artista que inmortalizó principalmente retratos de famosos, así como algunos temas históricos. Estudió Artes Plásticas en la Academia de San Carlos, educación que le heredó un amor por la historia del arte, la poesía y la arquitectura virreinal. Uno de sus primeros encargos en Galas fue el diseño de la etiqueta de la cerveza Corona. $550,000.00-$700,000.00 M.N. 84

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JESÚS HELGUERA

(Chihuahua, México, 1910 - Ciudad de México, 1971) Tentación jarocha, ca. 1950

Firmado Óleo sobre tela 175 x 140 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

Presenta detalles de conservación.

Entre romanticismo, fantasía, erotismo y folklore nace la obra de Jesús Helguera, conocido como uno de los pintores más representativos del arte calendárico en México. A la edad de 7 años emigró junto con su familia a España, allí recibió su formación artística inicial en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y posteriormente en la Academia de San Fernando. En esta etapa aprendió el gusto por la pintura de historia estudiando las obras del Museo del Prado, lo que le abrió paso a la ilustración.

Al estallar la Guerra Civil Española, regresó a México en 1938, encontrando rápidamente un trabajó en la revista “Sucesos para todos”. Con el tiempo recorrió gran parte del territorio nacional conociendo las costumbres y tradiciones mexicanas. De estos viajes nació la primera versión de “La leyenda de los volcanes” en 1949, un famoso lienzo que le valió un contrato exclusivo con la compañía cigarrera La Moderna. Entre 1954 y 1970 trabajó para la empresa Galas de México, la principal editora de calendarios e imágenes comerciales del siglo XX en México.

La obra de Helguera abarcó paisajes, retratos, desnudos y escenas históricas, mitológicas y cotidianas, sumándole a su poética la representación del indio, el campesino, el obrero, la familia y las mujeres con vestidos típicos como el de las tehuanas, las chinas poblanas y los correspondientes al estado de Jalisco y Ciudad de México, caracterizados por el uso de faldas bordadas, rebozos y sombreros.

Fuentes consultadas: ESPINOSA, Elia. Jesús Helguera y su pintura, una reflexión. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2004, pp. 17-24 y sitio oficial del Museo del Calendario www.mucal.mx

$900,000.00-$1,200,000.00 M.N. 85

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EDUARDO CATAÑO

(Nayarit, México, 1910 - Ciudad de México, 1964) Mujer al volante, ca. 1950

Firmado Pastel sobre papel 150 x 75 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

Presenta detalles de conservación. $180,000.00-$300,000.00 M.N.

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ARMANDO DRECHSLER

(1901 - México, 1964) Bailarina Ensayando, ca. 1930

Firmado Óleo sobre tela 75.5 x 99 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Después de servir en la Primera Guerra Mundial, Armando Drechsler emigró de Alemania a México, donde se interesó por las artes plásticas.

Con un talento innato, sus obras se destacaron gracias a su participación en la pintura de calendario, en donde desarrolló las temáticas que lograron hacer de los calendarios de Galas de México un referente de la cultura popular mexicana; princesas Mayas y Aztecas, vaqueras, diosas y bailarinas, entre otras. Entre los años cuarenta y cincuenta, se enfocó en realizar retratos por comisión, volviéndose popular entre prominentes políticos nacionales como los presidentes Plutarco Elías Calles, Lázaro Cárdenas y Miguel Alemán Valdés.

Fuente consultada: sitio oficial del Museo Getty www.getty.edu

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

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CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 Ciudad de México, 1984) Sin título, de la carpeta Imágenes de Guatemala

Firmado y fechado Guatemala 1925 Pochoir sobre papel 22.5 x 27 cm Con copia de constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, marzo de 2022. $75,000.00-$100,000.00 M.N.

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CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 Ciudad de México, 1984) Sin título, de la carpeta Imágenes de Guatemala

Firmado y fechado Guatemala 1925 Pochoir sobre papel 21 x 30 cm Con copia de constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, marzo de 2022. $75,000.00-$100,000.00 M.N. 88

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JESÚS GUERRERO GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973) Sin título

Firmado y fechado 1948 Gouache sobre papel 68 x 47.5 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, enero de 2011.

Presenta dos perforaciones en el papel.

Los temas de su pintura se enfocan principalmente en lo cotidiano y la cultura popular, en cambio los asuntos políticos no se hacen presentes, a pesar de que existe cierta referencia a ello, como una denuncia sutil mediante la propia imagen. Es así que, mediante una visión realista y muy particular, formó su propio lenguaje rescatando la dignidad de mujeres y niños indígenas. La clave de sus obras está en los personajes modelados, fondos luminosos, espacios compositivos y la presencia de tonos azules, ocres y rosados que brotan libremente con el único fin de transmitir una estética poética y sublime.

Fuentes consultadas: DE LA CALLE PARDO, María Teresa et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 300-304 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 120.

$100,000.00-$200,000.00 M.N. 89

68

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Chani

Firmado y fechado 96 al frente. Firmado y fechado 1996 al reverso Temple sobre tela sobre madera 122 x 80 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2022.

Procedencia: perteneció a la colección del Maestro Luis Nishizawa.

Su formación artística comenzó en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde tuvo como maestro a Antonio Rodríguez Luna, José Chávez Morado y Alfredo Zalce. No obstante, también su legado familiar, tanto mexicano como japonés, congeniaron e influyeron en la formación de su peculiar estilo. Con el tiempo, formó un extenso conocimiento de técnicas pictóricas, experimentando con acuarelas, temples, óleos, encáustica, cerámica y técnicas orientales como la tinta suiboku. Dentro de esta vasta producción, abordó temas de preocupación social, recurriendo a la figura humana, en especial la femenina. El retrato fue un género complicado para él, sin embargo lo representó con gran excelencia, ya que más que atender una problemática social, plasmó la serenidad se sus modelos, mostrando la dignidad indígena sin folclor alguno, simple y natural.

Fuente consultada: CASTILLO SÁMANO, María del Socorro. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 470.

$400,000.00-$600,000.00 M.N. 90

69

JESÚS GUERRERO GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973) El ánima

Firmado y fechado 1946 Óleo sobre masonite 77.3 x 66 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, junio de 2021.

Su educación artística comenzó en el National School of Plastic Arts en San Antonio Texas, donde vivía con su madre y hermana. A su regreso a México estudió con el pintor José Vizcarra, posteriormente se unió al grupo “Banderas de Provincia” al lado de otros pintores como Raúl Anguiano, José Guadalupe Zuno y Agustín Yáñez.

Llegó a la Ciudad de México en la década de los treinta donde mantuvo contacto con los representantes de la escuela revolucionaria nacionalista. En 1942 fue invitado como artista residente por la University of New Mexico en Alburquerque, ahí realizó un fresco titulado “The Union of the Americans Associated for Freedom”. En 1977 se rindió homenaje al pintor por ser un maestro de esta corriente artística en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.

De las exposiciones en las que participó destacan “Golden Gate” en San Francisco, California, “Twenty Centuries of Mexican Art en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y “Modern Mexican Painters” en el Instituto de Arte Moderno de Boston y en México tuvo su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 120 y sitio oficial de la Colección Blaisten www.museoblaisten.com

$480,000.00-$600,000.00 M.N. 91

70

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Tejedoras de Ticul

Firmado y fechado 50 al frente. Firmado y fechado 1950 al reverso Temple y óleo sobre tela sobre fibracel 122 x 107 cm Con certificado de autenticidad de Luis Nishizawa Zepeda, hijo del artista.

Agradecemos a Luis Nishizawa Zepeda, hijo del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2022.

Procedencia: perteneció a la colección del Maestro Luis Nishizawa.

Con etiqueta de Museo Taller Nishizawa.

En su obra cohabita el academicismo del siglo XIX y algunas características provenientes de la cultura japonesa. Durante su carrera recurrió a numerosas temáticas, pues además del paisaje tuvo gran interés por la naturaleza muerta y el retrato, géneros en los cuales demostró un amplio conocimiento, un fuerte dominio y una extensa gama de posibilidades estéticas y plásticas. En la representación femenina dentro de su obra se pueden apreciar ciertos rasgos orientales provenientes de su familia paterna y algunos elementos y caracteres derivados de los viajes que realizó a Japón, como el estilo de las líneas y el uso de una paleta de color reducida.

“No creía en el olvido, en la desmemoria, ni pasaba del expresionismo realista al expresionismo abstracto por estar de moda. Siempre atento a las voces de la época se permitió articular muchas corrientes y creer en un arte sin fronteras”. Raquel Tibol.

Fuentes consultadas: CASTILLO SÁMANO, María del Socorro. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 470-472 y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$750,000.00-$1,000,000.00 M.N. 92

Detalle lote 71 © D.R. Rufino Tamayo / Herederos / México / 2022 / Fundación Olga y Rufino Tamayo, A.C. 93

71

RUFINO TAMAYO

(Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991) La vendedora de fruta

Firmado y fechado 38 Óleo y gouache sobre tela 60.3 x 45.1 cm Con certificado de autenticidad de Galería de Arte Mexicano, octubre de 2021.

Procedencia: colección de Coral Salinas; colección de la antropóloga Anita Brenner; adquirido en Galería de Arte Mexicano, Ciudad de México; adquirido en Pierre Matisse Gallery, Nueva York.

Con etiqueta de Pierre Matisse Gallery al reverso.

Rufino Tamayo nació y creció en Oaxaca, pero se educó artísticamente en la Ciudad de México en la Academia de San Carlos, donde tuvo como maestros a Germán Gedovius, Saturnino Herrán y Roberto Montenegro. No obstante, abandonó sus estudios en 1921 porque no coincidía con los ideales académicos, así que apoyado por José Vasconcelos, entonces Secretario de Educación, fue nombrado Jefe del Departamento de Dibujo Etnográfico en el Instituto Nacional de Antropología e Historia. En 1926 viajó a Nueva York junto con su amigo, el músico Carlos Chávez, donde tuvo la oportunidad de empaparse de conocimiento sobre las corrientes artísticas del momento visitando museos y galerías y realizó su primera exposición en The Weyhe Gallery, la cual fue muy bien recibida por el público y la crítica estadounidense.

En 1928 regresó a México brevemente y fue nombrado por Diego Rivera Profesor de Pintura de la Escuela Nacional de Bellas Artes, dando inicio a su longeva actividad docente.

En 1933 se le encargó pintar un mural en el Conservatorio Nacional de Música, donde conoció a Olga Flores. Se dice que tres meses después de conocerse ella le pidió matrimonio. Al poco tiempo de casados, se trasladaron a Nueva York, fijando su estancia en esa ciudad visitando México solo los veranos.

En la década de los 50, Tamayo viajó con su esposa a Europa, para entonces ya era todo un éxito internacional, consolidado así como uno de los mejores pintores contemporáneos mexicanos. En 1953 recibió el Gran Premio de Pintura de la II Bienal de São Paulo y en 1957 lo nombraron Caballero de la Legión de Honor, una de las distinciones francesas más importantes que se concede únicamente a hombres y mujeres que realizaron algún mérito dentro del ámbito civil en Francia.

En esta época, la productividad pictórica de Tamayo se extendió, especialmente a los murales, realizando algunos en Houston, París, Puerto Rico, entre otros. También hizo dibujos y pinturas en los que abordó el género del retrato, los cuales trabajó en diversas épocas, varios de ellos considerados prodigiosos. A su vez, fue el primer artista que hizo litografías policromadas en México, y en el campo de la gráfica mexicana hizo aportaciones sobresalientes: el color y las texturas. Fue nombrado "hijo predilecto" por el gobierno de Oaxaca en 1972.

Después de una estancia intermitente de más de 25 años en Estados Unidos y Europa, regresó a México en 1964 para años más tarde inaugurar dos museos: el Museo de Arte Prehispánico Rufino Tamayo en la ciudad de Oaxaca y el Museo Rufino Tamayo en la Ciudad de México.

Los museos de Arte Moderno de México, París, Nueva York, Río de Janeiro, la Galería Nazionale de Arte Moderno de Roma, el Royale de Bruselas, los de Cleveland, San Luis Misuri, Filadelfia, Arizona, San Francisco, Cincinnati, Dallas, The New York Public Library y el Bank of the Southwest de Houston albergan obras de Tamayo en sus colecciones.

Fuentes consultadas: MORENO GALVÁN, José María et al. Rufino Tamayo. Pinturas. España. Centro de Arte Reina Sofía. 1988, pp. 70-76, sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.gob.mx/cultura y sitio oficial del artista www.rufinotamayo.org.mx

$8,000,000.00-$10,000,000.00 M.N. 94

95

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RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca de Juárez, 2001) El pacto

Firmado Óleo sobre lino 86 x 105 cm Con certificado de autenticidad de la Fundación Cultural Rodolfo Morales, agosto de 2021.

Rodolfo Morales fue uno de los más importantes pintores del arte mexicano de la segunda mitad del siglo XX, conocido en el medio como “El señor de los sueños”. Fue un artista oaxaqueño que siempre estuvo entregado al pueblo y a la cultura mexicana con una inigualable cualidad para la docencia, actividad que ejerció durante más de 32 años.

Durante mucho tiempo trabajó su obra en las sombras, hasta que conoció al Maestro Rufino Tamayo, quien lo introdujo al medio artístico ayudándolo a promover su obra con constancia y convicción. Con este impulso comenzó a hacerle frente al mercado de coleccionistas y por casi 10 años expuso en las galerías más importantes de México con gran éxito. Las ganancias que con regularidad recibía por las ventas de sus obras fueron invertidas a favor de su pueblo, fundando en 1992 la Fundación Cultural Rodolfo Morales, la cual ha realizado la restauración de diversos inmuebles de Oaxaca.

Actualmente, es considerado el alma de la Escuela de Oaxaca junto con Tamayo y Toledo y su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas de México y el extranjero.

“La magia de Morales consiste en atraernos a sus pinturas con la belleza de sus formas y colores, pero sólo para atrapar nuestra mirada, acaparar nuestra atención y transmitirnos un estado de ánimo muchas veces contrario a la fácil alegría que uno podría sospechar a primera vista. Los colores de Morales son fuertes, contundentes y alegres, pero basta ver la mirada de sus personajes, las sombras de sus casas y los espíritus que merodean en sus cielos y en sus subsuelos para advertir que el mundo del pintor tiene una gran dosis de desamparo Los miedos, los recuerdos y la nostalgia están siempre presentes en el universo de su pequeño pueblo”. Andrés Oppenheimer.

Fuentes consultadas: - TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México.

Grupo Financiero Bancomer, 1997, pág. 378 - “Rodolfo Morales. El señor de los sueños cumplidos”. México. El Proceso, 16 de diciembre de 2000 - “Rodolfo Morales. Maestro de los sueños”. México. Proceso, sección La Redacción, 5 de junio de 2006.

$1,600,000.00-$2,500,000.00 M.N. 96

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Detalle lote 73 99 © D.R. Rufino Tamayo / Herederos / México / 2022 / Fundación Olga y Rufino Tamayo, A.C.

Rufino Tamayo sentado ante el retrato de Olga (Flores Rivas), fotografía de Lola Álvarez Bravo

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RUFINO TAMAYO A Rufino Tamayo comúnmente se le describe como un artista precursor. Fue de los primeros en América que interpretó sus raíces sin historicismo, anécdota o proclama y empleó elementos puramente plásticos de indudable origen local, logrando obras con una calidad impecable en el campo de la pintura y la gráfica en el país. Descubrió que en su tradición estaba la fuente para su trabajo; su obra se caracterizó en general por su voluntad de integrar la herencia precolombina autóctona, la experimentación y las tendencias plásticas que revolucionaron los ambientes artísticos europeos a comienzos del siglo XX. Realizó una búsqueda estética anclada en las raíces del México indígena desde el inicio de su carrera, sin embargo, entre 1926 y 1938 pintó un gran número de naturalezas muertas y paisajes urbanos, relacionando la mexicanidad con la modernidad.

Después de la Revolución Mexicana, la cultura y el arte se volcaron hacia lo "mexicano", naciendo así la pintura muralista, de carácter rígido y nacionalista, que consistía en enaltecer al país y sus luchas y de llevar el arte a los edificios públicos para que el pueblo aprendiera, disfrutara y reconociera sus orígenes.

Rufino Tamayo pintó murales, pero le interesó mucho más pintar telas donde el color, la materia, el tema y la manera de plasmar una visión eran un asunto personal de cada artista. Sabiendo que su naturaleza era ir a contracorriente, notó que sería difícil encajar en el nuevo cauce de la pintura nacional, por lo que decidió viajar al extranjero para conocer otras corrientes artísticas y pintar en libertad. Aunque en México se le acusó de ser un renegado de su patria, en Estados Unidos y Europa se le consideró muy mexicano, pero con una visión distinta de su país; un revolucionario, pero no por los temas que exponía su obra, sino por su forma de pintar.

La diferenciación entre la obra de muralistas como Diego Rivera y José Clemente Orozco fue marcada por una crítica redactada por Henry McBride, donde comentaba que Tamayo era el único pintor de la época que avanzaba por el camino de la estética, y que la pintura mexicana no podría llegar a ser universal, pues se interponían los intereses ideológicos de los pintores.

Cuando Rufino Tamayo irrumpió de manera significativa en el panorama de la pintura nacional, la escuela de los muralistas ya había cumplido todos sus objetivos. En 1921, el mismo año en que David Alfaro Siqueiros lazó sus célebres "Tres llamamientos de orientación actual a los pintores y esculturas de la nueva generación americana" en la revista "Vida Americana", Tamayo, recién salido de la Academia de San Carlos, fue nombrado jefe del gabinete de dibujo etnográfico del Museo de Antropología e Historia de la Ciudad de México. En ese mismo año, comenzó a hacerse realidad la aspiración de realizar un muralismo de contenido sociológico y eficacia colectiva.

Esta época de gran esplendor para el muralismo fue para Tamayo un tiempo de tanteos, de dudas, completamente excluida de la gloria que se repartían sus colegas. En 1932 fue nombrado jefe del Departamento de Artes Plásticas de la Secretaría de Educación, donde su presencia dejó de ser de cierta manera ignorada, a pesar de ello, habrían de transcurrir largos años antes de que su papel en la historia del arte fuera reconocido. Durante ellos, tuvo que soportar la incomprensión, alegatos violentos y el silencio.

El muralismo había llegado al poder por aclamación popular, supo hacer plástico un anhelo colectivo, pero esta y muchas otras virtudes quedaron anuladas desde que poseído por su autosuficiencia trocó su papel y dejo de actuar al dictado de una aspiración popular para convertirse en dictador de un futuro del arte; y en este contexto apareció la obra de Rufino Tamayo para contrarrestar.

Para quienes hacían depender a la realidad del arte de un argumento ligado a una simple mecánica visual, el arte de Tamayo suponía un atentado para los valores formales. Pero el artista oaxaqueño no venía a dar una solución distinta para el problema del arte, sino a situar el problema de manera distinta. Su pintura no trataba de suplantar a la realidad con la abstracción, sino concebir a la realidad de otra manera.

La relación de Tamayo con otras corrientes de la pintura lo enriquecieron. Luis Cardoza y Aragón y Xavier Villaurrutia citaban que, si bien sus obras se alejaban de la pintura política o de cualquier contenido ideológico, esto no era un defecto sino una virtud; en sus pinturas encontraban una expresividad vinculada con lo universal y al mismo tiempo, una reflexión introspectiva sobre la mexicanidad.

Fuentes consultadas: MORENO GALVÁN, José María et al. Rufino Tamayo. Pinturas. España. Centro de Arte Reina Sofía. 1988, pp. 70-76, sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.gob.mx/cultura y sitio oficial del artista www.rufinotamayo.org.mx

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RUFINO TAMAYO

(Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991) Naturaleza muerta

Firmado y fechado 35 Óleo sobre tela 76 x 151 Procedencia: colección de Edward Chodorov, Beverly Hills, California, E.E. U.U.; colección de Fanny Brice; Los Angeles, California, E.E. U.U.; Galería Mary-Anne Martin/Fine Art, Nueva York.

Publicado en: -GOLDWATER, Robert. Rufino Tamayo. Estados Unidos. The Quadrangle Press, 1948, pág. 56.

-PALENCIA, Ceferino. Rufino Tamayo. México. Colección Anáhuac de Arte Mexicano, 1950, vol. 24, Catalogado 4.

-DU PONT, Diana C. Tamayo: A modern icon reinterpreted. E.E. U.U. Santa Barbara Museum of Art, 2007, pág. 162.

Exhibido en: “Rufino Tamayo Retrospective”, muestra itinerante presentada en el Nagoya City Art Museum en Nagoya, Japón, del 9 de octubre al 12 de diciembre de 1993, en el Museo de Arte Moderno de Kamakura, Japón, del 18 de diciembre de 1993 al 5 de febrero de 1994 y en el Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto, Japón, del 5 de febrero al 21 de marzo de 1994 y en “Rufino Tamayo: del reflejo al sueño, 1920 - 1950”, muestra presentada en el Centro Cultural / Arte Contemporáneo en la Ciudad de México, del 19 de octubre de 1995 al 25 de febrero de 1996. $30,000,000.00-$50,000,000.00 M.N.

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“En Tamayo es en quien se oye mejor el timbre de voz de México más claramente perceptible por sus plásticas simpatías populares y la delicada utilización que hace de ellas. Todos los barros policromados, las tierras aceitosas y mojadas, los frutos y vegetaciones intensas, las ingenuidades equívocas de la provincia, la gracia rústica e inteligente, se manifiestan en su obra, con su molicie, con su pasión contenida.

El fotógrafo ambulante, la pintura de retablos y pulquerías, la pintura de las carpas, de las lecherías, la juguetería popular, las calles de las barriadas de México con sus sorprendentes y purísimos colores logrados con cal, se precipitan al fondo de Tamayo y sobre ese sedimento edifica su obra".

Luis Cardoza y Aragón, 1935.

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RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca de Juárez, 2001) Techo de la capilla

Firmado Óleo sobre tela 100 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Fundación Cultural Rodolfo Morales, enero de 2022.

“Nadie como Rodolfo Morales puede ser considerado tan pintor de la alegría de vivir, ni tan escrupulosamente mexicano a fuerza de no poder ser sino eso necesariamente; feliz pintor mexicano. Feliz porque sus cuadros demuestran, de manera casi mágica, la relación alegre que se establece entre autor y obra cuando no existe ningún desquiciamiento, ninguna traba, nada que no sea el enfrentamiento del artista con su mundo fantástico y desbordado de libertad.

Mexicano porque lo es y porque nadie como él deja de manifiesto más claramente esa mexicanidad eternamente buscada y nunca hallada.

El manejo meticuloso del pincel construye un mundo, una realidad paralela y de algún modo mitológica. Las figuras, sus mujeres aladas, las arquitecturas de desbordada perspectiva, el color nebuloso, la nitidez de las escenas, simbolismos de lo cotidiano, erigidos casi en tótems pictóricos, etéreos lugares de esa otra realidad.

En sus cuadros la atmósfera creada es muy importante, es decir, no ya lo pintado, sino la impresión de lo pintado, que en Morales significa placer por la propia pintura. Como se demuestra en sus telas, y collages, lo gozoso de la imagen conmina al espectador a seguir mirando. Rodolfo Morales pone en sus cuadros lo que él es, un estado de ánimo, la red que se construye entre sus recuerdos y su interpretación sentimental de la pintura”.Josu Iturbe, 1992.

Fuente consultada: “Rodolfo Morales. Maestro oaxaqueño’. México. Secretaría de Cultura del Estado de Hidalgo http://cultura.hidalgo.gob.mx

$2,200,000.00-$3,000,000.00 M.N. 104

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RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985) Sin título

Firmado Acrílico sobre masonite 100 x 73 cm Con certificados de autenticidad de Galería Oscar Román, uno fechado octubre de 2008 y otro fechado abril de 2010.

Rodolfo Nieto fue un destacado artista con fuertes raíces plásticas ligadas a la cultura de su tierra, pero con una visión mucho más contemporánea. Entre 1953 y 1954 asistió a La Esmeralda, donde fue asistente de Diego Rivera y tuvo como mentor a Juan Soriano y a otros maestros que lo impulsaron a exponer colectivamente. Se mudó a París en los años sesenta, alejándose por completo del ambiente natal indígena, creciendo entonces sus influencias artísticas a un nivel internacional. En la llamada ciudad luz, logró exponer en algunas galerías y museos, destacando su muestra individual en el Museo de Arte Moderno de París en 1962; así mismo participó en la Bienal de París obteniendo un premio en 1963. Durante aquella época creó su propio lenguaje artístico, en parte influenciado por sus amistades con Francisco Toledo, Octavio Paz y Julio Cortázar. En 1965 ilustró el “Manual de Zoología Fantástica” de Jorge Luis Borges para la editorial de Maurice Nadau, lo que lo llevó a cultivar una relación laboral posterior con Carlos Fuentes y Mario Vargas Llosa.

Regresó a México en 1970 ya con fama y reconocimiento en el extranjero, pero no en su país, lo que le causó una gran decepción, fue entonces que su mente comenzó a divagar; no obstante, conforme el tiempo pasó su trabajo dio un giro y fue aceptado por la crítica mexicana.

Desde entonces, su obra entrelazó texturas, colores, formas abstractas, fusiones de animales con humanos y temas de la naturaleza que creaban situaciones y ambientes fantásticos. Fue un artista que se caracterizó por su pasión y dedicación a la pintura, siempre cuidadoso de mantener orden y limpieza a su alrededor.

“Lo interesante de él era la búsqueda, la inquietud y la falta de satisfacción que sentía con lo que hizo, que es un síntoma de indudable talento. Era un hombre inteligente, un pájaro raro”. Octavio Paz. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey www.marco.org.mx

$1,800,000.00-$2,500,000.00 M.N. 106

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Sin título

Firmado al reverso Mixta sobre lámina de plomo 72.5 x 102 cm Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

Sergio Hernández inició su experimentación con el plomo en el taller del restaurador Manuel Serrano, en la colonia Roma de la Ciudad de México. El artista menciona: “El blanco de plomo se ha utilizado históricamente, siempre, mezclado con aceite y se convierte en amarilloso.

Mi gran curiosidad fue si usando vinagre, agua ácida, sacaría la pureza del plomo, el blanco de plomo. Ahí empecé a trabajar con las placas”.

La curiosidad de Sergio Hernández por el plomo lo llevó a puntos extremos, hasta intoxicarse físicamente y en forma grave; es el peligro convertido en creatividad lo fundamental de la serie de obras que realizó con este material. Su exploración artística se sustenta en la técnica, pero no deja de darse una búsqueda estética, que surgió de imágenes realizadas en el siglo XIX, obra delicada, muy fina, de una delicadeza en la finura de las transparencias y en el dibujo.

Fuentes consultadas: AMADOR TELLO, Judith y PONCE, Armando, “Las pasiones de Sergio Hernández en Casa Lamm”. México. Proceso, 3 de abril de 2017 y SÁNCHEZ MEDEL, Leticia. “Los plomos y bronces de Sergio Hernández, en Puebla”. México. Milenio, sección Cultura, 28 de agosto de 2014.

$900,000.00-$1,200,000.00 M.N.

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RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985) Sin título

Firmado y fechado 66 al frente Óleo sobre masonite 100 x 81 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, abril de 2022.

Procedencia: colección privada México.

Al igual que otros grandes pintores mexicanos como Rufino Tamayo y Francisco Toledo, Rodolfo Nieto creó un estilo y lenguaje artístico propio, fusionando sus raíces con las corrientes internacionales que lo llevaron a ser uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Fue un artista con alma rebelde, así que aunque no quiso realizar una formación academicista, siguió el trabajo con gran fervor de Carlos Orozco Romero y de Santos Balmori. Su paso por Europa influyó fuertemente en su obra, en especial en la gama de colores y formas abstractas. A su regreso a México, amplió la experimentación con técnicas, las cuales enriquecieron su quehacer artístico, además empezó a estudiar el arte prehispánico y la cultura popular, incorporando en su obra nuevas estructuras.

“Nieto tendió a saturar sus composiciones, adhiriendo o rodeando la imagen principal de un sinnúmero de elementos que pueden encontrarse irregularmente geometrizados, como grecas o tableros, igualmente suele acudir a finísimos chorreados, que se antojan siempre controlados, tal que si huyera del vacío”. Teresa del Conde.

Fuentes consultadas: MORENO VILLARREAL, Jaime. Lo que era todo tiene que ser nada. Homenaje a Rodolfo Nieto. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1995 y MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. pp. 462 - 464.

$1,000,000.00-$1,800,000.00 M.N. 109

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Sin título

Firmada y fechada 02 Mixta sobre papel 60.5 x 122 cm Con certificado de autenticidad del artista, enero de 2020.

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2022.

La creatividad de Sergio Hernández proviene de un amplio panorama de la historia del arte y los aspectos más destacados de su obra emanan del imaginario de la cultura oaxaqueña; así, con el tiempo brotaron los temas de los insectos, el mezcal y la muerte.

“Nací en el pueblo de Huajuapan de León en Oaxaca y de niño íbamos a las pozas de agua a bañarnos. Yo solía acostarme en el pasto a escuchar los sonidos de las chicharras, entre botones de amapolas. No me atrevía a verlos de cerca sólo a escucharlos e imaginaba sus formas. El sonido llenaba el espacio. Le tengo miedo al espacio abierto, necesito saturarlo con pequeños elementos […] Ahora colecciono insectos de formas extrañas de Brasil, Nueva Zelanda, Madagascar y México”. Sergio Hernández.

Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa et al. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 34 y 323.

$450,000.00-$600,000.00 M.N.

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FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019) Mujer en la playa, 1984

Firmada Acuarela sobre papel hecho a mano 55 x 38 cm Con etiquetas de Galería López Quiroga y del Banco de la República.

Mundialmente reconocido por su trabajo y personalidad, Francisco Toledo es considerado uno de los mayores artistas mexicanos del siglo XXI. Fue un artista multidisciplinario, promotor cultural y luchador social a favor de los indígenas y del medio ambiente.

Por medio de Rufino Tamayo logró realizar estudios en París y vender sus primeras obras. Habiendo experimentado las vanguardias artísticas, su obra comenzó a tener su propio estilo y aunque se le llegó a asociar con la Generación de la Ruptura, él siempre estableció su carácter autónomo.

Entre los temas constantes en su obra están las figuras fantásticas, humanas y animales, el sexo, los insectos, el estudio de la escatología y las tradiciones y cultura oaxaqueñas. Su obra actúa y plantea aspectos plásticos, en ella propone texturas mediante sombreados con colores que generan una experimentación sensorial.

En 1988 fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, un espacio para difundir y exhibir su colección particular de obra gráfica, así como obras de otros artistas latinos de gran importancia.

Fuentes consultadas: MANRIQUE, Jorge Alberto. Francisco Toledo. México. Smurfit, Cartón y Papel de México, 2002, pp. 13-16 y sitio oficial del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía www.museoreinasofia.es

$460,000.00-$550,000.00 M.N. 111

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JESÚS URBIETA

(Juchitán, Oaxaca, 1959 - Ciudad de México, 1997) Desde la azotea

Firmado y fechado 91 Óleo y arenas sobre tela 120 x 81.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, enero de 1992.

Con certificados de autenticidad de Galería Oscar Román firmados por el artista, uno fechado enero de 1993 y otro fechado septiembre de 1995.

Con folleto de la exposición “Mar Pagano” de la Galería Oscar Román.

Presenta desprendimientos de capa pictórica.

“Pudiera pensarse que Urbieta ignoraba las teorías modernas sobre los efectos emotivos del color, teorías que pertenecen al ámbito de los estudios sobre la percepción visual, la Gestalt y la semiótica […] Era intuitivo, desde luego, pero también fue un hombre muy completo en cuando su formación intelectual: capaz de asimilar sin número de conocimientos de toda índole”. Teresa del Conde.

Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Jesús Urbieta. Testamentos. México. Museo de Arte Moderno, 1998, pág. 12.

$130,000.00-$150,000.00 M.N. 112

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JAVIER ARÉVALO

(Guadalajara, Jalisco, 1937 - 2020) La tentación

Firmada y fechada Mex 85 Acuarela sobre papel 110 x 135 cm Estudió en la Escuela de Arte y Letras de Guadalajara, en la Academia de San Carlos y años después ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde estudió con el pintor Antonio Rodríguez Luna. En 1966 fue aceptado como miembro del Salón de la Plástica Mexicana y en 1970 fue ganador del primer premio en la Bienal de Tokio. Junto con Francisco Toledo y José Luis Cuevas, los críticos de arte lo consideraron en la década de los 70 como un notable dibujante. Para él, lo más importante en su pintura es la firmeza y perfección de los trazos y el poder de capturar la esencia mágica de cada lugar que visitaba.

Actualmente, obras suyas pertenecen a los acervos de importantes museos como el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, Museo de Arte de Nagaoka de Japón y en los Museos de Arte Moderno de la Ciudad de México, Lugano, Suiza y Zaragoza, España.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 100 y “El arte, una gran aventura: Javier Arévalo”. México. Informador, sección Cultura, 21 de marzo de 2011.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. 113

82

JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - ) Espíritu, 2022

Firmada Escultura en estuco en base de yeso 80.5 x 31 x 13 cm medidas totales Con certificado de autenticidad del artista.

Julio Chico es un sobresaliente artista plástico mexicano egresado de la Academia de San Carlos y cuyos conocimientos abarcan un gran dominio por la escultura, grabado y pintura mural y de caballete, trabajos caracterizados por su constante exploración en temas, donde los colores, texturas, formas y volúmenes adquieren vida y personalidad propia. Es miembro del Salón de la Plástica Mexicana y fundador de talleres de impresión para grabado y galerías de arte. A lo largo de más de 30 años de carrera, ha obtenido reconocimientos y premios internacionales y sus obras forman parte de importantes colecciones de galerías y museos públicos y privados en México y el extranjero.

“Julio Chico es protagonista fundamental en la reinterpretación de la estética contemporánea. Para él, la emoción es el concepto planteado para fundamentar su discurso artístico y crea arte monumental con sus esculturas bajo la consigna ‘libertad de expresión y creación’. Sus obras transmiten emociones y su pasión por la geometría y las matemáticas junto con los detalles convierten su arte en algo positivo y memorable”.

Marcela Evelyn Divin. $90,000.00-$150,000.00 M.N. 114

83

GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997) Árbol del bien y el mal

Firmado, con monograma y fechado 1974 al frente y al reverso Óleo sobre tela 110 x 80 cm Con dedicatoria “a Pepita”.

Las obras de Guillermo Meza presentan un estado de ánimo, un universo mítico con raíces cien por ciento mexicanas. La riqueza del color de su paleta es inigualable en cada una de sus pinturas, así como su inclinación por el detalle. Durante toda su vida, tuvo influencias que iban desde el realismo, el expresionismo y el dadaísmo hasta el surrealismo, el cual fue un medio de expresión proveniente de las influencias de André Breton y Sigmund Freud. No obstante, su hábito artesanal nunca fue abandonado por las ideas europeas, al contrario, fue explotado aún más, consumándose como un pintor profesional con gran prestigio internacional.

“Su inclinación por el detalle, por los matices, por los minúsculos elementos muestran su habilidad de reproducción y su amor por una fantasía que conjugue lo onírico con lo real. Sus seres, o bien son esbozos de hombres, mujeres, cuerpos, fantasmas que flotan en fondos, en planos y espacios que a la vez los enmarcan, señalan y les otorgan vida”. Alberto Dallal.

Fuente consultada: RIVERA GONZÁLEZ, Rodolfo et al. Guillermo Meza. El instante preciso. México. Museo Universitario Contemporáneo de Arte, UNAM, 1996, pág. 5.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. 115

84

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) Castillo de Chapultepec

Firmado al frente. Firmado y fechado Mex. D.F. 93 al reverso Óleo y mixta sobre papel 72 x 57 cm Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, enero de 2022. $40,000.00-$60,000.00 M.N.

116

85

RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - ) Fumarola 2000

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista.

“Rodrigo Pimentel estudió en la ENAP. Alcanzó a ser alumno de varios maestros que pugnaban todavía por la clásica enseñanza académica: Santos Balmori, Francisco Moreno Capdevila, Antonio Rodríguez Luna, Luis Nishizawa y Celia Calderón. La trayectoria de este pintor no ha sido lineal, cosa importante de señalar. Con esto quiero decir que sus cambios de ‘estilo’ no han ocurrido por evolución, sino por hitos que se perciben firmemente delimitados unos de otros. Pero esto no significa que rastros de sus etapas anteriores dejen de incurrir en su presente pictórico”. Teresa del Conde. $100,000.00-$180,000.00 M.N.

117

86

RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - ) Fumarola 2021

Firmado Óleo sobre tela 100 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Rodrigo Pimentel es un reconocido pintor michoacano con una sólida y fructífera trayectoria, la cual lo ha llevado a exponer en muchas ocasiones en México y en el extranjero, en países como Estados Unidos, Panamá, Argentina, España y Francia. Su trabajo forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y de otras colecciones importantes en México y el mundo.

“Desde los años de la Academia, sentimos en la pintura de Rodrigo cierto vigor emotivo que se enfatiza en sus paisajes actuales, pródigos en ritmo y expresividad, las últimas obras, no exentas de esta característica, sintetizan con acierto la idea de recabar los aspectos más íntimos del paisaje, valiéndose de la forma y el color que utiliza con pureza y precisión técnica”. Ernesto Guzmán, 1971.

Fuente consultada: MONSIVÁIS, Carlos. “Testigos ausentes. Rodrigo Pimentel”. México. Palacio de Bellas Artes, CONACULTA, 1995.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

118

87

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, México, 1887 - 1962) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 48 x 73 cm

$220,000.00-$250,000.00 M.N.

119

88

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Valle de Oaxaca

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre madera 15 x 32 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

“En el embrujo que sus paisajes ejercen para el espectador, puede advertirse, con mayor certeza, el enorme acercamiento a la estética dominante en la paisajística del arte japonés, del que fue heredero de sangre. Fue tal su grado de finura y sutileza en el manejo de atmósferas, de planos y matices impregnados de color, que el recorrido visual no logra, de una sola mirada, aprehenderlos en su totalidad anímica. Colorista por naturaleza, con una gama de tonalidades con las que el artista interpreta su visión del mundo físico […] La emoción no es gratuita, Nishizawa ha volcado en sus paisajes un sentimiento sin límite, una sabiduría ancestral, su gran entrega al arte mexicano”. Milena Koprivitza.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, pág. 410 y en ESPINOZA, Antonio. “Luis Nishizawa: testimonio de una vocación”. México. El Universal, sección Confabulario, 4 de octubre de 2014,

$46,000.00-$60,000.00 M.N.

120

89

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Calderones

Firmado y fechado 95 Temple sobre madera 82 x 122 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2022.

Procedencia: perteneció a la colección del Maestro Luis Nishizawa.

En su obra existen características provenientes de su herencia familiar de origen japonés. Específicamente la estampa y la admiración por el pintor nipón Ando Hiroshiage fue lo que lo estimuló para utilizar tintas secas, con las que experimentó hasta lograr una síntesis de efectos, de modo que logró la creación de un estilo con raíces mexicanas y estilo oriental.

Con el tiempo, se convirtió en un maestro en las técnicas de la tinta y la acuarela, las cuales aplicaba con tal genialidad que integraba perfectamente el color, colocando los oscuros y las luces en sitios perfectos, haciendo de estas piezas un deleite estético.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, pág. 410 y en ESPINOZA, Antonio. “Luis Nishizawa: testimonio de una vocación”. México. El Universal, sección Confabulario, 4 de octubre de 2014,

$850,000.00-$1,200,000.00 M.N.

121

90

GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964) Sin título, ca. 1956

Firmado Óleo sobre masonite 35 x 52 cm Publicado en: BLAISTEN, Andrés et al. Dr. Atl. Obras maestras.

Dibujos y bocetos. México. Turner, 2012, pág. 231.

José Gerardo Murillo Cornado comenzó a estudiar pintura a los diecinueve años en su natal Guadalajara, Jalisco. Un par de años después, viajó a la Ciudad de México para instruirse en la Escuela Nacional de Bellas Artes, y al poco tiempo el gobierno de Porfirio Díaz le otorgó una beca para estudiar en Europa, en donde estudió filosofía y derecho penal y empezó a apoyar causas obreras, dejando la pintura como una actividad ocasional.

A su regreso a México, contaba con un nuevo nombre y una nueva visión. Con la revolución mexicana a punto de estallar, Dr. Atl estaba ya involucrado en movimientos intelectuales que proponían luchas sociales. Empezó a trabajar en la Academia de San Carlos, donde inmediatamente lo nombraron “el agitador” por incitar rebeldía y conciencia social en sus alumnos y compañeros docentes. También en esa época se enamoró por primera vez, de la sobrina de su gran amigo Joaquín Clausell. Al terminar la relación, se refugió en las faldas del Popocatépetl, donde se dedicó a estudiar y pintar a los volcanes y empezó a hacer excursiones cortas, donde lo acompañaba Clausell.

Más tarde, en vísperas de la revolución, se alió con Venustiano Carranza y fue aprehendido poco tiempo después, pero escapó y vivió algún tiempo en la calle, para después instalarse en el Convento de la Merced, donde compartía techo con el portero.

Empezó a pintar de nuevo y conoció a Carmen Mondragón, a quien posteriormente le pondría el nombre Nahui Olin, con quien tuvo una corta pero tormentosa relación.

La vena política de Dr. Atl estuvo presente en todos los aspectos de su vida, menos en sus pinturas. Desmenuzó los volcanes, el cielo y los paisajes que los rodeaban, pasando horas explorando parajes. Descrito también como botánico, yerbero, astrólogo y hechicero por su alumno y amigo Diego Rivera, dedicó gran parte de su vida a rendirle tributo a la naturaleza nacional, incluso cuando le amputaron la pierna derecha y no pudo escalar más.

Siempre se las arregló para sobrevolar México y capturar los paisajes desde las alturas en busca de las mejores postales.

Un hombre con energía, de personalidad rica y compleja, quien a pesar de su condición física nunca perdió el espíritu explorador, falleciendo en plena actividad artística el 15 de agosto de 1964. Actualmente su herencia plástica forma parte de importantes colecciones privadas y toda su obra ha sido declarada monumento artístico de la nación.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus Artistas.

Tomo I. México, Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 84 - 87.

$2,200,000.00-$4,000,000.00 M.N. 122

123

91

NAHUI OLIN

(Veracruz, México, 1894 - Ciudad de México, 1978) Sin título

Firmado Óleo sobre madera 53 x 35 cm Procedencia: perteneció a la colección de la familia de la artista.

Su verdadero nombre era Carmen Mondragón. Perteneció a una de las familias más conservadoras de principios del siglo XX. Su padre fue el general Manuel Mondragón, quien fue considerado como un traidor pues se alió con Victoriano Huerta para derrocar al gobierno de Francisco I. Madero. Por esta razón se exilió junto con su familia, excepto Carmen, en Europa. Ella llegó a París un año más tarde, recién casada con el pintor Manuel Rodríguez Lozano. En aquella época, conoció a personajes como Pablo Picasso, Georges Braque y Henri Matisse, quienes la provocaron a iniciarse en el mundo del arte. Regresó a México hasta 1921, ya separada de su esposo. Fue con Dr. Atl con quien forjó un intenso romance, él la rebautizó como Nahui Olin, que en náhuatl significa “el quinto sol”.

Más allá de su relación con Gerardo Murillo quien la posicionó como la figura de “la musa” por excelencia, Nahui Olin puede ser incluida dentro de un grupo de mujeres junto con Frida Kahlo, Tina Modotti, María Izquierdo, Lupe Marín y Lola Álvarez Bravo, que asumieron un rol activo en la vida intelectual, artística y política del México posrevolucionario, desafiando muchas de las prohibiciones sociales y los dogmas morales establecidos. Su trabajo se insertó en la escena a la par de sus colegas hombres y se vinculó con el arte desde una posición sumamente personal.

Su obra tomó como eje principal escenas bucólicas y momentos amorosos, así como una vasta serie de autorretratos. Sin una técnica académica, se le encasilló entre los artistas naïf, pero detrás de esa aparente ingenuidad se encontraba una fuerte reivindicación de la autonomía femenina y de la identidad popular mexicana.

Fuentes consultadas: REYNA, Carlos. “La mirada infinita de Nahui Olin”. México. Gatopardo, sección Arte y Cultura, 17 de agosto de 2018 y sitio oficial del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires www.malba.org.ar

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 124

92

JOAQUÍN CLAUSELL

(San Francisco de Campeche, 1866 - Lagunas de Zempoala, Morelos, 1935) Atardecer

Sin firma Óleo sobre tela sobre masonite 18 x 24 cm Publicado en: NAVARRETE BOUZARD, Sylvia et al. Joaquín Clausell, 1866-1935. México. Editorial MOP, 1988, pág. 101.

Presenta oxidación y ligeros detalles de conservación.

Fue un hombre inquieto con un carácter rebelde y problemático, tanto que fue expulsado de su estado natal por el propio gobernador por causar disturbios políticos; así llegó a la Ciudad de México, donde comenzó sus estudios para ser abogado, no obstante parte de su tiempo lo dedicó a realizar caricaturas políticas para los periódicos “El Universal”, “El Monitor Republicano”, “Diario el Hogar” y “El Demócrata”, para el cual escribió un artículo periodístico que estuvo cerca de mandarlo a la cárcel, pero huyó antes del juicio, viajando a Nueva York y luego a París. Estando en la ciudad de las luces, visitó exposiciones de arte, topándose con el estilo impresionista y las obras de Monet, Renoir y los paisajes de Courbet, de quienes aprendió la técnica “plein air”, que le permitió captar la luz y mezclar tonalidades en un mismo paisaje.

En 1896 regresó a México y por insistencia de sus amigos Gerardo Murillo “Dr. Atl” y Diego Rivera, fue que decidió dedicarse a la pintura y abandonar la abogacía. Con el tiempo comenzó a participar en exposiciones colectivas y trabajar temas provenientes de la naturaleza, es decir: valles, montañas, bosques, praderas, costas, cascadas, acantilados y marinas. En 1921, logró mostrar su obra en Nueva York, recibiendo grandes elogios por parte de la crítica. Más adelante fue miembro y fundador del Círculo Artístico de México, además de abogado defensor de los pocos afortunados.

A pesar de que no fue un impresionista ortodoxo, retrató la naturaleza mexicana con gran dedicación. Juan O’Gorman se refirió a él como un pintor de grandes dotes impresionistas con obras llenas de precisión y colorido.

“Pintor sensual en el más puro y directo significado de la palabra, sus cuadros hablan sin elocuencia, poéticamente a los sentidos del espectador”. Xavier Villaurrutia.

Fuentes consultadas: TOVAR Y DE TERESA, Rafael, et al. Joaquín Clausell y los ecos del impresionismo en México. México. Museo Nacional de Arte, 1995, pág. 65 y MOYSSÉN, Xavier. Joaquín Clausell. México. UNAM, 1992, pp. 12-15 y 31-35.

$360,000.00-$500,000.00 M.N. 125

93

OLGA COSTA

(Leipzig, Alemania, 1913 - Guanajuato, Guanajuato, 1993) Nísperos y hojas

Firmado y fechado 62 Óleo sobre masonite 30 x 40 cm Con recibo de compra del Salón de la Plástica Mexicana, agosto de 1963.

Publicado en: PITOL, Sergio. Olga Costa. México. Ediciones La Rana, 1998, pág. 51.

Con etiquetas de Galería Plástica de México y del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.

Vivió con sus padres en Berlín durante su infancia, en el contexto de movimientos bélicos. En 1925 llegó a México con su familia, comenzó sus estudios artísticos en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México, donde tuvo como profesores a Emilio Amero y Carlos Mérida, conoció a Diego Rivera, Frida Kahlo y Rufino Tamayo.

En 1935 contrajo matrimonio con José Chávez Morado y posteriormente se establecieron en la capital de Guanajuato, a la que donaron su casa como museo, así como una considerable cantidad de arte prehispánico, colonial y popular. En 1936 vivieron en Jalapa donde Chávez Morado pintó un mural y fue que ella comenzó a pintar en pequeños formatos, que se vendieron exitosamente.

Su primera muestra fue en 1945 en la Galería de Arte Mexicano, desde entonces tuvo varias exposiciones en el Salón de la Plástica Mexicana y en la Galería Lourdes Chumacero.

Su obra es considerada como parte de la Escuela Mexicana de Pintura y transitó en varias etapas: iniciando en lo que ella llamó “la ironía cursi”, continuó con bodegones, naturalezas muertas y retratos, después realizó obras costumbristas, imágenes de la tradición de La Muerte Niña, peregrinaciones o aspectos relacionados con elementos religiosos. En su etapa final abundaron los paisajes, jardines o vistas exteriores de estilo impresionista y otros más abstractos.

“Pintora de misterios naturales. Su obra: un intenso reverberar de luz sobre montañas y jardines. Un conjunto de visiones puras, abstractas: la Naturaleza”. Carlos Pellicer.

Fuentes consultadas: PITOL, Sergio. Olga Costa. México. Ediciones La Rana, 1998, pp. 4 - 10.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. 126

94

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - 2003) Sin título, de la serie Niños Mexicanos

Firmado Óleo sobre tela 57 x 46 cm Con certificado de autenticidad de Wolfryd Collection.

Antes de cumplir los 16 años Gustavo Montoya ingresó a la Academia de San Carlos, teniendo como maestros a Germán Gedovius y Roberto Montenegro. Fue influenciado por el estilo de Diego Rivera y durante años mantuvo una amistad con Juan Rulfo. Sin embargo, habiendo aprendido solo la técnica en la academia, decidió emprender su camino como un artista autodidacta. Su segundo matrimonio, con la pintora mexicana Cordelia Urueta, lo llevó a mudarse a París; poco después el gobierno mexicano le otorgó una concesión para estudiar arte en Suiza, Inglaterra e Italia. Es en Europa, donde descubrió la pintura moderna, uno de los más grandes retos que tuvo en su carrera, pero que lo hizo trascender en la plástica mexicana. A consecuencia de la Segunda Guerra Mundial, Montoya y su esposa viajaron a Nueva York, donde tuvo varias exposiciones antes de volver a México en 1942.

El regreso a su patria lo inspiró a caminar por los barrios y calles, pintando iglesias, mercados, niños, haciendo retratos de diferentes niveles sociales y registrando las tradiciones de los pueblos, sin dejar a un lado la realización de murales.

Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 372.

$280,000.00-$400,000.00 M.N.

95

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - 2003) Sin título, de la serie Niños Mexicanos

Firmado al frente Firmado y fechado México D.F. 1970 al reverso Óleo sobre tela 56 x 45 cm Con certificado de autenticidad de Wolfryd Collection, octubre de 2021.

Gustavo Montoya se deleitó experimentando con técnicas y temas, así como colores y formas que obedecían a la inspiración del artista. Considerado como un poeta de la pintura, moderno, perfeccionista y emocional, nunca se acostumbró a fechar sus obras, lo que hace que sus temas sean la definición de sus épocas. Una de ellas corresponde a la serie “Niños mexicanos”. Está vinculada con la identidad nacional, niños de tez morena y rasgos indígenas que equilibran la etapa de edificación cultural. En ocasiones los representa con juegos de mesa, instrumentos musicales o frutas típicas, las cuales son en su mayoría emblemas nativos y reflejos de la pasión, frescura e inocencia de un niño.

Tanto pinturas como esculturas de la serie “Niños mexicanos” fueron presentadas en repetidas ocasiones en el Palacio de Bellas Artes, en la exposición “Retrato mexicano” en 1961 y en la exposición “Maestros de la pintura mexicana” en 1976.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, No. 40, julio-agosto 1999, pp. 10-12 y RULFO, Juan et al. Gustavo Montoya.

México. Litógrafos unidos S. A., 1981, pp. 45-62.

$280,000.00-$400,000.00 M.N. 127

96

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Mujer holandesa

Firmado Óleo sobre tela sobre madera 41 x 33 cm Presenta ligeros detalles de conservación.

José Bardasano se educó en el Colegio de Nuestra Señora de las Maravillas, una escuela privada en Madrid perteneciente a los Hermanos de las Escuelas Cristianas de La Salle, lugar donde comenzó a desarrollar sus cualidades para el dibujo. Al crecer, madurar artísticamente y vivir algunos de los acontecimientos más importantes de la historia de su país, se convirtió en un hombre de fe, apasionado, sencillo y con un carácter generoso.

Habiendo pasado años de grandes éxitos artísticos, sufrió en 1957 un infarto, lo que le causó temor a la muerte y anhelo de regresar a España que durante los primeros años de exilio mantuvieron vivas sus esperanzas, se impuso sobre cualquier consideración y regresó fugazmente a su tierra natal.

Fuente consultada: sitio oficial del Museo Carmen Thyssen Málaga www.carmenthyssenmalaga.org

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

97

BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016) Sin título

Firmado Óleo sobre madera 40 x 30 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. $46,000.00-$60,000.00 M.N. 128

98

JUAN EUGENIO MINGORANCE

(Jaén, España, 1906 - Ciudad de México, 1979) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 100 x 150 cm Presenta desprendimientos de capa pictórica.

Estudió en la Academia de San Fernando en Madrid y en la Academia de Bellas Artes de París. Durante el marco del estallido de la Guerra Civil Española, se exilió junto con muchos otros pintores e intelectuales, llegando entonces primero a Nueva York y luego a México en 1944, donde visitó algunos estados de la República como Guanajuato y Monterrey, ciudad donde logró exponer en diversas ocasiones, incluso durante su estancia colaboró en varios proyectos artísticos y estableció un taller donde impartió clases de pintura a artistas regios.

“Mingorance, humano y español a ultranza en su realización plástica, oreando su espíritu por las brisas mediterráneas de su ciudad natal, es un peregrino de la luz […] Eterno y fluyente en la humanizada entrega de su arte”. José Moreno Villa.

Fuente consultada: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, pág. 142.

$160,000.00-$250,000.00 M.N.

129

99

BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016) Sin título

Firmado Óleo sobre madera 40 x 30 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

“Benjamín Domínguez ha sido capaz de construir un condensado y fantástico microcosmos […] Pintor de la ensoñación y de la vigilia, de una permanente transmutación de contenidos e imágenes de estas dos inagotables fuentes de la inspiración, de un cargado mundo de mitos y de símbolos asociados sobre todo a la ritualidad y la transgresión, a la santidad y la condena, al placer y el dolor. Uno de los artistas más sorprendentes de su generación”. Mario Saavedra.

Fuente consultada: SAAVEDRA, Mario. “El universo plástico de Benjamín Domínguez”. México. Biblioteca Babab, No. 34, 2009.

$46,000.00-$60,000.00 M.N.

100

BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016) Sin título

Firmado Óleo sobre madera 40 x 30.5 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. $46,000.00-$60,000.00 M.N. 130

101

ARTURO SOUTO

(Pontevedra, España, 1902 - Ciudad de México, 1964) Caballos en el campo

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 80 x 100 cm Presenta ligeros detalles de conservación.

El primer maestro de arte de Arturo Souto fue su propio padre, un magistrado y pintor de arte. A causa del trabajo de su padre, conoció gran parte de España hasta que en 1920 se establecieron en Sevilla, pero Souto era impaciente y quería conocer más, así que se fue a Madrid e ingresó a la Academia de San Fernando, donde coincidió con Salvador Dalí y otros artistas. En 1938, partió siendo su primera parada La Habana, donde logró exponer al poco tiempo; después viajó a Nueva York, Los Ángeles y Filadelfia. Fue en Estados Unidos donde logró organizar algunas exposiciones, pero fue hasta 1942 que por medio de su amigo, el poeta Jaime Torres Bodet, llegó a México, donde de inmediato se identificó con la cultura mexicana. Sus vivencias migratorias fueron más determinantes en su producción que la influencia mexicana y con el tiempo creó un estilo propio.

“Los mejores cuadros de Souto, las más logradas fases de su pintura, son aquellas en que, libres de reflexiones sobre la teoría de la pintura, expresa con autenticidad una fantasía, un estado de ánimo, una vivencia o un sueño, sea cual fuere su naturaleza”. Arturo Souto Alabarce.

Fuentes consultadas: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, pp. 44-46 y 149 y sitio oficial de la Colección de Arte Afundación www.coleccion.afundacion.org

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

131

102

ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA

(Córdoba, España, 1910 - Córdoba, España, 1985) Sin título

Firmada Tinta sobre papel 63 x 95 cm Antonio Rodríguez Luna es uno de los pintores que poseen más clara y definida conciencia de su arte: de lo que su arte supone como propósito, como responsabilidad, como medio de comunicación entre el artista y el hombre. Esta es otra de las afirmaciones que se desprenden de la pintura de Rodríguez Luna cuando uno penetra a fondo en ella. Para él, la pintura es una forma de conocimiento: de conocimiento del mundo, de sus fenómenos, de sus apariencias, de sus realidades. Una forma de conocimiento poético, es decir, un instrumento para someter a un supremo orden metafórico lo que sus ojos contemplan y su imaginación recrea. No se limita, por lo tanto, a un análisis apasionado o a la expresión ordenada de los sentimientos, sino que, dentro del más exigente rigor estético, insinúa, por implícita inferencia, sus propios horizontes.

“Intento hacer una pintura llena de esa profunda e íntima animación de la rica y sorprendente inquietud de lo que vive. Una pintura dentro de un tono mesurado, en que aquellos elementos que valoran un cuadro -materia, composición, dibujo y color- estén lo más disimulados posible. Humildemente pretendo hacer, en cierta medida, con los medios más parcos y con un oficio cuya pureza se ha de conquistar día a día, una pintura que pueda decir algo de las largas horas de angustia del hombre y del misterio y la gracia de las cosas”.

Antonio Rodríguez Luna.

Fuente consultada: REJANO, Juan. Antonio Rodríguez Luna. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1971, pág. 14.

$95,000.00-$150,000.00 M.N.

132

103

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Guadalajara, Jalisco, 2006) Caballo, del proyecto Y también son caballos

Firmada y fechada 98 Escultura en bronce 1 / 13 56 x 48 x 9.5 cm Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2022.

La versión pictórica de esta pieza se encuentra publicada en: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, pág. 118.

La dedicación de Juan Soriano por la zoología comenzó a temprana edad y según las investigaciones se cree que su primer dibujo de un animal fue un león. Conforme su educación artística se construía, su repertorio de animales pasó por diversas etapas, pues los experimentó mediante la escultura, la acuarela y la estampa. Un viaje a Grecia lo hizo intrigarse por la mitología, concibiendo bajo esta influencia su propia zoología fantástica. A partir de 1975 radicó entre México y París, época en la que conoció a Julio Cortázar y Valerio Adami, quienes en su momento siguieron la tradición del bestiario, considerado un género breve y descriptivo que recopila relatos de animales imaginados de la literatura. Tras esta influencia y la creación de las ilustraciones para “El bestiario” de Guillaume Apollinaire, fue que Juan Soriano comenzó a pintar y dibujar sus propias versiones de los animales, conformando así su gran arca zoológica, destacando los gatos, cabras, caballos, serpientes, toros, peces, ranas y hasta centauros; posteriormente adjuntó a este listado los pájaros, lo cuales tuvieron un lugar especial en su producción plástica.

Fuente consultada: SÁNCHEZ AMBRIZ, Mary Carmen. “El arca de Juan Soriano”. México. Revista digital Casa Tiempo, Difusión Cultural UAM, 2011, pp. 27-31.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 133

104

AGUSTÍN LAZO

(Ciudad de México, 1896 - Ciudad de México, 1971) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 64 x 49 cm Procedencia: adquirido a Teresa Padilla de García Lazo; colección privada.

Presenta desprendimientos de capa, pictórica.

“Nacido durante la Revolución Mexicana, Agustín Lazo fue un pintor sobresaliente, dedicado también al diseño escénico y a la dramaturgia.

Los viajes que el pintor realizó a Francia, donde residió hasta 1932, marcaron su trayectoria, así como su identidad estética. Sus frecuentes contactos con los círculos de vanguardia, particularmente del surrealismo, lo llevaron a transitar por un pulcro constructivismo, llegando a un intenso lirismo.

“Su trabajo se respalda en sus teorías estéticas frente al realismo social, y sus obras muestran diferencias conceptuales con muchos de sus contemporáneos, que emprendieron una constante búsqueda por subrayar una identidad nacional. Lazo encontró ahí su propio lenguaje”. Blanca González Rosas.

Fuente consultada: AMADOR TELLO, Judith. “Agustín Lazo: entre el desdén y el reconocimiento”. México. Proceso, sección Cultura, 19 de julio de 2016.

$320,000.00-$420,000.00 M.N. 134

105

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Renacer

Firmado Óleo sobre tela 186 x 200 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por la artista.

“En los últimos veinte años, ha pintado mariposas con distintas técnicas, siempre con la intención de retener ese aliento vital que emana de las mariposas: energía solar para la civilización azteca. Y así, va dejando huellas de color, de vuelo y de sacrificio […] La idea de la mariposa como movimiento de fuerza y de vida predomina en la obra de Carmen Parra, dedicada a la mariposa Monarca, pues este empeño obsesivo de pintarla, es también un empeño vital”. Alicia García Bergua.

Fuente consultada: DE LA FUENTE, Juan Ramón et al. Metamorfosis. México. Palacio de la Escuela de Medicina, Facultad de Medicina, UNAM, pp. 79-82 y 90.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. 135

106

ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003) Árbol

Firmada y fechada 1983 Acuarela y gouache sobre papel 56 x 40.5 cm Con certificado de autenticidad de Fundación Alfredo Zalce firmado por Beatriz Zalce.

Alfredo Zalce fue un destacado pintor, escultor, grabador y muralista mexicano cuya obra está impregnada de una visión personal sobre las costumbres de México. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, fue alumno de Diego Rivera y miembro fundador del Taller de Gráfica Popular. En 1978 fue ganador del premio del Salón de la Plástica Mexicana y para 1993, su arte y labor docente fueron reconocidos a nivel nacional, añadiendo su nombre —Alfredo Zalce—, al nombre del Museo de Arte Contemporáneo, en honor a su trabajo; es así, que actualmente en el MACAZ podemos encontrar una extensa colección de sus obras. Debido a que nunca fue su interés el tener fama, toda su vida estuvo alejado de la publicidad, sin embargo hoy en día, es uno de los pintores más representativos del arte mexicano del siglo XX. Los temas que trabajó en su pintura a lo largo de su vida fueron variados, sin embargo sobresalen los paisajes y bodegones con características de la vida de las etnias mexicanas, obras que realizó con vivas composiciones de colores y elementos de finas líneas.

“El estilo de algunas obras de Zalce es caracterizado por la manera de cómo aplica la materia, al igual que la temática y la utilización de colores en su paleta de sobrios tostados en combinación con tonos cálidos en naranjas y rosados que contrastan y producen grandes sensaciones. El pintor hace uso de su experiencia plástica para ejecutar uno de sus trucos con el fin de llegar a una armonía perfecta”.

Ana Delia Pueblita Díaz.

Fuente consultada: PUEBLITA DÍAZ, Ana Delia. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 686.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. 136

107

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Paloma

Firmada Escultura en bronce P / A en base de mármol 39 x 28 x 38 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad de Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., agosto de 2021.

Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2022.

Existen otras versiones en formato similar de esta obra, la primera fundición data de ca. 1955 y hay otra fechada en 1989. Además de una en tamaño monumental de seis metros que posa en la explanada del Museo MARCO en la ciudad de Monterrey, Nuevo León y otra en el malecón de La Paz, Baja California Sur. Otra versión de esta pieza se encuentra publicada en: TOVAR Y DE TERESA, Rafael et al. Juan Soriano. La creación como libertad.

México. MARCO, INBA, 2000, pág.164.

“Todos los pájaros del mundo le posaron a Juan Soriano. Observó a las palomas durante años y sentado en una banca del parque o frente al atrio de una iglesia, las juzgó con severidad”. Elena Poniatowska.

Palomas, gorriones, cenzontles y todas las aves fueron para Juan Soriano una captura que va más allá de la simple representación de la ornitología. Desde siempre, las aves fueron un asombro para Soriano, siendo uno de los motivos principales en su obra. Durante años, dedicó una atención casi exclusiva a la realización de estas aves, encerrando en cada una formas inimaginables y combinaciones singulares que hicieron de estas, emblemas amigables con fines de contemplación. En definitiva, las aves se han convertido en el símbolo tridimensional del arte de Soriano. Todo lo que Soriano vio y estudió, también fue parte importante para la realización de las aves, como lo fue su admiración por el imaginario del arte prehispánico, y por otro lado, las delicadezas del arte tradicional japonés y chino.

Ya sean pequeñas, medianas o monumentales, todas las aves de Soriano han desarrollado una presencia visual pública importante y tangible dentro del paisaje artístico urbano mexicano, las cuales podemos apreciar tanto en la Ciudad de México como en diversos estados de la República.

Fuentes consultadas: PONIATOWSKA, Elena et al. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, pp. 43-49 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 137

108

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006) Sin título

Firmada y fechada Ciudad del Carmen, Enero 6 - 55 Acuarela y lápiz de grafito sobre papel 41.5 x 61 cm Presenta detalles de conservación en las orillas del papel. $46,000.00-$60,000.00 M.N.

138

109

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006) Piazza di Campidoglio, Roma

Firmado y fechado 1953 Óleo sobre tela 55 x 80.5 cm Con fragmento de etiqueta del Museo Nacional de Artes Plásticas.

Raúl Anguiano comenzó sus estudios en la Escuela Libre de Pintura de Guadalajara, posteriormente se trasladó a la Ciudad de México donde impartió clases de dibujo, siendo este el inicio de una larga trayectoria docente. Entre los años 40 y 50 viajó a Nueva York y visitó algunos países de Europa, época en la que además de realizar murales por encargo, ejecutó pintura de caballete, principalmente en acuarela y óleo, así como el dibujo, la obra gráfica y esculturas, en todas ellas gustaba transmitir artísticamente un ambiente intimista y sereno en el cual definía cada detalle.

Su viaje al viejo continente duró más de tres meses y visitó España, Holanda, Bélgica, Italia, Alemania, Inglaterra y Francia. Documentó en su diario los lugares que visitó; entre ellos la Plaza del Capitolio (Piazza di Campidoglio en su idioma original). Esta zona, ubicada en la cima de la colina capitolina en Roma había sido sede de la administración civil del imperio romano y fue abandonada progresivamente al final de lo que se conoce como mundo antiguo. Su renacimiento se produjo en el siglo XVI, cuando el Papa Paulo III pidió a Miguel Ángel que remodelara la plaza, diseñando todos sus detalles, orientándola hacia la Basílica de San Pedro y armonizando los edificios alrededor. La estatua ecuestre de Marco Aurelio fue colocada en el centro por el escultor italiano. Tras una larga restauración, la escultura original se conserva en los Museos Capitolinos, mientras que en la plaza se colocó una copia.

Fuente consultada: ANGUIANO, Raúl et al. Anguiano íntimo. México. Microsoft, 2001, pp. 116-121 y 159.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 139

110

BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016) Sin título

Firmado Óleo sobre madera 30 x 40 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

Benjamín Domínguez inició sus estudios en la Academia de San Carlos, posteriormente fue un alumno destacado del Maestro Luis Nishizawa, de quien aprendió el uso de diversas técnicas y materiales, formando parte de su vida los aceites y bálsamos. Al terminar la escuela entró a trabajar en el equipo de museografía del Museo del Virreinato en Tepotzotlán, allí tuvo la oportunidad durante años de convivir con obras de arte colonial, marfiles, estofados y porcelanas de oriente, una influencia reflejada en sus monjas coronadas, bodegones, naturalezas muertas y vanitas. Con el tiempo marcó su propio estilo a partir de una visión posmodernista, atribuyendo elementos contemporáneos a obras de estilo barroco, el cual dominó desde su labor en Tepotzotlán. Así, que hoy en día, habiendo sido dueño de una técnica depurada y de una imaginación avasalladora, se constituye como uno de los artistas ejemplos de evolución y de búsqueda más interesantes dentro del contexto de la plástica mexicana.

Fuente consultada: MACMASTERS, Merry. “Muere Benjamín Domínguez, el pintor del dolor y el gozo”. México. La Jornada, sección Cultura, 11 de julio de 2016.

$46,000.00-$50,000.00 M.N.

140

111

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Retablo

Firmado Acrílico, óleo y hoja de oro sobre retablo de madera 129 x 90 x 16 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte.

Presenta detalles de conservación.

“A lo largo de su incesante actividad plástica, Carmen Parra ha generado una hermandad con los artistas novohispanos para rescatar su tiempo, su iconografía-altares, espacios arquitectónicos, ángeles, arcángeles, águilas, mariposas y flores cohabitan en su obra. El mundo de El Aire puebla sus sueños. A través de su pincel y de su inagotable imaginación transcribe su experiencia, creando un lenguaje propio.

Para Carmen Parra, las raíces de México son sus propias alas, se declara veedora de la Nación”. María Luisa Mendoza.

Fuente consultada: MENDOZA, María Luisa. Carmen Parra. Suave Patria. México. El Aire Centro de Arte A.C., 2015, pág. 65.

$230,000.00-$300,000.00 M.N. 141

112

JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 2018) Sin título

Firmado y fechado 77 Óleo y gouache sobre tela 53.5 x 35 cm Agradecemos al Dr. Salomon Grimberg por la revisión de esta obra, marzo de 2022.

Procedencia: adquirido en Christie’s, Nueva York, Subasta de Interiores, lote 6, 22 de julio de 2010.

México fue para Joy Laville la cumbre de su crecimiento como artista, tanto que entre los años sesenta y setenta su trabajo fue considerado por la crítica al mismo nivel que las obras de Pedro Coronel, José Luis Cuevas, Francisco Toledo y Rufino Tamayo. A pesar de haber realizado varios viajes a Europa, nuestro país fue una gran influencia para su estilo artístico, el cual se caracterizó por el uso de colores matizados y las constantes figuras solitarias en grandes paisajes, así como también la presencia de gatos, palmeras y flores en jarrones, elementos que amaba admirar en su casa de San Miguel de Allende.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 6, No. 52, julio-agosto de 2001, pág. 26 y GAMBOA, Fernando et al. Joy Laville. Un mundo luminoso y transparente. México. Museo de Arte Moderno, INBA, 1977, pág. 5.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 142

113

JOSÉ ANTONIO FARRERA (Ciudad de México, 1964 - ) El clavel amarillo

Firmado y fechado 20 al reverso Óleo sobre tela 80 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Cursó la Licenciatura en Pintura en La Esmeralda y la Maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos. Su participación en exposiciones colectivas rebasa los tres centenares de exhibiciones, y de manera individual destacan sus muestras presentadas en la Galería José María Velasco en 1994 y la Galería José Martí en 1996. En 1992 obtuvo la Mención Honorífica en el Primer Concurso de Pintura Ramón Alva de la Canal y algunos años después recibió el Premio de Producción en el Salón Nacional de Artes Visuales, así como la Mención Honorífica en la Segunda Bienal Nacional Alfredo Zalce en 1999. En el nuevo milenio, obtuvo el Premio de la Adquisición en la Primera Bienal de Pintura Pedro Coronel y la Mención Honorífica en la Primera Bienal de Pintura Julio Castillo, ambas en el año 2008. Su obra forma parte de colecciones como las de la Secretaría de Relaciones Exteriores, el Museo Pedro Coronel y Nestlé, entre otras.

“El detalle en la cualidad física de los jarrones es un estudio en sí mismo; el bouquet es un conjunto compacto que forma parte de la composición, aunque a veces se interrumpe. Hay un espacio vacío entre el jarrón y el follaje, un silencio musical entre el acorde sólido de la base y el subibaja de escalas de la melodía. No importa. No queremos una representación realista, sino una impronta, un golpe de color, una revelación de presencias, de grados emocionales que entren en conflicto y armonicen a la vez”. José Manuel Ruiz Regil.

Fuente consultada: RUIZ REGIL, José Manuel. Carmen Parra / José Antonio Farrera. La flor de loto y el cardo. México. Aldama Fine Art, pp. 10, 11 y 14.

$130,000.00-$200,000.00 M.N. 143

114

PHILL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) Cantina Salón Isabel

Firmado y fechado al frente 05. Firmado y fechado Mex DF 05 al reverso Óleo y carboncillo sobre tela 90 x 100 cm Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

Fue autodidacta, su lenguaje visual se formó del placer por recorrer las avenidas de la Ciudad de México. Artísticamente sus trazos gruesos y de colores explosivos describen su visión tanto alegre como apocalíptica de las calles, puentes, hoteles y bares de México. Su pintura es testimonio de su gusto por las composiciones cromáticas y fascinación por las estructuras modernas de las metrópolis, así como de las edificaciones que a sus ojos rompían con la armonía visual de la ciudad.

Fuentes consultadas: SPRINGER, José Manuel et al. Phil Kelly. Dos horas y veinticinco años. México. Aeroméxico, American Express, 2005, pp. 15-21 y EMERICH, Luis Carlos et al. Phil Kelly. Las manos, el corazón, los ojos, la vida. México. ESPAC Espacio de Arte Contemporáneo, Editorial Fogra, 2014, pág. 164.

$200,000.00-$280,000.00 M.N. 144

115

JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 2018) Florero azul y mujer recostada

Firmado y fechado 80 Óleo sobre tela 122 x 137 cm Con certificado de autenticidad de Galería de Arte Mexicano, octubre de 1981, firmado por la artista en abril de 1982.

Con etiqueta de Galería GAM S.A. de C.V. al reverso Joy Laville fue una pintora inglesa que se trasladó a México en 1956 con el objetivo de tomar cursos de pintura en el Instituto Allende en San Miguel de Allende, Guanajuato. Durante su estancia coincidió con Roger von Gunten y conoció al escritor Jorge Ibargüengoitia, con quien se casó en 1973. Él murió en 1983, momento en el que residían en París, así que después de su pérdida, la artista decidió regresar a México para establecerse en Cuernavaca, donde vivió y trabajó hasta el 2018.

Su vida fue un subibaja de emociones y experiencias, por lo que su trabajo fue reflejo de ello. Su carácter dulce, sensible y delicado contribuyó a que formara un estilo artístico muy particular, pues ya sea a través de pintura o escultura, transmitió sus inquietudes y representa sus propias observaciones de la vida, atesorando cada uno de los detalles y gestos. Para Joy Laville, el cuerpo es la fuente principal de los sentimientos y actitudes, así que más que flores y ventanas, interpreta constantemente el desnudo, ya sea de hombre o mujer.

“Su obra fue moderna y sigue siendo moderna, lo que hoy por hoy le permite convivir y competir con novedosas propuestas y corrientes de vanguardia […] Ella hace honor a su nombre, pues ‘joy’, en español, significa alegría; su nombre lleva implícito largos años de un constante y tenaz trabajo”. Lupina Lara Elizondo.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 6, No. 52, julio-agosto de 2001, pp.

16-29 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 242.

$800,000.00-$1,000,000.00 M.N. 145

116

VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009) Sin título

Firmado Acrílico sobre tela 100 x 80 cm Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, viuda de Gandía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

Vicente Gandía fue un artista español de corazón mexicano, siempre fiel a su estilo y esencia, considerado como uno de los más versátiles de su generación.

Llegó a México en 1951, con su hermana y con su madre. Rápidamente se adaptó a la cultura mexicana, pues deslumbrado por el paisaje y la vegetación optó por dejar a un lado su interés por la arquitectura para dedicarse a la pintura. Su formación fue autodidacta, aún así, poco a poco fluyeron en sus lienzos las emociones y el carácter de lo que sería su estilo, estructurando una carrera que se extendió por más de 50 años.

Logró hacer de la realidad algo excepcional, aplicando la luz con diferentes matices y poniendo el color de manera exuberante como el protagonista de las emociones dramáticas de las escenas. No sólo ejerció los oficios de pintor y dibujante, sino que también experimentó con la técnica del grabado. En general, su obra se distinguió de cualquier otra por su inigualable forma anímica de pintar los paisajes, su casa, las casas de sus vecinos, invernaderos, laberintos, floreros, frutas y hasta temas mitológicos y juegos abstractos.

Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 268.

$320,000.00-$500,000.00 M.N. 146

117

JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 2018) Sin título

Firmado y fechado 80 Pastel sobre papel 34 x 48.5 cm Agradecemos al Dr. Salomon Grimberg por la revisión de esta obra, abril de 2022.

“Son varias las virtudes que caracterizan la pintura de Joy Laville: la extraordinaria delicadeza de sus colores, la levedad de sus contrastes cromáticos y la armonía impregnada en sus superficies. Su composición, por otro lado, hállase regida por un sentido muy original de espacio, en el que las formas son distribuidas asimétricamente y se mueven suave e imperceptiblemente, pareciéndonos que todo se encuentra en calma […] Son obras poéticas de cuyo exquisito refinamiento emanan sutiles armonías que, propias de mundos luminosos y transparentes, nos invaden de felicidad”. Fernando Gamboa.

Fuente consultada: Joy Laville. Un mundo luminoso y transparente. México. Museo de Arte Moderno, INBA, 1977.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

147

118

ENRIQUE ECHEVERRÍA

(Ciudad de México, 1923 Cuernavaca, Morelos, 1972) Retrato de León Felipe, ca. 1971

Sin firma Óleo sobre tela 120.5 x 80.5 cm Con certificado de autenticidad de Arte San Ángel, abril de 2015.

Agradecemos a la Maestra Ester Echeverría por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

Procedencia: colección privada, México.

Presenta detalles de conservación y una rasgadura.

Enrique Echeverría fue un destacado artista integrante del núcleo duro de la generación de La Ruptura. Desarrolló una maestría colorística por su cuidadosa y persistente forma de trabajar la luz. Planos, empastes, ritmos y la vibración de la materia pictórica.

Estudió Ingeniería Aeronáutica, la cual no abandonó cuando empezó a dedicarse a las artes plásticas. Se inscribió a los talleres de pintura 148

de Arturo Souto, quien posteriormente fuera uno de los principales promotores de su obra y lo alentaría a tomar cursos en La Esmeralda.

En dichos talleres, tuvo como condiscípulos a Vicente Rojo y Alberto Gironella.

En 1947 ingresó como dibujante técnico a la compañía de luz, lo cual combinaría con su vocación artística. En 1951 intentó exponer en el Salón de la Plástica Mexicana sin éxito, así que empezó a colaborar en la fundación de la Galería Prisse, donde exhibirían las primeras obras pertenecientes a la generación de La Ruptura. Un año después obtuvo una beca del Instituto de Cultura Hispánica para estudiar en Europa.

A su regreso a México, impulsó la Galería Proteo junto con otros artistas de su generación y en 1968 obtuvo el Premio de Adquisición en el recién inaugurado Salón Anual de Pintura del Salón de la Plástica Mexicana. Para el inicio de los años 70, había participado en diversas exposiciones en México, Estados Unidos, Sudamérica y Europa e impartía clases en la UNAM.

Fuente consultada: sitio oficial del Museo Fernando García Ponce-MACAY www.macay.org

$260,000.00-$360,000.00 M.N.

119

ALFREDO CASTAÑEDA

(Ciudad de México, 1938 - Madrid, España, 2010) Sin título, 1974

Firmado Óleo y collage sobre madera 80 x 60 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, octubre de 2021.

Estudió en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México, donde conoció a Mathias Goeritz, quien lo encaminó a lo filosófico y poético del arte, conceptos que lo animaron a hacer frente a su pintura. Esto hizo que interrumpiera sus estudios para viajar a Europa. En 1969 mientras ejercía la arquitectura llevó a cabo su primera exposición individual en la Galería de Arte Mexicano después de que Inés Amor viera su pintura “El hacedor de palomas”, realizada en 1963. Después de varios años de carrera artística, Alfredo Castañeda afinó su técnica y comenzó a caracterizarse por un estilo muy marcado, escenarios de colores neutros y personajes imaginarios. Sus obras lograron grandes éxitos y se exhibieron en museos y galerías en ciudades como Nueva York y Miami, y en la Ciudad de México en importantes espacios como el Museo de Arte Moderno, el Museo Nacional de Arte y el Museo del Palacio de Bellas Artes.

“La obra de Alfredo Castañeda es fina en su detalle y mágica en su expresión. En sus cuadros nos encontramos con personajes imaginarios que por lo general son de edad madura y cuya vestimenta conservadora y miradas profundas, nos hacen pensar en el desvelo que puede haber provocado un estado de vigilia o concentración. En los rostros de cada uno de sus individuos se advierte cierto parecido […]

Amante de la lectura de textos místicos, estudioso de poetas y filósofos, le permitió escapar de lo ordinario. De esta manera encontramos personajes fuera de su realidad. Esta diversidad de lecturas es lo que vuelve a su obra fascinante ante el espectador, ya que a través de la pintura se establece un diálogo entre el pintor y quienes se encuentran frente a ella”.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 9, No. 70, julio-agosto 2004, pp. 25-38.

$600,000.00-$800,000.00 M.N. 149

120

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Luna migrante

Firmado y fechado ELC 69 Óleo sobre masonite 90 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Franco Bassi, hijo de la artista.

Sofía Bassi estudió Filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México, fue alumna de José Bardasano y realizó estudios de arte en Venecia y Roma. A pesar de que su vida fue un subibaja, su carrera artística siempre se mantuvo firme ante su fuerte personalidad, pues en 1968 ingresó a la cárcel de Acapulco por el asesinato del esposo de su hija Claire; habiendo sido un accidente, ella cumplió una condena de cinco años. Durante esta difícil etapa, continuó ejerciendo la pintura realizando su primer mural en la pared de la prisión con la colaboración de sus amigos José Luis Cuevas, Rafael Coronel, Alberto Gironella y Francisco Corzas. Pasado el tiempo y ya siendo una mujer libre, formó parte del Comité de Derechos Humanos en Nueva York y sus obras viajaron a diversas exposiciones en importantes galerías e instituciones culturales de París, Estocolmo, Tel Aviv, Bruselas, la Ciudad de México y Estados Unidos.

Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995. pág. 142.

$320,000.00-$500,000.00 M.N.

150

121

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Justicia Divina

Firmado y fechado ELC 69 Óleo sobre masonite 65 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Franco Bassi, hijo de la artista.

“Yo descubro en la pintura de Sofía Bassi una cualidad inquietante: la que el paisaje transcurre al margen, no de un tiempo precisable, sino del tiempo en sí. Ella intuye un universo absolutamente intemporal. Esta es la primera fase de una operación mística de los sentidos […] Las ciudades que sueña Sofía Bassi están contenidas en estructuras de cierto espacio, que envuelven todos los elementos de su mundo en una interioridad automultiplicante, de tal manera que su mundo es siempre un mundo interior de sí misma”. Salvador Elizondo.

Fuente consultada: ELIZONDO, Salvador. Sofía Bassi. Los continentes del sueño. México. Artes de México, 1974, pp. 13 y 15.

$280,000.00-$400,000.00 M.N.

151

122

XAVIER ESQUEDA

(Ciudad de México, 1943 - ) El autodidacta

Firmado y fechado 72 Óleo sobre tela 80 x 60 cm Agradecemos al Maestro Xavier Esqueda por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2022.

Xavier Esqueda es un pintor metafísico interesado en los juegos de perspectiva con toques oníricos e influencias de los movimientos norteamericanos Op y Pop Art. Es uno de los primeros artistas mexicanos que comenzó a experimentar el “arte objeto”.

“Soy un artista cerebral, a pesar de que mis cuadros están revestidos con una particular fantasía”. Xavier Esqueda.

Fuente consultada: TOVAR DE TERESA. Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, pág. 380.

$46,000.00-$60,000.00 M.N.

152

123

PEDRO PABLO OLIVA

(Pinar del Río, Cuba, 1949 - ) La Maruga

Firmado al frente. Firmado y fechado Cuba 1988 al reverso Óleo sobre tela 80 x 101 cm Procedencia: colección privada, México.

Estudió pintura y dibujo en la Academia de Artes Plásticas y Aplicadas de Pinar del Río y más tarde se graduó en la Escuela Nacional de Arte de Cubanacán en La Habana. Ha jugado un papel importante como preceptor de varias generaciones de jóvenes artistas, siendo nombrado profesor por el Instituto Superior de Arte en La Habana, su trabajo docente lo hizo también acreedor al premio “Maestro de juventudes” en 2007, otorgado por la Asociación Hermanos Saíz.

Por su trayectoria creativa y su incansable labor filantrópica —llevada a cabo a través de la fundación cultural Casa-Taller Pedro Pablo Oliva— ha ganado amplio reconocimiento entre sus contemporáneos, así como honores del más alto nivel como la Orden por la Cultura Nacional en 1988 y el Premio Nacional de Artes Plásticas de Cuba en 2006. Fue el primer artista cubano en exhibir en Nueva York después de 1959.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.pedropablooliva.com

$120,000.00-$160,000.00 M.N.

153

124

MARIO MARTÍN DEL CAMPO (Guadalajara, Jalisco, 1947 - ) Biperro mandolina

Firmada y fechada 93 Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 9 / 22 16 x 65 x 11 cm Con sello de TANE ME-32 A pesar de haber realizado estudios formales de arte en la Academia de San Carlos, Mario Martín del Campo nunca dejó su apego por la orfebrería y el deleite por los refinados materiales para hacer artesanías, admiración que adquirió en su natal Jalisco. Por otro lado, fue la obra de Remedios Varo una gran influencia para que él ejercitara sus narrativas visuales del sueño y la consciencia. Así, poco a poco su obra se clasificó en el mundo del surrealismo fantástico, principalmente por sus constantes juegos metafóricos y simbólicos.

No obstante, su producción artística se extendió también a la escultura, la joyería, el arte objeto y al diseño de escenografías, vestuarios, máscaras y títeres.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.mariomartindelcampo.com

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

154

125

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Mano santa

Firmado y fechado ELC 70 Óleo sobre masonite 50 x 40 cm Con certificado de autenticidad de Franco Bassi, hijo de la artista.

A pesar de su encarcelamiento, Sofía Bassi se mantuvo firme ante las circunstancias y gracias a su amor por la pintura, sus excelentes relaciones de trabajo y estrechas amistades con el medio del arte, fue que logró tener incentivos para mantener su producción artística activa.

Toda la pintura que realizó en este periodo la firmaba con las iniciales “ELC” haciendo referencia a “En La Cárcel”.

Las influencias dentro y fuera del penal, hicieron que su obra se cargara de un fuerte estilo surrealista, el cual se caracterizó por la visión poética que tenía hacia la vida, mediante figuras simbólicas que conmueven y emocionan.

Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, pág. 142.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

155

126

JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - Ciudad de México, 2019) Ángelitos negros

Firmado y fechado 95 al frente. Firmado dos veces y fechado 1995 al reverso Temple sobre madera 71 x 56 cm Agradecemos a Mercedes García Oramas, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2022.

Con etiquetas del Museo Mural Diego Rivera, del Mexican Cultural Institute de Chicago, Illinois y del Instituto Cultural Mexicano de San Antonio, Texas.

Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México. En 1953 obtuvo una beca para estudiar en Madrid y más tarde viajó a Salzburgo, donde estudió con Oscar Kokoschka. Fue un artista multidisciplinario en técnicas, estudioso del humor surrealista, conocedor del dadaísmo, apasionado del arte griego, admirador de los simbolistas franceses y amante de las apariencias. Vivió rodeado de objetos japoneses, porcelanas chinas y esculturas Art Nouveau que lo envolvían en una atmósfera inspiradora que desembocaba en sus obras.

Sus obras también estaban llenas de humor negro y satírico, se encontraban poetas muertos, mujeres en proceso de muerte y jóvenes que escapan de su alma.

En 1968 fue distinguido por el Instituto Nacional de Bellas Artes y por el Comité di Terra Santa de Milán. En 1988 se inauguró el Museo José García Ocejo en Córdoba, Veracruz, su ciudad natal.

Fuente consultada: DE NEUVILLATE, Alfonso. José García Ocejo. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1969, pp. 12-17.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. 156

127

BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009) On stage

Firmada Escultura en bronce P / A 52 x 43.5 x 30.5 cm Agradecemos a Óscar Gálvez y Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

Un ejemplar de esta escultura con otro número de serie, se encuentra publicada en el sitio oficial del artista www.byrongalvez.com “Cargadas de movimiento y de ritmo, de erotismo y potencia, las esculturas de Byron Gálvez nos hacen recordar la función sagrada del arte en tercera dimensión y él constituyó un milagro del bronce […] Su producción en tercera dimensión es una suerte de traslación de sus personajes pictóricos y, por consiguiente, de aquellos que se mueven y habitan y actúan dentro de su obra gráfica […] La escultura es una disciplina que dominó y en la cual logró una originalidad incomparable, en ella encontró un tipo diferente de ideas, de soluciones formales, de procesos constructivos”. Eva Beloglovsky.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.byrongalvez.com

$210,000.00-$300,000.00 M.N. 157

128

JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - Ciudad de México, 2019) Sincretismo

Firmado y fechado 99 Óleo sobre tela 120 x 120 cm Agradecemos a Andrés Ocejo, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

Con etiqueta de Museo Mural Diego Rivera.

Su temática hace gala de la imaginación y la desborda. Plasmaba en las telas y en el papel, con óleos, acrílicos, tintas de colores o bien con finísimas puntas de plata, carboncillo y sanguina, a los seres de la fantasía: faunos, ninfas, sílfides, bacantes en continua orgía, venus aterrorizadas, vampiros ecuatorianos, reinas, reyes y príncipes, dragones amantes y jinetes apocalípticos que parecen arrancados de un cuento misterioso.

Fuentes consultadas: DE NEUVILLATE, Alfonso. José García Ocejo. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1969, pp. 12-17.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. 158

b

a

e d c

129

EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - ) Homenaje a Goya

a) Firmada y fechada 2022 Tinta tipográfica, pigmento comprimido y acrílico sobre madera 100 x 60 cm b) Firmado Monotipo y pigmento comprimido sobre papel 97 x 58 cm c) Firmada Tinta tipográfica, pigmento comprimido y acrílico en placa de acrílico 70 x 50 cm

d) Firmado Monotipo y pigmento comprimido sobre papel 69 x 49 cm e) Firmada y fechada 2022 Escultura en madera con aplicaciones de hoja de oro 116 x 60 x 42 cm Medidas totales variables Con constancia de autenticidad de El Aire, Centro de Arte.

Piezas: 5 $230,000.00-$300,000.00 M.N.

159

130

ROBERTO FABELO

(Camagüey, Cuba, 1951 - ) Sin título, de la serie Fragmentos vitales

Firmados y fechados 1988 Pastel y crayón sobre papel kraft sobre papel amate 215.5 x 150 cm medidas totales con marco Piezas: 3, enmarcadas juntas Procedencia: adquirido directamente al artista.

Presenta detalles de conservación.

Esta obra es parte de una serie de dibujos hechos en crayón sobre papel kraft, en la cual el artista cortaba con sus manos para seguir el contorno de los dibujos, acentuando la figura. Muestra un conjunto de seres inusuales que se enfrentan a un mundo regido por patrones estéticos y de conducta que pretenden homogeneizar el comportamiento, rechazar la fealdad y poner estándares sobre el bien y el mal.

Estas obras obedecen a un lenguaje muy distinto al que tenemos la costumbre de enfrentarnos y dan la sensación de que están inconclusas.

La mezcla entre lo gestual del papel con lo minucioso de cada una de las formas, nos hace sentir que presenciamos un trabajo que no ha salido del estudio, que debería permanecer guardado y que fue rescatado años después.

La primera parte de la serie fue exhibida por primera vez en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México en 1987, exposición que llevó el mismo nombre de la serie y posteriormente en una exposición colectiva en las Naciones Unidas, Nueva York.

Fuente consultada: ESPINOSA DE LOS MONTEROS, Santiago. “Roberto Fabelo: crayón sobre papel kraft”. México. Revista de la Universidad de México, enero de 1988.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

160

131

BORIS VISKIN

(Ciudad de México, 1960 - ) El ángel azul, homenaje a Heindrich Mann y Joseph van Stemberg

Firmado y fechado 91 al frente. Firmado y fechado 93 al reverso Óleo sobre tela 120 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Parte de su juventud transcurrió en Israel y posteriormente antes de regresar a México vivió tres años en Florencia, donde arrancó su trayectoria artística. La experiencia multicultural que vivió al viajar ha quedado plasmada en su obra, además ha usado la historia universal y del arte como uno de sus temas centrales; no obstante, hay otros tópicos que suele frecuentar, entre los que destacan los autorretratos, el jazz, así como las puertas y marcos tanto en el sentido figurado de delimitación como en el literal de carpintería. Con ello, su lenguaje artístico juega con la integración de objetos, formando composiciones con tendencias al collage y relieves, como si fuese algo constructivo en diferentes técnicas.

Desde 1984, ha expuesto individualmente en la Ciudad de México, Monterrey, Guadalajara, Zacatecas, así como en las ciudades de Los Ángeles, Zúrich, Buenos Aires, Florencia, Jerusalén y Bolivia. Actualmente, es consolidado como uno de los creadores más destacados de su generación y las críticas de arte establecen que ha llevado la pintura hasta un punto más allá de lo tradicional.

Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Moderno www.museoartemoderno.com

$160,000.00-$220,000.00 M.N.

161

132

ROBERTO FABELO

(Camagüey, Cuba, 1951 - ) Sin título

Firmado y fechado 1988 Carboncillo y lápiz de color sobre papel 93 x 60.5 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

Presenta detalles de conservación.

Realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Arte y en el Instituto Superior de Arte de La Habana. Ilustrador de numerosos libros, entre los que destacan las obras de Gabriel García Márquez. Ha realizado exposiciones en más de 20 países, entre ellos Cuba, Alemania, Argentina, España, Francia, Estados Unidos, Japón, México, Panamá, Suiza, Italia y Venezuela.

Por su destacada trayectoria artística el Estado cubano le ha conferido la Medalla por la Cultura Nacional y la Medalla Alejo Carpentier.

Fuente consultada: DÍAZ, Estrella. “Roberto Fabelo: Abriendo Puertas”. Cuba.

La Jiribilla, número 04, 2003.

$38,000.00-$60,000.00 M.N.

133

ROBERTO FABELO

(Camagüey, Cuba, 1951 - ) Sirena

Firmada y fechada 1989 Sanguina sobre papel 46 x 34 cm Procedencia: adquirida directamente al artista.

“Creador de seres contrahechos, faunos, insectos humanoides, cerdos grotescos, un bestiario multiforme y, al mismo tiempo, de delicadas sirenas, dulces y hermosas doncellas de cuerpos voluptuosos, es decir, lo opuesto, el imaginario del artista pretende una representación de totalidad del hombre y sus sueños. Otros grandes creadores poblaron sus lienzos y papeles con monstruos: Bacon, Brueghel (el Viejo), Dubuffet, José Luis Cuevas; pero el bestiario de nuestro artista es diferente, es ingenuo, retozón, burlesco más que cruel, no hay violencia en él; es un artista que obedece a los impulsos y sentidos del alma y el corazón, y que, como el flautista de Hamelin, convoca a sus fantásticos seres a seguirlo en su andadura por el arte”. Rafael Acosta de Arriba.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.fabelostudio.com

$32,000.00-$50,000.00 M.N. 162

134

DR. LAKRA

(Ciudad de México, 1972 - ) Sin título (llantas), 2004

Firmada Tinta y collage sobre papel 26 x 31.5 cm Con certificado de autenticidad de Kurimanzutto y sello del artista.

Con etiqueta de Kurimanzutto.

Jerónimo López Ramírez, mejor conocido como Dr. Lakra, es hijo del artista oaxaqueño Francisco Toledo y la poetisa y antropóloga Elisa Ramírez Castañeda.

Perteneciendo a una familia destacada por su relación con las artes y las culturas populares, comenzó a desarrollarse en la escena desde temprana edad. Se unió al “Taller de los viernes” con Gabriel Orozco de 1987 a 1992, en donde empezó a explorar la pintura, el dibujo y el collage.

Adquirió su seudónimo cuando se inició como tatuador por traer un maletín de doctor, posteriormente él agregó la palabra “Lakra”, cuyo significado tiene que ver con la temática de su trabajo artístico (lacra refiere a un vicio físico o moral que marca a quien lo tiene).

Dr. Lakra ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en México, Reino Unido, Filipinas, Estados Unidos, Japón, Dinamarca, España y Francia.

Fuente consultada: “Dr. Lakra”, micrositio de la exposición presentada de mayo a septiembre de 2011 en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey www.marco.org.mx

$130,000.00-$200,000.00 M.N.

163

135

DANIEL LEZAMA

(Ciudad de México, 1968 - ) Torso de Julia

Firmado y fechado 2013 al reverso Óleo sobre madera 52 x 40 cm Con etiqueta de Galería Hilario Galguera.

Es un artista cuya trayectoria ha sido bien reconocida por la crítica del arte contemporáneo en México, incursionando también como líder de opinión, jurado, curador y tutor de jóvenes generaciones. A la fecha ha participado en un sinfín de exposiciones individuales y colectivas tanto en México como en el extranjero.

Actualmente ostenta la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte. En 2011, presentó “Cartas de viaje” en la Galería Hilario Galguera, acompañado de la publicación del libro “Travelers”. Actualmente, su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas, destacando las del Instituto Nacional de Bellas Artes, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, El Museo del Barrio en Nueva York y el Dallas Museum of Art. “Dotado a la vez de una conciencia ética y humanista, y de una amplia experiencia en el retrato y el estudio de la figura, Lezama logra establecer en su pintura un complejo juego de roles entre los personajes que habitan sus cuadros, aproximando el funcionamiento iconográfico de sus narrativas a la condición secreta de todos los discursos mitológicos”. Erik Castillo.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.daniellezama.net

$70,000.00-$90,000.00 M.N. 164

136

JOSÉ ANTONIO FARRERA (Ciudad de México, 1964 - ) Aflicción

Firmado y fechado 2019 al reverso Óleo sobre tela 200 x 180 cm Con certificado de Aldama Fine Art. Exhibido en: “Piezas para un museo. José Antonio Farrera”, muestra presentada en El Cuartel de Arte, en Pachuca, Hidalgo, de junio a septiembre de 2021.

Presenta ligeros detalles de conservación.

En las obras de Farrera la mujer es ante todo, una fuerza vital que se yergue con el solo poder de una corporeidad plena en la medida en que se aparta de los cánones de una belleza forzosa, tradicionalmente impuesta como obligación y razón de ser del género femenino. José Antonio usa el virtuosismo técnico que le permite manejar luces, sombras, proporciones y texturas a su antojo para un interesante propósito: crear una tensión constante dentro y fuera del cuadro, una peculiar relación de poder en la que por momentos no sabemos si nosotros miramos a las mujeres o son ellas quienes nos miran a nosotros.

“Mi estilo no sé cómo definirlo, para cuestiones prácticas mucho de lo que he hecho cuando hago texto es decir que es una especie de pintura superlativa neoexpresionista, en el sentido de que pongo mucha materia, insisto mucho con varias herramientas que yo he diseñado y modifico. Hago mucho un chiste de que soy un pintor del ‘neochingonismo mexicano’, o sea, los que otra vez estamos haciendo pintura muy bien hecha. No estoy en contra de los colegas que embarran y salpican, pero sí hay una corriente en la que estamos regresando a las técnicas tradicionales y las estamos combinando con nuevos procesos”. José Antonio Farrera.

Fuentes consultadas: CAMPOS, Raúl. “José Antonio Farrera, el pintor que se autoincluye en el ‘neochingonismo mexicano’”. México. Horizontum, finanzas y cultura, 20 de agosto de 2017 y ALDAMA, José Ignacio et al. José Antonio Farrera. Óleos. México. Aldama Fine Art, 2012, pp. 7 y 92.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. 165

137

NAHÚM B. ZENIL

(Chicontepec, Veracruz, 1947 - ) Muñeca de trapo

Firmada y fechada 1988 Mixta y collage sobre papel 29 x 22 cm Con recibo de compra de Galería de Arte Mexicano, julio de 1989.

Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano.

La obra de Nahúm B. Zenil se ha caracterizado por ser en su mayoría autorretratos, haciendo una reconstrucción y una resignificación sobre sus creencias religiosas, la aceptación de su sexualidad, el erotismo y los sentidos. En su producción ha encontrado un camino para que la religión y la sexualidad logren convivir y unirse.

Sus obras son revolucionarias para el contexto mexicano y la sociedad; aunque fue educado en la abstracción, se le conoce más bien por sus obras figurativas autobiográficas.

Fuentes consultadas: EMERICH, Luis Carlos. Figuraciones y desfiguros de los 80s.

Pintura mexicana joven. México. Editorial Diana, 1989, pág. 152 y “El arte es el camino de mi libertad: Nahúm B. Zenil”. México. La Razón, sección Cultura, 9 de septiembre de 2018.

$40,000.00-$60,000.00 M.N.

138

JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - Ciudad de México, 2019) Desnudo masculino

Firmado y fechado 2007 Carboncillo sobre papel 110 x 67 cm Agradecemos a Mercedes García Oramas, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2022. $60,000.00-$80,000.00 M.N. 166

139

DR. LAKRA

(Ciudad de México, 1972 - ) Sin título (Serás muy listo), 2004

Firmada Tinta sobre póster de cartón vintage 36 x 25 cm Con certificado de autenticidad de Kurimanzutto y sello del artista.

Con etiqueta de Kurimanzutto.

La obra de Dr. Lakra se destaca por la creación de imágenes irreverentes y provocadoras que transgreden las normas establecidas y llevan al espectador a la frontera entre la atracción y la repulsión. Abarca diversas técnicas como el tatuaje, la pintura mural, el collage y la escultura, pero destaca en particular sus intervenciones con pintura y dibujo hacia posters, revistas eróticas y tarjetas postales. A través de estos medios, explora su interés por la antropología y la etnografía con las que documenta su fascinación por tabúes, fetiches, mitos y rituales de distintas culturas. Siendo un ferviente coleccionista de objetos, Dr. Lakra concibe la búsqueda de materiales e imágenes como el aspecto más esencial de su trabajo, sus composiciones combinan referencias históricas e imágenes contemporáneas, intercaladas con iconografías religiosas y alusiones a la cultura popular. La manera en la que combina y contrapone estos elementos revela tanto un gran conocimiento de la historia como un subversivo sentido del humor, desmantela y perturba las ideologías dominantes para cuestionar lo que se considera correcto o incorrecto; civilizado o barbárico, alta cultura o folclor.

Fuente consultada: sitio oficial de Kurimanzutto www.kurimanzutto.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 167

140

OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - ) Iluminations

Firmado con vinil al frente. Firmado y fechado NYC, 2014 al reverso Óleo sobre tela 119.5 x 169 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, febrero de 2015.

“Mientras las imágenes reflexivas de su arte flotan entre las respuestas internas a la vida que cada uno de nosotros tiene frente al mundo que todos vemos y las sensaciones que resultan de estas experiencias, Ofill procede a intensificar su visión de la calidad indeterminada del ser humano. Experiencia, especialmente dentro de la construcción del entorno urbano, como experiencias que son refractarias en su propia esencia.

Así como la velocidad de la luz cambia con respecto al medio por el que pasa, así también, en la obra de Echevarría, la condición humana es tal que los roles de refracción visual y emocional doblan las superficies visuales y emocionales refractadas de las imágenes que experimentamos a diario”. Thomas Morin, 2008.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ofillarts.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

168

141

JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - ) Sin título

Firmado al reverso Acrílico sobre lámina de acrílico sobre bastidor 75 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista.

José Castro Leñero es un artista destacado por representar en su obra la importancia de la expresión neofigurativa mexicana. Las imágenes que utiliza en sus obras adquieren un sentido completamente diverso cuando las manipula, hasta convertirlas en juego con una nueva significación.

Utiliza herramientas tradicionales y las nuevas tecnologías para hacer, rehacer y deshacer, dibujar y desdibujar, pintar y despintar, figurar y desfigurar, sobreponer, aparecer y desaparecer, construyendo un discurso que nos introduce a un modo particular de ver la cotidianidad.

A lo largo de su sólida carrera, ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en museos de México y Estados Unidos.

Fuente consultada: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992.

$120,000.00-$180,000.00 M.N.

169

142

OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - ) Paisaje de barreras

Firmado con vinil al frente. Firmado y fechado NYC 2013 Óleo sobre tela 119.5 x 172 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Se graduó de la Academia de Bellas Artes San Alejandro en 1991. Al año siguiente se trasladó a la Ciudad de México, donde vivió hasta 2002. Actualmente vive y trabaja en Nueva York.

Desde su primera exposición individual en La Habana, Cuba en 1991, Ofill Echevarría ha expuesto individualmente en galerías e instituciones de México y América Latina, así como en los Estados Unidos.

Sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan: el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales y el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, Cuba; Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México; Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca; Museo Nacional de Arte, México; Centro Nacional de las Artes, Nuevo León; Fundación Merrill Lynch para las Artes, Miami y la del Museo de Arte Latinoamericano, en Long Beach.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ofillarts.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

170

143

JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - ) Sin título

Firmado al reverso Acrílico sobre lámina de acrílico sobre bastidor 75 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista.

“Perspectivas, claroscuro, planos anteroposteriores a veces hacen penetrar al espectador dentro de la composición en las pinturas sobre el estudio del artista, convirtiéndolo en un escenario que de algún modo retrata al autor sin que su persona esté allí representada.

Su meditado ‘desorden’ es en realidad muy organizado plásticamente con el objetivo de dar cuenta de sus valores tonales, sus fuentes de luz, sus contraluces, su penumbra, provocando una tónica se diría que afectiva y también proyectiva hacia estos objetos en los que desarrolla su quehacer, sumido en la observación a lo largo de prolongadas, o por el contrario breves sesiones combinatorias. Prolongadas en tanto las composiciones de formato amplio están sujetas a modificaciones que según su ojo y su mente necesitan en aras de hacerlas perfectibles”. Teresa del Conde.

Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. “José Castro Leñero en la Casa Lamm”. México. La Jornada, sección Opinión, 30 de julio de 2013.

$120,000.00-$180,000.00 M.N.

171

144

MIGUEL ÁNGEL GARRIDO

(Ciudad de México, 1982 - ) Sin título, de la serie Luz adentro, 2014

Sin firma Óleo sobre tela 82 x 110 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: Castillo, Erik. Miguel Ángel Garrido. Luz adentro. México. Aldama Fine Art - FONCA, 2019, pág. 32, Catalogado 11.

Exhibido en: “Miguel Ángel Garrido. Luz adentro” muestra individual presentada en Aldama Fine Art en la Ciudad de México, del 6 de febrero al 29 de marzo de 2019.

Cursó la Licenciatura en Artes Visuales en el Instituto Allende, en San Miguel de Allende, Guanajuato, especializándose en pintura bajo la guía del maestro José Ignacio Maldonado. Fue becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA en el periodo 2010-2011, entre sus exposiciones individuales destacan “Mientras sigamos vivos”, “Todos nuestros fantasmas” y “Serán mi nostalgia” llevadas a cabo en Aldama Fine Art. “Luz adentro”, serie a la que pertenece esta pieza, representa un punto creativo en el que el artista mantiene una consistencia en las elecciones estéticas y procedimientos de realización que se propuso desde iconografía centrada en la figura humana, práctica pictórica autónoma basada en fotografías con características específicas de encuadre, iluminación y exposición (barridos), escenificación de acontecimientos de la vida privada y predominio de cromatismo expresionista.

Fuente consultada: Castillo, Erik. Miguel Ángel Garrido. Luz adentro. México. Aldama Fine Art - FONCA, 2019, pp. 11 y 14.

$120,000.00-$160,000.00 M.N.

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OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - ) Explosives

Firmado y fechado NYC 2014 al reverso Óleo sobre tela 81 x 175 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, marzo de 2014.

“La era del individualismo en la que vivimos, en la que parecería que el sujeto finalmente se ha liberado de los dogmas se ha convertido también en la era de masas de individuos, resultado de la pérdida del poder de la comunidad para regular la vida de los individuos y de la primacía de lo personal sobre lo colectivo, aspectos que para el artista resultan característicos de las sociedades occidentales, del exagerado pragmatismo y de la ausencia de valores trascendentes. Las incertidumbres creadas por la lógica del individualismo exacerbado, tienen en la obra de Ofill Echevarría una expresión inequívoca; los seres que retrata son hombres y mujeres que se esfuerzan por construir su individualidad a través de pautas rígidas y rutinas monótonas que reflejan la producción en masa a través de la conducta de masas.

La tarea del artista es revelar la estrategia del poder que hace ver la individualidad como privilegio y carácter distintivo de nuestra era”.

José Manuel Springer. $70,000.00-$90,000.00 M.N.

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146

JOAQUÍN FLORES

(Ciudad de México, 1989 - ) Tierra quemada I

Firmado y fechado 2014 en el bastidor Óleo sobre tela 80 x 60 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: ALDAMA, José Ignacio et al. Joaquín Flores. La materia del paisaje. Imágenes de la periferia urbana. México. Aldama Fine Art, 2019, pág. 62, Catalogado 23.

Es egresado de la Licenciatura en Artes Plásticas por La Esmeralda. Fue acreedor al Premio Nacional de Pintura Julio Castillo en 2014, a la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA en ese mismo año y al tercer lugar en la V Bienal de Pintura Pedro Coronel en 2016.

“El tema central de mi producción es la periferia de la ciudad, es un tema que me interesa porque es el lugar donde he vivido. Para mí es importante, porque es el lugar donde se ve el impacto tanto social y ecológico del hombre, la basura siempre va a dar a la periferia, la pobreza también, todo lo que denigramos, todo lo que no queremos va a la periferia. Entonces, para mí es importante porque es dignificar este lugar. No quiero hacer una apología de la pobreza, quiero que la periferia sea un espacio de reflexión estética”. Joaquín Flores.

Fuente consultada: BENÍTEZ, Rocío G. “Joaquín Flores, un pintor ganador”. México. El Universal de Querétaro, 16 de diciembre de 2014.

$60,000.00-$90,000.00 M.N. 174

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HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - ) Objeto encontrado - evidencia I

Firmado y fechado 06 Óleo y acrílico sobre tela 127 x 143 cm Con certificado de autenticidad de Galería Ginocchio firmado por el artista, noviembre de 2008.

Es Licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Montemorelos en Nuevo León. Cursó el Máster en Fotografía Latinoamericana en el Centro de la Imagen de Lima, así como el programa en Historia del Pensamiento en la Universidad Panamericana de la Ciudad de México.

Actualmente cursa la Maestría en Cultura Escrita en el Instituto Sor Juana de Estudios de Posgrado en Tijuana, México.

Desde 1999 ha desarrollado su obra en diversos medios, principalmente la pintura y el dibujo. La fotografía, el video y la instalación han dado a su trabajo la oportunidad de explorar nuevas dimensiones de sentido. Su obra se ubica en el cruce de lo que entendemos como lenguaje pictórico y las reflexiones en torno a la práctica disciplinaria que identificamos como pintura. Hugo Lugo dirige estas exploraciones matéricoconceptuales hacia la creación de experiencias estéticas que revelen algo sobre nuestros modos de ver, en tanto toda contemplación abre espacio para reparar sobre la propia condición humana.

Su obra ha sido expuesta en ciudades como Nueva York, Los Ángeles, Caracas, Bogotá, Río de Janeiro, Santiago de Chile, Madrid, Ciudad de México, Ámsterdam, París, Hong Kong, entre otras.

Fuente consultada: sitio oficial de HeartEgo www.heartego.com

$120,000.00-$180,000.00 M.N. 175

Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

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PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Piedra filosofal

Firmada Escultura en bronce a la cera perdida 6 / 8 21.2 x 21.2 x 21.2 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo de 2017.

Presenta ligeros detalles de conservación.

“Aunque la pertenencia de Friedeberg al surrealismo haya sido certificada por André Breton, lo más seguro es que su obra gravita en ese mencionado tercer plano que guarda imprudente distancia de cualquier tendencia en que se le encasille. Así como sus disociaciones deliberadas entre obra, título y significado, Friedeberg se disoció de la historia del arte del siglo XX, de la misma manera que un juego infantil prescinde de la lógica, porque él es un caso aparte, pese a que su obra sea legible a partir de muchos de los principios del surrealismo”.

Luis Carlos Emerich.

Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et al. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 31 y 42.

$75,000.00-$90,000.00 M.N. 176

149

CARLOS AMORALES

(Ciudad de México, 1970 - ) Estudio Rorschach 06, 2010

Sin firma Recortes de papel Plike sobre papel 116 x 158 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2010.

Procedencia: Adquirido en Kurimanzutto.

Exhibido en: "El estudio por la ventana", muestra presentada en Kurimanzutto en la Ciudad de México, del 3 de marzo al 1 de mayo de 2010.

A lo largo de su trayectoria, Carlos Amorales ha desarrollado una producción artística que trasciende los límites del dibujo, difuminando las fronteras entre el arte y el diseño a través del cruce de diferentes soportes y abordando cuestiones sociales, políticas y estéticas. Su trabajo parte de la gráfica y de sus posibilidades de reproducción como medio. En su investigación artística, Carlos Amorales se interesa principalmente por el lenguaje y la imposibilidad/posibilidad de comunicarse a través de medios no codificados; sonidos, gestos, símbolos.

Como base de muchas exploraciones, ha utilizado el "Archivo Líquido", proyecto compuesto de más de 4,000 formas, líneas y nodos realizadas en vectores, utilizando solamente los colores rojo, blanco y negro. Inició a recolectar estas imágenes en 1998 y siguió nutriendo su acervo por más de diez años. Por su naturaleza, pueden ser reinterpretadas y reproducidas por el artista, sus colaboradores y especialistas en otros campos.

"El estudio por la ventana" consistía en una instalación que Carlos Amorales realizó para su primera exhibición individual en Kurimanzutto.

Proponía una reconstrucción a escala real 1:1 de su primer estudio en la Ciudad de México. La obra expuesta conservaba el carácter colectivo del estudio, poniendo en práctica la naturaleza del "Archivo Líquido". Este sería manipulado por el artista y sus colaboradores para dibujar sobre la reproducción del estudio. Con la exhibición se abordaba una discusión sobre el estudio como metáfora de la mente del artista, así como desarrollar una manera diferente de hacer arte que trasciende las formas típicas de concebir la obra terminada.

Fuentes consultadas: MOTA, Melissa. "Perfil: Carlos Amorales, del archivo líquido al esplendor geométrico y sitio oficial de Kurimanzutto www.kurimanzutto.com

$500,000.00-$700,000.00 M.N. 177

Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

150

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Sin título

Firmada Mixta sobre cartulina 54 x 70 cm medidas totales con marco El marco es parte de la obra.

Con etiqueta de The Byron Gallery.

Estudió la carrera en Arquitectura en la Universidad Iberoamericana, donde conoció a Mathias Goeritz, figura fundamental en los inicios de su vida profesional ya que lo alentó para dedicarse al arte. Con el tiempo, pulió su manera de dibujar y comenzó a inclinarse al surrealismo, volviéndose parte del grupo de Leonora Carrington y Alice Rahon. Conforme evolucionaba su arte, se volvió excéntrico y rechazaba el arte social y político, se convirtió en un admirador de lo inútil, frívolo y caprichoso. La ironía y el exceso se volvieron los sentidos fundamentales en su obra, así como los elementos principales del Art Nouveau y el Op Art, sin dejar atrás la influencia de sus estudios como arquitecto.

“Mi arte fue muy original y fresco. Hoy hay muchos que lo han copiado, pero en esa época nadie se atrevía a hacer exposiciones de dibujos de arquitectura y, aunque algunos lo despreciaban, en términos generales gustaba y rompía con lo que entonces se exponía… hay quienes me critican porque consideran que es vulgar decorar los objetos. Pero el ornamento es la forma más antigua del arte plástico y se caracteriza por darle un sentido religioso y excepcional a lo cotidiano”. Pedro Friedeberg.

Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et al. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pág. 319.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 178

151

PALOMA TORRES

(Ciudad de México, 1960 - ) Cartografías, de la serie Territorio

Firmado y fechado 2019 Relieve en barro de Zacatecas, engobe, hoja de oro y encáustica 75 x 62 cm Con certificado de autenticidad de la artista.

Realizó sus estudios en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, y posteriormente su maestría en la Academia de San Carlos.

Su obra mantiene una estrecha relación entre el espacio y los materiales. A lo largo de su carrera ha probado con distintas superficies y materiales como cerámica, piedra, metal, e incluso textiles.

Ha participado en exposiciones tanto individuales como colectivas en diversas instituciones de la República Mexicana como por ejemplo el Museo Amparo de Puebla, Museo de Arte de Zapopan, en el Atrio de San Francisco en la Ciudad de México, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, el Museo de Arte Moderno, Museo del Palacio de Bellas Artes y La Quiñonera.

Su obra forma parte de colecciones como la del Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo Universitario del Chopo, el Museo de Arte Moderno, el Museo de la Estampa, el Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, la Augustin der Galerie Nothburga Innrain, en Austria, el Museo de Young en San Francisco, California, y el Acervo de la Secretaría de Relaciones Exteriores.

Fuentes consultadas: MEDEL, Cindy. “Paloma Torres, la artista mexicana que viaja por Tierras Ambulantes”. México. GAMA, sección Actualidad, Cultura, 26 de junio de 2017 y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$140,000.00-$240,000.00 M.N. 179

152

DAVID GUZMÁN

(Ciudad de México, 1969 - ) Calculando el vuelo, 2021

Firmada con monograma Escultura en acero inoxidable 52 x 48 x 36 cm medidas variables por la posición de la obra Para conocer todas las vistas que tiene esta obra visite nuestra página www.mortonsubastas.com Con certificado de autenticidad del artista, marzo de 2022.

David Guzmán es un artista de formación autodidacta, conocedor del oficio, forjador de formas orgánicas y obsesivo buscador de la perfección.

Trabaja el acero inoxidable, con el cual ha logrado formar un vínculo indisoluble en el que la materia da rienda suelta a sus posibilidades y el escultor expresa su mundo interior. Esta etapa de su escultura es cercana a las vertientes de Julio González, Eduardo Chillida y Pedro Cervantes.

Tiene identificado que su quehacer escultórico viene de la necesidad y de la necedad, de una insaciabilidad por lo nuevo. Sus esculturas proyectan una vitalidad, resultado de una manufactura sumamente minuciosa. También sostiene que el elemento primordial de su obra es el vacío y no la materia.

Ha tenido más de 10 exposiciones individuales en el país, entre las que destacan las exhibidas en el Museo de la Ciudad de Santiago de Querétaro en 2006 y en la Galería de la Fuente del Centro Cultural Ollin Yoliztli en la Ciudad de México en 2002. $180,000.00-$250,000.00 M.N. 180

153

BEATRIZ ZAMORA

(Ciudad de México, 1935 - ) El negro 21, serie 1

Firmado y fechado 1978 al reverso Mixta sobre tela 120 x 100 cm Con certificado de Galería Enrique Guerrero firmado por la artista, enero de 2012.

Inició su formación con maestros particulares de pintura y cerámica, para posteriormente estudiar en la École des Beaux-Arts en París. Desde 1962 ha realizado más de 80 exposiciones individuales en México y en el extranjero.

Más de cincuenta años de trayectoria, ochenta de vida, Beatriz Zamora es fuerte, poderosa y libre; ella es hija del universo. Ha sido la única mujer artista mexicana capaz de crear un sinnúmero de obras de arte con un solo color: el negro. El negro es el silencio, es la creación y el absoluto. Sus obras se rebelan ante los cánones preestablecidos y hablan por sí solos, feroces, apasionados, llámese incluso primitivos. Sus materiales, frutos de la naturaleza, surgen de la profundidad de la tierra para servir como un portal hacia lo infinito: carbón vegetal, carburo de silicio, acerina, negro de humo, obsidiana son algunos de los elementos utilizados para crear estos portales hacia la contemplación.

“En las obras de Beatriz el tamaño no parece importante. Hay piezas pequeñitas que son universos fascinantes y de un gran contenido poético, tan rico como las de gran formato. Cada pieza es como un fragmento de la noche”. Eduardo Rubio.

Fuentes consultadas: RUBIO, Eduardo. Historia de una artista excepcional. México. Ediciones Castillo, 1998, pág. 8 y texto de sala de la muestra “El negro de Beatriz Zamora. Una celebración de vida”, presentada en la Galería Enrique Guerrero en 2015.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. 181

Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

154

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Silla mariposa marina

Firmada y fechada 2021 Escultura en bronce a la cera perdida 12 / 20 58 x 35 x 29 cm Con certificado de autenticidad del artista, diciembre de 2021.

“Es un arte circular el de Friedeberg, regido por los finos mecanismos de muchos oficios y sabidurías. Pasa por la sensibilidad visual del simbolismo y cierta poética del objeto surrealista. Sin embargo su disciplina y espíritu meticuloso hacen también pensar en un inventor o experto relojero que disimula detrás de su disfraz de cebra que fuma en pipa y que vive ajustando la fina cuerda de su imaginación o los estímulos de una estética que se mece entre el juego y la crítica”. Rita Eder.

Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et al. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pág. 75.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

182

155

CARLOS PELLICER

(Ciudad de México, 1948 - ) Paseo, mañana lluviosa, 2003

Firmada Encáustica sobre madera 81 x 116 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. “Diluir los colores en la cera caliente se fue volviendo parte de un cotidiano ritual de alquimista. En el fuego de cada día la observación de la naturaleza iba siendo sustituida por la narrativa de la más común y frecuente de las felicidades. Pero la felicidad no tiene una forma determinada; sólo es perceptible por equivalencias. La felicidad puede ser redonda, puede tener muchos pies o ninguno, hacer que todo se vea alterado o desproporcionado, que todo se arme como rompecabezas o un caleidoscopio. A la felicidad le gusta ser ingenua y fantasiosa […] Cuando Paul Klee quiso acercarse a la felicidad, se volvió voluntariamente infantilista. Carlos Pellicer López, como Paul Klee, quiere rescatar del niño la percepción no contaminada. La poesía de sus formas emerge de una disciplina espiritual, de un estado anímico donde control y descontrol se complementan”. Raquel Tibol, 1988.

Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et al. Carlos Pellicer. Temples, gouaches y encaustos. México. Aldama Fine Art, 2019, pág. 11.

$100,000.00-$140,000.00 M.N.

183

156

ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) Cuervo

Firmada y fechada 1989 Escultura en fierro con esmalte acrílico 118 x 43.5 x 43.5 cm Publicada en: TAJONAR, Héctor et al. Sebastian. Escultor.

México. Fundación Sebastian, 2009, pág. 574, Catalogada 299.

Presenta detalles de conservación.

De vocación constructiva, desde mediados de la década de los 60, Sebastian inició el desarrollo de su lenguaje artístico apoyándose en su quehacer con disciplinas científicas como las matemáticas y la geometría, acercándose a la topología y la cristalografía. Además de realizar esculturas, su producción abarca también el diseño arquitectónico, pintura, diseño de objetos, mobiliario, joyería, diseño de vestuario teatral y escenografías. A lo largo de su exitosa carrera ha sido reconocido con numerosas distinciones, siendo elegido como miembro de la Real Academia de Arte de La Haya en Holanda en 1983 y condecorado como Doctor Honoris Causa por la universidad The City College of the City University en New York en 2008. También ha presentado exposiciones en los principales museos de México y su obra se encuentra en numerosas colecciones a nivel internacional. $190,000.00-$270,000.00 M.N. 184

157

RAYMUNDO SESMA

(San Cristóbal de las Casas, Chiapas, 1954 - ) Sin título

Firmado y fechado 84 Óleo y mixta sobre papel hecho a mano sobre lino 104 x 122.5 cm Con etiqueta de Cline Fine Art. Raymundo Sesma es un productor de notable sensibilidad, cuya narrativa se acerca a problemáticas sociales, políticas, autobiográficas que gozan de un gran estilo arquitectónico, además se encuentra en permanente experimentación.

De su amplia trayectoria destacan las exhibiciones individuales en Galleria Palladio en Suiza, en MyOwnGallery en Milán, en el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo de Arte Moderno y en el Centro de la Imagen en la Ciudad de México, en Lattuada Pardo Gallery en Nueva York, Galerie Les Filles du Calvaire en París y en el Antiguo Convento de las Carmelitas en Cuenca, Ecuador.

Representó a México en la XLII y XLVII Bienal de Venecia, su trabajo ha formado parte de muestras colectivas en el Centro Nacional de las Artes, en The Mexican Cultural Institute en Washington y en el Museo Nacional Prehistórico Etnográfico Luigi Pigorni en Roma. $100,000.00-$180,000.00 M.N. 185

158

CARLOS PELLICER

(Ciudad de México, 1948 - ) El límite del bosque, 2003

Firmada Encáustica sobre madera 97 x 130 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Carlos Pellicer es un destacado pintor mexicano egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. A lo largo de su carrera ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en importantes instituciones, galerías y museos de México y Estados Unidos.

“La pintura es una lotería que yo me gané. Siempre me gustó, me sigue gustando, la disfruto mucho y no se me ocurre dedicarme a otra cosa. Es un privilegio encontrar un lenguaje y hacerlo propio para expresar lo que uno desea. Para mí la pintura es una suerte: un regalo del azar que hay que saber aprovechar y agradecer”. Carlos Pellicer.

Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et al. Carlos Pellicer. Temples, gouaches y encaustos. México. Aldama Fine Art, 2019, pág. 15.

$120,000.00-$150,000.00 M.N.

186

159

ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) Hombre cósmico

Firmada y fechada 1985 Escultura en fierro esmaltado sin número de tiraje 102 x 60 x 40 cm Con certificado de autenticidad del artista, enero de 2022.

La versión monumental de esta obra se realizó en 1985, se encuentra en el Aeropuerto Internacional Benito Juárez de la Ciudad de México y está publicada en: TAJONAR, Héctor et al. Sebastian.

Escultor. México. Fundación Sebastian, 2009, pp.

150-151, Catalogada 235.

Presenta detalles de conservación. $190,000.00-$270,000.00 M.N.

187

160

CARLOS AGUSTÍN

(Ciudad de México, 1952 - ) Votiva

Firmada Escultura en acero al carbón 143.5 x 30 x 30 cm Con certificado de autenticidad de Galería de Arte Misrachi, octubre de 2015.

Otras versiones de esta escultura, en distintos colores, materiales y tamaños están publicadas en el sitio oficial del artista www.carlosagustin.com Carlos Agustín es un destacado escultor mexicano egresado de La Esmeralda y de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. A lo largo de su carrera ha participado en más de 120 exposiciones colectivas e individuales en México y Estados Unidos. Actualmente su obra destaca en colecciones privadas y pertenece a otras públicas como en las del Museo Kochi en Osaka, Japón, los Museos de Arte de Aguascalientes y Querétaro, el Museo José Luis Cuevas y el Museo de la Estampa en la Ciudad de México.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.carlosagustin.com

$160,000.00-$220,000.00 M.N. 188

161

IRMA PALACIOS

(Iguala, Guerrero, 1943 - ) Dunas de cobre II

Firmado y fechado 07 Óleo sobre tela 190 x 200 cm Agradecemos a la Maestra Irma Palacios por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

Procedencia: adquirido directamente a la artista.

Exhibida en: “Horizontes de arena”, muestra individual presentada en el Museo de Arte de Querétaro y en el Museo del Desierto, de Saltillo, Coahuila en 2008.

Asistió a la Escuela Nacional de Pintura y Escultura y Grabado, su obra forma parte de las colecciones del Palacio de Bellas Artes, el Museo Rufino Tamayo, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, el Museo Nacional de la Estampa, en la Colección Andrés Blaisten, el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Museo de Arte Moderno en San Antonio Texas.

Expuso de manera individual en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, en Chac-Mool Gallery en Los Ángeles, California y en el Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán.

Fue acreedora al Primer Premio en la I Bienal de Pintura Rufino Tamayo, obtuvo el Premio de Adquisición del Salón Nacional de Artes Plásticas del Palacio de Bellas Artes, fue becaria del FONCA y obtuvo el segundo premio del Salón Internacional de Estandartes en el Centro Cultural Tijuana.

Fuentes consultadas: sitio oficial de la colección Blaisten www.museoblaisten.com y de la galería Juan Martín www.galeriajuanmartin.com

$260,000.00-$320,000.00 M.N. 189

162

VLADY

(Petrogrado, Rusia, 1920 - Cuernavaca, Morelos, 2005) Con la fiera en los hombros

Firmado y fechado México 1978 Óleo sobre lino 28 x 49 cm Con certificado de autenticidad de Carlos Díaz, febrero de 2022. $70,000.00-$90,000.00 M.N.

190

163

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 Ciudad de México, 2010) Reforma con palmera

Firmado y fechado Mex D.F. Oct 97 Óleo sobre tela 130 x 80 cm Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

“La Ciudad de México como modelo temperamental de un pintor explosivo reconfirma que la imaginación y la razón forman una entidad indivisible.

Por ello, para Phil Kelly no existe una motivación creativa mayor. Esa realidad en constante mutación lo mantiene tan expectante y aguzado que incluso sus acometidas de cualquier otro género pictórico siempre terminan poseídas por su mismo asombro. Sea paisaje provinciano o campestre, sea naturaleza muerta o figuración humana, la condición tan ruinosa como estridentemente viva que descubre en sus modelos, es el resultado de la conjugación del verbo encarnado por la ciudad: estallar”. Luis Carlos Emerich.

Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos. Phil Kelly. La ciudad y sus íconos. México. CONACULTA-Museo de la Ciudad de México, 2003, pp. 5 y 6.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 191

164

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) Excavando en el metro

Firmado y fechado Mex D.F. 92 Óleo sobre tela 90 x 70 cm Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

“La solución cromática empleada por Phil Kelly pone en evidencia su aprecio por los impresionistas y postimpresionistas. Lo atestiguan su gusto por las composiciones abruptas, a lo Edgar Degas, hasta la misma fascinación compartida por las estructuras modernas de Gustave Caillebotte. Así también, Kelly se entusiasma por pintar calles bulliciosas, cargadas de movimiento, tal como lo hacía Claude Monet. No menos elocuente resulta la afinidad del irlandés por los colores fovistas empleados por Matisse”. Luis-Martín Lozano. $180,000.00-$250,000.00 M.N. 192

165

JAVIER VÁZQUEZ “JAZZAMOART” (Irapuato, Guanajuato, 1951 - ) Cuarteto freejazzero

Firmado y fechado 95 al frente. Firmado y fechado Mex 95 al reverso Óleo sobre tela 100 x 79 cm Agradecemos al Maestro Jazzamoart y a su esposa Nora Smith por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2022.

Jazzamoart lleva ya más de cuatro décadas de producción plástica ininterrumpida, que ha abarcado todos los materiales, géneros, técnicas y, por supuesto, opciones posibles, porque se ha caracterizado por la inquietud, la experimentación y la reflexión. De todas formas, si nos limitamos a su trayectoria pictórica, la vía por él más frecuentada, vemos que no ha dejado de cambiar sin apartarse de sí mismo; es decir, ha cambiado para mantenerse fiel a sí mismo, a su discurso estético inicial. Ha practicado un lenguaje semi figurativo y ha llevado a cabo una abstracción sin prescindir de un gestualismo automático, pues nunca reprime su impulso primero. Entiende el arte como un ejercicio creativo constante.

Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel et al. Jazzamoart. Sólo a fuerza de pintar. México. Edición Nora Smith Castillo, Tiempo Imaginario, 2014, pp. 16 y 17.

$150,000.00-$180,000.00 M.N. 193

166

ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - ) Viaje en el sueño

Firmada Óleo y arena sobre tela 100 x 150 cm Agradecemos al Maestro Rolando Rojas por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2022.

Rolando Rojas es un sobresaliente artista istmeño, un pintor que gusta desplegarse frente a su obra como coreógrafo, que apoyado en su profesión de arquitecto, guía y crea sus puestas en escena, a las cuales logra transmitir su ideal. Se consuma en el lienzo con extrema sencillez y sin desgastadas e inusuales pretensiones, él ofrece una ceremonia, un ritual de vida a cada pintura. Es un artista que busca generar una poesía más que solo un efecto visual, regido por la composición y el ritmo a través de las figuras y el color.

“Lo mío es un lenguaje más libre y comunicativo […] Lo que no me gusta es ponerle título a los cuadros, mejor dejo que la persona interesada se lo ponga; es lo maravilloso, buscar algo”. Rolando Rojas.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, septiembre del 2009, año 14, No. 101, pág. 34.

$95,000.00-$180,000.00 M.N.

194

167

SEGUNDO PLANES

(Pinar del Río, Cuba, 1965 - ) Sin título

Firmado y fechado 08 Óleo y acrílico sobre tela tipo gobelino 200 x 301 cm Presenta detalles de conservación.

Creció en la primera sociedad socialista de América, Cuba, donde estudió en la Escuela Provincial de Arte en su ciudad natal y posteriormente en la Escuela Nacional de Arte de La Habana. Adoptó como segunda patria a México, específicamente Monterrey, donde ha realizado gran parte de su producción artística.

Su trabajo ha sido expuesto desde 1983 en Cuba, Estados Unidos, España, Ecuador, República Dominicana, México, entre otros.

“La pintura de Segundo Planes, ocupa hoy un lugar señalado dentro de las corrientes renovadoras del surrealismo latinoamericano.

Incorporando como parte de su aporte ‘toda una literatura a pincel’ que relocaliza nuestras problemáticas del momento, en una región mágica entre el espíritu infantil y lo onírico”. Aldo Meneses.

Fuente consultada: MENESES, Aldo. “Segundo Planes. La fragilidad de lo magno”. Miami. 2015.

$90,000.00-$160,000.00 M.N.

195

168

MOISÉS FINALÉ

(Matanzas, Cuba, 1957 - ) Juegos de sombras

Firmado y fechado 1995 al frente. Firmada y fechada París 1996 al reverso Óleo y escultura de hierro forjado sobre tela 115.5 x 88.5 cm Presenta detalles de conservación.

Moisés Finalé es un destacado pintor cubano, considerado una de las figuras más representativas de las artes visuales en la década de los ochenta. Realizó estudios en la Escuela Provincial de Arte de Matanzas, en la Escuela Nacional de Arte y en el Instituto Superior de Arte, en Cuba.

Los referentes que toma para crear son diversos; se inspira de la misma manera en la estampa japonesa, la simbología egipcia, el fauvismo, el expresionismo y la vanguardia cubana. Irrumpiendo en la escena como parte de la generación de artistas formados con la revolución, en 1983 fundó el grupo “4x4” junto a Gustavo Acosta, José Franco y Carlos Alberto García.

Exhibió de manera individual por primera vez en el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba en 1981 y tres años más tarde en la afamada Galería Habana. Se estableció en Francia en los años noventa, donde por más de dos décadas fue el autor del cartel del Festival de Cine Latinoamericano de Toulouse. Con más de cuarenta años de vida artística, en enero de 2021 inauguró una exposición individual en la Galería Artis 718 del Fondo Cubano de Bienes Culturales.

Fuente consultada: LÓPEZ VALLS, José Camilo. “Moisés Finalé, 40 años de pintura”. Cuba. Periódico Cubarte, 21 de mayo de 2021.

$65,000.00-$80,000.00 M.N. 196

169

FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019) Figura de mujer

Firmado Óleo sobre cartón 33 x 24 cm Procedencia: adquirida en Christie’s, Nueva York, Subasta de Arte Latinoamericano, lote 194, 20 de noviembre de 1995; colección privada.

Con etiquetas de Galerie Karl Flinker París y de Christie’s, Nueva York.

Fue uno de los artistas contemporáneos más importantes de México y un referente internacional en cuanto a artistas oaxaqueños. El aspecto geográfico es fundamental para interpretar su obra, demuestra en cada pieza una genialidad inagotable. En el imaginario oaxaqueño habitan seres que comparten cualidades humanas y animales, transportan al espectador a temporalidades alejadas y en algunas ocasiones gozan de un carácter o actitud sexual.

Fue acreedor al Premio Nacional de Ciencias y Artes, recibió por parte de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca el Doctorado Honoris Causa, fundó el Taller Arte papel Oaxaca y fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, IAGO. Fuente consultada: SOLÍS OLGUÍN, Felipe et al. Francisco Toledo en el Museo Nacional de Antropología e Historia. México. Prisma Editorial, 2004, pp. 21-28.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. 197

170

JAVIER ARÉVALO

(Guadalajara, Jalisco, 1937 - 2020) Sin título

Firmado y fechado 88 Óleo sobre tela 130 x 150 cm Con etiqueta del Museo Palacio de Bellas Artes.

“A la pintura llegué más tarde porque el dibujo es la parte más primaria del ser humano. Desde niño hice muchas cosas, tenía mente de científico y la sigo teniendo […] Creo, que ser artista, es sinónimo de libertad y creación. Eso es ser artista. El que no inventa, el que no aporta, ese no es artista, y en este mundo hay muchos artesanos que son verdaderos artistas. Que no dé miedo cambiar. A mí no me inquieta eso, tomo la vida al revés, jamás he andado atrás de lo económico, yo pinto. Con el tiempo he descubierto tantas posibilidades de inventar y uno va adquiriendo conocimiento y sabiduría. Pude adquirir mucho conocimiento, pero esencialmente lo que no dejo es mi intuición y algo más que la intuición: el instinto. Se puede tener mucho conocimiento pero sin la intuición o el instinto, uno no inventa”.

Javier Arévalo.

Fuente consultada: LÉSPER, Avelina. “Javier Arévalo”. México. Colección Milenio Arte.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. 198

171

FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019) Almohada de Durero no. LXXVII, ca. 2000

Firmado dos veces Acuarela y grafito sobre plata sobre gelatina con ferrocianuro de potasio y tóner sobre papel de fibra 26.6 x 34.3 cm Con certificado de autenticidad de Galería Juan Martín, junio de 2021.

En el 2000, Francisco Toledo presentó en la Galería Juan Martín la exposición “La sombra del deseo”, la cual fue un homenaje a Alberto Durero y a sus singulares grabados “Sechs Kissen (Seis almohadas)”, una serie realizada en 1492 en la que se sugieren rostros humanos a partir de almohadas.

Mediante una manipulación fotográfica de las piezas, el artista oaxaqueño giró, dobló y desdobló los rostros temibles expresados en cada almohada, tal y como los manieristas florentinos del XVI producían los mascarones, e intervino aquel papel fotográfico con químicos, tintas, grafito, acuarelas y textiles para deformar y condensar en diversas fases los rostros, pero los rostros que el propio Toledo maneja en su lenguaje artístico juchiteco.

“Durero me interesó aún más cuando vi que escondía muchas caras en las almohadas. Entonces mandé a hacer unas placas fotograbadas y al observar encimadas las pruebas de positivos y negativos, encontré más figuras entre los pliegues. De hecho, mi objetivo es que el espectador pueda apreciarla por medio de un caleidoscopio para ver las muchas imágenes creadas por la superposición de las almohadas y así cada quien encontrar sus propios personajes”. Francisco Toledo.

Fuentes consultadas: MORENO VILLARREAL, Jaime. “Francisco Toledo”. México. Revista Letras Libres, octubre de 2000, pp. 96-97 y MAC MASTERS, Merry.

“Las almohadas de Durero, fuente de inspiración para Toledo”. México. La Jornada, 4 de octubre de 2000.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 199

172

ARMANDO ZESATTI

(Ciudad de México, 1967 - ) Carrera bajo la lluvia

Firmado al frente. Firmado y fechado Mayo del 92 al reverso Óleo sobre tela 70 x 80 cm Con dedicatoria firmada y fechada abril 19, 2010 al reverso.

Procedencia: adquirido directamente al artista.

Estudió Administración en la Universidad del Nuevo Mundo. Su incursión en la pintura fue autodidacta; dedicó seis años de su vida a aprender y dominar el oficio. El dibujo hiperrealista se convirtió en su primera gran pasión, y a continuación logró con la pintura marcar su objetivo. Es así que Zesatti busca transcribir para el espectador las formas pequeñas en que se manifiesta la naturaleza, enfatizando su significado vital para las sociedades urbanas, ante las cuales establece así, una perspectiva crítica.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. 200 Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano. Julio-Agosto 2009, No. 100.

Pág. 202. y ARTEAGA, Agustín, et al. Armando Zesatti, Arte y Naturaleza. México. Landucci Editores, 2002.

$220,000.00-$300,000.00 M.N.

200

173

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) Ciudad desnuda

Firmado y fechado 93 al frente y al reverso Óleo sobre tela 100 x 150 cm Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, enero de 2022.

“A Phil Kelly hay que agradecerle que percibiera, sintiera y recreara nuestra ciudad despiadada y fascinante”. Teresa del Conde.

Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa, “Babel descifrada”. México. La Jornada, sección Cultura, 21 de enero de 1997.

$240,000.00-$300,000.00 M.N.

201

174

ANTONIO LÓPEZ SÁENZ (Mazatlán, Sinaloa, 1936 - ) Paseo dominical

Firmado y fechado 90 Pastel sobre papel 104 x 119 cm Con certificado de autenticidad y recibos de compra de Galería Estela Shapiro, diciembre de 1990.

Inició sus estudios profesionales en la entonces Universidad de Sinaloa, donde interrumpió su carrera para dar paso a su vocación artística.

Con el tiempo definió su trayectoria, logrando presentar su primera exposición en 1960, la cual le abrió camino para la realización de un sinfín de exhibiciones colectivas e individuales en varias ciudades de México y Estados Unidos. En 1995, participó en la muestra “Cuatro pintores mexicanos” en París, Francia, y se consagró como el primer pintor sinaloense en realizar una exposición en el Museo del Palacio Nacional de Bellas Artes, donde su obra unificó a la crítica especializada con un contenido de reconocimiento y admiración. También, en ese mismo año se instituyó en Sinaloa el premio de pintura “Antonio López Sáenz”, el cual se lleva a cabo en el marco del carnaval de Mazatlán, como un homenaje a su ciudad natal.

Fuente consultada: RODRÍGUEZ PRAMPOLINI, Ida. Antonio López Sáenz. México. CONACULTA- INBA, 1995, pág. 10.

$120,000.00-$180,000.00 M.N.

202

175

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, México, 1887 - 1962) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 80.5 x 120.5 cm Presenta restauración y craqueladuras.

La marina es un género pictórico importante cuyo objeto principal de inspiración es el mar y se ha desarrollado desde el siglo XVII pasando por diversos estilos y movimientos artísticos a nivel mundial. En México, ha habido excepcionales pintores de marinas, entre ellos Guillermo Gómez Mayorga, un destacado artista que gustaba de pintar el mar, el cual ejecutaba con gran majestuosidad marcando la bravura del mar y las zonas de agua espumosa que provocan una sensación de belleza clásica. Sus mejores cuadros de marinas fueron pintados únicamente a base de dos elementos: el agua y el cielo; con estas limitantes construyó desafiantes escenarios y a través de ritmos, densidades, movimientos, tonalidades monocromáticas y acentos lumínicos creó atmósferas serenas, tradicionales y frescas de las playas mexicanas.

Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 101 y 107.

$380,000.00-$500,000.00 M.N.

203

176

MARIO ALMELA

(Ciudad de México, 1940 - 2017) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 50 x 70 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Su inclinación por el paisaje y la pintura al aire libre se hizo evidente desde los siete años, cuando pintaba acuarelas en días de campo acompañando a José Bardasano, Armando García Núñez, Ignacio Rosas y otros pintores de aquella época. Con una clara vocación por las artes, a la edad de doce años ingresó en la academia de pintura del maestro Bardasano, donde perfeccionó su destreza en el dibujo.

Después de tres años dejó los estudios formales para depurar su técnica de manera independiente y quedó en manos de su padre, Pablo Almela, quien restauraba cuadros antiguos, oficio que Almela aprendió a la par de la pintura.

A los veinte años realizó su primera exposición individual. Desde entonces ha recorrido la vastedad del paisaje mexicano, cuyas costas, selvas, valles y montañas han quedado plasmados en sus lienzos. Experimentado alpinista, ha pintado nuestros volcanes desde todos sus rincones. En su madurez como artista, siempre ha trabajado tras la perfección en su técnica y acompañado de su eterna obsesión por la luz.

Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et al. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, pág. 4.

$100,000.00-$140,000.00 M.N.

204

177

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, México, 1887 - 1962) Marina en el crepúsculo

Firmado Óleo sobre tela 80 x 120 cm “Gómez Mayorga nos deja la impresión de un artista plástico que tuvo una relación obsesiva con la naturaleza, entre el gusto de vivir en ella y sentirla, de arrancarle los secretos de sus espacios, sus ritmos y sus fenómenos lumínicos”. Hugo Covantes.

Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et al. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 58 y 59.

$360,000.00-$500,000.00 M.N.

205

178

RENÉ MARTÍN

(La Habana, Cuba, 1952 - ) Amanecer brumoso, 2019

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela 100 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista.

Llegó a México en 1996, país donde su carrera maduró y creció aún más. Actualmente vive y trabaja entre México y Miami, ha expuesto en más de 65 muestras colectivas e individuales en museos, galerías e instituciones públicas y privadas de Cuba, México, Costa Rica y Estados Unidos. Además, su obra ha sido publicada en destacados periódicos, revistas y libros, en los cuales se describe a su pintura como una gestora de la tendencia del surrealismo-tropical y promotora de la conservación de la naturaleza, así como del medio ambiente con un gran sentido profesional.

Fuente consultada: ESQUIVEL ALATORRE, Gerardo. “Cuando el golf se convierte en arte”. México. Mundo Ejecutivo, sección First Class, junio de 2018, No. 473, pp. 102-104.

$180,000.00-$220,000.00 M.N.

206

179

CARLOS RÍOS

(La Habana, Cuba, 1958 - ) Aguas horizontales

Firmado al frente. Firmado y fechado 2021 al reverso Acrílico sobre tela 88 x 140 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, diciembre de 2021.

Arquitecto, pintor y amante de la naturaleza, Carlos Ríos es conocido por su obra paisajística con esencia tropical tanto cubana como mexicana.

Estudió Arquitectura en el Instituto Superior Politécnico de La Habana y posteriormente se especializó en Diseño Gráfico e Industrial. Llegó a México en 1994, donde su obra comenzó un mestizaje cultural visual y emprendió un estable y definido camino como artista plástico, participando en diversas exposiciones colectivas e individuales y ferias de arte a nivel internacional. La obra de Carlos pretende rescatar a través de los detalles sus propios recuerdos. Pinta sus estudios biogeográficos con reverencia y sentimiento, resaltando la vitalidad de los bosques, selvas, lagos, ríos y montañas, creando una atmósfera que genera calidez, reflexión y libertad. Pinta una idealización sublime del paisaje.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, septiembre-octubre de 2008, año 13, No. 95, pp. 27 y 28.

$220,000.00-$300,000.00 M.N.

207

180

CARLOS RÍOS

(La Habana, Cuba, 1958 - ) Oros de la tarde

Firmado al frente. Firmado y fechado 2021 al reverso Acrílico sobre tela 88 x 140 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, diciembre de 2021.

“Conozco el paisaje de mi tierra de memoria. El pintarlo me permite repasar los lugares y cada obra que realizo me lleva a rescatar más detalles de mis propios recuerdos. Rara vez utilizo fotografías y cuando lo hago sólo consulto detalles, como la textura específica de algún tipo de árbol, el color de alguna planta, una luz particular que obtuve a cierta hora del día o la atmósfera que el cambio de clima había provocado. Mi pintura no debe clasificarse como hiperrealista, pues va más allá del realismo en una idealización del paisaje”. Carlos Ríos.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 13, No. 95, septiembre-octubre de 2008, pág. 28.

$220,000.00-$300,000.00 M.N.

208

Lote209 29

Lote 14

ÍNDICE

A ACEVES, GUSTAVO

20, 24

ACEVES NAVARRO, GILBERTO

17

AGUSTÍN, CARLOS

160

ALCALDE GARCÍA, ALFREDO

35, 37

ALFARO SIQUEIROS, DAVID

44

ALMELA, MARIO

176

AMORALES, CARLOS

149

ANGUIANO, RAÚL

108, 109

ARÉVALO, JAVIER

81, 170

B

GIOVANETTI, MIGUEL ÁNGEL

3, 6

GIRONELLA PARRA, EMILIANO

129

GÓMEZ MAYORGA, GUILLERMO

87, 175, 177

GÓMEZ RODRÍGUEZ, ANTONIO

60

GONZÁLEZ CAMARENA, JORGE

36

GONZÁLEZ VELÁZQUEZ, JORGE

9

GUERRERO GALVÁN, JESÚS

67, 69

GUZMÁN, DAVID

152

HELGUERA, JESÚS

62

HERNÁNDEZ, SERGIO

76, 78

8

BASSI, SOFÍA

120, 121, 125

J

BARDASANO, JOSÉ

49, 59, 96

JAZZAMOART 165

BÉJAR, FELICIANO

10

BELKIN, ARNOLD

43, 45, 46, 47

CARBONELL, SANTIAGO

41

CASTAÑEDA, ALFREDO

31, 32, 119

CASTRO LEÑERO, ALBERTO

23

CASTRO LEÑERO, JOSÉ

141, 143

CATAÑO, EDUARDO

61, 63

CERVANTES, PEDRO

7

CHÁVEZ MORADO, JOSÉ

48

CHICO, JULIO

82

CLAUSELL, JOAQUÍN

92

CORONEL, RAFAEL

39

CORTÁZAR, ROBERTO

22

CORZAS, FRANCISCO

33, 34

COSTA, OLGA

93

D DE SZYSZLO, FERNANDO

14

DOMÍNGUEZ, BENJAMÍN

97, 99, 100, 110

DR. ATL

90

DR. LAKRA

134, 139

DRECHSLER, ARMANDO

64

ECHEVARRÍA, OFILL

140, 142, 145

ECHEVERRÍA, ENRIQUE

118

ESQUEDA, XAVIER

122

F FABELO, ROBERTO

130, 132, 133

FARRERA, JOSÉ ANTONIO

113, 136

FELGUÉREZ, MANUEL

13, 16

FINALÉ, MOISÉS

168

FLORES, JOAQUÍN

146

FRIEDEBERG, PEDRO

148, 150, 154

G GÁLVEZ, BYRON

12, 127

GANDÍA, VICENTE

116

GARCÍA OCEJO, JOSÉ

30, 126, 128, 138

GARRIDO, MIGUEL ÁNGEL

144

42

RAMOS MARTÍNEZ, ALFREDO

54

RÍOS, CARLOS

179, 180

RIVERA, DIEGO

51, 52

RODRÍGUEZ LUNA, ANTONIO

102

ROJAS, ROLANDO

166

SEBASTIAN

5, 156, 159

SESMA, RAYMUNDO

157

SOLDEVILLA, LOLÓ

2

SORIANO, JUAN

15, 58, 103, 107

SOUTO, ARTURO

101

T

K

TAMAYO, RUFINO

71, 73

KELLY, PHIL

84, 114, 163,

TOLEDO, FRANCISCO

79, 169, 171

164, 173

TORRES, PALOMA

151

L

U

LAVILLE, JOY

112, 115, 117

URIBE, FEDERICO

21, 40

LAZO, AGUSTÍN

104

URBIETA, JESÚS

80

LEZAMA, DANIEL

135

LÓPEZ SÁENZ, ANTONIO

174

LUGO, HUGO

147

M

V VISKIN, BORIS

131

VLADY

19, 162

VON GUNTEN, ROGER

11

MARÍN, JAVIER

26, 27

MARÍN, JORGE

25

MARTÍN, RENÉ

178

MARTÍN DEL CAMPO, MARIO

124

MÉRIDA, CARLOS

65, 66

MEZA, GUILLERMO

83

Z

MINGORANCE, JUAN EUGENIO

98

ZALCE, ALFREDO

106

MORALES, RODOLFO

72, 74

ZAMORA, BEATRIZ

153

18

ZÁRRAGA, ÁNGEL

50, 55, 56, 57

94, 95

ZENIL, NAHÚM B.

137

ZESATTI, ARMANDO

172

MORENO CAPDEVILA, FRANCISCO MONTOYA, GUSTAVO

N

E

RABEL, FANNY

S

H

BASSAN, NESSIM

C

R

NAHUI OLIN

91

NEGRET, EDGAR

1

NIETO, RODOLFO

75, 77

NISHIZAWA, LUIS

68, 70, 88, 89

O OLIVA, PEDRO PABLO

123

OROZCO, JOSÉ CLEMENTE

53

P PALACIOS, IRMA

161

PARRA, CARMEN

105, 111

PELLICER, CARLOS

155, 158

PIMENTEL, RODRIGO

85, 86

PLANES, SEGUNDO

167

PORTOCARRERO, RENÉ

28, 29, 38

W WIDMANN, BRUNO

4

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Informes: Sofía Duarte | Tel. (55) 5283 3140 ext. 3171 sduarte@mortonsubastas.com Monte Athos 175, Lomas de Chapultepec Ciudad de México

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TÉRMINOS DE REFERENCIA PARA EL CATÁLOGO PINTURA, GRABADO, DIBUJO, ACUARELA Y MINIATURA. *Una obra que aparece sólo con el nombre (s) o una designación reconocida de un artista, sin más información, es en nuestra opinión una obra de ese artista.

Atribuido a: En nuestra opinión, podría tratarse de una obra del artista.

Escuela de: Obra ejecutada en el taller del artista, posiblemente bajo su supervisión.

Círculo de: Obra del periodo del artista, con influencia del mismo.

Después de: Obra realizada en el estilo del artista pero en una fecha más reciente.

Copia de: Copia (sin importar la fecha) de una obra del artista.

Firmado (a): La obra está firmada por el artista. La adición de un signo de interrogación o comillas indica un elemento de duda.

PORCELANA, VIDRIO, CERÁMICA Y ALFARERÍA *Una pieza con el nombre de la fábrica de un lugar o región sin más información, en nuestra opinión proviene de ese lugar.

Estilo: Una copia o imitación de piezas producidas en la fábrica, lugar o región mencionados.

Matrimonio: Las dos piezas que pertenecen al mismo juego.

Fabricado del modelo: Objeto hecho en el molde maestro por el modelador y bajo su supervisión.

Pintado por: La pieza puede ser atribuida al artista por razones de su estilo o forma.

Con sellos o firma de: La pieza podría atribuirse al artista, la fábrica o el taller mencionados.

ESCULTURA Y ARTES DECORATIVAS *Una obra que aparece sólo con el nombre (s) o una designación reconocida de un artista, sin más información, es en nuestra opinión una obra de ese artista.

Fundido de un modelo de: Obra realizada a partir de un modelo del artista, proveniente de su círculo y fundido durante su vida o poco tiempo después.

Atribuido a: Obra probablemente realizada por el artista o su taller.

Estilo: Obra del periodo del artista o de su taller y cercano a su estilo.

Firmados o sellados: A nuestro parecer, podría tratarse de una pieza del artista o de su taller.

Las descripciones contenidas en este catálogo son realizadas conforme a lo dispuesto en el primer párrafo del Artículo 77 de la Ley Federal del Derecho de Autor. Este catálogo se realiza en ejecución del contrato de consignación correspondiente, para servir de guía en la subasta a efectuarse.

GUÍA PARA COMPRADORES

Si usted no ha comprado antes en nuestras subastas, por favor lea las siguientes reglas de subasta.

En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal quien lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la sala de ventas. Usted puede consultarnos y le responderemos a todas sus preguntas

I. GENERALES 1.

Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton, actúa únicamente como comisionista en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos de consignación previamente celebrados con estos, de quienes se presume tiene la propiedad de los mismos.

2.

Los datos o contenidos en el catálogo de la subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios.

3.

La subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton.

II. LOTES 1.

Para efectos de la subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por los lotes en el transcurso de la subasta.

2.

Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton indique.

3.

Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo para la subasta que elabore Morton.

4.

Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la subasta, por lo que el personal de Morton estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote.

5.

Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentran en el momento de celebrarse la subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la subasta.

6.

Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla.

7.

Los valores estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de $2,000.00 M.N.

8.

Los lotes que se subastan se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos.

III. OFERTAS PRESENCIALES Para hacer una oferta en la subasta, usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin.

1.

Como garantía a Morton, por el o los lotes que les sean adjudicados durante la subasta la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express, firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

2.

Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de I.V.A. sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 M.N. más comisión $1,000.00 M.N. más I.V.A. $160.00 M.N., total de la factura a pagar $6,160.00 M.N.

3.

Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicará ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento.

4.

Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el I.V.A. correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de crédito bancario o American Express, se incrementará el 6.6% por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados, descontando lo que previamente se tomó como garantía.

5.

Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja.

6.

Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. OFERTAS EN AUSENCIA Y OFERTAS EN LÍNEA 7.

Refiérase a las páginas de este catálogo: “¿Cómo se compra en subasta sin estar presente en el salón?”

V. EXPORTACIÓN 8.

El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad.

9.

Para mayores informes consulte: www.tramites.inah.gob.mx

AVISO DE PRIVACIDAD

FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA

Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso_de_privacidad.pdf

Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos.

ESTOY DE ACUERDO SI

NOMBRE DE SUBASTA FECHA

NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS SI

NO

OFERTA POR TELÉFONO

SI

NO

NOMBRE COMPLETO

NO

RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON)

CALLE

No.

COLONIA

C.P.

ALCALDÍA / MUNICIPIO NOMBRE Y FIRMA

E-MAIL TELÉFONO

CELULAR

IDENTIFICACIÓN

FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C, reembolsable en el caso de que no se me adjudiquen los lotes.

Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD NÚMERO SEGÚN

FECHA DE VENCIMIENTO DESCRIPCIÓN

FIRMA

Ciudad de México. a de

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

CATÁLOGO

del año

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150

$

.00 M.N.

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.00 M.N.

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.00 M.N.

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.00 M.N.

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CONDICIONES PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE: 1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo, las cuales se encuentran a su disposición en Morton.

2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en la ficha de registro para ofertas en ausencia , hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta. b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton. c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente:

LÍMITE DE OFERTA:

Subastas en Monte Athos: $50,000 M.N.

3. No están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

Subastas en Cerro de Mayka: $5,000 M.N.

RESPONSABILIDAD:

El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton sin previo aviso al cliente.

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo es responsable que usted logre se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS:

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

ADJUDICACIÓN:

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton.

7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

REQUISITOS:

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos:

d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada.

CONDICIONES DE PAGO:

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%).

Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o American Express, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

OFERTAS POR TELÉFONO:

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor.

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

ABSENTEE BID FORM

RECEPTION (MORTON STAFF ONLY)

AUCTION TITLE DATE

PALETTE NUMBER

ONE MORE BID AUTHORIZE

SI

NO

TELEPHONE BIDS SI

NO

FULL NAME ADRESS

NAME AND SIGNATURE

ZIP CODE

E-MAIL TELEPHONE

MOBILE

ID NUMBER DATE AND TIME OF RECEPTION I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

CREDIT CARD SECURITY CODE

EXPIRING DATE

DESCRIPTION

LOT NUMBER

TOP LIMIT BID

SIGNATURE

(Date)

(Mexican Pesos)

MEXICO CITY

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 & 3150 Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

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ABSENT BID TERMS AND CONDITIONS

BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton.

WHO MAKES THE BIDS:

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT:

a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it. b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held. c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton.

Auctions at Monte Athos Gallery: $50,000.00 MXP Auctions at Cerro de Mayka Gallery: $5,000.00 MXP.

3. Unlimited bids are not permitted.

The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer.

RESPONSIBILITY:

d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID:

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the “One more bid authorized” section is chosen as “Yes”, you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as “No” or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION:

PAYMENT CONDITION:

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with credit card or any American Express card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for.

BIDS OVER THE TELEPHONE:

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton.

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met:

CONFIDENTIALITY

CALENDARIO DE SUBASTAS

MONTE ATHOS 175 Se consigna ocho semanas antes de la fecha de subasta o antes si es posible: Antigüedades, Arte Moderno y Contemporáneo y Vinos de Colección y Uso Diario.

Monte Athos 175 Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 5283 3140

JUNIO D

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MONTE ATHOS 179 Se llevan a cabo exposiciones y subastas de: Antigüedades, Arte Moderno y Contemporáneo, Joyería y Relojes, Vinos de Colección y Uso Diario. Se consignan piezas de Joyería y Relojes para venta en subasta.

Monte Athos 179 Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 5283 3140

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CERRO DE MAYKA 115 Subastas de Oportunidades Subastas de Arte Decorativo y todo tipo de artículos que visten y decoran el hogar. También se consigna desde menajes completos hasta objetos sencillos, que pueden ser aceptados durante la semana anterior a la Subasta; le pedimos consulte con nuestra oficina de consignación.

Se llevan a cabo exposiciones y subastas de: Libros y Documentos, Obra Gráfica y Fotografía.

Cerro de Mayka 115. esq. Sierra Paracaima Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 5283 3140

CONSTITUYENTES 910 Se consigna ocho semanas antes de la fecha de subasta o antes si es posible: Libros y Documentos.

Av. Constituyentes 910 Col. Lomas Altas 11950, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 5283 3140

OFERTAS EN AUSENCIA Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Blanca Sánchez / Areli Uri Carranza ofertasenausencia@mortonsubastas.com Tel. + 52 (55) 5283 3140 ext. 3148, 3149 y 3150

Todos los sábados 11:00 a.m.

Subasta de Oportunidades

Jueves 2 5:00 p.m.

Subasta de Arte Latinoamericano

Miércoles 15 5:00 p.m.

Subasta de Joyería y Relojes

Martes 21 5:00 p.m.

Subasta de Libros Antiguos y Contemporáneos

Miércoles 22 5:00 p.m.

Subasta de Vinos de Colección y Uso Diario

Jueves 23 5:00 p.m.

Subasta de Arte Moderno.

Incluye Sección de Arte Contemporáneo

Jueves 30 5:00 p.m.

Subasta de Antigüedades

ASISTA, COMPRE EN LÍNEA, EN OFERTAS TELEFÓNICAS Y EN AUSENCIA

INTERIOR DE LA REPÚBLICA Lo asesoramos en el proceso de compra o venta en subasta. Se consignan piezas para incluirse en las subastas que se llevan a cabo en la Ciudad de México.

Monterrey, N.L. Río Mississippi 220 - C esq. Río Salinas Col. Del Valle (Centrito Valle).

66220, San Pedro Garza García, N.L. Tel. + 52 (81) 8335 1917

SÍGANOS EN: mortonsubastas

@mortonsubastas

@mortonsubastas

mortonsubastas

Guadalajara, Jal. Francisco Zarco 2384 Col. Ladrón de Guevara 44600, Guadalajara, Jalisco Tel. + 52 (33) 3630 2325

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© D.R. Rufino Tamayo / Herederos / México / 2022 / Fundación Olga y Rufino Tamayo, A.C

Monte Athos 179, Col. Lomas de Chapultepec, C.P. 11000, Ciudad de México. Tel. (55) 5283 3140

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