La evolución hacia la expresión creativa Comunicación de Moda IV
P O R
J O S E F I N A
M O N T E S
COMUNICACIÓN DE MODA IV
Buenos Aires
ÍNDICE Agradecimientos
03
Introducción
04
Capítulo I La simbiósis entre la danza y la moda
05
Capítulo II La tendencia de consumo del ballet en la moda
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Capítulo III La noción de lo colectivo
10
Capítulo IV Diseñadores de la moda para la danza
12
Capítulo V Podcast: Diseño de vestuario
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Capítulo VI Marketing de Moda
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Capítulo VII Misión Social
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Bibliografía
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AGRADECIMIENTOS Quiero expresar mi profundo agradecimiento a todos aquellos que contribuyeron de manera significativa en la creación y desarrollo de mi primer Ebook. Este logro no hubiera sido posible sin el apoyo invaluable de personas excepcionales a quienes quiero reconocer y agradecer. En primer lugar, quiero dirigir mi agradecimiento a la profesora Ángeles Díaz O´kelly, cuya orientación y apoyo fueron fundamentales en todo el proceso. Gracias por ser mi guía constante durante la cátedra, por corregirme con paciencia y por incentivarme a dar lo mejor de mí en cada página. Su dedicación y experiencia han sido una de gran ayuda en este camino creativo. A Camila y Adriano por su disposición constante para brindarme orientación en cuanto a redacción y propuesta estética. Siempre estuvieron allí para ofrecer sus perspicaces comentarios y sugerencias, llenos de buena energía que motivaron mi proceso creativo. A mi familia y amigos, les agradezco su apoyo incondicional y su honestidad al ofrecer sus opiniones. Fueron fundamentales para alcanzar el mejor resultado posible. Valoré cada consejo y crítica constructiva, sabiendo que venían desde una perspectiva genuina y fuera del mundo de la moda. Este Ebook es el resultado de un esfuerzo colectivo y refleja el cariño y compromiso de todos ustedes. Cada palabra escrita lleva consigo un pedazo de sus contribuciones y orientaciones. Gracias por creer en mí, por inspirarme y por ser parte esencial de este emocionante viaje.
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INTRODUCCIÓN
La moda y la danza han mantenido hasta el día de hoy una relación fascinante a lo largo de las décadas, como formas de expresión artística humana intrínsecamente ligadas al arte y la cultura. Estas disciplinas comparten el propósito de comunicar emociones, contar una historia y reflejar la evolución de la sociedad en la que florecen. Esta relación entre la danza y la moda es una historia de continua evolución y retroalimentación creativa, su intersección continúa siendo una fuente de inspiración y creatividad en el mundo del arte y la cultura. Desde el elegante vals del siglo XIX hasta la explosion de la cultura hip-hop en la actualidad, la participación entre la moda y la danza ha dado lugar a una evolución dinámica y contínua que influye en la forma en que percibimos y experimentamos este tipo de arte.
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CAPÍTULO I: LA SIMBIÓSIS La moda y la danza En el siglo XIX, la danza clásica, encarnada por el ballet, estaba en auge. Esta etapa estaba caracterizada
La década de 1960 y principios de 1970 estuvieron marcados por la fusión de la moda y la danza en movimientos como
por trajes exquisitos y rígidos, diseñados para realzar la gracia y
el "flower power" y la cultura hippie. Los diseñadores se inspiraron en la
belleza de los bailarines en el escenario. Los vestidos largos y las zapatillas de punta eran esenciales para la técnica de ballet, y los atuendos aportaban a la creación de
danza de improvisación y la cultura de la calle, creando prendas más informales y coloridas que reflejaban el espíritu de la época. La danza contemporánea, con figuras como
una estética sofisticada y elegante. La moda de esta época además, reflejó la
Merce Cunningham y Pina Bausch, continuó desafiando las convenciones
influencia de la danza, con sus faldas voluminosas y corsés para resaltar la figura femenina con una reminiscencia a las podes de las bailarinas.
establecidas y explorando nuevas formas de movimiento, lo que influyó en la moda de la época con siluetas más relajadas y materiales naturales.
En el siglo XX se vio un cambio radical tanto en la moda como en la danza. Con la aparición de movimientos de vanguardia en la danza contemporánea coincide con la búsqueda de la libertad de expresión en la moda. La moda se volvió más funcional y adaptada a un estilo de vida activo, lo que permitió
En el siglo XXI, la relación entre la moda y la danza se ha vuelto aún más diversa y global. La difusión de la cultura a través de Internet y las redes sociales ha llevado a una mayor exposición de diferentes estilos de danza de todo el mundo, lo que ha influido en la moda contemporánea. La
una mayor libertad de movimiento, rompiendo con la rigidez del ballet clásico. Esto lo podemos ver en bailarinas como Isadora Duncan y Martha Graham, pioneras de la danza contemporánea moderna.
moda urbana y el streetwear han incorporado elementos de la danza hiphop y el breakdance, mientras que diseñadores de renombre colaboran con compañías de danza para crear trajes innovadores y funcionales.
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CAPÍTULO I
"Después de haber diseñado una pieza, debes preguntarte: ¿se puede bailar?" (Harriet Jung, 2020)
La danza y los diseñadores a partir del siglo XX La relación entre la danza y la moda ha sido una fuente constante de inspiración y colaboración a lo largo de los años. Desde diseñadores icónicos hasta talentos emergentes, la danza ha influido en la moda de maneras notables. Uno de los ejemplos más destacados de esta simbiosis es el modisto francés Paul Poiret, cuyo trabajo durante los años previos a la Primera Guerra Mundial dejó una
Paul Poiret, influenciado por el fascinante vestuario y las cautivadoras escenografías diseñadas por Leon Bakst para los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev, incorporó audazmente el estilo de la danza en sus creaciones de alta costura. Este vanguardista diseñador francés logró llevar la estética de la danza a la moda, fusionando la elegancia y la fluidez de los ballets en prendas que capturaron la imaginación de la sociedad de su época. Su visión visionaria ayudó a abrir nuevos horizontes creativos en la moda, demostrando cómo la danza puede inspirar la innovación en el vestuario.
marca indeleble en la moda femenina. Como bien mencionan en el libro “El estilo entre líneas: “El primer modisto en aprovechar comercialmente el simbolismo de la alta costura como arte fue Paul Poiret” (Kate Nelson Best, 2019: 107) “Poiret fundó su negocio en 1903, una época en la cual París era un centro cultural, cosmopolita del arte, diseño, danza, música y también moda, y donde -hasta la Segunda Guerra Mundial- todas estas expresiones artísticas se entrelazaban creativa, social y comercialmente”. (Nelson Best, 2019: 107- 108)
Los pantalones harem, ilustrados por Georges Lepape en su álbum «Les choses de Paul Poiret», publicado en 1911
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CAPÍTULO I
No obstante, la influencia de la danza en la moda no se limita al escenario europeo. En Buenos Aires, encontramos un ejemplo contemporáneo de esta relación en el diseñador Pablo Ramírez. Este talentoso creador no solo ha incorporado estéticas inspiradas en el ballet en algunas de sus colecciones, sino que también ha contribuido al mundo de la danza mediante la creación de vestuario para diversas obras, incluyendo la aclamada "Zeppelin". Su capacidad para unir la moda y la danza es un testimonio de cómo estas dos formas de arte pueden converger y nutrirse mutuamente en la escena creativa contemporánea.
Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín «Zeppelin» vestuario de Pablo Ramirez
Queda claro que esta interacción entre la danza y la moda sigue siendo una fuente de inspiración que enriquece ambas disciplinas. En este contexto, la danza no solo sirve como inspiración para el diseño de moda, sino que también influye en la forma en que percibimos y experimentamos la vestimenta. Los movimientos, la gracia y la expresividad de la danza se traducen en prendas que no solo buscan embellecer el cuerpo, sino también capturar la esencia y el dinamismo del movimiento humano. A medida que avanzamos en el tiempo, esta conexión única entre la danza y la moda no solo persiste, sino que se fortalece. Continúa brindando oportunidades para la creatividad y la expresión artística en constante evolución, mostrando que la colaboración entre estas dos disciplinas es un proceso dinámico y enriquecedor que sigue contribuyendo al mundo del arte y la cultura. 07
CAPÍTULO II LA TENDENCIA DE CONSUMO DEL BALLET EN LA MODA En esta confluencia de la moda y la danza, ha surgido una tendencia de consumo que ha capturado la imaginación de los diseñadores. Esta tendencia denominada Ballet Core, representa una convergencia única entre la danza clásica y la alta costura, donde los diseñadores de moda han encontrado como fuente de inspiración la estética y gracia del ballet. Esta relación simbiótica ha elevado tanto a la danza clásica y la moda a un nivel de influencia cultural. El Ballet core tiene como esencia la celebración de la elegancia y la feminidad atemporal que caracteriza a la danza clásica. Los diseñadores de moda han tomado la estética del ballet, utilizando elementos como los tutus, las zapatillas de punta y las faldas de tul en sus colecciones. El uso de paletas de colores suaves y los tejidos sutiles se han convertido en sellos distintivos de esta tendencia, creando la sensación de ligereza y romance en la moda. Estos elementos son reinterpretados de manera innovadora para crear piezas que reflejan la delicadeza y la gracia de las bailarinas de ballet que se integran al diseño contemporáneo.
SANDY LIANG SS24
En conclusión, esta tendencia fusiona la elegancia y el romanticismo del ballet clásico con la comodidad y el estilo del athleisure, añadiendo un toque de glamour couture. No se trata solo de replicar la indumentaria de esta danza, sino de capturar la esencia de la misma en prendas de la vida cotidiana. Esta tendencia se ha convertido en una forma de expresión que celebra la gracia y sofisticación en el día a día. 08
SANDY LIANG RS24 - Look 1
MIU MIU FW22 - Look 17
DHRUV-KAPOOR SS22 - Look 10
MOLLY GODDARD SS22 - Look 10
SHANG XIA SS23 - Look 11
GIAMBATTISTA VALLI SS21 - Look 25
SANDY LIANG SS24 - Look 1
MARYAM NASSIR ZADEH RE23 - Look 24
MM6 SS23 - Look 19
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CAPÍTULO III
LA NOCIÓN DE LO COLECTIVO La firma de moda sostenible argentina, "Galpón de Ropa", destacó en el escenario durante la Semana de la Moda de Buenos Aires el 6 de septiembre al revelar su última colección Primavera Verano 2024, denominada "Corazón Compartido". Esta propuesta va más allá de los límites de la moda convencional al abrazar la esencia de la diversidad de raíces que configuran la identidad argentina, al tiempo que celebra las tradiciones que cohesionan nuestra sociedad.
Galpón de ropa SS24
La selección del espacio tuvo lugar en la destacada fábrica del Colón, un almacén dedicado a preservar las escenografías del prestigioso Teatro Colón. Esta elección de locación añadió una dimensión única al evento, al posibilitar una presentación que integró prendas de segunda mano con un entorno teatral. La combinación entre la moda y el teatro en un espacio que almacena narrativas artísticas previas culminó en una presentación que personificó el concepto de moda circular.
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CAPÍTULO III
El corazón de la presentación gira en torno a la noción de lo colectivo. Las prendas vintage o de segunda mano no son solo objetos, sino portadoras de historias individuales y colectivas. Cada prenda es un testimonio de la unión de personas que quizás nunca se cruzaron, pero compartieron vivencias a través de la ropa que vistieron. La moda circular se convierte así en un bien colectivo y una lucha, donde la conexión y la unidad son la clave.
La conexión entre la moda y la danza en esta colección es especialmente notable. La danza, como expresión artística, comparte similitudes con la moda al tratarse de una manifestación de la creatividad y la identidad cultural. En este contexto, la
Galpón de ropa SS24
argentinidad se entrelaza con la danza, el movimiento y el cuerpo, creando una fusión única. El desfile presenta una mezcla ecléctica de danzas folklóricas, contemporáneas y urbanas, demostrando la versatilidad y diversidad de la cultura argentina.
En palabras de los diseñadores, "Se trabajó el concepto de conexión colectiva como fuerza creadora, hablando de las raíces y tradiciones que nos unen". La colección busca compartir y celebrar las costumbres argentinas, resaltando la mixtura de raíces que nos conforman como una unidad diversa pero conectada.
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CAPÍTULO IV
DISEÑADORES DE MODA PARA LA DANZA: DE CHANEL A VERSACE El escenario puede ser una especie de laboratorio, un bloc de dibujo, para el diseñador. A veces se ven inventos en disfraces que aparecen en las colecciones del año siguiente. Y a veces las piezas se prueban en desfiles y luego aparecen en el escenario. Noisette, 2020 La exhibición curada por Philippe Noisette, destaca el papel significativo que la danza ha desempeñado en el mundo de la moda a lo largo del siglo XX. Desde los Ballets Rusos hasta la danza moderna, la libertad de movimiento ha influido en la libertad del cuerpo y ha capturado la atención de diseñadores destacados como Gabrielle Chanel, Yves Saint Laurent, Jean Paul Gaultier y otros. La exposición que tomó lugar en el Centro Nacional de Vestuario Escénico en París reúne 130 piezas, ofreciendo un viaje visual a través del siglo con enfoque en cuatro temas: Formas, Segunda Piel, No Tan Clásico y Materiales. Destacan colaboraciones creativas, como la respuesta de Jean Paul Gaultier al lujo de Hervé L. Leroux, combinando el tutú con la marinière, y la expresión del "chic" francés en movimiento en las obras de Chanel.
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REINVENTANDO FORMAS Esta sala inaugura la exhibición, presentando el ingenioso trabajo de destacados diseñadores de moda y su sorprendente enfoque en las formas. Destaca la transformación del tutú clásico a una forma cuadrada y casi mordisqueada, como se observa en la creación de Viktor & Rolf para el Ballet Nacional Holandés, que se asemeja a una escultura contemporánea.
Jean Paul Gaultier destaca aquí por su colaboración con la coreógrafa Régine Chopinot. Cinco trajes y máscaras de animales reflejan sus áreas de investigación: pechos cónicos, corpiños y corsés blindados, fusionando humor peculiar con la severidad de la alta costura. La sala también exhibe obras del dúo inglés BodyMap para el coreógrafo Michael Clark, con un estilo británico excepcionalmente excéntrico. Finalmente, el estadounidense Rick Owens, residente en París, deja su inconfundible marca.
Vestuario de Viktor & Rolf para Shape, coreografía de Jorma Elo, Ballet Nacional Holandés, Ámsterdam 2014, De la colección de: National Stage Costume Center
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SEGUNDA PIEL “Revelar (un poco) u ocultar (mucho) es un arte.”
Diseños de Adeline André, Christian Dior (pantalón y vestido) y Christian Lacroix
Esto cobra vida con el estilo de Christian Lacroix y Adeline André, explorando la interacción con el movimiento de la danza. Los dos trajes de la Maison Christian Dior, creados por Maria Grazia Chiuri para el Ballet de la Ópera de Roma, hacen su debut en una institución francesa. La exhibición celebra la destreza de los diseñadores de moda, destacando la labor de los talleres de costura de la Ópera Nacional de París y la Ópera de Lyon. Esta sección centrada en el vestuario como la segunda piel del artista, diseñado para realzar sus líneas y curvas, presenta trajes con plumas de gallo, estampados y pasamanerías para resaltar el cuerpo danzante. Duo On Aura Tout Vu, Charlie Le Mindu, y Jérome Kaplan, destacado modisto de danza, se unen en una puesta en escena original.
Traje de On aura tout vu para El niño y los sortilegios, coreografía de Jeroen Verbruggen. Creación, Les Ballets de Monte-Carlo, 2016
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En Balmain (Olivier Rousteing), la "piel" es preciosa, bordada con piedras, perlas y lentejuelas, destacando en Renaissance, creación original de Sébastien Bertaud para la Ópera de París. En Givenchy (Riccardo Tisci), la piel adopta la forma de encaje en un bolero imaginado por Sidi Larbi Cherkaoui, Damien Jalet y Marina Abramovic.
Vestuario de Olivier Rousteing de Balmain, para Renaissance, coreografía de Sébastien Bertaud. Creación, Ópera Nacional de París, 2017
Daniel Larrieu, influyente coreógrafo de la Nueva Ola francesa de los 80 y 90, “siempre estuvo cerca de la moda y de los creadores”, exhibe trajes que hoy en día se encuentran en el Centro Nacional del Traje Teatral. La sala destaca su trilogía Les Marchands/Les Bâtisseurs/Les Prophètes, un éxito coreográfico lleno de inventos visuales inspirados en la historia del vestuario. Vestuario de Riccardo Tisci de Givenchy, para Boléro, coreografía de Sidi Larbi Cherkaoui y Damien Jalet. Creación, Ópera Nacional de París, 2013
Vestuario de Sylvie Skinazi para Los profetas, coreografía de Daniel Larrieu. Creación, Bienal Internacional de Danza de Lyon, 1990, De la colección de: Centre national du costume de scène
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LO CLÁSICO, NO TAN CLÁSICO En esta sala con corsés, jubones y marineras “mira a tu alrededor: ¡todo para bailar!”. Yves Saint Laurent homenajea a Mondrian en Notre Dame de París, Karl Lagerfeld presenta trajes militares, y los trajes "quemados" de Sylvie Skinazi, colaboradora ocasional de Christian Lacroix, son una maravilla en danza.
Izquierda: Yves Saint Laurent, Medio: Sylvie Skinazi y derecha: Karl Lagerfeld
Karl Lagerfeld, Jean Paul Gaultier, Iris van Herpen y Christian Lacroix reinventan el tutú en una explosión de colores. En esta oda a la creatividad, los diseñadores desafían lo esencial de la danza clásica. El tutú no se limita al blanco y lo romántico; puede ser multicolor y moderno. Una sala donde las convenciones son dejadas atrás.
Traje de bailarina en "Les Anges tarnis" Traje de bailarina en "Les Anges tarnis", Christian Lacroix, 1987, De la colección de: Centre national du costume de scène
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EL TEATRO DE LA MODA La última sala, un escenario en sí misma, celebra la colaboración única entre Gianni Versace y Maurice Béjart. Obras excepcionales, algunas raramente vistas durante años, dan vida a este espacio dedicado. Entre ellas, destaca el vestido de la emperatriz anarquista Sissi, llevado por Sylvie Guillem, y piezas extraordinarias como Elégie pour Elle, L., aile (1989) y el ballet para Patrice Chéreau, quien, convertido en danseur en 1988, dejó su marca. La sala emana el puro espíritu de la alta costura, con tutús finamente bordados que añaden momentos de gracia. En las salas del Centro Nacional del Traje Teatral, Versace y Béjart, dos maestros del arte, encuentran su encuentro final. Vestuario de Gianni Versace para Malraux o la coreografía Metamorfosis de los dioses de Maurice Béjart. Creación, Bart, Italia, 1986
Vestuario de Gianni Versace para Patrice Chéreau (ahora bailarín) coreografía de Maurice Béjart. Creación, Bruselas, 1988
Vestuario de Gianni Versace para Elegy for Her, L., ala, coreografía de Maurice Béjart. Creación, Bruselas, 1989
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CAPÍTULO V: PODCAST LUCES, CÁMARA Y MODA Los amantes de la moda y lo audiovisual se unen. Tanto los diseñadores de moda como los vestuaristas comparten el arte de cranear prendas y accesorios. Se trata de contar historias y personajes. Ambos roles requieren habilidades creativas y técnicas, pero sus aplicaciones son distintas. El diseño de moda hoy en día se encuentra en gran auge y crecimiento, pero también se hace notar el diseño de vestuario, ya que el éxito de cualquier serie o película no solo depende de la trama y el elenco, sino también del vestuario de cada uno de ellos. Los diseñadores de vestuario son figuras claves en la industria del entretenimiento, ya sea en cine, teatro, televisión y otros medios. La moda y el diseño de vestuario continúan evolucionando de la mano de las nuevas tecnologías y por las tendencias culturales. Grandes diseñadores de moda consagrados como Mugler y Zac Posen, se encuentran incursionando en el diseño de vestuario. Zac Posen llevó sus habilidades a la pantalla grande como vestuarista para la película “The Outfit” y diseñó el vestuario de trajes para Harrison Ball quien creó un programa de coreografía para el New York City Ballet, comentando que fue “genial ver la ropa y el movimiento de una manera diferente”.
"Lo que fue realmente interesante para mí fue ver cómo la ropa tiene una cualidad transformadora en el proceso de realización cinematográfica para apoyar a los actores y su actuación". Zac Posen
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CAPÍTULO V
A partir de esta irrupción de diseñadores en la industria del vestuario y el desarrollo de este libro, se construyó el podcast: “Más allá de la tela” el cual se dedica a desentrañar los hilos que conectan la moda con diversas formas de expresión. En este espacio, exploramos las inesperadas sinergias que la moda comparte con disciplinas como la danza, el entretenimiento y más. Una travesía que va más allá de las pasarelas y las prendas de diseñador, revelando cómo la moda se entrelaza con el arte del movimiento. En cada episodio, buscamos desterrar estereotipos al demostrar que la moda no solo viste cuerpos, sino que también baila al compás de la creatividad, la cultura y la narrativa visual.
El primer capítulo trata sobre la sinergia entre la moda y el entretenimiento. Es por esto que invitamos a la diseñadora y productora argentina, Vanesa Krongold, quien además de llevar a cabo su marca homónima desde el año 2012, se introduce en el mundo del vestuario. En esta entrevista nos cuenta acerca de su rol como vestuarista para la serie “Porno y Helado” de la plataforma Amazon Prime Video, cómo fue el proceso creativo y el cambio que vio con esta transformación a una plataforma audiovisual.
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CAPÍTULO VI: MARKETING DE MODA
“Si miro todos los zapatos que tengo, a mí me tira más lo teatral, casi el disfraz, algo performático. Que un día puedas vestirte como Vivienne Westwood y otro como en los 90” Jessica Kessel
Jessica Kessel, la diseñadora argentina de zapatos artesanales siempre fue innovadora y se diferenció del resto de los diseñadores. No solo con la geometría, la forma no convencional que le da a sus zapatos y el uso de colores con combinaciones fuera de lo “normal” sino también, con su forma de comunicar y vender sus productos. Jessica tiene un gran manejo de las redes sociales para lograr expresar el concepto de su marca y así crear lazos con el público consumidor. Más allá de las diferencias entre ella y su propia marca, a ambas les pone gran énfasis en contar, principalmente desde la fotografía, ya que tiene muy en claro la importancia y lo fundamental que es la comunicación.
Una gran forma de marketing digital que propuso en sus redes sociales fue en base a su nuevo lanzamiento de “Las Jordan K”. Jessica Kessel, se unió con la comunicadora de moda y creadora de contenido, Rocío Vazquez conocida como “Sereinne” o “la de rosa que habla de moda” para vender y dar a conocer la historia detrás de la reinterpretación de las famosas zapatillas Jordan. Se trata al calzado como parte de una historia, describiendo el taco finito con gran estabilidad por su base como la terminación en punta con un aire rococó, referenciando a Maria Antonieta de Sofía Coppola. Esta forma de difusión es ideal ya que pone al consumidor en contacto directo con la diseñadora, su producto y el origen detrás. De esta forma no solo vende un zapato sino una experiencia y una historia de la misma.
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CAPÍTULO VII: MISIÓN SOCIAL CLARA PINTO Esta diseñadora y artista textil argentina, instalada en Londres, confecciona piezas que llevan a
“La responsabilidad social que siento como creadora, es la de hacer algo que no vas a descartar en dos años. Ahí es
reflexionar sobre las mujeres, el medio ambiente y el trabajo social digno.
donde reside uno de los verdaderos problemas de la industria”. Clara Pintó
No se considera diseñadora de moda ya que no responde a las reglas de la industria como lo son las tendencias y la estacionalidad, entre otros. Sus obras son creadas con materias primas orgánicas, ya que estos materiales tienen propiedades nobles que se desperdician, pero que le dan un gran significado a las prendas ya que anulan la posibilidad de identificarlas. Trabaja con lana de distintas partes del mundo como punto de partida para cada colección, conociendo el origen de la misma, cómo fue tratado para así rendirle homenaje. Sus prendas son artesanales ya que su proceso se encuentra mayormente ligado al fieltro y bordados: “básicamente dibujar con hilo”. Su misión como diseñadora es que la gente se pueda vestir de forma arriesgada y que no por eso sea nodemocratizable. Para Clara Pintó ya no se trata de transmitir lo que piensa la cabeza a la prenda, sino que es más lo que querés que sienta cuando se la pone cada persona. 22
CAPÍTULO VII
SINEAD O´DWYER Desafortunadamente, las extremidades esbeltas están tan indisolublemente ligadas al ballet
En el ámbito de la moda, la diseñadora desafía los estándares preexistentes al incorporar patrones característicos
como las imágenes de zapatillas de punta de satén rosa y tutús de tul impecable. En los últimos años, la incorporación
del ballet en sus creaciones. Las calzas con aberturas y las transparencias, elementos intrínsecos al vestuario de danza, se reinterpretan bajo su mirada
del ballet a la ropa cotidiana (conocida ampliamente como ballet core) ha
innovadora. Al despojar estas prendas de las limitaciones tradicionales de la
regresado a la moda, con marcas de lujo como Rodarte, Simone Rocha, Miu Miu y Molly Goddard ocupando un lugar central en su resurgimiento. Pero como las tallas grandes siguen sin estar disponibles en gran medida, está claro que la gordura sigue siendo un
talla y la forma corporal, O'Dwyer trasciende los estereotipos de la industria de la moda, presentando una visión donde la autenticidad y la diversidad son celebradas.
tabú tanto en el baile como en la moda. En el ámbito de la moda y la danza, la
en su capacidad para redefinir el diálogo entre la moda y la danza, fusionando elementos distintivos del
gordura ha sido tradicionalmente percibida como "fuera de la norma establecida", pero en la actualidad, numerosos diseñadores y marcas buscan desafiar estos estereotipos. La diseñadora irlandesa O'Dwyer se ha destacado como una pionera en la
ballet con una estética que celebra la autenticidad en todas sus formas. Al romper con los estereotipos, O'Dwyer no solo abre nuevos horizontes en la danza y la moda, sino que también establece un precedente crucial para la inclusión y la representación
convergencia entre la moda y la danza, desafiando audazmente los estereotipos arraigados en ambas industrias. Su enfoque disruptivo se hace evidente al explorar prendas que tradicionalmente han representado al ballet, como las calzas con aberturas y las transparencias, y transformarlas en expresiones de inclusión y diversidad.
genuina en dos industrias en constante evolución.
El impacto de Sinead O'Dwyer radica
23
24
Bibliografía Best. K. B (2020); “El estilo entre líneas: Una historia del periodismo de moda”. Susana Saulquin (1990); “La moda en la Argentina”. Valerie Steele (2018); “Fashion Theory” Danza
y
moda.
Historia
del
traje
Cátedra
Ex
Marino
(2020)(Link:
https://historiadeltraje.com/2020/06/16/danza-y-moda/) Ballet
core
como
microtendencia
(Link:
https://www.chicmagazine.com.mx/estilo-de-
vida/moda/balletcore-tendencia-faldas-ballet-2022) Diseñadores
inspirados
en
la
danza
a
lo
largo
de
los
años
(Link:
https://www.vogue.com/article/balletcore-a-look-back-at-how-designers-have-been-inspired-bydance? epik=dj0yJnU9OUFocHpwWmtFeVR3ODZ6MkgwVjF4a3VodWtKYXltZjYmcD0wJm49YzBqbzdpaW9VUW hBYXo3cjNvYW1YZyZ0PUFBQUFBR1RlZzhj) Diseñadores
de
moda
y
vestuaristas
relacionados
a
la
danza
(Link:
https://www.danzaballet.com/exibicion-ballerina-fashions-modern-muse-en-museum-at-the-fashioninstitute-of-technology/ https://www.revistabrooke.com/francisco-ayala-disenador-y-vestuarista-de-grandes-obras-de-ballet/ TAGWALK
(Link:
https://www.tag-
walk.com/en/moodboards/public/800a06e99dd3e74f66c63657ef763bf7db3fb348) Vogue Runway Galpón de Ropa en la BAFWEEK (Link: https://www.infobae.com/tendencias/2023/09/07/bafweek2023-la-moda-circular-copo-la-pasarela-mas-sustentable-de-la-semana-de-la-moda/ Google Arts and Culture; Exhibición Fashion designers for dance por Centre National du costume de scéne (2020).(Link: https://artsandculture.google.com/story/BAWRLadVTrOeJQ) Entrevista a Philippe Noisette, curador de Exhibición “Fashion designers for dance”, para The New York Times
(2020)
(Link:
https://www.nytimes.com/2020/01/01/arts/dance/costumes-couturiers-de-la-
danse.html) Fashion
Movements
(Link:
https://www.irenebrination.com/irenebrination_notes_on_a/2020/02/couturiers-de-la-danse-cncs.html) https://www.fibre2fashion.com/industry-article/4310/fashion-designing-vs-costume-designing Zac Posen, de diseñador a vestuarista: (Link: https://graziamagazine.com/us/articles/zac-posencostume-design-the-outfit-movie/) https://variety.com/2022/artisans/news/zac-posen-costume-design-the-outfit-1235208724/ Página oficial de Vanesa Krongold; https://www.vanesakrongold.com/ https://marieclaire.perfil.com/noticias/moda/el-mundo-privado-de-clara-pinto.phtml https://malevamag.com/entrevista-a-clara-pinto-la-sorprendente-disenadora-argentina-que-creaprendas-fuertes-y-sexys-como-ella-misma/ http://www.blocdemoda.com/2023/04/Basfweek-2023-Clara-Pinto-.html https://www.perfil.com/noticias/marie-claire/el-universo-privado-de-jessica-kessel.phtml https://fashionunited.es/noticias/video/jessica-kessel-disenadora-de-zapatos/2020042732633 https://yuki.com.ar/jessica-kessel-me-encanta-seguir-trabajando-sobre-mi-estilo-y-que-la-gente-lo- 25 reconozca/
LA MODA Y LA DANZA
A lo largo de las décadas, la danza y la moda han forjado una relación cautivadora que va más allá de la mera estética. Desde diseñadores de renombre hasta nuevos talentos, la danza ha dejado una huella distintiva en el mundo de la moda, marcando un diálogo constante entre estas dos formas expresivas. Ambas disciplinas, en su esencia, comparten la misma misión: comunicar emociones, narrar historias y reflejar la metamorfosis de la sociedad. La relación entre la danza y la moda no solo es un testimonio de la constante evolución artística, sino también de la intersección única donde la creatividad se retroalimenta de manera continua. Esta conexión es una historia en constante evolución, donde la danza y la moda danzan en armonía, creando una sinfonía visual que ha inspirado y enriquecido el mundo del arte y la cultura. La fusión de estos dos mundos sigue siendo una fuente inagotable de inspiración, demostrando que la creatividad no tiene límites cuando se entrelazan la gracia del movimiento y la elegancia del diseño.
JOSEFINA MONTES @JOSEFINAMONTES_