Guía de la Exposición El Prado Itinerante

EL PRADO ITINERANTE 1819 - 2019 CELEBRAMOS EL BICENTENARIO DEL MUSEO NACIONAL DEL PRADO La idea motriz del Bicentenario es celebrar el museo como el gran regalo que se ha dado a la nación española, siendo éste la principal institución cultural de todos los españoles.

Su nombre viene del prado que existía hace muchos años junto al actual Paseo del Prado. Al principio, iba a ser un museo de ciencias naturales. Pero el rey Fernando Séptimo y su esposa la reina Isabel de Braganza decidieron dedicar el edificio a un museo de pintura y escultura. El Museo abrió sus puertas al público en el año 1819.

Al principio, todas sus obras de arte eran de las colecciones de los reyes de España. Después, el número de obras de arte aumentó con colecciones de otros museos y con compras. También ha habido personas que han dado sus colecciones de arte al Museo.

El Museo del Prado tiene casi 27.000 cuadros, esculturas, dibujos y otras piezas de arte. De todas estas, el Museo tiene expuestas casi 1.700.

Es el museo más importante de España. El Museo se ha hecho más amplio para exponer más cuadros y otras obras de arte y para que los visitantes disfruten de nuevas salas y lugares de descanso.

Los estudiantes de Octavo Grado han trabajado las 20 reproducciones que conforman la exposición y con ellas se ha elaborado esta pequeña guía compuesta de unas fichas técnicas de las obras y unas imágenes interactivas creadas con Genially y que se pueden consultar a través de los códigos QR adjuntados a lo largo de la guía.

EL PRADO ITINERANTE EXPOSICIÓN EN CORAL WAY-K 8 CENTER 1.

Orestes y Pílades o Grupo de San Ildefonso Escuela de Pasiteles (50 a. C., 50 d. C) Hacia 10 a.C. Mármol blanco de Carrara, 161 x 106 cm

2.

La Anunciación Angelico, Fra (1395-1455) 1425 - 1426. Témpera sobre tabla, 190,3 x 191,5 cm

3.

El Descendimiento Weyden, Rogier van der (1399-1464) Antes de 1443. Óleo sobre tabla, 204,5 x 261,5 cm

4.

Autorretrato Durero, Alberto (1471-1528) 1498. Óleo sobre tabla, 52 x 41 cm

5.

El Cardenal Rafael (1483-1520) 1510 - 1511. Óleo sobre tabla, 79 x 61 cm

6.

Las tentaciones de San Antonio Abad El Bosco (1450-1516) 1510 - 1515. Óleo sobre tabla de madera de roble, 73 x 52,5 cm

7.

Carlos V en la Batalla de Mühlberg Tiziano, Vecellio di Gregorio (1490-1576) 1548. Óleo sobre lienzo, 335 x 283 cm

8.

El lavatorio Tintoretto, Jacopo Robusti (1518-1594) 1548 - 1549. Óleo sobre lienzo, 210 x 533 cm

9.

Santa Margarita Tiziano, Vecellio di Gregorio (1490-1576) Hacia 1565. Óleo sobre lienzo, 209 x 183 cm

10. El caballero de la mano en el pecho El Greco (1541-1614) Hacia 1580. Óleo sobre lienzo, 81,8 x 66,1 cm

11. Judit en el banquete de Holofernes Rembrandt Harmensz. van Rijn (1606-1669) 1634. Óleo sobre lienzo, 143 x 154,7 cm 12. David vencedor de Goliat Caravaggio. Michelangelo Merisi (1571-1610) Hacia 1600. Óleo sobre lienzo, 110,4 x 91,3 cm 13. Lucha de san Jorge y el dragón Pedro Pablo Rubens (1577-1640) 1606 - 1608. Óleo sobre lienzo, 309 x 257 cm 14. La Adoración de los Magos Pedro Pablo Rubens (1577-1640) 1628 - 1629. Óleo sobre lienzo, 355,5 x 493 cm 15. Agnus Dei Zurbarán, Francisco de (1598-1664) 1635 - 1640. Óleo sobre lienzo, 37,3 x 62 cm 16. El sueño de Jacob Ribera, José de (1591-1652) 1639. Óleo sobre lienzo, 179 x 233 cm 17. Las meninas Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y (15991660) 1656. Óleo sobre lienzo, 320,5 x 281,5 cm 18. Las hilanderas o la fábula de Aracne Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y (15991660) 1655 - 1660. Óleo sobre lienzo, 220 x 289 cm 19. La familia de Carlos IV Goya y Lucientes, Francisco de (1746-1828) 1800. Óleo sobre lienzo, 280 x 336 cm 20. El 3 de mayo en Madrid o "Los fusilamientos" Goya y Lucientes, Francisco de (1746-1828) 1814. Óleo sobre lienzo, 268 x 347 cm

ALUMNO/A: Maya Albert PERIODO: 2 TÍTULO DE LA OBRA: Orestes y Pílades o Grupo de San Ildefonso AUTOR

FECHA DE REALIZACIÓN TÉCNICA Y ESTILO DEL AUTOR CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES LECTURA DESCRIPTIVA

Escuela de Pasiteles Pasíteles fue un escultor de la escuela neoática en el tiempo de la Roma Antigua.

Nació en la Magna Grecia, y obtuvo la ciudadanía romana. Trabajó durante un período donde había una gran demanda de copias y variaciones de los trabajos notables de las esculturas griegas. La demanda fue atenida por los talleres de Pasiteles y sus pupilos Staphanus, Menelaus, y otros.

(50 a. C., 50 d. C) Hacia 10 a.C. Técnica de tallado. Esculpido de Mármol blanco de Carrara.

Dimensiones: 161 cm x 106 cm x 56 cm y un peso de 496 kilos.

1. Los Escorzos 2. El Movimiento 3. El Realismo.

Se trata de un grupo escultórico de bulto redondo o exento que representa la figura de dos hombres jóvenes desnudos y una figura (en un tamaño menor) femenina situada detrás.

El joven a la derecha se encuentra sosteniendo con su mano derecha una antorcha bajada, mientras la mano izquierda se encuentra apretada sosteniendo algún instrumento. El cabello ondulado coronado con una corona de laurel. El joven a la izquierda tiene la mano izquierda alrededor del hombro del joven de la derecha, mientas que con su mano derecha se encuentra sosteniendo un disco circular. La cabeza esta inclinada hacia abajo y la mirada están dirigida al disco que sostiene con su mano.

Entre las dos figuras masculinas se encuentra un pequeño altar adornado con guirnaldas y un rosetón. La antorcha se encuentra reposando sobre este altar, el altar aparte de su función estática (servir para estabilizar a la figura del portador de la antorcha), puede servir para un enfatizar un contexto o ceremonia sagrados.

LECTURA INTERPRETATIVA

Detrás de la figura masculina derecha se encuentra representada una figura femenina sobre un pedestal y vestida con una túnica. Por lo que se piensa que pudo representar una divinidad a la que están dedicando ofrendas.

Algunos investigadores los han relacionado con los hermanos gemelos Castro y Pólux (hijos de Zeus y Leda) que se encuentran realizando una ofrenda para la diosa Perséfone (diosa del inframundo).

Otros investigadores piensan que pudo representar a Orestes con su amigo Pílades, cuando fueron a la ciudad de Táuride a buscar la estatua de la diosa Artemisa (diosa de la castidad y la caza), que su hermano el dios Apolo (dios de las artes y del sol) había ordenado llevar a la ciudad de Atenas. A la vuelta a la ciudad de Atenas realizan un sacrificio a la diosa Artemisa (momento representado en esta obra de arte).

Para ver las imรกgenes interactivas utiliza los cรณdigos QR

ALUMNO/A: Tiffany Bobadilla y Jason Hurtado PERIODO: 3 TÍTULO DE LA OBRA: La Anunciación de Fra Angélico AUTOR

FECHA DE REALIZACIÓN TÉCNICA Y ESTILO DEL AUTOR

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

Fra Angélico es un pintor renacentista italiano que nació el año 1395 y falleció el 18 de febrero en el año 1455. Lo llamaron Angélico por la serenidad de sus obras y por su temática religiosa. Muchas de sus obras son admiradas por la religión en la que representa.

1445 Esta obra y el estilo del autor pertenece al Renacimiento aunque en esta obra se observa una transición de la pintura gótica al renacimiento y algunas de las características de este tiempo (quattrocento). En esta se poder observar la minuciosidad propia de la miniatura. La obra tiene una técnica de pintura al temple y es una obra religiosa.

El tema es uno de los más repetidos a lo largo de la historia de la pintura que tiene como fuente el Evangelio de San Lucas. Describe el momento en el que el arcángel Gabriel es enviado a visitar a María para darle la noticia de que será madre del Mesías , el salvador del mundo.

LECTURA DESCRIPTIVA

Cuando vemos esta obra podemos observar dos personas debajo del pórtico de color hueso blanco. Las personas debajo del pórtico con la virgen maría y el arcángel Gabriel que están vestidos con ropa larga con colores vibrantes. Gabriel está sentado en lo que parece ser una silla y la virgen maría esta parada en una posición de ángel. A la izquierda del cuadro se puede ver dos personas en un jardín, esas personas son Adam y Eva. Ellos lucen con ropa blanca y pelo rubio. Parece que se están diciendo un secreto. Arriba de Adam y Eva se puede ver un ángel que tiene ropa de color rosa, pelo rubio y alas doradas. Este ángel es el espíritu Santo. En el cielo se puede ver un sol y las rayas de luz están cruzando del jardín al pórtico donde están María y Gabriel. Estas rayas dan una sensación de iluminación por toda la obra.

En la representación de esta obra se puede ver el uso de los colores pasteles como el rosado, blanco y azul. En esta obra se puede ver rasgos de la minuciosidad propia de la miniatura y se puede ver la iluminación creada por los colores y contornos en la pintura.

LECTURA INTERPRETATIVA

La interpretación de esta obra es la anunciación del arcángel Gabriel a la virgen María. La redención de Adán y Eva en la tierra demuestra el final del Antiguo Testamento cuando viene Dios a la tierra. A la izquierda esta la expulsión de Adam y Eva del paraíso cuando cometieron el pecado y se cayeron tentación. El tamaño pequeño de Adam y Eva simboliza la importancia remota de estas figuras y el tamaño grande de María y Gabriel simboliza la gran importancia de estas figuras en el tiempo. Esta obra presenta el momento en que el arcángel Gabriel le anuncia a María que ella será la madre de los hijos de Dios.

ALUMNO/A: Dayana Espinal y Kimberly Castillo PERIODO: 3 TÍTULO DE LA OBRA: EL Descendimiento AUTOR

FECHA DE REALIZACIÓN TÉCNICA Y ESTILO DEL AUTOR

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

Rogier Van Der Weyden nacio en 1399 en Tournai, fue un pintor primitivo flamenco. sus obras consisten principalmente de temas religiosos. Tuvo un gran éxito y fama internacional durante su vida, sus pinturas se exportaban a Italia y España.

(1399-1464) El autor utiliza una técnica llamada óleo sobre una tabla de 220 cm de alto y 262 cm de ancho. Este estilo es originando por el gótico y refleja claramente las características de la escuela flamenca. El estilo de Weyden es notablemente del norte de Europa pero se pude ver que su obra esa influía por el arte italiano. Otro estilo de Weyden es el estilo escultórico. La obra el descendimiento se puede considerar como la obra mas conocida de Weyden o al menos la mejor. Tenia temática religiosa.

En esta obra hay 10 personajes. Podemos ver cuando el cuerpo de cristo es desclavado y bajado de la cruz por José y Nicodemo. En la parte izquierda del cuadro María se desmaya ante el sufrimiento de su hijo. Su cuerpo es sostenido por san Juan y María Salomé. La figura de cristo y la virgen María tienen una posición paralela. La obra parece tener dos grupos. El grupo que recoge el cuerpo de cristo está moviéndose para la derecha. y las personas consolando a maría parecen llevarla a la izquierda separando a cristo y a maría.

LECTURA DESCRIPTIVA

En la obra de Rogier Van Der Weyden todos llevan puesto hermosos ropajes. Se puede ver a Cristo, María, Madalena, San Juan, y los santos varones y mujeres.

También se pude ver que el fondo es de color dorado y tiene un marco de color café combinado con dorado. Al lado de María podemos ver una calavera. Cristo parece tener hoyos en su manos y pies por los cuáles derrama sangre. Se puede observar que tiene una corona de espinascubierta con sangre. El cuerpo de cristo es bajado de la cruz, recibido por los brazos de José. En la cruz se puede ver una tabla con un mensaje . Se pueden ver lagrimas drsramándose de los ojos de las personas en la obra.

LECTURA INTERPRETATIVA

A primera vista podemos ver que Jesucristo aparece en la misma posición que su madre lo que pude significar que los dos están pasando el mismo dolor. La ingravidez de la mano de cristo expresa que está muerto. Se puede ver que Jesucristo fue crucificado, ya que tiene hoyos en sus manos y en los pies. María parece estar desmallada, se supone que se ha desmallado porque ha visto a su hijo morir. Se puede ver por detrás un ayudante que puede estar ayudando a bajar el cuerpo de cristo. Se puede suponer que maría magdalena esta como orando o esta una cierta posición que le da respeto al muerto (cristo).

ALUMNO/A: Miranda Diez-Canseco PERIODO: 3 TÍTULO DE LA OBRA: Autorretrato AUTOR FECHA DE REALIZACIÓN TÉCNICA Y ESTILO DEL AUTOR CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

LECTURA DESCRIPTIVA

LECTURA INTERPRETATIVA

Alberto Durero. Nació en Mayo 21, 1471, en Nuremberg, Alemania. Estudió en una escuela de arte Alemania. Falleció en Abril 6, 1528.

1498 Renacimiento nórdico Arte gótico Renacimiento alemán En el cuadro se ve a un gentilhombre posando (el mismo porque es un autorretrato).

Utiliza colores muy neutros. Tiene una pose poderosa, haciendo que parezca 100% digno de ser la pieza principal de un lienzo.

Un gentilhombre que es parte de la nobleza, con ropa cara puesta. Muy buen armado. Los colores son muy suaves. Si miras por la ventana puedes ver un paisaje, con campos y un río. No hay mucho que decir, es un autorretrato simple. Pero también, se puede interpretar como una visualización de su salud mental. Los colores son muy apagados y anodinos, y su expresión facial es muy sombría.

Tiene una mano sobre la otra en una posición de descanso sobre unos guantes de aspecto caro. Lleva puesta ropa con diferentes tejidos artesanales que parecen ser de lino . En su ropa tiene pequeños detalles dorados a lo largo de la línea del collar. Tiene el pelo largo, rizado y ondulado. Si miras el paisaje, son montañas cubiertas de nieve en la cima.

Un joven muy sofisticado, se nota que tiene una buena educación. A juzgar por la forma de su cuerpo, como sus anchos hombros, también es un hombre fuerte. Puso detalles al pintar el fondo por la ventana, lo que significa que probablemente ha pasado mucho tiempo observando, tal vez incluso esos paisajes eran parte de su infancia.

ALUMNO/A: Isabella Hernandez PERIODO: 2 TÍTULO DE LA OBRA: Cardenal de Rafael AUTOR

Rafael Sanzio fue un pintor y arquitecto del renacimiento que realizó importantes aportes en la arquitectura. Rafael ha sido siempre reconocido como uno de los más grandes artistas del alto renacimiento en Italia. En su corta vida se vio aclamado como pintor, diseñador y arquitecto, y trabajó para dos de los mayores mecenas de su tiempo, los papas Julio II y León X.

FECHA DE REALIZACIÓN TÉCNICA Y ESTILO DEL AUTOR

Se hizo en el año 1510.

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

El Cardenal de Rafael fue pintado durante el papado de Julio ll cuando Rafael disfrutaba de gran éxito, realizando retratos de los diversos miembros de la curia.

La intensidad del conjunto, y la ausencia de artificios a la hora de retratar a una figura de tal importancia hacen de esta pintura uno de los grandes retratos de la historia del Arte.

LECTURA DESCRIPTIVA

Se trata de un retrato duro y descarnado, consecuente con la siniestra reputación del retratado, el cardenal Francesco Alidosi, figura temida y despiadada que acabaría asesinado el mismo año en que este retrato fue concluido.

La figura del joven cardenal se destaca sobre el fondo oscuro gracias al uso del claroscuro. El rostro adquiere así una importancia y una preponderancia excepcional a pesar del pequeño tamaño en relación al lienzo.

El tipo de retrato seguramente deriva de la Gioconda, de Leonardo da Vinci, pintado apenas unos años antes, pues ambos modelos aparecen sentados y mirando al espectador y formando un triángulo con su cuerpo y su brazo. En el caso del cardenal, llama la atención el contraste cromático entre el rojo del capelo, la manga blanca y su rostro, efecto conseguido gracias a un claro dominio de los efectos lumínicos que Rafael perfeccionará en sus obras futuras.

LECTURA INTERPRETATIVA

El rostro revela una personalidad seguramente reservada y reflexiva mediante una mirada que mantiene rasgos inciertos, pues mantiene al mismo tiempo la seriedad y la tristeza. La serena mirada del cardenal ofrece un significado ambivalente, ya que la profundidad de sus ojos delata al mismo tiempo un carácter distante, sereno y reflexivo y un estado anímico cercano a la tristeza

La escuela que Rafael pertenece se llama la escuela de Atenas, que se trata de humanismo antropocéntrico. Sus obras se caracterizan por la claridad compositiva y por la dulzura. El estilo artístico se llama Renacimiento.

TÍTULO DE LA OBRA: Las tentaciones de San Antonio Abad AUTOR

FECHA DE REALIZACIÓN TÉCNICA Y ESTILO DEL AUTOR

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

LECTURA DESCRIPTIVA

LECTURA INTERPRETATIVA

El Bosco (1450-1516). Jheronimus van Aken, nació en 1450 en Holanda, pero realiza sus obras en Flandes. Fue el pintor preferido de Felipe II (parece que se relacionó con Tiziano en la Corte española). La compra de sus obras en España se inicia con los Reyes Católicos, pero fue Felipe II quien reunió un mayor número de tablas.

1510 Autor de una obra excepcional tanto por la extraordinaria inventiva de sus figuraciones y los asuntos tratados como por su técnica al que Erwin Panofsky calificó como artista “lejano e innacesible” dentro de la tradición de la pintura flamenca a la que pertenece.

Las tentaciones de san Antonio Abad es un cuadro pintado al óleo sobre tabla de roble.

Pertenece a la colección del Museo del Prado de Madrid. Desarrolla el tema del bien y del mal y narra los tormentos mentales y espirituales a los que fue sometido el santo.

De forma totalmente original y única entre las versiones que dio del santo, el pintor le muestra absorto, sumido en sus pensamientos en la soledad de la naturaleza, encarnada en ese tronco de árbol hueco que le cobija y que está magistralmente traducido. Ni siquiera sostiene un libro en las manos; lo tiene cerrado, colgado de su cinturón. Nada parece alejarle de esa concentración interior.

San Antonio, patrón de los animales, está acompañado por un cerdito que reposa a su lado. Es su atributo, así como la cruz en forma de "t" -tau- que lleva bordada en el hombro. Está totalmente recogido sobre sí mismo, pero con una curvatura que recuerda a un arco armado dispuesto a soltar una flecha. Su rostro posee una misteriosa serenidad casi alegre o complacida. Se refugia en el hueco de un tronco muerto con unas pajas por techo. A su alrededor, en un bello paisaje veraniego, diversos monstruos y bichos le rodean y hacen gestos de querer atacarle, sin que el santo se dé por enterado. Frente a él, hundido en el río, la cabeza de un monje con una uña monstruosa le señala y mira fijamente. Posiblemente sea el reflejo del santo en el río, mostrando la victoria sobre el pecado, el alma corrupta que se hunde y naufraga en el agua frente a la virtud.

Esta imagen está llena de serenidad y parece el vivo retrato de la victoria del cristiano sobre el pecado.

ALUMNO/A: Salome Correa y Laura Gutierrez PERIODO: periodo 3 TÍTULO DE LA OBRA: Carlos V en la Batalla de Mühlberg AUTOR

FECHA DE REALIZACIÓN TÉCNICA Y ESTILO DEL AUTOR

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

LECTURA DESCRIPTIVA

LECTURA INTERPRETATIVA

Tiziano, Vecellio di Gregorio (1490-1576) es un pintor italiano. Aunque Tiziano alimentó durante los últimos años de su vida la idea de que había nacido en 1475, para hacer creer que era un anciano venerable e inspirar respeto y compasión, la crítica moderna ha establecido casi con total seguridad que nació en 1490 y que murió a una edad más que respetable, con ochenta y seis años. Recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del que salió a los dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione.

Abril 1548–Septiembre 1548 Reconocido por sus contemporáneos como "El sol en medio de pequeñas estrellas", Tiziano fue uno de los pintores italianos más versátiles, igualmente experto en retratos, paisajes y temas mitológicos y religiosos. Sus métodos de pintura, particularmente en la aplicación y uso del color, ejercieron una profunda influencia no solo en los pintores del Renacimiento italiano tardío, sino en las futuras generaciones de arte occidental.

Se trata de un retrato del monarca español Carlos I de España y V de Alemania realizado por el pintor veneciano Tiziano (uno de los pintores favoritos de la Corte española en la época); en concreto se trata de un retrato de aparato, expresión que designa a los retratos reales que se hacían a reyes para poner de manifiesto su poder ante el pueblo, sus aliados o sus enemigos.

Carlos Quinto viste una armadura y lleva una lanza en la mano. Tiziano pinta a Carlos Quinto como alguien que tiene poder para gobernar muchos países y religiones. Tomó la idea para el retrato de las esculturas de los emperadores romanos, que fueron muy poderosos.Tiziano quiere pintar a Carlos Quinto como un emperador pacífico. Esto lo podemos ver en que no hay un gesto de enfado o de rabia en su cara. Además, en el cuadro no hay ningún enemigo muerto a los pies del caballo.

Este retrato es una de las pinturas más importantes de las colecciones de los reyes de España y estaba en un lugar importante del Real Alcázar de Madrid. Otros grandes pintores, como Velázquez, Rubens o Goya copiaron el estilo de este cuadro para hacer retratos a reyes y nobles.

Este óleo de Tiziano fue la última imagen que quiso contemplar Carlos I en el momento de su muerte en el monasterio de Yuste, a donde se había retirado, tras su abdicación en su hijo Felipe II, para vivir en profunda religiosidad sus últimos años, ya que estaba “obsesionada” con su muerte y con la salvación de su alma. La Gloria es una obra muy compleja, encargada por Carlos V a Tiziano en Habsburgo hacia 1550-51 y que finalizó en octubre de 1554. Fue el pintor favorito del emperador, mantuvo con él una estrecha relación durante veinte años y el nombró caballero de la Espuela de Oro y conde de palatino por sus servicios. El óleo está inspirado en la obra la Ciudad de Dios de Agustín de Hipona (compuesta por 22 libros, 412-426), que describe la visión que tienen los bienaventurados de la Gloria. Aunque en este caso, el pintor utiliza una composición inusual (que como ya apuntará Gronau obedecía a las precisas instrucciones del emperador) para describir el juicio particular al que será sometido Carlos V y su esperanza en el destino de su alma antes de gozar de La Gloria.

ALUMNO/A: Melanie Martínez Ruiz PERIODO: p.3 TÍTULO DE LA OBRA: El Lavatorio AUTOR FECHA DE REALIZACIÓN TÉCNICA Y ESTILO DEL AUTOR CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

Jacopo Comin, Tintoretto 1548-1549 siglo XVI

LECTURA DESCRIPTIVA

En el cuadro, Jesucristo lava los pies a San Pedro. A su lado, San Juan mira a los dos. Del resto de los apóstoles, unos están alrededor de una mesa y otros se quitan las calzas de las piernas para que Jesucristo les lava después sus pies. Al fondo, hay un canal con la barca típica de Venecia, que se llama góndola. Tintoretto pinta la góndola porque es de Venecia.

También hay varios edificios con columnas que recuerdan a la Antigua Roma. Tintoretto pintó este cuadro para una iglesia de Venecia.

LECTURA INTERPRETATIVA

-El perro representa la fidelidad de lo sabio que será -la postura de todos es volteando hacia la derecha donde está el cristo - Jesucristo está en un lado del cuadro en vez de en el centro. Así era más fácil de ver la escena desde un lado. Primero, los fieles veían a Jesucristo y San Pedro y después veían al resto de apóstoles y el paisaje de fondo.

La Técnica que uso es el Óleo sobre lienzo El Estilo que uso es el Manierismo.

Esta pintura representa una escena del Evangelio. El Evangelio cuenta la vida de Jesucristo. En esta escena, Jesucristo lava los pies de los apóstoles antes de la última cena.

Los apóstoles fueron los 12 seguidores de Jesucristo.

El lavatorio de los pies tiene un significado importante para los cristianos.

Es una forma de explicar que hay que limpiarse de pecados antes de tomar la comunión.

El lavatorio de pies también es un gesto de humildad para los cristianos, es decir, para mostrar que una persona debe comportarse sin creerse mejor que los demás.

ALUMNO/A: Fiona Mc Hardy y Ana Ordenana PERIODO:P-3 TÍTULO DE LA OBRA: Santa Margarita AUTOR

FECHA DE REALIZACIÓN TÉCNICA Y ESTILO DEL AUTOR CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

Tiziano Vecellio di Gregorio nació el 1490 en Pieve di Cadore, al norte de Venecia Italia, y falleció en agosto 27 del 1576, en Venecia Italia. El era hijo de Gregorio Vecelli y Lucia.

Entre sus primeras obras aparece la Natividad Allendale y el Cocierto de Campestre.

Tiziano fue conocido por la obra llamada “El sol entre las estrellas.”

1559c.

Tiziano desarrolló un estilo muy personal caracterizado por una pincelada suelta y variada, el también utiliza una tonalidad suave.

En el cuadro se puede ver a una mujer tratando de escapar del dragón que está derramado por el suelo. Esta mujer es de piel pálida, y pelo rojizo, tiene puesto un vestido verde claro de mangas blancas con una cinta rosa pálida que está colgando de un hombro y de un codo. La mujer también se ve que esta sosteniendo una cruz de madera. El dragón y la mujer están a una orilla del rio con huesos en el suelo. Al otro lado del río se puede ver una ciudad que está en llamas probablemente causadas por el dragón.

LECTURA DESCRIPTIVA

Santa Margarita es una de las imágenes más bellas pintadas por Tiziano. La santa sale del dragón, reventado gracias a la Cruz que porta en su mano izquierda. El vestido mojado se le pega al cuerpo para dar mayor sensación de anatomía, siguiendo la técnica escultórica inaugurada por Fidias en el Partenón de Atenas y llamada "de paños mojados". Será una estrategia muy empleada por los pintores para dar una dosis de humanidad a las figuras divinas. Gracias a la luz la figura se funde con el paisaje, en cuyo fondo observamos una ciudad incendiada. El escorzo de la santa y del dragón, así como el colorido empleado -en especial el verde del vestido- indican la asimilación del Manierismo que ha realizado el maestro. Esto indica cómo Tiziano no se ha quedado estancado en un estilo, sino que ha evolucionado poniéndose en contacto con el mundo artístico de su tiempo e introduciendo novedades en sus obras. La pincelada suelta que caracteriza sus últimos años y el especial empleo de la luz provocan que estas imágenes finales se engloben bajo la denominación de "impresionismo mágico".

LECTURA INTERPRETATIVA

Esta es una pintura religiosa y muestra cómo margarita siguió creyendo en Cristo, pudo escapar del demonio en forma de dragón y todas las otras torturas que ella pasó por no dejar su religión.

ALUMNO/A: Daniel Quevedo PERIODO: Tercero TÍTULO DE LA OBRA: El caballero de la mano en el pecho AUTOR Doménikos Theotokópoulos era un poco difícil de pronunciar y los españoles llamaron a este artista directamente El Greco.

El Greco, fue un pintor, escultor y arquitecto griego del Renacimiento español.

FECHA DE REALIZACIÓN El cuadro fue pintado en 1580.

TÉCNICA Y ESTILO DEL El estilo de la pintura pertenece al "Renacimiento" secularización y laicización del AUTOR saber, antropocentrismo y humanismo, revaloración de la Antigüedad Clásica, y valoración del pensamiento racional.

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

LECTURA DESCRIPTIVA

LECTURA INTERPRETATIVA

Se trata del autorretrato más famoso de El Greco. No se sabe exactamente quién era.

Representa al caballero cristiano, según el planteamiento conceptual de la retratística de los Austrias españoles. Si bien no conocemos su identidad, su nobleza salta a la vista. Las cejas enarcadas y la mirada imperturbable denotan altivez. Su superioridad social se refleja también en el refinamiento de sus rasgos. Su aspecto es inmaculado y el traje es la personificación de la elegancia. Su rico atuendo, su cadena y colgante de oro, el pomo finamente labrado y dorado de su espada, dan fe de su riqueza y superioridad social.

El Greco realizó uno de los retratos más sublimes y maravillosos de la historia del arte, este misterioso caballero de la mano en el pecho, casi un estereotipo de hidalgo de la época, con la vestimenta típica del siglo de oro, armado con espada demostrando que es efectivamente un caballero, y haciendo lo que parece ser un juramento, siendo nosotros, espectadores, los testigos.

El caballero, de unos treinta años, viste según la moda española de finales del siglo XVI, con la blanca y estrecha gorguera elevándose por detrás de las orejas y enmarcando la cabeza. Sobre el ceñido jubón de seda negra destacan la mano derecha, que se posa en el pecho, y la empuñadura dorada de la espada. cristiano hombre de honor, melancólico y sobrio, representante altivo de su clase y de su época.

En algún momento se ha pensado que podría tratarse de un autorretrato, por considerar que el gesto de la mano representaría una autoafirmación orgullosa del pintor. Se han ofrecido otras hipótesis y la más convincente de las identificaciones es que podría ser el marqués de Montemayor, Juan de Silva y de Ribera, contemporáneo del Greco que fue nombrado por Felipe II jefe militar del Alcázar de Toledo El gesto de llevarse la mano derecha al lado izquierdo del pecho al corazón indica no solo pío respeto, sino también una declaración de intenciones que ha de ser mantenida como cuestión de honor. La inclusión de la espada proclama el compromiso de este caballero. La espada desenvainada significaba prestar juramento o hacer voto solemne de combatir para defender la palabra de Dios.

Los dedos delgados y sinuosos de la mano elegantemente extendida como las de los caballeros asombrados ante el milagroso enterramiento del conde de Orgaz significan que está muy lejos de ser alguien excluido de las órdenes militares por sustentarse por el trabajo de sus manos o desempeñar oficios mecánicos.

ALUMNO/A: Amor Rodriguez y Genesis Ramirez PERIODO: 3 TÍTULO DE LA OBRA: Judit en el banquete de Holofernes AUTOR

Rembrandt Harmensz. van Rijn

FECHA DE REALIZACIÓN TÉCNICA Y ESTILO DEL AUTOR

La fecha es 1634.

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

LECTURA DESCRIPTIVA

LECTURA INTERPRETATIVA

Su técnica es oleo y barroco De bellas facciones, buena educación, celo religioso, gran riqueza y pasión patriótica, Judit vive en la ciudad de Betulia, sitiada por el ejército invasor, al mando del general Holofernes.

La pintura muestra a una joven en ropas lujosas y joyas a la que una sirvienta entrega una copa. Se cree que Rembrandt usó como modelo a su esposa Saskia van Uylenburgh, con quien se casó en 1634, el mismo año en que pintó la obra. La mujer posa con un vestido amplio y apoya la mano derecha sobre el vientre, detalles que han hecho creer a algunos expertos que Saskia estaba embarazada cuando posó.

El relato de la decapitación de Holofernes por Judith se encuentra en el Libro deuterocanónico de Judith y es el tema de muchas pinturas y esculturas de los períodos renacentista y barroco. En la historia, Judith, una bella viuda, que consigue entrar en la tienda de Holofernes por su deseo por ella. Holofernes era un general asirio que estaba a punto de destruir la casa de Judith, en la ciudad de Betulia. Abrumado por la bebida, se desmaya y es decapitado por Judith; le quitan la cabeza en una cesta (a menudo representada como llevada por una sirvienta anciana).

ALUMNO/A: Valentina Tomas PERIODO: 3 TÍTULO DE LA OBRA: La Adoración de los Magos AUTOR

FECHA DE REALIZACIÓN TÉCNICA Y ESTILO DEL AUTOR

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

LECTURA DESCRIPTIVA

LECTURA INTERPRETATIVA

Pedro Pablo Rubens fue un pintor barraco también conocido como Pieter Paul.

Pedro nació el 28 de junio de 1577 en Siegen Alemania y falleció el 30 de mayo de 1640. Es de la escuela flamenca, algunas de sus obras son: La evaluación de la cruz, El juicio de parís, y Las tres Gracias.

1609

Él fue una figura muy destacada del estilo barroco de la escuela flamenca. La mayoría de las pinturas de Rubens son de 3 géneros: pintura religiosa, histórica y mitológica. También pintó retratos y escenas de caza. Su estilo consiste en demostrar el menos uso del color y sensualidad. El usó la técnica de óleo sobre lienzo para este cuadro.

La Adoración de los Reyes Magos, pertenece a la colección del Museo del Prado que queda en Madrid, España. Posteriormente el propio Rubens lo repintó y amplió entre 1628 y 1629, durante su segundo viaje a España. El cuadro mide 355.5 x 493 cm.

La Adoración de los magos es una de las obras destacadas dentro de la colección de Rubens que atesora el Museo del Prado, no solamente por ser la de mayores dimensiones sino también por la importancia histórica. Este cuadro representa cuando los tres reyes acompañados por un gran cortejo le dieron sus regalos al niño Jesús. Dentro del cuadro se ve a Gaspar arrodillado delante el niño Jesús. El sitio en donde están tiene una referencia al pesebre en la parte izquierda, transformado en una arquitectura clásica. El sitio en donde están es de noche Sin embargo la luminosidad es clara y el foco surge desde la figura del niño Jesús. También el pintor se metió en su propio cuadro y se hiso un auto retrato. El esta sobre un caballo con un traje rojo con una espada.

Este cuadro demuestra los magos dándole los regalos al niño Jesús. También la iluminación en el cuadro viene del niño Jesús, esa los ilumina a la cara de cada persona que esta alrededor de él.

ALUMNO/A: LARISSA ZUNIGA PERIODO: 3 TÍTULO DE LA OBRA: Agnus Dei Zurbarán AUTOR

FECHA DE REALIZACIÓN TÉCNICA Y ESTILO DEL AUTOR CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES LECTURA DESCRIPTIVA

LECTURA INTERPRETATIVA

Francisco de Zurbarán nació en el pequeño pueblo de Fuente de Campos, cerca de Badajoz en Extremadura. Sus padres lo enviarían a Sevilla a muy temprana edad en 1614, donde fue aprendiz de Pedro Díaz Villanueva. En 1625 decidió establecerse en un pequeño pueblo llamado Llerana cerca de su lugar de nacimiento. En 1629 fue invitado a regresar a Sevilla. Zurbarán iba a producir su maravillosa serie de pinturas para el Convento de los Dominicos de San Pablo. Su reputación había llegado a Madrid y posiblemente con la intervención de Velázquez, comenzaría a trabajar en el recién construido palacio del Buen Retiro para el Rey. Durante este período Zurbarán recibió numerosos encargos y ejecutó numerosos cuadros de la más alta calidad, entre ellos, en 1633, la famosa serie de Jerez y en 1638 su ciclo de obras para Guadalupe. Después de 1640, Zurbarán parece haber sufrido una crisis personal. Habiendo perdido a su esposa, se volvió a casar y tuvo más hijos. Se fue de Sevilla a Madrid, donde su amistad con Velázquez parecía haber perdurado tan fuerte como en los primeros años. Su vida se volvió cada vez más solitaria y su producción mucho más reducida y menos impresionante. Murío el 27 de agosto de 1664.

1635-1640 Técnica- Óleo sobre lienzo Estilo- Barroco Una cordera se ve con sus pies atados en un fondo oscuro.

Un fondo oscuro y una mesa gris son el escenario del único motivo de este cuadro: un cordero merino de entre ocho y doce meses. Aún con vida, yace con los pies atados en una postura inconfundiblemente sacrificada. La luz en la cordera contrastada por lo oscuro del fondo hace la cordera mirarse Santa. Los rizos de la piel de oveja, que dibuja el sutil juego de reflejos parecen reales para el espectador. La ilusión del tacto es tan fuerte que involuntariamente quiero tocarlos con la mano.

En alusión a la muerte sacrificial de Cristo para salvar a la humanidad. La sencilla composición consiste exclusivamente en una imagen del animal joven con las patas atadas, acostado en el alféizar de una ventana y brillantemente iluminado por una sola fuente de luz. En el Antiguo Testamento este animal es quemado para la gloria de Dios en el altar de sacrificios en el Nuevo Testamento es Cristo, sacrificado por la redención de los pecados humanos su propia vida. En algunos cuadros, la cordera tiene un halo sobre la cabeza y sus pies conectadas entrecruzadas, recordando la muerte en la cruz, señalando el contenido sagrado. Algunos expertos llaman el cuadro una pintura de naturaleza muerta, no un trabajo independiente, sino solo un bosquejo, un bosquejo para una imagen grande. Ahora, la pintura es unas de las pinturas bíblicas más famosas.

ALUMNO/A: Adrián Ibáñez PERIODO: 2 TÍTULO DE LA OBRA: El sueño de Jacob AUTOR José de Ribera. Conocido como “El Españoleto”, se trasladó muy joven a Italia para formarse como pintor. Se estableció en Nápoles, que era uno de los reinos españoles, bajo la protección del virrey y allí pasó el resto de su vida FECHA DE 1639 REALIZACIÓN TÉCNICA Y ESTILO DEL En realidad, José de Ribera evolucionó del tenebrismo inicial a un estilo más Luminoso y AUTOR colorista, con influencias del Renacimiento veneciano y de la escultura Antigua, pudiendo plasmar con igual acierto lo bello y lo terrible. Muy influido por el realismo y el tenebrismo de Caravaggio, Ribera se convirtió en un magnífico dibujante y grabador. Su obra es un verdadero estudio de la anatomía humana, incluso en las más complicadas posturas o “escorzos”.

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

LECTURA DESCRIPTIVA

LECTURA INTERPRETATIVA

El sueño de Jacob es un óleo sobre lienzo del pintor barroco español José de Ribera.

El cuadro narra el sueño misterioso del patriarca Jacob, según relata el Génesis, quien aparece dormido, recostado sobre el brazo izquierdo. Detrás de él se encuentra un árbol y al otro lado la escala de luz por la que suben y bajan los ángeles.

Fue adquirido por Isabel de Farnesio como obra de Murillo, siendo erróneamente atribuidos durante muchos años a este pintor. A pesar de estar fechado y firmado por Ribera no es, evidentemente, una obra que recoja sus características clásicas.

Ribera representa de manera perfecta el episodio del Génesis en el que Jacob, camino de Jarán, vio en su sueño una escalera celestial por la que subían y bajaban ángeles.

El maestro ha situado al patriarca, sumido en un profundo sueño, de la manera más realista posible. De hecho, casi no puede observarse la escalera celestial, insinuada por la luz fuerte y clara que ilumina el rostro de Jacob. Tumbado sobre el suelo árido, como un pastor cansado o un viajero exhausto, potencia los volúmenes del cuerpo, los rasgos ordinarios del protagonista y el tratamiento de las telas drapeadas de color tierra de su vestido.

El escorzo de la figura y las diagonales que organizan la composición demuestran el acentuado barroquismo del pintor. Pero ahora abandona claramente su tenebrismo inicial para darnos una visión muy luminosa, sin apenas producir contrastes de luz y sombra, en la que la influencia veneciana es significativa.

El artista resalta el aspecto humano de quien estaba huyendo de su enfurecido hermano Esaú, a quien había suplantado para recibir la bendición paterna que correspondía a la primogenitura que el propio Esaú se había dejado arrebatar por su hermano.

El sueño de Jacob gira en torno a un elemento muy claro: la escalera. Se trata de un símbolo que en la interpretación judía representaría el exilio del pueblo de Israel antes de la llegada del Mesías, y que en no pocas exégesis se identifica con el Monte Moria, lugar señalado para el sacrificio de Isaac y en el que se levantaría el templo de Jerusalén.

Evocaría también la montaña sagrada del Sinaí, donde Yahveh descendió para dar la Alianza a los israelitas, haciendo de ese lugar una especie de “escalera” entre lo humano y lo divino, entre lo terrenal y lo celestial.

ALUMNO/A: Diego Marijuan PERIODO: periodo 3 TÍTULO DE LA OBRA: la familia de Felipe IV más conocida como Las Meninas Originalmente se titulaba Retrato de la señora emperatriz con sus damas y una enana. Tras un incendio en el siglo XVIII, pasó a llamarse La familia del Señor rey Phelipe Quarto.

Diego Velázquez AUTOR 1656 FECHA DE REALIZACIÓN TÉCNICA Y ESTILO DEL La pintura se trata de un Oleo y el estilo es Barroco que era de los estilos más usados en España en esa época. Se considera la obra maestra del pintor.

AUTOR Los expertos dicen que es uno de los mejores cuadros de la historia del arte. El cuadro retrata CARACTERÍSTICAS una escena en palacio de la familia del rey Felipe Cuarto. El cuadro está en el Museo del Prado PRINCIPALES desde que abrió sus puertas hace más de 200 años. Desde entonces, millones de personas lo han disfrutado y muchos artistas lo han copiado.

La obra retrata a la infanta Margarita, hija del rey Felipe IV, en el taller del pintor situado en el Palacio Real Alcázar de Madrid. También es conocida como La familia de Felipe IV En esta obra se puede ver a la Infanta Margarita con sus ayudantes o Meninas, también se puede ver a Velázquez frente a un lienzo y al fondo de la pintura se ve a los padres de la infanta: Felipe IV y Mariana de Austria.

La infanta Margarita es la protagonista del cuadro. Es la hija del rey Felipe Cuarto.

LECTURA Velázquez la pinta en el centro porque puede ser la futura reina. Además en la escena se DESCRIPTIVA pueden ver dos meninas o sirvientas de la infanta. La menina que está de pie es Isabel de Velasco. La menina que está de rodillas es María Agustina Sarmiento y ofrece una jarrita de agua a la infanta. Velázquez se retrata a sí mismo mientras pinta un enorme cuadro. El pintor mira hacia los espectadores. Se pinta a sí mismo mientras piensa cómo pintar.

No está dando una pincelada al cuadro, sino que mira y piensa. Velázquez creía que el arte está relacionado con la inteligencia y las ideas, no solo con la habilidad de las manos.

La enana Maribárbola y el bufón Nicolasito Pertusato están en una esquina. Vivían en palacio y entretenían a la familia real. Un perro mastín adormilado. La monja Marcela de Ulloa y un hombre, que se ven en sombra detrás de una menina. Los dos son guardadamas, un antiguo trabajo de acompañamiento de la reina y la infanta que hoy ya no existe. José Nieto, aposentador de la reina, está en la puerta del fondo. El aposentador se encargaba de organizar las habitaciones en palacio.

En el espejo del fondo están reflejados el rey Felipe Cuarto y la reina Mariana de Austria.

La escena ocurre en el llamado Cuarto del Príncipe, una sala del Alcázar de Madrid.

Se caracteriza por su concepto innovador, excelente ejecución en la técnica, el particular uso de la perspectiva, el contraste entre la luz y la sombra, la distribución de planos y personajes y la recreación del ambiente familiar.

En el cuadro están vistiendo a la infanta mientras Velázquez pinta la escena. El cuadro LECTURA representa el ambiente familiar, hogareño e íntimo de la realeza, cuyo centro es el retrato de INTERPRETATIVA la Infanta Margarita rodeada de su pequeña corte. Por ello, es hoy una de las obras más importantes de la pintura española. Una interpretación insiste en el carácter político, en que el cuadro encarna, al mismo tiempo, la preocupación y la esperanza por la sucesión del trono español. La otra plantea que este lienzo es una alegoría del triunfo de la Pintura, es decir, la idea de que la pintura ha trascendido más allá de las artes mecánicas.

ALUMNO/A: PERIODO: 3 TÍTULO DE LA OBRA:

Adrián González y Ramón Pi

AUTOR

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Diego nació en 1599 y murió en 1660.

Diego fue un pintor barroco español considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.

La fecha de realización es el año 1657. su datación ha sido objeto de polémica a lo largo del tiempo. Si bien se consideró durante un tiempo como obra anterior a "Las Meninas" (1656), hoy en día se da por más acertada una fecha posterior a aquella, en torno a 1657 o 1659. La parte superior es un añadido de cuando el cuadro fue ensanchado, con posterioridad a la muerte de Velázquez, en 1664.

La técnica es técnica óleo sobre lienzo y el estilo es estilo barroco.

FECHA DE REALIZACIÓN

TÉCNICA Y ESTILO DEL AUTOR:

Las hilanderas o Fábula de Aracne.

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES:

La obra es una de las últimas de Diego Velázquez.

LECTURA DESCRIPTIVA

El cuadro trata un tema mitológico: la fábula de Atenea y Aracne, en una escena del mito de. Una joven lidia, Aracne, tejía tan bien que las gentes de su ciudad comenzaron a comentar que tejía mejor que la diosa Atenea, inventora de la rueca. La escena del primer término retrataría a la joven a la derecha, vuelta de espaldas, trabajando afanosamente en su tapiz. A la izquierda, la diosa Atenea finge ser una anciana, con falsas canas en las sienes. En el cuadro se puede ver que la escena tiene lugar en un taller de tapices. Todas las figuras que aparecen en la obra son mujeres. Los colores de la obra son tanto brillantes como oscuros. En la obra se ve que una mujer sostiene lo que parece ser lana. Hay una escalera detrás de la mujer en la izquierda. Detrás se puede ver que parece ser la obra El rapto de Europa por Peter Paul Rubens.

El autor parece detener el tiempo en un instante fugaz, de manera que, no sólo las figuras parecen congeladas en el tiempo mientras realizaban sus tareas, sino que, la propia rueca, parece quedar detenida en un movimiento continuo, en un alarde de técnica por parte del pintor.

Como es característica no solo de Velázquez, sino del barroco, el autor juega en esta obra con el equívoco desde el primer momento: el de la interpretación del tema. Bajo la apariencia de una escena de género La fábula de Ovidio, cuenta como la joven tejedora Aracne se jactó de tejer mejor que los propios dioses. Ofendidos ante tal falta de respeto, Palas Atenea se transformó en anciana y, bajo engaños, retó a Aracne a ver quien era mejor tejedora. Finalmente Aracne es vencida y castigada por Atenea por su orgullo. Por todo ello, la joven fue castigada convirtiéndose en araña y condenada a tejer para siempre.

LECTURA INTERPRETATIVA

La familia de Carlos IV AUTOR

Francisco de Goya (1746-1828) Francisco José de Goya y Lucientes fue un pintor español. Fue uno de los más grandes artistas de la historia.

FECHA DE El cuadro, de evidente intencionalidad dinástica, fue realizado entre Aranjuez, REALIZACIÓN donde Goya hubo de realizar los bocetos previos, y Madrid en la primavera y verano de 1800, poco tiempo después de ser nombrado Goya primer pintor de cámara en 1799.

TÉCNICA Y ESTILO DEL Siempre innovador, consiguió adelantarse a todos y cada uno de los movimientos AUTOR los movimientos pictóricos que aparecieron en Europa, desde el romanticismo al surrealismo, pasando por el impresionismo y el expresionismo.

Por eso se le considera el Padre del Arte Contemporáneo.

CARACTERÍSTICAS La familia de Carlos IV es un retrato colectivo pintado en 1800 por Francisco de PRINCIPALES Goya. Coloca a los catorce personajes sobre un fondo austero, sin alfombras ni grandes adornos, aunque sí se aprecian en los cuadros que adornan las pareces tres figuras mitológicas y una representación marina (muy poco perceptibles).

LECTURA DESCRIPTIVA Goya decide darle protagonismo a los retratos, y no introduce los elementos de perspectiva y detalles que observamos en la célebre obra de Velázquez conocida como Las Meninas. Aunque se ven similitudes con esta obra, por ejemplo, Goya se retrata pintando un cuadro como hizo Velázquez.

Este cuadro es de gran tamaño. Goya tardó varios meses en pintarlo. Fue su primer cuadro después de que el rey Carlos Cuarto lo nombrara su pintor principal de palacio. Goya hizo los retratos por separado para hacer luego este gran cuadro.

Así podía recordar los personajes y sus posiciones. Varios de estos retratos están en la misma sala del Museo. El cuadro tiene las siguientes figuras: La reina María Luisa está en el centro. Viste un traje de moda francesa y tiene el peinado adornado con diamantes. Ella coge de la mano a su hijo pequeño Francisco de Paula y abraza a su hija María Isabel. Goya está en el lado izquierdo, que es el más oscuro. Está pintando un cuadro. En el lado izquierdo también está Fernando, príncipe de Asturias, vestido de azul. Él será el futuro rey Fernando Séptimo.

Detrás de Fernando está su hermano Carlos María Isidro. Carlos abraza a Fernando por la cintura y muestra que será su sucesor, si es necesario. Una mujer con la cara de lado representa a la futura esposa de Fernando, que todavía no tiene pareja. Al fondo, está María Josefa, hermana de Carlos Cuarto. Tiene un gran lunar al lado de un ojo. Al lado derecho, que tiene más luz, está el rey Carlos Cuarto, vestido con un traje de gala y varias insignias, medallas y bandas. Detrás del rey Carlos Cuarto está el hermano del rey y otra de sus hijas, cada uno con su pareja.

LECTURA Goya retrata a 13 personas de la familia real y a él mismo.

INTERPRETATIVA Con este cuadro con tantos personajes, quiere mostrar 2 ideas: • Los hijos de los reyes seguirán gobernando como reyes en España.

• Las hijas y los hermanos del rey permitían matrimonios con otros reinos para tener aliados en el futuro.

Son evidentes las concordancias formales y compositivas con Las Meninas, lo que demuestra la admiración que Goya sentía hacia Velázquez.

ALUMNO/A: Iván Ruano y Oscar Bermúdez PERIODOS: 2 y 3 TÍTULO DE LA OBRA: El 3 de mayo en Madrid o "Los fusilamientos" AUTOR Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) FECHA DE 1814 REALIZACIÓN TÉCNICA Y ESTILO DEL Óleo sobre lienzo. Prerromanticismo. Está considerada la primera obra del Arte AUTOR Contemporáneo.

CARACTERÍSTICAS Este lienzo es una de las piezas más emblemáticas del autor. En él, Goya hace a un lado PRINCIPALES las normas del estilo neoclásico para traslucir el despertar de un estilo nuevo y personal.

Los fusilamientos del 3 de mayo son los hechos que Goya retrata con el mayor dramatismo posible en el lienzo que nos ocupa. Numerosas víctimas, entre las que figuraban inocentes, fueron asesinadas.

LECTURA DESCRIPTIVA Napoleón domina buena parte de Europa. Pero España controla importantes accesos al Mediterráneo, por lo que Bonaparte decide engañar un poco al no muy brillante Rey Carlos IV y le propone conquistar Portugal para repartírselo.

Así se permite a los franceses penetrar en territorio español, y estos deciden quedarse.

El pusilánime Carlos IV abdica en su cobarde hijo Fernando VII (el rey español peor tratado por los historiadores) y este no quiere saber nada y la corona acaba en manos francesas. José Bonaparte, hermano de Napoleón es proclamado rey de España. Pero el día 2 de mayo comienza un levantamiento popular en Madrid, corriendo ríos de sangre francesa. Al día siguiente, el ejército francés demanda venganza y cualquiera que llevase una navaja es arrestado y condenado a muerte sin juicio previo. Las ejecuciones se realizaron a las 4 de la mañana en varios puntos de la ciudad. Goya retrata el lugar conocido como la montaña del Príncipe Pío que es donde ocurre este relato. Los condenados a muerte no tienen ni orden ni línea, el caos domina la sección. Los personajes no poseen atributos de guerra como armas o uniformes. Se hace evidente una clara desigualdad entre los bandos. Se distinguen cuatro grupos entre las víctimas, los cuales rompen la linealidad: el grupo principal está al centro de la sección y permanecen de rodillas. Otro grupo está a la derecha esperando su turno. En la base de la imagen, yacen los ya asesinados. Pero a la izquierda en el fondo, se distingue una sombra. Parece una mujer sosteniendo a alguien en brazos, casi como una piedad. Entre estos personajes populares destaca un hombre con camisa blanca de rodillas. Extiende sus manos en cruz, y en una ellas casi puede verse un estigma. Ha sido interpretado como un “nuevo crucificado”, un inocente (de ahí el blanco) que ha pagado con su sacrificio el precio de la independencia española.

LECTURA La obra está dividida en dos secciones. En la sección izquierda, la luz se hace INTERPRETATIVA manifiesta. En la diagonal derecha, dominan la penumbra y las sombras. Goya envía un mensaje: la luz acompaña al pueblo en su resistencia genuina, mientras que el gobierno francés actúa en la oscuridad. El ejército francés, absolutamente ordenado, aparece alineado en perfecta formación. Ninguno de sus soldados tiene rostro. Goya ha representado con ello su “deshumanización”. Todos le dan la espalda al espectador, convertido en testigo de la escena mortal. Alineados todos sus fusiles, cuya horizontalidad rompe las diagonales del lienzo, parecen, una “eficiente máquina de matar”.

SECCION ESPAÑOLA MIAMI, FLORIDA, PROGRAMA DE ESTUDIOS INTERNACIONALES