MAYO 2026
Nº350 mondosonoro.com
MONDO SUR
Sin hablar todavía de escena, una generación de bandas y proyectos malagueños está construyendo un relato común desde los márgenes de una ciudad que cada vez les es más hostil. Entre la gentrificación y la precariedad surge una insurrección artística. Dibujamos junto con La Trinidad, Lord Malvo, Orina y Anadie esa otra postal de Málaga.
Durante años, Málaga ha generado música, pero sin un relato propio que terminara de articularla. Quizá le faltaba también un lugar desde el que contarse. Hoy, sin embargo, algo está cambiando en sus márgenes, en locales de ensayo y bares donde una generación de artistas está construyendo un relato común. Ahí aparecen nombres como La Trinidad, Lord Malvo, Orina o Anadie, propuestas atravesadas por una misma sensación: habitar una ciudad que ya no es del todo suya. “Málaga está sufriendo la globalización turística… pero a lo bestia”, señala Adrián Lord Malvo, una transformación que impacta en la vida cotidiana porque “muchos de tus amigos se tienen que ir porque no se pueden permitir vivir aquí”. Desde La Trinidad el diagnóstico es directo: “Nos han expulsado de la ciudad y de nuestros barrios”, una idea que condensan en una imagen clara. “Hemos obtenido una ciudad que parece el duty free de un aeropuerto” sentencia Sixto. Anadie añade otra capa al
señalar que la pérdida del entorno implica “el desmembramiento de nuestra propia identidad”, algo que empuja las canciones hacia lo político, mientras que desde Orina la lectura de Manuel conecta todo esto con una idea común: “A lo mejor Málaga ha creado, por desgracia, una situación social real que está haciendo que muchas personas se agarren a la música, a la cultura y al arte para sobrevivir”. Se dibuja así un escenario de alquileres imposibles, pérdida de comunidad y desarraigo. En ese contexto la música deja de ser solo expresión para convertirse en relato: “Todo ese dolor se refleja en las canciones… aunque sea con humor”, apuntan desde Lord Malvo.
¿Existe realmente una escena en Málaga? “No sé si alguna vez ha habido una escena real… creo que era una ilusión”, reconoce Adrián. Sin embargo, los vínculos están ahí. “Nos conocemos todos de los bares y hay mucha solidaridad”, cuenta Manuel, señalando espacios como La Invisible o El Muro como puntos de encuentro donde se genera
algo más parecido a una comunidad. Anadie apunta en la misma dirección al hablar de “un afán por estrechar lazos y vínculos entre los artistas”. Más allá del estilo, lo que define a esta generación es su contexto. “Todos hemos huido de la música de los macrofestivales que nos han ido plantando en la ciudad mientras nos quedábamos sin salas y sin programación alternativa”, explica Sixto. No hay una estética común, pero sí una tensión compartida. “Creo que al final lo que nos une es la misma vivencia”, resumen desde Orina. “Florecemos a duras penas en un ecosistema árido”, añade Sixto, mientras que Adrián de Lord Malvo lo sintetiza así. “Nos une mucho más el criticar sus lodos que el alabar sus virtudes”.
No hay manifiestos ni voluntad de construir una escena con nombre propio, lo que hay es una coincidencia generacional atravesada por una ciudad que cambia demasiado rápido. De ahí nacen las canciones, de la precariedad y la necesidad de contar lo que está pasando. Y ahí está su fuerza, en seguir existiendo en una ciudad que, muchas veces, parece empujar en dirección contraria. + EN MONDOSONORO.COM
FOTOS: SARA MORENO. CARMEN TEXEIRA. PABLO CHABBEY. RAFEL LEÓN
¿Quién te trae flores por primavera?
La primavera en el Sur ya no se mide en grados, sino en formas de habitar la música. Cada festival redefine la relación entre tiempo y espacio, proponiendo experiencias que trascienden el directo y convierten el entorno en parte esencial de la escucha. En Oh, See! Málaga todo se concentra, una jornada, un recinto, una escena comprimida en nombres como Carlos Ares, Sanguijuelas del Guadiana o Vera Fauna, aquí el tiempo es intensidad y el espacio comodidad. En Degusta Fest el tiempo se dilata y música y gastronomía conviven en una experiencia que invita a parar, a saborear y a dejarse llevar sin prisa. El Extremúsika de Cáceres hace que el rock nacional vuelva a vivir su particular primavera con un cartel intergeneracional. De Rebrote a Sanguijuelas del Guadiana, pasando por La Fuga o Gomad & Monster, es masa, energía y conexión directa. Murmura nos lleva a la desconocida Alpujarra almeriense y convierte el territorio en recorrido. Pueblos, paisajes y conciertos donde ver a Rufus T. Firefly o 091 es también desplazarse, detenerse y mirar. En el nuevo Festival Canteras, el parque de La Zubia se transforma en punto de encuentro intergeneracional, inclusivo y diverso donde familias y amistades comparten un viaje musical que conecta raíz y vanguardia. En Rit/mo Festival la electrónica abandona el club para elevarse a los pies de Sierra Elvira con John Talabot o Aurora Halal en un entorno que redefine la experiencia. Seis citas, seis maneras de estar en la música. En el Sur la primavera es ya otra cosa. MS
DISCO DEL MES.
“La vida te devora desde que te levantas. ¿Qué te queda para ti? La noche”
Amante Laffón
Cuando todo se apaga, empiezan a pasar las cosas. Esta noche es nuestra (Mushroom Pillow) recoge ese momento suspendido en el que el ruido baja y las canciones y la vida toman sentido. Amante Laffón convierten la madrugada en refugio y campo de batalla en un disco que no busca respuestas, pero sí un lugar donde soltarlo todo.
No es tanto un disco como una deriva. Esta noche es nuestra no se ordena, no se presenta en bandeja ni responde a una lógica narrativa evidente. Avanza como avanzan las horas cuando ya todo debería haberse apagado. Sin cortes claros, con una continuidad casi inconsciente. Amante Laffón no han querido construir un álbum desde la estructura, sino desde el pulso.
Ese cambio tiene que ver con cómo han trabajado las canciones. Si antes partían de ideas más abiertas, ahora llegan más armadas al local. “Antes alguien traía una idea y empezábamos a trabajarla entre todos, sin melodía ni letra clara; ahora intentamos que sean más canciones que otra cosa, traer una base ya hecha y a partir de ahí cuidar cada instrumento, la letra, el sonido”. Aun así, el proceso sigue siendo colectivo, casi artesanal, girando alrededor de un concepto claro: quitar capas en lugar de añadirlas. “Al principio pensábamos demasiado y sobreproducíamos, pero nos dimos cuenta de que teníamos que ir a la raíz, a cómo queremos sonar nosotros”. Ahí es donde aparece su identidad. Un sonido que recoge referencias reconocibles, de Joy Division a The Smiths o
Fontaine DC, pero que no se limita a replicarlas, sino que las atraviesa desde una sensibilidad actual. Las guitarras, abiertas y con profundidad, juegan un papel clave. “Tenía claro que el chorus iba a estar en casi todo el disco, por la apertura y la sensación de profundidad que te da. Buscábamos eso, profundidad, algo que no fuese perfecto”, apunta Tamajón. Incluso en la producción hay una intención clara de huir de lo pulido: “queríamos putear los amplis, que rompieran de forma natural, no sonar artificial”. El disco, además, tiene algo de continuo emocional. No hay bloques definidos ni momentos claramente delimitados. Todo parece suceder en el mismo plano, como si hubiese sido grabado del tirón. “Queríamos que sonara fluido, como si empezaras a grabar a una hora y terminaras varias horas después sin darte cuenta”. Esa sensación de flujo conecta directamente con su trasfondo:. Una acumulación de experiencias, tensiones y preguntas sin resolver. Desde el primer golpe, con “Lorazepam”, el álbum deja claro que no hay introducciones suaves. Es un inicio frontal, casi incómodo, que funciona como válvula de escape. “Es un tema para desahogarte, para soltar todo
lo que llevas dentro, de los momentos malos, de la desconfianza… yo saqué mis demonios escribiéndola”, confiesa Carlos. No es casual que ese sea el punto de partida:. Aquí no se trata de construir desde arriba, sino de empezar desde abajo y ver hasta dónde aguanta la estructura. A partir de ahí, el disco se mueve en una tensión constante. No hay un equilibrio estable, sino una sensación de estar siempre en el límite. Relaciones que no terminan de encajar, decisiones que no llevan a ningún sitio claro, ciudades que prometen más de lo que dan. “Siempre has soñado con estar en otro sitio, pero cuando estás allí no tienes la ilusión que tenías cuando lo pensabas en tu habitación”. Ese vaivén entre quedarse y marcharse atraviesa todo el álbum y conecta con una sensación más amplia: “llegas a una edad y piensas para qué ha servido todo este camino, si no puedes pagar un alquiler o no sabes cuándo vas a tener estabilidad”
En ese contexto, la noche no es un recurso estético, sino una necesidad. Es el único momento en el que algo se detiene. “La vida te devora desde que te levantas hasta que te acuestas, ¿qué te queda para ti? La noche”, dicen. Frente a una rutina que absorbe todo, ese espacio se convierte en refugio, pero también en detonante creativo. “Es cuando llega la inspiración, cuando estás más contigo mismo, cuando puedes escribir y procesar todo”. Musicalmente, ese ambiente se traduce en capas que no saturan, en arreglos que respiran y en una producción que prioriza el conjunto frente al detalle ornamental. Incluso cuando el disco se abre, como en “Tenerife”, lo hace sin romper del todo con ese clima. Hay más luz, sí, pero sigue siendo una luz proyectada, más cercana al deseo que a la realidad. “Es más un sueño que otra cosa, como muchas cosas del disco”, reconocen.
Al final, Esta noche es nuestra funciona como un espacio compartido. No plantea soluciones ni pretende cerrar nada. “No hay un camino, ese es el problema”, dicen en uno de los momentos más claros de la conversación. Lo que queda es la experiencia, el proceso y esa sensación de estar siempre en tránsito. Un disco que no busca respuestas, sino sostener el ruido de fondo. Y en ese ruido, encontrar una forma de seguir adelante. ARTURO GARCÍA
Mondo
eSCAPaRATe
“Te das cuenta de que van pasando los años y te quedan menos versiones de ti mismo sobre las que puedes elegir”
Lord Malvo
La vida a los treinta y ese círculo vicioso de precariedad laboral, ciudad gentrificada y autoexigencia, lo convierten Lord Malvo en un delicioso groove. Con Cuánto cuesta (Lunar Discos) no regatean el precio de la adultez pero si cuestiona si merece la pena pagarlo.
Hay un momento, casi sin darte cuenta, en el que la vida deja de ser una expectativa de futuro y empieza a parecerse más a una rutina. Llega un momento en el que asumes que te ha tocado eso. A Lord Malvo ese momento les ha pillado rozando los treinta, con un grupo que crece y una vida que, como a todos, se complica. “Al final te estás privando o te estás quitando tiempo a muchas otras facetas de tu vida que quizás también debes cuidar”. Y de ese choque nace su segundo disco. Un álbum que convierte la precariedad, los horarios imposibles y las dudas generacionales en groove bailable. Si en su debut había una urgencia más punk, ahora el grupo ha girado hacia un terreno más rítmico, más abierto, fruto del desgaste y de la necesidad de avanzar. Hubo tanteos fallidos hasta encontrar ese nuevo lenguaje. “Intentamos meternos un poco en el tema electrónico, salió horrible, no tenemos talento para eso”. El disco gira en torno a una idea central: cuánto cuesta crecer. No solo en lo económico, sino en tiempo, energía y renuncias. También en el lugar que habitas. Lord Malvo hablan de una Málaga transformada, donde lo cotidiano ha sido sustituido por otra cosa más rentable y homogénea. El cambio no es solo físico, también emocional. Escribir
desde un sitio que ya no reconoces del todo forma parte de esa adultez. En ese contexto, la amistad se convierte en resistencia. “Es una canción de amistad”, dicen sobre “Perro fiel”. Mantener vínculos cuando el tiempo escasea se vuelve complicado: “Cada vez es más complicado buscar momentos libres”. Aun así, hay quien sigue, quien permanece. Esa fidelidad silenciosa atraviesa el disco. Al mismo tiempo aparece otra presión: la de cumplir, la de no fallar. “Quizás tenga que poner yo de mi parte para intentar que las cosas salgan”. Pero esa autoexigencia también se mira con ironía. “Parodiamos un poco esa autoexigencia que vemos en redes, el tema de los criptobros, ‘soy mi propio jefe’, ‘invierto’, ‘quieres que te enseñe’...”. Y en paralelo, una idea clara: el conflicto como motor creativo. “Si nada es malo, ¿de qué vas a hablar realmente?”
Más allá del discurso, la realidad es concreta: sostener una banda hoy implica desgaste. “Estás todos los fines de semana pringados, gastas muchísimo dinero, tanto en furgos, en camionetas, en hoteles, en comidas…”. Una ecuación que no siempre compensa. “Llega un punto que dices, mira, no me renta”. Y, sin embargo, siguen. En ese camino aparece la conexión con Vera Fauna en “Más feliz y menos
productivo”, una colaboración que funciona como punto de encuentro entre dos miradas. Una más pegada al detalle cotidiano y otra más estructural. “Quique hace unos retratos muy chulos de esa cotidianidad, de ir paseando por las calles de mi barrio, antes veías las bragas y ahora eso es un Airbnb… nosotros hablamos un poco más de ese problema estructural de fondo”. Pero también surge la parte más íntima: la sensación de no ser protagonista de tu propia vida. “Te ves como un actor secundario en tu propia vida”. A eso se suma la vergüenza. “La vergüenza existe, está aquí presente, pero quizás hay que aprender a no usarla”. Y el paso del tiempo, inevitable: “Te das cuenta que van pasando los años y te quedas con menos versiones de ti mismo sobre las que puedes elegir”. El disco captura ese momento en el que las opciones se reducen y las decisiones pesan más, en una época marcada por la necesidad constante de producir. “No conseguimos estar sin producir una sensación”. Lord Malvo no ofrecen respuestas. Prefieren ponerle ritmo a la incertidumbre, convertir el desgaste en baile y seguir adelante, aunque el tablero esté inclinado. Porque, al final, de eso va todo... de cuánto cuesta y de si merece la pena pagarlo.
ARTURO GARCÍA
Orina
“Hemos sido educados en la cultura de la culpa”
Orina entona el Mea culpa (Desorden Sonoro), un disco que se mueve entre la incomodidad y la honestidad, entre la incontinencia del lenguaje y una realidad que desborda. Desde Málaga, el grupo convierte la experiencia cotidiana en un relato crudo, fragmentado y profundamente ácido en cuerpo y alma.
Tirando de eufemismo, Orina es ese lenguaje correcto, higiénico, que mira hacia otro lado y evita adentrarse en los rincones invisibles de la ciudad y en la mente de quienes los habitan. Los malagueños salpican con esa realidad incómoda en una suerte de punk mestizo, tan ácido como el líquido elemento que les da nombre. Mea culpa es su debut, un gesto de incontinencia frente a lo impuesto, frente a ese dolor mudo, frente a esa carga que se asume como justa.
El proyecto nace casi por accidente en La Casa Invisible, cuando Manuel, que ni siquiera cantaba, acaba frente a un micrófono por pura inercia. “Yo hacía vídeos y me liaron un día para cantar. Y mira”. Ese origen define bien su naturaleza, un proyecto construido desde el azar, donde todo parece suceder sin plan pero con una coherencia emocional clara. En el contexto de una escena malagueña por hacer, junto a nombres como La Trinidad o Lord Malvo, Orina se apoya en una red casi de colegas. “Nos conocemos de los bares, hay mucho apoyo entre grupos. Hay mucha solidaridad”. En ese ecosistema, la música funciona como una forma de resistencia cotidiana, no tanto ideológica como vital.
Mea culpa es el reflejo de ese choque entre discurso y experiencia. “Como muchos, he sido educado en la cultura de la culpa” apunta Manuel. Un disco construido a partir de años de incertidumbre, trabajos precarios y búsqueda personal. “Escribo de lo que vivo, el disco va de eso”. La primera parte se mueve hacia dentro, en ese dolor mudo que atraviesa todo, y después el relato se abre hacia fuera, la calle, el bar, el cuerpo, el desborde. No hay una narrativa lineal, sino un collage de imágenes y sensaciones que el oyente recompone. Musicalmente, Orina se sitúa en un terreno difícil de acotar, punk, psicodelia y una sensibilidad que conecta con el flamenco entendido como lenguaje, como forma de decir. A esto se suma una dimensión audiovisual muy marcada, coleccionista de VHS, construye un imaginario propio a partir de fragmentos, texturas y errores, trasladando esa lógica también a la música. Al final, todo vuelve a la misma idea, suavizamos el lenguaje, pero no la realidad. Orina nombra desde el eufemismo, pero lo que hay debajo no se puede disimular. Y en esa grieta incómoda, a veces absurda y siempre honesta, encuentra su forma de existir.
ARTURO GARCÍA
Mondo Sonoro edición Sur
EN EL . DISPARADERO.
Construcción o deconstrucción. Porque lo vuestro parece más desmontar que levantar, ¿no? Construimos rompiendo. Si nada molesta, no hay nada que levantar.
Málaga está viviendo una ebullición musical muy concreta, pero también una presión social evidente. ¿Sentís que formáis parte de una escena?
En los últimos años han salido propuestas que molan mucho, pero una escena no se levanta solo con bandas. Aquí lo que hay es falta de espacio, las mismas dificultades para todos y una sensación constante de estar peleando por sobrevivir. Falta mucho para poder hablar de “escena”. Tenemos la suerte de tener colegas en los que apoyarnos y compartir la música que nos mueve.
En “Fuerte” ya dejábais claro que lo vuestro no va tanto de canciones como de movimiento. ¿Cuándo dais un tema por cerrado?
Nos gustan las canciones cortitas y al pie. Generar incomodidad nos atrae. Nunca cerramos las canciones del todo, más bien las abandonamos. Solemos empezar desde una caja de ritmos y una línea de bajo que trae Nilsson, a veces con letra o guitarra, y a partir de ahí cada uno suma su parte.
Construimos Escaleras
Desde Málaga, Construimos Escaleras no hablan de levantar nada sólido. Lo suyo va de incomodar, repetir y dejar que el cuerpo decida. Entre la urgencia y el groove, el grupo ha ido dando forma, casi sin querer, a un lenguaje propio. Con tres singles en el aire, y ya dentro de Caries Records, el proyecto crece sin dejar de mutar.
Nilsson: Intento no tardar más de una tarde en componer la demo. Si me rallo más de un día con una canción, la descarto.
Hay una idea muy clara en vuestro sonido: repetición, groove, cuerpo… ¿pensáis primero en el sonido o en lo que provoca? En lo que provoca. Si algo no nos mueve, el sonido nos da igual.
En un mundo en conflicto constante, proponéis la asertividad para decir “basta”. ¿Límite o punto de partida?
Las dos cosas. Un límite puede funcionar como punto y aparte, no necesariamente como final.
“Basta” se acerca al spoken word. ¿Qué os permite ese formato?
“Fuerte” está en un lugar más vacilón, te invita a entrar y a bailar. “Basta” nace desde otro sitio: menos juego y más necesidad de decir cosas. Es más crudo, más directo. Lo importante no es cómo suena, sino lo que está pasando mientras se dice.
Estamos ante un proyecto en construcción. ¿En qué peldaño estáis ahora?
Vamos subiendo y construyendo a la vez. Terminamos de grabar el disco en diciembre y ahora estamos peleándonos con él en
el local. El proyecto nació con un plan muy distinto. No pensábamos acabar en un sello como Caries, y eso nos dio el empujón que necesitábamos. Seguimos un poco flipando. Y, sobre todo, esto no habría salido sin nuestros amigos, que están ahí para todo.
Entre Gang of Four, Talking Heads o Pony Bravo… ¿qué referencia sentís más cerca ahora mismo?
Talking Bravo.
Habladme del aspecto audiovisual: colores, frontalidad, estética VHS… ¿es clave en vuestro proyecto?
Nos importa tanto como la música. Es otra forma de decir lo mismo sin sonido. Muchas veces entra antes por los ojos que por los oídos, y nos interesa jugar con eso. Si solo te quedas en la música, te pierdes la mitad. Queremos que todo sea un mismo golpe.
Se os siente como una banda de distancia corta. ¿Cómo se traduce todo esto en directo?
El directo está vivo. Puede mutar según lo que nos convenga. Podemos hacer lo que queramos si dejamos que el cuerpo mande. Si entra demasiado la cabeza, se estropea. Esa es la clave… y los rototoms, claro. MS
Mondo Sonoro edición Sur
FESTIVALES 2026
29, abril 1 y 2 de mayo Recinto Hípico. Cáceres
El rock nacional vuelve a vivir su particular primavera con un cartel intergeneracional. Rebrote, Sanguijuelas del Guadiana, Gomad & Monster, La Fuga...
EXTREMUSIKA
22 y 23 de mayo Auditorio de Málaga
En un solo vistazo lo mejor de la escena nacional en el último año. Sanguijuelas del Guadiana, Carlos Ares, Vera Fauna o Repion. Todo con la comodidad de un recinto en el que no te pierdes nada.
OH,
29, 30 y 31 de mayo Alpujarra Almeriense
Una experiencia inmersiva que marida música, naturaleza y ruralidad. Rufus T Firefly, 091, Amparo Sánchez o The Molotovs en un escenario privilegiado.
9 de mayo
La Zubia (Granada)
Inclusión, diversidad y familia en un entorno natural. Sobre el escenario Baiuca encabeza una fiesta de raíz y vanguardia.
CANTERAS
15 y 16 de mayo Feria de Muestras de Armilla
Las nuevas canciones de Lori Meyers o los grandes hits de Primal Scream en un menú de degustación para paladares exquisitos. La segunda edición llega todavía más jugosa.
DEGUSTA FEST ARMILLA
29 y 30 de mayo Sierra Elvira, Granada
Encuentro único entre entre naturaleza y electrónica de club. John Talabot o Aurora Halal en un espacio que cuesta imaginarse.
Mondo Sonoro edición
CRÓNICAS
Suede
El festival Insólito acertó de pleno al traer a Brett Anderson y los suyos en el primer sábado de la primavera. Mientras en las salas de cine Almodóvar estrenaba un retrato crudo donde los ansiolíticos y la melancolía son protagonistas, en la Cartuja, Suede recetaba su propio fármaco. Si el director manchego usa las pastillas para sobrevivir al drama, Anderson usa pildorazos musicales para exorcizarlo.
Lejos de vivir de rentas, el nuevo álbum compartió el eje central del repertorio con un in memoriam a los 90, la prueba del porqué Suede fue la piedra angular del Brit Pop. Al ver qué energía y entrega gasta a sus casi 60 años, cuesta creer que este torbellino de vitalidad viviera aquellas “mañanas negras como el carbón” que relató en su biografía, un pasado oscuro que hoy parece haber canjeado por una luz cegadora. Brett volvió a ser el frontman definitivo. No se conformó con el escenario. Bajó al foso en dos ocasiones, buscando el contacto directo mientras el sudor empapaba su camisa blanca. El concierto se transformó en un homenaje vivo a una década irrepetible cuando sonaron “Trash”, “Filmstar”, “Can’t Get Enough”,
“Animal nitrate” o “So Young”. Manejó el cable del micrófono como si fuera un látigo con el que domar los sentidos de una audiencia ante la que se postraba en genuflexión. Aunque no cantó “She’s in Fashion”, Sevilla le dejó claro que él sigue estando “de moda”, manteniendo intacto ese magnetismo que nos entusiasmó hace más de treinta años.
Necesarias “Everything Will Flow” y “The Beautiful Ones”. La conexión fue total cuando Neil Codling se sentó al piano. Interpretaron “Life is golden”, una pieza que nos transportó a una de esas tardes de persianas bajadas.
La escenografía subrayó la importancia de las palabras, proyectando las letras de varias canciones en la pantalla. Lenguaje escrito. Pero, ¿y el lenguaje escénico? En su propia farmacopea, este atleta emocional disecciona la ansiedad, el aislamiento y el colapso de estos tiempos, reafirmando lo que sentimos por ellos como única adicción saludable.
Olvidamos que existe una Brett Anderson en la banda The Donnas. Aquí sólo hubo espacio para el dueño absoluto del nombre. Suede no vinieron a Sevilla a administrar un placebo de nostalgia, sino a inyectarnos su mejor profacio en vena. La noche en la que Suede bailaron con los sevillanos.
BEATRIZ RODRÍGUEZ RUIZ
Dharmacide
Hay noches que se sostienen sobre una electricidad latente, una sensación de que algo está a punto de romperse incluso antes de que suene la primera nota. Así se presentaba, con la promotora Distortiongirl reuniendo a un público heterogéneo, entre fieles del shoegaze más áspero y curiosos de última hora, que encontró en Benzú una puerta de entrada sólida. Con tan sólo dos EPs y nuevo material en camino, Benzú no vinieron a calentar, sino a marcar territorio. Su propuesta, entre el jangle nebuloso y un noise contenido, se desplegó con seguridad y buen pulso en las texturas. Temas como “Reflejos”, “Nuestro sueño” o “La señal” evidenciaron una banda en crecimiento, capaz de manejar la tensión sin resolverla del todo y de construir una identidad propia aún en desarrollo, pero ya reconocible. Y entonces llegó Dharmacide
Desde los primeros compases quedó claro que la banda juega en otra liga en cuanto a control del espacio sonoro. Su directo no busca el impacto inmediato, sino envolver, generar una corriente subterránea que crece hasta hacerse inevitable. La sala, con su acústica áspera, se convirtió en el entorno perfecto para esa inmersión.
El setlist, con temas como “Lonely”, “Symphony of Silence”, “Breezing”, “Lovers”, “Depressed” o “Dove”, funcionó como un bloque compacto donde cada pieza parecía expandirse en directo. Las guitarras, superpuestas con precisión, construyeron ese equilibrio entre caos y control que define su sonido, mientras la voz, diluida entre efectos, reforzaba la idea de conjunto.
Lo más interesante de Dharmacide en esta etapa es su rechazo a la autocomplacencia. Incluso en los temas más reconocibles, introducen matices, tensan sus propias estructuras y rehuyen la repetición. No reproducen, reinterpretan.
El cierre llegó sin grandes gestos, fiel a esa estética de contención que atraviesa todo su directo. Sin discursos grandilocuentes ni poses impostadas, Dharmacide dejaron claro que lo suyo va de otra cosa, de construir atmósferas, de habitar el sonido y de invitar al público a perderse en él. Y a juzgar por la respuesta de una sala que, sin estar llena, se mostró completamente entregada, la invitación fue más que aceptada. MARÍA
VILLA
Lugar: Cartuja Center CITE. Sevilla Fecha: 21/03/26
Lugar: Sala PlantaBaja. Granada Fecha: 20/03/26
FOTO: MARÍA VILLA
Todos los sonidos llegan a Mérida
Lugar: Diversos Escenarios. Mérida Fecha: 15, 16 y 17/04/26
La décima edición de las Jornadas Profesionales de la Música en Extremadura (MUM) confirma algo que ya se intuía. Lo suyo hace tiempo que dejó de ser solo una feria. Es un espacio donde la música se muestra, pero también donde se piensa, se negocia y, sobre todo, se conecta. Mérida vuelve a convertirse en ese lugar donde los cruces importan tanto como los conciertos. La llegada de profesionales de América Latina y Europa, de Colombia a Dinamarca, pasando por México, Brasil o Portugal, ensancha el radio y sitúa el encuentro en una conversación más amplia. Todo ocurre, además, dentro de la propia ciudad. El Templo de Diana, el Teatro María Luisa, el Alcazaba o la Plaza de España funcionan como escenarios donde lo patrimonial y lo contemporáneo conviven con naturalidad. Entre mesas de debate sobre movilidad y circulación artística y conciertos abiertos al público, se refuerza una idea clara. La escena extremeña no solo existe, también participa activamente en un ecosistema global.
Miércoles 15 de abril
El inicio en el Templo de Diana marcó el pulso. Ismael González abrió con Escúchame Tour, sosteniendo la propuesta desde la intensidad y el control escénico. Meninos das Laranjas, por su parte, dibujaron un puente entre lo lusófono y lo extremeño, con un sonido que respira
tradición sin quedarse en ella. Asteria Ensemble llevó ese cruce un paso más allá, combinando herencia y experimentación con un cuidado especial en la construcción sonora. En el Teatro María Luisa, Chloé Bird apostó por la contención, dejando que el formato semiacústico hiciera su trabajo desde el detalle. En ese mismo espacio, ADMIRE transformó el ambiente con una propuesta de electrónica oscura sostenida por una escenografía depurada que convirtió el teatro en un entorno casi inmersivo.
Jueves 16 de abril
La segunda jornada amplió registros. Alexia reformuló su flamenco fusión con una banda joven que aporta frescura y dinamismo, mientras Esther Merino, desde la terraza del Alcazaba, transitó los palos con solvencia y equilibrio entre tradición y presente. Djarabi apostó por el ritmo como motor y por la construcción colectiva, generando una respuesta inmediata. Ya en el Templo de Diana, la personalidad de las propuestas se impuso con claridad. Gilipojazz desplegó un directo tan técnico como juguetón, moviéndose entre jazz punk, funk y metal sin perder el pulso escénico. Carmencita Calavera fue al grano, con un rock directo y sin artificios pero ejerciendo la granadina de auténtica sacerdotisa. A Juventude le costó arrancar la motillo por algún problema técnico. Pero los sevillanos tiraron de oficio y sobre todo de ese vodevil musical que va del pop elaborado al ska, pasando por la psicodelia andaluza. Luego en directo son como potrillos, indomables.
Viernes 17 de abril
El cierre sostuvo el nivel. Cardamom Trio construyó un directo que avanza con calma, dejando espacio para que cada pieza respire. La Petite Mort apostó por una electrónica con cuerpo y buena interacción sobre el escenario. Tamara Agudo & Band llevó el mestizaje al frente, combinando rumbita, ritmos latinos y otros acentos en un directo abierto y celebrativo. Balklavalhau convirtió el Templo de Diana en un cruce de caminos sonoro donde conviven Balcanes, Oriente Medio y flamenco sin fricción.
Musgö firmó uno de los momentos más singulares del encuentro, con el arpa como eje de una propuesta que se mueve entre lo electrónico y lo orgánico con naturalidad. Balarrasa se presentó a Balarrasa Grimor como una campaña performativa. Un ejercicio de conquista escénica, cuyo discurso destacó por su impacto, su acidez y su amplio electorado. El cierre llegó con Canastéreo. Con la Plaza de España llena, presentaron Jazmines. Un álbum que transita entre rock, psicodelia, pop y raíz pero con un aroma electrónico que lo eleva a uno de los trabajos del año. MUM 2026 reafirma su lugar no solo como escaparate, sino como espacio de conexión real. Un punto donde la música se cruza, se activa y encuentra nuevas vías para seguir avanzando. ANTONIO LL
Mondo Sonoro edición Sur
DÓNDE ESTÁ LA
MARCAPASOS
Duquesa, 6 Granada
BORA BORA
Plaza Universidad 1 Granada
LOCOLOCO VINTAGE
San Carlos, 15 Murcia
S. TEATRO TRAJANO Muza, 50 Mérida
FAROLES Oviedo, 4
Talarrubias (Badajoz)
BAR MUTANTE Fresa, 15 Sevilla
Joaquín Ruano, 27 Linares
TEATRO Mª LUISA
Camilo José Cela, 9 Mérida KAVKA LIBROS
C. C.. ALCAZABA
John Lennon, 5 Mérida
MAPA TABERNA
Simón García, 57 Murcia
SALA MARTE
Nicolas, 2 Málaga
LA TÉRMICA
Avda de los Guindos, 48 Málaga
LA CAJA BLANCA
Editor Ángel Caffarena, 8 Málaga
SALA CONTACTO
Crta Jarandilla. Navalmoral de la Mata.
FUNCLUB
Alameda de Hércules, 61. Sevilla
SUBTERRÁNEA
Horno de Abad, 8 Granada
BOTÁNICO CAFÉ
Málaga, 3, Granada
ESPACIO
BELLEARTES
Donoso Cortés, 6 Cáceres
PLANTABAJA
Horno de Abad, 11 Granada
JAM
Obispo Hurtado, 11 Granada
DISCOS COMIX
Enrique Villar, 11 Murcia
CÍRCULO PACENSE
Ramón Albarrán, 24 Badajoz
LA GARRAPATA Mariblanca, 9 Málaga
OFFCULTURA
Ricardo Carapeto Zambrano, 148 Badajoz
GRAN TEATRO
San Antón s/n Cáceres
TEATRO LÓPEZ DE AYALA
Plaza Minayo Badajoz
Fausto Taranto
Lugar: Teatro CajaGranada. Granada
Fecha: 14/03/26
La presentación del nuevo trabajo de Fausto Taranto tuvo algo de desafío y de reivindicación. Mientras Granada se repartía entre citas de peso, con el tirón inevitable del Espárrago Rock como gran competidor de energías, la banda apostó por presentar en casa su nuevo trabajo, Ruina, amor y navaja, ante un público que ocupó con solvencia más de dos tercios del aforo. En un espacio de gran capacidad y sin asientos, esa cifra no solo es respetable, es significativa.
El concierto funcionó como una puesta en escena integral del nuevo disco, no se presentó como una simple colección de temas, sino como un relato con pulso dramático, donde los silencios, las tensiones y las explosiones sonoras estaban medidos con precisión. Un inicio misterioso, entre el sonido del intro de su “Misa negra”, con la presencia de una suerte de mujeres cobijadas, contribuía a dar teatralidad y magnitud al arranque.
Desde los primeros compases quedó claro que el grupo ha afinado su propuesta. El metal sigue siendo columna vertebral, pero el peso del flamenco se percibe más orgánico, menos ornamental que en trabajos anteriores.
La voz, rasgada y expresiva de Ihmaele de la Torre, se movió con soltura entre el lamento y la furia. Las canciones crecen, se retuercen y se permiten respirar antes de volver a golpear, generando un juego de dinámicas que mantuvo al público en tensión constante.
Instrumentalmente, la banda se mostró sin fisuras. Las guitarras alternaron entre riffs contundentes y pasajes más atmosféricos, mientras la base rítmica sostuvo con firmeza los cambios de intensidad. Los guiños al flamenco no son aquí un adorno identitario, sino un lenguaje plenamente integrado.
El público respondió con atención y entrega, en una escucha activa que estallaba en los momentos clave. El setlist mostró presente y trayectoria con temas como “El color de tu sangre”, “Loco por saber”, “La flor maldita” o “El asco”, antes de una recta final que desembocó en bises con “Pelée”, “Como tu cara” y “A capa y espada”.
Quizá lo más destacable fue la sensación de coherencia. En tiempos donde la fusión a menudo se queda en etiqueta, Fausto Taranto demuestra que su propuesta tiene un discurso propio, trabajado y creíble. Ruina, amor y navaja gana enteros en directo y confirma a la banda en un punto de madurez donde el reconocimiento depende de la intensidad y la calidad del vínculo con su público. MARÍA VILLA
