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Octubre de 2012 nº 199

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

ANIMAL COLLECTIVE

EVASIÓN EN LA GRANJA GRIZZLY BEAR

NI UN PASO ATrás MUSE

ROCK TERMODINÁMICO THE KILLERS • ARIZONA BABY • SERJ TANKIAN • JELLO BIAFRA • TOUNDRA • MATTHEW DEAR • BLOC PARTY • DINERO • ABSYNTHE MINDED TOY • SWANS • CYBERPUNKERS • RAVEONETTES • PARADISE LOST • FLAVIO RODRÍGUEZ • ADRIFT • the DARKNESS • PARKWAY DRIVE • J.A. BAYONA www.mondosonoro.com


staff Coordinador General Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com)

MondoSonoro · Octubre 2012 /5/

sumario NOTICIAS

Publicidad Director Comercial Dani López (dani@mondosonoro.com) T. 687 914 719 Coordinador Publicidad David Morell (david@mondosonoro.com) T. 607 366 693 Publicidad Estatal Luis Fernández M. (luis@mondosonoro.com) T. 672 072 263 Publicidad Madrid María Llorente (maria@mondosonoro.com) T. 676 881 519 Publicidad Catalunya Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) T. 629 705 103 Administración y Contabilidad Vanessa Garza (vanessa@mondosonoro.com)

6. La puesta a punto de Arizona Baby 7. Serj Tankian, un tipo muy ajetreado 8. Jello Biafra, nueva gira española

mondofreako 11. The Killers 12. Toundra 13. The Darkness 14. Paradise Lost 15. The Raveonettes 16. Toy 17. Matthew Dear

Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Diseño gráfico y maquetación Manuel Fijo (maquetacion@mondosonoro.com) Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com Mondoweb www.mondosonoro.com

entrevistas 19. Animal Collective Nuevas aventuras en el hiperespacio 20. Grizzly Bear Salir de la madriguera 21. Muse La energía fluye de nuevo

◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Pablo Ferrer, Sergio Falces, David Chapín (publiaragon@mondosonoro.com) ◗ Ed. Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197

19 / ANIMAL COLLECTIVE / Nuevas aventuras en el hiperespacio

Conciertos 25-26. DCODE Festival, Ebrovisión 2012

◗ Ed. Canarias (canarias@mondosonoro.com) Redacción Job Ledesma Tel 615 125 126 Publicidad Enrique Santana Tel 689 53 39 53 Jacob Cabrera Tel 609 55 12 00

escaparate 28-31. Absynthe Minded, Parkway Drive, Adrift, Flavio Rodríguez...

◗ Ed. Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026

vinilos

◗ Ed. Galicia-Castilla y León (galicia@ mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro. com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

32. Swans Disco del mes

◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 075 177 Colaboradores: Textos Álvaro Fierro, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, Celestí Oliver, Cristina V. Miranda, Cristina Pancorbo, Dani Arnal, David Sabaté, Don Disturbios, Fernando Fuentes, Edu Tuset, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Ignacio Pato, Iván Ferrer, J. Batahola, Jaime Valero, Javi López, Joan Cabot, Jorge Ramos, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jose Fajardo, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marcos Martín Lora, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Miguel Amorós, Raül Julián, Robert Aniento, Sergio Del Amo, Toni Castarnado, Xavi Llop, Virginia Arroyo

mondomedia 42-43. Mondo Recomienda 44. Conexiones

mondoweb 20 / GRIZZLY BEAR / Salir de la madriguera

C

orren tiempos duros, tiempos en los que el optimismo es duro de mantener en el día a día, pero ahí seguimos todos, tirando adelante como mejor sabemos, como podemos o como nos dejan. Solo que no voy a aprovechar este breve espacio para hablarles de descontento, de fractura social y de todas esas cosas que oscurecen nuestro momento actual. Quizá suene a tópico, sí, sin duda suena a tópico, aunque aquello del “a mal tiempo, buena cara” nunca tuvo más sentido. Por eso en MondoSonoro estamos orgullosos de, con este número que tienes entre manos, cumplir dieciocho años en activo. Dieciocho años siendo revista gratuita, independiente, musicalmente todo terreno, haciendo las cosas mejor o peor, pero siempre con ganas,

Fotografía Alfredo Arias, Gustaff Choos, Hara Amorós, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros

“no solo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Robert Aniento porque no se sabe las Leyes de Newton”

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energías e ilusión. Oh, aunque no nos despistemos. No andamos celebrando estos dieciocho años (quién sabe, puede que nos esperemos ya a los veinte), sino que nos vamos a tomar más en serio que el próximo número va a ser el 200. ¡Que se dice pronto! Y va a haber novedades. Permanezcan en sintonía, amigos lectores. Habrá cambios en la revista, habrá alguna que otra celebración y habrá las mismas ganas –si no muchas más- de que esta aventura compartida con todos ustedes pueda cumplir muchos y muchos años más. Porque somos nosotros los que llegamos al 200, pero son ustedes los que lo han hecho posible. Así que celebremos juntos que la música, en este país, continúa siendo algo muy especial para todos nosotros. ■ Redactor Jefe Joan S. Luna

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46. La entrevista Fan: Suede

Zarata (Euskadi)

36 € (Tarifa correo ordinario**)

*La suscripción anual consta de 11 números **La tarifa de correo ordinario te permite recibir con mayor rapidez la revista Rellena y envía este cupón (o fotocopia) a la redacción de Mondosonoro). *Por correo: C/Llull, 57-61, 6º 6ª · 08005 Barcelona. *Por Fax: 93 320 85 78 *Por correo electrónico: envía todos los datos del cupón a suscripciones@mondosonoro.com

CD’S y 5 camisetas

de

ABSYNTHE MINDED


TAN LEJOS... ❚ JAMES BLAKE lleva un tiempo publicando material bajo el alias de Harmonimix. Hasta ahora le había servido fundamentalmente para publicar remixes de artistas como D’Angelo, Destiny’s Child, Snoop Dogg o Lil Wayne, pero ahora ha estado trabajando bajo ese alias como productor para Trim, MC proveniente del mundo del grime y ex miembro de Roll Deep. El resultado son algunos temas que se publicarán vía R&S bajo el nombre de TRIMBAL. ❚ A todos nos gustaría poder escuchar nuevo material de los míticos FUGAZI, pero como no es posible habrá que disfrutar de cualquier cosa que tenga que ver con ellos. Y ahora mismo estamos de suerte. Este mes de septiembre verá la luz “Fugazi Edits” de CHRIS LAWHORN. Se trata de un disco benéfico que contendrá veintidós piezas completadas a partir de más de cien sampleados de la banda de Ian Mackaye, y que cuenta con la aprobación y el apoyo de los de Dischord. Los fondos obtenidos con el disco se destinarán a obras sociales. Puedes comprarlo o escucharlo en: www.chrislawhorn.com

Thom Yorke Foto Archivo

❚ Coincidiendo con la presentación en iTunes y en YouTube del tema que lleva por título “Default”, THOM YORKE acaba de ampliar los detalles sobre el futuro de su proyecto ATOMS FOR PEACE. Por lo que parece, habrá álbum de la banda para 2013. La formación comprende al vocalista junto a Nigel Godrich, y ni más ni menos que a Flea, bajista de Red Hot Chili Peppers, aunque también han participado músicos como Joey Waronker. Con ellos actuó en el pasado en festivales como Fuji Rock (Japón) o Coachella (Estados Unidos). De momento, “Default” está ya disponible en digital y en vinilo de doce pulgadas. ❚ Y continuamos con Ian Mackaye. THE EVENS, el grupo que MacKaye montó junto a Amy Farina como alternativa al parón indefinido de Fugazi, publicó dos discos en 2005 y 2006 antes de desaparecer sin hacer mucho ruido. Hace unos meses The Evens volvieron al primer plano de la actualidad con un nuevo single. Ahora el dúo publicará un nuevo disco en Dischord el próximo 20 de noviembre. El disco se titula “The Odds” y fue grabado en los estudios Inner Ear. 

 ❚ Hugo Manuel, más conocido como CHAD VALLEY o por ser vocalista del grupo británico Jonquil, anuncia la publicación de “Young Hunger”, su primer álbum, que verá la luz el próximo 30 de octubre. La principal sorpresa es que la lista de colaboraciones no tiene desperdicio. Además de Valley, en el disco participan Twin Shadow, Glasser, Jack Goldstein, El Perro del Mar, Anne Lise Frøkedal, Active Chid y Totally Enormous Extinct Dinosaurs. ❚ Los daneses WHOMADEWHO se zambullen este mes de octubre en una nueva gira europea. El trío estará de nuevo en nuestro territorio para presentar el repertorio de su tercer larga duración, “Brighter” (Kompakt, 12). Las fechas son 18 de octubre en Barcelona (Music Hall) y 19 octubre en Madrid (Sala Copérnico). n

/6/ Octubre 2012 · MondoSonoro

Arizona Baby Foto Ricardo Suárez

NOTICIAS

La puesta a punto de Arizona Baby Impulsados por su segundo disco, la carretera les llevaría a cruzarse con Los Coronas a finales del 2009. La gira Dos Bandas y un Destino y la consolidación del proyecto ya como Corizonas protagonizarían los dos últimos años de los vallisoletanos, que ahora resurgen publicando el EP “The Truth, The Whole Truth And Nothing But The Truth” (Subterfuge, 12), un punto de inflexión con vistas a su tercer largo y a su primera década en activo.

Ahora Corizonas somos una máquina de matar en directo, pero Arizona Baby ha estado un poquito en boxes, hemos hecho muy pocos conciertos y lógicamente se han quedado un poquito entumecidos los músculos. Ahí está la presión, en volver a ponerse en forma, en volver a poner la maquinaria a tope”. Javier Vielba, líder de Arizona Baby, lo tiene muy claro. Es el momento de despegar de nuevo tras una etapa de intensa colaboración con Los Coronas. Para ello, y antes de afrontar la grabación de su tercer disco, se sacan

de la manga un EP con canciones de su última etapa, propensas a perderse en el futuro. “O se quedaban en un cajón para siempre o les buscábamos un hogar. Pensamos que quizá lo mejor era hacer un epé que sirviera de puente. Para nosotros son imprescindibles, pero por cuestión de concepto no veíamos que tuviesen cabida en el próximo disco”. Planea además en el ambiente del grupo la necesidad de afrontar una nueva etapa con la llegada de su décimo aniversario. “Aunque para el ojo público llevemos apenas tres años, a nivel

interno ya son diez años de banda, y creemos que es importante que, si bien no ha habido un cambio musical drástico, de cara a un próximo disco conviene ir cerrando capítulos y empezar otros nuevos”. Orgullosos y cercanos, Arizona Baby decidían anteponer el factor humano a los grandes medios para la grabación del disco, registrado en Casasola de Arión, Valladolid. “Hoy por hoy veíamos que era muy oportuno, por poder estar a gusto y captar la magia en familia. Por otro lado, también reivindicar de dónde venimos y barrer para casa”. Imperdibles los dos bonus tracks que cierran el disco, con una versión del “The Model” de Kraftwerk o la reinterpretación del propio “The Truth” desde varios estilos, ¡incluso desde la electrónica! “Ese bonus track es un poco una manera de mostrar las chapas que llevamos en la chupa. Como manejamos unos sonidos muy acústicos, muy orgánicos, la gente igual se olvida de que no somos un grupo de revival. No queremos ser americanos ni vivir en los sesenta”. ■ Bruno Corrales

Periferias 13.0, paraiso de la “Nueva Comedia”

Napoleón Solo Foto Filippini y García

MondoSonoro abandera los showcases del Monkey Week Del 11 al 13 de octubre el Puerto de Sta. María volverá a ser un hervidero, no sólo de marisco gaditano, sino de la industria musical independiente de nuestro país. La salsa del Monkey Week es, sin duda, el Circuito de Showcases que se reparte por diferentes escenarios y bares musicales de la localidad. Una muestra fidedigna de lo que sonará en el resto del país en los siguientes meses. Es por ello que MondoSonoro participa activamente en esta muestra con las actuaciones de Napoleón Solo, Prin La Lá, Xoel López, La Suite Bizarre, Soledad Vélez, Los Pilotos, Maez, Los Alimentos, Fon Roman, Ross... Los showcases este año abarcan toda la programación, en un maratón non stop por las calles del Puerto de Sta. María. La sala Mucho Teatro albergará los conciertos propiamente dichos del festival que arrancan la noche del 11 con Lisabö, Pony Bravo y Za!. Estaremos allí para dejar constancia en papel, en la red y en Mondo Tv de lo que suceda. Más información en: http://monkeyweek.org/ ■

El festival Periferias cumple este año trece ediciones. Como cada año, este evento oscense toma como eje un concepto determinado que, en esta ocasión, es la “Nueva Comedia”. Así, desde el 24 al 28 de octubre, el Periferias 13.0 tratará “conceptos como el humor, la ironía, el post-humor, la risa, el esperpento y todo lo relacionado con lo lúdico en la cultura”. De todos modos, la programación estrictamente musical se desarrollará los días 26 y 27. El viernes 26 se centrará en artistas aragoneses como Bigott, Cerdo Agridulce, Dotes Líricas, Emceemismado, Galimatías, Hillbilly Mongows, Mil Motivos y Will Spector y Los Fatus. El sábado 27 ofrecerá música experimental por la tarde (con Han Bennink, Nicola Frangione y Stanley Sunday) y un larga lista de propuestas por la noche: Jason Forrest, Hidrogenesse, Juanita y los Feos, Los Punsetes, Moishe Moishe Moishele o Quintron & Miss Pussycat. www.periferias.org ■

Juanita y Los Feos Foto María Blanco


Serj Tankian Foto Robert Sebree

MondoSonoro · Octubre 2012 /7/

TAN cerca... ❚ El TANNED TIN 2013 anuncia sus primeros nombres. El Teatro Principal de Castellón de la Plana volverá a acoger los distintos conciertos del festival durante los días 7 a 10 de febrero del próximo año. Se confirman Massimo Volume, Stealing Sheep, Tigercats, Julie Doiron, Maher Shalal Hash Baz, Fasenuova, Lisabö y Toti Soler. Las entradas ya están disponibles en: www.tannedtin.com ❚ J.L. Rebollo y A. San Juan, más conocidos como CHICO Y CHICA, acaban de publicar su nuevo disco, “Los estudiosos”, con Austrohúngaro, el sello de Hidrogenesse. En este álbum se incluyen ocho nuevos temas del dúo. Para completar “Los estudiosos”, Chico y Chica presentan también un álbum digital de nuevas versiones instrumentales que lleva por título “Rapsodia de los estudiosos” y que estará disponible el próximo 2 de octubre. Se trata de relecturas de diferente estructura, mezclas y hasta géneros, con sus títulos en latín.

Cat Power Foto Austin Conroy

Confirmado el cartel del San Miguel Primavera Club San Miguel Primavera Club ha anunciado el cartel de su edición 2012. Pero, ojo, porque hay novedades importantes. En Barcelona se desarrollará los días 6, 7 y 8 de diciembre, y habrá muchos más grupos actuando. En Madrid la programación se concentrará en Matadero (con la consiguiente limitación horaria) y se reducirá a los días 7 y 8 de diciembre. Además, como gran novedad, habrá una edición portuguesa en Guimarães del 30 de noviembre al 2 de diciembre, con la que se confirma la expansión de la marca Primavera Sound en el país vecino. Entre las bandas que podrás ver están: Cat Power, Swans, Ariel Pink’s Haunted Grafitti, Mark Lanegan Band, Los Planetas, Sr Chinarro, The Vaccines, Redd Kross, Antònia Font, Toy, James Holden, Triángulo de Amor Bizarro, The Field, La Bien Querida, Cats On Fire, Little Wings, Crocodiles, The Soft Moon, Sir Richard Bishop, Glass Animals, Mac Demarco, Stand Up Against Heart Crime, Taragana Pyjarama, Blacanova, Hans Laguna, Exxasens, The Last 3 Lines, Alado Sincera, Ghandi Rules OK, Bflecha, etcétera. Más información en: http://www.primaveraclub.com/ ■

Serj Tankian, un tipo muy ajetreado Serj Tankian publica nuevo disco, “Harakiri” (Warner, 12), pero eso no es todo: gira de vez en cuando con System Of A Down, dirige tres proyectos distintos más y acaba de publicar nuevo libro. Vamos que, aunque no haya dado muchas señales de vida, inactivo precisamente no ha estado.

A

Russian Red Foto Alfredo Arias

Russian Red canta a The Beatles Lourdes Hernández, o lo que es lo mismo Russian Red, no se distancia los escenarios fácilmente. Si en nuestra web nos hacíamos eco de las fechas de su tour por todo el mundo (fin de gira el 21 de diciembre en Teatro Kapital de la mano de MondoSonoro) ahora vuelve a ser noticia por un ciclo de conciertos en los que interpretará dos horas completas de canciones de The Beatles, incluyendo completo su álbum “Revolver”. Eso significa que podrás disfrutar de canciones como “Taxman”, “Eleanor Rigby”, ”I’m Only Sleeping”, ”Here, There and Everywhere”, ”Yellow Submarine” o ”Got To Get You Into My Life”. Las fechas son: 19 octubre (Sant Jordi Club, Barcelona), 20 octubre (Sala San Miguel, Madrid), 27 octubre (Sala 101, Málaga), 2 noviembre (Sala Oasis, Zaragoza) y 3 noviembre (Rockstar Live, Barakaldo). ■

NOTICIAS

parte de su actividad a cuentagotas y solo en gira con System Of A Down, este ha sido el año en el que Serj Tankian ha estado más ocupado, con cuatro proyectos que ha podido compaginar y que son completamente opuestos entre si. “Harakiri” supone su vertiente rock. “Llevo tres años trabajando en una sinfonía para música clásica, pero también estoy en una aventura electrónica más inmediata y fresca junto a Jimmy Urine de Mindless Self Indulgence, que ha sido diversión pura y dura, experimentando con las voces. Por otro lado, he grabado jazz con tres músicos fantásticos. Hemos combinado la visión más clásica y depurada del género con algo más progresivo, más fusionado”. Lo complicado en su caso, es saber cómo separa unos proyectos de otros y cómo es capaz de dedicarle a cada uno su tiempo sin que ello afecte al resto. “Prácticamente dedico el cien por cien de mi tiempo a escribir lo que sea, sin pararme a pensar en qué genero encaja. Es simplemente música, melodías, variaciones, arreglos. Para mí sería muy aburrido escuchar sólo rock. No entiendo que haya tanta gente que se centre en un único estilo. Respeto que lo hagan, pero para mí no tiene ningún sentido”. En este disco, al margen del curioso uso de un iPad y de momentos más progresivos y épicos que de costumbre, a Tankian vuelve a salirle su

vena más punk e inconformista. “Ahora mismo el punk tiene un sentido muy distinto al de hace treinta años. Las cosas no están igual, los derechos no son los mismos para el pueblo y la sociedad pide otros privilegios y condiciones de vida mejores. Pasarán muchos años hasta tener situaciones que sean parecidas a las de antes. Mientras, veremos como el mundo se destruye, y el punk no es la solución, pero musicalmente se puede usar aún como elemento de rebeldía, de protesta, pero nada más”. El músico de origen armenio acaba de publicar su segundo libro de poesía, otra vía para expresar sus miedos y sus fobias. “La poesía es un medio de comunicación increíble. Te permite explorar, usar un vocabulario distinto, otro tipo de repeticiones, otras formas”. Un medio ideal también para defender el mundo en el que vivimos. “Hace dos semanas escuché que el calendario del planeta marca que durará siete mil años, pero otros certifican que en diciembre de 2012 todos desapareceremos. Nadie lo sabe, así que yo sólo puedo añadir una cosa: entre todos nos hemos cargado el medio ambiente. No hemos sido capaces de cuidar convenientemente el planeta en el que vivimos”. ■ Toni Castarnado

+en

❚ El supergrupo de rock enérgico COBRA vuelve a la actividad discográfica publicando “Covered (A Selection Of Film Scores)” de la mano de Kaiowas Records. Se trata de un miniálbum en el que el cuarteto se atreve a llevar a su terreno los temas centrales de “Escape from N.Y.”, “Touch Of Evil”, “2001: A Space Odissey”, “The Godfather” y de la serie de televisión “Twin Peaks”. Cobra son David González (Berri Txarrak), Josu Luengo (Evirus69), Haritz Lete (Kokein) y Ekaín Elorza (Dinero).

Extraperlo Foto Archivo

❚ Los barceloneses EXTRAPERLO anuncian ya “Delirio específico”, producido por Pablo Díaz-Reixa (El Guincho) y Brian Hernández, masterizado en Madrid y masterizado en Estados Unidos por Fred Kevorkian. Se trata del segundo disco de Extraperlo, y el primero para el sello barcelonés Canadá (Pegasvs, La Estrella de David, Joe Crepúsculo), tras su paso por Mushroom Pillow, sello que editó “Desayuno continental” hace tres años. ❚ MISS CAFFEINA acaban de entrar en los estudios Cinearte a grabar el que será su segundo largo. El productor será Max Dingel (Muse, White Lies, Glasvegas, Goldfrapp, The Killers, The Music o Weezer), quien ha elegido los estudios Cinearte que ha fletado diecinueve flight cases con un peso total de una tonelada en equipo. Además, el grupo pasará con este disco de la autoedición (“Imposibilidad del fenómeno” había sido licenciado por Sony) a su primer contrato multinacional con Warner. ❚ Los miembros de MANOS DE TOPO llevan ya varios años desarrollando proyectos en el mundo del cine, pero esta vez la cosa va muy en serio. Alejandro Marzoa –teclista- está dando los últimos retoques a su primer largometraje, “Somos gente honrada”, cuyo guión han escrito Marzoa, Jaume Ripoll y Miguel Ángel Blanca –cantante y guitarra de la banda-. La película ha sido producida por Vaca Films (“Celda 211”, “Secuestrados”) y El Terrat (“Tapas”) y se trata de una comedia ácida en la que unos parados de cincuenta años se encuentran con diez kilos de cocaína. n


Jello Biafra Foto Elizabeth Sloan

NOTICIAS /8/ Octubre 2012 · MondoSonoro

Die Antwoord Foto Archivo

Sónar desembarca en Norteamérica Sónar North American Tour es un evento itinerante de una sola noche y en un único espacio que tendrá lugar entre el 31 de octubre y el 10 de noviembre de 2012 (en salas con una capacidad de entre 2.000 y 4.000 espectadores) en las ciudades de Chicago, Toronto, Nueva York, Montreal, Boston, Denver, Oakland y Los Ángeles. De este modo, Sónar adapta a una sala de conciertos el espíritu y la personalidad de los festivales que organiza en diferentes países, combinando los shows en vivo con las sesiones de DJ y la creación audiovisual. Los artistas que formarán parte del tour son Die Antwoord, Azari & III, Paul Kalkbrenner y los Dj sets de Seth Troxler, Tiga, Gesaffelstein y Nic Fanciulli. Más información en www.sonarontour.com ■

Jello Biafra, nueva gira española Dos años después de su anterior y exitosa visita, la leyenda punk Jello Biafra vuelve a los escenarios españoles. Esta vez el motivo es presentar “White People And The Damaged Done” (Alternative Tentacles, 12), su tercer disco junto a The Guantanamo School Of Medicine.

Second Foto Mario Miranda

Caleidoscopio, conciertos acústicos en Granada Nace el ciclo Caleidoscopio, una serie de veladas acústicas que se llevarán a cabo en la sala Boogaclub de la ciudad andaluza de Granada. Pero que nadie se lleve a engaño, no se trata de simples actuaciones desenchufadas. Caleidoscopio presenta noches completas (tercer sábado de cada mes) en los que el concierto es una excusa para degustar vinos y canapés, o escuchar sesiones musicales especiales, acceder a camerinos o incluso conseguir merchandising firmado. Por ello se trata de un evento de aforo reducido (doscientas cincuenta entradas a la venta) de las que las cien primeras (treinta de ellas serán VIP, para ver el concierto desde las primeras filas) podrán degustar el picoteo especial y escuchar la sesión de temas seleccionados por los artistas desde una hora antes del concierto. Los conciertos ya confirmados a fecha de hoy son: Sidonie (20 octubre), Jero Romero (17 noviembre), Christina Rosenvinge (15 diciembre), Niños Mutantes (19 enero), Enric Montefusco de Standstill (16 febrero), Second (16 marzo) y La Bien Querida (20 abril). ■

H

an pasado dos años desde que Jello Biafra nos visitase en una exitosa gira que ha provocado esta nueva visita junto a The Guantanamo School Of Medicine. El motivo es presentar su tercer elepé, “White People And The Damaged Done”, un título con el que el prankster californiano pretende “llamar la atención acerca del hecho de que la mayoría de los problemas globales actuales, son consecuencia de una nefasta política exterior que los llamados países occidentales llevan años practicando en el planeta. Toma el ejemplo de Afganistán, un país en el que los Estados Unidos entrenaron y financiaron a los mujahidines contra los que ahora tienen que luchar”. El disco incluye elaboradas diatribas acerca de la decepcionante legislatura Obama, el auge de las protestas ciudadanas en todo el planeta, y, por supuesto, la crisis económica global. “Estamos ante un régimen que ya no es ni siquiera capitalismo, es feudalismo, eso es lo que

quieren y están logrando, volver a la edad media, a la época feudal, en la que el señor feudal tiene los medios de producción, controla la producción en sí misma, y mantiene a los trabajadores como otra parte de la cadena de producción de la que también es propietario”. Todo muy inspirador, pero sin cabida en estas páginas si no viniese acompañado del afilado punk-rock marca de la casa. “Siempre traté de combinar ambas cosas: expresar ideas políticas radicales y al mismo tiempo, intentar hacer música que pudiese ser un clásico del rock’n’roll. Yo soy un gran fan de la música, y trato de hacer buenas canciones”. Podremos comprobarlo en unos próximos recitales que prometen ser explosivos, y en los que no faltará la esperada ración de clásicos de Dead Kennedys. En todo caso, apunta fechas: 5 octubre (Sala Lopez, Zaragoza), 6 (Estraperlo, Badalona), 8 (Loco Club, Valencia), 10 (Sala Live, Madrid), 11 (Jimmy Jazz, Vitoria) y 12 (El Infierno, Vigo). ■ Dani F. Marco


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mondofreako

/11 / Octubre 2012 · MondoSonoro

ENTREVISTAS ★ WALA WALA ★ NO CONFIDENCIAL ★ LOS DISCOS DE MI VIDA ★ SUBEN/BAJAN ★ EN LA MALETA

The Killers Foto Archivo

THE KILLERS

Sueños de pirotecnia La banda de Las Vegas se pasó por nuestro país para formar parte del cartel del madrileño Dcode. Ahí presentaron parte del material que da forma a “Battle Born”, un cuarto trabajo que probablemente agrandará la brecha entre los sectores mainstream e indie de su hinchada.

S

olo hay que escuchar el arranque del nuevo disco de The Killers, “Battle Born”, con “Flesh And Bone”, para toparse con el paradigma que parece definitivo en la banda: un pop pirotécnico diseñado para la sincronización con el shock visual en los grandes estadios. “Comprendo lo que quieres decir”, contesta Ronnie Vannucci Jr. (batería y percusión) al teléfono desde Alemania. “Es verdad, en el estribillo de esa canción parece que van a saltar los fuegos artificiales (risas). La verdad es que para grabar este disco hemos meditado más que nunca acerca de cómo sería su transformación sobre los escenarios. Por eso es tan genial y emocionante estar de gira en el momento de su publicación (18 de septiembre), estamos cada vez más excitados en cada nuevo país que visitamos porque es como una cuenta atrás. Además, los nuevos temas están siendo bastante bien recibidos por las audiencias de todos los conciertos. Gracias, YouTube”, bromea el baterista. Después del festival Dcode hay otra

inminente cita con The Killers, que podremos disfrutar precisamente a través del todopoderoso canal de vídeos, que retransmitirá en directo su concierto en El Bronx bajo la dirección de Werner Herzog, el mismo día del lanzamiento de “Battle Born”. “Los fans pueden participar enviándonos fotos para que aparezcan en las pantallas”, recuerda Vannucci, quien se muestra muy satisfecho por haber conseguido fichar al cineasta. “Estaba en lo alto de nuestra lista de candidatos. Lo peor que podía decirnos era ‘no’, así que le llamamos. Fue genial, porque no dudó en viajar a Las Vegas para conocernos y empezar a trabajar. Estuvimos experimentando con los teasers y salimos mucho por ahí para sacar ideas tomando algo relajadamente. Enseguida conectamos y supimos que juntos haríamos algo estupendo, diferente a lo hecho anteriormente. Vamos a llevar cámaras incluso en nuestros propios cuerpos, que mostrarán la experiencia física de un concierto de The Killers desde nuestra propia perspectiva”. Respecto

a la evolución creativa plasmada en el nuevo CD que ahora están llevando al directo, Vannucci opina que: “lo que la gente notará como el mayor cambio, es la cara tierna que hemos mostrado en las dos baladas que hay en el disco. Nunca nos habíamos puesto en ese plan, es algo que sorprenderá a los fans y probablemente nos traiga nuevos seguidores”. Ante semejante fórmula de éxito, ¿sería este el mejor disco para conocer a The Killers? “¡Sí!

diferentes direcciones, no tuvimos claro quién sería el hombre adecuado. Entonces pensamos quiénes nos gustarían para cada una de ellas, así que buscamos diferentes colaboradores. Pero claro, como fue muy de último minuto y todos ellos son tipos muy ocupados, tuvimos que ir cogiéndoles por banda cuando las agendas lo permitían. Tres días allí, otros cuatro allá… Cada uno tiene su estilo, su punto fuerte que encajaba

"Cuando éramos ‘indies’ para ellos, nosotros ya estábamos soñando con el rock de estadio" Estoy orgulloso de todos nuestros álbumes, pero creo que lo estoy más de ‘Battle Born’ porque ha sacado lo mejor de nosotros mucho más que nunca”, exclama Vannucci con gran convicción. Daniel Lanois, Steve Lillywhite, Damian Taylor, Stuart Price y Brendan O’Brien componen la lista de ingenieros de estudio encargados de eso, de sacarles lo mejor en “Battle Born”, una opción algo ajena al pop independiente, más acostumbrado a la figura del productor único, y muy propia de ese mainstream donde se pueden apreciar auténticas batallas por ver quién infla más las pistas del artista de turno. “La decisión de contar con cinco productores fue algo de último minuto”, explica Vannucci. “Cuando vimos que la cosa estaba tomando

No lo dejes escapar

en nuestro álbum”. Llegados a este punto, parece obligado ser un poquito incisivo. ¿Qué hay de toda esa gente que alucinó con “Hot Fuss” y que no soporta la deriva grandilocuente con la que el grupo se ha venido identificando cada vez más? “No lo entiendo, no lo entiendo”, se lamenta Vannucci. “Entonces es que no sabían quiénes éramos, porque cuando éramos ‘indies’ para ellos, nosotros ya estábamos soñando con el rock de estadio. Tocábamos para trece personas en un bar con la vista puesta en eso. Somos las mismas cuatro personas de siempre”. ■ Nacho Serrano “Battle Born” está publicado por Universal


mondoFREAKO /12/ Octubre 2012 · MondoSonoro

Ekaín Foto Archivo

no confidencial

EKAÍN (DINERO) Dinero es uno de esos grupos trabajadores que lucha por sacar su música adelante. Ahora bien, en ocasiones, algunos de sus miembros no tienen más remedio que enfrentarse a las preguntas descerebradas de nuestra plantilla.

◗ Algunos lectores nos comentaron que estaban convencidos de que “Año Perro” era vuestro primer disco. ¿Se os ocurre algo ingenioso que contestarles? Para la mayoría de la gente ni siquiera existimos, es lo que tiene tener pocos amigos periodistas. ◗ El nombre de la banda, ¿es un homenaje a Obús? Claro, somos hijos no reconocidos de Fortu, y hemos decidido vengarnos de él por no regalarnos un Scalextric de pequeños. ◗ Una canción de pop ochentero decía “Sin dinero, ya no hay rock’n’roll”... ¿Qué veis de cierto en la frase? Totalmente cierto, las putas y las drogas hay que pagarlas. Y como ya no hay dinero tampoco hay rock and roll. ◗ Un vídeo con un tipo enterrado hasta el cuello en una playa, otro en una montaña rusa... ¿Qué es lo siguiente: asaltar un supermercado, puenting, un bukkake? El video del bukkake ya está hecho, pero por respeto a cierto redactor de esta revista no lo hemos querido editar, eso sí, ha sido en el que mejor nos lo hemos pasado. ◗ ¿Dónde está la broma de hacer un tema como “Mi generación”? ¿Porque va en broma, no? Hay muy poco humor en la música de este país, os hemos puesto a prueba y pensábamos que nos ibais a crucificar por esa canción pero os habíamos subestimado. Nos esforzaremos un poco más en el siguiente disco. ◗ Dijimos que érais demasiado poperos para los rockeros y demasiado rockeros para los poperos. ¿Es eso así o es que estáis empanados y no sabéis hacia qué lado tirar? Se dicen muchas tonterías y la gente se las cree, ese es el problema. Falete es rock. ◗ ¿Es verdad que una noche intentasteis ligaros a la chica de un redactor de esta casa delante de sus narices? Sí, lo que él no sabe es el resto, pero si vosotros sacáis el tema y queréis tirar de la manta nos parece perfecto. ¿Queréis la exclusiva del video? ◗ ¿Le romperíais las piernas a algún crítico musical? ¿Sería antes o después de intertar ligaros a su novia? No le romperíamos las piernas a nadie y menos a un critico musical, pobrecito, bastante tienen con su día a día. Tiene que ser uno de los peores trabajos del mundo. Desde aquí les queremos mandar muchos ánimos a todos y decirles que sus novias son muy educadas. ■

TOUNDRA

NEGRO IMPAR

Los madrileños Toundra crecen cada día más. Sus afortunadas incursiones en los festivales Costa de Fuego y Sintonitzza han sido la rampa de despegue para la presentación de “(III)”. Cuando lean esto habrán campeado por tierras francesas, alemanas y suizas dando fuelle a sus singulares y melodramáticas creaciones en formato instrumental.

N

o hay carámbanos ni sensación de letargo polar cuando tras el fade-in inicial de “Ara Caelis” se desata la incontinencia de unas guitarras filosas como el hielo y una poética sección de cuerdas integrada por Andrés Ortiz, Luis Miguel García, Guillermo Manzanares y Álvaro Llorente, que aporta las dosis adecuadas de épica. A partir de ahí la música se va encrespando salvajemente como la tierra retirada por los cilindros de empuje de una tuneladora. Así se inicia el último trabajo de estos portentos del rock instrumental que son Toundra, un disco que supone cuanto menos un antes y un después en su carrera. “Creo que ‘III’ es un disco más directo que ‘II’, con menos sutilezas, más crudo”, apunta Alex, su batería. Crudeza y sutileza a partes iguales, pues el remanso con el que comienzan “Requiem” suena tan lírico y emotivo como “Nothing Else Matters”, aunque luego las tornas lleven por otros caminos menos amables y mucho mas fibrosos. “Hemos compuesto de manera distinta a ‘II’, los temas han tenido más fases de composición y maduración. Hemos intentado que tuviesen más cohesión los unos con los otros y que el disco en sí fuese un bloque. Nos hemos esforzado mucho por llevar al siguiente nivel todo el apartado de arreglos y su relación con las canciones, que se integrasen bien”, añade Víctor, guitarrista. “II”, publicado en 2010, ya supuso el principio de su romance con Aloud Music, un sello que cuaja bien con su visión apasionada de la música. “Nos ofrece trabajar con personas honestas, sencillas y trabajadoras y eso es lo más importante de todo”, comenta Esteban, su bajista. “En lo estrictamente

musical, han sido dos años de muchos conciertos, mucho trabajo en el local y mucho darle al coco para componer un buen disco bajo la premisa que tenemos desde el primer día: no repetirnos, innovar en nuestro sonido”. Y vaya si innovan, aunque toda la imaginación que imprimen en su creatividad es inversamente proporcional a la de los títulos de su propia fonoteca. “Nos gusta diferenciar los LP’s de otro tipo de trabajos, y la numeración es perfecta para

Toundra Foto Archivo

◗ ¿Sois un power trio o es que no habéis dado con más músicos que encajen con vuestra idea de grupo? Si conocéis a alguien tan gilipollas como para querer formar parte de un grupo que se llama “Dinero” y que sea capaz de aguantarnos varias horas de discusiones sin sentido al día, avisadnos. Nosotros no lo hemos encontrado y nos parece cada vez más complicado hacerlo.

ofrecer un disco que fuese más enérgico y elegante que ‘II’, pero sin dejar de ser nosotros ni sufrir un cambio drástico. Creo que Carlos Santos, Santi García y Víctor, el hermano de Santi, han aportado cosas muy personales a este disco. Cada uno trabaja de forma distinta al otro, pero esas diferencias y la unión de los tres trabajando en lo mismo, hacen que este disco suene distinto a cada uno de los discos que han grabado individualmente. Para nosotros no existe en España un equipo mejor con el que hayamos trabajado. Nos gusta trabajar con la gente de aquí más que con cualquier productor o becario de productor de fuera. Lo de aquí no tiene nada que envidiar y tenemos que empezar a darnos cuenta”. Ni que decir tiene a expensas de los resultados, que no tiene nada que envidiar a las últimas producciones de Explosions In The Sky o Mogwai. (Álex) “Esta vez

"'Nos gusta trabajar con la gente de aquí más que con cualquier productor de fuera" ello. Es fácil de recordar y a la hora de observar la evolución del grupo, es ponerle el trabajo mucho más fácil a la gente que nos conozca de nuevas. El split single que sacamos con Hand Of Fatima se llamaba ‘Nordeste’ y últimamente venimos hablando de hacer un mini álbum o EP, que en caso de llegar a hacerse tampoco lo titularemos con un numeral”, explica Alberto, el bajista. En esta ocasión han trabajado a tres bandas y utilizando distintos escenarios ¿No podrían haber zanjado todo el guiso con el mismo chef? (Alberto) “Sí pero no... Carlos siempre prefiere trabajar con estudios externos para mezcla y máster. Nosotros lo preferimos, es importante que trabajen diferentes personas en el proceso para enriquecer el sonido y el resultado final. Aunque pudiésemos haberlo hecho, no nos interesaba trabajar de esa manera”. (Víctor) “Nos preocupaba mucho poder

disponíamos de más tiempo para grabar. Con ‘II’, si mal no recuerdo, estuvimos un par de semanas, mientras que esta vez hemos estado casi un mes metidos en el estudio”. Pese a que Toundra no se declaran cinéfilos a ultranza, en su música planea cierto regusto a banda sonora por el dramatismo, los diversos ambientes y la tensión que manejan. “Nos ha salido un disco oscuro, pero lo suficientemente enérgico como para que tenga un punto vitalista. Desde el principio hemos querido hacer un disco más oscuro, pero el que nos haya salido con tanta rabia no sé muy bien a qué se debe. Vivimos tiempos oscuros en un sistema sin sentido, quizás la situación de nuestro alrededor haya podido influir”. ■ Miguel Ángel SánchezGárate “(III)” está publicado por Aloud Music.


MondoSonoro · Octubre 2012 /13/

mondoFREAKO

The Darkness Foto Archivo

THE DARKNESS

Curvas peligrosas

Permission To Land” sorprendió a propios y extraños hace casi una década con singles radiables y efectivos. The Darkness se convirtieron en la nueva sensación de un rock’n’roll que miraba atrás, pero funcionaba en el ahora con singles tan rabiables como “I Believe In A Think Called Love”, “Black Shuck”, “Givin´ Up” o Friday Night”. A continuación llegó “One Way Ticket To Hell… And Back” con menos pegada, pero igual de efectivo. Luego llegaron las luchas de egos entre los dos hermanos Hawkins y el resto es historia. Ahora, pasados unos años, The Darkness vuelven con un trabajo en el que se muestran más maduros sin que ello suponga renunciar a sus señas de identidad. “Esta vez hemos querido producir nosotros mismos el disco para tenerlo todo más controlado. No queríamos estar nerviosos por si tal o cual productor entendiese lo que queríamos conseguir en

el estudio. No queríamos cometer ese error, así que hemos intentado ser lo más honestos posible con nosotros mismos y con los demás. No hay tantos fuegos artificiales y las canciones suenan más directas porque las hemos grabado en unas pocas tomas. Esta vez tenemos más que ver con AC/DC que con Queen”. Los miembros de The Darkness sabían que tenían ante si un reto: convencer a los escépticos y mantener viva la llama con sus seguidores más fieles. “Es extraño, porque ‘Hot Cakes’ es un disco más variado, pero también más abierto de miras, las canciones son más diferentes entre sí, y el sonido y la composición de los temas se acerca más al rock clásico. Hay menos diversión, pero cuando tocamos en directo nos los seguimos pasando bien”. Justin Hawkins canta esta vez de un modo distinto, más comedido, menos

histriónico. “No era un plan establecido. Mi hermano ha cantado tal y como le apetecía. Es un paso más dentro del proceso de madurez, aunque sigue teniendo un estilo muy personal”. A The Darkness el éxito les cogió desprevenidos, con lo que asimilarlo fue difícil, sobre todo de un día para el otro. “Sientes una mezcla de perplejidad y agobio. Estás satisfecho con lo conseguido, pero al mismo tiempo vives bajo mucha presión. En nuestro caso, todo se precipitó y, aunque sabíamos que

Inglaterra hay una gran tradición rock”. Con “Hot Cakes” se abre una nueva etapa para ellos que va a ser, casi con toda seguridad, igual de ilusionante. “Hemos ganado nuevos seguidores; hay gente más joven entre ellos. Los conciertos han sido todos sold out tanto en Europa como en América y hasta hemos sido cabezas de cartel en algunos festivales. Estamos muy felices, porque esto significa que la gente no se ha olvidado de nosotros. Tuvimos tanto éxito como Coldplay o Muse,

"Tuvimos tanto éxito como Coldplay o Muse, ha llegado el momento de volver..." había posibilidades de que el grupo funcionase bien, no esperábamos esa respuesta. Se nos escapó un poco de las manos, era complicado gestionar aquello. Fue una ascensión muy rápida, la más impresionante de la última década dentro del rock. Por eso decidimos tomarnos un respiro y poner las cosas en su sitio. Surgimos después de la muerte del brit-pop y con una propuesta que a muchos les pareció extravagante. Es extraño, porque la verdad es que en

así que ha llegado el momento de volver a disfrutarlo”. Este mes de octubre les tendremos en nuestro país como teloneros de Lady Gaga, lo cual supone una buena y sorprendente oportunidad para ellos. “Estamos excitados por esta noticia. La gente que la conoce dice que es muy buena tía”. ■ Toni Castarnado “Hot Cakes” está publicado por Warner. The Darkness serán los teloneros de Lady Gaga y actuarán en La Riviera (Madrid, 7 octubre).

Más de 1.000 CD’s,

ESPECIAL POP-ROCK CADA DÍA NUEVOS TÍTULOS

/ud

HASTA EL 31 DE OCTUBRE

Cuando los británicos publicaron “Permission To Land” hace nueve años, el hard rock estaba de capa caída. Su irrupción fue una sorpresa y aportaron aire fresco, aunque muchos no entendieran qué había tras ellos en realidad. Tras más de un lustro desaparecidos por problemas de egos, vuelven de la mano de “Hot Cakes”, un disco más maduro en el que no pierden sus señas de identidad.


mondoFREAKO /14/ Octubre 2012 · MondoSonoro

Los discos

Kele Okereke Foto Archivo

de mi vida

KELE OKEREKE (BLOC PARTY) Coincidiendo con la publicación de su nuevo disco, “Four” (Frenchkiss/ Music As Usual, 12), y con su paso por Mallorca Rocks, aprovechamos para entrevistar a Kele Okereke sobre cinco de sus discos imprescindibles. Aquí los tienen.

Weezer

“Blue Album” (1994) Vi el videoclip en la MTV y me quedé hipnotizado por el color azul, por toda la estética. En realidad no había escuchado el disco entero, pero cuando vi el vídeo de “Buddy Holly”, me flipó.

El segundo disco que me compré

Blur

“Parklife” (1994) Mi hermana lo tenía en su cuarto porque se lo había regalado una amiga, y cuando se iba, entraba a escucharlo a escondidas.

El disco que me llevó a montar mi propia banda

Suede

“Dog Man Star” (1994) Cuando lo escuché por primera vez, me obsesioné con él. Fue amor a primera vista. Me di cuenta de lo especial que la música te puede hacer sentir y quería experimentar eso por mi mismo.

El disco que siempre regalo

Mogwai

“Young Team” (1997) Es un disco tan distinto...Me hizo ver la música y la vida de otra manera. Cómo explora las atmósferas, las texturas, lo que supone a nivel compositivo y lo avanzado que es.

El disco que escondo cuando vienen visitas

Destiny’s Child

“The Writing’s On The Wall” (1999) En realidad, no es tan guilty pleasure, porque para mi es el mejor disco producido por Timbaland. Los arreglos vocales, las melodías, el ritmo, todo es fantástico. Y tiene una producción super futurista. n

PARADISE LOST

La sonrisa de la muerte

Los iconos del doom gótico siguen la prolífica e interesante senda de los últimos años con “Tragic Idol”, otra oscura y pesada pieza de heavy melancólico. Hablamos con el siempre educado Nick Holmes sobre Candlemass y Trouble, sobre desamor y, cómo no, sobre los últimos pensamientos antes de dejar este mundo.

D

urante muchos años, Paradise Lost no habrían podido repetir, por razones musicales, una gira junto a Sepultura, como hicieran en 1993 en la gira “Icon”/“Chaos A.D.”. Tampoco junto a Morbid Angel y Kreator, como realizaran un año antes en una de sus primeras incursiones serias en terreno norteamericano. Hoy no sólo no desentonarían, sino que probablemente los resultados serían mejores. El caso es que su retorno paulatino a un sonido más duro y oscuro en sintonía con sus primeros días ya no es una novedad, pero en sus dos últimos discos ha adquirido una solidez y una entidad que los sitúa en una merecida segunda juventud. No es que los británicos hayan querido grabar una segunda parte de “Lost Paradise” o “Gothic”, pero sí que se adivinan en “Tragic Idol” muchos elementos y arreglos pertenecientes a la tríada “Shades Of God”, “Icon” y, en especial, “Draconian Times”. “Siempre va a haber similitudes entre nuestros discos porque somos las mismas personas”, resalta Holmes. “En los últimos diez años hemos probado cosas nuevas, pero el pasado siempre va a estar ahí, aunque no hayamos mirado deliberadamente hacia nuestro primer material”. Tampoco considera que el reciente proyecto del guitarrista y máximo compositor Greg Mackintosh, Valenfyre, les haya influido demasiado. “Greg tomó una dirección mucho más orientada hacia el death metal clásico. Es algo que le apetecía y creo que es uno de los mejores discos de death metal que ha salido recientemente”. Eso sí, en palabras del propio Greg en la revista británica Terrorizer, para

este disco se han inspirado más que nunca en el metal y el doom clásicos. “Nunca hemos dejado de escuchar ese tipo de música. En nuestra primera etapa estábamos muy influenciados por el death metal, pero también por bandas como Candlemass y Trouble, que de alguna forma marcan aún nuestro sonido”. Si hay un elemento, dejando

Paradise Lost Foto Paul Harris

El primer disco que me compré

en el lecho de muerte se sinceran. Nadie puede escapar a ese momento de verdad absoluta”. En una línea similar, “Tragic Idol” habla sobre “cómo la adulación te hace creer que estás por encima de los demás y olvidar tu verdadera insignificancia en el orden real de las cosas”. Y prosigue: “Siempre hablo prácticamente sobre lo mismo, lo que ocurre es que cada vez me hago un poco mayor y la perspectiva de las cosas va cambiando. Ves que tus hijos crecen, que gente a la que amas, como tus padres, se van… todo eso te afecta y se refleja en tus canciones. La vida y la muerte siempre serán buenas fuentes de inspiración”. Y por supuesto, el amor, como

"La vida y la muerte siempre serán buenas fuentes de inspiración" a un lado su paréntesis más accesible, que ha cambiado sorprendentemente con el tiempo ha sido la voz de nuestro interlocutor. Desde la brutalidad primigenia, pasando por la combinación de guturalidad y entonación –y sus inconvenientes, en especial en directo- de “Shades Of God”, hasta la progresiva agudización a lo Hetfield de posteriores entregas, parece que Holmes ha alcanzado un cómodo y variado catálogo vocal que incluye voces cavernosas junto a otras netamente melódicas, pasando por filtros y efectos, y por puntuales graves a lo Andrew Eldritch o Pete Steele. “Tienes que ser consciente que lo que haces en el estudio debe ser reproducible sobre el escenario y eso sabemos que no siempre es así”. Todo ello para transmitir pensamientos y reflexiones sobre temas como la verdad, los recuerdos, el vacío existencial, el amor o, cómo no, la muerte y todo lo que la rodea, caso de “Honesty In Death”. “El videoclip es realmente deprimente (ríe). Habla sobre cómo muchas personas mienten, incluso a sí mismas, a lo largo de toda la vida, pero

en “Solitary One”. “Queríamos hablar de él como algo que puede destruir tu mente y convertirse en una fuerza negativa increíble que no puedes controlar y que te consume. No es una aproximación frívola, llena de flores y para bailar como ocurre en mucha música pop”. Con todo, lejos de lo que podría parecer, uno se siente bien tras escuchar “Tragic Idol”, sobre todo porque nos recuerda que estamos ante unos Paradise Lost renacidos. “Hemos encontrado un sonido más heavy con el que conectamos y nos sentimos más a gusto y confiados que hace unos seis o siete años. Tenemos una carrera muy larga y es imposible ganar siempre, probablemente solo haya tres bandas en el mundo que sean capaces de hacerlo. Pero nos hemos mantenido fieles a nuestros principios y, de momento, aquí seguimos”. ■ David Sabaté “Tragic Idol” está publicado por Century Media. Paradise Lost ESTARÁN EL 5 DE OCTUBRE EN MADRID (PENÉLOPE) Y EL 6 EN BARCELONA (RAZZMATAZZ).


mondoFREAKO

The Raveonettes Foto James Kelly

MondoSonoro · Octubre 2012 /15/

THE RAVEONETTES

Persiguiendo sombras The Raveonettes publican “Observator”, un disco en el que querían reflejar el encanto de la Costa Oeste para celebrar sus diez años de trayectoria. El resultado mantiene en la forma las marcas de la casa, mientras explora nuevos sonidos. Pero su fondo está lejos del sol de California. Sune Rose Wagner nos habla del álbum más triste del grupo.

E

n enero, se mudaba unos días a Los Ángeles, donde vive su compañera de grupo, Sharin Foo, con la idea de empezar a montar el que iba a ser su álbum hecho en esta ciudad. Sune Rose Wagner dejaba atrás el caos de Nueva York con muchas esperanzas puestas en un clima más cálido, desde recuperarse de la depresión que le diagnosticaron tras una lesión de espalda hasta volver a componer estribillos, pasando por empaparse de todo lo que inspiró allí a grupos como The Doors. Pero, tal y como explica él mismo en la hoja de promoción, lo que encontró al instalarse en Venice Beach fue todo lo contrario. “Terror y desesperación, una soledad terrible que sólo potenció el consumo de sustancias. No me podía concentrar y la inspiración era pasajera y casi ausente. Sharin vino al hotel unas cuantas veces para hablar del disco pero, al margen de la canción

‘Til The End’ (la única incluida en el álbum de todo aquel tiempo), no fuimos capaces de concebir una idea de cómo podría sonar el disco. Pensaba quedarme allí ocho días pero me fui al cuarto”, cuenta. No hay mal que por bien no venga. “Después de Venice Beach me fui a Hollywood. Terminé pasando los siguientes cuatro días colocado de benzo (diacepinas), bebiendo, comiendo, hablando y empapándome de la vida de la gente que conocí allí”. Observando, y de ahí el título del disco. De vuelta en Nueva York, sólo pudo componer “un puñado de canciones tristes y deprimentes sobre amores perdidos y no correspondidos”, añade. Estas son la base de “Observator”, que él mismo nos describe como “un disco muy triste. Si esperas encontrar algún tipo de alegría en él será mejor que no lo escuches”, comenta con ironía. El único plan que The Ra-

veonettes logró cumplir durante su creación fue el de grabarlo en Los Ángeles, en concreto en los legendarios Sunset Sound Studios, donde desarrollaron la oscura dimensión que ofrecen en este disco. “El tema ‘Observations’ es importante al respecto, es la primera vez que hemos usado un piano, pero qué fúnebre y glorioso suena. Nos dimos cuenta de que teníamos que seguir por ese camino y lo volvimos a utilizar en ‘You Hit Me (I’m Down)’ y en ‘Young And Cold’ también”.

diez últimos años, a pesar de tratarse ya de un grupo de éxito. “En mi interior, siempre seré un inadaptado. Ahí es donde pertenezco, no a las masas. Pero no tengo ni idea de cómo se refleja esta última década en el grupo. Cuando escribo no miro al pasado”, subraya. Así, con la vista puesta en el futuro, asegura que está trabajando en el próximo álbum. Y que a pesar de haber colaborado ya con varios de sus ídolos (entre ellos Maureen Tucker de The Velvet Underground o Martin

"En mi interior, siempre seré un inadaptado. Ahí es donde pertenezco, no a las masas" La experimentación no ha dejado de lado sus características guitarras, que enmarcan el disco dentro de su inconfundible estilo. Quizá haya tenido que ver en eso la producción de Richard Gottehrer, con quien trabajaron en “Chain Gang Of Love” su primer álbum, y “Pretty In Black”, el más representativo. Pero lo cierto es que en este hermoso paseo por el dolor no hay grandes cambios para The Raveonettes, como ocurría ya en “Into The Night”, el EP que publicaron a comienzos de año (que no tiene ninguna relación con este disco, según ellos mismos). Y esa parece ser la misma sensación que tiene Sune cuando se le habla de estos

Rev de Suicide) sigue teniendo pendiente algún sueño, como el de trabajar con Bruce Springsteen. “Es uno de mis compositores favoritos de todos los tiempos. ‘The River’ es una obra maestra indiscutible, tan fuerte y conmovedora que me hace llorar”, reconoce. De momento, solo se plantea hacerlo con Warpaint. “Tan pronto como me mude a Los Ángeles en noviembre las perseguiré para hacer un disco”. Tiempo al tiempo. ■ Cristina Pancorbo “Beat Dies” está publicado por Beat Dies/Karonte.


mondoFREAKO /16/ Octubre 2012 · MondoSonoro

TOY

Fue en noviembre del pasado año cuando se publicó “Left Myself Behind”, el single que les situó como uno de los nombres a tener en cuenta en 2012. Su papel como teloneros de The Horrors en el Reino Unido no hizo sino confirmar la apuesta, además de desatar unas comparaciones a las que ellos tratan de restar valor ahora que llega el momento de su debut en largo, titulado sencillamente “TOY”.

S

u historia es relativamente reciente: apenas un año y medio de carrera con una repercusión que va a más desde el lanzamiento de “Left Myself Behind”, un aguerrido e infeccioso tema de rock psicodélico, al que luego siguieron “Motoring” y “Lose My Way”, adelantando las posibilidades de un álbum que terminaron de grabar el pasado mes de mayo. TOY, en mayúsculas, son Tom Dougall (voz y guitarra), Dominic O’Dair (guitarras), Maxim ‘Panda’ Barron (bajo) -los tres anteriormente en Joe Lean & The Jing Jang Jong-, Charlie Salvidge (batería) y la española Alejandra Díez, con quien hablamos vía telefónica, empezando por su propia aventura, la de una enfermera que hace siete años hizo la maleta en León para probar suerte en Brighton. “Al principio hice un poco de todo, como todos los españoles que vienen aquí: en un banco, en un restaurante, de cuidadora… de lo que puedes. Y luego conseguí mi primer trabajo en el Sistema Nacional de Salud de Inglaterra. Me han ascendido dos veces y ya

llevo trabajando en urgencias cuatro años; en ese sentido la verdad es que me va muy bien. Ahora he tenido que pedir reducción de jornada, sólo trabajo seis días al mes, porque con la banda no puedo dedicar más tiempo. Lo dejaría en cualquier momento por el grupo, pero me gusta urgencias y me voy a intentar amarrar a esos seis días al mes lo más que pueda”. Superado el momento “Españoles por el mundo”, toca hablar de TOY, banda en la que sus cinco componentes, explica Alejandra -quien además es pareja de Dominic-, comparten parecidos gustos musicales, empezando por la electrónica primigenia, continuando con los grandes nombres del kraut (Can, Neu!, Cluster, Harmonia), el space-rock de Tangerine Dream o clásicos como The Jesus & Mary Chain, Echo & The Bunnymen y My Bloody Valentine. Todo sin hacer referencia al grupo con el que más han sido comparados, The Horrors, más aún después de que fuesen sus teloneros el pasado otoño. “Cuando ellos no están de gira ni nosotros

tampoco, salimos juntos de todas formas, así que era como una fiesta cada noche. Teníamos que tomar una decisión entre hacerlo, porque realmente es muy divertido, o tener que decir no porque no nos estaba beneficiando esa comparación en la que ni ellos ni nosotros estamos de acuerdo. Nos gusta lo que hacen, les respetamos y además son muy buenos amigos nuestros, pero creo que somos bandas completamente diferentes”. Antes, recuerda Alejandra, ya había llegado su fichaje por Heavenly Records, el espaldarazo definitivo que estaban esperando.

Toy Foto Archivo

Juegos psicodélicos rall. “Grabamos a lo largo de dos semanas, aunque con algunos días de descanso, todo en directo. El estudio era una locura. Miles de instrumentos y cables por las paredes, por el suelo, por todos los sitios… cada uno buscando su rincón para estar en círculo y mirarnos. Dan Carey [productor también de Bat For Lashes, Mistery Jets o Franz Ferdinand] bajaba cada mañana a una tienda que estaba al lado y compraba una máquina de lásers o de humo; antes de grabar apagaba las luces, ponía los lásers y luego ya empezábamos a tocar hasta que estábamos satisfechos

"The Horrors y nosotros somos bandas completamente diferentes" “Nos apoyan mucho, respetan lo que queremos sacar y cuándo lo queremos hacer. No cualquier discográfica te dejaría lanzar un primer single que dura siete minutos y medio. Tampoco nosotros esperábamos que ‘Left Myself Behind’ funcionase tan bien. Fue la mayor sorpresa del mundo, no creíamos que fuese a sonar en la radio y lo hizo en la BBC1. Lo pienso y todavía no me lo creo”. Apenas unos meses después llega su primer álbum, generoso en el minutaje, con un sonido compacto y cortes tan valiosos como “Colour’s Running Out”, “Kopter” o “Dead & Gone”, recién remezclada por Andrew Weathe-

con una toma. Algunas de las canciones estaban escritas desde hace un año, pero otras las terminamos mientras estábamos en el mismo estudio. Llevamos tocando juntos un año y medio, y aunque parece que no es mucho tiempo nos entendemos muy bien como músicos y fue bastante fácil en ese sentido. En realidad así es como hemos hecho todo desde el principio, disfrutándolo y sin que fuese premeditado. Empiezas a tocar y pasa, nada más”. ■ Enrique Peñas “TOY” está publicado por Heavenly/Music As Usual.


MondoSonoro · Octubre 2012 /17/

mondoFREAKO

EN LA

Cyberpunkers Foto Archivo

MALETA

CYBERPUNKERS La electrónica italiana juega duro. Desde The Bloody Beetroots hasta artistas menos ariscos como Crookers. Pero esta vez nuestros protagonistas son Cyberpunkers, que se han pasado medio verano pinchando en nuestros festivales. El próximo 10 de noviembre estarán en el Black Lotus Festival (Valencia). ◗ ¿Qué recuerdo tienes de vuestra primera sesión? Nuestra primera sesión juntos fue en verano de 2006 en la cosa italiana, y fue un éxito. Llevábamos unas máscaras distintas de las actuales. El proyecto estaba aún en un estado embrionario, pero la gente respondió muy bien a nuestra música muy experimental y futurista.

MATTHEW DEAR

◗ ¿Qué crees que es lo peor que puede hacer un Dj mientras pincha? No moverse nada mientras todo el mundo está bailando. Si tú no te dignas a bailar, ¿cómo esperas que la gente lo haga? ◗ ¿Recuerdas el sitio más sucio y desagradable en el que habéis pinchado? Todos los clubes y festivales pueden ser sucios y desagradables, pero los lugares podridos con gente extraña nos divierten mucho. Cada lugar te da una experiencia distinta, bonita o no, pero nosotros vamos a intentarlo hacer tan bien (o tan mal) como nos sea posible. ◗ ¿Recuerdas alguna situación especial a lo largo de todos estos años? Cada vez que hacemos stage diving se crea una situación especial, desde que nos hayan robado la máscara a que hayamos abierto la cabeza alguien de un rodillazo (ya sabes, todo lleno de sangre…). Es parte de nuestro show y la gente lo sabe: esto es el rock’n’roll. ◗ ¿Vinilo o CD? Al principio nos empeñábamos en pinchar solamente vinilos, pero los viajes y la tecnología nos han llevado al CD. Es más cómodo. De todos modos, seguimos disfrutando de los vinilos y coleccionarlos no es un pecado. ◗ ¿No os molesta trabajar siempre de noche? No. Es algo que hemos elegido y hacerlo continuamente nos hace sentirnos jóvenes y en sintonía con los tiempos. ◗ ¿Qué opináis de que la situación actual de los Dj’s en el mundo, de su popularidad y de que, en muchos casos, sean más famosos que las estrellas del pop o el rock? Te conviertes en una estrella cuando hay mucho público que te sigue. Si tienes muchísimos fans da lo mismo si eres Dj, cantante, jugador de fútbol o abogado. Lo importante de verdad es que continúes queriendo hacerlo lo mejor posible. ◗ ¿Recuerdas vuestra mejor sesión hasta la fecha? Recordamos con mucho cariño todas las que hemos hecho en Australia, entre Sidney y Perth, ciudades en las que tenemos muchos fans exaltados. Pero en España lo pasamos en grande… ya sabes, Creamfields Andalucía, Arenal Sound, Low Club, Razzmatazz… España nos está dando muchas satisfacciones. n

Matthew Dear Foto Olivia Locher

◗ ¿Qué disco pincháis en todas vuestras sesiones y cuál de vuestros favoritos nunca suena? “& Down” de Boys Noize, y nunca ponemos “Thriller” de Michael Jackson, aunque creo que puedes imaginarte el porqué.

Ritmo y melodía A veces juzgar una obra por su portada no es tan mala idea. La postimpresionista pintura de “Beams” revela varias cosas: que Matthew Dear nunca ha estado tan cerca de ser un artista pleno como ahora, que su música se basa en pequeños trazos distinguibles que dan lugar a un gran conjunto, y que por fin ha abrazado el color, dejando atrás la ansiedad del excelente “Black City”.

D

istinguir géneros (y razonarlo adecuadamente) siempre ha sido el caballo de batalla de los periodistas musicales. De hecho, cuando un artista pone en un brete a los que se ganan el pan escribiendo sobre discos, es que ha dado con la tecla adecuada y ha encontrado su propio lenguaje. Eso es lo que pasa con Matthew Dear. Partiendo del amor al Detroit techno, el artista tejano, relocalizado a la ciudad de Juan Atkins, Kevin Saunderson y compañía, fue abriendo su estilo al pop, y, especialmente, a las composiciones de grandes experimentadores como David Byrne o Brian Eno con algún toque disperso de kraut o postpunk. Y no lo niega. Pero es consciente de que su ADN musical es electrónico. “Vengo de la música de baile y las herramientas y las formas de producción que yo entiendo provienen de ahí. Puedo estar trabajando en un mismo loop durante seis horas. Uso mi voz de forma muy rítmica. No tengo un amplio registro, y no voy a sonar como un gran cantante de pop. No es mi estilo. Lo que hago es música de baile con pequeñas melodías y elementos pop”. Puede ser que “Beams” haya sido un paso más en su forma de integrar ambos mundos. Dos años han pasado desde “Black City”, un disco que, como indicaba el título, se adentraba en los rincones más lóbregos de su propia personalidad, y ahora ha abandonado las sombras para

darle brillo a su música. “El tiempo en el que estuve trabajando en ‘Black City’ fue más agitado. Muchas giras, aviones, todo el día arriba y abajo… La música era muy tensa. Con ‘Beams’, aunque mi vida sigue siendo ajetreada, he encontrado mi lugar y las cosas son un poco más fáciles de llevar”. No hay mejor manera de comprobarlo

propias ideas, pero es inevitable que lo que han hecho otras bandas te influya”. En el personalísimo mundo de Dear, el orden es esencial. Las capas se superponen unas a otras añadiendo matices y creando atmósferas únicas. “Trabajo con muchas capas de sonido. Incluso con mi voz. Cuando canto ‘it’s alright to be someone else sometimes’, la grabo tres veces [la canta con un tono grave, medio y agudo], las junto y suenan mucho mejor que por separado. Es mi forma de crear mi sonido. No hay autotune, ni cambio el pitch ni nada. Me gusta que sea natural, pero que a la vez dé una sensación lograda y envolvente”. ¿Y cómo replica eso en directo? Bueno, no lo hace. “Cada canción tiene diez o veinte capas.

"Lo que hago es música de baile con pequeñas melodías y elementos pop" que adentrarse en el mundo de “Her Fantasy”, el adelanto para el cual rodó un videoclip con Tommy O’Haver. El surrealismo y el amor forman parte del imaginario de Dear en un tributo al director de cine Kenneth Anger. “El director con el que trabajé era un gran fan de su cine y yo pensé que esta era una buena canción para rendirle tributo. Fue muy divertido. Se rodó en Los Ángeles y tardamos en filmarlo unas dieciséis horas con unos amigos de la zona”. En cierta manera, el siguiente corte del disco, “Earthforms”, es otro tributo, pero esta vez a Can y Joy Division. “Soy un gran fan de Can y de Holger Czukay, y no es ningún secreto que me encantan Talking Heads, Joy Division, Joy Order, New Division… [ríe]. Pero no es algo consciente. Tengo mi propio sonido y mis

Extraemos lo esencial de forma que suene lo suficientemente parecido a la original y dejamos espacio para hacer cosas nuevas en directo. También podríamos tener veinte personas en el escenario tocando cada uno un sample, pero sería de locos”. Reconoce que en el futuro le gustaría contar con más instrumentación real para sus discos, pero siempre manteniendo su identidad como productor de música de baile. De hecho, no olvida sus proyectos paralelos más cercanos al techno. “Con la última gira de Audion decidí concentrarme en Matthew Dear, pero nunca dejé de hacer techno”. ■ Alexandro Ruiz Pérez “Beams” está publicado por Ghosty/Popstock!


entrevistaS

/19/ Octubre 2012 · MondoSonoro

aventuras en el hiperespacio Convertidos en uno de los grupos más destacados de la escena independiente internacional, los estadounidenses vuelven a enfrentarse al mundo con “Centipede Hz”, un disco que no busca romper con su pasado, ni marcar lo que queda por venir.

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on Animal Collective las cosas no son siempre lo que parecen. Conscientes de su rol como punta de lanza de una vanguardia pop que para muchos es la muestra suprema de genuino talento libérrimo en estos tiempos de reciclaje eterno (para otros, incapaces de hacer seguidismo al sorprendente consenso crítico, no lo es tanto), los de Baltimore siguen tratando de ir siempre un pasito adelante con cada nuevo álbum. Haciendo de su obra un work in progress de trayecto extremadamente singular, en el que decenas

no tiene un “My Girls” o un “Peacebone” a los que aferrarse, no por ello parece en absoluto un trabajo menos digerible que cualquiera de sus inmediatos predecesores. Ni siquiera especialmente aventurado. Pero, volviendo a aquello que decíamos al principio sobre el ser y el parecer, Brian Weitz, más conocido como Geologist, no parece estar muy de acuerdo con esa idea. “No, no creo que sea más accesible. De hecho, ‘Merriweather Post Pavillion’ era bastante más accesible que este. No se trata de que emborronemos nuestro

"Siempre habrá gente que trate de llevar el pop a una etapa expresiva superior" de nutrientes tratan de mezclar sus jugos de la forma más fluida posible. Siempre deparando composiciones que no obedezcan a un patrón fácilmente identificable, sino a la fusión integral -a veces cegadora, a ratos saturada, por lo general sorprendente- de sus elementos. Que siempre lo consigan o no, ya depende del juicio de cada uno. Porque si bien “Centipede Hz”

discurso sin más para hacerlo más raro, simplemente tratamos de no repetirnos en cada álbum, y de ir siempre un paso más allá”. Para tan noble propósito, y quizá con el resultado de un trabajo algo más orgánico de lo que últimamente acostumbraban, la grabación de “Centipede Hz” recupera para la causa a Josh ‘Diekin’ Dibb, en lo que todas

las noticias previas a la edición del álbum que circulaban por la red calificaban como una vuelta al trabajo conjunto en estudio de sus cuatro miembros originales. Geologist quita peso al asunto afirmando que: “la verdad es que hay mucho de malentendido en todo lo que se ha extendido por la red. Aunque sí es verdad que hemos vuelto a contar con Josh en cada uno de los álbumes anteriores, pese a todo el trabajo previo hecho a distancia siempre la parte más importante del trabajo se hacía en el estudio”. Sí que se mantiene inalterable la contribución de ese quinto hombre, el productor Ben H. Allen (cuyo currículo alterna a los de Baltimore con Christina Aguilera, Gnarls Barkley, MIA o Deerhunter), quien siempre interpreta un rol de: “darnos un contrapunto, una fricción de fuerzas de la que siempre sale algo positivo. Ben aporta una visión externa que es muy valiosa en el momento en el que, con la melodía ya perfilada, hay que darle esos retoques sonoros que acaban orientándola en un sentido o en otro”.

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omo también quedaba claro desde un principio que “Honeycomb” y “Gotham”, canciones filtradas y editadas en los meses previos, no formarían parte de “Centipede Hz”. “No encajaban y no entraban en la secuencia de temas que hemos elaborado para el álbum. Son temas pensados para valerse por sí mismos”. Vayamos al capítulo de las expectativas. Teniendo en

Animal Collective Foto Archivo

ANIMAL COLLECTIVE

cuenta su posición de privilegio como punta de lanza de una mercurial y heterodoxa forma de entender el pop, ¿son Animal Collective conscientes de las altas expectativas a estas alturas generadas en crítica y público, especialmente después de la acogida de “Merriweather Post Pavillion”? “Sí que somos conscientes de esa expectación, no vivimos en una burbuja. Pero, sinceramente, te puedo decir que esa presión nos afectaría solo si estuviéramos aún grabando nuestro primer o segundo disco, pero no cuando estamos ya con el noveno”. Y ya no solo la presión, sino la controversia de verse siempre en el ojo del huracán acerca de su singularidad, la pesada carga que puede suponer que a uno le cuelguen (seguramente también por incomparecencia de competidores) el fardo de la innovación permanente. “Ese reconocimiento a nuestra singularidad es algo que da más sentido a lo que hacemos. De hecho, es obvio que en nuestra música hay una gran influencia melódica del pop de los sesenta. Pero limitarnos simplemente a copiarlo, de la forma en que hacen otras muchas bandas, sería contradecir el espíritu no solo nuestro, sino de quienes compusieron esas canciones en su momento. Y eso vale para cualquier otra década, porque siempre ha habido y habrá gente que trate de llevar el pop a una etapa expresiva superior en su evolución, como podía hacer, por ejemplo, Aphex Twin en los noventa”. ■ Carlos Pérez de Ziriza “Centipede Hz” está publicado por Domino/PIAS. Más en www.mondosonoro.com


entrevista /20/ Octubre 2012 路 MondoSonoro


MondoSonoro · Octubre 2012 /21/

entrevista

GRIZZLY BEAR

Salir de la madriguera Si Grizzly Bear tienen una cualidad es la de envolverte con su música, fascinarte, crecer poco a poco dentro de ti. Su nuevo trabajo, “Shields”, no es una excepción. En él, nuestros osos pardos favoritos nos enseñan su vertiente menos refinada y precisamente por ello más amable. Después de hibernar tres años tras arrasar en todo el mundo con “Veckatimest” el cuarteto de Brooklyn vuelve a asomar su hocico al sol para entregarnos un disco bellísimo y atemporal.

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esperezarte, asomar la cabeza fuera de la madriguera y ver que ya casi es primavera, salir de paseo. Suena apacible, pero no es fácil ser un oso en pleno siglo XXI. Se imponen las prisas y las urgencias, que si Radiohead te quiere en su gira, que si Jay-Z y Beyoncé quieren un hijo tuyo, que si podrías hacer la banda sonora de la película de Ryan Gosling “My Blue Valentine”, que si podrías telonear a Paul Simon… La vida del oso artista es dura y más cuando lo ha petado con un disco tan redondo como “Veckatimest”. Por suerte, siempre te queda hibernar: escapar a algún lugar lejano, cerrar los ojos y dejar que pase el vendaval, y sólo despertar cada tres años para regalarle al mundo tu don. “Fue un gran paso adelante para nosotros”,

para escribir (Chris Bear), casarte (Ed Droste) y, en definitiva, hacer tu vida. Pero si el tiempo y la distancia suelen ser buenos consejeros, a veces también son malos engrasantes para una relación y cuando los cuatro chicos de Brooklyn quisieron juntarse para volver a grabar no todo salió a pedir de boca… “Era la primavera de 2011 y decidimos que ya habíamos desconectado suficiente y que teníamos que volver a grabar. Pensamos que sería buena idea irnos a algún sitio alejado, que nos ayudaría a concentrarnos, pero no fue así…”. Alquilaron una casita en Marfa, un pueblecito al sur de Texas, “en medio de la nada”, un antiguo barracón del ejercito estadounidense en el que no había ni aire acondicionado. “Y superábamos

"Queríamos hacer algo más oscuro, con menos predominancia de las voces" recuerda Daniel Rossen, guitarra, teclista y voz de Grizzly Bear. “No esperábamos que ‘Veckatimest’ tuviera tantísimo éxito. De hecho, ¿quién sabe cuándo van a suceder estas cosas, cuándo va a ser tu momento? Es imposible adivinarlo, así que la clave es trabajar, trabajar y seguir trabajando. Nos sentíamos y nos sentimos muy afortunados. Eso sí, cuando acabó la promoción, la gira y todo estábamos completamente exhaustos. Necesitábamos alejarnos del público, de la escena, de nuestros compañeros de la banda e incluso de nosotros mismos. Era como si hubieran absorbido gran parte de nuestras vidas y necesitábamos vivir de nuevo. No podíamos meternos en el estudio a hacer otro disco, hubiera sido demasiado intenso”.

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ocaba hibernar, o lo que es lo mismo: lanzar tu propio proyecto y tu propio sello (Chris Taylor), publicar un EP en solitario (Daniel Rossen), escaparte a México

los cuarenta grados casi cada día… No fue muy cómodo”. Además, les faltaba algo todavía más importante: esa conexión que les hace únicos, esa chispa creativa. “Escribimos unos doce temas o más, pero los descartamos todos menos dos, que al final acabaron siendo ‘Yet Again’ y ‘Sleeping Ute’. Todo lo demás sonaba poco a Grizzly Bear y mucho a nuestros proyectos en solitario”.

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Qué hacer? Vuelta a la madriguera, pero por poco tiempo. “Nos volvimos a tomar unos meses de descanso y en enero de 2012 nos reunimos de nuevo y todo salió rodado. Volvimos a Cape Cod, a la casa de la abuela de Ed, donde hemos grabado casi siempre, y fue llegar y empezar a funcionar todo. Estábamos todos en un estado de ánimo muy colaborativo, por eso quisimos componer este álbum codo con codo los cuatro. No fue como antes, que Ed y yo solíamos llevar al grupo las ideas ya medio construidas;

lo hacíamos prácticamente todo juntos desde cero, ya fuera a partir de una improvisación, de una melodía que surgía… Fueron dos meses de aislamiento total hasta que tuvimos los diez temas que queríamos y como los queríamos”. Y si una cosa tenían clara es que no querían pasar a la historia como “los tíos de las bonitas armonías vocales”. “Teníamos muchos tics y costumbres innatas, como nuestra manera de construir las canciones o la abun-

más amplio; no obstante, pese a esa calidez inicial, el álbum no deja de ser arriesgado y necesita unas cuantas escuchas para apoderarse de ti. Pero lo hace. No es de extrañar que críticos y público se estén deshaciendo en elogios y hayan fundido la blogosfera de descargas y Mediafire: la fecha de lanzamiento era el 18 de septiembre y una semana antes ya lo habían sacado en streaming, pero es que ya a finales de agosto empezaron a circular links de descarga, algo a lo que la banda parece no

“No pasaron ni dos días después de que lo grabáramos y ya estaba en Internet” dancia de armonías vocales. En este disco decidimos olvidar eso y seguir nuevos instintos. Las armonías están muy bien, pero no nos sentíamos musicalmente identificados con ellas, queríamos hacer algo más oscuro, con menos predominancia de las voces y los juegos vocales”.

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por mucho que se hayan sometido a nuevas rutinas y liberado a nuevos instintos, algo queda de aquel “Horn Of Plenty” que parió Ed Droste en solitario bajo el nombre de Grizzly Bear allá en 2004: la suntuosidad, el preciosismo, el sonido atemporal. “Llevamos siete años los cuatro juntos y con el tiempo hemos cambiado nuestra forma de pensar, componer, tocar y actuar. Supongo que es porque nunca nos hemos sentado a pensar qué queremos hacer, simplemente lo hemos ido descubriendo sobre la marcha. Yo crecí escuchando mucho jazz, con lo cual estoy familiarizado con la falta de normas, musicalmente hablando. No nos gusta ponernos reglas para hacer discos o canciones. Nunca nos planteamos de qué somos capaces y de qué no, y en parte eso nos ayuda a mantener un sonido fresco”. Sin barreras, sin corsés, sin límites, Grizzly Bear han alcanzado tal maestría en lo suyo que pueden permitirse hacer lo que les dé la gana. La vaga etiqueta del indie-pop no les ata e igual navegan por la psicodelia que homenajean a Talk Talk o se sumergen en aguas folk (un folk muy amplio de miras, eso sí). “Water music”, se aventura a denominarlo entre risas Daniel cuando le pongo entre la espada y la pared. Pero, ¿es “Shields” más accesible que su predecesor? No sé qué decirles. En este álbum el combo practica una contención relativa en los arreglos (contención muy entre comillas, teniendo en cuenta de quiénes estamos hablando) que favorece la atención de un público

darle demasiada importancia. “Pasa con casi todos los discos hoy en día, ¿no?”. Mientras Rossen le quita hierro al asunto, no puedo evitar recordar cómo rajaban hace un mes de Mog y Spotify en su Twitter, aludiendo que: “no ayudan a las bandas, ni a los sellos o tiendas de discos independientes”, que su aportación era parecida a la de las descargas, que “de 10.000 escuchas sólo se reciben diez euros y hay que repartirlo entre cinco” y que “con Youtube al menos las radios y los promotores se fijan en el número de reproducciones de un tema y lo tienen en cuenta, cosa que no pasa con Spotify”.

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ara estar tan sensibilizados con el tema de las ingresos y la recepción del público, su reacción de hoy es chocantemente templada. Pero, perdón, que me pierdo; volvamos con Daniel, que durante mis disquisiones interiores, ha empezado a buscarle el lado positivo al asunto. “De hecho me sorprende que no se haya filtrado antes: con ‘Veckatimest’ no pasaron ni dos días después de que lo grabáramos y ya estaba en Internet. Así que, bueno, no pasa nada, así al menos la gente se sabrá las canciones cuando venga a los conciertos”. Hablando de conciertos, debe de ser difícil llevar esas pequeñas piezas de orfebrería que son los temas de estudio de Grizzly Bear al formato de directo, tan limitado técnicamente y tan poco dado a la profusión de detalles y a la sutileza. “Será complicado”, admite Rossen. “Habrá más músicos en el escenario, porque nos resultaría imposible hacerlo solos. Con todo, parte de los temas son casi imposibles de reproducir en directo, así que no tengo muy claro cómo quedará”. ■ Virginia Arroyo “Shields” está publicado por Warp/Pias.


entrevista /22/ Octubre 2012 · MondoSonoro

MUSE

Dominic Howard, Matt Bellamy y Chris Wolstenholme Foto Archivo

La energía fluye de nuevo Tras tratar de desenmascarar a los gobiernos que nos maniatan en su anterior “The Resistance”, Muse vuelven a la carga con “The 2nd Law”, en el que expresan su temor a que el crecimiento sin control acabe llevando al mundo al colapso. En cuanto al sonido, el disco crece por encima de los guiños al dubstep de su primer single “Madness” y de la grandilocuencia épica de “Survival”, y nos presenta a la banda en un buen momento de forma, con una de sus colecciones de canciones más diversas y entretenidas hasta la fecha.

(

Matt Bellamy) “La segunda ley de la termodinámica teoriza sobre la energía y en cómo ésta va decreciendo poco a poco, en todo el Universo, mientras que los seres humanos necesitamos naturalmente seguir consumiéndola, para sobrevivir y evolucionar. De ahí el encontronazo entre nuestro subconsciente e instintos, que buscan la supervivencia, y la realidad, que la va mermando. Los primeros temas del disco (‘Survival’, ‘Supremacy’, ‘Animals’, ‘Madness’) tratan de esa lucha instintiva, mientras que al final vemos cómo todo ha acabado, todo ha desaparecido”. Esta vez la cosa va de energía. En capítulos anteriores, el trío de Devon ya nos había abierto puertas a mundos ignotos, que se mantienen ocultos para la gran mayoría hasta que ellos muestran el camino. En 2001, titulaban su segundo disco “Origin Of Symmetry”, en referencia al físico japonés Michio Kaku y su libro “Hiperespacio”, que trata de revelar el origen de la simetría que da la esta-

bilidad al Universo como la manera de descubrir si existe realmente Dios o no. Dos años después, influidos por la guerra de Irak, su “Absolution” ya empieza a tratar temas apocalípticos, así como de superación personal y redención. Su mayor punto de inflexión comercial hasta el momento, “Black Holes And Revelations” (2006), supone también un paso más allá en su propia manera de expresar sus miedos y paranoias: elucubraciones sobre el estado corrupto de la sociedad actual y reflejo de las teorías conspiratorias que nos pueden llevar a un nuevo estado totalitario mundial. “The Resistance” (2009) dedicaba gran parte de su tiempo a llamar a la unidad y la resistencia contra las continuas mentiras de los gobiernos, y a ser lo suficientemente perspicaces como para saber leer entre líneas y atisbar los intereses ocultos detrás de la mayoría de leyes y acuerdos multilaterales de la actualidad. Para su sexto álbum de estudio, los ingleses dan una nueva vuelta de tuerca a su personal óptica de observar el mundo desde detrás del espejo. (Matt) “Todo

nació viendo las noticias en la televisión: contemplando los problemas que se dan en el mundo y que se van repitiendo cíclicamente; quería descubrir qué hay detrás de eso. De ahí llegué al estudio de la energía, de los diferentes procesos de acumulación y desgaste; una sociedad basada en un crecimiento constante es insostenible, pero a la vez inevitable. Y entendí que, de forma totalmente inconsciente, la mayor parte de nuestros problemas, incluida la infelicidad inherente a casi todo ser humano, son provocados por esa lucha interna por la supervivencia”.

A

todo esto, ¿qué tal los temas del nuevo álbum? Tras varias escuchas, la primera conclusión es que, a partir de los avances y las declaraciones de los miembros

trónica nacida en los guetos de Londres que tanto ha cautivado al rock mainstream en los últimos años, primero tras la aparición de Burial y más recientemente tras la eclosión masiva de Skrillex. Pero, tranquilos todos, no hay más rastros del género en el resto de “The 2nd Law”. Parece que el guiño quedará en mera anécdota. (Dominic Howard, batería) “La idea es seguir tomando riesgos, siempre. ¿De dónde surgió la inspiración? Estábamos grabando, al inicio de las sesiones para este nuevo disco, y vimos que Skrillex tocaba a pocas calles del estudio. Matt y yo nos acercamos a verle y flipamos. Era algo nuevo, diferente, una energía que hacía tiempo no veíamos. Volvimos al estudio y tratamos de dar un tratamiento parecido, aprovechando esa intensidad, pero con instrumentos, más orgánico. ‘Madness’ nace de ahí y es algo diferente

“La idea es seguir tomando riesgos, siempre” de la banda en los meses precedentes a su publicación, habíamos sido llevados a equívoco, quien sabe si de forma consentida y previamente pactada (¿buscando quizás huir de sus patrones más conocidos?). Tanto en el teaser con el que la banda presentaba el álbum en la red, y que ha resultado ser parte del tema “The Second Law, Pt.1”, como en la más reciente “Madness”, que será su primer single, evidencian claras influencias del dubstep, ese oscuro reducto de la elec-

a lo que siempre habíamos hecho. Como canción, tiene una estructura muy sencilla. El otro día escuché por casualidad ‘Survival’ en la radio y pensé ‘joder, vaya ladrillo, ¿qué coño es esto?’... ¡¡¡y éramos nosotros!!! Y está bien, es parte de Muse, toda esa épica y afectación, pero precisamente por ello nos gusta tanto ‘Madness’. Más allá de la influencia del dubstep, pretendemos que proporcione nuevos aires a la banda”.


MondoSonoro · Octubre 2012 /23/

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ampoco es buen reflejo la grandilocuente “Survival”, tema que el trío ha cedido a las Olimpiadas londinenses, y que con su marciana epopeya sonora, sus deudas a Queen y sus bravatas líricas habían hecho temer lo peor a sus fans menos talibanes, que veían cómo los excesos mostrados en la última parte de “The Resistance” podían haber acabado adquiriendo protagonismo ahora en “The 2nd Law”. (Chris Wolstenholme, bajista) “No es representativa del resto del disco, pero con Muse se da esa típica relación de amor u odio de una forma muy exacerbada. Entré en iTunes pocos días después de lanzar el tema y vi lo que me esperaba. Sólo había ‘5’ o ‘0’, un buen puñado de cada uno. ¡Me encantó!”. Más allá de los tres avances, que suman lo más aventurero del conjunto, “The 2nd Law” es un disco de canciones, más cercano a la variedad y pegada de “Black Holes And Revelations” que a la unidad de “The Resistance”. Ahí está la metalera “Supremacy”, con un riff que puede recordar al stoner de los noventa, o la casi bailable “Panic Station”, en la que, en ocasiones, nos parece estar oyendo a un Prince reciclado, lo último que esperábamos de una banda como Muse a estas alturas. Tampoco faltan nuevos guiños a Queen, como en “Explorers” ni recurrentes visitas a la factoría histórica marca de la casa, en “Follow Me”, “Animals” o “Big Freeze”. Dominic lo analiza como un proceso en el que: “hemos dado a cada tema lo que pedía. ‘Supremacy’ queríamos que sonara como si lo estuviéramos tocando en un estadio lleno de gente, la idea al grabarla era imaginarnos ese

contexto. ‘Madness’ en cambio es una producción mucho más mimada, más intimista y más cercana a la electrónica”. Para Matt, “casi cada uno de los temas ha supuesto un reto diferente. Cuando acabamos de grabar ‘Follow Me’, sonaba como un tema rock, demasiado normal. Le dimos completamente la vuelta, introduciendo elementos electrónicos, deconstruyéndolo. Con ‘The Second Law, Part I’, el proceso fue justo el contrario. También hay dos canciones de Chris, de las que se sentía muy orgulloso y que quiso cantarlas él mismo. Todo ha tenido cabida en el disco”.

de la insostenibilidad por querer seguir creciendo constantemente y el colapso que se produce al ir agotándose la energía. La segunda parte es la calma tras la tormenta. La idea que quiero mostrar en ‘The Second Law, pt. II’ es como un abandono por parte del universo; un zoom out con la cámara dejando cada vez más alejado nuestro planeta y desapareciendo en la nada”. “The 2nd Law” marca el fin de la relación contractual entre Muse y la multinacional Warner. Teniendo en cuenta que el trío inglés siempre ha demostrado inquietud por las fórmulas alternativas, no parece aventurado pensar que en el futuro la banda

“Joder, mira a U2, pueden hacer un estadio allá donde les apetezca”

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ara la parte final del trabajo, la banda deja una nueva sinfonía, dividida en dos, que da título al disco. La primera parte es caótica; a tenor de por cómo suena y por las imágenes que lo acompañan en el vídeo que subió la banda a la red, parece que simboliza una huida masiva, un éxodo de no se sabe dónde o hacia dónde. Tras ella, llega una segunda parte tranquila, relajada, pacífica. Parece que el horror ha finalizado y ha llegado la paz, ya sea por la supervivencia del drama previo o por la extinción definitiva de toda materia viva. Conociendo a la banda y su debilidad por lo truculento, voy a decantarme por lo segundo. (Matt) “Sí, acertaste (risas). La primera parte trata de la lucha por sobrevivir, del caos,

decida cortar sus vínculos con la industria clásica y explore nuevos sistemas de distribución. Matt ya ha empezado a pensar sobre ello. “Es evidente que el mercado se ha transformado muy profundamente. Pero por eso mismo, de aquí a dos o tres años, cuando nos planteemos grabar un nuevo disco, es posible que todo haya cambiado de nuevo. Ha habido bandas que han regresado al terreno del single y no me parece mala idea para Muse. Otra posibilidad que se me ha ocurrido es realizar una producción teatral alrededor de un nuevo concepto. Aunque también quería desarrollar la faceta más acústica e intimista de la banda… ¡ya veremos!”. Por último, si

entrevista

hay una parte inseparable al particular universo sónico de Muse, es su traslación al directo. Chris lo tiene claro. “Siempre hay nuevos objetivos. Y para una banda como Muse se trata sobre todo de llegar allá donde no hemos llegado antes. Somos importantes, pero solo en ciertos países; en la última gira, hicimos únicamente diez conciertos en estadios en Europa, y ninguno en Estados Unidos. Joder, mira a U2, pueden hacer un estadio allá donde les apetezca. Es genial encontrarte en una posición así”. Su gira de hace tres años ya fue digna de pasar a la historia como uno de esos montajes faraónicos que parecía que únicamente se daban en las grandes giras de las estrellas del rock sinfónico en los setenta, y que sólo U2 en la actualidad nos estaba ofreciendo: torres gigantes retroiluminadas que acogían y elevaban a cada uno de los miembros del grupo, láseres de última generación, platillos volantes que descendían en medio del estadio… “Para la gira de invierno no habrá nada especial. Al ser en recintos cerrados, será una producción normal. Lo que estamos estudiando es implantar nueva tecnología en la gira veraniega de estadios. Hay un invento muy novedoso, que permite transformar a la gente que está de pie en pista en una pantalla gigante. También quiero construir un robot gigante para los shows. Es algo que siempre he querido...”. ■ Robert Aniento “The 2nd Law” está publicado por Warner. Muse actuarán en Madrid (20 octubre, Palacio de Deportes).


/25/ Octubre 2012 · MondoSonoro

Lüger

Sigur Rós

Justice Fotos Mariano Regidor

Supersubmarina

CONCIERTOS

Dcode Festival Lugar C.D Cantarranas / Universidad Complutense Fecha 14 y 15 de septiembre Estilos diversos Promotor Live Nation 1111 El Dcode es un festival con un tipo de público que acude a la cita del Complejo Deportivo Cantarranas para pasar un fin de semana de música y diversión con una actitud muy relajada hacia todo lo que le rodea si lo comparamos con el típico público de festival independiente. Mucho Erasmus, mucho universitario y poca pose moderna. Se trata de un paisaje seguramente potenciado por la inclusión en el cartel de grupos para el gran público como The Killers y por el hecho de que el festival se haya trasladado al mes de septiembre y se celebre en el corazón de la Universidad Complutense. Todo un acierto, la democratización de los festivales de música. Abrieron la tarde Le Traste, Niños Mutantes, Napoleón Solo, Dinero, unos reivindicativos Dorian (leyeron un manifiesto contra la subida del IVA en el ecuador de su actuación) y los preciosistas Kings Of Convenience (en un escenario que, a ratos, se hacía inmenso para una propuesta tan íntima, que ellos fallidamente se empeñaron en convertir en una fiesta de campamento), fueron el preámbulo de la primera actuación multitudinaria de la noche. dEUS se dieron un baño de masas. Propuesta macarra y hasta cierto punto trasnochada, pero que el público disfrutó de lo lindo gracias a la excepcional pegada de los belgas y con la actitud chulesca de Tom Barman mientras se sucedían canciones de su nuevo disco, “Fo-

llowing Sea” (sonaron “Girls Keep Drinking” o “Sirens”), alternadas con éxitos pasados como “Suds & Soda”. Su actuación se pisó durante más de la mitad del show de The Shoes, quienes divirtieron al personal con facilidad, aunque la reinterpretación de su disco en directo busca algo que no acaban de conseguir. Vamos, que no son LCD Soundsystem aunque quede claro que les gustaría. Acto seguido, en el escenario pequeño daba comienzo la actuación de la neozelandesa Kimbra, superventas en Australia con su disco de debut, “Vows”, y conocida en España por poner voz en la onmipresente canción de Gotye “Somebody That I Used To Know”. Echando mano de buenas canciones (destacaron “Two Way Street” o “Something In The Way You Are”) y una gran interpretación vocal, Kimbra se metió al público en el bolsillo con sus constantes intervenciones en castellano y con una actitud hipermotivada y bailona, apoyada por un grupo de escrupulosa factura profesional. Divertida y prometedora, pero con demasiadas ganas de agradar con todo lo que no es primordial, en contraste absoluto con la ceremoniosidad y el recogimiento con que Sigur Rós saltaron acto seguido al escenario grande. Quizá conscientes de que ellos eran el grupo principal de la noche, seguramente preocupados por la mala experiencia vivida la semana anterior

en un festival en Isle Of Wight, pudimos ver a unos Sigur Rós especialmente responsables y con aires de grupo grande de verdad. Iluminación escasísima y presencia fantasmagórica y tímida de Jónsi, pero quién necesita armas de otro tipo cuando cuenta con un arsenal sonoro como el de los islandeses, que hicieron un repaso de sus títulos míticos (sonaron majestuosas “Hoppípolla”, “Sæglópur” o el cierre con Popplagið’), dejando de lado las nuevas composiciones menos conocidas (únicamente sonó “Varúð” de su reciente “Valtari”). Maravilla y arrebatamiento onírico que, en el escenario grande, dio paso a la fiesta que no lo fue tanto de Justice (de más a menos, seguramente las intenciones del dúo francés eran las de provocar un desmadre mayor que el que tuvo lugar), quienes ofrecieron una actuación en la línea de la que presentaron en el barcelonés Primavera Sound. En el escenario Heineken, cerraron la noche los gallegos Triángulo de Amor Bizarro, que sonaron con fuerza y presentando nuevo material, y Joan S. Luna a los platos. La jornada del sábado empezó con fuerza gracias a tres grupos de personalidades muy distintas, pero con propuestas sólidas. Syberia, con sus ambientes pesados, Fira Fem y los siempre efectivos Cápsula. La primera banda internacional fue Django Django, quienes reprodujeron prácticamente su disco de debut al completo con simpatía, solvencia y no demasiadas sorpresas. En el escenario Heineken se sucedieron Lüger y The Right Ons, ambas formaciones con directos sin fisuras que únicamente se resintieron cuando, en el escenario grande, empezaron los conciertos de Super-

submarina y The Kooks. Con los andaluces y los británicos empezó el baño de multitudes. Ambos grupos funcionaron frente a una audiencia que cantó muchos más temas de los que incluso se esperaba en una jornada presidida por The Killers. Supersubmarina no sonaron con mucha fuerza, pero eso no impidió que la gente cantase con ellos, les vitorease y lanzase alaridos cuando anunciaron que volverían a Madrid en pocas semanas. The Kooks han crecido mucho, tanto que su repertorio no quedó para nada eclipsado cuando se atrevieron a versionar a Foster The People con el propio Marc Foster como vocalista invitado. Es decir, que justificaron sobradamente su plaza en la parrilla del sábado. Ahora bien, poco podían hacer frente a The Killers, auténticos cabezas de cartel de todo el evento si atendemos a la respuesta de la audiencia. Y encima esta vez se comportaron como tales. Los primeros conciertos en España de los estadounidenses siempre les mostraron algo apocados y un punto grises, pero el tiempo ha pasado, han ido cargando conciertos y experiencia a las espaldas y la lista de hits ha aumentado. Brandon Flowers ha pasado a convertirse en la estrella que siempre tuvo que ser, manejándose con soltura y captando la atención de la gente en todo momento. Obviamente, “Human” supuso uno de los grandes momentos de histeria colectiva de todo el Dcode 2012. Tras ellos, Kill The Hipsters en el Heineken y Eme en el escenario principal pusieron a todo el mundo a bailar, los primeros a base de electro bruto y la segunda combinando pop y electrónica. Jorge Ramos y Ernesto Bruno


Ebrovisión 2012 Lugar Miranda de Ebro (Burgos) Fecha 30 y 31 de agosto, 1 de septiembre Estilo Indie Promotor Asociación Cultural Rafael Izquierdo

Como ya es tradición, Ebrovisión 2012 arrancó el jueves en La Fábrica de Tornillos, el antiguo emplazamiento del festival mirandés. Por allí pasaron Nudozurdo, Ellos, Chinese Christmas Cards y Yani Como, siendo los últimos los primeros en salir a escena. Aun con la introducción del violín en algunas canciones, sigue siendo característico su sonido roto, como los corazones protagonistas de temas como “La vida es alcohol”. Quizá más orientados a horarios tardíos (por aquello de lo bailongo de su propuesta), los barceloneses Chinese Christmas Cards no desentonaron entre propuestas más pop, puesto que la suya también lo es. Frescura. Muy diferente fue la propuesta de Nudozurdo, quienes mostraron una gran intensidad desde el primer momento con “Golden gotelé” y “Chico promo”. “Contigo sin ti” resultó simplemente desgarradora, mientras que “El hijo de dios” nos dejó sin aliento, en trance, como unos Lisabö mesetarios. Con un Guille Mostaza provocador y charlatán, Ellos cerraron la velada con las primeras filas repletas de enfervorecidas

Love Of Lesbian

Fuel Fandango

We Are Standard Fotos Lucía Astrain

CONCIERTOS /26/ Octubre 2012 · MondoSonoro

1111

fans cantando en modo karaoke, sobre todo con “Diferentes” (aunque fue con ”Lo dejas o lo tomas” cuando Mostaza bajó del escenario para que el gentío se abalanzara sobre él –ríete tú de las beliebers-). El viernes arrancó prontito, con los skataliticos A Kal y Kanto sobre el Red Bull Tour Bus, aparcado en plena calle peatonal del centro del municipio. Tras ellos, parón para comer y, poco después, directo de Templeton, cumplidores, pero un tanto desubicados en el techo del nombrado vehículo (es posible que sintieran “Miedo de verdad y en condiciones” tocando ahí arriba). Con todo, actuación agradable. Poco después abrió el recinto principal, el Multifuncional de Bayas. Por su escenario pasaron, en este orden, los hipnóticos Pegasvs (¿quizá hubiesen quedado mejor cerrando, en lugar de abriendo?); los legendarios El Inquilino Comunista (que no despertaron demasiado interés entre el público más joven); los eclécticos Fuel Fandango (petándola, en una nueva demostración de que están destinados a pegar el estirón más pronto

que tarde –mención aparte para el carisma y fuerza de Nita, su cantante-); Corizonas con nuevas (y efectivas) canciones bajo la barba; Sidonie ejerciendo de (verdaderos) cabezas de cartel de la jornada y cumpliendo las expectativas (a la par que sorprendiendo –versión de MGMT mediante-); y, por último, los suecos The Sound Of Arrows con su pop sintetizado (pero no lo suficientemente bailable como para desparramar como merece todo fin de fiesta). El sábado comenzó aún más temprano que el día anterior, con los actos de “Ebropeque” al mediodía. Una hora después empezaron los “conciertos vermut” en La Fábrica de Tornillos. Primero con los indie poperos ingleses Tigercats, después con los más retro y rockeros Silvia Superstar & Los Fabulosos, la nueva banda de la ex Killer Barbies. Buena manera de comenzar la jornada… justo antes de acudir a la plaza de España para la (popular) comida popular y los conciertos de Thee Brandy Hips, Niño Burbuja y Grises. Sin tiempo para la siesta, apertura del Multifuncional. Los primeros fueron Los Punsetes, que demostraron que han ganado en matices tras su último trabajo (y que la impertérrita Ariadna canta cada vez mejor). Tras ellos, La Habitación Roja, ya con llenazo, reivindicando un mejor lugar en el cartel (no en vano, suyos fueron muchos de los

himnos más coreados del fin de semana). Grupo de Expertos Sol y Nieve no obtuvieron la misma aceptación por parte del público. Su interesante propuesta sonó demasiado diluida, más cuando se hacía difícil descifrar las letras. No hubo conexión (la actitud desganada de J no ayudó, precisamente). Con Love Of Lesbian hubo lleno casi absoluto, como era de esperar, y, aunque bastantes de los temas nuevos no son tan efectivos como los hits previos de la banda, Santi Balmes y compañía disponen de suficientes ases en la manga como para maravillar a sus numerosos seguidores. El Columpio Asesino son mucho más que “Toro”, ya lo eran con anterioridad, pero ese single eclipsó todos los demás momentos de la banda, reseñables muchos de ellos en su actuación ebrovisiva. We Are Standard volvieron a los horarios tardíos, a pesar de su último EP, menos bailable. Los de Getxo, conocedores de su función, hicieron bailar de lo lindo, desatando la locura colectiva con “On The Floor” (lluvia de confetti e invasión de escenario –perpetrada por miembros de El Columpio Asesino, Los Punsetes, La Habitación Roja o Thee Brandy Hips, entre otros- incluidas). Una edición saldada con éxito, a pesar de los recortes de presupuesto. La coyuntura condiciona, pero Ebrovisión se mantiene firme. Irene Mariscal y Joseba Vegas


escaparate Absynthe Minded Vienen de: Bélgica Publican: “As It Ever Was” (Universal, 12) En la onda de: Snow Patrol, Del Amitri, dEUS

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con ritmo y melódico. La producción respeta la personalidad de la banda, pero adorna las composiciones hasta hacerlas brillar en cualquier entorno”. Melodías melancólicas y colores elegantes que se entremezclan en el trascurrir de un álbum tan uniformado como en realidad plural e inquieto. “Tenemos cinco personalidades diferentes y además el mundo de la música es un sinfín de posibilidades”. Lo que ha cambiado sensiblemente es la temática predominante a lo largo del presente disco. “El anterior disco era más introspectivo, con canciones acerca de la inspiración y los amantes. Este habla sobre la vida, la gente y el propio tiempo”. Canciones que ya pudieron ser disfrutadas durante la pasada edición del Primavera Sound (“¡Qué gran festival! Hizo un tiempo espléndido y terminamos quedándonos allí dos días”) y que podremos volver a disfrutar en concierto el próximo 23 de noviembre en su concierto en Barcelona. ■ Raúl Julián

Royal Republic Vienen de: Suecia Publican: “Save The Nation” (Roadrunner/Warner, 12) En la onda de: Social Distortion, The Hives, No Use For A Name Royal Republic tienen preparado el que es su segundo disco, una obra con la que pretender divertirse y que, quienes les escuchen, se diviertan con ellos. Al contrario de lo que el título pudiera indicar, “Save The Nation” no esconde ninguna proclama política. Más bien al contrario. “No somos una banda política, es algo retórico. Tratamos de explicar cómo es nuestra vida ahora, la forma en cómo perseguimos nuestro sueño y lo hacemos realidad. Apreciar el hecho de estar dos semanas en Australia tocando, venir ahora de Portugal, visitar sitios, conocer gente nueva”. Entre ambos discos no hay muchas diferencias en cuanto a estilo, pero sí las hay en cuanto a la filosofía. “Sobre todo queríamos trasladar al estudio lo que es nuestro sonido de directo, ese era el principal objetivo. Los conceptos básicos, como pueden ser por ejemplo las guitarras. Royal Republic tienen su baza en las giras, ya no quedan tantas emisoras de radio que programen rock, y la televisión aún mucho menos, así que solo nos queda trabajar duro sin importarte dónde estés o cuánta gente vaya a tus conciertos”. “Save The Nation” lo ha producido Michael Ilbert en los estudios Hansa Mix Room de Berlin. “Allí nos construimos una especie de bunker, no salíamos prácticamente para nada, teníamos a nuestras novias y al equipo de trabajo. Salíamos a buscar comida y volvíamos a grabar de nuevo. Así era nuestra vida en Berlín”. Royal Republic estarán en Barcelona el 18 de octubre) y en Madrid el 19. ■ Toni Castarnado

Ha Ha Tonka Foto Archivo

Gran paso al frente de Camilo Lara y su Instituto Mexicano del Sonido en su cuarto disco, “Político”. Sigue siendo una mezcla de música popular, dotando de gran importancia a la rumba y a la electrónica, pero ahora también a la canción protesta. Música para bailar hecha con ordenador, con multitud de capas y con una buena colección de sintetizadores analógicos, sin midi. Camilo nos habla de “Político”. “Es una mezcla entre el primer disco, que estaba muy cargado de sampling y el tercero, que es muy tocado. Es más rabioso, eso sí, y me gusta que esté más cerca del garage, el punk o el surf que del lounge”. Además, se trata de una obra que funciona de maravillas en concierto. “En vivo las canciones se vuelven bestias salvajes y no las puedo controlar. Es como un show de The Cramps, pero tropical”. El gran cambio lo encontramos en las letras. “Hablo de lo que está cerca de mí y antes la política la sentía lejos, pero se acercó más y más. Al lado de mi estudio descubrieron cuatro toneladas de explosivo preparado para un atentado terrorista en México. Sentí que la política había llegado a mi casa. Si tengo que decir cosas, prefiero decirlas por su nombre, si es narco, pues es narco. Las letras son para contar historias”. Hay que recordar que Camilo es presidente de EMI México. “Todos los disqueros deberían ser músicos. Es como si construyeras autos y no supieras manejar. A mí me ayudó para entender el negocio y vivir de él”. ■ Miguel Amorós

Ha Ha Tonka Vienen: Estados Unidos Publican: “Death Of A Decade (Bloodshot Records, 12) En la onda de: The Jayhawks, Dropkick, The Gourds

I.M.S. Foto Archivo

Royal Republic Foto Archivo

Absynthe Minded Foto Bert

l momento de Absynthe Minded parece haber llegado al fin con “As It Ever Was”, sin duda la entrega más potencialmente ambiciosa firmada por la banda del vocalista Bert Ostyn, aunque este apuntilla la afirmación: “Eso sería como menospreciar todo lo que hicimos antes, pero sí que es un disco con un sonido grandioso, hermosas melodías y unas canciones que pueden tocar a un montón de gente”. Encontramos, efectivamente, un elepé de calidad rematado con el claro objetivo de alcanzar el éxito a través de un sonido conciliador que supere las ya conquistadas fronteras belgas. “Desde el principio estaba claro que teníamos algo

/28/ Octubre 2012 · MondoSonoro

Instituto Mexicano del Sonido Vienen de: México Publican: “Político” (El Volcán Música, 12) En la onda de: Beastie Boys, The Cramps, Madness

(Brian Roberts) “Tratamos de escribir sobre las personas, lugares y temas que conocemos o hemos experimentado en nuestras vidas. A menudo, la región de la que venimos, Ozarks, que está en el centro de Estados Unidos, se filtra en nuestra música”. A pesar de esa influencia de las raíces, creen que en su música hay mucho más. “Lo denominado como roots incluye muchos estilos. Lo mejor de la música estadounidense es la fusión de muchos sonidos. Nosotros queríamos combinar lo auténtico de manera sintética”. Quizá por eso trabajaron de una manera algo especial, “Lo hicimos con dos productores diferentes. Uno nos grabó en un granero y el otro en un subterráneo. Queríamos situarnos en algún lugar entre Arcade Fire y Alabama”. Esa heterogeneidad se ve incrementada por los gustos de cada uno de sus miembros. “A todos nos influyen diferentes tipos de sonido, pero cuando nos juntamos y escribimos para el grupo conseguimos algo diferente y único”. Pero no sólo el sonido es marca de la casa, pasan por ser una banda comprometida que no rehúye los temas sociales. El cáncer padecido por su líder y el sistema de salud americano tienen mucho que ver con este disco. “Tuve cáncer con veinte años. A la gente le pasan cosas malas continuamente. Es difícil saber cómo te influye eso el resto de tu vida, pero lo hace, aunque creo que a nosotros lo ha hecho de forma positiva”. Ha Ha Tonka actuarán en Vitoria (17 octubre), Cangas de Morrazo (18), Madrid (19) y Barcelona (20). ■ Eduardo Izquierdo


Isolina Foto Archivo

MondoSonoro · Octubre 2012 /29/

Parkway Drive Vienen de: Australia Publican: “Atlas” (Epitaph/Pias, 12) En la onda de: Evergreen Terrace, Throwdown, A Life Once Lost

Isolina Vienen de: Tenerife Publican: “Ep” (El Hombre Bala Records). En la onda de: Maga, Jeff Buckley, Standstill

final, a juego con unas letras que no rehúyen el conflicto. “El disco fue compuesto durante nuestra última gira por todo el mundo, por eso se llama ‘Atlas’. Pero esa gira también amplió, lógicamente, nuestros horizontes, y cuando eso sucede ves más cosas positivas y negativas. Aquí nos centramos en las negativas, al haber sido testigos de numerosos y diferentes sufrimientos por todo el mundo. De ahí la referencia al peso del mundo sobre los hombros de Atlas en la mitología griega”. Mientras prometen una vuelta a España el verano próximo (“oh, esperad, aguantad un poco más antes de que caiga todo el montaje del euro, por favor (risas)”), su vocalista Winston rememora la gira de la que habla, toda una experiencia para ellos. “Nos importaba más el poder ir, conocer y tocar en esos países que pensar en la cantidad de personas que irían a vernos. Lo increíble es que la gente venía a vernos, nos conocía en Guatemala, la India o China. Te sientas y piensas ‘joder, ¿cómo es posible?’. Es fantástico”. ■ Ignacio Pato L.

Human Don’t Be Angry Foto Archivo

El entusiasmo lleva a Isolina, o más bien a El Hombre Bala Records, a lanzar un material que era mera exposición del arranque de una banda y que terminó siendo, en su etapa demo, la mejor maqueta para MondoSonoro edición Canarias. Encima, las primeras ediciones agotadas apenas con las ventas locales. Curioso. Y más viniendo de un grupo que, como parece norma, es de segundas oportunidades, de músicos que estuvieron en el ajo, pararon un tiempo, y con las vidas algo más canalizadas retornan a la actividad. Isolina prefiere dejar ese aporte en algo más simple: “Más que experiencia, madurez o la edad, que también influye, quizá ese rodaje previo lo que más aporta a la banda es la amistad que nos une. Nos conocemos desde la adolescencia y sabemos cómo es el carácter, la forma de ser y los gustos musicales de cada uno. Esa amistad también te permite ser muy directo a la hora de dar opiniones o tomar decisiones con respecto a cualquier asunto del grupo”. Isolina es un grupo que nació así, por el mero hecho de sumar ayudas a la creatividad de uno de ellos en el local de ensayo. “Nació de unas cuantas ideas que rondan la cabeza de Pablo (guitarra y voz) y a las que Dailos (batería) pone base rítmica. En el momento adecuado se une Cheda (guitarra) y esas ideas, a veces inconexas, se empiezan a convertir en canciones. Con la entrada de Jorge (bajo), todo termina de encajar perfectamente e Isolina se cierra definitivamente como banda”. ■ Job Ledesma

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n ocasiones, un cuarto disco con éxito creciente en los anteriores puede ser un arma de doble filo. Los hardcoretas australianos Parkway Drive lo saben, y a su manera han refrescado su sonido de manera que casi nadie podrán decir aquello de “se han vuelto comerciales”. En cierta parte ya lo eran, pero dignamente. “Sabemos que hay gente que esperaba que nos volviéramos más comerciales ahora, por ejemplo es algo que siempre piensa alguien cuando dices que vas a trabajar con tal o cual productor. Algunos pensaban que podría haber rock aquí, pero no”. Rock no, hardcore y metal sí. De la mano de Matt Hyde, de quien afirman que ha sido la persona idónea para las tareas de producción, “Atlas” es un disco de melodías pegadizas y pasajes algo más oscuros hacia su

escaparate

Human Don’t Be Angry Human Don’t Be Angry, nombre saqueado de un juego de mesa al que el propio Malcolm Middleton solía jugar, es el proyecto del ex Arab Strap con el que éste inaugura una nueva vía creativa plagada de amplios pasajes instrumentales. “Quería volver a divertirme. Estaba componiendo canciones demasiado introspectivas y algo mierdosas, así que era el momento idóneo para el descanso y el cambio”. El resultado es un disco con importantes desarrollos instrumentales “Buscaba hacer un álbum totalmente instrumental, pero se deslizaron algunas palabras aquí y allá. Hay menos sentido y más poesía”. El artista regala un poco de humor negro cuando se le pregunta acerca de sus casi veinte años de carrera. “Joder, soy como un pez de colores: se me olvida todo lo que he hecho antes y a cada momento sólo trato de hacer música nueva con la que estar satisfecho”. Para los mitómanos decir que en el disco colabora el mismísimo Aidan Moffat. “Fue divertido. Somos buenos amigos y no hubo ninguna tensión o presión en el estudio porque se limitó a hacer lo que se le pidió”. Acerca de la vigencia de un posible sentimiento nostálgico hacia los noventa y sobre el propio legado de Arab Strap, obtengo una respuesta contundente. “Es demasiado pronto para sentir nostalgia y también sucedieron cosas malas como el brit pop o All Saints. Arab Strap fueron dos chicos escoceses a los que le gustaba la cerveza y deberían haberse esforzado más”. ■ Raúl Julián

Desde los tiempos de “Carefully”, que ya tiene once años de antigüedad, Najwa Nimri no firmaba un álbum de corte tan electrónico como este “Donde rugen los volcanes”. Aunque no piensen que el baile ha sido invitado a su nueva criatura. Básicamente, porque estas diez piezas giran en torno a un sonido horizontal dopado de beats techno-ambientales que sólo ella es capaz de humanizar. “Los accidentes de cómo hago mis discos siempre se suceden. Cuando trabajo con mucha gente surgen factores como que uno de tus músicos se ve obligado a aprovechar su tiempo en otro proyecto que le aporta más dinero. Eso es lo que ocurrió con Vicente Miñana, con quien empecé a pensar las piezas a partir de loops de guitarra. Mi idea era que dichos loops estuvieran acompañados de electrónica, pero como la mezcla no funcionaba, Raúl Santos y yo acabamos decantándonos por esto último”. A diferencia de “El último primate”, en el que muchas de las letras acabaron siendo traducidas del inglés, esta es la primera vez que Najwa se ha enfrentado sin tapujos al español. “Escribí auténticas bíblias, letras tan largas que eran para que alguien las rapeara, con lo que he tenido que recortar muchísimo de cada tema. Por el camino he perdido cosas importantes, sin embargo, he ganado en capacidad de síntesis”. Durante el obsesivo proceso de composición se ha dejado querer por el minimal techno de Paul Kalkbrenner, James Blake y Fever Ray (de quienes tomó prestado su vocal line) e, incluso, Calle 13, “para comprobar cómo mastica un hombre que escupe fuego en castellano”. Confiesa con sinceridad que quiere debutar en el marco del San Miguel Primavera Sound sin importarle el horario. ■ Sergio del Amo

Najwa Viene de: Euskadi/Madrid Edita: “Donde rugen los volcanes” (Warner, 12) Suena a: Frank Bretschneider, Fever Ray, The Knife

Najwa Foto Archivo

Vienen de: Escocia Publican: “Human Don’t Be Angry” (Chemikal Underground/Popstock, 12) En la onda de: Air, Cluster, Tortoise

Parkway Drive Foto Archivo


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Betunizer Foto Albert Avilés

ás de una década llevan Adrift siendo el gran secreto a voces del metal nacional. Una trayectoria que ahora alcanza forma de segundo largo. “La principal razón de la tardanza es que no nos gusta meternos prisa a la hora de componer, preferimos que las ideas vayan saliendo y que vayan tomando forma a su debido tiempo. Hay canciones del nuevo disco que pueden tener tres años, pero es

Betunizer Vienen de: Valencia Publican: “Boogalizer” (B-Core, 12) En la onda de: The Jesus Lizard, Kepone, Rapeman “No tengo ni idea de lo que nos hace diferentes de los demás. A lo mejor el que no nos dé miedo ser nosotros mismos todo el rato. En esta banda a nadie se le dice lo que tiene que tocar”. Pues sí. Betunizer es una banda diferente. Tres energúmenos con ganas de escupir a quien le salga por delante, acompañados por un séquito de canciones rugosas e incómodas que no dudan en recoger elementos de los noventa para renovarlos a su conveniencia. “Tenemos treinta y dos palos de media. Lo raro sería que no tuviéramos elementos de los noventa. Respecto a las tendencias actuales, no somos grandes lectores de prensa musical”. Y es que hablamos de un segundo disco compuesto por similares ingredientes que el anterior, pero radicalizados un grado más. “Este disco ha sido un proceso de simplificación, de podar. Está más pendiente del groove y de las voces que el anterior y muchas de las canciones tienen una estructura pop clásica. De todas formas no nos hemos dicho ‘vamos a hacer un disco más simple’, simplemente creíamos que las canciones serían mejores desechando todo lo superfluo”. Y así ha sido gracias a unos temas configurados con ese componente obsesivo que matizan con unas letras insistentes, apegadas a cierto punto surrealista y cabreado que las hace bastante peculiares. “Las letras son cosa de Jose y en general tienden más a buscar combinarse con la música y crear alguna imagen sugerente. Salen así”. ■ Francesc Feliu

(con Another Kind Of Death, Moho y Moksha) que marcó su punto de inflexión, Adrift siempre ha sido un grupo caracterizado por su impresionante directo, compartido en ocasiones con bandas como Yaphet Kotto, Yakuza o Entombed. “Al principio se nos empezó a conocer por tocar mucho en directo, ya que no teníamos muchas ediciones. Realmente disfrutamos en los conciertos (tanto dándolos como viéndolos) y creemos que es donde se ve si un grupo realmente vale o es sincero con lo que hace. Está claro que los discos hay que hacerlos, así que hemos aprendido que hay que trabajarlos mucho, ya que no deja de ser tu carta de presentación, la que te va a abrir puertas para poder tocar en más sitios”. ■ Ignacio Pato L.

Garamendi Foto Archivo

Vienen de: Madrid Publican: “Black Heart Bleeds Black” (Alone/Kromatik Musik, 12) En la onda de: Kyuss, Breach, Cult Of Luna

la dinámica que hemos llevado siempre. Solemos tocar mucho y también tenemos más bandas, lo cual a veces nos supone distribuir el tiempo como buenamente podemos”. Las nuevas composiciones son las más ambiciosas y progresivas de su carrera, fundidas en el consabido abrazo a la oscuridad marca de la casa. “Es un paso más en la evolución que tratamos de llevar a cabo, aprendiendo cosas nuevas, teniendo una experiencia en el estudio que antes no tenías y con las ideas más claras. Hemos intentado cuidar más la composición y arreglos de las canciones, probando registros distintos en las voces y afinaciones”. Con una discografía en la que no conviene olvidar aquel crucial split “Waterloo”

A comienzos del pasado mes de julio, Eric Cihigoyenetche se imponía como vencedor de la última edición del concurso aragonés Ambar Z Music al frente de su proyecto como El Brindador. “Para mí estos eventos significan una propuesta de desarrollo cultural con el fin de ayudar a los artistas en su evolución profesional”. Tras lanzar dos singles al amparo del sello Grabaciones en el Mar, el francés afincado en Zaragoza procedente de la siempre inquieta escena de Burdeos entra ahora en la recta decisiva con la publicación de su primer álbum asomando en el horizonte. “Tendrá once temas y se llamará ‘The Big Great Circle’. Estamos muy contentos y orgullosos del trabajo realizado. Trata sobre mi personal visión de la sociedad en la que evolucionamos y los aspectos nefastos que puede conllevar. Para ello suelo utilizar muchas imágenes en mis letras”. Un disco grabado en los transitados estudios que el productor Paco Loco tiene en Puerto de Santa María, junto a algunos miembros de los consistentes Picore aportando empaque a la delicadeza innata del vocalista, en una colaboración que parece definitiva. “Cuando tocas solo no puedes contar con nadie más que contigo mismo. Por el contrario, tocar con banda aporta unas sensaciones más fuertes que desarrollan la musicalidad del conjunto. Antes de llegar a Zaragoza desde Burdeos nunca había tenido un proyecto en solitario y la verdad es que prefiero tocar en una banda”. ■ Raúl Julián

Garamendi Viene de: Euskadi Publican: “Garamendi” (Get In, 12) En la onda de: Yes, Genesis, Abraham Boba

El Brindador Foto Gustaff Choos

Adrift

El Brindador Vienen de: Zaragoza Publican: “The Big Great Circle” (Grabaciones en el Mar, 12) En la onda de: Neil Young, The Tallest Man On Earth, Serge Gainsbourg

Adrift Foto Archivo

ESCaparate /30/ Octubre 2012 · MondoSonoro

Antonio Garamendi encabeza este original proyecto en solitario que huye de los parámetros habituales en los que se mueve el rock español para adentrarse en terrenos más progresivos y arreglos más complejos. “En el fondo te influye la música que escuchas, claro. Yo escuchaba mucho a Yes mientras estábamos en el estudio y siempre he sido mucho de Genesis, en especial de la etapa con Peter Gabriel”. Garamendi debuta con su nombre por bandera, no sólo como título del disco sino como nombre del proyecto. “Tenía que dar salida a todas las canciones que estaba haciendo. El tema del nombre tampoco tiene mucho secreto. No encontré nada que me gustara. Eran canciones mías y es mi apellido, que al final es lo que soy”. Eso sí, el músico tiene experiencia en grupos como Dynamo pero: “éramos un grupo de amigos que se montó en la Universidad y al final cada uno tenía sus historias. Entonces decidí que quizá era el momento de intentarlo en solitario porque aquello no daba más de sí”. Antonio Garamendi tiene claro que él es, ante todo, un cantautor, aunque no en el sentido clásico de la palabra. “Hago mis canciones, las arreglo, meto una guitarra aquí, un piano allá… Me gusta mucho producir las canciones, jugar con ellas, prepararlas”. Eso da lugar a un pop-rock orquestado poco habitual. “No tengo miedo a sentirme solo porque me gusta lo que hago. Son canciones que no han nacido desde el trabajo en un local con una banda, sino que somos mi piano y yo en mi casa”. ■ Eduardo Izquierdo


Grushenka Foto Archivo

MondoSonoro · Octubre 2012 /31/

Flavio Rodríguez Viene de: Barcelona Presenta: “Ego” (Little Red Corvette, 12) En la onda de: Babyface, Justin Timberlake, R. Kelly

Grushenka Vienen de: Barcelona Publican: “Técnicas subversivas” (El Genio Equivocado, 12) En la onda de: The J.A.M.C., Odio París, Los Planetas

del desgaste que supuso ‘Eléctrico’, tener que abandonar la anterior formación de banda y una relación que terminó de malas maneras. Todo eso coincidió en cierto momento y con este trabajo he intentado levantarme el ánimo”. Esa confesión contrasta con su actitud frente al micro, donde el género impone una pose de amante sin fisuras ni inseguridades. “Tienes razón. Al ser un tipo de música tan sexual la gente tiende a pensar que eres alguien muy seguro de ti mismo, pero yo soy todo lo contrario”. En “Ego” ha estado bien arropado: Quiroga contribuye en un par de canciones y también participan Mucho Muchacho, MC Melodee y KennyKen, entre otros, ellos también parte de esa floreciente escena que apuesta por un rap menos prisionero del hardcore, más fluido y vital. “La situación musical en este país es muy peculiar, pero sigo teniendo esperanzas. Basta ver el fenómeno Cookin’ Soul o el renacimiento de Mucho Muchacho. Tengo la sensación de que ahora hay más espacio para propuestas diferentes”. Como la suya. En un mundo de espadas, Flavio es el guante de seda. ■ Joan Cabot

Soledad Vélez Foto Juan Limousine

Sin apenas tiempo para haber digerido su primer EP para El Genio Equivocado, los barceloneses debutan en formato largo con “Técnicas subversivas”, un álbum donde han limado los errores de su primera referencia. O, al menos, eso es lo que nos hace saber su líder Xavier Nadal. “Lo que nos hizo acelerar el proceso del disco fue que no estábamos realmente satisfechos del resultado del EP... Obviamente tenía cosas buenas como la ayuda de Joaquín Pascual en la producción (quien repite en esta puesta de largo)”. Ahora, con las ideas bien amuebladas en la cabeza, nos presentan diez nuevos temas (más ese “Ceremony” de New Order como extra de la edición en vinilo) en los que se alejan de la sombra de los primeros Los Planetas y se reflectan en medios tiempos que toman en mayor medida a sus adorados Joy Division como punto de partida. “Hay gente que nos tira en cara que no haya tantas piezas rápidas como en el EP, pero lo cierto es que se nos da mejor hacer canciones más tranquilas”. “Siempre actúo rápidamente y absurdamente” y “Será algo imposible” dan fe de ello, aunque el disco, repleto de mensajes crípticos, sigue manteniendo como siempre esas voces en primer plano que facilitan la comprensión. “El año pasado fue muy difícil para Erik y para mí en lo personal, por ello las letras tienen una serie de simbolismos e indirectas hacia otras personas que sólo nosotros dos entendemos. Esta es nuestra técnica subversiva”. ■ Sergio del Amo

Me sorprende que comparen ‘Ego’ con ‘Flaviolous’ (07)”, comenta Flavio Rodríguez, a quien tranquilamente puede señalarse como casi único guardián de las esencias del R’n’B en este país en quiebra. Pero si en su anterior largo, “Eléctrico” (Little Red Corvette, 09) se permitió todo tipo de quiebros a la búsqueda de un sonido más contemporáneo y cibernético, en “Ego” algunos detalles delatan un retorno a su propio pasado. “Es cierto que hay más hip hop, pero a la vez también hay evolución, tanto a nivel musical como personal. Es un trabajo menos juvenil que mi debut”. Y muestra de esa madurez es el título, que nada tiene que ver con el narcisismo. “En mi caso, todo es premeditado. No podría hacer nada que no sintiera de verdad y en este disco he tratado de recuperar mi ego después

escaparate

Soledad Vélez En la industria musical hacen falta personas valientes, y Soledad Vélez ha dejado claro que lo es. Chilena afincada desde hace unos años en Valencia, se ha atrevido a grabar un fantástico larga duración tras dos lustrosos epés. “Antepuse la música a todo, incluso a las relaciones personales o sentimentales. Lo aposté todo a lo que yo creía, me la jugué, creía firmemente en mí. Quizás era un poco arriesgado, porque lo dejé todo, sobre todo a mi familia, que es lo que más echas de menos cuando estás tan lejos”. Esas vivencias, esos miedos, esos anhelos, son los que se reflejan en su música. “Hacía tiempo que buscaba mi identidad como músico, y al fin la encontré. Este disco tiene tintes oscuros, lo cual me encanta. Suena muy crudo y mucho más rock de lo que mi apariencia representa”. Se la cataloga de artista folk, pero escucha de todo. “Adoro a toda esa hornada que hubo de weird folk, pero también a Patti Smith, a Billie Holiday... Cuando te ven con una guitarra acústica piensan de inmediato que haces folk, pero en mi caso estoy muy influenciada por el blues. A la que pude, intenté sonar más eléctrica. Me gusta más y me identifico mucho más con ese sonido”. Jesús de Santos (ex Polar) es su mano derecha, y juntos forman un buen equipo. “Quedamos un día, y enseguida hubo química. Había tocado con otros músicos, pero no funcionó igual. Jesús entendió mi idea, el sonido que yo quería”. ■ Toni Castarnado

Resulta muy complicado no parar de escuchar “Santa Leone” una y otra vez. El motivo es simplemente la verdad que contiene en cada uno de sus cortes. En una época donde la moda desde el panorama indie es reivindicar los folclores cercanos, que un señor como Andrés Herrera ‘Pájaro’ ponga sus cartas sobre la mesa es lo mejor que nos puede pasar para recuperar el norte. “Si hablo es fácil adivinar de dónde soy. Nacemos con el disco duro en blanco y somos el resultado de la experiencia y del amor que recibimos. ¿Las modas no son esas cosas que al principio bien y después se olvidan? ¡El buen gusto siempre está vigente!”. Así se presenta un superviviente, un artesano de hacer canciones que vivió mil aventuras con el mismísimo Silvio -”seguro que alguna canción le hubiera gustado... en el caso que lo escuchara entero. ‘Santa Leone’ lleva en los huesos un poquito de Silvio”- y que, desde la emoción y la experiencia, sienta cátedra con sus textos y sus declaraciones. “El que vive una historia de amor perfecta hace menos canciones y más hijos. El desamor es una tierra en la que se siembran tristezas y se recogen estribillos. Cada canción de este vinilo es una historia vivida, realidad pura y dura”. Máxima sagrada para definir un trabajo políglota y donde hay hueco para todas las músicas que, desde una biográfica Sevilla, ha mamado Pájaro. “La Semana Santa habla de pasión, amor, traición, muerte y melancolía. De eso trata el western. Me imagino el momento final de ‘La muerte tenía un precio’ sonando cualquiera de las marchas de la banda del Cristo de las Tres Caídas. Lo mismo me imagino al Cachorro andando por Triana en procesión al son de Ennio Morricone”. ■ Rojas Arquelladas

Pájaro Viene de: Sevilla Publica: “Santa Leone” (Happy Place Records, 12) En la onda de: Ennio Morricone, Silvio, Adriano Celentano

Pájaro Foto Archivo

Viene de: Chile/Valencia Publica: “Wild Fishing” (Absolute Beginners, 12) En la onda de: Joanna Newsom, Patti Smith, Anni B Sweet

Flavio Rodríguez Foto Archivo


vinilos

/32/ Octubre 2012 · MondoSonoro

EL TOUR DE FORCE DEFINITIVO DE SWANS THE AVETT BROTHERS “The Carpenter” Universal/Island

AMERICANA

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Que The Avett Brothers son un grupo con una trayectoria encomiable lo demuestra el simple hecho de que esta sea su séptimo álbum de estudio. “The Carpenter” es un disco que ahonda en el camino trazado por los dos anteriores, pero sin superarlos. El cuarteto de Carolina de Norte ha ido dejando atrás su legado más bluegrass, para acomodarse en una suerte de folk-rock amable usando sus mejores armas, es decir, el omnipresente banjo, el finger picking de las acústicas, el empaste dulzón de sus voces, los elegantes arreglos del chelo y teclados, más unas canciones de gran valía tonal. Sin embargo su deriva pop va creciendo a cada paso que dan y temas como “Live And Die” o “I Never Knew You” lo demuestran. También su predilección por las baladas tiernas y sosegadas deja huella en el álbum. Aciertan en esa nana preciosa que es “Through My Prayers”, pero se les ve demasiado la obviedad de la tonada en una “Winter In My Heart” tan resultona como predecible. Por eso no nos encontramos ante un trabajo a la altura de “I And Love And You”, aunque mantenga en vilo el interés. Don Disturbios

SATURNA Michael Gira Foto Archivo

“The Kingdom Spirit” Odio Sonoro/Seven Snakes Records

METAL

SWANS

“The Seer” Young God

ROCK

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Dieciséis años después de “Soundtracks For The Blind” (y dos después del regreso con “My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky”), Michael Gira ha dado con una obra que contiene de forma más eficiente la esencia de una banda en perpetuo movimiento (como él mismo declaró recientemente, "esto es solo un fotograma del rollo”). Decidir si se trata de su trabajo más definitorio, el mejor o el peor, es una cuestión que solamente Gira podría contestarnos, porque, más allá de etiquetas, ha sido un artista

capaz de crear su propia cosmovisión musical, un universo en el que la angustia, el terror, la luz y la mística forman parte de su lenguaje. “The Seer” es un disco de una duración inusitada (dos horas) y extremadamente ambiciosa (con colaboraciones de Karen O –Yeah Yeah Yeahs- o la recuperada Jarboe), pero mucho más coherente. Podría decirse que en “The Seer Returns” recupera el aire bluesero de Angels Of Light, que en “Mother Of The World” pasa del sonido nowave primigenio al gótico estilo Dead Can Dance, o que “A Piece Of The Sky” y “The Seer” hacen recordar al post-rock que ayudó a crear, pero eso sería perder el sentido unitario (que no conceptual) de la obra. Únicamente consideremos “The Apostate” como el tour de force definitivo. Alexandro Ruiz Pérez

en la onda

GLENN BRANCA

“Symphony nº3” (Atavistic, 1983) 1111

El paso por el ensemble de Glenn Branca fue algo así como el examen de selectividad para el sector arty de la escena no-wave, escena en la que Swans dieron sus primeros pasos. El propio Michael Gira ejerce como guitarrista en esta grabación que anticipa el gusto por la repetición y el cuelgue drónico protagonista en “The Apostate” o “The Seer”.

GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR

JOHNNY CASH

“American IV: The Man Comes Around” (American, 2002)

EL HIJO

(Constellation, 2000)

1111

Autopublicado/Pias

“Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven” 11114

No es sólo el gusto por los largos desarrollos y las estructuras circulares. A los Swans de “The Seer” y los mejores Godspeed You! Black Emperor les une la pasión por lo extremo, por empujar a la audiencia hasta situarlos en el límite.

Gira ha acertado al señalar “The Seer” como el álbum que condensa su carrera. También su última etapa como Angels Of Light, donde mostraba su faceta más espartana, arrimándose al goticismo folk de los “American Recordings” que Cash grabó de la mano de Rick Rubin. L.J.M.

1114

La banda Saturna se formó a finales del 2010 en Barcelona, y en apenas un año han conseguido grabar un potente disco que gustará tanto a los amantes del rock clásico, el stoner y la psicodelia como a los fervientes fans del doom de Black Sabbath, Saint Vitus o Witchcraft. “The Kingdom Spirit” es de esos discos que ya en la primera escucha entra a la perfección y te transporta a los dominios a los que el grupo quiere llevarte. Rod, Aureli y Henry logran la comunión perfecta con la voz de Patrick Pezoa –siempre arropado por las melodías de guitarras-, quien transmite un aura de oscuridad mágica, en la que, a pesar de todo, ves que hay luz al final del camino. Solamente en cortes concretos como “Seven Magic Spells” o la enérgica y excelentemente arreglada pieza que da título al trabajo notamos cierto cambio de estilo. Un disco perfecto que demuestra que las bandas de aquí pueden hacer buen rock, stoner o cómo lo quieran llamar. Un grupo del que oiremos hablar mucho más. Eduard Tuset

“Los movimientos” POP

1111

Único en su especie, Abel Hernández (ex Migala, Emak Bakia) pertenece a esa puntual variedad que luce en escena con personalidad propia, indivisible y no extrapolable. El madrileño publica la tercera entrega de su proyecto como El Hijo, con diez nuevos temas a través de los cuales abre

sus fronteras personales para alumbrar un trabajo de compleja composición y habitual trascendencia. El artista se permite contar con la amplia colaboración de David T. Ginzo, Javier Monserrat y Joxe Luis Saqués en lo que a la postre significa una aportación imprescindible a la hora de acunar los valores de una narrativa en alza, tan impactante como sinuosa y evocadora. “Los movimientos” es un álbum ambiciosamente elaborado y tejido con precisión acerca de fascinaciones erradas, transcursos vividos, cuentos imaginados e historias recordadas que encuentran su vínculo común en el impacto emocional. No en vano varios de los presentes cortes se sitúan descaradamente entre las piezas más inspiradas firmadas por el músico a lo largo de toda su carrera, rubricando a su paso uno de los elepés nacionales imprescindibles dentro de la temporada en curso. Raúl Julián

ANTI-FLAG

“The General Strike” Side One Dummy

PUNK

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Anti-Flag son quizá uno de los grupos punkrock con éxito comercial que de una manera más fiel recrean el espíritu combativo de The Clash. En su noveno álbum largo, la rapidez y furia siguen acompañando a unas letras que no dejan de homenajear a los héroes cotidianos del trabajo y demás “saboreadores” de recortes sociales. No en vano, “1915” es un tributo a Joe Hill, sindicalista ejecutado ese año y autor de la canción “There Is Power In A Union”, mientras que “This Is The New Sound” es una llamada contra la docilidad laboral. Son quizá dos de los mejores momentos de un disco que no desentona en la discografía de los de Pittsburgh, y junto a los que temas como “The Neoliberal Anthem”, “The Ranks Of The Masses Rising”, “Nothing Recedes Like Progress”, “The Ghosts Of Alexandria” o la furibunda “I Don’t Wanna” no actúan como relleno y sí como nuevos clásicos a corear en los directos de Justin Sane y sus activistas secuaces. “The General Strike” es un disco para ganar seguidores entre punk-rockers agobiados más que para perder puristas. Ignacio Pato L.

NEUROSIS

“Honor Found In Decay” Neurot/Everlasting

POST-METAL

1114

Había muchas ganas de escuchar el nuevo trabajo de Neurosis tras aquel magnífico “Given To The Rising” de hace ya un lustro y que supuso una suerte de aire fresco en la saturada atmósfera de los californianos. Grabado de nuevo con Steve Albini, lo cierto es que el álbum demuestra que Neurosis no se van a mover ya de ese post-metal granítico en el que la voz de Steve von Till nos lleva a un mundo en el que prácticamente sólo existe aquello que no ha creado el hombre. “Bleeding The Pigs” es un ejemplo de ello. Con sus siete minutos de duración, no es la canción más larga de Neurosis ni quizá tampoco la mejor, pero la solemnidad musical y el misticismo de las palabras de von Till se origina sobre bases simples como acordes de potencia, timbales y pedaleras para acabar retorciendo un mensaje que, junto al acertado arte de Josh Graham, viene también a ejemplificar el concepto de un disco que quizá tarde algo en convencer a su legión de seguidores: la comunicación o falta de ella. Ignacio Pato L.


MondoSonoro · Octubre 2012 /33/

AMPARO SÁNCHEZ “Alma de cantaora” Kasba Music

FOLK-POP

1111

Segundo y certero paso en la evolución de esta cantante, guitarrista, compositora, o sea “cantaora”. Su vida siempre ha sido cantar y cada vez se nota que disfruta más haciéndolo, y encima con mejor voz. En “Alma de cantaora” se nos muestra más desnuda que nunca, con muy poca instrumentación, recuperando aires latinos y más sentida líricamente, más espiritual, vital, femenina y esperanzadora. Los hábiles Chalart58 (La Kinky Beat) y Kike Arkarazo en los controles, allanan el camino gracias al menos es más. El disco se abre con las sabias palabras de la Abuela Margarita, curandera y guardián de la tradición maya, en la preciosa canción que titula el disco, pero hay más colaboraciones a resaltar. Por ejemplo, Bebe en “Fuera fiera”, un aguerrido tema que parece escrito para ella. En “La flor de la palabra” es Arianna Puello la que rapea para la lucha, mientras que en “Mujer levántate”, es Jairo Zavala quien la acompaña de forma magistral. Miguel Amorós

BANDA BASSOTTI

“Siamo Guerriglia” Rude Records

ROCK

111

Banda Bassotti no son un grupo que pueda ser analizado bajo las premisas clásicas del rock, ni siquiera de la música genérica. Gestados entre un grupo de compañeros albañiles en la Roma de los ochenta, con más de una decena de discos a sus espaldas e interminables giras, los italianos son una institución del combat-rock y anteponen la lírica revolucionaria al virtuosismo instrumental. “Siamo Guerriglia” es una celebración más de ese espíritu colectivo que no vive sólo de ska, reggae o punk, sino que también encuentra gasolina en las colaboraciones de amigos como Evaristo Páramos, Tetsuya Kajiwara (The 3Peace), Flavio Cianciarulo o Alessandro Mannarino, lo que dota de mayor colorido a unos temas que siguen focalizando en la lucha guerrillera, la identidad rebelde, la jungla urbana o la Italia post-berlusconiana. Sin embargo, quizá los mejores momentos los encontramos en el apartado de versiones, con tres elecciones sin fallo como “Ellos dicen mierda, nosotros amén” (La Polla), “El León Santillán” (Fabulosos Cadillacs) o el clásico italiano de los setenta “Mio fratello è figlio único” del singular Rino Gaetano. Ignacio Pato L.

THE FLAMING LIPS

“The Flaming Lips And Heady Fwends” Bella Union

ROCK

111

A pesar de la evidente ridiculez de la expresión, no se me ocurre mejor palabra para definir la nueva diablura de los de Oklahoma que “diver”. De hecho, “diver”, que además de una expresión ridícula es la típica locución que pondrías en boca de un niño travieso, define a la perfección todo lo que han hecho desde la edición del denso y ambicioso

“Embryonic” (Warner, 09), un trabajo tan complejo y poco popular que no ha encontrado por donde colarse en sus de cada vez más bufonescos directos. Wayne Coyne y sus compinches han compuesto canciones de veinticuatro horas metidas en calaveras humanas de edición limitada, temas ocultos en fetos de gominola y, en general, lo que les ha venido en gana. Y “The Flaming Lips And Heady Fwends” parte de esa misma actitud desenfadada y lúdica, además de aprovechar el estatus de los Flaming dentro de la industria, invitando a artistas como Jim James, Biz Markie, Ke$ha, Nick Cave, Yoko Ono o Prefuse 73 a participar en temas con títulos tan “diver” como “Helping The Retarded To Know Go” o “I’m Working At NASA On Acid”. La parte buena es que los temas son igual de divertidos. La mala que, bueno, ¿a quién le importa la mala? Joan Cabot

vinilos

THE XX, EL NEGRO ESTÁ DE MODA

MYSTERY JETS “Radlands”

Rough Trade/Popstock!

POP

111

Cómodos en su rol de actores secundarios en la escena del pop británico de los últimos años, los londinenses desafían su propia curva de existencia y siguen lanzando cada dos años un nuevo ejercicio de pop revitalizado, sin ocupar portadas ni titulares, pero afianzando su estatus. Ellos son parte de la eclosión de nuevas bandas que hubo en Reino Unido a mitad de la pasada década, que dio luz desde Kaiser Chiefs a Bloc Party, pasando por Maximo Park, Art Brut, Editors o Hard-Fi. Ahora, mientras la mayoría de ellos trata de recuperar restos de la popularidad perdida con discos mediocres o separaciones y reuniones al cabo de pocos meses, Mystery Jets siguen a lo suyo, evolucionando a su manera. En “Radlands” se han olvidado de los teclados y sonidos próximos al synth pop ochentero y se han ido hasta Texas a grabar allí su álbum más americano. Títulos como “Lost In Austin” o “The Ballad Of Emmerson Lonestar”, por no hablar de la portada, dejan a las claras de qué va su nueva aventura. No pueden, sin embargo, borrar su ascendencia británica, que se filtra en todo el sonido y acaba ofreciendo una interesante mezcolanza de melodías a lo Blur con un tratamiento a lo Steely Dan que, globalmente, no llega a las cotas de “Twenty-One”. Robert Aniento

The XX Foto Archivo

THE XX “Coexist”

XL/Popstock!

POP

1111

Pocos artistas han aparecido en los últimos cuatro o cinco años con una personalidad tan clara como The XX. Y no me refiero a su estética, que también suma, sino a su música, a esas canciones melancólicas y preciosamente minimalistas. Por ello resulta sencillo que estén empezando a generar también fobias. Pero aquí estamos para hablar de nuestra fília por el trío británico. Habrán ya leído mucho sobre “Coexist”, de hecho lo habrán escuchado un buen puñado de ocasiones; como un servidor. Por lo menos es lo que debería hacer todo aquel que aprecie canciones como “Chained”, la fantástica “Missing” o la más rítmica “Swept Away”. El segundo larga duración de estos chicos no puede nunca ser juzgado

THE CRIBS

DYLAN LEBLANC

DAVID BYRNE & ST. VINCENT

Wichita/PIAS

Rough Trade/Everlasting

4AD/Popstock!

“In The Belly Of The Brazen Bull”

JOLLY JUMPER

ROCK

“Girando el mundo” Jolly Jumper

ROCK

111

Los seguidores del rock cantado en castellano que echen de menos el aire sureño que respiraban los primeros M-Clan, o la energía que transmitía cualquiera de las bandas que siguieron de una forma u otra el camino abierto por los murcianos, están ahora de enhorabuena. Y es que Jolly Jumper no sólo recuperan ese espíritu en éste su disco de debut, sino que además lo hacen ofreciendo un producto consistente y de calidad. Sus composiciones basculan entre el rock de corte clásico setentero de “Noches de California” y el contagioso compás del bluesero “Yo quiero ser un bluesman”, pasando por el sosiego acústico de “Vuela” o el palpitante ritmo de “Sallie”. Este recorrido diverso pero no disperso discurre guiado en la producción por la mano experta de Santiago Campillo (ex M-Clan), quien aporta su conocimiento del género y algo de su destreza instrumental, mientras que Marc Parrot es el encargado de pulir el sonido final mediante la masterización de las cintas. Xavier Llop

sin escuchas y escuchas acumuladas, porque hay demasiados puntos en común con su predecesor y apenas unas pocas diferencias para crear la suficiente distancia emocional. The XX han tomado el camino más fácil (no distanciarse demasiado de las virtudes de su debut) y al mismo tiempo también el más difícil (evitar los estribillos con empeño, ralentizar incluso sus canciones). O es precisamente al contrario: el que parece fácil es el complicado, y a la inversa. En todo caso, y como no podía ser de otra forma, el resultado no acaba de contentar al cien por cien a quienes nos emocionamos sobremanera con su anterior álbum. “Coexist” es un buen disco, atractivo y ensoñador, fantástico por momentos, pero la comparación es tan evidente que resiente casi cualquier valoración. Ahora bien, cada día que pasa, cada escucha que sumo, me lleva más a pensar que quizás eso carezca de importancia y no sean más que manías de críticos y fans que piden demasiado. Joan S. Luna

1114

Una vez dado carpetazo a la etapa junto a Johnny Marr, los hermanos Jarman y Ross Anthony vuelven a recuperar su espíritu original de rock melódico y contagioso que les llevó al reconocimiento sobre todo con su tercer largo, “Men’s Needs, Women’s Needs, Whatever”. Sin ofrecernos temas tan redondos como los “I’m A Realist”, “Men’s Needs” o “Girls Like Mystery” que allí se daban cita, “In The Belly…” sí retoma esa urgencia y cierto amateurismo que el trío había abandonado en busca del rock más elaborado de “Ignore The Ignorant”. La inicial “Glitters Like Gold” es una muestra perfecta de la vuelta a orígenes, de volver a ser los Weezer sucios y distorsionados que siempre habían sido. También vuelve a aflorar en el quinto disco de los británicos esa facilidad que tienen para dar casi sin pretenderlo con himnos para los indignados y rechazados, aquí en títulos como “Come On, Be A No-One” o “Chi-Town”. Si en algo han ido mejorando es en sentirse cómodos siendo la voz de la alienación, banda ideal para introspectivos intelectuales que encuentran en ellos el reconocimiento de sus propias realidades. Robert Aniento

“Cast The Same Old Shadow” CANCIÓN

111

De agradable sorpresa a cierta decepción. Así de sencillo y rápido podría resumir lo que me ha sucedido con el segundo disco de este joven de veintidós años que, desde el estado de Louisiana, se situó en el mapa de la americana gracias a su cuidado primer álbum. Y digo esto porque si bien el álbum empieza con “Part One: The End” sorprendiendo al acogerse a una producción orquestal más propia de los tiempos en los que Lee Hazlewood o incluso los Walker Brothers dominaban las ondas, luego se pasa a cierto laconismo a la manera de un Mickey Newbury (aunque por momentos también te puede recordar a la forma de acercarse al country de unos Mojave 3). El problema es que excepto algún tema como “Brother” (que posee un solo de guitarra de varios quilates que te recordará al Neil Young de “Harvest Moon”), el tono y sobre todo la ausencia de canciones memorables acaban por lastrar el resultado que ha conseguido un artista del que estoy convencido que vamos a tener grandes cosas en el futuro, aunque por el momento restamos a la espera. Don Disturbios

“Love This Giant” POP

1111

Por muy importante que sea el salto generacional, un disco conjunto entre la portentosa Annie Clark y el veterano David Byrne no deja de tener cierta lógica: ambos atesoran uno de esos talentos difíciles de catalogar y, por alguna razón, resulta fácil imaginarlos discutiendo animadamente sobre literatura post-colonial africana mientras toman el té vestidos más o menos como aparecen en la (retocada) portada del disco. “Love This Giant” es todo lo que cabía esperar de ambos: un disco de pop fascinante por su mesurada extravagancia, con cientos de vientos que, se diría, son más cosa de Byrne que de Clark, aunque es justo al revés, y con canciones que, en el caso de ella, parten justo donde se quedó su anterior “Strange Mercy” (4AD, 11), y en el caso de él siguen la senda de esa eterna juventud en la que parece sumido y confirman un estado de perpetua salud creativa. Con Antibalas y The Dap Kings apareciendo en “The One Who Broke Your Heart”, una de las mejores canciones del álbum, lo que más destaca del disco es la oblicua mirada de ambos sobre lo humano: lo normal en sus canciones es ser extraños. Joan Cabot


vinilos /34/ Octubre 2012 · MondoSonoro

NUEVOS CAMBIOS EN EL UNIVERSO DE HATEM REBECCA GATES & THE CONSORTIUM “The Float” La Castanya

POP

HATEM Foto Jimena Roquero

HOLA A TODO EL MUNDO “Ultraviolet Catastrophe” Mushroom Pillow

POP

1111

En nuestro país, y más concretamente en el terreno de lo independiente donde cualquier cambio de guión se observa con desconfianza, estamos poco acostumbrados a los volantazos bruscos. Una actitud desacomplejada que, por otra parte, hace mucho más divertida e imprevisible la actualidad musical anglosajona. En ese sentido podemos entender el segundo largo de HATEM como una muestra de madurez no ya del grupo, sino de nuestra propia escena musical. En realidad los madrileños siempre han dado muestras de inquietud en el fondo y en la forma, indecisos en la apuesta por el inglés o el castellano y valientes a la

hora de abrazar nuevos envoltorios sonoros. En “Ultraviolet Catastrophe” la siempre peliaguda cuestión idiomática la solventan de un plumazo musicando al apocalíptico poeta norteamericano Roy Tiger Milton y, aunque el peculiar universo lírico de Milton se presta para una relectura musical llena de sombras, HATEM se muestran una vez más incapaces de no poner luz a todo lo que tocan. Dejan atrás el pop campestre con el que los conocimos y se entregan a fondo a su particular renacimiento por la vía del sintetizador. La natural tendencia a la épica del ahora cuarteto podría llevarnos a señalar en dirección de M83 -”Oh Lord Tell Them…”, “They Won’t Let Me Grow”, “I’ll Return Over Gloria”- aunque la falta de presupuesto y otros temas menos expansivos les ponen a jugar en la liga de los Washed Out, Neon Indian y demás representantes de la chill wave, a los que miran cara a cara. Luis J. Menéndez

MAMBO JAMBO

DOWN

LAETITIA SADIER

Buen Ritmo

Independent Label Group/Warner

Drag City/Popstock!

METAL

POP

“IV. Part I: The Purple EP”

“Mambo Jambo” ROCK

1111

Primer disco de una banda nacida como soporte del espectáculo Taboo que, a base de calidad y energía, han acabado adoptando entidad propia. Y no era para menos. Liderados por la figura de Dani Nel-lo, Mambo Jambo es una banda con todas las de la ley. Su incendiario directo hacía imprescindible la aparición de este disco, sobre todo al comprobar, tras la edición de un primer EP, que eran capaces de plasmar en los surcos ese frenesí que convierte sus conciertos en una auténtica bomba de relojería. El sonido jambofónico, nombre elegido para definir su propuesta, reúne lo mejor del rock & roll, el swing, el surf y el rythm & blues de los cincuenta y principios de los sesenta dotándolo de una sorprendente actualidad. Las nueve piezas instrumentales que contiene este debut con títulos tan curiosos como “La maldición de los rockers” o “El timo” son una buena muestra de que la cosa va en serio. No son el último hype de la temporada. Son algo más. Porque sus temas huelen a clásicos desde la primera escucha. Así que ya sabes: jambofonízate. Eduardo Izquierdo

1114

Con el aura de rememorar la falta de presión y factor sorpresa que caracterizó el lanzamiento de “NOLA” en 1995, llega el cuarto disco de estudio de Down, formado por esta primera parte de cuatro EP’s. Si bien ese factor sorpresa es algo ya casi imposible de conseguir (no por parte de Down, sino de la gran mayoría de bandas), y pese a que a la voz de Anselmo le pesan los años y excesos y que Rex Brown ya no está a bordo (sustituido eficazmente por el Crowbar Pat Bruders), sí es cierto que este primer capítulo de “IV” suena fresco y conciso. Sabiéndose una banda de culto, el quinteto se puso manos a la obra y parió uno de sus discos más oscuros, manteniendo el nivel entre la rudeza de “Witchtripper”, la pesadez de “Open Coffins” o la épica de “Misfortune Teller”. Liberados del shock post-Katrina que marcó su anterior trabajo, de 2007, aquí hay misantropía y pesimismo a raudales, la marca de la casa de unos Down que ahora parecen tener a Pepper Keenan a tiempo completo y a un Phil Anselmo que intuimos mucho más cómodo aquí que en los lejanos y turbulentos días de Pantera. Ignacio Pato L.

“Silencio”

1114

Habrá pocas artistas capaces de firmar un tema tan comprometido como “The Rule Of The Game” y rematarlo con tanto encanto como Laetitia Sadier. “The Trip” (10), su primer disco en solitario, fuera de Stereolab -descontando los de su proyecto personal Monade-, supuso algo así como un renacimiento para la cantante de origen francés, quien ha dado a su segundo álbum un cariz más político, con títulos tan elocuentes como “There Is A Price To Pay For Freedom (And It Isn’t Security)” o “Auscultation To The Nation”, pero lo que hace de éste un trabajo precisamente fascinante es que Sadier vaya de lo personal a lo social sin perder el hilo del sofisticado lounge-pop en el que tan bien se maneja, desproveyendo de aspereza el mensaje político, tratándolo con una humanidad desarmante y cercana que también intoxica los temas más sentimentales. Quizás porque para Sadier, señalar lo que va mal en el mundo también es una cuestión sentimental, como delata en “Fragment Pour Le Future de l’Homme”, un tema sobre el vacío de la era moderna –que no puede sonar más moderno-. Joan Cabot

1111

Tras un lapso de más de una década alejada de los escenarios, la cantante Rebecca Gates, una de las grandes mujeres del indie noventero al frente de The Spinanes, reaparece en escena con un trabajo extraño, por sus circunstancias, y maravilloso, por su contenido. Grabado a lo largo de varios años, con un acompañamiento siempre cambiante que incluye a viejos colaboradores como John McEntire –formó parte de la última formación de The Spinanes junto a Sam Prekop-, “The Float” une canciones muy diferentes que, sin embargo, consiguen sonar como un todo compacto gracias a la delicadeza de Gates y a esa peculiar sofisticación suya. De hecho, esa diversidad casi invita al juego de intentar adivinar en qué ciudad fue grabado cada tema, porque “& & &” o “Suite Sails” remiten directamente al avant-pop de la escuela de Chicago (aunque ninguno de los dos fue grabado allí), mientras cortes como “Harlesden To Vals” podría haber nacido perfectamente en Portland (pero se grabó en Montreal) y “Lighter Than We Go” es simplemente una preciosidad nómada. En todo caso, un retorno maravilloso. Joan Cabot

OM

“Advaitic Songs” Drag City/Popstock!

DOOM

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Nada hay de relleno en el mundo musical de Al Cisneros y Emil Amos, ni nada que no merezca ser escuchado y disfrutado con detenimiento. “Advaitic Songs” rezuma espiritualidad desde la letanía “Addis”, que tiene suficiente con cinco minutos para hipnotizarte hasta su verdadero corpus, abierto con el fuego sanador del bajo de Cisneros en “State Of Non-Return”, acabando con los violines y chelos que preceden a la (nueva) oscuridad de “Gethsemane”, que cuenta con la ayuda de la tambura de Robert A.A. Lowe. Para “Sinai” ya estás en trance completo. De nuevo la voz de Cisneros invita a cerrar los ojos para ceder protagonismo sutilmente a la batería de Amos. Ni te has dado cuenta cuando han pasado diez minutos, y, en otros diez, se cierra esta obra con “Haqq al-Yaqin”, puro doom del siglo X. “Advaitic Songs” es mucho más que un disco, la demostración de que otra música es más que posible lejos de la bulimia que impide disfrutar de un disco de principio a fin, una vuelta a los tiempos en los que aún no imperaba esta velocidad absurda. Un disco para uno mismo, de esos que no puedes escuchar solamente para alardear ante nadie. Ignacio Pato L.

MUYAYO RIF “P’Alante!” Kasba

MESTIZAJE

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Pensamiento crítico envuelto en escritura positiva; conciencia social e ironía utópica; una base de reggae, algo de ska y –no nos olvidemos- de la fuerza del punk. Si le aña-

dimos una ocasional base electrónica, algo de lo que hoy en día se entiende como sonidos latinos y una presencia estimulante de “tumbaos” varios, tendremos entre manos la indiscutible vuelta de Muyayo Rif en forma de disco. Una obra que funciona como terapia contra la que está cayendo y como superación de la pérdida del saxofonista del grupo. Como buena banda de la factoría Kasba, no dejan ni un género sin presencia en su espectro musical, ni títere con cabeza: “I ens venen” está dedicada a los diputados, “Crisis” es un grito a movilizarse, “Sueno sin dueño” va para los saqueadores del Palau de la Música de Barcelona o “Information” para los voceros de la opinión pública. Pero también nos encontraremos con “Sigo mi camino”, “Libre”, “Mírala” y “Pal mundo quiero” en las que siguen hablando sobre sueños, libertades y esperanza. En contra de crear un caos con tantos elementos, Muyayo Rif mantienen un discurso lógico y consecuente desde el minuto cero. Pura energía y una vuelta de tuerca a una realidad que solo les lleva a continuar p’alante. Iván Ferrer

EDWIN MOSES

“Cabrini Green” Siesta

SOUL

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Reivindicar la figura de uno de los más bellos perdedores de la historia del soul, ese es el arduo cometido al que se entregaron Pedro Vigil (Penélope Trip) y Pablo Errea (Guinea Pig) en 1999. Fascinante y misterioso, Edwin Moses, el soulman anónimo cuyo legado estuvo a punto de desaparecer, vuelve a estar de actualidad en “Cabrini Green”, el cuarto disco de la banda que toma su nombre. Soul, funk o góspel son algunos de los estilos que se entremezclan en once temas que recuerdan días mejores, aquellos en los que vivía su apogeo el Motown Sound. Revestidos con un pop elegante y delicado, invitan al oyente a dejarse mecer por sus cuidados arreglos instrumentales y la sugerente voz de Errea. Sin grandes himnos que acaparen la atención, este álbum funciona como un todo. Desde el contundente arranque con “Lonesome Rain” hasta el final coral de “Black Pride”, pasando por la conmovedora “Mary Don’t You Weep”. El pasado pudo ser glorioso, pero “Cabrini Green” nos susurra al oído que todo lo aprendido entonces no fue en vano. Alberto Peñalba

DUOT

“Cactus” Repetidor

JAZZ

1114

Intenso, conciso, cortante. Tres de algunos de los muchos adjetivos con los que se podrían calificar a este “Cactus”, segundo álbum del dúo de Barcelona, que recoge el testigo de figuras del free jazz como Ornette Coleman, Meter Brötzmann o Ken Vandermark, conformado por las desbordantes y quejumbrosas notas salidas del saxofón de Albert Cirera y las muy bien cumplimentadas disquisiciones de la batería de Ramon Prats. Un álbum abstracto y lleno de complejidades, aunque en el fondo planteado y entendido desde una sencillez espartana que irremediablemente desemboca en una seductora claridad de formas. Y es que la fuerza de este disco radica en su gusto por deslizarse entre intensidades, ya sea por lo trepidante de un recorrido tan pronto caótico como capaz de deambular por pasajes áridos. Cuatro espléndidos temas en loor de la improvisación que consolidan un trayecto que avanza lento, pero seguro, especialmente disfrutable para aquellos con afinidad para los recorridos largos y poco predecibles. Francesc Feliu


MondoSonoro · Octubre 2012 /35/

top10

vinilos

CHACHO BRODAS, RESPETA SU MANDANGA

internacional

DIRTY PROJECTORS “Swing Lo Magellan” Domino/Pias

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

SWANS

“The Seer” Young God

THE XX “Coexist”

XL/Popstock!

THE VACCINES “Come Of Age” Sony Music

MUSE

“The 2nd Law” Warner

TWO DOOR CINEMA CLUB “Beacon” Kitsuné/Music As Usual

DIRTY PROJECTORS “Swing Lo Magellan” Domino/Pias

DAVID BYRNE & ST. VINCENT “Love This Giant” 4AD/Popstock!

DINOSAUR JR. “I Bet On Sky” Pias

ARIEL PINK’S HAUNTED GRAFITI “Mature Themes” 4AD/Popstock!

REBECCA GATES & THE CONSORTIUM “The Float” La Castanya

top10

11114

Dirty Projectors son ese zas en toda la boca de quienes insisten en que el pop contemporáneo se parece al quirófano del doctor Frankenstein, una sala de reanimación de cadáveres con mecanismos de cadena de montajes. Quien mejor ha explicado lo que representa hoy la banda Brooklyn fue Ed Droste de Grizzly Bear, cuando después de declararse fan fatal comentó que era “incapaz describir su música. Y eso precisamente es lo que los hace especiales”. Podríamos proponer desde aquí una lista de sonidos, bandas y estilos que se pueden rastrear en “Swing Lo Magellan”, completar este folio en blanco y, a pesar de ello, nos quedaríamos muy cortos. Si acaso las claves para acercarnos a la continuación del aclamado “Bitte Orca” deberían ser mucho más simples, más modestas. Propulsado como no podía ser de otra forma por los juegos vocales entre el compositor, David Longstreth, y las dos chicas de la banda, su sexto disco desnuda y simplifica la propuesta de aquel. Tal vez porque, como explicaba Nat Baldwin en una entrevista reciente, tras escribir sesenta canciones Longstreth decidió finalmente tirar por el camino de en medio y quedarse con las más frescas, las más recientes. Durante buena parte del disco temas que se retuercen sobre sí mismos como meandros, se aferran a bases rítmicas simples, casi primitivas, que los empujan hacia el soul contemporáneo. Acercamiento similar al que The XX practican con respecto al dubstep, condicionado en este caso por la tradición WASP y las formas manieristas del quinteto neoyorquino. Luis J. Menéndez

nacional

Chacho Brodas Foto Archivo

CHACHO BRODAS “Prozak” Del Palo

RAP

1111

Asegura Griffi –en breve entrevista en su querido MondoSonoro- que “Prozak” es el “Todo el mundo lo sabe” de Chacho Brodas. Quizás sea apuntar demasiado alto, pero no cabe duda de que en este tercer asalto hay mucho de consolidación. Cuando el productor de Terrassa creó su pequeño monstruo tenía algo así en mente: un colectivo siempre cambiante (entran Kunta K y Anqui, siguen por ahí casi todos los que ya estaban) y con suficiente juego como para abordar cualquier bar-

baridad que se le pasara por la cabeza, y hay mucho de todo en este álbum, en el que cada beat es gordo e hiperbólico y cada rima una celebración de sí misma. Trufado de trallazos de los que hacen historia (“Respeta mi mandanga”, “Mainstream”…) y compitiendo cara a cara por momentos con los guarreos de Diplo en Major Lazer, “Prozak” no será un clásico imperecedero como lo fue el último de Sólo Los Solo –o no lo creo, vaya, aunque podría ser-, pero desde luego es el tipo de álbum que sólo podía hacer Griffi, un tipo que vive con el calendario adelantado un par de años respecto a cualquier otro productor patrio y que se siente tan cómodo en su papel de líder del clan que incluso se atreve con el micro en un par de temas. Joan Cabot

SADE

“Bring Me Home/Live 2011” Sony Music

SOUL

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

CHACHO BRODAS “Prozak”

Del Palo/Warner

TOUNDRA “III”

Aloud Music

HOLA A TODO EL MUNDO “Ultraviolet

Catastrophe” Mushroom Pillow

ANTÒNIA FONT

“Vostè és aquí” Robot Innocent Companyia Discogràfica

THE NEW RAEMON “Tinieblas, por fin” Marxophone

ALIMENT “Holy Slap” La Castanya

EXTRAPERLO

“Delirio específico” Canadá

THE RIPPERS “Fire Tractaät” B-Core

MAMBO JAMBO “Mambo Jambo” Buen Ritmo

STAY

“The Fourth Dimension” Subterfuge

111

Cuando hace dos años Sade Adu regresó a la palestra con “Soldier Of Love”, poniendo fin al ostracismo discográfico de toda una década, el escepticismo inicial se despejó rápidamente cuando apareció el tema que daba título a su disco de regreso y que hizo que éste alcanzara de nuevo el número uno en más de medio mundo (incluido nuestro país). La gira que siguió al lanzamiento consolidó el éxito, llevándola a llenar grandes pabellones en multitud de países. Todo ello con el mérito adicional de una artista que siempre se mostró reticente a actuar en directo, que nunca se mostró solícita con las cesiones artísticas que requiere el triunfo comercial y cuya música parece creada para ser ensalzada en pequeños auditorios y no para entretener estadios. Y eso es precisamente lo que primero que choca al enfrentarnos a este directo que rememora su gira del pasado año. Su voz aterciopelada y la elegante banda con la que la arropa suenan algo descontextualizadas en recintos deportivos o multiusos para veinte mil personas. Pese a ello, la veterana artista se concentra en la fuerza intrínseca de su cancionero y se gana las grandes audiencias gracias a un repertorio impecable donde se juntan los mejores temas de su álbum de regreso –“Soldier Of Love”, “Bring Me Home”, “Skin”- con sus grandes hitos históricos –“Smooth Operator”, “Your Love Is King”, “Love Is Stronger Than Pride” o “Paradise”. Robert Aniento

SCHOOL OF SEVEN BELLS

SUN KIL MOON

REVEREND & THE MAKERS

Ghostly/Popstock!

Caldo Verde

Cooking Vinyl/Pias

“Ghostory” POP

114

Ahora que tan de moda están las canciones con ese punto susurrado sobre bases electrónicas de reminiscencia ochentera y bandas como College o Chromatics están en boca de todos, parece haber llegado el momento de School Of Seven Bells, pero no apunta en esa dirección. Y no será porque el disco no lo merezca, con temas sensualmente bailables como “The Night” o “Love Play”. “Ghostory” narra la historia de una chica llamada Lafaye y los fantasmas que la rodean. Personas que nos dejan, pero cuya sombra se proyecta sobre nuestras vidas. Como pasa en SVIIB (así se acorta el nombre del grupo), ya que hace un tiempo, Claudia Deheza dejó el grupo y su hermana Alejandra pasó a ser la principal voz. El tercer disco del grupo sigue el camino de “Disconnect From Desire”, aunque menos trepidante y decantado por el dream pop más oscuro, cargado de letras inquietantes. El resultado son nueve canciones de fácil absorción, con un inicio prometedor que diluye su nivel a medida que avanza. Seguramente no será el disco de tu vida, pero a nadie le amarga un dulce. Marta Terrasa

“@Reverend_Makers”

“Among The Leaves” FOLK

1114

Conocida ya su faceta tanto dentro de Red House Painters como en sus otros dos proyectos paralelos, uno homónimo y otro con Sun Kil Moon, Mark Kozelek ha dado muestras de una fértil creatividad, así como de una sensibilidad en la que ha sabido dotar de una personalidad muy marcada todas y cada una de sus canciones. En “Among The Leaves” vamos a poder disfrutar no sólo de eso, sino de unas cuantas composiciones excelentes, en su mayoría compuestas de manera espartana con guitarra y voz (sin perjuicio de los adornos puntuales de una viola y una batería), así como de unas letras esta vez envueltas en un carácter mucho más espontáneo que explican de manera tragicómica sus sensaciones, apegos y vivencias como músico. Un sexto disco dispuesto en la línea de siempre: melancólico, calmado, arropado por su voz sedosa y siempre dotado de ese carácter apacible -y que además se acompaña por otro con versiones alternativas y tomas en directo-, que deja para el recuerdo unas cuantas canciones que seguro van a formar parte imprescindible de su repertorio de siempre. Francesc Feliu

POP

111

Tras tres años de hiato y apartando también su proyecto paralelo Mongrel, Reverend & The Makers vuelven con nueva máscara para intentar salir del segundo plano y la infravaloración en las que siempre han vivido, en parte por ser amigos/vecinos en Sheffield de Arctic Monkeys. Decía nueva máscara porque para su tercer capítulo discográfico, ‘El Reverendo’ Jon McClure y sus secuaces se despojan casi por completo de sus guitarras para dar paso a un álbum dirigido a las discotecas y al alboroto rave. Con “Bassline” como punta de lanza y emblema de este bizarramente titulado “@Reverend_Makers”, lo cierto es que la búsqueda continua del single inmediato desluce un trabajo que habría ganado varios enteros con dos o tres cambios de patrón, flirteos con el dubstep aparte (“Depth Charge”). De todos modos, un disco entretenido y de escucha ligera que se complementa con un “@BonusDisk” en el que, colaboraciones de Roots Manuva, Carl Barat o Richard Hawley mediante, no permiten un segundo de respiro y se antoja casi más efectivo en su intención que el principal. Marco Lobera Fatás


vinilos /36/ Octubre 2012 · MondoSonoro

TWO DOOR CINEMA CLUB, LOS CHICOS DE AHORA SMOKING STONES

“50 años de satisfacción” Mitik/Pop up Música

ROCK

Two Door Cinema Club Foto Bella Howard

TWO DOOR CINEMA CLUB “Beacon”

Kitsuné/Music As Usual

POP

1111

Cuando, hace dos años, se publicó el primer larga duración de Two Door Cinema Club, “Tourist History”, no hubo demasiado revuelo. A los pocos meses, estos tres jovencitos de Irlanda del Norte contaban ya con una amplísima legión de fans. Quienes no les prestaron atención se quedaron algo desorientados, incapaces de asimilar que, en ocasiones, es realmente la gente la que hace grandes a algunos grupos. Pero claro, los segundos discos nunca fueron fáciles. Con “Beacon”, producido por Jacknife Lee, Alex Trimble y sus dos compañeros han tomado la opción más lógica: dotar a su pop saltarín de chispas de madurez. Lo que ocurre es que las señas de identidad de su sonido son tan claras (la particular voz de Trimble, esas notas sueltas de guitarra aquí, esa suerte de infinite guitar allí, el espí-

ritu bailable) que, pese a ello, la sensación de que se están haciendo mayores no marca tanto la escucha como podría parecer. Es cierto que los hits quizás no son tan hits. Hay más equilibrio en el conjunto, incluso entre la cara más bailable y la más calmada, lo cual es bueno y malo a un tiempo (la sensación de que todo suena parecido), pero el balance final es positivo. “Beacon” es la confirmación de que el trío irlandés tiene personalidad, de que mientras publiquen canciones como “Sleep Alone” o “Next Year” va a haber gente como nosotros que brinque en sus conciertos y escuche sus discos. Y claro, también es la enésima demostración del oltato que tienen los responsables de Kitsuné, pero esa es ya otra historia. Al tercer disco de Two Door Cinema Club le tendremos que pedir muchas más cosas, las que aquí echamos a faltar y que serán necesarias en un futuro cercano para evitar la sensación de agotamiento, pero aquí y ahora “Beacon” es un segundo disco con la frescura suficiente para continuar manteniendo a sus fans. Y si muchos lo somos, por algo será. Joan S. Luna

RUSH

BOB DYLAN

STAY

Anthem/Roadrunner

Columbia

Subterfuge

“Clockwork Angels” ROCK

“Tempest” 1114

Un nuevo álbum de Rush siempre es motivo de alegría por parte de los buenos aficionados al rock. Y lo es porque no resulta nada fácil encontrar a una banda en la sesentena que siga manteniéndose en tan buena forma. Por mucho que estemos delante de un álbum conceptual, en el sentido de que sigue una historia, en realidad “Clockwork Angels” no difiere de cualquier otro de sus trabajos de los últimos treinta años. Temas perfectamente independientes unos de otros, en esta ocasión algo más rockeros, pero en definitiva puro Rush en esencia. Ya el apabullante inicio con “Caravan”, “BU2B” y “Clockwork Angels” no puede más que empujarte a devorar esta obra hasta el último segundo. Menudos tres temazos. El resto del álbum no es tan impactante pero sigue en muy buena línea, lógicamente sin llegar a los niveles del glorioso periodo 73-84, pero tal vez algo por encima de su anterior “Snakes & Arrows” y situándose como uno de sus mejores logros en bastantes años. En definitiva otro paso adelante de uno de los tríos más grandes de la historia del rock, que dejará más que satisfechos a sus incondicionales. Ferran Lizana

FOLK

“The Fourth Dimension” 1111

“Tempest” tiene lo mejor del Bob Dylan que se conoce en este siglo. Sin exagerar. Este álbum tira más hacia el folk, mientras que anteriores se familiarizaban más con el fango de la ampulosa electricidad. No obstante, hay algo de eso en este disco, como en “Narrow Way”, pero la mayoría de los temas se componen de patrones cadenciosos muy sutiles que lindan con el folk y hasta con pequeños detalles del rock and roll old school y el country, como en “Soon After Midnight”, atesorando un pedal-steel precioso o la ironía y el “ego” como andamiaje de “Long And Wasted Years”. La propia canción que da nombre a este artefacto se desarrolla durante quince minutos en los que manda la lírica de Dylan cantando desde la perspectiva del iceberg. Con cuentagotas, algunas de las secciones de “Tempest” que aparecieron días atrás (como “Early Roman Kings”, “Scarlet Town” y el single “Duquesne Whistle”) podían llevar la cabeza a algo más cercano al blues, pero no es así una vez escuchado todo en su conjunto cuando “Roll On John” le pone el broche final haciendo de la obra de Dylan una materia de obligada enseñanza en los colegios. Charly Hernández

POP

1114

A finales de 2011 los chicos de Stay, cogían una furgoneta y se marchaban a Liverpool. ¿El objetivo? Grabar un disco. ¿El resultado? “The Fourth Dimension”, un trabajo orgánico y vivencial, que ha marcado un punto y aparte en la concepción de las canciones de estos catalanes. Los diez temas del álbum, que se distribuyen en dos caras, han sido grabados en una o dos tomas, una técnica que Stay ya desarrolló en tiempos de su Ep “Kashmir Reflection” (08), y cuyos resultados no restan mérito a la producción analógica del conjunto, en la que destacan sitares, guitarras de doce cuerdas y viscerales órganos. El lado más experimental, ese que la banda lleva investigando desde su formación hace ya una década, lo marca la ácida “I Don’t See Myself”, que cierra el disco. Pero la cuna del brit pop, que tan presente sigue estando en sus canciones (aunque revisado y adulterado con dosis, no pequeñas, de psicodelia) no es el único destino de este viaje. Cambiando la furgoneta por una máquina del tiempo, los músicos se han dirigido hacia épocas en las que los popes del folk dominaban el mundo. María Martín-Consuegra

1114

La considerada por muchos mejor banda de tributo a The Rolling Stones a nivel mundial se anticipa a Jagger, Richards y compañía al celebrar el cincuenta aniversario de la formación inglesa incluso antes que sus majestades satánicas. Encerrado en el estudio de Aurelio Morata, el sexteto catalán grabó en directo un puñado de temas stonianos, más uno propio -con el citado Aurelio a los controles- e invitó a algunos amigos ilustres para redondear el trabajo. Así, las versiones incluidas en este disco de cumpleaños van desde un afilado “Happy” cantado por Carlos Tarque, o un “Time Is On My Side” convertido al castellano por Jaime Urrutia, hasta un “Melody” en el que se luce Dani Nel·lo o un vibrante “Starfuck” rebautizado vía Johnny Burning como “Follastar”. También se unen a la fiesta Mónica Green, Leiva, Carlos Segarra, Gaby Alegret, Coque Malla, Gerard Quintana, Ariel Rot, Marc Ros y Big Dany Pérez, facturando entre todos dieciocho cortes de impecable ejecución. Originales sólo hay unos, por supuesto, pero entre quienes les honran, estos otros Stones son los que más satisfacción nos proporcionan. Xavier Llop

BAND OF HORSES

“Mirage Rock” Sony Music

AMERICANA

111

No quiero ser demasiado duro con el cuarto trabajo de Band Of Horses, porque en el fondo me parece un buen disco. El problema reside en que a estos Band Of Horses ya no los reconoce ni la madre que los parió si los comparamos con la banda que dio a luz sus dos primeros maravillosos trabajos. Lo que entonces era un grupo de pop-rock alternativo fantasmagórico, etéreo, dotado de una estruendosa personalidad, en parte responsabilidad del por entonces inseparable Phil Ek (Built To Spill, Modest Mouse, The Shins...) a los controles , ha acabado convirtiéndose en una banda más de americana en el sentido más clásico (“How To Live”). Han ganado en entereza instrumental, pero han perdido todo su encanto en la crisálida de un nuevo rumbo que los estandariza tanto que resulta mucho más fácil jugar a las comparaciones. “Dumpster World ” suena a CS&N, “Slow Cruel Hands Of Time” la podría haber firmado Gary Louris, “A Little Biblical” encajaría en el cancionero de Fountains Of Wayne... y podría seguir con un juego que era impensable en el pasado, porque lo que antes sonaba a original ahora suena a descarado ejercicio de llegar a un público más amplio. Lástima. Don Disturbios

DINOSAUR JR.

“I Bet On Sky” Pias

ROCK

1111

Hay algo extraordinario en la resurrección del trío de Amherst. Joe Mascis, Lou Barlow y Murph han encadenado tres discos demoledores pasados los cuarenta y cinco. No es sólo que la banda suene más compenetrada y potente, algo previsible si tenemos en cuenta su currículum: lo milagroso es que las

canciones sean tan buenas. Como sucedió en sus dos trabajos, sobre todo “Farm” el estado de gracia de Dinosaur Jr. se plasma en canciones pletóricas de majestuosa electricidad y melodías inspiradas, en las que las guitarras volcánicas de Mascis, su voz lánguida y el músculo de los bajos de Barlow y las baterías de Murph son un todo indivisible. Es cierto que “I Bet On Sky” tiene un punto más lúdico y pop, además de las habituales dos joyitas de Barlow, pero que nadie tema nada: los acordes rasgados de “Don’t Pretend You Didn’t Know”, el glorioso solo de “Watch The Corners”, la brillante acústica y el ritmo de “Almost Fare”, la ferocidad de “Pierce The Morning Rain”, el épico cierre de “See It On Your Side”: todo nos lleva a un territorio gozosamente familiar. Unos clásicos desde la honestidad en estado puro que tan rara se está haciendo y que, por lo tanto, tiene más valor. José Carlos Peña

ANYWHERE

“Anywhere”

ATP Recordings/Music As Usual

PROGRESIVO

1114

Proyecto vertebrado entre tres mentes preclaras del progresivo y la vanguardia de los últimos treinta años empezando por Mike Watt (conocido especialmente por sus años en Minutemen y fIREHOSE, aunque sea ya acompañante perenne de Iggy Pop), siguiendo por Christian Eric Beaulieu (Triclops!) y acabando por Cedric Bixler-Zavala (At The Drive-In y The Mars Volta). El sonido es mucho más orgánico que la parafernalia y el artificio a los que nos tiene acostumbrados este último junto a Omar Rodríguez López, pero los referentes son sin duda el progresivo, el hard rock y el folk rock setentero, a lo que remite sin duda la portada retro del disco. No obstante, la producción suena inevitablemente moderna, pese a que el contenido del disco es muy espiritual: las guitarras acústicas dominantes se empeñan en imitar el sonido raga indio. Empieza con un guiño al math rock de Battles -quizás hasta en el título, “Pyramid Mirrors”- y poco a poco se va adentrado en un corpus de misticismo y orientalismo a ratos excitante y a ratos sin mucho sentido (con “Rosa Rugosa” y “Shamen Mantra” como representantes de uno y otro polo). Un loable intento de acercarnos a una suerte de trance, pero sin llegar a conseguirlo del todo. Alexandro Ruiz Pérez

KIEV CUANDO NIEVA “Parece doble” En Vez de Nada

POP

1114

La banda oscense protagonizó el año pasado uno de los momentazos del Periferias, ese festival temático y plural que en 2011 se dedicó a los ‘outsiders’, esto es, el arte hecho por adorables enfermos mentales, más o menos diagnosticados. Los muchachos jugaban en casa y se aliaron con el realizador Orencio Boix para extender la grabación del directo a un addendum audiovisual. El resultado son once temas en vinilo, con DVD y mediometraje completando el paquete regalo. Los homenajeados son Daniel Johnston, Nick Drake, The Beach Boys, Big Star, The Red Krayola, The Residents, Ramones, Syd Barrett, Jonathan Richman, They Might Be Giants e Ivor Cutler. Letras en español: es una adaptación en toda la regla, ejecutada con mimo y en la que no chirría el punto de frescura que se le presupone a un directo. Por si fuera poco, hay trasfondo filosófico: la obra abunda en el ‘parecido familiar’ que evocara Wittgenstein con momentos verdaderamente brillantes (“If I’s In You” de Barret, “Step Out Lively, Boys” de Cutler o “Walking The Cow” de Daniel Johnston). Pablo Ferrer


MondoSonoro · Octubre 2012 /37/

SPACEGHOSTPURRP “Mysterious Phonk” 4AD/Popstock!

RAP

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Sin duda uno de los debuts comerciales más esperados del año en esa nueva constelación del rap underground que se desenvuelve en Internet –y que la mayoría de veces tiene que ver más con las tendencias blancas que con la realidad negra a pie de calle-, “Mysterious Phonk” supone de entrada una pequeña decepción: excepto dos cortes, el resto de canciones del primer álbum de SpaceGhostPurrp habían aparecido con anterioridad en alguna de sus mixtapes, con un sonido más tosco y sucio. El aura mística de SpaceGhostPurrp, en cualquier caso, sigue intacta. El jovencísimo MC de Florida se suma a los A$AP Rocky, Tyler, MainAttrakionz y demás criaturas surgidas en este nuevo ecosistema con un sólido trabajo de pitch lento y pesado, ambientes etéreos sobrevolados siempre por una constante sensación de amenaza y un flow grave y firme. Un nuevo hardcore rap se abre paso y temas como “Bringing The Fonk” hacen de “Mysterious Phonk” parte de su evangelio. Y aunque es poco probable que SpaceGhostPurrp alcance la popularidad de otros compañeros de generación –su música es quizás demasiado enfermiza y oscura-, no cabe duda de que estamos ante uno de los artistas negros más interesantes del momento. Joan Cabot

O SISTER!

“Shout, Sister!” Discóbolo

SWING

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Alegría, diversión y sonidos retro son los parámetros alrededor de los que gira la apuesta de esta banda afincada en Sevilla que practica un swing de una calidad sorprendente por estos lares. Éste es su segundo trabajo tras “Crazy People”, que editaron en 2009 y que ya los convirtió en una de las sorpresas de aquella temporada. Tres años han pasado que han servido para que afianzaran un estilo, para que crecieran como músicos y para que sus canciones ganaran en consistencia y, cómo no, en credibilidad. Por si eso fuera poco han tenido el detalle de dedicar esta segunda entrega a la mujer, porque tras las canciones de “Shout, Sister!” se esconde un claro componente de tributo a todas aquellas féminas que, tras la Gran Depresión, usaban la música swing como medio para olvidar sus penurias. The Boswell Sisters estarían orgullosas de ellos. Eduardo Izquierdo

rencias a Warp, Rephlex, Kompakt y, por qué no, Factor City; a artistas como Aphex Twin y Tangerine Dream, pero también a Mike Oldfield, Asia y Yes. Aquí hay muchos setentas y noventas. Todos los temas -aún cada uno de su padre y de su madre- parecen tener las mismas tripas: es como si se hubieran construido todos los temas con los idénticos sonidos y ni uno más. “Nodo Rmo” es una obra maestra tech-dub; “1976” suena a pop sintético hecho con pocos medios y máximo resultado; “L’inter Na” es electrónica retro y sucia, como hecha con máquinas primarias y poco salubres, algo cercano al krautrock; en “Observatorio de Stars” y en “Nodo 6” hay un claro tributo al sonido de pioneros de la electrónica seminal. Un incunable industrialoide, pero sensible, cocinado a fuego lento durante diez años, que al fin sirve para ubicar a Sistema en el lugar que merece… tan próximo al sol que se quema. Fernando Fuentes

“Possible Sounds Of Möbius” Natura Sonoris

ELECTRÓNICA

1111

La apuesta sonora de Sistema siempre ha tenido un halo de profunda seriedad, experimentalismo a raudales, una oscuridad muy medida, mucho de abstracción y cierto malditismo. Romanticismo maquinal, techno inteligente (muy elaborado y fundamentado con muchas horas de trabajo) y un aire como tristón y misterioso. En este “Possible Sounds Of Möbius”, publicado en el label de Henry Saiz, presenta el imaginario sonoro de Sistema en estado puro. Constantes refe-

ANTÒNIA FONT, MÚSICOS GALÁCTICOS

VV. AA.

“¡Saoco!” Vampisoul/Munster

WORLD MUSIC

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De origen afroantillano, la palabra “saoco” vendría a significar algo parecido a mojo, groove, swing y conceptos similares, es decir el verdadero espíritu de la música que nos hace sentirnos vivos. Y pueden ustedes estar seguros de que este nuevo doble recopilatorio editado por la siempre fantástica etiqueta Vampisoul es pura vida, una vida que ahora parece muy lejana, pero que anticipo mucho de lo que vendría a continuación. Estamos hablando de los años cincuenta y sesenta, de Puerto Rico, de géneros que anticiparon la salsa a base de ritmo africano y vacileo antillano, la antesala de la salsa y el boogaloo, de Rafael Cortijo, Ismael Rivera, Mon Rivera y muchos otros. Quizás musicalmente les cueste si no comulgan con los ritmos latinos, pero el principal valor de “¡Saoco!” es, una vez más, documental: una selección fantástica de treinta cortes espigados desde 1954 a 1966, géneros tropicales como la bomba y la plena, pedazos de historia que deben escucharse mientras leemos –obligatoriamente- el fantástico libreto firmado por el especialista Yannis Ruel o canciones tan adictivas como “El charlatán” (Orquesta Panamericana) o ese “Karakatis Ki” de Mon Rivera y su Orquesta que, hace décadas, llegó a gozar de cierto éxito en nuestro país. Ernesto Bruno

Julia Holter Foto Rick Bahto

ANTÒNIA FONT “Vostè és aquí”

Robot Innocent Companyia Discogràfica

POP

1112

¿Los The Flaming Lips patrios? ¿Los Calamaro de Ses Illes? Ambas cosas podrían ser aplicables ahora a la banda mallorquina, tanto por la marcianada de editar la riada de temas que forman “Vostè és aquí” como por lo de contracorriente que tiene publicar cuarenta canciones teniendo en cuenta los patrones de consumo actuales, tan solo año y medio después del aclamado “Lamparetes”. Incluso le viene a uno a la memoria, salvando las distancias de géneros y épocas, aquel “Autobiografía” de Duncan Dhu. Afirmaron los vascos por entonces que su propósito no había sido otro que desnudar las melodías de las canciones, buscar la esencia de cada tema. No parece alejado

GAGGLE

“From The Mouth Of The Cave” Transgressive

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“How can I tell if my man’s a liar? / Tie his legs together, throw him in the river, inject him with a serum, put the fear of God in him”… Si existiera una banda sonora para una revolución feminista, consistiera esta en lo que consistiera, parte de ella la pondría este conjunto de veinte coristas femeninas al tiempo de la grabación (su número va variando) que firman con su primer álbum una obra de pop experimental digna de ser escuchada con atención. “From The Mouth Of The Cave” es un disco altamente vitalista que pasa desde el R&B contemporáneo y el hip-hop a las influencias de Peter Gabriel o el drum‘n’bass haciendo uso predominante de voz y percusión acompañados por teclados y arreglos orquestales. Gaggle parece seguir la estela de conjuntos enteramente formados por mujeres como The Slits con mensaje altamente político y revolucionario, y tiene momentos de gran brillantez –“Army Of Birds”, “Crows” -, aunque el último tercio llega a cansar más de la cuenta. Un soplo de aire fresco. Alexandro Ruiz Pérez

de las intenciones que habrán tenido Antònia Font: cuarenta temas cuya media de duración no sobrepasa el minuto y medio. Dentro abundan las perlas –aquí concentradasde costumbrismo mágico al que nos tienen habituados (“Per jo i tots es ciclistes”, “N’Angelina”…), pero también hay espacio para derivas instrumentales (“Vostè és aquí”, “Fanfàrria”, “Los devoró la selva”…) y ejercicios más experimentales, cambios de idioma incluidos (“Nous Patrons Pour la France”, “Leyenda negra”…). No es la primera vez que Antònia Font sorprenden en sus decisiones. Ya lo hicieron tras “Alegria” editando “Taxi”, un ambicioso álbum conceptual; ahora vuelven a provocar arqueos de cejas con un nuevo movimiento arriesgado y seguro que para muchos innecesario, pero que vuelve a reivindicarles no solo como una de las bandas con mejor discurso y emotividad musical de nuestro país, también como una de las más creativas, incómodas e incisivas. Robert Aniento

SEAN ROWE

US RAILS

BATIDA

Anti/Pias

Blue Rose

Soundway Records/Music As Usual

“The Salesman And The Shark”

POP

SISTEMA

vinilos

ROCK

1114

Hace un par de años Sean Rowe ya nos dejó un buen sabor de boca con “Magic”, su primer álbum para Anti, y lo hizo sobre todo gracias a la que es su principal baza: una voz de barítono, profunda y bella a la que sabe sacar máximo rendimiento. A ello cabe añadirle como novedad que en su segundo trabajo se muestra menos arisco y parco en los arreglos, y se ha esforzado por dotar a su propuesta de un mayor lujo de detalles en la instrumentación que ensalzan y arropan mejor a su voz y al percutir de las cuerdas de nylon de su acústica. Y así, como el que no quiere la cosa, ha tejido doce canciones de estructura y sonido muy clásico, sin aspavientos ni riesgos innecesarios, moviéndose con la elegancia de un tiburón en la búsqueda de la emoción basada en el tempo lento. Por eso en “Flying” te recordará al Johnny Cash de la última época, mientras que en “The Lonely Maze” será Leonard Cohen quien te venga a la cabeza, cuando no Mark Lanegan en temas como “Long Way Home”. Aunque si me pides mi favorita, escucha lo bien que le sienta la más trotona del lote “Downwind”. ¿Te recuerda a Chris Isaak? A mí también. Don Disturbios

“Batida”

“Southern Canon” AMERICANA

114

En esto del arte de juntar notas e interpretarlas cabe diferenciar a los artistas de los artesanos. Los primeros intentan imprimirle a su música un hecho diferencial, un sello de autor, que le otorgue un carácter propio, aunque a veces solo consigan rechazo o incomprensión. Los artesanos, sin embargo, no aspiran a eso. Lo que quieren es hacer bien su trabajo sin salirse demasiado de un patrón mil veces ejecutado y por tanto asimilado hasta el tuétano como propio. U.S. Rails son unos artesanos del rock americano. Los típicos segundones curtidos en mil batallas que han aprendido su oficio y son capaces de hacerte disfrutar como pocos con sus tonadas que resultan tan inocuas como eficaces. Una de esas bandas de veteranos que tocan con los ojos cerrados y te hacen pasar un rato delicioso rememorando un estilo que tiene en Dylan, Parsons y Clark algo así como la santísima trinidad. Por fortuna aquí no hay ínfulas y, siendo plenamente consciente de lo que son, se marcan un disco variado (cambio de compositor, cambio de voces) que de tan inofensivo resulta la mar de entrañable. Don Disturbios

WORLD MUSIC

111

Batida nació como un programa de radio en Luanda (Angola) allá por 2007, que aunaba música tradicional africana con nuevos ritmos electrónicos como el kuduro, el kwaito o la samba electrónica. Con el tiempo se ha convertido en un proyecto multidisciplinar en el que músicos angoleños y portugueses como DJ Mpula o Ikonoklasta, han aunado fuerzas con productores como Beat Laden, artistas audiovisuales (Catarina Limâo) y grupos de danza (Batoto Yetu), creando un movimiento centrado también en temas políticos y sociales. En 2009 publicaron el disco “Dance Mwangolé” que revolucionó la música eletrónica africana y fue un éxito en Portugal. “Batida” recopila siete temas que ya aparecían en su predecesor y sólo contiene tres temas nuevos, siendo el único destacado “Ka Heueh” (tema de dance oscuro e intenso interpretado por Ngongo). Pese a esto, un disco que incluye el frenético trallazo “Bazuka (Quem me rusgou?)”, la festiva “Puxa” (heredera de Mano Negra) y la demoledora “Tribalismo”, merece un reconocimiento, y seguro que acabará provocando que bailen como posesos. David Lorenzo


vinilos /38/ Octubre 2012 · MondoSonoro

ALIMENT, poguea hasta sangrar GOAT

“World Music” Rocket Recordings

ROCK

Aliment Foto Archivo

ALIMENT “Holy Slap” La Castanya

ROCK

1111

Nunca me han dado una buena paliza, pero doy por hecho que recibir una debe ser algo parecido a esto, que se pierde la noción del tiempo y que, cuando termina, levantas la vista con ambos ojos morados, las costillas castigadas y un par de dientes menos, y te preguntas qué ha pasado y cuánto ha durado sin saberlo muy bien. Así que enmiendo el título del debut de Aliment. Lo pongo en entredicho porque, más que una santa bofetada, esto es un vapuleo en toda regla, un alud de

BOLA

MARIA RODÉS

Awesome Tapes

B-Core

ANTIBALAS AFROBEAT ORCHESTRA

“Sueño triangular”

“Volume 7” WORLD MUSIC

hostias con ensañamiento, puños americanos y botas con punta de acero. Gritones, hasta las cejas de vodka y speed del malo, el grupo catalán se erige en heredero de ese punk-rock gamberro que se sacaron de la chorra un puñado de skaters desquiciados en la Costa Oeste, al que añaden la ya habitual dosis de garajeo. Aliment son formidables en todo ello: música para que los muchachos se lancen al vacío y bailen pogo, al ritmo de himnos encendidos y “uooouooos” bravos. No faltará quien les compare con Mujeres, pero aunque parezca increíble el trío de Girona es todavía más crudo y salvaje. Está claro que para ellos la fiesta no ha empezado hasta que alguien empieza a sangrar y empiezan las hostias. Santas hostias. Joan Cabot

111

Hoy en día que parece que todo está al alcance de un clic, aún aparecen maravillas que permanecen ocultas en pequeñas regiones del globo. El sello Awesome Tapes se ha dedicado a viajar por Malí, Burkina Faso, Togo o Ghana para recuperar el sonido actual, pero a la vez tradicional de estos países. Este compacto está dedicado al cantante y músico Bola Anafo de la región norte de Ghana. Es un virtuoso del kologo, un laúd de dos cuerdas (una aguda y otra grave), con una calabaza como caja de resonancia. Los músicos que tocan el kologo lo hacen solos o con percusionistas, sin embargo están apareciendo algunos que se acompañan de una caja de ritmos y un pequeño teclado. Bola es un representante de estos últimos. Canta en frafra y, al estilo de los griots africanos, sus letras narran historias cotidianas, históricas o religiosas. Sus largas canciones contienen patrones rítmicos circulares y repetitivos donde su emotiva y áspera voz suena contundente. Es una música que no resulta fácil para los oídos occidentales, pero es alegre y bailable. Un disco que bien podría pertenecer a la serie Congotronics. Miguel Amorós

POP

“Antibalas” 1111

Maria Rodés sería, en una clase de Sigmund Freud, una alumna aventajada. La cantante ha recogido en este “Sueño triangular” -su segundo largo en solitario- más de dos años de anotaciones de sus noches sobre la almohada para explorar nuevos espacios sonoros, nuevos lenguajes y, sobretodo, nuevas formas de interpretarse a sí misma. El trabajo recoge, pues, un acercamiento al inconsciente sin corsés ni paracaídas; una manera de explotar la escritura automática; nuevas puertas musicales cercanas a la psicodelia, los ruidos lo-fi, los sonidos orientales o el anti-folk. En conclusión, una estructura mucho más compleja y libre que la del celebrado “Una forma de hablar” (10), un valiente ejercicio y un intento de desnudarse sin dejar ver un pedazo de carne. Ordenar el caos le ha costado a la artista dudas, crisis y meses de revisiones (junto a Maru di Pace y Lluís Surós, a los arreglos) que finalmente han reposado en un mundo onírico que destruye las fronteras de la canción, las limitaciones del pop atmosférico y, por encima de todo, las construcciones vocales y compositivas de uno de los grandes talentos de la escena catalana. Yeray S. Iborra

Daptone

AFROBEAT

1111

Gracias a su discografía repartida entre Ninja Tune y Anti, entre otros, y a sus colaboraciones con TV On The Radio o, más recientemente, en “Love This Giant” de David Byrne y St. Vincent, Antibalas ha conseguido lo que pocos conjuntos de su misma constelación: traspasar los límites del circuito afro-funk y asegurarse un estatus semi-pop que los convierte automáticamente en el referente más importante del afrobeat contemporáneo a este lado del hemisferio. En parte, eso refleja el espíritu que siempre ha guiado los pasos del colectivo de Nueva York y explica en parte su ligera evolución hacia un sonido menos purista, más relajado y festivo, aunque la intoxicación rítmica siempre haya jugado un papel básico en su discurso. En éste, su debut para el sello de Gabriel Roth, de hecho ex miembro del grupo, la banda aborda con la habitual pericia una colección de canciones donde la única concesión al tiempo presente es esa “Dirty Money” inicial y de intenciones claras. Durante los siguientes minutos, Antibalas vuelven a celebrar la música como sólo ellos –y otros cuantos elegidos- saben hacerlo. Joan Cabot

11114

A pesar de convertirse en favoritos de la prensa británica, que ha acogido su reciente primera gira por las islas con entusiasmo, Goat siguen siendo prácticamente unos desconocidos en nuestro país, donde este debut por el momento ni tan siquiera ha encontrado distribución. Y ello a pesar de que tanto conceptualmente como en lo musical los suecos se presentan como unos de los principales animadores surgidos del underground de lo que llevamos de año. Escondidas sus identidades tras máscaras, se presentan ante el mundo como un colectivo que opera desde la diminuta localidad de Korpolombolo, a la que la escueta biografía del grupo atribuye lejanas (y paganas) relaciones con el vudú. Sea eso cierto o no, el vínculo con el esoterismo tropical no deja de estar bien traído y, como unas Slits especialmente furiosas, Goat introducen en la coctelera diversas tradiciones musicales: la polirrítmia tribal de Congotronics, la psicodelia pesada de bandas como Amon Düül II o Flower Travellin’ Band y el desgarro vocal del after-punk colorista que aportaron The Raincoats, Au Pais o las citadas The Slits. Con estos ingredientes y entre vahídos de wah wah y criminales zarpazos de fuzz, el misterioso combo sueco cocina una hora de música concebida para resucitar a un muerto. Luis J. Menéndez

LIGHT ASYLUM “Light Asylum”

Mexican Summer/Music As Usual

ELECTRÓNICA

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Desde la efervescente Brooklyn llega el primer largo de Light Asylum, tras previa publicación de un halagüeño EP y su consecuente expectación. El efecto resulta un revival sonoro en toda regla, convenientemente actualizado hasta la tendencia actual a lo largo de cincuenta minutos donde la agresividad de la electrónica resulta derivada a partes iguales entre el jungle y los sintéticos sonidos de los 80, en un conjunto dotado así mismo de confusa apariencia a medio camino entre gótico y cyber-punk. Un debut homónimo ligeramente irregular en el que conviven un buen número de inquietantes aciertos junto a inocuos desarrollos perdidos en la búsqueda de un objetivo demasiado indefinido. Producto provocador, intenso y algo repetitivo que, sin embargo, funciona durante buena parte de su transcurrir gracias en gran medida a la efectividad de temas como “Shallow Tears”, “Hour Fortress”, “Pope Will Roll”, “IPC” o la definitiva “A Certain Person”. Raúl Julián

THE ORB FEATURING LEE SCRATCH PERRY

“The Orbserver In The Star House” Cooking Vinyl

ELECTRÓNICA

1111

A pesar de ser uno de los personajes más importantes e influyentes de la historia de la música popular –suban mentalmente la palabra “personaje” a un cuerpo de ochenta y pico-, la mayor parte de la carrera de Lee Scratch Perry ha sido cuando menos irregular y tan confusa y extravagante como sus atuendos habituales. Es tan evidente que

está (quizás clínicamente) loco como que poner en duda su condición de semidiós de la música jamaicana sería de necios. Perry se ganó la reverencia hace millones de años y la influencia que ha tenido como co-creador de la música Dub y productor sigue siendo, simplemente, inabarcable. En parte, Alex Paterson de The Orb no hace más que reconocer la eterna deuda que mantiene la música electrónica con el artista jamaicano, regalándole de paso algunos de sus mejores momentos artísticos en muchos años. En “The Observer In The Star House”, los británicos se divierten y se ponen exóticos, alejados de su habitual seriedad, con una colección de pistas que fluyen casi como una sesión y que, con toda seguridad, no tendrían ni la mitad de sentido sin Lee Perry fabulando sus marcianadas por ahí. Debería haber sido el disco del verano, pero nos llega tarde. Joan Cabot

MARK EITZEL

“Don’t Be A Stranger” Décor

POP

1111

Esperar que Mark Eitzel firme a estas alturas una obra soberbia al margen de sus imprescindibles American Music Club puede parecer una ligera exageración, pero sensiblemente más absurdo resultaría menospreciar la incontinencia creativa del norteamericano o cuestionar su emocionante capacidad como compositor. Y por descontado que el artista puntúa bastante más cerca de lo primero que de lo segundo en la presente entrega, tras sacar a pasear una inalterable elegancia sin condiciones que resuena solemne en la siempre acertada interpretación del vocalista. Eitzel juega al engaño ofertando melodías amables e incluso vistosas que, sin embargo, albergan desgarradoras secuencias en su cuidadísimo interior. Desde la acongojante “I Love You But You’re Dead” con la que se inaugura el disco hasta la definitiva y no menos inquietante “Nowhere To Run” que lo cierra, pasando por temas como “Oh Mercy”, “Why Are You With Me?” o “All My Love”. Un álbum liberado de relleno que emociona sin remisión tras mantener un espléndido nivel a lo largo de toda su equilibrada duración, certificando el agradecido regreso de un artista ya legendario. Raúl Julián

OBLIQUE

“Refraction Of Light” Autoeditado

POP

1111

Qué alguien me explique, por favor, por qué Oblique no son considerados por todo bicho viviente como la banda más imponente del synth pop patrio. Si ya con “Without Making Noise” hace tres años se desmarcaron de su competencia con una bacanal de hits sintéticamente grandiosos, con este cuarto largo no se han quedado cortos. Nada más darle al play, en “The Future” nos damos de bruces con un mayor protagonismo de la guitarra eléctrica de David Cuesta, quien aporta el medido toque orgánico que desde hace años los catalanes-tinerfeños buscaban. Pero más allá de esta adición sonora que les acerca a New Order (por ejemplo en “Changing”), lo que aquí prevalece son buenas melodías y estribillos instantáneos que cualquier toxicómano del “Supernature” de Goldfrapp (“Light Will Pass Through The Thickness”) o Ladytron (“Geometry”) ansía degustar cuando el fin de semana está a la vuelta de la esquina. Con hits como “Returning To The Ground To Feed” demuestran que aquí pocos pueden hacerles sombra en estos momentos. Sergio del Amo


MondoSonoro · Octubre 2012 /39/

ARIEL PINK’S HAUNTED GRAFITI “Mature Themes” 4AD/Popstock!

POP

1111

“Before Today” marcó un punto de inflexión en la carrera de Ariel Pink, no tanto por la súbita exposición a un público “mayoritario” como por integrarse con resultados artísticos excepcionales por vez primera en la disciplina de una banda. A pesar de ello, el de Beverly Hills se ha hartado de repetir que aquel disco no terminaba de representar su verdadero “aquí” y “ahora” en cuanto que las canciones habían sido escritas demasiado tiempo atrás, y que el verdadero test habría de pasarlo con este “Mature Themes”. Perdido en la traducción de sus letras, entre odas a los primigenios nativos americanos, autorreferencias que le describen como “lesbiana” y encuentros con Nostradamus, buena parte de la ironía que se supone destilan sus alocados textos se queda por el camino y aquellos que no manejamos el inglés como primera lengua nos vemos empujados a la experiencia meramente sensorial, experiencia por otra parte no menos desconcertante. Porque Ariel Pink es hoy junto a Animal Collective el más contemporáneo de los artistas de nuestro tiempo. Luis J. Menéndez

THE OFFSPRING “Days Go By” Sony

ROCK

114

Cuando The Offspring explotaron comercialmente a mediados de los noventa, fue en un contexto en que se respiraba hartazgo por la rigidez musical y de ideas del grunge que había arrasado en la primera mitad de la década. Los himnos nihilistas y desvergonzados de “Smash” fueron abrazados con pasión por toda una generación necesitada de aire fresco y alegría tras unos años de agonía de guitarras pesadas y distorsión. Desde entonces, se han seguido manteniendo activos, con una banda estable y con lanzamientos más o menos habituales que, a excepción del ya añejo “Americana”, no han conseguido reciclarlos de nuevo en la actualidad. Cabe preguntarse cuál es la relevancia de su decálogo estilístico, invariable desde sus inicios, en unos días de pesimismo, crisis y derrota. Al menos, sus compañeros generacionales Green Day han tratado de irse reinventando poniéndose al día de los tiempos. Quizás por ello, los de Orange County han decidido ahora dar un pequeño giro y mostrarse más serios y reflexivos. Qué pena que no sea más que un intento fallido. Robert Aniento

FLYING LOTUS

“Until The Quiet Comes” Warp/Pias

ELECTRÓNICA

11114

Sólo hay algo en el cuarto álbum de Flying Lotus que pueda jugar en su contra: el hecho de venir precedido de “Cosmogramma” (2010); un disco revolucionario en muchos sentidos, como en su momento ocurrió con “Selected Ambient Works 85-92” de Aphex Twin o “Endtroducing…” de DJ Shadow. También cabría añadir que entonces estábamos ante un trabajo suspendido en el espacio, mientras que aquí Steven Ellison parece bajar a la tierra para entregar un

material que responde parcialmente a una cultura de club, a un contexto más definido y, por eso mismo, también más accesible. El propio FlyLo ha señalado que el rock progresivo y la psicodelia han jugado un papel importante, pero una vez repasados estos mágicos tres cuartos de hora es una anécdota hablar de una u otra influencia. También de las colaboraciones (Niki Randa, Thom Yorke, Erykah Badu...). Beats gordos como toneles, profundidad que zumba, terciopelo y lija, ritmos dislocados, hip hop abstracto, arrebatos de free jazz, lentejuelas para una película de Fellini y también ciencia ficción. Los ingredientes que conocíamos, en suma, pero en distinta proporción. Auténtico oro líquido. Enrique Peñas

vinilos

La selección Jäger:

THE VACCINES, POP ES POP

GREEN DAY “¡Uno!” Warner

PUNK POP

111

Pocas bandas contemporáneas han vivido tantos altibajos como el trío californiano. Surgieron del underground para poner el mundo boca arriba con “Dookie”, borrando de un plumazo cualquier vestigio del grunge que había dominado las listas y los modos de vestir y pensar los años precedentes, pero los de Oakland se fueron sumiendo poco a poco en un bajón creativo que duró ni más ni menos que una década, hasta que ante sorpresa de todos “American Idiot” les volvió a rescatar del olvido y les catapultó de nuevo a portadas, números uno en listas y estadios con todas las entradas vendidas. Desde entonces, parece que la banda ha vuelto a coger el camino descendente, que se inició con el sobredimensionado “21st Century Breakdown” y, a la espera de lo que nos puedan deparar “¡Dos!” y “¡Tré!”, todo apunta que se va a prolongar con este nuevo trabajo. Las buenas noticias son que el trío se quita de encima las ganas de seguir dándole nuevas vueltas de tuerca a la noción de disco conceptual que ya bordaron en “American Idiot” y se deja llevar hacia el terreno que mejor dominan: los pildorazos de punk pop sin pretensiones pero efectivos. Robert Aniento

ANTONY AND THE JOHNSONS “Cut The World”

Rough Trade/Popstock!

POP

1111

Las cosas se pueden hacer de dos maneras, según las reglas establecidas o tratando de ser original. Como no podía ser de otra forma, Antony Hegarty ha elegido la segunda opción cuando se planteó grabar este primer disco en directo. Porque empezar la secuencia con un corte nuevo llamado “Cut The World”, con un video que además ha levantado mucha polémica por ser explícito a más no poder, es de por sí atrevimiento. Ofrecer a continuación un spoken word corrosivo de más de siete minutos antes de dar paso a la Danish National Chamber Orchestra que le acompañó durante los dos recitales que dieron sentido a este documento, habla por si solo de la clase de artista que es. Durante la audición de los restantes diez temas no te da la sensación de que “Cut The World” sea una grabación en directo, ya sea por los respetuosos silencios, por la solemnidad del momento o porque lo hace todo de un modo diferente. Tanto, que se permite pasar de “Hope There’s Someone”, su canción más conocida, y en cambio cargar las tintas en las fantásticas y emocionantes interpretaciones de “You Are My Sister”, “Rapture” o “Twilight”. Toni Castarnado

The Vaccines Foto Archivo

THE VACCINES “Come Of Age” Sony Music

ROCK

1111

Hubo un tiempo en el que los grupos de veintañeros copaban las listas con canciones sin pretensiones, canciones pop que no buscaban más que ser escuchadas, bailadas o coreadas por las chicas jovencitas, canciones que se entraban a grabar en unos escenarios diminutos con un productor mercenario y que, a las pocas horas se distribuí an prensadas en siete pulgadas maltratados y mal cortados. Las ínfulas artísticas no habían aparecido aún en el mundo del pop. Eran los tiempos de los ídolos teenagers, la época a la que The Vaccines acuden una y otra vez. Pero los tiempos han cambiado y muchos se posicionan

frente a bandas como The Vaccines con desconfianza. Porque si algo está claro es que The Vaccines es un cuarteto británico de canciones pop de dos o tres minutos que eluden las complicaciones innecesarias. The Vaccines es una banda de singles, un grupo capaz de firmar varios hits por disco, tanto en “What Did You Expect From The Vaccines” como este “Come Of Age”, de indudable pegada. No son los salvadores del rock, no son el grupo que cambiará las reglas de la industria o que dará un golpe de timón a las modas, son un grupo de pop que hace bien su trabajo, sin maravillar, sin quitar el aliento, sin pretender ser nada que no sean, con honestidad y sin el forzado orgullo de algunos. Joan S. Luna


vinilos /40/ Octubre 2012 · MondoSonoro

reediciones

MY BLOODY VALENTINE, RECUPERANDO CLÁSICOS CAN

“The Lost Tapes” Mute/Pias

ROCK

My Bloody Valentine Foto Archivo

MY BLOODY VALENTINE “Isn’t Anything” “Loveless” “EP’s 1988-1991” Sony

POP

11114

Kevin Shields planteó a Sony por primera vez en 2001 compilar los Ep’s publicados por My Bloody Valentine al abrigo de Creation. Poco después pensó que, puestos a enfrascarse en la remasterización de aquellas canciones, podría hacer otro tanto con los dos discos que definen y constituyen la principal herencia del grupo, “Isn’t Anything” (1988) y “Loveless” (1991). Una década después la de estas reediciones se había convertido en una nueva historia de nunca acabar con la que se engordaba un poco más la leyenda del músico perfeccionista hasta lo enfermizo. Shields, sin embargo, apunta a la compañía por el bloqueo al que sometió todo el proceso y lo que dice suena creíble... En realidad tampoco es la razón de ser de estas líneas buscar culpables. Bien está lo que

bien acaba porque, como el propio Shields reconoce, todo este retraso le ha permitido madurar un trabajo que en el caso de “Loveless” se concreta en dos remasters diferentes: el digital, tal y como se concibió para el CD de 1991 pero una vez superados una serie de problemas técnicos; y un segundo analógico a partir de las cintas de media pulgada originales que no llegaron a utilizarse en su día por una serie de errores en la mezcla que hoy son subsanados. Aquellos que escuchan música brutalmente comprimida en un reproductor de mp3 difícilmente encontrarán lógica alguna al lanzamiento, pero quienes por contra tengan la suerte y el buen criterio de disfrutar de ella en un equipo de sonido de calidad apreciarán la diferencia: más que nunca la música de MBV es un lugar para vivir dentro. La jugada se remata con ese necesario recopilatorio de Ep’s, la mayor parte descatalogados desde hace tiempo, que además cuenta con varias joyas: la versión larga de “Glider”, “Sugar” (una rareza que se había incluido en un flexi para el mercado francés), el single “Instrumental #1” y tres temas inéditos. Luis J. Menéndez

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Los verdaderos Fab Four no procedían de Liverpool sino de Colonia y durante once años vivieron una aventura musical que terminó en cuanto empezaron los primeros síntomas de agotamiento. No es posible entender a Can sin una de sus cuatro patas y por eso el fallecimiento de Michael Karoli en 2001 acabó para siempre con la esperanza de que viera la luz nuevo material del grupo, más allá de artefactos reivindicatorios en forma de disco de remixes como “Sacrilege”. Y hay que comprender esto para darle la importancia que realmente se merece a este triple álbum (por el momento sólo en formato CD) de material inédito. Las cintas aparecieron recientemente como por arte de magia cuando los operarios comenzaron a desmontar el histórico estudio del grupo en Weilerswist para trasladarlo pieza por pieza al Museo del Rock Alemán. Treinta horas de música facturada entre 1968 y 1977 que el boxset editado por Mute reduce a doscientos minutos, seleccionados por el teclista de la banda Irmin Schmidt y editados por su colaborador habitual en los últimos años Jono Podmore (Kumo). Temas que ahondan tanto su faceta más experimental (a pesar del buen sonido de todos los temas, algunos son poco más que bocetos) como las cabalgadas rítmicas características del grupo y bestiales tomas en directo de “Mushroom”, “Spoon” o “One More Saturday Night”. Más que un cofre, un tesoro. Luis J. Menéndez

PANTERA

“Vulgar Display Of Power” Warner

METAL

11111

No sabemos qué habría pasado con los norteamericanos si hubieran seguido en activo, pero lo cierto es que sus dos últimos discos no estaban a la altura de sus predecesores, ni en calidad ni en repercusión. De hecho, ningún disco iba a resistir las comparaciones con la tríada que reescribiría el metal de los noventa, con permiso de Sepultura: el podio formado por “Cowboys From Hell” –su reinvención, fresca y radical-; el monstruoso y arrollador “Far Beyond Driven”; y, en-

tre uno y otro, este inasible y magistral “Vulgar Display Of Power”, su obra definitiva, aquella que resume y determina toda una carrera y que pasa a engrosar de inmediato la lista de discos capitales de todo un estilo, que lo redefinen y hacen avanzar y que marcan toda una época inspirando a multitud de bandas venideras. El impacto y el groove de su disparo de salida, la inconmensurable y agresiva “Mouth For War”, es antológico. El que fue primer single del disco –hubo tres más: el inigualable himno “Walk”, la rompedora falsa balada “This Love” y el balsámico cierre con “Hollow”-, resulta sencillamente matador y marca el tono del resto del álbum, que llegaría a dobleplatino en 2004. “A New Level”, pieza que se barajó también como obertura, no se queda atrás, con su ritmo endiablado y contagioso. Y entre unas y otras encontramos otros tantos clásicos del género, como la veloz y thrash “Fucking Hostile”; el riff a lo Helmet de “Rise”; o los originales e intensos virajes de las colosales “Regular People (Conceit)”, “Live In A Hole” o “By Demons Be Driven”. Veinte años después nos llega esta reedición, acompañada de un DVD con clips y temas en directo. Decir imprescindible es quedarse corto. David Sabaté

ESPLENDOR GEOMÉTRICO

“1980-1981 Prehistoric Sounds” Geometrik/Munster

ELECTRÓNICA

1111

A diferencia de otras reediciones de algunos de los singles más preciados de los ochenta, esta caja va más allá del simple coleccionismo y recupera una serie de grabaciones olvidadas o directamente inéditas que le aporta un valor infinitamente mayor. Lo hace además por partida doble, en tres vinilos coloreados y un CD que los compila y hasta sube la apuesta con cinco temas más, extraídos de la cassette “Esplendor Geométrico 1980-1981”. Puede que los menos iniciados en la formación de Arturo Lanz encuentren el mayor atractivo en la recuperación de una canción mítica, “Moscú está helado”, que junto a “Unidad de control” y “Horno fundidor” (extraídas de la primera maqueta del grupo) muestra la faceta más “accesible” del grupo, cuando aún estaba presente la influencia del paso de Lanz, Riaza y Sastre por los primeros Aviador Dro. A partir de ahí… el caos. No menos mítico sería el single “Necrosis en la poya”, con la polémica “Negros hambrientos” en la cara b, reeditado aquí el formato siete pulgadas. Completan la caja limitada de mil ejemplares numerados un tercer single, el libreto (con material fotográfico bastante raro) y el citado CD. Luis J. Menéndez

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OCTUBRE 2 0 1 2 ASTURIAS, CANTABRIA, GALICIA, EUSKADI Y NAVARRA GALICIA CASA DAS CREIXAS, SANTIAGO COMPOSTELA 30/10/2012 ZOOBAZAR CAFÉ AURIENSE, OURENSE 26/10/2012 MARIA BERASARTE

BARANDA, O BARCO DE VALDEORRAS (OURENSE) 19/10/2012 BIDE ERTZEAN 31/10/2012 THE FAITH KEEPERS

ARAGÓN

COM. VALENCIANA

CLAVICÉMBALO, LUGO 27/10/2012 MARÍA BERASARTE 31/10/2012 ZOOBAZAR

EDÉN, HUESCA 26/10/2012 LOS TIKI PHANTOMS

EL LOCO, VALENCIA 13/10/2012 TXARANGO

CATALUÑA

EL ASESINO, VALENCIA 07/10/2012 LOS FULANOS

ANDALUCÍA BOOGACLUB, GRANADA 06/10/2012 LOS FULANOS 26/10/2012 UXIA EL CIELO DE LA CAYETANA, PTO. STA. MARÍA, CÁDIZ (MONKEY WEEK) 12/10/2012 FON ROMÁN 13/10/2012 PERROSKY (AIEnRUTa Latinos 2012) 13/10/2012 SEÑOR RAMÓN 12/10/2012 THE FAITH KEEPERS

ARAGÓN, CATALUÑA, COM. VALENCIANA, LA RIOJA Y MURCIA

EL PELÍCANO, CÁDIZ 27/10/2012 UXIA SUPERSONIC, CÁDIZ 13/10/2012 THE FAITH KEEPERS MALANDAR, SEVILLA 12/10/2012 PERROSKY (AIEnRUTa Latinos 2012)

HARLEM JAZZ CLUB, BARCELONA 21/10/2012 BIDE ERTZEAN CAFÉ TEATRE, LLEIDA 26/10/2012 FON ROMÁN

MURCIA STEREO, MURCIA 31/10/2012 ANA CURRA

MADRID, CASTILLA LA MANCHA, CASTILLA LEÓN Y EXTREMADURA CASTILLA LA MANCHA

LA VACA, PONFERRADA MOBY DICK, MADRID 27/10/2012 LOS TIKI PHANTOMS 17/10/2012 FON ROMÁN

PÍCARO, TOLEDO 11/10/2012 PERROSKY (AIEnRUTa Latinos 2012) 19/10/2012 FON ROMÁN

MADRID

CASTILLA LEÓN

LA BOCA DEL LOBO, MADRID 03/10/2012 BIDE ERTZEAN 06/10/2012 SEÑOR RAMÓN

CLAMORES, MADRID IRISH ROVER, SALAMANCA 10/10/2012 PERROSKY 05/10/2012 BIDE ERTZEAN (AIEnRUTa Latinos 2012)

SIROCO, MADRID 31/10/2012 CHRISTINE (AIEnRUTa-AIE/ 78 pm-ADAMI) FENDER CLUB, GETAFE (MADRID) 05/10/2012 LOS FULANOS

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.


mondorecomienda

/42/ Octubre 2012 · MondoSonoro

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELÍCULAS ★ CLIPS ★ documentales

LIBROS

COMIC Ilustración Alison Bechdel

Un buen chico Javier Gutiérrez Mondadori (114)

A base de un ritmo narrativo que engancha y subyuga, pero que funciona a base de efectismo y reiteración excesivos, el autor teje una historia de violencia que, si bien puede llegar a ser intensa y atractiva, se encuentra demasiado repleta de lugares comunes y termina resultando simplista y previsible. Daniel Arnal

Los Rolling Stones en España Mariano Muniesa Quarentena Edicions (1111)

Este consistente tomo de tapas duras y amena lectura repasa con profundidad los puntos de conexión existentes en el binomio España-Rolling Stones. Así, entre otros temas de interés, abarca la curiosa cobertura que les dispensó la prensa de la época franquista o el valioso testimonio de quien hizo posible que actuaran en nuestro país, Gay Mercader. Muy recomendable. Xavier Llop

Jagger: rebelde, rockero, granuja, trotamundos Mark Spitz Alba (11)

Haciendo valer su condición de redactor de Vanity Fair, Mark Spitz repasa la vida de Mick Jagger desde un punto de vista frívolo, más social que musical. Así, citando fuentes pero sin entrevistas propias, traza un perfil del cantante de los Stones en el que, por ejemplo, prevalecen detalles de sus bodas frente a las ni tan siquiera mencionadas sesiones de “Exile On Main Street”. Xavier Llop

Composición Nº1 Marc Saporta Capitán Swing (1111)

“Composición Nº1” son un puñado de páginas sin numeración ni aparente orden, dispuestas con mimo dentro de una bonita caja. El lector debe desordenar dichas hojas y elegir el modo en el que desea leer el libro, otorgando al tiempo y el orden de la lectura la soberanía de la historia por encima de la historia misma. Parece divertido y curioso, pero es mucho más. Daniel Arnal

ALISON BECHDEL

Madres e hijas Después de convertirse en una de las autoras más respetadas del mundo del cómic con su anterior novela gráfica, “Fun Home”, Alison Bechdel vuelve a demostrar su valía en la más compleja “¿Eres mi madre?” (Mondadori, 12).

Brasil. País de futuro Stefan Zweig Capitán Swing (1111)

Interesantísimo libro en el que Stefan Zweig, toda una personalidad a mediados del siglo XX (amigo de Riilke, Hesse o Rodin, entre otros), desarrolla de manera brillante y muy personal un análisis de Brasil, augurando su posterior crecimiento y desgranando con precisión detalles de su cultura, economía y sociedad. Leído hoy, suena a visionario. Daniel Arnal

A la rica marihuana... y otras especias Terry Southern Capitán Swing (111)

A pesar de ser más conocido para el gran público como guionista de perlas como “Teléfono rojo…”, “El rey del juego” o “Easy Rider”, Terry Southern fue uno de los más incisivos beats. En esta colección de relatos cortos hay mucha droga, algo de jazz y una pizca de política sesentera para encuadrar, pero sobre todo talento para profundizar y no hacer prisioneros. Ignacio Pato

En el patio

Malcom Braly Sajalín (1111) Publicada en 1967, “En el patio” es una fantástica recreación del intramundo carcelario visto desde dentro, desde muy dentro (su autor pasó diecisiete años entre Folsom y San Quintín). Poco más que añadir de una obra que Capote califico de excepcional y a la que Vonnegut otorgó el título de Mejor novela carcelaria norteamericana. Daniel Arnal

Mátalos suavemente George V. Higgins Libros del asteroide (1111)

Con cuarenta años de retraso, y aprovechando el estreno de la adaptación protagonizada por Brad Pitt, nos llega la tercera novela de Higgins. El autor construye aquí un inusitado thriller de cámara, verborreico y teatral, muy estructurado en largas escenas dialogadas. J. Picatoste Verdejo

“¿Eres mi madre?” Alison Bechdel Mondadori, 12

E

n “Fun Home”, Alison Bechdel se sumergía en las pantanosas aguas de la relación con su padre, convirtiendo aquella obra en una suerte de exorcismo con el que intentar su propio papel en la vida. Por si aquello no fue suficiente, Bechdel ha decidido continuar, en “¿Eres mi madre?”, con sus memorias centrándose esta vez en su madre. Y por lo que parece, la cosa no ha sido sencilla. “El libro sobre mi madre es más complicado que el que hice sobre mi padre.... ¿Será que las madres son más complicadas que los padres? Completar este libro me llevó unos seis años”. Totalmente de acuerdo. “¿Eres mi madre?” es una obra más compleja que su predecesora, aunque en ella el humor contrarresta los momentos más emotivos y los más difíciles.“Sí, el humor consigue que las cosas más difíciles sean más fáciles, pero al mismo tiempo sirve para enmascarar algunas de esas mismas cosas. Hubo mucho humor en mi familia mientras yo estaba creciendo. Realmente, mi madre era la comediante de la família, aunque mi padre también era una persona muy divertida, así que supongo que –definitivamente- habré heredado el sentido del humor de ambos”. Es precisamente ese humor el que revela el sentimiento siempre positivo de Bechdel, en todo momento, en todas las situaciones, entre amigos, en familia o incluso frente a su terapeuta. “Aquí estoy, viva y contenta, pese a todo. He intentando retratarme con la misma rigurosidad crítica que he empleado con mis padres. Lo que ocurre es que hay una tendencia innata que nos

lleva a querer convertirnos a nosotros mismos en el héroe de la historia, en el inocente, en el más cuerdo. Los recuerdos suelen ser una forma que tenemos de defendernos a nosotros mismos, de dotar de argumentación a nuestro caso. Yo he intentado analizar también mi cara oscura, aunque sí, supongo que podría haber sido más cruel, pero una parte de mí me decía que la gente podría aburrirse si me autoflagelaba demasiado en la historia”. En todo caso, y atendiendo a que se trata de una obra biográfica, es de suponer que los personajes de tinta serán muy parecidos a los de carne y hueso. La pregunta entonces sería ¿cuál de ellos ha sido tratado desde una perspectiva menos realista? “Esta pregunta debería completarse con: ¿realista para quién? Por ejemplo, tengo la sensación de que mi madre no cree que haya capturado su personalidad acertadamente. ¿Pero quién debe decirlo? Yo he capturado mi visión de ella, lo mismo que capturé la de mi padre, y eso es todo lo que quería conseguir. Honestamente, no creo que haya exagerado ni dramatizado demasiado cualquiera de los personajes que aparecen en mis libros, ni siquiera los menos importantes. Siempre he intentando ceñirme al máximo posible a mi experiencia con ellos”. Eso podría significar que quienes lean “¿Eres mi madre?” estarán un paso más cerca de conocer cómo es realmente Alison Bechdel. “No creo que un lector pueda conocer realmente demasiado sobre mí gracias a mis obras. No lo pensé con ‘Fun Home’, aunque en ‘¿Eres mi madre?’ he revelado muchas más cosas sobre mí y sobre la visión que tengo de algunas cosas. La verdad, no sé qué fue lo que me poseyó y me llevó a descubrir informaciones tan íntimas. Aun así, sigo guardando escondidas en mi interior algunas de mis esquinas más oscuras. Quizás sea porque lo considero muy privado o quizás sea porque lo estoy guardando para mis próximas memorias”. ■ Joan S. Luna


MondoSonoro · Octubre 2012 /43/

mondoRECOMIENDA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

J.A. Bayona Foto Jose Haro

CINE

J.A. BAYONA

LA ÚLTIMA OLA Cinco años después de “El orfanato”, el director barcelonés vuelve a la vida con la película que le puede abrir las puertas de Hollywood de par en par. “Lo imposible” es una atípica muestra de cine de catástrofes que juguetea con el survival de terror y el Steven Spielberg más accesible.

E

l 11 de octubre llega a los cines “Lo imposible”, esperadísima segunda película de J.A. Bayona, director de “El orfanato” y gran esperanza blanca del cine español. Un filme basado en hechos reales protagonizada por una familia que consiguió sobrevivir al tsunami de 2004 en Tailandia de una forma casi increíble. ¿Cómo llegó Bayona al proyecto? “Fue Belén Atienza, la productora, quien escuchó la historia en la Cadena Ser sobre una familia española que sobrevivió al tsunami. Me la contó sin pensar en una película porque le impresionó mucho, y tal como me la explica, me obsesiono, se la cuento a la gente de mi alrededor y veo que es una historia que, sin yo tener nada que ver con la tragedia, me toca muchísimo. A partir de ahí empezamos a centrarnos en los aspectos que más me interesaban y convertirla en una película”. La obsesión del cineasta catalán se acabó convir-

tiendo en “Lo imposible” un filme con un presupuesto de 30 millones de euros, toda una superproducción dentro del ámbito del cine estatal. En su segunda película Bayona ha pasado de un rodaje casi familiar como fue el del “El orfanato”, a una obra faraónica de tintes dignos de David Lean. “La peleas eran diferentes. Lo que tenías que luchar en ‘El orfanato’ porque no tenías el dinero suficiente, aquí tenías que lucharlo porque el nivel de complicación del proyecto era muy grande. Es un presupuesto muy grande, 30 millones de euros para una película española es muchísimo, pero si comparas ese dinero con el que se gastan los americanos para hacer una película así, es casi la mitad. A algún estudio de Hollywood no le interesó ‘Lo imposible’ porque creían que no íbamos a ser capaces de rodarla con esos 30 millones”. Añade: “Te puedo decir que todo el dinero que nos he-

mos gastado en la película está en pantalla, menos los sueldos (risas) que no eran mucho más elevados que en ‘El orfanato’”. El resultado de tamaña empresa ha dado como fruto una película de catástrofes fuera de lo común que presenta dos partes muy bien diferenciadas; una primera hora poderosísima en la que Bayona coquetea de forma genial e inspiradísima con el survival de terror (“la primera hora es un survival, y es que es eso lo que estaba intentado

pedía otra toma, y eso a ella le encantaba, porque le estaba provocando cosas… El rodaje se vivió con esa intensidad: vamos a rodar en el sitio donde sucedió esto, vamos a recrear ese momento tan tenso y vamos a explotar, como les pasó a los personajes reales que estaban al límite en esas situaciones…”. Antes de iniciarse el rodaje de “El orfanato”, J.A. Bayona reunió a todo el equipo para ver juntos “Encuentros en la tercera

"Vamos a rodar en el sitio donde sucedió esto, vamos a recrear ese momento tan tenso" hacer la protagonista, sobrevivir. La primera hora es una shock, una conmoción…”), y una segunda parte más convencional donde se descubre el increíble pero real reencuentro de la familia separada tras el tsunami. Dos partes que tienen en la extraordinaria interpretación de Naomi Watts uno de los puntos de mayor interés. El tour de force de la actriz australiana huele a nominación para los Oscars. “Una de las cosas que me encanta de Naomi Watts es que adora eso, que la lleves al límite, que la agotes… Ella había momentos que ya no podía más y le

fase” de Steven Spielberg. ¿Hizo algo parecido con “Lo imposible”? “Creo recordar que no. Para esta película a diferencia del ‘El orfanato’ no encontramos nunca una referencia clara. Buscando referencias había algo aquí del lado más humanista y de las atmósferas más enrarecidas de Peter Weir. Recuerdo que a alguien le enseñé ‘Walkabout’ de Nicholas Roeg, que es una película que descubrí justo cuando empezaba a preparar ‘Lo imposible’”. ■ Xavi Sánchez Pons


conexiones

/44/ Octubre 2012 · MondoSonoro

Samsung <> Carlos Jean El pasado 1 de septiembre salía a la venta en España la última revolución tecnológica de Samsung, el nuevo Samsung Galaxy Note 10.1. Por este motivo, Samsung celebró un concierto totalmente gratuito en Madrid con Carlos Jean como protagonista, y con el que se celebró la última incorporación a la familia de productos tecnológicos Galaxy. El show tuvo lugar en la explanada de Nuevos Ministerios en Madrid, donde los asistentes también pudieron participar del sorteo de varias unidades del terminal y de un espectáculo de luces y sonidos sobre la fachada de El Corte Inglés. ■

Coca Cola <> Marlango Por primera vez Coca-Cola Light patrocina el festival de cine de San Sebastián. El proyecto central de la presencia de la marca en la capital donostiarra gira en torno al proyecto de “Los sueños de Ulma”, un trabajo a medio camino entre el cine y la música, que cuenta con una banda sonora creada por Marlango. La agencia Posterscope ha completado la acción creando un código QR hecho con chapas del refresco sobre un lienzo espectacular que permite acceder a contenidos exclusivos y a los trailers del proyecto. Esta obra se expondrá en varias galerías de arte de Madrid, Barcelona y San Sebastián. ■

TBWA <> MondoSonoro Los pasados días 5 y 6 de julio tuvo lugar en Madrid el Festival Internacional de Comunicación Infantil El Chupete, que en esta ocasión estuvo centrado en la influencia de los smartphones y tablets en niños y adolescentes. La gran triunfadora a la hora del cómputo final de los premios fue la Agencia de Publicidad TBWA, que entre otras categorías se alzó con El Chupete por una campaña para MondoSonoro en la categoría de Medios de Comunicación. Otro premio que TBWA levantó fue en la categoría Gráfica por su campaña “Camisetas. I Like To Play” para PlayStation de Sony Computer Entertainment. ■

Levi’s Levi’s presenta su nueva campaña de marketing global Go Forth. La gira entorno a la nueva colección global Otoño/Invierno 2012 de Levi’s, caracterizada por un look más refinado y limpio. La campaña cobrará vida a través de publicidad en soportes como TV, print, digital y outdoor en todo el mundo. A través de estos diferentes medios vemos “This is a pair of Levi’s”, que se yuxtapone a través de una serie de diferentes piezas de la colección para enfatizar que la artesanía, innovación y estilo está presente en todas y cada una de las prendas de la casa. ■

Hard Rock Café <> Deniro Live Nation & Hard Rock Café Madrid siguen apostando por el talento nacional, y en consonancia con ello presentan el nuevo trimestre de los eventos 4CT7TUD que se celebran en el Hard Rock Café de Madrid con apoyo de Rock FM y MondoSonoro. Las pasadas ediciones fueron un éxito de público que a buen seguro se repetirá en esta nueva temporada. No te pierdas las actuaciones de Deniro el 27 de septiembre, La Hostia el 25 de octubre y Yakuzas el 29 de noviembre. Los eventos son el último jueves de cada mes, con entrada gratis y apta para todos los públicos. ■

Hello Kitty <> Kiss

Ron Cacique

Reebok <> Alicia Keys

La web oficial de la banda acaba de poner a la venta para todo el mundo los modelos Helly Kitty de los cuatro miembros originales del grupo, que hasta ahora estaban disponibles casi exclusivamente en Japón.

Ron Cacique cambia de imagen y evoluciona por dentro y por fuera,. La nueva imagen de la botella resulta más natural y diferenciadora. El sabor también ha cambiado pero mantiene el mismo proceso de añejamiento y elaboración.

Reebok anuncia una colaboración exclusiva con Alicia Keys: el lanzamiento de su propia colección para FW12, que incluye una nueva versión de las Freestyle Hi, Freestyle Double Bubble, Classic Nylon Slim y Princess, todas en exclusiva para Foot Locker.

Cartoon Network <> Templeton

40 Café <> Juan Pérez Fajardo

Retratos Mahou <> Nudozurdo

Templeton triunfa con su adaptación musical de las canciones de la serie de animación “Hora de aventuras”, producida por Cartoon Network. Por otro lado, el grupo continúa durante octubre presentando su segundo álbum, “El murmullo”, en ciudades como Madrid o Santander.

Juan Pérez Fajardo, fotógrafo musical que colabora en esta casa inaugura una exposición fotográfica en 40 Café, en la Gran Vía de Madrid. Las fotografías de Juan pueden contemplarse en las exposiciones permanentes de los Hard Rock Hotel de Las Vegas y Alburquerque y el Hard Rock Café de Madrid.

Del 3 al 7 de octubre
los Conciertos Retratos Mahou regresan a los Teatros del Canal apostando un año más por la calidad y la frescura de las propuestas más destacadas del panorama musical nacional. Destaca especialmente la fecha conjunta de Nudozurdo y Disco Las Palmeras!, el miércoles 3 a las 21:00 horas. ■


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ENTREVISTA FAN

/46/ Octubre 2012 · MondoSonoro

daremos será que fue la primera de muchas grabaciones (crucemos los dedos) con Javi Serrano, nuestro nuevo teclista. Es un músico excelente y muy buen chaval. Hemos conectado a las mil maravillas.

Supersubmarina Foto Archivo

Emma Sacristán. Después de haber realizado vuestros conciertos en acústico y enchufado, ¿cómo creéis que disfruta más la gente?¿y vosotros? El formato acústico era algo que no teníamos muy bien dominado hasta hace poquito. Pero tras darle miles de vueltas hemos encontrado una fórmula que nos funciona muy bien y con la que nos sentimos muy a gusto. Hasta ahora sólo hemos hecho un concierto de este tipo (para Life de Roof, en Sevilla) pero esperamos que en un futuro no muy lejano sean más. Es un tipo de concierto mucho más íntimo y algo más cercano. Es un concierto que disfrutará mucho el que es seguidor fiel de la banda porque ofrece una visión distinta de muchos de nuestros temas. Aunque claro, es algo totalmente distinto al directo eléctrico, ese al que llamas “enchufado” (risas). No sé, la verdad es que disfrutamos de cada uno a su manera.

SUPERSUBMARINA Los andaluces Supersubmarina no paran. Andan presentando “Santacruz” (Octubre/Sony, 12) por todo el territorio estatal, lo cual no les ha impedido contestar a algunas de las preguntas de nuestros lectores, que ellos mismos han seleccionado del aluvión que recibimos. Isabel Ruiz. Después

de haber girado en un gran número de festivales este verano y también de tocar en solitario: ¿Qué aspectos os gustan más de cada formato? Me gusta que formules la pregunta de esta forma. Tocar en festivales te otorga la oportunidad de disponer de un gran escenario, con un buen equipo de sonido y de luces, por término general, y eso es algo que cualquier músico agradece. A parte, es una buena forma de captar a nuevos seguidores. Por otro lado tenemos las salas. Son conciertos que organizamos nosotros y a los que acude gente que viene a vernos exclusivamente. Normalmente se dispone de menos equipo pero la cercanía con el público es mucho mayor. Digamos que aumenta el nivel de complicidad y eso hace que en cierto modo se viva con mayor intensidad.

Sergio Gómez. La música indie española está

CONCURSOS

WEB

sonando cada vez más en los últimos años gracias a grupos como vosotros (Supersubmarina), Vetusta Morla, Love Of Lesbian, Si-

donie, entre otros. ¿Cómo os sentís al ver que se hace un gran hueco para estas bandas en todo tipo de festivales/conciertos? Digamos que es un sentimiento de satisfacción al ver cómo poco a poco se van eliminando esos prejuicios que tanto daño hacen a la música española. Me refiero al tópico de “este grupo no me mola porque ya lo escucha mucha gente y no soy yo el único”. A pesar de los tiempos tan difíciles que corren, están surgiendo muchas bandas con propuestas musicales muy atractivas que necesitan un empujón, y el hecho de que haya otros tantos como nosotros y los que acabas de citar, que nos encontramos en ese “vacío legal” entre el mundo indie radical y el “temido” mainstream y que somos capaces de arrastrar a un buen número de gente, beneficia a estos grupos emergentes.

Alice Mestre Nieto. Después de un “Electroviral” más rockero, llega un “Santacruz” con fuerza pero mucho más envolvente. ¿Es un paso en vuestra evolución o habéis encontrado el sonido definitivo? Somos un grupo joven, con muy poco recorrido y, obviamente, nos encontramos en un constante proceso de evolución. En ese aspecto, “Santacruz” puede resultar un trabajo muy interesante porque bajo mi punto de vista posee un par de líneas de evolución bien diferenciadas. El caso es que eso no es una cosa que nos planteamos a la hora de grabar. Nos limitamos a hacer la música que sentimos en el momento y estamos seguros de que el tiempo irá trazando el camino a seguir.

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LOTES THE DARKNESS (Gira española en octubre)

No creo que hayamos encontrado el sonido. Raquel Marlo. ¿Cómo elegís o desecháis las canciones que vais o no vais a tocar en un concierto? Buena pregunta. Depende de muchos factores, pero principalmente del tiempo de actuación del que dispongamos. Somos muy meticulosos con eso y nos ha costado mil y un quebradero de cabeza seleccionar los set lists para una hora de concierto, para hora y media, hora y cuarto, hora y veinte, cincuenta minutos… En ese aspecto los festivales nos provocan un dolor de cabeza importante porque en cada uno tenemos un tiempo de actuación distinto (risas).

Ismael Kbzas Tg-ro. ¿No echáis de menos tocar en el Ke Kaña de Guadalajara? ¿Qué recuerdo os trae ese mítico bar dónde tocasteis en varias ocasiones? ¡Saludos de uno que estaba por allí! ¡Buah! ¡Me has tocado la patata! Siempre hemos dicho que el Ke Kaña ha sido nuestro lugar fetiche. Forma parte de la historia de la banda. Llevamos a ese garito y a todos los que nos arropasteis las primeras veces grabados muy dentro de cada uno de nosotros. Fueron noches mágicas en las que hicimos grandes amigos. Qué bonitos esos comienzos… ¡nunca los olvidaremos! Ana Lucia Paredes Linares.

Todo disco tiene un historia. Cuando recordéis este disco ¿qué será lo que os venga a la cabeza? Pues probablemente una de las cosas que recor-

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Lucía Astorga Cuervo. ¿Como os sentís cuando veis en un festival, o en un concierto en salas, que la gente se sabe todas vuestras letras y que vive vuestro directo con un gran entusiasmo? Nos sentimos como el que se tira todo un año preparándose una asignatura de veinte créditos y luego llega al examen, lo borda y obtiene matrícula de honor. Es una sensación de satisfacción plena. Que la gente disfrute con lo que nosotros disfrutamos haciendo es lo máximo a lo que aspiramos. Ese es el mejor reconocimiento que un músico puede obtener. Y que pase eso nos da alas y fuerzas para seguir adelante. Eduard Villanueva Navarro. Dejando primeramente claro que es un enorme disco... ¿Por qué en este nuevo álbum habéis empastado tanto la voz con la música que por momentos cuesta entender lo que está cantando Chino? Son cuestiones de producción. Como sabes, el productor de este disco ha sido Tony Doogan. Nos propuso desde un principio tratar la voz como si fuese un instrumento más y nos resultó atractivo. Es cierto lo que dices, en ocasiones se encuentra muy “metida” en el tema pero ya te digo que es una cuestión de concepto del disco en general, más o menos acertada, pero es lo que queríamos. Estamos muy satisfechos.■ PARTICIPA EN WWW.FACEBOOK.COM/MONDOSONORO

serigrafías firmadas de

MAXÏMO PARK (Gira española en octubre)

formados por un póster firmado y una camiseta Consulta los ganadores de los sorteos en nuestra web. Entra y participa ¡¡¡SUERTE!!!


NOVIEMBRE 2012


CELÉBRALO CON NOSOTROS


RUSSIAN RED VERSIONA THE BEATLES

RUSSIAN RED THE BEATLES

BARCELONA Viernes, 19 oct Sant Jordi Club MADRID Sábado, 20 oct Sala San Miguel MÁLAGA Sábado, 27 oct Sala 101 ZARAGOZA Viernes, 2 nov Sala Oasis BILBAO Sábado, 3 nov Rockstar Live

Precio: 13€ + gastos / 16€ en taquillas Venta: Red Ticketmaster www.ticketmaster.es / 902 150 025 ?G:<(<Zkk^_hnk(HÛ\bgZlAZe\·gObZc^l www.sanmiguel.es 5,4º San Miguel recomienda el consumo responsable.


MondoSonoro Octubre 2012 nº199