MondoSonoro febrero 2018

n ó r t a Sin P r o a W y s o Nat

FOTO: SERGIO ALBERT

Nº 258 Febrero 2018 www.mondosonoro.com

TALCO, CHARLOTTE GAINSBOURG, MUJERES, EL PETIT DE CAL ERIL, LOS AUTÉNTICOS DECADENTES, MELANGE, PERRO FERMIN MUGURUZA ETA TSOWC, DEMOSCÓPICAS, CALEXICO, THE ZEPHYR BONES, CHELIS, ATOM RHUMBA, LAGARTIJA NICK

FOTO: ARCHIVO

5/Mondo freako

Talco Sin esperanza

Vuelve la punktchanka de Talco. Tres años después de Silent Town (Kasba Music, 15) un disco que ya anticipaba un sonido más maduro, la banda italiana presenta The Winner Isn’t (Punktchanka Records, 18), su disco más crítico y punk hasta la fecha, que presentarán con una extensa gira por nuestro país

D

ema, cantante y guitarra de la banda italiana, se ha acercado a Barcelona para presentar a los medios su nuevo material.

Está encantado con The Winner Isn’t, un disco producido por Bill Stevenson y Jason Livermore, quienes llevan años produciendo a bandas como Rise Against, NoFx o Berri Txarrak. “Tenemos una base punk muy fuerte, influenciada sobre todo por el punk californiano.

Cuando tienes un grupo todo el mundo quiere poner nombre a tu estilo y nosotros nos definimos como punktchanka,

pero muchos se olvidan de la base punk que tenemos y que se nota sobre todo en directo. La producción ha sido una consecuencia bastante clara de lo que queríamos hacer. Teníamos ganas de marcar más nuestra cara punk de una manera profesional, para ayudar a la banda a dar un paso adelante y seguir transmitiendo esa energía en directo”.

En el momento de su publicación, entendimos que Silent Town cerraba un ciclo, pero de alguna manera The Winner Isn’t puede entenderse como una continuación o una suerte de segunda

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parte. “Se parece mucho a Silent Town, pero tiene cosas muy distintas. Silent Town es un disco esperanzador, como una isla de todas las cosas positivas de Italia y de Europa. Nuestro nuevo disco no tiene esperanza. Habla de política y la política ahora son, en cierto modo, las redes sociales. Es un disco muy pesimista, de cómo hemos perdido la esperanza en las personas y en la tolerancia”. Además Talco analizan la situación desde un punto de vista bastante irónico, dicho sea de paso. “Son los dos componentes del disco, ironía y pesimismo. The

3 febrero 2018 #5

MONDO FREAKO FOTO: archivo

LA MÍA

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“Queremos ironizar mucho sobre eso: las redes, los falsos periodistas buscando escándalos, las políticas populistas…”

Winner Isn’t es muy crítico e irónico. Nos centramos en la falta de consideración a lo que es la propia persona, el individualismo y la búsqueda constante de popularidad. Queremos ironizar mucho sobre eso: las redes, los falsos periodistas buscando escándalos, las políticas populistas…”. Aunque ese tema sobrevuela todo el disco, en una de las canciones en las que más se ve todo esto es en La veritá. “Musicalmente estoy muy contento con La veritá. Hemos escrito en el séptimo disco una canción que la gente puede cantar en directo como los viejos temas. Después de seis álbumes hubiese sido aburrido seguir hablando de lo mismo. Otro tema del que también estoy muy orgulloso es Silent Avenue, que tiene un componente autobiográfico muy importante. Estoy aquí en mi mundo en el que no todo es feliz y hay cosas que me molestan. Esas cosas son el foco principal del disco, tratadas de diferente manera.

Queríamos focalizar la falta de nivel cultural, la búsqueda constante de popularidad en las redes sociales y el individualismo. En cierto modo, las redes sociales se han convertido en la nueva política. La política la hacen las personas y cada vez estamos más absorbidos por las redes. Muchas veces miro los comentarios en nuestras redes y de diez positivos me centro en uno negativo. No podemos estar ajenos a las redes sociales ya que tenemos que promocionar a la banda, pero hay que mantener siempre el control y comprenl Madrid der que cuando llegas 02 de marzo. Sala But a mucha gente habrá l Barcelona comentarios negativos y 03 de marzo. Razzmatazz contextualizarlos. Cuanl Vitoria do era pequeño pensaba 13 de abril. Jimmy Jazz que Internet sería una l Valladolid oportunidad única para 14 de abril. Sala Lava informarnos y comunil A Coruña carnos, pero parece que 20 de abril. Playa Club está resultando de la l Oviedo peor manera posible”.

21 de abril. Sir Laurens

LA GIRA

Talco en Europa

T

alco siempre ha sido un grupo con vistas a Europa más que ceñirse a Italia. De hecho, durante un tiempo, el grupo aseguraba tener más fans fuera de Italia que en su propio país. Ahora falta saber si tras siete álbumes eso ha cambiado. “Después de siete discos es algo diferente, porque tenemos la oportunidad de organizarnos entre nosotros. Ahora invertimos nosotros, buscamos las salas, la promoción… Es muy diferente a cuando empezábamos. Nos tenemos que mover mucho, pero ahora veo la oportunidad de una buena gira por Italia. Pero nosotros no dejamos de ser una banda europea, de setenta conciertos podemos tocar siete en Italia. Nuestra situación en Italia todavía está por detrás de lo que conseguimos en países como Alemania o España”.

De ahí que en el disco hagan un guiño a sus clásicos en diferentes idiomas: “Es un juego y un regalo que podemos hacer a los fans que nos han seguido en esos países.

Nos han preguntado muchas veces sobre cantar una canción alemana, española... Ha sido divertido, sobre todo el castellano porque tocamos mucho en España. Es algo raro y también curioso escuchar St. Pauli en alemán”. —m. g.

Mea culpa

L

a democracia, de la que mucho se habla de un tiempo a esta parte, sirve para cargarse de razones pero también para disparar contra la masa, ese enemigo amorfo, ese zombi manipulable. Todo según venga la feria, claro. En la prensa musical también tenemos nuestras primarias, nuestras generales y hasta algún que otro referéndum, y de hecho en nuestro caso las consultas tienen periodicidad regular en forma de listas de lo mejor del año. Precisamente acabamos de recibir aquellas a las que dan forma los votos de nuestros lectores: Vetusta Morla, Los Planetas y Rufus T. Firefly ocupan los tres primeros puestos en lo que a discos nacionales respecta, mientras The National, Arcade Fire y The XX son sus (nuestros) álbumes internacionales de 2017. Los votos de la gente no hacen más que confirmar algo que ya sabíamos, y es que la popularidad de algunos grupos está muy por encima de sus discos.

También de propuestas más valientes que tardarán todavía años en cuajar y que, en cualquier caso, es probable que nunca lleguen a hacerlo al nivel de los citados.

Tampoco es cuestión de ponernos demasiado exigentes con la voz de la soberanía popular cuando un vistazo al paisaje general se revela desolador. No es de extrañar. teniendo en cuenta que desde tiempos inmemoriales los responsables de programación de las televisiones prácticamente limitan el tratamiento musical en estas a Talent Shows. Lo denunciaba recientemente Fernando Navarro desde El País a propósito del agravio comparativo entre la cobertura de OT y el concierto de homenaje a Cecilia. Hoy hasta nos intentan vestir este aparatoso karaoke de producto deluxe. Y lo sorprendente es que incluso hay quien lo compra.

Pero tampoco tenemos que irnos tan lejos a la hora de señalar el concurso de popularidad en el que poco a poco se ha convertido el periodismo musical. Desde que Internet se impuso como el vehículo informativo más inmediato y efectivo, quien más quien menos, las cabeceras vivimos obsesionadas por los rankings estadísticos y conceptos como los “usuarios únicos”, la “audiencia” o el “porcentaje de rebote”. Es lo que en términos futbolísticos podría calificarse como “resultadismo”, una actitud que progresivamente ha hecho mella en el libre albedrío del periodista musical, atropellado por el peso de las matemáticas y el marketing. Y en esas estamos. Contabilizando escuchas de Youtube, prestando más atención a las propuestas de un manager influyente que a nuestras propias orejas, demasiado temerosos de volver a equivocarnos como para ser mascarón de proa y vanguardia de nada. Lo que una vez fueron apuestas poco a poco se han convertido en quinielas, y los periodistas musicales cada vez estamos más cerca de transformarnos en algoritmo. Yo robot.

—jluis j. menéndez

—montse galeano

#6 febrero 2018

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Charlotte Gainsbourg contra el miedo

La polifacética Charlotte Gainsbourg vuelve con Rest (Because Music/Warner, 17), un disco con el que se dispone a vencer a sus fantasmas y que se antoja su trabajo más íntimo y personal hasta la fecha.

S

u vuelta se ha hecho esperar.

Ocho años han pasado desde que Charlotte Gainbourg publicase IRM (09), su último largo de estudio. “Soy muy lenta trabajando y siempre estoy liada con más cosas aparte de la música, por lo que necesito disponer de mucho tiempo para dedicarme a ella. Después del disco en directo [Stage Whispers (11)], a Connan Mockasin [músico de gira de Charlotte y uno de los productores del nuevo disco] y a mí nos entraron ganas de volver a tocar juntos. Después de la gira decidimos tomarnos un descanso, y fue cuando aproveché para ponerme a escribir letras propias. Él creaba las melodías y yo les ponía letra”. Aquí nace Rest, un disco con el que la hija más inquieta de Serge Gainsbourg y Jane Birkin se enfrenta a bocajarro con sus miedos y complejos infundados por unos progenitores demasiado talentosos. “Me sentía muy frustrada con los trabajos anteriores.

Sé que es culpa mía y que el hecho de haberme puesto siempre el listón demasiado alto tiene que ver con mi padre.

Siempre he cuestionado mucho mi talento a la hora de escribir en francés.

Antes prefería cantar en inglés precisamente para evitar compararme y que los demás tampoco lo hicieran. Siempre hubo una enorme influencia en lo que concierne al aspecto musical, pero nunca a los textos”. De hecho, fue Etienne Daho, el primero en animarla a escribir sus propias letras en francés. “Solía decirme ‘haz las cosas tú sola! ¡Inténtalo!’.

Siempre me animaba diciéndome que era capaz de hacerlo, que solamente tenía que ponerme. ¡Y mira si han pasado años hasta que me he decidido! De hecho, tiene mucho que ver el periodo en el que acababa de mudarme a Nueva York, hace ahora tres años, cuando por fin dejé de preguntarme constantemente si era lo suficientemente buena o no escribiendo en mi idioma. Cuando canto en inglés es fácil esconderme. Hay algo de demasiado honesto y directo cuando se hace en tu idioma. Siento que cuando canto en inglés lo hago de manera casi accidental. Digamos que como nunca estaba del todo segura de lo que escribía –nunca he dominado el inglés a la perfección– sentía que tomaba cierta distancia con los textos”.

Su mano derecha Beck fue otro de los músicos que la animaron a implicarse a fondo en el proceso compositivo de las canciones. Esta vez, sin embargo,

“La muerte es un tema que siempre está . presente en mis discos Es algo que me perturba enormemente”

CRÍTICA Rest

Because Music Pop 9/10

La mejor Charlotte El ser presentada al mundo como la hija de Jane Birkin y el genial y polémico Serge Gainsbourg siempre ha hecho que cada lanzamiento suyo genere una expectación que Charlotte nunca lograba satisfacer debido a unos trabajos pasables a los que se les achacaba principalemnte la carencia de algo que a sus padres les sobraba: personalidad.

Sus antiguas referencias estaban inundadas de colaboraciones y composiciones de otros, como Jarvis Cocker, Beck o el propio Serge. Una irregular carrera musical que había provocado que en los últimos tiempos se la ligara más por su faceta como actriz,. Pero como si de un golpe en la mesa se tratase, Rest echa por tierra cualquier idea concebida hasta el momento sobre su producción musical. Por primera vez, Gainsbourg puede presumir de obra personal, no solo porque ella misma ha escrito casi la totalidad de las canciones, sino porque a cada una de ellas les ha dotado de una lírica donde se abre emocionalmente en canal. —guillermo chaparro terleira

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la musa de Lars von Trier ha optado por arrimarse al productor de música electrónica SebastiAn, a quien ha encomendado la mayor parte de las labores de producción. No es casualidad. “Tenía ganas de jugar en este disco con un sonido de bandas sonoras y dotarlos de una atmósfera angustiosa en la que hubiera también elementos líricos. Por una parte contaba con referencias de películas de terror como El resplandor, pero también con las melodías orquestales de cintas como El desprecio o composiciones más grandiosas a lo Hitchcock. La idea era hacer algo brutal.

Algo que contrastara con mi voz pequeña y frágil”.

Rest habla de amor, de desamor, de sentimientos encontrados, pero sobre todo, de pérdidas. “La muerte es un tema que siempre está presente en mis discos. Es algo que me perturba enormemente, aunque supongo que es un miedo universal. Imagino que tiene mucho que ver el hecho de haber perdido a mi padre a los diecinueve, aunque

fue sobre todo sentir mi propia ‘muerte’ [estado al que llegó tras una hemorragia cerebral provocada por un accidente de esquí náutico] lo que de verdad me hizo ahondar en el tema. Antes del accidente siempre pensé que era una mujer valiente y que no temía a la muerte, pero resulta que no es el caso (risas).

Hacía poco que había ocurrido lo de mi hermana [el suicidio de su hermanastra Katy Barry] y necesitaba hablar de ello. Me daba igual si mi texto estaría o no a la altura. Quería hacer un disco personal y, de hecho, antes de aquello ya había escrito algunas canciones del disco como Sylvia Says, Les cocodriles o Lying With You, la que dedico a mi padre. Todas ellas tratan sobre temas muy íntimos y personales. No soy escritora y creo que soy incapaz de hablar de cosas que no me conciernen o de hablar de lo íntimo desde una óptica difusa”.

—dani r. mesa

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febrero 2018 #7

#8 febrero 2018

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FOTO: álex sardá

Mujeres Diez años en familia

“Teníamos un punto garage, pero estamos mucho más cerca del circuito indie” Un sentimiento importante (Sonido Muchacho, 17) sirve de celebración de los diez primeros años de carrera de una de las bandas imprescindibles del pop con tintes garage de nuestro territorio. Para eso y para abrir una nueva etapa en su trayectoria.

C

on ellos se cumplió el dicho y lo que no les mató les hizo más fuertes. Tras un tercer largo espectacular, la salida de Martí Gallén, miembro original de la banda, hacia temblar los cimientos de una de las bandas más interesantes y más en forma del punk patrio. Pero con el décimo aniversario a la vuelta de la esquina, Yago Alcover y Pol Rodellar daban un golpe en la mesa decidiendo seguir adelante, reestablecidos como trío con el regreso a la batería de un viejo amigo como Arnau Sanz. “Sí es verdad que fue difícil”, apunta Yago.

“A partir de ahí pensamos en un cambio de grupo, en un cambio de nombre, en intentar otras cosas... Pero llegaba el décimo aniversario y en realidad íbamos a seguir nosotros así que era una cosa un poco absurda. Entre que medio nos convencieron, decidimos sacarlo adelante. Y yo creo que es tal vez el disco más redondo. También es corto, que lo pone más fácil, pero creo que coincidimos bastante en esto: queríamos hacer un disco lleno de caras A”. En todo caso, lo que sí es es un punto de inflexión crítico para el grupo que, sin embargo, aprovechaba la situación para ahondar en su propia esencia y abogar por la autosuficiencia a todos los niveles. “Se trata de referirse a cosas muy sinceras, muy nuestras. Forma parte de un proceso que hemos vivido como grupo, de querer empoderarnos permanentemente de lo que pasa”.

Era también un gran momento para resolver cuentas pendientes, y aquí llegamos al cambio más significativo: el idioma. “Hacía mucho tiempo que nos decían lo del castellano, y hacía mucho tiempo que lo veíamos, sobre todo con el último disco. Había una diferencia tan grande en la respuesta de la gente a las canciones en castellano... Ignorar eso es una estupidez. Total”. Y entre tanta nove-

dad, otra tan relevante como el cambio de sello, comenzando a trabajar con Sonido Muchacho en la idea de potenciar lo local y, ya de paso, escapar de la imagen de grupo cool. “El cambio de casa era para volver al terreno en el que nosotros nos movemos. La verdad es que nuestra

LA GIRA l Tarragona 2 febrero, El Cau l Valencia 3 febrero, La Pérgola de la Marina l Madrid 9 febrero, Joy Eslava l Huesca 10 febrero, El Ventiuno l Mallorca 16 febrero, Maraca Club l Talavera 22 febreroe, Fly to Manhattan l Sevilla 23 febrero, Fun Club l Málaga 24 febrero, Velvet l Oviedo 2 marzo, La Salvaje

música no es pretenciosa, nunca lo ha sido, ni creemos que tenga que estar envuelta de un halo de vanguardia. Cuando salimos en 2008 la cosa era como fresca y en aquel momento existía una moda, pero nuestra música es la que es”. Lo que seguro no es, y esto es algo por lo que la banda trabaja conscientemente, es un simple ejercicio de estilo. Ni una banda más de garage. “Éramos un grupo que teníamos un punto garage, pero nos movíamos también en el rock, en el soul o en las baladas. ¡No hemos tocado nunca con Wau y los Arrrghs! Ni creo que se nos haya emparentado con ellos.

Estamos mucho más cerca del circuito indie, también por cómo se ha trabajado el grupo”. —bruno corrales

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Los. CONCIERTOS. de mi Vida.

Matthew Caws (Nada Surf )

Los estadounidenses vuelven a nuestro país para celebrar el decimoquinto aniversario de Let go. Esta vez actuarán en Granada (13 febrero, Palacio de Exposiciones y Congresos) y Madrid (15 y 16 febrero, Teatro Barceló).

El primer concierto al que fui...

Simon & Garfunkel en Central Park (New York, 1981). Fui con mis padres.

Era a diez minutos de nuestra casa.

Nunca había visto a tanta gente junta, medio millón de personas, increíble. El ambiente era muy acogedor. Imagina el tipo de fan medio de Simon & Garfunkel, gente muy educada. Volvimos a casa caminando en la oscuridad, pero todos muy felices.

El peor concierto al que he asistido...

Honestamente no puedo decirte uno.

Por lo general suelo disfrutar en los conciertos, siempre veo cosas interesantes. Vi a Julian Cope en solitario en el Ritz de Manhattan alrededor de 1988. Iba vestido con un disfraz de conejo rosa y paseaba por el escenario hablando todo el rato. Después hizo un solo de batería, pero ninguna canción.

Seguramente para algunos fue el peor concierto que han visto en su vida, pero para mí fue uno de los mejores.

El mejor concierto al que he ido...

Paul McCartney en Fortaleza (Brasil, 2013). En la mitad de Yesterday escuché un extraño sonido que iba creciendo desde los asientos del recinto y que cada vez sonaba más cerca. Eran los aplausos de la gente, que no sonaron al final del tema, sino en medio. No era un mensaje simple, sino una especie de reconocimiento. Un gracias al artista por visitar Brasil, gracias por la música de nuestras infancias.

El último concierto al que he ido...

Laura Gibson en Portland Arms, en 2017. Laura está en el mismo sello que nosotros en Estados Unidos, Barsuk, y también en Europa, City Slang. Giramos juntos por Europa hace un tiempo.

Mi mujer y yo vivimos muy cerca del recinto, así que le ofrecimos a Laura una copa de vino después de las pruebas de sonido. Es bonito pasar un rato en la casa de alguien mientras estás girando. —MS

Los directos de SON Estrella Galicia 1 febrero Tulsa + Alberto Montero & Tórtel Sala But Madrid 2 febrero 15 Aniversario Café&Pop Torgal Raoul Vignal Jose Ignacio Lapido - Loco Club, Valencia 3 febrero Jose Ignacio Lapido - Joy Eslava, Madrid 15 Aniversario Café&Pop Torgal - Elle Belga 6 febrero Thalia Zedek + Damon & Naomiv-

Fun House Madrid 8 febrero Josele Santiago - Joy Eslava Madrid Ornamento y Delito - Fun House Madrid 13 febrero Nada Surf - Palacio de Exposiciones y Congresos de Granada 15 febrero Nada Surf- Teatro Barceló Madrid 16 febrero Nada Surf - Teatro Barceló Madrid

Pablo Und DestruktionEscenario Santander 22 febrero The Sonics + Thee Clogs + The Devils- Joy Eslava, Madrid Amateur + Giorgio BassmattiTeatro Lara Madrid 23 febrero Julián Maeso - Playa Club, A Coruña 24 febrero Freedonia - Porta Caeli, Valladolid 25 febrero 15 Aniversario Café&Pop TorgalNúria Graham

febrero 2018 #9

FOTO: JAVIER PEÑALVER

Fiesta Demoscópica El festival de los primeros Jump To The Moon

MONDO FREAKO

“Creemos que tenemos algo especial que nos ha hecho llegar a donde estamos”

Las Fiestas Demoscópicas de este año cambian de tercio.

La intención es sumar fuerzas y dar un buen empujón a los artistas participantes. Para ello hemos seleccionado a algunos de nuestros grupos emergentes favoritos del momento –venidos de distintas partes del país- para que se presenten en sociedad en un concierto muy especial. Será el próximo 15 de febrero en la sala Joy Eslava de Madrid. Lo que no cambia es que se trata una vez más de una fiesta gratuita.

Para conseguirlo, contamos con el apoyo de Lenovo.

L

os artistas participantes de esta edición tan especial son La Plata (Valencia), Jump To The Moon (Murcia) y North State (Barcelona). Además contaremos con la presencia de unos invitados de lujo, Maria Arnal i Marcel Bagés, responsables de 45 cerebros y un corazón, Mejor Disco Nacional del Año para nuestra revista (y entre los mejores de prácticamente todos los medios españoles). Como colofón final, actuará un grupo sorpresa que solamente se desvelará cuando la primera banda pise el escenario.

Puedes descargar tu invitación gratuita en: www.elfestivaldelosprimeros.com. Entre todos los que descarguen su entrada, entregaremos mediante un concurso un Yoga Book con Android de Lenovo. Para participar, tienes que responder a la pregunta: “¿Cuál es tu descubrimiento musical de este 2017?” en el mismo formulario de descarga de la #10 febrero 2018

entrada. Un jurado compuesto por miembros de la redacción de MondoSonoro elegirán al ganador, que será anunciado públicamente a partir del 7 de febrero. Y recuerda: la entrada solo es válida hasta completar aforo, por eso te recomendamos que estés con tiempo el día de los conciertos si no quieres quedarte fuera.

Las puertas se abrirán a las 19 horas.

La primera Fiesta Demoscópica se celebró en 1999 en un empeño de la revista por generar escena local, cuando era muy difícil para los grupos que estaban empezando darse a conocer fuera de sus ciudades de origen, y no ha faltado un año en que no se celebraran, llegando a expandirse a más de diez ciudades por toda la geografía peninsular y siendo testigo de los primeros pasos de grupos como Triángulo de Amor Bizarro, Russian Red, Lori Meyers, La M.O.D.A., Supersubmarina, La Bien Querida, Guadalupe Plata, Joe La Reina, Novedades Carminha, WAS y un largo etcétera.

Los murcianos Jump To The Moon son la expresión del instante adolescente. De canciones como flashes, como la vida a los dieciocho, como todo lo que sucede unos minutos antes de las dos de la mañana. SXTY (Mushroom Pillow, 18) es su diario y quizá el de toda una generación. Este mes podrás verles en concierto dentro de la gran fiesta demoscópica que MondoSonoro organiza en Madrid (15 febrero, Joy Eslava), con algunos de nuestros artistas emergentes favoritos.

E

s nochebuena y deciden salir a la calle a tocar unas covers que tenían publicadas en Youtube y pasa algo fuera de lo común. “Justo antes de acabar la última canción se acercó Paco Ganga (The Leadings, Lofelive, ahora en el trío GLAS) y nos dio su número. Fue muy guay, nunca te esperas que mientras es-

La Plata

tas tocando por la calle se pare alguien importante en el mundo de la música con intención de grabar algo serio contigo. A día de hoy tenemos una muy buena relación con él”. Poco después fichan por Mushroom Pillow, una de las discográficas importantes del indie patrio. “Nos sentimos muy afortunados.

Es algo que no nos esperábamos que

North State mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ocurriera tan pronto, sobre todo con las pocas oportunidades que hay para los músicos jóvenes hoy en día. Creemos que tenemos algo especial que nos ha hecho llegar a donde estamos”.

El salto cualitativo que supone el trabajo con una gran discográfica es un gran cambio. Un ritmo diferente, el trabajo en equipo y la comunicación entre los miembros, sumado a ese buen rollo que tienen entre ellos, fundamentan el proceso creativo de cada uno de sus temas. “Todos participamos en la composición de las canciones, muchas veces alguno de nosotros propone la idea y entre todos le vamos dando forma”. 2AM, el single de adelanto, ha irrumpido en el panorama nacional como la carta de presentación de la banda y se alimenta de un sonido fresco de melodías pegadizas en las que se puede intuir claramente la intención de Jump To The Moon y el camino que han comenzado. “Hay muchas canciones que significan para nosotros bastante, ya sea por lo que decimos o por el momento en el que las compusimos.

Este tema fue la elegido como primer single porque sabíamos que podía dejar con ganas de escuchar más”. Inevitablemente con todo lo nuevo surgen las comparaciones y aunque beben de influencias de bandas internacionales como The 1975, The Vamps o Swim Deep, ellos lo tienen claro. “Mola que te comparen con grupos de ese nivel, pero para nosotros son solo influencias que tenemos todos en común, con nuestra música intentamos hacer algo diferente y no parecernos a nadie”. El próximo mes de abril escucharemos al completo SXTY, el primer disco, grabado y producido por Paco Ganga y mezclado por Carlos Hernández, uno de los mejores ingenieros de sonido de nuestro país.

“Estamos muy contentos con el resultado final del disco, nos hemos esforzado mucho en el proceso de composición y grabación y también nos hemos divertido mucho, aunque ha habido momentos de agobio también porque teníamos que compaginarlo con el instituto, pero ha merecido la pena totalmente”.

—gerardo sánchez

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María Arnal y Marcel Bagés

El Petit de Cal Eril Integridad FOTO: ARCHIVO

TAN. CERCA. RRThe Prodigy se suman como cabezas de cartel al Tsunami Xixón.

Será la única fecha de los padres del punk electrónico en España durante este año, que así se suman a un cartel con protagonistas como Bad Religion, The Hives, Lagwagon, Millencolin,, Los Coronas, o Viva Belgrado. El festival se celebrará los días 3 y 4 de agosto en Gijón. Puedes mantenerte informado en: www.tsunamixixon.com RREl madrileño Mad Cool no deja de presentar novedades. Esta vez son quince nuevos nombres que incluyen a Jack White, Eels, Young Fathers, Leon Bridges, Kevin Morby, Wolf Alice, Daniel Avery, Toundra o Rufus T. Firefly. Os recordamos que el festival se llevará a cabo los días 12, 13 y 14 de julio en Madrid y que destacan nombres como Massive Attack, Pearl Jam, Franz Ferdinand, Future Islands, Queens Of The Stone Age, Tame Impala, Nine Inch Nails, The Bloody Beetroots o Fleet Foxes.

RREl festival madrileño Tomavistas inició el 2018 dando a conocer un par de nuevos e interesantes nombres que se suman a su parrilla para este año (25 y 26 de mayo en el Parque Enrique Tierno Galván). Se trata de los británicos Django Django –que presentarán Marble Skies- y de los argentinos Él Mató A Un Policia Motorizado. www.tomavistasfestival.com RRAprovechando su presentación en Fitur 2018, el festival Weekend Beach de Torre del Mar (Málaga) ha anunciado como sorpresa para su quinto aniversario la presencia de David Guetta en su quinta edición (del 4 al 7 de julio). Guetta se suma a un cartel del que también forman parte The Offspring, Izal, Bunbury, Jimmy Cliff, Alborosie, Loco Dice o Adam Beyer, entre otros. www.weekendbeach.es RREl Low Festival, a celebrar a finales de julio (del 27 al 29) en Benidorm, incorpora seis nuevos nombres a su cartel: los noruegos Kakkmaddafakka y las bandas nacionales Novedades Carminha, Belako, Modelo de Respuesta Polar, La Habitación Roja y Alien Tango.

Todos ellos se suman a nombres como The Chemical Brothers o Phoenix. www.lowfestival.es RREl Sónar, que los días 14, 15 y 16 de junio celebrará en Barcelona su veinticinco aniversario, deja el cartel casi cerrado con esta nueva tanda de confirmaciones. Entre las novedades destacan Thom Yorke, Laurent Garnier, Diplo, Rosalia, Niño de Elche, Henry Saiz, Óscar Mulero, Preditah, Fatima Al Qadiri, Yung Lean, Nathy Peluso y Oddisee. www.sonar.es —MS

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r “Intentar vivir de hace música y grabar discos es casi una utopía” Joan Pons siempre ha ido a la suya al frente de El Petit de Cal Eril. Lo ha demostrado disco a disco, siendo un ejemplo de integridad y de libertad. Ahora publica △ (Bankrobber, 18), un disco que ha gestado la banda al completo, fruto de la magia que desprendían sus conciertos del año pasado.

J

oan Pons es una persona sencilla, cercana. Quedas con él y lo primero que te sorprende es el teléfono móvil que utiliza. “No me gusta esa dependencia del móvil, aunque esto también tiene sus daños colaterales, pero son soportables. Ahora ya no recibo mensajes SMS de casi nadie, de mi madre o de alguien que me busque desesperadamente pidiéndome que le llame. A mí me gustan muchos los aparatos viejos, en cuanto a música, las guitarras, los micros... Me interesa más cómo se grababa antes a cómo se hace ahora. Me siento muy vintage en ese sentido, pero tampoco soy obsesivo”. A partir de ahí hablamos unos minutos sobre el estudio. Pons se siente libre allí, tanto que no se dedica únicamente a su grupo, sino que trabaja con quien se lo pida si existe una buena sintonía. “Intentar vivir de hacer música y grabar discos es casi una utopía, aunque todo ayuda y todo suma. Yo he aprendido grabando mis cosas antes de empezar a trabajar con otros. Es un causa-efecto. Tal y como está la industria, necesitas tener tu propio material para sacar discos, si no es muy difícil mantenerte económicamente. Ya no te puedes plantear las cosas como un grupo de hace veinte años, que llegaba a un estudio e inmediatamente cobraba por elo. Yo digo que vivo alrededor de las frecuencias”.

Pero hablemos de su nuevo trabajo, la suma de tres Ep’s, grabados cada uno en un estudio diferente: Figure 8 (Nueva York), El Teatre de Ca L’Eril (Guissona) y una casa llamada Mas Franch (Sant Feliu de Pallerols). “A mí me encantan los estudios y, por desgracia, no tenemos muchas oportunidades de hacer algo así. Me encanta conocer técnicas diferentes, aparatos diferentes, algunos más nuevos y otros más antiguos. Es una pasión. Los micrófonos, las mesas, los es-

pacios... Con este disco quisimos montar nuestros propios tinglados y eso que, al final, como estudio serio solamente tuvimos el de Nueva York. Queríamos vivir esa experiencia, así que estuvimos diez días y veíamos dos conciertos diarios.

Aquella ciudad es imparable, incluso tocamos allí la última noche. Enriquecer un proyecto como el nuestro viajando tiene mucho valor, dejarte influir por otra gente y aprender cosas nuevas. También

en concierto l Granollers 10 de marzo. La NauB1 l Lleida 17 de marzo. Cafè del Teatre l Barcelona 22 de marzo. Sala Apolo l Madrid 04 de mayo. Siroco

grabamos en casa. Concidió que después teníamos una semana libre y la aprovechamos”. El resultado de este experimento es un disco más pop y también más compacto, quizás consecuencia de haber tocado tanto en directo. “Cuando escuchas los epés por separado sí que se nota la diferencia, pero en el CD no se nota tanto porque el orden es distinto. Yo me doy cuenta porque lo sé. Tiene gracia, porque has grabado en un estudio de puta madre en Nueva York y después lo has hecho en un cuchitril y no se nota la diferencia, una cosa que me divierte más todavía. Al final, la música va más allá de los aparatos. Es una cuestión más de energía”. —toni castarnado

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febrero 2018 #11

#12 febrero 2018

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Eskorzo Te van a calentar

Pasa el tiempo y los andaluces Eskorzo continúan virando estilísticamente en cada uno de sus discos. Su nuevo Alerta caníbal (Rootsound Music, 17) es el ejemplo más claro.

F

eliz veteranía. Eskorzo ofrecieron su primer concierto en la Nochebuena de 1995, en el Camino de Ronda de Granada y hace ya veinte años que publicaron su primer disco. Abanderados del rock mestizo en el sur, a lo largo de esta década han cautivado al público alemán y han sentado cátedra en la ciudad. Entre los miembros del septeto se encuentran los propietarios de salas del pedigrí de Planta Baja –catedral indie– y Boogaclub –templo en el circuito europeo de música negra–, selectores a su vez en recopilatorios del sello Vampisoul. Superada su incursión en el afrobeat, y después juntar a Coque Malla con el mítico cumbiero mexicano Celso Piña en 2014, la banda se zambulle en las procelosas sonoridades de Latinoamérica en Alerta caníbal. En resumen: mucha cumbia bastarda, un par de rumbas y algún apunte salsero con ecos de bachata y vallenato. Las oportunas colaboraciones de Amparo Sánchez y El Canijo de Jerez redondean el que está llamado a ser uno de sus álbumes de referencia, El rebato antropófago del título obedece a las reflexiones de Tony Moreno. El cantante y letrista medita sobre las pandemias de la sociedad moderna en las oficinas de Rootsound, situadas en plena Puerta de Elvira, el principal acceso a Granada durante la dominación islámica. Parece una metáfora de la batidora cultural de Eskorzo. “Quizá estamos escuchando más música latina ahora, y lo hemos reflejado. La verdad es que somos un grupo todoterreno”, arranca.

“La ‘alerta caníbal’ tiene que ver con el post-Apocalipsis. Viene el fin del mundo y yo con estos pelos. Tengo una hija y tal vez le aguarda un futuro peor que el que yo me imaginaba con veintitantos. Hoy estamos de puta madre, pero mañana podemos estar comiéndonos los unos a los otros”, comenta Tony entre recomendaciones seriéfilas y la curiosidad confesa por el mecanismo mental del japonés Issei Sagawa, el Hannibal Lecter de la vida real. “La depresión y la ansiedad son la epidemia de nuestro tiempo”, zanja.

La fórmula de Eskorzo: argumentos que dan cosita, enfrascados en música vitalista. “La cumbia está de moda, por suerte”, reconoce. “Ocurrió lo mismo con el afrobeat. Me alegro de que la gente abra la mente poco a poco. Desde los inicios, Eskorzo siempre ha sido un grupo de raíz, ya sea con el rock and roll o con el reggae. Yo escucho música tirando a antigua. Mi visión fluye con retrospec-

tiva. Cuanto más ahondas en las músicas populares, no es que seas más puro, pero al menos estás menos contaminado por las tendencias. Nosotros tiramos de músicas con denominación de origen”.

Zeke Olmo, el percusionista, estudia en Cuba los orígenes tribales de la clave y otros ritmos latinos. A eso hay que sumarle que los granadinos avanzaron el material de Alerta caníbal en varias citas en Colombia el pasado mes de

noviembre. “Venimos de una etapa más africana. Igual que disponemos del rock and roll de Memphis y el blues de Chicago, la cumbia arrastra una base africana grandísima. La música latinoamericana lleva a África impresa”, cavila el vocalista. “Para mí, los pioneros del mestizaje aquí son Radio Futura. Hacen música moderna en los ochenta, y de repente, a Santiago Auserón se le abre un universo cuando descubre Cuba. Una revelación, como cuando The Rolling Stones empiezan a hurgar en el blues”.

Son las cinco de la tarde y el líder de Eskorzo embucha cerveza reclinado en el despacho de su manager. “Me sigo considerando un hippy que hace mestizaje”, admite a pesar de lo ajado del término. “Es que la palabra perroflauta se ha prostituido”, replica. “Los Muchachada Nui hacían gags muy graciosos pero muy cabrones sobre Manu Chao. No reniego de la etiqueta. Es como los grupos que rechazan la etiqueta de indies porque el término se aplica a la copia de la copia de la copia. Es decir, propuestas desvirtuadas. El discurso se vuelve muy pueril, básico, de primero de rock. Entran ganas de no pertenecer a eso. Nosotros somos puristas a la hora de buscar la raíz, pero no a la hora de usarla. Paraísos artificiales (2009) nos salió más pop y este disco nos ha salido más latinoamericano.

La banda es un ente orgánico. Influye la etapa de tu vida. Es como la etapa azul de Picasso. No es que ahora los indies estén descubriendo la cumbia: ¡es que la están mirando sin los putos prejuicios! Ojo, esto pasó en el reggae: Bob Marley asistía

a las fiestas de Andy Warhol y era amigo de Mick Jagger. Lo importante es ser auténtico y sincero”.

Al final llega la rareza del paquete, una audaz recreación de Guns Of Brixton, aquella perlita de The Clash en la que jugaban con el reggae. Tampoco debe extrañar: en 2004, Eskorzo sugerían un London Calling a modo de tango en Busco. “Estábamos en el local de ensayo, hablando de Granada Ciudad del Rock y de la influencia de Joe Strummer en estas calles. Considero a The Clash un grupo de mestizaje. Guns Of Brixton es una canción muy valorada por la comunidad reggae. Observamos que funciona como cumbia, con ese fraseo de guitarra eléctrica. Adaptamos la letra, orientándola hacia los desahucios”.

—eduardo tébar

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en concierto l Almería 02 de febrero. Madchester Club l Murcia 03 de febrero. Garaje Beat Club l Málaga 23 de febrero. La Trinchera l Sevilla 13 de abril. Sala X l Badajoz 14 de abril. Sala Aftasi

h “Considero a The Clas . un grupo de mestizaje Guns Of Brixton es una canción muy valorada” ae por la comunidad regg

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FOTO: JAIME WALFISCH

MONDO FREAKO

febrero 2018 #13

MONDO FREAKO

Melange ¿Quién dijo rigor?

RR Dolores O’Riordan, que saltó

TAN. LEJOS.

a la fama como cantante de la banda irlandesa The Cranberries, ha fallecido repentinamente a los 46 años, según ha informado su representante en un comunicado. The Cranberries saltaron a la fama en 1995 con la publicación de No Need To Argue, un álbum que llegaría a vender 18 millones de copias en todo el mundo y que contenía un hit del calibre de Zombie, canción con connotaciones políticas que denunciaba la situación de Irlanda del Norte y que alcan-

Calexico Vuelta a lo esencial

FOTO: ARCHIVO

Eso que ellos mismos llamaron folk-rock nómada para el siglo XXI, presentándose con un sorprendente doble álbum, ya tiene continuación con Viento Bravo (Discos Tere/Beyond Is Beyond, 17), mostrando un lenguaje propio que nace de la diversidad y combina herencia e innovación, psicodelia y folclore, rock y bossa nova, ritmos africanos y músicas mediterráneas.

za en estos momentos 652 millones de visualizaciones en Youtube. Y, desde luego, si había algo distintivo en la música de The Cranberries era la interpretación de O’Riordan, capaz de saltar de la dulzura a la rabia en un golpe de voz. Aunque The Cranberries nunca llegaron a superar la trascendencia de aquel segundo álbum, la banda publicó desde su formación en 1989 siete álbumes, el último de ellos el pasado 2017, y llegaron a vender más de 40 millones de discos a lo largo de su carrera. O’Riordan también publicó dos discos en solitario y otro al frente de D.A.R.K., un proyecto junto a Andy Rourke (The Smiths).

RR Ya hay fecha de lanzamiento para el

En The Thread That Keeps Us (City Slang/Music As Usual, 18), noveno disco de la banda de Arizona, Joey Burns (guitarra y voz) y John Convertino (batería) insisten en su apuesta por nuestra mejor versión en un mundo desquiciado.

tamente chocante, pero creo que va a haber un punto de inflexión. Como dijo Obama: ‘esto no es una carretera recta.

Hay muchas curvas’”. A ello, Burns añade: “Nos ayudó mucho llegar al verano en que grabamos con estas experiencias. Para nosotros ha sido una catarsis, y estoy seguro de que lo será también para la gente que se meta en el proceso creativo. Por eso nos gusta tanto hacer esto, es una buena manera de liberar los sentimientos de otros.

Siempre tratamos de conectar. Hay demasiado extremismo y muchas amenazas. Y creo que es el momento de dar un pasito atrás para volver a apreciar las cosas esenciales”.

En lo estrictamente musical, canciones como el single End Of The World With You se inspiran en bandas como The Replacements o Pavement.

La idea era buscar más accidentes en el estudio. El vocalista admite que “eso es precisamente lo que me gusta de esos grupos, que tienen un sentido lúdico.

En gran parte del pop que se hace aho-

N

o corren buenos tiempos para el “humanismo”, pero no se me ocurre mejor apelativo para los dos músicos, con los que me encuentro en las oficinas de su distribuidora. El batería, hundido tras las elecciones, aún está asimilando la victoria de Trump. “Es obvio que hay una parte importante de la población a la que se puede engañar muy fácilmente. Tenemos Facebook y demás tecnologías, que funcionan como cajas de resonancia. El resultado es absolu-

#14 febrero 2018

nuevo álbum de los británicos Editors.

La banda de Birmingham lanzó In Dream en 2015, y llegó a alcanzar el quinto lugar en la lista oficial de álbumes del Reino Unido. Ahora han anunciado su próximo trabajo, que saldrá a la venta el 9 de marzo bajo el nombre Violence y a través del sello [PIAS]. Editors estarán presentando su nuevo disco en Barcelona (Razzmatazz, 26 de abril), A Coruña (Pelícano, 28 de abril) y Madrid (La Riviera, 29 de abril).

RR Tras cuatro años de silencio, EELS

regresan con The Deconstruction, cuya salida está prevista para el 6 de abril a

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E

l grupo de Miguel Rosón (guitarra y voz), Mario Zamora (teclados), Daniel Fernández (bajo, sitar y voz) y los hermanos Adrián (batería) y Sergio Ceballos (guitarra y voz) -éste último incorporado justo tras la grabación de aquel primer trabajo- ha vuelto a Granada, concretamente a la zona de Las Alpujarras, para grabar Viento Bravo. (Miguel) “Las canciones de por sí ya eran más directas que en el anterior. No son tan largas, a lo mejor no tienen tantos desarrollos ni tantos cambios, a pesar de que mantienen el mismo estilo, incorporando también otras cosas que nos ha apetecido meter en la receta. No son canciones pop, con estribillos y estructuras muy definidas, pero sí son más concretas. Además, esta vez hemos grabado en cinta, lo que hace que no te puedas recrear tanto en los recordings; llevártelo todo a veinticuatro canales hace que tenga que estar más pensado.

Con algunas tomas de voz, por ejemplo, tuvimos que hacer como The Beach Boys: meternos en la cabina, cantar

al micro a diferentes distancias y no fallar”. Efectivamente, estamos ante un disco más directo, y por eso mismo quizá también más pensado, aprovechando el momento y la buena acogida con que público y crítica recibieron su debut. (Miguel) “Veníamos con mucha inercia, y de hecho hemos dejado atrás canciones que ya teníamos entonces, que fueron descartes, y que tampoco hemos utilizado ahora, porque han ido saliendo otras y queríamos ir a lugares distintos. La banda genera ideas, lo que es muy importante para nosotros. Ahora ya podríamos ponernos a cerrar un montón de temas para un disco nuevo”.

Lo que no cambia en ningún caso es el gusto por el folclore y por una asombrosa capacidad para mezclar estilos que aparentemente pueden tener muy poco que ver, desde la melodía griega de Oxi a la bossa nova que asoma en Splendor Solis, que conviven con los desarrollos más habituales de cortes como Río revuelto o el incendiario galope psicodélico de Armas preparadas, un tema libertario por naturaleza -“el

l Sevilla 9 marzo. Sala X l Murcia 4-5 mayo. WAM Estrella Levante, Recinto Ferial de la Fica l Madrid 25-26 mayo. Tomavistas, Parque Enrique Tierno Galván

que ellos hacen para calcarlo, en plan etnología musical, sino que coges aquellos elementos que te pueden interesar.

Al final es lo que creo que pasa con las influencias en todos los campos. Las formas de mezclar todo eso que ya está inventado son nuevas, y ahí es donde puedes tratar de innovar de alguna manera. Creo que la música en ese sentido es transgresora, con un relativo respeto a las formas”.

—enrique peñas

15M lo viví desde fuera, en Austria, con mucha pena de no poder estar aquí; en realidad es lo que me hubiese gustado que hubiera pasado, estaba pensando directamente en 1871 y la Comuna de París”, comenta Sergio-. (Miguel) “Es como si actuásemos con una cierta falta de rigor a la hora de trasladar estilos. Pero no por dejadez, sino que se trata de cogerle el aire a algo que te mola y después tratar de introducirlo dentro de tu mundo de referencias. No es que te guste un tema griego y entonces te pongas a estudiar las estructuras

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The Shins Del revés

través de su propio sello, E Works.

En 2014, la banda liderada por Mark Oliver Everett lanzaba el que hasta ahora era su última referencia, The Cautionary Tales Of Mark Oliver Everett. Un trabajo con el que volvían a la senda del minimalismo y la elegancia a través de unas melodías y unas letras emotivas y sentidas. Ahora, vuelven con The Deconstrucion, definido por el propio Everett como “quince nuevas canciones que pueden inspirarte o no, sacudirte o no. El mundo se ha vuelto loco, pero si buscas, aún puedes encontrar cosas bellas”. —MS

ra me parece que todo está demasiado controlado, producido y medido. De vez en cuando me gusta que las cosas estén más relajadas. Hay cierto control de calidad en lo que hacemos, pero, al mismo tiempo, nos mantenemos abiertos. Es un equilibrio entre el oficio y cierta espontaneidad”.

Grabado en el salvaje norte de California por su ingeniero Craig Schumacher, el álbum muestra las diversas caras de un grupo que vuelve a coquetear con el folk y los sonidos fronterizos y se atreve con algún experimento, pero con canciones más breves y directas. (Burns) “Hay un equilibrio entre luz y oscuridad. Queríamos reflejar la naturaleza ecléctica del grupo. Me encanta que te abra diferentes ventanas, capítulos, lados. Es como volver a casa y preguntarte: ‘¿Cómo demonios se torció todo? ¿Por qué estamos aquí, tres pasos atrás? ¿Qué coño está pasando?’”. Grabar en California no les pudo salir mejor. (Convertino) “Está muy bien salir de casa. De igual manera que

LA GIRA

James Mercer le ha dado la vuelta a la secuencia de canciones de Heartworms (Sony, 17), y además las ha reinventado. Un juego de espejos que ha salido tan bien que The Worm’s Heart (Sony, 18) supera por momentos a su hermano mayor.

E grabamos en México Edge Of The Sun y Algiers, en Nueva Orleans. Carried To Dust fue mezclado en Austin, Texas. A veces necesitas salir de donde estás para centrarte. Tuvimos la oportunidad de estar rodeados de naturaleza y apreciar la experiencia en toda su dimensión. Stinson Beach es un estudio que tiene grandes ventanales a través de los que puedes ver mientras tocas, lo cual es bastante raro. Lo disfrutamos muchísimo y fue muy inspirador”. —jc peña

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l pop está necesitado de aventuras como la que ha planteado el compositor de Honolulu. Con él conversamos acerca de una marcianada que se ha beneficiado de un enfoque más colectivo con la participación de músicos como Dave Allen (Gang Of Four) y menos perfeccionismo patológico. Lejos parecen quedar los tiempos oscuros de la ansiedad y la depresión. “Me suelo sentar en la mesa de la cocina para trabajar y mi mujer se enamoró de las canciones en acústico -me explica por teléfono-. Me planteó la idea de hacer una versión acústica.

La cuestión es que ya teníamos algunos temas en ese formato, así que nos dijimos: ¿Y si regrabamos el disco con un enfoque totalmente opuesto para cada canción?

Así empezó todo”. El sello decidió retrasar Heartworms unos meses, de modo que Mercer pudo centrarse en el proyecto con los músicos con los que iba a salir de gira para apoyar el disco, como Yuuki Matthews y Jon Sortland, que, también se involucraron en la producción, permitiéndole un enfoque más “informal”. Mercer

confiesa haberse inspirado en la perspectiva relajada de artistas como Ariel Pink y Courtney Barnett. “La cosa tomó forma de una manera sorprendentemente rápida -confiesa, todavía sorprendido-. Ayuda siempre que todo el mundo tenga algo que decir. Este disco se planteó mucho más como un trabajo en equipo. El objetivo era hacer cada canción todo lo diferente que pudiéramos, pero manteniendo su atractivo, claro. Fue un reto y nos sorprendió lo bien que salió. Hasta algunas de las versiones nuevas son mejores que las originales.

Lo cual, si lo piensas, es una locura. Como al final el disco original se retrasó tanto, podríamos haber metido algunas canciones en Heartworms, pero eso habría supuesto tratar el nuevo un poco como un álbum de caras B y ¡no queríamos hacer eso!”. “Ahora que lo pienso -añade, encantador- encuentro un poco de bravuconería en la idea de hacer esto (risas). Pero me gusta bastante eso de darte cuenta de que una canción funciona en diferentes formatos. Creo que demuestra también lo importante que es el concepto de ‘producción’”. —jc peña febrero 2018 #15

FOTO: NEELAM KHAN VELA

WALA. WALA.

“Manta Ray nos separamos justo en el momento en el que teníamos que hacerlo. Y tocar cada cinco años es maravilloso porque a los cuatro nos provoca unas emociones difíciles de describir” Xabel Vegas, de Manta Ray, en Muzikalia.com

“sería todo un triunfo para nosotros que, algún día, nos conozcan en Chile y nos inviten a hacer un concierto”

“Maika (Makovski), Sanjosex, Paul Fuster, Josele (Santiago), Edgar Ramentol (Very Pomelo)… Por mucho que te hayan influido The Beatles, más te marca la gente que tienes alrededor, y quizá de eso no somos tan conscientes” Xarim Aresté, en El Periódico

“Creo que hacer canciones supone desnudarse mucho y más cantarlas en público, siempre lo he sentido así.

En ocasiones puede ser incluso humillante” Ferran Palau, en Jenesaispop.com

“Quiero llorar cada jodido día, pero siempre lloro el día de Navidad. Es algo que me hace sentir jodidamente deprimido” Justin K. Broadrick, de Godflesh, en Factmag.com

“Hubo una fiesta en mi casa en los noventa y vino Ewan McGregor.

Le acababan de dar el papel de Obi-Wan en ‘Star Wars’ y como tenía dos espadas de luz en casa, le dije: ‘vale, pues enséñame tus dotes” Noel Gallagher, en www. starwars.com vía NME

#16 febrero 2018

The Zephyr Bones Sueños por cumplir Tras la excelente acogida de sus pasos previos, el cuarteto chilenocatalán The Zephyr Bones va a por todas con Secret Place (La Castanya, 17), su debut en larga duración y la consolidación de su propuesta.

C

on todo lo que se ha hablado de ellos parece mentira que no haya sido hasta ahora cuando The Zephyr Bones se hayan atrevido a lanzar su primer largo. El cuarteto chileno-catalán ya fue Demoscópico de esta casa con sus primeros temas y su Ep de 2015, Wishes/Fishes, fue uno de los mejores secretos guardados del pop con reminiscencias surferas de tiempos recientes. “Para nosotros aquel EP era un álbum en sí porque mostraba claramente nuestra personalidad. Fue toda una declaración de intenciones. Musicalmente queríamos hacer algo fresco, y en cuanto a las letras aquellas canciones eran muy personales porque mostraban nuestro deseo de dedicarnos profesionalmente a la música, aquellos sueños que teníamos Brian y yo cuando vivíamos en Chile antes de venir a Barcelona”, cuenta Jossip sobre aquel momento.

Pero, ¿qué diferencia aquel EP de Secret Place, su reciente larga duración autoproducido para el sello La Castanya? Brian toma la palabra: “Sin duda, en este tiempo ha habido una clara evolución en nuestros conocimientos musicales porque hemos experimentado un montón. El sonido es el que buscábamos y los temas tienen una mayor atmósfera ahora, o al menos eso es lo que pensamos. Del EP se quedaron fuera veinte canciones por cuestiones de espacio, y esas piezas son las que hemos recuperado para el álbum.

En él hay de todo: muchos momentos románticos y difíciles, pero también mucha nostalgia. La sensación de pérdida es una de las cosas que más nos inspiran a la hora de componer”.

Cuando se les pregunta a los cuatro a qué suenan The Zephyr Bones ellos dan como respuesta que a “beach wave”, la particular forma que han encontrado para catalogar su música. “Se nos ocurrió en medio de una entrevista y la verdad es que lo define muy bien. La esencia de lo que hacemos es puramente pop, por supuesto, pero para nosotros es pop melodioso con guitarras y baterías surf”, contesta Brian. Por mucho que en sus inicios incluso coquetearan con la electrónica, al final descartaron la idea de que fuese un elemento esencial de su música. Aunque eso sí, el cuarteto confiesa que escucha de todo y que complementan muy bien entre sí sus gustos particulares. “A Brian le gusta mucho el krautrock y la electrónica, mientras que a Marc le pirra el metal o el jazz. Así en común podría decir que a todos nos gustan Toro y Moi o Beach Fossils, por poner dos ejemplos”, dice Carlos, el último a sumarse a la banda.

El lanzamiento de Black Lips el pasado año fue todo un punto de inflexión para ellos.

No obstante, aún tienen muchos otros sueños aguardando en la recámara. Por lo pronto ya han cumplido el de poder actuar en el Reino Unido, ya que hace pocas semanas presentaron el disco en Rough Trade. Pero tanto Jossip como Brian aún tienen pendiente hacer lo mismo en su Chile natal. “Cuando vivíamos allá éramos conscientes de que el circuito de conciertos era muy limitado y que, como mucho, podías aspirar a actuar en Argentina, Brasil o Perú. Por eso de siempre teníamos la mente puesta en Europa, aunque sería todo un triunfo para nosotros que, algún día, nos conozcan en Chile y nos inviten a hacer un concierto. De algún modo sería como cerrar el círculo”, confiesa Brian.

—cristina ortiz

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octubre 2017 #17

SHAME FOTO: archivo

MONDO FREAKO Girando Por Salas, hiperactivo en febrero

EN LA MALETA Chelis

Además de ser uno de los Dj’s más reconocidos de nuestro país, el aragonés Chelis es uno de los escasos ejemplos de artista cuya trayectoria no deja de mejorar año tras año. Le entrevistamos para celebrar sus dos décadas de carrera. Podrás verle pinchando en Barcelona (2 febrero), Valencia (17 marzo) o Donosti (21 abril).

A IVÁN FERREIRO FOTO: ARCHIVO

Quinto aniversario del San San Festival El festival levantino San San celebra su quinto aniversario. Será del 29 al 31 de marzo, coincidiendo con la Semana Santa.

Los nombres que se han sumado a esta gran fiesta de la música son, de momento, Viva Suecia, Elefantes, La Sra. Tomasa, Sidonie, La M.O.D.A., Juanito Makande, Iván Ferreiro, Rufus T FireFly, Muerdo, Txarango, Varry Brava, Arco, Meridian, Nixon y el grupo emergente Ñeku. Para redondear, habrá también carpa de Dj’s, zona de hostelería, mercadillo y areas de descanso, además de zona de acampara en la zona de Teresetes, junto al casco urbano de Benicàssim. Las entradas y los abonos ya están disponibles en la web oficial del festival, y en breve se darán a conocer más nombres. —MS www.sansanfestival.com

#18 febrero 2018

Nueva tanda de nombres para el FIB

lguna vez imaginaste que continuarías pinchando veinte años después?

Si te digo la verdad en estos veinte años nunca me he parado a pensarlo, sin embargo lo que sí estoy empezando a pensar es si llegaré a pinchar otros veinte años más.

—¿Cuál ha sido el principal cambio en estos últimos veinte años en el oficio de DJ en España?

La democratización de ser Dj. Hoy en día cualquiera con una inversión mínima puede pinchar. Las nuevas tecnologías y los torrent hacen que pinchar sea muchísimo más barato y más fácil que en nuestros inicios. Las posibilidades creativas también son muy superiores, pero sin embargo no veo casi a artistas que le saquen partido, lo que es realmente triste.

—Si vamos más a lo personal, ¿qué es lo que más te ha costado aprender a lo largo de estos años?

Dejar las canciones un rato más.

—¿Crees que algo se ha perdido por el camino y que lo has suplido con algo todavía mejor?

Creo que no. Por el camino he perdido un punto de locura lo cual no veo del todo como algo mejor.

—Siempre has sido un DJ reconocido por su heterodoxia. Pero, ¿serías capaz de ver etapas diferenciadas en tu trayectoria en estos veinte años de carrera?

Por supuesto. Según ha ido evolucionando la música en estos veinte años he ido incorporando nuevos sonidos a mis sesiones. Nunca he abandonado ningún estilo, pero tuve etapas muy marcadas por estilos como el wonky techno, breakcore, dubstep, bass music o footwork.

—¿Cuál crees que ha sido tu principal aportación al “oficio” de DJ en España?

Creo que frescura y atrevimiento. Si algo me ha gustado he encontrado la forma de introducirlo en mis sesiones.

Mi forma de pinchar casi nunca se adscribe a un solo estilo y ese espíritu freestyle creo que también es otra de mis señas de identidad.

—Para pinchar, ¿con qué te sientes más cómodo: vinilos, compactos, controladora, platos y pendrives? ¿Por qué?

Me siento más cómodo con el vinilo porque llevo más de veinte años usándolo, pero en los últimos años estoy usando mucho pendrive y también me siento cómodo amén de permitirme llevar el equivalente a veinte maletas de discos con el consiguiente agradecimiento de mi espalda que, ahora, con solo una maleta de vinilos es feliz.

—¿Cuál es el que consideras que ha sido tu principal logro como DJ? Quiero pensar que ayudar a abrir las mentes a otros Dj’s y conseguir que se hayan atrevido o atrevan a ir un poco más allá y a aportar personalidad y algo de riesgo a sus sesiones. Hay demasiados Dj’s clónicos y si he contribuido de alguna manera a cambiar esto ya soy feliz.

—¿Han cambiado mucho tus referentes a los platos a lo largo de estos años? ¿Quién sería el referente que más te ha marcado?

Mis referentes, salvo excepciones como Richie Hawtin, se han mantenido fieles a su forma de entender la profesión. Me ha marcado mucha gente pero creo que, por muchas razones, de mayor me gustaría ser como Andrew Weatherall. —MS

El FIB confirma trece nuevos nombres que se suman a los cabezas de cartel The Killers, que también estarán en la costa valenciana los días 19, 20 , 21 y 22 de julio.

Esta lista de novedades incluye desde a Liam Gallagher hasta al rapero Travis Scott, pasando por Two Door Cinema Club, Bastille, The Vaccines, Catfish And The Bottlemen, Wolf Alice, Everything Everything, Tune-Yards, Nothing But Thieves o Shame.

A todos ellos se suman además los grupos españoles Rusos Blancos y Melenas. Habrá más novedades en breve y los precios de los abonos y entradas cambian el 4 de febrero, así que te recomendamos que visites la web oficial del festival para estar informado de cualquier detalle. —MS www.fiberfib.com

KASABIAN FOTO: archivo

Un mes intenso para las veintiséis bandas que participan en la octava edición del ciclo Girando Por Salas. Artistas como Ed Is Dead, Núria Graham, Holy Bouncer, El Último Vecino, O Sister!, Apartamentos Acapulco, Isla Iglú, The Limboos, Barbott o Tigres Leones actuarán en diferentes salas y recintos del estado durante todo el mes.

Patrocinado por el Instituto de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) y coordinado por la Federación Coordinadora del Circuito de Músicas Populares, GPS tiene como objetivo apoyar a artistas emergentes de todos los estilos, tanto solistas como bandas, organizando conciertos dentro del circuito de salas de todo el territorio español. Te recomendamos echarle un repaso a todas las fechas en www.mondosonoro. com para tener la lista completa de actuaciones, ciudades, horarios, etcétera. —MS

Kasabian y Nada Surf, novedades del WAM Estrella de Levante El WAM Estrella Levante, festival que este año celebrará su segunda edición en la ciudad de Murcia, continúa presentando novedades en referencia al cartel de este año. Los primeros nombres que se anunciaron y que estarán presentes los días 4 y 5 de mayo en el festival fueron los de alt-J, Izal, Vitalic, !!! (Chk, Chk, Chk) o Yelle, pero acaban de sumarse dos grandes artistas. Por un lado, los británicos Kasabian, una de las bandas más disfrutables en directo, por otro, los estadounidenses Nada Surf, que pasarán por el WAM dentro de la gira de celebración de los quince años de su clásico álbum Let Go. —MS www.wammurcia.es

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“

Atom Rhumba Sugerente visceralidad

La siempre cambiante formación vasca adquiere la configuración constituida por Rober! -único miembro fundacional- Joseba Irazoki, Jaime Nieto y Félix Buff para una grabación, Cosmic Lexicon (El Segell del Primavera, 18), en la que coge mayor relevancia la insinuación frente a la expresión más salvaje

S

—kepa arbizu

r

”

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FOTO: ARCHIVO

iete años no son pocos -sobre todo en un mundo como éste que venera la inmediatez- en cuanto a tiempo tomado para la publicación de un nuevo disco. Ese es el espacio que precisamente Atom Rhumba ha dejado entre su predecesor, Gargantuan Melee, y el actual Cosmic Lexicon. Un parón que Rober!, la pieza estable desde el inicio del proyecto, sitúa en su justa medida. “La actividad de la banda se espaciaba cada vez más y no estábamos muy visibles, hemos seguido a baja intensidad. Un hecho clave fue la entrada de Félix Buff como batería.

Hizo que pudiéramos ensayar con más asiduidad y trabajar seguido”.

Cosmic Lexicon es un álbum que, pese al considerable intervalo en el que hay que circunscribirlo, responde a un criterio de clara contemporaneidad. “Excepto un par de temas que tienen muchos años, los demás son de relativamente hace poco, incluso tres o así de unos meses antes de empezar a grabar. Hemos hecho canciones que se quedaron en el camino, es verdad, incluso tuvimos un intento de hacer un disco antes, pero vimos que no funcionaba”. Como norma distintiva de la casa que es, la diversidad se presenta clave también en estas composiciones, acentuando si cabe dicha característica por la elasticidad mostrada para lograr alcanzar desde

la exaltación garagera de Voy cableado a los enigmáticos efluvios psicodélicos perceptibles en Tumba gris; el majestuoso medio tiempo “negroide” de Red Turning Blue o la delicadeza pop contenida en Tejedor de misterios. Un poliédrico contexto sin embargo nada extraño para su creador. “Siempre ha habido variedad, no creo que en este exista más, quizás haya alguna novedad que te pudiera dar esa percepción.

Siempre me han gustado los grupos en los que cada canción parece de un palo, pero no es algo buscado.

Salen canciones y no renegamos de ellas. Si la hemos hecho nosotros es nuestra, no entiendo por qué debe de haber un estilo claro, además somos muy variados en cuanto a gustos”. Entre todo ello otro elemento que llama la atención es la aparición por primera vez del castellano como uno de los idiomas vehiculares en los que se expresa el álbum, una determinación sujeta siempre a valoraciones. “Es cierto que nuestras influencias son anglosajonas y es mucho más fácil cantar en inglés por la fonética y prosodia. En castellano siempre he hecho cosas, pero las veía lejanas a Atom Rhumba. Joseba me ha ayudado mucho para probarlo, me lanzó a ello. Cantar en castellano te lleva a otros sitios y es bonito probar nuevos retos”.

Ahora ya solo queda el momento de recoger los frutos de un nuevo disco, fiel a su furioso eclecticismo y desbordante de matices, al que haber nacido bajo el manto de una estructura como la de El Segell del Primavera le proporciona un apoyo que induce al optimismo. “Nosotros íbamos a sacarlo autoeditado, nos llamaron a ultimísima hora, incluso tuvimos que pararlo ya que estaba en fábrica. Lo enviamos y la respuesta fue magnifica, no puedo decir más que buenas cosas sobre ellos. Nunca he tenido un contrato y un trato tan bueno. Que un sello con una maquinaria así detrás se interese por ti, tal y como están las cosas, demuestra que todavía hay gente que cree en el grupo”.

“Siempre me han gustado los grupos en los que cada canción parece de un palo” mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

febrero 2018 #19

0 9. 0 2 . 2 0 1 8

C d - l P - l P lt d

M a d C o o l , M a d r i d ( 1 3 . 7. 2 0 1 8 ) V i d a F e s t i V a l , B a r C e l o n a ( 2 8 . 6 . 2 0 1 8 – 1 . 7. 2 0 1 8 )

Hookworms Microshift

PorcHes the house

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#20 febrero 2018

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Los Auténticos Decadentes S Llega la decadencia Este verano Los Auténticos Decadentes visitarán nuestro país con ganas de demostrar por qué llevan treinta años poniendo a bailar media Latinoamérica. Y lo harán con un show que repasa buena parte de su carrera. La fiesta está asegurada.

i el año pasado eran Los Fabulosos Cadillacs los que acudían a varios festivales españoles a revindicar su legado dentro del rock mestizo latino, este año le toca el turno a otro de esos grupos grandes, muy grandes, en su Argentina natal y en el resto de Latinoamérica. Sin embargo, y pese a sus treinta y un años de carrera, Los Auténticos Decadentes no son tan conocidos en nuestro país como los Cadillacs, e incluso es probable que mucha gente joven que disfruta de bandas como La Pegatina no tengan ni idea de quienes son. “A todo ese público joven que no conoce nuestra carrera les diría que lo primero que tienen que escuchar es nuestro disco Mi vida loca de 1995, luego que sigan con nuestro primer disco y después con Club Atlético Decadente de 2006”.

El que responde a mis preguntas sentado cómodamente en el sofa de un hotel de Ciudad de México es Moska, percusionista de la banda, al que se le da muy bien eso de convertirse en portavoz del grupo. Se explaya como buen argentino en sus respuestas, trufándolas de anécdotas que tan pronto pasan por hablar de la plata que le devolvieron a la mamá de un amigo suyo, ya fallecido, que había puesto pasta de su bolsillo para que pudieran grabar su primer álbum, o explicar la enorme influencia que ejerció Casa Babylon (1994) de Mano Negra, salpicado con el recuerdo de aquella vez que les paró la policia con Manu sentado en la parte trasera de su auto.

Tres décadas dan para contar mucho y como el propio Moska me comenta: “A diferencia de otros, que igual llevan más de treinta años sobre un escenario, pero en algún momento de su carrera hicieron un parón, nosotros nunca hemos parado. Nuestro crecimiento fue lento desde el principio, tanto en Argentina como en el resto, por eso nos parece muy lindo haber celebrado nuestro treinta

con las veintipocas personas que fueron a verlos hace dos décadas en su primera visita a la capital Azteca. “Nosotros nunca hemos querido vender nada a la gente. Ellos se creyeron la verdad”.

La verdad. La verdad siempre depende del cristal con el que se mira, y en el caso de los Decadentes hay muchos vidrios en los que poner el ojo. Se les puede acusar de facilones, de que las estructuras de sus canciones son simples, pero ellos tiene una respuesta para todo.

“Nosotros venimos del punk. De una época en que lo que importaba de veras era la actitud y no si sabías hacer las cosas o no. Venimos del punk, del ska, del reggae, de la new wave... Una de nuestras mayores influencias fue la de Sumo, una banda formada por un italiano criado en Inglaterra que llegó a Argentina huyendo de la heroína, porque en nuestro país no hay amapola, y cuando llegó armó una

aniversario. Eso sí, seguimos mirando para delante. Mi amigo Cucho siempre dice que ‘lo bueno todavía está por venir’”. Ellos achacan su longevidad a dos aspectos que consideran vitales para el buen funcionamiento del grupo. Por un lado el sentido del humor que salpica todo lo que hacen, desde su puesta en escena a su música trufada de estilos populares. Por otro, que desde el principio han funcionado como una cooperativa en la que cada uno de ellos tiene un rol asignado. “Y te diré más... una parte de los derechos de autor van a un un fondo común del propio grupo, y gracias a ese fondo pudimos comprarnos nuestra casa en el año 93”. Viéndoles de forma superficial y desde fuera, nadie diría que este combo de hasta doce componentes tenga las cosas tan bien asigandas y engrasadas, pero lo cierto es que si estamos hoy aquí es porque en breve se van a presentar ante más de 60.000 espectadores en Ciudad de México. Un hito que contrasta

En directo desde México Me encuentro en el Foro Sol de México, un enorme recinto que aprovecha una de las curvas del circuito de velocidad de la ciudad para realizar espectáculos de carácter masivo. Hoy se esperan cerca de 60.000 almas que han sido citadas para disfrutar con Los Auténticos Decadentes.

Cuesta imaginar algo así en nuestro país.

No se me ocurre ninguna banda, que no sea de la órbita anglosajona como Muse, U2 o Coldplay, capaz de congregar a tanta gente tan predispuesta a corear las canciones con una pasión de la que aquí carecemos. Y es que, ya desde primera hora de la tarde, la riada humana mayoritariamente joven, se deja notar en los aledaños de un circuito en el que todo resulta de lo

banda de punk a modo de The Clash y cortó con todo el progresivo que se estaba haciendo en el país. Los Cadillacs en el 87 ponían entero el disco de Sumo antes de salir a tocar”. Y llegados a este punto la conversación deriva en lo mucho que la música española de la época les influenció en sus inicios. “Escuchábamos a Toreros Muertos, Los Inhumanos, La Polla, Kortatu, Loquillo... incluso hace unos años llegamos a hacer una colaboración con Los Chunguitos... Piensa que todos somos hijos de españoles o de italianos y para nosotros el pasodoble es algo muy común, incluso en Córdoba hay un ritmo muy parecido al pasodoble que le llaman cuarteto”. Y es que con Los Auténticos Decadentes la diversión está asegurada. —don disturbios

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más pintoresco, sobre todo visto con los ojos de un desubicado europeo. Pasadas unas horas y tras la actuación de los teloneros, Los Auténticos Decadentes se hacen dueños del escenario. Si bien al principio suenan algo embarullados, poco a poco el sonido de la banda se irá asentando para desplegar el gran show de fiesta y baile que han preparado. De hecho una de las características de los argentinos es su capacidad para parecer varios grupos en uno solo, como si sufrieran una especie de disfunción de personalidad múltiple en función de quién se haga cargo del micro.

Si Cucho y Moska representan el lado más canalla, Serrano ejerce el contrapunto más sereno y romántico de la banda con su aspecto de intelectual despistado. Un fantástico show de más de tres horas que ha desfallecido muy pocas veces y que ha logrado su objetivo: que todo sea una gran fiesta. —d.d.

LA GIRA l Carballeira 5 julio. Portamérica l Madrid 6 julio. Río Babel l Barcelona 7 julio. Grec l Gran Canaria 8 julio. l Palma de Mallorca 11 julio. Es Gremi l Ibiza 12 julio. Las Dalias

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“Nuestro crecimiento fue lento, por eso nos r parece muy lindo habe celebrado nuestro treinta aniversario” febrero 2018 #21

EN PORTADA

“

“Para mí, rap, trap, r&b, reggaetón… son la misma mierda, podemos hacer canciones guapas en cualquier ritmo.

Hay que acabar con las etiquetas”

LA GIRA l Pamplona 10 marzo. Zentral Kafe l Jerez de la Frontera 16 marzo.

Primavera Trompetera l Madrid 7 abril. Palacio Vistalegre l Villarobledo 28 abril. Viña Rock l Granada 18 mayo. Bull Music Festival l Málaga 4 julio. Weekend Beach Festival l Cádiz 5 julio. Cabo de Plata Festival l Almería 8 agosto.

Dreambeach Festival

S

e comenta en las calles, en los parques, en los festivales, que hay dos nuevos aspirantes al trono. Dos chavales que, basándose en un modelo de completa autogestión, han conseguido lo que todos desean.

Son Natos y Waor, Gonzalo y Fer, dos madrileños con los que sobran las presentaciones a estas alturas. Cada vez que cogen el micro el foco les apunta, y lo que comenzó como un hobby grabando maquetas en casa y pintando paredes, se ha convertido en una de las carreras con más éxito del rap en los últimos años. Creciendo y ascendiendo sin ayuda de terceros.

NATOS Y WAOR

Durante los últimos años han ido despedazando algunas de las mayores salas del país; sold out en prácticamente todas las ciudades. Hasta que, tras publicar a finales de 2016 Hijos de la Ruina vol. 2, decidieron que era el momento de un descanso. “2017 ha sido un año un poco raro para nosotros ya que no hemos dado apenas conciertos. En España, de hecho, ninguno. Nos hemos centrado en Cicatrices y hemos cogido impulso para volver a los escenarios con más fuerza”, reconoce Waor. Un tiempo de reflexión para recargar fuerzas, hacer conciertos en el extranjero (véase Londres) y dar el salto al siguiente nivel. “Fue un parón necesario porque llevábamos cinco años sin parar de girar... pero lo hemos echado de menos una barbaridad. El disco llega en un momento en el que teníamos que plantearnos el dar el salto de calidad musical y de profesionalidad que hemos dado.

La experiencia en el extranjero ha sido genial; estar en un lugar en el que no has estado jamás y ver una sala abarrotada de gente... no se puede explicar con palabras». El fruto de este paréntesis musical es Cicatrices, su sexto trabajo, “el álbum al que más horas de trabajo hemos dedicado, y estamos ilusionadísimos con él, deseando soltarlo ya y empezar a girar. Porque echamos de menos la vida pirata, aunque volverá en cuanto regresemos a la carretera”.

Su estilo bravucón y sus letras provocativas les han proporcionado miles de adeptos durante estos años, pero también hay quien les reprocha abusar de un estilo demasiado cerrado. Un vicio que se ha corregido en Cicatrices, tal como explica Natos: “Hemos intentado hacer un disco con diversidad musical y diferentes estilos. Aparte de que nos divertimos más, el resultado final se hace más ameno de escuchar… no haríamos un disco que fuera trece veces la misma canción”. Y lo han conseguido. Gracias a nuevos tonos, registros y estribillos que no habían probado antes, pero también gracias a ritmos diferentes que les han hecho ponerse a prueba frente al micro. “Este disco ha sido con diferencia en el que más involucrados hemos estado a la hora de la producción y la mezcla. Dependiendo de cada canción, es un proceso u otro. Pocas instrumentales se han quedado como nos llegaron de primeras. Todo ha pasado por las manos de Pablo Gareta y en cuanto al sonido ha sido un gran salto de calidad”. Así han conseguido huir de la jaula del encasillamiento. Porque, ¿para qué poner límites a la creatividad musical? “Para mí, rap, trap, r&b, reggaetón… son la misma mierda, podemos hacer canciones guapas en cualquier ritmo. Hay que acabar con las etiquetas. Ya suficiente libertad nos quitan por otros lados como para quitártela a ti mismo a la hora de escuchar música. La gente sería más feliz sin esas barreras mentales”.

Sin reglas y sin dueños

El dúo madrileño Natos y Waor vuelve a lo grande con Cicatrices (Autoeditado, 18), introduciendo nuevos recursos en su música, pero manteniendo la fórmula de gestión autárquica que les ha llevado a lo más alto. El disco estará en la calle el próximo 13 de febrero.

—texto Alfonso Gil —foto Sergio Albert

Hace unos años, el dúo nos confesaba que “sus padres eran sus primeros fans”. Resultaba paradójico ya que sus letras hablan de drogas, la vida en la calle, noches sin límites, resacas, desamor, sexo, cicatrices sin cerrar y un largo etcétera de temas que son tabú para otros grupos. Confesiones inconfesables, que diría Dalí, que siguen patentes en este Cicatrices. #22 febrero 2018

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S R

¿O no? ¿Estamos ante su trabajo más moderado?

Waor responde: «No creo que sea un disco más comedido, ya que no nos hemos cortado en expresarnos como siempre, sin pelos en la lengua. Quizá sí que sea el más maduro, pero hay temas para todos los gustos... y hay varias macarradas también». Sus letras, añade Natos, «siempre han estado influenciadas por nuestras vidas», pero ¿pesa la responsabilidad de influenciar también a miles de jóvenes con tanta sinceridad? «Sigue habiendo prejuicios y gente muy cerrada. El sistema educa a las personas para que no molesten y sean todos iguales, pero para nosotros es un orgullo acompañar a la gente en su día a día. Esperamos inspirar a chavales y chavalas a que persigan sus sueños, sea en la música o en cualquier otra cosa que les apasione». Ellos seguirán manteniendo esa autenticidad. De momento será con Cicatrices, pero seguro que pronto publican más “Barras Bravas”, canciones que liberan cada ciertos meses para mostrar que siguen vivos. “Hacer la serie ‘Barras Bravas’ es de las mejores decisiones que hemos tomado. A día de hoy, no puedes estar desde que sacas un disco hasta el siguiente sin cuidar a tus fieles, porque corres el riesgo de que se olviden de ti. Sin embargo si sacas cada cierto tiempo un videoclip es como si dijeras: ‘eh, cabrones, que seguimos a quí ¿eh? ¡No nos hemos olvidado de vosotros!”. —A.G.

Reyes del underground

U

no de los singles adelanto del disco fue Underground Kings, una canción en la que estos dos pavos reales sacaban a relucir sus plumas, fijando su posición dentro de la escena independiente. Ahora la cuestión es: ¿Se puede conseguir éxito sin perder la cabeza? “Aunque no lo parezca, tenemos dos dedos de frente. Últimamente hemos hablado del tema entre nosotros, parece que hay gente a la que le cuesta gestionar esto emocionalmente. Es cuestión de tener los pies en la tierra, estar seguro de quién eres y que no te afecten los halagos ni las criticas. Jamás hubiéramos dicho hace años que fuéramos a conseguir la mitad de lo que hemos conseguido... así que hace tiempo que no tenemos en mente un objetivo. Simplemente disfrutamos y trabajamos para hacer las cosas de la mejor forma posible. Cuando llegas a cierto nivel de popularidad es inevitable despertar envidias. La gente pasa a verte como un algo abstracto, olvidándose de que eres un mortal como ellos que intenta ganarse la vida como buenamente puede. A nosotros no nos afecta demasiado. Somos unos privilegiados... todo nos ha salido a pedir de boca, la verdad. No salimos en la tele ni en la radio. No tenemos ni queremos un contrato discográfico, y no es ni siquiera una cuestión económica. Aunque requiera bastante más trabajo, la libertad que te da ser independiente, no dar explicaciones a nadie, ser el dueño total de tu creación… no tiene precio. Estamos invirtiendo en nuestro futuro, porque lo que tenemos claro es que no vamos a tener jefe nunca más en nuestras vidas”.

—A.G.

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febrero 2018 #23

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febrero 2018 #25

FEBRERO 2018

CASTILLA LEÓN Y MADRID

EUSKADI

CASTILLA LEÓN

C.T. AVALON GREEN, SORIA 09/02/2018 GHOST NUMBERS

& HTG

MADRID

CLAMORES 21/02/2018 COSTELLO 10/02/2018

EUSKADI

DABA DABA, DONOSTI 02/02/2018 FUTURO TERROR 08/02/2018 FLAMINGO TOURS 17/02/2018 GHOST NUMBERS & HTG

CLARA PEYA GHOST NUMBERS & HTG

ARAGÓN ARAGÓN

LA BÓVEDA DEL ALBERGUE,

ZARAGOZA 23/02/2018 Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

CLARA PEYA

“

FOTO: CHRIS RHODES

Òsserp Bestias sin control

“Si nuestro entorno es violento, nuestra música abandona la paz” Pioneros del rock alternativo en nuestro país, tan inquietos y ambiciosos como para agotarse, reiniciar y vivir etapas muy diversas, los andaluces Lagartija Nick regresan con una de sus obras mayores.

Antonio Arias, Juan Codorniu, Miguel Ángel Rodríguez Pareja y Eric Jiménez recuperaban el pulso y la efervescencia primigenia para una extensa gira que ahora desemboca por fin en Crimen, sabotaje y creación (Virgin/Universal, 17).

y lo mismo que te motiva el recuperar esa forma de tocar y ese repertorio también te motiva lo que notas que le falta”.

Uno de los momentos álgidos del álbum es sin lugar a dudas La leyenda de los hermanos Quero, con la que el grupo actúa de altavoz de una historia de resistencia que roza lo inverosímil. “La historia de los hermanos Quero es muy muy grande en Granada pero está muy soterrada, porque la propaganda franquista dura hasta hoy. Hicieron tanto ruido...

Conocíamos los libros, pero sabiendo que la familia está viva, y en nuestra experiencia con Val del Omar as expectativas solo podían ser o Lorca, cuanto más los involucras más conocedores satisfechas desde el corazón y el son de lo que tú estás haciendo, y si tienes su apoyo vaciamiento”. Quien se sincera es Antonio eso se dimensiona. Tú puedes cantar en una letra lo Arias, pionero del rock alternativo en que has leído en un libro, pero hay cosas que solo nuestro país desde que a principios de los noventa sabes si te lo cuenta un hermano que está vivo. Al fundase Lagartija Nick. Un proyecto tan inquieto y involucrarles a ellos te involucras tú mucho más, ambicioso como para agotarse y reiniciarse varias y no solo por agradarles sino porque necesitas esa veces, que ahora regresa con la que posiblemente fuerza”. sea una de sus obras mayores, cuya gestación ha “Si nuestro entorno es violento, nuestra música supuesto un enorme desgaste emocional. “Tras la abandona la paz”. Con esta frase anticipaba la banda muerte de mi hermano ves que hay un nivel mínimo el lanzamiento del disco en redes sociales. Es evidel que no vas a bajar. Planteamos hacer un par de dente que Lagartija Nick nunca han sido ajenos a la versiones para homenajearlo pero al mismo tiempo realidad social, y el momento de crispación actual nos condicionó para todo, y una vez que entras en tiene su reflejo en el disco. “Siempre hemos adapesa esfera ya no puedes evadirte de tado una estructura casi de collage todo lo que conlleva”. Reunida en en la letras, que el mensaje se forme 2013 la alineación original al calor solo a través del tiempo. Solo la expode las reediciones de sus primeros sición, el reflejar ciertos aspectos del discos, la banda recuperaba la mundo que te rodea es un mensaje. efervescencia primigenia para una Porque tiene mucho de lo que callas, larga gira que ahora desemboca l Bilbao de tu subsconsciente. El arte tiene en nuevo disco. Crimen, sabotaje 02 de febrero. Stage Live enmiendas para eso. Al nivel que y creación aprovecha la inercia de l Zaragoza una formación rejuvenecida por la estamos de confrontamiento, si es a 03 de febrero. Sala López nostalgia. “Primero participas de la través de discusiones se separarán l Algeciras celebración, de ese reencuentro con familias, grupos y casi que se va a 16 de febrero. La Gramola la gente a la que le gustaba depende terminar el mundo, pero creo que la l El Prat de Llobregat qué disco, pero al mismo tiempo cordura volverá”.

03 de marzo. La Capsa es un ejercico de proselitismo.

—bruno corrales l Olot Desarrollando la gira pensamos: 04 de marzo. Festival Mini ‘está muy bien, pero no nos podemos r l Granada dedicar a tener noventa años otra vez’.

14 de marzo. Sala El Tren El sonido sale solo en cuanto te juntas, Más en www.mondosonoro.com

L

EN GIRA

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”

Con un segundo disco denso y oscuro como Al meu pas s’alça la mort (Blood Fire Death y otros sellos, 17), Ósserp superan con tremenda solvencia la temida prueba de fuego para muchas bandas emergentes.

N

o recuerdo haber leído una mala crítica, u oído un mal comentario siquiera, de Sang i sutge. Siendo considerado por muchos como uno de los mejores discos del 2015, ¿Ha llegado a crear una presión añadida en el proceso de creación de su continuación?

Sí y no. Al principio sí que nos hizo darle muchas vueltas a hacía dónde queríamos ir, pero la presión real vino después más por situaciones personales que vivimos durante el proceso.

Una vez pasado eso, y con la fecha clara para entrar al estudio, ya todo fue mucho más fácil.

Teníamos muy claro hacía donde tirarían los temas y el sonido.

—En comparación a Sang i sutge, Al meu pas... os lleva a un nuevo extremo. ¿Podéis detallar cómo ha sido su proceso de creación?

Esta vez todo fue mucho más elaborado: la preproducción, la composición… Le dimos mil vueltas a todo. Teníamos hasta cinco versiones distintas de algún tema. Normalmente, llegaba con demos grabadas en casa y le dábamos forma en el local. Finalmente, una vez tuvimos claro más o menos los temas, Xavi, que es quien da siempre el veredicto final, vino de Irún, y terminó de modificar las vueltas y alguna estructura. Eso fue, digamos, la parte más estricta, pero después, como la otra vez, llevamos dos temas completamente abiertos al estudio.

—¿Hasta qué punto son importantes vuestras letras? La impresión que tengo, después de leer las de vuestro nuevo trabajo, es que hay un proceso laborioso detrás de ellas…

Son muy importantes, mucho más de lo que la gente se pueda creer. Son parte de nuestra identidad como banda. Xavi es un letrista excepcional y tiene una mente capaz de dar sentido a cosas muy banales, pero de forma muy rebuscada. Es algo que trabajamos mucho. Al grabarlo a dos voces tuvimos de meditar mucho como lo íbamos a hacer: estuvimos un día entero antes de ir al estudio Xavi, Vali y yo, repasando tema a tema, frase a frase, discutiendo como podría funcionar mejor. —tomeu canyelles

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febrero 2018 #27

“Lo que pasó es que explotó todo, y en nada ya estábamos situados en nuestro Vietnam creativo propio”

V

ista la que está cayendo en el panorama musical nacional, considerado underground (o indie en su defecto), ¿este B-Map 1917 + 100 es una especie de feliz y rabiosa anomalía?

(TSOWC, Miquel Martínez y Juanjo Fernández) Vivimos el peor momento que he visto en la escena musical, llamémosle underground, de la historia. Parece que todo da lo mismo en la música alternativa o “no de masas”. Se les dice a los chavales lo que tienen que escuchar, ya no importa hacer temazos o ser un rapero cojonudo. B-Map 197 + 100 es un poner los huevos en la mesa. Cuando no puedes hacer promo en redes de ninguno de los videos que lanzas porque molestan, es que vas muy bien.

—¿Y cómo es posible que lo político, y lo social, no tenga cabida en las letras de la gran inmensa mayoría de los artistas y bandas nacionales?

(TSOWC) No lo entendemos. Tendría que estar todo ardiendo. Hace mucho que nadie ha estado tan jodido como la generación actual. Si te fijas ya ningún viejo de derechas se atreve a decirle a un chaval aquello de “qué bien vives ahora” porque lo pillarías y le dirías: “te voy a meter por el culo los siete hijos que criaste, tu piso pagado y todos los Seat que cambiabas cada siete años”. La juventud de la clase obrera actual lo tiene difícil para tener algo. ‘No future’ sino es con la lucha.

—¿Cuándo tomáis contacto personal con Fermín? ¿Cómo fue la primera impresión? ¿Dios (dicen) los crea y Kortatu os junta?

(TSOWC) Nosotros llevamos siete años sin parar de tocar, ni siquiera para hacer discos. Hacíamos un parón necesario y no teníamos ganas de hacer otro cuarto disco como TSOWC, con la misma fórmula. Escucha#28 febrero 2018

De izquierda a derecha Miquel Martínez, Fermin Muguruza y Juanjo Fernández.

F Mug eta T

mos hoy en día el Long Live Death… y no pensamos que lo vayamos a hacer mejor.

Pocas cosas nos arrancarían a meternos otra vez en un disco, pero éste tiene una parte mágica de casualidades. Resulta que Fermín iba a tener una estancia en Barcelona y otra casualidad más, Carles -el capo en el Segell- es una de sus personas de confianza. En cuanto entramos a escuchar temas juntos en el estudio con Alex Ferrer (Sidechains), la música habló sola y todo fluyó.

(Fermín) La fábrica de creación Fabra i Coats me había cedido un espacio donde estaba componiendo -junto a Raúl Fernández “Refree”- la banda sonora para la película de animación que estrenaré en este septiembre Black Is Beltza. Raúl tenía una serie de conciertos con Rosalía, y los Suicide se instalaron durante unos días en el mismo campamento base.

—¿Te tuvieron que insistir mucho -para hacer cosas juntos- o la cosa fluyó desde el primer momento?

(Fermín) Comenzamos escuchando pistas juntos pensando en hacer un par de temas para editar un single. En nada ya estábamos en el mismo barco subiendo por el Mekong río arriba.

—La idea inicial era hacer eso -solo un par de temas, rollo colaboración puntual- y todo ello ha terminado en un álbum y además conceptual… ¿qué fue lo que pasó y de quién fue la decisión?

(Fermín) Lo que pasó es que explotó todo, y en nada ya estábamos situados en nuestro Vietnam creativo propio. La idea conceptual viene de una charla que di el año pasado en Bilbao en la que contaba mi vida artística a través de un viaje por varias ciudades que comenzaban por la letra B. Pensé entonces que podíamos contar el estado de las cosas del

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B-Map 1917 + 100 (El Segell, 17) recoge diez bombas sonoras que, bajo el nombre de ciudades -significativas y señaladas- que comienzan por la letra B, mapean el latir, sudar y sufrir de dichos núcleos urbanos y proyectan sobre ellos la alargada sombra del centenario de la Revolución Rusa. Fermín Muguruza y The Suicide Of Western Culture nos devuelven al bravo fragor atemporal de las siempre necesarias barricadas musicales.

Fermin guruza TSOWC

—texto Fernado Fuentes —foto Albert Polo

Sin lucha no hay futuro

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Fermín Muguruza Las hachas siguen afiladas

E

s una leyenda, sí. También es un talento incansable, transversal y poliédrico en continua actividad y en sempiterna búsqueda de nuevos espacios para la libre expresión. Desde los tiempos de Kortatu -la mejor banda del mal llamado rock radical vasco, gracias a su espídico y combativo punkrock skatalítico, enraizado con The Clash- han pasado más de tres décadas en las que Fermín Muguruza no ha cejado en su empeño de hacer la revolución a través de la más bella y efectiva de las armas: la música. En 1988, tras bailar su última danza de guerra en la línea del frente, le llegó el turno a Negu Gorriak, con los que casi acaba en chirona “gracias” a que el hijo del General Galindo era seguidor de la banda. Más adelante, en 1997, su colaboración con la banda hondarribiarra DUT condujo su hardcore seminal hacia una sabrosa y trepidante mixtura con sonidos. Durante los últimos quince años el músico irundarra, además de alicatar su carrera en solitario, no ha parado de colaborar con colectivos y artistas de Jamaica, New Orleans y hasta Japón en su afán de fusionar mensajes libertarios e internacionalistas con rock, hip-hop, reggae, soul, dub, etcétera. El mejor exponente de ello es el disco Black Is Beltza ASM Sessions que firmó en 2016 junto al batería y productor barcelonés Chalart 58. En la actualidad tiene tres frentes musicales abiertos: uno en formato dub -junto al referido Chalart58 y Matah-; otro con una big band -con alumnas del Taller de Músics de Barcelona- y su recién estrenada sinergia con TSOWC. Sí, las hachas siguen afiladas. —f.f.

mundo en el aniversario de la revolución soviética a través de diez canciones-ciudades que comenzaran por dicha letra, una versión no oficial en la época de la postverdad.

—Vayamos ahora a lo compositivo, que fue muy peculiar. Sabemos que proyectabais imágenes de Bogotá, Beirut, etcétera, y Fermín iba escribiendo letras y grabando melodías sobre vuestras bases musicales… ¿Habíais hecho algo así -tan inspirador y sugestivo- hasta el momento?

(Fermín) Teníamos una pantalla gigante para crear la banda sonora de la película, y la utilizamos para que Juanjo fuera proyectando imágenes que podían ser sugerentes para los temas que yo quería trabajar. Sobre esas imágenes escuchábamos las pistas que Miki iba disparando, y cuando me inspiraba agarraba el micrófono y Alex Ferrer (Sidechains) grababa lo que se me fuera ocurriendo. Nunca había trabajado de esta manera, y fue algo muy inspirador. Teníamos nuestro taller de trabajo y aquello fue una auténtica factoría creativa.

—B-Map 1917 + 100 es un disco hecho a pachas entre TSOWC y Fermín Muguruza y así se debe de considerar o es un álbum de Muguruza en el que TSOWC colaboran muy intensamente?

(Fermín) Es un álbum de Fermín Muguruza y The Suicide Of Western Culture. Es un disco clave, yo lo comparo con Ireki Ateak que hice con los DUT en 1998, otro disco clave.

—¿Y si yo te digo que es El estado de las cosas en versión 2017?

(Fermín) Me seduce la idea, aunque igual sea más el Gure Jarrera (1992) de Negu Gorriak del 2017.

—El disco está cantado todo en euskera, menos un tema en catalán. Fermín, ¿cómo fue la experiencia?

(Fermín) Durante mi estancia en Sant Andreu, aprendí catalán como para poder comunicarme con la gente de su comunidad en su lengua. El salto a cantar un tema dedicado a Barcelona en su lengua fue algo natural.

—¿Y en castellano no habría llegado el mensaje a más gente?

(Fermín) Creía que era algo ya superado el plantear este tipo de preguntas. Este año se cumple el treinta aniversario del Kolpez Kolpe de Kortatu, cantado íntegramente en euskera, una vez que lo pudimos aprender al haber nacido durante el franquismo y no poder hablar en nuestro idioma al estar prohibido. Kortatu llegó a un público masivo cantando también en euskera, no en vano su tema más versioneado es Zu atrapatu arte, algo que se repitió después con Negu Gorriak y cuando comencé a firmar mis discos en solitario que me han permitido actuar en todo el mundo. Ahora tenemos también el ejemplo de Berri Txarrak, girando por todo el mundo en euskera. En este disco se escucha castellano, árabe, inglés, serbio, lingala, alemán… es el sonido de la aldea global, y a mí no me interesa llegar a más gente si no es en mi idioma. Ese es uno de los mensajes que llevo transmitiendo desde mi comienzo, y que marca también este disco como reacción a los discursos hegemónicos de uniformidad cultural.

—Como en los temas de Negu Gorriak, llama la atención la riqueza de contenidos y mensajes de su constantes sampleos, incorporando a una tribu cantando, una radio hablando de la muerte de Bobby Sands o la voz de Ulrike Meinhof, que ponen los pelos como escarpias- y entendidos como un todo… ¿cómo se fue haciendo esa selección?

(TSOWC) Lo de los samplers ha sido mano de Fermín. Nunca habíamos incorporado tantos samplers. Se lo curraron Alex y él.

—De las colaboraciones me llama especialmente la atención la de la argentina Malena D’Alessio en Buenos Aires Gernika Jai Alai en el que rapea velozmente, al estilo del grime. ¿Cómo se gestó este emocionante y vibrante cameo?

(TSOWC) Las colaboraciones vocales han sido mano de Fermín.

TSOWC no tenemos ni idea de cómo se lo montó. Da muchas vueltas por todo el mundo y conoce a mucha gente, pero ha tocado las teclas adecuadas en las dos colaboraciones.

—Para terminar, al margen del Primavera Sound, ¿dónde os veis más tocando el disco: en un Sónar o en un Viña Rock?

(TSOWC) En cuanto a los directos, nos gustaría vernos en un Sónar y en un Viña Rock sin ningún problema. Creo que es una doble meta interesante, ¿por qué no?. —f.f.

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febrero 2018 #29

MONDO FREAKO

RAVENEYE Madrid (19 febrero, Moby Dick), Barcelona (20 febrero, Razz 3) San Sebastián (22 febrero, La Cripta)

AgeNda. febrero.

Les tuvimos en el Download Festival, pero ahora Raveneye, el power trío que lidera Oli Brown, regresa a nuestro país.

Siguen presentando Nova, editado en 2016.

RR Oli, la primera va a degüello: ¿Es Raveneye un grupo de blues?

Bueno, ponle Nova a los fans del blues y verás lo que piensan.

Igual no están muy de acuerdo ni siquiera con la pregunta (risas). Hay canciones como Hate o Inside con raíces tradicionales, pero también tienen influencias del rock más duro. El EP tenía un ambiente más de raíces, pero Nova muestra mejor dónde está ahora la banda, así que diría que no somos una banda de blues.

—Entonces dirías que ha habido una evolución clara desde los inicios de la banda ¿no?

Nos hemos vuelto más sólidos conforme íbamos avanzando. La tensión, el peso de las canciones, se ha vuelto más fuerte ya que nos sentimos más cómodos tocando juntos y escribiendo canciones.

—Pero el sonido blues sigue ahí, e incluso antes tocabais también en festivales de metal con esa propuesta. ¿Algún problema por ello?

ISLA IGLÚ Castellón (2 febrero, Four Seasons), Valencia (3 febrero, Matisse), Madrid (2 marzo, Costello Club), Burgos (3 marzo, La Rua), Reus (16 marzo, Sala Japan) Barcelona (17 marzo, Sidecar).

Quemada su etapa como Charly Taylor, el cuarteto ha decido reinventarse bajo el nombre de Isla Iglú, con el que publican Perfecta pieza (Music Bus, 17).

RRLa nueva etapa de la banda mallorquina no solo ha venido marcada por su paso del inglés al castellano como lengua de expresión sino por una remodelación de su lenguaje creativo, ahora mucho más cercano al indie rock con devaneos electrónicos, algo que se evidencia desde el primer segundo al escuchar este nuevo principio que es Perfecta pieza.

Ahora, además son noticia por dos cosas más. Por un lado, acaban de estrenar remix de Viaje astral, una de las canciones del disco, firmado por David Kano, remezclador y líder de la banda madrileña Cycle. Por el otro, forman parte de las giras del ciclo GPS. —¿Por qué este cambio de Charly Taylor a Isla Iglú?

No hay motivo ni hay fecha concreta. Después de varios años cantando en inglés decidimos hacer el

cambio. Entre nuestros seguidores había gente que nos decía: “¡Ojalá entendiéramos las letras!”. Un día al terminar un bolo en el que compartíamos cartel con Cycle, conocimos a Kano, la China y demás.

Estuvimos charlando un rato con ellos. Cuando les comentamos que estábamos pensando en cambiar el idioma, nos dijeron que creían que era una idea magnífica. Fue el empujón que necesitábamos.

—Más allá del asunto idiomático, una de las principales diferencias está en el sonido, con una mayor presencia de sintetizadores y préstamos de la electrónica.

Bueno... El concepto es más o menos el mismo que antes, aunque sí hay temas en los que que, en la mezcla, no hemos tenido miedo a usar con más descaro sintetizadores y baterías totalmente electrónicas. Sin embargo, hay otros que se mantienen bastante fieles a nuestra primera época.

—En esta nueva etapa, en algunos momentos recordáis a bandas como Grises, si hablamos de la escena española, o, si nos fijamos en grupos de fuera, a Two Door Cinema Club.

Nos molan Grises y Two Door Cinema Club, ¡por supuesto! Pero no somos muy de escuchar a otra gente.

En el estudio hemos intentado no parecernos a nadie sino hacer lo que realmente ha surgido.

—oriol rodríguez

DAMED SQUAD

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#30 febrero 2018

No, hemos tocado en muchos festivales, pero la mayoría no eran exclusivos de metal. El Azkena, Hellfest, Maximus Festival... Nosotros lo que queremos es llegar a la máxima audiencia posible.

Nunca nos hemos sentido intimidados. Pertenecemos a un escenario así que ¿por qué sentirse así?

—¿Qué diferencia un disco de Raveneye de un disco de Oli Brown?

El sonido, el enfoque, todo. Para Oli Brown escribo canciones de blues o influenciadas por el blues.

El disco de Raveneye fue escrito con el rock en mente: Soundgarden, Queens Of The Stone Age, Pearl Jam… Nuestra principal influencia fue el concepto de viaje.

Queríamos hacer un disco que pudieras poner al encender el coche y empezar un largo viaje.

—eduardo izquierdo

Estarán en el festival barcelonés Cara B (16 y 17 febrero, Fabra i Coats).

En un momento en el que las fórmulas del rap contemporáneo empiezan a repetirse, el trío de l’Ametlla del Vallès (Barcelona) aparece con el inspirado El contrato.

RR Se trata de un EP en el que desarrollan su fórmula particular mezclando influencias y filtrándolas a través de un carácter genuino y elástico. Más allá de querer crear una obra compleja, con su sonido, estos artistas de veinte y veintiún años sintetizan el espíritu de las nuevas generaciones. Su vehículo son los inspirados ritmos de Enry K y las líricas desenfadadas de Mishii y Lil Moss, pero también su forma de trabajar y divulgar el material.

—El sonido de muchos artistas en el hip hop se está enfocando en ser más accesible y abarcar a un espectro más grande de público. ¿Os veis siguiendo este mismo camino?

(Enry K) Si quisiéramos pegar más estaríamos haciendo reggaetón.

(Mishii) Si no haríamos otra cosa.

(Lil Moss) Además coincide que lo que nos gusta es hacer algo actual.

A lo mejor te gusta bailar sardanas y no abarcas tanto público. Ha sido

el momento: nos gusta esto, y es lo que está sonando… pues perfecto.

—Muchos de vuestros referentes es gente de Soundcloud, artistas de Youtube que no tienen una gran base de fans. ¿Os veis dentro de esta escena?

(Enry K) Más que dentro, nos vemos representados.

(Mishii) A ver, nuestros referentes sí que muchos son de ahí; nos gusta lo underground, eso ya se ve...

—aleix mateu

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Templeton “Ser un grupo de amigos tiene rincones flipantes, pero también taras que acumulamos con los años” Madrid (8 febrero, El Sol )

TOMMY CASH

Madrid (23 febrero, Cha Chá The Club) Barcelona (24 febrero, La [2] Apolo)

Tommy Cash ha irrumpido en la escena del rap mundial con una propuesta inédita dentro de los países de Europa del Este. Con su mixtape Euroz Dollaz Yeniz ya ha pisado escenarios como el del Sónar. Aprovechamos que pronto volverá a España para hablar con él.

A

La soberbia portada que Álvaro Martínez (vocalista de Templeton y dibujante para DC Comics) ha hecho para Un mar enorme (Gramaciones Grabofónicas, 17) el cuarto álbum del grupo cántabro afincado en Madrid muestra a sus seis integrantes luchando contra la inercia del oleaje, en una suerte de epopeya de consumo interno que ha dado como resultado un trabajo tan reflexivo como determinado.

U

na mar enorme llega tres años después de Rosi, un disco que no sé si os dejó un tanto descolocados después de que no funcionase todo lo que quizá esperabais…

(Javier Carrasco) La verdad que nos dejó un poco mal sabor de boca. Lo grabamos pensando en que iba a funcionar mucho mejor. Gustó, pero luego no tocamos demasiado, así que en ese sentido no fue lo que esperábamos.

—¿Este es el álbum que queríais ahora más de lo que fue el anterior en su momento?

(Castillo) Sabemos dónde estamos ahora mismo dentro de la carrera de Templeton y también el momento personal en el que nos encontramos todos, que no somos los mismos que cuando empezamos, ni tenemos las mismas obligaciones ni las mismas familias… Y creo que sacar el álbum con Gramaciones es el reflejo de lo que queríamos: hacer las cosas pequeñas pero bonitas, a nuestro gusto, con una discográfica que es de amigos que lo hace todo con cariño.

—El disco termina con Remar, que también resulta una canción muy significativa. ¿Habéis tenido la sensación de estar remando en medio de la nada?

(Carrasco) Es que este álbum al final va por ahí. La industria no tiene nada que ver con lo que era hace diez años, y en realidad la vida en general, porque parece que antes había clases medias, y ahora en cambio o estás en la mierda o estás arriba. Sí noto en ese sentido más indefensión. Con El murmullo hace cinco años me parecía que era más posible subir, y en cambio ahora, con los mismos medios, lo veo imposible. No sé si es que ha cambiado el entorno, pero tengo la sensación de que somos nosotros contra nosotros y contra el mundo.

(Castillo) Es verdad que lo de remar es la primera metáfora que se te viene a la cabeza.

Después de tantos años juntos te das cuenta de que lo que realmente importa es seguir haciendo canciones juntos, seguir remando, y lo demás intentar apechugar con ello… Es la canción que mejor puede dejar una foto fija del momento del grupo.

—Por si no quedaba claro que esto iba a ser otra cosa, presentáis como adelanto Marzo mayea, un tema de nueve minutos…

(Carrasco) Exactamente. Como declaración de intenciones nos molaba que fuese así. Mi novia me decía que estábamos gilipollas, que teniendo dos o tres balas, gastábamos una de esta manera… Pero se trataba de decir: “estamos aquí”, sacarnos la chorra y hacer lo que queremos.

(Castillo) Llegado a este punto es que ya no esperamos nada, simplemente se trata de darte el gustazo y hacer ciertas cosas que quizá si tienes presión no vas a hacer. Y eso que en realidad no creo que nunca hayamos tenido una verdadera presión, porque no estábamos aquí para petarlo. Es una de las cosas buenas de empezar como un grupo de amigos.

—enrique peñas

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lgo que destacar de la música en Estonia?

Me gusta la música de Estonia mala, como la que escuchan padres o abuelas…

—¿Cómo llegaste al hip hop?

Desde el baile urbano. Empecé a bailar y tuve un profesor con muy buen gusto.

—Euroz Dollaz Yeniz salió en 2014, ¿cómo fue recibido?

Fue muy bien, creciendo despacio y adquiriendo vida propia. Desde entonces he estado subiendo.

No está siendo instantáneo, pero estamos construyendo una marca de forma inteligente.

—Estás creando tu propio estilo, el “post-soviet rap”. Defínelo.

Es vivir en tu propia dimensión, ser tú mismo y no querer ser americano. Cualquiera se puede identificar con ello. No quiero intentar ser como Lil Pum. El mayor problema del rap es la gente que intenta ser quien

no es. Hay demasiadas cosas falsas en el hip hop.

—¿Quiénes son tus influencias?

Principalmente Kanye West. También está Virgil Abloh, diseñador de Off-White. Ahora me interesa gente como Demna Gvasalia.

Cada día hay gente nueva.

—Diriges tus vídeos, ¿de dónde sacas la inspiración?

Va cambiando. Hay que ponerse cada día, investigar mucho y las ideas vendrán. Es como lo que George Lucas hizo con Star Wars. Admiro cómo construyó un mundo como ése: enorme, con todos esos planetas, espadas láser, nombres…

—Durante tu actuación en el Sónar del año pasado se proyectó hentai (cine erótico de animación japonés). ¿Hicieron las imágenes para ti o las tomaste ilegalmente?

Alguien las cogió de algún sitio.

No he visto mucho hentai, pero me gustan Dragon Ball Z, Ghost in the Shell… Conozco todos los clásicos.

—Cada vez actúas en escenarios más grandes y ante más gente. ¿Cómo lo llevas?

Es increíble, la mejor sensación.

Viajar a algún sitio y ver que la gente viene y canta tus letras…

Les das tu energía y es como el clímax.

—¿Es Tommy Cash un personaje?

Todos somos personajes. Seguro que tú ahora mismo estás actuando diferente de como lo haces cuando estás con tu pareja o tus padres… Cuando actúo en un festival… Ahí intento ser como Lil Pump.

—Has hecho varias colaboraciones. La que hiciste con Little Big es una de mis favoritas. ¿Cómo es trabajar con ellos?

Increíble. Son gente muy guay, vecinos de Rusia. Me encanta hacer colaboraciones. La última fue con Charli XCX. —Hablando de ella... Sales en el vídeo de “Boys”. ¿Tienes más visibilidad internacional ahora?

Habrá quien me descubra, pero soy la oveja negra. Yo era el más feo de Boys. Me sentí muy halagado cuando ella me quiso ahí, pero todavía intento ir a mi bola. Charli tiene cojones por sacar a un tío tan raro en su vídeo.

—¿Qué escuchas últimamente?

Algunas de mis mierdas pasadas, cosas que ya tenía grabadas...

Pero nada interesante. ¿Algo de España que deba escuchar?

—Creo que Bad Gyal y, sobre todo, Bejo te podrían gustar…

Ya los buscaré. Estando en España me gustaría grabar con artistas españoles. —maria espejel

febrero 2017 #31

Pegada de carteles

Reparto de flyers, cd’s...

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33/Mondo VINILOS

Eminem

King Gizzard & The Lizard Wizard

Revival Interscope/ Universal

RAP / Eminem lleva desde 1999 con The Slim Shady LP escupiendo rimas a velocidad de vértigo, “deleitándonos” con su humor white trash y sorprendiéndonos con los duetos más inimaginables, pero sobre todo lleva casi dos décadas agarrado a una fórmula que ha pasado de graciosa a empalagosa. Cuando se pone serio no deja de resultar cómico, y su enésimo ataque a su ex es ya, por repetitivo, motivo de repulsa.

Revival es una vuelta más a una formula agotada. El despelote no lo salva ni Beyoncé en Walk On Water. Hay momentos de vergüenza ajena como ese engendro junto a Ed Sheeran, y su habitual colaboradora, Skylar Grey, tampoco logra arreglar el desaguisado. Los cortes con P!nk y Kehlani son las versiones de Stan de este 2017. Y así discurren los setenta y nueve minutos más aburridos del rap de este 2017. —marcos molinero 4

Trópico Lumpen Miel de Moscas

8

ROCK / El atípico cuarteto murciano Perro está de estreno con Trópico Lumpen. Tras dos álbumes extremadamente melódicos, como fueron Tiene bacalao, tiene melodía (2013) y Estudias, navajas (2015), han llegado a la madurez creativa con estas diez canciones. Y lo mejor de todo es que lo han hecho sin tomar en ningún caso el camino fácil. La senda del krautrock nunca lo fue, de hecho, pero ofrece otras recompensas. Ellos lo ejecutan con urgencia punk (y post-punk) y aire tropical, cosa que ya sabíamos, pero ahora sintetizadores y ritmos motorik han ganado terreno. En definitiva, menos estribillos y más experimentación. Algo natural en la evolución de un grupo inquieto como ellos, por otra parte. El ejemplo más claro de lo que comentamos nos lo encontramos

en Supercampeones, la instrumental Disco Mascota y, sobre todo, en la sorprendente Ese tu frescor. Otras como Celebrado primo, El sereno, Campamento Golifa y Cronobeicons podrían parecer más continuistas pero, aún así, tienen un tratamiento nunca antes visto y escuchado en el mundo de los murcianos. Uno de los artífices de este nuevo sonido, con mayor definición y contundencia, ha sido el australiano Joe Carra, acostumbrado a trabajar con artistas de la talla de King Gizzard & The Lizard Wizard, Courtney Barnett o The Drones.

Da la impresión de que, por fin, ha llegado el momento de Perro, una banda a la que le sobra carisma e imaginación. Aquí no hay líderes, de hecho todos sus miembros lo son (algo, a decir verdad, muy kraut en esencia, ese sentido de la horizontalidad). Además, van cumpliendo todos sus objetivos sin perder la guasa en ningún momento. Por todos es sabido que fueron fans de Karpin o Finidi, y ahora descubrimos que también lo son del malogrado Chiquito de la Calzada.

Aunque, ¿y quién no?

—víctor martínez

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ROCK / Estas nuevas once pistas conforman un trabajo no temático, orientado a canciones con cierto aroma a caras B, pero no te confíes: el monstruo de siete cabezas sigue despierto y dispuesto a acabar el año matando. Greenhouse Heat Death podría encajar en Flying Microtonal Banana y Muddy Water es de las más contundentes y corrosivas del lote, con ese bucle endiablado de guitarras tan definitorio.

Y si Superposition se pudo escapar incomprensiblemente de Sketches Of Brunswick East, la dosis de stoner de The Great Chain Of Being no hubiera desentonado en las tinieblas a las que nos arrojaron con Murder Of The Universe. Gumboot Soup es el disco más prescindible de los cinco que han firmado en 2017, pero hasta las migajas de los de Melbourne están por encima de la media. —david pérez 7

Tulsa

Sharon Jones & The Dap-Kings

Centauros I*M Records

Perro: urgencia punk y aire tropical Perro

Gumboot Soup [PIAS]

Soul Of A Woman Daptone Records

POP / Igual que un buen libro engancha desde la primera frase, también un buen disco engancha desde la primera canción, y eso sucede con Centauros, el tema homónimo encargado de abrir este álbum. Aunque no ha sido elegido como single, es probablemente uno de los más pegadizos, con una melodía más previsible que en las demás canciones del disco. Alejada ya del sonido americana desde que publicó La calma chicha (15), en Centauros Tulsa sigue experimentando en busca de nuevos horizontes musicales y para ello ha decidido componer sin guitarra, solo con la ayuda del teclado. Lo que no ha cambiado son esas letras afiladas ya marca de la casa. En la producción repite con Charlie Bautista, pero se ha apoyado también en Ángel Luján como productor externo para que aportara una visión diferente. —tere vaquerizo 7

SOUL / Soul Of A Woman es luz y amor por la música como forma de vida.

Un disco póstumo en el que encontramos las canciones más emocionantes que Sharon Jones ha grabado junto a los Dap-Kings, desbordando a lo largo de los surcos todas sus posibilidades estilísticas con la misma maestría. Del soul a corazón abierto con toques funk y blues de Matter Of Time, con ese “No puedo esperar mucho más” que nos provoca un nudo en la garganta, a la explosiva Sail On!, con los Dap-Kings sudando soul sureño y fundiéndose con Sharon. La cara B es más intimista y orquestal, sin restar un ápice de intensidad y veracidad hecha carne en cada interpretación.

Nunca le gustó que la llamaran Reina del Soul, pero, sin lugar a dudas, estaba casi a la altura de la mejor Aretha. —david pérez 9

febrero 2018 #33

MONDOVINILOS

Black Islands

Disco nuevo Mama Vynila

Trilogía latina Xoel López

Sueños y pan Esmerarte

POP / Aquello que casi nadie entendió, la muerte de Deluxe y la colosal tarea de sumar la herencia pop-rock de la extinta banda con la influencia de los viajes –los de Xoel López– por Latinoamérica, cumple ya tres álbumes. El gallego sigue reconciliando en Sueños y pan las varias etapas de mutación por los que ha pasado su obra: teclados dulzones (Balas), melancolía y homenajes épicos con un regusto ochentas (Madrid), sintetizadores horteras y estirados (Serpes), melodías de orfebre (Lodo) y cánticos universales a la pachamama (Cometa). Xoel López suma a todo ello una pátina de electrónica y un mayor tratamiento de las

7

Ezra Furman

Kitai Pirómanos

Transangelic Exodus Bella Union/ [PIAS]

7

POP / Ezra Furman deci-

dió que tras Perpetual Motion People (15) tocaba dar un giro a su carrera, convertirse tanto él como su banda en algo nuevo y huir de ese gran miedo que arrastraba de que su música quedara tachada para siempre como una simple parodia de las grandes figuras del garage-rock.

Transgelic Exodus es un grito por la liberación queer, una bala para destrozar los estigmas de la sociedad actual americana y, como el mismo Ezra confiesa, los de todas esas “democracias” que ahogan al colectivo. Lo que comenzó como un simple álbum autobiográfico, terminó en una especie de “novela” en la que relatar las inseguridades, conflictos y eternas luchas que tocan más de cerca a Furman. Mantiene sus referencias al rock ‘n’roll de los cincuenta (Love You So Bad), vuelve a sacar su lado punk. Y aunque peca un poco de repetir formula tanto a nivel musical como literario ha conseguido un regreso compacto, interesante y personal. —álex jerez #34 febrero 2018

EntreBotones/ Sony

ROCK / Orquestados por sabios y profesionales, tanto del sonido (Juanma Latorre, de Vetusta Morla en la labor de productor), como de la imagen (con cineastas como Mauri D. Galiano o Jorge Guasch) el cuarteto ha entendido perfectamente con este segundo disco que la imagen es tan importante como la música. Un álbum rojo, que representa el fuego y la sangre, con el que estos jóvenes asaltan la escena y sus espacios, donde todo es también de ese color: ropa, instrumentos, enmoquetado, máscaras…

Con este envoltorio conceptual arranca Fuego en la radio, el hit del disco que han llevado por todas las emisoras del país; le sigue Desierto, una aspirante a medio tiempo que, sin embargo, estalla en el mejor estribillo del disco, con falsetes a lo Matt Bellamy de Muse. Riviera maya es un alegato a la creación espontánea; o Nací caballo es una mezcla de rock electrónico oscuro, casi gótico. Han querido complacer a todos los públicos. Arriesgado es decir poco. —rubén g. herrera

ROCK / Después de llamar la atención con varios singles previos, QTY debutan con un álbum vertical que pretende (y consigue) conquistar inmediatamente al oyente. El dúo formado por Dan Lardner y Alex Niemetz llega desde la inagotable escena de Nueva York con unas canciones deudoras de bandas como The Modern Lovers, The Vaselines o Television, y presentan un debut homónimo producido por el ex Suede Bernard Butler. Diez canciones en las que los juegos de voces entre ambos protagonistas resultan elemento indispensable, después de que una complicidad manifiesta aumente potencialmente el atractivo de su repertorio. Una mezcla equilibrada y atractiva de pop y rock, todo cubierto con cierta textura clásica y que alberga elegancia pero también un ramalazo macarra que motiva el contraste y suma en positivo. QTY es un álbum muy bien arreglado, y de generosas posibilidades gracias a un buen puñado de composiciones de espíritu atemporal. —raúl julián

7

voces (¿pistas de por dónde se desarrollará ahora su carrera?): un sonido oxidado envuelve con mimo los arreglos vocales característicos del músico. Un recurso de baja fidelidad que se escucha bonito y que está muy presente en uno de los guiños – muchos– a ser papá que alberga el disco, Insomnio, compartida con Tulsa y de revestimiento casi post-rock. Sueños y pan apunta a despedida, a final de una trilogía, algo que alegrará a los que vieron una treta la nueva deriva del compositor afincado en Madrid. Los que no, una gran mayoría a la vista de sus copadas giras, lo vivirán como un simple impás hasta descubrir hacia dónde tiene que moverse ahora la música de autor en este mundo global que alguien tiene que reivindicar como local. Allí esperaremos a Xoel López, vecino de ambas costas.

—yeray s. iborra

QTY

QTY Dirty Hit/Music As Usual

7

8

ROCK / Parece ser que el

enganche con los indierock noventeros patentados por cabecillas como Superchunk no tiene fin, ni visos de agotamiento. No mientras grupos como Black Islands sigan ofreciendo discos más que notables, que no habrían desentonado de haber salido hace dos décadas. Así sucede en Disco Nuevo, el segundo largo de esta formación barcelonesa. No hay duda de que tanto el sonido Chapell Hill como el reverso british, focalizado en The Jesus & Mary Chain, les ha dejado huella. Y así lo ratifican en cortes como en la más garajeras Juventud perdida y Transfobia o en el contagioso arrojo noise pop de Exilio de amor. La noria de ecos es imparable, aunque lo más importante es, precisamente, la soltura con la que reconducen sus indudables conexiones hacia una plantilla que busca, y encuentra, una voz propia. No puede ser de otra manera ante ganchos tan vibrantes como Chaqueta de entretiempo o Playa interior. —marcos gendre Shame

Modelo de Respuesta Polar

Songs Of Praise Dead Oceans/ Popstock!

Más movimientos Altafonte/ Hook

7

POP / Haciendo del movi-

miento perpetuo su leit motiv, más allá del título del álbum, Borja Mompó y los suyos siguen ganando empaque con la producción de Martí Perarnau y Ramiro Nieto (este último también se encarga de las baterías) en el que bien puede ser el mejor álbum de una trayectoria en la que cada nuevo paso ha sido más satisfactorio que el anterior. Y a la que se nota que le sienta muy bien el rodaje en directo (su gira como teloneros de Izal) y el disparo a bote pronto (apenas un año transcurrido desde su anterior entrega).

La voz de Mompó sigue ganando en aplomo, sus textos inciden en derivas sentimentales con cierta credibilidad y sin el sonrojante arsenal de metáforas de tres al cuarto que se gastan decenas de coetáneos, y sus canciones recaban vigor con naturalidad ampliando su ámbito de referentes más allá de la actualidad cercana: la silueta melódica de Sábados y Revivir no anda lejos de los primeros Nacha Pop, Los Secretos o Mamá. —carlos pérez de ziriza

7

ROCK / Songs Of Praise

ha conseguido ser competente al directo de Shame, y eso no era algo precisamente fácil, aunque el adelanto One Rizla ya dejó entrever que el largo tendría un sonido contundente. Apenas hay temas nuevos en Songs Of Praise para los habituales de los conciertos de Shame: Concrete, Tasteless o Gold Hole son clásicos del liveset de los de Londres, y además ya habían salido con anterioridad en formato digital. Es verdad que se nota y aprecia la re-grabación y han ganado chicha respecto a las anteriores versiones, pero se echa de menos que Songs Of Praise traiga material nuevo de Shame.

Los tratamientos de las canciones sorprenden por sus atmósferas oscuras: Dust On Trial tiene un aire bastante más lúgubre que en concierto y gracias a los matices de producción se puede escuchar a Charlie (voz cantante) hablar e incluso susurrar. Ahora depende de Shame que la semilla que han plantado, germine y no se queden en grupo británico de moda.

—daniel treviño

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Blacanova

METAL / Han pasado treinta

años desde la formación de una de las más importantes bandas de metal en su forma más experimental e industrial y Godflesh, esa destructiva y perfecta máquina formada por Justin K. Broadrick y G.C Green, sigue más viva que nunca. Post Self recupera su cara más experimental. El aplastante bajo de Green sigue siendo parte fundamental de un sonido que esta vez se apoya más en las opresivas e industriales bases que salen de la cabeza de un inspirado Broadrick. Los guitarrazos y la gutural voz de Justin se mantienen. No Body es un ejemplo de ello, sin embargo las reminiscencias a Jesu aparecen en temas como The Cyclic End, pero es en cortes como Be God donde Godflesh penetra de forma violenta en nuestra cabeza con asfixiantes texturas y ambientes malsanos, transmitiendo desasosiego y oscuridad a partes iguales. Imaginemos un futuro distópico en el que la humanidad esté dominada por las máquinas. Así suena Post Self. —gonzalo rodríguez

SHOEGAZE / Blacanova son una banda francamente buena, y lo han demostrado disco tras disco hasta llegar al presente álbum, acertada continuación de Regiones devastadas (15).

Resultan tan destacados que son sin duda uno de los grupos más brillantes dentro del dream-pop y shoegazer de nuestra geografía, puede que incluso el mejor de todos. Los sevillanos manejan las texturas sonoras, bruma hipnótica y voces insinuantes como pocos, y dominan siempre a la bestia resultante para guiarla con intencionalidad. Además, sus afilados textos en castellano los sitúan en el punto intermedio de gran atractivo, ubicado a medio camino entre maestros universales como Slowdive o Ride y mitos locales como Chucho y Los Planetas. Las voces -alternadas o conjuntas- de Armando Jiménez e Inés Olalla hacen de La cabeza un álbum críptico en el que merece la pena enredarse, siempre en busca de esa enésima arista colocada con determinación y sentido global. —raúl julián

8

The Monkey Monggah Autoeditado

8

ROCK / Dios los cría y

ellos se juntan. Y si han tardado tanto en hacerlo (nunca es tarde si la dicha es buena) ha sido porque la mayoría de los miembros de Deadyard estaban todavía en otros proyectos (77, The Cannibal Queen o The Rippers). Pero al final se han dado las circunstancias y los barceloneses nos descubren que estaban destinados a coincidir un día en un local de ensayo. Una suerte para ellos y para nosotros, sobre todo porque no andamos muy sobrados por estos lares de bandas de este pelaje.

Lo de Deadyard es rock’n’roll acelerado sólido y robusto mezclado con punk a la nórdica con cierta originalidad. Al margen de etiquetas, lo que importa es que aquí hay mucha diversión, desde la veloz The Boys Are Out hasta una versión de Traitors, Coffin Ride, a la altura, pasando por una Monkey Monggah Blues con la que seguro saltarás y agitarás la cabeza. Metralla de la buena.

DD LJM DC JSL Med

1 Nils Frahm All Melody

8 9 9 8 8,5

2 Toteking Lebrom

7 8 8 8 7,75

3 Natos y Waor Cicatrices

8 7 7 7 7,25

4 Rhye Blood

7 8 6 7 7

5 Franz Ferdinand 7 7 7 7 7 Always Ascending 6 Ezra Furman Transangelic Exodus

7 7 7 7 7

7 Superchunk What a Time to Be Alive

7 7 6 7 6,75

8 Atom Rhumba Cosmic Lexicon

6 7 7 7 6,75

9 Ty Segall Freedom’s Goblin

6 7 6 7 6,5

10 Talco And the Winner Isn’t

7 4 6 6 5,75

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

9

Deadyard

La cabeza El Genio Equivocado

Post Self Avalanche

top 10.

Godflesh

—toni castarnado

Un disco de transición para Django Django

Ought

Room Inside The World Merge/ Popstock!

Django Django

Marble Skies Because/Music As Usual

7

7 POP / Hace siete años, el sorprendente éxito de Django Django (11) convirtió a la banda escocesa Django Django en una de esas raras avis que surgen de vez en cuando del casi siempre uniforme tejido del pop británico. Mezclando armonías vocales de los sesenta, psicodelia de los setenta y synth-pop de los ochenta, Django Django recuperaba las buenas maneras de The Beta Band, una de las mejores bandas de pop que han surgido nunca de Gran Bretaña. Django Django hicieron un segundo disco superlativo, mejorando el sonido de su disco de debut pero ampliando los puntos fuertes, con temas repletos de ritmos marciales y enérgicos. Marble Skies es el reflejo de Born Under Saturn (15), por lo menos en su segunda parte. Descontando Tic-Tac-Toe, los últimos cuatro temas, incluyendo la grandiosa In Yout Beat, una de sus mejores canciones (tan cercana a Depeche Mode y a The Beta Band, a la vez), podrían haber continuado tranquilamente a los temas de Born Under Saturn, como si no hubieran pasado más de dos

años. A los “nuevos” Django Django les tenemos que buscar acercándose a Kraftwerk y YMO en temas como Marble Skies, la veraniega Surface To Air (con la voz de la batería de Metronomy Anna Prior) o en esos cortes en los que han contado con Jan Hammer (sí, el de Corrupción en Miami). Canciones como Champagne o Sundials indican un cambio

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más luminoso en la música de este cuarteto británico. Pero, como ocurre con todos los discos de transición, el siguiente trabajo determinará el lugar de este Marble Skies en la, esperemos, larga carrera de Django Django. —manu gonzález

POP / Inteligentes y sen-

sibles, inspirados por las bandas más intrépidas de finales de los setenta y los primeros ochenta, entre otras cosas que delatan su buen gusto, el cuarteto de Montreal tiene la oportunidad de ampliar audiencia tras haber fichado por un sello de prestigio como Merge. Para conseguir alcanzar el nuevo nivel se han puesto en manos de Nicolas Vernhes (The War on Drugs, Deerhunter).

La elección funciona de cabo a rabo, aunque el piano inicial descoloque algo. La alienación contemporánea, tecnológica, pero también de otros tipos, a la que nos dejamos someter cada día, es el leitmotiv de un disco que combina la búsqueda experimental y las estructuras imaginativas con las repeticiones obsesivas y los ritmos cambiantes. Las nueve canciones, atemporales, sin miedo a las progresiones insospechadas, terminan en un santiamén. Un excelente disco de pop refinado e imaginativo. —josé carlos peña febrero 2018 #35

#36 febrero 2018

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MONDOVINILOS

Erol Alkan Remixes Volume 1 Phantasy/ [PIAS]

9

ELECTRÓNICA / La gracia

de este nuevo y doble disco que presenta Erol Alkan -uno de los tipos, tanto diyeando como en producción, que mejor ha sinergiado el indie con la electrónica de club- es que reúne sus mejores remixes, algunos ya imposibles de localizar.

Por este sobresaliente recopilatorio desfilan artistas y bandas de la mayúscula y celebérrima talla de Tame Impala, New Order, Daft Punk, Franz Ferdinand o MGMT, entre otros. Y muchos pensaréis: ¿Así cualquiera, no?

Pues no, porque lo que consigue Alkan es que los temazos originales adquieran una nueva dimensión bailable y clubber sin agredir su verdadera esencia... y esto solo está al alcance de dos o tres genios de su talla y leyenda. Todo aquí suena a club underground londinense, en un sótano palpitante y clandestino a las tantas de la madrugada, en pleno frenesí sudoroso, tóxico y bailongo.

—fernando fuentes

Un trabajo extrañamente adictivo Franz Ferdinand

Always Ascending Domino/Music As Usual

8

POP / Cuando uno llega a lo más alto, sólo puede bajar. No hago un chiste fácil con el título del nuevo disco de los escoceses. Ni Tonight ni su sucesor llegaron a levantar el entusiasmo histérico de sus dos primeros trabajos. Aunque tenían canciones, el déjà vu pesaba. El cansancio incluso se llevó por delante al guitarra Nick McCarthy. Pero en su quinto disco, con sangre nueva encarnada en Julian Corrie (Miaoux Miaoux) y Dino Bardot (1990’s), Kapranos y compañía aspiran a un renacimiento en toda regla, ayudados por el productor Philippe Czdar (Cassius), especialista en producciones de sonido nítido y potente. Les ha salido un disco raro en el buen sentido, de matices oscuros y complejos, pero extrañamente adictivo. La ausencia de singles claros, a excepción de la canción que da título al disco, con su intro enigmática y su explosión bailable, y la magnífica Glimpse

Half Japanese

Bug

8

ROCK / La inocencia efer-

vescente del timbre naïf y nervioso de Jad Fair nos impacta como un electro-shock, despejando nubes desde la inicial The Future Is Ours y haciéndonos fluir por su genuino universo atemporal. Trece canciones en las que cruzamos los cielos junto a Jad y su tripulación, chocándonos con amores pasados, demonios, extraterrestres, zombis y un sin fin más de personajes de serie B. El latido de la Michigan de su infancia, con The Stooges y MC5 muy presentes, se extiende libremente y nos engulle en un remolino de guitarras distorsionadas y teclados primitivos. Si en el bucle de Why Not? no podemos dejar de bailar mientras nos centrifugan en una lavadora de dibujos animados, en The Face, Demons Of Doom o la colorida Amazing, con un hipnótico órgano y chispeante xilófono, parece que Daniel Johnston se uniera a la fiesta, secuestraran a The Velvet Underground y tocaran dentro de un armario hasta convertirlo en nave espacial. —david pérez

7

POST-HARDCORE / Europa

continental, y no sólo los antiguos países del bloque comunista, ha sido tradicionalmente un terreno fecundo para los sonidos extremos, y un perfecto ejemplo es este grupo austriaco, en el que densidad blues punk a lo Jesus Lizard, guitarras metaleras y ritmos de demolición se conjugan en un magma sonoro catártico. Bug acaban de cumplir veinte años en la carretera, han tocado con la flor y nata del post-hardcore de las catacumbas (Unsane y muchos más) y lo celebran con el que es su octavo disco. Inspirado por las correrías de Berlusconi y el sátrapa norcoreano Kim Jong Il, el cuarteto de Innsbruck se zambulle hasta el cuello en las turbias aguas del lado oscuro existencial, combinando inglés y alemán en sus tenebrosas letras. Dominan y modulan su discurso desde la brutalidad sonora de Anti o Fuck Me Blind al blues infectado de Arbeitsunwill o Blutjesudotcom. Un viaje al corazón de las tinieblas que al concluir, le deja a uno noqueado y sin aire. —josé carlos peña

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Camila Simco/Epic Records

5

POP / No hay herencia

cubana por ningún lado, ni una apuesta por la escena mexicana a la que tanto cita la estrella. Camila es un proyecto comercial envuelto con la bandera americana que, además, carece de hits remarcables y cohesión.

Un conjunto de medios tiempos pop sin personalidad, repetitivos y olvidables (Something’s Gotta Give). Ni rastro de aquellas letras oscuras que prometía en su álbum debut, ni de referencias a la salida de su grupo y su evolución personal como artista. Tristemente, Camila es uno de esos álbumes que olvidaremos con el tiempo y del que únicamente, y con suerte, recordaremos Havana con cariño. Es un proyecto que está más marcado por la personalidad de su autora, que alcanza masas y consigue levantar cualquier tipo de promoción, que por su calidad musical. Aún así, es un logro haberse consolidado como estrella solista a tal velocidad. Ya tendrá tiempo para regalarnos un buen disco en el futuro, esperamos. —álex jerez

de la película. Y ese es, quizá, el mayor activo de Franz Ferdinand a estas alturas: son masivos haciendo la música que les apetece y moviéndose en su propio mundo.

—josé carlos peña

The Soft Moon

Camila Cabello

Calamitas Interstellar Records

Why Not? Fire Records

Of Love, con su teclado omnipresente, no pesa.

La melancolía suave de Slow Don’t Kill Me Slow pone el mejor cierre posible, y muestra a Alex Kapranos como excelente e infravalorado cantante. Pocos esperaban un disco tan inteligentemente misterioso y refinado a estas alturas

The Wombats

Beautiful People Will Ruin Your Life Kobalt Music/ Popstock!

Criminal Sacred Bones/ Popstock!

8

POST-PUNK / El proyecto

comandado por Luis Vasquez consigue depurar su particular estilo en este nuevo trabajo. Criminal es un decálogo en el que se plantea una interesante fórmula compuesta por porciones de gothic de los años noventa, una colmada dosis de post-industrial abrasivo y rémoras sonoras de Nine Inch Nails. Un disco que, aunque no aporta nada nuevo si lo comparamos con su anteriores trabajos, sabe mantener la energía y la lisérgica opacidad sonora que describe a esta banda de Oakland. Oscuridad y romanticismo se funden en un elepé dinámico, cargado de fuerza y ritmo, que sabrá satisfacer los paladares de los amantes de ese peculiar sonido que describe al nuevo post-punk. Recomendamos no pasar por alto temas tan enconados como Like A Father o Burn, los cuales pueden resumir perfectamente la esencia encapsulada en este fabuloso nuevo trabajo de The Soft Moon.

—fernando o. paino

7

POP / El cuarto disco

de The Wombats se ha compuesto en la distancia (el cantante y guitarrista vive, recién casado, en Los Ángeles, el batería en Londres y el bajista en Oslo), y temáticamente deja atrás las vicisitudes de las relaciones a distancia para centrarse en las de la vida conyugal. Así, Lemon To A Knife Fight, el primer single, tuvo su origen en una discusión entre Matthew Murphy y su pareja a propósito de David Lynch y su Mullholland Drive. El álbum empieza inspirado con Cheetah Tongue, el pop de aires ochenteros de Turn y el pegadizo estribillo de Black Flamingo (“I wanna love you/ but it hurts”), con esa apertura rollo The Dandy Warhols. I Only Wear Black podría haber estado perfectamente en el primer disco de The Strokes, y I Don’t Know Why I Like You But I Do vuelve a demostrar la habilidad del grupo para encontrar ganchos y letras generacionales. —miguel díaz herrero febrero 2018 #37

The Cribs

Superchunk

7

ROCK / Parece que el grupo

que puso a Chapel Hill en el mapa y estableció los principios del indie americano de los noventa está viviendo una segunda juventud desde que volvieron a la escena con su excelente Majesty Shredding (10). Su nuevo disco reafirma una de las carreras más sólidas y coherentes de la escena independiente. Casi sin hacer ruido cada disco de Superchunk ha mantenido un nivel altísimo, pese al agotamiento del género que marcó a toda una generación. El single de adelanto What A Time To Be Alive ha sido un auténtico golpe encima de la mesa tanto por su explícita letra como por su fuerza melódica heredera de cualquier canción de sus indispensables Foolish o On The Mouth. Un himno instantáneo que habrá satisfecho enormemente a los fans de una banda que nunca ha huido de sus fórmulas magistrales pero sigue sonando joven con unas letras que hablan del “ahora”, con la actual situación política y social de Estados Unidos en el punto de mira. —manel m. hontoria

6

años desde canciones como Open y The Fall y el retorno del adult orientated soul de Rhye y la voz tan femenina del canadiense Michael Milosh ya no nos sorprenden tanto como antes. Es el momento del segundo difícil disco y Rhye han acudido al funk, convirtiendo los nuevos temas en algo muy parecido a lo que ya habíamos escuchado en Woman (12) pero bastante más minimalista. Supongo que su larga experiencia en directo, viajando por todo el mundo presentando su trabajo de debut, ha influido en que canciones como Taste (mucho más cercana al trip-hop que al soul de Sade), el cabeceo sensual de Feel Your Weight o el aire noir de Count To Five sean mucho más fácilmente ejecutables para una banda con pocos miembros.

El problema con Blood es que comienza a perder fuerza en las últimos temas dejando al oyente en una continúa duermevela que no es capaz de desperezar ni el sorprendente último tema Sinful.

—manu gonzález #38 febrero 2018

Navarone Subterfuge

POP / Ballena es un animal de costumbres. Ballena es la crónica vital de Miguel Rueda, grumete en tripulaciones legendarias de los mares del Sur como Cecilia Ann o Fila India y que ahora ha encontrado refugio como Jonás en el interior de este cetáceo en el que, además de dejarse crecer la barba, ha lanzado esta epístola que ensalza el pop de Weezer, Teenage Fanclub o Nada Surf. Las canciones de Ballena son cartas marinas, mapas de tesoros atrapados en la memoria de Miguel, como Trío Pedernal, una de las joyas de este disco en el que abunda la nostalgia en fondo y forma.

Un trío que se completa con el extenso catálogo rítmico de Juande Jiménez y las guitarras vigorosas de Alejandro Hidalgo para facturar un disco de los de antes, a mar abierto, en el que no hay miedo a escoger rutas exóticas como Tropisalida e incluso sumergirse de vez en cuando en las profundidades del noise en Los cañones Navarone.

7

—arturo garcía

Raúl Cantizano

Blood Loma Vista/ Music As Usual

SOUL / Han pasado cinco

ROCK / El estatus de los

hermanos Jarman podría medirse por el hecho de que su disco llegue por aquí meses después de su estreno veraniego. Y es una pena, porque se le da más cancha a bandas con bastante menos gracia. Puede que la clave resida en el hecho de que, producidos o no, nunca les ha dado la gana desprenderse de su identidad asilvestrada.

Quizá por ello, y ya desde el título irónico, han decidido tirar por la calle de en medio grabando en Electrical Audio con Steve Albini, enemigo acérrimo de la trampa y el cartón.

La inmediatez punk y la electricidad incontenible, con sus muy reconocibles estribillos y melodías, afloran en todo su esplendor en el que iba a ser un EP y ya es su séptimo álbum -aunque a veces la huella de Nirvana sea demasiado evidente-. Hay aquí excelentes canciones, sin duda, pero al conjunto le falta un puntito para llegar a la brillantez de aquel magnífico Ignore The Ignorant. —josé carlos peña

Rhye

6

Ballena

24-7 Rock Star Shit Sonic Blew

What A Time To Be Alive Merge/ Popstock!

Ferran Palau

‘Guitar Surprise: Mito y geología del Canti’ Autoeditado/ Telegrama EXPERIMENTAL / Ya sabíamos los amigos de lo añejo que estábamos ante un músico diferente, capaz de bordarlo en un ‘tablao’ o en el Sónar. Disponible para hacer diabluras con Niño de Elche o acompañar a un cantaor clásico. Lo que, pobre de mí, no imaginaba, es que su universo musical fuese tan amplio y que me fuera a tocar explicarlo. Pues bien, dejando a un lado epítetos innecesarios, solamente se me ocurre decir que Guitar Surprise es el disco libre que únicamente puede hacer un melómano con talento.

Un ejercicio de improvisación y experimentación donde los aciertos ganan por goleada a las piezas más erráticas en los dieciocho cortes que lo componen. Un paseo, a lomo de seis cuerdas de distinto pelaje, en el que lo mismo tienen cabida la zambra o las sevillanas corraleras que géneros como el kraut, el blues, el ambient o el rock de los titanes Zappa y Hendrix. A veces solo, a veces acompañado por gente de Pony Bravo, pero siempre sin poner freno a la creatividad. —rojas arquelladas

8

Blanc Halley Records

FOLK POP / Uno juraría que, con Blanc, Ferran Palau cierra una bella trilogía en la que, a cada nuevo disco, ha ido corrigiendo el tiro afinando mucho su propuesta para lograr así su mejor trabajo en solitario hasta la fecha. Si más no, el más solido, el mejor compensado o equilibrado.

Una obra repleta de una belleza sutil y delicada que va extendiendo su ambiente vaporoso hasta crear una complicidad plena con el oyente. Un disco corto para el que el guitarra y ocasional cantante de Anímic se ha vuelto a dejar acompañar por Jordi Matas -guitarrista de Seward- en un mano a mano en el que se han repartido una instrumentación con la que han sabido tejer el entramado perfecto para los delicados versos de Ferran Palau. Unas letras que, por momentos, parecen describir emociones como si de una fotografía se tratara, que encuentran un colchón de notas de tintes crepúsculares que llega a beber de Thom Yorke a Ennio Morricone pasando por Bon Iver o John Grant. —don disturbios

8

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El Petit del Cal Eril △ Bankrobber

8

POP / Cada vez que El Petit

de Cal Eril publica un disco nuevo se hace referencia al anterior que grabó. Ocurre con la mayoría de grupos, pero todavía más si cabe con el que lidera el artesano Joan Pons. Quizás sea porque cada entrega deja un gran sabor de boca especial, abriendo vías nuevas para la investigación, presentando diferentes canales de experimentación y, sobre todo, la amplificación de un sonido que no deja de crecer.

Esta vez hay más motivo porque su nuevo material es fruto de su última gira y de la cohesión entre los músicos. En realidad, sus discos necesitan un tiempo para familiarizarse con ellos y evaluarlos en su justa medida.

En ese caso debemos añalizarlo con calma al tratarse de tres Ep’s grabados en estudios distintos (Mas Franch, Guissona y New York). El resultado es compacto, pop y con una magia que se desarrolla en canciones como Som transparents, Cau la clau o Perdre els ulls.

—toni castarnado

La frenética actividad de Ty Segall Ty Segall

Freedom’s Goblin Drag City/Everlasting

8 ROCK / El músico californiano sigue sin

presentar signos de agotamiento en un nuevo trabajo que llega justo un año después de su notable trabajo homónimo. Su frenética actividad tanto encima de los escenarios como en el estudio evidencia que el estadounidense se encuentra en un estado creativo de lo más interesante, aunando todas sus posibles caras mostradas hasta el momento en un trabajo de ni más ni menos que diecinueve temas. A lo largo de ellos le da tiempo a divagar por territorios que abarcan desde la emotividad pop semiacústica de Sleeper, hasta ese empuje que brota de un rock liberador e incluso relacionado con lo espiritual que tan bien supo desarrollar en su anterior entrega. Todo este compendio de estilos como siempre llega muy bien aderezado por la inevitable entrega fuzz que exhibe en unas guitarras a estas

Glen Hansard

cupcakKe

FOLK / Para ser un disco surgido, prácticamente, de la casualidad (mientras el artista repasaba su obra en los estudios Black Box, en Francia), sorprende que Between The Shores contenga tan buenas canciones.

La primera, con sus ecos a Van Morrison, Why Woman, continuación del rock robusto y eléctrico de la inicial Roll On Slow. El folk desnudo que llevó casi a la perfección junto a Markéta Irglová vuelve a aparecer en Wreckless Heart. La misma belleza transita por los pasajes de piano de Setting Forth, y se hace más aguda en el soul de muchos kilates de Lucky Man. Y es que Hansard no es, obviamente, Van Morrison ni Otis Redding, pero es capaz de retomar su legado en sus composiciones y al mismo tiempo transmitir verdad y emoción. Emoción que se hace obvia en One Of Us Must Lose o en, probablemente, el mejor estribillo del disco (Your Heart’s Not In It). Las canciones de Hansard siguen escarbando en las secuelas y naufragios afectivos. —miguel díaz herrero

8

RAP / La rapera de Chicago ha sabido aprovechar el empujón de sus colaboraciones con Charli XCX lanzando el que es, con diferencia, su mejor trabajo hasta la fecha. Y lo hace demostrando que tiene mucho más que juegos de palabras escandalizapuritanos, entrando en terrenos más serios y reflexivos y jugando con la agresividad habitual de su fraseo. Eso sí, la sexualidad sigue siendo omnipresente y reivindicada de la manera gráfica, explícita y sin tabúes que ha hecho de cupcakKe una figura única y oxigenadora en el panorama, teniendo en cuenta que esta es abordada casi siempre desde una mirada masculina. Hay frases históricas, como el “I thought I came but I peed on the dick” que abre Duck Duck Goose, y no hay tema sin gancho. La producción, un poco básica, es el principal punto débil, pero aún así forma un conjunto colorista y variado que se deja influir por drill, hip hop sureño, future pop, algo de dancehall y dembow… Ojo al 2018 de cupcakKe. —darío garcía coto

8

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Tuscumbia Single Lock Records

7

POP / Cinco años después

de su debut en largo, Belle Adair regresan con un segundo álbum en el que dejan de lado el folk rock en favor de un sonido más pop donde las guitarras cuidadas y las melodías bonitas toman protagonismo. Grabado en directo en tan solo una semana en los míticos estudios FAME junto a Tom Schick (Wilco) en la producción, los de Alabama han dotado a este nuevo disco de un sonido delicado y cristalino que se traduce en una riqueza melódica proveniente de una herencia identificable: desde The Byrds o los Beatles, hasta referencias más modernas como Teenage Fanclub o Real Estate. Por su parte, en las letras nos encontramos con todo lo vivido por su frontman Matt Green durante ese lustro de diferencia entre álbumes: los miedos de enfrentarse al matrimonio, abandonar el hogar… En definitiva, en estos tiempos en los que las portadas se lo llevan otros géneros, Tuscumbia ayuda a recordar que el indie pop todavía tiene algo que decir.

—guillermo chaparro terleira

creatividad entorno a una marca garagera inapelable, apostando fielmente por no renunciar a su núcleo melódico tan inspirado. —noé r. rivas

Alborotador Gomasio

Belle Adair

Ephorize Autoeditado

Between Two Shores Anti/[PIAS]

alturas más que reconocibles, evitando al mismo tiempo acercarse a lo más caótico presente en la etapa en la que denominó a su banda The Muggers. Así es como realiza un nuevo ejercicio en el que desata toda su

Ojete Calor Pataky Ojete Calor Records/Universal

Luz y resistencia Limbo Starr

7

POP / La banda de Madrid,

que ha destilado una síntesis tan rara como afortunada de indie ruidoso noventero y referencias ochenteras (pensemos en un, a priori, imposible híbrido entre Superchunk y Los Secretos), con un olfato impecable hacia las melodías refinadas, regresa con su tercer disco. Lo hace apoyándose en la producción del curtido Carlos Hernández (Los Planetas, Triángulo de Amor Bizarro), lo cual evidencia vocación de ampliar audiencias.

La reacción impotente, primer single, marca el camino con ese eufórico estribillo marca de la casa que convoca a Los Planetas de 1995. Sin embargo, hay aquí un esfuerzo por alcanzar una mayor diversidad cromática: de la tristeza adolescente en las atmósferas de El final de la tarde a las sofisticadas cuerdas en el estribillo de Agosto, bailando el caos a los devaneos electrónicos de la deliciosa Errores, donde se disfrazan de Aviador Dro con guitarras de New Order. El listón se mantiene arriba. —josé carlos peña

7

POP / El reducto humorísti-

co que lleva dando guerra en nuestra escena musical no da señales de agotamiento y el nuevo álbum de Ojete Calor lo prueba una vez más. Haciendo gala de su camaleónica habilidad para parodiar géneros (del electropop de plastidecor al techno de chiringuito, pasando por el folk y el reggaetón más deleznables), los Ojete vuelven con una nueva remesa de (anti)hits bien facturados en los que refinan un poco más una fórmula que ya se había probado bastante sólida. En la veintena de cortes que forman del disco hay lugar para temas hilarantes y otros menos inspirados, pero con los siete singles que nos el resto casi da igual. El dúo Areces-Gómez arremete otra vez más contra esa cultura tan rancia pero tan nuestra con el gusto por lo cutre de Las Bistecs y la sátira amarga de Los Punsetes. Haciendo de la vulgaridad virtud, demuestran esa astucia que a veces queda escondida cuando se les toma como dos tíos que hacen el primo. Larga vida al subnopop. —martí juan batet febrero 2018 #39

MONDOVINILOS

Atom Rhumba Cosmic Lexicon El Segell

ROCK / Para una banda como Atom Rhumba siete años de silencio discográfico no supone un escollo. Ni en cuanto al recibimiento por parte de sus seguidores ni a la hora de mantener su idiosincrasia, sustentada en ansiosas bases rítmicas de raíz negra junto a efervescentes expresiones de rock and roll y derivados. Siempre con una formación en continua mutación, en la que Rober! ejerce de único miembro fundacional, su nueva grabación se dibuja bajo una mayor querencia por atmósferas que por representaciones más agresivas, lo que no excluye piezas de eléctrica excitación como el garage de Voy cableado.

La proliferación de matices irá brotando entre misteriosa psicodelia (Tumba gris), pop artesanal (Tejedor de misterios) o en el majestuoso medio tiempo Red Turning Blue. Como es habitual el combo vasco resulta reconocible e inquieto, pero sobre todo brillante. —kepa arbizu

8

Una criatura correcta Black Rebel Motorcycle Club Wrong Creatures Vagrant/[PIAS]

7

ROCK / Por alguna extraña razón, parece que Black Rebel Motorcycle Club hayan tenido mala prensa a lo largo de buena parte de su trayectoria, pero lo cierto es que rara ha sido la entrega en la que el grupo no ha cumplido a la hora de firmar unos cuantos temas valiosos y afilados. Lo han hecho, además, manteniéndose fieles a su estilo y preferencias originales, sin traicionar su universo sonoro y al margen de modas con las que les adelantaban por la izquierda.

Cinco años después de Specter At The Feast (13), los californianos siguen trabajando sus parámetros y entregan un disco

#40 febrero 2018

con mayoría de momentos inspirados, en lo que supone un trabajo accesible y con no pocos estribillos pegadizos dentro de su oscuridad manifiesta. Una selección que incluye piezas de guitarreo sucio deudoras sin disimulo de The Jesus & Mary Chain, caso de Spook, Question Of Faith, el single Little Thing Gone Wild o King Of Bones, junto a otras más cercanas al dream-pop como Haunt o al shoegazer como Calling Them All Away. En total una docena de nuevas composiciones que resultan solventes incluso cuando la banda suena peligrosamente a U2 -como sucede en Echo-, en una canción que hubiese mejorado el último (y acomodado) trabajo de los irlandeses. Tampoco les va mal cuando se acercan a una psicodelia del tipo de The Brian Jonestown Massacre, por ejemplo en Ninth Configuration, Circus Bazooko o Carried From The Start. En definitiva, un buen disco el del trío norteamericano. —raúl julián

The Limiñanas

Shadow People Because Music/ Music As Usual

7

ROCK / Los de Perpignan

llevan tiempo mostrándose como un grupo poderoso y dispuesto a luchar por lo más alto del trono del psycho garage con cualquier grupo anglófono que se atreviera. Shadow People es ya su sexto disco y los confirma como uno de los mejores grupos del viejo continente.

Al encontrarnos con Marie a la batería y Lionel a la guitarra

como únicos miembros del combo, es imposible que no nos vengan a la mente los eternos The White Stripes, aunque los franceses tienen una personalidad propia que los hace superar cualquier tipo de comparación.

Desde un planteamiento oscuro son capaces de picotear del instro surf, del punk o hasta del spaghetti western para conseguir un conjunto de canciones atmosféricas y, sobre todo, tremendamente adictivas.

—eduardo izquierdo

Héctor Guerra

Desde el infierno Kasba Music

MESTIZAJE / Este trabajo cierra la trilogía que el español-boliviano y corazón mexicano, Héctor Guerra, empezó con Amor (12) y Gracias por existir (15), si bien hay que destacar el enorme trabajo que hizo antes con el colectivo nacido en Madrid, Pachamama Crew.

Su proyecto se enmarca dentro de la música electro-latina urbana, o sea que lo mismo utiliza el reggaetón que la cumbia, el dancehall que la electrónica, el rap que el trap a base de vocoder. A primera escucha puede parecer muy espiritual por esa intro de mensajes positivos y universales y esos interludios -“Cantos de poder”- que utiliza, pero no deja de pisar el suelo como en Hoy (“trabajando fuerte, pagando mis rentas, nada es gratis, no puedo fallar”) o en USA es México (“Si quieres poner un muro, nos lo vamos a saltar”). Aunque lo que prefiere Guerra es mandar positivismo y hacerte bailar como con la efectiva Tranqui, chilling, manito o con la vital Vida. Buen cierre de trilogía. —miguel amorós

7

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No Age

Prurient

Snares Like A Haircut Drag City

8

ROCK / El pop se combina

de forma brillante con el ruido en los tres hits que marcan el prometedor, acelerado e infeccioso inicio del cuarto álbum de No Age, que honra al espíritu de disco como obra completa siguiendo una estructura de desarrollo y desenlace: La compensación de energía que ofrecen la balada Send Me y la instrumental que da título al álbum enlaza con la potencia controlada de Tidal, iniciando un tramo plagado de estribillos y riffs punk-rockers que va perdiendo fuerza con sentido y elegancia cuando se acerca el final, donde el dúo se marca un descenso de lentos trances repetitivos de corte electrónico que podría parecer arriesgadísimo, pero que encaja como un guante si has seguido todo el recorrido del disco. A destacar el apartado de los teclados, que le dan un acabado de diez a la producción.

Quizá suene más 2014 que 2018, pero cuando las cosas se hacen bien…

—nacho serrano

Rainbow Mirror Hospital Productions

8

es sin lugar a dudas uno de los proyectos más alabados dentro del sonido industrial norteamericano. El primer planteamiento sonoro de Dominick Fernow cuenta en su haber con una dilatada discografía dedicada íntegramente al ruido más intenso. En esta ocasión, y coincidiendo con el veinte aniversario de la creación de Prurient, el artista ha decidido editar en su propio sello, Hospital Productions, un ambicioso lanzamiento. Rainbow Mirror está compuesto por nada menos que siete discos en los que se recogen tres horas de horizontes sonoros de escala disonante. En algunos de ellos se coquetea directamente con el dark ambient, mientras que en otros encontramos su faceta más salvaje y característica, esa que logra hacer que se te salten los empastes de las muelas. Ruido vehemente y desorbitado lanzado en líneas de drone que logra encapsular el contexto hermético en el que se desarrolla. Pura aflicción sonora para amantes de lo extremo. —fernando o. paino Izaro

The Black Suns

Eason Autoeditado

Milk & Cookies Autoeditado

7

POP/ Esta nueva banda

barcelonesa emerge de las cenizas, aún candentes, de Klaudia. Ahora suenan más crudos; más próximos al folk-rock acústico que al indie-rock; tan oscuros y melancólicos como siempre; igual de intensos, aunque menos atronadores. Su primer álbum autoproducido guarda parte de la genética sonora de su anterior grupo, pero diferenciándose lo suficiente como para no repetirse. ¿Más maduros? También… y disfrutándolo de una forma muy natural.

Lo que sí es una evidencia es que estos once temas están más elaborados -desde un concepto más propiamente acústico del asunto- a nivel compositivo y técnico. La introducción de cuerdas y voces corales suman unos interesantes gramos de epicidad a la propuesta. Como queda patente en el single con el que se presentó el disco -There Is No Tomorrow- un tema amable y sólido, con alma de clásico, sencillo y bello en su composición. —fernando fuentes

INDUSTRIAL NOISE / Prurient

6

POP/ Tras la caja de sorpre-

sas que fue Om, reconozco que no tenía ni idea de qué dirección de las múltiples posibles tomaría Izaro, pero puedo constatar que va en la senda correcta, aún siendo tan multidireccional y por ello tan apasionante. Pasajes acústicos, austeridad instrumental y voz cristalina se dan la mano con otras sorpresas. Er(h)ori sirve de deliciosa apertura aún sin llegar a brillar del todo, seguido de De más y Delirios, en una onda pop-rock más convencional que despertó mis temores aunque el final de la segunda, con sus ecos y voces agudas, nos conduzca al éxtasis. No podemos dejar pasar Neguprenoa, con su slide y su nítida y envolvente voz que nos hace flotar. O la connovedora Zuri Begira, con un piano delicioso y una cantante en estado de gracia, esa canción de amor llamada Donostia o la orgía final con Devil (blues), Pick Up (rock de raíces) y la sorpresa La felicidad, tremenda exhibición de ritmos latinoamericanos con extremado vigor y ritmo enloquecido. —urko ansa

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El disco más directo de Belako Belako

Render Me Numb, Trivial Violence Belako Records/El Segell

8 ROCK / El cuarteto de Mungia sigue sorprendiendo con su tercer largo. Y sorprende el hecho de que sorprenda, porque no es habitual que la quinta referencia (contando los epés) de una banda siga teniendo el mismo peso que sus anteriores lanzamientos. A estas alturas deberíamos estar echando mano de tópicos como “se desinfla el hype” o “no alcanza el nivel de sus otros discos”. Bien, pues el caso de Belako es justo el contrario.

Belako publican el 23-F su disco más directo, enriquecido, sin duda, por las experiencias que el cuarteto está viviendo (éxito entre nosotros, gira por Rusia, Japón, Corea del Sur, Estados Unidos, Alemania...). Además se permiten experimentar con otros ritmos (en forma de nana

al final de Stumble II; el espíritu ¿dub? de Strangers In A Box, los pasajes transicionales de Render Arp...), grabar temas con el móvil, añadir nuevas instrumentaciones a su música, revisitar canciones del disco anterior... y todo ello combinando la lisergia rock, el punk y la electrónica con la coherencia a la que nos tenían acostumbrados. Lore, Cris, Lander y Josu resumen en catorce temas la madurez pop bien entendida. Porque conforme pasa el tiempo más claro queda que Belako han conseguido sonar identificables sin repetir fórmulas y llegar a un público cada vez más exigente interesado en la energía festivalera, pero también en el cuerpo a cuerpo de las salas de medio aforo.

Render Me Numb, Trivial Violence es tan disfrutable como sus anteriores trabajos, con elementos que viran hacia nuevos terrenos y nos muestran a unos Belako más curiosos y sorprendentes. La carrerilla, esta vez, les va a hacer volar alto. —xabier doncel

febrero 2018 #41

42/Mondo Media

Eric Jiménez Los golpes de la vida

cómics

Leyendas desde el pantano. Guadalupe Plata 8

Explicar mediante viñetas algunas de las aventuras y travesuras de una banda como Guadalupe Plata es algo tan osado como atractivo. Su imagen, marcada por el contraste entre los negros y la gama de grises, hasta la economía de palabras para poner el énfasis en lo visual, dejan claro que no es una biografía ilustrada al uso. Y es que el grupo de Úbeda no podía tenerla. Por eso Leyendas desde el pantano es como su música. Tan perturbadora como fascinante.

—eduardo izquierdo

r “No he tenido que pasas ningún filtro de Lo Planetas”

cine

Antonio J. Moreno. El Ciento BandaÀparte

Este músico granadino es el mejor batería de la independencia pop-rock nacional, por decisión unánime de sus compañeros de gremio y público, pero también es el de “los cuatro millones de rayas” -que dicen que se metió con no se sabe muy bien quién- o el descacharrante “cóctel rollo indie”.

E

Orgullo y satisfacción.

Grandes éxitos VV. AA. ¡Caramba!/Astiberri

8

En 2015 se aplicó la ley mordaza a este país, pero antes muchos la habían sufrido. Un buen puñado de artistas de El Jueves dimitieron a raíz de la autocensura de una portada sobre Juan Carlos I y crearon “Orgullo y satisfacción” para la web. Este tomo recopila lo mejor de los tres años de vida del proyecto.

Monteys, Lalo Kubala, Fontdevila, Brieva y Paco Alcázar entre otros. ¿Hace falta decir más ante tal selección? —edu tuset #42 febrero 2018

rnesto Jiménez, el “Plutón” de Los Planetas o el líbero de Lagartija Nick lo borda con su primer libro autobiográfico, Cuatro millones de golpes (Plaza & Janés, 17), en el que narra su particular tragicomedia vital -a bombo descubierto y redoble en pecho- para disfrute de propios y extraños.

—Sin duda el libro narra, en primera persona, una tragicomedia absolutamente real. Si tuvieras que hacer un balance de tu vida, hasta el momento, ¿ha sido más feliz que triste o al contrario?

Yo diría que mi vida ha sido un cincuenta y cincuenta. He tenido muchísimo sufrimiento, pero siempre he sabido combatirlo con una buena dosis de sentido del humor. Y luego también tengo que reconocer que los picos bajos han sido muy bajos, pero los picos altos han sido muy altos.

Probablemente el escenario y los

sitios donde he estado han contrarrestado muchísimo dolor en situaciones de mi vida en las que me he visto muy mal. Así pues, lo resumiría en un cincuenta por ciento.

—¿Pasó por el filtro del resto de Los Planetas el contenido del libro, antes de mandarlo a imprenta, o no hizo falta?

Para nada. No he tenido que pasar ningún filtro de Los Planetas porque entre otras cosas ellos se enteran de que yo escribo este libro cuando ya está en imprenta. Además, ya tengo una edad para no tener que pasar por ningún filtro para escribir mi autobiografía. Y para que salgáis de dudas, en ningún momento me lo pidieron. Me dijeron que tenían ganas de leer el libro. Punto.

—Hay una cosa que no queda clara en el texto: ¿Qué banda ha sido y es más importante para ti: Lagartija Nick o Los Planetas?

Esa pregunta es como si me dicen, entre dos hijos, con cuál me quedo.

Evidentemente Lagartija Nick ha sido una banda importantísima para mí, con unas texturas muy cañeras, y Los Planetas ha sido también muy importante para mí, con texturas muy diferentes a las de Lagartija. Son dos bandas que, junto a la mía, con la que empecé, KGB, cada una me ha dado lo suyo, y no puedo quedarme con ninguna de las tres, porque las tres tienen su importancia, y las tres tienen un papel fundamental en el momento en que formo parte de ellas. Las tres son parte de mi vida y

las quiero igual.

—¿Qué hubiera sido del “Eric Jiménez músico” sin Enrique Morente o los hermanos Arias?

Yo antes de conocer a los hermanos Arias y antes de conocer a Morente ya había grabado discos, es decir, que hubiera sido músico. Lo que sí es cierto es que si no les hubiera conocido, hubiera perdido parte de mi patrimonio, que ya he dicho que son los discos y los directos que he hecho, y no hubiera surgido trabajar con gente muy grande. Mi patrimonio hubiera sido bastante más austero.

—¿Y sin Jota y Floren?

Con Jota y Floren, igual. Yo ya había grabado muchas cosas antes de meterme con Los Planetas y antes de conocerlos. Si no les hubiera conocido pues me hubiera perdido grandes conciertos, grandes emociones y haber grabado grandes discos que he grabado con ellos.

—¿Y ellos sin ti?

Eso deberían contestártelo ellos.

—fernando fuentes

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Cuatro millones de golpes

Eric Jiménez Plaza & Janés, 17

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Casa de Oración Nº2 Mark Richard Dirty Works

7

Mark Richard está considerado por muchos uno de los grandes escritores de la Norteamérica actual. Guionista de cine y televisión, poeta, novelista y escritor de cuentos, en 2011, se decidía a publicar una especie de autobiografía que sorprendía a todo aquel que no conocía su historia. Americana, muy americana, busca en los bajos fondos del ser humano, en lo grotesco a veces, para remover los sentimientos del lector.

—eduardo izquierdo The New Analog

Damon Krukowski Alpha Decay

7 A partir de una serie de artículos, en ocasiones algo inconexos, Krukowski (batería de Galaxie 500 y Damon & Naomi, periodista y activista cultural) intenta explicar en este ensayo cómo nos enfrentamos al hecho sonoro en el actual momento digital, y hasta qué punto lo analógico sigue teniendo sentido en un universo dominado por los teléfonos móviles y las suscripciones premium.

—luis j. menéndez

Algo en la sangre, la biografía secreta de Bram Stoker

David J. Skal Es Pop

9 Skal, autor también de los imprescindibles Monster Show Una historia cultural del horror (Valdemar, 08) y Hollywood gótico (Es Pop, 15), realiza un sorprendente retrato del escritor irlandés (un gigantón de casi metro noventa de sexualidad ambigua, que se pasó media infancia postrado en la cama y vestido como una niña), de todas las influencias que le llevaron a escribir Drácula y la importancia y la influencia posteriores del personaje. —xavi sánchez pons

Gerard Way Del escenario al papel

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Aunque solemos relacionarlo más con el mundo del rock por sus años como líder de My Chemical Romance, Gerard Way se ha convertido –desde que publicó The Umbrella Academy- en uno de los más populares y renovadores guionistas del cómic estadounidense actual. Ahora le entrevistamos aprovechando el lanzamiento de La patrulla condenada en España de la mano de ECC.

H

emos empezado a leer tu serie de La patrulla condenada (Doom Patrol) en España. ¿Cuál fue el reto más difícil a la hora de seguir lo que había hecho Grant Morrison con esos personajes hasta ahora y poder hacerlos tuyos?

Creo que el reto vino de intentar darle un giro al pasado y a la rica historia de Doom Patrol, y al mismo tiempo intentar hacer algo nuevo. En cuanto a escribir alrededor de los viejos personajes, algunos de los que Grant creo, le pregunto a él para obtener más información o analizo las reediciones, pero últimamente Nick y yo preferimos pensar en encontrar la que sería nuestra versión personal de lo que deberían ser esos personajes y en la forma en la que podemos llevarles a un nuevo lugar. He intentado mantenerme al margen de cualquier influencia exterior e incluso me retiré de las redes sociales. Pero es que el propio Grant me dijo que tenía que “encontrar ‘the new weird’”, así que le he dedicado mucho tiempo a eso.

—Obviamente, descubrí tu trabajo

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so uno “Ganar un Eisner supus que de los momentos de lo so en me siento más orgullo mi vida”

en el mundo del cómic después de conocer tu faceta musical, pero tan pronto como The Umbrella Academy se publicó en España, me encantó tu trabajo. Buenos personajes y una historia muy fresca. ¿Podrías decirme qué es lo que te ha hecho seguir en el mundo del cómic?

Los cómics son algo de lo que jamás me alejé. Los adoraba conforme iba creciendo y tan pronto como me hice mayor vi la gran cantidad de posibilidades que podía dar el medio. He escrito cómics desde que tenía quin-

ce años de edad. Usaba la vieja máquina de escribir de mi abuela y después fui a la Escuela de Artes Visuales para estudiar exclusivamente cómo hacer cómics, lo que me llevó a hacer unas prácticas en DC bajo la supervisión de mi profesor, Joey Cavalieri. Tras esos años, con la banda haciéndose más y más grande y girando continuamente, me encontré con un montón de tiempo muerto antes de las actuaciones, con lo que quería utilizar ese tiempo para hacer algo productivo y reconectar con esa faceta mía artística. Empecé a soñar y a diseñar los personajes que acabarían formando The Umbrella Academy.

—¿Y qué me dices de ganar un Eisner, uno de los más grandes galardones del mundo del cómic, con la serie?¿Qué significó para ti?

Ganar un Eisner supuso uno de los momentos de los que me siento más orgulloso en mi vida. Y teniendo en cuenta que los cómics son mi principal pasión, significó mucho más que ganar cualquier premio musical.

—Has trabajado y formado equipo con artistas como Gabriel Bà, Nick Derington y Michael Avon Oeming. Siendo tú mismo artista, ¿cómo decidiste con quién trabajar?

Por lo que respecta a los artistas con los que colaborar, primero pienso sobre la historia y el tipo de dibujo que mejor puede sentarle a lo que quiero contar. Después viene la búsqueda de alguien con quien puedas conectar, alguien que también sea buena persona, alguien con quien también te apetezca salir por ahí a tomar algo. El talento juega un papel muy importante en todo esto, es cierto, pero no creo que sea más importante que la habilidad de conectar con un artista.

—joan s. luna

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febrero 2018 #43

44/Mondo Conexiones Reebok Classic <> “Always Classic”

Fiesta Demoscópica <> El próximo 15 de febrero celebramos nuestra Fiesta Demoscópica, este año en colaboración con Lenovo. La marca debe su nombre al acrónimo “le” (leyenda) y “novo” (nueva), es decir, “nueva leyenda”, lo cual le viene como anillo al dedo al espíritu de esta fiesta.

MondoSonoro lleva desde 1999, año en que se celebró la primera Fiesta Demoscópica, trabajando por generar escena local, dando la oportunidad a grupos emergentes de subirse al escenario frente a una multitud. Este año, las celebraciones se concentran en una sola ciudad y con el apoyo de Lenovo, sumamos fuerzas juntando en una misma noche a bandas jóvenes procedentes de diferentes ciudades: North State (Barcelona), Jump To The Moon (Murcia) y La Plata (Valencia). Además, contaremos con la presencia de Maria Arnal i Marcel Bagés, Mejor Disco Nacional del Año para MondoSonoro, y la actuación de un grupo sorpresa. Puedes descargar tu entrada gratis en www.elfestivaldelosprimeros.com y participar en el sorteo de una Tablet Lenovo Yoga Book (hasta el 7 de febrero).

Reebok Classic acaba de lanzar la campaña para la temporada primavera/ verano 2018, un homenaje a los pioneros del estilo más disruptivo y auténtico de la marca, con personalidades como: Ariana Grande, Rae Sremmurd o Lil Yachty, retándoles a abrirse y revelar al mundo lo que para ellos significa “Always Classic”. Todas las novedades en www.reebok. es/classics

Rayden <> Taller de escritura creativa Centro Botín

Spannabis <> Feria del cáñamo Los días 9, 10 y 11 de marzo Spannabis celebra su XV aniversario en la Fira de Cornellà: el evento de referencia en el sector del cannabis. Además, este año se celebrará la tercera edición de las World Cannabis Conferences en el Auditorio de Cornellà, con la presencia de personalidades científicas, médicas y políticas, así como relevantes miembros de la cultura cannábica. Horarios y demás información en spannabis.com/barcelona/ #44 febrero 2018

El pasado 20 de enero el rapero Rayden, ganador mundial de la Batalla de Gallos en 2006 y número 1 de ventas en España con su álbum Antónimo (Warner, 17), impartió un taller de escritura creativa a los jóvenes en el Centro Botín.

Rayden compartió con sus alumnos su visión personal sobre la escritura y sus principales técnicas a la hora de escribir. El artista, con dos poemarios publicados, destaca por tener un estilo que rompe con los estereotipos tradicionales de su género musical.

Burn Residency <> Nueva convocatoria El concurso de DJ más grande del mundo abre su plazo de inscripción. El programa de música electrónica BURN Residency busca a un nuevo ganador para seguir los pasos de Furkan Kurt y apoyar a los productores de la próxima generación. El cierre de las solicitudes será el 20 de marzo, en la que aspirantes de varios países participarán en el programa para hacerse con el puesto y bajo la atenta mirada de nombres como: Pete Tong, Luciano, Seth Troxler y Loco Dice. Los finalistas tendrán la oportunidad de asistir a un extenso programa de talentos y pinchar en clubes de Ibiza. Además, el ganador recibirá un premio de 1000.000€ para invertir en su carrera.

Participa en www.burn.com

Princess Nokia <> Desigual Destiny Frasqueri, alias Princess Nokia, es la imagen de la nueva campaña de Desigual. La joven rapera protagoniza una serie de vídeos con personas 100% auténticas y con un mensaje que lanzar al mundo. Princess Nokia, además de agotar las entradas para sus conciertos, encarna a la perfección la filosofía de la marca: desarrollar todo lo que cada persona tiene dentro sin limitarse y sin que nadie le frene. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

VUELVE EL PRIMER GRAN FESTIVAL DEL AÑO

KASABIAN ALT-J

IZAL VITALIC !!! NADA SURF YELLE IVÁN FERREIRO DORIAN SIDONIE EL COLUMPIO ASESINO VIVA SUECIA BIZNAGA MELANGE THE OCTOPUS PROJECT MUEVELOREINA JOANA SERRAT POOLSHAKE ESTEBAN & MANUEL ODC LIVE

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RETROVISOR.

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UT

Ed. Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Pablo Ferrer, Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com

Origen: Nueva York (Estados Unidos), 1978

U

T es la clásica banda que siempre ha estado a la sombra de una primera división underground a la que, en realidad, siempre han pertenecido. Lógicamente, coincidir en el tiempo con primos lejanos de la escena neoyorquina ochentera como Swans, Sonic Youth, Unsane o Lydia Lunch reduce tus posibilidades de protagonismo. Y en este sentido, Nina Canal, Sally Young y Jacqui Ham vivieron un ostracismo que sólo el paso del tiempo ha podido difuminar. No puede ser menos ante el caudal de méritos acumulados desde que comenzaron a dar sus primeros pasos en 1978.

“Jacqui y yo estábamos viviendo en un apartamento en la calle 5 en 1978 y habíamos comenzado a escribir canciones juntas”, recuerda Sally. “Estábamos saliendo y viendo a muchas bandas y estábamos interesadas en formar una banda. Un amigo nuestro y amigo de Nina, Peter Gordon, sugirió que Nina podría ser una buena persona con quien tocar. Nos juntamos todas en una sala de ensayos en 1978 y nos emocionamos por lo que sucedió musicalmente. Nuestro primer concierto fue en 1979 en el Nivel 3. Tratamos de ser teatrales en el sentido más verdadero, en términos de hacer una actuación dramática, poderosa, cautivadora y conmovedora”. Dichas palabras reproducen una realidad: en el contacto directo con el público, eran imbatibles. Tocar después de ellas era un suicidio para cualquier banda del East Village neoyorquino. Nadie podía igualar la catarsis originada por esta banda, que sonaba como si Mars y The Raincoats fueran dos caras de un mismo sonido.

Su fin era siempre el mismo: crear un Apocalipsis escénico, enfatizado por un estado de confusión brutal, que provenía de cómo se intercambiaban continuamente los instrumentos sobre el escenario. Desgraciadamente para ellas, su futuro pasaba por emigrar a otra

#46 febrero 2018

escena musical. En Nueva York, su propuesta no era lo suficientemente no wave, ni casaba con las estructuras más digeribles de bandas como Television. Por lo que en 1981 se les presentó una oportunidad que les llevó a ejercer de embajadoras del underground neoyorquino en una ciudad tan eminentemente pop como Londres. “Estábamos interesadas en lo que estaba sucediendo en la escena musical del Reino Unido, y que una banda como The Fall estuviera prosperando allí nos intrigó”.

El hecho de que The Fall estuvieran de gira por Estados Unidos les puso el destino en bandeja. Jacqui quería tocar con ellos a toda costa, y le envió una cinta a Mark E. Smith, que inmediatamente las aceptó como sus teloneras. UT compartían la paranoia vital de aquellos The Fall, su misma tensión escénica.

Pero como siempre les ocurría en su carrera, su llegada a Londres vino acompañada de un desfase temporal; en este caso, debido a que la revolución post-punk ya había mutado hacia formas pop. Aun así, supieron encontrar su hueco dentro de una ciudad que comenzaba a adorar a nuevos ídolos de la transgresión punk. A pesar del impacto que UT generaron en tierras inglesas, seguían sin publicar su primer álbum, el cual tuvo que llegar en 1986, bajo el título de Conviction. En este clásico a redescubrir, emergen las bondades de su flamígera dualidad entre noise neoyorquino y post-punk londinense. El resultado es arrebatador, tanto como In Gut’s House, publicado al año siguiente. De la mano de Steve Albini, pudieron cerrar una trilogía elemental por medio de Griller, su postrero largo en estudio.

Sólo un año después, decían adiós. Era 1990, el año anterior a la explosión Nirvana y el surgimiento del movimiento riot grrrl. De nuevo, se quedaban a las puertas de un reconocimiento mayor… —marcos gendre

IMPRESCINDIBLE

In Gut’ House (Blast First, 1987)

No anduvo muy desencaminada la prensa del momento cuando definió su segundo trabajo de estudio como la versión pop del Evol de Sonic Youth. No Wave Arty que suena a post-punk velvetiano. Sin duda, un juego de contrastes de lo más nutritivo, milimétricamente, expuesto en cortes como Homebleed, que condensa buena parte del ideario de las primeras Throwing Muses. En cuanto a I.D., la pregunta surge por sí misma: ¿Qué sería de Sleater-Kinney sin canciones como esta?

En definitiva, un pasillo monumental de espejos estilísticos en los que podemos ver reflejados buena parte de las expresiones más brillantes de lo que nos ha dado la mutación del post-punk en indie-rock en estas tres últimas décadas. Como el resto de sus trabajos, se acaba de reeditar recientemente. —m.g.

Ed. Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván MarcosTlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción Cantabria: Carlos Caneda Tlf. 669 06 82 72 (cantabria@mondosonoro. com) Publicidad Cantabria: Ernesto Castañeda 657 67 41 97 (publicantabria@mondosonoro.com) Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Ed. Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 981 160 102 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Edu Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Silvia R. May

f 171.963 seguidores t 93.700 seguidores g 233.388 seguidores 30.100 seguidores 71.305 seguidores

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