MondoSonoro febrero 2017

The xx Menos es más

Lori Meyers Desde las alturas Biznaga Jóvenes ocultos Cala Vento Hardcore naif

FOTO: FRANCESCA ALLEN

Nº 247 Febrero 2017 www.mondosonoro.com

VITALIC, DROPKICK MURPHYS, MOURN, ANíMIC, FRANZ FERDINAND, ZEDS DEAD, LAURA MARLING EXQUIRLA, CALEXICO, RYAN ADAMS, DEMOSCÓPICAS, HIDROGENESSE, HAZTE LAPÓN, WILEY, RESIDENTE

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febrero 2017 #3

#4 febrero 2017

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5/Mondo freako

“Hemos alcanzado el nivel óptimo como banda”

FOTO: ARCHIVO

El bucle creativo de Lori Meyers

En la espiral (Universal, 17) es el sexto disco de los andaluces Lori Meyers, además de un resumen de lo que han sido hasta el momento. Y aquí les tenemos para explicarnos qué han estado haciendo durante los últimos cinco años.

E

l piso de Alejandro Méndez, en el centro de Granada, es un fortín de guitarras, teclados, libros y cacharrería analógica. En el salón beben cerveza Noni y Alfredo, los otros fundadores activos de Lori Meyers. La banda de Loja cumplirá veinte años en 2018. Empezaron jóvenes y ahora se consideran “viejóvenes”. Suena el jazz afrocaribeño de Art Blakey mientras España tirita de frío siberiano. “Mantenemos la esencia de los sesenta, que está en las armonías, las voces y las melodías”, apunta Alejandro ante la previsible avalancha de comentarios sobre la fiebre de sintetizadores del grupo. En la espiral, el sexto álbum de su carrera, condensa lo progresivo

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y la adrenalina pop a lo largo de trece canciones. Un disco extenso, sí, pero es que Lori Meyers nunca habían tardado casi un lustro en publicar. Han creado un coloso. Los granadinos reconocen que llegaron al punto de pedir cita para verse. Ahora preparan una gira en la que viajan con un equipo de veinte personas. Escenografía, más luces, efectos en 3D. Un concepto del espectáculo que les iguala con Nine Inch Nails. “En realidad hemos sido más productivos”, señala Alfredo, el batería. “Cada cual le saca más partido a su instrumento porque invertimos muchas horas.

Pero para conseguirlo necesitamos parar un tiempo”. La experiencia con productores como Mac McCaughan,

Thom Monahan, Ken Coomer o Sebastian Krys les ha dado seguridad para grabarse a sí mismos en su local de la Vega metropolitana, con el redondeo de Ricky Falkner y la mezcla de Phil Vinall –Radiohead, Pulp, Placebo, Elastica, Zoé–, que alquiló un estudio en Londres durante el Brexit para rematar el trabajo. “Esa noche por fin pude dormir”, confiesa Noni. “Los propios Arcade Fire se graban los discos. Luego disponen de un mezclador. La mezcla es importante”, reflexiona el vocalista.

Noni se ha comprado una guitarra Rickenbacker, la del rock ácido de los Byrds, pero no se ha quitado del vicio de los ‘sintes’. “Nos lo hemos tomado

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con calma porque hacen falta meses sólo para probar las combinaciones de sonidos, las posibilidades de texturas.

Nos gusta tanto la música y somos tan apasionados de los instrumentos que siempre acabamos experimentando”.

El cantante habla de la tozudez creativa de Tomás Bohórquez, el organista de Módulos. Menciona rarezas de Talk Talk y la ELO. No escurre que le ha dado por Mike Oldfield, Supertramp y Pink Floyd. Admira los teclados de Teo Cardalda y Tino Casal en los ochenta. Un tema como Organizaciones peligrosas, con ese bajo negroide tan Daft Punk, evoca a Metronomy. “No soy muy fan de Metronomy, pero leí en una entrevista que utilizan el CS-80, el teclado polifónico de Blade Runner de Vangelis”, añade Noni. “Incluso las guitarras se utilizan ya más para buscar sonidos que para sonar como guitarras, como ocurre con Tame Impala”, agrega Alejandro. “Pero nosotros sonamos a grupo de rock. En directo siguen golpeando la batería, el bajo y las guitarras. Y hemos recuperado esa tercera voz en los coros que perdimos después de Hostal Pimodán”.

La perspectiva del treintañero aparece en títulos como 1981. “No se trata de nostalgia. Siempre existe un amor que no va a volver. Y no pasa nada”.

Antonio Arias, un padre espiritual para ‘los Lori’, interviene en Vértigo I, el atmosférico y desasosegante arranque de En la espiral. “Antonio tiene una varita y sabe hacer magia. Me dio la clave para conectar Vértigo I con el cierre, Vértigo II, una pieza de la que Anni – Anni B Sweet, su pareja, que colabora en tres canciones– dice que hablo de la marihuana y mi madre dice que hablo de Anni”. Asegura Noni que la edad le ha aportado tiempo para leer y complementarse como artista. “Lo que pasa es que no soy buen escritor. Tengo amigos que me aconsejan bien, que me han facilitado las mejores influencias.

Me atormenta fallar al expresarme.

Estas letras son más meditativas”. Lori Meyers también reeditan su discografía en vinilo. “Ha sido una de nuestras exigencias para firmar con Universal. Eso demuestra las ganas que teníamos. Era imperdonable que un álbum como Viaje de estudios no estuviera disponible en formato grande”. La portada de En la espiral, llamada a su vez a convertirse en icónica, es obra del alemán Pierre Schmidt, alias Drømsjel, diseñador de Weezer. “Hemos alcanzado el nivel óptimo como banda”, concluyen Lori Meyers desde su círculo vicioso.

—eduardo tébar

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#6 febrero 2017

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

CRITICANDO En la espiral Universal, 2017 Pop

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El viaje interestelar de Vitalic

La madurez es aburrida

N

o es la primera vez que sucede y tampoco será la última.

Le ha pasado a bandas de todo pelaje y largo recorridos como Red Hot Chili Peppers, R.E.M., Metallica, Pearl Jam e incluso a los mísmismos Stones. Las carreras largas es lo que tienen. Vas dejando atrás la espontánea frescura de tus inicios, esa candidez inocente que te hacía sonar tan auténtico como imperfecto y desaliñado, para ir ganando en rotundidad en las formas. Pasas de desafinar como una alimaña a sonar con un empaque y una cohesión alejada del amateurismo. Sin embargo, corres el riesgo de volverte demasiado formal, olvidando esa libertad que te otorgaba la inconsciencia; el no calibrar las cosas, tampoco planearlas. Solo hay que volver a discos como Viaje de estudios y sobre todo Hostal Pimodan para darte cuenta de lo mucho que han crecido en lo instrumental los granadinos, y lo mucho que se ha quedado por el camino, sacrificado en aras de una profesionalidad comprensible, pero que sino va a compañada de grandes canciones, queda tocada, mermada por la sensación de que no ha pasado relamente gran cosa.

El nuevo trabajo de Lori Meyers empieza prometedor, sobre todo gracias a Pierdo el control, el mejor tema del lote que además emparenta a Lori Meyers directamente con Foals, un buen espejo en el que mirarse de haber continuado por ese camino, pero no. Muy pronto una serie de medios tiempos e incluso baladas demasiado azucaradas (1981, Todo lo que dicen de ti), lastran el tono de un álbum que intenta levantar el vuelo con temas deudores de Radio Futura (Zona de confort) o echando mano del manido toque funk made in Nile Rodgers (Chic) en temas como Organizaciones peligrosas. Poca cosa para satisfacer con plenitud estos más de tres años de espera. —don disturbios

Doce años después de poner patas arribas la escena electrónica europea con temas como La Rock o My friend Dario, el francés Pascal ArbezNicolas, más conocido como Vitalic, regresa con Voyager (Caroline/Music As Usual, 17).

V

oyager es un cuarto álbum de estudio (mezclado por el catalán Alex Ferrer, Sidechains) en el que Vitalic traza una ruta más definida y accesible entre los mundos que siempre han formado parte de su universo sonoro; el espíritu clubbing, rabioso y visceral; y un sonido melódico, reposado y de tintes regios, deudor en gran parte de géneros que marcaron la década de los setenta. “Mi objetivo era llevar la melodía a un terreno un poco loco. Mezclar belleza, locura y energía.

En todos mis discos hay temas muy duros y con base rave, pero también otros muy tranquilos, cercanos a la música de bandas sonoras” (recordemos que fue el artífice de la jugosa banda sonora del filme de Davide Manuli, The Legend Of Kaspar Hauser, con Vincent Gallo al frente). Dos mundos que en este trabajo no solo conviven sino que se funden en cortes que viajan por el tiempo y que toca géneros como el disco, la EBM temprana de DAF y Fad Gadget o el electrochic parisino. “Hace quince años que hago música como Vitalic y no me veo haciendo cuatro veces el mismo disco.

Esta vez quería hacer algo que sonara a mí por completo –ya fuera más o menos techno, con voz o sin ella–, diferente de

lo que suena en todos los clubes, a la vez que conceptual y homogéneo”. Si en su anterior Rave Age (12), la tónica general tiraba hacia un electro machacón y complaciente, esta vez el productor parece haber dado un paso atrás para reencontrarse con sus orígenes y dotar a su música de ese halo cósmico tan francés del que presumen artistas como Kavinsky o Daft Punk. “Este es sin duda mi álbum más francés. Supongo que se debe a que hay una consecución particular de acordes en las melodías.

El french touch juega mucho con los acordes mayores y menores, lo que desemboca en paisajes muy luminosos, pero con una nube gris en el interior”. Y es que, a diferencia de que muchos sean los que asocian su nombre a afterhours y a carteles de festivales de techno, su intención dista mucho de ser ese Dj trasnochado y post-bakala con el que se le sigue asociando en algunos circuitos.

“Jamás me he considerado un artista de techno, sino un productor de música electrónica en el sentido más general de la palabra. En realidad mis singles nunca son techno como tal; puedes llamarlo disco, EBM o como prefieras, pero nunca he dicho que yo fuera un purista del techno. De hecho, no sería capaz de hacer un álbum de ese género en su totalidad. No es lo mío”. —daniel mesa

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Voyager

Clivage Music/ Caroline/Music As Usual, 2017 Electrónica

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uando vieron que se avecinaba el veinte aniversario de la banda, los Murphys decidieron que tenían que hacer algo grande. Como era de esperar, parte de las celebraciones consistieron en una gira conmemorativa, pero los de Boston decidieron ofrecer algo más: su mejor disco hasta la fecha. Por eso hicieron las maletas y, por primera vez, salieron de su ciudad para grabar sin distracciones.

“Concentrados como nunca, dedicados al cien por cien” a su novena criatura, según explica el cantante Al Barr. “Tener ese grado de dedicación hacer crecer a la banda. Esa sensación inexplicable de estar todos juntos tan concentrados…

Para mí ha sido una experiencia increíble”. La reclusión voluntaria tuvo lugar en los aislados Sonic Ranch Studios de El Paso (Texas), lugar en el que, junto a su productor Ted Hutt, han dado forma a un disco que “ha quedado como un libro dividido en capítulos, en el que cada canción es una parte de una misma historia”. Se trata de un homenaje a los excluidos, los marginados sociales, los que no tienen a nadie más que a sí mismos para luchar y sobrevivir. A gente que posiblemente vaya a sufrir más con el gobierno de Trump. “Esperemos que no.

De todas formas yo insisto en que el tren ya estaba en marcha antes de que lo condujese él. Obama, al que voté la primera vez que ganó, ha sido una decepción. Por ejemplo. Cuando tomó el cargo juró que los indios no volverían a ser maltratados, y ahora no ha hecho una puta cosa para defenderlos en Dakota del Norte. No ha dicho una puta palabra, ha permanecido en un silencio vergonzoso. Con él también hemos perdido libertades, hemos perdido derechos… Por eso también pienso que da igual que gane Trump. El autobús de la corrupción ya estaba en marcha, con una ruta muy clara, y da igual que cambien al conductor de vez en cuando”. Al respecto, Barr también añade: “Creo que no deberíamos concentrarnos en criticarle a él, sino en analizar por qué ha ganado, la atmósfera de odio que le ha aupado al poder. Eso es lo que me da miedo como padre. Y lo que también me da miedo es que esto se extienda a Europa”. Pero si hay un leitmotiv en 11 Short Stories Of Pain & Glory, es el del problema de la adicción a la heroína.

De hecho, hablan con conocimiento de causa porque son los responsables de Claddagh Fund, una asociación de apoyo a la desintoxicación que funciona

Dropkick Murphys Nunca caminarás solo

EL APUNTE

Punks con corazón The Claddagh Fund es una fundación benéfica que trabaja en distintos programas (infancia, drogadicción, etcétera) fundada en 2009 por el bajista y cantante Ken Casey. Cuenta con espacios en Boston y Philadelphia. Al mismo tiempo, el grupo colabora con otras fundaciones como la Pablolove de Los Angeles, que ofrece ayuda a las familias de niños con cáncer y a la investigación pediátrica.

“básicamente con donaciones privadas”, explica Barr. “Nuestros fans también colaboran indirectamente al comprar nuestro merchandising, y también tenemos mucha relación con otras asociaciones de Boston que nos apoyan. Ahora estamos trabajando con otra para ayudar expresamente a los heroinómanos con hijos. Es una situación especialmente delicada”.

A ellos va dedicado este álbum de once temas, para el que llegaron a grabar hasta dieciocho. “Cuando las escuchamos

fue como: ‘¡Joder, no hay ni una puta cara B! ¡Todo son singles de primera clase!’. Imagina lo que costó hacer los descartes. Quizá saquemos dos discos el año que viene, tenemos que aprovechar la carrerilla”, comenta excitado Barr.

A propósito, su versión de You’ll Never Walk Alone puede causar furor en Liverpool. “¡Eso puede ser un problema!

Espero que sepan ver por qué la hemos utilizado para hablar del problema de la heroína en Boston. Es un drama que nos ha tocado muy de cerca a todos en el grupo. Un día Ken (Casey, bajista) volvía de un funeral por una nueva víctima de la droga, y la canción sonó en la radio de su coche. Pensó que la letra tenía un gran mensaje para los que están luchando por salir, y todos estuvimos de acuerdo, porque además la lucha por la superación es un tema universal con el que cualquiera puede sentirse identificado. No lo hemos hecho por el equipo de fútbol, por supuesto (risas). Obviamente, tenemos nuestros equipos favoritos, pero es un tema que preferimos dejar aparte (más risas)”.—nacho serrano

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“Da igual que gane Trump. El autobús de la en corrupción ya estaba ta ru marcha, con una muy clara, y da igual tor que cambien al conducdo” de vez en cuan

FOTO: HARA AMORÓS

La banda punk más celta de Boston, Dropkick Murphys, vuelve a la actividad con un disco en el que el mensaje está a la altura de los cortes.

11 Short Stories Of Pain & Glory (Born & Bred/[PIAS], 17).

Y ojo, porque las canciones están entre las mejores de su repertorio hasta la fecha.

Dropkick Murphys en Barcelona en febrero de 2015. Fue su última gira por nuestro país.

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“Frenéticos y bestiales”. Con estos dos adjetivos Joan Delgado y Aleix Turón describen sus primeros pasos como Cala Vento, una banda que en poco más de un año ha pasado de ser mejor maqueta del año de MondoSonoro a aparecer entre los mejores discos estatales con un trabajo homónimo publicado por B-Core, de tocar para amigos a actuar en el SXSW. Hacen balance de todo lo sucedido entre una cosa y otra en Fruto Panorama (B-Core, 16), su segundo largo.

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MONDO FREAKO

“Al escuchar por la noche lo que habíamos grabado, se nos ponía la piel de gallina”

Cala Vento Dos amigos

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ala Vento han conseguido con su debut logros al alcance de muy pocos, de esos que normalmente requieren años y años en la brecha. “Uno siempre intenta creer en lo que hace, pensar que está guay y esas cosas. Y suponemos que hay bandas que además le ven éxito potencial a sus canciones. Nosotros somos más de lo primero que de lo segundo”. Pueden presumir, aunque no lo hacen, de coleccionar sold outs y de haber tocado en los conciertos de Radio3 y en el SXSW de Austin. ¡Con su primer disco! “Desde dentro se vive todo de una manera más natural y está claro que, en algún que otro viaje a la estratosfera, nos hemos dado cuenta de la locura que nos envuelve, pero es que hoy en día vivimos a una velocidad extrema.

Vivimos hiperconectados e hiperinformados y esto acelera el consumo tanto de productos como de experiencias”. Esa misma velocidad extrema les ha llevado a sacar Fruto Panorama después de quemar las canciones del primero en directo. “Esto va por etapas. Al principio disfrutas mucho porque tocas temas nuevos que acabas de componer, después disfrutas mucho cuando la gente se los hace suyos y finalmente disfrutas mucho porque te los sabes bien y tocas confiado”. Ahora piensan en presentar al mundo su segundo disco, cuyo título “es fruto del panorama que se ha generado en nuestras vidas después de sacar nuestro primer disco”. En ese sentido, los

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nuevos temas también hablan de experiencias que han vivido recientemente, con títulos como El mejor momento de mi vida, Hay que arrimar o En cueros. El primer adelanto fue Isla desierta, un hit instantáneo, cañero, fresco y descarado.

Tan descarado que dicen tacos. El resto del disco sigue la línea del primero, como era de esperar, con los mismos ingredientes pero probando recetas diferentes. “La máxima influencia de este disco ha sido el otro. Casi sin darnos cuenta creamos con el primer disco un sonido bastante personal y no queríamos perderlo. Pero también queríamos avan-

zar y explorar nuevas paletas de sonidos y de ritmos y creemos haberlo conseguido con un disco más cañero, más oscuro, más rock y menos pop por decirlo de alguna manera”. Mismos ingredientes y nueva cocina, la de Ultramarinos Costa Brava, con el súper chef Santi García,

quien solamente se encargó de la mezcla del primero. “Antes de entrar en el estudio estuvimos todas las tardes de verano machacando las canciones. Eric Fuentes (The Unfinished Sympathy) vino algunos días como productor y entramos en el estudio con los temas más que estudia-

SOLO GUITARRA Y BATERÍA, UN MUNDO

Slaves Slaves son la respuesta británica a los dúos de guitarra y batería, con una inimitable actitud punk hooliganesca que sin duda se aprecia mejor con varias cervezas entre pecho y espalda.

Japandroids Favoritos de la casa, los canadienses conocen la fórmula para componer canciones de indie rock adrenalínico redondas y adictivas. El pasado 27 de enero publicaron su nuevo largo, Near To The Wild Heart Of Life.

L’Hereu Escampa Dos chicos de Manlleu que recuperan la esencia del mejor emo estadounidense de los noventa con excelentes resultados.

Sus canciones se pegan a la piel y no te dejan pase el tiempo que pase.

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TAN. CERCA. RRPablo Díaz-Reixa (El Guincho) ha sido el encargado de producir el quinto álbum de estudio de Los Punsetes, el primero para el sello Mushroom Pillow. ¡Viva! verá la luz el próximo 10 de marzo. También han confirmado las primeras fechas de su gira de presentación: 8 abril (Let’s Festival, L’Hospitalet), 20-21 mayo (Tomavistas, Madrid), 26 mayo (Sala REM, Murcia), 27 mayo (Sala Stereo, Alicante), 1 julio (Festival Sunshine Suances, Cantabria) y 28-30 julio (Low, Benidorm).

RREl Tribunal Supremo condena al líder de Def Con Dos por seis tweets, a pesar de haber sido absuelto previamente por la Audiencia Nacional. Se ha escrito uno de esos capítulos que tiempo atrás hubiéramos creído imposible: César Strawberry ha sido finalmente condenado a un año de cárcel y seis años y medio de inhabilitación por enaltecimiento del terrorismo y humillación a las víctimas.

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LA GIRA l Valencia 2 de febrero 2017.

Magazine Club. l Albacete 3 de febrero 2017.

Sala Chapó. l Alicante 4 de febrero 2017.

Atiende Alicante l Salamanca 9 de febrero 2017.

Trece Monos. l Burgos 10 de febrero 2017.

La Rua.

l Langreo 19 de febrero 2017.

Sala Telva. l Zaragoza 16 de febrero 2017.

La Lata de Bombillas. l Guadalajara 17 de febrero 2017.

TBC. l Madrid 18 de febrero 2017.

Wurlitzer Ballroom. l Vic 25 de febrero 2017.

La Jazz Cava.

RRShooter Jennings es la primera confirmación de la cuarta edición del Huercasa Country Festival, que se celebrará en la villa segoviana de Riaza los días 7 y 8 de julio. Este concierto supondrá la única actuación del artista en nuestro país. Vendrá acompañado de Waymore’s Outlaws, la que fuera la banda de su padre bajo el nombre de The Waylors.

RRDel 18 al 20 de mayo tendrá lugar en el Espai la Rambleta de Valencia una nueva edición del festival Surforama. Será la última oportunidad para ver en directo a una de las mejores bandas de garage patrio de la última década, Wau y los Arrrghs, ya que el grupo anunció su separación a finales de 2015 y esta será su última actuación. También estarán los franceses Les Grys-Grys.

RREl Festival Internacional de Creación Audiovisual de Gijón, más conocido como L.E.V., llega a su edición número once. Este año pasarán por sus escenarios los británicos Factory Floor y Synkro, los estadounidenses John Beltran y Container o el español Skygaze.

Bala Las gallegas apuestan por el rock vitaminado y rasposo, con lo que bien podrían ser la respuesta española a Deap Vally y la mejor opción para recuperar el rock alternativo guitarrero y bruto. —j.s.l.

RREl festival de música electrónica MUTEK [ES] ha confirmado los primeros detalles de su octava edición, que se celebrará del 9 al 11 de marzo en Barcelona. La organización ya ha confirmado a Actress, Aïsha Devi, Avalon Emerson, Bjarki y Demdike Stare, entre otros. MS

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dos. ¡Solo teníamos tres días para grabar catorce temas”. El resultado es variado, equilibrado, pero sobre todo potente.

“Enchufamos la guitarra a diferentes amplis y probamos diferentes sonidos. Al escuchar por la noche lo que habíamos grabado se nos ponía la piel de gallina”.

Cala Vento arrancan nueva gira con la idea de presentar Fruto Panorama a lo largo y ancho de la península. “Estamos excitados no, lo siguiente. A mediados de septiembre nos comunicaron que habíamos sido seleccionados dentro del programa Girando por Salas 2017 y eso significa que nos montan siete conciertos remunerados en salas de toda España.

Con esta base, decidimos convertir cada una de esas fechas en dos, tres o cuatro conciertos, aprovechando el viaje y tocando de ida y de vuelta. Ya hemos cerrados unos treinta conciertos con ayuda de buenos amigos como Nore, el chico que nos lleva el booking”. A disco por año, sin parar de tocar. ¿Se ven manteniendo este ritmo durante mucho tiempo? “Somos bastante inquietos e hiperactivos, por lo que dudo que nos falte ritmo aunque al final la industria musical tiene sus propios ritmos a los que te tienes que adaptar aunque te joda”. —luis benavides

Wormed, los temibles engranajes del cosmos Tras Planisphærium (03) y Exodromos (13), el golpe definitivo: Krighsu (Season Of Mist, 16), el tercer álbum de la banda madrileña Wormed, uno de los grupos más importantes de nuestro panorama más extremo.

U

n primer detalle que no pasa inadvertido: habéis sacado Krighsu con Seasons Of Mist. ¿Cómo surgió la posibilidad de editar vuestro nuevo trabajo con ellos?

Para nosotros es todo un orgullo que nuestro material se haya puesto en libertad por uno de los sellos que más hemos respetado y en el que militan muchas de las bandas que admiramos desde nuestros inicios. Pertenecer a esta familia es todo un honor. Intercambiamos un par de emails y rápidamente obtuvimos una respuesta muy positiva.

Por lo visto la gente que trabaja en la oficina de Season Of Mist en Estados Unidos nos había visto en directo en Filadelfia y les gustó tanto el concierto que fueron los que recomendaron a Michael Berberian para que nos fichara.

Si no me equivoco, vuestros dos discos anteriores aparecieron publicados por un sello japonés y otro norteamericano respectivamente.

Ahora, uno europeo. Tres discos, tres continentes. La cuestión es sencilla: nuestra intención siempre ha sido buscar un sello que estuviera bien posicionado en el mercado underground a nivel de promoción e intercambios, con buena visibilidad y que nos ofreciera un presupuesto decente para grabar; los conceptos básicos que debería exigir una banda. En la primera edición de Planisphaerium, el sello japonés Macabre Mementos, hizo un gran trabajo, y para ser nuestro primer disco: se editaron más de tres mil copias que se movieron por todo el mundo en cientos de distribuidoras. Eso nos ofreció una gran oportunidad para estar visibles y consiguió que se nos conociese en la escena internacional. Aparte, el sello nos ofreció una mini gira por Japón... Éramos jóvenes y no teníamos en cuenta algunas cosas: era todo pasión y ganas de conocer mundo. Más tarde con

EL APUNTE Krighsu Season Of Mist, 2016

El mejor metal Krighsu ha sido elegido por MondoSonoro como el mejor disco de metal nacional de 2016. Radical, veloz, técnico y extremo, el último trabajo del cuarteto no acepta medias tintas. Hay que tener los oídos muy curtidos para sumergirse en el death metal con coartada sci-fi de los madrileños, solamente así uno descubrirá la potencia endiablada de una de las bandas más sólidas e internacionales del género. —E.G.

Exodromos, la cosa avanzó junto a dos reediciones en Willowtip y nos ayudó a mover bien el material en Estados Unidos. Ahora, Season Of Mist nos ha dado la opción de quedarnos con ellos para tres discos.

Termino preguntándoos por los planes inmediatos de la banda. ¿Cómo se presenta este 2017 para Wormed?

Tenemos varias fechas confirmadas en festivales como Hellfest en Francia, Obscene Extreme en República Checa, Coyote Fest en Rusia, y Cosmic Fest en Vitoria, aparte estamos cerrando una gira europea para abril con los franceses Benighted y con Unfathomable Ruination de Londres. Pronto revelaremos las fechas: queremos presentar Krighsu como se merece. —tomeu canyelles

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febrero 2017 #9

Primeros confirmados del Sunshine Suances

FOTO: denee petracek

Los. Discos. de mi.

Vida.

MONDO FREAKO

Ty Segall se suma al Ebrovisión

Parecía que los festivales cántabros no se atrevían a anunciar novedades cuando el Sunshine Suances ha lanzado los primeros participantes de su segunda edición. La selección incluye a artistas de géneros diversos, pero todos ellos nombres españoles. Los cuatro últimos anunciados han sido Joe Crepúsculo, que presentará su nuevo Disco duro, Templeton, Baywaves y el madrileño Pional. Todos ellos se suman a una primera lista que incluía a los vascos WAS (ganadores del premio MondoSonoro/ Vicious Awards a mejor grupo de pop electrónico), Agorazein, los Ochoymedio Dj’s, y Los Punsetes, quienes también publicarán álbum en breve, el primero para Mushroom Pillow, titulado ¡Viva! y producido por El Guincho, que también actuará en el Sunshine Suances. El festival se llevará a cabo los días 30 de junio y 1 y 2 de julio. MS

Joey Burns (Calexico) Los estadounidenses Calexico publicaron el pasado año Edge Of The Sun y vinieron a presentarlo a nuestro país, así que, aprovechando la gira, le preguntamos a Joey Burns cuáles podrían ser los seis discos que más le han influido.

MISS CAFFEINA FOTO: ARCHIVO

www.sunshinesuances.com

Lori Meyers, Miss Caffeina, novedades del Low Festival Apenas quince días después de que el Low Festival desvelara los nombres de Roosevelt y Agorazein, sorprenden con nuevas confirmaciones. Esta vez la de tres bandas nacionales: Lori Meyers, Miss Caffeina y Rusos Blancos. Lori Meyers presentarán su inminente nuevo disco En la espiral. Por su parte, Miss Caffeina y Rusos Blancos estarán presentes en la jornada inaugural del festival, que será el jueves 27 de julio con una fiesta en la playa de Benidorm, junto a !!! (Chk Chk Chk). Estas tres bandas se suman al cartel que queda de momento así: Pixies, Franz Ferdinand (únicos conciertos en España en 2017), Mando Diao, Lori Meyers, !!! (Chk Chk Chk), Roosevelt, Dorian, Sidonie, Neuman, Agorazein, Miss Caffeina, Los Punsetes, The New Raemon & McEnroe, Triángulo de Amor Bizarro, Soledad Vélez y Rusos Blancos. MS www.lowfestival.es

#10 febrero 2017

VV. AA.

Tom Waits

Latin Playboys

Está caja de tres discos contiene preciosas grabaciones de campo tomadas a lo largo de México.

Me gusta la producción lo-fi que tiene porque cuando escuchas los discos da la impresión de que les tengas ahí en tu misma habitación.

Hay miles de personajes dentro de Tom Waits. No es solamente el líder del ring o el trapecista, sino que es todo el maldito circo. Es como tú y como yo, sentado entre la audiencia y viendo a sus personajes moviéndose, enfundándose en sus ropas o retorciéndose dentro de las máquinas.

Los temas y el sonido no son nada convencionales, por eso adoro este disco. Es todo una cuestión de sentimiento, quizás por ello algunas canciones se han usado en bandas sonoras.

Para mí son un puente entre diversos mundos y géneros.

Antología del Son de Mexico, 1985

Bone Machine, 1992

Minutemen

Love

El minimalismo y el trance suponen algo bueno para el alma porque aclara la mente. Como muchos artistas de ambient, hay aquí una profundidad que surge de la contención y de las transiciones graduales.

Eran una banda de punk, pero nada típica. Huían de la norma y desafiaban la definición normal de lo que el punk significaba.

Me inspiraron a coger el bajo, la guitarra y el bolígrafo. Calexico hacemos una versión de Corona.

Este disco es una verdadera obra maestra.

Me metí en los discos de Love y su tercer disco se convirtió en uno de mis favoritos.

Años más tarde Calexico empezamos a versionar Alone Again Or, que siempre ha sido una de las preferidas de nuestros conciertos. MS

Double Nickels On The Dime, 1984

www.ebrovision.com

Latin Playboys, 1994

Neu!

Neu!, 1971

Bajo su propio nombre, el pasado 27 de enero Ty Segall publicó su nuevo álbum (titulado sencillamente con su nombre y editado por Drag City), que presentará en el Ebrovisión como única fecha española del californiano para este año. Es el segundo nombre internacional que se suma a esta edición del festival de Miranda de Ebro tras la confirmación hace semanas de Nada Surf. Aunque ambos grupos estarán bien respaldados por diversas confirmaciones nacionales de nivel.

Desde el 31 de agosto hasta el 2 de septiembre pasarán por la localidad Love Of Lesbian, Sidonie, Corizonas y León Benavente, así como nuevos talentos con mucho futuro como los aragoneses My Expansive Awareness. Ya están a la venta los abonos para el festival, con ofertas conjuntas con eventos como el Ebroclub y el Sonorama. MS

Forever Changes, 1967

2016, un año con MondoSonoro Queremos repasar con nuestros amigos y lectores lo que ha sido 2016 en el ámbito musical nacional. Para ello, en colaboración con La Cúpula Music, hemos dado forma a un recopilatorio digital que incluye algunos de nuestros temas favoritos de la pasada temporada. Nos hubiera gustado incluir muchas más canciones, pero no ha sido posible por diversos motivos. En todo caso, no están todos los que son, pero sí son todos los que están.El recopilatorio incluye un total de quince temas firmados por Novedades Carminha, Triángulo de Amor Bizarro, Juventud Juché, Viva Belgrado, Agorazein, Dellafuente, Delorean, Quique González & Los Detectives, beGun, Muchachito, Fira Fem, Belako, Hola A Todo El Mundo, The New Raemon & McEnroe y Mucho. El álbum está disponible desde el 27 en Spotify, iTunes y demás tiendas y plataformas digitales. MS

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FOTO: SHERVIN LAINEZ

American Footbal, considerados unos de los padres del emo auténtico, presentan su segunda entrega.

“

Solo nos importa escribir canciones que nos exciten”

Casi diecisiete años después, American Football continúan justo donde lo dejaron. Y es que el cuarteto de Chicago liderado por el genio Mike Kinsella (Cap’n’Jazz, Owen, Owls) publica ahora la segunda parte de su disco debut, American Football 2 (Polyvinyl/ Pias, 16). La falta de originalidad a la hora de titular su trabajo queda sobradamente compensada por la bella factura de los nuevos temas.

S

teve Holmes, nuestro interlocutor, es el guitarra de American Football y nos brinda la oportunidad de charlar sobre esta celebrada e inesperada secuela de los considerados padres de la segunda ola del emo, que llega un par de años después de su regreso a los escenarios. “Los conciertos de la gira de reunión fueron fantásticos. Hicimos unas cuarenta fechas en dos años, por todo el mundo”. La idea de grabar un nuevo disco se hizo inevitable. “Nos lo estábamos pasando bien tocando, pero también estábamos un poco hartos de tocar siempre el mismo material”. Durante el proceso de creación de American Football 2 no sintieron el peso de su leyenda, la presión de sus seguidores. “Solamente nos importa escribir canciones que nos exciten. Lo demás no tiene importancia. No

puedes controlar la reacción de la gente, por lo que no merece la pena preocuparse demasiado por eso”.

Los cuatro miembros viven ahora en ciudades diferentes, pero eso hoy en día no supone ningún problema cuando hay una buena conexión a Internet y, sobre todo, muchas ganas. “Creamos una carpeta en Dropbox y allí colgábamos ideas de canciones. Todos en la banda escribimos y contribuimos con material”. Para ellos la banda es algo así como un trabajo a media jornada, todo lo contrario a una prioridad. Nos guste o no, la banda es algo secundario para ellos. “Cuando hicimos nuestro primer disco, éramos unos niños. Nos acabábamos de graduar y teníamos veintidós años cuando lo dejamos. Ahora todos estamos casados, tenemos niños y muchas más responsabilidades”. Son adultos, con problemas y preocupaciones de adultos, y eso se nota en las letras del disco. En este sentido, su segundo elepé es una continuación del primero. “Las dos obras están totalmente conectadas. Creo que el nuevo trabajo es una respuesta al primero, aunque cada disco se entiende por separado. Eso sí, los que nos conocieron con nuestro debut seguramente tendrán una conexión mucho más profunda”. —luis benavides

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”

American Football 2 Polyvinyl/Pias, 2016 Pop

7

Ivan Ferreiro, Cass McCombs, Melange...

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Radar Estudios, Vigo Melange / 11 de febrero

Mardi Gras, A Coruña Melange + Dois / 10 de febrero

Sala El Sol, Madrid Tigres Leones + Juventud Juché / 11 de febrero Toy / 05 de marzo Mister Marshall / 10 de marzo

Playa Club, A Coruña Novedades Carminha / 03 de marzo

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Iván Ferreiro presenta “Casa”

03 de febrero / Pelícano, A Coruña 04 de febrero / Sala Capitol, Santiago de Compostela

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febrero 2017 #11

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#12 febrero 2017

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N

o podemos decir que no estuviéramos advertidos, porque hace unos años, cuando se publicó Hannibal, desde Anímic ya avanzaron que en su próximo trabajo habría aún más cambios. Un anuncio que se ha acabado materializando en una auténtica transformación, abandonando el folk-pop y girando definitivamente hacia la electrónica, por donde ya habían transitado en los lejanos tiempos del autoeditado Niu-Núvol (05). (Louise Sansom) “Con cada disco hacemos borrón y cuenta nueva; sentimos que si no ofrecemos algo nuevo, algo que nos ponga nerviosos, no vale la pena seguir. Se ha convertido un poco en nuestra filosofía. Aquí lo más notable es el cambio musical debido a la falta de batería, pero el discurso social sigue siendo muy parecido”. Una decisión motivada en parte por la salida de Roger Palacín, a quien Louise suplió de forma puntual en su anterior trabajo, aunque entonces ya consciente de que se trataba de un papel con fecha de caducidad.

“Tuvimos la obligación de adaptarnos de nuevo y eso nos llevó a otro lugar desconocido, pero yo sabía que no iba a tocar la batería siempre y que tarde o temprano habría que plantearse qué hacer. De todas formas, ya hace años que nos interesan los ritmos metronómicos, por lo que el paso a las bases electrónicas ha sido muy natural”.

Una vez asumida la metamorfosis -y tras descartar un cambio de nombre, opción que la banda se llegó a plantear-, Skin se adentra en su naturaleza más sombría, como ya hicieran en Hannibal.

LA GIRA l Olot 9 de marzo 2017. Olot Festival l Igualada 25 de marzo 2017. La Bástida. l Valencia 20 de mayo 2017. Las Naves l Barcelona 31 de mayo 2017. Primavera Sound.

FOTO: GUSTAFF ROOM

Anímic, la piel que habitan

Tras alcanzar la madurez con Hannah (11) y, especialmente, Hannibal (13), el grupo catalán abre una nueva etapa en su nuevo trabajo, un Skin (B-Core, 17) que se viste completamente de electrónica, aunque en el fondo aparezca la misma naturaleza sombría de Anímic que ya conocíamos.

(Louise) “La oscuridad es algo intrínseco en nosotros, todos tenemos una vertiente oscura que con los años que llevamos viviendo en este mundo, tan crudo y bello a la vez, se ha ido potenciando en nuestra forma de expresar. Vemos mucha belleza en la oscuridad, nos comunicamos con ella y es el idioma que nos surge de forma natural cuando queremos expresar algo importante. Como casi todos los músicos, hacemos música para liberarnos, y yo solo necesito liberarme de lo oscuro; supongo que hay personas con sobredosis de felicidad y hacen canciones más luminosas”.

“La oscuridad es algo ... intrínseco en nosotros Vemos mucha belleza en la oscuridad”.

CRiTICAndo Skin BCore 2017 Pop

8

Variaciones con futuro La fragilidad ha sido de forma recurrente uno de los pilares en la música de Anímic, con especial impacto en Hannah (11) y Hannibal (13), y de nuevo se convierte en elemento determinante en este álbum, donde encontramos una manifiesta transformación, aunque en último término permanezca esa sensibilidad que ya conocíamos, además de una profunda conciencia social. De hecho, hay pocos temas en la dilatada carrera del grupo de Collbató que suenen tan vul-

nerables como Hidden, marcando además una suerte de puente hacia su pasado más inmediato. Visto en perspectiva, el ritmo casi tribal que dominaba Hannibal se revela como avanzadilla del cambio, con una electrónica oscura que ya había aparecido antes de forma puntual, pero que ahora lo domina todo, cediendo completamente el protagonismo vocal a Louise Sansom (entre tanto, Ferran Palau ha ido creciendo en sus entregas en solitario). Incluso Silence, en su desasosegante calma, no está muy lejos de las crepusculares nanas con ropaje folk-pop de sus primeros trabajos, conviviendo con cortes en clave techno (GEM) y una mayoría que se acerca más al dark-wave, golpeando desde la frialdad, mejor cuanto mayor dureza emplea: el ritmo de Slave, el zumbido de Glass o los toques industriales de Whales, consiguiendo que sean precisamente los temas que más se alejan de su anterior etapa los que marquen la pauta. —e.p.

De alguna forma, el ritmo cadencioso de Hannibal podía anticipar este cambio, con un tema como Shoot’em Up (una de las pocas canciones que han adaptado al nuevo directo) adelantando esa faceta electrónica, aunque de forma más agresiva. “Hannibal nos dio mucha energía, en directo era estar vomitando música continuamente, lo que pasa es que entrabas en un estado violento interiormente, mientras que con Skin nos hemos quedado con la energía del directo e incluso la violencia en las letras, pero estamos más tranquilos; el enfado ha pasado a ser algo que podemos tratar con mas paciencia”. Rupturas, sufrimiento, la falta de humanidad, la relación del hombre con la naturaleza y una dolorosa indiferencia forman parte de este relato que no rehúye la confrontación, buscando un choque piel con piel. (Louise) “La piel es lo que nos hace iguales o desiguales en este mundo, pero es algo que todos tenemos. En un tema se puede tratar como símbolo de algo que nos une o nos diferencia, pero en otro, como Hidden, expresa tristeza ante las personas que no te aceptan tal como eres, que con su crueldad te obligan a esconderte bajo tu piel, en este caso en concreto por tu transexualidad”.

Un campo de batalla por el que Louise Sansom y Ferran Palau ya han pasado a través de su hijo Leo, nacido con genitales femeninos, en una lucha contra la estigmatización de los niños con identidades transgénero que también se libra en este álbum.

—enrique peñas

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febrero 2017 #13

El nacimiento de Franz Ferdinand

FOTO: JULIO GONZÁLEZ

MONDO FREAKO

Paul Thomson, batería del grupo, y la artista pictórica Celia Hempton, nos cuentan los inicios del grupo en el Glasgow de 2002.

TAN. LEJOS. Presumido Himnos para el nuevo mundo

Casi sin hacer ruido, Presumido han ido captando seguidores para su pop electrónico. Ahora, por fín, ve la luz su debut discográfico, Vendetta (Music Bus/Altafonte, 17). #14 febrero 2017

RREl bajista de Arctic Monkeys, Nick O’Malley, confirma los rumores del regreso del grupo en una entrevista con la revista For The Ride. O’Malley es un loco de las motocicletas, especialmente de las Triumph, así que el portal For The Ride lo ha entrevistado para hablar de su segunda afición. A media entrevista, y hablando de su amor por conducir por su Sheffield natal añade “los chicos tienen planes de regresar al estudio a principios de este año“.

RRNuevo disco de Conor Oberst. Saldrá bajo el título

L

de Salutations y será una pieza complementaria de Ruminations, editado en octubre del año pasado y creado mientras se recuperaba en su casa de Nebraska de unos problemas de salud.

Este nuevo álbum incluirá siete canciones nuevas más la reedición de las diez de Ruminations con nuevos arreglos grabados por Oberst junto a Felice Brothers y el baterista Jim Keltner. Entre los invitados que han participado en el trabajo se encuentran Jim James, Gillian Welch, Blake Mills, Jonathan Wilson, M Ward y Maria Taylor.

a publicación de Vendetta es una de las mejores noticias que nos podría deparar este nuevo año. Y lo es por esas diez canciones de rotundo pop electrónico en castellano que lo conforman.

En ellas, el dúo gallego sintetiza sus numerosas influencias músicales, al tiempo que subrayan sus rasgos más personales. La suya es una fórmula capaz de propagar entusiasmo entre los amantes del pop y con sustancia suficiente para satisfacer el gusto por los detalles de paladares más exquisitos.

“Tenemos claro que somos músicos de rock, de ahí quizás venga nuestro extra de contundencia, haciendo bonitas canciones pop con instrumentos electrónicos, y unas letras que luchan constantemente entre la oscuridad y la retranca”, afirma Tarci Ávila, motor de Presumido junto a Nacho Dafonte.

Ambos llevan años haciendo la guerra contra el adocenamiento por su cuenta en diversos grupos, pero no fue hasta

RRLa banda de indie rock estadounidense The Shins ha estrenado un videoclip a modo de adelanto del que será su quinto álbum de estudio, Heartworms.

El disco saldrá a la venta el 10 de marzo a través de Sony Music. El disco ha sido escrito por James Mercer y, a excepción de So Now What (tema producido por Richard Swift), también ha sido producido por él mismo, algo que no hacía desde Oh, Inverted World (01).

RREl próximo 24 de febrero se publica el nuevo y homónimo trabajo de Dirty Pro-

el pasado 2015 cuando decidieron sumar sus fuerzas. “Presumido nació como un proyecto individual, como un acercamiento a la música electrónica en formato hombre orquesta moderno. Tras grabar una primera demo y realizar una gira de presentación el resultado no fue el que esperaba, por lo que decidí darle vueltas y vueltas hasta encontrar un sonido y una imagen con los que sentirme a gusto e identificado.

Esto ocurriría después de incorporarse Nacho como nuevo cincuenta por ciento del proyecto y maquetar unas cien canciones, algo que ha sido un ejercicio de búsqueda de estilo brutal”.

El espíritu del “háztelo tú mismo” planea en cada uno de los aspectos que definen la personalidad artística de Presumido hasta el punto de elaborar una puesta en escena para sus conciertos y transmitir la identidad del grupo más allá de lo que lo hacen las canciones. “Desde el primer día que

M

iércoles 15 de mayo de 2002. Glasgow. Algo grande ocurrió en la ciudad esa noche, mientras la lluvia característica de la zona caía fuertemente desde los cielos. Para los aficionados al fútbol fue otra cosa la que cayó desde arriba en forma de balón del pie de Roberto Carlos, un balón que disparó un tal Zinedine Zidane para dar la novena Copa de Europa al Madrid. Fue en el lado sur de la ciudad, en el estadio de Hampden Park, aunque nos interesa más lo que ocurrió a poco más de cuatro kilómetros al noreste de la ciudad. En un pequeño apartamento de dos dormitorios por encima de Nice N Sleazys –uno de los bares más míticos de Glasgow-, cuatro hombres vestidos de negro iban a sellar su paso hacia la historia de una forma completamente distinta, pero igual de potente, que los once tíos de blanco que correteaban por el césped. En realidad, ninguno de los cuatro era de la ciudad, sino que llegaron juntos por primera vez para actuar en una fiesta organizada por dos amigas estudiantes de la famo-

jectors, para el que cuentan con una nueva lista de invitados. Destacan Tyondai Braxton, Mauro Refosco (Atoms For Peace) y Dawn Richard. El disco incluye nueve canciones.

nos encerramos -porque nosotros no ensayamos, nos encerramos todas las semanas en una casa durante varios días seguidos-, los dos teníamos claro que íbamos a desarrollar un proyecto tanto musical como audiovisual. En nuestro canal de YouTube se encuentran varios vídeos de ensayos con todo el set de luces y visuales que hemos diseñado y fabricado nosotros mismos.

Ahora estamos trabajando con un escenógrafo impresionante para ir un paso, o veinte, más allá”. —nonito pereira

Vendetta

Music Bus/ Altafonte, 2017 Pop 7/10

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sa Escuela de Arte de Glasgow. Para darle nombre al grupo, tomaron el del archiduque de Austria-Este asesinado en Sarajevo en 1914, cuya muerte desencadenó la Primera Guerra Mundial, Franz Ferdinand. Las estudiantes fueron Celia Hempton, artista londinense famosa por sus pinturas de genitales, y Jo Robertson. Eligieron el miércoles por la noche para realizar una exposición para mostrar sus trabajos y el de otras compañeras bajo el nombre de Girl Art. Según, Hempton era “una especie de broma feminista en cierto sentido.

Era una exposición de obras hechas por mujeres con la música de Franz Ferdinand como banda sonora. Como no había un lugar en la ciudad para nuestra exposición, nosotros creamos nuestro propio espacio. El resultado fue una divertida noche irreverente. Sacamos todos los muebles y ellos tocaron de espaldas a las ventanas”. El cuarto de Jo fue utilizado como espacio expositivo, mientras la de Celia fue el lugar elegido como escenario para acoger la actuación de Franz Ferdinand. “Bob (Hardy)

“Nada de esto hubiera ocurrido si no fuera por la determinación de Alex (Kapranos)”. estaba en nuestro año haciendo el mismo curso en GSA, mientras Manuela, la novia de Nick (McCarthy) estudiaba un curso por debajo nuestro”, recuerda.

“Conoci a Paul (Thomson) por su otra banda, Pro Forma. Y Alex (Kapranos) era un amigo. Solíamos quedar juntos todos”, apunta Hempton.

Paul Thomson recuerda aquella noche con claridad. “Fue la noche de la final de la Liga de Campeones, lo que hizo que la gente viniera tarde.

Solamente hicimos cuatro canciones y volvimos a repetirlas otra vez para que nos escuchase la gente que llegó tarde. Esos cuatro temas acabaron en el primer disco. Fueron Michael, Auf Asche, Jacqueline y Tell Her Tonight”.

RR ‘De nuevo, la investidura de Trump ha sido decisiva -o eso dicen ellos- para que Gorillaz lancen su nuevo tema, Hallelujah Money. Tras meses de movimientos en las redes sociales, playlists, historias animadas de los protagonistas y demás elementos de tortura empezamos a escuchar por fin lo nuevo de Gorillaz.

Benjamin Clementine pone su voz a este primer single del nuevo disco del proyecto de Damon Albarn y Jamie Hewlett.

Y no hace falta leer entre líneas para ver el comentario político del tema: en el vídeo aparece Clementine cantando desde la Trump Tower. Aún no sabemos cuándo se publicará el disco, pero al menos ya sabemos que existe.

Arcade Fire contra Trump RR Los canadienses Arcade Fire se unen a la nueva oleada de protestas anti-Trump y publican el tema I Give You Power a pocas horas de la investidura de Donald Trump como presidente de los Estados Unidos. La plataforma Tidal, de la que el líder del grupo Win Butler y Régine Chassagne son copropietarios, estrenó en exclusiva el tema. Para ella han contado con la colaboración de la veterana cantante soul Mavis Staples, también buena amiga de la banda. Todos los beneficios de la canción serán para la American Civil Liberties Union. Ah, y estarán en el Primavera Sound como cabezas de cartel. MS

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Dos años más tarde, en 2004, vería la luz Franz Ferdinand, un disco que vendió 3.600.000 copias de la mano de Domino en todo el mundo, 1.270.000 de ellas en el Reino Unido. “Nosotros solamente sabíamos que teníamos un buen grupo. Yo antes había tocado en grupos como Pro Forma y Yummy Fur, así que sabía que lo que suele suceder cuando sacas un disco es que te vayas de gira durante una semana para darle vida por ahí. Tratas de escaparte de la cita del paro durante esos días para acabar durmiendo en suelos y emborrachándote en distintos lugares”, comenta Thomson al respecto. Ahora bien, el batería le da todo el crédito a Alex Kapranos, puesto que fue él quien realmente motivó al resto de miembros del grupo de que algo podría ocurrir con Franz Ferdinand. “En aquel momento, Alex daba clase de informática a refugiados y ancianos. Cuando empezamos con esto él era el único que tenía un buen puesto de trabajo, un piso, una hipoteca y todo ese rollo. Había renunciado a sus ganas de ser músico porque creía que nunca iba a suceder, por eso nos empujó

tanto cuando nos juntamos los cuatro.

En cuanto a mí, vivía al día. Yo estaba sin techo y dormía en el salón de casa de Alex, sin ningún plan de vida a largo plazo. Cuando todo empezó a moverse se puso en plan ‘esta es mi última oportunidad con esto’. Así que puedo decirte que nada de esto hubiera ocurrido si no fuera por su determinación y su espíritu de unidad”. El hecho de tocar continuamente en lugar de buscar activamente un contrato discográfico como hacían muchas otras bandas sirvió para no obstaculizar su evolución. “Queríamos sacar el máximo dinero posible de los conciertos para pagar la grabación de un single y venderlo nosotros mismos.

De repente apareció Domino y supongo que por eso nos fuimos con ellos porque era un sello independiente. Serge, su gerente, se reunió conmigo y me dijo que estábamos al mismo nivel que Pulp o The Stone Roses. Yo pensé ‘jódete, tonto del culo de Londres”. —craig williams

r Más en www.mondosonoro.com

El gran parto múltiple de Residente El nuevo proyecto de René Pérez Joglar, alias Residente de Calle 13, se presenta con el impactante vídeo de Somos anormales

E

S el primer adelanto visual y sonoro del proyecto de rastreo vital que el análisis del ADN de Residente llevó al autor a visitar los lugares en los que se originó, con la idea de grabar su primer disco en solitario tras su exitosa aventura con Calle 13.

La primera parada de este particular viaje fue Siberia, concretamente Kyzil, Tuva (Rusia) y, más allá del impactante poder de las imágenes que se reflejan en un clip de obligado visionado y dirigido en España por el propio René Pérez, el reto en lo musical era: “Lograr algo nuevo cogiendo todas esas sonoridades tribales propias de la world music y llevarlas a un sonido más moderno y alternativo. Lograr que gente que nunca escucharía ese tipo de música, como pueden ser las que se hacen en Siberia, lo hagan”. Y lo cierto es que en este primer adelanto, Residente ha dado en la diana con un tema que sintetiza a la perfección la intención que tiene el proyecto. “No sé si es justo sintetizarlo todo en una sola idea, pero si logro que se entable un diálogo racial, estaría chévere, porque de eso se trata. Todos venimos de un mismo lugar, y a pesar de que la humanidad creció y se expandió y todos los países poseemos una cultura propia, no deberíamos perder nunca de vista que todos venimos del mismo lugar y que todos somos hermanos. Esa es la idea central de este proyecto basado en mi ADN”. Una idea que se plasmará no solamente en

YOUTUBEANDO

Q REsidente Somos anormales https://www.youtube.com/ watch?v=Q4KqFlK_F2w

El huevo primigenio se rompe y da paso a una mujer negra a punto de parir.

Del primer plano de su enorme vagina empiezan a salir cuerpos desnudos que nacen de bruces en medio del desierto.

Estas son las poderosas imágenes que dan pie al vídeo de Somos anormales.

un disco, sino que también habrá un documental, un libro de fotografías y textos más la gira en la que en principio puede ir acompañado de músicos de la talla de Omar Rodríguez de At The Drive-In y The Mars Volta o Gail Ann Dorsey, conocida sobre todo por tocar el bajo en la banda de David Bowie. —don disturbios

febrero 2017 #15

FOTO: ARCHIVO

“La posición en la escena no se gana con prepotencia, se gana con cifras”

MONDO FREAKO

Hijos de la Ruina, en la cima Cuatro años después, y ya asentados en el mundo de la música, Natos, Waor y Recycled J vuelven a meterse en la piel de Hijos de la Ruina para regalarnos HDLR. Volumen 2 (Autoeditado, 17). Media docena de canciones en las que el trío de madrileños recupera sus orígenes en el rap.

EN LA. MALETA.

Zeds Dead

El pasado mes de noviembre, el dúo canadiense de electrónica Zeds Dead pasó por la barcelonesa sala Razzmatazz para presentar su álbum Northern Lights (Caroline/Music As Usual, 16), momento que aprovechamos para entrevistar a uno de ellos (Hooks).

#16 febrero 2017

L

o han vuelto a hacer. Natos, Waor y Recycled J -léase Hijos de la Ruina cuando se juntan frente a un micro-, vuelven a unir sus voces para recuperar uno de los grupos más representativos del underground madrileño. Y el fruto de esta sociedad es un trabajo en las que el trío recupera la esencia de aquel momento, aunque

¿

ué fue antes en vuestro caso: pinchar o producir? ¿Empezásteis para pasarlo bien o todo giraba alrededor de la música?

(Hooks) Empezamos a pinchar hace unos siete años y llevamos unos diez produciendo, así que definitivamente lo principal fue la producción. ¿Recordáis vuestra primera sesión?

(Hooks) La primera vez que pinché fue en el bar de unos amigos de mis padres. Combiné las canciones que ponía desde un iPod y un plato. Ponía viejos vinilos y echaba mano del iPod para poner material más actual, pero no sabía demasiado qué estaba haciendo en aquellos momentos. ¿Qué tal está la actual escena electrónica canadiense?

(Hooks) Es una escena que está floreciendo y creo que mucha gente no tiene claro qué artistas son canadienses y qué artistas son americanos, lo cual me parece realmente cool teniendo en cuenta que la población de Canadá es muy pequeña en comparación. ¿Refleja la naturaleza ecléctica de vuestro álbum “Northern Lights” lo que sois en la actualidad como artistas?

(Hooks) Definitivamente lo hace. Estamos metidos en un montón de estilos musicales distintos y eso se acaba reflejando en nuestras producciones.

Nunca hemos pretendido hacer so-

adaptándolo a las nuevas circunstancias. “Aparte de ser amigos, a nosotros nos flipa lo que hace Jorge (Recycled J).

Cuatro años dan para mucha evolución y teníamos ganas de ver qué salía esta vez”, asegura Natos. “Aunque en ningún momento hemos querido emular el primer volumen. Al revés, incluso comentábamos: ‘vamos a hacer este con

lamente un tipo de música, así que no nos ponemos límites a la hora de explorar caminos en el estudio. ¿Cómo ha sido trabajar con músicos como Twin Shadow o Rivers Cuomo de Weezer?

(Hooks) Ambas experiencias fueron muy diferentes. Trabajar con Rivers fue muy cool porque ambos hemos sido grandes fans de Weezer. Nos conocimos y le pusimos algo de nuestra música y le gustó, así que hablamos sobre el tipo de canción que podríamos hacer juntos. Volvió con algo que nos pareció increíble, así que tomamos esa dirección. En cuanto a Twin Shadow, hemos trabajado con él en el estudio muchas veces, así que la relación es mayor, pero ambas experiencias han sido increíbles. ¿Cuántas canciones propias suelen caer en vuestras sesiones?

(Hooks) En nuestra actuación en Barcelona combinamos bastantes canciones de Northern Lights y material antiguo. ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando?

(Hooks) Parar la música por accidente (risas). ¿Alguna vez os han robado el USB con los temas o la bolsa de discos?

(Hooks) He perdido montones de USB’s, pero nunca estoy seguro de si lo he perdido o si... MS

más amor, lo contrario a Hija de puta’”, añade Recycled. Dicho y hecho, pues en esta segunda entrega el desamor da paso al romanticismo (o a lo que entienden por romántico), aunque ellos nieguen haberlo hecho de forma premeditada, según el propio Natos. “En cada momento sale lo que sale. También la selección de instrumentales es bastante decisiva a inclinarte hacia escribir un palo más melancólico o tristón, pero al final lo que escribimos son vivencias y pensamientos de todo tipo”. Una visión parecida a la que tiene Recycled, quién sostiene que “depende del momento realmente.

Porque los artistas trabajamos con eso, con los sentimientos y ahí te puede salir cualquier cosa”. De ahí el cambio de este trabajo respecto a su predecesor, aunque no sólo ha evolucionado el mensaje: el sonido, la música que ofrecen estos tres cantantes, ya no es la misma de hace unos años. Especialmente J, quien ha reciclado notablemente su estilo desde que comenzase como Cool en el grupo Prefijo91.

Y es que mucho ha cambiado la vida de estos tres artistas en los últimos años.

Natos y Waor han ascendido hasta el podio del rap español y hoy en día son uno de los grupos más importantes e influyentes de la escena. Son capaces incluso de llenar dos días seguidos (martes y miércoles para más mérito) la madrileña sala But, al igual que han hecho en casi todas las ciudades por las que han pasado. Aunque son conscientes de que todo tiene un final. “No es algo que nos obsesione. Lo que tenga que durar, durará… Yo me siento afortunado de poder dedicar mi vida a hacer algo

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que me gusta y tengo la intención de seguir haciéndolo unos cuantos años más”, reconoce Waor. “Cuando acabe no me echaré a llorar. Podré presumir de haber vivido cosas inolvidables. Y no sé qué será de mí con cuarenta años... pero tengo claro que cuando no tenga nada interesante que contar, dejare de rapear”, concluye su compañero Natos. Por su parte, Recycled J ha publicado cuatro trabajos en 2016 (dos largos y dos epés) y a principios de este 2017 publicará otros dos epés nuevos, uno junto a One Path y otro con Club 33, además de su primer largo en solitario Dragons, previsto para abril. “No hay descanso. Todos los días tengo necesidad de hacer algo, me lo pide el cuerpo, ¿sabes? Otra cosa ya es publicar el material. La verdad que 2016 ha sido un buen año y esperemos que el siguiente sea igual o mejor”. No hay límites para estos tres MC’s, a los que muchos consideran los abanderados de una nueva forma de entender el rap, más libre y transgresora, y que lo cierto es que convierten en oro todo lo que tocan.

Todo ello sin perder la humildad y con los pies en la tierra, siendo conscientes de su condición de chavales de barrio y dejando la competición propia del rap a

FOTO: ARCHIVO

Natos y Waor y Recycled J unen fuerzas en las calles de Madrid.

Dcode, primeras confirmaciones Ya se han dado a conocer las primeras bandas invitadas al DCODE 2017: Interpol - tras siete años de ausencia vuelven a Madrid-, Band Of Horses, The Kooks, Milky Chance y Carlos Sadness. Todos ellos acudirán a la cita el próximo 9 de septiembre en el Campus de la Universidad Complutense de Madrid. Band Of Horses siguen con la presentación de su último disco Why Are You Ok (Interscope/Caroline, 16), mientras que Milky Chance nos dejarán escuchar cómo suena su segundo álbum, Blossom.

El dúo alemán confirmó recientemente una actuación íntima el 17 de marzo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y las entradas volaron en apenas tres horas. Por su parte, Carlos Sadness acaba de compartir tema y vídeo nuevos, Amor papaya, una colaboración con el artista mexicano Caloncho. La actuación del barcelonés en DCODE será la única en Madrid para este año. Las entradas están ya a la venta. MS www.dcodefest.com

HDLR Volumen 2 Autoeditado, 2017 Rap

un lado, como reconoce Waor: “Yo estoy muy orgulloso de todo lo que estamos consiguiendo, pero hay que intentar no volverse gilipollas. Quizá si todo este bombazo nos hubiera pillado de adolescentes, se nos hubiera ido un poco la castaña... pero nos ha pillado con la madurez suficiente como para saber gestionarlo bien, yo creo”. Porque, tal como sentencia Natos. “La posición en la escena no se gana con prepotencia, se gana con cifras”. Su siguiente paso será dar el salto a los mercados latinoamericano y europeo (sala Scala, Londres, octubre de 2017) y ¿fichar por algún sello discográfico? “A día de hoy, creo que tenemos nosotros más que ofrecerle a una discográfica que viceversa, por lo que dudo que pudieran hacernos una oferta que no podamos rechazar. Nos va que flipas siendo independientes”.

—alfonso gil royo

FOTO: ANDREW WHITTON

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Novedades para el FIB Poco a poco el Festival Internacional de Benicàssim va dando a conocer nuevos nombres que darán forma a su cartel de este próximo verano. Si hasta ahora se había confirmado que actuarían en la localidad levantina Red Hot Chili Peppers, The Weeknd y Foals, ahora ya sabemos que durante los días 13, 14, 15 y 16 de julio también podremos ver a artistas británicos como Kasabian, Liam Gallagher, Ride, Slaves, Blossoms o Bonobo, estadounidenses como Tyler The Creator o españoles como Surfin’ Bichos (en la gira de celebración de los veinticinco años del disco Hermanos carnales) y Mourn. MS www.fiberfib.com

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febrero 2017 #17

#18 febrero 2017

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CHAIN & THE GANG FOTO: ARCHIVO

FLOATING POINTS FOTO: ARCHIVO

WALA. WALA.

“Aprendí a tocar el piano cuando mi abuela vino a vivir con nosotros. Era pianista de pub cuando los pubs eran buenos sitios y la gente iba allí para cantar canciones y fumar” Mike Oldfield, en Uncut

El Horizon Festival se traslada a Andorra Tras cuatro años celebrándose en Bulgaria, el Horizon Festival traslada la música electrónica a las pistas de esquí andorranas de Arinsal del 26 de marzo al 2 de abril. Hasta ciento veinte Dj’s repartidos en treinta fiestas a lo largo de la semana a mil quinientos metros de altura. Entre los confirmados están Floating Points, Sam Shepherd, Ben UFO, KiNK y Craig Charles, entre otros. MS

Fuzzville!!! cambia de fechas

www.horizonfestival.net

www.fuzzville.es

Los responsables del festival Fuzzville!!! han informado de que este año trasladan sus conciertos al mes de abril, tras dos ediciones celebradas en septiembre. Será nuevamente en Benidorm durante los días 14, 15 y 16 de abril, coincidiendo con la Semana Santa. En breve se anunciarán los artistas y el precio de las entradas. Por la anterior edición pasaron grupos como Chain & The Gang, Giuda, The Boys o Thee Oh Sees. MS

“A veces me ha venido gente a decir: ‘Slaughterhouse es un gran disco, pero Fuzz War no es cool’. Y yo siempre contesto ‘Gracias, pero la incluí en el álbum para que no le gustase a la gente como tú” Ty Segall, en Uncut TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO FOTO: NACHO BALLESTEROS

“El mal gusto es un derecho del ciudadano. No se puede convertir la zafiedad en delito porque estaríamos condenando toda la cultura pop desde los sesenta a la cárcel”

Vuelven las Demoscópicas de MondoSonoro Un año más las Demoscópicas, los conciertos en los que damos la alternativa a los grupos emergentes que van a ser las estrellas del futuro, están de vuelta a partir del mes de febrero. Van a ser en total diez fechas a lo largo y ancho de la Península, todas ellas con entrada gratuita, por las que pasarán alrededor de una treintena de grupos. Arrancamos el 17 de febrero en Santander con Niágara, Medussa y The Pulsebeats.

Seguimos el jueves 23 de febrero en la sala Dabadaba de Donostia con la presencia de dos grupos demoscópicos: Albert Cavalie y Leun. Dos días más tarde, el sábado 25 de febrero en la sala López de Zaragoza, a los demoscópicos Mpole y Noa A se sumarán dos invitados de excepción: Trepàt y el Dj Ville Rowland.

Ya entrado el mes de marzo la primera fiesta que tendrá lugar será el viernes 3 en la sala Peter Rock Club de Valencia con Jaume Bored Punk Machine, Los Manises y La Plata. Aunque posiblemente la cita más relevante será una semana después en Madrid: el jueves 9 de marzo los dos grupos que han firmado los mejores discos de

2016 para esta publicación, Triángulo de Amor Bizarro y Juventud Juché, le dan la alternativa a Gata Cattana y Esmeraldo. Pero la fecha de Madrid simplemente se sitúa en el ecuador de las fiestas. Seguimos: el sábado 11 de marzo en El Veintiuno de Huesca Mpole, Noa A y un grupo invitado todavía pendiente de confirmación, y en La Fábrica de Chocolate de Vigo fiesta con los grupos todavía pendientes de confirmación. Un día después, el domingo 12 nos vamos a la sala Satélite T de Bilbao con New Pull y Cavaliere. El jueves 16 de marzo en Granada se celebra además el 15º aniversario de las Demoscópicas en la Edición Sur; será en Planta Baja con El Imperio del Perro y Apartamentos Acapulco. Las últimas dos citas serán el jueves 30 en Razz 2 de Barcelona con Power Burkas, Presumido y Museless, y el viernes 31 en la sala La Salvaje de Oviedo con Lecter Bukosky y Drop. Como cada año, habilitaremos un espacio en nuestra web www.mondosonoro.com para descargar las entradas. El acceso a los recintos se hará con esa invitación hasta completar aforo. MS

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César Strawberry de Def Con Dos, en La Sexta Noticias

“No puedes romper moldes si no rompes con algunas normas y haces que alguna gente se cabree. Veo lo que Beyoncé y Kanye y Radiohead están haciendo con sus géneros y eso es lo que quiero para nosotros” M. Shadows de Avenged Sevenfold, en Q

“La noche pasada ofrecí un gran concierto.

Toqué exactamente como quería y eso no suele ser muy habitual” Pete Doherty, en Q

febrero 2017 #19

xx The

EN PORTADA

Amistad incondicional

El trío amplía su paleta sonora en un I See You (XL/Popstock!, 17) que, hasta la fecha, es su disco más instantáneo. Hablamos en exclusiva con la guitarra y vocalista Romy para que nos revele las claves de estas nuevas canciones que bien podría marcar un antes y un después en su carrera.

“No me gustaría nada actuar en un estadio y ofrecer un concierto que fuese frío.

Queremos que haya siempre algo especial aunque tengamos a miles de fans delante”

#20 febrero 2017

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oviembre de 2016. Londres, barrio de Notting Hill. Milagrosamente el sol hace acto de presencia cuando pico a la puerta de la oficina de XL Recordings. Ahí me he citado con Romy Madley Croft para hablar de I See You, el esperado tercer trabajo de The xx. Diez minutos más tarde de lo previsto aparece ella escoltada por sus otros dos compañeros, Oliver Sim y Jamie Smith (o lo que viene siendo lo mismo, Jamie xx). Todos visten de negro, cual uniforme. “Perdona el retraso, pero el autobús se ha retrasado un poco”, se excusa Oliver nada más hacer acto de presencia. Tras las presentaciones cada uno de los miembros se encierra en una sala con uno de los tres periodistas que aguardábamos su presencia. Romy, pese a su visible timidez, se encuentra muy ilusionada de afrontar la promoción de un disco que bien podría ser definitorio para su carrera. “Con Coexist nos decían ‘ahora tenéis el reto del segundo álbum’, y la verdad es que fue difícil. Nuestro debut lo hicimos porque nos apetecía experimentar y pasárnoslo bien, y en el segundo nos preguntamos qué quería la gente de nosotros y fuimos en todo momento muy cons-

—fotografía

—texto Sergio del Amo Alfredo Arias y JM Grimaldi

cientes de ello; de ahí que fuera más complicado de tirarlo adelante.

Ahora, con I See You, nos hemos sentido muy libres de hacer lo que nos apetecía”, dice cuando le pregunto si se siente presionada ante la futura recepción de estas canciones. “Sé de antemano que algunos dirán que ahora sonamos algo diferente y hasta que hemos perdido parte de nuestra esencia, aunque la verdad es que estoy más que preparada para ello. Intento no leer lo que se escribe de nosotros en Internet o en los medios de comunicación porque te puedes volver loca. Si a nuestra familia, amigos y fans les gusta, a mí es lo que verdaderamente me importa. Hemos hecho un disco que nos encanta y en el que hemos sacado lo mejor de nosotros como músicos porque nos comprometemos siempre al máximo en todo lo que hacemos, lo cual es primordial para los tres. Cuando haces música solamente para el público puede llegar a ser hasta incómodo.

La mejor decisión que puedes tomar es ser honesta contigo misma y hacer lo que te sale de dentro en cada momento sin ataduras ni pensar jamás en el qué dirán”, añade dejando claro que han ganado en seguridad con el paso de los años, tanto encima como fuera de los escenarios.

Dado el potencial comercial que el largo tiene, en el que el minimalismo marca de la casa se ha dulcificado en pro de una mayor preponderancia de los sonidos electrónicos, desconozco si tienen la pretensión de convertirse en una banda de estadios. Romy deja entrever una sonrisa antes de contestar. “Honestamente, al principio pensábamos que nadie iba a escuchar nuestra música. Esa

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FOTO: ALFREDO ARIAS

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The xx en La Riviera de Madrid en noviembre de 2012

es la verdad. Componíamos para nosotros mismos.

Nos impresionó mucho todo lo que ocurrió con el primer disco. Fuimos los mayores sorprendidos de la atención que recibimos. Conocemos bandas que no quieren aparecer en televisión ni ofrecer entrevistas pero, llegados a este punto, obviamente, nosotros queremos llegar al máximo de oyentes posibles. No tenemos ningún plan ni nada por el estilo, por lo que será interesante ver qué ocurrirá en el futuro”, afirma con aplome. “Nuestro ideal sería que, a pesar de tocar en grandes recintos, se siga manteniendo una cierta intimidad. Es un reto. Ponemos mucho esfuerzo en la producción de nuestros shows en vivo. No me gustaría nada actuar en un estadio y ofrecer un concierto que fuese frío. Queremos que haya siempre algo especial aunque tengamos a miles de fans delante”.

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a gestación de I See You, el cual ha sido producido por el propio Jamie xx y Rodaidh McDonald (con quien ya trabajaron en su debut), no ha sido nada fácil. Tan pronto pusieron fin a la gira de Coexist, el trío empezó de inmediato a trabajar en un buen puñado de canciones. No obstante, tras pasar por diversos estudios de Nueva York, Marfa o Los Ángeles, un hecho trastocó su planning de trabajo: el lanzamiento de In Colour, el laureado álbum que Jamie xx editó en 2015. “Cuando el disco de Jamie se publicó el ritmo se ralentizó por razones obvias. Sin embargo, pese a estar ocupadísimo, él no dejó de trabajar con nosotros en ningún momento. No te voy a engañar, ha sido complicado y le hemos echado mucho de menos como amigo. El hecho de no poder estar juntos los tres fue complicado, pero viéndolo ahora con perspectiva incluso diría que ha sido positivo porque nos forzó a Oliver y a mí a estar más seguros con la música que hacemos, produciendo las primera demos por nuestra cuenta”, revela. “Todo lo que hacíamos se lo presentábamos a Jamie y, a diferencia de en Coexist, le mostrábamos las canciones prácticamente acabadas con bajos, guitarras, sintetizadores y otros elementos. Jamie lo agradeció mucho porque cuando tenía la canción en sus manos podía tener una visión general y, entonces, él incorporaba todo aquello de su propia cosecha que pensaba que le iría bien al tema. Estoy muy orgullosa de él porque aun habiendo variado la forma de trabajar lo ha hecho estupendamente”.

Indiscutiblemente, el papel de Jamie disco a disco ha ido a más, arrastrando paulatinamente a Oliver y a Romy hacia un sonido más bailable y menormente introvertido. Pero en el caso de que In Colour nunca hubiera existido, cómo cree ella que habría sonado I See You. “Sin duda, diferente. Él aprendió muchas cosas haciendo su disco y en sus sesiones como Dj. Amo su álbum. Recuerdo que cuando fui a su estudio para grabar las voces de SeeSaw y Loud Places lo mejor era que trabajábamos sin ataduras, con total libertad. Con The xx tenemos la norma de que todo lo que hagamos debe poder tocarse en directo. O, al menos, con Coexist existía esa norma. Pero, ciertamente, trabajando con Jamie para su disco esa premisa cambió porque lo importante era que las canciones sonaran bien sin la presión de tener que tocarlas después.

Las primera demos que hicimos Oliver y yo para I See You estaban muy influenciadas por los Dj sets de Jamie. Es más, los bpm’s eran muy elevados, iban a

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febrero 2017 #21

ELEMENTOS

Oliver Sim La voz masculina de la banda es un saco de sorpresas. Recientemente reveló públicamente que tuvo serios problemas con el alcohol. En el disco podemos encontrar Replica, un tema que precisamente trata sobre dejar atrás las conductas autodestructivas. Según él ha contado, lleva ya un año abstemio y sus compañeros fueron de enorme ayuda para hacerle cambiar de conducta.

Romey Madley Antes de volver a Londres decidió quedarse unas semanas a solas en Los Ángeles para participar en un campamento de escritura de himnos pop junto a Robin Hannibal (Rhye) o Ryan Tedder (One Republic). “Me encantaría escribir para artistas mainstream. Beyoncé, Rihanna, Madonna… me entusiasman las grandes estrellas femeninas”. Quizás tenemos ante nosotros a una nueva Sia.

Jamie xx Aunque al principio pueda no parecerlo, es el más reservado de los tres. Más allá del éxito que cosechó en 2015 con In Colour, ese mismo año también se encargó de poner música al ballet Tree Of Codes para el Manchester International Festival. Pese a no haberse atrevido a cantar de momento, Jamie ve el uso de los samples como una tercera voz compatible con la de Romy y Oliver. — s.d.a

#22 febrero 2017

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ciento veinte aproximadamente. Y, curiosamente, después de hacer bailar a la gente con sus propias canciones, Jamie quiso rebajar las pulsaciones por minuto de las demos que le presentamos”, desvela Romy. “Los temas han evolucionado mucho. Si escucharas las primeras versiones comprobarías cuánto han cambiado respecto al resultado final. Por ponerte un ejemplo, Performance la estrenamos en directo en una serie de conciertos que realizamos en 2014 en Nueva York para poco más de cuarenta personas y, por entonces, no sonaba como ahora. En aquel momento ni nos planteábamos añadirle unos arreglos de cuerda. Y de On Hold, del mismo modo, grabamos infinidad de tomas. No te puedo explicar el porqué, pero teníamos la sensación de que le faltaba algo. Recuerdo que un día soleado en el estudio estábamos escuchando I Can’t Go For That (No Can Do) de Hall & Oates y dos días después, sin apenas dormir, Jamie vino con la idea de incluir el sample. Para sorpresa de todos aquello funcionó”, subraya sobre dos de sus composiciones favoritas. “Al haber tantas sonoridades diferentes en I See You pensamos y repensamos infinidad de veces el orden de las canciones. Nos dimos cuenta de que el tracklist definitivo es el que mejor funciona, o al menos eso es lo que pienso yo. Performance, que bien podría haber formado parte de nuestros dos trabajos anteriores por su sonido, va justo después de A Violent Noise y cierra la primera cara creando un puente entre el pasado y el presente de la banda”.

DICE...

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he xx nunca ha sido una banda que precisamente ha destacado por escribir canciones jubilosas, ya que tradicionalmente se han recreado en sus dramas postadolescentes. No obstante, en este nuevo compendio de temas sí que se vislumbra un mensaje más positivo. El desamor, lejos de ser una tragedia, aquí se vislumbra como una oportunidad para empezar de cero. Y un tema como Brave For You, que Romy dedica a sus padres fallecidos, lejos de provocar la lágrima fácil, en realidad es un canto a la esperanza. “Estoy totalmente de acuerdo”, contesta cuando le expongo la teoría. “En mi caso ahora tengo una relación (sin ir más lejos, semanas después de este encuentro, anunció su compromiso con la artista visual y diseñadora Hannah Marshall) y no tengo el corazón partido por nadie. Asimismo, este es un reto al que me quería enfrentar: hacer música que no fuera tan triste. Es muy complicado escribir una canción de amor positiva porque puedes caer fácilmente en lo cursi. Cuando escribes sobre algo triste tienes muchísimas palabras que puedes emplear, existen infinidad de maneras de poder expresarte. Fue algo muy desafiante para mí, pero al mismo tiempo ha sido muy divertido escribir sobre temas más alegres”.

El Guincho ¿Qué crees que tiene la música de The xx que les hace tan especiales?

(El Guincho) Con muy pocos elementos construyen música que emociona.

Ya que les conoces personalmente, ¿te gustaría comentar algo al respecto?

(El Guincho) Les conozco de hace mucho.

Los invité a tocar al release de Alegranza en Londres, en Plastic People, año 2008. Es una banda que conserva la esencia del primer día, amigos juntándose en una habitación a escribir música que les mueva.— MS FOTO: ALFREDO ARIAS

EN PORTADA

Ahora centrémonos en las relaciones personales entre los tres miembros del grupo. ¿Imagino que no es fácil conciliar el trabajo con la amistad? “Entiendo lo que dices, pero nosotros más que amigos somos como una familia. A Oliver le conozco desde los tres años y a Jamie desde los once. Hemos crecido y hemos vivido infinidad de cosas juntos. En este disco ha sido todo diferente porque no hemos estado en todo momento los tres en el mismo espacio: Jamie estaba liado con sus cosas, yo pasé una temporada en Los Ángeles sola…

El no poder pasar juntos todo el tiempo que quisiéramos fue triste, pero cuando estamos reunidos nos damos cuenta de que absolutamente nada ha cambiado entre nosotros. A diferencia de otras bandas, aprovechamos todo el tiempo del que disponemos para estar unidos. Eso es lo más importante para nosotros”. Y la fama, ¿te cambia realmente? “Pues no mucho. Tenemos la suerte de que podemos estar actuando en un gran festival y que cuando bajamos del escenario nos hacemos invisibles. En ese sentido me siento muy agradecida porque no he notado grandes cambios. Respeto a esas bandas que les gusta esa atención, pero yo prefiero caminar sola y tranquila por la calle”. — MS

“Nos impresionó mucho todo lo que ocurrió con el primer disco. Fuimos los mayores sorprendidos de la atención que recibimos” mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: ALFREDO ARIAS

DICE...

De izquierda a derecha y de arriba a abajo, The xx en Madrid en El Día de la Música en junio de 2010, en el SOS 4.8 (mayo de 2013), en el Día de la música (2010) y en La Riviera (2012).

Pional

FOTO: ALFREDO ARIAS

FOTO: JM GRIMALDI

¿Qué crees que tiene la música de The xx que les hace tan especiales?

Por supuesto su sonido. La marca que han hecho los tres es algo que les caracteriza. Canciones simples, minimalistas, rozando la imperfección, cantadas por un chico y una chica, un estilismo diferente. Una suma de elementos que les hace especiales. ¿Crees que The xx tienen el potencial suficiente para llegar a ser una banda de estadios?

El potencial lo pueden tener siempre y cuando su música vaya progresando a una “música de estadios” valga la redundancia. Aunque creo que ellos mismos no quieren llegar a ser una banda de espacios tan grandes. La gracia de un directo suyo es verlo en un sitio relativamente pequeño. Hablar de música de estadios son palabras mayores, poca gente hace eso, sin ir mas lejos, Justin Bieber por primera vez en su carrera va a hacerlo este año,, y eso que estamos hablando de uno, de los artistas actuales que más vende. Imagina bandas como The xx, antes de eso tienen que pasar por hacer sold outs en O2 Arenas, o lo que viene siendo lo mismo un Palau Sant Jordi o Palacio de los Deportes.

Ya que les conoces personalmente, ¿te gustaría comentar algo al respecto?

Al que más suelo ver o con quien estoy más más en contacto es con Jamie, pero los tres son bastante normales teniendo en cuenta su popularidad. Quizás al principio puedan dar la impresión de introvertidos, pero son gente la mar de simpática.— MS

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febrero 2017 #23

FEBRERO 2017

ANDALUCÍA, CANARIAS Y MADRID ANDALUCÍA

AMBIGÚ AXERQUIA, CÓRDOBA 10/02/2017 QUENTIN GAS & LOS ZÍNGAROS HOLLANDER, SEVILLA 11/02/2017 EL TWANGUERO

GALICIA Y NAVARRA GALICIA

LA FÁBRICA CHOCOLATE, VIGO (PONTEVEDRA) 03/02/2017 GRANDE DAYS 04/02/2017 EL TWANGUERO 17/02/2017 OGUN AFROBEAT

LA COCHERA CABARET, MÁLAGA 10/02/2017 EL TWANGUERO

MOON, SANTIAGO COMPOSTELA 03/02/2017 EL TWANGUERO

CANARIAS

NAVARRA

AGUERE CULTURAL, LA LAGUNA (TENERIFE) 18/02/2017 NOISEED

MADRID

CLAMORES 02/02/2017 IGELAREN BANDA EL SOL 11/02/2017

#24 febrero 2017

ZENTRAL KAFE, PAMPLONA 22/02/2017 EVA FERNÁNDEZ 26/02/2017 IGELAREN BANDA

CASTILLA LEÓN Y ARAGÓN CASTILLA LEÓN

AVALON GREEN CAFÉ, SORIA 17/02/2017 EL TWANGUERO LA COLMENA MUSICAL, ARANDA DE DUERO 12/02/2017 ALBA MOLINA

ARAGÓN

LÓPEZ, ZARAGOZA 25/02/2017 TREPÁT

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

JUVENTUD JUCHÉ

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FOTO: ARCHIVO

LA MÍA Larga vida al “indie”

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l indie ha muerto”. Llevo unos cuantos meses escuchando esta frase de la boca de diferentes personas vinculadas con el mundillo, nuestro mundillo de capillitas, filias y prejuicios. La aseveración, como todo lo rotundo, puede admitir un buen puñado de análisis, prismas o planos. Por lo pronto el palabrejo “indie” ha mutado en significado y significante a lo largo de las últimas tres décadas, y cambia de sentido en función del contexto en el que se utilice. Voy por tanto a limitarlo a nuestro espacio – España- y tiempo -las dos últimas décadaspara que pueda crearse ese lugar común en el que entenderse. El mismo nudo gordiano que puede poner a bandas tan dis-

CUIDADÍN CON DON DISTURBIOS

pares como Los Planetas, Love Of Lesbian, El Columpio Asesino, Vetusta Morla o Lori Meyers en un mismo saco. Pues bien, ahora que ya tenemos más acotado el corralito, entremos en materia. Los argumentos que han esgrimido los verdugos del indie con los que he hablado han sido diversos. Uno lo achacaba a un exceso de seriedad y cierta soberbia movida por la autenticidad de sus principios arty. Otro apostaba por el hecho de que la gente joven escucha la música sin complejos y no entiende de filias y adhesiones. Hay también quién afirma que en general el indie se ha vuelto aburrido y ha perdido la espontaneidad pura de sus inicios más bisoños. Para mí lo cierto es que las bandas más veteranas empieza a mostrar ciertos síntomas de agotamiento creativo, y las más nuevas han tomado una deriva comercial que, pese a conectar en algunos casos con el gran público, les ha restado valor en el plano artístico. Falta por tanto una segunda o incluso tercera hornada de grupos que hagan avanzar el pop-rock alternativo español hacia algún lado. Estaremos atentos y a la espera.

—don disturbios mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Mourn “No saber si podremos sacar el disco en nuestro país es ridículo” Fueron una de las grandes revelaciones de nuestra escena musical en 2014. Mourn certifican su talento con su segundo largo, Ha, Ha, He! (Captured Tracks, 16), disco que, desgraciadamente, se puede comprar en cualquier rincón del mundo excepto en nuestro país.

del grupo y los otros, adictos al crack. En la puerta del local había un cartel donde ponía ‘Do Not Feed The Crackheads’ y las mesas de fuera estaban atadas con cadenas para que nadie se las llevara. Fue un bolo flipante, pero difícilmente volveremos por allí”. De hecho, en sus versos, Ha, Ha, He! podría entenderse como un diario vital de todo lo que Mourn han experimentado en el último año y medio, que no es poco. “No nos dimos cuenta de que podría ser un diario personal hasta que no tuvimos todas las canciones escritas juntas en una libreta”, explica Jazz. “Creo que todos los discos se pueeglutida la apabullante irrupción de Mourn den considerar diarios. Aunque no relaten directamente a finales de 2014 con un muy notable trabajo las vivencias, plasman y transmiten las emociones de homónimo de debut que revivía las mejores sus autores”. Emociones, sentimientos y sentidos que secuencias del indie rock noventero, el cuarteto también se esconden tras el título del álbum, este Ha, se reivindica y consolida con su segundo largo. Ha, Ha, Ha, He! que Mourn han tomado prestado del poema He! transita por los márgenes que ya exploraban en su de William Blake The Laughing Song. “Es un título que antecesor, pero esta vez con un sentido más intenso, tiene dos caras. Por un lado nos transmite alegría, y por más oscuro y lacerante. Más maduro y elaborado, las el otro nos reímos de las situaciones en que nos hemos influencias continúan estando ahí, pero ahora mucho encontrado. Queríamos reinos y pasar un poco de todo. más sujetas a su personalidad. “Sí, ahora estamos muNecesitábamos alegría y creo que este título es idílico cho más seguras de nosotras mismas. Hemos adquirido para ello”, descubre Jazz con una referencia velada a cierta experiencia y eso nos hace sentir mucho más la embrollada situación que Mourn mantienen con cómodas a la hora de componer”, concede Jazz RodríSones, su discográfica en nuestro país. guez, voz y guitarra de una formación que Una relación en punto muerto que ha se completa con la también guitarrista provocado que su segundo disco aún no y cantante Carla Pérez, la bajista Leia se haya publicado en España, pero que sí Rodríguez y el batería Antonio Postius. se pueda encontrar en el resto del mundo Mundología sonora adquirida durante a través de Captured Tracks. “No saber si los últimos veranos a golpe de girar. l Donostia podremos sacar el disco aquí, es ridículo.

“Tocando mucho hemos mejorado como 18 de febrero.

El disco está en todas partes: Europa, instrumentistas pero también nos ha uniTabakalera, 20 horas.

Estados Unidos, Japón, Australia... Fado mucho y nos ha hecho madurar como l Valencia miliares que viajan, nos envían fotos del músicos, pero también como personas”.

24 de febrero. disco en las tiendas, pero aquí no está ni Es lo que tiene, por ejemplo, irse hasta Sala Wah Wah, 23 horas. en digital”. —oriol rodríguez Cleveland y tocar para cinco personas. l Barcelona “Fue muy freak pero muy guay”, recuer25 de febrero. r da Jazz. “De las cinco personas que nos Sala Bikini, 21 horas. vinieron a ver, dos chicas eran muy fans Más en www.mondosonoro.com

D

LA GIRA

febrero 2017 #25

#26 febrero 2017

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vis. a vis.

Lolo González. 7 7 Genís Segarra.

Hidrogenesse.

Hazte Lapón

De vez en cuando nos gusta montar charlas entre músicos para compartir puntos de vista y descubrir qué opinan más allá de las habituales entrevistas promocionales. Esta vez hemos decidido reunir a Lolo González (Hazte Lapón) con Genís Segarra (Hidrogenesse).

C

uando yo te conocí, Genís, pensaba que eras una especie de clubber, pero no me encajabas en la idea de músico a la que estaba acostumbrado. Hasta que un día nos dijiste a mí y a otros amigos… “oh, vamos a tocar en el Apolo”… ¿Ahí ya tenías claro lo que querías hacer o era pura diversión?

(Genís) La música me transtornaba, no sabía organizar todo eso, era algo más tumultuoso y sin dirección. ¿Clubber?

Qué risa. ¡Si fui a clubes fue por la música! Nunca hice amigos ahí, ni otra cosa que no fuera escuchar música.

(Lolo) ¿Ibas a clubes de electrónica sólo a escuchar música?

(Genís) Lo intenté. Por edad me tocó eso: el Sónar y tal. Eran sonidos nuevos, me parecía excitante. Luego me aburrí (Lolo) Yo es que todo eso lo revisité, pero tarde. Soy un chico de provincias (Genís) Yo también...

(Lolo) Escuché electrónica empujado por las revistas de tendencias...

(Genís) Yo leía revistas de música. Leía mucho sobre música.

(Lolo) En Málaga lo que funcionaba era el breakbeat. Pegó mucho, pero aunque iba a fiestas, realmente ya en esa época estaba en otras cosas.

(Genís) En Lérida había una escena mod, con sus singles de los sesenta y sus conciertos de grupos mod. Yo cumplí dieciocho años en el año noventa. En los ochenta, de pequeño, escuché los discos que me hicieron tener ganas de hacer música, de tener un grupo. Entre 1989 y 1991 salieron los discos que me hicieron creer que sí, que podía hacer música, y cómo. Tardé años todavía en hacerla, claro.

(Lolo) En mi caso eso ocurrió a finales de los noventa, o ya en 2000. Yo en el noventa tenía solamente ocho años. De hecho, todo el indie y el grunge lo pillamos a

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posteriori. Fuimos hacia atrás. Lo que yo vi nacer, propiamente, fue el inicio de The Strokes, pero, como ya me gustaba The Velvet Underground, me parecían un rollo y no me los tragaba. ¿Cuáles fueron esos discos, Genís?

(Genís) Pues los debuts de Saint Etienne, Dee-Lite... cosas así, medio electrónicas, medio retro, muy 1991. 1991 es mi año favorito de la historia del pop.

(Lolo) Hombre, es un año muy bestia, sí.

En 1991 pasaron muchas cosas, “Nevermind” aparte... Massive Attack, My Bloody Valentine, Screamadelica...

Cambiando de tema, Lolo, ¿cómo llegas al trabajo de Genís?

(Lolo) Pues llegué a Astrud a través de un CD que regalaban...

(Genís) Ah...

(Lolo) Salía Cambio de idea, pero en su momento no me gustó nada porque yo estaba muy del rollo guitarras distorsionadas, frías. Por esa época también descubrí en un recopilatorio que tenía un primo mío a The Smiths. Luego un día escuché en la radio Hay un hombre en España y me quedé muy impactado.

(Genís) Yo también quedé muy impactado cuando se nos ocurrió.

(Lolo) Entonces empecé a revisar la obra

de Astrud y cuando oí Miedo a la muerte estilo imperio ya no había marcha atrás.

Estuve obsesionado con esa canción.

Supongo que inventarla es aún más impactante, es como idear un suicidio.

(Genís) Destruir, crear... cuando coinciden las dos cosas es genial.

(Lolo) Bueno, yo es que a vosotros, a Austrohúngaro en general, siempre os concibo –si me pongo un poco estructuralista- como los primeros post-indies.

Ya ahí parecía que había tanto de crear como de destruir.

(Genís) ¿Los primeros? No sé. Desde luego, indies no éramos.

(Lolo) No sé si los primeros. Ten en cuenta que yo me hago una figuración a posteriori. Pero el primer movimiento significativo anti-indie.

(Genís) Ya, pues digamos entonces que “los mejores”.

(Lolo) Los más relevantes, si atendemos a los criterios de “la prensa”. MS

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febrero 2017 #27

MONDO FREAKO

“Eso que dicen del lenguaje de la calle… pues mira, calles hay muchas. Yo también estoy en la calle”

Biznaga recomiendan La Plata Valencia Son descaradamente jóvenes y exploran una vertiente muy pop: recuerdan mucho a The Smiths, Derribos Arias... Se lo hacen muy bien en directo.

Un atasco mola mucho, pero cuando ves en los conciertos la soltura que tienen es cuando el grupo te gana.

Enamorados Barcelona Llevan una línea de punk tradicional a lo ‘77 inglés y power pop. Un grupo saltarín de los de toda la vida, pero efectivo. De todas estas recomendaciones son los últimos que he conocido. Me gustan sobre todo sus melodías y sus guitarras.

Calvario Madrid Son tres chicas de Madrid que hacen un rollo muy minimalista. Le echan morro a su inexperiencia y convierten eso en sus virtudes y hacen música muy resultona de buenas ideas sin necesidad de ser expresamente complejas.

Totale Madrid Son un dúo de música de “ola fría”, synth pop, ochentas… usan cajas de ritmos y sintetizadores para hacer electrónica analógica, revivalista y oscura. Tienen un muy buen saber hacer y mucha elegancia en las composiciones. MS

#28 febrero 2017

BIZ

Sentido del espectáculo, a publicar por el sello estadounidense Slovenly Records, debería abrir algunas puertas internacionales a los madrileños Biznaga. Ahora bien, eso no quita que continúen con su estrategia de guerrilla en nuestro país.

H

emos quedado en la Dos de Mayo y hace demasiado frío, así que subimos a casa de Marta. Biznaga (Jorge, Milky y Álvaro) se piden unos vinos y yo me bebo una propalgina. Empezamos a charlar de cuando hace cinco años, coincidimos por primera vez en el Apocalipsis Punk: un festival en la sala Rock Palace en la que tocamos doce bandas en una misma noche. Por aquellas, Milky y yo tocábamos en TMT y Jorge y Álvaro tocaban con un batería (Álex) que llegó tarde al bolo. En los pasillos de la Rock Palace, Biznaga empezaron a hablar con Milky de una posible colaboración con él a la batería que cinco años después es tan real como la propia banda. “Ahora somos más músicos”, dice Álvaro. “Ensayamos más y nos lo tomamos más en serio”. “Las canciones son menos frívolas temáticamente, las historias son menos fantasiosas”, añade Jorge.

“A medida que nos lo íbamos tomando en serio y las circunstancias acompañaban; Biznaga se ha ido perfeccionando un poco más”.

Cuando estábamos en aquellos pasillos de la Rock Palace cinco años atrás, Álvaro me dijo algo que me marcaría mucho. Me contó que para él Biznaga era un grupo de pop. Yo me reí como se debería reír todo el mundo al que se lo contaba, pero fue algo que con el tiempo empecé a entender. “La idea era hacer algo melódico, rápido… y al final sale eso. En Sentido del espectáculo se nota que es el disco más ‘popero’. Siempre ha habido algo de pop”. En este disco, dice Álvaro, Pablo se ha enchufado a menos pedales. Probablemente eso (entre otras cosas) haya ayudado a Biznaga a acercarse a ese sonido “pop”. No es el pop entendido como lo suave, meloso, o insustancial de los nombres mainstream de la industria. Aunque después de todo, ¿qué es el pop? Al final Biznaga es un grupo de

punk intentando ir más allá de las normas del género y buscando un sonido que en cada nuevo trabajo se acerca más a lo que imaginaban los Biznaga de los camerinos de la Rock Palace. “También era un chascarrillo”, matiza Jorge. “Cada vez que alguien nos preguntaba en una fiesta, decíamos que hacíamos pop porque si decías punk ya te clasificaban de una forma que tampoco era la que queríamos. Siempre hemos llevado el rollo de reírnos del pop.

Aunque siempre hemos entendido nuestro rollo a la hora de hacer nuestras canciones: sin restricciones, sin mucha vergüenza, cada vez con menos tabúes y a tirar. Así es como entendemos el pop”. de aquellos pasillos de la Rock Palace al estallido de Centro Dramático Nacional. Álvaro nunca vio venir el pelotazo que metió aquel disco y alguna vez me había contado que con Sentido del espectáculo Biznaga tendría que enfrentarse al reto de superarlo. “En cuanto empezaron a salir los temas nuevos, se me quitaron las tonterías.

Yo estaba convencido de que en Sentido del Espectáculo estábamos componiendo temas mejores que en Centro Dramático Nacional”. También el haberlo grabado en Gárate ha hecho lo suyo: “Yo ahí me di cuenta de que habíamos superado Centro Dramático Nacional”, cuenta Milky. “Si alguien que no sabe nada de Biznaga se escucha el disco, es un buen punto de comienzo”, dice Jorge. “Sentido del espectáculo recoge mucho mejor la esencia de Biznaga. Hay temas que en espíritu son herederos del epé, del aliento de Adalides de la nada; algo que quizá no estaba mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“El nuevo rock es Hombres mujeres y viceversa: es lo que a los chavales se quieren parecer.

Sexo, gente guapa, desmadre…”

ZNAGA Madrid, estado de sitio

tan presente en Centro Dramático Nacional. Es la mejor forma de acercarse a Biznaga con conciencia de lo que es Biznaga ahora, arrastrando la experiencia que hemos adquirido en todos estos años”.

S

entido del espectáculo asomó la cabeza con Mediocridad y confort (un adelanto en forma de videoclip) y Una ciudad cualquiera. Porque si hay algo que en Biznaga sea fundamental son sus letras, ardientes y afiladas, siempre directas al cuello. Y la letra de Mediocridad y confort no deja títere con cabeza. “Todo eso de los aparatos de control, entretenimiento.... no habla especialmente de las redes sociales (sí que hay pullitas), pero queríamos ir más allá”, dice Jorge. Al final termina por ser otra canción sobre el tema imperante de Biznaga: el terror de la mediocridad.

Jorge, principal letrista del grupo, ha vuelto a sudar sangre para finiquitar todas las letras del disco y redondear en Sentido del espectáculo el capítulo II del Manifiesto Biznaga. Canciones sobre afters (Oficio de tinieblas), odas a la sangre joven (Los cachorros, Jóvenes ocultos) y invocaciones a la memoria nacional (Nigredo), son algunos ejemplos del poder narrativo de Jorge. “A mí, un grupo me gusta independientemente de sus letras, pero si cuida ese apartado es un plus que le distingue del resto. Es una herramienta tristemente olvidada, porque al final tú tienes la oportunidad de hacer un discurso con tu música y no sabes lo potente que es la palabra acertada en la frase acertada con el acorde concreto en el momento concreto”.

Pregunto a Jorge por los nuevos lenguajes del siglo XXI que vienen de la mano de las redes sociales y cómo afectan al mundo del rock y a Biznaga en particular. “El rock puede que se haya desfasado hoy en día para algunos chavales, cosa que no le pasa al trap, un género nuevo que nace con las redes y con un lenguaje nuevo y más fresco: ¿cómo mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

—texto Daniel Treviño —fotografía Iñigo de Amescua

Biznaga haciendo de perros callejeros por los suburbios de Madrid.

no va a conectar más con los jóvenes?, comenta. Lo que no voy a hacer es hablar o escribir como no lo hago yo en mi vida real. Eso que dicen de lenguaje de la calle… pues mira, calles hay muchas.

Yo también estoy en la calle”. Aunque el rap y el trap ahora parecen los géneros estrella entre las nuevas generaciones, Jorge tiene claro que cada cual tiene su público. “El nuevo rock es Hombres mujeres y viceversa: es lo que a los chavales se quieren parecer. Sexo, gente guapa, desmadre… ¿no era eso el rock de los setenta? Con sus estadios y sus dinosaurios y tal”. Sobre su próxima actuación en el SXSW de Austin, estamos todos de acuerdo en que “es como cuando vas a la Universidad: no va a servir para nada, pero te lo pasas bien”. Milky ya tiene claro qué es lo primero que va a hacer en Estados Unidos nada más pise el país. “Yo quiero ir a un campo de tiro, tío”. Nos reímos, pero lo dice en serio. “Me muero por disparar”.

Sobre esa y otras formas de violencia; Biznaga profetizan: “Todo es muy tranquilo hasta el próximo atentado (Mediocridad y confort)” o “No habrá paz nunca más (Jóvenes ocultos)”. Su regreso con Sentido del espectáculo ha convertido al disco en el manual de uso para declarar una guerra callejera. “Nada de eso”, dice Milky. “Hemos declarado el estado de sitio, que es mucho peor. Todo el mundo está súper tenso, esperando a que alguien suelte la primera hostia”. MS

r Más en www.mondosonoro.com

LA GIRA l Don Benito 11 de febrero 2017.

Balambambú, 22:30 l Pamplona 16 de febrero 2017. Zentral Kafé Antzokia, 22:00. l Donostia 17 de febrero 2017.

Kutxa Kultur Kluba, 20:00 l Bilbao 18 de febrero 2017.

Santana 27, 22:00. l Valencia 24 de marzo 2017.

Magazine Club, 21:30. l Castellón de la Plana 25 de marzo 2017.

Four Seasons, 19:00. l Santa Cruz de Tenerife 31 de marzo 2017.

Lone Star, 22:00. l Madrid 12 de mayo 2017.

El Sol, 22:00

febrero 2017 #29

MONDO FREAKO

Trentemøller

AgeNda febrero.

Madrid (Sala Vistalegre, 17 febrero) Barcelona (Apolo, 18 febrero)

RR Uno de nuestros daneses favoritos, Anders Trentemøller, vuelve a España para ofrecer dos conciertos (Madrid y Barcelona) en los que, nuevamente, se alejará de su faceta más electrónica y clubber. El motivo será presentar su cuarto larga duración, Fixion, un adictivo trabajo (con diversas voces invitadas en estudio) en el que vuelve apostar por el pop sintético, minimalista y oscuro, influido tanto por la dark wave como por el post-punk. En Madrid el concierto ha cambiado de recinto, trasladándose a la Sala Vistalegre.

THE DANDY WARHOLS

Santos

Madrid (Joy Eslava, 10 febrero) Barcelona (Apolo, 11 febrero)

Alcázar de San Juan (Komma, 3 febrero). Toledo (Los Clásicos, 4 febrero). Murcia (Sala REM, 9 febrero) Alicante (Marearock, 10 febrero) Castellón (Four Seasons, 11 febrero)

RR Hace tiempo que The Dandy Warhols cesaron en sus esfuerzos por lograr esa fama mayoritaria que, a finales de los noventa y con el comienzo del nuevo siglo, rozaron con la punta de los dedos. Ahora, los de Portland nos visitan para presentar su nuevo (y liberador) álbum Distortland (Dine Alone, 16).

En Distortland hay bastante variedad estilística: Pope Reverend Jim, por ejemplo, me recuerda a Bowie, mientras que Search Party es un ramalazo shoegaze… ¿De dónde vino toda esta diversidad?

(Courtney Taylor-Taylor) “Supongo que viene de escuchar a Bowie y shoegazer, pero también hay por ahí influencias de Dr. Dre y Powerman 5000.

Todo está permitido, excepto por las actuales tendencias musicales o de producción”.

La canción Bohemian Like You fue un éxito mundial, y formó parte de una famosa campaña publici-

taria ¿Alguna vez habéis tenido miedo de que parte del público os recuerde solamente por ese tema?

Solo el hecho de ser recordado ya es un regalo. Y ser recordado por una canción jodidamente rompedora... ¡Wow… Gracias Dios!—raúl julián

RR Santos es un sexteto barcelonés que gira alrededor del omnipresente dúo de productores e ingenieros Santos Berrocal y Fluren Ferrer (Sidonie, Love Of Lesbian, Mucho, Supersubmarina...) y que reúne a ex miembros de bandas barcelonesas como Something, The Freewheelin’ Tornados o Ultraplayback. Ahora ofrecen seis fechas dentro de los conciertos GPS (Girando Por Salas), al tiempo que se reedita su segundo larga duración, El sueño del mamut, en el que colaboran amigos como Marti Perarnau de Mucho (guitarra en El impulso) y Quique González (vocalista invitado en Ni héroes ni insectos).

La reedición incluye dos temas extras y una versión de Vagabundear de Joan Manel Serrat.

Cage The Elefant Barcelona (Apolo, 4 febrero) Madrid (La Riviera, 5 febrero)

RR El cuarto larga duración de Cage The Elephant, Tell Me I’m Pretty, vio la luz en diciembre de 2015, bajo la batuta de Dan Auerbach (The Black Keys) como productor. Desde entonces, el grupo no ha cesado de girar por el mundo para presentarlo frente a un público que ha ido creciendo mes tras mes, concierto tras concierto. Poco después de cumplir diez años como banda, Cage The Elephant vuelven a Europa tras cinco años sin visitar el continente y añadiendo por primera vez en su carrera actuaciones en territorio español. Podremos verles en Barcelona y Madrid.

La Habitación Roja Barcelona (Bikini, 3 febrero) Elche (La Llotja, 4 febrero)

Skunk Anansie RR Superados los veinte años

r Más en www.mondosonoro.com #mondosonoro/agenda

#30 febrero 2017

de trayectoria en buena forma, los valencianos La Habitación Roja continúan girando y lanzando discos. Sin ir más lejos, el pasado año publicaron Sagrado Corazón, trabajo que siguen presentando por la península para disfrute de sus fans y seguidores.

Pamplona (Sala Zentral, 9 febrero) Madrid (La Riviera, 10 febrero) Barcelona (Festival Mil·lenni; Sala Razzmatazz, 13 febrero)

RR Los británicos pasearán su último disco, Anarchytecture y prometen más actitud, más experimentación y más fuerza que nunca. ¿Qué queda de esa banda de los noventa que combinaba rock y metal? Somos las mismas personas pero más viejas, más sabias, con más actitud,

más obstinadas, más valientes y estamos más dispuestos a ser nosotros mismos para que la música cambie con nosotros.

Habéis dicho que en este álbum hay influencias de Michael Jackson, Jeff Buckley o Kiss. Y de Motörhead, Blondie, The Clash, Kraftwerk, Black Sabbath y Nirvana. ¿Qué bandas os interesan hoy en día? Lower Than Atlantis, Alabama Shakes, The Jezebels, Makthaverskan, Biffy Clyro, Young Fathers, The Pearl Harts... —emi arias

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The Head and The Heart “Esta es la música que hacemos porque es la que única que sabemos hacer” Barcelona (Razzmatazz, 4 febrero) Madrid (Joy Eslava, 5 febrero)

Sun God Replica

Viva Suecia

A Coruña (Mardi Gras, 2 febrero), Vigo (La Iguana Club, 3 febrero), Ferrol (Super 8, 4 febrero), Aldeamayor de San Martín (El Zagal, 5 febrero), Madrid (Fun House, 6 febrero), Donostia (Dabadaba, 7 febrero), Zaragoza (La Ley Seca, 8 febrero), Barcelona (A Wamba Bulula Club; Marula, 9 febrero), Guadalajara (Sala Óxido, 10 febrero), Cox, Alicante (TNT Blues, 11 febrero), Sevilla (X, 12 febrero)

Almería (Madchester Club, 3 febrero), Jaén (Café Teatro Central, 4 febrero), Villagarcía de Aurosa (Bianco Sama, 10 febrero), O Barco de Valdeorras (Baranda, 11 febrero)

RR Sun God Replica es un verda-

The Head and the Heart, desde las playas de California

La banda norteamericana vuelve a España con las canciones de Signs Of Light, su tercer largo y el primero para la multinacional Warner. Es un disco repleto de soleadas melodías y un rock de raíces tan cálido como la brisa del mar en California.

C

harlamos con Jonathan Russell para que nos hable sobre su música y sobre la vida con una sinceridad pocas veces vista. “El título del disco viene por la última canción. Para mí es la mejor del álbum y la mejor que nunca escribimos. Mientras la grabamos supimos que debía ser el título del disco.

No quiero ponerme serio ni soltar tópicos pero sabemos que es nuestro mejor disco y esa canción en concreto nuestro lado más brillante”. Signs Of Light es el disco más luminoso y con melodías más brillantes de su trayectoria. Más florida y menos Washington State. “¡Si! Tienes razón definitivamente es más soleado que los otros.

Ya no vivo en Seattle, me mudé hace tres años a Virginia. Cuando empecé a escribirlo en mi tiempo libre estaba viajando por todo el país, siempre en contacto con la

naturaleza, siempre en un entorno natural. Ese contacto me dio la luz y la inspiración”. De ahí que Russell se comprase una furgoneta y saliera a conducir por ahí sin rumbo, ni plan determinado. Le comento que no es lo mismo viajar por trabajo que por placer. “No lo es, definitivamente.

Cuando estás en la furgoneta de gira por Europa, sin nada más que hacer que ir de un concierto a otro, cada uno en la banda tiene su propio trabajo y sus funciones.

No hay tiempo lúdico, es insano. Solo te preocupas de realizar el mejor show posible. Recuerdo una vez en París que me salté algunas obligaciones para poder ver la ciudad. Siempre preocupado de la prueba de sonido, de la banda… y pude por fin dedicarme tiempo a mí mismo. Eso tan simple es algo muy, muy difícil de realizar. Pero, como hablábamos, ese tiempo libre que me tomé me sirvió para tomar aire”. Echando la vista a los origenes de la banda, quizás fue sencillo montar una banda en el Seattle post-grunge. “Fue algo increíblemente… ¿Fácil? Quiero decir que había músicos por todas partes, gente con mentes abiertas por todos lados, había todo tipo de salas para tocar, un lugar con mucho potencial y muy buenas infraestructuras. Una ciudad con una cultura musical de calle enorme, muchas revistas, locales interesantes… era un buen lugar para empezar una banda, mucho más fácil que en New York, en la que la gente es menos inocente”. —marcos molinero

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dero power trio, dirigido por Link McLennan, quien también ejerce de líder en The Meanies. Ahora vuelven a España para presentar Grandular Fever (Spooky/Beast Records, 16) en nueve ciudades.

Parece que Link McLennan no tiene suficiente con The Meanies, así que alimenta sus necesidades con este trío en el que aparca el punk acelerado y frenético para decantarse por el hard rock setentero, con pinceladas de psicodelia, power pop, garage e incluso stoner. “No escribo expresamente canciones con un aroma a psicodelia o a stoner. Tengo mucho cariño por diversos estilos de los sesenta y los setenta, y ahí están nombres obvios, The Who, The Nazz, Blue Cheer, Stooges. Ojalá tengamos también nuestro propio aroma”. —toni castarnado

RR Paso a paso, Viva Suecia se han convertido en uno de los nombres con más proyección del nuevo indie nacional. Tras la repercusión de su primer larga duración, La fuerza mayor, la banda vuelve con once nuevas canciones que verán la luz el próximo 3 de marzo. Todas ellas formarán parte del nuevo trabajo de los murcianos, Otros principios fundamentales.

The Pretty Reckless Barcelona (Apolo, 9 febrero) Madrid (Teatro Barceló, 10 febrero)

RR El tiempo ha demostrado que The Pretty Reckless son mucho más que el grupo de la ex-actriz adolescente Taylor Momsen (Gossip Girl, Paranoid Park). Y es que son ya tres álbumes y varios epés los que la banda acumula a sus espaldas. El último de ellos es Who You Selling For e incluye doce canciones en las que la banda explora sus distintas caras estilísticamente hablando, desde el rock de Take Me Down a la balada que da nombre al disco.

Arco Málaga (La Cochera, 3 febrero), Granada (Aliatar, 4 febrero), Barcelona (Salamandra 2, 11 febrero), Bilbao (Azkena, 17 febrero), Madrid (Caracol, 18 febrero)

Nunatak Valencia (Sala Matisse, 10 febrero), Málaga (La Cochera, 18 febrero)

RR Adrián Gutiérrez y su banda continúa girando por España con las canciones de Nunatak y el pulso infinito, su disco de 2016. Además, se les ha girado trabajo extra. A sus conciertos en ciudades como Valencia o Málaga, se les suman sus actuaciones como invitados de los australianos The Temper Trap.

RR Llega el fin de la gira de Uno, primer disco de Antonio Arco tras la despedida de El Puchero del Hortelano, con un sonido menos sureño que el de aquellos. Pero haber emprendido una carrera en solitario después de la separación del grupo no significa protagonizar giras más cortas, sino más bien al contrario. En febrero ofrecerá cinco conciertos en España y en marzo visitará Perú, Chile, Argentina y Estados Unidos. MS

febrero 2017 #31

FEBRERO OTSAILA 2017

3 INCONSCIENTES + SONIC TOYS 4 DE PEDRO 9 SKUNK ANANSIE + THE PEARL HARTS 10 JAVI MARTIN 11 LETZ ZEP 12 SERAFIN ZUBIRI EN ESENZIA 16 BIZNAGA + LOS JAMBOS 17 CHAMBAO

18 QUEEN FOREVER 19 MIGUEL LAGO 22 EVA FERNANDEZ GROUP 24 DAWN OF THE MAYA + HIBAKUSHA + MELTDOWN 25 FESTIVAL SOLIDARIO CON LOS REFUGIADOS 26 IGELAREN BANDA

VENTA DE ENTRADAS: WWW.ZENTRALPAMPLONA.COM

#32 febrero 2017

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33/Mondo VINILOS

Standstill

Sepultura

Estaría muy bien. Último concierto Sony Music

rock / Si hay una banda acreedora a inmortalizar su directo son precisamente Standstill. Era lógico, en cualquier caso, que Montefusco y su troupe, se dieran a sí mismos un parón indefinido. No faltaron voces que alertaban de que Dentro de la luz (15) transmitía signos de estancamiento. Así que la trilogía que formó junto a Vivalaguerra (06) y Adelante Bonaparte (10), la que les aupó al estatus de una de las bandas más identificables -y con mejores prestaciones escénicas- de nuestra escena, es la que sostiene este directo, acompañado de un DVD que visualiza el imponente vigor sobre las tablas de un temario que pulsó la tecla adecuada para conectar con la fibra sensible de una parroquia muy fiel, aunque notablemente inferior a la de algunos de sus sucedáneos. —carlos pérez de ziriza

FOTO: MARIANO REGIDOR

7

Toundra+Niño de Elche=Exquirla Exquirla

Para quienes aún viven Century Media/ Superball

8 flamenco rock / Perezosos los que busquen aquí una continuación del Omega de Lagartija Nick & Enrique Morente, o un homenaje a La leyenda del tiempo de Camarón y su tropa, mucho menos un guiño a la seminal fusión de Sabicas & Joe Beck. La épica arrebatadora de Para quienes aún viven quizá conecte con el primero, pero este nuevo proyecto fruto de la alianza entre Toundra y Niño de Elche construye su identidad sobre un discurso propio, ajeno a cualquier referencia preexistente, y ahí radica su mayor virtud. Valiente, profundo, fundamentado y honesto, el cuerpo conceptual del debut de Exquirla es lo suficientemente sólido como para garantizar su propia perdurabilidad.

De hecho, puede resultar incluso abrumador.

Pero abrumador, ¿para quién? Para aquellos que ya no viven. Aquellos que ya no sienten ni padecen. Los anestesiados. Los inmóviles.

Los cínicos. El problema está en saber diferenciar si conforman una categoría social, o si se trata de un estado de ánimo que puede coger por el pescuezo a cualquiera en un mal momento. Exquirla parecen tenerlo más claro, y acuden a los sobrecogedores textos que el poeta de la conciencia Enrique Falcón

plasmó en el libro La marcha de 150 millones para anular el menor atisbo de relativismo falsario que trate de contaminar el debate. Como bien dicen ellos mismos, no hay nada de radical en sus mensajes. Nada de radical en el peor sentido. Porque sí van directos a las raíces de la injusticia, de la inmoralidad y la falta de decencia desde una perspectiva absolutamente emocional y carente de panfletarismo. Niño de Elche aborda su papel con una intensidad asombrosa, como un hado que invade el tiempo y el espacio con salmos rodeados por una tormenta sónica que le protege, le ampara y le inyecta fuerza para no dar un paso atrás hasta que llega la calma. Cantaor y músicos ensayan giros y profundidades de campo inéditos en su quehacer, pero para que este álbum se distanciase de un “Toundra más Niño de Elche” quizá convendría haber cambiado un poco más el registro de ambos.

Subjetiva es la valoración de si el resultado queda mejor así o no, objetiva era la intención de la banda de trascender la suma. Y da la sensación de que el disco gustará más a los que ya son fans de ellos y de él, que a posibles terceros. Dicho esto, no hay duda de que también los habrá, y tampoco de que Exquirla acierta de pleno en la elección del modus operandi para transportar al oyente a un universo propio, un no-lugar como bien dice Niño de Elche, en el que una vez sumergido, incluso la idea de pop queda como un lejano recuerdo. En el mejor sentido, oh sí.

—nacho serrano

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Machine Messiah Nuclear Blast

6

siah no va entrar en el Olimpo de Sepultura, pero tampoco es un disco más. Junto con Kairos recoge los mejores momentos del grupo desde que Andreas Kisser y Paulo Jr. cogieron las riendas. También es en el que más y mejor toma personalidad la voz de Derrick Green, sobre todo en el corte que pone nombre al disco. I Am The Enemy y Vandal Nest son de largo los mejores momentos. En ellos, la formación se mantiene firme con caña burra de verdad. Técnicamente impecable, el álbum encuentra su alma en temas con trasfondo de raíces como Phantom Self, pero el nombre de Sepultura en portada es una losa muy grande. Recusación es aquello a lo que cualquier fan del metal se quiere acoger cuando le preguntan: ‘¿Qué tal el nuevo disco de Sepultura?’.

—tomás martínez

Brian Eno

Lidia Damunt

Reflection Warp/Music As Usual

electrónica / Ni un año después de The Ship, su elegía sobre el desastre del Titanic, el decimonoveno disco del compositor británico mira tanto atrás como al futuro. A su legado como inventor de la música sintética orgánica que en su momento se bautizó como ambient, y las reglas que se impuso. Pero buscando el efecto de un río sonoro sin principio ni final, siempre cambiante, el compositor de Music For Airports compuso su álbum con una aplicación de software que cambiaba y modulaba las notas. No se puede negar al británico una encomiable esperanza en que en la época de la dispersión total haya todavía gente dispuesta a dejarse atrapar por una pieza que no va precisamente dirigida al público impaciente: cincuenta y cuatro minutos de minimalismo orgánico de misteriosas formas musicales. —josé carlos peña

7

metal / Machine Mes-

Telepatía Tormina Records/Austrohúngaro

7

folk / Un paso atrás

para dar luego dos hacia adelante. Esa parece ser la máxima a la que se ha ceñido la murciana en su quinto álbum, conjugando la fibrosa austeridad de sus primeras entregas en solitario con una querencia pop -más reciente- que se yergue orgullosa en melodías que no por ello han perdido el filo. La horma folk o el trote country rock que las sostienen presentan un aspecto algo más diluido, y no menoscaban la luminosidad de una colección de canciones que expide al menos un par de clásicos instantáneos, caso de Bolleras como tú o Como la miel.

Apenas los puntuales teclados de Hugo Sierra y la siempre apreciable voz de Teresa Iturrioz, de Single (en Quién puede arreglar), contribuyen a redondear un disco notable.

—carlos pérez de ziriza

febrero 2017 #33

MONDOVINILOS

SleaterKinney

Live In Paris Sub Pop/ Popstock!

Buena mierda comercial Dawn Richard

Redemption Our Dawn Entertainment

9 R&B / Escuchando Redemption con algo

de atención desprejuiciada, no parecen exageradas las opiniones de quienes ven a Dawn Richard (aka D∆WN) en el epicentro del pop del futuro. Situada hoy en el lugar idóneo en el momento ideal, y tras haber construido un personaje en el que acompaña la música con una trabajada imagen a la que incorpora iniciativas relacionadas con la moda o el activismo y la exploración de nuevos canales de difusión y formas de marketing, Richard va camino de conseguirlo. Tras Goldenheart (13) y Blackheart (15), Redemption supone la culminación de su trilogía The Red Era, la fase final de redención, la liberación y la autorrealización tras la experiencia del amor y la pérdida.

“Es para todo el mundo. Para cada persona gay, genderfluid, negra o blanca. Porque mi base de fans ha tenido que aguantar mucha mierda”, ha declarado Richard respecto al

Jorge Ramos

Childish Gambino

El espacio es el lugar 7RECXRDS

POP / El debut en solitario de Jorge Ramos (ex-Dana Lee y Nine Stories) prolonga el trazado que ya había recorrido junto a Pepo Márquez en MAJESTAD. Y tampoco es extraño, dado que es Raúl Santos -el Supercinexcene fue otro de los vértices de aquel proyecto y partenaire actual en el estudio que ambos regentan- quien produce estas ocho canciones, agrupadas bajo un título que justifica su deuda con Sun Ra solo en sus propiedades mántricas, que no en la textura. Su minimalista corporeidad delinea una síntesis equilibrada de influjos de aquí y de allá: entre la lírica de Parade y el huesudo sentido del ritmo de The xx (Todos los planetas), o entre el paisajismo sombrío de estos y la magnética evanescencia de Atención Tsunami (Movimiento continuo). Estancias ventiladas y relieves diversos para un álbum conciso y excitante, del que también sobresale la virguería de estudio que es Madrid fantasma, su fascinante cierre. —carlos pérez de ziriza

7

#34 febrero 2017

soul / El caso de Awaken, My Love! es una demostración de que, en ocasiones, la tradición se equivoca con aquello de “quien mucho abarca, poco aprieta”. El comediante, actor, guionista y cantante, rodeándose de buenas compañías –las cuales han jugado una influencia clara en su trabajo–, logra encauzar su vertiente rapera hacia el soul y el funk, sintetizándola en un álbum redondo y desplazándola de las coordenadas más comerciales de su anterior álbum Because The Internet (13). Pese a los grandes nombres con los que cuenta Gambino (Gary Clark Jr, Eddie Hazel, Haskins Clarence, George Clinton) son los más desconocidos de la larga lista de colaboraciones los que hacen del disco un trabajo impecable: Brent Jones, Kari Faux o Chris Hartz. En todo caso, con Awake, My Love!, Glover se ha elevado, reluciendo y a hombros ante la escena del neosoul yanqui donde cada vez es más difícil hacerlo. Pero que no se olvide, a hombros de otros.

8

—manuel jubera

espíritu de su nuevo trabajo. Redemption es R&B, es pop y es electrónica. Nada nuevo de no ser porque existe cierta aproximación a la composición, el sonido y la incorporación y tratamiento de los elementos que hace que el conjunto se aleje del cliché en el que caen otros trabajos de mayores ínfulas pero menor recorrido situados también en el corazón del mainstream. Con la ayuda de los productores Machinedrum y Noisecastle III y bendecida por un inmejorable estado de forma vocal, Richard compone e interpreta una gran colección de canciones (Love Under Lights, Lillies o LA, con la aparición del músico de jazz Trombone Shorty) apta para casi cualquier tipo de acercamiento a la música en 2017. Y esto es posible gracias a que Richard ha encontrado la tecla para facturar una producción, soberbia pero comedida en artificios y terriblemente efectiva e interesante en sus estructuras y componentes, en la que se permite ciertas rupturas, secuencias caprichosas e incluso la inclusión de elementos a menudo exóticos que hacen del resultado final un trabajo que concilia dos mundos: el comercial y el de la creación con ambición artística.

—jorge ramos

Purson

7

rock / Rosalie Cun-

ningham no se anda con rodeos. Le gusta el colorido, es obvio -cuanto más, mejor- y apuesta por la fantasía. Pero seguramente, si a un purista de la psicodelia le presentas este segundo disco de Purson como lanzamiento destacado, pondrá el grito en el cielo. Si tenemos que compararles a una banda contemporánea, quizás la referencia más cercana y válida sean The Dresden Dolls, incluyendo el afán teatral de Amanda Palmer. Porque canciones como Dead Dodo Down podrían ser la banda sonora perfecta de un circo oscuro en pleno siglo XXI. Pero hay más. Purson pasan de convertir a Hendrix en el líder de una banda de metal (Electric Ladyland) a navegar por las aguas del folk (la acústica The Sky Parade), dejando a la vista todos los ingredientes que les convierten en un grupo muy especial: toneladas de misterio, teclados fúnebres, vientos y una voz capaz de atraparte con sus redes. —toni castarnado

Sohn

Rennen 4AD/Popstock!

Occult Architecture Vol. 1 Sacred Bones/ Popstock!

7

Psicodelia /El experimen-

tado dúo de psicodelia formado por Sanae Yamada y Ripley Johnson ha decidido mostrarnos su nuevo material en dos entregas. Inspirándose en el Yin y el Yang, en esta primera cara de la moneda nos dejan con el reflejo más sombrío y misterioso de su música. Siete nuevas composiciones redondeadas por guitarras kraut, volviendo a demostrar una gran maestría a la hora de conseguir una densidad en la que todas las capas de sonido juegan un papel importante.

Sin perder en ningún momento de vista todos aquellos ambientes en los que la estructuras sintéticas sobresalen (como en el caso de Cross-Town Fade), se muestran bastante versátiles a la hora de dar rienda suelta a la acidez de sus composiciones. Enredándose a medida que avanza el trabajo en un hipnotismo en el que la agresividad no escasea, acaban llevando los temas hacia su línea habitual, cargada de un rock psicodélico en su versión más árida. —noé rodríguez

rock / Con el paso del

tiempo ya no es habitual que se publiquen discos en directo. Si se hace, suele ser con una excusa, sea aniversario, tributo u ocasión especial, pero pocos los lanzan porque les apetece. Live In Paris no tiene otra intención que aprovechar el momento dulce por el que pasan, resumiendo su nueva etapa tras editar No Cities To Love. Con eso les vale. Tras diez años haciendo cada una su vida, volvieron en el momento justo con un disco rocoso de sonido epatante, una buena sacudida de rock primario. Live In Paris es una muestra sin adulterar, directa desde la mesa de sonido. Empiezan como era habitual en esa gira con Price Tag, el primer corte de No Cities To Love. Como avance han elegido otra pieza clave de ese disco, Surface Envy, con ese riff de guitarra tan característico.

Aunque lo mejor está en la traca final, con esa Dig Me Out de su etapa más contestataria y Modern Girl, quizás su canción más conocida. —toni castarnado

Moon Duo

Desire’s Magic Theatre Spinefarm

Awaken, My Love!

Glassnote

7

6

r&b / Apenas han pasa-

do dos años y medio de Tremor, debut del británico Christopher Taylor para el prestigioso sello británico 4AD. Ya entonces su electrónica clínica, algo fría y preciosista se asoció a nombres del prestigio de un James Blake. Rennen (“carrera” en alemán) hace referencia a los cambios personales que Taylor ha vivido en estos dos años y su mudanza de Viena a Los Angeles.

No puede ser casualidad que el blues electrónico minimalista con estribillos rotundos de Hard Liquor o el single Conrad, que evocan a unos Algiers más amables, o incluso a los últimos Wild Beasts, aunque sin su cruda visceralidad, dé inicio a un disco en el que Taylor intenta conciliar un sustrato tradicional con sonidos sintéticos abstractos.

Rennen tiene un tono de elegante R&B electrónico, en el que la delicada voz y las melodías vocales prevalecen sobre las bases y los sintetizadores, que toman protagonismo en momentos puntuales. —josé carlos peña

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Mark Eitzel Hey Mr Ferryman Decor/ Popstock!

Ryan Adams regresa por la puerta grande Ryan Adams

Prisoner Pax Am/Universal POP/ Escuchando el último disco de American Music Club, The Golden Age, encontré muy natural que Mark Eitzel haya elegido al británico Bernard Butler como productor y arreglista de su nuevo lanzamiento. No tanto porque haya una conexión clara o consciente entre ambos trabajos, sino porque las canciones del californiano irradian una calidez que le viene como anillo al dedo al ex Suede. El superdotado guitarrista y productor, cada vez más fino, pone sus guitarras sofisticadas, bajos, arreglos de teclado y mucha delicadeza al servicio de una colección de canciones que muestran a un compositor que juega en la liga de los clásicos vivos que sintetizan en canciones suspendidas en el tiempo toda la rica tradición musical anglosajona. Compasión hacia los desheredados, amor, humor descarnado. Canciones de una honestidad que duele, conforman uno de sus mejores trabajos de este siglo. Y del anterior. —josé carlos peña

8

9 americana / Ryan Adams lleva años jugando con fuego. El rock de raíces y el folk más arenoso hace tiempo que quedaron en la cuneta, con lo que su carrera tomó una dirección que disgusta a los más puristas. El doliente y desnudo 29 poco tiene que ver con el melancólico Love Is Hell. A su vez la variedad de colores de Cold Roses poco tiene en común con el aire garajero de 1984. Con Easy Tiger marcó un acercamiento al AOR que explota por momentos en este Prisoner y es que Ryan decide por voluntad propia ponerse en la diana, dar carnaza a sus detractores. Tras un divorcio tormentoso y unos años duros por su enfermedad, pocos discos pueden hacer gala de una exposición del dolor como este. Musicalmente transita por parajes conocidos, un disco que nos ofrece los muchos y diferentes Ryan Adams. El primer single rezuma cierto aroma a ese rock para adultos, Prisoner está llena de dolor y cuenta con una acertada producción en la que brillan por igual las acústicas que los bellos punteos de guitarra eléctrica. Doomsday podría haber encajado perfectamente en su debut, la

Javier Corcobado

Electrónica / Desde 2009, Zeds Dead se han consolidado como uno de los dúos más influyentes del dubstep a nivel mundial. Los canadienses nos han hecho disfrutar hasta ahora con un buen número de EP’s, aunque todavía quedaba una asignatura pendiente, el álbum, que por fin nos ha llegado.

Northern Lights demuestra una enorme versatilidad; arrancando con Stardust, protagonizada por Twin Shadow y una buena base instrumental con guitarras eléctricas. La primer mitad del disco sigue una línea ascendente hasta llegar a la más oscura DNA para explotar con Me No Care, un drumstep revienta con un potente drop. Northern Lights es un viaje que derriba cualquier muros de géneros. Un trabajo que combina toques experimentales con electrónica accesible en el que cada uno podrá encontrar un tema a su gusto. Cuenta además con las colaboraciones de Diplo y NGHTMARE, lo que abre a Zeds Dead hacía un mercado mucho más mainstream. —javier gago

7

Kokoshca Algo real Sonido Muchacho

Mujer y victoria Industrias Bala

7

POP / El imprevisible y

siempre sorprendente Javier Corcobado vuelve a regalarnos una nueva colección de sueños debocados e hiperrealismo moral tras siete años de silencio. Mujer y victoria actúa como síntesis de la atípica y meritoria carrera de este artista. En él podemos encontrarnos los rasgos definitorios de Corcobado, los que le hacen distanciarse del resto y a la vez ser admirado. Desde el contrastado hieratismo fabril de Sin amor no hay nada con el que da comienzo el álbum, hasta la envenenada y genial ambigüedad encapsulada en Niña preciosita, vestida con textos dulces en progresiva oxidación debido al cáustico tono de voz que Javier gasta. El disco está repleto de geniales complacencias como Canción del puerto o El extranjero y su cicatriz, en las que Corcobado es más Corcobado que nunca. A su vez, Bienestar puede rememorarnos los mejores momentos de Diminuto Cielo. Un exquisito y esperado regreso.

—fernando o. paíno

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con una de las melodías más bonitas del disco. El Ryan que levita sobre todos los mortales aparece en Outbound Train. Siguiendo la estela de los cortes más austeros nos llega Broken Anyway. La hermosa Tightrope es otra maravilla marca de la casa, logrando parar el tiempo. El cierre con We Dissapear es doloroso, un corte en el que Adams relata el fin del “nosotros”, el fin de una relación que le deja con el corazón hecho trizas. Otra obra maestra. —marcos molinero

8

garage / Hace unos tres

años, con el notable Hay una luz, Kokoscha mostraron su cara más accesible. Y lo hicieron, simplemente, sonando un poco menos ariscos y sucios, sin traicionar sus principios; esos que les permiten practicar un garage-rock mestizo con fugas a otros géneros (su colaboración con El Drogas es buen ejemplo).

Ahora, los pamploneses se fijan en sus raíces. ‘Y no te olvides, somos Kokoshca’, aúllan al final de la gótica y pantanosa Serengueti. Y es que Algo real tiene mucho de retorno a lo orígenes, a la versión más indomable y librepensadora del grupo. El nuevo disco de la banda liderada por Amaia e Iñaki se abre con un sorprendente tema de aires sureños que les alinea con la mejor versión de La URSS. Y lo que sigue es una colección de canciones de alma anti-sistema que guiña el ojo y dialoga con sus héroes de cabecera: The Make-Up (Yo nací), Sonny And The Sunsets (El escultor) o The Cramps (R.B.U).

DD LJM JSL DC Med

1 Run The Jewels RTJ3

8 8 8 9 8,25

2 Laura Marling Semper Femina

9 6 7 8 7,5

3 Los Punsetes ¡Viva!

8 8 7 6 7,25

4 Japandroids Near To The Wild Heart Of Life

7 6 8 8 7,25

5 Foxygen Hang

7 7 8 7 7,25

6 Exquirla Para quienes aún viven

5 8 8 7 7

7 Rufus T. Firefly Magnolia

8 7 6 7 7

8 Crudo Pimento Teleiste Mouska

7 7 7 7 6,25

9 Lori Meyers En la espiral

6 6 6 5 5,75

10 Joe Crepúsculo Disco duro

4 4 7 6 5,25

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

Northern Lights Deadbeats

top 10.

Zeds Dead

sinceridad de Haunted House, la desnudez y candidez de un corte como Shiver And Shake con solamente un teclado fantasmagórico y un rasgueo de guitarra te pone un nudo en la garganta. To Be Without You es otra joya para la colección de canciones eternas del artista.

Los aires AOR regresan con Anything I Say To You Now, pero algo más comedidos que en Do You Still Love Me. En Breakdown vuelve el Ryan herido y desprotegido en una canción con un crescendo estratosférico, redondeada

—xavi sánchez pons

febrero 2017 #35

MONDOVINILOS

Anntona

FOTO: ARCHIVO

Internacional Everlasting/ Popstock!

POP / A medio camino entre el cancionero verde de El Chivi, el sonido de los cantantes melódicos latinos de los años setenta (Leo Dan, Leonardo Favio…), la estética funky-hortera del personaje de Los Simpsons Disco Stu, un monólogo cantado de Ignatius Farray en La vida moderna y una cinta de chistes de Eugenio comprada en una gasolinera, Anntona dinamita los cánones excesivamente solemnes al que nos tiene acostumbrado el indie de autor español a golpe de chascarrillo pop, de verbena irracional, de monólogo cantado.

Así suena Internacional, el paso a la profesionalización del principal compositor de Los Punsetes en su proyecto en solitario: y es que a pesar de jugar a ser serio (en Aceras anchas), consigue firmar himnos aptos tanto para que las cante (mal) David Guapo en El Club de la Comedia como para que se conviertan en la comidilla de todo modernícola de pro en los festivales de este verano, sea Imbécil internacional, o Una mierda como un castillo. —alan queipo

7

La Marling vuelve al indie-folk Laura Marling

Semper Femina Kobalt/Popstock!

9

FOLK-POP / Decir que estamos ante el mejor

trabajo de Laura Marling es mucho decir.

Lo que sí me atrevo a asegurar es que estamos ante su trabajo más asequible, amable y delicado desde I Speak Because I Can. Un disco en el que la autora vuelve a demostrar una clase exquisita con el fingerpicking de sus cuerdas de nylon, mientras se rodea de unos barrocos arreglos de cuerdas que generan una atmósfera tan ensoñadora como acogedora de la que no vas a querer escapar. Nueve canciones

#36 febrero 2017

–todas ellas de más de cuatro minutos de duración- en las que Marling aparca los experimentos melódicos de los últimos tiempos a un lado para buscar una extrema sensibilidad al poner a la mujer en primer plano de su escritura. El suyo es un regreso triunfal a los patrones iniciales de su indie-folk, aupado en su personalísimo registro vocal y una sonoridad de corte clásico que alcanza sus mejores cotas en canciones como la hipnótica Shooting, en la que al igual que en Wild Fire demuestra un espectacular dominio de su voz. Por no hablar de sorpresas tan agradables como Don’t Pass Me By, que es lo más cerca que ha estado jamás de Dusty Springfield. Y para cerrar el álbum qué mejor que hacerlo pertrechada con la eléctrica y por todo los alto con un tema tan embriagador como Nothing Not Early. —don disturbios

Automatisme Momentform Accumulations Constellation

electrónica / Su debut en largo llega con unas credenciales más que convincentes, pues forma parte de esa nueva hornada de proyectos que renueva y diversifica la cartera del sello Constellation. Y es que, asumiendo esa bipolaridad con la que el quebequés William Jourdain sabe impregnarlo todo

7

–incluso remontándonos a sus primeras grabaciones autoproducidas-, en esta obra de electrónica madura y convincente que es Momentform Accumulations encontraremos una lucha constante entre dos bandos. Aquellos que batallan en la alternancia de ambient y rítmica minimalista, entre cierta enjundia ruidosa y las ambientaciones bañadas en frialdad maquinal. Un ejercicio bailable y escuchable a la vez, cuya ubicación entre la IDM y el techno minimalista-aislacionista -alrededor de Pan Sonic y Alva Noto-, bien vale unas cuantas escuchas. —francesc feliu Flo Morrissey & Matthew E. White Gentlewoman, Ruby Man Glassnote

6

pop / Hay infinitas formas

de experimentar con el sonido y dar rienda suelta a la creatividad. Y, aunque una de las más reconocidas y valoradas sea lanzar un disco con composiciones propias, debemos reconocer otras vías de expresión como tomar canciones ajenas para revivirlas y versionarlas. Tras su primer encuentro en 2015 en un tributo a Lee Hazlewood, donde ambos interpretaron a modo de dúo la canción Some Velvet Morning, Matthew E. White y Flo Morrissey decidieron poner en común su talento y trabajar en un proyecto conjunto del que nace un disco en el que ambos artistas apuestas por la diversión. Lo hacen con un repertorio un tanto ecléctico formado por diez covers que van de artistas actuales como Frank Ocean y James Blake a clásicos como Leonard Cohen. La combinación de estos elementos da como resultado una propuesta fresca y elegante, donde el tándem consigue pasar cada canción por su filtro personal. —raquel pagès

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Agnes Obel

Esplendor Geométrico Fluida Mekaniko Geometrik Records

industrial / Dentro del sonido industrial por antonomasia, Esplendor Geométrico tiene mucho que decir. Pioneros del género, el conjunto madrileño lleva engranando sonidos fabriles desde comienzos de los años ochenta. Hoy, establecidos como un dúo en el que confluyen las fuerzas de Arturo Lanz y Saverio Evangelista, nos presentan Fluida Mekaniko, un trabajo que sabe equilibrar la esencia raspante y cíclica del estilo característico de Esplendor Geométrico con ritmos firmes y bailables que se amoldan fácilmente a las pistas de baile. Una fórmula única y convincente que ahonda en sonidos hieráticos y opresivos, guiados en todo momento por estructuras cadenciosas y tribales, muy en la onda del esquema aportado en discos anteriores como Pulsión o Ultraphoon. Temas como Mosselprom son ejemplos perfectos para definir la esencia intimista y desafiante que estos genios de las disonancias consiguen plasmar en su nuevo disco.

7

—fernando o. paíno

The Devil Makes Three Redemption & Ruin New West

Isasa

Citizen Of Glass [PIAS]

8

POP / Agnes Obel tiene un

curioso punto ciego de la pena. Un punto en que pasan muchas cosas pero con una levedad y un encapsulado de gramaje tan místico que se hace predecible y épico a la vez. No es raro que la danesa haya encontrado su patria en una zona común en la que la orquesta filarmónica pueda ser una pura herramienta para convertir gemas de folk-pop mínimo en una especie de banda sonora de una película imaginaria. Citizen Of Glass se ubica entre la delicadeza y sinuosidad de la música de cámara, las basculaciones del folk y ramalazos que juegan con atmósferas más propias de las músicas de vanguardia más paisajista, sonando a banda sonora de Clint Mansell para una película de David Lynch ambientada en una suerte de paraíso de azufre, con un aire tan místico (Red Virgin Soil) como retro (It’s Happening Again), neofolk (Stone), timburtoniano (Trojan Horses) y hasta procesional (Familiar). —alan queipo

Noveller

Los días La Castanya

8

instrumental / El primi-

tivismo americano de artistas del talento de John Fahey o Glenn Jones sigue siendo la guía fundamental en el segundo disco de Conrado Isasa (ex de A Room With A View), pero ahora con una aportación personal mucho más acentuada, ampliando su rango expresivo con la guitarra acústica, Weissenborn y banjo. Los días -que empieza con Aina, guiño a la banda de Barcelona que fue referencia en la escena post-hardcore- es un álbum que tiende a la paz y el encuentro con uno mismo, alejándose de la acción para detenerse más en la contemplación. Esa energía reflexiva -nada que ver con la quietud, más aún en un trabajo que muestra registros muy distintos- se traduce en escenas de aparente sencillez y melodías definidas que esconden una gran complejidad en los arreglos, buscando una sonoridad propia y un acento mediterráneo que, en otro contexto, comparten músicos como Alberto Montero.

—enrique peñas

Sampha

A Pink Sun Set For No One Fire Records

POst-rock / Hay que hacer algo muy especial para telonear a gente tan diversa como St. Vincent, Iggy Pop y The Jesus Lizard. La norteamericana Sarah Lipstate entra dentro de esta categoría por méritos propios.

A Pink Sun Set For No One es su octavo trabajo bajo el sobrenombre de Noveller. Un disco en el que la hiperactiva guitarrista continúa explorando paisajes abiertamente cinemáticos, armada con su Fender Jaguar y un arsenal de pedales. Sus paisajes fantasmales y oníricos se mueven entre Explosions In The Sky, The Durutti Column y Brian Eno, pero con personalidad propia. Y aunque el recurso a las mil capas y los loops está algo trillado a estas alturas, las atmósferas ensoñadoras de Noveller atrapan con su languidez. Todo un mundo raro, personal y atractivo en el que perderse. Lipstate nos invita a entrar en él de su mano, casi de puntillas, sin estridencias, con serena humildad y sin desbarrar o perderse en la autocomplacencia. —josé carlos peña

7

Process Young Turks/ Popstock!

8

r’n’b / Tras haber sido In-

tegrante de SBTRKT y colaborado con los adorados Kanye West, Solange y Drake, ¿qué más podría desear Sampha? Con no hacerlo mal, bastaría. Sin embargo, no se ha conformado y ha compuesto Process. Un álbum en el que la producción electrónica se torna tan rica como cuidada, a la vez que deja espacio a temas casi acústicos en su integridad como (No One Knows Me) Like The Piano o Take Me Inside. Todo ello nos revela que la importancia del disco recaerá sobre su propia voz. Una voz autorreflexiva, tan potente como angustiada, que nos conduce a la interioridad del autor, haciendo de canciones como Blood On Me o Plastic 100º campos poblados de emociones particulares –a menudo dolorosas– que remiten a la sensibilidad del oyente. Así, a pesar de que Process reclame la buena forma del oyente, no es un disco para bailar, más bien se trata de un disco para “encajar” en todas sus acepciones y disfrutar del golpe. —manuel jubera

Wiley, el padrino del grime Wiley

americana / Si eres de

8 los que ha permanecido atento a las diferentes listas especializadas que se publican en todo el mundo, habrás observado que este disco se ha colado en un buen número de ellas. El trío californiano ya llevaba una carrera discográfica muy sólida a sus espaldas, pero ha sido en este Redemption & Ruin donde mejor han sabido condensar todo lo aprendido por el camino. No en vano se han lanzado a tocar sin complejos un montón de palos de la música tradicional americana, pero dándole una pátina de modernidad que hace que, aún sonando añejos, no te parezcan antediluvianos. Combinan con sabiduría el bluegrass, el swing, el country, las murder ballads y lo hacen dándole un colorido, vitalidad y diversidad al álbum que acaba por resultar un festín para cualquier aficionado que se precie. Una bacanal que pasa de lo trágico a lo cómico, del baile a la reflexión, con una solidez que les convierten en un grupo a tener muy en cuenta. —don disturbios

Godfather Wiley Records

8 grime / Wiley nos presenta su undécimo dis-

co. El llamado padrino del grime pretende volarnos la cabeza con sus bases robóticas y martilleantes, pretende someternos con su flow, apabullarnos disparándonos palabras a la velocidad de la luz. No quiere títulos honoríficos, no quiere homenajes, quiere la corona, quiere su corona... llegar a la cima que ahora ocupa su colega Skepta. El tipo que ha recibido veintiún navajazos en diferentes reyertas está curtido para asestar el golpe definitivo con el que es de lejos su mejor disco. Godfather está compuesto por dieciséis cortes sin tregua, en los que Wiley juega con las rimas, estira el down house hasta pervertirlo, nos pone en alerta y confirma que Londres está más vivo que nunca, pero que quizás sea en los suburbios de orígenes caribeños donde está la crema. El sur de la capital inglesa, Brixton en concreto son ahora el epicentro de todo. Wiley tira de agenda y nos trae un trabajo con invitados de lujo rindiendo pleitesía como el anteriormente citado Skepta, Flowdan o P Money, con los que el disco eleva su temperatura

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hasta un punto de ebullición máximo generando un trabajo que luchará por perpetuar el reinado del grime en las islas británicas.

Like It Or Not es desde ya un himno urbano, pero podríamos decir lo mismo de Can’t Go Wrong o de la frenética Back With Banger. Y podríamos continuar con esa brutal sacudi-

da que es Bang, puro terrorismo sonoro con Ghetts apoyando la causa, o la pegadiza Bait Face, en la que le acompaña Scratchy y que redimiría a un despistado Dizzee Rascal. La mugre de Londres sigue sonando de maravilla. —marcos molinero

febrero 2017 #37

FOTO: ARCHIVO

Hope Sandoval & The Warm Inventions

ZPU

Espejo Amajasala

Until The Hunter Tendril Tales/ Music As Usual

7

dream pop / Es una estu-

pidez plantearse si los discos de Hope Sandoval son buñuelos de viento, pero también lo es seguir afirmando que son bonitos, porque llevan siéndolo veintiséis años. Y aquí no hay cambios sustanciales, así que mejor centrarse en lo que hacen los demás en el disco, que suponen la novedad real. Por una parte están las canciones-de-toda-la-vida de Hope Sandoval, que ahora mismo calientan menos que los arrullos de su nieta musical, Marissa Nadler; y el resto del disco, que es lo que terminará recordándose: fraseos entresacados de un ritmo ambiental y casi psicodélico, inédito en su discografía. Además, brilla el soul comatoso del dúo con Kurt Vile, Let Me Get There, otra canción que llega a los siete minutos y medio. Pero el disco no se hace largo, sino que termina siendo el mejor que ha firmado Sandoval fuera de Mazzy Star. Por esas aportaciones y porque ha sabido dejarse aconsejar, fuera por sensatez o por vaguería.

—jorge obón

7

una época difícil en su vida, surgen discos como “Espejo”. Zpu vuelve con un álbum cargado de sentimientos, dolor y -ahí está lo bueno- esperanza como moraleja de su mensaje.

Aunque al principio cueste no compararle con Nach (a quien le une una gran amistad y, reconozcámoslo, muchas semejanzas estilísticas), según uno va avanzando en este “Espejo” se va convenciendo de la sinceridad y la transparencia de los textos de Zpu, de largo uno de los letristas más profundos y viscerales de la escena. Sirviéndose además de un buen elenco de productores, donde destaca su hermano Soma, y la única colaboración de Marwan, el barcelonés ha elegido para esta ocasión unas instrumentales que quizá no suenen tan pegadizas como en anteriores discos pero que gozan de una gran carga emocional. Sin duda la atmósfera que exigía un trabajo de estas características.

—alfonso gil

Jens Lekman

Surfer Blood

Life Will See You Now Secretly Canadian/ Popstock!

Snowdonia Joyful Noise

Foxygen siguen sinfónicos Foxygen

Hang Jagjaguwar/Everlasting

8 pop sinfónico / Foxygen son músicos de raza. La riqueza sonora que ofrece esta suerte de ópera-rock en ocho actos es impresionante, pero el álbum más epatante de los californianos no pasará a la historia como el más divertido. Esto no quiere decir que se trate de un disco tedioso ni mucho menos, pero sí disciplinado. El caos les sienta bien, y tras este salto de madurez sus joyas ya no parecen tan únicas e intransferibles. Y sin embargo estamos ante un discazo de pop sinfónico, grabado con orquesta y con algunos arreglos firmados por el gran Matthew E. White. Avalon -cuyo estribillo guiña el ojo a Abba sin disimuloes una ambiciosa composición cruzada por tarareos locuelos de la escuela Mothers Of Invention y hasta saxos clarenceclemmonescos. Mrs. Adams parece sacada del mejor repertorio setentero de Bowie, casi como un pastiche, pero demasiado brillante como para resistirse. Lo mejor del disco

#38 febrero 2017

junto a America, una especie de villancico tardío ampulosamente instrumentado, en el que puedes imaginarte a Rufus Wainwright cantando por todo lo alto en el Carnegie Hall con Zappa dirigiendo desde el foso. Y cuando empiezas a pensar que te están viniendo demasiados nombres (léase referencias) a la cabeza, te salen con una On Lankershim que remite a los Fleetwood Mac de Rumours. ¿Estamos ante un disco tributario? Quizá hayan perdido algo de singularidad, pero cuando escuchas cómo cantan Upon A Hill entiendes que Sam France y Jonathan Rado van a por todas. Arrojo, creatividad, ausencia de lastres… lo mismo que en Trauma, un épico preludio del final del álbum, que se cierra con Rise Up, evidenciando que no hay comparaciones que valgan. Ahora mismo Foxygen quizá sean más ellos mismos que nunca, sobre todo porque con este trabajo ejecutan un envidiable desmarque de tendencias. Mucho más entretenido de lo que pueda caber esperar, Hang es un amago de obra maestra en la que la palabra rock se queda estrecha. Una suite antológica firmada por la big band multicolor que en realidad siempre hubo en las mentes de France & Rado.

—nacho serrano

POP / Ya en su debut, allá por 2009 con el single Swim, Surfer Blood dejaron las cosas claras: lo suyo iba e irá siempre de power pop vitaminado que fija su mirada en los primeros años de la década pasada, bandas como Arlo y, sobre todo, a The Shins (ese tono de voz tan característico de John Paul Pitts calcado casi al de James Mercer). Algo que han demostrado en un puñado de discos llenos de guitarras vigorosas y melodías brillantes.

Snowdonia es más de lo mismo, claro está, pero es un trabajo que presenta algunas de las mejores canciones de la banda desde el fantástico Astro Coast. Y eso no es moco de pavo. Ahí están por ejemplo Matter Of Time, Frozen, o Dino Jay y Taking Care Of Eddy, dos hits soleados y rompesuelas.

Lo nuevo de los norteamericanos también acierta cuando se atreve con composiciones más complejas. Ahí está la que da nombre al disco, un tema de siete minutos de pop psicodélico que une de The Cars con The Apples In Stereo.

7

—xavi sánchez pons

rap / Cuando uno supera

pop / Cinco años sin un disco de estudio de Jens Lekman pueden parecer muchos.

Pero en realidad no lo son tanto, ya que, a lo largo de este tiempo, el músico sueco ha publicado un buen número de canciones a través de su web (chequeen en Souncloud los cuarenta y siete temas de Postcards). El caso es que ya tenemos aquí el nuevo álbum de Lekman tras el bellísimo pero amargo I Know What Love Isn’t (12). Y quizás como reacción a ese trabajo corta-venas, en este Life Will See You Now se muestra algo más luminoso y optimista, tanto en la forma como en el contenido. Cajas de ritmos, samples festivos, bases disco y una buena colección de hits bailables. A algunos fans seguro que les asusta, pero este giro le sienta muy bien a Lekman. Tres razones para creer: What’s That Perfume That You Wear? (con sample de Ralph MacDonald), How We Met, The Long Version (rompepistas a la Buddah Records) o To Know Your Mission y sus aires Motown. —xavi sánchez pons

8

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febrero 2017 #39

MONDOVINILOS

The Growlers

City Club Cult Records

Run the Jewels, todo tripas Run The Jewels Run The Jewels 3 RTJ INC.

8

raP / Richie Finestra, el protagonista de

Vinyl, decía tras la Epifanía con New York Dolls y los excesos con la cocaína que el futuro de la música estaba en “una idea nueva que no te la haga tragar a la fuerza una máquina, de modo que no sepas diferenciar los putos intestinos del artista y su música”. Run The Jewels son eso, todo tripas. El-P y Killer Mike han logrado en su tercera colaboración mostrarnos sus vísceras, escuchar lo que es la verdadera rabia contra la maquinaria que nos sodomiza. Tras atizar a Bush creían estar a salvo tras ocho años de administración Obama pero el mal nunca muere, se transforma y ahora se ven en la obligación quijotesca de intentar derrocar a Trump y sus secuaces. Musicalmente es su disco más rabioso, frenético y el mejor producido. La

Original New York Cast

Michael Chapman

musical / El musical Lazarus ocupó gran parte de los últimos meses de vida de Bowie, y forma parte de su mensaje de despedida, junto a Blackstar. Contiene un doble foco de interés. Por un lado, los diecinueve temas de la obra, en la que recupera su personaje del filme The Man Who Fell To Earth. De su catálogo histórico surge un repertorio con arreglos propios de musical, que además de los hits más conocidos, recupera temas no habituales como It’s No Game, Always Crashing In The Same Car o el reciente Love Is Lost. En algunos casos como The Man Who Sold The World, Absolute Beginners o Heroes la versión orquestal y teatralizada se distingue especialmente de las piezas originales. Pero la gran baza es la inclusión de tres nuevos temas, creados al tiempo de Blackstar, y que aquí tienen cabida tanto en su versión musical como en la propia voz de Bowie. Tres últimos testamentos que contienen multitud de referencias a su estado.

—robert aniento

#40 febrero 2017

8

rock / Llegar a los cincuen-

ta años de carrera no es fácil. Y Michael Robert Chapman ha conseguido mantenerse todo ese tiempo encima de los escenarios, además de manera más que digna. Por ello el título de su disco estaba cantado, pero en un movimiento tremendamente inteligente se ha rodeado de músicos más jóvenes como Steve Gunn y buena parte de su banda para facturar un trabajo espléndido. Un álbum en el que se complementan a la perfección la clase, la experiencia y el buen hacer de Chapman con los nuevos bríos que le da la banda haciéndonos olvidar que estamos oyendo el disco de un tipo de ochenta años. Un músico que es capaz de sacarse de la manga canciones apasionantes como Still Waiting On My Reward, Sometimes You Just Drive o ese The Prospector en el que afronta el tema de la muerte y cómo enfrentarse a su cercanía. Hablar de influencias en un artista de su edad tiene poco sentido, porque todo lo que hace es tremendamente personal. —eduardo izquierdo

en el disco que Hey Kids (Bumaye), en la que sacuden –con la colaboración de Danny Brown- de lo lindo a los yuppies como Steve Jobs o Bill Gates. Run The Jewels son el grupo de rap más necesario actualmente, sólo ellos son capaces de facturar una canción que combine The Twilight Zone, Hamlet y Martin Luther King y salir victoriosos. Y no nos olvidemos de bombazos como 2100 o Room, y de invitados especiales como Kamasi Washington o Zach De La Rocha. Incendiarios, políticamente incorrectos y abanderados de la calle. — marcos molinero

decirse aquello de “es el peor disco de Julian Casablancas”. Porque para empezar, en estos trece temas a The Growlers ni se les ve ni se les espera.

Cuesta creer que durante la grabación no hubiera ningún miembro del grupo que se plantase ante el despropósito, o al menos que pusiera cara de “¿pero qué cojones estamos haciendo?” para iniciar el motín. El nuevo sonido modern-funk no tiene el gancho como para arrastrarte hacia esta insustancial deriva estilística, y yendo a la miga de las canciones, se pueden reconocer atisbos decentes de inspiración en alguna transición instrumental, y hasta se pueden salvar de la quema Night Ride o World Unglued. Pero el songwriting es en general muy plano y sin lugar para la sorpresa o ni siquiera para el estribillo irresistible. Un disco abandonado a una energía tan poco atractiva que deberían ponerle una orden de alejamiento de los primeros fans de la banda.

VV. AA.

raP / Cuando Ab-Soul firmó en 2007 con Top Dawg Enternainment, nadie o muy pocos podían adivinar su potencial. Cuando formó Black Hippy, junto a sus amigos Jay Rock, Kendrick Lamar y Schoolboy Q,, todos del mismo sello, algunos ya empezaron a imaginar que tenían un diamante en bruto frente a sus narices. Como si fuera Sergio Ramos espera al último suspiro del año para brindarnos Do What Thou Wilt, su trabajo más inspirado, sincero y ambicioso. Quizás sea el MC más introspectivo de la actualidad. Sus letras giran en torno a sus diablos personales, ya sea su adicción a las drogas o sus conflictos religiosos y amorosos. El rapero siempre ha citado a Aleister Crowley como una influencia y es en este trabajo en la que más se nota la influencia del ocultista. El resultado es uno de los discos del año en el género. Sobre la bocina Ab-Soul entrega una obra necesaria para la concepción del hip hop actual. —marcos molinero

Jesca Hoop

New Gen XL/Popstock!

Do What Thou Wilt Top Dawg

9

pop / De City Club podría

—nacho serrano Ab-Soul

50 Paradise Of Bachelors/ Popstock!

Lazarus Sony

7

fiesta del debut queda lejos, y su RTJ2 fue una bomba de relojería con este tercer trabajo ponen banda sonora a la revolución.

Si Errejon e Iglesias fueran estadounidenses y cantaran rap habrían escrito un disco como Run The Jewels 3. La música rap ha de ser de la calle, tratar sobre los problemas de la calle y sobre todo hecha por gente de la calle. Nunca han de perder esa visión ni esa perspectiva. Cuando se logra una posición de poder has de seguir siendo el altavoz de la calle y de los más desfavorecidos.

Abren con Down, narrando sus inicios en la calle, sus días de trapicheos con las drogas, y marcan su objetivo de tocar y conquistar el Madison Square Garden en la dinámica Call Ticketron.

Pocos momentos más directos hay

4

urban / Titánica empresa la que se pretendía y afortunadamente conseguida: mostrar lo que se gesta en los bajos fondos de Londres. Acercarnos a los clubes casi clandestinos de Dalston es complicado, intentar capturar en un disco horas y horas de éxito en radios online como Radar Radio, la más excitante de la capital británica, es una ambiciosa, pero gran idea.

New Gen es un colectivo que ha pasado de llenar clubes noche tras noche a meterse en un estudio y parir un disco, un crisol de ideas musicales brillantes y exitosas. Una manera de llegar al futuro un par de pasos antes que el resto del planeta. UK garage, grime, 2step, trap, r&b y mil ideas recogidas de las calles, un trozo del Londres más excitante y real en un disco. Renz, Bonkaz, Avelino, Jevon o Dotty son nombres desconocidos que pronto estarán de boca de muchos que pretenden llegar al futuro cuando no se dan cuenta de que lo tuvieron a dos calles del pub en el que se tomaban una pinta. —marcos molinero

7

Memories Are Now Sub Pop/ Popstock!

POP / Igual que a Jolie Holland siempre se le ha tenido en muy alta consideración, a Jesca Hoop le ha costado más calar hondo, justo al contrario que su compañera que se metió a la crítica en el bolsillo a las primeras de cambio. El vínculo con Tom Waits le sirvió para colocarse en el mapa, si bien quizás eso haya sido al final más una losa que una ventaja. Desde que publicó The House That Jack Built, con los mismos aires barrocos que suele manejar Kate Bush, Hoop ha ido puliendo un discurso cada vez más personal.

Si el año pasado fue noticia por el disco que grabó junto a Sam Beam (Iron & Wine), este año merecería captar la atención por Memories Are Now. En él, vuelve a abrir el armario que usaba en sus inicios y echar mano de los avalorios que usaba entonces, dando como resultado canciones austeras y más rebuscadas que mantienen su perpetua obsesión por los detalles. Y a su lado, Blake Mills como productor, toda una garantía. —toni castarnado

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Neil Young

Frank Carter & The Rattlesnakes

Peace Trail Reprise/ Warner

rock / Fiel a su estilo,

Neil Young continúa confiando en una incontinencia creativa que le empuja a publicar nuevo material con envidiable periodicidad. La última obra del canadiense resulta algo irregular pero, al igual que sucede con muchas de sus entregas más recientes, incluye momentos de auténtica inspiración. Es parte del logro que supone el hecho de que el autor sea un género en sí mismo, apuntalando ese folk algo desértico y comprometido que ocasionalmente rasga con ramalazos de electricidad marca de la casa. Peace Train es un álbum tirando a austero, grabado únicamente con la compañía de bajo y batería y en donde la delicada voz del músico y su poesía reivindicativa se imponen como protagonistas destacados. Piezas incontestables como la que da título al álbum, John Oaks o Glass Accident valen su peso en oro, y de paso consiguen que las más prescindibles del lote no rechinen y acompañen dignamente.

—raúl julián

8

ROCK / El ex Gallows

Frank Carter se embarca en un nuevo viaje con Modern Ruin, segundo disco en el que está acompañado de su banda, The Rattlesnakes. Con Gallows llegó a publicar dos álbums y dos años después de su debut en solitario, Blossom (International Death Cult/Popstock!, 2015), Carter parece haber cambiado el rumbo de su sonido. Estamos ante un disco de doce temas, a cada cual más intenso que el anterior. Porque son la fuerza, la energía y el magnetismo de Carter lo que desprenden canciones como Acid Veins o Vampires, sin duda una de las grandes favoritas del disco gracias a sus inspirados cambios de ritmo.

Con un sonido mucho más sucio que el de su anterior trabajo, Carter todavía es capaz de sorprendernos con lo que hace.

Ahora bien, el británico también deja espacio para momentos más lentos como el inicio con guitarra y voz de Bluebelle o ese medio tiempo que es Neon Rust.

FOTO: CAMILO CHRISTEN

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La selección

Modern Ruin Popstock!

—ana lópez

Nick Cave & Warren Ellis

Orthodox

Supreme Utech Records

Mars Milan Records

Tradición rock americana Japandroids

METAL EXPERIMENTAL /Una única pieza que sobrepasa los treinta y cinco minutos de duración es lo que nos presentan Orthodox en su último trabajo.

Un ejercicio tan duro como denso para el que se han hecho acompañar del saxofonista griego, afincado en Málaga, Aquiles Polychronidis. Un trío que campa a sus anchas por la esencia del doom más lento y angustioso a la par que por campos cercanos al free jazz. Sin duda otro paso dentro de la carrera de una formación que nunca ha pecado de inmovilista, y, que, enmarcada en una coherencia sonora, ha hecho nuevamente disco todas sus apetencias. El poso de las horas de vuelo junto a Dead Neanderthals, dicho por ellos mismos, es una de las piedras de toque que justifican un tratado donde el contenido, complejo a la par que primitivo, es igual de importante que el registro crudo en el que se ubica.

Un disco duro de digerir que será tan del agrado de los seguidores de Utech Records como de los de Orthodox. —rojas arquelladas

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BANDA SONORA / En ocasiones resulta complicado (y puede que incluso absurdo) separar una banda sonora del archivo visual para la que fue creada, incluso aunque la autoría recaiga sobre nombres tan importantes como los de Nick Cave y su inseparable Warren Ellis. Ambos han sido los responsables de poner música a Mars -serie de ficción promovida por National Geographic-, y el resultado es una obra coherente con el contenido de la misma. Un trabajo instrumental (a excepción de entradilla y epílogo recitados con convicción por el propio Cave), que presenta trece piezas evocadoras pero sosegadas, espirituales pero impregnadas con el habitual toque inquietante de sus autores. Sin embargo, degustada fuera de su entorno natural, la referencia queda huérfana de un sentido que se antoja necesario para entender las intenciones de sus creadores. Una serie de composiciones prescindible fuera de ese ámbito original, y solo atractiva para los acérrimos del australiano. —raúl julián

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Near To The Wild Heart Of Life Anti/[PIAS]

8 ROCK / Cuando alguno de nosotros insiste

demasiado con un grupo da la impresión de que se trata de una fijación personal, más allá de valoraciones y juicios. Pero qué quieren que les diga. Hasta el momento, Japandroids no han errado todavía un tiro en su trayectoria, así que no voy a ser yo quien me baje de su carro antes de tiempo. Ahora llegan a su tercer largo y lo hacen dando un salto adelante en varios aspectos. El primero es su paso de Polyvinyl a Anti, lo cual posiblemente les dará mucha mayor visibilidad; el segundo es arriesgarse con una producción mucho más pulida y accesible. Y digo arriesgarse porque uno de los factores más característicos de King y Prowse en pasos previos era su sonido rasposo y su siempre controlada suciedad. Puliendo su propuesta podrían perder parte de su personalidad, pero no ha sido así. Más que nada porque las canciones suenan robustas y con una madurez que no les sienta nada mal. En otro caso podríamos echar de menos su viejo sonido, pero con temas como estos no es

necesario, la verdad. Digamos que, en la mayor parte del minutaje, King y Prowse prefieren dejar de sonar tan crudos como antaño (olvídense de sus momentos post-hardcore y de cualquier chispazo hard rockero) y, como ya hicieran Titus Andronicus antes que ellos, echar la vista hacia la tradición rock estadounidense. Nunca antes habían mirado con ojos más limpios hacia The Replacements o The Hold Steady. Lo demuestran sobre todo North East South West, True Love And A Free Life Of Free Will y In A Body Like A Grave. Nunca antes Japandroids habían sonado tan amables sin dejar de ser ellos mismos. Súmenle a eso, que King y Prowse se han permitido también el lujo de experimentar un poco con buenos resultados.

Véasen los casos de esa suerte de I’m Sorry (For Not Finding You Sooner) –cuyo riff remite al éxito pop de los ochenta Bette Davis Eyes de Kim Carnes- o el inicio de Arc Of Bar. Todo ello en ocho temas y menos de cuarenta minutos de duración.

Como debe ser.

—joan s. luna

febrero 2017 #41

42/Mondo Media libroS.

El periodista y Dj barcelonés Luis Costa se ha sumergido en una aventura compleja que ha dado excelentes resultados. Bacalao (Contra, 16) resume lo que fue la escena de la música de baile en Valencia desde 1980 hasta 1995. Para darle forma ha entrevistado a una larga lista de Dj’s, músicos, periodistas y programadores conformando una de las más interesantes historias orales que se hayan publicado en nuestro país.

“EN RELIDAD NO HAY UN SONIDO CONCRETO QUE DEFINA AQUELLA ESCENA”

Luis Costa: periodista, escritor y jefe de prensa de la sala Razzmatazzz de Barcelona

#42 febrero 2017

das para la época, y su pericia y técnica en las mezclas, muy por delante del resto. ¿Por qué lo escribes con “C”?

Porque el uso de la palabra en el entorno fiestero del momento, en su origen, era con ce. A mediados de los ochenta se decía espontánea y coloquialmente para referirse al buen rollo de una fiesta, al ligoteo, a la calidad de las drogas, de la música… Y en un momento dado se usó para definir la buena música de importación que llegaba a las tiendas de DJ. A principios de los años noventa, sobre el 92, hubo una perversión del uso de esta palabra por parte de los medios de comunicación que cubrieron el fenómeno, hablando de “Ruta del Bakalao”, cambiando la ce por la ka, con la intención de radicalizar esa escena. Todo ello se explica en libro por los propios protagonistas y le da todo el sentido.

La mayor parte de los templos de la música valenciana ya no existen. ¿Por qué crees que se llegó al extremo de que tuvieran incluso que desaparecer? ¿Fue tan grande la presión política y social que tuvieron que echar la toalla o aquello estaba muriendo por saturación?

Fue una mezcla de ambas cosas, pero una llevó a la otra. En el momento en el que aquello se masificó, primero llamó la atención de los medios y más adelante alertó a la policía, tras la edición de la revista de Tráfico en el verano de 1993 sobre la supuesta ruta de discotecas que unía Madrid con Valencia, y que cubrían muchos jóvenes en coche cada fin de semana. Ruta que no existía propiamente, si bien, acudía gente de todas partes de España en tropel cada fin de semana, pero

Viva la fiesta ¿

Cuál es el punto de partida de “Bacalao”? Me refiero a la chispa que te lleva a sumergirte en un proyecto de esta envergadura?

Siempre he sentido fascinación por este tema. Ya siendo un chaval, un buen amigo me habló de aquellas discotecas a las afueras de Valencia con nombres tan enigmáticos como Spook Factory o A.C.T.V y me había pasado sesiones de la época grabadas en casete. Yo estaba empezando a pinchar en algunos bares en los que me dejaban poner unos discos a primera hora, y aquellas cintas eran el santo grial de lo que yo quería hacer con dos platos. Eso siempre ha estado allí. Luego, con el tiempo, esta historia se ha ido cruzando en mi vida de una

u otra manera y ha ido cobrando cada vez más cuerpo en mi interés como periodista y en mi formación como DJ. ¿Cómo se define en el libro el sonido valenciano a través de la participación de los entrevistados?

En realidad, no hay un sonido en concreto que defina aquella escena. Lo del Sonido de Valencia apenas duró un par años, del 91 al 92, y responde al uso de unas máquinas muy concretas para hacer música, presentes en el trabajo de productores como Germán Bou o Megabeat, quienes presentaron algunos de sus doce pulgadas con una pegatina con la leyenda “Sonido de Valencia”. Yo diría que se trata más de unas preferencias musicales de los DJ muy avanza-

todo el asunto se concentraba allí en Valencia. Lo siguiente fueron los controles policiales a cada paso, en las proximidades de cada discoteca, que terminaron por disuadir a la gente de acudir a las discotecas. Esto acabó con el cierre inevitable y forzado de la gran mayoría de ellas. ¿Cuál fue el momento o el detonante del paso del pop y el postpunk a la electrónica en aquella ruta de discotecas y clubes? ¿Fue la onda expansiva del sonido belga y del EBM, incluso del gabber holandés?

Fue progresivo, y las guitarras nunca llegaron a dejar de sonar del todo. Pero es cierto que a finales de los ochenta dejó de entrar tanta guitarra entre las novedades de importación para los DJ. Muchos de los grupos o artistas dejaron de sacar música en ese momento. Esto coincide con la entrada de nuevos estilos y nueva música en las cubetas de las tiendas especializadas, y entra primero el new beat, luego la EBM, el eurobeat, el primer house y acid house… El gabber y el hardcore holandés y europeo entran más tarde, y de la copia bastarda local, surgirá lo que se conocerá como bakalao en Valencia y mákina en Cataluña. Pero digamos que todo esto viene con el cambio de la década de los ochenta a los noventa, progresivamente. —joan s. luna

r Más en www.mondosonoro.com

¡Bacalao! Historia oral de la música de baile en valencia, 1980-1985 Luis Costa Contra, 2016 368 págs.

19 €

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Darko Macan/ Igor Kordey ECC

El estadounidense Kaz es un verdadero autor de culto, además de ser responsable de Bob Esponja.

Ahora publica el tercer volumen de Submundo, que pasó a presentar por el festival mallorquín Cómic Nostrum.

7 Entretenida historia de ciencia ficción en la que se mezclan diversas épocas (la maya, azteca, los indios americanos y la edad media) creando una línea temporal en la que el protagonista, el príncipe Manco, se enfrente a la búsqueda de la fuente de la vida eterna para dársela a su madre.

Muertos vivientes y culturas extrañas desembocan en esta especie de road movie de espíritu steam punk. —eduard tuset

C

uando uno se llama Kazimieras G. Prapuolenis casi resulta obligatorio buscarse un buen alias. En el caso de nuestro de nuestro protagonista, ese alias fue Kaz, tres letras convertidas en una de las leyendas del cómic underground americano. En España, se hizo de rogar hasta que nació Autsaider Cómics y decidió hacer de Submundo uno de sus pilares. “Si no recuerdo mal, Ata (Lassalle) se puso en contacto conmigo, no sabía si era una especie de broma”, comenta él desde Mallorca, donde está participando en el festival Cómic Nostrum 2016. “Según íbamos hablando comprendí que era un apasionado de los cómic y que realmente le gustaba mi trabajo. Después de que saliera el primer libro ya sentía que éramos colegas. Después de conocerle en persona en mi vista a España, creo que le amo”.

Al parecer, el sentimiento es mutuo:

Gran Hotel Abismo 5

Un cómic que nos habla de los tiempos de crisis actuales a partir de varias historias aparentemente independientes, pero que confluyen en una idea final.

Buen trabajo visual por parte de David Rubín a la hora de reflejar cómo podría ser ese futuro tan próximo, pero que acaba siendo víctima de un guión algo justo.

Los personajes carecen de peso y el lector difícilmente se sumerge en la historia. Debería haber sido mucho más. —eduard tuset Bárbara

Osamu Tezuka ECC

8 Inspirada en una ópera fantástica de Jacques Offenbach, Bárbara es uno de los trabajos más extraños de la carrera de un Osamu Tezuka en tiempos de un gekiga que captaba toda la atención de público y crítica. De ahí que Tezuka muestre a sus personajes con mayor crudeza de lo habitual y reflexione tanto sobre el sexo como sobre las musas, la creatividad y la imaginación.

—Ernesto Bruno

LIBROS.

Marcos Prior/David Rubín Astiberri

Kaz Yonquilandia über alles

ILUSTRACIÓN: KAZ

Nosotros los muertos

COMIC.

COMICS

Autsaider ha publicado ya tres volúmenes de Submundo, además de Sidetrack City, otro buceo en un paisaje construido a base de drogas, yonquis y personajes demenciales. “Submundo está construido con pedazos de diferentes lugares que han formado parte de mi vida. Mi infancia, crecer en la pobreza en Hoboken, Nueva Jersey, a principios de los sesenta, devorando los dibujos de Popeye; mi adolescencia punk-rock a mediados y finales de los setenta pasando los días en el CBGB; el regreso a Hoboken en los ochenta tras acabar la Escuela de Artes Visuales y vivir una vida de artista bohemio en la que volvía a ser pobre de verdad, aunque nos divertíamos muchísimo el grupo de dibujantes. Y luego los años en Nueva York, ya como un artista con trabajo. Siempre he sido muy receptivo a las calles, muy sensible”.

Una sensibilidad que permanece viva todavía hoy en día, con Kaz viviendo

en Los Angeles y tras casi quince años trabajando como escritor y dibujante en la serie Bob Esponja. “Es una serie muy inteligente. Bueno, inteligente y tonta a la vez”, explica. “Lo que más me sorprende de todo esto, es que los ejecutivos de televisión tuvieran la inteligencia suficiente como para permitir que este proyecto fuera adelante. En cuanto a mi trabajo personal, como autor de cómics, nunca he tenido editores que me dijeran lo que debía de hacer o lo que no. Siempre he hecho lo que me ha apetecido”. Algo que no parece que vaya a cambiar. Bendito sea. —joan cabot

El tercer submundo Kaz Autsider Comics, 2016 288 págs.

25 €

Morrissey this charming man Ha tardado tres años, porque ni él mismo tenía interés alguno en que sus memorias fueran traducidas a otro idioma, pero ya está aquí la versión en castellano.

L

a colección Penguin Classics la editó hace tres ejercicios con el oropel propio de los clásicos de la literatura, categoría a la que él mismo prácticamente se adscribió. Y a ver quién era el guapo de negársela. Se dijo ya entonces, y la estupenda traducción de Rubén Martín Giráldez obliga a reincidir: el relato de su coming of age, su infancia y adolescencia como rito iniciático en la gris Manchester de los años sesenta y setenta, es -con diferencia- lo mejor del libro. En su más puro estilo, no escatima luego estopa hacia Tony Wilson, John Peel, Nick Kent, sus ex compañeros Mike Joyce y Andy Rourke, el juez John Weeks o Geoff Travis.

Ni el New Musical Express ni Sandie Shaw se libran del reparto de puyas, y el relato del agrio litigio legal con sus ex compañeros resulta farragoso y reiterativo. Pero el primer tramo del libro es brillante y evocador hasta decir basta, fiel reflejo literario

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de uno de los letristas más mordaces y genuinos que ha dado el pop británico en su historia. La evocación borrosa de una Inglaterra postvictoriana que se debate entre la decadencia del viejo imperio y el orgullo de una tradición arcana, y que él asume a través de un imaginario particular en el que se agolpan el swinging London, el free cinema, soap operas como Coronation Street y la sombra patriarcal de Lou Reed, Marc Bolan o David Bowie, es modélica. Sin la posterior generosidad en la dispensa de mandobles, no siempre despachada con la distinción que él mismo presume (ni mucho menos), no se entendería la idiosincrasia de Morrissey. Contradictoria y propensa al estruendo, aunque siempre se las apañe para superar al espectro de la autoparodia en la photo finish. Lástima que esa extrema diligencia en una prosa magnética no tuviera reflejo en el terreno de la ficción, porque List Of The Lost (Penguin, 15), su primera novela (aún no traducida al castellano), fue vapuleada con saña por la crítica de su país un par de años después. —carlos pérez de ziriza

Morrissey Autobiografía Penguin Classics, 13/Malpaso, 20 16 469 págs.

26 €

febrero 2017 #43

Bacardí <> Major Lazer RREl trío musical Major Lazer y Bacardí confirman una colaboración que se prolongará durante un año para lanzar The Sound of Rum, un estilo de sonido que rompe las fronteras entre el reggae, el dancehall, el soca, el hiphop y la música electrónica, y que rinde homenaje a Cuba.

El lanzamiento del próximo single, Run Up irá acompañado de unas fechas únicas.

Trainspotting 2 <> Preestreno MondoSonoro Trainspotting 2 reúne al director Danny Boyle con el casting original de 1996, veinte años después de la primera película, y John Hodge repite como guionista, en una adaptación de la novela de Irvine Welsh, Porno. Permanece atento a las redes de MondoSonoro, porque tendrás la oportunidad de asistir al preestreno de la película en Madrid y Barcelona, solo para nuestros lectores, el próximo 21 de febrero. “Choose your future. Choose Life”.

Son Estrella Galicia <> Son Tickets Desde el pasado 19 de enero, ya está disponible la nueva plataforma de SON Estrella Galicia, SON tickets, en la que el usuario, además de adquirir sus entradas para los conciertos y festivales SON Estrella, puede acceder a promociones y experiencias exclusivas: un disco firmado por su grupo favorito, acceso al backstage, M&Gs y mucho más. SON Tickets también busca convertirse en una plataforma suscriptora descubriendo artistas, ofreciendo preventas en exclusiva y acercando al usuario festivales y eventos que puedan interesarle. son.estrellagalicia.com/es/

#44 febrero 2017

Estrella Damm <> Getmad! Festival Formigues Festival <> Concurso De Bandas RR La Asociación Formigues de Benicàssim junto con Idearideas, organizadores de Formigues Festival, presentan un concurso de grupos musicales y solistas para los jóvenes entre 5 y 16 años. La fase de inscripción estará abierta del 6 al 20 de febrero en http:// formiguesfestival.com/ concurso-de-bandas/

GetMAD! Festival anuncia los primeros nombres del cartel: Kadavar, Horisont, Jim Jones and the Righteous Mind, Froth, Morgan Delt, Adrift, Tall Juan, The Baudelaires y Dyr Faser. El festival se celebrará los días 26 y 27 de mayo en cuatro conocidas salas de Madrid. Además, este año como novedad, y para mejorar la experiencia del público, el festival lanza tres tipos de abono por sala y estilo musical: abono Changó (que da acceso a los conciertos en esta sala), abono Malasaña (sala BUT, Maravillas y Taboó) y abono Estrella, con acceso a todas las salas. www.getmadfestival.es

El Langui <> “12 Meses” RR El actor y cantante “El Langui” levanta la voz contra el acoso escolar con un rap compuesto por él mismo y en el que insta a denunciar este tipo de violencia. El tema se llama “Se buscan valientes” y ha sido creado para la campaña “12 Meses” de mediaset España. El tema ya está disponible para su escucha en YouTube.

Spannabis <> Feria Del Cáñamo Llega una nueva edición de Spannabis, la mayor feria cannábica del mundo. Tendrá lugar los días 10, 11 y 12 de marzo en la feria de Cornellà de Barcelona. En el marco de Spannabis se celebrará la cuarta edición de la World Cannabis Conferences, que dedicará un espacio de debate a cannabis, sexo, música y contracultura.

Además, habrá una programación musical con Ravid Goldschmidt, Little Pepe, Zebrass, Olive Tree Dance y DJ Rambla. MS mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

KADAVAR FOTO: ARCHIVO

44/Mondo Conexiones

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febrero 2017 #45

RETROVISOR.

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Publicidad Catalunya: Cristina Benito cris@mondosonoro.com, T. 657 701 015 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com

REEDICIONES A To Z Beggars Banquet/Sentient Sonics/ Popstock!

1980

Colin Newman

Origen: Salisbury, Inglaterra. Nacido en 1954.

N

i Joy Division ni The Cure o Siouxsie & The Banshees. El grupo británico que recibía críticas superlativas allá por 1979 eran Wire. Hasta podría decirse que murieron de éxito, como rememora Colin Newman en una conversación vía Skype desde su domicilio en Londres. “Con 154 tuvimos una respuesta fantástica que nos hizo plantearnos cuál debía ser el siguiente paso.

A Bruce (Gilbert) siempre le ha puesto muy nervioso la idea de alcanzar el éxito, y creo que no le apetecía grabar ese cuarto disco de Wire por temor a que nos hiciéramos grandes. En el breve lapso de tiempo que va de verano de 1979 a enero de 1980 pasamos de ser la mejor banda de nuestra generación a literalmente dejar de existir”. Pero en la cabeza de Newman, voz, guitarra y principal compositor de la banda, no paraban de bullir las ideas, lo que le llevó a publicar una serie de discos bajo su propio nombre. Sentient Sonics, sello que ha creado ex profeso para la ocasión, reedita ahora en versión deluxe (vinilo y CD) sus tres primeros álbumes, los de la etapa Beggars Banquet/4AD. “A To Z (1980) iba a ser publicado independientemente de que hubiera otro disco de Wire, ese cuarto disco que nunca llegó a ver la luz. Provisionally Entitled The Singing Fish (1981) se publicó en un momento en que lo único que quería era hacer música y ponerla en la calle. Y con Not To (1982) volví a tener una banda y hasta llegamos a tocar algunos conciertos como grupo, pero en realidad es un disco en el que estaba experimentando cara a dar un giro a mi carrera y convertirme en productor”. De los tres, aquel que mejor conjuga el carácter experimental con los himnos avantpop es el primero. También es A To Z el disco que ha dejado las canciones más reconocibles firmadas por Newman en solitario, aunque en ocasiones eso se haya debido a causas exóge-

#46 febrero 2017

nas. “En Beggars querían que Not Me fuera el single del disco, pero a mí no me pareció una buena idea y elegí Inventory y B. Luego Ivo Watts-Russell montó This Mortal Coil y llamó a Modern English para hacer la versión y fue genial. Respecto a la inclusión de Alone en la banda sonora de El silencio de los corderos, esa fue otra historia... Jonathan Demme llegó a Beggars diciendo que tenía entre manos una película de bajo presupuesto, así que le cedieron el tema por una tarifa fija no demasiado alta, algo que estaba entre cien o quinientas libras, más o menos. Luego se llegó a publicar una banda sonora en LP y CD, pero no se incluyó el tema. Así que no, no es que me haya hecho precisamente millonario con ese tema. De hecho nunca he visto la película. Intento no ver cosas que me hagan sentir incómodo”.

En cierto modo la carrera de Colin Newman tomó pronto una deriva similar a la de Wire.

“En 1982 estaba completamente exhausto, me estaba volviendo loco dándole vueltas a mi relación con la música y la relación de la música con conseguir el dinero básico para sobrevivir”. Comenzó a partir de aquí otra etapa con nuevas motivaciones: producir a otras bandas, mover su residencia a Bruselas, el principio de su relación con la que aún hoy es su mujer, Malka Spiegel de Minimal Compact.

Y, al tiempo que Wire se reunían con nueva estética sonora, Newman publicaba Commercial Suicide (1986) y It Seems (1988). “Tengo demos y material como para plantear ediciones similares con esos discos también. Pero para ser sincero es algo que puede ocurrir o no, esa va a ser una decisión de Crammed”.

Mientras tanto Wire preparan un inminente nuevo álbum y las celebraciones del cuarenta aniversario de su primer concierto.

—luis j. menéndez

“Tener a Mike Thorne como productor me dio libertad para hacer lo que me vino en gana.

‘Quiero un solo de mandolina…’ y lo hacía. En esencia la creatividad es eso, no ponerse límites, y visto con perspectiva creo que el disco tiene grandes momentos”.

Provisionally Entitled The Singing Fish 4AD/Sentient Sonics/ Popstock! 1981

“Surgió en un momento en que estaba flipado con los documentales de naturaleza de la BBC y pensé en el disco como en una especie de portfolio para mostrar lo que podía hacer en ese sentido. Por desgracia nunca nadie me llamó para encargarme nada...”.

Not To 4AD/Sentient Sonics/ Popstock!

1982

Radical, veloz, técnico y extremo, el último trabajo del cuarteto no acepta medias tintas.

Hay que tener los oídos muy curtidos para sumergirse en el death metal con coartada sci-fi de los madrileños, solamente así uno descubrirá la potencia endiablada de una de las bandas más sólidas e internacionales del género. —l.j.m.

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