MondoSonoro diciembre 2017

Internacional

Lo Mejor Del Año 2017

Nº 256 Diciembre 2017 www.mondosonoro.com

C. TANGANA, LINDSTRØM, ZOLA JESUS, LOS ESPÍRITUS, DEATH FROM ABOVE, THE BLOODY BEETROOTS, KAIXO BERRI TXARRAK, COURTNEY BARNETT Y KURT VILE, THE HORRORS, LAS MEJORES PELÍCULAS Y CÓMICS Y LIBROS

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Agoraphobia - Aliment - Anni B Sweet - Bearoid - Bigott Biznaga - Bravo Fisher! - Cápsula - Disco Las Palmeras! - Fabián Fira Fem - Fuckaine - Guadalupe Plata - Joe La Reina - John Berkhout Karen Koltrane - La Bien Querida - La Plata - Le Parody Modelo de Respuesta Polar - Museless - Novedades Carminha NUNATAK - Pájaro Jack - POLOCK - THE Zephyr Bones - Trajano!

Trepàt - Triángulo de Amor Bizarro - WAS...

PERMANECED ATENTOS AL NÚMERO DE ENERO

5/Mondo freako

El madrileño Antón Álvarez está en la cresta de la ola. Tras casi una década sorprendiendo a propios y extraños (como Crema, como miembro de Agorazein, con LOVE’S, con su dueto con Rosalía...), por fin ha situado a C.Tangana (¿su marca?, ¿su personaje?, ¿su alter-ego?) en el lugar en el que quería. Desde que se publicara por sorpresa el pasado 5 de octubre, su disco Ídolo (Sony, 17) no ha bajado del número uno de álbumes en streaming de España.

FOTO: ARCHIVO

C

C. Tangana El camino del ídolo

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. Tangana está en todas las revistas; sus canciones suenan en las radios más comerciales, aparece incluso en televisión. Está, en fin, en lo más alto. Tanto es así que a veces le dan vértigos. Literales. De hecho, nuestra entrevista se retrasa porque ha tenido que ir al médico a realizarse unas pruebas.

—¿Cómo te encuentras?

Bien. Los vértigos me dieron justo después de la salida del disco. El médico me preguntó: “¿Has tenido algún episodio de estrés últimamente?”. Y claro, yo me despollé. Pues hombre, los últimos dos años han culminado hace apenas unas horas, así que sí puede ser que haya tenido una ligera agitación en el último período de mi vida (risas). Vértigos literales, hermano, ¡literales! Es una imagen muy poderosa. Cuanto más arriba estás…. lo decía una amiga mía, “mira el Tanganita, claro, está tan subido que le dan vértigos”. Fíjate como es la vida…

—Hace tres años, justo después de Alligators (2014), te planteabas dejar tu carrera… y sin embargo aquí estás ahora: publicando un disco con Sony y sonando en Los 40…

Siento que es una meta que quería cumplir. Ídolo es el disco que me apetecía sacar, lo que yo tenía en mente. Es un punto de inflexión. Me lo han preguntado en muchas entrevistas y creo que sí. Este es un lugar de llegada.

—Siempre has tenido claro, al menos desde la mixtape 10/15 (2015), que querías estar donde estás ahora… ¿Cómo se siente uno cuando consigue llevar a cabo su plan?

El objetivo final siempre ha estado claro, pero la estrategia no ha estado pensada paso a paso. Va habiendo pequeños objetivos que uno se va planteando. El inicio y el final se ven muy claros ahora, pero en el camino hay muchas turbulencias. Cosas que salen y cosas que no. Lo que pasa es que yo siempre he estado atento para intentar reconducir la situación. Esa parte de fondo no se ve. Pero bueno, estoy muy contento.

3

diciembre 2017 #5

FOTO: ELLIOT LEE HAZEL

MONDO FREAKO

LA MÍA Pasión azteca

D

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—Las primeras críticas que se publicaron de Ídolo fueron demoledoras… ¿A qué crees que se debe?

Bueno, ha habido muchas críticas malas y muchas buenas también. A mí me parecen validas todas, soy muy demócrata en ese sentido. Creo que la suma de todas las opiniones es lo que genera la opinión definitiva. Pero luego es verdad que en España parece que si algo está funcionando significa que huele y hay que tumbarlo. Desde un punto de vista personal me da igual, tengo muchas cosas que hacer y esto no me afecta. Pero si me importa desde un punto de vista profesional. Yo me tengo que enterar de todo lo que se dice sobre mí para modular el discurso público que quiero manejar. Hay cosas que leí que me parecieron más interesantes que otras. Hay gente que critíca que las letras giren en torno a un tema de manera obsesiva, pero para mí es algo fundamental en este disco. Todos los temas son diferentes perspectivas sobre una misma cosa: la parte oscura de convertirse en ídolo. Yo entiendo que tú no quieras escuchar un disco así, pero es que ese es precisamente el disco que yo quería hacer. Por lo tanto discrepamos ya desde el propio planteamiento.

Sin embargo, todo el mundo sin excepción ha alabado la producción y eso me enorgullece porque el disco lo hemos producido Alizzz y yo. Hemos trabajado juntos.

Aunque nadie lo haya reconocido como mérito mío.

Otra cosa que se ha dicho es que he perdido lo artístico para poder llegar a Los 40. Y en esto hay una regla que no falla: la gente que lo dice es la gente que en su puta vida ha hablado de mí. Es la que llega ahora. Y es cómo… vamos a ver… nunca te has interesado por mí porque antes no estabas puesto en el tema y que de repente salgo a la luz ¡me echas en cara que tenía que seguir como antes! Pero cabrón, ¡si sigo como antes tú no te enteras de que estoy aquí! (risas).

—Hay que reconocer que tú eres el primero que desde hace años te has definido como un artista de pop…

Creo que a estas alturas ya se puede descubrir la tostada… (sonríe). Eso es un discurso que he utilizado para llegar al sitio en el que estoy. Por un lado para despistar a la gente, que es una cosa que a mí me gusta mucho. Y por otro para que se me acoja en unos círculos en los que el rap, al ser más minoritario, no entraría.

Básicamente es un discurso para conseguir cosas. Pero también es verdad que yo pienso que la música urbana es la nueva música popular. En todo el mundo. Rihanna es una estrella de pop y hace temas de dancehall. O #6 diciembre 2017

“Todo lo que hago es ” una gran performance Drake, que es un tío super vendedor y hace R&B y rap.

Lo que yo no quiero es que la gente me encasille: “haces rap, haces reggaetón...”.

—Hablas de rap, R&B, dancehall, reggaetón.… pero evitas por completo la palabra trap, ¿tienes la sensación de que se ha convertido ya en algo necesariamente negativo?

Yo lo que vi es que, en un momento dado, el discurso generalista estaba comenzando a utilizar la palabra trap de forma habitual. Y al lado ponían palabras como “ninis”, YouTube… cosas como cutres… se estaba empezando a generar una idea del termino que a mí no me interesaba, así que dije, “eh, eh, a ver”. Me van a meter en este saco sí o sí porque todo el mundo me sigue metiendo… y hasta cierto punto me parece razonable. El trap ha trascendido lo que podía ser en un principio; una música marginal que tiene contenido lírico sobre delincuencia. [...] Ahora bien, hay un sonido de moda en todo el mundo que los latinos por ejemplo llaman trap… a mí me da igual. Pero en España en concreto creo que había que hacer un ejercicio para que se viera la riqueza musical que teníamos. Quería dar un golpe en la mesa para que no me encasillaran ahí. Los medios de comunicación tienen un poder muy grande y si un suplemento cultural de un periódico importante dice que el trap es lo que hacen los ninis en Internet… ninis e Internet es algo de lo que me tengo que desvincular por completo.

—Últimamente te escucho hablar más bien de “música urbana”, que, en realidad, quizás sea un término más apropiado…

Sí, yo creo que lo entiende todo el mundo, y además nos da pie a crecer. Lo que se considera trap pasará de moda y la gente dejará de hablar de trap. Da igual si es dentro de un año o dos o cinco. Sin embargo la música urbana engloba muchos más géneros, es más precioso para definir lo que se está haciendo en España. Uno que mezcla el autotune con el flamenco como Dellafuente, que es un gran amigo mío, o Bad Gyal que hace un dancehall así como futurista o yo que puedo hacerme temas de rap más estrictos o R&B. O Mikel Delacalle que hace R&B de puta madre, tradicional. O Bejo que hace un rap clásico. Yo prefiero hablar de música urbana, me parece más preciso. —tomás crespo

r Más en www.mondosonoro.com

esde hace unos años México se ha convertido en una especie de El Dorado para los grupos españoles. Esa tierra soñada en la que dejar huella, adquirir cierta relevancia y a ser posible no palmar demasiado dinero debido a los gastos de desplazamiento. No es de extrañar que sea así. Solo su capital, Ciudad de México, es una inabarcable urbe con una floreciente clase media muy inquieta y realmente apasionada. Jóvenes a los que les interesa lo que sucede más allá de sus fronteras y que han crecido con una triple influencia externa. La más evidente es la más próxima, y desde hace años las bandas estadounidenses hacen parada en el país para tocar ante grandes audiencias.

Después tenemos lo que sucede en el resto de Latinoamérica, pero muy especialmente la actividad musical de Argentina y en menor medida Chile. No hay más que ver el descomunal éxito de grupos como Los Fabulosos Cadillacs, y en una escala más indie Javiera Mena, para atestiguarlo. Por último no hay que olvidar la influencia europea, pero muy especialmente lo que sucede en nuestro país. Por eso bandas de todos los estilos han probado las mieles del público mexicano. De Nacho Vegas y León Benavente

a Vetusta Morla, Love Of Lesbian, El Columpio Asesino o Berri Txarrak. Todo esto viene a cuento porque hace tan solo unos días que he regresado de Ciudad de México donde he podido disfrutar de un espectacular concierto del grupo argentino Los Auténticos Decadentes, en un recinto lleno con capacidad para setenta mil almas. En el viaje iba acompañado por Adrià y Rubén de La Pegatina porque habían sido invitados a participar en uno de los temas en directo de la banda. ¿Y qué puedo decir? Ha sido una experiencia francamente alucinante. Como director de la revista y aficionado, he tenido la ocasión de asistir a muchos directos, pero pocas veces he notado tanto la energía, el entusiasmo y las ganas de disfrutar, sin coartadas de ningún tipo, de una música simple, efectiva y festiva tan contagiosa.

Un espectáculo con una grandilocuencia y un aforo que en nuestro país tan solo está reservado a grandes grupos de la órbita anglosajona como U2, Muse o Coldplay. No me extraña que el staff de La Pegatina se haya puesto, tras girar por medio mundo, México como una de sus principales prioridades en el futuro. Las 70.000 personas ponen el listón muy alto, pero soñar siempre ha sido gratuito y quién sabe, a veces hasta se cumplen. —sergi marquès

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NIÑOS MUTANTES + VIVA SUECIA +26VANESSA ZAMORA SEPTIEMBRE SALA EL SOL MADRID

NO CHILDREN + JOE ORSON +11 ROSEMARY DJ OCTUBRE

SALA INDICO ROCK MALLORCA

EL IMPERIO DEL PERRO

LEÓN BENAVENTE

THEATRO CLUB MÁLAGA

LA COCHERA CABARET MÁLAGA

24 NOVIEMBRE

WAS + DELOREAN

SHINOVA + CORREOS

SALA BNS SANTANDER

LA COLMENA MUSICAL ARANDA DE DUERO

24 NOVIEMBRE

DELOREAN + WAS

ANA CURRA

25 NOVIEMBRE

SALA ROCK CITY ALMÀSSERA VALENCIA

LA HABITACIÓN ROJA

31 OCTUBRE

DJ AMABLE

10 NOVIEMBRE

SALA BUNKER A CORUÑA

DELAFÉ

SALA HANGAR BURGOS

25 NOVIEMBRE

SALA MAMBO CASTELLÓN

NEW DAY

25 NOVIEMBRE

SALA SAMSARA CUENCA

10 NOVIEMBRE

SALA JAPAN REUS

ZENET

SMILE

ESPACIO VÍAS LEÓN

10 NOVIEMBRE

SALA IMAGINE CÓRDOBA

SUPERCROMA

16 NOVIEMBRE

SALA MATARILE BURGOS

VIVA SUECIA + JOE LA REINA + HAVOC 17 NOVIEMBRE

KAFE ANTZOKIA BILBAO

RAYDEN

23 NOVIEMBRE

SALA MANOLITA LLEIDA

5 DICIEMBRE

30 NOVIEMBRE

RUFUS T. FIREFLY + AMARO FERREIRO 1 DICIEMBRE

CLUB ISLAND VIGO

VIRGINIA MAESTRO + ISMA ROMERO 1 DICIEMBRE

SALA SATELITE T BILBAO

15 DICIEMBRE

VIVA SUECIA + JOE LA REINA

15 DICIEMBRE

SALA SIR LAURENS OVIEDO

LOS PUNSETES + TRAJANO!

15 DICIEMBRE

SALA CUSTOM SEVILLA

KUVE

16 DICIEMBRE

SALA ELECTROPURA VALENCIA

JAIME BUENAVENTURA 22 DICIEMBRE

SALA JAMBOREE BARCELONA

SIDONIE

23 DICIEMBRE

SALA TEXOLA ELDA

RUFUS T. FIREFLY + KILL ANISTON 28 DICIEMBRE

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FOTO: lin stensrud

Lindstrøm El camino correcto

ión “A veces, una sola cancdo es la clave para que to un disco funcione” Cinco discos ya y, aunque hayan pasado cinco años desde el anterior, el noruego vuelve a demostrar con It’s Alright Between Us As It Is (Smalltown Supersound/Music As Usual, 17) que el género disco tiene todavía mucho que decir si se opera en la dirección correcta.

E

s probable que el New Yorker se apresurara al elevarle a la categoría de “rey del disco” cuando se cita un estilo con tamaña tradición a sus espaldas. No obstante, sería injusto negar que Hans-Peter Lindstrøm ha sido uno de los escasos productores capaces de actualizar un sonido tan determinado a los códigos estéticos del nuevo siglo. Tomamos It’s Alright Between Us As it Is como pretexto para hablar con él sobre su nueva aventura, su faceta como productor de otros artistas o su colaboración con la cara de moda del pop avantgarde, Jenny Hval.

—Tras darle varias escuchas a It’s Alright Between Us As It Is me atrevería a decir que estamos ante tu trabajo más expresivo y personal hasta la fecha. ¿Cómo definirías este disco?

Mi idea inicial era publicar un EP, pero a medida que lo iba produciendo me dí cuenta de que había más canciones de las que entraban en el formato, por lo que decidí que finalmente sería un largo. No estaba en mi cabeza sacar un álbum en un tiempo, sino más bien tirar por singles o epés. Siempre he visto el concepto del álbum como una forma de arte y un formato que en realidad me va bien, y que me brinda más libertad para contar una historia.

—¿Hay algún concepto principal detrás de estas canciones?

Mi objetivo era hacer un álbum en el que hubiese un equilibrio entre temas instrumentales y cantados. Aunque no estoy muy seguro de si esto es realmente un concepto… He encajado un montón de ideas y grabaciones que había ido guardando desde que publiqué mi anterior trabajo, hace ya cinco años.

—¿Cuáles han sido tus referencias principales en los últimos años?

Cosas de música clásica como Ravel, Debussy, Purcell o Grieg. De jazz-fusión como Herbie Hancock, Charles Mingus y

Bill Evans. También, películas de Kubrick, Bergman, Bresson, Truffaut… Nuestra nueva casa de verano en los fiordos y la naturaleza: las nubes, los árboles, el agua…

—En este trabajo se intuye una clara apuesta por la música de baile. ¿Estaba entre tus propósitos tirar por el clubbing o ha sido producto del azar y la improvisación?

It’s Alright Between Us As It Is

Smalltown Supersound/Music As Usual Electrónica 7/10

Yo creo que es un disco más para escuchar que para bailar, aunque por supuesto haya en él varios temas club-friendly que podrán pinchar los Dj’ más aventurados (risas). De hecho yo ya he pinchado algunos en mis sets de este último año.

—Una de las cosas que más sorprenden al leer la información acerca de este lanzamiento es la colaboración de tu coterránea Jenny Hval.

La conocí a través de su último álbum, el año pasado, y me volví fan de la noche a la mañana. Las canciones de su último disco son puro éxtasis. Su sonido es el presente.

Jenny grabó un montón de voces increíbles para uno de mis temas, y estaba muy ilusionado con el hecho de poder usarlas en mi disco. Siendo honesto, creo que sin el corte en el que ella colabora, Bungl (Like A Ghost), el álbum se habría desmoronado. A veces, una sola canción es la clave para que todo un disco funcione.

—daniel mesa

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Los. CONCIERTOS. de mi Vida.

Miguel Rosón (Melange)

Viento bravo (Beyond & Beyond Records, 17) es el nuevo trabajo de Melange, y lo estarán presentando en Madrid (Joy Eslava, 25 enero 2018), dentro del ciclo SON Estrella Galicia. Aprovechamos para hablar con uno de sus miembros, Miguel Rosón.

El primer concierto al que fui Mis padres me llevaron muy pronto de conciertos y ya de muy pequeño pude ver a algunas bandas locales en Asturias. Pero uno de los primeros conciertos que recuerdo fue uno de Franco Battiato que fue alucinante.

El último concierto al que he ido The Prodigy en el Bime. Creo que estaba en primaria cuando pillé el maxi de “Breath”. Los graves retumbaban como si el tocata estuviese roto. El otro día los graves explotaban como si la P.A. estuviese destrozada (risas).

Todo un espectáculo.

El mejor concierto que he visto He tenido la suerte de ver algunos conciertos increíbles. A Pat Metheny, a los Ramones un par de veces, a Bowie, a Prince... Pero, de todos los conciertos en los que he estado, me quedo con el de Miles Davis en la plaza de toros de Gijón. Es algo que nunca olvidaré.

El peor concierto al que he asistido Ese concierto debió de ser tan malo que lo he olvidado… MS

Los directos de SON Estrella Galicia 1 diciembre Alexis Taylor (Hot Chip) + Psicochandy Dj set / Salón Noble El Liceo de Ourense Tachenko / Super 8, Ferrol 2 diciembre Freedonia / Sala Capitol, Santiago de Compostela Tachenko / Radar Estudios, Vigo

6-9 diciembre Purple Weekend / León 14 diciembre The Horrors + Mueran Humanos / Sala But, Madrid Dani Nel·lo y Los Saxofonistas Salvajes / Garufa Club, A Coruña

15 diciembre Dani Nel·lo y Los Saxofonistas Salvajes / La Iguana Club, Vigo 16 diciembre Nordic Giants (981 Heritage) / Sala Taboo, Madrid 22 diciembre Julián Maeso (Fin de gira) / Playa Club, A Coruña

diciembre 2017 #9

Zola Jesus Emociones oscuras

Tras su breve paso por Mute Records, Zola Jesus regresa con un disco, Okovi (Sacred Bones/Popstock!, 17), marcado por la muerte, la depresión y el retorno a su Wisconsin natal junto a su familia. El resultado es una obra que emociona y la sube un peldaño más arriba.

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

E

n 2014, Nika Roza Danilova, más conocida como Zola Jesus, fichaba por Mute Records, lo que muchos interpretaron como el salto a las grandes masas y la conversión en artista global. El resultado de esta unión profesional fue Taiga, un álbum con el que la cantante buscaba alcanzar el número 1 y cuyo tema principal era la libertad. Tres años después, de su paso por Mute solo queda: “una experiencia de aprendizaje realmente interesante y positiva”. De ahí que este

TAN. LEJOS TAN cerca

RR Franz Ferdinand presentarán su nuevo disco, Always Ascending, en el Vida Festival. La quinta edición del festival de la costa catalana –que se celebrará del 28 de junio al 1 de julio en el recinto de la Masía d’en Cabanyes de Vilanova i la Geltrú- les suma a su primer confirmado, Nick Mulvey.

mueve la música en directo, ha completado su fusión con 5gig, conocida en España como Nvivo, tras adquirir la compañía en 2016, e inicia su actividad en dieciocho nuevos países. Wegow permite a los usuarios registrados recibir notificaciones para estar al día de todos los conciertos y festivales, recomendaciones y disponibilidad de entradas, además de interactuar con gente con los mismos gustos musicales.

RR La banda Els Catarres anuncia su retorno a los escenarios para presentar nuevo disco. Será el 6 de abril del próximo año y su actuación formará parte del ciclo de conciertos Cruïlla Primavera, organizado por los responsables del festival veraniego Cruïlla.

FOTO: FEDERICO ROTSTEIN

Los Espíritus Clasicismo

La banda más buscada de la escena underground de Buenos Aires ha pasado por nuestro país. El motivo ha sido presentar su último trabajo, Agua ardiente (LE, 17). Para descubrir más detalles charlamos con las dos personas que ponen voz al grupo: Maxi Prietto y Santiago Moraes. #10 diciembre 2017

RR Wegow, la startup española que pro-

E

RR La quinta edición del barcelonés Rock Fest, que se celebrará del 5 al 7 de julio en el Parc de Can Zam de Santa Coloma de Gramenet, ha confirmado ya a

n los últimos años habéis crecido mucho en Latinoamérica y también en Europa. ¿Qué creéis que es lo que ha cambiado?

No tenemos ni idea, la verdad. Cada vez viene más gente a vernos y a nosotros también nos gustaría saber que ha pasado.

—En el año 2013 os nombraron ‘Mejor Banda Revelación’ en Argentina. ¿Qué supuso este título en vuestra carrera?

Supuso mucho, porque antes de ese reconocimiento nos movíamos en circuitos más pequeños y, después de eso, empezó a venir más gente a vernos. Lo notamos mucho. Es muy importante en Argentina.

—Agua Ardiente está editado en la era de la música digital pero hecho para escucharse de principio a fin. ¿Cuánto valor le dais al concepto tradicional de álbum?

Le damos todo el valor, es la forma en la que nos gusta escuchar música a nosotros porque crecimos con eso. Podemos escuchar una canción sola, pero después de haber oído el álbum completo.

—Vuestra canción La Rueda reflexiona sobre el trabajo y el consumismo descontro-

lado en el que vivimos. ¿A dónde se dirige nuestro mundo?

La letra alerta sobre cosas que son obvias.

Los que controlan la economía en un país normalmente dicen: “hagamos mierda esta montaña” y no ven a la naturaleza como algo que cuidar, como algo que lo sostiene todo; mientras esa gente busque el petróleo, el oro y todo lo que da la tierra no van a parar. Por otro lado, nuestro planeta ya está diciendo basta y los fenómenos meteorológicos se ven por todos lados. Esperamos que el mundo tome conciencia pero es muy complicado porque viene del poder, que está ligado a las corporaciones y a tener cada vez más plata. El hombre no toma conciencia hasta que no está en un peligro real y cercano, y en el fondo es normal, me pasa incluso con mi propia vida.

—sergio galeano

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año volviera a Sacred Bones, el sello que la vio nacer y con el que ha “vuelto a sentir la solidaridad propia de una comunidad en la que todos se ayudan mutuamente”. Este regreso a los orígenes ha traído consigo uno de los mejores trabajos de su carrera, Okovi, un álbum cuyo origen y concepción ha estado marcado, desgraciadamente, por la tragedia. “Alguien muy cercano intentó suicidarse dos veces en cuestión de semanas, y otra persona también muy ligada a mí fue diagnosticada de un cáncer terminal”. Todo esto en un periodo en el que la propia cantante luchaba por salir de una depresión. La situación la llevó a tomar finalmente la decisión de hacer las maletas, volver a su Wisconsin natal y asentarse en una cabaña aislada en el bosque junto a su familia. “Volver a vivir cerca de mi familia me ayudó mucho, en especial para conectar conmigo misma y obligarme a concentrarme en mi salud”, cuenta Danilova. Todos estos cambios vividos en los últimos tiempos y sus contactos directos con la muerte son

dos cabezas de cartel: Ozzy Osbourne y Kiss. Ambos se suman a los artistas anunciados previamente, a saber: Judas Priest, Helloween, Iced Earth, Dimmu Bogir, Ross the Boss y Tygers of Pan Tang.

RR El Ebroclub tendrá lugar los días

RR La tercera edición de Interestelar Sevilla ya tiene uno de sus cabezas de cartel. Lori Meyers será una de las bandas que esté el 18 y 19 de mayo en el verde recinto del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Se unen, por tanto, a La Casa Azul, Elefantes, Arizona Baby , All La Glory y Tu otra bonita, anunciados previamente.

RR El festival Fuzzville! vuelve del 19 al 22 de abril con un cambio de recinto (Magic Robin Hood en Benidorm) y sus primeras confirmaciones de grupos incluyen a New Bomb Turks, Downtown Boys, The Fuzillis, The Cavemen, Sex Museum, Nuevo Catecismo Católico, Los Chicos, Terrier, Aullido Atómico o Depressing Claim.

23 y 24 de marzo en Miranda de Ebro (Burgos), y contará de momento con The James Hunter Six, primeros confirmados. También estarán los referenciales Los Imposibles y The Phantom Keys.

RR El Resurrection Fest (12 al 14 de julio en Viveiro) da un giro al rock clási-

co con sus cabezas de cartel, Kiss y Scorpions, y presenta su mejores bazas en el escenario de metal extremo. El tercer cabeza de cartel es Stone Sour, aunque también podremos ver a Ministry, At The Gates, Overkill, Alestorm, Exodus, Suffocation, Leprous, Saint Vitus, God Is An Astronaut, Anti-Flag y Cancer Bats, Stick To Your Guns y un largo etcétera.

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Okovi

Sacred Bones/ Popstock!, Pop 9/10

los temas principales del disco, pero no los únicos. En el álbum también está presente la desesperada lucha de Danilova con el legado. “Una parte de mí quiere morir completamente olvidada, vivir como si ya estuviera muerta.

Pero otra parte quiere dejar algo en el camino, clavar una estaca en el suelo y erigir un monolito en honor a mi existencia. Lucho entre estos dos impulsos y no estoy segura de cuál es más digno”, confiesa.

Vivir tan de cerca experiencias trágicas le ha ayudado a recordar “que puedo usar mi música como un medio para entender y superar las dificultades que soy incapaz de comprender por mi

Estrons

cuenta”. Al contrario que anteriores trabajos, las letras de Okovi carecen de reflexiones abstractas y van directamente al grano, a sangre fría. Danilova tiene muy claro que “las palabras son muy poderosas. Para mí es importante que cuando cante esté diciendo algo, no unas simples frases vacías”. Esta intención queda plasmada hasta en el título. “Okovi” significa “grilletes” en casi todos los idiomas eslavos, y su elección no ha sido al azar. “Quería enfatizar en la idea de que todos nacemos en contra de nuestra voluntad y forzados a encontrar el camino a través de esta vida”, aclara. Una visión pesimista de la vida que confirma con su demoledora respuesta al preguntarle por cuál cree que es su camino: “mi destino está más ligado al fracaso que al éxito”.

—guillermo chaparro terleira

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FUTURIBLES

Procedencia: Cardiff (Reino Unido) Escucha canciones como: Strobe Lights, Make A Man o Glasgow Kisses Para seguidores de: The Amazons, The Kills, Yeah Yeah Yeahs

U

na nueva apuesta del Reino Unido por el rock de guitarras rabiosas, de estribillos pegadizos obra de su vocalista femenina, Taliesyn Källström. Actuarán el próximo 2 de diciembre en la sala Razzmatazz de Barcelona, dentro de sus conciertos de aniversario.

—Han pasado dos años desde Make A Man, vuestro primer tema. ¿Ha dado para mucho este tiempo?

Oh, Make A Man no fue nuestro primer tema, pero sí fue definitivamente el primero que escribimos en la que queríamos parecer interesantes y al mismo tiempo continuar divirtiéndonos. Dos años después vemos esa canción como algo nostálgico porque fue un gran paso adelante hacia el lugar en el que estamos ahora.

—Estrons es un cuarteto de Cardiff, una ciudad que nos ha dado a bandas como Young Marble Giants, Catatonia o Los Campesinos! ¿Qué tal anda la escena ahora mismo?¿Continúa habiendo mucho metal y mucho hardcore?¿Es una ciudad más dura que otras de vuestro entorno?

No seguimos nada el hardcore. Hay grandes bandas como Future Of The Left o Threatman-

tics que continúan sonando poderosas, pero te diría que hay una escena prominente en Gales con mucha música interesante, aunque no quiero decirte solamente en Gales. Girar alrededor del Reino Unido nos ha descubierto que hay grandes e increíbles bandas.

—Hay gente que dice que no vivimos buenos tiempos para las guitarras duras, pero no dejan de salir grupos que apuestan por las guitarras y por la energía. ¿Creéis que el rock volverá a la primera plana de la música de nuevo?

Las guitarras siguen aquí. Si miras el cartel de los grandes festivales verás que la música de guitarras continúa muy arriba.

Es uno de los pocos géneros que incluye un fuerte peso de los directos tanto a pequeña como a gran escala en todas las islas británicas, así que debo decir que estoy en total desacuerdo con la gente que dice que son malos tiempos para las guitarras.

—¿Y qué hay sobre un álbum?¿Está en vuestros planes o preferís continuar con los singles y los epés?

Ahora mismo estamos listos para un álbum. Es definitivamente el momento de compartir esto.

—enrique gijón

diciembre 2017 #11

FOTO: ARCHIVO

Expandir el vocabulario, más que cambiar drásticamente.

Esa es la filosofía con la que Jesse F. Keeler y Sebastian Grainger han vuelto a la carretera tres años después de su celebrado regreso con The Physical World (2014).

Lo hacen con Outrage Is Now! (Last Gang/[PIAS], 17).

K

eeler y Grainger volvieron con The Physical World después de una década de silencio desde You’re A Woman, I’m A Machine (2004). Quizás nadie esperaba su retorno porque, casi obedeciendo al paradigma punk, Death From Above 1979 habían vivido rápido y muerto jóvenes. Demasiado jóvenes.

Por eso había que resucitar a la criatura, devolver a la acción a aquel rompedor combo de bajo y batería (y algún teclado de vez en cuando). Tres años después de aquella decisión, Granger y Keeler demuestran que iban en serio con Outrage Is Now!, un nuevo trabajo producido por el ecléctico pero siempre contundente Eric Valentine (Queens Of The Stone Age, Good Charlotte, Smash Mouth, Slash…). “Antes de contar con él para nuestro disco tuvimos un par de citas con otros productores, para ver si conectaban con nosotros”, comenta Grainger respecto al productor elegido.

“Pero cuando hablamos con Eric todo encajó desde el principio. Escuchó las demos, les gustaron y decidimos trabajar con él. Como bien dices, su catálogo es tremendamente ecléctico, y eso nos intimidaba un poco porque no sabíamos por dónde querría tirar.

Nuestra banda no se parece demasiado a ninguno de los grupos con los que ha trabajado, por eso no sabíamos dónde encajaríamos. Pero Eric es un tío muy adaptable a cualquier situación, lo demostró desde el principio. Poder pasar de Smash Mouth a Queens Of The Stone Age lo demuestra. Es un ingeniero muy bueno, pero tampoco es de los que hablan con terminología técnica. Es muy natural, y consiguió que sintiéramos que el proceso de grabación era un trabajo de tres, no de dos más uno”.

El proceso creativo del dúo canadiense arrancó en la granja-estudio de Jesse, que está a dos horas en coche desde Toronto, en un paraje idílico. Quizá demasiado idílico. “Después de varios meses haciendo jams y sacando ideas la cosa se empezó a ralentizar”, confiesa el baterista. “Al estar viviendo allí, el proceso se relajó demasiado y se volvió muy lento. Yo vivo en Los Angeles y, aunque soy de Canadá, me he acostumbrado mucho a la vida en la gran ciudad. En la granja de Jesse estábamos en medio de la nada, aisladísimos. Teníamos que coger el coche y conducir vein-

Death From Above Versos sueltos

#12 diciembre 2017

“Nosotros vamos a lo nuestro”

CRÍTICA Outrage Is Now!

Last Gang Records Rock 9/10

Los muchachos de Death From Above 1979 cometieron el error (o la machada, si es que aún se puede decir) de dejarlo cuando estaban marcando tendencia, pero en 2013 se reencontraron con la sensación de tener trabajo por hacer, y volvieron al candelero con un disco

(The Physical World, 2014) cuyo buen recibimiento ha derivado en este segundo capítulo de su nueva vida. Volviendo al legado que dejaron como Death From Above 1979, este nuevo álbum se abre con un tema llamado Nomad que firmarían Wolfmother de buenísima gana, pero ahí está la inconfundible huella de Keeler y Grainger para olvidarse de comparaciones absurdas y sumergirnos en un viaje de potencia deshidratada, compacta y bailable. Especialidad absoluta del productor elegido, el mismo Eric Valentine que manejó los mandos de la grabación de Songs For The Deaf de QOTSA. Un jodido cañón.

—nacho serrano

te minutos sólo para comprar el pan. La granja de Jesse es un lugar fantástico, muy bonito y romántico, con una naturaleza maravillosa, pero después de varios meses se hace muy solitario.

Como compositor, me he dado cuenta de que se me hace difícil escribir así.

Para hacer rock’n’roll necesito otro tipo de estímulos. El rock’n’roll es música urbana, de ciudad, hay una energía en él que viene de la gente. La granja de Jesse no tiene eso. Por eso, cuando volví a Los Ángeles fue cuando realmente avancé en la composición de los temas”.

De voz pausada y tranquila, Grainger suena totalmente verosímil cuando asegura que tras la disolución del grupo, no prestó la menor atención al legado que había dejado. “Nunca lo percibí.

Creo que no empecé a darme cuenta de eso hasta que volvimos a juntarnos.

En ese momento pude leer cosas sobre nosotros, cosa que no había hecho nunca antes porque, ya sabes, si lo dejamos era porque había cosas de las que nos hartamos, y lo que más me apetecía era pensar en otros proyectos. Pero con el tiempo Jesse y yo nos dimos cuenta de que Death From Above es en realidad el grupo de nuestra vida, es nuestra banda. Y la gente llegó a amarla, algo dificilísimo de conseguir en este oficio.

Lo que más nos agrada es que ese amor se mantuviera durante años, en un entorno digital en el que tienes tantos estímulos que es facilísimo olvidarte de los grupos que están parados. Ese logro nos hace muy felices y da sentido al regreso”.

Ese regreso, además, se ha producido sin aspavientos, sin burdas e innecesarias actualizaciones de sonido.

Así que la gran mayoría de sus fans (no faltan los cenizos que dicen que ahora son una copia de sí mismos) están como unas castañuelas: sus Death From Above son los de siempre. “Necesitamos sentirnos libres, sin la menor regla externa impuesta por géneros o tendencias. No sé, creo que cualquier grupo te dirá lo mismo, ¿no? Nosotros nos sentiríamos muy raros formando parte de una escena. De hecho estoy intentando pensar en bandas con las que nos sintamos relacionados, y no se me ocurre ninguna… Nosotros vamos a lo nuestro”.

—nacho serrano

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EN CONCIERTO l Madrid 19 de febrero. La Riviera l Barcelona 20 de febrero. Sala Apolo

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PUBLIRREPORTAJE

Levi’s Music Project, el proyecto ® musical de Levi’s y Rosalía ®

D

esde hace años, Levi’s Strauss & Co. ha estado presente en los cambios y necesidades de la cultura popular, ya sea colaborando con distintos artistas para apoyar a la comunidad LGBTQ en la lucha por sus derechos civiles, como ayudando a construir estaciones de reparación de bicicletas con el fin de hacer frente a la contaminación medioambiental. Por supuesto, en esta vinculación con la cultura y la sociedad, Levi´s® nunca se ha alejado de la música. Todo lo contrario. La marca de vaqueros más emblemática del mundo ha acompañado a artistas que han sido y son protagonistas de la historia reciente. ¿Quién no recuerda la mítica portada del “Born In The Usa” de Springsteen o la tomada por el propio Andy Warhol para el álbum de los Stones “Sticky Fingers”? Imágenes como esas forman parte ya del imaginario pop de varias generaciones y en todas ellas Levi’s® estaba presente, haciendo de la marca un símbolo de expresión de personalidad ligado a artistas como Debbie Harry, Ramones o Snoop Dogg.

Esta vinculación con la música ha ido acompañada por una necesidad de la marca por convertirse en el altavoz de todos los cambios que iban emergiendo en la cultura urbana. Por ello, para su nuevo proyecto Levi’s® ha decidido contar con Rosalía. La joven artista barcelonesa se ha convertido por méritos propios en uno de los talentos con más proyección de la escena nacional con tan solo 23 años. Si bien es cierto que lleva más de una década encima de los escenarios, ha sido con el lanzamiento hace apenas unos meses de su álbum “Los Ángeles” con el que ha logrado alcanzar una repercusión que le ha llevado a colgar el cartel de “no hay entradas” en el mítico Teatro Lara de Madrid o lograr una nominación en los recién celebrados Grammys latinos. Un éxito que ha compartido con su compañero de fatigas Raül Refree, pieza clave en la concepción de esta ópera prima. Aunque más allá de las portadas en medios especializados o su repercusión, el gran mérito de Rosalía ha sido el de publicar un disco de flamenco trascenmondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

dente en un mundo tan fugaz como el que vivimos, logrando así transmitir la pasión y la sensibilidad de un género tan arraigado en las raíces a un público joven y contemporáneo.

Y es que una de las mayores virtudes de la artista catalana es la de saber leer los tiempos que corren sin olvidar la esencia, como bien muestra su ya popular colaboración con el rapero C. Tangana para el tema “Antes de morirme”.

Y precisamente esta virtud de defender los orígenes sin perder de vista lo que está ocurriendo a nivel urbano es lo que ha unido a la artista flamenca con Levi’s® para traer por primera vez a España Levi’s® Music Project. Esta iniciativa nacida en 2016, y que ya ha pasado por países como Reino Unido, Alemania y Francia, llega a nuestro país para impulsar e inspirar a las futuras generaciones de artistas a través de un curso impartido en la Jam Session Music School de Barcelona en colaboración con la Asociación Xamfrà, organización del barrio del Raval que ayuda a personas en situación de vulnerabilidad y exclusión social a través de la música y las artes escénicas.

En concreto, esta primera edición de Levi’s® Music Project, que comenzó el pasado mes de septiembre, pretende dar una educación musical a 10 jóvenes a través de clases semanales y masterclass impartidas por expertos del sector, entre los que se encuentra Rosalía. Además, los medios online y las redes sociales jugarán un papel clave en este proyecto, ya que mediante el uso del hashtag #SupportMusic servirán para dar visibilidad al proyecto y viralizar el apoyo a estas comunidades. Todo lo aprendido en el curso se pondrá en práctica con un concierto en la mítica Sala Apolo de Barcelona en mayo de 2018, poniendo así el broche final a una primera edición de Levi’s® Music Project que marcará, sin duda, un antes y un después en la vida de estas futuras generaciones de artistas.

Sigue el proyecto en levi.com/supportmusic diciembre 2017 #13

FOTO: ARCHIVO

WALA. WALA.

“Mi hermana tenía sus discos y me enamoré de Tears For Fears. Ese melancólico sentido de la melodía recoge un momento específico de mi vida, cuando tienes trece años y tu voz está cambiando” Dave Grohl de Foo Fighters, en Mojo

“Mi primer contrato discográfico lo obtuve en el punto álgido del grunge, y cuando el sello escuchó el disco que les entregué me dijeron: ‘¿Qué es esta mierda?’. Yo también estaba fuera de onda, fuera de época” Chuck Prophet, en Muzikalia

ún “Nunca hablo de ning otro género que no sea este: la música”

“El último libro que leí fue probablemente en el instituto, y fue “The Outsiders” (de S. E. Hinton, “Rebeldes”). Es el único libro que he leído entero” Vince Staples, en Q

“El secretismo de los norcoreanos no es nada comparado con el de los propios Laibach. Pillar a un miembro del grupo que no esté en guardia es más difícil que entrevistar al monstruo del lago Ness” Morten Traavik, director de Laibach Liberation Day

“No doy mensajes, No me meto en política, lo que pienso como persona es que cada uno tiene que ser como es, sin intentar imitar a nadie. Me da miedo cuando me teñí el pelo y vi que, luego, muchas niñas LO hacían” Bad Gyal, en Enderrock

#14 diciembre 2017

The Bloody Beetroots El ruido y la furia Han pasado ya diez años desde que Sir Bob Cornelius Rifo fundase The Bloody Beetroots, un proyecto que dirige en solitario y que ahora publica The Great Electronic Swindle (Last Gang/[PIAS], 17), un disco plagado de colaboraciones pop y sobre todo rock.

M

e gusta The Great Electronic Swindle, pero más los temas electrónicos más rockeros que los que tienden al pop. De todos modos, creo que la mezcla es la razón de ser del disco. ¿Me equivoco?

Creo en la música inclasificable, porque la música debería ser por principios una expresión libre de barreras. The Great Electronic Swindle representa la libertad artística total y cuenta la historia de mi vida de los últimos cuatro años, explorando distintos géneros y lenguajes musicales a través de un mínimo común denominador: la electrónica.

—Diría que es la primera vez en la que tus dos caras están tan diferenciadas: la electrónica rockera por un lado y el pop electrónico por el otro....

En realidad el proyecto The Bloody Beetroots tiene muchas caras y estas no tienen por qué estar necesariamente atadas a un género, sobre todo porque como te he dicho antes no creo en la música clasificada, es algo que te limita como artista.

He hecho este disco para que se mantenga fuera de las estanterías y se pueda degustar a lo largo del tiempo como un vaso de buen vino.

—He escrito muchas veces que los discos plagados de invitados especiales suelen perder su personalidad, pero me alegro de ver que has sido capaz de dar mucha coherencia al conjunto más allá de que sea más rock aquí o más pop allá...

Estoy totalmente de acuerdo con lo que dices, pero insisto una vez más en que nunca hablo de ningún otro género que no sea ese al que The Bloody Beetroots pertenece, es decir: la música. Para mí, hacer un disco así es sencillo, sobre todo porque soy una persona que vive lo que dice. No hay trampas sino solamente cosas verdaderas y honestidad artística.

Diría que nunca te he preguntado, en entrevistas anteriores, cuál fue el disco que te llevó del rock a la electrónica y que te hizo pensar por primera vez en crear The Bloody Beetroots...

Pues te lo diré ahora. Fue The Fat Of The Land de The Prodigy.

—Y voy con las dos últimas. La primera es saber qué papel juega o jugará de ahora en adelante SBCR, el alias con el que has publicado varios singles y epés...

El proyecto SBCR fue algo funcional y complementario a The Bloody Beetroots, y me dio la oportunidad de explorar una nueva escena electrónica con rapidez y que me sirvió para hacerme ver mejor lo que quería hacer de cara al futuro. Y estoy encantado de poder decirte que SBCR fue el preámbulo que ha llevado a que haya vuelto como The Bloody Beetroots. En este momento todas mis energías están depositadas en The Bloody Beetroots.

—En cuanto al directo. ¿Volveremos a ver algo tan rotundo como Death Crew 1977?

En el nuevo directo de The Bloody Beetroots hay mucho de DC77, verlo para creerlo. —joan s. luna

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Berri Txarrak El reino de la energía

Tras un disco triple para celebrar el 20 aniversario de la banda, Berri Txarrak vuelven con Infrasoinuak (Only In Dreams, 17), un disco directo cargado de buenas melodías e interesantes reflexiones en euskera acerca de los tiempos que nos está tocando vivir.

escuchamos, aunque estamos rodeados de ellos. El mundo nos envía señales de alarma constantemente, pero parece que no nos interese prestar atención.

También es una reflexión sobre el rock o la cultura en general. Hoy los referentes son más ligados a la imagen o el éxito deportivo o económico y parece que la cultura fuera un infrasonido, algo que está ahí pero a lo que nadie presta atención. Por otra parte, “infra” implica estar por debajo y por tanto tener que pelear para ser escuchado o tenido en cuenta.

—luis benavides

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“Cuando el batería de Black Flag te dice que quiere grabarte, tienes que hacerlo

FOTO: ARCHIVO

L

os de Lekumberri han vuelto, y lo hacen con un disco, el noveno, en el que cargan contra el racismo que esconde la crisis de los refugiados (Zuri) y alertan sobre la corrupción política (Spoiler), pero en una clave más positiva también reivindican la magia de las canciones (Katedral Bat) y rinden homenaje al activismo de salas y asociaciones culturales como Kafe Antzoki, Bonberenea y Akelarre (Beude).

Hablamos con Gorka Urbizu, su cantante, guitarra y fundador, sobre este disco de pegada punk rock y corazón pop.

—Con Bill Stevenson (Descendents, All, Black Flag) ya grabásteis uno de los discos del triple Denbora da poligrafo bakarra. Últimamente, cada disco llevaba el sello de un productor diferente, pero ahora repetís…

Hemos repetido productor, pero hemos cambiado por completo la forma de grabar. La anterior grabación se dio en un contexto muy concreto: era la tercera y última parte de un proyecto. Tras grabar un epé más oscuro y denso con Ross Robinson y otro más pop con Ricky Falkner, teníamos claro que el de Bill tenía que ser el contrapunto fresco, directo, con canciones cortas y sin demasiada producción, por lo que forzamos a Bill a grabarlo todos juntos y en pocos días, justo lo contrario a lo que él acostumbra.

—¿Y cómo ha sido en este disco?

Esta vez lo hemos hecho a su manera, que es mucho más perfeccionista y meticulosa. Hay una bonita historia detrás de este disco. Hace exactamente un año fuimos invitados por Descendents a girar con ellos en Brasil, Argentina y Chile.

Bill pudo vernos tocar todas las noches y al parece le gustó nuestra energía. El último día de gira, en los camerinos de La Cúpula de Santiago de Chile, nos pilló por banda y nos confesó que en la actualidad está centrado en girar más que en producir. Nos dijo que ahora solo produce tres o cuatro discos al año y que trata de elegir únicamente los que realmente le gustan, y que estaría encantado de producir nuestro siguiente disco.

Nosotros habíamos comenzado a escribir temas y aún no teníamos claro con quién grabar, así que fue él mismo quien nos hizo decidirnos. Cuando el batería de Black Flag te dice que quiere grabarte, tienes que hacerlo.

—Girar con Stevenson y sus Descendents debe ser una pasada...

Hemos hecho ya un par de giras con ellos: la de Sudamérica en 2016 y este año en septiembre, justo después de la gra-

Jaio.Musika.Hil (Gor, 05), fue un disco que también atrajo a un tipo de oyente que hasta entonces no nos había hecho caso, pasamos a ser trío, grabamos con Karlos Osinaga de Lisabö y lo mezclamos con Ed Rose (The Get Up Kids). Le siguió una gira de tres años por todo el mundo, filmamos un documental... Todo eso hizo que creciera la expectativa y más cuando se filtró que lo grabaríamos con Steve Albini. Recuerdo entonces encerrarnos en el sótano y empezar a tocar sucio, intentar desconectar el cerebro y darle prioridad a las tripas. Puede que haya algo de eso en este disco.

—¿Infrasonidos? ¿Por qué este título?

Los infrasonidos son aquellos que no

bación, volvimos a tocar con ellos (y The Menzingers) en Canadá y Estados Unidos. Es un lujo poder verles cada noche, la buena forma que mantienen y sobre todo la cantidad de temas buenos que tienen bajo la manga. Auténticos perros viejos. Fue una gozada grabar y hablar con él de música y todas sus historias con Black Flag, All, Lemonheads... Decía que sonamos a una mezcla entre Hüsker Dü y Torche (risas).

—Infrasoinuak suena muy real, pues parece que tienes a la banda tocando en tu cara, y no faltan las melodías entre melancólicas y gloriosas marca de la casa. Supongo que cuando os ponéis a componer tenéis una idea de conjunto, de concepto…

Suena a tópico, pero es el instinto lo que nos guía, no somos un grupo de decidir con antelación nada que tenga que ver con el estilo. Recuerdo cuando sacamos

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CRÍTICA Infrasoinuak

Only In Dreams Rock 9/10

Valor seguro Uno no puede destacar todos los detalles que se encuentra durante la primera escucha de Infrasoinuak. Es sencillamente imposible. Joder, ni siquiera en la segunda o en la tercera escucha. Los riffs, coros y melodías que te gustaría

destacar se acumulan. Contundente, furioso y melódico casi a partes iguales: así es el nuevo trabajo del trío navarro.

Tras la publicación de un álbum triple, con un abanico de sonidos amplísimo en el que celebraban sus veinte años de trayectoria, la banda de rock en euskera más grande de la historia tenía un problema: ¿Y ahora qué?. A lo mejor el problema solamente estaba en la cabeza de plumillas y fans. A lo mejor, Gorka, David y Galder simplemente se encerraron en el local y fueron al grano. Punk, metal y pop siguen ahí, como hasta ahora, a partes iguales.

Eso y mucho más, claro. Los amantes de los Berri metaleros saldrán satisfechos, los amantes de los Berri punk también, pero, sin duda, los que saben apreciar las melodías de Gorka Urbizu son los que más van a disfrutar. —xabi doncel

diciembre 2017 #15

“

Protomartyr

“Hay mucho ruido ahí fuera” Protomartyr, con Joe Casey al frente, ejerciendo de filósofo rock en tiempos oscuros, han publicado Relatives In Descent (Domino/ Music As Usual, 17), un disco en el que se plantea el miedo a no poder comprender la realidad en momentos de manipulación flagrante.

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”

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PROTOMARTYR FOTO: ARCHIVO

l tercer álbum de Protomartyr es un magma sonoro oscuro sobre el que encaja una narrativa que devuelve imágenes del mundo escogidas casi al azar, contemporáneas pero no coyunturales. Se añaden alucinaciones y sueños, porque la ensoñación sonora es necesaria cuando no se puede soportar más la realidad. Están interesados en hacerse entender defendiendo su trabajo con respeto hacia ellos y hacia el público, y Joe Casey responde con humildad, como cuando se plantea que hay un grupo alicantino como Futuro Terror que los cita entre sus influencias. “Lo siento por ellos, pero es muy halagador. Me gustaría escucharlos para saber qué es lo que han sacado, pero sobre todo les deseo lo mejor”.

El cambio al sello Domino ha marcado el abandono de sus trabajos diurnos para dedicar el tiempo necesario a la banda. Todo, en la mejor tradición de Detroit, al servicio de un mensaje que cuestiona los valores tan cómodos sobre los que vamos calzados. “Hemos dicho muchas cosas sobre la situación en Detroit, sobre la vida y mis experiencias. Sigue así ahora, porque todo se ha puesto muy raro en el último año, pero se necesita una escapatoria. Te voy a dar ejemplos.

Salió mucha música de Detroit en los sesenta, y la más poderosa era alegre y sanadora. ¡Era la

Motown! Es normal que a veces quieras apagar el mundo para vivir un momento de belleza en una canción”. ¿Y qué es lo que expresa Casey? “Había que empezar con A Private Understanding, que refleja lo jodido que está el mundo, y la idea de que la verdad está muy corrompida. Hay mucho ruido ahí fuera, por eso están las trompetas en la letra. La segunda es más o menos lo mismo, pero enfocado a Detroit, por lo que esas dos canciones tenían que ir juntas.

Las siguientes dos tratan sobre conexiones familiares y, cómo mucha de la verdad en la que creemos, viene de la familia. Hay familias que apoyan una idea que se hereda, y a veces transmitimos cosas horribles a nuestros hijos, y hacemos que el mundo sea un lugar terrible. La cuarta se redirige hacia cómo interpretamos ciertas cosas cuando se quedan en la memoria, y luego nos quejamos sobre algo que realmente no fue así. Las últimas de la cara A van más sobre el ruido y la deformación de las características humanas básicas. La cara B empieza con Don’t Go To Anacita, que habla de un lugar en el que las cosas son el perfecto ejemplo de algo luminoso, y sin embargo está corrupto y nos empobrece. Las tres siguientes tienen que ver con alucinaciones. Corpses In Regalia es un sueño que tuve, es un enfrentamiento a unas imágenes terribles. Puede que vea demasiado las noticias y que me afecte demasiado lo que está pasando, sintiéndome impotente para hacer nada. La última canción enlaza con el principio del disco. Se cuentan tres historias en las que ella se da cuenta de que hay mucha oscuridad en el mundo pero trata de alcanzar una salida, sea la que sea, que tampoco sé cómo es, pero por muy jodidas que estén las cosas, hay una esperanza sobre el futuro, hay un disfrute básico”. —jorge obón

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diciembre 2017 #17

lo mejor de 2017 2

3

The National

Arca

4AD/Popstock!

XL/Popstock!

POP / De esos discos que funciona como un todo. Abstenerse los que busquen satisfacciones inmediatas o trucos. Matt Berninger, que firma letras y melodías con su esposa Carin Besser, se enfrenta con madura serenidad y certeras pinceladas de suave sarcasmo y humor negro a los dilemas de la mediana edad. —josé carlos peña

ELECTRÓNICA / Una emocionante obra maestra no apta para todos los públicos. No es un disco que el mundo necesitase, sino el que el venezolano estaba obligado a grabar. Un equilibrio entre oscuridad y luz, entre tristeza y melancolíao, tendiendo un puente invisible pero solidísimo, entre la Björk más libre y la Anohni más lírica. —joan s. luna

4

5

LCD Soundsystem

Lorde

Sony Music

Universal

POST-PUNK / El riesgo de meter la pata tras una trilogía de matrícula estaba ahí, pero el neoyorquino ha tenido cabeza suficiente para tomar el mejor de los caminos posibles y dotar a su nuevo disco de una personalidad capaz de diferenciarlo de sus obras previas. Así que Murphy ha optado por dejar fluir su cara más post-punk. —joan s. luna

POP / El sonido de Lorde se ha expandido como nunca y esta ocasión le sirve para demostrar nuevamente no sólo su talento, sino para adentrarse en otros terrenos como el de las baladas capaces de erizar los pelos a todo aquel que no tiene horchata en las venas, o incluso lanzarse sin fisuras a la pista de baile.

Sleep Well Beast

Maldita sea L

o cierto es que el rapero estadounidense Kendrick Lamar lleva ya varios años dando muchísimo que hablar y sus discos le han convertido en una de las más grandes estrellas de la actualidad, uno de esos extraños casos en los que repercusión y apoyo de la crítica van de la mano. No hace falta más que revisar nuestras listas de rap internacional: Good Kid M.A.A.D. City fue Mejor Disco Rap del Año 2012; To Pimp A Butterfly, Mejor Disco Rap del Año 2015 (y segundo Mejor Disco del Año) y, por fin, DAMN. se corona disco más importante de 2017 para nuestra revista. Justicia o lo que ustedes prefieran. Pero ojo, que su triunfo no nos impida ver todo lo bueno y suculento que viene detrás, porque nadie puede negar que tanto The National como Arca y LCD Soundsystem se han sacado de la manga discos fascinantes y que aportan ciertas novedades a sus fórmulas. Porque, aunque no lo parezca, cuarenta discos dan para mucho. Y eso que se nos quedan fuera unos cuantos. En todo caso, busquen sus favoritos, discutan, compartan, pero sobre todo disfruten.

1 Kendrick Lamar DAMN.

Interscope/Universal RAp / Lamar nos plantea un retablo que hay que mirar con calma, primero desde la distancia y luego con detalle, una especie del jardín de las delicias del rap. Su sonido ha mutado, electro, trap, old school rap, GFunk... también su voz se ha transformado. Por otro lado, Dios y la religión revolotean a lo largo y ancho del álbum. —marcos molinero

American Dream

Arca

Melodrama

—sergio del amo

6

7

8

9

10

St. Vincent

Cigarettes After Sex

Sampha

John Maus

Vince Staples

Loma Vista/Music As Usual

Partisan Records/[PIAS]

Young Turks/Popstock!

Ribbon Music/Music As Usual

Def Jam/Universal

POP / Su disco más personal hasta la fecha, un álbum pop centrado en resaltar el crecimiento y sus ganas de ascender hasta lo más alto sin olvidar su esencia. Se le podría acusar de intentar generar un disco con la única intención de captar a las masas para convertirse así en una reina del pop al uso. Sin embargo, es mucho más que eso. —alex jerez

POP / Tras el éxito cosechado en temas como Nothing’s Gonna Hurt You Baby o Affection, el trío capitaneado por Greg Gonzalez pone toda la carne en el asador con este trabajo homónimo, afianzándose así como una de las grandes revelaciones del pop minimalista de guitarras deudor de bandas como Red House Painters o Cocteau Twins. —manuel novo

r’n’b / Tras haber sido Integrante de SBTRKT y colaborado con los adorados Kanye West, Solange y Drake, ¿qué más podría desear Sampha?

Con no hacerlo mal, bastaría. Sin embargo, no se ha conformado y ha compuesto Process. Un álbum en el que la producción electrónica se torna tan rica como cuidada.

POP / No hay excesivas novedades para quien haya seguido sus pasos desde la publicación de Songs hace un década: fugas de aire barroco, música de videojuego, bandas sonoras para películas de serie Z, todo ello envuelto en un primitivo acabado techno-pop y coronado con el amenazante vozarrón de crooner de Maus.

RAp / Si Kendrick es la versión actual de KRS One, Vince es la versión 2.0 de 2Pac. Un álbum brillante, de esencia electrónica en lo musical, conciso y breve pero repleto de proteínas; una colección de canciones que van ganando con las escuchas y donde impera el menos es más musical tan típico de Vince.

—manuel jubera

—luis j. menéndez

—marcos molinero

Masseduction

Cigarettes After Sex

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Process

Screen Memories

Big Fish Theory

diciembre 2017 #19

LOS MEJORES DISCOS INTERNA

11

12

13

14

15

Hurray For The Riff Raff

The xx

Ibeyi

Zola Jesus

The War On Drugs

ATO Records

XL/Popstock!

XL/Popstock!

Sacred Bones/Popstock!

Atlantic/Warner

FOLK ROCK / La tremenda personalidad de su vocalista se ha ido desplegando con fuerza para sacar ese orgullo feminista y latino en una sociedad estadounidense donde cabe sacar las uñas con fiereza para que te respeten. Un álbum de gran variedad estilística que se mueve por derroteros más roqueros que en anteriores trabajos. —don disturbios

POP / El trío amplía su paleta sonora en su disco más instantáneo y con un potencial comercial que aumenta mientras el minimalismo marca de la casa se ha dulcificado en pro de una mayor preponderancia de los sonidos electrónicos.

Jamie ha arrastrado a la banda hacia un sonido más bailable y menos introvertido. —sergio del amo

ROCK / A diferencia de su puesta de largo, Ash es un trabajo mucho más luminoso, accesible sonoramente y temáticamente mucho más alegre. Clasificarlas sigue siendo todo un reto porque aúnan pop, soul, jazz, electrónica y hasta retazos de la cultura yoruba casi sin pestañear.

ROCK / El primero de los cuatro discos de The War On Drugs que no supone un descomunal salto adelante para el grupo. Al contrario, parece que Granduciel -que una vez más produce y toca de todo- ha encontrado definitivamente el sonido que buscaba y el salto al mainstream apenas se hace notar.

—sergio del amo

POP / Sumergirse en el nuevo trabajo de Zola Jesus no es una experiencia placentera. Un álbum menos rítmico y más íntimo que su predecesor, cargado de enigmas oscuros y sentimientos de dolor, tristeza, miedo y, en menor medida, amor y consuelo. Un sinfín de recursos estilísticos para hacerse un traje a la medida de sus capacidades vocales. —tomás crespo

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23

24

25

Jlin

Amenra

Father John Misty

Princess Nokia

Residente

Planet Mu/Popstock!

Neurot Recordings

Bella Union/[PIAS]

Rough Trade/Popstock!

Sony Music

ELECTRÓNICA / Su música es tan personal como inclasificable. Si ya en su debut demostraba una virtuosidad fuera de lo común a la hora de tejer bases abstractas, pero construidas en todo momento sobre una lógica casi algebraica, en su nueva puesta de largo lo vuelve a hacer echando esta vez mano de percusiones y ritmos étnicos. —daniel mesa

POst-metal / Amenra vuelven a su paleta sludge de gran simplicidad rítmica y ejecución lenta, que refleja una nueva sensibilidad en la que se aborda el horror de la soledad, la enfermedad y la muerte desde la perspectiva de quien no tiene nada que perder. Uno de los ejercicios más catárticos jamás dados en la historia del post-metal. —fernando acero

POP / La ironía, bendita y cáustica ironía que se gasta quien una vez fuera batería de Fleet Foxes, vuelve a revelarse como un arma de seducción masiva para enhebrar un tapiz sonoro y conceptual en torno a la política, el amor, la religión o las drogas. Un disco que, como muchas obras magnas, es todo un estado de ánimo. —carlos pérez de ziriza

RAP / Destiny Frasqueri ha conseguido con una sola mixtape -de producción regulera, pero cargada de hits- hacerse necesaria en el rap actual. Esencia New York, hooks de peso, fraseos que miran tanto a la vieja escuela como a Migos y, sobre todo, un discurso inapelable. Una respuesta frontal y orgullosa al sistema. —dario garcía coto

MESTIZAJE / Un disco con una fuerte presencia de la electrónica, pero sobre todo del ritmo más tribal que crea un esqueleto sobre el que construir su forma de decir las cosas. Un trabajo en el que el crossover y las guitarras se cuelan por casi todos los poros para alcanzar lo que podríamos calificar de arenga rock superlativa. —don disturbios

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BICEP

Haim

Ho99o9

Propagandhi

Aldous Harding

Ninja Tune /[PIAS]

Universal

Caroline/Music As Usual

Epitaph Records/[PIAS]

4AD/Popstock!

ELECTRÓNICA / El debut del dúo de Belfast radicado en Londres contiene un poco de todo aquello que han convertido en marca de la casa desde que hace una década Ferguson & McBriar comenzaran a pinchar en fiestas y publicar el blog Feelmybicep. Esto es, house, techno, y sonidos que nos retrotraen a los años dorados de las rave. —luis j. menéndez

POP / Es probable que Something To Tell You definitivamente confirme a Haim como estrellas globales, también supone un campo de pruebas y, en consecuencia, un paso adelante en su intento por quitarnos de la boca esa coletilla que las señala como las Fleetwood Mac de la generación millennial.

HARDCORE RAP / Combinan sin que nada chirrie hardcore, industrial y horrorcore (ya saben, rap sangriento y violento). O todo lo contrario. Hiere a los oídos en el buen sentido, como si alguien intentase hurgarnos en el cerebro metiéndonos clavos oxidados por las orejas.

—luis j. menéndez

—joan s. luna

HARDCORE / Una de las bandas de referencia del género indiscutibles.

Los doce temas nuevos se mueven con maestría entre registros con estructuras melódicas típicas de la escena skate-punk en la que se formaron hace más de veinte años intercaladas con otras más pesadas y complejas cercanas al thrash más técnico. —sofía cuevas gonzález

FOLK / El segundo disco de la neozelandesa confirma a una mujer comprometida al límite con sus canciones. Curtida en actuaciones de intensidad a flor de piel y una teatralidad no impostada, la compositora ha elegido al infalible John Parish para vestir sus obsesiones con velos de un clasicismo a lo Kate Bush o Scott Walker. —josé carlos peña

The Navigator

Black Origami

Bicep

#20 diciembre 2017

I See You

Mass VI

Something To Tell You

Ash

Pure Comedy

United States Of Horror

Okovi

1992 Deluxe

Victory Lap

A Deeper Understanding

—luis j. menéndez

Residente

Party

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ACIONALES DE 2017

16

17

18

19

20

Él mató a un policía motorizado

Mount Eerie

Converge

Tyler The Creator

Real Estate

Elverum & Sun

Epitaph/[PIAS]

Columbia/Sony

Domino/Music As Usual

—manuel novo

FOLK / Todos sabemos que resulta imposible saber con exactitud cómo es el sufrimiento que le deja a cada uno la pérdida de sus seres queridos, pero Elverum casi ha hecho posible que sintamos lo que él sintió y siente a cada minuto desde entonces. Uno de esos discos honestos y confesionales, pero también sanadores. —joan s. luna

HARDCORE / Jacob Bannon lleva ya casi tres décadas exorcizando sus demonios al frente de Converge, una de las bandas clave en la redefinición de la música extrema surgida a finales de los noventa (junto a Cave In, The Dillinger Escape Plan, Botch o Coalesce), convertida hoy en día en auténtica referencia y en mejor forma que nunca. —ricky lavado

RAP / Su locura es real, no es impostada, está como un cencerro, pero es un genio. Musicalmente este es un trabajo brillante, con más pegada y más colorido que los anteriores. Un disco sin relleno, sin tanta locura, pero donde la anarquía sigue dominando. Su disco más completo que deja en evidencia a los viejos pesos pesados. —marcos molinero

POP / Dueños ya de un estatus que sólo da el paso del tiempo y una trayectoria sin mácula. En un momento en que el indie-pop sufre por su falta de autoestima y la atención mediática se la llevan otros sonidos, ellos son uno de los pocos referentes del género, algo similar a lo que Teenage Fanclub significaron para la década de los noventa. —luis j. menéndez

26

27

28

29

30

Alt-J

Austra

Fever Ray

Julie Byrne

Nathan Fake

Infectious Music/[PIAS]

Domino/Music As Usual

Mute/[PIAS]

Ba Da Bing!

Ninja Tune/[PIAS]

ART-POP / Alt-J se han enfrentado a su tercer largo sin el lastre de la juventud que defiende lo suyo como lo único válido. Podría pasar como un disco retro que apela al amor por la música, cuando se intercambiaban ideas antes que intérpretes, pero con los mimbres del pop del siglo XXI.

ELECTRO POP / La fascinación de Stelmanis por la filosofía y su intención de hacer frente a las dolencias del mundo moderno sobrevuela sobre todo el disco. Pero no nos confundamos. Esta oscuridad en las letras no alejan a Austra de las pistas de bailes. El electropop que les caracteriza sigue estando presente.

FOLK / La voz desnuda y otoñal de Julie Byrne y sus seis cuerdas, vuelven para atraparnos de una vez por todas en un viaje de nueve canciones al que nos sumamos sin pensárnoslo dos veces. La libertad de que ningún lugar te espera, tu experiencia a cada paso como única guía hacia ninguna parte.

ELECTRÓNICA / Providence marcó el fin de un oscuro periodo en la vida de su artífice. De ahí, ese halo casi sagrado y mágico que envuelve gran parte del disco, profanado tan solo por los crudos sintetizadores del Prophecy de Korg, cuyo nombre sirvió de inspiración para el título del álbum.

—jorge obón

—guillermo chaparro terleira

POP / La sueca sigue empeñada en sumergirnos en sus personalísimas brumas sonoras, tan desasosegadamente atractivas como atemporales y pesadillescas. Recuerda a anteriores trabajos pero como llevado al extremo de lo distorsionado y, en definitiva, lo díscolo e, incluso, bizarro (¿pero -ahora- inesperadamente comercial?). —fernando fuentes

—david pérez

—daniel mesa

36

37

38

39

40

Death From Above

Chelsea Wolfe

Los Espíritus

Algiers

Peter Perrett

Last Gang Records/[PIAS]

Sargent House/Popstock!

Alto Valle

Matador/Popstock!

Domino/Music As Usual

ROCK / Los muchachos de Death From Above 1979 lo dejaron cuando estaban marcando tendencia, pero en 2013 se reencontraron con la sensación de tener trabajo por hacer.

Ahora firman el segundo capítulo de su nueva vida que, a pesar de algún tema menor, es un jodido cañón. Un viaje de potencia deshidratada, compacta y bailable. —nacho serrano

METAL / Chelsea Wolfe trata de encontrar qué hay dentro de uno mismo y escapar de ello en su disco con más influencias del doom metal. Hiss Spun se sumerge por completo en la oscuridad y distorsión, siempre jugando con la dualidad de su voz etérea entre sonidos asfixiantes.

BLUES ROCK /El blues, el rock y la psicodelia se engarzan con unas doradas melodías de espíritu andino de las que se clavan. Y todo gracias al excelente trabajo de una guitarra repleta de clasicismo setentero y al peculiar fraseo sureño de sus voces. No son unos recién llegados, pero este disco les ha dado una dimensión más que merecida. —don disturbios

ROCK / Consiguen borrar de un plumazo cualquier atisbo de duda subiendo el listón de su primer trabajo en todos los aspectos. El disco suena mucho más radical e inflamado y abraza la experimentación sin meter la pata. Algiers serán todo lo listos y oportunistas que tú quieras, pero tienen los cojones de un toro. —don disturbios

POP ROCK /A sus sesenta y cinco años, y ungido por la aureola de quien ha sobrevivido prácticamente a todo, el ex The Only Ones despacha una buena ración de rock astillado.

Diez canciones presididas por su imperfecto, ajado pero emocionante timbre de voz, que supuran veracidad y opositan seriamente a retorno del año. —carlos perez de ziriza

La síntesis O’Konor

A Crow Looked At Me

The Dusk In Us

Flower Boy

In Mind

Limbo Starr POP-ROCK / Un disco en el que el muro de guitarras marca de la casa se desvanece en favor de la minuciosidad y el trabajo en los detalles. Las guitarras ya no necesitan situarse en un primer plano y sin duda estamos ante su entrega más pop y trabajada.

Relaxer

Outrage Is Now!

Future Politics

Hiss Spun

—montse galeano

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Plunge

Agua ardiente

Not Even Happiness

The Underside Of Power

Providence

How The West Was Won

diciembre 2017 #21

RESUMEN INTERNACIONAL 2017

L

1

Amenra Mass VI Neurot Recordings

2

Bell Witch Mirror Reaper Profound Lore

3

Chelsea Wolfe Hiss Spun Sargent House

4

Paradise Lost Medusa Nuclear Blast

5 Pallbearer

Heartless

Nuclear Blast 6

Power Trip Nightmare Logic Southern Lord

7

Spectral Voice Eroded Corridors Of Unbeing (Dark Descent)

8

9

Wolves In The Throne Room Thrice Woven Artemisia Records

Rap, grime y trap

Leprous Malina Inside Out Music

E

10 Possession

Exorkizein

Iron Bonehead Productions

AMENRA FOTO: ARCHIVO

as múltiples realidades y estratos del metal coinciden en señalar Mass VI de Amenra como uno de esos discos especiales: majestuoso y crudo, un álbum que noquea, emociona y genera adicción. El dúo Bell Witch, por su parte, se atreve en el brillante Mirror Reaper con un solo tema de ochenta y tres minutos que es un universo en sí mismo, mientras que Chelsea Wolfe firma un disco áspero y contundente cuyas texturas industriales justifican su inclusión en este top. Más allá de podio inicial, Pallbearer nos regalan otra joya de doom metal denso, melódico y envolvente; los norteamericanos Power Trip aceleran el tempo de esta lista con un explosivo tratado de crossover thrash; Spectral Voice debutan con una brutal avalancha death doom; y Wolves In The Throne Room se reivindican cruzando black metal, ambient y dark folk. Completan los mejores del año Paradise Lost, con un nuevo tomo en su enciclopedia gothic doom; Leprous y su popular e imaginativo prog metal; y otro debut de aplauso, el de Possession y su furibundo black/death. Destacar, también y entre muchas otras joyas, a Occvlta, Enslaved, Undergang, Goatwhore, Code Orange, The Ruins Of Beverast, Mastodon, Pain Of Salvation, Godflesh, Deathspell Omega, Sólstafir, Zeal & Ardor y el regreso de Unearthly Trance. —david sabaté y eduard tuset

Top10

KENDRICK LAMAR FOTO: ARCHIVO

Diversidad

RAP

METAL

#22 diciembre 2017

ste año nos deja un podio incontestable, el triunfo definitivo de Atlanta -se han quedado fuera de la lista, por poco, trabajos de 21 Savage, Gucci Mane, Future, Young Thug y 2 Chainz- y fenómenos que no podemos perder de vista como Lil Uzi Vert o Lil Yachty. Eso sí, si alguien ha sabido abrirse hueco como nadie, ha sido Princess Nokia, con un discurso que la hace imprescindible para entender este 2017. Los clásicos tampoco se han dormido (los últimos trabajos de Jay-Z, Talib Kweli o Raekwon lo prueban) y, en un plano más underground, nombres como Scallops Hotel, Quelle Chris o Lil B han firmado sus mejores discos hasta la fecha. Cabe destacar también el nivel de los lanzamientos de Run The Jewels, Action Bronson, Joey Bada$$, MURS, Ty Dolla o Logic. Por otra parte, cambiando de continente, el Reino Unido sigue viviendo un momento dulce gracias a sus clásicos (Wiley, Skepta o Dizzee Rascal) y a la nueva hornada con Stormzy, Dave, J Hus, Lady Leshurr, Nadia Rose o MoStack detrás. Un relevo generacional que también se da en Francia, donde Niska y Ninho vienen pegando fuerte. Y no nos olvidamos de Yung Lean: el sueco sigue sin dar un paso en falso. Otro año para enmarcar. —dario garcía coto

Top10 1 Kendrick Lamar

DAMN. Interscope/Universal 2

Vince Staples Big Fish Theory Def Jam/Universal

3 Tyler The Creator

Flower Boy Columbia 4

Princess Nokia 1992 Deluxe Rough Trade /Popstock!

5

Stormzy Gang Signs & Prayer Merky Records

6

Migos Culture Quality Control

7

Wiley Godfather Wiley Records

8

Jay-Z 4:44 Virgin / Emi

9

21 Savage/Offset/ Metro Boomin Without Warning Epic

10 Lil B

Black Ken

Based World

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7 POR ESTILOS HARDCORE-PUNK

Top10 1 Converge

The Dusk In Us Epitaph/[PIAS]

el queercore de Limp Wrist hasta los riffs monolíticos de los recuperados Quicksand, por citar dos ejemplos. Y sobre todo no nos olvidemos de muchos otros nombres que bien merecían galardón en esta categoría de hardcore punk, desde Booze & Glory hasta Downtown Boys, Bad Cop/Bad Cop, Counterparts, Rixe, Dropkick Murphys, Stick To Your Guns, Comeback Kid, The Bronx, Dead Cross y un largo etcétera.

En todo caso, lo que está claro es que el hardcore sigue vivo, rabioso y con ganas de plantar cara contra viento y marea. —joan s. luna

ELECTRÓNICA

S

iempre está bien recuperar a los grandes del género, aunque sea un género con una amplitud de miras sorprendente que nos lleva de la rudeza más extrema a las melodías más pegadizas. Así, este 2017, nos hemos quedado con la nueva obra de unos veteranos que nos encantan, Converge, que con The Dusk In Us vuelven a poner a los aficionados de acuerdo. Algo parecido ocurre con Propagandhi, a quienes llevábamos un tiempo esperando de nuevo. Y se suma a los primeros puestos uno de esos grupos jóvenes que dan un paso adelante. Se trata de Code Orange, quienes, tras pasar de Deathwish a Roadrunner, se sacan de la manga el rotundo Forever. A partir de ahí, una larga lista de grupos –muchos de ellos veteranos- que aportan energías de lo más diversas, desde

2 Propagandhi

Victory Lap Epitaph/[PIAS] 3 Code Orange

Forever Roadrunner/Warner 4 Rise Against

Wolves Virgin/EMI 5

Hot Water Music Light it Up Rise Records

6

At The Drive-In In.ter a.li.a Rise Records

7 Quicksand

InteriorS Epitaph/[PIAS] Limp Wrist Facades La Vida es un Mus

9

Incendiary Thousand Mile Stare Close Casket Activities

10 Integrity Howling, For The Nightmare

Shall Consume

Relapse

Edificios de papel E

s curioso como una cuasi recién llegada como Jlin ha recibido un apoyo casi unánime a la hora de señalar su segundo álbum como el disco que define la electrónica en 2017. Lo hace además desde el riesgo, con una propuesta que a partir de la tradición juke de su ciudad, Chicago, se eleva en la búsqueda de nuevos retos, construyendo sus propios sonidos a partir de la voz e instrumentos tradicionales como el yembe o el arpa japonesa y buscando la inspiración en las coreografías de Avril Stormy Unger. También puede calificarse de triunfador del año a un sello veterano como Ninja Tune que, a pesar de su recorrido, no ha dejado de evolucionar y acoger bajo su ala a muchos de los referentes de la electrónica contemporánea: los discos de Nathan Fake, Bicep, Actress (además de Bonobo, The Bug Vs Earth, Odesza o Forest Swords) confirman que el sello gestionado por los Coldcut Mat Black y Jonathan More se ha convertido en algo muy similar a lo que Warp representó hace años. Como siempre ocurre, la selección de diez discos se nos queda cortísima ante la cantidad de títulos relevantes de esta temporada: Lindstrøm, Clark, Mount Kimbie, Lee Gamble, Hype Williams, Four Tet, Shackleton & Vengeance Tenfold, Fieldhead, James Holden, Nosaj Thing y un larguísimo etcétera.

—luis j. menéndez

Top10 1

Jlin Black Origami Planet Mu

2

Nathan Fake Providence Ninja Tune/[PIAS]

3

Bicep Bicep Ninja Tune/[PIAS]

4 Laurel Halo

Dust Hyperdub 5

Actress AZD Ninja Tune/[PIAS]

6

Lusine Sensorimotor Ghostly International/Popstock!

7 Gas

Narkopop Kompakt 8 Porter Ricks

Anguilla Electrica Tresor

JLIN FOTO: ARCHIVO

8

CONVERGE FOTO: ARCHIVO

Mil caras

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9 Tzusing

東方不敗 L.I.E.S. 10 Kelly Lee Owens

Kelly Lee Owens

Smalltown Supersound/MAU

diciembre 2017 #23

RESUMEN 2017 POR ESTILOS AMERICANA-FOLK

2. “Ágaetis Byrjun” Sigu Rós

3. “Elephant” The White Stripes 1. “Franz Ferdinand” Franz Ferdinand 2. “A Ghost Is Born” Wilco

8 Chris Hillman

Bidin’ My Time Decca

1. “Funeral” Arcade Fire 2. “You Could Have...” Franz Ferdinand 3. “LCD Soundsystem” LCD Soundsystem 1. “Return To...” TV On The Radio 2. “Post-War” M. Ward 3. “Whatever People...” Arctic Monkeys

Malcom Holcombe Pretty Little Troubles Gypsy Eyes Music

10 Justin Townes Earle

Kids In The Street

New West

1. “Neon Bible” Arcade Fire 2. “Kala” M.I.A. 3. “Myths Of The Near...” Klaxons 1. “Med Sud I Eyrum Vid...” Sigur Rós 2. “Third” Portishead 3. “Dear Siencie” TV On The Radio

Trio Da Kali And Kronos Quartet FOTO: ARCHIVO

2. “Wolfgang Amadeus...” Phoenix 3. “The Pains...” The Pains Of Being

1 Trio Da Kali And Kronos Quartet

Ladilikan World Circuit

2. “The Drums” The Drums 3. “This Is Happening”

2

Oumou Sangaré Mogoya No Format

3

Frigg Frost On Fiddles Westpark

4

Toko Telo Toy Raha Toy Mis Records

5

Tribalistas Tribalistas Altafonte

6

M & Toumani Diabaté & Fatoumata Diawara Lamomali Wagram

3. “Yeezus” Kanye West

7

Goran Bregovic Three Letters From Sarajevo Tetak/Universal

2. “Singles” Future Islands

8

Les Amazones d’Afrique République Amazone Real World/[PIAS]

1. “Carrie & Lowell” Sufjan Stevens

9

La Mambanegra El Callegüeso y su Mala Maña La Mambanegra

3. “Every Open Eye” Chvrches

1. “Let England Shake” PJ Harvey 2. “Bon Iver” Bon Iver 3. “Father, Son, Holy Ghost” Girls 1. “An Awesome Wave” Alt-J 2. “The Seer” Swans 3. “Kill For Love” Chromatics 1. “Overgrown” James Blake 2. “A.M.” Arctic Monkeys

1. “Lost in the Dream” The War On Drugs 3. “Everyday Robots” Damon Albarn

2. “To Pimp A Butterfly” Kendrick Lamar

2002 2011

LCD Soundsystem

10 Songhoy Blues

Résistance

Transgressive/[PIAS]

#24 diciembre 2017

1. “Teen Dream” Beach House

2012

G

ran cosecha la de este año. Empezando por Trio Da Kali, músicos de Malí en una colaboración sublime con los experimentados Kronos Quartet, y continuando con la diva africana Oumou Sangaré con uno de sus mejores y más bailables discos de la temporada. Pero hay mucho más. ¿Ejemplos?

El gran trabajo de Frigg, supergrupo finlandés de folk contemporáneo; los encantadores Toko Telo, tres de los mejores músicos de Madagascar juntos por primera vez; unos Tribalistas que no necesitan presentación o el precioso proyecto

Top10

2013

Cosecha

del francés M junto a Toumani Diabaté y Fatoumata Diawara. También celebramos que Goran Bregovic tenga nuevo disco con composiciones propias y que exista algo como Les Amazones d’Afrique, un allstars femenino africano que denuncia la violencia hacia la mujer. Pero si necesitan bailar, háganlo con La Mambanegra, poderosa orquesta latina que desde Colombia reivindica la salsa de las calles de Nueva York.

Tampoco vamos a olvidarnos de Songhoy Blues y su blues rock africano, a los clásicos del desert blues Tinariwen o a los eléctricos Tamikrest. Si quieren más prueben con Under Burning Skies de The Soul Jazz Orchestra, La Confusion de Amadou & Mariam, Cubafonía de Daymé Arocena, Baile Bucanero de Ondatrópica, Marimba del Pacífico de Río Mira o 1000 Can Die de King Ayisoba. —miguel amorós

1. “Merriweather...” Animal Collective

2014

WORLD MUSIC

2003

2. “De-Loused In...” The Mars Volta

3. “Louden Up Now” !!! (Chk Chk Chk)

7 Laura Marling

Semper Femina Kobalt/Popstock!

JASON ISBELL FOTO: ARCHIVO

1. “Transatlanticism” Death Cab For Cutie

2004

6 Ryan Adams

Prisoner Virgin/EMI

3. “Finally We Are No One” múm

2005

5 Old 97’s

Graveyard Whistling ATO/Warner

2. “Yoshimi Battles...” Flaming Lips

2006

4 Dead Man Winter

Furnace Gndwire

1. “Yankee Hotel Foxtrot” Wilco

2007

3 Rhiannon Giddons

Freedom Highway Nonesuch/Warner

3. “Amnesiac” Radiohead

2008

Tyler Childers Purgatory Hickman Holler Records

2. “Rock Action” Mogwai

2009

2

1. “Bleed American” Jimmy Eat World

2010

Jason Isbell And The 400 Unit The Nashville Sounds South Eastern

2001

3. “Xtrmntr” Primal Scream

1

9

2000

Top10

“The Rising Tide” Sunny Day Real Estate

2015

E

l folk y la música de raíz americana siguen dándole al aficionado grandes motivos para no perder la comba de la actualidad y refugiarse en los viejos vinilos del pasado. Sin ir más lejos, nuestro rotundo ganador de este año, Jason Isbell, lleva encadenados tres discos de ensueño que le han colocado por méritos propios en el Olimpo de los grandes autores de la actualidad. Músicos consagrados como Ryan Adams cuya inclusión es esta lista era obligada gracias a un disco tan confesional como Prisoner. En el apartado feme-

1. “Relationship…” At The Drive-In /

nino hay que destacar el maravillosos trabajo que ha realizado Rhiannon Giddons, en el que nos recuerda el drama de la esclavitud a golpe de banjo desgarrador y una voz de ensueño.

También resulta obligada la presencia de Laura Marling, máxime si en su nuevo disco regresa de forma triunfal a los patrones iniciales de su indie-folk clásico. En el apartado de jóvenes promesas destacar el sólido álbum que ha realizado Tyler Childers cogiendo el relevo de Sturgill Simpson. Y si nos vamos al otro extremo, el de los veteranos, pocos lo son más que un Chris Hillman que reverdece su legado más allá de The Byrds y los Burrito Brothers. Aunque eso no fue todo y, como siempre, se quedaron fuera de la lista nombre tan interesantes como los de Aimee Mann, Lukas Nelson, Tift Merritt, Rose Cousins, Colin Hay, Nikki Lane, Jim Keaveny, Elijah Ocean, Hiss Golden Messenger… —don disturbios

1. “Skeleton Tree” Nick Cave & The Bad Seeds 2. “★“ David Bowie 3. “Let Them Eat Chaos” Kate Tempest

2016

La comba

Fueron MEJORES

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Hace ya semanas que se han ido anunciando nombres que formarán parte del cartel del Azkena Rock 2018, cuyas fechas se confirman para el 22 y 23 de junio en Vitoria-Gasteiz. Si fue un placer descubrir que la mismísima Joan Jett y sus The Blackhearts iban a ser cabezas de cartel, no lo es menos el saber que volveremos a ver de nuevo sobre el escenario a la mítica banda noruega Gluecifer, uno de los nombres imprescindibles del rock escandinavo de los noventa. Será su único concierto en nuestro país en este esperado retorno desde que se despidieron en 2005. A ellos se suma otro nombre de aquellos días, los también noruegos Turbonegro, quienes posiblemente presenten nuevo trabajo en el festival. Otras novedades son Man Or AstroMan?, los renacidos Thee Hypnotics, Lords Of Altamont y los ganadores del concurso Pop Rock Villa de Bilbao, Mamagigi’s.

Los Discos de mi Vida

Ballantine’s We Sound, participa

Kaixo

Rapero inquieto y ecléctico a más no poder, Kaixo empezó en esto de la música para imitar a sus ídolos. A muchos les descubrió gracias a sus temas para bandas sonoras. Hoy nos desvela sus favoritas.

www.azkenarockfestival.com

Blade (1998)

Matrix: Music From The Motion Picture (1999)

El día de la bestia

Significó encontrarme cara a cara con el hip-hop más top de su época, Mystikal, Down 2 Earth con Rome, P.A. o Wolfpak. Pero también estaba el puto hit de los hits del puto mundo: Confusion de New Order. La escena en la discoteca forma parte de la memoria de todos los nacidos en los noventa.

Fui a verla con diez años.

Me disfracé de Neo en los carnavales, como otros diez mil niños. Era un clásico empezar a correr sin rumbo mientras en tu cerebro sonaban Propellerheads. También te podías engorilar con Bad Blood de Ministry o Mindfields de The Prodigy.

Y esa super obra maestra que es Clubbed To Death de Rob Dougan remixeado por Kurayamino.

No sé qué desalmado puede regalarle esto a un niño de siete años, pero hoy sería objetivo de todos esos payasos políticamente correctos. Hay verdaderas joyas del metal y del punk estatal. Me llamaron muchísimo la atención Mucha policía, poca diversion de Eskorbuto y Feliz falsedad de S.A.

(1995)

SAE Institute Madrid y MondoSonoro, Unplugged Sessions La escuela de medios creativos SAE Institute Madrid y MondoSonoro unen esfuerzos para un proyecto que permitirá que alumnos de la escuela practiquen a partir de los conocimientos adquiridos allí. Se trata de una serie de piezas audiovisuales que estarán sonorizadas íntegramente por los estudiantes y en cuya realización podrán desarrollar lo aprendido. Los vídeos podrán verse en nuestras redes sociales bajo el nombre de Unplugged Sessions y en ellos participarán en exclusiva bandas emergentes que hayan sido reseñadas en la sección Demoscópica de nuestra publicación. Los primeros protagonistas serán Hot Snow.

Ballantine’s da vida a un nuevo proyecto musical. Tras la experiencia de Ballantine’s True Music Festival el pasado verano, que reunió en las salas de Madrid a más de un centenar de bandas, Ballantine’s pone el foco sobre los talentos emergentes para ayudarles a desarrollar su proyecto musical, dándoles acceso gratuito a salas de ensayo y llevándoles de gira con artistas consolidados del panorama nacional e internacional. Las bandas interesadas pueden inscribirse en www.ballantineswesoundstudios.es para tener acceso a las salas de ensayo en ocho ciudades, además de optar a ser los teloneros de la gira de conciertos Ballantine’s We Sound que tendrá lugar de enero a abril de 2018.

DEPECHE MODE FOTO: archivo

El Azkena Rock continúa sumando

THE BABOOM SHOW FOTO: archivo

MONDO FREAKO

Aluvión de novedades para el Mad Cool This Is England

The Tarantino Connection

Mission: Impossible 2

(2006)

(1996)

(2000)

Esta no pertenece a mi infancia ni adolescencia, pero es una película super completa que no se entiende sin su banda sonora.

Para mí es una joya indispensable, Para una buena mañana o de tarde de birreo con los muchachos, siempre apetece.

Esto no es exactamente una banda sonora, sino un recopilatorio de varios de los mejores temas de los clásicos básicos de Tarantino. La portada siempre me ha inquietado: Tarantino partiéndose el ojete como objeto central del billete de un dólar, con manchas de sangre en un lateral de la portada.

Es una de aquellas bandas sonoras del 2000 con lo mejor y más característico de la época concentrado en cuatro temas: Take a Look Around de Limp Bizkit, I Disappear de Metalllica, Scum Of The Earth de Rob Zombie y Rocket Science The Pimps.

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Este año la difusión de nombres del cartel del festival Mad Cool –a celebrar los días 12, 13 y 14 de julio en Madrid- se está dando con cuentagotas, pero solamente hace falta echarle un vistazo a la lista que está quedando para darse cuenta del nivel que está tomando la programación para esta próxima edición. Los dos últimos nombres en anunciarse son los de Justice y Black Rebel Motorcycle Club, que se dieron a conocer el 22 de noviembre. Ambos se suman a nada menos que Nine Inch Nails, Depeche Mode, Massive Attack, Yo La Tengo y Fleet Foxes. www.madcoolfestival.es.

diciembre 2017 #27

B o La necesidad de vomitar inseguridades, un sentido del humor bastante extraño y canciones bonitas pero oscuras. Ese podría ser el denominador común entre Kurt Vile, uno de los rockeros más interesantes de su generación, y Courtney Barnett, una de las propuestas más emocionantes que ha dado el pop rock alternativo en los últimos años. El estadounidense y la australiana ponen en común debilidades, complejos, influencias y pasiones en Lotta Sea Lice (Kobalt/Popstock! 17).

—texto María Martín-Consuegra

P

Courtney Barnett

or si esas cuestiones en común fueran pocas, debemos añadir que Vile y Barnett también comparten aspecto (desaliñado) y un punto de pasotismo sin el cual este disco, este proyecto en general, habría sido inconcebible. “Vamos a ensayar unos días y nos lanzaremos a la carretera. Sí, así es como lo vamos a hacer”, comenta Kurt Vile al otro lado de la línea de teléfono. A Courtney la pillamos en mitad de una gira europea con Jen Cloher, su compañera de vida y gran influencia, de ella es Fear Is Like A Forest, tercer corte de este disco. Pero no nos confundamos, hay quienes pueden ser pasotas y quienes no. Estos dos pueden. Facturando el disco, los directos y el lenguaje propio que facturan... faltaría más.

#28 diciembre 2017

C

ómo puede una colaboración acabar convirtiéndose en un disco como este?

(Courtney) Teníamos amigos en común y con el tiempo nosotros nos hicimos amigos también y comenzamos a hablar de hacer canciones juntos. Supongo que éramos fans el uno del otro, me encanta Kurt como compositor, como músico... Un día, sin más, me envió un correo electrónico y me dijo que tenía una canción que sería genial que cantáramos juntos. Pasaron dos años y eso terminó convirtiéndose en un disco lleno de canciones. Fue un proceso lento.

—¿Cómo se eligieron las versiones que aparecen en el disco?

No sé. Supongo que nos encantan. Me encantaba Fear Is Like A Forest de Jane Cloher, y llevaba mucho tiempo queriendo hacer una versión de ese tema. Teníamos el estudio de grabación, algunas de nuestras canciones, pero no muchas, así que una vez nos quedamos sin ideas propias pensamos que sería divertido versionar una o dos canciones más.

—Han pasado cuatro o cinco años desde que grabaste Outta The Woodwork y ahora Kurt la recupera, la revisiona y la añadís a este disco. ¿Te gusta cómo ha envejecido el tema?

Sí, totalmente. Me gusta mucho la canción y todavía sigo conectando con ella, lo cual es un buen sentimiento para un compositor. Está bien crecer y evolucionar, pero aún así yo me sigo identificando con ella.

Creo también que es un tema que tiende a adoptar diferentes significados dependiendo del momento y de la persona. Incluso a mí me pasa. Años después sigo encontrando diferentes significados ocultos.

Siempre es bueno volver a ella. Creo que Kurt hizo un trabajo increíble reinterpretándola y llevándola a otro nivel.

—En ese sentido, ¿cómo crees que ha envejecido A Little Ring For My Halo, el disco de Kurt Vile de dónde se extrae Peepin’ Tom, que tú versionas en este trabajo?

Me encanta. Fue el primer disco que escuché de Kurt. La música de

Kurt es bastante atemporal, puedes ponerte cualquiera de sus discos y te atrapará y te golpeará. Ese disco pasará a la historia porque son canciones increíbles que no envejecen. Cuando salió lo compré y nunca me he cansado de él.

—Hay canciones como Over Everything que tienen hasta seis minutos de duración ¿Es el resultado de plantearse este disco casi como una conversación entre colegas?

Completamente. Íbamos haciendo muchas cosas en el estudio y no teníamos en cuenta ninguna restricción de tiempo, simplemente íbamos haciendo lo que pensábamos que era correcto, lo que nos iban pidiendo las canciones. Hubo bastante improvisación, fue bastante espontáneo. No estábamos por la labor de facturar canciones pop de tres minutos.

—¿Qué te llevas de estas sesiones de grabación? ¿Has aprendido algo durante esas horas de estudio con Kurt?

Sobre la marcha aprendí a descubrir mis propias debilidades y la importancia de esto. Para escribir una canción que te reconforte, llena de paz, antes tienes que profundizar mucho en algunos lugares a los que normalmente no quieres ir. Él es una persona muy estimulante e inspiradora. Fue muy cómodo y natural. Estoy muy contenta con las canciones. Tuve que sacar canciones que estaban escondidas en el fondo de mi cabeza y que no sabía que estaban allí. Es un sentimiento fantástico.

—Kurt define tus canciones como bonitas pero oscuras...

Tiene sentido. Siempre tengo esa sensación... Cuando empecé a escribir quería unir ese tipo de conceptos: canciones pop oscuras, algo oscuro y algo gracioso. Creo que tengo un sentido del humor bastante extraño y creo que Kurt también, por eso nos llevamos tan bien.

—¿Cómo defines tú la música de Kurt?

Es una pregunta difícil... bonita y oscura es una buena definición.

—m.m.c.

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Bonito pero oscuro Courtney Barnett y Kurt Vile

H

ace como seis años que grabaste Peepin’ Tom ¿qué supone para ti verla ahora interpretada por Courtney?

Me encanta como lo ha hecho. Me siento alagado. Es un auténtico honor el sonido que le ha dado. Cuando se planteó esta colaboración yo estaba obsesionado con la música de raíz e intenté convecer a todo el mundo para hacer un versión de Blueberry Hill, de Fats Domino. Teníamos las dos canciones origniales y esta versión, pero entonces Courtney me propuso que nos versionarámos el uno al otro. Y el plan fue ese.

—Háblame de la gente que ha participado en este disco.

Invité a Mick Turner. Yo estaba terminando la gira en Melbourne y me emocioné cuando supe que Mick estaba allí también. Nosotros nos conocíamos de una gira anterior. Yo estaba con mi familia, que había venido a acompañarme y él también estaba con su familia en ese momento así que fue como: niños, curro y cosa así. Dio la casualidad de que Jim White, que toca la batería y otras muchas cosas con Mick, también estaba por allí, así que lo invité también. Ya sabes, es un mítico australiano. Mi compañero Rob (Laakso) tocó el bajo. Eso fue en el primer viaje. Cuando volví, Stella Mozgawa de Warpaint estaba en la ciudad, justo la acababa de ver en Los Ángeles, y acabó grabando tres canciones: Continental Breakfast, Outta The Wood Work y la canción de Jane Cloher. Después Mick y Jim volvieron a grabar más cosas y Mick Harvey apareció de casualidad un día por la fiesta de cumpleaños de Peter Harvey. En realidad todos son tipos australianos legendarios.

—¿Cómo estáis llevando este álbum al directo?

En el directo somos Courtney, mi compañero Rob Laakso y yo. Durante la primera parte de la gira, Janet Weiss de Sleater-Kinney tocó la batería. Para la segunda mitad de la gira contamos con Stella Mozgawa, que es una de mis mejores amigas, y también con Katie Harkin, que es increíble y toca un montón de instrumentos. Katie ha estado en bandas como Sleater-Kinney. Vamos a ensayar unos días y nos lanzaremos mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“Tenemos un sentido del humor bastante extraño, por eso nos llevamos tan bien”

a la carretera, a ver qué pasa. Sí, así es como lo vamos a hacer.

—¿Qué puedes decirme sobre una canción como Untogether? Es una de mis favoritas.

Untogether es una canción que... no sé... tenía esa cinta de Belly cuando era adolescente. Sabía que el disco era oscuro, lo escuchaba mucho, y simplemente empecé a hacer cosas así, nostálgicas.

Empecé a usar esos acordes y esas formas de cantar. Es un tipo de melancolía que pensé que podría funcionar y realmente funcionó. Me encanta.

—Una de las cosas que más me gustan de este álbum es que es como un diálogo entre colegas. Como si cogieras el teléfono y le contaras tus problemas o simplemente como te ha ido el día a Courtney y ella te respondiese. Incluso la manera de cantar las canciones en muchos casos es como una conversación ¿Cuántos emails se necesitaron para escribir este álbum?

Nos enviamos algún mail esporádico pero era como “Te voy a enviar esta canción” y ella decía “Sí, envíamela”, pero luego nunca lo hacíamos, así que dijimos “Reunámonos” y efectivamente fue como una conversación. Más o menos cada uno iba escribiendo unas líneas sobre el otro y luego las poníamos en común. Dependiendo de nuestro personaje o de quién lo escribía dependía quién lo grababa. Salió así con ese concepto: diferentes inseguridades narradas en conversaciones.

—¿Grabaréis otro disco juntos?

Seguramente volvamos a grabar juntos en algún momento. Esto es algo bastante casual, ya sabes, nada de presiones. Pero quizás algún día... —m.m.c.

Kurt Vile

Este trabajo no solamente es una canción que Kurt había pensado casi obsesivamente para Courtney y que acabó convirtiéndose en un disco completo; este disco también ha resultado ser un interesante ejercicio creativo donde no había reglas. Canciones de seis minutos, vuelta a composiciones (e incluso influencias) de cuando eran adolescentes y conversaciones, muchas conversaciones. “Hubo bastante improvisación, fue bastante espontáneo. No estábamos por la labor de facturar canciones pop de tres minutos”, explica Courtney. Tampoco sabemos, no lo saben ni ellos, si estarán por la labor de dar continuidad a este proyecto. Lo que es seguro es que de momento no pasará por España.

diciembre 2017 #29

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AgeNda. diciembre

MONDO FREAKO

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TENSNAKE Músico y Dj, el alemán Tensnake (alias de Marco Niemerski) lleva casi más de una década componiendo su material, que suele formar parte de sus sesiones y live shows.

Este mes de diciembre pasa por Barcelona (29 diciembre, The Loft) para hacer bailar a propios y extraños.

RR Tu primer hit fue Coma Cat, que tiene ya unos ocho años. ¿Cuántas veces crees que la has tocado en directo o la has pinchado?

Empecé a hacer directos cuando puse en marcha el proyecto Tensnake. Al principio quería pinchar mi propia música y que la gente lo pasase bien, pero cuando sumé tantas y tantas fechas empecé a aburrirme de usar solamente mi propio material, así que aposté por hacer sesiones. Dejé de contar cuantas veces he interpretado o pinchado Coma Cat, pero también puedo decirte que hubo un tiempo en el que nunca la usaba. Necesitaba un descanso de esa canción.

Ahora ya depende de la sesión y el ambiente, aunque muchas veces suele sonar al final del set.

—¿Alguna vez, cuando empezaste a hacer tu propia música, imaginaste que acabarías trabajando con gente como Stuart

Price o con Nile Rodgers?

Definitivamente no. Fue un grandioso honor para mí poder trabajar con estas leyendas.

—Además de tu propio material, también has hecho remixes de artistas muy diversos, desde Aloe Blacc a The Faint, una banda que nos encanta. ¿Cuáles son tus favoritos?

Continúo pinchando los dos remixes que citas, y también me sigue gustando mi remix del Hurting de Friendly Fires. Hay otro, el que hice de National Anthem de Lana del Rey, que me encanta por lo que respecta a la producción, pero que nunca he pinchado en las sesiones porque la verdad es que no encaja demasiado en ese sentido. ¡Oh, sí, y el remix que hice de Little Dragon también me gusta mucho! —joan s. luna

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The Horrors Futuro oscuro Barcelona (12 diciembre, Apolo), Valencia (13 diciembre, Moon) y Madrid (14 diciembre, But)

Bajo el conciso nombre de V (Wolf Tone/Caroline, 17), en su nuevo trabajo los británicos The Horrors intensifican sus contrastes con momentos de pulsión industrial y otros de inspirada y melódica electrónica pop.

A

l teléfono Rhys Webb, bajista de una banda que ha cumplido una década de suculenta actividad discográfica con su personalidad intacta. Desde sus orígenes ruidosos en los aledaños del post-punk garajero, han evolucionado hacia una suerte de psicodelia pop progresiva y elegante vestida con ropajes electrónicos. Webb insiste en la necesidad de ponerse las pilas para no caer en la irrelevancia. “Nuestro principal objetivo era intentar hacer el mejor disco posible. Creo que el proceso de Luminous (14) fue un poco arduo. Quizá parte del entusiasmo que teníamos no se plasmó. Es un álbum estupendo en ciertos momentos, pero aquí nos planteamos el reto de subir el nivel y crear algo que nos volviera a emocionar”. ¿Con los primeros ochenta como guía? Las influencias de (los mejores) New Order, Depeche mode, Simple Minds o The Human League se me antojan evidentes. “Tenemos gustos muy amplios y diversos -admite-. Hay artistas de los primeros ochenta que nos inspiran, pero lo más importante es crear algo nuevo. Nunca hemos pretendido sonar como un determinado grupo. En nuestro proceso de composición ha sido clave

explorar, experimentar con electrónica y entender cómo podemos crear y comunicar a través del sonido”. Dos claves destacan en esta nueva etapa: la primera es el cambio en el proceso de composición. “Hemos escrito más de forma individual y en parejas. De hecho, yo compuse por primera vez con Faris (Badwan, vocalista) con una guitarra acústica, algo que nunca habíamos hecho (risas). En realidad, no tenemos reglas. La canción va tomando forma según nos involucramos todos”. La segunda es la decisiva intervención de Paul Epworth, productor y dueño del estudio londinense de moda The Church, con el que ya habían trabajado en un corte de Luminous, después de dos discos sin ayuda externa. “Necesitábamos asumir riesgos. Y ha sido muy divertido.

The Church es un lugar fantástico. Trabajamos muy rápido y de una manera mucho más espontánea e inspiradora de lo que habíamos hecho últimamente. Creo que para Paul también estuvo muy bien, porque había estado involucrado en algunos proyectos grandes. Fue la excusa perfecta para que asumiera riesgos siendo más creativo o abstracto, divirtiéndose con la experimentación y las ideas que iban surgiendo”. Webb termina hablando de sus influencias psicodélicas “La influencia psicodélica ha estado ahí desde el principio, pero la hemos explorado de formas muy diversas. Jamás quisimos sonar a los sesenta o setenta. Siempre hemos querido sonar a un grupo de ahora, o incluso del futuro. Me gusta pensar que nuestros discos se seguirán oyendo. No creo que muchas bandas británicas de nuestra generación puedan decir lo mismo”.

—josé carlos peña

diciembre 2017 #31

33/Mondo VINILOS

Weezer

Carlos Cros

Pacific Daydream Crush Music/ Warner

POP / Conviene afrontar cada nueva entrega de Weezer con la esperanza de que el grupo haya estado acertado a la hora de facturar ese power-pop de manifiesto corte indie marca de la casa. El asunto comienza bien en el presente Pacific Daydream, con un tema como es Mexican Fender, pero a partir de ahí el grupo sustituye guitarras por sintetizadores, arreglos y otros jugueteos sonoros que, por momentos, incluso hacen difícil tomarse en serio al cuarteto. En supuesta celebración estival, la banda apunta sin disimulo hacia el pop blandito, recuerdan a Maroon 5, y en la consecución de su misión sueltan un corte inocuo tras otro. Las piezas seleccionadas son en muchos casos canciones pegajosas, y Weezer nunca habían sonado tan naif ni irritantemente inofensivos.

4

Fever Ray, el sonido del frío Fever Ray

Plunge Mute/[PIAS]

8

POP / De un personaje imprevisible, extravagante y en constante mutación musical y estética -como es Fever Ray- esperamos siempre la excelencia de lo fresco y sorprendente, pero no, su música sigue sonando como siempre. Diría que es la banda sonora perfecta para un cuento nórdico, infantil y macabro, en el que los alfileres gigantes acaban siempre clavados en las pupilas de los más inocentes y sonrosados. La sueca Karin Dreijer Andersson –quien fuera la voz y la mitad, junto a su hermano Olof, de The Knife- sigue empeñada en sumergirnos en sus personalísimas brumas sonoras, tan desasosegadamente atractivas como atemporales y pesadillescas. En este nuevo Plunge muchas cosas recuerdan a su mejor disco hasta el momento -aquel celebradísimo Silent Shout de 2006- pero como llevado al extremo de lo distorsionado y, en definitiva, lo díscolo e, incluso, bizarro (¿pero -ahora- inesperadamente comercial?). Sobre una permanente base electrónica ciertamente rica y variopinta -que va desde el electro, al nightmare-pop o al ambient disonante e hipnótico- se van sucediendo los once te-

mas de un trabajo que exhala pop por todos sus costurones. Sí, es enrevesado, boscoso y rarete (algo que ya vimos en su disco de 2009, Fever Ray), pero es pop. Un álbum de pop -analógico y digital, según le dé la santa gana- en el que solo se habla de sexo. Pero sexo del bueno, del que duele tanto como hace subir al cielo. Y es que Fever Ray ha pasado de bailar con aspavientos sobre lápidas a montarse orgías esquizoides… y ya con hijos en edad escolar. De entre los cortes -más convencionales y sensatos- destacaremos el single To The Moon And Back -con su juguetona y misteriosa melodía synth-popera- y el sermón que proclama desde la rítmica Mama’s Hand. De los más dislocados nos quedamos con el trepidar trance-tribal de IDK About You -en el que nos retrotrae hasta una Björk a tope de espinacas en polvo- y la que es posiblemente el mejor tema del álbum, la distópica y enfermiza Wanna Sip con sus subidones en forma de fuegos artificiales sonoros incluidos. También merece una mención especial la encantadoramente étnica Red Trail y al notable instrumental que da título al álbum. En fin, Karin Dreijer sigue a su aire, escribiendo con renglones torcidos, inmersa en su propio teatrito de final seguramente no feliz, ajena a todo y a casi todos y cantando –mejor que nuncadesde su más cotidiana paranormalidad.

—fernando fuentes

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—raúl julián

La mejor defensa La Cúpula Music

POP / Se respira en este tercer disco en solitario de Carlos Cros una evidente preocupación por la situación política y social. Desde sus historias mundanas, urbanas, próximas, el músico aborda todo lo que nos envuelve, eso sí, dándonos un halo de esperanza. “Todo puede ser tan triste, si lo enfocas todo mal”, canta en el tema titular del álbum, y ese es el espíritu también de canciones como Vencidos, con un Cros cercano a la ranchera y el folklore sudamericano, o Con eso me basta, con un sorprendente giro rumbero al que, reconozco, cuesta acostumbrarse. No olvida, por supuesto, esas canciones de amor y desamor que tanto domina (Me haces tanto bien, Sigo en las nubes) para cerrar con Biutiful, con guiño incluido a Los Selenitas, su antigua banda. Cros tiene menos atención de la que merece. —eduardo izquierdo 7

Sparks

The Dream Syndicate

Hippopotamus BMG

POP / Desde el primer contacto con Hippopotamus, resulta evidente que estamos ante el En familia de Vainica Doble particular de los hermanos Mael; o sea, una mega radiografía de todos los ángulos sonoros desarrollados a lo largo de su carrera.

Cabaret-pop, formas arty, esplendor glam, synth-pop de corte elegante y, cómo no, su inconfundible personalidad de tebeo. De hecho, Misionary Position bien podría haber pertenecido a discos como Propaganda (1974), Edith Piaf (Said It Better Than Me) a Gratuitous Sax & Senseless Violins (1994) o What The Hell Is It This Time a su reciente alianza junto a Franz Ferdinand. Aunque lo más relevante es el intimidante grado de inspiración desplegado, que lo convierte en su trabajo más granado en ganchos desde sus años junto a Giorgio Moroder.

8

—marcos gendre

How Did I Find Myself Here?

Anti/[PIAS]

POP / Hay al menos dos formas de resucitar una carrera totémica tras un largo mutismo. Volver como si el tiempo no hubiera transcurrido o retomar aquella historia dándole pátina de actualidad. Steve Wynn escoge lo segundo en la primera entrega de The Dream Syndicate desde 1988. Era complicado que aquel legado pudiera revivir sin que la leyenda destiña. Y es en ese difícil equilibrio entre vigencia y heráldica donde salen triunfadores.

Lejos de la mera reedición de un sonido ejemplar, la banda muestra una corporeidad más profunda y espaciosa que nunca, de textura robustecida y aliento ensoñador. La exuberancia instrumental o la demostración de músculo no contradice su bien conservado olfato melódico: prueben con 80 West.

8

—carlos pérez de ziriza

diciembre 2017 #33

MONDOVINILOS

Ángel Stanich

Antigua y barbuda Orgullosa María/Sony

Cine, literatura y múscica Julio De La Rosa

Hoy se celebra todo Ernie Records

9 POP / Julio de la Rosa firma un

nuevo disco al uso tras ganar un Goya por la banda sonora de La isla mínima, con el que además cierra una impecable trilogía que comenzó con La herida universal (Ernie, 10) y continuó con Pequeños trastornos sin importancia (Ernie, 13). La presente entrega sugiere, ya desde el título, que este podría ser el álbum más optimista e incluso luminoso del autor. Sucede que es un disco más amable de lo habitual en cuanto a sensaciones, y genera a su paso cierta calidez, en lo que supone una agradable sensación.

Y eso que, en cualquier caso, la honradez expresiva sigue presente en el nuevo decálogo, y la honestidad brutal del músico

Robert Plant

Trivium

Carry Fire Nonesuch/ Warner

7

POP / Vivir de las rentas

procedentes de un pasado memorable es una actitud practicada por muchos músicos de rock and roll. Robert Plant, que de reconocimientos anda sobrado, ha renunciado sin embargo a ejercer dicho papel y por el contrario se ha esmerado en desarrollar su propio yo a través de su carrera en solitario. Un recorrido que sigue imparable, como reafirma una nueva grabación que insiste en la creación de un tono global en el que rige un ambiente casi esotérico, lo que hace entendible que vuelva a confiar en la banda de acompañamiento denominada atinadamente The Sensational Space Shifters. Un misticismo que lucirá bajo el rock espacial de New World... o con los africanismos que desprende The May Queen.

Diversidad y experimentación que no rehúyen al entendimiento con expresiones minimalistas y profundas (A Way With Words) ni a desempolvar clásico hard rock (Bones Of Saints). Olviden la nostalgia, aquí solo se habla el idioma del futuro. —kepa arbizu #34 diciembre 2017

The Bronx

The Sin And The Sentence Roadrunner

METAL / Como sabéis, Matt Heafy, vocalista de la banda estadounidense, casi perdió la voz en el año 2014, en el festival Rock On The Range en Columbus, Ohio. Por ello, los trabajos que vinieron tras ese incidente se vieron perjudicados en el ámbito vocal. Ante la salida de este The Sin And The Sentence muchos fans se habrán mantenido expectantes por saber cómo habría evolucionado el problema. Sin embargo, y para sorpresa de muchos, Heafy ha retomado los mandos de la parte más dura y oscura de las voces, recuperando su gritos y su fuerza. Lo podemos comprobar ya en el tema que da título al disco, que como carta de presentación deja el listón muy alto para lo que pueda venir después. Si a eso le sumamos que las diez composiciones siguientes no decepcionan en absoluto, ya tenemos una idea general de lo mucho que vuelve a ofrecernos The Sin And The Sentence.

7

—ana lópez

mantiene su aspereza e impacto.

En este disco hay narrativa presentada de manera explícita, en lo que se intuyen como resquicios entreverados de la faceta del andaluz como escritor. Las líneas que separan las diferentes artes comienzan a difuminarse definitivamente, porque los ambientes cinematográficos también tienen presencia en las diferentes escenas de la presente entrega (sirva como ejemplo el clima que se crea en Las puertas). Además, los trabajos de Julio de la Rosa siempre han contado con alto componente autobiográfico, por lo que de la escucha se podría deducir la actual conciliación existencial del músico. Consciente o inconscientemente, el ex El Hombre Burbuja no termina de encajar en ningún término o ámbito concreto, lo que le convierte en un tótem de independencia creativa rodeado de inspiración diseminada, algo maldita y a veces casi tan visceral como poética. —raúl julián

HARDCORE /No es descabe-

llado decir que The Bronx son una de las bandas de punk rock más infravaloradas de la última década. V es otra gran prueba de ello, y cualquiera que escuche nuevos temas como los viscerales Sore Throat o Stranger Danger con un poco de atención podrá corroborarlo. Las voces desgañitadas y guitarras afiladas de su estilo tan ácido como directo siguen muy presentes, pero The Bronx siempre van mucho más allá. Este álbum plasma una evolución natural desde su debut publicado hace ya quince años y mantiene el punto más melódico y rocknrollero (Side Effects) que tan bien les funciona con sus registros más frenéticos.

Si tienes el día hardcoreta, te apetece algo más clásico (Channel Islands) o disfrutas con el powerpop (Two Birds) o el garage (Past Away), este disco va a cumplir con tus expectativas. Si no eras fan, lo serás en breves y, si ya les habías descubierto, V va a ser exactamente lo que esperabas: un discazo de principio a fin.

—sofía cuevas gonzález

Teething

We Will Regret This Someday Selfmadegod Records

Ojalá Bella Union/ [PIAS]

5

POP / Lost Horizons co-

necta a Simon Raymonde, ex-bajista de la banda escocesa Cocteau Twins (y dueño de Bella Union) con el batería Richie Thomas, alma de los pioneros de culto del post-rock Dif Juz. Ambos trabaron amistad en los ochenta, aunque entonces no gestaran ningún disco. Tres décadas después, a veinte años de la amarga disolución de Cocteau Twins, se resarcen con una generosa entrega de ese pop preciosista, crepuscular y romántico que definió un momento irrepetible en la música británica. Vocalmente se apoyan en una sugestiva nómina de colaboraciones femeninas, de Liela Moss (The Duke Spirit) a Marissa Nadler, Sharon Van Etten o Karen Peris (The Innocence Mission). El conjunto de setenta minutos se hace por momentos interminable.

La sobreproducción “adulta” es un lastre, en especial cuando mandan las voces masculinas.

Menos mal que aciertos como Score The Sky, The Places We’ve Been, Asphyxia o I Saw The Days Go By, suman. —josé carlos peña

POP / Ángel Stanich, “¿de

dónde sacas tus ideas?”, le preguntaría si pudiera. Y la respuesta sería, aunque seguramente no desvelase ningún misterio insondable, bastante chanante. Como él. Inquieto, irónico y poseedor de un imaginario irresistible. Una de las voces con más personalidad surgidas en los últimos años pasa por la prueba del segundo largo tras una gira interminable y junto a una banda de acompañamiento que hace tiempo que es bastante más que eso.

Antigua y barbuda le retrata como a una verdadera esponja de sonoridades, negándose a ser solo el crooner fronterizo que todos conocíamos. De los sintetizadores de Mátame camión (éxito instantáneo) a la más previsible, pero no menos rotunda, Un día épico. En la cara B están las mayores rarezas (o joyas que ganarán con el tiempo): el delicado autoexorcismo que es Hula Hula o el descoloque total que supone un relato con aroma a transición como Camaradas. Un Stanich efervescente con todo por decir. —bruno corrales

Lost Horizons

V ATO Records/ Warner

8

7

GRINDCORE / Si algo puede reprocharse a las bandas de grind y derivados es, generalmente, el encasillamiento y la escasa variación tanto en temáticas como en ritmos de sus canciones.

El primer largo de los madrileños (¡por fin! tras incontables siete pulgadas y splits desde 2012) llega para confirmar que los complejos y salirse del género es algo que no les importa lo más mínimo.

We Will Regret This Someday es un hostión épico en toda la cara, así que aquellos que presionen el “play” esperando encontrarse blasts arrolladores, guitarras y bajos infernales y a un vocalista con personalidad y muchísima mala baba, van a quedar de sobra satisfechos tras la escucha de los doce temas. Pero la cosa no queda ahí. Teething es violencia pura, pero también un cóctel perfecto de brutalidad accesible, two-steps hardcoretas bailongos y humor negro combinado con amenazas de muerte. Todo así, del tirón, y por si no fuera suficiente ya, con un sonido impecable en la producción. —sofía cuevas gonzález

8

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Michael Head & The Red Elastic Band

Light It Up Rise Records

HARDCORE / El octavo ál-

bum de Hot Water Music ve la luz cinco años después de Exister, disco que confirmó su gran estado de forma tras su anterior separación. Light It Up nos subraya que el regreso iba en serio, ofreciendo un sonido un tanto más refinado y abriéndose a nuevos caminos sin perder la coherencia de su dilatada trayectoria. De hecho, bastan tan sólo unos compases de Complicated, el tema inicial, para percatarnos de que estamos delante de un magnífico trabajo, con las habituales voces rasposas, sus guitarras emblemáticas y esos medios tiempos tan característicos de la banda. Hot Water Music tienen una facilidad innata para crear himnos de la nada, ya sea en Never Going Back o en Rabbit Hole y Sympathizer, dos temas con voces aún más apasionadas que de costumbre. Ni las líneas de bajo decepcionan esta vez, sobre todo en Vultures y Overload, en las que consiguen empastar el complejo entramado armónico de forma brillante. —toni feliu

Cryosleep hfn66

Adiós Señor Pussycat Violette Records

7

POP / El mundo está repleto

de pequeños genios subestimados, así que no perderemos demasiado tiempo recordando los excelentes argumentos que Michael Head acumuló al frente de los soberbios The Pale Fountains, de Shack o The Strands. El mayor paréntesis de mutismo que ha tenido su trayecto (once años desde su último álbum, porque este confirma lo apuntado en el mini Artorious Revisited de 2013) se resuelve ahora con un trabajo jubiloso e inspirado, que oscila entre preciosas baladas al piano (Winter Turns To Spring), madejas de estupendos arreglos (en Picklock registran cota sublime), nuevas y gozosas relecturas del legado de The Byrds (Workin’ Family) o del de Love (4&4 Still Makes 8) y primorosos apuntes acústicos (What’s The Difference). Un disco otoñal, inteligente y rebosante de clase, que debería servir para anclar en nuestra memoria para siempre –y no olvidar jamás– a uno de los grandes artesanos de la canción de las últimas décadas.

—carlos pérez de ziriza

7

ELECTRÓNICA / Kurt Uenala,

ahora como Null + Void, nos ofrece su primer larga duración, publicado por el sello alemán hfn66. Cryosleep contiene diez temas en el que el productor de origen suizo -pero felizmente neoyorquinizado- acoge con elegancia y diestro manejo algunos de los más excelsos y variopintos estilos sonoros que ama: desde el pop sintético de los ochenta hasta el electro detroitiano. Pero hay algo que conecta los diez temas que contiene este Cryosleep y es su inequívoco aire retro-futurista, dark y altamente analógico. Así sustancia un compendio de sonidos viejóvenes que -desde una visión siempre gélida, oscura, maquinal y ciertamente melancólica del asunto electrónico global y del pop- atraerán al oyente sapiente y sorprenderá al profano.

Además, Null + Void se sabe acompañar bien de personajes infalibles como su amigo Dave Gahan de Depeche Mode, junto al que firma Where I Wait, el tema más redondo y accesible del disco. Feliz oscuridad. —fernando fuentes

top 10.

8

Null + Void

DD LJM DC JSL Med

1 Converge The Dusk In Us

9 8 8 8 8,25

2 Berri Txarrak Infrasoinuak

8 8 8 8 8

3 Julio De La Rosa Hoy se celebra todo

8 7 8 8 7,75

4 Fever Ray Plunge

7 7 7 8 7,25

7 9 6 7 7,25 5 Charlotte Gainsbourg Rest 6 Foyone Rico sin denuncia

7 8 7 7 7,25

7 Björk Utopia

7 7 7 7 7

8 Delorean Mikel Laboa

7 6 7 6 6,5

9 Morrissey Low In High School

6 6 5 5 5,5

10 Tulsa Centauros

4 7 6 5 5,5

El disco más completo de Vetusta Morla

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

Hot Water Music

Rabit

Les Fleurs Du Mal Halcyon Veil

Vetusta Morla Mismo sitio, distinto lugar Pequeño Salto Mortal/Sony

6

9 ROCK / “Ha sido mágico haber llegado aquí sin un sólo talismán” canta Pucho en Deséame suerte, tema que abre Mismo sitio, distinto lugar, y esa actitud de reafirmación está presente a lo largo de los diez temas que dan forma al disco más completo y ambicioso que Vetusta Morla hayan realizado hasta el momento. Todo suena grande en este disco. La producción supone un salto de gigante respecto al resto de su discografía y en los escasos cuarenta minutos que dura queda condensado todo lo que la banda ha sido hasta ahora y todo lo que quiere ser a partir de este momento. La primera impresión que ofrece Mismo sitio, distinto lugar es la de una banda que, sin romper con las directrices básicas de un discurso y un sonido que les ha llevado a convertirse en un nombre propio importante dentro del panorama musical nacional (que no teman los fans, aquí sigue habiendo épica y estribillos coreables), decide dejar de lado el posible encorsetamiento en el que podría caer y, de forma consciente, toma la decisión de abrazar el riesgo y llevar al extremo la

intención de abrir su música dando cabida a una exuberancia instrumental y creativa a la que no nos tenían acostumbrados. Hay momentos para el recogimiento y la calma de calidez acústica (23 de junio o Punto sin retorno), hay momentos para la tensión fría y sintética (Te lo digo a ti o El discurso del rey) y hay momentos para el baile y la euforia (La vieja escuela). Hay pianos, sintetizadores, cuerdas, percusiones y mil cosas más, y sobre todo, hay una búsqueda constante por dar una vuelta de tuerca a

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

su sonido habitual. Y todo encaja, todo tiene sentido y todo funciona. Mismo sitio, distinto lugar suena a Vetusta Morla, obviamente, pero la riqueza en los arreglos, el preciosismo en la producción, la cantidad de sonoridades y texturas en cada tema y la evidente búsqueda del riesgo y el inconformismo nos muestran a una banda que, cerrando de alguna manera una etapa en su carrera, abre con este disco una nueva fase en la que multiplican por mil todos sus puntos fuertes. —ricky lavado

ELECTRÓNICA / Aunque en

esta obra el concepto esté por encima de los resultados, la experiencia inmersiva propuesta por el productor Eric Burton no deja indiferente. Quizá porque la influencia de Coil sea demasiando evidente, resulta complicado abrazar esta aventura como algo novedoso. Aceptando esa poderosa conexión, se van sucediendo piezas a base de deconstrucciones rítmicas que buscan un significado más allá de su efecto sónico. Así sucede en cortes como Rosy Cross, en la que las referencias místicas se funden con un aura industrial de poderoso calado metafórico. No siempre llegan a buen puerto las pretensiones descriptivas de formas tan subjetivas. Y más cuando la empresa está profundamente inspirada en la obra más conocida de Charles Baudelaire. Hermosura contemplativa y horror caótico en un descenso, pelín irregular, hacia la esencia de un objetivo alcanzado a medias. —marcos gendre diciembre 2017 #35

MONDOVINILOS

This Drama

Summer Failures Fair Warning/ Venn Records

Delorean homenajean a Mikel Laboa

7

Delorean

Mikel Laboa Elkar

7 HOMENAJE / Cuando oí que Delorean pre-

paraban un homenaje a Laboa ardí de curiosidad por escuchar su propuesta. Me acerqué al Arriaga para su presentación en Bilbao y, como la mayoría de los asistentes, aluciné en colores con el espectáculo de los zarautztarras. Porque Mikel Laboa es una de las grandes figuras de la cultura vasca y el músico más relevante e influyente de la historia de Euskal Herria: cantautor avant garde, poeta, médico y activista en favor de la libertad. Y porque Delorean son una banda en incansable proceso de creación y experimentación, y nunca dan puntada sin hilo. Ahora lanzan la version discográfica de aquel proyecto concebido para el directo con el mismo espíritu desafiante, poético y vanguardista. No es un disco de versiones, es un homenaje. Sí, hay palabras, pero que nadie espere un recopilatorio navideño ni un disco de canciones. Delorean rescatan

Anti-Flag

Marina Gallardo

American Fall Spinefarm Records

6

pUNK / Los de Pittsburgh

vuelven con un álbum que destila un tono más positivo que sus predecesores. Buena culpa de esto la tiene la producción de Benji Madden (Good Charlotte), que ha otorgado un carácter más radio friendly a algunos de los cortes del álbum (Trouble Follows, Finish What We Started, Racist).

Los nostálgicos del sonido más crudo quedarán contentos con Liar y Digital Blackout, que prueba además que la combinación de la voces más agudas y rasgadas del frontman Justin Sane y el bajista Chris #2, repectivamente, sigue funcionando. Además, el sello AntiFlag de riffs adictivos y estribillos coreables sigue bien presente en cortes como Criminals e incluso nos encontramos con un ska al más puro estilo Rancid en When The Wall Falls. Además de sus clásicos ataques a políticos, corporaciones, fanáticos y racistas, en este disco hacen guiños a temas muy presentes estos últimos años como el movimiento Occupy Wall Street o las personas trasgénero.

—sofía cuevas gonzález #36 diciembre 2017

las sonoridades enigmáticas e hipnóticas del maestro para atraerlas hasta este siglo, desarrollando un estudio de investigación musical insólito y de altísimo valor. Privilegiados ellos, por tener acceso a las cintas originales del fundador de Ez Dok Amairu y licencia para jugar con ellas a placer.

Privilegiado el oyente, por disfrutar del legado de Laboa desde esta perspectiva en

pOP / De nuevo con la

ayuda a los controles de Raúl Pérez en La Mina (Sevilla), Marina Gallardo deja muy atrás ya cualquier guiño a la tradición folk para ahondar en un pop subyugante y de texturas evanescentes, que acaricia los sentidos en Vanishing Fears, Moonphases o Flowers. Pese a ello, no vayan a pensar que se trata de un simple brindis al sol con coartada dreampop, sumido en la placidez y la autocomplacencia que destilan otras maniobras similares: las guitarras disonantes que cortan como el filo de una navaja la atmósfera etérea de White Glare, el ritmo sincopado de Beach Sand o el bajo cavernoso que preludia los encantos de Touch (que tanto recuerda a los Cocteau Twins y a otras formaciones de la 4AD de finales de los ochenta) son notas de disrupción que nos recuerdan que la de Puerto de Santa María sigue transitando por una vía ajena a lo convencional. Combinando dulzura e inquietud, luces y sombras, en una magnética ecuación.

—carlos pérez de ziriza

—guille calleja

Philip Selway

The Sun Rises In The Sky And I Wake Up Foehn

7

una aventura mágica. Los fans puristas del Laboa cantautor acérquense a esta obra recordando al poeta, al músico, al creador.

Los oyentes curiosos que flipen con este disco, no tarden en acercarse a la discografía de Laboa: incompresiblemente BatHiru no aparece en las listas de Mejores Discos del Siglo XX de NME ni de Pitchfork.

BANDA SONORA / A pesar de quedar a la sombra de sus compañeros Thom Yorke y Jonny Greenwood, el batería Philip Selway ha construido una carrera en solitario como cantautor con un par de álbumes de sonido más convencional y ligero al que trabaja con Radiohead. Su banda sonora para el filme Let Me Go puede entenderse como una extensión de este sonido orgánico entre el folk, el art rock y el pop barroco que ha ido cultivando, pero en general a uno le da la sensación de que el músico no ha querido correr riesgos y tímidamente se ha refugiado en terrenos conocidos. Para ser su primera banda sonora, Selway ha sabido crear un conjunto de temas interesante, con una colorida paleta instrumental y momentos cercanos al clásico contemporáneo, pero en ocasiones se deja llevar demasiado por el dramatismo vacío y no aporta nada excesivamente original. Este carácter hace que haya espacio tanto para la originalidad como para la indecisión. —martí juan batet

cada y riffs musculosos. Así son en estudio This Drama, empeñados en servir su punk’n’roll en pequeñas dosis, sin tregua para el oyente. Summer Failures son cinco temas, en la onda del también breve pero intenso The Wasted Youth, publicado hace cinco años. Si en anteriores trabajos estuvieron bajo las órdenes de sus ídolos Joby Ford (The Bronx) y Jay Jago (The Ghost Of A Thousand), This Drama han grabado esta vez con Scott Middleton, el guitarrista de sus admirados Cancer Bats. El músico y productor canadiense realiza un trabajo impecable, respetando al máximo la esencia del arrollador quinteto y potenciando sus principales virtudes. La personalidad de esta explosiva banda canaria, con más de diez años de experiencia y las ideas muy claras, pesa mucho.

Diría que solamente se salen del guión esperado en el estribillo Poverty Year, sobre todo por el aporte vocal de un Danko Jones transformado en una suerte de Axl Rose. —luis benavides

Dead Lord

Colleen

In Ignorance We Trust Century Media

Let Me Go Bella Union/ [PIAS]

5

HARDCORE / Energía desbo-

METAL / Desde los países nórdicos nos llegan cada vez más novedades musicales.

Aunque, de novedad, esta banda tiene más bien poco. Grabado en Madrid durante la primavera pasada, In Ignorance We Trust es el tercer larga duración de estos cuatro músicos, cuya calidad como banda ha ido creciendo poco a poco. Con un sonido que se acerca más a las décadas de los setenta y ochenta, los suecos han sabido llegar al público con una propuesta actual de corte vintage (sirva como resumen The Glitch, en la que la voz de Hakim Krim se torna ronca y los instrumentos sucios). Su fuerte quizás sean la gran cantidad de riffs adictivos un cierto eclecticismo que les permite bajar de revoluciones con un tema pausado y sosegado como Part Of Me o cerrar el disco con una pieza perfecta como punto y final como Darker Times. —ana lópez

6

A Flame My Love, A Frequency Thrill Jockey

7

ELECTRÓNICA / La pres-

tigiosa francesa Cécile Schott, Colleen, nos entrega este nuevo álbum a través del cual reflexiona -desde su personalísima e inquieta visión de la electrónica- sobre la moralidad. Lo hizo inmersa en los terribles atentados de París del 2015, que fue cuando dio forma a la gran mayoría de estos ocho temas. El caso es que ese pop ensoñador y ambiental al que nos tenía acostumbrados aquí muta en otra cosa y nos topamos con una colección de canciones en las que la experimentación -entendida desde una base clásica y siempre escapista- es lo que predomina y manda. Acompañada del sonido de una viola de gamba (afinada como una guitarra), de un sintetizador y un Moog -casi exclusivamente- Colleen ha construido un desasosegante arpegio permanente en el que su voz dulcifica el trago y lo humaniza, casi de forma necesaria y hasta exigible. Another World o November podrían ser consideradas piezas clásicas contemporáneas.

—fernando fuentes

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17 ANIVERSARIO RAZZMATAZZ

Del 21 de octubre al 16 de diciembre

BELAKO KALEO MICAH P. HINSON MIRANDA! MOUNT KIMBIE OMAR SOULEYMAN PUSSY RIOT DJ SET (NADYA) SAINT ETIENNE SATELLITE STORIES SURFIN’ BICHOS tocando “Hermanos Carnales” TIGA TROMBONE SHORTY

30DROP ABU SOU ALGAR & SOY UNA PRINGADA AMABLE BALDO CARLOS BAYONA DJ DANI PATCH DJ LUI DJ2D2 DJOHNSTON DOWNITES FLACA GATO GON INDIESPOT JON & MONIQUE LA BRITNEY CALVA LATZARO LKGT LOWLIGHT MAADRAASSOO MR K & LEY DJ OTRS PAU ROCA PEROTUTEHASVISTO PURITO Y SU COMBO SANATRUJA SHAWN REYNALDO SIRIA DJ TONER UNDO WILL BLAKE YLIA YYMHDJS

T I C K E TS :

SALARAZZMATAZZ.COM

Estrella Damm recomienda el consumo responsable. 5,4º

ABDULLA RASHIM live ALLAN RAYMAN ANDHIM ARNAUD REBOTINI live ASQUITH AVALON EMERSON BABA STILTZ BUFIMAN CALL SUPER CORA NOVOA DASHA RUSH DAVID CARRETTA DEENA ABDELWAHED DENIS SULTA DJ BORING DJ HELL DJ ROSA PISTOLA DJ SEINFELD ENDLEC ESTRONS FORT ROMEAU FUNCTION live GERD JANSON HARRI & DOMENIC HEADLESS HORSEMAN live JACQUES GREENE live A/V KEN ISHII KORNÉL KOVÁCS LAIBACH LOW ROAR MIKE DEHNERT MON LAFERTE NADIA ROSE NICK HÖPPNER NINOS DU BRASIL live NTHNG OCTO OCTA live OTHERKIN PHILOU LOUZOLO SASCHA FUNKE SHED live SHIFTED SLAM SPRING KING TALISTO THE DARKNESS + BLACKFOOT GYPSIES TOKIMONSTA TOUCH SENSITIVE UNIIQU3 VENGA MONJAS VESSELS VLADIMIR IVKOVIC VOLCOV VOLVOX WAZE & ODYSSEY FRACTAL FANTASY: SINJIN HAWKE & ZORA JONES INTIMATE JOURNEYS: SADAR BAHAR JOURNEYS: JEREMY UNDERGROUND + PALMS TRAX SOULECTION: J.ROBB + STARRO + EVIL NEEDLE + HANNAH FAITH

Benjamin Clementine

Foyone

Rico sin denuncia Autoeditado

I Tell A Fly Behind/ EMI

POP / Meses atrás, antes de viajar a Estados Unidos, Benjamin Clementine prestó atención a su pasaporte: “An alien of extraordinary abilities”, dictaba -accidentalmente– el documento.

A lo que el músico llegó a una conclusión: todos somos extraterrestres. ¿Excéntrico? Si uno se pone en antecedentes… Paranormal era su historia en la calle y metros de París; de otro planeta fue su debut (At Least For Now, de 2015); y todavía más marciano ha sido su regreso. Más allá del debate, que su nuevo álbum no rehuye, sobre el porqué de las fronteras y qué hace que seamos tratados como aliens (extraños) por tener o no papeles de residente, I Tell A Fly no hace otra cosa que demostrar que el sentido de la normalidad para Clementine es distinto al del resto de humanos. El músico británico gira de nuevo la manivela, y complica la fórmula con más vanguardia: spoken word, pianos psicodélicos y arreglos cortesianos. Un trago denso pero, una vez digerido, provechoso.

8

—yeray s. iborra

7

RAP / Hace tiempo inclui-

mos a Foyone en nuestro reportaje sobre rap underground como una de las mayores promesas de rap nacional. Hoy podemos decir que ha dejado atrás esa etiqueta. Y lo ha hecho dando un ejemplo de cómo debe forjarse un buen disco de rap. Desde la intro al último tema pasando por los feats (Kase-O, Ayax, Prok, N-Wisse y Akapellah), pero sobre todo por la variedad de registros con los que juguetea. El malagueño da una lección de elasticidad rapeando sobre todo tipo de instrumentales, aunque la mayor virtud de este disco es haber conseguido adaptar el rap clásico a los nuevos tiempos. Suena antiguo pero actual. Es un flashback del rap noventero con las virtudes de la libertad de la música actual. Y en eso debe dar las gracias a su productor Sceno, magnífico también en su labor de proporcionar a Foyone el vehículo perfecto para cada momento del disco. Su figura está en alza y él ya lo avisaba: “Para el 2020, Foyone presidente”.

Va por buen camino. —alfonso gil Quicksand

The Pains Of Being Pure At Heart

Interiors Epitaph/[PIAS]

The Echo Of Pleasure Painbow

7

POP / Hace ya ocho años,

The Pains Of Being Pure At Heart irrumpieron en la escena musical con unas canciones que sonaban a gloria para todos los que amamos las guitarras y las melodías pop. Su álbum homónimo tenía claras reminiscencias shoegaze, teclados burbujeantes y sobre todo estribillos absolutamente exultantes. Belong fue una más que notable continuación, pero con el tercer álbum llegó la desbandada. Hoy en día, apenas queda rastro de las influencias shoegaze, y los Pains son el grupo de Kip Berman, líder y cantante. Y si Days Of Abandon (14) fue publicado poco antes de casarse, The Echo Of Pleasure ha sido compuesto en los primeros meses de su paternidad. Nos encontramos, por tanto, ante el disco más radiante y feliz del grupo hasta la fecha. Sí, por el camino se ha perdido el nervio y el ímpetu de antaño, pero a cambio el sonido es más sólido y compacto, a ratos envolvente. No es un disco perfecto, pero sí de notable alto.

—miguel díaz herrero

8

ROCK /Walter Schreifels y

compañía cocinaron este tercer trabajo en la más absoluta clandestinidad. Por no tener, cuando empezaron las grabaciones no tenían ni sello, que para eso ya tendrían tiempo. Primero querían ver si podían recuperar la química (y la física) de sus dos trabajos anteriores, Slip y Manic Compression, publicados en el 1993 y el 1995 respectivamente.

Y vaya si la conservan. Interiors incluye varios temas marca de la casa como Illuminant y Warm And Low, trallazos pesados con esas guitarras machaconas de la escuela Helmet. El collage de la portada y de los vídeos da una buena idea de la profundidad del disco, un trabajo con muchos medios tiempos, con capas y más capas. Puede que Vega siga tocando el bajo con la misma energía de siempre, pero Walter ha suavizado con los años tanto su registro vocal como las letras de sus canciones. No podemos pedir más a Quicksand. Bueno, sí, que no tarden otros veintidós años en sacar otro disco. —luis benavides

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Dos hermanas camino al estrellato Ibeyi

Ash XL/Popstock!

8 POP / Mucho han cambiado las cosas para las hermanas Lisa-Kaindé y Naomi Diaz.

Su debut homónimo de hace dos años enamoró a la prensa y a la crítica francesa (ellas tienen sangre cubana aunque desde jovencitas viven en nuestro país vecino), pero es que hasta la propia Beyoncé les llamó para que participaran en Nueva Orleans en el rodaje de parte de su álbum visual Lemonade. A diferencia de su puesta de largo, la cual estaba dedicada a una tercera hermana y a su padre fallecidos, Ash es un trabajo mucho más luminoso, accesible sonoramente (I Wanna Be Like You o Deathless, con la ayuda en el saxofón de Kamasi Washington, dan fe de ello) y temáticamente mucho más alegre.

Pero es que además de cantar por vez

primera en español en Me voy junto a ni más ni menos que a Mala Rodríguez, este es un disco de marcado carácter feminista (No Man Is Big Enough For My Arms) en el que también aprovechan la ocasión para denunciar el racismo que aún impera en buena parte de nuestra sociedad (por ejemplo, en la emocionante Transmission/ Michaelion, en la que Meshell Ndegeocello se apropia incluso de las palabras de Frida Kahlo). Clasificarlas sigue siendo todo un reto porque aúnan pop, soul, jazz, electrónica y hasta retazos de la cultura yoruba casi sin pestañear. No obstante, las conocieras o no de antes, no podrás escapar fácilmente de la belleza de temas como Waves o Away Away. Progresan mucho más que adecuadamente teniendo en cuenta que aún siguen siendo jovencísimas. —sergio del amo

diciembre 2017 #39

MONDOVINILOS

Penguin Cafe

The Imperfect Sea Erased Tapes/ Gran Sol

MINIMALISMO / En 2009 Arthur Jeffes retomó la idea original de su padre Simon con la Penguin Cafe Orchestra, siendo fiel a su legado musical, pero con su propia personalidad.

Este es su tercer trabajo y el más convincente. Junto a Arthur, que compone, toca piano y múltiples instrumentos, nos encontramos con una decena de músicos, entre ellos Neil Codlind (ex-Suede) y Cass Browne (Gorillaz). Este trabajo contiene nueve instrumentales repletos de arreglos minimalistas que van creciendo armónicamente y que se hacen más agradables cuanto más se escuchan. Ricercar recupera imaginativamente la herencia recibida, la barroca Cantorum o la emocional Control 1 (Interlude) son muy cinematográficas, Half Certainty es más ambiental y Protection tiene aires celtas. Pero debemos destacar Franz Schubert de Kraftwerk, y Wheels Within Wheels de Simian Mobile Disco, dos temas electrónicos reconstruidos de manera creativa y orgánica. —miguel amorós

7

En el foco de la electrónica Kaitlyn Aurelia Smith

The Kid Western Vinyl/Popstock!

8

electrónica / No es de extrañar que la investigadora electrónica Kaitlyn Aurelia Smith sea capaz de hacer un disco a medias con la pionera Suzanne Ciani y estar a la altura. Los caminos labrados por la norteamericana se despliegan en un vibrante discurso aplicado a la reformulación de las aplicaciones sónicas del sintetizador, lo cual deja de manifiesto en su obsesiva investigación de las posibilidades del Buchla 100. Los resultados de sus repetidas experimentaciones han ido gestando una

#40 diciembre 2017

trayectoria al alza que ha encontrado su primer punto de referencia esencial en The Kid o cómo sonaría Fever Ray de estar perdida en una jungla oriental atiborrada de cascadas de sonoridades desconocidas. Y es que Smith pertenece a esa estirpe de mentes electrónicas que, partiendo de la labor de las trabajadoras de Radiophonic Workshop en los años sesenta, se enfrenta a la creación bajo una ley no escrita de deformar las texturas y los tonos hasta volatilizarlos en una rúbrica totalmente personalizada. Eso sí, su conexión con inventoras como Daphne Oram o Delia Derbyshire es más actitudinal que otra cosa, que Smith traduce entre perfiles de caligrafía pop. De esta canalización brotan flores extrañas como An Intention, In The World o In The World, But Not Of The World.

Sin nada que envidiar a grandes como Julia Holter o la renacida Björk. —marcos gendre

Liima

1982 City Slang

6

POP / Liima nace de la

unión entre el grupo danés Efterklang y el percusionista finés Tatu Rönkkö, consolidada definitivamente como proyecto estable con el lanzamiento de su segundo disco 1982, un caleidoscopio sónico con una cantidad de información por momentos mareante condensada en poco

más de media hora. En 1982, los más diversos enfoques de la música electrónica se unen con las influencias más insospechadas: hay coqueteos con el R&B, hay desarrollos instrumentales que hacen pensar en Steve Reich y hay bases gruesas de hip hop.

Hay baladones de aires soul, hay pop luminoso y sobrevuela todo el álbum la alargada sombra de la trilogía de Berlín de David Bowie.

En definitiva, 1982 es un disco que requiere de bastantes escuchas para apreciar todo lo contenido en él. —ricky lavado Jorra i Gomorra

Música sèria Bubota Discos/The Indian Runners

7

POP / Josep Ramon Santia-

go Peset es Jorra Santiago, una de las figuras más activas y entrañables de la escena musical mallorquina. Incombustible e incontinente creativamente, en la hoja de servicios de Santiago figuran sus experiencias con proyectos como Miquel Serra, Roig!, Saïm, Manfel, Pujà Fasuà, Lost Fills... Jorra i Gomorra (Santiago junto a Carlos Òscar Gómez y Daniel Héctor Gómez) es su empresa más personal y Música sèria su puesta de largo. Aunque no es un disco completamente nuevo. Firmando simplemente como Jorra Santiago y con el mismo título, el mallorquín ya publicó en 2015 la mayoría de estás canciones. Con la ayuda de Pep Toni Ferrer (Oliva Trencada) a la producción, lo que ha hecho ahora ha sido acabar de modelar su pequeña obra maestra. Con The Beach Boys y Guided

By Voices como influencias en lo musical y Quimi Portet como referente en unas letras que destilan humor de tintes surrealistas, Música sèria es un muy buen disco de indie rock de melodias luminosas. —oriol rodríguez

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Alex Cameron

Transplants Take Cover Autoeditado

Forced Witness Secretely Canadian/ Popstock!

7

POP / Existen infinidad de

maneras de explicar las cosas que pasan por la mente. Pero, de entre todas ellas, encuentro la más atractiva y curiosa aquella que juega con la dualidad y el contraste, un modus operandi que Alex Cameron escogió para forjar Forced Witness. El segundo disco del ahora dúo australiano se construye bajo un concepto claro: el choque entre el contenido y la forma. A pesar de no ser el recurso creativo más singular, Alex Cameron nos hace pensar que esta técnica es la que mejor refleja sus intenciones musicales. Forced Witness es un canto a la crueldad humana y a los desajustes de la sociedad y de ello son ejemplo los nudillos sangrientos de Run Out Of Luck, las dulces y amargas mentiras de True Lies o el desesperado desamor de Stranger’s Kiss. Narrativas oscuras y pavorosas que, en vez de estar protagonizadas por cadencias menores y melodías sombrías, tienen como marco un pop-rock bailable de melodías infecciosas y una extraña energía positiva. —raquel pagès

4

La selección

HARDCORE / El supergrupo

formado por Travis Barker, Skinhead Rob y Tim Armstrong siempre se ha presentado como una mezcla entre street punk, ska y rap y ha conseguido facturar canciones tremendamente pegadizas y coreables. Esta vez, el trío se queda algo corto en originalidad y tampoco parece que conseguirla haya sido su propósito en ningún momento. Won’t Be Coming Back es el único tema nuevo y le acompañan cinco versiones que, salvo una excepción, no se alejan demasiado de las originales ni aportan nada realmente novedoso. Sus influencias están claras y las covers abarcan el UK punk de The Violators, el ska de Madness o el hip-hop de Beastie Boys. Todo bastante previsible, hasta que llegamos a una versión gritada casi en su totalidad de Nothing But A Heartache de The Flirtations, una banda femenina de R&B de los sesenta. ¿Era necesario este EP? Posiblemente no, pero nunca pensamos en Transpants como una banda que fuera a cambiarnos la vida. —sofía cuevas gonzález William Patrick Corgan

Clip

Magnetic Reconnection Seeking The Velvet

Ogilala BMG

El disco del año de metal Amenra

8

ELECTRÓNICA / Eduard

Tarradas, más conocido como Clip, es un músico libre, magistral, que va a lo suyo y al que la madurez le sienta bien.

Así lo refrenda con este notable álbum que tenemos entre manos y oídos. Sorprende que no haya ni rastro en este nuevo disco del house underground -en el que tan a gusto se encontraba antes- y, saliéndose felizmente de madre, ande empecinado en la consecución de un techno dronero, distópico y futurista en este Magnetic Reconnection que le publica Seeking The Velvet, el sello de Cora Novoa.

Son ocho temas que deben ser escuchados en la secuencia prevista por Clip. Todo ello compone un relato, en palpitante movimiento, en el que campa un techno detallista hasta la obsesión, amanuense y de verdad, que sabe recoger las viejas esencias para resituarlas en un lugar mutante -crudo, peligroso y ajeno a postureos y comercialismos- perfectamente propicio para ello. —fernando fuentes

ROCK / Tras dar unos cuantos palos de ciego como Billy Corgan (el desvaído The Future Embrace, de 2005) y al frente de Zwan, el alma mater de Smashing Pumpkins recurre ahora a su nombre completo para investir de aura confesional once canciones desnudas, apenas sustentadas en piano y guitarra acústica, producidas por Rick Rubin. Corgan no es Johnny Cash, claro. Ni Tom Petty. Ni siquiera Neil Diamond.

Y aunque la producción deja que todos los elementos fluyan con naturalidad (las precisas cuerdas de temas como Half-Life Of An Autodidact), no hay nada en este compendio de baladas pianísticas y medios tiempos acústicos – compuestas a lo largo de los últimos años y asignadas a este álbum por no encajar en otras entregas – que apunte a lo memorable, o que siquiera confirme el repunte esbozado en Monuments To An Elegy (2015), el último disco de los Pumpkins. Un trabajo digno pero irrelevante, diríase que para consumo exclusivo de fans completistas. —carlos pérez de ziriza

Mass VI Neurot Recordings

5

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9 POST-METAL/ Decía Ulver con aire enigmáti-

co que el silencio nos enseña a cantar. En el caso del ya célebre conjunto belga Amenra, resulta sumamente impactante la literalidad, precisión y contundencia de estas palabras. Ese silencio no sólo se explica en clave temporal –se cumple media década desde su último lanzamiento de estudio, Mass V (12)–, sino que también por el sobrecogedor aire de tragedia que exhala su nueva incursión sonora. Siguiendo una inquietante e imperturbable rigidez formal, este Mass VI consigue doblar una vez más el interés en una banda que logró cosechar su popularidad en los círculos más underground del metal a través de su ritualidad escénica, que en esta ocasión ha logrado tornarse más sombría y agónica que nunca.

Es cierto que el hermetismo que envuelve a la banda nos impide sacar conclusiones sobre hechos particulares de sus vidas, pero tampoco son necesarios para poder percibir las fuertes dosis de dolor y realidad que supuran sus nuevas composiciones, teñidas de una profunda sensación de pérdida y

melancolía. Amenra vuelven a su habitual paleta sludge de gran simplicidad rítmica y ejecución lenta, pero su enfática obstinación en riffs de carácter decadente y la inclusión de líneas vocales limpias –muy probablemente rescatadas de su acústico Afterlife (11)– reflejan una nueva sensibilidad en la que se aborda el horror de la soledad, la enfermedad y la muerte desde la perspectiva de aquel que no tiene nada que perder.

Con todo, no deja de ser sorprendente que Mass VI alcance semejante grado de intensidad en tan sólo cuatro temas. Y es que observando composiciones como Children Of The Eye, Plus près de toi o la desesperanzadora A Solitary Reign, de una progresión demoledora y asfixiante, no cabe duda de que esta obra singular es uno de los ejercicios más sorprendentes y catárticos jamás dados en la –ya no tan– breve historia del post-metal, género que se ha situado como la auténtica vanguardia de la música extrema dada su inextinguible capacidad de reinvención.

—fernando acero

diciembre 2017 #41

2017

LOS MEJORES CÓMICS internacionales

2

3

Los Cuadernos de Esther.

Historias de mis diez años

La levedad

Riad Sattouf

Impedimenta

Catherine Meurisse

Sapristi

Historietas O

jalá tuviésemos veinte o treinta puestos en esta lista.

No bromeo. Mientras en otros ámbitos la gente suele quejarse de que falta nivel, en el mundo de la viñeta no faltan las obras interesantes. Y vienen de allí, de allá, de más allí y de más allá. Hemos seleccionado diez títulos de lo más variopinto, todos ellos apetecibles, pero se nos queda mucho en la recámara. Desde el volumen integral del personal Arsene Schrauwen de Oliver Schrauwen hasta la fantástica recopilación de Mort Cinder de Oesterheld y Breccia o la también recuperada Alack Sinner de José Muñoz y Carlos Sampayo. Y podríamos continuar con Piruetas de Tillie Walden, Una hermana de Bastian Vivés, Un policía en la luna de Tom Gauld, la imaginativa El día más largo del futuro del argentino Lucas Varela, el tercer volumen de El árabe del futuro de Riad Sattouf o los imprescindibles mangas Bajo un cielo como unos pantis de Shun Umezawa, Ulma en su torreta de Izu Toru, Innocent de Shinichi Sakamoto o la recuperada Blame! de Tsutomu Nihei. —joan s. luna

Además de subrayar el peso de Sattouf como retratista de la diversificada sociedad francesa actual, el primer volumen de las historias de esta niña parisina nos descubre que el mundo es algo en cambio constante y que Esther casi podría ser un personaje de carne y hueso. Divertidísimo. —enrique gijón

1 El club del divorcio Kazuo Kamimura ECC Ediciones Premiado este mismo año en Angoulême, El club del divorcio es una obra (en dos tomos) magna del seinen y en este caso del gekiga que destila emotividad y refleja los entresijos y prejuicios –clasismo, doble moral, machismo...– de la sociedad japonesa de su momento (mediados de los setenta) con extrema fidelidad. —joan s. luna

La dibujante Catherine Meurisse cuenta en esta emotiva y agridulce obra cómo purgó a través del arte los sentimientos y sensaciones posteriores a la masacre de Charlie Hebdo, de la que fue superviviente y en la que perdió a amigos y compañeros. Un cómic mitad testimonio, mitad terapia.

—alex serrano

4

5

Green Lantern Presenta: Omega Men

El Arte de Charlie Chan Hock Chye.

Tom King/Barnaby Bagenda

Sonny Liew

ECC Ediciones

Dibbuks

¿Terroristas o héroes? La revisión del guionista Tom King (que estuvo trabajando para la CIA en Iraq) y el descubrimiento de Barnaby Bagenda (parecido al gran Michael Kaluta) nos trae una historia de superhéroes espaciales diferente, tan parecida a la situación en Oriente Medio como extrema. —manu gonzález

Falso biopic al estilo de historias como Zelig (de Woody Allen) en la que se repasa la historia política más funesta de la desconocida Singapur y también es una gran carta de amor al noveno arte. Desde Tezuka a Tintín, la historia de Charlie Chan ha ganado el Eisner a la mejor novela gráfica del año. —manu gonzález

6

7

8

9

10

Oscuridades programadas

La mujer de al lado Yoshiharu Tsuge

Black Hammer: Orígenes secretos Jeff Lemire/ Dean

Shangri-La

Sarah Glidden

The Wicked + The Divine: el acto fáustico Kieron

Salamandra Graphic

Gallographics/Gallo Nero

Ormston/Dave Stewart

Dibbuks

Mathieu Bablet

Gillen/Jamie McKelvie/ Matthew Wilson Norma

Astiberri Dibujante y periodista, Sarah Glidden demuestra que todavía existe honestidad en el periodismo (un periodismo que, en la obra, vemos desarrollarse). Lástima que, tras leer estas crónicas, nos quede la sensación de que entender el mundo que nos rodea es abrumador, y reflejarlo más complicado de lo que imaginamos. —joan s. luna

#42 diciembre 2017

La tristeza y los sinsabores de la existencia del propio autor se desgranan magistralmente en seis historias (prot)agonizadas por seres hundidos en la miseria moral y el hastío, con la delicadeza habitual del autor (también sumido en una profunda crisis) y ese Japón en pleno cambio social.

—octavio botana

Puede parecer complicado, a veces, enfrentarse a un cómic “de superhéroes”, pero es que calificar este volumen de esa manera se hace osado. Porque aquí, tras un espléndido dibujo y un trabajo al color espléndido, hay mucho más. Una deslumbrante obra llena de personalidad. —eduardo izquierdo

Un espacio nada idílico dominado por megacorporaciones sirve como escenario a este ejercicio de ciencia-ficción postapocalíptica con naves y espectáculo estelar que aprovecha para abordar asuntos tan presentes como la xenofobia o el consumismo con un tono, por cierto, muy poco esperanzador.

—alex serrano

Fama, adoración y cultura pop. Los dioses actuales ya no se veneran en los templos, sino en la multitud de un concierto. Kieron Gillen y Jamie McKelvie suman colaboración después de trabajar juntos en Jóvenes Vengadores y Phonogram. Y la música vuelve a tener un protagonismo inusual. —montse galeano

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LAS MEJORES PELÍCULAS internacionales

En pantalla A

unque la cantinela sobre eso de que ya no se hacen películas como las de antes va a seguir hasta el fin de nuestros días, aquí somos gente entusiasta y nos vamos a seguir mojando en el sentido contrario: cada año hay un buen puñado de filmes que, probablemente, serán clásicos con el paso del tiempo. Elegir solo diez es difícil, así que vamos a utilizar estas líneas para enumerar los que se han quedado fuera.

En Europa brillan con luz propia la causticidad y locura de Toni Erdmann de Maren Ade y la fábula chaplinesca El otro lado de la esperanza de Aki Kaurismäki. En Estados Unidos dos títulos que denuncian con contundencia a la América racista: el documental I’m Not Your Negro y la asfixiante Detroit de Kathryn Bigelow.

Y tres perlas que se acercan al género fantástico de forma muy personal: A Ghost Story de David Lowery, Madre de Darren Aronofsky y La seducción de Sofia Coppola. Mención especial para el cine coreano con las trepidantes Train To Busan y El imperio de las sombras. —xavi sánchez pons

1 Déjame salir Jordan Peele Peele construye, alrededor de la experiencia de ser negro en la Norteamérica contemporánea, un thriller de horror psicológico que consigue ser claustrofóbico sin necesidad de sótanos oscuros ni luces parpadeantes. Y no busca ni renuncia a la perspectiva histórica: explica el (a veces sutil) racismo actual a través de ella.

—dario garcía coto

2

3

La vida de calabacín

Dunkerque

Claude Barras

Christopher Nolan

Frente a la tendencia generalizada a agilipollar y sobreproteger a los niños, La vida de calabacín convierte a los menores en seres racionales y sensibles, abrumados por una sociedad inmisericorde con el débil. El mejor drama dickensiano del año hace que te hartes de llorar… y que salgas del cine siendo mejor persona.

—rubén romero santos

La apuesta de Christopher Nolan para la cartelera veraniega fue un film bélico de grandes dimensiones en el que el director resta importancia a sus juegos narrativos para crear una experiencia cruda y opresiva como pocas. Dunkerque va más allá del simple homenaje a los vencedores: es, en el nivel más básico, una historia sobre la supervivencia humana. —martí batet

4

5

Un cadáver para sobrevivir

The Disaster Artist

Dan Kwan & Daniel Scheinert

James Franco

Debut en la dirección de largometrajes de Daniel Kwan y Daniel Scheinert, Swiss Army Man es irreverente y libérrima, pero sobre todo sorprendente. A través de la relación de amistad entre un náufrago y un cadáver flatulento hace de la escatología poesía. Excelentes Paul Dano y Daniel Radcliffe.

El arte creado por accidente y con torpeza puede ser tan bueno y respetable como el serio. Y eso es lo que explica, muy bien, esta película dirigida y protagonizada por James Franco sobre el genio loco de Tommy Wiseau y esa cumbre del cine lisérgico que es The Room.

Una comedia meta-cinematográfica con la que ríes, lloras y te enfadas.

—j. picatoste verdejo

—xavi sánchez pons

6

7

8

9

10

En realidad nunca estuviste aquí Lynne Ramsay

Your Name

Manchester frente al mar

Crudo

It

Makoto Shinkai

Kenneth Lonergan

Julia Ducournau

Andrés Muschietti

Tras el desasosiego que nos causó Tenemos que hablar de Kevin, Lynne Ramsay vuelve a poner el dedo en la llaga con este neo-noir abstracto, conciso y eléctrico sobre la dificultad de mantener la cordura en situaciones límite y el lado oscuro de los políticos que dirigen el mundo. Una instantánea pesadillesca del aquí y ahora que te deja sin respiración. —xavi sánchez pons

Your Name (Kimi No Na Wa) es el mayor taquillazo nacional e internacional de Makoto Shinkai hasta la fecha, quizás porque el japonés equilibra como nunca sus dos virtudes principales: su romanticismo (a veces adolescente, a veces más dramático) y un dibujo fantástico, de una sutileza y belleza sorprendentes.

Lee Chandler (Casey Affleck) es un hombre que debe enfrentarse como puede a un pasado trágico que pesa como una gran losa de piedra.

Debe salir adelante junto a su sobrino pese a un corazón hecho escombros y a la dificultad de dejar que sus sentimientos salgan a la superficie. Y ahí Affleck lo borda con su contención siempre al filo. —joan s. luna

Crudo es una película fuerte, muy fuerte, que nos deja algunas escenas para el recuerdo, pero su onda expansiva va mucho más allá al tratar temas como la educación que reciben los jóvenes. Los actores (sobre todo las dos protagonistas y su compañero de cuarto) y su retorcido guión son el timón de esta locura dirigida por la joven cineasta francesa Julia Ducournau. —toni castarnado

Pocos autores han sido llevados al cine tantas veces y con resultados tan desiguales como Stephen King.

De hecho esta es la segunda vez que se adapta el libro o, para ser más precisos, tan solo una parte –habrá una segunda- y con muchas licencias, pero lo cierto es que la caracterización de Pennywise es tan potente que se le perdonan todas las pegas. —don disturbios

—joan s. luna

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diciembre 2017 #43

LOS MEJORES libros musicales

Léeme H

ace tiempo que hemos dejado de sentir envidia de la sección de títulos musicales de las librerías londinenses. El género se ha consolidado en nuestro país y ya no hay novedades destacadas que no se traduzcan.

Pero vayamos por partes. Son infinidad los libros que se han escrito sobre los años del punk, pero nunca antes habíamos tenido la visión femenina de aquella historia. Ese es uno de los principales valores de Ropa música chicos, la excepcional autobiografía de Viv Albertine de The Slits. Capítulo, el de los relatos en primera persona, en el que este 2017 también han destacado Testimony de Robbie Robertson, En busca de aquel sonido de Ennio Morricone y La desesperación de los simios… y otras bagatelas de Françoise Hardy. Y aunque sus autores no sean estrellas del rock, no podían faltar En busca de los libros perdidos, el descacharrante cuento personal de Eric Spitznagel o La fábrica de hacer canciones con el que John Seabrook nos ha descubierto cómo se gestan los éxitos. —oriol rodríguez

1 Ropa música chicos Viv Albertine Anagrama Conocida esencialmente como guitarrista de The Slits, Albertine formó parte de ese selecto grupo de inadaptados que en un primer momento dio forma al punk británico.

Pero su éxito como narradora radica en su capacidad para explicar vivencias con una naturalidad que poco tiene que ver con las estrellas del rock. —luis j. menéndez

2

3

En busca de los discos perdidos

En busca de aquel sonido

Eric Spitnagel Contra

Malpaso

Magnífico, no hay otra forma de definirlo. Es imposible que un amante de los discos no lo pase bien leyendo este volumen. Una autobiografía que recuerda irremisiblemente a Alta Fidelidad de Hornby, pero también a Pégate un tiro para sobrevivir de Klosterman, a Lost In Music de Smith o a Mil Violines de Kiko Amat. —eduardo izquierdo

El libro arranca con una partida de ajedrez en la que Morricone introduce al neófito Alessandro De Rosa en el juego. Es la perfecta metáfora de lo que se va a desarrollar a continuación: un repaso minucioso de la vida del maestro con De Rosa tirando las preguntas sobre esa partida que ha sido la vida de Morricone. —luis j. menéndez

4

5

Nick Drake. Recuerdos de un instante Gabrielle Drake

La fábrica de canciones

y Cally Collomon Malpaso

Reservoir Books

Se han publicado numerosos y magníficos libros sobre Nick Drake, sin embargo estas quinientas páginas que firman Gabrielle Drake (su hermana mayor) y el músico y manager Cally Collomon condensan todos aquellos acercamientos.

Biografía, homenaje, análisis y baúl de los recuerdos de Drake y su obra. —luis j. menéndez

Aún sin el ritmo endiablado que convertía Cómo dejamos de pagar por la música en una lectura adictiva, John Seabrook hace un gran trabajo para explicarnos qué hay detrás del concepto de “canción perfecta” en el siglo XXI, ese intangible alrededor del que se mueve la música popular de nuestro tiempo. —luis j. menéndez

Alessandro De Rosa

John Seabrock

6

7

8

9

10

Como un golpe de rayo

Te potaría encima (Sick On You)

Testimony

Simon Reynolds

Robbie Robertson

Cowboy Song, la biografía autorizada de Phil Lynott

La desesperación de los simios… y otras bagatelas

Caja Negra

Andrew Matheson Contra

Neo-Sounds

Graeme Thompson Es Pop

Francoise Hardy

Obra capital que repasa la creación, evolución y vigencia actual del glam rock. El ensayo de Reynolds es completísimo, crítico –aquí también se habla de lo malo- y erudito –el estudio va más allá de la música-, otorga merecidamente el título de creador del glam a Marc Bolan y lanza al aire varias ideas interesantísimas. —xavi sánchez pons

Matheson se muestra como una especie de Arturo Bandini empapado de bilis, sarcasmo y ese humor británico que saca carcajadas de los fracasos más patéticos. Una mirada en ocasiones cerril, casi siempre lúcida y por encima de todo nunca -nunca- tibia. Merece salir del nicho de las biografías rockeras. —dario garcía coto

Las memorias de Jaime Robbie Robertson, viendo su tamaño podrían haber sido un tocho de esos con una buena sucesión de datos biográficos de su infancia y otra de nombres famosos sin ton ni son.

Pero no, Robbie lo viste de manera excelente para convertirlo en un volumen ameno y muy disfrutable.

Una de las claves que hacen que Cowboy Song sea un libro ágil es su gran valor testimonial a través de la participación de infinidad de amigos, colaboradores y familiares, lo minucioso de cada detalle y el hecho de que Graeme Thompson huya de los tópicos a la hora de explicar tanto el auge como la caída de un músico fantástico. —toni castarnado

Expediciones Polares

#44 diciembre 2017

—eduardo izquierdo

Nadie nos puede explicar mejor el valor de este libro que la propia Hardy: “En este libro no trato de hacerme entender o apreciar, sólo trato de ser lo más verdadera, lo más auténtica posible. Es una historia que conmociona más cuando, siendo universal, desarrolla una problemática personal”. —guillermo chaparro

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Stiff Little Fingers

Origen: Belfast (Reino Unido), 1977

U

na de las anomalías más curiosas del ecosistema punk, Stiff Little Fingers cumplen cuarenta años de trayectoria.

Para dar significación especial a una fecha tan señalada, se lanzan a la carretera para empezar una gira de la que habrá que estar pendiente de su, más que posible, paso por tierras españolas.

Highway Star, toda una referencia al mítico tema de los Ritchie Blackmore y compañía.

Siempre comandados por Jake Burns, único miembro que queda de la formación original, Stiff Little Fingers vivieron su cosecha más recordada entre 1977 y 1982. En todo ese tiempo, Burns, Henry Cluney y Ali McMordie fueron la columna vertebral de una formación que, eso sí, tuvieron bastante trabajo para encontrar candidato para el puesto de batería, que iba rotando casi disco por disco. A pesar de la falta de estabilidad en la base rítmica, los cuatro álbumes gestados en aquella temporada son algunos de los más sembrados de la generación punk. Léase Inflammable Material (79), Nobody’s Heroes (80), Go For It (81) y Now Then... (82).

Al igual que Radio Birdman, los Fingers representaban todos los afluentes del punk en una versión aún sin cuajar del todo, en bruto. Pero, lejos de ser una definición del “proto-punk”, se destaparon como una anomalía que, en realidad, abogaba por fundir géneros, en principio, antagónicos en un collage punk macerado como el buen whisky de cazalla, atemporal. Así fue en Inflammable Material (Rough Trade, 79), su debut en largo. En este trabajo, los irlandeses pagan el peaje con su descronización con la estampida punk mediante “Johnny Was”, ocho minutos a lo largo de los cuales son capaces de levantar puentes entre el post-punk, el hard rock de vieja escuela y el reggae tribal sin morir en el intento. Sólo por semejante demostración queda más que ratificada la habilidad de Stiff Little Fingers para crear un solvente nicho intergeneracional.

Y si ya nos centramos en su procedencia, desde el corazón de Belfast, la única banda irlandesa que podía hacerles sombra eran The Undertones. Pero, a diferencia de estos últimos, los Burns y compañía partían de una ambivalencia entre inmediatez punk y ortodoxia rock dispuesta por el propio Burns en: “The Clash, por la honestidad que transmitían en cada canción, y Thin Lizzy, por las melodías”. Pero Stiff Little Fingers también apuntaban a The Doors e, incluso, Deep Purple. No en vano, la banda anterior de Burns se llamaba

Ya sea tirando de bola de cristal, como en el cow-punk de “White Noise” y el hardcore en “Suspect Device”, como en su tozudez por no disfrazar el peso de sus influencias reñidas con los preceptos punk, Burns y los suyos se construyeron una puerta de entrada y salida hacia el pasado y el futuro como ninguna otra banda de su generación. Tal riqueza de posibilidades en su discurso fue menguando en sus siguientes discos, que ya no estarían distribuidos por Rough Trade. Curiosamente, su debut se convirtió en el primer larga duración

#46 diciembre 2017

distribuido por esta casa. No en vano, incluye una canción titulada como el nombre del sello que versa sobre la deshonestidad de la industria musical.

Ellos siempre han negado la relación entre este corte y el mítico sello indie…

Sin embargo, ya para su siguiente trabajo, “Nobody’s Heroes” (Chrysalis, 80) fichaban por una major. En este segundo álbum, la esencia cromática del grupo mengua, pero por el lado positivo: enfocando sus necesidades en captar la intensidad demencial de sus directos. Sobre las tablas, Stiff Little Fingers tiraban de típico fuego irlandés. Punk de acoso y derribo.

Famosas fueron sus apariciones en el Ulster, donde se ganaron el título de “los The Clash irlandeses”. A la variedad tan característica de estos últimos apelaron en el sobresaliente “Go For It” (Chrysalis, 81), continuado por “Now Then…” (Chrysalis, 82), un intento más que estimable por ir redirigiendo sus pasos hacia la materia pop. Pero poco entendieron esta maniobra; a la postre, el canto del cisne de un grupo que resucitaba un lustro más tarde.

Desde aquellos momentos hasta ahora, Stiff Little Fingers ha sido la nave de un patrón, Jake Burns, que, a pesar de no poder reverdecer viejos gritos de insurgencia, ha seguido ampliando su repertorio con discos tan reivindicables como Tinderbox (Spit Fire, 97) y Guitar And Drum (Kung Fu Records, 03), muestras de fondo de armario que mantienen inflamado el recuerdo de estos viejos zorros irlandeses.

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—marcos gendre

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