Mondo Sonoro abril 2022

Nº 305 Abril 2022 www.mondosonoro.com

Cariño 2.0 BIG THIEF, WET LEG, BAND OF HORSES, PLACEBO, FRANZ FERDINAND, DORIAN, LA PLATA, SMOKING SOULS

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5/Mondo freako

Big Thief CreemosE en ellos

Un honesto viaje al interior de sus creadores. Eso es “Dragon New Warm Mountain I Believe In You” (4AD/Popstock!, 22).

Y debemos agradecer que así sea, porque gracias a ello nos emocionamos escuchando este nuevo material del grupo. Para descubrir más al respecto charlamos por vídeollamada con Buck Meek, guitarrista de Big Thief.

—TEXTO Marta Terrasa —FOTOGRAFÍA Josh Goleman

N UN MOMENTO en el que tenemos que guardar distancias de seguridad, en el que no podemos movernos tan libremente como desearíamos, las nuevas tecnologías juegan un papel clave en acortar el espacio tiempo, aunque solo sea metafóricamente.

Para los periodistas, una de las mayores ventajas de la pandemia es que los siempre fríos e incómodos “phoners” (entrevistas telefónicas con los artistas) se substituyen paulativamente por videollamadas algo menos incómodas y que, de alguna manera, ayudan a crear una falsa sensación de intimidad. Cierto es que cuando tienes a alguien como Buck Meek al otro lado de la pantalla es fácil sentir un halo de familiaridad, mientras observas cómo escucha tus preguntas tímidamente y asiente, con unos auriculares gigantes agitándose rítmicamente. Paradójicamente, Meek y compañía

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son artesanos de la proximidad, facturando canciones que aciertan al apuntar directamente al pecho descubierto. “En los momentos de vulnerabilidad máxima, te puedes sentir muy frágil, pero es necesario para tener una relación sana contigo mismo”, comparte el guitarrista de Big Thief.

“En la banda intentamos ser honestos entre nosotros, con nuestra música y con uno mismo. Y a la larga eso nos une y nos da fuerza, porque lo sientes como algo real y que es algo con lo que la gente conecta.

Es así de simple, es un bien preciado: algo humano y esencial”.

SI NO PODEMOS viajar hacia fuera, solo queda un lugar al que ir: hacia dentro.

Como Alicia siguiendo al conejo blanco. Y eso es precisamente lo que Big Thief han conseguido en “Dragon New Warm Mountain I Believe In You”, saltar de rabbit hole en rabbit hole para facturar un disco

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“Big Thief es una palabra, un nombre, claro, pero siempre está cambiando”

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polimórfico, lleno de matices, espacios incómodos y canciones aparentemente sencillas. Un viaje. El quinto trabajo de la banda de Brooklyn contiene ecos del sur de Emmylou Harris (“Dried Roses”, “Red Moon”), de ciudades frías e industriales cuyos ritmos quebradizos nos recuerdan a los 2000 de Portishead (“Blurred View”, “Flower Of Blood”) o temas mucho más etéreos y delicados, como el que da nombre al disco, “Change” o “Promise Is A Pendulum”. “Este disco tiene una intención muy clara, y es la de no esconder absolutamente nada”, afirma tajante el músico de Texas.

JAMES KRIVCHENIA, batería de la formación, fue quien les propuso la idea antes del confinamiento de repartir el disco en cuatro grabaciones, en cuatro estudios distintos, en cuatro lugares dispares y con ingenieros de sonido diferentes. “En parte era para mantener la vitalidad, por tener algo a lo que reaccionar”, explica Meek. Upstate New York, Topanga Canyon (California), las Montañas Rocosas (Colorado) y Tucson (Arizona) son las localizaciones para registrar los veinte temas del disco y casi podríamos hacer una quiniela sobre dónde se ha grabado cada

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canción. De hecho, comparto la mía y el guitarrista sonríe al otro lado del océano atlántico, cómplice. “La cuarta y última sesión, después de cuatro meses de grabación, fue en casa de un amigo del grupo, en su estudio casero y dejamos que aparecieran un montón de sonidos ambiente, como por ejemplo unas vías del tren cuyo traqueteo sacudía la casa cada treinta minutos”, recuerda Meek.

Grabaciones orgánicas, mucho más físicas que mentales, de las cuales sale “buena parte del material country” del disco. “Esos días nos lo pasamos genial y nos dio un chute de energía, para terminar por todo lo alto”, asegura. “Antes de eso estábamos en Colorado, en un estudio en las montañas, sobre las nubes. Y antes, en las Rocky Mountains”, recuerda con algo de esfuerzo: “Esas dos sesiones se me entremezclan, porque ambas fueron muy intensas, dando forma a los temas más tranquilos e introspectivos.

Al final estábamos mentalmente agotados por toda esa catarsis emocional”, confiesa el guitarrista.

BIG THIEF SIEMPRE ha sido una banda mutante, mutable y flexible, capaz de diluir las fronteras estilísticas de los géneros y,

pese a ello, De izquierda a derecha mantener una y de arriba a abajo: Buck sello de idenMeek, James Krivchenia tidad propio.

Max Oleartchik y “Hablamos ya Adrianne Lenker del siguiente disco y bien podría ser de death metal o completamente de ambient”, afirma Buck Meek en un tono totalmente en serio.

“Dragon New Warm Mountain I Believe In You” captura precisamente esa libertad de movimientos que tanto define al grupo.

“Ha sido lo más fácil que hemos hecho nunca”, asegura Meek con una enorme sonrisa en su cara y añade: “ha sido muy natural, revelando por primera vez todos nuestros aspectos, sin esconder nada en el estudio”.

Sin trampa ni cartón. Aunque no es que los de Adrienne Lenker estuvieran muy limitados en sus cuatro trabajos anteriores. “Es el disco en el que mostramos más nuestras personalidades y eso se convierte en un elemento unificador, aunque a priori sea más disperso, es también más unificado”. En esa dicomotomía en la que Big Thief se sienten cómodos, hay espacio para algo más que la suma de las partes. “Toda la banda ha dado un paso al frente: James con todo lo que

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MONDO FREAKO viene que ver con grabaciones de campo, ingeniería de sonidos, sintetizadores; Max con su background de jazz; yo con mi lado más country…”. Los cuatro miebros de Big Thief mantienen, además, musculosas carreras en solitario. ¿No sería lo lógico que cada uno de ellos se guardara lo mejor para sus propios trabajos? “Seguro que cada uno tiene su propia relación con esa dualidad, pero para mí son dos roles distintos y que se insuflan vida el uno al otro. Cuando estoy con mi proyecto yo soy el responsable de guiar a la gente a través de la historia, de la experiencia emocional. ¡Y eso es una gran responsabilidad! Además de una cura de humildad. Encima soy muy tímido y he recorrido un largo camino para aceptar esa posición. Con el grupo puedo fundir mi propia esencia dentro del sentir colectivo, porque es algo más grande que la suma de las partes cuando catalizas a tres personas como mis compañeros. Y Big Thief se convierte en un ente propio y me da fuerzas para volver a mis proyectos en solitario y viceversa”. ¿Estáis preocupados por diluir parte de la identidad de Big Thief en un disco como este? “No, porque nunca lo hemos estado. Es cosa nuestra definir quiénes somos y ser lo más honestos que podamos.

Pero es que somos una banda distinta cada vez que cogemos los instrumentos”, afirma sin dudarlo. “Big Thief es una palabra, un nombre, claro, pero siempre está cambiando”, sentencia.

HAY UNA FRASE en la última canción del disco, “Blue Lightning”, que dice “I wanna be the wrinkle in your eye” (quiero ser la

arruga en tu ojo) y que ejemplifica la capacidad de Lenker y compañía por convertir aquello aparentemente mundano en algo lleno de una belleza íntima y preciosista. Y ese algo son veinte canciones cuyas letras se infunden de una simbología cero pretenciosa, vulnerable y bonita, donde lo familiar, a su vez, puede ser sacado de contexto y convertido en objeto de estudio. “Me encanta el hecho que la palabra ‘teléfono móvil’ aparezca en el disco como cuatro veces, porque nunca antes la había escuchado en una canción, a no ser que fuera en una de esas de pop basura”, explica Meek. Lo del cell phone es un ejemplo para Meek y la banda de escribir “a partir de la observación de uno mismo y de su autoaceptación”. “Como autor, yo personalmente evitaría poner una palabra así, porque pensaría que es como de baja cultura o cutre. Pero de hecho, todos tenemos una relación muy estrecha con nuestros teléfonos y se han convertido en una extensión de nuestro cuerpo; una parte más de nuestras emociones. Y los usamos para enamorarnos, para conectar con nuestros seres queridos, para expandir nuestros espíritus. Ya forma parte de nuestra naturaleza y aprecio que esté embedada en las letras, porque me ayuda a aceptarme mejor”. Cinco segundos de silencio, sosteniendo la mirada a través de la fibra óptica, píxel a píxel. Este mundo que hace unos años nos hubiera parecido alienígena y que ahora es algo tan cercano, Dragon new warm mountain, creo en ti. —M.T.

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EL APUNTE

Adrianne Lenker y Big Thief

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ÑO 2014, ADRIANNE LENKER conoce a Buck Meek y comienza a tocar con él. Su estilo está definido, como se puede comprobar en “Hours Were The Birds” (14), una obra desnuda, melancólica y agridulce, su “Roman Candle” (94).

El 1 de mayo publica dos EPs junto a Meek, “a sides” y “b sides”, y rescata la preciosa “Indiana”, con la voz de Meek y su guitarra eléctrica. En 2015 forman Big Thief y en 2016 graban su primer disco, “Masterpiece”. Las promesas se hacen realidad con un trabajo de notable alto en el que aparecen las primeras maravillas de su carrera. En 2017 sale “Capacity”, continuista pero con joyas como “Shark Smile”, “Capacity”, “Watering”, “Mythological Beauty” o “Mary”. En 2018 la cantante saca “abysskiss”, epítome de su

ADRIANNE LENKER FOTO: GENESIS BAEZ

creatividad melódica al desnudo. Entre sus canciones destacan “cradle” o “symbol”.

2019 es su año, con dos discos enormes, “U.F.O.F.”, el más cercano al intimismo de sus trabajos en solitario aunque, a pesar de ser preeminentemente acústico, cuenta con unas interpretaciones increíbles y unos arreglos muy cuidados. También es su mejor colección de canciones hasta la fecha, la titular, “Contact”, “Cattails”, “Orange”, “Century”, “Strange”... “Two Hands” es la otra cara, más eléctrico y caótico, grabado en directo y dejando las imperfecciones, cercano al espíritu

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de Neil Young & Crazy Horse como se prueba en “Not”, en la que ponen tanta intensidad que parece que vayan a combustionar. Eso sí, no es la única gran canción de un disco con “Forgotten Eyes” o “Shoulders”. En 2020, Lenker repite y saca otros dos discos en solitario, “songs” e “instrumentals”, bañados en el dolor de una ruptura, como se puede comprobar en la hermosa “anything”, o en “music for indigo”, en la que aparecen influencias de Pat Metheny o Michael Hedges.

Finalmente han vuelto con “Dragon New Warm Mountain I Believe In You”, un desbordante disco doble que es su obra maestra, una especie de “Music From The Big Pink” (68) actualizado, en el que el talento compositivo de Lenker se desborda definitivamente, con canciones como “Change”, “Spud Infinity”, “Certainty”, “Little Things”, “Simulation Swarm” o “12000 Lines”, y una diversidad sonora que nos lleva del trip hop de “Blurred View” al country de “Red Moon”, el equivalente sonoro de ese hueso que se convierte en nave espacial en “2001”. —SERGIO ARIZA

abril 2022 #7

MONDO FREAKO

Wet Leg Chicas traviesas Son el grupo de moda en Reino Unido. El sello Domino se ha volcado con este dúo femenino procedente de la minúscula y encantadora isla de Wight, al sur de Inglaterra, que debuta con un disco homónimo, “Wet Leg” (Domino/Music As Usual, 22), repleto de canciones de pop fresco e ingenioso con un punto de descaro juvenil y guiños al indie de los noventa.

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HIAN TEASDALE y Hester Chambers, ambas guitarristas que comparten deberes vocales y labores compositivas, no se lo acaban de creer. Han pasado de tocar para divertirse a encadenar entrevistas en un hotel madrileño. Arrellanadas en el sofá del bar, su timidez natural se combina con las píldoras humorísticas propias de quienes no se toman demasiado en serio. En pocas semanas estarán metidas en un autobús de gira por Estados Unidos y tocando en salas de su país con todo el papel vendido.

Visitarán las antípodas en pleno invierno austral (“hará más calor que en Inglaterra”, señalan con sorna).

“No tenemos ni expectativas, planes o reglas”, sueltan con una sonrisa. Pero aquí están. Hester pisa Madrid por primera vez. Rhian explica su estado de ánimo respecto a la polvareda que han levantado. “Estamos bastante emocionadas. No parece que acabáramos el disco hace un año. Y es emocionante tenerlo ya ahí. Nos hemos tomado las cosas según han venido.

Da la impresión de que todo está yendo muy rápido. Empezamos el grupo un poco como un hobby. Jamás esperamos nada, ni siquiera estábamos buscando manager o queríamos firmar por un sello. Estamos muy contentas de haberlo hecho, pero nos parece divertido”. Su compañera lo resume de manera mucho más prosaica. ¿Esperaban que el grupo tuviera éxito? “¡No! Sólo queríamos que nos dieran entradas gratis para festivales”. Rhian abunda en esta línea. “Siempre hemos tocado, pero ya habíamos renunciado a estar en un grupo que llegara a algún sitio. Teníamos trabajos a tiempo completo que estaban bastante bien. Estábamos contentas, pero de repente tuvimos que rehacer nuestras vidas. ¡Y aquí estamos! [risas]”.

Todo empezó en 2018. Hester cita algunas de las influencias compartidas inicial#8 abril 2022

mente. “Cuando montamos el grupo nos molaban cosas como los primeros Kings Of Leon o The Strokes. Queríamos tener un sonido más descuidado, no nos preocupaba que no estuviera refinado. A partir de ahí, inevitablemente cambió, pero fue para mejor, porque creo que hemos tenido la oportunidad de sonar como queremos. Nos dicen que sonamos a esto o aquello, pero en realidad el número de influencias que tenemos es bastante amplio. ¡No lo sé!”.

La razón por las que sus canciones han caído tan bien entre un público amplio parte del cual ha encontrado la frescura y gracia de bandas como The Breeders les resulta enigmática. Hasta cierto punto.

“Es tan gracioso… Creo que se puede ver de varias maneras. Nuestro primer single, ‘Chaise Longue’, es muy repetitivo y tonto.

Pero la gente parece haber conectado mucho con él. Lo escribimos desde el punto de vista de nosotras divirtiéndonos por la noche sin que nos importara nada una mierda. Probablemente eso sale. Da una visión auténtica de nosotras enredando, y puede que la gente conecte con ello. O quizá hubiera un poco de alivio por salir del confinamiento, cuando todo era muy serio, no se podía ni oír música porque todo era Covid, Covid, Covid. Supongo que ha sido

una especie de vía de escape”.

La pandemia “influyó en el sentido de que no pudimos hacer antes ni siquiera un pequeño tour, como algunos de nuestros amigos. La única cosa productiva que podíamos hacer era entrar a grabar”. Dicho y hecho, se pusieron a ello con Dan Carey (Goat Girls, Fontaines D.C.), convertido en el productor de moda desde su estudio literalmente doméstico de Londres. Un técnico que sigue cosechando algunos de los elogios más sinceros de los artistas que trabajan con él. “Es la bomba. Nos encantó que accediera a hacer el disco. Es súper amable, tiene muchísima experiencia. Es como el rey Midas: todo lo que toca se convierte en oro. Tiene mucho amor y pasión por lo que hace y por la música. Grabar un disco nos intimidaba porque nunca lo habíamos hecho. Hacerlo con Dan fue bonito, porque además de tener mucho talento y visión, es un ser humano muy majo y apasionado. Y muy entusiasta: siempre que tienes dudas sobre una parte o algo se levanta de la silla así [levanta los pulgares]. Hace que todo el proceso de grabar sea muy divertido y que haya energía siempre. Ha sido una experiencia buenísima. Su estudio está en su casa, con lo cual sus hijas igual estaban pululando por ahí antes de irse al colegio”.

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LA MÍA

Sus vídeos, repletos de surrealismo absurdo que acompaña a letras impagables como las de “Wet Dream” y “Oh No”, han sido claves en la amplia difusión de los singles. “El tema con nuestra banda es que ha sido un extraño accidente feliz –confiesa Rhian–. El vídeo de ‘Chaise Longue’ lo rodamos en tres tardes con un equipo pequeño de Londres que molaba mucho. Los productores nos preguntaban: ‘¿Tenéis storyboard?’.

Y nosotras: ‘no…’. Se trataba más bien de salir con la cámara y unos disfraces divertidos. Todo el mundo fue maravilloso y se puso a nuestra disposición”.

Mucha coña, pero en canciones como el reciente single “Oh No” también tocan temas serios como la grotesca (y a veces trágica) adicción a las redes sociales que golpea a nuestra sociedad. “Nunca habíamos pensado en ello. Cuantas más entrevistas hago, más sale esto y más reflexionas sobre lo que has hecho. Creo que está en la condición humana encontrar humor en los tiempos más oscuros, y me parece que es algo que nosotras hacemos”.

Un dato asombroso: Wet Leg había dado sólo cuatro conciertos antes de fichar por Domino en pleno confinamiento, sin que el sello las viera en vivo. Rhian lo relata de manera hilarante. “Encontramos manager primero y se puso en contacto con tres sellos. Uno diminuto, Domino y una multinacional. Domino estaba en nuestro radar porque alberga a muchos artistas que nos gustan. Nos sorprendió muchísimo que nos ofrecieran un acuerdo, porque fue en pleno confinamiento.

Normalmente, cuando un sello te ficha primero van a verte a un bolo, y en este caso no pudo ser, con lo cual tuvimos el típico síndrome de impostoras [risas]. Como que les habíamos engañado. Firmamos con ellos antes de que nos vieran tocar. Probablemente nos benefició [más risas], porque no habíamos tenido mucho tiempo para ensayar. Tenemos mucha suerte, sí”. —JC PEÑA

Futuro se escribe con F de femenino

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FOTO: ARCHIVO

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“Sólo queríamos entradas gratis para festivales”

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O VOY A CONFESAR en voz baja, muy baja, porque me da cierto pudor reconocerlo, pero en Mondo Sonoro estamos muy orgullosos de tener a Cariño en portada Y digo que me da cierta vergüenza porque a los que confeccionamos esta revista no nos gusta nada la autocomplacencia y huimos de la vanidad como de la peste. Pero es que tener en el lugar de honor de Mondo Sonoro a una banda que antes ha sido Demoscópica supone la razón misma de nuestra existencia. Sentimos que se completa un círculo y no hay nada más satisfactorio para los que confeccionamos la revista. Para quien no lo sepa todavía, las Fiestas Demoscópicas de Mondo Sonoro son conciertos anuales en los que convocamos a los grupos emergentes que más nos han llamado la atención esa misma temporada y los hacemos tocar con un cabeza de cartel, que acostumbra a ser el que ha firmado el mejor disco del año para la revista. La cita con Cariño fue en el Teatro Barceló de Madrid y, en aquel 14 de marzo de 2019, compartían escenario con otras propuestas que estaban dando mucho que hablar en aquel momento y afortunadamente lo siguen haciendo. Me refiero a artistas de la talla de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba y María José Llergo.

Mientras que el grupo principal eran unos veteranos Novedades Carminha que, por desgracia, han anunciado hace muy poco su disolución. Han pasado tres años clavados desde aquella cita. Un largo periodo que ha sido muy complicado para todos los que, de una forma u otra, trabajamos o nos dedicamos a esto de la música. Tres largos años que a Cariño les han sentado, pese a todo, fenomenal. Para verlo solo hay que escuchar avances como “Si quieres”, “No me convengo” o ese himno arrebatador que comparten con sus compañeros de sello, los catalanes Mujeres, titulado “Al final abrazos”, canción que se convirtió en uno de los temas más emblemáticos del pasado año. Todos ellos son temas en los que el trío ha madurado y afianzado su propuesta, fortaleciéndola y depurando el tono más naïf de sus inicios, sin perder esa pizpireta picardía marca de la casa. Es una rotunda realidad que muchas cosas están cambiando en la escena musical de este país y cada día se hace mas evidente que hay una nueva hornada de grupos femeninos que vienen con ganas de desplazar a codazo limpio a los dinosaurios del indie nacional. Una bocanada de aire fresco que tiene a Cariño, pero también a Ginebras, The Crab Apples, Shego, Lisasinson, Las Dianas, las más veteranas Hinds y otras recientes demoscópicas como Aiko el Grupo en su representantes más evidentes. Artistas que van a ser responsables de que el futuro se escriba con ‘F’ de femenino. —DON DISTURBIOS

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MONDO FREAKO

Juerga sensible Habla de Mí en Presente

FOTO: CELINA MARTINS

a “El nombre de la band se ha convertido en un” mantra para nosotros

Vivir más es un deseo con el que podríamos estar todos de acuerdo, aunque en el caso que nos ocupa, “Vivir más” (Halley records, 22) es el segundo largo de Habla de Mí en Presente. Banda catalana que va a poner toda la carne festiva en el asador para hacer que las cálidas noches de verano sean todavía más largas.

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ABLA DE MÍ EN PRESENTE... ¿En serio?... La primera vez que reparé en el nombre de esta banda de Barcelona, pensé que se trataba de una broma. Después, que no iba a ser fácil que se grabara en mi memoria, y no fue hasta más tarde cuando empecé a vislumbrar que alguien que se presenta de una forma tan original, merecía ser escuchado. No me equivocaba. Habla de Mí en Presente es un grupo peculiar, muy peculiar. Si tuviera que simplificar al máximo su propuesta, diría que lo suyo es la tecno-rumba y me quedaría tan ancho.

No obstante les haría un flaco favor porque decir algo así de simple sería quedarse en la superficie. Los catalanes son fruto de la disparidad y de ahí surge una música que por momentos cuesta etiquetar. Es música

en canciones como ese alegato contra el cambio climático que es “Fa calor” o en ese tema más sentimental que es “Vola”, por citar dos de mis preferidas. Aunque otra característica que diferencia al grupo del resto es ese ambiente de camaradería real que se respira en el seno de la banda que, como si fuera un chiste, está integrada por dos catalanes, un alemán, un francés y un mallorquín. Una disparidad de personalidades distintas unidas por un mismo fin.

(Max) “Podríamos apropiarnos incluso del “VIVIR MÁS” es el resultado de una déconcepto de boy-band porque, según sea tu cada de dar muchos tumbos y, aunque en personalidad, podrás identificarte con alrealidad se trata de su segundo álbum, guno de los miembros de la banda. Aunque podríamos decir que marca el pistoletazo en realidad te diría que somos de salida real hacía un futumás una ‘man-band’, porque ro de giras post-pandemia intentamos que en nuestra relaen las que quieren poner ción haya un punto saludable a a bailar a todo el mundo. la hora de madurar todos juntos (Max Grosse, voz) “Si tuviel Girona 22 abril. compartiendo el presente. Y es ra que definir el espíritu de Festival Strenes que en el fondo el nombre de la la banda, hay una palabra l Barcelona 23 abri. banda se ha convertido en un que en catalán y en alemán Cruïlla de Primavera mantra para nosotros”. Pues si se parecen muchísimo y l Vic 10 junio. se trata de un aquí y un ahora, significan lo mismo que es Cabró Rock solo cabe desearles mucha suer‘rauxa’. En alemán se escril L’Estartit 25 junio. te. “Nos tomamos el disco como be ‘rausch’ y en castellano Festival Itaca l Barcelona 9 julio. si fuera el último álbum de podríamos traducir como Festival Cruïlla nuestras vidas y la gira va a ser ‘juerga’. Creo que esto nos l Talarn 16 julio. lo mismo”. —DON DISTURBIOS representa mucho. Esa ‘rauTalarn Music Experience xa’ que es a la vez sensible”. l El Vendrell 5 agosto.

R Fiesta grande, aunque deliFestiuet cada, que aflora con firmeza Más en www.mondosonoro.com mestiza en el sentido de que la fusión forma parte de su ADN. También es música festiva porque, en su origen, el grupo se fundó en Berlín sin más pretensión que amenizar con gran desparpajo y mucha cara las fiestas de los colegas. La cosa fue a más y, tras un largo periplo que ahora no toca repasar, acabaron en Barcelona intentando que la broma fraguara hasta convertirse en algo mucho más serio.

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EN GIRA

abril 2022 #11

MONDO FREAKO

“Puedo alimentar a mis cuatro hijas gracias a ‘The Funeral’”

Band Of Horses Resurgimiento El nuevo disco de Band Of Horses, la banda de Ben Bridwell, se llama “Things Are Great” (BMG, 22) pero el título no es sino una muestra más de la ironía agridulce de un tipo que ha pasado por alguno de los peores momentos de su vida, separación de su mujer y madre de sus hijas incluida. Aun así se muestra contento y orgulloso de su trabajo, además de jovial y encantador durante nuestra charla.

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THINGS ARE GREAT”, el sexto disco de estudio de la banda, es una especie de reválida para el que fue uno de los grandes nombres del indie rock de la primera década del siglo XXI. Una reválida que han superado con nota, sacando su mejor disco desde “Infinite Arms” (10). Desde entonces la banda sufrió un bache con dos obras menores como “Mirage Rock” #12 abril 2022

(12) y “Why Are You OK” (16) y también la pérdida de dos piezas muy importantes de la banda como fueron el guitarrista Tyler Ramsey y el bajista Bill Reynolds. Ahora todo vuelve a lucir como en los mejores tiempos con lo que Bridwell ha denominado “un retorno a nosotros mismos”, logrando un bonito contraste entre algunas de sus melodías más luminosas y contagiosas con unas letras que hablan sobre los muchos problemas que le han afectado desde la edición de “Why Are You OK”.

Cuando sus seguidores hayan escuchado estas canciones las heridas se curarán un poco más. Porque, a pesar de haber dejado atrás los peores momentos, los problemas de los que habla en “Things Are Great” siguen doliendo. “Sé que estoy en un sitio mejor, pero todavía tengo efectos secundarios de un tiempo muy difícil en mi vida, ya sabes, un paso adelante y dos atrás”. Es algo que se nota, aunque reconoce que también hay momentos dulces en el disco como en la luminosa “Coalinga”, una canción que escribió sobre la música que le envió su amigo Brantley Gutierrez.

FOTO: STEVIE AND SARAH GEE

“Things Are Great” ha sufrido múltiples retrasos, primero se anunció para enero de este año pero al final hubo que aplazarlo hasta marzo. En esta ocasión no tuvo nada que ver con el coronavirus sino con la escasez de vinilo, algo que hizo que Bridwell prefiriera volver a retrasar su edición hasta que los seguidores más fieles pudieran hacerse con su copia física al mismo tiempo que aquellos que utilizan las plataformas de streaming o se lo descargan. Aprovecho para preguntarle por su opinión sobre la polémica en torno a Spotify a raíz de la retirada del catálogo de Neil Young y si el resto de músicos podrían utilizar esa oportunidad para plantear una mejor retribución de dividendos de las plataformas de streaming. Bridwell apoya a Young pero lo ve complicado porque la mayoría de músicos, él incluido tiene cedida durante un tiempo la cesión de los derechos de sus canciones con lo que no podrían retirar todo su catálogo. Además el líder de Band Of Horses se muestra a favor de que su música llegue a cuanta más gente mejor, aunque reconoce que es difícilmente entendible que su banda lleve 1.000.000.000 de reproducciones en una plataforma como Pandora y él solo vea unos pocos dólares, por no hablar de que, volviendo a Spotify, la plataforma ha pagado una millonada a Joe Rogan, el creador del podcast contra el que se manifestó Neil Young, con lo que, en sus propias palabras, “alguien se tiene que estar forrando

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en algún sitio, y los artistas no somos ese alguien”.

Cuando le preguntó a qué se debe que el rock y la música de guitarras hayan dejado de estar entre las músicas más escuchadas por los más jóvenes me responde que es una cosa cíclica y que no duda de que habrá un nuevo resurgimiento. “Por mi propia experiencia. Yo tengo cuatro niñas, la mayor va a cumplir catorce años y ahora está empezando a escuchar un montón de bandas de guitarras y alejándose de la parte más pop”. Bridwell añade que cada semana hay un nuevo lanzamiento interesante de una nueva banda de guitarras, así que aprovecho para preguntarle por nuevos grupos que le parezcan interesantes y entonces me recomienda a Bachelor, una banda californiana, y a Cigarettes After Sex, la banda con la que anda obsesionada su hija mayor, una con un nombre que le crea una divertida ansiedad. “Cigarrillos y sexo, lo mejor para tu hija adolescente”.

Vamos llegando al final, está relajado y me recuerda que acaban de confirmar dos fechas en España, el próximo 18 de noviembre en la Sala Apolo de Barcelona y el 20 en La Riviera de Madrid, le pregunto entonces por la canción más mítica de la banda, “The Funeral”, y si alguna vez se ha cansado de tocar la canción del lejano debut de la banda, “Everything All The Time”, publicado en el año 2006. No es el caso, Bridwell se muestra agradecido ante el continuado éxito de una canción que lleva más de 291 millones de reproducciones en Spotify, aunque reconoce que nunca he sabido que canción iba a funcionar, ni siquiera con esta. “Recuerdo que en Sub Pop lo tenían clarísimo: ‘esta es la canción que tenemos que sacar como primer sencillo’ y yo no lo veía, y estaba totalmente equivocado. De hecho mi padre y yo siempre tratamos de adivinar el primer sencillo, este es nuestro sexto disco y no creo que hayamos acertado ni una sola vez. De lo único que me he cansado de esa canción es de lo mal que la sigo tocando en directo. La he tenido que tocar en todos los conciertos, porque si no nos echan de la ciudad en la que tocamos, pero, por alguna razón, no mejoro a la hora de tocarla.

Son quince o dieciséis años tocándola y todavía es un reto, lo que creo que es una cosa buena sobre ello. Pero le estoy tan agradecido a esa canción, nos ha traído a tanta gente hacia la banda y que luego han descubierto el resto del catálogo. Puedo alimentar a mis cuatro hijas gracias a esa canción”. —SERGIO ARIZA

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BMG

Sebastian Stan, protagonista de “Pam And Tommy” en Spin

“Durante muchos años ser abiertamente queer no era fácil.

Algunos pensaba que era un suicido comercial, pero la alternativa era vivir una mentira.

Imagíname cantando sobre empoderar a la gente y estar mintiendo sobre mi sexualidad.”

Skin, de Skunk Anansie en Rockzone

“El talento es lo que menos se reconoce en el mundo. Lo que cuenta verdaderamente es tener un morro que te lo pisas. Y yo tengo mucho morro, y a base de morro estoy donde estoy” Samantha Hudson en Jenesaispop

“Después de dos años y medio tocando tus canciones más radiofriendly no es raro que quiera grabar algo que suene como ‘Metal Machine Music’ de Lou Reed o ‘Yeezus’ de Kanye.

Algo más extremo, brutal y experimental” Brian Molko, de Placebo en NME

CRITICANDO Things Are Great

WALA. WALA.

“No llegué al personaje de Tommy Lee de forma muy natural.

No tengo tatuajes, nunca he tocado la batería ni ningún otro instrumento... Canto en karaokes por diversión”

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INDIE ROCK / Tras los traspiés que supusieron “Mirage Rock” (12) y “Why Are You OK” (16) los de Ben Bridwell vuelven a la senda ganadora que había formado su trío inicial de discos, pudiendo considerarse uno de esos discos de regreso en los que una banda o artista redescubren su magia perdida. A pesar del cambio de formación, Band Of Horses vuelve a sonar a ese notable indie rock con un ligero toque de country alternativo que despuntó a finales de la primera década del siglo XXI. Una vuelta a mejores tiempos, con un Bridwell que parece haber recibido la visita de unas musas que llevaban esquivándole más de una década. —S.A.

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“EL RAP NO ESTÁ ASOCIADO NECESARIAMENTE A UNA IDEOLOGÍA, PERO A UN CONTEXTO DETERMINADO SÍ. ES MÚSICA QUE NACE DE UNA ESFERA PRECARIA Y DESDE LO MÁS ABAJO, Y ESO IMPLÍCITAMENTE LLEVA CONSIGO UNA POLÍTICA ASOCIADA” Erik Urano en Dod Magazine abril 2022 #13

EN PORTADA

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STE MES DE ABRIL, Cariño lanzan al mercado su segundo álbum, el disco homónimo en el que aúnan todas esas canciones que han ido arrastrando en los últimos años y que necesitaban compartir con el público.

Pero, por suerte ya están aquí para que todas podamos llorar junto a ellas como buenas amigas. “Yo siempre tengo la sensación de que hasta que un disco no está subido a Spotify, hasta que la gente no lo escucha, no me parece un disco. Un disco en una carpeta de ordenador no me parece un disco y es emocionante que llegue ya, la verdad. Hay un poco de todo, también hay canciones rescatadas de nuestro grupo de whatsapp de hace un montón”, explica Paola. “Sí, ha sido todo largo, porque ha durado dos años el proceso de creación. Entonces hay canciones que ensayamos por primera vez en el local hace dos años cuando todavía se podía ir al local. Luego otras pues en mitad de pandemia a través de notas de voz, solo con la melodía que le pasaba Paola a María, o yo a Paola, para que construyera una base con eso”, cuenta Alicia haciendo referencia a que con este segundo disco han tenido mucho más tiempo para darle vueltas y vueltas a las ideas.

REGRESAN CON UNA NUEVA actualización de software, como le gusta decir a Paola. Pero, también siendo el mismo grupo con el que se produjo una enorme conexión generacional nada más sacar los primeros temas. Siguen hablando de amor, de desamor, pero esta vez profundizan mucho más y lo hacen desde un punto de vista más complejo. En el disco podemos encontrar dependencia emocional, responsabilidad afectiva e incluso amor propio. Y, por lo que nos cuentan, todas las historias salen de sus corazoncitos. “Todas las que yo he escrito son muy personales, pero muchas veces de un sentimiento más liviano terminas exagerando un montón la cosa y haciendo ficción. No sé, como que te inspiras en algo muy cotidiano y luego lo expandes”, comenta María. “Sí, totalmente. Creo que este disco todas las canciones vienen de sentimientos personales. Pero es lo que dice María, a veces exagerado en plan que lo tóxico puede parecer mucho más tóxico y el amor como mucho más cursi”, apunta

#14 abril 2022

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“somos como empoderadas, motomamis, por un lado. Pero, por otro también vulnerables”

Alicia. Pese a apoyarse en la exageración, cuando hablamos de temas como “Sad Meal” o “Lo que te quiero” no pueden evitar contar toda la verdad y reconocer que más que inflar las cosas lo que son es hipersensibles. Cariño nunca saben cómo van a afrontar determinadas emociones, ni qué filtro le van a pasar. “Es que hubo mucho aguante eh. Esa canción es real y que se la coma entera, hombre. Es de verdad. Justo pensábamos que ‘Sad Meal’ podría parecer la más exagerada pero en serio fue muy tóxico todo. Y ‘Lo que te quiero’ es cien por cien real también. Es que, a veces somos como empoderadas, motomamis, por un lado. Pero, por otro también vulnerables porque de ahí nace la música. Yo creo que las mejores canciones se construyen con los momentos más íntimos. O no sé si las mejores, pero sí las que más me llena escribir”, explica María.

COMO NO PODÍA SER de otra forma, terminó saliendo la palabra “motomami” en la entrevista. Así que es imposible evitar preguntarles por el disco de Rosalía cuando en redes sociales han manifestado un amor muy grande hacia él. Entraban al estudio cantando “Hentai”; María dijo en Twitter que por fin está contenta de ser española por ella; Paola comentó que no se puede hacer otra cosa mejor… “La noche del jueves estaba de repente nerviosa por el disco y yo pensaba que no tenía tantas ganas de que saliera. De repente salí a fumar un piti a la ventana y vi al vecino de escuchando a Rosalía sin parar. Me metí en las redes sociales, se me contagió todo y acabé con una cerveza llorando viendo el TikTok. Las canciones son la hostia, pero también todo el contenido visual. Es un paquete de arte sublime”, cuenta Paola emocionada. “Yo es que solo escucho eso desde ese viernes y cada día tengo una canción favorita. Estoy metidísima en el mundo ‘Motomami’”, apunta Alicia. Es muy guay ver que un grupo como Cariño, tan alejado del sonido de Rosalía, aprecie el proyecto de una manera tan fuerte y les fascine.

Car

ESTÁN BASTANTE TRANQUILAS con el resultado de “Cariño” y piensan disfrutarlo mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Han tenido que pasar por una etapa jodida mentalmente y ver cómo la incertidumbre era constante a la hora de poder dar ese nuevo paso hacia adelante que tanto necesitaban. Sin embargo, Cariño ya se han cambiado las pilas y se enfrentan a 2022 como el año de consolidación que podría cambiar sus vidas con “Cariño” (Sonido Muchacho, 22).

—TEXTO Álex Jerez —FOTOS Silvia Coca

riño Bien de rock

a tope tras haber pasado por unos años tan complejos. “Yo confío en el disco, pero sí que ha sido una época jodida mentalmente y de no saber qué va a pasar o de tener planes a corto largo plazo. Tenías un bolo y había que esperar a ver si pillabas el COVID o no para poder darlo. De todas formas este disco es como nuestro hijo y a quién no le guste pues adiós”, dice Paola. El salto de calidad sonora de Cariño con esta nueva entrega es abismal y parte de la culpa de este buen resultado la tiene Juan Pedrayes, de Carolina Durante, que ha estado junto a ellas puliendo muchos elementos en la producción. “Yo creo que surgió natural. Al final no ha cambiado nada, sigue siendo el mismo método, la misma música aunque tenga más capas. Pero bueno, todas las cosas nuevas vienen de tener la oportunidad de hacerlo con más tiempo, de que nos haya acompañado Juan Pedrayes, de pensarlo y repensar cómo queríamos realmente sonar. Le hemos dado bastante vueltas a las canciones, algunas tienen hasta dos versiones”. Pero eso sí, aún no tienen muy claro si les gustaría hacer una colaboración con Carolina Durante. “Nos hemos convertido un poco en hermanos. Al principio no nos conocíamos, pero ahora somos muy amigos y no ha sido de forma intencionada la verdad. No sé, ¿de verdad hace falta una colaboración nuestra? Pregunto [risas].

Podría estar bien, pero igual un poco más adelante”, comenta Paola. Lo que sí que quieren es colaborar con Alizzz, así que crucemos dedos. “Hay mucha gente con la que, tras este disco, nos gustaría meternos en el estudio a experimentar. Estaría bien hacer canciones con otros. A mí me apetece mucho Alizzz, porque creo que podría sacarnos un sonido bastante curioso”.

EL NUEVO MATERIAL visual que acompaña este disco se inicia con un robo de cassettes que pone al grupo entre la espada y la pared. Queríamos preguntarles si verdaderamente se han sentido robadas a nivel profesional o de dónde sale esta referencia. Y claro, al parecer no están demasiado contentas con la industria musical en general. “Sentido no, nos han robado. Nos han hecho muchas putadas, pero de eso se aprende y la industria musical es bastante graciosa. Es todo bastante jodido, pero bueno nosotras seguiremos haciendo nuestra música y si no nos quieren que al menos no nos hayan cambiado”, explica Paola. “Sien-

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abril 2022 #15

EN PORTADA

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to que hay muy poca transparencia con el artista, que te lo intentan dar así todo cerradito para que no sepas nada sobre cómo va el negocio y coger ellos de todos lados.

Al final aprendes a base de buenas hostias, la verdad”, comenta María apuntando después que ahora mismo están bien con todo lo que rodea al grupo aunque también depende mucho del día. Forman parte de esta ola de grupos femeninos tan diversos y potentes que más que enfrentarse están enriqueciendo el mercado. Son completamente diferentes y sirven de inspiración y ejemplo para las generaciones de ahora.

Pero, aún así, todavía hay mucho que cambiar. “Ayer llegué a la conclusión de que a los los grupos de hombres se les respeta muchísimo más. Se les cuida mucho más al llegar a un camerino. A una banda de mujeres se les quiere contentar siempre, porque es un poco la dinámica, y se nos trata de una manera mucho más cercana, cosa que yo agradezco. Pero claro, no existe ese respeto ni esa veneración y además se nos cuestiona absolutamente todo. Que yo no quiero que me trates como si fuese la reina de España, pero al menos respétame al mismo nivel”, analiza Alicia.

LO QUE SÍ QUE NO VAN A CONSENTIR es que las traten como a un juguete roto, tal y como reflejan en la letra de “Tamagotchi”.

“La canción sale de la misma relación tóxica de la que hablábamos. Va en la onda de ‘Sad Meal’. Yo es que, con mis canciones, paso siempre por el proceso de ir enamorándome para terminar en algo muy tóxico. Y sí, esta va de cuando te sientes un juguete roto. Para mí es de las más tristes del disco, lo que pasa es que la producción junto a Javiera Mena le dio más potencia y terminó así. Yo la tenía en mente más como una balada, pero me gusta mucho cómo ha quedado. La verdad es que es bastante vieja

EN CONCIERTO l Granada 06-07 mayo. En Órbita l Madrid 19-21 mayo Tomavistas l Sevilla 20-21 mayo. Interestelar l Alicante 27-28 mayo. Spring Festival l Valencia 03-04 junio. Festival de les Arts l Benicàssim 14-17 julio. FIB l Olivenza 29-30 julio. Contempopránea

#16 abril 2022

y ahora han salido un montón de canciones rollo ‘Tamagotchi’”, explica María. Y mucho menos teniendo en cuenta que Paola se compró un Tamagotchi de verdad recientemente y le duró tres días. “Es que soy una niña para siempre, la verdad. Me he quedado con el complejo Peter Pan. Estuve un día sin mirarlo y el otro día se murió. Es que da mucha ansiedad, está todo el rato pitando.

Es una relación tóxica de dependencia y mira suficiente tengo con un perro y una gata [risas]”.

ESTÁ CLARO QUE VAN A RECORDAR toda su vida este mes de abril de 2022. Por fin van a ver cómo sale a la luz el disco en el que tantos años llevan trabajando. Y, además, harán realidad su sueño de realizar un tour por América con parada en el Coachella incluida. La fiesta solo acaba de empezar. “Estamos ensayando todo el disco para el directo, nos vamos todo el mes a América Latina y cuando volvamos ya estará publicado en España. Va a ser estresante, pero muy emocionante la verdad. Igual nos da algo, pero de felicidad”, comenta Alicia.

“Tendremos una nueva puesta en escena para las canciones, pero sobre todo bien de rock”, cierra Paola con una gran sonrisa.

—A.J.

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EL APUNTE

A flor de piel

L

A CAPACIDAD de Cariño para transmitir verdad a través de su música es magnífica. La forma en la que se sinceran sin filtros en sus canciones ha hecho que conecten con las generaciones actuales desde el primer día. Encapsulan emociones sin miedo, es como si te dejaran prestado su diario para que te lo leas en forma de novela. Y, sinceramente, pocos grupos ponen tan pocas barreras a la hora de reflejar quienes son. Lo que las ha hecho únicas dentro de la industria. Su gran fuerte es el amor y lo viven con una intensidad asombrosa. Pero claro, ¿quién no ha atravesado una relación complicada que le ha destrozado por dentro, con la que ha llorado como si no existiera un mañana y de la que aún tiene secuelas? Escuchar un disco de Cariño es como escuchar a tu conciencia en tu peor etapa amorosa y todas esas cosas que jamás te atreviste a decirle a la cara a tu ex. Pero también, es volar sobre una nube porque has encontrado a la persona idónea para compartir tu vida. O eso es lo que crees. —A.J.

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J ARDÍN BOTÁNICO ALFONSO XIII UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID J UNIO 8 FANGORIA / NANCYS RUBIAS · 10 GIPSY KINGS FT NICOLÁS REYES / KIKO VENENO 11 MIGUEL POVEDA · 12 IMELDA MAY / ELI "PAPERBOY" REED 13 KHRUANGBIN / DIRTY LOOPS · 14 PABLO ALBORÁN · 15 BURNING / LOS ENEMIGOS 18 PAT METHENY SIDE-EYE · 20 PATTI SMITH · 21 INDIA MARTINEZ 22 LEÓN BENAVENTE / LOS ESTANQUES Y ANNI B SWEET 23 MADNESS · 24 PRINCE ROYCE · 25 LITTLE DRAGON / YUSSEF DAYES 26 TOM JONES · 27,28 WILCO / LA TREMENDITA · 29 LP 30 MARISA MONTE / GUSTAVO SANTAOLALLA J U LI O 1 JUANES · 2 BELLE AND SEBASTIAN / BETH ORTON · 3 CROWDED HOUSE 4 CAT POWER / YELLOW DAYS · 5 AGNES OBEL / JOHN GRANT · 6 THE SMILE / ROBERT STILLMAN 7 CHUCHO VALDÉS & PAQUITO D´RIVERA REUNION SEXTET / ELIANE ELIAS 8 ESTRELLA MORENTE / KIKI MORENTE 9 ISRAEL FERNÁNDEZ / ISRAEL SUÁREZ “EL PIRAÑA” PRESENTA LÁGRIMAS DE MUJER 10 NICK MASON · 12 CORY HENRY / CORY WONG FEAT. DAVE KOZ 13 GEORGE THOROGOOD & THE DESTROYERS / VINTAGE TROUBLE 14 ZUCCHERO / THE BLACK HERITAGE CHOIR · 15 SNARKY PUPPY / ROBERT GLASPER 16 VICENTE GARCÍA / CARLA MORRISON · 17 CARLINHOS BROWN / CIMAFUNK 18 STEVE VAI / EL TWANGUERO · 19 JESSIE J / QUERALT LAHOZ · 20 YOUSSOU N’DOUR / CYMANDE 21 PINK MARTINI / ELIADES OCHOA · 22 CALEXICO / ASAF AVIDAN 23 YANN TIERSEN ELECTRONIC SET (LIVE A/V) / HANIA RANI · 24 HERBIE HANCOCK / ALFA MIST 25 BEN HARPER & THE INNOCENT CRIMINALS · 27 OSCAR D’LEÓN / EVA AYLLÓN 28 CARLOS VIVES · 29 NACHO VEGAS 30 EMIR KUSTURICA & THE NO SMOKING ORCHESTRA / MUCHACHITO BOMBO INFIERNO 31 DIANA KRALL

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.LOS LIBROS.DE MI VIDA

Matthew Herbert

Una excepción para un artista sonoro excepcional: nuestra habitual sección de “Los discos de mi vida” se convierte en “Los libros de mi vida” para dar la bienvenida a Matthew Herbert. En esta interesante lista el DJ, productor, compositor y experimentalista británico nos muestra los libros que más impacto han tenido en él en cuanto a su relación con el sonido, tomado este último como la organización del tiempo.

La entreplanta Nicholson Baker The Mezzanine, 1988

Ambientado completamente en el descanso para la comida de quince minutos de un oficinista, la narración ralentiza el tiempo hasta hacerlo casi estacionario. Un capítulo entero está escrito sobre un pequeño paquete de azúcar.

La vida.

Instrucciones de uso Georges Perec Life, A User’s Manual, 1978

Un bloque de apartamentos imaginario en París descrito con detalles forenses. El libro es delicioso en su hilado de infinidad de historias de objetos estacionarios. Incluso contiene un acto imaginario transmusical llamado “Hortence” sobre el que quise basarme para crear y lanzar un disco.

Sobre la fotografía Susan Sontag On Photography, 1977

Escrito con verdadera actitud y claridad, este es un libro provocativo en el mejor de los sentidos. Mucho de lo que se habla en relación a lo que capta una fotografía se puede aplicar al sampling.

Submundo Don Delillo Underworld, 1997

En este libro hay una línea sobre los espectadores del béisbol esperando que suceda algo entre la magia y el accidente.

Durante muchos años, “magicandaccident” fue el nombre de mi web. La habilidad de Delillo para articular los momentos exactos de la vida donde lo político se cruza con lo artístico y ocasionalmente con lo divino no tiene paralelo. Su enfoque me ha ayudado a pensar sobre la disposición de los sonidos en mi música.

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El cuerpo humano.

Guía para ocupantes Bill Bryson The Body, 2019

Este libro es esencial en lo que refiere a la mecánica del acto de escuchar.

Explica que si nuestra audición fuera más sensible, seríamos incapaces de hacer frente a la cantidad de información auditiva que recibimos.

Modos de ver John Berger Ways Of Seeing, 1972

Si Berger hubiera escrito posteriormente un libro también sobre formas de escuchar… Sin embargo no es necesario, ya que este libro deconstruye con tanta elocuencia gran parte del andamiaje falso en torno al arte que uno puede aplicarlo fácilmente a la música. El nivel de humanidad en su escritura hace que su trabajo sea muy emotivo. —ADRIANO MAZZEO

abril 2022 #19

CONCIERTOS

ELEFANT RECORDS Presenta:

LA CASA AZUL “No Hay Futuro”

NUEVO SINGLE DIGITAL A LA VENTA EL 8 DE ABRIL

LA CASA AZUL 2 Abril PALMA DE MALLORCA 14 Abril BENICÀSSIM • SanSan Festival 22 Abril MADRID • La Riviera 23 Abril MADRID • La Riviera 6 Mayo ARMILLA • En Órbita Fest 11 Junio TALAVERA DE LA REINA • Capital Fest 17 Junio SABADELL • Festival Observa 16 Julio VILAGARCÍA DE AROUSA • Atlantic Fest 29 Julio OLIVENZA • Contempopránea 14 Agosto ARANDA DE DUERO • Sonorama 16 Agosto CHICLANA • Concert Music Festival 20 Agosto TAVERNES • Festival Meditarranea 24 Septiembre ZARAGOZA • FIZ

PRÓXIMAMENTE MÁS FECHAS Contratación: conciertos@elefant.com

MARINITA PRECARIA

LIGHTNING IN A TWILIGHT HOUR

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“Overwintering”

“JÁJÁ ÉQÚÍSDÉ (Distopía Aburrida)”

NEVVER

CRISTINA QUESADA

INTERROGACIÓN AMOR

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“No Me Miréis”

“Tiernos Maullidos Eléctricos”

“Primavera”

PUTOCHINOMARICÓN LP • Digital

“NADA!”

AIKO EL GRUPO

AMOR BUTANO

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LISASINSON

LA BIEN QUERIDA

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“Niños Furbito Y Niñas Lo Que Sea”

“No Sé Muy Bien”

SOLEÁ MORENTE “Aurora y Enrique”

NUEVO ÁLBUM

YA A LA VENTA CD Digisleeve • LP • DIGITAL

“Alicia”

“Resistiré (BSO “Elite”)”

CONCIERTOS

SOLEÁ MORENTE 21 Abril MADRID • [Duo acústico] 8 Mayo MANRESA • Faba 13 Mayo VALENCIA 21 Mayo BARBASTRO 22 Mayo ZARAGOZA 6 Junio GETAFE 11 Junio BARCELONA • Primavera Sound 17 Junio ARBOLEAS 18 Junio CORDOBA 1 Julio VIGO 2 Julio SANTIAGO 3 Julio A CORUÑA 22 Julio MARTOS (JAÉN) • Vértigo Estival 15 Octubre ZAHARA DE LOS ATUNES • Zahara Indie

[LP Vinilo Negro • Edición limitada]

PRÓXIMAMENTE MÁS FECHAS Contratación: conciertos@elefant.com

PRÓXIMAMENTE EN ELEFANT RECORDS:

LA BIEN QUERIDA • REBE • AMOR BUTANO • CRISTINA QUESADA • BMX BANDITS • BUBBLE TEA AND CIGARETTES • NENAS • LISASINSON NEVVER • INTERROGACIÓN AMOR • NOS MIRAN • SOLEÁ MORENTE • MARIA RODÉS • TELECLUB • A GIRL CALLED EDDY • CARABALLO CHAVALES • FITNESS FOREVER • LABORDE • LIA PAMINA • LA CASA AZUL • LINDA GUILALA • MADDIE MAE • PAPA TOPO • TRONCO ...

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PLACEBO El codiciado regreso

“Never Let Me Go” (So Recordings, 22), octavo álbum de estudio de Brian Molko y Stefan Olsdal, pone fin a más de siete años de largo silencio. Contactamos con este último para desgranar los entresijos de un disco que no es sino aquel que todos los seguidores de Placebo ansiaban recibir: uno notable e impregnado con la más pura esencia de la banda. Podremos verles en el Bilbao BBK Live.

—TEXTO Raúl Julián —FOTOGRAFÍA Mads Perch

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REO QUE “Never Let Me Go” contiene la absoluta impronta de Placebo: quizás sea el disco con un sonido más clásico y reconocible de Placebo en mucho tiempo. ¿Buscabais reencontraros con ese tipo de sonido tradicional dentro del grupo? ¿Qué aspecto queríais que tuviera el álbum?

A lo mejor es inevitable que un disco de Placebo suene a algo que no sea a Placebo, pero en realidad intentamos enfocarlo desde una óptica distinta. En varios sentidos.

Por ejemplo, por primera vez en nuestra carrera empezamos el disco sin batería.

Solo éramos Brian (Molko) y yo en mi estudio. En lugar de ver eso como un obstáculo, nos dimos cuenta de que teníamos más libertad a la hora de buscar nuevos terrenos.

Empezamos el disco pensando que haríamos todo con una drum machine. Al final no fue así, pero fue como comenzamos.

También empezamos el disco haciendo el proceso al revés. Quiero decir que, cuando hacemos un disco, lo último que decidimos normalmente es la portada, el título del álbum, los títulos de las canciones… pero esta vez empezamos con eso. Así que el proceso ha incluido varias cosas diferentes con respecto a cómo las habíamos hecho antes. Creo que lo hicimos así por nosotros, para evitar sentir que estábamos haciendo lo mismo que antes. Pero tú, por ejemplo,

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dices que el resultado suena mucho a Placebo. Y claro, creo que al final es inevitable porque somos Brian y yo, y esa es la banda y el sonido. Somos los dos músicos y los dos compositores del proyecto, y a fin de cuentas tenemos una relación instintiva y emocional con lo que estamos haciendo: eso es Placebo.

—En cualquier caso, el sonido del disco es

magnífico: la voz de Brian Molko suena penetrante y elegante; y la instrumentación es impecable: oscura, pero a la vez insinuante y sugestiva. ¿Cómo llegasteis a conseguir esa apariencia que cubre todo el disco?

Quisimos contar con alguien que nos ayudase en el estudio. Cuando tuvimos todas las canciones llamamos a nuestro productor Adam Noble, que también produjo el que hasta ahora era nuestro último disco, “Loud Like Love” (Virgin, 13), así como un par de temas entre estos dos discos. Ese sonido que tú dices que tiene el disco tiene mucho que ver con Adam, con cómo nos ha mezclado, el sonido de la voz… Ahí tenemos una relación que para nosotros funciona muy bien. Es una colaboración que nos ayuda bastante a sacar lo que queremos de cada canción. En este disco Brian y yo quisimos hacer algo con muchas capas, y hay algo parecido a una relación de amor con los teclados… Hay muchísimos. Un buen ejemplo es el primer single que sacamos, “Beautiful James”, que está protagonizado por una melodía de un sinte y eso nunca lo

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abril 2022 #21

ENTREVISTA

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habíamos hecho antes. Hay ‘sintes’ de todas las épocas y yo creo que eso, en paralelo con el hecho de que seamos una banda de rock, propicia el sonido del disco. Al final no solo usamos una drum machine en el disco, sino que también hay batería acústica y también somos una banda de guitarras y hay muchísimas guitarras. Aun así, a lo mejor ni siquiera es nuestro disco con más capas.

—“Never Let Me Go” cabe entenderse

como un disco realista y acorde con ese momento algo angustioso e incierto que estamos viviendo, pero que a la vez deja entrever luz y aníma a seguir adelante. ¿Dirías que este nuevo trabajo es un disco optimista o pesimista?

Uffff... [risas] A ver… Eso depende del día [risas]. Cada día me parece más difícil ser optimista, la verdad. Claro, por supuesto que el disco incluye, de fondo, todo eso que está pasando a nuestro alrededor. Y como personas tampoco somos jovencitos. Ya no tenemos veinte años y no pensamos que todo lo que hacemos sea lo mejor del mundo, ni pensamos que nunca moriremos. No estamos en esa etapa. Yo creo que los temas un poco más difíciles, los complicados y oscuros, siempre han sido una cara de Placebo. Y en este disco sigue habiendo muchos de esos temas. Pero al mismo tiempo nunca hemos buscado ser una banda que haya querido decirle al que escucha lo que tiene que sentir o lo que tiene que pensar.

Hasta ahora me he encontrado a mucha gente que ha cogido partes de letras y les han dado energía positiva y optimismo. Así

#22 abril 2022

De izquierda a derecha que, aunque Stefan Olsdal hay oscuriy Brian Molko dad, siempre tenemos que seguir adelante. Y pienso que es lo que estamos haciendo en Placebo. Después de todo este periodo de tiempo, seguimos adelante.

—¿Ha influido la pandemia en la creación

de este nuevo álbum?

Bueno, a mí la pandemia me ha servido dándome tiempo extra para entrar de verdad y a fondo en la identidad de cada canción. Tuvimos más tiempo, yo por ejemplo aquí en mi estudio y Brian por su lado con las letras, y hemos podido cumplir con un disco con el que estar más satisfechos.

Eso no quiere decir que sea un disco perfecto, porque las canciones nunca parar de desarrollarse y tienen vida propia. Pero precisamente nos dimos cuenta de que la perfección no era un objetivo a alcanzar [risas]. A veces las imperfecciones quedan concretadas en pequeños sonidos o afinaciones que no son prefectas… Y optas por dejar esos detalles para que la música pueda respirar más.

—Mencionabas antes “Beautiful James”, que fue el primer adelanto del disco, y tras él llegó “Surrended By Spies” como segundo sencillo. ¿Es una canción sobre cómo la tecnología sirve para espiarnos? ¿Debería ser la tecnología un motivo de preocupación para la humanidad?

Es interesante la diferencia entre los sonidos y conceptos de “Beautiful James” y

“Surrended By Spies”, siendo que ambos tienen la identidad de Placebo. Y por supuesto que la tecnología nos influye muchísimo. A veces creo que estamos viviendo dentro de esa revolución tecnológica que está estallando, esa que está desarrollando la tecnología a tal velocidad que, objetivamente, el ser humano no puede darse cuenta de lo que está pasando. Es un mundo muy diferente al mundo que existía cuando empezamos con la banda, y muchas veces me digo que vivo en una ciudad como Londres, que tiene el sistema de seguridad casi más completo que existe, pero yo tengo la suerte de vivir en una calle que no tiene cámaras… ¡Y me siento mejor en mi calle! [risas]. Debemos pensar en el precio que conlleva la forma en la que la tecnología ha entrado en nuestras vidas.

—En el disco también hay bastantes so-

nidos industriales, como por ejemplo en “Forever Chemicals”, el tema que lo abre.

Al mencionar esa canción has hecho que me acuerde de fallos en el proceso [risas]. En ese tema, el sonido que abre la canción era al principio una drum machine, pero de alguna manera se cambió al sonido de un arpa y eso nos llamó mucho la atención y nos pareció que era un sonido mucho más interesante. Entonces lo pusimos en una máquina de distorsión porque siempre nos ha gustado mucho ese tipo de sonido y nuestras guitarras muchas veces están distorsionadas. Ese tipo de experimentación siempre nos ha gustado. Creo que desde el tercer disco empezamos a usar más el estudio como parte del proceso de creación de un álbum.

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“Cuando me miro en el espejo no veo a una estrella de rock”

—La última vez que te entrevisté con

Placebo fue en 2016 y entonces definiste a Brian Molko como “una gran bola de fuego que a veces quema mucho y a veces se apaga”. ¿Cómo está ahora Brian? Puede parecer que canta mejor que nunca y esa nueva imagen suya es impactante, casi como de renacido.

Bueno, él ha dicho en una entrevista que hicimos hace poco que lo que tenemos es un matrimonio, pero sin el sexo. A mí desde el principio, cuando escuché unas maquetas que hizo cuando él tenía dieciséis años, me impactó. Ya en ese mismo momento. Y claro que ha cambiado, a lo mejor no llega tan alto como antes, pero su voz la maneja muy bien, la verdad [risas].

—En 2017 hicisteis una gira con motivo del vigésimo aniversario de la banda, que se anunció como la última ocasión para escuchar en directo muchos de las viejas canciones. ¿Hay temas clásicos que no volverán a sonar en los conciertos de Placebo? ¿Os llegasteis a cansar de tocar algunas canciones en directo?

Sí, yo creo que llegamos a un punto en el que estábamos un poco desilusionados. Era buena idea celebrar el veinte aniversario, pero lo que pasó es que llegó el veintitrés aniversario y todavía seguíamos de gira [risas]. Y eso ha hecho que sintamos una relación bastante desconectada con nuestros temas anteriores. Siempre es difícil sacar un setlist que funcione para nosotros. Y tiene que funcionar primero para nosotros, porque si no tampoco va a salir bien para el público. En aquel momento pensaba que no podía salir de gira sin un disco nuevo. Pero aquí estamos ahora, con un nuevo disco y creo que también va a ser una oportunidad para reevaluar la relación con los discos anteriores. Y a lo mejor con ese nuevo disco también tocaremos temas que no hemos tocado en mucho tiempo, no lo sé. Es un poco como decías tú antes: un renacimiento, un reinicio.

—El caso es que Placebo ha quedado

como una de las formaciones icónicas de los noventa. ¿Qué tal sienta eso?

Yo me levanto con todas las mismas inseguridades que tenía con veinte años… ¡todavía! [risas]. Pienso demasiado, me preocupo demasiado y cuando me miro en el espejo, no veo una estrella de rock. Yo creo que, con este período de pandemia, hemos tenido la oportunidad de encajar Placebo alrededor de nuestras vidas, en lugar de encajar una vida alrededor de Placebo. Hemos podido reevaluar un poco lo que ahora significa estar en una banda.

Pero todavía me miro en el espejo y no veo a alguien como tú has dicho.

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—Lo que está claro es que la industria musical ha cambiado muchísimo desde vuestros comienzos hasta la actualidad. ¿Dirías que se ha perdido un poco el romanticismo? ¿Qué escenario crees que era más favorable para los grupos, aquel en el que comenzó Placebo o el actual?

Yo creo que es más difícil ahora. Estar ahora en una banda implica que tengas que dedicar mucho más tiempo a hacer otras cosas, como marketing, redes sociales y cosas así. O crear contenidos al margen de la música, porque hay que luchar tanto para llamar la atención sobre lo que estas haciendo... Tienes que dedicar mucho tiempo.

O eso o intentar conseguir otras maneras de ganarte la vida. Yo lo veo mucho más difícil ahora que antes, la verdad.

—De momento no hay conciertos de Pla-

cebo anunciados en España más allá de las fechas de algún festival ¿Habrá gira propia fuera del circuito de festivales?

Siempre hemos tenido una relación fantástica con España, y yo personalmente también. Así que no hay que preocuparse [risas]. Lo de este verano será solo el comienzo de la gira. —R.J.

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EN CONCIERTO l Madrid 06 julio. Mad Cool l Bilbao 07 julio. Bilbao BBK

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ENTREVISTA

A

ESTAS ALTURAS Dorian se han dejado en casa todas las cadenas y ha decidido mirar hacia adelante para sacar un disco en el que creen y que representa su presente. Un álbum que se establece en la crisis de la sociedad actual, que mira de frente a decisiones políticas desoladoras y a la falta de pasión por la cultura. Pero, por otro lado, también lanza un mensaje de unión entre pueblos, de búsqueda del cambio, de esperanza, de que otro mundo es posible. Quedamos para hablar con Marc Gili sobre este inmenso nuevo viaje al que se lanzan sin tener miedo a las consecuencias y repasamos el enorme crecimiento en la identidad del grupo que les ha llevado a eliminar cualquier tipo de prejucios que hayan sufrido en el pasado. Emocionado Marc nos explica que “Ritual” surge de la unión entre culturas y de todos esos enriquecedores viajes a América Latina y Estados Unidos que ha protagonizado la banda en los últimos años. “Yo te diría que este cambio en nuestro espíritu se empezó a gestar hace ya dos o tres años. Son muchos viajes a América Latina y unos cuantos a Estados Unidos. Era inevitable que tarde o temprano toda la música que escuchamos por allí acabara influyendo en Dorian. Pero claro, los cambios en las personas suceden de forma lenta. Desde que la ola empieza a crecer hasta que rompe lleva un tiempo. La verdad que estos cambios ya queríamos introducirlos en nuestro anterior álbum ‘Justicia universal’ (18), pero no estábamos aún preparados y en ‘Ritual’ sí que han cristalizado”, explica el artista. Un disco que, además, ha despertado en la banda una sensación de pulsar el botón de reset. “Es un álbum que marca un nuevo inicio en la carrera de Dorian. Todos tenemos la sensación de que es un álbum que amplía la paleta de sonidos, de recursos rítmicos, armónicos y de producción de Dorian. Fue un día caminando por Los Ángeles cuando me di cuenta de que en este álbum quería hacer dos cosas. Mezclar los sonidos new wave y synth pop tradicionales de siempre de Dorian con beats latinos e introducir letras y samplers en otros idiomas para inyectar al álbum un espíritu cosmopolita. Creemos que el cosmopolitismo es la esperanza de la humanidad, el localismo puede llevar a guerras como la que ha provocado Putin.

Quería que el álbum sonara como un viaje por varios países del mundo”. #24 abril 2022

CORRUPCIÓN, FURIA, heridas, vida sin vida... El álbum inicia con una clara sentencia a un mundo que agoniza y que aún así sigue empujando para sobrevivir. En “Mundo perdido” la banda no para de construir referencias que bien podrían representar el presente actual en el que todos miramos hacia la figura de Putin y la sangre derramada en Ucrania. Pero, claramente, hay mucho más en lo que detenernos y muchos más temas que recorren la mente de Dorian sin freno alguno. “Se trata de una canción que es una letanía, una enumeración de cosas que nos preocupan y nos revientan, como los dogmas de fe. Denunciamos la estupidez que es ser dogmático tanto a nivel religioso como en otros asuntos de la vida.

Y además mencionamos lo que nos preocupa, lo peligroso que es un mundo sin libros como el mundo que tenemos ahora mismo de mucha pantalla y poco libro. O bueno, un mundo con libros en el que la gente no lee, porque una parte muy importante de la población declara que no lee nada en todo el año. Eso es muy preocupante, es un terreno abonado para la extrema derecha y para muchos movimientos reaccionarios chunguísimos. Estamos preocupados por

Dorian Derriba muros

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“

“Es un álbum que marca un nuevo inicio en la carrera de Dorian”

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No es nada fácil ver a un grupo consolidado, y tan cómodo con su situación dentro de la industria, saltarse las normas. Salir de su plácido refugio para que su música crezca y se desarrolle de una manera verdaderamente libre. Lo que Dorian ha conseguido con “Ritual” (El Temblor/ Intromúsica, 22) es algo admirable.

—TEXTO Álex Jerez —FOTOGRAFÍA Sergi Margalef

un mundo de ignorancia en el que la gente es manipulable porque no tiene información. ‘Mundo perdido’ abre el álbum por ser un tema de corte político social y porque marca mucho el diapasón del album. Es como un ‘Hola, aquí estamos con esto y aquí empieza un viaje’”, explica Marc.

VUELVEN CON UN NUEVO recorrido que nunca antes le habíamos visto al grupo y una sensación de riesgo que engancha. Han saltado a géneros mucho más comerciales, a colaboraciones que jamás hubiesen imaginado sus fans de toda la vida. Pero, aún así, se sienten orgullosos y felices de haberlo hecho. “Nos va a costar meses de gira que el público que no tiene a Dorian en el radar entienda que el grupo es mucho más de lo que hayan podido escuchar en los últimos años. O sea, estamos seguros de que nuestro público va a disfrutar ‘Ritual’, pero luego hay un público más flotante que a lo mejor nos tiene congelados en su mente, en el tiempo, en una serie de canciones y un sonido. Es a ese público al que queremos demostrar que Dorian es mucho más de lo que puedan tener en mente. Y es muy bonito todo lo que nos espera ahora,

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es casi como un volver a empezar. Aunque no haya nacido un nuevo grupo, porque ‘Ritual’ también tiene mucho de los Dorian de siempre, sí que al haber crecido musicalmente y conceptualmente el grupo está ante un nuevo amanecer. Es muy excitante poder tener cosas nuevas que explicar a la gente”. Entre las colaboraciones de las que hemos hablado, nos encontramos la espectacular voz de Ana Mena en “No dejes que pase el tiempo”. Un tema que saca a relucir el lado más romántico y carnal de Dorian al hablar de una relación de pareja que intenta comprenderse y aprender a comunicarse huyendo del reproche y el grito. “Estamos súper contentos con esa canción porque la capacidad interpretativa de Ana la ha elevado a otro nivel.

Ana Mena es una artista muy completa y creemos que no va a parar de demostrar el talento que tiene en los próximos años.

Nos conocimos por un amigo en común y resultó que hubo match artístico. Para la mente de mucha gente ella es una artista de radio mainstream y nosotros venimos más del underground y los sellos independientes. Pero lo cierto es que cuando dos artistas se entienden en el estudio da igual de donde procedan porque surge la magia.

La verdad es que esperamos que sea una colaboración que derribe muchos muros sobre lo que es el indie, el mainstream y toda esa tontería que llevamos tantos años discutiendo”, cuenta Marc ilusionado.

Y ES QUE “RITUAL” es un disco con el que aproximarse a nuevas generaciones, con el que lavarse la cara con agua fría y hacer las cosas sin darle demasiadas vueltas. Puede que por esa razón, la figura de Alizzz pegue tanto en el inicio de esta nueva aventura.

Esa forma que tiene Cristian de atrapar el presente, la inmediatez y hacer música de una forma tan espontánea. “El tema con Alizzz lo tuvimos en secreto como casi dos años porque esa canción la compusimos mano a mano un mes antes de que estallara la crisis del COVID. Y bueno, nosotros somos unos grandes admiradores de lo que hace Cristian desde hace muchos años. Le sigo la pista desde antes de Tangana, por aquello de estar en la misma escena de Barcelona. Y al mismo tiempo, Cristian es muy fan de ‘La ciudad subterránea’ (09) y nos contó que ese disco le marcó mucho. Le propusimos hacer música juntos y surgió con mucha naturalidad, todo se armó en un día. Alizzz es muy intuitivo componiendo, muy rápido, y yo le iba pillando todas al vuelo. La letra fue muy veloz también, muy contra las cuerdas”.

3

abril 2022 #25

ENTREVISTA

3

SON CONSCIENTES DE QUE parte de su público se siente destruido por no poder lograr salir de una vez por todas adelante, por tantos golpes que les siguen manteniendo en un bucle infinito. “No es un álbum nihilista ni mucho menos, está lleno de esperanza.

Pero también es un disco en el que hemos expresado otros asuntos que tenemos en la cabeza. En ‘Tornado’ hablamos de esa generación atrapada entre el crack financiero del 2008 y la crisis del Covid actual. La resaca económica que deja este escenario de desmembramiento del estado del bienestar. Otra cosa que nos preocupa mucho es la gentrificación de las ciudades como Barcelona o Nueva York. La gentrificación nos parece uno de los grandes cánceres de la sociedad actual y algo que hay que frenar como sea desde el encuentro y la denuncia pública”. Un freno que lleve a un cambio que pase claramente también por destruir ese patriarcado que no deja a la mujer ser libre y crear una situación política muy diferente a la que vivimos en la actualidad. “Tenemos también una canción, que es muy bonito hablar de ella hoy ya que es 8 de marzo, que se llama ‘Techos de cristal’ en la que exponemos un feminismo centrado en nuestro deseo de que algún día las mujeres dominen las esferas de poder. De que cuando lo hagan no actúen como hombres, con toda esa testosterona, sino que nos enseñen a los hombres otro tipo de comunicación y otro tipo de poder, de mandato. Hay mujeres que han demostrado que se puede estar arriba presidiendo gobiernos, como en Finlandia o Nueva Zelanda, y hacer un estilo de política totalmente diferente. Lograr comunicarse

De izquierda a derecha Lisandro Montes, Marc Gili, Belly Hernández y Bart Sanz

EL APUNTE

El gran salto de Dorian

H

ABLAR DE DORIAN es hablar de un grupo que consiguió marcar a multitud de generaciones y regalarnos verdaderos himnos en los que refugiarnos cuando las cosas no iban tan bien. Es la banda a la que todos idolatran, esas noches inifinitas cantando como si no hubiera un mañana “Tormenta de arena” tras varios chupitos de tequila, esos viajes en coche con amigos analizando “El futuro no es de nadie” (07), el universo sonoro tan especial que consiguió “La velocidad del vacío” (13) en los festivales...

La verdad es que nos faltan caracteres para comentar tantas anécdotas inolvidables que nos ha regalado esta banda. Si viajamos en el tiempo, solo nos viene a la cabeza ese grupo que se presentaba con “10.000 Metrópolis” (04) y un disco personal de

una gran madurez junto a un trabajo electrónico impoluto. Los mismos que después se convertirían en la banda sonora de toda la escena independiente gracias a esa inagotable y brillante “A cualquier otra parte”. Pero, eso solo era el principio. Recuerdo días de oscuridad, conversaciones por MySpace y el resultado de un disco que pocas bandas han llegado a igualar con “La Ciudad Subterránea” (09). Más tarde, la consagración de Latinoamérica, el enriquecimiento a través de los sonidos latinos, los directos, el gran aniversario y la luz de “Justicia Universal” (18). La verdad que Dorian han disfrutado de la música de una forma tan honesta que verles ahora dar un salto tan grande con “Ritual” solo nos hace sentirnos tremendamente orgullosos de ellos. ¿Qué será lo próximo? —Á.J.

de una forma no violenta y asumir que las mujeres son las únicas que pueden hacer realidad esa revolución porque los hombres ya hemos visto que solo servimos para darnos porrazos”.

LA CREACIÓN DE ESTE ÁLBUM ha llevado a eliminar todos los bloqueos mentales que pudiera tener el grupo de su bagaje como artistas hasta ahora. “Ritual” transmite esa energía de que puedes hacer con tu arte lo que tú quieras. Y, lo mejor de todo, es ver al grupo completamente entusiasmados con una etapa que pone la identidad de la banda patas arriba. Eso sí, la esencia de los Dorian de siempre sigue intacta y prueba de ello es ese salto al catalán dado con “Universal” de la mano de Suu y Sergio Acosta de Zoé.

“El tema surge de la unión de dos canciones anteriores, de juntar un tema mío y uno de Belly. Empezamos a armarlo y quedó muy redondo. Teníamos muy claro mientras estábamos haciendo este álbum, en el que hay tantos idiomas, que no podía faltar nuestro segundo idioma materno: el catalán. Nos la están pidiendo ya en Buenos Aires y eso nos encanta. Nos gusta que la música logre emocionar de esta manera”. —ÁLEX JEREZ

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#26 abril 2022

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TAN. CERCA.

EL DISCO. RECUPERADO.

RRNovedades Carminha lo dejan de forma indefinida. No podemos saber si será una cosa temporal o si ya no habrá más diversión de la mano de los gallegos. En todo caso, es una triste noticia y lo único que se nos ocurre es ponernos a cantar a voz en grito hits como “Antigua pero moderna”, “Te quiero igual”, “Verbena”, “Ritmo en la sangre” o “Lento”.

Redd Kross Show World This Way Up/Mercury Records, 97 “SHOW WORLD” debería haber sido el disco que convirtiera a Redd Kross en estrellas, pero la maldición de los grandes del power pop siguió presente y uno de los discos más contagiosos y luminosos de los noventa pasó nuevamente desapercibido, demostrando que con Redd Kross iba a pasar igual que con Big Star, Badfinger, Flamin’ Groovies o los The Beat de Paul Collins, que se iban a quedar para siempre como grupo de culto fuera de cualquier proyección comercial. Es una pena, porque este álbum es uno de esos discos lleno de potenciales sencillos, un disco de esos que suena a grandes éxitos y no tiene una sola mala canción. La banda, que se había formado en 1979 cuando los hermanos McDonald, Jeff y Steve, contaban con quince y once años de edad, repetía por primera vez formación en un disco. Los componentes de Redd Kross eran los mismos que en “Phaseshifter” (93). Todas las virtudes de aquel se amplifican en este, con una producción mucho más nítida y colorida.

El disco se abre por todo lo alto con la única canción no firmada por los McDonald, se trata de “Pretty Please Me”, una versión de The Quick, que en manos de Redd Kross se convierte en la versión power pop del “Search & Destroy” de Iggy & The Stooges. La sigue “Stones”, con estribillo irresistible y perfectas armonías a cargo de los McDonald. “You Lied Again” comienza con un potente riff de guitarra y de ahí va subiendo hasta llegar a otro estribillo glorioso, con los McDonald doblándose la voz como si

fueran la versión kitsch angelina de Lennon y McCartney. Nunca cantaron y sonaron mejor que en este disco.

“Girl God” es una gran balada con guitarra acústica que va subiendo en intensidad hasta romperse en el estribillo. Por su parte, “Mess Around” comienza con un riff de guitarra sacado del libreto de los primeros The Byrds y cuenta con una melodía que contaría con la aprobación del mismísimo Gene Clark. “One Chord Progression” les coloca como discípulos aventajados de Cheap Trick y “Teen Competition” les lleva a sus comienzos como banda punk, eso sí, sin olvidar los ganchos pop, mientras que “Vanity Mirror” tiene un brillo glam durante toda su duración. “Secret Life” es una de las mejores baladas de su carrera, con cuerdas resaltando su sentido estribillo. Y luego aparece, como una explosión pop, mi canción favorita de su carrera, una “Ugly Town” que no llega a las 8.000 reproducciones en Spotify, pero que es una de las melodías más perfectas que jamás he escuchado, como si fuera un sencillo perdido de The Beatles de 1963 pero con guitarras distorsionadas. A continuación aparece “Get Out Of Myself”, otra gema de power pop que lo tiene todo, la fuerza y la melodía, con unas ligeras influencias orientales y psicodélicas. “Kiss The Goat” cerraba el disco demostrando que los McDonald también escuchaban a Led Zeppelin, además de a The Beatles, Kiss o Cheap Trick. Reunir trece canciones de este calibre es un pequeño milagro que ocurre en muy pocas ocasiones.

RRLa banda barcelonesa Mishi-

ma lanzará su nuevo álbum, titulado “L’aigua clara”, el 22 de abril. Además, el grupo iniciará su gira el próximo 6 de mayo, en el Auditori de Girona. Entre otras fechas confirmadas, destacan Sabadell el 19 de mayo, Barcelona el 27 de mayo, Vilanova i la Geltrú (Vida Festival) el 1 de julio, Castelló d’Empúries (Festival Istiu) el 9 de julio o Benicàssim (FIB) el 16 de julio.

RRMadrid Escena vuelve nue-

vamente con un cartel en el que nos encontraremos nombres de nivel tanto nacionales como internacionales. Esta segunda edición se desarrollará entre los días 3 a 19 de junio en el Parque Tierno Galván. Habrá humor, gastronomía y actuaciones de artistas como Love Of Lesbian (4 junio), James Blunt (8 junio), Simply Red (9 junio), Robe Iniesta (11 junio) y Diego El Cigala y Juanito Makandé (12 junio).

RR“La Herida” (Propaganda Pel

Fet!, 22) es el debut largo Carmen Xía. Un disco que combina tradición y modernidad con la que la gaditana construye un relato plagado de referencias artísticas andaluzas y femeninas.

La producción es de Suzio Tarik y Enzoo Leep, con la colaboración de Bittah (Tribade).

—SERGIO ARIZA

REDD KROSS FOTO: JULIAN FORT

RREstación Podcast reunirá a

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los mejores podcasters procedentes de México, Chile, Argentina, Estados Unidos, España, Perú y Colombia el próximo mes de mayo. Y será en el Círculo de Bellas Artes y Casa de América de Madrid de 10 al 14 de mayo.

Andrés Rodríguez (Spainmedia) y Carlos Galán (Subterfuge Radio) son los promotores de este proyecto pionero, dirigido por Nacho Gallego.—MS

abril 2022 #29

Green Valley Sin mirar atrás

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RAS DIECIOCHO AÑOS de carrera y siete discos, muchos grupos se dedican a vivir de las rentas. No es el caso de Green Valley. El grupo liderado por Ander Valverde hace borrón y cuenta nueva para dar vida a un nuevo disco en el que han recuperado su antigua manera de producción para dar un nuevo paso al frente. “Tras varios años de malas experiencias con algunas discográficas y gente del gremio, volvemos a la autoproducción, al trabajo en equipo. Nos hemos dado cuenta de que solo nosotros tenemos

TAN. LEJOS. La banda brasileña Francisco, El Hombre nos visitarán el próximo mes de mayo con un nuevo trabajo bajo el brazo titulado “Casa Francisco” (Difusa Fronteira, 21). Un inteligente compendio de ritmos latinoamericanos con los que prometen hacernos bailar.

L

O PRIMERO QUE LLAMA la atención de este combo brasileño es su nombre. Francisco, el Hombre es el protagonista de una de esas leyendas caribeñas de las que tan bien sabía nutrirse Gabriel García Márquez. Un cuento que explica la historia de una acordeonista callejero que, sin saberlo, retó al mismísimo Satanás a un duelo con su instrumento #30 abril 2022

turo “Seguramente en un fu festivas” vengan canciones más ‘La llave maestra’. Y buena muestra de ello es el disco que hemos sido capaces de hacer nosotros mismos con la producción de Dani Lamperez, teclista de la banda que ha hecho un trabajo impecable”, nos cuenta el propio Ander. Un cambio en la forma de componer que asegura “nos aporta libertad. Después de siete discos ya sabemos lo que queremos y cómo lo queremos. Para bien o para mal tenemos las cosas más claras que nunca y conocemos nuestros límites”. Con ello abren un nuevo capítulo en su dilatada y exitosa trayectoria. Y lo

U2 FOTO: ARCHIVO

Hoy en día, hablar de reggae en España es hacerlo de Green Valley. Por números y por influencia. Y su nuevo disco “La llave maestra” (Satélite K, 21) es una nueva muestra de su notable capacidad de reinventarse

hacen sin mirar atrás. “La verdad es que el momento presente tiene una magia especial. Estamos a punto de arrancar una gira que pinta muy bien después de dos años de semi parón y tenemos un disco maravilloso que acaba de salir y estamos locos por presentarlo en directo. Aun así, aunque haya habido piedras en el camino, llevamos dieciocho años de felicidad con el proyecto, y que dure, porque lo cierto es que como grupo estamos en un momento increíble, con un equipo ya consolidado. No ha sido fácil, pero ya tenemos todos los campos

RR J.J. Abrams, productor de películas como “Star Wars” o “Star Trek” y series como “Perdidos”, está trabajando con su productora Bad Robot en una serie de Netflix sobre la banda irlandesa U2. La serie estará escrita por Anthony McCarten, autor del guion de “Bohemian Rhapsody”, la película biográfica de Queen nominada al Oscar. Según The Hollywood Reporter, se “espera que U2 estén involucrados en el proyecto”.

RR Tras treinta y dos años de trayectoria, Daddy Yankee, uno

de los máximos exponentes del reggaetón, dice adiós con el lanzamiento del álbum “Legendaddy” y la gira de despedida “La última vuelta”.

RR La banda de Los Ángeles Health publicará el próximo 8 de abril su nuevo trabajo, un disco plagado de colaboraciones una vez más. Aunque en esta ocasión, los estadounidenses apuestan por sonidos más duros con invitados como Nine Inch Nails, Ekkstacy, Poppy, Lamb Of God, The Body, Perturbator y otros.

en México. Vieron nuestro y lo venció interpretando el concierto, ‘nosotres’ vimos credo al revés, como si del el de ellos, y de inmediato famoso cruce de caminos de estaba claro que entre las Robert Johnson se tratara. l Barcelona 17 mayo. La Nau dos bandas había mucha La elección ya nos indica que l Donostia 18 mayo. Dabadaba química. Ahí nos conocimos el grupo ha querido captar, l Madrid 19 mayo. Caracol y ya empezamos a pensar desde sus inicios en 2013, l Almería 21 mayo.

Festival Murmura en hacer una colaboración. la esencia de ese realismo Cuando les mandamos ‘Solo mágico que impregna el conmuere el que se olvida’, era una canción tinente, así como ese espíritu cargado de bailable pero tranquila. Tenía una onda bohemia y diversión que busca impregnar más suave. Ellos le dieron una vuelta al de fiesta hasta el último rincón del planetema y la transformaron en otra cosa. ¡Queta. Ahora nos ha tocado a nosotros y por dó hermosa y fiestera! Ese es el sentido de eso estarán presentando un disco “Casa las colaboraciones, lograr que alguien te Francisco” para el que han contado con la sorprenda con tu propia canción”. Pero una colaboración de los catalanes La Pegatina. canción y la música de baile no es el único Juntos han realizado uno de los temas más nexo que les une a los catalanes. También rumberos titulado “Solo muere el que se Francisco, el Hombre es una banda con olvida”. (Ju, cantante) “Nos cruzamos por inquietudes sociales. Su activismo a favor primera vez con La Pegatina en un festival

EN GIRA

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MONDO FREAKO EN GIRA l Jerez 07-09 abril.

Primavera Trompetera l Alicante 15-16 abril. Farándula l Villarobledo 28-30 abril.

Viñarock l Alameda 20-21 mayo.

Alameda Festival l Madrid 03 junio. Sala But l Barcelona 17 junio. Sala Apolo l Teruel 08-10 julio. El Ajo Fest l Gandía 14-16 julio. Pirata Rock l Barbate 21-23 julio.

Cabo de Plata l San Javier 28-29 julio.

Fan Futura l Atarrabia 30 julio.

Hatortxu Rock l Tarragona 05-07 agosto.

Festiuet l Villena 11-13 agosto.

Rabolagartija l Valencia 07 octubre.

Festardor l Cáceres 06-08 octubre.

Extremúsika

—ALFONSO GIL ROYO

R Lee aquí la entrevista completa >>

RR Nathy Peluso lidera el cartel musical del festival BIME, que, por primera vez, pasará por Colombia, concretamente por el Palacio de los Deportes de Bogotá. El festival vasco traspasa así fronteras. El evento tendrá lugar del 4 al 7 de mayo.

RR El trío británico Muse estrenó el pasado mes una canción de aires ochentas, “Compliance”, segundo single tras “Won’t Stand Down” de su próximo álbum “Will Of The People”, que saldrá a la venta el 26 de agosto.

RR El nuevo álbum de Rammstein, “Zeit”, saldrá a la venta el 29 de abril. El grupo alemán ha compartido la épica balada que le da nombre, con el imponente tono barítono de Till Lindemann como protagonista. —MS

FOTO: AZEVEDO LOBO

RR Will Butler ha anunciado que deja Arcade Fire después de casi dos décadas en la formación. El músico continuará con su carrerea en solitario y todavía podremos escucharle en las canciones de “WE”, el nuevo trabajo del grupo canadiense.

Francisco, El Hombre La casa de “todes” mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

RAMMSTEIN FOTO: ARCHIVO

cubiertos por personas que remamos en la misma dirección. Además, hemos podido dedicar tiempo al show y tenemos una increíble propuesta para esta nueva temporada”.

“La llave maestra” no es un disco más en la carrera de Green Valley. En primer lugar por el sonido, ya que en este disco encontramos menos canciones festivas que en otros y una tendencia hacia ritmos más melancólicos y oscuros. Una situación que Ander asegura que no es algo premeditado.

“La evolución de nuestro sonido viene dada

por muchas circunstancias pero no significa que vaya en una dirección u otra. Como dije en una canción ya antigua: ‘sale como sale’. Y eso no quiere decir que vaya encaminada hacia un sonido u otro. No obstante, es cierto que algunos temas salen con tempos más lentos y puede que sea consecuencia de que nacen de guitarra y voz, pero seguramente en un futuro vengan canciones con tempos más festivos”.

Así que sepan quienes esperen canciones cercanas al ska o el dancehall en “La llave maestra” que apenas las encontrarán. Lo que sí hallarán serán grandes colaboraciones, tanto a nivel nacional como internacional.

Así, nombres como Nanpa Básico (Colombia), Alborosie (Italia/Jamaica), Dub Inc y Naaman (Francia), Cedric Myton (Jamaica), y Rapsusklei, Pure Negga y Rastachai (España) acompañan a los del valle verde en este disco.

del colectivo LGTBIQ+ y contra la derecha que campa a sus anchas en Brasil es otro de sus signos distintivos. Eso y ser más que un grupo, una familia. “Desde 2013, que es cuando en Brasil la derecha empezó a coger mucha fuerza, hemos estado muy activos políticamente. Durante todo el proceso del golpe parlamentario a Dilma Rouseff por parte del gobierno de Temer y de Bolsonaro, hemos estado luchando contra esa ola fascista que ha tomado protagonismo en Brasil. Nuestro arte es esencialmente político, sea micro o macro.

En momentos como estos no concebimos practicar ‘la ausencia de opinión’. Para ‘nosotres’, la ausencia de opinión es una opinión clara”. —DON DISTURBIOS

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abril 2022 #31

MONDO FREAKO

La Plata Después de despuntar entre la nueva hornada de bandas gracias a su incisivo debut “Desorden” (18), la banda valenciana regresa con su esperado segundo disco. “Acción Directa” (Sonido Muchacho, 22) muestra, con orgullo, novedades en el sonido del grupo. Podremos verles en el festival Tomavistas de Madrid.

ar “No esperábamos form a, od m parte de ninguna de de ningún momento o ninguna escena” #32 abril 2022

FOTO: ENREDO

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INCO AÑOS DESPUÉS de aquel gran debut titulado “Desorden”, parece que al fin ha llegado el momento de la confirmación para La Plata. “Después de un disco se hace una gira de un año más o menos y luego hemos tenido los dos años de pandemia. La grabación del disco se hizo justo antes de que empezase la pandemia y todo se ha ido dilatando en el tiempo. Al final se han ido sumando cosas y de tener el disco grabado hace casi un par de años, pasamos a sacarlo ahora”. Toca comprobar cómo encajará la formación valenciana en la actual escena imperante, algo que en realidad Diego Escriche (voz y guitarra) y María Gea (bajo) tienen bastante claro. “Siempre hemos ido un poco por libre, a nuestra bola. Tampoco nos acogemos a un género en concreto, funcionamos en base a nuestras referencias y a lo que nos gusta. Por eso tampoco pasa nada porque el disco no saliese para cuando estaba previsto. Porque no esperábamos formar parte de ninguna moda, de ningún momento o de ninguna escena”.

“Acción Directa” es un disco más trabajado y ambicioso que “Desorden”, pero también más accesible y con el que La Plata puede llegar a conquistar nuevos estratos de público. “La idea general con este disco era intentar acercarnos todavía más al pop, si cabe, pero metiendo mensajes más fuertes para que lo que queremos decir llegue con fuerza a todo el mundo que lo escuche”. Lo cierto es que el álbum juega con una interesante dualidad de optimismo/pesimismo. “Es un disco que coge lo que hay y carga con ello. Esta es la realidad que existe ahora mismo y esta es la solución que damos. Es un disco que anima a luchar y no va dirigido a un tipo de persona concreta. Te anima a no ser conformista con la situación y a seguir adelante. Sugiere que cada uno tiene sus circunstancias, pero que vamos a tirar para adelante. Se trata de ayudar un poco a que la gente luche.

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A las calles

TOP VÍDEOS. Q

Residente This is Not America

una mala racha, que te anime a continuar. Y también queríamos darle un poco de baile a todo esto. Queríamos unir mensajes que te animen a seguir y a la vez te animen a bailar. Si además tiene un significado político que entre dentro de lo que nosotros pensamos, pues mucho mejor”.

Los miembros del grupo confirman que el cambio de sonido que se aprecia en “Acción Directa” ha sido del todo buscado para la ocasión. “Súper preconcebido. Si ya lo dicen las putas canciones.

Ahora vamos a sacar un single que habla justo de eso, de ir hacia delante, hacia el cambio. La música que escuchamos ahora ya no se parece en nada a la del primer disco de La Plata. Se trata un poco de eso: ir cambiando y no decir que no a nada. Son puntos de partida. Interpretaciones o juegos que al final dan salida a cosas curiosas que tienen un hueco entre el resto de instrumentos. Nos mola mucho hacer este tipo de ejercicios de elementos o de estilos.

Es divertido”. En cualquier caso, la esencia primigenia de La Plata también continúa ahí, presente de algún modo. “‘Desorden’ es como la esencia de cada uno súper concentrada, y en este disco cada uno de nosotros ya ha hecho una depuración, aun manteniendo la esencia. Pero cada uno ha depurado su instrumento y hay como un diálogo entre todos los instrumentos. La primera vez todo es frenético, con mucha urgencia y con muchas ganas de contar cosas. Y esto está como algo más reposado, pero manteniendo un poco el estilo”.

En base a su debut, La Plata fueron una de las bandas encargadas de encabezar aquella nueva hornada de grupos surgida hace unos años dentro de la escena independiente patria, junto a nombres como los de Cala Vento, Camellos, Apartamentos Acapulco, Cariño o Carolina Durante entre otros. “Creo que todos esos grupos tienen guitarras. Y casi todos hacen un poco lo mismo. Hay cositas en las que nos parecemos. Sí que tenemos cosas, a nivel vocal, por ejemplo. Es inevitable también. Al final usamos los mismos recursos: guitarra, batería, bajo, algún sinte y voces. Y dentro de un género cerrado como es el rock, entonces es que al final se va a parecer un poquito, es difícil salirse. Si el público es el mismo, intentas hacer lo que el público quiere. Y sabes lo que quiere porque lo está haciendo la otra banda. No es ni positivo ni negativo. Es un hecho”. —RAÚL JULIÁN

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“Gambino mi hermano, esto sí es América”. Esta frase podría ser un magnífico resumen de lo que te vas a encontrar en este espectacular videoclip de Residente. Artista que, últimamente, no hace más que entregar auténticos trallazos en los que arrasa con todo.

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Pup Matilda

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Emotivo vídeo narrativo que nos cuenta la historia de una vieja guitarra eléctrica que acaba en una tienda de empeños al ser sustituida por otra más nueva. Lo que su propietario no sabe es que la guitarra posee una potente magia adquirida con los años.

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Florence + The Machine King

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Enigmático vídeo dirigido por Autumn de Wilde que nos presenta a una Florence Welch en el papel de maga o poderosa divinidad femenina capaz de romper el cuello de un hombre con la misma facilidad con que lo hace flotar.

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The Lizards Fake Reality

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CRITICANDO Acción Directa Sonido Muchacho

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The Lizards coquetean con los noventa y el resultado es tan poderoso como sorprendente. Sobre todo en el videoclip que acompaña a la canción y que critica los excesos de los reality shows.

POST-PUNK / Cinco años después de su esperanzadora incursión

en escena, el combo se ve ante la posibilidad de rematar las expectativas generadas por su incisivo debut. El cuarteto ha empleado su tiempo en elaborar a conciencia “Acción Directa”, periodo que ha servido para consensuar un sonido que muestra, con orgullo, algunas novedades. Si bien la esencia primigenia de La Plata sigue latiendo, resulta evidente que el quinteto ha dado un paso al frente. Una apuesta concretada en esa amplia presencia de sintetizadores. La propuesta se vuelca más que nunca del lado de la new wave y el post-punk en un disco más trabajado y ambicioso, pero también más accesible. —R.J.

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Milky Chance Synchronize

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El dúo de pop electrónico alemán ha lanzado un nuevo sencillo que viene acompañado por este vídeo que nos muestra un mundo post-apocalíptico en el que poco queda por hacer que no sea bailar.

abril 2022 #33

SMOKING SOULS Reconectar con la vida

Como si de una operación a corazón abierto se tratase, los de Pego presentan “La Cura” (Propaganda Pel Fet!, 22), un quinto disco en el que la música sirve de reconexión a la existencia y al que invitan a algunos nombres muy especiales a colaborar con ellos.

—TEXTO Anaïs López —FOTOS Ainhoa Muñoz

#34 abril 2022

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OMO EL DÍA que avanza hacia la noche y como la inevitable oscuridad que se abre a la luz, el mundo no deja de transformarse.

Y es que vivir, al fin y al cabo, es un reto que nunca acaba. Bien lo saben Smoking Souls, que con su nuevo álbum “La Cura” lideran su propia revolución. Lo hacen en contenido pero también en forma, presentando un trabajo multiproducido –con siete canciones registradas en siete estudios de grabación diferentes– que homenajea a la música en su sentido más amplio. (Josep Bolufer, batería) “Este disco queríamos encararlo como si fuese el último que hacíamos. Después de una pandemia uno toma consciencia de que todo proyecto puede ser efímero y que las cosas cuando menos te las esperas pueden acabar incluso por decisiones externas a la banda. Después de muchas conversaciones decidimos que teníamos ganas de seguir con el proyecto musical de Smoking Souls con otra filosofía. Siempre habíamos grabado cerca de casa y con el mismo productor y pensábamos que ahora era el momento de salir de nuestra zona de confort y que queríamos salir por la puerta principal, asumiendo más riesgos que nunca. Eso nos ha servido para crecer muchísimo como banda y para conocer a muchas personas que han formado parte del disco y que admirábamos desde nuestros inicios”.

ASÍ, ESTE NUEVO ÁLBUM llega con la participación de ocho productores –Santi García, Pau Paredes, Pablo Martínez, Tono Hurtado, Joel Gilabert, Jaume Faraig, Yon Mikel Garcia y Juan Blas– que se unen a la preproducción de Sam Ferrer –quien ya fue una figura clave en “Translúcid” (19)– y que dejan un sello único en un disco que, curiosamente, vuelve a las raíces musicales de la banda a la vez que se abre a nuevas sonoridades pop (“Immortals”) o se aproxima al post-rock (“Flor, espina i sang”). (Carles Casselles, voz y guitarra) “La figura de Sam Ferrer ha sido clave en todo el proceso de producción del disco, ya que él ha sido el encargado de preproducir cada una de las canciones. No hemos dejado de ser quienes somos y quien hemos sido, pero sí que es verdad que tenemos una visión muy diferente de lo que éramos hace unos años y eso nos hace mirar hacia delante con otras expectativas”.

EL SUYO ES UN EJERCICIO de unión comunitaria que les aleja de la competitividad y llama a la afectividad, las raíces, el sentimiento de pertinencia y el fortalecimiento del tejido social que se convierte, como bien materializan en el título de este último

“

“De las debilidades y de las derrotas se puede aprender muchísimo”

álbum, en esa inevitable cura. No es por tanto casualidad la presencia en forma de colaboraciones de nombres como los de Bala, David Ruíz (La M.O.D.A) o Juan Blas (Nothink). (Pau Camps, guitarra) “Creo que se han alineado muchísimo los astros para poder tener a todas estas personas unidas en un mismo disco. Son grupos que nos acompañan en nuestro día a día y que suenan constantemente en la furgoneta.

Creemos que son bandas honestas con lo que hacen y con una trayectoria real y un discurso alejado de mensajes banales y vacíos. Con David hacía años que hablábamos sobre la posibilidad de hacer alguna cosa juntos, pero nunca surgía el momento oportuno. Entre grabaciones y giras no es fácil encontrar espacio en la agenda. Por suerte a última hora se quiso sumar y pudimos cuadrarlo todo para sacar la colaboración adelante”. (Carles) “Con Juan Blas lo tuvimos más fácil, ya que él ha sido también el encargado de producir la misma canción ‘Flor, espina i sang’. Creo que pocos grupos nos han volado tanto la cabeza como su banda Nothink”. (Josep) “La colaboración con Bala surgió grabando la canción con Santi García [Ultramarinos Costa Brava].

Pensábamos que un poco de fuerza en algunas partes y una voz diferente que contrastase con la de Carles nos podría ir genial.

Barajando diferentes posibilidades surgió el nombre de Bala y lo tuvimos muy claro.

Ellas nos lo pusieron muy fácil, a pesar de no conocernos personalmente. El resultado es inmejorable y deseamos poder conocerlas pronto con una paella por medio”.

DESDE GALICIA HASTA MADRID pasando por Burgos, cada una de estos temas en conjunto refuerzan la idea de una compli-

EN GIRA l Alicante 30 marzo. Paranimf Universitat Alacant l Bilbao 1 abril. Sala Azkena l Madrid 2 abril. Sala Copernico l Palma de Mallorca 21 mayo. Es Gremi l Berga 16-18 junio. Barraques de La Patum l Manresa 23 junio. Festival Flames l Benlloch 7-9 julio. Feslloc l El Vendrell 4-7 agosto. Festiuet

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ENTREVISTA

cidad que traspasa cualquier tipo de frontera, apostando además por la realidad plurilingüistica que conforma el territorio nacional. (Pau) “Pensamos que un grupo que cante en una lengua propia minoritaria siempre tendrá más obstáculos en el camino. Y es que muchas veces los medios especializados, incluso las radios estatales, no se hacen el mismo eco de su trabajo que de bandas provenientes del Estado español. No obstante, creemos que la música en si misma es un idioma universal capaz de detonar cualquier barrera lingüística”.

Huyendo, por tanto, de discursos que la utilizan como una forma de confrontación. (Josep) “No tenemos duda de eso y lo hemos vivido en primera persona tocando en Granada, Ourense, Bilbao o Cáceres donde la gente no es valencianoparlante y canta nuestras canciones a viva voz, sin complejos”.

PRECISAMENTE, Y RENUNCIANDO a cualquier idea de antagonismo, Smoking Souls ponen en relieve al largo de este álbum emociones y vivencias que envuelven nuestra humanidad, subrayando temas como la soledad y sus luces y sombras, la necesidad de cuidar los vínculos afectivos, la importancia de relacionarnos de forma sana con los otros o de tener una mirada crítica hacia el statu quo imperante en el mundo occidental. Un viaje de introspección sin final, pero que inevitablemente tiene su efecto en lo que desde dentro se proyecta al exterior, como bien representa la portada que firma Enric Alepuz. (Carles) “Este disco tiene un nexo de unión entre todas las composiciones. Habla de la sanación a través del individuo, con la gente que nos rodea y nos acompaña en el día a día. A través de nuestra tierra, nuestra cultura y por medio de la música y de las canciones”.

Una sanación que pasa por la interpretación de quien se convierte en oyente activo, expandiéndose y cobrando vida propia.

(Carles) “Creo que al grupo aún le quedan muchas cosas por decir y hacer. Pensamos también que la forma con la que tratamos de escribir nuestras letras posibilita muchas interpretaciones. Al hablar de relatos cotidianos desde otras perspectivas, estas no quedan obsoletas con el paso del tiempo. Siempre hay donde rascar si miras a tu alrededor y prestas atención a las cosas que no te gustan y a las que te gustaría poder ver”. Todo ello sin dejar de lado la exposición a la vulnerabilidad y la debilidad, cualidades inherentes a cualquier ser humano.

(Carles) “No siempre hay que ser fuertes.

De las debilidades y de las derrotas se puede aprender muchísimo. A veces hay que quitarse la coraza y desnudarse”. —A.L.

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abril 2022 #35

MONDO FREAKO El título no puede ser más definitorio. “Hits To The Head” (Domino/Music As Usual, 22), incluye un total de veinte canciones que resumen a la perfección lo que han sido Franz Ferdinand hasta la fecha, y de paso nos deja intuir que es uno de esos lanzamientos que cierran una etapa.

Franz Ferdinand

E

L MEJOR VERANO de tu vida, esas noches eternas con tus colegas que jamás olvidarás… Franz Ferdinand siempre han estado ahí poniendo banda sonora a algunos de los momentos más importantes de nuestra memoria. “Hemos hablado muchas veces con fans de todo el mundo y nos cuentan unas historias increíbles. Para mí, eso vale mucho más que cualquier Mercury Prize en el Reino Unido o cualquier otra cosa.

Al final nosotros existimos para eso, para llegar a la gente y conectar con ellos. Eso es lo que nos hace seguir haciendo música, esa retroalimentación que nos da fuerzas y nos dice que no paremos”, explica Alex Kapranos emocionado. Ahora, recopilan todos esos temazos en un grandes éxitos bajo el nombre de “Hits To The Head” para archivarlos como historia de la música como se merecen. “El otro día hablaba con mi novia de ello y cómo el grandes éxitos de Bowie se ha convertido en su disco favorito a raíz de escucharlo en nuestros viajes en coche. A veces está bien también eso de escuchar solo los temazos”. Quedamos con Alex Kapranos y Bob Hardy en un hotel de la turística Plaza de España de Madrid para viajar junto a ellos en el tiempo, recordar momentos que marcaron a la banda para siempre y hablar de lo que les espera en el futuro. Comenzamos por el principio y ese álbum homónimo que les trajo tantas alegrías y una primera gira llena de aprendizaje. “Lo primero era intentar conseguir algo de dinero [risas]. Luego cuando vas de gira por primera vez la verdad que es una experiencia increíble porque vas a lugares que jamás hubieras imaginado. Lo recuerdo como un periodo muy largo, como unos dieciocho meses. Una experiencia y un año que me cambiaron la vida”, comenta Hardy muy orgulloso de la madurez de ese disco. “Me sigue pareciendo muy bueno.

Me siguen gustando las canciones y sigo disfrutando de ellas. Además, las tocamos en directo”. Ahora el grupo es otra cosa y tienen claro que, ante todo, les gusta experimentar con sus creaciones sin olvidar la identidad del proyecto. “Qué difícil. Eso es como explicar cómo te definirías como #36 abril 2022

es “La esencia del grupo ortar luchar siempre por ap algo nuevo ” ser humano. La verdad es que es un tema complejo de resumir. Pero, a grandes rasgos, creo que la esencia del grupo es luchar siempre por aportar algo nuevo siendo conscientes de nuestra identidad como banda. Si escuchas ‘Billy Goodbye’ o ‘Curious’ te das cuenta de que te lleva al sonido Franz Ferdinand de inmediato. Pero, a su vez, te hace pensar y descubrir que en ellas hay cosas que nunca antes habíamos hecho. Pues ese es nuestro objetivo como banda”, explica Kapranos.

Para estos nuevos temas han contado con la incorporación de Stuart Price en la producción. “Lo he disfrutado mucho

FOTO: DAVID EDWARDS

la verdad. Trabajamos en estas canciones con una implicación en la producción como nunca antes. Luego se lo mandamos a Stuart y el terminó de mezclarlo todo y añadir algunas cosas más. La verdad que fue un lujo ver cómo busca en cada tema qué intenta este contarle. Prioriza la parte emocional a cualquier sonido y eso no es fácil encontrarlo en un productor. Es como si un pintor se interesara más por la emoción de su obra que por la técnica con la que realiza cada trazo”. Y, además, son las primeras canciones con Audrey Tait como baterista tras la salida de Paul. “Madre mía, es divertido pensar en ello porque tanto

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Una fiesta histórica

EN LA MALETA

Paul como Audrey me parecen personas excepcionales y unos bateristas buenísimos. Yo creo que ambos aportan lo mismo a Franz Ferdinand pero de maneras muy diferentes. Porque, evidentemente, cada uno tiene su propia personalidad.

Lo que me encanta de Audrey es lo emocionada e implicada que está con el proyecto. Las ganas que tiene de salir de gira. Paul ya es un viejales [risas]”, bromea Kapranos. Aunque confiesa que ya tienen bastante material grabado para el próximo álbum, no ha querido contarnos nada sobre él. “Sí, hemos grabado bastantes cosas. Pero la verdad es que no me gusta hablar demasiado sobre el nuevo material porque como cualquier película, o pieza de arte, puede cambiar. Las ideas evolucionan, se convierten en algo diferente. Si eres un director de cine, el material grabado puede cambiar drásticamente en la edición. En la música es igual. Un álbum puede cambiar por completo en la mezcla, composición, interpretación de los temas… Creo que sería un error decirte lo que es

Andy Grey

Por las plazas de Madrid encontraremos deambulando a esta melómana e implacable enamorada de los botoncitos.

Uno de esos nuevos talentos al que aún le quedan muchas páginas por escribir. Música, tecnología, entusiasmo y fiebre por todo lo bailable.

Hablemos al ritmo de Andy Grey.

ahora”. Así que, por lo pronto, nos tenemos que conformar con una próxima gira muy especial llena de éxitos en el directo para celebrar un repertorio histórico. “Va a ser la mayor fiesta de la historia. Ya tuvimos un primer contacto con el público en Escocia y la acogida, la energía, fue brutal. Será una experiencia que estará a otro nivel, es lo que el público quiere y joder se lo merecen”. Así que visto lo visto ni todo lo ocurrido con Boris Johnson en Reino Unido les va a frenar.

“Es terrible, está intentado hacer lo mismo que Trump y repetir todas esas teorías conspiratorias de derechas. Hemos vivido momentos muy decadentes en la política británica en las últimas décadas. Pero, la verdad, no se me ocurre otro tan terrible”, asegura Kapranos.

—ÁLEX JEREZ

R Lee aquí la entrevista completa >>

C

uáles son los orígenes de Andy Grey?

Los orígenes de Andy (sin Grey) se remontan a la radio. Conduje en Onda 7, radio tinerfeña, un programa de electrónica llamado “Play Hard”, donde no era más que DJ radiofónica. Es ahí donde me picó el gusanillo de llevar las mezclas un punto más allá.

—¿Qué es “Don’t Kill My Vibes” y cuál es tu labor en Gladys Palmera?

Mi cometido es un poco “multi-tareas” [risas]. Entré en 2008 como becaria para digitalizar parte del catálogo, y gracias a Alejandra Fierro, se me otorgó la oportunidad de desarrollarme profesionalmente.

Esta puerta ayudó a formarme en diversos cometidos. A día de hoy me encargo de la programación, produzco los vídeos y grabo a los locutores de los programas que conforman la parrilla. Además de esto, conduzco “Don’t Kill My Vibes” desde 2016, un programa con las novedades de la música electrónica iberoamericana.

—¿Qué tal se va desenvolviendo Andy Grey en el estudio de grabación? ¿Qué me respondes si te digo “Guanabana”?

Después de llevar más de quince años trabajando en el circuito musical, era una espinita que me quedaba pendiente: animarme a producir mis propias canciones.

“Guanabana” es mi primer tema original que forma parte de un recopilatorio del sello Quiero Recordings, un disco lleno de grandes productores iberoamericanos como Jiony o Ghione.

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EN GIRA l Mallorca 25 junio. Mallorca Live Festival l Barcelona 25 octubre. Sant Jordi l Madrid 26 octubre. WiZink Center l Bilbao 27 octubre. Bilbao Arena

—¿Qué recuerdas de la primera vez que te enfrentaste a un número considerable de público?

Recuerdo que fue en Cats. Cuando anunciaron el flyer, apuntaban que era la primera mujer –después de DJ Marta– en pinchar allí, algo que me tuvo como dos días histérica… Ha pasado un tiempo pero aún tengo nervios de ese estilo, aunque es verdad que, en cuanto enchufo el pendrive o pongo un vinilo, se me pasa todo.

—Y si nos sumergimos en tu maleta de discos… ¿Cuáles son esos que más valor tienen para ti y siempre van contigo esperando el momento de sonar?

Soy una persona súper ecléctica, si hablamos de “a la hora de pinchar”, nunca pueden faltar discos de Trentemøller, Nicola Cruz, Richie Hawtin, Pedro Dalinha, Degiheugi, Disclosure, John Summit, Jungle, Amelie Lens o Peggy Gou. —De entre los más nuevos, ¿qué discos nos destacarías?

He escuchado varios adelantos ya, como puede ser el nuevo álbum de The Bongo Hop, espero mucho la colaboración de Baiuca con Mitú, también lo que viene de Pedro Da Linha junto a RomeroMartín donde fusionan el Kuduro y el flamenco.

—¿Cómo te describirías a la hora de pinchar? ¿Hasta qué punto te transformas?

Si hay algo con lo que me identifico es la empatía. Conectar con el público. Respecto a la transformación no me considero una showgirl en los platos. La verdad es que suelo parecer bastante seria. —BRUNO GARCA

abril 2022 #37

www.agenciawitis.com

Nous llançaments Nous Llançaments bredda

Resiliència Ja disponible!

Fauna

L’última nit Ja disponible!

Seikos

Estival Ja disponible!

Fetitxe 13

No tireu bombes a les flors 13 de Maig

sílvia Tomàs Trio Jaulas abiertas 9 d’abril

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39/Mondo VINILOS 8

Beach House

Once Twice Melody Bella Union/[PIAS]

DREAM POP / Diez años después de

publicar su mejor disco, regresan con su octavo trabajo de estudio, “Once Twice Melody”, un doble de dieciocho canciones y ochenta y cuatro minutos de duración que recompensará con creces a aquellos dispuestos a sumergirse en él. Si se confirma lo que Victoria Legrande y Alex Scally han dejado caer en entrevistas y se convierte en el capítulo final de la historia de Beach House, no tengo dudas de que ha sido un colofón casi perfecto, volviendo a alcanzar la intensidad del pico de la banda con los maravillosos “Teen Dream” (10) y “Bloom” (12). Puede que no marque nuevos territorios para la banda pero sí que es la perfecta condensación de su estilo. Si a eso le añadimos algunas de las mejores canciones que han grabado nunca, tenemos un disco con muchas posibilidades de convertirse en el favorito de sus seguidores, el disco al que recurrir cuando nunca se tiene suficiente de ellos. —SERGIO ARIZA

Rosalía: lo complejo y lo superfluo Rosalía

Motomami Columbia

8 POP / El tiempo no juega a favor de nadie.

Pero, de Rosalía, menos. Mientras compañeros de generación marcaban rumbo con alegatos a lo castizo y a los clásicos latinos y otros se desmarcaban con álbumes insospechados, muchísimos álbumes, ella mantenía el silencio. Hasta que soltó “La fama”, un dardo envenenado. Funcionó comercialmente, pero era una bachata tan normalucha, pese a estar firmada por Tainy, con un The Weekend tan anecdótico, que hacía presagiar lo peor.

Después apareció “Saoko”. Pura locura. Y se agudizó la duda: ¿Cómo iba a cuadrarlo todo?

“Motomami” es una explosión infinita de referentes, el análisis de un yo menos universalizable que el de su anterior largo, de poca poesía y, excepto maravillosas ex-

cepciones, con la voz como parte y no como todo. Y no, nada cuadra. La obra es una clase de spinning. Los giros de timón llegan a cansar, pero hay momentos emocionantes entre puertos. Es un álbum infinitamente de hoy: no hay lugar al vacío. El universo wasabi, desconcertante y liviana entrega a la cultura japonesa, o las incursiones en la PC Music, el IDM (“Diablo”, producida junto a James Blake), las pinceladas jazz (“Saoko”), el bolero (“Delirio de grandeza”, Justo Betancourt), la suerte de rave (“Bizcochito”)… ¡El “Archangel” de Burial en “Candy”!

Cuatro años después del disco que la alzó a la primera división del pop, con un cambio de vida rotundo, ha abrazado ese nuevo universo, mostrándolo sin cortar. Aseverando que en este mundo Tik Tok −el de “Chicken Teriyaki” y el de su presentación en dicha plataforma− la norma es hacer gala de la contradicción.

Lo complejo y lo superfluo. Una revisión para este siglo del existencialismo: ansiedad por la deriva distópica del mundo y, al segundo, memes. Sin sobredimensionar la coherencia.

Vivir en la autoaceptación presente como garantía de éxito. —YERAY S. IBORRA

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Metronomy

Small World Because Music/ Virgin

7

POP / Me barrunto que durante los

próximos conciertos de Metronomy, más de uno aproveche estas canciones para escapar al urinario o surtirse en la barra, en espera de que suenen “The Look” o “The Bay”. Así de poco explosivo es este “Small World”. Y creo que eso sería una auténtica pena. Siempre presto a renovaciones discretas de su fórmula, Joe Mount ha querido primar la versión más esencialista de su música, la que valora la canción por la canción, la que menos delega en ornamentos y florituras. Como si nunca hubieran sido esa banda de pop electrónico burbujeante y contagioso. Y no le ha salido nada mal, aunque sea esta su colección de canciones que menos invita al meneo de caderas. Alentado por el devenir doméstico de los días en pandemia, por la paternidad y la reevaluación de los placeres básicos de la vida, el séptimo trabajo de los británicos es cálidamente sencillo sin incurrir en lo simple. Y funciona. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA abril 2022 #39

MONDOVINILOS

GOOSE

Endless Safari/ Universal

7

ELECTRÓNICA / El quinto

esfuerzo de GOOSE es un disco lleno de dualidades y fuerzas opuestas en equilibrio, con su single homónimo como máximo abanderado, apuntalando una electrónica oscura y musculosa con un toque distintivo, delicado, pero con cierto aire familiar. No es casualidad que los belgas acudieran al mítico Motorbass Studios de París para capturar ese “french touch” que tanto nos entusiasmó con Justice o Daft Punk. Tras casi veinte años de carrera deambulando entre el rock y la electrónica, GOOSE consiguen una simbiosis entre hombre y máquina, sumergiéndose de lleno en las sonoridades del electro pop de los ochenta y noventa, recogiendo los medios tiempos como “Shadowplay” en subidas cargadas de sintetizadores pegadizos como “Run Away” o la rave electropunk que es “Rock”.

Construyen atmosferas emo, languidecientes, y sensuales para dejarlas volar, liberados, celebrando algo infinito. —MARTA TERRASA

Merina Gris

Zerua Orain Airaka

Alt-J y la madurez bien entendida Alt-J

The Dream Infectious/BMG

8 POP / Los sueños (las pesadillas, más bien) de la pandemia han producido monstruos, y en ese sentido puede decirse que el cuarto álbum de Alt-J sintoniza con lo que fue el último de Villagers: lo narcotizante como vía de escape. De ahí su título. De ahí su sugestiva portada, diseño de Joel Wylie. Decía Gus Unger-Hamilton, teclista de la formación que completan Joe Newman a la guitarra y voz y Thom Green al bajo, que algo murió con “Relaxer” (16) y otra cosa distinta nació con este “The Dream”. Y es cierto.

Suenan revigorizados, rejuvecenidos, oxigenados. Más inteligentes, laberínticos y aventurados. Más capaces de combinar su veta más pop con la más experimental. Y también más empapados del mal de altura (para bien, ojo) que tradicionalmente sobreviene a

#40 abril 2022

las bandas inglesas que se dejan seducir por la cultura yanqui: “Walk A Mile”, “Delta” y “Losing My Mind” rezuman ese buen olfato para somatizar el gospel e incluso el doo woop que transmitían los Blur de “Think Tank” (03), mientras que “Chicago” y “Philadelphia” denotan su vis más esquiva y lúgubre, en contraposición a un tramo inaugural que luce radiante en tonadas bajo cuya luz se oculta casi siempre una temática, como mínimo, inquietante.

Es así como “Hard Drive Gold” cuestiona la codicia neoliberal a través de la fiebre por las criptomonedas, como “The Actor” revela los amargos estragos de la celebridad, como la folkie “Get Better” devuelve la imagen distorsionada de un Elliott Smith a quien guiñan expresamente el ojo o como “U & Me” remite al recuerdo de un festival al aire libre (celebrado en enero de 2020, antes del cataclismo) desde la perspectiva de quien sabe que es un momento al que aferrarse con fuerza porque tardará en repetirse. Más sabios, más certeros y más naturales. Menos necesitados de agarrarse a coartadas arty o recursos líricos de manual. Mas creíbles y sólidos, en definitiva. Así son los Alt- J de 2022. Bien por ellos. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

8

ELECTRÓNICA / El rostro

desenfocado de la portada refleja la sensación de alienación y extrañeza, de tristeza y desorientación que nos queda tras escuchar el disco. Los ocho temas que lo componen –seis en euskera y dos en castellano-– tienen mucho de melancolía, apatía y desilusión.

Tienen mucho, en definitiva, de realismo capitalista, de estos tiempos de agonía y colapso que padecemos. Pero no es solo eso. También es elegancia, fuerza y ganas de bailar. Es una danza melancólica, sí, un extraño sueño de luces bajas y colores difuminados, pero también es pop violento. Es rabia y esperanza, resistirse a abandonar la pista de baile para abrir grietas a golpes, con el objetivo de escapar hacia un lugar mejor. No olvidemos que otra de las acepciones de pop es “explotar” o “estallar”. El primer disco de Merina Gris es el comienzo de algo, de la andadura de un grupo del que no nos queremos perder nada de lo que tenga que venir. —IÑIGO BASAGUREN-DUARTE

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El Último Vecino

Superchunk Wild Loneliness Merge/ Popstock!

POP / Tras seis años de espera, El Último Vecino vuelve a deleitarnos con un larga duración en el que ha optado por dejar fuera de la ecuación los recientes singles publicados en favor de una media hora de razones que fortalecen la consagración de ese espíritu directo y genuino que tanto nos recuerda a la esencia primigenia del proyecto del barcelonés. Gerard Alegre, en asociación con el productor InnerCut opta por recuperar en este “Juro y Prometo” la evidencia en sus influencias, sin trampa ni cartón, cargando de franqueza y sentimiento cada estrofa y cada verso. Un tercer álbum repleto de guiños patentes, miradas al pasado, rabia contenida y honestidad retórica que logran reencauzar su carrera, situando ésta en la posición que su propio artífice quería y suponiendo un punto de inflexión en su particular manera de concebir el devenir de su música.

8

top 10 .

INDIE ROCK / El duodécimo disco de Superchunk vuelve a probar la fiabilidad del grupo liderado por Mac McCaughan dentro de la escena indie norteamericana, tras sobrevivir al paso de los años con elegancia y dignidad. El álbum presenta una madurez natural, que no sacrifica energía pero tampoco chirría empeñada en apurar cualidades juveniles del pasado. “Wild Loneliness” es un disco de indie-pop de guitarras (definitivamente más volcado hacia el pop que anteriores entregas), con querencia power-pop y algunos arreglos de violines y vientos que engalanan la propuesta. Si bien no es el mejor trabajo de Superchunk, sin duda es uno de los buenos, presentado sin trampa ni cartón para satisfacer a cualquier seguidor del cuarteto con texturas noventeras, buenas estructuras, y la voz de McCaughan guiando el asunto con limpieza. El reencuentro con unos viejos conocidos que, por fortuna, mantienen intactas sus peculiaridades básicas. —RAÚL JULIÁN

7

Juro y Prometo [PIAS]

NACIONAL

INTERNACIONAL

1 Rosalia Motomami

1 Stromae Multitude

2 La Plata Acción Directa

2 Ghost Impera

3 Hidrogenesse Jo Jo Bo Bo

3 King Hannah I’m Not Sorry, I Was Just Being Me

4 Blanco Palamera Intimidade 5 Egon Soda Bellaurora 6 Monte del Oso Son los demás los que están equivocados 7 Pinpilinpussies Hipocondrías 8 Ciudad Jara Cinema

5 Beach House Once Twice Melody 6 CMAT If My Wife New I’d Be Dead 7 Charli XCX Crash 8 The Delines The Sea Drift

9 Tribade Dyke

9 Goose Endless

10 Adala Klima

10 Band Of Horses Things Are Great

—FRAN GONZÁLEZ APARICIO Pinpilinpussies

White Lies

Elane

As I Try To Not Fall Apart [PIAS]

Metamorfosis Propaganda pel fet!

un tanto apocalípticos, Harry McVeigh y los suyos plantean para su sexto trabajo una mirada directa a esa ansiedad generalizada como consecuencia de los avances tecnológicos desmedidos y de una digitalización dispuesta a dominar nuestra existencia. A través de piezas que no dejan espacio para dobles lecturas (“I Don’t Want To Go To Mars”), el trío londinense pretende hacernos despertar de nuestra narcotizante visión positivista y abrazar ciertas cuestiones introspectivas con voz propia.

Aquellos que estén más ávidos por el baile y el groove encontrarán en las líneas de bajo de Charles Cave un inusual ritmo discotequero y funk oportuno (“Step Outside”, “Am I Really Going To Die”), o esa sensualidad noctámbula que nunca falla en una pieza de tintes ochenteros (“Breathe”). Juegan sin mucho riesgo entre variables que maridan acertadamente, ecos del pasado y recelo por el presente.

en lo extramusical y unidas por una simbiosis perfecta de melodías de pop colorista e iracunda crítica punk, Ane Barcena y Raquel Pagès han logrado convertirse en una influencia mutua que se ha consolidado de una manera excepcional en este segundo álbum. Junto al fino toque de Raúl Pérez en la producción, Pinpilinpussies dejan claro en “Hipocondría” cómo traducir la experiencia adquirida en un paso evolutivo. Además de apostar por una pluralidad lingüística insólita con hasta tres piezas cantadas en euskera, también comprobamos de pleno que su sonido se desvincula de cualquier referente ajeno y llevan por bandera esa energía abatida capaz de sumirnos en apoteósicas y catárticas disertaciones. Si algo aprendemos de “Hipocondria” y de la época en la que ha sido concebido es que a la aflicción y a la miseria se las combate con un buen grito.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

—FRAN GONZÁLEZ APARICIO

—FRAN GONZÁLEZ APARICIO

6

POP ROCK / Catastrofistas y

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Blanco Palamera

Hipocondría Aloud

RAP / Elane se estrena con “Metamorfosis” para romper con varios mitos del rap y agradar a tipos diversos de público. Un disco de diez temas que tienen sonidos noventeros, pero que no pierden el enfoque actual, siendo un oasis entre tanta propuesta evolutiva dentro del género. La catalana se ha unido a los productores DAAX y Fran Massarelli para las bases, ya que del rap se encarga ella. Algo que queda claro en “Capucha y Brillantes” con ese contundente “quería un trozo y me lo comí todo”. Ha conseguido calar en el público gracias a que no tiene ningún reparo en hablar de sus propias vivencias ( “Àvia” o “Fa mal”), sin miedo a aunar el catalán con el castellano dentro de la misma pista. Además, convierte cada colaboración en un acierto, abriendo la puerta a otras raperas cercanas en “Get High”, la canción que le hubiera gustado escuchar a ella cuando empezó.

8

4 Spoon Lucifer On The Sofa

7

ROCK / Inseparables hasta

INTIMIDADE Raso Estudio

POP / El segundo disco de estudio de Blanco Palamera busca la forma de indagar en nuestras raíces y comprender todos esos sentimientos que nos está despertando esta locura de presente. Letras con mucho corazón y piel para encontrar la manera de aceptar el dolor para sanar y no hacernos más pequeños de lo que ya somos. Inician así un enorme viaje provocado por la mejor hierba que te puedas imaginar. Un crecimiento psicodélico en el que se fuman esa mezcla de géneros que fluyen por la identidad del dúo desplazándose de forma natural entre el funk, el groove, la electrónica y el pop más actual. Nos llevan volando por un compilado de canciones cuidadas y masticadas sobre las que flotan sonoridades que son puro artificio junto a otras mucho más orgánicas, más corpóreas. Un salto de definición de calidad en la propuesta y una reafirmación de la identidad del proyecto. Más fuerza, más poder, más baile. —ÁLEX JEREZ

8

abril 2022 #41

MONDOVINILOS

El Adult Oriented Metal de Ghost Ghost

IMPERA Loma Vista/ Music As Usual

9 HARD ROCK / Ghost se convierten en héroes.

Con su quinto disco “IMPERA” logran desenvolver por completo esa anormal personalidad que se nutre tanto de la perversión de lo oscuro como del sentido más puro del entretenimiento; y lo hacen con total descaro. Entrar en estas melodías y riffs es como adentrarse en un Disney World para metaleros de lo más variopinto. Dicho esto, “IMPERA” es un perfecto disco de AOM (sí, claro, Adult Oriented Metal), si es que semejante cosa existe.

La producción es magnífica. Los pasos de armonías y arreglos sentimentales a la rudeza de los riffs y el doble bombo son de escándalo. No hay nadie en el panorama actual que pueda, con tanta altura y sin miedo a sonrojar, hacer una canción como

POP / Uve Sad lleva ya cuatro años dentro del panorama musical, pero ha sido ahora cuando ha decidido publicar su primer álbum, “Mis alas”. Es un recopilatorio de los mejores temas que ha ido publicando a lo largo de estos años, que se incluyen en esa nueva ola de pop español, aunque con un toque más diferencial.

Encontramos catorce pistas que confluyen con el pop, el rock y el trap con un aura sad, tal y cómo indica su apodo; en las que ha querido incluir sus colaboraciones con MKS, Lionware, SWIT EME y Nissa. Y aunque ha dejado fuera alguno de sus hits, como “París”, ha querido incluir dos cortes inéditos para deleite de sus fans.

En el primero, “Mis alas”, suena más madura, mientras que “Besos con hielo” –junto a DENEK– va más en línea con el resto del largo. Un disco que supone el fin de una primera etapa, ya que sus números en las plataformas digitales le avalan para dar un paso más.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

8

ROCK / Los de Austin entre-

gan su décimo largo sin haber perdido su toque mágico.

Este álbum puede verse parcialmente como reacción al excelente y sofisticado “Hot Thoughts” (17), donde se soltaban rítmicamente, pero sin vender su alma al diablo. Se ha dicho hasta la saciedad que este nuevo álbum es “el disco de rock” de Spoon, lo cual es simplificar bastante. Se nota, es verdad, que han ido a lo esencial y que composiciones como el tremendo single “The Hardest Cut”, “Feels Alright” o “Held” beben de las inagotables fuentes del blues y el rock primario. Pero Daniel y compañía no se olvidan de su lado pop refinado, como prueban cortes como “Wild” o “Satellite”. Las dos caras musicales coinciden desde la misma portada, con ese rostro dividido que puede simbolizar muchas cosas, entre otras nuestra capacidad contrastada para sacar nuestro peor lado. —JC PEÑA

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—ADRIANO MAZZEO

Albany

Jo Jo Bo Bo Austrohúngaro

Lucifer On The Sofa Matador/ PopStock!

Mis alas Music Bus Records

enriquecer la propuesta global. Ghost han publicado otro disco que no pasará desapercibido por varios motivos, entre ellos por recolocar al rock duro en un espacio de atención, con toda la mística, solemnidad, heroísmo, belleza compositiva y horterismo adorable que lo caracteriza.

Hidrogenesse

Spoon

Uve Sad

7

“Darkness At The Heart Of My Love”. Nivel de horterismo bonjoviano, pero si a Ghost no le importa, ¿pues a quien le debería importar, no? La obviedad podría salpicar el disco, pero el mérito más importante de Ghost es dejarla en un plano limitado para lograr que nunca vaya a más, sino consiguiendo que se incorpore como una característica capaz de

POP / Auténticos artesanos de la música. Al margen de disfraces, locuras y adicciones electro, Hidrogenesse llevan años demostrando ser unos enormes genios creativos que manosean su arte como verdaderos herederos de la tradición. Respetan la música, valoran el poder que tiene más allá del consumo “fastfood” habitual que se ha generado en la sociedad actual. Y un claro ejemplo es “Jo Jo Bo Bo”. Un álbum construido para darle una segunda vida, una nueva oportunidad, a aquel “Joterías Bobas” de 2019.

Disco que regenera, reconstruye, inventa, remezcla e innova sobre todas esas canciones para transformarlas en piezas casi inéditas.

Un proyecto al que han logrado dotar de un alma propia. Una nueva pieza dentro de la serie, como esos cuadros de Mondrian continuistas, y a la vez igual de fascinantes, que se alargan hasta el infinito con la participación de JARV IS tras el remix de “Brujerías jotas”. —ÁLEX JEREZ

8

xXx Ladradora

URBAN / Con este nuevo trabajo, que llega tan solo unos meses después de “Se trata de mí”, Albany se presenta como un personaje anime dentro de su propio videojuego. No solo una canción del disco se llama así, sino que todo el disco gira en torno a dicha forma de entretenimiento digital: el concepto, el título, la portada, el sonido… La artista se distancia de su habitual trap melódico para acercarse de lleno al hyper pop o al shadow pop. Por ello, el featuring con Rojuu, uno de los mayores exponentes actuales dentro de esos géneros, no puede encajar más. Diez temas que van pasando sin que te des cuenta, y no solo por su breve duración. Si bien encontramos momentos de flaqueza a mitad del mismo, cabe destacar su cierre, con “Me da igual tu dinero”.

Un tema con el que Albany se despide sacando lo mejor de sí misma: transmitiendo emoción con su voz y su manera de cantar, pero sin dejar títere con cabeza.

7

—ÁLVARO TEJADA abril 2022 #43

Christian Coordinador Recursos Humanos

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MONDOVINILOS

Korn

Requiem Virgin/ Music As Usual

METAL / Los estadounidenses con han vuelto un disco en el que nos encontramos a un grupo con hambre y con una energía vital que sorprende gratamente. Por momentos da la impresión de que han concentrado muchas de las virtudes que les escumbraron en una misma canción: grooves contagiosos, riffs con contestaciones perfectas, voces susurradas y oscuras en crescendos efectivamente controlados y mucho gancho. Es posible que los coros tengan algo de sonrojante a estas alturas, pero también tenemos aquí una excelente puntería para sacar provecho de cada composición. ¿Ejemplos? “Disconnect” y “Forgotten”; el aire dark pop y los arreglos vocales de “Penance To Sorrow”; la solidez general de “Let The Dark Do the Rest”, el scat descontrolado de Davis y los efectos disonantes de las guitarras en “Worst Is On Its Way”. Un álbum compacto, serio y en el que Korn revalidan su espacio de líderes generacionales. —ADRIANO MAZZEO

8

Egon Soda Bellaurora Oso Polita

ROCK /El sexteto sigue a lo suyo. La calidez de una propuesta en la que hacen propias influencias que van de la americana al indie pop, el soul e incluso el funk elegante, brilla en un quinto disco donde llevan todo lo lejos que pueden su propuesta. Quien busque experimentos estridentes se ha equivocado. Es un trabajo cocinado a fuego lento con mimo por parte de un grupo de amigos, que el oyente tendrá que degustar a ser posible en su integridad y sin las prisas de esta era de incontinencia digital. Un doble, pues, a contra corriente, con un sonido exquisito y con el protagonismo marcado de las letras poéticas de Ferran Pontón. Cortes como la cinematográfica “La canción de todas las canciones”, “Todo lo que sangre”, o las delicadas “Ortigas en tu nombre” y “Bellaurora” tienen ese poso sanador que se aprecia más según uno empieza a ver el mundo con ojos más serenos y necesita menos rapidez y más hondura. —JC PEÑA

Stromae sigue a su manera

8

Stromae

Multitude UMF/Polydor

8 POP / Stromae es sinónimo de talento y de vanguardia. Stromae, que lleva en esto más de diez años, sigue sabiendo sonar distinto al resto de los artistas asentados en el panorama. No se ciñe a ninguna moda y marca su propio camino, reconocible y novedoso. Empezar “Multitude” es como volver a un restaurante muy bueno que acaba de cambiar la carta sin cambiar de chef.

En esta ocasión, el belga nos trae un álbum poliédrico, lleno de perspectivas y personajes diferentes que protagonizan cada una de las canciones. Las letras conservan ese lirismo descriptivo propio del mejor Stromae que se manifestó en el pasado en canciones como “Ave Cesaria” y en el presente en maravillas como “C’est que du bonheur”, un tema arrebatador de menos de tres minutos sobre la maternidad y el paso del tiempo que cuenta más que series

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de diez episodios a hora la entrega; o “L’Enfer”, una canción que solo Stromae podría firmar sin caer en la cursilería, el victimismo o, lo que es peor, el malditismo. Muchas veces nos preguntamos qué diferencia a un artista de éxito de un pobre aspirante despojado de talento. La respuesta está en obras como esta.

“Multitude” es solo el tercer álbum de un artista que no ha necesitado de hiperactivismo para aparecer y hacerse recordar. Un fenómeno casi imposible de replicar a día de hoy, casi diez años desde que “Racine Carrée” llegara para convertirse en uno de los mejores trabajos de esa década; tras tres años largos que le ha llevado a Stromae producir estas multitudes inspiradas en sus viajes por el mundo. Quizá la mayor virtud de Stromae sea el haber firmado un álbum en el que siguen estando el pop y la electrónica elegante de hace años, sumados al afrobeat y a instrumentos poco conocidos del folklore chino, y lograr que no sea pretencioso sino que palpite vida.

Tremendamente conectado a la realidad del mundo y a los sentimientos del artista y del oyente. “Multitude” es el mundo de hoy y, al mismo tiempo, el observador que hay en Stromae. —LUIS M. MAÍNEZ

abril 2022 #45

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MONDOVINILOS

Ceramic Animal enseñan la patita Ceramic Animal Sweet Unknown Easy Eye Sound/ Music As Usual

8 POP / Aunque contasen con tres discos pre-

vios en su casillero –“The Cart” (16), “The Horse” (18) y “High End” (20)– lo cierto es que a los norteamericanos Ceramic Animal se les había hecho poco caso por estos lares. Al menos hasta ahora, porque su nuevo trabajo, “Sweet Unknown”, luce (y de qué manera) como un exquisito compendio de indie-pop aderezado con diversos condimentos. Puede que en la decisión de prestarles al fin atención influya el hecho de que sean el último fichaje de Dan Auerbach para su sello Easy Eye Sound, y que sea el propio vocalista y guitarrista de The Black Keys el encargado de la (impecable y bien entendida) producción. En cualquier caso, el combo de Filadelfia hace gala de méritos propios en un álbum de diez temas

Erik Urano & Merca Bae

Los Bitchos

RAP / A Erik Urano le en-

canta romper esquemas.

Los suyos, los nuestros, los de la música y todo lo que se le cruce por el camino. Lo ha hecho una vez más cambiando su manera de crear música y confiando en un solo productor para su nuevo disco. Y el resultado, hay que reconocerlo, ha sido todo un acierto.

Erik Urano y Merca Bae han formado un binomio perfecto, dando vida a un disco que mantiene las atmósferas extraplanetarias del primero y el aroma a club inglés del segundo. Merca Bae no ha venido a restar, sino a sumar, y añade a la música del vallisoletano pinceladas del underground inglés en forma de dubstep y grime, mundos en los que Flat Erik siempre se ha movido con soltura.

Ayudando a que Erik no pierda su esencia, esa donde los cortocircuitos informáticos y los futuros distópicos dan forma a las historias que narra con ese lenguaje encriptado y enigmático marca de la casa. —ALFONSO GIL ROYO

7

INSTRUMENTAL / Si de algo

andamos precisamente faltos en estos meses es de valernos de ocasiones y excusas que apelen directamente a nuestro lado más hedonista y festivo. Las componentes de Los Bitchos parecen ser conscientes de ello, y por eso nos proponen a través de su debut la posibilidad de que no pospongamos por más tiempo el momento de teñir de color nuestras preocupaciones con un álbum cuyo título habla por sí mismo. “Let The Festivities Begin!” abraza a través de once cortes instrumentales sabores plurales que van desde los ritmos tropicales, balcánicos y otomanos hasta la psicodelia progresiva. Como si de un pasaporte instantáneo se tratase, el sonido de este cuarteto afincado en Londres es capaz de transportarnos de la cumbia latina a la estepa de Europa oriental, pasando por el imaginario de Dick Dale. No nos extraña que hayan conquistado hasta al propio Alex Kapranos.

—FRAN GONZÁLEZ APARICIO

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Wanna Wait” y la final “Valerie”, que recuerda a otra banda nunca suficientemente valorada como son Deer Tick. “Sweet Unknown” es un disco de sonido impecable en el que el relleno brilla por su ausencia, que supura elegancia y bebe de diferentes fuentes pero que, al mismo tiempo, muestra una identidad propia suficiente para que este sea un gran año para Ceramic Animal. —RAÚL JULIÁN

Boris

Let The Festivities Begin!

City Slang/ Music As Usual

Qubits Sonido Muchacho

8

y treinta y cinco encantadores minutos, cortito y poco menos que redondo. Una referencia que destila buenas vibraciones y desprende misticismo en base a un aspecto clásico y casi vintage de ese indie-pop con querencia folk y de raíces que el quinteto maneja con soltura. El asunto se abre con una “Tangled” que recuerda a los mejores The Coral, e incluye el ramalazo soul-funk setentero de “Long Day”, así como otras destacadas como “I Don’t

Buñuel

W Sacred Bones/ Popstock!

9

ROCK / Acostumbrados a la

radicalidad de su eclecticismo y a unos giros imprevistos que convierten su discografía en una aventura insólita para el oyente, Boris regresan a su esencia más ambiental y minimalista. Nada que ver con su última aventura de estudio –sin contar el inédito “New Album 2009” que publicaron el año pasado–, ese “No” (20) visceral, feroz e inmisericorde que terminaría por convertirse en uno de los trabajos más salvajes que haya grabado nunca el trío japonés. De extremo a extremo, Boris proponen en su primera referencia para el sello Sacred Bones un viaje de cuarenta minutos de sosiego –que no de tedio– dominados por la voz angelical de Wata y en el que sitúan en el lugar en el que el ambient se une con el dream-pop y el shoegaze con el drone. Con la excepción de “You Will Know” y “The Fallen”, “W” es una apuesta firme por canciones de una duración comedida, expansivas, vaporosas y oníricas. —TOMEU CANYELLES

Killers Like Us Profound Lore

ROCK / El 2022 del vocalista Eugene S. Robinson se presenta a tope de acción. Por una parte su banda de toda la vida Oxbow estrenará disco en Ipecac Recordings (sello de Mike Patton) y por otro estrena este particular proyecto junto a músicos italianos de Il Teatro Degli Orrori y Afterhours. Nombrado en obvio homenaje al cineasta español, Buñuel es un ejercicio post-punk sin grandes novedades, pero hecho a conciencia, con el tono desgarrador y esquizofrénico de Robinson sobre una base musical que puede recordar a los también italianos Zu. Los tintes doom de “Hornets” y “When We Talk” hacen cierto favor a que la dinámica del disco mejore, le resultan necesarios aunque de la sensación de sonar forzados. Con aciertos como la percusiva “It’s All Mine” que recuerda a Melvins, “Roll Call”, “Crack Shot” y “Prison Of Measured Time”, el disco funciona aunque requiere cierto entrenamiento auditivo en el género para suscitar interés. —ADRIANO MAZZEO

7

abril 2022 #47

49/Mondo Media

LIBROS

Lo que comenzó siendo un documental sobre el desarraigo de vivir dos vidas paralelas muy distintas en países tan lejanos como son España y Noruega, ahora es un extraordinario libro de 438 páginas. Se llama “Canción de amor definitiva” (Plaza & Janés, 22), y en él Jorge Martí, cantante y compositor principal de La Habitación Roja, nos cuenta su vida.

“No hay derrotas ni fracasos, y vivir es aprender eso”

Jorge Martí Toda una vida

una vergüenza tremenda, pero me lo autoimpuse. Creo que mi historia puede ser extraordinaria y normal al mismo tiempo.

Extraordinaria por vivir entre los dos países y normal porque habla de un chaval común. ¿Por qué no voy a abordar honestamente todos estos temas? Voy a cumplir cincuenta años, tío. No es que esté de vuelta de todo. Pero después de todo lo que he pasado, las dos embolias pulmonares, las cosas que he visto en el trabajo… esto me parecía hasta una historia tierna. Y era importante que el libro destilara esa ternura”. A primera vista podría parecer que esto se contraponga con la confianza en si mismo que parece que tenga a la hora de hacer canciones. “Sí, siempre he sido muy tenaz. Si hubiera tenido esa tenacidad para el fútbol, probablemente hubiera sido futbolista. Pero no tenía la confianza en mis posibilidades que sí tenía en la música. Desde el primer momento en que

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me puse a hacer canciones, fui consciente de la capacidad que tenía para hacer melodías. Y de poner palabras a una serie de sensaciones que la gente a veces no se atreve a plasmar. De eso fui consciente. Leí hace poco un artículo en El País, “Elogio del fracaso”, de Jordi Soler, que me gustó mucho: hablaba sobre Faulkner y cómo este decía que hay que fracasar una y otra vez, y fracasar mejor. Yo, cada vez que me han rechazado, o me he hundido, he sentido más fuerzas para rebelarme ante eso. Los pasos en falso nos llevan muchas veces hacia caminos inexplorados, y en la vida yo he aprendido esto. No hay derrotas ni fracasos, y vivir es aprender eso.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

R Lee aquí la entrevista completa >>

abril 2022 #49

FOTO: GUSTAFF CHOOS

“

CANCIÓN DE AMOR DEFINITIVA” es uno de los libros musicales más conmovedores escritos en este país en mucho tiempo. Una historia de principios, tenacidad, amor, amistad y honestidad. Una honestidad que podría hacer que la gente aluida se sintiera molesta.

“Contacté con la mayoría de las personas de las que hablo y les expliqué lo que iba a decir. A Marc [Greenwood, bajista] y a Jose [Marco, batería], por ejemplo, les dije que hablaría de salud mental, que es una cosa íntima de ellos, pero con la que siempre hemos sido muy abiertos. Si te pones a escribir, has de ir a muerte con lo que cuentas. No puedes pensar en lo que van a decir quienes salen reflejados. Has de ser valiente. Si quieres llegar a la gente y que se sienta identificada, y que vea su vida reflejada en la tuya. En el conflicto es donde nace la literatura”. La sinceridad pasa por explicar muchas de sus experiencias sexuales, incluidos algunos gatillazos que todos hemos tenido siendo muy jóvenes. “Bueno, creo que es algo que puede pasar, o que pasa sobre todo a gente con un plus de sensibilidad, y lo cuento porque no quería escribir desde la autocomplacencia, sino desde la incomodidad. Escribir sobre sexo es algo que nunca había hecho, y quería hacerlo como yo lo había vivido. Y enseñar la vulnerabilidad de un adolescente que ha aprendido sobre sexualidad sin tener una educación sexual, porque no la había. Mi mujer se descojonaba, pero yo iba a confesarme y a decirle al cura si había cometido actos impuros, y hablando de si me había masturbado. ¿Cómo de violento es eso?...

Recuerdo lo del sexo como algo traumático, aunque a lo mejor eso me hizo ser de otra manera. Y escribir sobre eso me daba

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CINE Y SERIES Malnazidos

El proyecto Adam

Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro

Shawn Levy

6 TRAS SU PRESENTACIÓN en el Festival de Sitges, llega a los cines la apuesta patria por el género de zombies, “Malnazidos”. La película está dirigida por Javier Ruiz Caldera (“Superlópez”, “Promoción fantasma”) junto su habitual colaborador Alberto de Toro, quien debuta en esta función. Ante un título así, lo sencillo es imaginar que nos encontraremos ante una película de zombies de humor básico, pero todos podemos equivocarnos en nuestros juicios previos.

Porque, sorprendentemente, lo que nos encontramos en la cinta de Ruiz Caldera y de Toro es una película más cercana al cine de aventuras que al de terror o a la comedia. Y el resultado es muy competente en ese terreno, sin tener nada que envidiar a algunas producciones extranjeras sobre muertos vivientes de los

últimos años, acercándose en cierta medida a cintas y series como “Overlord”, “Zombies nazis” o “The Walking Dead”.

Ambientada en la Guerra Civil Española, la trama gira en torno a un grupo de nazis que están desarrollando un suero en nuestro país para revivir a los muertos. Como podréis adivinar, dicho experimento se les va de las manos. A partir de ahí, nos encontramos con un film cuya factura técnica da la talla y un reparto que funciona bien –especialmente Luis Callejo y Aura Garrido–, pero con un guion que peca de conservador. Es de suponer que la mano de Telecinco Cinema tenga algo que ver con el intento de complacer a todo tipo de audiencias, quedándose en algún lugar intermedio entre los géneros que trata.

—ALEJANDRO TEIGA ROBLES

6 ME OCURRE CON LO ÚLTIMO de Levy (responsable de monumentos del cine familiar palomitero como “Noche en el museo” o “Puro acero”) lo mismo que me ocurre con el episodio de Benidorm de “Aquí no hay quien viva”. Soy totalmente consciente de sus imperfecciones y pecados, pero no puedo evitar sentirme cómodo en este relato que, en el fondo, no hace otra cosa que remitir fielmente a esas tardes de cine en familia, impregnadas por la seguridad de que todo iba a salir bien y de que lo importante no era otra cosa que el camino.

“El proyecto Adam” no es más que un chute de clasicismo blockbuster en vena para aquellos con mono de autoconclusión, una rara avis en un momento donde todo el cine de acción parece apuntar a la serialidad salvaje.

Soy consciente de que esto no es

—DANIEL GRANDES

Peacemaker

Red

James Gunn

Domee Shi

9

7 “PEACEMAKER” es el spin-off de uno de los personajes más deleznables de DC que nadie pidió y que ha venido para quedarse.

Ya con una segunda temporada confirmada, esta serie se eleva gracias al crecimiento del subgénero de superhéroes macarras.

“Deadpool” nos lo mostró, “The Boys” nos lo subrayó y “Peacemaker” lo ha confirmado: los héroes de luz están por desaparecer.

El pacificador es basura humana, un ultraamericano, criado por un racista extremo, que lucha por la justicia. Un asesino que solo cree en la paz absoluta a través de la violencia, que quiere dejar de ser malvado, de sentirse solo y despreciado. Un meme en sí mismo y quién mejor para interpretarlo que la personificación de los memes en Internet: John Cena. A pesar de que en las escenas más dramáticas se notan sus carencias

para mí. Es fácil detectar en qué momentos la película oposita para convertirse en una introducción a la ciencia ficción para principiantes; en un “Interestelar” para los más pequeños de la casa (o incluso en un “Regreso al futuro” con espadas láser). Todo va sobre raíles, y eso está genial.

Sobre todo si estos transitan por alguna que otra escena de acción brillantemente dirigida (James Wan creando escuela) y por un universo que cita al videojuego con amor y respeto. Puede que la narrativa adquiera demasiada rigidez de tanto sumergirse en el clasicismo. Y sin duda estamos ante la antagonista con menos carisma de los últimos años (de verdad, es que ni lo han intentado). Pero, tras su modestia, la película muestra la intención de regalar cine, y eso es bonito.

actorales, consigue darle cuerpo y mucho humor a un antivillano que tal como dijo Rick Flag, en “The Suicide Squad”, ha mostrado más capas de las que parecía tener en primera instancia.Y es que la propuesta de James Gunn es hacer un reflejo de la capacidad del ser humano para cambiar y mejorar, aunque no se espere nada de él. Pero no lo logra únicamente con su protagonista, sino que el resto de personajes que le acompañan en su cruzada contra su padre y unos marcianos mariposa que controlan a las personas, siguen el mismo tipo de arco narrativo.

Sin duda, la firma de James Gunn está por todas partes, personajes amantes de la música heavy-rock, estilazo visual combinado con un toque cutre que le da personalidad y bromas que, a veces, se alargan hasta el punto de resultar incómodas. —LUIS DE LA IGLESIA

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LO NUEVO DE PIXAR es un abrumador ejercicio de creatividad; una muestra de que el futuro del 3D no debe apuntar hacia el fotorrealismo, sino hacia la manipulación de lo digital en busca de las formas aún no exploradas.

“Red” no aboga por avanzar, sino por transformar todo aquello que se daba por hecho, tanto formal como ideológicamente.

Lo kafkiano (y un mañana, sin previo aviso, me desperté siendo un panda rojo…) se distorsiona cuando es enfocado desde el filtro de la mirada nostálgica a los 2000 en un coming of age atípico, donde florecen realidades que habían habitado hasta ahora –al menos en este tipo de circuitos– en el terreno del tabú. Toda esta melancolía por un pasado no tan cercano, pero tampoco tan lejano, no puede desembocar en otra cosa

que en una estética vibrante, pulsional y, por encima de todo, sorprendentemente coherente.

La novedad no está en el qué, sino en el cómo. Toda historia se ha contado ya, pero toda historia ya contada puede contarse de infinitas formas. ¿Cómo podría sorprendernos ver una compresa en una película de animación si realmente todo hubiera sido explicado ya? “Red” no es sólo un manifiesto a la reescritura, sino también la muestra perfecta de que siempre habrá voces que estén deseando contar su cómo. Domee Shi diposita aquí todo aquello reprimido y reivindica todo aquel excentricismo silenciado. El aura feminista y transgresor del proyecto no se conforma con conquistar lo narrativo, sino que lucha por una emancipación de la forma.

—DANIEL GRANDES

abril 2022 #51

Señoras con visón VV.AA.

7

Ua propuesta más que interesante. Las protagonistas del formato son Nata Moreno, Celia Pastor, Bárbara Goenaga y Esti Gabilondo, cuatro mujeres pasados los cuarenta y actrices. Protagonistas, no presentadoras. Esa es la clave.

“Señoras con Visón” se estrenó el pasado 8 de marzo en exclusiva en Amazon Music. Un programa entretenido y ágil, que lleva la apuesta del podcast de conversación femenina al siguiente nivel, doblando la elección habitual, que es de dos únicas contertulias.

Esto es interesante porque los podcast corales hasta ahora no han recibido el apoyo de las grandes plataformas, con excepciones como “Todopoderosos”. “Señoras con Visón” es una producción original de Amazon, sí, pero tiene detrás a El Terrat, la productora de Andreu Buenafuente.

PODCASTS MS

PODCASTS

—LUIS M. MAÍNEZ

VV.AA.

7

Parece sencillo pero no lo es.

Hablar de música desde el conocimiento y la experiencia, estar pegados a la actualidad contando con una perspectiva histórica y no perderse en la superespecialización más elitista, sino hacer un podcast para todo el mundo, es la odisea ante la que todo proyecto nuevo en el formato de audio a la carta se enfrenta. El Podcast de RockZone consigue combinar todo esto, y encima lo saben hacer de forma amena y didáctica. Uno entra en su podcast gracias a los temas que proponen -los últimos programas, por ejemplo, tratan sobre la posible vuelta del CD como formato mainstream; el revival del emo-pop-punk dosmilero o repensar sobre la siempre futurible vuelta de Oasis- pero se queda por el conocimiento de los tertulianos y por lo divertido del formato. —LUIS M. MAÍNEZ #52 abril 2022

Especial Stay Homas

En este capítulo de Cremita no hay ningún tema preparado. Los Cremita, improvisan y divagan sorteando la ebriedad. “Cremita está siempre a la deriva de los tiempos que corren, las comidas que nos gustan y los juegos que se nos ocurren”. Y lo hacen llevando el formato podcast a lugares novedosos y plagados de curiosidades.

Stay Homas han vuelto para recuperar algunos temas de las sesiones de la terraza que no habían sido regrabados con anterioridad y nos los presentan en este podcast con el formato de música y charla. Una nueva mixtape titulada “Here2play” que cuenta con colaboraciones de lujo (Rubén Blades, Manu Chao, Juanito Makandé y Vic Mirallas).

Ucrania

Metronomy

A Gunsal H. Moreno posiblemente le conoceréis bajo el sobrenombre artístico de beGun, con el que lleva muchos años haciendo música electrónica . Gunsal ha sido voluntario en diversas crisis humanitarias.

En esta ocasión se encuentra en pleno centro del huracán, en Ucrania, intentando ayudar al máximo de personas a abandonar el país.

Este “Small World” surge después del parón provocado por la pandemia de la covid-19. Como tantos otros grupos y músicos, la banda ha sabido aprovechar estos largos meses para concebir un trabajo a medida de la época. Escuchamos el trabajo canción a canción de la mano de su creador Jospeh Mount.

Álvaro Benito

Aleesha

Alvaro Benito llega a nuestro Flashes para charlar sobre la nueva gira de Pignoise, la música y el fútbol y el trabajo duro. Una hora de charla en la que los temas van apareciendo y relacionándose unos con otros: la industria musical, si el mundillo se parece en algo al del fútbol de élite, el esfuerzo y la perseverancia.

Ha pasado mucho tiempo desde que Aleesha anunció que publicaría un trabajo nuevo llamado “La Patrona”, que vendría a significar su asentamiento como una de las voces más relevantes de la escena española. Ya lo tenemos quí y Aleesha se pasa por Flashes, el videopodcast de entrevistas de Mondo Sonoro.

FLASHES

El Podcast de RockZone

Cremita

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EN

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The Storyteller.

Historias de vida y música

Hierba

Keum Suk Gendry-Kim Reservoir Books

Dave Grohl Libros Cúpula

8 Leerán excelentes comentarios sobre este multipremiado “Hierba”. Y todos, se lo aseguro, sobradamente merecidos. Porque “Hierba” es un título que, tras su inocente apariencia inicial, nos vapulea dejándonos con el corazón hecho trizas, y al mismo tiempo se nos revela como una descomunal lección de vida y de supervivencia. Tomando unas entrevistas con Lee Ok-Sun, la anciana protagonista, como punto de partida, la autora nos descubre el olvidado sufrimiento de miles de jovencitas coreanas que, durante la ocupación japonesa, fueron convertidas en esclavas sexuales por el ejercito nipón.

Prácticamente quinientas páginas capaces de remover conciencias, de mostrarnos lo peor del ser humano, pero también la increíble fuerza interior de algunas personas. —JOAN S. LUNA

Cuando el Covid-19 paralizó el mundo, un confinado Dave Grohl buscó una válvula de escape inédita para él. El ex-batería de Scream y Nirvana, que parece moverse por retos, nunca antes había escrito un libro. Su libro.

Dicho y hecho. “The Storyteller” reúne algunas de sus historias personales y anécdotas favoritas.

A partir de estos recuerdos podemos entender mejor al hiperactivo hombre de la eterna sonrisa, convertido con el tiempo en uno de los músicos más carismáticos del rock contemporáneo. “The Storyteller” son las memorias de un músico que empezó un viaje hacia lo desconocido y llegó al Olimpo del rock, pero también una lección de vida escrita con mucho sentido del humor y por encima de todo una oda a la pasión y la perseverancia. —LUIS BENAVIDES Bobby Gillespie

Un chaval del barrio (Tenement Kid) Contra

Kim Hyun Sook, Ryan Estrada y Ko Hyung-Ju Sapristi

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#54 abril 2022

Julio Montero y Esteban Hirschfeld Chelsea Ed.

8

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El club de los libros prohibidos

“El club de los libros prohibidos” nos descubre una etapa concreta de la historia de Corea del Sur en el que el gobierno prohibió la lectura de obras de autores como Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir, John Locke y muchos más. Y lo hace a través de las experiencias propias de la Kim Hyun Sook en un cómic que divierte al tiempo que nos descubre el régimen dictatorial y la censura que se vivió en el país. El manhwa carga las tintas sobre todo el valor de los libros y de la juventud como motor de los cambios en las sociedades. Así que “El club de los libros prohibidos” encaja como anillo al dedo en el momento actual, un momento en el que los gobiernos autocráticos ganan peso y buscan negarle al pueblo libertades y acceso al conocimiento. —ESTHER RIUS

¿Eres un mod o un rocker? La historia de Los Mockers

9 El vocalista de Primal Scream repasa lo acontecido desde que era un chaval de barrio en Glasgow, hasta que su banda lanzó al mundo ese “Screamadelica” (91) que sigue ocupando plaza en el Olimpo de los discos. Historias y recuerdos bajo el argumento común del romanticismo y la pasión, que supuran en el autor cuando escribe sobre fútbol, moda y, sobre todo, música: desde la bofetada del punk y el rock hasta la cultura de clubes y el acid house. Un jugoso tratado sobre sexo, drogas y rock & roll, bañado en el mismo carisma acelerado que late en el propio Gillespie, que aquí se muestra honesto, incendiario y clarificador con respecto a la por entonces cambiante escena británica, con especial mención para la poblada y atractiva liga escocesa.

—RAÚL JULIÁN

La editorial Chelsea del ex Cooper Alejandro Díez vuelve a acertar con este tomo que recupera la nunca suficientemente conocida historia del seminal grupo uruguayo Los Mockers. Contada en primera persona por dos de sus miembros, Julio Montero y Esteban Hirschfeld, los autores apuestan por un trazo cercano y despreocupado como vía para compartir recuerdos, decisión determinante en la funcionalidad del asunto y ese carácter afable que desprende la lectura. La referencia repasa el devenir del mítico grupo de sonidos sixties y querencia garajera de Montevideo, desde el despertar de su pasión por aquella música que llegaba sobre todo de Inglaterra hasta la progresiva profesionalización y consecución del éxito.

—RAÚL JULIÁN

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El chicle de Nina Simone Warren Ellis Alpha Decay

7 Estamos ante una especie de memoir imposible acerca del recuerdo que un objeto genera en la persona que lo atesora, una manera de congelar un instante gracias a algo tan vulgar y a la vez sagrado como el chicle que una vez masticó alguien. Ese alguien es la legendaria Nina Simone, y la persona que guarda la preciada reliquia es Warren Ellis (Bad Seeds, Grinderman, Dirty Three). La chicha del tema se concentra en la trascendencia y la vida que mantiene el chicle gracias al hecho mismo de haber sido salvaguardado y –de algún modo– revitalizado por el mismo hecho de haber sido preservado. Menudo lío, perdón. Ellis lo explica mucho mejor: el chicle es el depositario de la memoria y la magdalena de Proust del testimonio mágico que tuvo la suerte de presenciar. —OCTAVIO BOTANA

REDACCIÓN Redactor jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com COLABORADORES Textos: Albert Carreras, Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Álvaro Tejada, Anaïs López, Andreu Cunill Clares, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, Cláudia Pérez, David Sabaté, Don Disturbios, Esther Rios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes, Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jose Carlos Peña, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Luis M. Maínez, Manu González, Marcos Gendre, Mariona Longarón Ropero, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Salomé Lagares, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Víctor Naharro, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, María Alfonso, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com

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24·25·26 jun 2022

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