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Marzo de 2010 nº 171

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

DELOREAN

música A máquina

LOS PLANETAS

EL SUR PERVIVE THESE NEW PURITANS

AFRONTANDO EL SIGLO XXI BEACH HOUSE

CALMA CHICHA Y ADEMÁS ESTE MES... STANDSTILL • DELPHIC • HOT CHIP • THE SOFT PACK • THE DRUMS • DELAFÉ Y LAS FLORES AZULES • OWL CITY • THE NEW RAEMON • MIDLAKE MAGA • DAVID TATTERSALL • LIARS • MUCHACHITO BOMBO INFIERNO • LOS PUNSETES • LA HABITACION ROJA • SUPERSUBMARINA • BUILT TO SPILL Delorean Foto Albert Jodar

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MondoSonoro · Marzo 2010 /5/

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sumario

24 Los Planetas

Coordinador general Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) Coordinador editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Coordinador redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Mondoweb www.mondosonoro.com Coordinadora web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com)

No sé cómo se atreven

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◗ Madrid (madrid@mondosonoro.com) Redacción Luis J. Menéndez Publicidad Luis Fernández M. Tlf./Fax 915 400 055 Colaboradores: Textos Adrián Santos, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Francesc Feliu, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Javi López, Javi Pulido, Joan Cabot, Jordi Nopca, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jorge Obón, Juan Alonso, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Mertxe V. Valero, Miguel Amorós, Nacho P.L., P. Muñoz, Robert Aniento, Toni Castarnado Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

NOTICIAS

mondobeats

vinilos

6. Muchachito ultima en el estudio el que será su próximo trabajo 7. The New Raemon edita “Cuaresma” en vinilo 8. David Tattersall publica su debut en solitario

19. Hot Chip

41. Standstill Disco del mes

entrevistas 21. Beach House La dama y el vagabundo 23. These New Puritans Empezando a ver la luz 24. Los Planetas No sé cómo se atreven 26. Delorean Baile inteligente

mondofreako 11. Owl City 12. Midlake 13. Delphic 14. The Drums 15. Maga 16. The Soft Pack 17. Liars 18. Dan Michaelson & The Coastguards

“no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Albert Jodar que siempre hace la misma foto para la portada”

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

Conciertos 31-36. Fiestas Demoscópicas MondoSonoro, Richard Hawley...

escaparate 38-39. Dinero, Le Peuple De L’Herbe, Volador, Joan Colomo...

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ediciones en vinilo del debut de

Cohete

Los Planetas Foto Archivo

◗ Galicia-Castilla y León (galicia@mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

10

S SORTEA

singles en vinilo de

MOS!

Hockey


TAN lejos... ◗ THE STROKES se encuentran en Nueva York preparando ya su nuevo disco que verá la luz en septiembre. La banda acaba de colgar un vídeo en YouTube en el que se les puede ver trabajando en el álbum, en concreto en una canción llamada “Taken For A Fool”. El vídeo dura nueve minutos y está grabado en los estudios Avatar de Manhattan, donde preparan el nuevo trabajo junto al productor Joe Chiccarelli.

Muchachito Foto Archivo

NOTICIAS /6/ Marzo 2010 · MondoSonoro

◗ “Raw Power”, uno de los discos más celebrados de THE STOOGES, vuelve a la vida. La reedición se podrá adquirir en dos formatos. El primero “Raw Power: Legacy Edition” consta de tres compactos llenos de extras y de memorabilia relacionada con el grupo. El segundo, “Raw Power: Deluxe Edition”, incluye un DVD extra, un libro-ensayo de Henry Rollins sobre el grupo y demás ítems. ◗ COHEED AND CAMBRIA, una de las bandas más queridas del hardcore progresivo actual, anuncian nuevo disco. El próximo trabajo de los neoyorquinos, que lleva el nombre de “Year Of The Black Rainbow” se editará el próximo 12 de abril y llevará la marca del respetado sello Roadrunner. ◗ El biopic sobre THE RUNAWAYS, banda femenina de culto de punk rock de los setenta, que ha dirigido Floria Sigismondi (conocida por sus videoclips para The White Stripes, Marilyn Manson o The Cure) se estrenó en la pasada edición del festival de cine de Sundance con un notable éxito. Puedes ver vídeos de la premiere en www.runawaysmovie.com. Aún se desconoce la fecha de estreno en España.

Muchachito ultima en el estudio el que será su próximo trabajo Visitamos al músico de Santa Coloma en su guarida, dónde nos muestra nueve de las trece canciones que formarán parte de su tercer largo -aún sin título- y que le embarcarán en una extensa gira que se inicia el 30 de abril en la sala Razzamatazz de Barcelona. Visto lo visto no te lo puedes perder.

C

The White Stripes Foto Archivo

◗ THE WHITE STRIPES protagonizaron el pasado mes de febrero una agria disputa contra el ejército norteamericano. El contencioso fue causado por un anuncio de televisión de la Air Force Reserve que plagiaba sin permiso una de las canciones más conocidas del dúo, “Fell In Love With A Girl”. El spot fue retirado, pero aún se desconoce si el grupo tomará medidas legales contra el ejército yanqui.

onvencional no es una palabra que puedas encontrar en el diccionario personal de Jairo alias Muchachito, de lo contrario las cosas no deberían haberse hecho así o al menos no en ese orden. Si eres un habitual de sus conciertos, posiblemente seas una de esas treinta mil visitas que, por el momento, ha recibido su video “La noche de los gatos”. Y puede que incluso hayas visto la grabación de cómo se realizó ese plano secuencia único, en un prodigio de coordinación y montaje de plafones dibujados sin ningún tipo de retoque digital. De hecho los decorados empapelan ahora el garage del local que el músico tiene en Barcelona y en

el que destaca la mountain-bike reconvertida en motocicleta para la ocasión. Pero lo mejor es que todo nace de la bulliciosa mente de este apasionado de los cómics que me enseña un más que currado “storyboard” con forma de dioramas en tres dimensiones que recogen al detalle un video dirigido por su hermano Joni y que, de seguir las pautas de lo habitual, debería haber salido coincidiendo con la edición de su tercer trabajo. Un disco del que puedo escuchar en total exclusiva una cuantas canciones de entre las que destacaría “La bella y la bestia”, dedicada a una Barcelona cada vez más desdibujada y que se aprovecha de sus músicos para hacerse esa foto siempre interesa-

◗ El 13 de abril es la fecha elegida para publicar el nuevo trabajo de la banda estadounidense MGMT. El disco se titula “Congratulations” y es una colección de nueve canciones producida por la banda y Sonic Boom (Spacemen 3), y cuenta con las colaboraciones del coproductor Pete Kamber y Jennifer Herrema, cantante de Royal Trux que colabora en las voces. ■

Muchachito estará actuando el 30 de abril en Barcelona, 7 de mayo en Lleida el 8 en Tarragona y el 14 en Madrid

Más nombres para el San Miguel Primavera Sound 2010

◗ La edición número cincuenta y dos de los GRAMMY tuvo un dominador claro en Beyoncé, que se hizo con seis premios. Por lo que hace a artistas más de la órbita de MondoSonoro Green Day se alzaron con el premio a Mejor Disco de Rock del Año, Phoenix con el de Mejor Grupo Alternativo y Kings Of Leon se llevaron uno de los premios más preciados de los Grammy, el de la Canción Más Importante del Año por “Use Somebody”. ◗ El pasado domingo día 14 de febrero fallecía en su casa de Los Angeles a la edad de 57 años DOUG FIEGER, líder y cantante de The Knack, y una de las figuras más importantes de la historia del power pop. Género maldito por excelencia, The Knack fueron una de las pocas bandas que disfrutó de un éxito masivo a finales de los setenta gracias a un debut sonado y excelente, “Get The Knack”.

da; “Tiras de mi corazón”, un explosivo funky-soul que saca ese James Brown que lleva dentro; “La mejor”, un medio tiempo de aire melancólico en el que rememora la época en la que se sobrevivía a base de tocar en los bares; “La pandilla voladora”, un tema de unos recuperados G-5 e inspirado por la apasionada lectura de “La república de los piratas” de Colin Woodard y que, por cierto, ha sido grabado en Jeréz que es “algo así como ir al pueblo de visita” y donde también se ha realizado en parte “Palabras” con la ayuda del combo gitano Soniquete, quienes aportan sus frenéticas palmas y coros. En definitiva un sólido trabajo que recupera, en cierta medida, el espíritu del primer Muchachito y en el que destacan los arreglos de metales y el frenético ritmo que sólo él sabe imprimir a sus temas. ■ Don Disturbios

Manic Street Preachers Foto Archivo

Poco antes de acabar el mes de febrero se confirma que la programación de este año del San Miguel Primavera Sound aún podía depararnos un montón de sorpresas. A la larga lista de confirmaciones previas que iban desde Pixies a Pavement o The XX se suman ahora nombres de muy diversa orientación, pero con propuestas de lo más interesante. Entre los artistas más destacados estarían los británicos Pet Shop Boys, diplo, The Drums o los reformados recientemente Sunny Day Real Estate, pero la cosa no acaba ahí. Nos encontraremos con The Charlatans, Gary Numan, Marc Almond, Roddy Frame (Aztec Camera), Broken Social Scene o Best Coast. De todos modos, son tantos los grupos que participan en la edición de este año que lo mejor que podrías hacer es ir visitando periódicamente www.primaverasound.com n

Manic Street Preachers, Slayer y Jet en el Bilbao BBK Los organizadores del Bilbao BBK Live 2010 siguen dando a conocer nuevos nombres que estarán en su próxima edición y con el que el grueso de artistas está empezando a ser más que considerable. El festival, que se llevará a cabo durante los días 8, 9 y 10 de julio, en Kobetamendi (Bilbao), suma a los grandes cabezas de cartel anunciados hace semanas (Rammstein y Pearl Jam) los nombres de Manic Street Preachers, Slayer, Jet, Rise Againt, Coheed And Cambria, Bullet For My Valentine, Rise To Fall y los argentinoespañoles Capsula. Con todo ello, los atractivos para pasarse por el evento son ya muchos y deberías ir pensando en hacerte con el abono para el festival. Puedes consultar precios, cartel por días y otros detalles en www.bilbaobbklive.com/2010 n

Pet Shop Boys Foto Archivo


The New Raemon Foto Archivo

MondoSonoro · Marzo 2010 /7/ NOTICIAS

TAN cerca... ◗ INTERMON OXFAM organiza el 24 de marzo en el Teatro Circo Price de Madrid un concierto con fines benéficos que bajo el título de Dale La Vuelta Al Mundo 2010 presentará las actuaciones de diferentes bandas y artistas. Ariel Rot, Christina Rosenvinge, Jorge Drexler, Mendetz, The Sunday Drivers… Más información en http:// dalelavueltaalmundo.intermonoxfam.org/. ◗ CONTEMPOPRANEA ya cuenta con los primeros nombres confirmados para su 15ª edición: Los Planetas, La Habitación Roja, Love of Lesbian, Tachenko, Dorian, Delorean, Maga, Annie B Sweet, Second, Joe Crepusculo y Los Punsetes, conforman de momento el cartel del festival de Alburquerque (Extremadura). Un año más, lo mejor del indie estatal se reunirá en Badajoz los días 22, 23 y 24 de julio. ◗ Los días 16, 17 y 18 de abril regresa el FESTIVAL ELECTRÓNICA a La Casa Encendida de Madrid, en una edición que insiste, más que nunca si cabe, en el carácter ecléctico del evento. Este año pasarán por el certamen Leyland Kirby, Oneohtrix Point Never, Sensational & Spectre y Hudson Mohawke, entre otros. Por otro lado, este 2010 presenciará por primera la edición del Electrónica en Barcelona.

The New Raemon edita “Cuaresma” en vinilo La justicia poética existe y Ramón Rodríguez se ha convertido por méritos propios en uno de los nombres indispensables de la escena indie estatal. ¿Su arma? Excelentes canciones. En su nuevo Ep, “Cuaresma”, las combina con las de otros artistas.

C

uando apenas hace unas semanas que se ha colado con “La Dimensión Desconocida” (09) en lo más alto de muchas de las listas de la prensa especializada, Ramón Rodríguez nos entrega “Cuaresma”, nuevamente de la mano de B-Core. Como fan que soy del vinilo, celebro que el soporte elegido para estas seis grandes canciones haya sido éste. “Me encanta poder editar material en vinilo. He tenido la suerte de poder publicar todas mis referencias en este formato, incluso de forma exclusiva (como es el caso de los Ep’s)... Ocurre que la gente que no tenía vinilo y nos sigue de cerca ha acabado comprando un plato o bien se han quejado porque quieren esos temas en CD. Yo les digo que dentro vienen en mp3

y que el vinilo es más bonito y suena mejor pero entiendo que a alguna generación lo del vinilo les suena a élfico”. De Nuevo, encontramos a Nueva Vulcano entre las revisiones que Ramón Rodríguez ha elegido para este EP. “Nuevamente. Sigo a Artur desde los tiempos de Aina, a Wences desde que tocaba en Shanty Road y a Albert le eché el ojo cuando estaba en The Moon Men (banda que editó sus dos discos en Cydonia). Curiosamente estuve una vez a punto de editar ‘Principal Primera’ en vinilo la primera vez que mi sello se arruinó, y ocurrió justo eso cuando me disponía a enviar el disco a fábrica... una larga historia. Nos une también el compadreo de militar en B-Core. Resumiendo, les tengo cariño y

admiración”. Y otras dos canciones versionadas, pasadas por su particular filtro. Dos temas cantados en catalán y cargados de una belleza enorme. “La de Estanislau Verdet es una canción que escuché mucho en verano de 2007. Me sentía muy identificado con lo que cuenta. La he tocado mucho en mis bolos solo y alguien la colgó en youtube para que no dejasen de pedírmela en directo... así que pensé, mejor la grabo, la publico, y en unas cuantas escuchas acabarán hartos y no me la pedirán más o bien descubrirán la original, que esa sí es buena de verdad. La versión de Lluís Llach la grabé cinco minutos después de adaptarla, así que es una primera toma hecha en casa sin vestirla de gala ni nada por el estilo... hasta estoy resfriado si escuchas bien. La grabé así porque me gusta muchísimo la original y pensé en hacer algo pequeño y sincero, ya que hay unas cuantas versiones horribles destrozando esta bonita canción”. ■ Rafa Angulo

Se va completando el cartel de FIB Heineken 2010

Jónsi Foto Archivo

Electrónica y todo lo demás en Sónar 2010 Dejando a un lado la principal novedad del festival Sónar para este año (y que es la celebración simultánea en las ciudades de Barcelona y A Coruña), debemos destacar la edición 2010 de este evento dedicado a la “música avanzada y al arte multimedia” por la calidad de sus propuestas. A las primeras confirmaciones de los franceses Air y los estadounidenses LCD Soundsystem se añaden los nombres de The Chemical Brothers, Dizzie Rascal, 2Many Dj’s, Hot Chip, Fuck Buttons, Broadcast, Booka Shade, Flying Lotus, Pete Tong, bRUNA, Joy Orbison, Delorean, Zombi, Jimi Tenor & kabu Kabu, Emilio José, John Talabot, Bradien, Bflecha, Matthew Herbert’s One Club, Jónsi (el vocalista de Sigur Rós se lanza en solitario con un disco y un espectáculo de lo más visual) o la reunión de los míticos The Sugarhill Gang. Tampoco faltan las propuestas menos conocidas, algo que ha hecho del Sónar un referente internacional en lo que a electrónica se refiere. El festival se celebrará los días 17, 18 y 19 de junio y ya están a la venta las entradas en las redes habituales de distribución. Más información en www.sonar.es n

Continua el goteo de artistas confirmados para la próxima edición del FIB Heineken 2010, que se llevará a cabo en la localidad de Benicàssim durante los próximos días 15, 16, 17 y 18 de julio. Entre las principales novedades están los grupos británicos Klaxons, que presentarán sus nuevas canciones, y Leftfield, que vuelven a la actividad después de diez años sin actividad. Tampoco podemos olvidarnos de Vampire Weekend, que no hacen sino dotar de mayor atractivo a un cartel que ya contaba con artistas tan apetitosos como The Prodigy, Dizzee Rascal, The Specials, Cut Copy, Kasabian, PIL, Calvin Harris o Magnetic Man (supergrupo dubstep formado por Skream, Benga y Artwork). En todo caso, ya están a la venta los abonos para la próxima edición en una oferta por tiempo limitado que mantiene el precio del año pasado (170 Euros) así que deberías ampliar la información en www.fiberfib.com ■

Klaxons Foto Archivo

◗ Sr.Chinarro, Delorean y Joaquín Pascual (Surfin’ Bichos) son los primeros confirmados para la 4ª edición del Festival de la Sierra de Huelva JAMÓNPOP 2010, que se celebrará los días 2 y 3 de julio en Cortegana. Tras el éxito de la pasada edición, avalado por el reconocimiento del Premio Huelva Joven, este año vuelven con nuevas actividades, localizaciones y contenidos.

SFDK Foto Archivo

◗ El LAGARTO ROCK, el concurso de maquetas más prestigioso del Sur de España abre la convocatoria de su vigésimo cuarta edición. Tras la creación de una categoría única a concurso, introducida el pasado año, se ha dado más protagonismo a los tres grupos seleccionados para la final. Este año los grupos invitados a la gala final son SFDK y O’funk’illo. Consulta las bases de convocatoria en la página oficial del concurso: www.lagartofestival.org. ◗ CATPEOPLE acaban de lanzar una nueva edición de su segundo disco “What’s The Time Mr.Wolf?” (2008) que contiene el bonus cd “Reel & Wolf”, un EP que incluye cuatro temas acústicos de sus dos álbumes disponibles en el mercado. ◗ El grupo de rock ESTIRPE celebran sus quince años sobre los escenarios con una propuesta muy especial: invitando a los fans a grabar un videoclip para su conocido tema “Encender Un Ángel”. Los granadinos además ofrecerán un concierto el sábado 13 de marzo en su ciudad natal, en la sala Metrópolis, para conmemorar los quince años que han pasado desde su debut en 1995. ◗ El Espacio Sonoro del centro Párraga de Murcia desdibuja los límites de la música y la dramaturgia con su III FESTIVAL AUDIO BOX, que se celebrará del 20 de Marzo al 3 de Abril. Tres fines de semana en los que poder disfrutar de espectáculos experimentales donde lo escénico se contamina de lo musical y viceversa. Olafur Arnalds, Fátima Miranda y Llorenç Barber y Regina Fiz, son algunos de los grupos invitados. ■


David Tattersall Foto Archivo

NOTICIAS /8/ Marzo 2010 · MondoSonoro

The Right Ons Foto Colectivo Anguila

Novena edición del Black Music Festival Nueva temporada (y van nueve) para el Black Music Festival, un evento que se dedica en cuerpo y alma a todos los estilos musicales relacionados o derivados de lo que, por lo general, suele conocerse como música negra (y que iría, a grandes rasgos, desde el blues o el funk hasta el rap, el soul, el ska o el reggae). El festival, que cuenta con el patrocinio de Estrella Damm, ha presentado la totalidad de su cartel, que tendrá entre sus platos más apetecibles las actuaciones de US3, The Steepwater Band (con Marc Ford, ex guitarrista de The Black Crowes), Juan Perro, The Brew, Skatalà, The Right Ons, Candelaria, La Banda del Yuyu, Mother Groove, TM Stevens & Cindy Blackman, The Pepper Pots, Asstrio, At-Versaris y algunos otros, confirmando que la música negra ha influido a artistas de todo el mundo. Las fechas de celebración del Black Music Festival se extenderán durante prácticamente todo el mes de marzo, desde el día 5 hasta el 26, y los conciertos se llevarán a cabo en salas de diversas poblaciones gerundenses como Salt, Banyoles o la propia ciudad de Girona. También incluirá actividades paralelas como pase de películas y documentales, exposiciones fotográficas y algunas conferencias. Visita la web oficial (www.blackmusicfestival.com/2010) para confirmar precios, horarios y escenarios. n

David Tattersall publica su debut en solitario El líder de The Wave Pictures publica “Happy For A While” (WIAIWYA, 2010), su primera aventura sin sus inseparables Jonny y Franic. Grabado en Berlín con Stanley Brinks y Freschard nos muestra al Tattersall más melancólico y honesto. Todavía más.

"

Componer muchas canciones forma parte de lo que hago", dice David Tattersal. También dice: "Si fuera por mí, publicaría un disco cada mes". Así funciona la cabecita, y el corazón, de este muchacho inglés cuya condena es estar lleno de canciones, las que han convertido a The Wave Pictures en uno de los grupos más queridos del momento y las que ahora se reúnen en su primer trabajo en solitario, "Happy For A While". "Es un título triste, sí, porque hablar de ser feliz durante un rato supone que la felicidad no es algo que se vaya a quedar o incluso

que es algo que ya se ha ido". A él, pero, le hace feliz componer canciones, grabarlas y publicarlas, sacárselas de encima. "Publicar un disco con The Wave Pictures es un proceso lento. No creo que la gente sea consciente del tiempo que transcurre entre que alguien compone una canción y esa canción llega a tus manos en forma de disco. Quería hacer algo fuera de la agenda del grupo. Además, me apetecía grabar con Stanley y Freschard". Por eso metió sus bonitas canciones en un sobre y se lo envió a la pareja a Berlín, donde viven y donde se

grabó el álbum. "No haberlo grabado con Jonny y Franic supone por fuerza que es algo más personal. Además, desde el principio tenía claro que probablemente estas canciones las escuche menos gente, así que me he sentido más libre". Tattersall y sus The Wave Pictures son una rareza en el mundo pop actual. Donde algunos se esfuerzan durante dos años para conseguir una colección de canciones consistente suficiente para rellenar un álbum, ellos producen con la alegría y determinación de unos huelguistas japoneses. De hecho, The Wave Pictures ya tienen dos nuevos trabajos en camino (uno de ellos se llamará "Susan Rode The Cyclone") y acaban de publicar una colección de versiones de Bruce Springsteen bajo el título "Play Some Pool". A este ritmo, ¿no teme quedarse seco? "No creo". ■ Joan Cabot

Se completa el cartel del murciano Estrella Levante SOS 4.8 Si el mes pasado ya quedó claro que el cartel del festival Estrella Levante SOS 4.8 superaba cualquier edición anterior, la suma de nuevos artistas al evento que se llevará a cabo en Murcia desde el 30 de abril al 1 de mayo no deja de añadir atractivos a tener muy en cuenta. A los ya confirmados Franz Ferdinand, Fatboy Slim, Orbital, Madness, Los Planetas, The Horrors, Delorean, La Bien Querida, Love Of Lesbian o Dorian se unen Crystal Castles, Carl Craig, Stacey Pullen, Monty Luke o The Leadings. En todo caso, la lista de nombres no tiene desperdicio y sepan además que todo ello se completará con diversas sesiones de Dj’s (Amable, Homeboy, Pin&Pon, etcétera). Os recordamos también que Tindersticks, Anni B. Sweet y La Bien Querida actuarán en el Auditorio MondoSonoro. Más información en: www.sos48.com ■

Nothink Foto Archivo

Festimad te abre las puertas Vuelve a la actividad el Festimad 2M, que este año extenderá su programación desde el 23 de abril hasta el 9 de mayo, y lo hace bajo el lema “Biodiversidad Musical”. Festimad volverá a recoger unas cien propuestas de distintos estilos musicales que surgirán de las cerca de mil que suelen recibirse. ¿Qué tienes que hacer para participar en Certamen Festi MADTASTE-Premios CEV? Pues participar visitando la web www.festimad.es. En total hay 8.000 euros en premios en metálico, repartidos en tres categorías musicales, que son Pop/Rock, Hip Hop/Soul y Raíces/Fusión. El plazo para presentarse al concurso concluye el próximo día 8 de marzo, así que deberás darte prisa si pretendes que tu grupo tenga la oportunidad de participar. Como novedad, hay un nuevo premio, Premio Factoría Joven Comunidad de Madrid, dirigido a bandas madrileñas formadas por miembros menores de treinta años (3.000 euros en premios, locales de ensayo gratis, participación en un recopilatorio, etcétera). ■

The Hidden Cameras Foto Archivo

Sevilla se mueve con South Pop Festival La edición de este año del South Pop Festival vuelve a tomar el Teatro de la Alameda, durante los días 26 y 27 de marzo, para desplegar los conciertos de artistas tan diversos como The Hidden Cameras, Stereo Total, Lacrosse, Zombie-Zombie, Sr. Chinarro, Los Punsetes, Klaus & Kinski, Exsonvaldes, François & The Atlas Mountains y Nitoniko. Justo antes del festival habrá fiestas de presentación en diversas salas de la localidad con las actuaciones y sesiones de artistas como Anntona, Nitoniko, Linda Mirada o Charades, además de un fin de fiesta el día 28 con Southern Arts Society. Más información en www.southpopfestival.com ■

Fatboy Slim Foto Archivo


MondoSonoro · Marzo 2010 /11/

MONDOFREAKO

Owl City Foto Archivo

Owl City

Viva la vida Adam Young es un jovencito cristiano que, en apenas unos meses, ha pasado del anonimato a convertirse en un habitual de las listas estadounidenses. Alcanzó el número uno con el single “Fireflies”, que ahora, siete meses más tarde, llega a España con la publicación de “Ocean Eyes”, su segundo largo.

S

i algo aprende uno de los americanos y de su forma de entender la vida es que (generalizando, con todo lo bueno y lo malo de eso) suelen ser más positivos, más infantiles a primera vista. En la tierra de las oportunidades, cualquier hijo de vecino parece alegrarse de que un tipo como Adam Young empezase componiendo canciones en el sótano de sus padres cuando trabajaba en un mohoso almacén de refrescos y ahora sea uno de los tipos más populares a lo largo de los cincuenta estados. Son millones los que comparten su cándido punto de vista sobre la vida, esa positividad religiosa que, sin radicalismos, añade luz a la vida y no sombras. Y claro, en España sorprende. Sorprende porque la envidia está a la orden del día. Cuando surge un fenómeno similar soltamos lagartos por la boca. Por eso, desde ahora, me gustan un poco más los americanos. Pero hablemos de Owl City, es decir, de Adam Young, un tipo que sigue sin creerse lo que le ha pasado. Tras el Ep “Of June” y el álbum “Maybe I’m Dreaming”, Young editó “Ocean Eyes”. Corría el mes de

julio de 2009. Unos meses más tarde el single “Fireflies” se convertía en número uno en Estados Unidos y Canadá. Ahora llega a nuestro país. “Fue algo totalmente inesperado. Nunca imaginé que mi música iba a conectar con la gente de una forma tan orgánica. Por eso me pilló totalmente desprevenido cuando el álbum empezó a tener éxito. Al principio empecé a hacer canciones solamente para mí, con mi única perspectiva como oyente. Quería escribir un disco que me gustara lo suficiente para dirigirme a la tienda y comprarlo con un dinero que cuesta ganar”, me contesta Young. Yo lo hice, compré hace meses su disco. Y me alegro, pese a que sea un placer culpable a la altura del primer trabajo de Keane. Pero no voy a engañarles. “Ocean Eyes” me gusta y algunas de sus canciones me alegran el día. Pop electrónico y comercial sin demasiados miramientos, un tanto por ciento de emo pop de ese que funciona en las listas y la sombra de The Postal Service vigilando desde muy cerca. “Considero la comparación muy interesante,

sobre todo porque nunca han sido una gran influencia para mí. Supongo que mucha gente ha pensado en eso porque ambos proyectos usan sintetizadores y cuentan con canciones optimistas y con ritmo. Más allá de eso, supongo que no puedo ver muchas más similaridades obvias”. De todos modos, es bien sabido que Adam Young no hubiera llegado hasta donde lo ha hecho sin el meteórico éxito del single “Fireflies”. “¡Sigo sin creer que ‘Fireflies’ haya conseguido lo que ha conseguido! Aunque un artista nunca pue-

concierto en un club de rock. Llevamos sección de cuerdas, percusiones, campanas… En cambio, en estudio, me gusta que se entienda la electrónica desde un punto de vista compositivo, tanto como se hace para una película o un documental sobre la naturaleza. Me gusta la idea de trabajar en capas y la viabilidad de sentarme frente a un ordenador durante días y días y trabajar en una pieza musical hasta que esté completamente acabada”. Le comento que quizás los americanos estén

"Nunca imaginé que 'Fireflies' podría llegar a impactar a tanta gente" de definir realmente su mejor trabajo. Eso siempre será algo que definan los demás. Nunca imaginé que ‘Fireflies’ podría llegar a impactar a tanta gente, pero sí te diré que estoy tremendamente agradecido por una respuesta tan increíble”. Ahora bien, en directo Owl City es un conjunto de cinco personas, dos chicos y tres chicas, todos ellos con una sonrisa perenne en la boca. “Las actuaciones de Owl City tienen un aire casi orquestal, con lo que diría que son más un concierto que un show, o eso creo. Me interesa ofrecer algo más refinado y con clase que el típico

mucho más influidos por la religión que los europeos, que algunos de los grupos estadounidenses con los que he disfrutado no esconden para nada su filiación católica. “Mi fe es la razón por la que hago lo que hago. Es el combustible que me conduce a crear y a imaginar. Pero no creo que eso sea algo más común en un grupo de gente que en otro”. En todo caso, uno siempre se alegra de que triunfen las buenas personas y no los envidiosos. ■ Joan S. Luna “Ocean Eyes” está publicado por Universal.


(MONDOFREAKO /12/ Marzo 2010 · MondoSonoro)

Midlake Foto Bil Zelman

Midlake

Un lugar en el mundo El grupo norteamericano Midlake entrega su nuevo disco, “The Courage Of The Others”, un lustro después de que comenzaran a llamar la atención del público europeo gracias a la experimentación con las texturas del pop, el folk y la psicodelia contenida en “Bamnan And Slivercork”, su debut para Bella Union.

E

l grupo liderado por Tim Smith comenzó a disfrutar de la popularidad más o menos masiva del público y de las bondades de la prensa independiente tras la edición de su segundo trabajo, “The Trials Of Van Occupanther” (Bella Union, 06). “Roscoe” era la canción que abría el disco, sumergiendo al oyente en una sobredosis de armonías y arreglos guiados por una voz profunda que se permitía a ratos demasiados artificios, despistando la atención de la notable base instrumental compositiva. El escenario ofrecía promesas de una vida mejor. La pieza que abre “The Courage Of The Others” nos sitúa enseguida en otro lugar. El nuevo largo de Midlake es mucho más sobrio y oscuro, la naturaleza ya no es un sitio en el que vivir sino más bien un santuario que proteger o en el que esconderse de la amenaza humana. La libertad de los individuos se muestra amenazada. Compositor y banda han seguido evolucionando; los que busquen la emotividad todavía sobredosificada de “The Trials Of Van Occupanther” tendrán que acercarse a can-

ciones como “Acts Of Man” para encontrarla. El folk-rock luminoso sólo aparece en “Fortune”. El baterista McKenzie Smith intenta aclararnos vía telefónica el origen de esa alegría. “Es la única canción que se desmarca del tono general del disco. Fue la última que hicimos, Tim se sentía realmente contento al terminarlo, y supongo que ese sentimiento le inspiró a la hora de componerla”. Las entrevistas telefónicas son como una ruleta rusa. Yo había elaborado un cuestionario para el compositor y letrista del grupo, y la voz que me contestaba dejaba claro que no podría facilitarme las respuestas. Así que tuve que renunciar a desarrollar algunos de mis temas preferidos con el escritor de “Ruler’s, Rulling All Things”. Nos centramos en las experiencias de la banda. Midlake estuvieron dos años enteros girando exitosamente por medio planeta con su anterior trabajo, para meterse casi inmediatamente a grabar este disco. Es fácil imaginar que el cansancio y la presión pudieran influir en el estudio. “Tardamos exactamente dos años en gra-

barlo desde que entramos en el estudio. El primero lo pasamos tocando y ensayando, mejorando como banda y como músicos. ‘Acts Of Man’ fue la primera canción que compusimos y la que decidió cómo sería el nuevo disco. A partir de ahí necesitamos otro año. Estábamos realmente exhaustos y teníamos una mezcla de sentimientos entre el cansancio y la necesidad de cambio. Sentíamos la presión que generaba ‘The Trials Of…’, pero estaba muy en el fondo. Y la verdad es que simplemente

ante más de dos mil personas, fue otra experiencia increíble. Hace algunas semanas nuestro disco llegó al décimo puesto de las listas nacionales inglesas sin apenas promoción, eso es algo muy grande para nosotros”. Investigando en la red, encontramos algunos videos del grupo presentando su nuevo trabajo. Sobre el escenario del Wilton’s Music Hall de Londres descubrimos siete músicos. Dos guitarristas se suman al grupo para hacer crecer las nuevas canciones, haciéndolas más fieles al sonido generado en el estudio. “El

"Estábamos realmente exhaustos y teníamos una mezcla de sentimientos" seguimos nuestros instintos y lo que sentíamos que teníamos que hacer”. Me intereso por las experiencias personales que pudieron condicionar ese proceso, pero no parece que mi interlocutor pueda encontrar algo especialmente relevante. Siguen impresionados por la gira que compartieron hace unos años con The Flaming Lips. “Hemos vivido muchas experiencias, buenas, malas… Supongo que nos han influido los últimos doce años. Es una pregunta realmente difícil. La gira con The Flaming Lips fue algo increíble. El primer sold out que hicimos en Londres,

nuevo directo de Midlake suena mucho más rockero. Sí, llevamos más guitarras sobre el escenario y el sonido será incluso más épico que en el disco. Creo que el público se va a sorprender gratamente porque esperan un concierto tranquilo y realmente van a ver un concierto de rock”. Por el momento el grupo tejano no ha anunciado fechas en la península, pero estarán girando por parte de Europa. ■ Mertxe V. Valero “The Courage Of The Others” está publicado por Bella Union/Nuevos Medios.


(MondoSonoro · Marzo 2010 /13/ MONDOFREAKO)

!!!

wala wala!!!

"Me veo en el futuro con un búnker privado desde el que emito señales. Ésa es la felicidad plena para mí" Najwa Nimri en el País Semanal

“Mao Tse Tung vive y su nombre es Barack Hussein Obama” Ted Nugent, en Mojo

“¿Habéis visto ‘Spinal Tap’? Esa mierda es lo que te pasa básicamente cada día” Jerry Cantrell de Alice In Chains, en Clash

Delphic

Electrónica para las masas Examinados con lupa desde hace unos meses, los de Manchester están predestinados a ser la banda indietrónica del año. Ajenos al hype que les rodea, el grupo simplemente pretende tirar adelante su propuesta aun sabiendo que “Acolyte” es fruto de una larga lista de referentes.

S “No quiero estar en MTV. No quiero tener que estar en un anuncio de cerveza. Esa mierda es pastelosa” Yeasayer, en NME

“Tino Casal hacía el tipo música que hacía, pero era mayor que nosotros y tenía una cultura de rock tremenda. Todo lo que él sabía nos vino de maravilla. Y como persona era excepcional” Obús, en Efe Eme

“El problema de girar con Muse es que todos sus fans son realmente feos” The Big Pink, en NME

i uno nace en Manchester y decide montar una banda, cualquier lumbrera que se precie le tachará de ser una vil copia de Sumner, Hook y compañía. Ese es precisamente el mayor error de todos aquellos que se empeñan (inclusive un servidor) en hallar parecidos razonables, pero lo de Delphic realmente tanto mama de coetáneos como Klaxons, Friendly Fires o incluso de los propios Orbital, si tiramos de la manta a base de bien. Desde Suecia y sufriendo en sus carnes la gélida flagelación, Richard Boardman, multiinstrumentista electrónico del cuarteto, nos habla acerca de la gestación de su debut, “Acolyte”, y la envidiable repercusión mediática que están padeciendo. Pero ante todo, y para romper el hielo, una pregunta obligada: ¿cómo definirías el sonido de Delphic? “Siempre me gusta decir que somos un grupo electrónico con alma que combina melancolía y euforia sin dejar en ningún momento de lado los sonidos orgánicos”. Se puede decir más alto pero no más claro, aunque temas como “Doubt” o “Red Lights” hablan por sí solos. Con la escena de la ciudad en estado latente, este grupo de veinteañeros decidieron volver a poner en el mapa los ecos que antaño ocupó The Hacienda, aunque los orígenes de su sonido tenemos que buscarlos en su anterior (a la par que amateur) aventura musical, Snowfight In The City Centre. “Hace unos años no estábamos concienciados como banda. Se trataba de un simple hobby y no nos tomábamos seriamente ya que nuestro sonido no estaba del todo definido. Con Delphic todo ha cambiado, nuestra actitud ha variado radicalmente y creemos en lo que hacemos”,

comenta Richard, quien no se deja obnubilar ni por el tercer puesto que consiguieron en el BBC Sound Of 2010 ni por la estratosférica atención mediática que la prensa británica les ha brindado desde que R&S publicara su primer single, “Counterpoint”, y la discográfica Kitsuné les incluyera en uno de sus apetitosos recopilatorios. “En Inglaterra los hypes son lo más normal del mundo. Digan lo que digan de nosotros, básicamente lo que pretendemos es crear la música que nos hace sentir bien. La presión acerca de cuánta gente acude a

Delphic Foto Archivo

“La extraña contradicción con Joy Division es que era divertidísimo estar en esa banda” Bernard Sumner de New Order, en Uncut

aura emotiva a la vez que envolvente que llegue directamente al público”. Para conseguir tal objetivo, y como si de un brainstorming con tintes de reality se tratara, estos jóvenes decidieron encerrarse en un edificio para maquinar a jornada completa lo que supondría su debut. Pero no fue hasta que viajaron a Berlín de la mano de uno de los gurús del clubbing interplanetario, Ewan Pearson, cuando dieron definitivamente con su camino. “Traíamos el trabajo hecho de casa. A la hora de grabar el álbum nos centramos en la instrumentación orgánica más que en los arreglos electrónicos. Ewan hizo que las canciones sonaran más consistentes y aún mejor, con vida propia, y lo cierto es que no podemos estar más satisfechos con el resultado obtenido”. Después de pasearse el pasado verano por los principales festivales con flema británica y telonear a Kasabian, The Streets o los propios

"En Inglaterra los hypes son lo más normal del mundo" tu directo o cuántos discos vendes no nos obsesiona lo más mínimo. En Manchester la gente se muestra realmente desesperada por ser artista y ganar el máximo de dinero posible, pero nosotros nos sentimos los más privilegiados del mundo al hacer lo que siempre hemos querido”. Absolutamente todo el mundo se empeña en recalcar que sois unos nuevo New Order, pero oyendo el álbum pienso que sonáis a la combinación de muchas cosas. “Estoy totalmente de acuerdo con ello. Dicha comparación resulta de lo más normal al ser de la misma ciudad y combinar la electrónica con marcadas líneas de guitarras, pero igual que New Order nos han influenciado Radiohead o Bowie, por citar sólo algunos ejemplos. Nuestra misión es hacer que las canciones tengan una

Orbital, su particular invasión europeísta no ha hecho más que empezar. ¿Pero qué podemos esperar de su directo? “Nos encanta salir de noche y desde un principio tuvimos claro que nuestros shows tenían que ser lo más parecido posible a una sesión. Los temas se enlazan para no dar respiro a la audiencia y sin necesidad alguna de abusar de samplers y pregrabados, dando el mismo protagonismo a las guitarras que a los sintetizadores”. Queramos o no, oiremos su nombre hasta en la sopa durante este 2010. Así que lo único que podemos hacer es calzarnos como es debido para que el fenómeno Delphic no nos coja desprevenidos. ■ Sergio del Amo "Acolyte" está publicado por coop/nuevos medios


(MONDOFREAKO /14/ Marzo 2010 · MondoSonoro)

The Drums Foto Archivo

The Drums

El bello verano Desde Brooklyn, aunque el grupo nació en Florida, llega el penúltimo descubrimiento de la escena neoyorquina, The Drums. Cuatro chavales que con sólo los siete temas de “Summertime!” ya han provocado un revuelo considerable, con canciones de aires nueva oleros, matices clásicos y melodías soleadas, aunque también advierten que no todo es tan veraniego como parece.

L

a historia es más o menos conocida: dos amigos que se conocen en un campamento de verano y tiempo después se reencuentran, un grupo que afronta sus primeros pasos da con la tecla correcta en unas cuantas canciones, derrocha frescura y desparpajo, su nombre empieza a circular por blogs y páginas de Internet y cuentan con el apoyo de Kitsuné que les incluye en uno de sus populares recopilatorios, los chavales en cuestión se establecen en Nueva York y, de la noche a la mañana, se convierten en la penúltima sensación del pop que llega del otro lado del Atlántico, todo ello aderezado con las comparaciones de turno. Y aunque el relato no difiera demasiado al de tantos otros, he aquí que con The Drums hay razones para pensar que van a ir más allá del hype. “Todo ha pasado muy rápido, es verdad. Hace poco más de un año estábamos en Florida y no nos podíamos imaginar que la bola crecería tanto. Teníamos

ASI COMO SUENA

algunas canciones, que unos meses después fueron bastantes más, unas treinta, y entonces decidimos movernos a Nueva York. Sería estúpido decir que no estamos contentos y entusiasmados, pero a veces también hemos sentido algo parecido al vértigo, aunque ahora en realidad estamos demasiado ocupados: no tenemos mucho tiempo para pensar en ello”. Quien contesta es Jonathan Pierce (voz), fundador de la banda junto a Jacob Graham (bajo) -luego se sumarían Adam Kessler (guitarra) y Connor Hanwick (batería)-. Él mismo explica que dieron su primer concierto en mayo del pasado año, iniciando una nueva etapa en una trayectoria que se mueve a toda velocidad, con una popularidad en constante progresión, hasta publicar “Summertime!”, que sirve como excelente carta de presentación, alcanzando un resultado final que por momentos parece un cruce imposible entre los grupos de Sarah y los de Factory Records.

Kike Pierrot (PAL)

sensación de alegría y el espíritu de cambio que se percibía en Estados Unidos. No somos para nada una banda política, sino que se trataba de reflejar un momento, y al hacerlo, de alguna forma, surgió esa conexión de ideas”. La reválida se presentará con su debut en largo, que ya está prácticamente preparado y para el que Jonathan Pierce advierte que no todo será tan luminoso como en este EP. “El disco en realidad está acabado, a falta de las mezclas y algún detalle.

"No queremos que la gente nos identifique sólo como un grupo de palmas y silbidos" fing”, que además se ha convertido en el primer gran hit de la banda, amparándose en un sonido que remite a los años cincuenta y sesenta, a medio camino entre Buddy Holly y The Beach Boys, y sobre todo con la paradoja de que ninguno de los integrantes de The Drums ha practicado surf más allá de su imaginación. “Ahora nos resulta divertido, pero en su momento tuvimos muchas dudas, porque no sabíamos si meter o no la palabra surf, no sabíamos si conectaría con la gente. En realidad es un tema que habla de la llegada de Barack Obama a la Casa Blanca, de toda la

No queremos que la gente nos identifique sólo como un grupo de palmas y silbidos, así que este disco será más personal, puede que un poco más oscuro e incluso más serio e introspectivo, mostrando distintas caras de nosotros mismos". La próxima cita para comprobarlo -al margen de su presencia en el Primavera Sound- llegará en abril, cuando se publicará el primer single (“Best Friend”) de su largo. ■ Enrique Peñas “Summertime” está publicado por Wichita/ Nuevos Medios.

nen en estudio como quieres? Hasta el momento creo que tengo el mejor instrumento de mi vida. Tiene la respuesta que le pido a una batería. Últimamente estoy interesado en experimentar con elementos electrónicos combinados con el resto de la batería.

Cada vez he ido aprendiendo naturalmente más de la música y de los instrumentos. Con el tiempo buscas un instrumento que se adapte a tu forma de expresarte hasta que lo encuentras y consigues el dinero necesario para tenerlo. Ahora lo he encontrado y he vuelto a aprender a tocar.

◗ ¿Cuál es tu equipo? Cuerpo de batería Ludwig año 19641965 Redsparkle. Caja Slingerland 1964 Modelo Gene Krupa. Platos Paiste de diversas series (Alpha, 2002…) de 14, 16, 18 y 22 pulgadas y China de 20. Segundo timbal Premier de 15 pulgadas. Maracas, shaker, panderetas, etcétera.

◗ ¿Qué diferencias existen entre tu equipo de directo y el que usas normalmente en estudio? Utilizo para el directo otra caja, marca Mapex (14/ 6,5), por su robustez. Mi dinámica y mi potencia de golpe en directo se multiplican y no quiero romper la Slingerland… pero siempre que puedo y tocando en sala cubierta utilizo la Slingerland, y es cuando salen a la luz sus matices.

◗ ¿Compras material de segunda mano? La batería que uso tiene casi cuarenta y cinco años. Es probable que sea de cuarta mano. Hay cosas que solamente se hicieron de una manera determinada, en un momento determinado y solo puedes conseguirlas recomprándolas.

◗ ¿Tienes todo el equipo necesario para conseguir que tus ideas sue-

◗ Desde que empezaste, ¿qué ha cambiado en tu equipo?

Ejercer de batería en un grupo tan complejo como PAL no deber ser tarea fácil. Eso sí, Kike Pierrot no se anda con chiquitas y extrae el máximo rendimiento a una batería con auténticas piezas de calidad.

Kike Pierrot Foto Archivo

“Algunas de las canciones que escribimos en Florida tenían en común cierto espíritu veraniego, así que decidimos reunirlas en este disco. Supongo que el hecho de estar allí, al lado de la playa y en unos días tan calurosos, ha tenido mucho que ver en ese sonido, porque en realidad hay temas que no son tan alegres como podría parecer, sino que hay incluso una cierta tristeza, pero, sin embargo, la sensación es de buen rollo”. El mejor ejemplo es “Let’s Go Sur-

◗ ¿Usas material vintage? ¿Cuándo y dónde lo adquiriste? Sí, desde hace unos tres años. La batería se la compré a Joebass, un amante

y un artista de los instrumentos. Restaura y fabrica "máquinas" increíbles, así es como el llama a los instrumentos. Si hubiera una guerra de las galaxias musical, él sería un jedi de los luthiers. ◗ Nos gustaría saber qué tres discos usarías como referencia por su sonido. Hay muchos: “XTRMNTR” de Primal Scream, cualquier disco de Can y “London Calling” de The Clash. ◗ ¿Qué importancia crees que tienen los productores? Si consigues conectar con alguien que entiende lo que quieres y que se emocione con tu música, tienes el sesenta por ciento del sonido del disco. El cuarenta restante reside en que sepa cómo sacar lo mejor del grupo en un estudio. ■


(MondoSonoro · Marzo 2010 /15/ MONDOFREAKO)

confidencial NO

Maga

Pronóstico despejado Conocido en solitario como Antonia, Manuel Sánchez es también el responsable de la cara más descerebrada de Los Punsetes. Para ver qué tal se defiende, le obligamos a contestar nuestro cuestionario más desalmado. ¿Cuál es la canción que más veces has fusilado en tu vida? "El baile del gorila". Soy una rumbera. Cuando vas de gira con Los Punsetes, ¿practicas el sexo con los restantes miembros de la banda? Sí, cada noche. Con cuidado para que no se despierten. ¿A quién crees que se refiere Gonzalo cuando dice que no soporta a los “Joaquín Sabina del indie”? No sé. Te aseguro que la mayoría de las veces no le entiendo cuando habla. ¿Qué es lo peor que se ha dicho del disco de Anntona? Hay gente que ha llegado a decir que le gusta y eso es intolerable. Un respeto para los artistas, por favor. ¿Por qué los personajes que interpretas en tus apariciones en “Muchachada Nui” nunca dicen ni “mu”? Sin duda se debe al buen criterio de los autores del programa. Por cierto cuando te paran por la calle (si es que alguna vez te paran por la calle…) ¿lo hacen porque te reconocen en tu faceta de músico o por tus apariciones en “Muchachada”? Si me paran por la calle me asusto un montón y corro, no ando preguntando. ¿Qué es lo que les prometes a las cantantes indies (Ana Bien Querida, Cristina Clovis, Ariadna Punsetes,…) para que se presten a colaborar contigo y cantar tus canciones? Tres comidas calientes y un jergón, y si se portan bien las saco a pasear diez minutos por el jardín. ¿Es cierto que eres la excepción que confirma la regla de que los músicos ligan mucho cuando salen de gira? ¿Hay algún miembro de Los Punsetes que ligue aún menos que tú? Yo es que soy más de pajote. Con los otros cuatro no hablo de temas personales. ¿Es cierto que tanto Los Punsetes como Anntona habéis regalado vuestros discos porque nadie iba a pagar un duro por ellos? Sí, así es. Por eso regaláis vosotros la revista, ¿no? Los Punsetes lleváis dos discos haciendo exactamente la misma canción todo el tiempo. ¿Pensáis seguir haciéndolo por los próximos diez años o podemos esperar que en algún momento vayáis a hacer algo diferente? En realidad tenemos de dos tipos: la del “tuca-tuca” y la del “tru-tru-tru”. Creo que nos mantendremos en esta dicotomía hasta que uno de los cinco asesine al resto y salgamos en “Sucedió en Madrid”. Te declaras fan de Faemino y Cansado y trabajas mano a mano con los “Muchachada Nui”. ¿Qué les tienes que decir a los que os acusan de ser un grupo de chiste? Bueno, si el chiste les parece gracioso nos reiremos todos juntos y seguro que una cosa lleva a la otra y acabamos untados en paprika. ■

Maga Foto Jopo

Manuel Sánchez Foto Anntona

◗◗

Manuel Sánchez (Anntona)

Los sevillanos salen a cielo abierto para firmar un cuarto trabajo que emite constantes destellos de vitalidad. Grabado en familia, para captar esa energía que produce la complicidad alcanzada en estos años, “A la hora del sol” ilumina la carrera de Maga con diez canciones de esas que exorcizan el alma.

A la hora del sol” transmite una energía especial fruto de la unión de sus protagonistas. Una producción conducida por Jordi Gil y el cuarto Maga, Fabián Romero, que ha tratado de recoger el aire que circula entre el micro y el altavoz, entre músico y músico. Ya son cuatro discos, y sólo basta una mirada entre ellos, para corroborar que los sentimientos expresados en esta grabación son compartidos. “El propio disfrute que sentíamos al manejar el repertorio del disco hizo que la comunicación entre nosotros fuera prácticamente telepática. Hacía mucho que no experimentaba esta química en el estudio”. Y no sólo entre Miguel, sino también entre compañeros de viaje como Germán Coppini, Manolo Solo o César Díaz y que figuran entre la nómina de participantes en un álbum que, por otro lado, viene a inaugurar una nueva etapa para la banda. Y esto se nota en un disco que fluye directo y sincero, grabado, cocido a fuego lento. Nada está forzado, puesto que había que captar ese órdago vitalista que planea en canciones como “Sí, pero yo no” o “Hasta despertar”. “En el pasado habíamos hecho discos con producciones muy elaboradas, con arreglos electrónicos y ambientes complejos. Este disco refleja nuestra tendencia de ir más hacia la sencillez, hacia el sonido crudo del grupo en vivo”. Un sonido natural para un disco cuya metafísica coquetea de nuevo con ese tratamiento místico de la naturaleza y sus elementos: el aire, del sol y por su-

puesto del mar. Ese “Último mar” que vuelve a unir a Maga con sus homólogos en la otra orilla del Atlántico, como ya lo hicieron en el anterior trabajo con los colombianos Aterciopelados. “La naturaleza, los elementos, siempre han estado muy presentes en mis letras y tienen mucha carga simbólica para mí. Es algo que está grabado a fuego desde la infancia y me acompañará toda la vida. La letra de ‘Último mar’ es una adaptación de un poema de María Eugenia Vaz Fe-

mos sobre él y nos hacemos más fuertes”. Y así es, en “Hoy” consiguen con una base electroacústica elevarse por encima de sus cabezas para resucitar ese sentimiento seminal, para renacer, para alimentarse de la adversidad y ser sentenciosos cuando se le pregunta si a estas alturas se arrepienten de alguna decisión tomada en su carrera. “No, de todo se aprende. Y lo que no te mata te hace más duro”. Sin duda pasan por un buen momento emocional y tenía que quedar registrado. “Queríamos que el resultado fuera lo más fiel posible a ese espíritu de trabajo diario y vocacional”. En este estado de ánimo debe haber influido también su fichaje por el sello Mushroom Pillow, una de las major de la escena independiente y por tanto un empuje a su carrera justo en el momento en el que han decidido echar

"La naturaleza, los elementos, siempre han estado muy presentes en mis letras" rreira, una poetisa uruguaya. De una manera u otra, siempre ha habido una conexión con la literatura hispanoamericana en nuestros discos, y supongo que esto realimenta ese vínculo”. Su búsqueda de un lenguaje clarividente y exultante, por supuesto sin abandonar ese agridulce “mundomaga” creado por Miguel Rivera, les impulsa a firmar estribillos de energía aplastante como en “Silencio”, o secuencias rítmicas emergentes como la que da entrada a la ya mencionada “Sí, pero yo no”. “Teníamos la necesidad de trasmitir esta vitalidad renovada y de expresarla con unas formas más inmediatas, con un lenguaje más cotidiano. Luz, mucha, pero también desencanto, aunque esta vez, más que girar a su alrededor, aprendemos de él, ironiza-

toda la carne en el asador. Y es que como dice el tema “La balsa”: “si soy más fuerte que ayer hoy no prometo disimularlo... mientras siga vivo no podréis conmigo...”, no sólo en la fuerza de sus estribillos se forja el empuje de las nuevas canciones de Maga sino en la propia mentalidad de sus autores. “Estamos muy contentos de poder volver a dedicar nuestras energías solamente a hacer canciones y tocarlas para la gente”. Está claro, el trío de Sevilla vuelve a soñar con su música y “Hasta despertar”, corte con el que cierran el álbum, han sincronizado sus propios relojes para iniciar una nueva cuenta atrás. ■ Arturo García “A la hora del sol” está publicado por Mushroom Pillow.


(MONDOFREAKO /16/ Marzo 2010 · MondoSonoro)

10

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DISCO

Clem Snide llevan más de diez años de gira, lo cual no impide que nos visiten este mes (Madrid -17-, Durango -18- y Barcelona -19-: gira Heineken Music Selector). Eef Barzelay, nos descubre diez discos sin los que su vida no hubiera sido lo mismo. Neil Young “Tonight’s The Night” (1975) Comieron marihuana frita en miel y estuvieron despiertos durante días para darle forma a este disco en un estudio sin ventanas. Neil lo describió como un experimento de audio verité y así suena exactamente. Crudo, áspero y muy real.

The Soft Pack Foto Archivo

The Soft Pack

¡Albricias! El primer álbum de The Soft Pack como The Soft Pack es un compendio pluscuamperfecto del mejor rock’n’roll tocado con nuevo nervio. Con unas referencias impecables y unas canciones con vocación de himno, los de San Diego entregan uno de los discos del año.

P

ongamos por caso que nos vamos de juerga a Tijuana. Lo tenemos a mano, porque somos de San Diego. Durante una noche loca de borrachera decidimos montar un grupo. Sólo uno de nosotros sabe tocar realmente, pero eso es lo de menos. Tenemos lo más importante: una colección de viejos vinilos compuesta casi exclusivamente por los discos que de verdad importan, a saber, los de The Velvet Underground, The Stooges, MC5, The Feelies, The Sonics, Television, Modern Lovers, Spacemen 3... Con esas referencias no necesitas saber cuántas cuerdas tiene una guitarra, colega. Con esos discos en casa nada puede salir mal. Esa es, más o menos, la historia de The Soft Pack, antes llamados The Muslims. Bueno, lo de Tijuana es inventado, pero queda bien. Y sí, The Muslims era un nombre mucho mejor, pero en Estados Unidos no todo el mundo está dispuesto a tomarse las cosas con deportividad cuando se tocan ciertos temas. Tras peregrinar por varios sellos subterráneos (1928 Recordings, I Hate Rock’n’Roll, Sweet Tooth...) The Soft Pack publican ahora un disco homónimo auspiciado por Heavenly/Cooperative Music destinado a reafirmar nuestra por otro lado inamovible fe en el rock’n’roll y convertirse en uno de nuestros preferidos de este año. “La verdad es que crecimos escuchando a Rocket From The Crypt”, cuenta Matt Lamkin, cantante del grupo que completan Matty McLoughlin (guitarra), David Lantzman (bajo) y Brian Hill (batería). De todos ellos, sólo este último había tocado antes en algún grupo, en concreto en los geniales The Plot

To Blow Up The Eiffel Tower. El resto fueron aprendiendo sobre la marcha, aunque no tuvieron que esperar demasiado para convertir a su grupo en una de las bandas más interesantes de la escena de San Diego, que según Lamkin siempre ha esgrimido cierto orgullo frente al poder fagocitador de Los Angeles. “Los grupos de San Diego suelen quedarse en San Diego. Siempre ha habido allí una escena muy activa e incestuosa, en la que muchos músicos tocan en diferentes bandas y diferentes bandas comparten miembros. Nosotros nos hemos mudado a Los Angeles, pero

vincente despliegue de genio crudo e incendiario repleto de himnos. Esa vocación sigue siendo algo evidente en su segundo largo, ahora con un sonido más elaborado aunque igualmente simple. “En realidad, era nuestra segunda vez en un estudio, pero influye el hecho de que tocamos mejor. Para nosotros es una continuación de lo que hicimos en el primer disco”. “The Soft Pack” es de esa clase de discos que te van a tener horas y horas preguntándote qué los hace tan especiales: discos en los que no hay nada ni remotamente novedoso, nada innovador, signifique lo que signifique para ti eso, pero que parecen estar propulsados por el nervio instigador que sí alimentó a los artistas que han sido su fuente de inspiración. Eso es porque The Soft Pack conocen el pasado pero a la vez actúan como si el pasado no existiera y acabaran de inventar la rueda. Y eso mola. “Queremos hacer las cosas a nuestra manera”,

"La verdad es que crecimos escuchando a Rocket From The Crypt" nuestra decisión no ha tenido mucho que ver con la música. Unos cuantos amigos de toda la vida nos hemos mudado aquí. Esa es la razón. Además, vivir en Los Angeles no supone tanta diferencia, porque está realmente cerca de San Diego”. “Desde el principio teníamos claro que queríamos tocar rock’n’roll simple. No había muchos grupos así en ese momento y era el tipo de música que nosotros escuchábamos. The Modern Lovers, Wire, Spacemen 3... Además, no sabíamos tocar nuestros instrumentos”. A pesar de esa falta de experiencia, o quizás precisamente gracias a ella, su primer disco, “The Muslims Ep”, se ha convertido en un álbum de culto, un con-

cuenta un lacónico Matt Lamkin segundos antes de que nuestra conversación telefónica se corte sin remedio. Una lástima, porque habría estado bien hablar con ellos sobre los diez conciertos que ofrecieron en un día alrededor de la ciudad de Los Angeles para celebrar la edición de su nuevo trabajo. De hecho, sus fans podían solicitar a través de su web un concierto a domicilio. También podríamos haber hablado de sus repetidas visitas a España incluso antes de tener una distribución en condiciones aquí, pero tendrá que ser en la próxima ocasión. ■ Joan Cabot “The Soft Pack” está publicado por Coop/Nuevos Medios.

Smog “Knock Knock” (1999) Una vez, mi mujer y yo nos quedamos toda una noche despiertos escuchando “Teenage Spaceship”. Fue una gran noche; hicimos el amor sin tocarnos. Black Sabbath “Paranoid” (1971) Este disco es la verdad, no es ninguna broma. Lo escucho como un peligro. El unicornio se ha comido todo el trigo de tu jardín del odio. Fela Kuti “Expensive Shit” (1975) Esta música deja fluir las cosas que tengo en mi interior y me lleva a querer bailar desnudo y mojado bajo el sol caliente. Este disco también es la verdad. La rabia es una energía. Little Wings “Light Green Leaves” (2008) Una vez, una cosa pequeña resbaló por el pañal de mi hijita. Pensé que era caca, pero resultó ser una mariquita. Este disco es como eso. Como la propia naturaleza. The Louvin Brothers “Satan Is Real” (1961) Quizás porque eran hermanos sus voces se combinaban de una forma muy dulce y muy natural. Música preciosa que os hará temer a Dios, ¡¡¡ateos cobardes!!! Neutral Milk Hotel “On Avery Island” (1996) Todo el mundo conoce su otro disco, pero considero que este es tan bueno, si no incluso mejor. Les vi actuando en Nueva York y sonaban como si su música surgiese de mi interior y no del escenario. Curioso. The Stooges “Raw Power” (1973) “I’m a street walking cheetah with a heart full of Napalm / I’m a runaway son of a nuclear a-bomb”. Esta es una de las mejores letras de rock’n’roll jamás gritadas. Este disco también es la verdad y ayudará a los hijos de Dios a ser libres algún día. Can “Ege Bamyasi” (1972) Muy trabajado, con precisión alemana. El sonido es muy bueno también; debe ser cosa de los micrófonos alemanes. Adoro también los chillidos japoneses. Randy Newman “Good Old Boys” (1989) Antes de todo el asunto de Disney, estaba este disco. Cada vez que escucho “Marie” se me rompe el corazón. ■

Eef Barzelay Foto Archivo

EEF BARZELAY (CLEM SNIDE)


(MondoSonoro · Marzo 2010 /17/ MONDOFREAKO)

Liars Foto Zen Sekizawa

Liars

Mentirosos compulsivos A comienzos de 2000 unos jóvenes de Los Ángeles se presentaban en sociedad con un disco que les situaba dentro del revival postpunk del momento y hacía sospechar una tan fulgurante como breve carrera. Recién finalizada la década, Liars aprovechan la inminencia de “Sisterworld”, su quinto disco, para explicarnos por qué lo suyo, definitivamente, es otra cosa.

Mucha gente ha intentado analizar nuestra evolución de un estilo de música más reconocible a otra más experimental y retorcida como si respondiese a algún tipo de plan preconcebido, pero en realidad todo ha sido bastante intuitivo. Con cada acercamiento a la música nos convertimos de nuevo en niños y nos dejamos llevar”. Angus Andrews, australiano de nacimiento y líder de Liars, se explaya con inhabitual buen humor acerca de la evolución vivida desde su primer álbum hasta hoy, durante una tarde excepcionalmente fría en un céntrico hotel de la capital. “Sisterworld” es su último trabajo, quizás el más arriesgado y ambicioso, donde continúan por la vía de la experimentación instrumental que comenzaron a partir de su segundo álbum y combinan la creación de atmósferas envolventes con momentos de ruidismo visceral, consiguiendo cortes de inquietante inspiración como la perturbadora “Scissor”. “Sisterworld” es un disco valiente con el que

han querido buscar más allá de sus influencias y referentes musicales habituales para dar salida a inquietudes más íntimas y crear un mundo más complejo, misterioso y, en ocasiones, aparentemente inaccesible. “Inventamos ‘Sisterworld’ con la idea de crear un lugar que va más allá de lo que suena en el álbum. Lo que escuchas es lo que te inspira para encontrar Sisterworld y Sisterworld podría ser un lugar físico pero también mental”. Un concepto complejo (aunque ellos renieguen de la idea de álbum conceptual) que engloba un trabajo que se presenta acompañado de un segundo compacto de remixes a cargo de gente como Thom Yorke (Radiohead), Tunde Adebimpe (TV On The Radio), Bradford Cox (Deerhunter), Melvins, Alan Vega (Suicide), Chris & Cosey (Throbbing Gristle) y Blonde Redhead. “Nos sentimos muy afortunados de que artistas como ellos hayan querido colaborar. Nosotros fuimos los encargados de escoger el corte con el que trabajaría cada uno de

ellos y quisimos darles total libertad creativa. Nos parece especialmente interesante lo que ha hecho Alan Vega”. “Sisterworld” destila ambición por los cuatro costados y, además, ha supuesto su regreso a Los Angeles tras un aislamiento auto impuesto en Berlín durante el que grabaron sus dos anteriores trabajos. “Nunca llegamos a aprender alemán porque no leíamos los periódicos, no veíamos la televisión; nuestra intención era mantenernos aislados en una especie de isla creativa”. Su regreso a la ciudad californiana

interesante explorar esa forma de vida en una ciudad en la que hay gente muy rica, pero también mucho crimen y entre estas dos áreas hay un espacio muy interesante de discusión. Nosotros somos felices allí porque es un lugar muy interesante donde muchas veces se tiene la sensación de vivir al borde del Apocalipsis”. Angus y los suyos han salido del aislamiento, se han reintegrado en la sociedad, han mirado a los ojos de la gente y su respuesta al caos de la vida moderna ha sido la creación de “Sisterworld”, un disco

"Sisterworld podría ser un lugar físico, pero también espiritual" ha supuesto un reencuentro con las multitudes. Un choque emocional en toda regla que les ha servido para plantear su álbum como una reflexión acerca de ciertos sistemas con los que nos enfrentamos a la pérdida de confianza en la sociedad. “En Los Angeles cohabita un número de personas rechazadas mayor que en cualquier otra ciudad del mundo porque es un lugar al que mucha gente llega buscando el éxito en Hollywood y sólo una pequeña parte lo consigue, así que se juntan un montón de personas buscando algo que hacer diferente a su vocación. Nos pareció

que ellos quisieran convertir en un mundo paralelo “misterioso, bonito e inquietante. En Estados Unidos es muy importante sonreír todo el tiempo y aparentar que todo va de maravilla. Así es como la gente te juzga. Muchas veces lo único que queremos transmitir con nuestra música es que, cuando te sientas una mierda, digas ‘ok, está bien, no pasa nada, no todo es perfecto!”. ■ Cristina V. Miranda “Sisterworld” está publicado por Mute/Pias.


Dan Michaelson & The Coastguards Foto Matt Miller

(MONDOFREAKO /18/ Marzo 2010 · MondoSonoro)

Dan Michaelson & The Coastguards

Lágrimas saladas Notas como el agua de mar te llega hasta el cuello y te estás ahogando sin poder evitarlo. De repente, a lo lejos oyes una voz ronca y rota que te recuerda a algo que ya has escuchado antes. La voz milagrosa es de Dan Michaelson y viene acompañado por The Coastguards, una banda formada por músicos de The Rumble Strips, The Magic Numbers y Fields. “Saltwater” es su primer álbum y su música te acaba de salvar la vida.

I

magínense la barra de cualquier bar de cualquier carretera perdida. Tras ella, tomando sus respectivos whiskys, están Kurt Wagner (Lambchop), Bill Callahan (Smog), Howe Gelb (Giant Sand) y Richard Hawley. El barman es Leonard Cohen y, por la puerta, aparece un jovenzuelo londinense de treinta y tres años. Su nombre es Dan Michaelson y se propone entrar en el club de los poetas del country-folk oscuro. Este escenario tan idílico es una pista para entender de qué va la música de un artista que para su carta de presentación ha formado una banda con los vientos de The Rumble Strips, el batería de Fields y el guitarra y cantante de The Magic Numbers, entre otros. No obstante, él lo ve más como una reunión de amigos. “The Coastguards no es una superbanda, pero

▲Sube el Colegio Mayor Hernando Colón de la Universidad de Sevilla por acoger a los largo del mes de marzo y abril un ciclo de conferencias sobre la vida de Bob Dylan. El cilco contará con la presencia de ponentes como Nacho Vegas, Jesús Ordovás o el escritor Benjamín Prado.

sus miembros son músicos fantásticos por sí mismos. Les conocí a todos en giras hace varios años. Queríamos trabajar juntos y este álbum llegó en el el momento y el lugar adecuados”. Michaelson no es un novato en el mundo de la música y pese a llevar años con un grupo de indie-rock (Absentee), ahora ha decidido centrarse en su proyecto personal. A veces, reducir la velocidad es inversamente proporcional a aumentar la intensidad. “Con The Coastguards tengo más espacio pero un poco menos de volumen. Quería hacer un cambio e investigar musicalmente. Podríamos llamarlo country oscuro-soul-folk. Cuando te haces mayor, a veces, es mejor reducir un poco la velocidad”. Su álbum de debut, “Saltwater”, esconde su significado

▲Suben Manel por haber conseguido reunir a unas 400 personas en cada uno de sus conciertos británicos, con muchos haciendo "corrandes" en inglés.

entre las olas del mar y los recuerdos de la niñez. “El disco tiene dos interpretaciones: la primera, directamente conectada con la idea del guardacostas en el mar que espera a alguien a quien salvar. Y la segunda, con una frase que mi madre me decía cuando decía algo malo: ‘límpiate la boca con agua salada, joven’”. Una cosa es decir algo malo a alguien, y otra muy diferente es hablar de cosas malas con buenas palabras. Eso es algo que se nota en sus letras de amor, soledad

mi vida significa mucho dolor de corazón y mucho tiempo gastado mirando el suelo, esperando a que suceda algo, pero también es una mezcla de excitación, alivio y frustración”. Sus canciones son ideales para días grises y, a través de ellas, se percibe una enorme sensibilidad, pero parece ser que el londinense es un tipo duro. “No soy particularmente sensible ni emocional en mi día a día, pero tengo una vena romántica que intenta poner en orden mis pensamientos

"No soy particularmente sensible ni emocional en mi día a día, pero tengo una vena romántica" y desencanto. “Pienso que la mayoría de canciones surgen por algún tipo de decepción, o de un deseo de dramatizar aquello que es realmente tranquilo y simple en la vida cotidiana. Si me sintiera feliz y lleno, estaría demasiado ocupado para sentarme a escribir canciones”. La relación del músico con la música siempre es complicada, ya que es buena para aliviar los malos sentimientos, pero también puede ser una fuente de conflictos y de expectativas no resueltas. “La música en

▲Sube Pedro Vizcaíno por el premio a la trayectoria de su sello discográfico Grabaciones en el Mar y recogerlo como a Sergio Algora le hubiera gustado.

y sientimientos, y así poder hacerlos tangibles”. Sea como sea, sus canciones tienen un fuerte componente anímico y si Michaelson no llega a las canciones, las canciones llegarán a él. “Las canciones suelen venir cuando a ellas les place. A ellas no les importa dónde esté, aunque cualquier sitio con un poco de paz es bueno para componer”. ■ Blai Marsé “Saltwater” está publicado por Coop/Nuevos Medios.

▲Sube MondoSonoro por haber alcanzado la cifra de 10.000 amigos en su Facebook. Ahora solamente falta que empecéis a enviarnos vuestros puntos de vista.

SUBEN ▲

tBaja una vez más Teddy Bautista que, según La Razón, está preparando su jubilación para el 2011 con un pago mensual de nada menos que 24.500 euros.

▲Sube Mazoni (Jaume Pla) por protagonizar un auténtico tour de force: 31 conciertos en 31 días, pasando por España, Holanda o Estados Unidos.

▼ bajan

tBaja TVE por descalificar a personajes como Carmele Marchante de la carrera de Eurovisión y luego ofrecernos el numerito de John Cobra. O todos o ninguno.

tBajan Giant Sand por su rácano concierto de homenaje a Johnny Cash en Palma de Mallorca que apenas llego a los cincuenta minutos de duración.

tBajan todos los indies que se alteraron en diversos foros al anunciarse que el San Miguel Primavera Sound iba a contar con Pet SHop Boys para esta edición.

tBajan todos aquellos que se dedican a decir "suenan a Vetusta Morla, ¿no?" cada vez que escuchan a un nuevo grupo cantando en castellano en tono épico.


MondoSonoro · Marzo 2010 /19/

MONDObeats

EN LA

SUPERCOLA DJ’S Tras el nombre de Supercola se esconden Gunsal H. Moreno y Pol Angrill Figueras, dos pinchadiscos que no solamente se han paseado por la flor y nata de salas y festivales estatales, sino que han extendido sus garras hasta Suecia, Suiza o Irlanda. ◗ ¿Por qué motivos empezasteis a pinchar? ¿Para ligar, para ser estrellas? Empezamos a pinchar con la intención de ofrecer algo que hasta entonces no se había explotado demasiado en España: la cirugía musical. En aquel momento, convertirse en una estrella quedaba y sigue quedando hoy bastante lejos. Ligar tampoco era la idea. De hecho, es uno de esos tópicos que no se suelen cumplir. ◗ ¿Qué disco nunca falla en una sesión de SuperCola Dj’s? Lo que nunca falla es disparar algún que otro loop o sample de Daft Punk. Siempre ayuda a levantar la pista. ◗ ¿Cuál de vuestros discos favoritos nunca ha sonado en una sesión? Han quedado en el tintero perlas como Rufus Wainwright, The National, Leonard Cohen o Iron & Wine. Aun así, el principal es “OK Computer” de Radiohead, que siendo una auténtica obra de arte nunca ha encajado en nuestro particular corta-y-pega. ◗ ¿Vinilo o CD? Mac. Podríamos decir que “somos Dj’s de segunda generación”. Desde que empezamos siempre hemos trabajado con Ableton Live y varios controladores MIDI, eso nos permitía ampliar enormemente el abanico de posibilidades en directo. La técnica del vinilo nunca se perderá y nosotros somos los primeros que disfrutamos con una buena sesión analógica, pero pensamos que cada vez habrá más presencia de hardware en las cabinas. ◗ ¿Tenéis algún problema a la hora de mezclar guitarras y electrónica en la misma sesión? Mezclar guitarras con electrónica es lo que hacemos. Cuando hablamos de cirugía musical, nos referimos al sampleo de todo tipo de sonidos o canciones, nuevas o antiguas, rockeras o funkies. Eso es SuperCola. Somos de la opinión que es difícil que el público pueda aguantar toda una sesión en un único registro. ◗ ¿Cuál ha sido la mejor sesión que habéis protagonizado hasta la fecha? ¿Por qué? Deberíamos responder que la última de todas porque con cada sesión que pasa aprendemos un poco más. La verdad es que solemos disfrutar siempre al máximo en la cabina pero sí que ha habido sesiones más especiales que otras. En el Montreux Jazz Festival compartimos cartel con ídolos nuestros y de nuestros padres. Eso no tiene precio. En estos últimos meses, la sesión más especial ha sido quizás en el Nitsa, por ser uno de nuestros clubes de referencia desde la infancia. ◗ ¿Cuáles son vuestros Dj’s actuales favoritos? A nivel internacional nuestras influencias vienen dadas por artistas como 2 Many Dj’s, Breakbot, Deadmau5, Girl Talk, A-Trak, Birdy Nam Nam o The Twelves. Aquí en casa nuestros favoritos son The Requesters, Bombjack, KiC, Ikki, Nighty Max, Chelis, Buffet Libre... ■

Hot Chip

Saliendo de la oscuridad Dispuestos a demostrar que lo recreativo no está reñido con lo valiente, los británicos Hot Chip llevan cuatro álbumes de dance pop contagioso y pegadizo en el que todavía resisten elementos de su pasado experimental. En “One Life Stand” ofrecen su versión más melancólica y naturalista. Un disco de canciones, más que de pistas, de principio a fin.

H

ot Chip es uno de esos extraños grupos capaces de conjugar la vocación experimental de su propuesta estética con el favor del público. Dependiendo de lo esforzado del escrutinio al que los sometas, podrás ver en ellos uno de los grupos de pop de baile más chispeantes de estos últimos años o unos dignos herederos de esa tradición que encabezaran Devo y Kraftwerk y que pretendía encontrar el punto en el que lo popular y lo arriesgado convivían en equilibrio. Subrayar esta doble naturaleza está todavía más justificado a la hora de hablar de “One Life Stand”, el cuarto trabajo del grupo londinense, el más introvertido y arriesgado de su carrera, que va a separar a sus seguidores entre nuevos detractores y fieles para los restos. “La mayoría de nuestras canciones surgen de la experimentación y la improvisación”, explica Al Doyle, miembro multiusos, además de colaborador de LCD Soundsystem. “Después de la gira anterior decidimos tomarnos un tiempo para dedicarnos a otros proyectos y afrontar este álbum sin presión. Queríamos tener un par de meses para trabajar en el estudio. Ha sido un proceso liberador en muchos aspectos. Nos preocupamos mucho de abordar las canciones de formas nuevas, intentar enfoques que no hubiéramos probado antes”. Esas nuevas perspectivas influyen a diferentes niveles en “One Life Stand”. Por un lado, Alexis Taylor ha escrito una homogénea y

personal colección de letras que abordan el desencanto y la tristeza saltándose el paso del derrotismo. Por el otro, nunca Hot Chip sonaron tan orgánicos y naturales. “Alexis siempre escribe desde una perspectiva muy personal, así que supongo que si las letras son tristes, tendría sus razones. En cualquier caso no creo que ‘One Life Stand’ sea un disco triste. Hay cierto contraste entre la composición y las le-

Hot Chip Foto Archivo

Supercola Dj's Foto Archivo

MALETA

de Joy Division que apareció en el recopilatorio “Heroes” (Emi, 09). “Ambos han participado en la percusión del álbum, que es realmente orgánica. Queríamos explorar más en ese sentido. Nunca hemos sido un grupo de música electrónica al uso, pero quizás sí que en este disco los instrumentos acústicos tienen un papel más importante”. Este nuevo trabajo también pone de relieve la importancia que las aportaciones de otros músicos han ido adquiriendo en la música de Hot Chip, algo que se ha traducido en trabajos tan jugosos como el EP en colaboración con Robert Wyatt que publicaron en 2008. “Fueron los mejores tres días de mi vida”, comenta Al de la experiencia. “Robert es un tipo formidable y un músico maravilloso. No sé si haremos algo de nuevo juntos en el

"La mayoría de nuestras canciones surgen de la experimentación y la improvisación" tras. Algunas canciones son realmente expansivas y rítmicas y algunas melodías son realmente soleadas. Yo lo llamaría ‘melancolía de buen rollo’, o algo por el estilo”. Se trata, en todo caso, de jugar con lo inesperado. “Nos gusta acumular material, probar todo tipo de cosas en el estudio”, continúa Doyle. “Por ejemplo, en este disco Owen (Clarke), que no es un músico de formación, se ha dedicado a jugar con algunos sintetizadores. A veces, cuando no sabes realmente cómo se toca un instrumento descubres cosas inesperadas. Yo en cambio siempre tengo presentes las reglas. En este disco también han tenido una gran influencia Charley Hayward, de This Heat, y Fimber Bravo”, con el que ya colaboraron para la versión de “Transmission”

futuro, pero estoy seguro de que seguiremos trabajando con otros músicos. Es algo muy enriquecedor”. Y, hablando del futuro, ¿qué espera de este nuevo disco? “Me gustaría tener más de un hit en el disco”, bromea. “En ‘The Warming’ tuvimos ‘Over And Over’ y en ‘Made In The Dark’ fue ‘Ready For The Floor’. No creo que llegaran a eclipsar el disco, porque nuestros seguidores tienen sus propias canciones preferidas, pero sí pienso que en este tenemos tres o cuatro canciones que pueden rivalizar como singles. No podrán acusarnos de tener sólo una gran canción por álbum”. ■ Joan Cabot “One Life Stand” está publicado por EMI.


MondoSonoro · Marzo 2010 /21/

ENTREVISTA

Beach House Foto Archivo

Beach House

La dama y el vagabundo “Teen Dream” es el tercer álbum de la pareja formada por Victoria Legrand y Alex Scally, un disco que concreta en diez canciones radiantes lo que antes fueron sólo promesas. Un trabajo de atmósferas que, sin embargo, lo apuesta todo a las melodías, en la tradición de otros grandes del pop ingrávido como Cocteau Twins o Galaxy 500.

A

lex y Victoria están cansados. Llegaron esta misma mañana de Barcelona donde completaron con éxito la primera de sus dos actuaciones en el Primavera Club Festival, tras una ronda de entrevistas promocionales por toda Europa. “Es mucho más agotador enfrentarse a una gira promocional con todos los fardos a cuestas que hacer una gira de verdad, donde al menos tienes una furgoneta en la que refugiarte”. Alex y Victoria no son pareja. Así lo dice explícitamente la nota promocional que acompaña el lanzamiento de su nuevo disco: “Preguntas que los periodistas pueden ahorrarse a la hora de afrontar la entrevista: Alex y Victoria NO son pareja”. El caso es que ellos actúan la mayor parte del tiempo como si existiera un vínculo sentimental (porque el afectivo se presupone) y él le presta atención todo el rato, la cuida, y le concede ser el foco de todas las conversaciones. “Yo me reconozco en ella, somos como el sol y la luna y nos descubrimos con sólo mirarnos a los ojos”. Risas, burlas, tonterías… A fin de cuentas es un rol al que están acostumbrados y que se repite sobre el escenario donde ella acapara el protagonismo interpretando las canciones y pulsando el piano, los dos elementos definitorios en la música de Beach House. Porque de casta le viene al galgo. Victoria es sobrina del compositor francés Michel Legrand, responsable de la partitura de “Los paraguas de Cherburgo”, aquel musical de los sesenta con el que Catherine Deneuve saltó a la fama. Ella (la Deneuve), su paraguas y su chubasquero amarillo. “Mi madre es americana, mi padre francés. Y yo no tengo del todo claro de dónde soy, porque un día mi madre perdió el libro de familia y desde entonces ya nunca más pude optar a convertirme en europea. Mi madre era modelo, y siempre esperó de su hija que llegase a medir metro ochenta, pero al final yo he salido así, mucho más bajita de lo

que fueron sus expectativas. Y supongo que lo mismo sucederá con ‘Teen Dream’. Ha habido gente que nos ha asegurado que va ser el disco que nos va a cambiar todo. Y nosotros no lo tenemos tan claro. Si te soy sincera y evitando el típico discurso promocional, no creo que vaya a pasar algo especial ahí fuera con este disco”. Alex y Victoria están sentados compartiendo mesa con un periodista y los responsables de su sello en España y Portugal. Como bien dicen, hay muchas expectativas puestas sobre “Teen Dream”, tercer disco del dúo (trío en directo; Daniel Franz está echándose una cabezadita en

realzan su busto. Son las cosas que le importan y que nunca le preguntan en las entrevistas. “Es que ellos están más interesados en hablar de moda y cosas así, que en volver a explicar por qué alguien decidió que Chris Coady era una buena elección para producir el disco…”, apunta Ana de Nuevos Medios desde el otro lado de la mesa. Alex y Victoria está cansados pero aparentan felices. Dan palmadas de alegría cuando el plato de buey llega a la mesa y observan con curiosidad cómo humea mientras lentamente se hace a la piedra. “Puedo imaginarme las críticas de mañana del concierto: ‘El show fue delicioso. ¡Olía como a carne!’”. Vaya pareja. Son dos guiris a los que han sacado de paseo por una Europa moribunda que tienen en lo alto de un pedestal. “El español es la lengua del amor”. Y Alex se arranca a cantar de forma ridículamente pomposa en un horrible castellano, “’Mi amooooor, mi corazón…”, para a continuación pararse en seco y ponerse trascendente afirmando que “en España hay una mayor cultura

“Evitando el típico discurso promocional, no creo que vaya a pasar algo especial ahí fuera con este disco” el hotel). Publica Bella Union en Europa y, lo que es más importante, Sub Pop en Estados Unidos, asegurándole una importante atención mediática. Además, el disco es una maravilla. Están hambrientos pero cómodos con la situación, escondidos en la esquina de un bar de la zona de Argüelles entre fotos de toreros y azulejos de aire “andalusí”, con las raciones de jamón y mejillones sobrevolando sus cabezas. Y, tenedor en mano, Victoria se debate con accesos bipolares y repentinos momentos de excitación. Es entonces cuando dice con ojillos brillantes que le gustaría ser como Ava Gardner -“¡era una bestia!”- y tener un affaire con un torero, cuando cuenta que su pequeño apartamento en Baltimore está habitado por un fantasma (Alex no tiene residencia permanente y deambula de casa en casa abusando de la hospitalidad de sus amigos) y que como tiene los pechos mucho más pequeños de lo que quisiera, la ultima vez que fue a Portugal se hizo con unos sujetadores con hermosos bordados en forma de flores que

y sensibilidad por el arte que en Estados Unidos”. Alguien en la mesa le desengaña. “Bueno, no sé en España, pero Europa… Hace poco teníamos esta conversación con Robin de Bella Union: en Estados Unidos es fácil vender hasta veinte mil discos con Internet y girando. Eso es muy complicado en Europa, donde la horquilla de los cinco y los veinte mil discos resulta casi imposible de alcanzar porque nadie sabe que existes. Sin embargo, en el momento en que se despierta la atención sobre ti, aquí existe la posibilidad de convertirte en un fenómeno y que te vayas por encima de los veinte mil. Eso en Estados Unidos sólo se consigue desde el mainstream y a través de la TV”. El mainstream no está tan lejos del background musical de Alex, que acto seguido señala a Rob Thomas como su intérprete favorito de todos los tiempos -“me preocupa que me guste tanto, pero lo digo de verdad, no busques el sarcasmo”- y se identifica como fan fatal de

Billie Joel. Beach House manejan ese conflicto entre lo popular y lo artístico.“Pertenecemos a una comunidad de artistas muy pequeña. En Baltimore apenas seremos unos cien y nos conocemos todos: escritores, músicos, cineastas,…”. Cien artistas para un censo de seiscientos mil habitantes que quedan retratados en la serie televisiva “The Wire” por los gangs del narcotráfico y las mafias del Este que pueblan los muelles del puerto. “Ayer por la noche nos asaltaron unos tipos malos en Barcelona que parecían haberse escapado de ‘West Side Story’. Si los comparas con el tipo de gente que te puedes encontrar en Baltimore no puedes más que echarte a reír. Iban uniformados con chupas de cuero y por un momento pensamos que si chasqueábamos los dedos iban a ponerse a bailar”. Con este panorama, a la pequeña comunidad de creadores de la capital de Maryland no les queda otra que desdoblarse y multiplicar sus esfuerzos. Y con la candidez con la que se interpreta “Used To Be” o “Take Care”, Victoria se proclama fiel seguidora del trabajo de David Lynch, se interesa por Almodóvar -ella, que tiene un algo de la otra Victoria, Abril, en “¡Átame!”- y muestra su curiosidad por una cinta titulada “Persona” de un tal Ingmar Bergman. “Quiero verla, va a ser lo primero que haga cuando esté otra vez de vuelta en casa. Me interesan mucho los conflictos psicológicos”. Victoria firma el videoclip de “Silver Soul”, uno de los diez -uno por canción- que acompañan la edición limitada de “Teen Dream”. No es demasiado Lynch, pero sí una buena demostración de su vocación artística. A Victoria y Alex les toca descansar y se despiden con abrazos. Marchan hacia el hotel unas horas antes de que su concierto en la Galileo Galilei se salde con un rotundo éxito. Se les ve, ya de madrugada, todavía felices pero ya casi derrotados, entre el público de Health. Alguien les invita a colarse esa misma noche en un show flamenco, pero desisten. “Otra vez será. Mañana volvemos a casa y estamos destrozados”. Otra vez será. O no. La próxima, “Teen Dream” mediante, quién sabe si volverán a moverse entre el público con tanta facilidad... ■ Luis J. Menéndez “Teen Dream” está publicado por Bella UniOn/Nuevos Medios.


(MondoSonoro · Marzo 2010 /23/ ENTREVISTA)

These New Puritans

T

an solo es necesario volver la vista un año o año y medio atrás para darnos cuenta que estamos viviendo uno de los momentos más dulces del pop independiente desde la época dorada de los noventa. Eclosión fulminante de bandas compuestas por imberbes tan pretenciosos e insolentes como fértiles y talentosos, que triunfan a la hora de manejar complicados poliedros sonoros, que componen inasibles imágenes visuales lisérgicas que están definiendo el momento de la sociedad de cambio de década, como si de un improbable cuadro surrealista comprometido con la realidad se tratara. Animal Collective son, claro, la cabeza de todo este movimiento cada vez más definido de grupos que se recrean en su creatividad, sin importarles un comino el éxito comercial de sus propuestas, ni dar crédito a lo que publicaciones y público digan o esperen de ellos. Sin apariciones persistentes en los medios, sin declaraciones malsonantes ni batallas por la jerarquía generacional, pero con unas entregas discográficas que rezuman genio, sin prácticamente lagunas de creatividad. Paradójicamente, con unas apuestas musicales que rozan lo abstracto y que dejan muy pocos resquicios a la comercialidad, estas bandas están empezando a dejar una inesperada huella en el mainstream. Animal Collective ya han rechazado varias ofertas publicitarias para que sus temas ilustren campañas de productos al por menor, These New Puritans han visto como Dior llamaba a su puerta ofreciéndoles ser imagen de la marca, y cada vez son más los artistas consagrados que se enardecen de contar con The XX o Atlas Sound entre sus nuevas influencias. A estas alturas, poco más queda por decir de “Merryweather Post Pavillion”, pero ahí están reivindicándose también los

álbumes inclasificables de The XX y The Dirty Projectors o la aventura sonora de Wild Beasts. Joyas que nos recuerdan cuando descubrimos “Blue Lines” de Massive Attack “Dummy” de Portishead, antes que el tiempo y los refritos posteriores prostituyeran el recuerdo inicial. Los regresos discográficos de These New Puritans con “Hidden” o de Yeasayer con “Odd Blood” han cogido el relevo a principios de este 2010 de esta marea creativa, que por una vez no entiende de fronteras transatlánticas y se da a la par en el Reino Unido y en Estados Unidos. Sin el mismo efecto demoledor que el último trabajo de Animal Collective de hace justo un año, pero con igual capacidad para poner de acuerdo

compositor líder del combo, Jack Barnett. “No sé. Hemos querido reinterpretarnos como grupo. ‘Beat Pyramid’ tuvo sentido en su momento, pero ahora somos otra cosa. Las influencias han variado mucho. Sí, hay sonidos del Renacimiento, de la música que se hacía en el siglo XVII, hasta las últimas tendencias actuales”. Y en el epicentro, un protagonista conocido. “Michael Jackson ha sido una de nuestras obsesiones del último año. La manera que tenía de enfocar la música: accesible, directa, pero a la vez con unas estructuras de lo más inteligentes. Si nuestro nuevo disco suena más digerible es gracias a él. Tenía una manera de ser agresivo pero a la vez melancólico, de aportar luz en la oscuridad... Esas premisas han sido seguramente nuestra única constante en la composición de ‘Hidden’”. Unos puntos de partida ambiciosos, pero que han dado origen a algunos de los temas más irresistiblemente infecciosos que podremos escuchar este año. “We Want War”, “White Chords” y sobre todo el himno del disco, “Attack Music”, demuestran que el cuarteto británico se afianza como una de las apuestas musicales

“Hemos querido reinterpretarnos como grupo. Las influencias han variado” a críticos y público del universo indie. En el caso de These New Puritans, su trabajo llega dos temporadas después de “Beat Pyramid”, un trabajo que, pese a su calidad, palidece ahora al lado de su continuación. En esta ocasión, los ingleses persisten en la experimentación talentosa de su debut, y la rebozan de un sonido cinemático repleto de loops y efectos sonoros. El resultado, un disco menos The Fall, mucho más variado en su planteamiento, ampliando la paleta de influencias y guiños. Desde los medios británicos ya se les ha encumbrado, catalogándoles como una de las mejores bandas de las Islas de la actualidad, y definiendo el disco como “muy 1970, pero también bastante 1610, 1950, 1979, 1989, 2005 y 2070”. Curiosa afirmación, pero no muy alejada de la realidad. Se la planteamos al cantante, multinstrumentista y

más lúcidas, arriesgadas e intensas de la actualidad. “En realidad partimos prácticamente de cero. Cuando empezamos con el proceso que ha dado origen a ‘Hidden’, no teníamos ni la más remota idea de cómo iba a sonar. En el caso de ‘We Want War’, rescaté un beat proveniente del folklore jamaicano, acompañado de unas palmas flamencas. Pensé que más que las palmas como beats sería mejor usar una caja de ritmos; entonces me vino la melodía, que encajaba perfectamente”. Alrededor de los temas mencionados, una maraña de ambientes y texturas en forma de temas instrumentales (“Canticle”, “5”) o no (“Orion”, “Drum Courts– Where Corals Lie”) que hacen de la experiencia de “Hidden” una de las más alucinantes que hemos podido experimentar en los últimos

meses. Ayuda a todo ello la aparición como co-responsable de la producción del líder de los injustamente olvidados Bark Psychosis, Graham Sutton (también productor de trabajos para Jarvis Cocker, British Sea Power, etcétera), que ordena y jerarquiza la rienda suelta imaginativa de Jack Barnett y compañía. “Buscábamos a alguien que aportara un punto de vista externo, diferente al nuestro. La propuesta vino de la discográfica, Domino. Nos sorprendió además el increíble background que tiene Graham en conocimientos musicales de todo tipo. Las posibilidades que nos permitía de irnos a uno u otro extremo del espectro musical sin perder el hilo han sido constantes”. Como apuntábamos al principio, la aparición de “Hidden” viene precedida de la buena acogida de “Beat Pyramid” dos años atrás. Un recibimiento sorprendente, si tenemos en cuenta la poca accesibilidad de su contenido. “Nos pilló de sorpresa, ya que es verdad que no era muy comercial, ni había ningún tema que pudiera ser radiado en las emisoras habituales. Nunca nos hubiéramos imaginado esa reacción. Pero fue muy bienvenida, claro”. Una vez finalizada la gira de presentación de ese primer disco, la banda de Southend-on-Sea desapareció del mapa, hasta ahora. “En realidad, este disco está acabado desde hace casi ocho meses. Si por nosotros hubiera sido, estaría publicado desde hace tiempo. Se nos hace algo raro, ya que tenemos que hablar de temas que tienen casi un año de antigüedad”. No sé si con eso se asume que el próximo trabajo de These New Puritans poco tendrá que ver con lo que ahora publican. “Poco, sí. No significa que no estemos orgullosos de ‘Hidden’. Al menos yo estoy bastante satisfecho, pero no me imagino repitiendo un proceso similar. A nivel compositivo ya tenemos el tercer disco prácticamente terminado. Hay que trabajar mucho todavía el tema de arreglos, pero los temas están ya ahí”. ■ Robert Aniento “Hidden” está publicado por Domino/Pias. These New Puritans estarán actuando en Barcelona (día 10; Ciclo Bands To Watch), A Coruña (11) y Mallorca (12).

Empezando a ver la luz

These New Puritans Foto Archivo

En 2008 sorprendieron con “Beat Pyramid”, uno de los ejercicios de art-rock más efectivos de los últimos tiempos, que marcaba claramente sus raíces en The Fall o P.I.L. Tras dos años de silencio regresan con “Hidden”, un nuevo y sorprendente tratado de pop del nuevo milenio. Ampliando su paleta sonora con nuevas influencias, el cuarteto inglés entrega un segundo trabajo que se sitúa desde ya entre el puñado de obras que marcarán musicalmente este 2010.


Los Planetas Foto Archivo

(ENTREVISTA /24/ Marzo 2010 · MondoSonoro)

No sé cómo se atreven

Los Planetas Un año encerrados en el estudio da para mucho o al menos da para entregar un puñado de canciones inmortales que, aunque a estas alturas de la jugada parezca imposible, están destinadas a convertirse en nuevos clásicos de su repertorio. Y van... ¡Ah! y de nuevo con el flamenco por montera, así que bienvenidos a “Una ópera egipcia” de tomo y lomo. Filón Hay decisiones en la vida de una persona, un artista o un colectivo que marcan un nuevo devenir, una nueva forma de hacer y pensar las cosas. Son vías nuevas que, una vez se abren, no acostumbran a tener retorno. No hay vuelta atrás, están ahí para quedarse. Los Planetas abrieron en su disco anterior, “La leyenda del tiempo”, las puertas y ventanas de su propuesta artística para que se aireara con los poderosos y populares vientos del flamenco y ahora difícilmente van a volver a cerrarlas. (Florent) “La verdad es que no queremos ce-

rrarlas, al contario queremos abrir muchas más...”. (J) “Lo que sí te puedo decir es que en toda esa tradición cultural hay un filón, hay miles de canciones e infinitas posibilidades en las que se puede investigar y experimentar”. (Florent) “La música es muy maleable y se puede manipular o distorsionar, pero lo que es la melodía y la letra eso es lo que pervive”. (J) “Y la emoción que trasmiten esas canciones de toda la vida. Intentamos demostrar que para trasmitir emoción no es necesario hacerlo de forma canónica con los instrumentos tradiciona-

les y todo eso. Que la emoción se trasmite exactamente igual de muchas maneras diferentes. Maneras que pueden ser tecno-pop, surf o psicodelia. La emoción de la canción siempre permanece”. Y ya puestos a decantarse por absorber una música tradicional, el flamenco no deja de estar mucho más próxima de los granainos que, por ejemplo, el blues. Aunque ambos estilos musicales interesen a priori muy poco al joven aficionado del

mos encontrado que nuestra tierra en eso es muy rica. Esa tradición popular de los gitanos, esa música que hacen desde hace siglos, que es más antigua que el blues, mucho más antigua pues ya desde el siglo diecisiete hay noticias de cantaores de flamenco, es también un repertorio que no está explotado dentro del rock’n roll. Muy poca gente lo ha hecho, así que hay un camino abierto grandísimo por explorar”. Un

“(J) Me interesa el amor porque es la fuerza que mueve el mundo” pop alternativo. (J) “A nosotros nos sucede lo mismo. Estamos más interesados en la música más actual, la de nuestro tiempo. Pero con el tiempo te vas dando cuenta que hay un proceso lógico en todo músico de búsqueda de sus raíces y nosotros he-

filón enorme que, paradojas del destino, llevará a los de Granada a ser uno de los grupos del V Festival Flamenco De Cajón de Barcelona junto a artistas como Parrita o Pitingo. Habrá que ver cómo se toma más de un ortodoxo de uno u otro bando semejante sacrilegio... (J) “Los gita-


(MondoSonoro · Marzo 2010 /25/ ENTREVISTA)

música que es lo que le da sentido a nuestras vidas y lo que nos hace sentir bien como personas...”. Está claro ni siquiera ellos se libran de verse sometidos al juicio de los que recibimos su obra. Opiniones que no sólo les interesan sino que también les importan y afectan. Siempre han estado muy mimados por la crítica especializada de este país y sus obras son obligadas referencias en cualquier lista que quiera reflejar que ha sido lo mejor de la música de este país en los últimos quince años. Pero, ¿seguirá siendo así de por vida? Esa es una pregunta para la que sólo hay una respuesta inmediata. Lo seguirá siendo al menos con este nuevo disco. Un excelente trabajo que muestra, a diferencia del anterior, las dos personalidades que ahora residen en Los Planetas. La que por un lado se ha lanzado a hacer un trabajo de investigación y recuperación del legado tradicional de una música tan difícil de asociar con el indie como el flamenco y su cara más pop, la de toda la vida. El resultado ha dado con un disco muy variado que, en ocasiones, parece una gran manta construida a base de retales de colores que pese a su diversidad psicodélica encajan cuando está finalizada. (J) “Yo creo que se mezclan un poco las canciones más pop con las flamencas. En el disco anterior el flamenco era más evidente y aquí está más mimetizado con las influencias nuestras más clásicas. Hemos intentado

humano, es lo más importante después de la supervivencia”.

El disco “Una ópera egipcia” es un disco que al principio desconcierta, pero que luego se va ganando un hueco en tu corazón a base de las grandes canciones que contiene. Se inicia con “La llave de oro”, tema instrumental basado en un tango de Enrique Morente en clave surfera y en la que el gran cantautor tenía que intervenir, pero según me cuenta J, cuando se grabó apenas quedó espacio para poner su voz y eso obligaba a volver a mezclarla. Como no había tiempo, dicha intervención se ha postergado para una próxima ocasión. Sin embargo, Morente sí participa en el penúltimo tema del disco, “La pastora divina”, una seguidilla que es todo un homenaje a “Omega”, el disco que el cantautor hizo con Lagartija Nick en 1996. (J) “Quedamos con Antonio Arias para grabar unas canciones porque no podíamos disponer de nuestro bajista y es evidente que cuando se juntan Antonio y Eric (batería) logran una base rítmica muy poderosa que te va llevando por ese camino”. (Florent) “Es una seguidilla que está en progresión. Empieza con un ritmo muy tranquilo de Eric que va subiendo respetando el palo flamenco y la seguidilla es un palo flamenco que Morente borda y vimos que era perfecta para él”.

“La música es muy maleable y se puede manipular o distorsionar”

nos son una raza etnocéntrica. Ellos piensan que son el centro del mundo y que los payos son seres inferiores o algo así y eso les ha permitido mantener su cultura al margen de la cultura dominante a pesar la presión de los otros grupos sociales o étnicos que intentaban acabar con ellos. Los gitanos piensan que los que no lo son no saben cantar flamenco y eso hace que cuando los gitanos intentan hacer algo más pop o de cualquier otra manera, eso ya no lo consideren flamenco”.

La cita J, Florent, mi grabadora y yo estamos sentados alrededor de unos zumos y tostadas en un bar elegido al azar muy cerca de la Rambla de Barcelona. La mía es la primera entrevista programada para promocionar y explicar todo lo relativo a cómo se forjó su nuevo disco, “Una ópera egipcia”, que, si no sucede ningún retraso, verá la luz a mediados de abril. Las caras

aún somnolientas reflejan que ayer fue otra dura jornada de promoción que se remató con el concierto de Dinosaur Jr. en el Apolo, uno de esos grupos de cabecera junto a Sonic Youth o Spacemen 3 que estaban en plena cresta artística cuando Los Planetas iniciaron su andadura hace unos diecisiete años. Mucho ha llovido desde esntonces, pero ellos siguen imperturbables, encaramados en esa cima del indie español sin un resbalón, sin apenas una mácula que manche un recorrido que nadie se negaría a calificar de intachable. Pero ese estatus no está exento de cierta responsabilidad. (J) “A veces es complicado lidiar con eso. A mí me encanta tener mucha atención, pero eso provoca esa responsabilidad que a veces...”. (Florent) “Tener que cumplir esas expectativas a veces da vértigo. Nosotros hacemos música, somos apasionados, nos divierte y es lo que sabemos hacer. Mientras esas sensaciones sean reales y estén vigentes, pues seguiremos haciendo

abarcar muchos estilos, muchas formas de hacer música desde siempre y aun así pienso que tenemos un estilo personal que sobresale por encima de las variaciones que utilicemos. No sé, podemos hacer un tipo de canciones más electrónicas, pero creo que seguirán siendo canciones de Los Planetas”. Por encima de todas ellas destaca ese pedazo de adictivo single que es “No sé cómo te atreves”, una de esas canciones tocada con una varita que de inmediato pasa a formar parte de la vida del oyente que se la apropia y la hace suya. Un regalo escrito hace un par de años para el disco de Christina Rosenvinge, pero que esta rechazó. Y mira tú por donde, acabó en la voz de Ana Fernández de La Bien Querida, quien fue al estudio para dejar su huella en la canción que más desentona dentro del disco, “La veleta” (sevillana de La Niña de los Peines en clave eletro-pop ochentero con sintetizadores y sin guitarras) y se llevó el premio gordo de intervenir en forma de dueto en la canción que más va a perdurar en el imaginario colectivo del disco. Un tema muy pop sobre las desavenecias entre las parejas y la falta de comunicación. (J) “Justo. Si te pones a pensar en cuál es la razón por la que se producen tantas agresiones dentro de la pareja y todo este tipo de cosas… esta canción intenta profundizar un poco en ese motivo. No es cómo lo que hizo Bebe, es menos obvio que eso, pero es cierto que intenta profundizar en el tema”. La eterna temática del amor/desamor que tantas veces ha inspirado a músicos de pelajes muy distintos. (J) “Bueno, no sé, A mí me interesa el amor porque es la fuerza que mueve el mundo. Es la fuerza que mantiene unidos los átomos, la materia... Para mí es un tema muy importante”. Y para el flamenco también. (J) “Sí, de hecho en toda la tradición de la música popular, en todos los sitios y en todos lo tiempos es el tema fundamental, el tema fundamental del ser

(J) “Al principio de empezar el disco estuvimos hablando con él y se pasó un par de días por el estudio. Miramos la posibilidad de hacer algo más a medias, pero es muy complicado porque son mundos muy diferentes. Además Morente ahora mismo es una super estrella y a veces da hasta un poquillo de cosa molestarlo con estas tonterías nuestras (risas)”. (Florent) “Es una persona encantadora”. (J) “Le gusta mucho lo que estamos haciendo, le parece muy interesante. De hecho incluso está agradecido porque lo ve como una forma de abrir el flamenco a un público mucho mayor y dar a conocer esta cultura a un público más amplio”. Pero si por algo va a ser recordado este disco es por la concatenación de tres temazos que juntos ya valen media vida. Me refiero a “Siete faroles”, “No sé cómo te atreves” y esa maravilla tan planetaria en un crescendo de esos que te erizan el bello que es “Señora de las alturas”... A partir de aquí ya está todo escrito. Tan sólo hay que esperar al final para que J se explaye a gusto en un magistral ladrillo de psicodelia oscura como es “Los poetas”. (J) “Este tema está inspirado en un capítulo del Corán que se llama ‘Los poetas’ y que explica lo mismo que el Antiguo Testamento. Son los mismos personajes, Moises, Noé, Abraham o el mismo Dios único. Está hecho con el máximo respeto y, si algo interesante se puede sacar de esa idea de Dios único, es que el ser humano tiene un punto de vista común diferente del resto de las especies o del resto del universo. Eso es lo que entiendo que quiere expresar la idea del Dios único, que el ser humano tiene una misma forma de ver todas las cosas y a lo mejor está unido en eso”. Vaya que es más lo que nos une que lo que nos separa a unos de los otros. ■ Don Disturbios “Una ópera egipcia” se publicará el próximo 13 de abril por Sony-BMG


Delorean (Unai Lazcano, Ekhi Lopetegui, Igor Escudero, Guillermo Astrain) Foto Albert Jodar

(ENTREVISTA /26/ Marzo 2009 路 MondoSonoro)

tierras c谩lidas


(MondoSonoro · Marzo 2009 /27/ ENTREVISTA)

Delorean Ha llegado el momento de reconocimiento a una carrera que, desde que vio la luz “Delorean” (04) merece toneladas de elogios por nuestra parte. El próximo 20 de abril, el excelente y variado “Subiza” se publicará en todo el planeta de la mano de Mushroom Pillow, en un momento óptimo para la banda gracias a su repercusión internacional y un buen puñado de remezclas de lujo.

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uienes lo descubrimos en su momento sabemos que “Silohuettes” (Underhill, 00) jamás debería haber visto la luz. Pero ocurrió. Era una mala copia de New Order firmada por unos tipos que ni siquiera se afeitaban por aquellos días. ¿Quién iba a pensar que cuatro años después un servidor les pasaría a considerar uno de sus grupos favoritos de nuestra escena o que una década más tarde estarían girando por Estados Unidos, obteniendo elogios por parte de importantes medios de comunicación internacionales o remezclando a artistas como The Big Pink, The Teenagers, Franz Ferdinand, Cold Cave o The XX? El caso es que, todo ello, es ahora mismo una realidad, una suerte de pirueta de esa justicia poética que no siempre llama a tu puerta. Delorean son uno de esos escasísimos ejemplos de grupo que, aquí y ahora, está marcando el futuro del concepto de banda pop junto a muchos otros artistas internacionales. Delorean juegan en la misma liga que sus competidores. Delorean no están en inferioridad de condiciones y no lo están porque han trabajado duro, muy duro, para no estarlo. Pero, tremendas virtudes las del pueblo español, han sido necesarios los innumerables elogios de la prensa internacional (NME, Pitchfork Media…) para que muchos se empiecen a tomar a Delorean como lo que son, el mejor grupo de pop bailable que haya dado nuestro país y uno de los escasísimos ejemplos de artista español que no llega tarde y mal a lo que se está haciendo fuera. Ahora bien, Delorean se han labrado un respeto saltándose a la torera al miope establishment estatal y dirigiéndose al salvaje mundo exterior. Allí han calado y allí han conseguido lo que muchos les negaban en su país. “Ayrton Senna Ep” fue el detonante. (Igor) “Lo fuerte es que incluso pensamos en no publicar ese disco porque ya era viejo. Queríamos trabajar duro para tirar adelante, pero al final se publicó. Y mira por dónde, el Ep lo ha hecho todo por nosotros”. No se me vaya a ofender nadie, pero Delorean llevan años pasándole la mano por la cara a buena parte de la escena estatal, aunque eso no les haya permitido liberarse de la desconfianza provinciana y absurda de muchos. Ahora no se contentan con remezclar solamente a sus amigos (a quienes no abandonan en tiempos de bonanza), sino que se sorprenden redimensionando

“Delorean” (B-Core, 04), “Metropolitan Death Ep” (05), “Into The Plateau” (06) y el ya citado “Ayrton Senna Ep” (09), su primera referencia para Mushroom Pillow.

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os hemos citado en la azotea del edificio en el que comparten local con Astrud e Hidrogenesse. Es sin duda el día más lluvioso de lo que llevamos de año y va a ser complicado que las fotografías reflejen esa luz y ese optimismo que, ahora más que nunca, tiñe su repertorio. (Unai Lazcano, teclista) “Nos planteamos hacer algo más alegre”. (Ekhi Lopetegi, bajo y voz) “Algo más alegre, algo que te levante…”. (Igor Escudero, batería) “En el Ep teníamos la premisa de hacer algo más luminoso”. Han decidido posar en camiseta para la sesión, pero el frío les cala en los huesos. Mientras Igor sufre hasta espasmos, Unai mantiene el buen humor. “Yo todo lo que tengo de vasco se me ha olvidado. Con el frío he perdido toda la historia del norte (risas)”. No está siendo un buen día para ninguno de nosotros, así que lo mejor será ir a tomarse unos cafés al estudio. Los artilugios rusos y algunos sintetizadores que Genís Segarra (Astrud, Hidrogenesse) ha fabricado con sus propias manos lo inundan todo. Quizás no parezca el lugar ideal para darle forma casi definitiva a unas canciones escritas para bailarse y cantarse en bañador en una playa de aguas claras. Y es que el sol luce y las altas temperaturas reinan en piezas tan disfrutables, optimistas y vibrantes como “It’s All Ours” , “Simple Graces”, “Come Wanders” o “Grow”, un tema inicialmente cimentado sobre una guitarra de Prefab Sprout. (Guillermo Astrain, guitarra) “Al final, por evitarnos dolores de cabeza, hemos sacado ese riff del disco, pero puede que lo conservemos para el directo. Lo que sí hay son algunos bombos que le birlamos a Pablo Guincho, cuando hicimos su remezcla (risas)”. Me recuerdan otros muchos nombres de los que han absorbido sonidos, pero que nadie podrá identificar y que no voy a desvelar en estas páginas. Ahora todo eso suena natural. Delorean ya no son un grupo corriente de pop, de rock o de indie, Delorean son otra cosa. Son una banda capaz de hacer canciones con feeling y humanidad, pero con máquinas, con un ejército de ordenadores y decenas de pistas de sonido. Y

“Por primera vez, Delorean tenemos una manera propia de hacer” canciones de The XX, Franz Ferdinand, The Big Pink o Cold Cave. Aunque centrémonos en su “Subiza”, un trabajo que lleva al límite su concepto de grupo. Nueve cortes, apenas cuarenta y dos minutos, una imaginación en plena forma y un tratamiento del sonido soberbio. Agarren “Deli” o “Seasun” y métanlas en una centrifugadora, añadan unas voces que han aprendido de Animal Collective, sazónenlo con la distinguida eficacia electro-pop de los suecos The Tough Alliance y algún arrebato a la The Teenagers, y enriquezcan el conjunto con percusiones africanas y caribeñas. Con ello se acercarán al sesenta por ciento de la fórmula Delorean. El resto solamente pueden conseguirla estos vascos afincados en Cataluña, auténticas sabandijas musicales que chupan de todos los mundos posibles para darle forma a uno propio. Aunque recuerden que antes de “Subiza” estuvieron los también excelentes

es que ahí reside uno de los principales cambios en la carrera de Delorean más allá de su repercusión internacional. Estos cuatro vascos han dedidido darle forma a “Subiza” a través de sus ordenadores, de los secuenciadores que cada día dominan un poco más y aparcando prácticamente los instrumentos reales durante la grabación. (Ekhi) “La diferencia está la forma de hacer. Por primera vez, Delorean tenemos una manera propia de hacer. Hay gente que lo hace a su manera y yo no sabré trabajar como ellos, pero haciendo las cosas así yo tengo mi propio manual, mí caja de herramientas y…”. (Guillermo) “…y te las arreglas como puedes con lo que tienes”. (Ekhi) “Currando todo el rato con las remezclas, creas tu propio sonido, tus presets, tus sintetizadores favoritos, tus librerías de sonidos, tus maneras de estructurar las canciones…

aunque hayamos llegado al límite en esta ocasión”. (Unai) “Esa es la manera de trabajar con un ordenador. Ocurre lo mismo con la gente que hace diseño gráfico, que empiezan haciendo cosas raras en plan paleto hasta que controlan la herramienta con la que trabajan. Ahora, nosotros estamos en el punto en el que los cuatro controlamos la herramienta y estamos llegando un poquito más a lo que buscamos”. ¿Y cuál ha sido esa forma de hacer?, se preguntarán los lectores menos metidos en música electrónica o generada por ordenador. Cualquier miembro de Delorean trabajaba en una idea propia, encargándose prácticamente de todos los elementos. El resultado se descargaba en un servidor al que los otros tres podían acudir en cualquier momento para recomponer, enriquecer o deconstruir una canción concreta. (Guillermo) “Es una democracia creativa, sobre todo desde el momento en el que dejas tu proyecto ahí y viene otro y lo abre. Nos pisamos unos a otros esperando a decir ‘hasta aquí hemos llegado’. Ahí está la suma de todo y asumes que cada canción es de todos y de ninguno”. (Ekhi) “Esto es un despiporre. Es como si yo remezclara su tema y él me remezclara a mí cuarenta y ocho horas después, pero sin tener siquiera la canción acabada”. (Igor) “Esto es un puto Lego, Luna, un puto Lego”. A la producción del habitual Kruger, que como bien dicen ha enriquecido muchisimo su trabajo, se suma una mezcla excelente, fruto del trabajo de Chris Co-

pensar que The Big Pink acabarían fichando por 4AD, si tenemos sus temas desde hace dos años”. (Igor) “Los buenos, las demos son buenísimas, pero el disco es una basura (risas)”. “Subiza” es, por otro lado, un disco que, manteniendo las claves más características del sonido Delorean y de presentarse como una suerte de sesión non-stop, cuenta con canciones bastante distintas entre sí. (Ekhi) “Lo que le da coherencia es la producción, que hay unos elementos que se repiten, el sonido de bajo, el tratamiento de las voces y las percusiones, el piano, que es como una línea que se mantiene y lo une todo, y a la vez cada tema tiene su personalidad pero el sonido, la producción y los sonidos hacen que exista una coherencia. Eso sí, todos los cartuchos que teníamos los hemos quemado en este disco”. (Igor) “Podrá gustar más o menos, pero estamos convencidos de haber hecho el mejor disco que éramos capaces ahora mismo, y sobre todo lo hemos hecho con el corazón”. En todo caso, los halagos recibidos por el grupo más allá de nuestras fronteras gracias a “Deli” y “Ayrton Senna Ep” han devenido fundamentales para, esta vez sí, pueda considerarse a Delorean profetas en su tierra. (Guillermo) “Podrían pasar unos meses o lo que sea, pero si lo que estás haciendo lo haces bien, entre comillas, acabaría habiendo un reconocimiento aunque no hubiera respuesta en el extranjero. Sí puede hacer que se escuche más, pero no por eso va a

“Podrá gustar más o menos, pero estamos convencidos de haber hecho el mejor disco que éramos capaces” ady, un profesional como la copa de un pino que ha trabajado con artistas como Yeah Yeah Yeahs, TV On The Radio, Beach House, Foals, !!!, Grizzly Bear o Massive Attack. Eso sí, las sesiones fueron vía Internet con todos los miembros conectados en sus distintos terminales a horas intempestivas de la madrugada.

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esde su gestación inicial, el concepto de “Subiza” nace en dos momentos determinados. Un encargo de la televisión vasca y las remezclas que Delorean han estado firmando para otros artistas durante los últimos meses. (Unai) “El cambio en nuestra forma de trabajar empezó cuando estos dos (Ekhi e Igor) le metieron al ordenador. Cuando yo iba con el Reason y les ponía algo que había hecho, decían ‘vale, está bien’ y pasaban. No les interesaba”. (Ekhi) “La historia de nuestra relación con los ordenadores vino con un encargo de la televisión autonómica vasca para hacer veintisiete sintonías y algunos de nosotros no habíamos pillado un ordenador en la puta vida. Era un encargo que estaba bien pagado… así que aprendimos a usarlos. Poco después nos llegó lo de The Teenagers y dijimos ‘ya sabemos usar el ordenador, así que vamos a hacer la remezcla’. La gente de Merok (Comanechi, The Soft Pack, Telepathe, Titus Andronicus…) conocía a la jefa del sello que nos había publicado fuera y ella les dijo que nos la pidiera a nosotros, que podíamos hacer un buen trabajo. Después salió la de Mystery Jets y mantuvimos también el contacto con el dueño de Merok, le dijimos que nos gustaba mucho la primera canción de la maqueta de su grupo, The Big Pink, y nos dijo que podíamos remezclarla”. (Guillermo) “No ha habido nunca premeditación. No buscábamos meter un pie en la escena internacional, sino que lo hacíamos porque nos apetecía o porque era gente con la que vamos tratando”. (Ekhi) “Es un descojono

gustar más o menos. Al final el trabajo final sería el mismo sin todo eso porque lo grabamos y acabamos antes de la repercusión de ‘Ayrton Senna’”. Los chicos de Delorean parecen algo cansados. Hace mucho que completaron el álbum, pero ahora deben empezar a pensar en los directos. En unas semanas iniciarán una gira estadounidense de más de veinte fechas, como antesala de lo que está por llegar. Estamos a punto de dar por finalizada la hora y media larga de conversación, pero en ese momento aparece por la puerta Genís Segarra, sonriente y tan ácido como de costumbre. Bajo el brazo lleva un cartón de tabaco. (Igor) “Genís, tío, ¿te vas a fumar todo eso tú solo”. Bromea y yo aprovecho para pedirle su opinión sobre ese grupo con el que comparte local. (Igor) “Dirá que somos unos bakalas”. Genís ignora el comentario y expone su punto de vista. “Viendo trabajar a Delorean en el disco me vino a la cabeza todo eso que decían Kraftwerk. Que el futuro de la música serían cuatro oficinistas trabajando todo el día frente a su ordenador. Ver a estos haciendo el disco era un poco eso… ¡el puto futuro que vieron Kraftwerk! Uno ahí en un rincón preparando una remezcla, el otro con unos bajos… Pero lo peor es que no me han dejado escuchar aún el disco entero”. Le informo de que Delorean están en el momento ideal para buscarse la vida más allá de nuestras fronteras. El teclista catalán se ríe. (Unai) “Cojones, si somos como Pau Gasol en la NBA (risas)”. (Genís) “Pues chicos, a ver si os pasa como a Penelope, que es la otra cara… que ahora la odian”. (Igor) “Sí, que ha rechazado a Lars Von Trier para meterse en la de los piratas del Caribe”. (Genís) “Que lista, pero para qué iba a trabajar con ese, para que la martirice todo el rodaje”. ■ Joan S. Luna “Subiza” se publica el próximo 20 de abril de la mano de Mushroom Pillow.


Fiestas Demoscópicas MondoSonoro Sala Trece locales de otras trece ciudades de España a las que les estamos muy agradecidos por acogernos Fecha a lo largo de este pasado mes de febrero Estilos varios estilos de lo más underground Publico 4.000 personas aprox. Promotor MondoSonoro Febrero lleva la friolera de once años siendo nuestro mes Demoscópico. Unas semanas que la revista se olvida de los grandes nombres y se pone a disposición de todos esos prometedores grupos que buscan un disputado hueco en la escena musical de nuestro país. Trece conciertos en otras tantas ciudades y más de cuarenta grupos de todos los rincones de nuestra geografía son, en realidad, los auténticos protagonistas de unas fiestas que jamás funcionaron como un concurso de nada, sino más bien como una muestra de todo. Aunque, eso sí, con la gratuicidad siempre como bandera. ¿El objetivo? Acercar al público a todas esas bandas emergentes y darles a estas la oportunidad de ver sus nombres y caras en una revista que espera que les vaya bien bonito. Es obvio que, después, la vida irá dictando su propia sentencia y colocando a unos en la cuneta mientras unos pocos consiguen lo que Catpeople, Lori Meyers, We Are Standard o Russian Red –todos ellos en su momento Demoscópicos- ya han conseguido: vivir por y para la música. Se hace difícil ejercer de pitoniso y saber quién de ellos lo logrará. La calidad no es el único factor que juega en semejante carrera, pues tambien el azar, tu gente y las sinergias que consigas a tu alrededor hacen el resto. Es por eso que sería injusto citar a unos cuantos nombres y relegar al resto al más puro olvido. Injusto sí, pero así es cualquier proceso de selección natural y el espacio combinado con la atención de nuestros lectores es el gran dictador de una crónica como esta. Vaya, que si queréis más detalles sobre todos los participantes en nuestras Fiestas Demoscópicas, lo mejor será consultar las diferentes secciones de crítica de conciertos de nuestras nueve ediciones locales. Aquí tan sólo hay tiempo y espacio para hablar de una emoción más global que pasa por condensar la filosofía de todo este tinglado. Eso y dedicar

unas lineas a La Bien Querida, nuestro grupo invitado ganador con “Romancero” del Mejor Disco hecho en 2009 en nuestro país, una posición que tenían que defender en directo y que se saldó con diferente resultado. En Madrid no acompañó el sonido y la frustración de un bolo desaprovechado, provocó rabía y desilusión en los músicos. Menos mal que en la Salamandra de L’Hospitalet (Barcelona) lograron quitarse la espinta o, como comenta Xavi Sánchez Pons, en su crónica: “Dejando atrás la timidez de sus primeros conciertos, ahora se la ve mucho más suelta (a Ana) sobre un escenario, contenta, feliz y arropada por una banda cómplice liderada por un eficaz David Rodríguez”. También sería de recibo hablar de otros grupos invitados como The Blows, Jon Ulecia & Cantina Bizarro, Niño y Pistola o nuestros amigos de DeVito quienes dejaron su huella electro-rock en Zaragoza y Santander ciudad a la que “llegaron para poner patas arriba la sala”, según comenta Roberto Palacios en su crónica cántabra, pero volveríamos a caer en el error de poner unos nombres por encima de otros y no se trata de eso. Más bien de lo que se trata es de agradecer primero a los más de 4.000 lectores que asistieron a unos de esos trece conciertos -es evidente que no somos supersticiosos- a todos los grupos, managers, técnicos, salas y amigos que participaron en todo este sarao y, cómo no, a nuestros patrocinadores –nobleza obliga- Sennheiser, Carhartt y Jägermeifter que llevan unos cuantos años apoyando una propuesta que pretende ser tan universal como modesta. A partir de aquí, lo dicho: disfruten de las diferentes crónicas locales de los conciertos y hagan sus apuestas. Está por ver quién dotará a nuestra escena de una nueva bocanada de aire fresco... Don Disturbios

Bang 74 Foto Álvaro Vaquero

De Vito Foto Daniel López

CONCIERTOS

Chinese Christmas Cards Foto Susana López

Raul y Don Disturbios Presentadores Valencia Foto Vanessa Prado

La Bien Querida Foto Susana López

MondoSonoro · Marzo 2010 /31/


The Raveonettes Foto Jorge Obón

( CONCIERTOS /32/ Marzo 2010 · MondoSonoro)

Mujeres (1111) Sala Apolo (Bcn) Fecha 04-02-10 Estilo garaje Público casi lleno Promotor Sones De las varias veces que he visto a Mujeres en directo, creo que la vez que les vi más desatados fue en su concierto en el metro dentro de la programación del Primavera Sound del pasado año. Y es que cuando están al mismo nivel que el público, a Yago, Martí, Martín y Pol se les nota más sueltos, más descarados y proclives a liarla. No obstante, en su segunda parada por el Apolo en pocos meses, Mujeres estuvieron más que correctos, incluso sobresalientes, y eso que el público –gran parte del cual eran universitarios que simplemente habían salido de fiesta y que poco o nada conocían al cuarteto- no fue tan entusiasta como otras veces. En la hora y poco que duró el bolo, la banda interpretó con soltura y sin pausa los hits que componen su único álbum y algún tema de la maqueta, además de suculentas versiones como “Don’t You Just Know It” de Huey “Piano” Smith & The Clowns, “Hello Mary Lou (Goodbye Heart)” de Ricky Nelson o ese gran hit que es “Demolición” de Los Saicos, que sin duda sorprendió a aquellos que sólo se habían acercado al Apolo porque era gratis. Marc Luelmo

The Raveonettes (111) Sala Heineken (Madrid) Fecha 3-02-10 Estilo rock Público lleno Promotor Mercury Wheels

Richard Hawley (1111) Sala Teatro Rosalía de Castro (A Coruña) Fecha 14-2-10 Estilo crooner-pop Público lleno Promotor Sweet Nocturna “¡Hay que joderse! ¡Soy el último de los románticos!”. Así de claro se expresaba Richard Hawley en la única ocasión en que se dirigió al público en toda la noche -salvo otra para presentar su banda- tras preguntar a las primeras filas y comprobar que él era el único que le había enviado flores a su mujer por San Valentín. Sí, era el 14 de febrero, tal vez el día más indicado para un concierto suyo, y acababa de interpretar “Valentine”, así que se podría decir que lo tenía a tiro. Lo de romántico lo recalcó con palabras y no dejó de demostrarlo con su música. Sin marcar una ruptura total con el crooner de antaño, ahora, al igual que sucede en el disco que presentaba, “Truelove’s Gutter”, el directo también busca un Hawley distinto, creando una atmósfera por la que fluyen morosas sus canciones, en el que cuenta más el todo que la suma de sus partes. Llevando al límite su repertorio, Hawley se asemeja ahora a un Scott Walker más pop; de hecho, cuenta entre sus mayores tesoros con una carta rendida de elogios del más esquivo de los cantantes de los últimos años. Pero no puede -ni quiere, ni debe- dejar atrás el sonido deudor de Roy Orbison o el que podrían hacer unos Camera Obscura más adultos, la banda que más admira actualmente. Su último álbum sonó entero, salvo “Don’t Get Hung Up In Your Soul”, y recuperó otras siete canciones de discos anteriores: un par de “Lady’s Bridge” y “Lowedges” y tres de “Coles Corner”. Hasta la mitad del concierto todo transcurrió inmaculado, haciendo una réplica perfecta de lo grabado en estudio, salvo las cuerdas que un teclista (“detrás de su puesto de oficinista de Correos”) intentaba suplir. Y nos hubiese gustado más que algo rompiese esa perfección. Sólo “Soldier On” se creció frente a su gemela en disco. Para la parte final, tras la tormenta eléctrica de “Oh My Love”, se reservó las sorpresas: un bajo que hacía temblar todo el teatro en “Remorse Code”, una versión de la balada clásica inglesa “Hushabye Mountain”, que antes hicieran Julie London o Tony Bennett, y, por supuesto, el final rabioso con “The Ocean”, que sigue siendo -y él es bien consciente- su mejor canción. Xavier Valiño

Richard Hawley Foto Xavie Valiño

Mujeres Foto Susana Lopez

En febrero de 2008, Sune Rose Wagner había perdido la voz, y fue Sharin Foo la que se ventiló todas las voces del concierto. En febrero de 2010, aún se acuerdan de aquella noche y vienen a quitarse la espina con un concierto demasiado corto para la ocasión. “In And Out Of Control” promete más movimiento de caderas, pero la noche se resuelve con un greatest hits cómodo. Nada sale mal, todo está en su sitio, y The Raveonettes ya tienen suficiente repertorio como para permitirse lucimientos como el de “Break up Girls”, que empieza sólo con bajo y voces. Sin embargo, a pesar del llenazo y de ese triunfo de la corrección en el que, al arrimar Roxette a The Jesus And Mary Chain, todo fluye con más personalidad, flota una sensación de victoria fácil. Puede que la pareja necesite tener las cosas difíciles para sudar la camiseta, el caso es que, sin defraudar lo más mínimo, les hizo falta una pizca de incorrección para demostrar que, con el tiempo, corren el peligro de que nos demos cuenta de que no hay más lentejuela que la que reluce, y que se pueden cantar odas a la incorrección sexual sin mostrar ninguna emoción. Jorge Obón


Hola A Todo El Mundo Foto Mariano Regidor

( CONCIERTOS /34/ Marzo 2010 · MondoSonoro)

Hola A Todo El Mundo (1111) Sala Boite (Madrid) Fecha 18-2-2010 Estilo folk Público casi lleno Promotor Producciones Disonantes el Devendra Banhart más desenfadado, aunque a lo largo del concierto dieron cuenta de nuevos registros (“Amor Fati”) que hacen pensar en una propuesta de largo recorrido más allá del éxito primerizo que parece aguardarles. A lo largo de casi una hora y media, que ya es decir para un grupo que todavía tiene el cartel de debutante, demostraron haber crecido mucho a lo largo de estos últimos meses (los constantes cambios de instrumentos -violines, ukeleles, banjos y un largo etcétera- se han integrado en el directo sin que haya que padecer parones), logrando que su folk-pop disfrutara un triunfo por aclamación. Y a buen seguro que no será el último. Enrique Peñas

Le Peuple de l’Herbe Foto Hara Amorós

Con su debut homónimo ya casi llamando a la puerta, la expectación en torno a Hola A Todo El Mundo continúa en todo lo alto, generando un entusiasmo inédito para una propuesta de sus características. La mejor imagen no es otra que la de un escenario convertido en auténtica fiesta, a punto de la invasión, en la interpretación final de “A Movement Between These Two”, la canción que más y mejor recoge el espíritu de esta banda madrileña: una voz masculina en diálogo con poderosos coros femeninos, percusiones a diestro y siniestro, palmas, un estribillo brillante y una desbordante sensación de felicidad. Resulta difícil no pensar en las estructuras de Arcade Fire o en

Le Peuple de l’Herbe (1111) Sala Apolo (Bcn) Fecha 17-02-09 Estilo rap mestizo Público lleno Promotor Chispas Música Un Apolo que rozaba el lleno acogió con entusiasmo la contagiosa propuesta de los franceses Le Peuple de l’Herbe, uno de esos combos a los que no les importan tanto las canciones como la densidad que pueden llegar a alcanzar en su directo. Una densidad oscura, casi tan tenebrosa como la más bien escasa iluminación del escenario, repleta de groove y de bajos de esos que suenan tan gordos como poderosos. Musicalmente, la base de su propuesta es el rap, pero el de la vieja escuela. Ese rap que no duda en echar mano del crossover metalero, del funk, del jazz, del ragga... Pueden pasar de sonar a lo Rage Against The Machine, Public Enemy o incluso Asian Dub Foundation a que la espesa nube de hachís que flotaba en la sala nos recordara los viejos tiempos en los que Cypress Hill eran alguien o Fun Lovin’ Criminals mostraban su desparpajo funk gangsteril por los escenarios de medio mundo. Y es que

los de Lyon han crecido con un oído en Nueva York (Beastie Boys son su principal referente) y otro oído en el excelente rap que siempre se ha practicado en el país vecino. Pero no sólo eso. El drum’n’bass también tiene cabida, así como el dub y los pasajes de instrumentación cinemática que bien podrían haber encajado en una de esas películas de los setenta como “Malas Calles”. Puestos a poner una pega lo único que eché a faltar es que las guitarras no estuvieran pregrabadas y que, como el bajo, fuera un elemento orgánico más de su puesta en escena. Y máxime cuando su última entrega es de largo su disco más rockero con temas como “Back Against The Wall” que, junto a canciones como “Look Up” o “Plastic People”, se convirtieron en momentos de gran intensidad, pero sobre todo de una variedad estilística tan grande que hacen que sea imposible aburrirse en uno de sus bolos. Don Disturbios


Dinosaur Jr. Foto Juan Perez Pajardo

(MondoSonoro · Marzo 2010 /35/ CONCIERTOS)

Dinosaur Jr. (1114) Sala Heineken Arena (Madrid) Fecha 10-02-2010 Estilo rock Público sold out Promotor Last Tour International Puede que nadie diera un real por el regreso de Dinosaur Jr, pero su resurrección nos ha deparado dos discos, el rocoso “Beyond” y el excelso “Farm”, que nada tienen que envidiar a las obras que firmaron juntos Mascis y Barlow antes de partir peras. Con semejante material, y unas selectivas y acertadas miradas atrás, lo tienen todo a favor para dar conciertos memorables. En Madrid vencieron, sin arrasar. Seguramente no ayudaran los excesivos parones entre canción y canción, con mini-jams incluidas, y la pachorra congénita de J. Mascis, con ese rictus inmutable de empate a cero, que seguramente preferiría estar en casa jugando con las seis cuerdas que ejerciendo de improbable estrella del indie-rock. Claro que cualquier objeción se va al garete cuando, parapetado por hasta tres torres de amplificadores Marshall, se entrega a esos solos de guitarra guarros, kilométricos y geniales que se han convertido en marca de fábrica de los dinosaurios. Es entonces cuando, secundado

por un entregadísimo Barlow y un solvente Murph, consigue sacar magia de esa atronadora bola sónica que son, siempre han sido, los conciertos de Dinosaur Jr., y ya poco importa que suenen las nuevas “Pieces” y “Been There All The Time” o los guiños a su primer material, porque todo suena igual de emocionante y contundente. Claro que es tanta la intensidad con que se aplican de principio a fin, a pesar de que el destartalado himno “Freak Scene” ejerza de necesario desengrasante, que a la hora y media la bola de sonido comienza a hacerse tan pesada que cuesta digerirla. Y entonces se van a la francesa con su cruda versión de “Just Like Heaven” y el público, satisfecho y empachado a partes iguales, prefiere no pedir postre. Algunos, esos sí, hubiéramos querido que Lou Barlow, que ejercía de telonero endogámico para la ocasión, estirase su pequeño y emotivo set, en el que recuperó joyas como “Too Pure”, de su mejor época al frente de Sebadoh. Javi Pulido


Arctic Monkeys Foto Carmen Monteagudo

( CONCIERTOS /36/ Marzo 2009 · MondoSonoro)

Mtv Winter Valencia 2010 Sala Ciudad de la Artes y las Ciencias (Valencia) Fecha 13-02-10 Estilo brit pop y rock Público más de 30.000 personas Promotor MTV Sin entrar en datos anecdóticos, diremos que la tercera edición del MTV Winter Valencia se saldó con una buena convocatoria de público asistente (treinta y cinco mil personas según la organización) con un montaje espectacular y con los conciertos destacados de los valencianos Fuzzy White Casters y los británicos Arctic Monkeys. Los primeros gozaron de sus dieciocho minutos de gloria ante más de veinte mil personas. Pese a su juventud y nervios del momento, se mostraron seguros y con muchas ganas de gustar. Su breve pero intenso repertorio les avala como un grupo muy a tener en cuenta. Una semana antes fueron uno de los grupos protagonistas de la Fiesta Demoscópica valenciana, su maqueta fue elegida entre las mejores de 2009, y su rave rock y actitud sobre las tablas les hacen suficientemente creíbles. En esta ocasión tan especial el escenario no se les quedó grande en absoluto y supieron mover durante unos minutos a una audiencia considerable. Atención al tema “George” con el que cerraron y a otros de sus hits potenciales colgados en su Myspace. Rock bailable y frenético sin concesiones. Tras ellos, puntual apareció Dev Haynes, o lo que es lo mismo Lightspeed Champion, que, acompañado de una banda,

dispuso de apenas treinta minutos en los que no logró llamar la atención con los temas de su segundo disco, pop-rock de toques fifties y alguna balada, ni siquiera al grito de “Hey Ho Let’s Go!” mediante versión de Ramones (“The KKK Took My Baby Away”). La presencia de Mystery Jets se debía a su condición de teloneros en la gira actual de Arctic Monkeys, representando la corriente más edulcorada de las islas británicas. La decepción de la noche, con canciones que se quedaron en simplemente anodinas. Puntuales y a la hora prevista, Arctic Monkeys tuvieron cerca de noventa minutos para interpretar sus himnos elaborados a base de guitarrazos ante sus incondicionales, a pesar de que el sonido no fue todo lo limpio que deseábamos. Los temas escogidos abarcaron sus tres discos, con el crudo sonido que han desarrollado en “Humbug”, cambio de imagen incluido, y nada más comenzar el concierto ya interpretaron “Brianstorm”. Pero sin duda alguna los momentos más celebrados llegaron de la mano de “The View From The Afternoon” y “I Bet You Look Good On The Dancefloor”. Para el bis reservaron “Fluorescent Adolescent” para finalizar con lluvia de confetti incluida. Carlos Ciurana y Raül Serrador


Dinero Foto Archivo

escaparate

Dinero Vienen de: Madrid Publican: “Dinero” (Tricornio, 09) En la onda de: Zenttric, Weezer, We Are Scientists

Los Guajes Foto Archivo

Perfeccionistas, barrocos y refrescantes. Los granadinos festejan la publicación de “Apueste su vida”, un debut que resume el trabajo de todo un lustro. Doce gemas de orfebrería pop, inmensa sutileza orquestal, imaginario caleidoscópico y pegamento en los estribillos. Las maquetas de Ana Lógica pedían a gritos una producción vintage. Aplaudidos por el público y la crítica, el proyecto del ex batería de Cecilia Ann sólo necesitaba la apuesta firme de un sello para cristalizar un trabajo puntilloso, serio y delicado. Al final, la etiqueta Ráfagas (filial de Rock Indiana) pone en circulación una obra de perfil alto, gruesa en talento y emoción. Su agónica gestación trajo a la memoria los fantasmas de “Smile”, el referente sagrado de Brian Wilson. Singular paralelismo: entre los miembros del grupo existen estudiosos confesos del cerebro de The Beach Boys. Ojo, febriles eruditos en la materia. “Nos impusimos un nivel durísimo al empezar este disco. Lo hemos paseado por cuatro estudios diferentes en tres provincias andaluzas durante dos años. Llevábamos tanto tiempo peleando por conseguirlo, que no estábamos dispuestos a aceptar que no fuera perfecto. Hasta Brian Wilson se fue mosqueado a la cama el día que acabó ‘Pet Sounds’. Por eso pensó en hacer ‘Smile’”. Textos oníricos, como las piruetas narrativas de Lewis Carroll y Julio Verne. Jordi Gil (Sr. Chinarro, Maga, Solina) es el productor con la patata caliente. “No sabemos cuántos genios de la producción hay en España, pero él es uno. Tiene una cultura musical infinita, un gusto desmedido. Su oído es una máquina de la verdad, su mente va a otra velocidad y verlo manejar los mandos es como contemplar a Neo pelear”. ■ Eduardo Tébar

Los Guajes Vienen de: Asturias Publican: “Cazasuecas” (Fonográfica Peñarrubia,09) En la onda de: Los Brincos, El Dúo Dinámico, The Sonics

Ana Lógica Foto Archivo

Ana Lógica Vienen de: Granada Presentan: “Apueste su vida” (Ráfagas Discos, 10) En la onda de: The Beach Boys, The Beatles, Teenage Fanclub

desde el rock de los noventa al brit pop y nos gusta acercarnos a este revival garajero bailable que hemos vivido la pasada década. La verdad es que menos cosecha nacional todo lo que nos hemos tragado viene de fuera. Nos quedamos en blanco buscando influencias españolas. Hemos estado tanto tiempo encerrados y trabajando en el local o de concierto que no tenemos bandas que sintamos como hermanas en cuanto a sonido, pero siempre hay alguna con la que nos sentimos a gusto en el escenario, como Havalina”. ■ Tomás Martínez

siendo lo que más llama la atención. “Preguntan ya con predisposición, nosotros pasamos del tema. Es un nombre sencillo, se debe sin duda a las penurias económicas que vamos a pasar en este negocio, queríamos que el dinero estuviese por lo menos en el nombre y así descontextualizarlo de todo lo que tenga que ver con el grupo”. En cuanto a su sonido no han inventado nada ni tampoco lo pretenden, quizá esa sea su mejor habilidad. “No nos gustan las etiquetas, a veces son un obstáculo para hacer lo que quieres. Ni somos indies ni llegamos al metal, bebemos

“Cazasuecas” es la nueva referencia de este combo asturiano tras la publicación de su debut “Somos tremendos”, ambos discos con la impronta del estudio analógico por excelencia: los estudios Circo Perrotti de Gijón. Tras un original y divertido disco de versiones grabado en 2008 en el que hacían suyas un puñado de composiciones patrias, unos cuantos clásicos y un par de originales, se han lanzado de nuevo a la publicación de un elepé en el que casi todos los temas son originales suyos, encontrándonos con un “sonido crudo y agresivo, muy bailable, con unas letras sinceras y festivas”. Y es que las suyas son: “canciones sobre la envidia, sobre las malas mujeres, sobre hombres insensibles, homenajes al español de pelo en pecho y Baron Dandy…”. Tras un montón de bolos y haber sido invitados al Purple Weekend o al festival holandés de garaje Primitive!, continúan con la mismas premisas. “Somos kamikazes del directo. Tocamos a pecho descubierto porque hacemos rock and roll y eso significa que queremos que nuestro público esté formado por un montón de nostálgicos con ganas de bailar. No somos indies con barba y camisa de cuadros, ni arties deprimidos. Queremos que la gente se lo pase bien en nuestros conciertos, que escuchándonos les entren ganas de tomar cubatas, vacilar con esa chica tan bonita de la primera fila, de gritar, desmelenarse...”. Su sonido podría definirse como una amalgama de influencias con el beat sesentas prevaleciendo entre pinceladas de grupos como el Dúo Dinámico, Raphael, Stones, The Remains. Actualmente trabajan en su tercer larga duración del que aseguran orgullosos: “volverá a sorprender a más de uno”. ■ José Luis Quirós

No contento con formar parte de La Célula Durmiente o The Unfinished Sympathy, parece ser que Joan Colomo aún sentía la necesidad de sacar más material, esta vez en solitario. “Llevo tiempo tocando solo por los bares y quería hacer un disco para poder enseñárselo a la peña y poder ir a más garitos a tocar. La verdad que estas canciones podían haber aparecido en los otros proyectos, aunque probablemente hubieran pillado otra onda”. Porque, ante todo, este es un disco que se distingue por su mayor acento acústico, aunque siguiendo -de manera un tanto más controlada- con esa estela de heterogeneidad que tanto le gusta abordar. “Al principio quería hacer un disco con solo guitarra y voz, pero luego se nos fue yendo la olla y hemos acabado metiendo hasta el gato del Iban maullando. Para nada hemos buscado la coherencia”. Un concepto que también puede verse en el empleo del catalán, el castellano o el inglés: cada uno de ellos una pista distinta para rastrear por donde va su inspiración. “Supongo que es completamente imposible crear una canción sin tener la referencia de otras. Casi siempre cojo la influencia de otra música inconscientemente. Luego, con el tiempo dices: ‘¡Coño! Pero si esto es plagio y ni me he dado cuenta’. ¡Somos amigos de la dispersión!”. Aunque la verdad es que eso no eclipsa para nada su madurez como compositor. “No me siento ni peor ni mejor compositor. Supongo que simplemente voy evolucionando”. ■ Francesc Feliu 

Joan Colomo Viene de: Sant Celoni (Barcelona) Publica: “Contra todo pronóstico” (B-Core, 09) En la onda de: Albert Pla, Jeff Buckley, Mercury Rev

Joan Colomo Foto Archivo

S

ean, Rubén y Ekain tienen un grupo, y muy bueno. Se llama Dinero, como su primer y homónimo disco y en una tasca de Malasaña chocamos botellines para conocernos y saber a qué atenernos con su rock. “Somos de Alicante y Euskadi, uno de nosotros está tan loco como para ser de Bilbao y de la Real Sociedad, el mismo punto de locura que tuvimos como para dejar todo lo que estábamos haciendo y venirnos a la capital”. Canciones del tamaño emocional de “En invierno”, “El momento perfecto” o “Saboreal” son su carta de presentación, pero parece que su nombre está


escaparate

Maderita Foto Iván Navarro

MondoSonoro · Marzo 2010 /39/

Maderita Vienen de: Valencia Publican: “Vivir para creer” (El Volcán, 2010) En la onda de: Julio Bustamante, Tortel, Bob Dylan

Tulsa

Le Peuple De L’Herbe Vienen de: Lyon (Francia) Publican: “Tilt” (Discograph/Karonte, 09) En la onda de: Asian Dub Foundation, Beastie Boys, La Phaze

L

e Peuple De L’Herbe son un grupo incómodo para los periodistas. ¿Por qué? Porque escapan de las etiquetas. Dub, rock, post punk, rap, drum’n’bass, funk y electro no sirven juntos para definir todo lo que hace esta banda de Lyon. Sin embargo, su “indefinición” no afecta a la efectividad de su música, y mucho menos a sus fibrosos directos. Acaban de editar “Tilt”, su quinto disco, que han grabado en su propio estudio y que ha obligado a una gira española más amplia. Dj Pee sigue en los platos, Spagg al bajo y guitarra, Psychostick a la batería, el increíble JC001 y Sir Jean a las voces, Chris a la producción y el carismático N’zeng a la trompeta. Justo este último contesta nuestras preguntas sobre su nuevo disco. “Después de ‘Radio Blood Money’ (su anterior disco conceptual), teníamos ganas de liberarnos, de hacer algo más ‘ligero’, de ir a la parte esencial. Acercarnos a la energía que se crea en el escenario”. “Tilt” condensa lo que les ha rodeado musicalmente en los últimos tiempos y nos referimos a un espíritu

más rock, patente en algunas de las canciones de su último disco y también a esos mensajes que animan sobre todo a que los franceses reaccionen y no se aletarguen ante los que ostentan el poder. “Nuestro compromiso en las letras es un precio que debemos pagar tanto mediáticamente como con el público, que puede no estar de acuerdo o molestarse. Pero al menos somos sinceros con ellos y con nosotros mismos. Esto es lo importante”. Justamente una de las originalidades de la banda es la combinación entre los estilos vocales de sus dos cantantes, JC001 (inglés y el “permanente invitado”), y Sir Jean (franco-senegalés). Otra es, como decíamos, su puesta en directo, “Es donde nuestra música cobra todo su sentido. Ahí expresamos nuestra pasión y dejamos toda nuestra energía. También es lo que nos ha hecho conocidos en Francia y en el extranjero. Ahora mismo estamos muy impacientes para volver a la carretera y de nuevo a España”. ■ Miguel Amorós

Viene de: Madrid Publica: “Espera la pálida” (Subterfuge, 10) En la onda de: Christina Rosenvinge, Maika Makovski, Ainara LeGardon Las canciones de Miren Iza no son las más adecuadas para una noche de fiesta y afortunadamente tampoco pretende ser terapéutica. Sus letras son áridas, sin medias tintas en la mayoría de las ocasiones, y la voz navega con áspera suavidad sobre unas historias mucho más duras de lo que la música daría a entender. Y aun así engancha igual que un paisaje desértico, constatando que la felicidad es un invento moderno. “Eres el primero que me dice que suenan más desoladas. A la gente le está costando más entrar porque las letras son menos automáticas. De lo que me he dado cuenta es que lo piensan los que no ha escuchado el disco anterior. Hay mucho de mí en ellas, pero he intentado darle otro punto de vista. Hay más que no hablan en primera persona y que son historias, como ‘Príncipe’ o ‘Araña’. Me da un poco de vergüenza o pudor cuando claramente se intenta personificar, pero no creo que haya que pedir perdón porque sea música tirando a triste”. Tulsa es cada vez más una banda y menos un proyecto personal, y en eso ha tenido mucho que ver cómo se han enfrentado al siempre difícil reto del segundo disco, en el que las barreras que uno mismo se pone son el escollo más complicado de sortear. “Antes era una cosa más mía, pero cada vez había más participación de Miguel. Después de grabar, sobre todo si lo haces en directo como ha pasado esta vez, se va fraguando la idea de banda. La aportación de cada uno ha sido más importante en esta ocasión y han decidido acompañarme en la gira porque ellos también se sienten cada vez más parte del proyecto. ■ J. Batahola

Le Peuple De L’Herbe Foto Gilles Garrigos

Volador hacen música para sentir, para deshacerse de los prejuicios que nos asfixian cuando nos descubrimos tarareando una canción romántica o nos vemos arrastrados por un estribillo de pop épico. “Princesa y espina”, “El último abrazo”, “Abre las puertas”, “El día de la suerte mundial” o “La flor del mal” nos remiten a una década, la de los ochenta, oscura y doliente, pero también cínica y fresca, donde los teclados creaban atmósferas de largos y densos desarrollos y nadie se sentía avergonzado de emocionarse al oírlos. El viaje de Volador es ciertamente largo, en este compacto compilan en una nueva grabación lo mejor de las cosechas de la última década junto a productos de temporada, abonados lentamente y con exquisitos cuidados en la que es su casa, los Estudios Púrpura. “Trozos de amor y otras miserias” y “El fantástico mundo en su interior” les hicieron ganar numerosos certámenes y conseguir un contrato editorial con Warner, que, sin embargo, no se ha traducido en una mayor promoción de su música. Ahora, KOP y PixBox dan otra oportunidad al onírico y poético mundo de Volador. Antílope nos aclara que “tenemos canciones para hacer cuatro discos nuevos. Somos ratas de local, pero es ahora cuando empezamos a girar por España y México y, para bien o para mal, queríamos ser honestos con la gente que nos descubre y entregarles un resumen de ocho años de vida y millones de latidos”. Volador son una de esas bandas casi perfectas pero demasiado comerciales para el circuito underground y a la vez extrañas para las radiofórmulas. Un equilibrio que no se preocupan en decantar. “Nos sentimos libres de las cargas del pasado. Nuestra fuerza consiste en terminar una canción bonita y emocionarnos, no hay más secretos”. ■ Mertxe V. Valero

Volador Vienen de: Aragón Publican: “El largo viaje” (King Of Patio/Warner, 10) En la onda de: Aterciopelados, Embrace, Iván Ferreiro

Volador Foto Archivo

Tulsa Foto Archivo

La proverbial lírica mediterránea del veterano Julio Bustamante se da la mano con el núcleo central de los siempre infravalorados Ciudadano en “Vivir para creer”, primer álbum de los valencianos Maderita. Un excepcional trabajo, artesanal, de folk mediterráneo casi pastoral. Un pequeño gran disco, cuya gestación viene de lejos, tal y como nos cuentan el propio Bustamante, Xema Fuertes y Jorge Pérez, integrantes de un cuarteto completado por Cayo Bellveser. “La primera vez que escuchamos a Julio Bustamante fue cuando teníamos dieciséis años, oyendo su tema ‘Hablando de Van Morrison’ por Radio 3. Luego nos conocimos y nos veíamos esporádicamente. Hasta que hace unos meses nos juntamos, huyendo de las Fallas, y grabamos cuatro canciones”. Y el resultado no podía ser más opuesto al estruendo fallero. “En las canciones se pueden escuchar hasta a los pajaritos y a mi perro caminando o roncando. Hemos llegado a este punto de una forma natural. A todos siempre nos ha gustado el folk, pero ha sido una sorpresa ver cómo se iban desarrollando los temas. Quizá sí nos hayamos fijado mucho en la música de raíz cubana y en el folk americano o incluso el de aquí, ya que descubrimos ‘Brossa d’Ahir’ (1977) de Pep Laguarda i Tapineria, de quien incluimos una versión de ‘Cims i abismes’”. No es la única: también hay una adaptación del “It Ain’t Me, Babe” de Dylan, en un trabajo que, pese al paralelismo promocional con Fleet Foxes, no admite parecidos muy evidentes. “Quien espere escuchar algo parecido a Fleet Foxes, se sentirá decepcionado, aunque sí que hay una espiritualidad común. Que nos basemos mucho en los juegos vocales también puede explicar ese paralelismo, pero es algo que también hacían Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán”. ■ Carlos Pérez de Ziriza


MondoSonoro · Marzo 2010 /41/

AINARA LEGARDON

“Forgive Me If I Don´t Home To Sleep Tonight” Winslow Lab/Hambre y Ganas

ROCK

1114

No hace falta ser muy perspicaz para darse cuenta de que el tercer disco de Ainara LeGardon no va a alegrarte la mañana. Apoyada en las inhóspitas esquinas del corazón, Ainara nos mira y confecciona con retales hechos de alma canciones que hablan de pesadillas y enfermedades convertidas en sentimientos. Y viceversa. Un homenaje a la sinceridad envuelta en el contexto adecuado, que no es sino una frugal hilera de instrumentos- guitarra, batería, contrabajo, theremin y sierra-, que coquetean con la experimentación y la improvisación, creando así finales abiertos. O lo que es lo mismo, deja supurando la herida. Trabajo, por tanto, honesto y complicado de digerir de lo sobrio y extremadamente leal hacia su persona. Después de tres años sin noticias suyas, es decir, desde “In The Mirror” (03), “Forgive Me…” se presenta ante nuestros acomodados oídos con toda su crudeza y carácter. Álvaro Fierro

AUDIENCE

“A Shake In Calm Water” Bidehuts

ALT-COUNTRY

111

Suenan brillantes pero sigo echando de menos su particularidad de antes. Soy más de ese rock arisco que los de Gernika practicaron en sus dos primeros discos que no de esa entrega apasionada (y perfectamente ejecutada) a la tradición de raíz americana que han ido consolidando poco a poco y culmina en este cuarto disco. No es cuestión de preferencia de géneros sino más bien del tipo de pelaje que usas que luego se acaba traduciendo en tener o no una propuesta más o menos arriesgada. Cuando exploraban su horizonte a base de cruzar las raíces americanas con el postrock más áspero dejaban más espacio al riesgo. “You Don’t Have To” es de las pocas que entroncaría con ese pasado. Ahora, son todo potencia; si bien más calmada, pero han caído presa de un discurso no tan abierto y menos dado a sorprender. Aunque dentro de este género la paleta es muy variada: desde el r’n’r genuino al tango o hasta el swing. Se han amansado y eso es algo que no me gusta. Si no fuera por el euskera de “Betiko” algunos despistados les situarían en Arizona. A todo esto, sigo pensando que son un ejemplo único de cómo enfocar el rock en nuestra escena. Celestí Oliver

CHARADES

“Revolución solar” B-Core

POP

1111

Apenas ha pasado un minuto de “Grito tu nombre”, el tema con que se abre el nuevo disco de Charades, y queda claro que el grupo madrileño (reconvertido a quinteto tras la baja de María Hernández y la incorporación de Antía Moure -coros y teclados- y Toño Castro -bajo-) ha dado un nuevo paso en su camino hacia el pop más luminoso, iniciado hace un par de años con “En ningún lugar”, después

de haber coqueteado con el punk en sus primeros trabajos. De aquella época queda la inmediatez y la facilidad para entregar unas contagiosas melodías con que redondear las historias mínimas que dan forma a esta revolución, que arranca con apuntes tribales y pronto seduce gracias a una colección de estribillos coreables, psicodelia controlada y sobre todo unos encantadores juegos vocales que viajan en el tiempo para encontrarse con The Beach Boys y Love antes de volver al presente y darse de bruces con Animal Collective. Esto es pop, ni más ni menos, con un colchón de teclados como fondo y una dulzura sin empalagar en las formas. Y lo mejor: con unas cuantas canciones para recordar. Enrique Peñas

vinilos

ADELANTE, STANDSTILL

DRIVE BY TRUCKERS “The Big To Do” ATO Records

ROCK

1114

Hay grupos incapaces de hacer algo mediocre. Puede que haya discos más logrados que otros, pero nunca sobrepasan la línea que separa lo correcto de lo vulgar. Drive By Truckers, con o sin Jason Isbell, son una de esas bandas tocadas por un halo de autenticidad puro. Un grupo que posee tan buen oficio que son incapaces de dar muestras de agotamiento, ni en su propuesta, ni en un estilo fraguado a base de detalles nada banales como el ir alternando la voz principal en función de quién ha compuesto el tema. Eso siempre les proporciona una variedad de texturas clave. Patterson Hood prometía que este disco iba a sonar mucho más rockero que en sus últimas entregas y aunque tampoco haya que exagerar con ello si es cierto que canciones como “The Wig He Made Her Wear” es, en su sinuoso ritmo, una oportunidad perfecta para doblar guitarras con un toque de elegancia o que la rabia de “This Fucking Job” o “Birthday Boy” se venía echando a faltar en sus últimos trabajos o que “The Fourth Night Of My Drinking” es un tema tan Drive By Truckers que se confundirá con sus clásicos en la recta final de cualquiera de sus conciertos. En definitiva, un disco más de su carrera, que no es decir poca cosa la verdad. Don Disturbios

THE DUTCHESS & THE DUKE “Hands”

Hardly Art/Popstock!

ROCK

1111

Con su folk rock teñido de beat sesentero, la pareja de Seattle se ha hecho un hueco de renombre de culto con sus dos primeros discos. Si en su estreno de hace un par de años ya lograron despuntar, con este “Sunset/Sunrise”, sus ambiciones apuntan mucho más alto. Hermanados musicalmente con bandas actuales como The Avett Brothers, en la paleta musical de la pareja nos puede parecer oír tan pronto a Eric Burdon & The Animals (“Hands”, “Sunrise/Sunset”) como recuperar a los Stones de mediados de los sesenta en “Never Had A Chance”. Con unas preciosas armonías vocales, unidas a unos arreglos más ricos, profusos y pulidos respecto a los de su primer trabajo, Morrison y Lortz consiguen emocionar al oyente con unas composiciones pulidas, brillantes, cálidas que los convierte en los Richard & Lisa Thompson de esta generación; con la ventaja -siempre cuenta- de no ser pareja sentimental. “Sunset/Sunrise” se convierte en un objeto de reverencia para los seguidores del género y una escucha obligada para cualquier fan del indie gustoso de sentir las emociones a flor de piel. Robert Aniento

Standstill Foto Archivo

STANDSTILL

“Adelante Bonaparte” Buena Suerte

ROCK

11111

Parecía imposible, pero los catalanes Standstill han sido capaces de llegar incluso más allá de lo conseguido con “Vivalaguerra”. Subrayémoslo desde un principio: “Adelante Bonaparte” es una obra maestra prácticamente de cabo a rabo, un trabajo conceptual casi progresivo distribuido en tres Ep’s y con un total de veinte cortes (canciones, cortes instrumentales, interludios) y la confirmación definitiva de que, lleguen a dónde lleguen, Standstill no tienen contrincante que, en nuestro país, juegue con una baraja parecida. Quizás no consigan ampliar su legión de seguidores, pero les digo ya que sí han conseguido provocarme las lágrimas una y otra vez con las escuchas de esta obra devastadora, de emotividad abrumadora y no apta para todo tipo de carácteres. “Adelante Bonaparte” es algo tan real y sincero que tanto darán las

opiniones externas. Es un exorcismo público, con las necesarias dosis de cripticismo, una pirueta tan sentida como todo lo que suele tocar Enric Montefusco, y sobre todo un disco fantástico y que merece ser escuchado de principio a fin siempre. “Adelante Bonaparte” es un salto de cabeza al fango, un enfrentarse a las emociones más oscuras para buscarles salida, un pulso entre la desesperación y la esperanza, un viaje contra la corriente de la vida para llegar a una nueva orilla, un trayecto tortuoso que nos hace más maduros y más sabios. Cada palabra está meditada una y cien veces, cada voz sampleada tiene un sentido, cada sonido enriquece el conjunto y cada canción (algunas brillantísimas como “Todos de pie”, “La familia inventada”, “Adelante Bonaparte II”, “Moriréis todos los jóvenes”, “Sálveme quien pueda”, “Elefante”…) cumple su función en el conjunto. Ahora lo tengo claro. Odio a Standstill. Les odio porque ni en cien vidas podría siquiera soñar con darle forma a algo tan apasionante, mágico e inabarcable como “Adelante Bonaparte”. Joan S. Luna

en la onda

Pink Floyd

Triana ROCK 

The Mars Volta

“The Wall” (1979)

“El Patio” (1975)

11111

Ya hubo algo de ellos en “Vivalaguerra” y ya lo apunté. Y aunque pensé que se me había ido del todo la olla, era verdad, Triana estaban ahí. Lo siguen estando. “El Patio” supuso para Triana y para el rock andaluz lo que los catalanes han supuesto ahora para la música española. Valentía, enormes letras y una carga emocional casi ilegal.

ROCK 

“De-Loused In The Comatorium” (2003)

11111

Trabajo en el que, al igual que en “Adelante Bonaparte” se crea la figura de un protagonista para toda la historia. Un disco que como pocos sabe sumergirte en algunas de las menos amables partes de la vida. Conceptual, crudo, directo y seminal. Otra obra maestra imperecedera. Otro ladrillo en el muro que Standstill han escalado con rotundo éxito.

ROCK 

11111

Venían del hardcore visceral, y con este disco cambiaron muchas de las mentes que les seguían. Su segunda maravilla. A Standstill los embarco en el mismo avión, ese que despega dejando gente atrás, al que le esperan otras personas, y que, afortunadamente, mantiene la capacidad de volar con más peso que el de la propia banda. ■ Rafa Angulo


(vinilos /42/ Marzo 2010 · MondoSonoro)

“Universal”, disco de consagración FRIGHTENED RABBIT

“The Winter Of Mixed Drinks” FatCat Records/Pias

POP

1111

Con una naturalidad chocante, los escoceses proyectan la exhuberancia de The Long Winters o Modest Mouse, y lo hacen derrochando imaginación melódica y facilidad para la experimentación y la mezcla de texturas, liberados de cualquier forma de dependencia del pop más clásico. Cuestión que, inevitablemente, va con los tiempos. Ser contemporáneo hoy va de lo mismo que iba hace diez años, la amenaza sigue siendo sentir con demasiada fuerza que vives tiempos interesantes y acabar pifiándola. Frightened Rabbit trascienden la cárcel del presente y se marcan un discazo que podrá escucharse sin problemas cuando todo esto, esta semana, este año, ya haya pasado. “The Winter Of Mixed Drinks” tiene proteína y tiene mucha vida, canciones como “Foot Shooter” o “Living In Colour” son tan buenas como lo mejor que pueda haber por ahí. Recomendación: a ser posible, escuchar del tirón, que por algo es un ´álbum. Jorge Ramos

La Habitación Roja Foto ChusAnton

LA HABITACIÓN ROJA “Universal”

Mushroom Pillow

POP

1114

“Universal” es, según la propia banda, el disco por el que La Habitación Roja serán recordados. Once temas que narran todas los estadios de la vida y de las relaciones; desde las alegrías hasta los momentos traumáticos que tanto abundan en sus letras. Sin embargo, y a pesar de no desentonar en su estilo de perdedores con clase, huyen del pesimismo crónico y dejan abierta una puerta a la esperanza, aunque sea forzosa como en

“Cajas tristes” (pero al menos toco fondo/ y esto sólo puede mejorar). Un trabajo de gran calidad, más introspectivo, que sacrifica las bases rockeras de trabajos como “4” o “Nuevos Tiempos” para ofrecer canciones aparentemente más sencillas pero con abundancia de arreglos, mayor peso de los coros y con más cuidado y madurez en la voz de Jorge Martí. Siguen habiendo temas pop de más fácil acceso, como el single “Voy a hacerte recordar” o “Febrero”. “Universal” es como una vuelta a los orígenes, pero con la distancia que da la experiencia de todos los trabajos anteriores y dieciséis años en activo. Más profundidad pero menos frescura. Marta Terrasa

DELAFÉ Y LAS FLORES AZULES

DWOMO

FANFARLO

Music Bus/Dro

Pias

Atlantic/Warner

“Vs Las Trompetas de la Muerte” POP

111

Ha habido cambios, muchos cambios en el universo de Oscar D’Aniello y Helena Miquel. Facto (Marc Barrachina) ya no está arropándoles. Su lugar lo han ocupado Dani Acedo (ego:trip, Vyvian, Mishima) y The Pinker Tones, que se encargan de la producción. Y eso, pese a que muchas cosas se mantengan como antes, han dirigido la locomotora hacia otros terrenos. Se disparan en distintas direcciones, algunas atractivas, otras menos. Entre las primeras está el mayor protagonismo de Helena, los cortes que recuerdan a su fórmula habitual, esa “Río por no llorar” en la que se sueltan el pelo a la The Go! Team o el principio y el final con “Hoy” y “Funcionarios ausentes”. Entre lo menos atractivo, ese eje central en el que suenan demasiado comerciales para un servidor (“La Primavera”, “Espíritu Santo”, “Tomàs Molina” y sobre todo “1984”). Eso sí, aunque algunos agradezcamos su positivismo, algo debería cambiar en unos textos que giran demasiado sobre si mismos. Delafé y Las Flores Azules apuestan a negras, lo cual siempre conlleva riesgos, pero premio más gordo si la cosa les funciona. Joan S. Luna

“Reservoir”

“Disco Dios” POP

1114

El dúo Iglesias Zurita y Martín-Fabiani vuelve a sorprendernos con su cuarto disco. Hablando mal y pronto, Dwomo es uno de los pocos grupos, que lejos de regirse por modas, convencionalismos y gustos mayoritarios, hacen lo que les sale de los cojones y encima se quedan tan anchos, o lo que es lo mismo, se quedan como Dios (quizás de ahí el acertado título de este trabajo). Fieles a su idea de no renunciar a ningún sonido ni estilo para poder expresar de la mejor manera posible su mensaje, en “Disco Dios” podemos encontrar desde reminiscencias al surf en “Siete plagas”, al pop electrónico de “Pastillera”, pasando por el alter-punk de guitarras poderosas de “Humanoide” y por los sonidos precolombinos de “Arapahoe”. Como de costumbre, el surrealismo está presente en la mayoría de las letras, trayéndonos a la mente a otro rara avis como Albert Pla. Eso sí, Dwomo, pese a caminar también por el lao más bestia de la vida, lo hacen arropados por sonidos más cálidos. Doce eslabones, que, pese a su eclecticismo, se unen fabulosamente unos a otros formando esta pequeña joya. David Lorenzo

POP

FUCKED UP

“Couple Tracks” Matador/Popstock!

HARDCORE

111

Después de su fichaje por Matador y el relativo éxito de “The Chemistry Of Common Life” (2008), lo nuevo de Fucked Up es en realidad un recopilatorio de sus singles desde 2002, dando cuenta de un grupo que nunca se ha andado con miramientos. El corte con el que se abre este doble álbum, “No pasarán”, ejerce como carta de presentación, derrochando actitud, con la voz de Pink Eyes como mayor bastión. La propia naturaleza del disco (y el hecho de que los temas no estén ordenados de forma cronológica) hace que carezca de continuidad, aunque sirve para descubrir las distintas caras de la banda de Toronto, siempre con la agresividad a cuestas, pero también con ciertos matices, lo que les permite pasar de la tremenda “Triumph Of Life” a las más melódicas “David Christmas” o “No Epiphany”. También encontramos versiones de The Shop Assistants y Dolly Mixture, aunque en este capítulo el premio gordo es para “Anorak City”, una de las mejores canciones de los poppies Another Sunny Day. Enrique Peñas

111

Aunque se editó el año pasado, pasó entonces sin pena ni gloria, al menos fuera del Reino Unido, una injusticia a la que ahora pone remedio su fichaje por Warner, que facilitará una distribución más acorde a las virtudes del grupo afincado en Londres y liderado por el sueco Simon Balthazar. Es fácil adscribir su sonido a la corriente folk-pop que tiene en Arcade Fire a su representante más popular, y desde luego que temas como “I’m A Pilot” o “Drowning Men” remiten a los canadienses, a Clap Your Hands Say Yeah! e incluso a Sigur Rós (la hermana del cantante del grupo islandés es una de las chicas que aparece en la portada). Piano, violines, trompetas… todo suma en una estructura que se recrea en trabajadas orquestaciones que crecen hasta estallar en estribillos como los de “The Walls Are Coming Down”, mientras que la épica “Harold T. Wilkins” arranca de forma vigorosa para mantenerse arriba durante toda la canción, demostrando que no sólo han de vivir de las comparaciones. Les falta rematar la jugada, pero este álbum de Fanfarlo bien merece una segunda oportunidad. Enrique Peñas

HIGH ON FIRE

“Snakes For The Divine” Century Media

METAL

1111

Si algo bueno tienen High On Fire es su rechazo frontal a cualquier tipo de concesiones. Lo suyo consiste en dar rienda suelta a su fuerza bruta sin misericordia. Sus temas, libres, avasalladores y con espíritu de jam session infernal, parecen la definición exacta de metal crudo, primitivo y hecho con las entrañas. Por eso sorprende que, cuando hasta los más despistados y detractores sistemáticos del género elogian las cualidades infinitas de la banda, High On Fire se descuelguen con su álbum más “accesible” hasta la fecha. El cambio resulta evidente ya desde la primera nota

del tema que da título al disco, con una armonía de guitarra que bebe de Iron Maiden y Judas Priest. La canción adquiere, acto seguido, el tono habitual en ellos: riffs inflamables, redobles de batería y ritmos rápidos. Aunque el verdadero shock llega con ¡el primer estribillo! El contrapunto se repite en “Frost Hammer”, machacona e intensa, pero que desemboca en un medio tiempo atonal de voces “limpias”. Mentalícense. “Snakes For The Divine” no es “Blessed Black Wings” ni “Death Is Just The Communion”, aunque sí mantiene intermitentemente su furia. Un paso extraño que nos recuerda que los brutalidad, matices y evolución no tienen por qué estar reñidos. David Sabaté

IAMX

“Kingdom Of Welcome Addiction” 61 Seconds

POP

1111

Chris Corner no tiene ningún interés en rescatar aquellos Sneaker Pimps por los cuales muchos aún suspiran. El tercer álbum de IAMX consigue no bajar el listón de su aplaudido “The Alternative”, pero, eso sí, el británico se nos ha puesto más industrial que de costumbre dotando a su criatura de beats la mar de sucios que podrían funcionar perfectamente como una banda sonora electro siniestra si el fin del mundo se apoderara de nuestras almas. Los pianos y los sintetizadores grandilocuentes en el tema homónimo podrían provocar una media sonrisa a los propios Muse, aunque de bien seguro el dueto malhumorado que se gasta junto a Imogen Heap, “My Secret Friend”, debe haberse convertido en un fetiche infeccioso para Patrick Wolf. Corner (encargado de absolutamente todos los elementos del álbum, incluyendo la producción) y su inconfundible falsete brillan con luz propia en un disco cargado de tormentos y lamentaciones (he aquí ese medio tiempo sobre la paranoia denominado “I Am Terrified”) que extrañamente se convierte en un compañero ideal de viaje para adentrarnos en la perturbada y enigmática figura de esta rara avis del pop electrónico más crudo y sincero. Sergio del Amo

THE IRREPRESSIBLES “Mirror Mirror”

V2/Nuevos Medios

POP

1111

Resulta tentador empezar por el final; es decir, “In This Shirt”, la monumental canción con que se despide este primer álbum de The Irrepressibles. Un órgano que lo llena todo, aires catedralicios y una mística de exuberante teatralidad. Es, desde ya, una de las canciones de este arranque de temporada, como lo es también este disco en el que Jamie McDermott, acompañado por una orquesta de nueve músicos, construye una fantasía barroca que arranca con una agresividad casi salvaje en “My Friend Jo”, otro de los grandes cortes de este trabajo que trasciende la etiqueta del pop de cámara: se trata más bien una camerata excéntrica que se adentra en los terrenos de la música popular. Es inevitable pensar en Antony Hegarty y más tarde en Jeff Buckley o David Bowie, aunque McDermott profundiza más en las formas del cabaret (“Knife Song”, con unos preciosos arreglos de cuerda) y hasta parece meterse de lleno en un carnaval veneciano (“Splish! Splash! Sploo!”). Violines desbocados, piruetas vocales con frecuente acabado en falsete, un piano trotón, agitación que deriva en pesadilla... Todo esto y bastante más es “Mirror Mirror”: una bendita locura. Enrique Peñas


(MondoSonoro · Marzo 2010 /43/ vinilos)

Four tet, inteligencia artificial

top10 internacional BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB

“Beat The Devil’s Tattoo” Nuevos Medios

ROCK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

THESE NEW PURITANS “Hidden” Domino/Pias

BEACH HOUSE

“Teen Dream” Bella Union/Nuevos Medios

THE SOFT PACK

“The Soft Pack” Heavenly/Nuevos Medios

FOUR TET

“There Is Love In You” Domino /PIAS

ELI ‘PAPERBOY’ REED “Come And Get it” Capitol/EMi

JONSI

“Go” (Avance) EMI

OWL CITY

“Ocean Eyes” Universal

LIARS

“Sisterworld” Mute/Pias

BUILT TO SPILL

“There Is No Enemy” ATP Recordings/Houston Party

TED LEO AND THE PHARMACISTS “The Brutalist

Bricks” Matador/La Castanya

1111

Son varios los giros estilísticos que han dado Black Rebel Motorcycle Club. Posicionados en un principio en ese lugar reservado a The Jesus And Mary Chain o incluso a My Bloody Valentine, este trío californiano que generó tanto ruido allá por el año 2000, grabando dos discos de notable factura, dieron un golpe de timón con la edición de una obra como “Howl”, justo un lustro más tarde. Más clásico en su estructura, con reminiscencias a la música de raíces, tuvieron que volver con un desafortunado cuarto disco (“Baby 81”) al embrión original de su música, todo y que “Howl” era un buen album que, además, tuvo un buen recibimiento, pero su público no les reconocía haciendo esas canciones. Con “Beat The Devil’s Tattoo”, después de editar un goloso y ambicioso doble pack en directo (“Live”), se sitúan a medio camino de todo lo que habían hecho antes en un disco equilibrado y sumamente atractivo, con una serie de temas que recuerdan sobre todo a los de su segundo disco. El inicio es arrollador, con dos canciones frescas, con energía, con una intrigante melodía en “Beat The Devil’s Tattoo” y unas guitarras que se clavan en tu cabeza en la adictiva “Conscious Killer”. A partir de ahí se vuelven algo más oscuros y retorcidos (“War Machine” con esa voz y guitarra angustiosa y distorsionada), pero con cierto margen para la sorpresa en algunas piezas del mismo, como en la acústica y psicodélica “Sweet Feeling’s Gone”, el medio tiempo “River Styx” o en “Mama Taught Me Better”, intensa y eléctrica a partes iguales. Toni Castarnado

top10 nacional

Four Tet Foto Jason Evans

FOUR TET

“There Is Love In You” Domino /PIAS

ELECTRÓNICA

11114

¡Por Dios, qué temazo que es “Sing”! Sólo por él, y no es el único, “There Is Love In You” ya vale todo nuestro amor. Directo hasta la médula, éste es el pepinazo (se entienda en su lenguaje) de lo nuevo de Four Tet con un beat explosivo a rabiar. Aunque no se confundan, no se le ha ido la cabeza. El EP “Ringer” pudo insinuarlo pero la pista de baile no ha marcado la dirección de su nuevo disco en cinco años. No sólo hay explosiones de éxtasis rítmico y bailable sino que sigue en la exploración por la introspección. Está su habitual matemática rítmica, su IDM hipnótica y flotante y ese bucolismo evasivo de su folk semi-acústico, marca de la casa, que aquí incluso ha trasformado en algo más armonizado y mucho más orgánico. Las colabora-

ciones de Kieran Hebden durante estos últimos cuatro años con el maestro del jazz improvisado y psicodélico Steve Reid parecen haber hecho mella y tener la culpa de una inspiración aún más lisérgica que de costumbre, por ejemplo en la locura que es “This Unfolds”. Aunque también parece que haya cuajado el mano a mano que tuvo con Burial en canciones como “Angel Echoes” o el pseudo trip hop humeante que es “Love Cry”, con esos bucles repetitivos que te hacen entrar en trance. También hay guiños al ambient (“Reversing”) y a la new age (“Circling”). Sin embargo, en el quinto álbum como Four Tet no sólo hay exposiciones en blanco y negro sino que su lenguaje sigue siendo un calidoscopio de colores, de una pureza impoluta que te da alas a alcanzar la felicidad. Está repleto de amor y lo abrazamos con ese milagro de música que no resultaba tan redonda desde “Rounds”. Producción superlativa para un ser supremo alejado siempre de la producción a la moda. Celestí Oliver

DOMMIN

“Love Is Gone” Roadrunner/Divucsa

ROCK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

LOS PLANETAS “Ópera Egipcia” Sony BMG

DELOREAN

“Subiza” Mushroom Pillow

STANDSTILL

“I”, “II”, “III” (avance) Buena Suerte

LOS PUNSETES

“LP2” Gramaciones/Popstock!

HOLA A TODO EL MUNDO

“HATEM” Producciones Disonantes/Origami

BIGOTT “This Is The Beginning Of A Beautiful Friendship” Grabaciones en el Mar LA BRIGADA

“Les paraules justes” Outstanding Records

SUPERSUBMARINA “Electroviral” Octubre

TRESTRECE

“Una señal” Pupilo Records

DELAFÉ Y LAS FLORES AZULES “Vs Las Trompetas

de la Muerte” Music Bus/Dro

1111

Con una imagen atractiva y moderna, un buen rodaje tocando durante mucho tiempo juntos, y una fórmula comprobada que ya se sabe que da buenos resultados llegan los angelinos Dommin. Tras su fichaje con el coloso holandés y haber roto aguas con un primer disco que pasó inadvertido, vuelven a juntar fuerzas con Logar Mader como productor, una combinación mágica que da como resultado un disco como “Love Is Gone”. Beben básicamente del rock gótico que combinado con sonidos duros te noquean por su indescriptible encanto, puedes imaginar a Glenn Danzig cantando al frente de una panda de jóvenes que veneran a My Chemical Romance, o a los Paradise Lost que un día prefirieron los teclados deudores de Depeche Mode que las guitarras más ásperas y peligrosas de Type O’Negative. Y sobre todo recuerdan a aquellos Him de sus dos primeros discos, aquellos que sí nos encandilaron, aunque después perdieran el rumbo con conciertos aburridos y baladas infumables. En “My Heart, Your Hands” ponen todos los ingredientes que tienen a mano para hacer una canción redonda, en “New” nos avisan de que, cuando se lo proponen, pueden pisar el acelerador a fondo, “Tonight” podrá sonar en todas las emisoras de radio de medio mundo, y al afrontar un tema como “Dark Holiday” demuestran que sí es verdad que les fascina la música de los años cuarenta y, en la oscura “Remember”, unen fuerzas con Junkie XL, lo que les abre otras vías compositivas. A vigilar de cerca. Toni Castarnado

JESSE DEE

J.F. SEBASTIAN

JIMI TENOR & TONY ALLEN

Munich Records/Nuevos Medios

Popstock!

Strut

SOUL

POP

“Ten Covers”

“Bittersweet Batch” 1114

Parece que habrá continuidad en el revival soul que ha salpicado el panorama musical de los últimos años. Primero, hace tres años, llegó Amy Winehouse y poco más tarde la almibarada Duffy. El pasado año fue un un soul más osado, feroz y efervescente, el perpetrado por Eli “Paperboy” Reed, el que saltó a la palestra y dignificó el rebozado del género y que le ha llevado a EMI. Les siguieron nombres como los de Black Joe Lewis o Mayer Hawthorne. Pues bien, todo apunta a que este 2010 será el año de Jesse Dee, otro joven bostoniano que edita ahora en nuestro país –con dos años de retraso- su segundo trabajo de estudio. Una nueva revisión de los postulados de Redding, Cooke y cía en la que Dee también da cabida –“Around Here”, “Alive & Kickin’”- a la rama más funky de Bill Withers o el Stevie Wonder de los primeros setenta. Su voz emotiva y gospeliana, tratada en los coros de iglesia en los que se inició, es la protagonista de un álbum que nos vuelve a trasladar décadas atrás en el tiempo, a los años dorados de Stax y Motown, que aquí se hermanan en la voz de este nuevo talento. Robert Aniento

“Inspiration Information 4” 111

Los discos de versiones son necesarios. Tras “Ten Fingers”,. J.F. Sebastian mantienen sus credenciales intactas en este lanzamiento complementario: su estilo desenfadado, ese deseo de divertir y divertirse entregando un producto bien hecho. Con el sonido alegre y nítido de sus guitarras acústicas como sello del grupo, atacan un repertorio variado, que pica de aquí y de allá. Empieza el festín con “Alone Again Or” de Love; al discotequero “Born To Be Alive” le dan otro aire, y la toma de “Anarchy In The U.K” se aleja con respeto de otras relecturas anteriores e incluso de la original. La más acertada es esa “Make Your Own Kind Of Music” de Cass Elliott, la canción que los fans de “Perdidos” buscaron como desesperados tras sonar en uno de sus episodios. Llama la atención la presencia de un tema de The Strokes (“Heart In A Cage”) y sobre todo la lectura personalísima de “Thoughts Of A Dying Atheist” de Muse con esos preciosos arreglos. Y no nos olvidemos de las logradísimas “Summer In The City” y “Rose Of My Herat”, que parece cantada por el mismísimo Johnny Cash. Toni Castarnado

AFROBEAT

1111

La serie se llama “Inspiration Information”, y este que nos ocupa es su cuarto volumen. La idea, surgida en las oficinas del sello alemán Strut Records, no puede ser, por sencilla, más acertada: se coge a un músico actual y se le ofrece la posibilidad de grabar, codo con codo, con alguien a quién considere un maestro, un referente. Si en el anterior volumen el etiope Mulatu Astatké se unía al grupo de acid jazz, The Heliocentrics, en esta ocasión Jimi Tenor se las ve con el grandísimo Tony Allen, culminando así la inmersión en las músicas africanas en la que anda sumida el inquieto músico finlandés. “Inspiration Information 4” propone, por tanto, la reinvención del afrobeat mediante la ironía y el humor, usando a ratos la electrónica infecciosa, a veces el pop recitado, a veces el jazz marciano. Tenor toca casi de todo (saxo, flautas, teclados), tira de su multicultural banda Kabu Kabu (en la que militan percusionistas africanos) y entrega un repertorio apasionante, entretenido y magistral, en la que sobresale, atención, la extrañísima “Darker Side Of The Night”. Fernando Navarro


(vinilos /44/ Marzo 2010 · MondoSonoro)

Hola a todo el mundo: una familia feliz LILITH

“Sal si puedes” Satélite K

ROCK

Hola A Todo El Mundo Foto Luis Diaz Diaz

HOLA A TODO EL MUNDO “Hola A Todo El Mundo”

Hatem Prayer Team/Popstock!

FOLK

1111

Todos sabemos que el talento es algo innato y que la constancia nace de una voluntad de hierro. El sexteto madrileño Hola A Todo El Mundo ha desarrollado lo primero cargando las tintas en lo segundo. Gracias a eso, ahora, tres años después de que les escuchásemos por primera vez y con algunos cambios de formación de por medio, podemos sacarnos el sombrero ante un disco de debut que cumple sobradamente las expectativas. Combinando el folk de toda la vida a lo The Incredible String Band, la herencia del folk estadounidense, la americana y contagiándose de la onda expansiva generada por Arcade Fire o

Architecture In Helsinki, Hola A Todo El Mundo entretejen un tapiz precioso en el que cada elemento ocupa su lugar y tiene su protagonismo, desde el piano a las cuerdas, pasando por unas voces cuidadísimas. En su universo siempre brilla el sol, que aparece a veces sorprendiéndonos con una margarita en el pelo, otras saltando con el puño en alto, pero siempre dejando fluir esa alegría que todos guardamos en algún lugar del corazón. Por tanto, no queda mucho más que decir. “Hola A Todo El Mundo” es un disco bellísimo, que –eso sí- descarga su artillería en la primera mitad del minutaje (“Choose Your Own Adventure”, la magnífica “A Movement Between These Two”, “Hatem Prayer Team”, “Making Your Mum Your Best Friend”…), pero en el que Hola A Todo El Mundo recogen un puñado de canciones por las que muchos otros venderían su alma al diablo. Joan S. Luna

JOSH ROUSE

LAS RUINAS

LEX MAKOTO

Bedroom Classics/Dro

Autoeditado

Manufacturas Sonoras/Lengua Armada

“El turista” POP

“Butano!” 111

Nacido en Nebraska, el músico americano ha vivido en sitios tan dispares como Nashville, Valencia y Brooklyn, con las orejas dispuestas a intoxicarse con la música que le rodeaba. Precisamente ha sido en Nueva York donde Rouse ha entrado en contacto con la música latina, aunque también haya influido en el aire de este nuevo trabajo tener casa en el Mediterráneo. En “El turista” abundan las referencias a Stan Getz y Joao Gilberto, a la música cubana, y sobre todo destaca el aire suelto y divertido. Rouse ahonda en la línea del reciente “Valencia EP” (09) e incluso rescata “Lemon Tree” de su “Bedroom Classics Vol. 3” (08), algo que no será un plato del gusto de los que piensan que lo mejor de su producción se encuentra en “Dressed Up Like Nebraska” (98), o “Nashville” (04). Sin eclipsar sus viejos clásicos, cortes como “Mesie Julian” o “Las voces” tienen su encanto, aunque sólo sea por escucharlo cantar en ese divertido castellano, a la vez que nos muestran la cara más distendida y amable del músico americano, tan disfrutable como, lástima, intrascendente. Joan Cabot

POP

“Rojo Calor Fuego” 1114

Quienes hayan seguido las páginas de la edición catalana de MondoSonoro el nombre de Las Ruinas no les vendrá de nuevo. El grupo de Eduardo Chirinos (peruano afincado en Barcelona desde hace unos años) fue una de las bandas mejor colocadas en la lista de mejores maquetas del pasado 2008, y ahora los tenemos de vuelta con su primer disco. “Butano!” sigue la senda de su explosiva y adictiva demo, un delirio lo-fi rabiosamente pop en el que daba rienda suelta a un divertidísimo espíritu y orgullo loser personificado en fresquísimas letras. Para su debut en largo Chirinos ha contado con una banda de facto, dejando de lado las cajas de ritmos que poblaban sus primeras grabaciones. El resultado es un notable disco de pop ruidoso y eufórico lleno de himnos generacionales (los mejores: “Cubata de Fairy”, “No te volví a ver” y “No es por ti”) repletos de estrofas y melodías coreables desde la primera escucha, que, ojo, recuerda a los Pegamoides más deslenguados, a la saltarina distorsión de Urusei Yatsura, y a las ganas de cambiar el mundo de los primeros discos de Dan Treacy. Xavi Sánchez Pons

ROCK

1114

Los ganadores del concurso Lagarto Rock en 2006, Fitsfuck Supershow, han cambiado. De nombre: ahora se hacen llamar Lex Makoto en honor a Makoto Ibusuki, famoso por defender la legalización del ciberporno en Japón. De estilo: del funk en inglés han pasado al rock en castellano. E incluso de formación: pese a que este largo fue todavía grabado por Dani García a la batería, en la actualidad éste ha sido sustituido por Juan A. Sebastián (ex-Idioterne). “Rojo Calor Fuego”, disco debut de la renovada formación, ha superado con nota todos estos cambios, porque aunque este trabajo no pueda ser definido como revolucionario ni novedoso (recuerda mucho a Nirvana y a Foo Fighters), lo cierto es que posee el Santo Grial que otras muchas bandas buscan toda su vida y no consiguen alcanzar nunca: un conjunto de canciones redondas, pegadizas y que enganchan al oyente por su frescura, fuerza y energía. Y es que Lex Makoto son grandes músicos y pese a no ser tan buenos letristas, lo cierto es que hasta la excesiva puerilidad de sus textos encierra un surrealismo soterrado con mucho encanto. David Lorenzo

111

Segundo disco y nuevas dosis de potente rock and roll, guitarras a tutiplén, actitud combativa y el llamativo liderazgo femenino de su incansable cantante, Agnès. Esta vez, además, Lilith han sabido aprovechar las amistades cosechadas en la carretera (han teloneado a nombres ilustres como AC/DC, Bob Dylan, Deep Purple o Zwan entre otros) para acompañarse en el estudio con referentes del rock español de la talla de Barricada, Dikers, Reincidentes, EUKZ, Carlos Pina de Panzer y la ex Tahúres Zurdos Aurora Beltrán. La diversidad de estas colaboraciones, por otra parte, nos ayuda a recordar que, entre la audiencia de este grupo, tan pronto encontramos a fans del metal como a incondicionales del grunge, seguidores de Barricada o nostálgicos de los Sex Pistols. Y es que a todo esto suena “Sal si puedes”, después de pasar por el filtro de una banda con personalidad propia, por supuesto. Y seguramente por eso, este disco está recibiendo ya algunos premios, mientras ellos siguen girando con éxito por todo el país. Xavier Llop

LONELY JOE

“Songs From The High Side” Autoeditado

POP

1114

Lonely Joe, Joe Pérez, da un giro a su carrera, primero porque abandona Subterfuge, con la que había editado sus dos trabajos anteriores y segundo, porque en “Songs From The High Side” -su cuarto discohay un cambio estilístico importante. En este álbum, los sonidos más ambientales de antaño, se tornan más enérgicos y poderosos, cobrando una mayor importancia las guitarras eléctricas. La voz de Joe, otrora más cálida, se vuelve más rota y desgarrada. Y las letras de las canciones, que en trabajos anteriores estaban fundamentalmente centradas en la temática del amor (o mejor dicho del desamor), en este nuevo álbum son mucho más comprometidas, centrándose en temas como el de la corrupción y la crisis. Estos cambios han sido para bien, porque Lonely Joe ha conseguido hacer un disco (el mejor de su carrera hasta la fecha) de melodías pegadizas, plagado de giros y texturas absorbentes, que te incitan a escucharlo una y otra vez. Mención especial merece la maravillosa “You’re The One”, en la que la voz del cantante se transmuta en la del gran Elvis Presley. Todo un lujo. David Lorenzo

MALACARA

“Manual para los lunes” Autoeditado

POP

111

Este “Manual para los lunes” es un claro ejemplo de disco que uno agarra, analiza su carátula e inmediatamente se sorprende porque esta no le hace justicia a su contenido. No hay pistas, no nos descubre hacia dónde puede dirigirse la formación. Pero, por suerte, la música es mucho más que eso, así que vamos a lo que importa. Los catalanes Malacara se

agarran al estereotipo pop con arreglos electrónicos y canciones directas y bailables (a la que tampoco hacen justicia algunos textos). “Fiesta siciliana” abre el disco de manera acertada. Primera en la frente. No la dejarás de escuchar sin parar, lo tiene todo para engancharte. Igual que con “La flor en el precipicio” posiblemente consiguen lo mejor del disco. Este tipo de canciones son las que se llevan la palma en “Manual para los lunes”. No dejan de lado la sencillez, pero lo llevan a cabo con un resultado formidable. Aunque también queda lugar parar los medios tiempos, que van intercalando, como “Cuneta de los miserables” o “Útero”. Adoran a Mine!, con los que comparten miembro, y beben de la escuela pop catalana del pop más directo con aderezo electrónico ideal para devorar al instante. Marcos Martín Lora

MATTI

“Amumú” Autoeditado

POP

1114

Desde Pamplona y bajo el apadrinamiento del controvertido Miqui Puig, responsable de la producción del disco, nos llega este “Amumú”: buen pop delicado y luminoso que cuenta con la atractiva particularidad de estar cantado en francés, con todo el halo romántico y ensoñador que envuelve a la lengua del país vecino. “Ma Folie” abre el disco recordando al sonido más melódico de Nosoträsh (“Punk Rock City”), y constituye una síntesis de las virtudes del grupo que actúa como carta de presentación idónea para todo aquel que se aventure a escucharlos, ya que deja claras muchas cosas: estos chicos saben tocar mucho y bien (violín, acordeón, sintetizadores…), Samanta (su cantante) posee una preciosa voz ideal para las melancólicas composiciones de la banda y el resultado técnico global es un sonido limpio, cuidado y profesional en el cual seguramente tendrá mucho que ver la figura del ex líder de Los sencillos. El resto de los temas transcurren entre medios tiempos, Samanta desplegando sus excelencias vocales, melodías ejecutadas con eficacia en las guitarras y el toque de gracia en los sintetizadores que dota al conjunto de cierto punto electro-pop ochentero muy sugerente. Dani Arnal

MOLINA AND JOHNSON

“Jason Molina And Will Johnson” Houston Party

CANCIÓN

111

Definitivamente hay discos que no son para todos los públicos. Obras que buscan satisfacer más el ego creativo de los músicos en cuestión que darle cierto cuartelillo al oyente, pero es precisamente por ello que su valor reside en ese misma defensa de la integridad del artista. El disco a pachas de los líderes de Magnolia Electric Co y Centro-matic (entre otros) se basa principalmente en un minimalismo sonoro casi comatoso (guitarra acústica y piano) y en las voces de vocación angelical de sus protagonistas. En ocasiones recuerdan al malogrado Vic Chesnutt más intimista, pero cuando acuden al piano de cola también se acercan al Antony más minimalista y todo ello sin ningún alarde, ningún aspaviento ni ninguna concesión a hacer algo con un mínimo de ritmo, sin percusiones ni arreglos. Por ello hará las delicias de los que dominen el inglés y quieran dejarse sumergir en una aguas densas, adultas y de una seriedad que aletarga, por no decir simple y llanamente que aburre a todos los que no estén algo iniciados. Don Disturbios


(vinilos /46/ Marzo 2010 · MondoSonoro)

adiós a la artista de culto MAIKA MAKOVSKI “Maika Makovski” Origami

ROCK

1111

Con dos primeros álbumes escasamente distribuidos, así como unas siempre admiradas actuaciones en vivo, la mallorquina Maika Makovski ya había logrado el reconocimiento y el culto de un público entusiasta y fiel, aunque limitado en número. De ahí que llegara el momento de tomar decisiones y volver a grabar dando un paso –o, mejor dicho, un gran salto- adelante en cuanto a perfeccionar la producción, disponer de medios y sacar auténtico partido de su evidente potencial. Y aquí tenemos los dividendos de su inversión. La voz privilegiada, el carisma y la sensibilidad vertida en sus composiciones es algo con lo que ya contábamos. Ahora, además, todas las piezas encajan. Para lo-

grarlo, Maika se desplazó hasta Inglaterra y sentó a los controles a todo un John Parish (PJ Harvey, Eels, Tracy Chapman, Giand Sand…). Además, junto a los habituales David Martínez y J.C. Luque, alineó a Oskar Benas como segundo guitarra. Por último, se presentó en el estudio con temas más profundos, inclasificables y abiertos a unos arreglos más creativos que nunca. Adiós a la artista de culto. Bienvenido gran público. Xavier Llop

Maika Makovski Foto Luis Diaz Diaz

SURFIN’ LUNGS

TED LEO AND THE PHARMACISTS

TRESTRECE

VIDRES A LA SANG

LOS YETIS

Wild Punk Records

Matador/La Castanya

Pupilo Records

Xtreem Music

Munster

“Full Petal Jacket” POP

“The Brutalist Bricks” 1114

Parafraseando a ese gran pensador moderno que es Chiquito de la Calzada los Surfin’ Lungs llevan más años en la brecha que la puerta y bien felices que estamos todos los que adoramos el power pop de alma surfera que tan bien saben facturar. De hecho, desde que los Barracudas nos dejaran huérfanos a principios de los noventa (su vuelta a los escenarios a mediados de la década pasada mejor la pasamos por alto) han sido el grupo que mejor ha sabido reivindicar el espíritu de los primeros The Beach Boys rociado, eso sí, con las melodías vitaminadas de los Ramones más poperos. “Full Petal Jacket”, claro está, no presenta nada nuevo en su carrera, pero ni falta que hace. Los catorces himnos de power pop soleado llenos de romances de verano y de fiestas playeras son tan efectivos, pegadizos y entrañables, que da igual que ya hayamos escuchado canciones parecidas miles de veces. Surfin’ Lungs tienen el mojo, y eso les hace especiales. Es más, “Full Petal Jacket” es el disco soñado para olvidar, ni que sea un ratito, la rasca que está pegando este loco invierno. Xavi Sánchez Pons

ROCK

1111

El inquieto Ted Leo y sus Pharmacists han vuelto a conseguir un disco en el que el rock y la actitud punk se dan la mano de la más natural de las maneras posibles. ¿Es esto algo nuevo? Obviamente no, especialmente para ellos, pero preguntas así quedan sobrepasadas en el caso de Leo, capaz de aunar el savoir faire de sus cuarenta años con la pasión de quien cree en lo que vocea desde un escenario. ¿Y sobre el disco, qué? Pues “The Brutalist Bricks” es uno de los mejores discos clashianos que se han podido escuchar últimamente, con diferencia. En literatura de crítica musical, tiene velocidad y rabia, contención, mucha melodía irresistible y canciones escritas sin demasiada melancolía y sí con principio y final claros, de agradecer en tiempos de especial irresolución creativa. Es muy difícil para cualquiera que esté vivo no sentir removidos pies, estómago o cabeza –o las tres cosas a la vez- con “Woke Up Near Chelsea” y su onírica sencillez, “Bottled In Cork” y su hedonismo inteligente o “Even Heroes Have To Die”, puro Dios Strummer. Bien por Ted una vez más. Ignacio Pato L.

“Una señal” ROCK

“Som” 1114

Gran debut el de estos cuatro mallorquines; eso que vaya por delante. Tras varios años recorriéndose la península con varios EP bajo el brazo, les ha llegado la hora de recoger lo cosechado. “Una señal” es un disco que muestra todas las virtudes del grupo, que son muchas, y que nos permite ver que en la península también se pueden hacer discos de rock pesado y guitarrero, cantando en castellano y con un resultado más notable. Los mallorquines beben de bandas como Foo Fighters o Feeder, pero lo mezclan con toques pop a lo L.A o Sexy Sadie. Temas como “Una señal”, “Un mundo nuevo” o “Muy a tu pesar” nos muestran ejemplos de lo que podrían ser tres hits. Directas, contundentes y con mensaje. A partir de ahí medios tiempos melódicos que están a un buen nivel y alguna que otra canción que no aporta mucho pero que ratifica lo escuchado hasta el momento. Y es que los catorce temas del disco (contando el bonus track) lo hacen un poco largo, pero, pasando por alto ese inconveniente, aplaudimos “Una señal”. Al César lo que es del César. Marcos Martín Lora

METAL

“¡Nadaísmo a go-go!” 1111

El hecho de que Vidres a la sang sea uno de los pocos grupos en la música extrema que canta en catalán se ha convertido en una anécdota al igual que sus referencias literarias. En “Som” siguen la misma tendencia, pero con una calidad musical cada vez más grande, con Eloi componiendo casi la totalidad de los seis temas del disco. Grabado en el estudio de Mr. Ax (ex Asgaroth), posiblemente uno de los mejores técnicos del país en su género, encontramos melodías entre el black metal más épico y las reminiscencias del death metal más crudo que, junto a la voz profunda, consiguen recrear nuevas atmósferas como en su tema “Policromía”. Las guitarras de Albert consiguen crear riffs que parecen una evolución de las melodías de Iron Maiden hacia una perversión majestuosa y en un tema como “Esclaus de la modernitat” podemos ver reflejado toda esa intensidad que han conseguido crear estos cuatro músicos. Además su gira con los amigos de Foscor está resultando un completo éxito y prueba de ello será su próximo show en la sala KGB de Barcelona el 6 de marzo, con grabación de DVD incluida. Eduard Tuset

GARAGE

1111

Se me acaban ya las palabras para alabar el trabajo de Munster Records a la hora recuperar para el oyente más entregado toda la retahíla de grupos de América del Sur y de Centroamérica que durante los sesenta dieron un lustre especial al arte de reinventar a su manera el proto pop y el garage más desperjuiciado. A la espera de la golosa caja de singles de Los Saicos (verdadero Shangri-la para los fans del género) que saldrá a la luz en breve, una de las últimas maravillas del sello vasco es la edición de este recopilatorio de Los Yetis, una banda colombiana muy especial que encima fueron la voz, y nunca mejor dicho, del “Nadaísmo”, un movimiento contracultural y vanguardista auspiciado por los intelectuales de Colombia de finales de los cincuenta que tenía como lema, “No dejar una fe intacta, ni un ídolo en su sitio”. Canciones como “Revolucionando”, “”Llegó el desorden” o “Me siento loco”, dejan bien a las claras que los postulados nadaístas casaban a la perfección con el garage pop más cavernícola y bailongo de Los Yetis. Xavi Sánchez Pons


(MondoSonoro · Marzo 2010 /47/ vinilos)

PORT O’ BRIEN “Threadbare”

City Slang/Nuevos Medios

ROCK

111

Resulta que uno compone, un buen día, una canción que pone de acuerdo a mucha gente. Da igual lo que sea: modernos, neo-hippies, poperos y rockeros, indies blanditos e indies duretes. Port O’Brien consiguieron, con “I Woke Up Today” que sirvieron para corear el nacimiento de un nuevo modelo de indie rock: inquieto, sí, pero también optimista, animoso y cero afectado. Lástima que la cosa se quedara ahí. En su nuevo asalto al formato largo, esta banda asentada en California ha dado un (comprensible) giro en sus planteamientos. Continúan apostado por el folk intimista pero, lo que en su ópera prima era celebración de la vida, hedonismo silvestre y despreocupada libertad, se ha convertido en solipsismo apagado, en tristeza. Nadie esperaba de aquellos melenudos gritones este disco, introspectivo, melancólico, amargo e incluso serio. Aquí los himnos, que los sigue habiendo, son ceremoniales, profundos e incluso inquietantes. Fernando Navarro

RETRIBUTION GOSPEL CHOIR “2”

Sub Pop/Popstock!

ROCK

1111

Alan Sparharwk ya lanzó un aviso con el primer álbum de Retribution Gospel Choir, y con este segundo trabajo lo deja aun más claro: éste no es un entretenimiento más, ni tampoco un pasatiempo para evadirse de la intensidad a cámara lenta de Low. Al final va a ser verdad que los designios del señor son inescrutables y que la espiritualidad se manifiesta de formas diversas, porque ya sabíamos de la mística doliente de los responsables de “The Great Destroyer” o “Things We Lost In The Fire”, pero en este caso Sparhawk -acompañado de Steve Harrington (bajo, también en Low) y Eric Pollard (batería)- deja a un lado la versión más contemplativa de sí mismo, con un disco que exhibe músculo de principio a fin. La única excepción es “Poor Man’s Daughter”, en donde sí hay un recuerdo al slowcore más conocido, pero es en temas como “Hide It Away” (sensacional apertura) donde los de Duluth dan su verdadera dimensión, acercándose al hard-rock más aguerrido, lo mismo que después recuerdan a Neil Young (“Working Hard”) y casi al final envenenan y retuercen su sonido en “Electric Guitar”, corte que no desentonaría lo más mínimo en el repertorio de Comets On Fire. Enrique Peñas

ROB ZOMBIE

“Hellbilly Deluxe 2” Roadrunner/Divucsa

ROCK

1114

Algunos habrán conocido a Rob Zombie por sus películas: “La casa de los 1.000 cadáveres”, “Los renegados del diablo” o su notable remake de “Halloween”. Con semejante ascenso en el mundo del cine, su faceta musical parecía relegada al olvido, y la poca repercusión de su anterior “Educated Horses” parecía sentenciar sus días como rockero.

Nada más lejos de la realidad. En una hábil jugada, el cantante ha dado un paso atrás para coger impulso; ha tomado el nombre de su debut en solitario y nos entrega una segunda parte que no sólo retrocede hasta 1998, sino que enlaza con el sonido más punk de “La Sexorcisto”. “Sick Bubblegum”, entre su clásica “Dragula” y el Alice Cooper más thrash, contiene acordes sucios; “Jesus Frankenstein” posee arreglos industriales y unos coros que recuerdan al mejor Marilyn Manson; mientras que la divertida y coreable “What?” se revela como todo un hit en potencia. Inesperado reencuentro con el Zombie más macarra y disfrutable. David Sabaté

La selección Jäger:

los punsetes: descaro total

SNOW PATROL “Up To Now” Universal

POP

111

Juntar hasta treinta temas extraídos de una más que irregular discografía compuesta por cinco álbumes de estudio es una ambiciosa tarea que nace inevitablemente fallida. El cuarteto de Glasgow trata de reivindicarse aquí como algo más que una alternativa segundona a rebufo de Coldplay y Travis. Pero ellos nunca han tenido ni la imaginación creativa de los primeros ni la facilidad para la composición de grandes canciones pop de los segundos. Tuvieron su momento de gloria entre los años 2003 y 2006, cuando de su tercer y cuarto trabajos, extrajeron singles tan efectivos como los indiscutibles “Chasing Cars”, “Run” o “Hands Open”. En ellos definieron una fórmula, la unión de atmósferas de frágil pop melancólico con una épica casi arty, excitante cuando los elementos combinan bien entre sí, pero cercana al sopor cuando esa combustión no existe, que desgraciadamente es lo que sucede en la mayoría de ocasiones. En “Up To Now” bucean en un extenso recorrido no cronológico, excesivo ante sus limitados ases. No sólo aparecen los singles, también caras B, temas en directo y cortes inéditos, casi todos ellos prescindibles. Entre las nuevas canciones que sí merecen la pena, está la divertida versión del “Crazy in Love” de Beyoncé y una de sus mejores canciones en años, “Just Say Yes”. Robert Aniento

TWISTED NAILS

“We Are Animals” Autoeditado

ROCK

1114

Siguiendo la línea de sus dos discos anteriores, “Midriasi” y “Incandescence” -ambos en Arindelle-, con su nueva entrega, Twisted Nails da otro paso adelante. Tímidamente, pues nos movemos en la mismas coordenadas sonoras que les han hecho girar hasta ahora alrededor del grunge y el post-hardcore, focalizando la gama estilística hacia un rock de corte más clásico, pero esta vez con mejor acabado y unos objetivos muy claros. ¿Y cuáles son? Pues nada más simple: los mismos que deberían haber tomado las riendas de sus trabajos anteriores pero que, por inexperiencia o por gajes del oficio, no pudieron salir a flote. Es decir, temas que te atrapen a la primera escucha con un sonido suficientemente poderoso -provinente aquí de Kcleta Studios- como para hacerles justicia. Objetivos ambos que esta vez se ven cumplidos dentro de su escaso minutaje, pues no olvidemos que este “We Are Animals” se trata de un Ep de tan sólo cinco temas, grabado gracias a que los de Sant Celoni salieron victoriosos en un concurso de bandas locales. A seguir mejorando pues. Francesc Feliu

Los Punsetes Foto Iván Rosenstock

LOS PUNSETES “LP2”

Recordings From The Other Side/Popstock!

POP

1111

Los Punsetes se enfrentan a la siempre difícil reválida del segundo disco sin demasiados ases en la manga. El más obvio, la incorporación por vez primera de un productor. David Rodríguez (Beef, La Bienquerida) ha sido escrupulosamente respetuoso con la esencia del grupo y en la mayor parte de estas doce canciones su mano apenas se deja notar en un orden -relativo- y una mayor claridad sonora que rehuye -tímidamente- el amateurismo de su debut. En su haber también se encuentra algún desarrollo marca de la casa, con el kraut setentero puesto entre ceja y ceja

y llevando a una canción como “Hospital Alchemilla” hasta los cinco minutos, algo hasta ahora inédito en los madrileños y, todo hay que decirlo, anecdótico en el cómputo general del disco. Porque el combate a los puntos lo ganan nuevamente oscuros y coreables himnos como “Dinero”, “Estilo” o el primer single, “Tus amigos”, con un estribillo que para bien o para mal nadie podrá ignorar. Canciones distribuidas estratégicamente a lo largo y ancho de un disco secuenciado como una montaña rusa, lo que rebaja el impacto inicial si lo comparamos con su predecesor pero le asegura aún más escuchas. Luis J. Menéndez


(MondoSonoro · Marzo 2010 /49/ vinilos)

CLARE AND THE REASONS “Arrow”

Fargo/Naïve

POP

114

Suena intencionadamente a The Beatles pero también a los estándares pop de la música de cine de los cincuenta. ¿O cierto aire no evocan “All The Wine” o “Ooh You Hurt Me So”? Aunque iría más allá. “Arrow” es toda esa burbuja pop asimilada con cierta delicadeza afrancesada. Sin embargo Clare Manchon y sus razones –entre ellos su marido- son de Nueva York. En esas calles o en las de París (referencias también hay: “Perdue a Paris”) parece que esté inspirado su cancionero. Desprenden una felicidad flotante, cosmopolita, amable, dulzona, que puede llegar incluso a empalagar. Si en lo bonito puede haber algo feo es en edulcorarlo en exceso siempre del mismo sabor. Y en este segundo disco del dúo hay sobradas dosis del mismo registro. Son canciones agradables, bonitas, embadurnadas con arreglos preciosistas de cuerda y viento, como si se tratara de una de esas pequeñas orquestras de salón de las del cine de antes, pero desgraciadamente con un sonido clásico previsible y siempre bajo el mismo tono. Celestí Oliver

COBRA STARSHIP “Hot Mess”

Decaydance/Warner

POP

11

Son presuntuosos, hacen gala de un criterio estético discutible y dedican una de las canciones de su nuevo disco ni más ni menos que al inaguantable líder de Fall Out Boy. Pete Wentz, efectivamente, ficho a los neoyorquinos para su sello Decaydance. En este tercer trabajo, la banda insiste en su fórmula de emo pop azucarado, saturado de sintetizadores y estribillos facilones que ha conseguido captar la atención de millones de quinceañeras. El quinteto, que inició su andadura con el exitazo que daba título al bodrio fílmico “Snakes On A Plane”, se han mantenido de actualidad gracias a su habilidad para manejar el mercado juvenil con su imagen, declaraciones y colaboraciones, (aquí el cantante de Fall Out Boy, Patrick Stump, y a la protagonista morena de la serie “Gossip Girl”, Leighton Meester). Al final de “Hot Mess”, sin embargo, no puede uno desprenderse de la sensación que la broma les está durando demasiado. Robert Aniento

EFTERKLANG

“Magic Chairs” 4AD/Popstock!

POP

111

Nuevo disco de los daneses tras el relativo éxito de su anterior trabajo, “Parades”. Efterklang siguen las mismas pautas que han conformado su línea estilística: electrónica fría y reposada, orquestación clásica, coros angelicales y delicados, arreglos de cuerda y viento… pero esta vez han aparcado la experimentación y dotan al sonido de un aire pop más preocupado por la melodía y la estructura arquetípica de canción, lo que ha dado como resultado un álbum menos arriesgado y más accesible que algunos

de sus predecesores, y que les aleja ligeramente de bandas tipo múm y les acerca más a esa épica que tan de actualidad han puesto Arcade Fire o Sigur Rós. Dentro de la cohesión del álbum destacan “Modern Drift”, la pieza que abre el disco, puro pop de cámara orquestal, con unos cuidadísimos arreglos melódicos que unidos al lirismo poético de la voz de Casper Clausen da como resultado un tema redondo y recurrente a partes iguales; “Alike”, donde el trabajo de la computadora vuelve a girar en torno a la indietrónica y recuerda ligeramente a sus antiguas composiciones, o “Harmonics”, que se acerca sin rubor a los ritmos bizarros de Architecture In Helsinki. Un trabajo disfrutable que, pese a todo, no descubre nada nuevo. Dani Arnal

la efectividad pop de supersubmarina

THE ELEPHANTS “Take It!”

Tapete Records

POP

111

Segundo disco de los daneses Elephants tras las buenas críticas recibidas por su álbum debut y la gigantesca gira mundial posterior. Power-pop de manifiestas reminiscencias setenteras: buenas melodías, coros muy cuidados y arreglos e instrumentos con un punto extravagante. Si bien en su primer largo el sonido, a pesar de resultar elegante y de estar muy trabajado, el grupo tenía un claro aire ligero, alegre y desenfadado, en esta segunda entrega han avanzado hacia terrenos más profundos y reflexivos. Esta evolución viene marcada por un suceso trágico: la repentina muerte del bajista del grupo, amigo y compañero desde mucho tiempo antes del nacimiento de la banda. Para purgar la pena, Elephants se retiraron a una pequeña casa en el interior de un frío bosque danés y escribieron y arreglaron este “Take It!”, un particular homenaje a su desaparecido amigo y que supone un canto entusiasta a la belleza, a la gran tristeza que nos rodea y al eterno poder de la amistad y el amor. Indie vitalista y vitaminado según la escuela de Brian Wilson, con efluvios cercanos a artesanos del pop contemporáneo como Belle & Sebastian o sus decenas de bandas miméticas. Dani Arnal

ESPERS “III”

SUPERSUBMARINA “Electroviral” Octubre

POP

1111

Como un impulso eléctrico, así es y así se definen los andaluces Supersubmarina conforme abren fuego en su álbum de debut. Tras adelantar en una serie de Ep’s un talento emergente para armar hits resultones al oído con pocos ingredientes, los de Baeza se han vaciado para que este álbum largo realmente produzca un cortocircuito en el pop alternativo de este país. El cuarteto aspiran a jugar en la ligas mayores con una propuesta competitiva, esto es, la dinámica rítmica de Bloc Party, la fiereza de Muse y el llanto melódico de Vetusta Morla y por supuesto ese desparpajo seminal que lanzó a Lori Meyers o a los propios Arctic Monkeys. Algo que hubiera quedado en una simple declaración de principios si se hubieran despachado con un par de

1114

El compromiso de Espers con la recuperación de las señas de identidad de la tradición folk británica, más allá de trabajos que demuestran su innegable filiación sonora (como aquel empujón para reflotar la carrera de Bert Jansch, junto a Devendra Banhart y Beth Orton, llamado ”Black Swan”, hace casi cuatro años) vuelve a hacerse patente en este “III”, ni más ni menos que el tercer capítulo (no se han comido la cabeza a la hora de bautizar sus discos) de la trayectoria de los de Philadelphia. Una carrera cada vez más compleja e intrincada, pero siempre con las cartas boca arriba: la voz angelical de Meg Baird, ocasionalmente unida a la de Greg Weeks -factótum del grupo- dando forma a espirales de folk con ciertas esquirlas progresivas e incluso psicodélicas. La preponderancia de las guitarras acústicas queda empañada por los turbadores apuntes eléctricos de Weeks, que apuntalan la calma de “I Can’t See Clear” o “Another Moon Song”, inyectan inquietud a “The Road Of Golden Dust” o incorporan ventiscas apocalípticas a “Sightings”, “Meridian” o “Colony”. Posiblemente este sea su mejor álbum. Carlos Pérez de Ziriza

hits rompepistas y algún medio tiempo dulzón. Pues además de esto, “Electroviral” contiene temas como “Niebla” o “Supersubmarina”, que te elevan por encima del suelo y te sueltan cuando empiezas a dar vueltas por la habitación. La magia moruna de su single “LN Granada”, les permite saludar con el sombrero momentos antes de meterse en un suburbio urbano al ritmo diabólico de “Cientocero”, una especie de baile de la desesperación tremendamente adictivo. Sólo con este bagaje, se hace torpe la inclusión de la adaptación del tema de Alex y Cristina “Hago chas y aparezco a tu lado”. Es cierto que el timbre del disco es único e inequívoco pero de factura excelente, con un sonido grande, muy meditado, que permite al cuarteto estirar la fórmula hasta llegar esa “Galáctica Elástica”, todo un himno, o no dejarte de abrasar la sesera por el estribillo de “Ola de calor”. Como ellos dicen, dispuestos a que el mundo se muera a sus pies, la cosa no necesita más explicación. Arturo García

VV. AA.

GET WELL SOON

JOAQUÍN PASCUAL

Soul Jazz/Satélite K

City Slang/Nuevos Medios

El genio equivocado

“Freedom, Rhythm & Sound”

Wichita/Nuevos Medios

FOLK

Supersubmarina Foto Archivo

JAZZ

1111

Publicado a la vez que “Can You Dig It? The Music And Politics Of Black Action Films 1968-75” (Soul Jazz, 09), “Freedom, Rhythm & Sound” recoge un período anterior de la historia de los negros americanos pero ligado en lo social y en lo psicológico. En la blaxploitation el mensaje se había endurecido, la muerte dejaba poco espacio a la utopía, pero fue una herencia directa del afrocentrismo y de un movimiento que apelaba al orgullo de ser negro, un llamamiento a luchar por los propios derechos, a la vez que músicos como Sun-Ra, Archie Shepp y Joe McPhee dejaban su sello inconfundible en el sonido de la época e inauguraban nuevas posibilidades. El jazz revolucionario al que hace referencia el título es un jazz furioso y armonioso, expansivo y espiritual, capaz de viajar a nuevos universos y de hundirse en las profundidades del ser, pero siempre afirmativo, seguro, autosuficiente. Muchos de estos temas siguen sonando igualmente desafiantes y revolucionarios, de la misma forma que muchos de los puntos en la agenda del movimiento todavía esperan convertirse en realidad. Joan Cabot

“Vexations” POP

“El ritmo de los acontecimientos” 11

La historia de “Vexations”, el segundo disco de Get Well Soon, es la de un viaje a ninguna parte que comienza mirando a Jean Paul Sartre (“Nausea”) y acaba naufragando en un mar de disquisiciones filosóficas sin el resultado musical que demandaba el empeño. Después del buen sabor de boca que dejó el debut del berlinés Konstantin Gropper, esta vez su talento sólo se muestra de forma puntual y dispersa. Busca la épica pop en la línea de Arcade Fire, aunque se queda a medias, del mismo modo que las comparaciones con Nick Cave o Tom Waits hoy por hoy le vienen grandes, con unas canciones que se atascan a menudo en una pretenciosidad que no encuentra razón de ser en un conjunto demasiado sesudo al que le falta adentrarse en el capítulo de las emociones. Aun así, hay también momentos de cierta brillantez, como ocurre en “5 Steps / 7 Chords”, la impetuosa “Angry Young Man” o “We Are The Roman Empire”, un balance escaso para un autor que venía de demostrar que podía dar bastante más de sí, pero que aquí, desafortunadamente, apenas alcanza el aprobado. Enrique Peñas

ROCK

1111

De partida, el reto no era fácil: documentar fugaces destellos de vida, pequeñas cosas que no siempre están bien dispuestas y registrarlas en caliente, en ocasiones tan sólo con la ayuda de una guitarra, para no perder la urgencia del momento. Un experimento suicida que requiere tanto de disciplina como de genio, algo de lo que Joaquín Pascual anda más que sobrado. “El ritmo de los acontecimientos” surge en un momento de desengaño, pero no se abona a la terna de obras de ruptura autocomplacientes. Cascarrabias e irónico, pero más valiente que nostálgico, Pascual pega un puñetazo en la mesa para reivindicar que, más allá de circunstancias, lo importante ahora y siempre son las canciones. Aquí están algunas de las mejores que haya compuesto nunca, ya sea en forma de minimalistas nanas (“Una pena de camisa” o “Descansar”) o saturando las melodías a conciencia con toneladas de reverb (“Sólo te pedí un cigarro” y “Jugando al escondite”, que contienen las guitarras más enfurecidas que haya grabado en años). Javi Pulido


(MondoSonoro · Marzo 2010 /51/ vinilos)

NAJWA

“El ultimo primate” Warner

POP

1114

Sin la presencia de Carlos Jean (pero eso sí, acompañada en algunos cortes de su verdadera media naranja musical, Raúl Santos), Najwa Nimri debuta en la lengua de Cervantes susurrándonos y desgarrando su alma sin necesidad alguna de recurrir a la efectividad electrónica de la que antaño hizo gala o de innecesarios artificios. Nos encontramos ante su trabajo menos pop: sin estribillos remarcables (a excepción del tema homónimo) y cargado de pianos ensoñadores, guitarras acústicas y orquestaciones de cuerda. Por ello, para adentrarse en temas como “Siento el diablo en mi”, la brillante desnudez musical de “Con un puñal” o la preciosista “Como un animal”, únicamente hace falta evadirnos de cualquier distracción y dejarse llevar. Se agradece de buen grado que después del éxito de su último largo, “Walkabout” (si no tenemos en cuenta la resurrección de Najwajean que supuso “Till It Breaks”), la jordano española se ponga el mundo por montera y vaya por libre firmando su trabajo más intimista y arriesgado hasta la fecha. Y ahora nadie podrá decir que no entiende sus letras. Sergio del Amo

NITZER EBB

“Industrial Complex” Major Records

ELECTRÓNICA

1111

Después de la reunión en el año 2006, tras quince años desde su último disco, de Vaughn “Bon” Harris, Douglas McCarthy y Jason Payne podemos disfrutar de una nueva obra de los maestros de las pistas de baile más agresivas. Ya era hora de que los temas nuevos que tocaban en directo pasasen al estudio. Muestra de ello son temas como “Once You Say”, que cuenta con la inestimable ayuda de Martin L. Gore de Depeche Mode, con los cuales comparten cartel durante estas primeras fechas de 2010, recuperando una relación que nació en 1987. En “Industrial Complex” se mezclan temas brillantes y pegadizos como “Payroll” o la enfermiza “Down On Your Knees”, con cortes mucho más profundos como “Going Away” o “I Am Undone”. Como aliciente extra, nos encontramos con un compacto de remixes que incluyen uno de Alan Wilder, quien comparte gira española con los protagonistas de esta reseña. La espera ha sido larga, pero ha valido la pena. Eduard Tuset

PARADE

“Intonarumore” Jabalina

POP

1111

Corredor de fondo de los de verdad, lleva en esto desde finales de los años noventa y fue justo el año pasado cuando por fin la prensa y el público en general reconocía de forma unánime su talento con el excelente “La fortaleza de la soledad”, Antonio Galvañ vuelve a la actualidad con “Intonarumore”, un disco doble que funciona como obligado rescate de su obra pasada,

lleno de canciones ya conocidas, rarezas y un buen puñado de corte inéditos. Vamos, un banquetazo en toda regla tanto para el fan más leído del murciano como para los que lo descubrieron con su último disco. Y es que en este doble CD no hay un solo tema de relleno, todos son notables (algo dificilísimo de ver en un disco de estas características), como esa inolvidable oda a “Blade Runner” que es “Construye a tus amigos”, una de las mejores composiciones del cancionero de Galvañ que aparecía en “Metaluna Ep”, la conmovedora “Cielo”, extraída de su debut homónimo para Spinic, “Plutón”, una gema de pop galáctico a descubrir llena de guiños al universo de John Hughes, o “Eolo”, un increíble, por bueno, descarte de “Consecuencias de un mal…”. Lo dicho, un verdadero festín. Xavi Sánchez Pons

la brigada, el pop que importa

PANTHA DU PRINCE “Black Noise”

Rough Trade/Popstock!

ELECTRÓNICA

1114

Rough Trade publica el nuevo álbum de Phanta Du Prince, muy buenas noticias. Eso es que volverá a haber quien no se amilane ante propuestas así, o quien no almacene este disco sólo bajo la etiqueta de “electrónica” y nada más. En los discos anteriores de Hendrik Weber se han dado la mano el shoegaze con el ambient y el microhouse, como si hiciera méritos para ser lo mejor de aquella serie que sacó Darla llamada “Bliss Out”. No hay huidas en ningún sentido, el álbum es pariente cercano de “This Bliss” (Dial, 07). Inmediato, sacando calor del frío, y tendiendo puentes entre la psicodelia y el razonamiento abstracto. Para entendernos, Weber ha decidido conscientemente no usar elementos nuevos sino jugar a usar los más habituales de la década pasada con una intención distinta de la normal, dando todas las pistas de por dónde puede ir el tema pero sin llegar a descubrirlo del todo, y sin salirse de su papel de maestro de ceremonias de una fiesta ascendente a la que le cuesta un poco despegar de Morr Music, pero en el momento que lo hace, desde ese “Stick To My Side”, se transforma en una de las fiestas más elegantes que ha publicado el sello en mucho tiempo. Jorge Obón

La Brigada Foto Marc Bordons

LA BRIGADA

“Les paraules justes” Outstanding Records

POP

11114

Gracias primero y sobre todo a Antònia Font y más tarde al “fenómeno” Manel, los grupos de pop en catalán con regusto indie no son solo patrimonio de las tierras donde se conoce el idioma. Por eso, desde ya, toca no cortarse a la hora de alabar las bondades de discos que antes eran considerados carne de edición local a pesar de su excelencia. Pues bien, el segundo álbum de La Brigada supera la barrera idiomática y se convierte por méritos propios en uno de los trabajos de pop elegante, sofisticado, y de

MONTEVIDEO

NIÑO Y PISTOLA

THE NEXTMEN

El Genio Equivocado Discos

Ernie Records

Universal

“As Arthur & The Writers”

“Vértigo y euforia”

BIFFY CLYRO

POP

“Only Revolutions” 14th Floor/Warner

ROCK

1114

Tras dar unos cuantos palos de ciego en sus primeros discos, saltando del hardcore más crudo a lo Fugazi a la herencia grunge de unos paisanos como Therapy?, no fue hasta su cuarta entrega, el aclamado “Puzzle”, que los escoceses acotaron su estilo y tuvieron muy claro que su camino pasaba por las melodías contagiosas, las guitarras poderosas pero bien moduladas y una producción pomposa, épica y capaz de llenarlo todo sin dejar espacio alguno. Todo arriba, todo inflado como un copo de maíz a punto de estallar. Pues bien, este “Only Revolutions” no es más que la digna sucesión de lo tramado en “Puzzle”. Buenas melodías de corte épico que los acercan un poquito más a Incubus o a los últimos Foo Fighters y con un mago como Andy Wallace (Sepultura, Faith No More, Jeff Buckley) repitiendo a las mezclas poco o nada se puede escapar. Don Disturbios

aromas folk más inspirados de la temporada dentro de la independencia nacional. Con unos referentes más que claros, los Belle And Sebastian del “If You’re Feeling Sinister” y los The Divine Comedy del “Casanova” a la cabeza, el grupo capitaneado por Pere Agramunt (desde ya uno de los mejores letristas catalanes de la actualidad) es capaz de enriquecer su pop de querencia británica con una sensibilidad heredada del folk y del pop catalán más de culto. Una sabia y sentida mezcla que es capaz de entregan algunas de las canciones más emocionantes de la temporada. Sirva de ejemplo “En el record”, verdadera cumbre emotiva del disco y una de la mejores canciones sobre rupturas amorosas que se hayan escrito nunca. Xavi Sánchez Pons

1111

Una buena lavada de cara, en ocasiones, sienta que ni pintado. Su estreno fuera de la discográfica Jabalina, “Vértigo y euforia”, nos teletransporta en el tiempo anhelando unas buenas cañas en la terraza de turno veraniega. Aquellos que intentaban englobarlos (fallidamente) dentro de la escena electro pop, ahora, tendrán que comerse sus propias palabras. Gracias a temas como “El futuro será lo que queramos” o el efectivo single “Orillas plutonianas” afianzan a la banda en el trampolín mediático en el cual se han visto suspendidos durante los últimos años. Con una mayor presencia de las guitarras (junto a la incorporación de una batería al uso), a veces llegan a recordarme a Volovan, en otras ocasiones, como en “Mil vueltas”, a unos Nacha Pop en estado de gracia, pero sea como fuere lo único fehaciente es que se han marcado su largo más fresco y degustable hasta la fecha. El cover de The Clash que entonan en “Perdidos en el supermercado” o la propia “Asesino” hablan por sí solas. Así que lo único que podemos desearles a Damiana, Manu y sus secuaces es que haya justicia para ellos. Sergio del Amo

FOLK-ROCK

1111

Niño y Pistola es una banda de Galicia que no ha tenido mucha fortuna a la hora de ganar cierta repercusión más allá de ese vivero musical que es la esquinita noroeste de la Península, a pesar de iniciar su andadura con un sello barcelonés. Pero la parte positiva de no depender de cifras es el grado de libertad que te otorga no tener que rendir cuentas con nadie, cosa que provoca que te puedas sacar de la manga ideas como por ejemplo crear todo un alter ego musical. Inventarte para la ocasión un grupo, unas biografías de los componentes, una historia sobre un amigo poeta fallecido y sacar a relucir todas tus influencias sin un atisbo de sonrojo. La idea no es nueva y la han practicado de David Bowie a Elton John, pero aquí lo que cuenta es el resultado de diez canciones que, pese a los préstamos nada disimulados de Neil Young, Creedence, Stephen Stills, The Jayhawks o The Byrds, te hacen pasar un rato de lo más agradable con unas harmonias vocales de infarto y un sonido que nada tiene que envidiar al logrado por bandas del otro lado del Atlántico. Don Disturbios

“Join The Dots” ELECTRÓNICA

111

Superar el poderío de ese punto de inicio que supone la instrumental “Join The Dots” con esas bases de drum’n’bass perfectamente acopladas con unos embellecedores acompañamientos de cuerdas, supone un gran reto. Pero el cuarto álbum del dúo británico, a diferencia de su anterior “This Was Supposed To Be The Future”, funciona como un collage estilístico donde el funk, el reggae y el hip hop se unen de la mano para ponernos a tono antes de adentrarnos en las luces de neón. “The Lion’s Den”, el mejor corte con diferencia del álbum que nos ocupa, vuelve a devolvernos la fe en una Ms. Dynamite a la cual incomprensiblemente habíamos perdido la pista y en el garage macarrónicamente anglosajón. Pero otros nombres propios, asimismo, brillan con luz propia como es el caso de Betty Steeles y ese “Whisper Up” melódicamente ensoñador. El efecto sorpresa va perdiendo fuelle con el paso de los minutos (he aquí “Rockets”), pero siempre quedan perlas como “Love Someone”, donde Kivanc canta a la crudeza de la violencia de género sin caer en el típico lloro moralista. Sergio del Amo


(vinilos /52/ Marzo 2010 · MondoSonoro)

built to spill, paso firme BUILT TO SPILL

“There Is No Enemy” ATP Recordings

ROCK

1111

A un grupo que en los noventa ya fue uno de los grandes referentes generacionales del indie-rock, lo que le queda ahora, a falta de un estrellato definitivo que se antoja imposible, son las canciones. Y a eso es a lo que se dedican Doug Martsch y compañía. Que nadie espere un cambio de rumbo. Es más: mejor que no lo haya, porque pocos como ellos tienen esa capacidad para evocar un tiempo pasado sin que suene caduco, sino todo lo contrario. Este “There Is No Enemy” acaba siendo, después de unas cuantas escuchas, el mejor álbum de los de Idaho desde que en el 1999 firmasen “Keep It Like A Secret”. Aquí están los ecos a Pavement, a Camper Van Beetho-

ven, a George Harrison, a Neil Young… a todo aquello a lo que siempre han sonado y seguirán sonando, aunque por encima de todo domine la honestidad consigo mismos. Y para eso, nada mejor que dejarse llevar por la delicada “Nowhere Lullaby”, los coros de “Life’s A Dream”, las guitarras marca de la casa de la enérgica “Pat”, el pop en su versión más directa de “Planting Seeds” o la creciente intensidad final de “Tomorrow”. Enrique Peñas

Built To Spill Foto Archivo

POLAR

SURFER BLOOD

GENTLE MUSIC MEN

SEBASTIEN GRAINGER

SEE

Absolute Beginners

Kanine

PIAS

Saddle Creek/Popstock!

Autoeditado

“Fireflies In The Alley” POP

“Astro Coast” 1114

Por lo que sea, porque su álbum anterior era de versiones, porque se han cansado de estar en un segundo plano durante estos más de diez años, porque han decidido echar el resto para intentar construir las mejores canciones de su carrera (prueba superada), porque el jefe de la nave ha sido el eterno galáctico en la sombra Paco Loco… por lo que quieran, pero la cuestión es que los valencianos Polar se han sacado de la manga un gran disco, una obra genial que sintetiza lo mejor de su carrera. El slowcore característico del grupo sigue siendo el hilo conductor de las composiciones, y las influencias musicales típicas de la banda como The Velvet Underground o Galaxie 500 se unen con efluvios directos a los Pavement más arreglados o al post-punk británico de hace treinta años. A destacar sobremanera: la apacible “Charming Hotel”, que abre el disco con estilo, “Coronado II” que sorprende acercándose con clase al surf instrumental en sus vertientes más tranquilas, y la emocionante “All The Music People”, ya hacia el final, que se revela como el himno de un disco que debería poner a los valencianos en el lugar que se merecen. Dani Arnal

ROCK

“Cuentos modernos” 1111

Dentro de diez años será mucho más fácil hablar de grupos como Girls o Vampire Weekend, o evaluar la importancia del “Odd Blood” de Yeasayer o el “Bitte Orca” de Dirty Projectors. Frente a esa ventaja insalvable, podemos intentar encontrar en esos mismos grupos y discos algo que nos hable del espíritu de nuestro tiempo aunque sea precisamente esa vocación de foto fija la que los pone en riesgo de ser olvidados cuando la historia pase página. Todo esto no parece importarle en absoluto a los jovencísimos Surfer Blood. Su música es puro zeitgeist: los diez cortes que componen su debut atesoran destellos de todo cuanto hay de excitante en la música indie del momento, de todo cuanto contiene de renovador y de revivalista, tanto las deudas a los clásicos (el pop californiano de The Beach Boys abrasado en la furia de Pixies) como traviesos cut & paste de algunos de los grupos que ahora mismo están marcando la tendencia (esos punteos tropicalistas mirando a Ezra Koenig). Todo ello convierte “Astro Coast” en un disco monumental, en algo magnífico, aquí y ahora. Joan Cabot

POP

“Sebastien Grainger & The Mountains” 111

La decisión de cambiar el inglés por el castellano retardó más de un año la aparición del segundo disco de Gentle Music Men, que se estrenaron en 2008 con un debut homónimo actualmente disponible únicamente en su reedición que hizo PIAS (con una interesante versión de “Only Love Can Break Your Heart” de Neil Young). La espera valió la pena: el quinteto de Vilanova i la Geltrú (Barcelona) ha sabido condensar en treinta y cinco minutos un discurso musical rico, matizado y delicado que empieza casi a pelo con la canción que titula el disco, ejemplo de la proximidad casi física de las nuevas composiciones de Dani Poveda. El amor, el entusiasmo y cierta frivolidad naïf encantadora (“Dirán, dirán”: “Hablan de tu pelo, de mis zapatos y de esas faldas que rompen con todo”) combinan a la perfección con la adecuación musical: las guitarras, las percusiones, los vientos y los arreglos de cuerda, dosificados u omnipresentes (como en la delicatessen violinística de “¿Quién dice que no estamos locos?”). Gentle Music Men muestran su cohesión como banda y transmiten el momento optimista por el que están pasando. Jordi Nopca

ROCK

1114

El que fuera baterista y vocalista de los extintos Death From Above 1979 publica ahora su primer álbum en solitario. Los ritmos frenéticos y la energía que caracterizaran a esta banda se mantienen, pero Grainger abandona el sonido dance-punk de su etapa anterior por una esencia mucho más rockera, en la que el bajo y las guitarras cobran un mayor protagonismo, como en las angustiosamente buenas “I Hate My Friends” y “(Are There) Ways To Come Home?”. Pero no todo es sudor y músculo, también abundan los temas más bailables y pegadizos: “Love Can Be So Mean” -rompepistas en toda regla con claras influencias de bandas como The Strokes, Clap Your Hands Say Yeah! o Bloc Party- o “Renegade Silence” -tema muy disco, marchoso y optimista-. Es en los temas más pausados donde Grainger muestra mayores carencias por ser demasiado predecible -“By Cover Of Night (Fire Fight)” e incluso ramplón -“Love Is Not A Contest”. Por suerte, lo que prima en este largo son canciones rebosantes de sonidos rabiosos, como en la rabiosa “Niagara”. Muy disfrutable, sin duda. David Lorenzo

“Early Morning Sun” ROCK

1114

Primer largo de esta banda balear-catalán, aunque capaces de conseguir un sonido que no parece de nuestro territorio. Es decir, o estos chicos sufren de una intoxicación etílica de estilos musicales o realmente tienen potencial. Por tanto, este “Early Morning Sun” debería alabanzas desde diversos ámbitos. Centrándonos en el disco, empieza con “Animal In A Tube”, que ya orienta de las cotas a las que el grupo puede llegar. Guitarrazos sin contención y voces crispadas. O pretenden sorprender o sencillamente hacen lo que les place. A partir de ahí empiezan a ponerse serios y exploran distintos terrenos. En “Grow” juegan a ser The Beatles, mientras que la voz nos recuerda por momentos a Thom Yorke. Algo parecido ocurre con “Behind The Sun”. A continuación “Reset” o “Early” e incluso “The Cell” funcionan bien como muestra de su estilo más evidente, una mezcla entre The Black Crowes y Soundgarden, y la tónica general del grupo para ser exactos. Uno ve la longitud de sus cabelleras y tiende a estereotiparlos. Nada de eso, See merecen ser valorados en toda su amplitud. Marcos Martín Lora


LAVENTANA

Mandalas Foto Archivo

MondoSonoro · Marzo 2010 /55/

Tsunami Music

Cooperativa musical ¿Qué tienen en común Amable, Mandalas, The Leadings o Kulyela? Pues que todos ellos forman parte de la familia de Tsunami, un sello afianzado en Barcelona desde 1999 que ahora, de la mano de The Chemistry Set, intentará hacerse un hueco en el mercado británico.

C

Imprescindible

on once años a sus espaldas, Tsunami Music, dirigida desde la Ciudad Condal por David Velasco, se ha convertido gracias a las compilaciones de Amable o los trabajos de Kulyela o Five Mix Colors en un referente alternativo de la electrónica orgánica y las herencias ensoñadoras del drum’n’bass, el hip hop y el rock. Pero desde aquellos primeros pasos de sus inicios hasta el día de hoy, ¿en qué ha cambado su filosofía? “Cuando fundamos el sello junto a Ramir (Kulyela, exGroove Crew) la idea era autoeditar los trabajos de Mandalas. Llevaba años vinculado a Liquid Records, pero cuando acabó, nos

embarcamos en este proyecto. Empezamos editando grupos afines a nuestro estilo, como Five Mix Colors o Longo, pero entonces decidimos ampliar el abanico abriendo dos subdivisiones, uno de música electrónica experimental llamado Medusa Music y otro de rock’n’roll, Blowfish Music”. Y en cuanto a referencias disqueras, ¿a qué sellos les hincábais el diente entonces? “Al principio de todo teníamos como referencia a Ninja Tune. También observábamos a discográficas como Warp o Mo’ Wax, pero en estos momentos no les seguimos tanto. Nuestro sello ya tiene una línea muy

Mandalas “Hydra Rysing” (2006)

marcada y nosotros mismos somos los que nos creamos nuestra propia guía”. Gracias al “Hydra Rising” de Mandalas pasaron del “amateurismo total a ser vistos como una discográfica de calidad”, pero ahora tienen un nuevo reto entre manos, el lanzamiento de los británicos The Chemistry Set, con el que esperan estrenarse en un nuevo mercado, el inglés. Aunque a todo esto, ¿qué debe tener un artista para formar parte de vuestro catálogo? “Me gusta trabajar con músicos con los que me sienta identificado o conecte con ellos, con los que haya feeling y, además, entiendan que el negocio de la música en este país es complicado. Si no veo que a nivel personal pueda tratar con ellos o tienen claro el sacrificio que comporta por ambas partes, prefiero no escogerlos para trabajar aunque me guste lo que hagan. Se podría decir que la filosofía es un poco como una cooperativa”. ■ Sergio del Amo

1111

Uno de los álbumes que mayores alegrías han dado al sello es también una de las obras cumbres surgidas de los extinguidos Groove Crew. Once temas adictivos a más no poder donde las guirnaldas electrónicas a lo Primal Scream, el funk de Sly & The Family Stone y las sonoridades de tintes folk psicotrópico se fusionan a la perfección.

Interesantes

Kulyela “The Enemy Within” (2004) 1111 Desde 1998 Kulyela ya empezó a hacer de las suyas con su hip hop instrumental, su particular visión del free-jazz y la filosofía del corta y pega. Pero no fue hasta 2004 cuando lanzó su primer largo, dotado de temas instantáneos como “Enemy” o “Dust”, en los que la improvisación y los riffs trompeteros andaban a sus anchas con una efectividad pasmosa.

Five Mix Colors “This is Spectral Jazz” (2001) 1114 ¿Qué sale de una formación rockera al uso, dos Dj’s de la escuela hip hopera y una sección de vientos? El resultado es Five Mix Colors. Su debut los encumbró como una rara avis del jazz gracias al ecléctico abanico estilístico que predicaban, pero temas como “Trojans” o “Ignition” no han perdido su frescura nueve años más tarde.

NOVEDADES

Dj Amable

“Razzmatazz 09” (2010) 1114 Tsunami ha encontrado su gallina de los huevos de oro (al menos, económica) en esta apuesta segura de las estanterías. El Dj reúne una vez más lo más granado que ha sonado durante los últimos meses en el templo del Poblenou. Se echan de menos un sinfín de temas, pero nadie puede escaparse de las garras del “We Are The People” de Empire Of The Sun o “The Reeling” de Passion Pit.

Monoculture

“Monoculture” (2010) 1114 El propio Velasco se esconde detrás del bajo de esta banda que acaba de lanzar su debut mamando de los ecos de Joy Division y una carga electrónica que les lleva de Depeche Mode a The Whip. “Mountaintop” está predestinada a hacernos bailar de lo lindo, pero no se quedan ni mucho menos atrás temas como “Shining” o “Modern Life”. ■


MONDOMEDIA

Harmony Korine Foto Palmira Escobar

CINE

Harmony Korine Foto Sabel Permuy

MondoSonoro · Marzo 2010 /57/

Harmony Korine

La provocación es bella El enfant terrible por excelencia del cine independiente americano de la pasada década fue objeto de un ciclo retrospectivo en el último Festival Internacional de Cine de Gijón, que pasó revista a su obra desde el ya lejano “Kids” hasta su última locura, “Trash Humpers”, de improbable estreno en salas comerciales.

L

a leyenda precede a Harmony Korine (Bolinas, California, 1973). Cuentan que la última vez que el Festival de Gijón le invitó a presentar una película (“Julien Donkey Boy”) apareció con Chloë Sevigny, se encerró en su habitación durante varios días, dejó plantado al festival en casi todos los compromisos y se desentendió de su famosa novia, a la que no le faltaron ofertas para hacer más llevadera la estancia en la ciudad. “Durante aquella época tomaba muchos narcóticos”, responde él con una sonrisa afable cuando la prensa le pregunta por alguna de las muchas anécdotas de su años yonquis. No parece particularmente inclinado al arrepentimiento. “Todo lo que he hecho en mi vida, especialmente lo más asqueroso, contribuye a mi arte, infunde una cierta cualidad en mi visión del mun-

cualquiera de las que la preceden, o quizá más. En un derroche de literalidad, “Trash Humpers” retrata precisamente lo que su título indica, un grupo de tipejos muy extraños que se dedican a ir por ahí follándose cubos de basura. Tal cual. Y para redondear la jugada, está rodada en VHS. Como el argumento nos supera, le pedimos que nos explique lo del formato. “La gente está obsesionada hoy en día por la tecnología, los píxeles y la claridad de la imagen. Es un concepto aburrido. Yo no siento ningún tipo de preferencia en cuanto a la forma. No pongo mi fe en ninguna clase de tecnología, me da absolutamente igual, es tan sólo una máquina, un instrumento: VHS, 16mm, 35 mm… Cada uno tiene un sonido particular, su propia cualidad, y una serie de ideas asociadas”.

“En cierto sentido, ‘Trash Humpers’ no es una película, sino algo diferente, casi un artefacto” do. Aunque desearía no haber quemado mi casa aquella vez”. Pero el Harmony Korine que tenemos ante nosotros dista mucho de aquel geniecillo desastrado y efervescente que parecía encarnar la falta de rumbo de una generación perdida, la enésima saga de jóvenes exiliados del sueño americano. El Korine de treinta y seis años es un hombre nuevo, sin adicciones, casado y cuya recién estrenada paternidad no le permite apenas leer un libro. “Cada vez que lo intento me quedo dormido. Ahora que lo pienso tampoco he visto muchas películas este último año”. ¿El apocalíptico integrado? Tal vez el hombre, pero no el director. Su última película es tan bizarra y desconcertante como

¿Y qué le atrajo del VHS en esta ocasión, pues? “Algo relativo a este formato encaja perfectamente con esta película, se funde en el concepto. En cierto sentido ‘Trash Humpers’ no es una película, sino algo diferente, casi un artefacto, algo que debería ser enterrado en un arcén. Una cinta abandonada que alguien ha encontrado por casualidad, una especie de found footage. De ahí el formato, para emular una cinta de VHS cualquiera”. La sugerencia de que la cinta se mueva en un registro cercano a otros falsos documentales como el “F For Fake” de Orson Welles o la reciente “Cloverfield” queda desestimada de inmediato. “Nunca tuve ninguna referencia en mente, tan sólo quería

ser fiel a la idea de película doméstica, una pequeña colección de momentos y escenas de estos tíos mientras van de un lado a otro. No quería componer nada demasiado complejo, sino documentar sus actividades. A estos tíos no les interesa Orson Welles, sino follar basura, quemar y destruir cosas. Por eso usé las peores cámaras y reutilicé las cintas una y otra vez, porque creo que así se intensifica la cualidad terrorífica de la imagen. A mucha

excéntricos. “Al fin y al cabo yo soy de allí y crecí en ese entorno. Entiendo a esos personajes y en muchos sentidos soy uno de ellos. Para mí lo más natural del mundo es hacer películas sobre ese mundo”. Un mundo en el que, todo sea dicho, siempre late una intensa pulsión de violencia, ya sea reprimida o desatada. “En la America en la que yo crecí siempre había una preocupación latente, una permanente sensación de violencia infiltrándose en tu

“Intento transmitir cómo se experimenta América si rascas un poco la superficie” gente no le gustará el resultado, pero a mí me parece que hay algo hermoso en tener que forzar la vista para ver a través de las imperfecciones de lo analógico”. Le comentamos que al salir de la primera proyección de “Trash Humpers” en Gijón un director que presentaba otra cinta en el festival –Joshua Safdie, uno de los autores de la excelente “Go Get Some Rosemary”, que por cierto se proyecta este mes dentro del ciclo Ambigú– estaba tan excitado que le gritaba a cualquiera que tuviera al lado que “eso era América”, que lo había clavado. Korine se ríe. “De alguna forma, creo que soy el director de cine más americano haciendo películas hoy en día. Pero mi objetivo no es mostrarte América, sino enseñarte a qué sabe. Yo intento transmitir cómo se experimenta América si rascas un poco la superficie. Cuando vas detrás del callejón, o debajo de un puente y miras arriba, eso es lo que veo, lo que siento, de lo que tratan mis películas. Sin embargo, es precisamente lo que la mayoría de directores actuales prefieren ignorar”.

S

i algo caracteriza a Korine es que nunca se sitúa por encima de los personajes de sus películas. Siempre existe en ellas una extraña transparencia y comprensión que ampara toda clase de comportamientos

vida. Nunca sabías cuándo un tipo podía subirse a un coche e ir a tu casa a joderte el día, porque sí. Al mismo tiempo todos nos mirábamos aquello con cierto humor. No quiero que mis películas se tomen demasiado en serio a sí mismas, nunca tratan de decir algo específico. Lo mío es más una cuestión de tono, una sensación emocional con la cual la película está conectada. La película va sobre cualquier cosa, y sobre nada. Los personajes simplemente son. ¿Qué es la vida? La verdad es que no lo sé”. El director de “Gummo” también es conocido en los círculos musicales por su amistad con lo más granado del indie americano. Korine ha dirigido videoclips para Sonic Youth y Will Oldham, entre otros, pero confiesa su desprecio por el género. “Odio hacer videoclips. No los soporto. Me lo he pasado bien haciendo algunos, porque los músicos eran amigos míos, pero la mayoría no son más que un ejercicio de vanidad. En general prefiero hacer un anuncio de lejía antes que un videoclip para un cantante cualquiera. Normalmente no resulta interesante, tan sólo se trata de hacer quedar bien al músico mientras él simula cantar su canción… Aunque hay gente que hace cosas interesantes, como Chris Cunningham, que es un fuera de serie”. ■ Xavi Serra


mondorecomienda

LA ENTREVISTA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ FANZINES

libros

Conversaciones con Fellini

Cine del Oeste. De la A a la Z.

“Cuando comienzo una película paso la mayor parte del tiempo en el escritorio y no hago sino garabatear nalgas y tetas”… Sólo por citas como esta es obligado adquirir este breve pero suculento libro que recoge reveladoras declaraciones de un cineasta único e irrepetible. Xavi Sánchez Pons

Siguiendo la estela de Carlos Aguilar, héroe de los libros de cine enciclopédicos, Díaz Maroto presenta un diccionario en el que repasa los mejores westerns de la historia. Una lista donde caben desde clásicos de Ford, Wellman, Leone o Boetticher, a perlas a descubrir de Joseph H. Lewis o Corbucci. Xavi Sánchez Pons

Giovanni Grazzini Gedisa Editorial (11114)

Enrique Rubio Foto Archivo

Carlos Díaz Maroto Ediciones Jaguar (1111)

Enrique Rubio

Fuego abierto Las noches difíciles

Laúd y cicatrices

Recopilatorio de cuentos breves, algunos de ellos verdaderas miniaturas. Las trescientas páginas están pobladas por más de cincuenta relatos que fueron los últimos que publicó en vida el italiano. La principal característica de estas historias es la unión en una peculiar armonía de cotidianeidad y un trasfondo surrealistamente fantástico. Marcos Arenas

Testigo infantil de matanzas en la II Guerra Mundial y cuyo padre murió en un campo de concentración, Kis se acabó suicidando. Por ello no es de extrañar la presencia de la muerte en su obra. En “Laúd y cicatrices” se recogen unos pocos relatos inéditos que desarrollan temas como la soledad, la enfermedad e incluso el suicidio. Marcos Arenas

Danilo Kis Acantilado (111)

Dino Buzzati Acantilado (111)

DVD MÚSICA

Black Rebel Motorcycle Club

“Live” V2/Nuevos Medios (1114) Una veintena de cortes grabados en directo por los estadounidenses en tres ciudades distintas (Glasgow, Dublín y Berlín) dejan claro que, por mucho que algunos lo hayan intentado, aún es demasiado pronto para enterrar al grupo. Su energía se mantiene y sus canciones empiezan a encajar con buenos resultados unas con otras. En cuanto a la filmación, todo encaja con esos blancos y negros que han marcado sus discos y clips hasta el momento. Es decir, que no daremos aquí con muchas sorpresas, pero tampoco hay decepciones. Además del DVD en concierto, este pack incluye un disco de audio, así como diversos extras visuales (ensayos, un corto y sesiones para la BBC entre otros). Enrique Gijón

Mono

“Holy Ground: NYC Live” Temporary Residence /Popstock! (111) Si no les conociésemos, viendo este concierto grabado en directo junto a la The Worldless Music Orchestra uno pensaría que está asistiendo a una actuación de los años del kraut rock. Eso significa que la fuerza de este DVD reside en lo que presenta y no en cómo. En todo caso, una experiencia muy rica. Enrique Gijón

Wolves In The Throne Room

“Live At Roadburn 2008” Burning World/Alone (111) La creciente popularidad de Wolves In The Throne Room es algo que se entiende con facilidad cuando se le presta atención a una propuesta densa y compleja que combina la emoción de las voces más chillonas con una instrumentación de lo más expresiva. Aquí presentan un concierto en el festival duro por excelencia. Marcos Arenas

Enrique Rubio nació en 1978, lo que de alguna forma le lleva a representar a una generación, la de la tecnología y los mundos virtuales. Ahora bien, al final lo que cuentan son los sentimientos más crudos. Y eso es algo que “Tengo una pistola” (Booket/Planeta, 09) refleja a la perfección.

U

n supermercado. Un tipo con una pistola. Otro tipo con un casco de moto en la cabeza. El tipo de la pistola le amenaza. El tipo del casco de moto se saca su propia pistola del bolsillo y apunta a su cabeza, la que está dentro del casco. Y (BANG) no dispara. Pero el otro tipo echa a correr. “El protagonista empieza a controlar su vida cuando consigue una pistola, se siente poderoso porque puede decidir cuándo quiere morir, cuándo quiere desconectarse del juego”, dice Enrique Rubio. Se está refiriendo a su brutal debut literario, “Tengo una pistola”, la historia de un chaval que vive encerrado en casa con su Ordeñador (así lo llama él) y su pequeño ratón (cada noche se duerme apretando sus botones y sueña que está en una especie de survival horror a lo “Resident Evil”, deshaciéndose de pedazos de carne muerta que caminan). A Rubio le gusta la literatura descuartizadora de Chuck Palahniuk y se nota. “Mi libro favorito es ‘Superviviente’”. También le gusta Bukowski, aunque eso se nota menos. Sí, su protagonista se dedica

a montar y llenar webs porno, a la vez que mantiene ardientes conversaciones con un tal Ciria sobre los límites del sexo y todo lo demás, pero no hay chicas en esta historia. O sí las hay. Pero admitirlo sería revelar un pequeño secreto. También hay una especie de secta virtual que busca a su Elegido, un tipo que sea capaz de masturbarse rezándole a Mendel y sus guisantes. “El sexo es la gasolina de Internet, todos los avances en software que se han hecho tienen que ver con páginas porno, pero el tema me interesaba por la parte genética de la historia, para reflexionar sobre la esclavitud hacia el sexo”, cuenta Enrique que sí, ha jugado a videojuegos, pero no con la obsesión con la que juega Cascaradenuez (el nombre, por cierto, lo sacó de una canción de Alice In Chains). Y que sí, probablemente haya ido al psicólogo, pero no le ha hecho venir a casa a despotricar contra el mundo. “Todo lo que hay en la novela soy yo multiplicado por mil, mis agobios, mis obsesiones, pero súper exagerados”. ■ Laura Fernández

cine

Bang Bang Movies, viva el cine negro Bang Bang Movies se presenta en sociedad con la intención de dar nueva vida a clásicos de la era dorada del cine negro norteamericano. Sus dos primeras referencias son “Cuerpo y alma” y “Almas desnudas”. La primera, una obra maestra absoluta enmarcada en el submundo del boxeo, está dirigida con mano sabia por Robert Rossen, cuenta con un guión magistral de Abraham Polonsky (esperemos que alguna de las próximas referencias de Bang Bang sea “Force Of Evil”), y está protagonizada por un inolvidable John Garfield. La segunda es uno de los mejores trabajos americanos del alemán Max Ophüls, un notable y tenso thriller con unos excelentes James Mason y Joan Bennett que llegó a tener un remake en 2001 donde aparecía la hoy muy en alza Tilda Swinton. Ambos DVD’s aparecen con coquetos libretos que repasan los detalles de producción de las películas. n Xavi Sánchez Pons


MondoSonoro · Marzo 2010 /59/

LA ENTREVISTA

LOS CLIPS DEL MES

Cómics

◗ Gentle Music Men “Cuentos Modernos” (111) Luis Cerveró (responsable de clips para Joe Crepúsculo o Los Punsetes) firma este clip, bastante menos cafre de lo habitual en sus trabajos. Una historia de amores extraños filmada con clase y excelentes maneras.

Arquetipo

Ralf König La Cúpula (1114)

Sonic Youth Foto Archivo

Sin lugar a dudas uno de los tipos más irónicos de la escena gay internacional, König ha demostrado saberse reír de los tópicos de ese mundo. Ahora bien, cuando acude a los clásicos de la literatura o a la historia sagrada, su naturalidad, su ironía y su acidez se quedan a medio camino. Divertido, pero no entre sus mejores referencias. Ernesto Bruno

Sonic Youth Reincidente

Zac Sally Apa Apa Cómics (111) Inicialmente apéndice del grupo Low, Zac Sally destacó posteriormente por una carrera como dibujante de cómics que sigue impactando a día de hoy. Sus historias son crudas, de ambientes extraños y siempre inquietantes. Cada uno le entenderá a su manera, pero todos estaremos de acuerdo en que la cosa funciona. Ernesto Bruno

NonNonBa

Shigeru Mizuki Astiberri (1111) Tras una larga espera, coinciden casi en el mercado dos obras del maestro Mizuki, uno de los tipos más imaginativos del manga (¿qué sería de los monstruos yokai sin su ayuda?). En “NonNonBa” combina sus recuerdos de infancia más entrañables con otros más fantásticos y poblados de esas criaturas que dibuja con tanta gracia. Una deuda del manga en España. Joan S. Luna

MONDORECOMIENDA

◗ Broken Bells “High Road” (111) Danger Mouse y James Mercer se ponen bajo las órdenes de la directora de videoclips Sophie Muller (Weezer, Coldplay, Blur) en un clip en el que caminan por una carretera perdida, linterna en mano y dejando atrás variopintas situaciones.

más allá de la música El Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid (CA2M), con sede en Móstoles, presenta “Sonic Youth, etc: Sensational Fix”, un recorrido multidisciplinar por la historia visual de la banda neoyorquina, que en abril estará en España para presentar su último álbum.

D

os de los integrantes de Sonic Youth, Lee Ranaldo (voz y guitarra) y Steve Shelley (batería), acudieron a la inauguración de “Sonic Youth, etc: Sensational Fix”, que se completó con una breve performance con Enrique Morente. Portadas, fotografías, posters, guitarras, fanzines, un llamativo karaoke inverso (donde quienes lo deseen podrán tocar la batería o la guitarra sobre la voz de Kim Gordon), vídeos, obras de artistas como Dan Graham, Sofia Coppola, Richard Kern y un largo etcétera forman parte de esta muestra que acerca las distintas caras del grupo desde que, en 1981, ofreciera su primer concierto en el marco del Noise Fest, organizado por Thurston Moore. (Lee Ranaldo) “Realmente yo aún no estaba en el grupo, aunque me incorporé casi de inmediato, a raíz del concierto con Glenn Branca (otro de los artistas presentes en el festival). Fueron días de una agitación increíble. Nueva York era entonces una ciudad distinta, más sucia, incluso peligrosa, pero era apasionante, el contexto perfecto para la creatividad. Ahora siguen pasando cosas, pero no con esa intensidad. Siempre hemos trabajado de forma multidisciplinar, rodeados de mucha gente, porque

nuestra idea no es la de un pequeño grupo cerrado, sino que pueda entrar y salir todo el que quiera. Hemos estado vinculados al arte visual desde nuestros comienzos; de hecho Kim y yo nos trasladamos a Nueva York para dedicarnos a ello, aunque no hemos tenido tiempo hasta hace ocho o nueve años”. También encontraremos en esta muestra numeroso material de Gregory Corso, Ira Cohen, Allen Ginsberg o William Burroughs, entre otros autores de la Generación Beat. “Me marcaron mucho libros como ‘En el camino’, ‘Los subterráneos’ y sobre todo ‘El almuerzo desnudo’. Los beatniks reflejaron el horizonte de América en aquél momento, y de alguna forma con ellos se inició la contracultura, dando paso a toda una serie de cambios desde el punto de vista sociocultural”. Eso sí, aunque se trate de echar la vista atrás, que nadie piense en nostalgia, un término que no va con la banda. “Nuestra historia no está cerrada, sino que todavía se está escribiendo. Tampoco me siento nostálgico viendo una obra de Matisse o Picasso. Es un capítulo más, pero el presente es lo que verdaderamente importa”. ■ Enrique Peñas

◗ The Drums “I Felt Stupid” (1114) Hay quienes ven en la nueva canción de The Drums y en esos uniformes de atleta retro una parodia de los ochenta, mientras que otros lo consideran un guiño a grupos como The Smiths, New Order, A-HA o incluso Spandau Ballet.

◗ Yeah Yeah Yeahs “Skeletons” (1114) Vídeo de estética oscura y fantasmagórica situado en un cementerio -y es que el título se presta a ello-, en la que la banda aparecen como espectros bondadosos, no como esos fantasmas vengativos. Seguro que la voz de Karen O resucitaría a cualquiera.

◗ The Soft Pack “Answer To Yourself” (1114) Soft Pack nos muestran su faceta de currantes en este vídeo grabado en una pizzería. A pesar de que lo intentan, no son precisamente los empleados del mes, lo decimos por eso de beber directamente de la cerveza de los clientes, más que nada.

Scott Pilgrim Vol. 3 y 4 Bryan Lee O’Malley Debolsillo (1111)

Nueva entrega del adictivo y genial cómic de Bryan Lee O’Malley repleto de guiños a la cultura pop reciente. El universo de las películas de adolescentes de John Hughes, el manga, los videojuegos y la serie de dibujos animados “Josie y las melódicas” se dan cita en unos volúmenes que, en breve, llegarán a la gran pantalla de la mano de Edgar Wright y Michael Cera. Xavi Sánchez Pons

◗ Two Door Cinema Club “Undercover Martyn” (1111) Firmantes de uno de esos discos para brincar de principio a fin, Two Door Cinema Club presentan un clip divertido y desenfadado que no hace sino subrayar sus pretensiones y su efectividad. n


mondomedia

/60/ Marzo 2010 · MondoSonoro

CONEXIONES 7 al jueves 18 de febrero, cerrándose con un éxito total de público y la participación como profesores de nombres del calibre de Carl Craig, Moritz Von Oswald, Drums Of Death, James Pants y muchos otros artistas consagrados. Conciertos, workshops, mesas redondas y actividades, en definitiva, que han ido convirtiendo el Red Bull Music Academy en una cita ineludible para los aficionados a la música electrónica. ◗ El Vintage Ad Browser recopila más de ciento veinte mil gráficas publicitarias creadas desde finales del siglo XVIII hasta el año 2000. El programador alemán Philipp Lenssen es el autor de esta web y ha diseñado también un buscador que permite encontrar portadas de revistas llamado Cover Browser. Junto a algunos pósters aparece un link para comprar una copia real de la pieza y Lenssen recibirá un porcentaje de la venta, www.vintageadbrowser.com. ◗¿Qué tienen en común Cristiano Ronaldo, la Banca portuguesa y Black Eyed Peas? Pues más de lo que podría parecer en un principio. Porque el Banco Espírito Santo, la principal entidad financiera de nuestros vecinos, patrocina un concierto de la banda norteamericana en apoyo de la Selección Nacional de Fútbol. Será el 30 de mayo en el Estadio Nacional de Lisboa y también participarán Buraka Som Sistema, TT, NuSoulFamily y Funkyou2.

◗ Jack Daniel’s Masterclasses: Los Planetas Una clase maestra dada por dos de los músicos que más han influenciado con su grupo en las últimas décadas de España siempre es un plan interesante. Más si estos dos músicos son Eric Jiménez y Florent Muñoz, dos granadinos que son batería y guitarra de Los Planetas, respectivamente. Eric fue quien empezó la lección ante un reducido público que había ganado el concurso de Jack Daniel’s, marca que patrocina la iniciativa de las masterclass (la próxima será de Dorian en Barcelona). El baterista entre bromas y una muestra de su carácter divertido nos enseñó varios de sus trucos y cómo afrontaba los ritmos, al igual que Florent, que al poco de empezar con la guitarra Gibson, marca que no ha abandonado desde sus inicios, se vio acompañado de su compañero con quien al final de sus lecciones de pedales, efectos y demás cuestiones técnicas improvisó algunos temas instrumentales. El momento que los ganadores disfrutaron más fue cuando les dejaron subirse a tocar con ellos, abordando temas como ‘Un buen día’ o ‘Si está bien’, que acabó siendo versionado con una armónica. El resto de los ganadores pasaron del repertorio planetero y se dedicaron a improvisar instrumentales con los granadinos. ◗ Cohete, Clint, Zahara, Anni B. Sweet y Arizona Baby, entre otros, son los nombres seleccionados por la Asociación de Artistas en Ruta para girar durante el mes de marzo por todo el territorio nacional.

◗ Carhartt prepara una gira que sorprendentemente no va a traernos a nuestras ciudades ni un concierto, ni una exhibición de skate ni nada por el estilo, sino una colección fotográfica que podrá verse en Barcelona (Carrer del Rec 71) del 4 de abril al 8 de mayo; y Madrid (Augusto Figueroa 3, local 3) del 13 de mayo al 9 de junio. La exhibición está formada por una colección de fotografías en 3D firmadas por el fotógrafo alemán Sebastian Denz y que tienen como objeto el mundo del skate. Por otro lado, también en la tienda de Madrid se llevará a cabo una exposición en colaboración con la revista Staf con fotografías de Mario Pacheco a artistas muy diversos. Las instantáneas se incluyen en un libro que estará a la venta en la propia exposición.

Cohete Foto Archivo

◗ A pocos días de celebrar MWC 2010, Facebook hace el siguiente anuncio: Hay más de cien millones de usuarios activos que acceden a Facebook a través de sus dispositivos móviles. Este anuncio se produce seis meses después del anuncio de sesenta y cinco millones de personas, lo que supone un crecimiento bastante significativo y unos días después de que la página de MondoSonoro supere los diez mil fans, convirtiéndose en una de las más populares del territorio nacional. ◗ ¿Eres un fan fatal de la obra de Frank Miller? ¿Eres seguidor a muerte de sus cómics o has flipado con “Sin City”, “Daredevil”, “300” o incluso con su adaptación de “The Spirit”? Pues ahora tienes la oportunidad de gritarlo a los cuatro vientos con los skins para iPhone, PSP y demás en la web de The GelaSkins Crew. ◗ El LG Mini es el teléfono táctil con pantalla de 3,2 pulgadas más pequeño del mundo, y está diseñado para la conexión a redes sociales y mantener así el contacto con los amigos a través de Internet, sin necesidad de tener que cargar con un pesado ordenador o un complicado teléfono móvil. ◗ Pioneer ha lanzado el Blue-Pack, una edición limitada del CDJ-400 y el DJM-400 que se ofrece en formato de pack. Estos modelos de la consolidada serie 400 tienen la novedad de incluir un moderno diseño de LED iluminados en azul, que permite a cada DJ adaptar el diseño a su estilo individual. La veterana casa de equipos de sonido está además de enhorabuena porque acaba de recibir el premio especial Deejaymags a la contribución tecnológica. ◗ Wrangler ha colaborado con el icónico diseñador americano John Varvatos para una edición limitada de accesorios para iPhone, portátiles y cámara de fotos, dentro de Second Skin, una promoción que invita a todos los chicos de Europa a buscar su segunda piel en los jeans de Wrangler.

◗ Utilizando como marco la Copa del Rey de baloncesto, la empresa cervecera San Miguel ha creado la San Miguel Copa Music Festival, un evento musical cuyo objetivo principal es aglutinar el sentimiento festivo del torneo de la mano de algunos de los mejores grupos de la actualidad. Esta primera edición ha tenido lugar desde el 18 al 21 de febrero en el Kafe Antzokia de Bilbao y ha contado con la participación de Betagarri, Akatz, Los Coronas, Nu Niles, La Habitación Roja, Depedro, Chacho Brodas y Tote King, un grupo por cada una de las localidades origen de los equipos que formaban parte de la Copa. ◗ Eastpak presenta su colaboración para el próximo otoñoinvierno 2010/2011 con el diseñador Gaspard Yurkievich. La colección es un tributo al movimiento “buffalo” introducido durante la segunda mitad de los ochenta por Ray Petri, el primer estilista en aportar un toque de elegancia y lujo al estilo de vida urbano.

◗ Red Bull Music Academy ha tenido lugar en espacios emblemáticos de Londres como el Royal Festival Hall, el Institute of Contemporary Arts o el Royal Albert Hall desde el domingo

que puedes adquiriri en su página web http://tg.greedbag.com. Cuenta con trece loops que puedes ir combinando para componer pequeñas piezas de noise y drone.

◗ El Chojín, uno de los raperos más influyentes de la música española, llega a RTVE. Será el nuevo colaborador de La 2 Noticias donde se encargará de ‘rapear’ la actualidad un día a la semana. Además, desde RTVE.es pondrá en marcha iniciativas de periodismo ciudadano y de trabajo colaborativo en la composición de nuevos temas hip-hop. ◗ Si eres de los que lo fliparon con el Buddha Machine ahora posiblemente harás otro tanto con el Gritleismo, el último invento de los siempre imprevisibles Throbbing Gristle

◗ El proyecto Dale La Vuelta Al Mundo promovido por Intermón Oxfam celebra en el teatro Circo Price de Madrid su tercer concierto, de carácter benéfico, con la presencia de The Sunday Drivers, Kiko Veneno, Ariel Rot, Christina Rosenvinge y Shuarma. El miércoles 24 de marzo. ◗ Levi’s Red Tab inyecta novedad en su colección SS’10 con nuevas prendas de temporada inspiradas en la Universidad de Berkeley de San Francisco en los sesenta. Prendas en tonos blancos y pastel perfectos para un verano que esperemos no tarde mucho en llegar...■


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/62/ Marzo 2010 · MondoSonoro

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Héroes por un día

Lo mío era mejor... (Luis Menéndez) Hoy -a estas horas habría que hablar ya de ayer…- han terminado de darse los nombres que completan el cartel del Primavera Sound: los Sunny Day Real Estate, Pet Shop Boys, Gary Numan o Marc Almond se suman a Pixies, Pavement, Orbital, Wilco, etc. principales espadas de un festival plagado de propuestas atractivas. La selección, como siempre impecable. Sin embargo es mirar esos nombres, los que posiblemente figuren en lo más alto del cartel y cuenten con mayor poder de convocatoria, y apoderarse de mí una inevitable pereza. Es lo que una vez se llamó nostalgia y que definitivamente ha dado en otra cosa… La generación que andamos entre los 40 y los 30 años hemos tenido la suerte de poder disfrutar de la edad dorada de la música independiente, el momento en que toda la iniciativa que se gestó con el punk cristalizó en un potente entramado de sellos, distribuidoras, circuito de conciertos,... Lo que no obstante, tampoco era decir gran cosa: los grandes nombres de aquel circo, los Pixies o Pavement, tenían suerte si llenaban una sala de mediano aforo en Madrid y Barcelona, y gente hoy venerada por cientos de miles de fans como My Bloody Valentine (aún recuerdo la impresionante cola para el Auditorio del pasado año) no tocaban en España porque no contaban con el mínimo público que hiciera rentable la aventura. Estaban todos ellos en su mejor momento. Hoy viven del rédito de aquello y se reúnen, 15, 20 años después, para hacer el ya clásico “fulanito de tal interpreta tal álbum del año la tarara”. Mientras tanto los grandes grupos de hoy, que de seguir

esta misma tendencia se convertirán en los cabezas de cartel de los festivales del 2030, aparecen medio tapados ocupando horarios y escenarios más o menos secundarios: Beach House, Health, Delorean, Fuck Buttons, Les Savy Fav, Moderat… Cada cual puede colocar aquí sus propias apuestas. La responsabilidad, claro, no es completamente del festival, que se limita a ofrecer lo que el público demanda. Tampoco del público, que se aferra a la nostalgia porque los medios de comunicación somos incapaces de vender con la suficiente credibilidad nuevas bandas que representen a día de hoy lo que se supone que los grandes dinosaurios del indie representaron 20 años atrás. Y no creo que los medios sean tampoco responsables directos, atareados como estamos en salvar la papeleta y hacernos entender entre el caos general y el descrédito que unos y otros se empeñan en colocarnos por montera. Por supuesto, no lo es de los grupos: insisto: ¿quién no se imagina a Beach House en el Primavera 2030 reuniéndose para interpretar “Teen Dream”? ¿Quién podrá resistirse a un “revival XX”? ¿De quién es la culpa, la responsabilidad? De todos y ninguno, supongo. Pero sí que sé que falta valentía. Y coherencia. Y también que empiezo a odiar profundamente a mi propia generación, tal y como odié a la que me precedía y su insufrible cantinela, “lo mío era mejor”, con la que han seguido perpetuándose y aburriéndonos por los siglos de los siglos amén… Un, dos, tres, al escondite inglés

Ennio Morricone, bandas sonoras más grandes que la vida... (Xavi S. Pons) Por fin hablo en mi blog de una de mis debilidades musicales reconocidas, el grandísimo

Ennio Morricone, un genio que es mucho más que un simple compositor de bandas sonoras. Para mi, es uno de los grande nombres de la música pop de los últimos cincuenta años, un músico super influyente que ha traspasado las barreras de cine para convertirse en referencia de un montón de músicos de mil y un estilos. “C’era una volta il West” El tema central de “Hasta que llegó su hora” es una de mis canciones favoritas de la vida y una de las composiciones de cine más grandes escritas jamás. Bella y ensoñadora como pocas, ejemplifica de forma perfecta y en poco más de tres minutos la grandeza de ese oeste legendario y casi de otro planeta que Leone quería plasmar en sus westerns. Ojo, cada vez que escucho esta canción se me hace un nudo en la garganta, y más de una y de dos veces he llorado como un crío. Emoción en estado puro. “Un amico” Esta canción la descubrí en “Malditos bastardos” y desde el mismo momento de escucharla se convirtió en favorita instantánea. La escena en la que es utilizada es simplemente memorable, y vuelve a demostrar la clase que tiene Tarantino a la hora de elegir las canciones para sus películas. Sobre el tema en cuestión decir que se trata de una canción original de Morricone (creo que no pertenece a ninguna BSO anterior) que juguetea con el pop y que presenta unos arreglos de cuerda simplemente memorables y unos teclados celestiales. Una canción bonita y emocionante a rabiar. “Humanity” El tema central de “La cosa” de John Carpenter me atrae y me fascina por diversas razones. Aquí Morricone se atreve con otros registros, y bajo el influjo de Carpenter, mez-

El 95% de los lectores de mondosonoro no se imaginan que joan s. luna llegue a pinchar con estas pintas

cla con éxito sintetizadores con orquestaciones clásicas para crear unas de las partituras más inquietantes y con más clase que se han escuchado nunca en una película de terror. Una verdadera obra maestra y una BSO que merece ser redescubierta con urgencia. “Under Wah-Wah” Que Morricone tenía un alma pop más que gamberra queda claro en “Diabolik”, film para el que firmó una banda sonora que es un puro delirio popero que borda el espíritu frívolo y cool del tebeo filmado por Mario Bava. He escogido esta canción por lo loca que es, pero todas las incluidas en la BSO son perfectas para ambientar cualquier guateque galáctico que recuerde los años sesenta más coloristas. “Deborah’s Theme” El testamento cinematográfico de Sergio Leone contaba con una música maravillosa de Ennio Morricone. El tema que os pongo por aquí es, sin miedo a ponerme cursi, de una belleza sobrehumana, y demuestra porque Morricone es un músico más grande que la vida. Ni decir tiene que si no se os eriza el vello al escuchar este tema es que no tenéis sangre en las venas. ■

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nº171 Mondosonoro Marzo  

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