Mondo Sonoro septiembre 2026

Nº 353 septiembre 2026 www.mondosonoro.com

ejemplar gratuito

Gurriers Salvación KASE.O · INTERPOL · ELECTRIC CALLBOY · MASTODON · CUPIDO · LA LA LOVE YOU · VEINTIUNO · ÇANTAMARTA · PETER GABRIEL

GB 12.09.26 Madrid●El Sótano

zeyne 16.09.2026 Barcelona●Sala Apolo

Mac DeMarco 16.09.2026 Barcelona●Razzmatazz 17.09.2026 Barcelona●Razzmatazz 18.09.2026 Madrid●La Riviera

Rachid B 17.09.2026 Barcelona●Heliogàbal

Brigitte Calls Me Baby 25.09.2026 Madrid●Galileo Galilei 26.09.2026 Barcelona●La (2) de Apolo

Drug Church 26.09.2026 Donostia●Dabadaba 27.09.2026 Madrid●Nazca 28.09.2026 Barcelona●La Nau

Twenty One Children 09.10.2026 Madrid●Wurlitzer Ballroom

IST IST 12.10.2026 Madrid●Moby Dick 13.10.2026 Barcelona●Upload

Strawberry Guy 12.10.2026 Barcelona●Sala Upload 14.10.2026 Madrid●Sala Villanos

The Lemon Twigs 15.10.2026 Barcelona●Paral·lel 62 26.10.2026 Madrid●Teatro Eslava

The Bausa 18.10.2026 Madrid●Sala Changó 19.10.2026 Barcelona●Razzmatazz 2

Songhoy Blues 19.10.2026 Madrid●Sala Villanos 20.10.2026 Barcelona●Sala Upload

Bass Drum of Death 20.10.2026 Madrid●Wurlitzer Ballroom

Yard Act 20.10.26 Barcelona●Sala Apolo 21.10.26 Madrid●Teatro Eslava

54 Ultra 20.10.2026 Madrid●Copérnico 21.10.2026 Barcelona●La Nau

Kelela 22.10.2026 Madrid●Sala Lab/Wagon 23.10.2026 Barcelona●La Paloma

JMSN 23.10.2026 Barcelona●La (2) de Apolo 25.10.2026 Madrid●Sala Mon

Boris 23.10.2026 Madrid●Sala Mon 24.10.2026 Barcelona●La Nau

Jungle 26.10.2026 Madrid●Movistar Arena 28.10.2026 Barcelona●Palau Sant Jordi

Ruel 29.10.2026 Barcelona●Razzmatazz 2 30.10.2026 Madrid●La Sala del Movistar Arena

MGNA Crrrta 29.10.2026 Madrid●El Sol

Kiss Facility 03.11.2026 Madrid●Sala Uni 04.11.2026 Barcelona●Upload

Gurriers 04.11.2026 Barcelona●La (2) de Apolo 05.11.2026 Madrid●Sala Nazca

Curses 05.11.2026 Barcelona●Wolf 06.11.2026 Madrid●Sala Nazca

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2026

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2027

5/Mondo freako Kase.O regresa al ruedo una década después de lanzar “El Círculo” (16), y lo hace tras levantar durante los últimos años una enorme polvareda de polémicas, declaraciones y debates sobre la relevancia de su figura en un rap español que ayudó a amueblar con Violadores del Verso ¿la respuesta? Su último disco: “Camisa de Fuerza” (El Pan de Aliyah/ Altafonte, 26) es una caja de Pandora explosiva donde el zaragozano se dirige frontalmente a las críticas y a los odiadores, pero también a su ejército de fans.

Kase.O De frente

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ABLAMOS CON ÉL largo y tendido sobre la valentía de expresarse, la radiografía de los haters y lo abrasivas que pueden llegar a ser unas críticas que él considera injustas. Además, remarca su personalidad altamente sensible y su relación con la inspiración divina, hace autocrítica con las conspiraciones en Internet, de las que reconoce que se “tragó muchísima mierda que le ha hecho más infeliz”, y reflexiona sobre la actual degradación de la comunidad hip hop. LA COLUMNA VERTEBRAL del disco, según cuenta, parte de vencer el miedo a expresar aquello que va a contracorriente. “El mayor logro del álbum, más que el contenido, es haberme atrevido a decirlo. Estamos en un mundo en el que quieren acojonar a quienes expresamos lo que pensamos. También quería lanzar un mensaje a la gente joven: el rap nació como una música de denuncia y de crítica social. Da la sensación de que el rap se ha ido ablandando y hemos acabado hablando demasiado de lo superficial. Pero aquí estoy yo, con cuarenta y seis palos, haciendo un disco combativo”. Sobre el edadismo en el rap, lo tiene claro: fuera

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septiembre 2026 #05

MONDO FREAKO

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complacencias y adaptaciones a discursos más digeribles. “Siempre habrá alguien cruel que, por falta de argumentos, te diga que te retires porque eres mayor. No hago rap pensando en chavalines; hago rap para gente que lleva veinte años escuchándome. No es mi objetivo pescar jóvenes”. También reconoce que paga un precio por ser una persona con extrema sensibilidad para percibir los detalles, y que las críticas le afectan por ser injustas. “En la sensibilidad nace mi rap y mi forma de ser. Puedo ponerme a llorar mirando un paisaje, pero no puedo ser extremadamente receptivo para unas cosas y completamente impermeable para otras. Las críticas durante todo este tiempo fueron tremendamente injustas, no tenían ni pies ni cabeza, era como si el mundo hubiera entendido exactamente lo contrario de lo que yo quería decir. Hoy en día se juzga a alguien por un titular o por tres palabras sacadas de contexto. Internet está lleno de basura y de violencia gratuita. Hay mucha gente que necesita un abrazo y está descargando sus propios traumas sobre cualquiera. Transformar ese odio en comprensión es muy difícil”. En la otra cara de la moneda, sus fans, una especie de milicia. “Agradezco muchísimo el apoyo de mis seguidores y les digo que militen a mi favor, que cuando vean un comentario ofensivo, respondan con educación o, mejor aún, con un abrazo simbólico. Sería una contradicción pedirles que devolvieran la misma violencia”. UNA DE LAS CAJAS de pandora que abrió durante estos años fue su acercamiento hacia las teorías de la conspiración y el descrédito a la ciencia, un tema que trata dentro del álbum con “Puto Internet”. Ahora hace autocrítica y reconoce que sumergirse en aquellos mundos fue un error. Pisó una mina explosiva. “Siempre me han fascinado las conspiraciones. Cuando escribí ‘Puto Internet’ tenía muchísimo material acumulado de haberme tragado tanta mierda. Necesitaba vaciarme. Y esa obsesión con la conspiración me ha hecho más mal que bien. Me ha vuelto más desconfiado, más pesimista y, probablemente, más infeliz. Quizás me ha servido para desarrollar cierto espíritu crítico y para cuestionarme cómo funciona el mundo. Eso me parece sano, creer que las cosas no son lo que parecen que son. Lo que ya no es sano es pensar que cualquier vídeo de internet contiene una verdad oculta”. Por otro lado, el de Zaragoza ha colaborado con Evaristo Páramos en la irreverente “Borregos”, y se deshace en elogios hacia la figura del artista gallego. “Fue una de las tardes más bonitas que he vivido. Estar en el local #06 septiembre 2026

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“El sentimiento de comunidad hip hop se ha ido a la mierda”

de ensayo de La Polla Records, verle trabajar y pasar varias horas con él fue increíble, uno de los mejores momentos de mi carrera. Un tipo generoso, inteligentísimo y con un sentido del humor espectacular”. EN EL ARMAZÓN SONORO del disco participan productores como Sabiobeats, Nico JP, Animoss, Hazhe y R de Rumba, pero llevando la batuta del sonido está Harto Rodríguez, con el que Kase.O se siente lo suficientemente seguro para confiar en su criterio. “Suelo ser bastante controlador con la producción y normalmente estoy encima de cada detalle. Sin embargo, en este proyecto decidí delegar mucho más. Antes pasaba horas delante de la pantalla pendiente de absolutamente todo. Y ahora he estado sentado al fondo del estudio bebiéndome una botella de champán y moviendo la cabeza mientras él hacía los ritmos. Eso fue un lujo. R de Rumba tampoco podía faltar, me mandó un beat que parecía sacado de ‘Vivir para contarlo’. Me escribí esa misma noche la letra del tirón y la mandé al grupo

de Violadores del Verso para que se uniesen. Ver la ilusión en sus caras fue uno de los momentos más bonitos de todo el proceso. Esos cabrones son los mejores”. VARIAS VECES HA DEJADO caer Kase.O en sus canciones una especie de relación divina con la inspiración, un transmisor de algo mayor que él. Para Javier Ybarra la conexión espiritual con las ideas es una realidad absoluta. “La he vivido demasiadas veces como para pensar que todo nace únicamente de mi cabeza. Yo suelo decir que el mérito siempre pertenece a Dios o al universo, como cada uno quiera llamarlo. No creo que las ideas surjan de uno mismo, sino que las captas de un gran mar cósmico, de donde están todas las ideas posibles que puedan concebirse. Las ideas existen antes que nosotros. Hay momentos en los que levanto la vista y digo: ‘Venga, dame algo. Soy un instrumento de Dios, utilízame’. La inspiración no puede explicarse únicamente desde el esfuerzo”. Hijo de otra época, tras más de treinta años de trayectoria y

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LA MÍA Más madera

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preguntado por el estado comunitario de un hip hop al que ayudó a dar sus primeros pasos en España, reflexiona sobre la degeneración de los lazos y el sentimiento de pertenencia. “La comunidad hip hop se ha ido a la mierda. Nosotros crecimos sintiendo que pertenecíamos a una cultura con unos valores muy claros. Había un sentimiento de pertenencia a algo superior a ti. No sé hasta qué punto eso sigue existiendo hoy porque ya se ha mezclado todo: uno que rapea pero que le gusta el reggaetón y la música comercial… Eso del hip hop y de tener conocimiento acerca de la cultura afroamericana ya es café para muy cafeteros, cuando antes era lo más normal. A un verdadero rapero de mi época le habría dado vergüenza reconocer que escuchaba reggaetón, pero también ese tipo de filosofía en mis tiempos era bastante cerrada y sectaria. Ahora hay más libertad y los chavales entienden la música de una manera más libre”. —daniel caballero

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DIFERENCIA DE LO QUE SUCEDE más allá de nuestras fronteras, aquí tenemos la sana costumbre de paralizarlo todo durante los meses de verano o, al menos, de ralentizarlo todo para adecuarlo al ritmo que impone la canícula. Es tiempo de vacaciones y eso implica que, por ejemplo, no se edite ni un solo álbum nacional importante durante todos estos meses. Por el contrario, fuera de estas latitudes la actividad no cesa y se siguen publicando discos de peso. Trabajos que muchos recuperamos para su escucha ahora en septiembre, porque en agosto todos parecemos estar a otras cosas. Soportar el calor la primera, procurarse un refrescante alivio la segunda y sestear la tercera. Por eso toca ponerse al día y rescatar discos tan interesantes como los de Dillom, Phoebe Bridgers, Jungle, Beth Orton o Charli XCX. Todos con la suficiente enjundia como para no caer en el saco roto de las vacaciones estivales. Este pequeño oasis en nuestra actividad diaria, nos permite coger el oxígeno suficiente para afrontar lo que se nos viene encima. Y es que en octubre y noviembre nos van a llover los discos facturados por aquí, con una intensidad que va a ser difícilmente asimilable. Si no me creen tomen nota: En mes que viene nos van a llegar discos tan esperados como el tercer largo de Arde Bogotá, titulado “Manufacturas del club de la gente sola”, pero también los nuevos álbumes de artistas tan apreciados como Viva Belgrado, Los Enemigos, Los Zigarros o Anni B. Sweet, por citar solamente unos pocos. Y luego llega noviembre. Un mes de infarto que nos proporcionará las nuevas obras de, entre otros, Kiko Veneno, Angelus Apatrida, Albert Pla, Belako, Depedro, La Casa Azul, Nita, Arco, Lori Meyers y, cómo no, ese “Dejémoslo como estaba” que debe servir para apuntalar y proyectar del todo la irrupción de Alcalá Norte en lo que viene a ser nuestra escena. Discos, todos ellos, que van a contribuir a renovar las diferentes listas de canciones que van a sonar en los festivales del año que viene, y que a buen seguro incluirá algún tema de esos que quedará en el recuerdo para siempre. Porque la maquinaria, lejos de detenerse, parece mejor engrasada que nunca. Y eso a pesar de los malos augurios que sobrevuelan a menudo nuestra escena. Ya saben, que si la irrupción de las canciones echas con IA; la proliferación de los “festiguales” o la incapacidad que tenemos a veces para dar cabida a propuestas nuevas. Pese a todo, y contra viento y marea, nadie va a poder negar que, en las siguientes semanas, lo que vamos a gritar con algarabía es un “más madera” que, a los que hacemos esta revista, nos proporciona el combustible suficiente para llegar con alegría hasta la fiesta de las listas con lo mejor del año. Así que no se diga y gritemos todos fuerte: Más maderaaaaaa. —don disturbios

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septiembre 2026 #07

ENTREVISTA

“This Mirror Weighs A Ton” (Partisan/Virgin, 26) es el octavo disco de estudio en el casillero de Interpol. Un álbum en el que la banda norteamericana incide en sus innegociables cualidades, pero que también aprovecha para lucir ciertas peculiaridades que subrayan el momento por el que están pasando en la actualidad. —texto Raúl Julián

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E TRATA DE UNA CALUROSA mañana de un jueves cualquiera del mes de julio en Madrid. Nada reseñable, si no fuera porque hemos quedado con Daniel Kessler –guitarrista y co-compositor de Interpol– en un céntrico hotel de la ciudad con la intención de charlar acerca de “This Mirror Weighs A Ton”, el nuevo disco de la banda neoyorquina. Kessler luce delgado y elegante. Es un tipo bien parecido que, ya sentados en la terraza del hotel, tiene a bien quitarse sus Ray-Ban y exhibe una amabilidad y exquisita educación que potencian ese magnetismo que también muestra cuando toca la guitarra en directo. Tras cierta charcha informal da comienzo una conversación de veinte minutos con la que incidir en las cualidades del octavo álbum de estudio de Interpol, comenzando por las diferencias con respecto a la discografía previa del combo. “Implica una progresión y definitivamente es un capítulo diferente, en este caso sin muchas conversaciones al respecto; se ha dado sin hablar de conceptos. Evolucionamos como colaboradores y nuestra química es muy fuerte cuando escribimos música... y eso nos hace seguir avanzando. Andrew Wyatt, como productor, compró muchos sonidos diferentes que sumar a la ecuación y también ayudó a que el sonido fuera más expansivo y diferente”. También podría considerarse que, al menos por momentos, este disco es más minimalista e introspectivo que entregas previas. “Simplemente piensas en lo que querrías transmitir. Para este álbum, escribí más al piano que con la guitarra. Creo que se debe a que, a medida que creces como compositor y como músico, quizás aprendes a decir más con menos. Creo que en general soy minimalista, me gusta ‘el menos es más’. Incluso desde nuestro primer álbum”. En

#08 septiembre 2026

cualquier caso, “This Mirror Weighs A Ton” transmite sensaciones específicas de melancolía, tristeza o desesperación. “Cuando creas cosas con esa especie de indulgencia, me hacen sentir mejor como ser humano. Así que quizás es algo que sale de mí: una emoción que me hace sentir confortable y con la que sientes que alguien te entiende. Hay algo de esperanza ahí, porque sabes que existe gente que siente algo similar a ti y te sientes menos solo. Siento que Interpol es una banda emocional. Nuestras canciones tienen un sentido muy fuerte de emoción y convicción”. “THIS MIRROR WEIGHS A TON” es también es un disco hermoso y emocionante, que remarca ese contraste entre belleza y esa melancolía tan habitual en la música de Interpol a la que nos veníamos refiriendo. “Son cosas inherentes a nuestra banda, pero hemos encontrado nuevas formas de expresarlas. En este álbum tenemos más teclados y orquestaciones, y eso ayuda a destacar ambas partes. Creo que el estímulo está establecido en la composición básica de la canción, pero después hay diferentes formas de articular esas emociones. Y creo que hicimos un buen trabajo cuando de extraer la belleza se trataba. Yo lo veo como menos melancólico y más hermoso”. La parte lírica corresponde, como es habitual, a Paul Banks, aunque Kessler se atreve a contextualizar parcialmente el asunto. “Es un maravilloso letrista. No sé si puedo expresar exactamente a qué estaba cantando, pero obviamente hay algo del estado del mundo y su incertidumbre y del precipicio tecnológico en el que estamos en este momento. Creo que es un disco que realmente captura este momento de tiempo en el que estamos desde varios ángulos diferentes, lírica y vocalmente, y creo que eso puedes sentirlo en algunas de las letras”. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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“Las cosas pueden cambiar rápidamente y hay tantas bandas que vienen y van...”

Interpol Una banda emocional

HACE YA TIEMPO que Interpol son una banda consolidadísima en su éxito, pero el entrevistado relativiza el asunto y no pierde la perspectiva de un sector/negocio que tiende a ser caprichoso. “Ya éramos una banda cinco años antes de que nadie nos hubiera firmado y de que pudiéramos hacer un álbum. Y luego empezamos a girar. Era mi sueño. Así que cualquier cosa que haya sucedido después de eso es increíble e inesperado para mí. Especialmente porque la gente no se interesó por nosotros en esos primeros cincos años. ¿Cómo iba a pensar que iba a estar aquí en Madrid hablando de nuestro octavo álbum? Estaría loco si hubiera pensado eso. Incluso cuando todo iba haciéndose más grande con el primer álbum, ‘Turn On The Bright Lights’ (02), nunca sabes qué va a pasar. Las cosas pueden cambiar rápidamente y hay tantas bandas que vienen y van... Soy muy consciente de que esto podría parar algún día. Te vuelves más viejo o se acaba la inspiración”. Pocas horas después de que tenga lugar esta entrevista, Interpol ofrecerían un intenso concierto en la madrileña Sala But bajo el pseudónimo de Iron City, antes de actuar al día siguiente en un gran festival como el Mad Cool. “Me gusta tocar en salas y también en festivales. Cuando tocas en pequeñas salas, es muy íntimo y a veces me pongo más nervioso. Puedes ver la cara de la gente. ‘¿Por qué ese tipo se va a pedir una cerveza? ¿No le gusta la canción?’ [risas]. Los mejores conciertos son aquellos en los que tu cerebro no piensa en nada. Solo disfrutas del momento. Espero que nunca nos acomodemos. La gente que viene a tus conciertos no quiere ver a un músico cansado. Y yo no quiero sentirme como un mero trabajador”. —r.j.

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septiembre 2026 #09

MONDO FREAKO

Electric Callboy Metalcore bo Después de que “TEKKNO” (22) redefiniera su identidad y cambiara por completo la escala del grupo y después de visitarnos a principio de este año, Electric Callboy regresan con “TANZNEID” (Century Media/Sony, 26), un álbum que vuelve a cruzar sin complejos la contundencia del metal, la electrónica y las melodías pop.

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EVIN RATAJCZAK y Nico Sallach explican cómo han afrontado la presión de darle un sucesor a “TEKKNO”, cómo han dado forma al recorrido del nuevo disco y por qué, pese a seguir siendo perfeccionistas, han aprendido que trabajar demasiado una canción puede acabar alejándolos de aquello que funcionaba desde el principio. La banda alemana admite que el perfeccionismo sigue ahí, pero tras cuatro años sin parar de girar Electric Callboy ha alterado irremediablemente su manera de trabajar. Si antes escribir en hoteles parecía poco productivo, ahora una idea puede empe#10 septiembre 2026

zar en un backstage, en una nota de voz o incluso en unos gritos improvisados con miembros del equipo. “Cuando volvíamos a casa, terminábamos las canciones”, explica Kevin. La gira dejó así de interrumpir la composición para convertirse también en parte del proceso. El cambio ha traído otra consecuencia: aprender a desconfiar cuando hay que darle demasiadas vueltas a una idea. “Cuanto más trabajas en los detalles, más fácil es perder de vista la canción en su conjunto”, reconoce Kevin. Su método actual consiste en proteger la primera intuición: probar, desmontar y volver atrás si hace falta. Con “TANZNEID”, además, el grupo se enfrentaba al clásico dilema de darle un sucesor al disco que había ampliado su alcance y escuchas. Nico reconoce que querían estar “al mismo nivel o incluso mejor”, aunque Kevin relativiza rápidamente la idea de éxito. “La música no se puede cuantificar. No existe un porcentaje que determine lo buena que es una canción”. Lo único controlable, insiste, es hacer música que puedan defender. “Y, si no, supongo que tendremos que volver a nuestros antiguos trabajos”. “TANZNEID” tampoco se construyó a partir de un concepto rígido. “The Way You Are” es quizá el ejemplo más evidente

de esa libertad y de lo que significa una canción de Electric Callboy hoy en día. Su arranque abraza sin complejos el imaginario de las boy bands —NSYNC, Blue y Backstreet Boys aparecen en la conversación— antes de dinamitarlo desde dentro. Para Electric Callboy, precisamente ahí está la diversión. “Siempre queremos romper las canciones y destruirlas de alguna manera”, dice Kevin. Nico define la canción como “nuestro pequeño patio de colegio”. Y es que desde el principio sabían que aquella balada azucarada no podía terminar como había empezado. La sorpresa no contradice el pop; depende de que el pop funcione primero. Ese mecanismo de reconocimiento y ruptura también aparece en “Let The Good Times Roll”, su colaboración con Dexter Holland, de The Offspring. “Nos temblaba todo”, recuerda Kevin. “Cuando finalmente conoces a tus héroes, esas personas se vuelven normales. De alguna manera destruyes el pedestal sobre el que a veces las colocamos. Eso puede ser bueno o malo. Si descubres que en la vida real esas personas son unos imbéciles, puedes destruir completamente la imagen que tenías de ellas. Pero Dexter fue exactamente lo contrario. Es una persona increíblemente agradable, cercana y muy fácil con la que trabajar”. La colaboración

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per “Siempre queremos romirlas las canciones y destru de alguna manera”

10 AÑOS ATRÁS

Mondo Sonoro número 242 septiembre de 2016 Fueron portada: Die Antwoord

surgió después de que Holland los viera actuar en un festival, aceptando sumarse a ese universo cada vez más ecléctico de alianzas de la banda, entre las que también están Babymetal. “TANZNEID” dialoga con el tamaño que han adquirido Electric Callboy sobre el escenario. Sus conciertos funcionan como una maquinaria milimétrica de fuego, pantallas, cambios de vestuario, robots y confeti, pero la banda sigue defendiendo aquello que no puede programarse del todo. Nico admite que una producción de esas dimensiones intimida: cada movimiento debe ocurrir en su momento. Paradójicamente, también ofrece seguridad. La cuestión, para ellos, es cómo conservar el desorden dentro de una estructura cada vez más precisa. Kevin tiene una expresión para ello: “Ese pequeño caos organizado que necesitamos sobre el escenario”. Hablar con el público, improvisar y dejar huecos para que el concierto respire sigue siendo imprescindible. Quizá esa sea también la mejor manera de entender “TANZNEID”. Electric Callboy han aprendido a fabricar el caos con mucha más precisión, pero todavía necesitan que parezca capaz de desbordarse. Y ahí está la fórmula que ha convertido a la banda en una entrada imprescindible en cualquier playlist de metalcore actual: entre el cálculo y el primer instinto, el estribillo pop meloso y el breakdown inesperado. —montse galeano

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FOTO:DAJO EBERLEI

boy band

Charlamos con: Glass Animals, DJ Shadow, Wild Beasts, Capsula, Roosevelt, Dinosaur Jr, The Jayhawks, The Avalanches, Bear’s Den, Yves V, Paul Fuster, Flume, Exsonvaldes, Wild Nothing, M. Ward, The Brian Jonestown Massacre, Fira Fem, Barbott, PBSR, Flamingo Tours, Exnovios, Big Summer, Stayhigh, Linda Guilala, Felipe Almendros, Marc Abraham Nos dijeron: “Xenofobia es que haya africanos de Sudáfrica odiando, golpeando y matando a africanos de otros países pobres cercanos y que han ido a parar allí” (Die Antwoord) “Para mí, el indie rock es como una broma” (Dinosaur Jr) “Es difícil hacer material positivo sin caer en lo cursi” (The Avalanches) “Intento no pensar lo que la gente quiere de mí. No hay nada peor que componer bajo presión” (Flume) “Cuando giro intento ir a países en los que pueda ir a la playa” (M. Ward) Los discos de mi vida: Eñaut Gaztañaga (Grises) selecciona “Load” (Metallica), “The Joshua Tree” (U2), “Mellon Collie And The Infinite Sadness” (The Smashing Pumpkins), “Jump Back” (The Rolling Stones), “Adore” (The Smashing Pumpkins) y “Holy Fire” (Foals) Fue disco del mes: “Blonde” de Frank Ocean También destacamos: “Light Upon The Lake” (Whitney), “Summer 08” (Metronomy), “And The Anonymous Nobody” (De La Soul), “La salvación de Solo y Juan” (Los Fabulosos Cadillacs), “The Glowing Man” (Swans), “We Move” (James Vincent McMorrow), “My Woman” (Angel Olsen), “Los niños sin miedo” (The Parrots) —MS

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septiembre 2026 #11

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emos vivido una nueva edición del Bilbao BBK Live en la que RATA tocaba por primera vez, a Iván Ferreiro poniéndonos nostálgicos con su gira “Hoy x Ayer” en El Náutico de San Vicente o la playa de Burriana convirtiéndose en el gran punto de encuentro social de la temporada alojando el Arenal Sound una vez más. Y es que festivales de música hay para todo tipo de público, propuestas como Marenostrum Fuengirola, Granada Sound, FIB Benicàssim, Brava Madrid, O Son Do Camiño o Love the 90s; que se han convertido en una experiencia que va más allá de ver conciertos. La lista sería interminable, pero hemos querido repasar algunas de estas súper experiencias a modo de resumen previo a la etapa otoñal. Eventos en los que Repsol ha querido formar parte aportando esa energía que hace funcionar las infraestructuras y servicios en todo tipo de ubicaciones complementando cada edición con vivencias exclusivas pensadas para recargar cuerpo y mente. Bilbao BBK Live, RATA y el verano de sus vidas Bilbao BBK Live acogió en esta edición la enorme cifra de 112.500 asistentes, firmando un cartel de más de cien artistas. El festival, que nació hace veinte años, celebró en su aniversario su capacidad de evolución y adaptación al consumo que demandan las nuevas generaciones. Destacó una marcada apuesta por figuras nacionales, el peso de la música urbana y una subida a la ola nostálgica que actualmente vivimos. Además, descubrimos cómo RATA cumplía uno de sus sueños pisando por primera vez como artista una cita tan icónica. El dúo murciano se pasó por el Espacio Repsol

#12 septiembre 2026

para ofrecer un show acústico en exclusiva. Una iniciativa creada para dar visibilidad a grupos emergentes dentro de una zona pensada para descansar y reponer así energías entre conciertos. Los visitantes de este refugio festivalero pudieron visualizar cómo la energía generada en el escenario alimentaba distintas experiencias como una gran esfera LED que actuaba como elemento central del espacio y acompañaba a la banda durante su show. La dosis de nostalgia necesaria junto a Iván Ferreiro El Náutico de San Vicente acogió esa cita fantástica del “Hoy x Ayer” de Iván Ferreiro dentro de Music feat. Energy. La iniciativa de Warner Music Spain en colaboración con Repsol que suministra la energía de origen renovable para celebrar la música en directo. Allí, Iván recuperó algunas de las mejores canciones de su carrera demostrando lo especial que ha sido este mítico espacio para el artista. Los asistentes recargaron su batería para todo lo que queda de temporada con momentos únicos como la melancolía que nos sigue generando “M” o la fuerza incombustible de “Turnedo”. La colaboración de Repsol fue más allá de esta cita ya que, además del tour de Ferreiro, impulsó las giras de tres artistas de actualidad como son Veintiuno, Marlon y Dani Fernández. Todos ellos han contado con combustibles de origen cien por cien renovable para recorrer más de 47.000 kilómetros. Santander Music, el verano de Cantabria La Península de la Magdalena abrió sus puertas a una nueva edición del Santander Music donde la energía del Escenario mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

PUBLIRREPORTAJE

Momentos inolvidables del verano ’26, ´ uniendo energias El verano va llegando a su fin dejándonos momentos increíbles que nos van a servir para entrar con las pilas cargadas y mucha energía en este mes de septiembre. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Repsol y las bandas que se subieron a él hicieron disfrutar a todos en el mejor ambiente junto al mar. El festival remarcó un año más su apuesta por la música nacional. Un público más que entregado, con lleno desde las primeras horas, certificó el éxito y la consolidación de una propuesta donde nadie defraudó y el pop fue el rey de la casa. Además, los asistentes más animados pudieron demostrar sus aptitudes musicales en la Van Estudio Solar. Un estudio profesional de grabación móvil alimentado con energía solar, donde poder compartir un karaoke y llevarse los temazos como recuerdo. Nos encontraremos en el Arenal Sound Cientos de miles de personas coinciden cada verano en la costa de Burriana atraídas por algunos de los artistas más destacados del pop, urbano o la electrónica. Un evento que este año contó por tercera vez con Repsol como partner energético, aportando entretenimiento y soluciones energéticas para contribuir al funcionamiento del festival. La compañía aportó su combustible 100% renovable a los escenarios del recinto, y por primera vez, también para las lanzaderas de traslados del festival. Además, suministraba energía solar para el Espacio Repsol, un punto de encuentro inconfundible para los asistentes. Allí, el público podía disfrutar de un área con propuestas como un café de la mano de Guía Repsol, una piscina de bolas para crear contenidos, o zonas de descanso con puntos de recarga para móviles. Más allá de ir a un concierto, asistir a festivales de música como estos es una oportunidad de vivir nuevas experiencias. n septiembre 2026 #13

Volver a empezar

Mastodon Hay bandas que construyen una identidad y pasan el resto de su carrera protegiéndola. Mastodon han elegido otro camino. Con una historia marcada por cambios, pérdidas y reinvenciones, los de Atlanta siguen avanzando con una idea: no repetir nunca el mismo viaje. Y “Marrow Deep” (Lova Vista/ Music As Usual, 26) es una buena muestra. Sobre el nuevo disco charlan nada menos que con Anxela Baltar (guitarra y voz en BALA).

encontrando a los ausentes en los lugares, los gestos y las rutinas que se compartieron. Y es que Sanders y Dailor escriben las letras y utilizan las canciones para procesar lo que ocurre a su alrededor. “Es nuestra manera de canalizar las emociones y tratar de entenderlas”, cuenta. LA MÚSICA NO ELIMINA el dolor, pero puede transformarlo. “Intentamos convertir algo muy oscuro y triste en algo que, con

—texto Anxela Baltar (Bala) —foto William Lacalmontie

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NO QUEREMOS ESCRIBIR el mismo disco dos veces”, me comenta Troy Sanders, bajista y vocalista del grupo. Antes de su actuación en el Resurrection Fest, converso con él sobre el nuevo álbum, un disco nacido en un momento de profunda transformación y marcado por la pérdida, el duelo y la necesidad de seguir creando. “Marrow Deep” llega después de un periodo especialmente difícil para ellos. La muerte de Brent Hinds, guitarrista y miembro fundador de Mastodon, en agosto de 2025, atraviesa inevitablemente este nuevo capítulo. También lo hace la pérdida de la madre de Brann Dailor. En ese contexto, la música se convierte una vez más en una forma de enfrentarse a aquello que resulta difícil de nombrar. “Por suerte, la pasión sigue ahí”, dice Sanders cuando le pregunto qué los lleva, después de tantos años, a volver a un local de ensayo o a un estudio. Bill Kelliher, Brann Dailor y él llevan veinticinco años compartiendo banda, una cifra que no parece haber convertido la música en rutina. Al contrario: la sensación que transmite Sanders es la de alguien que sigue sorprendiéndose de estar exactamente en el lugar en el que quiere estar. “Es natural que las personas crezcan juntas, pero también es natural que se alejen, que se quemen con su trabajo o que quieran cambiar de vida”, explica. Que Mastodon siga existiendo no es algo que den por sentado. Reconocen la suerte de conservar la pasión, la visión compartida y las ganas de seguir avanzando. #14 septiembre 2026

EN ESE CAMINO, el cambio no es una amenaza. Es parte de la identidad del grupo. Las influencias siguen siendo amplias y difíciles de encerrar en una sola etiqueta, y cada disco nace de la voluntad de indagar en un territorio diferente. “Queremos crecer, probar sonidos nuevos y explorar, pero sin convertirnos en una banda completamente distinta”, afirma Sanders. El nuevo álbum parece situarse precisamente en ese punto de equilibrio: entre lo conocido y lo desconocido. La incorporación del guitarrista Nick Johnston introduce una nueva energía en una formación con una historia muy larga, mientras que afrontan el proceso creativo desde un sitio que Sanders describe como “un lugar intermedio, casi un purgatorio. Para mí, este disco es una especie de renacimiento. No un renacimiento al cien por cien, pero sí un reinicio”. La palabra no aparece por casualidad, sino que el álbum está atravesado por imágenes de desaparición, transformación y ruinas. Pero, sobre todo y como decíamos antes, por la pérdida. “Si hay un tema en el disco, es la pérdida, la tragedia y el duelo”, explica Sanders. En “Your Ghost Again”, esa dimensión personal aparece de forma especialmente clara. La canción habla de la presencia de quienes ya no están y de esos instantes en los que la memoria puede hacer que, durante una fracción de segundo, parezca que siguen ahí. La canción está directamente relacionada con la experiencia de Dailor tras la muerte de su madre y de Brent Hinds, pero también con una sensación que puede resultar universal: seguir mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ENTREVISTA suerte, sea bonito”, dice Sanders. La frase podría funcionar como una de las claves del nuevo disco: no negar la tristeza, sino buscar qué puede surgir de ella. Por eso, cuando le pregunto si escribir ayuda a encontrar respuestas o simplemente a convivir con las preguntas, no contesta de forma definitiva. “En ocasiones intentas ordenar tus emociones y encontrar una respuesta. A veces funciona y otras veces la pregunta sigue siendo un misterio que no se llega a resolver”. En “Your Ghost Again”, esa idea se vuelve especialmente evidente. La canción nace de una experiencia personal, pero no intenta esconderse detrás de metáforas impenetrables. Para Sanders, la honestidad es precisamente lo que permite que una historia individual pueda convertirse en algo universal. “Somos humanos y todos estamos intentando entender la vida”. La música consigue entonces algo extraño: convertir una experiencia que pertenece a una persona en un lugar en el

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“Somos humanos y todos estamos intentando entender la vida”

que otra puede reconocerse. A veces, una canción consigue expresar algo que no éramos capaces de explicar. PERO SI LA PÉRDIDA atraviesa el disco, la confianza parece ser lo que mantiene unida

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a la banda. No solo la confianza en las decisiones musicales, sino en las personas que comparten el escenario. “Tienes una hora sobre el escenario. Una hora. Y tienes las otras veintitrés horas del día para pensar en ella”, explica Sanders. Después de tantos años, esa confianza se ha convertido en una forma de entender el trabajo y la convivencia. Saben que todos van a estar ahí cuando llegue el momento de tocar, pero también saben que Mastodon existe más allá de esa hora sobre el escenario. “Nos respetamos mucho, nos queremos, somos amigos y nos gusta pasar tiempo juntos. Eso ayuda”. Quizá por eso, cuando le pregunto qué parte de Mastodon no suele ver el público, Sanders no habla de la composición, de la técnica ni de los grandes escenarios, sino que dice: “¡Que somos unos payasos!”, responde entre risas. —j.c.p.

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septiembre 2026 #15

MONDO FREAKO A La La Love You todavía les gusta esa sensación de colarse en el local de ensayo, sin prisa, y reventar baquetas hasta salir de allí con una canción que cuente un nuevo trocito de su historia. Y varias de esas aparecen en “¿Por qué me miráis así?” (Subterfuge, 26).

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—texto Álex Jerez

LLEVAMOS MUCHOS AÑOS y tenemos una forma de trabajo muy establecida que nos funciona. En ese aspecto poco hemos cambiado. Con [Dani] Alcover, el productor, llevamos toda la carrera, como quince años con él y seguimos haciendo las cosas como las hacíamos desde el principio. Ahora se tiende a hacer muy diferente, con sesiones de composición junto a este tipo de productores que a la vez son arreglistas”, me comentan para empezar sobre este nuevo trabajo. He quedado con parte de la banda en una cafetería del centro de Madrid para hablar de “¿Por qué me miráis así?” y lo que supone este álbum para ellos tras tres años de trabajo. “Yo creo que todas las cosas que nos han pasado con la banda han sido tan progresivas que las llevamos con mucha naturalidad. Conocemos a artistas, amigos, más jóvenes que en menos tiempo se han visto de repente con una plancha de curro encima tremenda y les cuesta gestionar todo. Nosotros tenemos la suerte de que ha sido progresivo y hoy en día lo tenemos muy naturalizado”, explica David haciendo referencia al crecimiento del proyecto a nivel internacional. Y es que recientemente estuvieron tocando en México frente a diez mil personas y la acogida fue verdaderamente especial. “México es como nuestra segunda casa. En México se da la circunstancia de que el rock con guitarras, de alguna manera u otra, siempre ha estado mucho más presente quizá que por ejemplo aquí en España. Cuando hemos pasado en España por unos años en los que dominaba absolutamente la música urbana y no había una guitarra en todo el panorama musical, allí sí que había mucho. Siendo una escena nicho, ¿eh? Pero es una escena que siempre ha estado muy sana. Porque, evidentemente, luego tú miras la lista de éxitos y de los cien primeros, noventa y ocho son regionales, mexicanos y urbanos”. Además,

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LaFuera La Love You normas

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septiembre 2026 #17

Nº 353 septiembre 2026 www.mondosonoro.com

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tu vida “En algún momento defuera de sitio” terminas sintiéndote

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están a punto de embarcarse en su primer “world tour” y, como dice Mía Berlín, hasta en Japón les esperan con ilusión y eso es “muy loco”. “Viene una cosa que nos hace muchísima ilusión, que es la primera vez que vamos a hacer una gira tan grande, tan ambiciosa, que vamos a estar en cuatro continentes. Vamos a ir por países de Latinoamérica, Estados Unidos, algunos países de Europa, vamos a ir a Japón también. Así que, bueno, es una gira bastante ambiciosa que nos hace mucha ilusión. Sí, es como nuestro sueño adolescente cumplido”. “¿POR QUÉ ME MIRÁIS ASÍ?” habla un poco de eso, del hermanamiento que tienen con sus fans y la gran comunidad que han generado. Cómo ese mensaje de que sentirse diferente, abrazar al looser interior, es bueno y ha calado en todos. “Yo creo que es un sentimiento universal. En algún momento de tu vida terminas sintiéndote fuera de sitio, de lo que es lo común. Por eso, entiendo que mucha gente se pueda sentir identificada con eso. Nos lo dicen, sobre todo, los fans más adolescentes. Nosotros no vamos en contra de nada, pero sí que hay un público que escucha La La Love You y lo hace como resistencia a lo urbano, a los ritmos de música urbana o de reggaetón. Ellos sí que sienten que esto les da como una identidad, como yo creo que a todos nos ha pasado. Cuando nosotros éramos adolescentes las bandas nos daban identidad y nos hacían sentirnos un poco rebeldes respecto a lo que nos gustaba dentro del underground o el punk”. Además, con “¿Por qué me miráis así?” rompen cualquier tipo de prejuicio de cara a acercarse a nuevos géneros o estilos. De ahí que el disco cuente con colaboraciones tan diversas como las de Monsieur Periné, Miranda! o Álvaro de Luna. “Cuando nosotros empezamos, hace unos cuantos años, si te gustaba el rock no te gustaba otro estilo de música. Ahora, afortunadamente, se han roto esas barreras. Así qué nos sentimos un poco más libres a la hora de jugar con otro género. Por ejemplo, en este disco hay una canción con Monsieur Periné que son de un estilo muy diferente al nuestro y al final probar estos sonidos nuevos, cosas que quizá no haríamos nosotros por nuestra cuenta, pues nos viene muy bien”. Lo cierto es que La La Love You son felices haciendo las cosas de este modo. Viviendo la música de la forma más orgánica posible, disfrutando del momento y tratando de no comerse demasiado la cabeza. Eso es lo que más les conecta con ese alienígena del que hablan en el último disco. Porque, siendo honestos, no es nada fácil mirar al frente y avanzar sin sentir la presión de lo ajeno. “Esto es en lo que confiamos y lo que queremos mostrar. Tenemos un poco las formas cogidas de hacer las cosas a la vieja usanza, como las bandas que componen en el local. No lo hacemos directamente en el estudio con un productor. La verdad es que tampoco hemos probado a hacerlo de una forma diferente. Así que no podemos decir que no nos funcione. Pero bueno, no nos llama la atención buscar otras formas de hacer las cosas porque como las hacemos nos sentimos muy a gusto”.—a.j.

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EL DISCO. RECUPERADO. HUM “You’d Prefer An Astronaut” (RCA, 1995) AUNQUE SOLO SABOREARON las mieles del éxito comercial con el sencillo “Stars”, sería muy injusto hablar de Hum como unos “one hit wonders” cualquiera. La influencia de la banda surgida en 1989 de la escena universitaria de Champaign-Urbana, en Illinois, llega a nuestros días. De hecho, sin ir más lejos, fueron invitados recientemente a participar en el festival itinerante Slide Away Music que organizaron los chicos de Nothing, reyes indiscutibles del shoegaze moderno. Disueltos oficialmente en el 2000, los protagonistas de esta reseña regresaron en 2020 con “Inlet”, para volver a desaparecer apenas un año después tras el fallecimiento de su asombroso batería, Bryan St. Pere. Por eso, su vuelta a los escenarios será especialmente emotiva. “She thinks she missed the train to Mars, she’s out back counting stars”. Estas evocadoras estrofas y tres acordes limpios abren la canción más popular y versionada de la banda, incluida en su primer trabajo para una multinacional, “You’d Prefer An Astronaut”, de 1995. Venían de autoeditar su debut —grabado con el gran Steve Albini— y lanzar “Electra 2000” con el sello independiente 12 Inch Records cuando, en plena fiebre del oro post-Nirvana, llamaron la atención de la discográfica RCA. La pegada de “Stars”, que llegó al número once de la lista Alternative Songs de Billboard, les ayudó a despachar más de doscientas cincuenta mil copias de un disco que, por otra parte, contenía otras gemas irresistibles como “Little Dipper”, “The Pod” y “I’d Like Your Hair Long”, cuya letra contiene el título del disco. El desamor, la soledad y la distancia son los grandes temas de un disco envuelto en una atractiva imaginería cósmica, con numerosas referencias al espacio en sus letras, y mensaje existencialista. Su enigmático título y su icónica portada verde, con una solitaria cebra como protagonista (justificada en el corte “Suicide Machine”), esconden canciones deudoras del shoegaze británico de principios de los noventa de artistas como My Bloody Valentine, con un sonido potente pero accesible que casaba muy bien con el rock alternativo estadounidense, entonces hegemónico. Su maestría conjugando los pedales de reverb y chorus en las partes más rotundas para crear solos estratosféricos marcó a muchísimas bandas como Failure, Deftones o los citados Nothing. El cuarteto liderado por el cantante y guitarra Matt Talbott mantuvo el nivel con el siguiente “Downward Is Heavenward”, de 1998, pero las cifras de ventas del disco no acompañaron y su romance con la poderosa multi terminó. —luis benavides

septiembre 2026 #19

Exsonvaldes Dj Moderno (Dj / Live) Novembre Elèctric Sugarcrush Isla Lavanda AmyJo Doh & The Spangles SERCH. Blanco Piñata El Niño Erizo Simonsen Mendoza Ripoll Iboreh

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Observatorio Mondo Sonoro

La trampa del trabajo pasional en las industrias creativas Existe una creencia puritana profundamente arraigada en la organización del trabajo contemporáneo: para que una actividad sea considerada «labor real», requiere implicar un sufrimiento explícito y visible. En el ecosistema de la música y las industrias creativas, este sesgo se intensifica.

L

—texto EME DJ

A PERCEPCIÓN PÚBLICA suele reducir el oficio a la euforia del escenario, la fiesta y el ocio, invisibilizando la trágica combinación de inestabilidad financiera, privación del sueño, soledad e incertidumbre que sostiene la escena. A esta mirada externa se le suma una frase que persigue sistemáticamente a quienes se dedican al arte: «Qué suerte tienes de poder vivir de lo que te gusta». En esa aparente felicitación se esconde una de las trampas más perversas del capitalismo: la pasión como divisa para justificar cobros a noventa días, salarios irrisorios, jornadas maratonianas sin cobrar, pagos en “visibilidad”, falta de contratos y una ausencia total de red de seguridad.

jador se convierte en su propio explotador. En las industrias creativas además, donde la exigencia en la construcción de una marca personal muchas veces nos deshumaniza para ser artistas - es decir, nuestro oficio-, la explotación se vuelve integral. Alimentar redes a todas horas, producir, ensayar, asistir a eventos y aceptar condiciones nefastas por pánico a caer en el olvido. Al mismo tiempo, la estructura penaliza socialmente el descontento tildando de «llorón/a», «complicadx» o «peseterx» a cualquiera que exija tarifas éticas o ponga límites al agotamiento, neutralizando de raíz cualquier intento de organización colectiva y transformando un conflicto puramente laboral en un sufrimiento solitario, culpable y silencioso.

BAJO LA PROMESA de la realización personal, de acuerdo con la filosofía de las teorías culturales de Byung Chul Han, el traba-

EL ESTUDIO “Can Music Make You Sick?” de la Universidad de Westminster determinó que los profesionales de la industria musi-

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cal tienen hasta tres veces más posibilidades de sufrir depresión y ansiedad que la población general. La respuesta a la crisis de salud mental en la industria no pasa por la sobremedicación para seguir aguantando ritmos inhumanos, ni por talleres corporativos de mindfulness orientados a «respirar mejor» en medio de la precariedad. No necesitamos más consejos de autocuidado que trasladen la responsabilidad del bienestar al individuo, sino marcos formales de negociación donde la salud no sea una concesión benévola del promotor, sino un pilar no negociable. ESTO EXIGE TRADUCIR la protesta en medidas concretas: exigir contratos que reconozcan las horas de viaje y las pruebas de sonido como jornada laboral y formalizar los riesgos específicos de la noche —desde la pérdida auditiva hasta las alteraciones severas del sueño— dentro de la prevención de riesgos laborales. La creatividad, el baile y el encuentro a través del sonido no pueden seguir financiándose a costa de la devastación neurológica y emocional de quienes se suben a un escenario. Reclamar condiciones dignas en la música es la condición mínima para que el arte siga siendo un espacio de vida. Marta Fiero - —eme dj El Observatorio Mondo Sonoro trabaja con el apoyo de:

septiembre 2026 #21

Cupido Dar y recibir Un disco de colaboraciones no es nada fácil. Solo una banda con la identidad tan sólida como la de Cupido se lo puede permitir y que salga algo tan especial como es “Amor Compartido” (Sony Music, 2026). Una pieza colaborativa en la que el particular veneno del grupo se cuela fuerte dentro de la sangre de otros artistas para seguir siendo los dueños de todo. —texto Álex Jerez —foto Assiah Alcaza

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HEMOS INTENTADO HACER canciones con gente que conociera nuestra movida, le gustara y quisiera que fuera así. Entonces era como que venían predispuestos a ‘dámelo’, ¿sabes? Dámelo que lo quiero. Y nosotros a ellos les decíamos ‘Vale, pero tú dame lo tuyo. Era como el que va a comprar droga [risas]. Queremos los dos, ¿no? Tú quieres mi dinero y yo tu droga. Están los

#22 septiembre 2026

dos deseando que se lo den”, explica Pimp Flaco hablando de lo importante que ha sido para ellos dar con la gente adecuada a la hora de firmar cada participación en el álbum. Un proyecto de completo intercambio creativo donde todo es un más a más. “Creo que es evidente que no estábamos buscando perfiles que estuvieran haciendo lo que más se escucha ahora, sino que igual que nosotros estuvieran haciendo su propia película”.

QUEDAMOS CON CUPIDO en el 5020 Studio de Madrid para volver a vernos un año después de “Te hago un resumen” y repasar cómo ha sido el proceso de creación de esta obra. “Realmente ha sido un proceso lento. Ha sido un disco hecho entre medio de giras. De hecho, en la gira de Latinoamérica hicimos varios temas del disco y poco a poco hemos estado avanzando entre conciertos, estudio, la vida de cada uno y tal”, comenta Luichi. “Por eso sentimos que en medio había que sacar algo y pasó ‘Te hago un resumen’ como un aperitivo antes del plato. Y sí, ha sido un trabajo duro y delicado. Hemos descubierto que quizás va a ser el único disco de colaboraciones en nuestra carrera, con todo el cariño del mundo, pero es quizás el último [risas]. Aunque bueno, nunca se sabe. Está claro que es más costoso que un disco en solitario, evidentemente, pero contento”, apunta Toni remarcando la dificultad de un disco que los ha llevado incluso a estrenarlo sin que el primer tema del álbum viera la luz. “Creo que vamos a inventar un nuevo tipo de marketing. Sacar el single del disco después del disco. Está todo planeado. Acuérdense que luego verán a Bad Bunny sacando el single dos semanas después del disco”.

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MONDO FREAKO

CON “AMOR COMPARTIDO” el universo de Cupido se expande a lo grande, rompiendo incluso con una privacidad de la banda que antes jamás se habían atrevido a mostrar. “Estamos trabajando todo el tema de la dirección artística con Diego de Sabotage Propaganda y se nos ocurrió el tema de relacionar el tema del amor compartido con lo de compartir archivos con la gente. Que la gente se pudiera meter como en nuestro ordenador y ver lo que pasa. Nos planteamos incluso ir filtrando por allí canciones y todo”, comenta Toni. “Yo creo que realmente lo debería hacer todo el mundo eso. Como mostrar un poco esa parte tonta de ti. Y no solo estar ahí guapísimo en la playa siempre, que al final lo hacemos todos. Pero hay que quitarse un poco el miedo. Porque al final todos somos gilipollas. Somos gente lista o tonta dependiendo del día. Todos hacemos caca y todos nos duchamos”, lanzan entre risas.

CINCO ESENCIALES

LO QUE SÍ ES CIERTO que, tras tantos años de creación, algunas canciones de “Amor Compartido” ya comienzan a formar parte más del pasado que del futuro. “No sé si lo había comentado antes, pero claro, yo salía de una ruptura. Entonces como que se me nota triste en el disco. Yo lo escucho y digo

Erlantz Prieto (Shinova)

Guitarrista y productor –junto a Pablo Pulido– del reciente epé “La Tormenta Perfecta” de los propios Shinova, Erlantz Prieto ha cargado con la responsabilidad de seleccionar las cinco canciones que considera esenciales en la trayectoria del grupo.

EN CONCIERTO l Zaragoza 18 septiembre. Auditorio l Sevilla 25 septiembre. Cartuja Center l Valladolid 09 y 10 octubre. Teatro Carrión l Valencia 07 noviembre. Roig Arena l A Coruña 14 noviembre. Palacio de la Ópera l Bilbao 20 noviembre. Euskalduna

“ “Somos gente lista o tonta dependiendo del día”

‘Hostia, el disco está tristón, pobrecito mío. Y yo no me siento tan así ya, para nada. Pero claro, te pilla una época oscura y vomitas oscuridad, ¿sabes? Y eso sí que lo puedo notar. No me preocupa porque sé que va a volver a llegar una etapa así y a la gente también le va a pillar una etapa así. Las cosas van y vienen. En ese sentido sí que puede ser que ya no me sienta tanto en esa etapa de bajón, ¿sabes?”, explica Flaco. Lo bueno es que lo que sí que parece que irá para largo es el concepto que rodea todo el proyecto y que, en realidad, encaja tan bien con el alma central de lo que es Cupido como banda. “Queremos que el disco tenga un recorrido

1Qué casualidad

(“Volver”, 2016) Es una canción muy luminosa, muy emblemática del disco al que pertenece. Debo reconocer que hubo una (breve) época en la que, aunque nos gustaba, no la valoramos como merecía y se cayó del repertorio de directo. Después de que mucha gente nos abroncara justificadamente, por fin volvió.

2

Cartas de navegación

(“Cartas de navegación”, 2018) La evolución sonora de este disco está muy representada por la canción que le da nombre. Se compuso en un momento en el que vivíamos una época personal más revuelta, y esa oscuridad se palpa tanto en la música como en las letras.

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La sonrisa intacta

(“La Buena Suerte”, 2021) Con esta canción ocurrió algo curioso, incluso más acentuado que en “Qué casualidad”, y es que nunca la vimos como single. La considerábamos un buen tema, pero la habíamos planteado de una manera muy diferente, mucho más cañera.

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más largo, más que sacarlo un día y ya está. Así que tenemos ahí preparado una coreografía para los shows o algo[risas]. Llevamos un año metidos en clases de salsa. No, en serio, queremos que esto no se quede solo en un disco, sino que ya veremos. O sea, este concepto de tener colaboraciones con otros artistas, a lo mejor de otros ámbitos que no son la música y demás y seguir trabajando”. Mientras tanto, nos toca disfrutar de una gira que está por venir y promete regalarnos momentazos como siempre. “Hay una gira ya, después de verano, preparada. También volveremos a Latinoamérica porque hay que volver. Ya estuvimos y fue muy bien, así que hay que repetir”. —a.j.

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EN CONCIERTO l Granada 27 noviembre. Industrial Copera l Sevilla 28 noviembre. Pamplona l Barcelona 19 diciembre. FESTVL B l Madrid 29 diciembre. La Riviera l Zaragoza 29 enero. Sala Oasis l Bilbao 19 febrero. Santana 27

Manuel Colmenero, con quien trabajamos por primera vez en este disco, nos propuso probar caminos diferentes hasta que dimos con la versión final. Se ha convertido en nuestra canción más escuchada, y en la culpable de muchas cosas maravillosas que nos están pasando.

4Los días que vendrán

(“El Presente”, 2024) En este caso, sin embargo, desde que Gabriel acabó de escribir la primera estrofa tuvimos claro que esta canción iba a ser tremendamente especial, porque tenía una carga emotiva que no era nada fácil de conseguir. Nina de Juan (Morgan) la cantó con nosotros y la llevó a otra dimensión.

5Tiempo

(“La Tormenta Perfecta”, 2026) Quizá sea la canción que mejor resuma el concepto detrás de “La Tormenta Perfecta” en cuanto a mensaje. Es la conclusión de las cuatro canciones, pero no el final, ya que la obra es cíclica. Es una canción muy reflexiva, y una de nuestras canciones favoritas de todas las que hemos escrito. —MS

septiembre 2026 #23

“Nobody’s Coming To Save You” (PIAS, 26), segundo disco del quinteto Gurriers, supone un importante paso adelante que aúpa a los irlandeses a la primera división de las bandas jóvenes de guitarras ardientes. Y eso que, ahora mismo, competencia no les falta. En noviembre lo estarán presentando en nuestro país. —texto JC Peña —fotos Steve Gullick

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A ISLA ESMERALDA vive desde hace unos cuantos años en un estado de efervescencia juvenil directamente relacionada con unos problemas económicos muy parecidos a los que se viven en España: vivienda inaccesible, falta de oportunidades y una clase política infame ensimismada en sus privilegios. El tiempo terrible y la comida mediocre complican más las cosas por aquellos lares. Los jóvenes tienen que emigrar a las antípodas… o montarse un grupo para desfogarse. Y resulta que muchos son buenos, y tienen en las guitarras y la tensión rockera su válvula de escape. Como hace cincuenta años, pero en distintas circunstancias. Por supuesto, la inmensa tradición y cultura musical del país es fundamental en esta nueva edad dorada del rock irlandés. Y llama la atención que las semillas plantadas en los noventa por bandas efímeras y poco conocidas como Power of Dreams o Whipping Boy estén germinando ahora. De la necesidad de canalizar la frustración acumulada y de mucho más hablo con el cantante Dan Hoff y

#24 septiembre 2026

el bajista Charlie McCarthy, que se conectan conmigo en, para llevarnos la contraria, un soleado día irlandés. El quinteto con nombre tan dublinés –un “gurrier” es, según la jerga local, un macarrilla de poca monta– presentará su disco en nuestro país. EL PODEROSO TÍTULO DEL ÁLBUM y de la canción que lo abre nacieron curiosamente de una mala crítica que recibió su debut. (Dan) “El disco es bastante político, pero en todos los aspectos de la vida, no sólo en relación con el gobierno: qué vistes, a quién quieres, qué comes… La frase fue al principio una reacción de cabreo a una crítica. Nunca me tomo las críticas a pecho. Lo único que me irritó fue que el tipo en cuestión decía que planteábamos muchas preguntas sobre el estado del mundo, y ninguna respuesta. Me quedé de piedra. ¿En serio? ¡Que somos un grupo!”. “Me enfadó tanto –continúa– que escribí algunas líneas que luego completé con unas frases muy buenas de Kurt Vonnegut y Rebecca Solnit acerca de cómo debes vivir tu vida. Repito, somos una banda, pero puede que estas dos perso-

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“Queremos ser una banda de las grandes. Debes tener esa mentalidad”

nas que conocían el mundo mucho mejor tuvieran sus respuestas. Eso me dio un poco de esperanza, y me dije: ‘Vamos a hacer una canción que dé esperanza’”. EL POTENTE SONIDO de “Nobody’s Coming To Save You” es responsabilidad de un dream team técnico formado por su amigo Mark Bowen (Idles), Loren Humphrey (Geese, Tame Impala) y el productor

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EN PORTADA

Gurriers Nadie te va a salvar norteamericano de moda John Congleton (Explosions In The Sky, Death Cab For Cutie, Swans), que lo ha mezclado. (Dan) “Charlie y yo tuvimos un Zoom con John para que produjera el disco entero, pero en aquel momento no tenía tanto tiempo. Estábamos en medio de una gira por estados Unidos cuando nos dijo que podría mezclarlo”. (Charlie) “Lo hizo en diez días. Una locura. Era tan rápido que nos iba mandando las canciones y no podíamos seguirle el ritmo. Lo primero que hicimos fue darle referencias, decirle qué tipo de sonido buscábamos y pasarle dos canciones de prueba. Hizo unas premezclas en una tarde, y ya prácticamente las teníamos. Fue alucinante. No sólo suena de maravilla, sino que John dio vida al disco del modo que nosotros habíamos anticipado. Sonaba como yo pensaba que sonaría mientras ensayábamos en el local”. Además, las mezclas del norteamericano propiciaron una anécdota divertida. (Dan) “El sello nos dio mal su número de móvil, y cuando llamamos se puso una señora de Texas. Le dije: ‘Perdón, ¿está John?’. Y ella: ‘¿Qué John?’ [risas]”. (Charlie) “Y estábamos los cinco y el

mánager alrededor del móvil en el camerino de alguna sala de Boston…”. EN CUANTO AL BIGOTUDO guitarrista (y productor) de Idles, Dan sostiene que “es increíblemente bueno en lo que hace y no tiene miedo a decirte cuándo algo es una mierda. Es muy currante. Y su entusiasmo y energía facilitaron mucho el proceso de grabar, porque teníamos un fuego ardiendo que nos pedía hacer el disco todo lo bueno que él pensara que podía ser”. El bajista añade que “traerle como productor nos dio un impulso, porque nos habíamos enfocado mucho en la composición, y era muy bueno que entrara alguien nuevo al que le emocionara la música del mismo modo que a nosotros. Fue genial que Mark nos diese un empujón de cara a la grabación. Y fue brillante, como los demás. Hemos tenido mucha suerte de poder contar con este equipo. La experiencia ha sido genial”. Las dimensiones del sonido que buscaban están directamente relacionadas con haber empezado a tocar en espacios grandes, en paralelo a la evolución del grupo. Tiene su lógica, y en este caso les ha venido

de perlas. (Charlie) “Hay cosas que funcionan mejor, porque no tratas de comunicar en un escenario pequeño en el que no todo el mundo te ve. Estas grandes salas te permiten sonar más dramático. Estás en un ‘pedestal’. Suena un poco ególatra, pero es una parte de ello. Lo otro es que tienes hueco para más espacio en las canciones, la música se traduce mejor. Volviendo al primer disco, al tocarlo en salas más grandes, canciones como ‘Come and See’ tenían mucho más sentido. Te sentías eufórico. Era un subidón”. LA ASFIXIANTE TENSIÓN post-punk que desprenden sus temas, y que comparten con otras bandas de su generación, “no es algo consciente”, aunque Dan bromee diciéndole a su compinche que son gente “un poco ansiosa”. Ya más en serio, el cantante argumenta que “Es algo que está en el subconsciente de Irlanda en este momento. Si hablamos de Gilla Band, Fontaines D.C., THEATRE, Bucket, incluso Bleach o Lime Tree, hay mucha tensión. Es un sonido muy claustrofóbico. Es el zeitgeist del mundo en este momento”. (Charlie) “Sé que hablo desde una posición

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EN PORTADA

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privilegiada, pero aquí no hay oportunidades para la gente joven. Es una cosa muy irlandesa lo de que todo el mundo se marche. Es una parte esencial de nuestra cultura, y ahora se ha agudizado. Muchísima gente se está yendo a Australia o la Europa continental porque el coste de vivir aquí es demencial. La música se convierte en una vía de escape. El tiempo es una mierda también, y eso ayuda en ese sentido” [risas amargas]. Dan amplía el foco con una reflexión histórica. “Si miras atrás al Londres de finales de los setenta, con The Clash y Sex Pistols, era un poco lo mismo: gente de clase obrera rebelándose contra la pobreza. O en Seattle a principios de los noventa, Manchester… Sitios con mal tiempo, deprimentes, de los que la gente está deseando marcharse. Creo que es una reacción. Siempre hay una reacción. Ahora sucede en Irlanda. Creo que es cíclico, un patrón. Terminará, pero no creo que sea pronto, porque el mundo está demasiado jodido”. VOLVIENDO A LA MÚSICA, cantante y bajista no pierden el sueño por esa noción tan escurridiza que es la originalidad, y con la que a veces nos ponemos un poco pesados. Y más con la música de guitarras. (Charlie) “Tienes que escribir de lo que te importa. Ya hemos pasado por la fase de tratar de hacer el sonido que nadie ha hecho para darnos cuenta de que no sólo se ha hecho, sino que hubo una escena alrededor treinta años antes. Nunca vas a crear algo completamente original. Nos centramos en desarrollar nuestras composiciones con los elementos que nos hacen únicos. La originalidad viene de alguien que tiene una visión. Eso es lo original”. En este sentido, los dos se iluminan cuando les menciono a sus compatriotas los seminales Whipping Boy, grupazo de mediados de los noventa que no tuvo suerte y se quedó en banda de culto cuando tenía mimbres de sobra para alcanzar el estrellato. (Dan) “Alguien me dijo que ‘Top of The Bill’ les sonaba a ellos, y yo ni los conocía. Ahora es uno de mis grupos favoritos. He hablado un par de veces con Paul [Page], el guitarrista, y ahora es fan de Gurriers. Lleva el Instagram de Whipping Boy. Le alegra y le alucina que haya tantos grupos irlandeses inspirados por su banda, pero supongo que es un tipo humilde. Él piensa que si pasa esto no cabe duda de que algo harían bien”. TODO ESTO NOS CONDUCE a hablar de expectativas. La competencia es feroz, pero ellos lo tienen claro. El vocalista no se esconde a la hora de mostrar la ambición que exhi#26 septiembre 2026

be su nuevo trabajo. “No es una cuestión de ego. Si quieres ser bueno en un deporte, yo qué sé, en fútbol, entrenas para hacer cuantos más goles puedas en la Premier League o dónde juegues. Quieres mejorar, evolucionar también personalmente. No queríamos hacer la segunda parte de ‘Come And See’ (24). Queremos ser una banda de las grandes. Debes tener esa mentalidad. Yo creo que es bueno”. Esta aspiración queda patente en su reciente paso por el programa estadounidense KEXP, donde regalaron una actuación impecable coronada por una de sus nuevas canciones. El bajista asegura que estuvieron concentradísimos ante todo para hacerse justicia a sí mismos. No obstante, “hubo un momento, tocando ‘Top of The Bill’, en que me fijé en el visor de una de las cámaras y pensé en cómo iba a quedar, y entonces la cagué en una nota. Fue un segundo”. Cosas que pasan. Por desgracia, no fue el único incidente de la jornada. Dan estaba enfermo. “Tengo un recuerdo borroso. No tenía ni voz. Casi la palmo en el taxi de vuelta… Una mala gripe o algo así, ni idea de lo que me pasó. Estaba como en un sueño febril. Sudé mucho antes siquiera de empezar. Pero fue un sueño

“

“La tensión es el zeitgeist del mundo en este momento”

hecho realidad. Estamos deseando volver”. Y no cabe duda de que lo harán. A PESAR DEL MAL CUERPO, Dan dijo en la entrevista final de aquella actuación no tener muchas ganas de decir las cosas que repite hoy todo el mundo una y otra vez. El poderoso single “Party Lines”, por ejemplo, se inspira en la caótica situación de Sudán, un país olvidado en guerra civil perpetua. “Un satélite registró los regueros de sangre de las masacres. Y la letra habla del ‘silencio

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EN PORTADA

EL APUNTE Fascinación por lo oscuro GURRIERS SE MUEVEn como peces en el agua en la oscuridad visual y las referencias: su debut debe su título a “Ven y mira” (Elem Klimov, 1985), la devastadora película antibélica soviética que expone con inaudita crudeza las atrocidades de las SS en Bielorrusia durante la II Guerra Mundial. Un filme no apto para estómagos delicados. Para sus siniestros vídeos en los que emerge el imaginario ancestral irlandés, paranoias o lo peor de la clase política, el vocalista ha encontrado al perfecto compinche creativo en Thomas James, quien también trabaja con sus compatriotas Kneecap. (Dan) “A Thomas y yo nos preocupan las mismas cosas del mundo y lo feas que se pueden poner las cosas. La referencia para el vídeo de ‘Nobody’s Coming To Save You’ es la película ‘Threads’ (Mick Jackson, 1984). Plantea una línea temporal al-

ternativa: qué habría pasado si Estados Unidos y la Unión Soviética hubieran entrado en una guerra nuclear, con la participación de Reino Unido, que tenía en Sheffield sus instalaciones nucleares. Es muy deprimente, pero interesante. El vídeo también imagina a dónde podríamos ir si no hacemos nada al respecto. Thomas es muy bueno traduciendo mis palabras en imágenes”. HABLANDO DE DISTOPÍAS, ambos confían en que el impacto de la inteligencia artificial en la música acabe siendo anecdótico. (Charlie) “Que bandas como Angine de Poitrine lo peten tiene que ver en parte con que lo que hacen es incuestionablemente humano. Lo ves incluso en los comentarios que hace la gente. Es verdad que es un problema nuevo, pero creo que conectamos con una visión de cómo ve el artista el mundo. Eso nunca te lo dará la IA”. —jc peña

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ensordecedor’. No mucha gente habla en sus canciones ni en sus conversaciones de esto, porque hay muchas guerras y conflictos en el mundo. Yo quise escribir una canción sobre Sudán en el sentido de que nos debería preocupar. La gente debería saber lo que sucede allí […] Soy muy fan de los documentales con los que aprendes de cosas de las que no tenías ni idea, como los de Adam Curtis. Tendrías que pasarte una vida leyendo para saber lo que sabe él. Y habla de cosas importantes que no están en el mainstream. ‘Nausea’, del primer disco, habla de los centros de datos en los que los moderadores de contenidos tienen que ver ciertas cosas que nadie quiere ver. ¿Cómo haces eso atractivo? No puedes escribir una canción de amor sobre mierdas así”. —jc peña

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septiembre 2026 #27

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.EL RETROVISOR La rareza Mad Lad: A Live Tribute to Chuck Berry (2019) Firmado como Ronnie Wood with His Wild Five y con colaboraciones como la de Imelda May, quien también le acompañará en concierto, Wood recoge la grabación en directo en el teatro Tivoli de Wimborne de diez temas propios de Chuck Berry, la revisión del “Worried Life Blues” que el viejo gruñón interpretaba en directo, original de Maceo Merriweather, y la original escrita para la ocasión “Tribute to Chuck Berry”. Con todo el sentido del mundo, en cuanto a homenajear a una de sus grandes referencias, no hay en el disco nada que brille especialmente. Simplemente está bien. Con otra portada, por cierto, pintada por el propio Ronnie. Nuestro hombre le pilló el gustillo al tema, porque dos años más tarde, en 2021, repetiría fórmula de homenaje en directo con invitados en “Mr. Luck: A Tribute to Jimmy Reed. Live at the Royal Albert Hall” con resultados más o menos similares.

La decepción Not for Beginners (2001)

Ron Wood

Al margen del nuevo disco de The Rolling Stones, la leyenda del rock Ronnie Wood ha anunciado dos conciertos en nuestro país con banda. Serán en Valladolid (10 septiembre, Fiestas de San Lorenzo) y en Barcelona (12 septiembre, Cruïlla Tardor), con Imelda May como estrella invitada. Aprovechamos para convertirle en protagonista de nuestro retrovisor. El imprescindible Gimme Some Neck (1979)

Parecía evidente que aquí iba a estar el primer disco de Wood, “I’ve Got My Own Album To Do”. Solo por la lista de colaboraciones de aquel con sus compis Jagger y Richards, George Harrison, David Bowie o Rod Stewart habría más que suficiente. Pero he optado por su tercer disco justamente por eso. Por evitar lo evidente, y porque me parecen

ambos igual de buenos. En “Gimme Some Neck” también están los Glimmer Twins, a los que se suma Charlie Watts para completar la plantilla Stone, y de paso Bobby Keys e Ian McLagan (Faces). Pero es que el disco, además, es muy bueno. Con esas canciones siempre a medio camino entre el rock and roll, el blues, el country o el soul, con temazos como “Buried Alive” o “We All Get Old”. Dicen los que saben que sus dos primeros trabajos en solitario son mejores, más consistentes. A mí este también me vuela la cabeza. Y esa portada, diseñada por el propio guitarrista... Bueno va, me han pillado. Y que encima está la inconmensurable versión del “Seven Days” que Dylan le cedió en 1975. ¿Qué más se puede pedir?

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Limitadísima distribución, algo que le hizo pasar prácticamente inadvertido pero que, por otro lado, tampoco le fue mal viendo el resultado. Así era más fácil olvidarlo. Tras casi una década sin sacar nada en solitario, va Ronnie y nos endosa este insulso trabajo al que solo le encontrarán el qué los muy cafeteros (o stonianos). No lo salva ni la participación de Dylan, que vuelve a andar por ahí. Cuando las críticas de la época lo señalan como entrañable, agradable o sereno, mal vamos. Participación de sus hijos y pocos temas propios que no sean instrumentales. Demasiado tiempo esperando para acabar con la sensación de falta de inspiración con la que nos quedamos ante trece canciones que nunca alcanzan el nivel de frescura al que siempre nos había acostumbrado. Todo está en su sitio. Los músicos son competentes y sus interpretaciones impecables, pero carece de alma por completo.—eduardo izquierdo

septiembre 2026 #29

El magnetismo de La Yegros Han pasado dos años desde que La Yegros publicase “Haz” (X-Ray/Canta La Selva, 24), pero la argentina tiene ya listo un álbum que verá la luz el próximo año. Antes de que eso ocurra, la artista volverá a nuestro país.

L

A HISTORIA DE LA YEGROS podría contarse como la de una artista que llevó el chamamé y otros ritmos del litoral argentino hasta los festivales europeos. O como la de una de las voces fundamentales de la folktrónica latinoamericana de la última década. Pero quizá la verdadera historia sea otra: la de una chica de Morón que soñaba con salir en la televisión, pasó quince años buscando su lugar en la música, terminó alejándose de ella y, cuando ya había asumido que nunca cumpliría aquel sueño, encontró el camino de

vuelta a los escenarios pasada la treintena. En la actualidad, mientras hace malabares entre la maternidad y la música, la cantante argentina sigue aferrada a una idea que atraviesa toda su trayectoria: hay muchas vidas dentro de una sola. “Fueron los dos grandes planes de mi vida: ser cantante y ser madre”, explica. “Ahora estoy en un momento muy lindo, despidiéndonos de nuestro último disco y, al mismo tiempo, disfrutando de mi maternidad. Encontrando el equilibrio, aprendiendo a seguir siendo mujer, madre y artista”. Un encaje de bolillos que, por ahora, le concede un respiro en la carretera. Ese instinto también se ha colado de lleno en un próximo álbum que promete romper sus propios esquemas. “El nuevo disco va a marcar un antes y un después en mi carrera. Es completamente diferente. Vamos a dejarlo en suspenso. Pero está pensado de otra manera, viste; lo empecé a hacer durante el embarazo. Está hecho desde otro lugar”, anticipa. Para este nuevo ciclo, Mariana [Alejandra Yegros] no ha necesitado

“Pensé que en esta vida mi sueño” no iba a poder lograr

TAN.LEJOS TAN.CERCA

FONTAINES D.C.

RR Fontaines D.C. lanzarán su quinto álbum, “Dopamine Chamber”, el próximo 16 de octubre. En su reciente gira española interpretaron dos de sus canciones, “Six Shot Morning” y “Marianne”, que se ha convertido en el primer adelanto. Produce James Ford. RR Angelus Apatrida fichan por Napalm Records –discográfica austríaca con bandas como Accept, As I Lay Dying, Jinger, Katatonia y un larguísimo etcéte-

Sandré De la broma al punk Tras años de desgaste, cambios internos y supervivencia precaria, Sandré regresan con un tercer trabajo titulado “Paciencia Infinita” (Calaverita, 26).

D

ESDE AQUEL DEBUT que nos pilló por sorpresa, “Ave Muñón” (B-Core, 19), los barceloneses Sandré han ido construyendo una identidad y un discurso que, aunque ha evolucionado con los años, mantiene intacta la rabia y la urgencia de sus inicios. “Tuvimos suerte de entrar rápido en el pequeño circuito de Barcelona y conectar #30 septiembre 2026

con gente influyente”, admite el batería, Carles. “Empezó totalmente como una broma. No teníamos ninguna expectativa, ningún plan de futuro. Personalmente, no sabía muy bien qué comportaba tener una banda”, confiesa la cantante, Rosa. La última en sumarse al proyecto ha sido Dàlia, también miembro de Galgo Diamante. Ella estuvo en la presentación del anterior trabajo, “Gestiones fáciles” (22), pero como parte del público. “Rosa estaba tirándose desde el escenario y quise hacer lo mismo. Salté y mi rodilla se salió. Estuve seis meses de baja”, recuerda. Y de la baja, al bajo. Y es que, ya recuperada, se postuló para cubrir a la bajista original

ra– y anuncian “The Reckoning EP” para noviembre. De momento han adelantado “Cycle Of Ruin” y una versión del “Propaganda” de Sepultura. RR Turnstile publican “Never

Enough: Versions”, un disco en el que participan artistas tan diferentes entre sí como Elton John, Dying Fetus, Four Tet, Floating Points, Hayley Williams, Oklou, Chanel Beads o Angel Du$t.

y grabar el actual “Paciencia infinita”. “La experiencia está siendo muy guay. Estoy aprendiendo un montón y entrando en la mente de cada uno de ellos [risas]. Poder poner un granito de arena en este último disco ha sido un honor”, añade. La presencia de Dàlia, bastante más joven, ha bajado la media de edad de la banda que completa Carles a la guitarra y revitalizado su directo. Poca broma, su puesta en escena es muy exigente, muy física, pura adrenalina. EL CAMINO hasta “Paciencia Infinita” ha sido largo. Rosa recuerda que “la vida del músico precario es muy dura” y sostiene que si solo vivieran de la música podrían lanzar “un disco cada año, o cada dos”, pero actualmente todos tienen otros trabajos a jornada completa. “Al final, no solo juega

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FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO dinamitar sus cimientos. En el centro del estudio sigue estando Gaby Kerpel, productor, amigo y escudero desde hace casi tres décadas. Su alianza es un pequeño acto de resistencia: sobrevivió a más de una década de matrimonio y también a una separación que, lejos de desgastar el proyecto, terminó fortaleciéndolo. “Somos familia; es incluso el padrino de mi hija. Fue él quien inventó mi nombre artístico y quien me dio la primera oportunidad. Ahora presentamos un nuevo formato de trío eléctrico. Cuando vamos con la otra banda somos como diez, pero ahora volvemos a viajar en camioneta, en tren... Es como revivir el pasado. Me encanta porque me recuerda de dónde vengo”. A los dieciocho años se marchó de casa y comenzó un recorrido que la llevó a estudiar en el conservatorio y a buscarse la vida entre Barcelona, Los Ángeles o Nueva York. Años de intentos, de movimiento constante, pero sin encontrar todavía un lugar propio. "Mi primer disco salió cuando tenía treinta y siete años. Llevaba ya como quince en el mundo de la música buscando caminos y sentía que no encontraba el mío". El proyecto empezó

a tomar forma junto a una escena emergente impulsada por colectivos como ZZK y artistas como Chancha Vía Circuito, Axel Krygier o El Remolón: una electrónica atravesada por el folclore que abría un espacio que años antes ni siquiera existía en Buenos Aires. Desde entonces, su carrera ha crecido bajo una etiqueta que todavía la acompaña: “la reina de la nueva cumbia". Ella le resta importancia. "En toda mi carrera solo he hecho una cumbia, 'Viene de mí', que fue un éxito. Chamamés o carnavalitos hay muchos más... De niña bebía mucho del chamamé, crecí con eso. Las canciones suelen ser melancólicas, pero con mucho ritmo. Hay que aprender a bailar con las tristezas. Eso me enseñó el chamamé”. —víctor terrazas

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RR Amaia ya tiene su ensayo monográfico, “Amaia. Plano secuencia”, libro que repasa la trayectoria de la artista navarra. Lo firma Luis Álvarez Borrero y publica Sílex.

RR Este pasado mes de agosto ha fallecido por causas naturales Frank Beard, batería de ZZ Top durante cincuenta años. Billy Gibbons se despidió de él en redes sociales destacando sus cualidades humanas, instrumentales y el ser “un auténtico hijo de Texas”.

VÍCTOR COYOTE

RR Pulp comparten fecha “What Do You Do For An Encore?”, película documental dirigida por Garth Jennings, quien se ha encargado de varios clips previos del grupo. De momento podrá verse en MUBI, y se han confirmado preestrenos en cines de Reino Unido e Irlanda, Canadá y Estados Unidos para septiembre. Veremos qué ocurre con nuestro país.

un papel aquí la voluntad, o los planes que tienes tú en la cabeza. Hay muchas cosas que se tuercen, o pasan cosas entre medio, y al final, pues sí, nos lo hemos tomado con calma, con paciencia infinita”. Una de las canciones más destacadas del disco es la inflamable “Cabeça”, en la que colabora Miguelito García, vocalista de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba y de Cervatana. “Es amigo nuestro desde que coincidimos en el Canela Party de 2022. Nació una amistad muy fuerte entre las dos bandas y, a partir de ahí, nos seguimos viendo y quedando”. Y así, desde la admiración mutua e intercambiando mensajes de madrugada, salió una letra sobre la fuerza de la amistad (“Dame un toque si me necesitas/dejo lo mío y te doy un empujón”).

ien “Es imposible que algu ndido… ve s mo he diga que nos e vender” ESTE TERCER ELEPÉ es el primero del porque no hay nada qu mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

RR En agosto falleció el músico y dibujante Víctor Coyote mientras iba en bicicleta. Tenía sesenta y siete años de edad y, según las informaciones, su cuerpo fue hallado junto a la carretera en un camino de campo. —MS

cuarteto para Calaverita Records, hogar de bandas y artistas como La Pegatina, Chiquita Movida y Nat Simons, entre muchos otros. Destacan de este sello independiente su implicación y la inversión necesaria para hacer crecer el proyecto, algo que valoran especialmente en un contexto en el que cada paso requiere recursos. De los Sandré de “Ave Muñón”, aseguran, queda la queja. “Igual ahora la gente dirá que antes molábamos más, haciendo temas más rápidos y cortos”, dice el batería, quien rechaza cualquier acusación de comercialidad con mucha ironía. “Es imposible que alguien diga que nos hemos vendido… porque no hay nada que vender”. —luis benavides

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septiembre 2026 #31

MONDO FREAKO

Luislo, Omar y Beni acaban de publicar su tercer trabajo, “La esquina + violenta” (Rimas, 26). Un álbum directo, conceptual, creado en apenas unos meses, que funciona como una radiografía de conversaciones pendientes.

“

LA ESQUINA + VIOLENTA” es un disco en el que las distintas caras de la crudeza conviven, inevitablemente, con el empeño de seguir imaginando un mañana. Una búsqueda constante de cómo encontrar belleza incluso en las esquinas más difíciles. En una de esas esquinas aparece el llanto de un bebé. Un llanto que conecta la dureza de “Lo mataron a las diez” con la ternura herida de “Mi prima fue mamá otra vez”. No es casual. Después de canciones sobre migración, salud mental, violencia política o heridas heredadas, la última voz que aparece es la de alguien que acaba de llegar al mundo. “Tener un niño que nazca o crezca en un contexto complejo ya de por sí es una decisión muy violenta”, reflexiona Luislo. La imagen le devuelve inmediatamente a una historia familiar. “Me acuerdo de una prima mayor. Entre los primos siempre decíamos que seguramente sería la primera en ir a la universidad, la primera en romper ciertas ataduras. Cuando quedó embarazada con dieciséis años fue muy duro. Veías la barriga y sentías alegría, pero también que ciertos planes se rompían. Pero esa vida que viene es una nueva oportunidad”. Esa imagen fue la que obligó al trío a descartar en el último momento una portada que originalmente iba a mostrar a una persona golpeada y con grilletes. Prefirieron un bebé en brazos, porque la inocencia extrema resulta sobrecogedora cuando todo alrededor invita al cinismo. Omar lo resume con lucidez: “El bebé reconcilia. Hay gente que tiene un entorno o un trabajo violento, pero cuando está al lado de un niño esa careta se cae”. QUIZÁ POR ESO EL NUEVO LARGO del trío resulta tan difícil de resumir. Cuando hablan de violencia no se refieren únicamente al crimen, a la corrupción o a las heridas históricas que atraviesan las venas abiertas de América Latina. También hablan del desarraigo, de la ansiedad, de la frustración de quienes tuvieron que crecer demasiado rápido y de la dificultad de encontrar un lugar al que pertenecer. Pero el viaje no es solo gris; está hecho también de bailes, celebraciones y un mundo profundamente bello. Esa mirada periférica atraviesa cada rincón del disco. Çantamarta ha construido un refugio en el que el dolor también se baila. Lo hace en “Mar Caribe”, recogiendo el testigo del poeta Andrés Eloy Blanco y sus angelitos negros #32 septiembre 2026

zca o crezca “Tener un niño que na o ya de por sí en un contexto complej olenta” es una decisión muy vi

Çantamarta

Un acto de pura bravura

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WALA. WALA. para reclamar un espacio de orgullo pardo frente a una historia que siempre pintó los altares de blanco. “Es una forma de decir que estamos ocupando un espacio que durante mucho tiempo nos dijeron que no era nuestro. Otras personas hablaban por nosotros, pero ahora nos toca a nosotros”, explica Luislo. Ese choque cultural se vuelve físico al caminar por Madrid y encontrarse con el rótulo de una conocida marca de ropa infantil: Mayoral. Para quien viene del lugar del que viene el vocalista, la palabra no evoca el látigo del capataz colonial. Sabotear ese significado desde la música es, en sus propias palabras, un “acto de pura bravura”, una idea que también atraviesa canciones como “Todo lo que toco se hace oro”. Pero el disco alcanza su temperatura más dolorosa en “Melancolía”. Nació en un freestyle improvisado en el estudio que terminó arrastrando la sombra del suicidio juvenil en la diáspora. “La violencia también es que, un día, tú te quieras lanzar de un piso diez. La vida de un ser humano cambia cuando se da cuenta de que tiene la capacidad de quitarse la vida. Y esa es por desgracia una bandera tanto en migrantes como en muchos jóvenes. Es igual de importante en la conversación que la corrupción del político que te jode”, afirma Luislo. Es la fractura de una juventud robada por la supervivencia. “Muchos no pudimos tener una adolescencia ya que tuvimos que pensar en cómo irnos para convertirnos en adultos. No podías seguir el curso natural que mucha gente aquí sí ha podido permitirse. Yo me pude buscar las habichuelas como músico callejero en Granada, me pude sacar la carrera por suerte y por becas. Pero tengo panas que llegaron un año después a Madrid, cuando convalidar era imposible. Muchachos que pudieron haber sido diseñadores gráficos, odontólogos o médicos y les tocó dedicarse a otra cosa. Pasan los años y se van frustrando”. PARADÓJICAMENTE, toda esta densidad conceptual nació de una manera casi impulsiva. Si “Pasarela” (24) necesitó varios años para completarse, este nuevo álbum tomó forma en apenas tres meses, a partir de enero de 2026. Parte de la culpa la tienen María y Sara de Fillas de Cassandra, cuyo “Tertulia” (26) produjeron a finales del año pasado en Galicia. “Va a ser uno de los discos del año”, afirma con rotundidad Luislo, recordando cómo intentó convencer al grupo durante el verano para no asumir el encargo por falta de tiempo. “Al final ganó el amor al arte y, cuando terminamos el proyecto, dijimos: ‘Bueno, listo. ¿Queremos sacar nuestro disco en 2026? Pues aprieta, papi’”. Lejos de traducirse en un trabajo atropellado, la prisa actuó como un filtro de honestidad. Aprendieron a limpiar el grano de la paja y a confiar en que si una canción se sostiene a guitarra y voz no hace falta recargarla de capas maximalistas. Çantamarta han lanzado una moneda al aire y al escuchar ese llanto final, uno tiene la certeza de que ha caído de cara. —víctor terrazas

“Hay algo que realmente me disgusta de esta nueva generación de artistas: la cara de enfado. Esa cara me molesta muchísimo” Dillom en Billboard

“Sentí mucha envidia cuando descubrí a [Hatsune] Miku. Fue como una puñalada en el corazón, como si pensara: ‘¡Joder! ¡Ojalá yo hubiera hecho lo mismo’” Grimes en NME

“Me han dicho que algunas salas te preguntan por tu número de seguidores en Instagram o de escuchas en Spotify, y yo, claro, en ese sentido, cotizo completamente a la baja” Tito Pintado, anti, en Icon

“La palabra ‘espiritualidad’ se ha vuelto viral y creo que mucha gente, cuando piensa en espiritualidad, piensa solo en una cosa, en la imagen que ve en las redes sociales” Naomi de Ibeyi en Jenesaispop

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“LA MÚSICA Y EL ARTE SON LA TERCERA REALIDAD EN LA QUE PUEDES EXISTIR. LA PRIMERA ES EL MUNDO FÍSICO TAL Y COMO LO VEMOS Y LA SEGUNDA ES LA QUE TIENES EN TU CABEZA, TUS PENSAMIENTOS Y SENTIMIENTOS” James Smith de Yard Act en NME septiembre 2026 #33

MONDO FREAKO

Veintiuno Jugando con la Es difícil definir a Veintiuno. Con “El arte de perder” (23) se consagraron, con “La Balada de Delirio y Equilibrio” (25) descubrimos una faceta mucho más conceptual de los de Toledo. Ahora, con “El Último Baile de Delirio y Equilibrio” (Warner, 26), nos encontramos con unos Veintiuno mucho más experimentales.

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E REENCUENTRO con Diego y Yago más de un año después de nuestra última entrevista, esta vez desde la intimidad de nuestras respectivas casas en medio de un día lluvioso. Vamos directos al grano: “El Último Baile de Delirio y Equilibrio” repiensa las canciones de su último disco, pero las deja a merced completamente de amigos y amigas de la industria. “‘La Balada’ y ‘El Último Baile’ tenían como parte de su narrativa la exploración de los caminos posibles, de las vidas que no has vivido y, haciendo una metonimia bastante sencilla, lo más divertido del mundo era [pensar] qué canciones habrían sido #34 septiembre 2026

estas si fuesen otras personas las que las defendían”, explica Diego. Llevada esta condición al extremo, las colaboraciones —entre las que figuran bandas como Rufus T. Firefly, Repion o Puño Dragón— han tenido completa libertad creativa, “En un disco que es tan confesional e íntimo en lo lírico como ‘La Balada’, cuando involucras a gente para entrar, es bueno —o es más interesante— que les dejes formar parte de verdad y de involucrarse hasta el punto que cada uno quiera”. Además, en el caso de bandas con muchos miembros, como Puño Dragón, hicieron por incluir a todos los integrantes en el proceso. “Muchas veces hacer la colabo es que va el cantante y se acabó y nunca terminas de contagiarte tanto de la energía que tiene otro proyecto”. LA IDEA NACE “de la admiración”: “Toda la gente a la que hemos llamado tiene temas que nos flipan. Y además son propuestas muy diferentes a la nuestra, en una dirección o en otra”, explica Yago. “Ellos hacían algo que estaba muy lejos de donde estaba la canción y nos miraban como diciendo ‘¿Seguro que sí?’”, recuerda Diego. Pues claro que sí. “Nosotros queríamos explorar más este universo. Si os apetece entrar, aquí lo tenéis”, invitan los de

Toledo. Esta reinterpretación incluye canciones inéditas. Algunas de ellas acumulan miles de escuchas ya en plataformas, pero hay sorpresas. “Hemos grabado una canción más y está solo en el vinilo”, avanzan. Una edición física que ha sido conceptualizada y dibujada por Diego con la ayuda de Ainhoa Azabal, “quien se encarga de que el formato siempre esté perfecto”. Aunque, en esta ocasión, el vocalista se ha topado con un plus de dificultad. “Estaba trabajando con un papel que no permite mucho redibujo. He tenido que quemar mucho papel para trabajar. Y las carpas de la portada… Hay siete versiones de carpas que tienen diferentes valores cromosómicos”, bromea. Además, me explican que será un vinilo doble con “La Balada” y “El Último Baile”. “Vienen los dos precisamente para dar la tranquilidad a todo el mundo de que no se queda nada fuera”. ESTE ÚLTIMO BAILE, aclaran, no es un capricho impulsivo. “Teníamos claro que queríamos hacer esto desde antes de acabar ‘La Balada’”. De hecho, en el álbum “hay cosas que dan pistas del disco que viene. Es un disco de lore”, sintetiza el cantante. Sin embargo, la previsión no les ha evitado los dolores de cabeza. “Mayo y junio han sido los peores meses de traba-

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e “La constatación de qucasa lo que has hecho en tuguien significa algo para al a nosotros nos llena”

TOP VÍDEOS. Q

Kanye West OK (Ft.- Don Toliver)

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¿Cuántas cosas puedes suceder en una pequeña sala de autopsias? La respuesta está en este clip dirigido por la artista y arquitecta Bianca Censori. Todo un ejercicio de imaginación, simbolismo y una aséptica elegancia muy perturbadora.

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Dillom Cocodrilo

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jo que yo he tenido en la historia de la banda. [...] Tú puedes permitirte parar en seco si no te espera nadie o si te espera muchísima gente”, desarrolla Diego. Ellos, por suerte, cuentan con una gran comunidad que siempre responde. Para sus últimos estrenos han ido jugando con sus seguidores, como sucedió en “Pide un deseo por mí”, que tocaron en directo en la Playa de Aguilar porque “nació allí. Fue la mayor ida de olla que hemos hecho con una canción, pero quedó muy bonito”. También explican: “Si el clip de ‘Vidas Pasadas’ es una fiesta de máscaras, ¿qué hacemos para presentarlo? Pues una fiesta de máscaras”. Este sinfín de ideas nace de la voluntad de los de Toledo de “saber si hay alguien al otro lado”. “Vivimos en una era en la que el streaming te aleja a través de una pantalla de la peña y solo sabes si la gente está viva cuando lo testeas en directo”, explica Yago agradecido. “La constatación de que lo que has hecho en tu casa significa algo para alguien a nosotros nos llena de verdad”, confiesan. Acabamos de charlar y solo puedo preguntar a Diego y a Yago, tras el último baile, ¿qué ocurre con Delirio y Equilibrio? “Que vamos a terminar el viaje con ellos y luego les vamos a dejar descansar”, resume Diego. Tocarán lo que quede y cambiarán de rumbo. Y con esto, Veintiuno concluyen un viaje de “dos años y medio”. “Creo que la siguiente vez que se vea un cartel de Veintiuno con salas y tal, posiblemente es porque tengamos algo nuevo que decir”. —joan sánchez

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Q

FOTO: SR. VALDE

música

Videos con la técnica del stop-motion se han hecho a millares, pero usando tatuajes diríamos que no tantos. Y es esa singularidad la que le da un valor especial a esta especie de ‘lyric-video’ de Dillom.

De La Soul Run It Back!! (featuring Nas)

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Excelente clip el que ha realizado Justice Silvera para ilustrar este tema de Dela Soul extraído de “Cabin in the Sky”, el primer álbum de estudio de la banda en nueve años que fue editado el pasado mes de noviembre.

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Fontaines D.C. Marianne

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Grian Chatten es el auténtico protagonista de esta pesadilla que nos regala imágenes muy potentes que constituyen todo un viaje a los infiernos de la mente de la Marianne del tema.

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Troye Sivan She’s the Best

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Troye Sivan realiza un alegato a la feminidad. Y para ello se hace acompañar por una Nicole Kidman que luce ciertamente espectacular. Una oda a la sensualidad filmada de una forma muy elegante. —MS

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septiembre 2026 #35

ESPECIAL

“So” Arte y negocio de la mano de Peter Gabriel “So” es claramente el disco más importante de la carrera de Peter Gabriel, la obra que divide su discografía en dos y que le termina de convertir en una estrella a nivel popular. Evidentemente Gabriel ya se había ganado el reconocimiento de la crítica y una base leal de seguidores, primero como cantante de Genesis y luego con sus cuatro primeros discos en solitario, que le habían convertido en el adalid del pop más experimental y arty del Reino Unido. Pero su otra historia estaba a punto de empezar.

P

OR AQUELLOS DÍAS, la antigua banda de Gabriel, Genesis, había visto cómo su popularidad se disparaba a principios de la década de 1980, impulsada sobre todo por el instinto natural de Phil Collins, su sustituto como vocalista, para el pop comercial. El mismo mes en el que Gabriel se metió en el estudio para comenzar a grabar “So”, febrero de 1985, veía la aparición del exitoso “No Jacket Required” de Collins, un disco que iba a ser número uno en medio mundo. PARECE CLARO que no fue casualidad, Gabriel tuvo claro desde el principio que #36 septiembre 2026

él también podía llegar al público masivo, sin tener que sacrificar su sensibilidad artística. Me parece muy significativo que el primer productor que barajase para el proyecto fuera Nile Rodgers, el ex de Chic, con un ojo perfecto para los hits funk y disco que había conseguido llevar a David Bowie de la trilogía experimental de Berlín al mainstream un poco antes con “Let’s Dance”. Al final se decantó por Daniel Lanois que había trabajado anteriormente con, entre otros, Brian Eno y había dado su gran salto a la fama produciendo el “The Unforgettable Fire” de U2 junto con Eno, con el que ya había trabajado en la banda sonora de la película “Birdy”, estrenada el año anterior.

La huella de Otis Redding PERO ESTA VEZ a su art rock, sus experimentos y a su interés por la música del mundo le iba a unir una pasión de juventud, su amor por la música soul y, en concreto, Otis Redding, que arrastraba desde que vio al mítico cantante en directo en Londres en el Ram Jam de Londres a principios de 1967, una experiencia que recordaría años después como si le hubieran “abierto el corazón”. De ese amor nacería “Sledgehammer” la canción, que con su conocido vídeo mediante, le iba a convertir en una estrella global. En “So”, la sonoridad de los discos anteriores, que se caracterizaba por un sonido frío

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y minimalista con ciertos elementos étnicos, se iba a complementar ahora con una buena dosis de influencias del R&B y el soul, además de varias baladas que siguen más de cerca las convenciones de la música pop, creando un paisaje sonoro mucho más rico y accesible para el gran público. Pero más allá de eso, “So” está muy lejos de ser un disco puramente comercial o el momento en el que Gabriel se vendió. Baste como ejemplo la poderosa canción con la que se abría, “Red Rain”, una demostración vocal en toda regla de Gabriel que comenzaba con el ‘hi hat’ de Stewart Copeland de The Police, traído específicamente para tocar esa parte, demostrando el increíble ahínco pues-

to en cada detalle del disco. Hay algo realmente catártico en esta canción apocalíptica que gira sobre muchas de las inquietudes sociopolíticas de mediados de los años ochenta, todavía en medio de la Guerra Fría, como la lluvia radiactiva o las enfermedades sistémicas.

Un martillo muy pegadizo A PESAR DE UNA PRODUCCIÓN más dinámica y cuidada, esta canción podría haber aparecido en alguno de sus primeros discos en solitario, algo que, desde luego, no pasaba cuando se escuchaba la siguiente canción, “Sledgehammer”, un

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pelotazo soul que era el momento más pegadizo y alegre de la carrera del ex de Genesis. Pero hasta aquí había sus particularidades, el inicio era un sample de un shakuhachi, y en 1986 samples e instrumentos no occidentales seguían siendo vanguardia. Eso sí, más allá de sus particularidades, “Sledgehammer” era absolutamente irresistible, desde su bajo y su riff de guitarra, pasando por esos vientos en los que participa el mismísimo Wayne Jackson a la trompeta, el mismo que acompañó a Otis en muchos de sus clásicos. Para termnar de redondear la operación Gabriel acompañó a la canción de un original vídeo con movimientos animados creado por Peter Lord y su

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septiembre 2026 #37

TUS IDEALES TAMBIÉN CURAN

Para suturar heridas de guerra: hilo quirúrgico, pinzas e ideales.

Independencia Compromiso Humanidad

UCRANIA © ANDRII OVOD

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ESPECIAL

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equipo de Aardman Animations, entre los que se encontraba un joven Nick Park, que acabarían creando “Wallace y Grommit” o “Evasión en la granja”.

Desbancando a Genesis COMO NO PODÍA SER de otra forma fue la canción elegida para presentar el disco, siendo publicada un mes antes de su publicación, en abril de 1986. En un caso de justicia poética, la canción se convertiría en el primer, y último sencillo, de Peter Gabriel que subía a lo más alto de las listas de éxito en Estados Unidos. Fue un 26 de julio de 1986 y lo hacía en sustitución del primer número uno en esas mismas listas de su ex banda, Genesis. Phil Collins bromearía años más tarde diciendo que no se enteraron en su momento pero que, de haberlo hecho, le hubieran enviado un mensaje con las siguientes palabras: “Enhorabuena, cabronazo”. “SO” CONTINUABA con otra de sus canciones más populares, el dueto con Kate Bush en “Don’t Give Up”. ¿Habría una pareja más perfecta para cantar juntos que estos dos maravillosos bichos raros? Posiblemente, no. El caso es que la canción consigue elevarse por encima de su sentimentalismo gracias a unos cantantes entregados, al bajo de Tony Levin y a una letra que más que a la Gran Depresión parecía apuntar a los años de Thatcher en el Reino Unido. Fue otro de los éxitos del disco y se coló en el Top Ten en el Reino Unido. Con “That Voice Again” vuelve a subir la energía del disco gracias en particular a la actuación de Manu Katché en la batería. Es una canción con una especie de sonido ‘jangle’ sintetizado en su estribillo y un punto caribeño en las estrofas.

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“So” está muy lejos de ser un disco puramente comercial o el momento en el que Gabriel se vendió

estrofas que luego se transforma en una energía desafiante y llena de vitalidad en el estribilo. La canción se completa con la tribal interpretación de Katché en la batería y la explosiva aparición de Youssou N’Dour al final de la misma. Tres años después John Cusack y su radiocassette la convertirían en mítica gracias a “Un gran amor” de Cameron Crowe. “MERCY STREET” es la joya escondida del disco, la canción que demuestra que “So” iba mucho más allá de sus sencillos. Una atmosférica y etérea canción con la que Gabriel volvía a demostrar su maestría a la hora de incorporar influencias no occidentales en su música, en este caso sus imperceptibles ritmos cariocas. Pero después de esta delicadeza Gabriel volvía a subir el volumen y demostraba que el ex cantante de Genesis también podía ser funk con la fantástica “Big Time”, que, como no podía ser de otra forma, dio a

Una escena mítica A PESAR DE QUE GABRIEL siempre pensó en ella como el final del disco, “In Your Eyes” aparecía como la primera canción de la segunda cara. Es la mejor canción del disco junto a “Sledgehammer”, con otra gran interpretación vocal de un Gabriel que consigue transmitir una desesperación cruda en su voz en las mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Gabriel su segundo Top Ten en las listas del Billboard. LA CANCIÓN QUE CERRABA el vinilo original era “We Do What We’re Told (Milgram’s 37)”, primera canción que se grabó para el proyecto, teniendo sus orígenes en el que sería el mejor disco de Gabriel de no ser por este “So”, su tercer disco, conocido como “Melt”, aparecido en 1980. Es, sin duda, la canción más experimental del disco y la que mejor une este con esas primeras obras más vanguardistas. Aunque no apareció en las primeras versiones de vinilo del disco, en otros formatos sí que incluía “This Is The Picture (Excellent Birds)”, su colaboración con Laurie Anderson, con otro gran bajo por parte de Levin.

El negocio y el arte EL DISCO CUMPLIÓ a la perfección su objetivo y convirtió a Gabriel en una superestrella, aunque sin perder el fervor de la crítica, vendiendo más de cinco millones de copias solo en Estados Unidos, un país en el que Gabriel apenas había tenido éxito antes de “So”. Gracias al dinero que consiguió con este disco, Gabriel logró algo que siempre había buscado, una independencia artística total. Pudo construirse el estudio de sus sueños, los Real World Studios y además le sirvió para reactivar otro de sus sueños, el festival WOMAD, dedicado a las músicas del mundo. También le dio para crear su propio sello, Real World. Eso sí, puede que la estabilidad financiera también trajera un descenso de la producción musical de Gabriel. Hubo que esperar tres años para escuchar nueva música, y no fue un disco sino la aclamada banda sonora de “La última tentación de Cristo” de Martin Scorsese. La continuación de “So” no llegaría hasta 1992 cuando finalmente apareció “Us”. Desde entonces el ritmo de producción del británico siguió decayendo. A pesar de todo Gabriel no ha dejado de demostrar que está más interesado en el arte que el negocio, aunque en 1986 consiguió combinarlos de manera maravillosa en el disco que definiría su carrera para siempre.—sergio ariza

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septiembre 2026 #39

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41/Mondo VINILOS

The Afghan Whigs

Soft Control Royal Cream/BMG

ROCK / Cuatro décadas después de su nacimiento, The Afghan Whigs siguen demostrando que no necesitan mirar atrás para mantenerse relevantes. “Soft Control”, su décimo álbum, prolonga el excelente momento creativo iniciado tras su regreso en 2014 y presenta a un Greg Dulli más sereno, aunque igual de intenso. Sin perder la vulnerabilidad que siempre ha definido sus letras, el compositor reflexiona sobre el paso del tiempo con una madurez que impregna todo el disco. La banda mantiene intacta su identidad, combinando rock, soul, R&B y una marcada atmósfera cinematográfica. Destacan la electricidad de “House Of I”, la elegancia de “My Lover”, la épica contenida de “The Deepest Part Of The Darkest Shadow”, la sorprendente “Mariah Luster” y una emocionante “Duvateen”, auténtico corazón del álbum. Lejos de vivir de la nostalgia, The Afghan Whigs siguen encontrando nuevas formas de sonar fieles a sí mismos. —eduardo izquierdo

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Modest Mouse An Eraser And A Maze Glacial Pace

Phoebe Bridgers: del indie al estrellato Phoebe Bridgers

Lost Weekend Dead Oceans/Popstock!

9 INDIE POP / La carrera de Phoebe Bridgers la ha llevado de ser la cantautora indie favorita de la crítica, a una extraña estrella del pop con colaboraciones con Taylor Swift o SZA incluidas. A eso hay que sumarle la creación de un supergrupo, Boygenius, junto a Lucy Dacus y Julien Baker, que terminó arrasando en los Grammys. Decir que su tercer disco era muy esperado es quedarse bastante corto. Sobre todo porque habían pasado seis años desde el segundo, el intenso “Punisher”, el que la terminó de convertir en una estrella del rock & roll, como le dice su difunto padre en una grabación que ha metido en el disco. Y es que este “Lost Weekend” es, como siempre ha pasado con su autora, una obra absolutamente personal en la que las canciones tratan de lidiar con todo lo

que ha ido pasando en estos años en los que se quitó del foco para preparar este disco que va a terminar de convertirla en uno de los claros referentes de su generación. Y esas cosas han sido una ruptura y un nuevo inicio amoroso, la conversión en una estrella y la muerte de su padre, con el que tenía una conflictiva relación, que sobrevuela este disco coherente y cohesionado, tanto en lo lírico como en lo musical. Un disco que sigue contando con la potencia emocional de sus dos primeros álbumes en solitario, pero con una producción mucho más rica y cuidada, “Lost Weekend” es un trabajo más arriesgado y, a la vez, más personal, como si Bridgers hubiera descubierto un sonido único más allá de la enorme influencia de Elliott Smith. La mayoría de los discos que giran alrededor de una pérdida se conforman con regodearse en ella. Aquí, en cambio, Bridgers la supera, y se gana una conclusión a la altura de su mejor disco hasta la fecha. Uno que suena, a la vez, nuevo y totalmente propio y personal. Uno en el que se renueva, pero sigue sonando totalmente a sí misma. —sergio ariza

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INDIE ROCK / Se echaban de menos las peculiares atmósferas propiedad de esos veteranos del indie-rock con marca de agua que son Modest Mouse. El grupo regresa, tras cinco años de silencio, con un generoso trabajo de quince cortes que hubiera ajustado mejor el tiro de haber quedado concretado en decálogo. Fuera como fuese, el octavo disco de los norteamericanos incluye un buen puñado de latigazos, con la pose habitual de la banda señalando hacia ese tipo de rock áspero que liman lo suficiente como para que resulte accesible desde su remodelado aspecto indie-pop de guitarras. Un equilibrio habitual en la banda que mantiene (de fondo) espíritu punk, compaginado con una mueca tan ruda como reconocible. El reencuentro resulta satisfactorio gracias a una obra que incluye suficientes llamadas de atención con el sabor clásico de Modest Mouse (aquí matizado o incluso madurado) como para que proceda la celebración. —raúl julián

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septiembre 2026 #41

MONDOVINILOS

Ibeyi

Offering Ibeyi Records/ AWAL

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POP / En “Offering” (primer paso en la independencia discográfica de Ibeyi) hay algo más que un hallazgo de producción en la que lo-orgánico-se-encuentra-con-lo-digital. El conjunto de las composiciones, incluyendo arreglos, melodías, letras e inflexiones vocales le hace juego al tiempo. Un viaje multilingüe de treinta minutos que fluye como caudal selvático, ese que conecta la profundidad de la naturaleza con la antropología de los pueblos que discurren sobre dichos torrentes acuáticos. De Cuba a Francia y de allí al mundo. Y del mundo de vuelta a Cuba, todo el camino con su estela afro bien marcada. Este es un disco de humanidades que se palpita en el drama de las cuerdas y el pulso conductivo de las percusiones, pero sobre todas las cosas vive en la pureza de la emoción y el sentir. “Creo que mi corazón es una ofrenda” dicen en la canción “Offerings” y quiénes somos nosotros para ponerlo en duda. Gracias, Ibeyi. —adriano mazzeo

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James Ellis Ford

Lost In Another World Domino/Music As Usual

Jack White aumenta su crudeza Jack White

Frozen Charlotte Third Man Records/ Popstock!

8 ROCK / “No Name” (24), el anterior trabajo de Jack White, puso a casi todo el mundo de acuerdo. Era un disco que mostraba al artista en su expresión más genuina, jugando a ser él mismo de nuevo, dejándose de experimentos y recuperando por la vía rápida ese espíritu del bluesrock primigenio. Ese sonido tan característico e identitario que casi puede definirse como un estilo en sí mismo: Rock White de alto octanaje. Pues bien, escuchando el nuevo disco del de Detroit, podríamos afirmar que “Frozen Charlotte” es Raw Rock White de alto octanaje. O lo que vendría a ser una nueva versión, todavía más cruda y menos diversa, de “No Name”. Un disco de trece canciones donde la mayoría rondan los dos minutos de duración, y la diversidad brilla casi, casi, por su ausencia. Un álbum

#42 septiembre 2026

monolítico, áspero y duro de roer, que apenas ofrece descanso y te vapulea con una orgía de poderosos riffs, en ocasiones apuntalados por los psicodélicos fraseos del Hammond de Bobby Emmett, que juega a ser una especie de émulo beodo de Jon Lord (Deep Purple), o por los frenéticos golpes en los parches de un Patrick Keeler imbuido por el espíritu de Ginger Baker (Cream). Cero bromas. Por todo ello, es más que posible que “Frozen Charlotte” haga las delicias de los seguidores más aguerridos de Jack White, los que despreciaban los intentos del músico por ir más allá del género en discos como “Boarding House Reach” (18) . Y, aunque estamos ante un buen trabajo de White, dista mucho de ser su mejor álbum. Sin embargo, sí es un disco que ofrece una llamada a la esperanza de lo que pueden ser en el futuro sus conciertos. Y más si tenemos en cuenta que, por fin, parece tener una banda consolidada y estable, que se ha involucrado al máximo en la grabación, y con las que está tejiendo una complicidad que puede marcar los próximos años. —don disturbios

POP / Acostumbrado a dar nuevas vidas a otros, no podía sonar agonizante ni mortecino. El hombre que resultó fundamental –como productor– en las últimas resurrecciones creativas de Depeche Mode, Pet Shop Boys, Pulp o Blur no podía solventar su larga estancia en un hospital londinense (casi todo el 2025, una leucemia tuvo la culpa) con un trabajo lastimero. Y no lo ha hecho. En su reclusión médica se pertrechó de un laptop, algunos sintetizadores, un micrófono, una mesa plegable de IKEA y una guitarra, y en un par de semanas grabó estas doce canciones. El resultado es tan austero como fresco. Reconfortante. Vivaz. Cálido. Doméstico, pero a la vez con esa cualidad tan ligeramente extraterrenal que justifica su título. Como si la mera proximidad de la muerte lo hubiera sumido en un acogedor limbo. Synth pop artesanal con ecos de Japan, Kate Bush, Brian Eno, Depeche Mode, David Sylvian o LFO. —carlos pérez de ziriza

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Cancer Bats

Dillom

Give Me Dirt Marshall Amplification

La Nueva Violencia Bohemian Groove

ROCK / Hay artistas que

parecen vivir toda su carrera haciendo malabares con la presión de mantenerse reconocibles mientras buscan la forma de superarse a sí mismos. “Qué buen álbum, pero ha puesto el listón demasiado alto”. Yo mismo he pensado eso muchas veces. Por suerte, no creo que este sea el caso de Dillom, ni que lo sea nunca. El “súper rapero nacional” lleva tiempo demostrando que el sobrenombre se le ha quedado muy corto: Dylan vive en una evolución musical constante. A ratos puede sonar a Gorillaz, también a Babasónicos, Ramones o Viagra Boys. En un disco con unas influencias tan marcadas, era muy fácil quedar en “la copia de”, pero afortunadamente no ha sido el caso. Dillom explora con soltura los límites entre dance punk, pop rock, new wave y electrónica y consigue entregar un disco que, por momentos, te hace pensar en que es lo que Damon Albarn quería hacer con Blur en los noventa. —adrià polo

7

el nuevo disco de los adrenalínicos Cancer Bats nos hace inmediatamente pensar en cómo estos canadienses se mantienen así de joviales a pesar del paso de las décadas. Su nuevo trabajo tras “Psychic Jailbreak” (22) se trata de una colección de riffs asesinos, uptempos hardcoretas que devienen en certeros breakdowns, voces rotas en el punto justo, o sea, no es la gran cosa nueva de la escena, ni siquiera un avance en la propuesta que la banda trae desde el día cero, pero así y todo es “algo”. El término genérico tiene que ver con el despoje de gilipollez que la banda viene ofreciendo desde siempre, porque podrán ser “regular guys” como dirían Beavis and Butthead, pero rockean como pocos. En resumen, un buen puñado de canciones infecciosas, ideales para ponerlas bien altas en caso que te lleves mal con tus vecinos.

INTERNACIONAL 1 Phoebe Bridgers Lost Weekend

2 Construimos 2 Beth Orton The Ground Above Escaleras Construimos 3 Charli XCX Escaleras Music, Fashion, Film 3 Çantamarta La esquina + violenta 4 Dillom La Nueva Violencia 4 Sandré 5 Jack White Paciencia Infinita Frozen Charlotte 5 Anabel Lee 6 Jungle Todas las vidas Sunshine 6 Boikot 7 Ibeyi No les interesa Offering 7 Power Burkas 8 Kelela Amb la fi al davant New Avatar 8 Kase.O 9 Quicksand Camisa de fuerza Bring On The Psychics 9 Divorce From New York 10 The Afghan Whigs Jazzthetics Soft Control 10 Dellafuente Brigado

Dogstar

Lido Pimienta

new avatar Warp

R’N’B / “new avatar” no es sólo un disco permeable a una descripción sonora, es un trabajo capaz de poseer al oyente y llevarlo a su propio ambiente en sus cuarenta minutos de duración. Todo tiene que ver con todo: esa forma agridulce en su voz, la producción que de ratos habla de dubstep deconstruido para luego virar al sonido clubber más intimista, la emocionante temática lírica, el juego que los sintetizadores ofrecen a esos arpegios acuosos de guitarra… Porque más allá que podamos notar influencias o similitudes (Massive Attack, Nilufer Yanya, Solange, Burial) estas, al estar aplicadas magistralmente o al aparecer en la subjetividad del oyente, hacen que esta música nos entre en el torrente sensorial sin ningún tipo de peaje cerebral. No hay dudas de que “new avatar”, es un álbum fácil de escuchar, pero no por eso deja de ser un disco sólido, real, reflexivo, penetrante, muy interesante y estúpidamente bello. —adriano mazzeo

NACIONAL 1 Cupido Amor Compartido

—adriano mazzeo

Kelela

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HARDCORE / “Give Me Dirt”,

top 10.

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Caribenya Anti Records

POP / Después del exuberante entramado orquestal de “La Belleza” (25), “Caribenya”, concebido inicialmente como una cara B de aquel trabajo, termina encontrando una identidad propia. En ocho canciones, desplaza el centro de gravedad hacia la cumbia y la folktrónica. Y aunque pueda parecer una simplificación de su propuesta, demuestra que el movimiento también sostiene un discurso. La transformación queda clara desde “Arrúllame”. A partir de ahí, encuentra su lenguaje en una electrónica folclórica donde tradición y contemporaneidad conviven. Sus mejores momentos llegan cuando esa búsqueda formal sostiene también el discurso. “Marea” que concentra el núcleo del disco. Sobre una base articulada por steel drums y una producción futurista, Pimienta confronta el imaginario turístico que ha reducido el Caribe a un decorado exótico mientras reflexiona sobre el desplazamiento de sus comunidades. víctor terrazas

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Lizzo

All In Now Dillon Street Records/ Warner

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ROCK / Hay algo entrañable

en la imagen de tres viejos amigos retomando su grupo veintitantos años después. La cosa mejora cuando uno de ellos resulta que es el actor mundialmente famoso Keanu Reeves. Y tiene aún más gracia si resulta que ocupa el casi siempre secundario rol de bajista. El caso es que la pandemia, tan nefasta para tantos, a ellos les sirvió para retomar la química en el local y lanzar un tardío tercer disco en 2023. Que la cosa iba en serio lo demuestra este cuarto trabajo. Y no cuesta ver a estos tres caballeros de mediana edad sacando canciones nuevas. Ninguno de los tres son virtuosos, sino que lo fían todo a esa química grupal que se transmite al oyente en estas doce canciones que beben sin complejos de fuentes no demasiado recónditas: de Manic Street Preachers a los New Order rockeros o la escuela de Manchester y Liverpool. Se nota que son melómanos, lo cual no es un lastre porque no pretenden engañar a nadie. —jc peña

BITCH Nice Life/ Atlantic

POP / El nuevo disco de Lizzo es una huida hacia adelante. Un claro retrato del complejo estatus que atraviesa como artista en el presente y la exhibición del proceso de regeneración de una figura cuyo corazón acabó hecho pedazos y fue vendido al mejor postor. “BITCH” es un disco honesto, sanador y realista con una figura a la que no le apetece estar sonriendo todo el tiempo. Algo que parece molestar demasiado a una crítica conservadora que ha decidido condenarla a cadena perpetua tras su cancelación hace ya más de tres años. El mismo tiempo invertido por la propia Lizzo en construir y firmar esta carta para dejar bien claro que no piensa seguir imposiciones o normas prestablecidas de ningún tipo. Un disco en el que disfraza de pop ochentero temas como la depresión, la manipulación o las amistades tóxicas. Y en el que se rodea de grandes productores como Sir Dylan (Rosalia) o Carter Lang (SZA). —álex jerez

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septiembre 2026 #43

MONDOVINILOS

La celebración de la vida de Yard Act Yard Act

You’re Gonna Need A Little Music” Island/Universal

7 ROCK / Con su segundo álbum, los de Leeds apostaron por un trabajo intensivo de producción para conseguir un sonido más sofisticado y colorista. En este tercer disco vuelven a ejercer de grupo de rock. De hecho, han grabado todos juntos. Es más que probable que en este regreso a la esencia haya tenido que ver su interminable recorrido por los escenarios, donde han ido perfeccionando un directo tan eficaz y orgánico como divertido. En esta entrega combinan vitalismo rockero al estilo de los Arctic Monkeys primigenios, con detalles sofisticados y orgánicos que nos remiten a su anterior trabajo. En realidad, el espíritu de Yard Act siempre ha estado bastante más cerca de Prince que de Joy Division, pero lo que en su segundo disco perseguían fundamentalmente desde el estudio, aquí lo buscan como cuarteto de rock modulando el tono de cada canción en un álbum de contrastes que fluye perfectamente. Del estribillo

The Mountain Goats

INDIE POP / Aparte del hecho irrefutable de que The Moutain Goats hayan sido siempre un seguro de satisfacción, lo cierto es que la última etapa de la formación liderada por John Darnielle se antoja desatada, sorprendiendo (casi) temporada tras temporada con un nuevo y orgulloso conjunto de canciones. Una tendencia que ahora se corona con el que, quede claro desde este mismo momento, bien podría ser el mejor álbum de toda esa dilatada y de por sí notable carrera. Una referencia que se mueve con soltura entre el indie-pop con carisma y el folk sentido y la americana, sumando un cúmulo de destacadas entre las que no tiene cabida relleno alguno. The Mountain Goats lucen tan asentados como naturales, en una secuencia con la que ya se insinúan como banda clásica, presentada como producto para paladares selectos. Un grupo que brilla liberado, plural, ambicioso en su justa medida y pleno en aciertos. —raúl julián

#44 septiembre 2026

RAP / El rapero cordobés

vuelve a pulular con precisión de aguja bajo la moqueta de las contradicciones humanas, nuestros vicios como especie y las convenciones sociales e insanas tatuadas en nosotros como la productividad (“Relaciono estar parado con deterioro / es esa mierda que nos han metido a todos”), mientras que intercala mera urgencia expresiva con pasajes cotidianos como filón conector poniendo al oyente a reflejarse en espejos deformes que satirizan y cuestionan nuestras creencias. Con colaboradores como N-Wise Allah, Amber Window, Tremendo, Zak Nelson, Ciclo, Zak Erik Urano, Nirban o Juaninacka, Guerrita rapea aforismos y Manu Beats los recoge, trata y “Manu-factura” de forma casera, pero construyendo entre los dos auténticas vidrieras tridimensionales de pensamiento, abstractas y con refulgentes cristales repletos de texturas luminosas y lustrosas. Hacen falta discos así. Oxígeno. —daniel caballero

Weird Nightmare

The Story of Michael and Tanya Warner

Le Salon des Refusés Ruanda Records

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versión más amable del costumbrismo tan agudo como a menudo deprimente de Sleaford Mods. La mirada a la vez tierna y sarcástica de Smith, y la manera propia que tiene de frasear brilla en un trabajo despojado de singles claros –con la excepción del corte que bautiza el disco–, pero que tiene pinta de ir creciendo con las escuchas. El mérito de Yard Act es que han encontrado su propio camino, un camino que celebra la vida. —jc peña

The War And Treaty

Guerrita & Manu Beats

Days Thirty Tigers/ Popstock!

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de “Cherophobe Rock” al bajo de “Thrill of The Chase” y los devaneos vocales a lo Alex Turner, el riff pesado de “Redeemer” o los jugueteos de “Fiction”, los ingleses derrochan recursos hasta cuando se ponen ligeros (“Talky Talky People”). Ya se pongan oscuros, densos, reflexivos o abiertamente festivos de cara a esos grandes escenarios, en su música lucen las historias hilvanadas con gracia y talento rítmico por el vocalista Smith, que podría verse como una

SOUL / Consecuencia del juego de contrastes que define a este proyecto, visible ya desde un nombre que revela la naturaleza antagónica de los partícipes de este vínculo marital, su nuevo disco ilustra una común biografía romántica escrita por tantas rosas como espinas. Relato que, como en pasados títulos, encuentra su aporte más destacado alejado de excesos ornamentales y sobreactuaciones épicas. Frente a ese paisaje, el diálogo orgánico con las raíces, visible en el excelente arraigo country de “Reclaim All of Your Time” o el desgarro soul con mediación góspel extendido en “Shouldn’t Have”, nos convierte en copartícipes de este diario íntimo expuesto en público. Siempre al filo de estampar su firma en un álbum sin mácula posible, esta historia sentimental se dicta entre renglones torcidos llamados a ser enderezados por esa fuerza superior que emana del compromiso mutuo y el palpitar irracional.

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—kepa arbizu

Hoopla Sub Pop/ Popstock!

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ROCK / Viajar con éxito de la

presión sonora implacable y oscura al power pop soleado y melódico que te alegra el día no lo hace cualquiera. Es la propuesta del canadiense Alex Edkins (un tercio y cerebro compositivo de METZ) con su segundo trabajo bajo la curiosa denominación de “Pesadilla rara”. Llevando la contraria a su nombre, Edkins debe seguir feliz con su vida, y esa positividad no impostada se transmite en esta nueva colección de canciones en las que mira de frente a los ochenta y noventa poniéndose el ropaje del mejor pop rock alternativo de su hemisferio. Y lo mejor es que le sienta muy bien. En el fabuloso single “Forever Elsewhere” su energía nos puede evocar a los Dinosaur Jr. más dinámicos. Hay más referencias (R.E.M, The Replacements, Superchunk…), que Edkins se lleva a su terreno con naturalidad y clase. En tiempos de catástrofes varias, discos como éste nunca están de más. —jc peña

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MONDOVINILOS

Temples

Bliss V2 Records

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POP PSICODÉLICO / En activo

desde 2012, los británicos fueron uno de los protagonistas de la nueva ola de rock psicodélico con la que arrancó la segunda década del siglo. El tiempo ha pasado, y para evitar el ostracismo que amenaza a muchos colegas de generación, han puesto toda la carne en el asador con un quinto álbum y una gira interminable que les hará pasar por aquí en otoño. Han confeccionado un álbum plagado de sintetizadores extrovertidos de finales de los noventa, bajos sintéticos y melodías lánguidas, que pone de acuerdo psicodelia pop y electrónica con un tono abiertamente contemporáneo que huye de cualquier tentación retro. El esplendor melódico de “Jaguar” nos retrotrae a los New Order house de 1989, mientras que la inmediatez de “Horizon” está claramente emparentada con la última etapa de Tame Impala: prueba de que, en no pocas ocasiones, la salida natural de la psicodelia parece ser la electrónica. —jc peña Anabel Lee Todas las vidas Vanana Records

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POP ROCK / El tercer álbum

de Anabel Lee saca a relucir una banda que, sin olvidar su identidad de origen, parece ser que ha perdido el miedo a indagar por nuevos senderos y conseguir que todo fluya sin prejuicios hasta comprobar dónde son capaces de llegar como proyecto. “Todas las vidas” refleja las ganas que tienen por apropiarse de sonidos más luminosos, explorar y romper todo tipo de barreras creativas y personales que les hacían sentirse atrapados sin poder crecer a sus anchas (“Harto de paredes”). Un álbum repleto de ultimátum en todos los sentidos. En primer lugar, hacia el resto del mundo, hacia todo lo que no quieres en tu vida y no sabes cómo soltar. Pero también hacia uno mismo para obligarse a propiciar el cambio que haga que las cosas sucedan de una vez por todas (“D.M.”). Una nueva entrega con colaboraciones de lujo e intercambios generacionales junto a Sidonie, Despistaos o Magüi de Ginebras. —álex jerez

The Strokes a velocidad de crucero The Strokes

Reality Awaits RCA

7 ROCK / El séptimo disco de The Strokes, “Rea-

lity Awaits”, no es uno más, aunque pocas veces sus discos lo han sido. Su debut, “Is This It” (01), fue aclamado como la última vuelta de tuerca del rock, el último disco que recibió el apoyo crítico mientras el género seguía siendo la música mayoritaria del momento. Las expectativas eran enormes, con periódicos como el Irish Times preguntándose si la banda todavía podía salvar el rock’n’roll y hacer que los chicos dejaran a un lado el móvil y volvieran a creer en el género. Pero a los irlandeses se les había pasado por alto una cosa muy importante y es que los dos adelantos del disco, “Going Shopping” y “Falling Out of Love” se habían encargado de acabar con todas las expectativas y declarar muerto el hype que siempre había rodeado a la banda. Parece claro que va a recibir muy malas críticas porque no es

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lo suficientemente bueno como para imponerse a una narrativa que ya se ha impuesto, con dos adelantos absolutamente masacrados y un retraso en la fecha de edición que sonó a dudas dentro del propio grupo sobre su propio trabajo. “Reality Awaits” no es un disco horrible, ni mucho menos, ni siquiera es el peor de su discografía, aunque, evidentemente, no está a la altura de los mejores. Así que, en estos tiempos de crispaciones y de blanco o negro, es difícil intentar defender un buen disco pero que tampoco es una maravilla. Esto no va a hacer que los chicos vayan a dejar sus móviles, comprarse una guitarra, un bajo y una batería y empezar un grupo, nadie va a cantar que solo quiere ser un Stroke después de escucharlo, pero, desde luego, esto tampoco es un insulto, ni la confirmación de que el rock o los propios Strokes están muertos. “Reality Awaits” gustará mucho a los que piensen que “Instant Crush” es la mejor canción firmada por Casablancas desde “Reptilia” e irritará mucho a quienes no puedan con el vocoder y el autotune. Ni es un paso adelante, ni la caída del Imperio Romano, es, simplemente, un buen disco sin más... y sin menos. —sergio ariza

septiembre 2026 #45

MONDOVINILOS

Sienna Spiro Visitor Capitol Records

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SOUL / Sienna Spiro es una

niña bien que lo ha tenido todo de cara. Una privilegiada que ha aprovechado tanto la formación a la que ha tenido acceso como su prodigioso timbre de contralto que se adecúa como un guante al clasicismo soul-pop de sus canciones. Temas que parecen estar hechos gracias a la inteligencia artificial, por sonar pasmosamente estándar y con el punto retro perfecto para tocar la fibra. ¿Quiero decir con ello que “Visitor” no es disfrutable? Bueno, lo es en la medida en que todo suena tan niquelado y pulido que nada desentona. Todo parece perfecto, demasiado perfecto. Pero no se trata de eso. La música vive precisamente de la imperfección, de ese detalle que se sale del cuadro y hace que esa propuesta se distinga del resto. En lo que ofrece Sienna no hay distinción que valga, solo una colección de canciones que parecen adaptaciones de clásicos eternos. Muy bien hecha y ejecutada, sí, pero carente de alma. —don disturbios VETA

Doble negación Repetidor

El clasicismo de Jungle Jungle

Sunshine AWAL/Popstock!

8 DISCO FUNK / En una sociedad en la que se prio-

riza la inmediatez y se aplaude el fácil consumo por encima de la calidad. Jungle entregan con su nuevo álbum una oda a las cosas que sobreviven al paso del tiempo, a tantas batallas generacionales, e incluso salen reforzadas de ello y con un valor incalculable. “Sunshine” es una pieza cargada de una melancolía especial, alimentada por una clásica vena optimista, que surge de la necesidad de construir algo a lo que recurrir en un futuro incierto. Una búsqueda total que trata de alcanzar ese vinilo atemporal de la colección que defina la identidad de la banda para siempre. Un refugio musical lleno de historias que no se agotan y que pasará de mano en mano como una cajita de música oxidada por la lluvia y

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el sol, comprada en una de esas gigantescas tiendas de antigüedades del sur de Inglaterra. “Sunshine” recoge la atmósfera elegante, luminosa y motivacional que ha llevado a la banda hasta la cima. Y lo hace exhibiendo con orgullo la identidad más pura del proyecto sin tener que recurrir a nuevos movimientos. Apuestan por lo clásico, se llenan de sonidos tropicales, alma funk y espíritu soul; en una firme decisión de certificar que lo que ya han conseguido hasta ahora como formación ha pasado a ser historia de la música actual. Además, visibilizan por primera vez a Lydia Kitto como miembro principal. Se podría decir que “Sunshine” no es tan alegre como nos pensamos. Más bien está contaminado por una nostalgia por el pasado que genera la necesidad de acudir a momentos en tu memoria en los que todo parecía ser mucho más idílico. Aún así, sí es un disco con una fluidez que te atrapa de principio a fin y que te lleva flotando entre nubes sin darte apenas cuenta. Y es que cuando algo es bueno de verdad siempre se te pasa volando. —álex jerez

INDIE ROCK / De las cenizas

de los siempre añorados y reivindicables PAL surgió, en Madrid, VETA, proyecto de Carlos Toronado –vocalista y guitarrista de la formación toledana–, y Ana Galletero (Travolta, Joaquín Pascual). La dupla publica “Doble negación”, disco que toma el relevo de aquel debut homónimo de 2021, de alma ardorosa y maneras explícitas capaz de recuperar, de algún modo, la embravecida personalidad de PAL. Una cualidad con la que el dúo barniza diez canciones que navegan entre post-punk, indie-rock grueso de texturas sintéticas y realistas, y ramalazos de krautrock y electrónica. Un baile hipnótico y adictivo, apuntalado sobre anti-himnos cargados de mala baba, arrasadores en tacto, lírica y también conclusiones. Un álbum capaz de dibujar inquietantes escenas apocalípticas y desesperanzadas a través de canciones afiladas y rugosas que plantea un escenario en el que el mayor logro es la supervivencia. —raúl julián

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MONDOVINILOS

La clarividencia de Beth Orton Beth Orton

The Ground Above Partisan

9 INDIE FOLK / Tres décadas dan para mucho. Para tanto que cuesta mucho reconocer a la Beth Orton de “Stolen Car” en la actualidad. Su evolución ha sido tan brutal que apenas queda nada de aquella ambiciosa joven que optaba en las Islas a todos los premios de la industria habidos y por haber. Ahora, nueve largos después y muchas vicisitudes en su vida, no todas buenas, Beth Orton aparece muy curtida. Tanto es así que su voz ha adquirido un toque ajado que rezuma personalidad, aunque parezca dispuesta a quebrarse en el momento más inesperado. Pero no solo su voz se ha transformado, también la forma de encarar un nuevo disco. Ahora casi todos los temas sobrepasan los cinco minutos y las texturas jazzies adornan unas melodías elegantes a la par que algo sombrías. “The Ground Above” es uno de esos trabajos que requiere ser paladeado

de forma lenta, fijándose en los múltiples detalles instrumentales en lo que parece planteado de antemano como un juego y, al mismo tiempo, como un reto. Al escuchar el disco uno diría que Beth Orton ha dado manga ancha a sus músicos a la hora de dejarse llevar, improvisar en total libertad y engran-

Jorja Smith

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R&B / “What Are The Odds”

pretende poner un pie y medio en la pista de baile. El perfil más r&b de Jorja Smith no desaparece, pero se tumba y pasa su sensual energía a un puñado de canciones que la cantante pensó para ser festejadas moviendo el esqueleto. El punto es que esto se logra, pero de un modo particular: no son los beats los que te harán moverte, sino más bien son los sintetizadores de base que encumbran a estas canciones. El concepto sonoro lo es todo aquí porque si bien las canciones están logradas –aunque no se diferencien sobremanera entre sí–, el juego de las percusiones cruzadas hace que la escucha sea amena. No tengo claro que estas canciones sean igual de efectivas si las desnudamos a nivel balada acústica, pero tampoco es esa la forma en la que Smith nos las hace llegar. En todo caso, lo que sí podemos confirmar es que estamos ante el disco conceptual y musicalmente más interesante de la británica. —adriano mazzeo

Show Me The Body

Quicksand

What Are The Odds FAMM

Bring On The Psychics Equal Vision/ Rude

POST-HARDCORE / Quicksand, banda de culto del post-hardcore y el metal moderno gracias a discos como “Slip” (93) y “Manic Compression” (95), publica un formidable quinto largo titulado “Bring On The Psychics”, una equilibrada combinación de urgencia e introspección que reflexiona sobre el paso del tiempo, las expectativas vitales y la necesidad de avanzar pese a los tropiezos. Así, “Get To It” invita a despertar antes de que sea demasiado tarde, mientras “Crystallize” captura la ansiedad de nuestros días y “Regenerate” reivindica aprender de los errores. Mención especial merece la pegadiza “Moving Forward”, con la que sus tres miembros viajan hasta sus primeros conciertos punk en la Nueva York de los ochenta, cuando buscaban en aquella escena una identidad y casi una religión. El álbum ahonda en la vertiente más expansiva y emocional del trío sin escatimar en contundencia.

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—luis benavides

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decer los temas. Solo hay que escuchar las aportaciones al piano de Sam Beste, de la batería de Chris Vatalaro y de la siempre elegante y precisa trompeta de Christos Styliandes, para darse cuenta del relajado y disfrutado proceso de construcción de estos maravillosos temas. —don disturbios

Alone Together Loma Vista/ Music As Usual

POST-HARDCORE / Cuarto disco de Show Me The Body y primero con Nijol Benjamin a la batería. En sus trece temas, Julian Cashwan explora líricamente la dualidad entre la alegría por el nacimiento de su hija frente al duelo por la pérdida de dos amigos muy cercanos. El trío neoyorquino logra un artefacto más accesible sin renunciar a su habitual fiereza transitando el jazz disonante (“Overture”, “Interlude”, “Finale”), la cadencia del rap industrial (“Dance In The USA”) y el hardcore (“Eat For Peace”, “No God”) propulsados por el característico sonido del banjo distorsionado y unos graves que retumban en los oídos. Fluyendo entre la fragilidad de “Trust” y la energía más luminosa de “Good Time”, culmina como un rotundo grito al “amor radical”. Pese a nacer del luto, es un refugio espiritual que reivindica el afecto puro, la pertenencia y la resistencia ante un sistema alienado sin tropezar en ningún tema. —jaime tomé

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LA PLAYLIST Nuevos comienzos Septiembre tiene mala prensa: se cierran las piscinas y volvemos a tener hora de llegada. Un mes bisagra, el primer lunes del resto del año, que solo mejora con el vértigo de las primeras veces. —fran gonzález 1 Airbag “Septiembre aún es verano” (“¿Quién mató a Airbag?”, 05) 2 Beat Happening “Indian Summer” (“Jamboree”, 1988) 3 Yo La Tengo “Autumn Sweater” (“I Can Hear The Heart ...”, 1997) 4 Amaia “Un nuevo lugar” (2018) 5 Delafé y Las Flores Azules “Volvemos a empezar de cero” (“De ti sin mí-De mí sin ti”, 2013) 6 LSD and the Search for God “Starting Over” (“LSD and the Search for God”, 2007) 7 Arcade Fire “Ready to Start” (“The Suburbs”, 2010) 8 Deftones “Back to School (Mini Maggit)” (“White Pony”, 2000) 9 The White Stripes “We’re Going to Be Friends” (“White Blood Cells”, 2001) 10 The Shins “New Slang” (“Oh, Inverted World”, 2001)

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www.tengountrato.com

.LOS DISCOS DE MI VIDA

Bob Dylan Desire (1976)

Me gusta todo lo que ha hecho Bob Dylan, pero su “Rolling Thunder Revue Tour” con Scarlet Rivera y Sam Shepard (Renaldo & Clara) da justo en el clavo. Dylan tiene una especie de poder sobrehumano. El anhelo, el gruñido, la honestidad, el dolor... cada vez que escucho su voz, todo mi ser se reinicia y encuentro la paz.

Sonic’s Rendezvous Band Too Much Crank (2006/2010)

Sonic’s Rendezvous Band nacieron de las cenizas de cuatro bandas de rock de Michigan: Fred “Sonic” Smith de MC5, Scott Morgan de The Rationals, Gary Rasmussen de The Up y Scott Asheton de The Stooges. “Too Much Crank” es una compilación de algunos de los mejores live bootlegs de la banda.

EN CONCIERTO l Barcelona 25 septiembre. Razzmatazz 2 l Madrid 26 septiembre. Sala Wagon l Bilbao 02 octubre. Santana 27 l Valencia 03 octubre. Sala Moon

Television Marquee Moon (1977)

Wendy James (Transvision Vamp)

Wendy James y sus Transvision Vamp no solamente fueron uno de los grupos británicos más exitosos de finales de los ochenta y primeros noventa, sino que mantienen la llama encendida girando periódicamente. Ahora podremos verlos en nuestro país y cantar con ellos clásicos como “I Want Your Love” y “Baby I Don’t Care”. Aprovechando la ocasión le preguntamos a Wendy James por los seis discos de su vida. The Velvet Underground The Velvet Underground (1969)

The Stooges The Stooges (1969)

Sin este disco, ¿qué existiría? Si escuchas este disco completo, te dejará boquiabierto, pero si lo escuchas pensando en el contexto de 1969 comprenderás lo adelantado a su tiempo que estuvo y, en definitiva, lo atemporal que es. Canciones como “1969”, “I Wanna Be Your Dog” o “No Fun” te volvían loco entonces, ahora y ¡siempre! Son canciones que te dan ganas de salir a la calle y querer formar la banda más irreverente de todos los tiempos.

Sin este disco, ¿qué existiría? (Segunda parte). ¡Y del mismo año! ¡Llévame ahora mismo allí! ¿Cómo de contraculturales son estas dos bandas y estos dos discos? La genialidad de Lou Reed como compositor no es comparable a la que cualquier otro. No hay una sola canción –o entrevista– que haya escrito, interpretado o dado que no me cautive. Lou era un genio, un ser humano extraordinario, inmortalizado para siempre en mi vida y en la de millones de personas.

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Adoro este disco: “Guiding Light”, “Little Johnny Jewel”, “See No Evil” y, por supuesto, “Friction”. Nick [Sayer, de Transvision Vamp] me puso por primera vez “Friction” y me sorprendió esa parte de guitarra descendente interpretada por Richard Lloyd. ¡Es legendaria y todos los guitarristas con los que he tocado la adoran! Hablé con Richard para que tocase la guitarra en mi último disco, ¡pero al final fue Lenny Kaye quien lo hizo!

Sex Pistols Never Mind The Bollocks (1977)

Cuando ves a Johnny Rotten gruñendo “God Save The Queen” mientras navegan frente al Parlamento… ¡Es un momento iconoclasta perfecto! Para la cultura, para la música, para el estilo, para la política, para absolutamente todo. Me encantan “Submission”, “Bodies”, “EMI”, “Pretty Vacant”, “Anarchy In The UK”… —MS

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50/Mondo Media

Steven Knight

A lo largo de los últimos años hemos tendido a tachar la relación entre los Gallagher, no sin cierta guasa, de culebrón. Un tira y afloja entre hermanos que superó la barrera de lo musical hasta convertirse en el rifirrafe por antonomasia del rock contemporáneo. Por ello, su reunión, recogida en “Don’t Look Back in Anger” (disponible en Disney+ y cines a partir del 11 de septiembre), ha supuesto mucho más que el simple regreso de una banda: es la esperanzadora reparación de un vínculo que parecía insalvable.

S

TEVEN KNIGHT (“Peaky Blinders”, “La casa Guinness”, “Taboo”), creador y principal guionista de “Don’t Look Back in Anger”, considera esta como “un documental con trama”, a diferencia de otras crónicas audiovisuales que meramente registran el objeto en cuestión. Su equipo y él recorrieron los pasos de Liam y Noel a lo largo de 2025, conscientes de que detrás de este comeback había algo verdaderamente bello que contar. “La ruptura de Oasis fue un acontecimiento extramusical”, apunta Knight. “No hablamos solo de una banda que simplemente se disolviera o dejara de tocar, sino de dos hermanos que, deliberadamente, dejaron de hablarse durante dieciséis años. En ese tiempo, incluso, tuvieron hijos que no llegaron a conocerse y sucedieron cosas en sus vidas que mantuvieron alejadas el uno del otro por puro orgullo. Cualquier cineasta avispado vería en ellos una película”.

#50 septiembre 2026

Para dar forma a esta, Knight contó con Dylan Southern y Will Lovelace (tándem director de “Shut Up and Play the Hits” y “Meet Me in the Bathroom”), quienes reconoce “fueron su primera opción para hacer el film” por su vasto conocimiento en música. Remata la jugada con la espléndida fotografía de Haris Zambarloukos, con quien ya trabajó en “Locke” (13), aunque el director asegura que no exageraron ni embellecieron nada más de la cuenta. “En cada lugar al que íbamos buscábamos al mejor director de fotografía local, le dábamos una cámara y le decíamos ‘Haz tu propia película’. Por eso las imágenes de los conciertos son tan íntimas y reales y tienes, en última instancia, la sensación de que el público es el verdadero protagonista de este documental”. EL EQUIPO, ADEMÁS, se limitó a colocar diez cámaras fijas en el entorno de ensayo de la banda para capturar de la forma más natural posible las reacciones e impresiones de los implicados. “Teníamos claro que la

OASIS (LONDRES, WEMBLEY) FOTO: SIMON EMMETT

Persiguiendo a Oasis

idea podía funcionar, pero también que podía salir catastróficamente mal”, comenta. “Cuando comenzaron los ensayos existía una posibilidad absolutamente real de que aquello estallara por los aires, por eso no hemos tratado de esconder nada. La pura realidad nos dejó ya de por sí momentos mágicos en el metraje. Como la secuencia en la que Liam entra por primera vez en la sala de ensayo y se topa con Noel. Como son británicos y de clase trabajadora, no hay una gran efusión emocional en sus reacciones. No hay palabras, solo miradas y pequeños gestos, pero en la película apreciamos como, poco a poco, esa relación se va reconstruyendo hasta redescubrirse mutuamente, dieciséis años después”. ANTES DE COMENZAR a rodar y en aras de tantear el terreno, Knight cumplió el sueño de cualquier periodista musical: entrevistar a Liam y Noel juntos por primera vez en veinte años. “Cuando hablas con ellos de tú a tú descubres que su talento y elocuencia son

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innatos”, señala. “Prácticamente todo lo que dijeron en esa entrevista podría convertirse en una cita que imprimirías en una camiseta. Son, como ya se sabe, dos personas muy honestas, pero también, a lo largo de la charla, descubres que han madurado y que le han dado totalmente la vuelta a su relación, hasta el punto de bromear y darse cuenta de lo absurdos que han sido. En el documental, sin duda, hay una historia muy emotiva que contar, pero tratándose de ellos era imposible que no terminara habiendo también una película muy divertida detrás”. KNIGHT INSISTE en que el valor de “Don’t Look Back In Anger” no reside solo en documentar la reunión, sino en algo más especial. Habla de reconciliación, la palabra clave del proyecto, que estima definitiva para entender el verdadero significado de volver a verlos sobre un escenario. “La reconciliación entre Liam y Noel, de algún modo, dice también mucho del mundo en el que vivimos actualmente. Necesitamos

“ “El tema principal de este documental no solo es Oasis, es la esperanza”

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OASIS (TOKYO) FOTO: SIMON EMMETT

CINE

historias así. Haciendo este documental me he topado con personas de todo el planeta, muchas de ellas procedentes de lugares bastante difíciles, para quienes una simple canción de Oasis ha significado algo especial. La razón por la que hicimos esta película no era únicamente rendir tributo a la música de estos chicos, que también. Es porque el regreso de Oasis, a todas luces, ha supuesto un faro bastante representativo de nuestro tiempo. Hay gente que, tras terminar de ver la película, lo primero que ha hecho ha sido pensar en esa persona con la que no se habla desde hace un tiempo y ha comenzado a comprender hasta qué punto tal vez sea este el momento de romper esa estúpida cadencia y dar el primer paso. Y si eso puede suceder a nivel individual, también podría ocurrir a una escala mayor, ¿no? Porque el tema principal de este documental no solo es Oasis, es la esperanza”. —fran gonzález

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septiembre 2026 #51

CÓMICS

LIBROS Hermanos

Alex Van Halen Neo Person

Smother Me Hiroshi Shimomoto Norma

Convierte mi cabeza en sonido. Una historia de Kevin Shields y My Bloody Valentine

Andrew Perer Ondas del Espacio

6 Publicado en inglés en 2024, y ahora traducido, “Hermanos” intenta moverse entre las memorias que pretenden levantar un monumento, en este caso a la figura de su hermano Eddie, y las que buscan ajustar cuentas con David Lee Roth. El resultado es un libro agradable de leer, con momentos interesantes, pero que deja la sensación constante de haberse quedado a medio camino. Como si el batería hubiera preferido proteger determinados recuerdos antes que exponerlos con toda su crudeza. El verdadero eje de “Hermanos” no es, sin embargo, la historia de Van Halen, sino la relación entre Alex y Eddie. Un vínculo presentado como prácticamente indestructible, apenas salpicado por alguna pequeña discrepancia.

—eduardo izquierdo

Tupac Shakur: la biografía autorizada

Staci Robinson Liburuak

8 La madre de Tupac le encargó a Staci Robinson en 1999 la escritura de esta biografía que, tras varias vicisitudes, vio la luz en 2024, y ahora la editorial bilbaína Liburuak lo traduce al español. Una resonancia espiritual, racional y emocional sobre uno de los mejores raperos de la historia: sensible, rabioso, testarudo, impulsivo y comprometido. La autora narra cronológicamente con precisión documental la vida de Tupac –desde el embarazo de su madre hasta su profético fallecimiento– por medio de entrevistas inéditas a familiares, compañeros, ejecutivos y personas cercanas que conocieron al hombre antes que a la leyenda. Un rapero que vivió intensamente hasta el final, probablemente siendo más libre y exitoso de lo que jamás imaginó. —daniel caballero #52 septiembre 2026

9 Estamos ante un recorrido fascinante sobre el legado de Kevin Shields como una guía de lujo para poder ahondar en los subsuelos de su trayectoria. A todo esto, hay que sumar la perspicacia de Perer para articular una radiografía exacta que despeja la X respecto a por qué My Bloody Valentine han conseguido sonar como ningún otro grupo en estas cuatro últimas décadas, lo cual hace de una forma tan amena como atinada, sin caer en engorros técnicos de grado superior. En definitiva, estamos ante un logro que saciará con creces las ansias de conocimiento de todo fan del grupo, al mismo tiempo que se revela como documento canónico al que acudir para descubrir las bondades del, seguramente, mejor grupo irlandés de la historia. —marcos gendre

El viaje

Paco Roca Astiberri

8

Paco Roca parte de una experiencia propia para reflexionar sobre lo que implica que una pareja ya no sea para siempre. Fran es un escritor de éxito que ha antepuesto su trabajo a su familia. En un viaje de promoción de su novela le anulan un vuelo y debe quedarse en la Patagonia varios días. Allí, en la soledad compartida con otros pasajeros, reflexiona sobre las parejas del siglo XXI. “El viaje” tiene mucho de obra teatral, en el sentido en que hay muchas metáforas y muchas situaciones en las que se conversa ampliamente sobre las relaciones de pareja. “El viaje” es un cómic y Roca es un maestro en emplear recursos propios del medio para narrar y para hacer amenas incluso largas conversaciones.

—quim pérez

Subsuelo

Bianca Pinheiro y Greg Stella Dibbuks

Southern Culture On The Skids. Receta Campolitana

7 De “El silencio de un hombre” (67) de Jean-Pierre Melville a “The Killer” (23) de David Fincher, las historias de asesinos profesionales constituyen un subgénero que ha dado lugar a obras memorables en cine y cómic. “Smother Me” (título tomado de una canción de The Used), el primer manga de Hiroshi Shimomoto, es un seinen oscuro y fatalista situado en una Detroit decadente y casi distópica. Su protagonista, un adolescente vendido por su madre a una organización que adiestra sicarios, parece condenado a una espiral de violencia sin salida. Sin embargo, el encuentro con una joven que sueña con recuperar la vista despertará en él un inesperado anhelo de redención. Dibujo expresionista, atmósfera violentísima y muchísima fuerza emocional. —josé martínez ros Este sitio me mata

Mariko Tamaki & Nicole Goux La Cúpula

Óscar Alarcia Libritos Jenkins

7

8 Deliciosa anomalía dentro del rock norteamericano desde hace décadas, Southern Culture On The Skids nunca habían tenido un libro a su altura. Bueno, ni a su altura ni a ninguna. Y la merecían. Óscar Alarcia, fan irredento por encima de todo, entiende perfectamente que la historia de los SCOTS no se puede abordar desde la solemnidad académica. Su aproximación tiene algo de fanzine bien documentado y mucho de conversación entre fans. Y digo esto en positivo, sin restar a su autor y lo conseguido ni un ápice de mérito. El libro funciona precisamente porque evita convertir al trío en una pieza de museo. Al contrario. Mantiene intacto ese olor a gasolina barata, cerveza caliente y fritanga que siempre ha acompañado a la banda. —eduardo izquierdo

“Subsuelo” es una obra minimalista y claustrofóbica de la pareja de autores brasileños Pinheiro y Stella. Sus protagonistas son dos soldados aislados en un sótano tras una ofensiva que los ha separado de sus compañeros, en una guerra deliberadamente abstracta que podría desarrollarse en cualquier lugar del mundo, de Gaza a Sudán o Ucrania. Con un dibujo esquemático y de gran capacidad evocadora, este cómic vuelve a recordarnos, como tantas obras antibélicas antes que él, que los seres humanos nunca somos tan iguales como en los momentos de máxima desesperación. El excelente resultado demuestra cuánto puede lograrse con unos recursos narrativos sencillos y una ejecución admirable.

—josé martínez ros

8 Nuestra querida Mariko Tamaki siempre va a por nota. Acompañada esta vez por la dibujante Nicole Goux, consigue marcarse una emocionante novela gráfica que combina con solvencia el thriller juvenil con cuestiones sociales como la LGTBIfobia o el grooming. Ambientada en una academia femenina, la historia desarrolla distintas tramas que destapan cómo las dinámicas de poder pueden reproducirse en diferentes estratos, incluso entre el propio alumnado. El resultado es una lectura ágil y entretenida que funciona a la perfección como relato de misterio donde la sororidad y la empatía serán determinantes, pero también como reflexión crítica sobre cómo ciertas instituciones favorecen (y muchas veces encubren) la exclusión y el abuso. —laura madrona

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CINE Y SERIES La Odisea

Mother Mary

Christopher Nolan

David Lowery

9 CON “LA ODISEA”, Christopher Nolan se erige como el Stanley Kubrick de nuestro tiempo. De hecho, cuando todavía no había realizado ni un solo largometraje, el director de “2001, una odisea del espacio” (68), siempre osado, había valorado adaptar “La Ilíada”, obra que ahora calificaríamos como la precuela de “La Odisea”. Nolan ha llegado, al menos en cuestiones homéricas, más allá de a lo que el autor de “Espartaco” (60) jamás se atrevió. Desde luego, los tonos son distintos pero ambos autores comparten la voluntad de, desde propuestas ambiciosas, señalar los puntos negros de la sociedad, especialmente la guerra, tema kubrickiano por antonomasia. En “Oppenheimer”, Nolan construyó un biopic épico sobre el padre de la bomba atómica poniendo énfasis en las cuestiones morales y éticas; ahora el cineasta británico practica

una obligada actualización del concepto de héroe en una reflexión sobre la pulsión destructora del ser humano, tan presente en la actualidad en la política internacional. El Odiseo de Nolan encarnado con madurez y sobriedad por Matt Damon ya no es aquel engreído Ulises [terminología romana] interpretado por un expresivo Kirk Douglas en el clásico homónimo de Mario Camerini. La guerra y la conculcación de los principios entre humanos han hecho mella en él. Oppenheimer y Odiseo se sitúan en los extremos temporales de la misma línea filosófica. La puesta en escena y el montaje evitan la glorificación de la violencia. Nolan prefiere humanizar personajes y dotar de atmósfera inquietante algunos de los más famosos pasajes de la aventura homérica en esta obra imponente de mesurada emotividad. —j. picatoste verdejo

6 HAY QUE RECONOCER en David Lowery, maestro (menor) del cine independiente americano en tanto que montador y productor también de filmes ajenos, la intención constante de arriesgar, aunque no siempre le salga cara. El mayor ejemplo de esta audacia es la materialización en pantalla de la representación infantil de los fantasmas como espectros ensabanados en su “A Ghost Story”. Precisamente con aquella película en el recuerdo, la frase promocional de “Mother Mary” es “Esta no es una historia de fantasmas”. “Mother Mary” es, ante todo, un duelo actoral de primer orden entre Anne Hathaway y, en su papel cinematográfico más importante, Michaela Coel, consagrada gracias a la televisiva “Podría destruirte”. La primera mitad de la cinta tiene el regusto de las buenas adaptaciones teatrales como “La sombra

Nimrods: A Green Day Comedy

El final de Oak Street

Lee Kirk

David Robert Mitchell

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7 UNOS 2,575 KILÓMETROS separan los suburbios de Kansas City de la mítica sala Hollywood Palladium. Esta es la distancia que recorren los protagonistas de “Nimrods” para encontrarse con Green Day, presentados como horizonte simbólico en esta divertidísima comedia juvenil. La cinta se inspira en los primeros años de los autores de “Dookie” (94), cuando siendo todavía adolescentes giraban por todo el mundo en condiciones muy precarias. Todo arranca con una broma inocente que se va de madre: Tommy, Fred y Chad creen haber sido invitados por su admirado Tré Cool para abrir su concierto de Nochevieja en Los Ángeles, pero esa invitación no es real. En ese viaje impulsado por una ilusión desmedida, estos tres amigos deberán sortear numerosos obstáculos que pondrán a prueba no solo su amistad, sino también sus ganas

del actor” o, aunque esto sean palabras mayores, el clásico “La huella”. Hathaway, oscarizada por el musical “Los miserables”, encarna aquí a una megaestrella de la canción fácilmente asimilable a Lady Gaga –Charli XCX ha participado en la composición de la mayoría de las canciones– que, en medio de una crisis personal, recurre a una amiga de conflictivo recuerdo, su antigua diseñadora, para que le confeccione el vestido definitivo para uno de sus espectáculos. Los mejores momentos del film están ahí, en ese enfrentamiento de dominación y servidumbre, de vulnerabilidad y fortaleza. Sin embargo, cuando Lowery agota las posibilidades de esa medida pieza de cámara para adentrarse en el terror poético como plasmación de la amistad entre estos dos personajes, la película sufre y el desarrollo es fatigoso. —j. picatoste verdejo

de cumplir un sueño que, por momentos, parece inalcanzable. Así, empieza como una disparatada aventura y acaba convirtiéndose también en un relato sobre crecer y asumir las primeras decepciones. Esa dualidad es uno de los puntos fuertes de la película. También un humor disparatado y una banda sonora impecable --mucho Green Day, pero también algún clásico de The Clash y Joan Jett-- que remite a otras entretenidas comedias de temática musical como “Rock ’N’ Roll High School Forever” (91) y, sobre todo, “Cero en conducta” (99). Su falta de originalidad queda compensada con momentos emocionantes ligados a grandes éxitos del trío de Berkeley que aquí adquieren un nuevo significado, como “Wake Me Up When September Ends”, “Good Riddance (Time of Your Life)” y la más reciente “Bobby Sox”. —luis benavides

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“EL FINAL DE OAK STREET” es la película más accesible de David Robert Mitchell, cineasta de breve filmografía que vuelve tras las cámaras con su cuarta película, ocho años después de dirigir “Lo que esconde Silver Lake” (18). Antes, Mitchell había irrumpido en el género de terror con “It Follows” (14), su segunda cinta, no apta para todos los paladares, que lo situó como una de las promesas del género, etiqueta que se fue diluyendo en el tiempo, especialmente tras esta casi década de ausencia. Ahora regresa con una propuesta diferente, de voluntad claramente comercial. La clave del cambio la podemos encontrar en el productor del film, J. J Abrams, que parece haber ejercido de custodio de la sabiduría spielberguiana para ofrecérsela a un cineasta poco relacionado con el mundo del creador de “Parque Jurásico”

(93) o “E.T.” (82). Así, “El final de Oak Street” nos conecta ese universo a través de niños a la aventura, un discurso sobre la unidad familiar o, incluso, dinosaurios en un relato acerca de un tranquilo vecindario afectado por extraños fenómenos cósmicos. Una aguerrida Anne Hathaway y un cercano Ewan McGregor encarna al matrimonio en crisis de la familia protagonista: la superación del conflicto de la cinta marcará la resolución de los problemas maritales. Por cierto, la presencia de McGregor como padre de familia nos recuerda a “Lo imposible” (12), otra aventura de superación liderada por una mujer fuerte. Mitchell consigue darle distinción al film con una puesta en escena elegante, pero elaborada y, a través de un guion socarrón, logra una película disfrutable, con momentos para el recuerdo. —j. picatoste verdejo septiembre 2026 #53

ESPECIALES WEB ENTREVISTAS

Más especiales Edita Sister Sonic, S.L.

The Cure The Cure han sido sin duda uno de los grandes protagonistas de la temporada festivalera de estos últimos meses. Y lo han hecho echando mano de uno de los mejores cancioneros de la historia del pop, post-punk y rock británicos. La banda de Robert Smith es conocida por incluir en sus conciertos caras B y rarezas, y hemos escogido las mejores.

Entrevistamos a Jaime Martín con motivo de la edición integral del cómic “Sangre de barrio” Norma Editorial acaba de publicar la edición integral de “Sangre de barrio”, la novela gráfica que mejor explica y retrata cómo era la vida en el extrarradio barcelonés a inicios de la década de los ochenta.

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Más entrevistas

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Martin Martin Urrutia viene de publicar “La Insolación” (Universal, 26), uno de los mejores debuts de un artista salido de Operación Triunfo, y quizás uno de los mejores debuts de estatales del año. El artista vasco nos atendió amablemente en una entrevista en la que hablamos del disco y de todo lo que emana de él.

CONCIERTOS

Treinta años del “Moseley Shoals” de Ocean Colour Scene La banda británica Ocean Colour Scene girará por nuestro país en septiembre con su “Moseley Shoals 30th Anniversary Spanish Tour 2026”, una gira con la que conmemoran las tres décadas de su segundo álbum, “Moseley Shoals”, lanzado en 1996.

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Courtney Barnett: “Estoy muy orgullosa de este disco. Es mi favorito de todos” Diría que “Creature of Habit” (Mom + Pop/Virgin, 26), publicado hace unos meses, es el disco más consistente y adictivo de Courtney Barnett desde su debut, aquel inolvidable “Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit” (15), que la dio a conocer como una figura descollante del rock alternativo foráneo. Lamb Of God: “Haría música si nadie me escuchara porque simplemente es mi vida” Más de un cuarto de siglo erigiéndose como pilares indiscutibles del metal moderno, no ha mermado un ápice la voracidad de Lamb Of God. Los americanos de Richmond (Virginia) volvieron a la palestra hace unos meses con “Into Oblivion” (Century Media/Sony, 26).

Más conciertos

Mad Cool

Sonorama Ribera (Aranda de Duero, del 5 al 9 de agosto) Un año más, toda la localidad de Aranda del Duero se volcó para convertir su ciudad en un modelo de macrofestival único en nuestro país. Una celebración de la música que si te propones puede durar hasta cinco días de forma ininterrumpida.

(Madrid, del 8 al 11 de julio) Mad Cool celebró la vida en su décimo aniversario. El ya mítico festival madrileño logró firmar una edición inolvidable donde el valor de lo diferente es lo que le hizo ser especial. Más de 200.000 personas en un viaje en el que todas las piezas encajaron.

Kanye West (Madrid, 30-07-26) El concierto de Kanye West en el Estadio Metropolitano de Madrid, además de ser hermoso, saldó una deuda generacional. Habían pasado 20 años desde que el rapero criado en Chicago actuó por única y última vez en España, fue en 2006 en la sala Razzmatazz de Barcelona.

Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Iker Bárbara T. 665 050 639 Ed. Sur. Andalucía, Extremadura, Murcia sur@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González T. 699 339 245 Ed. Noroeste. Galicia, Castilla y León noroeste@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Raúl Julián T. 659 93 02 04 Administración y contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com COLABORADORES Textos: Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Fernando Fuentes, Eva Sebastián, J. Batahola, J.C. Peña, Jordi Forés, Jorge Ramos, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Manu González, Mara Gómez, Marcos Gendre, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Sergio Ariza, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Eduard Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, María Alfonso, Montse Galeano, Virginia Barbero Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com

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