Mondo Sonoro octubre 2026

Nº 354 octubre 2026 www.mondosonoro.com

ejemplar gratuito

ESPECIAL MONDOPRO

Fontaines D.C. Dopamina ARDE BOGOTÁ · LORI MEYERS · LOS ZIGARROS · QUEENS OF THE STONE AGE · AIKO EL GRUPO · ANABEL LEE · 1111 · VIVA BELGRADO

Twenty One Children 09.10.2026 Madrid●Wurlitzer Ballroom

IST IST 12.10.2026 Madrid●Moby Dick 13.10.2026 Barcelona●Sala Upload

Strawberry Guy 12.10.2026 Barcelona●Sala Upload 14.10.2026 Madrid●Sala Villanos

The Lemon Twigs 15.10.2026 Barcelona●Paral·lel 62 26.10.2026 Madrid●Teatro Eslava

Fat Dog 15.10.2026 Madrid●Galileo Galilei 17.10.2026 Barcelona●Paral·lel 62 (+ Mandy, Indiana + Honeyglaze...)

The Bausa 18.10.2026 Madrid●Sala Changó 19.10.2026 Barcelona●Razzmatazz 2

Songhoy Blues 19.10.2026 Madrid●Sala Villanos 20.10.2026 Barcelona●Sala Upload

Bass Drum Of Death 19.10.2026 Barcelona●Sala Upload 20.10.2026 Madrid●Wurlitzer Ballroom

Yard Act 20.10.26 Barcelona●Sala Apolo 21.10.26 Madrid●Teatro Eslava

Kelela 22.10.2026 Madrid●Sala Lab/Wagon 23.10.2026 Barcelona●La Paloma

Nemzzz 22.10.2026 Madrid●Sala But

JMSN 23.10.2026 Barcelona●La (2) de Apolo 25.10.2026 Madrid●Sala Mon

Boris 23.10.2026 Madrid●Sala Mon 24.10.2026 Barcelona●La Nau

Jungle 26.10.2026 Madrid●Movistar Arena 28.10.2026 Barcelona●Palau Sant Jordi

Ruel 29.10.2026 Barcelona●Razzmatazz 2 30.10.2026 Madrid●La Sala del Movistar Arena

MGNA Crrrta 29.10.2026 Madrid●El Sol

Kiss Facility 03.11.2026 Madrid●Sala Uni 04.11.2026 Barcelona●Sala Upload

Gurriers 04.11.2026 Barelona●La (2) De Apolo 05.11.2026 Madrid●Sala Nazca

Curses 05.11.2026 Barcelona●Wolf 06.11.2026 Madrid●Sala Nazca

Max Cooper 08.11.2026 Madrid●La Riviera

Tortoise 07.11.2026 Valencia●Sala Moon 08.11.2026 Madrid●Sala But

Allie X 07.11.2026 Barcelona●La Nau 08.11.2026 Madrid●Sala Nazca

Geordie Greep 12.11.2026 Donostia●Dabadaba 13.11.2026 Oviedo●Kuivi Almacenes 17.11.2026 Valencia●16 Toneladas 22.11.2026 Madrid●Galileo Galilei 23.11.2026 Barcelona●Upload

miaw 15.11.2026 Ourense●Torgal 17.11.2026 Madrid●Wurlitzer Ballroom 18.11.2026 Barcelona●Laut

THE HAUNTED YOUTH ESDEEKID CAROLINA DURANTE SAINT LEVANT

DIZZY DROS IBEYI CITY OF THE SUN RANCORE

KID KAPICHI CARIÑO ABHIR AMAIA

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8/Mondo freako

Arde Bogotá Solo los Solos Arde Bogotá llegan a su tercer disco con una idea tan sencilla como incómoda: quizá nunca habíamos estado tan conectados y, al mismo tiempo, tan solos. “Manufacturas del Club de la Gente Sola” (Sony , 26) convierte esa contradicción en un artefacto rock épico, pero también en una invitación a volver a encontrarnos. —texto Oriol Rodríguez —foto Assiah Alcázar

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AY UNA PARADOJA especialmente divertida en entrevistar a Arde Bogotá por videollamada: cuatro tipos que han hecho de la música uno de los grandes espacios colectivos de su generación hablando desde tres ventanas separadas: el cantante Antonio García (y su perrete como invitado especial) y el bajista Pepe Esteban (¿puede que sea cada vez más el hermano gemelo no reconocido de C. Tangana?) compartiendo pantalla, mientras el batería Jota Mercader y el guitarrista Dani Sánchez están en sus respectivas casas. La conexión es perfecta (o casi: a Dani le falla el wi-fi), la distancia también. Porque el tercer disco de Arde Bogotá, “Manufacturas del Club de la Gente Sola”, habla precisamente de eso: de la contradicción entre vivir en una sociedad hiperconectada y experimentar, cada vez con más frecuencia, una sensación de separación, de aislamiento, de vacío.

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Instrucciones para construir un corazón ARDE BOGOTÁ empezaron a trabajar en su tercer largo sin un plan excesivamente rígido. Fue a medida que los temas se fueron acumulando, cuando García empezó a intuir que había algo que los conectaba: la soledad en tiempos de hiperconectividad. “Había una conexión en eso, en la soledad, en dejar de sentir, en por qué me estoy sintiendo mal, en sentirte culpable con el sentimiento”, explica. Una de las primeras piezas que les señaló el camino fue “Señor Herrero”. Y de ahí salió una frase que acabaría convirtiéndose en una especie de brújula conceptual: estaban haciendo “un manual de instrucciones para fabricar un corazón”. Un corazón solitario, eso sí. UN MANUAL para entender qué pasa con los sentimientos cuando vives en un mundo que parece haber sido diseñado para que nunca tengas la sensación de estar

desconectado de nada ni de nadie. Pantallas, notificaciones, redes, mensajes, estímulos, likes, scrolls infinitos, reels, stories, fomo, jomo… ¡Ansiedad! Y, pese a todo, el agujero sigue ahí. En “Sacude”, “Asidero”, “Instrucciones”, “Judas” o “Bigger Splash” (nombre que utilizaron para actuar por sorpresa en algunos festivales este pasado verano) esa idea va tomando formas diferentes. No es un tratado sociológico disfrazado de canciones de rock, sino una colección de personajes, sensaciones y metáforas que van construyendo una especie de mundo propio. “Estamos hablando de cómo se hace un aparato para la sensibilidad y para la emoción en un mundo solitario como este”, resume García.

Los fantasmas de sus vidas “MANUFACTURAS del Club de la Gente Sola” –también abreviado como “MCGS”– puede ser entendido como la banda sonora de un relato distópico que,

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en su temática, bebe de referentes como la obra del escritor, filósofo y crítico cultural británico Mark Fisher. García habla de “Los fantasmas de mi vida” y de una idea que se le quedó clavada: la posibilidad de que aquello que sentimos no sea exclusivamente nuestro, sino también producto del entorno que habitamos. “Mi depresión no es mía, sino del mundo en el que vivo”, sintetiza. A partir de ahí aparece una de las imágenes más potentes de todo el proyecto: alguien que te ha instalado un software dentro del cuerpo, un motor que funciona mal. Intentas fabricarte un corazón y, en lugar de eso, te sale un autobús. También cita a la escritora catalana Irene Solà, especialmente su manera de convertir la naturaleza en un personaje más en “Canto yo y la montaña baila”. Y esa influencia se filtra en unas letras que quieren ser abiertas, que no tienen ninguna intención de entregar al público un manual de instrucciones cerrado.

“ “Mi depresión no es mía, sino del mundo en el que vivo”

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EL DISCO SE GRABÓ en los EastWest Studios de Los Angeles con Joe Chiccarelli como productor, un tipo que ha trabajado con nombres como The White Stripes, The Strokes, Beck o The Killers. Pero, antes de partir hacia California, fue el propio Chiccarelli quien visitó Cartagena para impregnarse del universo creativo y vital de Arde Bogotá. Quería convivir con ellos, trabajar en su local. Quería conocer su ciudad, a sus amigos… Vivir y beber con Antonio, Dani, Pepe y Jota. Una vez ya era miembro del club, hicieron las maletas y, ahora sí, partieron los cinco hacia Los Ángeles. El contraste no podía ser mayor. Si Cartagena es proximidad, calle y comunidad, L.A. les pareció una ciudad que puede “masticarte y luego escupirte”. Hay cierta ironía en que un disco sobre la soledad haya sido modelado en una urbe que les hizo sentir tan aislados. Disyuntiva que ha ayudado a elevar el sonido de un grupo, esa suma de factores que van del indie arquitectónico de The National al rock épico de Héroes

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MONDO FREAKO

“ “Había una conexión en eso, en la soledad, en dejar de sentir”

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del Silencio, que está condenado a convertirse en la banda más popular de nuestro país este próximo 2027. Año, por cierto, en el que Arde Bogotá cumplirán su primera década de vida.

Ocho días en medio del “Hervidero” SI ALGO HA CONVERTIDO a Arde Bogotá en el fenómeno que son hoy no es únicamente el número de reproducciones ni la posición en una lista. Es la capacidad de transformar canciones en una experiencia compartida. Y aquí “Manufacturas del club de la gente sola” tiene una contradicción casi perfecta: un disco sobre la soledad que solo parece completo cuando se comparte. La propia banda lo ve así. Una canción puede empezar con Pepe solo en casa, sacando un riff y construyendo una rueda. Es un acto individual. Después llega el local, los cuatro músicos, la discusión, la jam, la grabación, la publicación y, finalmente, un público cantándola. “Es una especie de antídoto para nosotros”, dice García. Un “asidero” contra el agujero de la soledad, utilizando una de las palabras clave del disco. No es extraño, por tanto, que haya cierto poso político en el álbum. No porque Arde Bogotá hayan decidido convertirse de repente en una banda de consignas, sino porque hablar de la soledad no deseada en pleno 2026 es hablar también de la sociedad que la produce. La soledad no es solo estar físicamente solo. Puede ser estar rodeado de gente y seguir sintiendo que hay algo que no termina de encajar. Ellos lo ven como una sombra que se extiende incluso sobre aquellos que aparentemente tienen una vida completamente integrada. SE TRATA DE UNA IDEA y un concepto que Arde Bogotá han llevado más allá del disco y han extendido a la gira de presentación que realizarán por nuestro país. Será uno de los actos más relevantes en el calendario musical de este año, por lo que se presenta y por cómo se presenta: ocho ciudades, ocho salas de pequeño aforo. “Hemos creado una serie de espectácu-

los muy especiales, a los que llamamos ‘Hervideros’”. Esos ‘hervideros’ están inspirados en las sesiones Boiler Room: Arde Bogotá estarán ubicados en el centro, el público les rodeará. Será una experiencia de proximidad, casi un ritual. Ocho citas para las cuales sus seguidores han tenido que comprar las entradas físicamente, haciendo cola frente a las taquillas de los puestos de venta asignados, pudiendo hacerse, como máximo, con dos entradas por persona: para entrar en el Club de la gente sola habéis tenido que apagar el ordenador y salir de casa. Antonio, Pepe, Jota y Dani, que ya tienen fechas confirmadas en Estados Unidos y México para este mes de noviembre, son conscientes de que no podrán llevar este formato a todas partes, porque no todas las salas tienen las condiciones necesarias para el espectáculo que

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están preparando. Pero aseguran que más adelante llegarán a las ciudades que por ello se han quedado fuera del recorrido. El club de la gente sola quiere sumar cuantos más miembros mejor. —o.r.

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EN CONCIERTO l Vigo 29 de octubre. Hall Auditorio Mar de Vigo l Gijón 30 de octubre. Gijón Arena l Granada 05 de noviembre. Industrial Copera l Málaga 06 de noviembre. París 15 l Madrid 26 y 27 de noviembre. La Riviera l Valencia 03 de diciembre. Palau Alameda l Alicante 04 de diciembre. Marmarela l Murcia 11 y12 de diciembre. Sala Mamba!

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Lori Meyers Tiempo para desencajar

En “Disonancia” (Universal, 26), Lori Meyers convierten en canciones todo aquello que no termina de encajar. Paternidad y soledad, el peso de los años y las ganas de recuperar la frescura, seguir siendo una banda de guitarras sin sonar a 2003. Ocho discos después, cambiar ya no significa resolver las tensiones. A veces basta con hacerlas sonar. —texto Arturo García —foto Carlos Ojeda

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ORI MEYERS llevan tanto tiempo de gira que han terminado por perder la medida de los años. Una temporada enlaza con la siguiente, las canciones se terminan entre camerinos y periodos en casa y, cuando miran el calendario, han pasado cinco años desde el disco anterior. “Nosotros hemos decidido no parar de tocar. Las giras se van enlazando año tras año y esto es parte del proceso”. Más que responder a una urgencia, “Disonancia” aparece cuando las experiencias acumuladas empiezan a pedir canciones. De ahí que prefieran hablar de un disco provocado más por el apetito que por el hambre. Lori Meyers ya no necesitan publicar para mantenerse en circulación. Ese proceso largo convive con canciones que nacieron deprisa. Noni insiste en que esta vez buscaban escapar del exceso de cálculo. “Estas canciones fueron saliendo muy rápido. A estas alturas, más que buscar preciosismo, estamos buscando volver a nuestra frescura”. Para explicarlo utiliza varias veces una palabra bastante #12 octubre 2026

la “No me importaría que o gente me dijera ‘Tu disce es una puta mierda’. M o da igual, lo hemos hech para nosotros”

gráfica, vomitar. “Lo que no me atrevo a decir en persona era muy fácil decirlo rápidamente escrito”. Ahí empieza a entenderse también el título. La disonancia no es solo sonora. Durante estos años las vidas de los tres han avanzado en direcciones distintas. “A ellos les ha pasado la paternidad y a mí me ha pasado un poco lo contrario, que era la soledad”, cuenta Noni. Habla de una soledad elegida, de amigos que construyen otras vidas y de unos horarios cada vez más difíciles de conciliar. De ahí salen canciones sobre amor, desamor y distancia. “En lo total” concentra buena parte de esa sensación. “Esta soledad es la actual”. También conecta con una vieja aspiración del grupo, conseguir que sus canciones envejezcan lo menos posible. “Todos hemos vivido conectados a esto, esperando esa respuesta o justo temiéndole a esa respuesta”. PERO ESE MOVIMIENTO también pasa por cambiar la forma de hacer las cosas. Ferrán Gisbert (Alizzz, Amaia, Arde Bogotá) terminó integrado prácticamente en la vida doméstica del grupo. Noni le propuso instalarse durante largos periodos en casa y mezclar dos formas muy distintas de trabajar, la rapidez de Ferran y los tiempos más dilatados de Lori Meyers. “Le propuse una cosa rarísima. Que se viniera, que lo iba a raptar un año y medio. Se tenía que venir a casa y que íbamos a grabar un disco, no a su manera sino a la de los dos”. Parte del álbum se trabajó así, en casa y sin horarios demasiado rígidos, conservando incluso tomas que parecían maquetas cuando el sonido ya estaba ahí. Esa convivencia permitió incorporar recursos

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MONDO FREAKO

LA MÍA

Velocidad y cifras, hasta estamparse

menos habituales sin dejar de sonar a Lori Meyers. En “En lo total”, por ejemplo, Ferrán introdujo un loop de voces cercano a procedimientos habituales del urbano. Algunas de sus propuestas, que él mismo pensaba que quizá el grupo no aceptaría, terminaron entrando en el disco. También cambió la arquitectura de las canciones. Ya no había que empezar necesariamente por batería y bajo ni reproducir la lógica del local de ensayo. “Lo importante de una canción es saber cuál es el germen, cuál es la semilla que hace que crezca toda la planta”. Algunas piezas comenzaron a partir de una voz y fueron creciendo desde ahí. La frontera entre guitarra, sintetizador, batería, sampler o voz se volvió cada vez más difusa, aunque la intención seguía siendo reconocible. “Seguimos siendo un grupo de rock, de guitarras, pero necesitamos ese matiz que haga que no suene al año 2003”. Para Alfredo, ese cambio alteró incluso el papel de la batería, que llegó casi al final del proceso en varios temas. Lo que parecía que iba a proporcionarle más libertad terminó exigiendo una precisión mayor porque bajos y estructuras estaban ya muy definidos. “Conforme vas viendo la canción, vas viendo qué tienes que ir haciendo, que normalmente es todo lo que pensaba ir quitando, ir simplificando”. “DICTADURA” fue precisamente la primera composición y también una de las que más costó cerrar. Estaba bastante avanzada antes de empezar a trabajar con Ferran y se fue quedando atrás mientras las canciones nuevas crecían desde cero. La solución terminó siendo aceptar su naturaleza. “Que suene a Lori Meyers. Lori Meyers son las guitarras, el power pop. Esta canción es eso”. “Malafollá”, en cambio, nació con un nombre bastante menos publicable. “Se estuvo llamando mucho tiempo ‘Hijo puta’. Era como se llamaba en el ordenador”. El título definitivo apareció al relacionar la letra con un premio a La Malafollá que Noni tenía en casa. Y terminó introduciendo a Granada de una forma poco habitual en sus canciones. “Nunca hemos sido chovinistas. No hemos puesto nunca ni Loja ni Granada. Lo llevamos en el alma”. LLEGADOS AL OCTAVO DISCO, también ha cambiado la relación con la aprobación. Lo expresan sin demasiados rodeos. “Este disco lo teníamos que hacer”. Y van todavía más lejos. “Es de los pocos discos que no nos importaría que la gente nos dijera ‘Tu disco es una puta mierda’. Me da igual, lo hemos hecho para nosotros”. Hasta la portada responde a esa necesidad de cambiar sin perder los vínculos. Para “Disonancia” recurrieron de nuevo a Ramón Soler, aka Ramonchi, ligado a las primeras imágenes del grupo. “En este disco también necesitábamos a gente que fuera gente de siempre, que nos conociera bien”. Después de muchas conversaciones sobre las canciones, la propia palabra “disonancia” acabó convertida en datos y geometría a través de un software. La imagen no ilustra simplemente el disco, reproduce su propia lógica. Parte de algo reconocible y lo transforma sin borrar su identidad. Como las canciones, como la banda.—a.g.

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O SÉ LA SENSACIÓN que debe dar desde el exterior. Sé que son temas que, en realidad, no van más allá del sector en el que nos movemos quienes dedicamos todo nuestro tiempo a esto de la música, pero es una auténtica locura. La velocidad a la que va el negocio de la música y la importancia que se le da a las cifras sean de reproducciones, venta de entradas, asistencia, ayudas, inversiones o recaudaciones nos han llevado a un mundo en el que la parte más romántica de la música se está quedando en la cuneta. ¿En serio es un valor añadido que por la cesión de los derechos de “Si me quieres” de JC Reyes y Myke Towers se hayan pagado seis millones de euros? Quienes se preocupen por ello en realidad no han entendido nada sobre la creación artística. Buena parte de aquellos discos que han marcado mi vida se grabaron por cuatro chavos. Algunos fueron creciendo y creciendo, otros sencillamente siguen manteniendo su vigencia –o no– en las sombras. Sea como sea, nunca me preocupó lo más mínimo cuánto había costado grabarlos o cuántos beneficios generaron. A los ojos de algunos dará la sensación de que soy una suerte de hombre del siglo pasado, pero mira por dónde son ya muchísimas las voces, jóvenes, diversas, combativas, las que están bajándose de este tren a velocidad de Shinkansen que tiene todas las papeletas para acabar estampándose. Son muchos ya los que ponen en duda la importancia –o la veracidad, lo cual es todavía más grave– de las grandes cifras millonarias de reproducciones en plataformas. ¿Se nos manipula musicalmente lo mismo que se nos intenta manipular políticamente a través de las redes sociales? No me cabe la más mínima duda. ¿Caemos nosotros como medio en esa trampa? Quizás, pero ya les digo yo que buena parte de nuestras portadas no apuestan al caballo ganador. En todo caso, no estamos hablando de eso. Ante esa avalancha de cifras, nace la resistencia, las barricadas, el underground. Un underground que creíamos desaparecido, pero que vuelve a armarse de valor para decirle cual David “¡Toma esa, Goliat! ¡Qué te jodan!”. Bandas que no están para hostias, solistas que disfrutan haciendo música y si la cosa va bien, pues irá bien. Es entonces cuando me viene a la cabeza Justin Vernon, Bon Iver, un tipo que se cansó de subir y decidió disfrutar del trayecto. Ningún esfuerzo por gustar más de lo que ya ha gustado, ningún esfuerzo por engordar sus cifras, sino por embarcarse en proyectos con amigos, colaborar con este o aquella, hasta llegar al punto de componer y crear una canción para un pequeño restaurante de pasteles de carne cerca de su casa. Si eso no es el éxito, que baje Dios y… —joan s. luna

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ENTREVISTA

El nuevo disco de los hermanos –Álvaro y Ovidi– Tormo, “Carne con patatas” (Cultura Rock, 26), reluce gracias a su naturaleza desafiante y especialmente ecléctica, un colorido estilístico encargado de diagnosticar el gris presente. —texto Kepa Arbizu —foto ÁJuan Pérez-Fajardo

Los Zigarros

Rock and roll contra los tiempos modernos

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ENIENDO EN CUENTA que no existe creación humana, tampoco artística, inocente en sus aspiraciones, también los terrenos dedicados al esparcimiento lúdico son un campo de batalla absolutamente propicio para la propagación de ideas. Una premisa que asume el nuevo álbum de la banda valenciana. Un disco que se revuelve salvaje entre envites eléctricos inspirados en la vieja escuela, pero que destaca, sobre todo, por mostrarse radicalmente variado en su morfología. Una condición que delata la necesidad de “ir rápido al meollo del rock and roll y que la energía y el mensaje fueran lo primero” y que confluye en la determinación de convertir a los hermanos Tormo en únicos dueños del resultado. “Queríamos grabar sin sofisticación y sin darle muchas vueltas, de ahí la elección de producir y asumir las decisiones nosotros mismos, lo teníamos todo

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muy claro”. De ahí esa inmediatez asumida por una absoluta falta de prejuicios. “Que, por ejemplo, sea la primera vez que añadimos metales en una canción significa que con el tiempo nos hemos liberado un poco de algunos prejuicios. Hemos tocado ciertos palos simplemente por el gusto de hacerlo, no nos hemos puesto ningún tipo de barrera. El único filtro es la emoción”. LA “CARNE CON PATATAS”, metáfora posiblemente de esa efectiva sencillez que predica el concepto del álbum frente al (auto) impuesto atiborramiento, esconde sin embargo un opíparo menú que se abastece de ingredientes procedentes de Nueva Orleans o personales reinterpretaciones de recetas escritas por The Kinks, The Beatles o incluso Randy Newman. Manjares que, expuestos en la mesa, abarcan desde el adrenalínico punk de “Yo no soy tu enemigo” (“un vómito que mezcla la misantropía con el pacifismo o la

anarquía”) hasta el stoner de psicodelia andalusí –con participación sorpresa de Miguel de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba– perceptible en la fascinante “Caminos habituales”, que “salió después de ver un documental de The Mars Volta, y desde luego si alguna vez había algo en lo que podría colaborar Miguel, era en este tema”. Novedades y rasgos idiosincráticos de este trabajo que se citan en “Necesito una cerveza”: poseedora de versos de indudable fuerza (“vivimos gobernados por ruidosos tertulianos, está de moda ser un facha, un racista o un tirano”); ejemplo de la prevalencia por recoger el momento frente a la perfección. “La primera toma es la que quedó grabada”, y de retos inéditos, como el protagonismo frente al micrófono asumido por Álvaro. “Tenía un poco de miedo, la verdad, porque yo no tengo la suerte de cantar bien, pero me gusta mucho cómo ha quedado. Ha conseguido un alma tranquila y susurrada de la que me siento orgulloso”.

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ningún “No nos hemos puesto o filtro tipo de barrera. El únic es la emoción” PASAR POR ALTO la carga lírica, entre la sátira y el diagnóstico sociológico, de este álbum supondría descargar una parte sustancial de su valor, consistente en una enmienda a la totalidad de nuestro comportamiento como especie. “Las letras disparan contra el ser humano, y básicamente contra el varón”. Cromosomas y testosterona justamente ajusticiados en la explícita ”El mundo es cosa de hombres” (“en la televisión ves constantemente señores decidiendo cosas y en general no se da paso a la mujer, y en eso estamos cometiendo un error tremendo”), y pantallas virtuales que corren el mismo destino. “Las redes sociales han jodido la humanidad, obviamente veo las cosas positivas que tienen, pero lo negativo las supera porque no las hemos sabido utilizar con sensatez. Me parecen un agujero negro peligrosísimo causante de muchísimos males y otras tantos que están por venir”. Síntomas de una actitud global que nos ha convertido en meros seres acumulativos y dominados por el ruido emitido desde nuestro ego. “Me da placer pensar qué pasaría si todos decidiéramos parar, porque ahí está la fuerza del pueblo. Me cansa muchísimo tener que oír las opiniones de todo el mundo, incluso la mía”. SABEDORES DE QUE ESTOS RITMOS surgidos desde las raíces afroamericanas se hicieron para bailar, pero también para reflejar el hartazgo que la cotidianidad puede generar, Los Zigarros han hecho de su nuevo trabajo una perfecta simbiosis de ambas latitudes. “Sentimos este disco como una conversación con un colega en la que van saliendo diferentes temas, todo hablado desde un punto de vista sincero, sin necesidad de hacer un llamamiento. Simplemente son canciones que reflejan lo que pensamos”. “Carne con patatas” es precisamente eso, una agitada y polifacética banda sonora sobre dilemas a los que combatir, por supuesto, con excelente rock and roll, complemento necesario para lo que sin embargo es el único antídoto realmente válido contra la sinrazón. “Como decimos en una de las canciones, solo el amor podrá salvarnos. Es algo que con suerte aprendes cuando vas haciéndote mayor, de joven quizás no lo pienses tanto, pero llega un momento en el que sabes que, sin eso, no hay nada”.—k.a.

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EN CONCIERTO l Iruña-Pamplona 08 enero l Barcelona 09 enero Razzmatazz l Murcia 15 enero. Mamba l Málaga 22 enero. París 15 l Córdoba 23 enero. Impala l Santander 29 enero. Escenario Santander l Miranda de Ebro 30 enero. La Fábrica de Tornillos l Bilbao 05 febrero. Santana 27 (Negufest) l Madrid 06 febrero. La Riviera (Inverfest) l Sevilla 12 febrero. Custom l Alicante 13 febrero. The One l Lugo 19 febrero. Sala Tebras l Valladolid 20 febrero. LAVA l Valencia 27 febrero. Sala Auditorio Roig Arena l Santiago de Compostela 05 marzo. Capitol l Gijón 06 marzo. Acapulco

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10 AÑOS ATRÁS

Mondo Sonoro número 243 Octubre de 2016 Fueron portada: Los Fabulosos Cadillacs Charlamos con: Kase.O, Two Door Cinema Club, James Vincent McMorrow, Sidonie, Placebo, Pixies, Marah, Niño de Elche, Enric Montefusco, Trentemøller, King Creosote, Heren, Don Broco, Alex Cameron, Bastille, Paco Loco, The Parrots, iLe, Sule B, Kvinz, Syberia, Papa Topo, Fiera, Cálido Home, Shinova, Celica XX, The Crab Apples, Arponera, Lo que nos contaban: “A mí me gustan las dos vertientes: la del gacho con el corazón en la mano y la del cabrón” (Kase.O) “Brian [Molko] es como una bola de fuego, y mi papel es manejarla. A veces quema mucho y a veces se apaga, y yo estoy ahí para gestionar eso” (Stefan Olsdal, de Placebo) “Hay demasiada gente estúpida en el mundo. Y en Estados Unidos el porcentaje es todavía mayor” (Joey Santiago, de Pixies) “Me siento fuera de lugar en una militancia que no sea artística” (Enric Montefusco) “La escena son unos cuantos colegas que, cuando nadie les ha querido montar un concierto, se han ayudado haciendo de promotores” (The Parrots) Fue disco del mes: “22, A Million” de Bon Iver También destacamos: “Wildflower” (The Avalanches), “Skeleton Tree” (Nick Cave & The Bad Seeds), “I Had a Dream That You Were Mine” (Hamilton Leithauser + Rostam), “Mount Ninji And Da Nice Time Kid” (Die Antwoord), “Amnesty (I)” (Crystal Castles), “Ulises” (Viva Belgrado) y “How To Be A Human Beign” (Glass Animals) —MS

octubre 2026 #15

ENTREVISTA

“Perfecth” (Matador/Popstock!, 26) supone nada menos que el noveno álbum de la banda liderada por Josh Homme, y llega como el álbum más a corazón abierto de su larga historia. Sobre él charlamos con Mike Shuman, bajista de la formación estadounidense. —texto JC Peña —foto Andreas Neumann

“

PERFECTH” nos muestra a una banda de camaradas disfrutando de su contrastada química, con pasajes acústicos, menos fuzz, una versión “propia” (“Sunday”, que Homme y compañía hicieron para Iggy Pop hace una década) y la maquinaria rockera tan engrasada como exenta del perfeccionismo patológico que a veces les ha lastrado. Nos conectamos con Mike Shuman, bajista y miembro más joven desde que se enrolara en el grupo hace casi dos décadas. Consumado instrumentista y técnico, Shuman se ha convertido en la mano derecha de Homme, como queda patente en documentales y grabaciones varias. Desde algún lugar entre San Francisco y Los Ángeles, el músico muestra todas las virtudes que conocemos como bajista y productor con tanta afabilidad como pasión. “Cada disco es especial. Ponemos mucha sangre, sudor y lágrimas, y lo mismo se aplica a este. Pero es verdad que aquí hay un giro que podría marcar el próximo capítulo de la banda”, afirma. ¿CÓMO ES ESO? “Nos sentimos como cuando hicimos ‘Like Clockwork’ (13), que vimos como el primer disco de una trilogía. Es como si hubiéramos comenzado una nueva fase con nuevo potencial y espacio ilimitado para crecer. Siempre producimos nuestros discos, pero es la primera vez que Josh y yo trabajamos codo con codo, por eso es un poco distinto”. No puede ser casualidad que, por primera vez, aparezca en portada una fotografía del quinteto. “Supongo que es el disco más humano y personal que hemos hecho. Los cinco pensamos: ‘¿Y qué hacemos ahora?’. ¿Qué otras máscaras nos íbamos a poner? ¿Qué personajes íbamos a crear? Creo que en este disco no hay personajes. Sobre todo, con las letras, Josh y yo trabajamos mucho en quitarnos

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“ Queens “Es el álbum más humano y personal que hemos hecho”

el velo y estar cómodos con ello. El espejo de eso tenía que ser nosotros en la portada, así que esa es la razón”.

EN ESTE PROCESO de despojamiento de artificios en busca de lo esencial, su impactante directo en las catacumbas de París “Alive In The Catacombs” y los conciertos posteriores fueron claves. “Veníamos del flow de las catacumbas, sobre todo del tour. El disco lo hicimos en sesiones dispersas durante la gira. Estábamos metidos en un espacio que era completamente diferente a un concierto normal de rock. Yo diría que es uno de nuestros discos más heavies, pero no a través de la distorsión o la batería. En otros nos escondíamos un poco detrás de metáforas, máscaras y personajes, además de los tonos que nos encantan. Esta vez queríamos que las canciones respiraran y hablaran por sí mismas sin distorsión ni baterías cañeras”. Como nos acaba de comentar, la banda acometió las sesiones en distintos estudios. Una forma de trabajo que tiene dos caras. “La parte buena es que te da tiempo para pensar en el trabajo que has hecho, de modo que cuando vuelves a grabar una semana o un mes después, tienes una perspectiva distinta. Por contra, tiendes a analizar más de la cuenta. Pero en este caso nos sentimos

muy liberados y dejamos todos los fallos. La idea era hacer el álbum más coherente que pudiéramos, y a la vez una especie de mixtape o collage de canciones”. UNA DE LAS BANDAS más engrasadas del planeta sobre un escenario se suelta aquí más que nunca. Mike ha sufrido el lado oscuro de las grabaciones. “Es el disco en el que lo hemos pasado mejor. Ha sido el más fácil y armonioso de todos los que he hecho desde que estoy en el grupo. ‘Like Clockwork’ fue una puta pesadilla. Al acabarlo no quería volver a hacer un disco jamás. ‘Villains’ (17) fue extremadamente difícil. Con ‘In Times New Roman’ (23) pasamos quizá el momento más complicado. Yo estaba como: ‘¿Podemos, por favor, hacer un disco que sea divertido, y pasarlo bien?’. Siempre hemos tenido nuestras risas, hemos superado el trauma, pero el nuevo fue relativamente indoloro. Y creo que eso se nota en el resultado final”. No hay

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Fuera máscaras

of the Stone Age que subestimar todo esto para un grupo con casi tres décadas de actividad, aunque Shuman lleve “sólo” dos décadas en él. “No salimos de gira a no ser que pensemos que nos vamos a divertir. Vivimos de esto, pero no se trata de dinero. Tenemos que pasarlo muy bien para dejar atrás familias y amigos. Y eso se aplica a los discos. Tenemos que creer en lo que estamos haciendo y evolucionar, para no estar haciendo todo el rato lo mismo”. Esto puede tener un peaje que pagan gustosos. “Puede que esto no les guste a algunos fans. Hay gente que quiere que hagamos lo mismo una y otra vez. Lo entiendo, pero no es el mundo en que vivimos nosotros. Eso no es crecer. Lo que a mí me interesa es evolucionar, sorprenderme a mí mismo, ponerme retos. Enchufar las mismas guitarras en los mismos amplificadores con los mismos pedales en el mismo estudio es aburridísimo. Quiero explorar nuevos territorios, nuevas formas de grabar y de componer. Es todo lo que nos queda”. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MIKE ES MUY CONSCIENTE del peso que ha ganado dentro del quinteto, gracias a su precoz madurez. “Cuando entré tenía veintiún años y me llamaban ‘el hombre viejo’… Sólo puedo hablar por mí mismo, pero supongo que siempre he tenido el papel de asegurarme de que las cosas no implosionen o estallen. Josh es el salvaje y yo, el lógico. En estos veinte años hemos aprendido que esa dinámica funciona. Todo el mundo entiende su rol”. Que sigan siendo colegas es fundamental, y termina insistiendo en esta idea. “No me puedo imaginar estar en un grupo en el que odies al otro. Para cierta gente, hacer su noveno disco es una herramienta promocional para salir de gira y ganar dinero. A nosotros nos interesa hacer un disco para crear arte. Lo que venga después es un extra”. —j.c.p.

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octubre 2026 #17

NUEVO ÁLBUM YA DISPONIBLE

ENTREVISTA

Aiko El Grupo

Siguiendo las señales La consolidación de Aiko el grupo como una de las bandas imprescindibles de nuestro circuito llega con “Señales Brutales” (Primavera Labels, 26). Se trata del tercer álbum del trío formado por Lara Miera, Tere Iñesta y Barbi López, además del más fiel a ese directo sin concesiones que tienen y en el que retumban por descontado riffs y poética.

DE SUS INICIOS no solamente mantienen el desenfreno y las ganas de comerse el escenario, sino que también recuperan los acordes de su sencillo “Truchita (nunca volveré!!!)”, dándoles la vuelta en “Suspiria”, uno de los temas más lapidarios del disco por frases como “Sé que quieres arrastrarme a tus mundos de Yupi, yo no soy más tu grupi”. “Lo mejor es que los acordes de ‘Truchita’ eran los acordes de otra canción al revés y ahora ‘Suspiria’ son los acordes de la primera canción que sirvió como inspiración para ‘Truchita’”. En cuanto a la letra, responde a una vivencia “en la que te sientes una puta mierda al lado de la persona que te está tratando mal y creo que hay ciertas cosas que, por mucho que las superes, no se puto perdonan. En tu mente puedes

perdonar, pero no tienes por qué expresárselo a la otra persona, porque efectivamente vives en los mundos de Yupi de los que yo he salido. Por eso es una canción que creamos las tres con un sentimiento muy común también de las tres”. SOBRE LA RELACIÓN a la que Lara le canta en “Suspiria” alcanza “el cierre de círculo más perfecta de mi vida” con el estreno del focus track “Oda a la muerte del amor efímero” en la inauguración del escenario principal de la última edición del Primavera Sound. “Mi ex y yo empezamos en el puto Primavera y me encuentro ese collar –al que canta el tema– y me parece triste que mi puto ex me regalase una mierda de collar de una cosa que ni siquiera me gusta. No me gustan las Witch te has equivocado, me gusta el puto anime. Era un día de componer, pero hicimos un poco de support. Estaba vaciando mi cuarto de ruptura literalmente

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—texto Martín P. Corral —foto Adri Cuervo

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SEÑALES BRUTALES” funciona como una metamorfosis en la que el trío se desprende de capas para llegar a su lírica más cruda y directa, abriendo a su vez espacio para explorar nuevos sonidos que terminan integrándose de forma natural –y excelente– en su identidad. Prueba de ello el obsesivo sintetizador con el que abren esta etapa en “modo sigilo”, primer single y opening track, una canción que: “No tiene tanta ironía como otras. Nos hemos dejado ser más tristes de lo que nos dejamos ser normalmente. Haciendo la canción no había pie a nada cómico. Hay otros momentos en el disco en el que esto está más presente y puede ser desde el enfado, desde la ira o la rabia, y creo que también era una manera de empezar con mucha honestidad. Abandonamos un poco también lo naíf y es más desgarrador en ese sentido. Protege de algunas cosas y sobre todo protege de mucha vulnerabilidad, que a lo mejor ahora también hemos levantado esa capa y hemos pinchado hueso con algunas cosas”. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

octubre 2026 #19

Nepal Nepal

Mala Gestión

Pignoise

Nepal Nepal irrumpen con “Razones para ser mejor”, un álbum debut a la altura del tercero y muy esperado disco de tu banda de pop rock alternativa favorito. En sus propias palabras, una colección de “canciones para que suenen en el FIFA”.

“Canciones buenas, no, pero tocamos guay” (Mala Gestión). “Hacemos lo que podemos” es un recorrido crudo y divertido, reflejo de la frustración de los jóvenes hoy en día, que ha impactado de lleno, convirtiendo a la banda en uno de los grandes descubrimientos del 26; escuchando el disco o de desparrame en uno de sus caóticos conciertos.

Convertidos en la banda sonora de toda una generación, Pignoise celebra los 20 años de Esto No es Un Disco de Punk, su primer disco, inédito en formato digital. La banda lo acompaña una gira por salas de todo el país en la que presentarán su reedición y futuras sorpresas.

ENTREVISTA

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y vi el collar y se lo conté a Teresa. A partir de ahí, Teresa se puso a tocar unos acordes, le dimos la vuelta a la guitarra y empezamos como a rapear con frases random de lo que estaba contando. En el Primavera Sound, dije que todas las cosas que habíamos hecho y todas las letras venían de experiencias reales”.

CINCO ESENCIALES

AIKO TAMPOCO callan cuando se trata de defender la pluralidad de una escena un tanto conservadora en cuanto a cánones de grupo. “Nosotras somos bastante afortunadas porque llevamos un tiempo trabajando con sellos que nos han permitido, incluso en pandemia, estar tocando. Notamos la recesión como un látigo en la música. Vemos los carteles y nos quedamos pilladas. Vemos que sale una banda de pavos y la gente está rollo ¡Wow! Y luego ver lo que cobran y yo me quedo pillada. Puede que estemos en carteles, pero cuánto te pagan, con qué medios, en qué condiciones y horarios… No es culpa de esos chavales, sino que es una cuestión de la gente, de cómo nos estamos yendo hacia abajo y de la propia industria que se adapta a eso. Grupos de mujeres han salido muchos, pero ocupar espacios es una cosa y que luego te dejen quedarte ocupando el mismo espacio y no sea cada vez menos y que te acaben echando… Además de que envejeces siendo mujer y te raya la cabeza, aunque no hemos

Javi Ferrara (Parquesvr) Hace unos pocos meses, los madrileños Parquesvr lanzaron su nuevo trabajo, “Mitos y leyendas” (Raso Estudio, 26), pero su trayectoria cuenta ya con un puñado de clásicos. Le hemos pedido a Javi Ferrara, su vocalista e ideólogo, que nos descubra cuáles son, desde su perspectiva, sus mejores canciones.

“ “Notamos la recesión como un látigo en la música”

parado de tocar. A veces vemos un grupo nuevo que, en un mes, lleva un camión gigante con millones de cosas y no existe ese éxito equiparable… El porcentaje de mujeres que hay de cabeza de cartel en festivales es poquísimo y la gente comentando ‘¿Y qué le hago?’. Pues cállate la boca y revísate”. LA FRIKADA POR EXCELENCIA de la banda no es otra que la suite orquestal que unos fans colgaron en Internet y en la que se recogen, en apenas trece minutos, diez canciones de Aiko el grupo. “Es de las mejores cosas que nos han pasado. Nos encantan

1“Lance Armstrong”

(“Talego Quini”, 2019) Contigo empezó todo. Esta fue la canción que nos dio a conocer y fue durante toda una semana la más viral de Spotify (adelantando incluso al “Alocao” de Omar Montes y Bad Gyal). Sigue siendo imprescindible en nuestro repertorio.

nombre es una 2“Tu puerta por cerrar” (“Si molesto, os vais”, 2024) Nuestra canción más coreada y, hoy en día, creo que la más conocida del grupo. Es una canción que anticipa la pérdida. Profecía autocumplida.

“Arde, 3 quema, duele” (“Si no fuera por estos momentos, sería por otros”, 2022)

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nuestros fans. Hay mucha gente creativa y además esto es previo a la IA. Parece la música de ‘Kingdom of Hearts’ y nos planteamos cosas. ¿Aiko sinfónica?, ¿Aiko on Ice?,,, Seria perfecto hacerlo vestidas de Frozen para estas navidades”. Hasta que eso ocurra, podrás verlas en directo sobre el escenario, y eso es siempre una garantía. “Tocando somos unas piradas de la cabeza. Y queremos que todo sea todavía más enérgico, Esta gira nos va a matar [risas]”.—m.p.c.

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EN CONCIERTO l Mallorca 20 noviembre. Club Mutante l Granada 26 noviembre. Planta Baja l Sevilla 27 noviembre. Sala X l Córdoba 28 noviembre. La 2 Impala l Donosti 12 diciembre. Dabadaba l Vigo 18 diciembre. Mondo Club l A Coruña 19 diciembre. Garufa Club l Lugo 19 diciembre. Ho Gruf l Valencia 16 enero. Moon l Tenerife 06 febrero. Aguere Cultural l Reus 12 febrero. Lo Submarino l Barcelona 13 febrero. Paral·el 62 l Madrid 18 febrero. La Riviera l Vitoria - Gasteiz 09 febrero. Jimmy Jazz

“Arde, quema, duele” nos demostró a nosotros mismos que podíamos hacer canciones más allá del humor y, con ello, abrió la puerta a otras muchas que han venido después.

4“Juancarlista”

(“Si molesto, os vais”, 2024) Esta posiblemente sea la canción más Parquesvr del repertorio de Parquesvr. Si el mundo fuera España, España sería Murcia.

de Gita5“Rizo na”

(“Mitos y leyendas”, 2026) Cuando empecé con el grupo me dejé llevar por lo que se suponía que esperaban de mí y lo que mis compis querían hacer, pero siempre había querido hacer una canción como esta. —MS

octubre 2026 #21

SEGUNDO CICLO DE CONCIERTOS

2026

Alondra Bentley

Hermana Furia

Orina

Arima Soul

L’Arannà

Restinga

Casapalma

Bengo

Las Nietas del Charli

Sara Zozaya

Cristina Len

Los Saxos del Averno

El Diablo de Shangai

Maria Grep & Mundo Prestigio

Vacaciones Permanentes

VVV (Tripin’ You)

Mondra

Gazella

Montedapena

Yo Estoy Bien, El Mundo Está Mal

AIEnRUTA ARTISTAS ALONDRA BENTLEY ARIMA SOUL BENGO CASAPALMA CRISTINA LEN EL DIABLO DE SHANGAI GAZELLA HERMANA FURIA L’ARANNÀ LAS NIETAS DEL CHARLI LOS SAXOS DEL AVERNO MARIA GREP & MUNDO PRESTIGIO MONDRA MONTEDAPENA ORINA RESTINGA SARA ZOZAYA VACACIONES PERMANENTES VVV (TRIPIN’YOU) YO ESTOY BIEN, EL MUNDO ESTÁ MAL

TODA LA INFORMACIÓN EN WWW.AIE.ES

Observatorio Mondo Sonoro

FOTO: DAVID MOORE (UNSPLASH)

idea de un camino “Emergente apela a la el rato para que tiene que ser todoejor tu vocación arriba, cuando a lo m el crecimiento” artística no va hacia (Nina Barceló)

Otro aforo, otra experiencia La campaña de marketing musical por antonomasia de la última temporada de festivales no fue otra que las actuaciones del falso grupo “Bigger Splash”, tras el que se escondían Arde Bogotá, para presentar su single homónimo en Mad Cool o Bilbao BBK Live, entre otros. Ahora, el grupo de éxito con su tercer disco “Manufacturas del Club de la Gente Sola”, ha anunciado una gira de la mano de Vibra Mahou que es marketing, pero también una reacción y una respuesta a las dinámicas contemporáneas de la industria musical.

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CHO SALAS, entradas exclusivamente en taquilla -que daría para un artículo aparte-, y su branding como “hervideros”, nombre del que alegan en la nota de prensa “nace del deseo de presentar el disco en comunión con su público, reduciendo al mínimo la distancia entre unos y otros”; son la cara más amable de un desafío a la realidad del artista que muy pocos pueden permitirse enfrentar.

que tiene que ser todo el rato para arriba, cuando a lo mejor tu vocación artística no va hacia el crecimiento, va hacia cubrir un espacio puramente local” nos declara la barcelonina Nina Barceló. El “emergente” lleva intrínseco en su nomenclatura un imperativo de crecimiento donde si te estancas, o simplemente no estás en una constante carrera hacia una promesa de éxito imaginada, quedas fuera de la lógica que rige a los artistas de alcance limitado en la industria musical.

EN EL MARCO de nuestra investigación “Emerger hoy” hemos detectado un patrón en cómo los músicos que están en camino o empiezan a “vivir de esto” perciben como un fracaso el ocupar las mismas salas, exacerbándose cuando son aún más reducidas, y no de mayor aforo en sucesivas giras. “Emergente apela a la idea de un camino

¿PERO QUÉ PASA cuando el artista decide salirse de las lógicas del mercado? ¿Cuando el artista es independiente y su independencia recae en el rechazo a la mercantilización del arte? En “Creatividad, autonomía y autenticidad: un estudio de los músicos indie en España” (2020) tras 30 entrevistas a artistas los sociólogos expertos en cultura

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y fenómenos sociales Kerman Calvo y Ester Bejarano concluyeron que los músicos indie construyen su autenticidad en base a pruebas de pureza como es tocar en un escenario pequeño. Los entrevistados también asocian el “indie de verdad” a evitar los escenarios principales de festivales y aparecer en la letra pequeña del cartel, contrario a lo que la lógica del éxito comercial premiaría. Este fenómeno puede entenderse a través del concepto de “capital subcultural” de la socióloga del arte Sara Thornton donde aquello que carece de valor en el mercado general puede convertirse en un recurso de prestigio dentro de la propia escena que desplaza los criterios de recompensa. SIN EMBARGO, ¿esa autenticidad es apta para todos? Para todo el que no quiera “vivir de esto” o tenga una libertad económica que le permita libertad creativa. Un estudio de metodología similar al citado publicó en 2022 el investigador cultural Bim Quader sobre la escena independiente de Sidney que concluyó en que la independencia artística no significa ser independiente; significa poder elegir de que dependes sin tener que recurrir a la lógica pautada. “Los músicos pueden permitirse ser sus propios jefes estéticos si aceptan depender de otras estrategias y recursos más allá de la música independiente”.—martin l. corral

octubre 2026 #23

Viva Belgra Futuro perfecto En “Mientras el Guadalquivir fluye y fluye y fluye” (Fueled by Salmorejo, 26), los cordobeses Viva Belgrado abrazan su lado más luminoso y optimista y entregan su disco más popero hasta la fecha. Charlamos con sus guitarristas, Cándido Gálvez y Jaime Acosta, sobre el proceso compositivo de su quinto disco y el reto de construir un álbum a base de “hits”. —texto Luis Benavides —foto Pablo Alzaga

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ON SU ANTERIOR largo, “El Cancionero de los cielos” (24), Viva Belgrado se colaron una vez más en las listas de los mejores discos nacionales del año de varias revistas especializadas, incluida la nuestra, donde recibieron la máxima puntuación. Un diez sobre diez, dicen, totalmente inesperado. “Fue toda una sorpresa que se valorara tanto a nivel de crítica porque fue un disco hecho un poco a contratiempo, sintiendo que no lo estábamos haciendo bien”. Ese trabajo, considerado en estas mismas páginas como un hito de la música independiente de este país, fue el primero con su propio sello, Fueled by Salmorejo, a pesar de tener algunas ofertas de varios sellos. Nunca sabrán qué hubiera pasado si hubieran firmado con alguna discográfica, si hubieran podido llegar un poco más lejos. En todo caso, el balance es positivo. “Estamos contentos con la decisión porque nos da todo el control y nos reporta todos los beneficios, algo importante para una banda de nuestro tamaño”. COLAR EN LA DENOMINACIÓN de su sello DIY la palabra salmorejo, un plato tradicional cordobés, tenía un clarísimo afán localista. Se trataba de reivindicar sus raíces, una idea en la que ahonda su nuevo largo, “Mientras el Guadalquivir fluye y fluye y fluye”. ¿Reivindicar su tierra o #24 octubre 2026

EL APUNTE Alain Johannes y el flamenco EL CORTE “MENQUITOFLA”, escogido tercer adelanto del álbum, cuenta con la colaboración del mítico multinstrumentista y productor Alain Johannes (Eleven, Queens of the Stone Age, Them Crooked Vultures). “Fue una carambola, no estaba planeado. Una noche después de la cena, Ricky Falkner y Jordi Mora [ingeniero de sonido] empezaron a fantasear con la idea de invitar a Alain, al que conocen porque ha grabado varias veces en La Casa Murada. Ninguno de nosotros se lo tomó muy en serio, ¿por qué iba a querer un músico de ese nivel colaborar con nosotros? Pero resulta que no era un farol y Eli [Nolla, responsable del ‘booking’ del estudio] le llamó y Alain, que es mega majo y mega humilde, dijo que sí”. Johannes escuchó “Menquitofla” —flamenquito con el orden silábico cambiado—, una pieza con un compás de 5x4 hipnótico dedicado a la amistad, y grabó un solo y unos arreglos de guitarra que envió desde su estudio en Chile.—l.b.

diferenciarse del resto? Hay un poco, o mucho, de ambas cosas. “Hay un mogollón de bandas haciendo música similar a la que hacemos nosotros: rock alternativo, de guitarras, post-hardcore, lo que sea. Pero no tantas que puedan mezclarlo con lo cordobés, sin caer en los referentes de siempre, como la sevillana o el flamenco. Por eso hemos intentado traer lo propio, pero lo cotidiano, no el cliché”. EL RÍO MÁS LARGO de Andalucía funciona como símbolo local, pero también sirve como metáfora de la insignificancia humana. “Me gustaba esa imagen del hombre frente a un hito de la naturaleza, algo gigante que te hace sentir muy pequeño. Las canciones mismas son eso, cosas nimias que ocurren de fondo”. Como sus aguas, el nuevo largo de la banda fluye y fluye. “Nosotros somos de esos oyentes que todavía consumen los discos enteros, y nos gusta darle esa forma, entre comillas, de laberinto. Que entres y una frase de la primera canción se repita en otra, que un título enlace con otro, incluso de un disco anterior. Todo esto hace que, según vayas volviendo a escucharlo, te parezca una experiencia más rica y más fluida”. COMO TORRENTES imparables, la música y la personalidad de Viva Belgrado siempre ha encontrado su camino. No importaron las dificultades inherentes a cualquier proyecto musical independiente y los cambios de formación. Actualmente, el único miembro original de la banda

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ENTREVISTA

“Una de las responsabilidades de hacerse mayor es ser feliz”

es Cándido, cantante y letrista, convertido en algo así como el guardián de las esencias o “gatekeeper” de la agrupación. Cándido también es, además, el único cordobés. El resto de los componentes de la banda están repartidos por Almería, Madrid y Málaga. “La química es estupenda y llevamos mejor la distancia de lo que parece. Estamos en un momento muy dulce, todos sabemos cuál es nuestro lugar, nuestro rol en la banda, por decirlo de alguna manera”. DESPUÉS DE UN DISCO algo más atmosférico como era “El Cancionero de los cielos”, la banda que completa el batería Álvaro Mérida se encerró durante más de dos semanas en los estudios La Casa Murada, en Tarragona, con el músico y productor musical Ricky Falkner (Standstill, Love of Lesbian, Iván Ferreiro) buscando un sonido más definido y, admiten, un disco de “hits” redondos. “Lo concebimos como el disco de Viva haciendo singles. Bromeábamos hace tiempo con hacer un disco con diez ‘Tragaluces’, pero luego no te salen ni de coña porque no es tan fácil”. Fue crucial, en este sentido, la manera de trabajar de Falkner y sus aportaciones como arreglista, sugiriendo coros, percusiones y sonidos para las guitarras. “Llegamos con unas maquetas cañeras, más crudas, siguiendo fórmulas de grabación anteriores. Con Ricky cambiaron mucho las canciones y, al principio, nos daba un poco de vértigo, por si era demasiado pop, pero confiamos en él”. ESTE SONIDO MÁS REDONDO y luminoso de la banda encaja perfectamente con la vocación optimista del disco. Eso se traduce en unas letras sorprendentemente positivas y directas, nada que ver con el carácter críptico y las palabras inventadas de su anterior largo. El amor en su sentido más amplio, no solo el amoroso, es el gran tema, más que en entregas anteriores. “No se puede ser adolescente toda la vida, no puedes estar sufriendo toda la vida. Y cuando te haces mayor tienes más responsabilidades y una de ellas es ser feliz y estar contento por ti mismo”. —l.b.

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octubre 2026 #25

ENTREVISTA

Anabel Lee Nueva vida, vida real “ Anabel Lee lanzan “Todas las vidas” (Vanana Records, 26). Un proyecto para fluir sin prejuicios, romper paredes y dejar que la luz entre por todos los lados. El álbum con el que alcanzar una especie de nueva madurez como banda tras ocho años empujando. —texto Álex Jerez —foto Alba González

HABRÁ GENTE a la que le pareceremos una mierda, gente a la que le fliparemos y gente que sin más. Pero estamos en un punto bonito de poder abrazarlo todo”. Quedamos con Víctor, Albert, Perdi y Vio en las oficinas de Vanana Records en Madrid para comentar cómo ha sido saltar a la piscina sin pensar demasiado en las opiniones ajenas y priorizando, como siempre, el valor de defender lo que te hace diferente. “Asumes que no puedes gustarle a todo el mundo. Esto es como cuando vas a una pizzería, ellos se ríen siempre de mí porque me compro la pizza margarita y yo les digo que, como a mí, hay millones a los que les gusta. Que al final la puedes adornar y tal. Pero ya está, no deja de ser una pizza así que o te gusta o te vas a otro restaurante. Pues en la música es igual, también hay otros estilos musicales así que si lo que te mola es

el trap, pues métete en una banda de trap. Nosotros activamente no buscamos gustar, no nos comparamos con nadie. No se puede pretender encajar en todo”, explica Albert sobre el proceso que los ha llevado a conseguir que este disco sea tan libre como se merecía. DURANTE LA CREACIÓN, la banda explica que vivió dos claros bloques que marcaron la energía que tiene cada una de las caras del álbum. Ambas divididas por una situación de “bajona muy heavy” en la que se plantearon incluso destruirlo todo. “Ha habido una evolución muy grande durante todos estos años, porque hubo intención de casi dejarlo todo ya habiendo grabado la mitad del disco. Pero, al final, cogimos como la última mitad del álbum con más ganas aún. Volvimos con más fuerza y más madurez mental a la hora de tomarse las cosas desde otro punto de vista. Es un disco que tiene como dos vidas, la vida antes de ese breakdown mental por parte de todos, y el momento post de ver las cosas con otra perspectiva”. Después de tanto tiempo apostando por una personalidad clara y sostenida por un alma punk que no se permiten desdibujar. El grupo explica que ya no se sorprenden con nada y van a la batalla con todo, cueste lo que les cueste. “Como dice el nombre del disco, hemos pasado por un montón de vidas y de movidas como todas las bandas. Y creo que el haber pasado por tantas cosas te lleva a lugares que a veces son maravillosos y otro no tanto. Entonces, ahora que estamos consiguiendo estar en una buena posición creo que nos toca celebrarlo. Aplaudir el haber hecho este disco, el hacer una gira. Ese es el objetivo”, explica Víctor. Y ES QUE, PARA ELLOS, Anabel Lee está siendo el vehículo perfecto para poder hacer su sueño realidad y conseguir vivir de una vez por todas de la música. Algo que sabemos que esta industria no te lo pone nada fácil. “La gente se sorprende cuando les decimos que tenemos otros trabajos, que tenemos otro curro al margen de la música. Yo, por ejemplo, acabo de venir de él. Y, además, lo compaginamos con hacernos nosotros todo en la banda. Las sesiones de fotos, el 99,9% de los vi-

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octubre 2026 #27

EL DISCO. RECUPERADO.

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“Nosotros activamente no buscamos gustar. No se puede pretender encajar en todo”

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deoclips que producimos nosotros y los grabamos con un presupuesto de cero o un euro. Pero bueno, es nuestra ilusión muy DIY”, cuenta Albert. Entre las colaboraciones de lujo de “Todas las vidas”, aparecen dos que marcan un intercambio generacional bastante importante para sus miembros. Por un lado, ese chute de nostalgia que es “Eterno Parque Galván” en la que Despistaos te llevan a recuerdos que prácticamente tenías olvidados. “Despistados fue como, joder, es que es el grupo, o sea, la canción va así, la letra es así, todo es muy Despistaos, ¿sabes? En plan fue muy orgánico”. Y, por el otro, cuentan con la participación de Sidonie en “Estado mental” después de aquel guiño en “Drama en el Sonoroma” en el que soltaban eso de “Nos conocimos criticando a Sidonie”. “Se nos acercaron en plan ‘Tíos, no sé si tenéis un problema con nosotros y explicándonos que ahora estaba de moda el beef entre bandas. Y fue en plan ‘¡No, qué va, joder! Sois de Barna. Os respetamos un montón. Así que le lanzamos la colabo y fue como ¡Claro, qué cojones! Nos hicieron muy felices. Son majísimos”. CON EL ÁLBUM FUERA, Anabel Lee únicamente piensan en tocarlo por todos lados, en acercarse a la gente y en conectar con su público, con las personas, en un mundo en el que las relaciones humanas parecen cada vez más artificiales y frías. “Creo que en una era en la que todo es consumo rápido, TikTok, un estribillo… ya es que ni siquiera te ponen estribillos completos… El directo es lo único real que queda. Poder ver a una persona, sentir que me estoy pegando en un pogo, que estoy sudando, llorando, alguien volando por los aires, tener al cantante delante de mí, el guitarrista, el bajista, la batería. Es lo único que queda, esa experiencia. Así que vamos a trabajarla al máximo”.—a.j.

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Graveyard Hisingen Blues (Nuclear Blast, 2011) EN UNA ERA MUSICAL dominada por la producción digital, la perfección sintética y la compresión extrema, los suecos Graveyard irrumpieron en 2011 con “Hisingen Blues” como un necesario anacronismo. Grabado de forma cien por cien analógica, este segundo disco de la banda se erigió como un rechazo frontal a las normas de su tiempo, priorizando la calidez, la imperfección humana y la visceralidad del rock en su estado más puro. “Hisingen Blues” no fue un mero tributo nostálgico, sino una reafirmación de la esencia atemporal del género. Con su mezcla de hard rock, blues, stoner y psicodelia, logró un impacto clave en la escena de rock europeo que estaba en plena ebullición, con The Hellacopters como progenitores y bandas coetáneas como sus homólogos alemanes Kadavar, el culto sabbathico de Witchcraft, el blues-soul de Blues Pills o el horror psicodélico de Uncle Acid & The Deadbeats. El álbum se opuso a la esterilidad sobreproducida, pero a la vez se distanció de la reverencia excesiva de los círculos puristas, logrando así un camino intermedio que evocaba el pasado de forma original, lo que hasta le valió el número uno en las listas suecas y un reconocimiento mundial. Con el productor Don Alsterberg como quinto miembro, Joakim Nilsson (voz/guitarra), Jonatan Larocca Ramm (guitarra), Rikard Edlund (bajo) y Axel Sjöberg (batería) se embarcaron en una grabación no exenta de problemas —con amplificadores estropeándose y guitarras perdidas— que pareció alimentar la crudeza del resultado final: nueve canciones (diez, si contamos el bonus bluesero y psicódelico “Cooking Brew”) que hoy son clásicos modernos. El disco es un viaje de dinámicas estudiadas. Arranca con la explosión de blues acelerado con influencias stoner “Ain’t Fit To Live Here” para sumergirse en la oscura balada “No Good, Mr. Holden”. Mientras la homónima “Hisingen Blues” hace de himno rock vibrante y ocultista, “Uncomfortably Numb” aporta una pausa introspectiva antes del golpe de actitud casi punk de “Buying Truth (Tack & Förlåt)”. Tras la jam instrumental “Longing”, un evocador tributo al spaghetti western, el álbum enfila su recta final. “Ungrateful Are The Dead” muestra el lado más stoner y sombrío de la banda, y el groove de “RSS” devuelve el rock and roll de alto voltaje justo antes del gran final con la apoteósica y versátil “The Siren”, que va desde lo pantanoso del blues hasta el doom y la psicodelia, convirtiéndose en la conclusión catártica de un trabajo que no ha envejecido.

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EN GIRA l Ibiza 03 octubre. Sonorama Goes To Ibiza l Valencia 32 octubre. Els Concerts de la Pèrgola l Madrid 04 febrero. Sala But

#28 octubre 2026

“Hisingen Blues” fue un disco esencial en su década, y su vigencia perdura gracias a la pasión con la que fue moldeado. Con él, Graveyard se consolidaron como una promesa cumplida del rock, una posición que han sabido mantener a lo largo de su discografía, sobreviviendo incluso a una breve separación. —jaime tomé

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ENTREVISTA

1111 Pop a su manera

1111 afirman haber entendido el pop mal, pero aun así deciden hacer su propia versión de él. En su segundo disco, “Historias de Ángeles” (Universal, 26), el trío madrileño se desprende de la sobrecarga y el barroquismo de sus producciones anteriores para centrarse en el detalle. De compartir archivos por Drive y componer en casa de sus padres a poder “tener el privilegio” de ir al estudio, el proceso también ha cambiado. —texto Eva Sebastián —foto Alfon López

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A MAYORÍA de las canciones de este nuevo trabajo se han construido con Fedra, Armas, y ru0001 compartiendo espacio y tiempo, “los tres juntos, culo con culo, escuchando mucha música y hablando un montón”. Un proceso en el que, reconocen, también “hemos aprendido a dejarnos llevar un poco”. “Es una recapitulación emocional de las vivencias de tres chavales”, explican al intentar definir este “Historias de Ángeles”. “Unas en un lenguaje muchísimo más explícito, como es el lenguaje escrito y hablado y cantado, con las letras; y otras a

través de instrumentos, de estructuras y de los completos generales”. El disco recoge así “el desarrollo de un proceso de independencia dentro de la vida de un chaval normal de veinticuatro o veinticinco años”. “HISTORIAS DE ÁNGELES” habla sobre relaciones familiares complicadas, sentimientos profundos de soledad, sobre el anhelo de encontrar un refugio de ternura en un tiempo imperativamente violento, o de vivir en ciudades que parecen cada vez menos habitables para las personas corrientes. Son algunas de las circunstancias que cruzan este “cuaderno de bitácora de expe-

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riencias comunes”. Más allá de eso, no buscan imponerle una lectura cerrada “A nivel conceptual no hay ningún concepto salvo, a posteriori, aglutinar todo en un periodo de tiempo. Forzar encapsularla bajo una sola idea sería mentir, y nosotros no queremos mentir con nuestra música”. EL DISCO RESULTA algo así como una respuesta a las señales y a las conjeturas de la casualidad. Mucho antes de la música, incluso de las experiencias que relata, nació el título. El origen está en un parque. “Llegué a mi parque habitual, en el que solamente fumo petas, y me encontré un libro con ese título”, cuenta Armas. Dentro había un obituario, un horario de oración matinal, una hora de meditación y una hora y media de rosario. “Me hizo gracia. Me pareció una casualidad bastante divertida”, recuerda. La encuadernación, la letra cuidada y aquel extraño conjunto de indicaciones terminaron de convertir el hallazgo en algo demasiado singular como para dejarlo pasar. Pero antes de dar nombre a las doce canciones del álbum, “Historias de Ángeles” bautizaba un disco que el grupo decidió descartar. “Aunque podríamos haberlo sacado. Cuando hicimos ‘Baby’, fue un cisma musical tan grande que se convirtió en el muro de Berlín que separaba los dos mundos”. De hacer canciones quizás bastante más complejas a la hora de producirlas, empezando la canción ya con adornos. Este punto de partida más experimental, con muchos arreglos

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octubre 2026 #31

TRAVIS BIRDS DEMARCO FLAMENCO¹ SOBREZERO² EXTRAÑOS PASAJEROS NO CREEMOS EN FÓRMULAS RÁPIDAS. CREEMOS EN LOS CAMINOS LARGOS.

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COMAN A G E M E N T J U N T O A G E T I N

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ENTREVISTA

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WALA. WALA.

“Yo tenía diecinueve años cuando William [Orbit] decidió: ‘Ella puede cantar y la convertiré en una estrella’. Y me puso una maravillosa profesora de canto”

iones “Si antes nuestras canc res, tenían treinta mil colo ificar hemos pasado a simpl la paleta en cuatro”

y secciones verticales enormes nos daba un cierto refugio inconsciente, como si esta muestra de un gran volumen de trabajo pudiera justificar que sea una mejor canción. Ahora hemos decidido abrazar una realidad más cruda e identificar los elementos protagonistas, ya sea una batería, un beat, o un piano” como el de Jasper Harris que abre ese mismo tema “y empezar a construir desde ahí.” Ahora estos pocos elementos son los protagonistas. “Si antes nuestras canciones tenían treinta mil colores, hemos pasado a simplificar la paleta en cuatro, pero que convivan bien y que tengan honestidad. Es esta desnudez la que nos atrae”. EL RESULTADO VA desde un narcoléptico reggaeton que no acaba de estallar hasta un ambiente brumoso, del pop visceral con rugidos de neón al brillo de su colaboración con Merina Gris o pianos desnudos en contraposición con las distorsiones. La ira y la ternura, el odio y la cercanía, lo agresivo y lo dulce conviven sin necesidad de resolverse en un juego de contrarios. El ejemplo más claro son “Salte Fuera” y “Poema”. “Fueron las dos primeras canciones que tuvimos. Pueden parecer opuestas, pero se hicieron en cuestión de horas”, cuentan. Su diferencia, sin embargo, también fue física. “Para grabar las voces de ‘Salte Fuera’ me tuve que poner una manta en la cabeza, condensar el ambiente, sentir mucho calor, casi agobio”, explica Fedra. Después salieron a fumar y bajaron la intensidad. De ahí que en “Poema”, la voz sea “cruda. Cogí un micro de estos dinámicos con un cable larguísimo y me fui a la ventana con mis cascos a cantarla, así mirando al cielo”. 1111 se entregan a estos impulsos y a lo que les exige cada canción. “Tú percibes un estímulo y suscita algo en tí, y creo que hay un punto inconsciente en todo lo que hacemos. En general somos muy sensibles, pero compartir algo que a mí me emociona mucho y ver que ellos comparten esa sensibilidad y les altera emocionalmente, nos acaba envalentonando más”. ESTA CONEXIÓN se expande en las tres colaboraciones de “Historias de Ángeles”. “Todas las colaboraciones del disco son personas y proyectos que admiramos desde hace un montón de tiempo y son grupos que escuchábamos y que escuchamos hoy en día un montón”, cuentan. Con Hofe y Kiliki ya tenían un tema que “forma parte del disco que acabó muriendo”, pero en esta ocasión tomaron otro rumbo. Y más allá del viaje al País Vasco para trabajar en el estudio de Merina Gris, potenciaron las raíces madrileñas junto a Claudio Montana. Todo este proceso también se traslada a un directo que ya está tomando forma y que, según cuentan, “es una locura. Hemos sabido mantenernos ocupados tanto en el estudio de cara a hacer música como de cara a defender esta propuesta en directo”. De hecho, ya están reformulando las canciones para que tomen forma tridimensional y se completen con la energía del público de sus conciertos. —e.s.

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Beth Orton en The Guardian

“Tocar con Melvins es casi como mi trabajo diario, solo que mi trabajo consiste en tocar y pasar el rato con Buzz Osborne en lugar de fichar en una oficina” Steve McDonald de Melvins y Redd Kross en Rockzone

“Con este disco no hemos intentado responder a las grandes preguntas de la vida ni nada parecido” Paddy Murphy de Westside Cowboy en Dod Magazine

“Hemos hecho las paces en la banda. Y como en muchas familias, no se hace la paz porque resuelvas todos los problemas, sino que aceptas que existen y simplemente nunca se van a resolver” Billy Corgan de Smashing Pumpkins en Ruta 66

“ME SIENTO MÁS YO MISMA DE LO QUE JAMÁS ME HE SENTIDO EN TODA MI VIDA” Beabadoobee en Elle

octubre 2026 #33

Leo Rizzi Para, huele, ama Leo Rizzi apunta muy alto con la publicación de “La belleza de las flores” (Warner, 26), un disco espiritual que aboga por la pausa, el reencuentro con las diferentes manifestaciones y formas que puede tomar el amor y, sobre todo, la belleza.

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L ROMANTICISMO, la belleza (clásica) y el amor son baluartes importantes a lo largo de buena parte de “La belleza de las flores”, el nuevo álbum del artista nacido en Ibiza Leo Rizzi. Unas cualidades que se antojan necesarias en este mundo enloquecido y que cabalga a ritmo desbocado. “Más que nunca necesitamos sentimientos como el amor, y no me refiero solo al amor romántico, sino al amor como compasión, empatía, descanso, cooperación, ayuda, presencia y escucha. Creo que el mundo enloquecido del que hablas tiene

mucho que ver con un desenfreno en el que lo cotidiano no nos permite encontrarnos en espacios de reflexión y cuidado. Necesitamos dar unos pasos hacia atrás: dejar de ser funcionales para volver a ser humanos Este disco es un manifiesto de resistencia: mantenerse en la búsqueda de la belleza por la propia belleza, sin importar su utilidad”. ESCUCHANDO “La belleza de las flores” surge un tipo de pausa que envuelve tanto a la propia escucha como, cabe suponer, a la propia elaboración. “He intentado desmarcarme del punto de vista del consumidor, ya que no existe una utilidad detrás de cada canción. Simplemente he intentado hacer una obra emocionante, entretenida, cantable y con algo que contar. No creo que haya que escuchar este disco en orden; ni siquiera quiero que todo el mundo escuche todo el disco, qué vergüenza. Quiero que cada canción llegue a la persona que lo necesite en el momento indicado”. “La belleza de las flores” es una obra inspirada en el

RR Troye Sivan publicará su nuevo trabajo, “She’s the Best”, el 9 de octubre. Lo anticipó con el single “Party”, una canción que utiliza un sampleado del “Music” de Madonna y en cuyo vídeo aparece la voz de Sir Ian McKellen, RR Vetusta Morla han estrenado “Si vuelves”, primera canción de su nuevo proyecto discográfico. Lo han hecho haciéndola coincidir con el inicio de su Gira de Vuelta-Canciones de Ida que,

TAN.LEJOS

a lo largo de octubre y noviembre, los llevará a ciudades como Barcelona, Valencia, Pamplona, A Coruña, Sevilla o Madrid. RR Izaro anticipa su nuevo y esperado disco con “Zorua”. La canción sirve de adelanto de lo que será su quinto largo duración, “ARKITEKTURA”. El productor del álbum es Roy Borland (rusowski, Teo Planell...) y contará con la colaboración especial de TUISTE (Judeline, Amaia, Ghouljaboy...).

TROYE SIVAN

Las Novias Disección “Anatomía de un frío universo” (Autoeditado, 26) supone el retorno de uno de los verdaderos grupos de culto del rock alternativo de atmósferas oscuras de nuestro territorio. Sobre todo ello hablamos con Toño Leza.

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INCO HAN SIDO los avances que Las Novias han entregado a sus seguidores antes de la publicación de “Anatomía de un frío universo”. “Hemos preferido esta metodología #34 octubre 2026

para darle más recorrido al vinilo, lanzando singles cada dos meses para que nuestro público vaya adueñándose de cada canción, en vez de editar el disco sin más y perderlo en mes y medio. Preferimos que todo el tiempo, el dinero y el esfuerzo invertido en el proceso creativo pueda verse compensado con la visibilización de nuestro disco”. Avances como “La Sostenido” o “Tequila por amor” muestran caras distintas, pero complementarias del grupo. “Nos seducen a partes iguales tanto la rapidez y la agilidad del lado más crudo, rabioso y enérgico como la intensa mesura de los tiempos medios de orfebrería atmosférica”, apunta Toño. Si entre “Invic-

to” (14) y “Detente Bala” (22) pasaron ocho años esta vez han cumplido los cuatro años justos. “No hemos sido muy prolíficos para un grupo que va a cumplir cuarenta años, pero nuestra visión de trabajo ha estado dominada por un estricto sentido de la excelencia”. Pero el largo tiempo entre aquellos trabajos estaba justificado. “La celebración de los treinta años nos llevó a una gira de conmemoración y propició la grabación del directo que hicimos en Madrid con el título ‘XXX’ (18) e indudablemente nos condicionó la pandemia que paralizó nuestras vidas. Por eso pensar que nos sentimos más activos ahora, por sacar un disco nuevo a los cuatro años del anterior, es una fina ironía que nuestro humor socarrón acepta con agrado”. Volviendo a “Anatomía de un frío univer-

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MONDO FREAKO

alista, “En un mundo individu en servir” tá es r el verdadero pode

RR Los miembros originales de Talking Heads se reunieron a finales de septiembre para una conversación especial de presentación de su canal en SiriusXM, que estará activo en la aplicación hasta el 31 de octubre. RR El saxofonista Dana Colley recuperará el espíritu de Morphine con Vapors Of Morphine, quienes nos visitarán para combinar clásicos de la banda con material propio. Podremos verlos en Madrid (5 noviembre, Sala Copérnico; ciclo

pensamiento filosófico de Bung-Chul Han. “Me influye con muchas de sus ideas, pero me llevo la idea de la belleza como algo libre de utilidad. He intentado que esa máxima funcionara como filtro. Si una canción conectaba conmigo de forma genuina, sin preguntarme por qué o para qué, entraba en el disco. Si pensaba la canción desde un lugar más racional, ya me lo cuestionaba. Este disco no ‘sirve’ para nada, y eso es precisamente lo importante. Trata de quién soy y quién quiero ser, fuera de una lógica de función o mercado. Este disco cuenta vivencias, utopías, derrotas y victorias”.

en el single “Aquí nadie se puede morir”. “La colaboración con Santi Balmes surge de la necesidad de contar con alguien que represente esa resistencia desde la música independiente. Aporta una verdad y una fuerza muy real al tema”. “La belleza de las flores” toma el relevo de “Pájaro Azul” (24), el anterior elepé del músico. “Siento que este material tiene más profundidad y detalle en la música, y más concreción y dirección en la lírica. ‘Pájaro Azul’ es más intuitivo y crudo. Este disco tiene más definición, más intención”. —raúl julián

A LA HORA de citar influencias musicales, Rizzi da nombres concretos. “Artistas como Michael Kiwanuka me han influido mucho en la incorporación del soul; Thom Yorke en la lírica poética; Parcels en la frescura del uptempo. También artistas más cercanos como Asia Menor, Teo Planell o Repion me han ayudado. Y, a nivel personal, artistas como Jordi Ganchitos y Antonio Flores”. El disco incluye varias colaboraciones, entre ellas la de Santi Balmes de Love Of Lesbian

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EN CONCIERTO l Barcelona 15 octubre. La [2] de Apolo l Sevilla 17 octubre. Sala Custom l Madrid 21 octubre. Sala But l Bilbao 23 octubre. Stage Live l Valencia 25 octubre. Jerusalem

Mazo), Badalona (6 noviembre, Sala Dosrombos), Zaragoza (7 noviembre, La Lata de Bombillas) y Valencia (8 noviembre, 16 Toneladas). RR Chad Gilbert, guitarrista, productor y miembro fundador de New Found Glory, así como vocalista de Shai Hulud en varias etapas, ha fallecido a los cuarenta y cinco años después de varios años luchando contra un cáncer cerebral que se le diagnosticó por primera vez en 2021. —MS DANA COLLEY

ce “La música oscura ofre d” un refugio de veracida

so”, pregunto con cuál de sus discos anteriores ven más puntos en común. Creo que en conexión evolutiva y parecido narrativo habría que mirar a ‘Todo/nada sigue igual’ (94). No es sólo temático, es la propia postura moral y ética desde la que lo escribimos. En ambos discos se adopta la posición del observador haciendo ejercicio de disección emocional”. Aunque Las Novias no viven del pasado, sino que siguen adelante movidos por “la sana obstinación de saber que, en un mundo en el que todo se consume al instante, lo que realmente perdura se sigue construyendo con lentitud reflexiva y algo de bendita inutilidad artística por dar forma al caos”. Un mundo en el que, curiosamente, las nuevas generaciones se han acercado también a los sonidos oscuros, post-punk y

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a las brumas electrónicas. “No es una mera moda nostálgica, es una respuesta estética y necesaria a la época que atraviesan. Ante un horizonte incierto y saturado de esa felicidad y positividad impostada de la que hablaba antes, la música oscura ofrece un refugio de veracidad”. —adrián santos

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EN CONCIERTO l Madrid 03 octubre. El Sol l Barcelona 17 octubre. Sala Wolf l Portugalete 07 noviembre. Sala Groove l Castellón 21 noviembre. Because

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EN PORTADA

Poco más de dos años después del fenómeno “Romance”, los irlandeses publican “Dopamine Chamber” (XL/PopStock!), un quinto álbum en el que siguen refinando su estilo y apuntando alto en una trayectoria que no ha dejado de crecer desde sus inicios. Creciendo, pero sin perder su mundo de vista. —texto JC Peña —fotos Ewen Spencer

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LECTRÓNICA AUDAZ y clasicismo se combinan sin esfuerzo en el que podría ser su álbum más sofisticado y ambicioso de Fontaines D.C. Un tour de force en el que brillan combinando las diferentes aristas de una banda con una trayectoria imposible de replicar. Producido de nuevo por James Ford (Blur, Depeche Mode, Arctic Monkeys), “Dopamine Chamber” parte de uno de los conflictos centrales de nuestra época: la deshumanización provocada por el exceso de información y conexiones. Una paradoja que Grian Chatten y compañía se propusieron explorar a través de la metáfora del control del neurotransmisor que regula el placer, la dopamina. ¿No es la música o un disco también una cámara de dopamina? DE TODO LO RELACIONADO con su nuevo trabajo me habla desde Estados Unidos un, como siempre, encantador Carlos O’Connell (guitarra, teclados). El músico nacido en Madrid no duda en calificar de “bastante surrealista” el irresistible ascenso de su formación desde la inagotable cantera dublinesa de los pubs al estrellato de los grandes escenarios, multiplicado con su anterior trabajo, el primero para el sello británico XL. “La cantidad de entradas que hemos estado vendiendo en estas últimas semanas es una locura. Se hace raro que las cosas crezcan tanto cuando no estás girando. Dicen que para crecer tienes que girar, y luego cuando paras creces más [risas]. Es surrealista. Estamos calmados y muy contentos los unos con los otros”. O’CONNELL CONSIDERA su nuevo álbum “uno de los más colaborativos, y el que más hemos pensado. Pasamos mucho tiempo dándole vueltas a todo. Compusimos mu-

#36 octubre 2026

chas canciones y exploramos todo con mucho más detalle, creo. Estoy muy orgulloso de cómo se oye a cada uno y el gusto de cada uno”. La mayor parte del proceso, añade, fue: “bastante divertida. No hubo demasiada tensión ni nada. A veces puede haber mucha presión, pero éste nos lo curramos y ya está”. LA IDEA DE LA QUE PARTIERON tenía mucho que ver con el desencanto que sigue al “romance” en un mundo dominado por las constantes micro descargas de dopamina asociadas a la tecnología y demás. No obstante, le digo, junto a la oscuridad de ciertos cortes, sigo sintiendo mucho romanticismo en este nuevo material. “Totalmente. Según se hacía, entró un poco más de luz y esperanza. Grian [Chatten] tenía la idea de hacer un disco bastante oscuro, un poco… sumiso. En el sentido de dejar de buscar belleza y luz en una atrocidad, de someterte a esta realidad. Y esa conversación nunca me sentó nada bien, la verdad. Le dije que me estaba deprimiendo, y al cuestionar estas ideas se fue haciendo un poco más romántico. Es un poco oscuro, pero hay romance y esperanza. Hay algo de transformar una realidad oscura y deshumanizada en algo totalmente humano”. EL TÍTULO DEL ÁLBUM remite a una canción que acabó quedándose fuera, aunque Grian canta “Dopamine Chamber” en otro momento. “Es la idea de un espacio un poco claustrofóbico en el que estás enganchado a esa molécula para sentirte bien. Representa perfectamente este mundo, porque estamos todos enganchados. Es una adicción química interna. Y una idea bastante triste, pero muy interesante. La propia música puede ser esa cámara de dopamina que te separa de todo. Es lo que hacemos nosotros, para enchufarnos a ese sentimiento de bienes-

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Fontaines D.C.

Después del amor mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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tar”. Carlos cita el experimento de las ratas que pueden chutarse dopamina a través de una descarga dolorosa. “Es algo contraproducente, pero le siguen dando al botón”. Salvando las distancias y pasando a los humanos, vemos algo parecido hoy con la adicción generalizada al scrolling y las redes sociales. “Es una mentira a la que vivimos enganchados, y da mucho que pensar en cuanto a cómo está el mundo: la cantidad de negatividad que viene de cómo recibimos información y que crea tanta división. Las noticias las vemos siempre de un lado o de otro. Esto ha pasado y ha cabreado a todo el mundo, y ahora estos están diciendo esto otro y han cabreado a todo el mundo… Estamos mucho más desconectados y no hay capacidad de tener una conversación con quien no estás de acuerdo en nada. Eso nos enchufa a seguir más, porque esa división crea ese enganche de dopamina”. Curiosamente, hace años, y más en el mundo del rock, los estímulos venían de las sustancias exógenas, es decir, las drogas. El problema, dice Carlos, es que “ahora un grupo de rock no puede hacer nada”. Se parte de risa. EL ESPLÉNDIDO SINGLE de adelanto, “Marianne”, puede dar la falsa impresión de una transición definitiva a un sonido electrónico, pero lo cierto es que en el nuevo álbum combinan esta faceta con las guitarras –a veces atronadoras– y más instrumentos y sonidos que nunca. “No sé si es la experiencia de saber más, de hacer las cosas mejor. O de tener acceso a distintos instrumentos y sonidos”, confiesa. La composición y las maquetas las hicieron en Narcissus, estudio en Londres propiedad de un amigo. “'Romance' también lo hicimos ahí, pero entonces lo hicimos a falta de tener otro sitio. Esta vez fuimos más por decisión”. Lo gracioso –y aquí se ve cómo lo inesperado se cuela siempre en el arte– es que “al principio teníamos la ambición de hacer un disco mucho más simple, volver un poco a las guitarras y la batería del principio. Alquilamos un local en Londres, montamos la batería, los amplis y una PA, y nos pusimos a tocar. No fue nada bien [risas]. Creo que cuando giras al nivel en que giramos nosotros te acostumbras a escuchar la mezcla en los monitores de oído”. ¿Resultado? El local no funciona. A Carlos le da un poco de pena porque ese es el lugar en el que un grupo “crea la energía de los arreglos”, pero “es una habilidad que, si te acostumbras a escucharlo todo más mezclado, se te olvida”. EL CASO ES QUE ACABARON volviendo a Narcissus. Con la diferencia de que “esta #38 octubre 2026

vez no usamos sólo el espacio, sino el estudio completo. De ahí salió mucho. Yo, a veces, llegaba pronto y empezaba a experimentar con un secuenciador sin saber usarlo bien. Estuvimos allí metidos cada día, diez horas al día, durante, no sé, unos cuatro meses. Había mucho por hacer”. El músico admite que una banda de guitarras suele acabar constreñida por sus limitacio-

EL APUNTE

Fontaines D.C. y Rosalía

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L LADO FAN de Carlos tiene mucho que ver con el dueto orquestado que Grian Chatten se marca con Rosalía en “Where Is Gone?”, una maravilla que sigue la estela del espíritu de Lee Hazlewood y Nancy Sinatra. Otra prueba de que estos muchachos pueden con todo. “Más o menos fue cosa mía. Soy fan desde hace tiempo, la conozco por seguir lo que pasaba en España cuando me fui. Recuerdo que hacia 2014 estaba toda la movida del trap, y lo seguí mucho desde Irlanda. Era música que en su momento no entendía, pero me pareció increíble ver a chavales creando un movimiento cultural totalmente independiente. Me obsesioné bastante con el primer disco de Rosalía”. Carlos le enseñó el segundo álbum de la cantante a sus compañeros, y coincidieron en el festival Glastonbury en 2019. Actuaron en el mismo escenario. Ella tocó justo después. “Estábamos en la misma zona de catering, y a mí me daba miedo ir a hablarle, porque me parecía una artista de un calibre enorme… Hace un año y medio Grian y yo hablamos de la posibilidad de colaborar con ella, cuando empezamos a componer algunas de estas canciones. Pero eran charlas que nunca llegaban a nada”. Sin embargo, “cuando íbamos a masterizar el disco, la semana anterior Rosalía tocó en Londres y nos invitó. Yo iba a ir de todos modos. No la conocimos, pero nos dejó como intrigados. “Joder, nos ha invitado, sabe quiénes somos…”. Y dos días antes de masterizar pensé que teníamos que preguntarle. El disco estaba acabado, todo el mundo que se encarga de la logística me decía que no se podía hacer. Al final le preguntamos y en dos días nos mandó la voz. No la vimos, pero fue increíble”. —j.c.p.

nes naturales. “Me puede aburrir tener que encontrar algo nuevo a través de un instrumento que conozco tan bien. Me encanta escucharlo si alguien me sorprende, pero, cuando estás ahí escribiendo, encontrar algo que te suene nuevo y emocionante se hace difícil. Lo que mola de usar otras cosas es que estás en un sitio un poco nuevo, y tu habilidad para usar esos instrumentos es bastante limitada. En esos límites es donde yo encuentro algo que me parece más emocionante”. Por ejemplo, en tiempos de “Dogrel” (19), se sentían “muy limitados en cuanto a nuestra habilidad con las guitarras. pero usábamos ese límite a nuestro favor para hacer algo bastante impactante, con un montón de energía. Lo que me gusta de este disco es que es más electrónico, pero me recuerda cómo usábamos las guitarras. Estamos empleando los sintetizadores de la misma manera. No somos expertos. Buscamos la misma emoción, pero con instrumentos distintos”. Incluso con la batería, que suele ser un elemento delicado: Tom Coll empezó a usar samples “como soviéticos o industriales” con triggers en el bombo y la caja. “Se ponía a tocar y de repente era una cosa nueva. Los cinco hemos cambiado un poco así”.

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“ “Hacer los conciertos especiales de Cádiz y Pamplona nos unió mucho”

De izquierda a derecha: Tom Coll (batería), Conor Curley (guitarra), Carlos O'Connell (guitarra), Grian Chatten (voz), Conor Deegan III (bajo)

PARA HACERLO TODO aún más interesante, no son conscientes de referencias que me vienen a la cabeza como los Depeche Mode clásicos –caso del primer single– o New Order –con la frase de bajo a lo Peter Hook en “Mimesis”–. “Yo, de verdad, no he escuchado a Depeche Mode en mi vida. Tengo que hacerlo. Nunca hemos hablado de ellos. Cuando sacamos ‘Hurricane Laughter’ nos comparaban mucho con The Fall. Y no los habíamos escuchado en la vida. Empezamos a hacerlo por la comparación”. Tampoco pensaron en retomar un poso más irlandés, algo que para Carlos simplemente está en su ADN desde el principio. En esa rara sobriedad que los lleva a tocar justo lo que es necesario complementándose de una manera modélica. Está de acuerdo. “Creo que en eso somos buenos. Hacer estos discos no ha sido por un motivo egocéntrico de: ‘Mira, escúchame a mí en esto’. Siempre se ha tratado de cómo crear una música entre los cinco a la que no le podamos poner pegas. Y eso viene, supongo, de querernos mucho, pero también de criticarnos. La crítica entre nosotros es necesaria. Tienes que estar abierto a ella, pero ser capaz de creer en lo que estás haciendo. Esa tensión nos permite seguir currando y sacando cosas. La productividad

que tenemos se debe a eso: si hay algo un poco dudoso, vamos a hablar de ello hasta que no haya espacio de dudas”. ES DE DOMINIO PÚBLICO que el prestigioso músico y productor James Ellis Ford superó recientemente una leucemia rara, una experiencia terrible que, entre otras cosas, le inspiró su nuevo disco (que hizo mientras estaba ingresado). “Estuvo muy enfermo, sí. Fue en las Navidades de hace dos años. Poco después de haber sacado ‘Romance’. Estuvo luchando por su vida, y ha salido. En un momento dado le dijimos que no sabíamos si debería hacerlo por la presión que supone hacer un disco, pero él lo necesitaba. Dónde grabar dependía de su salud, y por eso decidimos quedarnos en Inglaterra. Dos semanas antes de grabar tuvo una revisión y le dieron luz verde”. Carlos subraya que “trabajar con él en esos momentos ha sido increíble. Al enfrentarse a la mortalidad, ha cambiado de una manera muy profunda. Del motivo por el que hacer las cosas, a cómo hacerlas de una manera más tranquila… Fue una experiencia muy bonita”. También lo fue tener el privilegio de ser los últimos en completar una sesión en los míticos estudios Maida Vale de la BBC, antes de

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la reforma impulsada por su nuevo propietario, el compositor Hans Zimmer. “Fue muy bonito. Es un sitio mítico en Londres e Inglaterra. No hay nada comparable en España. Es un poco como Abbey Road. Tiene unas salas enormes para meter orquestas enteras. Es una pena que termine esa tradición, pero al menos no lo van a convertir en un hotel o unos apartamentos”. LOS RECIENTES CONCIERTOS que la banda protagonizó en Cádiz y Pamplona resultaron muy beneficiosos para retomar el espíritu grupal y encarar lo que viene. “Hacerlos nos unió mucho. Me alegro mucho de que nuestro equipo nos pusiera de vuelta así, en conciertos especiales que de alguna manera no implicaban tanta presión. Estamos muy contentos e impresionados de lo bien que van las cosas”. —j.c.p.

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EN CONCIERTO l Madrid 22 octubre. Movistar Arena l Barcelona 24 octubre. Sant Jordi Club

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ESPECIAL

Amy Winehouse

Veinte años de “Back To Black” No es fácil hablar de Amy Winehouse sin que un sentimiento de pérdida y de profunda tristeza sobrevuele constantemente cada palabra que determina el relato. Esa sensación de que ella nos entregó absolutamente todo y nosotros no logramos protegerla de sus demonios. Este mes de octubre “Back To Black” (Universal, 06) cumple veinte años. El álbum dedicado al amor en su máxima expresión, y que lo cambió todo, está de celebración. La obra que nació del dolor más intenso y punzante; y que la lanzó a esa fama terrorífica, abusiva, que tanto miedo le daba descubrir. —texto Álex Jerez —foto Álex Lake

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MY WINEHOUSE escribía canciones para sentir que podía ser feliz, aunque fuera solo por unos instantes. Para construir conexiones con un mundo terrenal que jamás llegó a comprender del todo. Rincones en los que convertir la oscuridad en algo bueno y refugiarse allí cuando lo necesitaba con toda su alma. “Back To Black” surgió como una obra generacional que expone a la perfección la relación que Amy tenía con la música de una forma pura y visceral. Sin filtros, retrató una vulnerabilidad, una honestidad y una crudeza creativa que jamás hemos vuelto a ver en nadie de una forma tan poderosa. Se lo tomaba todo con mucha calma, no tenía miedo a las presiones o las imposiciones que la industria pudiera manejar. Ella simplemente quería contar su historia en el momento preciso que sintiera que tenía que hacerlo. Una historia que, desde el comienzo, siempre estuvo marcada por

#40 octubre 2026

una dependencia emocional muy grande hacia ciertas figuras masculinas y una carencia de cariño gigantesca que nunca llegaba a saciar. Y es que la madre de Amy tuvo que criar a su familia prácticamente sola y el divorcio de sus padres la marcó por completo, sacando a la luz una relación tóxica hacia ellos que, como bien sabemos, con el tiempo tendría consecuencias terroríficas. CON “FRANK” (Universal, 03), su primer disco, Amy fue feliz sin tener encima todas esas presiones que más tarde llegarían. Allí se refugió en el jazz, en un ambiente más “elitista” como ella misma lo definía. Y, la verdad es que sin ese primer disco no se podría entender lo que terminó siendo “Back To Black” como álbum, ya que en él se construyeron las bases de todo: su lengua sin filtros o relaciones como la de Salaam Remi, que se convertiría en su productor de referencia y amigo. Tras finalizar toda la campaña planificada para empujar “Frank”, Amy

decidió vivir su independencia a lo grande en Camden para absorber toda esa eclosión de guitarras y desfase que reinaba en aquella zona con figuras como The Libertines. Y fue ahí cuando, una noche cualquiera, aparecería de entre las sombras la figura de Blake. Ese niño maldito ahogado por la autodestrucción que lo cambiaría todo. AMY ACABÓ VOLVIÉNDOSE adicta al dolor que Blake le generaba. Trató de huir a Miami cuando este no le dejó vivir en su corazón y allí se reunió de nuevo junto a Salaam para, a través de la composición de nuevos temas, localizar un poco de calma emocional. De aquellos días nació “Tears Dry On Their Own”, tema himno de “Back To Black” que surgió en un estado de brillantez alejado de las drogas y el alcohol. Pero todavía faltaba algo que no paraba de retumbar en su ser y que tenía que salir de alguna forma. Fue entonces cuando, en marzo de 2006, Amy voló a Nueva York para reunirse allí con Mark

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Ronson en un pequeño estudio del Soho. El propio Ronson contaba que, durante el primer día de grabación y en apenas dos horas, Amy ya había escrito toda la letra y música de la canción “Back To Black”. Y es que en el momento en el que Amy decidió acudir al recuerdo de Blake para componer, todo salió solo y el resto es historia. TRAS LA MUERTE DE CYNTHIA, su abuela, Amy volvió a Londres. En este punto, acabaría destruida por la ausencia de tantos pilares en los que sostenerse y, poco después, Blake aprovecharía esa debilidad para exprimir lo que no pudo en su momento. Lo cierto es que Amy nunca llegó a superar lo que supuso la creación de “Back To Black” como proyecto, ese disco maldito que arañaba su alma cada vez que se subía a tocarlo en el escenario, que siempre quiso reemplazar y nunca pudo hacerlo. Porque, la verdad es que al final de su carrera Amy ya no quería, ni podía, tocar el material de “Back

“Back To Black” surgió como una obra generacional que expone a la perfección la relación que Amy tenía con la música

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To Black” en directo. Lo que necesitaba eran nuevas canciones que le ayudaran a pasar de fase y le sirvieran de apoyo a la sucesión de hechos con los que trataba de rehacer su vida de nuevo. AHORA VE LA LUZ la edición del veinte aniversario, con algunas de las demos originales que grabó en aquellos meses junto a Ronson en Nueva York y que reflejan muy bien cómo todo estaba ahí desde el primer momento en el que Amy entró al estudio. Un álbum dedicado a The Shangri-Las y a The Specials. La obra cumbre con la que consiguió vender más de cuatro millones y medio de copias en Reino Unido y más de veinticinco millones en todo el mundo. Y con la que pudo hacer realidad uno de sus sueños al ver cómo su querido Tony Bennett le entregaba el Record Of The Year en los premios Grammy de 2008.—a.j.

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octubre 2026 #41

.EL RETROVISOR

La rareza

Comedown Machine (2013) Esta vez no hemos tenido que irnos a un directo, ni a un disco de caras B, ni similar. Con llegar al quinto trabajo del grupo nos ha sido suficiente. Incomprendido prácticamente desde su lanzamiento, y no me extraña. Venían del descalabro de su peor trabajo –solo han de acabar el texto y lo entenderán– y se marcaron un álbum que se alejaba del sonido que les había funcionado, apostando ahora por sintetizadores y sonidos cercanos al pop de los ochenta, con ganas de experimentar como en “One Way Trigger” o “Call It Fate, Call It Karma”. Críticas tibias y, como es habitual, convertido en disco de culto a la larga. Si han de empezar ahora con The Strokes, no lo hagan por aquí o no entenderán nada. La revista Clash lo definió con pocas pero certeras palabras: provocador, extraño y sexy.

La decepción

Angles (2011)

The Strokes

El tiempo pasa y Julian Casablancas y los suyos continúan adelante con discos que, con los golpes de timón justos, les mantienen en la actualidad. “Reality Awaits” (RCA/Sony, 26) es el ejemplo más reciente. Aprovechando que el 20 de octubre estarán actuando en Palau Sant Jordi de Barcelona, les dedicamos nuestro retrovisor. El imprescindible

Is This It (2001) El primero, como en tantas otras bandas, sigue siendo el mejor. Y aún más con un grupo cuyos lanzamientos en estudio apenas sobrepasan la media docena de referencias. Estamos ante el disco que redefinió el rock de guitarras del siglo XXI para los jóvenes con su millón de copias vendidas solo

en Estados Unidos. Los puso en el mapa, y de qué manera. Guitarras que se entrelazan y se cruzan heredadas de tiempos pretéritos con una producción a cargo de Gordon Raphael consistente y deliberadamente seca. Fabricando clásicos de impacto inmediato como “Last Nite” o “Someday”. Apenas media hora para dejar sobre el tapete una obra a la que no volverían a acercarse pero que hizo entrar en nuestras casas los nombres de Julian Casablancas o Albert Hammond Jr.. Para Rolling Stone y sus famosas (y discutibles) listas, fue el número dos de los Mejores Discos de los 2000, solo superado por “Kid A” de Radiohead.

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Malo, malo, no es, pero habíamos esperado cinco años desde su anterior trabajo y esperábamos más. En ese tiempo, los cinco miembros del grupo habían tenido tiempo suficiente para enfadarse, desenfadarse, odiarse, quererse, volverse a enfadar y volverse a desenfadar. Vamos, que la cosa en el estudio estaba tensa, tensa. Y se nota. Casablancas y Hammond Jr. andaban más pendientes de sus carreras en solitario y Fabrizio Moretti había montado el grupo Little Joy, que le motivaba bastante más. Además, no tenían canciones, porque Casablancas, principal compositor, destinaba las buenas a su propio proyecto. Así que intentaron un método revolucionario. Valensi, Hammond Jr. (además con problemas de adicciones), Fraiture y Moretti se metían en el estudio y escribían las canciones, y el amigo Julian llegaba más tarde a poner la guinda y tocar la pera, básicamente. Eso los acabó de resquebrajar. Y a pesar de ello, la cosa no fue del todo mal, insisto, aunque carece de coherencia. En canciones como “Under Cover Of Darkness” parecen recuperar su sonido clásico, pero todo es demasiado inconexo. En resumen, las expectativas estaban por las nubes, y no supieron alcanzarlas.

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Los pequeños cambios

son poderosos A En nuestro Especial Pro del año pasado hablábamos de que todo el mundo tenía la sensación de que alguien había pisado el acelerador de nuestras vidas. Bien, pues no sorprenderá a nadie que digamos que precisamente eso no ha cambiado. Pero sí que han cambiado muchas otras cosas y está bien recordarlo y subrayarlo.

QUÍ ESTAMOS de nuevo. Habrá a quien le parezca que ha pasado mucho tiempo desde nuestro anterior Especial Pro –lo publicamos hace exactamente un año–, pero también habrá otros que pensarán que ya estamos otra vez con lo mismo, con las problemáticas del sector y todo eso. Bien, pues los primeros estarán contentos con su dosis de nuevos artículos y los segundos quizás se lleven una decepción. Porque no estamos con los mismos temas de siempre, sino con otros de máxima actualidad. Es evidente que hay problemas que se perpetúan y para los que no se encuentran todas las soluciones que a la propia industria de la música y del directo de nuestro país les gustaría, pero semana tras semana, mes tras mes, el ritmo de la vida nos sacude a todos –artistas, periodistas, espectadores, oyentes…– con nuevas problemáticas que, de no tratarse, pueden convertirse en auténticos calvarios para todos en unos pocos años. Eso es lo que sin duda ocurrirá si no se analizan en profundidad las relaciones entre Inteligencia Artificial, músicos, compositores, productores y plataformas de streaming: Eso es lo que podría ocurrir si nadie le pone freno a esa dinámica turbo capitalista que está convirtiendo el comprar una entrada para según qué conciertos en una carrera de obstáculos primero y en una inversión considerable después. De

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la descomunal sobresaturación de lanzamientos mejor ni hablamos, ¿no?

ES POSIBLE que algunos problemas de ayer continúen siendo los mismos de hoy, no lo vamos a negar, pero lo que sí es evidente es que, si no nos fijamos, si dejamos pasar según qué cosas, vamos a encontrarnos con que aquello de lo que ahora no hemos hablado ya no tenga solución posible en unos años. Y claro, entonces vendrán los lloros, las recriminaciones, los enfrentamientos… Así que centrémonos y observemos de cerca la evolución de los acontecimientos, porque si no nos arrepentiremos más pronto que tarde. Que se lo digan a los músicos a los que se fusila el repertorio para alimentar a cerebritos electrónicos, que se lo digan a los fotógrafos a los que se impide la entrada a infinidad de eventos, que se lo digan a esos artistas que llevaban año clamando por un Estatuto digno y útil. PERO TAMPOCO seamos más alarmistas de lo necesario, porque también es cierto que, en muchos terrenos, se están dando importantes pasos adelante. En el especial de este año hablamos sobre muchos de ellos y ojalá el año que viene podamos escribir sobre todavía más avances y mejoras en el sector. De momento, y como decía un personaje televisivo infantil de los noventa, tengamos muy presente que “los pequeños cambios son poderosos”. —joan s. luna

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EL PRECIO DE LAS ENTRADAS Del ‘Front Stage’ al ‘Audio Only’ ¿hasta dónde vamos a llegar? Aquello de ir, comprarse una entrada general y listos es ya cosa del pasado. Ahora cualquiera tiene que analizar bien qué entrada prefiere, cuál puede asumir, qué situación le brinda en el recinto del concierto al que acudirá y muchos otros aspectos de los que vamos a hablar en este artículo. —texto Fran González

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ESULTA COMPLEJO señalar con exactitud el momento preciso en el que los conciertos comenzaron a reproducir en sus recintos las jerarquías económicas de nuestra sociedad. La distinción de clases nos viene de serie y el asistente medio ha tenido que lidiar históricamente con el ineluctable hecho de que, para ver al ídolo de turno, haya que, o bien conformarse con lo que hay o desenfundar la chequera para hacerse con una entrada “de las buenas”. Ahora, en cambio, el deslinde y la segmentación de la experiencia han llegado a unas cotas de sinsentido y disparate que nos obligan a entender la música en directo como una suerte de menú degustación en el que la industria ha dado con la ladina clave de vendernos más versiones de un mismo concierto jugando con las posibilidades del entorno: Front Stage, Golden Circle, Premium Floor, zona VIP, Hospitality, Meet & Greet,… Anglicismos que esconden tras su sofisticada acepción una dolorosa realidad: el precio de las entradas se ha ido de madre.

El público español nunca ha gastado tanto dinero en música en directo como en estos momentos

pasado una inflación, una pandemia, una crisis energética y vaya usted a saber qué otras lindezas. El mundo se ha encarecido y organizar una gira tampoco debe parecerse demasiado a lo que otrora costaba hacerlo, por lo que pretender que los precios permanezcan congelados mientras todo lo demás sube es, además de ingenuo, un oxímoron bastante torpe.

Precio medio de las entradas en España (en euros) 100

ACOGIÉNDONOS A LOS DATOS, el hecho de que el público español nunca haya gastado tanto dinero en música en directo como en estos momentos es una buena noticia y síntoma de una escena sana. Enterarnos, sin embargo, de que el precio medio de una entrada en España alcanzara los 84 euros en 2024, (el doble que en 2015), ya nos encela más. Conviene, por supuesto, no caer en la nostalgia de saldo ni en esa tentación tan humana de comparar precios de una década a otra, como si entre medias no hubieran #46 octubre 2026

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DICHO ESTO, nuestra empatía comienza a hacer aguas en el momento en el que advertimos que el negocio del directo ha aprendido a facturar cada vez más dinero sin necesitar, en proporción, ganar más espectadores. Y lo hace, claro, bautizando de diferentes maneras un mismo acontecimiento y añadiendo capas de ventaja y exclusividad a una factura ya de por sí dilatada: basta con convencer a una parte del público de que unos cuantos cientos de euros adicionales compran algo más que una entrada (porque detrás de esos metros extra que te acercan al escenario, hay una inequívoca exhibición de estatus que resulta imposible ignorar). El concierto nos importa, naturalmente, pero al calor de este ha proliferado toda una industria dedicada a vender aquello que lo rodea. Para colmo, sabemos que su vida útil ni empieza ni acaba en el recinto, sino que una parte cada vez mayor de su existencia sucede antes y después en redes sociales, donde la experiencia de unos pocos se convierte en el deseo de muchos (un estudio europeo de TicketSwap, de hecho, apunta que Instagram es ya la principal vía de descubrimiento de eventos para la mayor parte de la Generación Z encuestada). La consecuencia

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más perversa de ello es que, en aras de entrar en el denominador común, hemos empezado a dar por legítimas cosas que no son ni de rigor. LOS LLAMADOS “precios dinámicos” se llevan la palma. Una lógica, impecablemente capitalista, que establece una línea paralela entre el aumento de demanda y el incremento de los precios, hasta ahora habitual en el sector hotelero y el de la aviación comercial, y desde no hace mucho aplicada también en el de la música en directo. El caso Oasis fue el aldabonazo, donde la indignación llegó hasta la Competition and Markets Authority británica, encargada de investigar si los compradores habían recibido la información pertinente y clara sobre los precios. Se concluyó que no había evidencia de un algoritmo que incrementara los precios en tiempo real, pero sí se detectó que las entradas de pista se habían dividido en distintos tramos: una vez agotadas las más baratas, aparecían las más caras, sin que muchos aficionados supieran de antemano que esa escalera de precios existía. Y quizás el episodio que mejor resume hasta dónde puede llegar este bochorno sea el reciente caso de Bruno Mars en Wembley, donde con motivo de su The Romantic Tour se pusieron a la venta localidades bajo la maligna, pero honesta denominación de “No View / Audio Only”. En cristiano: convertir una limitación del espacio en producto y comercializar una experiencia deliberadamente incompleta por el módico precio de setenta euros.

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PERO PESE AL PATINAZO de algunas de estas costosas experiencias que puntualmente han copado la polémica mediática, la verdadera realidad es que las grandes compañías no han dejado de frotarse las manos desde que diéramos por superada la pandemia. Por poner un ejemplo, Live Nation cerraba 2025 con 159 millones de asistentes, un 5% más que en 2024, y ha descrito 2026 como un año con señales de demanda récord. La gente sigue queriendo ir a conciertos y mientras exista esa voluntad, habrá quien encuentre nuevas maneras de ponerle precio y continuar ampliando así la taxonomía y estratificación del espectador.—f.g. octubre 2026 #47

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Supervisores Musicales

¿Y eso qué es? Juanto Tello es uno de nuestros más respetados Supervisores Musicales. Le hemos invitado a que firme este artículo para este especial que tienes entre manos.

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GRANDES RASGOS podríamos decir que los Supervisores Musicales son aquellos expertos que seleccionan y liberan los derechos de las canciones preexistentes que escuchamos en películas, series de televisión, publicidad o videojuegos. Las canciones tienen adquiridos unos derechos tanto por la parte de la composición como por parte de la grabación. Derechos que pertenecen a terceros. Si queremos incluir estas obras en nuestros proyectos audiovisuales debemos acordar las condiciones, que se reflejarán en una licencia con el fin de que dichas canciones formen parte indivisible, y para toda la vida, del copyright en nuestros proyectos audiovisuales, con todas las garantías. EL ROL DEL SUPERVISOR MUSICAL ha existido siempre en España. Quizá ahora su figura ha cobrado mas relevancia por la cantidad de series de ficción que se realizan y la popularidad de estos proyectos en la industria del entretenimiento. La irrupción de las plataformas de streaming cambió el modelo de consumo de series y películas, lo que ha contribuido a que la industria de la ficción en España haya experimentado un crecimiento extraordinario, llegando a ser referente internacional. Este éxito global beneficia a todo el sector y por supuesto también al ecosistema de la música en España: una sincro bien colocada y que eleve la emoción de la secuencia puede llegar a cualquier rincón del planeta convirtiéndose en una herramienta brutal de promoción o de redescubrimiento de una canción que se quedó en

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su momento de la historia. Evidentemente, siempre sucede algo, pero el impacto de una sincro es exponencial y proporcional al éxito de la serie. Esto convierte a los SM en prescriptores de música, con una capacidad de alcance inmensa.

UN SM DEBERÍA AGLUTINAR un amplio conocimiento de la historia de la música, géneros, tendencias … ya que la sincro perfecta puede pertenecer al dominio público o, desde ahí, recorrer todas las décadas hasta llegar a un lanzamiento de un artista novel publicado hace una semana. La historia contada por los guionistas ya es fuerte, ya sostiene un proyecto de ficción, pero si una canción en un determinado momento de una secuencia concreta eleva la emoción por encima de lo escrito, estamos hablando de un trabajo bien hecho. UN SM DEBERÍA SER TAMBIÉN un profesional contrastado en la industria musical, con solvencia en relaciones y conocimientos de todos los players involucrados en

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el sector, como publishers, sellos discográficos, entidades de gestión, músicos, productores, managers, etcétera… y familiarizado con los contratos de derechos musicales que se derivan de estas sincronizaciones. Por supuesto, también debe estar al día de los proyectos de ficción que se están estrenando continuamente.

LAS DIRECTRICES QUE SEGUIRÁ un SM vendrán dadas por los showrunners o creadores de la serie. El expertise del SM reforzará la estrategia con sus selecciones, pero el creador de la historia es quien va a decidir qué canción se queda. La experiencia también es muy importante en la selección, ya que, en determinadas ocasiones, lo obvio, aunque resuelva, quizás no es lo que mejor funciona. Todos los estilos de música son susceptibles de ser sincronizados. Las secuencias las tengo en la cabeza y las canciones vienen a mí en cualquier momento, siempre con el Shazam preparado para apuntar a cualquier bafle.—juanto tello

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Otro tipo de festival es Durante muchos años se ha medido el valor o el éxito de un festival musical en cifras. Los titulares suelen destacar asistencias récord, la aparición de nuevos escenarios y supuestos impactos millonarios. Ha llegado el momento de prestar más atención a esos festivales cuya única preocupación no es crecer, sino ofrecer la mejor experiencia posible; los que hacen las cosas desde el mimo, la proximidad y la sostenibilidad. —texto Luis Benavides

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O SOY DE FESTIVALES gigantescos que ofrecen unas quinientas actuaciones repartidas en ocho escenarios durante varios días. Te venden una ilusión, la del megacartel plagado de nombres interesantes, algunos imperdibles por su carácter exclusivo, pero todos sabemos que no puedes verlo todo. Y no me refiero solamente al cansancio. Cuando salen los horarios, descubres que algunos de tus artistas favoritos tocan a la misma hora en escenarios diferentes. ¿Cuándo dimos por buenos o inevitables estos solapamientos? Esto no pasaba en las primeras ediciones de festivales ahora convertidos en macrofestivales, cuando presentaban carteles menos poblados y solo tenían uno o dos escenarios. Y no pasa en eventos musicales pequeños, medianos y grandes que alternan escenarios pensando en su público. Así lo hace, por poner un ejemplo, el Canela Party (Torremolinos) desde que estrenó los escenarios mellizos Fistro y Jarl. No quieren convertirse en un parque de atracciones o un centro comercial con la música en segundo plano. Todas las bandas son importantes. CUANDO VAMOS DE FESTIVAL tampoco queremos sentirnos clientes y, afortunadamente, abundan los festivales en nuestro país que nos tratan como invitados especiales. Quizá no son los más conocidos o mediáticos, pero existen y están repartidos por toda la geografía española. Hay mucho entre lo que elegir, para todos los gustos e intereses. Sin masificación, con precios ajustados, buen sonido e insta-

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La mejor manera de garantizar la continuidad de un festival es encajar en el territorio y conseguir su implicación

laciones y servicios suficientes. Porque sin estos ingredientes, la experiencia difícilmente puede ser satisfactoria. De entre todos, uno de los aspectos que más valoramos es la comodidad, y eso pasa por dimensionar correctamente el festival. Implica moverse con facilidad por todo el recinto, sin apenas colas en las barras o en las zonas de lavabos. Se trata de diferenciar entre la capacidad legal, aquella que determina cuántas personas caben en un espacio por motivos de estricta seguridad, y la llamada capacidad experiencial,

esto es el número máximo de asistentes que un evento puede reunir sin afectar al bienestar del usuario ni saturar los servicios. La lista de festivales o festivales de ciclo que tienen en cuenta este punto es larga, imposible citar solo unos pocos. LEJOS DE LAS GRANDES CIUDADES, esta manera de hacer las cosas impera. Una filosofía y manera de hacer que ha arraigado en territorios donde la descentralización no es una consigna, sino una forma de vida, y ha alumbrado una inmensa oferta capaz de dignificar el patrimonio local e inyectar vida nueva a pueblos repartidos por las Terres de l’Ebre, la Alpujarra almeriense, la Siberia extremeña, la isla de San Simón, en Vigo, o las costas de Formentera, por poner algunos ejemplos. Son proyectos culturales muy necesarios, porque no buscan el máximo rendimiento económico ni entienden exclusivamente el impacto en el territorio en términos turísticos. Algunos reivindican territorios olvidados y, además, aprovechan espacios ya existentes ofreciendo una experiencia del todo diferente y única. Desde casas vacías a maravillas arquitectónicas como La Alhambra pasando por castillos y capillas centenarias. LA MEJOR MANERA de garantizar la continuidad de un festival es encajar en el territorio y conseguir su implicación. Y ahora sí me permito poner un ejemplo paradigmático: Centolo Weekender. Y es que los cuatro amigos organizadores de este festival itinerante se han convertido en expertos en esta materia después de trabajar mano a mano con diferentes

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posible ayuntamientos, residentes y comercios locales. Más allá del impacto económico en la zona, tratan de dejar una huella cultural y personal. Y lo están consiguiendo hasta el punto de que en alguna edición fueron los propios vecinos los que pusieron a disposición del festival sus casas vacías para que los asistentes se alojaran. Se celebra en la plaza de Toros de Nava de la Asunción (Segovia), pero también pasó por Villamena (Granada) y Castrillo de la Reina (Burgos). Como este encuentro musical hay muchos más de los que podéis imaginar en la llamada España de los mil y un festivales. A DIFERENCIA de grandes festivales con un funcionamiento tan reglado como previsible, la magia y la sorpresa se concentra en estos “otros” festivales con carteles que no se anuncian previamente, con pasacalles populares o incluso con recreaciones históricas antes de las actuaciones. Festivales musicales que no solo ofrecen música, sino que construyen comunidad mediante actividades paralelas tales como talleres, charlas o exposiciones.

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LOS “OTROS” FESTIVALES, en contraposición a los grandes que todos conocemos, ponen la música y a las personas en el centro. Frente al modelo que convierte al público en una cartera y un conjunto de datos que explotar, aquí se le trata como invitado. Solo por eso tienen muchas más posibilidades de perdurar: la gente disfrutará, repetirá, desarrollará una fidelidad y los recomendará. —l.b. octubre 2026 #51

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Inteligencia Artificial

Demasiada máquina para tan poca ley Si en algún momento de los últimos meses te ha asaltado la duda de si esa canción nueva que te obsesiona está realmente firmada por un humano, tranquilo; no estás solo. Es, de hecho, la reacción más normal si nos atenemos a los números. —texto Fran González

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L PASADO MES DE ABRIL de 2026, Deezer nos helaba la sangre asegurando que recibe al día más de 75.000 canciones generadas con IA, suponiendo con ello el 44% de las subidas diarias a la plataforma. Así que, por pura estadística, a todos nos la han colado más tarde o más temprano. Algunos casos resultaron tan polémicos que hasta la propia comunidad de oyentes decidió movilizarse para desenmascarar y alertar de una potencial fiebre de artistas clonados (como sucedió con King Gizzard & the Lizard Wizard y más tarde con Godspeed You! Black Emperor); otros, en cambio, han conseguido burlar los mecanismos de control del streaming y alcanzar cifras astronómicas de oyentes después de ser incorporados sin distinción en playlists de gran alcance (desde el éxito viral de The Velvet Sundown al fenómeno country de Breaking Rust, que incluso llegó al número 1 de la lista Billboard Digital Song Sales).

El 44% de las canciones subidas diariamente a Deezer han sido generadas con IA

PRÁCTICAS QUE, SUMADAS a las eternas batallas legales que semanalmente revelan información nueva sobre el entremondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

namiento de modelos a partir de grabaciones protegidas, han llevado a que los principales damnificados maticen ahora sus protestas e identifiquen con mayor precisión a los verdaderos culpables. El debate ya, por tanto, no es si la IA tiene sitio o no en la música, sino en qué condiciones lo hace. DE HECHO, hasta hemos podido asistir a una resignificación del conflicto gracias a voces como las de Maria Arnal o Holly Herndon, defensoras de una IA con agencia humana y representantes empíricas de las bondades que puede traer consigo este tipo de avances en la música y el arte colectivo. Así que superado ese debate de primero de Internet (IA buena o IA mala), comenzamos a atender a una cuestión más incómoda para todos, que es la forma con la que la política global ha permitido que la tecnología llegue a la meta antes que las propias instituciones. En apenas unos años hemos pasado de discutir las posibilidades creativas de estos sistemas a lidiar con voces clonadas, artistas suplantados, catálogos inundados de contenido sintético, modelos entrenados con obras ajenas y un puñado de demandas que han hecho las veces de improvisada legislación de emergencia. BUENA PARTE de la responsabilidad recae, precisamente, en quienes debían haber puesto algo de orden en la taberna antes de que empezaran a volar las sillas. Las plataformas han terminado reaccionando a golpe de necesidad, desarrollando sistemas para detectar música generada por IA y estableciendo mecanismos de iden-

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tificación dentro de los créditos (desde septiembre de 2026, Spotify introduce la etiqueta “AI Persona” en sus dominios para identificar proyectos íntegramente realizados mediante inteligencia artificial). Pero a nadie se le escapa que esta y otras medidas llegan cuando el desaguisado nos ha regalado varios ejemplos, como mínimo, reprochables. LA POLÍTICA INSTITUCIONAL, que debería haber acompañado la irrupción de esta nueva tecnología con un marco capaz de anticipar sus efectos sobre el trabajo creativo, la propiedad intelectual o la propia identidad de los artistas, ha terminado actuando a remolque de los acontecimientos y con indefendible demora. Sirva el caso español como ejemplo especialmente sintomático de ello.

La incorporación de la Inteligencia Artificial entre las disposiciones esenciales del llamado Estatuto del Artista figuraba como una de las principales cuestiones en ser abordadas dentro de la pertinente reforma, precisamente porque la tecnología ha empezado a incidir en materias tan sensibles como la voz, la imagen, la interpretación o la consideración misma de lo que significa una aportación creativa humana. Sin embargo, y aunque el planteamiento inicial del proyecto de ley contemplaba introducir garantías específicas frente al uso no consentido de estos recursos, la regulación terminó desapareciendo del texto final que el Gobierno aprobó en julio de 2026 debido a que, según el Consejo, algunas de las previsiones afectaban a derechos fundamentales y, por tanto, no podían resolverse median-

te un real decreto, sino que requerían una norma con rango de ley orgánica. MIEDO A LA OLIGARQUÍA y retórica burocrática aparte, el estado de la IA en nuestro país vuelve a la casilla de inicio y a la espera de una revisión sine die de su alcance. Mientras tanto, la industria no pierde el tiempo y cambia de estrategia, pasando de los tribunales y las denuncias a las negociaciones y los acuerdos con aquellas compañías que hace cuatro días eran las malas de la película. Convendría, pues, que ahora y de cara a esta inminente realidad con tanta letra pequeña, las reglas estuvieran escritas antes de que ciertos pactos empresariales vuelvan, una vez más, a dejar a nuestros artistas con el culo al aire. A la siguiente, que sea la vencida.—f.g.

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El nuevo Estatuto del Artista y los profesionales del sector El Real Decreto 607/2026, publicado el pasado 25 de julio, puso en marcha el nuevo Estatuto del Artista, un proyecto que se remonta a 2018 y que sustituye la obsoleta ley de 1985. Un texto que afecta de lleno a la industria musical, y que no entrará en vigor hasta mayo del año próximo. —texto JC Peña

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L NUEVO ESTATUTO del Artista, concretado en decenas de reuniones con representantes de los distintos sectores culturales –incluyendo la industria musical– a lo largo de los últimos dos años, es un conjunto de normas adaptadas a la complejidad de las industrias culturales actuales, y que ha sido estructurado en diecisiete artículos y dos capítulos. ADEMÁS DE PROTEGER, entre otros profesionales de la cultura, a músicos, intérpretes y compositores, el reglamento tiene efectos clave para la industria musical: ampara a personal técnico y auxiliar en cuanto a indemnizaciones y otras prestaciones; y reconoce como tiempo de trabajo ensayos, promoción y preparación de directos. Los contratos entre las partes deberán ser siempre por escrito. Como sucede con tantas iniciativas de este calado, está por ver qué retos planteará a la hora de concretarse. El artículo dedicado a las giras también es clave, porque establece que los trabajadores, aunque no estén ejerciendo la actividad artística durante los propios viajes y desplazamientos, deben continuar #56 octubre 2026

Hasta setenta mil artistas de distintos campos afiliados a la Seguridad Social tendrán derecho a una prestación por desempleo

de alta en el régimen de la Seguridad Social. Se pone fin de esta manera al vacío legal que existía en relación a un aspecto esencial de la actividad musical. ADEMÁS DE LO MENCIONADO, algunas de las resoluciones más importantes del nuevo estatuto son la creación del contrato laboral artístico de duración determinada, que tiene en cuenta la intermitencia del sector; la actualización del concepto de actividades culturales en el ámbito de las artes escénicas, audiovisuales y musicales; la inclusión de nuevas realidades como el streaming, la exhibición online y el formato podcast, que en los últimos años ha vivido un desarrollo enorme; y la reducción del IRPF para contratos artísticos del quince al dos por ciento. También se amplía la normativa para compatibilizar el cobro de pensiones con el ejercicio de la actividad artística, y la percepción de derechos de propiedad intelectual. HASTA SETENTA MIL ARTISTAS de distintos campos afiliados a la Seguridad Social tendrán derecho a una prestación por desempleo de cuatro meses, se compatibiliza la jubilación con el trabajo artístico, y los autónomos que ingresen menos de 3.000 euros al año tendrán una cuota específica reducida de 161 euros. Además, en Formación Profesional se desdobla la formación de técnicos para espectáculos en vivo respecto a la del sector audiovisual. Y se reconocen profesionalmente la suspensión y elevación de carga sobre escenografía y vídeo en espectáculo en vivo. También se ha regulado el trabajo de los menores de dieciséis años, que no podrán ejercer como autónomos ni siquiera para familiares, aunque esta medida afectará más a cine y teatro.

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PARA LA UNIÓN DE MÚSICOS que agrupa a asociaciones sindicales y profesionales de España, “este texto supone una modernización de la regulación de la actividad laboral en el ámbito artístico

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COMO DECÍAMOS al inicio del artículo, el nuevo y esperado estatuto no es de aplicación inmediata, sino que entrará en vigor el 25 de mayo del año próximo, ya que se fija un paréntesis de diez meses desde su publicación en el BOE. Cabe destacar, además, que a última hora se retiró un artículo polémico que trataba de regular la Inteligencia Artificial generativa (en relación a la imagen y voz de los artistas), al considerarse un asunto complejo que requiere un debate más amplio y detenido. La IA plantea una serie de retos que probablemente hayan de ser abordados específicamente. Una comisión va a estudiar las diferentes aristas del asunto en los próximos meses. En el largo proceso de elaboración de la nueva normativa han participado diferentes asociaciones del sector como la Unión de Músicos y la Federación de Música de España Es_Música, PROMUSICAE y la Asociación de Promotores Musicales APM, así como las entidades de gestión de derechos de la propiedad intelectual AIE y SGAE.

que permite afrontar los retos y desafíos del sector. Una renovación que afecta tanto al ámbito de aplicación, como a las actividades que se realizan y a las reglas que regulan el trabajo de menores, la contratación, la extinción, la jornada de trabajo y la retribución, entre otras”. El sector cultural en su conjunto ha reaccionado positivamente a la aprobación del nuevo texto, aunque algunos profesionales lo consideran “un primer paso” menos ambicioso de lo que se demandaba. —j.c.p.

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SE TRATA, EN DEFINITIVA, de ofrecer “más protección, más seguridad y una mejora de las condiciones de vida y trabajo del sector cultural”. Según fuentes del Gobierno, los cuatro grupos de trabajo creados en 2021 a partir de la subcomisión que se remonta a 2018, han mantenido unas noventa reuniones con distintos agentes de las industrias culturales. Se trataba de explorar los ámbitos fiscales, laborales, de seguridad social y educación para “reconocer por primera vez la excepción cultural”.

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Sellos independientes: estad A pesar de que la salud creativa de la independencia española es fantástica, los sellos están pasando dificultades. No es fácil subsistir económicamente en un entorno cambiante, controlado por grandes tecnológicas que no reparten los ingresos de forma equitativa, donde las ventas físicas aumentan, pero no en la medida necesaria, y con una saturación de lanzamientos que hace muy difícil destacar. Pero nunca han sido tan necesarios.

“Tenemos una salud de hierro a base de ibuprofeno”

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ENGÁMOSLO CLARO: los sellos independientes son los que asumen riesgos para dar a conocer nueva música y los que aportan riqueza cultural. En un mundo con muchos más datos disponibles, las independientes no firman a alguien con la calculadora en la mano. La pasión y la ilusión es lo que las sigue moviendo. “Nosotros seguimos fichando fundamentalmente por flechazo”, dice Carlos Galán, que lleva al frente de Subterfuge desde 1989. “Creo que uno de los grandes peligros actuales es confundir audiencia con talento y viralidad con carrera”. “TENEMOS UNA SALUD de hierro a base de ibuprofeno” opina Dada Memphis desde otra perspectiva temporal, ya que su sello Wiccan Play Blues nació en 2025 para recoger el blues, el rock y la música de raíz hechos por mujeres de más de cuarenta años. Para ella, la clave está en tener claro tu nicho y entender un poco cómo funciona la industria.

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do de salud PARA PODER MANTENERSE a flote sin hacer concesiones comerciales, los sellos han desarrollado tentáculos. Se ha pasado del modelo en el que una discográfica se limitaba a editar, promocionar y vender discos a uno en el que hay que tocar todos los palos para poder llegar a fin de mes. Como dice Antonio Ruíz de Desorden Sonoro, que lleva desde 2018 alimentando un catálogo exquisito desde Almería, “ayuda diversificar y no quedarse solo en la edición; llevar el booking o comunicación de las bandas”. Nore Freixa, responsable de la cooperativa Montgrí junto a Cala Vento, secunda la estrategia: “Los conciertos y los derechos editoriales nos ayudan a sumar ingresos”. Y aunque a veces lo pasen mal, desde la trinchera de la independencia, él lo tiene claro “las escenas alternativas nacen del subsuelo, nunca de los despachos”. SIN LAS DISCOGRÁFICAS independientes, todo sería más plano y triste. Pero si queremos que sean viables, los medios y políticas públicas a su disposición tienen que mejorar, como explica María Pellicer, fundadora de EO! Música y presidenta de UFi: “Llevamos tiempo reclamando que la música grabada pueda contar con herramientas similares a las que ya existen para las artes escénicas”. También ve asignaturas pendientes en el acceso a financiación y la internacionalización. —l.p. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Noemí Planas una voz autorizada Antigua estudiante de Medicina, cambió el fonendoscopio por unos auriculares y atesora un recorrido envidiable para entender los entresijos del mundo indie. Noemí Planas es actual CEO en WIN, la red global de sellos independientes, llegó allí tras pasar por IMPALA, ayudar a fundar la española UFi y comenzar su andadura en el sello Acuarela.

—texto Laura Pardo

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levas desde el cambio de siglo ligada a las independientes, ¿Cómo han cambiado en los últimos veinticinco años? El mayor cambio que yo he visto es la profesionalización, porque antes no había nada. Ahora se han incorporado temas de Industria musical en estudios reglados. Hay másters, las asociaciones hacen mentorías... Pero claro, el punto de partida también era distinto. Nosotros salíamos de una dictadura de muchos años, y en otros lugares nos llevaban ya mucha ventaja. Aquí no había infraestructura, ni tampoco había el apoyo y las protecciones sociales y laborales de los artistas. Ahora justo se están publicando aquí en el Estatuto del Artista, mientras que Francia o el Reino Unido ya las tenían desde hace mucho. —Te escuché decir que durante años faltó una “clase media” de sellos en España, ¿Eso se ha equilibrado? Sigue pasando, pero no es un problema único de España. Y estamos viendo cada vez más esa diferencia. Hay más sellos, pero también más pequeños, incluso están los autoeditados. Muchos más en la cola de atrás, digamos. Y, los que se van haciendo un poco más grandes, son absorbidos o comprados. —WIN, IMPALA, UFi… Es evidente que crees en el asociacionismo. Tener estas estructuras favorece el poder reivindicar tus derechos y que tengas mayores protecciones. Incluso a través de asociaciones es difícil, pero si no las hay, más aún. Ahora España es casi un referente. Porque hemos logrado ya no solo tener asociaciones de sellos, sino de managers, de salas, de promotores, de festivales…. Y las asociaciones han formado una federación, EsMúsica. Y una federación así no la tienen tantos países. Así que, en el fondo, ahora hemos pasado por delante. También en cómo han evolucionado algunas entidades de ges-

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tión colectiva, que ahora son referentes en desarrollo tecnológico. Ahí tengo que ponernos, por una vez, una medalla. Por lo que hemos logrado en este tiempo y partiendo de donde partíamos. —¿Qué hizo que cuajara esa Unión Fonográfica Independiente, de cuyos comienzos en 2003 eres parte? Hubo intentos previos que no prosperaron. Es difícil ponerse de acuerdo, porque por mucho que podamos tener valores comunes o que veamos la independencia como una cosa a reivindicar, cada uno es una empresa y cada uno es un competidor del otro. Es uno de los retos de la asociatividad. Aquí lo hemos logrado, pero costó llegar a ello. ¿Y por qué esta vez sí y antes no?... Por un lado, ahí estábamos justo en medio de esa gran crisis de las ventas del formato físico de discos, la piratería…. Y era como “O nos juntamos o desaparecemos”. Y luego creo que por Mario Pacheco, que nos logró unir. Tenía un talante muy de acoger, conciliador, con una visión muy clara, muy independiente. Y todos confiamos en él.

creo que nosotros ahí con lo que conta"Algunas entidades yo mos es con la razón. de gestión colectiva, —¿Más retos aún sin superar? Para mí uno de los temas en el que sí faque ahora son llamos, y creo que es un objetivo que deberíamos tener todos, es intentar trabajar referentes en más en logísticas compartidas, en abaratar desarrollo costes haciendo cosas de manera grupal. Los independientes solos, cada uno por tecnológico" nuestro lado, no podemos sobrevivir a este mundo en el que luchamos contra las mayores corporaciones. —l.p.

—Vamos a tu puesto actual ¿Qué dice WIN ante los umbrales de escucha que están imponiendo plataformas como Spotify? Nuestra postura, como red mundial de los independientes, es que, para empezar, es una cuestión de principios. Una plataforma que pone a disposición tu música no debería unilateralmente cambiar los términos para decidir que no te remunera. Y una de las cosas en las que estamos enfocándonos ahora en WIN es en hacer un estudio de las diferencias de precios del streaming por países. Porque en algunos es muy bajo e, incluso ajustándolo al poder adquisitivo, está bastante más baja la música que otros servicios. No tiene sentido que la música esté tan devaluada. —¿Y respecto a la IA? En el sector hay gente que no quiere tener nada que ver con esto, y debe tener su derecho a no hacerlo. Pero el que quiera trabajar con la IA, que también lo pueda hacer. Pero que existan los marcos y las regulaciones que permitan que se haga de una forma justa, donde tengas un poder de negociación medianamente razonable. Al final nos enfrentamos a las empresas más grandes del mundo, que pueden hacer lobby en todos los países, y es difícil. Pero mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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Talento hay Y ¿oportunidades? Durante los últimos años hemos escuchado muchas veces que la presencia de mujeres en los festivales estaba cambiando. Se firmaron compromisos, aparecieron iniciativas por la paridad y comenzamos a contar cuántas mujeres había en los carteles. Parecía que algo se estaba moviendo. Y, efectivamente, algo se ha movido. Pero quizá no tanto como nos gustaría pensar. —texto Arantza M. Huarte

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ONTINÚA SIENDO DIFÍCIL ignorar los datos. Los primeros resultados de “Cartografía: III Estudio de Género y Diversidades de la Industria Musical en España”, impulsado por Mujeres de la Industria de la Música (MIM), sitúa en apenas un 22% la presencia de mujeres artistas en los festivales españoles. Un dato que resulta especialmente significativo porque llega en un momento extraordinario para la música en directo en nuestro país: en 2025 el sector superó por primera vez los 800 millones de euros de facturación. LA MÚSICA EN VIVO crece. Las mujeres, sin embargo, no parecen crecer al mismo ritmo dentro de sus escenarios. Y el problema no consiste únicamente en contar nombres femeninos en un cartel. Importa dónde aparecen esos nombres, en qué escenarios, a qué hora actúan y qué espacio ocupan en la comunicación del festival. Porque una artista programada a primera hora de la tarde no tiene el mismo impacto que una cabeza de cartel. La visibilidad también tiene jerarquía. DESDE +MÚSICAS llevamos años trabajando precisamente sobre esa parte menos visible del problema. Y nuestra experiencia nos demuestra algo importante: talento

#62 octubre 2026

El problema no consiste únicamente en contar nombres femeninos en un cartel. Importa dónde aparecen esos nombres

femenino hay. Lo encontramos constantemente. Hay artistas, músicas, compositoras y productoras desarrollando proyectos extraordinarios en prácticamente todos los géneros musicales. Por eso, cuando escuchamos que es difícil construir carteles más equilibrados porque “no hay suficientes mujeres”, creemos que debemos cambiar la pregunta. Quizá no sea que no existen. Quizá el problema sea que no han tenido las mismas oportunidades para recorrer el camino que permite llegar hasta los grandes escenarios. Porque nadie se convierte de repente en cabeza de cartel. Antes hay salas pequeñas, festivales medianos, showcases, equipos de management, inversión, promoción, medios, playlists, contratación y muchas decisiones tomadas durante años. Si las mujeres encuentran más dificultades en cualquiera de esos escalones, el resultado acaba siendo visible en la parte superior del cartel. AHÍ ESTÁ, PROBABLEMENTE, uno de los grandes retos que tenemos por delante: dejar de pensar únicamente en la fotografía final y empezar a trabajar sobre todo el recorrido. En +Músicas lo vemos claramente a través de proyectos como +Músicas Live, con el que colaboramos con festivales para incorporar artistas y bandas lideradas por mujeres a sus programaciones. No buscamos colocar un nombre femenino en un cartel para cumplir una estadística. Buscamos generar oportunidades reales: que una artista actúe, cobre, encuentre público, conecte con profesionales y pueda utilizar esa experiencia como un nuevo escalón en su carrera. Porque programar también es construir futuro. Y ESA RESPONSABILIDAD no pertenece exclusivamente a los festivales. Pertenece a toda la industria. A promotores, sellos, agencias de booking, managers, medios de comunicación, plataformas, instituciones y marcas. Cada decisión sobre quién recibe inversión, quién aparece en una portada, quién entra en una playlist,

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quién consigue una gira o quién ocupa un escenario contribuye a construir el ecosistema que tendremos dentro de cinco o diez años. TAMBIÉN DEBEMOS RECONOCER los avances. Hoy existe mucha más conciencia que hace una década. Hay festivales que han demostrado que pueden construirse programaciones diversas y comercialmente exitosas. Hay más mujeres ocupando espacios de decisión y existe una generación extraordinaria de artistas españolas que llena recintos, lidera conversaciones y conecta con públicos masivos. Pero los datos nos dicen que todavía no podemos considerar el trabajo terminado. Quizá incluso exista ahora un riesgo diferente: pensar que, porque vemos a algunas mujeres ocupando espacios enormes, el problema está solucionado. El éxito de unas pocas artistas no significa necesariamente que el ecosistema sea igualitario. Podemos tener grandes estrellas femeninas y, al mismo tiempo, seguir teniendo cientos de proyectos liderados por mujeres con dificultades para acceder a los circuitos profesionales. Por eso necesitamos pasar de las excepciones a la normalidad.

17% De 145 festivales españoles analizados, el 17% alcanza el umbral de paridad 60/40. Ese porcentaje aumenta hasta el 54,4% cuando se incluyen las bandas mixtas.

FUENTE: MIM (MUJERES DE LA INDUSTRIA DE LA MÚSICA)

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EL OBJETIVO NO DEBERÍA SER celebrar cada vez que encontramos un cartel equilibrado. Debería llegar un momento en que dejemos de fijarnos en ello porque resulte absolutamente natural. Y para conseguirlo necesitamos algo más que buenas intenciones. Necesitamos continuidad, compromiso y decisiones concretas. Apostar por artistas cuando todavía están creciendo. Incorporar mujeres a los equipos de programación y a los espacios donde se toman decisiones. Facilitar el acceso a producción, financiación y redes profesionales. Y entender que la diversidad no es únicamente una cuestión de justicia: también amplía los públicos, los relatos y las posibilidades creativas de nuestra industria. LA PREGUNTA, POR TANTO, ya no debería ser si hay mujeres suficientes para llenar los carteles. Las hay. La verdadera pregunta es cuántas oportunidades estamos dispuestos a crear para que puedan llegar hasta ellos. Porque el talento existe. Lo que todavía tenemos que conseguir es que las oportunidades estén a la misma altura. —arantza m. huarte (presidenta +músicas españa) octubre 2026 #63

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PAM La unión hace la fuerza La unión hace la fuerza, incluso en un sector tan maltratado como la prensa musical. Por eso nació años atrás la PAM (Periodistas Asociados de Música) y también por eso se ha revitalizado en los últimos años de la mano de una nueva junta directiva presidida por Manuel Pinazo de Muzikalia. —texto Joan S. Luna

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A PAM ESTÁ INTEGRADA por más de trescientos profesionales del periodismo y la crítica musical, entre los que se incluyen también los fotoperiodistas. Su principal objetivo es “dignificar la profesión y dar a conocer ya no solamente los problemas del sector, sino también algunos de sus logros. Queremos ser positivos y recalcar la importancia de nuestro trabajo dentro de la información cultural”, apunta el periodista Manuel Pinazo. Pero hay más, y más retos, algunos de vital importancia para los próximos años. “Debemos defender la independencia y la profesionalización del periodismo musical en España. Denunciar cualquier intento de limitar su desarrollo en condiciones o su capacidad para informar y expresarse, además de combatir prácticas poco rigurosas que puedan perjudicar nuestra imagen”. UNO DE LOS MAYORES LOGROS de la PAM ha sido unir a parte del sector, y seguir ha-

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Fotoperiodismo: En el objetivo F

OTOGRAFÍA y grabación musical nacieron casi a la vez. Siglo y medio de relación simbiótica que ha beneficiado mutuamente a generaciones de artistas y de fotógrafos. En la retina de cualquier aficionado a la música están fijadas las imágenes de los Jim Marshall, Alfred Wertheimer, Henry Diltz, Astrid Kirchherr o Pennie Smith capturando a Johnny Cash en San Quintín, un jovencísimo Elvis Prestley, el mítico Woodstock del 69, The Beatles antes de que nadie los conociera o Paul Simonon machacando su bajo contra el suelo para la portada de “London Calling”, entre tantas y tantas imágenes históricas.

NINGUNO DE ELLOS tuvo que enfrentarse a lo que estamos viviendo los fotógrafos de nuestra generación. Hoy, cuando entro en un foso con mi cámara, no me siento un aliado. Me siento un intruso. Una molestia. Las condiciones para hacer nuestro trabajo han ido deteriorándose en las dos últimas décadas hasta límites vergonzosos. Las exigencias de los artistas (o, más bien, de sus agentes) son cada vez más lesivas, para el propio fotógrafo y para derechos primordiales como la libertad de prensa o el derecho a la información. NOS CENSURAN, nos imponen cláusulas abusivas que atacan nuestra forma de ganarnos la vida, nos someten a criterios

dispares a la hora de elegir quién entra o quién no a un concierto o festival. La última: esta misma noche he recibido un mail en el que solamente puedo acceder al concierto de una estrella de los noventa si llevo una cámara que no haga ruido. Menuda tendencia. Y va a más. NO SON SOLAMENTE los músicos o las bandas quienes limitan nuestro trabajo. Cada vez son más las promotoras que únicamente acreditan prensa si les haces publicidad gratuita, los festivales que nos hacen firmar contratos abusivos o “hacer un donativo” a cambio de una acreditación o, el colmo, personal de seguridad que nos trata (casi) como delincuentes. DE SEGUIR ASÍ, la fotografía de conciertos acabará convirtiéndose en mera publicidad. El público de hoy, y el de dentro de unos años, perderá la oportunidad de ver a sus artistas inmortalizados en instantes que trascienden: solo verán imágenes construidas por un equipo de marketing. La historia única de cada músico quedará plana, sin carácter, exactamente igual a la del resto. Pero aún tenemos tiempo. Démosle la vuelta a esto. Artistas, promotoras, agentes, medios y fotógrafos podemos encontrar la manera de reconducir la situación. La fotografía y la música llevan ciento cincuenta años bailando juntas. Sería un crimen parar ahora el ritmo. —mariano regidor

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ciéndolo, convirtiendo la asociación en punto de encuentro. Para ello continúa dando visibilidad a su labor –más allá del Premio Ruido, en marcha desde 2015–, creando sinergias dentro de la industria y estrechando lazos con diferentes instituciones. “Ganamos músculo colectivo al ver que dentro de la asociación están integrados ya no solo profesionales de prácticamente todos los medios musicales del país, sino también los responsables de las secciones culturales de muchos medios generalistas”.

DESDE SU PERSPECTIVA personal y profesional, Pinazo considera que los mayores logros de la PAM en esta nueva etapa ha sido “el reivindicar nuestro papel dentro de la industria, algo que ha sido muy bien recibido por instituciones como el Ministerio de Cultura, AIE, AGEDI o Fundación SGAE, pero también por aquellas que integran a promotores, sellos o managers, que ven en el periodismo musical el altavoz necesario para difundir la actualidad musical. Igualmente, el haber participado

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A TODO ELLO, debemos sumarle el Congreso Anual de la Prensa Musical, que lleva dos años organizándose en Madrid y que, en los próximos años, ampliará su radio de acción a otras ciudades. “Ambas ediciones han sido muy enriquecedoras. Hemos conseguido reunir a los principales profesionales del sector y tratar muchos de los temas que nos interpelan. Más allá de luchar contra la obvia precariedad, hemos querido abordar temáticas que nos afectan en nuestro día a día tratando de anticiparnos a posibles tendencias que deberemos abordar en el futuro. Pronto empezaremos a trabajar en la tercera edición”.

“Debemos defender la independencia y la profesionalización del periodismo musical en España”

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y ganado peso en algunas de las ferias que se realizan en el sector y haber firmado convenios de colaboración como el de la Universidad Complutense de Madrid, con quien emprenderemos actividades para dar a conocer el periodismo cultural a futuros profesionales”.—j.s.l. Si quieres adherirte a la PAM, existe un formulario de inscripción en www.asociacionpam.es. octubre 2026 #65

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Argentina mon amour Aunque la visita de artistas argentinos a nuestro país es algo que lleva ocurriendo desde hace décadas, no cabe duda de que, en los últimos tiempos, la presencia de artistas –de estilos musicales muy diversos– venidos de aquel país al otro lado del Atlántico se está incrementando exponencialmente. Y lo más importante, por primera vez empiezan a contar con un público autóctono en crecimiento. —texto Joan S. Luna

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E ESCUCHA MUCHO RUIDO, pero lo primero que nos preguntamos es si realmente los conciertos de artistas argentinos están funcionando tan bien en nuestro país como parece. Empezamos dando la palabra a Mundy Epifanio de Tribal Producciones, sin lugar a dudas uno de los precursores en traer bandas desde el otro lado del Atlántico. En la actualidad trabaja con gente como Gustavo Santaolalla, Kevin Johansen, Louta, Nathy Peluso o incluso el popular humorista Fede Cyrulnik, entre muchos otros. “A ver, hay dos caminos en un mismo territorio. Los artistas que tienen público español y los que vienen de ‘TOURismo’ –la mayoría–, y que, aunque toquen en Barcelona, parece que están tocando en cualquier lugar de Argentina porque el noventa y nueve por ciento del público es argentino”. Todo el mundo reconoce a Mundy como ese precursor del que hablábamos antes. Él fue responsable de la llegada a nuestro país de Rata Blanca, Bersuit, Todos Tus Muertos y un largo etcétera, pero su esfuerzo ha valido la pena. “Hoy Rata Blanca y Attaque77 tienen un ochenta y cinco por ciento de público español; Bersuit un sesenta y Fede Cyrulnik el noventa”. CAMBIANDO DE INTERLOCUTOR, Alejandro Pérez opina que: “En líneas generales las giras están funcionando muy bien. Hay #66 octubre 2026

muchísima demanda y cada vez vienen más artistas argentinos, pero también creo que hay que ser inteligentes. No por traer más artistas significa que el mercado vaya a crecer más. Hay que cuidar las fechas, las ciudades y al público para no saturarlo”. Pérez representa a Chainsaw Entertainment, promotora que empezó trayendo a Lucho Al Attaque (Attaque 77) en 2021 y que no ha dejado de crecer desde entonces. “Arrancamos poco a poco y aprendiendo mucho sobre la marcha”, comenta. Por su parte, Gustavo González, de Vibess –quienes trabajan con nombres como los de Gauchito Club, Alan Sutton, Indios y muchos otros– considera que “Si bien existe mucha saturación de artistas argentinos, porque todos quieren pasar por España, nosotros sabemos que los resultados se ven en el segundo año y, sobre todo, en el tercero. Por eso nuestras propuestas buscan siempre poder conseguir el desarrollo buscado”. Mundy Epifanio puntualiza una cosa al respecto: “Muchos quieren hacer todo por sí mismos sin entender que el mercado español es gigante y competitivo. Venir a tocar a España está de moda, pero sin invertir ni trabajar en pos de intentar entrar en el mercado, es venir a pintar la mona”, Cabe destacar que Epifanio recorre el camino inverso, trabajando con artistas españoles como Fermin Muguruza, La Pegatina, Muerdo, Leiva o SFDK, por citar algunos, en América y Europa. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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zález) “Creo que ahora el pueblo español “Aunque toquen está más abierto a los artistas de LATAM en general y de Argentina en particular. en Barcelona, Tenemos muchos terrenos comunes y nos parece que están une mucho lo musical”. AUNQUE HAY OTRAS VÍAS para llegar al tocando en público español. “(Alejandro Pérez) “AyuArgentina dan muchísimo los festivales españoles apuestan por artistas argentinos porque el noventa cuando porque los ponen delante de un públique probablemente nunca hubiera y nueve por ciento co comprado una entrada para verlos por su cuenta”. Gustavo González opina que del público es también abre el abanico “que los artistas argentinos hacen feats con artistas argentino” españoles, porque eso creo un camino

LO QUE ES EVIDENTE es que el principal escollo para crecer en nuestro país es conseguir ir más allá del público argentino afincado aquí y conseguir que los aficionados españoles se acerquen a esos artistas, algo que parece estar superándose. (Alejandro Pérez) “Cada vez vemos más público local. Algunos ya conocen al artista por las plataformas y otros llegan por amigos o parejas argentinas. Y pasa algo muy lindo: muchas veces vienen acompañando a alguien y después terminan siguiendo al grupo”, (Gustavo Gon-

bastante orgánico entre ambos mercados”. Eso es algo muy habitual en el urbano, el trap y, cada vez más, en el pop. “El alcance y la penetración de la música urbana argentina en la escena española, desde la perspectiva del negocio discográfico, es bastante interesante, pero puede que no se traduzca tanto en la venta de entradas. Probablemente también sea un tema generacional”. Por su parte, Alejandro Pérez considera que “Cada artista es un mundo y no creo que dependa solamente del género musical. Obviamente, hoy el urbano tiene una ventaja muy grande porque tiene más difusión acá, pero después te encuentras con bandas de rock que llevan treinta años tocando y que tienen un público increíblemente fiel. Quizás no aparecen todos los días en las redes, pero anuncias un concierto y sabes que la gente responderá. Una cosa es tener escuchas y otra muy diferente vender entradas. Y nosotros vivimos de lo segundo”. Sobre todo ello, Mundy Epifanio opina que “Da igual el género del artista, mientras haya canciones exitosas, dinero para invertir y conocer el mercado para saber dónde y cómo hacerlo. Obviamente, siempre es más fácil hacer crecer un artista cuyo género está más de moda en el momento de intentarlo, como el urbano”.

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AHORA, POR TANTO, el desafío está en “que la visita de un artista argentino deje de ser vista como ‘un concierto para argentinos’. Cuando conseguimos eso, cambia completamente la dimensión que pueda tener ese artista en España”, considera Alejandro Pérez. “La gente del trap y aledaños ha consolidado una base de fans españoles porque ya vieron los errores de los mayores y están haciendo las cosas mucho mejor, tanto los artistas como algunos mánagers, caso del crac Fede Lauria con Dale Play”, subraya Mundy Epifanio. —j.s.l. octubre 2026 #67

Fiesta

10 músicos en el escenario reinterpretando clásicos en reGGae y sKa

GRÀCIES PER FORMAR PART DEL MMVV 2026! ENS RETROBEM L’ANY VINENT, DEL 15 AL 19 DE SETEMBRE

BOOKING · MANAGEMENT GIRAS · FESTIVALES

ARTISTAS

Carlos Ares · Niña Polaca · José Ignacio Lapido... FESTIVALES

Festival Jaleo! · Acustiquísimos · Maresía · Latidos Festival...

MAS INFO EN ARTMUSICAGENCY.ES

69/Mondo VINILOS

Turnstile

Never Enough: Versions Roadrunner

VARIOS / Solo catorce meses después del lanzamiento de “NEVER ENOUGH”, el disco con el que Turnstile han dado un pasito más hacia la masividad, llega este compilado de versiones de aquellos temas. ¿No es un poco pronto para darle a “NEVER ENOUGH” este aire de clásico? ¿No estarán Turnstile abusando un pelín de su momentum? En cuanto al contenido musical en sí, hay un aspecto destacable y muy fácil de detectar: salvo algún ejemplo en concreto –básicamente Angel Du$t haciendo “SUNSHOWER”– las versiones evitan que nos pongamos a valorar si una es mejor o peor que la original. Afortunadamente todas son diferentes –con las de Dying Fetus, Shabaka Hutchings, Oklou y Faye Webster a la cabeza–, pero también debemos subrayar que diferente no significa memorables. En resumen, un acierto innecesario que ojalá sirva para que el grupo se dé un respiro y deposite todas sus energías en un próximo álbum. —adriano mazzeo

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El golpe en la mesa de Gurriers Gurriers

Nobody’s Coming To Save You PIAS

9 ROCK / La república de Irlanda se ha convertido

de un tiempo a esta parte en la gran cantera internacional del rock, o música de guitarras. Habría que remontarse a la era dorada de ciudades como Manchester, Nueva York o Seattle para encontrar tal densidad de talento musical por habitante. Las sangrantes contradicciones de su economía tienen mucho que ver al respecto, como lo hicieron en el Manchester postindustrial de 1978. En concreto, la capital Dublín, en la que, por causa del capitalismo globalizado salvaje, los locales, y menos los jóvenes, ya no pueden vivir –¿nos suena?–, mientras se asientan expatriados forrados, empresas de tecnología con ventajas fiscales, turistas e inmigrantes de medio mundo. Con este panorama, la ciudad sigue exportando músicos a un ritmo paralelo al de una economía cada vez más disfuncional para el ciudadano de a pie. Gurriers son los penúltimos incorporados a la lista de descontentos, y dan un puñetazo encima de la mesa con su

segundo trabajo. Como otros coetáneos –The Murder Capital, Sprints o unos Fontaines D.C. que han alcanzado el estrellato internacional–, el quinteto se nutre de las turbias fuentes del post-punk para lanzar su grito contra el mundo distópico que tiene en aquel país uno de sus epicentros. Pero también de la propia y falible condición humana universal. Son de los que prefieren las preguntas a los sermones. Es un disco recio, oscuro y disonante en su justa medida, que, como las mejores obras de arte, parece surgir de la necesidad. Mark Bowen (Idles), Loren Humphrey (Geese) y John Congleton (Swans, Death Cab For Cutie), forman un equipo técnico formidable, que hace brillar al grupo desde la canción que da título al álbum. “Party Lines”, otro brutal single, le da una nueva vuelta de tuerca al disco-turbio que patentaron P.I.L. y compañía, para denunciar la inagotable hipocresía de los políticos. El nivel no decae en el resto. Gurriers exprimen la rica tradición guitarrera de su país, encontrando inspiración en los U2 fundamentales –no los aburguesados de ahora– o la influyente banda de culto Whipping Boy, cuyos ecos han tardado tres décadas en manifestarse. Todo funciona en este álbum de crudeza atemporal que se postula como uno de los más inspirados del año en lo que a música de guitarras se refiere. —jc peña

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The Linda Lindas GOTTA GET OUT Reprise Records

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INDIE ROCK / La banda angelina

de rock vuelve a la carga con un tercer disco que incluye la vitaminada (y esperada) descarga energética materializada en una docena de canciones. Ahora bien, “GOTTA GET OUT” muestra una versión más madura (o cuando menos contenida) del cuarteto, relegando su actitud punk a un segundo plano y apuntando más al fondo que a la forma. El resultado es un puñado de canciones de indie-pop/rock que van de lo relajado a algo más vibrante, dependiendo de la ocasión. Una generosa horquilla de velocidades que abarca desde melodías serpenteantes hasta acercamientos metaleros con la vista puesta, una vez más, en los noventa y en el movimiento riot grrrl. De este modo, The Linda Lindas pueden presumir de haber ampliado su paleta sonora, sin trampa ni cartón, insinuando una trayectoria ascendente que se dará si mantienen el encanto que las ha caracterizado hasta el momento.

—olivia jahl

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MONDOVINILOS

Getdown Services

Massive Champion Breakfast Records

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POP / El dúo británico for-

mado por Ben Sadler y Josh Law se ha ganado una sólida reputación en estos últimos años como banda genuinamente divertida. No es poca cosa. Las intenciones irónicas de portada y título completan la receta de un dúo que continúa la inagotable tradición de costumbrismo satírico de aquel país. En este segundo trabajo la banda entrega trece píldoras que navegan sin forzar nada entre diversidad de estilos. Es un planteamiento sin complejos que podría evocarnos el espíritu de Sparks y otros, pero llevado a la Inglaterra de los fish and chips y los council flats, un poco como unos Sleaford Mods poperos menos malhumorados y más amables, o unos Fat Dog de baja intensidad. Dicho esto, los picos compositivos del álbum (“I Can’t Die Like That”, “Probiotic”, “The Definitive Map”) se codean con momentos menos brillantes. En cualquier caso, los aciertos predominan en un álbum que asegura su consagración. —jc peña Czarface & Frankie Pulitzer

Czarface Meets Frankie Pulitzer Silver Age

La fórmula de Weezer Weezer

Weezer (The Gold Album) Reprise/Warner

7 POWER POP / ¿Qué se puede esperar a estas

alturas de Weezer? Pues eso depende, según el meme hay dos tipos de seguidores del grupo: los que siguen adorando sus dos primeros discos como un tesoro y mira al resto de su discografía como un pecado mortal, y los que piensan que sí, que sus dos primeros discos son los mejores, pero que el resto de discos están mucho mejor de lo que piensan los primeros. Los primeros seguirán sin escuchar este disco, aunque deberían, mientras que los segundos pondrán a este vigésimo disco, séptimo llamado como el grupo, como la prueba evidente de que no se equivocan. Posiblemente no sea ni una cosa ni la otra, es cierto que pocas bandas han tenido un inicio tan brillante y un resto de carrera tan irregular, pero también hay que reconocer que por cada horrible “Raditude” (09) han sabido seguir sacando

#70 octubre 2026

RAP / Czarface es el grupo que aúna al dúo de Boston 7L & Esoteric y al MC miembro de Wu-Tang Clan, Inspectah Deck, mientras que Frankie Pulitzer es Tom Hardy, actor que ha participado en películas de pedigrí como “Mad Max: Fury Road”, “Venom”, “Inception” o “The Dark Knight Rises”. “Czarface Meets Frankie Pulitzer” es una eléctrica aventura villana de texturas ásperas y polvorientas, con un sonido sucio enraizado en el hip hop alternativo de los años noventa y la estética de cómic en la que, a través de referencias a la cultura popular, se deslizan intrépidamente por la ciudad con una actitud abrasadora con rimas y juegos de palabras vertiginosos bajo instrumentales sombrías y pesadas. El disco lo completan colaboraciones de absoluto nivel y credibilidad: Busta Rhymes, Method Man, Keisha Morris y El-P de Run The Jewels. Uno de los trabajos más vitamínicos del año. —daniel caballero

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cosas tan pasables como “Everything Will Be Alright in the End” (14) o este “The Gold Album”. No, no va a hacer que te olvides de su debut o de “Pinkerton”, pero hay que reconocer que suenan rejuvenecidos y con las pilas cargadas, quizás por la mejor producción que han tenido desde hacer varios lustros, con Kenny Beats, productor de IDLES o Geese. Lo que han hecho en este disco es volver a lo que mejor se les da, guitarras crujientes y estribillos explosivos. Rivers Cuomo es consciente de ello y no duda en tirar de ironía en “CEO”, un guiño directo a uno de sus clásicos, “Undone / The Sweater Song”, en la que canta resignado: “Volviendo a hacer otro tema de los noventa / Ojalá pudiera hacer algo nuevo, pero nadie quiere oírlo / Solo quieren los clásicos / No se les puede culpar, la verdad / Tus primeras canciones tienen algo especial”. Después de varios experimentos fallidos es un poco triste pero no deja de ser cierto, Weezer no son unos Beatles o unos Radiohead, capaces de irse reinventando en cada obra, lo suyo es más bien un estilo claro tipo AC/DC o los Ramones, funcionan muy bien con su fórmula, pero no fuera de ella... —sergio ariza

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Mike D

Erykah Badu & The Alchemist

Thank You Capitol/ Universal

Before the World Blows Control Freaq Records/ Popstock!

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—marcos gendre

ROCK / The Warning han lle-

gado a un punto delicado de su carrera. Ya no necesitan demostrar que son tres músicas competentes, porque eso quedó claro hace tiempo aunque se pusiera en duda su autenticidad frente a su condición de producto creado para el consumo. El problema es otro. Cuando una banda alcanza cierta dimensión, la energía deja de ser suficiente. Hace falta algo más. “Everything’s Falling” muestra que las hermanas Villarreal tienen recursos para buscarlo, pero también que no siempre encuentran la manera de convertirlos en canciones memorables. Alejandra Villarreal continúa siendo una pieza fundamental, aunque poco reconocida. Su bajo tiene presencia y carácter. Pau sostiene las canciones con contundencia y Dany posee una voz capaz de pasar de la vulnerabilidad a la agresividad sin perder identidad. El siguiente paso debería consistir menos por sonar más grandes y más por sonar más suyas. —eduardo izquierdo

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1 Gurriers 1 Arde Bogotá Manufacturas del Nobody’s Coming To Save You club de la gente sola 2 Anni B Sweet Alegría

2 The Tubs Hard Life

3 Aiko el Grupo Señales brutales

3 Erykah Badu & The Alchemist Before the World Blows

4 Los Enemigos Canciones chulas 5 1111 Historias de Ángeles 6 Marina Herlop Dja dja

4 Chat Pile Who Loves The Sun 5 Bonobo Distance in Static 6 Lambchop Punching The Clown

7 Toundra Siete

7 Interpol This Mirror Weighs A Ton

8 Westside Cowboy 9 Apartamentos It Goes On Acapulco Todos quieren ser 9 Ty Segall los campeones Chrome 10 Getdown Services 10 Levitants Massive Champion ¿Qué arderá mañana?

Evil Island

Teenage Fanclub

Terraform The Afterlife Blowed Out Records

Everything’s Falling Lava/Republic Records

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INTERNACIONAL

8 Nita Magma

The Warning

Who Loves The Sun The Flenser

METAL / Tercer álbum del que, probablemente, hoy en día sea la gran esperanza (y realidad) del meridiano en el que confluyen post-hardcore de la escuela Chicago de los años ochenta y post-metal. Si en sus dos anteriores trabajos asentaron las bases de su propuesta con sobresalientes descargas de brutalidad noise, ahora toca enriquecer su paleta sonora a través de un surtido de variables perpetradas en torno a una generosa dosis de guitarras lacerantes, baterías aterradoramente ceremoniosas y un bajo en los parámetros del punk industrial patentado por Big Black. Chat Pile también juegan con atmósferas neblinosas como en “Same Rules”, quizás la piedra angular a partir de la que han descubierto las propiedades desasosegantes de la pausa y el espacio, que en este caso evolucionan en una dentada post-metal que llega a recordar a maestros de todas las posibilidades expresivas del género como Godflesh.

NACIONAL

que iba acabar sucediendo en el universo Beastie. Un paso natural, un gesto de entusiasmo para los fans huérfanos. Una razón para darle la vuelta a nuestra abrumadora nostalgia. Es el vuelo del Ave Fénix de un antiguo punk rocker que nutre sus barras de sonidos sucios y gordos. Una saga vestida de –obviamente– hip hop, pero también de big beat, de aura indie, de mugre casi ravera, de indicios de una personalidad compleja. En conjunto no es genial, pero sí lo es en algunos momentos. Es muy posible que, por todo ello, “Thank You” haya acabado siendo un disco tonto y emocionante al mismo tiempo. Quizá su aspecto más destacado pueda ser el de que un tipo de sesenta años que tanto nos aportó en “su otra vida” esté de nuevo haciendo su catarsis, compartiéndola desde el alma con millones de corazones rotos desde 2012, que, con esta música y poco a poco, irán sanando heridas. —adriano mazzeo

Chat Pile

8

RAP / “Thank You” es algo

top 10.

SOUL / “Before The World Blows” es una colaboración en toda regla, una muestra de dos poderes sumados y extrapolados exquisitamente. Badu y The Alchemist se suben a una balsa anfibia que navega (de noche, claro) por un lago de brumas canábicas y que hace paradas ocasionales en islas que son oasis sensoriales en los que debemos dejarnos llevar como oyentes. Llevan el lastre justo y sus invitados en cada parada están elegidos con lupa y tras valorar sus pasaportes artísticos. Y es que pocos –o nadie en realidad– puede juntar en un mismo trabajo a Westside Gunn, Kamasi Washington, Earl Sweatshirt, Thundercat, Steve Lacy y DRAM. Es un álbum de dub sin ser dub. Un disco colaborativo que vuela bien alto. Un disco que Badu canta, produce, arregla e incluso mezcla, pero que no hubiera alcanzado a ser lo que es si no se hubiesen abierto las puertas del estudio angelino de The Alchemist. Un verdadero evento para la música negra. —adriano mazzeo

8

7

POST-HARDCORE / Tres de

los The Blood Brothers originales regresan con el nuevo proyecto bautizado como Evil Island. En su debut “Terraform The Afterlife” es cierto que resulta casi imposible no sentir acechar la sombra de aquella banda de culto del post-hardcore “sass”, aunque el disco no parece tratar de repetir fórmulas pasadas. Treinta y seis minutos caóticos y enérgicos en los que los alaridos de Johnny Whitney comparten protagonismo con voces invitadas como las de Guy Picciotto (Fugazi) o Jordan Blilie (The Blood Brothers). “T-Hexx”, “I Bought A Spell” y “King Death” son probablemente los momentos cumbre junto a “No Good” y “Suicide By Cop”, que aportan esa dosis de esquizofrenia tan querida. El disco esquiva la nostalgia fácil y aborda gira en torno al presente capitalismo, la IA o los extremismos con un tono gamberro y juguetón, aunque deja la sensación de que, en algunos tramos, podría haber ido mucho más lejos. —jaime tomé

Do Not Dare To Dream Merge/ Everlasting!

POP / Duele. Solo un poco, no vamos a exagerar. Pero escuece que la carrera de Teenage Fanclub se vaya descoloriendo como una prenda sometida a detergentes de baja calidad. Uno casi llega a preferir que nos deparen un disco rematadamente malo en lugar de una colección de medianías. Por ver si así se resetean. Y pica aún un poco más que sea un tipo tan encantador como Norman Blake quien más esté acusando el lento pero sostenido declive creativo. Sus canciones son la viva imagen del canon cuando se conforma con el relieve y descuida el alma. Exquisita caligrafía, escasísima arista. Esta vez vuelve a ser Raymond McGinley (en ausencia del añorado Gerard Love) quien firma lo más reseñable. Llegados a este punto, quizá no sería mala idea que Euros Childs y Francis McDonald, aquí desaprovechados como compositores, concurrieran con su firma para animar un poco tan alicaído cotarro.

5

—carlos pérez de ziriza

octubre 2026 #71

ASI VA 2026

EN SONIDO MUCHACHO 1

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(Disponible el 09 oct 26)

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(Disponible el 30 oct 26)

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ESCÚCHALOS YA (Disponible el 13 nov 26)

1 Erik Urano Stalker 2 Mujeres Es Un Dolor Inexplicable 3 Kokoshca Divino Tesoro 4 Triángulo de Amor Bizarro Mi Catedral 5 La Estrella de David Máximo 6 Juicy Bae Perreando a Escondidas 7 Aribag Una Extraña Fuerza 8 Marcelo Criminal Falto de Consuelo y Oro 9 Los Punsetes UN RÍO DE ANGUSTIA DESBOCADA

MONDOVINILOS

El pop clásico de The Tubs The Tubs

Hard Life Merge/Popstock!

8 POP ROCK / Pues sí, sólo un año después del

sobresaliente “Cotton Crown”, The Tubs retornan con una nueva ración de exaltaciones de pop incandescente que van de The Wedding Present a Dinosaur Jr. a través de un mosaico de tonalidades que tanto nos pueden hacer recordar a la forma de cantar de Richard Thompson como a ser testigos de híbridos perfectos entre The Jam y The Smiths, como en ese dardo en la diana que es “Who’s Gonna Love You Now”. Eso sí, también nos arrastran a utopías de cómo sonaría J. Mascis de haberse criado en la costa británica, tal como sucede en “If You Don’t Love Me”. Pero quizá lo más representativo que rezuma en casi todo el cancionero elaborado para “Hard Life” es una pulsión folk festiva que recuerda a los Pogues más pop de “Peace And Love”. Desde el otro extremo referencial, incluso pueden llegar a sonar como la versión más springteeniana de The

Russian Circles

POST METAL / El trío de

Chicago vuelve con “Nine”, noveno disco y sexto con Sargent House, de nuevo producido por Kurt Ballou (Converge). Con siete canciones cierran dos décadas desde su debut “Enter” (06), reafirmando su merecido lugar dentro del post-metal y sludge atmosférico sin ánimo de reinventarse. “Nine” es una cómoda vuelta a casa para todos los que hayan sido sus fans durante estos veinte años. Abre “Borehole”, con ecos del sludge atmosférico de Neurosis o Mastodon, y siguen con “Empath”, lo más duro de este álbum con capas sutiles de black y thrash. “Eluvial”, la más larga y adelantada ya en verano, es atmosférica y sombría, con detalles electrónicos cinematográficos interesantes. “E2” enlaza con “Meridian” y su crescendo, antes del respiro acústico de “Arletta” (guitarra española), previo al duro y apocalíptico cierre de “Seventh Seal”. Música densa que no satura y que sigue poniendo la piel de gallina. —jaime tomé

Live! Rough Trade/ Popstock!

I Must Be Dreaming Island/UMG

7

ROCK / Once años han pasado

desde la última entrega del trío. Y la verdad es que retoman lo suyo donde lo dejaron, pero con la conciencia del tiempo transcurrido. Todo suena más sereno, macerado por la experiencia y cierto cribado de sapiencia y madurez. La producción es impoluta, a cargo de Shawn Everett (seis premios Grammy). Todo suena clásico. O vintage. O con aspiración de clásico inmediato sin dejar de sonar medianamente contemporáneo, que viene a ser un poco lo mismo. No faltan baladas canónicas, prendadas de espiritualidad soul (“Garden”, “Time” o “Easy”), ni acercamientos a una psicodelia leve (“Tea Time”, “Friends”, “Tied To You”) ni – puntualmente – su calentura más característicamente soul rock (“Another Life”, “American Dream”), recordándonos –como hacen los últimos Afghan Whigs– que a veces aminorar el tempo y rebajar el volumen de las guitarras no equivale a mermar en intensidad.

—carlos pérez de ziriza

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do gafapasta más icónico de la historia del rock (el primero siempre será Buddy Holly). Más allá de todo lo expuesto hasta aquí, quizá la verdadera forma de entender la magia de este grupo esté condensada en “In Your Place”, prueba irrefutable del don perfeccionado por los galeses para propulsarse en tours de force flamígeros equilibrados con los moldes armónicos heredados del toque Johnny Marr. Sin duda, un festín de los que ya no quedan. —marcos gendre

Pulp

Alabama Shakes

Nine Sargent House

7

Replacements, tal que en “Heaven Or London”. Con tales mimbres, la docena de cortes que fluye en este álbum responde a un ideal atemporal que sobrevive al efecto sombra de hitos pasados gracias a un cruce memorable entre puntería melódica e intensidad contagiosa, harto emocional. Y lo consiguen gracias a una perspectiva no tan lejana a los preceptos pop orquestados por Elvis Costello en trabajos brújula como “Armed Forces”. Precisamente, en “Now And Then” rozan la caligrafía del segun-

LA PLAYLIST Al mal tiempo, buena cara

INDIE POP / Pulp certificaron lo glorioso de su regreso con un álbum tan notable como “More” (25). Ahora Jarvis Cocker y compañía dejan constancia de la no menos exitosa gira posterior. Se reafirman así en este glorioso disco en directo capaz de capturar toda la energía, elegancia y solidez de una banda que dibuja aires tan dramáticos como finos e irónicos. Registrado en el O2 Arena de Londres en junio del año pasado, “Live!” es un documento arrollador que funciona, además, como impagable repaso por la generosa discografía de los de Shefield. Diecisiete canciones que dan forma a un conjunto tan vigoroso como emocionante tanto a través de inspiradas piezas de su última obra hasta clásicos de tintes épicos. A la espera del inminente estreno del documental “Pulp: What Do You Do For An Encore?”, “Live!” es una bacanal a base de un sonido auténtico y alejado de esos directos manipulados hasta la náusea. —raúl julián

8

Abrir el periódico o encender el telediario es consumir una dosis de desesperanza imposible de digerir. La música es, para ello, un refugio indispensable y nostálgico. ¿Por qué, si no, nos encontramos siempre aquí? —joan sánchez 1 Malifeta y Quinto “INFLAMABLES” (“BREGA”, 2026) 2 Veintiuno “Delicadeza” (“Gourmet”, 2018) 3 Auxili “Hui la liem” (“Tresors”, 2018) 4 Ultraligera “La Basura” (“Pelo de Foca”, 2025) 5 Romàntic Dimoni “SALUT!!” (single, 2026) 6 Panic! At The Disco “High Hopes” (“Pray for the Wicked”, 2018) 7 Varry Brava y Bely Basarte “El último festival” (“Sharipop”, 2024) 8 Hey Zuri “puigKampana” (“INTERLINK”, 2026) 9 Viva Suecia “El Bien” (“El Amor De La Clase Que Sea”, 2022) 10 La Fúmiga y Ginestà “TOT ESTÀ PER FER” (“TOT ESTÀ PER FER”, 2024)

octubre 2026 #73

MONDOVINILOS

Bonobo se depura Bonobo

Distance in Static Ninja Tune

7

ELECTRÓNICA / La transformación musical de Bonobo –más de veintiséis años reinventándose– pasa por la suciedad de unos ritmos rotos lo-fi que aún cotizan al alza en mis oídos –Simon era impecable con el Akai S950–, las melodías invertidas y hasta por recordar su época de guitarras y sitar (“Terrapin”). Su discurso orgánico ha evolucionado hacia texturas y BPM menos pesados. Una producción más transparente, domesticada y con menos riesgo. En “Animal Magic” (00) y “Dial ‘M’ For Monkey” (03) exprimió el sampleo con unos recursos limitados. Hace tiempo, sin embargo, aparcó el laboratorio: la experimentación pasó a ser experiencia. El barro, aguas limpias. “Distance in Static” vuelve a oler a Nenuco, extremando limpieza y espacio y continuando la senda de “Migration” (17). Pero la similitud con “Fragments” (22) es especialmente grande: ambos podrían

convivir. “Otomo” se hermana con “Talk To Me”; “Closer”, con “Can’t You See”. Son extensiones naturales. No oculto que añoro aquellos largos embarrados, pero tampoco desprecio su actitud actual, más refinada, cálida y atmosférica. Aquí no todo es house o electrónica de baile espiritual: “Youth’s Fountain”, junto a Nilüfer Yanya, recupera cierto trip hop acústico. “ID700” es la punta de lanza en su aproximación al 2step:

The Jayhawks

7

ALT-COUNTRY / Al igual que

los personajes de su nuevo disco, quienes enfrentan los desmanes del paso del tiempo, la banda estadounidense celebra sus cuatro décadas de actividad conjugando pasado y presente. Recuperando al productor de su lejano “Smile”, Bob Ezrin, y cediendo la soberanía compositiva e interpretativa casi absoluta a Gary Louris, el actual repertorio aborda –con la habitual exquisitez– su fisionomía más luminosa, una naturaleza que inevitablemente vela su genial e identificativo poso melancólico. Sin mácula en cuanto al agradable manejo de paisajes campestres, armonías vocales o del soft-rock, son sin embargo esas postales nostálgicas las que reviven su verdadera excelencia. Porque The Jayhawks, aunque en este álbum rastreen, como dice uno de sus versos, el cielo azul, nunca dejarán de ser maestros retratistas de ese cálido horizonte donde también mora el regusto salado de las lágrimas. —kepa arbizu #74 octubre 2026

Jim James

The Womack Sisters

Sanctuary Park Thirty Tigers

SOUL / Hijas del dúo Womack & Womack, sobrinas de Boby Womack y nietas de Sam Cooke, Kucha, Zeimani y BG tienen en sus venas el ADN perfecto para lanzarse de pleno derecho a lo que han mamado desde pequeñas: Soul vocal de aroma muy clásico, pero con el toque de distinción preciso para no sonar añejo del todo. Y aunque uno pudiera suponer que lo deberían haber tenido realmente fácil para sacar este álbum de debut, en realidad ha sucedido justo lo contrario. La industria de su país las veía demasiado encasilladas en un estilo que no vende discos, y las animaban a pasarse a algo mucho más pop. Por eso ha tenido que ser Bosco Mann, productor y cofundador de Daptone Records, quien les ha acabado dando ese sonido tan distintivo del sello, que se refleja en un disco que transcurre sin estridencias y asegura una escucha tan dulce como sosegada.

—don disturbios

Bloc Party

Wowed Out ATO Records

The Womack Sisters Daptone Records

7

entusiasta, de aristas suaves, con soniquetes folk distantes y exóticos. El disco reúne además las voces de Arooj Aftab, Joy Crookes, Ichiko Aoba, Nicole Miglis y Aanya Martin en inglés, japonés o urdu. En definitiva, el nuevo disco no reinventa: depura lo aprendido en dos décadas y pico. Donde antes encontraba accidentes, suciedad y peligro, hoy hay control, equilibrio y perfección. —bruno garca

7

ROCK / Jim James es ya todo

un veterano, con diez discos a sus espaldas con su banda My Morning Jacket y otros cinco en solitario. En esta década ha estado más centrado en el regreso de My Morning Jacket y lo ha hecho con bastantes altibajos, siendo el último disco de la banda, “Is”, uno de los más flojos que se les recuerdan. Por eso es un alivio escuchar este disco con el que retoma su carrera en solitario y ver al cantante poner en acción su fantástica voz en unas canciones mucho más reflexivas y contemplativas de a lo que nos tiene acostumbrados. “Wowed Out” es un disco mucho más esquelético que lo que solía ser habitual con una especie de querencia a contenerse que le va perfecto al tema del disco, alejarse del ruido del mundo artificial de Internet, con un James que no quiere volarnos la cabeza, sino que nos tomemos nuestro tiempo en disfrutar de los pequeños placeres, esos como los que proporciona este disco. —sergio ariza

Anatomy Of A Brief Romance Virgin

INDIE / Bloc Party llegaron a insinuar candidatura para convertirse en una de las grandes bandas de Reino Unido con “Silent Alarm” (05). Guitarras afiladas, canciones cortantes y rítmicas, un vocalista magnético… todo pintaba de cara para un grupo que, a continuación, se diluyó, enfilando una serie de tumbos que ahora derivan en “Anatomy Of A Brief Romance”. Un disco lanzado en plena madurez creativa de la que, al menos en el apartado narrativo, Kele Okereke y compañía salen airosos. El combo retrata con habilidad las diferentes fases por las que transcurre una relación sentimental, pero es en el peso de las propias canciones donde está el problema, con aquellas cualidades que señalaban a una banda especial evaporadas casi en su totalidad. Cincuenta minutos que se tornan aburridos y que palidecen frente a los que fueron sus mejores momentos, dando como resultado un álbum monótono e incluso tedioso. —raúl julián

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MONDOVINILOS

Allah-Las

Sirenas Mexican Summer

—

ROCK INSTRUMENTAL / La banda angelina Allah-Las sigue añadiendo colores a su paleta, pero no sé si el resultado es mejor que sus primeros discos, más cercanos al surf rock y a la psicodelia. Aquí siguen apostando por meterse en terrenos Kraut y en lugares más atrevidos pero el álbum es menos coherente, aunque exploren nuevos territorios con su música. Ellos mismos reconocen en la nota de prensa que se han alimentado “de una amplia gama de influencias que se inspiran vagamente en un recuerdo onírico de los años ochenta y noventa, desde el pop melódico de Felt y Laidback hasta el ambiente celestial de Akira Ito y Popul Vuh, pasando por el funk electrónico de Ultramarine o The Durruti Column”. Pero esa amalgama de sonidos no termina de fundirse en un sonido compacto lo que desemboca en un disco instrumental que deja momentos muy interesantes pero que no termina de funcionar como un todo. —sergio ariza

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Chelsea Wolfe

The Dark Loma Vista/ Music As Usual

Beck cubre el expediente Beck

Ride Lonesome Capitol

POP ROCK / En este nuevo

7 álbum, Chelsea Wolfe expone sus pérdidas y tribulaciones, pero mirándolas con distancia, sin abrazarlas demasiado, digamos. El hecho de estar sobria le permite hacer ese juego de distancias, y lo hace muy bien. “The Dark” es un disco en el que su audio se vuelve inéditamente orgánico, suena a madera, tiene matices sonoros, pero no emocionales: todo aquí se vive y dice a tope de intensidad. Exceptuando momentos en concreto de definida energía y distorsión (la dinámica y sónica “Seethe”, el dream pop existencialista “Swallower”, el crescendo desde música de raíz a doom de “Death Is Not The End”), es un disco para escuchar sin prisas. Aquí se expresan del mejor modo posible esos sentimientos de “despegue” que tenemos tras haber tocado fondo y, al mismo tiempo, podemos empezar a vislumbrar la luz que nos sacará adelante. El objetivo básico del arte, vamos. —adriano mazzeo

6 INDIE FOLK / El único hándicap con el que puede toparse este disco es que ya no sorprenderá a nadie que esté familiarizado con “Morning Phase” (14) o –sobre todo– con el magno “Sea Change” (02). De hecho, que hayan pasado justo doce años entre cada uno de ellos refuerza la idea de que estemos ante el último vértice de una suerte de trilogía que seguramente ni fue ideada como tal. Diría que este capítulo no iguala ni mucho menos supera al primer (quizá tampoco al segundo) brote del Beck crepuscular, aquel que nos torció el culo con una reconversión cifrada en pieza de culto con los años. Ya digo: quizá no es tanto un problema estrictamente cualitativo como de expectativas, el que me genera este decimoquinto álbum del músico californiano. Creo que carece de la mejor chispa de aquellos. Remata también con él un lapso de silencio que es el más largo en su carrera: siete años desde “Hyperspace” (19). Y lo hace recurriendo a gran parte de la nómina que le ayudaron a

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pulir aquellas lejanas muestras de folk pop taciturno, ornamentado y otoñal: de nuevo Nigel Godrich a las mezclas y unos créditos de ensueño con Blake Mills, Jason Falkner, Roger Joseph Manning y Joey Waronker. Auténtico lujo. Pata negra. Demasiada, seguramente demasiada para lo que resulta simplemente un bonito y en exceso reverente decálogo de doce puntos que orbitan en torno al pentagrama del singer songwriter de marchamo setentero, del trovador que se mueve entre un folk amanerado (impoluto, irreprochable, pero innegablemente amanerado) y ciertos efluvios country y hasta bluegrass. Con más o menos peso de los arreglos de cuerda (“In The Night”), de la slide guitar (“Disappearing Act”) o del piano (“Failed Words”), pero sin escapar prácticamente nunca de una tónica en exceso monocromática . Con la única excepción de una etérea “For Your Love”, en la que sí creo detectar cierto atisbo de trascendencia. ¿El disco en su conjunto? Bonito es, desde luego, pero también un pelín aburrido. Bien sabemos que Beck es capaz de embutirse con soltura en este traje –aunque no sea el que mejor luzca en las pasarelas por las que siempre lo recordaremos–, pero en esta ocasión ha preferido vestirlo sin demasiadas complicaciones, como si encarase una faena de aliño. —carlos pérez de ziriza

octubre 2026 #75

.LOS DISCOS DE MI VIDA. The Beatles 1962–1966 / 1967–1970 (1973)

Mis padres escuchaban muchos cantautores franceses y también mucha música clásica. Creo que todo eso despertó mi curiosidad y me hizo interesarme por estilos muy distintos. Pero si tengo que señalar una influencia especialmente importante, serían The Beatles. Creo que de ahí viene parte de mi interés por las melodías, las estructuras de las canciones, las armonías y los arreglos.

Slayer Seasons In The Abyss (1990)

Creo que el primer disco que compré con mi propio dinero, para ser honesto, fue un disco de Vanilla Ice. No es precisamente la respuesta más cool, pero era aquella época. Aunque pasé bastante rápido a otro tipo de música. Poco después compré “Seasons In The Abyss” de Slayer, así que fui directamente de algo totalmente pop al metal.

Chuck Comeau (Simple Plan)

Los canadienses Simple Plan regresan a nuestro país este mes de octubre para celebrar sus veinticinco años de trayectoria. Antes de volver a disfrutarles en directo en Barcelona (26 octubre, Sant Jordi Club) y Madrid (27 octubre, Palacio Vistalegre), charlamos con Chuck Comeau, batería de la formación, sobre algunos de los discos que han marcado su vida y la historia del grupo.

Bad Religion Recipe For Hate (1993)

Blink-182 Enema of the State (1999)

Jimmy Eat World Clarity (1999)

No podría decirte cuál es el disco con el que más he llorado en mi vida, pero muy posiblemente sea “Clarity”. Siempre me ha parecido un álbum precioso. Me encantan Jimmy Eat World y este disco es muy emotivo y muy poderoso.

Propagandhi How To Clean Everything (1993) Es muy difícil elegir solamente uno, pero uno de los discos que realmente cambió mi vida fue “Recipe For Hate” de Bad Religion. Cuando escuché “American Jesus” por primera vez cambió mi forma de relacionarme con la música. Hasta entonces escuchaba mucho grunge, todo lo relacionado con Lollapalooza, Beastie Boys... Pero cuando descubrí a Bad Religion pensé: “Esto es lo que quiero hacer”.

Ese disco terminó de mostrarnos todas las posibilidades que tenía este tipo de música. Podías seguir haciendo canciones muy enérgicas e intensas, pero al mismo tiempo podían ser melódicas, pegadizas y hablar de cuestiones personales en lugar de centrarse únicamente en la política. No diría que nos proporcionó una plantilla, porque ya teníamos bastante claro lo que queríamos hacer, pero sí nos enseñó hasta dónde podía llegar ese sonido.

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Me gustan muchísimo Propagandhi. No sé hasta qué punto la gente fuera de Canadá los conoce, pero “How To Clean Everything” del 93 y “Less Talk, More Rock” del 96 me parecen dos de los mejores discos de punk rock que se han hecho en Canadá. —MS

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78/Mondo Media

Joan S. Luna y Jordi Pastor Barcelona, música y piel El guionista Joan S. Luna y el dibujante Jordi Pastor convierten la amistad y la memoria en materia literaria en “Son cuatro días” (Astiberri, 26), un cómic sobre suicidio, trauma, juventud... y aquello que queda cuando lo vivido deja de pertenecernos exclusivamente. Barcelona, música y piel para construir un relato íntimo, pero también de todos.

H

AY PAREJAS que funcionan por contraste. Joan y Jordi funcionan por complicidad. Se nota en conversación en un bar chic y recargado que no les pega nada por Sagrada Familia (su cafetería favorita, Tokio, en la que tanto han charlado, está cerrada por vacaciones). Se nota, claro, en las páginas de su cómic: texto y dibujo parecen nacidos para casar en una historia que, aunque nace de los recuerdos de Joan, no se queda encerrada en ellos. EL REDACTOR JEFE de esta revista que lees durante más de tres décadas, llevaba un buen puñado de años barruntando esta historia. Le hacía falta tiempo para entender qué quería contar y, sobre todo, qué parte de aquello que recordaba pertenecía a su vida y debía pertenecer al relato: hablar del trauma podía servir a todos, inclusive a Jordi Pastor, profesor de narrativa en Escola Joso, autor de múltiples obras, entre otras, “Pulp” (Planeta Cómic, 21), por la que se conocieron con Luna, y que ha hecho del diseño de personajes intuitivo, el color y la representa-

#78 octubre 2026

ción de viñetas, un recorrido de muchísima profundidad emocional. PORQUE ESTE DE LA HISTORIA es Joan, sí, pero no únicamente de Joan S. Luna. La de “Son cuatro días” es una verdad literaria: la juventud, la búsqueda, las cosas que uno recuerda y las que decide convertir en historia. También las de una Barcelona jovial, todavía preolímpica y la de una banda sonora que va de The Cure a El Último de la Fila, de quien toman prestado el título. Todo parece estar ahí, pero desplazado unos centímetros. Lo suficiente para que la memoria deje de ser memoria y empiece a convertirse en cómic. El mejor regalo para Ismael, una forma de dignificar su recuerdo. —¿Te arrepientes de haber hecho una autoficción? Es mucha exposición… (Joan S. Luna) ¡No! Ha sido terapia. Hay gente cercana, y no tan cercana, que se me ha abierto, que me ha compartido su historia. Las generaciones de ahora hablan de sentimientos y salud mental, pero mi generación, la X, no iba a terapia. Íbamos a hacer mecanografía, inglés, pero no a terapia… Los problemas nos los quedábamos dentro.

—En la presentación del otro día en Barcelona se vivió la dignificación, qué intervenciones tan bonitas del público. (Joan) Emma, que aparece en el cómic, me dijo que estar en la presentación fue una catarsis colectiva. Que, aunque el libro lo hiciésemos nosotros, esto hablaba por ella. —¿Se necesitaba una catapulta como el cómic para sacar todo esto? (Joan) Iba a ser un libro… Afortunadamente fue un cómic gracias a Jordi. Todo un acierto. Jordi lo ha captado perfectamente. Ha entendido la historia, nos hemos llevado genial. Hay muchas cosas que si fuesen un libro no funcionarían. (Jordi) Un buen amigo, dueño de la librería Arkham, me decía que le cuesta leer historias que traten el trauma, pero el hecho de que sea cómic le ha ayudado a aguantar el peso emocional del texto. —Yo no soy lector de cómic. Pero la ternura que le proporciona el formato, no sé si existiría sólo en palabras. O sólo en imágenes. (Jordi) La sinceridad, el humor de Joan, son grandes aciertos. La escena del funeral, la vía de escape que supone la risa en ese funeral… Hay tanta gente que lo alaba. Hay una parte de humor y esperanza. (Joan) Si solo lo hubiese escrito no llegaría como llega a la gente. En un libro común no podría generar ese humor. Hubiese sido algo más documental o un ensayo. Así ha cogido un toque diferente. —Es una lectura ágil. Y no hay grandes proclamas. Se agradece en la lectura. (Joan) No hay lecciones. Y sí, hay mucho texto, yo hablo mucho [ríe] Y aunque sea muy

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lector de cómics, no estoy acostumbrado a escribirlos. Pero lo más importante, este cómic no nace de silencios cómplices. Sino de conversaciones. A mí me encantan los cómics visuales, pero también los de autores como Alison Bechdel, Étienne Davodeau, Mariko Tamaki, en los que se habla mucho. Ah, debo decir que el color de Jordi es bestial. —Jordi, ¿cómo hiciste para retratar a Ismael? Esa cara de “no encajar”, muy acertada. (Jordi) Soy una persona que no acostumbra a hacer un gran proceso de diseño de personajes. Trabajo con primeros esbozos. Y me enfrenté a Ismael la primera vez que salía en el cómic, partiendo solo de una fotografía que me mostró Joan. No me hago muchas más preguntas. No hay mucha investigación gráfica. He tirado de oficio. Afortunadamente, por la reacción de la gente, ha funcionado. —¿Pensaste mucho en el color? (Jordi) Llevo muchos años usando el color como herramienta narrativa. Lo tengo en la cabeza. Me ayuda a trabajar rápido una página. Cuanta menos información visual, más rápido. El color realista te obliga a pasar más tiempo coloreando, y tal vez no aporte nada a la narración. Yo soy todo lo contrario. El color debe hablar. Me gusta que esas conclusiones lleguen al lector. Me

“ “Las generaciones de ahora hablan de sentimientos y salud mental, pero mi generación, la X, no iba a terapia”

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CÓMIC gustó mucho que en la presentación la gente resaltase el color azul de Ismael, son detalles conscientes. —Hablando de ese color azul de Ismael, ¿os preocupaba que el formato le diese a Ismael una lectura demasiado encasillada y simple? (Joan) Hay una conversación que digo que cuando está “cruzado” intento alejarme de Ismael… Y cuando hablé con todos mis ex compañeros de facultad juntos me decían: si era un tío muy cachondo y enrollado, y eso sale, pero no quería hacerlo muy animado, él era un pesimista-pesimista, como digo en la obra, debía haber un equilibrio. (Jordi) Yo acompaño a Joan. Esto es un baile de salón. Y Joan marcó el ritmo con los diálogos. (Joan) Él conocía el esqueleto de la historia. Pero nunca el guion completo. Y en ningún momento he tenido que decirle: “Esto no”. (Jordi) Solamente trabajamos al mismo tiempo las últimas páginas. Son consensuadas. Era lo primero que me contó, sabía cómo debía acabar. Aquí sí que quedamos para ver cómo acabar la obra. Trabajar con él ha sido muy fácil [con la mirada se piropean el uno al otro]. —yeray s. iborra

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octubre 2026 #79

CINE Y SERIES De puntillas

El ser querido

Russell T Davies

Rodrigo Sorogoyen

9 CON SUS SESENTA y tres años el currículum de Russell T Davies en la televisión británica (“Years & Years”, “It’s A Sin”, “Doctor Who”) es de los que no cabe en un largo papiro. Una experiencia que ha resultado vital a la hora de escribir y rodar esta demoledora historia planteada y conclusa a lo largo de cinco capítulos que van de menos a más, hasta alcanzar uno de los finales más tensos y brutales de los últimos años. “Tip-Toe”, es decir, “De puntillas” está rodada y escrita con un fin muy determinado. Es toda una llamada de atención ante esa violencia que poco a poco va creciendo en la sociedad occidental, contra los que piensan y sienten distinto. Comunidades que, tras unos años de eufórica eclosión, ven cómo deben volver a ir con cuidado, andar de puntillas, no vayan a molestar al hijo de puta equivocado. Ese es, sin duda,

el tema de mayor peso, el que vertebra toda la trama, pero no es el único. “De puntillas” plantea también como hemos ido perdiendo el anonimato por culpa de las redes sociales. El mismo anonimato que nos otorgaba una libertad de acción y movimiento muy propio de las grandes ciudades. Las mismas que acogían en sus inmensos brazos a todos los-las-les diferentes del mundo, para mantenerlos lejos de las habladurías o acosos de los entornos más pequeños. Sin embargo, la aldea global con su híper conectividad, unida a esa necesidad de exhibición inconsciente, entraña sus riesgos. Y lo hace porque vivimos en una sociedad tan polarizada que basta una serie de malentendidos para que todo se salga de madre y acabe, cómo no, en una tragedia imposible de revertir y de la que nadie va salir indemne.

—don disturbios

9 El mayor reclamo de “El ser querido” para el público puede ser el duelo interpretativo entre Javier Bardem y Victoria Luengo, y en ese sentido no decepciona: ya empieza fuerte con ese cold opening de casi veinte minutos entre los dos, y cada escena que comparten es para quedarse embobado. Pero esto es mucho más que un vehículo de lucimiento para sus actores, y un ejemplo es que contiene quizás la secuencia con más tensión rodada por Sorogoyen, lo cual no es poca cosa... y sin necesidad de un solo disparo ni violencia (física). Una secuencia que, según nos contó el director en una entrevista de próxima publicación, tardó cinco días en rodarse. “El ser querido” es su primer largo 100% drama y no se guarda ningún as en la manga en forma de giro: nos quiere contar la relación entre esta hija y este

Oasis. Don’t Look Back In Anger

Ceniza en la boca

Dylan Southern & Will Lovelace

Diego Luna

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6 HACE UNOS POCOS AÑOS, la escritora mexicana Brenda Navarro obtuvo un gran éxito con su novela “Ceniza en la boca”. Diego Luna, más conocido por su exitosa carrera como actor, se ha encargado de llevarla al cine en una película que se estrenó en una de las secciones paralelas de la última edición del Festival de Cannes. El tema de fondo de la novela, al igual que el de esta adaptación homónima, no podría estar más vigente: la emigración. Una realidad que se encarna en la protagonista, una excelente Anna Díaz que se pone en la piel de Lucila. Cuando la vemos por primera vez, se encuentra en una pequeña ciudad mexicana. Su madre, Isabel (Adriana Paz), se despide de ella en susurros al amanecer. Le ruega que cuide de su hermano pequeño, Diego, que duerme a su lado y que todavía no es más que un niño. Poco después,

observamos cómo la mujer sale prácticamente a escondidas de casa. Todo indica que está abandonando a su familia. Se trata de un prólogo muy potente, aunque, por desgracia, también es la mejor escena de la película, que no logra mantener esa intensidad durante el resto de su ajustado metraje. Ocho años después la familia se ha reunido en Madrid, aunque pronto queda claro que sigue rota en todos los demás aspectos. La situación se vuelve cada vez más asfixiante y Lucila empieza a contemplar su propia vía de escape: marcharse a Barcelona. Sin embargo, la tragedia que se cierne sobre ella la perseguirá allá donde vaya. En resumen, “Ceniza en la boca” es una película sobria, que rehúye el melodrama fácil y prefiere mostrar antes que sermonear. Una película digna, aunque no memorable.

—josé martínez ros

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padre, y es lo que va haciendo a fuego lento a lo largo de todo el metraje. Concluye en un doble final que nos brinda una de las secuencias más intensas que ha rodado (quienes dicen que su cine es frío no estoy seguro de si seguirán opinando lo mismo), y que no funcionaría tan bien como clímax de no estar sostenido durante todo lo previo por un exquisito guion firmado, como siempre, entre él e Isabel Peña. El excelente retrato de sus personajes protagonistas nos da además uno de los mejores y más realistas retratos del cine que se han hecho en nuestro país, con juegos formales al respecto y de nuevo con una magnífica fotografía y BSO. En definitiva, “El ser querido” es uno de los mejores trabajos de su director; para quien esto escribe, el mejor tras “El Reino”. —pablo tocino

LA GIRA DE REUNIÓN protagonizada por Oasis en 2025 viró, en la práctica, hacia acontecimiento mundial de tintes épicos y una devoción consensuada más allá de cualquier previsión lógica. Conciertos que cristalizaron en una camaradería a medio camino entre lo deportivo y lo religioso, en lo que no fue sino una comunión mesiánica en torno a la reconciliación de los hermanos Gallagher. Exprimiendo a fondo esos elementos, “Oasis. Don’t Look Back In Anger” apunta sin disimulo hacia la solución de aquellas discrepancias que motivaron el enfrentamiento entre cantante y compositor durante quince años. También exprime la devoción bíblica que millones de fans de todas las edades profesan por Oasis, materializando en imágenes todo el impacto emocional que generan con sus canciones y sus directos. Lágrimas, abrazos,

besos y cánticos eufóricos que se suceden lo largo de dos horas sazonadas también con sensaciones y opiniones de los Gallagher. Un viaje que comienza en el local de ensayo y continúa por Reino Unido, Asia, Estados Unidos y Sudamérica, mostrando el arrollador estado de forma del combo. A pesar de dar la sensación de que podría haber dado más de sí, “Oasis. Don’t Look Back In Anger” es un documental emocionante y, en ocasiones, también divertido, que convencerá a cualquier seguidor de los de Manchester y reverdecerá recuerdos impagables si estuviste allí, abrazado a alguien querido mientras llorabas de felicidad con “The Masterplan”, “Stand By Me” o “Champagne Supernova”. Y si no fue así, al menos podrás hacerte una idea fidedigna de lo que supuso tan histórico sarao.

—raúl julián

octubre 2026 #81

A tu cultura le falta calle ¡No te pierdas los eventos en nuestros Fórums!

Agenda 2026

Nueva sala cultural · musscal

Octubre

Novvembre

VVe.02 - 21.30H

VVe. 6 - 20.00H

Sam Snntchy

Vapors of Morphhne

Concert

Sab. 14 - 21.00H

Sab. 17 - 21.00H

Quumm Portet

Mad about Laurel AAtken

Concert

Concert

Pop rock, mússca popular contemporánea

Rhythm & blues, mento, ska, reggae & rocksteady

VVe. 23 - 23.00H

MMmesss

Concert

Low rock, jazz fussso, delta blues, rock alternattu

Synth, Punk, Industrral

Sab. 21 - 23.00H

Club

Roots Legacy Yannss Odua

Goa trance, psytrance

Sab. 24 - 22.00H

Mamá Laddlla

Roots reggae, dancehall, raggamuffffn

Concert

Punk rock progressvo, humor absurdo y crrttca soccal

Dom. 25 - 18.00H

(Hed) P.E.

Concert + Club

VVe. 27 / Sab. 28 - 20.00H

Malddto Metal Fest

Concert

Metal, groove metal, trash metal, hardcore, punk

Concert

Metal, HHp Hop

DDccembre

Sab. 31 - 22.00H

Los TTkk Phantoms

Concert

Surf rock nstrumental, r'n'r, psycho western

Sab. 19 - 23.00H

Dub DDmensson Rapha PPco

Club

Roots reggae, dub, sound system

Jue. 31 - 01.00H

Cap d any: Fonkk Cheff & Txarly Brown

Party

Funk, soul, bugalú, ddsco, reggae, ska, hhp hop, rumba, cumbba...

antes: C/ Issdre Nonell, 9 - Pol. Ind. Can RRbó Badalona - Barcelona

+ nfo: DOSROMBOS.club

LIBROS Extremo. Cómo la cultura de la transgresión y su censura nos han llevado al fascismo Manuel Moreno Libros Walden

PODCASTS Número cero: Bob Dylan, retrato de un hombre invisible

Aventuras y desventuras de un DJ Ángel Francisco López Morán (Angel Dust) Contra

Eduardo Jordá Libros del Asteroide

9 Es obvio: si antes molaba ser progre, hoy mola ser carca. Simplificando mucho. Al parecer, lo woke es el nuevo establishment. Ciscarse en algunos consensos básicos de nuestras democracias, que ya dábamos por hechos, cotiza al alza. En esencia, este completísimo ensayo nos depara un apabullante recorrido por las músicas, el cine, la literatura y el arte más transgresores y rupturistas (en el mundo y en España) de los últimos sesenta años, y sus connotaciones sociales y políticas en el contexto en el que surgieron. Porque el contexto lo es casi todo. Y cómo el nuevo facherío internacional se ha servido de algunas de sus estrategias para crecer como la espuma. Uno de los ensayos culturales del año en nuestro país. —carlos pérez de ziriza

En el estómago de la bestia.

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A estas alturas parece que todo está dicho, analizado y discutido sobre Dylan. Pero si vamos a seguir escribiendo sobre él, se agradece que alguien intente buscar un camino propio. Jordá lo hace alejándose de la biografía convencional y apostando por una mirada interpretativa. Ahí está buena parte de su interés, pero también su principal riesgo. Algunas opiniones son discutibles por subjetivas, otras curiosas. No siempre estaremos de acuerdo, pero precisamente ahí aparece una lectura personal que invita a la discusión. Su gran mérito, por eso, está en el trabajo para hilvanar épocas, canciones, personajes y episodios de una trayectoria tan compleja.

—eduardo izquierdo

Es este un relato autobiográfico de fuste. No solo por todo lo que cuenta el músico, DJ y productor mexicano afincado en Barcelona, sino también por cómo lo cuenta. Professor Angel Dust puede presumir de que todo lo que dice la faja de su libro es cierto: ha vivido al límite. Ha alternado con una nómina de artistas a la que ninguno de nosotros podría frecuentar ni en dos o tres vidas, ha sido músico, DJ y empresario en diferentes puntos del planeta y ha exprimido en su propio provecho casi todos los estilos musicales imaginables. Pero todo lo que cuenta a partir de 2008 hace que entre en otra dimensión: el auténtico estómago de la bestia. Una historia de supervivencia, de pulso narrativo vibrante y prosa exuberante.

—carlos pérez de ziriza

CÓMICS Outline

Michèle Fischels Reservoir Books

8 “Outline” conjura en mi mente esos veranos que precedían cambios vitales de gran calibre, umbrales hacia ese futuro que era a la vez promesa y amenaza. Michèle Fischels, a través del triángulo formado por Ben, Andreas y Clara, ilustra con emoción contenida ese momento de cambio, de darse cuenta de que la vida va en serio, de tomar decisiones que, algunas veces, nos separarán de aquellos que nos han acompañado. No voy a decir que es una historia coming-of-age más: estaría faltando a la calidad narrativa y visual de una novela gráfica en la que la autora alemana captura esa encrucijada vital, la de tres personajes que tienen una última oportunidad de permanecer juntos en un presente conocido.

—laura madrona

Ya no llama nadie

Salva Rubio y Sagar Norma Editorial

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8 Una excelente forma de descubrir la vida de Jacques Brel que, en su edición en castellano, reúne los tres volúmenes de la serie que estos dos autores españoles publicaron en Francia. Ambos están mejor que nunca y aciertan plenamente al dividir la vida del cantautor belga en esas tres etapas que nos sumergen en el periplo de una persona, de un artista, en toda su complejidad. Aquí no hay tópicos, sino mucha verdad, tanta que hasta nos llevan al extremo de apreciar al Brel artista y casi despreciar al ser humano que se escondía tras esa máscara de gran creador. Padre ausente, marido mil veces infiel y, a veces, amigo de sus amigos. Una biografía como todas las biografías deberían ser: con sus luces y con sus sombras.

—mercè gutiérrez

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Adrián Oller, Dani Serrano y otros

Es complicado conseguir que un podcast –también web– informe y entretenga a partes iguales, pero algunos como Wololo Sound lo logran con naturalidad. Su propuesta combina divulgación y narrativa para acercar al oyente al funcionamiento real del ecosistema de la música electrónica, un mundo en el que lo visible (festivales, artistas, sets...) es solo la superficie de algo mucho más complejo. El programa destaca por su enfoque coral, no se limita a las figuras más conocidas, sino que da voz a todos los engranajes que hacen posible la industria. Promotores que planifican eventos asumiendo grandes riesgos, agentes que negocian contratos en contextos cambiantes, managers que equilibran creatividad y mercado, y técnicos que sostienen la experiencia final del directo. —alberto carrasco

Jacques Brel. Una vida en mil compases

Elizabeth Casillas y Blanca Vázquez Astiberri

Casillas y Vázquez han lanzado a lo largo de los últimos años diversos títulos, pero ninguno como este emotivo, precioso y delicado “Ya no llama nadie”. En una sociedad en la que se arrincona a nuestros mayores, ambas autoras ayudan a que abramos los ojos, a que entendamos lo complicado que es llegar a la vejez y sentir que todo se está acabando. Por ello Mariona, su protagonista, se plantea qué quedará de ella cuando se haya ido y quiere verbalizarlo, quiere ser escuchada, ser tratada como una persona, mientras quienes deberían hacerlo parecen estar en otra cosa. Quiere ser escuchada como ella escuchó. Y Casillas y Vázquez consiguen que la escuchemos y aprendamos que todos pasaremos por ahí. —joan s. luna

Wololo Sound

7 El Arte del Negocio Musical

Sympathy For The Lawyer

Resulta paradójico que, en nuestro mundano modo de entender la música, conmovernos con la liturgia del directo o venerar la figura de un artista, casi nunca tengamos a bien cuestionar la compleja maquinaria de derechos, contrataciones, inversiones, estrategias y voluntades que hay detrás de todo ese tinglado. Sympathy For The Lawyer, sin embargo, lleva años intentando convertir en inteligibles los engranajes, a menudo invisibles y no siempre amables, que mantienen en funcionamiento el sector fonográfico. Primero con su portal online y posteriormente con la dimensión conversada del mismo, su equipo de voces principales arroja luz con conocimiento especializado sobre esa letra pequeña de la industria que, queramos o no, también nos afecta al resto de los mortales. —fran gonzález octubre 2026 #83

CONCIERTOS

Más conciertos

Black Keys

Billy Corgan

La primera vez que tocaron en Madrid, en 2012, llevaban diez años de carrera y estaban en su momento álgido, habiendo sacado sus dos discos más celebrados: “Brothers” (2010), y “El Camino” (2011). Como no podía ser de otra forma, fueron esos discos los que dominaron el repertorio del concierto

El músico estadounidense volvía a nuestro país con una gira denominada “A Night Of Mellon Collie And The Infinite Sadness Featuring Billy Corgan” celebrando los 30 años de publicación de un disco asociado para siempre al imaginario noventero gracias a un monumental lote de canciones.

Movistar Arena, Madrid

Palacio Vistalegre, Madrid

ENTREVISTAS

Vans Warped Tour México Autódromo Hermanos Rodríguez, Ciudad de México El Vans Warped Tour tuvo por fin su primera edición en México y llegó con todo lo que esperábamos: música, skate y la posibilidad de ver en un mismo lugar a bandas que forman parte de la banda sonora de más de una generación de aficionados al punk, al hardcore, al emo, etcétera. Dale CandELA Fest Explanada Puerto Viejo (Getxo) Dale CandELA Fest ha cumplido cinco años, y sumando. El jueves 17 de septiembre empezó el festival solidario como un precalentamiento para la maratón del largo fin de semana.

Ca7riel y Paco Amoroso

Sigur Rós

El espectáculo de Ca7riel y Paco Amoroso es tan esquizofrénico, libre y divertido como su música, una en la que lo mismo cabe el trap que el rock progresivo, un temazo (que en el inglés de Buenos Aires sería ‘banga’) rompepistas con un guiño funk a Prince y un chiste de caca, pedo, culo y pis.

Una noche especial en la que escuchamos y disfrutamos como niños de la música balsámica de Sigur Rós en el Palacio Euskalduna de Bilbao. El grupo islandés se encuentra de gira internacional acompañado de una orquesta local de gran formato en cada ciudad para llevar el disco “Átta” (2023) junto con otras canciones a otro plano más sinfónico

Movistar Arena, Madrid

Caudal Fest Xardín do Pazo de Feiras y Congresos de Lugo Un año más, la música volvió a sonar por todo lo alto a las orillas del río Miño, con una de las ediciones más ambiciosas del Caudal Fest, por lo menos en lo que a cartel se refiere. Y es que en Lugo se iban a dar cita un buen puñado de los nombres que copan actualmente buena parte de las conversaciones y los grandes escenarios del panorama musical español

Palacio Euskalduna de Bilbao

Mercat De Música Viva De Vic Varios Espacios de Vic Hay algo especial en Vic cuando llega septiembre y el Mercat de Música Viva toma la ciudad. Durante cinco días, la capital de Osona se transforma en el punto de encuentro de programadores, artistas, managers y profesionales de la industria para, conviviendo con público, convertirse en un enorme escenario a pie de calle.

Más entrevistas

Lambchop

La Estrella de David

The Afghan Whigs Greg Dulli lleva casi cuarenta años utilizando las canciones como un espejo. No escribe diarios ni memorias. Su forma de documentar el paso del tiempo son los discos que ha publicado con The Afghan Whigs y bajo otros proyectos. Y “Soft Control” (Royal Cream/BMG, 26), vuelve a confirmar esa idea.

La escena no puede ser más Lambchop: Kurt Wagner nos atiende desde el porche de su casa en Nashville, con su inseparable gorra, un cigarro en la mano y una barba que ni Moisés. Secundado por los trinos de los pájaros. Y desapareciendo por unos segundos de la pantalla para dejar a su perro salir de casa.

Aunque le viéramos trabajar con Maria Rodés, seguir siendo una pieza recurrente con La Bien Querida e incluso producir el segundo trabajo de Rachid B (“El Ghorba”, 25), echábamos de menos a David Rodríguez en su formato más puro. Ocho años después de su anterior trabajo como La Estrella de David, se marca un “back to basics” con “Máximo”.

La Perra Blanco La Perra Blanco sigue presentando en directo “Lovers And Fears” (Maldito Records, 26). Disco en el que decide acercarse a ritmos menos fieros para abrazar sonoridades ligadas a la música afroamericana, consiguiendo un excelente álbum de intensa emoción.

Puedes encontrar todos estos contenidos y más en www.mondosonoro.com #84 octubre 2026

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ESPECIALES

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador general Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com

Rodrigo Sorogoyen

Fischer-Z

Indiscutiblemente uno de los grandes nombres del cine español actual, Rodrigo Sorogoyen se arriesga y acierta con su última película. En “El ser querido” las persecuciones y los giros de guion se apartan para acoger algo tan “sencillo” y en realidad tan complejo como la relación entre un padre y una hija.

John Watts y su banda celebraron en nuestro país los cincuenta años de una de las formaciones de la new wave británica que inició su andadura a finales de los setenta. Hablamos de Fischer-Z. Aprovechando esta gira de aniversario, nos pusimos en contacto con su líder para que nos descubrise los discos de su vida.

PUBLICIDAD Director comercial Dani López T. 687 914 719 dani@mondosonoro.com Coordinador publicidad David Morell T. 607 366 693 david@mondosonoro.com Ed. Madrid Publicidad: María Alfonso maria@mondosonoro.com T. 915 400 055 Ed. Cataluña Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com T. 607 366 693 Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró T 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Iker Bárbara T. 665 050 639 Ed. Sur. Andalucía, Extremadura, Murcia sur@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González T. 699 339 245

Malmö 040

Enric Auquer protagoniza el recién estrenado “Cronos”, de Fernando González Molina, primer largometraje sobre los atentados yihadistas de agosto de 2017 en Catalunya y que lleva por título el nombre del dispositivo policial que puso cerco a los terroristas. En él, interpreta, por primera vez en su carrera, a un policía.

El quinteto barcelonés continúa presentando en directo las canciones de su último trabajo de estudio, “Cuando Éramos Felices Sin Saberlo” (Acqustic, 25). La banda también ha compartido recientemente su versión del clásico “Un beso y una flor” de Nino Bravo. Aprovechamos para preguntarle a Victor Rossy por sus seis discos favoritos.

MONDO TV

Enric Auquer

Ed. Noroeste. Galicia, Castilla y León noroeste@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Raúl Julián T. 659 93 02 04 Administración y contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com COLABORADORES Textos: Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Fernando Fuentes, Eva Sebastián, J. Batahola, J.C. Peña, Jordi Forés, Jorge Ramos, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Manu González, Mara Gómez, Marcos Gendre, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Sergio Ariza, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Eduard Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, María Alfonso, Montse Galeano, Virginia Barbero

Fillas de Cassandra

RATA

Qué mejor espacio que nuestra cocina para tertuliar. Qué mejores invitadas que Fillas de Cassandra. Y qué mejor receta que ese encuentro con la tradición oral, el legado feminista y un cruce de caminos en lo musical que no se ha marcado lineas rojas. Aprovechamos su paso por Etnosur para encontrarnos con ellas en nuestra cocina de campaña.

Tras el lanzamiento de su debut “No me Quiero Morir Nunca” RATA están en plena gira de presentación, pero ¿Cómo fueron los primeros ensayos de RATA? ¿Cuál fue su primer concierto? ¿Cómo fue su experiencia en Bilbao BBK Live de la mano de la energía de Repsol y Mondo Sonoro? Nos lo cuentan ellos mismos en nuestro cuestionario más rápido.

Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com

f 196.000 seguidores 131.000 seguidores 98.000 seguidores 58.114 seguidores x 21.800 seguidores

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