Mondo Sonoro marzo 2024

Carlos Ares El camino

7/Mondo freako YARD ACT

La felicidad conduce al baile

Los de Leeds expanden los horizontes de su exitoso debut con un segundo trabajo repleto de ideas, optimismo y pasión por la vida. “Where’s My Utopia?” (Island/Music As Usual, 24) les muestra sofisticados contagiando su música de todo tipo de influencias.

COPRODUCIDO junto a Remi Kabaka Jr (Gorillaz), este segundo trabajo, inspirado por gente como Beastie Boys, Nile Rodgers, Ennio Morricone o Fela Kuti, está lejos del anguloso post-punk en blanco y negro de “The Overload” (22) desde su colorida portada. Y aunque su esencia de punk funk sigue ahí, siempre es un acto de valentía negarse a repetir lo que funciona. Nos conectamos con el cantante James Smith y el guitarrista Sam Shipstone. Ambos recuerdan con mucho cariño su improvisado bolo junto a OFF! en Madrid el día de la cancelación del Primavera Sound. Irrumpen en la conversación de Beastie Boys a Nick Cave y valiosas reflexiones humanistas. El optimismo luminoso que irradia su nuevo álbum lo explica todo. Smith tiene que pensar un poco en cómo empezó el viaje que les ha llevado hasta aquí. “Creo que fue en el verano del 22, después de la gira británica de entonces, cuando empezamos a componer. Sin saber que estábamos haciendo nuevas canciones para otro disco. Era más bien un punto de partida. Nos salían más y más bolos y ofertas para ir a sitios más lejanos, que sabía que nos iban a quitar más tiempo. Pero no queríamos meternos en 2023 y que todo el mundo dijera: ‘¿Dónde está el nuevo disco?’. Estábamos sacando cosas, pero más que componer un disco era más bien sacar ideas. Y al final todo se precipitó más rápido de lo que pensábamos”. La cuestión es que “el trabajo de componer funciona así: una vez lo desbloqueas sale rápido y casi sin que pienses en ello. Nunca sentimos presión o entramos en pánico, más allá de la preocupación inicial de si iba a ser bueno y cuándo íbamos a hacerlo. Pero quitando eso, no hubo estrés”.

EL VOCALISTA, que parece un tipo tan relajado como sensato –de ahí que sea tan divertido verle desatándose sobre el escenario–, se tomó el éxito de su debut con mucha

MONDO FREAKO

“El mito está en que los seres humanos son malos. Yo no veo eso en mi vida cotidiana”

3 “

naturalidad. Lo de las giras interminables es otra cosa. “La parte del éxito estuvo bien. Yo me sentí bastante cómodo. No me sentí presionado por los elogios. Sí que sentí presión y estrés por la parte de las giras. Se me hizo duro, pero creo que es algo que le pasa a cualquier músico. A mí me costó estar alejado de mi familia. Y eso ha permeado en el disco. Hasta entonces la música había sido un hobby, una actividad social, y los bolos eran el momento para emborracharse, porque montabas uno cada dos semanas. Me llevó de seis a nueve meses darme cuenta de que, joder, no podía hacer eso cada noche. Ya no somos unos chavales en la parte de atrás de una furgoneta”. Un disco tan distinto en su estética sonora como este “Where’s My Utopia?” forzosamente tenía que gestarse de otro modo. Así lo confirma el guitarrista: “Pensamos que íbamos a grabarlo igual, en directo, pero la mayor parte de la estructura de las canciones no es así. Lo enfocamos más como si fuera música de baile, con loops y beats en un ordenador. Ha sido un proceso de sumar capas, quitar cosas, y meter otras capas. Mucho más así que los cuatro tocando juntos”.

EL ESPÍRITU FESTIVO, abierto y optimista, con su puntito irónico, que se desprende de canciones como “We Make Hits” (con ese vídeo que homenajea el inolvidable clip de “Sabotage”) remite a los añorados Beastie Boys. No es casual. “Siempre han sido una

grandísima influencia, sobre todo en su enfoque hacia la música –aclara James–. Estuve en una banda tributo haciendo de MCA (Adam Yauch), así que te puedes imaginar que soy muy fan. Leí su libro hace unos años, y cuando estuvimos en Los Angeles fuimos de peregrinaje a los G-SON Studios en Atwater Village. Está tal cual por dentro. O sea, ahora se alquilan como restaurante o espacio para eventos, pero han dejado el graffiti de Beastie Boys, el aro de baloncesto y todo eso. Fue muy especial. Volviendo al libro, no se ponían reglas. Se juntaban y hacían música. Y así pasaba, que después de estar horas y horas tocando, a MCA le salía la línea de bajo de ‘Sabotage’, y estaban un año con ella sin saber qué hacer. Hasta que poco a poco se convertía en una canción”. El cantante aclara que “no estoy tan cómodo en el universo como ellos, pero como compositor quiero tener esa actitud despreocupada. No cabe duda de que eso ha influido en este disco. No grabamos en un estudio, sino en nuestro local reconvertido en estudio, sin un reloj, poniendo discos, sacando riffs y viendo a dónde podíamos ir. Fue muy lúdico. Es la mejor forma de resumirlo”. Este enfoque “descuidado” se mantuvo en todo el proceso, de la propia grabación a las mezclas: las canciones pasaron por distintas manos y estudios hasta que el batería Jay Russell le dio el toque final en su cuarto. Defenderlo en directo no será tan problemático, asegura Sam. “Aunque ‘The

Overload’ era un disco en cierta manera menos ambicioso, también teníamos que reinterpretar las canciones en vivo. Vamos a tener que hacer lo mismo con éste. Es un reto creativo. De todas formas, para que sea más fácil vamos a tener a un par de músicos adicionales”.

JAMES PARECE EMOCIONARSE cuando menciono “Blackpool Illuminations”, larga pieza que al final del disco parece concentrar su filosofía de vida en relación a la estéril búsqueda de utopías en la que solemos caer. El tema central del disco. “Me parece que la paz interior es el primer paso hacia la paz exterior. No sé qué más decirte. Creo que todo se resume en eso”. Por suerte, le menciono el libro conversacional entre Nick Cave y Sean O’Hagan y se anima a explicarse. “Me encanta. Lo leí justo después de acabar el disco. Mi mujer me lo regaló por mi cumpleaños. Y sí, muchas de sus conclusiones parecían alinearse con las que yo he sacado con este disco, lo cual me ha reconfortado mucho. Siempre he sido en líneas generales más optimista que pesimista. Quizá la distribución de cosas buenas me ha llegado en el momento justo para que me diera cuenta de que siempre hay algo bueno a la vuelta de la esquina. El mito está en que los seres humanos son malos. Nos dicen constantemente que somos un virus y que lo estamos destruyendo todo, que somos malvados y egoístas, y que esta-

mos dispuestos a joder a cualquiera con tal de salirnos con la nuestra. Pues yo no veo eso en mi vida cotidiana. Creo que cualquiera, incluso en circunstancias de pobreza y desesperación, puede verlo. Uno de los primeros libros que leí por mi cuenta fue ‘Las uvas de la ira’, de John Steinbeck. La canción ‘A Vineyard For The North’ es una especie de referencia indirecta. Ese libro destaca que incluso en las circunstancias más adversas, los seres humanos pueden hacer lo correcto”. Smith aplica esta saludable filosofía a su momento actual en el grupo y las expectativas. “Podemos hacer entrevistas y tocar, pero que el disco tenga éxito ya no está en nuestras manos. Aún así, me siento mucho menos inquieto que antes. Este álbum me ha hecho darme cuenta de lo agradecido que estoy. Por mi familia y mis amigos, que están en mi grupo. Y esto no ha salido observando las letras. Es más bien al revés, y cuantas más entrevistas he hecho, más me he dado cuenta: no me trago el rollo del artista que sufre. Creo que eres creativo porque te ayuda y lo quieres compartir con otras personas. Es lo mejor del mundo”.

JC PEÑA

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LA MÍA

De principios y entrepiernas

NO CREO QUE MIS PRINCIPIOS sean de una solidez impresionante precisamente. Puedo afirmarlo así a la ligera porque soy plenamente consciente de que algunos de mis principios –esos que son inamovibles para algunas personas, o que cambian de orientación vertiginosamente por un soplido político o económico en otras– han cambiado con el paso del tiempo. Algunos han mutado con los años, haya sido por acumular experiencia, información o sólo por darle vueltas en la cabeza, tanto da. Y no hablo de opiniones, hablo de principios. Una simple conversación puede hacerte cambiar de opinión, pero a veces ni una vida completa cambia algunos de tus principios. Así que equivóquense tanto como quieran al opinar, que estamos en nuestro derecho.

SE SUPONE QUE QUIEN HACE BANDERA de su honestidad y de su honradez debe considerarlas algo sagrado. Y así creo debe ser –lo segundo, no lo primero–. Y es que, en muchas ocasiones, uno se queda ojiplático cuando lee según que cosas. Cuando uno se da cuenta de que aquello de “Si no le gustan mis principios, tengo otros”, es mucho más que una frase ingeniosa. Podría empezar hablando de aquella política de derechas que pedía libertad para un rapero y al mismo tiempo le había hundido la carrera a una diminuta banda punk por haberle dedicado una canción. Defendamos la libertad de expresión, pero para unos y otros. Y podría continuar con aquel cantante de heavy metal británico que, en 2018, defendía el Brexit diciendo que la gente exageraba y que, en 2024, se queja de lo mucho que le cuesta a su grupo salir a tocar por el mundo. Lo que es malo ahora, lo era desde que se planteó. O con aquel dúo rumbero barcelonés que, años atrás, le pedía a sus fans que comprasen su música en sitios legales en lugar de descargársela gratuitamente porque ellos perdían sus ingresos por la piratería y que ahora bromean con que los ilustradores reclamen sus derechos contra el uso de la IA o se quejen de que se acepten en concursos públicos trabajos hechos utilizándola. Y podríamos seguir. Los últimos se han disculpado públicamente; el vocalista británico no debe saber que la hemeroteca existe y la primera... la primera continúa preguntándose qué principios pueden darle más dinero, si estos o aquellos. Imagino que, tras estos ejemplos, resulta sencillo ver de qué estoy hablando. De pasarse los principios por la entrepierna cuando nos conviene, y así va el mundo, claro. JOAN S LUNA

The Last Dinner Party Más que un preludio

Solo hay una manera plausible de defenderse de la mala baba generada por la incredulidad más vil y ácida, y es brindando un primer disco incontestablemente bello que silencie todas las críticas. Y ese disco es “Prelude To Ecstasy” (Universal, 24).

TEXTO Fran González

FOTO Cal McIntyre

“PRELUDE TO ECSTASY” no es solamente el gran debut que estábamos esperando por parte del prometedor quinteto británico The Last Dinner Party, sino también supone un gancho de derechas en la cara de aquellos que las tildaron de banda prefabricada por la industria. “Nos interesaba ser consideradas como una banda de directo antes que cualquier otra cosa”, menciona Lizzie Mayland cuando hablamos sobre la demora que se tomaron en compartir sus primeras canciones en plataformas. “Para nosotras no tenía mucho sentido publicar música en streaming sin que la gente nos conociera primero”, subraya Aurora Nishevci. “Y de algún modo sentimos que esa paciencia nos ha sido premiada”. Según continúan apuntando: lograr capturar la energía del directo para trasladarla posteriormente a su versión de estudio se convirtió en su particular obsesión. Y es que tras haber trabajado duro durante dos años de auténtica locura y haber consolidado su pertinente estatus como animales de escenario (cuyas dotes las llevaron a telonear a los mismísimos Rolling Stones en 2022), el conjunto londinense da ahora un paso de gigante en su carrera ofreciendo por fin su carta de presentación al mundo con un primer disco que resulta ser como una maravillosa mezcla de pop, rock opera, glam, y hasta una buena dosis de iconografía clásica. “No tengo en absoluto dudas de que todo lo que se puede apreciar ahora en este disco es consecuencia directa de aquellos días tocando en directo y labrándonos un estilo propio en lugares de todo tipo. Nuestra experiencia previa sobre los escenarios es la mayor influencia que este disco tiene y la razón de que suene como suena”, continúa

“

“Ninguna idea es considerada como ridícula”

Mayland. “En cuanto a nuestro sonido, creo que la clave para nosotras siempre ha sido no querer replicar en ningún momento el trabajo y la obra de ninguno de nuestros referentes. El pigmento que lo tiñe todo es el simple hecho de ser unas absolutas fans de la música, del teatro y de la poesía, y todos esos pequeños aportes, pasados por el canal creativo de las cinco, es lo que ha terminado trayendo consigo el sonido maximalista de este disco.”

UN TRABAJO DE ORFEBRERÍA que no podría haber terminado siendo el mismo sin la notable mano en la producción del prolífico y talentoso James Ellis Ford (conocido por ser el cincuenta por ciento de Simian Mobile Disco y el productor de bandas como Arctic Monkeys, Blur o Depeche Mode). “Conectamos muy bien desde el principio”, recuerda Aurora. “Nuestra representante, que le conocía a través de otras bandas, nos sugirió trabajar con él. Le propusimos ir a tomar un café para conocernos primero y durante aquella particular quedada nos dijo una cosa que se me quedó grabada. Nos habló de cómo Thelonius Monk, el pianista de jazz, acostumbraba a usar en el estudio de grabación

la primera toma de sus interpretaciones, sin importar las imperfecciones que en ésta pudiera haber. Fue una lección muy interesante sobre cómo confiar en el trabajo previo que has desarrollado antes de enfrentarte a esa primera sesión de grabación y sobre cómo abrazar el trabajo imperfecto, que siempre será más humano y natural que cualquier pieza pulida hasta la excelencia”. El resultado se puede apreciar ahora en canciones tan recargadas y exuberantes como crudas y honestas, tal y como revelan las letras de temas como “Sinner” o “My Lady Of Mercy”. “Sentíamos en todo momento que nuestros temas debían de alcanzar elevados niveles de emoción que se saltaran el eje de todo lo que cupiera esperar y que, por supuesto, transgredieran los niveles de verdad que se manejan en contextos más reales”, cuenta Nishevci. “Para nosotras hacer música ha sido un gran recurso a la hora de lograr entender nuestro entorno más inmediato y verlo con otros ojos. Una ayuda para abrazar sus imperfecciones, pero también para reafirmar la dirección que nuestro camino personal debe tomar.”

Y ESE CAMINO, tal y como inteligentemente se encargan de recordarnos durante nuestra charla, parece estar marcado por el peso de su amistad y el respeto mutuo que se tienen las cinco. “El hecho de tenernos las unas a las otras y saber que todo aquello que íbamos a vivir con la banda iba a ser compartido por las cinco, hacía que el proceso, la presión o los nervios fueran mucho más llevaderos”, apunta Aurora. “La clave para que las cosas hayan salido como han salido, además de sentirnos arropadas de forma mutua, ha sido el hecho de valorarnos como artistas de verdad. Ninguna idea es considerada como ridícula o fuera de lugar, sino que nos tomamos muy en serio todo aquello que cada una aporta”, añade Lizzie. “La única manera de hacer que una banda de cinco miembros funcione es respetando las ideas ajenas, apostar por el compañerismo extremo, cuidarse y apoyarse”. F.G.

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MONDO FREAKO

“Con este disco me enamoré de la guitarra de nuevo”

Miles Kane La sonrisa del hombre-banda

Con “One Man Band” (Modern Sky, 23) el de Liverpool regresaba este verano a las canciones directas, optimistas y de estribillos rotundos que lleva en el alma. Y las presentará en nuestro país en marzo.

ATRAVÉS DE ZOOM, Miles Kane suena exactamente como sus canciones: derrochando una euforia simpática e inconfundiblemente británica tan contagiosa como despojada de fatuas pretensiones. No es que la sofisticación no haya formado parte de quien sigue siendo la mitad de The Last Shadow Puppets, pero en estos días toca volver a lo esencial. Porque además, una cosa no quita la otra. En pocos días empieza una gira extensa que en marzo le traerá a España en solitario pero con guitarra eléctrica y loops de batería. “Siempre he tenido la idea en la cabeza de hacer una cosa un poco a lo Sleaford Mods, con loops de batería y tocando mi guitarra encima. Todavía vas a tener la experiencia Miles Kane. Además, va en consonancia con el nombre del disco. Creo que va a ser súper divertido, que va a tener pegada y va a ser rockero”. Kane está entusiasmado tanto por la novedad del formato como por vol-

ver a nuestro país y lo bien que se están vendiendo las entradas. Da gusto hablar con él. Para empezar, con su nuevo disco Miles se ha dado un baño de autoestima a partir de la canción que lo bautiza. “Con ella me probé un poco a mí mismo que soy lo suficientemente bueno, que voy a liderar el camino de mi propio viaje. Y con una letra así canto sobre los buenos tiempos y dejar lo malo fuera. Es una canción bastante positiva que me dio confianza para hacer el resto”. Pero es que, además, se enamoró “de la guitarra de nuevo. Me estaba encantando volver a tocarla, y quería hacer un disco animado y rockero. Con letras que tuvieran un significado, pero de un modo sencillo. Poner mi guitarra delante con las letras y melodías pegadizas. Ése es el corazón de mi sonido, así que nos pusimos manos a la obra. La idea era hacer el disco de Miles Kane definitivo”.

VUELTA A LO BÁSICO, pero sin renegar de lo que le gusta. “Me encanta la Motown, el soul y ese tipo de cosas. Y me encanta lo que hacemos en The Last Shadow Puppets, con todas las cuerdas y los vientos que le dan un aire bastante cinemático, de banda sonora. Todo eso me flipa. Las canciones tienen capas, y acaban teniendo un tono dramático. Pero creo que puedes mantener el drama de un modo más sencillo. En este caso quería que mi guitarra estuviera ahí.

Puede que no suene tan sofisticado, pero creo que todavía tienes ese sentimiento. Y es lo que he querido hacer, desnudarlo todo, quitar todas las cuerdas, los pianos y tener sólo guitarra, bajo, batería y la voz”. No cuesta entender que el británico no imposte el tono luminoso de sus canciones, en un mundo en que abusamos del lloriqueo gratuito. “Yo escribo sobre cómo me siento. Y creo que la gente se identifica porque es real. Escribo desde mis experiencias, ya esté mirando atrás a mi vida, el amor, la amistad o el material clásico sobre el que supongo que todo el mundo compone. Es sólo eso. Yo lo hago a mi modo, pero realmente cuento lo que me está pasando en cada momento. Es lo que he hecho siempre. Creo que mis mejores canciones vienen de ahí”. JC PEÑA

EN CONCIERTO

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ALBA ARMENGOU

15 marzo: CAFÉ TEATRO RAYUELA. Tenerife

16 marzo: FÁBRICA LA ISLETA. Las Palmas

29 marzo: CLARENCE JAZZ CLUB. Torremolinos (Málaga)

30 marzo: CLASIJAZZ. Almería

21 abril: MATISSE. Valencia

ELANE

6 abril: LAS ARMAS. Zaragoza

7 abril: SANTANA 27. Bilbao

19 abril: SALA CANALLA. Pamplona

26 abril: EL TREN. Granada

27 abril: SALA FANATIC. Sevilla

9 mayo: LA FUNDICIÓN. Logroño

GILIPOJAZZ

9 marzo: HELL DORADO. Vitoria- Gasteiz

14 marzo: FUN CLUB. Sevilla

12 abril: SALA Z. Zaragoza

13 abril: SALA GENIUS. Huesca

19 abril: SALA EUTERPE. Sant Joan d’Alacant (Alicante)

10 mayo: BLACK BOURBON. León

18 mayo: SINATRA CÓCTEL BAR. Vigo

MARILIA MONZÓN

19 abril: LA FÁBRICA DE CHOCOLATE. Vigo

10 mayo: LE COUP. Vitoria- Gasteiz

11 mayo: LA RÚA. Burgos

24 mayo: LA CASA DEL LOCO. Zaragoza

25 mayo: EL VEINTIUNO. Huesca

26 mayo: LA CASA DEL MAR. Alboraia (Valencia)

ORTIGA

2 mayo: MOBY DICK CLUB. Madrid

3 mayo: MALANDAR. Sevilla

4 mayo: EL GRAN CAFÉ. León

17 mayo: CAN LLIRO. Manacor (Mallorca)

31 mayo: SALA LÓPEZ. Zaragoza

1 junio: TRIBECA LIVE. Oviedo

THE SON OF WOOD

23 marzo: SALA DENVER. Ceuta

30 marzo: LA TRINCHERA. Málaga

20 abril: GONG GALAXY CLUB. Oviedo

4 mayo: SALA VESTA. Madrid

18 mayo: SALA RUIDO. Ferrol (A Coruña)

BEN YART

16 marzo: SALA LA2. Sevilla

17 marzo: MILWAUKEE. El Puerto de Santa María (Cádiz)

5 marzo: NIÁGARA. Santander

6 marzo: SALA TIZÓN. Gijón

11 abril: MAREAROCK. Alicante

12 abril: TERRA. Castellón

19 abril: LA CUEVA DEL JAZZ EN VIVO. Zamora

FERNANDO RUBIO

21 Marzo: REBEL REBEL. Alcázar de San

Juan (Ciudad Real)

6 abril: NEW FIZ . Barcelona 10 mayo: LA ALQUITARA. Béjar (Salamanca) 18 mayo: PALO PALO. Marinaleda (Sevilla) 24 mayo: FUN HOUSE. Madrid 25 mayo: METRÓPOLIS . Segovia

LADY BANANA

2 marzo: MUSIKBOX . Sant Lluis (Menorca)

23 marzo : SALA WOLF. Barcelona

5 abril: ES GREMI. Palma de Mallorca

19 abril: STEREO. Alicante

MELENAS

4 mayo: SALA CORLEONE. Sabiñánigo (Huesca)

10 mayo: SALA WOL. Barcelona

11 mayo: LA CAPSA DE MÚSICA. Tarragona

17 mayo: SIDERAL. Albacete

18 mayo: LA YESERÍA. Murcia

23 mayo: 16 TONELADAS. Valencia

26 mayo: LA BOHEMIA. Castellón

SABELA

12 abril: LA VACA. Ponferrada (León)

13 abril: CAFÉ BERLÍN. Madrid

26 abril: INFORMAL. Tafalla (Navarra)

27 abril: HELIOGÁBAL. Barcelona

9 mayo: SALA X. Sevilla

10 mayo: SALA KHARMA. Jaén

TRES CALADAS

19 abril: TEATRO ARBOLÉ. Zaragoza

26 abril: VADE MÚSICA. Sabadell (Barcelona)

9 mayo: MARDI GRASS. A Coruña

10 mayo: ÁVALON CAFÉ. Zamora

16 mayo: CAFÉ TEATRO CENTRAL. Baeza (Jaén)

25 mayo: LA COCHERA CABARET. Málaga

30 mayo: LONG ROCK CÓRDOBA.

CHICA SOBRESALTO

1 marzo: SALA ÓXIDO. Guadalajara

2 marzo: CÍRCULO DEL ARTE. Toledo

13 abril: LA CHICA DE AYER. Salamanca

25 abril: GARAJE BEAT CLUB. Murcia

26 abril: BERLÍN SOCIAL CLUB. Almería

27 abril: ESCENARIO ALIATAR. Granada

25 mayo: AGUERE CULTURAL. La Laguna (Tenerife)

FRANVVI

12 abril: DIRECTO CUENCA. Cuenca

13 abril: SECRETOS. Mayorga (Valladolid)

27 abriL: LA DISFRUTONA DEL ORZÁN. A Coruña

24 mayo: CLAMORES. Madrid

25 mayo: THE ROSE. Yuncler (Toledo)

1 junio: COTTON CLUB. Bilbao

LISAsiNSON

15 marzo: LA SALVAJE. Oviedo

16 marzo: GUIÓN CLUBE. Pontedeume. A Coruña

6 abril.: BOOGALOO CAFÉ. Cáceres

26 abril: SIDECAR. Barcelona

27 abril: LA LATA DE BOMBILLAS. Zaragoza

10 mayo: SALA REM. Murcia

11 mayo: INDUSTRIAL COPERA. La Zubia

MERITXELL NEDDERMANN

20 abril: CREDENCE. Zaragoza

21 abril: SIROCO. Madrid

25 abril: CAFÉ CULTURAL AURENSE. Ourense

26 abril: KRAZZY KRAY. Cambados (Pontevedra)

27 abril: CASA DAS CRECHAS. Santiago de Compostela

SHARON BATES

13 abril: LA IGUANA CAFÉ CONCIERTO. Olivenza (Badajoz)

17 mayo: ROCKNROLLA. Granada

18 mayo: ZZ PUB. Málaga

DIEGO GUERRERO

11 abril: EA ¡ TEATRO. Albacete

12 abril: JAZZAZZA JAZZ CLUB. Algezares (Murcia)

13 abril: RADIO CITY. Valencia

19 abril: CAFÉ TEATRO AVALÓN. Soria

10 mayo: CLAVICÉMBALO. Lugo

11 mayo: GARUFA CLUB. A Coruña

31 mayo. EL CORRAL DE LAS CIGÜEÑAS. Cáceres

FROM

4 abril: SALA MOON .Santiago de Compostela

5 abril: LA PECERA. Vigo

6 abril: COCODRILO NEGRO. Ponferrada (León)

11 abril: MARAVILLAS CLUB. Madrid

12 abril: SINESTESIA . Barcelona

31 mayo: CIENTOCERO. Valladolid

LOS 300

21 marzo: HANGAR 48. Madrid

22 marzo. SALA BUDA. Benavente (Zamora)

24 marzo: ATURUXO. Bueu (Pontevedra)

4 abril: PETER ROCK CLUB. Valencia

5 abril: LEBOWSKI. Teruel

6 abril: SALA GENIUS. Huesca

MONTANA

15 marzo: BARANDA. O Barco de Valdeorras (Ourense)

16 marzo: KOMINSKY. Vigo

12 abril: ASKLEPIOS. Valladolid

13 abril: SOUND CLUB. Navalmoral de la Mata (Cáceres)

17 abril: LA LEY SECA. Zaragoza

18 abril: ZENTRAL KAFÉ. Pamplona

SIENNA

8 marzo: PUERTO TRIPS. Cartagena (Murcia)

9 marzo: EL CLANDESTINO. Albacete

22 marzo: UNIVERSONORO. Palencia

12 abril: SALA PÍCARO. Toledo

13 abril: OFF CULTURA. Badajoz

31 mayo. PORTA CAELI. Valladolid

Entradas BCN:

IDLES Metamorfosis

Los británicos no lo tenían fácil para dar continuación a su brutal álbum de finales de 2021 “Crawler”. “TANGK” (Partisan/[PIAS], 24) les muestra sin miedo a experimentar con el sonido y las atmósferas, con algunos momentos memorables que enriquecen su repertorio.

TEXTO JC Peña

FOTO Aris Chatman

LA AGENDA DE MARK BOWEN, guitarrista y alma musical del quinteto de Bristol, es tan apretada que no queda más remedio que conectarnos un domingo a media tarde. Se encuentra con el resto del grupo en Nueva York, ciudad en la que van a grabar “Gift Horse” para el programa de Jimmy Fallon. Debe ser pronto al otro lado del Atlántico, el músico está exultante con su nuevo trabajo, y acude a la cita con impecable puntualidad. No les ha resultado fácil, insiste, salir de su zona de confort, un concepto al que se refiere una y otra vez. Les ha ayudado el prestigioso productor Nigel Godrich, responsable de la estética sonora de Radiohead, que se ha unido a su habitual técnico Kenny Beats. Todo ello da para una conversación intensa. No tiene miedo a decir que “en discos anteriores hemos sido un poco autocomplacientes”. “Teníamos muy claro

a dónde queríamos ir. ‘Crawler’ (21) fue un gran salto adelante en cuanto al sonido y la experimentación. Pero hubo muchas cosas inacabadas. No creo que llegáramos al nivel de excelencia que buscábamos. Y lo que queríamos era avanzar a un lugar que fuera un desafío. Ésa era la teoría, pero ponerla en práctica fue difícil, porque estábamos girando constantemente. Ha sido el proceso más arduo y difícil a la hora de hacer un álbum”, sentencia. Esa necesidad de reinventarse se encuentra desde el título, “una palabra inventada que se refiere exclusivamente a estas once canciones”.

EN BUSCA DE SU NUEVA PIEL, Bowen y la banda al completo querían estar “incómodos”, porque “de ahí salen las mejores cosas”. Enrolar a Nigel Godrich ha sido crucial en este sentido. “Soy un fan total de su trabajo, pero me cautivó su interpretación de lo que habíamos tratado de hacer en ‘Crawler’. Así que nos pareció muy natural involucrarle. Yo quería a alguien que se hubiera visto en ese tipo de situaciones antes. Artistas que han dado un giro inesperado se han sentido en buenas manos. Pero lo más inspirador es que, según íbamos más y más lejos, también le hicimos sentir

“

“Un bolo de IDLES tiene que seguir siendo un bolo de IDLES, no yo con un puto sintetizador”

incómodo a él”. Otro elemento que decidieron cambiar fue el estudio: viajaron a los estudios La Fabrique, en Francia, porque “si repites algo, vas a perseguir algo que ya tenías”. Introducir más “belleza” e “información melódica” tenía que llevar obligatoriamente a focalizarse en la interpretación vocal de Joe Talbot. Y se nota. “Teníamos que abrirnos musicalmente para que Joe encontrara más espacio. No fue fácil, pero una vez encontramos los ritmos y los patrones, todo fluyó con relativa facilidad. No debes pensar mucho en ello, pero tuvimos que hacer un trabajo previo. Tienes que prepararte, hacer los deberes”. Siguiendo con la parte vocal, “Kenny [Beats] y Joe se lo curraron mucho. Hay muchos signos de vulnerabilidad en las voces, puedes oír la emoción de un modo mucho más diná-

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mico, precisamente por la atención que le puso Kenny. Y teníamos acceso a un estudio alucinante que cuenta con micrófonos increíbles. Joe tuvo que aprender mucho para usarlos. No puedes ponerte delante de un micro antiguo de válvulas que suena increíble y cantar cualquier cosa”.

EN LO ESTRICTAMENTE MUSICAL, Bowen utilizó por primera vez acordes de guitarra al uso, aunque su estilo disonante sigue muy presente, sin estar “todo el rato en tu cara”. Esta contención llevó a cada miembro del grupo a “no estar constantemente haciendo lo mismo”. Una humildad que les llevó a pedir a James Murphy y Nancy Whang de LCD Soundsystem –uno de sus grupos favoritos y con quienes giraron por Estados Unidos–, que grabaran sus coros en el single “Dancer”. “Otra cosa que hemos aprendido es a dejar el ego a un lado cuando sabes que otras personas van a hacer mejor algo que buscas”. En relación al “tema” y obsesiones y la euforia que el álbum transmite por momentos, Bowen prefiere “no decirle a la gente lo que tiene que oír, le quitaría parte del misterio”. Además, admite no saber todavía cuál es el gran tema que exploran. “Probablemente Joe, que hace las letras, lo tenga más claro. En mi caso todo es más abstracto. Pero el arte se hace para plantear preguntas más que respuestas”, dice con toda la razón. El guitarrista admite que con el tiempo el peso del trabajo compositivo del grupo ha recaído más en la colaboración entre él y Talbot. “Aunque también somos entidades separadas. A veces cuesta, pero funciona mejor cuando le dejas respirar al otro. Ha habido momentos de ofuscación, y otros en que todo fluía. No partíamos de la misma hoja, pero la cosa funcionó porque la otra persona cedía dejando al compositor principal que se expresara. Es una gran parte de nuestra forma de hacer en este álbum”. El músico concluye asegurando que con la nueva dinámica que se han ganado a pulso, sus bolos van a crecer, aunque “la intensidad seguirá ahí. Hemos trabajado más duro en llevar este disco al directo que en grabarlo, porque un concierto de IDLES tiene que ser un concierto de IDLES. Hay intensidad, espontaneidad, interpretación desinhibida, todo eso tiene que estar ahí. No puedes llegar al concierto y verme ahí plantado con un puto sintetizador toda la noche”. Seguro que no será así. J C P

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EN CONCIERTO

MGMT

Canciones con sabor a té amargo

“Loss Of Life” (Mom+Pop/Popstock!, 24) es el quinto larga duración de Ben Goldwasser y Andrew VanWyngarden, es decir MGMT. Para charlar con ellos hemos invitado a Cristina Plaza, vocalista de Clovis y Los Eterno y artista en solitario bajo el nombre de Daga Voladora.

TEXTO Cristina Plaza

FOTOS Jonah Freeman

QUÉ POCO QUEDA para que salga el disco. ¿Estáis nerviosos o más bien aburridos ya?

(Ben Goldwasser) Aburridos te aseguro que no. Hemos estado preparando un montón de videos. Además, tengo la sensación de estar haciendo más entrevistas que nunca. Pero quizá sea porque estamos desentrenados.

Empecemos por el final: la canción que da título al disco, “Loss Of Life”, aparece dividida en dos partes: una colocada al final del álbum y la continuación (“Loss Of Life part 2”) al comienzo. ¿De dónde surge esta idea?

(Andrew VanWyngarden) Inicialmente, pusimos la segunda parte para abrir porque pensamos que era un poco absurda. Ahora nos hemos dado cuenta de que concuerda bastante con la temática del álbum: todo final es también un comienzo. Es cíclico, así que poner esa segunda parte para empezar el disco vendría a remarcar esa idea.

Tiene una frase bastante llamativa: “Cuando nace el día y la vida se acaba”. (Andrew) Cuando tienes un hijo se da la paradoja de que traes una nueva vida al mundo y para criar, cuidar y darle todo el amor que quieres, has de aceptar que tu vida anterior se acaba, y tu antiguo “yo”, también.

(Ben) Para este disco nos propusimos escuchar más grupos alternativos americanos, pero en general sentimos más afinidad por grupos ingleses. Quizá tenga que ver con el sarcasmo, ese sentido del humor tan identitario, el echar pestes…

(Andrew) …encontrar el humor en lo absurdo… (Ben) … nos gusta usar todo eso en las canciones; somos gente seria y escribimos canciones sobre cosas reales, pero al mismo tiempo intentamos no tomarnos a nosotros mismos demasiado en serio.

A veces parece que hay que darse mucha importancia para que te valoren (Andrew) El autobombo nos incomoda. En este mundo en el que todo es marketing, somos conscientes de que no hacemos lo suficiente por llegar a más gente, pero es que… No podemos con eso. No queremos hacerlo.

Esa es otra: si no haces todo lo posible por ganar más público o por ganar más dinero, entonces eres tonto, o estás loco… (Ben) Eso nos tocó sufrirlo cuando salió “Congratulations” (10): estábamos contentísimos con lo que habíamos

(Ben) Uno de los temas que exploramos en este álbum es la idea de aceptar el hecho de que el mundo siempre se está acabando, y no es que tenga que parecerte bien, o alegrarte por ello, sino comprender que puedes ser feliz y encontrar razones para seguir adelante, aun siendo consciente de que lo que ocurre en el mundo puede ser horrible.

En “Nothing Changes” aparece el mito de Sísifo, este hombre condenado por los dioses a subir una colina cargando con una piedra… (Andrew) …y la piedra todo el rato rueda colina abajo y tiene que subirla otra vez.

La letra dice “deja la piedra a un lado”. (Andrew) Es una idea más bien Zen. Siempre va a haber conflicto, dolor… si tú quieres. Es una cuestión de perspectiva. Puedes sentir esa especie de desesperación existencial constante, o bien puedes ser la roca en la corriente y en lugar de oponer resistencia, dejar que las cosas sucedan. La idea no es convertirte en un ser pasivo, sin ganas de vivir, sino encontrar el equilibrio que supuestamente has de alcanzar como persona y que es tan difícil de conseguir.

En lo musical, esta canción me lleva a Bowie en los setenta. Hay algo medio británico en vuestra música y no sé muy bien qué es.

hecho y de pronto empezaron a decirnos que si estábamos saboteando nuestra carrera, que si era un suicidio... Hasta había gente que pensaba “se les ha ido la mano con las drogas”. Les costaba entender que aquel álbum fuera el resultado de un periodo de muchísima concentración y creatividad, y que había una intención de alejarnos de nuestro debut. Hubo mucha gente enfadadísima porque no hubiera más canciones como “Time To Pretend” o “Electric Feel”. (Andrew) Para ser sinceros, sí que hubo una reacción… ¿Sabes cuando un calamar escupe tinta? No digo que quisiéramos suicidarnos artísticamente, pero sí queríamos asegurarnos de que las cosas no se iban a ir de madre. No queríamos ser Justin Bieber; tampoco podríamos, pero mmmh… Había un… era como… “No, no; que nadie se equivoque”.

También tenéis algo de género musical. Ya lo pensé con “Alien Days”, y aquí con “Dancing In Babylon”. (Andrew) Creo que a los dos nos gustan los grupos que juegan con un componente cinematográfico. Creo que, más en este disco que en los anteriores, hemos creado micro-mundos que pueden sostenerse por sí

mismos. Hay canciones cuyo arco dinámico las convierte casi en pequeñas historias. (Ben) En mi caso probablemente haya pasado más tiempo viendo películas que escuchando música últimamente, y durante la pandemia me metí un poco en el mundo de los musicales porque nunca he comprendido muy bien de qué iba todo ese rollo exagerado y medio cursi…

Hay una cantidad enorme de trabajo en este álbum. ¿Cuál diríais que ha sido la parte más fácil o más agradable?

(Ben) Algo muy importante para este disco fue que logramos crear una atmósfera comunitaria: siempre había gente pasando por el estudio, se quedaban a comer, y la música que iba saliendo era producto de pasar el rato todos juntos, más que de una tarea que estuviéramos obligados a hacer. (Andrew) Sí, todas las colaboraciones: desde escribir a Britta [Phillips; de Luna] para ver si cantaba en “Phradie’s Song”, y que al día siguiente lo hiciera. Lo mismo con Yuka Honda [Cibo Matto], que se trajo a Nels Cline [Wilco] y lo metimos en el estudio a cacharrear con las guitarras. Sin presión, sin egos. Nadie andaba preocupado por cómo iban a usarse después sus aportacio-

“

nes. Todas tienen esa naturaleza amistosa, y me encantan.

—¿Y la parte más difícil?

(Andrew) Diría que antes de saber cómo iba a ser el disco, cuando estábamos experimentando y poniendo ideas en común. Ben y yo estamos en momentos vitales muy distintos, parte de la temática del disco, especialmente en una canción como “Mother Nature”, va sobre nosotros dos. Tenemos personalidades muy diferentes y siempre hay que reconfigurarlo todo, aproximarnos el uno al otro. Eso siempre nos cuesta.

Pero parece que os lleváis bien. Y son casi veinte años juntos.

(Ben) Las únicas veces que realmente nos hemos peleado han sido después de terminar de mezclar algún disco, por ciertos detalles que desde fuera podían parecer tonterías. Y de gira. Siempre hemos sabido que salir de gira era duro para los dos porque no estamos hechos para ello, aunque somos capaces de ser felices haciendo música, centrados en la parte creativa. C.P.

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“Hubo mucha gente enfadadísima porque no hubiera más canciones como 'Time To Pretend'”

Delaporte

El techno cura

“Las Montañas” (20) fue un cambio de rumbo respecto a “Como Anoche” (19), y Delaporte han vuelvo a dar un giro con “Aquí y Ahora” (Mad Moon Music, 24), con protagonismo absoluto de la electrónica.Hablamos con Sandra Delaporte de techno, pero no de la forma que esperarías.

TEXTO Pablo Tocino

FOTOS Víctor Mimo

POCO DESPUÉS de “Las Montañas” vino “Titanas”, que traía versiones de algunos temas junto a artistas como Amaral, Zahara o Dora, y luego el EP “Abril”, en el que la presencia del techno se hizo más clara. “Después de ‘Abril’ pasé por una

fase más oscura, en la que decidí alejarme de todo, me fui a vivir varios meses a Asia central. Hubo un proceso personal de terapia, de conocerme, de mirar para adentro, limpiarme de lo que yo creía que tenía que ser, y buscar lo que realmente soy y lo que tengo para dar al mundo, buscar esa parte genuina de mí, y ver si incluso quería se-

guir en la música”, me cuenta. Finalmente se dio cuenta de que sí quería seguir, y a lo grande: Vino una explosión en la que no paraba de componer, y que dio como resultado este disco.

TIENE BASTANTE SENTIDO, pues, que su contribución en el “Reputa” de Zahara fuese para versionar “TAYLOR”. Sandra le dijo que ese tema le tocaba muy de lleno. “Porque llevaba mucho tiempo sintiendo que tenía que ser la artista que ellos esperaban, y comparándome con otros artistas. Cuando te comparas, te pones por debajo, y es un gran problema como artista. Cuando tú no te quieres, no te honras y te hablas mal a ti misma, sucede que necesitas el cariño ajeno, que es lo que menciona ‘TAYLOR’. Y si tú no te quieres, es imposible crear”. Si no te sientes en conexión “con tu amor propio, no puedes amar lo que haces, y verlo como un regalo. ¡Haz! Si luego lo que haces no funciona, no pasa nada, no es un fraca-

“

“El techno es como meditar”

so, es un regalo que tú has hecho a la vida, y que ha llegado de una manera que no puedes controlar”, me cuenta. “De hecho yo suelto el disco, y el éxito para mí es haber compartido algo que es vulnerable para mí, y lo que venga, vendrá”. ¿Y cuál es esa “artista que ellos esperaban”? “No me maquillo, no me drogo, no me gusta el alcohol, no me gusta el postureo, el tener que ser diva y tratar a la gente por encima del hombro... Pero veía a otras artistas que se comportaban así, y decía, pues si les va bien, será que requiere todo esto, llevar equis prendas, sexualizarte de equis manera, hacer según qué cosas, estar en según qué eventos con según qué personas, todo esto para que te vaya bien. Y a mí me gusta escalar, estar en el monte y comprarme buenos quesos. Me gusta estar con los yayos, yo qué sé, cosas que no iban con el rollo ‘Miami style’ de los artistas que también me gustaban, y que veía que eran el modelo a seguir del famoseo. Y decía, ¿lo que yo soy va a funcionar? Aparte, yo en Madrid no estaba bien, y sentía que todo lo fuerte artísticamente estaba en Madrid, así que lo primero que hice para protegerme y cuidar mi salud fue aislarme del mundo entero, desconectar redes sociales e irme a vivir a las montañas al lado de Francia”.

LO QUE CUENTA SANDRA sobre sí misma no parece corresponderse con la imagen que se tiene sobre el techno, pero es que

EL APUNTE

Las caras del amor

LAS LETRAS DE ESTE ÁLBUM reflejan una celebración del amor. Está el amor de la amistad, el amor de la comunidad que se crea en una rave, y también está el familiar, como en “Fractal de coños” (“la compuse con mi prima, que acababa de dar a luz, y las dos hablando quisimos honrar a la vida y honrar el hecho de que hemos salido del coño de nuestras madres”). Por supuesto, está el amor de pareja, romántico o no. “El amor es libertad, y yo antes no sentía eso. Estar con alguien desde un lugar no consciente creo que puede matar el amor. Yo solía relacionarme así, y ahora ha cambiado mucho la calidad de mis relaciones, y sobre todo la relación conmigo misma”. De eso hablan “Ángel caído” o “Peligro social”. Pero, sobre todo, el amor que está en “Aquí y Ahora” es el amor propio. “¿Cómo te va a gustar la vida si tú mismo no te gustas y te generas vergüenza? Yo es a raíz de ahí, de mejorar la relación conmigo misma, cuando he podido ir a lo demás […] He leído alguna crítica negativa diciendo que es muy visceral, pero para mí es un piropo. Significa que están todas las tripas ahí echadas”. P T

quizás esa imagen está algo distorsionada, y sí que es compatible con ir de senderismo a la montaña. “A mí el techno me hace sentir como cuando estoy sola en el monte, o en mi casa meditando. Me hace sentir muchísima paz y me conecta… es como la mezcla perfecta, porque tiene esa repetición casi chamánica, una parte como muy de tierra y muy orgánica, pero luego tiene esa otra parte muy racional, muy industrial. Y esa mezcla a mí me hace sentir que me elevo, de verdad. También me gusta mucho la comunidad que se crea; a mí jamás me han puesto una mala cara bailando techno. Bailo hacia adentro, no suelo hablar con casi nadie... No sé, el techno me da luz”. P.T.

EN CONCIERTO

l Valencia 02 marzo. Sala Moon

l Barakaldo 13 abril. Zeid Fest

l Murcia 03-04 mayo. Warm Up Festival

l Sevilla 17 mayo. Interestelar

l Málaga 24-25 mayo. Oh, See!

l Palencia 07-08 junio. Palencia Sonora

l Tenerife 09 junio. Tenerife Music Festival

l Albacete 20-22 junio Antorchas Festival

l Benicàssim 18-20 junio. FIB

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Carlos Ares

Se hace camino al tocar

“Peregrino” (BMG, 24) es un álbum de debut que ha surgido de un proceso de terapia intenso en el que el músico y productor gallego Carlos Ares ha liberado todos sus demonios para iniciar una nueva época. Y, de paso, ha generado una gran expectativa que ahora cabe refrendar.

TEXTO Don Disturbios

FOTOS Assiah Alcázar

Ares

LA VERDAD es que no recuerdo la última vez que Mondo Sonoro le dedicó una portada a un artista por su álbum de debut. No es un hecho muy habitual y es obvio que deben darse una serie de condicionantes para que la redacción de la revista al completo vea de forma muy clara semejante jugada. Por un lado es obvio que el disco debe merecerlo, pero luego es muy importante constatar que el artista va a por todas y que se ha creado el caldo de cultivo a su alrededor para que pasen cosas digamos bonitas en los próximos meses. Y es que afirmar que 2024 es el año de “Peregrino”, cuando todavía no hemos arrancado la hoja del mes de marzo del calendario, es arriesgado. Pero no lo es tanto afirmar que el disco compila diez esplendorosas canciones que harán las delicias tanto del oyente más maduro, que disfruta de grupos como The Decemberists, Bon Iver o R.E.M., como de los mas jóvenes que hace un par de temporadas se quedaron prendados de Guitarricadelafuente e incluso de los que gozan de ese otro músico gallego que es Sen Senra. Una dualidad que aúna la tradición más indie-folk con la del pop de autor más contemporáneo. Esa podría ser la esencia que transmite y diferencia a “Peregrino” de otros lanzamientos que inundan la “sonoesfera”.

La voz como instrumento

CARLOS ARES ENTRA CON AIRE algo compungido a la redacción de Mondo Sonoro Madrid. Acaba de recibir las primeras copias en vinilo de su álbum de debut y, de buenas a primeras, nos cuenta que un fallo de imprenta ha subido en exceso la tonalidad roja de la portada. Más tarde podré comprobar, en la larga conversación que mantendremos, que el músico y productor gallego afincado desde hace once años en Madrid, es una persona muy exigente y perfeccionista. Y esas son cualidades que no siempre han jugado a favor de una salud emocional con la que ha tenido que lidiar durante años. Sin embargo, parece que, por esta vez, esa tendencia personal a darle muchas vueltas a las cosas no ha sido la principal causa del retraso al que ha estado sometido “Peregrino”. El disco debería haber visto la luz en noviembre del pasado año, pero no ha sido hasta este mes de febrero que se ha convertido en la rotunda realidad que es ahora. (Carlos Ares) “El problema es que estoy siempre a tiempo parcial entre componer y producir los álbumes de otros artistas, y es gracias a eso que luego puedo financiar mi disco. Por eso hay veces en que no tengo dinero o en

las que tengo el compromiso de terminar un determinado álbum, y al final tengo que darle más prioridad incluso que a mi propio trabajo. Porque al fin y al cabo ese curro es lo que me permite luego pagarles a mis músicos o pagarme los videoclips, y por eso ha sido todo un poco impredecible. Tratamos siempre de marcar una fecha de entrega del disco, pero todo quedó un poco a merced de los otros trabajos que hago”. Y es que Carlos Ares no es un recién llegado a esto de la industria de la música. Antes de lanzar “Peregrino” había editado un par de Ep’s propios, aunque puede que a nuestros lectores le suene más su nombre por su trabajo en estudio con artistas como Paula Cendejas, Maximiliano Calvo. Vic Mirallas o Marc Seguí. Con todos ellos se ha implicado al máximo, componiendo y creando codo con codo las canciones que produce. “Mi relación con otros músicos siempre empieza por hablar mucho y conocernos antes de escribir. Y cuando siento que hay una semilla o un punto de partida, pues nos aventuramos a escribir una canción”. Ese trabajo conjunto suele tener como sello de autor su sutil aderezo electrónico, la rítmica de las percusiones y un especial cuidado en el tratamiento de la voz. “Desde que empecé a producir me di cuenta de que la voz era probablemente mi instrumento favorito. Un instrumento, además, único para cualquier artista. Porque cada artista tiene una voz distinta y, según cómo la utilices, no se va a parecer a ninguna otra. Por eso he sido siempre muy ambicioso a la hora de explorar todas las posibilidades que da la voz, tanto en coros como en el tratamiento vocal, en armonías o en utilizarla como un instrumento, como parte del beat o de la instrumental. Y creo que ese trabajo con las voces me ha podido identificar como productor”.

De mi interior al mundo

CARLOS ARES SE MUESTRA ya más relajado. Llevamos un rato charlando cómodamente sentados, y ambos hemos olvidado la presencia de la grabadora de por medio. Solo así pueden surgir temas tan personales como los dos años que lleva disfrutando de una relación abierta (“No he tenido una relación tan sana en mi vida”) o de los serios problemas que le ha acarreado lidiar con la ansiedad. Temas que han quedado recogidos sin ambages en un álbum tan personal y en el fondo egocéntrico como “Peregrino”. “Tuve una etapa de mi vida muy introspectiva, de mucho psicoanálisis y mucha reflexión, y me di cuenta de que tenía que intentar encontrar un lugar que tuviese una identidad, pero que quizás esa identidad ya existía. Porque tanto con mis

3parejas, como con mis amigos o cuando mejor estaba con mi familia, era cuando yo estaba en mi estado de máxima relajación y naturalidad. Así que pensé que eso podía ser un reflejo también de lo que la gente quería de mí en la música. Pensé que a lo mejor lo único que tenía que hacer era basar mis canciones en mi vida. Empecé a relacionarlo todo conmigo mismo. Y es que, al fin y al cabo, yo soy un gallego que vive aquí en Madrid y fue justo eso lo que traté de llevar a la exageración. Esa parte de mi personalidad, la del hecho de ser gallego y de ser de monte. Así que empecé a potenciarlo de alguna manera. Empecé a crear este personaje que luego es el que protagoniza el disco “Peregrino”. Y al final todo acaba siendo un poco exagerado porque, por ejemplo, yo nunca he vivido solo en la montaña, ¿no? Pero sí que he disfrutado de la soledad en la montaña como hobby. Y sí, metafóricamente también tenía mucho que ver con ese refugio que tengo cuando paso etapas de ansiedad y de estrés aquí en Madrid. Al final me refugio siempre en lo mismo que es en salir de la burbuja. Para mí Madrid, y el hecho de dedicarme a la música, es como una especie de sueño, y cuando necesito poner los pies de nuevo en la tierra, me vuelvo a mi ciudad con mi familia, mi casa y mis rutinas de allí. Y, bueno, todo fue como decir... ¡Joder! ¿cómo puedo hacer que mi trabajo me permita ser natural? No tener que fingir absolutamente nada… ¿Cómo trato de ponerme lo más cómodo posible para hacer este disco? ¿Sabes? Ese tener solo que esforzarme en hacer canciones bonitas, pero de forma natural”. Y justo esa es la clave que hace de “Peregrino” un álbum tan especial. Esa combinación de bonitas tonadas con letras que muestran una vulnerabilidad con la que todos y todas podemos sentirnos identificados. Un camino, el que traza el protagonista del disco, que transita por senderos internos, pero que también marca el trazado del propio Carlos a lo largo de estos últimos años, en los que ha ido reclutando una magnífica banda para darle al disco el directo que merece. Pero ese es un punto que merece un nuevo capítulo.

En directo, el algodón no engaña

ES JUEVES 30 DE NOVIEMBRE y mis compañeros de Mondo Madrid me han insistido en repetidas ocasiones que no puedo dejar escapar la oportunidad de ver a Carlos Ares en directo. Hace frío en Barcelona –cosa rara– y La Nau no presenta el mejor de los aspectos. Seremos tan solo poco más de un centenar los que nos hemos acercado para disfrutar de un concierto que va a ser imposible de olvidar en los próximos meses. Lo primero que

EL APUNTE

“Peregrino” track by track por Carlos Ares

“Peregrino”

“Es la canción más importante de mi carrera por lo que supuso llegar hasta ella. Un reencuentro con una versión primitiva de mí”.

“Velocidad”

“Quería que fuera una fusión entre algo muy orgánico con un tratamiento moderno… Y quería generar una sensación de tensión y expectación en el bolo”.

“Rocíos”

“Necesitaba expresar la sensación de que llevo años viviendo al límite del ataque de corazón, porque arrastro un trastorno de ansiedad desde hace tiempo”.

“Cigarra”

“Me quería poner un poco macarra. Es algo que siempre envidié de los artistas que a mí me parecía que tenían más carácter… Como la gente que viene del rap”.

“Materia Prestada”

“Originalmente era una adaptación de ”Pájaros de barro” (Manolo García) y conservaba el estribillo de la original, pero al final no obtuve el permiso para utilizarlo”.

“No te pensaré más de la cuenta”

“Quería que no tuviera una estructura convencional y me apetecía ser muy experimental. Habla de ese duelo por el que estaba pasando”.

“Aquí todavía”

“Justo es la otra cara, la cara positiva y ese estar agradecido con lo que tienes y tratar de verle la belleza a cualquier situación un poco complicada por la que estés pasando”.

“Terrícola”

“Para mí era una balada necesaria en mi vida, y la compuse con la idea de bajarme las pulsaciones en esas etapas de ansiedad o de estrés máximo. Tenía que ser terapéutica”.

“Amigo”

“Quería que reflejara toda la rabia que llevaba dentro y la guitarra suena como si se estuviera quejando o llorando”.

“Nueva era”

Es seguramente una de mis canciones favoritas… Me vino bien para entender qué tipos de temas quería tratar y hasta dónde podía llegar a la hora de tratar ciertas partes de mi personalidad”. CARLOS ARES

EN PORTADA

sorprende es la cantidad de músicos que suben al escenario. Siete personas, cinco hombres y dos mujeres –violín incluido–que llevarán las canciones de “Peregrino” a una nueva dimensión. Un viaje sensorial en el que las piezas del lego encajarán a la perfección a la hora de ejecutar armonías y solos con una vitalidad y entusiasmo, capaz de borrar cualquier pesadumbre. He sufrido una revelación como pocas y ya me tienen atrapado. Soy un acólito más de la liturgia a la que nos somete Carlos Ares y su troupe. Pero es que, en esta nueva era que protagoniza el músico, el directo juega una baza fundamental. Básica. “Cuando reuní a la banda por primera vez, me di cuenta de la importancia que iban a tener para comprender el proyecto y para yo saber hacia dónde quería que fuera. Por eso me parece la hostia haber contado con ellos… A Bea [Beatriz Gutiérrez, aka Begut] la conocí en un campamento de songwriting al que me llevaron como profesor unos amigos. Ella también vino de profe y me enamoré de su música. Luego conocí a Marcos Cao [La Sonrisa de Julia] en otro campamento de songwriting y él me propuso producir su álbum ‘Mañana mejor’. Sergito [Sergio Delgado, teclado] es el padre de Christian Delgado, el batería, y lo conozco desde que yo tenía quince años y él era profesor de una escuela de música y se encargó de buscarme una serie de músicos, entre los que estaba su hijo, para poder grabar por primera vez en un estudio. Desde entonces llevamos once años en el escenario los tres juntos. A Tony Finu, el bajista, lo conocí también produciendo al igual que Mikaela [Vázquez, violín] por Vic Mirallas y por músicos. Todos tienen que ver un poco con diferentes etapas de mi vida…”. Con todos ellos Carlos Ares arma un directo que tendréis la oportunidad de disfrutar en la próximas Fiestas Demoscópicas de Mondo Sonoro. Será el próximo 20 de marzo en el Teatro Barceló de Madrid. Yo desde luego no me lo voy a perder. D.D.

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EN CONCIERTO

EL DISCO. RECUPERADO.

Swamp Dogg

Love, Loss, and Auto-Tune (2018)

DEL MISMO MODO que no nos sorprende ver a un perro durmiendo en un sofá, cagarse en una alfombra o sodomizar una pierna, Jerry Williams Jr. trató de buscar el mismo grado de predictibilidad para con su carrera cuando decidió rebautizarla con el seudónimo de Swamp Dogg. Sin mayores pretensiones, quería terminar convertido en uno de esos artistas que componen, escriben y cantan sobre todo aquello que cabría esperar por estereotipo y norma. Superviviente de una trayectoria marcada por el ostracismo más inicuo durante cinco décadas, Dogg (con edad ya provecta y un generoso catálogo de sube y bajas profesionales que tardarían en ser puestos en su lugar) terminó descubriéndonos que en su previsible registro todavía había sitio para la sorpresa. Esta se haría de rogar, eso sí, y vendría tocada por la varita mágica de la vanguardia y el experimentalismo –un maletín de trucos hasta ahora insólitos en su hacer que lo cambiarían todo a partir de la publicación de “Love, Loss, and Auto-Tune” en 2018.

CONSIDERADO POR EL PROPIO Williams como el mejor material que ha firmado desde su debut como Swamp Dogg (en 1970), las canciones de “Love, Loss, and Auto-Tune“ son el perfecto resultado de la hibridación entre el ayer y el

nely”), sin dejar que ni sus rejuvenecidos arreglos ni su voz tratada pierdan el gusto por los tropos del género. Los responsables directos de este particular renacer son Ryan Olson (productor del disco y miembro de Poliça) y Justin Vernon (más conocido como Bon Iver y culpable de que el auto-tune dejara de chirriarle a los indies más fundamentalistas), quienes conscientes del filón que habían encontrado en el talento clandestino de esta leyenda sureña, trabajaron con especial dedicación en un álbum que perfectamente podría llevar la firma de un Kanye West exento de arrogancia y vanidad tóxica. La voz manipulada de Dogg es el eje angular de sus nueve cortes, siendo esta capaz de retorcerse hasta el extremo, jugar con los ángulos más esquinados de la tecnología y dibujar panorámicas de desolación, desilusión y pérdida como ninguna otra (“And when our old friends ask how am I doing? I’ll pretend I’m not losing my mind”, canta junto a Vernon en “I’ll Pretend”). Y es que este sobrevenido empleo de recursos digitales no responde tanto a un afán por aproximarse a generaciones nuevas de oyentes, como sí de valerse de un contexto sonoro y mordaz que subraye su emotivo mensaje: la soledad de la vida moderna nos anestesia y nos distancia de los otros. Quién le habría dicho a este en los

TAN. CERCA.

RR Lamentablemente tenemos que informar del fallecimiento de Mikel Caballero, músico muy querido en Bizkaia y en Euskadi, conocido por ser bajista durante más de dos décadas de Gatibu También formó parte de EraBatera, Seda y Peatones.

RR Pocos días después de anunciar por sorpresa su retorno, la banda valenciana La Raíz vuelve a sorprender anunciando una única fecha para este 2024. Será el próximo 22 de noviembre en el WiZink Center de Madrid.

RR El artista canario Ale Acosta presenta una colaboración explosiva con el trío Çantamarta en “El Cerro y el Mar”, el tercer adelanto de su álbum debut en solitario al margen de Fuel Fandango.

RR El dúo Besmaya ha lanzado el quinto adelanto de lo que será su álbum “Nuevos Lemas”. La canción se titula “Instante” y cuenta nada menos que con la colaboración de los barceloneses Sidonie.

RR El festival Tomavistas ha lanzado una nueva lista de artistas que formarán parte de su cartel. Y la lista vale la pena: Phoenix, Editors, Villagers, Georgia, Joe Goddard, Cariño, Repion, Melenas y Adiós Amores. Todos ellos se suman a la lista ya conocida y actuarán los días 24 y 25 de mayo en la Caja Mágica de Madrid.

RR El próximo mes de abril volverá el ciclo Sesión Vermú que anticipa cuatro nombres y confirma que habrá más de setenta actuaciones en diferentes municipios de Madrid entre el 6 y el 28 de abril. Esos cuatro nombres son shego, The Crab Apples, Gazzi y Vangoura.

RR Sónar, el festival de electrónica, innovación y creatividad de Barcelona, ha completado el cartel de su nueva edición, a celebrar los días 13 a 15 de junio en Fira Montjuïc y Fira Gran Vía, con nombres como los de Paul Kalkbrenner, Laurent Garnier, Adriatique, Anetha, Richie Hawtin, Jennifer Cardini b2b HAAi, Danny Tenaglia, Octave One live, Soto Asa, Yerai Cortés y Laurel Halo, entre muchos otros. MS

Dead Poet Society Progreso adecuado

“FISSION” (Spinefarm, 24) nos muestra el momento actual de Dead Poet Society. Un momento en el que el cuarteto estadounidense apuesta por sonar más directo que nunca.

NACIDOS AL CANDOR de la excitante y presente escena new noise, Dead Poet Society son conscientes de que la única forma de crear algo genuino es expresando sin cortapisas aquello que sienten, apostando por la emoción sin renunciar a la distorsión y a la percusión galopante como elementos base: “El enfoque en nuestras canciones ha ido progresando a lo largo de cada trabajo, buscando ser

TAN.LEJOS

cada vez más directos y más conversacionales en aquello que escribimos”, cuenta Jack Collins, guitarrista, sobre la literalidad de las letras de “FISSION”, su segundo disco. “Estas canciones tienen ahora este cariz tan íntimo porque es lo que nos ha pedido el cuerpo hacer. No había otra opción posible para nosotros”. A pesar de llevar más de diez años en esto, no ha sido hasta hace bien poco que la banda ha comenzado a ser reconocida debidamente, siendo este disco la piedra de toque en su evolución. “Siempre debe notarse una evolución en aquello que haces, y si no logras que los demás se den cuenta de ello…, Amigo, entonces estás jodido”, bromea el vocalista Jack Underkofler. “Somos más certeros con aquello que queremos expresar y la calidad de nuestros temas ha crecido mucho. No tengo

“Si quieres crear algo genuino, tienes que eliminar las etiquetas de tu cabeza”

RR El rapero Kanye West ha eliminado de “CARNIVAL”, tema de su último disco “VULTURES 1” (YZY, 24) el sample que utilizaba de “Iron Man”, de Black Sabbath. Lo ha hecho tras la polémica en redes sociales un tweet de Ozzy Osbourne en el que lo acusaba de antisemitismo. Como respuesta, Kanye West ha apuntado que esas palabras no pueden ser del Ozzy Osbourne, sino que debe haber alguien detrás que le lleve las redes sociales. Incluso ha compartido un stories de Ins-

tagram en el que aparecen los Osbourne disfrazados como él y su mujer, Bianca Censori, a modo de disfraz de Halloween.

RR La banda de rock estadounidense Pearl Jam ha anunciado su nuevo álbum, “Dark Matter” –avanzando el tema que le da título–, para el 19 de abril. Igualmente, han anunciado dos fechas para Barcelona: 6 y 8 de julio en el Palau Sant Jordi. Ambas fechas se suman a su participación en el Mad Cool el 11 de julio.

Frank Carter & The Rattlesnakes Luces en la oscuridad

A pesar de la intensidad de su carrera, Frank Carter no pierde la pasión ni el entusiasmo en aquello que hace, y así nos lo demuestra cuando le entrevistamos por “Dark Rainbow” (AWAL/Popstock!, 24) .

“CREO QUE YA NO ME PONGO nervioso ante nada”, confiesa. “Antes solía hacerlo porque no me creía capaz de conseguir ciertas cosas. Ahora, sin embargo, siento que he ga-

nado una confianza en mí mismo muy grande. ¿Cómo me va a dejar de entusiasmar esto? Es el mejor trabajo del mundo. No solo tengo la suerte de poder escribir música y de canalizar mis problemas a través de ella, sino que además mucha gente viene a contarme lo mucho que les han ayudado nuestras canciones en sus vidas y eso es maravilloso”, me comenta el británico. Tras su marcha de Gallows y posterior reconversión en Frank Carter & The Rattlesnakes, el artista ha ido demostrando una progresiva evolución en sus formas que le llevan ahora a alcanzar su máximo nivel de introspección de la

mano de “Dark Rainbow”, su quinto álbum y también la ventana más honesta a sus emociones: “Nuestro objetivo con ‘Dark Rainbow’ era hacer un disco bello de verdad”.

ESTE NUEVO TRABAJO podría ser considerado como el disco más reflexivo de la dupla. “Creo que este álbum es la perfecta tensión entre la felicidad y la tristeza”, sentencia Carter. “Durante estos años hemos sido una banda muy colorida. Mírame, voy lleno de tatuajes, y nuestra música acostumbra siempre a ser muy eufórica. Pero este disco es la prueba de que

RR Chris Martin, cantante de Coldplay, se convierte en el “protagonista” del nuevo video de IDLES, concretamente de su canción “Grace”, que utiliza el clip de “Yellow” de los primeros. Por otro lado, te recordamos que IDLES estarán actuando en Madrid (viernes 1 marzo, WiZink Center) y en Barcelona (2 marzo, Sant Jordi Club).

RR Otros grandes del rock que han anunciado su gira internacional son AC/DC. La banda más legendaria del rock duro internacional presentará su álbum “Power Up”. En España, actuarán en la ciudad de Sevilla –Estadio La Cartuja–los días 29 de mayo y 1 de junio.

dudas de que hay una progresión desde nuestro primer disco a éste y que la gente lo va a apreciar”. Un cambio deudor del paso de Benjamin Rice y Anton DeLost como responsables de la producción de su trabajo. “Durante años, Jack [Collins] y yo éramos los encargados de producir las voces en nuestras canciones, y es evidente que hay un salto cualitativo en el momento en el que dejamos entrar a un tercero en esa ecuación”.

ANTON DELOST LOGRÓ que el disco fuera el resultado de un entendimiento mutuo por parte de los diferentes miembros de la banda. “En ocasiones podemos llegar a ser un poco neuróticos y de vez en cuando se dan situaciones en el seno de la banda en las que todavía debemos de aprender a adaptarnos a las opiniones del otro, aunque Anton dejó que nos expresáramos libremente y encontráramos nuestro propio consenso. Eso, sumado a su habilidad para hacer que las cosas suenen increíbles, es lo que realmente ha elevado

el nivel de la producción”. El resultado es un disco catártico y explosivo que subraya con sus formas esa tendencia presente del rock alternativo por eliminar las limitantes etiquetas del mismo. “Durante mucho tiempo los géneros musicales han sido recursos que han gozado de mucho crédito por parte de medios y aficionados”, arranca Underkofler. “Sin embargo, celebramos que el rock esté abriéndose a otras estructuras estilísticas y que actualmente se encuentre en un punto muy distinto al que estaba hace dos o tres décadas. La música evoluciona, en tanto que está creada por humanos y estos también cambian a lo largo de los tiempos. Si quieres crear algo genuino, tienes que eliminar las etiquetas de tu cabeza”.

FRAN GONZÁLEZ

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“Este álbum es la perfecta tensión entre la felicidad y la tristeza”

RR La banda estadounidense The Jayhawks, vuelve una vez más a nuestro país con una gira de cinco fechas. Pasarán por Barcelona (13 junio, Paral·lel 62), Bilbao (14 junio, BBK Bilbao Music Legends Fest), Vigo (15 junio, Auditorio Mar de Vigo), Madrid (16 junio, Noches del Botánico) y Valencia (17 junio, La Rambleta).

RR Damo Suzuki, uno de los vocalistas que revolucionó el krautrock con la banda Can, falleció el pasado viernes 9 de febrero a los setenta y cuatro años. El artista murió tras enfrentarse durante diez años a un cáncer. MS

también podemos ponernos oscuros si el cuerpo nos lo pide. Refleja sentimientos con los que es fácil sentirse identificado y rellena un espacio entre el oyente y nosotros que no habíamos cubierto hasta ahora”. Para lograrlo, Carter y Richardson se han concedido el lujo de macerar durante más tiempo que nunca sus nuevas canciones y el resultado es, por tanto, historias tan intensas e íntimas, como la que inspiró “Man Of The Hour”. “No puedo contarte exactamente el momento en el que encontré la inspiración para ese tema, pero sí lo que lo motivó”, cuenta Carter en el tramo más sensible de nuestra entrevista. “Fue mi compromiso con la sobriedad. Me propuse dejar el alcohol, entré a formar parte de un programa de

recuperación y convertí ese propósito en mi prioridad por encima de todo. Espero y deseo permanecer sobrio el resto de mi vida. No echo de menos en absoluto cómo me hacía sentir aquello. De hecho, bebía precisamente para dejar de sentir, hasta que llegó un día en el que estuve verdaderamente cerca de dejar de sentir, pero para siempre. Ahora tengo claro que no quiero acabar convertido en un cliché andante del rock. Mi intención es la de seguir vivo. Me lo debo a mí mismo, se lo debo a mi familia, a mi hija y a todas las personas que me han apoyado y que me dan su amor”. FRAN GONZÁLEZ Más en www.mondosonoro.com R

FOTO: CHANDLER MOYER

MONDO FREAKO

Christina Rosenvinge Odisea

Pocos días después del triunfo unánime que supuso la primera presentación en directo de “Los Versos Sáficos” (Primavera Labels, 23) en Madrid, quedamos con Christina Rosenvinge en el estudio que Mondo Sonoro tiene en el centro de la ciudad para desgranar las tres fases por las que ha pasado el último proyecto de la artista.

CON LA INTENCIÓN DE SEGUIR la cronología correcta comenzamos hablando de “Safo”, ese ambicioso proyecto teatral en el que Christina Rosenvinge adaptaba versos de la poeta griega, en una odisea que parece del todo menos sencilla. “Desde la productora teatral Focus me dijeron que querían hacer un poema visual sobre Safo. Me lo llevé a mi terreno y traté de no retratarla como una mujer que se suicida por amor a un hombre, sino enfatizar su naturaleza lesbiana. Y, por otro lado, devolver la música a los versos de Safo, adaptándolos al formato de canción popular. Algo muy riguroso es espíritu, pero muy irrespetuoso en forma. Quería imaginar cómo sonaría Safo en el siglo 21”. Después llegaron “Los Versos Sáficos”, el disco que la madrileña publicó a finales del año pasado tras llevar esa adaptación inicial a unas canciones, digamos al uso. “En cuanto acabamos esa gira teatral decidí grabar un disco que no tendría mucho que ver con lo que hacíamos en la obra. Con la banda y todo el poder de la música en el centro, para que luciese toda la adaptación de letras que hemos hecho en una labor de orfebrería. Tenía muchas ganas de hacer el disco y presentarlo en formato de concierto de rock”. Precisamente, la tercera parte de toda esta aventura ha consistido en trasladarla al directo, reestructurando de nuevo esos temas de cara a interpretarlos sobre el escenario. El estreno quedó concretado en el magnífico concierto que la banda firmó el pasado 10 de enero en Madrid. “Ya habíamos hecho una primera parte de transformación cuando grabamos el disco. Pensé en mantener un formato puro de cuatro personas en el escenario, porque cuando las bandas son muy grandes, a veces lo que estás oyendo es el disco reproducido con todas las pistas en directo. Eso me aburre. Lo ensayamos, lo montamos,

“Soy poco predecible y a lo mejor eso ha hecho que la gente desconfíe de mí”

luego volver a virar. Ellas están en esa onda, y eso no siempre pasa. Hay bandas menos aventureras, que no le encuentran la gracia a eso y para ellos el accidente no tiene tanto encanto. Aunque empecé en los ochenta, cuando yo me encontré con mi gente y me identifiqué totalmente con una generación fue en los noventa. No quiero perder eso del todo”. Dialogamos con una artista plural y sin aparentes límites, que lleva décadas enfilando diferentes caminos y evitando caer en el ostracismo o el acomodo artístico. “Soy poco predecible y es cierto que eso, a lo mejor, ha hecho que la gente desconfíe de mí, porque puedo cambiar de estilo muy radicalmente. Yo no me considero una artista clásica en el sentido de, por ejemplo, Sabina o Calamaro, que llevan toda la vida haciendo más o menos lo mismo. A mí me divierte mucho hacer cosas distintas y no soy fiel a un solo estilo. Me encanta hacer ruido, canción pequeña o delicada, estribillos pop o cosas oscuras. Y todas esas partes son coherentes con mi personalidad”. Al mismo tiempo, habrá pocas voces tan autorizadas para hablar del papel de la mujer en la música como la de Christina Rosenvinge. “Ha evolucionado, pero no estamos tan bien como se cree. Cuando yo decía que era feminista en los noventa la gente pensaba que era algo pasado de moda. Un dato descorazonador, que me aportaron en una entrevista, es que yo era la única mujer compositora de este país con una carrera que atraviesa décadas. Y, si de verdad estuviera conseguido, habría un equivalente femenino a, por ejemplo, Los Planetas o Vetusta Morla, con ese poder, que cobren esos cachés o que puedan montar esas giras. A los proyectos femeninos nos cuesta muchísimo más convencer al entorJULIÁN

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WALA. WALA.

“Muchas declaraciones que hice en el pasado surgieron de estar en una depresión. Por aquel entonces a nadie le importaba si estabas deprimido y tenías que hacer entrevistas”

Chris Robinson de The Black Crowes en Mojo

“Siempre siento que estoy haciendo las maletas como si me fuera a quedar varada en algún lugar. es algo traumático”

Kim Gordon en Uncut

“Hay una cosa interesante que pasa en eso que llaman ‘cultura hip hop’, y es que están encajonados en su espacio y todo lo que sea distinto, no es rap”

Residente en GQ

“He intentado crear un mundo que suene como un fluido, como el agua, evocando el mundo interno de sonidos de nuestro cuerpo”

Julia Holter en The Fader

“SALIMOS DE LA NADA Y NOS LARGAMOS DE ALLÍ. ESTAR AQUÍ VEINTE AÑOS DESPUÉS Y SEGUIR HACIENDO MÚSICA JUNTOS ES SIMPLEMENTE INCREÍBLE”

Beth Ditto de Gossip en NME

FOTO: GUSTAFF CHOOS

ENTREVISTA

Hay pocos regresos en solitario que satisfagan a los fans. En el caso de “Balla la masurca!” (Ceràmiques Guzmán, 24) es fácil: con paciencia, todos contentos. Hay para los que busquen el atrevimiento musical de los últimos Manel y también la historia que abraza en la voz de Guillem Gisbert.

TEXTO Yeray S. Iborra

FOTO Berta Vicente

LOS PERIODISTAS Son personas normales, muy normales, a las que les pasan cosas especiales. Juan Cruz es una reputadísima firma, ya septuagenaria, rebozada de cargos de despacho y premios. Pero cuando paseaba la pluma en El País era, en argot golfístico, un cóndor: de los que consigue la emoción siempre bajo par, con lo mínimo. En 2004 firmaba un artículo sobre Rafael Azcona, el guionista más premiado de los Goya (“La escopeta nacional” o “Belle époque”), que mostraba a partes iguales la genialidad del logroñés y la hijoputez de dar con un buen texto. Dos décadas después, Guillem Gisbert, otro amante de un buen patt letrístico que jamás pisó el verde, ha dedicado –a los periodistas les pasan cosas especiales– una canción a aquella anécdota de Azcona, reconstruida a su vez por Cruz. La original, “El hombre que hacía volar los aviones”, está más adornada que la versión musical, “Un home realitzat”. ¿Pero qué carajo hace el barcelonés eligiendo ese texto para su nuevo “Balla la masurca!?” Lo mismo que en el resto de once relatos que componen la vuelta del hasta ahora cantante de Manel: trabajar la nostalgia, la magia de la pirueta artística, la melancolía y –claro– el amor, pero con la historia por delante. Con oficio. Como hizo Azcona. Y Cruz. Como sólo los mejores saben, bien rodeados (producen Anxo Ferreira, Jordi Casadesús, Jake Aron, El Extintor o La Ludwig Band), sin importar mucho la forma, pero dejando sangre sin que quede mancha. Guillem Gisbert no escribe canciones, las echa a volar.

Gracias a “Miracle a Les Planes” he entendido que los dos estudiamos en la Universidad Autónoma de Barcelona. ¿Periodismo?

Sí. Estaba bloqueado de miedo y me arrastraba por la Facultad. Me puse a estudiar Historia del Arte también; busqué alternativas. En fin, la carrera la acabé. Ir de

tardes añadía algo de dramatismo al tema. La oscuridad de las nueve de la noche… Había una ansiedad extraña en las tardes. Los había que no la vivían. Me juntaba con los de mi cuerda. De ahí esas bajadas en el ferrocarril. Aquello me formó. Especialmente si eres de letras, ese joven espera de la vida algo especial, un gran gesto. Al final te das cuenta de que la felicidad está en un lugar diferente de la pulsión del joven. Si a mi yo de diecisiete le hubiesen contado lo que he vivido, hubiese sido muy feliz. Pero a mí me gustaría decirle a esos chavales que eso tampoco me ha hecho más feliz. Las obsesiones juveniles sobre la profesión, del mundo de la cultura de ser alguien, una vanidad muy infantil.

¿El siguiente paso tras Manel ha sido por rutina, por oficio?

He encontrado un oficio que me gusta, que me encaja. En aquel momento, en aquel ferrocarril, este oficio no era algo que formase parte de mis sueños no confesados. De forma natural lo he ido haciendo. Y ahora ya no podría hacer ninguna otra disciplina artística. Tengo un oficio y mi cerebro se activa ante estímulos, ante ideas, ante melodías. Con la edad, tu lugar en el mundo se va concretando de una forma que para alguien de diecisiete sería horrorosa. Ahora estoy tranquilo, a gusto, satisfecho, agradecido. Y a la vez no sé si será lo último que publique. Aquello que desea la persona vanidosa de forma infantil, si se le da, no le soluciona la existencia. Sólo te salva el oficio.

¿El oficio?

Para mí, ahora, una buena crítica musical es una conversación con alguien a quien le gusta algo parecido a lo que me gusta a mí. Con veinte años eso es la validación. A mí si alguien dice algo bueno o malo… Yo ya lo habré pensado, estaremos de acuerdo o no, pero no me desestabilizará. De joven me legitimaba. Porque alguien con quince años más me decía quién valía y quién no. Ahora

GUILLEM

El hombre que

GUILLEM GISBERT

que echaba a volar canciones

“

“Con la edad, tu lugar en el mundo se va concretando”

esa gente, ese alguien, ¡soy yo! No hay una autoridad a quien complacer. De eso habla “Balla la masurca!”. Para mí escribir con mis tres amigos era muy normal, y pensé “¿Qué pasa si lo hago con otra gente que me gusta lo que hacen?”. Y no dudé en que era el paso que me apetecía.

¿Ha sido un reto contactar con esos artistas?

Hay una experiencia personal que tiene que ver con conocer a gente. Yo de natural no soy muy sociable. A priori no conozco a gente todo el rato. A Anxo le mandé un mail, le hice alguna llamada, y un día me fui a Madrid. Y nos pusimos a trabajar. El grupo, pues depende del grupo, pero nosotros éramos un equipo compacto, y está bien que un grupo sea compacto, lo necesita, es autosuficiente. Ahí no hace falta más gente. Y eso nos ayudó a ser una piña. Ahora era lo contrario. El artista en solitario necesita mucho más a la gente: en la producción, en la opinión, etcétera. Yo no soy un gran músico, necesito trabajar con músicos.

En todo este follón de productores diferentes y tal, ¿querías encontrar un punto común en las cosas o te daba igual? Porque los singles no tenían nada que ver unos con otros.

Trabajar con productores diferentes, entre Anxo, David y Marcel, La Ludwig, Casadesús, Jake Aron… La variedad es parte del disco. Pero el riesgo es el pastiche. Yo hice esto como experiencia vital, para ver otras formas de trabajar. Yo era muy Dylan, y me gustaban mucho The Magnetic Fields, pero llegó un punto cuando se fundieron la música comercial yankee sin renunciar al mainstream… Taylor Swift, Beyoncé, Kanye West, industria y mucha imaginación detrás, ¡eso me interesó mucho! A mí me gustaría, como Taylor, tener a mi Jack Antonoff [productor]. He buscado unos cuantos Antonoff. Desde mi lugar, desde mi pequeña industria, yo quería probar algo así. Controlar a esa gente trabajando, sumando talentos, y yo como denominador común. Cuando das un producto acabado, eso tiene una fuerza. Si el público viese el proceso… y todas las cosas que no fueron… Y.S.I.

Sôber El cuerpo y sus apéndices

Los madrileños Sôber celebran este año su treinta aniversario por partida doble: regrabando su ópera prima –todavía como Sôber Stoned– bajo el nombre de “Retorcidos” (el plato principal de una caja deluxe), y celebrando una gira junto a Savia y Skizoo, que vuelven al escenario para la ocasión de forma puntual. De todo ello nos habla Carlos Escobedo.

SÔBER NACIERON en 1994 destinados a convertirse en uno de los pilares nacionales del nuevo metal que estaba naciendo en los noventa. Dos años después publicaban de forma autoeditada su primer disco, “Torcidos”, y el resto es historia. Una carrera de éxitos en la que tuvieron que tomarse un descanso. De aquel lustro en barbecho (2005-2010) nacieron los grupos paralelos Savia (con Carlos Escobedo) y Skizoo (los guitarristas Antonio Bernandini y Jorge Escobedo junto al cantante Morti). Pero Sôber siguen muy activos y, además, van a protagonizar una amplia gira por todo el territorio.

Celebráis estos treinta años de la banda

por todo lo alto. En primer lugar con “Retorcidos”, la regrabación de “Torcidos”, vuestro primer álbum. ¿Una forma de cerrar el círculo?

Cuando uno habla de treinta años, de celebrar un cumpleaños así, la mejor manera es hacer balance desde el principio. Ver de dónde venimos. Tenía esa espinita clavada, porque ese disco tuvo una pequeña mano negra: no pudimos hacer lo que queríamos a nivel de producción, de sonido… Se grabó en un fin de semana. Siempre se nos quedó eso: “Este disco grabado ahora, con estas canciones, podría molar”. Empecé aquí en casa a maquetar y a darle ese toque más fresco, y empezó a funcionar tan bien que surgió la idea: “¿Por qué no lo regrabamos?”. Nos quitamos la espinita, cerramos ese círculo y hacemos el balance, treinta años después, de cómo ha evolucionado la banda.

Al margen del disco y la edición especial, la otra gran celebración de ese aniversario va a ser la gira. ¿Vais a repasar toda vuestra discografía? Sí, por supuesto. Pero queremos que sea más interactivo. En vez de hacer un bloque Savia, uno Skizoo y otro Sôber, vamos a intentar hacer un concierto conjunto en el que vayan apareciendo canciones, donde uno se esconde y el otro sale, donde de repente se cambian y en el que va a haber

muchas sorpresas para que un show de tres horas no se te haga cansino. Lo que tenemos que preparar muy bien ahora es el orden de las canciones, porque cronológicamente hablando funcionaría, pero a lo mejor tenemos que darle una vuelta para contar qué ha ocurrido a nivel musical en esos treinta años. Que sea muy dinámico y que la gente no se agobie en plan: “Joder, tres horas seguidas de matraca”.

¿Cómo han reaccionado vuestros seguidores con la noticia de la incorporación de Savia y Skizoo?

Ha sido increíble. Lo estamos viendo, porque la venta de entradas está funcionando muy bien. Sôber ha continuado su carrera, pero desde 2009 nadie ha podido ver a Savia o Skizoo. Es una manera de decir: “Vamos a juntarnos, vamos a hacer esas canciones que también forman parte de nosotros”. Al final somos una gran familia, porque en el momento que Sôber se toma ese descanso parece que hay un punto de rivalidad, de “Yo soy más de Savia”, “Yo soy más de Skizoo”. Con esto decimos que no hay ninguna rivalidad. Somos nosotros mismos, contamos con equis compañeros que comparten con nosotros este concepto musical. Son canciones que surgen y que podemos meter dentro de un mismo setlist y la gente se dará cuenta de que no hay tanta diferencia. Al final las dos bandas son

MONDOVINILOS

Chelsea Wolfe: victoria por abrumación

Chelsea Wolfe

She Reaches Out To She Reaches Out To She Loma Vista/ Music As Usual 8

ROCK / Agarrados a las prisas, a quemar cualquier producto en décimas de segundo, Chelsea Wolfe nos propone otra vía. Si en sus primeros esfuerzos discográficos fue puliendo una personalidad que aún tenía grietas, armada siempre a lo gótico y a ambientes oscuros, desde “Birth Of Violence” (19) ha cambiado de táctica. De alguna manera, ha decidido que está bien asomar la cabeza y, con cautela, ver qué se mueve ahí fuera. Respirar y observar para tener perspectiva. Chelsea Wolfe sigue siendo hermética y misteriosa, pero algo ha cambiado. Quizá sea su determinación. Si en “Birth Of Violence” oíamos una versión suya más pulida y calmada, en “She Reaches Out To She Reaches Out To She” gana porque abruma. Su voz está más presente y en un primer

Ana Tijoux Vida Victoria Producciones/ Altafonte

RAP / La chilena ha tardado nueve años en publicar su quinto disco de material propio, pero lo prolongado de la espera es acorde con la magnitud de la empresa, porque “Vida” es un trabajo maduro, exuberante, heterogéneo, colorista, concienciado pero exento de sermones, clásico pero muy contemporáneo, que troca el duelo en sentida celebración y se erige en uno de los mejores discos, si no el mejor, de toda su carrera. Una sensacional amalgama de hip hop, r’n’b, funk, efluvios jazz, trap, afrobeat, cumbia, dancehall, disco music y folk. Terapia ante varias muertes cercanas, opta por su reverso positivo, aunando conciencia sociopolítica, recuento de indispensables afectos, feminismo, autoafirmación, afán recreativo y apuesta por el baile como liberación de la mente y acto de resistencia. Un álbum mayestático, en el que las colaboraciones de Omar, Talib Kweli, Posdnuos (De La Soul), Pablo Chill-E e iLe encajan como un guante. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

plano, áspera cuando el asunto lo requiere, cercana a la de Beth Gibbons en un par de casos (“Dusk” y “Tunnel Lights”) y, al son de sonidos electrónicos turbios (¿dónde te has escondido Trent Reznor?), en “Everything Turns Blue”. Un disco con el que, tras sus aventuras metalcore con Converge y la banda sonora en clave slasher de “X”, la californiana nos lleva de aquí a allá, desde la ensoñación de “The Liminal” a las brumas nocturnas de “Unseen World”. La primera canción del disco, “Whispers In The

The Vaccines Pick-Up Full Of Pink Carnations Thirty Tigers/ Popstock!

POP / Los de Londres son de esos grupos que lo dijeron todo a las primeras de cambio. El hecho de que en este disco en que recuperan la inmediatez de sus inicios se copien un poco a sí mismos (el estribillo de la tierna “Sunkissed” evoca su hit “Post Break-Up Sex”) lo prueba. Así que dejando atrás los experimentos con gaseosa, la banda se aplica en hacer canciones efectivas con estribillos directos, sin dejar de lado su toquecito melancólico. Grabado en Los Angeles y bautizado con un título que recupera una línea de “American Pie”, el álbum confronta temáticamente sueños y realidad, y tiene la virtud de ser lo que promete: de las tiernas melodías vintage de “Sometimes I Swear” a las guitarritas de “Lunar Eclipse” y los requiebros de su estribillo, entregan canciones dignas para un público que a buen seguro se dejará la garganta coreando sus estribillos. JC PEÑA

Echo Chamber”, nos da ya las claves de su momento actual –en el que cuenta con Dave Sitek de TV On The Radio a la producción–: bajos musculosos, voces intensas y sobre todo una búsqueda obsesiva de las fronteras de su propio universo. A caballo de lo industral, pero más directa y sin dobleces, Chelsea Wolfe ha grabado un disco que contentará a sus fieles, pero que puede significar una vía de entrada para quienes todavía no la tenían en su radar.

TONI CASTARNADO

Omar RodríguezLópez Is It The Clouds? Clouds Hill

INDIE POP / “Is It The Clouds?” es una placa minimalista teniendo en cuenta la fascinación que Omar Rodríguez-López tiene por lo barroco y el dramatismo sonoro del que para nada prescinde aquí, sino que lo aborda desde un lugar intimista. Lo grabó en 2018, tras un gran break de los estudios y de la muerte de su madre, evento que, según él, lo hizo sentir vivo, como volviendo a reconocer su mundo, recibiendo esta nueva condición como el último regalo que ella le dejó. Tiene sentido: estas músicas tienen un carácter ambiguo. Si bien ruedan los caminos del artpop con decisión, estas canciones podrían pensarse como baladas ansiosas. Hay un nervio sentimental que las hace originales y les da una lograda continuidad. Una pista más para abarcar una carrera brillante que Rodríguez López ofrece tirando de su capital emocional y de su llamativo talento para crear incesantemente música consistente. ADRIANO MAZZEO 7

URBAN / 2024 será un año terrible para el purismo lingüístico, supongo. Pero si ya escribimos, hablamos y nos reímos en tres, cuatro o cinco idiomas a la vez en la península, ¿por qué nuestra música iba a ser diferente? Y quién mejor para demostrarlo que Irma Farelo, aka Mushkaa, la obsesión de cualquier fiesta de este año. Después de dos años ganando fans con cada barra, lanza su primer álbum, “SexySensible”. Junto a su colaborador habitual, Roots, consigue retratar sus historias, con visión lésbica, que pocas veces habíamos oído en catalán, pero cada vez ganan más presencia en el urbano. Nueve cortes donde caben todas las fiestas: bailes con “habibi”, o saltando con jersey metálico en “Xarnega”, las melodías funk de “El Disfraz”, e incluso hay espacio para una gran balada pop de toques oníricos en “Entre el fum”. “SexySensible” hace sonar lo urbano fresco de nuevo y el catalán más joven que nunca. EVA SEBASTIÁN

Mushkaa SexySensible Dale Play

MAYTE MARTÍN TATUAJES

NUEVO DISCO A LA VENTA eL 8 de MARZO de 2024

GIRA DE PRESENTACIÓN

09/03 GRANADA 14/03 SEVILLA

23/03 LA CANONJA 13/04 GETXO 04/05 ZARAGOZA

23/05 BARCELONA

30/06 MÁLAGA

Nuevos Medios, S. L.

.LOS DISCOS DE MI VIDA

Ryan Guldemond (Mother Mother)

Los canadienses Mother Mother vuelven a visitarnos para presentar su material más reciente. Aprovechando la ocasión, le preguntamos a su cantante y guitarra Ryan Guldemond por los discos de su vida.

EN CONCIERTO

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Alguien me dio esta disco en cinta y lo escuché en mi primer walkman, teniendo mi primera experiencia con auriculares. Sumergirme en la música a través de unos cascos cambió el color del mundo para mí. Fue también mi primera introducción al pop clásico de los cincuenta, mi género favorito.

Descubrí este álbum cuando era un pre-adolescente, pero me hizo sentir mayor lo cual sentaba muy bien. La composición y las armonías son fantásticas. Una de las primeras canciones que aprendí a tocar con la guitarra acústica fue “My Name Is Jonas”.

Fue el disco con el que entré en mi banda favorita. Tenía diez años y solamente la portada del álbum ya me excitaba. La música me hacía sentir como quien yo quería ser, lo cual fue una sensación nueva y embriagadora.

“Rocky Raccoon” me voló la cabeza y me llevó a querer escribir canciones. Este disco también me enseñó que un conjunto de canciones sin cohesión podía plantearse de un modo que funcionase.

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El primer disco de Led Zeppelin supuso mi puerta de entrada en el sueño del rock’n’roll. Al mismo tiempo un álbum clásico con el que nació el amor por cómo unas canciones fluían dentro de las siguientes. Además un gran disco por lo que se refiere a las guitarras.

Un trabajo que ilustra maravillosamente cómo crear algo emocionalmente enorme y al mismo tiempo con poca producción. Un álbum que utiliza la tristeza como medicina y que es vocalmente inspirador, viniendo de un cantante que demostraba que estaba bien cantar susurrando. MS

VV. AA. Dirty Dancing (1987)

Elliott Smith Either Or ( 1997)

The Beatles White Album ( 1968)

Weezer Blue Album ( 1994)

Pixies Surfer Rosa (1988)

Led Zeppelin Led Zeppelin I ( 1969)

Madrid

marzo. Palacio Vistalegre

Barcelona 17 marzo. Sant Jordi Club